GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.1 Portada por / Cover by: KARIM RASHID

ENTREVISTA CON

KARIM RASHID IDENTIDAD: Héctor Esrawe / Nanimarquina / Italo Rota / Aragonés

Departamentos ALFONSO REYES 216

Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs.

2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta de Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame

Directora General Editora en Jefe Greta Arcila

Editorial

Directora de Arte Sofía Arce Coordinadoras Editoriales Tania Sánchez Arias Shelsy Dí

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iempre se planea todo en una publicación, desde qué aparecerá hasta dónde se leerá, más aún si es un proyecto nuevo; lo que nunca se sabe es cómo se redactará la editorial, menos aún cuando se tiene tanto que decir. Ojalá se pudiera escribir un libro en donde aparecieran años de ideas, desencuentros, investigación, búsqueda de las secciones adecuadas… y aún así no sabríamos cómo llegó por fin este día. Hoy Glocal Design Magazine está en nuestras manos con el ánimo de un niño: caminar y correr para alcanzar todo aquello que visualiza como único.

Hoy nos presentamos como un equipo sólido que busca hacer y ser parte del movimiento que está sucediendo en México y el mundo en donde el diseño es percibido como algo que cambia la vida del ser humano para bien. Entendemos cómo se ha transformado la manera en que se experimenta el diseño, ahora el público no busca sólo una marca, va en pos del creativo con conceptos sólidos detrás.

Este día comenzamos a escribir nuestra propia historia en la que buscamos alianzas con el fin de crear sinergia creativa. Nos presentamos ante ustedes con una identidad local pero universal, esa que pertenece al mundo de las ideas. Desde ya abrimos nuestras páginas para vestirlas con obra de propuesta y vanguardia con un firme compromiso: dar lo mejor a ustedes, nuestros lectores.

Hoy apostamos por nosotros, queremos dar con nuestro trabajo algo para construir un mejor México pues estamos convencidos que la labor de un medio es dar a conocer las ideas para que fluyan más rápido… y si logramos dar vida a una sola de éstas, nuestra tarea estará más que cumplida.

En lo personal, agradezco el apoyo del consejo editorial, sus ideas harán de éste un gran medio; al invaluable equipo de trabajo: Sofía, Tania, Shelsy, Imelda, Tony, Alfonso, Jorge, Adrián, Rocío… y mi equipo que más me ha impulsado: Pepe, Gloria, Gabriel y Armando. Sin ellos, nada de esto sería posible.

Diseñadores Adrián Barrios Jorge Leal Alvarez Traducciones Leonor Bagnod RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Extra (sección web) Antonieta Valtierra Galería Erik Castillo View Arlenne Muñoz Vilchis Vivienda Imelda Morales Directora Comercial Rocío García Colaboradores Ramón Figueroa Ariadna Soria Leonor Bagnod Marcos Betanzos CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Dolores González Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Luz María Durán Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Cuauhtemoc,México, D.F.

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Glocal Design Magazine® es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista bimensual. Número 1 diciembre-enero 2011. Editor Responsable Greta Arcila Romero. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Título de derecho de autor en trámite. Certificado de licitud de título y contenido en trámite. Impresa en Offset Santiago, Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada C.P. 11520 México D.F.

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Vivi end aA -cer UNS o, Espa Hos ñ tudi pita o, N a lida ueva dH York ote 46 Italo l Boscol 4 8 o Arag Rota, M Exedra ilán de onés Méx ico . El Enc anto Den 56 , tro Joaq u Hern ín Hom 62 s á Univ ndez d y Artur e AH o erso Gran A con Rest Cab d Mayan Spa Brio o&B d ar H os, M R éxic esort, el écto o L o r s Esra Cad w e Que na con C e e Igna 68 c rido i Café elito® io , Mé Keii xico c Com hiro Sak 72 b, Ch o Enfo ina y Honey que Entr e Kari vista ex 74 mR Ever ashi clusiva gree c d on , EU nF Iñak A ab L i Ech a b Hou ever 78 se, B ría Jam arce es & lona Man Mau 88 i Arak fiesto e con Cas 8 a n 8 a Bios wa & G Chile ins c clea ve, N Gale o 92 ría ueva n Oma York r R .

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Por Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía: firmas invitadas

Nuevo Auditorio Centro Cultural de Meudon-la-Forêt Un nuevo auditorio de 300 butacas diseñado por el despacho parisino Serero Architects, será construido en el Centro Cultural de Meudon-la-Forêt en Francia. El nuevo edificio complementa las funciones de un centro existente diseñado por F. Pouillon. El volumen sigue la traza ortogonal de la zona pero está delimitado por una fachada envolvente de concreto perforado por una serie de ventanas, y una geometría basada en el trazo de la estructura básica de la copa de un árbol, lo que permite evitar que el teatro se convierta en una caja aislada sin relación con su entorno. Todos los espacios de circulación y ensayo están bañados con luz natural, que con ayuda de celdas fotovoltaicas, calcula la intensidad de la luz artificial requerida conforme avanzan las horas del día y las estaciones del año. www.serero.com

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HL23 Es una torre de 14 niveles que se desplanta en un difícil terreno adyacente a la High Line en Manhattan en pleno distrito de arte en West Chelsea. Con una afectación por el derecho de vía de la estructura de la High Line y las necesidades especificas del desarrollador Alf Naman, el proyecto exigía una propuesta que fuera resultado de las restricciones legales y físicas del sitio, que lograra el máximo de áreas vendibles y que mantuviera una clara ambición arquitectónica. Esto se traduce en el diseño de un edificio con superficies curvas continuas que en una gran parte de su volumen flota por encima del parque lineal.

Con un departamento por nivel, las recámaras y los servicios se ubican en el volumen principal de la torre y están cerrados con una fachada escultural de cristal y metal que les otorga un mayor nivel de privacidad. Las áreas públicas en cambio están localizadas en el gran volumen volado que cuelga sobre la antigua línea férrea con vistas hacia el parque.

El edificio será inaugurado en enero de 2011. www.nmda-inc.com

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Torre Cuarteada Mass Studies, el despacho coreano dirigido por Minsuk Cho y Kisu Park desarrolló el proyecto para una torre de departamentos de 20 niveles, cuyo principal rasgo es una gran incisión que a manera de grieta atraviesa el volumen de la torre generando espacios de terrazas y alturas múltiples en todos los niveles del edificio.

Como resultado de estos desfases se crean 5 tipologías diferentes de departamentos con 18 variantes posibles lo que permite que cada departamento sea prácticamente único en su diseño y distribución. www.massstudies.com

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Antigua Penitenciaría de Lecumberri: AGN- Centro Cultural Año: 2010 La propuesta ganadora del concurso de rehabilitación de la Antigua Penitenciaria de Lecumberri, ubicado en la Ciudad de México, es un edificio ecléctico construido en 1886, y el actual Archivo General de la Nación desde 1976, fue desarrollado por at-103, por Alejandro Hernández y Hugo Sánchez (con colaboración de Stefan Rasinger, Sigi Arenz, Rodrigo Lugo y Rosa Medrano), conjugando 3 ideas básicas.

En primer lugar, convertir al cuerpo arquitectónico en espacio público; transformando las condiciones originales del edificio –una prisión panóptica en las afueras de la ciudad- que lo volvían un edificio aislado y vuelto hacia el interior aprovechando el desnivel que ha provocado el hundimiento del edificio en relación a las calles que lo rodean, se propusieron dos niveles distintos y complementarios de ocupación del sitio. Uno totalmente público llamado nivel parque por el que se puede acceder libre-

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mente a los jardines y patios de la antigua prisión, y otro, público pero controlado denominado nivel ciudad, que desde la banqueta y a través del acceso principal llega al primer piso de las crujías y mediante un nuevo edificio al centro del patio distribuye hacia las diferentes alas del archivo.

En segundo lugar se tomaron en cuenta las condiciones físicas y espaciales del edificio original y asumiéndolo como patrimonio pero sin monumentalizar su antiguo uso, consolidándolo pero sin falsearlo, Se recupera la lógica del sistema constructivo original (piedra en el nivel inferior y páneles metálicos en los niveles superiores) ubicando los espacios que requieren de mayor continuidad en los niveles superiores y manteniendo aquellos que funcionan bien en espacios reducidos en la planta baja.

Por último a un nivel programático, se buscó activar el edificio usando al máximo los elementos existentes y construyendo al mínimo, lo que redistribuye los usos según su relación con el público, complementándolos con jardines y espacios abiertos total o parcialmente públicos, de acceso controlado o restringido. www.at103.net www.glocal.mx

Filarmónica de Szczecin Durante los enfrentamientos armados de la segunda guerra mundial, la tradicional sala de conciertos de la ciudad de Szczecin fue destruida y, tras más de medio siglo de ausencia, los arquitectos Fabrizio Barozzi y Alberto Veiga de estudio EBV están en proceso de construir su reemplazo.

El nuevo edificio, que quedará concluido en 2012, completa la ruta turística y acentúa el carácter cultural del centro de la ciudad contribuyendo a su regeneración. Se trata de un icono contemporáneo que remite a la herencia histórica de la región con sus azoteas escarpadas, las divisiones verticales de los edificios residenciales, los monumentales y verticales adornos neogóticos de las iglesias, los volúmenes pesados del clasicismo así como las torres que salpican toda la ciudad y a las referencias industriales de grúas y mástiles.

El proyecto encuentra un equilibrio entre masa y verticalidad, formado por varios elementos de pequeña escala que se agrupan en una perfecta totalidad que armoniza con su entorno. Su fachada de cristal permite efectos peculiares: durante el día parece un gran objeto brillante frente al paisaje gris de la ciudad y en la noche se transforma en una espectacular catedral de luz. www.barozziveiga.com

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escaparate

Instantes de la vida robada:

variaciones en magenta, yellow, cian y black

Por Greta Arcila Imágenes: cortesía Porro

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l nuevo escaparate de Porro, línea italiana de mobiliario para casa y oficina, es un espacio en donde la iluminación es el punto más importante: vemos luces de neón en magenta, amarillo, cian y negro de manera muy vívida.

La instalación titulada “Naturaleza muerta, la vida en movimiento” surgió de la visión de Piero Lissoni en colaboración de Elisa Ossino. Su objetivo era que las últimas innovaciones y las piezas más famosas de la firma abandonaran su disfraz del día a día y, a través del uso de materiales naturales y colores neutros, cobraran un protagonismo audaz. Con esto en mente, llegaron a estas cuatro micro-arquitecturas distribuidas en los dos pisos de la sala de exposición; espacios que crean una historia y que ponen de manifiesto la nueva apuesta de Porro: el uso del color puro con plena libertad; cuatro posibilidades de vida, en la que todos pueden elegir libremente la combinación más representativa de su propio estilo de vida.

Hay que destacar que uno de los aspectos que más atraen de este proyecto es que juega con la homogeneidad y el contraste; es capaz de despertar sensaciones, recuerdos, impresiones, y cambios de gusto y de estado de ánimo. Bien por Porro.

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intervención

El foro Shakespeare se viste de

color

Por Artonieta Valtierra Fotografías: Cortesía Comex

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l espacio multifuncional, y conocido uno de los foros de teatro independiente más importantes del país, ubicado en la colonia Condesa del Distrito Federal, desde octubre pasado muestra sobre sus muros y fachada una innovadora y colorida obra artística, creación del diseñador gráfico y artista visual Jorge Cejudo, quien fue invitado por Comex para desarrollar una propuesta gráfica en el lugar.

Formas y color predominan en los tres espacios intervenidos del foro: la cafetería, las escaleras que conducen al escenario principal y la fachada. En cada área fueron plasmados magistralmente, –mediante líneas de luz, color, puntos de fuga, entre otros elementos–, las emociones que se viven en el teatro: drama, suspenso y comedia; claro está, sin dejar atrás a los protagonistas más importantes en todo momento: actores y público, quienes aparecen interpretados en maneras distintas en las tres áreas. Sin duda hay que visitar el lugar y ver la magistral manera de utilizar 28 colores de manera armónica.

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intervención

Luz, color y renovación…

La nueva cara del metro Münchner Freiheit

Ingo Maurer transforma la estación de metro “Münchner Freiheit”, uno de los más activos del sistema de transporte público de Munich.

Con su diseño, Maurer desea crear una atmósfera atemporal.

Un amarillo luminoso resalta de las grandes pistas, así como de los pilares azules, los cuales con breves acentos de iluminación intensifican su color

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Por Greta Arcila Fotografías: Cortesía Ingo Maurer

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El color y la estructura de los materiales de la superficie es esencial para la iluminación. No sólo se trata de cómo elegir las adecuadas fuentes de luz y su colocación. Para hacer realidad un concepto de iluminación en circulación, es necesario tener una influencia en la pared, el techo y los materiales de piso. Es por eso que hemos propuesto un par de cambios en el concepto de intervención elaborado por SWM / MVG architects”, comentó Ingo Maurer.

En consecuencia, el techo está cubierto con planchas de plata de alto brillo (mismo color que propuso para paredes y piso), lo que aumenta la

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altura del techo de forma óptica. El reducido número de colores y materiales asegura una vista clara y definida, característica importante para los espacios públicos como las estaciones que fácilmente se desordenan visualmente debido a los numerosos páneles informativos y publicidad. Diversas fuentes de luz se disponen irregularmente en el techo, añadiendo un aspecto dinámico a las plataformas más bien estáticas.

“Rediseñar Münchner Freiheit es a la vez un honor y un placer para mi equipo, es la estación más cercana a Kaiser- Strasse, nuestro cuartel general desde hace más de 40 años”, asevera Maurer.

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diseño + empresa

Inesperados

usos del cristal Por Greta Arcila Imágenes cortesía Swarovsky

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a empresa Suiza Swarovski, ahora dirigida por la cuarta y quinta generación de la familia, logró introducirse exitosamente al mercado de la iluminación, interior y arquitectura desde mediados del 2000 cuando comprendieron que necesitaban ir más allá de la fabricación de objetos decorativos sin una real propuesta de diseño. Por lo que miraron a su alrededor y se encontraron con los diseñadores de vanguardia… y la magia surgió.

Desde entonces han colaborado con Yves Behar, Naoto Fukusawa, Tord Boonjte, Karim Rashid, Tom Dixon, Ineke Hans, entre muchos otros. Esta estrategia logró reposicionar el nombre y la valía en términos económicos de esta organización y ahora, año con año, la gente espera las nuevas colecciones ya que la ven como una firma de avanzada.

Este año crea importantes alianzas entre diseñadores y fabricantes, con su proyecto “9x10 Swarovksky Elements at Work”. Con el taller chino de Neri & Hu y BD Barcelona Design realizaron “The Narcissist Collection”, un pequeño tocador de Madera que tiene pequeñas incrustaciones del cristal. Para Jordi Arbau, director de BD Barcelona Design, lo más representativo de este trabajo es conservar el buen trabajo hecho a mano con el diseño actual en una pieza. También con esta dupla de creativos pero con la italiana Meritalia, crearon “The Un-Wired Collection” que tiene como objetivo plasmar la solidez y lo efímero, ambas cualidades de este fino cristal.

Por su parte Gitta Gschwendtner con Quinze & Milan realizaron la colección llamada “Quarry and Soft Crystal Series”. A decir de la creativa germana uno de los retos de este trabajo fue hacer lucir imperfecto un material tan altamente tecnológico y preciso en su hechura.

A su vez invitaron a la japonesa Tomoko Azuki con La Palma para presentar “Floe Tables”; piezas a las que se les incorpora iluminación con LEDs. Para ella las mesas se convierten también en objetos lúdicos ya que al momento de tocar la superficie, la luz cambia de lugar.

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diseño + empresa

Llegaron los

OLED´s

Edge Por Greta Arcila Imágenes cortesía Philips

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ste año con su equipo Philips Lumiblade Creative Lab presentó al mercado lámparas de alto diseño de uso residencial e inclusive, artístico, que responden a la tecnología de punta. El Creative Lab, bajo el mando de Rogier van der Heide, trabajó durante más de un año con diseñadores de renombre para dar vida a estos nuevos diseños con iluminación OLED. Esto es lo que tenemos: La lámpara OLEAF se inspira en las formas orgánicas y fue hecha por el taller de Modular Lighting Instruments. Mimosa es una cautivadora obra de arte que toma su inspiración de la familia de las plantas mimosas que cambian en función de las condiciones ambientales, este fue diseño de Jason Brujas. Amanda Levete por su parte, llevó al límite la tecnología y creó Edge, que se caracteriza por su fina delgadez.

Es importante mencionar que la diferencia entre el LED y OLED radica en que los segundos están creados por semiconductores orgánicos, mientras que los LED se construyen a base de cristales de un material inorgánico. Las formas en que las moléculas se pueden combinar e interactuar en los materiales orgánicos son mucho más amplias que en los materiales inorgánicos, lo que aumenta significativamente el potencial de desarrollo de los OLED. También, éstos últimos son puntos de luz de fuentes difusas en comparación con los LED, que son fuentes de luz muy condensada y crean un muy alto nivel de brillo en una forma compacta.

La luz que emite los OLED, es suave como una nube. www.lumiblade.com

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diseño novel

Johan Lindstén Tomando elementos de las líneas puristas del diseño nórdico, Lindstén propone un trabajo fresco que por su limpieza tiene cabida en cualquier espacio Por Tania Sánchez Fotografías cortesía Johan Lindstén y Johanson Design

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ohan Lindstén es un joven diseñador sueco recién graduado de la Carl Malmsten CTD (University of Linköping), que también cursó estudios en diseño de mobiliario en Capellagården –School of Craft and Design–; diseño en madera y metal en el Grimslöv Residential College, y desarrollo de producto y diseño industrial en la Universidad de Växjö, Suecia.

Recientemente, Johanson Design; empresa sueca de presencia internacional con base en Estocolmo, le ha dado su voto de confianza acogiéndolo entre sus diseñadores, y ya produjo el que fuera su proyecto de titulación: Speed, una silla que como su nombre bien lo dice refiere al movimiento. La compañía describe a Johan como alguien especializado en las cuestiones formales del mobiliario, así como alguien capaz de influir en la creación de soluciones inteligentes a un nivel integral con inesperados detalles adicionales que llenan de expectación.

Para el creativo el diseño es una manera de influenciar su medio y para hacerlo más bello y alegre; de inspirar a la gente. Trata de traducir pensamientos, sentimientos y expresiones.

Uno de sus sueños es dedicarse por tiempo completo al diseño de mobiliario ya que como principiante aun no puede vivir enteramente de su pasión. *Johan Lindstén ha iniciado paralelamente una compañía de diseño independiente denominada Johan Lindstén Form. http://www.lindstenform.com/ info@lindsten.org http://www.johansondesign.se/

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María Beckmann, el lujo de la sencillez

Por Greta Arcila Fotografías: cortesía María Beckmann

El conocimiento de las propiedades de cada material, ha llevado a Beckmann a crear piezas de gran expresividad

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ntre las labores de un editor está la de buscar aquello que quiere brindar a su lector. Un día caminando por el CAD, encontré el trabajo de la antes estudiante de Centro de diseño, cine y televisión, y desde ese momento supe que teníamos que presentarla en Glocal Design.

Estudió arquitectura de interiores y, como todo estudiante de esa institución, tuvo la oportunidad de colaborar en proyectos como el concurso Kravet Inspired Furniture en la categoría diseño industrial textil, quedando como finalista, lo que derivó en una muestra en el showroom de esta firma en Nueva York. En el año 2006 obtuvo una beca para participar en el Vitra Workshop, en Domaine de Boisbuchet, Francia, taller impartido por Patrick Peymond… y así podríamos continuar con esta brillante diseñadora quien desde que ingresó a la universidad obtuvo una beca por su excelencia académica.

Hoy en día tiene su propio estudio con Mónica Amkie, con quien realiza proyectos como la remodelación y ampliación de la terraza y lobby del icónico Gran Hotel de la Ciudad de México, y la remodelación del showroom Arka Muebles, entre otros. A la par, continúa diseñando mobiliario con Sean Yoo para Aketo, firma que él dirige creativamente.

Lo que atrae del trabajo de Beckmann es lo mesurado de su diseño, el respeto por la esencia de los materiales que utiliza, pero más que nada porque se antoja atemporal. Sin duda abrimos espléndidamente esta sección con una mexicana que sabe la importancia de hacer empresa en el mundo del diseño. maria@amkiebeckmann.com www.amkiebeckmann.com

*Esta sección es para abrir una puerta de oportunidad a los jóvenes diseñadores en las siguientes categorías: diseño industrial, diseño gráfico, diseño de modas, fotografía, arte, arquitectura de interiores, diseño de iluminación. Favor de enviar su información a la siguiente dirección: info@glocal.mx Nuestro Consejo Editorial y el equipo de Glocal Design seleccionarán el trabajo a publicar.

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Robin

Hood Por Arlenne Muñoz Vilchis

Janty Yates ganó el Oscar a Mejor Diseño de Vestuario en 2001 por su trabajo en Gladiador

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Robin Hood Dirección: Ridley Scott País: Reino Unido, Estados Unidos Año: 2010 Género: Drama, Acción Reparto: Russell Crowe, Cate Blanchett, Kevin Durand, Matthew Macfadyen Universal Pictures

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l sencillo hecho de ver una película se convierte en una experiencia única cuando se presta atención a cada detalle que compone a la misma. Así, cintas como Casablanca (Michael Curtiz, 1942) o Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939) no serían lo mismo sin la estremecedora música, la dramática iluminación y límpida fotografía. Pero lo que las distingue y es hoy por hoy un referente indiscutible es el vestuario, de tal forma que esta labor sólo puede quedar en manos de un experto, cuyo trabajo no se limita a la creación, sino a la investigación de la época, al perfil y hasta a la psique de los personajes.

Recientemente se lanzó en DVD la cinta Robin Hood del visionario Ridley Scott (Blade Runner, 1982) y a propósito de esta novedad, la diseñadora de vestuario, Janty Yates, explicó: “Esta cinta fue un reto enorme, me enloqueció la aritmética que implicó, ya que tuve que vestir a cuatro ejércitos, ensamblar 25 mil prendas diferentes para el elenco y los extras; investigar y diseñar abrigos, insignias, escudos, túnicas y supervisar la fabricación de 300 sets de vestuario de los actores principales. Sin olvidar, claro, que Ridley exige que el vestuario ayude a crear en cada cuadro profundidad y dimensión, entonces la selección y confección de cada prenda va más allá de ‘cumplir’”.

Esta aventura se inició en Italia, donde la artista desarrolló los diseños y compró millones de metros de tela, desde pieles, hasta distintos tipos de lino y sedas. “El cineasta tiene predilección por las sedas que reflejan la luz, las usamos mayormente para los trajes de la realeza y de la nobleza. También le gusta la textura del lino y la llamada ‘seda de Matka’, mucho más gruesa, más burda. Le encantan las texturas, cualquier cosa con carácter y que parezca tener cien años, por ello hay mucho contraste en los trajes para marcar la separación entre los campesinos y los nobles”.

Ante tan titánica labor, Yates se apoyó en trajes de otra película del mismo director llamada Reino de los Cielos (2005): “Como también esa cinta se situaba en el Siglo XII, decidí buscar a la casa española a la cual vendimos el vestuario y conseguir cascos, túnicas, camisas, pantalones y otras cosas, entonces conseguí alrededor de 1,500 a 2,000 piezas, lo cual fue de gran ayuda”.

Uno de los datos interesantes es que la ganadora del Oscar visitó iglesias, museos y la Torre de Londres, a lo que menciona: “Veía las estatuas, las analizaba y comprendía la manera en que se vestían en esa época, también miré todas las películas hechas sobre este personaje con el fin de no repetir nada; en sí lo que queríamos eran personajes reales, de vestimenta de su época, sin rebuscamientos en nada”.

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Maderas

Chiave di Violino, Reichlin & Geronzi para Molteni & Collection

Hace apenas unos años se pensó que la madera, como material aplicado en el diseño, veía su fin. Tantos plásticos y polímeros parecían haber acabado con este noble material debido a su falta de maleabilidad. Sin embargo, la tecnología láser ayudó que nuevos conceptos se pudieran desarrollar. Hoy, muchos diseñadores ven a este material como el aliado ideal, más aun si en su discurso está la preocupación de la naturaleza.

Aquí una muestra de lo más actual, presentado en el Saloni, London Design Week, Maison & Objet y Design Week México.

Finn Lounge, Lorenz * Kaz para Zeitraum T.U., Philippe Nigro para Ligne Roset

Plank S,M,L, Nana Bambuch para Zeitraum

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Alfred, Loris & Livia para Coro www.glocal.mx

Limu, Sandro López para ELIT

Mesa Cortina, Sebastián Lara, Galería ADN

The English Gentelman, Philip Bone, para Fabrica

Noé, Du chaufour Lawrance

Colección Down side up, Fabrica

Colección Down side up, Fabrica

Tafel, de la colección anual de E15 DIC • ENE 2011

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Blanco y eterno

Entre tanta euforia por el color, siempre son necesarios y atemporales los objetos en tonalidades neutras. Diseños que tienen cabida en todos los espacios y que por sus formas sin pretensión alguna, pueden hacer conjunto fácilmente. Siempre, más es menos, y esa premisa seguirá por siempre en el ámbito creativo.

Karbon de Kohler, en su nueva gama de colores

Tree Ligth, de Bonaldo

Ligths, colección Riot ACT de SAM BARON para Fabrica Colección Kose, de Rosaria Rattin

Tua de MARCO ZITO, para Foscarini

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Troag, de Luca Nichetto para Foscarini

PLIE de Ludovica y Roberto Palomba, para DRIADE

Colección Covo 2010

Indoor Stones, Kati Meyer-Brühl, para Brühl

Zipfred de Viktor Matic, para Nils Holger Moormann

Polipo, de Mauricio Lara, para Galería ADN

Morning Dew, de Kati Meyer-Brühl, para Brühl DIC • ENE 2011

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mirada experta

Rodrigo Fernández,

director creativo de DIEZ tuvo la oportunidad de exponer en la segunda edición de la Maison & Objet 2010 junto con sus socias Gina Diez Barroso y Alegra Dayán. Con este motivo, lo invitamos a recorrer la feria y traer para Glocal Design su selección de lo mejor de esta feria. Aquí su propuesta.

Siempre me ha llamado la atención el proceso del vidrio soplado. Anna Torfs es una de las más reconocidas diseñadores de vidrio en el mundo y presenta en ocasión de M&O una nueva colección de fragilidad aparente y líneas cautivadoras.

El icono de corazón en su máxima expresión.

Un pabellón de puro corazón es lo que presentó la empresa italiana Creativando. Nuevos corazones, incluso uno en honor a Frida Kahlo. Este hace alusión al famoso rebus de I NY creado por Milton Glaser.

La empresa Tailandesa Deesawat dedicada a muebles de exterior, pisos y en general productos de madera presenta este banco modular con formas geométricas.

Este escritorio es interesante por su ligereza y dinamismo. Es de la empresa Gaeaforms. Este mueble tiene una repisa integrada que permite organizar tu espacio de trabajo al máximo.

La sostenibilidad es un tema importante y también lo es la falta de espacio en un hogar. Sin embargo la empresa alemana Authentics resuelve el tema de espacio y permite la convivencia con la naturaleza con estas prácticas macetas colgantes.

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Los cojines de la marca Ferm Living me cautivaron por su simpleza aparente y diseño gráfico aplicado.

Ferm Living es una empresa danesa que busca rescatar el diseño gráfico en productos industriales.

Matali Crasset reinventa la garrafa de aceite de oliva con este interesante objeto creado en vidrio soplado de color verde haciendo alusión a una aceituna. Este producto forma parte de una serie de objetos de vidrio de edición limitado presentados en Gandy Gallery.

El fieltro es de mis materiales favoritos. Tienen que visitar esta empresa para entender las capacidades de este material. Esta bolsa es solo un ejemplo de los muchos productos con que cuenta Hey Sign.

Boca do Lobo presenta el mueble Palatino, un pequeño gabinete de curiosidades con formas muy clásicas en la tendencia retro. Su alto brillo lo vuelve un objeto protagónico como toda la colección atrevida y ecléctica de esta firma portuguesa.

Los objetos fuera de escala me apasionan, este no es la excepción. Este botón gigante funciona como humidificador y florero.

Una nueva idea de la empresa Creativando.

Presenté estas mesas con lámpara en Maison & Objet al tiempo de exponer con DIEZ. Es un proyecto que une mis dos pasiones: el mobiliario y la luz creando una fusión irónica con forma de jirafa.

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¿Un ventilador sin aspas? Ahora es posible gracias a la firma Dyson quien ha logrado a través de una tecnología única crear el primer ventilador sin aspas. Su capacidad de multiplicar el aire del ambiente lo convierte un objeto seguro y deja atrás los peligrosos ventiladores tradicionales.

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diseño

Rony Plesl,

La maravilla del Vidrio La fortaleza y fragilidad que cada pieza de Plesl proyecta, hace de su trabajo algo enigmático

Por Tania Sánchez Arias Imágenes cortesía Rony Plesl y Sans Souci

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ony Plesl es un hombre sencillo. Parece difícil de imaginar que a sus 44 años cuente con una destacada trayectoria en el ámbito del diseño industrial, y por ende, gran fama a cuestas.

Nacido en Jablonec, un pequeño pueblo situado al norte de la República checa, fue aparentemente lo más natural que hallara inspiración en sus alrededores ya que hablamos de un entorno que tiene siglos de historia y tradición en lo que al trabajo del vidrio se refiere.

“El vidrio es un material maravilloso, y si te inicias como diseñador trabajando en él, nunca podrás mudarte a otro material, porque el vidrio es extraordinario” Para Plesl es excitante trabajar con algo que tiene resultados tan concretos, como el acto de poner sobre la mesa tu propio producto y decir simplemente: “¡Esto soy yo!”

Vaso de whiskey Uran Twist.

Vidrio soplado.

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“Un buen diseño debe ser como una escultura. Debe ser interesante para todos los espectadores y debe ser atemporal” Rony Piesl

“Yo no soy un diseñador típico. Trabajo con artesanos tradicionales pero trato de ser creativo de una forma contemporánea. Mi diseño es más una expresión de mis emociones que una simulación por computadora. Creo mis propias colecciones para mantener la originalidad en mi diseño así como para preservar mi trabajo al mundo de la industria en un futuro. Creo esculturas libres que son a su vez mi fuente principal de inspiración para diseñar”.

Mirando hacia atrás en la historia, el corte del cristal checo tiene una gran tradición en forma y fondo. En el Barroco, este material sobrepasó al cristal de Murano en calidad y reconocimiento: “Y fuimos lo suficientemente hábiles para cortar el vidrio y así emular a los cristales naturales” subraya el diseñador.

Para las personas que trabajan con este material “precioso” es un honor formar parte de algún taller de renombre, y en particular lo que nuestro entrevistado subraya es: “La manera que en que el vidrio checo soporta los cortes; nos enorgullecemos de nuestra gran tecnología y la materia prima con la que trabajamos”.

Para Plesl las empresas checas han marcado la diferencia en el trabajo automatizado del vidrio: “Porque aquí hemos hecho progresos importantes. La automatización del trabajo en vidrio se ha vuelto superior con el tiempo y remplaza la lenta fabricación manual; en la República Checa se abrirá una fábrica donde el corte del vidrio la harán robots y el vidrio será soplado y modelado automáticamente”.

Plesl define su trabajo como un minimalismo complejo… “Estoy trabajando con formas que aparentan cierta simplicidad, pero en sí es de diseño intrincado. Hablando de la complejidad de un diseño en sí, no es diferente hacer una pieza artística de un vaso, entre más sencilla sea la forma y más industrial sea, es más difícil poner emociones en el trabajo”.

Copas de cristal Tulip.

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Entre las mayores contribuciones hechas por los fabricantes checos está la fundición del vidrio azul cobalto de la familia Shurer, al norte de Bohemia en el siglo XVI; el “descubrimiento” del cristal checo en la fabrica Muller en la región de Šumava, así como la invención del vidriado y del vidrio “Hyalite” por el señor B. Egermann en la primera mitad del s. XIX.

Los objetos de vidrio de mayor antigüedad, encontrados en territorio checo son muy probablemente de origen celta y se remontan al s.

III a. e. c. .

En la Edad Media la producción de vidrio conoció un florecimiento y un auge nunca visto. Su forma de fundición se convirtió en un secreto pasado celosamente del padre al hijo mayor.

Vaso modelo Uovo Termit.

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Vaso modelo Uovo Plexus.

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Los momentos de mayor renombre del vidrio checo fueron a inicios del s. XVIII, periodo en que los lugareños se convirtieron en los más importantes importadores de cristal en el mundo, llegando a mantener filiales en Asia y América. El vidrio barroco checo se definió por la perfección y la maestría de su grabado. Un siglo después, gracias a los experimentos de mezcla de colores de B. Egermann, recobró su auge.

Arte objeto.

Vaso modelo Quadra Pura Cut.

SANS SOUCI es una compañía checa con mas de cien años de historia en el procesamiento de vidrio. Utilizan técnicas artesanales, altas tecnologías y nuevos planteamientos para la creación de productos vítreos que se distribuyen por todo el mundo. La empresa se maneja a través de tres líneas de productos: iluminación, mosaicos de vidrio y ediciones limitadas de accesorios para interiores.

A decir de Martin Chab, Director de Sans Souci, Plesl es una persona muy talentosa y trabajadora, “Yo conozco su trabajo desde la época en que colaboraba con Barovier & Tosso. Me gusta su estilo y su visión. Su pasión por ser el mejor y su manera de sobresalir con nuevas y extraordinarias ideas y conceptos”.

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Entre fibras y textiles…

Por Ariadna Soria Fotografías: cortesía Nani Marquina

Nani Marquina, la empresaria y diseñadora amante de su trabajo y apasionada de la naturaleza

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spaña es sin duda uno de los países más prolíficos en diseño de vanguardia, por este motivo existe la Asociación de Empresas de Diseño Español RED-AEDE, institución actualmente presidida por Nani Maquina, quien en meses pasados estuvo en México con motivo de la exposición que se presentó en Museo Franz Mayer titulada “Selección Española de Diseño en México”; gracias a esto compartió ideas con nosotros… y comenzó hablando con pasión: “Para mí el diseño tiene que ser muy emocional, tiene que transmitir, con este concepto intentamos diseñar nosotros”.

Quien no esté familiarizado con su nombre, deberá saber que el diseño textil ibérico contemporáneo en el rubro de los tapetes, no puede explicarse sin ella. Entre los aspectos más distintivos de su obra podemos mencionar la inclusión de nuevas texturas, el manejo de tres dimensiones y la creación de movimiento en la concepción de un objeto estático por definición. Pero lo que más la ha distinguido es la incansable búsqueda en pos del desglose de técnicas remotas, lo que la ha llevado a lugares como la India, Camerún o el Estado de Oaxaca.

También, Nani Marquina establece nexos de colaboración con distintos diseñadores, a lo que comentó: “En algunos casos nos hacen sus propuestas aportando ideas y conceptos propios que el equipo de diseño analiza, y si encajan con la filosofía de la empresa, los editamos. En otros casos, cuando tenemos una idea muy específica, buscamos el diseñador más idóneo para que desarrolle el concepto”.

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En la conversación le preguntamos qué es aquello que genera tendencias… “Lo que veo es que hay más interés en cómo están hechas las cosas. Para mí, todo lo que respira hecho con las manos, recuperando tradición, o hecho de una manera local, con las técnicas y a la vez con los materiales de origen; eso, tiene un valor en alza. ¿Se habla de muchas tendencias, no? Igual te estoy hablando de la tendencia de lo artesano, de lo hecho a mano… Y sí, también habrá una tendencia muy tecnológica en la que los objetos van a tener muchísima investigación y van a servir para muchas cosas. Pero la idea es que los productos deben de tener durabilidad, sostenibilidad, tener sentido”, y eso sin duda tiene su obra.

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textiles

Tradición

de vanguardia Por Shelsy Di Fotografías: cortesía Rococo

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a historia del surgimiento de Rococo es curiosa y fresca, al igual que sus diseños. Eduardo Dubost y Agustín Oteguí se reencontraron en una boda, cuando ambos acababan de regresar de estudiar en Nueva York y Londres respectivamente, y mientras platicaban de sus experiencias surgió la idea de intervenir un sillón antiguo que uno de ellos tenía. A partir de ese momento ROCOCO emprendió su camino para convertirse, como lo describen sus creadores: “Un laboratorio que está vivo y que se alimenta de los artistas que colaboran con él”.

Hasta ahora sus productos más reconocidos han sido sillones. Tres líneas en las que sillones antiguos del siglo XVIII y XIX, a través de restauración, renovación y rediseño, se transforman en Rococo Autor. En ésta, cada pieza es intervenida por diferentes artistas mexicanos con el fin de dar a conocer su trabajo y dar una propuesta de valor. Por su parte,

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Retomar el pasado, recrearlo y trasformarlo en un objeto que además de su originalidad tenga historia. Con esta idea surge Rococo, joven firma que busca reinventar el diseño textil en México.

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Rococo Lab es un lugar de experimentación en donde los creativos se inspiran en imágenes de México y el mundo para hacer textiles únicos.

Rococo Casa, ofrece telas con combinaciones eclécticas de diferentes telas importadas de gran calidad.

Sin embargo, estas tres líneas fueron sólo el comienzo del catalogo, que comenzó con sillón para convertirse en un espacio de diseño, con la aparición de Rococo Textiles, línea 100 % mexicana, desde su creación hasta su fabricación, que en cada uno de sus diseños refleja y resalta a México: la cultura prehispánica, los iconos populares, los juguetes tradicionales; telas que ilustran el folclor y riqueza cultural de nuestro país.

Además, en su camino a convertirse en una plataforma completa, se ha unido Rococo Decor, que con la misma línea de trabajo, interviene lámparas, tapices, espejos, marcos y platos; una línea pensada para aquellos que gozan del placer de ir haciendo casa con los años, donde cada objeto es único.

Rococo es una firma que más allá de buscar o seguir una tendencia, ofrece originalidad y calidad y, sobre todo, busca fomentar el trabajo artesanal de tapiceros, ebanistas y artistas, y de ésta manera, enviar al mundo un trabajo que por si mismo proyecte que, en mundo del diseño textil, el talento joven está hecho en México. www. rococo.mx

“ En los planes de Rococo está expandirse al mundo (para) poder crear piezas únicas en diferentes “laboratorios” con artistas y artesanos locales”

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showroom

El edificio blanco. Fachada de la nueva sede.

Moooi & Senso en Portobello Un nuevo showroom inaugurado en el marco del London Design Festival.

Por Tania Sánchez Arias Fotografías: cortesía de Moooi & Senso

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delantándose a la apertura de la semana inglesa del diseño mejor conocida como el London Design Festival, la firma Moooi, en asociación con Senso, inauguró una nueva sede y su primer showroom permanente en Londres en los muelles de Portobello.

Ubicado en un hermoso inmueble de fachada blanca, estucada, de finales del siglo XIX, conocido como “el edificio blanco”, Moooi comparte con Senso el espacio, en perfecta mancuerna que les permite a ambos exhibir

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sus nuevos diseños, exaltados por la presencia mutua.

Moooi, creada en el 2001 por el diseñador Marcel Wanders y Casper Vissers, se ha beneficiado de la visión conjunta, del talento y diseño atrevido del primero. Y Senso, nace a su vez como una innovadora compañía holandesa con presencia en el campo de los pisos decorativos fabricados en resina, cuya mayor cualidad es la ausencia de “costuras” visibles gracias a una tecnología creada a base de biopolímeros. www.glocal.mx

En primer plano un juego de las esferas “Raimond”.

Diseñadas por Raimond Puts en asociación con OX-ID.

Casper Vissers, actual Director Ejecutivo de Moooi nos comenta acerca de la alianza entre SENSO y MOOOI: “Los objetos de Moooi requieren de un piso encantador en el que estar y los pisos de Senso lucen más hermosos en un escenario inspirador. ¡La asociación perfecta!”

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Vista del corredor principal ornado con las lámparas “Paper chandelier”de Studio Job.

Mesa y sillas “5 o’clock” de Nika Zupanc iluminadas por “dear ingo” de Ron Gilad.

El nuevo centro de exhibiciones alberga los icónicos diseños de la firma, en coexistencia con los nuevos productos lanzados durante el Salón del Mueble 2010 en Milán. Incluyendo diseños como la silla “Monster “ de Wanders; el conjunto “5 O’Clock” compuesto por mesa y sillas de Nika Zupanc, así como la lámpara “Emperador” de los diseñadores chinos Neri & Hu; presentados en el Reino Unido por vez primera.

El espacio montado por Moooi, ha sido adaptado haciendo uso de los muros como una sucesión de lienzos, cubiertos por blancos plafones de los que penden candelabros como el blanquísimo “Paper Chandelier” de Studio Job; la multiarticulada “Dear Ingo” de Ron Gilad o las esferas “Raimond” y “Random Light”, de Raimond Puts en colaboración con OX-ID y Bertjan Pot respectivamente. Aunado a esto, SENSO aprovecha la ocasión para presentar de manera internacional su nueva línea “Impressions”, diseñada enteramente por Wanders “al estilo de sus nuevos clásicos”, con una geometría de ilusiones tridimensionales, que a decir de él, se convierte en una experiencia de textura; por lo que cada espacio

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Un rincón presidido por las sillas “Monster” de Wanders y la lámpara “Emperor” de Neri & Hu.

se complementa, integrándose como una sola unidad de diseño. La nota de color, recae siempre en alguna de las piezas exhibidas, marcando acentos e interactuando entre las distintas texturas. De esta manera cada habitación va descubriendo ante los ojos del visitante ya sea rincones exaltados por una única pieza, o trayectos casi museísticos con sorpresas visuales y conjuntos lúdicos de una casi soterrada insolencia.

La “Pig Table” y la “Horse lamp” de Front, se unen en este espacio junto con los taburetes “corks”de Jasper Morrison y las lámparas “Tree” de Moooi.

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dónde

Galería Mexicana de Diseño,

20 años de promover y descubrir talentos ¿Qué sería de un país sin sus creativos haciendo equipo?

La GMD se lo preguntó hace dos décadas y hoy tiene mucho por celebrar: poner una base sólida a la historia del diseño en México

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Por Greta Arcila Fotografías: cortesía GMD

S

i un lugar en México puede jactarse de haber tenido bajo su techo lo mejor del diseño hecho en nuestro país, es la Galería Mexicana de Diseño. Pero no sólo se trata de tener un espacio, de lo que hablamos aquí es de la labor de una vida, de ver, de investigar, de ser crítico y exigente con cada pieza que se exhibe en sus aparadores; hablamos de la trayectoria de Carmen Cordera, diseñadora gráfica egresada de la Universidad Iberoamericana, amante del diseño, de difundir, producir y comercializar lo más destacado del diseño industrial y gráfico.

Este 2010 es más que una fecha, Cordero mira atrás y ve una veintena de años de arduo trabajo traducidos en números: 380 diseñadores, arquitectos y artistas mexicanos, 221 diseñadores del resto del mundo, 14 países, 85 marcas y 107 exposiciones. ¿Y cómo festejar 20 años de existencia en este polifacético mundo creativo? Invitando a muchos de los diseñadores que nacieron, fueron descubiertos o han expuesto en este espacio de divulgación a ser parte de la exposición y colección GMD 20, la cual crea, reinventa y expone lo más destacado y representativo del diseño mexicano. En la lista figuran los nombres de: Orfeo Quagliata, Mónica Calderón, Ariel Rojo, Ezequiel Farca, Ricardo Salas, Carolina Bracho, Emiliano Godoy, Eos, Cecilia León de la Barra, Héctor Esrawe, www.glocal.mx

Oscar Núñez, Jorge Cejudo, Bernardo Gómez Pimienta y muchos más, al tiempo de reunir 20 jóvenes talentos como: Domicilio Desconocido 123, La Metropolitana, Muux, Le Porc-Shop, Tsimáni, Studio Roca, Ariane Dutzi, Carlos Torre Hütt, Gloria Cortina, etcétera.

Para el GMD 20 también se presentará el libro 20/20 (visión perfecta) hecho por editorial Arquine que en sus líneas tendrá la historia en imágenes del trascurrir de estos primeros 20 años, así como ensayos de Bruno Newman, Manuel Álvarez, Graciela De la Torre, Gabriela Rodríguez, Ana Elena Mallet, Emiliano González Lozada, y Emiliano Godoy.

Sin duda lo que Carmen, también directora de Drafft, más debe de festejar es que gracias a la Galería Mexicana de Diseño existe un antes y un después en la historia del diseño de mobiliario en México, titánica labor que sólo con mirada visionaria se pudo lograr. Felicidades hoy y siempre.

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vivienda

De pureza

volumĂŠtrica

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“Buscamos la arquitectura dentro de las inagotables fuentes del mundo del arte y de la escultura, creando esculturas con una escala dotadas de vida y funcionalidad en su interior” bajo este concepto nace Concrete House “pieza” que hoy presentamos

Por Imelda Morales Fotografía: Cortesía A-cero

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-cero abrió sus puertas al mundo de la arquitectura y del urbanismo en 1996.

Con los españoles Joaquín Torres y Rafael Llamazares a la cabeza de este despacho, la firma ha desarrollado, en más de una década de trabajo, más de ochenta proyectos destinados a vivienda, oficinas y desarrollos comerciales en distintas partes de España, Marruecos y Suiza, así como algunos Master Plan en República Dominicana, Brasil y Cuba; además de resultar ganadores, en 2007, del Primer Premio en el Concurso Internacional de Ideas “Nébula” en Dubai, Emiratos Árabes Unidos; para realizar una urbanización residencial de 600,000 m2.

Para A-cero forma y función es un binomio fundamental en la realización de sus trabajos; sin duda una cosa va ligada con la otra de manera inseparable, ya que “un objeto se organiza espacialmente” a partir de una idea origen “y se le va dando forma, para posibilitar su uso”.

Así, cada nuevo objeto de diseño responde perfectamente a las necesidades del proyecto y al espacio en sí.

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“Los materiales y los detalles se desarrollan simultáneamente a nuestra capacidad de imaginar, proyectar y persuadir. En este proceso la arquitectura aparece sola” Joaquín Torres

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Entre la gran diversidad de proyectos que ha realizado este despacho desde su fundación, Concrete House destaca por la pureza de los volúmenes que la conforman, por la riqueza espacial de cada uno de los rincones que integran esta inmensa residencia y por el dinamismo de la relación física y visual entre los espacios interiores con el exterior.

Emplazada en Somosaguas, uno de los municipios más extensos y ricos de la región madrileña, esta excepcional vivienda unifamiliar de 1500 m2 de construcción se alza de manera armónica en el paisaje que la contiene. Como siempre, A-cero trata de utilizar los materiales con un sentido claro y novedoso y en este caso el concreto aparente en los muros y las maderas obscuras en los pisos de cada salón o habitación son sólo algunos de los elementos que dan como resultado un producto final estético y elegante. www.glocal.mx

Sin duda, en esta casa cada detalle está perfectamente estudiado; cada muro, detalle y rincón reflejan el cuidado y estudiado trabajo que hay detrás. Asimismo, se percibe una decoración acogedora de tonos claros, además de que el exterior se ve incorporado a la construcción a través de diversos patios interiores, creando espacios luminosos y alegres para vivir el día a día.

En el exterior destacan la gran pérgola que antecede a la terraza (con un comedor de verano y una zona chill out) y la piscina desbordante de 45 m2 construida en la misma piedra de granito gris abujardado.

En el mundo de la arquitectura internacional, sin duda, A-cero se presenta con un estilo muy propio: una arquitectura moderna, innovadora, limpia y funcional con un diseño inspirado en el arte y la escultura.

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Taller: A-cero Arquitectos fundadores: Joaquín Torres y Rafael Llamazares Localidad: España www.a-cero.com

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vivienda interiores

Viviendo con libros y Arte:

un loft en Nueva York

El diseño de UNStudio para un loft existente en Greenwich Village en Manhattan explora la interaccion entre una galería y un espacio para vivir Por Alfonso Maldonado Fotografías: cortesía UNStudio

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l coleccionista y el arquitecto se conocieron hace varios años cuando UNStudio estaba involucrado en la renovación y expansión del Wadsworth Atheneum. Ese proyecto nunca se realizó, pero poco después el coleccionista habló de su intención de tener una casa diseñada por su nuevo amigo, el arquitecto. Con el paso de los años ambos visitaron constantemente posibles terrenos para la nueva casa en los suburbios de Hartford.

Después, en una llamada telefónica a Ámsterdam a inicios de la primavera de 2007 el coleccionista anuncio que había comprado un loft en Manhattan. El arquitecto finalmente recibió su comisión: no para una casa sino para un hogar para el coleccionista y su arte y libros.

El diseño para el loft en Manhattan media entre una galería de arte y una residencia. El área existente se caracterizaba por tener proporciones desafiantes: el espacio es largo y ancho pero también de baja altura. Así, se decidió por muros de suaves y sinuosas formas para dividir espacialmente. Esto crea zonas de proporciones confortables para el uso doméstico al tiempo de generar una gran superficie de muros para la exhibición de arte.

En este espacio híbrido las áreas de exhibición se fusionan con las de vivienda; un flotante muro se mezcla con los entrepaños de la biblioteca en un lado y vitrinas de exhibición en el otro. El cliente como coleccionista buscaba un espacio en el que pudiera vivir confortablemente mientras interactuaba con múltiples pinturas, objetos y libros que había adquirido a lo largo de los años.

Mientras los muros generan un calmo y controlado fondo para las obras de arte, el plafón es mucho mas articulado en su expresión de estas transiciones. Al intercalar luces y opacidades el techo crea campos ambientales y condiciones locales de iluminación formando un elemento organizacional en las áreas de exhibición y vivienda.

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La ilumicaci贸n consta de 18,000 focos led.

Esta extensa membrana de luz sirve para diferentes prop贸sitos: balancea las proporciones del loft al crear una ilusi贸n de altura, funciona como una divisi贸n espacial no obstrusiva, y puede ser programada para iluminar el espacio con varias intensidades.

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El tercer elemento que el arquitecto añadió a esta mezcla es la apreciación de la ciudad expresada mediante el enmarcado de vistas.

Las ventanas originales de la fachada sur fueron reemplazadas por cristales de piso a techo que enmarcan y extienden las atractivas vistas sobre un balcón de cristal hacia el sur de Manhattan.

Como elemento final, tablones de abeto recubren todo el piso del loft. Este sutil piso monocromático unifica el espacio y permite que el mobiliario y el arte se ubiquen como elementos flotantes en intercambiables constelaciones.

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hospitalidad Falta nombre seccion

Por Greta Arcila y Tania Sรกnchez

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la obra más reciente del lúdico por excelencia: Italo Rota Concebir algo diferente fue la idea primaria que llevó a Angelo y a Roberto Boscolo a acercarse al arquitecto Italo Rota para realizarle una pregunta: ¿Ha diseñado alguna vez un hotel? –No. Fue la respuesta. –Entonces, usted es la persona correcta para nosotros.

Por Tania Sanchez y Greta Arcila Fotografía: Cortesía Italo Rota

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i todo se redujera en números en el proyecto, los del Boscolo Exedra Hotel ubicado en la ciudad de Milán serían los siguientes: 154 habitaciones, 1 hall de acceso, 3 restaurantes, 1 spa, 4 centros de reunión, 15 mil metros cuadrados, 150 millones de euros, 1 año de construcción; sin embargo, con un creativo como el milanés Italo Rota las maneras de contar cambian. Hay que pensar en la cantidad de ideas volcadas en un sólo proyecto para acaso deslumbrar de qué se trata esta obra.

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Continuemos entonces con las ideas. Para el taller era importante realizar un proyecto que mostrara la clara influencia colorística del arquitecto-diseñador-poeta-editor-escritor y fundador de la mítica revista Domus Gio Ponti, quien con su trabajo regresara el esplendor del lujo en el detalle, tan característico de Italia y más aún, de su ciudad más cosmopolita. Otro de los motivos de referencia para evocar la historia de Milán, fue el arlequín, ícono de su teatralidad, del humor, de la extravagancia y elegancia insertas en un mismo

ropaje, lo más atractivo de tomar esta referencia es que el arlequín es un personaje con gran recepción en diversas culturas. En sí lo que se perseguía con este ambicioso proyecto era que el hotel hablara de lo que significa Milán para el mundo y lo que Milán es para sí mismo, no querían ofrecer un hotel con las características de una gran cadena ya que necesitaban subrayar las particularidades de su cultura pero que por la validez de su propuesta fuera un área neurálgica para el arte, diseño y empresa (y lo lograron).

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“Los proyectos arquitectónicos deben volverse lugares que identifiquen la ciudad” Italo Rota

Con estas piezas se contaban para armar un rompecabezas que hoy denota exuberancia, exceso controlado y atrevidos movimientos sinuosos, que llevan por un recorrido al mundo del diseño industrial de vanguardia ya que hay objetos de autor por todos los rincones del hotel. Cada espacio es una sorpresa sensorial y del concepto en sí mismo, y también este es un detalle del que querían hacer alarde al momento del diseño: se pensó en un hotel con espacios abiertos, en respuesta a la intensa actividad de las calles de Milán, con el único fin de que cualquier persona pudiera recorrer el lugar, llevarse ideas e imágenes imborrables.

Por el lado del huésped el trato es personalizado, desde el momento en que se llega, un piso de mármol blanco de Carrara conduce por un espacio transitorio pues la figura formal de un escritorio de recepción no existe: ha recaído sobre alguien del personal que fungirá como guía. También es importante mencionar el factor sorpresa: saber qué habitación se le asignará a uno pues no hay dos iguales. Toda esta historia se vive en un edificio de la segunda década del siglo pasado. Un antiguo banco que fuera rescatado y rehabilitado.

Para Italo Rota el hotel es un espacio donde las culturas llegan y se reúnen. Es el lugar que desea exhibir lo mejor de la cultura italiana, a través de la gastronomía, la elección de las firmas de mobiliario o de ciertas piezas de fábricación italiana; constituyéndose en escaparate internacional desde el cual, en ciertos puntos, aun puede admirarse Il Duomo; no hay que dejar de mencionar que las escuelas artes y oficios que ayudaron a levantar ése icono de Milán, también ayudaron a levantar el Boscolo Exedra, claro está, sus generaciones más recientes.

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Detrás de las sombras Para mí un hotel es una casa. Inicia Miguel Ángel Aragonés su respuesta a una entrevista sobre su reciente proyecto, el hotel El Encanto. Y esta frase es también el punto de partida de una concepción y por tanto; concepto gestor de cada movimiento…

Por Ariadna Soria Fotografías: Paul Czitrom y Nicola Lorusso

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ituado en Acapulco, emplazado en trece mil metros cuadrados de un terreno que se remonta en altura hacia el mar, el hotel desliza una dinámica volumetría de líneas rectas que trepa hasta situarse en la altura justa necesaria para gozar de toda vista. En el entorno de una ciudad percibida por el arquitecto como un sitio de contrastes, donde a decir suyo, no deja uno de “sentir cierto desorden urbano infiltrado en una especie de edén de geografía única y tinte paradisiaco” encontramos un espacio para el espíritu.

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Para Aragonés, abordar un proyecto inserto en colindancia con una reserva ecológica, requiere hallar el modo de hacer gala de la mayor capacidad y humildad frente al entorno: “Traté de que el edificio se observara a lo lejos como un bloque sólido y consistente envuelto por la naturaleza que lo circunda; una especie de fortaleza que se despliega hacia el mar; se cierra hacia su costado urbano y se abre hacia el horizonte.”

El proyecto se compone de dos sólidos cerrados hacia ‘la espalda’. Con fachadas total-

Taller: Miguel Ángel Aragonés Arquitecto fundador: Miguel Ángel Aragonés www.aragones.com.mx

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mente abiertas hacia el mar que alojan cuarenta y cuatro habitaciones, veinte de ellas con alberca propia. Incluyendo espacios como biblioteca, cine, restaurante, bar, gimnasio y spa, El Encanto es un lugar que a través de sus elementos busca dar serenidad.

Tras casi diez años de desarrollo y diversas transformaciones, que lo vuelven textualmente el proyecto más difícil de su vida profesional, nada aparenta ser producto del azar. El arquitecto dirige su obra pareciendo dirigir minuciosamente cada mirada al interior, en una planificación estricta y minuciosa; como un director de cámaras desarrollando las primeras tomas de su propia película.

“Dicen que el mejor aperitivo es el hambre y el mayor afrodisiaco la abstinencia. Bajo ese principio, quise esconder el

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“Es el primer edificio publico que hago en mi vida… Creo que lo definiría como: Una casa para todos donde el dueño es el mar…”

mar y generar pulsión lo más que pude para hacer la llegada del huesped algo único; el hotel te esconde el mar y le da la espalda. Cuando entras, sólo después de un largo recorrido aparece su magestuosidad justo en el lobby principal. La vista es abierta en un espacio totalmente abierto y el mar se vuelve parte fundamental de la arquitectura; el agua, el verde y el cielo son los principales materiales del sitio.”

Aragonés confiesa haber trazado los primeros bocetos del proyecto influenciado por la geometría de la obra del pintor Carlos Mérida, y es en los recorridos del espacio tridimensional donde reconoce las mayores virtudes. Y más allá de esto, volviendo la mirada a la naturaleza, le rinde reverencia simbólica a través de esos árboles que flotando ilusoriamente sobre el agua simbolizan la primacía del entorno ante el fugaz paso de la existencia humana.

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dentro

Spa Brio,

The Grand Mayan Resort, Los Cabos

Un espacio que se conecta con los sentidos Por Leonor Bagnod Fotografías cortesía AH Interiores

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l spa del siglo XXI es un templo de lo sublime, diseñado cuidadosamente para satisfacer a todos los sentidos: amplios espacios, meticulosa iluminación, mezcla de aromas y elementos decorativos que inspiran a portar una túnica y entablar una meditación monástica mientras se espera por un masaje. Pero lograr la tranquilidad interior no es suficiente, el exterior debe ser el reflejo del estado de relajación.

A medida que los spas se vuelven más sofisticados las expectativas de su diseño continuan aumentando y es ahí donde los expertos del diseño convierten un espacio en una experiencia.

Los arquitectos Arturo Hernández y Joaquín Homs, de la firma AHA Universo, con base en Guadalajara, Jalisco, son la fuerza creadora detrás del Spa Brío, parte de The Grand Mayan Resort, Los Cabos. Un espacio basado en el concepto de las haciendas mexicanas, entendiendo a México como el mestizaje entre Europa, América y Asia que se dio con el intercambio de mercancías en la época colonial. Diseño por el que se

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hicieron acreedores a la medalla de oro en la IV Bienal Internacional del Consejo Iberoamericano de Diseñadores de Interiores (CIDI) y de la Sociedad Mexicana de Interioristas (SMI)en el 2008.

El manejo de la luz y el uso de símbolos son elementos clave en la ambientación de este espacio, por lo que se utilizaron esculturas del Dios del Maíz en posición contemplativa en el pasillo de acceso, mismo que nos lleva al primer espacio: un filtro semi-oscuro en el que una instalación de veladoras flotantes sobre un espejo de agua de Ingo Maurer y una secuencia de

Los vestidores de hombres y mujeres, ambos con terraza privada y área de jacuzzi, son el ingreso al alma del spa y tienen como punto de encuentro una terraza donde se instaló un temazcal y se realizan terapias alternativas.

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Con la intención de adentrar al huésped en un estado relajado, el primer espacio es un filtro semi-oscuro que dirige a los sentidos a la reflexión.

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cuatro peceras que crean un contraste impactante con fondos azules y peces blancos, dirigen los sentidos a la reflexión y la introspección.

A partir de la recepción se tiene acceso a las tres áreas principales: el gimnasio, la estética y el spa. El ingreso a ese último se hace a través de los vestidores en donde el piso va cambiando de mármol café oscuro a lajas irregulares para terminar en duela de granadillo, conchas y caracoles triturados al arribar al alma del spa donde se encuentran las salas de tratamientos y masajes, así como un temazcal y una terraza privada para otras terapias. En este espacio el juego de texturas y materiales crean una atmósfera única donde celosías de madera con diseños lineales y retículas intrincadas se mezclan con recubrimientos de pasto japonés, herrerías con cristales azules y espejos patinados acompañan al usuario en el recorrido hacia las cabinas que se encuentran alrededor de un patio central con un estanque donde suaves telas de color naranja y beige complementan y dan privacidad al interior de las cabinas.

El diseño de este spa en definitiva nos recuerda que un interior que da señales de tranquilidad no es suficiente; el exterior debe ser el indicador del estado en el que se encuentra la mente en su interior. www.glocal.mx

Como base, el color hueso de las paredes y color crudo de la piedra se mezclan en armonía con el nogal medio de las maderas y los mármoles en blanco y marrón, complementándose con textiles en tonos turquesa, naranja y blanco que suavizan esta combinación.

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os de las plazas con más afluencia en la Ciudad de México como lo son Parque Duraznos y Parque Delta, ahora comparten un concepto único de diseño: Cielito® Querido Café, materializado por los diseñadores Héctor Esrawe e Ignacio Cadena. El espacio de este café guarda en sí reminiscencias de las tiendas de raya

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y de ultramarinos del finales del siglo XIX y principios del XX, cuando el magnífico grafismo nacido de la tradición novohispana y francesa tomaba la alegría y folclor de nuestra tierra y se convertía en algo único.

El conjunto tipográfico, el simbolismo y los refranes que vemos en algunos de los muros,

contrastan con los juegos geométricos de los pisos que de inmediato nos recuerdan a los mosaicos usados en las tiendas de antaño, pero que a su vez encontramos en algunas calles del viejo París, así como en la contrastante central de abastos de la Ciudad de México. Así de opuestas las referencias, pero nada más real que la vida www.glocal.mx

Esrawe y Cadena crean un concepto que apuesta por una identidad local y atemporal Por Greta Arcila Fotografías: Jaime Navarro

diaria de cada cultura, que cuando los creativos saben leer, interpretar y llevar a la contemporaneidad, esos signos se tornan en ideas atemporales como lo es ahora Cielito® Querido Café.

Esrawe, gran promotor del diseño hecho en México y conocido por ser uno de los pioneros en el mobiliario de firma en nuestro país, hace con DIC • ENE 2011

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el apoyo de su estudio, muebles que se divierten con telas estampadas con una interesante gama cromática , que a su vez respetan la nobleza de la madera, misma que encontramos en gamas más obscuras en pisos y estantería.

Por su parte Ignacio Cadena, director de Cadena + Asociados, realiza un branding de gran

identidad que se deslinda de las grandes cadenas y que aporta estéticamente el valor de un café boutique, y esto va desde el acomodo de los productos hasta en el diseño de la paquetería del café.

Sin duda Esrawe y Cadena formaron para este proyecto un gran dueto del que los más beneficiados son los usuarios del espacio.

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Branding aplicado en “páneles de abeja” Por Tania Sánchez Arias con investigación de Greta Arcila

Keiichiro Sako, Takeshi Ishizaka y Keigo Miyaichi, especialistas en diseño de espacios comerciales, se basan en elementos de la naturaleza para generar ambientes orgánicos

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olocar al visitante irrumpiendo en un entramado inesperado, como parte de la escenografía de una trama desconocida y ajena, pareciera la meta del creativo en esta obra, espacio en donde mediante un inevitable juego metafórico el ser humano es situado en un paraje remitente a sus entornos inmediatos.

La sorpresa. La exploración de sensaciones abordadas al interior de espacios secuenciales, ilusoriamente orgánicos, limitados por paneles ondulantes de grandes dimensiones, perforados con horadaciones bulbosas que se constituyen en una secuencia ilimitada y continua de vanos, desplegados a lo largo de cada superficie; planteando un constante juego del adentro y afuera en un espacio propuesto además como una vitrina suspendida hacia el exterior.

Pero ¿qué es este espacio? La propuesta de interiorismo fue elaborada para albergar el restaurante Honeycomb en la ciudad china de Shenzhen, y fue realizado por la firma japonesa SAKO Architects, que une el trabajo de Keiichiro Sako, director del despacho, y de Takeshi Ishizaka y Keigo Miyaichi. Sako, fundador de la firma, es originario de Fukuoka, Japón, graduado del Instituto Tecnológico de Tokio donde continuó sus estudios para obtener el grado de Maestro en 1996. De 1994 al 2008 la firma ha obtenido diversos reconocimientos como el JCD Design Award (Japan) por cinco años consecutivos, en distintas categorías, además de una Medalla de oro en el “Asian Apartment Award 2006” y el Interior Design Award 2007 de China, por uno de sus espacios comerciales.

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El proyecto de Honeycomb es parte un branding que desea dar al visitante no sólo un restaurante sino la experiencia del diseño hasta en la manera en que el chef vsite el plato. El proyecto –de 1300 metros cuadrados de construcciónestá ubicado al interior de una importante plaza comercial y fue pensado para clientela joven y pequeños grupos, por lo que el diseño intenta proveerles de áreas de mayor intimidad a través de estos grandes cilindros blancos horadados, insertos en esta enorme caja negra que los sos-

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tiene y les sirve de marco de contraste, frente al inmenso cancel que propicia la función de mirador. El doble nivel, duplica las áreas de privacía generando el aprovechamiento de cada estructura, en interiores salientes que miran al vacío y al horizonte protegidos siempre por la armadura de su celosía blanca. Cabe destacar en donde el diseño lumínico corrió por parte de Masahide Kakudate Lighting Architect & Associates, uno de los más destacados en su país en materia de iluminación.

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enfoque

Karim Rashid Si un personaje en el ámbito del diseño despierta críticas encontradas es Karim Rashid.

Miles de palabras se han escrito sobre su propuesta de trabajo, muchas para bien, otras no tanto. Lo que nadie puede objetar es que sus conceptos han cambiado paradigmas en la manera en cómo se vive el diseño de esta época. Amante de lo desconocido y apasionado en todo momento, Rashid hoy es sinónimo de vanguardia en pensamiento.

Hoy nos regala una entrevista con motivo de nuestra primera edición…

Por Greta Arcila Retratos: Rene Cervantes en exclusiva para Glocal Design Fotografía obra: cortesía Karim Rashid y Leo Torri para DuPont™ Corian®

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La tecnología ha cambiado la manera en que los diseñadores trabajan, ¿cómo imaginas será el diseño en 10 años con estas nuevas herramientas?

El futuro tiene posibilidades infinitas. La vida se trata de crear, ya sea intelectualmente (evolucionando la raza humana) o primordialmente procreando. La creación es inseparable de la evolución humana, ya que se convierte en progreso. Las nuevas herramientas de la era digital nos han dado posibilidades democráticas e infinitas y finalmente a dado poder a todo el mundo de crear, fortaleciendo el individualismo y la liber-

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tad intelectual. Cada huella digital es diferente; cada niño nace e inmediatamente crea originalidad y expresión personal. Tristemente la sociedad colectiva ha oprimido la creatividad por siglos, pero finalmente estamos entendiendo que si todos somos creativos mientras envejecemos podemos ser alentados a ser proactivos.

Podríamos estar viviendo en un mundo humano mucho más poético y hermoso, y un día todos nosotros podremos dejar nuestra marca, nuestra “huella digital creativa” en el siempre vasto y cambiante mundo. Este es sólo el comienzo de nuestra liberación para expresar nuestro indivi-

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dualismo. Me encanta la era de libertad de información vía digital. No hay límites ni fronteras.

Cultura, lugar, raza, religión, credo, color no nos diferenciarán. La única diferenciación está entre la individualidad de cada uno de nosotros.

Nosotros creamos nuestro mundo, ¿En qué mundo vives tu?

Veo el mundo como si yo viniera de otro planeta, observando, percibiendo, acercándome, contribuyendo. He aprendido que el mundo es un vasto y complejo fárrago de belleza y la idea de un estilo internacional es una idea anticuada o utopía modernista. El mundo tiene capas y capas de estilos que suceden al mismo tiempo, sin embargo, sucede que no son regiones sino híbridos de culturas, razas, credos y valores.

Mi sueño es vivir en otro planeta, tener 4 esposas, volar, hablar 10 idiomas, tener un microchip en mi ojo para estar siempre conectado y telecomunicado, diseñar nueva comida modificada, una súper fruta, diseñar y hacer películas, tener a todos mis grandes amigos y amantes viviendo conmigo bajo un increíble techo, diseñar un gran edificio, no ver fronteras, pasaportes, violencia, armas, guerras…

En una ocasión me contaste que fuiste educado en la creencia de cuidar DIC • ENE 2011

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la naturaleza es algo que debemos cuidar, ¿Cuál es tu opinión acerca de la sostenibilidad?

Me preocupa conservar los recursos y la ecología de nuestro planeta. El reciclaje es realmente un paradigma cíclico en Estados Unidos y muchos países. Pero conservar los recursos significa utilizar menos materiales crudos y energía, mediante toda la vida de un producto -desde su desarrollo y fabricación, hasta su uso, reuso y deshecho. El material puede conservar más recursos durante el ciclo de vida de un objeto debido a las increíbles propiedades integrales de los plásticos, como lo son su ligereza, durabilidad y maleabilidad comparado con otros materiales. Mientras tanto la verdadera respuesta a la utilización del plástico es que debemos usar menos, pero de mayor calidad, y el objetivo del diseño es hacer lo mejor.

En la excrecencia de productos y el sistema de objetos, la posibilidad de consumir en exceso; de adicción y satisfacción inmediata por consumo es peligrosa. Nos rodeamos en la vida de efigies, objetos y productos con el fin de encontrar significado en nuestra existencia y crear un sentimiento de memoria, de presencia y de pertenencia. Pero también consumimos para ocupar el tiempo y llenar una extraña necesidad de recompensa y ego. Siem-

Materiales, productos y soluciones de DuPont que aparecen en el “Smart-ologic Corian ® Living”: 1. Superficie DuPont ™ Corian ® que incorpora componentes de origen biológico ambientalmente sostenibles así como material reciclado.

2. Versiones seleccionadas de los colores de la gama actual de DuPont ™ Corian ®, incluyendo los nuevos del 2010: Eco-concreto y la serie de Eco-terrazo con contenido reciclado.

3. Superficie de cuarzo DuPont ™ Zodiaq ® que integra componentes de origen biológico ambientalmente sostenibles.

4. DuPont ™ Energain ® páneles y tecnología para la reducción del consumo de energía.

5. Construcción de módulos fotovoltaicos DuPont™.

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La boutique insignia en Orchard Central abre nuevos caminos en su audacia y visión. Desde que uno entra se transporta a un espacio futurista: detalles orgánicos exaltados con color oro, negro y plata. El objetivo de este proyecto era trasportar al visitante al mundo de la joyería y la exuberancia de los materiales con los que se hace: oro, plata y piedras preciosas.

“Creo que la tienda que he diseñado es como ninguna en el mundo. De acuerdo con mi filosofía, ha tratado de romper las convenciones y las expectativas tradicionales de lo que un almacén de joyería debe ser. Al igual que las piezas de joyería más fina, la boutique es abundante pero exquisita… audaz. El espacio también es totalmente funcional y democrático en su presentación. Se trata de un proyecto del que estoy muy orgulloso”

pre tendremos objetos en nuestro mundo y yo no estoy apelando a consumir o tener “cosas”, sino a ser híper consciente de nuestros objetos, amarlos y disfrutarlos. Ellos denotan nuestro tiempo, lugar y la relación que tenemos con el mundo que nos rodea y con los demás.

Hablando de sostenibilidad, La Smartologic Corian Living te dió la oportunidad de desarrollar un concepto completo de la vida moderna, ¿Cuál fue tu mayor objetivo al hacer este proyecto?

La exhibición ¨Smart-ologic Corian Living” me

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dio la oportunidad de desarrollar una casa modular holística - una casa que puede ser producida con mínimos páneles cóncavos y convexos y herramientas sencillas-. Siempre he estado interesado en esta noción de una casa modular, que sea un hogar eficiente que pueda ser levantada de manera simple y rápida, que pueda ser accesible y democrática, y personalizada con poca consecuencia y gran efecto. Siempre he creído que la arquitectura finalmente responde a un sistema de componentes, pero lo que en realidad necesitamos son elementos industriales que sean más libres y flexibles en su configuración para no terminar en un mundo cuadriculado. Mi preocupación era crear estos páneles con el menor desperdicio posible y que el desperdicio fuera reutilizado. ¿Podrías decirnos más acerca de tus teorías desingtopia, infosthetik, technorganic y pleasuretonic?

La era digital tiene un nuevo lenguaje, una lengua que me refiero como “Infosthetik”; la estética de la información. La premisa es utilizar nuevas herramientas para crear trabajo gráfico complejo 2D que tenga percepción de 3D, el www.glocal.mx

movimiento del diseño gráfico y su aplicación, son únicamente posibles mediante el uso de nuevas tecnologías y software. El nuevo movimiento tecnográfico está creando un paisaje que es hipertextual, hipergráfico, hipertrófico y energético. ¨Orgonomics¨ es mi término para donde el animismo de lo orgánico se encuentra con la tecnología, donde lo humano se encuentra con lo biomórfico, donde la interfase se encuentra con lo material. De cualquier manera, el término que envuelve la tan extendida filosofía de mi trabajo es Minimalismo Sensual -la que fuera mi primera palabra para el diseño cuando se me pidió que definiera mi trabajo hace 12 años-, una respuesta a la esterilidad del minimalismo. Desde entonces mis filosofías y teorías van del pleasuretroniks, al blobject, al blojectism, del essensualism al designokrasy, kasualism, techorganiks, infosthetiks, digitalia, orgonomiks. LA FORMA SIGUE AL SUJETO y viviendo en el presente.

Como ciudadano del mundo, haz sido influenciado por muchos trabajos y muchos detalles, pero tu lugar de nacimiento es Egipto y ahora vives en Nueva York; ¿Qué es lo que Egipto te dice cuando lo visitas y qué significa Nueva York para tí?

Nueva York es verdaderamente un crisol global; su diversidad, complejidad, globalidad y pluralismo es realmente inspirador. Yo siempre me he sentido global, no un neoyorquino, no un egipcio, no un americano, no un canadiense, no un inglés, sino parte del mundo y Nueva York es uno de los pocos lugares donde la integración y un espíritu global es omnipresente.

Estoy tan ocupado que nunca tengo tiempo de verdaderamente disfrutar la ciudad, pero hay una energía que recibo por ósmosis, independientemente de si salgo en Nueva York o no. La energía, la fluidez, la pasión de la vida está en todas partes. Los museos y el arte son las partes visualmente más inspiradoras de la ciudad de Nueva York, como las galerías de arte del oeste de Chelsea, el MOMA, el Met, el Whitney, el Guggenheim y el museo Noguchi, que es un verdadero paraíso de esculturas orgánicas. Cada idioma diferente que se escucha constantemente en cada parte de la ciudad y la gran multitud de epicentros culturales como la pequeña Korea, el barrio chino, el distrito hindú, el distrito ruso, los barrios italianos, las áreas como Harlem, el Bronx y los suburbios circundantes como Staten Island, White Plains, etcétera. Es el centro del mundo por lo que todo el mundo viene aquí, es perfecto para encon-

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“Los objetos pueden tener una relación fenomenal con nuestra vida diaria y con nosotros, al mismo tiempo, los objetos pueden ser obstáculos perpetuos en nuestra vida, complicándola y creando estrés”

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“Siempre he creído que la arquitectura finalmente responde a un sistema de componentes, pero lo que en realidad necesitamos son elementos industriales que sean más libres y flexibles en su configuración para no terminar en un mundo cuadriculado”

trarse con todos, de cualquier negocio, de cualquier parte del mundo. ¡Un verdadero epicentro! ¿Qué ideas han cambiado la percepción de tu trabajo y de tu vida?

Es una poderosa idea darse cuenta que los seres humanos tocan un promedio de 300 objetos al día. Eso quiere decir, que si miras alrededor del mundo en el que vivimos, estamos condenados a tener una relación con estos objetos inanimados: nuestra silla favorita, nuestra pieza favorita de joyería, etcétera. Y eso de alguna manera es algo bello. Es bello para un diseñador, de hecho, poder diseñar cosas con las que las personas tienen ese tipo de relación o asociación. Ese es un gran

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reto para el diseño: hacer algo que además de ser accesible para todos los consumidores, toque la vida de la gente y les otorgue un sentimiento de experiencia elevada o placer, y eso siempre ha influenciado mi vida y mi carrera en el diseño.

Uno de los aspectos más importantes de tu trabajo es la manera en la que utilizas los colores ¿Cómo llegaste al mundo del color?

El mundo se está volviendo más despabilado –tanto visualmente como en información– y los consumidores están interesados en ser estimulados por sus ambientes físicos. Hoy en día, si uno decide comprar en tiendas (en vez de en línea), la experiencia debe ser seductora e inspiradora. La tienda vende moda www.glocal.mx

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Silk Road es una visión elaborada del mercado de especias del Mediterráneo cuando se encuentra con la opulencia del comercio íntimo de la ruta comercial. La intención de este espacio era crear la atmósfera de una casa de reunión comercial: pequeñas cabinas de la sala invitan a una cena íntima. Durante el día, la luz natural ilumina los colores vibrantes y vivos de la sala, acentuando su muestra de especies, mientras que en la noche, la luz de velas y candelabros sutiles étnicos fomentan un ambiente íntimo y vivaz.

y productos de estilo de vida para un público entre 16 y 25 años así que seleccioné colores llamativos como verde lima, anaranjado, rosa, azul bebé para crear este ambiente energético. El color es vida, es una manera de lidiar y tocar nuestras emociones, nuestra psique y nuestro ser espiritual. El color es uno de los fenómenos más bellos de nuestra existencia. Algunos colores son fuertes, otros son suaves, pero lo que es importante es el matiz, la saturación o el tinte especifico de cada color y cómo trabajan en conjunto. ¿Cómo Karim desarrolla un concepto después de saber las necesidades del cliente?

Sueño, observo, pienso, investigo y boceto arduamente. Necesito asegurarme de que podemos lograr un matrimonio entre mi marca, visión e ideas y la cultura de su compañía.

Generalmente las compañías con las que trabajo, o se acercan a mí, comparten conmigo una filosofía muy similar y es cuando el trabajo resulta verdaderamente bien. Después de 25 años de diseñar, sé en el minuto cuando me encuentro con un cliente potencial y si podemos trabajar juntos o no. Si es lo segundo, rechazo el trabajo.

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¿Quiénes son los artistas (pintores, arquitectos, fotógrafos, etcétera) con los que te gustaría trabajar y por qué? (aún si ya no están en el mundo) Son muchos por mencionar. Creo que muchas piezas de diseño fueron inspiradas tecnológicamente como las sillas curvas de Summers y Alto; los experimentos orgánicos de Luigi Colani, Frederik Keisler, Sarranin, Niemeyer, y Noguchi; el frugal y eficiente diseño de Eames, Nelson, Neils Diffrient; el diseñador ecológico Victor Papanek, el elocuente estilo de Lowey, el reduccionismo de Braun y Dieter Rams, los experimentos radicales de los italianos de los sesentas como Bellini, Mendini, Super Studio, Gaetano Pesce, Columbo, Andrea Branzi; el socialismo tecnológico de Buckminister Fuller, y podría continuar y continuar. Incluso las poéticas modernas de Venturi, Charles Jenks, y nuestro nuevo blobulismo con Greg Lynn, Herzog & Meuron, Ross Lovegrove y Future Systems. Pintores como Rosenquist, Wesselman, Warhol, Peter Hailey, Albert Oelen y otros, o escultores como Gabo, Maholu, Nagy, Brancusi, Arp y Noguchi. Directores de cine como David Lynch, Mike Figgis. He sido inspirado a través de los años por muchos artistas y AMARÍA www.glocal.mx

tener un trabajo de cada uno de estos artistas en mi loft: Noguchi, Munari, Mollino, Sottsass, Keisler, Kuramara, Fuller, ...artistas contemporáneos como Dutchman, Gober, Charles Ray, Koons, Peter Hailey, Noriko Mori, Dan Graham, Robert Irwin, Mayijima, Pipilotti, Rist, Chapman Brothers, Donald Judd, Turrell, ... Y filósofos como Paul Virilio, Jean Baudrillard, Bachlard, Lyotard, Jaques Derrida y Tufen Orel. Músicos como Kraftwerk, Moby, Luomo, Tiesto, Dirk Diggler, Miles Davis, Phil Manzanera, Roxy Music, David Bowie, Elton John, Chicago, The Cure, Passport, Deodato, Camel, Brian Eno, Pink Floyd, Giorgio Moroder...

Hablando acerca de ti, como persona y de tus gustos personales ¿Cuándo te interesaste en la música y por qué?

Además del diseño siempre he amado la música, coleccionar música. Así que por los últimos 30 años he sido dj alrededor del mundo en eventos para Hugo, Guggenheim, Salone etcétera.

Espero grabar nueva música y posiblemente colaborar con Giorgio Moroder. La música me

“El color puede ser utilizado bien o pobremente, pero nadie debe tener miedo al color; es una euforia espiritual y fenomenológica”

permite concentrarme, estar inspirado, soñar, imaginar y estar completamente absorto en lo que estoy trabajando. Es una parte esencial de mi ser.

Finalmente, ¿Cuál es la contribución que quieres darle al mundo con tu trabajo?

Quiero que las cosas que nos rodeen sean inteligentes, bellas, poéticas, útiles, sexys, iluminadas, inspiradoras, contemporáneas, coloridas, energéticas, fulgentes, poderosas, de desempeño y accesibles para todo el mundo. Creo que todo lo que hacemos en este mundo debe de ser diseñado de una manera inteligente, bella y holística; el significado es experimental y ecológico. Pero a todo le inyecto un poco de espíritu humano y humor pues lo ilumina de su severidad con algo que llamamos VIDA. DIC • ENE 2011

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evergreen Por Shelsy Díaz Fotografías: Adrian Goula

Más que una casa, un organismo Presentado este año en la feria más importante en Europa de vivienda sostenible, Fab Lab House, logra ser el espacio en donde convergen culturas, tecnologías e idearios de lo que es “green” 88

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a sustentabilidad y las tecnologías ecológicas se están adueñando del mundo del diseño en la medida que más y más proyectos se desarrollan con estos conceptos. Un gran ejemplo de ello es la Fab Lab House, proyecto ganador del Solar Decathlon Europe 2010.

Producida por el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña en colaboración con la Red Mundial de Fab Labs y The Center for Bits and Atoms del Massachusetts Institute of Technology (MIT), la Fab Lab House en Madrid, genera tres veces la energía que consume a través de su sistema fotovoltáico; produce alimentos en su huerto de permacultura y de frutales; y permite fabricar objetos de uso cotidiano en su pequeño laboratorio, que está conectado a la red mundial de FabLabs por medio de videoconferencia.

Con la intención de superar la idea de que una casa solar es una casa tradicional con paneles solares en la cubierta y mucha tecnología en su interior, FabLab House nos muestra que si en el siglo XX se proponía que la “forma sigue a la función”, en el siglo XXI “la forma sigue a la energía” y la vivienda ya no es una máquina, sino un organismo que habitar.

“La casa funciona como un árbol”, afirma Vicente Gullart, director del equipo catalán.

La cubierta se compone de páneles solares flexibles, los más eficientes del mundo, desarrollados por TFM Energía Solar con placas de Sun Power. Cada parte del edificio es diferente entre sí como lo son las partes de un árbol. Sus hojas captan la energía solar, la envían a sus raíces donde la almacena, para después distribuirla por la casa dando el fruto de la

Tres ideas básicas inspiraron el diseño de Fab Lab House: el apoyo a un modelo distinto de industrialización, la apuesta por una definición más extensa de eficiencia tecnológica y la lógica de la inteligencia distribuida.

Por ser la madera un material noble y ligero, se escogió como material ya que se trata de una casa natural y sostenible que se adapta y no compite con la naturaleza.

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Su diseño exterior y su altura permite tener un espacio natural debajo de la casa y así poder tener una huerta o simplemente un lugar para compartir con amigos.

electricidad. Además, esta innovadora residencia utiliza los recursos de su entorno - sol, agua y viento- creando un microclima que mejora sus condiciones internas. La climatización del interior está reforzada con aislamientos naturales y depende tanto de un sistema de calefacción con suelo radiante, como de un sistema de ventilación cruzado y cuenta con un sistema que permite evaluar en tiempo real y detalladamente su comportamiento y su interacción con el entorno, creando registros cronológicos.

El modelo fue diseñado para ser habitado por una familia de cuatro personas y cuenta con un espacio de 70 m2 habitables. Las medidas exteriores son de 5.4 metros de altura por 12 metros de largo, con 9 metros de profundidad. Para su construcción se utilizaron máquinas de fabricación digital de última generación y fue creada a partir de 26 m3 de piezas de madera de pino blanco, cortadas digitalmente con láser.

Con un diseño libre, la FabLab House puede construirse en cualquier lugar del mundo con materiales locales. Su forma se adapta a su entorno y se fabrica a partir de sistemas de industrialización avanzados que permiten que cada vivienda sea a medida de sus usuarios, convirtiéndose en una vivienda que al utilizar los recursos tecnológicos y culturales de nuestro tiempo se proyecta al futuro como parte de la historia de la arquitectura y de la evolución de la civilización humana. www.fablabhouse.com

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Para completar la decoración de este proyecto tan innovador, se contó con el apoyo de empresas como Vinçon, Santa & Cole o Roca.

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La firma Nanimarquina colaborรณ en el interior con diferentes productos como las alfombras Little Field of Flowers y Flying Carpet, ademรกs de sillas, sofรกs, mesas y otros complementos.

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evergreen Por Shelsy Díaz Fotografías cortesía: Infiniski

Infiniski,

Más que simple reciclaje Por Shelsy Di Fotografía: Cortesía James & Mau

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l diseño arquitectónico de casa infiniski está a cargo del estudio español James & Mau, conformado por el arquitecto español Jaime Gaztelu y el arquitecto colombiano Mauricio Galeano, quienes realizan proyectos personalizados a partir de módulos modificables y ampliables. Se trata de un diseño que pareciera inspirarse en las piezas de Lego, al tiempo de utilizar materiales reciclados y no contaminantes en un 80% de la construcción: acero inoxidable reciclado, contenedores de barco, rieles de tren,

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aislante de celulosa reciclado y maderas nobles recuperadas, entre otros.

Casa Manifiesto Infiniski, ubicada en Curacaví, Chile, se basa en una arquitectura bioclimática que adapta la forma y posición de la casa a sus necesidades energéticas. Su sistema modular consta de tres contenedores marítimos reutilizados: uno de ellos se divide en dos partes y sirve como soporte estructural de los otros dos contenedores de la primer planta creando un pórtico que regala una superficie extra, así con www.glocal.mx

“Dicen que el hambre agudiza el ingenio y de ahí nuestra inspiración”, así define Infiniski el motivo por el cual se estableció como una firma de diseño a bajo costo.

Hoy vemos Casa Manifiesto, que como nombre lo dice, es todo un ensayo sobre la vivienda amigable con la vida misma sólo tres cuerpos (90m2) se consiguen 160m2 reduciendo el uso de material. Esta forma de puente responde a un diseño bioclimático en el que la forma sigue a la energía.

Además Casa Manifiesto cuenta con una cualidad única, la casa “se viste y se desviste” mediante una piel solar transventilada tanto en la fachada como en el techo. En verano se viste para protegerse del sol creando un efecto de refrigeración natural; en invierno se desviste para permitir la entrada de los rayos solares sobre el contenedor o sobre los ventanales, generando calefacción natural. En la fachada se utilizaron dos tipos de piel, una a base de láminas de madera horizontales fijas y otra de pallets

James & Mau utilizan materiales reciclados y no contaminantes en un 80% de la construcción: acero inoxidable reciclado, contenedores de barco, rieles de tren, aislante de celulosa reciclado y maderas nobles recuperadas, entre otros.

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Los ventanales frontales hacen de paredes que se pueden recorrer, obteniendo ventilaci贸n natural; tambi茅n cuenta con una cortina corrediza que provoca un porche exterior o da sombra al interior cuando se dobla.

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móviles que se pueden abrir de manera individual para controlar la radiación solar. La piel del techo es una malla ligera que se pone y se quita según la estación del año y sirve como un acabado estético que hace que la casa se integre a su entorno.

El diseño interior de Casa Manifiesto es un área abierta y ventilada, debido al amplio espacio creado en la planta baja por la colocación de los contenedores. Los ventanales frontales hacen de paredes que se pueden recorrer, obteniendo ventilación natural; también cuenta con una cortina corrediza que provoca un porche exterior o da sombra al interior cuando se dobla. El interiorismo estuvo a cargo del estudio chileno Comodo.

Tanto en el exterior como en el interior se utilizaron 85% de materiales reciclados, reutilizados y ecológicos: celulosa y corcho reciclados para aislamiento; aluminio, hierro y madera reciclados; maderas nobles provenientes de bosques sostenibles, así como azulejos “eco-label” y pinturas ecológicas. Casa Manifiesto logra ser en un 70% autosuficiente, demostrando que el buen diseño, la funcionalidad y la vida sostenible pueden ir de la mano. Sin embargo, cuando se le pregunta a los creadores de Infiniski el motivo por el cual realizan este tipo de proyectos ellos responden: “No es por el cambio climático. Es porque nunca hemos sido capaces de dejar restos de comida en el plato”.

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Infiniski incorpora tecnologías de energías renovables y alternativas: paneles térmicos solares, energía geotérmica, molinos y vidrios Termopanel, que ahorran hasta un 75 % del gasto de climatización.

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evergreen Por Leonor Bagnod Fotografías cortesía: Arakawa + Gins

Arakawa + Gins,

arquitectura y diseño para desafiar a la muerte De sus proyectos como el “Reversible Destiny Hotel”, sus creadores los denominan como “aceleradores evolutivos”, ya que si aceleramos la evolución, llegaríamos al punto en el que aceptaríamos que la vida no termina…

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a mayoría de las personas, cuando buscan una casa, buscan confort: una atmósfera serena, tersas paredes y espacios ordenados con una distribución lógica que los ayude a relajarse. Sin embargo, para Shusaku Arakawa y su compañera creativa Medeline Gins éstos son disparates,”Las personas, particularmente las personas mayores, no deben relajarse y sentarse, eso los ayuda a declinar. La gente debe vivir en un ambiente que estimule sus sentidos y tonifique su vida”, y bajo esta filosofía han creado el concepto de “Arquitectura para Desafiar a la Muerte”.

Cuando Arakawa conoció a Madeline Gins, le explicó que el caso de Hellen Keller era la manera ideal para crear arte, ya que sin importar su condición que le impedía ver y escuchar, estaba mucho más conciente de su entorno que una persona con todas sus facultades en buena condición. Y de esa manera leen la arquitectura: un “cuerpo arquitectónico” que si es concebido como tal, nos ayuda a mantener en equilibrio el medio ambiente y nuestro cuerpo.

Con este principio la “Biosclave House” toma su nombre de la manera en la que el cuerpo se integra y se abre camino dentro de su entorno.

Una casa donde el elemento peculiar de su diseño es el piso de concreto que se levanta y cae como si se tratara de las olas del mar, a lo que Arakawa asegura: “el perder el equilibrio y usar tu cuerpo de manera inesperada, ayuda a estimular el sistema inmunológico”; además del piso, cada elemento fue concebido para cambiar y desafiar nuestra percepción: múltiples niveles que inducen la sensación de estar en dos espacios al mismo tiempo, ventanas a diferentes alturas, una cocina sumergida en el centro de la casa, interruptores y tomas de corriente colocados en ángulos poco usuales.

De la misma manera que la “Biosclave House”, todos los proyectos de Arakawa y Gins se basan en lograr un “destino reversible”, en el que el diseño más allá de sólo crear una atmósfera, busca generar un estado mental y físico que mejore la calidad de vida, la actividad intelectual y, por ende, nos haga más concientes de mantener el equilibrio con nuestro entorno, ya que para ellos la sostenibilidad empieza por el individuo. Si el ser humano no se encuentra en constante actividad pierde contacto con su entorno y por tanto lo descuida.

Para lograrlo en sus construcciones respetan la ondulación original del terreno y se adaptan a este, los materiales que utilizan para las paredes incluyen metal, plástico reciclado y policarbonato transparente que permite entrar la luz y mantener la temperatura interior. Los pisos son fabricados con una técnica tradicional Japonesa, utilizando tierra del mismo terreno mezclándola con un poco de cemento, además los módulos de sus construcciones son preensamblados, lo que hace que no sean permanentes y de esta manera no causen un impacto en el suelo, asemejándose a un juego modular infantil.

Un gran ejemplo de ello es la experiencia de los habitantes de los “Reversible Destiny Lofts en Mitaka, Japón. El edificio consta de nueve departamentos que contienen muchas de las características de la “Biosclave House”, una cocina hundida, un piso errático y una puerta de vidrio que es tan pequeña que hay que salir gateando. Cada loft viene con un instructivo y vivir en él supone una transformación física y un mejoramiento del espíritu. Además por ser preensamblados pueden ser exportados a cualquier parte del mundo.

Tal vez los proyectos de Shusaku Arakawa y Madeleine Gins puedan parecer una locura. Tal vez sólo sean una obra de arte en la que su habitante se convierte en el elemento más importante. Aún cuando así fuera, su página Web nos recuerda que alguna vez pareció imposible que el ser humano pudiera volar y el diseño resolvió ese problema diseñando un avión. www.reversibledestiny.org

Bioscleave House.

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EL COLOR PARA ARAKAWA +GINS El ojo humano puede captar aproximadamente 17000 diferentes colores, es por eso que Arakawa y Gins utilizan el color como un medio que estimula los sentidos y altera la percepción del espacio. “El color pone en alerta nuestros sentidos y modifica nuestros estados de animo, haciéndonos percibir la vida de manera distinta y de esta manera mantener el espíritu lúdico de un niño.” asegura Madeleine Gins.

Sus diseños involucran múltiples colores que van saltando de una habitación a otra en una oposición casi desorientadora. Tanto en el interior como en el exterior encontramos colores con nombres como “paleta roda”, “rojo triciclo”, “amarillo autobús” y “verde semáforo”, colores que mantienen despiertos los sentidos, la imaginación y nos recuerdan a los juguetes y juegos de infancia manteniéndonos más jóvenes.

Arakawa + Gins.

Reversible Destiny Lofts.

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forma y función que toma vida

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galería

El discurso descentralizado de Omar Rodríguez-Graham A propósito de la obra de un joven pintor mexicano.

Por Erik Castillo Fotografías: cortesía Omar Rodríguez-Graham

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esde hace dos décadas, más o menos, existe un acuerdo entre historiadores, críticos y curadores en el sentido de que se debe de hablar de arte en México y no sólo de arte mexicano, pues esto permite entender con mayor pluralidad toda la producción cultural que fluye (y ha fluido) en un espacio geopolítico determinado sin importar si los artistas son oriundos del país o creadores foráneos que residen en él. En el origen de este consenso hay un reconocimiento de que la historia cultural del México independiente, desde el siglo XIX hasta nuestros días, está configurada por aportaciones en diálogo con el extranjero, tanto en un sentido de influencia externa postcolonial como en términos de definición afirmativa de lo propio: los artistas mexicanos y extranjeros han contribuido lo mismo a la recepción pasiva

Sebastian Sentado Óleo sobre tela de algodón cocidos 200 x 180 cm 2009

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de idearios de otras culturas, que a la construcción del nacionalismo y a la apertura consciente hacia lo internacional.

Por otro lado, la era llamada postvanguardista representa en México –desde los años sesenta y sobre todo en los noventa– un periodo que ha pretendido desmarcarse de la obsesión por la versión cerrada de la identidad, buscando ubicar la producción artística e intelectual en red con lo que sucede en las escenas europeas, estadounidense, africanas y asiáticas. El mundo contemporáneo es una plataforma de procedencias, flujos e intercambios que manifiesta la condición de mapas en movimiento aleatorio y, en ese sentido, los artistas articulan sus discursos poniendo en acción contenidos de imagen y premisas estéticas diversificadas.

El trabajo pictórico del mexicano-estadounidense Omar Rodríguez-Graham (1978) pertenece a la zona de los artistas que despuntan con DIC • ENE 2011

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propuestas relevantes en la presente década.

En su manera de enfrentar la historia reciente del arte de la pintura de cara a una concepción propia, este pintor ha tomado la elección de sostener un concepto a medio camino entre lo moderno y lo postmoderno. De ahí que le interese el valor formal o puro de la pintura, tan celebrado en la modernidad, al tiempo que hace un uso instrumental –muy contemporáneo- de imágenes tomadas del entorno mediático, de la historia del arte o de protocolos visuales documentales. El referente de donde Rodríguez-Graham saca el material para las escenas que pinta nunca es mitográfico, legendario o susceptible de interpretación en términos de relato descifrado; tampoco está armado bajo un orden narrativo simbólico, alegórico o encriptado: es pintura que rinde culto a la disciplina en estado casi autónomo, como saber cuyo valor literal está separado de lo literario o de lo que puede existir en otro lenguaje

And White Become Absolute Óleo sobre tela de algodón 250 x 300 cm 2009

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más allá del de la gramaticalidad y sintaxis de la forma pintada.

En los cuadros de Omar hay un tributo a la belleza que reside en el poder de la superficie matérica, a la energía proyectada por el campo configurado que resulta de los empastes consistentes de óleo, de los pasajes de fluido que dejan las herramientas para pintar, del ritmo coordinado de los continentes de color, en fin, del diseño de diagramas formales complejos y sintéticos que operan en la imagen. Sin embargo, Rodríguez-Graham no es un pintor de abstracciones, más bien su pintura posee un carácter abstracto, funcional dentro de un enfoque referencial en el que la parte anecdótica de la figuración ha sido neutralizada. El imaginario es reconocible a lo largo de la trayectoria del artista: escenas de la nota roja, reses desolladas, retratos de personas, caballos.

Esto es lo que otorga a su discurso un aspecto polémico y poderoso: los temas aparentemente están ahí, sugiriendo contenido, y

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son fuertes o significativos porque remiten a la mente del espectador a la muerte y la ruina.

Pero la última serie que ha pintado RodríguezGraham sólo utiliza la imagen reiterada de la figura de un caballo de pie, con ello el pintor encontró un pretexto visual que no generaba el tipo de ambigüedad semántica que sí propiciaban los temas anteriores. Me parece que con este último set el discurso del artista encontró una primera consumación de peso, pues el sistema pictórico por el que ha apostado presenta ahora un balance en el que la citada carga de ambigüedad produce un silencio iconográfico, traducible en una reivindicación de lo icónico en la que también hay una crítica a la abstracción radicalizada.

La obra de Omar Rodríguez-Graham se encuentra sustentada por un discurso que brilla justo en la superficie de cada pieza y que nos lleva a un argumento muy interesante para el debate actual en el campo de las artes visuales: cuando un artista pinta en México una figura asignificante en medio del espacio neu-

And White Become Absolute Óleo sobre tela de algodón 250 x 300 cm 2009

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Vessel Óleo sobre Lino 190 x 340 cm 2008

Reposo Óleo sobre tela de algodón 250 x 200 cm 2007

tro de la pura pictoricidad (que no es lo mismo que ponerla en el vacío), elige no trabajar en la producción de inconsciente al interior de una sociedad muy cargada de imaginarios, pone en evidencia la unidad básica de la elaboración de mensajes en un contexto supersemántico y satura el territorio de la subjetividad pública con un homenaje al enunciado formal autónomo: he ahí una manera, entre todas las otras, de renunciar al estigma que posiciona en un lugar determinado y determinista al imperio de la imaginación. ¿Acaso no es esto una definición de lo global tomada por alguien en algún punto de la vasta red cultural contemporánea?

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texturas

Louis Verdad En exclusiva para Glocal

Por Fernando Camacho Fotografías: August Bradley para Louver & Meyouandco

Glocal Desing invitó a uno de los diseñadores mexicanos con más renombre internacional, a un juego de palabras, y esto nos reveló DISEÑO

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Surge de un instante de inspiración en donde el diseñador de moda Louis Verdad se inspira la mayoría de las ocasiones en las cosas más sencillas. Louis comenta para Glocal: “Muchas veces el ver la pasión de la gente que disfruta sin medida lo que hace me motiva mas para sentir que tengo algo grande que decir con mi trabajo. Tal vez un buen cortometraje, o una buena pintura o una escultura diferente, es en si lo que esto te comunica que se vuelve tu inspiración”.

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COLOR Muy pocas veces en la vida uno nace con la suerte de hacer lo que le gusta. Diseñar es mi pasión y no únicamente eso sino que tiene un sentido en mi vida que es dar un mensaje a través de elló! Soy de los hombre mas “suertudos” que conozco simplemente por el hecho de despertarme todos los días con la emoción de crear algo nuevo ... eso es mi verdadera pasión!.

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“Muchas veces en sí es sólo un indicio del humor en el que te encuentras por el momento.

Muchas veces es la manera de comunicar las emociones o grandes logros o simplemente otras emociones, la agresividad de lo que pretendes decir con tu trabajo .

Lo negro normalmente se traduce en una energía madura y sin restricciones aunque muchas veces tiene un toque muy altivo”.

www.glocal.mx

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MODA

El diseño de alta costura favorito de Louis a nivel internacional viene de Londres, es una escena en donde los diseñadores juegan más con riesgos que se presentan en formas y colores no poco tradicionales. Paris no se queda nada atrás aunque es mucho mas clásico mientras Tokio es “chistoso e interesante” dice el diseñador.

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MUJER

Michelle Obama fue una musa inspiradora en una de sus últimas colecciones y una mujer que Louis tomó de referencia ya que él dice: “Soy un diseñador que quiere convertir a la mujer con mi trabajo en un elemento sensual sin ser vulgar mezclando telas de origen masculino con rasgos o detalles súper femeninos y al mismo tiempo entender su gran poder y fuerza simplemente por ser mujer”.

LOUVER

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“Louver, se ha vuelto un bebe pequeño que esta creciendo a pasos agigantados. Es mi segunda marca y estoy feliz.

Louis Verdad se convertirá en la dirección de mi compañía y en la marca directora de toda mi inspiración en donde yo pueda convertirme en un instigador de propuestas o un “Trendsetter” y hacer una marca mas direccional o de alta costura...”

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traducciones

Between fibers and textiles...

p.38

Nani Marquina, businesswoman, committed designer and nature passionate

BY ARIADNA SORIA IMAGES COURTESY OF NANI MARQUINA

SPAIN IS undoubtedly one of the most prolific countries of avant-garde design, for this reason there is the Association of Spanish Design RED-SAFE, institution currently chaired by Nani Marquina, who in recent months was in Mexico on the occasion of the exhibition that was presented at the Franz Mayer Museum titled “Design Selection Spanish in Mexico”; because of this she shared some of her ideas with us ... and began speaking with passion: “For me the design has to be very emotional, has to communicate, and with this concept is how we try to design”.

Who is not familiar with her name, must know that the Iberian textile design in the category of contemporary rugs, can’t be explained without this character. Among the most distinctive aspects of her work we can mention the inclusion of new textures, the management of three dimensions and creating movement in the design of a static object by definition. But what has distinguished her the most, is the tireless quest for the breakdown of remote techniques, which has led her to places like India, Cameroon and the State of Oaxaca.

Also, Nani Marquina establishes collaborative links with other designers, to which she addresses “in some cases they make their proposals, contributing with their ideas and concepts that the design team analyzes, and if they fit with the philosophy of the company, we edit them. In other cases, when we have a very specific idea, we seek the most appropriate designer to develop the concept. “ In the conversation we ask her what creates trends ... “I see there is more interest in how things are made. For me, everything that breathes handmade, recovering tradition, or locally made, with the techniques and simultaneously with the source material, it has a higher value. We talk about many trends, right? Like I’m talking about the trend of the artisan, hand made ... And yes, there will be a very technological trend in which the objects will have a lot of research and will be suitable for many things. But the idea is that the products should have durability, sustainability, make sense “and that certainly has her work. Quality with a sense of identity, which is characteristic of the creators that are really committed with themselves and their environment. www.nanimarquina.com

Avant-garde Tradition

p.40

To take up again the past, recreate and transform it into an object that besides its originality also has a history. With this idea emerged Rococo, young company searching to reinvent the textile design in Mexico

BY SHELSY DI IMAGES COURTESY OF ROCOCO

THE HISTORY of the emergence of Rococo is curious and cool, like their designs. Eduardo Dubost and Agustin Otegui were reunited at the wedding of a friend, when both had just returned from studying at New York and London respectively, while talking about their experiences, came up the idea of intervening an old couch that one of them had. From that moment ROCOCO made his way to become, as described by its creators: “A laboratory that is alive and gets nourished by the artists work in it.”

So far their best-known products have been their armchairs. Three lines in which antique chairs, eighteenth and nineteenth century, through restoration, renovation and redesign, become Rococo Author. Each piece is performed by different Mexican artists, in order to publicize their work and give a proposal of value. For its part, Rococo Lab is a place where creative experimentation inspired by images

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of Mexico and the world to make unique textiles. Rococo House offers eclectic fabrics with different combinations of high quality imported fabrics.

However, these three lines were only the beginning of the catalog, which began with a chair to become an space of design, with the appearance of Rococo Textiles, a 100% Mexican textile line, from creation to production, which in each design reflects and enhances Mexico: the Hispanic culture, popular icons, traditional toys, textiles and folklore to illustrate the cultural richness of our country.

Furthermore, in its way to becoming a complete platform, Rococo Decor has joined, and with the same line of work, showcase lamps, rugs, mirrors, frames and plates, a line designed for those who have the pleasure of completing a home throughout the years, in where each object is unique.

Rococo is a firm that, beyond following trends, wants to offer quality and originality and, above all seeks to promote the craftsmanship of weavers, carpenters and artists, and in this way, present to the world a work that for itself projects that in the industry of textile design, young talent is made in Mexico www. rococo.mx

Mooi & Senso in Portobello

p.42

A new showroom opened within the framework of the london design festival

BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

AHEAD OF the opening of the British design week known as the London Design Festival, the firm Moooi, in partnership with Senso, opened a new headquarters and its first permanent showroom in London in the docks of Portobello.

Now located in a beautiful building with white stucco facade, from the late nineteenth century, known as the “white building”; Moooi shares the space with Senso in a perfect teamwork that enables them to both display their new designs, exalted by the presence of each other.

Moooi, created in 2001 by designers Marcel Wanders and Casper Vissers, has benefited from the joint vision, talent and bold design of the first. And Senso, has its roots as an innovative Dutch company of great presence in the field of decorative floors made of resin, whose greatest attribute is the absence of visible “seams”, thanks to a technology developed based on biopolymers.

The new exhibition center is home to the iconic designs of the firm, in coexistence with the new products launched during the Salone del Mobile 2010 in Milan. Including designs such as the “Monster” chair by Wanders, the “5 O’Clock” set, a composition of table and chairs by Nika Zupanc; and the “Emperor” lamp of Chinese designers Neri & Hu, presented in the UK for the first time.

The space set up by Moooi, has been adapted using the walls as a series of canvases, covered by white panels from which hang chandeliers such as the whitest “Paper Chandelier” by Studio Job, the multiple-joint lamp “Dear Ingo” by Ron Gilad, or the “Raimond” and “Random Light” spheres by Raimond Puts in collaboration with OX-ID and Bertjan Pot respectively. Combined with this, SENSO takes the opportunity to present its new international line “Impressions”, designed entirely by Wanders “in the style of their new classic”, with a geometry of three-dimensional illusions, who according to him, becomes mostly an experience texture than of color; so each room complements the other, integrating a single design unit. The note of color always relies in one pieces of the exhibit, setting accents and interacting with the different textures. In this way each room discovers to the eyes of visitors corners exalted only by one piece, or almost museum spaces with visual surprises and sets of an almost underground playful insolence.

Casper Vissers, current Executive Director Moooi said about the alliance between SENSO and Moooi, “Moooi objects require a charming floor in which to be and Senso floors look more beautiful in an inspiring setting. The perfect partnership! “ www.moooi.com

Mexican Gallery of Design, 20 years promoting and discovering talent

p.46

What would happen to a country without its creative doing team work? The MGD asked itself that question two decades ago and today has much to celebrate: setting a solid foundation in the history of design in MexicoBy Tania Sánchez Arias

BY GRETA ARCILA IMAGES COURTESY OF MGD

IF THERE is a place in Mexico that can brag of having had under his roof the best design done in our country is the Mexican Gallery of Design. But is not only about having a space, what we are talking about here is the work of a lifetime, to look, to investigate, to be critical and demanding with each piece that is displayed on their showcases, we are talking about the career of Carmen Cordero, a graphic designer who graduated from the Universidad Iberoamericana, lover of design, of promoting, producing and marketing the most prominent industrial and graphic design.

2010 is more than a date, Cordero looks back and sees twenty years of hard work translated into numbers: 380 designers, architects and Mexican artists, 221 designers from around the world, 14 countries, 85 brands and 107 exhibits. How to celebrate 20 years of existence in this multifaceted creative world? Inviting many of the designers who were born, discovered or have been exposed in this promoting space to be part of the exhibition and collection MGD 20, which creates, reinvents and exposes the most outstanding and representative of Mexican design. The list includes the names of: Orfeo Quagliata, Monica Calderon Ariel Rojo, Ezequiel Farca, Ricardo Salas, Carolina Bracho, Emiliano Godoy, Eos, Cecilia León de la Barra, Héctor Esrawe, Oscar Nuñez, Jorge Cejudo, Bernardo Gómez Pimienta and many more, the same time gathering 20 young talents: Unknown Address 123, La Metropolitana, Muux, Le Porc-Shop, Tsimáni, Studio Roca, Ariane Dutzi, Carlos Torre Hutt, Gloria Cortina, etcetera.

Also, for the MGD20, the book 20/20 (perfect vision), published by Arquine publishing house, will be presented. It will feature the photo story of these first 20 years as well as essays by Bruno Newman, Manuel Alvarez, Graciela de la Torre, Gabriela Rodríguez , Ana Elena Mallet, Emiliano Gonzalez Lozada, and Emiliano Godoy.

What undoubtedly Carmen, also Drafft director, should celebrate the most is that thanks to the Mexican Gallery of Design there is a before and after in the history of furniture design in Mexico, titanic work that only with visionary look was possible. Congratulations today and always. www.galeriamexicana.com.mx

Pure volume

p.48

“We look at architecture within the inexhaustible sources of the world of art and sculpture, creating scale sculptures that feature life and functionality inside” under this concept was born Concrete House, “piece” presented today “The materials and details develop simultaneously with our capacity to imagine, plan and persuade.

In this process, the architecture appears alone”.

Joaquin Torres

BY IMELDA MORALES IMAGES COURTESY OF A-CERO

A ZERO-OPENED its doors to the world of architecture and urbanism in 1996. With the Spanish Joaquin Torres and Rafael Llamazares at the head of the firm, the firm has developed more than a decade of work, more than eighty prowww.glocal.mx

jects for housing, offices and commercial developments in different locations in Spain, Morocco and Switzerland, as well as some Master Plans in the Dominican Republic, Brazil and Cuba; more over being winners in 2007, of the First Prize in the International Competition of Ideas “Nebula” in Dubai, United Arab Emirates, for a residential development of 600,000 m2.

For A-cero form and function is a fundamental pairing in the conduct of its projects, without a doubt one thing is linked with each other inseparably, since “an object is spatially organized” by the origin idea “and is given form to enable its use. “ Thus, each new design object perfectly meets the needs of the project and the space itself.

Among the wide variety of projects this firm has done since its foundation, Concrete House stands for the purity of the volumes that constitute it, for the spatial richness of each of the corners that are part of this immense residence and the dynamism of the physical and visual relationship between the interior and the exterior spaces.

Located in Somosaguas, one of the largest and richest cities in the Madrid region, this exceptional detached house with 1500 m2 of construction stands in harmony with its surrounding landscape. As always, A-cero tries to use materials with a clear and innovative sense, and in this case the exposed concrete on the walls and dark wood on the floors of each living area or room are just some of the elements that result in an aesthetic and elegant final product.

Without doubt, in this house every detail is very well studied, every wall, detail or corner reflect the care and studied work behind it. It also features a warm-toned decor as the outside gets incorporated into the building through several courtyards, creating bright and cheerful spaces for living the everyday.

On the outside stand out the large pergola above the terrace (with a summer dining and launching area) and the infinity pool of 45 m2 built on the same gray bush-hammered granite stone.

In the world of international architecture, definitely, A-zero presents a very personal style: a modern architecture, innovative, clean and functional with a design inspired by art and sculpture.

Firm: A-cero Founding architects: Joaquín Torres and Rafael Llamazares Location: Spain www.a-cero.com

Living with books and art: p.52 a loft in New York The design of UNStudio for a loft located in Greenwich Village, Manhattan explores the interaction between a gallery and a living space

BY ALFONSO MALDONADO IMAGES COURTESY OF UNSTUDIO

THE COLLECTOR and the architect met several years ago when UNStudio was involved in the renovation and expansion of the Wadsworth Atheneum. That project never happened, but shortly after, the collector spoke of his intention to have a house designed by his new friend, the architect. Over the years, both of them constantly visited possible sites for a new house in the suburbs of Hartford.

Then, in a telephone call to Amsterdam in the early spring of 2007, the collector announced that he had bought a loft in Manhattan. The architect finally received his commission: a home for the collector, his art and books.

The design for the loft in Manhattan mediates between an art gallery and a residence. The existing area was characterized by challenging proportions: the space is long and wide, but also with low ceilings. Thus, it was decided to create walls of soft and sinuous shapes to divide spatially.

This creates areas of comfortable proportions for domestic use while generating a large area of walls to display art.

In this hybrid space, exhibition areas are merged with the housing area, a floating display wall is mixed with the library shelves on one side and display cases in the other.

The client as a collector was looking for a place where he could live comfortably while interacting with the multiple paintings, objects and books he had acquired over the years.

While the walls create a calm and controlled background for works of art, the ceiling is much more articulate DIC • ENE 2011

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in its expression of these transitions. Alternating lights and opacities the roof creates setting spaces and localized conditions of light bringing up an organizational element in the exhibition and living The lighted area is illuminated by 18,000 led light bulbs.

This extensive light membrane has different purposes: balancing the proportions of the loft to create an illusion of height, it works as a non intrusive spatial division, and can be programmed to illuminate the space with various intensities.

The third element that the architect added to this combination is the appreciation of the city as expressed through the framing of views. The original windows on the south facade were replaced by floor to ceiling windows that frame and extend the attractive views over a glass balcony facing the south of Manhattan.

As a final element, fir planks cover the entire floor of the loft. This subtle monochromatic floor unifies the space and allows furniture and art to be set as floating elements on interchangeable constellations. www.unstudio.com

member that will serve as a guide. Thus, visitors will start a tour that will take him to a lower level of registration if a guest, by one of the two staircases, and to show the range of spaces that are combined.

Something worth mentioning is the surprise factor: getting to know in which room will be assigned to you, since there are not two alike. What is similar is the color range, predominantly neutral shades with small accents of color.

All this experience takes place in a building from the second decade of the last century, a former bank, which was rescued and rehabilitated.

For Italo Rota the hotel is a place where cultures arrive and gather. And that is the reason why the hotel’s public areas are open to everybody and not just those who stay there. It is also a combination of different activities. Always with the desire to hold and showcase the best of Italian culture through cuisine, choice of furniture firms or of certain pieces of Italian made, becoming an international showcase from which, at certain points, you can still admire Il Duomo ...

“The architectural projects must become places that identify the city” Italo Rota www.studioitalorota.it

Boscolo Exedra Hotel, p.62 the most recent work of Behind Shadows the playful by excellence: For me, a hotel is a home. That is how Miguel p.56 Ángel Aragonés starts its response to an interItalo Rota The conception of something different was the primary idea that lead Angelo and Roberto Boscolo to approach the architect Italo Rota to ask a question: Have you ever designed a hotel? -No. Was the reply -Then, you’re the right person for us.

BY GRETA ARCILA AND TANIA SÁNCHEZ

IF EVERYTHING was reduced in numbers at the Boscolo Exedra Hotel project they would be as follows: 154 rooms, 1 entrance hall, 3 restaurants, 1 spa, 4 meeting points, 15,000 square meters, 150 million Euros, 1 year of construction; however, with a creative as the Milanese Rota the ways to count change. We need to think of the amount of ideas turned over in a single project to glimpse perhaps of what this work is about.

Lets continue with the ideas then. For the studio it was important to make a project that shows the clear coloristic influence of the architect-designer-poet-writer-editor and founder of the legendary magazine Domus Gio Ponti, who with his work will give back the splendor of luxury in detail so characteristic of Italy and even more of its most cosmopolitan city. Another referral reason to evoke the history of Milan, was the harlequin, an icon of its theatricality, humor, extravagance and elegance inserted in the same clothes, the most attractive thing to take this reference is that the harlequin is a character with great reception in different cultures. What he was looking for with this ambitious project was that the hotel spoke about what Milan means to the world and about what Milan is for itself, he didn’t want to offer a big chain hotel because they needed to emphasize the particularities of the local culture and that by the validity of his proposal has become a neuralgic area for art, design and business.

These were the pieces they were counting on to assemble a puzzle that now denotes exuberance, controlled excess, and bold sinuous movements, which lead us on a journey into the world of cutting-edge industrial design as there are author objects in every corner of the hotel. Each space is a sensorial surprise and of the concept itself, and also this is a detail of which they wanted to boast about with the design: the thought of a hotel that proposes an open space, as a response to the intense activity of the streets of Milan, we might dare to say that Boscolo Exedra Hotel is an allegory of what happens during the annual Saloni: design for every public found in the street, there is abundance of talent throughout the city, it is the living manifestation of democratic ideas; so it is Exedra, ideas to look around and take them in the mind forever.

The personalized approach of the project is experienced from the moment you arrive at the hotel: a white marble Carrara flows by a transitional space since the formal figure of a reception desk doesn’t exist. This figure falls on a staff

view about his latest project, El Encanto hotel.

And this phrase is also the starting point of conception and therefore, the concept that leads to every move ...

“It is the first public building I have done in my life... I think I would define it as: A home for all, of which the owner is the ocean ...¨

BY ARIADNA SORIA PHOTOGRAPHY: PAUL CZITROM Y NICOLA LORUSSO

LOCATED IN Acapulco, on thirteen thousand square meters of land that gains height towards the ocean, the hotel slips by a dynamic volume of straight lines that climb up until reaching the perfect height that allows enjoy a full view. In the environment of a city perceived by the architect as a place of contrasts, where in his own words, we can still feel “ some sort of urban disorder that infiltrates in a paradise of heavenly dye and unique geography” we find a space for the spirit.

For Aragonés, addressing a project inserted into an ecological reserve boundary, requires finding a way to show the greatest capacity and humility towards the environment: “I tried to observe the building in the distance like a solid, thick block wrapped by the nature that surrounds it; some kind of a fortress that drops into the ocean, turns its back to the urban side and opens toward the horizon. “ The project consists of two solid blocks with a closed ‘back’. With facades completely open to the ocean that house forty-four rooms, twenty of them with private pool.

The layout includes a library, cinema, restaurant, bar, gym and spa, El Encanto is a place that through its elements seeks relaxation.

After almost ten years of development and various changes, which make it literally the most difficult project of his career, nothing appears to be due to chance. The architect seems to orchestrate his work directing thoroughly every look inside, in a strict and meticulous planning, as a movie director developing the first footage of his own film.

“They say the best appetizer is hunger and the greatest aphrodisiac is abstinence. Under this principle, I wanted to hide the ocean and generate as much drive as I could to turn the host arrival into something unique, the hotel hides the sea and gives you the back. When you enter, only after a long tour its majesty appears right in the main lobby. The view is wide open in a completely open space and the ocean becomes an essential part of architecture, water, green and sky are the main materials of the site. “ Aragonés admits having drawn the first sketches of the project influenced by the geometry of the work of painter Carlos Mérida, and is on the routes of the three dimensional space where the greatest virtues are recognized. Beyond that, looking back to nature, he pays him symbolic reve-

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traducciones rence through those trees, that floating on the water, symbolize the illusory primacy of the environment before the fleeting passage of human existence.

Studio: Miguel Ángel Aragonés Founder Architect: Miguel Ángel Aragonés www.aragones.com.mx

Brio Spa, The Grand Mayan Resort, Cabo San p.68 Lucas A space that connects to the senses

BY LEONOR BAGNODZ IMAGES COURTESY OF AH INTERIORES

THE XXI century spa is a temple of the sublime, carefully designed to satisfy all the senses: spacious, meticulous lighting, a mixture of scents and decorative elements that inspire to wear a robe and involve in a monastic meditation while waiting for a massage. But to achieve inner peace is not enough, the outside should be a reflection of the state of relaxation. As spas become more sophisticated, their design expectations continue to increase and this is where design experts transform a place into an experience.

The architects Arturo Hernandez and Joaquin Homs, of AHA Universe firm, based in Guadalajara, Jalisco, are the creative force behind the Brio Spa, part of The Grand Mayan Resort, Cabo San Lucas. A space based on the concept of the Mexican haciendas, understanding Mexico as the mix between Europe, America and Asia that happened with the exchange of goods in the colonial era. Design with which they won the gold medal at the Fourth International Biennial of the Latin American Council of Interior Designers (CIDI) and the Mexican Society of Interior Designers (SMI) in 2008.

The use of light and the use of symbols are key elements in the atmosphere of this space, that is why sculptures of the Maize God in contemplative position were used on the access corridor, that leads us to the first space: A semi-dark filter in which an installation of candles floating on a water surface of Ingo Maurer and a sequence of four fish tanks create a striking contrast with blue backgrounds and white fish, leading the senses to reflection and introspection.

From the reception you have access to the three main areas: gym, hairdressing salon and spa. Admission to the spa is through the locker rooms where the floor changes from dark brown marble, to irregular slabs, to end in granite floor and crushed seashells when reaching to the soul of the spa, where the treatment and massage rooms, a temazcal bath and a private terrace for other therapies are. In this space the textures and materials create a unique atmosphere where wooden shutters of linear patterns and intricate grids are mixed with Japanese grass coverings, smithy with blue crystals and skated mirrors accompany the user in the journey to the cabins that are around a central courtyard where a pond and soft fabrics in orange and beige complement and add privacy to the interior of the cabin.

The design of this spa ultimately reminds us that an interior with signs of inner peace is not enough; the outside should be the indicator of the state in which the mind is inside. www.ahauniverso.com

The value of graphics

p.72

Esrawe and Cadena create a concept that focuses on local and timeless identity

BY GRETA ARCILA PHOTOGRAPHY: JAIME NAVARRO

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TWO OF the most visited malls in Mexico City, such as Parque Duraznos and Parque Delta, now share a unique design concept: Cielito® Querido Café, materialized by the designers Héctor Esrawe and Ignacio Cadena. The space that holds this coffee shop has reminiscences of the company stores and grocery stores from late nineteenth and early twentieth century, when the magnificent graphic design that emerged from the New Spain and French tradition took the joy and folklore of our country and became unique.

The suite of typefaces, symbolism and sayings we see in some of the walls, contrast with the geometric patterns of the floors that immediately remind us of the floor tiles used in the stores of yesteryear, same that we still find in some streets of old Paris and the contrasting wholesale food market of Mexico City. Even when the references are completely opposite, there is nothing more real than the everyday life of a culture and when the creative knows how to read, interpret and translate it to the contemporary, those symbols turn into timeless ideas as it is now Cielito® Querido Café.

Esrawe, a great promoter of the design made in Mexico and known as one of the pioneers of signature furniture in our country, with the support of his studio makes furniture with fun patterned fabrics with an interesting rage of colors, and that in turn respect the quality of the wood, which we find in darker shades on floors and shelving.

For his part Ignacio Cadena, Director of Cadena + Associates, develops a branding of great identity that separates from the big chains and provides the asthetic value of boutique coffee shop, from the display of the products to the design of coffee parcels. With no doubt Esrawe and Cadena conformed a great partnership for this project for which the main beneficiaries are the users of space. www.esrawe.com

of lookout. The double level duplicates the area of privacy generating taking advantage of each structure, as prominent interiors that gaze the space and the horizon always protected by the armor of its white lattice. It most be noticed, that the lighting design was done by Masahide Kakudate Lighting Architect & Associates, one of the most prominent in his country in lighting design.

Karim Rashid

p.78

If there is a character in the field of design who provokes mixed reviews is Karim Rashid.

Thousands of words have been written about his work proposal, many for good, and others less so. What no one can object is that his concepts have changed paradigms in the way we live the design of this era. Lover of what is unknown and passionate at all times, Rashid is now synonymous of cutting edge thinking.

Today he gives us an interview on the occasion of our first issue ...

BY GRETA ARCILA PORTRAITS BY RENE CERVANTES EXCLUSIVELY FOR GLOCAL DESIGN WORK IMAGES COURTESY OF KARIM RASHID AND LEO TORRI FOR DUPONT ™ CORIAN ®

Branding applied in “honeycomb”

p.74

Keiichiro Sako, Takeshi Ishizaka and Keigo Miyaichi, specialists in commercial space design, based on elements

BY TANIA SANCHEZ ARIAS WITH RESEARCH BY GRETA ARCILA

PLACING THE visitor into an unexpected framework, as part of the scenery of an unknown and alien plot; it seems to be the goal of this creative work, space where through an inevitable metaphorical game human beings are situated in a unique setting that relates to their immediate environments.

The surprise. Exploring feelings addressed within sequential spaces, deceptively organic, undulating panels limited by large, bulbous drilled borings that constitute an unbounded sequence and continuous spans, deployed along each surface; creating a constant game of inside and outside in an space proposed also as a suspended showcase to the exterior.

But what is this space? This interior design proposal was designed to accommodate the Honeycomb restaurant in the Chinese city of Shenzhen, and was conducted by the Japanese firm SAKO Architects, joining in this project work Keiichiro Sako, director of the firm, and Ishizaka and Takeshi Miyaichi Keigo. Sako, founder of the firm, is a native of Fukuoka, Japan, graduated from the Tokyo Institute of Technology where he continued his studies for his Master’s Degree in 1996. From 1994 to 2008 the firm has received several awards as the JCD Design Award (Japan) that recognizes and rewards design spaces in business environments, for five consecutive years, in different categories, plus a gold medal of the “Asian Apartment Award 2006 “and the “Interior Design Award 2007” of China, for one of its commercial spaces.

The Honeycomb project is part of a branding that wants to give the visitors not only a restaurant but also the experience of the design all the way up to the way the chef sets the plate. The restaurant - of 1300 square meters of construction- is located inside a major shopping mall, it has been designed for young clients and group settings, so that the design attempts to provide more intimate areas through these large white perforated cylinders, inserted in this huge black box that supports them and gives them a setting of contrast, compared to the huge gate which plays the role

GA Technology has changed the way designers work, how do you imagine will be the design in 10 years with these new tools?

KR The future holds infinite possibilities. Life is about creation, be it intellectually (evolving the human race) or primordially procreation. Creation is inseparable from human evolution, which in turn is progress. The new tools, of the digital era, have granted us democratic and infinitum possibilities and have finally empowered everyone to create, empowered individualism and intellectual freedom. Every fingerprint is different; every child is born and immediately creates originality and personal expression. Sadly collective society has suppressed creativity for centuries but we finally are starting to understand that if we were all creative, as we grow older, we could be encouraged to constantly be pro-creative. We could be living in a far more poetic human beautiful world, and one day all of us will all be able to leave our mark, our ‘creative’ fingerprint on the ever-vast changing world. This is only the beginning of liberalizing all of us to express our individualism. I love the digital data-driven age of freedom. No boundaries, no borders. Culture, place, race, religion, creed, color will not differentiate us. The only differentiation is between every single one of us.

GA We create our own world. In which world do you live in?

KR I see the world as if I came from another planet – observing, perceiving, engaging and contributing. I have learned that the world is a vast complex farrago of beauty and the idea of an International style is an antiquated modernist idea or utopia. The world has layers and layers of styles taking place simultaneously, it happens they are not regions though, but instead hybrids of cultures, races, creeds, and values. My dream is to live on another planet, to have 4 wives, to fly, to speak 10 languages, to have a microchip in my eye so I am always wired and telecommunicate, to design a new modified food – a super fruit, to design and make movies, to have all my great friends and lovers in the world living with me under one incredible roof – to design a large building, to see no borders, no passports, no racism, no violence, no guns, no wars, ...

GA You told me that you were educated with the motto of nature being something we have to take care of. What is your opinion about the “eco movement” we are living in?

KR I am concerned with the conserving of resources, and the ecology of our planet. Recycling is in a really cyclic paradigm now in the United States and many other countries.

But conserving resources means using less raw materials and energy throughout a product’s entire life — from its’ development and manufacture to its use, reuse and recycling and disposal. The material can conserve more resourwww.glocal.mx

ces during the life cycle of an object because of the integral amazing properties of plastics such as its lightweight, durability, and formability when compared to other materials. In the meantime the real answer to the use of plastic is that we should use less, but better, and the agenda of design is the make the best.

In the excrescence of goods, and the system of objects, the possibility of over-consuming, of addition, and immediate satisfaction of consumption is dangerous. We surround ourselves in life with effigies, objects, products, to find meaning in our existence, and to create a sense of memory, of presence, and of belonging. But we also consume to occupy time and to fulfill some strange need of reward and ego. We will forever have objects in our world, and I am not advocating to not consuming, or to not have ‘things’, but to be hyper conscious of our things and love and enjoy them. Objects denote our time, place, and relationship with the outside world and others.

GA Speaking about the “eco movement” The Smart-ologic Corian Living” gave you the opportunity to develop a complete concept for the modern living. Which was your main goal when doing this project?

KR The “Smart-ologic Corian® Living” exhibition gave me the opportunity to develop a modular holistic house - a house that can be produced with minimal concave and convex panels and simple tooling. I have always been interested in this notion of a modular house, of efficient dwelling that can be erected simply and quickly, that can be inexpensive and democratic, and customizable with little cause and great effect. I’ve always believed that architecture finally comes down to a system of components, but what we need are industrial elements that are more free form and flexible in their configuration as not to end up in a world of a grid. My other concern was to create these panels with less waste and to have that waste to be reused.

GA Could you tell us more about your theories: designtopia, infosthetik, technorganic and pleasuretronic?

KR The digital age has a new language, a vernacular I refer to as the ‘Infostethic’, the aesthetics of information. The premise is using new tools to create complex 2-d graphic work that has a perception of 3D. A characteristic of the movement of graphic design and its application, and the use of composition techniques only made possible through the use of new technologies and software. The new movement of techno graphics is creating a landscape that is hyper textual, hyper graphic, hypertrophic, and energetic.

Orgonomics is my term for where the animism of the organic meets technology, where human meets biomorphic, where interface meets material. However, the term that embodies the over-arching philosophy of my work is Sensual Minimalism – it was my first word about design when I was asked to define my work 12 years ago- an answer to the sterility of minimalism. Since then my philosophies and theories range from pleasurtroniks to the blobject to globjectism, to globalism, to essensualism to designokrasy, kasualism, technorganiks, infostethiks, digitalia, orgonomiks, FORM FOLLOWS SUBJECT, and living in the present.

GA As a citizen of the world, you have been influenced by many jobs and many details, but your place of birth is Egypt and now you live in New York, What is it that Egypt tells you when you visit? And what means New York to you?

KR New York is truly a global melting pot, its diversities, its complexities, its globalism and pluralism is really inspiring. I have always felt global, not a New Yorker, not an Egyptian, not an American, not a Canadian, not English, but part of the world, and New York is one of the few places where integration and a global spirit is omnipresent. I am so busy I never seem to have time to really enjoy the city, but there is an energy, that I get via osmosis regardless of whether I go out in NYC or not. The energy, the effulgence, the passion of life is everywhere. Museums and art are the most visually inspiring parts of New York city like west Chelsea art galleries, MOMA, the Met, the Whitney, Guggenheim and Noguchi museum is a real paradise of organic sculptures. Every diverse language which I hear constantly in every part of the city and a multitude of cultural epicenters little Korea, china town, Indian district, Russian district, the Italian quarters, the boroughs like Harlem, Bronx, and the surrounding suburbs like Staten Island, white plains, etc. It is the center of the world so in turn everyone comes here- so it is perfect to meet with everyone from every business from everywhere in the world. A real epicenter!

GA Which ideas have changed the perception of your work and your life?

KR It is a powerful idea to realize that human beings touch an average of 300 objects a day. That said, if you look around the world we live in, we’re bound to have relationships with these inanimate things: our favorite chair, our favoDIC • ENE 2011

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rite piece of jewelry, etc. And that’s kind of a beautiful thing.

It’s a beautiful thing for a designer, actually, to get to design things that people have that kind of relationship or association with. That is the very big challenge of design: to design something that, although accessible to all consumers, touches people lives’ and gives them some sense of elevated experience or pleasure, and that has always influenced my life, and my career in design.

GA One of the most important aspects of your work is your way using colors. How did you arrive to the world of color?

KR The world is becoming very savvy—both visually and about information—and consumers are interested in being stimulated by their physical environments. Nowadays, if one decides to shop in stores (rather than online), the experience must be seductive, engaging, and inspiring. The store sells fashion and lifestyle products for a market between 16-25 years old, so I selected bold colors such as lime, orange, pink, baby blue to create this energetic environment.

For me color is life and a way of dealing with and touching our emotions, our psyche, and our spiritual being. Color is one of the most beautiful phenomena of our existence.

Some colors are strong, some are soft, but what is important is the specific hue or tint or saturation of each color and how they work together.

GA How does Karim develop a concept, after getting to know the needs of the client?

KR I dream, observe, think, research and sketch profusely. I need to make sure we can create a marriage between my brand, vision, and ideas, and their company culture. Generally companies I work with, or approach me, have a very similar philosophy and this is when the work really turns well.

After 25 years of designing I now know in the minute when I meet a potential client, whether we would work well together or not. If it is the latter, I refuse the project.

GA Which are the artist (painters, architects, photographers, etc) with who you would like to work and why? (Even if they are no longer in this world) KR Too many to mention. I think many pieces of design were fundamentally technologically inspired like the curved wood chairs of Summers and Alto, the organic experiments of Luigi Colani, Frederik Keisler, Sarranin, Niemeyer, and Noguchi, the frugal smart ‘efficient design of Eames, Nelson, Neils Diffrient, the ecological designer Victor Papanek, the brand eloquence of Lowey, the reductiveness of Braun and Deiter Rams, the radical experiments of the Italians of the sixties such as Bellini, Mendini, super studio, Gaetano Pesce, Columbo, Andrea Branzi, the technological socialism of Buckminster fuller, and I could go on and on. Even the post modern poetics of Venturi, Charles Jenks, and our new blobulism with Greg Lynn, Herzog and Meurom, Ross Lovegrove, Future Systems. Painters like Rosenquist, Wesselman, Warhol, Peter Hailey, Albert Oelen, and others, or made sculpture like Gabo, Maholy Nagy, Brancusi, Arp, and Noguchi. Film directors like David Lynch, Mike Figgis. I have been inspired over the years by so many artists and would LOVE to have one work of each of these artists in my loft: Noguchi, Munari, Mollino, Sottsass, Keisler, Kuramata, Fuller, … Contemporary artists such as Dutchman, Gober, Charles Ray, Koons, Peter Hailey, Noriko Mori, Dan Graham, Robert Irwin, Mayijima, Pipilotti Rist, Chapman Brothers, Donald Judd, Turrell, ... And philosophers – Paul Virilio, Jean Baudrillard, Bachlard, Lyotard, Jacques Derrida, and Tufen Orel. Musicians such as Kraftwerk, Moby, Luomo, Tiesto, Dirk Diggler, Miles Davis, Phil Manzenera, Roxy Music, David bowie, Elton John, Chicago, Cure, Passport, Deodato, Camel, Brian Eno, Pink Floyd, Giorgio Moroder…

GA Speaking about you, the human being and your personal tastes. Why did you get into the music and how?

KR Outside of design I have always loved music, collecting music. So for the last 30 years I have “DJed” around the world at events for HUGO, Guggenheim, Salone, etc. I hope to record new music, and possibly work with Gorgio Moroder. Music allows me to concentrate, be inspired, dream, imagine, and become completely engrossed in what I am working on. It is an essential part of my being.

GA Finally, which is the contribution you want to give to the world through your work?

KR I want the things that surround us to be smart, beautiful, poetic, useful, sexy, enlightening, inspiring, contemporary, colorful, energetic, fulgent, powerful, of performance, and accessible to everyone. I think everything we make in this world should be smart and beautiful and holistically designed, meaning it is experimental and ecological. But in everything I inject some human spirit and humor because it lightens up this overtly serious thing we call LIFE.

“Objects can have phenomenal relationship with our daily lives and us, and at the same time objects can be perpetual obstacles in our life, complicating them, and creating stress.”

“I’ve always believed that architecture finally comes down to a system of components, but what we need are industrial elements that are more free form and flexible in their configuration, as not to end up in a world of a grid.”

“Color can be used well or poorly but no one should be afraid of color. It is a spiritual & phenomenological euphoria” Materials, DuPont products and solutions featured in the “Smart-ologic Corian ® Life: 1. DuPont ™ Corian ® surface, that incorporates components of biological origin environmentally sustainable and recycled materials.

2. Selected versions of the colors of the current range of DuPont™ Corian ®, including the new ones for 2010: Eco-concrete and the series of Eco-terrazzo with recycled content.

3. Surface DuPont ™ Zodiaq ® quartz integrating biological, environmentally sustainable components.

4. DuPont ™ Energain ® panels and technology to reduce energy consumption; +.

5. Photo Voltaic modules by DuPont ™.

6. DuPont ™ Tyvek ®, building and materials design. www.karimrashid.com

More than a house, an p.88 organism Presented this year in the largest exhibition in Europe of sustainable housing, Fab Lab House becomes the space where cultures, technologies and theories of what is “green” converge

BY SHELSY DI PHOTOGRAPHY: ADRIAN GOULA

SUSTAINABILITY AND green technologies are taking over the world of design as more and more projects are developed with these concepts. A great example is the Fab Lab House, winning project of the 2010 Europe Solar Decathlon.

Produced by the Institute for Advanced Architecture of Catalonia in collaboration with the Global Fab Labs and the Center for Bits and Atoms of the Massachusetts Institute of Technology (MIT), the Fab Lab House, based in Madrid, generates three times the energy it consumes through photo voltaic system, produces food in its vegetable garden and perm culture orchard, and allows to make everyday objects in its small workshop, which is connected to the FabLabs world network through videoconferencing.

With the aim of overcoming the idea that a solar house is a traditional house with solar panels on the roof and a lot of technology inside, FabLab House shows that if the XX century suggested that the “form follows function”, in the XXI century “form follows energy” and that green housing is not a machine anymore, but an organism to inhabit.

“The house functions as a tree,” said Vicente Gullart, director of the Catalan team.

The roof is composed of flexible solar panels, the world’s most efficient Solar Energy TFM developed by Sun Power plates. Each part of the building is different from each other as are the parts of a tree. The leaves capture the solar energy, sending it to the roots where it is stored, then it is distributed around the house giving the fruit of electricity.

This innovative residence uses the resources of its surroundings - sun, water and wind- creating a microclimate that improves its domestic conditions. The climate control of the interior is reinforced with natural isolation and depends on a system with underfloor heating, a cross ventilation system and features a control system that allows real time evaluation and detail of its behavior and its interaction with the environment, creating chronological records.

The model was designed to be inhabited by a family of four members and has a 70m2 living space. The exter-

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traducciones nal dimensions are 5.4 meters high by 12 meters long and 9 meters deep. For its construction was used next-generation digital manufacturing machinery and was created from 26 m3 of wood pieces of white pine, cut with digital laser.

With a free design the FabLab House can be built anywhere in the world with local materials. Its shape adapts to its environment and its made from advanced industrialized systems allows each home to be adapted to the needs of its users, becoming a home that by using the technological and cultural resources of our time is projected into the future as part of architecture history and the evolution of human civilization. www.fablabhouse.com

Infiniski incorporates renewable and alternative energies and technologies: solar thermal panels, geothermal energy, windmills and thermo glass, saving up to 75% of the cost of air conditioning. www.jamesandmau.com

The decentralized discourse of Omar Rodriguez-Graham

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Speaking of the work of a young Mexican painter

Infiniski, more than just p.92 recycling “They say that hunger sharpens the wit and hence our inspiration,” that is how Infiniski defines the reason why it was established as a design firm at low cost. Today we take a look to House Manifesto, which as its name implies, is a whole essay on the home friendly with life itself

BY SHELSY DI IMAGES COURTESY OF INFINISKI

THE ARCHITECTURAL design of the firm is in charge of Spanish study of architecture and design James & Mau, composed by Spanish architect Jaime Gaztelu and Colombian architect Mauricio Galeano, who create custom designs from modifiable and expandable modules. This is a design that seems inspired by the Lego pieces, which uses recycled materials and nonpolluting in 80% of the construction: Stainless steel, recycled shipping containers, railroad tracks, recycled cellulose for insulation and reclaimed hardwoods, among others.

Infiniski Manifesto House, located in Curacavi, Chile, is based on a bioclimatic architecture that adapts the shape and position of the house to its energy needs. Its modular system consists of three reused shipping containers, one of which is divided into two parts and serves as structural support for the other two containers on the first floor creating a portal that gives an extra area, and with only three containers (90m2) 160m2 are achieved, reducing the use of material. This form of bridge responds to a bioclimatic design in which form follows energy.

Furthermore Manifesto House has a unique quality, the home “dresses and undresses “ by a solar breathing skin that covers both, facade and ceiling. In the summer dresses for sun protection and creates a natural cooling effect, in the winter undresses to allow entry of sunlight on the container and on the windows, creating natural heating. In the front were used two types of skin, one based on fixed horizontal wooden sheets and another one of mobile pallets that can be opened individually to control solar radiation. The skin of the roof is a lightweight mesh that is placed and removed depending on the season and serves as an aesthetic finish that integrates the house with its surroundings.

The interior of Casa Manifesto is an open and airy space, due to the large space created on the ground floor for the placement of the containers. The front windows are walls that slide, getting natural ventilation, also has a folding shade that creates an outside porch or shades the inside when folded. The interior design was in charge of the Chilean study Comodo.

Both the exterior and interior used 85% recycled materials, reused and organic: recycled cellulose and cork for insulation; recycled aluminum, iron and wood; hardwoods from sustainable forests, and also “eco-label” tile and environmentally friendly paints. Manifesto House manages to be self-sufficient by 70%; demonstrating that good design, functionality and sustainable living can go hand in hand.

However, when questioning to the Infiniski creators about the reason for doing this type of projects their answer is: “Is not because of global warming. It is because we have never been able to leave leftovers on the plate. “

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BY ERIK CASTILLO IMAGES COURTESY OF OMAR RODRÍGUEZ-GRAHAM

FOR TWO decades or so, there is an agreement among historians, critics and curators in the sense that we should speak about art in Mexico and not only about Mexican art, as this allows to understand with greater plurality all the cultural production that flows (and has flown) in a particular geopolitical space regardless of whether the artists are from the country or foreign artists who live in it. The origin of this consensus recognizes that the cultural history of independent Mexico, since the nineteenth century till today, is shaped by contributions in dialogue with other countries, both in a postcolonial external influence and in terms of affirmative definition of ownership: the Mexican and international artists have contributed as well to the passive reception of ideologies of other cultures, the construction of nationalism and to the conscious openness to the international.

On the other hand, the ages called post avant-garde represent in Mexico, from the sixties and especially in the nineties, a period that has sought to distance themselves from the obsession with the closed vision of the identity, seeking to locate the artistic and intellectual production network that happens in the European, American, African and Asian scenes. The contemporary world is a platform of sources, flows and exchanges which shows the condition maps in random motion, and in that sense, the artists articulate their speeches by setting into action image content and diverse aesthetic premises.

The pictorial work of the Mexican-American Omar Rodriguez-Graham (1978) belongs to the zone of the artists that blunt with proposals relevant to the present decade.

On his way to confront the recent history of the art facing painting with his own conception, this painter has made the choice to support a concept on the midway between the modern and postmodern. That is why he is interested in the formal or pure value of the painting, so celebrated in modern times, while making - very contemporary- an instrumental use of imagery-media environment, art history or documentary visual protocols. The referent from which Rodriguez-Graham draws the material for the scenes he paints its never myth graphic, legendary, or capable of interpretation in terms of decryption story; nor is armed in a narrative symbolic order, allegorical or encrypted: it is painting that worships in an almost self-discipline, as knowledge whose literal value is separate from the literary or which may exist in another language beyond the grammar and syntax of the painted form.

In Omar’s paintings there is a tribute to the beauty in the power of material surface, the energy field projected by the resulting set of fillings consisting of oil, the fluid passages that leave the painting tools, coordinated rhythm of the continents of color, in short, the design of complex formal diagrams that operate in the synthetic image. However, Rodriguez-Graham is not an abstract a painter, but his paintings abstract character, functional within a referential approach in which the anecdotal figuration has been neutralized. The imagery is recognizable throughout the artist’s career: Scenes from the sensationalist news, skinned animals, portraits of people and horses.

This is what gives his speech a powerful and controversial issue: the themes that seem to be there, suggesting content, and strong or significant because they refer the viewer’s mind to the death and the ruin. But in the latest series that Rodriguez-Graham has painted, he only uses repeatedly the image of the figure of an standing horse, thus the painter found a visual excuse that didn’t generated the kind of semantic ambiguity that brought the above topics. I think that in this last set the artist’s discourse found an early

consummation of weight, because the pictorial system that he has posted now presents a balance in which the referred charge of ambiguity produces an iconographic silence, reflected in a claim of the iconic in which there is also a critique of the radical abstraction.

The work of Omar Rodriguez-Graham is supported by a speech that shines directly on the surface of each piece and brings us a very interesting argument for the current debate in the field of visual arts: When an artist paints in Mexico a meaningless figure in the middle of the neutral space of the pure painterly (which is not the same as putting it in the emptiness), chooses not to work in the production of unconsciousness inside a heavily loaded with imaginary society, unveiling the basic unit of message development in an ultra-semantic context and saturates the area of the public subjectivity with a tribute to independent formal statement: here is one way, among others, to abandon the stigma positioned in a particular and determinate place the empire of the imagination . Isn’t this a definition of what is global taken by someone at some point in the vast network of contemporary culture? www.rodriguez-graham.com

In exclusive to Glocal Design: Louis Verdad

p.104

Glocal Design gave 4 words to Louis Verdad, one of the most internationally well-known Mexican designers, and this is what he revealed to us

BY FERNANDO CAMACHO PHOTOS BY BRADLEY AUGUST LOUVER & MEYOUANDCO

DESIGN Very few times in life someone is born with the luck to do what he likes. “Designing is my passion and not only that but it gives sense to my life, that is giving a message through it!

I’m one of the most “lucky” men that I know for the simple fact of waking up every day with the excitement of creating something new... that is my true passion!” Louis Verdad.

Design emerges from a moment of inspiration. The fashion designer Louis Verdad gets inspired, most times, from the simplest things. Louis said to Glocal Design: “often to see the passion of people who enjoy immeasurably what they do, motivates even more to feel like I have something great to say about throughout my work. Perhaps a good short film, or a good painting or rare sculpture, what transmits to you, is what becomes your inspiration.”

COLOR Often it is only a hint of the mood in which you are at the moment. It is a way to communicate emotions or great accomplishments or simply other, the aggressiveness of what you intend to say with your work.

Black usually results in a mature and unrestricted power but often has a very arrogant touch.

FASHION The favorite haute couture design of Louis’s, regarding to a particular country, comes from London, since it is a scene where designers take more risks, presenting collections of not very traditional shapes and colors. Paris is not left behind though but is much more classic, while Tokyo is “funny and interesting,” says the designer.

WOMEN Michelle Obama was a muse in one of his latest collections and a woman that Louis look up to as reference, because he says: “I am a designer who wants to turn the woman into a sensual element, without being vulgar mixing fabrics of male inspiration with very feminine features or details, while understanding their power and strength just for being women. “ LOUVER Louver, has become a baby that is growing at an accelerated pace. It’s my second brand and I’m happy. Louis Verdad will become the direction of my company and the directing brand of all my inspiration where I can become an instigator for proposals or a “Trendsetter” and create a more directional or high fashion brand ... www.louisverdad.com www.glocal.mx

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Fotografía: Cortesía Moustache

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undada en 2009 y dirigida por Stéphane Arriubergé y Massimiliano Lorio, Moustache nace con el objetivo de reunir a un grupo de diseñadores con ideas afines para fomentar el desarrollo de mobiliario innovador, honesto y de alta durabilidad.

La firma francesa busca romper con los conceptos de mercado preestablecido y crea productos de vanguardia mediante la combi-

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nación de enfoques, pensamientos y procesos creativos.

No es difícil saber porqué el éxito de Moustache; primero, conjunta talentos como François Azambourg, Big Game, Matali Crasset, Ana Mir y Emili Padrós e Inga Sempé, además de dar bienvenida a este año a Bertjan Pot; segundo, les da la libertad necesaria para hacer productos con personalidad propia.

Para Stéphane y Massimiliano la validez de un diseño va más allá de la novedad en sí misma, buscan piezas que sean tomadas como referencia de un momento histórico, y así conservar su propuesta por muchos años, van en pos del mobiliario de antaño, ese que lograba convertirse en clásico; no pretenden sustituir, quieren quedarse como referentes del diseño de una época… y sin duda van en camino a serlo. www.glocal.mx www.glocal.mx