GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.30 Portada por / Cover by: SORDO MADALENO ARQUITECTOS

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PORTADA POR SORDO MADALENO ARQUITECTOS

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LO MEJ OR DEL A ﾃ前 / ESP E CI AL H OTE LES D E CO N C E P TO ENTREVISTAS: PIERO LISSONI, PIERRE KELLER, DANIEL POUZET Y EMILIANO GODOY 5

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DIRECTORA GENERAL

CONSEJO EDITORIAL

EDITORA EN JEFE

PRESIDENCIA

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS EDITORA

Arturo Aispuro Coronel

Janine Porras

Miguel Ángel Aragonés

janine@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

COORDINADORA EDITORIAL

Juan Carlos Baumgartner

Itayedzin Aragón

Fernando Camacho

itayedzin@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

ASISTENTE EJECUTIVA

Rodrigo Fernández

Gabriela Arcila

Jorge Gamboa de Buen

gabriela@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

DISEÑO

Carlos Pascal

Francisco Javier Agüero Pérez Castro

Gerard Pascal

francisco@glocal.mx

Ariel Rojo Fernando Rovzar

BECARIA

Sagrario Saraid

Karla Rodríguez karla@glocal.mx

CONTABILIDAD Víctor Villareal

MAQUETACIÓN

Arturo Xochipa

Cítrico Gráfico CONTACTO COLABORADOR Y TRADUCCIÓN

glocal.mx

Francisco Barriopedro

info@glocal.mx Manchester 13, piso 1,

VENTAS Y PUBLICIDAD

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

publicidad@glocal.mx

México, D.F. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

FOTOGRAFÍA Gabriel González Sófocles Hernández

Glocal Design Magazine

@Glocal Design

glocal_design

PORTADA Sordo Madaleno Arquitectos Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: diciembre 2015-enero 2016. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor.

Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero.

El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

FE DE ERRATAS GLOCAL NEWS Ninguna edición está exenta de errores, así nos disculpamos por las imprecisiones que a continuación enumeramos: • En la página 23, dentro de Congreso de Diseño Glocal, en el pie de foto del Mesáfono dice "Luis Mercado Rojas + Ensamblería", debería decir "LUIS MERCADO ROJO + Ensamblería".

• En la página 34, dentro Territorio Creativo Inédito. De México para el mundo, en el apartado de Déjate Querer dice "Esta firma mexicana fundada por Marisol Centeno..." y debería decir "Esta firma mexicana fundada por ANA PAULA ALATRISTE Y ROCÍO CORTÉS..."

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CARTA EDITORIAL G

local Design Magazine cumple cinco años, 1,825 días de un arduo trabajo que es capaz de absorber la pasión más desmedida y robarle horas al reloj, pero a cambio esta revista nos ha regalado —no sólo a mí, sino también a mi equipo—, la fortuna de conocer y crecer de la mano de grandes personajes y empresas mexicanas, pero también creativos internacionales, la gran mayoría dispuestos a compartir su experiencia, sus creaciones, su mundo, su visión y una que otra obsesión... y lo mejor: cada día, cada segundo se han convertido en conocimiento invaluable.

Los que tenemos el honor de estar en este medio del diseño sabemos que es un detonante cultural y social, y que ahora nuestras políticas universales giran cada día más cerca de todas las vertientes que implican al diseño.

Celebramos esta área creativa con el nacimiento de Glocal y sus 5 años de vida. ¡Que estos primeros cinco se dupliquen y podamos continuar esta labor de difusión y exploración creativa! ¿Y por qué no? Seguir construyendo este futuro tan lleno de calles cosmopolitas, así como de laderas en donde la conciencia social detona una vida más plena gracias a esas mentes que nos hacen despertar y ver amaneceres tan vivos, tan únicos y vívidos.

Esta edición, entonces, tenía que ser especial, así el despacho invitado a diseñar la portada de este mes tan representativo es Sordo Madaleno Arquitectos, una firma de tres generaciones de profesionales que ha sabido beber del atrevimiento de los jóvenes y la experiencia que los años les han otorgado. En portada quisieron mostrar uno de los proyectos que estará en activo en 2016: el Pabellón de las Artes de México.

Tres especiales reunimos en esta ocasión: uno de hospitalidad con ejemplos muy diversos entre sí de lo que se está realizando en todo el mundo; un especial de lo mejor del año con la arquitectura mexicana que ha destacado por su diseño, el cómo enfrentaron los retos de su erección y su belleza; y aún más, un breve repaso de lo que nos parecen los ejemplos más notables del diseño industrial. Las páginas siempre nos limitan, la selección podría haber sido infinita.

Espero que disfruten esta edición, las entrevistas que logramos con Emiliano Godoy, Piero Lissoni, Pierre Keller, Susan Yelavich, Daniel Pouzet; la primera parte de la Breve historia del diseño de Fortunato D’Amico, uno de los más reconocidos críticos de Italia, así como propuestas en iluminación, automotriz y lo realizado por los nóveles de Glocal.

Y sigamos celebrando que la historia apenas comienza.

Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

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CONTENIDO EDITORIAL AGENDA TRAZOS CASA GLOCAL Cocinas Baños Salas Clóset

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NOVEL Los nóveles de Glocal

HISTORIA +DISEÑO

032

H O S T Néctar R 79

Olivetti.

Prima Fabbrica Italiana

039

DISEÑO + EMPRESA

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Nixon: Que la fuerza esté contigo Frette

040

A U T O M O T R I Z bmw

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036 T E C N H O BeoLab 90, Radiant 360 y X100

I L U M I N A C I Ó N Pablo Pardo.

Diseño de iluminación

042

037 T E X T I L E S Onora. El universo tejido con las manos

043

S H O W R O O M Ezequiel Farca Showroom y Estudio

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044

E N F O Q U E

DWM

SORDO MADALENO ARQUITECTOS

De lo simple a lo espectacular: Design House

La experiencia de vivir la arquitectura

046

arquitectura y diseño de interiores

069

textil y moda industrial, mobiliario y objeto

ESPECIAL HOTELES DE CONCEPTO Shelborne Wyndham Grand South Beach Casa Fayette

multidisciplinario

077

Estudio 5 Delamore Lodge Ron Stevenson Architects Limited Art House Red Group Marquis Los Cabos

LO MEJOR DEL DISEÑO

Archetonic

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Cotton House Hotel

COLUMNA Breve historia del diseño.

Primera Parte

058

ESPECIAL LO MEJOR DEL AÑO Centro Ten Arquitectos Edificio Ámsterdam

093

Jorge Hernández de la Garza Casa Meztitla edaa

Rancho del Árbol Código Z Arquitectos Estadio de los Rayados V&FO Arquitectos Vinícola Monte Xanic Garduño Arquitectos

ENTREVISTAS Piero Lissoni.

La búsqueda de la perfección Pierre Keller.

Viajes que nutren la forma

Reforma 2394 Desarrolladora del Parque +

062

Serrano Monjaraz Arquitectos + A.flo Arquitectos Torre Virreyes Teodoro González de León

Susan Yelavich.

El diseño como agente dignificador

Arquitectos

Daniel Pouzet. El diseño democrático y el placer de no saber

CC Arquitectos

Emiliano Godoy & Lamosa.

Colecciones de autor

Hotel Carlota

Traducciones

Planta Hidropónica Next Bridge. Business Center Studio Marco Villa Mateos

Objeto Glocal

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JSa Arquitectura 5

DICIEMBRE ENERO

agenda

LA GUÍA GLOCAL, QUÉ VISITAR EN MÉXICO Y EN EL MUNDO

AGENDA

PHILIPPE HALSMAN | ÉTONNEZ-MOI! “Sorpréndeme” se titula esta exhibición compuesta por más de 300 obras del fotógrafo Philippe Halsman (1906-1979). Esta exposición muestra el concepto jumpology inventado por el artista con el cual logró obtener tomas espectaculares y espontáneas de famosos saltando frente a la cámara.

Octubre 20 - enero 24, 2016 JEU DE PAUME Concorde, Paris 1 place de la Concorde 75008, París, Francia.

33 (0) 1 47 03 12 50 www.jeudepaume.org

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agenda

PSEUDOMATISMOS RAFAEL LOZANO-HEMMER Rafael Lozano-Hemmer es el primer artista audiovisual que representó a México en la Bienal de Venecia en 2007. Conformada por 42 obras de distintas etapas productivas de Lozano-Hemmer, en todas escalas: desde una gran pieza de video interactivo hasta nanopanfletos de oro. Toda la exhibición plantea la interacción entre los sentidos y la relación de éstos con la máquina, la tecnología y la percepción.

Octubre 28 a marzo 27, 2016 MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO (MUAC) Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Coyoacán, 04510 México, DF 5622-6939 www.muac.unam.mx

AG E NDA

FRANCISCO TOLEDO. DUELO Las piezas mostradas han sido hechas en cerámica de alta temperatura que el maestro Toledo trabajó todo 2015 en el Taller Canela del maestro Claudio Jerónimo López en el Centro de las Artes de San Agustín (CaSa). Se puede observar en ellas el color, la textura y los materiales reconocibles en su plástica en general, pero ahora con una fuerte voz consciente de su espacio y tiempo, así a estas piezas les añade la lucha contra los transgénicos y está inspirada en los 43 desaparecidos de Ayotzinapa, rindiendo así un homenaje, pero también levantando su voz.

Octubre 22 – febrero 28 MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma, esquina con Gandhi Polanco V Sección, 11560, México, DF 5553-6233 www.museoartemoderno.com

VANGUARDIA RUSA EL VÉRTIGO DEL FUTURO

LA BIENNALE DI VENEZIA La 15ª Bienal de Venecia va a tener lugar de mayo a noviembre de 2016 con diversas expresiones artísticas: arte, arquitectura, cine, danza, música, teatro… La 15a Exhibición Internacional de Arquitectura se llevará a cabo de mayo 28 a noviembre 27 de 2016. “Reporting from the Front” es el título de esta muestra que se presentará en el Giardini así como en el Arsenale, y en diferentes lugares de Venecia.

Resulta una oportunidad única para ver a grandes de la vanguardia rusa como Tatlin, Rodchenko, Malevich, Eisenstein y Kandisky, entre otros. La muestra intenta mostrar diversos ángulos de un movimiento difícil de asir: pintura, instalación, arquitectura, escultura, carteles, caricatura, música, cine, dibujo, fotografía y objetos. La exposición se caracteriza por ser interdisciplinaria, fiel reflejo de estas expresiones, y también de estar fuertemente nutrido de mujeres. Esta exhibición tienes que verla.

Octubre 22 – enero 31 MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES Av. Juárez, Centro Histórico 8647-6500 www.palacio.bellasartes.gob.mx

7ª BIENAL DE CERÁMICA UTILITARIA Desde 2003 el Museo Franz Mayer organiza esta bienal que reunió 692 piezas de 17 estados de la república y de la cual se seleccionó 113 obras. Esta muestra hace evidente el compromiso por la promoción y el diseño, así como la difusión del trabajo de ceramistas, artesanos, diseñadores industriales y artistas plásticos. La temática de este año fue de tazas, años anteriores mosaicos y jarras. A esta exposición le acompañan otras actividades como talleres para modelar, de decoración de engobes y conferencias.

Mayo 28 – noviembre 27

Noviembre 13 – febrero 21

ARCHITECTURE SECTION Ca’ Giustinian, San Marco 1364/A 30124 Venezia +39 041 5218711 www.labiennale.org

MUSEO FRANZ MAYER Hidalgo 45, Centro Histórico 06300, México, DF 5518-2266 www.franzmayer.org.mx

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agenda

HISTORIA, ARTE, ARQUITECTURA Y DISEÑO DE LOS 80 A LA ACTUALIDAD Más de 400 piezas realizadas en la década de los 80 hasta la fecha. Pinturas, esculturas, instalaciones, videos, películas, dibujos, fotografías, maquetas de arquitectura, diseño de casi 180 artistas y 50 arquitectos y diseñadores originarios de 55 países. Tomando como ruptura histórica la caída del telón de acero y el muro de Berlín, esta muestra expone la creación de un nuevo producto para su consumo: el arte. Esta exhibición coloca a países como China, Líbano, Turquía, India, Sudáfrica, México y Brasil en una nueva rama de interés del poscomunismo a la globalización.

Hasta enero 11, 2016 CENTRE POMPIDOU Place Georges Pompidou, 75004 Paris +33 (0)1 44 78 12 33 www.centrepompidou.fr

LOS MODERNOS

Noviembre 11 - febrero 26, 2016 MUSEO NACIONAL DE ARTE Tacuba 8, Centro Histórico, México, DF 8647-5430 www.munal.mx

AS SEEN: EXHIBITIONS THAT MADE ARCHITECTURE AND DESIGN HISTORY Se trata de una interesante exposición donde se muestra cómo las exhibiciones han jugado un papel fundamental en la historia de la arquitectura y el diseño. Los métodos de trabajo, las nuevas definiciones, los procesos de diseño y producción se ponen a prueba, se critican, se analizan, se replantean a través de 11 exposiciones (1956 a 2006), que han dejado huella e influencia, además de convertirse en herramientas que pueden ser canalizadas hacia nuevos fines: hacer historia.

Esta exposición muestra uno de los grandes y recurrentes temas del arte: la prostitución.

Artistas franceses y extranjeros atraídos por los personajes y el ambiente que rodea a este hecho social. La decadencia, la miseria, pero también el esplendor de las cortesanas queda registrado por Manet, Degas, ToulousseLautrec, Munch, Vlamick, Picasso, Van Dongen, entre otros.

AG E NDA

Creada a partir del acervo del Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia, en conjunto con el del Munal, esta exposición muestra una selección de más de 140 piezas que a través de diferentes temáticas el espectador podrá observar la vanguardia artística en un diálogo entablado entre pintores europeos y americanos. Obras de Bonnard, Gleizes, Braque, Picasso, Matisse, Lèger, Soulages, Bacon, conviven junto a las de nuestros mejores exponentes, como Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Murillo, Rivera, Siqueros, Orozco, Cueto, Varo y Montenegro por mencionar sólo algunos.

SPLENDOUR AND MISERY. PICTURES OF PROSTITUTION, 1850-1910

Septiembre 22 - enero 17, 2016 MUSÉE D’ORSAY 62, rue de Lille 75343, Paris Cedex 07 33 (0)1 40 49 48 14 www.musee-orsay.fr

Octubre 1 – mayo, 2016 ART INSTITUTE OF CHICAGO 111 South Michigan Avenue Chicago, Illinois 60603-6404 (312) 443 3600 www.artic.edu

THE LAST FUTURIST EXHIBITION OF PAINTING Cien años atrás, a finales de 1915, una exposición fue presentada en Petrogrado, hoy San Petersburgo, Rusia. Siete hombres y siete mujeres expusieron su arte de la vanguardia rusa en lo que se tituló “La última exposición futurista de pintura, 0,10”. Ésta se convirtió en una de las muestras con más fuerza e influencia en la historia del arte moderno. Fue aquí donde Malevich presentó por primera vez su Cuadro Negro, el ícono del arte abstracto. Así, la fundación Beyeler trabajó por muchos meses para reunir la mayoría de las obras que se presentaron por primera vez. Ésta es una de las pocas exposiciones que nadie debería perderse.

Octubre 4 – enero 10, 2016 FOUNDATION BEYELER Baselstrasse 101 CH-4125 Riehen / Basel Switzerland +41 61 645 9700 www.fondationbeyeler.ch

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trazos

MAR ADENTRO Taller Aragonés | Los Cabos

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ar Adentro es el nuevo hotel de lujo y residencias que deberán estar listas para finales de 2015. Se trata de un proyecto de Grupo Encanto quien después de observar el éxito obtenido con El Encanto de Acapulco, Guerrero, decidió emprender este conjunto a pocos minutos del centro de la ciudad de San José del Cabo en Baja California Sur. Miguel Ángel Aragonés, líder de Taller Aragonés, es quien se encargó de proyectar este desarrollo de descanso de cinco estrellas con 205 suites, habitaciones y villas, que también contará con 39 residencias privadas, dos albercas de agua salada, áreas de descanso junto a éstas y una oferta gastronómica inigualable.

Entre el desierto y el mar, el complejo se encuentra en una envidiable ubicación: la parte trasera del proyecto estará enmarcada por las montañas y la vegetación propia del lugar como los palos verdes, las ardillas, los lomboyes y las pitahayas

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dulces. Al frente, el Mar de Cortés y el Pacífico unen sus aguas creando una de las más espectaculares vistas de la zona.

Cada habitación fue diseñada con sencillez, comodidad y elegancia. La estética está basada en el menos es más, así se presentan muros blancos y mobiliario que sólo tienen el propósito de convertirse en un espacio para la contemplación y el descanso. El programa incluye un club de playa privado, un centro comercial, cinco restaurantes de clase mundial — dirigidos por el chef Raúl Lucido—, galería de arte, salones para yoga, gimnasio y un gran spa holístico. Adicionalmente, Mar Adentro se ha asociado con el Hotel Café de Los Ángeles —famosos por descubrir talentos musicales—, para ofrecer conciertos mensuales bajo el título “Luna llena” abiertos a todo el público. www.maradentrocabos.com

EXPOSICIÓN NOVIEMBRE 13 2015 FEBRERO 21 2016 Hidalgo 45, Centro Histórico 06300 México, D.F. Tel. 5518 2266 www.franzmayer.org.mx MuseoFranzMayer

@el_mayer

museofranzmayer

trazos

HOTEL MYRTLE GARDEN Graft & Penda | China

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las afueras de Xiangyang en la provincia Hubei, China, se propuso el hotel Myrtle Garden, situado en el parque natural de árboles de mirto más grande de Asia, creado en conjunto por las firmas Graft y Penda.

El propósito principal del edificio es crear armonía entre la arquitectura y su entorno natural. El proyecto está diseñado a partir de la topografía de la zona y está inserto parcialmente dentro de una colina, cualidad que le aporta perspectivas interesantes. Su planta está conformada por círculos orientados con un dinamismo sutil que cambia en cada piso.

Cada círculo ofrece un parque con estanques y vegetación en el centro, promoviendo así la ventilación natural. El complejo

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de 16,800 m2 se lee desde el norte y tiene continuidad con el paisaje circundante, además se abre hacia el sur con una zona de negocios y un restaurante existente. La planta inferior del hotel está dirigido a los servicios con espacios públicos divididos en tres especialidades: culinaria, de relajación y de negocios. Otro factor importante fue reducir el impacto ambiental a través de mecanismos de diseño sostenible como: sombras naturales, reducción de calor por ventilación natural y recolección de aguas pluviales. www.graftlab.com www.home-of-penda.com

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ISLA PASIÓN SMA | Cozumel

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bicado en una península al norte de la isla de Cozumel, Sordo Madaleno Arquitectos creó un desarrollo que incluye un hotel de lujo y una zona residencial. Debido a las características del terreno, el despacho tuvo cuidado de diseñar una arquitectura integrada al contexto y de bajo impacto que respetara la vegetación, los manglares y el ecosistema que suma puntos a un proyecto como éste en belleza y sustentabilidad.

La idea arquitectónica original retomó elementos de la región, tanto de la arquitectura maya como la vernácula, así como las formas naturales de los cenotes. El plan maestro se compone de suites, palafitos, spa, zona residencial, de servicios y áreas comunes. Estas últimas no ocupan grandes espacios, como en otros complejos, pues sma deseó que el entorno fuera el protagonista, por ello existe un restaurante, bar, lobby, pool bar y recepción integradas a una serie de terrazas que dan al mar y a la alberca.

Destacan los palafitos, estas construcciones erigidas sobre el mar, pues serán los primeros en toda Latinoamérica. Su forma responde al estudio de

la casa tradicional maya que fue reinterpretado para dar lugar a esta serie de volumetrías características, texturas y el uso de la ventilación natural. Todo lo anterior está contenido en tres cuerpos, el primero —forrado en madera— contiene los baños y un patio privado; el segundo cuerpo aloja la habitación; el tercero, con su ligereza y altura tiene la función de crear una transición del interior con el exterior.

La zona residencial generará 20 villas diseñadas en dos niveles para tener un menor desplante. Estarán hechas con muros de piedra y madera de la región, vegetación, ventilaciones naturales y formas orgánicas. El spa, por su parte, recuerda la topografía de los cenotes conteniendo a sus usuarios en un espacio íntimo y apacible. www.sordomadaleno.com

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Las modas pasan, los gustos evolucionan, los dise単os se renuevan... Nuestra calidad permanece.

Mobiliario Indoor & Outdoor collection by

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CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [SALAS] [CLÓSET]

Colección Normann Cutlery de Aaron Probyn para Normann Copenhagen

BLACK&GOLD • POP Fotografía cortesía de las marcas

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[BLACK&GOLD] Los metales siempre han llamado nuestra atención, los acabados brillantes lucen elegantes contrastados con negro mate o tonos apegados a la gama amarilla de baja intensidad, como los arena o paja. El color dorado es un acento ideal para vajillas y enseres básicos.

Una cuchara para helado también puede ser un accesorio en el cuarto de cocina, la idea se trata de combinar experimentalmente lo tradicional contra tonos llamativos que puedan sorprender a más de uno en la cocina que suele ser conservadora.

A Ambiente: Etherna de Franco Driusso para Arrital 1 Lámpara Topan vp6 de Verner Panton para &Tradition 2 Accesorios Basic Wine de Simon Legald para Normann Copenhagen 3 Contenedores Componibili de Anna Castelli Ferrieri para Kartell 4 Vaso Meteorite de Diesel Living en colaboración con Seletti 5 Cafetera empotrable Europa de ge profile

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[POP] La cocina puede ser una habitación versátil con ayuda de las texturas geométricas, estampados llamativos que nos recuerden a un cómic o superficies modulares en platos, vasos o enseres. Combinar los accesorios con acabados neutros en el mobiliario fijo es la mejor manera de liberar la carga visual.

Recurrir a formas inusuales también es un buen guiño al Pop, buscar colores prendidos que le añadan un toque fresco a las clásicas tazas es la manera de agregar diversión a la cocina.

B Ambiente: Cocina It-Is de Simone Micheli para Euromobil 4 Contenedor Breton de Ecko 5 Mesa Oaxaca de Matera

1 Tabla Breton Zig-Zag de Ecko

2 Bowl Equinopsis de Rococo

3 Tazas Jazz de Vista Alegre

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casa glocal

CASA GLOCAL

[COCINAS]

[BAÑOS] [SALAS] [CLÓSET] Lavabo y grifería Infinito de Studio Quarant’8 para Dieci de Brema

FRESCO • PURO Fotografía cortesía de las marcas

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[FRESCO] Los tonos fríos tranquilizan la vista, nos recuerdan al agua que habita los mares y para el cuarto de baño es indispensable la remisión a la intimidad, es válido recurrir al romance que ofrecen las texturas florales en los azulejos o bien en los accesorios de tocador.

La grifería con acabado cromado refuerza la temperatura fría que trae la frescura, para contrastar son ideales los tejidos naturales en el mobiliario o en toallas y batas de baño, incluso obtener jabones con tonos cálidos sirve como equilibrio.

A Ambiente: Colección Prestigio de Design Lab para Ponte Giulio 1 Grifería Aria de Massimiliano Settimelli para Webert 2 Accesorios para tocador Platinum de Vetrerie di Empoli 3 Superficie para ducha Madame Dai de Archea Associati para Cerámica Cielo 4 Toilet Numi de Kohler 5 Contenedor de pedal de Norm para Menu

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[PURO] Simple y sencillo, un cuarto de baño sin excesos, con acabados naturales, libre de texturas añadidas. Basta combinar accesorios puntuales que hagan juego con los muros o el mobiliario fijo, maderas al natural para las repisas y cerámica libre de color. Menos es más.

Sirve retomar formas orgánicas en percheros o lámparas para sentir esa conexión con la naturaleza, es ideal buscar que la habitación de baño tenga una entrada de luz natural generosa.

B Ambiente: Shui Comfort de Paolo d’Arrigo para Cerámica Cielo 1 Grifería Batlo’ de Giulio Iachetti para IB Rubinetterie 2 Ducha Mixta de Bossini 3 Lavabo Angelica de Massimiliano Settimelli para Webert 4 Lámpara de techo Candeo de Katriina Nuutinen para Innolux 5 Perchero Fonte de Monica Graffeo para Rexa Design

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CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS]

[SALAS] [CLÓSET]

Poltrona Blazer de Mauro Lipparini y mesa Doppler de Giuseppe Viganò, ambos para Bonaldo

RETRO • SUAVE Fotografía cortesía de las marcas

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[RETRO] La estancia suele ser la carta de presentación de los hogares, es el primer espacio al que los invitados tienen acceso. Buscar una identidad para éste es primordial, ¿qué tal recurrir a formas clásicas? Es importante no caer en lo anticuado, para ello funcionan los colores intensos, sobrios y contrastantes.

Añadir accesorios hechos con métodos tradicionales pero con toques de humor para darle frescura a la sala de estar. Las maderas al natural son básicas y contrastan bien con colores como el verde botella o el azul cobalto.

A Ambiente: Colección Structure de Alain Gilles para Bonaldo 1 Charolas Barrel de Tino Seubert para H Furniture 2 Cojín Toad de Seletti wears Toiletpaper 3 Taburete Chamak de ITZ Mayan Wood Furniture 4 Lámpara de techo Hooked de Vitamin 5 Alfombra Erased Heritage de Jan Kath

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[SUAVE] Siguiendo con la idea de que la sala de estar es una carta de presentación, ésta no puede ser agresiva, debemos evitar los colores brillantes, a menos que sea para acentuar algún espacio en específico. Para lograr un lenguaje sutil en la estancia los tonos rosados combinan bien con el gris, en terciopelos que inviten al tacto.

El vidrio en tonos ámbar para las lámparas es una forma de añadirle calidez a la iluminación, ¿qué tal enriquecerla con maderas oscuras o mimbres tejidos?

B Ambiente: Sofá modular Sinua de Mauro Lipparini y mesa Orion de Jarrod Lim, ambos para Bonaldo 1 Alfombra Tabriz Canal Aerial de Jan Kath 2 Cojines Bonnet de Liset Vander Scheer para Casalis 3 Mesa Tindari de Antonio Citterio para Flexform 4 Vaciabolsillos Venecia de Estudio Juskani Alonso 5 Lámpara mrnd anna de Elena Salmistraro para Seletti

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CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [SALAS]

[CLÓSET]

Clutch Armure de Odo Fioravanti para Maison 203

PLÁSTICO • DEGRADADO | FORMAL • CASUAL Fotografía cortesía de las marcas

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A Look Spring-Summer 2015 de Gloom 1 Brazalete Tribu de Matteo Zorzenoni para Maison 203 2 Aretes Fragments de E.L.F. para Maison 203 3 Clutch Bao Bao de Issey Miyake 4 Gargantilla mybf de Orlando Fernández Flores para Maison 203 5 Bostoniano Melissa Backless de Alexandre Herchcovitch + Melissa 6 Tapete Focus Citron de Cédric Ragot para Roche Bobois 2

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[PLÁSTICO] Mujeres modernas esto es un llamado para atreverse, con accesorios de joyería impresa en 3d, método de producción hoy en día tan en boga, complementado con colores intensos. Formas geométricas en pendientes, pulseras y bolsos que se acomoden bien con siluetas largas y sencillas en la vestimenta.

Keep it simple, hay que darle espacio a los accesorios para destacar, por lo tanto es importante la discreción en el maquillaje y el peinado, sin embargo, la actitud es lo importante, eso es lo que debe ir por encima de todo.

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B Look Fall-Winter 2015/16 de Alfredo Martínez 1 Cartera Ely Croco Black de Acne Studios 2 Lentes Cat Eye de Mango 3 Pulsera ab-2 de ik Joyeros 4 Zapatilla Melissa Classic Heel de Vivienne Westwood + Melissa 5 Anillo ar-6 de ik Joyeros 6 Glycerine Triptych de Fernando Laposse

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[DEGRADADO] Con este look recordamos a la femme fatale de los años 50’s, la mujer que se asoma por sus anteojos con una mirada seductora, de vestimenta discreta y subida en un par de tacones altos.

Para enfatizar el sentido de elegancia que da el color negro combinado con el blanco, recurrimos a los accesorios básicos con toques contemporáneos, como el brazalete de ik Joyeros, sencillo pero con un detalle de capas geométricas en bajo relieve que contrasta bastante bien con la textura natural de la piel.

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A Look de Made in Japan de Ermenegildo Zegna 1 Reloj Mono de Cooperativa Panorámica 2 Pulsera Silver de Acne Studios 3 Reloj 1969 de RJ-Romain Jerome 4 Mocasín Nello de Salvatore Ferragamo 5 Gafas aviador Spitfire de Acne Studios 6 Colección Rajo de David Pompa

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[FORMAL] Lo formal siempre ha sido presentado en negro, en todos sus matices. Para el hombre elegante la formalidad no sólo es usar un buen look, hay que saber portarlo, combinar de manera impecable mocasines, cinturón, billetera, no hay espacio para un hilo suelto o un fit flojo.

Accesorios con personalidad, exactos y discretos, ideales para un buen traje sartorial, ideal para una junta de negocios o las celebraciones dignas entre amigos. El secreto es cuidar hasta el último detalle y no dar oportunidad a los errores.

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B Look Fall-Winter 2015/16 de Theory 1 Vaqueros Slow Rhythm de Mango aw 2015 2 Billetera b1040ve de Cuadra 3 Reloj Terrestrial Map de Girard-Perregaux 4 Derby Tan de Alberto Fellini 5 Alfombra Array Light de Kelly Wearstler para The Rug Company

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[CASUAL] Para un día relajado también hay que vestir bien, podemos recurrir a tonos neutros y un buen par de vaqueros complementados con una camisa de corte regular cubierta con un suéter de cuello redondo para aligerar la seriedad en el vestir. Un reloj es suficiente en cuanto a accesorios se refiere.

Los tonos arena quedan bien con el negro y el azul índigo de los jeans, algunos detalles como el primer botón de la camisa suelto o traer el abrigo abierto enfatizan lo informal sin dejar de lucir bien.

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novel nacional

LOS NÓVELES DE GLOCAL Texto redacción Fotografía cortesía de los participantes

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n mayo de este año, Glocal Design Magazine inauguró su primer ciclo de conferencias y talleres dentro del marco del primer Congreso de Diseño Glocal, actividades que tienen la intención de implantarse anualmente como una tradición que festeja el diseño en todas sus áreas y todas sus facetas creativas.

Los talleres fueron realizados por diversos facilitadores, todos ellos diseñadores y arquitectos con trayectorias consolidadas en nuestro país, fue el caso de Andrea Soria con Herman Miller —Living Office Design Charette—; Emiliano

Godoy con Masisa —Diseño de librero Glocal—; Luis Mercado Rojo con Ensamblería —Taller de diseño de mobiliario bajo las especificaciones de Opendesk—; Noriegga con Lightroom — Objetos de luz. Tecnología y confort—; y Silvino Lopeztovar con Advento Art Design —Taller de diseño en objetos de mármol y ónix para realizarse con los artesanos de Tecali, Puebla—.

De estos cinco talleres se eligieron los mejores diseños por sus cualidades formales, estéticas y funcionales.

Creemos en el talento de estos nóveles creativos, por ello les presentamos sus propuestas.

WORKSHOP SILVINO LOPEZTOVAR + ADVENTO: n a r c i s o Narciso es una solución estética que busca contrarrestar la falta de contacto y experiencia natural dentro de los espacios urbanos interiores, con el propósito de oxigenar, cuidar, cultivar, interacturar, exhibir y coexistir con la vida vegetal. Con una esencia moderna, se genera una arquitectura del objeto que retoma a Kahn proponiendo una trama donde unidades independientes son moduladas para configurar cuerpos nobles de mármol y ónix, concebidos dentro de un marco espacial haciendo distinción entre servicio y espacio. Narciso tiene la facultad de generar un paisaje de plantas y ensambles a diferentes alturas que pueden ser editables, configurables y legibles, sin perder su origen formal, como un número narcisista.

Alejandro Maza

WORKSHOP EMILIANO GODOY + MASISA: artemio ¿Qué es un librero? Es la pregunta que intenté responder cuando diseñé mi librero Artemio. El librero se ha trabajado como un depositario de libros, cuando en realidad es más que eso, es una especie de altar donde reposan, siempre exhibiéndose, nuestros objetos preciados. Por eso, Artemio es un mueble pequeño que busca romper con el paradigma del peso, del obstáculo, del monolito. Es un mueble que busca conjugarse al interior de la casa con libros, plantas, juguetes y demás. No es sólo un librero para libros, aunque pudiera sonar contradictorio, sino que responde a los usos de la gente, y pronto lo producirá Hecho y Derecho.

Fernanda Rangel

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novel nacional

WORKSHOP LUIS MERCADO + ENSAMBLERÍA: mesáfono Con base en el diseño de la caja acústica, el Mesáfono permite incrementar los decibelios de tu celular basado en el principio de amplificación acústica. Las vibraciones de la bocina del smartphone son guiadas a través de ese gran cono de madera generando un incremento en la percepción del sonido. La madera es un elemento importante ya que dota de un matiz más noble y rústico al sonido. Vinculado con los materiales y las texturas del pasado, pero traído de vuelta con formas y funcionalidades del presente, el Mesáfono es un mueble que por sí solo impacta al usuario, pues rompe con la percepción y nos regala un juego de perspectiva.

Octavio Solano

W O R K S H O P S I LV I N O LO P E Z T O VA R + A D V E N T O : a n g o lo -T r i La vida es luz y oscuridad. Día a día nos encontramos en constante cambio y navegamos entre estos dos extremos; sin embargo, es la luz la que se vuelve nuestro refugio, nuestra casa, nuestro lugar seguro. De

WORKSHOP S I LV I N O LO P E Z TOVA R + A DV E N TO : ena

ahí nace Angolo-Tri que busca ser esa casa que resguarda la luz en su interior. En ocasiones el negro nos espanta o la oscuridad nos abruma, por eso esta luminaria nos recuerda que aún en el mármol más oscuro siempre puede existir una luz al final del camino. Angolo-Tri mantiene una

Ena, que en griego significa uno y también fuego pequeño,

forma arriesgada pero siempre en

está inspirada en las luminarias de la ciudad, y pretende traer

equilibrio.

una parte de éstas a los hogares mexicanos como una lámpara-

Valeria Castañeda

escultura. Durante el workshop de Glocal, una de las ideas que rigieron mi trabajo fue “menos es más”, lo cual me llevó a abstraer la forma. Quise respetar dentro del diseño la simpleza y delicadeza características del mármol. La pantalla de ónix sirvió para contrarrestar la oscuridad del mármol, así lo atraviesa y rompe su estructura rectangular, pero también funge como un accesorio que hace resaltar las propiedades del material. Cuando se refleja la luz da la impresión que ésta viene desde el centro de la pantalla pareciendo así el corazón de la pieza.

Daniel Jiménez

WORKSHOP HERMAN MILLER: PROPUESTA PARA ROCHA & LINARES DE CAMILA ANAYA LAGOS, CLAUDIO FUENTES RAMÍREZ, DANIEL OCHOA GUTIÉRREZ Y ÓSCAR PÉREZ PAZ Realizado para la firma Rocha & Linares, un bufete de jóvenes abogados de entre 30 y 40 años, quienes cuentan con un despacho tradicional donde 70% del espacio corresponde a espacios cerrados. La propuesta está basada en áreas abiertas diseñadas para soportar el trabajo de un grupo de personas de manera armoniosa. Por lo anterior se utilizaron dos Hive o Colmenas donde seis personas pueden trabajar al mismo tiempo. También se propuso un Jump Space o Estación Temporal al centro, ideal para reuniones y actividades que no requieren mucho tiempo. Finalmente, rematan a los extremos dos bahías para trabajadores móviles o juntas exprés.

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host

NÉCTAR |R79 En Néctar convive lo tradicional con lo contemporáneo, cualquiera puede tomar asiento en la barra, ordenar de comer y platicar con el chef mientras disfruta de la gastronomía local y el ambiente logrado por R79.

Texto redacción Fotografía David Cervera, cortesía R79

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host

U

bicado en la avenida Andrés García Lavín, una de las calles con mayor afluencia comercial de la cálida y blanca ciudad de Mérida, R79 tuvo oportunidad de transformar el espacio por encargo del chef Roberto Solís Azarcoya. El despacho, liderado por el arquitecto Roberto Ramírez Pizarro, aceptó el reto con la seguridad de imprimirle contenido y no sólo forma a su propuesta. El desafío fue tomar dos locales de 4 x 16 metros y convertir esos cuadrados impersonales en un lugar acogedor, instaurarlo como punto de referencia y transformarlo en un escaparate de la nueva cocina yucateca.

El recorrido hasta llegar a Néctar es sencillo: como preámbulo nos recibe la terraza con sus dos chakás, estos árboles nativos de la zona que como cariátides flanquean un gran corredor dando vida a este espacio de Plaza Návita. Un bar junto al acceso nos invita a entrar y una vez en Néctar nos encontramos un muro realizado con cemento mezclado con la resina vegetal del árbol chukum, que ha servido como base de pinturas ecológicas en el sureste. La naturaleza debía estar presente en el proyecto, así R79 colocó un huerto vertical flotante que limita el espacio, además de proveer hierbas de olor al chef y cocineros.

El corazón del proyecto es la cocina que se encuentra abierta de tal manera que los comensales puedan observar el fogón desde cualquier punto. Está enmarcada por unos muros en cantera que fueron colocados en el sitio con una grúa y sobre éstos, a manera de barra, placas de cristal. El salón presenta una doble altura con pisos en concreto pulido y un “tapete” en pasta naranja que hace juego con un muro en piedra rajuela colocada artesanalmente. El mobiliario fue hecho por Hemisferio Derecho de Eduardo Rodríguez y Kuché de Juan Luis Estrella. La iluminación indirecta —a cargo de Carlos Aranda de Iluminación del Sureste— acentúa el ambiente acogedor con sus manojos de bombillas que decoran las alturas.

La estructura de entrepisos y cubierta ha quedado aparente, el acero coloreado en negro, la madera de guayacán fue cuidadosamente seleccionada con tonalidades y betas que distan de lo cotidiano. Los servicios como los ductos del aire acondicionado quedaron al descubierto proporcionando un toque contemporáneo y relajado. Adicionalmente, en un juego visual que introduce el exterior al interior, dos privados para eventos pueden continuar los espacios a través de pivotantes y paños corredizos que se unifican en un todo. www.r79.mx

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automotriz

BMW I3

En 2013, bmw Group lanzó el primer híbrido de bmw; una de las marcas vehiculares de alta gama que, junto con mini y Rolls-Royce, integran al fabricante de vehículos. En 2009, surgió el inicio del “Proyecto i” y el resultado es el bmw i3, cuyas características reaccionan ante las exigencias de desplazamiento urbano con mayor eficiencia energética, sostenibilidad ambiental y conectividad intensiva.

Texto redacción Fotografía cortesía de bmw Group

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l bmw i3 ha sido concebido para las megaciudades y representa el futuro de la movilidad ya que su propulsión es totalmente eléctrica y, por lo tanto, libre de emisiones. De caja automática, está compuesto por un motor eléctrico síncrono —desarrollado exclusivamente para este vehículo— que pesa cerca de 50 kg, tiene una potencia de 125 kW/170.

Logra una aceleración de 0 a 100 km/h en 7.2 segundos, lo que implica un rendimiento y capacidad de respuesta alto en comparación con otros vehículos eléctricos, con 150 km/h de velocidad máxima, es perfecto para trasladarse hasta 160 km con una sola carga en su batería de alto voltaje de iones de litio.

Su diseño orientado hacia el futuro incorpora valores como la ligereza, la seguridad y la eficiencia. De líneas sinuosas, delimitadas por ángulos precisos, crean un lenguaje creativo, moderno y emocionante. En su exterior, presume puertas de apertura opuesta que proporcionan un acceso cómodo, por otro lado, la carrocería decorada con la Black Band —que recorre el vehículo desde el frente hasta la cajuela—, da un sentido de especial ligereza mediante una división óptica. Los rines de 19” disminuyen la resistencia al rodar y junto con los detalles aerodinámicos aseguran máxima eficiencia. Su habitáculo de carbono de alta resistencia lo hace 30% más ligero y la arquitectura LifeDrive permite experimentar amplitud en el interior del vehículo, que se caracteriza por materiales sustentables de primera calidad: cuero tratado de forma natural, madera certificada y tejidos fabricados con materiales reciclados.

Los planes de la compañía bávara no se detienen y para 2019 tiene previsto abrir una planta de producción en San Luis Potosí, ciudad que ganó la licitación en julio de 2014. www.bmw.com.mx

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iluminación

PABLO PARDO

D IS E Ñ O D E I LU M I N ACI Ó N Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía de Diez Company

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l diseñador de origen venezolano, Pablo Pardo, fundador de la marca Pablo Designs, ha estado conectado con lo emotivo y la capacidad de asombro que se puede generar con un haz de luz. Pablo crea diseño atemporal, su intención es que los objetos sean duraderos y no pierdan su apariencia contemporánea, gracias a sus cualidades minimalistas.

Pablo fundó su estudio en 1993, desde entonces ha ganado reconocimiento internacional por sus innovadoras lámparas y muebles para el hogar. Su carrera ha sido variada e incluye trabajo para Fisher Price y Daimler Chrysler, pero es en el diseño de iluminación donde enfoca sus habilidades. “Tenía curiosidad de encontrar otra dimensión, algo alejado de los objetos, algo que fuera mágico… y eso era la luz en sí misma, fue algo parecido con el sonido”, comenta Pablo Pardo.

En referencia al sonido, Pablo creó uma, una lámpara portátil que incluye un altavoz con sonido 360°, que combina una interfaz intuitiva con formas elementales. Por otro lado su lámpara Piccola muestra a la perfección la idea de menos es más, de líneas simples y materiales honestos, forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de San Francisco.

También destacan Pixo y Clamp, ambas luminarias ganadoras del Red Dot Award, por su parte Pixo es una lámpara de trabajo, compacta y ligera puede reciclarse hasta en 97% y forma parte del catálogo de ventas del moma en Nueva York. Clamp, combina dos elementos básicos: la luz y la madera en una unión metafórica entre lo natural y lo tecnológico.

Pixo

www.pablodesigns.com

Piccola

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diseño + empresa

NIXON

QUE LA FUERZA ESTÉ CONTIGO The Force Awakens de J. J. Abrams ha despertado el nunca dormido entusiasmo de los fanáticos de Star Wars, este fenómeno taquillero ha trascendido la pantalla para invadir la vida real, existen muchos ejemplos, pero hoy queremos destacar la nueva colección de relojes realizados para los seguidores de la saga.

Texto redacción Fotografía cortesía de la marca

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a nueva colección Nixon Star Wars tiene como objetivo honrar una de las más rentables franquicias de la historia del cine, inflamando el espíritu de sus diseñadores con un ánima que nunca antes habían probado. Así el legado de Star Wars está presente en relojes, carteras, cinturones, mochilas, entre otros.

Los mejores detalles están inspirados en Darth Vader, Boba Fett, Imperial Stormtroopers, Imperial Pilot, entre otros personajes. “A primera vista no se percibe, pero no puede ser ignorado. Nosotros le prestamos atención.

Discutimos sobre ello. Trabajamos día y noche para que los detalles sean tan buenos como es posible, para que cuando los lleves puestos, te sientas como si tuvieras la pierna apoyada en el resto del mundo”.

Dark Side Collection lanzada en septiembre (la primera propuesta), y noviembre de este año (la segunda), presenta superficies en color negro mate en combinación con piezas ultrapulidas —lo mismo sucede con los objetos blancos, inspirados en los Stormtroopers—, reminiscencias a las espadas láser en los segunderos y la iconografía propia de la saga. En el caso de los relojes existe una opción para cada gusto, casual o de vestir, en metal o caucho. www.nixon.com

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diseño + empresa

CASA FRETTE Frette está reconocida por sus consumidores como una marca 100% italiana, pero en realidad se fundó en diciembre 1860 por Edmond Frette, en Francia. El incremento de la demanda en sus productos, hizo que Edmond saliera a buscar precios competitivos y materias primas de mejor calidad, todo ello fue encontrado en Italia: mejor manufactura y materiales para su ya famosa ropa de descanso.

Texto Carmina Romero Miranda Fotografía cortesía de la marca

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an pasado 150 años de aquella fundación hasta hoy, a la ropa de cama se le han agregado las líneas de baño y accesorios, de decoración y ropa, y su showroom de Masaryk, el más importante de Latinoamérica, se vistió de gala en octubre por varias razones: primero, por el lanzamiento de su colección de invierno; segundo, es el mes en que celebran el aniversario de la marca; y tercero, año con año dan por inaugurada Casa Frette. ¿Pero qué es Casa Frette? Es un ejercicio creativo que se presenta anualmente, en él se intervienen diferentes espacios de la boutique por diversos talentos y creativos con la finalidad de ofrecer opciones para incorporar Frette al estilo de vida de los mexicanos. Durante un mes un porcentaje de las ventas fueron donados a World Vision México, una organización que cobija a niños en condiciones de pobreza.

Y ya que la nueva colección está inspirada en Milán, participaron bajo esta temática los creativos invitados a intervenir Frette: Betsabeé Romero, el diseñador de moda Kris Goyri, el arquitecto Elías Kababie , la interiorista y florista Jeanine Miguel, además del wedding planner y event designer Gastón Kerriou y la conductora Martha Debayle.

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La tendencia actual de Frette, al mando de uno de sus diseñadores top, Ornella Albizzati, no deja de lado sus clásicos gris, beige, así como sus tonos neutros, al que se agregan azules, morados tornasolados, entre otros, que combinan con abstracciones de la icónica ciudad del diseño. Al respecto nos comentó Alfredo Arnaud, Director de la marca en México: “La nueva colección a mí en lo personal se me hace de las más bonitas que hemos recibido porque es una colección que está inspirada en Milán. Cuando Edmond Frette se establece en Italia, lo hace en Milán. El ver una colección que representa el lugar de origen, pues realmente se consolidó en Italia. Así esta colección representa muchísimo más que sólo una temporada”.

Es así como las 180 tiendas de Frette en todo el mundo celebran un año más de ofrecer calidad y tradición, todas prometen un cambio de imagen para el próximo año, así como la apertura de nuevas tiendas en Monterrey y Guadalajara. www.international.frette.com

historia + empresa

OLIVETTI

PRIMA FABBRICA ITALIANA Tener una máquina de escribir hace 40 años era símbolo de que había llegado la modernidad a nuestra casa. Los que vivieron esta etapa lo saben, el dulce sonido de las teclas era la promesa de que la hoja en blanco pronto se poblaría de la tinta de los tipos, palabras, frases, párrafos… Con ustedes, la antecesora de la computadora.

Texto Janine Porras Fotografía cortesía Olivetti

C

amillo Olivetti es quien inició esta historia de diseño en particular y la elegimos porque la compañía que heredó se encargó de trabajar tanto la función como la forma. Camillo visitó Estados Unidos a finales del siglo xix a propósito de un congreso de electricidad y pudo notar que las oficinas estadounidenses estaban inundadas de máquinas de escribir Remington, el invento que patentaría Christopher Natham Sholes. Y aunque Camillo era un empresario dedicado a la creación de herramientas eléctricas se preocupó por obtener la representación de la máquina de escribir Royal.

El primer prototipo creado por Olivetti fue el m1, mismo que dio pie a la fundación de C. Olivetti & C, instarauda en Ivrea, en la región del Piamonte.

Esta compañía (Prima Fabbrica Italiana Macchine Per Scrivere) se caracterizó por trabajar con los mejores arquitectos, ingenieros y diseñadores de su tiempo.

Pero los comienzos no son fáciles, esta primera máquina italiana estaba inspirada en la Remington y Underwood, con algunos problemas mecánicos, como era de esperarse.

El fundador se había encargado de realizar las mejoras de sus modelos en los primeros años, no obstante a partir de la década de los 20, Adriano Olivetti, el hijo de Camillo, tomó la dirección general y creó una división responsable de diseñar nuevos modelos. Y a partir de 1931 comenzaron la producción en serie. A la m1 le siguió la m20. La m40 fue la favorita de los clientes, ella reunió calidad, velocidad de escritura y una mayor suavidad al teclado.

Olivetti cruzó por diferentes etapas históricas: la Posguerra, la gran Depresión; fusiones, como con Underwood, Bell S. A., y Telecom Italia…

Muchos modelos han marcado un antes de un después dejando atrás la sobria y elegante m1. Marcello Nizzoli con su Lettera 22; Perry King, Ettore Sottsass con la Olivetti Valentine, entre otros. De hecho, varios modelos diseñados por Mario Bellini en Olivetti forman parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York: Lexicon 82, Lettera 10, ETP 55, y los modelos subsiguientes previos a la conquista de la computadora. www.olivetti.es

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& techno

BEOLAB 90 RADIANT 360 L X100

Texto redacción Fotografía cortesía de las marcas

a mayor parte de la información que recibimos es a través de nuestros sentidos, especialmente de nuestros oídos que nos colocan las 24 horas del día bajo estímulos, ordenados o no. La música es uno de los lenguajes favoritos de la especie humana, por eso realizamos una selección de tres marcas diferentes entre sí que tienen mucho que ofrecer en materia de audio.

Comenzamos con el altavoz Beolab 90 de Bang & Olufsen, diseñado bajo el principio fundamental de que la forma obedece a la función, ofrece una alta precisión sonora con buen desempeño en claridad, alcance y una exposición de sonido de 360° en sus 73 x 125 x 74 cm, con gran variedad de ajustes, equipado con la tecnología Active Room Compensation, que regula la repercusión del sonido con las características de la habitación donde se encuentre. También se puede ajustar el haz de sonido desde un ángulo muy pequeño hasta la dispersión total de 360° con un total de 14 canales de amplificadores y 4 amplificadores adicionales de clase d, ofreciendo hasta 8,200 vatios de potencia.

Diseñado en el laboratorio de audio de Samsung en California, eua, el altavoz Radiant360 reproduce sonidos vía WiFi desde cualquier dispositivo móvil usando la aplicación Multiroom 2.0. Su diseño de dimensiones pequeñas —tan sólo 18 x 42 x 18 cm— cuenta con proyección sonora omnidireccional, puede conectarse a cualquier sistema de tv vía Bluetooth y también a los servicios de transmisión por internet.

Para los que prefieren llevar el sonido a todos lados Logitech ofrece X100, un altavoz portátil con sonido nítido y potente, de uso intuitivo puede realizar transmisión de sonido desde cualquier dispositivo con Bluetooth, hasta con un radio de distancia de 10 m. La duración de su batería es de cinco horas. www.bang-olufsen.com www.samsung.com www.logitech.com

X100

Radiant 360

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ONORA EL UNIVERSO TEJIDO CON LAS MANOS

textiles

Texto Nina Paz y Soto Fotografía cortesía de Onora Casa

Onora Casa empezó dos años atrás, aproximadamente, cuando la historia de dos creativas confluyeron. Maggie Galton y María Eladia Hagerman descubrieron que en común tienen la pasión por la cultura mexicana y su riqueza en las artes populares. La idea fue y ha sido colaborar con artesanos mexicanos en la creación de textiles y accesorios asegurando con ello un comercio justo y sustentable, además de buscar un balance constante entre tradición y nuevas tendencias.

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l showroom de Onora Casa, fue inaugurado hace un año, como la culminación de un periodo de preparación y esfuerzo de las fundadoras: Maggie Galton, historiadora del arte, que desde hace 15 años realiza trabajos colaborativos con artesanos y creó su propia marca homónima; María Hagerman, por su parte, como diseñadora gráfica y editorial que ha aportado su visión contemporánea para crear objetos decorativos, accesorios de mesa, textiles, entre otros, que reflejan un estilo de vida sofisticado.

Las colecciones de Onora se enorgullecen de la iconografía y la mano de obra que enriquece sus creaciones con sus imaginarios locales, es el caso de la Colección Balamil realizada en telar de cintura y representa el Universo, la cosecha, la siembra... La Colección Tzotz rinde un homenaje a los chamulas de los Altos de Chiapas, su vestimenta y el trabajo que realizan con la lana. La Colección Azute es una antología de piezas que reúnen diferentes tipos de técnicas en la que el protagonista es el azul o azute. La Colección Vintage se compone de objetos que están confeccionados con textiles realizados décadas atrás.

Una de las novedades de la firma es la Colección Amochitl, basada en cobre. Éste material fue el punto de inspiración y el hilo conductor entre los distintos textiles y objetos que forman el conjunto. Ya que el cobre tiene una larga historia en México y se ha utilizado desde la época prehispánica. Onora exhibe el trabajo entre las creadoras y los purépecha de Michoacán y Jalisco. www.onoracasa.com 43

showroom

EZEQUIEL FARCA S HOW R O OM Y EST U D I O

Ubicado en una de las mejores calles de Polanco, el showroom de Ezequiel Farca Arquitectura y Diseño, se dio a la tarea de remodelar su salón de exhibición que fue inaugurado hace cinco años y hoy presenta una nueva cara.

Texto Janine Porras Fotografía Adlai Pulido (interiores), Jaime Navarro (fachada), cortesía Ezequielfarca

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on 118 m2, este espacio tiene el objetivo de dialogar con el usuario y presentar los campos de trabajo que hoy realiza el estudio. Mobiliario, diseño de objeto, ambientes y también arquitectura se despliegan apoyados de una sala audiovisual que promete mejorar la experiencia del cliente. El salón de exhibición muestra las últimas tendencias en interiorismo: colores neutros, maderas y sus diferentes colores y texturas, así como lana y piedras naturales, dejando que los materiales hablen por sí mismos.

El edificio, por otro lado, presenta recubierta su fachada con un elemento vegetal gracias al muro verde que se extiende sólo en los niveles superiores, una pieza que ha cobrado gran importancia dentro de la obra de Farca, no sólo por sus beneficios sino por su belleza. La planta baja, en cambio, exhibe una cara artificial con su acabado de concreto aparente simulando duelas de madera natural, haciendo de este elemento urbano-arquitectónico un hito en la zona de Polanco en la Ciudad de México.

Este espacio no sólo es considerado un punto de exhibición de los proyectos e ideología de Ezequiel Farca Arquitectura y Diseño, también se ha incluido la zona de trabajo donde más de 20 creativos despliegan sus ideas y las desarrollan en diversas escalas.

www.ezequielfarca.com 44

showroom

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enfoque

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enfoque

LA EXPERIENCIA DE VIVIR LA ARQUITECTURA Sordo Madaleno Arquitectos

Tres generaciones de arquitectos al frente de sma le ha dado a la firma una perspectiva muy peculiar del quehacer arquitectónico, ellos saben que las fórmulas no existen. Tratar de enfrentar los conceptos creatividad vs negocio no es una opción para este grupo que ha tenido el tiempo necesario para transformarse y reinventarse constantemente de la fachada hacia el corazón.

Entrevista Greta Arcila Texto Janine Porras Fotografía retrato Gabriel González Fotografía arquitectura cortesía sma

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n la que alguna vez fue la casa donde habitaba la familia Sordo Madaleno fue recibido el equipo Glocal para una entrevista en exclusiva, nos esperaban Javier Sordo Madaleno Bringas y Javier Sordo Madaleno de Haro, ambos arquitectos, ambos apasionados de lo que hacen para charlar con nosotros sobre sus quehaceres.

Antes, conversamos sobre la obra de portada de esta edición, se trata del Pabellón de las Artes de México —espacio modular de 70 m de largo por 12 de ancho (en su máxima medida)—, que exhibirá la obra del artista plástico Rivelino, un pabellón que pretende ser itinerante para que viaje por diferentes ciudades de Europa donde se dará a conocer su obra. Asimismo mostrará tanto la arquitectura del despacho como el arte en un binomio que evidencia aspectos de la cultura mexicana a la que no están acostumbrados los europeos. Este es un proyecto todavía en proceso de consolidación, pero que sin duda nos ha regalado una de nuestras más hermosas portadas.

Sordo Madaleno Arquitectos ha sido uno de los pocos despachos que han observado el cambio cultural entre aquel arquitecto dedicado 47

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únicamente al diseño de inmuebles al hombre de negocios que hoy exige el ramo, cambio que vislumbró Juan Sordo Madaleno con el ramo hotelero.

Al respecto nos comenta Javier padre: “en la época en la que yo estudiaba el arquitecto era un bohemio, siempre de morral y de pelo largo, nunca se ponía corbata ni traje. No podía ser creativo y pensar en que las cosas tenían que ser negocio. Afortunadamente todo ha ido cambiando, ahora en arquitectura cada vez que tú le haces un proyecto a alguien el 80% de los proyectos se hacen para generar economía y el 20% para placer”.

LOS CENTROS COMERCIALES COMO PUNTOS DE INTERACCIÓN SOCIAL El fundador del despacho, Juan Sordo Madaleno, labró el camino para este concepto de arquitecto-hombre de negocios, después de haber erigido Plaza Satélite y Plaza Universidad. Esta herencia, que además de convertirlos en los arquitectos pioneros de las plazas comerciales, ha sido mayormente aprovechada al verse en la necesidad de desplegar otras habilidades para no dejar cabos sueltos en un plan completo de negocios.

De ahí que en 2008 se creara Grupo Sordo Madaleno, independizando y consolidando el área de desarrollo inmobiliario, pero también operaciones, comercialización, construcción, interiorismo... “Hemos podido integrar todas las partes que se relacionan con un proyecto. Esto es muy importante porque nos da mucha calidad y mucha información, y nos ayuda a generar 48

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Exterior Pabell贸n de las Artes de M茅xico

Interior Pabell贸n de las Artes de M茅xico 49

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Toreo Parque Central 50

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Picacho Lifestyle Center

Antea

experiencia. Cuando imaginamos Antara, imaginamos aquel paseo, las circulaciones, los andadores… Y si la parte de comercialización no hubiera reflejado el tipo de tiendas que queríamos, el orden, el tipo de cafés, si la operación no estuviera a la altura y le pusieran letreros por todos lados…

Todo eso hubiera hecho que la experiencia que buscábamos cuando diseñamos el espacio se hubiera perdido. Hoy hemos aprendido de todos los lados: sabemos de la parte de comercio, sabemos de operación, sabemos de números, sabemos de construcción… Y eso hace que les demos mucho mejor resultado a nuestros clientes y nuestros socios”, comenta Javier padre.

Los visitantes de los centros comerciales proyectados por sma hoy alcanzan los 75 millones de personas al año, esto indica que por el modelo económico proyectado en México y el cambio en los usos y costumbres —que para poner en contexto, en 2014 las zonas arqueológicas de nuestro país recibieron 12 millones 661 mil personas, según datos de Datatur—, el arquitecto no sólo tiene una gran responsabilidad al crear estos espacios, pensar en las circulaciones, los materiales, los sistemas de energía, la sustentabilidad, las áreas sociales, también debe tomar en cuenta la interacción entre la gente que trabaja en el sitio, la que compra, los servicios, etcétera. Ejemplo de ello es Toreo Parque Central que ha venido a colocar en el mapa de inversionistas inmobiliarios una zona olvidada.

Por otro lado, sma se ha preocupado por devolverle a los vecinos de las obras impactos positivos a su vida: plusvalía para sus casas, pasos a desnivel, plazas públicas, entre otros, para que el entorno mejore. Lo anterior ha redundado en una buena interacción con los gobiernos de las diferentes demarcaciones de las ciudades en las que trabajan y no escatiman en ello.

“Lo que sí hemos visto es que son catalizadores de inversión y regeneración urbana, porque vienen a cambiar toda la cara de la colonia en la que se hace. Esa inversión se transforma en infraestructura, vialidades… creo que a partir de estos proyectos hemos logrado detonar muchas zonas de la ciudad que la verdad estaban muy deterioradas, y hoy se han vuelto puntos económicos y sociales”, nos comparte Javier hijo.

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enfoque

Grand Hyatt Playa del Carmen

LA HOTELERÍA DE SMA La arquitectura dedicada a los hoteles representa un buen porcentaje de lo que se realiza hoy en las oficinas de sma, después de un proceso de hibernación en el que cayó el ramo y que en Sordo Madaleno inició poco después de proyectados los hoteles Westin Regina de Puerto Vallarta y Los Cabos.

Pero el cariño a esta industria viene de antes, pues Juan Sordo Madaleno siempre estuvo muy activo en ella, recordemos que fue el arquitecto encargado de proyectar Hotel Presidente de la Ciudad de México y de Cozumel, inmuebles icónicos y representativos de sus tiempos y aún vigentes.

“Hoy estoy muy contento porque estamos realizando cosas importantes en la hotelería, no solamente con gran éxito en su diseño, sino también en cómo estamos integrando cada hotel a cada lugar, como el Gran Hyatt Playa del Carmen, que una de las cosas fundamentales que tiene es cómo el área comercial —un área que el hotel puede usar para eventos, etcétera— se une con la ciudad, y a su vez el hotel con un parque central, y cómo el lobby te va transitando hasta el mar. El logro en este hotel ha sido muy importante, creemos que estamos trayendo ideas nuevas a la hotelería.

Inclusive desde cómo vives el espacio, cómo te registras y cómo operas, es decir, cómo te soluciono para que tu llegada 52

y tu experiencia en el hotel sea de lo mejor”, comenta entusiasmado Javier padre. sma ha tenido oportunidad de dialogar de manera muy cercana con los diferentes operadores y pueden ofrecerles diversas soluciones a sus diferentes necesidades: Hyatt, Marriot, Fiesta Americana, Starwood, cada uno con culturas muy desiguales entre sí, que no obstante, un despacho con tanta experiencia, como es éste, puede asesorar a cualquier operador. “Hoy es muy interesante porque estamos diseñando nueve hoteles diferentes, con cadenas diferentes, con visiones diferentes. Cada experiencia se ha vuelto muy atractiva pues unos son en la playa, otros son sobre el agua, otros son urbanos, otros son cinco estrellas. Es una mezcla que se ha convertido en un experimento increíble y hemos agarrado mucha experiencia con todos los operadores.

Hoy representamos una de las firmas más importantes de conocimiento en diseño de hoteles aquí en México —comenta Javier hijo y añade Javier Sordo Madaleno Bringas—: Además estamos trabajando desde hoteles boutique de pocos cuartos, de muy alto nivel y distintos tipos de producto. Todo esto nos ha servido para ser propositivos con nuestros clientes y que ellos vean que traemos un know how de la parte hotelera muy importante”.

enfoque

Spa del Grand Hyatt Playa del Carmen 53

enfoque

ESPACIOS MÍSTICOS Crear un espacio ideal para la contemplación y el misticismo, que invite al recogimiento no es una tarea sencilla, pero dentro de las tipologías creadas por el despacho quisimos averiguar el sentimiento despertado al crear la iglesia de San Josemaría Escrivá en Lomas de Santa Fe que encontró inspiración en la iglesia de San Ignacio de Loyola de 1961 con su planta de cruz latina, una de las obras favoritas de Javier padre. “A mí me sirvió muchísimo de inspiración porque lo que más me gusta de San Ignacio es esta idea de que no tiene techo, que son los muros que se van al cielo. Basado en esa idea fue un poco lo que hice en Santa Fe, inspirado en la iglesia de mi papá, en el sentido de que los muros no se tocaran para que quedara la sensación de que van hacia el cielo. Por otro lado, hubo otras cosas importantes para mí como la forma: la hicimos basados en el pez, tan importante en la religión y también en la representación del infinito. Todo esto influyó en el diseño.

Después de San Ignacio siento que era un paquetazo hacer una iglesia bonita”, comenta entre risas. Nos explicó que la fachada se recubrió en zinc, un material que fue utilizado en las catedrales antiguas europeas como impermeabilizante, por el poco mantenimiento y su durabilidad.

Iglesia San Ignacio de Loyola 54

EL MISTERIO DEL CENTRO CULTURAL ARTE CONTEMPORÁNEO El Mundial de futbol México 86 otorgó la oportunidad ideal a Javier Sordo Madaleno Bringas para crear un centro de prensa en Campos Elíseos y Jorge Eliott, en la colonia Polanco, por encargo de Emilio Azcárraga Milmo. Dado que el mundial tendría un comienzo y un final, Javier pensó en erigir un edificio que pudiera tener diversos usos, además de que se integrara al hotel Presidente. Este espacio se convertiría en el Centro Cultural Arte Contemporáneo —bajo la dirección de Paula Cusi, esposa del empresario—, que funcionó muy bien durante muchos años, pero que debido a la tirantez entre las relaciones personales de la pareja decidieron vender el proyecto al Grupo Lozada. El grupo, con la idea de hacer un proyecto nuevo, demolió aquel recinto que muchos todavía añoramos. Sin embargo, el despacho ganó un concurso para erigir un nuevo edificio de oficinas y departamentos en el mismo lugar.

“Fue el primer edificio que hice después de mi papá. El contrato lo firmé en abril de 1985, quince días después de que mi papá muriera. Para mí fue muy importante porque me dio mucho exposure, sobre todo por este asunto de que era el

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Iglesia de San Josemaría Escrivá

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Fachada El Palacio de Hierro, Antea

Mundial. Me sacaban en la televisión, y yo y Toño Gutiérrez Cortina, nos comprometimos a entregarle a Emilio en 8 meses.

Hicimos ese edificio que tenía cuatro sótanos y cuatro pisos en ocho meses. Fue de los primeros edificios que usó el color en el precolado que me gustó muchísimo porque siempre veíamos el concreto gris, y poder ponerle color fue todo un acontecimiento (que también fue usado en el interior). Fue un edificio que me encantó”, nos narra emocionado Javier.

CONSOLIDANDO EL TRABAJO DE TRES GENERACIONES Importantes pasos ha dado este despacho, justo ahora se encuentra en plena transición entre la dirección de arquitectura de Javier Sordo Madaleno Bringas hacia la de Javier Sordo Madaleno de Haro con el apoyo de un equipo ideal que reúne tanto experiencia como juventud. Este es el primer paso obligado hacia crear una firma con propuestas globales. “Hemos ido evolucionando, de lo que mi papá pensaba yo me quedé con muchísimo, lo que ha pasado es que vamos afinando. No es que hayamos cambiado el concepto de la arquitectura de la oficina sino al revés, cada día somos más finos, cada día aprendemos más… A mí me hubiera gustado trabajar más con mi padre, porque hicimos 56

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Isla Pasión , Cozumel

pocas cosas (como esta casa), yo estuve con él en muchas obras pero como dibujante o cosas por el estilo. La gran oportunidad es que ahora he tenido tiempo de trabajar con mis hijos en arquitectura y transmitirles lo que voy pensando. Me gusta delegar, me encanta que ellos se hagan responsables: toda la oficina de arquitectura la maneja Javier; toda la parte de desarrollo inmobiliario la maneja José Juan, y Fernando que está en diseño, y yo realmente estoy con ellos en todo. Hemos logrado que el pase de estafeta venga aunado a las nuevas ideas que ellos tienen y cómo las van integrando en este proceso. La oficina ha mejorado mucho en calidad y en proyectos gracias a su intervención que sumada a la experiencia que ya teníamos nosotros se ha hecho un equipo superfuerte”, explica Javier padre.

La visión que comparten ambas generaciones es crear una empresa que esté sostenida por su gente, un equipo de trabajo apasionado donde el compromiso y las buenas perspectivas son una constante, y el ganar-ganar sea una realidad de doble vía, pues el paso siguiente es consolidar la firma en el extranjero y continuar con paso firme en el país.

Fachada Palacio de Hierro, Polanco

www.sordomadaleno.com 57

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BREVE HISTORIA DEL ITALIANO PRIMERA PARTE

Texto Fortunato D’Amico* Traducción Massimo Barzizza

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l término design, en inglés, significa “elaboración de técnica”. Para los británicos, esta palabra tiene implicaciones más amplias que las que le fueron atribuidas por la lengua italiana, donde el vocablo, al comienzo de su ruta para ubicarse en el idioma de Dante, fue utilizado principalmente para describir el proceso de planeación de productos industriales, reproducidos en serie mediante el uso de las máquinas y, por lo tanto, relacionados con un campo limitado de la industria manufacturera.

En Italia, después de la Segunda Guerra Mundial, a este sustantivo se le atribuyeron connotaciones cada vez más relacionadas con el diseño de objetos y de conjuntos de muebles.

PERO… EMPECEMOS DESDE EL PRINCIPIO El design nació con la Revolución Industrial, a partir de 1750, y heredó los conocimientos de la artesanía, que en el curso de unas pocas décadas perdió la primacía que durante milenios la había caracterizado en la construcción de artefactos y bienes materiales.

La reproducción en serie, los estándares y el alejamiento de los sitios productivos de los lugares de consumo, caracterizaron la nueva dimensión de la cultura material. La industrialización en Italia llegó muy tarde en comparación con otras zonas de Europa. En 1861, año de la unificación del país, la nueva nación seguía siendo en gran medida rural y subdesarrollada. La Exposición italiana, celebrada en Milán en 1881, se centró por primera vez en la muestra de maquinaria industrial, así como de productos relacionados con la construcción naval y ferroviaria.

En la Exposición Internacional de Arte Moderno Decorativo, celebrada en Turín en 1902, el Art Nouveau, el estilo que estaba de moda en esa época, fue presentado en obras de algunos excelentes proyectistas, entre ellos Vittorio Ducrot, Carlo Bugatti y Ernesto Basile. Se trató de la primera verdadera temporada profesional de la era moderna, comprometida a abordar los problemas estructurales, además de los decorativos, de los nuevos edificios urbanos, de sus interiores y de su mobiliario.

El auge industrial del inicio del siglo fue impulsado por la industria del transporte: Fiat, Lancia y Alfa Romeo eran las principales marcas de automóviles activas desde el comienzo del siglo xx en el mundo de los negocios. El transporte en vehículos de cuatro ruedas, así como los sectores naval y aeronáutico, se convirtieron en los pilares del desarrollo y del cambio que llevaron a Italia hacia la Primera Guerra Mundial.

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Fábrica en Turín, 1898

Turín y Milán muy pronto adquirieron el papel de motores de la economía después de la unificación de Italia. En 1906 se inauguró la Exposición Internacional de Milán. El tema elegido para el evento fue precisamente el del transporte, en homenaje al túnel de Simplon, construido para el enlace ferroviario entre Italia y Suiza, y terminado el año anterior.

El Futurismo, un movimiento artístico promotor de la modernidad fundado en 1909, tuvo gran influencia sobre la mayoría de las tendencias que caracterizaban el diseño de esa época de transformaciones sociales y económicas.

La tercera Bienal de Monza, en 1927 y, más tarde, la Trienal de Milán, decretaron el final del viejo estilo artesanal y abrieron una era de modernidad en la que nuevos arquitectos y diseñadores reemplazaron a los anteriores.

Gio Ponti y Emilio Lancia, entre 1928 y 1929, diseñaron un sistema de accesorios y muebles para los grandes almacenes La Rinascente. La idea era innovar los ambientes con formas simples, pero elegantes, a precios contenidos, creando así una oferta dirigida a la clase media de la época. Dos de

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Cartel de la exposición Internacional de Arte Decorativo Moderno de Turín, 1902

las revistas que más tarde escribirán la historia del diseño italiano e internacional, nacieron en Milán en 1928: “La Casa Bella”, dirigida por Guido Marangoni —renombrada algunos años después “Casabella” bajo la dirección de Giuseppe Pagano y Edoardo Persico—, y “Domus”, de Gio Ponti. Ambas publicaciones siguen en operación, ya que durante décadas han sido capaces, de diferentes maneras, de renovarse y aportar valor al trabajo de los diseñadores.

Y, así, el diseño pudo empezar a contar con dos herramientas de comunicación importantes que ayudarían a difundir la cultura de la decoración de interiores y del hogar, familiarizando a los italianos con diferentes estilos y el gusto por el racionalismo.

Los años 30 fueron los del fascismo, importantes para Milán que se convirtió en el modelo de ciudad moderna que el régimen deseaba. El sistema de canales y barcazas, que durante siglos había caracterizado la urbe, desapareció al ser cubierto por calles amplias y modernas recorridas por veloces automóviles. La Bienal de Monza fue anfitrión en 1930 de la “Casa eléctrica”, diseñada por Figini y Pollini, financiada y promovida por Edison, una empresa que se dedicaba a la producción y distribución de energía eléctrica.

La electricidad iluminaba por las noches calles y departamentos, pero también servía para accionar los primeros aparatos electrodomésticos.

Un nuevo medio de comunicación llegó a las salas de todos los italianos: la radio. El nuevo objeto de moda, que hablaba y emitía sonidos durante varias horas del día, contribuyó a unificar una Italia que hasta entonces era aún muy

Fiat 500 Topolino, 1949 -1955

Alfa Romeo 20-30 HP 1910 59

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Fotunato Depero, 1930

fragmentada, separada también por la diversidad de dialectos y culturas que —desde los Alpes hasta Sicilia— complicaban la comunicación entre connacionales.

El radio, junto con el gramófono, encontró un lugar importante en las casas de las familias italianas, especialmente los aparatos diseñados por Figini e Pollini, Franco Albini, Luigi Caccia Dominioni, Livio y Pier Giacomo Castiglioni y producidos por empresas como Radio Marelli y Phonola.

La propagación de las máquinas para coser evidenció la capacidad de la empresa Necchi para proponer formas y tecnologías adecuadas para satisfacer las necesidades de un público que tenía que resolver las limitaciones de espacio de las viviendas urbanas.

Mientras tanto, en Turín, Dante Giacosa, ingeniero de Fiat, proyectó en 1936 un automóvil pequeño y económico, dirigido a un amplio grupo de consumidores, un coche que se volvería popular en toda Europa: el Fiat 500 Topolino.

Italia, después de la Segunda Guerra Mundial, gracias a los dólares estadounidenses recibidos en el contexto

RadioMarelli principios de siglo xx 60

del Plan Marshall, a partir de 1947 inició una década de reestructuración que llevó al país, en los últimos años 50 y principios de los años 60, al boom económico. Este periodo se caracterizó por un fuerte crecimiento gracias al desarrollo tecnológico alcanzado en años anteriores, situación que dio impulso al consumo y propició también el desarrollo del sector servicios. El mercado siguió expandiéndose también hacia el exterior, con exportaciones que, a partir de ese momento, dieron fama al diseño italiano en el mundo.

El consumismo alcanzó su auge y los italianos fueron invadidos por una increíble variedad de artículos fabricados a partir de nuevos materiales plásticos, obtenidos de polímeros derivados del petróleo, perfectamente estandarizados en formas y contenidos por un sistema de producción gobernado por la mecánica, y más tarde por la electrónica.

Sin embargo, al principio, todavía hubo espacio para diseñadores talentosos como Franco Albini, Luigi Caccia Dominioni, Gio Ponti, Carlo Scarpa y Carlo Mollino, que utilizaron la madera como material principal para

Vespa 1946

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la construcción de elementos de mobiliario con formas modernas y algunas veces aerodinámicas. Estos arquitectosdiseñadores representaban una posición crítica esencial en relación con las propuestas industriales orientadas a la utilización de objetos fabricados con materiales sintéticos.

La movilidad era el signo que marcaba la diferencia entre el mundo contemporáneo y el del pasado. Desde 1946 la Vespa Piaggio, diseñada por Corradino D'Ascanio, junto con la Lambretta de Cesare Pallavicino y Pierluigi Torre, ambas producidas por la firma Innocenti, se convirtieron en el medio de transporte privado preferido por los italianos en los años cincuenta, perfectos para recorrer distancias cortas en zonas urbanas, una tendencia que se mantendría durante los años siguientes.

Había mucha comunicación, pero también mucha producción de documentos escritos, en una sociedad que integraba cada vez más mano de obra a la oferta de servicios y se empezaba a caracterizar por la educación escolar masiva.

En este contexto, la máquina de escribir portátil “Lettera 22”, producida por Olivetti y firmada por Marcello Nizzoli en 1950, se afirmó como un objeto cult del diseño internacional y uno de los grandes logros de esta empresa italiana en el mundo.

En unas pocas décadas Olivetti se convirtió en el semillero de algunos de los diseñadores italianos más exitosos de todos los tiempos, incluyendo a Marcello Nizzoli, Ettore Sottsass, Mario Bellini y Michele De Lucchi. A esta empresa se le atribuye el mérito de haber sido protagonista de una verdadera escuela de diseño y pensamiento, un ejemplo a seguir no sólo por el especial cuidado que empleó en el diseño de los objetos, desde el punto de vista funcional, ergonómico y comunicativo, sino también por su estilo de organización y su responsabilidad social.

Luigi Caccia

Lettera22 de Olivetti

Adriano Olivetti, de hecho, quiso crear una empresa respetuosa del territorio, abierta, interdisciplinaria e intercultural por definición, y llamó a colaborar a personas con especialidades diferentes. Escritores, arquitectos, científicos, ingenieros, diseñadores gráficos y artistas, aportaron ideas esenciales a los grupos de trabajo en los que fueron invitados a participar. Los trabajadores, además, intervenían en los procesos de toma de decisiones relativas a los servicios comerciales y de fabricación.

Se corría rápido en coche por las nuevas carreteras de cuatro carriles que, en menos de un día, conectaban a los habitantes del norte de Italia con la ciudad capital.

Flaminio Bertoni, Marcello Gandini, Giorgetto Giugiaro, Pio Manzù, Bruno Sacco, Sergio Pininfarina, fueron los diseñadores de automóviles que pusieron en alto el nombre de la industria automotriz italiana en el mundo, mientras Fiat, Alfa Romeo, Lancia, Lamborghini, Ferrari y Maserati alcanzaban niveles de ventas y difusión crecientes durante los años sesenta y setenta.

Ferrari 250 Testa Rossa, 1958

*Fortunato d’amico

es un importante crítico italiano quien es curador de la fundación pistoletto y promotor del premio internacional dedalo minosse ala committenza di architettura y del vergilius d’oro de mantua.

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entrevista

PIERO LISSONI LA BÚSQUEDA DE LA PERFECCIÓN La carrera profesional de Piero Lissoni inició en 1984 cuando comenzó a trabajar como Director de Arte y Diseñador para Boffi, proyectando baños y cocinas.

Unos años más tarde se asocia con Nicoletta Canesi y crean Lissoni Associates. Desde entonces su trabajo como diseñador ha resultado innovador e influyente para tres generaciones de diseñadores.

Entrevista Janine Porras Texto Francisco Barriopedro Fotografía Gabriel González, y clóset cortesía Porro

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entrevista

D

urante la pasada edición 2015 del dwm, tuvimos la oportunidad de sentarnos a platicar con Piero de todas las facetas de arquitectura y diseño, ya sea de interiores, industrial o gráfico en las que se ha inmiscuido, nos surgió la duda de dónde se sentía más cómodo, nos sorprendió con su respuesta: "en ninguna de ellas"; cuándo quisimos saber la razón nos respondió: “porque soy esquizofrénico” y sonrió con astucia.

“Digamos que sí… soy perfeccionista. Siempre que empiezo un proyecto, voy a asegurarme de que todo quede libre de errores, que nada esté mal. En lo que toca a la gente con la que colaboro no hago amigos porque, hay que recordar que al final, el cliente es eso: un cliente. Siempre trato de ser muy claro al respecto. Ellos pueden portarse como amigos, pero no lo son. Por fortuna, esta actitud ayuda a que cuando comienza el intercambio de criterios sobre lo que hay que modificar, transformar o sustituir durante el desarrollo del proyecto, resulta más fácil verlos en su rol de clientes y poder decirles: 'basta'. Y lo mismo pasa con ellos, te pueden decir: 'ya no lo toques, ya no remodeles, no lo rediseñes; basta, es suficiente'”.

Lissoni está consciente de que cuando habla desde este punto de vista, que él llama ‘esquizofrénico’, deja confundidas a muchas personas, pero señala que todo obedece a una muy buena razón. “El punto de vista esquizofrénico es una muy buena oportunidad para ser humanista. En una cultura humanista, la esquizofrenia resulta un don: en una cultura así, no necesitas ser ingeniero o ser diseñador o ser artista; en una cultura humanista tienes que ser carpintero, arquitecto, trabajador, escultor, poeta, doctor, científico… todos juntos forman al individuo, entre todos hacen al artista. Por esa razón yo trato de ser diseñador gráfico, diseñador industrial, arquitecto, fotógrafo… como fotógrafo no soy muy bueno, pero trato”, nos dice Piero entre risas.

Una de las capacidades más sorprendentes del trabajo de Lissoni es su capacidad de adaptarse a las diferentes escalas en las que debe desarrollar su proyecto porque lo mismo va por un edificio, que desarrolla un sofá, que construye un clóset y su personalidad se ve plasmada en cada uno de los proyectos que elabora.

“Bien, hace muchos, muchos años, en Alemania fundaron las escuela de la Bauhaus y Walter Gropius la ideó para que, justamente, pudiera trabajarse en cualquier escala y resultara una solución eficiente. Muy acorde con la idiosincrasia alemana. Muy preciso, muy rígido, muy germano el concepto.

Algunos años más tarde, se dieron cuenta que no era del todo posible hacerlo si se seguían los cánones tan estrictos con los que se formuló. A finales de los 40 y durante los 50, en Italia el arquitecto Ernesto Nathan Rogers fundó Casabella, la revista de arquitectura más importante del país y luego de Europa, y más tarde del mundo. Bien, pues en su primer número dejó clara la idea de que es posible diseñar desde una cuchara hasta un rascacielos y, para él era viable hacerlo. Nuestro secreto, como italianos, es que… desde el principio fuimos una cultura humanista. Y este humanismo significa que podemos utilizar muchas proporciones distintas, muchos medios diferentes. Es posible controlar o adaptar la proporción de un mural… o de un edificio de gran altitud”.

Con respecto de esta premisa crítica, le pedimos a Piero que nos diera una serie de consejos para los jóvenes que se encontraban exponiendo durante el evento y su respuesta fue la siguiente: “¿Quieren una respuesta directa o prefieren la diplomática?”

Por supuesto, en representación de todos nuestros lectores, colegas, maestros y estudiantes, respondimos que los que nos sirve es lo que siempre es directo.

“Muy bien. Porque no me fío jamás de quienes emplean o prefieren la diplomacia. Lo que he visto que se ha hecho hasta ahora es inútil. Completamente inútil. ¿Por qué? Porque me doy cuenta de que rápidamente han logrado un nivel muy alto, elevadísimo de calidad. Eso queda patente cuando te acercas y tocas las piezas. Su excelente calidad es similar a la de países europeos. Lo que ves aquí no se parece en nada a los productos destinados para los estados sureños de Estados Unidos, los cuales están hecho de una manera horrible… ¡son del tercer mundo! Pero eso me lleva a evaluarlos pensado en términos de diseño y el diseño no es estilo. El diseño es una amalgama de sensibilidades. Para lograr esta conjunción de sensibilidades con la gente, vas directo a los artesanos de Chiapas. Ellos son maestros, no necesitan a estudiantes con sus Macs para diseñar una estúpida silla. Pensar que eso es lo que hay que hacer, es tener la idea completamente equivocada. Lo primero que hay que hacer es ir allá, con muchísima humildad, y aprender cómo lo llevan haciendo y perfeccionando desde hace miles de años. Y cuando vas con tu Mac y diseñas una silla y copias un atributo que viste ahí, y lo copias y lo copias para cada variación de silla que se te ocurre… ¡eres un idiota!

Te quedas en lo superficial. Si operas de esta manera, te estás perdiendo de esta increíble manera de aprender. Los alfareros de Oaxaca, desde hace siglos hicieron piezas para los reyes de todo el mundo y llegas como estudiante a hacer una cuchara con elementos ‘regionales’ descontextualizados y después das copy/paste… no estás aportando nada. Se tiene que adquirir ese conocimiento, entender el proceso, lograr esa sensibilidad especial y respetarla. De lo contrario, no creces, haces las cosas al estilo del consumismo insulso. Me parece que es momento de comenzar a refinar iniciativas y cambiar varios paradigmas y mi consejo es… que sean mexicanos. Orgullosos, inteligentes y mexicanos”. www.lissoniassociati.com

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PIERRE KELLER V I A JES Q U E N U T R E N L A FO RMA

Este director honorario de la Ecole Cantonale des beaux-arts et d’arts appliqués (ecal) de Lausanne ha estado en contacto con creativos de la escena nacional para impulsar el desarrollo del diseño industrial en Mexico Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografía Gabriel González

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partir de una relación añeja, Pierre Keller fue invitado por Francisco Torres a participar en el Abierto Mexicano de Diseño, celebrado el pasado mes de octubre. “Mi participación en el amd se construyó muy rápido —nos relata entusiasta—. Llegué el primero de agosto y en un mes quedó lista. En parte se lo atribuyo a mi experiencia organizando exposiciones en muchas partes del mundo, las cuales, según mis cuentas, ya son más de cien. Empezando en São Paulo en 1965 y hasta ahora, a mí siempre me ha interesado promover jóvenes talentos. Por eso acepté ser director de ecal durante 16 años y, por eso ahora me interesa estar en contacto con los estudiantes ya egresados. Por eso sigo atento a las colaboraciones y proyectos de Big Game".

Pierre piensa que ahora es un momento ideal para que muchos de estos jóvenes se presenten durante la exposición y las actividades que organiza su buen amigo Francisco Torres.

“La muestra que estamos presentando saldrá para Nueva York y sabemos que tiene potencial para seguir exhibiéndose en distintos lugares". El proyecto se llevó a cabo con 20 artistas elegidos que presentaron 20 piezas. Cada obra es un pasaje de color en serigrafía y entonces se hicieron dos, tres y hasta cuatro pasajes de tinta. La obra terminada tiene 1.20 m de largo por un 1.70 m de altura, y el peso total de la caja donde se le exhibe es de 200 kg.

“Para los egresados que inician su estilo de trabajo, yo pienso que es vital que después de terminar la escuela se vayan de viaje y traten de establecer contacto con los grandes diseñadores. De hecho, en Lausanne tenemos tres categorías de estudiantes. La primera es la que está compuesta por los que una vez que han terminado, salen huyendo y buscan el trabajo de diseñadores de todo el mundo y de todo tipo. La segunda es la más reducida y la que se decanta por hacer diseño de un tipo u otro. Y la tercera es la que decide que no va a trabajar o a dedicarse a su área de estudio. Son pocos, pero también están ahí. Son aquellos quienes una vez que concluyen la escuela, encuentran un trabajo rápido, pero que no tienen mucha exigencia o proyección. Por eso sostengo que hay que ir a Londres, París, Shanghai, Tokio, Milán, las ciudades que son relevantes para la industria del diseño".

Para Keller, la escuela debe ser un gran punto de encuentro con el arte y más temas para enriquecer la experiencia de los futuros diseñadores. Cuando Pierre llegó a 64

la escuela cantonal se encontró con un instituto pequeño, de apenas 120 estudiantes. “De verdad se trataba de una escuela local, mas me dije que eso no podía continuar así. Comencé a invitar a diseñadores de renombre que conocía durante mis viajes y los invitaba para que regresaran una vez al mes, porque la educación debe ser abierta y diversa, y en Lausanne no era tan abierta. Decidimos aplicar un programa abierto y que fuera acorde con la educación de nuestros días. Es vital hacer actividades que complementen el trabajo en aulas... una conferencia, un taller, visitas... ahí es donde se encuentra una energía increíble y que sólo puede trabajar en beneficio del estudiante".

Justo fueron las conferencias de diseñadores como PearsonLloyd, colaboraciones con firmas como Christofle, Audemars Piguet, Hublot, Baccarat, Reuge y Nestlé a partir de un taller impartido por Martí Guixé, entre muchas otras actividades, las que lograron que creciera la fama y el alcance de la ecal hasta que se convirtió en una de las 10 mejores escuelas de diseño y artes de Europa.

Es justo este modelo educativo que Pierre instituyó, el que ha hecho de la ecal una escuela de prestigio, una de las mejores del mundo. Su reputación es tan buena que ahora hay muchos estudiantes extranjeros y programas de intercambio muy importantes. El mismo Keller admite que la escuela podría ser más grande, tan grande como una de Zurich donde también se enseña música, escultura y las demás artes… pero para eso se requiere de una institución más grande.

“Mucho más grande. Pero por el momento nuestra especialidad en diseño es la fuente del prestigio; este reconocimiento internacional es lo que hace que asistan muchos estudiantes extranjeros, sobre todo de maestría”.

La transformación que sufrió la escuela, pasando de una institución meramente cantonal para la formación de los jóvenes de la región, hasta convertirse en la reputada escuela de diseño que es ahora se debe a la visión de la educación integral que Pierre trajo consigo. Por último le pedimos que nos resumiera en cinco palabras su experiencia en México con las instituciones y grupos que lo convocaron: “Rápido, fácil, profesional, con gusto. Ahora, para cerrar, quiero decir que no importa si están en una gran ciudad o alejados de ella, todo es posible si pones el corazón en tu trabajo y lo haces con gusto”.

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SUSAN YELAVICH

EL DI S EÑ O CO M O AG ENTE D I GN I FI CA D O R Susan Yelavich, directora de la maestría en estudios de diseño de Parsons School of Design, visitó por primera vez la Ciudad de México y fue invitada por Centro a dar la conferencia “Product(ive) Leisure”, pero antes de eso pudimos entrevistarla y nos habló en exclusiva sobre su particular visión del diseño.

Entrevista Janine Porras Fotografía cortesía Centro

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l primer tema que se puso en la mesa fue la importancia de cambiar el paradigma de los licenciados en Diseño, pues algunos creen que su quehacer se reduce a producir objetos de consumo. Susan forma parte de The New School: Parsons, por ello ha podido aportar su visión crítica al programa educativo. “Yo estaba clara de que los graduados necesitaban más tiempo para pensar lo que el diseño significa.

En otras palabras, la gente no tiene tiempo para reflexionar en que todo lo que nos rodea es diseño y dependemos de ello”, inicia Susan. ¿Queremos pasar horas en nuestros automóviles, atascados en un embotellamiento o crear un transporte público eficiente?

La idea de la maestría en diseño Parsons School of Design es que sus alumnos tomen decisiones serias sobre cómo quieren vivir, decisiones que afectarán a la comunidad, si se piensan con seriedad. Las áreas de oportunidad son infinitas y variables de país en país: “Nuestros cuestionamientos de diseño nos llevan a otras preguntas. Nosotros formamos parte de una nueva escuela que responde estas interrogantes ayudada de otras áreas y profesionales como sociólogos, antropólogos, filósofos, porque los diseñadores no actúan en soledad”.

Quizá podamos ir un poco más allá de una resolución simplista. “Debemos entender que existen ciertas problemáticas que son importantes para todo el mundo y reconocer la filosofía que existe debajo, por ejemplo, una buena idea como Uber ha sido cuestionada porque no otorga ningún beneficio a las personas que manejan estos autos, sólo se trata de una forma muy inestable de ganarse la vida”, afirma contundente.

Susan nos hizo darnos cuenta de que el diseñador puede ayudar a otros a hacer realidad sus ideas, a que funcionen, los llamó “design thinkers”, no se trata de un hombre o mujer de negocios, se trata de alguien que facilite la puesta en práctica de ideas viables. Para ello, nos recomienda Susan, tendríamos que replantearnos varios conceptos: qué es ayudar, qué es filantropía, qué significa estar unidos, qué significa lo social.

Nos detenemos un momento… sabemos que existen escuelas que empapan a sus alumnos de otras disciplinas, que les proveen ambientes donde pueden desarrollar su creatividad cerca o en el “mundo real”, incubadoras, pero ninguna ha planteado lo que Susan propone: ayudar a los demás a desarrollar sus ideas a través del diseño, y ojo, no como negocio.

Y ya que es la primera visita de Susan a nuestra ciudad, lo que más le llamó la atención es el uso del color, la fisonomía del

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mexicano y, porque aquí nos interesa, la cuestionamos sobre si había tenido oportunidad de ver el trabajo de los diseñadores.

“A penas tengo un día y medio en la ciudad… Por supuesto conozco el trabajo de los mexicanos y creo que lo que más me maravilla es la modestia de su mobiliario, la modestia de sus textiles… me han conmovido profundamente”.

Finalmente, hizo mención sobre el nombre de nuestra revista. “Creo que precisamente el nombre de Glocal expresa lo que me interesa: el panorama general y el panorama específico, hay un interés por profesionalizarse, pero no muchos entienden las relaciones entre estos dos escenarios”, finaliza Susan Yelavich reflexiva. www.newschool.edu/parsons

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DANIEL POUZET EL DISEÑO DEMOCRÁTICO Y EL PLACER DE NO SABER Daniel Pouzet es reconocido por ser un hombre de múltiples talentos: ilustrador, arquitecto, filántropo, ecologista y diseñador, con una visión global y profundamente humana acerca de su quehacer y lo que él considera que es el objetivo del diseño.

Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografía Cortesía Stanza

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stamos de acuerdo con que el diseño es solución. Lo podemos definir como la aplicación y transformación estética de materiales para crear un objeto que realice una función específica. En mayor o menor grado, lo encontramos en todas las cosas que fabrica el hombre y, en esta ocasión, hemos visto que fue llevado a un grado notable de maestría y practicidad en la Colección Aramara con la que Daniel participó para la firma mexicana Stanza.

“Si bien es cierto que existe un sector que busca el lujo, la gente de Urrea está convencida de que el diseño es para todos.

Cuando Abel Gómez (director de mercadotenia de Urrea) me escribió, sólo nos enviamos tres correos para establecer que queríamos trabajar juntos y con eso se inició una amistad cordial. Me invitaron a Guadalajara, me llevaron a la fábrica y quedé muy impresionado por la calidad, la limpieza, la conciencia ecológica, la visión de un profesionalismo total en el desarrollo de las colecciones. Hubo un verdadero placer en colaborar juntos porque existió un diálogo. El intercambio de ideas fue recíproco porque yo no soy afecto a imponer”, nos explicó Daniel.

Cuando al diseñador le mostraron todo el proceso y los productos de la línea, quedó gratamente sorprendido porque no se imaginaba los niveles de calidad en la fabricación que ofrecía

esta empresa mexicana. Cuando se puso a evaluarla de manera comparativa contra marcas europeas de lujo y con muchos años de tradición en el mercado, no encontró diferencias notables entre una y otra.

“Quizá eso es lo que me motivó a participar en este proyecto. Partamos del hecho de que los cartuchos son los mejores que existen en el mercado. Eso significa que hay toda una visión ecológica en el diseño del grifo, tomando en cuenta el nivel de consumo de agua. Es bajo en plomo, acorde con los lineamientos para el mercado norteamericano… Es lo mejor que hay en estos momentos”.

Cuando le pedimos a Daniel que definiera en cinco palabras su experiencia como colaborador para esta colección nos dijo: “Placer enorme donde aprendí mucho”.

El resultado más obvio para él fue el aprendizaje que le dejó el proyecto: “Yo no considero algo vergonzoso reconocer que cada proyecto te hace aprender —nos comentó muy serio—, al contrario, la vida no deja de enseñarnos cosas. Cuando mi familia y yo dejamos de viajar, de alguna manera mi vida comenzó desde cero. A pesar de que tenía referencias, comencé con cosas que nunca había hecho antes y, puede parecer tonto, pero a mí lo que me interesa es que la gente me pide cosas que nunca he hecho.

Que no están hechas, pero te las piden porque vieron algo que ya habías hecho antes. No obstante, a mí me encantan las primeras veces… hice un estadio. Es un trabajo muy serio como para hacer otro, pero fue la primera vez que hice uno. Aporté una visión fresca sin ideas preconcebidas y me di cuenta, trabajando con el equipo de programadores de Estados Unidos, que como son especialistas ellos tienen ‘la verdad’, te dicen ‘esto es así’, en tanto que tú llegas con inocencia y les puedes decir que no, que puede ser de esta otra manera y también funciona. Especializarse resulta en verlo todo desde un punto de vista que te impide ver ciertos detalles. Por esto me encanta la idea de hacer algo nuevo”, finaliza Pouzet. www.danielpouzet.com www.stanza.com.mx

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EMILIANO GODOY & LAMOSA C OL EC C IO N E S D E AU TO R

El año pasado Lamosa y Emiliano Godoy iniciaron una colaboración conjunta para crear una Colección de Autor que comenzó con dudas, pero logró caminar con paso firme para consolidarse y ser ampliamente aceptado por el usuario final.

Entrevista Greta Arcila Texto redacción Fotografías cortesía Lamosa

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esela es el nombre de la colección diseñada por Emiliano para la firma que dio total libertad al diseñador. “La inspiración viene de los artistas Op Art de los 70, sobre todo de Ómar Rayo. Viene también del modelo tradicional de piso de pasta que es un cuadrado que sólo tiene un triángulo negro y uno blanco. Si eres colocador experto puedes hacer este tipo de gráficos poniendo pieza por pieza (como un rompecabezas), pero es un trabajo supercomplejo. Yo quería generar patrones de muchísima sofisticación, pero que no implicara una complejidad ni de instalación ni productiva.

Entonces, la idea es este gráfico con 30 piezas diferentes que vienen mezcladas en las cajas y que tú sacas y si las colocas al azar machan, como lo pongas, como lo gires siempre van a coincidir y generar un gráfico”, comenta el diseñador industrial.

Gracias a la tecnología digital de Lamosa, la producción de estos mosaicos no resulta costosa ni compleja, productivamente hablando.

Además de que su formato (55 x 55 cm) es uno de los más comerciales, y en cambio el resultado, una vez aplicado, deriva en una gran riqueza visual.

Así, la Colección de Autor de Lamosa es asequible a todos, no es necesario un arquitecto o un diseñador de interiores para aplicarlo.

El proyecto en su totalidad le llevó a Emiliano un año de desarrollo, pues el reto no sólo abarcó el proceso de creación, también de investigación y paciencia que implicó este producto y conocer la cadena productiva de Lamosa. “Primero determinamos la parte de concepto con la marca, después la parte gráfica, y ya que estaba definido el gráfico, la parte técnica que tiene que ver con los esmaltes y qué colores puedes lograr en la línea digital, que los esmaltes no sean tóxicos ni contaminantes. Desarrollar una loseta de cerámica se lleva un año”, explica el creativo.

La colección presenta cuatro colores: negro con blanco, grises, azul con crema, y café con beige. Los últimos dos, sobre todo, honran la corriente artística de la cual se inspiró Emiliano y que son colores poco saturados. Una oportunidad para la firma de abrir caminos hacia rutas poco exploradas y que continuará a través de 36 colecciones más con diversos personajes de la escena creativa de México que agregarán, sin duda, valor a los productos Lamosa. www.lamosa-revestimientos.com www.emilianogodoy.com

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DE LO SIMPLE A LO ESPECTACULAR D E S I GN H O U SE

Un edificio de departamentos en la colonia San Miguel Chapultepec sufrió una revolución en menos de tres semanas, 15 talentosos creativos se dieron a la tarea de intervenir tanto el interior como la fachada con resultados sorprendentes.

Texto Lorena Riquelme Fotografía Malek Nasser, Sófocles Hernández y Jaime Navarro

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n el marco de la sexta edición del Design Week México que se celebró el pasado mes de octubre con las diferentes muestras creativas del gremio de los interioristas, los diseñadores y los arquitectos, queremos rescatar uno de los puntos en el itinerario de aquella semana que captó un buen número de entusiastas, tal como lo ha hecho año con año: la Design House. Y quizá la fórmula más exitosa de esta actividad es que engloba en sí muchos rostros del talento profesional. No sólo se exhibió mobiliario y objeto con un aura protagónica, pues los interioristas intervinieron un espacio descuidado (en esta ocasión un edificio de departamentos), con varios retos, entre ellos la marcha contrarreloj a la que se vieron sometidos, la indicación prohibitiva de no derribar ningún muro ni ventana, es decir, no modificar la estructura del lugar ni cambiar ningún vidrio.

Muchas fueron las restricciones que debían resolverse, la mayoría lidió con el ruido proveniente de Av. Constituyentes, así como la vista y los techos bajos, el resultado arrojó algunas constantes: espejos, celosías de madera y algunas ventanas clausuradas. Pero no sigamos más, aquí les tenemos el resultado de este experimento interiorista donde además el arte prestado por las mejores galerías de la ciudad hizo una gran diferencia. www.designweekmexico.com

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ARCHETONIC

Fotografía Malek Nasser, cortesía Archetonic Jaime Micha fue el líder de este proyecto que desde que conoció el espacio basó su diseño en la fuerte perspectiva que genera un pasillo central que se convirtió en el ancla de todo el proyecto. Al corredor le sigue un elemento que acentúa su protagonismo y lo recorre desde el spa, al fondo, a la estancia, que es lo primero que observa el visitante.

Como la estancia de la suite presentaba un ángulo, también se aprovechó para desarticular las líneas de los pisos y la pared. Esta propuesta incluye una sala, un área de lectura, un estudio, una recámara, un spa y un baño. Los colores son neutros, las maderas claras y se aprovechó al máximo la luz del ventanal gracias a una tela que fungió como difusor. www.archetonic.mx

CCÚBICA ARQUITECTOS Fotografía Sófocles Hernández

Emilio Cabrero, Andrea Cesarman y Marco Coello, los arquitectos fundadores de C Cúbica Arquitectos y del Design Week México, crearon un espacio en colaboración con Mini Cooper. Por un lado, una caja de espejos mostraba los diferentes ángulos del Clubman que no estaban visibles en su confinamiento de cristal y luces. En el extremo opuesto se encontraba un área de descanso con diversas mesas y gabinetes donde resaltaba el arte elegido para el espacio, donde además, las ventanas que daban a Constituyentes formaron parte de la intervención ya que daba la impresión de estar observando un video de arte contemporáneo con los peatones y automóviles como protagonistas descontextualizados. www.ccubicaarquitectos.com

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FÉLIX BLANCO

Fotografía Sófocles Hernández Inaugurando por primera vez su participación en Design Week, Félix Blanco en conjunto con su esposa, encargada del diseño de interiores, crearon una estancia donde sobresalieron una serie de pilares en madera de pino blanqueada que, de manera rítmica, recorría la sala comedor hasta el plafón. En el comedor, un muro floral tuvo el papel protagónico, pues no sólo inundó el espacio con el perfume de flores secas, sino resaltó el color de éstas con un palo de rosa. Lo anterior regaló al espacio cierto toque femenino casi imperceptible, pues los colores empleados en general fueron los grises, azules, cafés… No obstante, la puerta del estudio formó parte de una composición tanto dentro como fuera. Al estar cerrada creaba un cuadro que se integra a la suite. Félix Blanco logró con su propuesta arroparnos con un ambiente cálido, sencillo y contemporáneo. www.felixblanco.com.mx

COVADONGA HERNÁNDEZ Fotografía Sófocles Hernández

La intervención de Covadonga Hernández fue una de las más ricas en texturas (madera, metal y textiles), la que de primera instancia también seduce al visitante a través de los cinco sentidos. Una marimba en madera con patrones geométricos permitió el paso de la luz, pero disimuló el tránsito de Constituyentes. La madera del piso fue una de las bases de todo el proyecto, de ahí partió la selección de todas las piezas y el concepto. La suite tiene el objetivo de satisfacer las necesidades del viajero, presente por placer o por negocios y que todas sus áreas sean aptas y confortables para recibir visitas, tener una cena cómoda, una reunión de negocios o bien recibir un masaje en el spa o tomar un baño de burbujas. www.marqco.com

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GRUPO DE DISEÑADORES Fotografía Sófocles Hernández

Amín y Joshua quizá fueron los diseñadores que más atención pusieron al concepto Design Hotel. El espacio y la distribución fueron de gran ayuda, nos recibió la habitación donde todo confluyó: diseño, arte, música, iluminación. El programa de Grupo de Diseñadores fue alcoba, terraza, cocineta, estudio y baño. Amín prometió plantas en su propuesta y ciertamente, además del arte, la vegetación otorgó frescura y modificó la forma en que el usuario se acercó al espacio que se vuelve mucho más amable, más cercano. El baño se distinguió con una regadera envuelta en una caja de cristal con vistas de 360o, el juego de luces, sombras y reflejos otorgados tanto por el vidrio como por los espejos, fue digno de una suite de lujo. www.grupodedisenadores.com

HÉCTOR ESRAWE Fotografía Sófocles Hernández

Héctor Esrawe se caracteriza por ser un diseñador profundamente reflexivo y analítico, sus diseños siempre tienen un por qué y nada lo deja al azar. Los visitantes llegaban al espacio propuesto a través de una especie de laberinto que preparaba el ambiente para observar un espacio de arte. Se trató de una intervención de forma circular que se encontraba recubierta de pequeños paneles de mdf de Masisa, que nos recordó las escamas de un pez. En este ambiente acogedor y silencioso resaltaba una pieza del escultor Jorge Yaspik gracias a la iluminación. Este espacio más bien contemplativo se distinguió por su belleza y la sencillez de formas que logró. www.esrawe.com 72

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MATERIA ARQUITECTÓNICA

Fotografía Jaime Navarro, cortesía Materia Arquitectónica Materia encantó a los visitantes con su propuesta que se notaba pensada, analizada y bien planeada, pero que logró ofrecer un espacio casual, listo para el descanso y la contemplación sin mayor pretensión. Una base de tres niveles forrada en madera clara invitaba a cualquiera a sentarse en sus amplios escalones, y con un poco más de tiempo, escalar hasta el último y tumbarse en uno de los cojines a mirar el cielo. El cubo de ventilación fue forrado en madera clara al que le siguió un recubrimiento que resaltaba la verticalidad en negro y finalmente un cubo con losetas. Ahí el usuario pudo mirar el paso de las nubes, el comportamiento de la luz y simplemente disfrutar. Esta Cámara de duración, como fue bautizada, invitaba al placer, así sin más. www.materia-arquitectonica.com.mx

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Fotografía Sófocles Hernández Este colectivo de jóvenes talentos hizo un gran trabajo en el espacio que les correspondió inspirados en Japón de mediados del siglo xx.

Lograron una doble altura impresionante al colocar un espejo en los techos bajos que permitió una singular simetría invertida. El lugar aprovechó la buena iluminación natural que tenía y la matizó un poco con una celosía de madera que tenía una parte movible que cualquiera podía rodar y cambiar la configuración de los patrones de luz y sombra que reflejaban. La propuesta contenía una sala de estar con un área de trabajo: libreros y escritorio en madera natural recubierta con pintura blanca que dejaba entrever su materia.

El baño resaltaba por su luminosidad con el planteamiento blanco sobre blanco. www.mob.com.mx 73

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RAYMUNDO SESMA Fotografía Sófocles Hernández

El único artista plástico de la Design House fue Raymundo Sesma, a quien invitaron para intervenir tanto el exterior del edificio como el lobby. Quien haya visitado el edificio de Gobernador Muzquiz durante las obras de trabajo sabe que la participación de Sesma fue fundamental. La fachada fragmentada en cuatro colores —blanco, anaranjado, gris y negro— generó reflexiones sobre el tiempo, el paisaje urbano, el soporte del arte y contexto. Estos Campos expandidos invadieron también el interior del edificio donde el visitante podía vivir la obra de Sesma, una posibilidad única alejada de los “no tocar” del espacio museístico.

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www.raymundosesma.com

Fotografía Sófocles Hernández El salón del té de la Design House. Este espacio proyectado por Kenia y Karla fue imaginado desde el gusto personal de las diseñadoras por esta bebida. Este par de creativas verdaderamente transformaron el pequeño espacio que les fue otorgado en una mezcla de las culturas que reverencian el ritual de las infusiones. Destacaron las paredes lustrosas en azul brillante con remates geométricos en metal dorado. La iluminación fue fundamental debido a que tuvieron que clausurar la ventana que proveía de luz natural al cuarto. Todo el mobiliario elegido presenta líneas simples que no obstante consiguió un ambiente íntimo que cumplía con su objetivo: invitar a saborear un té. www.mumo.com.mx

PEDRO SÁNCHEZ Y RHYZOMA Fotografía Sófocles Hernández

Todo edificio que se precie a sí mismo como lujoso debe contener en su última planta, al menos, un jardín. No fue la excepción de la Design House, donde dos despachos trabajaron en conjunto para crear una zona de descanso, alejada del bullicio y las preocupaciones. Pedro Sánchez Paisajismo y Rhyzoma unieron esfuerzos: reutilizaron durmientes de las vías de ferrocarril (madera que hubiera sido desechada de no ser por ambos despachos), y crearon una gradería con colchones que los visitantes usaron como asientos. Una parte de este roof garden estaba al descubierto, ahí, el usuario olvidó que estaba en uno de los puntos más ruidosos de la ciudad, pues desde la gradería se observaban las copas de los árboles y los nuevos edificios de negocios de Reforma. El piso estaba cubierto de mármol triturado, y las orillas delimitadas por rhipsalis, helechos australianos y hasta un árbol de guayabo japonés. www.pedrosanchez.mx www.rhyzoma.com 74

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RED GROUP

Fotografía Sófocles Hernández Luciano Gerbilsky de Red Group imprimió a su suite tres de sus más grandes pasiones: diseño, arte e iluminación.

Habitación, terraza y baño tomaron forma en tiempo récord.

Predominó en su propuesta el color negro y los reflejos de algunos espejos que permitieron darle amplitud al espacio. La terraza con un piso de cuentas de vidrio verdes sorprendió con la abstracción del árbol y el arte ahí exhibido. Se trataba de un ambiente efervescente y alucinante. El baño, por su parte, hizo uso de piezas de manufactura artesanal: el lavabo fue un cazo de cobre que ahí, recubierto con piel negra resaltó en el espacio por su color y manufactura, lo mismo que la bañera hecha del mismo material. Cada una de las piezas que encontramos en la suite estaban cuidadosamente elegidas bordeando la elegancia, la sobriedad, pero también el humor. www.red-group.mx

URIBE KRAYER Fotografía Sófocles Hernández

El equipo conformado por Erika Krayer y Ofelia Uribe transformó el departamento que le fue otorgado pensando siempre en un cliente, que en este caso fue imaginario, un ejercicio forzoso para estas dos interioristas. El usuario pensado fue un hombre soltero, practicante de box, elegante, aficionado a la buena vida. Es también en esta propuesta donde la habitación recibió al huésped. Este dúo creativo diseñó un librero ex profeso para la recámara que gracias a una tela lograron filtrar la vista sin obstruir el paso de la luz natural. El programa incluyó una cocineta, un baño completo, vestidor. La obra de arte elegida fue de lo mejor, y el diálogo creado entre ésta y el diseño tuvo éxito, pues todos lo pudimos apreciar. www.uribekrayer.com 75

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SORDO MADALENO ARQUITECTOS + GLOCAL + FORMICA Fotografía Sófocles Hernández

Este espacio constituyó quizá una de las propuestas más arquitectónicas: la biblioteca de la Design House. La obra fue conceptualizada desde un punto de vista geométrico donde se trabajó la virtud de los materiales de Formica —Walnut, Plex Argent y Polished Aluminum— para destacar sus cualidades. El diseño se inspiró en el orihon, el libro japonés doblado, que con los paneles de Formica delimitaron y ampliaron un espacio realmente reducido que proporcionó los ángulos necesarios para crear estantes y repisas con material de lectura. Según palabras del equipo de diseño de interiores, liderado por Nadia Borrás, el espacio trató de recrear la sensación que obtendría el usuario al deambular en un objeto. Los patrocinadores que hicieron posible este espacio fueron: Advento Art Design, Puppy de Eero Aarnio; Bauhaus, mesas; Blend, sillón; Calvi Rugs, tapete; Diez, lámparas; Fomento Cultural Banamex, artesanía; Molt, cojines; Piacere, bancos; César López Negrete, arte; Bauart, obra y carpintería; Formica, paneles de librero; Comex, pintura; Sysee, iluminación; Fine Floors, piso; Bang & Olufsen, audio. www.sordomadaleno.com www.formica.com.mx

LOS 3 BARQUITOS

Gerardo Broissin + Glocal + Formica | Fotografía José Ramón Blasco El barquito de papel con el que todos jugamos cuando éramos niños fue la base de la cual partió Gerardo Broissin para su propuesta en las estructuras efímeras que fueron expuestas en el Parque Lincoln durante la semana de diseño en México. Tres barcos angulosos y realizados en paneles (6416-NT Charret-Form Wood y 6362NT Concrete-Form Wood) de Formica. La idea principal fue que los niños pudieran interactuar con las piezas y navegar, en sueños, los espejos de agua. La belleza estética fue proporcional a la belleza emocional de esta instalación que captamos en fotografía para evitar su olvido. www.broissin.com www.formica.com.mx 76

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ESPECIAL HOTELES DE CONCEPTO D

entro de su etimología, la palabra hotel evoca al servicio de alojamiento y comedor. Proveniente del latín hospitale, ‘habitación para huéspedes’, bien podría ser un edificio destinado al préstamo de estos servicios, pero ciertamente este concepto resulta insuficiente.

Definir un hotel como excelente implica considerar una serie de características que abarcan hasta el más mínimo detalle, en esencia se trata de lograr que el huésped se sienta como en casa, incluso aún mejor, porque en algunos casos representa un escape, un encuentro en un contexto diferente, por ello presentamos una selección de hoteles de diseño, asegurándonos que ofrecen cualidades impecables para recibir a los viajeros del mundo.

Ya que la tendencia es hacer de la hotelería un refugio de la vida cotidiana, es fácil encontrar detalles diferenciadores en términos de diseño, cada elemento en interiores es definitivo para su armonía: sillones clásicos o desafiantes, tonos acordes al espíritu de su ubicación, arenas, playas o bosques, cada uno refleja el ADN del hotel en cuestión a través del arte, la cultura del diseño y la arquitectura, algunas veces cambiante y otras tradicional.

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SHELBORNE WYNDHAM GRAND SOUTH BEACH F L A G LU X U R Y, M E G S H A R P E & R I C H A R D M I S H A A N Texto Arlethe Sánchez Fotografía cortesía de Wyndham Hotel Group 78

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ocalizado en el corazón del distrito Art Decó de South Beach se encuentra Shelborne, a sólo unos pasos de la famosa avenida Ocean Drive. Fue inaugurado originalmente en 1940 y diseñado por el arquitecto de estilo Art Decó, Igor Polevitsky, el resort fue renovado en los años 50 por el maestro del diseño Morris Lapidus, el cual impregnó su estilo neobarroco a la propiedad y acentuó el glamour que lo convirtió en un destino icónico de South Beach.

Con una pasión para revivir la grandeza original del Shelborne y una inversión potente de 150 millones de dólares, la familia Galbut de Miami, propietarios del hotel, se asociaron con el grupo Flag Luxury para implementar una renovación completa y reintroducir el hotel bajo el nombre Shelborne Wyndham Grand Resort South Beach.

La remodelación mantuvo las exigencias originales añadiendo los toques modernos que requiere el viajero de hoy. El equipo de diseño involucrado en los trabajos de la obra fue complementado por la diseñadora Meg Sharpe, que rediseñó los espacios públicos del hotel, incluyendo el lobby, el área de alberca y playa. Acentuado con tonos dorados y rosas, el lobby queda conectado con el área de recepción, donde destaca la doble altura que enfatiza el espacio.

Adicionalmente, el diseñador Richard Mishaan impregnó su sello a las 200 habitaciones y suites, pasillos, salas de reuniones y salones de fiestas, usando una paleta de colores inspirados en el océano y en la arena. La visión de ambos creativos mantiene la importancia de la arquitectura original incorporando sofisticación en un ambiente elegante.

El área de la alberca está bordeada por muebles y cabañas que conducen a los huéspedes a la playa de arena blanca, ofreciéndoles una experiencia de relajación infundida por el arte, la moda, el diseño y la cultura local. www.flagluxury.com www.megsharpeinteriors.com www.richardmishaan.com

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CASA FAYETTE GRUPO HABITA | GUADALAJARA Texto David Torres Fotografía cortesía de Grupo Habita

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a efervescente colonia tapatía Lafayette puede contar con un nuevo huésped, o mejor dicho, muchos, ya que Casa Fayette abrió sus puertas en septiembre de este año. Bajo el cobijo de Grupo Habita, reconocido por su oferta en hotelería boutique, el inmueble ostenta el título de primer hotel de diseño en Guadalajara. Sus propietarios: Carlos Couturier y Moisés Micha unieron esfuerzos creativos con la firma tapatía de arquitectura Estudio5 para transformar la casa original de principios del siglo xx en un espacio cosmopolita.

El inmueble estilo Art Decó se une a una torre contemporánea de reciente construcción, con 37 habitaciones, un bar de inspiración retro, una alberca y la terraza que proporciona una espectacular vista de la ciudad. El estudio milanés Dimorestudio se encargó del diseño de interiores al vestir con cuidado cada habitación con detalles provenientes de México, Italia y una selección de piezas de renombre como Pierre Frey y Thonet. También se diseñaron elementos exclusivos para Casa

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Fayette producidos en México con referencias al mobiliario popular mexicano como los equipales.

La propuesta de Dimorestudio fue mezclar el diseño clásico europeo con la colorida estética mexicana. Paletas de colores cálidos y fríos, marcadas por tonos intensos como burdeos, salmón y verde esmeralda, combinados para crear entornos listos para la relajación.

En el diseño de Casa Fayette, el estudio de arquitectura Estudio5 propuso integrar el espacio que comprende la torre nueva con el patio de la residencia de los años 40, que ahora alberga a las áreas comunes, incluyendo biblioteca, restaurante y zona de bar. Con total respeto a la fachada original de la residencia, Estudio5 recurrió al hormigón, acero y paneles de yeso con acabados en hierro, mármol, madera, latón y múltiples variedades de vidrio y baldosas de cemento artesanales para la remodelación en interiores. www.e5.com.mx www.dimorestudio.eu www.casafayette.com 81

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DELAMORE LODGE

RON STEVENSON ARCHITECTS LIMITED NUEVA ZELANDA Texto Jaime Contreras Fotografía cortesía Ron Stevenson Architects

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bicado en la región de Waiheke —uno de los paraísos para los amantes del vino—, rodeado por las aguas del golfo de Hauraki Marine Park de Auckland, esta isla ha sido un refugio de relajación y ha ganado reconocimiento internacional gracias a su hospitalidad. La arquitectura, sus colores, acabados y maderas naturales invitan a reflexionar sobre el lujo, la comodidad y las necesidades primordiales.

Construido sobre un acantilado con vistas a la Bahía Owhanake se encuentra el hotel boutique Delamore Lodge.

El arquitecto Ron Stevenson creó este espectacular refugio erigido con elementos de la localidad e inspirado en la vida apacible de la isla, la imagen del anzuelo del hueso maorí, hei matau, también tuvo relación en su confirguración.

El inmueble está construido en adobe koru, lo que le confiere cierto carácter rústico, pero muy bien logrado, pues pareciera que el exterior ha invadido paredes, techos y pisos.

El programa es sencillo con cuatro suites y un spa, pero la atención es inmejorable: la propietaria y fundadora Rosely Barnett, se encargó del interiorismo de Delamore Lodge. Su misión ha sido que cada huésped se sienta mejor que en casa.

Cada suite está equipada con la más fina ropa de cama, batas y zapatillas de lujo, confortables sillones e incluso galletas recién horneadas.

Las suites, por su parte, son abiertas y ventiladas, y están diseñadas para maximizar las impresionantes vistas de la bahía. Tumbados en la cama podríamos ver la salida del sol sobre el Golfo de Hauraki, y dejar entrar la brisa del mar al abrir las puertas de la terraza desde el balcón privado. Las instalaciones incluyen bañera de hidromasaje y ducha abierta de lujo, y a unos pasos se encuentran el spa con jacuzzi, sauna y un menú reconfortante con tratamientos relajantes.

Los jardines de Delamore se encuentran entre plantaciones de cítricos y de olivares, con características suculentas, una amplia variedad de flora autóctona y obras de arte de artistas locales. Los amplios jardines cubren más de cinco hectáreas de la propiedad, con espectaculares vistas de la costa en casi cada esquina. www.delamorelodge.com www.ronstevenson.co.nz

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ART HOUSE RED GROUP | TULUM Texto Nina Paz y Soto Fotografía cortesía Red Group

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ste proyecto está localizado en la zona selvática de Tulum, en un área privilegiada, rodeada de copiosa vegetación y bellezas naturales. Red Group, al mando de Luciano Gerbilsky, desarrolló este hotel en todos sus frentes: arquitectura e interiorismo.

La forma y la función no están dejadas al azar, fueron consecuencia del estudio de la cultura local que trasladada al inmueble dio como resultado tres volúmenes de líneas rectas que recuerdan las formas arquitectónicas mayas, sobre todo las que podemos encontrar en la zona arqueológica de Tulum y sobre la costa.

Recibe al visitante un enorme pórtico de madera, con gran peso visual y por el cual se accede al lobby que genera unidad en las diferentes tipologías que desembocan en él. Con una triple altura que atraviesa todos los niveles y desde el techo cuelgan luminarias diseñadas especialmente para el espacio.

Cada planta retrocede generando una serie de balcones y terrazas privadas que contienen sus albercas con una

espectacular vista a la selva, y en el caso de las suites ubicadas en la planta baja, el despacho creó un límite visual con una celosía de hierro recubierta de vegetación. El arte siempre ha sido fundamental en los proyectos de Red Group, así que tanto en las áreas sociales del hotel como en las habitaciones, está presente.

Los interiores han sido perfectamente cuidados, los materiales, las texturas y los acabados crean un buen equilibro visual y funcional. Los accesorios en baños, así como la grifería están realizados en bronce antiguo combinados con mobiliario en madera natural. Las cocinas, por su parte, repiten el azul del mar con un laqueado en índigo. Todo el mobiliario está realizado ex profeso para el hotel, todos producidos en maderas tropicales, con telas de lino y detalles en hierro, creando ecos entre la arquitectura y su diseño de interiores. www.red-group.mx 85

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MARQUIS

ARCHETONIC | LOS CABOS Texto Lorena Riquelme Fotografía Rafael Gamo, cortesía Archetonic 86

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l hotel Marquis Los Cabos hoy presenta un nuevo rostro gracias a la remodelación de Archetonic, estudio liderado por Jacobo Micha Mizrahi, quien también fue el encargado de construirlo. Este complejo se encuentra ubicado en Cabo Real, mirando hacia el Mar de Cortés y rodeado de la flora y fauna característica del desierto, en Baja California Sur. El conjunto mantiene un diálogo entre el espacio abierto y cerrado, con grandes muros en blanco que dan paso a corredores, a jardines internos y externos que crean el escenario perfecto para descansar o meditar. Una extensión material de la inmensidad del paisaje.

Es quizá el lobby del hotel el punto de partida para los creativos del despacho, pues generó la suficiente inspiración para todo el proyecto. Éste se encuentra enmarcado con un

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gran arco que es visible desde la carretera costera. Cuenta con un espejo de agua que se integra visualmente al mar y se derrama en una cascada de 20 m de altura que la recibe un receptáculo en una zona encargada de reunir las áreas sociales.

En los extremos del hotel se localizan dos albercas que al igual que el espejo de agua de la recepción, extiende sus aguas hasta el horizonte gracias al efecto infinity. En la planta baja y alta, esparcidas entre las áreas verdes se encuentran las 24 villas con alberca y terraza privada.

La idea general del proyecto es que tanto colores como materiales permitan que la arquitectura se funda con el entorno, así el color blanco, la arena de mar, la piedra bola, la varita de palo, las palmeras y las cactáceas creen las condiciones para que el usuario comprenda la belleza del desierto desde un marco arquitectónico. www.archetonic.mx

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COTTON HOUSE HOTEL

ELIES ROGENT | BARCELONA Texto Carmina Romero Miranda Fotografía cortesía Cotton House Hotel

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a restauración de la antigua sede de la Fundación Textil Algodonera limpió y bruñó las partes de este inmueble perteneciente a la familia burguesa Boada que vendió en el siglo xix, en pleno auge de la industria textilera.

La casa del algodón solía albergar al gremio de los algodoneros con sus servicios y funciones activas, se encontraba ubicada en una casona estilo Neoclásico tardío —el estilo que contrarrestaba los arrebatos desmesurados del barroco— realizada por el arquitecto Elies Rogent y que este año inició un proceso de restauración que dio como resultado al Cotton House Hotel.

El trabajo consiguió rescatar los elementos originales más impactantes como la escalinata de mármol; una escalera de caracol suspendida gracias a un entramado metálico sujeto al piso más alto; los parqués y boiseries originales que recubren techos y paredes de algunos de sus ambientes.

Todas las instalaciones fueron renovadas, conservando así la majestuosidad de un edificio de esta envergadura con su propia pátina, pero atendiendo las necesidades actuales. De hecho, agregó una serie de captadores solares Buderus, energía que se aprovecha para regaderas.

El diseñador de interiores a cargo fue Lázaro Rosa-Violán que transformó esta casa señorial en un hotel contemporáneo con un programa que incluye 83 habitaciones, 8 suites, biblioteca, terraza, piscina exterior, gimnasio, L’Atelier, el antiguo estudio de los sastres, y el Gossypium, palabra latina que significa “flor de algodón”, que no es otra cosa que la conserjería que ha sido reconocida con las Llaves de Oro. Cotton House pertenece a una serie de hoteles independientes, Autograph Collection, de la cadena Marriot, y la principal inspiración del interiorista fue devolverle luz al lugar. Las ocho suites fueron bautizadas con los nombres de los diferentes textiles del algodón y todas tienen un estilo sobrio que nos hace imaginar la vida de la familia burguesa que la habitaba y la opulencia de una industria boyante. Así, el blanco está muy presente, el cual combina con las maderas oscuras con algunos remates en dorado; el café, el negro y algunos destellos en azul y amarillo. www.lazarorosaviolan.com www.autograph-hotels.marriott.com www.hotelcottonhouse.com 91

lo mejor del año

ESPECIAL LO MEJOR DEL AÑO L

a c r e ac ió n de es pac ios y obje tos , el d i s e ñ o , — y a s e a a rqu ite c t ó n ic o , de i nter ior es o i nd u s t r i a l — c omo l a m ayor ía de l a s d i s c i pl i n a s es t á en c on s t a nte evol uc i ó n , a d aptá ndos e a los c a m bios te c nol ó g ic os , f i n a nc i er os , de ne c es id a des y de tendenc i a s . A ñ o c on a ñ o s u r gen nuevos obje tos , m ater i a les i n nov a dor es , te c nolo g í a s que nos sor pr enden y de ton a n l a c r e at iv id a d pa r a en r ique c er el go c e de h abit a r es tos t i empos .

E n Gloc a l D es i g n M ag a z i ne quer emos c elebr a r a los pr oye c tos que des t ac a r on por a l g u n a de es t a s r a zones , y a que des a r r ol l a r u n a ide a des de s u c onc epc i ó n h a s t a s u m ater i a l i z ac ió n no es t a r e a s enc i l l a , menos s i a ñ a d i mos que deb e r es u l t a r at r ac t iv a pa r a cl i entes , h abi t a ntes o u s u a r ios , s e gú n s e a el c a so . P r oye c t a r c on u n es t i lo def i n ido y c r e a r tendenc i a t a m bi é n es pa r te i mpor t a nte de los r e tos en es t a s d is c ipl in a s .

D e c ía L ou s i e B ou r ge oi s , c é lebr e es c u l tor a f r a nc es a , que “ l a a rqu ite c tu r a t i ene que s er u n obje to de nues t r a memor i a .

Cu a ndo evoc a mos , c u a ndo c on ju r a mos l a memor i a pa r a h ac erl a m á s cl a r a , api l a mos a so c i ac iones de l a m i s m a m a ner a que apil a mos l a d r i l los pa r a c on s t r u i r u n e d i f ic io . L a memor i a es u n a for m a de a rqu i te c t u r a ” .

E n es te s ent ido c on s ider a mos es t a s ele c c i ó n u n r e g i s t r o p a r a l a memor i a , des e a mos pr es er v a r c on nues t r os r e c u r sos lo que c on s ider a mos lo mejor en a rqu i te c t u r a y d i s e ñ o que s e viv ió en Mé x ic o d u r a nte 2 0 1 5 . No d ud a mos que los pr oye c tos que pr es ent a mos a c ont i nu ac i ó n d a r á n paut a c r e at iv a pa r a el a ñ o que v iene .

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CENTRO

TEN ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO

Texto Marisol Guerrero Fotografía Luis Gerardo Gordoa, cortesía Centro

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a Universidad Centro, fundada en 2004 por iniciativa de Gina Diez Barroso y Abraham Franklin, inauguró su nuevo campus el pasado 29 de septiembre constituyéndose como una de las referencias de la educación en el ámbito creativo mexicano. La nueva sede fue diseñada por el arquitecto Enrique Norten, director de ten Arquitectos, despacho que desarrolla proyectos de investigación, diseño, arquitectura e infraestructura.

Ubicada en avenida Constituyentes, Centro alberga instalaciones completas para la educación superior. Además cuenta con una escalera monumental, pieza del reconocido artista Jan Hendrix, mismo que refleja el espíritu contemporáneo de la institución. La composición arquitectónica está concebida a partir de dos volúmenes yuxtapuestos, en la intersección de los bloques se crea una estructura flotante que alberga la mediateca.

Reconocido con la certificación leed Platino por el U.S. Green Building Council, el inmueble cuenta con importantes cualidades en materia ambiental ya que durante su edificación Centro utilizó 43% de materiales provenientes de áreas cercanas para incentivar la economía local y reducir costos asociados con transporte de materiales. Además cuenta con un sistema de captación y manejo de agua pluvial y residual, la cual es utilizada para riego y servicios sanitarios.

El campus ocupa un terreno de 5,600 m2 donde se construyeron 23,000 m2 y 2,500 m2 son ocupados por áreas verdes. El complejo de cuatro edificios incluye: oficinas, talleres, aulas, salas de estudio, biblioteca y mediateca, estacionamiento subterráneo y un auditorio con capacidad para 400 asistentes, un foro de producción de cine, talleres con equipo para desarrollo en las áreas: textiles, de diseño industrial, joyería y cerámica. www.ten-arquitectos.com www.centro.edu.mx 95

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EDIFICIO ÁMSTERDAM J O RGE H E RNÁ ND E Z D E LA G AR Z A | CI UDAD DE M ÉX IC O Texto Itayedzin Aragón Fotografía Jorge Hernández de la Garza

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a icónica colonia Hipódromo Condesa de la Ciudad de México ha reunido desde su origen, en los años 20, notables ejemplos de arquitectura Art Decó, numerosos arquitectos han puesto su trabajo en viviendas particulares y multifamiliares que se integran a pesar de haber sido construidos, en algunos casos, con diferencias cronológicas de más de medio siglo, una cantidad que en materia estética puede resultar en diferencias notables.

Incrustado en ese contexto se encuentra el Edificio Ámsterdam, una construcción de departamentos que se incorpora con un lenguaje contemporáneo. Su fachada de concreto aparente se diluye cromáticamente entre las casas vecinas. Su altura también sigue las proporciones que se han respetado en esta zona desde sus orígenes. Presenta terrazas con jardineras que con el paso del tiempo mimetizarán al edificio con la naturaleza de su entorno.

La propuesta del edificio en forma de L permitió la ubicación de algunos departamentos en la parte posterior del predio con vista a la Avenida Ámsterdam. El proyecto de 2,100 m2 de construcción forma parte de la conservación patrimonial de la colonia Condesa, ya que se cuidó que parte de la fachada existente de la casa original prevaleciera, dando espacio a una heladería que se integra a la vida gourmet de la zona.

El Edificio Ámsterdam fue reconocido por el Premio Obras Cemex 2015 en la categoría Conjunto Habitacional de niveles medio y alto. www.hernandezdelagarza.com

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CASA MEZTITLA E D A A | MO R E LO S

Texto Marisol Guerrero Fotografía kuu Studio y Yoshihiro Koitani, cortesía de edaa

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l estudio Estrategias para el Desarrollo de Arquitectura (edaa), bajo el liderazgo de Luis Arturo García, desarrollaron el proyecto de vivienda Casa Meztitla, construida en Tepoztlán, Morelos. Se trata de una intervención al escenario natural que se sirve del paisaje que lo rodea: el cerro del Tepozteco y sus alrededores.

Con 400 m2, la casa de descanso exhibe el valor del clima, los olores de la naturaleza y las terrazas naturales del terreno de más de 500 años de antigüedad y 3,800 m2 de superficie.

Para edaa, Casa Meztitla es una expresión de intimidad en continuo contacto con la naturaleza. La construcción está conformada por la casa principal, la casa de servicio, la alberca y la poza, que son elementos aislados y dispersos en el terreno, esperando a ser descubiertos con las transformaciones que poco a poco les serán dadas de manera natural.

La casa se concibió para que pudiera ser ejecutada según el oficio constructivo de la región: la albañilería en piedra, por ello, 60% de la mano de obra del proyecto fue local.

Los trabajos de carpintería y herrería fueron realizados por maestros de la Ciudad de México.

Los materiales empleados son locales, simples y duraderos: concreto armado, block de cemento-arena, piedra de la región, madera de pino y hierro. El radio de suministro de los materiales no excedió los 100 km. La selección de éstos fue en función de su buen envejecimiento y su necesidad

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mínima de mantenimiento. La casa se inserta dentro de la naturaleza, alterando sólo el espacio físico de la construcción, los elementos que la conforman fueron emplazados de modo que se evitara, en la mayor medida posible, la afectación a los árboles existentes.

Para contrarrestar la falta de suministro municipal de agua potable y de drenaje, se contempló el diseño de un sistema hídrico autónomo. El agua de lluvia es captada en los techos, filtrada y almacenada en una cisterna con capacidad de 180 m3.

Las tres terrazas y los dos taludes que conforman el terreno son aprovechados para canalizar el agua hacia la poza circular a cielo abierto, dando servicio a sanitarios, riego y exteriores.

El agua servida de la casa es tratada mediante biodigestión para ser filtrada sin contaminantes al subsuelo.

Casa Meztitla fue ganadora de la Medalla de Oro en la Primera Bienal de Jóvenes Arquitectos, organizada por la Federación de Colegios de Arquitectos de la República Mexicana, además de la Medalla de Plata en la categoría Vivienda Unifamiliar de la Segunda Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México, organizado por el Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México. www.edaa.mx

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RANCHO DEL ÁRBOL

CÓDIGO Z ARQUITECTOS | ESTADO DE MÉXICO Texto Arlethe Sánchez Fotografía Sófocles Hernández, cortesía de Código Z Arquitectura

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ocalizado en un terreno boscoso y montañoso en las estribaciones de la Sierra de las Cruces y La Marquesa, el proyecto realizado por Código Z Arquitectos liderado por Javier Zarazúa Tanaka, Rancho del Árbol integra casa, caballerizas, pista de equitación, áreas y taludes verdes en un superficie de 11,000 m2. La ubicación de la residencia es la mejor dentro del terreno en cuanto a eficiencia operativa y óptica pues se localiza en el punto más alto.

La vivienda de 360 m2 se desarrolla en dos plantas, además de integrarse a la naturaleza del sitio sin perder las comodidades que debe ofrecer una buena distribución arquitectónica. Su diseño está basado en un cúmulo de cajas orientadas hacia diferentes puntos, con volúmenes de geometrías simples, donde una se ensambla encima de la otra, y explotan las vistas disponibles hacia el exterior, creando marcos naturales de los paisajes que ofrece cada mirador.

La planta baja funciona como área social y el volumen donde está contenida se establece como el sostén de la planta superior, en la que sus voladizos a los extremos funcionan como terrazas. En la planta alta, el área de cocina sirve como

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el espacio clave de la casa, por este motivo no existen muros que la delimiten, sin embargo, se creó una barra suspendida que da contraste estilizando el ambiente y se convierte en un componente definitivo para la convivencia de los usuarios. El único muro que enmarca los equipos de cocina está construido en concreto aparente, su parte posterior queda unida con las escaleras que dan acceso a las habitaciones, integradas por un cubo de cristal que sirve de vestíbulo.

La transición del interior de la casa hacia el exterior es por medio de un deck forjado con durmientes ferroviarios de madera. En el diseño de la casa se planteó potenciar la luz natural para darle un toque contemporáneo al ambiente general de la construcción.

Para edificar Rancho del Árbol se utilizaron materiales locales, además se equipó con un sistema de paneles solares, captación de agua pluvial que se reutiliza para el riego, y en cuestión de innovación se integraron sistemas de calefacción hidrónica y cristales Duo-Vent para optimizar el clima interior del hogar. www.codigoz.com.mx

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ESTADIO DE LOS RAYADOS V&FO ARQUITECTOS| NUEVO LEÓN Texto Gabriel Bañales Fotografía cortesía de v&fo Arquitectos

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on una amplia experiencia en edificaciones deportivas, la firma v&fo Arquitectos comenzó, después de trabajar a la par con la firma Populous en proyectos de este tipo, la planeación del Estadio de los Rayados de Monterrey en 2008, con capacidad de 44,000 espectadores en gradas generales cubiertas, además de contar con un área de 322 suites en dos niveles con capacidad para 2,000 espectadores.

El proyecto de formas orgánicas cuenta con 6 niveles diferentes para aprovechar las instalaciones: nivel de servicios, nivel de Clubes vip, vestíbulo para gradas inferiores, dos niveles de suites, vestíbulo y gradas en los niveles superiores. Ofrece 14 hectáreas de áreas exteriores, con 3,500 cajones de estacionamiento y 2.6 hectáreas de vialidad pública que cruza el predio de norte a sur.

Los tres elementos básicos en conjunto del proyecto, inaugurado este año, son: diseño arquitectónico, sustentabilidad y tecnología aplicada al diseño. En entrevista, el arquitecto Juan Andrés Vergara nos comentó “Este edificio representa un gran paso en la capacidad de diseñar con una posibilidad total de construcción mediante armaduras tridimensionales”.

Luis Fernández de Ortega, socio de la firma v&fo, resaltó que la viabilidad en construcción nunca se perdió de vista a favor de la forma, ya que la silueta del estadio está hecha con la lógica de la construcción y del presupuesto, ambos puntos fundamentales en el desarrollo de cualquier inmueble.

La construcción tuvo un sistema de instalación in situ, donde todas las estructuras tenían que montarse con diferencias milimétricas para reducir fallas. Todas las piezas diferentes entre sí se integran para poder sostener un volado de 50 metros, que si bien atiende cualidades estéticas su carga sustancial es estructural.

Las implicaciones tecnológicas aplicadas en el desarrollo del edificio incluyeron posibilidades climáticas, simulaciones mecánicas y térmicas para optimizar su desempeño desde antes de su construcción. También se tomaron en cuenta una serie de necesidades expresadas por los clientes que solicitaron el proyecto, lo cual hace del estadio un complejo hecho a la medida. www.v-fo.com

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VINÍCOLA MONTE XANIC GARDUÑO ARQUITECTOS VALLE DE GUADALUPE

Texto Janine Porras Fotografía Sófocles Hernández, cortesía Garduño Arquitectos

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arduño Arquitectos fue el encargado de erigir la nueva casa de la vinícola mexicana Monte Xanic, que tomó 10 meses de trabajo y no menos de planeación, ubicada en el Valle de Guadalupe en Baja California.

El proyecto estuvo a cargo de los arquitectos Juan Garduño, Ricardo Guzmán y Sajid Saucedo. La primera impresión del complejo es que se ha logrado mimetizar con el entorno, como si el desierto lo hubiera cubierto con su manto. Textura, color y naturaleza fueron las bases desde las cuales se obtuvo la inspiración, a las que se agregaron los conceptos que cimientan a la vinícola: solidez y visión a futuro de la industria.

El programa diseñado incluye un edificio de fermentación, un área para degustar y exhibir el producto para su compra, estacionamientos y una zona para eventos, además de la ampliación de un lago artificial que originalmente sólo servía para riego y hoy forma parte del oasis que representa esta vinícola.

Garduño Arquitectos en conjunto con Monte Xanic, y su red de enólogos profesionales —entre los que destaca Scott McLeod—, diseñaron una experiencia única para el usuario y la arquitectura es el anfitrión. El reto fue crear una planta productora que a su vez fuera capaz de recibir a los visitantes y clientes, que aprovechara las condiciones climáticas de la zona a favor de la arquitectura y que sus oficinas fueran altamente funcionales. Y el resultado cumple con su cometido con una fuerte carga estética, pero cabe aclarar, la primera impresión es sólo el principio de un impacto mucho más duradero.

Al visitante lo recibe una fachada que presenta un tejido artesanal de cuerda que no sólo la llena de textura, sino también tiene la función de refrescar el interior. La sala de recepción y el área de degustación son sólo el preámbulo para explorar el proceso de producción. En la sala de fermentación el visitante podrá observar cómo se macera la uva —en tiempos de cosecha— y se fermenta en los depósitos de acero inoxidable.

La enoteca alberga la colección privada de Monte Xanic y la historia de las diferentes añadas de los vinos ahí almacenados. La sala de almacenamiento acoge el proceso de embotellado y etiquetado. La cava subterránea es un espacio ideal con paredes de roca natural que permite el reposo de los vinos en el ambiente frío del subsuelo. Sin duda, lo que observamos es un digno proyecto ganador como éste. www.garduñoarquitectos.com www.montexanic.com.mx

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REFORMA 2394

DESARROLLADORA DEL PARQUE + SERRANO MONJARAZ ARQUITECTOS + A.FLO ARQUITECTOS CIUDAD DE MÉXICO Texto Lorena Riquelme Fotografía Onnis Luque, cortesía A.flo Arquitectos

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nrique Macotela, de Desarrolladora del Parque y Juan Pablo Serrano, de Serrano Monjaraz Arquitectos fueron los iniciadores del proyecto y los creadores del concepto, asociados con A.flo Arquitectos, Taller de arquitectura liderado por Andrés Flores, quienes colaboraron con la parte arquitectónica. Reforma 2394 está ubicado al pie de una cañada, por lo que utilizó la topografía a su favor para crear un desarrollo de vivienda muy singular.

La normatividad de la zona, Lomas de Reforma, permite que en un terreno con las características de éste, 5,525 m2, sólo puedan ser construidas seis casas, así el plan de acción transformó 6 departamentos en un edificio multifamiliar que no se asemeja a ningún otro inmueble.

La pendiente que presenta el terreno fue la inspiración principal para crear diferentes niveles con distribuciones horizontales y circulaciones verticales enmarcadas todas en concreto aparente y elementos muy sencillos que revisten al conjunto con geometrías que juegan con la luz y la sombra, a través de elementos en vertical que son su único ornamento. Limpieza pura.

El proyecto incluyó en su programa jardines privados, cancha de paddle tenis, alberca techada, gimnasio y salón de usos múltiples. Los despachos utilizaron un sistema de anclaje para crear sus terrazas escalonadas, que a vuelo de pájaro parecen un gran jardín verde. El proyecto ganó la Medalla de Plata de la Segunda Bienal de Arquitectura como Proyecto de vivienda multifamiliar. www.delparque.com.mx www.aflo.mx www.serranomonjaraz.com

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TORRE VIRREYES TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN ARQUITECTOS CIUDAD DE MÉXICO Texto Carmina Romero Miranda Fotografía Camila Cossio, cortesía tgl Arquitectos

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bicado en Lomas de Chapultepec, creada para Grupo Danhos es una de las obras más recientes del arquitecto Teodoro González de León quien ostenta un lenguaje contemporáneo en sus obras y continúa haciendo ciudad con sus proyectos.

Torre Virreyes se encuentra emplazada en un terreno de 4,479 m2 donde también yacía un inmueble del arquitecto ruso Vladimir Kaspé que fue reconstruido en concreto blanco aparente y del cual partió todo el diseño de la torre. El edificio presenta un voladizo de 70 m2 creando un ángulo que respalda al antiguo Súper Servicio de Kaspé.

La estructura del inmueble se encuentra apoyada en dos megabrazos y un núcleo de concreto que desciende hasta los estacionamientos de 16 niveles. Este mismo núcleo fue el que concedió la forma de la torre y las plantas sin pilares permitiendo vistas inmejorables, mismas que solucionó el diseño estructural de arup al mando de Tabitha Tavolaro.

El vidrio permitió una estructura más ligera que sin embargo está acompañada de parteluces de concreto blanco cincelado, uno de los sellos del despacho. El edificio presenta diferentes configuraciones en sus plantas, ninguna es igual y sus vistas irrestrictas de 360o es una de sus más valoradas cualidades. Cuenta con roof garden, helipuerto, oficinas con patios jardinados.

Como parte de sus últimas propuestas, esta torre también ostenta una plaza pública en su planta baja, misma que se desdibuja y se pierde entre lo público y lo privado, asimismo rehabilitó el parque que se encuentra en las inmediaciones.

El edificio es uno de los primeros en lograr la certificación leed platino.

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PLANTA HIDROPÓNICA NEXT CC ARQUITECTOS | GUANAJUATO Texto Nina Paz y Soto Fotografía Rafael Gamo y Adlai Pulido, cortesía cc Arquitectos

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CC Arquitectos al mando de Manuel Cervantes Céspedes, en colaboración con Lizett Matsumoto, se le confió la erección de las oficinas de la Planta Hidropónica Next. La superficie a la que se enfrentó el arquitecto era un terreno de campos agrícolas donde los límites no se encontraban delimitados. El despacho se encargó de contener los espacios de trabajo que están rodeados de invernaderos y vegetales en crecimiento.

Toda la planta está pensada como una serie de volúmenes que crean corredores con espacios verdes y espejos de agua, puntos de encuentro entre cristal, madera y cemento donde el exterior es también convidado. La loza que cubre a todos los cuerpos no sólo da unidad, también fue diseñada para abrir claros y enmarcar paisajes, creando sombras y vanos que permiten el paso del viento y protege al usuario de los rayos del sol. Un respiro en el cotidiano y arduo trabajo.

Fue aprovechada la cercanía de una de las naves productoras para dejar en evidencia, a través de ventanales, el cambio en el proceso de producción durante el año. Adicionalmente el artista Jerónimo Hagerman realizó una pieza en uno de los patios descubiertos con una pared pintada en amarillo a la que le anteceden unas cortinas vegetales de la especie Cissus antarctica inspirado en la producción de la planta hidropónica. Este proyecto obtuvo la mención honorífica en categoría Oficinas de la Segunda Bienal de Arquitectura Ciudad de México. www.ccarquitectos.com.mx

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BRIDGE. BUSINESS CENTER STUDIO MARCO VILLA MATEOS | CIUDAD DE MÉXICO Texto Nina Paz y Soto Fotografía Leo C. Sam, cortesía Studio Marco Villa Mateos

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ste proyecto representó un verdadero reto para el joven diseñador Marco Villa Mateos quien recibió el encargo de diseñar Bridge, el primer gran proyecto de interiorismo del estudio.

Business Center quien precisamente se dedica a ofrecer espacios de oficinas en renta, debía enamorar con su diseño y funcionalidad. Marco se encargó de apoyar al cliente perfilando al futuro usuario, sin olvidar el estilo de vida asociado a éste.

“El edificio que alberga el proyecto es de nueva construcción y nos encontramos con un espacio totalmente en bruto. Elaboramos un programa muy denso para 530 m2. Tras un largo trabajo de síntesis conseguimos una planta en la que se pudiera disfrutar de la amplitud del espacio sin desatender todas las solicitudes del cliente”.

La atmósfera fue lograda gracias a la selección de materiales que tenía como objetivo “crear un ambiente de negocios funcional pero amable, cosmopolita y honesto por su austeridad”, nos comenta Marco. Teniendo en cuenta el reducido espacio por trabajar, quiso transgredir los recintos a favor de una mejor experiencia. Así en una dinámica exitosa, el mármol, las maderas y los tapices en tela (que dicho sea de paso fueron usados con fines acústicos), refuerzan el mensaje del estudio: una propuesta diferente y contemporánea para el hombre o mujer de negocios de hoy. www.marcovillamateos.es www.bridgecenter.com.mx

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HOTEL CARLOTA

JSA ARQUITECTURA | CIUDAD DE MÉXICO Texto Carmina Romero Miranda Fotografía Camila Cossio, cortesía Jsa

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l Hotel Carlota encierra en sí un proceso de recuperación, y el despacho Jsa fue el encargado de la remodelación del antiguo Hotel Amazonas que tomaría prestado el nombre a su calle, pues se encuentra en Río Amazonas 73, en la colonia Cuauhtémoc. Jsa también formó parte del equipo que proyectó el diseño de interiores al que se sumaron Jorge Mdahuar e Ignacio Cadena, quienes crearon el concepto integral del hotel.

Otros creativos se sumaron a la tarea de darle vida a este inmueble, el mobiliario fue creado por La Metropolitana exclusivamente para Carlota; la vajilla de restaurante es obra de Menat Studio; el uniforme fue diseñado por TanGerine Co, además de que los espacios fueron aderezados con la obra plástica de Los Originales Contratistas, Christian Camacho Reynoso, Tomás Díaz Cedeño, Luis Nava, Omar Barquet y Ricardo Rendón.

Hotel Carlota conservó el carácter que sólo los años pueden otorgarle a un inmueble con sus celosías de concreto y cierta pátina que el despacho no retiró del todo, pues quiso hacer de éste un hotel contemporáneo —con sus detalles extraordinarios como la alberca, punto visual importantísimo una vez dentro de sus instalaciones—, donde se siente cierta desfachatez que invita a relajarse.

La biblioteca, el Business Center, el bar, la boutique y el Roof top, así como sus 35 habitaciones comparten el cuidado que el equipo imprimió en todo el inmueble. Los materiales que destacan a primera vista son la madera, el concreto y el metal

en negro. El toque de color lo proporciona el mobiliario, la obra plástica, los tapetes y los objetos. Cada rincón tiene una sorpresa para el visitante. De hecho, fue gracias a un cuadro olvidado y polvoriento de la emperatriz Carlota que el despacho encontró y es la razón por la que el hotel fue bautizado como Hotel Carlota, sin duda, uno de los diseños más vanguardistas de la ciudad. www.jsa.com.mx www.hotelcarlota.com.mx 115

LO MEJOR DEL 2015 DISEÑO Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de los diseñadores y marcas participantes

BERLÍN JUSKANI ALONSO

BOOLEANOS JOEL ESCALONA

Después de 10 años de haber viajado de manera solitaria en Europa, Juskani reflexionó sobre lo que este viaje había significado para él y de qué manera podía traducirlo a su quehacer creativo, así surgió la colección Diez, de la que extraemos Berlín, un espejo inspirado en las líneas cartográficas, la representación de las fronteras que metafóricamente parten el reflejo del mismo modo en el que alguna vez se dividió al pueblo germano.

La edición especial de Booleanos, para la firma francesa Roche Bobois, está limitada a la producción de 500 piezas fabricadas en roble. Joel es el primer latinoamericano en la colección Gallery de la marca de mobiliario de alta gama. Booleanos es una pieza conformada por geometrías sobrepuestas, que a primera vista parecen formar un gran mueble que se desdobla poco a poco con sus cuatro puertas y un cajón que deja ver recovecos irregulares.

www.juskanialonso.mx

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www.joelescalona.mx

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CHAAC ANIA WOLOWSKA www.annawolowska.com Ania Wolowska es una diseñadora de origen polaco, que ha trabajado en nuestro país en itz Mayan Wood Furniture. Para Territorio Creativo: Inédito mostró de manera individual, la mesa Chaac, producida en madera de Chechén de la región maya, es un diseño exclusivo para adn Galería, está previsto que se exponga el próximo año en fog en San Francisco y en Collective en Nueva York.

MESH COLLECTION JORGE DIEGO ETIENNE

MONO COOPERATIVA PANORÁMICA

Este diseño es parte del nuevo catálogo de Ofimodul en donde la marca celebra 35 años de producir mobiliario de oficinas en Monterrey. La propuesta complementa el espacio de trabajo más allá del escritorio, promueve la creación de lugares alternativos para uso individual o grupal. Formado por sillas, mesas auxiliares y bancas que sirven como elementos modulares de siluetas ligeras que logran adaptarse con versatilidad. Las estructuras tubulares se complementan con malla de alto rendimiento.

La colección de objetos utilitarios Mono, presentada en Maison & Objet Paris de este año, está compuesta por mármol, corian, vidrio y madera de encino, mismos que comparten el rango de tonalidades, creando un camuflaje monocromático. El espejo está ensamblado con diversas superficies que proyectan reflejos disímiles, esta composición de 30 cm empieza de arriba hacia abajo con una mezcla de los tres materiales, rematados con una pequeña repisa delimitada por el espesor de la madera.

www.jorgediegoetienne.com

www.wearepanoramica.com

NÚÑEZ MOB

www.mob.com.mx Serie de cuatro percheros de líneas simples realizada en acero con detalles de latón y madera maciza. El proyecto surgió como un ejercicio de tensión entre forma y función, donde el propósito principal era complementar la línea 5, implementando un uso no explorado por la firma. Así surgió Núñez, cuatro percheros para vestir espacios, diferentes entre sí que comparten la base de terrazo (en formatos y colores diversos), que sirve de común denominador para unificar la línea.

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NYX DAVID POMPA

LINEAR VÍCTOR ALEMÁN & ZIP

www.davidpompa.com

www.zipspace.mx Durante el Abierto Mexicano de Diseño, David Pompa realizó una instalación de luz con su diseño de luminaria nyx, que sigue la tendencia marcada del diseñador al combinar materiales y técnicas tradicionales con diseño contemporáneo. La pieza utilitaria originalmente es una lámpara de techo, con un recubrimiento de vidrio soplado —hecho por artesanos del estado de Hidalgo— que le confiere reflejos luminosos irrepetibles, con detalles en cobre e iluminación led, lo que aporta un toque vanguardista.

Para Territorio Creativo: Inédito, Grupo Zafra, a través de su centro de especificaciones zip (Zafra Integrated Projects), invitó al diseñador Víctor Alemán a crear la credenza Linear, para left. En esta pieza se puede apreciar el movimiento con un objeto que permanece estático. El concepto generador de Linear es la máxima: “La distancia más corta entre dos puntos es una línea” y cubre cuatro aspectos formales al ser icónica, dinámica, imaginativa y sólida.

L’ARGENTERIE VÍCTOR ALEMÁN & IVÁN MARTÍNEZ www.left.mx El juego de cubiertos L’Argenterie fue presentado para el Premio Nacional de la Plata Hugo Salinas Price 2015, donde obtuvo mención honorífica. L’Argenterie, fue elaborado en colaboración con el Taller de Obsidiana Don Toño y los grandes joyeros del eme de México. El proyecto incluye procesos de impresión 3d, para el posterior vaciado en plata, y trabajo manual en los mangos de obsidiana para que cada pieza coincida perfectamente con las piezas de plata.

PIRINOLA ADHOC www.adhoc.mx

Dentro de las 40 propuestas presentadas en Territorio Creativo: Inédito, AdHoc exhibió Pirinola, una pequeña colección inspirada en los colores y emociones que nacen de los juguetes; realizada en colaboración con artesanos de Metepec y San Antonio la Isla, Estado de México.

Las piezas surgieron a partir de una introspección de la firma sobre sus procesos creativos. Las tres piezas son una proyección de la emoción que se experimenta al hacer una travesura y sirve como tributo a los procesos artesanales.

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PLATOS DECORATIVOS CATERINA MORETTI PARA ÁNGULO CERO www.angulo0.com Durante la exhibición Territorio creativo: Inédito, Ángulo Cero presentó su nueva colección, reuniendo el talento de Caterina Moretti, Abel Zavala, Sebastián Beltrán, Diego Vides Borrell y Studio Cardinal. De dicha muestra extraemos los Platos Decorativos, primer diseño de Caterina Moretti en exclusiva para Ángulo Cero, los platos están hechos con una sola pieza tallada a mano en mármol de Carrara en la ciudad de Guadalajara.

RELATOS DEL BAJÍO RURALISTA www.ruralista.mx

SELFIES FRANCISCO TORRES

Retomando la retórica plástica de Rick Rossenham en “Tierra Santa”, la firma Ruralista busca recordarnos quiénes somos desde nuestras raíces, a través de materiales y formas francas. La colección Relatos del Bajío consiste en piezas de barro realizadas por artesanos de diferentes áreas del Bajío mexicano, los elementos sirven como utensilios básicos para comer y beber, además son una recreación morfológica de la alfarería originaria del centro y sur de México.

www.edicionesjalapa.com

Presentada en Zona Maco 2015 a través de la línea Sobremesa de Anfora Studio, proyecto donde se invitó a seis diseñadores a intervenir de manera gráfica una vajilla. Cada diseño se produjo limitadamente en 20 vajillas básicas para cuatro personas. La colección Selfies está inspirada en máscaras chamánicas Inuit, de las regiones árticas. La vajilla de 4 piezas está compuesta por dos platos, un tazón y una taza, donde cada uno es un personaje diferente que puede parecer diferente por su acomodo.

ARES BI YUU www.biyuu.mx

Como parte de la celebración de su tercer aniversario, la marca presentó la colección Ares inspirada en geometrías sagradas y alquimia.

El motor de Bi Yuu es la pasión por el diseño, creando tapetes y complementos textiles de diseño contemporáneo, la producción de sus piezas se hace con modelos colaborativos de trabajo, entre sus valores presumen compromiso social y una fuerte visión de calidad e innovación.

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TILA RODRIGO ALEGRE www.studioroca.com Rodrigo Alegre, uno de los diseñadores detrás de Studio Roca, diseñó esta tetera para concursar por el Premio Nacional de la Plata Hugo Salinas Price 2015, cuyo resultado se ha exhibido en el Museo de Arte Popular y recientemente en Design Week México. El objetivo del concurso es impulsar y fortalecer el trabajo ancestral de la platería y la preservación de las técnicas tradicionales que la rodean.

Por otro lado, busca la innovación enfocada al diseño y la creatividad.

FB502 ENSAMBLERÍA www.ensambleria.com

Bajo los principios del Ready To Ensamble, Ensamblería presentó FB502, diseño de Luis Mercado. Una estación de trabajo personal formado por una estructura autosustentable que encierra un área funcional de 3 m2.

Dentro se ubica un escritorio, una banca para lectura, un pizarrón y área de guardado general con repisas. La estación es móvil y modular, además puede regularse la privacidad por sus cortinas deslizables.

VARI ESRAWE www.esrawe.com Dentro de la colección Prima Materia, Héctor Esrawe desarrolló la lámpara Vari, producida en bronce y madera maciza de nogal, el cilindro central de la pieza, obtenido en su formato comercial, se transforma en el eje visual y estructural de la lámpara que se acciona al desplazar manualmente el cilindro, la pieza de madera se vuelve de forma análoga el generador de la acción luminosa, que bien puede ser gradual. Este objeto se hizo en colaboración con Iván Abreu y Manuel Bañó.

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P. 48 IN FOCUS THE EXPERIENCE OF LIVING ARCHITECTURE SORDO MADALENO ARQUITECTOS Three generations of architects at the helm of ama has given the firm a very peculiar perspective of the architectonic endeavors, they know that formulas do not exist. Trying to confront the concepts creativity vs business is not an option for this group that has had enough time to transform, refine and improve itself, from their façade to their very heart.

Interview by: Greta Arcila Text by: Janine Porras Photography by: Gabriel González The Glocal team was welcomed into what once was the house where the Sordo Madaleno once lived so we could have an exclusive interview. There Javier Sordo Madaleno Bringas and Javier Sordo Madaleno de Haro were waiting to talk about their endeavors with us; both architects, both passionate about what they do.

We talked about the piece in our cover for this edition: it is Mexico’s Arts Pavilion—with modular dimensions of 75m high per 12m width—that will showcase the works of plastic artist Rivelino; a pavilion meant to be itinerant so it can travel to different European cities where his grand format work that will be displayed to new public. It will also help display the studio’s architecture as well as the art pieces in a coupling that evidences aspects of the Mexican culture that the Europeans are not used to. This is a project that is still undergoing development and awaiting consolidation, but that without a doubt has give us one of our most beautiful cover to this day.

Sordo Madaleno Arquitectos has been one of the studios that have been witness to the cultural transformation of the bygone architect solely dedicated to designing edifices into the modern day businessman the profession demands; a change that Juan Sordo Madaleno saw coming in the hospitality field. In this respect Javier Sr. comments: “in the time when I was a student, the architect was a bohemian, always carrying a satchel and long-haired, never wearing a tie or sporting a three-piece suit. We could not be creative and think that projects had to be good business. Fortunately, everything has been changing, and now in architecture every time you make a project for someone, 80% of any of these are to generate economy (sic) and 20% for your pleasure.”

MALLS ARE PLACES OF SOCIAL INTERACTION Juan Sordo Madaleno, the firm’s founder, paved the way for this concept of architect-businessman after he built Plaza Satélite and Plaza Universidad. This heritage, besides turning them in the architects pioneering into the designing of malls, has been mostly advantageously used when faced by the need to deploy other skills so as to not let any loose ends in the execution of a well-rounded business plan. Therefore, in 2008 Grupo Sordo Madaleno was created, granting them independence and consolidating not only their real estate development initiatives, but their operation, commercialization, construction and interior design ones, also. “We have been able to integrate all the parts related to a project’s development. This is very important because it grants us great quality and plenty of information, and it helps us in generating expertise. When we were imagining Antara, we envisioned that route, the flow, the pathways… and if the commercialization did not reflected the kinds of stores we wanted, the order, the type of cafés; if the whole operation is not up to par and signs are plastered everywhere… all of that would have made the experience we were aiming for to be lost completely. Today we have learned from everywhere: we know about the business part, we have the operations know-how, we know how to crunch numbers, we are experienced constructors … and that makes us deliver much better results to our clients and our partners,” Javier Sr. tells us.

These days, the number of visitors of the malls designed by sma reach 75 million individuals each year; this indicates that because of the economic model in México and the changes in the tradition and habit —just to paint a clearer picture, in the year 2014 all archaeological zones in our country received 12 millions 661 thousand visitors, according to Datatur register— the architect has not only a great responsibility while creating these spaces, coming up with the flows, the materials, the

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energy systems, their sustainability, their social areas, et al; he must also take into account the interaction between the people working at the site, those buying, services, etcetera.

An example of this is Toreo Parque Central that has brought a forgotten zone into the investors’ map.

On the other hand, sma has made it a priority to deliver positive impact for the neighbors to their projects: capital gain for their propriety, underpasses, and public plazas, to improve all the surrounding areas. This has resulted in good interactions with the local governments of each of the municipalities in the cities their work, and the firm does not spare any expense doing so. “What we have seen is that these are catalysts for investment and urban regeneration because they come to change the face of the whole neighborhood where these are built. This investment is transformed into infraestructure, roadways… I believe that it is because of these projects that we have been able to detonate growth in many city areas that used to be truly deteriorated, and have now become economic and social focal points these days,” Javier the younger shares with us.

THE HOSPITALITY BY SMA Hotel-centered architecture represents a good share of what is currently being done at the sma offices, after a hibernation period the industry lapsed into, and that for Sordo Madaleno began soon after the projects for Westin Regina in Puerto Vallarta and Los Cabos were done. But the love for this industry runs deep, for Juan Sordo Madaleno was always very active within it; we must remember he was the architect in charge of the project to design the Hotel Presidente in Mexico City and the one in Cozumel, iconic and representative building in their time that are still influential.

“I am very happy these days because we are doing great things in the hospitality sector, not only with great success with their design but also in the way we are integrating each hotel complex to their locations, like the Grand Hyatt in Playa del Carmen, that one of the main features it has is how its commercial area—a section that can be used for events, congresses, etcetera—is joined to the rest of the city, the hotel itself with its central park, and how the lobby leads your transit over to the beach. What we have achieved with this hotel is quite important, we believe that we are bringing in new ideas to the hospitality industry. Even in the way how one experiences the space, how you check-in and how you operate within, that is to say the way in how we provide solutions so your arrival and your experience while at the hotel are the best” Javier Sr. comments excitedly. sma has had the opportunity to establish a very personal dialogue with several hotel operators and they can offer various solutions to their diverse needs: Hyatt, Marriot, Fiesta Americana, Starwood, each of them with quite dissimilar cultures from each other, that nevertheless a studio with so much experience, like this one, can easily advise any operator. “Nowadays we see it as something very interesting because we are designing nine different hotels, for unrelated operators and with differentiated visions. Each experience has become very attractive because some are beach resorts, others are on the water’s surface, a few more are urban, while others are 5-stars. It is a mix that has turned into an incredible experiment and we have become highly experienced at dealing with all the operators. Currently in Mexico, we can be considered one of the most important firms in regards to hotel design know-how—the younger Javier comments, and Javier Sordo Madaleno Bringas adds—: besides we are working on projects ranging from boutique hotels with just a few rooms, to those of very high-level and with different kinds of product. All of this has served us to be more forward–thinking with our clients, and for them to realize we have achieved a very solid know how regarding the hospitality industry.”

MYSTIC SPACES Creating a space that is ideal for contemplation and mysticism, that furthers withdrawal, is not a simple task; but among the typologies created by the studio we wanted to discover the sentiment awaken from the creation of the St. Josemaría Escrivá temple in Lomas de Santa Fe—which found its inspiration on the St. Ignacio de Loyola temple, from 1961 with its floor plan in the shape of a Romanic cross, one of Javier Sr.’s

favorite edifices. “It was a great inspiration for me because what I like the most about St. Ignacio is this idea that it has no roof, that it is the walls that extend to heaven. What I did in Santa Fe was based a bit on this idea, inspired in the temple my father made, in the sense that the walls didn’t touch so the sense of their raising up to heaven prevailed. On the other hand, there were other things that were as important to me as the shape was: we made it based on the ichthys symbol, of such religious importance and also a representation of Infinity. All of these had influence on the design. After St. Ignacio I feel it was a titanic task to come up with a beautiful temple,” he comments between amid heartfelt laughter. He explained to us that the façade was covered in zinc, a material that was used in the old European cathedrals as a waterproofing coating because of the low maintenance and it durability.

THE MYSTERY OF THE CENTRO CULTURAL ARTE CONTEMPORÁNEO The 1986 World Cup in Mexico provided the ideal opportunity for Javier Sordo Madaleno Bringas to create a press center located at Campos Elíseos Avenue and Jorge Eliott,street, in the Polanco neighborhood and under direct request of Emilio Azcárraga Milmo. Given that the World Cup would have a beginning and an end, Javier though of a building that could have different uses, besides it integrating with the Presidente hotel. This space would turn into the Centro Cultural Arte Contemporáneo (Contemporary Art Cultural Center)—under Paula Cusi’s direction, wife to the mogul—and it worked perfectly well during several years, but given to the rough patch in their marriage they decided to sell project to Grupo Lozada. The consortium with their idea of creating a new project, proceeded to demolish the precinct that many among us still miss very much. Nevertheless, the firm won a competition to build a new office and apartment complex on the same spot.

“It was the first building I made after my dad’s death. I signed the contract in April 1985, fifteen days after my father passed away. It was very important to me because it gave me a lot of exposure, especially because of the World Cup spectacle. I was on television and me along with Toño Gutiérrez Cortina, committed ourselves to deliver it to Emilio in 8 months. We made that building that had four basements and four stories in eight months, exactly. It was one of the first buildings that used color during the concrete pouring and that I liked a lot because we were always seeing gray concrete, and adding color was a great moment (that was also used for the interiors). It was a building that I liked very, very much,” Javier tells us, quite excitedly.

CONSOLIDATING THREE GENERATIONS OF WORK This studio has taken important steps, and right now it is in the middle of a transition between Javier Sordo Madaleno Bringas’s direction and the one being built by Javier Sordo Madaleno de Haro with the help of a ideal team that is composed both by experienced and young professionals. This is the first compulsory step towards the creation of a firm with global reach in its proposals. “We have evolved, I treasure a lot of what my father used to think; what has happened is that we have been refining it. Is not like we have changed the concept of what is architecture inside our offices, but the other way around: we have a finer touch each day, we learn more each day … I would loved to have the chance to work more with my dad, for we did very few things together (such as this house), I was with him in many construction sites but as a draughtsman or things like that. The great opportunity is that now I have had the time to collaborate with my sons in architectural projects and I have had the chance to pass on to them all these things I am thinking. I like to delegate, I love it that they take responsibility: all the architecture office is helmed by Javier; all the real-state development is lead by José Juan, and Fernando is in design, and I am really with them in every area. We have made the transition take place at the same time new ideas they have are being integrated into this process. The offices has greatly improved in both its quality and in its projects thank to their intervention, which added to the experience we used to have, it has resulted in a very mighty team, indeed,” Javier Sr. explains.

The vision shared by both generations is to create a firm backed up by its people, a work team that is passionate where

commitment and great perspectives are a constant, and where win-win situations are a reality, for the next step is to consolidate the firm internationally and kept their outstanding pace in our country. www.sordomadaleno.com P. 60 BRIEF HISTORY OF ITALIAN DESIGN PART I Text by: Fortunato D’Amico* Traslation by: Massimo Barzizza (Spa) Javier Barriopedro (Eng) The term design, in English, means “elaboration of technique”.

For the British, this word has broader implications that what were attributed to it by the Italian language, where the term at the very beginning of its journey to be integrated into Dante’s parlance, was mainly used for describing the process of planning for industrial products, made en masse with the use of machines, and thus related with a limited field of the manufacturing industry.

In Italia, after World War II, the noun was attributed connotations ever more related to objects’ and furniture set’s design.

STILL… LET US START FROM THE BEGINNING. Design was born with the Industrial Revolution, in the year 1750, and it inherited the artisanship base of knowledge, which after the passing of a few decades lost the preeminence that has characterized it for millennia as the way to build artifacts and material goods.

Mass production, standards and the distancing of the manufacturing sites from the places of consumption, were what characterized the new dimension of this material culture.

Industrialization, when compared to other zones in Europe, arrived quite late to Italy. In 1861, the year the country was finally unified, the new nation was still mainly rural and underdeveloped for the most part. The Italian Exhibition held at Milan in 1881, was focused on showcasing the industrial machinery for the first time, as well as those products related to naval and railroad construction.

During the International Decorative Modern Art Exhibition, held at Turin in 1902, Art Nouveau—the style that was in vogue at the time—was presented in the pieces by some of the most excellent project creators, among them were Vittorio Ducrot, Carlo Bugatti and Ernesto Basile. This was the very first and true professional season of the modern age, committed to face the structural problems as well as the decorative ones in the new urban buildings, their interiors and their furniture and furnishings.

The industrial boom at the start of the 20th Century as fostered by the automotive industry: Fiat, Lancia and Alfa Romeo were the main automobile brands active from the very beginning of the 20th Century, widely recognized by the business world.

Transportation on 4-wheeled vehicles, as well as in the naval and aeronautic industries, became the pillars of development and change that lead Italia straight into World War I. Very soon Turin and Milan acquired the role of economic engines after the unification of Italy. The Milan International Expo was inaugurated in 1906. The chosen theme for the event was precisely transportation, paying homage to the Simplon tunnel, built t be the railway nexus between Italy and Switzerland that had been completed one year before.

Futurism, an artistic movement promoting modernity and founded in 1909, had a great influence over the majority of the trends that characterized design in those days of social and economic transformations.

The Third Biennial at Monza, in 1927, and later the Triennial of Milan, decreed the end to the old artisan model and opened an era of modernity when the new architects and designers replaced the old master crafters.

Between 1928 y 1929, Gio Ponti and Emilio Lancia, designed an accessory and furniture system for the big “La Rinascente” apartment store. The idea was to innovate the environments with simple yet elegant shapes at well-checked costs, thus creating a offer aimed at the middle class of that period. Tow of the magazines that would later write down the history of Italian and international design, were born in Milan in 1928: “La Casa Bella”, under Guido Marangoni’s direction—a few year later

rebranded as “Casabella” under the joint direction of Giuseppe Pagano and Edoardo Persico—and “Domus”, published by Gio Ponti. Both periodicals remain circulating as, after many decades and in several ways, they have being able to renovate themselves and add value to the work made by designers.

Thus, design could start counting with two very important communication tools that would help in the furthering the interior and house decoration culture, familiarizing the Italians with different styles and a predilection for rationalism.

The 30s were the years of Fascism, important for Milan as it turned into the model for the modern city that the regime was striving for. The canal and barge system, that had characterized the city for centuries, disappeared by being covered with wide and modern streets crossed by fast automobiles. In 1930, the Biennial at Monza was host to the “Electric House”, designed

by Figini and Pollini, financed and promoted by Edison, an enterprise dedicated to producing of electric power and its distribution.

It was electricity that illuminated the streets and apartments at night, but it also served to power the first electric domestic appliances.

A new means of communications arrived to all the Italian living rooms: the radio. The new in-vogue object that spoke and emitted sounds during several hours a day, contributed to the unification of an Italy that until that point still remained quite fragmented, also separated by the diversity in dialects and cultures that—from the Alps to Sicilia—further complicated communications between compatriots.

The radio, along with the gramophone, found an important place in the houses of Italian families, specially the sets designed by Figini e Pollini, Franco Albini, Luigi Caccia Dominioni, Livio and Pier Giacomo Castiglioni, and manufactured by companies Radio Marelli and Phonola.

The spreading of the sewing machines evidenced the capacity possessed by the Necchi company to propose shapes and technologies, adequate for satisfying the needs of a public that needed to solve the problems posed by the space limitations in urban housing.

Meanwhile in Turin, in 1936 Dante Giacosa—an engineer at Fiat—came up with the project for a small and economic automobile, aimed at an ample consumer base, and auto that would become very popular throughout Europe: the Fiat 500 Topolino.

Italy after World War II, and thanks to the United States’ dollars received as part of the Marshall Plan, after 1947 began a restructuring decade that took the country to a period at the end of the 1950s and in the early 1960, of an economic boom.

This period was characterized by a solid growth thanks to the technological development reached during the previous years; a situation that furthered consumption and also kickstarted the development of the services industry. At the same time, the market kept expanding towards the exterior with exports that, from that moment on, granted fame to Italian design throughout the world.

Consumerism reached its peak and the Italians were invaded by a variety of manufactured items made from the newest plastic materials, obtained for petrol-based polymers, perfectly standardized in shape and contained by a production system governed by mechanisms, and later on by electronics.

Nevertheless, at the beginning the still was space for talented designers like Franco Albini, Luigi Caccia Dominioni, Gio Ponti, Carlo Scarpa and Carlo Mollino, that used wood as the main material for the manufacturing of furniture pieces with modern shapes and, at times, aerodynamic. These architect-designers represented an essential critical position in relation to the industrial proposals oriented towards the use of manufactured objects with synthetic materials.

Mobility was the sign marking the difference between the contemporary world and that of the past. Ever since 1946 the Vespa Piaggio, designed by Corradino D'Ascanio, along with the Lambretta by Cesare Pallavicino and Pierluigi Torre, both manufactured by the firm Innocenti, turned into the Italian’s preferred private means of transportation during the 1950s, perfect for short-distance travel in urban zones, a trend that would continue during the years that followed.

There was a lot of communication, but also a lot of written-document production, in a society that integrated

ever-increasing amounts of manpower to the offering of services, and mass school-based education became a typical characteristic.

It is within this context that the portable typewriter “Lettera 22”, produced by Olivetti and signed by Marcello Nizzoli in 1950, found its place as a “cult” object of international design and one of the world’s greatest achievements by this Italian company.

In a few decades Olivetti turned into breeding ground for some of the most successful Italian designers in history, including Marcello Nizzoli, Ettore Sottsass, Mario Bellini and Michele De Lucchi. This company is credited with the merit of being the protagonist of a true school of design and philosophy, an example to be followed not only for the special care taken during the objects’ design, and the functional, ergonomic and communications point of view, but also because of its organization style and its social responsibility.

In fact, Adriano Olivetti wanted to create a company that was respectful with the environment, open, multidisciplinary and multicultural by nature, and called in people with different specialties to collaborate with him. Writers, architects, scientists, engineers, graphic designers and artists, all further essential ideas to the work groups where they were invited to participate. Besides, the workers intervened in the decisionmaking processes related to commercial services and manufacturing.

Transit was fast on the new 4-lane highways that connected the inhabitants of the Northern regions of Italy with the capital city, in less than one day.

Flaminio Bertoni, Marcello Gandini, Giorgetto Giugiaro, Pio Manzù, Bruno Sacco, and Sergio Pininfarina were automobile designers that brought world-wide recognition to the Italian automobile industry, as Fiat, Alfa Romeo, Lancia, Lamborghini, Ferrari and Maserati reached ever-increasing sales and publicity levels during the 1960s and 1970s. *Fortunato D’Amico is an important Italian critic who is the curator for the Pistoletto Foundation, and promoter of the international Dedalo Minosse Ala Committenza di Architettura award as well as of Mantua’s Vergilius D’Oro accolade.

P. 62 PIERO LISSONI: THE MINIMALIST RAGE Interview by Janine Porras Text by: Javier Barriopedro Piero Lissoni’s career began in 1984 when he started working as Art Director and Designer for Boffi, creating bathroom and kitchen projects. A few years later he and Nicoletta Canesi become partners and create Lissoni Associates. His work as a designer has been innovative and influential for three generations of designers, ever since. Renowned as a philanthropist and entrepreneur, Piero prefers his reputation to be based on his brand of absolute minimalism and in the projects developed for the most important design companies in the world.

During the passed 2015 edition of the AMD, we had the chance to sit an chat with Piero and we started by asking him what were his thought about the challenge it represented to design a closet for Porro, from the perspective of someone who is not a designer.

“I did not design it as a closet or placard, I designed a wardrobe.

Yes, I design, but it was more like I built this wardrobe. I like to think about it as an architectural piece and not only as a wardrobe. I believe it was more as if I added it to the space.

Besides, when speaking about the professional aspect, I design many things. We all design, in my case it can be kitchens, and even the smallest of objects in the case of people convinced they do not design. We must also consider that Porro has been my client for more than 28 years, so I have designed practically everything for the firm; there is no collection that does not contain something I designed at one time or another. From ambiences, to loose pieces, catalogues, photography, their stores and booth and exhibitions. This is the reason why, in the case of this wardrobe, the idea was to making a space in a wall to have a face and for this face to have many, many faces within it.”

When we talk with Piero about all the facets present in architecture, and be it interior, industrial or graphic design,

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we were interested in knowing where was it that he felt most comfortable, we were surprised by his answer —with any of these—; when we asked about the reason behind this, he answered: “because I am schizophrenic” and flashed a wily smile at us.

“Let us just say yes… I am a perfectionist. Every time I begin with a project, I am going to make sure everything is free of errors, that there is nothing wrong. Concerning the people I collaborate with, I make no friends because one has to remember that, at the end, a client is just that: a client. I always try to be very clear about this. They can act like friends, but they are not. Fortunately, this attitude helps when the exchange of ideas concerning what to modify, transform or substitute take place during the project’s development, and it get easier and easier to see them as the clients they are and tell them: ‘Enough.’ The same happens with them, they can tell you: do not touch it anymore, no more remodeling, do not redesign it; stop, this is enough.”

Lissoni is quite conscious about the fact that whenever he speaks based on this point of view, which he calls ‘schizophrenic’, many people get confused, but he points out that there is a very good reason for it.

“The schizophrenic point of view is a great opportunity for becoming a humanist. In a humanist culture, this schizophrenia happens to be a gift: in such a culture, you do not need to be an engineer, or a designer or an artist; in a humanist culture you must be a carpenter, architect, worker, sculptor, poet, doctor, scientist… all of these together form an individual, all of the combine into the artist. For this reason I try to be graphic designer, industrial designer, architect, photograph… I am not that good as a photographer, but I still try,” Piero told us, laughing.

One of the most surprising features in Lissoni’s work is its capacity to adapt to the different scales his projects must be developed because he will try his hand at designing a building, that he would develop a sofa, that he will build a wardrobe, and his personality can be evidenced in each of the projects he works on.

“Well, many, many years ago in Germany, the Bauhaus school was founded and Walter Gropius created it so it was possible to work at any scale and it turned out an efficient solution.

Quite fitting for the German idiosyncrasy. All very precise, very rigid, very German as a concept. Yet, some years later they realized that is was not completely possible to do if they obeyed the strict rules that were its foundations. In the late 40s and during the 50s, the architect Ernesto Nathan Rogers founded Casabella in Italy; it was the most important architecture magazine in the country, then in Europa and later in the world. Well, it was in its first issue he very clearly stated the idea of it being possible to design either a spoon or a tower, and it was viable for him to do so. Our secret as Italians is that… from the beginning we were a humanist culture. This humanism means we can use many different proportions, several resources and various media. It is possible to control or adapt the proportions in a mural… or those of a skyscraper.

You must be capable of put the same intellectual aptitude, but also be capable of choosing the scale. Knowing full well that when the scale changes, you will face harder work. Without ever loosing sight of the original premise and maintaining a critical eye, an exact yet adaptable and always perfectionist one. Let us call it the critical premise.”

Concerning this critical premise, we asked Piero for a series of advices aimed at the young designers showcasing their pieces during the amd events and his answer was this one: “Would you like the direct answer or the diplomatic one?”

In the name of our readers, colleagues, teachers and students, of course we answered that the one that is most useful for us, is whatever is more direct.

“Vey well. For I never trust in those who use or prefer diplomacy. What I have seen so far is useless. Completely inadequate. Why? Well, I can see that you have achieved a very high, outstanding level of quality. That is evident when you come close and touch the pieces. Their remarkable quality is similar to the one destined for European countries. What you see here is nothing like the products destined for the southern states in the US, which are made in a horrible way … they are third world! But this leads me to evaluate them in

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terms of design, and style is not design. Design is a network of sensibilities. In order to achieve this union with the people’s sensibilities, you go directly to the artisans in Chiapas. They are masters, they do not need students with their Macs to design a stupid chair. To think that is what you one must do, is tantamount to having the completely wrong idea. The first we have to do is go there, with a lot of humility, and learn how its that they discovered their way to make something they have been doing and improving for thousands of years since the first human communities settled in those American regions.

We must understand they make numerous things and they develop them with their every-day creativity. And when you go there with your Mac and design a chair and you copy a detail you saw, and copy it and copy it into every chair variation you think about… you are an idiot! You remain the surface.

But of course, it is ‘nice’ and there are three types of ‘nice’… right in the middle of garbage. If you proceed this way, you are missing this incredible way to learn. The Oaxaca potters, centuries ago made pieces for all the kings in the world, yet you come as a ‘student’ to design a spoon with out-of-context ‘regional’ elements and do a copy/paste… you are adding nothing. You have to acquire this knowledge, understand the process, develop this special sensibility and respect it. If you are not, you do not grow, you do things in the style of senseless consumerism. Complete and totally superficial nonsense. If you go there and impose a commercial criterion and you ‘teach’ your slaves—because that is what you reduce them to, to being slaves—, you are an idiot! That… that is not design. And do not forget that in three years time, you will be the Design Capital of the World. It seems to me that it is high time to start refining initiatives and shift several paradigms, and my advise for you is… be Mexican. Proud, intelligent and Mexican.”

P. 64 PIERRE KELLER: TRAVELS THAT NURTURE FORM Interview by :Greta Arcila Text by: Javier Barriopedro Photography by: Gabriel González It was thanks to a long friendly relationship and an invitation made four years ago, that Pierre Keller has being present in various events and in close contact with key creators in the development of Mexico’s design industry. This honorary director and dean of Ecole Cantonale des beaux-arts et d’arts appliqués (ecal) in Lausanne, was invited by Francisco Torres to participate in the Abierto Mexicano de Diseño (Mexican Design Open), that took place on October this year.

“My participation in the Abierto Mexicano de Diseño was built very quickly,” he tells us enthusiastically. “I arrived on August 1st, and it was ready within a month. This in part I attribute it to my experience organizing exhibitions in many parts of the world, which according to my count are already more than a hundred. Starting with São Paulo in 1965 and up to this day, I have always been interested in promoting young talents. That is why I accepted being the ecal’s principal for 16 years and that is why now I am interested to remain in contact with graduates.

That is why I remain attentive about the collaborations and projects by Big Game."

Pierre thinks that now is the ideal time for many of these young people to be presented during the exhibition and the activities being organized by his good friend Francisco Torres.

“This showcase we are presenting will travel to New York and we know it has the potential to be exhibited in several places."

The project was done between 20 chosen artists that presented 20 pieces. Each piece is a color pass made in serigraphy, and then two, three and even four ink passes were added. The finished piece is 1.20 m long and 1.70 m high, and the box where it is showcased has a total combined weight of 200 kg.

“For the graduates that are still defining their styles of work, I believe it to be vital for them to travel after finishing school, and to try to establish contact with great designers. As a matter of fact, at Lausanne we have three categories for students.

The first is the one composed of those who once they have graduated, run away and look at the work of designers of every kind and all over the world. The second one, the smallest is the one that chooses to do design of a certain type or another. And the third one is the one that decides that there are not going to work or dedicate themselves to their particular areas of study.

There are few, but they are also there. Theses are the ones that once they graduate, they find a working position quite fast, but its is one not that demanding of that offers great chances for notoriety. That is why I stand by my saying about having to go to London, Paris, Shanghai, Tokyo, Milan, the cities that are relevant to the design industry."

For Keller, the school has to be a great node for coming into close contact with art and many more themes to enrich the future designers’ experiences. When Pierre arrived at the cantonal school, he found a small institute with barely 120 students.

“It really was a local school, yet I told myself that could not continue to be so. I began inviting renowned designers that I have met during my travels and I asked them to return once a month because education has to be open and diverse, and it wasn’t that open in Lausanne. We decided to use an open program and that would be fitting for the current educational model. It is vital to carry out activities that complement the work done in the classrooms... a conference, a workshop, field trips... there is where one can find a incredible energy, and one that can only work towards the student’s benefit."

It was precisely the conferences by designers such as PearsonLloyd, and collaborations with firms like Christofle, Audemars Piguet, Hublot, Baccarat, Reuge, and Nestlé— thanks to a workshop conducted by Marti Guixé—, among many other activities, the ones that made ecal‘s fame and reach to grow until it became one of the 10 best arts and design schools in Europe.

It is this very education model that Pierre came up with, the one that turned ecal into a prestigious school, one of the best in the world. Its reputation is so outstanding that it now has many foreign students and very important student exchange programs. Keller himself admits that the school could be bigger, as big as those in Zurich where they also teach music, sculpture and other belle arts… but for that one needs a more spacious facility.

“A lot more spacious. But for the time being, our specialty in design is the source of our renown; this international prestige is what encourages many foreign students to enroll, especially for Master Degree programs.”

The transformation the school went through, from being a merely cantonal institution for the training of the region’s youth, to becoming the reputed design school it is now, is due to the vision of an integral education that Pierre brought with him. To close our interview we asked him tells five words that defined his experience with the institutions and groups in México than called him here: “Fast, easy, professional, with pleasure. Now in closing, I want to say that it does not matter if you are in a big city or far from one, every single thing is possible if one puts his heart in one’s work and you do it with pleasure.”

P. 67 DANIEL POUZET: DEMOCRATIC DESIGN AND THE PLEASURE OF NOT KNOWING Interview by: Greta Arcila Text by: Javier Barriopedro Daniel Pouzet is recognized as a man with multiple talents: illustrator, architect, philanthropist, ecologist and designer with a global and profoundly human vision regarding his work, and what he considers to be design’s goal. We agree with him that design is solution. We can define it as the application and æsthetic transformation of materials to create an object that performs a specific function. To a higher or lesser degree, we find it in all of man-made things, and on this occasion we have seen it being take to a degree of noteworthy mastery and practicality in the “Aramara” collection, which part of Daniel’s participation with the Stanza firm.

“Even when it is true that there is a certain sector looking for luxury, the people at Urrea are convinced that design is for everybody. As soon as Abel wrote to me, after only three emails we established the fact that we wanted to work together, and this is how we started a cordial friendship. I was invited to Guadalajara, the took me to the manufacturing plant and I was very impressed by the quality, the cleanliness, the ecological consciousness, the vision of an absolute professionalism in the development of their collections. There was a real pleasure

in collaborating together because there was a dialogue. The exchange of ideas was reciprocal because I am not fond of imposing ideas,” Daniel explained to us.

When the whole process and products in the line were shown to the designer, he was pleasantly surprised because he couldn’t believe the quality standards offered by this Mexican company. When he began a comparative evaluation against European luxury brands and with a tradition in the market that spanned many years, he did not find any significant differences between them.

“Maybe that is what motivated me to partake on this project.

Let’s start with the fact that the cartridges are the best available in the market. That means there is a whole ecologic vision in the faucet’s design, taking into account the water consumption rates. It is also low in lead contents, as dictated by the NorthAmerican market’s guidelines… It is the best thing available right now.”

When we asked Daniel to define his experience as a collaborator in this collection in five words, he answered: “great pleasure and learned plenty.”

The learning left by the project, was the more obvious result for him: “I do not consider it to be embarrassing when you recognize that every project makes you learn something,” he told us, quite seriously, “on the contrary, life does not stop teaching things to us. When my family and I stopped travelling, somehow my life began a new, tabula rasa. Even in spite of my references, I began with things I had never done before, and as silly as it might seem, what is interesting to me is for people to ask for me to make things they have never tried their hand at. Those that have yet to be made, but they ask me for as they had seen something I had done before. Nevertheless, I am delighted with all first times… I came up with a stadium. That is a very serious work so as to come up with another one, but it was the first time I ever made one. I brought a fresh point of view devoid of preconceived ideas, and while working with the U.S. team of programmers, I realize that as they are ’specialists’ they possess ‘the truth’, they tell you ‘this is done like this’ while I arrived with my naiveté and was able to tell them no, that it can be done this other way and that it also works. Specialization results in seeing things from a certain point of view that preclude us from noticing certain small things. This is why I love the idea of making new things,” Pouzet finished. www.danielpouzet.com www.stanza.com.mx P. 68 AUTHOR COLLECTIONS. LAMOSA & EMILIANO GODOY Last year Lamosa and Emiliano Godoy began collaborating to create an Author Collection that sated with some doubts, yet it was able to progress at a steady pace until consolidation, and become widely accepted by the final user.

Interview by: Greta Arcila Text by: Editorial team Photography courtesy of Lamosa Tesela is the name of the collection designed by Emiliano for the firm that granted absolute freedom to the designer.

“Inspiration comes from the Op Art artist of the 70s, especially Ómar Rayo. It also comes from the traditional pasta tiling model that is a square with only one black and one white triangle. If you are an expert tiler you can create this type of images by placing piece by piece (much like a puzzle), but it is an incredibly complex task. I wanted to generate patterns of a high level of sophistication, but that did not entail a complex installation or manufacturing. Then, the idea was this graphic consisting of 30 different pieces that come mixed in their boxes and that you can take out and if you place them randomly, they will match, any way you place it, any direction you turn it, these will always match and generate an image,” the industrial designer comments.

Thanks to Lamosa’s digital technology, the production of these mosaic tiles is neither costly nor complex, from a manufacturing point of view. Besides it format (55 x 55 cm) is one of the most commercial and once applied, the result creates a great visual richness. This way, the Lamosa ‘s Author Collection remains available to everyone; there is no need for an architect or an interior designer to place it.

The whole of the project took Emiliano a whole year to

develop, given the challenge not only resided on the creation process, but also on the research and patience it took him to fully develop this product and getting to know Lamosa’s production line. “First it was the concept phase tackled along with the firm, then it was the graphic creation phase and once the image was defined, then came the technical phase that has to do with the coating and what colors you are able to come up with in the digital line, that the enamels are not toxic or pollution risk, all that. Developing a ceramic tile does take a full year of work,” the creator explains.

The collection is presented in four 2-color combinations: black with white, orange with yellow, blue with tan, and brown and beige. Especially the last two pay homage the artistic school that inspired Emiliano and that are lowsaturation colors. This is an opportunity for the firm to open new avenues into less explored paths and that will continue through another 36 collections by several important names in the Mexican creative scene, all to add value to the Lamosa product line. www.lamosa-revestimientos.com www.emilianogodoy.com P. 78 HOSPITALITY ARCHITECTURE SPECIAL SHELBORNE WYNDHAM GRAND SOUTH BEACH | FLAX LUXURY, MEG SHARPE & RICHARD MISHAAN Text by: David Romero Photography courtesy of Wyndham Hotel Group Located at the heart of South Beach, right in the middle of the Art Deco district, and just a few paces from the famous Ocean Drive Avenue, we find Shelborne. Originally inaugurated in 1940 and designed by the Art Deco architect Igor Polevitsky, the resort was renovated by the design master Morris Lapidus, who imbued his neo-baroque style to the property and heightened the glamour that turned it into such an iconic destination in South Beach.

With a passion for reviving the Shelborne’s original grandeur, and a robust 150 million dollars investment, the Galbut family of Miami, the hotel’s owners, associated with the Flag Luxury group in order to devise a complete renovation and reintroduction of the hotel under the name of Shelborne Wyndham Grand Resort South Beach.

The remodeling kept the original exacting demand and added the modern features required by the contemporary traveler.

The designer Meg Sharpe, who redesigned the public areas of the hotel including the lobby, the swimming pool and beach areas, completed the design team that was involved in the undertaking. Highlighted by golden and pink shades, the lobby is connected with the reception area where the double height emphasizes amplitude.

The designer Richard Mishan left his mark on the 200 rooms and suites, hallways, boardrooms and ballrooms, using a palette inspired by both the ocean and sand. Both creators’ visions preserve the original architecture’s prominence incorporating sophistication in an already elegant atmosphere.

The swimming pool area is encircled by furniture and cabins that lead the guest into the white sand beach, offering a relaxing experience pervaded by art, fashion, design and local culture. www.flagluxury.com www.megsharpeinteriors.com www.richardmishaan.com P. 80 CASA FAYETTE ESTUDIO 5 | GUADALAJARA Text by: David Torres Photography courtesy of Grupo Habita The up-and-coming Lafayette neighborhood in Guadalajara can count with the presence of a new guest, or better said many as Casa Fayette opened it doors on September last year. Under the wings of Grupo Habita, renowned for its boutique hospitality offerings, the building can now be proudly presented as the first designer hotel in Guadalajara, its proprietors: Carlos Couturier and Moisés Micha joined creative efforts with the “tapatian” Estudio5 architecture

firm to transform the original house dating to the first half of the 20th Century into a cosmopolitan space.

The Art Deco-style edifice is joined to a contemporary tower of recent construction, with 37 rooms, a bar with a retro inspiration, a pool and the terrace providing a spectacular view of the city. The Dimorestudio bureau of Milan took charge with the interior design by carefully dressing each room with details hailing from Mexico, Italy and a selection of pieces by renowned brands like Pierre Frey and Thonet. Exclusive elements were also designed for Casa Fayette, manufactured in Mexico and with clear references to popular Mexican furniture such as the equipales (whicker chairs with leather backs).

The proposal by Dimorestudio was to combine the classic European design with the colorful Mexican aesthetic. Warm and cool color palettes, marked by bright tones like Bordeaux, salmon and emerald green, combined with environments readied for relaxation.

In Casa Fayette’s design, the architecture firm Estudio5 proposed to integrate space created by the new tower with the residence’s 1940s patio which now houses the common areas including library, restaurant and bar area. With total respect for the house’s original façade, Estudio5 used mortar, steel and gypsum with iron, marble, wood, brass, several types of glass and artisan-made concrete slabs finishing touches for the interior’s remodeling. www.e5.com.mx www.dimorestudio.eu www.casafayette.com P. 82 DELAMORE LODGE. RON STEVENSON ARCHITECTS LIMITED | NEW ZEELAND Text by: Jaime Contreras Photography courtesy of Ron Stevenson Architects Located in the Waiheke region—one of the paradises for wine lovers—surrounded by the Hauraki Marine Park gulf’s waters in de Auckland, Waiheke Island has a refuge for relaxation and has won international renown thanks to its hospitality.

Its architecture, colors, finishing touches and woods invite reflection about luxury, comfort and primary needs.

Built over cliff with a view to Owhanake bay, we find Delamore Lodge boutique hotel. The architect Ron Stevenson created this spectacular refuge built with local elements and inspired by the island’s peaceful living; the shape of the traditional Maori bone hook, the hei matau, was also considered for its configuration.

The edifice is built with koru adobe, which grants a certain rustic character to it, but one that is exceedingly well executed, as it would seem like the exterior has invaded the walls, roofs and floors. The program is simple with four suites and spa, but the attention is incomparable: the proprietor and founder Rosely Barnett, was in charge of the interior design of the Delamore Lodge. Her mission has been to make each guest feel better than at his or her own home. Each suite is equipped with the finest linens and luxury slippers, confortable chairs and even dainties fresh out of the oven.

On their part, the suites are open and aerated, and are designed to maximize the impressive bay vistas. One can see the sunrise over the Haurak Gulf while laying in bed, and let the breeze in by just opening the terrace doors to the private balcony.

The facilities include a whirlpool bath and an open luxury shower, the spa equipped with jacuzzi, sauna and a replenishing relaxation treatments menu are just a few paces away.

The Delamore gardens are located amid critic and olive tree plantations, all of a tasty nature, a broad variety of indigenous flora, and art pieces by various local artists. The ample gardens cover more than five hectares of the whole property with spectacular views of the coast visible from almost every corner. www.delamorelodge.com www.ronstevenson.co.nz P. 84 ARTHOUSE. RED GROUP | TULUM Text by: Nina Paz y Soto Photography courtesy of Red Group This project is located in Tulum’s rainforest area, a privileged

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sector surrounded by abundant vegetation and natural beauty.

Red Group, lead by Luciano Gerbilsky, developed this hotel in all its facets: architecture and interior design.

Shape and function are not left to chance, these are the outcome of the research made on the local culture, which translated into a building that resulted in three straight line volumes that evoke Mayan architectural shapes, specially the ones that can be found in Tulum’s archeological site and along the coast.

An enormous wooden gateway greets the guest, with its heavy visual presence and giving access to the lobby, which is the space unifying the different typologies that lead to it. With a triple height that goes through all levels and illumination designed specially for the room.

Each story recedes generating a series of private balconies and terraces equipped with private swimming pools, each of them with a spectacular view of the rainforest; and for the suites at the floor level, the firm created a visual limit with an iron trellis covered by vegetation. Art has always been fundamental in Red Group’s projects, and we can see this on the hotel’s social areas as well as on the rooms.

The interiors have been painstakingly taken care of; materials, textures and finishing touches, all create a visual and functional symmetry. The bathroom furnishings, as well as the taps, are made of aged bronze combined with natural wood. The kitchens repeat the ocean blue shade with an indigo lacquer.

All the furniture was made expressly for this hotel, all of it is presented on tropical woods with linen and detailing in iron, generating echoes between architecture and interior design. www.red-group.mx P. 86 SECRETS MARQUIS. ARCHETONIC | LOS CABOS Text by: Lorena Riquelme Photography by: Rafael Gamo, courtesy of Archetonic The Secrets Marquis hotel offers a new identity today, thanks to the Archetonic’s intervention, a studio headed by Jacobo Micha Mizrahi. This complex is located at Cabo Real, looking into Cortés’s Sea and surrounded by the typical flora and fauna found in the desert, in Baja California Sur. The complex maintains a dialogue between open and closed spaces using high walls in yellow and black making way for corridors, interior and exterior gardens the create the perfect scenery for resting or meditating. This is a material extension of the landscape’s vastness.

Perhaps the starting point for the firm’s creative team is the hotel’s lobby, given it generated enough inspirations for the whole project. This is framed inside a great arch visible from the seaside highway. It has a reflecting water mirror that visually integrates into the see and flows as a 20-menter high waterfall that lands into receptacle, which has the function of being the point of reunion for all the social areas.

On the hotel’s sides we find two swimming pools that, just like the reflection mirror at the entrance, extends their waters into the horizon thanks to the infinity effect. In the lower and upper levels, dotted amongst the green areas are 24 villas with private swimming pools and terraces.

The general idea for the project is that both colors as well as materials allow the architecture to blend with the environment, thus the light tones, the sand, the bola stone, the palo reed, the palm trees and cacti create the conditions making possible for the user to understand the desert’s beauty from the perspective provided by an architectonic frame of reference. www.archetonic.mx P. 90 COTTON HOUSE HOTEL BARCELONA The restoration of the antique headquarters of the Cotton Textile Foundation cleaned and polished the parts of this Neo-Classical building that belonged to the bourgeois Boada family that sold this 19th Century propriety to the cotton guild during the peak of the textiles industry and that is a 5-star hotel nowadays.

Text by: Carmina Romero Miranda Photography courtesy of Cotton House Hotel

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The house of cotton used to shelter the cotton-makers guild with it services and active functionalities, it was located in an old late Neo-Classical townhouse—a style that countered the unbound caprices of the Baroque school—constructed by architect Elies Rogent and that this year was subjected to a restoration process that ended in the Cotton House Hotel.

The work has able to salvage the most impressive original elements such as the marble staircase: a spiral staircase suspended thanks to the metal network affixed to the topmost floor; and the original parquets and boiseries that cover the wall and ceilings of some of its ambiance rooms. All the installations were renewed, as the way of preserving the majesty and particular patina of building in this scale; yet, it was done while always paying attention to the current needs. As a matter of fact, a series of Buderus solar panels were added, and this energy is used for the showers.

The interior designer in charge was Lázaro Rosa-Violán who transformed this palatial house into a contemporary hotel with a program that includes 83 rooms, 7 suites, a library, external swimming pool, gymnasium, L’Atelier—the old tailors’ studio—and the Gossypium, a Latin word meaning “cotton flower”, that is nothing else but the concierge’s central that has been lauded with the Golden Keys recognition award.

Cotton House is part of a series of independent hotels in the Autograph Collection, belonging to the Marriot chain, and the main inspiration for the interior designer was to bring light back to the place. The seven suites were named after the different fabrics made out of cotton, and all of them have a sober style that make visitors imagine the life had by the bourgeois family that used to inhabit it, as well as the opulence of a consolidated industry. Thus, white is very present and it make a perfect match with the dark woods crowned with a few golden edging; and browns, black and a few highlights in both blue and yellow. www.autograph-hotels.marriott.com www.hotelcottonhouse.com P. 94 CENTRO TEN ARQUITECTOS | MEXICO CITY Text by: Marisol Guerrero Photography by: Luis Gerardo Gordoa, courtesy of Centro Centro University, founded in 2004 by Gina Diez Barrozo and Abraham Franklin, inaugurated its new campus on September 29th establishing itself as a reference in regards to Mexican creative education. The new campus was designed by architect Enrique Norten, head at ten Arquitectos, a studio that is dedicated to the development of research, design, architecture and infrastructure projects.

Located at Constituyentes Avenue, Centro holds complete facilities absolutely designed for college education.

Additionally, it is the site of a monumental stairwell, a piece by the renowned artist Jan Hendrix, which projects the contemporary spirit of the institution. The architectural composition was conceived based on two juxtaposing volumes; where the blocks intersect a floating structure is created which harbors the media library.

Renowned with the leed platinum certification by the U.S. Green Building Council, the property possesses important qualities in respect to ecological issues, for Centro’s edification used 43% of materials from nearby areas to stimulate local economy and reduce the expenses associated with the transportation of materials. Furthermore, it counts with a system for the collection and handling of rain and residual waters, which are then used for irrigation and sanitary services.

The campus occupies a 5,600m2 plot of land where 23,000m2 were built and 2,500m2 remained as green areas. The 4-building complex includes private offices, workrooms, class rooms, study halls, library and media center, underground parking lot, an auditorium with capacity for 400 people, a film production forum, and workshops equipped for development of projects in the textile, industrial design, jewelry and ceramics areas. www.ten-arquitectos.com www.centro.edu

P. 96 AMSTERDAM BUILDING JORGE HERNÁNDEZ DE LA GARZA Text by: Itayedzin Aragón Photography by: Jorge Hernández de la Garza The iconic Hipódromo Condesa neighborhood in Mexico City, ever since its founding in the 20’s, has gathered fine examples of Art Deco architecture all worthy of note, plenty of architects have left traces of these in their work—in particular and multifamily dwellings—trying to integrate it despite being built afterwards, and in some cases, with chronological differences of more than half a century—a lapse of time that could result in quite marked differences.

We see that Amsterdam Building is ingrained in this context; an apartment building that integrates into its surroundings using a contemporary language. Its raw concrete façade is chromatically diluted among the neighboring houses.

Its height respects the proportion kept by the edifices in this area from the neighborhood’s original construction. It has gardened terraces that as time passes will result in the building blending with the nature surrounding it.

This building’s L-shape proposal allows for the location of some apartments at the back of the property with a view to Amsterdam Avenue. The project’s construction area of 2,100 m2 is part of the heritage preservation efforts at the Condesa neighborhood. Part of the original house's façade was preserved; the one where the space is occupied by a traditional ice cream shop, thus allowing for it to still be a part of the area’s gourmet life.

The Amsterdam Building was recognized with the Premio Obras Cemex 2015 (“Cemex’s Obras Award”) in the Medium and High Apartment Building category. www.hernandezdelagarza.com P. 98 THIS YEAR’S BEST SPECIAL CASA MEZTITLA | EDAA Text by: Marisol Guerrero Photography by: kuu Studio and Yoshihiro Koitani, courtesy of edaa The Estrategias para el Desarrollo de Arquitectura (edaa) studio, under Luis Arturo García’s leadership, developed the housing project Casa Meztitla built in Tepoztlán, Morelos. It is an intervention of the natural environs that adds positively to the surrounding landscape: the Tepozteco hill and its vicinity.

With an area of 400 m2, the country house showcases the climate’s strengths, the nature’s fragrances and the plot’s natural terraces with more than 500 years of antiquity and a total surface area of 3,800 m2. For edaa, Casa Meztitla is an expression of intimacy in continuous contact with nature.

The main house, the service house, the swimming pool and the reservoir form the complete construction works—all of which are isolated elements spread all over the plot, all waiting to be discovered through the transformations that, bit by bit, nature will perform in all of them.

The house was conceived so it could be built according to the region’s building tradition: stone masonry; this is the reason why 60% of the projects labor was local. Master crafters haling from Mexico City performed the carpentry and metal work.

The materials employed are local, simple and lasting: prefabricated concrete, concrete-sand (mortar) blocks, regional stone, pinewood and iron. The material-supplying radius did not exceed 100 km. The material’s selection was according of their positive aging and their minimal maintenance requirements. The house sits amid nature, only altering the physical space where the building is located; the elements that form the house were placed in a way that helped avoid affecting the existing trees, as much as possible.

To circumvent the lack of proper municipal water supply and drainage, the designed incorporated an autonomous hydric system. Rainwater from the roof is collected, filtered and stored in a cistern with 180 m3 capacity. The three terraces and two slopes that form the terrain are used to channel the water’s flow to the circular open reservoir, thus servicing

bathrooms, sprinklers and exteriors. The water used for the house is treated via bio-digestion and then filtered without pollutants into the ground.

Casa Meztitla won the Gold Medal awarded during the 1st Young Architect Biennial, celebrated by the Federation or Architects’ Colleges of the Mexican Republic, beside the Silver Medal in the Sole-Family category of the Mexico City’s 2nd Architecture Biennial, organized by Mexico City’s Architect’s College. www.edaa.mx P. 100 CASA DEL ÁRBOL | CÓDIGO Z ARQUITECTOS Text by: Marisol Guerrero Photography by: Sófocles Hernández, courtesy of Código Z Arquitectura Located in a wooded and mountainous terrain at the bases of the Sierra de las Cruces and The Marquesa’s limits, the project developed by Código Z Arquitectos lead by Javier Zarazúa Tanaka, Casa del Árbol integrates house, stables, equestrian track, green areas and slopes in a 11,000 m2 surface. The residence’s location is the best within the terrain in terms of operational and optic efficiency as it sits on its highest point.

The 360 m2 house is developed in two stories, besides being integrated to the location’s nature without renouncing the comforts the must be provides by an adequate architectonic distribution. Its design is based on a pile of boxes facing different directions with volumes of simple geometries, where one sits atop the other and take advantage of the available views to the exteriors, creating natural frames for the landscapes offered by each of the overlooks.

The entry level functions as the social area and the volume where it is located is established as the foundation of the upper level, where its balconies in the extremes work as terraces. In the upper section, the kitchen area serves as the key point of the whole house, this is the reason why there are no wall that set it apart; nevertheless, a suspended bar was placed so as to give it continuity while adding contrast stylizing the ambience, and turning into a definitive component for the coexistence between the users. The only wall the serves as frame for the kitchen equipment is built with raw concrete, and it back is joined to the stairwell that lead to the rooms, framed by a crystal cube that serves as lobby.

The transition from the house’s interior to the exterior is made possible by means of a deck built with cast iron and railroad wooden beams. The house’s design looked for the maximization of natural lighting so as to give it a contemporary feel to the general ambiance of the whole building.

Only local materials were used in order to build Casa del Árbol, besides it was equipped with a solar panel system, rainwater deposits for it reuse in sprinkling, and as far as innovation goes, hydronic and crystal heating systems by Duo-Vent were integrated for temperature optimization within the house’s interior. www.codigoz.com.mx P. 104 VINÍCOLA MONTE XANIC GARDUÑO ARQUITECTOS | VALLE DE GUADALUPE Text by: Janine Porras Photography by: Sófocles Hernández, courtesy of Garduño Arquitectos Garduño Arquitectos were in charge of the construction of the new home for the Mexican winery Monte Xanic, located at Valle de Guadalupe in Baja California. It took 10 months to execute all the work and the exact same amount of time in planning.

The project was lead by architects Juan Garduño, Ricardo Guzmán and Sajid Saucedo. A first glance at the complex shows it achieved its set goal of blending with the surroundings, as if it was covered by the desert’s mantle.

Texture, color and nature were the sources from which inspiration was brought about, and to which the concepts at the foundations of the winery—firmness and prospects for the industry—were added.

The program includes a fermentation tower, an area for product tastings and where it is exhibited for purchase, parking lots and an events room. Additionally, they worked on enlargement of an artificial lake, which originally had only irrigation purposes and that nowadays is a part of the oasis symbolized by this winery. For the firm, this new house represented an investment of more than 3 million dollars and ten months.

Garduño Arquitectos in a joined effort with Monte Xanic, and their network of oenologists— among which Scott McLeod stands out—designed a unique experience for the user, and architecture serves as the host. The challenge was to create a production plant adequate for receiving guests and clients; one that would take advantage of the climate of the region favor of the architecture, and make for a highly functional headquarters. The result was successful and completed the task with a strong aesthetic value.

The guest is greeted by the representation of handmade woven rope as a façade, which in addition to imbuing it with texture, has the function of cooling the building’s interior. The reception desk and the tasting area are only the preamble to the exploration of the production process.

At the fermentation room the visitor will be able to see the grapes macerating—during harvest season—and their fermentation process inside the stainless steel containers.

The wine cellar holds Monte Xanic's private collections and dispenses the history of the vintages of the wines stored in it. The storage area is the place where the bottling and labeling processes are carried out. The subterranean cava, with its natural rock walls, is the perfect place for the ageing of the wines within its cool underground environment. Without a doubt, what we see is an award-winning project. www.garduñoarquitectos.com www.montexanic.com.mx P. 106 REFORMA 2394 DESARROLLADORA DEL PARQUE + A.FLO ARQUITECTOS + SERRANO MONJARAZ ARQUITECTOS MEXICO CITY Text by: Lorena Riquelme Photography courtesy of Onnis Luque, A.flo Arquitectos Enrique Macotela, of Desarrolladora del Parque (“Del Parque Developers”) and Juan Pablo Serrano, of Serrano Monjaraz Arquitectos, started the project and were the concept’s creators in partnership with A.flo Arquitectos, an architecture workshop lead by Andrés Flores, who contributed the architectonic development. As Reforma 2394 is located at the bottom of a glen, it took advantage of its topography to create a singular dwelling development.

Lomas de Reforma regulations allow for the construction of only six houses in a piece of land with these characteristics (5,525 m2). The action plan was to transform these six apartments into a building unlike any other.

The slope in the terrain was the main inspiration for creating different levels with horizontal distributions and vertical circulation framed by raw concrete and straightforward details that overlay the whole structure with playful light and shade geometries through vertical elements, which are the only ornamentation present. Pure simplicity.

The project included a private garden program, a paddle tennis court, shaded pool, gym and one multipurpose room.

The firms applied an anchoring system to create the sloped terraces that when seen from above, resemble a green roof.

The project won the Silver Medal at the Segunda Bienal de Arquitectura (“2nd Architecture Biennial”) as Multifamily Building Project. www.delparque.com.mx www.aflo.mx www.serranomonjaraz.com

P. 108 VIRREYES TOWER TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN ARCHITECTS MEXICO CITY Text by: Carmina Romero Miranda Photography courtesy of Camila Cossio, TGL Arquitectos Located at Lomas de Chapultepec and created by Danhos Group, this is one of the most recent works by the architect Teodoro González de León, who brings a contemporary language through his production and keeps on making city with his projects.

Torre Virreyes lies in a terrain of 4,479 m2 where a building by the Russian architect Vladimir Kaspé, is also located, the latter was rebuilt with raw white concrete and turned into the center where the whole tower’s design originated. The building has a hanging roof of 70m2 crating an angle that shelters Kaspé’s Super Servicio.

Two massive beams and a concrete core that descends all through the 16-level parking lot support the property’s structure. This same core allows for the tower’s shape, and the column-less stories provide a magnificent view, which as a whole, solved the structural design by ARUP with Tabitha Tavolaro as the project’s lead.

A lighter structure is made possible with the use of glass, which nevertheless is accompanied by a chiseled white concrete center, one of the firm’s trademarks. The building’s stories have different configurations, none of them is the same and their 360º unrestricted view is one of their most-valued qualities. It has a roof garden, heliport, and business offices with garden patios.

As one of their latest proposals this tower has incorporated a public square on its ground floor, thus creating a tenuous boundary between private and public space, emphasized by the rehabilitation of a public garden resting on the vicinity. It is one of the first buildings to get a leed platinum certification.

P. 110 PLANTA HIDROPÓNICA NEXT CC ARQUITECTOS | GUANAJUATO Text by: Nina Paz y Soto Photography by: Rafael Gamo and Adlai Pulido, courtesy of: CC Arquitectos CC Arquitectos lead by Manuel Cervantes Céspedes, along with Lizett Matsumoto’s collaboration, took on the design of the building for the Planta Hidropónica Next (“Next’s Hydroponic Plant”) headquarters. The terrain the architect had to work with was pure farmland where its boundaries had not been properly set. The studio itself segmented the working area surrounded by green houses and zones devoted for produce farming.

The whole plant was devised as a series of volumes that create corridors with green spaces and water mirrors, with meeting points located among crystal, wood and concrete where the outdoors are also invited to be a part of the whole complex. The tiling that carpets every space not only unifies, but was also designed to open clearings and frame the landscapes, creating shades and spaces that allow the wind to pass through as well as protect the user from the sun. A respite from quotidian and hard work.

Through picture windows, the vicinity of one of the production warehouses was exploited to make the changes on the production process through out the year evident to the onlooker. Additionally, the artist Jerónimo Hagerman, did a piece on one of the roofless patios with a yellow painted wall which is preceded by plant drapes of the Cissus antarctica species, inspired by the Plant’s hydroponic production. This project won an honorific mention in the Business Office category at the Segunda Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México (“Mexico City’s 2nd Architecture Biennial”). www.ccarquitectos.com.mx

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CARRERA TIMEMACHINE NENDO

Texto Edgar Feerman Fotografía Akihiro Yoshida y Hiroshi Iwasaki cortesía de Nendo

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l diseño del reloj Carrera Timemachine, está basado en el modelo Carrera de la marca suiza tag Heuer, uno de los modelos de apariencia deportiva más audaz de la marca. Para el modelo diseñado por Nendo se mantuvo la carátula, el cuerpo y el extensible del Carrera, mientras las manecillas del reloj se adaptaron a una forma más clásica.

Carrera Timemachine evoca a la relojería tradicional, la idea conceptual del estudio liderado por Oki Sato es el “error” de colocar las manecillas vintage en el reloj moderno para crear una nueva “respuesta correcta”, porque la función no se ha sacrificado.

Para acentuar la sensación de incongruencia del reloj, el empaque está inspirado en los libros viejos, revelando su interior a través de un separador rojo y un abrecartas con la forma de las manecillas clásicas de los relojes de antaño.

La colección, de distribución exclusiva para Japón, queda completada con un soporte de cristal hecho a mano a partir de un frasco antiguo. www.nendo.jp www.tagheuer.com

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