Artistique el alma de tu cocina
COCINAS ARTISTIQUE J a i m e B a l m e s N o . 11 L o c . 2 3 . P l a z a P o l a n c o , M e x i c o D . F. Te l . 5 5 8 0 -18 7 0
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Editorial
C
ada edición es una viviencia diferente, y ésta en particular siempre tiene muchas historias detrás. Primeramente porque parte de lo presentado en nuestras páginas lo traemos del Salón Internacional del Mueble de Milán, y eso ya representa un gran esfuerzo editorial. Caminar kilómetros de calles de la ciudad y del recinto ferial Rho. Y terminas con la conclusión que decía su propaganda: ¿Dónde sino en Milán?; sólo ahí se ven aparadores, gente corriendo por doquier, instalaciones, y groupies del diseño corriendo detrás de su diseñador favorito. En esta edición más que una selección del trabajo, presentamos fragmentos de algunas de las entrevistas que tuvimos este año. Lo más gratificante de éstas fue saber que muchos de ellos sí esperan ver las revistas, pues nos ven como el medio de enterarse de lo que pasa en el mercado; esto sin duda nos obliga a investigar cada día más, no sólo para ellos, sino para todo nuestro público. Tenemos pocas páginas para presentar lo que se ve, y toda selección siempre es arbitraria, pero hacemos nuestro mejor esfuerzo por presentarles una pincelada de lo que vemos. En cada edición verán en las diferentes páginas de la revista parte de lo mucho que encontramos. En lo personal, no quiero dejar de agradecer a Cosmit su invitación como medio invitado por parte de México; es un honor que hayan visto nuestra revista como el medio indicado para exponer lo que sucede en Milán. Gracias totales. En esta edición invitamos a Emiliano Godoy a ser el representante del diseño sostenible en México —para no decirle responsable pues el diseño de hoy lo debería ser desde su concepción—. Siempre platicar con Godoy es un placer. En esta ocasión nos plantea, más que su trabajo como diseñador, su manera de hacer empresa —él mismo pidió que fuera así, pues piensa que fotos buenas siempre se pueden mostrar, más no siempre puede hablar de su ideología y la de la empresa que tiene con su socio—. Juan Pablo Serrano nos abre las puertas de Casa Tierra, un proyecto que enseñó a quienes trabajaron en él cómo construir con los bienes que la natura nos da. Alejandro Villareal, también nos presenta un proyecto que conversa con su contorno y respeta desde la ideología y la forma de un lugar. En otro tenor, mostramos el trabajo que le mereció el Premio Nacional de Interiorismo a Bernardo Gómez-Pimienta —y apenas comienzan los tiempos de premios—. En Túnez, Matali Crasset proyecta un hotel que vuelve a jugar con los colores de manera extraordinaria. Así, les ofrecemos una edición que, como todas, disfrutamos página por página, y más aún; esperamos a ustedes también les guste. Bienvenidos. Greta Arcila
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Tra zos
Edi tor ial Con ten ido
contenido
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Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas
Casa en Tepoztlan V 2.0 Bunker Arquitectura México, 2012 Un proyecto que surge tras la cancelación de un megaproyecto para un club de golf con 800 viviendas en un terreno colindante a las 20 hectáreas propiedad del cliente quien pidió construir una casa para evitar invasiones futuras de los lugareños. El diseño de la casa parte de la idea de rocas solidas colocadas al azar en el terreno. Cada bloque contiene un programa o actividad especifico de la casa. Estas rocas volcánicas, típicas del área de Tepoztlán, son intervenidas geométricamente conforme el espacio es substraído como un escultor tallando un bloque en bruto. Las substracciones son referencias intencionales al trabajo del escultor Jorge Yazpik. El espacio interior responde al exterior conforme aparecen patios y diferentes volúmenes de la casa, es decir el exterior le da orden al interior. De forma innovadora, los muros y losas de la casa estarán formados por pacas de paja apiladas dentro de una estructura de acero que por sus capacidades de aislamiento térmico en combinación con las orientaciones y medios de ventilación natural del proyecto, evitan la necesidad de colocar aires acondicionados, reduciendo casi a cero el consumo energético de la vivienda y creando un interesante conjunto que se vive completamente hacia el exterior. www.bunkerarquitectura.com
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Mind The Gap Olympic Games Information Pavillion DCPP Arquitectos Londres, Inglaterra, 2011 “Mind the Gap” es un proyecto que participó en un concurso internacional; en sí se buscó crear un pabellón de información temporal para las Olimpiadas de Londres 2012, que se ubucaría en Trafalgar Square, que es como sabemos, una de las plazas principales en Londres, Inglaterrra. El concepto nace del “pensamiento” que invade a todos los atletas: hablan sobre un sentimiento – una experiencia – que puede ser definida como el momento de la verdad en su trayectoria deportiva: competir en los juegos olímpicos; es el momento para el que se han preparado toda su vida.
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Y se buscó que los visitantes al pabellón experimentaran este sentimiento. Se diseñó un espacio que forzara al visitante a dar el paso a lo desconocido. Para lograr lo anterior se creó una estructura circular elevada, conformada por cinco anillos intersecados. De cada uno de éstos cae una cortina de agua la cual produciría un umbral que los visitantes deben cruzar. Una vez que se ha cruzado el umbral, los visitantes entran a un espacio sensorial que es completamente distinto. El agua actúa como un filtro que modifica nuestra percepción, al estar en el interior, nuestros sentidos son intensificados y alterados. Al mismo tiempo estas cortinas de agua actúan como pantallas de proyección para los eventos más destacados. La construcción es simple y ligera, los anillos están formados por una estructura de acero que contiene las mangueras y están elevados por medio de soportes verticales de acero por los cuales sube la instalación. El agua se colecta y se bombea de regreso hacia arriba haciendo que ésta esté constantemente recirculando.. www.dcpparquitectos.com
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Sede del Fondo Climático Verde Laboratory for Visionary Architecture Bonn, 2012 La republica federal alemana selecciono a Laboratory for Visionary Architecture (LAVA) como diseñadores para la sede de la Secretaria para el Fondo Climático Verde (FCV) en Bonn. El diseño de LAVA para las oficinas del FCV es un “proyecto ecológico modelo” y demuestra su lema: “el verde es el nuevo negro”. La visión de una protección climatica global se materializa en el edificio con elementos como fachadas articuladas en relación a la orientación del edificio que integran superficies con varios métodos de producción de energía que van de las celdas fotovoltaicas a los bioreactores. La construcción responde al sitio maximizando la experiencia de sus cualidades naturales con un diseño inspirado en las hermosas vis-
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tas del valle del Rin conformada por formas curvilíneas, entradas de luz natural, jardines de azotea y una gran terraza hundida para el restaurante. La estructura de tres niveles cumple los estándares más recientes en manejo de energía y construcción ecológica cumpliendo con las más altas condiciones en términos de sustentabilidad, ecológica y eficiencia energética. Chris Bosse director de LAVA señala que desde que ganaron el concurso internacional para el diseño de Masdar City, la primera ciudad ecológica del mundo, en 2009, sus proyectos se han enfocado en combinar la fluidez del trabajo digital, los principios de la naturaleza y lo último en tecnologías digitales de fabricación con el fin de conseguir Mas con Menos: mas (arquitectura) con menos (materiales, energía, tiempos y costos). Descrito como atractivo arquitectónici y amigable ambientalmente, cuenta con espacios funcionales que promueven la productividad en condiciones de trabajo ideales para los 300 empleados que ocuparan sus 13,000m2. www.l-a-v-a.net
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Regeneración Río La Piedad Taller 13 México, D.F., 2010 El proyecto Regeneración del Río La piedad toma a la Ciudad de México como caso de estudio tangible y se presenta como una reflexión sobre el crecimiento de las mega ciudades y la dependencia de la sociedad de los sistemas de tránsito individual motorizado que conduce a la degradación ambiental de los ecosistemas en todo el mundo. El objetivo de la propuesta es la regeneración de los sistemas vivientes para perpetuar las pautas de autorenovación y evitar su contaminación y rápida degradación. Además, propone un cambio fundamental en la relación que establecen las sociedades con el medio ambiente. El río corría a través de cañerías por debajo de calles atestadas de tránsito y estaba seriamente degradado a causa de los residuos cloacales. El plan maestro promueve la regeneración de sistemas vivos en la Ciudad de México y una estrategia de movilidad integrada para la metrópolis y su cuenca hídrica, la Cuenca Anáhuac. En cuanto al Río La Piedad, el proyecto sugiere la conversión de rutas en parques lineales junto con un sistema de trasporte público eficiente (BTR: tránsito rápido de colectivos) y ciclo vías. www.taller13.com
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Etherna por Franco Drusso Cocina con recubrimientos de materiales cerámicos, isla central y diseño lineal, ARRITAL, EUROCUCINA 2012
SOBRIEDAD La sobriedad siempre es un elemento que se ha buscado en los ambientes para cocina. Utilizar percepciones visuales monocromáticas en el espacio es un rasgo de estos entornos. Se considera el entorno mezclando los elementos para proyectar un panorama unificado y en armonía. Una virtud es que estos espacios pueden alcanzar atemporalidad encajando siempre. Elementos metálicos, madera oscura y esmalte color gris son muy utilizados.
TFT Second Generation Horno con pantalla interactiva en acero y esmalte color gris, NARDI ELETTRODOMESTICI, FTK (TECHNOLOGY FOR THE KITCHEN) 2012
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360º por Manuel Busetti y Matteo Redaelli Grifo metálico modelo TS920301 galvanizado en blanco, WEBERT, EUROCUCINA 2012 Colección Fireplace: Bandeja de desayuno, Garrafa y Vaso. Accesorios inteligentes capaces de detectar la temperatura a través de sensores y adecuarla a las necesidades de cada momento, WHIRPOOL EUROCUCINA 2012
Domino por Ludovica + Roberto Palomba Sistema de cocción modular, KITCHENAID, EUROCUCINA 2012
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Diesel Social Kitchen, coleción MISFITS Diseño en colaboración Disel y Scavolini. Cocina con elementos modulares independientes que pueden sumarse o no, DIESEL, EUROCUCINA 2012
HOGAREÑO
Gemma, Colección Pietre Incise por Raffaello Galiotto Recubrimiento para pared de piedra, LITHOS DESIGN 2012
Colección Piani Cottura Placa de cocina libre de pie con estructura de acero inoxidable de alto calibre, integrable a cualquier cocina, OFFICINE GULLO, EUROCUCINA 2012
Art. LVQ027 Lavabo cerrado hecho en acero inoxidable de 2mm con barras y bordes de latón y grifo de latón bruñido RBR002, RESTART, EUROCUCINA 2012
Sentirse “en casa” en un ambiente doméstico es algo muy buscado en interiorismo y digno de la cocina, ya que este espacio suele ser un punto de reunión. Colores cálidos, diseños prácticos, así como una percepción de seguridad (que se logra con elementos que tengan peso visual o carácter rústico), utilizar y hacer evidente los materiales naturales son algunos recursos para crear un ambiente casero. Para lograr efectos, se “envejecen” los muebles con tratamientos especiales y se adoptan estéticas retro. Volumetría de formas básicas y espíritu vintage adoptan el diseño en la informalidad de la vida cotidiana.
Diesel Social Kitchen, coleción MISFITS Diseño en colaboración Diesel y Scavolini. Muebles de guardado metálicos con proceso de envejecimiento, DIESEL, EUROCUCINA 2012 JUNIO • JULIO 2012
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Numero uno Cocina con bases con elementos extraíbles y armarios. Accesible en diferentes colores, DOIMOCUCUNE, COLECCIÓN 2012
CONTRASTE Formas puras y una estética limpia pero abierta a los acentos que se aprecian en cambios dramáticos de textura, fueron algunas tendencias de Eurococina Milán 2012. Jugando con diferentes volúmenes para crear sensaciones de movimiento, se crean diseños contrastados pero en balance cromático. Diseño ligero y un sabor de lujo surgen de estas propuestas.
SieMatic Beaux Arts.02 Colección BeauxArts por Mick De Giulio Mueble de guardado de acero inoxidable y puertas de vidrio, SIE MATIC EUROCUCINA 2012
Aria NRS Extractor de acero inoxidable con nuevas Falmec NRS ® (Sistema de Reducción de Ruido®), fascia de vidrio templado negro e iluminación LED, FALMEC, EUROCUCINA 2012
Axor_Uno_2_wall Grifo Metálico pulido, AXOR, EUROCUCINA 2012
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Hoover Downdraft Estufa y extractor con regulación digital y pantalla, HOOVER, EUROCUCINA 2012 www.glocal.mx
AK_01 por Franco Driusso Cocina lineal disponible en diferentes acabados, ARRITAL, EUROCUCINA 2012
Elio Grifería de cocina serie Elio con ducha extraible recubierta de tejido, DORN BRACHT
Mare Extractor con el nuevo sistema E.ion System que purifica el ambiente. Cuenta con carbono regenerable, filtro Zeo, filtro de grasa metálico desmontable y lavable e iluminación LED, FALMEC, EUROCUCINA 2012
TECNOLOGÍA El espacio de la cocina se desarrolla y evoluciona constantemente. Ergonomía, accesibilidad, sustentabilidad y alto rendimiento son las características de esta nueva gama. Diseños que por la búsqueda de nuevos descubrimientos a través de investigación y desarrollo de materiales, ofrecen las mejores soluciones para el estilo de vida urbano. Estas propuestas cuentan con elevada funcionalidad y diseño como valor añadido.
Rubik Extractor con el nuevo sistema E.ion System que purifica el ambiente con sistema de ionización para purificar el aire, succión perimetral y pantalla táctil, FALMEC, EUROCUCINA 2012 Colección Fireplace Mesa multifuncional con campana purificadora de aire e iluminacion LED. La inteligente zona de cocción permite detectar los alimentos y crear el ambiente ideal para cada tipo de comida. La superficie de cocción la conforman accesorios inteligentes capaces de detectar la temperatura a través de sensores, WHIRPOOL, EUROCUCINA 2012 JUNIO • JULIO 2012
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Colección Ergo_nomic por Giulio Gianturco Sistema para cuarto de baño enfocado en la ergonomía. Los muebles están hechos principalmente con acero y Corian, REXA, SALÓN INTERNACIONAL DE MUEBLE MILÁN 2012
AMPLITUD Generar sensación de amplitud es importante para el confort del usuario. Un área luminosa logra una temperatura media, al igual que dejar el espacio abierto utilizando poco mobiliario. Los elementos cuadrados y formas básicas con geometrías sofisticadas incrementan la solidez de los componentes. Integrar el espacio es muy importante por eso son recurrentes colores grises y puros generando serenidad, suavidad y opacidad; sin embargo deben buscarse puntos de luz con cuerpos blancos y profundidad por medio de espejos o materiales reflejantes.
HD infunzione Extreme Columna de ducha de latón de sección cuadrada, con centro ajustable deslizamiento y mezclador termostático integrado, CALFLEX 2012
DD-Blues Consolle Lavabo de porcelana blanco con detalles metálicos, DEVON&DEVON COLECCIÓN 2012
Le Cyclope Ardent por Moustache Espejo de mesa hecho en platino creado para grupo yoox.com, MOUSTACHE 2012 Axor Urquiola Patricia Urquiola combina forma y función integrando la jabonera a la columna de ducha, AXOR 2011
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Razio Baño con línea de moniliario modular, BLUFORM, SALÓN INTERNACIONAL DE BAÑO MILÁN 2012
RESALTE
Colección Facto Espejo de baño con soluciones tecnológicas, indica la temperatura, hora, día etc., BLUFORM 2012
Colección Les Plagues: Collioure Bases de duchas decoradas a mano, CIELO 2012
En el mobiliario de baño predomina el uso del blanco y piezas metálicas, dejando al color de lado. Diferentes tonos pueden aplicarse para resaltar el cuarto de baño y enfatizar ciertas sensaciones o elementos importantes en algún mueble. Los resaltes se dan formalmente con asimetrías y el uso de diversas formas y en texturas encontrastadas con ‘lo liso’ del baño. Asimismo se puede adoptar el color solido o con graduaciones como fondo en las paredes para mostrarse alegre o atrevido.
Angelica por Massimiliano Settimelli Lavabo con líneas orgánicas y espacio para colocar accesorios, WEBERT 2012
Colección Jingle por Ludovica y Roberto Palomba Línea de grifería, ZUCCHETTI 2012
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Neutra Dida Mobiliario Neos diseños por Luca Martorano y Nespoli + Novara Mobiliario de madera de nogal, piedra gris y de Sinaí, NEUTRA 2012
NEUTRAL Elegantes y adaptables son muchos baños que pretenden lograr un ambiente neutral complaciente para hombres y mujeres. Las formas y colores generales son estilísticamente reducidos para caer en los detalles que distinguen el espacio. Sobresale la calidad y hechura del mobiliario conjugando entre ellos sin la necesidad de que contengan el mismo estilo y se crean paisajes atractivos pero moderados y cenizos. La singularidad de lo neutral es su flexibilidad extrema para ajustarse a cualquier gusto y género.
Mastella serie R08 Accesorios para baño hechos en polímeros, MASTELLA 2012
DD-Admiral Copper Effect Bañera de hierro con tratamiento en la superficie de esmaltado dando color cobrizo. Pies estilo ‘águila’ en acabado de cobre antiguo, DEVON&DEVON 2012
Serie Ukiyo-e Lavabo y accesorios con acabados cerámicos, OLYMPIA 2012
Serie Delos Armario con tecnología EOOS para el adosamiento a la pared y acabado en madera, DURAVIT 2012
Colección Aria por Massimiliano Settimelli Juego de grifos metálicos para baño, WEBERT 2012
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Natura Grifos para baños o cocina que incluye un contenedor para diferentes uso y esta disponible en diferentes colores, NEWFORM, DESIGN AWARD 2011
NATURAL
Colección Bouroullec Sistema de lavabo para baño con estantes integrados, AXOR 2012
Horizontal Shower tecnología de duchado Ambiance Tuning Technique con aplicación para ducha horizontal, DORN BRACHT
Colección Fonte por Monica Graffeo Perchero con base de ™ Corian® con madera de olmo sólido, REXA DESIGN 2012
Atractivos son los elementos del mundo natural, tales como aire, textura de madera, agua, olores frescos, etc. Para alguien citadino esta idea implica escape y descanso, conceptos muy adecuados para el baño. Suavizar líneas, usar luz tenue, lograr looks orgánicos, balance y armonía son medios efectivos para llegar a lo natural. Estas características remiten a vida sana y tranquila sin embargo para generar estos ambientes el diseño debe crear realmente una vivencia y trasladarnos a una nueva dimension de relajación.
Zenitale Colección Opalia Bañera con hidromasaje con cubre borde de DuPont ™ Corian®, JACUZZI® 2012 JUNIO • JULIO 2012
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La calidez del diseño argentino de
Federico Churba
Greta Arcila Fotos cortería Federico Churba
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n esta ocasión presentamos el trabajo de un “veterano” en el Salón Satélite de Milán: Federico Churba. Este argentino sorprendió en su tercera participación en uno de los espacios más esperados por los cazadores de talento en esta ciudad del norte de Italia. Y si es bien cierto que en la Zona Tortona y en la Zona Ventura se presentan muchas propuestas alternas y auténticas, la oportunidad para que los talentos emergentes sean vistos por la industria está en ésa área del recinto ferial de Rho —y así lo mencionan los presidentes de firmas como Kartell, Thonet, Le Moustache, Casamania, entre otros— ; ahí figuraron en su momento gente del talento de Matali Crasset o Jaime Hayon. Su trabajo nos llamó la atención desde el año pasado con la lámpara Hanoi que diseñó para Prandina, la cual crea intimidad con una luz cálida. Este año se presenta con una nueva colección en donde priman ángulos y aristas con una paleta de color sumamente básica: off-white, blanco, negro, cobre; colores que de inmediato nos remiten a muros viejos carcomidos por el tiempo y por tantas historias por contar. El claro discurso en la obra de Churba ha logrado también que Crate&Barrel haya adquirido la licencia de la lámpara Faroles y la silla Horqueta; a su vez Karl Andersson compró el diseño del librero Cerco, presentado en Estocolmo del año en curso; y para cerrar este círculo virtuoso de industria-diseñador, el pasado mes abrió su propio showroom en Buenos Aires, Argentina. Para este diseñador de 35 años privilegiar la mano de obra artesanal es uno de los aspectos más importantes de su obra pues tener el detalle de lo hecho a mano, hace cada una de sus piezas tengan impregnado un aire inclusive atemporal. www.federicochurba.com.ar/
“Explorar el mundo y aprender de él. Abrirse al encuentro con los materiales. Descubrir sus atributos y sus defectos. Hallar su lenguaje...” Federico Churba 26
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Diego Cárdenas Diseño que libera Adrián Moncada Fotos cortesía Diego Cárdenas
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iego Cárdenas es ciclista por convicción y diseñador empresario por vocación. Es egresado de la Licenciatura de Diseño Industrial de la UNAM y actualmente es el director y diseñador de su propia empresa, Bamboocycles. Es una firma que se dedica al diseño y fabricación de bicicletas y accesorios de bambú, teniendo como ejes angulares el diseño, la ergonomía y el uso de materiales poco convencionales. Esta empresa, situada en el corazón de la colonia Escandón en la Ciudad de México, representa un excelente ejemplo de éxito comercial basado en la producción local y una combinación eficiente de procesos semiindustriales y artesanales. El éxito de su empresa radica también en la personalización. Los clientes escogen desde la talla hasta los colores. También en la investigación y propiedades del bambú: “Nuestras bicicletas son más ligeras que la mayoría y son más cómodas para la ciudad ya que el material absorbe parte de los impactos provocados por los baches y las coladeras” afirma Diego. El proceso de diseño en Bamboocycles se basa en la investigación, ya sea para hacer más rápida su producción o para crear bicicletas más cómodas y atractivas. Para Diego, la parte menos grata de diseñar bicicletas es pasar de un prototipo probado y completamente funcional a la producción estandarizada. “Trabajamos para mejorar los procesos del bambú para equilibrar el hecho de que no tenemos una materia prima estandarizada”. “Indomable” es la palabra que Diego utiliza para describir al bambú, la misma palabra que su madre utilizaba para referirse a él. Tal vez sea la cualidad que le ha permitido montar una empresa sin miedo de empezar con una producción artesanal que, poco a poco, se ha ido transformando para dar un excelente ejemplo de lo que el diseño puede hacer por la calidad de vida de las personas. bamboocycles.com
“Las bicicletas me liberan del esquema de diseñador tradicional. Me liberan del estrés, del tráfico y la producción de contaminación. También me liberan de la creencia de que los productos en México están mal hechos”. JUNIO • JULIO 2012
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diseño + empresa
Lámpara Mo
Molteni & C. y Salvatore Ferragamo Ángel Madero Fotos cortesía Molteni & C.t
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on motivo del Salone del Mobile 2012, Molteni & C y Salvatore Ferragamo unieron fuerzas —una vez más— para presentar Eclaté, una instalación de la joven diseñadora parisina Constanza Guisset, ganadora de Grand Prix de Diseño de París, el Premio del Público en el Desfile de Noailles Diseño y el Premio Audi Talentos. La instalación se mostró en la boutique de Salvatore Ferragamo en Via Montenapoleone y su más destacado elemento fue la lámpara MO, una estructura de madera compuesta de varias unidades, iluminada por luces de neón y con una
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gran potencialidad expresiva en el interior de la casa de moda florentina. Es una escultura aérea que desarrolla los elementos diseñados para la Molteni & C Flagship en París, que ganó el premio al mejor conjunto de diseño en el Designer’s Day 2011. MO también es una lámpara flexible y dinámica. Las diversas unidades forman estructuras ligeras, animadas por obras de las líneas de madera natural que, con gracia y discreción, se unen a SOL, un pequeño sillón con formas suaves y delicadas, diseñado para Molteni & C. Un conjunto de objetos que coinciden con la elegancia de las creaciones de Salvatore Ferragamo. www.glocal.mx
Sillón SOL
La instalación titulada Eclaté crea una construcción efímera dentro de la tienda, un motivo visual fuerte y repetible hasta el infinito. En sus proyectos, Constanza Guisset revela su pasión por el diseño conjunto y su búsqueda de la armonía escondida en la arquitectura y los objetos que pertenecen a la misma. MO y SOL son los proyectos que enriquecen las colecciones de muebles de Molteni & C. De este modo, la mini colección de bolsas Salvatore Ferragamo para el Salone del Mobile 2012 se presentó en un contexto fascinante: La instalación Eclaté de Constanza Guisset para Molteni & C, una estructura modular de madera pintada en los mismos colores que la colección, lo que hace que las bolsas sean los protagonistas de un jardín de primavera sofisticado. Cada pieza de Ferragamo llevaba una etiqueta de metal conmemorando el evento. El proceso de personalización de las pieles, así como la cuidadosa selección de cada color está relacionada con tres áreas inspiradas en la naturaleza, por la amplia gama de colores y contrastes de luz y la textura. www.molteni.it/web JUNIO • JULIO 2012
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Redacción Fotos cortesía Studio Roca
StudioRoca Polanco
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n 2002, se funda Studio Roca Creativo, estudio de arquitectura, interiorismo y mobiliario, nacido a partir de la necesidad de satisfacer al entonces creciente mercado de diseño al ofrecer a sus clientes piezas concebidas y fabricadas en México al nivel de cualquier firma internacional. En diez años de trabajo, Studio Roca ha participado en más de 70 proyectos de interiorismo residencial, corporativo y comercial, más de 500 diseños de mobiliario y ha consolidado dos salas de exhibición y un centro de diseño, además de recibir el reconocimiento de la prensa y obtenido diversos premios, nacionales e internacionales. El año pasado, Studio Roca celebró su crecimiento con la apertura de un nuevo showroom en la zona de Polanco, en la Ciudad de México. El local está ubicado dentro de una casa de los años cuarenta y, hoy en día, exhibe colecciones de reconocidas firmas de diseño distribuidas por Studio Roca como Tom Dixon, Veccarbe, Gan, Bludot, BD Barcelona, así como una extensa línea de mobiliario y accesorios de la propia firma Studio Roca. Esta línea está caracterizada por una aparente simplicidad, líneas limpias y el uso de maderas en la mayoría de las piezas. Dentro del nuevo showroom, cada espacio alberga, a manera de galería, cada una de las marcas, lo que permite apreciar el carácter, esencia y propuesta de diseño de cada una de ellas, de manera individual. La planta baja se encuentra dedicada a las piezas de la colección Studio Roca entre las que destaca su línea eco2011, una propuesta sustentable y amigable con el ambiente por preferir los ensambles a los pegamentos, los aceites a los barnices y por utilizar maderas sólidas. Además de las marcas de mobiliario que Studio Roca comercializa, también se distingue por sus proyectos arquitectónicos y de interiorismo siempre regidos por los principios sobre los que se cimentó el estudio: Creatividad, ingenio, pasión, entrega, visión, honestidad, integridad, constancia, beneficio y diversión. Todo esto. www.studioroca.com
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LÍNEA DIEZ STUDIOROCA Se invitó a diseñadores a nutrir la línea de mobiliario en conmemoración a su décimo aniversario, promoviendo la sustentabilidad medioambiental, social, cultural y económica. Los diseñadores que participaron fueron Ariel Rojo, CCúbica, Muro Rojo, Leonel Vivanco, Gloria Cortina, Sebastián Ocampo, Sebastián Beltrán, Carlos Torre, Rodrigo Alegre y Carlos Acosta.
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Dark Shadows FantĂĄsticamente real Jorge Eduardo Morales Fotos cortesĂa Warner Bros.
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asada en una serie de TV de finales de los sesenta, Dark Shadows cuenta la historia de los Collins y su hijo Barnabas (Johnny Depp), quien se convierte en un hombre rico y poderoso que le rompe el corazón a Angelique (Eva Green), una bruja que lo convierte en vampiro y lo entierra vivo. Dos siglos después, en 1972, Barnabas consigue salir de su tumba y se encuentra con un mundo irreconocible. Las locaciones y vestuarios de Dark Shadows, creadas para dos siglos distintos, fueron —en su mayoría— realizados, en lugar de utilizar efectos visuales. “Después de trabajar en Alice in Wonderland, fue agradable traJUNIO • JULIO 2012
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bajar con escenarios físicos otra vez. Sentir las texturas era importante, no sólo para mí sino para los actores”, opina el director de la cinta, Tim Burton. En el centro de la historia están la ciudad costera de Collinsport y la mansión Collinwood. Ambos representaban un gran desafío en términos de escala y porque tendrían que pasar por transformaciones a lo largo de la película. El diseñador de producción, Rick Heinrichs —y su equipo— construyó Collinsport en un inmenso tanque junto a una pantalla verde. Se hicieron calles con muchos edificios, incluyendo la Taberna de la Ballena Azul, una tienda de electrodomésticos, tiendas náuticas, de ropa,
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un Lobster Shack, un taxidermista e, incluso, una sala de cine. “Fue uno de los sets más impresionantes que he visto” Michelle Pfeiffer. En lo alto de una colina se encuentra la mansión Collinwood. En el diseño del exterior, Burton y Heinrichs se inspiraron en la serie original. “Los fans verán cierto parecido en la arquitectura; en particular, la torre central. La casa tenía que contar con elementos escalofriantes, combinados con el encanto y la gloria perdida” señala Heinrichs. También se construyó una mansión en escala de 1:3 de 33 pies de largo. Sobre los interiores de la mansión, Heinrichs opina: “Queríamos que se sintiera como una gran casa venida a menos. La primera vez que Barnabas entra, acaricia las esculturas, toca las cosas y comenta sobre la artesanía fina. Para sostener sus palabras, pusimos mucho esfuerzo en crear un ambiente hermoso y ricamente detallado”. Dada la proximidad de Collinwood con el mar, Heinrichs diseñó la mansión —por dentro y por fuera— para reflejar la herencia marítima, con los peces, sirenas, objetos del mar en toda la casa y sus muebles, incluyendo caballitos de mar en la chimenea junto a estatuas de Neptuno y motivos náuticos. Un set interior importante fue el Grand Foyer, con un patrón de ondas en mosaico en el suelo, un magnífico candelabro y media docena de retratos de la familia Collins a largo de los siglos. Heinrichs también diseñó varios dormitorios, entre ellos uno hexagonal con alfombra peluda color púrpura y paredes con carteles de Iggy Pop, Jimi Hendrix, Janice Joplin, T. Rex y Alice Cooper. El diseñador ilustra: “Cada habitación tenía que decir algo acerca del personaje que la habita”. Burton quería que Dark Shadows reflejara la década en la que se establece, y le mostró al director de fotografía, Bruno Delbonnel, JUNIO • JULIO 2012
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varias películas de vampiros de la época. “Hablamos sobre su aspecto, la sensación de la combinación de colores. Me gustó mucho trabajar con Bruno. Siempre estaba tratando de ir al punto de vista del personaje, y no sólo desde el punto de vista del espectador” Heinrichs. Para vestir y estilizar dos siglos, Burton pidió ayuda a la diseñadora de vestuario Colleen Atwood: “Es una artista. Trata de meterse en el personaje, ya sea en una completa fantasía o conectado a la realidad. Tratamos de ser fieles al espíritu de los trajes, sin que parecieran una broma. Era importante sentir las texturas y conseguir el estilo de aquella época”. Atwood dice: “Investigamos primero el siglo XVIII, porque es más difícil encontrar los materiales. Luego, me concentré en los dos períodos para encontrar similitudes entre ellos e incorporarlos”. Para los trajes de Barnabas, Atwood quiso llevar el resplandor y sentimiento gótico del siglo XVIII hasta los años setenta. Para el personaje del espíritu Josette, Atwood diseñó un vestido —réplica de uno del siglo XVIII— de nylon impreso con una capa de aluminio y cintas que ondeaban en el viento. Para crear una sensación fantasmal, Burton hizo tomas de la actriz en un tanque, bajo el agua. El equipo de efectos visuales luego removería el agua. Atwood revela: “Hicimos el vestuario antes de que supiéramos que iba a acabar sumergido. Sabía que la luz jugaba increíble en él y que tenía un aspecto genial pero tuvimos la fortuna que también funcionara en el agua”. Burton refleja, “Yo quería extender la línea entre lo viejo y lo nuevo a inventar algo divertido para ambas generaciones. Los tiempos han cambiado, pero creo que estos personajes son eternos”.
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columna
Homoindicadores e Historia de vida Dr. Fernando Martín Juez
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ace siglo y medio, incorporamos la “estética” a los productos que salían de las fábricas (con sus nuevos procesos de manufactura y tecnologías automatizadas). Nació así el diseño industrial contemporáneo, y sus secuelas en nuestros modos de consumo y aspiraciones. El objeto tenía que ser útil y posible de producirse, pero también tenía que ser bello. Poco después, aprendimos a utilizar la ergonomía, la biónica, la estrategia de negocios y una docena de nuevas asignaturas que se hicieron parte de la formación de los profesionales del diseño. El objeto tenia que ser útil y bello, pero también seguro, agradable y oportuno. Hoy, a pesar de lo arduo y las tareas que implica, incorporamos la ecología al diseño, las consideraciones al medioambiente y todo lo humano. El objeto tiene que ser útil, bello, amable y necesario, agradable y seguro, confiable… un diseño que, para decidir ser, valore su impacto y carga ambiental junto con su impacto y carga sobre los seres humanos.
HISTORIA DE VIDA DEL OBJETO La Historia de vida de un objeto (o de un servicio) es un mapa de acontecimientos en la vida de las cosas; una guía que nos invita a reconocer los aspectos sociales y antropológicos, así como el uso que hacemos de la energía y los recursos naturales. Las siguientes son etapas y acontecimientos comunes en la Historia de vida de cualquier objeto1. Algunos productos y servicios no viven todas, otros viven algunas más. Como producto virtual: Proyecto y diseño. / Dibujo, representación, modelo o prototipo. / Agente para la especulación y promesa para el mercado. / Patente, producto registrado, derecho de autor, etc. / Créditos y financiamiento para la producción o el consumo. / Impuestos, permisos, estafas e “imprevistos”. En la producción: Obtención de la materia prima (minería, extracción, agroindustria, recursos forestales, marinos…). / Procesos de transformación de la materia prima (fundición, refinerías, aserraderos, plantas procesadoras, empa-
Las etapas son períodos (fases, lapsos) que incluyen diversos sucesos, hechos, casos, eventos, accidentes, circunstancias, situaciones, episodios, etc. (sinónimos de acontecimientos). Por objeto me refiero tanto a la ciudad como a una edificación cualquiera, a un sofá como a una herramienta, a la indumentaria o el paisaje, a un servicio o el más sencillo grafismo. 1
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cadoras…). / Producción de componentes (fábricas, talleres, laboratorios…). / Fabricación del objeto, ensamblado y otros procesos de producción finales. En los procesos de circulación de las materias primas y del producto fabricado: Distribución en cada etapa previa y posterior (transportación aérea, terrestre, marítima… y servicios complementarios). / Empaques, envases y embalajes (en todas las etapas). / Envolturas para la venta, bolsas, etcétera. En el consumo: La oferta. / Publicidad y propaganda. / En la exhibición y el escaparate. / En el proceso de intercambio o venta. En el uso y el desecho: Como objeto que he adquirido, me han regalado o asignado, y es mío o nuestro. / La apropiación a través del proceso de desenvolver. / Las instrucciones de uso. / Como función. Como uso. / Como objeto guardado (no en uso). / Escondido o perdido. / En la conmemoración personal o como objeto de veneración comunitaria (mitos y rituales, personales y colectivos, en torno al objeto). / Como objeto o servicio prohibido o considerado clandestino. / Garantías y compromisos de servicio. / Robado. / Descompuesto u obsolescencia programada. / En reparación. / En servicio de mantenimiento o actualización. / Como objeto prestado. / Compartido. / Alquilado. / Viejo o muy usado. / Inútil (descartado). / Como antigüedad (objeto de la nostalgia o la veneración). / Reutilizado. / Reciclado como material para la construcción de uno nuevo (la “reencarnación” o re-materialización del objeto). Algunos acontecimientos en la Historia de vida parecen propios de la “naturaleza” del objeto, indispensables para que exista. Otros son producto de ciertos modelos económicos, sociales y políticos que hemos adoptado. No podemos prescindir de proyectar y diseñar, o de la representación y los modelos, de extraer materia y energía del medio ambiente, o de uti-
Concebí inicialmente el término homoindicadores y su definición –enriquecida en los últimos años– en 2008 para la página web del Taller de Servicio Social: Desafíos del diseño en las próximas décadas, del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial, en la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Los participantes en el taller contribuyeron con su esfuerzo a generar muchas de las ideas que aquí expongo. Mi agradecimiento para todos ellos. 2
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lizar y desechar las cosas; pero sí podemos prescindir de patentes, créditos y la especulación, de tantas envolturas y propaganda, de la pérdida por robo o la obsolescencia programada, etc. El agio (práctica sustancial de la Banca y los sistemas financieros), la estafa o los impuestos, el abuso y la explotación del trabajo humano (principios sustanciales del modelo económico dominante), no son propios de la “naturaleza” del objeto, de la existencia de las cosas y los servicios; se trata de eventos, circunstancias a las que nos han acostumbrado, procesos y episodios en la vida de las cosas que nos han hecho creer inevitables.
HOMOINDICADORES Llamo homoindicadores a los medios de evaluación que nos permiten reconocer el abuso y la explotación del ser humano en las diversas etapas de la historia de vida de los objetos. El propósito de conocer los homoindicadores es desarrollar contrapropuestas, diseños y soluciones que proporcionen bienestar y respeto a la dignidad humana y toda forma de vida2. Tres son los homoindicadores principales: • Los que nos indican el porcentaje que corresponde a cada una de las etapas de vida en el costo final de un producto. • El que refleja el tiempo humano invertido en un objeto o un servicio. • Aquéllos que nos muestran la explotación de la fuerza de trabajo y la calidad de vida de quienes intervinieron en su producción.
HOMOINDICADORES DE PORCENTAJE ¿Cuánto pagamos por cada etapa y acontecimiento en la historia de vida de un objeto? ¿Qué porcentaje pagamos: por el proyecto y su diseño; por patentes y derechos de autor; por gastos derivados de la obtención de créditos y financiamientos para la producción o el consumo; por los gastos que proceden del pago de impuestos y, con frecuencia, de la estafa por autoridades abusivas; por los costos de empaques, almacenamientos, de la publicidad y la propaganda…? ¿Qué tanto pagamos de las ganancias obtenidas (lucro) a partir de la explotación y el deterioro en la calidad de vida del ser humano y la naturaleza, desde la extracción de las materias primas hasta la fabricación del objeto; y luego por las ganancias que se derivan de la distribución, el transporte y la comercialización…? Y finalmente, ¿cuántos serán los gastos adicionales que haremos durante la etapa del uso y, posteriormente, el desecho del objeto?
HUELLA HOMOLÓGICA / HOMOINDICADOR DEL TIEMPO HUMANO Así como la huella ecológica se refiere a la marca (al diseño) que deja el paso del hombre en la Tierra (consumo y desperdicio), la huella homológica se refiere al tiempo humano necesario para generarla. Si conocemos el número de horas invertidas en cada etapa y acontecimiento de vida del objeto, obtenemos un homoindicador del tiempo humano para ese producto o servicio.
HOMOINDICADORES DE EXPLOTACIÓN Y DE CALIDAD DE VIDA “El producto oculta las relaciones de trabajo bajo las cuales fue producido”, señalaba Marx en sus estudios sobre el fetiche de la mercancía. Precios bajos, que parecieran traer beneficios al consumidor, suelen encubrir a los beneficiarios reales: los empresarios que lucran con la explotación de la mano de obra barata, siempre abundante y disponible. JUNIO • JULIO 2012
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Para obtener un homoindicador de la explotación del trabajo humano, utilizamos alguno de los algoritmos desarrollados al efecto por los economistas. Podemos, por ejemplo, usar uno muy sencillo: calcular el salario recibido por el tiempo humano necesario en realizar un proceso (durante cierta etapa de vida de un objeto o de un servicio). Éste será el salario proporcional que, cuanto más bajo sea, mayor es la explotación. Para obtener un homoindicador de calidad de vida, podemos comparar el poder adquisitivo con la satisfacción de los deseos. Es decir, cuánto puedo comprar con mi salario y cuáles son mis necesidades. Aquí hay dos situaciones que nos obligan a ser cautelosos con los resultados: Primero, el poder adquisitivo depende de mecanismos económicos corruptos (el sistema de mercado y el sistema monetario) que siempre mantendrán insuficientes los salarios y harán mayores los consumos —menos recursos, más necesidades— y, segundo, resulta imposible definir con precisión qué es “calidad de vida” para unos y otros; qué es una “necesidad” para unos y no lo es para otros. El homoindicador de calidad de vida, aunque impreciso, es una invitación a indagar y reconocer la complejidad de lo humano. Diseñar para seres diversos, para la gente, no para usuarios y consumidores estandarizados, económica o mentalmente. El propósito de los homoindicadores es hacernos conscientes de lo que se oculta detrás del elevado precio de las cosas a costa del abuso de seres humanos y la naturaleza. El segundo propósito, el más importante, es sugerirnos la necesidad de diseñar de otra manera. Si le interesa el tema, leer descripciones con mayor detalle, y ver algunos ejemplos de lo qué son y cómo aplicar los Homoindicadores y la Historia de vida del objeto, vaya entonces al siguiente enlace: dl.dropbox. com/u/46141337/Sitio_web/Homoindicadores.html.
Fernando Martín Juez es Doctor en Antropología, Maestro en Diseño Industrial, Maestro en Enseñanza Superior, y Licenciado en Diseño Industrial por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es profesor de tiempo completo del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial de la Facultad de Arquitectura de la UNAM; y miembro del Sistema Nacional de Investigadores del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología. Es creador y fundador de los planes de estudio de Maestrías y Especializaciones en Diseño Industrial de la UNAM (1980, primeros en América Latina.) Algunas de sus publicaciones: Contribuciones para una antropología del diseño. Barcelona, Gedisa (2002). “Ordinario y extraordinario”, Arte ¿? Diseño. Barcelona, Gustavo Gili (2003). “Diseño local con tecnología global”, Revista del Centro Interamericano de Artesanías y Artes Populares no. 55, Cuenca, Ecuador, (2003). “Patrimonios”, Revista Cuicuilco Nueva Época, Escuela Nacional de Antropología e Historia, vol. 11, no. 30, México (2004). “Flor y canto”, Lo bello de las cosas. Materiales para una estética del diseño. Barcelona, Gustavo Gili, (2007). “En el ombligo de la luna”, Atlas Subjetivo de México. México, LAST (2011). “Ciencia, magia, fe y diseño”, Diseño: discursos y tesis. México, Siglo XXI. En prensa, (2011). En el lugar de la bifurcación. México, Centro de Investigaciones en Diseño Industrial, UNAM. En prensa, (2012).
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números Por José Luis González Cabrero
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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, actualmente radica en Milán donde trabaja como product designer para diversos estudios, también escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero
Bibliografía Oficina de Prensa Emeco 2012. Oficina de Prensa Philippe Starck 2012. http://emeco.net http://emeco.tumblr.com http://vimeo.com/emeco http://www.starck.com/ http://www.sediedesign.it/blog/broomchair/
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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Busca en cada edición las propuestas de los personajes que generan vanguardia.
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diseño
Ian Ortega Fotos cortesía Ian Ortega
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na vez más, el trabajo de un diseñador con propuesta se une a Masisa para crear un objeto funcional, estético y perdurable. El diseñador elegido para esta ocasión es Ian Ortega, un joven que, hasta ahora, ha sorprendido por diseños cuya aparente sencillez se mezcla con el uso de materiales y procesos amigables con el ambiente. Ian Ortega tiene una licenciatura en Diseño Industrial por el Tecnológico de Monterrey. En 2007, un poco antes de graduarse, recibió una mención al
Banca Noviembre
Escritorio Bloom
mejor proyecto de mobiliario urbano por el Tecnológico de Monterrey con la Banca JFI (2007). En el mismo año, fue seleccionado como finalista del Premio Braun (2007) con el proyecto MOL. Éste formó parte de una exposición que viajó por diferentes ciudades de Europa, China y México. El trabajo de Ian Ortega ha sido exhibido en el Museo Franz Mayer, en el Museo Nacional de Arte, en la Galería Mexicana de Diseño y en el Design Week México 2009. Ha participado en exposiciones como La fábrica mexicana: Diseño industrial contemporáneo en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, Diseño México, los contemporáneos en la Secretaría de Economía, entre otros. Además, ha colaborado en proyectos de interiorismo en la ciudad de México, incluyendo
el Bar Magnolia en la Torre Mayor, el Hotel de Cortés en la Alameda Central (2009) y la tienda Sicario en la Colonia Roma (2007). Ortega ha sido invitado –en múltiples ocasiones– a impartir conferencias y talleres en diferentes universidades como la Universidad de Guanajuato, Facultad del Hábitat - Universidad Autónoma de San Luis Potosí y el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey campus Monterrey. Actualmente, dirige el área de desarrollo de nuevos productos para la marca de mobiliario Pirwi. www.ianortega.com ian@ianortega.com @iortegaortega
Repisas SAP
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» Librero Masisa Glocal » INSPIRACIÓN: Los objetos que utilizamos día a día, conviven en un entorno, como lo hacemos las personas. El mobiliario no es la excepción.
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» PROPUESTA: Esta pieza de mobiliario está planteada para depender de otro elemento externo, un muro o pared, el cual es habitual en todos los lugares techados. Los soportes no sólo funcionan como un elemento de carga para los estantes, también proveen un soporte lateral a los libros y otros objetos.
» CONTEXTO: Este librero es ideal para guardar y exhibir libros de diferentes tamaños, tanto en altura como en largo y ancho, ya que permite al usuario establecer su propio acomodo de estantes, permitiendo variar las alturas de los soportes. A su vez, existen dos largos diferentes de estantes que pueden ser colocados indistintamente.
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* La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior. Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños. El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y ‘routeado’. Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio.
» TRANSPORTE Y ALMACENAJE: La flexibilidad de este producto, en términos de ajuste del mismo, permite un empaque plano, lo cual es ideal para su movilidad y guardado, sin que esto signifique un ensamble complicado del producto, el cual está compuesto por tres elementos distintos: Estructura central, estantes (dos tamaños) y soportes.
» MATERIAL: Este librero utiliza un tablero de 15mm, de medidas estándar para la industria. Las dimensiones finales del producto, fueron basadas para tener el mejor aprovechamiento del material y, así, disminuir residuos. » MEDIDAS GENERALES EN USO: 170 x 52 x 60. » COLORES UTILIZADOS: Verde Lima Gris
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Pláticas del mercado del diseño… y de las no tendencias Entrevistas: Greta Arcila Fotos cortesía firmas participantes
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ste año Milán para nosotros fue diferente. Fuimos el único medio oficial invitado de México por parte de Cosmit, empresa que dirige y organiza cada año la feria; sin embargo, nunca imaginamos la cantidad de gente que nos llevaría a conocer. No paramos ni un segundo. Y claro, fue imposible recorrer todo lo que era de nuestro interés. Pero sí tuvimos la oportunidad de platicar con muchos de los diseñadores que están marcando el pulso del diseño. Así, en esta ocasión la palabra se la dejamos a ellos. En sí lo que leerán son respuestas a qué es lo que para ellos representa la Semana del Diseño; si reconocen alguna tendencia (y algunos al hablar de tendencia mencionaron su trabajo), y si responde o no su trabajo a éstas; y cómo llegan a su trabajo. Comencemos.
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ROSS LOVEGROVE En sí lo que buscamos este año fue trabajar en un concepto que generara espacios diversos ya que LiquidCristal de Lasvit, está pensado para la arquitectura. En mi despacho tengo un amplio equipo de arquitectos pues analizan los volúmenes totalmente diferente a como lo hacemos los diseñadores industriales. Lo que hicimos con Lasvit, que es una empresa familiar y joven, no lo hubiéramos podido lograr con otra ya que la visión de su líder Leon Jakimic —un empresario que apenas está en la media de los treinta— es la de crear diseños que lleven al usuario a vivir una experiencia, él sí comprende de lo que se trata el diseño. El proyecto es sumamente orgánico, tiene movimiento, yo no concibo la vida sin éste. Como seres humanos estamos en constante evolución, lo están nuestras células, y eso es lo que quise reflejar en LiquidKristal. ¿Que si camino el Salón? Vengo todos los años pero voy a ver el trabajo de mis colegas que me invitan. Llego días antes y recorro lo que se puede, pero no es que esté buscando qué sucede; eso lo veo en las revistas, ese es su trabajo: caminar la feria para nosotros y mostrarnos qué se vió. Lo que gozo del Salón son las reuniones con diseñadores de todo el mundo, ver cómo se llenan las calles de Milán con gente ávida de saber de diseño, y claro, las fiestas. Pero volviendo al tema, no creo que todos sepan qué realmente sucede, creo que todos se dejan llevar por la “ola”. No creo en las tendencias, creo en el pensamiento que genera conceptos. Creo en la habilidad de la tecnología y cómo ésta nos está ayudando a crear conceptos nunca antes pensados. Creo en la mano del artesano, esa que llena de vida un objeto. Pero tendencias… sería tonto seguir lo que hacen otros.
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OKI SATO (NENDO) ERWIN BOUROULLEC
(IZQUIERDA)
Tienes razón, pareciera que trabajamos todo el año sin parar para presentar en Milán nuestro trabajo con “todas las empresas”, pero si observas bien, son pocas las grandes firmas, que de grandes no tienen mucho. Todas son empresas familiares que les gusta conservar el negocio así, entre ellos; no son las enormes corporaciones que parecen, lo que sucede es que hacen las cosas bien y por eso son grandes; con esas empresas son las que nos gusta trabajar. En sí nuestro taller es pequeño, nos gusta poner toda nuestra atención a cada proyecto. Vamos a todas las juntas. Nos gusta la sencillez de mirar a la cara al cliente o al usuario de nuestros diseños. Nuestro trabajo habla de lo que buscamos: la honestidad en los materiales y en lo que éstos pueden generar en la gente. Sabemos que estamos en una industria que está en la vida de los usuarios pues vende todo aquello que se encuentra dentro de una casa, que es el lugar más importante para cualquiera de nosotros. Tratamos de trabajar con empresas que cuiden la calidad al máximo y que sean amables con su gente, eso habla de una seriedad y de un compromiso con la sociedad, y como diseñadores industriales, trabajamos para el ser humano. Hablando de tendencias. Hacemos piezas que por su calidad duren lo más posible, eso las hace “sostenibles” esa es la tendencia que nosotros seguimos: hacer las cosas bien desde el primer trazo, desde el concepto, sin improvisación. No caminamos el Salón, vamos a las presentaciones de ciertos proyectos, lo demás lo buscamos en revistas.
Para nosotros, un taller con presencia en Oriente y Occidente, es muy interesante enfrentarnos con proyectos que tienen que responder a culturas tan diversas a la nuestra. Aprendemos todos los días pues nos corresponde investigar más que a los diseñadores de Occidente que trabajan con empresas con su misma ideología. Venimos de un país que responde a tradiciones y que al mismo tiempo tiene una gran cultura contemporánea, y eso creo que se ve reflejado en nuestro trabajo. Lo que hacemos es eso: respetamos y aprovechamos el material y el espacio; no estamos de acuerdo con la cultura del exceso; valoramos la simplicidad y el sonido que provoca ésta; sabemos que nuestro trabajo se trata de relatar historias y sólo entendiendo bien el material, el proyecto y público para el que está pensado cada proyecto, lograremos contarlas. Camino lo suficiente en Milán, no veo todo porque vengo de trabajo a ver a las empresas con que trabajamos. No estoy pendiente de qué presentó quién; me interesa más la cultura que se genera estos días. Los diálogos que me corresponde escuchar en las reuniones de las empresas que colaboran con nosotros son sumamente interesantes, soy un diseñador siempre abierto al diálogo.
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LUKE PEARSON (PEARSONLLOYD)
PATRICIA URQUIOLA
Yo vengo a Milán sólo por unos días pues es demasiado lo que sucede aquí. Creo que existen muchas improvisaciones que le restan importancia a lo que de verdad está hecho con calidad. Como propuesta, me interesa más lo que sucede en la calle, fui a la Zona Ventura y me llevé gratas sorpresas, la Zona Tortona la visitaré de noche pues tenemos una presentación ahí, pero en las últimas ocasiones que fui algunas cosas caían en lo que te dije al principio, en la improvisación. Más que ver tendencias, vengo a Milán a ver cómo reacciona la gente ante las cosas pues cada cultura o cada persona, reacciona diferente ante cosas que uno da por hecho que funcionaran —aún después de todas las pruebas, siempre existe algo diferente—. Creo que el ser humano merece diseño que le ayude a generar un poco de silencio después de tanta información que recibe; merece un espacio de trabajo digno que le ayude a pasar tantas horas en una oficina. Conforme el tiempo pasa, cada día estoy más convencido de que los diseñadores más que tendencias debemos de ver lo que le sucede al ser humano para poder ofrecerle una vida digna. Eso nos lo enseñan en la escuela, es el principio básico del diseño industrial, pero parece que se pierde de nuestra visión con los años.
Yo no vengo a ver diseño, yo vivo el diseño, por eso recorrer o no la feria para mí no tiene mayor interés pues me despierto pensando en diseño. Como muchos de mis colegas, yo vengo a presentar los productos. Son los días que más fotografías me toman en todo el año, platico con la prensa, con mis colegas. Para mí el Salón es un lugar de encuentro en donde todo puede pasar, y más porque estás tratando solamente con gente creativa y realmente interesada en el tema. Así que no te sorprenda el día que te platique que tomando un vaso de agua con alguien, de pronto surgió una idea que luego se encontrará en Milán. No me interesan las tendencias, yo trato todos los días de entender al mundo, y de ahí, tomo lo bueno y lo malo para con mi lenguaje, convertirlo en diseño. También es cierto que después de tanto tiempo en el diseño comprendes qué funciona para ciertas firmas con las que trabajas y qué no. Yo trato siempre de entender hacia a dónde van ellos, claro está, siempre defendiendo mi trabajo pues es lo que nos hace diferentes. No creo en el Star system, creo en los diseñadores que trabajan arduo por conseguir un trabajo y que demuestran su valía y por eso tienen proyectos.
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JEAN NOUVEL
JASPER MORRISON
Hace unos años comencé a trabajar con empresas de diseño, pero en realidad, no sé porqué buscaron a un arquitecto –risas-. El diseño se aplica en diferentes escalas y eso es lo interesante de colaborar con empresas que hacen mobiliario. Diseñar pensando en productos más inmediatos que una obra que toma hasta 5 años, ha sido muy interesante pues ver el proceso mental que tuve de manera rápida y poder tener esa experiencia en la sala de mi casa ha hecho que cambie hasta mi manera de acercarme a las piezas. Si puedo tener en mi casa la silla que este año diseñé para Emu, y la puedo tocar y me puedo sentar en ella, es revivir ideas y procesos todos los días, en realidad es extraño enfrentarte a tu obra en todo momento. Las tendencias para mí no existen. Somos interpretes sociales de un momento histórico y un objeto responde a sus necesidades y facilidades tecnológicas. Cuando sucedió la Revolución Industrial, realmente fue eso, un momento histórico para la industria de producción en masa. Hoy sí se busca eso, pero el ser humano comprendió que ése no es, necesariamente, el mejor camino por recorrer. Ya nos acabamos muchos recursos, ahora el buen diseño parte de una gran empresa que comprende que los bienes se deben de cuidar; y más importante aún, el buen diseño ahora es responsabilidad del usuario pues al momento de comprar tiene las opciones que no pensaron en el fin, y las que sí. Creo que la tendencia, si lo quieres ver de alguna forma, es esa, el análisis de la compra, ahora con tanta información las nuevas generaciones son más reaccionarias y esto también beneficia al diseño.
Vengo a Milán sólo cuando tenemos presentación de algún proyecto. No recorro todo, en esta ocasión sólo estaré en tres lugares y me regreso a trabajar. Para mí es más importante estar en mi estudio con mi equipo de diseño pues ahí generamos ideas, y eso es muy valioso. Lo que disfruto de venir es ver a mis amigos y ver su trabajo. Es fascinante escuchar lo que para ellos fue ese proyecto, aprendo de escuchar su proceso de trabajo pues comparten sus investigaciones y eso me llena de vida y de interés. Eso es lo bueno de Milán, regresar a tu país después de haber escuchado a Naoto Fukasawa y escuchar el porqué del respeto a los materiales; el porqué de su silencio ante los medios. Y de tendencias, yo no sé, para eso están las revistas, los expertos a quienes sí les corresponde ver todo y presentárnoslo a nosotros. Sinceramente, no me gustaría estar en ese papel pues no sé cómo seleccionan, sólo sé que deben de tener un gran agilidad para el síntesis y para leer con los ojos qué sucede en las calles de Milán. Yo soy más local, me gusta ir al Design London, ahí llega mucho de lo que sucedió a Milán y en ocasiones hasta depurado pues ya pasó la prueba de fuego que es la semana del diseño
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NAOTO FUKASAWA (Prefirió mostrar su obra que dejarse tomar una fotografía y menos aún, enviarnos un retrato. Opina que su obra habla más de él) Creo que la clave de hoy es “Artesanía Industrial”. Por ejemplo, los muebles de Maruni —de donde Fukasawa es director creativo— tratan de la tecnología de la máquina, no sólo de elaborar trabajos manuales... utilizando una nueva tecnología con el conocimiento tradicional de la experiencia. Esa fue una estrategia exitosa para hacer un nuevo estilo de empresa de muebles. Y creo que mucho del buen diseño que se ve en Milán va por ese aspecto. Yo soy un gran fan del buen diseño. No estoy tratando de diseñar todo nuevo pues todo ya existe... Me gustaría más un objetivo para encontrar algo interesante ... más aún si ese diseño se convierte en algo clásico. No quiero hacer caso omiso del gusto de la gente, lo que realmente quiero es diseñar las cosas de uso cotidiano. Quiero hacer un puente entre la vida moderna y el espíritu tradicional. En realidad, creo que nuestro estilo de vida o el sistema fundamental de la vida está casi terminado —cocinas bonitas, acondicionadores de aire, sistemas eléctricos— y ahora la gente está tratando de obtener algo en particular, la gente ya no quiere parecerse a algo, tener lo mismo; y eso estoy buscando en mi diseño: Encontrar un alma y la tipología icónica.
NANI MARQUINA Veo un Milán con mucho color y para mí es una delicia pues miro textiles llenos de fuerza, aspecto que para nosotros es un reto. Lo que me fascina de venir a Milán es ver tantas culturas reunidas con un mismo fin. Veo también empresas preocupadas por hacer las cosas bien, colaborando con las localidades para ofrecer digna vida a los que trabajan para ellos. Eso es de congratular, el diseño está realmente por la sociedad; que es lo que hacemos en Nanimarquina, trabajamos y colaboramos con grupos sociales, especialmente en la India. Ellos tienen una mano de obra espectacular y nos enseñan sus técnicas ancestrales —que sin ayuda, las perderían en menos de 10 años—, y nosotros les enseñamos un poco a trabajar con la tecnología que se pueda aplicar, que no es tanta pues la mayor parte de nuestro trabajo está hecho a mano. Claro está, también les enseñamos a cobrar lo justo por su trabajo pues están muy explotados por empresas que sólo ven su propio beneficio. Pero que me dé tiempo de caminar la feria, es otra cosa. Todo lo nuevo lo veo en revistas, libros, viajes, comidas y cosas que mi equipo ve y me enseña.
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Galería Plus Design Greta Arcila
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eleccionar sólo una galería de las muchas propuestas que había en la Zona Ventura, no fue cosa fácil. Aquí les presentamos a Plus Design, quien invitó a un grupo de diseñadores jóvenes y presentó una exposición The Threads that Bind us, o Los Hilos que nos Unen. Así vimos diseños con un discurso en común: el hilo o los tejidos que hacía alusión a lo que nos une
como sociedad: sólo un delgado hilo que puede ser roto en cualquier momento; de tal forma, Bertjan Pot, Elisa Strozky (novel de glocal en ediciones pasadas), Evelin Kasinov, Florian Schmid, entre otros presentaron interesantes conceptos. La mexicana Liliana Ovalle —favorita de la galería— presentaba una pequeña exposición individual. Aquí les dejamos su trabajo.
Quilted Wood de Elisa Strozyk
Masks de Bertjan Pot
EMIL de Llot Llov
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Woven Text de Evelin Kasikov
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Panca e sedia stitching concrete de Florian Schmid
Obsession series 2012 de Kwangho Lee
Work in progress de Loredana Bonora
The Chroma Season de Liliana Ovalle
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Y AL SALÓN DEL MUEBLE, SE LLEVAN MUEBLES… Casi 4 mil productos son presentados en Milán, así que hacer una selección resulta muy complicado. Lo que presentamos aquí es lo que para nosotros fue de lo más representativo ¿porqué? Por que no es la forma lo que
prevalece en esta selección, es la función en comunicación con el material. Todos son proyectos que no desafían nada más que a la inventiva. Prima el diseño no protagonista. Las formas que pueden estar en cualquier tipo de espacio. El resto del año presentaremos todo lo que para nosotros tiene propuesta.
» MARITIME S de Benjamin Hubert para Casamania
» Drop de Nendo para Cappellini
» Smart OLED de Bertrand Médas, ID’S » CHARIOT de GamFratesi para Casamania
para Blackbody
» Tate color de Jasper Morrison para Cappellini
» Jacket de Patrick Norguet para Tacchini
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» El clásico de Joe Colombo 4801 por Kartell
» BDR de Massimo Morozzi para Edra
» Juliet de Benjamin Hubert para Poltrona Frau, silla que festeja su aniversario número 100
» STEWIE de Luca Nichetto para Foscarini
» Fedro de Lorenza Bozzol para Dedon
» Inmotion de Neuland Industrie Design para MDF Italia
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» Coupe Easy Chair de Laufer Kiechel para OFFECCT
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» Blossoms de Aldo Cibic para Blackbody
» Colección Lasha de Melogranoblu
» Small Room Sofa de Ineke Hans para OFFECCT
» HEMP de WERNER AISSLINGER para Moroso
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4 de DOSHI LEVIEN » PAPER PLANES para Moroso
» Gentle Chair de FRONT para Porro
» Wing de Werner Aisslinger para LEMA
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enfoque
Emiliano Godoy La apuesta por una empresa de dise単o sostenible 54
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Greta Arcila Fotos cortesía Emiliano Godoy y Pirwi
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l año pasado invitamos a Emiliano Godoy a ser nuestro editor invitado en el especial “Verde” y nos dimos cuenta que nos faltaba mucho por aprender. Esta ocasión, lo invitamos a compartir su experiencia como diseñador, empresario y catedrático en el diseño verde, y nos deja claro lo que platicamos muchas veces con Ariel Rojo: El diseñador del siglo XX es el artesano “colonizador” que le ha tocado “educar” desde la industria hasta al público mismo ya que, ser diseñador –y además “sustentable”– es un tema que no muchos sabemos. Hoy, además de una historia de vida, conocemos la empresa que sustenta una ideología. En la universidad hay profesores que te marcan. ¿Quiénes fueron aquellos que te empezaron a formar hacia dónde ibas como diseñador? Primero, Óscar Hagerman. Empecé a estudiar en el 92, año de la Cumbre del Medio Ambiente en Río de Janeiro. En todos lados había noticias de la cumbre y el conflicto entre el desarrollo de la industria y el medio ambiente, el impacto social, etc. Pero adentro de la carrera, no había nada. Seguíamos sin enseñar lo suficiente. No había ningún problema: No contaminábamos, nada. Para mí eso fue un conflicto. Óscar, si bien no de una manera técnica sino filosófica, lo tenía muy claro (él lleva toda la vida trabajando con comunidades y con la sociedad, entendiendo los recursos). Entendí que el diseño puede no sólo generar basura sino tener un impacto social.
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El otro fue Fernando Rovalo. Él es un arquitecto que ha dado clases en la Ibero toda la vida y es quien generó la Teoría del Diseño de la Ibero. Tomé un par de clases con él y después fue mi director de tesis. Fue muy importante porque era decir: “La actividad intelectual del diseño sí puede tener un sustento teórico que permite evaluar si se están haciendo las cosas bien o mal”. Cuando terminas la universidad, ¿inmediatamente te vas a estudiar la maestría? Acabé en el 97, pero desde el 96 ya había puesto una oficina con Luis Mercado. Montamos un estudio pensando en el tema del medio ambiente, el impacto ambiental, el reciclado, el desecho y demás. Todo era muy improvisado. Conseguir información o libros, no era fácil. Cuando ves de qué fechas son los libros que hablan de diseño y sustentabilidad, son del 2000 en adelante. Tuvimos esa oficina hasta 2001. Paralelamente, abrimos una tienda y presentamos la marca 70M2 (Setenta Metros Cuadrados). Vendíamos algunos muebles, diseñados por Luis y por mí. La abrimos como un experimento para ver cómo funcionaba el tema. Fue cuando te descubres como empresario porque, finalmente, eres un empresario. En realidad, desde el principio. Una cosa que me marcó mucho fue que nunca trabajé para nadie. He hecho las cosas de la manera que a mí me gusta y armé mi propia teoría de cómo trabajar. Por otro lado, todos los errores los pagué con dinero propio. En 2002, me fui a estudiar una maestría. Ahí, cerramos la oficina. Me fui a estudiar al Pratt Institute en Brooklyn. Y Luis se fue a vivir a el extranjero. Cuando empecé la maestría, fue el año de la Cumbre de Johannesburgo. Era la que hacía el balance si se había logrado lo que e había firmado en la Agenda 21 de Río. La conclusión de Johannesburgo es que todo sigue igual o peor. Fui a la maestría para ordenar —a nivel teórico— lo que había estado aplicando de diseño y sustentabilidad. Dije: “Voy a ir a que me enseñen de qué se trata este tema”. Por supuesto, no había nada. La que entonces era directora del programa, Beth Johnson, me dijo: “Bueno, demos una clase tú y yo”. Al siguiente semestre nos pusimos a dar una clase de medio ambiente y decir: “¿Cómo enseñar de medio
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ambiente a las nuevas generaciones?” Entendí que tenía que ver con el desarrollo de materiales, con el calentamiento global y el efecto invernadero. Entendí todo el tema de la toxicidad, cómo funciona. Investigué mucho sobre la cuestión de los materiales renovables y no renovables, los ciclos biológicos, los ciclos técnicos y entender este rollo. A mediados de 2004, regresé a México y dije: “Quiero montar una oficina pero que hable sólo de estos temas”. Decidí que sólo iba a trabajar en proyectos que me interesaran, con ese carácter ambiental o social. Tengo ese tipo de oficinas pequeñas desde entonces. El momento en que más gente teníamos éramos seis, en total.
Briseé de Emiliano Godoy para Pirwi
¿Y cuándo nace Pirwi y por qué? Un par de años después de que regresé, conocí a Alejandro Castro, mi socio en Pirwi. Hubo una muy buena relación, desde el principio. Platicando con él y otro amigo más, dijimos: “¿Por qué no montamos una fábrica que cumpla con todo lo que nosotros quisiéramos e intentamos hacer las cosas como queremos que sean? Si funciona, bien. Si no, la cerramos y ya”. Lo planeamos todo en 2006, y en 2007 presentamos la primera colección en la Galería Mexicana de Diseño. Pirwi tiene cinco años en el mercado. Es poco. Montamos una plataforma productiva. Dijimos: “Pirwi no va a ser el taller de Emiliano y Alejandro. Tiene que ser una fábrica para muchos diseñadores y compartir el conocimiento ambiental. Lo hemos cumplido. Tenemos diseños de 18 personas con los cuales trabajamos en plan de regalías (no tan común en México). Decidimos que fuera una marca con una plataforma que compita a nivel global y
tenga un esquema de precios en el que podamos exportar, ser competitivos y podamos ganar terreno. La otra cosa que dijimos es que hay cosas ambientales que respetar. Tenemos que trabajar con materiales renovables, que sepamos de dónde vienen, que sean certificados, de bosques bien controlados, etc.; que la parte social esté bien cuidada dentro de la empresa y con nuestros proveedores (saber que también dan prestaciones sociales, pagan bien, etc.). Nos hemos clavado mucho también en la parte de toxicidad…
Knit de Emiliano Godoy para Pirwi
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¿Puedes desarrollar más el tema de la toxicidad? Algo tóxico es algo que interrumpe o distorsiona un ciclo biológico o de salud. Si consumes o entras en contacto con una sustancia que hace que tu sistema cambie y se distorsione, es tóxico. Es un tema muy grave del que muy poca gente habla. Es grave porque fabricamos juguetes con plásticos tóxicos que dañan el sistema inmunológico. O hacemos edificios cuya calidad del aire –adentro– es peor que el esmog de la calle. En Pirwi no hay una cabina de pintura. No tenemos aspersión de ninguna sustancia. Nuestros acabados los hueles y huelen a jugo de naranja. No necesitas una mascarilla. www.glocal.mx
¿Y qué sucede en este momento con tu despacho? Está cambiando ya que mi despacho lo separé. Me hice todavía más chiquito y tengo uno donde ahora sólo trabajo para fabricantes y tengo otra sociedad donde trabajamos para hacer interiores, proyectos y cosas más grandes. Pero eso ya no es Godoy Lab. Ésa es la historia de cómo vas creciendo. Yo te conocí en Nueva York con la silla Knit. Háblame de tu historia como diseñador, con tus objetos. ¿Cómo nacen? Los objetos y los diseños siempre son una manera de hablar, pensar y desarrollar otras cosas. Utilizando este ejemplo, la silla Knit partió de un ejercicio: Cuando hablas de un objeto y entiendes el concepto de ciclo de vida y sabes que para tener una silla, su proceso empieza en el bosque (si es de madera) y termina cuando tu nieto la tira a la basura o la quema. Por más durable, el ciclo de uso de un objeto va a ser nada comparado con su ciclo de vida. ¿Por qué? Si hago una silla con madera de un árbol de 250 años, y logro que la usen 30 años —muchísimo tiempo para un objeto de consumo—, es el 10% de su ciclo de vida. Entonces, esa silla y muchas otras cosas parten de decir: “Todos los objetos, de alguna manera, tienen que ser desechables”. Tienes que diseñar la manera como se va a desechar y que el deshecho sea responsable. Otro aspecto es la energía. ¿Cuánta energía se necesita para que algo exista? Hay un concepto que se llama la Energía en Bebida que es: ¿Cuánta energía, medida en megajoules/ kg o megajoules/m3, se necesita para que algo exista? Hay cosas que requieren poca energía, por ejemplo, la arena. Puedes ir, agarrar un bote de arena y ya la tienes, no hiciste nada. Hay otros muy complicados: Sacar el petróleo para destilarlo, refinarlo y tener polipropileno, involucra mucha energía. Hay otros todavía peores, como el aluminio, que tienes que ir a una selva subtropical, quitar la selva, sacar la tierra del piso y, de cada 4 toneladas que sacas de bauxita, tienes 1 tonelada de aluminio, pero primero tienes que destruir toda la selva que está arriba. Cuando llegas al momento de la búsqueda de la gente (proveedores) debe ser complejo para que se logre esa cadena 100% perfecta como la quieres. Ahí entra el rollo del empresario. Hay etapas diferentes donde el diseñador tiene poder y donde no. Si trabajas en una cafetera, yo no tengo — como diseñador— injerencia para saber si la van a mandar a hacer a una fábrica irresponsable en Asia, con niños trabajando. O si la van a hacer en la mejor fábrica de Europa. Pero sí puedo controlar el uso de energía en la utilización porque en lugar de una cafetera, diseño un termo. La comercialización es donde también puedes cometer errores garrafales. El ejemplo más utilizado es el sobreempaque. JUNIO • JULIO 2012
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Cuando conceptualizan todo esto y salen al mercado, ¿cómo convencen al usuario? Porque, al final, esto —el diseño responsable— cuesta. Hay un entendido que –hoy puedo asegurar que es erróneo– las cosas ecológicas valen más. Tengo las herramientas para decirte que no es cierto. ¿Qué es lo que pasaba? Al inicio, los productos ecológicos eran el mismo producto y, ya que estaba diseñado, lo trataban de volver ecológico. Se vuelve un producto que, además de los requerimientos normales, tiene otros. Obviamente, se vuelve más caro. Pero cuando, desde el inicio, lo contemplas, tienes muchísimas posibilidades de ahorrar. Además, hay otros temas. De repente, se confunden y lo usan como herramienta de mercadotecnia: Cuesta lo mismo pero te lo venden más caro porque es “verde”. Lo cual me parece una tontería. Hablando de todo este proceso, ¿cómo lo llegan a entender los diseñadores? Empezamos con normas muy básicas. Cosas que no hacemos. Son las primeras que nos ayudan. Por ejemplo, en Pirwi no hay cosas tapizadas. Todo lo que tiene tela, se puede abrir un cierre, lo quitas, llevas, lavas, cambias y lo regresas. No es una estructura de madera que le pones un recubrimiento, lo clavas y le pegas una tela, una espuma y le clavas otra cosa y armas algo que no puedes reparar, biodegradar, reciclar ni nada. Cuando mencionas eso, el diseñador lo entiende:
“OK. Los materiales diferentes tienen diferentes tratamientos”. También están los productores que buscan resultados rápidos, inmediatos y que sólo quieren ponerle la etiqueta verde a sus productos, pero son con los que no hay que trabajar. Porque eso no va a tener un buen resultado. Un ejemplo de trabajo muy sano es lo que hemos hecho con Nouvel durante más de cuatro años. Hemos sacado cuatro productos, algunos con variantes. Nouvel y yo tenemos una relación que es mucho más fructífera, rápida y directa. Llevamos mucho tiempo trabajando y yo entiendo qué pueden hacer y qué no; qué les interesa y qué no. Ellos entienden de qué hablo yo. Hablando del gremio del diseño ¿crees que ya estén lo suficientemente organizados para crear estrategias o uniones para hacer crecer la industria? En algunos puntos. Una de las cosas que proponíamos con la Política Nacional de Diseño es generar fichas de información. En México, si yo voy a comprar aluminio y digo: “Quiero saber de dónde viene este aluminio” lo más probable es que no sepan, y si lo supieran no tienen por qué decírmelo, por ley. Es grave. Yo no tengo herramientas, como diseñador, para decir si estoy haciendo bien o mal. En México pasa que tú vas a una maderería y ves que tienen sebrano o ébano, o maderas que están en extinción o
Yala de Daniel Romero para Pirwi
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está prohibido cortarlas, y tú dices: “¿De dónde sacaste esto?” y no tienen por qué decírtelo. Una de las propuestas de la Política Nacional de Diseño es que, como consumidores (industriales, diseño, etc.) podamos exigir que nos den información. ¿Cómo puedo ser responsable si no tengo la información completa? Los diseñadores nos organizamos. Hicimos una propuesta de ley, firmaron un acuerdo, publicaron un libro, etc. Pero no llegamos a tener el poder de presión o la herramienta de comunicación necesaria para que eso se vuelva un tema de la agenda legislativa nacional y de la opinión pública.
Field de Héctor Esrawe para Pirwi
¿Qué tendría que pasar, independientemente de organizarse? Aliarse a organizaciones que ya hablan del tema. Reforestemos México, FCC o Rainforest Alliance. O a productores que están interesados. En Pirwi estamos trabajando con el Grupo Bimbo fabricando cosas. Es un grupo que tomó decisiones fuertes. Toda la madera que se compra en Grupo Bimbo tiene que ser certificada. Ese tipo de empresas, tiene un poder muy fuerte. Si logramos, como diseñadores, aliarnos con empresarios, se vuelve una agenda y un grupo más fuerte. Hay que entender que es un programa que afecta a todos. Cuando te das cuenta del nivel de error que estás cometiendo, es muy difícil justificarte y no seguir haciéndolo. El tema es organizarse con la industria. Que la industria sea el “punto” que los vuelva más fuertes. Exactamente. También hay que ver que los diseñadores no tenemos el tiempo de decir: “Le voy a dedicar cuatro horas a la semana a una organización de tales políticas”. Hay que encontrar la manera. Lo que sí tenemos son muchas entradas. Hablar de temas de relevancia real con medios como Glocal Design, por ejemplo. El tema es que todos se pongan la camiseta y se pongan a trabajar en ello. En todos los proyectos, los diseñadores empiezan investigando. Lo que hay que hacer es modificar el tema de investigación. Meter la investigación de medio ambiente y de sociedad. Y compartir la información. Afortunadamente, en México es muy diferente a otros países. Es un tema que no apreciamos mucho y que nos diferencia: En México el gremio del diseño es bastante compartido. Colaboran muchísimo entre ellos. Comparten la información. Me llegó información de diseñadores alemanes que se fueron a Guatemala y están vendiendo lo que hacen los artesanos. Dije: “¡Esto lo hacen en Valle de Bravo!” Pero, finalmente, se están preocupando por meter lo social. En México se hace, pero hay que hacerlo más.
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Miss Susan de Cecilia León de la Barra para Pirwi
Y hacerlo bien. ¿Cómo hago para que mi proyecto con una comunidad se sostenga? Que lo puedan seguir haciendo. La tradición mexicana de lidiar con los artesanos es una en la que llegas, haces un proyecto, compras un montón, te vas y desapareces. No hay un impacto a largo plazo. Hay que trabajar para que el trabajo de los artesanos tenga un componente de capacitación y que sepan cómo vender, cómo mantener el negocio funcionando. Que ellos —directamente— sepan a quién venderle y cómo venderle. En México no lo estamos haciendo bien. Carla Fernández lo dice: Hay una persona que
sabe hacer telar de cintura, que tiene una sofisticación enorme en tejido, bordado, etc. y deja su comunidad para venir al D.F. a trabajar como empleada doméstica. ¿Cómo mantenemos este conocimiento que ya tenemos y que volverlo a generar va a tomar tres o cuatro generaciones? Y, ustedes como diseñadores, recuperar. Hay un proyecto que hice con Andrea Navarro, diseñadora industrial joven, amiga, buenísima. Hicimos lámparas hechas y tejidas con ganchillo. Armamos un grupo de señoras que tienen capacidad de hacer —con ganchillo— maravillas y www.glocal.mx
que, en su tiempo libre, hacen un mantelito para ponerlo debajo de un cajón. No es que esté mal pero no les genera un beneficio económico. Hicimos un diseño donde pueden tejer unas cosas más o menos sofisticadas y generamos lámparas con ese tejido. Es interesante que el diseñador pueda entrar a plantear otros sistemas de trabajo, otro sistema de relación con la gente y que, si lo haces bien, vas a estar capacitando a estas personas en otras cosas. Empezamos a generar una economía digna para nuestro propio país. Y del mercado interno, con estructura de producción más flexible independiente de otras estructuras clientelares que tienen que ver con sindicatos, con la ley laboral —que está supermal—, con empresas que no quieren pagar prestaciones sociales. En México hay una parte industrial-sindical terrible. Si puedes establecer tu estructura para que sea independiente, estás dándole a la gente esperanza de una producción diferente. Pero digo: “Mucha mano de obra” y la gente dice: “Claro, en México, la mano de obra es muy barata”. No es cierto. Nuestro salario promedio en Pirwi es 20 veces lo que se recibiría en el sureste de África. México no va a competir por costos de mano de obra. Si creemos que vamos a competir porque somos más baratos en producción, no lo vamos a lograr. Vamos a
ser más baratos en producción si la producción está diseñada y planeada correctamente. Hemos tratado de armar un esquema que permita controlar las cuentas y el costo financiero de una manera correcta. Eso también es difícil. No porque seamos ricos. Empezamos Pirwi con muy poco dinero y no estamos sentados en una montaña de dinero. Te das cuenta que la gente necesita vivir de lo que está hace desde el día uno. Los diseñadores y los productores viven al día. Hay que armar estructuras donde digas: “¿Cómo es mi plan de negocios, a largo plazo? Para poder sobrellevar esto hasta que realmente sea un negocio”. Hay una parte empresarial que tampoco estamos enseñando en las universidades. Es urgente. Si te clavas, lo entiendes y sabes contra quién estás compitiendo, entonces puedes armar una empresa en la que sepas que vas a tener tal margen de utilidades y tal costo. Nos ha costado cinco años, pero ya entendemos cómo podemos vender al precio que queremos vender. Ni Alejandro ni yo somos empresarios y no teníamos ese entrenamiento. Socialmente, ¿cómo ves en diez años a Pirwi? ¿Qué ha dejado para la sociedad? Muchísima capacitación. La gente que empieza a trabajar con nosotros, no son carpinteros. Son chavos que, muchas veces, no acabaron la preparatoria y que no tienen entrenamiento. En tres
meses, ya están fabricando muebles. Hemos armado una especie de ‘escuelita’ en la que la gente está entrenada. Si alguien deja de trabajar con nosotros, se lleva eso aunque, la verdad, no tenemos mucha rotación. Creo que a la gente le gusta estar ahí. Se queda. Esperemos que siga así. En el mismo nivel, pero en el gremio de diseño, toda la gente que trabaja con nosotros (los 18 diseñadores) entienden de certificación, de toxicidad y ellos, con sus otros clientes, van empezando a hablar de estos temas. Es muy importante porque si un diseñador que trabaja con nosotros se va a y aplica los mismos conceptos en otro lado y empieza a cambiar la industria, eso tiene un impacto enorme. La otra es poder hacer alianzas con empresas mexicanas para iniciar una industria más verde, no sólo Pirwi, sino una industria. Hay gente que ya tiene caminos impresionantes. Con más tiempo, se va a ver más fuerte. Es importante que dejemos de ser la “excepción”. Veo que hay otras empresas que se empiezan a comprometer en esto (unas más en serio y otras más en broma y de ‘subirse al tren’) pero es interesante. Son fabricantes de muebles y cosas de diseño que ya dicen que son ecológicos y que ya hablan de esto. Unos bien, otros mal, pero es importante. www.godoylab.com www.pirwi.com
“Tenemos que trabajar con materiales renovables, que sepamos de dónde vienen, que sean certificados, de bosques bien controlados, etc.; que la parte social esté bien cuidada dentro de la empresa y con nuestros proveedores” Emiliano Godoy
Guarida de Emiliano Godoy para Nouvel
Tshichold de Emiliano Godoy para Pirwi
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Casa Tierra
La naturaleza como materia prima Jorge Morales Fotos Pedro Hiriart y Sandra Pérez Nieto
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asa Tierra, proyecto de los arquitectos Juan Pablo Serrano y Rafael Monjaráz, está enfocado en la sustentabilidad y un alto desempeño energético que, además de ser amigable con su entorno, las características de los materiales aportan cualidades a la construcción. El sistema de construcción utilizado en Casa Tierra es a base de bloques de tierra prensados, conocidos como PEB (Pressed Earth Blocks). Los bloques son hechos de un 90%
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de la tierra obtenida del sitio de construcción, un 7% de cal y un 3% de concreto. Al utilizar materiales que ya se encuentran en la construcción, se evitan las emisiones de CO2 al medio ambiente y los costos de transporte. Estos bloques tienen varias cualidades físicas que mejoran la calidad de la construcción: No es inflamable, es aislante acústico, es antiplagas (en ellos no hay material celuloso y se reduce la probabilidad de crecimiento de hongos) y
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“Nosotros vemos esta tecnología como un elemento más para poder integrar nuestros diseños y proyectos, desde siempre nos ha interesado el tema de poder hacer un espacio más sustentable” Juan Pablo Serrano
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tiene uniformidad (los bloques pueden ser manufacturados a un tamaño predeterminado y con ángulos de 90o que facilitan el diseño y la construcción). A lo largo del perímetro de la construcción, se utilizaron tres tipos de sistemas para los muros. El muro sencillo; el sistema con cuatro bloques que forman una cámara de aire y sirve de espacio para albergar las instalaciones de la casa, tanto hidráulicas como de energía, así como para recibir la estructura de concreto y, finalmente, el sistema aislante de bloque (spaceloft) que igual consta de cuatro bloques que forman una cámara de aire y sirve de capa aislante térmica.
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Durante el proceso de planeación, los aspectos de iluminación y ventilación fueron tomados en cuenta para el diseño de la casa. La orientación del edificio es una fachada cerrada hacia el norte para evitar perdida de energía y una fachada abierta –principalmente hacia el sur– para aprovechar la mayor luz del día posible. Después de un análisis de las corrientes de aire, se decidió la ubicación de las ventanas con la mayor área posible. En las zonas de estancia, se lograron particulares efectos de iluminación mediante los bloques perforados que permiten el ingreso de luz sin inundar las estancias. En las perfo-
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CASA TIERRA Tipo de proyecto: Residencial. Ubicación: México, D.F. Despacho: SerranoMonjaraz Arquitectos Fecha de construcción: 2010-2011
raciones de los bloques se insertaron tubos de plástico. Algunos permiten la visión al exterior mientras que otros tienen un espejo que refleja la luz al interior. En la casa se utilizaron distintas tecnologías amigables con el medio ambiente. Una de ellas son los paneles solares, que aprovechan la energía de la luz solar de la ciudad de México para calentar el 100% del agua que se necesita para llevar a cabo las actividades del hogar. Otra tecnología son las celdas fotovoltaicas, las cuales reducen un 30% del consumo energético calculado con base en el consumo de la casa. Adicionalmente, se colocó un inversor de energía que, en caso de generar más electricidad de la requerida, se regresa a la red general de la ciudad. En las azoteas se ubican los paneJUNIO • JULIO 2012
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les solares y las celdas fotovoltaicas. El espacio habitable se acondicionó como terrazas con área verde que ayudan al aislamiento térmico. Para la climatización geotérmica de la casa, se llevó a cabo un estudio geotérmico para determinar a qué nivel subterráneo se encuentra la mejor temperatura constante. A 4m de la superficie regular del terreno hay una temperatura constante de 17o, ahí se instalaron líneas de tuberías para un sistema de intercambio de calor que mantienen la temperatura interior de la casa en conjunto con los paneles solares que alimentan la red de agua caliente. La captación del agua pluvial es utilizada para riego. Los sanitarios se suministran a su vez por medio de la planta tratamiento del conjunto. wwww.serranomonjaraz.com
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Santa María Hierve Desarrollo habitaciones que usa los materiales locales para exaltar la arquitectura
Alejandro Villareal Fotos Fernando Cordero y Alejandro Villarreal
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anta María es un proyecto situado en el centro histórico de Valle de Bravo y fue concebido para casas de fin de semana. Incluye nueve casas y amenities que brindan una experiencia semi-hotelera. Este proyecto se confrontaba con un contexto que marcaba condicionantes que buscaban preservar el entorno físico e histórico de la ciudad. Esto no cerró la posibilidad de potenciar el uso de los elementos permitidos: Los materiales involucrados, las alturas, la relación con otros edificios, el layout general, los tamaños y materiales de puertas y ventanas, etc. Este proyecto se arraiga al suelo y, al mismo tiempo, se encuentra flotando y volando, tratando de tener una presencia sublime y sólida. Se trató de hacer una conexión fuerte con el sitio, buscando responder a su topografía, a la vegetación, las vistas, las orientaciones, las características de los edificios vecinos, la anchura de las calles, etc. Asimismo, se intentó hacer una conexión conceptual con el lugar, al incorporar un gesto que se encuentra a lo largo del paisaje rural que rodea Valle de Bravo, con la incorporación de largas trincheras rellenas con piedra de río y plantas silvestres. La configuración espacial consistió en colocar los volúmenes a lo largo de las dos calles que confinan el sitio, permitiendo el acomodo de las casas en forma de L, para sacar provecho de la orientación y las vistas. Esta configuración permitió conformar la zona de albercas al modo de un patio central, similar a los patios ubicados en las casas antiguas del centro de Valle de Bravo.
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La disposición del proyecto cuenta con dos niveles generales. El primer nivel incluye el acceso general, estacionamiento, y los espacios de uso común; y el siguiente nivel cuenta con un corredor a lo largo de las casas que sirve como un amortiguador espacial entre las casas y la zona de albercas. Esta última cuenta con una característica espacial abierta y contenida. El punto de partida para la selección de los materiales fue una normatividad que considera que todas las fachadas del edificio deberán estar aplanadas y pintadas en color blanco, que se combinó con dos materiales más: piedra natural y madera sólida. Otro aspecto importante fueron las ventanas y las puertas. Se consideró utilizar superficies sólidas de madera en las fachadas. Así, las ventanas de los dormitorios en el primer piso cuentan con ciegos de madera sólida en el interior, que se utilizan como bloqueadores de luz en el día y como aislantes térmicos y acústicos en la noche. A lo largo del proceso de diseño, se trató de inducir una sensación de calma, neutralidad, apertura, privacidad y naturalidad. www. ????
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SANTA MARÍA Despacho: Hierve Ubicación: Valle de Bravo, México. Área terreno: 2,509.64 m2 Área construida: 2,269.00 m2 Fase diseño: 2007-2009 Fase construcción: 2008-2010 Cliente: Inmobiliaria Sanmo S.A. de C.V. Colaboradores: Socio, Alejandro Villarreal; Director proyecto, Andrés Casares; Colaboradores Sugey Ramírez, Gabriela Rosas, Jesús Ramírez, Denisse Novelo y Arturo García Crespo
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Dar HI
Matali Crasset creó una casa ecológica en el desierto tunecino
Ángel Madero Fotos cortesía Dar HI
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espués da la experiencia del hotel HI en Niza, ahora Dar HI en Nefta es el fruto de la colaboración entre Matali Crasset, Patrick Elouarghi y Philippe Chapelet con un nuevo concepto de eco-refugio. Matali, literalmente, levantó una ciudadela, desde la arena, dedicada al bienestar. Protegida por las paredes de los alrededores, se encuentra una composición de casas elevadas que consti-
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tuyen el Dar como un pequeño pueblo. El objetivo general de la arquitectura era brindar una propuesta fuerte y en armonía con el paraje natural y la vida local. Los colores principales del Dar HI son ocre y arena con una oferta completa de atención al cuerpo y espíritu dentro de las áreas privadas o comunales, incluidos una piscina, un restaurante y un SPA. www.glocal.mx
Matali Crasset desarrolló un diseño que pretende ser práctico y cree en las iniciativas que tienen un sentido local, pero también colectivo. El equipo de Dar HI ha creado relaciones privilegiadas con los habitantes de la aldea quienes están al cuidado de la casa. Jardineros labran la huerta que es la fuente principal de verduras y frutas del hotel. Los cocineros proponen una gran variedad de platos locales basados no en alta gastronomía, ni productos importados y —menos aún— la llamada cocina para turistas, sino bajo un enfoque de desarrollo autosuficiente y local. Aquí no es necesario el folclor artificial. Matali Crasset diseñó tres zonas diferentes: Las pill houses, Las troglodytes y las dunas. Cada una tiene posibilidad de interacción con el sitio y la vida de hotel (terraza interior, piscina, baños turcos, etc.).
LAS PILL HOUSES Estas casas tienen vistas excepcionales. Algunas tienen vistas al lago salado, otros tienen un JUNIO • JULIO 2012
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punto de vista del palmeral y diversos paisajes. Son muy diferentes, una es alta —más íntima— sobre el suelo con una vista panorámica y la otra a nivel del suelo, mezclado más entre la zona comunitaria. Muy por encima del suelo, la habitación se estructura en torno a una ventana de arco, integrando la vista en la habitación. Una pequeña mesa para comer o trabajar, una cama grande que oculta parte de la ducha, y el WC, componen el espacio. Abajo es como una pequeña plaza del pueblo. La plaza, el bar, la toma de agua y fuentes pequeñas son todos los lugares que se integran fácilmente.
LAS TROGLODYTES: PARA UNA EXPERIENCIA DE MINERALES Tres áreas llamadas troglodytes —hechas con pequeños ladrillos de Nefta— son completamente independientes, con sus propias terrazas privadas, unidas entre sí por una zona circular. La vida colectiva se articula en torno a una placita con una pequeña cascada de agua y un horno de pan. Estas habitaciones se pueden
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alquilar por completo para una estancia con amigos o familia. La frescura recuerda a las casas de Matmata.
LAS DUNAS: TENER LA SENSACIÓN DE TENER UN PAISAJE DE INTERIOR Las tres áreas llamadas ‘dunas’ son a nivel de la arena. Son espacios abiertos que parece que el viento ha esculpido. La experiencia de hospedarse dentro de las dunas —creadas como un nido— aumenta la sensación de estar más cerca del desierto. Todas son diferentes, unas tienen una galería con luz natural y jardín interior, las otras —muy amplias— tienen una terraza exterior y una ventana grande con una visión de Nefta. Las últimas, también son amplias y frescas. Ofrecen una vista hacia el bosque con una habitación independiente y una alcoba con terraza de madera. La cocina es un laboratorio donde se puede ver a los cocineros de Nefta. El área es abierta a los huéspedes a cualquier hora del día o de noche. No hay un área dedicada a restaurante, pero una gran mesa y mesas pequeñas se pueden acondicionar. Como no hay televisores en las habitaciones, el auditorio permite a las personas reunirse y escuchar música o ver una película. Al igual que un erizo, la escalera de la biblioteca tiene palos de madera donde los libros se colocan con facilidad. Dar HI cuenta con diferentes zonas comunes que son lugares de encuentro y para compartir. “He querido dejar una fácil circulación con un gran potencial para utilizar las zonas tanto como sea posible” Matali. www.dar-hi.net
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Biblioteca Antonio Castro Leal Ciudad de los libros y de la imagen ﾃ］gel Madero Fotos Jaime Navarro
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n el centro de la Ciudad de México se encuentra la nueva Biblioteca Castro Leal, enclavada en el espacio de dos crujías del lado norte —del patio norponiente— de la bien conocida Ciudadela. El proyecto se pensó para albergar lo que fuera la biblioteca personal del Maestro Antonio Castro Leal. Cuatro espacios se pueden distinguir en la biblioteca: La recepción, un área de trabajo en equipo, un área de lectura personalizada y un área de investigación. Se trata de un proyecto de gran transparencia en la cual se buscaba lograr un contraste entre los planos verticales, los horizontales y el mobiliario. Esto se logró mediante el uso de madera oscura para los libreros, pisos en madera clara y vidrio traslúcido, y muebles en color blanco. El ritmo estructural de las viguetas metálicas en las bóvedas catalanas del edificio original dieron la pauta para la solución modular de la biblioteca. Los pasillos se suspenden de las vigue-
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tas por uno ligeros y delgados mástiles de acero inoxidable, material que también se utilizó en los barandales continuos que se articulan en los cambios de dirección y cuyos extremos muestran que no son elementos estructurales. En los libreros, cada entrepaño tiene un borde con una banda continua de LEED que ilumina a todos los libros, dando la sensación de que éstos “vibran en el espacio”. La sencillez modular de los libreros se ve complementada y enriquecida con detalles de herrería en los barandales, así como en el diseño de las mesas y sillones, ex profeso para este proyecto. El proyecto de la Biblioteca Antonio Castro Leal es ejemplo de una solución integral –desde el diseño industrial hasta la arquitectura– que tomó como punto de inicio la biblioteca personal de Castro Leal en su casa de Coyoacán. El resultado es un espacio de fácil lectura visual y acogedor para los visitantes. www.bgp.mx
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BIBLIOTECA ANTONIO CASTRO LEAL Ubicación: Ciudad de México Arquitectos: BGP Arquitectura Bernardo Gómez-Pimienta, Luis Enrique Mendoza. Colaboradores: José Barreto, Christian Santillano, Iván Rey Martínez, Alejandra Aguirre, Edgar González, Mariana Ruiz, Homero González, Raymundo Alonso. Obra Plástica: Alejandra Zermeño Año de diseño: 2011 Año de construcción: 2011-12 Área intervenida: 300 m2 Constructor: CAV Diseño e Ingenierías Iluminación: Luz en Arquitectura Supervisión: CONACULTA
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texturas
La moda del futuro es sostenible Marina Peniche Fotos cortesía de las marcas
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n términos de sostenibilidad, ecología y diseño ético, la industria de la moda es uno de los problemas socio-ambientales del 2012 ya que se concentra en aspectos superficiales olvidando la ecología y el bienestar social. Los procesos productivos de este mercado consumen grandes cantidades de agua (1kg de algodón=15.000 litros de agua); los plantíos de monocultivos son útiles para las grandes plantaciones pero destructivos para los suelos y van acompañados de químicos tóxicos afectando la biodiversidad y el ecosistema, al igual que las fibras sintéticas; las empresas manufactureras utilizan mano de obra explotada; se emplea mucha energía para la fabricación y transportación y, finalmente y no menos importante, los grandes desechos que todo este proceso involucran. El fast fashion, término que se le da a la fabricación rápida de las últimas tendencias, hace que se deseche ropa casi nueva. En Estados Unidos se tiran al año 12.4 millones de toneladas de fast fashion. Sin embargo, hay algunas empresas preocupadas por el entorno y la sociedad desarrollando nuevos procesos y técnicas. Dedicadas a la filosofía verde y la ética social se despojan de la frivolidad del mercado comercial para concentrarse en aspectos menos superficiales. Algunas de estas firmas captan las tendencias actuales en el mercado y la atención de Glocal. Aquí las presentamos:
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EDUN Firma que tiene como objetivo desarrollar comercio sostenible en el continente africano. Fundada en 2005 por el líder de U2, Bono y su esposa, Ali Hewson, EDUN lucha contra la explotación de la industria de la manufactura por medio de un código ético laboral y trabaja activamente para aumentar y estimular el comercio beneficiando a las comunidades locales y aumentando la producción de forma exponencial cada temporada. La empresa produce el 30% de su ropa en África, y dentro de sus looks incluyen elementos realizados en Tanzania, Kenia, Madagascar y Marruecos; también está la línea ‘EDUN LIVE’, 100% hecha en África.
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Gretchen Jones Otra diseñadora que estuvo dentro del GreenShow fue Gretchen Jones. Ella crea prendas de vestir y joyería sofisticadas con un foco social y ambiental. Toma decisiones basadas en la conciencia económica y el material de sus proyectos haciendo ropa de manera sostenible; ejemplo de ello es que utiliza algodón orgánico y bambú en algunas piezas. También, produce localmente todas las colecciones. Es parte del Save the Garment Center, una empresa sin fines de lucro que apoya artesanos locales y prácticas éticas de negocios.
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ara celebrar el primer año y medio de vida de Glocal Design Magazine, se llevó a cabo un evento donde se convocó a arquitectos, diseñadores e invitados especiales que, durante este tiempo, han colaborado —de una u otra manera— a hacer de Glocal un producto valioso. Un video
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con el testimonio del equipo creativo, colaboradores y amigos de Glocal fue presentado a los asistentes para hablar de la ocasión, además de las palabras de Greta Arcila, directora y creadora de este concepto editorial. La recepción se realizó en la terraza de Blend Design Concept Store, donde una instalación de Arquitectura Floral —de Arlette Salas— daba la bienvenida a los asistentes. Durante el evento, se realizó la entrega del Premio Noldi Schreck que, en su primera edición, convocó a diversos despachos para que participaran para obtener esta presea que recowww.glocal.mx
Aniversario 1.5 Glocal Premio Noldi Schreck
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9 Agradecimientos Newform Hunter Douglas HP Ariel Rojo Arquitectura Floral Tarapacá Misiones de Rengo Casa Cuervo BLEND
13 1, 2 y 3 | Vista general del evento. 4 | El equipo de Glocal Design dando la bienvenida a los invitados. 5 | Alfonso Maldonado, Héctor Esrawe, Carmen Cordera, Ariel Rojo y Rodrigo Guadarrama. 6 | Carmen Cordera, entregando el reconocimiento a la Famila Schreck. 7 | Héctor Esrawe recibiendo el Premio Noldi Shcreck de manos de Ariel Rojo, quien diseñó la presea. 8 | Los invitados atentos a el video que se preparó, al frente, el premiado Héctor Esrawe con su esposa acompañado por la familia Rojkind. 9 | Aurelio Vázquez recibiendo el Reconocimiento del público de manos de Juan Manuel Lemus. 10 | Greta Arcila y Marco Coello en el momento de la rifa de un Cerdito Ahorrador. 11 | Ignacio Gea Guinovart, Salvador Miranda Silveyra, Juan Carlos de la Peña y Juan Manuel Lemus. 12 | Amanda Rivera, Jaime Hernández Encontra, Andrea Hernández Encontra, Emilio Cabrero y Greta Arcila. 13 | Greta Arcila, Carlos Pascal, Paul Czitrom y Gerard Pascal.
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noce su trabajo en interiorismo en México. Se entregaron tres premios: La Mención Especial del Jurado a MYT Diseño; luego, al ganador del Premio del Público (quienes votaron a través de la página de Facebook de Glocal Design) para DIN Interiorismo y, finalmente, el primer Premio Noldi Schreck fue entregado al diseñador industrial Héctor Esrawe, quien agradeció el reconocimiento frente a todos los asistentes. El diseño del premio corrió a cargo de Ariel Rojo y fue producido por Hunter Douglas. Paralelamente al coctel, en la galería de Blend se presentó con el apoyo de HP una exposición con los despachos participantes, los finalistas y los ganadores del Premio Noldi Schreck, así como una reseña biográfica del arquitecto Schreck y una explicación del origen de este galardón. Un momento emotivo del evento fue la presentación del video sobre el Premio Noldi Schreck, en el cual, la propia familia del arquitecto (Ruth, esposa; Alexis y Verónica, hijas) hablaban sobre el trabajo del arquitecto y su legado. La celebración continuó hasta pasada la media noche, amenizada con música electrónica contemporánea, mientras los asistentes disfrutaban de golosinas y canapés mexicanos, vinos de las Casas Misiones de Rengo y Tarapacá, así como cocteles preparados con licores de la Casa Cuervo. La velada se convirtió en un espacio de convivencia y celebración al diseño. www.glocal.mx
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Dark Shadows Fantastically real
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JORGE EDUARDO MORALES PHOTOS COURTESY WARNER BROS.
BASED ON a TV series of the late sixties, Dark Shadows tells the story of Barnabas Collins and his son (Johnny Depp) who becomes a rich and powerful man who breaks Angelique´s (Eva Green) heart, a witch who turns him into a vampire and buries him alive. Two centuries later, in 1972, Barnabas gets out of his grave and finds an unrecognizable world. The locations and costumes of Dark Shadows, created for two different centuries, were mostly-made, rather than using visual effects. “After working in Alice in Wonderland, it was nice working with physical settings again. Feeling the textures was important, not only for me but for the actors” says the film’s director, Tim Burton. The center of the story is the coastal town of Collinwood mansion and Collinsport. Both represented a challenge in terms of scale because they would have to go through transformations along the film. Production designer Rick Heinrichs, and his team built a huge tank Collinsport with a green screen. There were streets with many buildings, including the Tavern of the Blue Whale, an appliance store, nautical shops, clothing, a Lobster Shack, a taxidermist and even a movie theater. “It was one of the most impressive sets I’ve seen” Michelle Pfeiffer. At the top of a hill is the Collinwood mansion. In the exterior design, Burton and Heinrichs were inspired by the original series. “Fans will see some resemblance in the architecture, in particular, the central tower. The house had to have creepy elements, combined with the charm and the lost glory” says Heinrichs. They also built a mansion in 1:3 scale –33 feet long. On the interior of the mansion, Heinrichs says: “We wanted it to feel like a rundown house. The first time you see Barnabas entering, he pets sculptures, touches things and comments on the fine craftsmanship. To support his words, we put much effort into creating a beautiful and richly detailed space”. Given the proximity of the sea to Collinwood, Heinrichs designed the mansion, inside and out, to reflect the maritime heritage, with fish, mermaids, sea objects throughout the house and furniture, including seahorses in the fireplace with statues of Neptune and nautical motifs. One set was the Major Indoor Grand Foyer, with a wave pattern in mosaic on the floor, a magnificent chandelier and a half dozen pictures of the Collins family over the centuries. Heinrichs also designed several bedrooms, including an hexagon one with purple shag rug and walls with posters of Iggy Pop, Jimi Hendrix, Janice Joplin, T. Rex and Alice Cooper. The designer shows: “Every room had to say something about the character who inhabits it.” Burton wanted Dark Shadows reflected the decade that set, and showed the director of photography, Bruno Delbonnel, several vampire movies of the time. “We talked about how they looked, the feeling of the color scheme. I really enjoyed working with Bruno. He was always trying to get to the point of view of the character, not only from the standpoint of the spectator” Heinrichs. To dress and style two centuries, Burton enlisted the help of costume designer Colleen Atwood: “She is an artist. She tries to get into each character, whether in a complete fantasy or connected to reality. She tries to be faithful to the spirit of costumes, withoun looking like a joke. It was important to feel the textures and get the style of that era. Atwood says: “We investigated first the eighteenth century, because it is more difficult to find the materials. Then I concentrated on the two periods to find similarities between them and incorporate each other”. About the costumes for Barnabas, Atwood wanted to bring the blaze and eighteenth-century gothic feel to the 70’s. For the character of the spirit Josette, Atwood designed a replica of a dress of the eighteenth century printed in nylon with an aluminum layer and ribbons that fluttered in the wind. To create a ghostly feeling, Burton took shots of the actress in a tank, underwater. The visual effects team
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then would remove the water. Atwood reveals: “We did the dress before we knew it would end submerged. We knew light played incredibly on it and it looked great but we were fortunate that it also worked in the water.” Burton reflects, “I wanted to extend the line between old and new to come up with something fun for both generations. Times have changed, but I think these characters are eternal”.
maximum quality and show kindness to their people, which speaks of seriousness and a commitment to society and as industrial designers we work for humans. Speaking of trends. We make pieces that for it’s quality they last as long as possible, that makes them “sustainable”, that’s the trend that we follow: do things right from the first stroke, from the concept, without improvisation. We do not walk the Salone, we go to presentations of certain projects, and the rest we seek in magazines.
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Oki Sato (Nendo) For us, a firm with a presence in East and West is very interesting, to deal with projects that have to respond to such diverse cultures to our own. We learn every day because our task is to investigate more than Western designers, that work with like-minded companies. We come from a country that responds to traditions and at the same time has a great contemporary culture, and I think that this is reflected in our work. What we do is this: respect and take advantage of the material and space, we do not agree with the culture of excess, we appreciate the simplicity and the sound that it causes, we know that our work is about storytelling and only by understanding material-project-user we can achieve this. I walk enough Milan; I don’t see everything because I come to see the companies we work with. I’m not aware of who submitted what, I’m more interested in the culture is generated these days. The dialogues that corresponds me hearing in the meetings business that I’m involved are very interesting, I’m a designer always open to dialogue.
Talks Of The Market, Design… And The No Trends
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INTERVIEWS: GRETA ARCILA PHOTOS COURTESY OF PATICIPATING FIRMS
THIS YEAR Milan was different for us. We were the only invited media from Mexico by Cosmit, enterprise that directs and organizes the fair every year. We never imagined the amount of people that this opportunity will lead us to know. We didn’t stop for a second. And of course, was impossible to cover everything that was in our interest. But we had the opportunity to talk with many of the designers who always are marking the design pulse. So, this time we leave the words to them. Per se, what you will read are the answers of what they think Design Week is; if they recognize any trends (some of them speak of their own work when talking about trends), and whether or not their work responds to these; and how they come to their work. So lets begin. Ross Lovegrove As such, what we were looking this year was working on a concept that will generate various spaces because LiquidCristal from Lasvit is designed for architecture. In my office I have a large team of architects as they analyzed the volumes completely differently than we, industrial designers, do. What we did with Lasvit, a young family business, we wouldn’t have been achieved with any other, as the vision of its leader Leon Jakimic -an entrepreneur who is in the middle thirties- is to create designs that take users to live an experience, he does understand what design is about. The project is very organic, has movement, I can’t imagine life without it. As human beings we are constantly evolving, so are our cells, and that’s what I wanted to reflect in LiquidKristal. If I walk the Salone? I come every year but I see the work of my colleagues who invite me. I arrived days before and wander as I can, but I’m not looking for what happens, that I see in magazines, that’s their job: walking the fair for us and show us what they saw. What I enjoy of the Salone is the meetings with designers around the world; see how Milan streets fills up with people eager to know design and, of course, the parties. But back to topic, I don’t think that everybody knows what’s happening; I think everyone let go with the “wave”. I don’t believe in trends, I believe in thinking that creates concepts. I believed in the capacity of technology and how it help us create concepts never thought of before I believe in the craftsman’s hand, that gives objects live. But trends… would be foolish to follow what others do. Erwin Bouroullec You’re right, it seems we work all year without stopping to present our work in Milan with “all companies”, but if you look well, few are the big firms, that do not have much of big. All are family businesses that like to keep the business as it is, among them. They are not the big corporations they seem to be, what happens is they do things right and that’s why they became big, these companies are the ones we like to work with. Our workshop itself is small; we like to put our full attention to each project. We attend to every meeting. We like the simplicity of looking at our customer’s face or the users of our designs. Our work speaks for what we are looking: honesty in materials and what they can generate in people. We know we’re in an industry that is in the lives of users, as it sells everything that is in a house, the most important place for any of us. We try to work with companies that ensure the
Luke Pearson (PearsonLloyd) I come to Milan for just a few days because it’s too much what happens here. I think there are many improvisations that downplay what really is done with quality. As a concept I’m more interested in what happens on the street, I went to the Ventura zone and took pleasant surprises, to the Tortona zone I will go at night because we have a presentation there, but in recent times some things that I fell into what I said before, improvisation. Rather than seeing trends I come to Milan to see how people react to things, as each culture and each person reacts differently to things that one takes for granted -even after all testing, it always happens something different- I think the humans deserve design to help generate a little quiet after so much information that they receive; they deserve a worthy workspace to help them spend so many hours in an office. As time passes, each day I am more convinced that designers, more than looking for trends, have to see what happen to human beings in order to provide a decent life. That is taught to us in school, is the basic principle of industrial design, but it appears to be lost of our vision over the years. Patricia Urquiola I don’t come to see design, I live design, so go or not around the fair for me has no more interest as I wake up thinking in design. Like many of my colleagues, I come to present products. This are the days that I take more pictures throughout the year, I talk to the press and with my colleagues. For me, the Salone is a meeting place where anything can happen, and especially because you’re dealing with creative people really interested in the subject. So don’t be surprised the day I told you that drinking a glass of water with someone, suddenly an idea came out and then you will see it in Milan. Trends do not interest me, I try every day to understand the world and from that take good and bad, then make design with my own language. It’s also true that after so much time designing you understand what works for certain companies you work with and what not. I always try to understand where they are going, of course, always defending my work as it is what make us. I do not believe in the Star system, I believe in the hard working designers to get a job and prove their worth, so they have projects. Jean Nouvel A few years ago I started working with design firms, but I really do not know why they looked for an architect (he laughs). The design is applied in different scales and that’s why working with companies dedicated to furniture became very interesting for us. Product Design is more immediate than architecture, a building sometimes takes to www.glocal.mx
be built even more than 5 years; so industrial design is the opposite, to a project than can be done in one year, is really refreshing. For me and my team being able to see a whole process faster is thrilling. For example, If I can have in my house the chair I designed for Emu, and I can play and sit on it, has the power to confront me to my own ideas. The trends do not exist for me. We are social interpreters of a historic moment and an object responds to its needs and technological facilities. When the Industrial Revolution happened was a historical moment for the industry of mass production. Today we are still looking for that relation between industry and man, but we as humans have realized that this is not necessarily the path to go. We have finished our resources and must think how to take care of our planet. Now good design goes on that discourse, but it also starts with a good company. To me, also good design is the hands of the final user, because now they have all kind of information, so they can make a smart shoping. I think the trend, if you want to see it in some way, is that era of analysis of sales information, so future generations can be more reactionary and this also benefits the design. Jasper Morrison I come to Milan only when we have a project presentation. I do not go all around this time, I’ll be here in the Salone visiting just three places and I´ll return to work. For me it is more important to be in my studio with my design team in order to generate ideas, and that is very valuable. What I enjoy of coming is to see my friends and see their work. It is fascinating to hear what they´ve learned in their last project, I learn from listening and seeing their design process. That’s the beauty of Milan, return to your country after listening to Naoto Fukasawa and to understand his respect for materials, the reason for his silence from the media. And trends, I do not know, that’s what the magazines is about; the experts, as you called us, never really know what´s going on. Honestly, I would not like to be in that role (media) because I do not know how they select. They must have a great agility for the synthesis and “good” eyes to read what happens on the streets of Milan. I tend more to the local, I like to go to Design London, because there you can see a lot of what happened in Milan but even improved because they has passed the acid test is Design Week Naoto Fukasawa (He preferred to show their work rather than his picture). I think the key today is “Craft Industry”. For example, for Maruni –where Fukasawa work as a Creative Director- the technology of the machine works together with the manual labor. Using new technology with traditional knowledge of experience has given us a lot. That is a successful strategy for a new style of furniture in the company. And I think a lot of good design you see in Milan is on that aspect. I am a big fan of good design. I’m not trying to design completely new because everything already exists ... I wish I had more of a goal to find something interesting ... If this is a classic, archetypal, iconic, never mind. I do not want to ignore ways of design; what I really want is to design things that people already like. I want to make a bridge between modern life and the traditional spirit. Actually, I think our lifestyle is almost finished because everything has already been created like beautiful kitchens, air conditioners, electrical systems. Now people are trying to get something in particular, people do not want to look like something and have the same, and that´s what I’m looking at my design: Finding a soul and the iconic typology. Nani Marquina I see a lot of color in Milan and this is a delight for me as I look at textiles full of strength, something that for us is a challenge. What fascinates me to come to Milan is to see so many cultures gathered with a common goal. I also see companies concerned about doing things right, working with localities to provide decent life to those who work for them. That is to congratulate, the design is really social and that is what we do in Nanimarquina, work and collaborate with social groups, especially in India. They have a spectacular workmanship and ancient techniques to teach us, and that without help, this wonderful knowledge can be lost in less than 10 years. If we teach them a how to work with technology and how it can be applied in their work, we can JUNIO • JULIO 2012
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make a difference. Of course, we also teach them how to charge their jobs because unfortunately, they have been seriously scammed by companies who only look their own benefit. But talking about the show, I do not have to me time to walk the Salone. I look for the new in the magazines, books, travels, meals and things that my team sees and teaches me.
Galeria Plus Design GRETA ARCILA PHOTOS COURTESY OF PATICIPATING FIRMS
TO SELECT JUST one of the many proposals galleries that were in Zona Ventura, wasn’t easy. Here we presented Plus Design, who invited a group of young designers and presented the exhibition ‘The Threads that Bind Us’. So we saw designs with a common speech: the thread or tissues that refers to what unites us as a society, just a thin thread that can be broken at any time. Designers such as, Bertjan Pot, Elisa Strozky (Glocal novel in back issues), Evelin Kasinov, Florian Schmid, inter alia presented interesting concepts. Mexican Liliana Ovalle –favorite of the gallerypresented an individual exposition. Here we show their work.
Interview Emiliano Godoy
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LAST YEAR we invited Emiliano Godoy to be our guest editor of the Green Edition and we realized that we had too much to learn. Today we invite him to share his experience as a designer, entrepreneur and professor in this materia, and this conversation makes us clear what we have discussed many times with Ariel Rojo: a designer of the twentieth century is the artisan “colonizer” that has had to “educate” from the industry to the public, and to be also the designer. Today, besides a life story, we will read about the company behind an ideology. Always at the university there are some professors who inspires us, who were they? In particular, two. Oscar Hagerman who had half of the race and was really an important moment for me. I started studying at 92. You remember that was the year of the Environmental Summit in Rio de Janeiro. At that moment that issue was everywhere on the news the summit and the environment and conflict between industrial development, social impact, etc. But in the academy, there was nothing for the environment. We were still in the academy without teaching enough. There was no problem: We were supposed were doing anything at all. To me that was a conflict, always. When I got to have class with Oscar, just like half of the academy, he has already had a lifetime working with communities and society and understanding the resources, but not in a very technical but very philosophical, he had the concept very clear. Thus understood that the design can not only generate waste but also have a social impact. Then the second person in the school, was Fernando Rovalo. He is an architect who has taught at the Ibero (Mexican private University) all his life and, indeed, he has created all the theory about design. I took a couple of classes with him and then he was my supervisor and was also very important to me because it was this more theoretical part of saying, “Well, the intellectual activity of design itself can have a theoretical basis to assess whether they are doing things right or wrong.” When you finish college, did you go immediately to study the master degree? I ended up in 97, but since 96 I opened an office with Luis Mercado. We did everything. In 97, we set up a study from the beginning, we were thinking about the issue of environment and environmental impact of recycling and waste and so on. It was all very impromptu. Get information or books were not so easy. Actually, when you start to see what dates are the books that actually talk about design and sustainability, are from 2000 onwards.
We had that office until 2001. Parallel-in 2000 - opened a shop in the Condesa, Mexico (between Michoacan and Teotihuacan) and present a brand named 70M2 (Seventy square meters) and we sold some furniture, designed by Luis and me. In fact, we opened the store as an experiment. We sold everything you can think of. That’s when you find yourself as an entrepreneur because, finally, you’re an entrepreneur… In fact, from the beginning. One thing I think and say and would not repeat itself but that marked much the way I did, I never worked for anyone. I have done everything the way I like and I plucked up my own theory of how to work. On the other hand, is that all errors were paid with my own money. We opened our brand in 2000, but in 2002 we went to study a master’s degree, so we have to close the office. I went to study a master’s degree at Pratt Institute in Brooklyn. And Roger went to live abroad. It is interesting to note some historical coincidences since I graduated in 97, the year was signed the Kyoto Protocol. And then in 2002 when I started the Masters, was the year of the Johannesburg Summit. It was the summit that took stock if they had gotten what they had signed at the Rio Agenda 21, etc. Actually, the conclusion of Johannesburg is that everything remains the same or worse. I went to the master to order at a theoretical level. Of course, as the Johannesburg Summit conclusion, there was nothing. After talking about this much with the program director, Beth Johnson, he said: “Well, let’s you and me have a class.” The next semester we started and it was like saying, “How can we talk about the environment to future generations?” From that, I graduated, I finished my master’s in 2004 and was a very good experience; I realized there was much to do with development of materials, with the global warming and the greenhouse effect. I understood the whole issue of toxicity and how it works. I researched a lot about the issue of renewable and nonrenewable materials, biological cycles, cycles and understand how this stuff. In mid-2004 returned to Mexico, and there, said, “Well, let´s set up an office but to speak only of these issues.” I decided that I would only work on projects that interested me, especially with the environmental or social. And so that kind of office, which rode in 2004, is the one that now I have. And when was Pirwi born and why? In 2006, a couple of years after I returned, I met Alejandro Castro, who is now my partner in Pirwi. There was a very good relationship from the beginning. Talking with him and another friend, Jean-end designer who was not part of Pirwi-, said: “Why do not set up a factory to have result everything at once and try to do things as we want to be? If it works, fine. If not, close it. “ We planned it all in 2006 and in 2007 presented the first collection in the Mexican Gallery of Design. In fact, Pirwi has five years on the market. It is a few time. We set up a production platform. At first, we said: “Pirwi is not going to be the workshop of Emiliano and Alejandro. It must be a factory that can work with many designers and share environmental knowledge; and that´s what we have done. Now, we have designs from 18 different people who are also working on royalty plan (not so common in Mexico). The other thing we said is that there are environmental things that we must respect. We have to work primarily with renewable materials, materials that we know where they come from, that are certified materials, which come from well-controlled forests, etc., that the office is well maintained within the company and our suppliers (also know benefits they pay well, etc). We’ve investigated a lot also on the toxicity... Can you explain us what toxicity is? Something toxic is something that breaks or distorted in some way a cycle or a cycle of health. It is serious because we manufacture plastic baby toys that damage the immune system. Or do buildings whose air quality-in-smog is worse than the street. In Pirwi we have no spraying of any substance. Our products smell to orange juice. We do not need a mask. It’s like at that level: That is not toxic, that you can smell ... What is happening at this time in your office? Is changing. I became even more tiny and I have an office where I only work for manufacturers and I have another
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company that works for internal projects and bigger things. But that is no longer Godoy Lab. That is the story of how you grow. I met you in New York with the Knit Chair. Tell me your history as a designer, with your valuables… What happens is that, for me, objects and designs are always a manner of speaking, thinking and developing others. Using this particular example, the chair came from an exercise: Knit. When you talk about an object and understand the concept of life cycle and say, “Okay, for a chair in front of us, the process starts from the forest (if it is a wooden chair) and ends when in two generations, your grandson’s throw away or burn “. All objects somehow have to be disposable. You have, as a designer, to design the way it is being retired and you are responsible that the waste is responsible. Another aspect that has to do with objects and products that I have done is to understand energy use and energy they require. This is another thing that I realized after much try to turn. How much energy is needed for something to exist? There is a concept called the Energy Drink that is literally that: How much energy, measured in megajoules / kg or megajoules/m3 is needed for something to exist? There are things that require little energy, for example, sand. You can go, grab a jar of sand and already have it, you did nothing. There are others who are very complicated: Remove oil from floor to distill, refine and polypropylene have even involves a lot of energy. There are others even worse, like aluminum, you have to go to a subtropical forest, remove the whole forest, remove the ground floor, out of 4 tons of bauxite bags to, have 1 ton of aluminum, but first you must destroy the whole forest is above. Searching for people (suppliers) must be complex so that the chain is achieved 100% perfect as you want ... There goes all the ‘roll’ of the entrepreneur. I realize that there are very different stages and stages where the designer has power and which has no power. To me, it was important to understand that. That they can be defined. And to say, “Let’s see, at that stage the designer has power and, from that moment, no.” If you work designing this coffee pot, I do not have interference like to know if you are going to send it to a factory making irresponsible issues in Asia, like for example, if children will be working on it; or if you are going to do it in the best factory in Europe. That I will not be able to control. But I will be able to control energy use related to the use because it is a thermos. The commercialization stage is also where you can make some blunders. The most used is the overpack. When conceptualized this and go to market, how convincing the user? Because in the end, this-responsible design survey. And maybe the producers the green theme common demonized because they were beating on the issue of market ... There are other issues. Suddenly, they get confused and use it as a marketing tool: It costs the same but you would sell more expensive because it is “green.” Which seems silly. Speaking of this whole process, how do designers come to understand this? We started with very basic rules. There are things we do. These are the first to help us spinning with designers. For example, you’ve noticed, there are things in Pirwi not upholstered. All you have fabric is fabric that is removable, open a close, take it off, wear, wash, change and come back. But that kind of upholstery where you put a wooden structure and then you put a coating, nailed and you hit a fabric and foam and hit something else and arms nailed one thing you can not repair, biodegrading, recycling or anything. Now when you mention that, the designer says, “OK. The materials have different treatments. “ And there are rules that help us talk to them and things that simply do not do. There is also the side of producers who want quick results, immediate and just want to put the green label to their products, but are those who do not have to work. A very healthy work is what we have done with Nouvel. I’ve been working more than four years and have released four products. Some products have variants. But only four different products. But Nouvel and I have a relationship that is much more promising, fast and direct. We have long been working on and understand. And speaking of the union of designers, do you think
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that you are sufficiently well organized to create union strategies or simply to grow the industry? Yes, there is at some points. One of the things we proposed to the National Design Policy is to generate information sheets. One thing that happens in Mexico is that if I’m going to buy aluminum at a large distributor and say, “I want to know the origin of this aluminum” and most likely do not know, and if they do not have to tell me, for law. This is serious. I have no tools, as a designer, to say if I’m doing right or wrong. One of the proposals of the National Design Policy is that we, as consumers (industrial, design, etc..) can require information about the materials we are using. If not, how I can be responsible if I do not have the complete information? What is best to happen, regardless of organization? The next step comes in addition is to ally ourselves with organizations that already talk about that topic, like Reforestamos Mexico, or FSC or Rainforest Alliance. Or ally to producers who are interested. We’re working with Grupo Bimbo and we are making things. It’s a group taking tough decisions. Now, all the wood they buy has to be certified. Such companies have a strong power. If we, as designers, make some partnership with entrepreneurs, can make a good agenda and a stronger group. The issue is to be organized with the industry… Exactly. We must also see that the designers have to be clear with their their day-to-day. We do not have the time to say: “I am going to spend four hours a week to an organization of such policies.” We must find a way… You’re going to have something to do you. At some point… Also, what happens is when you really take it seriously and start asking questions, there is no way back. That is very good. Really, when you realize the error level you’re making, it is very difficult for you to justify yourself and keep doing it. And sharing information with your colleagues It happens. Fortunately, Mexico is very different from other countries. It is a topic that does not appreciate a lot and sets around the world Mexico: In Mexico the union of the design is fairly shared. Collaborate much between them. Share information. Yesterday I received information about German designers who went to Guatemala and they are organizing the artisans and industrializing the project, they are worried about the social mater. Here in Mexico is done, but you have to do it better… And you have to do it right. The Mexican tradition of dealing with artisans is a tradition in which you arrive, do a project, buy a bunch, and then, you go and disappear. There is no long term impact. And now we have to work on one thing in which the work of craftsmen have a training component and know how to sell, how to keep the business running; they know who to sell and how to sell. What happens in Mexico, is that we are not doing it that well. Suddenly, one thing that speaks Carla Fernandez: There is someone who knows how to do loom, which has an enormous sophistication in weaving, embroidery, etc.. and let their community to come to the DF and work as a maid. Here the question is: How do we maintain in the territory producing this knowledge we already have, and re-create is going to take three or four generations? And you as designers, to recover. There is a project I did with Andrea Navarro, a young industrial designer. We made lamps and woven crochet. What we did was assemble a group of four ladies who have the ability to do spectacular things, with hook and usually they do it in their spare time and make a doily to put it under a bushel. Not that is wrong but do not generate a profit. The whole project revolves around that. We made a design where they can generate some things crocheted fabric which is more or less sophisticated and have lamps that generate that tissue. Interestingly, the designer can get to raise other systems of work, another set of relationships with people and if you do it right, you will also be training these people in other things. And our country can generate a worthy economy… And it also has to do with the domestic market, production structure more flexible and, somehow, are independent of other Mexican clientele structures that deal with unions, labor law, and with companies that do not want to pay bene-
fits. If you can establish your structure to be independent of that also are giving hope to people of a different production. The thing to understand is that I say “labor intensive” and people say, “Sure, in Mexico, labor is very cheap.” That’s not true. Our average salary in Pirwi is 20 times better of what you would receive in southeastern Africa. Mexico will not compete for labor costs. If we are going to compete because we are cheaper in production, we will not achieve. We will be cheaper in production if production is designed and planned properly. That is one. The other reason that we can compete is because, really, we tried to drive a lot in putting together a scheme that allows us to control the accounts and the financial cost of the right way. That too is something that in Mexico, is difficult. And we are rich, Pirwi started with little money and we’re not sitting on a mountain of money. But really, one thing you realize in Mexico is that people need to live on what you are doing from day one. Designers and producers live for the day. Must be able to build structures which say: “How is my business plan, long term? To overcome this until it really is a business. “ There’s a business side that we are not taught in universities. It’s urgent. If you stain on it and understand it well and you know who you are competing against with, then we can build a company where you know you’re going to have such a profit margin of cost. It took us five years, but we understand how we can sell at the price you want to sell. Neither Alejandro nor I are entrepreneurs and we had that training. And socially, how do you see yourself in ten years Pirwi? What has made to society? Lots of training. That’s one thing we have ever tried. People who start working with us, are not carpenters. They are people who, often, did not finish high school and have no training. In three months, are already making furniture. We have built a kind of ‘little school’ in which people, quickly, is trained in quality. If someone stops working with us, although it takes, really, do not have much turnover. I think people like to be there. Hopefully it stays that way. On the same level, but in the design profession, all the people who work with us (the 18 designers), everyone understands that, certification, toxicity and they, with other clients, are starting to talk about these issues. That is very important because, ultimately, if a designer is working with us is going to apply the same concepts in other side and it begins to change the industry, it has a huge impact. The other is the subject of power to make alliances and linkages with other Mexican companies to start a greener industry, not only Pirwi, but an industry. Fortunately, there are people who already have impressive ways. With more time, that is going to be stronger. It is important that we stop being the “exception”. Now I am happy. I begin to see that there are other companies that are beginning to engage in this but it is interesting. Are manufacturers of furniture and design things that are starting to say they are environmentally friendly and are beginning to talk about this. Some good some bad, but it is important.
Casa Tierra
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PHOTOS SERRANOMONJARAZ ARCHITECTS
CASA TIERRA is a project focused on sustainability and a high energy performance, in addition to being friendly with the environment. The characteristics of the materials provide these qualities to the building. The construction system used in Casa Tierra is based in pressed earth blocks, known as PEB. Pressed earth blocks are made 90% of land obtained from the construction site, 7% of lime and 3% of concrete. By using materials that are already in the building, avoiding the emission of CO2 to the environment and transportation costs. These blocks have several physical characteristics that improve the quality of construction: It is not flammable, acoustic insulation, is anti-pest (no cellulose material that reduces the likelihood of mold growth) and uniform (the blocks can be manufactured to a predetermined size with an angle of 90o to facilitate design and construction). www.glocal.mx
Along the construction perimeter, they used three types of systems for the walls. The single wall uses a system with four blocks forming an air chamber and serves as a space to house the facilities of the building, hydraulic and power, and to receive the concrete structure and, finally, the block insulating system (Spaceloft) which consists of four parts as forming an air chamber and serves as a thermal insulating layer. During the planning process, aspects of lighting and ventilation were taken into account in the design of the house. The orientation of the building is shut to the north facade to avoid loss of energy and an open front, is mainly directed to the south to capture the most daylight possible. After an analysis of air currents, it was decided the location of the windows with the largest possible area. In living areas, special lighting effects were achieved through perforated blocks allowing light to enter without flooding the rooms. In the perforations of the blocks were inserted plastic tubes. Some allows outward vision while others have a mirror that reflects light into the interior. In the house were used different technologies friendly to the environment. One of them are solar panels that harness energy from sunlight to heat 100% of the water needed to carry out household activities. Another technology is the photovoltaic cells, which reduce 30% of energy consumption calculated based on household consumption. Additionally, they placed a power inverter that should generate more electricity than required, and return some of it to the general network of the city. Solar panels and photovoltaic cells are located on the roof. The living space was conditioned with green terraces that help the insulation. For cooling the house, they conducted a study to determine how geothermal ground level is the best constant temperature. A 4m regular ground surface is a constant temperature of the 17th, there were installed pipelines for heat exchange system to keep the temperature inside the house in conjunction with solar panels that feed the hot water network. The collection of rainwater is used for irrigation. The toilets are supplied in turn through the treatment plant of the assembly. PROJECT: CASA TIERRA Project type: Residential Location: Mexico, DF Office: SerranoMonjaraz Architects Date of construction: 2010-2011
Dar HI Matali Crasset created a green home in the Tunisian desert.
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AFTER THE experience of the hotel Dar HI in Nice, now Dar HI Nefta is the result of the collaboration between Matali Crasset, Patrick Elouarghi and Philippe Chapelet with a new concept of eco-shelter. Matali literally built a citadel from the arena, dedicated to wellness. Protected by surrounding walls, it is a composition of high houses that turn Dar as a small town. The overall objective of the proposed architecture was to provide a strong connection and in harmony with the natural landscape and local life. The Dar HI main colors are ocher and sand with a full range of body and spirit care in private or communal areas, including a pool, a restaurant and a SPA. Matali Crasset developed a practical design and create initiatives that have a local sense, but also collective. Dar HI team has created a special relationship with the villagers who are in care of the house. Gardeners work the garden that is the main source of vegetables and fruit from the hotel. The chefs offer a wide variety of local dishes based not on haute cuisine, or imported and-call-alone “kitchen for tourists”, but with a focus on self development and local resources. Artificial folklore is not necessary. Matali Crasset designed three different zones: The pill houses, The troglodytes and the dunes. Each one has potential for interaction with the site and hotel life (inner terrace, swimming pool, Turkish baths, etc.). JUNIO • JULIO 2012
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The pill houses These houses have exceptional views. Some overlook the salt lake, others have a view of palm trees and various landscapes. They are very different, one is high from the floor, with more intimacy and a panoramic view and the other at ground level, mixed with the communal area. High above the floor, the room is structured around an arched window, integrating the view. A small table to eat or work, a large bed that hides part of the shower and toilet, up the space. Below is a small town square. The square, the bar, the water supply and small fonts are all places that are easily integrated. The troglodytes Three areas called troglodytes, made with small Nefta bricks, are completely independent with their own private terraces, linked by a circular area. Collective life is built around a small square with a small waterfall and a bread oven. These rooms can be entirely rented for a stay with friends or family. The freshness inside reminds the houses of Matmata. The dunes The feeling of having an interior landscape The three areas called ‘dunes’ are at the level of the sand. These are open spaces that would seem sculpted by the wind. The experience of staying at the dunes, created as nests, increases the feeling of being closer to the desert. All they are different, one has a gallery with natural light and indoor garden, and the other are very spacious, with an outdoor terrace and a large window with a view of Nefta. The latter, also are spacious and airy. They offer a view into the forest with a separate bedroom and a bedroom with wooden deck. The kitchen is a laboratory where you can see working the cooks of Nefta. The area is open to guests at any time of day or night. There isn’t an area dedicated to restaurant, but a large table and small tables can be conditioned. As there are no televisions in the rooms, the auditorium allows people to meet and listen to music or watch a movie. Like a hedgehog, the steps of the library has wooden sticks where books are placed with ease. Dar HI has different areas that are places of encounter and sharing. “I wanted to make spaces for easy movement with great potential for the using of areas as much as possible” Matali.
Ciudad de los libros y de la imagen Antonio Castro Leal Library
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JORGE EDUARDO MORALES PHOTOS COURTESY BGP ARCHITECTURE
THE NEW Castro Leal Library is in the center of Mexico City, located in the space of two bays on the north side of the northwest-courtyard of the well-known Ciudadela. The project was designed to accommodate the personal library of Maestro Antonio Castro Leal. Four areas can be distinguished in the library: The reception area of teamwork, a personalized reading area and an area of research. This is a project of great transparency which sought to achieve a contrast between the vertical and horizontal planes, and furniture. This was achieved by using dark wood for bookcases, hardwood floors clear and translucent glass, and white furniture. The pace of structural steel joists in the Catalan vaults of the original building paved the way for the modular solution for the library. The hallways are suspended from the beams by thin and light poles. Stainless steel was also used in continuous rails that are articulated in the changes of direction and the ends show that there are structural elements. In the booksellers, each panel has a border with a continuous band of LED which enlightens all books, giving the impression that they “vibrate in space.” The simple modular bookcases are complemented and enriched with details of ironwork in the railings, as well as the design of tables and chairs, expressly made for this project. The Antonio Castro Leal Library project is an example of an integrated solution, from industrial design to architec-
ture, which took as its starting point the personal library of Castro Leal at his home in Coyoacan. The result is an easily readable and welcoming space to visitors. PROJECT: ANTONIO CASTRO LEAL LIBRARY Location: Mexico City Architect: Architecture BGP Bernardo Gomez-Pimienta, Luis Enrique Mendoza Contributors: Jose Barreto, Christian Santillano, Ivan Rey Martinez, Alejandra Aguirre, Edgar Gonzalez, Mariana Ruiz, Homero Gonzalez, Raymundo Alonso Plastic Work: Alejandra Zermeno Photo: Jaime Navarro Design Year: 2011 Year Built: 2011-12 Intervention area: 300 m2 Builder: CAV Design and Engineering Lighting: Light in Architecture Supervision: CONACULTA
The future is sustainable p. 82 fashion MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OF TRADEMARKS
IN TERMS of sustainability, ecology and ethical design, the fashion industry is one of the 2012’s socio-environmental problems because it still focuses on superficial aspects forgetting ecology and social welfare. The production processes of this market consume large amounts of water (1kg of cotton = 15,000 liters of water), the planting of monocultives are useful for large plantations, but destructive to the soil and are accompanied by toxic chemicals affecting biodiversity and ecosystem. Firms manufacture synthetic fibers using exploited labor. Much energy is used for manufacturing and transportation and, last but not least, the great waste that this whole process involves. The fast fashion, a term given to the rapid manufacturing of the latest trends, causes it to discard clothing almost new. In the United States are shot each year 12.4 million tons of fast fashion. However there are some companies concerned about the environment and society by developing new processes and techniques. Dedicated to the green philosophy and social ethics shed the frivolity of the commercial market to focus on less superficial aspects. Some of these firms supply current trends in the market and the attention of Glocal, here we present: EDUN Is a firm that aims to develop sustainable trade in Africa. Founded in 2005 by U2 frontman Bono and his wife, Ali Hewson, EDUN fight against the exploitation of the manufacturing industry through a code of ethics and actively work to enhance and stimulate trade, benefiting local communities and increasing production exponentially each season. The company produces 30% of its clothing in Africa, and within their looks include items made in Tanzania, Kenya, Madagascar and Morocco. There is also the line EDUN LIVE, 100% made in Africa. Gretchen Jones Another designer who was inside the Green-Show was Gretchen Jones. She creates clothing and jewelry with a sophisticated social and environmental focus. Decisions based on economic consciousness and the material of their projects making clothes in a sustainable manner; an example is the use of organic cotton and bamboo in some parts. Also, all her collections are produced locally. She is part of Save the Garment Center, a nonprofit company that supports local artisans and ethical business practices.
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objeto glocal
E
l tocador es un tipo de mobiliario que sirve para arreglar el peinado. Dirigido principalmente a un mercado femenino, este mueble cayó en desuso ya que el estilo de vida cambió, las viviendas y espacios de cuarto se disminuyeron y, en el día a día, las mujeres no tienen tiempo para dedicar largo tiempo a el arreglo personal. La arquitecta Chi Wing Lo, graduada en Harvard, se distingue una vez más en diseño de mobiliario con su nuevo tocador ORO, trayendo diversión y sensibles líneas a las necesidades de la vida cotidiana. Fabricado en madera de nogal y aplicaciones de cuero, con partes metálicas y base pintada de bronce, se generan equilibrios estéticos y utilitarios. Retomando el concepto clásico, Chi Wing hace un rediseño formal conservando la esencia del objeto y dándole importante jerarquía al espejo, pero maximizando sus funciones y transportando este producto a nuestros tiempos. Para contar con mayor eficacia y confort, el mueble toma una forma vertical ajustándose a los espacios. Cuenta con una serie de cajones con tres tamaños diferentes, dos puertas de almacenamiento –con cajones internos– y una guantera oculta; así como un espejo redondo de inclinación ajustable, equipado con un inserto de aumento, ubicado en la parte superior. Evocando al siglo XVII, la arquitecta mezcla lo tradicional y ornamental con la vida cotidiana actual y un toque humorístico para traernos de vuelta un mueble que no queremos que se pierda en la historia. www.giorgetti.eu
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Encuentro del pasado Marina Peniche Fotos cortesía Giorgetti
www.glocal.mx