GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.27 Portada por / Cover by: Serrano Monjaraz Arquitectos

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POR TA D A POR SERR ANO MON

SALO NE DEL MO BI LE / WAN T ED D ES IGN N YC / MAI SO N & O BJET A M ERICAS 2015

JARA Z AR QUIT ECTO S

VO C ES DEL DI SEÑO IN T ERN ACION A L ESPEC I AL PEQU EÑ OS ES PACIOS

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Directora General

Consejo editorial

Editora en Jefe

Presidencia

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx Consejeros honorarios EDITOR ADJUNTO

Arturo Aispuro Coronel

Gerardo León

Miguel Ángel Aragonés

gerardo@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

Asistente EJECUTIVA

Juan Carlos Baumgartner

Gabriela Romero

Fernando Camacho

gabriela@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

Diseño

Rodrigo Fernández

Francisco Javier Agüero Pérez Castro

Jorge Gamboa de Buen

francisco@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

Becaria

Carlos Pascal

Karla Rodríguez

Gerard Pascal

karla@glocal.mx

Ariel Rojo Fernando Rovzar

MaQUETACIÓN

Sagrario Saraid

Cítrico Gráfico Contabilidad CORRECCIón de estilo

Víctor Villareal

Janine Porras

Arturo Xochipa

janine@glocal.mx Contacto Colaborador y Traducción

glocal.mx

Francisco Barriopedro

info@glocal.mx Manchester 13, piso 1,

ventas y publicidad

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

publicidad@glocal.mx

México, D.F. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

FOTOGRAFÍA Armando Villanueva Beto Adame Carlos Madrid

@Glocal Design

Sófocles Hernández

Glocal Design Magazine

Tomás Alpuche

Portada Serrano Monjaraz Arquitectos Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: junio-julio 2015.

Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910.

Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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CARTA EDITORIAL V

ivimos en un medio que afortunadamente no está ligado a tendencias y que no necesita cambiar cada seis meses para tener validez, como es el caso de la moda. El diseño industrial goza de un privilegio extraordinario: su único compromiso es consigo mismo y su discurso más válido es la unicidad para pertenecer al mundo de las ideas, y mejor, para ser parte de la historia, pues todos sabemos que cuando una pieza logra ser considerada un “clásico” se convierte en un objeto que habita los mejores proyectos arquitectónicos.

Como bien lo mencionó Luis Mercado en la conferencia de prensa del Congreso de Diseño Glocal hablando sobre los “estilos” de distintas latitudes: “El diseño italiano no se parece a lo que hicieron los romanos en su tiempo. El gran diseño italiano se dio a conocer por único, por su calidad, por ser lector de un momento al tiempo de tener mucho que aportar pasando por la belleza, practicidad hasta la utilidad”.

Lo mismo sucede con el diseño mexicano. El buen creativo no copia, sí quizá utiliza materiales en común, pero el diseño mexicano es mexicano porque nació aquí, no sólo porque pertenezca a un espacio y momento; vivimos un tiempo en donde la universalidad es más válida que nunca, y eso es un gran beneficio en todas las disciplinas. ¿A qué se debe tanto discurso sobre la unicidad? A que llevamos meses viajando, viendo y escuchando propuestas de toda índole… y es sólo en el silencio del hotel que nos damos cuenta cuáles se quedan en mente, mismas que queremos compartir con ustedes.

Este año ha sido muy especial para nosotros, pues fuimos invitados a eventos sumamente interesantes en el contexto del Salone Internazionale del Mobile. La Gala del Salone, a la cual sólo tres medios fueron invitados —ya que lo que se pretende es que sea un evento en donde todos los creativos más destacados convivan—, y nosotros fuimos el único medio de Latinoamérica presente. Ahí escuchamos de los propios creativos los planes de proyectos espectaculares que pronto saldrán al mercado.

Asimismo tuvimos nuestro primer stand en una feria internacional, fuimos media partner de Maison & Objet Americas en la ciudad de Miami y nuestra publicación fue muy gustada, esperen noticias de esta sinergia.

Dentro de New York Design Week, fuimos media partner de Wanted Design y Territorio Creativo; y sí, también gozamos de gran aceptación en ese gran contexto interdisciplinario. ¿Y qué decir de nuestro primer Congreso de Diseño? Convocamos a excelentes invitados nacionales e internacionales, y lo que más satisfacción nos dejó fueron los workshops, esperen la siguiente edición de Design Week México para ver los prototipos de los mejores diseños.

En lo personal les puedo decir que concebir el congreso significó dejar atrás uno de los periodos más obscuros de mi vida, me quitaron la libertad por unos días y mi vida se colapsó en muchas áreas. No me sentía capaz de lograrlo pues me robaron mi seguridad. Al posponer las fechas, posponía despertar de ese momento. Pero hoy tranquila y feliz, afirmo que eso quedó atrás y dio nacimiento a un gran proyecto en el que queremos realmente apoyar desde la industria a los jóvenes talentos; esperamos lograrlo. ¿Qué más? Mucho más que verán en futuras ediciones y eventos.

Greta Arcila

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CONTENIDO Editorial AGENDA Casa Glocal

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HOST

NOVEL Peca México

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El otro mar México La Dolca / Equipo creativo Barcelona ROW Hotel Nueva York

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A U T O M O T R I Z Volvo xc90 Suecia

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TEXTIL NACIONAL Nodus Raymundo Sesma México

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DISEÑO + EMPRESA Ensamblería México

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SHOWROOM Boffi & Living Divani México

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ENFOQUE Serrano Monjaraz Arquitectos México

M ario B otta El espacio sagrado Italia

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ESPECIAL Interceramic México

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arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

SALONE DEL MOBILE MILAN 2015

PRIMER CONGRESO DE DISEÑO GLOCAL 2015

Voces Mobiliario Iluminación Textiles Accesorios

Ciclo de conferencias y talleres México

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PEQUEÑOS ESPACIOS Germán Velasco México Álvaro Moragrega México ART Arquitectos México Nils Holger Moormann Alemania Folk Design China Concrete Ámsterdam

MAISON & OBJET AMERICAS Voces Mobiliario Iluminación Accesorios

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WANTED DESIGN 2015 Voces Tipologías

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Traducciones

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Objeto Glocal

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junio julio

la guía glocal, qué visitar en méxico y en el mundo

AGENDA d is e ñ o

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Reciprocity design liège 2015

En la Provincia de Lieja, Bélgica, este año se celebra la Trienal Internacional de Diseño e Innovación social como un laboratorio y escaparate de las mejores prácticas donde creativos locales y globales se reúnen para interactuar y debatir con el público, con sus colegas y medios de comunicación sobre el papel que hoy desempeña el diseño. Esta trienal está comprometida con la palabra que le da nombre: reciprocidad, diseño social, innovación en servicios públicos, enseñanza y aprendizaje como base de conciencia ética en el diseñador para un desarrollo continuo, participativo y sostenible.

JULIO

SÁBADO

Octubre 1 – noviembre 1.

Rue des Croisiers, 17 B-4000 Liege + 32 (0) 4 237 9746 www.reciprocityliege.be

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agenda

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V icente Rojo: Escrito/Pintado

Esta exposición reúne obra reciente y antigüa del artista. En ella se muestra la tensión del trabajo de Rojo: el servicio social y utilitario del diseño editorial, y la defensa de la autonomía, opacidad y dificultad de la pintura. La colaboración de Vicente Rojo con poetas, ensayistas y narradores le ha hecho deambular entre la imagen y la letra donde ambas se trastocan y forman complementos sin dejar de ser autónomas.

“Escrito/Pintado” plantea así el reencuentro con la imagen del texto a partir de la aparente oposición entre lo escrito y lo pintado.

Hasta septiembre 20.

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Jean Paul Gaultier en Gran Palais

AG E NDA

Esta exposición itinerante del diseñador de moda francés, Jean Paul Gaultier, inició su aventura en Montreal, hace tres años, mostrando dibujos, archivos, fragmentos de películas, conciertos, videos, entre otros, además de sus creaciones. No obstante, el Gran Palais, representa la décima etapa de este proyecto iniciado por Nathalie Bondil, directora del Museo de Bellas Artes de Montreal, y está particularmente concebida para París, pues reúne 182 prendas de alta costura y prêt-à-porter, creadas entre 1970 y 2015 de Gaultier.

Hasta agosto 3.

art es vi sua l es

museo arte moderno Av. Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo, México, D.F. 5553 6233 www.museoartemoderno.com

Gran Palais, Galeries nationales 3, avenue du Général Eisenhower 75008 Paris +33 (0)1 40 13 48 00 www.grandpalais.fr

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Esta fotógrafa autodidacta alemana que en el exilio viajó por París, Buenos Aires, Londres, Quebec y encontró en México un país para retratar a través de su objetivo, está considerada como una de las mejores cronistas visuales de la vanguardia parisina (1930). Usó el color a su favor en las entonces recién comercializadas películas Agfacolor y Kodachrome. El MAM exhibe no sólo las tomas europeas de Freund, también sus primeros acercamientos en México y una comparativa con las fotos del acervo del museo de fotógrafos contemporáneos.

Hasta agosto 2.

moda

MUAC Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Coyoacán, México, D.F., 04510 5622 6972 www.muac.unam.mx

Gisèle Freund y su cámara

fotografía

The ey exhibition: Sonia Delaunay

La primera retrospectiva del Reino Unido de Sonia Delaunay (1885-1979), figura clave de la vanguardia parisina y esposa del también pintor Robert Delaunay. Esta exposición muestra la exploración de la pintora en cuanto a teoría de color se refiere, enganchada a la celebración del mundo moderno, el movimiento, la tecnología y la vida urbana, espíritu propio de las sociedades de principios de siglo XX. Hasta agosto 9.

Tate Bankside, London SE1 9TG, Reino Unido +44 20 78 87 88 88 www.tate.org.uk

AGOSTO

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art es visuales

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Diseño japonés hoy

“Japan Design Today: 100 objects” nos permite observar, a través de productos de diseño, de una manera particular el quehacer y la vida del japonés contemporáneo. Las necesidades del individuo nipón varían, algunas son muy peculiares y otras resultan comunes a todas las sociedades: desastres naturales, desarrollo sustentable, uso del tiempo libre, respeto a las tradiciones o la integración de la espiritualidad, objetos todos que cumplen con una estética y son tecnológicamente innovadores.

Hasta junio.

Modo museo Colima 145, Roma, México, D.F. 5533 9637 www.elmodo.mx

di s e ñ o

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El Retorno de la Serpiente Mathias Goeritz

c in e m ato g ra fía

AG E NDA

La invención de la arquitectura emocional es el apellido de esta exposición, asunto planteado por Goeritz en 1954, y con el cual respondía a la necesidad de crear espacios, obras y objetos. Dentro de la muestra, el espectador podrá localizar la existencia de una forma base de donde surge todo su trabajo: la serpiente. Reiteración, variación e interpretación de las líneas, así lo muestran El Museo Experimental El Eco (1953) y las Torres Satélite (1958), así como su obra y los trabajos más emblemáticos de este artista planteados en esta curaduría.

Hasta septiembre.

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FOMENTO CULTURAL BANAMEX Madero 17, Centro Histórico, México, D.F. 1226 0004 www.fomentoculturalbanamex.org

Stanley Kubrick

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey organizó una ambiciosa retrospectiva de Stanley Kubrick. Ésta muestra cronológicamente la carrera del director desde sus primeras fotografías en la revista “Look” hasta sus películas emblemáticas como 2001: Odisea en el espacio (1968), La naranja mecánica (1971) y El resplandor (1980). Aproximadamente mil objetos conforman esta exposición: fotografías, modelos, pósters, guiones, cámaras, maquetas, objetos y vestuario.

Hasta julio 26.

es c u lt ura

Marco Zuazua y Jardón s/n, Centro, Monterrey, N.L. México 52 (81) 8262 4500 www.marco.org.mx

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Monomito | Dr. Lakra

La obra de Dr. Lakra (1972) se caracteriza por crear imágenes irreverentes y provocadoras que transgreden las normas establecidas. Su práctica abarca el dibujo y la pintura, pero también se extiende al tatuaje, la pintura mural, el collage y la escultura. Sus estudios de las malformaciones del cuerpo humano se encuentran cara a cara con el erotismo y la sensualidad en piezas que combinan la vida, la muerte y el deseo. Esta exposición presenta la incursión del artista a gran escala dentro de la escultura. Resultado de un estudio antropológico y etnográfico que inició con su fascinación por el tatuaje, sus proyectos escultóricos exploran su interés por los tabús, fetiches, mitologías y rituales de diferentes culturas.

Hasta septiembre 5.

es c u lt u ra

gALERÍA kARIMANZUTTO Gobernador Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec, México, D.F. 5256 2408 www.kurimanzutto.com

SEPTIEMbRE

JU E V E S

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SQUAro eDGe 12

LA eSTéTicA PerFecTA

Inodoros, lavabos, muebles para baño, tinas y accesorios www.viLLeroy-boch.com mexico@viLLeroy-boch.com

Localice a su distribuidor más cercano en: www.villeroy-boch.com.mx/direcciones

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAﾃ前S] [CLOSET]

Duela Biscuit por Patricia Urquiol

terra 窶｢ albar Fotografﾃｭa cortesﾃｭa de las marcas

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casa glocal A

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TERRA Con paso cada vez más firme e innovador, las cocinas abren sus espacios para compartirlo con otras áreas del hogar. Atrás quedaron las cuatro paredes que las encerraban, y con sencillos y simétricos trazos se ha optado por eliminar cualquier ornamento para dejar que los materiales se expresen: corteza de olmo, acero inoxidable, vidrio y laca en sus superficies, elementos que logran 100% de eficiencia y una elegancia propia del minimal.

La paleta de colores encuentra su base en la tierra, así se observan los ocres combinados con los azules, los verdes y los rosados, además de los efectos ópticos como el de la corrosión ejercida en los metales expuestos. Un toque de color contrastante logra el juego cromático deseado.

A. Ambiente: Design Rigoroso FiloLain 33 / Gruppo Euromobil Cucine 1. Tull Pendant de Tomaso Caldera / IncipitLab 2. Mesa / Norwegian Presence 3. ABCT cerámica / Kn Industrie 4. Botellas Glaze de Karla Sotres / Ángulo Cero 5. Embracing Paranoia / Koncern Design Studio

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ALBAR Este ambiente, propuesto por Gruppo Euromobil, toma su nombre (Laclip) de la semejanza del clip común con las manijas de sus gabinetes, los que al igual que las encimeras están creados a partir de un polímero con apariencia de madera, pero que le confiere la suficiente durabilidad y resistencia a los embates cotidianos.

Las sencillas formas de la cocina permiten que los accesorios se conviertan en los protagonistas, así las luminarias Vitri de David Pompa proporcionan distinción al combinar artesanía con técnicas industriales en su fabricación. Flow de Vanessa Redondo en vidrio y mármol para saborizar bebidas, infusionarlas o preparar café.

Casa Glocal propone aquí los indispensables de cualquier cocina.

B. Ambiente: Laclip / Gruppo Euromobil Cucine 1. Cavallino / Valsecchi 1918 4. Otto Emezzo / ZP Studio Tools 5. Garrafas Flow / Vanessa Redondo

2. Table collection / Fabrica Atípico

3. Vitri / David Pompa

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SUSCR ÍBE T E POR UN AÑ O Y RE CIBE 6 E DIC IO N ES Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño.

Busca en cada edición las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

Datos: Nombre: Apellidos: Fecha de nacimiento: Día/Mes/Año:

Dirección: Calle y número: Colonia: Ciudad: Código Postal: Correo electrónico y teléfono:

Profesión:

Tarifas: México D.F. y Área Metropolitana $580.00 pesos Resto de la República Mexicana $680.00 pesos U.S.A. $220.00 USD Resto del mundo $250.00 USD

*Realiza tu pago en Banamex a nombre de: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V.; Número de sucursal: 4271 Cuenta: 0132512; CLABE: 002180427101325127.

Envíanos tu información, junto con la ficha de depósito a: suscripciones@glocal.mx

CASA GLOCAL

[COCINAS]

[BAÑOS] [CLOSET] Instalación en Milán / Cotto

geometría • pureza Fotografía cortesía de las marcas

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Geometría No todo tiene que ser blanco para demostrar sanidad. Los tonos oscuros revisten de sobriedad y distinción cualquier baño. Es el caso de este ambiente donde los muebles angulosos, monocromáticos y con fuerte personalidad introducen el toque atrevido del espacio. Mobiliario y accesorios sólidos enmascaran su robustez con blanco y transparencias. Esa misma solidez se ve reflejada en muros y suelos al utilizar mosaicos grandes que permiten un efecto visual de mayor dimensión con acabado esmaltado y estilo metal. No pueden faltar las plantas de ornato con su siempre verde follaje que revisten con dignidad cualquier espacio.

A. Ambiente: Muro y piso Urban Sydney / Interceramic 1. Espejo Pantheon Cerulian / Fredrikson Stallard 2. Silla Taquaral / Estudio Campana 3. Bak Stand Mirror / Ferruccio Laviani 4. Mezcladora Starck V de Philippe Starck / Axor 5. Max Bean en gris / Kartell

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PUREZA La famosa frase “Less is more” que Ludwig Mies van der Rohe adoptó como uno de los mandamientos de su filosofía de trabajo, sigue guiando los preceptos de diseñadores e interioristas como este ambiente propuesto por Norm Architects para The Ex.t, donde los elementos se reducen al máximo y la sencillez surge con elegancia.

Griferías y manijas pueden otorgar un aire completamente novedoso al espacio, así como los accesorios que combinan materiales y colores creando contraste entre la calidez de la madera con el metal, y el cromo con el dorado. Estanterías y repisas como el Stand Up de Thomas Schnur son una necesidad en espacios con paredes libres y sin elementos.

B Ambiente: Felt por Norm Architects / Ex.t 1 Time is of the essencce de Joar Torbiörnsson / School of Designs and Crafts Collage / Woodnotes 3 Maison Vervloet de Nedda / Vervloet 4 Stand Up de Thomas Schnur / Cotto Another Perspective 3

2 Paneles acústicos Whisper

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KOHLER.MX

©2015 KOHLER CO.

NUNCA ES DEMASIADO ATEMPORAL SELECCIONA LOS ACABADOS Y ESTILO QUE MEJOR REFLEJE TU PERSONALIDAD. COLECCIÓN DE GRIFERÍA VINTAGE ARTIFACTS ™.

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CASA GLOCAL

[COCINA] [BAÑO]

[CLOSET] Hermès birkin bag en piel jaipur epsom amarilla

NAIVE • HETEROGÉNEO Fotografía cortesía de las marcas

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A Conjunto Nina Ricci / Ready to wear, Summer 2015 1.

Bo-Em 005 de Sotiris Lazou / aI2 Architonic 2.

Tube bench / Sarah Lavoine 3. Self Portraite de Ilaria Innocenti y Giorgio Laboratorie / Portego 4. Murmurations / Graypants 5. BonBon de Luca Nichetto / Verreum 6. Tapete Dipped Origami / CC-Tapis

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[NAIVE] El traje sastre año con año reinventa sus formas para adaptarse del rígido patrón masculino a las delicadas formas femeninas negándose a morir. Un clásico que se tiñe de rosas pálidos, nude, y colores etéreos, que no por ello se excluye el siempre presente negro. Esta pequeña y ecléctica colección de piezas grita “La vie en rose”. Formas curvas, delicadas y lustrosas son mayoría, no obstante la materialidad oculta su hechura debajo de bruñidas superficies y de una explosión de color. Los textiles parecieran jugar con su tradicional patrón geométrico, pero también se rebelan para convertirse en el lienzo del creador donde sólo tiene cabida el imaginario del autor.

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B Vestido Valentino / Primavera-verano 2015 1 Espejo La Vie en Rose / Galerie Negropontes 2 Alhambra 008 de Sotiris Lazou / aI2 Architonic 3 Espejos Transience / Transnatural 4 Sicilia Tableware / Sarah Lavoine 5 Textil Reseame / Studio Nienke

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[HETEROGÉNEO] “¿Tendencias? No sé si existan las tendencias”, respondió el arquitecto Mario Bellini cuando se le cuestionó al respecto. Gran cantidad de empresas se reúnen año con año a discutir sobre ellas, proponer colores, telas, formas… El mercado oferta una gran cantidad de opciones, pero la vuelta a lo tradicional es innegable: “Back to basics”, dirán algunos. Los procesos artesanales se valoran hoy más que nunca y han hecho una excelente mancuerna con el diseño. No obstante, la tecnología ha jugado un papel fundamental en este binomio y en esta revaloración e incluso algunos materiales simulan elementos como la cestería y la madera pero multiplicando su durabilidad.

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novel nacional

PECA A ce n t o s q u e h ace n l a d i f e r e n c i a Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Caterina Moretti

Fundada en 2007 por Caterina Moretti en Guadalajara, México, Peca es una firma de diseño industrial cuyos productos ponen especial atención en los detalles, por lo que son sustentados en la filosofía de que, al igual que una peca en el rostro, los acentos en las piezas pueden embellecer por completo un espacio y hacer de éste algo único.

C

aterina Moretti es egresada del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), y a lo largo de su trayectoria se ha inspirado en la experiencia diaria y su interacción con las personas, traduciéndolo en objetos ricos en estética mediante líneas orgánicas y sutiles. Procesos industriales y artesanales son los que emplea para un resultado al mismo tiempo refinado y conmovedor.

Materiales naturales y nobles como la madera, piedras volcánicas, mármol y ónix son los que resaltan en la obra de Caterina.

“Desde pequeña dialogué profundamente con los materiales, sentí su energía, sus texturas y sus olores”, dice la creativa quien ahora comparte estas experiencias con los usuarios a través de sus diseños.

Esta diseñadora ha tenido presencia con Peca en lugares reconocidos alrededor del mundo como el Salone Satellite en el Salone del Mobile en Milán, y en exposiciones como "Rethinking Tradition, Survey on Contemporary Design in Mexico", en Washington; “20/20” en la Galería Mexicana de Diseño, Ciudad de México, y “Design from Jalisco” en Musta & Valkoinen Gallery, Helsinki.

Ya sea a través de diseños propios o en colaboración con otros creadores, Peca ofrece piezas que “acentúan e iluminan (a veces literalmente) los espacios en los que se colocan”, expresa su fundadora con la certeza de producir objetos únicos y contar con la más alta calidad.

Lámpara-maceta Mokki

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www.peca.com.mx

VOLVO

automotriz

xc 9 0

Texto María Ceballos Fotografía cortesía Volvo

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a firma automotriz de origen sueco Volvo Car presenta su más reciente modelo: XC90 – SUV, el cual antes de ser lanzado ya contaba con gran demanda dentro del mercado. Éste marca su propia gama de tecnologías orientadas a la seguridad y conectividad del pasajero, además de ofrecer una experiencia placentera al manejar.

La concepción de su diseño exterior hace de Volvo XC90 un vehículo elegante conformado por líneas discretas que se extienden con el movimiento, generando así un estilo natural e intuitivo acompañado de diferentes tonos, entre los que destaca el negro, el blanco y el plata. Se trata de un modelo que se ocupa de la seguridad de sus usuarios, por lo que cuenta con múltiples funciones.

El sistema de aire acondicionado CleanZone purifica el aire al interior del auto. La automotriz cuidó cada detalle a través de diversos materiales de primera calidad como el cuero suave y la madera natural. Los sistemas anticolisión City Safety e Intellisafe ayudan a prevenir accidentes en caso de que el conductor se distraiga, con tecnología antiderrape y freno autónomo de emergencia.

Además de los materiales, otros elementos que destacan en el interior de Volvo XC90 son la palanca de cambios con pomo de cristal, los asientos delanteros con perfil ergonómico y apoyo lumbar eléctrico de cuatro puntos, que ayudan a mejorar la postura del conductor y el copiloto, esto acompañado de los dos modos de conducción para diferentes terrenos: Comfort y Off Road.

Estos avances en seguridad, conectividad, eficiencia y diseño apreciados en el Volvo XC90 fueron empleados para simplificar y mejorar la vida, pues las innovaciones Volvo están pensadas para el bienestar de las personas que viajan en sus vehículos. www.volvocars.com 23

textiles

Noción transversal Raymund o S e s m a | Nodus

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Nodus

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l artista multidisciplinario de origen mexicano Raymundo Sesma trabajó en colaboración con Nodus —firma italiana dedicada a la creación de tapetes artesanales—, en la colección Noción transversal, la cual está conformada por cinco piezas de lana inspiradas en la arquitectura no sólo en el sentido de la construcción geométrica, sino también en la fragmentación y los procesos no lineales que esta disciplina involucra.

El color fue apreciado como un elemento evolutivo fundamental en esta colección, independiente de cualquier representación narrativa ligada a sus cualidades conceptuales.

Las alfombras, producidas en un periodo de tres meses en Nepal, fueron anudadas a mano y llevan por nombre una letra del abecedario de la A a la E, su tamaño es de 170 x 240 cm.

El objetivo de Sesma con esta colección es demostrar que el espacio doméstico tiene un significado cuando los objetos que lo habitan crean un ambiente a través de un diálogo sensorial y cultural. Una alfombra es capaz de generar este diálogo, pues su valor está directamente relacionado con el tiempo al estar presente en diferentes épocas y escenarios de la vida.

Noción transversal muestra la forma de trabajo de Sesma, basada en el empleo de diferentes direcciones, medios, técnicas y fundamentos que convergen en el imaginario, y son plasmados en un producto que es resultado de lo urbano y está expuesto al constante cambio. www.nodusrug.it www.raymundosesma.com

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diseño + empresa

INNOVACIÓN SOCIAL ENSAMBLERÍA Replantear y modificar las formas tradicionales de producción y comercialización de mobiliario es uno de los objetivos principales de Ensamblería, empresa que no sólo le importa el impacto ambiental, sino también el desarrollo de la economía y el talento local.

Texto redacción Fotografía cortesía Ensamblería

E

nsamblería fue fundada en 2014 por Enrique Hernández-Laos y Edurne Turcott, con el apoyo de Luis Mercado como consultor. Nace como un espacio de diseño y producción a escala humana que reúne talento independiente donde el factor humano y la incorporación de ideas son fundamentales para generar una empresa sustentable.

Su filosofía le ha permitido generar alianzas fructíferas, es el caso de Opendesk, una plataforma de diseño de manufactura abierta, es decir, a través del sitio web de opendesk.cc el público en general puede elegir un producto y fabricarlo con sus propios medios. Es en esta plataforma donde actualmente participan al menos 14 diseñadores con experiencia internacional, y proveen a Ensamblería de diseño de mobiliario para espacios de trabajo bajo licencia de comercialización exclusiva en la Ciudad de México.

Ensamblería ha logrado acoplar perfectamente el uso de las TI, las técnicas artesanales, y —de manera racional y selectiva— materiales de primera calidad y bajo impacto ambiental como el triplay de abedul báltico y tableros, creados a partir de fibras naturales coloreados con pigmentos orgánicos, así como selladores y pinturas a base de agua, chapas de maderas y laminados plásticos.

Quizá lo más importante de Ensamblería es que ha logrado conformarse como un taller de alta tecnología donde converge diseño de todas partes del mundo (no sólo a través de Opendesk), y además, se ha dado a la tarea de desarrollar el talento para incorporarlo a dicha plataforma y proyectar a diseñadores locales a mercados globales.

Ensamblería, además de entregar piezas de diseño exclusivo y terminado, incorpora una propuesta integral para generar el espacio y el ambiente que el usuario necesita, quien dentro de ciertos límites puede personalizar las dimensiones y características de su mobiliario. Así es como esta empresa ha logrado desde su trinchera que el diseño se democratice. www.ensambleria.com www.opendesk.cc 25

showroom

&

Boffi

Living Divani

Alianza creativa Toda la esencia del diseño italiano llega a nuestro país a través de dos prestigiadas firmas que llevan en cada una de sus creaciones la maestría y la tradición de la más alta manufactura europea.

Texto Gerardo León Fotografía Sófocles Hernández

S

e trata de Boffi y Living Divani que se hacen presentes en un mismo showroom de la zona de Polanco, el cual abrió sus puertas en días recientes gracias al trabajo de sus CEO: Roberto Gavazzi y Carola Bestetti, respectivamente.

“Boffi es una compañía joven y dinámica con interesantes proyectos a futuro enfocados en promover nuestros diseños, los cuales expresan en cada detalle una gran tradición y el diseño característico de Milán.

“Creamos desde lo simple hasta lo más complicado para cocina, baño y conceptos modulares con los que logramos que la marca tenga un alcance internacional importante; estamos muy felices de que México esté participando en este proyecto de crecimiento, tenemos a unos excelentes socios como Leonardo Pacheco y Gerardo Estévez, representantes de ambas marcas en México, con los que hemos hecho una importante alianza”, dijo Roberto Gavazzi, CEO de Boffi.

La marca ha alcanzado un gran entendimiento del interiorismo actual, mismo que comparte con Living Divani, prestigiada firma que por décadas ha mantenido un estilo único, y ha reunido a los mejores creativos del mundo para desarrollar colecciones que llenan los espacios de sofisticación.

“Living Divani es una marca que desde los años 70 ha estado presente en el mundo del diseño, y yo formo parte de la segunda generación al frente de la compañía. Ahora nos encontramos realizando esta alianza en conjunto con Roberto Gavazzi, la cual se ha dado de forma natural porque compartimos el mismo lenguaje y nuestras piezas combinan y se fusionan perfecto con las de Boffi. Estamos muy contentos de presentar esto en México”, expresó Carola Besteti, CEO de Living Divani.

La compañía ha seguido un camino claro al mantener un intenso diálogo con el mundo contemporáneo convirtiéndose en uno de los puntos de referencia en el panorama de la industria creativa al fabricar mobiliario y complementos para casa de gran calidad.

Es estratégica la alianza con Piero Lissoni, pues desde 1988, en su doble papel como director de arte y diseñador, ha llevado a Living Divani a mantener un estilo único creado a partir de neutralidad formal, ligereza y dinamismo.

Atenta a los cambios y abierta a la internacionalización, la empresa ha creado alianzas con talentos como Arik Levy, Claesson Koivisto Rune,

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Francesco Rota, Harry&Camila, Junya Ishigami, Piergiorgio e Michele Cazzaniga y los nuevos diseñadores Nathan Yong, Victor Vasilev, Mario Ferrarini, entre otros.

“México es un país muy amigable para los negocios y creemos que ha cambiado mucho con el paso del tiempo.

Ahora aquí encuentras a los socios correctos. Vemos que los arquitectos y los interioristas entienden nuestras tipologías y con esto esperamos crear un gran grupo de creativos que pueden venir al showroom y elegir una cocina o alguno de nuestros conceptos. En México ya es más fácil y posible ofrecer todo un estilo de vida como éste”, afirma Besteti.

En 2012, Living Divani se integró a Altagamma, la fundación que reúne a las empresas italianas de renombre internacional, que opera el Top end del mercado por innovación, calidad, servicio, diseño y prestigio. www.boffi-mexico.com www.livingdivani.it

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EL OTRO MAR

Arte, diseño y sabor El diseño y el arte conviven en un solo espacio con una nueva propuesta culinaria ubicada al poniente de la ciudad. Se trata de El otro mar, un restaurante que tiene como objetivo reinterpretar las delicias del océano a través de ingredientes y recetas únicas.

Texto redacción Fotografía Sófocles Hernández

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n este sitio no sólo se le da gusto al paladar, también se consienten los sentidos a partir de un ambiente que remite a las estancias típicas de las costas mexicanas con un toque contemporáneo.

“El otro mar ofrece la marisquería tradicional como el coctel de camarón o el ceviche pero creados de una forma más elaborada. Esta es la labor de nuestra chef Natalia José Córdova quien diseñó un menú completo con una mezcla de sabores sudamericanos, que dan origen a recetas creadas especialmente para el lugar”, comenta Marco Zamora propietario del lugar.

La concha rellena de mariscos acompañados de champiñones y almeja con queso gruyer; el robalo empanizado en amaranto, montado en tinta de calamar y decorado de caviar negro, entre otras especialidades de la casa.

Todo proveniente del puerto de Acapulco.

El lugar sugiere maridar cada platillo con ocho variedades de cocteles refrescantes con mezclas creadas por la casa como la michelada que lleva una porción de aguachile con sal de apio. Además de una gran variedad de ginebras, mezcales y whisky.

El restaurante cuenta con una terraza con un techo corredizo para aquellos que disfrutan de los momentos agradables al aire libre.

“La propuesta arquitectónica es de ZE Arquitectura, y la elección del mobiliario es de LOM Arquitectos. El ambiente se compone de sillas, inspiradas en la famosa silla Acapulco, que ofrecen completa comodidad además de un toque de originalidad al espacio de acuerdo con el tema del lugar”, describe Zamora.

Colores neutros, paredes grises y blancas, y una caída de agua resaltan la estética de la terraza.

El otro mar ofrece la posibilidad de exponer y poner a la venta la obra de artistas nacionales e internacionales. Actualmente, el fotógrafo Gastón B. Duarte, exhibe su más reciente colección de fotografías de diferentes etnias de Sudamérica.

“Uno de los objetivos es ofrecer un concepto de restaurante, bar y galería.

Las obras están expuestas durante dos o tres meses y es una forma de promover el talento de nuevos exponentes”, dijo Clarita López, gerente general del lugar.

Aquí los precios son asequibles al público y la carta se mantiene siempre con sus especialidades variando sólo algunos ingredientes de acuerdo al gusto del cliente. Las recomendaciones de postres pueden ser diversas incluyendo una gran variedad de helados, los cuales son elaborados al instante: de la cocina al plato del comensal. www.facebook.com/elotromar?fref=ts Av. Prado Norte 441, Lomas de Chapultepec

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La Dolca El Equipo Creativo Texto Karla Rodríguez Fotografía Adrià Goula

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omo parte de la ampliación del restaurante Tickets en Barcelona, nace La Dolca, un nuevo espacio gastronómico dedicado a la repostería. Como en proyectos anteriores, los hermanos Albert y Ferran Adrià, fundadores de esta cadena restaurantera, contactaron al estudio especializado en diseño de espacios gastronómicos El Equipo Creativo, para llevar a cabo su ambientación.

La Dolca transporta a los comensales a un mundo mágico en el que los dulces juegan un papel importante, tanto así que han aumentado sus dimensiones para formar parte de la ornamentación. Frutos como fresas, moras, frambuesas y cerezas gigantes generan un ambiente sorprendente lleno de color y fantasía que logra que los visitantes se remonten a su infancia. Escenarios fílmicos como el de Alicia en el País de las Maravillas inspiraron a El Equipo Creativo al plantear el ambiente de los hermanos Adrià.

El mobiliario es otro elemento que forma parte del todo, pues fue diseñado especialmente para este restaurante. Las mesas están inspiradas en las blondas de papel blanco que se utilizan para las tartas; las sillas coloridas de respaldo alto hacen juego con el espacio, que se acompaña de piezas decorativas como jaulas y cuadros, lo que hace de este sitio un original lugar donde la imaginación es la mejor anfitriona. www.elequipocreativo.com 29

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ROW NYC Hotel

En un edificio que data de 1928, diseñado por Herbert J. Knapp —un gran arquitecto de espacios teatrales—, el despacho Gabellini Sheppard Associates se propuso desarrollar un concepto que lograra plasmar cómo se vive la cultura, el entretenimiento e historia que la ciudad de Nueva York tiene para ofrecer, y he aquí el gran resultado.

Texto Greta Arcila Fotografía cortesía Row Studio

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isitar una ciudad como Nueva York que es por demás energética y llena de cultura, siempre obliga a una reflexión muy sencilla: ¿Cuál será la mejor opción para hospedarse, más aún cuando el motivo del viaje es conocer lo nuevo de la escena creativa y, en sí, se busca que el viaje sea una experiencia de diseño per se? Sencilla y complicada decisión para la editora de una revista de diseño y arquitectura.

El equipo de trabajo de Glocal tiene una labor de lo más bella de este mundo: todos los días conocemos a alguien, vemos un proyecto único o visitamos ferias entrevistando a gente que inspira por su propio existir…

Pero a diferencia de las demás fuentes, nosotros caminamos en una feria de 7 días más kilómetros que otros colegas en un mes; es decir, se trata de un trabajo físicamente muy demandante, al que se suman los cocteles, que sí, son refrescantes, pero requieren una energía inimaginable que sólo puede proveerla la pasión.

Entonces, ¿qué buscar cuando se trata de descansar un poco? Un lugar que extienda el magnetismo y que resuma en un espacio esa sensación que nos dejó ver y vivir lo más actual del diseño; así, llegamos a ROW Hotel.

Desde que supe que estaba en pleno corazón de Times Square, y que en la calle contigua estaban los teatros en donde los mejores actores del mundo se presentan noche a noche, imaginé que esa vida sería llevada a los muros. Y así fue.

Me recibió un elevador que conecta la entrada con el lobby, su transparencia y luminiscencia contrasta con los materiales que vemos dentro de él: acero y madera. Al abrirse las puertas nos sorprenden dos esculturas de luz de gran formato del artista Yorgo Alexopoulos, que 30

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flanquean el pasillo que lleva a los elevadores; impactantes.

Para esperar mi habitación me senté en el lobby bar llamado Distrito M; y como amante del arte, me atrapó una proyección continua de arte digital: espléndidas fotografías paparazzi, que no podía dejar de ver: Elvis saliendo de un concierto, Sofía Loren cuidándose el maquillaje, Barbra Streisand pidiendo que no le tomen fotos, Jackie Kennedy bajando de su coche, Andy Warhol bebiendo una copa con Frank Sinatra; momentos únicos e inolvidables captados por quien llevó el término paparazzo a otro nivel: el gran Ron Galella.

En medio de aquel ciclo de fotografías apareció el gerente frente a mí, invitándome a conocer mi suite. De inmediato le pregunté por quién había diseñado ese espacio y sonrió al confesarme que es la primera pregunta de mucha gente, “Gabellini Sheppard Associates —respondió—, y estamos muy contentos con el resultado”.

No puedo continuar sin mencionar que los directivos de ROW Hotel al saber que iría al New York Design Week, me otorgaron un upgrade para que experimentara un penthouse, y enorme sorpresa me llevé al abrir la puerta y saber que me habían dado la suite Ron Galella. Cuando llegué y caminé hacia la sala, lo primero que vi fue inolvidable: la 32

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imagen de John Lennon platicando con Mick Jagger, los dos impecablemente vestidos de smoking. No pude ser más feliz.

La suite es un departamento de 90 m2, con todo lo necesario para olvidar al mundo. La vista que se tiene de la bahía y la iluminación que emerge de los espectaculares de la Octava Avenida contrastan con el silencio y la armonía que rigen el espacio.

De diseño sobrio pero expresionista por sus acentos grandilocuentes, planeados por el afamado despacho Gensler, el lugar transmite con sus elementos la vibrante vida de las calles de Nueva York, a través de colores vivos pero que son acompañados por tonos neutros por lo que nunca nos sentimos invadidos, al contrario, el espacio nos cobija. Y con todo y lo bello de aquel lugar, salí al New York Design Week, pero ansiaba el regreso pues me esperaba un baño caliente en una rica tina, y una cama de 3000 hilos en donde me perdía por las noches.

Así el objetivo fue cumplido: llegaba cansada pero al ver mi derredor me perdía y recordaba palabras, frases, momentos de una experiencia de diseño total. www.rownyc.com/es/ 33

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Serrano Monjaraz Arquitectos

Fachada Colegio de Imagen PĂşblica

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La arquitectura y sus fronteras desdibujadas El despacho Serrano Monjaraz Arquitectos (SMa), fundado en 1992 por Juan Pablo Serrano y Rafael Mojaraz, cuenta hoy con 23 años de existencia y una estructura sólida sustentada en los valores de un trabajo multidisciplinario que, sin importar su escala, su objetivo está siempre enfocado en el beneficio del usuario y su entorno.

Entrevista Greta Arcila Fotografía cortesía SMa, Pedro Hiriart y Beto Adame 35

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Corporativo Axa

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errano Monjaraz Arquitectos, desde su fundación, se ha convertido en un despacho que ha probado todas las tipologías sin aferrarse a ninguna cualidad constructiva: “Nosotros no creemos en los estilos ni en los especialistas. Es una gran oportunidad poder llevar cosas de otros campos a la arquitectura”, recalcó Serrano en entrevista para Glocal.

Esta dupla de arquitectos pone el ejemplo de colaboración entre profesionales de distintas disciplinas —artistas, decoradores, enólogos, trabajadores sociales, museógrafos, diseñadores industriales, biólogos, estructuristas, diseñadores de iluminación, gente de acústica, etcétera— y arquitectos, todos ellos de diferentes generaciones, lo que les ha otorgado actualidad y una adaptabilidad casi camaleónica.

La importancia de la colaboración conjunta la aprendieron de importantes colegas y maestros: “los Legorreta (que de hecho nos enseñaron eso), GFa, con mi papá, Cherem, los alumnos (mis embajadores)...”, recalcó Juan Pablo.

Juan Pablo reconoce que “el saber cambiar de escala (de hacer un baño de un interior corporativo, de una casa y luego poder hacer un fraccionamiento de 80 hectáreas como el de Cumbres), es otra virtud que nos ha dado una situación particular a SMa en el mercado”.

Una de las temáticas que se ha impuesto en todos los ámbitos del quehacer humano, actualmente, versa entorno a la ecología y la huella de carbono, donde es responsabilidad del arquitecto cuidar el contexto en cada proyecto que realiza, y por ende la calidad de vida de los usuarios, esto lo sabe Juan Pablo Serrano: “Un momento que me cambió la vida fue un curso de sustentabilidad en la Ibero. La tecnología permite que podamos modelar y controlar energéticamente nuestros edificios”.

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Colegio de Imagen Pública

Juan Pablo Serrano

“Ese ingenio de hacer cosas muy rápido y sin dinero, ese ingenio que nos ha dado la crisis en la que nacimos es anhelado por muchos arquitectos”.

SMa utiliza sistemas de recolección de agua fluvial y potabilización; calentadores solares y fotovoltáicos; aprovechamiento de la tecnología geotérmica; aire acondicionado con 40% de ahorro energético; fachadas fotovoltáicas; utilización de mayor vegetación para reducir el ruido, el calor y generar un mejor entorno para los usuarios; pintura que permite absorber la contaminación ambiental (tecnología de óxido de titanio); sistemas constructivos que reutilizan el PET (en lugar de casetones de unicel). Así SMa integra reciclados de llanta y concreto a sus edificios, además de emplear el material excavado para ser parte de la misma estructura. “Estamos haciendo cosas que crean pasión y tratamos de lograrlas”, comenta emocionado Juan Pablo Serrano.

Corporativo Axa

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SMa, por otro lado, se ha convertido en un puente de colaboración y diálogo entre nuestro país y el extranjero, porque constantemente colaboran con arquitectos y despachos de fama internacional. México, adicionalmente, cuenta con características muy particulares como el clima, la mano de obra, la legislación, entre otras condiciones que deberíamos verlas como oportunidades de crecimiento: “La maravilla que tiene México es que se hacen las cosas bien y se hacen rápido. Los tiempos de producción que existen en México son mejores contra todas las trabas que tienen en el resto del mundo, y los reglamentos que en muchos lados ‘ahorcan’ a los despachos… Debemos aprovechar que aquí en México, dentro de todo, podemos ser mucho más flexibles y más rápidos. Ese ingenio de hacer cosas muy rápido y sin dinero, ese ingenio que nos ha dado la crisis en la que nacimos es anhelado por muchos arquitectos”, explica Serrano.

Rafael Monjaraz

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No obstante, alerta sobre la falta de asesoramiento de la clase política y gobernante en los temas de arquitectura y urbanismo, como sucedía en décadas anteriores con arquitectos como Mario Pani, Pedro Ramírez Vázquez, entre otros, quienes tenían un diálogo constante con las autoridades para desarrollar proyectos. “Hoy hace falta esa voz especialista en movilidad, esa voz especialista en sustentabilidad y ecología, esa voz especialista en nuevas tecnologías de construcción, en nuevas formas de generar energía, en dar calidad de vida y emoción a los espacios… ¿Cómo podemos recuperar esa voz a nivel político y a nivel sociedad?”, analiza Juan Pablo.

Entre sus obras concluidas se encuentra el Colegio de Imagen Pública Víctor Gordoa, ubicado en la colonia Ampliación Granada que se comenzó a construir en octubre

Corporativo GEA

“Hoy hace falta esa voz especialista en movilidad, esa voz especialista en sustentabilidad y ecología, esa voz especialista en nuevas tecnologías de construcción, en nuevas formas de generar energía, en dar calidad de vida y emoción en los espacios… ¿Cómo podemos recuperar esa voz a nivel político y a nivel sociedad?”

Proyecto AR en la Ciudad de México

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Corporativo Ogilvy

de 2013 y finalizó en mayo de este año: “te puedo decir que en dos años y medio de haber ganado el concurso está terminado el edificio y están los alumnos dentro estudiando”, afirma.

El Colegio de Imagen Pública ocupa una superficie de 9700 m2 con un frente de 23 m que creció en vertical con 8 niveles, 2.5 sótanos y un roof garden. “En una ciudad como México, una escuela que estaba en un edificio rentado en la colonia Roma, se empaquetó y se levantó a 10 pisos. Una escuela, yo diría, como de Japón en la que ves a los alumnos en un piso 7, y que tiene un roof garden, y un auditorio viendo a la ciudad en un piso 6”, explica Juan Pablo. La fachada y los espacios están integrados gracias a una estructura aparente. La escalinata tiene un papel fundamental, pues es también un punto de encuentro enmarcado con una triple altura que la provee de gran amplitud e iluminación.

Este nuevo edificio no sólo es amigable con las personas de la tercera edad y quienes tienen la necesidad de utilizar silla de ruedas o algún otro elemento de apoyo, también aprovecharon al máximo ventilaciones e iluminación natural reduciendo el consumo energético, asimismo reutiliza el agua de lluvia en sanitarios, cuenta con luminarias de bajo consumo y con sensores. En general, la arquitectura provee una estancia digna a los estudiantes y vistantes que la transitan.

Área de reunión, Colegio de Imagen Pública

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“La maravilla que tiene México es que se hacen las cosas bien y se hacen rápido”

“La tecnología nos permite que podamos modelar y controlar energéticamente nuestros edificios”

Escalinata, Colegio de Imagen Pública

La planeación de este colegio llevó al despacho a analizar los problemas de tránsito en zonas con gran afluencia: “Cómo conectar toda la zona de Buenavista hasta la Miguel Hidalgo, y luego hasta el Estadio Azteca. Tenemos proyectos de movilidad que tienen que ver con tren ligero y bicicletas.

Queremos hacer un segundo piso de bicicletas ligado con los parques lineales. En eso estamos”.

A pesar de todo el trabajo realizado, SMa se da tiempo para el trabajo social y genera arquitectura pro bono: “Nosotros donamos el proyecto para Casa Alianza, para los niños de la calle, y también estamos haciendo el Centro Comunitario para señoras en Santa Fe, son proyectos que hablan de sustentabilidad y de integración a la comunidad. Es interesante que los arquitectos nos metamos en esos temas y podamos subir los estándares de todos estos espacios con diseño”, señala el Juan Pablo.

Sobre los nuevos proyectos, SMa está muy activo realizando una segunda parte del Viñedo de Cote en Ezequiel Montes, Querétaro; planes maestros tanto en la Ciudad de México, como en Quintana Roo y una residencia en Miami. Áreas de estudio, Colegio de Imagen Pública

www.serranomonjaraz.com 41

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Mario Botta

E l e spac io sagr a do Entrevista Fortunato D’Amico Texto Massimo Barziza Fotografía de Enrico Cano y Pino Musi * Agradecemos a Raymundo Sesma su apoyo para la publicación de esta entrevista

Iglesia de San Juan Bautista, Mogno, Valle Maggia, Suiza (1986-1996/98)

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Capilla Granato, Penkenjoch, Zillertal, Austria (2011-2013)

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l arquitecto italiano Fortunato D’Amico —curador independiente, promotor de la investigación interdisciplinaria y de experiencias multiculturales— realizó hace algunos días una interesante entrevista a su colega suizo Mario Botta, cuyas obras —pese a que en ellas siempre están presentes la matriz geométrica, similares volúmenes y los mismos materiales (bloques de hormigón, piedra o ladrillo)— nunca se repiten.

¿En este tipo de arquitectura qué es lo que ha cambiado en comparación con los modelos de construcción de las últimas décadas?

La cultura moderna se quedó huérfana de modelos de referencia para el espacio “de lo sagrado”. En particular, después de la presencia del arte de vanguardia del siglo XX desaparecieron las referencias estéticas y éticas que sostuvieron durante siglos las formas de expresión de este tema.

FDA: “Mario Botta. Construir un Espacio Sagrado” es el título de una exposición que tuvo lugar en Zurich a principios de 2015 en el Architekturforum. ¿De qué se trató?

MB: Cada año Architekturforum ofrece una “Carte Blanche” a un arquitecto, quien es libre de proponer temas y reflexiones sobre su trabajo. Yo elegí mostrar algunas reflexiones sobre el espacio “de lo sagrado”, un tema en el que he participado profesionalmente en las últimas décadas. En particular, seleccioné algunos estudios que estoy llevando a cabo para la organización del espacio interior de una iglesia en construcción en Sambuceto (Chieti, Italia).

¿Se ha producido en las últimas décadas un cambio en la forma en que los fieles utilizan el espacio arquitectónico de lo sagrado, debido también a la llegada de varias comunidades extranjeras?

Sí. Pero, tal vez, este aspecto es más adecuado para un análisis sociológico. Para el arquitecto, el espacio "de lo sagrado" es ante todo un estado de silencio, de meditación; para los fieles, de oración. Todo esto, independientemente de las diferentes religiones.

La arquitectura de lo sagrado se ha convertido en uno de los temas que en estos 30 años han caracterizado tu historia profesional. ¿Cuándo y cómo empezaste a trabajar en ella?

Mi primer proyecto para un espacio sagrado se remonta a mediados de los años 80. Fue la reconstrucción de una iglesia del siglo XVII, destruida por una avalancha en la zona alta del Valle Maggia (en el pueblo de Mogno, Suiza). Así conocí un tema arquitectónico fascinante en el que, más allá de los aspectos técnicos y funcionales (litúrgicos), se evidenciaron los de carácter simbólico y metafórico, especialmente en relación con el "territorio de la memoria" que hoy en día es el contexto real en el que debería trabajar el arquitecto.

Las obras en una de las iglesias expuestas, la de Sambuceto en provincia de Chieti, hoy se encuentran detenidas por falta de fondos. Es una de las muchas construcciones suspendidas que están caracterizando con su presencia el territorio italiano. ¿No es ésta una oportunidad para reflexionar acerca del mundo de la construcción que ya se encuentra en estado terminal?

Las construcciones suspendidas son una constante en la cultura eclesiástica a lo largo de los siglos. Por lo tanto no hay que alarmarse, al menos en el caso de las iglesias. Está claro que la construcción de un espacio sagrado es un complemento importante de la vida social, pero no tiene la relevancia de una casa o de un lugar de trabajo. Por supuesto, la cultura del consumo 43

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y de los artículos desechables también influye en la edilicia, que a veces resulta obsoleta antes incluso de que pueda alcanzar los objetivo que la promovieron.

Háblame de una anécdota curiosa, que consideres importante, acerca de las obras expuestas.

Al abordar mi primer compromiso (la iglesia de Mogno) tuve una respuesta decepcionante de parte de los ciudadanos que me habían encargado la reconstrucción de la iglesia: «Queremos reconstruir una iglesia porque ahí había una iglesia».

Inconscientemente le estaban atribuyendo a esa estructura religiosa un papel determinante para la identidad de todo el centro urbano. ¿Cómo puede un arquitecto contemporáneo traducir en signos y poner una cara moderna a estos lugares de culto que son el hogar de ritos antiguos y preservan culturas milenarias?

Encontré los valores más profundos de la arquitectura dentro de la propia arquitectura (que siempre lleva en sí el sentido de lo sagrado) en los significados de gravedad, de luz, de umbral y de límite que son los aspectos primordiales de la construcción —un espacio diseñado, un espacio interior en comparación con el macrocosmos del entorno—.

La armonía es una condición importante para una construcción que quiere estimular la vocación hacia la espiritualidad y facilitar el contacto con lo divino. Por supuesto, los problemas a resolver para el proyectista son de dos tipos: por un lado, la forma del edificio y su lectura exterior, por otro lado, el diseño del espacio interior. ¿Cuál es tu posición con respecto a estos temas?

Como mencioné antes, trato de perseguir los significados primarios del hecho arquitectónico sin recurrir a aspectos metafísicos, pero con la certeza de encontrar valores simbólicos en la propia arquitectura.

Iglesia de San Juan Bautista, Mogno, Valle Maggia, Suiza (1986-1996/98)

Iglesia del Santo Rostro, Turín, Italia (2001-2006)

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Sinagoga Cymbalista y Centro de la Herencia Hebrea, Tel Aviv, Israel (1996-1998)

Me acuerdo de la iglesia de Ludovico Quaroni diseñada para Gibellina Nuova. Una solución que no sigue la iconografía tradicional de la religión católica y quiere presentarse como un signo de la fe y de la espiritualidad por encima de las partes religiosas. ¿Has apoyado esta visión en alguna de tus obras?

Indirectamente, incluso una respuesta a una pregunta específica tiende siempre a significados universales. No se pueden atar los valores expresivos de un espacio exclusivamente a sus aspectos funcionales. El protagonista del espacio sagrado sigue siendo el usuario.

El siglo pasado ha sido determinante para el avance en el mundo occidental de una arquitectura de consumo, ya no concebida para durar en el tiempo, sin fruto de una lógica que ha abrazado la globalización, dando lugar a la derogación de los dialectos y de los códigos locales. ¿Cuánto han contribuido estos fenómenos en la determinación de los nuevos espacios de lo sagrado?

Toda la cultura moderna es frágil, destinada a no perdurar en el tiempo — los materiales son frágiles, las técnicas son frágiles, el pensamiento es débil. Por el contrario, creo que la construcción física, propia de la arquitectura, trae consigo la idea de la duración como un valor añadido al de la función.

Es inevitable que en la cultura de su tiempo, incluso los aspectos de debilidad y fragilidad reflejen la condición de la arquitectura. ¿Crees que las artes y la arquitectura, los valores culturales, la memoria de la historia, el conocimiento y el estudio de los símbolos aún puedan encontrar razones y oportunidades de encuentro en los espacios dedicados al culto?

Realmente creo que la arquitectura, con respecto a otras formas de expresión, puede ofrecer valores de historia y de memoria; aunque sólo sea porque le sobrevive al propio arquitecto y, por lo tanto, se puede comunicar con las generaciones futuras. Repito, la razón más profunda de la arquitectura es, hoy, una reflexión en el territorio de la memoria.

Iglesia de San Rocco, Sambuceto, Italia (2006-a la fecha)

www.botta.ch 45

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Bon vivant:

sinergia de calidad y vanguardia Interceramic, empresa innovadora, líder fabricante, distribuidor de pisos y azulejos cerámicos, reunió seis importantes firmas con las que comparte valores y calidad en común para crear un espacio exclusivo que cumple con las más altas exigencias.

Texto redacción Fotografía Beto Adame y cortesía Interceramic

punto de encuentro de valores en común

Bon vivant es una expresión francesa que designa al buen vivir, pero que en específico define a la persona que gusta de los placeres de la vida, la buena comida, la buena ropa, los mejores accesorios, el mejor estilo de vida, es decir, un individuo que nutre de hedonismo su espíritu. Con todo este concepto encerrado en una sola locución, se creó un espacio ambientado por expertos interioristas —liderado por el arquitecto Víctor González, Director de Arte de Interceramic—, que cumple con los más altos estándares de calidad: Bon vivant.

Así, Interceramic —la marca con mayor éxito en la fabricación de pisos y azulejos cerámicos, y con más de 35 años en el mercado— se dio a la tarea de generar alianzas de colaboración entre diversas firmas de gran renombre relacionadas con lo mejor del interiorismo y el diseño en México y el extranjero: Kohler, Roche Bobois y Case; con la participación de Lightmex, Mabe y GE Monogram, así como las aportaciones especiales de iWorld y diversos artistas. ¿Qué tienen en común? Valores y calidad.

“Nosotros colaboramos con muchas de estas marcas de manera natural por nuestro contacto con arquitectos e interioristas”, comenta Víctor González en entrevista para Glocal.

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E l lujo del detalle Enclavado en la colonia Granada, mejor conocida como el Nuevo Polanco y rodeado de un envidiable entorno cultural, el departamento de 200 m2 fue transformado para disfrutar la buena vida. “El proyecto —compuesto por dos habitaciones, dos y medio baños, sala, cocina, comedor y una estancia que funge como área social con vista al espectacular Museo Soumaya—, nace con la intención de mostrar lo mejor, en cuanto a calidad y concepto de vivienda se refiere, al ciudadano del mundo: una persona que viaja, que lee y que está acostumbrada a vivir rodeada de cosas únicas”, aseguró Víctor.

En el interior, nos recibe una rinconera componible de Roche-Bobois en piel y con costuras destacadas y acabados en madera. La mesa de centro Unik de Thierry Picassette irrumpe el espacio con unas novedosas patas entrecruzadas de plaxiglás opaco y transparente. El área de comedor y bar también luce mobiliario de la misma firma, empresa invitada por estar siempre a tono con el diseño de avanzada.

Todo el departamento muestra acentos de distinción y sorpresa otorgados por una de las compañías más antiguas, grandes y renombradas de EUA: Kohler. En la cocina, destaca la llave con articulaciones Karbon; en el baño, la bellísima tina Abrazo, los sanitarios y los lavabos Antilia Wading Pool (que pareciera que un martillo dejó huella en su superficie permitiéndose un acabado bellísimo) y Briolette ambos en vidrio, todos de Kohler.

Por otro lado, sobresale la sencillez y elegancia de materiales, formas y colores de Case en baños, cabinas para vestidores, vanities, cocina y puertas, hechos todos con excelente manufactura a la medida y necesidad del cliente. Case puso especial atención en el entorno y revistió con elegancia y sobriedad los focos más importantes del proyecto gracias a su equipo de Carpintería y Millwork, uno de los más importantes del país.

Ninguna casa que se precie de serlo puede prescindir de la tecnología y no fue la excepción en el proyecto Bon vivant. Por un lado, Lightmex se encargó

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de ambientar a través de la iluminación todo el espacio resaltando los puntos más importantes del departamento; por el otro, en la cocina, la triada: horno, estufa y refrigerador de Mabe y GE Monogram complementa el espacio con el refrigerador dúplex, la estufa de cuatro quemadores y plancha, y un horno eléctrico en acero inoxidable y controles digitales. Y para cerrar el apartado tecnológico, la empresa iWorld automatizó iluminación, sonido y servicios con controles y aplicaciones, creando así una casa inteligente y segura.

El arte fue de vital importancia en todo el conjunto, las esculturas del chihuahuense Francisco Esnayra, artes visuales del también norteño Ricardo Santos y la fotografía del italiano Giampietro Favero imprimen al espacio color y reflexión en un ambiente más bien lleno de quietud y sin sobresaltos, el lugar ideal para descansar después de un viaje de negocios.

Interceramic, por su parte, tuvo especial cuidado en paredes y pisos creando un diálogo con la belleza del exterior. Todos los acabados de mosaicos y azulejos fueron impresos con tecnología de punta y con las normas de higiene y calidad más estrictas. Así, esta empresa con una gran historia productiva en Norteamérica, propicia una cadena de valor donde es indispensable la colaboración a favor de la creatividad. www.interceramic.com

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Salone

Internazionale del Mobile 2015

Cuando la tendencia es la no tendencia Enviada especial / Entrevistas Greta Arcila

Fotografías cortesía

A

principios de año llegó la invitación para visitar la feria más grande y con más propuestas del mundo del diseño: el Salone Internazionalle del Mobile. En su 54ª edición, no dejó de sorprendernos junto con la ciudad que la alberga.

Desde nuestra llegada vimos un Milán muy entusiasta y dispuesto a recibir a sus invitados; en ese momento estaban terminando los preparativos para Expo Milan 2015, por lo que el ambiente festivo se sentía en toda la ciudad.

El domingo no cabía una persona más en las banquetas, muchos idiomas se escuchaban y todo tipo de personajes observaban asombrados los aparadores de Via Montenapoleone, la calle donde se encuentran las firmas de moda de más renombre, y sus vitrinas, con motivo del Salone, son intervenidas. Un bello ejemplo de ello fue la firma Louis Vuitton quien invitó a Patricia Urquiola, Atelier Oï, Barber & Osgerby, Nendo, los hermanos Campana, Gwenaël Nicolas, Raw Edges, Damien Langlois-Meurinne y Maarten Baas, a diseñar mobiliario y accesorios de viaje, mismos que fueron expuestos de distintas maneras y conviviendo con los clásicos de la firma; las piezas a su vez se complementaban con la exposición que se montó en Palazzo Bocconi. Espléndida.

En el Salone –que recibió este año a 310,840 visitantes-, destacó la presencia del color y un dejo de neorococó nos distrajo un poco la atención. Muchas firmas dispuestas a captar el mercado ruso y árabe hicieron difícil lo sencillo; sin embargo, es un discurso viable y que no dejó atrás la calidad de la manufactura.

Hoy está claro que no hay un estilo o una tendencia a seguir, como bien lo mencionó en entrevista para Glocal, Roberto Snaidero, Presidente del Salone Internazionalle del Mobile, pues afirma que de esos mercados —incluyendo el chino— llenos de expresiones tan diversas, tenemos mucho que aprender y descubrir. Asimismo, en esta época tan basta en información, es cuando más responsabilidad tenemos de elevar nuestras exigencias, y por ende, mejorar nuestro mundo.

La belleza debe estar presente, como presente está en el Salone, pero donde también el hombre exalte y viva ideas únicas e inspiradoras, y la tecnología cree un puente de creatividad inigualable.

De 3 años a la fecha se vislumbraba ya la decadencia de la Zona Tortona, pero este año la propuesta fue casi nula, excepto por el showroom montado por Moooi y su director creativo Marcel Wanders, quien siempre sorprende con su teatralidad; su expresionismo exacerbado y su dramatismo controlado, que fascina y atrapa a todos los visitantes.

Zona Ventura continuó siendo la opción para universidades, estudiantes y proyectos que a través de la experimentación continua, muestran sus procesos abiertamente al público con el fin de establecer un diálogo más franco con los visitantes.

La muestra de diseño Nórdico contaba con una gran curaduría, al tiempo de estar espléndidamente montada.

En Zona Brera lo más significativo fue el proyecto que año con año monta “Interni magazine” y que anunciaba con el tema Energy for the Creativity. Ahí vimos talentos como Kengo Kuma, Antonio Citterio y Patricia Viel, Steve Blatz y Antonio Pio Saracino, Sergei Tchoban y Sergey Kuznetsov, Daniel Libeskind, entre muchos otros, realizaron instalaciones que hacían alusión a la problemática actual que es la alimentación responsable, con todo lo que esto representa: cuidado y respeto a la naturaleza y a los animales, el uso indiscriminado o acertado de conservadores y hormonas, seres humanos con condiciones inhumanas de trabajo, por mencionar sólo algunos de los temas más preocupantes.

Resulta imposible presentar todo lo que vale la pena de la semana del diseño en Milán, y por esta razón invitamos a los creativos a exponer con sus palabras sus propuestas y cómo ven el diseño… Esperamos les guste.

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M ar va Griffin fundadora del Salone Satellite

Fotografía cortesía archivo Marva Griffin y Francisco Agüero

La Mamma del diseño, la apodaron los italianos, es Marva Griffin Wilshire una relevante figura pública en Milán, reconocida mundialmente por diseñadores y expertos del gremio creativo.

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roveniente de una familia numerosa del Callao, Venezuela, Marva Griffin mostró desde niña su inclinación por el interiorismo: “Yo me dedicaba desde pequeñita a la decoración de la casa: las flores… yo cortaba las cayenas, cambiaba los muebles, siempre decoraba. Con dinero de mi bolsillo, en la única bodega donde vendían libros y revistas, compraba la revista ‘House & Garden’, porque me gustaba”, recuerda Griffin.

Armada con el italiano que había aprendido en la universidad de Perú y su inquietud por conocer Europa recorrió Italia por varios meses hasta que una oportunidad laboral en C&B, hoy B&B, como asistente de Piero Ambrogio Busnelli, la introdujo al diseño, su pasión: “Tenía que traducir todo el proceso de fabricación a Busnelli que sólo hablaba italiano... Yo sabía de memoria cómo se hacían esos muebles”.

Tiempo después, Marva Griffin, se convirtió en corresponsal de varias publicaciones de Condé Nast: “Maison & Jardin”, “Vogue Decoration” y “American House & Garden” (la misma revista que de niña compraba). “Yo le quería comunicar al lector la belleza de Italia, y las bellas casas del mundo. Viajé mucho con un fotógrafo (y a veces con un editor) creando ambientes para mostrar los muebles de las empresas. Ésa era mi labor”.

Marva Griffin encontró una segunda oportunidad para desarrollar sus habilidades cuando las empresas Etro, Mantero y Setarium, famosos por su producción de telas y tejidos para el mundo de la moda, incursionaron en el mobiliario.

Acostumbrados a mostrar con un gran y glamoroso evento sus creaciones, deseaban presentar a los fabricantes de muebles sus textiles, y para ello buscaron a Griffin quien por nueve años consecutivos realizó aquellas exhibiciones de superlujo en el Palazzo Grassi de Venecia: “Mientras hacía eso, Manlio Armellini me dijo:

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‘Marva yo necesito que tú vengas a trabajar en el Salón del Mueble’.

Y comencé a trabajar”, comenta con emoción la líder del Salone Satellite.

Una vez dentro del Comitato Organizzatore del Salone del Mobile Italiano, Cosmit, Marva Griffin se hizo cargo de la comunicación con la prensa de las ciudades más importantes: Londres, Nueva York, Taipei, entre otros; y descubrió la necesidad que los jóvenes diseñadores tenían de mostrar sus prototipos a los fabricantes.

“En la feria vieja había un pabellón, una especie de hangar que habían comprado, un espacio muy bello donde se hacían varias cosas como la Feria de las antigüedades y otras, y el Instituto de Ferias de Milán —una institución que da orden a las más de 85 ferias anuales que se organizan en la ciudad— decidieron darlo al Salón del Mueble. Entonces, Armellini me dijo: ‘tienes un espacio y puedes organizar algo para traer a los jóvenes dentro del salón’. Así surgió el Salon Satellite”, declara Griffin.

Marva Griffin, que ha visto nacer a la industria y el mercado del diseño como hoy lo conocemos, inauguró la plataforma de exhibición más importante para diseñadores nóveles en 1998. Su importancia es tal que ha sido decisivo en la carrera de diseñadores y despachos como Nendo, Matali Crasset, Patricia Urquiola, A lot of de Brasil, Extremis de Bélgica, y muchos más que han pisado la sala de exhibición y han tenido como resultado una proyección internacional. Y es este éxito logrado por los jóvenes creadores la mayor satisfacción de Marva Griffin quien se ha ganado a pulso el sobrenombre que la describe: la “Madre del diseño”. www.salonemilano.it 53

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F e r r u c c i o L av i a n i E q ui libr io e n t r e cali dad y cua l i da d Fotografía cortesía del diseñador

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ste diseñador italiano ha estado muy activo desde 1982 con la firma De Lucchi y trabajando para varias compañías de prestigio, lo que lo convirtió en uno de los creativos más reconocidos de Europa, al grado de llegar a ser el encargado de la muestra de diseño de mobiliario italiano en la sala dedicada ex profeso a este ámbito en el Museo de Louvre de París durante once años consecutivos, de 1980 a 1990.

Exigente y visionario, a Laviani le gusta crear efectos visuales sorprendentes, logrando entregar a sus usuarios piezas únicas gracias a que su creador explora al límite la capacidad de los materiales, sin que éstos pierdan su naturaleza estética y su funcionalidad práctica. Laviani está convencido de que no se trata de un proceso fácil o de conocimiento que se puede “dominar”, sino que es algo que siempre ofrece retos y cambios de paradigma para encontrar la solución adecuada.

“Creo que para nosotros como diseñadores, lo primero y más importante es definir el límite de lo que no es una pieza de calidad. Luego, estar seguros de que hay que romper varios moldes. No podemos quedarnos con los primeros intentos y pensar que es suficiente. No puede ser suficiente. Debe ser de calidad óptima.

“Por eso, es muy importante que aprendamos a determinar las capacidades y calidad del material con el que trabajamos, pues hay que recordar que estamos trabajando con nuestras compañías y la razón por la que recurren a nuestros diseños es porque saben que nosotros conocemos cuál es la relación entre precio y calidad”, afirma.

Laviani, como director creativo de Kartell está convencido de que el diseño industrial tiene un alto costo. En su experiencia, cada nueva propuesta tiene un precio elevado por la cantidad de dinero que se debe invertir en un molde, y un molde que no sirve no se puede modificar: “no existen arreglos, no se puede cambiar. Debe ser desechado”, nos dice en un tono franco.

“Para ser un diseñador con prestigio, hay que invertir en investigación. Se debe estar dispuesto a ver cómo el dinero no sólo se debe enfocar a lograr la forma perfecta sino también utilizar la tecnología adecuada para lograrla. Un proyecto no sólo tiene que ver con las figuras sino también con la técnica elegida y la tecnología precisa.

Cuando se desarrolla este know-how, ahí es donde encuentras la ventaja competitiva del objeto que estás diseñando”, enfatiza. www.laviani.com

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arik levy,

arti s tA , escen óg r af o y di señ ado r Fotografía cortesía del diseñador

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ablar con Arik, créanme, es fascinante. Fue mi primera entrevista en esta edición del Salone y aún no sé por qué, la conversación con la que comienzo mi recorrido me produce más nervios que ninguna otra.

Nos esperaba en el stand de Vibia. De mirada franca y directa, él comenzó la plática pues estaba ansioso de mostrar y platicar de su trabajo, ya que comenta que colaborar con Vibia es por demás satisfactorio pues en el proceso siempre aprende mucho por la maestría con la que manejan la tecnología para no sólo crear luminarias, sino sistemas de iluminación a través de un buen diseño.

Yo me acerqué a él preguntando cómo el haber creado escenografías influye y ayuda a diseñar piezas que generen ambientes, quizá hasta dramáticos, a lo que afirma contundente: “Sin duda, haber diseñado para dar realce al cuerpo humano o a un pequeño espacio para transmitir emociones es algo que me marcó como creativo. Yo soy escultor y mi acercamiento al volumen es distinto a como lo hace un diseñador. Cuando pienso en el espacio que será iluminado, trato de ver desde distintas aristas cómo afectará al cuerpo que recibirá la luz, y claro, jugando con el misterio, con dar un pincelazo de luz, de lo contrario caes en lo burdo y es lo último que quiero con mi trabajo”.

Comenta que la mitad de su estudio trabaja para el arte, y la otra mitad para el diseño, pero en proyectos como éste con Vibia, las dos áreas trabajan juntas para dar un mejor resultado, pues tienen distintas realidades creativas al tiempo de pertenecerse.

“Tengo muy claro que arte es arte y diseño es diseño, no se deben de mezclar conceptualmente; no puedes concebir una silla pensando que va a ser una pieza artística porque en ese momento estás perdiendo toda conciencia de su fin. De unos años para acá muchos diseñadores están obsesionados con crear ‘piezas artísticas con un fin industrial’ y eso nunca va a resultar. Sé que un producto debe de ser concebido con una identidad de producto, creo que por eso nos buscan nuestros clientes, porque abordaremos los proyectos con una visión panorámica.

“En el caso del proyecto Curtain para Vibia creo que logramos ese equilibrio perfecto, entre algo completamente funcional pero que a su vez tiene un grado de misterio, de sencillez, que puede funcionar muy bien... bueno, en realidad eso esperamos, ya veremos estos días cómo es recibido por la gente”, concluye. www.ariklevy.fr 55

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Jean-Marie Massaud El éxito de un objeto lo define el usuario final y su contexto

Entrevista Francisco Torres Fotografía cortesía del diseñador

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n el año 2000 yo era profesor de medio tiempo en la Ecal School Cantonal D’art de Lausana, Suiza y tenía la labor de recibir a los invitados internacionales. Así fue como conocí a JeanMarie Massaud, dándole un tour por la ciudad donde recuerdo que muy casualmente me platicó de sus proyectos en curso mientras tomábamos unos tragos en el Beau-Rivage Palace.

Hoy, un jueves a medio día, después de una de esas noches míticas al estilo Bar Basso, me toca hacerle una entrevista a Massaud en el stand de la marca Viccarbe en la feria de Milán.

Le recordé que hace 15 años nos vimos en Lausana y participamos juntos en un proyecto de Ecal para rediseñar el famoso y típico banquito de ordeño suizo. “¿Eso fue hace ya 15 años?”, respondió.

En aquel entonces me dijo que trabajaba para la industria automóvil, por lo que traté de confirmar si aún seguía dentro de este ámbito.

“He trabajado en diferentes sectores. Soy ingeniero en aeronáutica, he trabajado en diseño, en arquitectura y he tenido varias oportunidades dentro de la industria automotriz. Hace poco hice un proyecto para Toyota y también he trabajado para Renault pero sólo en el desarrollo de sus stands para ferias, sin colaboraciones en sus productos”, dijo Massaud.

Y ahora, estando en otro tipo de feria, le cuestioné sobre el origen del proyecto Ace Wood que presentaba ese mismo día con Viccarbe, empresa española presente en más de setenta países y que fabrica mobiliario contemporáneo desarrollado por diseñadores internacionales.

“Hace siete u ocho años realizamos juntos la silla Ace donde la idea era hacer un duvet suspendido que brindara un confort desenvuelto, utilizando un mínimo de materiales. Se trata de hilo de metal que genera una silla

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minimalista, pero no minimal en el estilo, sino minimal en los medios de fabricación.

“El proyecto tuvo mucho éxito, un éxito a la escala de la empresa Viccarbe. Entonces, después de siete u ocho años de vida del producto me dije: bueno, la idea del duvet sigue siendo interesante, las ventas siguen siendo interesantes, pero me gustaría posicionarla en el mercado del mueble doméstico y ahí se requeriría algo más patrimonial; es decir, comprarla así está bien pero habría que agregarle una estructura de madera, simpática, elegante, un poco más encantadora y cálida. Así que la adaptamos e hicimos una evolución de la gama”.

Para Jean-Marie, el enfoque fue ese: jugar con los mismos medios, lo escultural y una silueta visible e identificable para emerger dentro de la multitud de propuestas que hay alrededor.

En cada propuesta que Massaud desarrolla siempre toma en consideración el contexto, porque “hay ideas, como la idea de confort o de ligereza —las cuales siempre están presentes en mi trabajo— pero después hay contextos; sea el diseño automotriz o sea el diseño de mobiliario, con tal o cual empresa, con equis tipo de distribución, capaz de metabolizar ciertas ideas o no.

“Todo depende del usuario final, estamos en la era del acceso, ¿quién tiene acceso a la propuesta que está hecha? Hay que considerar todo esto: el savoir faire, la cultura de la empresa, los medios; los medios en términos de desarrollo, de distribución, de marketing entre otros factores”. www.massaud.com

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marcel wanders La trascendencia del objeto

Fotografía cortesía del diseñador

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onocido por su constante investigación en el uso de materiales y por su propuesta vanguardista, sin dejar de lado las referencias evidentes a estilos y arquetipos históricos, este afamado diseñador holandés se preocupa por hacer que los usuarios tengan una conexión sencilla con sus piezas, además de que las disfruten por mucho tiempo, mientras que de manera simultánea, crea obras sostenibles.

En esta ocasión, nos sentamos a platicar con Marcel para que nos contara cómo le llegan las historias que después plasma en su diseño de interiores y cómo es un día de trabajo en su vida.

“Para mí, un día normal es un día como cualquier otro, pero siempre me siento agradecido por cada día, siento que todo lo que está sucediendo es importante y es para mí, y está aquí para que pueda disfrutarlo. Así que soy muy activo; quiero verlo todo, experimentarlo todo… de modo que, creo, un día normal para mí es un día maravilloso lleno de pequeñas cosas extraordinarias”, dijo el creativo.

Con estas ideas en la cabeza, Wanders se lanza a conocer espacios una y otra vez para capturar cada detalle y ver cómo se transforman de un momento a otro. En ese instante comienza a conjurar sus proyectos. Ese proceso lo ha llevado a convertir su estudio en una compañía, una marca reconocida, y cuando le preguntamos cómo se sentía al respecto y qué efecto tendría sobre su trabajo, nos dijo: “No lo sé, de hecho no había decidido que sucediera. Siempre quise ser un gran diseñador y quería aportarle un gran valor, un valor real a las cosas. Crear cosas que de verdad entusiasmaran a la gente… y a mí.

“Comprendí que si quiero hacer una pieza en específico y te la quiero compartir, la pieza no es importante porque yo la haga y la tenga en mis manos. La pieza cobra importancia porque tú la tienes en tu mente y luego la llevas en tu corazón. Eso es lo que le da valor. La pieza, esta copa, sigue en la mesa y tú llevas en la mente todo este entorno que nos rodea, este momento”.

En su opinión, dado que la comunicación es muy importante para lo que hace Marcel, estos torrentes de datos que genera con su trabajo son lo que lo llevó a convertirse en una marca.

“Sólo sucede cuando como concepto eres más interesante que el mero objeto que creas. Si te centras en hacer el objeto, si el fin sólo es el objeto, nunca serás más grande que él y entonces sólo eres un objeto. Cuando te conviertes en una marca es porque la colección de objetos creados es más interesante que cualquier objeto individual que la conforme.

“Me parece que muchos diseñadores sólo quieren hacer un objeto interesante. Nada más. No les interesa estar en otro sitio que aquí creando esta copa. Así están felices, pero yo no estoy feliz si sólo hago eso. Yo mido el resultado de mi trabajo, contando el entorno, no sólo contando el objeto terminado”, expresó el diseñador. www.marcelwanders.com 57

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Christophe Pillet

“El diseño es crear una interesante historia”

Fotografía cortesía del diseñador

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econocido por la expresión de su espíritu lúdico y la exploración de la sencillez, el trabajo de Christophe Pillet se define en todo el mundo como un concepto lleno de elegancia exquisita que es buscado por firmas de la talla de Lacoste, Renault, Lancel, John Richmond y Catherine Malandrino, entre muchas otras. Para él, el refinamiento y la simplicidad van de la mano, esa unión es lo que da lugar a la verdadera elegancia y se ve reflejada en toda su obra.

“Para mí, la intención en el diseño de mis colecciones es muy sencilla.

En mi primera colaboración para una firma importante, la idea era crear productos muy decorativos. Nada de cosas muy elaboradas, sólo cosas simples… se trataba de jarrones, pero yo quería que tuvieran algo con un toque tecnológico; incluso no se veía tecnológico porque ése no era su significado ni la meta.

“Existe la técnica llamada bi-inyección que permite llenar el molde con dos polímeros de distintos colores y que era bastante novedosa. Eso me dio la oportunidad de crear piezas de apariencia agradable y muy coloridas.

Así nació un producto que no era posible hacer antes. Con el uso de esta técnica de vanguardia, logré una esencia de alta tecnología ideal para aquella primera colaboración. No se trató de algo práctico o funcional.

Sólo era un producto que se veía muy bien… nada más era un jarrón, pero era simple y con estilo”, describe Pillet.

Con el auge del valor artesanal y los procesos manuales, Christophe comprende que lo que la gente busca es valor a largo plazo. “Ya no queremos el producto del día o la novedad de la semana —afirma—. Ya supera el hecho de comprar algo y a la semana siguiente verlo y pensar que es repugnante. No queremos tendencias efímeras. Queremos algo que dure. Si yo compro algo, quiero que mantenga su valor para mí durante mucho tiempo”, declara.

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En un mundo sobresaturado de información, donde cada vez es más difícil hacer notar una voz propia, Pillet se las arregla para mantener el carácter único de su obra. “En realidad no es tan complicado. Creo que el trabajo del diseñador es exactamente el mismo que el del escritor: yo estoy contando una historia. No utilizo un libro… podría ser escritor o incluso cineasta porque estoy contándole historias a las personas, pero elegí usar productos como mi medio de expresión. No creo que estoy creando una silla. Yo uso una silla para contar una historia específica”.

Al pensar en que la prioridad es satisfacer al usuario añade que “al final, yo tengo mis ideas y mi punto de vista. Creo que deberíamos tener más espacio para la gente y estar menos sumergidos en tanto producto. El hecho de que existan tantas técnicas, tecnologías y tendencias no afecta lo que quiero expresar. Mis historias van a seguir su camino particular y quizá tenga otra historia que contar más tarde, pero siempre buscaré la manera de contarla sin que le afecte lo que está ocurriendo. Si mantengo mi línea simple y mis objetivos claros, las historias seguirán fluyendo como hasta ahora: sin tropiezos y con eso que la gente llama elegancia”, concluye. www.christophepillet.com

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MOBILIARIO Contraste de formas y siluetas, colores vibrantes, así como una marcada intención por la experimentación de materiales y el uso de la tecnología, son las características que definen la tendencia en diseño de mobiliario exhibida en el Salone del Mobile de Milán 2015.

En esta ocasión, destacó una propuesta mucho más arriesgada por parte de los creativos en los procesos de producción, con los que dieron origen a colecciones que dejan a un lado las formas y dimensiones tradicionales, para dar paso a objetos en los que la funcionalidad lleva detrás un sentido lúdico.

Materiales naturales como la madera siguen presentes en sillones, sofás y sillas que destacan por la geometría y líneas puras, mismas que se aprecian también en mesas, libreros, armarios, credenzas y otros diseños.

Shelf de YOY-Naoki Ono y Yuki Yamamoto para Campeggi / Salone

Era Rocking Chair de Normann Copenhagen / Salone

Mesa Mari Sol de Eugeni Quitllet para Vendom / Salone

Thea de Lina Obregón y Carolina Galan para MDF / Salone

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DUNA 02 de Lievore Altherr Molina para Arper / Salone

Bras Easy Chair de Khodi Feiz para Artifort / Salone Acacia Coffee Table de Keneth Cobonpue

Alfi de Jasper Morrison para Emeco / Salone

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Vase Shelves de Ran Amitai y Gilli para Covo / Salone

Net mattone de Raffaello Galiotto para Nardi Garden/ Salone

Ellipse de Front para Porro / Salone

Butterfly de Patricia Urquiola para B&B Italia / Salone

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Alhambra de Sotiris Lazou para al2 / Fuori Salone

Husk de Patricia Urquiola para B&B Italia / Salone

Soft01 por Nendo para Glas Italia / Salone

Sill贸n 808 de Formstelle para Thonet / Salone

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Lily de Marc Thorpe para Casamania / Salone

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Flip it! de Marte Frøystad para Klubben / Zona Ventura, Norwegian Presence

Ace Wood de Jean-Marie Massaud para Viccarbe / Salone

Cyborg de Marcel Wanders para Magis Design / Salone

Charles Chair Composition 14 por Marcel Wanders para Moooi/ Zona Tortona

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Nest Sofa por Johannes Foersom y Peter Hiort-Lorenzen para Caneline / Salone

Nagi de TomoyaTabuchi para Viccarbe / Salone

Soglio de Act Romegialli para Fioroni / Zona Ventura

Ostenda por Vico Magistretti para Campeggi / Salone

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Beso de Khodi Feiz para Artifort / Salone

Node de Nobu Miake para Design Soil / Zona Ventura

Rock and Roll de Studio Job / Salone

Armario Dakar de Ferruccio Laviani para Emmemobili / Salone

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Silla Frame de Notion y Mourne Textiles para Irish Design / Salone

Love Sofa de Marcel Wanders para Moooi / Zona Tortona

° Bruhová para Thomas Bata University / Zona Ventura Banco PopUp de Kateřina

Suspens de Cédric Ragot para Roche Bobois / Salone

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Something to hang on de Karin Johansson para School of Design and Crafts / Zona Ventura

Arm Chair 580 de Rolf Benz / Salone

Credenza Bossotti de Marcel Wanders para Moooi / Zona Tortona

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ILUMINACIÓN

PopUp Chandelier de Eva Wirthová para Thomas Bata University / Zona Ventura

Las luminarias de esta edición conservan las técnicas artesanales que han marcado el diseño a lo largo de su historia. Vidrio soplado, cerámica y metales son los materiales predominantes en estas piezas que van acompañadas de acentos de colores cálidos con el objetivo principal de generar un encuentro acogedor entre la luz, el espacio y el usuario.

A través de la siguiente selección de luminarias es posible apreciar que, conforme pasa el tiempo, el lazo entre arte y diseño se vuelve más fuerte y el resultado es rico tanto en forma como en estética.

La ligereza es otro elemento fundamental en la creación de lámparas, las cuales, van acompañadas de una fuerza visual representada por patrones y degradados que generan diferentes perspectivas.

Drop Seul de Beau&Bien / Euroluce

Bol de Büro Famps / Euroluce

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Lรกmpara Sanpietrina de Chiara Moreschi para Way Point Light / Euroluce

Greta de Giopato & Coombes / Zona Ventura

Tint de Fredrik Mattson para Zero / Euroluce

Melt de Tom Dixon / Zona Brera

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Mesh por Francisco Gomez Paz para Luceplant / Salone Séléné por Normal Studio para Artuce / Euroluce

Sunset de Sourappensiero para Way Point / Euroluce

Astera por Claesson Koivisto Rune para Fontana Arte / Euroluce Well de MEJD Studio para Lasvit / Euroluce

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Pineapple de Matteo Zorzenoni para M.M Lampadari / Euroluce

Fedora de Dima Loginoff para AXO Light / Euroluce

Ring Lights de Lee Broom / Zona Brera

Lampe Gras N304 de Bernard-Alvin Gras / Euroluce

Soft de Nendo para Glas Italia / Fuori Salone

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textiles El arte del textil se reinventa con nuevos procesos de producción con los que se crean interesantes conceptos de tapetes, alfombras y piezas de gran diseño que a su vez, contrastan con técnicas artesanales que prevalecen gracias a la maestría y trabajo de los expertos tejedores de comunidades de diferentes partes del mundo.

Lo anterior se demostró una vez más en el Salone del Mobile, donde se exhibió una gran variedad de opciones que mostraron el trabajo colaborativo entre empresas y creativos de la industria textil.

Dentro de lo más destacado aparece la propuesta de la firma holandesa Moooi, dirigida por el diseñador Marcel Wanders, que presentó una nueva maquinaria de inyección de tinta sobre tejidos con la que es posible crear estampados de diferentes efectos ópticos y otras formas.

A pesar de esta tecnología, el valor de lo hecho a mano se impuso con las colecciones de marcas como Dansika, Paola Lenti, Gandiablasco y Jan Kath, entre otras, creando todo un juego de formas, colores y texturas para los hogares contemporáneos.

Pilgrimage y Tokio de Federico Pepe para CC-Tapis / Salone

Sottoportico de Seraina Lareida para Portego / Zona Tortona

Zig Zag Cyan de Missoni para Bolon / Salone Bisanzio y Zoe de Paola Lenti / Salone

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Silaï de Charlotte Lancelot para GAN Rugs Gandiablasco / Salone

Stripes y pattern de la colección Mélange de Sobre Sybilla para Nanimarquina / Salone

Eden King de Marcel Wanders para Moooi Carpets / Zona Tortona

Ziegler Prince Sky de Jan Kath / Zona Tortona

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accesorios

Sistema de repisas de Patricia Urquiola para Kartell / Salone

Los objetos más sencillos pueden ser los protagonistas de cualquier espacio de la casa, gracias a su forma y la función que éstos desempeñan. Los diseñadores internacionales lo saben y es por eso que en la más reciente edición del Salone de Milán, han dado una muestra de su ingenio en la elaboración de accesorios básicos para casa.

En este contexto, los espejos, portalibros, revisteros, candelabros y hasta las mesas, cambian su forma convencional, a partir del uso de novedosos materiales, colores y acabados que los convierten en todo un concepto lleno de ingenio para todos los estilos de ambientes.

Reconocidos creadores de la talla de Paola Navone, Patricia Urquiola y marcas como la italiana Alessi, imponen toda una nueva forma de hacer de lo más simple algo único y sorprendente.

Ceramic Pradigm de Hayashi Shigeki para Tokio Design Week 2015 / Zona Tortona

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Tail Lake Stone Screen de Yang Mingjie en CIDIC / Zona Brera

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Membran de David Truebridge para Offecct / Salone

Voyage de MIST-O / Zona Brera

Balans de Khodi Feiz para Artifort / Salone

RĂŠaction PoĂŠtique Collection de Jaime Hayon para Cassina / Salone

Espejo Christine de Helidon Xhixha & Dante O. Benini-Luca Gonzo para Fiam / Salone

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INSTALACIONES

Instalación Urban Perspectives de Jaime Hayon & MINI / Zona Brera

Hoy en día el diseño industrial y la tecnología de vanguardia como son los OLEDs, han ayudado a que las luminarias sean cada vez más espectaculares y en muchos de los casos sean elementos importantes cuando se realiza el interiorismo de una casa.

Para la primera edición de Maison & Objet 2015 vimos ejemplos magníficos de este matrimonio perfecto, y nos sorprendió nuevamente con diseños que nos recuerdan a la naturaleza pues son muy libres en forma y discurso.

El regreso al trabajo con los profesionales sopladores del vidrio y el juego con las formas salidas del horno y su transformación en procesos de trabajo lúdicos, fue otra de las constantes en las piezas mostradas.

The Garden of Wonders de Adriano Brusaferri / Zona Brera

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Irori Kitchen Installation de Kengo Kuma y asociados / Zona Brera

The Workshop Of A Nose de Lissoni Associati para Lundborg / Zona Brera

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MAISON & OBJET

AMERICAS Enviados especiales Greta Arcila y Gerardo León Fotografía cortesía

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ás de 365 exhibidores de 24 países, y cerca de 11,000 visitantes se dieron cita en la Maison & Objet Americas que se llevó a cabo del 12 al 15 de mayo en las instalaciones del Convention Center de la ciudad de Miami, Florida.

El evento que se celebró por primera vez en Norteamérica, contó con la presencia de importantes marcas y relevantes personajes internacionales entre los que destacaron Karim Rashid, Paola Navone, David Rockwell, Kelly Hoppen, George Yabu y Glenn Pushelberg, Piero Lissoni, entre otros, quienes en conferencia compartieron su filosofía y describieron las tendencias actuales en el ámbito del diseño de espacios.

La feria dio una muestra de las últimas novedades en mobiliario, iluminación, accesorios y arte-objeto donde pudimos conocer de cerca el interés de los creativos internacionales por rescatar los procesos artesanales en la producción de diseño contemporáneo aplicando técnicas como la del vidrio soplado, la ebanistería, los tejidos y otras formas de elaboración donde destaca lo hecho a mano.

Sobresalió la participación de la diseñadora española Patricia Urquiola con un stand donde presentó la colección Bandas. En esta línea, la modularidad es llevada a sus últimas consecuencias ya que todas las piezas pueden intercambiarse a través de un ingenioso sistema ideado por esta extraordinaria diseñadora.

Firmas como Anna Torfs, Lumifer, Serip, Arnolfo di Cambio y Artel proyectaron la majestuosidad y los alcances del vidrio trabajado con maestría para diferentes usos como iluminación, accesorios de casa y diseño conceptual.

Marcas de gran tradición como Porada, Chelini, Britto Charette y Boca de Lobo entre otras, demostraron una vez más su posicionamiento en el diseño de mobiliario y otras piezas donde la tradición artesanal se impone a las tendencias actuales.

Como parte de las actividades de la feria, se llevó a cabo la premiación al mejor diseñador del año que en esta ocasión fue para el brasileño Zanini de Zanine, quien recibió de manos del director de la feria, Philippe Brocart, el reconocimiento por su destacada labor en la producción de mobiliario y accesorios para casa fabricados en madera y metal con los que rinde homenaje a sus raíces.

México tuvo una destacada presencia en el Rising Americas Talent, una selección especial de nuevos talentos a quienes se les brinda la oportunidad de mostrar sus propuestas a los expertos del diseño mundial y donde el mexicano David Pompa resultó seleccionado entre las mejores promesas junto con otros seis creativos de Canadá, Brasil, Argentina, Estados Unidos y Colombia.

Maison & Objet Americas tiene como objetivo ofrecer un evento anual para el comercio y los visitantes de Norteamérica y Sudamérica, buscando el posicionamiento a través de exhibir las más exclusivas marcas que representan el espíritu de lujo que ha sido parte del éxito de Maison & Objet Paris por más de 20 años.

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Paola Navone

d i señ ad or a si n f r o n t er as

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omo parte de las actividades de la Maison & Objet Americas la diseñadora italiana Paola Navone, llevó a cabo una magna conferencia en la que describió su propuesta en el diseño de espacios que van desde hoteles, apartamentos y restaurantes. La afamada creativa narró cómo ha sido su relación con el diseño, la cual comenzó desde que era una niña.

“A mí no me gustaba la escuela, era una niña terrible a mi manera… Era muy sistemática y por lo regular siempre hacia lo opuesto a lo que me pidieran o me ordenaran. Tal vez esto fue parte de lo que me motivó para dedicarme al diseño, porque a mí nunca me ha gustado seguir las reglas en cada creación que llevo a cabo, mi única regla en mi trabajo es darle prioridad a mi curiosidad.

“El color de las paredes de un baño, los tonos del cielo… todo con lo que estoy en contacto día a día me inspira… me encanta el mar y los peces, de hecho yo soy un pez”, expresó.

La afición de Navone por las formas, las texturas y los colores del mundo que le rodea es lo que da origen a cada pieza y cada atmósfera que realiza. Una de sus grandes pasiones y motivaciones proviene del Lejano Oriente y de sus continuos viajes a esta parte del mundo: “Hay cientos de lugares hermosos en el mundo que me inspiran. Cuando aterricé en Hong Kong por primera vez, descubrí un lugar fabuloso donde pude tener contacto con el mundo de la cerámica, y cuando regresé a Milán traté de convencer a la industria del diseño que incrementara su curiosidad hacia la artesanía y que fuera capaz de crear algo único con este material”, narra Navone.

Dentro del trabajo más reciente de Paola Navone se encuentra el diseño de la cadena Como Hotels, en Thailandia y Miami, donde ha logrado crear ambientes inspirados en las costumbres locales, además de dar origen a estancias que invitan a la relajación a partir del color, la iluminación y los elementos naturales.

Su larga y polifacética carrera se ha desarrollado entre las funciones de arquitecto, diseñador, director de arte, diseñador de interiores, crítico; ha trabajado para clientes selectos como: Abet Laminati, Armani Casa, Knoll Internacional, Alessi, Piazza Sempione, Mondo, Driade, entre otros. www.paolanavone.it

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Zanini de Zanine Pasión por sus raíces

Fotografía cortesía del diseñador

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este creador brasileño se le acaba de nombrar el Diseñador del año en la Maison & Objet Americas 2015.

Su carrera ha avanzado mucho desde aquellos días en los que comenzó a trabajar piezas monumentales hechas a partir de objetos que recuperaba de sitios en demolición.

Con la creación de Studio Zanini, logró reunir todos los aspectos del quehacer del diseñador industrial (estudio, oficina, laboratorio y galería) para que le fuera posible coordinar de manera eficaz los proyectos desde su concepción hasta su venta.

“Tuve la suerte de trabajar con dos grandes figuras de la arquitectura y el diseño de mobiliario. Mi visión del trabajo se formó durante mi etapa junto a mi padre, el arquitecto y diseñador José Zanine Caldas y el diseñador Sergio Rodrigues. Ese tiempo fue la línea de partida y donde más que trabajar sólo aprendía de estas dos personas. Yo, a través de su trabajo, vi lo que era crear un objeto sin tomar en cuenta una tendencia o seguir una moda. Ellos hacían lo que querían y así aprendí que tengo que diseñar a partir de mi voluntad, de aquello que siento que hace falta y que quiero hacer”, dijo Zanine.

Cuando le preguntamos cómo define su estilo personal y cuál fue la transición de su carrera al momento de comenzar a trabajar con marcas de reconocimiento mundial, nos dijo que no conseguía identificar el momento exacto de transición.

“En mi trabajo hay dos líneas; una artesanal y la otra más industrial. Lo artesanal es con lo que comencé mi trabajo saliendo de la universidad, pero ambas se complementan. Entonces trabajar con las marcas me ayudó, pero como todo en mi trabajo sucede de manera tan natural, no existe un momento donde se pueda ver esta transición. La libertad con la que me desarrollo fue lo que llamó la atención de las marcas de prestigio. No tuve que cambiar mi forma de trabajar… sólo comencé a colaborar con ellas sin seguir tendencias, sin hacer caso del ‘color del año’ u otras cosas”, afirma.

El uso de materiales de su país, su admiración por la naturaleza y las formas típicas de lo hecho a mano, es lo que da origen a cada una de sus creaciones.

“Mi libertad creativa es lo que atrae a las marcas a conocer mis piezas y quizás el punto de partida de todas ellas está en mi identidad nacional y cómo mantengo una referencia brasileña. Cada forma y cada material lo interpreto de una manera específica”, concluye Zanine. www.studiozanini.br

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voces maison & objet américas

Eugeni Quitllet lúdi c o y te cn o ló gi c o

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iempre relacioné el trabajo de este catalán con Starck debido a la gran mancuerna que lograron hace varios años, pero su nombre quedó grabado en mi mente cuando en el 2010 crearon la mítica silla Masters Chair. Fue ahí cuando vi cómo a través de la sencillez de las líneas y de un trabajo limpio lograron crear innovación y piezas silenciosas pero de firme presencia.

Sin embargo, no fue hasta hace dos años que pude conversar con él también en el contexto del Salone del Mobile. En esta ocasión la cita fue en el stand de Kartell pues con Claudio Lutti tiene una espléndida relación de trabajo, sin olvidar que él ha sido uno de los responsables de colocarlo en el star system del mundo del diseño.

A decir de Quitllet este año quiso borrar todas las “inspiraciones” anteriores para mirar a la naturaleza y sus elementos como la luz, el agua, el aire para crear nuevos efectos.

“Quise crear emociones y llegar a los usuarios de una manera más sutil.

Busqué el romanticismo, los sueños, las cosas que no vemos pero que nos mueven como humanos; claro siempre de la mano de la tecnología de punta que tiene una empresa como Kartell, siempre buscamos irnos a los límites,

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pero siempre creando emociones de una manera ‘industrial’.

“La silla Cloud nace, como lo dice su nombre, de cómo se conjuntan las gotas de agua en una nube para después tener ese fenómeno atmosférico que es la lluvia. Lo que yo pretendí es que la gente se sentara en esa transparencia tan material que es la lluvia”, expresó Quitllet.

También presentó una nueva silla llamada Dream Air, “aquí dimos la estructura formal en el marco, pero ya en el asiento queremos que el usuario sienta que flota, como una tela flotando con el aire. También es una idea sumamente romántica de cómo el ser humano se puede dejar llevar por el aire y perderse en sus pensamientos. Son proyectos muy poéticos pero creo que aterrizamos muy bien el concepto en el objeto”, afirma.

Y sin duda, es gracias a este enfoque de su trabajo que comprendemos porque se llama a sí mismo un “soñador industrial, un pescador de ideas” pues dice contundente que haber nacido en Ibiza lo marcó para siempre como un idealista que busca la libertad y la inspiración en la naturaleza y en la belleza del ser humano. www.eugeniquitllet.com

design

MOBILIARIO

Stick Table de Casey Lurie Studio

Milano Bar Cabinet de Ercole

La primera edición de Maison & Objet Americas 2015, la cual se llevó a cabo en Miami, Florida, nos ofreció un vasto abanico de propuestas de diseño. Estructuras cuadradas y rectangulares son las que predominaron en las piezas presentadas: cabinas, credenzas, mesas de centro, así como también sofás y sillas, cuyos materiales principales son madera y metal.

Una amplia variedad de texturas hace de cada pieza una experiencia única, en las que destacan colores cálidos como el arena, verde olivo, azul, camel y marrón, con detalles en negro, blanco y oro para generar en interiores y exteriores espacios agradables. A través de ello, las firmas que tuvieron presencia en la feria compartieron con los visitantes su visión acerca del diseño, la cual, en general, destaca por la limpieza en trazos y la creación de formas singulares.

Pomar de Rui Alves para Widu

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Equus de Lumifer

Mesa Flat de María Ruiz para Gandiablasco

Sofá y Puff Soft de Tidelli

Betulla de Ercole

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GVAL de OOO My Design para Widu

Surprising Table de Harald Guggenbichler para Fermob

Mecedora Textile de Ana Llobet para Gandiablasco Atelier de Valerie

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ILUMINACIÓN La combinación de materiales y texturas es una de las propuestas principales en el ámbito de la iluminación. Vidrio, madera, diferentes textiles, concreto y cobre, son algunos de los materiales con los que las firmas han experimentado para conseguir resultados atrevidos y dinámicos. Sistemas de tecnología avanzada son empleados para generar efectos auténticos en las luminarias como, por ejemplo, la levitación electromagnética.

Otro de los factores que está cambiando en este rubro del diseño es la dimensión.

Están pasando de ser objetos relativamente pequeños a unos de tamaño superior, una tendencia alternativa observada tanto en piezas de piso como en las colgantes. Éstas exigen un espacio más amplio para su colocación al mismo tiempo de ofrecer un ambiente diferente al que anteriormente se proponía con luminarias discretas.

Sofia Collection de Weplight

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Kyoto de Lumifer

Eclettica de La Murrina

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NEW YORK

D e s i g n week 2015

Enviada especial Greta Arcila

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Fotografía cortesía

ara Glocal Design Week asistir este año al New York Design Week significó una experiencia completamente diferente a otros años: es la primera vez que representamos además el papel de expositor, ese que espera con ansias a que vayan a visitarlo, a cuestionarlo, que le pregunten por su

trabajo.

Wanted Design, nuestro anfitrión en Nueva York, es un proyecto independiente de diseño fundado por Odile Hainaut, Eleonore Finkelstein y Claire Pijoulat en el año de 2011, y nace con la intención de dar espacio a jóvenes empresas, artesanos, estudiantes, así como a instituciones de diseño con una propuesta válida y creativa.

Wanted Design es también un espacio alternativo a lo que sucede dentro del recinto ferial Jacob K. Javits Convention Center que hospeda The International Contemporary Furniture Fair (ICFF) y que por largo tiempo fue el único lugar en donde se generaba una estructura formal de exhibición de empresas dedicadas al diseño. Ésta última tiene bajo su techo a las firmas que sí cuentan con un canal de distribución, al tiempo que tienen la capacidad para sostener una alta productividad.

Lo más satisfactorio de Wanted Design —viéndolo desde la perspectiva del diseño hecho en nuestro país—, fue la gran presencia de proyectos de creativos mexicanos ¿Qué encontramos en ellos? El discurso que ahora está en el aire en las nuevas generaciones: el redescubrimiento de sí mismos con un pasado rico en materiales y técnicas, antes sólo utilizadas por nuestros artesanos, pero que hoy —en manos de mentes con una visión panorámica del diseño actual— toma formas sin pretensiones, rico en texturas, olores, pero sobre todo en valores, pues todos tienen como objetivo el comercio justo e impulsar la economía local. Sencillo: crear valor generando valor, no buscando más afuera y sintiéndose a gusto en su propia piel.

Glocal reconoce y aplaude la curaduría lograda por Andrea Cesarman para Territorio Creativo, proyecto de Design Week México. Por su parte, el fantástico David Trubridge reveló sus nuevas pantallas y estaba de lo más contento mostrando su joyería. Estupenda la muestra de diseño Noruego, desde sus clásicos hasta lo más actual.

Dentro de Collective Design —que sucede en Soho desde hace tres años dentro de una gran bodega y es la reunión de importantes galerías de arte-objeto—, lo más sorpresivo fue encontrar a The Memphis Company, que obviamente surgió para producir el trabajo del gran Ettore Sottsass. La bienvenida más bella la daba, sin duda, el trabajo del maestro Ingo Maurer, quien de manera por demás artística, presentaba el proyecto What we to counts. No había quien no se detuviera ante lo poético del montaje.

Dentro de Collective Design se encontraba una pequeña selección de diseñadores del proyecto y página web Sight Unseen OFFSITE, exposición curada por Monica Khemsurov and Jill Singer que continuaba en Noho Design District. Ahí, el trabajo que más me atrajo fue el de Ladies & Gentlemen Studio, el cual tiene cierta reminiscencia al diseño de los ochentas en forma, pero conserva cierto purismo estructural, tan característico de estos tiempos. Design Juction, por su parte, tuvo como invitados a Tom Dixon y Lee Broom en conferencia. Uno de los proyectos con más mérito por su estética tan particular y por objetos de pequeño formato de fácil uso, y por lo mismo de gran valor, es el de Korridor Design, proyecto de Stine Leth y Henrik Ilfeldt.

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Territorio Creativo

De M é x ic o par a e l m u nd o

Texto Gerardo León Fotografía cortesía Terreno creativo

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n una continua búsqueda para lograr posicionar en el mundo al diseño mexicano como un producto innovador y de gran tradición, un grupo de visionarios se reúne para dar origen a Territorio Creativo, plataforma que por tres años ha logrado exhibir la oferta nacional en las principales sedes de exposición internacionales.

“Territorio Creativo es un brazo de Design Week, y comenzó haciendo pequeñas exposiciones durante este evento relacionadas con el trabajo de creativos nacionales. Luego se hizo una plataforma para que éstos pudieran exponer en el exterior patrocinada por Design Week y por los mismos diseñadores, y así fue tomando forma el proyecto”, explica Andrea Cesarman, directiva del despacho de arquitectos C Cúbica, creadores del Design Week México e integrado además por Emilio Cabrero y Marco Coello.

En días pasados, Territorio Creativo fue el encargado de llevar una colección especial de piezas creadas por despachos, profesionales y nuevos talentos de México al Wanted Design Manhattan que se llevó a cabo por quinto año del 15 al 18 de mayo en la ciudad de Nueva York.

“Este año nos llevamos a diez diseñadores mexicanos que se presentaron con su propia marca en este trade show, donde el objetivo es que puedan vender sus productos en el extranjero”, afirma Andrea.

Wanted Design se creó en 2011 y en este evento se realiza un importante diálogo entre los representantes del ámbito del diseño internacional para crear alianzas y desarrollar ideas en conjunto. También sirve como punto de encuentro e inspiración para fabricantes, compradores, distribuidores, artesanos, estudiantes, instituciones de diseño y prensa. www.territoriocreativo.com.mx

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Jerry Helling

Presidente y Director Creativo de Bernhardt Design

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ste cazador nato de talentos y mente creativa de la firma de diseño americano más destacada —gracias a que hace 25 años tomó las riendas de una empresa de mobiliario tradicional y decidió llevarla a un nivel más elevado de diseño—, habló con nosotros sobre lo que representa descubrir talentos, plática que surgió gracias al proyecto desarrollado entre Wanted Design y Bernhardt Design llamado American Design Honors, en el cual presentaron a tres diseñadoras y su proyecto llamado Egg Collective.

“Para mí lo más importante al visitar el taller de algún joven creativo es hablar del proceso, pues si entienden éste, saben sus costos, los riesgos, los tiempos, pero sobre todo, conocen sus capacidades y limitaciones… Una vez que sabes de lo que eres capaz, lo único que te detiene es la falta de planeación, nada más”. ”Es formidable tener acceso a tanta información el día de hoy, pero ¿te digo algo? Yo sólo leo el periódico, los principales titulares y extrañamente entro a una página web de diseño ¿por qué? Sencillo: veo demasiados renders,

muchas fantasías que viven del like; desafortunadamente, hay muchos diseñadores que sólo están comprometidos con este nuevo modo de ser alguien. Y es curioso, muchos de los jóvenes cuando vienen a verme se quejan del ‘star system’, además de molestarse porque sólo algunos son contratados o son famosos; pero cuando me presentan su trabajo me dicen cuánto los han publicado y lo populares que son: se quejan pero son parte de lo mismo. “¿Qué busco en ellos? Que sepan que todo diseño debe de ser viable, que deben de entender, leer y responder a las necesidades de un mercado final y de un cliente. Yo no trabajo con Ross Lovegrove porque me caiga bien, y sí, es extraordinariamente simpático, pero yo hago cosas con él porque está comprometido con el producto y con hacer crecer a la empresa a través de su diseño”, concluyó aleccionador Jerry Helling. www.bernhardtdesign.com 89

design voces design week nyc

Ron Gilad

E n tre lo a b st r acto y lo fu n c io n a l

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as piezas de Gilad son objetos que mezclan un espíritu creativo y lúdico, con un sentido práctico y preciso para la elección de los materiales. Toda su obra se centra en la relación de un objeto y su función, pero siempre cuestionando la percepción de quien la experimenta.

En una entrevista breve durante el Salone del Mobile en Milán, nos contó que su colaboración con Flos empezó cuando un día, hace ya seis años, Piero Gandini, CEO de la marca, llegó a su estudio en Nueva York, le presentó sus productos y a la gente que los producía.

Quizás, eso fue el detonante para que seis meses después comenzara con el primer proyecto que vio la luz un año más tarde. Después, Gilad aseguró que iniciaron una historia de amor-odio donde por una parte existe mucho respeto y por la otra hay muchas opiniones encontradas. “Es como un matrimonio de verdad”, nos dijo.

Cuando le preguntamos cuáles eran los valores que él buscaba en las compañías con las que decidía trabajar, nos reveló que además de fijarse muy bien en la historia y el catálogo de la compañía, lo que le da más peso a su elección es el aspecto humano y que cree que siempre debe de haber una conexión y un entendimiento que, siguiendo la analogía de la formación de una pareja, “no sea como sólo salir en un par de citas, sino desarrollar algo que se volverá una especie de matrimonio, porque yo estoy buscando relaciones a largo plazo”.

Esta es la razón por la que Gilad trabaja con el menor número de firmas posible y, sobre todo, con compañías que no compiten entre sí, no sólo porque así sea su naturaleza sino porque también es un poco flojo y por eso tiende trabajar al tope de sus capacidades, pero nunca sobrecargado de trabajo. De ahí que su estudio sea muy pequeño y él sólo tenga un asistente, le gusta mantener las cosas simples y muy íntimas.

“Tienen que entender que soy un diseñador y no una compañía. No deseo convertirme en un diseñador que tiene otros 40 asistentes y terminar convirtiéndome en una corporación. Mi meta es trabajar directamente con las personas que buscan mi colaboración sin secretarias y asistentes de por medio.

No sólo se trata de hablar con los directivos. También me relaciono con el ingeniero y la gente que que está fabricando mis piezas”.

Le gusta trabajar con empresas dedicadas a la tecnología porque se confiesa como alguien que aún ignora muchas cosas. Cada proyecto le da la oportunidad de aprender sobre nuevos procesos y tecnologías, pero aún no se siente capaz de describir qué es lo que realmente está sucediendo desde un punto de vista técnico en cada una de sus obras. Aprende sobre la marcha pues sabe qué efecto quiere crear, aunque no sabe cómo será la maquinaria que le ayudará a hacerlo realidad. “Me es posible hablar y entender a los ingenieros, pero mis ideas siempre están centradas en el resultado y no en los componentes que podría requerir una de mis piezas”, concluye. www.rongilad.com

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Tom Dixon

Fascinación por lo hecho en México

Fotografías cortesía del diseñador

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a primera impresión que nos da Tom Dixon es la de un hombre serio y, claro, determinado por lo que ha logrado. No esboza una sonrisa fácilmente, pero cuando lo hace, inclusive suelta risas abiertas y sinceras. Es decir, con él sabes que lo que diga será demasiado serio o quizás con un dejo de sarcasmo pues es inglés hasta los huesos.

En Nueva York nos sentamos un tiempo a conversar sobre sus nuevos proyectos, pero él prefirió hablar sobre México pues en la pasada edición de Design Week México, Rodrigo Alegre y Carlos Acosta de Studio Roca nos invitaron a su cena de bienvenida y coincidimos, y también porque tiene un marcado interés en el mercado mexicano y latinoamericano.

“Para mí México es un país de lo más rico. La primera vez que lo visité me sorprendió tanta cultura e interés que ahora tienen por el diseño. Cuando di mi conferencia en el Museo de Arte Moderno me sentí rock star al ver tanta gente interesada en mi trabajo; en esa ocasión hasta un chofer personal tenía, aspecto que en mi país no es tan común… ¿Que qué opino de los proyectos de diseño mexicano que vi? Pues es un mercado muy interesante, ya que existe un manejo extraordinario de materiales y técnicas que en Londres no se ven. Lo que más me sorprende son las texturas y el uso del color, y no como lo creen los demás en el estilo ‘Barragán’, a quien admiro profundamente, pero vi que definitivamente esa época los mexicanos la comprendieron, y el diseño arquitectónico e interiorismo evolucionaron para bien”, afirmó.

En comparación con Europa, dijo que “no se ven tantas texturas y colores en un mismo espacio, si usamos color es para contrastar, no para armonizar. En México vi pequeños espacios con un manejo extraordinario del color. Me gustaría tener la oportunidad de desarrollar un proyecto de diseño interior para aprender más sobre esto, pero más que nada, para conocer más la cultura mexicana, probar más sus sabores, conocer más de todas las culturas y lenguas que aún se hablan.

Son sorprendentes también los textiles, la manera en que las comunidades de zonas como Oaxaca hacen esos bordados, cómo aún se visten y respetan sus tradiciones. El barro negro me parece extraordinario, me interesaría mucho explorar este material; son tantas cosas que no sé por dónde continuar, lo que sí te aseguro es que Latinoamérica está a punto de dar ese salto para la producción en masa, y cuando eso suceda, quiero ser parte de ello”, concluye. www.tomdixon.net 91

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Tipologías Mobi de JamesDieter / ICFF

MM01 de Mob en Territorio Creativo / Wanted Design

La nueva propuesta del diseño internacional ha marcado una línea muy clara en la producción de mobiliario de vanguardia apostando por el uso de tecnología que contrasta con los procesos de fabricación tradicionales.

Esto se demostró una vez más en la reciente edición de Wanted Design, donde se pudo apreciar la nueva oferta de las nuevas y ya consolidadas firmas de esta importante industria. En esta ocasión México tuvo una destacada participación con Territorio Creativo, colectivo creado por los organizadores de Design Week México, cuyo objetivo es impulsar al talento nacional en el mundo a través de una visión más comercial y no sólo de expositor.

Cork Stopper Coat Stand de Hyeonil Jeong / Wanted Design

Antelmo de Ad Hoc en Territorio Creativo / Wanted Design

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Lillypad Chandelier de Jamie Harris / ICFF

Rival de Konstantin Grcic para Artek / ICFF

Line Lamp de Elish Warlop / Wanted Design

Min Watering Can de Anderssen & Voll para Mjolk / ICFF

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Passivation Mirror de Inside Norway / Wanted Design

Tui Chair de Hui Ling [Taylor] Cheng / ICFF

Colmena Bicolor de DĂŠjate Querer en Territorio Creativo / Wanted Design

Bloom de LuzElena Wood para Deep 3D / ICFF

Gradient Crib de Nursery Works / Wanted Design

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design

Porcelain de Sandra Davolio / Collective Design

Flow Chair de Tomoko Azumi para Ercol / ICFF

Fri de Jaime Hayon para Fritz Hansen / ICFF

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novel nacional

Congreso de Diseño Glocal 2015 | Texto redacción Fotografía Carlos Madrid y Tomás Alpuche

A f l u e n c i a d e ta l e n t o s

Texto redacción Fotografía Tomás Alpuche, Carlos Madrid y Armando Villanueva

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l pasado mes de mayo se llevó a cabo el primer Congreso de Diseño Glocal organizado por Glocal Design Magazine. Este evento pudo llevarse a buen puerto gracias al trabajo en conjunto de personas y empresas que apuestan por el diseño mexicano e internacional, y luchan por un objetivo en común: difundir las buenas prácticas arquitectónicas en diseño e interiorismo.

Así es como Glocal logró acercar a los creativos de fama mundial con los estudiantes y expertos interesados, no sólo desde la trinchera de la pluma y la tinta, sino a través del campo de acción, el cual, estuvo dividido en dos: por un lado, a través de una serie de ponencias; y por el otro, organizando workshops donde estudiantes y profesionales tuvieron oportunidad de trabajar de la mano de diseñadores mexicanos de larga trayectoria y las marcas que los respaldan.

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novel internacional

Ciclo de conferencias

El ciclo de conferencias tuvo como sede el espacio pictoescultórico de David Alfaro Siqueiros dentro del Polyforum Cultural Siqueiros, al que acudió un gran número de estudiantes de diferentes universidades y expertos en los temas del diseño y la arquitectura.

Fueron dos días consecutivos con la participación de notables arquitectos y diseñadores: Emiliano Godoy, Héctor Esrawe, Javier Sánchez, Luis Mercado, Mario Bellini, Marva Griffin y Michael G. Novak.

Héctor Esrawe inauguró el ciclo al mostrar su más reciente producción donde convergen sus pasiones y obsesiones. Destacó la colección Trompos que se compone de juegos giratorios para niños y describió el montaje que realizó para la exposición del fotógrafo Douglas Duncan, quien capturó con su lente los últimos años de la vida de Pablo Picasso, y en donde Esrawe recreó la intimidad de la casa del pintor.

“En los cambios estructurales de la política económica de México en los años 80 hubo una pulverización de la cadena de valor en la cual el diseño se quitó de la ecuación y México apostó por ser un país maquilador. No es un tema de que no tengamos producción o no tengamos mercado, en realidad el tema es que la cadena productiva se pulverizó y el diseño salió de la jugada”, dijo Esrawe.

“El éxito de un producto no sólo depende de lo sofisticado de su forma o lo futurista que ésta puede llegar a ser", recalcó Michael García Novak en su conferencia. En ella describió con ejemplos algunos diseños con forma y propuesta innovadoras, pero que al final resultaron verdaderos fracasos al no cumplir con su función. El regiomontano compartió su visión del diseño fundamentado en el crecimiento, la rentabilidad, el hoy versus el mañana, la lealtad y la inteligencia.

“Nuestros conceptos responden a ideas, cosas que surgen de nuestra panza, de nuestra cultura, de nuestro instinto y eso es valiosísimo, pero no es suficiente”, expresó Michael G. Novak.

Uno de los conferencistas más activo fue Luis Mercado, quien habló de los retos y oportunidades de la producción en la era digital. Los motivos a favor: beneficio real, creación de nuevas

Héctor Esrawe

Michael G. Novak

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actividades, oportunidades de negocio y beneficio económico; los motivos en contra: pérdida de control, de ingresos y hábitos. Mercado enfatizó que “la necesidad de valorar el diseño no sólo es a partir de los resultados que las nuevas tecnologías nos brindan, sino por la oportunidad que éstas nos ofrecen para resolver nuestras problemáticas”.

Por su parte, la directora y fundadora del Salone Satellite, del Salone del Mobile de Milán, Marva Griffin, convocó a los estudiantes a participar en el importante recinto de exhibición que preside, de donde surgen los nuevos talentos que Griffin promueve a nivel internacional. En su conferencia, la “Mamma del diseño”, —como la conocen en industria por su destacada promoción al nuevo talento—, describió su labor y compartió las preocupaciones de las nuevas generaciones de diseñadores.

“En Salone Satellite, en Milán, se han presentado más de 10,000 estudiantes y diseñadores a nivel internacional, de los cuales, gran parte colabora con importantes marcas de la industria creativa”, asegura Marva.

Emiliano Godoy, por su parte, abrió el segundo día de conferencias describiendo su quehacer basado en procesos sustentables. En un recorrido a través de su trayectoria compartió con los asistentes los errores y los aciertos, promoviendo el perfeccionismo necesario en cualquier labor creativa y en la producción del diseño actual.

Emiliano Godoy

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Sagrario Saraid con Marva Griffin

Javier Sánchez

Emilio Cabrero

Homero Hernández, Sebastián Ocampo, Héctor López Aguado, Oscar Anguiano Castro y Emilio Cabrero

“Quisiera felicitarlos porque el congreso fue muy bueno, fue muy evidente el gran trabajo que hicieron para llevarlo a cabo y eso se agradece mucho. La elección de los ponentes me pareció muy acertada y sus exposiciones muy interesantes.”

Leny Gruber

“Las áreas del diseño que se han desarrollado más en México son las de la baja producción, lo que podemos ver en la producción de diseño mexicano en los últimos años viene de talleres pequeños y de producciones relativamente cortas, no es una producción en masa como lo hacen en otras partes del mundo. Esto condiciona ciertos tipos de materiales y procesos. Pero esto está cambiando y ahora hay mayor diversidad, hay más desarrollo del diseño mexicano”, dijo Godoy.

Fue destacada la participación del reconocido arquitecto Javier Sánchez quien habló de su importante labor regenerando el tejido urbano de colonias de gran afluencia en la Ciudad de México. El objetivo de JSa es lograr que los habitantes de barrios de tradición tengan servicios básicos a la mano facilitando su movilidad y evitando largos traslados, logrando así una mejor funcionalidad de la ciudad.

“Si nosotros, gremio de arquitectos, gremio de interioristas, gremio de industriales y todos los que estamos en los procesos de interiores nos malbaratamos por un mercado, evidentemente no vamos a hacer mucho”, expresó Sánchez.

Posteriormente, en la mesa redonda de académicos moderada por Emilio Cabrero (Design Week México), y en la que participaron Héctor López Aguado (Di-Integra y CIDI Unam), Homero Hernández (ULSA), Oscar Anguiano Castro (ULA) y Sebastián Ocampo (Centro) se discutió la importancia del diseño y el futuro de las nuevas generaciones de nuestro país en este ámbito.

Para finalizar el ciclo de conferencias, el afamado arquitecto Mario Bellini mostró a la audiencia su trabajo desde los años 70 —cuando colaboró con la firma Olivetti al crear la máquina de escribir eléctrica ETP55 (1985)— hasta los últimos años en que su arquitectura y mobiliario comparten lenguaje, inspiración y excelente manufactura.

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Arquitecto Mario Bellini

Bellini habló de su obra que se desarrolla en diferentes escalas que van desde diseño de accesorios para casa, inspirados en sus propias edificaciones, hasta mobiliario de líneas puras fabricado con gran maestría, el cual, ha llamado la atención de firmas internacionales como Cassina y Kartell para las que ha colaborado por décadas. "La silla no la inventó un diseñador, la inventó el ser humano desde la primera vez que se sentó", dijo Bellini.

Workshops

En las instalaciones de Centro campus Constituyentes se realizó la segunda parte del Congreso de Diseño Glocal. Por dos días, estudiantes y profesionales se dieron cita para crear diversos objetos o mobiliario: Emiliano Godoy, en conjunto con Masisa, alentó a su grupo a concebir un librero utilizando como referencia las medidas de las placas de MDF que Masisa distribuye.

“El taller me pareció una muy buena experiencia de cómo se lleva a cabo el diseño en México por parte de tanta gente con tanta experiencia, en mi caso Luis Mercado.”

Julieta Bolaños

Noriegga y Bianca Vanessa Gortaréz con Lightroom

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Luis Mercado con Ensamblería

Conferencia de Marva Griffin en Centro

“Lo que más disfruté del workshop fue la generosidad de compartir secretos (buenos y malos) de la experiencia de Luis Mercado en el ámbito del diseño de mobiliario en México. La atención y las instalaciones fueron inmejorables. ¡Muchas gracias!”

Itayedzin Aragón

Noriegga y Bianca Vanessa Gortaréz, con el apoyo de Lightroom, guiaron a los asistentes de su taller a través del conocimiento de la luz para crear luminarias.

Luis Mercado, con el soporte de Ensamblería, logró transmitir a sus alumnos la importancia de contar con una plataforma como Opendesk para exponer el diseño de excelente calidad al mundo.

Silvino Lopeztovar, respaldado por Advento Art Design, trabajó con su grupo en la creación de objetos en mármol para posteriormente realizarse con los artesanos de Tecali, Puebla.

Andrea Soria, como representante de Herman Miller, sentó las bases para que los asistentes de su taller pudieran realizar la planeación práctica de una oficina.

Emiliano Godoy, Luis Mercado, Noriegga, Vanessa Gortaréz, Silvino Lopeztovar, Andrea Soria y Greta Arcila analizaron cada boceto y proyecto para elegir a los mejores exponentes.

Se eligieron los tres mejores diseños de cada workshop, con ellos los patrocinadores realizarán los prototipos que serán exhibidos dentro de Sketch 01 Glocal en la siguiente edición del Design Week México.

Emiliango Godoy con Masisa

Silvino Lopeztovar con Advento Art Design

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peque単os espacios

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pequeños espacios

pequeños y funcionales El reto de vivir en pocos m2

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l crecimiento desmedido de las grandes urbes y la densidad poblacional cada vez más incontrolable, son temas que los creadores de espacios han retomado con proyectos que otorgan soluciones eficientes al problema de la vivienda actual.

En esta edición hemos logrado compilar el trabajo de arquitectos e interioristas de México y el mundo, quienes crearon estancias de pocos metros cuadrados venciendo el reto de las dimensiones para generar atmósferas funcionales adaptadas a los nuevos estilos de vida.

Convencidos de que la idea de un pequeño departamento no debe ser sinónimo de áreas claustrofóbicas, y conscientes de los “ajustados” presupuestos de los habitantes, los creativos han optado por hacer de lo más simple algo digno en el que incluso destacan aspectos relevantes como el de la sustentabilidad y la producción de diseño adaptable a las necesidades del usuario.

Un ejemplo de esto es la propuesta del despacho ART Arquitectos con Flats Escandón, un diseño de Lofts que explora las posibilidades de lo que puede llegar a convertirse el futuro de la vivienda en México, que al igual que en países como China, los problemas de sobrepoblación conllevan a crear una nueva oferta en la que con ingenio y audacia, se logran espacios inteligentes.

Estancias abiertas donde hasta la recámara y la cocina dejan de ser cerrados e incluso se integran a las áreas de convivencia, en las que sólo el sanitario es el único lugar que cuenta con puerta, se convierten en una tendencia cada vez más presente en la propuesta inmobiliaria no sólo de nuestro país sino en los países más desarrollados.

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pequeños espacios

Ecléctico G e r m á n V e l a s c o | Ciudad de México Texto Gerardo León Fotografía Sófocles Hernández

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pequeños espacios

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n un edificio de los años 40 de la colonia Polanco, el arquitecto e interiorista Germán Velasco ha logrado que espacios de 15 y 20 m2 se conviertan en lugares acogedores llenos de confort y funcionalidad.

La ambientación de cada estancia se compone de mobiliario, accesorios y piezas de diferentes estilos y épocas que surgen de la afición de Velasco por el coleccionismo, actividad que disfruta más en sus continuos viajes por México y el mundo.

El proyecto tuvo como objetivo crear un estilo ecléctico que no pasara de moda, y que los contrastes fueran los que definieran la atmósfera de cada área. En la estancia principal se encuentra un tapiz del diseñador Jonathan Adler y una obra de la artista Daniela Edburg, que hacen juego con un cojín patchwork inspirado en los textiles de San Cristóbal de las Casas.

A unos cuantos pasos se ubica un comedor que es todo un clásico de la colección Tulip Round Saarinen original de Knoll, y junto a éste un refrigerador vintage de la marca Smeg, además de otras piezas de la firma Calligaris y cristalería del desaparecido y afamado diseñador finlandés Tapio Wirkkala.

El color magenta aparece en algunos detalles como en la base de la cama y en algunos tapetes y telas que remiten a la vestimenta de los chamulas de Chiapas.

La iluminación toma un papel protagónico y ha sido aplicada de forma especial para brindar sensación de amplitud a las diferentes habitaciones del departamento. www.velascoarquitectos.com

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pequeños espacios

EGL 1916

Álvaro Moragrega Guadalajara, México Texto Gerardo León Fotografía Jaime Navarro y Álvaro Moragrega

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n el corazón de la colonia Americana de la ciudad de Guadalajara se desarrolla un edificio de cinco plantas cuyo diseño arquitectónico está inspirado en los edificios industriales tipo Loft. El creador del proyecto fue el arquitecto mexicano Álvaro Moragrega quien se encargó de crear todo un novedoso concepto residencial rompiendo con las dimensiones tradicionales del espacio.

El proyecto lleva por nombre EGL 1916 y su fachada principal cuenta con un orden abstracto que no necesariamente sigue un orden constructivo.

En el interior, un patio privado organiza las circulaciones del edificio, este espacio está protegido con altos muros e incluye un área de espera en la que se encuentra un gran árbol que existía ya en el terreno. Una torre de concreto encierra al ascensor y las rampas de las escaleras terminan la composición de la fachada norte recorriendo todo el ancho de los pasillos y generando diferentes puntos de descanso que funcionan como mirador.

Los departamentos son modulares partiendo de un estudio de 60 m2.

Estas unidades se pueden asociar tanto de forma horizontal como vertical.

La estructura está planeada para poder eliminar los muros intermedios, así como partes de las losas del entrepiso, permitiendo generar departamentos de espacios abiertos.

Toda la estructura de la edificación está compuesta de muros con corazón de hormigón armado encofrados con ladrillo que permanecen en fachada interior y exterior. www.alvaromoragrega.com 107

pequeños espacios

Winterstube

N i l s H o l g e r M o o r m a nn | C h i e m g a u , A l e m a n i a Texto Lorena Riquelme Fotografía Jäger & Jäger, cortesía Nils Holger Moormann

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n la localidad de Aschau en Chiemgau, Alemania, se encuentra Berge, una casa de huéspedes con un encanto inusual y una interesante historia. Moormann —una empresa que desde 1982 ha generado muebles de diseño minimalista— adquirió un terreno adyacente a sus oficinas, que poseía un edificio que data de 1671. La idea original de la empresa era construir un almacén, no obstante se dieron a la tarea de recuperar aquel viejo y ruinoso edificio para convertirlo en Berge, un Bio-Hotel que ganó un premio de diseño internacional en 2013 por su belleza, funcionalidad y su compromiso de disminuir al máximo su impacto al ambiente.

Berge, ubicado a los pies de las montañas Kampenwand, ofrece 15 departamentos individuales con todos los servicios. Todos

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pequeños espacios

estos espacios tienen los metros cuadrados suficientes para alojar cómodamente a dos usuarios, pero existe uno más que lleva por nombre Winterstube que cuenta con un atractivo particular: mide sólo 35 m2 y está construido con muros de piedra, suelos de madera que escalan hasta convertirse en un banco-comedor junto a la ventana, donde los usuarios pueden disfrutar de su comida mientras ven deambular a los habitantes de Aschau; y una cama para dos con un diseño simple pero que resuelve las necesidades de almacenamiento en su base. Winterstube tiene una pequeña pero funcional cocina con todo lo necesario y un baño que deja entrever la pátina del edificio que lo sostiene. En todo el conjunto destaca el mobiliario cómodo, perfecto para meditar y leer, con un pequeño guiño divertido casi imperceptible. www.moormann-berge.de www.moormann.de 109

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Flats Escandón Art Arquitectos|Ciudad de México Texto Daniel Euro Valencia Fotografía cortesía Aytac Architects 110

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U

bicado en la colonia Escandón de la Ciudad de México se erige este edificio que aloja 15 Lofts que a pesar de sus reducidas dimensiones ofrecen la comodidad necesaria para una pareja o una persona soltera e independiente.

Se trata de Flats Escandón, un proyecto creado por el despacho Art Arquitectos presidido por Antonio Rueda, quien en conjunto con Guillermo Plazola Anguiano, encargado del proyecto inmobiliario, se desarrolla en dos niveles con un promedio de 65 m2 de superficie por cada unidad. La estancia con la barra de cocina se localizan en la planta baja. El espacio a doble altura de la estancia le proporciona amplitud a todo el Loft.

Mediante una escalera de caracol la sala-comedor se comunica con la planta superior, destinada a la recámara con un clóset abierto, sin puertas. Con el lavabo al descubierto, el único espacio cerrado es el baño: el inodoro y la regadera están incluidos en una cabina de fibra de vidrio, facilitando así la limpieza de estos módulos únicos para todas las unidades.

Pisos de duela vinílica, plafones falsos suspendidos en islas moduladas que enfatizan el área del comedor y la cama forman parte del proyecto integral.

Flats Escandón es un conjunto habitacional sustentable que respeta los principios ecológicos de aprovechamiento pluvial para los inodoros, calentadores solares —complementados con gas natural— e iluminación LED de bajo consumo.

Además, al evitar la pintura y los aplanados el usuario final consigue un ahorro por bajo mantenimiento.

Por la distribución de los dos primeros niveles, se adecuaron dos suites de 40 m2 en un solo nivel, logrando una solución muy funcional de estancia, cocina, recámara y baño en un área muy reducida, pero con una continuidad que agranda virtualmente el espacio. www.art.com.mx 111

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Zoku Concrete | ﾃ［sterdam Texto Nina Paz y Soto Fotografﾃｭa Ewout Huibers, cortesﾃｭa Concrete

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oncrete es un equipo multidisciplinario con sede en Ámsterdam, Holanda, interesado en la arquitectura, el diseño interior y el desarrollo urbano. Sus soluciones son provocadoras e inesperadas, así fue como revolucionaron el concepto tradicional de los cuartos de hotel para introducir una nueva manera de vivirlos: Zoku Hotel.

Zoku es un vocablo japonés que designa a la familia, la tribu o el clan, inspiración de la que se sujetaron para diseñar un híbrido resultado de la mezcla entre la casa (hogar), la oficina (trabajo) y el hotel. Adecuado para largas estancias, con los servicios de un hotel y enclavado en un barrio próspero, Zoku logró optimizar la superficie mínima de 25 m2 con soluciones inteligentes.

Zoku reunió una sala-comedor compacta con una cocina totalmente equipada y espacios de almacenamiento, aprovechando el dormitorio elevado en un entrepiso, al que se puede acceder a través de una escalera retráctil. Debajo de la alta alcoba y flanqueando el corredor de la puerta de entrada se encuentran el baño y una zona de trabajo que puede ocultarse a través de un panel corredizo. Todo el mobiliario de Zoku es del danés Muuto, lo que le otorga un toque despreocupado y funcional necesario para los trabajadores que reconocen que los límites entre ocio y labor se han desdibujado. Además, los usuarios tienen la oportunidad de elegir el arte de su Loft para crear un espacio verdaderamente personal. www.concreteamsterdam.nl 113

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Residencial Suite Junior F o l k D e s i g n | Ch i n a Texto Janine Porras Fotografía cortesía Folk Design

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住宅 - 小型套房

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orillas de la ciudad más poblada del mundo, Taipei, China, esta pequeña residencia ha logrado distribuir inteligentemente sus espacios para que pueda vivir cómodamente una familia de tres personas, sin olvidar todas las necesidades de sus habitantes.

Residencial Suite Junior es un lugar perfectamente pensado y planeado: cuenta con una sala de estar, zona para los pies (lavabo a nivel de piso que puede ocultarse), baño y cocina en la planta baja. En la parte superior dos dormitorios separados y perfectamente equipados con sus armarios y su propia escalera. La superficie total del departamento es de tan sólo 46.50 m2, ejemplo de la estupenda planeación de Folk Design. Los principales materiales de construcción son baldosas, vidrio, vidrio al horno, madera, hierro y papel pintado.

El objetivo principal del diseño fue colocar una gran variedad de servicios en el menor número de planos, además de ampliar la capacidad de almacenamiento al máximo. Toda la casa resulta un buen ejemplo de lo anterior: la banca que cumple con tres funciones —sofá para la sala de estar, asientos de comedor o una cama emergente—, es también es una unidad que permite guardar con orden los ajuares de la casa. La cocina, alojada justo al frente de la sala de estar, no sólo economizó y aprovechó el pequeño espacio en el que se encuentra, también comparte el área con una escalera móvil y eléctrica que comunica con uno de los dormitorios. El departamento presenta unidades móviles que suben y bajan, apareciendo y desapareciendo a través del techo para almacenar lo necesario. www.folkdesign.com.tw 115

P. 36 Serrano Monjaraz Arquitectos Architecture and its blurred boundaries Interview by Greta Arcila Photography courtesy of SMa, Pedro Hiriart and Beto Adame The Serrano Monjaraz Architects (SMa) studio, founded in 1992 by Juan Pablo Serrano and Rafael Monjaraz, this year turns 23 years old and has a solid structure, sustained in the values of a multidisciplinary collaboration that, without regard for scale, their focus always remains on the users' benefit and their environment.

Since its founding, Serrano Monjaraz Architects has become a studio that has tried with all the different typologies without becoming tied to any of the constructive qualities. "We do believe neither in styles nor in specialists.

It is a great opportunity to be able to take thing from other fields into architecture," Juan Pablo comments in this exclusive interview with Glocal.

This couple of architects sets an example for collaboration between professionals of various discipline-artists, decorators, enologists, social workers, museographers, industrial designers, biologists, structuralists, lightning designers, audio technicians, etc-, and architects; all of them members of different generations, a thing hat has granted them the ability to stay current and adapt in an almost chameleonic manner.

They learn the importance of the collaboration from important colleagues and professors: "The Legorretas, whom in fact taught us that; GFa, my father, Cherem, the students (my ambassadors)..." Juan Pablo mentions.

He recognizes that "knowing how to switch scales (like when you are doing an interior bathroom for a corporate office, to a house, and finally a whole residential zone in 198 acres like the one in Cumbres), is yet another another virtue that has helped position SMa in the market."

In our time, ecology and the carbon trail are two of the main themes that have taken root in practically every aspect of the human experience. This is one of the architect's responsibilities: to know and take careful stock of what is the context where the project is being developed and, therefore, of the users' quality of life, and Juan Pablo Serrano knows it: "A defining moment that changed my life took place while I was attending a sustainability course a the Iberoamericana University. Technology allows us to model and control de energy levels of our buildings."

SMa utilizes rain water recollection and purification systems, solar and photovoltaic heaters, geothermic energy assimilation, air conditioning with a 40% reduction in energy consumption, photovoltaic facades, increased use of vegetation to reduce noise and heat, and to generate a better environment for the users; paint that absorbs air pollution (titanium oxide technology), and building systems that reuse PET (instead of styrofoam plaques). This way SMa integrates recycled concrete and rubber from tires to their buildings, besides using the soil removed by excavation to reinforce part of the building's structure. "We are doing these things that create a passion and we strive to achieve them," Juan Pablo Serrano tells us filled with excitement.

That ingenuity of making thing very quickly and with no money, that ingenuity that appeared as by product of the crisis that we were born into, is something many architects long for.

SMa, on the other hand, has turned into a collaboration and exchange bridge between our country and the world, due to their constant participation with architects and firms of international renown. Further more, Mexico’s particular features such as climate, labor and legislation amongst others, should be seen as possibilities for growth: “The marvelous thing about Mexico is that things are done right and swiftly.

Production times present in Mexico are better compared to all the drawbacks existing in the rest of the world, and legislation that in many places ‘stifle’ studios… we should take advantage of the fact that in Mexico all in all we can

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be a lot more flexible and quick. The ingenuity of doing things swiftly and without money, the ingenuity we have learned after being born into crisis is a quality many architects long for,” Serrano explains.

However, he warns about the lack of advice from the ruling class on architectural and urban issues, which existed in previous decades with architects such as Mario Pani, Pedro Ramírez Vázquez, amongst others, whom all had a constant dialog with these authorities for project development. “Today we lack a voice specialized in mobility, a voice specialized in sustainability and ecology, a voice specialized in new construction technologies, in new ways of power generation, in providing better quality of life and emotion in each space… How can me regain that voice on a political level and on a social level?” Juan Pablo analyzes.

Amongst his finished projects we can find the Colegio de Imagen Pública Victor Gordoa, located in the Ampliación Granada district whose construction began on October of 2013 and was concluded on May, this year: “I can say that it has been two and a half years since wining the contest, and the building is finished and the students are inside having their lessons,” he points out.

The Colegio de Imagen Pública lays on an area of 9700m2 with a 23 meter front that raised vertically into 8 stories, 2.5 basements and one roof garden. “In a city like Mexico, a school that was located on a rental building at Roma district, was packed up and expanded to 10 stories.

A school, I would say, like in Japan where you can see the students on a seventh story, that has a roof garden and an auditorium with a view to the city on the sixth story”, Juan Pablo explains. The structure, the façade, and the spaces are integrated through the apparent structure.

The staircase has a fundamental role, for it is also a meeting point framed by a triple height with provides great spaciousness and lighting.

This new building is not only friendly to senior citizens who might have the need of wheelchairs or a variety of mobility aids; it also reduces power consumption by taking maximum advantage of natural ventilation and lighting; as well as re-using rain water for toilets, low consumption light fixtures with sensors, and broadly, providing a dignified space for students and visitors.

Planning for this college made the office analyze problems such as transit in highly traffic zones: "How to connect all the Buenavista zone all the way to the Miguel Hidalgo municipality and the all the way over to the Azteca Stadium. We have mobility projects that deal with a light urban train and bicycles. We want to build a second level of roads linked to lineal parks. That is what are involved in, right now."

In spite of all the work done so far, SMa also finds the time to to assist in public service and generates pro bono architecture: We donated the project for Casa Alianza for homeless children, and we are also developing a Community Center for Women in Santa Fe. These are projects that speak about sustainability and community integration. It is interesting that we the architects become involved in these issues and that we can improve the standards for all these facilities with our design," the creator points out.

SMa is very active regarding new projects such as the second phase for the Viñedo de Cote vineyard at Ezequiel Montes,in the state of Queretaro, master plans both for Mexico City and the state of Quintana Roo and a residence in Miami.

She comes from a numerous family hailing from Callao, Venezuela, Marva Griffin showed her inclination towards interior design from a tender age: “Since I was very young, I dedicated myself to decorating the house: the flowers…

I cut the cayenne, I rearranged the furniture, I always decorated. I bought House & Garden at the only store where they sold books and magazines, with money from my own pockets, and it was all because I liked it,” Griffin reminisces.

Making good use of the Italian she had learned at the University of Peru and her curiosity to visit Europe, she travel throughout Italy for several months until a work opportunity at C&B, now B&B, as an assistant to Piero Ambrogio Busnelli, helped introducing here to design, her passion: “I had to translate the whole manufacturing process for Busnelli whom spoke Italian only... I knew by heart how those pieces of furniture were made.”

Some time later, Marva Griffin became a correspondent for several publications by Condé Nast: Maison & Jardin, Vogue Decoration y American House & Garden (the very magazine she bought when she was a child). “I wanted to communicate the beauty of Italy to the readers, as well as that of the beautiful houses around the world. I traveled a lot with a photographer (and with an editor, at times), creating ambiences to better display the firms’ furniture. That is my work.”

Marva Griffin found a second opportunity to develop her skills when the firms Etro, Mantero and Setarium, famous for the manufacturing of textiles and weave for the fashion industry, decided to try their hands with furniture.

Used to showcase their creation with great and glamorous events, they wanted to presented their textiles to the furniture makers and that is why they looked for Griffin, who organized this high-class showcases for nine consecutive years at the Palazzo Grassi in Venice: “While I was doing that, Manlio Armellini told me: ‘Marva I need you to come to work at the Salone del Mobile’, and I started working,” the leader of the Salone Satellite commented full of emotion.

Once inside the Comitato Organizzatore del Salone del Mobile Italiano, Cosmit, Marva Griffin was charged with communications aimed at establishing bonds with the most important correspondents at London, New York, China and other countries, and she discovered the need for young designers to display their prototypes to the manufacturers.

“There was this pavilion in the old fair there, a sort of hangar that they had bought, a very beautiful space where many things took place such as the Antique Fair and others, and the Milan Fairs Institute—an office that coordinates more than 85 fairs taking place in the city each year—decided to grant it to the Salone del Mobile.

Then, Armellini told me: ‘you have a space and you can put something together to bring the young ones into the Salone’s structure.’ That was how the Salon Satellite began,” Griffin declares.

Marva Griffin, who has seen how the design industry and market as we now know them were born and how they have developed, inaugurated the most showcase platform for young designers in the year 1998. Its relevance is such that it has been decisive in the careers of designers and studios such as Nendo, Matali Crasset, Patricia Urquiola, Brazil’s A lot of, Extremis from Belgic, and many more have set foot on the showroom and have had an international springboard as a result. This success that the young designers have is Marva Griffin’s greatest satisfaction, a woman who had worked hard to earn her nickname that best describes her: The Mother of Design. www.salonemilano.it

P. 50 Marva Griffin Salone Satellite Leader

P. 52 Ferruccio Laviani Balance between quality and class

Text by Greta Arcila Photography by Francisco Agüero The Italians designers named her la Mamma, but she is Marva Griffin Wilshire and a relevant public figure in Milan, known by designers and creative experts the world over.

This Italian designer has been very active with the firm De Lucchi since 1982, and working with several prestigious companies, a thing that made him turn into one of the most well-known creative minds in Europe, to the point of becoming the head of the Italian furniture design exhibition

displayed in the hall created exclusively for this purpose at the Louvre de Paris Museum, for eleven straight years, from 1980 to 1990.

Demanding and visionary, Laviani likes to create aweinspiring visual effects, delivering his users unique pieces thanks to the fact that the creator explores the capacity limits of the materials he uses to create them, without having these loose their aesthetic nature or their practical functionality.

Laviani is convinced that this is not a an easy process or a knowledge one can dominate, but something that always presents challenges and paradigm changes needed to find the right solution.

“I believe that the first and most important thing for us, as designers, is to define the limits of what cannot be considered a quality piece. Then, we must be sure that there will be need to break many molds and then destroy as many. We cannot stay with the first attempts and think these are enough. That cannot be enough. They must be of optimum quality.

“Thus, it is very important that we learn to determine the capacities and quality of the material we are working with, as we must remember we are working with our companies and the reason these companies resort to our design is because they know we identify which is the relationship between price and quality,” he states.

Laviani as art director of Kartell, is convinced that industrial design has a steep price. It is his experience that every new proposal has a very high prices because of the fact of the amounts of money need to invest in a mold and making a piece become, as well as the reality that a mold that was not right is something that is impossible to modify: “there are no fixes, it cannot be changed. It must be discarded and destroyed”, he tells us in a very honest, heartfelt tone.

“To be a prestigious designer, one must invest in research.

We must be willing to see how money not only is used on achieving the perfect form, but also into using the right technology necessary to achieve it. A project not only has to do with the shapes but also with the chosen technique and the precise technology required. Once this know-how is developed, there is where you find the competitive advantage in the object you are designing,” he proclaims. www.laviani.com P. 53 Arik Levy, artist, scenography designer, and designer Believe me, speaking to him is fascinating. It was the first interview I was given during this year’s edition of the Salone and I still cannot fathom why this conversation which kickstarted my journey through the fair, still makes me feel anxious.

He waited for us in the Vibia stand. With a sincere and direct gaze, he was the one to begin the conversation for he was anxious to show and talk about his work, for he told us that working for Vibia is quite satisfactory as the process is always he always learns a lot from given their mastery of technology not only to create lamps, but lighting systems always by use of great, solid design.

I approached him asking how might the designing of scenography might have influenced and helped in his creation of pieces that generate environments, maybe even ones of a dramatic nature, a thing to which e responded poignantly: “No doubt having designed with the idea to give preeminence to the human body or to create a small space capable of transmitting emotions, was something that left a mark on me as a creative. I am a sculptor and my approach to volume is quite different to that of a designer. When I think in the space that is to be lighted, I try to see it from different angles and how it all will affect the body that is to receive the light, all the while playing with the mystery, of course, just by giving a stroke of light, lest you come off as too crass and that is something I do not want in my work.

He told us that half his studio works dedicated to art and the other half focuses on design, but in projects such as this one with Vibia, both areas work together to create a better result given they both have different creative realities at the time they come up with an idea.

”I have it very clear that art is art an design, design. These must not be combined conceptually; you cannot create a chair thinking it is going to be a design piece because in that precise moment you are loosing all perspective about its purpose. It has been a few years since that a few designers have become obsessed with creating ‘artistic pieces with an industrial purpose’, and that will never work. I am certain that a product must be conceived with a product identity, I believe that is why our clients come looking for us, so we embark on the project with an all-encompassing view.

“In the case of the Curtain project for Vibia, I believe we achieved a perfect balance between something totally functional that also possesses a degree of mystery, of simplicity, that can work very well... well, that is what we hope, actually. We shall see how it is received by the public in the next few days”, he concluded. www.ariklevy.fr P. 54 Jean-Marie Massaud An object success is defined by the final user and their context Text: By Francisco Torres It was the year 2000 and I was a half-time professor at ECAL (Lausanne, Switzerland), and I was given the task of welcoming international guests. That was how I met JeanMarie Massaud, leading him on a tour around town where I remember he casually told me about his on-going projects while we had something to drink at the Beau-Rivage Palace.

Today, a Thursday at noon and after one of those legendary nights in the spirit of Bar Basso, I am charged with interviewing him at the firm Viccarbe’s booth during the Milan fair.

I remembered him that it had been fifteen years since we met in Lausanne and we participated in a project at l’ECAL (Ecole Cantonale d'Art de Lausanne) to redesign the typical and world-famous Swiss milking stool. “Has it been fifteen years since that happened?” he responded.

That time he told me that he was working in the automotive industry, the reason why I tried to ascertain if he still was related to that field.

“I have worked in different fields. I am an aeronautics engineer, I have worked in design, in architecture and I have had several opportunities inside the car industry. It been relative a few time since I did a project for Toyota, and I have also worked with Renault but only developing their booth for shows, without collaborating with them in their products”, Massaud told me.

Now, being in another kind of fair grounds, I asked him about the Ace Wood project’s origin, the same project he was presenting that day along with Viccarbe, a Spanish firm with a presence in more than 70 countries and that manufactures contemporary furniture developed by international designers.

“It has been seven or eight years ago that we came up with the Ace chair where the idea was to make a suspended duvet that offered uncompromising comfort, while using the least amount of materials possible. It is made of metal thread that generates a minimalist chair, but not minimal in style, but minimal related to the means used for its manufacturing.

“The project was quite a success, a success on the scale of an enterprise like Viccarbe. Then, after seven or eight years had passed during the products lifetime, I told myself: well, the duvet idea remains interesting still, sales numbers are still interesting, but I’d like it to be present within the home market and there I required to have something more patrimonial; that is, buying it like that would be al right, but I has to add a wooden structure, both attractive and elegant, a bit more charming and warm. Thus, we adapted it and created an evolution of the whole set.” ∫For Jean Marie, the focus was this: play with the same means, both in terms of sculpture and a visible and recognizable silhouette in order to stand out amidst the myriad proposals surrounding us.

Massaud always takes context into consideration in each of his proposals because “there are certain ideas, like

that of comfort or lightness, that are always present in my works. Yet, then there are contexts; be it automotive design or furniture design, for this or that firm, with a particular kind of distribution, capable of coalescing certain kinds of ideas… or not.

“It all depends on the final user, we are on the era of accessibility, who has access to the proposal being made?

We have to consider all of this: the savoir faire, the firm’s culture, the means; the means in terms of development, of distribution, of marketing among many other factors.” www.massaud.com P. 55 Marcel Wanders The object’s transcendence Known for his continuous research on the use of materials and for his vanguard proposals that do not leave aside the evident references to historical styles and archetypes, this renowned Dutch designer is determined to make the users have a simple connection with his pieces besides having them enjoy these for a long time, all the while he creates sustainable pieces.

On this occasion we sat to chat with Marcel so he would tell us about how do the stories he would later tell through his design arrive, and just how is a work day in his life.

“For me, a normal day is just like any other day, but I always feel grateful for each day, I feel that all that is happening is important and is there for me, and that it is there so I can enjoy it. So I am very active; I want to see it all, experience it all… in a way that, I believe, a normal day for me is a wonderful day full of extraordinary little things,” the creator told us.

With these ideas on his mind, Wanders set forth to discover spaces time and time again, so as to capture every detail and see how they transform in an instant. That is the moment when he starts to conjure his projects. That process has taken him to turn his studio into a company, a wellknown brand and when we asked him how he felt about it and what effect this would have over his work, he told us: “I do not know, I has not decided it yet, in fact. I always wanted to be a great designer, to add great value, a real value to things. Create things that really made people… and me… enthusiastic.

“I understood that if I want to make a specific piece and I want to share it, the piece is not important because I am making it and I have it in my hands. The piece becomes important because you have it in your mind and then you take it to your heart. That is what grants value to it. The piece, this cup, is still on the table and, in your mind, you are carrying all this that surrounds us, this moment.”

In his opinion, as communications are very important to what Marcel does, the data torrents he is able to generate with his work are the very thing that made him turn into a brand.

“This only happens when as a concept, you are more interesting than the mere object that you are creating. If you focus on making the object, if the goal is just the object per sé, you will never be bigger than it and then you will only be… an object. When you turn into a brand it is because the collection of the created objects is far more interesting that any individual object in it.

“I happen to think that many designers just want to create an object that is interesting. Nothing more. They do not care about being in a place other than here while creating cup. They are happy like that, but I cannot be happy if that is all I do. I measure the result of my work by talking about everything about what surrounds it, not by telling about the finished object.” The designer expressed. www.marcelwanders.com P. 56 Christophe Pillet “Design is creating an interesting story” Renowned by the expression of his ludic spirit and the exploration of simplicity, the work by Christophe Pillet is defined all over the world as concept filled with exquisite elegance that is sought after by firms such as Lacoste,

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Renault, Lancel, John Richmond and Catherine Malandrino, among many others. To him, refinement and simplicity go hand in hand; it is this union that engenders true elegance and what on can see reflected in all of his works.

“To me, the intention behind the design of my collections is quite simple. In my first collaboration for an important firm, the idea was to create very decorative products. Nothing too elaborate, just simple things… it was about making vases, but I wanted it to have a bit of a technological touch; even if it did not looked technological because that was neither its true significance nor its goal.

“There is this technique called bi-injection that allows to fill the mold with two polymers of different colors and that was quite novel at the time. That gave me the opportunity to create pieces with a pleasing appearance and quite colorful. That was how a product was born, one that was not possible to manufacture before. With the use of a vanguard technique, I essentially achieved a high-tech ideal for that one first collaboration. It wasn’t about something practical or functional. It was just a product that looked very good… it was nothing more than a vase, but it was simple and full of style,” Pillet describes.

With the predominance of the value in artisanship and manual processes, Christophe understands that what people look for is long-term value. “We no longer want the product of the day, nor the novelty of the week”, he asserts. “We grown from the days when we bought something and next week we saw it and thought about how repugnant it was. We no longer want ephemeral trends. We want something that lasts. If I buy something, I want it to retain its value for me for a long time,” he declares.

In a world that is oversaturated by information, where we find it harder for someone´s own voice to stand out, Pillet manages to keep his work’s unique nature. “It really isn’t that complicated. I believe that the designer’s work is exactly like that of the writer: I am telling a story. I do not use a book…

I might even be a writer or a filmmaker because I am telling stories to people, but I chose to use products as my medium to express myself. I do not believe I am creating a chair. I use a chair to tell a specific story.”

When he reflects upon the idea that the priority is to satisfy the user, he adds: “in the end, I have my ideas and my point of view. I believe we should have more space for the people and be less drowned in so many products. The fact that so many techniques and trends exist, does not affect what I want to express. My stories will follow their own path and I might have another story to tell, later on. Yet I will always look to tell it without its being affected by what is happening. If I keep my lines simple and my objectives clear, the stories will keep flowing like they have done until now: without false starts and with that which people call elegance”, he finishes. www.christophepillet.com P. 77 Paola Navone As part of the activities held during the Maison & Objet Americas, the Italian designer Paola Navone, offered a keynote where she described her proposal in regards to the interior design of place that range from hotels an apartments to restaurants. The famous creator spoke about what has been her relationship with design, one that began when she was still a child.

“I did not like school, I was an enfant terrible in my own way … I was quite systematic and, more often than not, I ended up doing the opposite of what I was asked for or order to. Maybe that was part of what motivated me to commit myself to design because I never liked to follow rules in each of the piece I create, my only rule in my work is to give priority to my curiosity.

“The color of the bathroom walls, the stone in the sky… everything I am in contact with on a daily basis inspires me: I love the see and the fish, as a matter of fact I am a fish,” she declared.

Navone’s predilection for the shapes, textures and colors of the world surrounding her, is the origin of each piece and ambiance she comes up with. The Far East and her travels to

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that part of the world are two of her greatest passions and sources inspirations.

“I can work in anywhere and in any given place. There are hundreds of beautiful places all over the world that inspire me. When I landed in Hong Kong for the first time, I discovered a fabulous place where I could made contact with the world of ceramics and upon my return to Milan, I tried to convince the design industry to be far more curious about artisanship and that it could become capable to create something unique with ceramics,” Navone told.

Among the most recent pieces by Paola Navone, we find the design of the Como Hotel chain, in Thailand and Miami, where se has been able to create rooms inspired in the local traditions, besides coming up with environments where the color, lighting and natural elements invite the users to relax.

Her long and multilayered career has developed by alternating between the duties of the architect, designer, art director, interior designer, and critic. She has worked wit select clients such: Abet Laminati, Armani Home, Knoll International, Alessi, Piazza Sempione, Mondo, and Driade, among others. www.paolanavone.it P. 78 Eugeni Quitllet, ludic and technological I have always related the work of this Catalan wit that of Starck given the great joint effort they had several years ago, but his name stuck to my mind when in 2010 they both came up with the mythical Masters Chair. It was there where I saw how through simple lines and of a clean workmanship the achieved innovation and silent-yet-robust pieces.

Nevertheless, it wasn’t until two years ago that I was able to speak with him during a past Salone del Mobile for the first time. On this occasion, we met at the Kartell stand as he has a splendid working relationship with Claudio Lutti, and the unavoidable fact that it was Lutti who placed Quillet firmly in the design’s world star system.

In Quitllet words, this year he wanted to erase all “previous inspirations to observe nature and its element such as light, water, and air to create new effects”.

“I wanted to create emotions and reach the users in a more subtle way. I looked for romanticism, dreams, those things we do not see yet those that move us as human beings; always hand in hand with the leading technology available to a company such as Kartell. We are always looking for reaching the furthermost point in any boundary, but always stirring emotions in an ‘industrial’ manner.”

“The Cloud chair, as it name implies, was inspired by the fact of how water droplets coalesce into a cloud and then turning into that atmospheric phenomena we call rain. It was my intention to for the people to sit in that so-material transparency that is rain,” Quitllet expressed.

He also presented a new chair called Dream Air, “here we gave a formal structure to the frame, but we want the user to have a sensation akin to floating when the sitting, as a rag floating in the wind. It also is very romantic idea about how the human being can let himself get carried away by the wind and get lost in his thoughts. These are very poetic projects, yet I think we deftly grounded the concept on the final object,” he ascertained.

Without a shred of doubt, it is thanks to this point of view that we understand why he called himself an “industrial dreamer, a man fishing for ideas” as he firmly asserts that having being born in Ibiza put a ever-lasting mark on him as an idealist who searches freedom or inspiration in nature, and the beauty inherent to the human being. www.eugeniquitllet.com P. 79 Zanini de Zanine A passion for his roots This Brazilian designer has just been named Designer of the Year during the Maison & Objet Americas 2015. His career has advanced a lot since those days when he began working

with grand format pieces made out of objects he recovered from demolition sites.

With the creation of Studio Zanini, he achieved a union of all aspects of an industrial designer’s work (studio, office, laboratory and gallery) so it was possible for him to coordinate the products, from their inception to their final sale, in an efficient manner.

“I was lucky to work with two great figures in architecture and furniture design. My work ethic was formed during this period working with my father, the architect and designer Josè Zanine Caldas and the designer Sergio Rodrigues. That was the time that I can consider to be the starting point and where more than working, I just learned from these two men. Through their work, I witnessed what it was to create an object without regard for trendiness or following a fad. They did what they wanted and that way I leaned I have to design based on my will, on that which I feel I need and that I want to do,” Zanine told us.

When we asked him how he defines his personal style and what was the transition in his career at the moment when he started to work with world-renowned firms, he told us he was unable to exact point where this transition occurred.

“There are two lines in my work: one that is the artisancentered and the other that is far more industrial. The artisan one is that I started doing as soon as I was out of the university, yet both complement each other. Then, working with firms helped me, but as all of my work just happens to flow in a most natural manner, there is no moment where you could clearly observe this transition ever taking place. This freedom with which I work was what attracted the attention of all these reputed brands. I did not have to change my work style… I just started collaborating with them without following any trend, paying no mind to the “year’s color” or other such things,” he declared.

The use of materials original to his country, his love for nature and the typical shapes of all things hand-made, is what gives birth to each and every one of his creations.

“It is my creative freedom what brings in all those firms once they get to see my works, and maybe the starting point for all of them is my national identity and how I maintain a point of reference that is wholly Brazilian. I interpret every shape and each material in a very specific way,” Zanine concluded. www.studiozanini.com P. 88 Territorio Creativo From Mexico to the world Text Gerardo León Pic courtesy Terreno creativo “Territorio Creativo is a branch of Design Week and it started delivering small exhibitions related with Mexican designers during this event. Afterwards a platform, sponsored by Design Week and the creators themselves, was created so that they could exhibit abroad” says Andrea Cesarman, director of the office of architects C Cúbica, creators of Design Week Mexico and also integrated by Emilio Cabrero and Marco Coello.

In the last edition of Wanted Design, Territorio Creativo presented a special collection of new pieces created by new Mexican talents.

“This year we presented ten Mexican designers who showed their own brands in this trade show where the objective was to allow them to sell their products abroad, all this being promoted by Design Week” says Andrea Wanted Design was created in 2011 by Odile Henao and Claire Pijoulat. In this experience, an important dialogue among representatives of the world of design is carried out in order to create alliances and develop ideas together. It is also a meeting point and inspiration source for designers, manufacturers, traders, distributors, artisans, students, design institutions, press and in general all design lovers.

“Last year we participated with a collection of pieces that were not created with the topic of Vanguard in mind but the important thing was that they had the ability to

produce exporting pieces and that they were not only prototypes. We tried to focus on designers who had crafts but with the possibility to reach important dealers” the architect says.

Cesarman explains that this time the collection showed in Wanted Design had the goal of defining a contrastive point between handcrafted items and the contemporary design being produced in our country.

“This year we wanted to cure a little bit more the line of the designs that we were taking. We chose designers who had a “vision and tradition” scheme. We took some crafted objects as “yute” baskets created by great masters of knitting from Fomento Cultural Banamex and we tried to explain how with “yute”, more modern objects can be created, just as the designer Juskani Alonso does” she explains.

She adds that the intention is “to promote the idea that Mexican designers have a visionary identity and it is projected through attractive products and at a global level for the international public who can buy them. It is a comparison line between handicrafts and contemporary design. www.territoriocreativo.com.mx P. 89 Jerry Helling, Bernhardt Design Hunter design talent This born talent scout and creative mind of American design firm foremost thanks to 25 years ago took over a company's traditional furnishings and decided to take it to a higher level of design-level, talked to us about what represents for him discover talents, talk that emerged from the project developed between Wanted Design and Bernhardt Design called American Design Honors, which was introduced to three designers and project called Egg Collective.

"For me the most important to visit the workshop of a young creative is to talk about the process, because if they understand it, they know their costs, risks, time and, above all, know their capabilities and limitations ... Once you know what you're capable of, the only thing holding you back is the lack of planning, nothing more.

“It's great to have access to so much information today, but I tell you something? I just read the newspaper, the main headlines and strangely walk into a website design Why? Simple: I see too many renders, many fantasies of living like; Unfortunately, there are many designers who are only committed to this new way of being someone. And it's funny, a lot of young people when they come to see me complain about the 'star system', because only some are hired or are famous; but when I ask about their work they show me how much they have been published and how popular they are... But they are part of the same. "What I look for in them? They know that all design must be viable, they must understand, read and respond to the needs of a market and end customer. I do not work with Ross Lovegrove for liking me, and yes, it is extraordinarily nice, but I do things with him because he is committed to the product and grow the company through its design", said Jerry Helling. www.bernhardtdesign.com P. 90 Ron Gilad Between abstraction and functionality Gilad’s pieces are objects that combine a creative and ludic essence with a sense of practicality and precision for the selection of materials. All of his work is centered in the relationship between an object and its function, yet always questions the perception of those who experience it.

During a brief interview held at the Salone del Mobile in Milan, he told us that his collaboration with Flos began one day, six years since, when Piero Gandini, the firms CEO, arrived to his studio in New York, and presented his products and the people that manufactured them.

Maybe that was the turning point and six month later he was starting his first project for Flos—one that went public a year later. Afterwards, Gilad assured us, the began a love-hate relationship when on hand there is a lot of respect and on the other there are many opinions at odds with each other. “It is just like a real life marriage,” he told us.

When we asked which were the values he sought for in the companies with whom he decided to work, he revealed that besides paying close attention to their history and catalogue, what is far more important form him to make his decision is the human aspect, and that he believes that must always be a connection and an understanding that, continuing with the analogy of becoming a couple, “it isn’t like going out on a couple of dates, but developing something that will become a sort of marriage because I am looking for long-time relationships.”

This is the reason why Gilad works with the least number of firms possible and, above all, with companies that are not direct competitors, not only because it is his nature but also because in his words he is a bit lazy, and that is why he tends to work at full capacity yet never overworked. That is the reason why his studio is a very small one and that he only has one assistant. He likes keeping things simple and very intimate.

“You must understand that I am designer and not a company. I do not wish to turn into a designer who has 40 other assistants and end up becoming a corporation. My goal is to work directly with the people that search for my collaboration without secretaries and assistants in the middle.

It is not only about speaking with the directors. I also relate to with the engineer and the people that is manufacturing my pieces.”

He likes working with companies focused on technology because he sees himself as someone who still ignores many things. Every project gives him the opportunity to learn about new processes and technologies, but he still does not feel capable to describe what is it that is happening in every one of his pieces from a technical point of view. He learns by doing because he knows what effect he wants to create even when he does not know what will the machinery that will allow him to make it a reality be like. “I can talk with engineers and understand them, but my ideas are always centered on the result and not in the parts that one of my pieces might need,” he concludes. www.rongilad.com

architectural and interior design have evolved with positive effects,” he stated.

When compared to Europe, he said: “we do not get to see so many textures and colors in the same space; if we use color it is for contrast and not for harmonizing. While in Mexico I saw small space with a superb handling of color. I would love to have the opportunity of developing and interior design project so I can learn more about this, but above all else to get to know a lot more about Mexican culture, taste more of its flavors, get acquainted with all the cultures and languages that are still spoken. It is surprising what you see on textiles, the way communities like Oaxaca can produce such embroidery, just how they still dress and respect their traditions. Black clay see, fantastic to me, I’d be very interested in experimenting with this material; these are so many things that I do not know what to mention next, what I can assure you is that Latin-America is about to take that leap into mass production, and I want to be a part of that when it happens,” he finished. www.tomdixon.net

P. 91 Tom Dixon Fascination for what is made in Mexico The first impression we get upon seeing Tom Dixon is that he is a serious man determined, of course, by what he has accomplished. He is not one to smile easily, but when he does he even laughs out loud and does so sincerely. That is to say, you know that what he will say is going to be pretty serious or perhaps with a bit of sarcasm as he is English, born and bred.

It was in New York that we sat for a while and talked about his new projects, yet he preferred talking about Mexico given that in the past edition of Design Week México, Rodrigo Alegre and Carlos Acosta of Studio Roca invited us to their welcoming dinner and we happen to stumble upon each other, and because he has a deep interest in the Mexican and Latin-American markets.

“Mexico is a truly rich country in my eyes. The first time I visited it I was surprised by so much culture and the interest you all now have in design. When I gave my conference speech at the Modern Art Museum I felt like rockstar just seeing so many people interested in my work; on that occasion I even had a personal driver, a thing that is not that common in my country… What do I think about the Mexican design projects I saw? Well, that it is a very interesting market for there is this extraordinary handling of materials and mastery in techniques that you just don’t see in London. What amazes me the most is the textures and the use of color, and not the sense of the ‘Barragán’ style as many would believe and whom I admire very much, but I saw that time was understood by the Mexicans and that both

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& objeto glocal

tane BODO SPERLeIN lujo y tradición en casa Texto redacción Fotografía cortesía Tane

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a marca mexicana de orfebrería Tane ha elegido al diseñador inglés Bodo Sperlein para crear su nueva colección para casa. Él se ha especializado en la creación de accesorios para el hogar, y su trabajo es respaldado por su profundo conocimiento en materiales y procesos de producción.

En la colección destaca una serie de porcelana fina compuesta por las vajillas Pomona y Tempest, mismas que ofrecen una nueva y exquisita forma de vestir la mesa, pues en ellas aparecen detalles en platino y oro.

Asimismo surge la línea Plata y recinto, la piedra empleada en la creación del típico molcajete mexicano se trabajó y combinó con plata altamente pulida dándole un giro a su cotidianidad.

El metal adquiere todo su esplendor en la línea de Juego de té en plata sólida que incluye la tetera Lotus, la cuchara de fieltro de té, la base de ésta y otros objetos. Volière, por su parte, ofrece un homenaje al emblemático gallo de Tane donde Bodo trasladó los motivos de las plumas con un increíble detalle de fino vermeil a una tetera y recipientes de plata sólida.

En la colección Plata y madera, como su nombre lo indica, destaca el uso de “venas” de plata incrustadas en platos de madera maciza, resultado del fino trabajo de ebanistas especializados en marquetería.

Finalmente, Bodo Sperlein creó para Tane la lámpara Hadron, pieza contemporánea que igual funciona en ambientes modernistas o de época, cuyo diseño parte de las linternas tradicionales. www.tane.com.mx/bsperlein www.bodosperlein.com/tane

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