GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.5 Portada por / Cover by: HECTOR ESRAWE by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

Departamentos ALFONSO REYES 216 Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta de Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame

Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Directora de Arte Sofía Arce Coordinadora Editorial Gaia Romero Figueroa Diseñadores Saúl Vilchis Jorge Leal Álvarez Traducciones Alfonso Maldonado RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado View Adrian Moncada Evergreen Marcos Betanzos Fotografía Gabriel González Directora Comercial Daniela Luna ventas@glocal.mx Colaboradores Yolanda Bravo Saldaña José Luis González Cabrero Marcos G. Betanzos Correa Nina Paz Janine Porras Gabriel Salazar Jorge Leal Álvarez Saúl Vilchis Portada de Héctor Esrawe para Glocal Design Magazine, su intención es mostrarnos las más recientes maquetas de su proyectos, cómo evolucionan con el proceso creativo, aspecto que él cuida mucho en su taller de diseño.

CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Agosto - Septiembre 2011. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18

Editorial

a idea de realizar un número en donde el color es el protagonista quizá para muchos pudiera ser desgastada. Muchas cosas de han dicho en donde se maneja el diálogo de que el color está en presente en el diseño como algo de moda, como algo que caerá en desuso con el tiempo, sin embargo, nosotros no lo creemos así. ¿Por qué? Porque no podemos quitar el enfoque de que vivimos en un mundo totalmente cromático, que está comprobado que éste es un elemento generador de estados de ánimo, de sensaciones ¿y qué es el buen diseño? Un medio catalizador de emociones. Buscamos publicar propuestas que sí hicieran un uso diferente del color, no quisimos caer en tradicionalismo; de ahí la idea de tener en nuestra páginas proyectos en donde el color sí fuera el elemento diferenciador y que éste tuviera algo que aportar al usuario final. En esa búsqueda, nos encontramos con un hospital para adolescentes con cáncer en Inglaterra de Two Create, el cual en voz de sus pacientes, ha servido de gran ayuda para su recuperación. En Suecia dos jóvenes arquitectos usan el color para delimitar las áreas de diseño de una residencia que se encontraba en completo desuso, su intervención logró un proyecto lleno de movimiento y vida, en sí el blanco es usa para dar ciertos acentos. En la ciudad de Guadalajara, Bibiana Huber y su equipo presentan un hotel en donde el arte les ayuda a tener una paleta cromática muy diversa; éstos y otros excelentes ejemplos en donde vemos cómo si se utiliza de manera adecuada los resultados son verdaderas muestras de diseño de avanzada. Para nuestra portada invitamos al diseñador industrial por la Universidad Iberoamericana, Héctor Esrawe. De él se pueden decir muchas cosas, entre ellas que marcó un antes y un después en la manera en que las tiendas de diseño se abrieron para todo público; ser un formador de nuevos talentos (desde su taller hasta en la docencia); pero sobre todo, en el mundo del diseño se le aprecia por ser un personaje que aporta desde lo privado a lo público: no sólo comparte su trabajo, se da como persona para lograr hacer un movimiento de diseño en México. Desde ya agradecemos apostar por nuestro proyecto, y sumarnos en este esfuerzo por hacer que la cultura del diseño crezca. Estábamos decidiendo qué publicaríamos cuando nos llegó la noticia que el arquitecto Javier Serrano Orozco se nos había adelantado en el camino. Guardamos un espacio para honrar su trabajo, su vida y la gran persona que siempre fue. Faltan las palabras, pero sí queremos agradecer a su familia el apoyo para la realización de este homenaje. Greta Arcila

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Edi Cont torial enid o Traz os Casa Gloc 8 al H abit 1 0 a Dise Méx ción p ño + or Er ico emp ika W resa 12 inte Dise rs. ñado por. Nove Méx l Me ico rme 17 l a en u n mu da Estud i ndo 20 com o, simpl Le P p lejo. icidad orc S E spañ gran h a carg op, piez a a s jóv crea View 22 enes tiva. Cock d M e , é u xico nada n luga Colu r en . Jor mna d g o gloc e Ba 23 al Ju llina nde no h . Mé gand ay x i o c Mag o c is To on el co Show lor d o. Ita room el di 24 lia Blen seño d Mé . histo xico : Méx rias con el encu e ico vert 26 Text idas ntro de iles dise ño. Svet l Ecol ana Kuli ó s Repú gicame kova, 30 blica nte co Dise rrec Chec ño A to. a rqu Ome itectura r y dem Arbel c diseño o u 32 ¿se n e stra Enfo . Cán proyecto puede? que a s no da Esra s lo w de la e Studi o i , n co nova Vivie ción n el com nda 34 . Mé Entr xico promiso e tra depa mas & Vid rtamen de color e 38 egar to rei nven s, un Den d Ar tro k t a i tect Nike er. S do. Tham ueci Arch Stadium a ittec Milá tura n. M 46 . Ital aar El co ia lor u sana t r. Tw ilizado c om o Cre 50 ate. o arma Ingla p a r a terr a

contenido

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Unk n fash own Un ion m ion, re At La Rest rge. asculino tail par a o&B EUA . Arc hite el ar S ctur alón e Stud de Gron io Jo i n g e País Hosp es B b y su di r Museu 58 ajos itali seño m. dad l ú dico Y el . a Dise rte de m ño. M anif Insta estó éxic lació . B-H 60 o n M uber irad a qu País es B e reta. Ever ajos Solid gree 62 Obje n Un ctive mon s. olito cent d r Mec o de con iseñado anno . 65 v Text Arch encione Teatro y uras s i t L e a c Nud L ten. o Alem otja. expr s, colore ania e Pesk sionism s y form a 66 i. Pa o Gale íses de Jant s. El ría S Bajo ine v s ilen an guar cios itin e Rive dianes c rantes c onte lino. 70 o Hom stat n Méx enaj a i r c ios. e Ja o vie arqu r Serran o hum itectónic , la obr Trad a 72 ano. a de ucci Méx u ones ico n gran ser Obje to gl ocal

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Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Barret 001 COMAC Francois Jaubert, Bastien Beguier, Julien Eveille Barcelona, España 2011 Partiendo de la disyuntiva sobre si un ‘hotel bohemio’ debería de tener 100 metros de largo o 100 metros de alto, el despacho Comac de Francois Jaubert, Bastien Beguier y Julien Eveille, diseñó una torre en la plaza de los ángeles del barrio gótico de Barcelona frente al MACBA de Richard Meier, que cumple dos funciones: crear una terraza elevada por encima del barrio gótico y proveer de sombra a la plaza, famosa por su intenso calor. El volumen horizontal volado permite que cada habitación tenga vista a la ciudad y cuenta con una planta que favorece los encuentros y la vida social. Las áreas de circulación y descanso están organizadas en torno a varios patios que generan un espacio interior común, con lo que se evita el esquema tradicional de una torre en donde no existe una conexión espacial entre diferentes niveles. Todos los servicios, incluyendo baños comunes, lavandería, comedor y cocina, están ubicados en la misma planta, convirtiéndolo en un verdadero lugar de intercambio en el que se pueden hacer nuevos amigos. Tal y como sucede con las calles del barrio gotico, Barret 001 es un espacio ruidoso, acogedor y colorido. La estructura que soporta el volado contiene las circulaciones verticales, contando con dos funiculares y una gran escalera que dobla su uso como una grada para observar las actividades de la plaza o para descansar y protegerse del intenso sol catalán. www.comac.ac

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Casa de Opera de Busan Kubota & Bachmann Architects Busan, Corea del Sur 2011 Localizada en el desarrollo del Puerto Norte de Busan, esta zona alberga un departamento cultural, museos, un centro cultural marítimo, una estación de cruceros, un paseo en el frente marítimo, parques públicos, una opera, un teatro y un distrito de negocios. La propuesta del despacho suizo Kubota & Bachmann Architects, retoma el perfil de las colinas circundantes en su

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forma que recuerda también al Tageuk y a las bases tradicionales para cerámica, una forma alisada que pretende ser una interpretación contemporánea de los elementos tradicionales de la cultura coreana. El programa está organizado en torno a un vacio en el centro del terreno que funciona como el corazón del proyecto. Un vestíbulo circular conecta a la opera con un teatro y un salón de usos múltiples. Entorno a este vacio, se encuenta una banca exterior que rodea a un estanque de agua conectándose directamente con el mar al tiempo de proveer una excepcional ubicación para eventos teatrales. Un escenario flotante en conjunto con las pantallas led de la fachada crean un espectáculo nocturno diario para el frente marítimo de Busan. www.kubotabachmann.com

Cineteca Nacional Siglo XXI Rojkind Arquitectos Ciudad de México 2011 Para la nueva Cineteca Nacional Siglo XXI la linea rectora de diseño nace de entender las nuevas condiciones del cine de hoy: más movimiento; ahora las pantallas se mueven junto con el espectador, por lo que hay que hacerlo disponible (también técnicamente) en todos sus formatos. Y sí, la cineteca es un espacio para el cine pero se ambicionó más, aprovechar el espacio así como las nuevas tecnologías, para lograr mejores zonas de convivencia. Se tratará de sacar al cine: el cine en el parque, en el café, en la plaza, y viceversa. Se añadirán cuatro salas nuevas, sumando un total de 1000 butacas extras, además de renovar las salas actuales, cuya capacidad será aumentada de 2050 a 3050 butacas. Se construirá un estacionamiento de seis niveles lo que permitirá liberar el 70% del área ocupada hoy en día. Ese espacio, además de permitir la construcción de las nuevas salas, se aprovechará con áreas verdes y foros de usos múltiples. En total, la Cineteca Nacional aumentará su superficie construida de 20 mil a casi 29 mil m2, de los cuales 7 mil estarán destinados a áreas verdes. www.rojkindarquitectos.com

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Complejo Cultural del Distrito Longgang Mecanoo Architecten Shenzen, China 2011 Mecanoo architecten fue seleccionado por el gobierno de Shenzhen para diseñar un nuevo complejo cultural que incluye un museo de arte y uno de ciencias, un centro juvenil y una mega librería con un área total de 90,000m2. La propuesta, a decir del jurado, encaja perfectamente en el ambicioso plan de transformar el parque Longcheng en un parque cultural de museos. El complejo de museos está localizado entre el distrito comercial de Longgang. Los museos y la biblioteca se conectan mediante unos arcos inmensos que crean cuatro plazas cubiertas, tan necesarias en esta ciudad subtropical con el apoyo en el diseño estructural y sustentable con la consultora Grontmij. www.mecanoo.nl

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Mobilizarte Grimshaw Brasil (pabellón móvil) 2011 Grimshaw ganó el concurso de diseño para Mobilizarte, un pabellón móvil que planea recorrer Brasil durante el Mundial de Futbol de 2014 y las Olimpiadas en 2016. El pabellón de 500 m2 iniciará su recorrido en el verano de 2012, cuando comiencen los juegos olímpicos. La estructura móvil ofrecerá servicios culturales de proximidad en un tour por 10 ciudades en un orden rotatorio para forjar una relación comunal entre la campaña y las ciudades participantes. En su interior se realizarán exposiciones internacionales, festivales de cine y educación artística accesible para todos. Proyecciones de

películas al aire libre y proyectos satélite de artistas contemporáneos ayudaran a incorporar un tema centralizado ligado a cada comunidad. Los talleres educativos estarán dirigidos a estudiantes desde nivel primaria hasta universidad y las exposiciones estarán íntimamente asociadas con eventos populares tales como Rock in Rio y el Mundial de Futbol de 2014. Inspirado en el arte, la cultura brasileña, y el espíritu optimista del Movimiento Moderno en Brasil, el diseño está regido por los retos logísticos de la movilidad. Los materiales y sistemas constructivos permiten múltiples configuraciones que son fáciles de instalar y desmantelar. Un sistema único de inflables metálicos y globos de plástico en la cubierta le dan una presencia icónica a la estructura y al mismo tiempo la proveen de una ventilación natural ajustable y oportunidades para esquemas de iluminación únicos. www.grimshaw-architects.com

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casa glocal

casa glocal En esta ocasión Erika Winters es nuestra invitada para Casa Glocal con un espacio destinado al descanso, sabemos que ella nos aportaría algo interesante por su intensa búsqueda en crear espacios cálidos. ¡Bienvenida Erika a Casa Glocal!

Erika Winters Erika Winters es una diseñadora que se involucra con cada proyecto de principio a fin. Desde que se inició como interiorista tuvo la visión de buscar aliados con historia: mobiliario de otras épocas los cuales reinterpreta dándoles un gesto de unicidad. Con estas piezas y con las nuevas tendencias ha logrado generar espacios de interiorismo que tienen varias voces pero un mismo lenguaje. Estudia diseño interior en el instituto Héctor Cérvino, para después estudiar filosofía en la universidad Panamericana –en el intermedio cursa mercadotecnia y ventas en Estados Unidos—. Sus inicios como empresaria del diseño fueron en 1992 con Alquitrabe, para ya en el 2005 abrir el taller de interiorismo y diseño Erika Winters Design. Con esta firma ha logrado realizar importantes proyecto de interiorismo residencial, en donde da a sus clientes el beneficio de contar sus propias historias pues trabaja con ellos cada detalle. *Agradecimiento al render: Di & Di Diego Herrera Farias

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“El espacio está pensado para una familia de adultos jóvenes. Se buscó la combinación formas y materiales que permitieran transitar en un ambiente tranquilo y sofisticado”. “El ambiente creado en la habitación principal por la selección Soft Loop permite a la pareja disfrutar cómodamente de la luminosidad, el color y las texturas suaves con algunos toques de acabados brillantes. Los muebles son de formas simples y curvas. La mayor parte de ellos son de época, restaurados y adaptados a la necesidad de la habitación” Erika Winters

Nota: Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresión o luz. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx / Atención al consumidor: 01 800 712 66 39

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diseño + empresa

Diseñado por El sueño de una joven empresa: crear identidad en el diseño mexicano Gaia Romero Figueroa Fotografías cortesía Diseñado por Lámpara “La araña” por EOS México

Ricardo Suárez y Daniel Gayosso nos hablan de cómo nace esta exitosa tienda en línea.

or todos es sabido que en México existen muchos diseñadores comprometidos con el ejercicio de su profesión, esto lo vemos reflejado en sus propuestas originales y de gran calidad, sin embargo, aún son pocos los espacios para la promoción y difusión de lo que se está haciendo en el país. Es ahí donde los creadores de Diseñado Por vieron una gran oportunidad. Sus fundadores son diseñadores industriales de profesión y tienen como objetivo ayudar a forjar ‘identidad’ en el diseño mexicano, impulsando sus manifestaciones mediante el reconocimiento a los diseñadores, hablando sobre el producto, e incluso, comercializando los productos editoriales que existen sobre

esta materia. Buscan revalorar el talento y que el día de mañana México sea reconocido internacionalmente, no sólo por la excelente factura, si no también sea un referente obligado el ámbito de la creatividad. En palabras de Ricardo Suárez y Daniel Gayosso, Diseñado Por busca ser la ventana principal y el medio más importante de promoción y comercialización para el diseñador mexicano, claro está, siendo amigable con el medio ambiente (un obligado de nuestro tiempo), lo que se logrará bajo una estricta selección de productos que cumplan con los requerimientos del Buen Diseño. Actualmente la tienda en línea de Diseñado Por están disponibles cerca de 70 productos de 21 diseñadores, entre los que se encuen-

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Lapicero Choose your bullets por Jorge Diego Etienne

Taza Entrecortada por Orno Lab

Frutero Lago por Moisés Hernández

tran personajes de gran renombre como: Manuel Álvarez —quien los apadrinara en su inauguración—, EOS México, Ezequiel Farca y Ariel Rojo, por mencionar algunos, así como varios diseñadores emergentes con buenas e innovadoras propuestas. Cabe destacar que constantemente se encuentran ampliando su catálogo de productos y diseñadores, así que vale la pena frecuentar su sitio. http://dix.mx facebook.com/dix.mx @dix_mx.

Gabriel Cañas y su diseño, la silla Tetris

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diseño novel

Mermelada Estudio, simplicidad en un mundo complejo Greta Arcila Fotografías cortesía Mermelada Estudio

no de los talleres más interesante que vimos dentro del Salon Satellite es el fundado por los barceloneses Juan Miguel Juárez, Laura Blasco y Alex Estévez, quienes desde 2007 crean Mermelada Estudio —el nombre surge de los desayunos que compartían (aún lo hacen) cuando iniciaban, lo que les sobraba eran los botes de mermelada, ahí comenzaron a guardar sus lápices, sus cómplices de creación—. Lo más atractivo de su trabajo es la manera en que abordan objetos cotidianos catalogados con estereotipos masculinos, ellos con su trazo los vuelven sin duda femeninos en líneas, colores y formas. Así lo demuestran con su reciente colección Weekend Objets, que está compuesta por una ducha para exteriores, un asador, una lámpara para exteriores, un minibar, una silla y una mesa de exterior. Nos comentan que el nombre se eligió no porque sean objetos para usar el fin de semana “sino por lo que el fin de semana sugiere: relax, estar con los amigos, descanso, tiempo para realizar tus hobbies... Una palabra que nos remite cosas positivas y queríamos hacer piezas para disfrutar con ellas”. En su portafolio encontramos desde mobiliario exterior para la empresa Oi Side (colección Equis), hasta artículos para menaje de cocina o iluminación decorativa para Almerich (colección Maya). Ellos definen sus proyectos “como una mezcla entre personalidad y sencillez, teniendo siempre como punto fuerte en nuestros conceptos la extrapolación ya sea formal, de materiales, de sistemas, etcétera, consiguiendo con ello darle siempre una nueva perspectiva a los proyectos, logrando un resultado diferenciador”. www.mermeladaestudio.es

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Le Porc-Shop, piezas jóvenes de gran carga creativa Fotografías cortesía Le Porc-Shop

onvivimos con el trabajo de Le PorcShop por primera vez en la Galería Mexicana de Diseño. Presentaban una nueva colección para su anfitrión realizada manualmente en su totalidad —se notaba en lo impecable de la factura—, las maderas o bien eran nobles, o habían salido de piezas abandonadas por un familiar. Ahí en plática con uno de sus fundadores, Paula Silva Ruvalcaba, nos comentó que más que hacer piezas para el mercado masivo, preferían conservan el formato pequeño para que cada uno de sus trabajos no se perdiera entre una multitud sin identidad. Estos jóvenes creativos están comprometidos a observar, proponer y hacer diseño sin pretender generar una tendencia; su búsqueda va más allá: hacer objetos que manifiesten la cultura del reciclaje, la no copia, la identidad; objetos que generen discursos. Ella, como comunicóloga de profesión, conoce la importancia de la permanencia, y es justo lo que busca con su socio, el artista plástico Rodrigo Vázquez Guerrero: objetos de edición limitada que se concretan gracias a la participación constante con diseñadores y artistas contemporáneos. Estos talentos mexicanos fundaron su taller en el año de 2008, en Guadalajara, Jalisco, y desde ahí nos regalan piezas que crean su historia gracias a la carga creativa que tienen en sí mismos. En meses pasados abrieron su showroom en donde lo importante es su trabajo y no el contexto, el cual sin falsos protagonismos, se muestra sencillo y en franca convivencia con la naturaleza. www.leporchop.com http://leporcshop.blogspot.com

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view

Cock:

un lugar en donde no hay nada Adrián Moncada Fotografías Jorge Ballina

bstracto y minimalista son las palabras más cercanas para describir la escenografía creada por Jorge Ballina para Cock, puesta en escena presentada recientemente en el Teatro de los Insurgentes. Es una de las obras más destacadas de la escena teatral londinense, estrenada por primera vez en el Royal Court Theatre. La obra cuenta la historia de una pareja homosexual cuya dinámica se ve afectada debido a que uno de ellos se enamora repentinamente de una mujer, creando un irreverente triángulo amoroso. De acuerdo con Mike Bartlett, autor de Cock, la puesta debe desarrollarse en un espacio completamente vacío, sin embargo en la versión mexicana se incorporaron algunos objetos para ayudar a entender mejor la historia.

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“Dentro del proceso creativo algunas cosas son un misterio no todo es metodológico, particularmente cuando hablas de la concepción del espacio” Jorge Ballina

Para Jorge Ballina la obra “está basada en la idea básica de un personaje que se ve obligado a elegir” razón por la cual la esencia de su escenografía es el fraccionamiento del espacio creando una suerte de balanza, usada a lo largo del montaje para crear relaciones y tensiones visuales entre cada uno de los personajes. El resultado transformó por completo al Teatro de los Insurgentes: una plataforma curveada conformada por tres bloques móviles con plataformas más pequeñas que suben y bajan gracias a sistemas mecánicos instalados en el piso de la sala y el pozo de la orquesta, abarcando una parte de la sala en la que normalmente hay butacas para el público. Gracias a lo anterior, se logró acercar al público de una manera peculiar pues en conjunto con el diseño y a la disposición de la gradería se logró una sensación pocas veces vista en la escena teatral mexicana

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de tal manera que cada una de las butacas tenía una visión completamente distinta de lo que sucedió en un escenario tan generoso. En esta puesta, la iluminación es un elemento que ayuda a crear diferentes sensaciones dentro de un espacio en el que existen variaciones mínimas entre cada escena. Para Jorge Ballina “pensar en el público es conﬁar en su inteligencia tratando de contar la historia de una manera más clara; es pensar en lo que hay que hacer para que el espectador entienda mediante una participación activa” logrando un buen funcionamiento del espacio; conservando la intimidad y el contacto cercano con el público. La base del proceso creativo de Ballina radica en empaparse de la obra y en platicar con el Director sobre el enfoque de la misma; sin embargo, sus momentos de creación van más allá, trabajando incluso sus ideas mientras duerme, todo está en “traer la obra en la cabeza”.

columna

Jugando con el color del diseño Jose Luis González Cabrero Imágenes cortesía Magis Me Too

odo comenzó con una niña que aprendía a existían tantos productos con estas caracterísdibujar y la voluntad de su abuelo en querer ticas, y ahí surgió la idea que lo inspiró a crear comprarle un escritorio que estimulara su MAGIS ME TOO. creatividad; pero la fortuna para el mundo creaMagis Me Too (Yo También) nace de la tivo es que el abuelo petición común de era el empresario los niños de queMeToo es una marca italiana Eugenio Perazza, prorer tener las mismas que crea objetos de diseño prietario de MAGIS cosas que los adulpara niños, no son únicamente tos, pero adaptadas Design, una de las compañías mas innoa sus necesidades y muebles o juguetes, son vadoras de la indusestilo de vida. Peratria mueblera en Italia. proyectos que van de la mano zza y su equipo busEn 2004 el Sr. diseñadores con la fantasía y la imaginación caron Perazza buscaba un de fama internaciode los pequeños. restirador a medida nal con un perfil adepara su nieta, no sólo cuado a esta visión: un mueble pequeño o “a escala” sino un objeto curiosos, inventivos y capaces de pensar como ergonómico e intuitivo diseñado especificaniños, para solicitarles que diseñaran, junto con mente para niños, y en esta búsqueda se perla tecnología y procesos de Magis, objetos para cató que en ese entonces en el mercado no estos pequeños usuarios. Puppy Diseño: Eero Aarnio Perro abstracto/banco/ juguete Año de producción: 2005. Material: polietileno estampado en moldura rotacional.

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Para llegar a una defición real del concepto, Perazza contó con la asesoría de psicólogos y profesores de desarrollo humano, quienes buscaron una metodologíia que lograra un punto de equilibrio entre la tradición italiana del diseño, el método Montesori, el juego y la experiencia. El resultado fue único, los muebles se convirtieron en objetos lúdicos, ligeros pero resistentes, formalmente atractivos y “divertidos en su uso”. El color se convirtió en el estandarte de la marca, el primer contacto con los pequeños para invitarlos a jugar e interactuar con los productos. Uno de los primeros productos de la compañía fue la Seggiolina Pop diseñada por el maestro Enzo Mari, su simplicidad y diseño fueron combinados con colores vivos (verde, azul y naranja) para “acondicionar” los espacios de los

Paradise Tree Diseño: Oiva Toikka Perchero Año de producción: 2009. Material: polietileno, lastre y estructura interior en acero zincado.

Julian Diseño: Javier Mariscal Silla para niños. Año de producción: 2005. Material: polietileno estampado en moldura rotacional.

Dodo Diseño: Oiva Toikka Pajaro mecedora/juguete Año de producción: 2009. Material: polietileno estampado en moldura rotacional. AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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Seggiolina Pop Diseño: Enzo Mari Silla para niños. Año de producción: 2004. Material: polipropileno expansivo.

chicos, transformándolos en ambientes vivos, cargados de colores y texturas. El español Javier Mariscal, famoso por el diseño de Cobi, (la mascota de los juegos olímpicos del ’92 en Barcelona) se convirtió en director creativo de la compañía, quien aplicó su experiencia como diseñador y como padre para crear elementos poéticos y personalizabos, desde una colección de muebles que parecen piedras hasta Villa Julia, una casita de cartón blanca, pensada para ser pintada y decorada por sus habitantes, reforzando los valores de la empresa de despertar la creatividad y convertir los muebles en objetos emocionales que motivaran el desarrollo y aprendizaje de los niños. En la actualidad el catálogo MAGIS ME TOO cuenta con más de 20 productos y entre sus diseñadores están los españoles Martí Guixe y El Último Grito, los finlandeses Eerio Aario y Oiva Toikka y el australiano Marc Newson. La colección tiene una gran versatilidad y va desde la ropa que “enseña” los colores o los números (Summer to Spring) hasta mecedoras hechas con la morfología de pájaros extintos (Dodo), pasando por tapetes de rompecabezas, juguetes, percheros y camas modulares. Cada año el catálogo crece y los pequeños se divierten. www.magismetoo.com

Puzzle Carpet Diseño: Satyendra Pakhalé Alfombra rompecabezas Año de producción: 2005. Material: polietileno espansivo cubierto de tela poliester.

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DISEÑO DE PORTADA

CIUDADANO GLOCAL

CONCURSO DE PORTADA

OBJETIVOS: • Dar a conocer nuevos talentos nacionales de las disciplinas que abarca la revista y que compartan espacio con los diseñadores invitados. • Invitar a que los participantes a cuestionarse sobre su identidad como creativos y ciudadanos del mundo con identidad local, y sobre ésta reflexión presenten una propuesta de portada. • Establecer una comunicación con los lectores de Glocal Design Magazine para comprender su visión sobre lo que para ellos es una comunidad glocal. PARTICIPANTES: • Estudiantes de los dos últimos semestres o cuatrimestres de las de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. • Recién egresados (cuatro años máximo) de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. CATEGORIAS: • Diseño Industrial • Diseño Gráfico • Arquitectura Interior • Arquitectura • Artes Visuales *La participación es individual. *Importante a considerar: el formato portada y la ubicación del logo deben de mantener su estado actual, lo que cambiará es la propuesta gráfica. JURADO: • Consejo Editorial de Glocal Design Magazine ASPECTOS A CALIFICAR: • Presentación • Originalidad de la propuesta • Claridad conceptual • Seriedad y compromiso con su trabajo *El jurado es libre de descalificar las propuestas que evidentemente sean copias de algo ya existente.

PREMIO: • Publicación nacional de su trabajo • Habrá 6 ganadores quienes compartirán portada con el diseñador de la revista de Junio-Julio 2012; cinco portadas serán seleccionadas por el jurado y una por el público, todas serán publicadas. Tendremos 6 portadas diferentes. • El jurado seleccionará a uno de los 6 ganadores para que se vaya a Paris a la segunda edición de Maison & Objet 2012 con avión y hospedaje pagados (5 días, 4 noches). *El triunfador deberá de tener pasaporte vigente para que pueda ser acreedor a este premio. *No transferible.

*Los ganadores se darán a conocer en evento organizado por Glocal Design Magazine, se les notificará de la sede y la fecha. El evento será en la ciudad de México.

ESPECIFICACIONES DE ENTREGA: » Costo de participación: 300 pesos a depositar en la cuenta: Banamex de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V., Banco: BANAMEX; Sucursal: 4271; Cuenta:132512; Clabe: 002180427101325127 *Entregar ficha de depósito en el sobre del participante. »Deberá entregarse en un sobre cerrado que contenga: CD o DVD con los archivos digitales en formato EPS, JPG o TIFF para Machintosh en resolución de 300 dpi, tamaño 24 x 31 cms (el tamaño final de la portada 23 x 30 cms); diseño impreso en papel bond de 250 gramos, en formato real; descripción de su propuesta en una cuartilla. »Carta firmada por el autor en donde se notifique que se ceden los derechos de autor y patrimoniales sobre el trabajo entregado a favor de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Ésta deberá indicar que la empresa arriba mencionada podrá publicar dicho material ya sea en su edición impresa, web o para fines de seguimiento publicitario de la cobertura del concurso. Deberá de entregarse una copia oficial de identificación en donde se vea claramente la firma y fotografía del participante; copia de su diploma para comprobar la veracidad de su estatus como estudiante o recién egresado. Sin estos documentos, se anulará su participación en su totalidad. »Entrega: en las oficinas de Glocal Design Magazine: Manchester no. 13 piso 1, Col. Juárez, C.P. 06600. Fecha límite: lunes 23 de abril 2012 hasta las 19 horas. MAYORES INFORMES : ciudadano@glocal.mx

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Blend México: el encuentro de historias convertidas en diseño

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Greta Arcila Fotografía Víctor Benitez

l pasado mes de julio abrió en la Ciudad de México sobre la calle de Palmas en el número 520, un concept store que sin duda marcará pauta: BLEND México, espacio en donde los apasionados y los amateurs del diseño podrán encontrar desde objetos divertidos y con personalidad, hasta los más básicos, claro está, pasando por los objetos clásicos que dan identidad y forma. En plática con Emilio Cabrero, uno de sus creadores y directivos, nos cuenta que este innovador espacio surge ante la “necesidad orgánica de crear, como su nombre lo dice, un blend de estilos: condiciones de diseño y experiencias diversas como son las distintas percepciones de gusto de cada una de las personas que constituyen esta nueva generación glocal, en donde las distancias se han hecho inmensamente mínimas y la información así como el estilo viajan con sus propuestas de manera inmediata”. BLEND busca, entre otras cosas, ser el lugar en donde se encuentren cosas “relajadas” para la vida urbana que nos corresponde, y que los visitantes desde que entren puedan percibir su ambiente ecléctico, y sin duda lo logran. Desde que uno pisa BLEND encuentra objetos que cuentan su propia historia, que por su particularidad, están ávidos de reescribirse. Es un espacio que crea nexos con cualquier visitante por la afortunada mezcla de estilos (una felicitación para quienes realizaron la selección y compra de cada objeto). Ante la pregunta obligada de qué personajes y cuáles firmas son parte del proyecto, Cabrero responde contundente: “No quisiera decir quiénes somos BLEND porque la mezcla de los ingredientes logró el sabor de lo que somos, lo que sí te puedo decir es que todos los que estamos en BLEND queremos crear un destino en donde el diseño y el estilo de vida, sean el día a día, todos soñamos con la idea de que en nuestro país exista un concept store de gran nivel”. Y bueno, si no se han dado la oportunidad de visitarlo, será visita obligada durante del Design Week México ya que es la nueva sede de esta semana de la creatividad, así como el lugar que acogerá la Expo Personalidades y Diseño. www.blendmexico.com

textiles

Svetlana Kuliskova

Arkane庐: Ecol贸gicamente correcto

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“Mi material favorito es la lana cruda, pero la ‘polifonía visual’ la otorgan las redes de metal, fibras, hilos de luz. Ellos son el trabajo de la materia y el espíritu.” Svetlana Kuliskova Janine Porras Forografías cortesía Svetlana Kuliskova

Kuliskova teje y da forma a su creatividad sin ningún diseño previo al mismo tiempo que recoge la tradición checa de las artes decorativas.

n la República Checa, en la década de los 60, en pleno régimen comunista y pese a la represión cultural, la Art Domus de Brno fue el lugar donde los jóvenes pudieron expresarse sin ataduras a través de las técnicas del tejido; este taller fue un proyecto anexo a una fábrica de textiles en activo que albergó una cantidad importante de creadores checoslovacos quienes comenzaron a dar rienda suelta a su expresión en tapices, entre ellos, Svetlana Kuliskova. Svetlana ha sido fiel seguidora de la técnica, hoy tradicional, creada en el Art Domus de Brno. Se convirtió en una experta textil especializada en ropa de diseño y vestuario, además de haberse graduado como artista plástica y multimedia en la facultad de arte en la Università di Brno. Inició labores como asistente en el taller de arte, donde perfeccionó sus conocimientos y comenzó a experimentar. En el Art Domus se creó una técnica especial llamada Art Protist® que incluso fue registrada y se encuentra amparada bajo derechos de autor. La técnica consiste en utilizar lana cruda de Australia, material que permite diferentes expresiones artísticas ya que es sensible y flexible a la mano del artista dependiendo de su distribución, su corte, si es reducido a fino velo, si son pequeñas o grandes cantidades de material, etcétera; es decir, la forma y el color cambian, por lo que el creador tiene un material noble con resultados únicos. La máquina utilizada para realizar los tapices entrelaza en zigzag el material, lo que le proporciona un acabado fino, pues su puntada es visible sólo a corta distancia. Svetlana bebió de muchos lenguajes plásticos, táctiles, artísticos e incansable en su búsqueda propuso un nuevo material, en conjunto con Dyloan Studio, llamado Arakne®. Este componente responde a las demandas actuales sobre el cuidado del medio ambiente sin eliminar las necesidades cotidianas que busca el consumidor: originalidad y singularidad. Arakne® es un material no tejido que se forma a partir de los restos textiles o telas dañadas que se vuelven a trabajar para darles una nueva vida. Esto se logra enriqueciéndolas con nuevas y diferentes fibras que dan como resultado un material único que está siendo usado en el mundo de la moda, la incluyó Calvin Klein en su colección de otoño 2011. Actualmente, Svetlana radica en Italia y su trabajo se concentra en Milán y Turín. www.svetlanakuliskova.com AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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diseño

Arquitectura y diseño ¿se puede? Omer Arbel con proyectos que arriesgan lo demuestra… Rodrigo Fernández Barajas Fotografías cortesía OAO

Arbel nombra por orden numérico cada uno de sus proyectos “así puedes ver el proceso de evolución en tu trabajo”

“Sólo después de haber explorado exitosamente el material y estar convencidos de que éste evoca una respuesta emocional, podemos aplicar la teoría del diseño, la intención formal y la crítica al proyecto” Omer Arbel

mer Arbel (33) arquitecto y diseñador nacido en Jerusalem, reside actualmente en la ciudad de Vancouver. Fundador de OAO, oficina ganadora de premios de arquitectura y diseño, también se desempeña como director creativo de Bocci. En el medio es reconocido por lo innovador de sus objetos de diseño industrial, mobiliario, iluminación y tecnologías para la construcción arquitectónica. Entre sus últimos trabajos está el diseño de las medallas para los juegos Olímpicos de

Casa 23.2

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Invierno del 2010 y el interior del galardonado restaurante japonés Ping’s Café en Vancouver. En esta ocasión Rodrigo Fernández Barajas, con motivo de la apertura de DIEZ Gallery en Blend, tuvo la ocasión de platicar con él en calidad de homólogos, y con un conocimiento real de su trabajo ya que la firma que lidera Fernández Barajas buscó ser distribuidor de Bocci por la calidad y el gran diseño de cada una de sus piezas.

– RFB: El diseñador fue educado para crear toda clase de objetos ¿en qué momento decides diseñar objetos y no edificios? OA: Yo diseño edificios al igual que objetos. Encuentro muy interesante poder comprimir la escala pensando en objetos como arquitecto y en edificios como objetos. AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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– Como arquitecto tienes el conocimiento de cómo influye la luz natural en un edificio ¿qué tan determinante es este aspecto al momento de diseñar una luminaria? Es verdad, poseo una gran sensibilidad hacia la luz natural. Cuando diseño iluminación, no existe una dependencia o referencia evidente hacia mi sensibilidad a la luz natural, por el contrario contribuye a mis instintos… es el trabajo, por así decirlo, ‘detrás de bambalinas’.

– Utilizas una gran variedad de materiales ¿qué los hace especiales para seleccionarlos al momento de diseñar algo y cómo influye esto en tu trabajo? Nosotros no estamos interesados en la forma. Iniciamos cada proyecto con la exploración del material. Nos gusta diseñar sistemas para manipular materiales que cuenten con cierta libertad intrínseca, que permiten la fabricación de piezas diferentes en cada repetición del proceso. El sistema que diseñamos le da cabida a la forma… no es algo que nace en nuestra imaginación.

Arbel no comparte la distinción entre ‘arquitectura’ y ‘diseño’, prefiere trabajar bajo la tradición Bauhaus, movimiento que veía las dos profesiones de forma relacionada.

14.0 por Omer Arbel

21.0 por Omer Arbel

– ¿Cómo es la vida para un diseñador canadiense de vanguardia en un país en donde la mayor parte de la población es mayor de edad? ¡No sólo mayores de edad, sino también insensibles al diseño! Estamos en la periferia del mundo del diseño. Esto trae cosas positivas y negativas. Hablando de lo positivo, es bueno estar alejado de los núcleos porque nos permite crear nuevas ideas. El lado negativo es que nuestro mercado local es tan pequeño que no apoya la clase de trabajo que nosotros estamos interesados en desarrollar. Así que debemos trabajar en otros mercados, lo cual es difícil.

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– Como diseñador de luminarias me identifico mucho contigo ¿cuál es el mayor desafío de diseñar este tipo de objetos y cuál es el mensaje que quieres dar a través de tus productos? La luz es un medio de tipo emocional. Así que al diseñar una lámpara, en cierta manera estas trabajando con emociones. Para algunos la luz tiene connotaciones de tipo metafísico… es muy poderosa.

– Teniendo en cuenta el proceso de fabricación artesanal, como el utilizado para crear tus productos, ¿cuál es el riesgo más grande que haz encontrado y cómo hacer más efectiva la manera de trabajar con los artesanos para lograr un producto de alta calidad y la ingeniería? Nosotros tomamos riesgos todo el tiempo. La 14 fue la primer pieza en ser producida… imagina esto… había 13 piezas anteriores que habrían podido ser maravillosas, pero que tenían cierto tipo de error fatal. La clave está en tomar riesgos, caer, levantarse, y seguir moviéndose hacia adelante.

28.0 por Omer Arbel

– ¿Te consideras canadiense, a pesar de que naciste en Jerusalén? ¿Qué puedes decirnos acerca del diseñador que nace en un país y ejerce su profesión en otros lugares? ¿Los diseños cambian dependiendo el lugar de origen o lugar de residencia? Sí, me considero Canadiense. Pero el problema más grande está en el regionalismo en el diseño. Mi posición consiste en que el regionalismo en realidad ya no existe. Las influencias culturales son como un collage, vienen de diferentes fuentes, en varias capas y son complejas; algo que debemos aprovechar. Yo quisiera que la gente piense en mí no como un ‘buen diseñador Canadiense’ si no como un ‘buen diseñador’ y punto.

– El trabajo de Enric Miralles es una gran contribución a la arquitectura contemporánea ¿qué lecciones recibiste de él? Fue genial verlo a la altura de su practica… más que lecciones individuales ( las cuales fueron muchas), mi experiencia allí me dio una idea de lo que podría ser el modo de operar a ese nivel de maestría. www.omerarbel.com

* Las piezas de Omer se pueden encontrar en DIEZ GALLERY dentro de BLEND en Palmas 520, México, D.F. www.diezgallery.com AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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enfoque

Esrawe Studio...

Con el compromiso por la innovación Greta Arcila Fotografías cortesía Esrawe Studio Retrato Gabriel González

nvitar a Héctor Esrawe, además de respetarlo como uno de los talentos que han abierto el camino para las nuevas generaciones, era casi un reto: cada vez lo que entrevistaba, cambiaba de trabajo. Hoy no cambié de trabajo, hoy tuve la oportunidad de platicar con una mente visionaria que ve al movimiento como algo inherente a su vida, un personaje comprometido con su equipo, con la sociedad y con el momento histórico en que le correspondió vivir.

» GA: ¿Cómo en México sobrevive un diseñador industrial siendo que la industria del mueble casi no apuesta por el diseño industrial? HE: No acoto la acción de diseñar simplemente a mobiliario; en sí el diseño es como un proceso vivo. Soy diseñador industrial, pero tengo preferencia por interiores o por mobiliario. Sin embargo, cada día se presentan proyectos diferentes como cuando se me acercó Michael Kramer de Nouvel Studio para hacer vidrio; hemos lanzado productos que integran la alianza de branding como Cielito Querido Café… todos ellos son clientes que ven en el diseño una posibilidad de ser diferentes y de destacar de alguna forma. Yo no estoy seguro de que no haya industria. Mi pregunta sería más bien si existe la difusión correcta. En ocasiones las carencias que tiene México es por la poca o nula difusión y gestión por parte de autoridades o de instituciones, no pretendo decir que exista una estructura de gobierno que facilite la vida a los diseñadores, simplemente que apoye a la industria en crecer sus capacidades a través del diseño.

» Y en ese sentido, tú como promotor y generador de la cultura de diseño en México ¿qué es lo que sientes que ha cambiado de unos años para acá? Obviamente hay un interés de los medios nacionales como internacionales por el diseño mexicano. Ha habido muchas nominacio-

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“Para mí el proceso y la ciencia del diseño son más interesantes, me generan innumerables posibilidades”

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nes para el diseño mexicano en muchas partes del mundo. Nosotros fuimos nominados por el Bar & Restaurant de Londres, la mesa Field, las bancas Cien pies, lo que ha pasado con NEL, lo que pasó con Pirwi, lo que pasa con Emiliano Godoy… cada día hay más material del cual hablar.

» Mencionas a Nel y Pirwi, ¿cómo es tu experiencia con cada uno de ellos y porqué colaboras con ellos? Bueno, definitivamente para mí la colaboración es el eje de mi despacho. Por la puerta del estudio pasan arquitectos como Michel Rojkind, Tatiana Bilbao, At103, Emiliano Godoy, Alejandro Castro o Cecilia León de la Barra; creo en la idea de sumar y de hacer a un lado el protagonismo entendiendo que un mejor proyecto se da a partir de la unión de talentos. Por ejemplo, la alianza con Nacho Cadena para branding, ha sido muy relevante, ha detonado las posibilidades del estudio, hemos sido mucho más contundentes, mucho más certeros.

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OVO de Esrawe para Pirwi

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Chase Vari de Esrawe Studio

» ¿Qué material te ha sorprendido?

» ¿Desde cuándo comienza la colaboración y cómo es el proceso de trabajo? La colaboración se da tanto afuera del estudio como internamente. En la mesa de trabajo hay discusiones sobre cada proyecto, estoy vinculado en todos los procesos de todos los proyectos, tengo puntos de contacto que me permiten ver cada detalle; no somos un estudio que tiene una fórmula y la adecúa una cosa a la otra; te puedo decir que a veces pasa un mes sin que hayamos dibujado. Tratamos primero de darle nombre y personalidad al proyecto, de entender a fondo lo que es y lo demás pasa de forma natural. » ¿La tecnología ha cambiado tu proceso? Totalmente. El laser con el que hacemos las maquetas me ha permitido de forma muy ágil tener distintas referencias de cosas a las que me quiero acercar, que de otra forma hubieran sido muy intuitivas o hubieran estado limitadas a tiempo y recursos. Pero de ninguna forma te diría que yo diseño a partir de la tecnología, y eso es importante porque hay un proceso de maduración de muchas tecnologías que están ‘escupiendo’ procesos torpes y que tienen que ir madurando. AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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El printing de 3D. No he tenido tanto acercamiento a él, pero es algo que me seduce y que, como muchas veces dice Rojkind, ‘el futuro se podrá imprimir’, y en sí hay una página web de unos diseñadores de un proceso rambom para hacer sillas, donde ellos resuelven por distintas variables la parte tridimensional de la silla y tú la trazas en la computadora generando un patrón de CAD que puedes mandar a imprimir a un CNC.

» Hablando de la cultura del diseño en México, ¿crees que realmente exista? Hay una generación que gesta procesos y productos, ya hay un público que se siente orgulloso de que las cosas pasen desde México. Existen productos de calidad con un humor propio. Están todos los ingredientes para poder hacer diseño con pasado, con tradición. Lo que falta es crítica, comunicación, integración, eliminar las ambiciones personales.

» Dices que falta comunicación, pero ésta comienza en parte en las universidades, para ti, ¿cómo están las universidades? Hay esfuerzos muy bien hechos que empiezan a denotar cambios, hay generaciones que tienen más presencia y más difusión a través de las relaciones de las escuelas, sin embargo,

sigo creyendo que existe un paternalismo enorme, la exigencia en las posibilidades podría ser mayor.

temporada en el estudio, Oscar Núñez, Ricardo Casas, Antonio Guadarrama, Ernesto García y muchos otros.

» De tal forma, ¿qué es lo que tú buscas en

» ¿Y qué nos quiere dar a la sociedad

un creativo joven para que sea parte de tu equipo. La actitud es totalmente relevante, alguien que esté hambriento de búsqueda, que sea incansable, que tolere la frustración, y los hay. Tengo la fortuna de decir que por mi estudio han pasado buenos diseñadores. Tuve la oportunidad de que Jesús Irizar de Mob trabajara una

Esrawe Studio? Me emociona mucho generar fuentes de empleo. Me interesa acercar a las industrias para tengan productos que las haga competitivas y de ahí puedan también dar empleo y riqueza, que no sólo se refiere al diseño, sino a una riqueza cultural, una riqueza hacia su equipo de trabajo.

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Colaborar con un museo como el de la Memoria y Tolerancia; hacer un foro de conciertos para Ocesa aquí en la Condesa; coparticipar con un equipo de arquitectos y diseñadores con Architecture for Humanity para la creación de una escuela; en sí en este ámbito el espectro es enorme…

» S i e m p r e h a z s i d o u n d i s e ñ a d o r entreprenur, háblanos de esto… Todo han sido circunstancias. Cuando yo estaba en la universidad me veía abriendo mi primera tienda a los 40 ó 50 años, pasó a los 26. Real-

Cielito® Querido Café

mente empecé a trabajar desde la universidad, siempre convencido de que había muchas más posibilidades para el diseño de las que nos decían. Por otro lado, montar una fábrica y volverme el administrador de mi negocio fue un mal necesario que respondía a mi obsesión por hacer bien las cosas.

» Tus piezas son parte de lo que Pirwi presentó en Milán este año ¿qué pasó después de Milán? Ya está pasando, Pirwi envía un contenedor de muebles para Europa este mes. Exponemos en París durante el marco de Maison &objet, y en Londres en la galería Mint. Hay una conciencia clara de los consumidores hacia productos que dialogan con lo sustentable y ven en nosotros algo que les interesa. www.esrawe.com AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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vivienda

Entre tramas de colores,

un departamento reinventado

Ubicado en Humlegården, Estocolmo, este proyecto de Tham & Videgård Arkitekter utiliza los tradicionales patrones suecos y lo cambiante de la naturaleza para desarrollar una vivienda llena de movimiento y vida.

Alfonso Maldonado Ochoa Fotografía cortesía Tham & Videgård Arkitekter

artiendo de la tradición sueca del uso de patrones y colores en interiores, un camino explorado por arquitectos y artistas como Carl Larsson y Josef Frank, este departamento se relaciona directamente con las vistas del parque Humlegården donde la vegetación en el exterior cambia con las estaciones; de gris y negro en el invierno a un verde profundo y brillante en verano, y de naranjas a rojos y amarillos en el otoño. Nuestro primer punto de partida para restablecer la calidad constructiva del que alguna vez fuera un departamento de lujo de finales del siglo XIX y principios del XX, que había sido totalmente alterado; y que incluso funcionó algún tiempo como hotel, dejando muy pocos trazos del original. La ubicación y la calidad de una larga hilera de habitaciones que se relacionan con el espacio verde del parque, el uso tradicional de patrones en Suecia y la identificación de programas por códigos de colores que los clientes habían visto en otro proyecto, fueron la inspiración para el diseño del departamento, generando una conexión con su contexto físico y cultural. La distribución del departamento se transforma con la superposición de colores que añaden una nueva estructura de espacios vinculados entre sí a lo largo de la planta original. El piso de parquet funciona también como un sistema unificador que ofrece diversas posibilidades de diseño. Una vez que fueron definidos los diferentes tonos de color los arquitectos Martin Videgård y Bolle Tham de Tham & Videgård Arkitekter, desarrollaron cada habitación en relación con las demás, al grado que cada uno de los parquets sobredimensionados, de 20 x 60 centímetros fabricados en fresno, fue

planeado para encajar en el lugar correcto, es decir, estos no fueron colocados al azar durante el proceso de construcción. Sobre esto, los autores mencionan: “Siempre estamos interesados en encontrar maneras para detallar y producir arquitectura que combina procesos industriales contemporáneos con la calidad de materiales y detalles artesanales. Cuando funciona significa que el resultado es fácil de construir y se nota como bien ejecutado. El parquet es un ejemplo”. El mobiliario es blanco en su totalidad para enfatizar las cualidades físicas del diseño de cada una de las piezas y a su vez crear ensam-

bles congruentes que incluyan piezas de diseñadores y épocas completamente disímiles. Al tratarse de un edificio catalogado, las ventanas emplomadas originales fueron conservadas y la remodelación del interior fue únicamente posible gracias a que ya había sido gravemente alterado en el pasado. Afortunadamente para todos la intervención se pudo realizar tal y como estaba previsto y los clientes, una familia de cuatro integrantes, puede disfrutar cotidianamente de la vida en este extraordinario campo de colores. www.tvark.se www.glocal.mx

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“Siempre estamos interesados en encontrar maneras para detallar y producir arquitectura que combina procesos industriales contemporáneos con la calidad de materiales y detalles artesanales. Cuando funciona significa que el resultado es fácil de construir y se nota como bien ejecutado. El parquet es un ejemplo” Martin Videgård y Bolle Tham

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dentro

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Nombre del proyecto: Museo Memoria y Tolerancia Promotor: Memoria y Tolerancia A.C. Arquitectura: Arditti+RDT Año de término: 2010 Ubicación: Plaza Juárez, Ciudad de México

Nike

Stadium Milan Alfonso Maldonado Fotografías cortesía Maat Architecttura

En pleno corazón de Milán Nike unió a grandes del diseño de marca como Future Brand y a innovadores interioristas como Maat Architettura, para crear un espacio denota un estilo de vida en donde el deporte y el arte combinen de cerca.

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“El espacio recién transformado cambio la percepción de los volúmenes al tiempo que los valores de la marca Nike viven en cada detalle” Gianni Tozzi, Director Creativo de Future Brand

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n concepto comercial inspirado por la nueva campaña internacional de Nike “Free Yourself”: la flexibilidad y elasticidad del zapato Nike Free fueron el punto de partida de la experiencia multisensorial a través del cual las mujeres podrán expresarse a sí mismas. Las féminas son las protagonistas del concepto Free para las colecciones Primavera Verano 2011 en el espacio de Foro Bonaparte 50 en Milán, y también se seleccionó a grandes expositoras del sexo femenino como artistas, deportistas y fotografas, para expresar en conjunto el mundo de Free. FutureBrand eligio a Martina Tabó (Maat Architettura) para transformar los volúmenes de Nike Stadium creando una nueva dinámica entre el espacio y los productos. Ellos transformaron a Nike Stadium en una fluida solución espacial, una secuencia continúa de espacios integrados completamente envueltos por 5 mil metros de tela especial para dramatizar el impacto. Una sinuosa cubierta establece conexión entre los diferentes ambientes, donde eventos en vivo y la experiencia de compra conviven para materializar la total energía de la marca. Free es también una representación artística con impresionantes intervenciones en vivo de las ilustradoras Camilla Falsini y Gio Pistone que incrementan el impacto visual de los muros de la tienda y de la exposición de la fotógrafa de Nueva York, Skye Parrot, cuyo trabajo capto la pasión, competencia y energía del equipo femenil de canotaje Canottieri Milano. La selección de productos de diversas categorías fue curada por Doriana Lelpo, una entredora de Virgin Active Milan y que representa los valores y el espíritu de la experiencia de marca. Hablando acerca del nuevo concepto de comercio, Gianni Tozzi, Director Creativo de Future Brand menciona: “Es una forma extraordinariamente creativa de darle nueva vida a una impresionante ubicación. Cada detalle cuenta acerca de las principales características del producto de una forma inesperada”. www.maatarchitettura.it

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El color utilizado como arma para sanar

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Una vez mรกs se utiliza el color para los lugares dedicados para la salud, testimonios de pacientes hablan de cรณmo se sienten mรกs en casa en este espacio de por Two Create.

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Alfonso Maldonado Ochoa Fotografías John Selby

a firma londinense Two Create recibió el encargo de diseñar los interiores de la más reciente Unidad del Fideicomiso para Adolescentes con Cáncer en el nuevo hospital Queen Elizabeth de Birmingham. Este particular espacio para 12 pacientes, cuenta con cuatro habitaciones individuales, dos bahías con cuatro camas y tres áreas sociales que incluyen un cuarto de estudios, un cine y una cocina con sala de estar. Se consultó a pacientes a lo largo del proceso de diseño del que surgió el tema de “Hotel Boutique”. Cada habitación es diferente a la siguiente, de tal manera que los pacientes que regresan para un segundo tratamiento puedan quedarse en ambientes diferentes en cada visita, como lo son el cuarto pop inspirado en los sesentas o el loft neoyorquino. Los implementos estandarizados fueron utilizados o adaptados de forma inteligente, como el acabado metálico de los paneles de los muros en las cabeceras, donde Two Create diseñó imanes que pueden ser utilizados por los pacientes para personalizar sus habitaciones con bienes personales tales como posters y fotografías. También se diseñaron piezas a la medida como lockers para consolas de videojuegos, medicinas y pertenencias personales, pequeñas mesas para pacientes con suero y áreas de almacenaje para lo más reciente de tecnologías de audio y video. SCP y Vitra fueron los proveedores del mobiliario contemporáneo que tuvo que cumplir con las ultimas especificaciones en materiales anti microbios necesarios para el uso hospitalario. Rosie Kilbum, una de las primeras pacientes en ocupar el espacio menciono en su blog “…es increíble. Los muros son metálicos y los gráficos pueden moverse para poder detener fotos. Hay una terminal para iPod en cada sección y sillas y sofás cama especialmente diseñados. Todas las ventanas tienen diferentes diseños esmerilados que los vuelve geniales en vez de estar en espacios que violan tu privacidad”. Debbie Adams, la Gerente de Desarrollo de Servicios del Fideicomiso para Adolescentes con Cancer en la región menciona: “La sociedad entre el Fideicomiso para Adolescentes con Cáncer, Two Create y el Hospital Queen Elizabeth de Birmingham a resultado en unas ins-

talaciones fantásticas para adolescentes y adultos jóvenes con cáncer. El Fideicomiso para Adolescentes con Cáncer está orgulloso estar asociado con Two Create y esperamos seguir trabajando juntos en el futuro”. Cada día en el Reino Unido seis jóvenes son diagnosticados con cáncer. Usualmente son colocados en unidades para niños o ancianos, donde los jóvenes se sienten extremadamente aislados mientras enfrentan su enfermedad. El Fideicomiso para Adolescentes con Cáncer construye unidades en Hospitales del Sistema Nacional de Salud que ofrecen un cuidado especializado para pacientes jóvenes en ambientes apropiados para ello. Incluyendo ésta en Birmingham, existen ya 17 unidades y planes para crear otras 16 a lo largo del Reino Unido. www.twocreate.co.uk www.glocal.mx

Piezas de mobiliario clásico y objetos cuidadosamente escogidos fueron usados como gráficos de vynil recortado para ambientar las habitaciones, así por ejemplo, el cuarto Loft tiene ilustraciones de mobiliario y lámparas de Harry Bertoia y Archille Castiglioni

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Unknown Union,

retail para el fashion masculino Con una paleta cromática de pasa por todo el arcoíris, Rafael de Cárdenas plantea una nueva manera de exponer la ropa para hombres Alfonso Maldonado Ochoa Fotografías cortesía Architecture at Large

l arquitecto y diseñador de interiores establecido en Nueva York, Rafael de Cárdenas de Architecture At Large, diseñó la más nueva boutique de ropa de hombres en Ciudad del Cabo, Unknown Union. Establecido en un edificio histórico del siglo XVIII en el corazón de la ciudad, es un colectivo internacional y nodo creativo que incluye una selección global de colecciones de moda disponibles exclusivamente en África a través de su tienda y que incluye marcas como ANYthing, Pendleton, Surface to Air y Penfield USA, entre otras. Buscando una alternativa a los omnipresentes diseños obscuros y de piel que prevalecen en las boutiques de ropa para hombres, de Cárdenas creó un vibrante ambiente caleidoscópico para exhibir la ropa de los dueños y curadores de Unkown Union, Sean Shutter, Jason Storey y Daniel

Jackson. Los dos niveles incluyen un laberinto de estantes degradados en múltiples y brillantes colores como cerezas, verdes, amarillos y rosas, sobre un calido piso de cerámica de barro y muros blancos. El plafón es una telaraña de luces fluorescentes, una marca de de Cárdenas, en ocasiones suspendidas con cables. Estos atraviesan la red de estanterías —cubos apilados en diferentes configuraciones de altura y espesor— aportando profundidad e interés visual en formas inesperadas. El segundo nivel de la tienda, accesible a través de una lustrosa escalera blanca, es hogar para un ambiente siempre cambiante de boutiques pop-up realizadas mediante instalaciones creadas por diseñadores, un espacio de proyectos e ideas para artistas locales e internacionales. www.architectureatlarge.com www.glocal.mx

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resto & bar

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Salón de Groninger Museum Reinventando el pasado Studio Job y su diseño lúdico *Junte Jeroen Fotografías cortesía Studio Job

l salón creado por Studio Job para el Museo de Groninger es una joya en sí mismo. El dúo de diseñadores, Job Smeets (1970) y Nynke Tynagel (1977) se inspira en los clubes privados del siglo XIX siempre visitados por señores con sombrero de copa con único fin de fumar en el lugar. Bastiones de la sofisticación en su tiempo, estos lugares contaban con gruesas alfombras de pelo, suelos de madera crujiente, candelabros suspendidos de los techos. Este gentil y llamativo espacio ha sido reinterpretado por Studio Job, usando elementos icónicos, interiores de finos materiales y producido por los mejores artesanos. Pero esta vez, el uso es irónico. En este proceso creativo, Studio Job no es reticente a citar su propio trabajo. La fuente está hecha de bronce fundido. La policromía del vidrio emplomado representa las vidrieras del pasado. El bar está equipado con marquetería de madera. Las lámparas de pared de cristal y las luces del techo fueron fabricadas por la afamada empresa de vidrio de Murano Venini. Se trata de un lujo excesivo que rara vez se ve en estos días. Una reliquia de una época pasada.

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Pero, como siempre, las cosas no son lo que parecen. Las lámparas de cristal tienen la forma de un seno femenino. La fuente consta de un grifo que gotea sobre un cubo grande. Las Gothic Chairs, fabricadas por Moooi, están fundidas de plástico y las cortinas gruesas, fabricadas por Exposize, no son más que una impresión en material fotográfico. Este choque entre lo viejo y lo nuevo, altos y bajos —buenos y malos, si se quiere— ha sido llevado por Studio Job hasta el límite. El pilar es de hierro oxidado. Los manteles están bordados con las representaciones arquetípicas de prisiones y campos. El suelo de parquet es un laberinto confuso. Entre las paredes del museo, vemos el simbolismo mundano elevado a arte y la belleza contaminada por la banalidad. El interior neoclasicista forma un fremdkörper (cuerpo extraño) incluso hasta en un edicio postmodernista de Alessandro Mendini. Studio Job ha creado una Gesammtkunstwerk (obra de arte total) en el que la fantasía y la funcionalidad se mezclan en un paisaje de ensueño que no respeta todas las normas museológicas de buen gusto. www.studiojob.nl

*Crítico de arte y diseño.

hospitalidad

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Y el arte se manifestó… El nuevo Del Carmen Hotel Concept cobija 9 habitaciones inspiradas en grandes artistas mexicanos, Bibiana Huber, su creadora, lo deﬁne como un lugar mágico, místico, ecléctico, bohemio, íntimo. Gaia Romero Figueroa Fotografías cortesía Del Carmen Hotel Concept

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Fue un proyecto global ya que el equipo de B-Huber diseñó y desarrollo todo el mobiliario del hotel.

esde julio del presente año, el Centro Histórico de la ciudad de Guadalajara tiene un nuevo residente amante de lo artístico, el nuevo hotel Del Carmen Hotel Concept, el cual a decir de su creadora en lo referente a diseño interior y mobiliario, Bibiana Huber, es un espacio donde el arte tiene total libertad creativa. Este proyecto se desarrolló en una vieja casona que tiene una gran plaza con jardines, iglesia barroca y el reconocido Ex Convento del Carmen como escenario. Ahí los clientes deseaban hacer un homenaje ‘literario’ a Juan Rulfo, a lo que comenta la directora de B-Huber: “Rulfo solía vacacionar en este lugar. Partiendo de su estilo literario, el realismo mágico, decidimos extender el concepto hacia el espíritu surrealista de la Ruptura… Algunos artistas no podían faltar en la selección, como Frida Kahlo y Rufino Tamayo quienes gozan de reconocimiento internacional. Otros artistas como José Luis Cuevas fueron clave en la construcción del pensamiento artístico de la época, y fueron elegidos sin dudar”. Para la selección final se realizó una profunda investigación, en ésta se tomaron en cuenta factores como la complejidad biográfica, diversidad pictórica, vastedad en obra, popularidad, y claro está, el uso del color. Y justo sobre este último tema Huber nos platica que el proceso fue casi automático: “El diseño involucra siempre un análisis formal de gamas de colores y relaciones entre ellos, pero, en este caso, los colores ‘estaban’ ahí en las pinturas; sólo se necesitó observación global de la obra de cada artista y un poco de comprensión instintiva del color para saber, por ejemplo, que a Remedios Varo le correspondía una habitación de olivos, tintos y ocres; mientras que Pedro Coronel debía ser homenajeado con explosiones de rosa, jade y turquesa”. Las habitaciones favoritas de los intergrantes de B-Huber las habitaciones favoritas son las inspiradas en la obra de Pedro Friedeberg, Gunter Gerzo, Remedios Varo y Leonora Carrington. www.b-huber.com www.delcarmen.mx

“El hotel es una máquina extraordinaria para crear experiencias, emociones, recuerdos” Phillipe Starck

6 habitaciones 2 Suites Bar-cafetería Restaurante (dedicado a Frida Kahlo) Terraza privada Solarium Biblioteca en la cafetería Préstamo de bicicletas Se admiten mascotas

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intervención

Mirada que reta Franco Aguirre Fotografías Solid Objectives-Idenburg Liu

n los Países Bajos, la porcelana de Meissen se considera a menudo como “de clase alta kitsch”. En un estilo narrativo de la decoración que se pone en contradicción con los estilos minimalistas y conceptuales de hoy en día. Solid Objectives - Idenburg Liu (SO- IL) fue seleccionado por KADE Kunsthal para el diseño de un ideal contemporáneo tridimensional con el cual presentar la porcelana de tal forma que pondría en entredicho este prejuicio y centrar la atención en los grandes valores escultóricos, artísticos pie de foto y técnicos de Meissen. En respuesta, el SO - IL diseñó 32 vitrinas con formas geométricas de colores brillantes y terminado “en punta”. El objetivo de esta exposición es para que el espectador pueda ir a un entendimiento inicial —de fondo—de los objetos de la exposición. Mediante el diseño de los gabinetes se intenta “disecar” la visión convencional de los objetos, para que el visitante se vea obligado a redefinir su relación con el trabajo. La organización del color, forma y material reduce la individualidad de las piezas y su objeto como el personaje, para crear una experiencia más fluida y visceral. Se trata de una transición de objeto a la experiencia, y muestra el potencial de la arquitectura para que actúe como mediador en este proceso. La porcelana que se muestra proviene de la colección de Von Klemperer, la fábrica de Meissen y varias colecciones privadas en Inglaterra y Alemania. http://so-il.org/ AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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Con la intención de que el espectador redescubra el valor del arte de la porcelana, se replantea la manera de acercarse a éste

evergreen Marcos G. Betanzos Correa Fotografías cortesía Mecanoo Architecten

Un monolito diseñado

Teatro y Centro de Convenciones La Llotja

esde que el proyecto fue presentado a la comunidad se discutía la originalidad de la forma. Algo que parecía profundo se convertía en superficial, no había nada que debatir si le antecedía un proyecto o no, era algo que podía desestimarse. Lo esencial radicaba en qué punto esta nueva iniciativa reflejaría un beneficio a la ciudad y sus habitantes. Y con este objetivo en la mesa, Mecanoo Architecten diseñó un edificio icónico que literalmente se arraiga a su contexto. Se trata de un prisma que parece haber sido tallado caprichosamente para emerger del suelo y elevarse como un mirador urbano que permite visualizar la ciudad que lo rodea y los dos principales referentes del emplazamiento, el

Río Segre como el punto más bajo de la ciudad y La Catedral de la Seu Vella, que representa el punto más alto de la misma. Conceptualmente este proyecto ofrece una lectura en tres tiempos: por una parte la plaza como espacio público que funciona vinculando ciudad y arquitectura; por otra, los voladizos de la estructura que protegen a los usuarios del sol y la lluvia y, por último equilibrando con su escala, ofrece desde las calles diferentes perspectivas que le permiten evocar el color de la arquitectura románica de la catedral y la montaña ya abstraída con un inquietante juego de alturas. Si bien el exterior tiene demasiado peso por su texturizada piel pétrea el interior permite, desde los vestíbulos principales, encontrarse con un

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Una arquitectura colmada de texturas, potente por su imagen volumétrica durante el día y su presencia inquietante durante la noche. Así es el nuevo proyecto del despacho holandés Mecanoo Architecten, el Palacio de congresos La Llotja en Lérida, España.

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contraste muy preciso al negar el color y exaltar la lisura de los muros, las escaleras y las pasarelas principales que determinan el flujo de circulación de los usuarios a través de pisos de mármol y maderas duras en colores neutros. Aquí el vidrio, las ventanas continuas y el acceso de iluminación cenital cobran sentido al configurar este espacio que se vuelve majestuoso y solemne, al mismo tiempo que permite seguir visualizando la ciudad desde el interior. Desde el subterráneo con sus estacionamientos y áreas de servicios el proyecto integra

la plaza para encontrar sus accesos principales y posteriormente en los niveles superiores ubicar oficinas, el auditorio principal para 1 000 personas y dos salas de congresos con capacidad para 400 y 200 personas respectivamente. El tratamiento del diseño interior cambia radicalmente en los niveles más altos, se multiplica la presencia del color (anaranjado, amarillo, rojo, verde, morado, etc.) y se evidencia una clara evocación de la característica producción de frutos que la región posee. Sin embargo, el auditorio principal depara otra sorpresa, se han colocado en él una serie de arboles abstractos en color amarillo que —en conjunto con las tonalidades oscuras de los paneles acústicos y la iluminación— imitan el desprendimiento de miles de hojas que son el detalle que impregna la sala. Este mismo gesto se ve reflejado en los pasillos de www.glocal.mx

estos espacios y se exalta por medio de la iluminación al caer la noche en lo que es la fachada principal: un gran escaparate de la actividad interior.

ESPACIOS ABIERTOS En la azotea se ha dispuesto una terraza y un jardín con una serie de pérgolas que en algún momento contarán con una variedad de enredaderas y trepadoras como las rosas, el jazmín y la hiedra. Esta estrategia no es sólo decorativa, con ella se pretende que la cubierta mantenga al edificio mucho más fresco en el verano y que puedan apreciarse las diferentes vistas que el lugar posee y con ello sea parte de los atractivos turísticos más emblemáticos de la ciudad. La vieja fórmula del turismo arquitectónico parece seguir dando buenos resultados, aquí además se ha integrado un diseño interior bastante lógico pero no menos interesante para reforzar la ecuación. www.mecanoo.nl AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

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texturas

Nudos, colores y forma: el expresionismo de Jantine van Peski Greta Arcila Imágenes cortesía Jantine van Peski

antine van Peski estudió en el Instituto de Moda de Amsterdam antes de asistir al Departamento de Moda de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde se graduó en 2011 con el grado de artes, con la presente colección “WIRES 10.0”. Jantine adquirió experiencia de diseño en las casas de moda de Haider Ackermann y Vandevorst AF. Su trabajo se centra en la silueta y la artesanía, con gran atención por los materiales y técnicas utilizadas. Por esta colección de alta costura, Jantine van Peski fue fuertemente influenciada por las esculturas textiles de la década de 1970 y, específicamente, la técnica de macramé. Ese fue el punto de partida para la construcción de piezas de ropa de cable y el hilo, directamente desde el cuerpo y el uso de un sólo tipo de nudo. La colección consta de 12 piezas y una mano de obra compleja; a veces vemos únicamente nudos, y en ocasiones, el macramé se integra en las prendas. El enfoque principal de Jantine es encontrar la simbiosis entre la audacia piezas artesanales y el diseño minimalista y puro de las prendas. Las siluetas son ricas y refinadas. WIRES 10.0 se presentó durante la Muestra de Moda de Amberes y se fue seleccionada para la final de ITS#DIEZ en Trieste, Italia. Con motivo de esta presentación, nos habla de su concepto “La paleta de color que utilicé para esta colección comenzó por el color de las cuerdas y los cables, su color beige natural, sin teñido. Este sentimiento natural y suave de color se combina con colores intensos como rojo fuego y azul noche, y diferentes tonos de estos colores que ponen en contraste con diferentes tonos de negro para subrayar la intensidad. Deseo que esta colección sea muy oscura y llena de vida al mismo tiempo.” www.jantinevanpeski.nl

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“En texturas que combino hilos brillantes de seda para una sensación futurista y más lana, hilos ásperos para conectar a las cuerdas. Estas cualidades diferentes de hilados dan profundidad a las diferentes piezas. Las telas y cueros que se utilizan son fuertes, gracias a la transparencia de unos, la luz traspasa para destacar la silueta frágil”. Jantine van Peski

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galería

Silencios itinerantes con guardianes contestatarios Yolanda Bravo Saldaña Fotografías cortesía Rivelino

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n cada uno de las urbes europeas donde la muestra Nuestros Silencios (conformada por 10 esculturas de gran formato llamadas Los Guardianes) fue expuesta, cada ciudad —con su gente y ambiente— desarrolló un diálogo íntimamente urbano con estos personajes que no obstante ser silentes, gritan muchas cosas. Su creador, el escultor Rivelino —nacido en los Altos de Jalisco, en 1973— al presentarlas en cada país, experimentó un viaje iniciático al tiempo que cumplió una misión que quizás él mismo nunca se imaginó que viviría.

PENÍNSULA IBÉRICA En la Plaza del Marqués de Pombal de Lisboa, los gigantes de bronce y el Cubo táctil de metal —creado para que la gente con capacidades diferentes puedan apreciar las obras— dialogaron a fines de 2009 con personas en un contexto de tonalidades rojas y blancas. Ahí, las piezas quedaron integradas a un espacio en el cual la escultura dispuesta sobre una columna de un importante personaje de la Ilustración portuguesa —se vio identificada con estos enigmáticos seres que son emocionales, pero también racionalistas; que son parecidos, más no iguales (como lo es la propia humanidad). El segundo albergue al aire libre para estos Moáis de acero fue el de la Plaza Juan Carlos I, de Madrid, amplio espacio público en el cual entre marzo y abril de 2010, los paseantes palparon estas esculturas que tienen también mucho de nuestras antiguas culturas olmecas y tolteca.

BRUSELAS Quizás uno de los lugares más significativos donde estuvieron Los Guardianes —creado ex

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…Con sus bocas selladas, los gigantes les hablaron a los espectadores de libertad, de legalidad, así como de la necesidad de comunicarse a nivel mundial, sin violencia…

profeso por Rivelino y por el arq. Héctor Velázquez Graham— fue dentro de un predio de gran valor comercial en la avenida Toison d’Or, de Bruselas. Ahí, ingresó la maquinaria para remover tierra y fueron trazados círculos concéntricos que simbolizaron el equilibrio cósmico; encima de éstos fueron dispuestas las esculturas expuestas por 3 semanas. Un día, cuenta Rivelino, un grupo de residentes iraníes, con carteles, fotografías y banderas, se manifestaron en contra de unas ejecuciones que habían tenido lugar. El artista, al enterarse de la noticia, se preocupó por Los Guardianes, pues podían ser objeto de vandalismo. Sin embargo, sucedió todo lo contrario, los demandantes al pasar por la efímera plaza, vieron en esas formas reconociblemente humanas sólo por las cabezas, una manera de sentirse comprendidos. Con sus bocas selladas, los gigantes les hablaron de libertad, de legalidad, así como de la necesidad de comunicarse a nivel mundial, sin violencia.

POTSDAM Y ROMA Las diez esculturas de 3.50 x 2.30 x 1.10 metros cada una —que incluyen representacio-

Fotografía Italo Morales

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nes de semillas, grafías y signos ancestrales ─elementos presentes regularmente en la obra de Rivelino—, mostraron sus bocas, calladas con placas casi rectangulares a los alemanes. Posteriormente, entre septiembre y noviembre de 2010 fueron colocadas en las afueras de la Galería Borghese de la capital italiana. A su llegada a la ciudad, el auto grúa que las transportada dio la oportunidad a los colosos de que vieran de reojo el Anfiteatro Flavio.

LONDRES Los Guardianes buscaron expresarse en París; sin embargo, un conocido conflicto diplomático entre Francia y México lo impidió. Por un tiempo, las piezas esperaron la decisión final, flotando en una barcaza sobre el Sena. Al no lograrse, viajaron a la última ciudad europea que los acogió: Londres, donde fueron dispuestos a pocos metros del Parlamento. En la capital inglesa los viandantes los vieron pasar descubiertos por las calles. Circularon por la Plaza Trafalgar; vieron la hora en el Big Ben y percibieron el típico tráfico londinense. Finalmente, llegaron a un espacio pleno de verdor: los jardines Victoria Tower. No fueron dispuestos en línea recta sino en círculo —quizás en homenaje a la prehistórica Stonehenge—. Quedando muy cerca del Memorial Buxton, monumento que celebra la abolición de la esclavitud; de Los Burgueses de Calais, pieza maestra de Augusto Rodin, que también es una oda libertaria, así como de la estatua de Emmeline Pankhurst, promotora del derecho al voto de la mujer. En suma, los gigantes, junto con las demás esculturas, brindaron sus silencios, dispuestos en una especie de un canto urbano a la libertad de expresión.

MÉXICO Después de ese simbólico periplo europeo, Los Guardianes con su Caja Táctil, estarán en nuestro país. Veremos qué es lo que, con sus silencios, nos vienen a decir. www.rivelino.com.mx

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Homenaje

La obra arquitectónica de un gran ser humano… Javier Serrano Orozco Greta Arcila Fotografías cortesía Cherem Serrano Arquitectos, Juan Pablo Serrano, Jorge Silva

JAVIER SERRANO, EL ESTUDIANTE…

a noticia de que el arquitecto Javier Serrano se nos había adelantado en un instante y la manera en que sucedió nos dejó sin palabras. El silencio invadió el espacio y de inmediato vinieron los pensamientos de porqué él. Cuando regresó la calma, lo primero que hice fue dar gracias a la vida haberme dado la oportunidad de conocer a alguien tan grande en talento y alma. Después, vinieron las ganas de honrar su trayectoria. Así, invitamos al arquitecto Isaac Broid, quien en voz de su padre el arquitecto Francisco Serrano, era reconocido por Javier como su gran maestro. Hablamos con el arquitecto Arturo Aispuro, para que nos diera su postura como Presidente del CAM-SAM. Visitamos a su amigo, colega y socio Abraham Cherem para que nos hablara de sus obras y lo que habían aprendido de éstas. Solicitamos a su hermano y colega, Juan Pablo Serrano nos compartiera un momento de trabajo con él y pedimos a amigos de la familia, Eugenia González y Lorenzo Diaz, a que nos hablaran de su madurez creativa. Para nosotros más palabras no son necesarias, pues dejamos a su obra hablar del gran talento que mostraba en cada uno de sus proyectos.

Arquitecto Isaac Broid, Director de Taller Cinco Después de años de inactividad docente, Luis de Villafranca me convenció para regresar y dar clases en la (universidad) Ibero. -Regreso, pero sólo seis meses-, fue mi contestación. Me quedé cinco años pues me encontraba con alumnos como Javier Serrano que obligan al profesor a estudiar más, a conocer más la producción del momento, a ofrecer un poco más de sí mismos porque ven respuesta inmediata. Javier, junto con su inseparable Abraham Cherem, fue de los alumnos que todo profesor desea tener. Estudioso y trabajador. Igual que Cherem, viene de familia de arquitectos. Se notaba desde el principio. Las discusiones tomaban otro nivel pues desde pequeños oían sobre arquitectura. Javier sabía de su preparación. Y eso podía haber sido su Waterloo. Y así como yo le exigía más que al resto de sus compañeros, también platicábamos mucho sobre el “ no creérsela”. Yo le insistía que a pesar de su preparación tenia que ser humilde y seguir trabajando para mejorar. Platicábamos sobre eso la misma cantidad de tiempo que le dedicábamos a revisar sus proyectos pues yo consideraba que el oficio antes o después lo iba a dominar. Guapo, inteligente, trabajador y con preparación, con sentido del humor, sus múltiples cualidades podrían haberlo arruinado. Pero siguió trabajando y, supongo, que las conversaciones sobre la arquitectura y sus proyectos, nos unieron después de la carrera, pero considero que más que eso, lo que más nos unió, fueron las platicas que tuvimos alrededor de la mesura, la discreción, la humildad. A pesar de la diferencia de edad, nos daba un gran gusto encontrarnos. Conmigo siempre fue risueño, divertido. Y discreto y humilde cuando me enseñaba sus obras. Él me respetaba y me daba una gran envidia por su talento como profesionista y en su trato con las personas. www.isaacbroid.com www.glocal.mx

JAVIER SERRANO, EL ARQUITECTO (Y HERMANO)… Juan Pablo Serrano, Serrano Monjaraz Arquitectos Tenía la inquietud y tenacidad de hacer siempre algo nuevo y presumirlo con una carcajada! ¡¡¿¿No que no??!! Cuando trabajamos algo juntos era difícil convencerlo. Como profesional siempre se exigía más, poco conformista. Muy entusiasta en todo, en todas las inauguraciones de obra a las que nos invitaba, siempre te recibía con una sonrisa y estaba encantado de platicar sobre su propuesta. Una de las veces en que lo vi mas contento y satisfecho, fue cuando fuimos al World Architectural Festival (Barcelona 2009). Ahí él presentaría el restaurante El japonez, mi papá La Terminal 2, y yo el Hotel la Purificadora: ahí estábamos los 3 despachos presentando nuestros proyectos en las grandes ligas grandes ligas. Cerramos de espléndida manera el evento, nos fuimos a comer con Norman Foster y su familia para completar la experiencia… Admiraba su pasión por la vida; su afán por hacer que el día durara 76 horas; la devoción que sentía por su familia, colegas, amigos, y trabajo. Amigo de todos en las fiestas.

JAVIER SERRANO, POR PROFESIONALES… Eugenia González y Lorenzo Díaz Es lugar común decir que la arquitectura como oficio se madura como la vida misma, que sólo el tiempo da la soltura que permite crear espacios habitables de verdaderas proporciones universales. Javier, excepción a la regla, supo combinar dos grandes ingredientes: su legado y su juventud. Enfrentar cada proyecto como un reto nuevo, sin la fijación de crear un estilo o respetar un patrón predeterminado, con la facilidad que uno pensaría que sólo da la experiencia, permitió a Javier realizar interesantes ejecuciones en sociedad con su colega y gran amigo Abraham Cherem. Entender la arquitectura como una disciplina amplia, unirla al cotidiano acontecer de la ciudad y saber venderla a los empresarios fueron sus grandes aciertos. Javier tuvo la oportunidad de explorar una amplísima gama de espectros proyectuales en su quehacer: arquitectura monumental, de pabellones, residencial, corporativa y contract entre otros divertimentos y experimentos.

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JAVIER SERRANO, EL CIUDADANO… EL RIESGO DE SER JOVEN…HOY Arturo Aispuro Coronel, Presidente CAM-SAM Javier Serrano Orozco, arquitecto joven y talentoso se nos adelantó en el camino. Descanse en Paz. Todas las perdidas son dolorosas, pero cuando son resultado de un acto criminal, nos llena de rabia e impotencia. ¿Cuantos jóvenes más van a morir como resultado de esta guerra absurda? ¿Qué número en la estadística oficial de daños colaterales le tocaría al joven arquitecto Serrano? Estamos perdiendo a quienes son el presente y futuro de México. Con ellos se van sus sueños, su talento y su amor por nuestra patria. México ha perdido ya demasiados jóvenes. Ellos han venido abandonando el país, primero en busca de mejores horizontes, ahora, víctimas inocentes de la violencia que los arranca de nuestro lado. Este parece ser hoy su único futuro. México sólo será un gran país si logra ofrecer educación y oportunidades a sus jóvenes; sólo si, Y sólo si, deja de perder a sus jóvenes talentosos, víctimas de una guerra sin sentido. No toleremos esta violencia; resultado de la ineptitud, la corrupción y la complicidad de autoridades en todos los niveles. Que la pérdida del arquitecto Javier Serrano no sea en vano. Construyamos un México sin violencia. Un México con futuro.

JAVIER SERRANO EL ARQUITECTO Y SOCIO DE ABRAHAM CHEREM… Se le pidió a Abraham Cherem, su cómplice y socio nos hablara sobre lo que aprendieron en los proyectos más especiales para ellos. Aquí breves palabras de cada proyecto…

Las Flores Una torre hecha de concreto y cristal de 30 niveles en plena ciudad de México era nuevo para nosotros. La idea nació junto con Diámetro Arquitectos, fue un proceso interesante debido a la escala. Debíamos considerar que el edificio sería de usos múltiples y resolver el funcionamiento no fue tarea fácil. Decidimos hacer una geometría peculiar, la estructura fue un verdadero reto. El resultado fue un edificio que se integra al paisaje de la urbe.

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Arco Bicentenario Concurso convocado por el Gobierno del Distrito Federal. El Arq. Francisco Serrano nos invitó a participar en conjunto, lo que nos emocionó por la gran oportunidad de aprender de él. El reto era grande por la complejidad del proyecto, además que en este caso las necesidades del cliente eran muy específicas. Al final, el resultado fue muy satisfactorio, recibimos 5º lugar y nos quedamos con la gran experiencia de trabajar de cerca con un arquitecto con una trayectoria tan amplia como lo es el Arq. Francisco Serrano.

Japonez Nuestro primer gran proyecto nos abrió las puertas, ganamos varios reconocimientos, no la creíamos. El reto fue cómo utilizar los materiales generando una textura.

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Hotel

Elevador Para nosotros no hay proyectos pequeños, todos representan siempre un reto y una oportunidad para experimentar con materiales y texturas, tal es el caso de este elevador que serviría para publicitar una marca de vodka. La idea fue provocar una sorpresa al entrar mostrando la imagen del producto. La textura y la sensación al entrar es muy peculiar.

Este proyecto ha representado un salto para el despacho. Fuimos convocados por unos verdaderos expertos en hotelería, caracterizados por los conceptos que desarrollan en cada uno de sus hoteles, éste no podía ser la excepción. El primer reto era la intervención del Palacio existente, había que respetarlo y ser muy cuidadosos con el lenguaje que manejaríamos. Decidimos utilizar una arquitectura contemporánea con materiales naturales, pero sobre todo el manejo de luz y sombra. Hemos mantenido una relación muy cercana con el cliente desde el principio, hemos aprendido mucho de ellos durante el proceso y todos estamos muy satisfechos con el resultado.

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La primer casa diseñada por Javier Serrano, a decir de sus clientes, era su pasión. La observaba por las mañanas desde su departamento (vivía en unos edificios cercanos a la casa desde donde la miraba desde varios puntos) y cuando los veía otra vez,les hacía comentarios sobre cómo podía evolucionar el proyecto. Ellos pidieron en un inicio el proyecto a su padre, el arquitecto Francisco Serrano, pero él se atrevió a recomendarles a Javier pues consideró que él realizaría a la perfección lo que ellos pedían; de inmediato platicaron con él y se entendieron. Nos comentaron también que Javier buscaba siempre la perfección, veía la manera en que los materiales hablaran por sí mismos, les encontraba nuevos usos. Él diseñó parte del mobiliario de la casa. Para ellos Javier no era sólo el arquitecto de la casa, era el amigo que entendía a su familia y supo cómo diseñarles la casa que imaginaban.

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traducciones

Architecture and design. Is it possible? Omer Arbel with risky projects demonstrates it…

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Arbel names by numeric order each of his projects “that’s how you can see the evolution process in your work”. Arbel, doesn’t share the distintion between architecture and design, he prefers to work under the tradition of the Bauhaus, a movement that saw both professions in a related way. “Only after successfully exploring the material and being convinced that these evoke an emotional response we can apply the theory of design, the formal intention and the critique to the project”

Omer Arbel BY RODRIGO FERNANDEZ BARAJAS

OMER ARBEL (33) architect and designer born in Jerusalem currently lives in Vancouver. Founder of OAO, an office awarded in architecture and design, he is also the creative director of Bocci. He is renowned by his innovative objects of industrial design, furniture, lighting and technologies for architectural construction. Amongst his latest work is the design of the medals for the Olympic Winter Games of 2010 and the award winning interior of the Japanese restaurant Ping’s Café in Vancouver. This time Rodrigo Fernandez Barajas, coinciding with the opening of DIEZ at Blend, had the chance to talk with him, as colleagues, and with a real understanding of his work as the firm led by Fernandez Barajas sought to distribute Bocci for its quality and great design of each of its pieces.

ested in developing. So we need to work in other markets, which is difficult. RFB As lighting designer I identify myself with you. Which is the biggest challenge when designing this kind of objects and what is the message you want to convey trough your products? OA Light is an emotional media. So when designing a lamp, you are working with emotions in a way. For some, light has metaphysical connotations… its very powerful. RFB Taking into account the handcrafted manufacturing process, like the one used on your products; what is the greatest risk that you have found and how can you make the process of working with artisans more effective to achieve a product of high quality and engineering? OA We take risks all the time. The 14th was the first piece that was produced… imagine this… there were 13 previous pieces that would have been marvelous, but had some kind of fatal error. The key is in taking risks, to fall, rise up, and keep moving forward. RFB Do you consider yourself a Canadian despite being born at Jerusalem? What can you tell us about a designer that is born in a country and practices in other places? Design changes depending on the place of origin or the place of residence? OA Yes, I consider myself Canadian. But the biggest problem lies at regionalism in design. My position is that regionalism really doesn’t exist anymore. The cultural influences are like a collage, they come from different sources, in several layers and are complex. Some that we need to take advantage of. I want people to think about me not as a ´good Canadian designer´ but as a ´good designer‘, period. RFB The work of Enric Miralles is great contribution to contemporary architecture. What lessons did you received from him? OA It was great to see him at the level of his practice… more than individual lessons (that where many), my experience there gave me a sense of what could be the way of operating at that level of mastery. www.omerarbel.com The designs of Omer can be found at DIEZ GALLERY inside BLEND at Palmas 520, Mexico, D.F. www.diezgallery.com

RFB The designer was educated to create all kinds of objects. When did you decided to design objects instead of buildings? OA I design buildings as well as objects. I find very interesting to be able to share the scale thinking in objects as an architect ad in buildings as objects. RFB As an architect you have the knowledge of how the natural light affects a building. How determinate is this aspect when designing a lamp? OA That’s true; I have a great sensitivity towards natural light. When I’m designing lighting, there is no dependency or evident reference towards my sensitivity to natural light, on the contrary it contributes to my instincts… it is at the work, as a way to speak, ‘behind the scenes’. RFB You use a wide variety of materials. What makes them special for you to select them when you are designing something and how does it influence your work? OA We are not interested in the form. We start every project with the exploration of the material. We like to design systems to manipulate materials that have a certain intrinsic freedom, that allow manufacturing different pieces with each repetition of the process. The system we design gives place to form… it’s not something born from our imagination. RFB How is life for a Canadian vanguard designer in a country where the majority of the population is old? OA Not only old, they are insensitive to design as well! We are in the periphery of the design world. This brings good and bad things. Talking about the positive, is good to be away from the nuclei, because it allows us to create new ideas. The negative side is that our local market is so small that it doesn’t support the kind of work that we are inter-

Esrawe Studio With the commitment to innovation p.38 “For me the process and the science of design are the most interesting, the give me innumerable possibilities”.

BY GRETA ARCILA

TO INVITE Hector Esrawe, besides my respect for him as one of the leading talents of the new generations was almost a challenge: every time I tried to interview him, I switched jobs. This time I didn’t changed jobs and I had the opportunity to talk with a visionary mind that sees movement as something integral to his life, a person committed to his team, to society and the historical moment that we are living. Today we have the opportunity to speak and understand what´s behind his work.

GA How does an industrial designer survives in Mexico when the furniture industry doesn’t bet for industrial design? HE I don’t restrain to the action of designing only furniture; design per se is a living process. I’m an industrial designer, but I have a preference for interiors o furniture. However, each day different projects arise like when Michael Kramer of Nouvel Studio approached me to make glass; we have launched products that integrate a branding alliance like Cielito Querido Café… all of them are clients that see in design the opportunity to be different and to outstand in some way. I’m not sure there is no industry. My question would be more like whether there’s the right promotion. Sometimes the needs of Mexico come from the little or none diffusion and promotion from authorities or institutions, I’m not saying that there should be a government structure making life easy for the designers, just that supports the industry to grow its capacities trough design. GA And in that sense, as a promoter and generator of a design culture in Mexico; what ha changed from a few years until today? HE There is obviously an interest in national and international media for the Mexican design. There have been many nominations for Mexican design in many parts of the world. We where nominated for the Bar & Restaurant Awards of London, the Field table, the CIen pies benches, what is happening with NEL, what happened with Pirwi, what’s going on with Emiliano Godoy… each day there is more material to talk about. GA You mention NEL and Pirwi. What is your experience with each of them and why do you collaborate with them? HE Well, definitely for me collaboration is one of the axis of my firm. Architects pass though the studio’s door like Michel Rojkind, Tatiana Bilbao, at103, Emiliano Godoy, Alejandro Castro or Cecilia Leon de la Barra; I believe in the idea of adding and making aside the ego understanding that better projects comes from the union of talents. For example, the alliance with Nacho Cadena for branding has been very relevant, it has detonated the possibilities of the studio; we have become more compelling, much more accurate. GA When did the collaboration begin and how is the work process? HE Collaboration happens both inside and outside the studio. In the work table there are discussion about each project, I’m linked to all the processes of all the projects, a have contact points that allow me to see each detail; we are not a studio with a defined formula that replicates to each other thing; I can tell you that sometimes a month goes by without drawing anything. We try at first to give a name and a personality to the project, to deeply understand what It is and the rest happens in a natural way. GA Has technology changed your process? HE Totally. The laser we use to make models has allowed us to reference many things I want to approach in a very agile way, that in some other way would had been very intuitive or would had been limited by time and resources. But in no way I would say that I design trough technology, and that is important because there are maturation processes for many technologies that we are being “spitted on” clumsy processes that need time to age. GA What material has surprised you? HE 3D printing. I haven’t had that much approach to it, but its something that seduces me and that, as Rojkind says many times, “the future will be printed”, and so there is a webpage of some designers with a process rambom to make chairs, where you solve trough different variables the tridimentionality of the chair and you trace it on the computer generating a CAD pattern that you can print with CNC. GA Talking about the design culture in Mexico, do you think it really exists? HE There’s a generation that is pushing processes and products; there is already a public that feels proud about the things that happen from Mexico. There are quality products with their own sense of humor. There are all the ingredients to make design with a part, with tradition. What we are lacwww.glocal.mx

king is critique, communication, integration, to let go of personal ambitions. GA You mention a lack of communication, but this starts in part at the universities, for you; how are universities? HE There are very good efforts that are starting to denote change, there are generations that have more presence and a better diffusion trough the relation with schools, however, I still believe that they can be really patronizing; the demand in the possibilities could be much greater. GA So, what is what you look for in a young creative to be a part of your team? HE The attitude is really relevant, someone who is hungry to search, that is tireless, that is tolerant to frustration, and they exist. I have the fortune of being able to say that trough my studio there have been many good designers. I had the opportunity that Jesus Irizar of Mob, worked for a while at the studio, Oscar Nuñez, Ricardo Casas, Antonio Guadarrama, Ernesto García and many others.

GA And what is Esrawe Diseño trying to give to society? HE I’m excited about generating jobs. I’m interested in approaching industries so they can have products that make them more competitive so that they can create jobs and wealth as well, which not only refers to design, but rather to the cultural richness, a richness towards their working team. To collaborate at the Memory and Tolerance museum; making a concert hall for OCESA here in Condesa (a neighborhood in Mexico City); co participate with a team of architects and designers with Architecture for Humanity for the creation of a school; it’s really something with a huge spectrum… GA You have always been an entrepreneur designer, tell us about that… HE It has all been circumstantial. When I was in college I envisioned myself opening my first store at the age of 40 or 50, it happened when I was 26. I really started working from college, always convinced that there where many more possibilities for design than what we were told. On the other hand, opening a factory and becoming a manager of my business was a necessary evil that responded to my obsession of doing things properly. GA Your pieces are part of what Pirwi presented in Milan this year. What happened after Milan? HE It’s already happening; Pirwi ships a container of furniture to Europe this month. We are exhibiting in Paris at Maison & Objet, and in London at the Mint Gallery. There is a clear conscience from consumers towards products that have a dialogue with sustainability and they see something on us that they care about. www.esrawe.com

“We are always interested in finding new ways to details and produce architecture that combines industrial contemporary processes with the quality of materials and handcrafted details. When it works it means that the result is easy to build and appears as well executed. The parquet is an example of this.” Martin Videgård and Bolle Tham BY ALFONSO MALDONADO OCHOA

DEPARTING FROM the Swedish tradition on the use of patterns and colors on interiors, a path explored by architects and artists such as Carl Larsson and Josef Frank, this apartment relates directly with the views of the Humlegården park where the greenery of the exterior changes with the seasons; from gray and black in winter to a deep and bright green in summer, and orange, reds and yellows at fall. The first step was to restore the constructive quality of what use to be a luxury apartment of the turn of the 19th and 20th centuries that had been completely modified and even became a hotel for while, leaving very few traces of the original. The location and quality of a long row of rooms that related directly to the greenery of the park, the traditional use of Swedish patterns and the identification of programs by color codes that the clients had seen on another project where the source of inspiration for the design of the apartment, generating a connection with its physical and cultural context. The distribution of the apartment transforms with the layering of colors that add a new spatial structure creating new links between the spaces along the original plant. The parquet floor works also as a unifying system that offers different design possibilities. Once the different tones where defined by the architects Martin Videgård and Bolle Tham of Tham & Videgård Arkitekter, each room was defined in relationship to the rest, to the point that every single one of the 20x60cms oversized parquets manufactured in ash, was planned to fit the right place, meaning that this weren’t place randomly during the construction process. About this the authors mention: “We are always interested in finding new ways to details and produce architecture that combines industrial contemporary processes with the quality of materials and handcrafted details. When it works it means that the result is easy to build and appears as well executed. The parquet is an example of this.” The furniture is completely white to emphasis the physical qualities of the design of each of the pieces and at the same time create coherent assemblages that include pieces from completely different designers and time periods. Being on a listed building, the original stained glass windows where preserved and the intervention on the interior was only possible because it had been largely modified in the past. Luckily the renovation was possible as planned and the clients, a family of four, can now enjoy their daily life on this extraordinary field of colors. www.tvark.se

Among color screens, an apartment Nike Stadium Milan reinvented p.46 Located in Humlegården, Stockholm, this project by Tham & Videgård Akitekter uses traditional Swedish patterns and the changes of nature to design an apartment full of movement and life. AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

No. 5

p.50

In the heart of Milan brought together important figures in the field of branding design like Future Brand and innovative interior designers like Maat Archittetura, to detonate a space that denotes a lifestyle in which sports and art match closely.

“The recently transformed space changes the perception of the volumes while at the same time the values of the Nike brand live in every detail” Gianni Tozzi,

Creative Director of Future Brand

BY ALFONSO MALDONADO

A COMMERCIAL concept inspired by the new Nike international campaign “Free Yourself”: the flexibility and elasticity of the Nike Free shoe where the point of departure for the multisensory experience trough which women can express themselves. The females are the protagonists of the “Free” concept for the Spring Summer 2011 collections in the space of Foro Bonaparte 50 in Milan, where also great figures of the feminine sex where selected, such as artists, sports figures and photographers, to express together the “Free” world. FutureBrand selected Martina Tabó (Maat Archittetura) to transform the volumes of Nike Stadium creating a new dynamic between space and products. She transformed Nike Stadium into a fluid spatial solution, continuous sequence of integrated spaces completely wrapped in 5000 square meters of special fabric to dramatize the impact. A sinuous envelop that creates a connection between different ambient, where live events and the buying experience coexist to materialize the total energy of the brand. Free is also an artistic representation with impressive live interventions by the illustrators Camilla Falsini and Gio Pistone that enhance the visual impact of the walls of the store and the photographic exhibition by New York photographer Skye Parrot, whose work captured the passion, competence and energy of the female competition team Canottieri Milano. The selection of products from several ranges was curated by Doriana Lelpo, a trainer from Virgin Active Milan and that represent the values and spirit of the brand experience. Talking about the new commercial concept, Gianni Tozzi, Creative Director of Future Brand mentions: “Is an extraordinarily creative way to give new life to an impressive location. Each details tells about the principal characteristics of the product in an unexpected way.” www.maatarchitettura.it

Color used as a tool to heal p.54 Once more color is used for spaces dedicated for health, testimonies of patients speak about how they feel more at home in this space designed by Two Create. Classic pieces of furniture and objects carefully selected where used as vinyl graphics to ambient each room, thus for example, the Loft room has illustrations of furniture and lamps of Harry Bertoia and Archille Castiglioni. BY ALFONSO MALDONADO OCHOA

THE LONDON firm Two Create was commissioned to design the interior of the most recent Teenage Cancer Trust Unit at the new Queen Elizabeth Hospital in Birmingham. This particular space for 12 patients, has four individual rooms, two four bed bays and three social areas that include a study room, a cinema room and a living room with kitchen.

traducciones

Patients were consulted throughout the design process and a ‘Boutique Hotel’ theme emerged. Each room is styled differently to the next so that patients returning for treatment are able to stay in different environments each time they visit, such as the 1960’s inspired ‘Pop’ room or New York styled ‘Loft’. Standard fittings were cleverly utilized or adapted like the metal clad wall panels at the bed heads, where Two Create designed die-cut sheet magnets used by patients to personalize their rooms with personal artifacts such as posters and photographs. Two Create also designed bespoke pieces for the ward such as patient lockers specially designed to hold games consoles as well as vital medicines and personal belongings, small console tables able to be lifted by patients pushing drips and AV storage for all the latest technology being installed. SCP and Vitra were chosen to supply contemporary furniture, specified in the latest anti-microbial high performance fabrics with design modifications to satisfy patient’s needs. Rosie Kilbum, one of the first patients to occupy the space mentioned on her blog “…is amazing. The walls are metallic and graphics move around so you can hold pictures up with them. There’s iPod docks in every section and specially designed chairs and sofa beds. All the windows have different frosted designs on them which just makes them cool features rather than a violation of your privacy.” Debbie Adams, Teenage Cancer Trust Service Development Manager in the Midlands added, “The partnership between Teenage Cancer Trust, Two Create and Queen Elizabeth Birmingham has resulted in a fantastic facility for teenagers and young adults with cancer. Teenage Cancer Trust is proud to be associated with Two Create and hope that we can work together again in the future”. Every day in the UK, six young people are told they have cancer. Usually placed on a children’s ward or with elderly patients, young people often feel extremely isolated when facing a cancer diagnosis. Teenage Cancer Trust builds units in NHS hospitals that offer young people specialist care, bringing them together so they can support each other in an environment suited to them. Including this new facility in Birmingham, there are now 17 of these units across the country. The charity plans to build a further 16 so that all young people needing hospital treatment for cancer across the UK have access to the dedicated, specialist support they provide. www.twocreate.co.uk

Unknown Union

p.58

With a chromatic hue that covers the whole spectrum, Rafael de Cárdenas presents a new way to sell menswear. BY ALFONSO MALDONADO OCHOA

NEW YORK-BASED architect and interior designer Rafael de Cárdenas of Architecture At Large has designed Cape Town’s newest men’s store, Unknown Union (UU). Headquartered in an 18th century historic building in the heart of Cape Town, UU is an international collective and hub for creativity featuring an global roster of fashion collections exclusively available in Africa at UU. Brands represented include ANYthing, Pendleton, Surface to Air, and Penfield USA, among others. Seeking an alternative to the dark and leathery designs so prevalent in menswear boutiques, de Cárdenas has created a vibrant kaleidoscopic environment to showcase the wears of UU’s owners and curators, Sean Shuter, Jason Storey and Daniel Jackson. The two levels feature a maze of multi-colored ombré finished shelving in vivid teals, greens, yellows and pinks, grounded by warm terra cotta tile floors

and white walls. The ceiling is web of fluorescent lights, a trademark of de Cárdenas, with dramatic chandelier extension. These punctuate the network of shelving units – stacked cubes of various height and width configurations – providing depth and visual interest in unexpected ways. The second level of the store, accessible by a high-gloss white spiral staircase, is home to an ever-changing environment of and pop-up boutiques featuring artist and designer installations – a project and idea space for both local and international creators. www.architectureatlarge.com

And art manifested… p.62 The new Del Carmen Hotel Concept shelters 9 rooms inspired on great Mexican artists, Bibiana Huber, its creator, defines it as a magic, mystic, eclectic, bohemian, intimate place. It was a global project as B-Huber’s team designed and developed all the furniture of the hotel. BY GAIA ROMERO FIGUEROA

Lounge at the Groninger Museum, Reinventing the past. Studio Job and their playful design

p.60

BY JUNTE JEROEN

THE LOUNGE created by Studio Job for the Groninger Museum is a jewel on itself. The designers duo, Job Smeets (1970) and Nynke Tynagel (1977) inspired on the private clubs of the 19th century always visited by gentleman with top hats that used the places to smoke. Strongholds of the sophistication of their time, these places had thick hairy rugs, cracking hardwood floors, chandeliers pending from the roofs. This gentle and striking spaces has been reinterpreted by Studio Job, using iconic elements, fine interiors materials and produced by the best artisans. But this time, design is approached with an ironic twist. In this creative process, Studio Job is not afraid to reference its own work. The fountain is made of casted bronze. The polychromatic stained glass represents the windows from the past. The bar is fitted with wood marquetry. The glass wall lamps and the ceiling lights where fabricated by the renowned glass company Murano Venini. It’s all about the excessive luxury so rarely achievable nowadays. A relic from times past. But, as always, things are not what they appear. The crystal lamps have the shape of a women’s breast; the Gothic Chairs, manufactured by Moooi, are molded with plastic, and the thick curtains, made by Exposize, are nothing but prints on photographic material. This clash between the old and the new, ups and downs – good and bad, if you may – have been taken to the limit by Studio Job. The pillar is made of rusted iron. The tablecloths are embroidered with archetypical representations of prisons and camps. The parquet floor is a confusing labyrinth. Between the walls of the museum, we see the mundane symbolism elevated to art and beauty polluted with banality. The neo-classical interior forms a fremdkörper (foreing body) that could even be a postmodern building by Alessandro Mendini. Studio Job has created a gesammtkunstwerk (total artwork) in which fantasy and functionality mix in a dreams landscape that doesn’t respect the museum norms of good taste. www.studiojob.nl

SINCE JULY of this year Guadalajara has a new art loving resident: the new hotel Del Carmen Hotel Concept, which according to its creator in what refers to interior design and furniture, Bibiana Huber, is a space where art has absolute creative freedom. This project was developed in an old household, which is located in a big plaza with gardens, a baroque church and the renowned Ex Convent of El Carmen as a scene. There the clients wanted to create a “literary” homage to Juan Rulfo, to what the principal of B-Huber comments: “Rulfo used to take vacations at this site. Departing from his literary style, the magic realism, we decided to extend the concept towards the surreal spirit of the rupture (as is known in Mexico the breaking artistic period after the muralism and the Mexican school of painting)… Some artists couldn’t be overlooked in the selection, like Frida Kahlo and Rufino Tamayo which are internationally renowned. Other artists like Jose Luis Cuevas where key in the construction of the artistic thought of the time and where chosen without hesitation”. A profound research was elaborated for the final selection, in which several factors like biographic complexity, pictorial diversity, volume of work, popularity, and of course, the use of color where take into account. And just about this last subject Huber tells us that process was almost automatic: “The design always involves a formal analysis of the range of colors and the relations between them; but in this case, the colors ´where´ there in the paintings; it only took a global outlook of the work of each artist and a little of instinctive comprehension of the color to know, for example, that Remedios Varo corresponded to a room of olives, burgundies and ocher; while Pedro Coronal needed to be homage with explosions of pink, jade and turquoise”. The favorite rooms for the members of B-Huber are those inspired by the work of Pedro Friedeberg, Gunter Gerzo, Remedios Varo and Leonora Carrington. www.b.huber.com www.delcarmen.mx

A designed monolith p.66 An architecture filled with textures, power for its volumetric image during the day and its disquieting presence at night. That is the new project by the Dutch firm Mecanoo, the Palace of Congresses of La Llotja in Lérida, Spain. BY MARCOS G. BETANZOS CORREA

SINCE THE project was presented to the community the originality of the form was under discussion. Something that seemed deep became shallow, there was nothing to debate if it was preceded by a project or not, that was somewww.glocal.mx

thing that could be disregarded. What was essential was how the initiative would reflect as a benefit to the city and its inhabitants. And with this objective on the table, Mecanoo designed an iconic building that literally roots to the context. It is a prism that seems to have been carved whimsically to emerge from the ground and elevate as an urban viewer that allows to see the city that surrounds it and the two main referents of the location, the Segre River as the lowest point in the city and the Cathedral of the Seu Vella, which represents its tallest point. In a conceptual level this project offers a new reading in three times: on one part the plaza as a public space that links the city and the architecture; on another, the cantilevers of the structure that protect the users from the sun and rain and, finally balancing its scale, offering different perspectives from the street that allows it to evoke the color of the Romanesque architecture of the cathedral and the abstracted mountain with a disquieting play of heights. If well the exterior is to heavy due to its textured masonry skin the interior allows from the main lobbies to find a precise contrast by denying color and exalting the smoothness of the walls, the stairs and the main walkways that determinate the flux of users strolling through the marble and hardwood floors of neutral colors. Here the glass, the continuous windows and the access of zenithal light make sense by configuring this space that becomes majestic and solemn while allowing at the same time to keep the views of the city from the interior. From the underground with its parking spaces and services areas the project integrates the plaza to find the main accesses and later on, on the upper levels, to find offices, the main auditorium for 1000 people and two congress rooms for 400 and 200 people each. The treatment of the interior design changes radically in the upper most levels, the presence of color is multiplied (orange, yellow, red, green, purple, etc.) and a clear evocation of the fruit’s production characteristic in the region becomes evident. However, the main auditorium keeps another surprise, it contains a series of abstract yellow trees that along with the dark tones of the acoustic panels and lighting imitate the falling of thousands of leafs that are the detail that impregnates the hall. This same gesture is reflected in the hallways of this space and is exalted trough the illumination when the night falls in what is the main façade: a grand display of the activity in the interior. Open Spaces A terrace and a garden have been set on the roof with a series of arbors that will eventually be covered with climbing plants and vines as roses, jasmine and ivy. This strategy is not only ornamental, it intends to keep the building much cooler in the summer and to appreciate the different views that the site possesses and with that to become a part of the emblematic touristic attractions of the city. The old formula of architecture tourism seems to keep giving good results, here a fairly logical, but not less interesting, interior design has been integrated to reinforce the equation. www.mecanoo.nl

of the technical labor intensive and time consuming “

Jantine van Peski “Textures that combine in shiny silk strings for a futuristic feel and wool, coarse threads to connect to the ropes. These different qualities of yarn give depth to the various components. The fabrics and leathers that are used are strong, thanks to the transparency of some, the light passes to highlight the fragile silhouette. “

Jantine van Peski BY GRETA ARCILA

JANTINE VAN Peski studied at the Amsterdam Fashion Institute before attending the fashion department of the Royal Academy of Fine Arts in Antwerp, where he graduated in 2011 with the degree of arts, with the collection “WIRES 10.0”. Jantine acquired design experience in the fashion houses Haider Ackermann and AF Vandevorst. His work focuses on the silhouette and craftsmanship with great attention by the materials and techniques used. In this couture collection, van Peski Jantine was strongly influenced by the sculptures textiles in the early 1970 and, specifically, the technique of macramé. That was the starting point for the construction of pieces of clothing cable and wire directly from the body and using only one type of knot. The collection consists of 12 pieces and a complex labor, sometimes only see knots, and sometimes the macramé is integrated into the garments. The main focus of the collection is the symbiosis between boldness and craft pieces and pure minimalist design of the garments. The silhouettes are rich and refined. 10.0 WIRES presented during the Fashion Exhibition in Antwerp, was selected for the final ITS # TEN in Trieste, Italy. On the occasion of this presentation, discusses the concepts… “The color palette used for this collection began with the color of the cords and cables, natural beige color, not dyed. This feeling natural and soft color combines with rich colors like red fire and midnight blue, and shades of these colors contrasting with shades of black to highlight the intensity. I hope that this collection is dark and full of life at the same time. “ Jantine van Pesli www.jantinevanpeski.nl

Itinerant silences with contesting guardians p.72 Knots, colors and shape: the expressionism of Jantine van Peski

p.70

“I see my job very sculptural, near the seam that creates a different relationship with the woman’s body. It is portable, but also very delicate because AGOSTO • SEPTIEMBRE 2011

No. 5

…with their sealed mouths, the giants spoke – to the spectators- of freedom, of lawfulness, as well as the need to communicate globally, without violence… BY YOLANDA BRAVO SALDAÑA

IN EACH of the European cities where the exhibition Our Silences (formed by 10 large format sculptures called The Guardians) were exhibited, each city –with its people and ambiance- developed an intimately urban dialogue with this characters, that despite being mute, shout many things. Its creator, the sculptor Rivelino –born at the Heights of Jalisco, Mexico, in 1973- when presenting them on each country,

experienced an initiatory journey while achieving a mission that perhaps he never imagined living. Iberian Peninsula At the Marques de Pombal Plaza in Lisboa, the bronze giants and the tactile cube –created for the enjoyment of people with physical disabilities- dialogued with the people at the end of 2009 in a context of red and white tones. There, the pieces where integrated into a space in which a sculpture placed on top of a column of an important personality from the Portuguese enlightenment- became identified with this enigmatic beings that are emotional, but also rational; that are alike, but not the same (as is the case with humanity). The second outdoors shelter for this steel Moai was the Juan Carlos I Plaza in Madrid, an ample public space in which between March and April of 2010, the strollers could feel this sculptures that have a lot in common with our ancient Olmec and Toltec cultures. Brussels Maybe one of the most significant places where The Guardians stayed- created specifically by Rivelino and the Arch. Hector Velazquez Graham- was inside a lot of great commercial value in the Toison d´Or avenue of Brussels. There, machinery was used to move the ground and concentric circles where traced symbolizing the cosmic equilibrium; on top of this the sculptures where exhibited for 3 weeks. One day, as Rivelino tells, a group of Iranian residents, with signs, photographs and flags, made a demonstration against some executions that had recently taken place. The artist, hearing about the news, worried for The Guardians, as they might be vandalized. However, the opposite happened, the protestors when passing through the ephemeral plaza, saw on those shapes recognizable as human only for their heads, a different way to feel understood. With their sealed mouths, the giants spoke of freedom, of lawfulness, as well as the need to communicate globally, without violence. Potsdam and Rome The ten 3.50 x 2.30 x 1.10 meters sculptures – that include representations of seeds, letters and ancient symbols – elements regularly present in the work of Rivelino - , showed their mouths, silenced with almost rectangular plaques to the Germans. Later on, in September and November of 2010 they were placed outside the Galleria Borghese of the Italian capital. On their arrival to the city, the platform that transported them allowed the colossus to catch a glance of the Flavian Amphitheater. London The Guardians sought to express themselves in Paris; however, well known diplomatic conflict between France and Mexico prevented it. For a while the pieces awaited for a final decision, floating on a barge at the Seine. When this was not possible, they traveled to a final European city that harbored them: London, where they were set a few meters away from the Parliament. In the English capital the bystanders saw them pass uncovered trough the streets. The circulated trough Trafalgar Square; saw the time at the Big Ben and perceived the typical London traffic. Finally they arrived to a space full of green: the gardens of Victoria Tower. They were not set in a line but in a circle –perhaps a homage to the prehistoric Stonehenge-. Put really close to the Buxt Memorial, a monument that celebrates the abolition of slavery; of the Les Bourgeois de Calais, a masterpiece by Auguste Rodin, that is also a libertarian ode, as well as the statue of Emmeline Pankhurst, a promoter of women’s right to vote. In sum, the giants, along with the other sculptures, gave their silences, disposed in the manner of a urban chant to the freedom of expression. Mexico After a symbolic European odyssey, The Guardians with their Tactile Box, will be on our country. Let’s see what they tell us with their silences. www.rivelino.com.mx

traducciones

The architectural work of a great human being… Javier Serrano p.76 THE NEWS about the sudden and tragic departure of the architect Javier Serrano left us speechless. The silence came invading the space with immediate toughts of ´why him?´. When calm returned, the first thing I did was to give thanks to life for giving me the chance of meeting someone with such a great soul and talent. Then there came the will to honor his trajectory. So, we invited the architect Isaac Brodi, who in the voice of the architect Francisco Serrano, was recognized by Javier as his great teacher. We spoke with the architect Arturo Aispuro, to give his position as head of College of Architects. We visited his friend, colleague and partner, Abraham Cheremo to tell us about their work and what they learned from it. And we asked to his family friends Eugenia Gonzalez and Lorenzo Diaz who told us about his maturity as a creative. For us, no more words are necessary, as we believe his work will speak of the great talent he showed with each project. JAVIER SERRANO, THE STUDENT… Architect Isaac Broid, Director of Taller Cinco. After years of teaching inactivity, Luis de Villafranca convinced me to return and give a class at the Ibero (university). –I’ll return for only six months - , was my answer. I stayed for five years because I found students like Javier Serrano that pushes the teacher to study more, to know about the production of the moment, to offer more from themselves because they see the immediate response. Javier, along with his inseparable Abraham Cherem, was the kind of student that any professor wants to have. It showed from the beginning. The discussion had a different level as they heard of architect since very little. Javier knew his preparation. And that could had had been his Waterloo. And as I demanded more from him than from the rest of his peers, we also talked a lot about “not falling for it”. I insisted him that despite his preparation he needed to be humble and keep working to improve. We talked about that as much as the time we dedicated to revise his projects because I was sure he would master the skill sooner or later. Handsome, intelligent, hard worker and with preparation, with a sense of humor, his multiple attributes could had become his ruin. But he kept working and, I guess, the conversations about architecture and his projects, brought us together after his studies, but I consider that more than that, what brought us together, where the conversations about restraint, discretion and humility. Regardless of the age difference, we were happy to run into each other. With me he was always smiley, fun. And discrete and humble when showing me his work. He respected me and I was very envious of his talent as a professional and his treatment with people. JAVIER SERRANO, THE ARCHITECT (AND BROTHER) Juan Pablo Serrano, Serrano Monjaraz Arquitectos He had the unrest and tenacity of always doing something new and showed it off with a loud laugh! – So I couldn’t right??!! When we worked something together it was hard to convince him. As a professional he always demanded more, he wouldn’t conform. He was very enthusiastic with everything, at the opening of every construction he invited us, he would receive us with a smile ad was happy to talk about his proposal. One of the times I saw him the happiest and most fulfilled was when we went to the World Architecture Festival (Barcelona 2009). There he presented the restaurant El Japonez, my dad the Terminal 2 and I La Purificadora Hotel: there we where the 3 firms presenting our projects in the big leagues. We closed the event splendidly, we went to eat with Norman Foster and his family to complete the experience… I admired his passion for life; his eagerness to make the day last for 76 hours; the devotion he felt for his family, colleagues, friends and work. Friend of all in the parties.

JAVIER SERRANO, THE CITIZEN... Architect Arturo Aispuro. President of the College of Architects of Mexico City. The risk of being young… today. Javier Serrano Orozco, young and talented architect got ahead of us. May he rest in peace. Any loss is painful, but when it’s the result of a criminal act, it fills us with anger and impotence. How many more youngsters need to die as a result of this absurd war? What is the number in the official statistic of collateral damages that would correspond to the young architect Serrano? We are losing those who are the present and future of Mexico. With them we lose their dreams, their talent and their love for our country. Mexico has lost too many young already. They are leaving the country, first in search of new horizons, now, as innocent victims of the violence that removes them from our side. This seems today as their only future. Mexico will only be a great country if it can offer education and opportunities to its young; only if and just if, it stops losing its talented young, victims of a senseless war. We must not tolerate violence; the result of the incompetence, corruption and complicity of the authorities in every level. That the loss of the architect Javier Serrano may not be in vain. Lets build a Mexico without violence. A Mexico with future.

We have maintained a very close relationship with the client from the beginning, we have learned a lot from them during the process and we are all very satisfied with the result. Elevator For us there is no such thing as a small project, they all represent a challenge and a opportunity to experiment with materials and textures, that is the case with this elevator that would serve to publicize a brand of vodka. The idea was to create surprise by showing the image of the product. The texture and sensation when entering is very peculiar.

JAVIER SERRANO, BY PROFESSIONALS… Eugenia Gonzalez and Lorenzo Diaz It’s a common place to say that architecture as a skill matures with life, that only time gives the liberty to create livable spaces of true universal proportions. Javier, exception to the rule, knew how to mix to big ingredients: his legacy and his youth. To confront every project as a new challenge, without the fixation on creating a style or to respect a predetermined pattern, with the ease that one would expect only from experience, allowed Javier to make interesting exercises in partnership with his colleague Abraham Cherem. Understanding architecture as a broad discipline, joining it to the daily life of the city and to know how to sell it to entrepreneurs where some of his big successes. Javier had the chance to explore a huge range of projects with his work: monumental architecture, pavilions, residences, corporate and contract between amusements and experiments. JAVIER SERRANO THE ARCHITECT AND PARTNER OF ABRAHAM CHEREM… We asked Abraham Cherem, his accomplice to tell us about what the learned in their most special projects. Here a few words… Las Flores A 30 storey tower made of concrete and glass in Mexico City was something new for us. The idea was generated with Diametro Arquitectos, it was a interesting process due to the scale. We needed to consider that the building would be of mixed uses and solving that wasn’t easy. We decided to make a peculiar geometry; the structure was a true challenge. The result was a building that integrates to the cityscape. Bicentennial Arch Competition planned by the Federal Government of Mexico. The Arch. Francisco Serrano invited us to participate as a team, which was really exciting for the opportunity to learn from him. The challenge was big for the complexity of the project, besides that in this cases the needs of the client where very specific. At the end, the result was really satisfactory, we received the 5th places and where left with the great experience of working close to an architect with such a large trajectory as that of the Arch. Francisco Serrano. Hotel This project has represented a leap for the firm. We where invited by true hotelier experts, characterized by the concepts they develop in each of their hotels, this couldn’t be the exception. The first challenge was the intervention on an existing palace, it had to be respected and be very careful with the formal language we would use. We decided to use a contemporary architecture with natural materials, but specially with the use of lights and shadows. www.glocal.mx

notas

objeto glocal

El color no se lleva por fuera, se lleva por dentro

elacionar la mesura en el uso del color con Gabriel Salazar es hablar de antónimos y no de sinónimos. Para él, elegir una acertada paleta de color es como tomar una muestra sanguínea del cliente para determinar los niveles que son necesarios para inyectar de vitalidad el plasma de un proyecto; al elegirla identifica tres componentes: los glóbulos rojos que son los colores que dan intención a la propuesta, los glóbulos blancos son los tonos que fortalecen a los anteriores y las plaquetas son las gamas neutras que detienen la hemorragia y logran el balance del conjunto.

En su desmesura controlada en el uso del color, el código de comunicación es complejo pero con un objetivo claro: introducir la aguja sin dolor y estremecer al espectador. www.usoarquitectura.com