GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.6 Portada por / Cover by: EZEQUIEL FARCA by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

Departamentos ALFONSO REYES 216 Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame

Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Directora de Arte Ruth Vázquez Coordinadora Editorial Gaia Romero Figueroa Diseñadores Saúl Vilchis Jorge Leal Álvarez Traducciones Alfonso Maldonado Becaria Marina Peniche RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado View Adrian Moncada Evergreen Marcos Betanzos Fotografía Gabriel González Directora Comercial Daniela Luna ventas@glocal.mx

Portada de Ezequiel Farca para Glocal Design Magazine. La intención de diseño es mostrar cómo el interior y el extrerior están sumamente relacionados, él en su obra trata siempre de integrarlos.

Colaboradores Yolanda Bravo Saldaña José Luis González Cabrero Jorge Diego Etienne Marcos G. Betanzos Correa Nina Paz Susana Rincón Franco Aguirre Alfonso Maldonado Janine Porras Jorge Leal Álvarez Saúl Vilchis CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Octubre Noviembre 2011. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18

Editorial

s una fortuna que México ya cuente con su propia semana del diseño, ya no tenemos que viajar para conocer propuestas de calidad, es tanto lo que está sucediendo en nuestro país y lo que veremos este mes de octubre durante Design Week, Expo CIHAC y ENADII que nos faltarán días para recorrer y conocer lo que la industria y creativos están proponiendo; de lo que estamos seguros es de que seremos testigos del florecimiento de sinergias, y que en próximos años —no más de 5—, nuestra industria será un referente internacional en materia de diseño. Vamos por buen camino… sólo falta una cosa: el apoyo total de las autoridades. Y con este motivo, presentamos una edición diferente. Quisimos escuchar concienzudamente a tres importantes visionarios que supieron unir los puntos de encuentro entre industria, diseño y arquitectura. De tal forma, quisimos que Ezequiel Farca nos representara como país, y por lo tanto para ser portada. Él desde un inicio supo desde que debería de apostar por su propuesta… y hoy ya conocemos el resultado. Por otro lado, entrevistamos al visionario inglés Tom Dixon (nacido en Túnez), quien como director creativo de las empresas de mobiliario Habitat y Artek, supo leer mercados diferentes y establecer diferentes tipologías de diseño, lo que le ayudó años después a saber cómo dirigir su propia firma y llevarla ser una de las más destacadas en este competido mercado. También, invitamos al arquitecto Ramón Esteve, quien expresa su apego por lo lugareño para apoyar la estética local y su economía. Este inquieto español también ha logrado establecer nexos comerciales importantes con Vondom (próximo a llegar a México) y Vibia para diseñar objetos. También dentro de este marco, presentamos las propuestas conceptuales del Design House, casa que cada año nos muestra el nivel de interiorismo de nuestro país. Parte importante de este proyecto es que sus entradas las donan a la institución “En nuestras manos”, por lo que los invitamos ser parte de este movimiento. ¡¡Bienvenidos a nuestra sexta edición!! Greta Arcila

Ed Con itoria ten l ido Tra zos Cas aG loc al Dis Arq eño Wo uitect + em rks 8 pre hop ura en sa 1 0 . M Mé Koh xico ovim ien par ler ap to a la ues 12 s sa ta p l o a Ma s de r la t bañ geom res eriale o. E u 17 s l t i Mil n a UA etría an dos d nova Nov + Che iver dore el 22 vro tido s = Ma let. s. Q s i o em s Ital uin pre are S z ia, nde tud EUA e & 23 i o r . Elis Mé , jug xico an tex a Stro do tile a z Vie s. A ky.En w L lem tre aB ani ma 24 der a con auha as y u s t s Cor ruc c zo. tivo omo e Dón Per en l de 25 la ó emen ú Cas Col to p e a r um G a par u .Pe na a el tiérre pe glo dis z cal N 26 e á ñ j La m o en era, un Q o e d u n la a e eré esp Il m tar acio mo n el obi o. M da. dise le éxic Dis Glo ño e y 28 c o ñ a e o l L l ond sue dis Tex e c o ño n D o “a tile esi Int s P gn terriz erv u d Fes 30 a enc els tiva ” en e rke ión n l l . Det &S Sue tep cia con rás de evi 34 cep l De . Gl Dis oca eño to a sig l la f n Ho Inn orm us dis ovand a. M e, de eña 38 o, e éxi l ndo mp c o r , Ez La a equ endie 41 fór pertu iel ndo Far m y mis ula p ra ha c a. M c mo a éxi , To ra re ia el m co 44 m D nov und a ixo o r s c o n. I e a ngl sí mo ate rra 52

contenido

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La c ref reaci e ó Hos Est rente n arq pita e c v e. E ultu uitec lida spa ral tón d N y lo ica c ña ew cal Gre Hote , Ra omo cia l , mó l . He os C n rm am Dis ano pan e ñ s Ca a ll Hot and mp egan Mé el Pop o par Eve ana a a xico rgr L l Bra ife. a in een z t D il 66 IN i imid Ver nte a rior d, el o de Ver ism Mo rigen tical, o. Tex nas . Fe el d 70 tur r t e n e s as rio. and tin Fro Mé o O o es xico rtiz Jea m the nP Gal sid a ería ul G ewa 72 ual lk to Rea tier Tra t l i h d e e . Fr duc n S ad E anc catw an cio xac alk I ia n l e d e Ob . s efo rba jeto nso da, 76 Ron glo .M éxi cal M c u o Un eck Ken coche 80 net 100 hC obo % eco npu lógi e. F co. ilip 84 ina s 60

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Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Edificio Alfabeto MVRDV Ámsterdam, Países Bajos 2011 El edificio de oficinas de 3200m2 contará con 5 niveles, los cuatro últimos dedicados a áreas de trabajo y colocados sobre un basamento transparente a nivel de calle. Una secuencia de ventanas circulares forma la dirección del edificio en la fachada este, mientras que en la fachada norte, 24 ventanas tienen la forma de las letras del alfabeto (con la notable excepción de la I y la Q que están incluidos en otros espacios del edificio). El desarrollo pensado para agencias creativas ofrece espacios que pueden limitarse a una sola letra o incluir tantas como se deseen. Así por ejemplo el estudio de diseño Thonik ocupara el último nivel entre las letras A y F. La paleta de materiales incluye concreto aparente, aluminio y acero para mantener el espacio simple y fácil de vestir conforme a la imagen de cada despacho. Los espacios de oficinas son grandes áreas vacías con materiales aparentes. MVRDV diseñó una serie de tecnologías sostenibles para asegurarse de que el edificio tenga un excelente perfil energético. El edificio es parte de un proyecto de regeneración del área de Minerahaven en Amsterdam con la intención de convertirlo en un centro creativo y se espera esté terminado en 2012. www.mvrdv.nl

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Foros Azteca Novelas At103 México 2010 Actualmente en construcción, el proyecto de foros de TV Azteca responde a una propuesta de integrar en un espacio los requerimientos de la televisora para filmaciones que anteriormente se realizaban en foros rentados o en locaciones. Se densificó un espacio que originalmente no tenía un propósito específico, y al estar ubicado en la parte posterior de unos foros existentes, se recreó una plaza pública para dar servicio a trabajadores y actores por igual, generando así una envolvente que transforma la escala de los mismos debido a lo inusual del esquema. El proyecto formal es el resultado de extrudir un diagrama de relaciones con programas internos y externos: 7 foros, área de camerinos, área de maquillaje, cabinas técnicas: audio, video, programación, áreas de estar, cafetería, lounge, zona vip, estacionamiento, montacargas, terrazas, cafetería, patios, jardines y helipuerto. En su exterior se optó por un material de terracota negro que unificará el conjunto y posibilitara la relación con el exterior mediante celosías e inserciones con líneas de leds. Las azoteas serán espacios que podrán ser utilizados para filmación, eventos espaciales o bien áreas de estar. www.at103.net

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Puente Mesarski Sadar + Vuga Rio Liublianica, Liubliana 2010 La propuesta de Sadar Vuga para el Puente Mesarski en la capital de Eslovenia completa el plan original de Jože Plecnik para un mercado cubierto diseñado a mediados de los años treinta. Este puente conectaría las dos riberas del rio Liublianica y las actividades que en ella se realizan mejorando los flujos peatonales en la zona céntrica de la ciudad. El diseño contemplaba un puente cubierto con 3 plataformas horizontales, definiendo dos niveles techados por encima del rio. Por sus dimensiones la estructura permitiría la continuación de las actividades del mercado en su interior o su uso para todo tipo de actividades públicas. Su estructura sería realizada en concreto con un acabado que simula piedras, blocks de vidrio en el piso para permitir el paso de la luz natural a ambos niveles con un pavimento de terrazo. Una rampa helicoidal permitiría el paso libre para bicicletas y peatones entre los dos niveles de la estructura. www.sadarvuga.com

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Torre Reforma LBR&A Arquitectos México D.F. 2008-2013 La Torre Reforma será para 2013, el rascacielos mas alto de la Ciudad de México y del país con 244 metros sobre nivel de banqueta. La construcción incluirá restaurantes, centro comercial, áreas de esparcimiento y el uso principal de oficinas clase “Triple A”. El diseño corre a cargo de LBR&A, taller encabezado por el arquitecto Benjamín Romano, con la coordinación de Bovis Lend Lease. Edificada en Paseo de la Reforma 483, Torre Reforma buscará la certificación LEED (Leadership in Energy and Enviormental Design) como edificio sustentable, buscando el más alto nivel que otorga este proceso: Platino. También pretende ser un edificio de “Descarga cero” (reutilización del 100% de sus aguas grises y negras así como las pluviales, teniendo una conexión al drenaje sólo para emergencias). Los diseñadores de Torre Reforma explicaron que el perímetro del edificio se va modificando conforme va aumentando la altura de la torre para evitar ocupar la totalidad del predio disponible, con lo que se pretende que los pisos mas grandes se localicen hacia el centro de la altura y los mas reducidos en la parte mas alta y baja del proyecto. El predio respeta, conserva y reutiliza, una casa catalogada, representativa de una época, construida hacia 1937 y localizada en la esquina del predio, en la intersección de las calles Reforma y Río Elba; obligando a que el desplante de la torre se haga hacia la esquina interior del terreno generando una plaza que integra el proyecto al espacio urbano. www.lbr.com.mx

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Papalote Verde en Monterrey Iñaki Echeverria Arquitectos Monterrey, Nuevo León 2010-2011 Ubicado en la sección Suroeste del Parque Fundidora de Monterrey, es un nuevo museo para niños que tendrá una superficie de 16,448.72 m2. Se proyecta como un nuevo hito cultural de la ciudad que contenga las últimas tecnologías en construcción y sustentabilidad. El proyecto se resuelve a partir de una geometría fluida que corre a lo largo de las exhibiciones y fusiona la arquitectura y la museografía. Así el recorrido del museo se convertirá en una experiencia que se mezcle con el aprendizaje. El proyecto consiste en dos partes. Primero la restauración de dos naves existentes que contienen servicios generales, oficinas administra-

tivas y el acceso principal al museo. En las Salas de exhibición, se explora lo subterráneo como mecanismo para descubrir una nueva frontera en el parque. Permitirá una función más eficiente con el respeto hacia el ambiente. El diseño aprovecha la oportunidad de explorar el territorio desconocido en un gesto crítico y contextual que experimenta la idea de un museo desde un nuevo punto de vista. Finalmente el recorrido termina en una torre mirador, donde los usuarios pueden observar el parque. De manera simultánea la torre será el único elemento visible e identificable del museo en el parque. Para el diseño de paisaje se plantea el primer Jardín Botánico de cactáceas del norte del país, integrando los ecosistemas locales de Nuevo León, logrando así un paisaje de manera simultánea a partir de un criterio científico y paisajístico. http://inakiecheverria.com

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casa glocal

En esta ocasión invitamos al joven taller de Arquitectura en Movimiento Workshop para “intervenir” la sala-comedor de un espacio. En sí el espacio ya existe como tal, pero era un completo lienzo blanco en donde el color podría ser acogido de manera inmediata. Su intención en la aplicación del color fue resaltar la colección de arte. Pero dejemos que ellos nos expliquen…

Arquitectura en Movimiento Workshop Arquitectura en Movimiento Workshop es un equipo de creativos que generan proyectos integrales cuya metodología de creación aborda intervalos de procesos, desde el diseño conceptual hasta la ejecución en obra. Desde 1996 el trabajo el taller se ha propuesto realizar proyectos que aporten al lugar en donde se encuentran, al tiempo de ser el reflejo de su realidad histórica, siempre cumpliendo con las necesidades del usuario final. Plantean una forma diferente de concebir y vivir los espacios. Al día de hoy son 19 integrantes que creen en la diversidad creativa como equipo, siendo un reflejo de las diferentes filosofías académicas que aportan. Su producción aborda los siguientes temas: Workshop = Taller de proyectos arquitectónicos + Laboratorio de obra

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Planner = Proyectos de inversión + desarrollo + planeación Interiorismo = Interiores + Diseño Industrial Arte Urbano = Tapiales + Intervención de espacios En su portafolio se encuentran proyectos del sector privado, público y religioso, en países como México, Estados Unidos e India. Su trayectoria ha sido reconocida por diversas publicaciones y premios, siendo las más recientes la XI Bienal de Arquitectura Mexicana y el Premio Nacional de Interiorismo. Involucrados en la docencia, imparten clases en la Universidad Anahuac del Norte al tiempo de participar en conferencias seminarios y congresos relacionados con la arquitectura y diseño en foros nacionales e internacionales.

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“Elegimos la tendencia Soft Loop para reforzar un espacio en donde hay distintas obras de arte. La intención es que el usuario se viera seducido y estuviera inmerso en una experiencia multisensorial gracias al uso del color. Quisimos crear visualmente una textura con líneas de color justo en el muro que recibe las dos piezas importantes; no sólo Nota:más Estos colores son aproximados a losaportamos reales y pueden variar debido a los efectos de impresión o luz. un marco colorido, sino el protagonismo en el espacio”. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx Atención al consumidor: 01 800 712 66 39

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Nota: Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresiรณn o luz. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx / Atenciรณn al consumidor: 01 800 712 66 39

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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Nuestro primer número correspondió a Karim Rashid. En esta edición nuestro invitado fue Ariel Rojo… Busca las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

FORMULARIO Datos

Nombre: Apellidos: Fecha de nacimiento: Día/Mes/Año Profesión: Dirección Callé y número: Colonia: Ciudad: Código Postal: Correo Electrónico:

Tarifas México D.F. y área metropolitana México, resto de la República Mexicana U.S.A. Resto del mundo

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*Realiza tu pago en Banamex a nombre de: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V.; Numero de sucursal: 4271 Cuenta: 0132512; CLABE: 002180427101325127. Envíanos tu información, junto con la ficha de depósito a: suscripciones@glocal.mx

diseño + empresa

Kohler

apuesta por la geometría para las salas de baño

Redacción Fotografías cortesía Kohler

a investigación constante en el centro de diseño de Kohler, los ha llevado siempre a innovar tanto en materiales como en forma. En esta ocasión hablamos de Lithocast™, el cual tiene cualidades ideales para las salas de baño. Este material logra superficies sólidas y su acabado asemeja a la piedra, pero tiene la virtud que al contrario de ese elemento natural, al tacto se siente caliente, y lo mejor, es que se limpia facilmente. Otra de las cualidades de este material es que al usuario le resulta cómodo. En esta ocasión Lithocast fue usado para realizar las piezas Abrazo, Aliento y Askew, las cuales cuentan con un apoyo esculpido para el área lumbar, además de tener una ranura que evita que el agua se desborde. Estas tinas nos parecieron sumamente atractivas pues nos hablan de la contemporaneidad que ha logrado Kohler en últimas fechas pues están experimentando con diseños que van desde lo orgánico y fluido hasta lo geométrico, elementos nunca antes presentados por esta firma líder en salas de baño de lujo, lo que sin duda les abrirá el mercado a públicos más diversos. Al momento de diseñar también se pensó en la forma de lograr que las piezas permanezcan limpias visualmente, de tal forma que colocaron el drenaje oculto por una cubierta del mismo material manteniendo el mismo color Honed White (blanco opaco) en toda la tina. www.mx.kohler.com

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Materiales innovadores = resultados divertidos. Quinze & Milan y Chevrolet se divierten con sus productos.

Franco Aguirre Fotografías cortesía Quinze & Milán

ara celebrar el aniversario del centenario de Chevrolet, el fabricante de automóviles colaboró con la empresa Quinze & Milan en una instalación temporal, logrando una reinterpretación creativa y técnica del automóvil denominado Orlando. Con esta peculiar mancuerna, presentada durante el Design Week London 2011, Quinze & Milan demuestra que las posibilidades de sus materias primas son infinitas y en especial, las del material llamado QM FOAM™, ya que la tecnología empleada en éste lo ayuda a ser versátil y flexible, ideal para cubrir una amplia gama de superficies. Este trabajo en conjunto también tiene como objetivo divulgar las nuevas perspectivas y formas de pensar de Quinze & Milan; inspirar sin perder la energía, el empuje y el desprecio por las formas convencionales del diseño. www2.quinzeandmilan.tv

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diseño novel

Masiosare Studio jugando a emprender Greta Arcila Fotografías cortesía Masiosare Studio

nnovar hoy en día ya no es una palabra que asuste, en realidad es parte de la cotidianidad de Masiosare Studio, taller de diseño integrado por Alfonso Díaz, Aldo Gutiérrez y Eduardo Meza quienes conscientes de que vivimos en mundo saturado de elementos, apuestan por irse siempre a lo mínimo requerido para crear un objeto. Casi todos sus diseños están hechos con materiales reciclados, reciclables o biodegradables, pero no están siguiendo el green design porque pretendan pertenecer a

una corriente, para ellos ser responsables con la naturaleza es una obligación, y es por este motivo que prefieren no ser catalogados dentro de esa “tendencia”. Este punto es uno de los aspectos que más nos interesaron de su trabajo e ideología: la madurez con la que asumen su responsabilidad como gestores de “objetos”; saben que para preservar hay que cuidar todos los recursos y materiales posibles; cuidan desde la manufactura hasta el empaque (flat-pack).

El principal material que utilizan para su trabajo es el acero inoxidable, el cual cortan con láser para lograr piezas que salen de sencillas “hojas” de acero. Los egresados de la ITESM, CCM, ya tienen en su haber diseños que comercializan en espacios como la Galería Mexicana de Diseño o Diseñado por, al tiempo de dar servicios a empresas o clientes privados. Su amplia visión no los hace encasillarse a una sóla disciplina, ya que también desarrollan proyectos de interiorismo. Sin duda, estos jóvenes emprendedores darán mucho de qué hablar, y como lo dice su nombre –tomado de tres palabras del himno nacional pero que la cultura popular la volvió una sola- osarán hacer de su trabajo algo irrepetible. Larga vida a este proyecto. http://es.masiosarestudio.com

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Elisa Strozyk, entre maderas y textiles Redacción Fotografías cortesía Elisa Strozky

ntre los trabajos que más me han inspirado este año está el de Elisa Strozyk, diseñadora egresada de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas (EnsAD) en París, con una especialización en Diseño Textil del Futuro en Saint Martins, Londres. Su trabajo no busca las formas exacerbadas, se va a la depuración máxima y exalta la nobleza de los materiales con los que trabaja que son la madera y los textiles. Éstos, que en realidad se contraponen por sus características comunes, logran entablar comunicación y armonía en los diseños de Strozyk. Al preguntarle a la diseñadora germana cómo había logrado esa sincronía, la respuesta fue rápida y contundente: “Porque después de analizar el mundo en el que

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nos está tocando vivir, comprendí que nuestra humanidad está muy desapegada de la naturaleza. La tecnología, y en especial la computadora, nos ha distanciado de las emociones; todo pareciera arreglarse con un botón, pero no, los colores que la vista reconoce; las sensaciones logradas por el tacto, así como los olores de la naturaleza, entre muchas otras cosas, no llegan a nosotros a través de un botón, están ahí para darnos vida”. Y eso es lo que la diseñadora desea, transmitir nuevamente a una experiencia táctil. Para la Strozyk fue importante descontextualizar la madera como la percibimos: un material duro que se usa para mobiliario o para caminar sobre ésta en pisos, en los mejores

de los casos, cuando no es usada para prender fuego. Comenta que por lo general la gente no experimenta una superficie de madera a través del tacto. Ella, desde la perspectiva de un diseñador textil, está investigando maneras de proporcionar a la madera con propiedades textiles, así llega al resultado de “hacer” la madera flexible y suave entrelazándola con elementos textiles. El resultado es un material que desafía lo que se puede esperar de un material o categoría. Se ve y huele familiar, pero se siente extraño, ya que es capaz de moverse y tener formas de maneras inesperadas. Sin duda estamos ante una diseñadora que si sigue en esta línea, dará grandes aportaciones al mundo del diseño. www.elisastrozyk.de

view

La Bauhaus

como elemento constructivo en la ópera Marina Peniche Fotografías cortesía Pepe Corzo

l momento de investigar qué mostraríamos en esta sección, nos encontramos con los ganadores de la Bienal Iberoamericana de Diseño 2010, en la información de inmediato sobresalió el trabajo hecho por el diseñador peruano Pepe Corzo, quien gracias a su formación como diseñador de vestuario y director de arte ya ocupa un lugar notorio en el mundo del teatro ya que tiene en su haber más de 70 producciones teatrales. Corzo antes de dedicarse al espectro teatral destinó algo de su tiempo al diseño de moda, sin duda ésta experiencia le ayudó mucho a entender las emociones que pueden lograr diseños bien logrados, tal como vemos en su trabajo hecho para la ópera “Les Contes d’Hoffmann”, de Jacques Offenbach, dirigida por Mario Pontiggia. En propia voz nos dice que esta obra significó mucho al ser un proyecto “sumamente inspirador por tratarse de una ópera fantástica… Una buena oportunidad para crear mundos imaginarios”.

Estos diseños, que pudieron ser vistos en el Teatro Pérez Galdós como repertorio del 42° Festival de Ópera de las Palmas de Gran Canaria, cuentan cuatro mundos: uno real y tres imaginarios, cada uno con imagen propia. El autor, inspirado en la estética Bauhaus y la iconografía robótica, irguió el mundo de Olympia, la muñeca mecánica. Los otros actos tomaron sus elementos en la deconstrucción y belleza sadomasoquista leather con una decorativa más lúgubre y sombría. La estética constructivista en el acto de Olympia está focalizada en el vestido como un elemento de expresión visual pues se hicieron para las bailarinas faldas mecánicas que dan vueltas en su propio eje, efecto que aportaba sorpresa para los espectadores y que agregó valores divertidos y dinámicos al vestuario. La expresión icónica Bauhaus se manejó con una sintaxis extraordinaria, no sólo por el perfil de las líneas sencillas del vestuario, sino también por la expresiva articulación gráfica que utiliza geometrías www.glocal.mx

básicas y el uso de los tres colores primarios, tan característicos de la corriente. Esta composición nos remite a una lectura de cuadros visuales que permite reconocer las cualidades de las formas Bauhuas y recordar su valor y significado. Es importante mencionar que los vestuarios fueron un reto logístico en su manufactura pues la mitad de ellos se hicieron y llevaron desde Lima, Perú. Con sus sorprendentes proyectos y originalidad de diseño, Pepe Corzo pone en evidencia el papel fundamental que ocupa el vestuario en el proceso de dramatización, y a través de este trabajo inolvidable, abraza las influencias del concepto y la inspiración para transmitir fuerza visual potenciando el mensaje de la opera y de los personajes así como llenando el escenario de características fantásticas, colores y diversión.. OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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Casa Gutiérrez Nájera, un espacio para el diseño en Querétaro Redacción Fotografía cortesía CGN

esde fines del mes de agosto la ciudad de Querétaro ya tiene un espacio dedicado al diseño, la casa Gutiérrez Nájera, misma que en su interior después de una concienzuda remodelación ya es considerada patrimonio cultural de la humanidad. Este lugar para la creatividad está ubicado en la calle 5 de mayo y la esquina de Manuel Gutiérrez Nájera, en el corazón del centro histórico de esta ciudad. Y en sí la propia casa tiene una gran historia ya que décadas atrás fue la tradicional cantina de Don Amado, pero para la fortuna de los amantes del arte, la propietaria de la casa decidió ya no rentar el inmueble a negocios dedicados a la venta de bebidas alcohólicas debido a las quejas de los vecinos. Pero siempre debe de haber un motor impulsor para que las cosas sucedan, y en este caso fue al arquitecto Carlos Torre Hutt quien a sabiendas de la falta de lugares para la difusión del diseño en Querétaro y en el centro del país, creó y vio en este lugar un gran potencial para fundar la Casa Gutiérrez Nájera, que es llamada así, claro, por su ubicación pero también

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en honor al poeta y escritor de la modernidad en México a finales del siglo XIX, Manuel Gutiérrez Nájera. La Casa como espacio cultural está dedicada a difundir el diseño en todas sus disciplinas a través de exposiciones, talleres, conferencias y proyecciones, promoviendo artistas, creativos y diseñadores de Querétaro, Guanajuato, San Luis Potosí y otros estados del centro del país, además de ser un espacio que funcionará como vínculo entre otros espacios dedicados al diseño en México y el extranjero. ESPACIOS, firma dirigida por Hutt y fundadora de la casa, logró reunir a empresas comprometidas con el diseño como 3M, Bticino, Comex, Construlita, Hafele y Manat para inaugurar con la reconocida colección Cholochair de Claudio Morales. Éste personaje desde hace poco más de dos años, se dedicó a rescatar y restaurar más de 400 sillas Eames que estaban en un hospital (ahora demolido) en la ciudad de Guadalajara. Para lograr esta tarea comenzó a intervenir cada una de ellas a través de invitaciones a artistas plásticos y diseñadores. En ocasión de la apertura se invitó a trabajar a artistas y diseñadores de la región. De tal forma, hoy vemos expuestas las sillas Mula y Piñata de Christian Vivanco, la silla Trazos de Manuel Álvarez, la silla Bejuco de Carlos Torre Hutt y la serie de sillas Eimms intervenidas por Octavio Arreola, Elisa Lerma y Mariano Arreola del estudio de arquitectura Taller 5, estos son tan solo unos ejemplos de las nuevas intervenciones que han enriquecido la colección Cholochair. Para tiempos venideros la casa ya tiene planes de abrir un taller con Ariel Rojo entre otras actividades. www.casagutierreznajera.com http://molochair.com OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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columna

La moda en el diseño

y el diseño en la moda Jorge Diego Etienne Fotografías cortesía firmas invitadas

Lo que distingue a estas colaboraciones del resto, es que más allá de utilizar un nombre y un estilo, esta la búsqueda por explorar distintas formas de hacer lo que mejor saben hacer: diseñar

ada día vemos más marcas y diseñadores de moda poner su sello en proyectos de interiorismo, hotelería, muebles y otros productos como teléfonos celulares, lo que me deja siempre con la misma duda: ¿branding o sinergia? Las grandes casas de moda han sabido aprovechar su posicionamiento para incursionar en otros productos de lujo, ejemplos hay muchos, entre ellos destaca el mobiliario presentado por Armani Casa o la edición Dolce & Gabbana del Motorola Razr, proyectos que sólo muestran una pequeña intervención en el producto. En esta ocasión abordamos cuatro proyectos de colaboración entre moda y diseño industrial, viéndolos desde varios ángulos y con diferentes productos, pero compartiendo un mismo concepto: ser una propuesta novedosa. Diesel encontró en Moroso el aliado perfecto para llevar su concepto de Succesful Living al mobiliario. Con apenas un par de años de haber sido lanzados al mercado, los diseños de esta sinergia han sorprendido. A diferencia de otras compañías de ropa, Diesel presenta una estética anti-lujo que va de la mano con el estilo relajado de los muebles fabrica-

dos por Moroso, otra compañía que se caracteriza por crear diseño fresco y sin pretensiones. Aunque varias piezas parecen haber salido del backstage de un concierto de rock, la colección se posiciona entre los muebles anticuados de las grandes casas de moda y el diseño contemporáneo de Milán que aunque sean fascinantes, muchas veces son difíciles de ubicar en los hogares. Cada año en Milán, Swarovski tiene un espacio en donde da libertad total a los diseñadores con el fin de que exploren con sus materiales, éste es llamado Swarovski Crystal Palace. En sus casi 10 años de vida, el Crystal Palace ha mostrado piezas e instalaciones de diseñadores como Marcel Wanders, Front, Zaha Hadid, Ron Arad, Jaime Hayon, Tokujin Yoshioka, Karim Rashid e Yves Behar, por nombrar algunos. Los resultados siempre son variados y a veces demasiado experimentales, como la pieza de Yoshioka del 2010 que intentaba “crecer cristales” dentro de un tanque. Otra obra interesante es Amplify de Yves Behar, una pieza que se aparta del lujo del cristal y lo utiliza de manera ingeniosa en una lámpara de papel. Un único cristal amplifica en su interior la luz LED y

la proyecta a la mampara de papel, creando un juego e luz similar al que vemos en los cristales. Por su parte el diseñador japonés Issey Miyake comenzó a producir relojes colaborando con creativos japoneses como Naoto Fukasawa y Tokujin Yoshioka, e internacionales de la talla de Yves Behar y Ross Lovegrove. La pequeña colección muestra una gran variedad de estilos caracterizados por estar minuciosamente diseñados hasta el más pequeño detalle. Piezas como VUE del estudio Fuse Project de Behar proponen nuevas formas de leer el tiempo, algo difícil de lograr en los relojes análogos. Fukasawa es el diseñador con más constancia en los 10 años de la marca de relojes. Su último diseño, Trapezoid, cuenta con un efecto visual interesante en los números del taquímetro alrededor de la cara. Sea moda en el diseño como el caso de Diesel y Moroso, o diseño en la moda como Swarovski e Issey Miyake, cada uno de estas tres sinergias han logrado presentar diseños novedosos que funcionan como puente entre estos dos mundos no tan lejanos. www.moroso.it www.swarovskicrystalpalace.com www.isseymiyake-watch.com www.glocal.mx

Diesel Designers (Moroso).

Sofรก.

Cloudscape chair.

2009.

Ego Stud Mirror

Diesel Designers (Moroso).

Espejo.

Diesel

Overdyed chair.

2009.

DBar Std High Stool.

2009.

Overdyed Table.

Cloudscape Platform 160.

Mesa de centro.

Cama.

2009.

20010.

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Vue. Silat 003.

Ives Behar.

Naoto Fukusawa.

2010.

Vue. Ives Behar. 2010.

Trapezoid -AL (Silat 002).

Vue.

Naoto Fukusawa.

Ives Behar.

2006.

2010.

Trapezoid -AL (Silat 002). Naoto Fukusawa. 2006.

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Tokujin Yoshioka. Stellar. 2010.

Yves Behar. “Amplify”. Lámpara de cristal. 2010. Papel reciclado.

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il mobile

Diseño sueco

“aterriza” en el London Design Festival Susana Rincón Fotografías: Swedish goes to London

ara todos es conocido la calidad el diseño hecho en Suecia y en la última edición de Design London Festival volvieron a mostrar el porqué de su buena fama. Diseño emergente y los clásicos hicieron sinergia para presentarse de manera atípica: invadieron estratégicamente la capital inglesa con el “colectivo” Swedish goes to London. Así, los vimos en galerías, museos y calles, pero lo que más atrajo la mirada de ajenos fue la singular “puesta en escena” en un espacio simbólico culturalmente hablando: su propia embajada. Esta sin duda fue una excelente oportunidad de conocer el espacio diplomático por antonomasia para Suecia el cual ocupa una bella casona del siglo XVIII diseñada por Robert y James Adam. En el lugar, más de 50 empresas y creativos presentaron sus propuestas y dieron una prueba de hospitalidad al invitar a los visitantes a sus tradicionales Fika, que son momentos de reuniones informales para tomar café y conversar entre amigos —generalmente acompañados por galletas—, de tal forma, se tenían programados horarios para el Fika, y era la ocasión para conocer también parte de la gastronomía, cultura, moda y tradiciones suecos. La organización corrió por parte de el Consejo Sueco de Comercio en colaboración con la embajada, y fue producida por Svensk Form.

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5 1 ) Håkan Johansson y una de sus piezas para Zweed. 2 ) Fredrik Färg y su colección Succession. 3 ) Nest de Markus Johansson. 4 ) Nueva colección de mobiliario de A2 designers. 5 ) Zapatos Melonia de Naim Joseﬁ y Souzan Youssouf. 6 ) Simon Klenell y su serie Frigger Tactics. 7 ) Rhubarb light de Emma Marga Blanche.

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8 ) Whyred y sus porta velas Suburban Skylight. 9 ) Vestíbulo de la Embajada Sueca en Lóndres. 10 ) Circle lamps de Monica Foster. 11 ) P77 de Jonas Lindvall para Johanson Design. 12 ) Pixtel Shapes de Sara Reinholtz. 13 ) Vasos para Orrefors de Karl Lagerfeld. 14 ) Håkan Johansson y otra de sus piezas para Zweed. 15 ) Bocinas de Shape Audio. 16 ) Lámpara de Thomas Malmberg.

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textiles

De la fascinaci贸n por las ruinas de un castillo a un estilo sencillo y sin pretensiones:

Pudelskern & Stepevi

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Gaia Romero Figueroa Fotografías cortesía Pudelskern & Stepevi

escubiertos hace tres ediciones en el Salón Satellite en Milán, el taller de diseño Pudelskern nos vuele a sorprender con su trabajo. En la última edición de Maison & Objet presentó de la mano con la firma textilera Stepevi dos colecciones que nos recuerdan el valor de lo antiguo. Patina y Fragment parecieran haber madurado con el tiempo y rescatado esos detalles que hacen memorable lo tocado por el tiempo. on presencia en Londres, Paris, Milán, Estambul y Nueva York, Stepevi pretende con estas colecciones llegar a todo tipo de usuario, tanto el que busca el diseño contemporáneo como el que adquiere piezas de colección por el pasado e historia que guardan las piezas en sí mismas. Para llegar a las formas, texturas y cualidades que hoy vemos, se requirió una investigación intensa profunda en técnicas y materiales. Fragment y Patina son alfombras de lana con una superficie semi-fieltro, que generan un aspecto de individualidad natural, con los bordes ligeramente irregulares. Todas las piezas están unidas por un aspecto importante: la sencillez sin pretensiones. Para ejecutar su diseño, Pudelskern tomó los signos de envejecimiento y maduración como procesos de mejora; para ellos es lo aporta diferencia, personalidad y carácter a cualquier pieza, esa individualidad que los clásicos de cualquier disciplina tienen. Dieron carácter a cada pieza gracias a una adecuada selección de color, en donde encontramos desde tonos muy intensos hasta otros más delicados. Definen su trabajo como la expresión del arte y la maduración sutil, sin dejar atrás la contemporaneidad. www.pudelskern.at www.stepevi.co.uk

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DISEÑO DE PORTADA

CIUDADANO GLOCAL

CONCURSO

OBJETIVOS: • Dar a conocer nuevos talentos nacionales de las disciplinas que abarca la revista y que compartan espacio con los diseñadores invitados. • Invitar a que los participantes a cuestionarse sobre su identidad como creativos y ciudadanos del mundo con identidad local, y sobre ésta reflexión presenten una propuesta de portada. • Establecer una comunicación con los lectores de Glocal Design Magazine para comprender su visión sobre lo que para ellos es una comunidad glocal. PARTICIPANTES: • Estudiantes de los dos últimos semestres o cuatrimestres de las de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. • Recién egresados (cuatro años máximo) de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. CATEGORIAS: • Diseño Industrial • Diseño Gráfico • Arquitectura Interior • Arquitectura • Artes Visuales *La participación es individual. *Importante a considerar: el formato portada y la ubicación del logo deben de mantener su estado actual, lo que cambiará es la propuesta gráfica. JURADO: • Consejo Editorial de Glocal Design Magazine ASPECTOS A CALIFICAR: • Presentación • Originalidad de la propuesta • Claridad conceptual • Seriedad y compromiso con su trabajo *El jurado es libre de descalificar las propuestas que evidentemente sean copias de algo ya existente.

PREMIO: • Publicación nacional de su trabajo • Habrá 6 ganadores quienes compartirán portada con el diseñador de la revista de Junio-Julio 2012; cinco portadas serán seleccionadas por el jurado y una por el público, todas serán publicadas. Tendremos 6 portadas diferentes. • El jurado seleccionará a uno de los 6 ganadores para que se vaya a Paris a la segunda edición de Maison & Objet 2012 con avión y hospedaje pagados (5 días, 4 noches). *El triunfador deberá de tener pasaporte vigente para que pueda ser acreedor a este premio. *No transferible.

*Los ganadores se darán a conocer en evento organizado por Glocal Design Magazine, se les notificará de la sede y la fecha. El evento será en la ciudad de México.

ESPECIFICACIONES DE ENTREGA: » Costo de participación: 300 pesos a depositar en la cuenta: Banamex de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V., Banco: BANAMEX; Sucursal: 4271; Cuenta:132512; Clabe: 002180427101325127 *Entregar ficha de depósito en el sobre del participante. »Deberá entregarse en un sobre cerrado que contenga: CD o DVD con los archivos digitales en formato EPS, JPG o TIFF para Machintosh en resolución de 300 dpi, tamaño 24 x 31 cms (el tamaño final de la portada 23 x 30 cms); diseño impreso en papel bond de 250 gramos, en formato real; descripción de su propuesta en una cuartilla. »Carta firmada por el autor en donde se notifique que se ceden los derechos de autor y patrimoniales sobre el trabajo entregado a favor de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Ésta deberá indicar que la empresa arriba mencionada podrá publicar dicho material ya sea en su edición impresa, web o para fines de seguimiento publicitario de la cobertura del concurso. Deberá de entregarse una copia oficial de identificación en donde se vea claramente la firma y fotografía del participante; copia de su diploma para comprobar la veracidad de su estatus como estudiante o recién egresado. Sin estos documentos, se anulará su participación en su totalidad. »Entrega: en las oficinas de Glocal Design Magazine: Manchester no. 13 piso 1, Col. Juárez, C.P. 06600. Fecha límite: lunes 23 de abril 2012 hasta las 19 horas. MAYORES INFORMES : ciudadano@glocal.mx

intervención

Detrás del Design House; del concepto a la forma Arquitectos e interioristas nos presentan la conceptualización de su espacio dentro de la casa más visitada en el mes de octubre en México.

Greta Arcila Imágenes cortesía arquitectos participantes

na vez más llega Design Week, y en esta su tercera edición vuelve a ser noticia. Primero porque la sede ahora es BLEND, segundo porque la exposición en el Museo de Arte Moderno ya creció y en el montaje de “Fabrica Mexicana” mostrarán a muchos talentos mexicanos del diseño industrial, y lo más comentado, quiénes estarán dentro de Design House. Este año tuvimos la oportunidad de ver los proyectos antes que nadie y entender cómo nace cada uno. Pero detrás de todo este tinglado está el alma que hace que todo tome forma, es así como llegamos a la arquitecta Andrea Cesarman, socia de C Cúbica y quien con su trabajo como interiorista ha demostrado porqué ella es quien maneja los hilos de la casa. Cesarman nos comenta que el objetivo principal de esta casa es demostrar cómo el interiorismo no es tan superfluo como muchos piensan, en sí es una disciplina que crea los espacios de vida, por lo que para todos los involucrados en este proyecto es fundamental promover a este gremio de OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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la mejor forma: mostrando su trabajo. Por otra parte, reconocen lo elemental que es el diseño industrial y cómo los objetos nacidos en esta disciplina conectan al ser humano con su individualidad, por lo que también hacen alianzas con los industriales para presentar su trabajo. No podíamos dejar de preguntar cómo es que se hace la selección de los arquitectos que son parte de la casa, y afirma que es en base a su trayectoria profesional y que su trabajo “confirme un estilo y genere tendencia”; cada año buscan invitar a más despachos con nuevas propuestas para que el público sepa qué está sucediendo en México en materia de interiorismo. Y sin duda ese es el acierto de la casa, presentar tipologías tan diversas y opuestas pues cada arquitecto tiene total libertad creativa, el único requerimiento es que “sean responsables con su entorno y que entiendan el proceso de trabajo en equipo ya que en el mundo global trabajar en conjunto es fundamental”.

Para Andrea Cesarman uno de los resultados más favorables de haber iniciado este proyecto es el acercamiento que han tenido con gremios que en sí siempre hacen sinergia a lo que menciona: “Design House nos une con los arquitectos, interioristas, la industria del mueble y las tendencias del momento”. Al preguntar qué es lo que esperan que ésta experiencia aporte al interiorismo de México responde contundente: “Nuestro país vive momentos de mucha revuelta interior y eso podemos verlo en los creativos que han intervenido la casa. Hay muchas muestras que contraponen conceptos de ‘lo bueno y lo malo’, ‘lo superfluo y lo valioso’… en sí vemos proyectos que hablan de la gran tristeza que hay en nuestros corazones (como mexicanos), y también de la emoción de estar aquí participando. Queríamos que fuera un proyecto de recuperación de lo que somos como país; presentar la fuerza y el talento que existe y que hacen posibles que eventos como éste existan”.

Habitación 116: Javier Clavería y Rafael Rivera

Dupuis: Alejandra Prieto Arte Vivo

Bitar Arquitectos: Héctor Bitar

Roy Azar Arquitectos

Studio Roca: Carlos Acosta y Rodrigo Alegre

Beata Nowicka Studio

Cherem Serrano: Abraham Cherem

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Space: Juan Carlos Baumgartner

Muro Rojo: Jorge Medina, Germán Velazco, Elizabeth Gómez Coello

C Cúbica Arquitectos: Marco Coello, Emilio Cabrero y Andrea Cesarman

MarqCó: Covadonga Hernández

Grupo de Diseñadores Creativos: Amín Suárez y Joshua Borenstein Claudia Grajales Interiorismo

Urbana Interiores: Alejandro Escudero

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Innovando, emprendiendo y diseñando, la historia de Ezequiel Farca “Apuesto por diseños que no caducan, el diseño debe ofrecer un servicio y una función, debe apelar a la emoción: la función emotiva se puede cubrir con sencillez” Ezequiel Farca. Fotografías: Cortesía Ezequiel Farca Retrato: Gabriel González

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nvitamos a Ezequiel Farca para ser parte de los conceptos de portada hace unos meses, prospectando que sería para el siguiente año, sin embargo cuando vimos que se acercaba Design Week México, quisimos que un diseñador mexicano fuera quien apareciera en primera plana pues necesitábamos a alguien que representara; y no solamente por su trabajo, sino por la visión de ser un empresario del diseño. De Ezequiel podemos aprender a no tener miedo a aventurarse a apostar en el proyecto más importante: uno mismo. Hoy nos habla de sus inicios, de cómo es la relación con sus clientes, de cómo ser audaz, de cómo aventurarse a encontrar las oportunidades.

- Greta Arcila: ¿Quién fue la primer persona que creyó en tu diseño? Ezequiel Farca: La primer persona que creyó en mi diseño fui yo. Sabía lo que no quería hacer y lo confirmé en 1992 cuando tuve mi primer cliente, quien me pidió una mesa de comedor que no estuve dispuesto a hacer pues deseaba todo “post” pintado de peach y colores betún. Cuando visité la casa del cliente comprendí que él no quería una mesa, quería un pastel. Entonces, hice la mesa que tendría en mi casa, la llevé a Points, la tienda de Claudio Franco y Sylvian su esposa, y cuando llegué me pidieron que la dejara a consignación, se vendió y así empezó la historia… Hoy, aunque tenemos muchos tipos de clientes, yo soy el más exigente. - ¿Qué te dejó trabajar para otros? Cuando salí de la carrera, busqué trabajo en varios despachos de arquitectura y no conseguí ninguna contratación, esto para mí fue un reto más que un fracaso porque entendí que no sabían qué hacía un diseñador industrial y que nadie les resolvía el tema de mobiliario de una manera específica, así que decidí trabajar por mi cuenta. Los clientes se convirtieron en mis jefes y así he ido aprendiendo. Hoy tenemos clientes más exigentes con proyectos más complejos, todos son tratados con mucho respeto. - Como pionero de una nueva generación de diseñadores que ya saben que para tener éxito en este medio hay que ser también empresario ¿qué les puedes decir a nuestros lectores de este proceso? En México los diseñadores hemos tenido que aprender a hacer de todo. El diseño hecho para empresas que pagan por regalías no es suficiente para subsistir hoy en día en un despacho del tamaño como el mío. Los diseñadores en México hemos tenido que aprender a vender, a cotizar, a fabricar, a administrar; algunos como mi caso, a tener un showroom propio, y a tomar el diseño como una disciplina, como un servicio integrado verticalmente. En esta definición de diseñador empresario yo decidí organizarme y estructurarme como una empresa, con manuales y procedimientos, trabajamos en SAP Business One. Hoy somos despacho-empresa y formamos parte de Endeavor, organización que ayuda a los emprendedores a crecer. Como dice Pelé “el éxito no es un accidente, se trata de un arduo trabajo, perseverancia y más que todo, amar lo que uno hace”.

“Cuando salí de la carrera, busqué trabajo en varios despachos de arquitectura y no conseguí ninguna contratación, esto para mí fue un reto más que un fracaso porque entendí que no sabían qué hacía un diseñador industrial” Ezequiel Farca.

- ¿Cuál fue tu primera publicación y qué se dijo de tu trabajo? ¿Cómo se tomaron las críticas (en caso de que hayan existido)? La primera publicación fue de Harpers´ Bazaar. Laura Laviada, directora de la revista, siempre creyó en mi trabajo y publicó varias notas hace 20 años. Poco tiempo después en Travel and Leisure apareció en la portada el hotel Ventanas al Paraiso, ubicado en Los Cabos, con una foto increíble de la alberca en donde se mostraba el mobiliario exterior que yo había diseñado, lo que dio como resultó en la primera proyección internacional. OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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De la Colección Cholochair “14”.

Silla para Veuve Clicquot.

- Se dice que en el medio de la creatividad todo está ya hecho, ¿cómo logras marcar una diferencia con tu trabajo del resto? Haciendo las cosas sencillas, entre más sencillo, más logrado está, y este concepto siempre queda fuera del tiempo. Apuesto por diseños que no caducan, el diseño debe ofrecer un servicio y una función, debe apelar a la emoción: la función emotiva se puede cubrir con sencillez. Hoy el mayor lujo es el tiempo y éste debe de mejorar nuestra calidad de vida a través de los objetos, el mobiliario, el espacio, la luz y las emociones. El diseño debe de obedecer al mercado. No al revés. - El momento de la primer exposición siempre llega ¿cómo fue y qué es lo que te dejó? Conocí hace 20 años a Pancho Gilardi a través de mi hermano quien trabajaba en una revista, le mostré mi trabajo y tomó unas fotografías de mis primeras piezas; me invito a comer a su casa y sin tener idea, llegué a la “Casa Gilardi” de Barragán. Cuando estaba sentado en la mesa del comedor, con la alberca maravillosa azul y el muro rojo, supe que eso sería a lo que me quería dedicar el resto de mi vida, me ofreció hacer una exposición en su galería y esto fue el arranque de mi carrera. Recuerdo muy bien que Pancho me preguntó la fecha que quería para mi exposición, y después me dijo: “Sólo te pido que no me vuelvas a ver para enseñarme nada hasta el día de la exposición, te digo una cosa, en esta vida sólo hay una manera de hacer las cosas”. Diseñé la primera colección que yo tendría en un departamento: una mesa, un par de sillas, una cama, etcétera. Algunas cosas se vendieron, otras las conservo como parte de mi colección.

Mezcladora para Colección Farca de Stanza.

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Cholochair “17”.

- ¿Crees que exista trabajo para tantos estudiantes de diseño industrial en México? ¿Se necesita tanto diseño en nuestro país? Sí se necesita diseño en un país que hoy en día sigue siendo virgen en este campo, hay tantas oportunidades que a veces es difícil verlas. Este país requiere de gente comprometida no sólo con el diseño, también con la arquitectura. Gente comprometida y profesionales que realmente aporten soluciones a las problemáticas que hoy vivimos. El diseño urbano nos necesita, la industria nos necesita, los desarrolladores nos necesitan, en fin, hay tanto por hacer que a mí no me alcanza el tiempo.

Monomando para empotrar para regadera y tina, Colección Farca de Stanza.

- ¿Qué tan necesaria es la especialización en tu área? ¿En qué eres realmente especialista y cómo logras llenar las áreas en las que no tienes un conocimiento profundo? Soy diseñador industrial con maestría en arquitectura, el manejo de la escala hoy me permite estar involucrado en proyectos muy distintos al mismo tiempo. Mi equipo está conformado por diseñadores industriales, arquitectos, diseñadores de interiores y diseño gráfico. Para mí la especialidad está en la obsesión por hacer las cosas bien, el conocimiento lo aporta la gente que trabaja en el equipo, no tengo contratado a un sólo dibujante, todos aportan, diseñan, resuelven y ejecutan. - En México tu trabajo es muy valorado y comienzas a tener varios proyectos en el exterior, ¿cómo se dio este salto a lo internacional y cómo se planeo? Hay un idioma válido para muchas culturas, cuando diseño un espacio pienso siempre en muebles que delimiten y contengan un territorio, pero OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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que a su vez no interrumpan. Esta filosofía me ha llevado a dar soluciones simples a proyectos, que sin importar en dónde estén, siguen la misma metodología. Estamos haciendo una casa en Culver City en Los Angeles de una pareja encantadora y joven. Estamos haciendo también unas oficinas de una productora en Santa Mónica. También estoy aprovechando para estudiar un MBA en UCLA, como siempre nunca dejo de aprender. - ¿Qué es la vanguardia para ti y cómo la aplicas a tu trabajo? Mi método de diseño se basa en la resta, al final de esa sustracción comprendí que la expresión es la que revela el uso propio del mueble o del espacio, yo no puedo hacer lo que no siento propio. El diseño no caduco no mira con lupa al mundo, ni está pendiente de la moda ni la vanguardia. A veces la prensa quiere espectáculo, pero algunos pensamos que lo verdaderamente espectacular es un sofá que dure la vida de una persona. Hacer cosas que permanezcan es una óptica hoy necesaria, entre tanto diseño para deslumbrar, un diseño serio hecho para durar se ha convertido en la excepción. Y es no sólo lo que intento hacer, es lo que siento hacer.

“A veces la prensa quiere espectáculo, pero algunos pensamos que lo verdaderamente espectacular es un sofá que dure la vida de una persona” Ezequiel Farca

- ¿Qué piezas son emblemáticas para tu crecimiento profesional y porqué? Siempre me ha gustado la integración de los espacios de afuera para adentro, quizás porque cuando nací me faltó el aire, tengo ésta fijación por estar al aire libre y por vivir lo más posible el exterior. Mi pasión ha sido diseñar muebles de exterior, y justo en ese segmento mi trabajo se comenzó a reconocer con la tumbona Zihua. Hoy diseñamos desde objetos y mobiliario hasta espacios donde los muebles siempre se integran, no diseñamos piezas protagónicas que invaden el área. Cuando me pidieron diseñar el mobiliario del Habita Masaryk, proyecto de Norten y Gómez- Pimienta, lo primero que hice fue interpretar el lenguaje de la arquitectura y llevarlo a un diseño simple y funcional que se integrara a la arquitectura. - ¿Cómo es tu colaboración con otros diseñadores mexicanos y dónde está el punto de unión? Mi trabajo ha sido más hacia fuera porque tiene que ver con clientes. Siempre adentro del despacho soy muy reservado y comparto poco de mi vida personal, y la de mi trabajo con gente que no está en mi familia dentro de la oficina. Mi colaboración es siempre con gente que es afín a mí. Para mí, mi equipo es el punto de encuentro con el diseño y la arquitectura. Mi colaboración se ha dado más con mis clientes que se han convertido en nuestros aliados y nos dan la oportunidad de seguir desarrollando objetos, muebles y espacios. ¿Qué dirá la historia del diseño sobre Ezequiel Farca? El concepto de antienvejecimiento es tan complejo o simple como cada quien lo decida, todo se resume a tres palabras: estilo de vida. Los expertos han puesto sobre la mesa tecnología de alto costo, o cuidar desde hoy, cómo vivimos; cada quien decide cómo crecer. Mi misión está en hacer las cosas lo mejor posible, no hacemos cosas para ocupar portadas, las genialidades son admirables pero hay poca genialidad y mucho engaño. Ya la historia dirá. www.ezequielfarca.com

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La apertura hacia al mundo como fórmula para renovarse a sí mismo,

Tom Dixon

Greta Arcila Fotografía cortesía Tom Dixon OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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in duda alguna uno de los diseñadores ingleses más prolíficos es Tom Dixon, su peculiar manera de solucionar tanto objetos como interiores atrae a más de uno porque sabe cómo ser vanguardia utilizando el color y la ausencia del mismo; las formas sinuosas y su contraparte; referentes ingleses e internacionales, entre otros elementos que lo convierten en un referente obligado en el diseño de hoy. Tuvimos la oportunidad de tener una breve entrevista con él, y esto fue lo que nos dijo…

Greta Arcila: Como diseñador y empresario ¿Cuáles son las dificultades que percibes para la próxima generación de diseñadores? ¿Cuál es la mejor manera de comenzar como colaborador o diseñador independiente y porqué? Tom Dixon: El reto está en el cómo darse a conocer en un mundo tan saturado de diseñadores y productos de diseño, sin embargo, la ventaja que hoy tienen es que si existe una buena y original idea, es casi imposible que no resalte. - ¿Cuáles son los valores de la marca Tom Dixon? ¿qué la diferencía de las demás? Yo trabajo de una forma ligeramente diferente a la mayoría de nuestra competencia; nosotros diseñamos, desarrollamos y distribuimos nuestras propias ideas, y justo esto es lo que marca un mayor sentimiento de cohesión al resto, pues ellos tienen varios diseñadores en los procesos. También prestamos mucha atención en materialización de los objetos, haciéndolos sólidos y duraderos. - ¿Cómo te las arreglaste para ser director creativo de Artek y Tom Dixon al mismo tiempo? ¿Cómo puedes mantener la diferencia y la originalidad? Fue tarea fácil, ya que Artek es vintage, prácticamente de abolengo en el sector maderero; por el otro lado la otra firma es una innovadora marca británica. - ¿Cómo continuas encontrando diferentes maneras de expresión a través del diseño? Me aburro fácilmente y estoy lleno de curiosidad, me encantan los retos y sigo sintiendo que mi carrera apenas comienza. - ¿Qué es mas importante e interesante, el proceso de crear o el resultado final de un nuevo diseño? Las dos partes son interesantes a su manera. Empezar un proyecto es más emocionante pero terminarlo es mas satisfactorio. - ¿Qué son las fórmulas que utilizaste que te dieron mayor experiencia para ser un buen diseñador? Realmente no tengo y nunca tuve una fórmula. Es importante para mí no pensar demasiado en diseño y exponerme lo más posible a la inspiración y el conocimiento desde los mundos de la escultura y la ingeniería, política y cocina, matemáticas y naturaleza hasta la manufactura, materiales y economía. - La industria del diseño ahora es diferente, los creativos están ahora al frente de industrias que jamás imaginamos ¿Realmente crees que el diseño puede cambiar la ideología de la gente y la forma en que se comporta socialmente? No por si solo, pero combinado con finanzas, manufactura, política gubernamental y comunicación, puede alcanzar mucho.

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Sillas Pee Chair Birch. 2011.

Lรกmpara Jack Fluoro. 2010. OCTUBRE โ ข NOVIEMBRE 2011

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Void light. 2011.

- Diseño de muebles, objetos e interiores… la diferencia principal entre ellos es la escala ¿Cómo funciona la gestión de tu equipo para resolver tantos diferentes proyectos y materiales? TD La parte difícil no es diseñar si no el desarrollo del producto y la distribución. - Hablando de tus últimas lámparas, la característica que las hizo más populares entre la gente es cómo pueden jugar con sus propios reflejos, esto se a convertido en una constante de tu trabajo ¿Cuál es el reflejo que tú viste en ellas y te interesó para tus futuros trabajos? TD Curiosamente, para mi el reflejo se trataba, supuestamente, de camuflaje. Intentaba hacer un objeto que se desvaneciera en su contexto reflejando todo lo de su alrededor. No muy bien logrado el efecto pero con un gran resultado comercial. - Todos los años en Milán y Londres Design Week el booth de Tom Dixon es de los más visitados ¿Qué quieres que los visitantes experimenten para que puedan volver a casa con la sensación de que vivieron tu trabajo? Creo que muchas ferias de productos y exhibiciones son aburridas. Muchos prototipos en un podium… Para mí si las personas tomaron la molestia de cruzar el mundo y visitar mi stand, entonces merecen ser entretenidos, contarles nuevas historias y darles una sensación visual. Esto es lo que tratamos hacer. - ¿Cuáles son las técnicas con las que nunca has trabajado pero te gustaría utilizar? Creo que todos debemos ser muy cuidadosos con los materiales que se están acabando o se encuentran en peligro de alguna forma. - En caso de que estés familiarizado con el diseño industrial mexicano ¿Cuál es tu impresión de él? ¡Nunca he ido a México! Amo al arquitecto Félix Candela… pero necesito aprender mas.

“Para mí si las personas tomaron la molestia de cruzar el mundo y visitar mi stand, entonces merecen ser entretenidos, contarles nuevas historias y darles una sensación visual” Tom Dixon

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Tazmania Ball Room.

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Nuevo diseño del showroom de Tom Dixon, presentado en el London Design Festival. OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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Ramón Esteve, Creación arquitectónica como referente cultural y local “Sostenibilidad no consiste en desarrollar técnicas novedosas o complejas, sólo hay que aplicar el sentido común” Greta Arcila Fotografías cortesía Ramón Esteve

Alfombras para exterior ALF de Ramón Esteve para Vondom.

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acido en el año de 1963 en Valencia, España, Ramón Esteve se titula en Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1990. De ese entonces a la fecha, ha logrado forjar una sólida trayectoria gracias a la continuidad y pureza que se perciben en cada uno de sus proyectos. Es el arquitecto de grandes personalidades de la cultura y sociedad en España al tiempo levanta cuerpos edilicios para la educación como la Extensión de la Universidad de Valencia, o como Centro Cultural Caixa Ontinyent o la Biblioteca Sant Josep. También ha proyectado para el ámbito de la hospitalidad como el Hotel Espacio Jardín Torremarcos y varios hoteles NH en España y Colombia. Hoy con motivo de su presencia dentro del Design House, lo entrevistamos en exclusiva para conocer algo de sus ideas. Greta Arcila: ¿Cómo es que Ramón Esteve desarrolla ese sentido de acercarse a los materiales locales para desarrollar obras tan apegadas a su entorno? Ramón Esteve: Unamuno decía que para ser universal uno ha de ser profundamente local. Muchas veces no somos conscientes de cómo nos facilita las cosas la conexión con el lugar. Estoy pensando en una casa que construimos con la piedra de la excavación tras el desmonte del propio terreno. Recuerdo la primera vez que visité el norte de África, que desde un punto en concreto, en la confluencia de varios valles, se veía una gran extensión con tres o cuatro pueblos a la vez, y cada uno de ellos era del color de la tierra sobre la que se elevaba. Esa idea me fascinaba, así que para este proyecto, pensé en arraigar los muros al lugar de donde emergían. Este proyecto se entiende como un accidente en la montaña.

- En el sentido formal Ramón Esteve es arquitecto pero también interviene en los interiores de sus proyectos, ¿cuál de estas disciplinas te dá más satisfacción o una es consecuencia de la otra? Para llevar a cabo este trabajo se necesita una paleta de materiales y unos patrones que definan las líneas de trabajo y que deben mantenerse hasta el final del proyecto. Un proyecto no está terminado hasta que la imagen final está definida. No concibo la arquitectura sin plantear y desarrollar su interior. En caso contrario sería como trabajar un cascarón, algo hueco. Así que efectivamente, existe una dependencia entre ambas. - En la búsqueda de un lenguaje propio, tu obra también tiene proximidad con la sostenibilidad, ¿nos puedes hablar de esta particularidad? Mi búsqueda de la sostenibilidad se logra mediante planos y porches, y no con la especie de agrotech que tan de moda está. Los planos masivos de piedra generan distintos espacios buscando el control de la luz y las corrientes de aire, además de enmarcar las visuales. Sin hacer un planteamiento previo sobre arquitectura sostenible, en la forma de construir vienen implícitos estos conceptos. La inercia de los grandes muros reduce prácticamente el uso de la climatización artificial al invierno. El agua de lluvia se puede aprovechar para regar el jardín… Sostenibilidad no consiste en desarrollar técnicas novedosas o complejas, sólo hay que aplicar el sentido común. - La geometría y la tecnología con las que actualmente se desarrolla la arquitectura pueden lograr formas antes no pensadas ¿por qué seguir apostando por las cajas? No hablemos de cajas, sino de lógica constructiva. Estamos en una época en que la arquitectura nace más de la composición y de lo anecdótico que de sus propias dimensiones: la construcción, el lugar. El tiempo

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Vivienda en Monasterios, aquí utilizó sólo material local.

es un filtro que hace perdurar las que tienen interés por encima de las que no lo tienen. La arquitectura que contiene algo sigue soportando el análisis histórico. Cuando la sometes a un análisis riguroso, si de verdad es arquitectura, lo resiste.

de arquitectura. No existe ese punto en que uno es consciente de que está dando un salto. Casi diría que mi acercamiento a la escala pequeña me ha proporcionado más herramientas de transformación. La gran escala, por su parte, suele contener programas de mayor complejidad, lo que supone un reto puesto que hay que resolverlos con eficiencia y además siento como una obligación en contribuir a ello arquitectónicamente.

- La integración de espacios es una constante en tu obra de Ramón, ¿de dónde llega ese interés? El espacio es una herramienta más de trabajo, puede fluir o fragmen- El diseño industrial también es un gran interés para ti, ¿nos puede tarse. No busco espacios concretos, sino más bien tener la libertad de hablar de esto? innovar en cada proyecto. La relación interdisciplinaria es fundamental. Para mí hacer arquitectura, En cierto modo estamos habituados a definir mucho el espacio, interiorismo y diseño industrial es una oportunidad fantástica. Creo que cuando en ocasiones no es necesario intervenir tanto en su función. El un arquitecto puede aportar cosas al diseño industrial que proceden de usuario llegará y lo hará suyo, sin necesidad de que le dictemos cómo la disciplina arquitectónica, y es recíproco, es decir, una vez que se hace debe hacerlo. Lo que sí cuido es la riqueza espacial, lugares que saquen una incursión en el diseño la vuelta a la arquitectura le añade un nuevo partido a lo que les rodea, valor añadido. punto de vista que ahora considero fundamental.

- ¿Cómo fue el salto en lo que respecta a formato de obra, es decir, - Como arquitecto español, ¿qué consideras que la arquitectura de cómo se llega a proyectos como museos, escuelas? tu país este aportando? Es un proceso natural y tan simple como interesarse por todas las formas Como consecuencia de la globalización, se está produciendo una búsOCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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queda de identidad y raíces. La arquitectura puede contribuir a esto, siempre de una manera cuidadosa. Por ejemplo, cuando hablamos de atender lo que nos ofrece un lugar, tenemos que encontrar pautas de suficiente valor para tenerlas en cuenta. Si no existen esas pautas de valor entonces, realmente se puede hacer la misma arquitectura aquí, en Marruecos o en Escandinavia. La arquitectura, además de esto, tiene una dimensión social y humana que no tienen otras disciplinas, y obedece a otras exigencias como las que propone el lugar. Cuando hablamos de lugar nos referimos al lugar físico: la topografía, la luz, el clima… pero también al lugar cultural. - ¿Qué proyectos te gustaría realizar en México y con quién? A priori cualquier lugar posee un fuerte atractivo inspirador sobre mí. Lo veo como una hoja en blanco sobre la que poder experimentar nuevas ideas, las que sugiera el lugar. Comentaba anteriormente que hay lugares que ofrecen pautas de generación. México tiene claves tan ricas que sin duda es uno de esos lugares que ofrecen puntos de apoyo sobre los

que proyectar. No podría concretar un trabajo específico, me encantaría desarrollar cualquier propuesta. - Algo más que quisieras decir... Me gustaría hacer constar algo que me preocupa en cierta forma. Hace ya un buen tiempo que la arquitectura que no responde a nada y no tiene en cuenta la sensibilidad humana, se ha adueñado de nuestras calles. Se trata de arquitectura reglada, como resultado de la gestión, de la especulación y que nada tiene que ver con las vivencias arquitectónicas ni con las propias del ser humano. Los buenos arquitectos tienen actualmente muy poco peso relativo en las ciudades. En el mundo occidental, hay dos opciones, la buena arquitectura en mayúsculas y la buena arquitectura anónima. Las dos tienen hoy en día una proporción casi insignificante en la ciudad. El grueso de lo que se está construyendo actualmente son espacios anodinos, sin embargo, yo creo en la importancia de la aportación de los arquitectos a la sociedad, por la capacidad de crear lugares con alma donde vivir con más intensidad. www.ramonesteve.com www.glocal.mx

Vivienda Rocafort con mobiliario diseñado por Ramón Esteve para Vondom.

“Yo creo en la importancia de la aportación de los arquitectos a la sociedad, por la capacidad de crear lugares con alma donde vivir con más intensidad” Ramón Esteve OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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hospitalidad

New Hotel,

Los Campana llegan a Grecia respetando el lenguaje de la localidad Gaia Romero Figueroa Fotografías cortesía Hermanos Campana

“N

ew Hotel” es la más reciente obra de los hermanos Campana y el primero que diseñan para la firma hotelera europea YES, la cual es reconocida por realizar hoteles de autor, ejemplo de ello es la mancuerna que lograron con Rashid en el hotel Seramis. El concepto surge de las características típicas de esta cadena en donde el color es uno de los protagonistas; pero los brasileños añadieron detalles como el mobiliario y accesorios hechos a mano. El hotel se encuentra en 79 Filellinon Street, junto a la Plaza de la Constitución, mejor conocida como Syntagma Square, a poca distancia de las atracciones principales —las ruinas romanas de Plaka, la Acrópolis

y su museo, la cafetería, el elegante distrito de tiendas Kolonaki y la zona de negocios—. Entre las amenidades del hotel está el restaurante de cocina mediterránea “New Taste” y un gimnasio, mientras que los pisos ejecutivos, salón y la suite del ático se abrirán a finales de este año. Uno de los aspectos que más disfrutaron Humberto y Fernando Campana fue trabajar el diseño de este espacio en colaboración con 20 estudiantes de arquitectura de la Universidad de Tesalia. Siendo congruentes con el diseño que restaura, el reciclaje y el intercambio, crearon sillas fabricadas con desechos de madera logrando un formato inusual. Trabajar con los estudiantes con una visión cultural local, ayudó al dúo a desawww.glocal.mx

Fernando y Humberto Campana trabajaron el diseño en colaboración con 20 estudiantes locales con el fin de entender la cultura local y hacer un espacio fresco con tradiciones.

Leather Works de los hermanos Campana. Lámpara para Edra. OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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Fue un proyecto global ya que el equipo de B-Huber diseñó y desarrollo todo el mobiliario del hotel. “El hotel es una máquina extraordinaria para crear experiencias, emociones, recuerdos” Phillipe Starck

rrollar el diseño en base a tres temas tradicionales griegos. El primero es un homenaje a Karagiozis, un títere del folclor que juega con su traviesa sombra; éstos personajes de cuentos de oro los vemos colocados en las paredes. El segundo tema abraza el ‘mal de ojo’ —el encanto de cuentas utilizadas para protegerse de mal agüero—, el cual representan en la obra con ojos de cristal hechos a mano iluminados logrando un efecto deslumbrante. Finalmente, el tercer elemento utiliza un collage de postales históricas en la pared para ofrecer una visión de la antigua Atenas a través de un toque de diseño moderno. Las habitaciones disponen de ventanales, pisos de bambú y sólidas tablas, mientras que los baños cuentan con un escaparate llamativo: un lavabo de latón macizo en forma de rocas fragmentadas. Los corredores estan cubiertos en tela de corteza de Uganda, entre otros elementos. El edificio en donde están estos interiores era antiguamente el Hotel Olympic Palace y lo más importante es que sigue luciendo sorprendentemente moderno, ya que conserva sus características originales, como la escalera de mármol negro década de 1940. www.campanas.com.br www.yeshotels.gr

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Silla Favela de los hermanos Campana para Edra.

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hospitalidad

Diseñando para la intimidad

Hotel Pop Life

Camila Sánchez Fotografías cortesía DIN Interiorismo

uscar un punto de referencia para desarrollar un proyecto generalmente es sencillo, lo complejo es llevar esa idea a buen fin, y el arquitecto Aurelio Vázquez lo logró en su más reciente obra perteneciente a su acuñado concepto de “Hoteles de Amor”. De tal manera, para crear el interiorismo del Hotel Pop Life se inspiró en grandes artistas de la época del arte Pop como Warhol, Lichtenstein, Robert Indiana, Rauschenberg y Oldenburg, entre muchos otros. Platicar con Aurelio, fundador de DIN Interiorismo, es una delicia ya que cuenta con gracia cómo estos hoteles han revalorado los hoteles “de paso”; nos comenta que en muchos de

los “Hoteles de Amor” hay fila para obtener una habitación, y todo se debe, sin duda alguna, a la manera en que plasma el lado lúdico del erotismo y envuelve a los usuarios en un espacio para el divertimento, intimidad y sensualidad. Asegura que convencer a los clientes de invertir más en diseño en esta tipología de hotel no fue cosa fácil, pero una vez que comprobaron cómo el diseño sí influye favorablemente en el usuario, le dieron carta abierta y ahora ya lleva casi 30 hoteles diseñados dentro de este concepto. El arquitecto nos comenta que cada habitación tiene los elementos necesarios y básicos como la cama, la regadera o la mesa, pero todos se convierten en piezas del juego que

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complementan el diseño, como las figuras geométricas a los pies de la cama. La paleta cromática únicamente está basada en tres colores: el verde, el naranja y el rojo mismos que están aplicados en el tapizado de muebles, plafones y muros de forma aleatoria generando así un patrón de combinaciones distintas para cada habitación. A esta aventurada combinación de colores y proporciones se suma también la variable de los tres diferentes fotomurales, que son un homenaje a las ilustraciones de la época y se colocaron al fondo de la cama. En todo el proyecto hay detalles inspirados en las imágenes representativas de los años 60 y 70. Entre los elementos que destacan en el diseño están: el mobiliario tubular que se tapizó con materiales sintéticos en tonos muy alegres; las formas geométricas que tienen la intención de dar movimiento y están representadas en distintos elementos de las habitaciones. En lo que respecta a la iluminación, se hizo una mezcla de iluminación con LED´S, fluorescencia e incandescencia para lograr distintas escenas: con el simple hecho de oprimir botones se prenden y apagan las distintas luminarias; así mismo se combinó la luz directa e indirecta para crear distintos planos lumínicos y generar ambientaciones divertidas, intimas y otras que seguramente inventarán los usuarios. www.din.com.mx OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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evergreen Janine Porras Fotografías cortesía de Verde Vertical

Verde Vertical: el destino es el origen Objetivo de transformación sustentable

uién no quiere una buena sombra de árbol para descansar un segundo en medio de la agitada y caótica rutina de la Ciudad de México; un poquito más allá… quién no quiere mirar a su alrededor y descubrir el verdor de un parque, un jardín; mejor aún, quién no desea —en sus fantasías de retiro más idílicas— tener una casa en medio de una zona boscosa o selvática. Hoy es posible y no es necesario trasladar nuestra residencia a un paraíso terrenal, ni tampoco esperar al retiro para hacerlo ni extensiones y extensiones de terreno, así nos lo garantiza Fernando Ortiz Monasterio Garza, el fundador de Verde Vertical: “Seis centímetros sobre una pared es todo lo que necesitamos para tener un jardín vertical, quizá un poco más cuando el follaje crece”. Fundado en 2007, Verde Vertical es un laboratorio, un taller, un despacho, es una máquina de soluciones; el “restirador vertical” de un grupo interdisciplinario que cree que la estética es importante, ya que el hombre al fin y al cabo siempre está buscando belleza (lo que sea que signifique para cada quien), y le adiciona un valor útil, funcional, que además tiene una conexión sensible con los humanos. Ellos generan muros verdes y crean jardines colgantes donde antes era imposible. Estos muros mejoran la calidad del aire; reducen temperaturas en interiores; son el perfecto aislante acústico y térmico; aumentan la calidad de vida e incrementan el valor del inmueble donde se instala. El proceso de transformación es el siguiente: colocan una estructura sobre el muro deseado, sobre ésta un aislante que evita que el muro verde dañe el edificio con su humedad, se instala el sustrato hidropónico, el sistema de riego cerrado y la segunda capa de sustrato hidropónico donde se depositan las plántulas(o semillas) para su crecimiento.

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“El déficit de área verde por habitante en el DF es de 12 m2 de acuerdo con la ONU” Fernando Ortiz Monasterio

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instalación evergreen

Dimensiones Altura: 2.10 m. Ancho: 0.90 m. Profundidad de Base : 0.60 m. Capacidad de plantacion 3.24 m2 150 plantas Sistema de Riego Automatizado Programacion precargada A- 10 mins / 1 hrs B- 10 mins / 3 hrs C- 10 mins / 6 hrs D- 10 mins / 12 hrs E- 10 mins / 24 hrs

Indicadores Indicador de falta de Agua Indicador de falta de corriente eléctrica

Gasto promedio de agua 1.5lts/m2 – 2.70 lts diarios Capacida de tanque 24 l

“Tres cosas son necesarias para que una planta crezca: luz, agua y nutrientes… ¿no dije tierra?, ¡no es necesaria!” FOM

El Distrito Federal cuenta con 148 500 Ha, de las cuales 71 018 se encuentran urbanizadas. Dentro de la Ciudad de México tan sólo existen 3 125 Ha de áreas verdes (por cierto, las de mayor plusvalía). La Organización de las Naciones Unidas recomienda que por habitante existan 16 m2 de áreas verdes, y hoy en el D.F. existe 3.7 m2 por habitante, lo que arroja un déficit importante. Pero Verde Vertical no piensa en superficies horizontales, sino en superficies verticales exteriores, y de acuerdo a una serie de cálculos basados en el número de manzanas y los metros lineales de banquetas y la altura promedio de las construcciones propone la fabulosa cantidad de 168 millones de m2 por enverdecer y no es ninguna locura, es de facto, posible. Verde Vertical promete una completa revolución y transformación sustentable para nuestras ciudades que va más allá de la belleza de tener un jardín en nuestras casas, promete huertos y comida (no olvidemos la crisis alimentaria mundial), producción local, mejoramiento de aire, del agua… Glocal lo tendrá para ti. www.verdevertical.info

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En el mes de noviembre Ortiz Monasterio y su empresa lanzan al mercado un jardín vertical modular el cual puede ser colocado en cualquier sitio y utilizado con fines ornamentales y/o de producción alimenticia. Diseñado con una estructura “auto-portante”, permite que pueda ser colocado en cualquier lugar, sin necesidad de fijarlo a un muro. Trabaja mediante un sistema de riego automatizado con programaciones precargadas de acuerdo a la paleta vegetal seleccionada por el usuario. Cuenta con sensores de agua y corriente eléctrica que activan una alarma visual en caso que alguno de estos dos elementos haga falta. Además, es posible personalizarlo con accesorios ornamentales y también con aditamentos para distintas necesidades, como lámparas para plantas (growlamps), elementos de sujeción, etcétera.

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From the sidewalk to the catwalk, homenaje a la obra de Jean Paul Gaultier Susana Rincón Fotografías cortesía Montreal Museum of Fine Arts

principios de octubre finalizó una de las exposiciones más importantes para el Montreal Museum of Fine Arts, la retrospectiva de la obra del diseñador Jean Paul Gaultier, titulada From the Sidewalk to the Catwalk (que para él es una obra en sí misma). Aquí presentamos algunas de las “épocas” que ha vivido a lo largo de su carrera este diseñador parisino.

LA ODISEA DE JEAN PAUL GAULTIER Una introducción al mundo creativo del modisto, a través de la mezcla de muchos de sus temas favoritos: marineros, las sirenas y las vírgenes permitió a los visitantes descubrir sus diferentes adaptaciones de las tapas de marinero y uniformes, así como su fascinación por motivos religiosos.

EL TOCADOR Que surge de las primeras impresiones adquiridas en la infancia, en donde a menudo estuvo acompañado por su abuela, así como del recuerdo imborrable de la película Falbalas. La predilección de los diseñadores por los corsés, cinturones para la cintura y todo tipo de ropa interior femenina, que fue reinterpretada y transformada en prendas de vestir de alta costura. Sostenes en punta de cono y vestidos corsé, se convirtieron en símbolos de poder. Lo que se había tapado ahora era visible.

SKIN DEEP La piel —lo que él describe como la primer prenda— y sus diferentes tipos de “texturas” han sido una fuente constante de renovación e inspiración para el diseñador. De hecho, en manos de Jean Paul Gaultier, el vestido se convierte en una segunda piel, a veces a través de trompe-l’oeil efectos que dan la ilusión de la desnudez (como en las películas de Pedro Almodóvar), un cuerpo desollado (Mylène Farmer) o tatuajes (Régine Chopinot).

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texturas

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PUNK CANCAN Entre el estilo improvisado de París Pigalle y la actitud de rock de la londinense Trafalgar Square, el corazón de Jean Paul Gaultier late al ritmo de las dos capitales. Aquí, el modisto desborda su fascinación por lo parisino y sus formas de realización icónica (Kiki de Montparnasse, Arletty, Juliette Greco y Catherine Deneuve), así como los símbolos de París —la boina y la gabardina, el cigarrillo entre los labios y la fálica Torre Eiffel—. Con la inspiración de los sex shops de Pigalle y los punks de Londres, Gaultier crea su nuevo estilo de amazonas en látex y cuero, medias de red y cordones.

URBAN JUNGLE Aquí se pueden ver las diversas influencias de la sociedad multicultural y la diversidad étnica que el diseñador observa dentro de las muchas tribus de la selva urbana: los árabes del barrio de Barbès, boubou (vestidos de africanos), los rabinos chic, entre muchos otros. Derivación de una nueva

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estética de todos ellos, escribe una oda a la única savoir-faire de la alta costura francesa. Poniendo de relieve la mezcla de culturas y pueblos en los principales centros urbanos de hoy en día.

METROPOLIS Siguiendo el ejemplo a finales de 1970 de la new wave y la música house, los diseños más futuristas de Gaultier lo llevaron a una exploración de los mundos de la tecnología de avanzada y la ciencia ficción. Desde la época de sus primeros diseños de joyas electrónicas en 1979 la colección de alta tecnología, no ha dejado de estar a la vanguardia de la moda, introduciendo el uso de materiales que normalmente nunca se ven en la pasarela (de vinilo, lycra, neopreno, telas 3 -D e hinchables), así como a través de sus colaboraciones con artistas inolvidables en los campos de la música pop y rock, el cine y la danza.

galería

Realidad Exacerbada Ron Mueck en San Ildefonso Adrián Moncada Fotografías: Héctor Ortega

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Cómo podría ser algo más real que la propia realidad en sí misma? ¿Será posible congelar los sentimientos más íntimos de una persona en un cascarón de resina, poliéster y silicona? Parece que Ron Mueck nos ha demostrado que es posible. “Hiperrealismo de Alto Impacto” es la primera exposición del escultor australiano en la Ciudad de México y durante casi cinco meses el Antiguo Colegio de San Ildefonso resguardará nueve piezas icónicas realizadas entre el año 2000 y el 2009. Nacido en una familia de jugueteros, Mueck no recibió ninguna formación artística, sin embargo su capacidad de observación y su destreza manual le abrieron paso en el mundo del cine y la televisión de donde dio el salto al universo del arte, gracias a la entrenada visión de Charles Saatchi, el más voraz de los coleccionistas de arte contemporáneo. La muestra en el recinto metropolitano nos ofrece un breve, pero sustancioso recorrido por la producción artística, el asombroso dominio de la anatomía humana y la increíble manufactura de Ron Mueck, quien se ha adueñado de un lugar privilegiado en la imaginario colectivo del arte contemporáneo. Compulsivo hasta el más mínimo detalle y con acabados escalofriantes, el artista nos invita a realizar un recorrido estremecedor. Tal vez sea ese nivel de complejidad lo que permite que sus esculturas obliguen al observador a proyectar su inconsciente más profundo, construyendo en un instante una realidad que poco corresponde a la propia, una realidad ajena condicionada por el impacto psicológico de la obra de Mueck. La variación de escalas es, por mucho, uno de los factores que brinda la legitimidad artística a la obra, pues él mismo reconoce que crear figuras de escala natural no le parece interesante: “[...] todos los días conocemos gente de escala natural”. El contraste de escala permite al espectador darse cuenta de una infinidad de cosas, que pasaría por alto si el tamaño fuera más cercano a la realidad. El manejo de escalas es un recurso contundente, pues genera un impacto psicológico inmediato seguido por una credibilidad innegable, como si se tratara de una persona real y no de una pieza de arte.

LA TÉCNICA… Derivado de su trayectoria como modelista, el proceso de creación de Mueck, tiene más relación con la producción de efectos especiales que con la escultura tradicional, por ejemplo. Y aunque pudiera parecer conOCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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troversial, el artista pocas veces recurre al uso de personas como modelos en su proceso de estudio, generalmente sus esculturas surgen de anotaciones, imágenes, libros y observaciones. La primera etapa del proceso consiste en realizar un estudio, para lo cual los bocetos, la arcilla para modelar, las estructuras de alambre y el yeso son herramientas útiles. Una vez obtenida la base de la escultura, ésta debe ser sellada para poder realizar el molde de fibra de vidrio, mismo que debe ser soportado con una estructura de madera debido a su espesor tan reducido. Una vez obtenido el molde de la pieza completa, se inicia la etapa de vaciado, misma que consiste en colocar distintas capas de resina coloreada para finalizar con la etapa de acabados, donde se incorporan todos los detalles sobre la pieza final: arrugas, venas, lunares, poros y cabeOCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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llo. Es posible que el proceso suene sencillo, sin embargo, puede volverse extremadamente complicado cuando se trata de una mujer embarazada de tres metros de altura o una bebé de cinco metros de largo. Incluso, varias de las esculturas han sido fabricadas en varias secciones, mismas que se han unido posteriormente. Pese a su complejidad técnica, la obra de Mueck va más allá de su maestría en el manejo de los procesos y materiales, pues de frente a las críticas de sus detractores más implacables, el artista está seguro que su obra se aleja de toda trivialidad y convencionalismos. Cuestionando incluso el papel de la escultura en el arte contemporáneo al asignarle al espectador el papel del fisgón: esa personalidad morbosa que quebranta la intimidad de sus figuras al mismo tiempo que las dota de vida propia, al menos por el instante en que las observa.

traducciones

Innovating, undertaking and designing, the history of Ezequiel Farca

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We invited Ezequiel Farca to be a part of the cover design concepts a few months ago, with the idea to include him next year, however when we saw that Design Week Mexico was coming close, we wanted a Mexican designer to appear on as we needed someone to represent it; and not only for its work, but for his vision as a design entrepreneur. To talk with him is to learn not to be afraid to adventure and bet in the most important project: you. Today he talks to us about his beginnings, the relationship with clients, how to be bold, and how to embark to find opportunities. BY GRETA ARCILA

GRETA ARCILA: Who was the first person to believe in your design? EZEQUIEL FARCA: The first person to believe in my design was me. I knew what I didn’t want to do and confirmed it in 1992 when I had my first client, who asked me for a dining table, which I wasn’t willing to do, as he wanted everything postmodern painted in peach and frosting colors. When I visited the house I understood that he didn’t want a table, he wanted a cake. Then I made the table that I would had in my home, I took it to Points, the store that Claudio Franco and Sylvian, his wife, and when I arrived they asked me to leave it on consignment, it got sold and that’s how the story started… Today, even though we have all kinds of costumers, I’m the most demanding. GA What did you got from working for others? EF When I finished school, I sought work in several architecture firms and never got hired, that was for me a challenge more than a failure because I understood that they didn’t knew what an industrial designer did and nobody would solve for them the subject of furnishing in a specific way, so I decided to work on my own. The clients became my bosses and so I’ve learned. Now we have more demanding clients with more complex projects, they are all treated with a lot of respect. GA As a pioneer of a new generation of designers that already know that to be successful in this trade you have to be a businessman; what can you tell our readers about this process? EF In Mexico we designers had to learn to do anything. The design made for companies that pay royalties is not enough to live today for a firm with the size of mine. As designers in Mexico we have learned to sell, quote, build and manage; some, like in my case, to own a showroom, and take design as a discipline, vertically integrated design. In this definition of designer entrepreneur I decided to organize and structure as a company, with manuals and procedures, we work with SAP Business One. Today we are a firmcompany and we are part of Endeavor, an organization that helps entrepreneurs to grow. As Pelé says “success is not an accident, it’s about hard work, perseverance and above all, loving what you do”. GA What was your first publication and what did it said about your work? How was the critic taken (if any)? EF The first publication was Harpers’ Bazaar. Laura Laviada, the magazine’s director, always believed on my work and published several notes 20 years ago. A little after that in Travel and Leisure the hotel Ventanas al Paraiso, at Los Cabos, appeared on the cover, with an incredible picture of the pool where the outdoor furniture that I designed was shown, which became the first international projection.

GA It is said that everything is done in the creative business, how do you set your work apart from the rest? EF Making things simple, the simpler, the better, and this concept is always timeless. I bet on designs that don’t expire, design should offer a service and a function; it has to appeal to emotion: the emotional function can be fulfilled with simplicity. Time is the greatest luxury of our time and it has to improve our quality of life trough objects, furniture, space, light and emotions. Design should follow the market. Not the other way around. GA So it came the time for the first exhibition. How was it and what did it left you? EF I met Pancho Gilardi 20 years ago trough my brother who worked in a magazine, I showed him my work and he took some pictures of my first pieces; he invited me over to his home and without a clue, I arrived to the “Hilardi House” of Barragán. When I was seating in the dining table, with the marvelous blue pool and the red wall, I knew that was what I wanted to make for the rest of my life, he offered me an exhibition at his gallery and that was the beginning of my career. I remember very well that Pancho asked me for the date that I wanted for my exhibition and later he told me: “I only ask you not to see me again to show me anything until the day of the exhibition, I’ll only tell you one thing: in this life there’s only one way to do things”. I designed the first collection that I would have in an apartment: a table, a couple of chairs, a bed, etc. Something sold, others I keep as part of my collection. GA Do you think that there’s enough work for so many industrial design students in Mexico? Do we need that much design in our country? EF Yes, we need design in a country that today is still a virgin in this field, there are so many opportunities that sometimes is difficult to see them. This country needs committed people not only with design, also with architecture. Committed and professional people that can really give solutions to the problems we live. Urban design needs us, the industry needs us, the developers need us, there’s so much to do that I don’t have enough time for. GA How necessary is specialization in your field? What is really your specialty and how do you manage to fill the areas in which you don’t have a deep knowledge? EF I’m an industrial designer with master in architecture, the use of scale really lets me be involved in very different projects at the same time. My team is formed by industrial designers architects, interior and graphic designers. For me the specialty is in the obsession to do things right, the knowledge of the people that work in the team, I don’t have a single draughtsman hired, they all contribute, design, solve and execute. GA In Mexico your design is highly praised and you are starting to have projects abroad. How did you take this international leap and how was it planned? EF There is a valid language for many cultures, when I design a space I’m thinking about the furniture that limits it and contains it within a boundary, but without interrupting it. This philosophy has taken me to give simple solutions to projects, regardless of where they are, it follows the same methodology. We are making a house in Culver City in Los Angeles for a charming young couple; we are also making the offices of a production company in Santa Monica. I’m also studying an MBA at UCLA, I never stop learning. GA What is vanguard for you and how do you apply it to your work? EF My design method is based on subtraction, at the end of that substraction I understand that the expression is what reveals the actual use of the furniture or the space, I can’t do what I don’t feel my own. Timeless design doesn’t magnify the world, nor is following the latest trends or vanguard. Sometimes the press wants a spectacle, but some of us think that what is truly spectacular is a sofa that lasts the lifetime of a person. To make things that last is a necessary optic amongst so much dazzling design, the serious design made to last has become the exception. And that’s not what I’m trying to do; it’s what I feel to do. GA What pieces are emblematic for your professional growth and why? EF I’ve always liked the integration of the inside and the out-

side, maybe because when I was born I needed air, I have that fixation of being in the outside and live as much as possible in the outside. My passion has always been designing outdoor furniture, and just in that segment my work became noticed with the Zihua chaise lounge. Today we design from objects and furniture to spaces where the furniture always integrate, we don’t make protagonist pieces that invade the area. When I was asked to design the furniture of the Habita Masaryk, a project by Norten and GomezPimienta, the first thing I made was an interpretation of the language of the architecture and take it to a simple and functional design that integrates to the architecture. GA How is your collaboration with other Mexican designers and what is the matching point? EF My work has been to the outside because it has to do with clients. I’m always very reserved to the inside of the firm and I share little of my personal and work life with the people that are not in my family inside the office. My collaboration is always with people that is close to me. For me, my team is the matching point with design and architecture. My collaboration have happened more with clients that have become our allies and give us the opportunity to keep developing objects, furniture and spaces. GA What will history say about Ezequiel Farca’s design? EF The concept of anti-ageing is as complex or simple as each one decides, it’s all resumed in a word: lifestyle. The experts have set on the table the high cost technology, or taking care from today how we live; each one decides how to grow. My mission is to make things the best possible, we don’t make things to occupy covers, geniality is admirable but there is little geniality and a lot of deceit. History will tell. www.ezequielfarca.com

The openness to the world as a renewing formula,

Tom Dixon

p.52

BY GRETA ARCILA

TOM DIXON is without any doubt one of the most prolific English designers, his peculiar way to solve objects as well as interiors draws more than one because he knows how to make vanguard with use of color or its absence; sinuous forms and its counterpart; English and international references, amongst other elements that make him a obliged reference in design today. We had the opportunity to conduct a brief interview with him; here is what he told us… GRETA ARCILA As a designer and entrepreneur. What are the difficulties that you perceive for the next generation of designers? Which is the best way to start as a collaborator or designer and why? TOM DIXON The challenge is how to make yourself be known in a world so saturated with designers and design products, however, the advantage you have now is that if they have a good and original idea, it’s almost impossible that it won’t get noticed. GA What are the values of the Tom Dixon brand that set it apart from the rest? TD I work in a slightly different way to the majority of our competitors; we design, develop and distribute our own ideas, and that’s precisely what gives a bigger sense of cohesion to the rest, as they have various designers along the process. We also take a lot of attention on the materialization of the objects, making them solid and lasting. GA How do you manage to become the creative director of Artek and Tom Dixon at the same time? How do you keep the differences and originality? TD It was an easy task, Artek being vintage, practically a lineage in the wood sector; on the other side the other firm as an innovative British brand. GA How do you keep finding ways of expression trough design? www.glocal.mx

TD I get bored easily and I’m full of curiosity, I love challenges and I keep feeling that my career is just starting. GA What is more interesting or important, the process to create or the final result of a new design? TD Both are interesting in their own way. Beginning a process is more exciting but finishing it is more satisfactory. GA What are the formulas that you used that gave you the greatest experience to become a good designer? TD I really don’t have and never had a formula. It’s important for me not to think too much about design and expose myself as much as possible to the inspiration and knowledge from the worlds of sculpture and engineering, politics and kitchen, mathematics and nature all the way to manufacture, materials and economy. GA The design industry is different now; the creative are now in the forefront of industries that we never imagined. Do you really think that design can change people’s ideology and the way they behave socially? TD Not by itself, but combined with finances, manufacture, government politics and communication, it can accomplish a lot. GA Furniture, objects and interiors design… the main difference between them is the scale. How does the management of your team works to solve so many different projects and materials? TD The difficult part is not the design but rather the product development and distribution. GA Talking about your latest lamps, the feature that made them popular amongst people is how they play with their own reflection; this has become a constant in your work. What is the reflection that you saw on them and interested you for your future works? TD Curiously, for me the reflection was, supposedly, a camouflage. I was trying to make an object that would vanish to its surroundings by reflecting everything around it. The effect was not well achieved but it had a great commercial success. GA Every year in Milan and London Design Week the booth of Tom Dixon is one of the most visited. What do you want the visitors to experience so that they go back home feeling the sensation that they experiences your work? TD I think that many products and exhibition fairs are boring. Many prototypes in a podium… For me if people bothered to cross the world to visit my stand, they deserve to be entertained, to tell them new stories and give them a visual sensation. That is what we try to do. GA What are the techniques with which you have never worked but you would like to? TD I think that we all need to be careful with the materials that are running out or are endangered in some way. GA In case you are familiarized with Mexican industrial design, what is your impression of it? TD I have never been to Mexico! I love architect Felix Candela… but I need to learn more. www.tomdixon.net

Ramon Esteve, The Architectural Creation as Cultural and Local Referent.

p.60

BY GRETA ARCILA

BORN IN the year of 1963 in Valencia, España, Ramon Esteve graduates from the Escuela Técnica Superiro de Arquitectura of Madrid in 1990. Up to today, he has forged a strong trajectory thanks to the continuity, essentiality and purity perceived in his projects. He is the architect of great personalities of culture and society in Spain and at the same time he has edified buildings for education like the Extention of the Universidad de OCTUBRE • NOVIEMBRE 2011

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Valencia, or like the Caixa Ontinyent Cultural Center or the Sant Josep Library. He has also designed for the hospitality like the Espacio Jardín Torremarcos Hotel, and several NH hotels in Span and Colombia. Today along with his presence at the Design House, we had an exclusive interview to learn more about his ideas. GRETA ARCILA: How is it that Ramon Esteve develops that sense of approaching the local materials to create works that are close to their environment? RAMÓN ESTEVE: Unamuno said that to be universal you have to be deeply local. Many times we are not conscious of how the connection to the site makes things easier. I’m thinking about a house that we built with the rock extracted from the excavation of the same terrain. I remember the first time I visited northern Africa, in the confluence of several valleys you could see a large extension of land with three or four towns at once, and each one of them was of the color of the soil on which they were built. That was a fascinating idea for me, so for this project I thought about linking the walls to the place from where they emerged. This project is understood as an accident of the mountain. GA In the forma sense Ramón Esteve is an architect but also intervenes with the interiors of his projects; which of these disciplines give you the greatest satisfaction or is one the consequence of the other? RE To execute this work a materials palette and certain patterns are required to define the working path and that need to be kept up to the end of the project. A project is not finished until the final image is defined. I can’t conceive architecture without planning and developing its interior. The opposite would be like working on a shell, something void. So really, there’s a dependency between both of them. GA In the search for a personal language, your work is also close to sustainability; can you tell us about this particularity? RE My search on sustainability is achieved trough planes and porches and not with the sort of agrotech approach that is so fashionable right now. The massive planes of stone generate different spaces aiming to control the incidence of light and the flow of air, besides framing visuals. Without making a preemptive statement about sustainable architecture, these concepts are implicit on the way of building. The inertia of large walls reduces almost completely the use of artificial acclimatization during winter. Rainwater can be used to water the garden… Sustainability is not about developing new or complex techniques, you just have to apply common sense. GA The geometry and technology with which architecture is developed today allows creating forms never imagined before; why keeping betting for boxes? RE Let’s not talk about boxes, but about the constructive logic. We are living in a time in which architecture is born more from composition and the anecdotal than from its own dimensions: the construction, the place. Time is a filter that makes interesting things last above those that don’t have it. The architecture that haves something withstands the historical analysis. When you put it through a rigorous analysis if it’s really architecture it will stand it. GA The integration of spaces is a constant it your work; where does that come from? RE Space is another working tool, it can flow or fragment. I’m not looking for concrete spaces, but rather to have the liberty to innovate in each project. In a way we are used to define space too much, when sometimes it’s not necessary to intervene so much in its function. The user will come and make it its own, without being told how to use it. What I do cherish is for spatial richness, places that take advantage of what surrounds them, added value. GA How was the leap in what refers to work format, I mean, how do you get to projects like museums, schools? RE It’s a natural process and as simple as interesting for all the forms of architecture. There’s such a thing as a point where one is conscious that you are giving a leap. I would almost say that my approach to the small scale has given me more transformation tools. The grand scale, on the other hand, usually contains programs with a greater complexity, what supposes a cha-

llenge that needs to be addressed with efficiency and besides I feel as an obligation to contribute architecturally to it. GA Industrial design is one of your great interests; what can you tell us about this? RE Interdisciplinary relationships are fundamental. For me making architecture, interior and industrial design a fantastic opportunity. I believe that the architect can contribute things to industrial design that come from the architectural discipline, and reciprocal, meaning, that once you incursion into design the return to architecture adds it a new point of view that consider fundamental now. GA As a Spanish architect; what do you consider that your country is contributing to architecture? RE As a consequence of globalization, there is a search for identity and roots. Architecture can contribute to that, always carefully. For example, when we talk about nursing what a site offers, we have to find guidelines with enough value to be taken into account. If this guidelines of value don’t exist then, really you can make the same architecture here, in Morocco or Scandinavia. Architecture, besides this, has a social and human dimension, that other disciplines don’t have, and obeys to certain demands like the site proposes. When we talk about place we are referring to the physical site: the topography, light, climate… but also to the cultural location. GA What projects would you like to make in Mexico and with whom? RE A priori any place has a strong inspiring appeal on me. I see it as a blank page on which to experiment new ideas, the ones that place suggest. I was telling before that there are places that offer the generation of guidelines. Mexico has such rich keys, without any doubt is one of the places that offer support points on which you can design. I wouldn’t be able to particularize on a specific work; I would love making any proposal. GA Anything else you would like to add? RE I would like to manifest something that concerns me in a certain way. For some time ago architecture is not responding to anything and doesn’t take into account human sensibility, has taken over our streets. It’s an architecture regulated, as a result of management, of speculation and has nothing to do with architecture livelihood or with those proper to the human being. Nowadays, good architects have a very small relative wait in the cities. In the western world, there are two options, the good architecture in capital letters and the good anonymous architecture. Both have today an almost insignificant proportion in the city. The volume of what is built today are anodyne spaces, however, I believe in the importance of the contribution of architects to society, for the ability to create places where the soul can live with a greater intensity. www.ramonesteve.com

New Hotel, The Campana brothers arrive to Greece

with respect to the local language. p.66

Fernando and Humberto Campana elaborated the design in collaboration with 20 local students with the ambition of understanding local culture and make a fresh space with traditions. BY GAIA ROMERO FIGUEROA

“NEW HOTEL” is the latest work of the Campana brothers and the first they make for the European chain YES, which is renowned for making author hotel, that a few years ago

traducciones

successfully produced along with Rashid the Seramis hotel. The concept departs from the typical features of this chain in which color has a leading role; but the Brazilians added details like the handmade furniture and accessories. The hotel is located at 79 Fidellion Street, next to the constitution square, better known as the Syntagma Square, a close distance to the main attractions –the roman ruins of Plaka, the acropolis and its musem, the upscale shopping district of Kolonaki and the business area-. Amongst the hotel amenities there is the “New Taste” Mediterranean restaurant, a gym. The executive floor with meeting rooms and the attic suite will open by the end of the year. One of the aspects that Humberto and Fernando Campana enjoyed the most was to work the design of this space in collaboration with 20 students from the Tesalia University. Being congruent with the design that restores, recycles and with exchange, they created prefabricated chairs with disposed wood that created an unusual format. Working with students with local cultural vision, help the duo to develop a design based on three traditional Greek themes. The first is a homage to Karagiozis, a folklore puppet that plays with its mischievous shadow; this fairy tale characters placed in the walls. The second theme deals with the “evil eye” – the charm used to protect from bad luck-, represented by handmade crystal eyes with illumination that create a dazzling effect. Finally, the third element uses a collage of historic postcards in the wall to offer a vision of ancient Athens with a modern design touch. The rooms have large windows, bamboo floors and solid tables, while the baths have a striking showcase: a solid brass sink with the form of fragmented rocks. The corridors are covered with a fabric made of tree bark from Uganda and other elements. The building formerly housed the Olympic Palace Hotel which keeps looking surprisingly modern, keeping its original characteristics, like the black marble staircase from the 1940s. www.campanas.com.br www.yeshotels.gr

Designing for Intimacy Pop Life Hotel p.70 BY CAMILA SANCHEZ

LOOKING FOR a point of reference to develop a project is usually simple, what’s complex is to take that idea to a good result, and the architect Aurelio Vazquez has done it in his latest work for the concept he defined “Love Hotels”. Thus, to create the interior design of the Pop Life Hotel he inspired on great artists of the Pop Art movement like Warhol, Lichtenstein, Robert Indiana, Rauschenbergy Oldenberg, amongst others. To talk with Aurelio, founder of DIN Interiorismo is a delight as he amusingly describes how this hotels have revalued the motels; he tells us that in many of the “Love Hotels” there’s a line to get a room and that’s without a doubt, due to the way he has materialized the playful side of erotism and surround the users in a space for fun, intimacy and sensuality. He assures that convincing the clients to invest on design in that hotel typology wasn’t easy, but once they proved that design does favor positively on the user they gave him blank check and now he has executed almost 30 hotels with this concept. The architect tells us that each space in the room has the necessary and basic elements like the bed, the shower or table, but all become elements of the game to complement the design, like the geometric figures at the step of the bed. The chromatic palette is based exclusively in 3 colors: green, orange and red which are applied to the furniture fabrics, ceilings and walls in a random way creating a pattern of different combinations for each room. To this adventurous combination of colors and proportions three different photomurals are added as homage to the illustrations of the period and placed as the back of the beds. In all the project there are details inspired in the images representative of the 60s and 70s. Between the most worth standing designs there are: the tubular furniture with synthetic fabrics in cheerful colors; the geometric forms that

have the intention of giving movement and are represented in different elements of the room. In what respects to lighting there was a mixture with LEDs, fluorescence and incandescence to achieve different scenes: with just pushing buttons different lights turn on and off; the same way direct and indirect light was combined to create different luminal planes and generate playful ambient that are fun, intimate or those that the user may invent. www.din.com.mx

From the sidewalk to the catwalk, homage to the work of Jean Paul

Gaultier

p.76

BY SUSANA RINCÓN

Verde Vertical

The origin is the destination

p.72

BY JANINE PORRAS

WHO DOESN’T want a good shadow to rest for a second in the middle of the agitated and chaotic routine of Mexico City; a little further… who doesn’t wants to look around and discover the greenery of a park, a garden; better yet, who doesn’t wants –in his most idyllic fantasies- to have a home in the middle of a forest or jungle. Now it’s possible without have to relocate our residence to an earthly paradise, or wait for retirement to do it, neither extensions and extensions of land, that’s the warranty of Fernando Ortiz Monasterio Garza, the founder of Verde Vertical: “six centimeters on a wall is all we need to have a vertical garden, maybe a little more when the foliage grows”. Founded in 2007, Verde Vertical is a laboratory, a workshop, a firm, is a machin of solution; a “vertical drawing table” of an interdisciplinary group that believes that aesthetics are important, as men at the end have always sought for beauty (whatever that means for each one), and adds it a useful value, functional, that also has a sensible connection with humans. They make green walls and create hanging gardens where it was impossible before. This walls improve the air quality, reduce interior temperatures, are the perfect acoustic and thermal isolation, improve the quality of life and increase the real estate value of the property they are installed on. The transformation process is the following: a structure is placed on the desired wall, an isolation that prevents the green wall from damaging the building with humidity is placed on top of it, an hydroponic substrate is installed, close loop irrigation system and a second hydroponic substrate where the plants are placed for their growth. The Federal District has 148500 Ha, of which 71018 are urbanized. Within Mexico City there are only 3125 Ha of green spaces (by the way located in the most valuable areas). The United Nations recommends a minimum of 16 sq mts of green areas per inhabitant and today we have 3.7 sq mts which represents an important deficit. But Verde Vertical doesn’t think about horizontal surfaces, but vertical exterior surfaces, and according to several calculations based on the number of blocks and meters of sidewalks and the average height of construction they propose the impressive amount of 168 million sq mts to green and it’s not a fantasy, it’s actually doable. Verde Vertical promises a complete sustainable revolution and transformation for our cities that goes beyond the beauty of having a garden in our home, promises orchards and food (don’t forget about the world alimentary crisis), local production air and water improvement… Glocal will have it for you. www.verdevertical.info

ON EARLY October the retrospective exhibition on the work of Jean Paul Gaultier closed its doors at the Montreal Museum of Fine Arts with the title From the Sidewalk to the Catwalk (which for him is a creation on itself). Here we present some of the stages that the Parisian designer has lived along his career. The Odyssey of Jean Paul Gaultier An introduction to the creative world of the designer, trough a mixture of his many favorite themes: sailors, mermaids and virgins allowed the visitor to discover his different adaptations of the sailor caps and uniforms as well as his fascination for religious motifs. The Boudoir That rises from the first impressions acquired from childhood, where he was frequently accompanied by his grandmother, along with the unforgettable memory of the movie Falbalas. The preference of the designer for the corsets, belts and all kinds of feminine underwear, which he reinterpreted and transformed into haute couture dresses. Pointy brassieres and corset dresses became symbols of power. What was covered now was visible. Skin Deep The skin – what he describes as the first garment- and its different kind of “textures” has been a constant renovation and inspiration source for the designer. In fact, in the hands of Jean Paul Gaultier, the dress becomes a second ski, sometimes with trompe-l´oeil effects that give the illusion of nudity (like in the films of Pedro Almodovar), a skinned body (Myléne Farmer) or tattoos (Régine Chopinot) Punk Cancan Between the improvised of Paris’ Pigalle and the rock attitude of London’s Trafalgar Square, the heart of Jean Paul Gaultier beats at the rhythm of both capitals. Here the fashion designer overflows his fascination for the Parisian and its forms of iconic realization (Kiki de Montparnasse, Arletty, Juliette Greco and Catherine Deneuve), along with the symbols of Paris – the beret and trench coat, the cigar between lips and phallic Eiffel Tower-. With the inspiration of the sex shops of Pigalle and the punks of London, Gaultier creates a new style of amazons in latex and leather, net hoses and laces. Urban Jungle Here several influences from the multicultural society and ethnic diversity that the designer observes within the many urban jungle tribes can be seen: the Arabs of the neighborhood of Barbes, boubou dressed as Africans, chic rabbis, amongst many others. Derivation of a new aesthetic of all of them, writes an ode to the only savoir-faire of French haute couture. Making manifest the set-off for the mixture of cultures and people in the main urban centers of today. Metropolis Following the example of the end of the 1970s of the new wave and house music, the futuristic designs of Gaultier took him to an exploration of the worlds of advanced technology and science fiction. From the time of his first designs of electronic jewels and in 1970 the hi tech collection he has always been in the vanguard of fashion, introducing the use of materials that are usually never seen in the runway (vinyl, lycra, neoprene, 3-d fabrics and inflatables), as well as trough his collaborations with unforgettable artists from the pop and rock music, movies and dance scenes. www.jeanpaulgaultier.com

www.glocal.mx

notas

dentro glocal objeto

Un coche 100% ecológico

na vez más Kenneth Cobonpue demuestra porqué es el diseñador filipino con más reconocimiento pues su inquietud siempre lo mantiene investigando nuevas alternativas de diseño verde. Esta vez presentamos el primer coche de bambú, ratán y nylon, el cual

diseñó en conjunto con Albrecht Birkner en tan sólo 10 días. Mide 153 centímetros de largo y a decir del diseñador este proyecto intenta dar a conocer el futuro de los vehículos ecológicos. Su tiempo de vida depende mucho de dónde esté, se calcula que en los países industrializados per-

dure 5 años, pero su tiempo de vida en lugares más pasivos puede ser de hasta 10 años. Su mecanismo es totalmente eléctrico y su tamaño suficiente para transportar con comodidad a su usuario. www.kennethcobonpue.com