GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 31 Portada por / Cover by: DIEGO VILLASEÑOR by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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PORTADA POR DIEGO VILLASEÑOR

ESPECIAL HOST / LO MEJOR DE DESIGN MIAMI ENTREVISTAS CON: COVADONGA HERNÁNDEZ, FERNANDO LAPOSSE, HUMBERTO CAMPANA, PHILIPPE NIGRO, RITSUE MISHIMA E YVES BÉHAR

Public Office Landscape Diseñado por Yves Behar para Herman Miller® Herman Miller México Alfonso Reyes 5, Condesa, CDMX Herman Miller Monterrey Ricardo Margáin 575 Torre D, PB, Garza Garcia, N.L. www.hermanmiller.com.mx

Glocal_230x300.indd 1

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DIRECTORA GENERAL

CONSEJO EDITORIAL

EDITORA EN JEFE

PRESIDENCIA

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS EDITORA

Arturo Aispuro Coronel

Janine Porras

Miguel Ángel Aragonés

janine@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

COORDINADORA EDITORIAL

Juan Carlos Baumgartner

Itayedzin Aragón

Fernando Camacho

itayedzin@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

ASISTENTE EJECUTIVA

Rodrigo Fernández

Gabriela Arcila

Jorge Gamboa de Buen

gabriela@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

DISEÑO

Carlos Pascal

Carla Hernández Vadillo

Gerard Pascal

carli@glocal.mx

Ariel Rojo Fernando Rovzar

MAQUETACIÓN

Sagrario Saraid

Cítrico Gráfico CONTABILIDAD COLABORADOR Y TRADUCTOR

Víctor Villareal

Francisco Barriopedro

Arturo Xochipa

VENTAS Y PUBLICIDAD

CONTACTO

publicidad@glocal.mx

glocal.mx info@glocal.mx

FOTOGRAFÍA

Mánchester 13, piso 1,

Gabriel González

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

José Margaleff

México, D.F. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

PORTADA Diego Villaseñor Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: febrero - marzo 2016. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

FE DE ERRATAS GLOCAL NEWS Ninguna edición está exenta de errores, así nos disculpamos por las imprecisiones que a continuación enumeramos: • En la página 32, en la cabeza y texto de Novel nacional dice "nóveles" y debería decir "noveles". • En la página 68, en la entrevista dedicada a Emiliano Godoy y su participación con Lamosa publicamos imágenes de Tesela, cuando debió ser de Óptico.

CARTA EDITORIAL

no de los arquitectos que conocí en mis primeros años profesionales en el medio editorial fue Diego Villaseñor. Recuerdo perfecto haber entrado a su estudio en la escondida San Miguel Chapultepec y haberme maravillado ante su imponente jardín. Me recibió un arquitecto amable y deseoso de platicar de su día a día, más allá de la arquitectura, pues para él ésta es el resultado de pensamientos de viajes, de pláticas, de libros... Sí creyente de la teoría pero más entregado a pensamientos vívidos. Hablamos por horas. Yo llegué a casa impresionada e ilusionada de saber que en este bello mundo, diario conocería a personajes como él. Quince años después la experiencia fue la misma. Nos recibió a todo el equipo de Glocal deseoso de compartir momentos, luces, risas... inolvidable experiencia que relata Janine Porras en el artículo principal. En este tenor, de las ediciones que más disfrutamos por el material que recibimos son las dedicadas al diseño de restaurantes. El interiorismo de éstos demanda mucho dinamismo, tocar los sentidos, hacer que los visitantes se sientan acogidos y puedan disfrutar momentos sumamente agradables. Finalmente, parte del éxito de estos espacios y el reto que ahora tienen los creativos trabajando de la mano con el chef encargado de la carta del espacio es interpretar a través de objetos y espacios, todos los sentidos en su forma más íntima: visión, tacto, olfato, audición y gusto deben de enmarañarse de una forma bella para que la experiencia del visitante sea totalmente placentera. Esperamos disfruten nuestra selección. No dejen de leer maneras de ver el diseño tan diversas... desde Yves Béhar, hasta Humberto Campana... pasando por un creativo mexicano que sin duda está irrumpiendo en todo el mundo: Fernando Laposse. Sin más... nos presentamos como equipo y esperamos disfruten nuestro trabajo.

Glocal Design Magazine Greta Arcila

@Glocal Design @gretaarcila

glocal_design arcilagreta

CONTENIDO EDITORIAL AGENDA CASA GLOCAL

2 7 11

HISTORIA +DISEÑO

NOVEL Síntesis en Centro México Katerina Kopytina Rusia

028

Cocinas Baños Comedores Clóset

Bubble Chair Transparente suspensión

040

DISEÑO + EMPRESA Gear S2 Atelier Mendini Serif TV Ronan & Erwan Bouroullec + Samsung

041

RESEÑA TRAZOS

031

¡Hola diseño! Hello World de Alice Rawsthorn

043

ILUMINACIÓN RESIDENCIAL Casa Nirau Paul Cremoux Studio Casa Tucán Taller Héctor Barroso

Tangle Lighting Installation

034

044

AUTOMOTRIZ Masetari Quattroporte Ermenegildo Zegna & Maserati

038

TEXTILES Eduardo Sarabia + Pedro Friedeberg + Studio Cardinal

TECHNO

039

Del espacio vital al teatro personal

045

SHOWROOM El Palacio de Hierro sma + Gensler + tpg Architecture

arquitectura y diseño de interiores

ESPECIAL

048

Design Miami/ Basel Miami

072

textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

ESPECIAL HOST Bésame mucho Ricardo Casas Design | Milán, Italia Vivarium Hypothesis | Bangkok, Tailandia

ENFOQUE Diego Villaseñor y la arquitectura emocional

050

COLUMNA Breve historia del diseño Segunda parte

Oneocean Club El Equipo Creativo | Barcelona, España Hueso Cadena + Asoc. Concept Design | Guadalajara, México

058

Expendio Tradición Ezequiel Farca | Oaxaca, México

062

Quattro Alex Meitlis | Tel Aviv, Israel

ENTREVISTA Humberto Campana El diálogo sin desecho

079

Suvlaki Afroditi Krassa | Westminster, Londres

Covadonga Hernández Comunicación sin palabras

San Juan Grill Kob&Co | Monterrey, México

Yves Béhar Una tecnología más humanizada

sma | Ciudad de México, México

Philippe Nigro El arte de crear nuevas piedras preciosas

El Japonez Taller David Dana Arquitectura | Ciudad de México, México

Fernando Laposse Diseño la reinterpretación del cotidiano

Balmori RoofBar Taller David Dana Arquitectura | Ciudad de México, México

Ritsue Mishima La belleza de lo invisible

Trotter’s Døx Arquitectos | Mérida, México

Nobu Polanco Traducciones

107

OBJETO GLOCAL Objets Nomades Louis Vuitton

112

Bellopuerto Reforma Estudio Atemporal | Ciudad de México, México

WANTEDDESIGN MANHATTAN 269 11th Avenue, New York, NY 10001 Between 27th and 28th Street

WANTEDDESIGN BROOKLYN 274 36th Street, Brooklyn, NY 11232 Easy to access by subway: D, N, R

FEBRERO MARZO

agenda

AGENDA

LA GUÍA GLOCAL, QUÉ VISITAR EN MÉXICO Y EN EL MUNDO

LONDON FASHION WEEK Esta semana de la moda en Londres se convierte en el epicentro de una gran celebración en torno al mundo textil y lo más fresco en tendencias. En ella se mostrará más de un centenar de propuestas de diseñadores ante el público de Reino Unido y la prensa internacional. Esta fiesta invade calles y showrooms de la ciudad. Así se constituye esta primera parte del año que muestra las colecciones de primavera-verano, y la segunda que se lleva a cabo en septiembre.

Febrero 19 a 23 +44 (0) 20 7759 1989 www.londonfashionweek.co.uk

agenda

CULTIVOS | GILBERTO ESPARZA Esta muestra reúne tres proyectos surgidos de la investigación de Esparza: Parásitos urbanos (2006-2008), Plantas nómadas (2008-2013) y Plantas autofotosintéticas (2013-214) donde se observa una relación directa con la biología, la ingeniería y la robótica, y también están involucrados el arte, la ciencia y la ciencia ficción. “Cultivos” plantea y analiza el problema del agua: el espacio urbano, los mantos acuíferos y la memoria de ríos desecados. Hasta febrero 21 LABORATORIO ARTE ALAMEDA Dr. Mora 7 Centro Histórico, 06050, Ciudad de México. 8647-5660 www.artealameda.bellasartes.gob.mx

AMBIENTE MESSE FRANKFURT Esta exposición internacional se ha constituido como una plataforma del diseño actual, más de 134 mil visitantes presencian los productos y piezas de todo el globo. En esta feria se pueden encontrar los suplementos ideales para el comedor, la sala de estar y otras áreas del hogar, así como regalos e interiorismo. Aquí el visitante podrá observar a los jóvenes talentos junto a propuestas novedosas de 150 países.

AG E NDA

Febrero 12 a 16 MESSE FRANKFURT EXHIBITION GMBH Ludwig-Erhard-Anlage 1 60327 Frankfurt a. M. +49 69 75750 www.ambiente.messefrankfurt.com

+ART X GNM = 7 X

DE RUBENS A VAN DYCK De la colección Gerstenmaier el público tiene la oportunidad de admirar tres siglos de pintura flamenca con más de cincuenta obras del género. Testimonio del periodo de bonanza vivido en Brujas, Gante e Ypres se encuentra la pintura realizada para una burguesía con mayor poder adquisitivo. Consciente de sí misma, esta pintura trabajó con el óleo y descubrió un mundo de luces y sombras, transparencias que no podemos perdernos en el Museo Nacional de San Carlos. Hasta 27 de marzo

La Galería Nina Menocal se ha caracterizado por ser un espacio comprometido con la promoción de los artistas nacionales e internacionales contemporáneos desde 1990, y ahora exhibirá una muestra a la par del desarrollo de Zona Maco (tanto in situ como en la galería), después de 5 años de ausencia en esta feria. Son José Bedia, cubanoamericano, Rosa Brun, española, y Carlos Aguirre, mexicano, los artistas mostrarán la traducción de sus vivencias y experiencias como artistas plásticos: el misticismo de los pueblos en la obra de Bedia, la experimentación y lo contestatario de Aguirre y las formas puras de Brun. Febrero 2 – abril 2 GALERÍA NINA MENOCAL Gobernador Rafael Rebollar 56 San Miguel Chapultepec, 11850, Ciudad de México 5564 7443 www.ninamenocal.com

GREAT CRESCENT: ARTE Y AGITACIÓN EN JAPÓN, COREA DEL SUR Y TAIWÁN Esta exhibición pone al descubierto las tendencias antiarte de Japón, Corea del Sur y Taiwán en un ensayo performático de la historia del arte comparada. En los años 70, contrario a la abstracción moderna que dominaba la escena, los artistas se manifestaron a través de acciones efímeras en respuesta a los diversos contextos locales. La muestra expone reproducciones de imágenes documentales de eventos y performances críticos acompañados de manuscritos explicativos y otros materiales. Enero 30 – mayo 29

MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS

MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO

Puente de Alvarado 50, Tabacalera, 06030, Cuauhtémoc, Ciudad de México 8647 5800

Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Coyoacán, 04510 5622 6972

www.mnsancarlos.com

www.muac.unam.mx

agenda

THE BAUHAUS #ITSALLDESIGN El Vitra Design Museum presenta por primera vez una muestra de esta envergadura sobre una de las instituciones culturales de mayor influencia en el siglo xx: la Bauhaus. La exhibición descubre algunas áreas que no se habían visto antes: diseño, arquitectura, arte, fotografía y fotografía en movimiento, acompañados por algunos documentos que evidencian sus procesos. La exposición enfrenta al diseño de esta institución con las tendencias y debates actuales a través de diseñadores, artistas y arquitectos contemporáneos. También ahonda en los clichés del diseño de la Bauhaus: geométrico, industrial… Hasta febrero 28 VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2, D-79576 Weil am Rhein +49 7621 702 3200 www.design-museum.de

JIM SHAW: THE END IS HERE

AGE NDA

En los últimos 30 años, Shaw se ha convertido en uno de los personajes más influyentes en la escena artística. Entre la pintura, la escultura y el dibujo ha creado conexiones entre su plástica y el imaginario colectivo de Estados Unidos y de sí mismo, con su política, su sociedad y sus historias espirituales. Su obra se caracteriza por hacer uso de “la basura cultural del siglo xix”, como cómics, portadas de discos, recortes de revistas de conspiración e iconografía religiosa oscura. Esta exhibición abarca las tres plantas del nuevo museo donde se muestra una amplia selección de su obra junto con su colección de arte vernáculo y materiales didácticos religiosos. Hasta octubre 1 NEW EXHIBITIONS MUSEUM 235 Bowery, New York, NY 10002 212 219 1222 www.newmuseum.org

ARTIST & EMPIRE La influencia del Imperio Británico es innegable, incluso en el siglo que estamos viviendo sentimos sus efectos, así, esta exposición muestra trabajos extraordinarios e inesperados sobre cómo los artistas alrededor del mundo reflejan los dramas, la tragedia y la experiencia con el imperio; no obstante, creadores contemporáneos sugieren en sus trabajos que el influjo aún no ha terminado. Hasta abril 10 TATE BRITAIN Millbank, London SW1P 4RG, United Kingdom +44 020 7887 8888 www.tate.org.uk

MAISON&OBJET ASIA En 2016 Maison&Objet Asia regresa a Singapur en una tercera edición en el Marina Bay Sands Expo and Convention Center. La industria del diseño en la región puede verse reflejada en esta muestra que captura el espíritu global cada vez con más fuerza tanto en desarrollo inmobiliario, como en centros hoteleros, diseño de interiores y arquitectura, así como en una amplia red de industrias de la hospitalidad, marcas de diseño de interiores y también propuestas de alta cocina y hoteles boutique. Marzo 8 a 11 SAND EXPO AND CONVENTION CENTER Marina Bay Sands Singapore – Basement 2 Bafront Avenue, Singapore +33 (0) 1 44290394 www.maison-objet.com

GrupoHabita

@GrupoHabita

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [COMEDOR] [CLÓSET]

Textura de Pixel Wood Cabinet de Boca do Lobo.

Tetera 9093 de Michael Graves para Alessi

ÍNTEGRA • RISUEÑA Fotografía cortesía de las marcas

casa glocal A

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[ÍNTEGRA] Con la máxima del funcionalismo como estandarte proponemos un espacio honesto, sin excesos de ningún tipo, sin ornamentos innecesarios. El objetivo es apoyarse en objetos utilitarios que sean bellos por el hecho de funcionar bien, en pos de su origen y de su contexto. También se pueden retomar piezas que sólo sirvan como acentos visuales por sus formas sin perder sus cualidades de uso. Es importante aprovechar los materiales al desnudo, como la madera o el concreto, ideales para dar personalidad al espacio sin abusar del color o las texturas. A Ambiente Tendencia Madera Miltre de Lamosa 1 Especiero Z-stand de IntoConcrete 2 Utensilios Collective Tools de Antonio Citterio para iittala 3 Grifería Elio de Dornbracht 4 Vasos Issima de Sam Baron para Bosa 5 Horno empotrable Café Series de ge

casa glocal B

1 3

[RISUEÑA] Para combatir la seriedad de algunos objetos domésticos que casi no han sufrido modificaciones en su forma a través de la historia, algunas marcas y diseñadores se han dedicado a darles un toque de humor: con pocos recursos un sacacorchos toma la forma de una persona que levanta sus brazos para lograr su cometido. Algunos enseres parecen darnos un guiño pícaro que nos invita a utilizarlos con una sonrisa. Los ingredientes son mucho color, superficies brillantes y características juguetonas en los objetos. La cocina tiene un gran potencial como campo de juego. B Ambiente Cocina Numerouno de Romano Giacomazzi para Doimo Cucine 1 Vasos Hermanos Tequileros de O-lab 2 Sacacorchos Anna G de Alessandro Mendini para Alessi 3 Mesa auxiliar Shuffle de Mia Hamborg para &Tradition 4 Bowl Cul-de-Poule de Matali Crasset y Pierre Hermé para Alessi 5 Contenedores Smool de Robert Bronwasser

CASA GLOCAL

[COCINAS]

[BAÑOS] [COMEDOR] [CLÓSET]

Colección Geo de Nicholai Wiig Hansen para Normann Copenhagen

MINERAL • INDUSTRIAL Fotografía cortesía de las marcas

casa glocal A

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[MINERAL] Cualquier elemento o eje conceptual puede convertirse en el tema decorativo de las habitaciones, integrar un espacio con objetos diversos es un escape creativo que todos podemos explotar. En este caso, tomamos inspiración de los minerales. Bajo un orden geométrico se puede imitar a los elementos minerales, con superficies planas hacemos referencia a las características del cristal. Los tonos metálicos son una remembranza de las herramientas que se utilizan para su extracción, los colores se acercan a la tierra y sus riquezas. A Ambiente Colección Harmony de Kelly Hoppen para Apaiser 1 Accesorios Baccarat Beyond Crystal de thg Paris 2 Colección Finnieston de Samuel Chan para Channels 3 Juego de llave Baccarat Beyond Crystal de thg Paris 4 Jabones Soap Stones de Pelle 5 Banco Grid de Despacho de Diseño Integral

casa glocal B

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[INDUSTRIAL] Desde el origen del ser humano existe la necesidad de transformar los elementos de la naturaleza para aprovecharlos al máximo, en este sentido nació la industria con sus revoluciones, que con el paso del tiempo ofreció objetos más y más sofisticados. Cuerpos geométricos sencillos para enfatizar la frialdad de los materiales. Estos objetos pueden ser para el disfrute visual y sensorial. Materiales ultrapulidos, cromados brillantes, y en este caso el color negro, para enmarcar con elegancia los accesorios de cerámica siempre presentes en un cuarto de baño. B Ambiente Cuarto de Baño Panthera por Benetti 1 Contenedor de pedal de Norm Architects 2 Colección Geo de Nicholai Wiig Hansen para Normann Copenhagen 3 Perchero Kaddy de Karim Rashid para Tonelli Design 4 Juego de llave Métamorphose de thg Paris 5 Espejo Boat de Jean-Baptiste Fastrez para Moustache

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS]

[COMEDOR] [CLÓSET] Tapiz Withered Flowers de Studio Job para nlxl

Vajilla Tala-Bot de Tania Álvarez Zaldívar para Anfora Studio

IMPECABLE • SUTIL Fotografía cortesía de las marcas

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[IMPECABLE] Para vestir un comedor basta con el servicio de mesa, aunque la diferencia radica en los detalles; para crear un espacio que resulte agradable se recurre a los colores bรกsicos. Elegir con cuidado es necesario para no romper con el equilibrio en materiales, tonos o texturas. Funcionan los coordinados sin complicaciones, mobiliario eficaz con detalles atractivos. La propuesta incluye objetos decorativos para el centro de mesa, un florero que rompa con las formas tradicionales es ideal. A Ambiente Ambiente wow de Toan Nguyen para lema 1 Florero Weight C de Decha Archjananun para IntoConcrete 2 Platos Pomona Grey Tempest de Bodo Sperlein para Tane 3 Lรกmpara de techo Luftschiff de Kranen/Gille para Functionals 4 Mesa wow de Toan Nguyen para lema 5 Silla Burgaz de Sadi & Neptun Ozis para Walter Knoll

casa glocal B

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[SUTIL] Hay quien tiene preferencia por los espacios discretos, de colores suavemente cálidos que se aproximan a la sensibilidad, tonos pastel que combinan a la perfección con la madera al natural. Se puede integrar un comedor con elementos de cualquier índole, una banca corrida es una manera de comunicar el valor de compartir sin necesidad de las palabras. Una vasija para flores conecta con la naturaleza y su belleza; es necesario cuidar la fuente de iluminación, de preferencia natural o en tono cálido. B Ambiente Ambiente 3Pod de Francesco Rota para lema 1 Vajilla Tala-Bot de Tania Álvarez Zaldívar para Anfora Studio 2 Silla Kensington de Faudet-Harrison para H Furniture 3 Lámpara de techo bh1 de Benjamin Hubert para &Tradition 4 Foco sr2 de Sofie Refer para &Tradition 5 Floreros pina de Dea Kaker y Eva Ferlan para DeaEva Design 6 Banca Höninger de Florian Kallus y Sebastian Schneider para Kaschkasch

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [COMEDOR]

[CLÓSET]

Alfombra Galaxy 608 de Alfredo Häberli para Kvadrat

Botas Mod. 1460 Smooth de Dr. Martens

FEMENINO • TOMBOY | NATURAL • CONCRETO Fotografía cortesía de las marcas

casa glocal

A Look de la colección Science Is fiction de Ying Gao 1 Serie Post-it de Gabriel de la Mora 2 Gargantilla Perlas de piel de Kúkuti 3 Bolso Lima Limón de la colección Armonía de Jaime Ibiza 4 Chamarra de piel de Mango 5 Lentes Maskhara with Dragonfly de Avish Khebrehzadeh para Elisabetta Cipriani Gallery 6 Aretes tejidos de h&m

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[FEMENINO] Aunque puede ser un cliché, obtener un look femenino resultará satisfactorio para quien lo consiga: accesorios llamativos, tonos rosados y telas ligeras son perfectos para lograrlo. Un peinado sencillo y zapatos bajos son el aderezo ideal para desplegar inocencia a cada paso. Conseguir un accesorio romántico será la pieza clave en el atuendo, como los lentes Maskhara con polarizado azul, ¿su cualidad infalible? Un ornamento metálico de formas orgánicas que nos recuerda a las pinturas de Alphonse Mucha. 24

casa glocal

B Look aw15 de Mango 1 Textil Array de Harlequin 2 Gorra Snapback verde de Adidas 3 Reloj 80's Classic de Timex 4 Cuaderno para zurdos de Imborrable 5 Tennis Nike Air Huarache Ultra de Nike 6 Lentes de sol Lázaro Mérida Plateado de District Eyewear

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[TOMBOY] El estilo tomboy, es un guiño al mundo masculino, jugar a ser niño de vez en cuando no viene mal. Un par de jeans, tenis supercómodos y una sudadera clásica son los básicos para lograr este atuendo que además es un must en días tranquilos. La clave para lograr que el estilo no quede desaliñado es añadir un toque femenino como una pieza de joyería o buscar estampados en tonos suaves para contrastar de manera delicada con accesorios deportivos o prendas de cortes holgados. 25

casa glocal

A Look de la colección ss16 No asian plz de Ka Wa Key Chow 1 Tapete Kilimu de Edelgrund 2 Carpeta de iSobre 3 Espejo Focalize de Selab para Seletti 4 Camisa Slow Rhythm de Mango Man 5 Jabón Frothing Soap de Fernando Laposse + Federico Floriani 6 Calzado Mr. Wave de wxy

[NATURAL] Si de singularidades se trata, este look rompe con todos los paradigmas de la vestimenta masculina de tejidos ligeros y deshilados que quedan acentuados con tonalidades verdes. El color principal es el blanco, tal vez para conectar con el entorno y su energía. Los cortes sueltos se acomodan a la perfección para dar ese aire sutil de relajación y fluidez, más que llevar accesorios se trata de desapegarse de ellos, tener herramientas ligeras con colores neutros y buscar materiales amigables con la naturaleza. 26

casa glocal

B Look de la colección Otoño/Invierno 2015 Forever 21 1 Alfombra Bamboo Ikat Charcoal de The Rug Company 2 Reloj Día de los Muertos de Xm para rj-Romain Jerome 3 Abrigo de la colección aw 15 de Mango Man 4 Kit de afeitado The Shaving Co. First Edition 5 Mancuernillas im-6b de ik Joyeros

[CONCRETO] Los estilos agresivos han roto el estigma de ser exclusivos para ciertas tribus urbanas, han sido digeridos por las personas que buscan prendas únicas y la industria que desea ofrecer opciones alternativas. Si bien es cierto que la moda proviene de las calles, regresa a los usuarios de forma más refinada. En esta propuesta destacan los vaqueros desgastados en negro absoluto, un toque punk con las botas clásicas de esta corriente y un abrigo con doble botonadura, combinados a la perfección con una camisa de mezclilla deslavada. 27

novel nacional

SÍNTESIS EN CENTRO Texto redacción Fotografía cortesía Centro

íntesis es una marca creada a partir de la colaboración de Fernanda Aragón, Jessica Chayo, Daniela Guzmán, Amaya Jiménez, Fernanda Leal, Danya Molina, Rodrigo Rodarte, Ilse Rodríguez, Artemisa Trejo y Jordi Veytia, todos estudiantes de la Universidad Centro y bajo la dirección de Moisés Hernández. Esta antología de objetos utilitarios proviene de una misma idea: a los diseñadores se les entregó una barra de metal de 3.22 mm de diámetro por 70 cm de largo (como máximo), con esta vara los estudiantes podían realizar cualquier objeto que se les ocurriese, pero que formal y estéticamente cumpliera con altos estándares de calidad. ¿El resultado? Piezas ingeniosas con un acabado dorado y de gran simpleza formal, pero de gran elegancia: un móbil (1), un juguete (2), un destapador (3), una canastilla para huevos (4), un candelero (5), un portafotos (6), un peine (7), un cuchillo (8), un perchero (9) y un sujetador (10). www.sintesisdesign.mx

novel internacional

KATERINA KOPYTINA IMAGINACIÓN INDEPENDIENTE Texto redacción Fotografía Crispy Point y Mike Deruzhsky, cortesía de Katerina Kopytina

aterina es una diseñadora originaria de Moscú, Rusia. Graduada por la Universidad de Artes y Humanidades de Moscú, se ha dedicado a desarrollar objetos utilitarios con características lúdicas. También realizó estudios en el Instituto Europeo de Diseño en la ciudad de Milán en Italia, donde trabajó para el estudio de diseño de Matteo Ragni. Especialista en diseño industrial y de producto, Katerina colabora con marcas dentro y fuera de su país, el interés por la manufactura de alta calidad le ha garantizado el éxito de sus diseños. Con exhibiciones individuales y colectivas en Milán, Moscú, San Petersburgo, Londres y París, Katerina demuestra que ser creativa independiente le permite crear de manera global. De su trabajo colectivo destaca Kuiper Belt, colección de soportes para plantas inspirada en las formas de vida que aún

no han sido descubiertas, cada base representa una nueva forma vital. La colección forma parte del proyecto Naturalist, exhibido en San Petersburgo el año pasado y conformado por el trabajo de 15 diseñadores emergentes, todos provenientes de Rusia. La labor creativa de Katerina explora diversos materiales y tipologías, desde iluminación, accesorios para oficina u objetos con enfoque ecológico. En iluminación destaca Light Bean, una lámpara colgante que integra la fuente de luz con el soporte de madera en una sola forma. Katerina proyecta con sencillez objetos que parecen obvios y justo por esa razón son aceptados fácilmente entre los amantes del diseño.

katerinakopytina.com 29

trazos

C AT E D R A L D E L S A G R A D O CORAZÓN DE JESÚS Celaya, Guanajuato

l templo fue propuesto por el despacho Broissin a la Diósesis de Celaya, debía albergar 1,500 personas y 200 sacerdotes con un coro para igual número de concurrentes, parte de una planta en cruz latina formada por dos segmentos de desigual medida que se intersecan en un ángulo recto, donde el fragmento menor está a una proporción de tres cuartos con respecto al más largo y daría lugar a la capilla del Sagrado Corazón en su lado norte, y a la Capilla de Juan Pablo Segundo en su extremo sur. El segmento más largo en el sentido este-oeste lo constituye el eje central del templo. El altar, por su parte, está respaldado por la salida del sol, la geometría fraccionada permite el paso de la luz matinal en un juego de claroscuros que tiene la intención de proporcionar un espacio religioso, místico.

La firma imaginó una catedral con dimensiones dignas, sin perder de vista su realidad contextual tanto física como sociocultural y económica. Una estructura de concreto aparente basada en muros de carga y losas postensadas se constituiría sólida, perdurable y de bajo mantenimiento. El esquema ascendente de la cubierta y su altura permitiría una excelente ventilación basada en un sistema de convección e iluminación natural. La planta baja de la construcción resuelve el programa arquitectónico de servicios complementarios a la comunidad y administrativos, zonas accesibles para cualquier persona.

www.broissin.com 31

trazos

CONJUNTO TLALPAN INE BulAu Arquitectos

l proyecto ganador del Concurso Nacional de Ideas, Plan Maestro Conjunto Tlalpan ine fue presentado por el arquitecto Héctor de la Peña López, director fundador de BulAu Arquitectos, firma especializada en diseño urbano y arquitectónico. La propuesta está orientada hacia el uso peatonal con énfasis en espacios públicos. La propuesta reutilizará los edificios existentes para complementarlos con dos torres que servirán para las operaciones centrales del ine. Con planta cuadrada, las torres aprovechan vistas y ventilación de todo su perímetro con sus 14 niveles y una distancia de 30 metros entre ellas. Las fachadas están resueltas con elementos prefabricados de concreto.

Se plantea que el conjunto quede integrado con tres elementos clave: la Plaza de la Democracia, el Pórtico y la Plaza Central. La Plaza de la Democracia es el núcleo vital del proyecto, ya que proporciona más de 4,000 m2 de espacio público a la ciudad, aportación que transparenta la arquitectura creando tejido urbano libre de tránsito vehicular. El Pórtico es un elemento de bienvenida, un acceso peatonal que da resguardo y se encuentra ligado a la plaza y al museo. La Plaza Central funciona como punto de encuentro articulando flujos peatonales. www.planmaestro.ine.mx www.bulau.info

trazos

ST JAMES POINT HOTEL TEN Arquitectos

ituado en el distrito de Bodden Town en las Islas Caimán, este proyecto de uso mixto será un espacio de lujo integrado al entorno tropical de la isla Gran Caimán, la mayor de las tres islas que forman al archipiélago británico. El complejo de servicios hospitalarios se convertirá en un ícono del Caribe, creando una mezcla armoniosa entre arquitectura y naturaleza, ya que se ha planificado minimizar el impacto ambiental, que va desde la construcción hasta las operaciones en todos los aspectos, incluyendo la calidad del aire, el agua, niveles de ruido y cuidado de flora y fauna local. Ofreciendo áreas de alto nivel, el hotel de más de 200 habitaciones estará dividido en 75 unidades residenciales,

múltiples tiendas de lujo y restaurantes. Contará además con espacios para deportes acuáticos, y un spa. Los jardines tropicales que rodean el complejo proporcionarán recorridos aislados de la ebullición de la isla. El desarrollo se desdobla en 6,500 m2 con 304 m proyectados hacia una playa natural y privada que será un atractivo contraste frente a la construcción diseñada por el equipo de Enrique Norten. La inauguración está programada para el invierno de 2018.

www.stjamespoint.com www.ten-arquitectos.com 33

CASA NIRAU

PAUL CREMOUX STUDIO Reinterpretando un inmueble existente, Paul Cremoux planteó Casa Nirau un espacio contemporáneo con dimensiones 35% reducidas respecto a la construcción original, pero mejor adaptadas a las necesidades de sus habitantes. Texto Marisol Guerrero Fotografía pcw, cortesía de Paul Cremoux Studio

a idea general del proyecto, ubicado en la Ciudad de México, era mudar a sus habitantes de la casa previa a un espacio mejor planeado para sus requerimientos, por ello las áreas principales quedaron reducidas para dar más espacio al patio, con ello la casa promueve más actividades en el exterior. La construcción de 172 m2 cuenta con una sala de estar, comedor, cocina fabricada ex profeso para el proyecto por Cocinas 4.13, así como la habitación principal. Destaca el muro que rodea la escalera ya que funciona como un gran librero, aprovechando el espacio y añadiendo un foco visual por la composición colorida que aportan los lomos de los libros. La fachada y el deck a nivel de patio están hechos con Wood Plastic Composite, material de nueva generación compuesto por 60% de madera, 30% de polímeros reciclados y 10% de aditivos, su fórmula desarrollada en Alemania aprovecha residuos de madera y plásticos amalgamándolos en un material 34

único con las cualidades estéticas de la madera y amplias ventajas de resistencia. La pequeña casa Nirau cuenta con un sistema para recolectar agua, integrado por la azotea y la terraza principal, desde donde queda almacenada el agua pluvial que pasará, por gravedad, a través de un procedimiento de filtrado hasta ser potable, minimizando la dependencia a la red de agua local. La autosuficiencia energética de la casa se complementa con su control de temperatura, aislamiento interior, calentadores solares y materiales seguros como recubrimientos libres de compuestos volátiles, haciendo de la edificación un sistema de diseño basado en el comportamiento de sus usuarios, lo que resulta en bajos costos de mantenimiento. www.paulcremoux.com

residencial

CASA TUCÁN

TALLER HÉCTOR BARROSO Los arquitectos Héctor Barroso Riba y Andrea Pérez Salazar, del Taller Héctor Barroso, lideraron el proyecto Casa Tucán, se trata de una residencia de campo ubicada en Valle de Bravo, Estado de México. Texto Paula Torres Fotografía Rafael Gamo, cortesía de Taller Héctor Barroso

l predio que ocupa la propiedad se encuentra en la cima de una colina y fue precisamente por sus características topográficas que el equipo del Taller Héctor Barroso ideó la manera de aprovechar el desnivel ascendente de catorce metros desde el acceso hasta el punto más alto del terreno. Las características del lugar —de trazo rectangular con un frente estrecho que se abre de manera generosa hacia el fondo— sirvieron al desarrollo de una serie de secciones escalonadas que funcionan como pabellones en distintos niveles aprovechando la vista al lago. Dichos pabellones, hechos en concreto, están interrumpidos por vacíos, jardines, terrazas, balcones y patios, buscando que los espacios interiores se prolonguen hacia el exterior, diluyendo los límites entre ambos. Las características del terreno natural quedan evidenciadas por los cortes marcados por muros y taludes de tierra donde la arquitectura se integra con el sitio. El proyecto quedó completado por la colaboración de Diego Rentería, Eduardo Carvajal y Vianney Watine, quienes en 400 m2 plantearon muros de concreto y losas de madera que contienen

los interiores habituales de una casa. Un muro de mampostería destaca como remate visual a lo largo de la construcción. La casa cuenta con una cochera que da la bienvenida a sus habitantes, de ahí parten tres niveles: el primero cuenta con terraza, comedor, sala de estar y cocina con desayunador; en el segundo se encuentran las habitaciones secundarias y, por último, la habitación principal con vestidor y el cuarto de servicio en el tercer nivel. La paleta de colores está gobernada por lo tonos arena y ocre, que contrastan con el verde de los jardines que rodean la casa. Materiales locales como concreto, piedra, acero y madera fueron protagonistas en toda la construcción. El concreto adquirió un color café claro gracias a que fue mezclado con tierra extraída del sitio. Casa Tucán se une con el contexto y se vuelve parte del paisaje, convirtiendo la contemplación del entorno natural, fundamento de la residencia.

www.tallerhectorbarroso.com

residencial

automotriz

MASERATI QUATTROPORTE

ERMENEGILDO ZEGNA & MASERATI Texto redacción Fotografías cortesía de Maserati

esde 1914, Maserati es una marca líder en el sector de vehículos de lujo y como tal celebró su aniversario junto con la firma Ermenegildo Zegna, al presentar la versión definitiva del Quattroporte. Para preparar su lanzamiento, ambas marcas gestionaron una serie de eventos en cuatro importantes ciudades y la publicación de un libro conmemorativo que ilustra la herencia Maserati. El exterior del Quattroporte de cinco metros de longitud queda definido por sus acabados en tono Seda Platino, cuya pintura está compuesta por pigmentos extrafinos de aluminio para crear el efecto luminoso de la seda, dando una sensación de profundidad infinita. La cabina de corte clásico, por sus tonos grises y arena, nos recuerda al trabajo de Zegna, pues es justo en los interiores donde la marca sartorial hace su colaboración. Textiles de grado automotriz combinan su textura suave con el aspecto elegante de la seda técnica, desarrollada especialmente para las vestiduras del vehículo. Las molduras están realizadas

en cromo pulido, la consola en nogal y coronada con la placa de bronce que ostenta su registro One of 100. Algunas de las características generales del Quattroporte edición limitada son las posibilidades de ajuste en el volante y los pedales que pueden cambiar su posición en profundidad y altura de manera eléctrica, además de las regulaciones en temperatura en todo el interior y las posiciones de los asientos delanteros. Para completar la experiencia, Ermenegildo Zegna lanzó una colección que refleja con estilo la esencia de ambas marcas en accesorios deportivos, carteras y maletines de piel de cabra, vestimenta de seda pura y sneakers de edición especial. Actualmente se encuentra disponible un trim package concebido por Ermenegildo Zegna para todos los modelos de Maserati Ghibli y Quattroporte. www.maserati.com www.zegna.com

textiles

EDUARDO SARABIA +

PEDRO FRIEDEBERG + STUDIO CARDINAL “Narcomanta 6 (Amor, amor, amor)” de Eduardo Sarabia

“Mitla” de Studio Cardinal

Texto redacción Fotografía cortesía Zona Maco

“Lección de elegancia y sofisticación” Pedro Friedeberg

ste febrero es el mes tradicional para observar en un solo punto tanto arte contemporáneo como objetos utilitarios y diseño de edición limitada, sí Zona Maco que en cinco días (3 a 7) reúne 73 galerías de arte y 25 expositores. Y de ella queremos resaltar tres textiles, tres piezas que bordean la razón de la sinrazón, el diseño con la crítica y el arte con la artesanía. Pedro Friedeberg, considerado el último surrealista vivo, presenta “Lección de elegancia y sofisticación” a través de Odabashian, un tapete anudado con la técnica tibetana tradicional. De 300 x 300 cm, se trata de una obra más —en lana neozelandesa y cardada a mano con artiseda—, de las Original Multiples donde la repetición alucinante de elementos simbólicos provoca la aparición del caos y el orden conviviendo en equilibrio. “Narcomanta 6 (Amor, amor, amor)” de Eduardo Sarabia a través de Other Criteria, este artista originario de California que ha explorado los entretejidos culturales de México, Berlín y Los Ángeles donde la mitología local en conjunto con los clichés y los estereotipos dan como resultado la creación de una realidad trastocada, no siempre acorde con las definiciones de la legalidad. Así “Narcomanta 6” también ha sido perturbada en su origen y en su mensaje en un tapiz tejido a mano de 165 x 177 cm. Ángulo Cero, esta plataforma integrada por creativos latinoamericanos, propone “Mitla” de Studio Cardinal, una colección en la que participaron los artesanos oaxaqueños que —ya lo dice el nombre— encuentra fascinación en las geometrías que siglos atrás abstrajeron de la naturaleza los señores de Mitla en sus templos y lugares sagrados. Así la serie no sólo rescata la iconografía, sino también la técnica del tejido de lana y los pigmentos naturales a través de la grana cochinilla, el añil, la orina de vaca y algunas hierbas de la zona.

www.zsonamaco.com 39

historia + diseño

BUBBLE CHAIR TRANSPARENTE SUSPENSIÓN Texto Carmen Romero Miranda Fotografía cortesía Eero Aarnio

l diseñador finlandés Eero Aarnio sintetizó al máximo el diseño de su Ball Chair —que creó en 1963— a la que quiso introducirle luz en el interior, de alguna manera, así la idea de realizarla en algún material transparente surgió como por obviedad. ¿Qué material podría proporcionar transparencia y durabilidad? El acrílico. Aarnio desde 1960 comenzó su exploración con los plásticos, sus colores y las formas que podría lograr con éste, sus diseños fueron ampliamente aceptados y se convirtieron en símbolo de la cultura pop. Las formas tradicionales quedaron atrás, así Bubble Chair surgió en 1968 transparente como una burbuja de jabón. Aarnio dijo que no había manera de crear un pedestal transparente y hermoso, así la burbuja tuvo que sostenerse del techo a través de un anillo colocado en la apertura y del cual brota una cadena, ambos elementos en metal plateado que hace juego con dos cojines (respaldo y asiento) en el mismo color. El diseño en su totalidad fue considerado como futurista, algo completamente innovador, un objeto que finalmente podía imitar el círculo de una manera eficiente y estética. En la actualidad hemos visto ya muchas veces esta silla y quizá nuestro ojo se haya acostumbrado a su forma, no obstante el diseño tuvo gran éxito. Impresionó su acústica, pues aunque el usuario esté sentado en ella en medio de una multitud, su forma logra aislar los sonidos de manera efectiva. Bubble Chair es quizá la abuela de los actuales módulos para oficinas que están pensados para trabajar en lo individual aislados de ruidos distractores. Hace diez años, Telenor, una compañía telefónica noruega colocó varias Bubble Chair en su hall invitando a sus usuarios a hablar cómodamente y sin ruidos invasivos. Famosos y no famosos han encontrado irresistible el encanto de esta particular silla.

www.eero-aarnio.com

GEAR S2

diseño + empresa

ATELIER MENDINI Una mezcla de culturas y sensibilidades que se entretejen y desafían los límites convencionales de la función, así Mendini propone una línea completa de carátulas y extensibles para el novedoso smartwatch Gear S2. Texto Jaime Contreras Fotografía cortesía de Samsung

e 84 años de edad, el diseñador y arquitecto Alessandro Mendini que continúa en activo en el Atelier Mendini, en conjunto con Samsung, trabajó en el nuevo Gear S2, un smartwatch que presenta las funciones esenciales del smartphone que al girar su bisel puedes visualizar tus correos electrónicos, ver un mapa o darle play a la siguiente canción. Se trata de la unión de dos mundos: un artículo valioso como es el reloj por sí mismo, conservando su función y agregándole otras más. Con su pantalla táctil, su bisel y dos botones para volver a home o retroceder, Gear S2 puede monitorear los niveles de actividad diaria, el consumo de agua y cafeína, medir el ritmo cardiaco, así como contar los pasos dados, entre otras funciones. Existen varias opciones de extensibles intercambiables, sin embargo, la colección de Mendini es única y presenta los colores vibrantes típicos del diseñador inspirados en su imaginario, la ciudad, la vida, los animales en cuatro colores: negro, navy, café oscuro y azul-negro. Dos versiones están disponibles desde octubre del año pasado: Sport y Classic —de $5,499 y $6,999, respectivamente—.

www.samsung.com www.ateliermendini.it

diseño + empresa

SERIF TV

RONAN & ERWAN BOUROULLEC + SAMSUNG

Texto Itayedzin Aragón Fotografías cortesía de Studio Bouroullec + Samsung

relanzada durante el London Design Festival en septiembre del año pasado, Serif tv es el resultado de dos años de trabajo creativo realizado por Ronan y Erwan Bouroullec para Samsung, para ella los hermanos buscaron un objeto que tuviera presencia por sí solo, que pudiera estar naturalmente en varios ambientes como si se tratara de un elemento más del mobiliario. Serif es una televisión que se aleja de la tendencia de hacer pantallas ultraplanas confinadas a un muro y al mismo tiempo aprovecha la tecnología que lo hace posible. A Serif se le puede manipular fácilmente, permanece de pie por sí misma; en las versiones de 40 y 32 pulgadas tiene soportes tubulares, y la versión mini —de tan sólo 24 pulgadas— se concibió para ser colocada sobre otro mueble de manera práctica. Para el desarrollo del diseño, los Bouroullec combinaron varios métodos de diseño: bocetos hechos a mano, modelado por computadora, con madera y arcilla. Sin limitarse en los materiales o las formas, los diseñadores persiguieron una sola cosa: que cada detalle o elemento que completara al televisor se integrara de manera armoniosa. El primer prototipo se realizó con madera tallada y plástico, con formas muy parecidas al objeto final. El perfil de Serif forma una letra capital I, su cuerpo delgado se amplía en la parte superior e inferior al igual que una letra con patines. Vista desde el frente, la pantalla queda delineada por un marco uniforme de un solo color (blanco, azul oscuro o rojo) y en la cara posterior un panel cubierto con un textil que cubre los circuitos internos de manera elegante. El televisor cuenta con un sistema inteligente y un altavoz bluetooth. Además de diseñar el exterior del monitor, los hermanos Bouroullec crearon la interfaz dentro de Serif, inspirados en crear funciones simples y accesibles. Serif tv sólo puede adquirirse en establecimientos seleccionados del Reino Unido, Francia y Suiza así como en el sitio de la marca. www.bouroullec.com www.seriftv.com 42

¡HOLA DISEÑO!

reseña de libro

HELLO WORLD DE ALICE RAWSTHORN

Es muy difícil construir un discurso sobre diseño cuando todo “es diseñado”: planes de retiro, dietas, mesas y ornamentos para boda, planes financieros, seguros de vida, etcétera. Estamos tan acostumbrados al término que pensamos que siempre ha existido en nuestras vidas. Texto Leonardo Vázquez Fotografía cortesía Overlook Press

a palabra diseño apareció en nuestro vocabulario en el siglo pasado, más exactamente cuando se vinculó la calidad con la producción en serie de objetos utilitarios, concretamente con el surgimiento de la Bauhaus y toda su filosofía detrás de la creación de piezas para el uso cotidiano. “La forma sigue a la función”, dijo el arquitecto norteamericano Louis Sullivan, cita que posteriormente se ha atribuido a muchos otros quienes comparten la máxima para justificar algún elemento de diseño, hoy la frase ha dado la vuelta al mundo, pero no siempre se está consciente de lo que significa o si sigue siendo válida. La preocupación por hacer que algo funcione y deje satisfecho a quien lo usa tiene siglos de antigüedad, esto provocó que se hicieran mejoras en la arquitectura, en las obras de ingeniería civil, en los libros, en la tinta, en el vestido, en artefactos militares, en el transporte, en los utensilios de la vida cotidiana. El diseño cambia vidas y configura la existencia de quienes lo usamos, muchas veces sin darnos cuenta. Alice Rawsthorn, en su libro Hello World hace un estupendo recorrido por diversos momentos históricos del “no diseño”, es decir de una época en la que no existía el concepto de diseño como lo entendemos hoy, se trata de ejemplos perfectos de lo que puede hacer la aplicación de esta área creativa en nuestras vidas. Este libro no es un libro tedioso de terminología de creatividad o de aburrida teoría para explicar el diseño, al contrario está escrito en una prosa natural y llena de ejemplos que permiten comprender por qué, cuándo y cómo un producto o un servicio se considera exitoso. Esta primera edición en inglés (Penguin Books, 2013: diseño por Irma Boom) consta de un prólogo, trece capítulos y un epílogo que hacen de esta publicación un libro cerrado. En

los primeros capítulos se definen conceptos que muchas veces no quedan claros en los jóvenes diseñadores, como ¿qué es el diseño?, ¿qué es un diseñador?, ¿qué es el buen diseño? Y por qué el buen diseño es importante. Al mismo tiempo, abre un panorama sobre hacia dónde debe dirigirse esta disciplina en el futuro. El término design thinking tienen sentido al leer con detenimiento la historia detrás de objetos tan letales como el arma ak47, que se convirtió en el arma más vendida en el mundo (por sus características de diseño) o entender por qué el emperador del ejército de terracota, Quin Shi Huangdi, logró someter a todos los reinos de China del siglo ii a. C., gracias a decisiones sobre detalles del armamento de su ejército que impactaron en la eficiencia de éste en combate; también relata sobre el primer caso de identidad corporativa de la historia hecho por el temible

pirata Barba Negra, creador de la bandera del cráneo con dos tibias cruzadas, y finalmente de cómo una pieza de diseño puede cambiar la vida de alguien al transgredir su función primaria y convertirla en una pieza de exhibición, me refiero, entre otros ejemplos dados, a las prótesis empleadas por la atleta de alto rendimiento Aimee Mullins. Hello World es un libro inspirador, que abre el horizonte en este nuevo siglo e invita a ver al Diseño (sí, con mayúscula) como un elemento de cambio que proporciona bienestar a la sociedad. Es también un libro de todo lo que no es diseño: historia, ciencia, música, tecnología, medicina, etcétera, y de cómo vivimos el mal diseño sin saberlo.

www.alicerawsthorn.com 43

iluminación

TANGLE LIGHTING

INSTALLATION Texto redacción Fotografía Patricia Haas, cortesía Coordination Berlin

angle es una luminaria escultural que consta de tres cuerpos interconectados que se convierten en un solo elemento. Su diseño está inspirado en la joyería moderna, en los móviles y en la estructura molecular y cristalina de las piedras. Por su forma y materiales, Tangle propicia la reflexión y difusión de luz a través de tiras led que acentúan la materialidad de la cuarcita, el mármol de Carrara y el bronce que perfila cada una de las formas geométricas de esta lámpara. Sus materiales y tipología nos recuerdan a las artesanías mexicanas hechas con latón, vidrio y espejos, por lo que se nos hace cercana y extrañamente familiar. Esta luminaria fue diseñada por Flip Sellin y Claudia Pineda de Castro para Coordination Berlin en dos dimensiones: 65 x 121 cm y 38 x 40 cm. Se presentó en la pasada edición del Salone del Mobile de Milán dentro de la sección Berlin Design Selection en Brera con mucho éxito. www.coordination-berlin.de

techno

Rift Oculus

DEL ESPACIO VITAL AL TEATRO PERSONAL Texto redacción Fotografía cortesía de las marcas

a realidad virtual ha entrado con el pie derecho en nuestra sociedad, Oculus al mando de Palmer Luckey lanzó Rift, un nuevo visor que te hará sentir como si estuvieras ahí, ya sea mirando una película, en tu juego favorito o pasando un tiempo con los amigos. Haciendo uso de toda la tecnología disponible, su sistema óptico crea imágenes nítidas y fieles, además de un amplio campo de visión donde es posible observar perfectamente cada detalle y construcción del diseño de esa realidad en la que te sumerges. Glyph de Avegant, en cambio, parecen un par de audífonos pero se trata de un dispositivo para adentrarte a la rv en tu propio espacio y de manera intuitiva a través de tu celular. Su batería recargable Li-lon puede proporcionar 4 horas de video y un número ilimitado de horas de audio. A diferencia de otros dispositivos que proyectan imágenes en una pantalla, Glyph lo hace directamente a tus ojos con una luz de muy baja potencia que se refleja a través de millones de microscópicos espejos. La experiencia visual está acompañada por una muy buena calidad de sonido. Y para todos aquellos en los que un par de lentes de rv son una inversión demasiado onerosa, My Vr Box —una marca creada por un grupo multidisciplinario egresado de la Universidad Iberoamericana—, lanzó al mercado unos lentes realizados con materiales de bajo costo: su estructura es de cartón con un par de lentes biconvexos y un juego de imanes que permiten convertir a un simple smartphone en un visor de realidad virtual. www.oculus.com www.avegant.com www.myvrbox.com

Glyph Avegant

My Vr Box

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BAUART CONSTRUCCIÓN T R A N S PA RE NCIA , CALIDAD Y E FICI ENC I A Texto redacción Fotografía cortesía Bauart

auart Construcción es una empresa joven que ha obtenido el reconocimiento de sus clientes por su profesionalismo, su puntualidad y calidad, de hecho, ellos fueron los encargados de montar la Biblioteca de Design House en tiempo récord, espacio compartido entre Sordo Madaleno Arquitectos, Formica y Glocal. Han trabajado con sma, Mauricio Rocha e importantes marcas como Gap, h&m, Grimatex o El Palacio de Hierro. Bauart nació hace casi 4 años, se trata de una empresa que ha presentado un crecimiento sólido que comenzó con cuatro miembros y sus dos líderes: Guillermo Flores, arquitecto, y Miguel Solórzano, ingeniero civil. Ambos acumularon experiencia laboral —el primero como director de una empresa dedicada a los interiores corporativos y desarrollos, y el segundo como director general de una desarrolladora americana en la península de Baja California—, que hoy ha rendido frutos tanto hacia adentro como hacia afuera de su equipo de trabajo (con más de 60 trabajadores hoy en día). “Nos importa mucho nuestro equipo. Somos muy flexibles pero también muy exigentes porque tenemos que dar el ancho con marcas que están acostumbradas a un nivel de desempeño fuertísimo […] La construcción es tan absorbente que a la gente le tienes que dar un espacio de recreo para compensar porque si sólo les das chamba en algún lado van a tronar. Lo que buscamos es que haya un equilibrio entre vida privada y profesional”, nos comentan los socios.

Nosotros le damos atención personalizada a cada cliente. Miguel Solórzano 46

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Guillermo y Miguel conocen perfectamente su pirámide organizacional pues ambos se han hecho a sí mismos desde abajo. “Nos dimos cuenta de que en muchas empresas que son un poco más grandes que nosotros, o de nuestro tamaño, los dueños están más en la oficina y casi nunca se involucran en la obra. Queremos cambiar eso. Estamos convencidos de que la clave para que nos vaya bien es tener gente capacitada en las obras, que nosotros estemos tocando base para ver que los procesos se estén cumpliendo y dar la cara al cliente con una atención personal”, comenta Guillermo. Esta constructora está dividida en cuatro grandes rubros: habitacional, de la mano de algún arquitecto; retail, que incluye interiores corporativos; y este año se han hecho el propósito de colocar la primera piedra de su desarrollo. “Nosotros no queremos que se vea a Bauart como una constructora, sino como un servicio integral de construcción estructurado, con procesos, con calidad”, comenta Miguel. Uno de sus fuertes son las oficinas, pues tanto Miguel como Guillermo tienen amplia experiencia en esta área en particular y además tienen el respaldo de los profesionales que trabajan con ellos y el estricto seguimiento de sus procesos que les ha dado satisfacciones al terminar sus trabajos. www.bauart.mx

showroom

EL PALACIO DE HIERRO S M A + G ENSL ER + T PG ARCHIT E CT U R E La esquina de Moliere y Horacio ha sido grandemente reconocida por tener quizá una de las mejores perspectivas de El Palacio de Hierro en Polanco. El año pasado sufrió una remodelación y ampliación para que la plática del inmueble con la ciudad siga siendo actual y contemporánea. Texto Nina Paz y Soto Fotografía Jaime Navarro, cortesía sma y El Palacio de Hierro

l Palacio de Hierro en Moliere 222 fue inaugurado en 1997, en aquel entonces el despacho encargado del diseño fue Sordo Madaleno Arquitectos (sma), la misma firma que 18 años después sería la responsable de remodelar y ampliar esta icónica tienda departamental. La forma triangular de El Palacio se ha convertido en icono de la zona, así que respetar la configuración fue fundamental, no obstante, el diseño de interiores, así como una ampliación a la torre de oficinas del Corporativo Bal eran las prioridades. Para lograr lo anterior se adquirieron los predios colindantes (sobre la calle Platón) y se ganaron 4,400 m2, lo que otorgó una superficie del terreno de 23,500 m2, para dar un total de 82,800 m2. La tienda de El Palacio de Hierro continúa ubicada en el original basamento pero se le agregó un nivel y se extendió hacia Platón, colocando al establecimiento en el más grande del país. La torre de oficinas, por su parte, no modificó la línea y volumetría original, no obstante, a partir del nivel 3

y hasta el 11 se amplió el espacio destinado para el corporativo. El estacionamiento también se extendió, pues se agregaron 8 niveles subterráneos, cupo que se suma al antiguo estacionamiento y con lo cual se satisfará la demanda sin ningún problema. El interiorismo fue propuesto tanto por sma como por las firmas neoyorkinas Gensler y tpg Architecture. El espacio y la ubicación de las más de 60 marcas exclusivas fue totalmente replanteado, el concepto central ofrece un homenaje a la Ciudad de México, sus calles y sus barrios más emblemáticos. Así la planta baja —perfumería y marcas de lujo— recuerda Paseo de la Reforma y la Alameda; el primer piso —damas e infantes— está inspirado en Lomas de Chapultepec y Polanco, ambos pisos diseñados por tpg Architecture; la segunda planta —caballeros, tecnología— alude a las colonias Roma y Condesa, y finalmente el último piso —hogar— representa a Jardines del Pedregal, éstas últimas proyectadas por Gensler.

La nueva dinámica de flujo y circulación en todos los niveles y terraza llevó a la creación de dos atrios, desde uno de ellos es posible ver la Torre Bal en todo su esplendor. La tecnología ha tomado parte importante en el interior, pues en el segundo atrio, en su techo presenta una pantalla de lcd que reproduce, como imagen digital, el histórico vitral de El Palacio de Hierro Centro creado por Jacques Gruber en 1921 y que sorprenderá al visitante mostrando animaciones como una puesta de sol o el skyline de la ciudad. Cada área fue cuidadosamente atendida, así que poco es lo que podamos decir sobre las adecuaciones, es mejor visitar el espacio y sorprenderse con sus perspectivas.

www.sordomadaleno.com www.gensler.com www.tpgarchitecture.com 49

enfoque

DIEGO

VILLASEÑOR

y la arquitectura emocional Contenía todo lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero. Luis Barragán

Diego Villaseñor nos recibió en su despacho de la colonia San Miguel Chapultepec, una gran casa rodeada de árboles y jardines que se ha procurado para él y el personal de su oficina. Ahí se respira cierta tranquilidad aunque autoriza presupuestos y revisa proyectos mientras platica con nosotros de su filosofía de vida. Entrevista y texto Janine Porras Fotografía de retrato Gabriel González, de arquitectura cortesía dva

l arquitecto Diego Villaseñor, egresado de la Facultad de Arquitectura de la unam ha mantenido una sólida carrera que comenzó tan pronto como se graduó. Villaseñor se ha preocupado por temas que en la actualidad han cobrado mucha importancia como es la utilización de los materiales locales, el diálogo entre el contexto y la arquitectura, la influencia del paisaje, así como la importancia del ambiente y su cuidado dentro de los quehaceres de una firma arquitectónica como dva. Cercano a Luis Barragán, se observa en su arquitectura la influencia de su amigo, el gusto por las obras de arte de Richard Long, y el respeto y amor por la arquitectura prehispánica, todos elementos que sumados a su amplio bagaje arrojan una arquitectura llena de sombras y luces, y sin duda bella. Nos preguntamos cuál es el secreto para mantener un despacho arquitectónico —una empresa al fin y al cabo— por 37 años. Diego nos responde: “Para hacer un trabajo te tiene que gustar, punto número uno, y al hacerlo bien, tarde o temprano, empiezas a sobresalir, es cuestión de tiempo. Mucha gente se desmoraliza a la primera. Yo tuve un maestro zen al que quise mucho, Philip Kapleau, que un día vino porque quería hacer su monasterio en Amatlán, y me dijo una frase que nunca se me va a olvidar: ‘You fall six times, you get up seven times’. Cuando tienes el objetivo puesto y quieres llegar, vas a llegar. No te estoy hablando de arquitectura, sino de la vida, porque la arquitectura tiene que ver con el arte de vivir”.

La Quinta, Palm Springs, California, EUA 52

enfoque

Careyes, Jalisco, México

Me gusta la idea de usar la tierra sin poseerla. Richard Long LA VIDA JUNTO AL MAR Diego Villaseñor ha tenido siempre un gran interés por los litorales mexicanos, no porque quisiera vivir cerca del mar o sintiera afinidad con el clima (pues siempre se ha considerado una persona más bien del altiplano), sin embargo, al ver la geografía de México con más de 11 mil kilómetros de costa supo que había una gran oportunidad arquitectónica que no desaprovechó. “Me tocó un momento en que los mexicanos decidieron irse al mar, hubo como olas, como camadas en la década de los 70. No había muchos desarrollos, estaba Acapulco, pero siempre con el ejemplo de Miami Beach. Yo consideré que México tenía otra manera de acercarse al mar. Y cuál es la manera, qué ofrece México: no es el Mediterráneo, no es Hawái, no es Tahití, pero tiene de todo y también sus propias cosas. De ahí surgió una arquitectura que refleja el arte de vivir del mexicano junto al mar”. Nos mostró uno de los tomos de su nuevo libro: Diego Villaseñor, Architecture and Nature creado a partir de 12 proyectos residenciales que exploran y plantean un modo de vida en ciertos paraísos terrenales de nuestro país: Playa Careyes, Zicatela, Ixtapa, Los Cabos, Amatlán, entre otros. Las casas que componen a esta edición son Casa Amatlán, Jardín de

San Miguel, Punta Ixtapa, Casa Quinto Sol, Casa La Cangrejera, Casa el Palmal, Casa Lagartija, Casa Papelillos, y algunas más, reflejo del amor de Diego por México reinterpretando nuestra realidad. Rocas Rojas es uno de los ejemplos más representativos donde queda manifiesto que al mexicano le complace admirar la belleza natural. La casa está ubicada en Puerto Escondido, Oaxaca, en un terreno muy singular: presentaba dos promontorios que dieron pie al desarrollo del inmueble y su forma final en semicírculo. “El sitio a mí me dicta qué hacer, tiene que ser de piedra, para no estarlo pintando, pues está muy cercano al mar. Quiero un lugar que me sirva para enmarcar el paisaje y poder disfrutarlo, no para salir en las revistas, sino para el usuario”. La residencia tiene taludes de inspiración prehispánica y un arco debajo del que es posible sentarse a admirar el horizonte que se divide entre el cielo y el mar rodeado de piedras, árboles medicinales de cuachalalates y cactáceas. “El sitio qué te ofrece, pues esta vida a 14 metros del mar, estos árboles y este lugar, y mucha piedra”. Nos comenta que no existe en el mundo otra persona que deje los aparejos tan bien como los maestros albañiles mexicanos, quienes trabajando sobre la base de un diseño dan como resultado una residencia que respira, que convive con su entorno 53

Rocas Roja, Punta Zicatela, Oaxaca, México

Casa La Cangrejera, Punta Ixtapa, Guerrero, México

—como si hiciera suya la casa— y atrapa entre cal y canto los valores y la riqueza del lugar. En todos los proyectos encontramos estupendos ejemplos, la Casa La Cangrejera, por mencionar alguna, valora la mano de obra local al hacer que la palapa de la estancia se convierta en protagonista del espacio honrando las tradiciones arquitectónicas. Taludes, arcos, claros, inmuebles que se funden con su ambiente, materiales ricos en texturas, en colores que son los que forman parte de esta arquitectura emocional de Diego que resalta las cualidades estéticas, de forma, materiales y carácter de los mexicanos. Esa arquitectura no podría replicarse, está unida a su terreno y sus condiciones particulares, resalta los cielos, la flora cambiante de cada estado de la República, las costas, el mar: “‘No hay angustia en el corazón de aquel quien contempla el mar’ es una frase que me encontré en un pueblo perdido en el norte de África, que estaba en una cueva del siglo xii. Esta filosofía me permite hacer una arquitectura con este sentido, esta manera de ser que yo tengo de enfrentar la arquitectura es lo que es profundamente mexicano, es como sentimos los mexicanos”, asegura Villaseñor.

UN NACIONALISMO EMANCIPADO ¿Por qué importar hasta la manera de pensar?, nos cuestiona ahora el arquitecto. Tenemos nuestras propias maneras y nuestras propias soluciones, funcionales, sin mexicanismos sin fundamento o nacionalismos farisaicos. Diego se encuentra en constante búsqueda, y aunque todos los arquitectos saben las reglas básicas y los fundamentos de su quehacer, pocos desarrollan una sensibilidad como Villaseñor quien ha valorado uno de los ecosistemas más bastos, una geografía envidiable y un clima inmejorable. “Cuando hice mi casa de Amatlán yo reinterpreté los cerros que la circundan y le puse tierra encima. En lugar de hacer una arquitectura muy protagonista armonicé con el lugar. De hecho mi amigo Carlos —quien me cuida mi casa— me habló y me dijo ‘arquitecto, con la novedad de que 54

enfoque

están naciendo 67 nopales en el techo’. Cuando tú le respondes a un sitio y te armonizas con él, eso es lo que te regresa”. A Diego le interesaba y le interesa el cuidado al medio ambiente, economiza y reduce la huella de carbono al tomar lo que la naturaleza le da, “utilizar lo del sitio reduce costos de transporte. Uno de los puntos de ser sustentable es qué tanto le beneficia a la comunidad la arquitectura, o sea, debes no tener emisiones de carbono, debes emplear energías renovables, tienes que usar materiales que puedan reciclarse: una casa de adobe se recicla, la tierra la regresas a la tierra”, comenta Villaseñor hablando sobre su arquitectura.

EL EJERCICIO DEL OJO Diego formó parte de una familia con sensibilidades peculiares, es hijo de una artista plástica y de un padre que gustaba de la arquitectura y le enseñó a cuestionarlo todo, a tener curiosidad, a preguntarse siempre, toda esa observación devino en un ojo analítico único, no estamos frente a un gregario, él observa el desarrollo de la arquitectura vernácula, de las soluciones de lo que Bernard Rudofsky llamó arquitectura sin arquitectos (y dejó asentado en el libro homónimo), de los modos de vivir y las necesidades resueltas, así construye sus planes maestros porque, cabe aclarar, también se observa a sí mismo y su contexto: “los pueblos del desierto, los pueblos de Yemen (todos los arquitectos deberíamos hacer una peregrinación a Yemen); los pueblos de las colinas de Italia (de hecho hay un libro que se llama Hill Towns of Italy); todos los pueblos de Andalucía, las Islas Griegas… esa es la arquitectura sin arquitectos. Esa arquitectura me impactó fuertemente, porque todo tiene una razón de ser”. De estos arquitectos sin título ni estudio, Diego ha aprendido el ingenio para integrar su casa al paisaje, para diseñar y resolver sus necesidades sin tener que destruir un cerro completo o reducir a la naturaleza a su ínfima

Casa La Cangrejera, Punta Ixtapa, Guerrero, México

expresión. Usar lo que se tiene a la mano y usarlo sabiamente. “Yo recuerdo que en la costa de Oaxaca me fui a recorrer las cocinas de las mixtecas, las zapotecas (que tienen tan buena comida). Hacen su mesa de bajareque de entre 84 y 86 centímetros de altura, porque la mexicana es chaparrita, entonces 90 les queda mal”, nos cuenta Diego entre risas. El arquitecto nos habla de las naciones a las que ha visitado, de donde ha bebido y decantado luego en su arquitectura, de las inspiraciones creadas a través de travesías, y es precisamente a fuerza de observar que se nutre el creativo. “Yo creo que hay que viajar mucho para finalmente encontrar tu lenguaje, como el pintor, como el grabador… El mundo es más grande que México. Hay cosas de otros lugares que te relacionan con lo que ves y lo que eres, y lo aprecias. Ver mucho acomoda el ojo, es como la música, es a través de la escucha que obtienes riqueza. Y México es un pueblo mestizo, yo soy ejemplo de ese mestizaje, y yo agarro de donde me conviene y de donde puedo, sea de cualquier disciplina. Creo que la parte emocional y la parte estética le hace bien al ser humano”. La esencia de la arquitectura de Diego parte de la naturaleza, de lo que está a su alrededor, por supuesto que escenarios como Los Cabos, San Miguel de Allende, Valle de Bravo, Zicatela, etcétera, son hermosos por sí solos; no obstante en la ciudad, en medio del caos también se pueden embellecer los espacios, hacerlos habitables. “Si estoy trabajando en

Yo creo que hay que viajar mucho para finalmente encontrar tu lenguaje, como el pintor, como el grabador… El mundo es más grande que México.

Casa La Lagartija, Valle de Bravo, México

Creo que la parte emocional y la parte estĂŠtica le hace bien al ser humano.

Casa La Lagartija, Valle de Bravo, MĂŠxico

La Quinta, Palm Springs, California, EUA

Yo no tengo un estilo, tengo una filosofía. Si a mí mañana me dieran una casa en órbita, haría una casa para vivir en el espacio o si fuera en la Luna, en el mar, en el desierto o en la selva… muy diferentes

la Ciudad de México, en una vecindad, trato de lograr el equilibrio al incorporar lo que ya hemos perdido. Yo creo que el hombre siempre tiene que tener contacto con la naturaleza, no creo que podamos rodearnos sólo de plástico. Tener unas plantas, aunque sea un espacio chiquito, aunque sea un balcón, aunque sea un lugar para ver el cielo. Una de las frases que retoma mi libro es: ‘Contenía todo lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero’. En las cárceles, yo no veo que haya una sola planta (debe ser uno de los mayores castigos que puedan darle al ser humano), en estos patios minerales donde no ves ni un pájaro, ni una vegetación de nada, por lo menos podrían hacerle una ventana al cielo, ver las nubes, estar en contacto con la luz”.

LA UTILIZACIÓN CULTURAL DE LOS MATERIALES Le preguntamos a Diego sobre sus preferencias arquitectónicas, sobre todo en cuanto a tipología se refiere, y contestó contundente: “es que yo no tengo un estilo, tengo una filosofía. Si a mí mañana me dieran una casa en órbita, haría una casa para vivir en el espacio o si fuera en la Luna, en el mar, en el desierto o en la selva… muy diferentes. Yo no haría la misma arquitectura. He visto a algunos colegas y superarquitectos hacer la misma arquitectura repetida, claro hay arquitecturas más flexibles que otras y embonan en diferentes lugares, pero no soy partidario de eso. Los

arquitectos que tienen un unisentido del estilo se me hace que están en un error; es como estar vestido así e igual ir a la costa que al Polo Norte. La naturaleza no lo hace así, la vegetación del Polo Norte es muy diferente a la del Amazonas, a las estepas, al desierto, y yo creo que la arquitectura tiene que responder culturalmente también”. Y sí, debajo de sus respuestas sentimos reflexión, y sentimos lo mismo al mirar su arquitectura, y nos comenta de buena gana: “Algunos se han burlado de mí porque dicen que yo cobro mucho por hacer mis diseños, que les cobro a mis clientes como ricos para enseñarlos a vivir como pobres… Y hay algo de cierto en eso, yo les enseño a mis clientes a andar descalzos (les hago pisos que no se calientan), que se tumben en una hamaca [con arquitectura de ventilación cruzada], que se metan a la arena [con residencias en contacto con la naturaleza], etcétera…”. Nuestra plática giró alrededor de la vida, a la filosofía del no-control, como lo llama Diego, a valorar las técnicas bien realizadas sin discriminar su procedencia, convirtiéndolo a él en un arquitecto estimulador que usa sus recursos como un medio para que las cosas sucedan. Una arquitectura donde desaparece el arquitecto y reaparece el usuario, y reaparece la naturaleza y, finalmente, reaparece la emoción. www.dva.com.mx 57

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BREVE HISTORIA DEL ITALIANO SEGUNDA PARTE

Texto Fortunato D’Amico Traducción Massimo Barzizza

Tube Chair de Joe Colombo

mediados del siglo xx, la fiebre de la creatividad parecía haber contagiado a toda Italia. Bruno Munari estaba seguro de que aplicando métodos, actividades y ejercicios constantes —y apoyándose en el estudio de sus imprescindibles manuales— era posible capacitar a todos en el Arte Programado. La imaginación, la difusión de la cultura de la educación visual y del diseño y la creatividad eran consideradas competencias que podían ser adquiridas mediante la práctica de una visión crítica hacia los objetos, su función, su producción y su colocación en el conjunto de las relaciones en las que estaban involucrados. Sus inventos, incluyendo las Esculturas para viajar, las lámparas Aconà biconbì y Falkland, las Nueve esferas en columna, la serie Cóncavo-convexo, la Estructura continua y las Máquinas inútiles, son hitos de un proceso cognitivo básico emprendido por los diseñadores italianos, dirigidos por los estudios y las enseñanzas de Munari. Entre ellos, es importante señalar a Enzo Mari, quien introdujo la idea de involucrar a los usuarios, convirtiéndolos

en partners del proceso del diseño, liberándolos del papel de consumidores pasivos y transformándolos en actores participativos del proceso de toma de decisiones. El bienestar, la cultura y la educación para todos eran el hilo conductor que impulsaba a millones de personas a emigrar de los pueblos rurales hacia las grandes ciudades del norte —Milán, Turín y Génova—, donde se concentraban las industrias y las instalaciones comerciales. El televisor se convirtió en el aparato más apreciado en las compras para el hogar. Marco Zanuso diseñó algunos de los pilares del diseño industrial italiano en esta línea de productos, incluyendo los modelos Doney14 y Algon. Lo mismo hicieron Franco Albini, Franca Helg, Richard Sapper, Mario Bellini y Achille Castiglioni para la marca Brionvega. En las casas modernas no podían faltar lámparas, sillones, teléfonos, refrigeradores, estufas, lavadoras, camas, armarios, vajillas, sillas, sofás y libreros, objetos en los que el diseñador Joe Colombo se especializó, estudiándolos a fondo en su corta, pero intensa actividad profesional, en particular entre 1960 y 1971, año en que falleció.

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Entre las creaciones de Colombo, verdaderas obras maestras, resaltan la microcucina Carrellone, el Rotoliving, la cama convertible, el asiento modular Tube Chair, el sistema de almacenamiento portátil (1969) y el Total Furnishing Unit (1971). Los movimientos sociales que durante el periodo 1968-1979 sacudieron a la península italiana dieron lugar a la formación de una cultura alternativa, que se oponía a la sociedad de los bienes materiales, del consumismo y de los valores competitivos propuestos por el sistema. Durante esa década, la controversia se extendió incluso al campo del diseño, exigiendo la revisión de su función en el contexto general de las transformaciones, dando voz a las necesidades de una generación que había crecido durante la etapa de reconstrucción de la posguerra, que ya para entonces había concluido. En la xiv Trienal de Milán de 1968 se exhibieron las obras del “Diseño radical” (Radical design). Entre los protagonistas de la exposición estuvieron Ufo, Archizoom Associati, Ugo La Pietra, Franco Raggi y Gaetano Pesce, que expusieron con 30 años de anticipación temas que ahora son de gran actualidad. El movimiento se oponía al concepto de diseño de productos, proponiendo el “anti-diseño” y deconstruyendo los métodos y las funciones disciplinarias, de los cuales repudiaba el proceso. En la década de 1965 a 1975, con la aparición de las contradicciones sociales, se abrió un debate difícil, a menudo extremo, que se extendería durante los siguientes quince años. En 1972 el moma de Nueva York presentó la exposición "Italia, el nuevo paisaje doméstico" (Italy - The New Domestic Landscape), curada por Emilio Ambasz, que marcó el comienzo de la reputación del Made in Italy. Entre los participantes estuvieron Vico Magistretti, Ettore Sottsass, Paolo Lomazzi, Joe Colombo, Andrea Branzi, Giulio Castelli, Gae Aulenti, Mario Bellini, Rosselli, Marco Zanuso, Richard Sapper, Gaetano Pesce, Ugo La Pietra, Giorgio Ceretti, Piero Derossi, Riccardo Rosso, Alberto Salvati y Ambrogio Tresoldi, Piero Gatti, Cesare Paolini, Franco Teodoro, Cini Boeri y Gianfranco Masi. Y llegamos así a la época del posmodernismo, movimiento fundado y teorizado por el historiador romano Paolo

Edición de la exposición de diseño italiano en el moma

Radio de Achille Castiglioni

Bruno Munari

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Shoes, books and bike de Andrea Branzi

“El teatro del mundo” de Aldo Rossi

Aspiradora de Achille Castiglioni

Portoghesi y presentado al público en 1980, cuando fue curador de la primera Bienal de Arquitectura de Venecia. “El Teatro del Mundo” de Aldo Rossi, una instalación flotante en la laguna de Venecia, se convirtió en el icono del cambio cultural expresado en ese evento. Fueron años en los que el Grupo Memphis de Alessandro Mendini y el grupo Alquimia de Ettore Sottsass criticaron el racionalismo y propusieron reconsiderar el diseño regresando a un “pensamiento sentimental”, como lo describió Mendini en el manifiesto de Alquimia de 1984. Sus objetos, coloridos y diferentes presentaban reflexiones críticas con respecto a la normalización que prevalecía, y estimulaban procesos de contaminación de las temáticas de la industria, de los negocios, de la tecnología de la información, así como de nuevos y viejos materiales. Enfatizaban la estética y el arte, pidiendo que los procesos creativos asumiesen valores profundos para recuperar la intimidad y la poesía. La creciente difusión del “mito de diseño” y la celebración de sus protagonistas fue, en cambio, la respuesta de los departamentos corporativos de mercadotecnia a las reformas propuestas por los diseñadores en lo relativo al modelo productivo. El crecimiento del Made in Italy, durante este largo periodo hasta llegar a 2010, se caracterizó por la gran difusión de revistas especializadas dedicadas al diseño de interiores y por el crecimiento de la audiencia objetivo, que empezó a alcanzar sectores más amplios de la población. Zanotta, Driade, Alessi, Danese, Artemide, Kartell, Ideal Standard, Flou, Alessi, Fontana Arte, B&B, Boffi, Cassina, Flos y Castelli son algunas de las marcas que mejor describen y demuestran el auge y el interés general del público por el diseño. Alrededor de la Feria Internacional del Mueble, la exposición anual que se lleva a cabo en abril en Milán, nació en 1990 el Fuorisalone, también conocido como la Semana del Diseño de Milán (Milan Design Week). El interés cultural por esta iniciativa, impulsada por la espontaneidad, la participación de los interesados y los acontecimientos que animan a la ciudad durante el inicio de la primavera,

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Ciceron elettronico de Ugo la Pietra

han hecho de esta muestra el sitio con más afluencia de arquitectos, diseñadores y estudiantes de todo el mundo. Aldo Rossi, Luca Meda, Enzo Mari, Antonio Citterio, Piero Lissoni, Stefano Giovannoni, Michele de Lucchi, Denis Santachiara, Aldo Cibic y Andrea Branzi, se han convertido en un icono de un sistema en el que la comunicación corporativa se transforma en una función extrema. La crisis económica internacional, que afectó a Europa a partir del 2010, junto con la internacionalización de los territorios, ha puesto el énfasis en las tareas que el diseño de los artefactos debe desempeñar en este tercer milenio, en función del cambio global y de las responsabilidades objetivas del diseño y de los diseñadores. El fin de la civilización del petróleo, los temas relacionados con el medio ambiente y la energía, las grandes migraciones que han caracterizado la vida del viejo continente desde 1992, la aparición en los mercados de las superpotencias orientales y, recientemente, de América Latina, el inicio de una tercera fase del capitalismo moderno, el principio pragmático de pensar globalmente y actuar localmente, la transición de una economía

Swing de Denis Santachiara

del beneficio a una sustentable y el bienestar generalizado animan en los últimos años los debates en las universidades, en las escuelas de formación profesional y en los foros públicos, sentando las bases para nuevas consideraciones hacia la construcción de la civilización de este siglo. Enfocar las actividades productivas al saneamiento del equilibrio armonioso entre la naturaleza y la tecnología, establecer una verdadera participación democrática de los ciudadanos en los procesos de cambio y promover las diferencias culturales y la interdisciplinaridad para convertirlas en el verdadero motor de la innovación, son los valores y los objetivos que el diseño occidental tiene el deber y la tarea de promover, incluso en los países emergentes. La disciplina del diseño hoy tiene la oportunidad y el deber de reparar los desastres y los estragos perpetrados por el hombre en perjuicio de la propia humanidad y de la naturaleza a partir de la revolución industrial. Esto puede lograrse sólo asumiendo la responsabilidad y el compromiso de construir y poner en práctica nuevas visiones de un futuro inminente verdaderamente sostenible.

Mesa para Porro de Piero Lissoni

*Fortunato d’amico

es un importante crítico italiano quien es curador de la fundación pistoletto y promotor del premio internacional dedalo minosse ala committenza di architettura y del vergilius d’oro de mantua.

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HUMBERTO CAMPANA EL D IÁLO G O S IN D ES ECHO

Luego de intentarlo en Milán, Ciudad de México y París, fue en Miami que nos sentamos a charlar con Humberto Campana para conversar brevemente acerca de cómo crea a partir de los materiales que tiene a su alcance. Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro  Fotografía cortesía Campana

acido en 1953, en Rio Claro, São Paulo, Brasil, Humberto era un niño que vivía en una pequeña ciudad alejada de los centros culturales, por lo que comenzó a recolectar y revalorar todos aquellos objetos desechados que se encontraba. "Cuando era pequeño, justo por esta condición remota del lugar donde vivíamos, la reutilización de objetos era parte de nuestra vida diaria, ¿sabes? Madera para las rejas, latas... de hecho yo hacía mis propios juguetes y rechazaba los juguetes eléctricos que mi padre me compraba; estaba acostumbrado a hacer los míos: juguetes de bambú, de plásticos. Mi abuela no tiraba las latas de aluminio, plantaba semillas en ellas. Esto fue parte de mi formación, era parte de mi herencia familiar, y el comienzo de mi labor de diseño se dio porque no teníamos los medios y necesité hacer alguna cosa". Luego de una larga historia como abogado de la Universidad de São Paulo, decidió abandonar la profesión para dedicarse de lleno al diseño —que nunca dejó de practicar aunque no de tiempo completo—, y comenzó a crear muebles junto con su hermano. "Solíamos utilizar materiales que ya estaban en el mercado y que incluso eran recuperados de algún lugar. Esto se convirtió en un sello distintivo de los Campana, y en esa época ya había gente publicando y, bueno, eso nos hizo estar más conscientes de lo que hacíamos… y así comenzó nuestro camino. Esa fue la forma en que inicié esta vida de diseñador. Una de las cosas que de verdad me encantan son los materiales, ¿sabes? Me retan a darle otro vistazo y darle movilidad, para mí eso es muy importante". Ya cómodamente instalado en el mundo del diseño y con un prestigio creciente, en 1998 le ofrecieron trabajo como instructor de Diseño industrial para la Fundación Armando Alvares Penteado (faap) de São Paulo y luego cubrió una plaza en el Museo Brasilero de Escultura (mube) de 1999 a 2000, ahí mismo. "Digamos que a lo largo de 30 años, nuestro trabajo se puede dividir en varias colecciones. Muchos creativos trabajan con materiales nuevos y crean cosas hermosas, pero los materiales ya eran hermosos desde el inicio. Nosotros primero trabajamos con el hierro, luego el cartón, de ahí pasamos al plástico de burbuja... estos materiales dieron origen a cada una de las colecciones que creamos. Fueron los materiales, los que nos llevaron a desarrollar nuestro diseño", concluye Humberto.

www.campanas.com.br

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COVADONGA HERNÁNDEZ C OM U N ICACIÓ N SI N PA L A BRAS

Bocetar a mano para dejar fluir sus ideas, su sensibilidad y ordenar la creatividad es el primer paso creativo de Covadonga Hernández, una diseñadora que se ha dedicado a observar y crear un universo de texturas, colores y materiales para enriquecer sus propuestas. Texto Lorena Riquelme Fotografía cortesía MarqCó

ovadonga Hernández es una de las fundadoras de la firma MarqCó de interiorismo, se trata de una mujer joven con una experiencia de 20 años en el mercado y que ha logrado construir una sólida reputación como arquitecta de interiores. Las cosas nunca suelen ser fáciles, así nos lo cuenta ella. “Te puedo decir que ha sido un camino lleno de retos. La pasión que siento por mi trabajo, así como el esfuerzo, la dedicación y la entrega que pongo en cada cosa que realizo me ha llevado a cumplir muchos de mis sueños. Estoy convencida de que la base del éxito es hacer lo que te gusta y buscar la perfección en todo lo que proyectas. También es claro que durante el camino hay momentos mejores y peores, pero todo para mí es un aprendizaje que me impulsa a seguir cada día hacia delante”. Covadonga desde niña mostró un gusto particular por las artes, el dibujo, que finalmente devino en diseño. Concebir espacios, transformarlos, ser parte del proceso de producción del mobiliario... “así nació la idea de crear la firma MarqCó, con la clara misión de hacer un interiorismo con innovación y calidad. Ofrecer una propuesta única y personalizada, para crear espacios armoniosos, elegantes, confortables y estéticos”. Y en cuanto a las inclinaciones del diseño actual, Covadonga nos cuenta que “a nivel mundial se observa una tendencia por promover las culturas locales, mediante propuestas basadas en elementos propios y únicos de cada país. Nosotros creamos líneas y diseños atemporales, con un bagaje cultural muy fuerte interpretado de una manera contemporánea. El uso de materiales reciclados o naturales adaptados al ambiente del inmueble es básico. El verdadero lujo está en los materiales y en la forma de presentarlos; no perseguir modas ni líneas caprichosas, poner especial atención en los detalles y las texturas para lograr objetos y ambientes únicos y con personalidad propia”. Estar actualizado no necesariamente requiere una gran inversión, asegura Covadonga, basta cambiar algunos colores y texturas para

transformar tu espacio. “Hay muchos estilos que marcan tendencia, como por ejemplo, el estilo vintage, industrial, minimalista, y lo más interesante es mezclarlos logrando un estilo ecléctico y atemporal”. El secreto de esta diseñadora radica en “analizar la personalidad única de cada cliente y sus necesidades. Conjuntar mi creatividad con el gusto distinto de cada persona es lo que hace cada proyecto único, en el que siempre busco que quede mi huella estampada en cada elemento. Construir un espacio a la medida va más allá de colocar muebles, es plasmar la intimidad de los habitantes, imaginar a las personas viviendo cada espacio, disfrutando cada detalle...”.

Nos platicó también del gremio interiorista de México, una mezcla de arte, tradición, modernidad y diseño, muchas firmas importantes radican en nuestro país pero sí existe un área de oportunidad: “El diseño nacional no carece de identidad, sino de difusión y de habilidades comerciales. El interiorista debe dejar de verse a sí mismo como artista. Las firmas de interiorismo se ven obligadas, cada vez más, a profesionalizarse, investigar, administrar proyectos y desarrollar o implementar nuevas tecnologías”.

www.marqco.com 63

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YVES BÉHAR

U N A T E CN O LO GÍ A MÁS HU MA N I Z ADA En un mundo de rápida expansión tecnológica, Béhar no se mantiene al tanto de las tendencias, él ha hecho que la innovación y la creación de nuevos conceptos para la sustentabilidad y el bien común sean el objetivo central de su carrera. Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografía José Ramón Blasco

ijo de inmigrantes, nacido en Lausanne, Suiza, en 1967 salió con rumbo a California para estudiar y graduarse como licenciado en Diseño industrial, en el Art Center College of Design. A partir de entonces, su carrera estuvo muy ligada a Silicon Valley y se desempeñó como líder de los equipos de diseño de identidad de producto para empresas como Apple, hp y Silicon Graphics. En una plática que sostuvimos con él, en el marco del Design Miami 2015 donde fue reconocido con el Design Visionary Award de Panerai, nos contó cómo fue que lo habían invitado, todo surgió desde su participación en la London Design Week. "Fue hace un par de meses —comenzó—. A partir de las conversaciones se nos ocurrió desarrollar una narrativa que resultara contemporánea partiendo de los diseños históricos que se están presentando aquí. Y como uno de los rubros importantes, yo fui comisionado para mostrar el área del diseño social, humanitario y sustentable. Así de muchas maneras espero que el trabajo que estamos construyendo aquí, en este momento, se convierta en los artefactos que en el futuro, dentro de 50 u 80 años, las personas vean al mismo nivel que el de

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los proyectos sociales de Le Corbusier. Una de mis grandes preocupaciones es la manera en que tanta tecnología parece estar deshumanizando nuestras interacciones. Controlamos la información y nuestro entorno a partir de pantallas… Y las pantallas pueden ser distractoras porque cada vez que las vemos no vemos el mundo ni a la persona con la que estás platicando. Por eso creo que la interfaz con la que trabajamos y controlamos nuestra información se hará aún más invisible, menos acerca de la pantalla de control y más acerca de las señales: la voz, las vibraciones, los sonidos; más acerca de las otras señales que existen que pueden transmitir información y darnos control sobre ellas. A eso llamo yo ‘la interfaz no visible’ y estoy convencido de que es el futuro de la tecnología que nos acompañará a vivir nuestras vidas. Más integrada, menos disruptiva, más dinámica, natural y, sobre todo, humana". Quisimos preguntarle cuándo se dio cuenta de que el diseño podía iniciar una revolución de la consciencia social. Yves no lo duda y nos comenta: "en mi caso, siempre fue así. Cuando era joven vivía en Lausanne —que está muy cerca de Ginebra y ahí están las Naciones Unidas, la Cruz Roja—, estaba en contacto con temas sociales. Además, yo siempre he pensado que la vida del diseñador no es sólo acerca de un único propósito, no se trata sólo de hacer dinero o de crear una tendencia. Ser un diseñador, diseñar, siempre ha sido cambiar el mundo. De hecho, mi lema es ‘el diseño acelera la adopción de nuevas ideas’. Como diseñadores tenemos la responsabilidad de elegir cuáles son las ideas más importantes. Son decisiones simples, pero de implicaciones enormes porque para nosotros querer cambiar el mundo es algo que nos viene natural. El cambio en cómo el público se relaciona con el diseño se ha vuelto un elemento crítico para que cualquier negocio o propuesta social tenga éxito. La empresa más exitosa del mundo, Apple, puso el diseño en el centro de sus objetivos de negocio. Invertir en diseño es la llave para lograr presencia entre los consumidores. De hecho, si se piensa que el diseño no es necesario para una empresa, es probable que dicha empresa no exista en el futuro", concluyó.

www.fuseproject.com 65

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PHILIPPE NIGRO

EL A RT E D E CR E AR N U EVAS PI ED RAS PRECIOSAS

Un rostro usual para nosotros y los demás asistentes de las grandes ferias de diseño alrededor del mundo, es el de Philippe Nigro en Miami, quien en esta ocasión nos platicó acerca de la idea y el proceso detrás de su más reciente trabajo. Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografía cortesía Philippe Nigro

hilippe forma parte del grupo de los diseñadores cercanos a Glocal, por lo que al encontrárnoslo en uno de tantos escaparates del buen diseño no perdemos oportunidad de hablar, esta vez nos centramos en su colaboración con Artsy: "La relación comenzó en 2008, cuando trabajaba en el estudio de Le Lucci, realizando proyectos para Dezeen Gallery, y se estableció el contacto cuando nos encontramos en Milán. Se mantuvo el vínculo y siempre tuvieron el interés de que hiciera algo para ellos. Yo no sabía bien qué hacer, dado que siempre había trabajado más con fabricantes que con galerías de piezas exclusivas. La verdad fue un poco difícil comprender qué era lo que yo podía hacer para ellos y de ahí me hicieron la propuesta de que pensara en algo con piedra. Para mí fue muy interesante utilizar este 66

material. Así que comencé a bocetar y me llegó esta idea de intersecciones, y yuxtaposición de formas y colores. A partir de su idea —y porque me gustó trabajar estos materiales por su gracia y color—, la propuesta dada era diseñar algo para sentarse, parecido a una banca para interior o exterior, y pues tenemos la banca y una mesita de café. El proceso fue muy rápido porque hice los bocetos y armé el proyecto entre julio y agosto; luego comenzamos a producirlo en septiembre con un fabricante en Italia, de Verona. Es un gran artesano y en cosa de dos o tres meses, estaba la pieza lista. Mi idea principal era trabajar con la ilusión óptica del encuentro de colores. Así que Damiano, uno de los maestros talladores, me mostró diferentes mármoles y colores, y lo más interesante es que cada elemento viene de un país distinto: Egipto, Túnez, Irán e Italia,

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por supuesto. La otra parte es de piedra volcánica, la cual es la misma piedra en una sola pieza, pero con tres terminados distintos que es lo que da esos tres diferentes colores que presenta. Tiene una capa protectora muy delgada para que no queden manchas en la superficie que es muy frágil, pero no está tratada con muchos químicos. Se trata de un efecto inherente al material, que además resulta placentero al tacto. Se hizo así porque si se le deja al natural, resulta muy difícil de limpiar y es muy frágil. Ahora debo agregar que no conozco bien este mercado, pero sé que la pieza es costosa porque se trata de materiales caros, la técnica empleada es de costos altos, así que es para un mercado muy especial compuesto de personas apasionadas del diseño y, por supuesto… con mucho

dinero. Es interesante para mí porque, como diseñador, tienes que poner mucha atención en los costos del objeto que estás desarrollando, de acuerdo con la industria y la manera en que se llevará a cabo la producción. En este caso se trata de una serie muy limitada, e incluso podrían ser piezas únicas, y entonces se me otorgaron más libertades y pude hacer cosas más locas, como mi banca, porque lo que importa es que el producto final sea la obra que quieres presentarle a los clientes potenciales. Además, esto alimentó mi creatividad para llevar otros proyectos menos exclusivos, pero igual de interesantes, para mostrarlos a la industria”. www.philippenigro.com 67

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FERNANDO LAPOSSE DI S EÑ O : L A REIN T E R P R E TACI Ó N DE L CO T ID IAN O

Glocal Design Magazine tuvo oportunidad de platicar con Fernando Laposse, uno de los diseñadores mexicanos con aptitudes y actitudes empíricas poco comunes entre sus contemporáneos pues partiendo del diseño experimenta, cuida el medio ambiente y cuestiona el consumismo desmedido. Texto Janine Porras Fotografía cortesía Fernando Laposse

ernado Laposse es un joven diseñador que ha sido formado en la University of the Arts London, quien una vez que emprendió su trabajo creativo también inició un camino de análisis de los materiales, reencontrándose con sus raíces y poniéndolas a prueba bajo el escrutinio del diseño. “Todo empezó con mis proyectos de azúcar, esa experimentación comenzó con la frustración de no poder trabajar con vidrio real. Al estar en Londres, y en Europa, me di cuenta que das por sentadas algunas cosas viviendo en México: contratar a un soplador de vidrio para que te haga prototipos es carísimo. Así yo empecé a buscar un sustituto, algo que pareciera y se comportara como el vidrio, que se pudiera fotografiar para que yo tuviera un registro visual”, nos comenta Fernando. En cinematografía el azúcar ha sido utilizado para crear objetos que parecen de vidrio que pueden usarse en escenas de acción sin poner en peligro a los actores; en Francia, por otro lado, se realizan esculturas con azúcar —una nación cercana al creativo porque su papá es ciudadano francés—, así el paso siguiente natural para Fernando fue crear unos vasos de azúcar, Sugar Glass, inspirados en el arte realizado en Murano. Generar piezas de azúcar le tomó tiempo al diseñador, quien inicialmente quiso recrear la técnica del soplado, pero los resultados no eran exactos. Todo el proceso estuvo sometido a prueba y error hasta dar con el método adecuado. Fernando se ha autoencaminado hacia una ruta poco transitada por la mayoría de los diseñadores. A él le gusta aprender en el trayecto, probar la materialidad de ciertos elementos ampliamente usados pero no en diseño, así modifica su cotidianidad y empleo dilatando sus límites, transgrediéndolos. “Esto me ha impulsado a mezclar varias disciplinas: diseño con la comida; la fotografía y el video,

donde el proceso es parte central y el enfoque principal del proyecto. Eso justifica la apariencia final del objeto”, comenta Fernando. Este diseñador que tiene más de 10 exposiciones en su carrera se siente profundamente orgulloso de su país, la última ocasión que nos visitó acababa de terminar una residencia en el Centro de las Artes de San Agustín, Oaxaca, donde el requisito principal era saber mezclar arte, diseño y comida, una temática cercana a Fernando. “Mis pasos iniciales fueron volver a informarme sobre mi propia cultura, estuve yendo con un grupo de mujeres a las cinco de la mañana, todos los días a moler el maíz. Al principio fue un periodo de búsqueda e información. Me inspiraron mucho las piedras del molino, objetos esculturales impresionantes por sí mismos”, reflexiona. La propuesta surgida de este acercamiento al maíz, el nixtamal y la comida fue un tapiz realizado en totomoxtle, su textura y su color permitió crear un panel con diferentes patrones cortados con láser que dio como resultado una superficie continua que exhibe las variedades en color, veta y fibra del material. En esta nueva propuesta exhibida en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca estuvo presente el molino, el metate y la mazorca,

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pero también la crítica sobre el maíz transgénico y el riesgo de perder las múltiples variedades nativas de nuestro país. “Me encanta venir a México por inspiración visual. Tú puedes tener el mejor diseño de Europa en la punta de los dedos, pero eso no es lo que me inspira, me estimula mucho más ir al mercado, ver una artesanía y clavarme en los procesos de cómo se hacen las cosas. La ventaja que me ha dado Europa es el acabado y querer hacer bien las cosas, el nivel de atención al detalle. Hay ciertas cosas que son inaceptables, no podrías presentar algo que no esté bien tanto por el cliente como por el artesano, eso me ha servido para definir mis estándares. Si va a ser una imperfección, va a ser una imperfección controlada y justificada.”, comenta Fernando. En The London Design Festival el creativo presentó un proyecto sobre el proceso de saponificación, es decir,

la transformación de las grasas en jabón a través de sosa cáustica. El diseñador aún no termina de desarrollar este proyecto que exhibe varias preocupaciones: la reutilización y el reciclaje de elementos que podrían considerarse como desperdicio, el replanteamiento sobre los procesos que hemos olvidado como sociedad industrializada y la observación de nuestros comportamientos consumistas. Entonces, las grasas mezcladas con minerales, arcillas y algunos otros ingredientes como el caolín dan lugar a bloques de jabón parecidos a piedras que a través de un torno se pueden transformar en objetos que, a su vez, incitan al espectador a interactuar con ellos, devastarlos e incluso llevarse un pedazo de aquellas piezas. Fernando Laposse estará presente en Milán en abril con una exposición que continua explorando lo que la creación de jabón inició.

www.fernandolaposse.com 69

RITSUE MISHIMA

L A B E L L E Z A D E LO I N VI S I BLE

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Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografía cortesía Ritsue Mishima

on más de 28 muestras individuales y 21 colectivas, 2 premios internacionales, 6 colecciones públicas, Mishima no para de asombrar al mundo, ofreciéndonos gotas de frágil eternidad en cada una de sus obras. Ritsue Mishima es escultora y diseñadora en vidrio, así sin más. Nació en el año de 1962 en Kyoto, Japón y siempre ha mantenido un sello particular e inconfundible: formas naturales y de total transparencia, sin color... para capturar y amplificar la pureza y la luminosidad del mundo a su alrededor. Nuestra directora tuvo la oportunidad de sentarse a conversar con esta mujer tan sencilla y tan brillante como cada una de sus obras. Sabiendo que apenas cumplía un año de su colaboración con PerrierJouët, quisimos saber cómo había sido el proceso para llevar a cabo su participación. Ritsue, con una amplia sonrisa y una mirada tranquila, nos respondió: "Todo empezó en una junta luego de que nos encontramos en Maison&Objet, porque me invitaron a asistir ese año. Entre paseos por las exhibiciones y copas de champagne se fue formulando la dinámica que culminó en la propuesta para colaborar. Como puedes ver, las burbujas de aquel champagne están presentes en las piezas porque su imagen comenzó a crecer en mi mente y una idea siguió a otra, hasta que logré una conexión instantánea con las burbujas y el flujo de mi trabajo hasta ese momento. Una unión entre el sentido, la sensación y el objetivo de la obra fue lo que dio pie a esta creación". Una de las cosas que más contribuye a su mística como creadora, es que no sigue la tradición artística japonesa como la mayoría quisiera creerlo. "Me comentan mucho sobre esto en mis viajes, pero la verdad es que no hay mucho de procesos tradicionales japoneses en mi obra. No obstante, sí hago hincapié en darle mucha importancia a las cosas invisibles, las emociones, lo que sienten las personas, el proceso mental de los maestros vidrieros al involucrase con el material. Todo es invisible, pero le tengo mucho respeto a los individuos y lo plasmo en el concepto hasta lograr la pieza ideada. Así que esa parte sí podría venir de mi herencia japonesa. Ese respeto por la persona, por la humanidad entera, porque el proceso involucra a muchos individuos, se lleva mucho tiempo, pero mi intención es que lo puedan disfrutar todas las personas". www.ritsuemishima.com 71

DESIGN MIAMI /BASEL MIAMI

Design Miami se ha convertido en un foro del diseño que atrae tanto a coleccionistas, corredores de arte, como diseñadores, curadores y críticos de todo el mundo para observar este punto que hoy ha unido esfuerzos con Basel Miami para mostrar piezas funcionales, estéticas y creativas. El cuidado que presenta esta plataforma en sus expositores exige una calidad de museo en las piezas exhibidas, sin olvidar, por supuesto, que la feria tiene fines comerciales donde se pueden fundar colaboraciones entre diseñadores, instituciones, arquitectura, así como entre arte, moda y diseño. A continuación, un guiño de lo que Glocal Design Magazine observó el pasado diciembre. Texto Greta Arcila Fotografía cortesía de las marcas y galerías

Pabellón unbuilt: Design Miami de Joanne Cheung, Jenny Shen, Steven Meyer, Doug Harsevoort, and Yiliu Shen-Burke/ Harvard gsd

i existe una ciudad en Estados Unidos que esté viviendo un apogeo en lo que se refiere al diseño es Miami. Su privilegiada posición geográfica y el segundo aire que trajo consigo la ola inmobiliaria, ha dotado a Florida de un resplandor antes inimaginable. Los desarrollos construidos por el Star system de la arquitectura demandaron imperiosamente un alto diseño para los espacios interiores y, por ende, llegaron las grandes firmas de diseño, las galerías de arte y claro esto logró que los nuevos coleccionistas —con sus impresionantes fortunas en mano—, crearan un mercado tan boyante que sólo viéndolo se cree posible. Lo anterior ha sido factible gracias a que el latino —culturalmente hablando— está más dispuesto a mostrar el arte que adquiere, no conoce el low profile, pues prefiere vivir bien el momento y estar rodeado de cosas bellas. Sin ir más lejos, en el estacionamiento de Design Miami vi más Lamborghinis y Rolls Royce que en vía Monte Napoleone en Milán en tiempos de Salone, siendo que la semana del diseño en Milán es más noble con la ciudad (económicamente hablando) que la semana de la moda.

Aluminum Gradient de Joris Laarman Lab / Países Bajos

Propuesta de Galería vivd / Rotterdam 73

Propuesta de Galería Friedman Benda / Nueva York

Sofá Cangaço de los hermanos Campana / Brasil 74

Yo no lo hubiera pensado hace 10 años cuando comenzó Design Miami, eran otros tiempos y aún no se veía al diseño tan cercano al arte; por ejemplo, el coleccionismo de diseño lo practicaban unos pocos, entre ellos arquitectos, artistas y amantes de estas disciplinas. La acertada decisión y oportunidad de reunir Art Basel con esta muestra abrió un campo importante para el consumo de objetos antes sólo considerados como antigüedades. Mirando en retrospectiva, apenas un siglo atrás el mobiliario era denominado, si contaba con suerte, como arte decorativo, y justo esta última palabra fue la que, con el tiempo, le restó mérito a piezas históricas y de gran valor inclusive para la humanidad. Pero hoy la historia se interpreta desde una perspectiva diferente, porque el diseño industrial engloba objetos útiles que deben elevar la calidad de vida del usuario, y la palabra industrial lleva implícita una producción pensada para las grandes masas; sin embargo, cuando es sacado de ese contexto y se crean piezas ex profeso para un espacio, para una colección y con materiales especiales o con producciones cortas, cambia la apreciación y, claro, también el valor pues generalmente son hechas con una factura impecable. ¿Y en dónde más está la oportunidad para el diseño cuando comparte escenario con el arte? Afortunada o

Galería Seomi International Contemporary Design/Art / Los Angeles

desafortunadamente los últimos ejemplos de arte conceptual no son de fácil lectura, y menos aún se comprende por qué pagar millones de pesos por una caja de zapatos. Y aclaro, mi formación como historiadora del arte no me impide declararme poco gustosa de ciertas expresiones y menos aún gastaría cantidades insulsas por un pincelazo de casualidad aplaudido por la crítica. Que dicho sea de paso, ésta en ocasiones se vuelve mera gonorrea verbal que termina por hacer aún más complicado el discernimiento del arte. Así, pues, los coleccionistas que asistieron a Art Basel no comprenden por qué invertir 200 mil dólares en una pieza que no ven dentro de su casa o de su colección, pero si se cruzaron la calle para entrar a Design Miami fueron recibidos con una bocanada de aire fresco. Ahí se encontraron con piezas en donde el lujo de los buenos materiales se desbordaban por cada centímetro cuadrado, y con esto no nos referimos al material exuberante, pero sí en el que se entiende y habla por sí sólo como lo es el buen diseño. Y ya entrando en materia, en lo personal, Design Miami fue una experiencia muy particular. Al llegar, antes de terminar mi registro, fui recibida por el agente de Yves Béhar pues teníamos pactada una plática con él, ya que este año fue nombrado por los organizadores y por la casa de relojes Panerai, como The Visionary of the Year. Hablar con quien (a mí parecer) es uno de los genios del diseño de estos tiempos fue muy inspirador. Béhar es bien conocido por su entendimiento del marketing empresarial aplicado al diseño, pero sobre todo por su

constante colaboración con proyectos que realmente dejan algo a la sociedad —motivo por el cual le otorgaron ese nombramiento—, como su proyecto de lentes para niños mexicanos de escasos recursos llamado Ver bien para aprender mejor (se entregan 500 pares de lentes con prescripción médica cada año); el programa One Laptop per Child (que ha donado, a la fecha tres millones de computadoras en diversos países en vías de desarrollo); y su último gran proyecto social, Spring, que ha llevado a cabo con Nike Foundation, usaid, ukaid, se trata de un programa piloto acelerador de negocios, con base en África del este, que provee financiamiento así como mentores de primera clase y apoyo técnico

Volu Dining Pavilion de Zaha Hadid y Patrik Schumacher / Revolution Precrafted Properties / 75

design miami

Propuesta de GalerĂa Secondome / Roma

Propuesta de GalerĂa R & Company / Nueva York

design miami

Propuesta de Galería Patrick Parrish / Nueva York

Afterimage of beginning 015-449 de Byung Hoon Choi, galería Friedman Benda / Nueva York

especializado para incrementar la calidad de vida de mujeres adolescentes. Para Béhar, el diseño es el arma más poderosa para cambiar esta sociedad ¿por qué? Porque es una disciplina que bien aplicada siempre mejorará la comunidad que la aloja. El diseñador, quien ha trabajo con firmas como Herman Miller, General Electric, Puma, PayPal, SodaStream, Samsung, Issey Miyake, entre muchas otras, es un lector del hoy enganchado con el mañana. Sí, aplica sus conocimientos para trabajar con materiales que no afecten al medio ambiente al tiempo que busca una alianza con la tecnología de punta. Su estética también nos habla de la sencillez con la que mira el mundo: vivir al máximo con lo mínimo indispensable. Considera que a la naturaleza sólo se le puede comprender si se le habla directamente; su alianza con ella la vive día a día pues por las tardes surfea las costas de San Francisco. Béhar es el fundador de Fuse Project y, para muchos diseñadores de las nuevas generaciones, el modelo a seguir pues sus famosas alianzas con las empresas logran tener una gran influencia en el mundo, además de que está empapado por un deseo de cambio que realiza a través del diseño. ¿Podrá? La historia lo dirá.

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xiste una versión que indica que el término restaurante provino del slogan de una antigua casa de comida francesa, en ella se podía leer: “Venite ad me vos qui stomacho laboratis et ego restaurabo vos” —‘Veníd a mí todos los de estómago cansado y yo os lo restauraré’—, si bien puede tratarse de una historia romántica en torno al origen de la palabra restaurante, engloba mucho de lo que intentamos ejemplificar con la selección contenida en las siguientes páginas. Para este especial de restaurantes deseamos contribuir con una muestra de lugares bien amalgamados en el arte de restaurar al espíritu a través de la comida y también a través de la pupila, puesto que las experiencias sensoriales cada día se han vuelto más complejas y satisfactorias para el ser humano. La selección incluye restaurantes de diferentes latitudes, aunque la mayoría insertados en el contexto mexicano puesto que en materia gastronómica como México no hay dos, para ello basta considerar la cantidad de tradiciones que incluyen como parte primordial la comida y la bebida, cualquier pretexto es perfecto para degustar un buen platillo en un buen lugar, en resumen se trata del arte del buen vivir mexicano.

BÉSAME MUCHO RICARDO CASAS DESIGN | MILÁN, ITALIA Texto Jaime Contreras Fotografía María Salvi, cortesía rcd

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icardo Casas fundó en 2009 su propia firma, Ricardo Casas Design, un despacho dedicado al desarrollo de proyectos de mobiliario, diseño de interiores y producto, que en esta ocasión tuvo oportunidad de desarrollar el interiorismo de este restaurante llamado Bésame mucho, Verdadera cocina mexicana, ubicado en el Pabellón de México en Expo Milán, 2015 en Italia. Este restaurante, pequeña prueba de lo que pueden esperar de la cocina mexicana los italianos (lejos de burritos y nachos), tomó inspiración en la década de los 50 y el puerto de Acapulco, que era destino preferido de artistas internacionales. En el espacio de 170 m2 se logró un comedor de ambiente casual, sin por ello perder la elegancia y sofisticación. Los comensales pueden elegir entre compartir mesa, sentarse en una de las dos barras —dependiendo si desea disfrutar de un trago o algún platillo de la barra de cocina abierta— u ocupar una mesa pequeña, para dos. El cliente Liquen pidió que los visitantes de Bésame mucho pudieran vivir una experiencia mexicana, así el menú estuvo a cargo del chef Mario Espinosa abarcando platillos de diversas regiones de nuestro país. La cava, localizada en un área independiente, está hecha de estanterías de madera e iluminada por cincuenta lámparas de escritorio que nos traen a la mente la pieza Dear Ingo de Moooi de Ron Gilad (hecha a su vez en honor a Ingo Maurer). Destaca la palabra salud resaltada en un letrero de neón que proporciona un toque divertido, así como las pantallas de las luminarias hechas a partir de la silla Acapulco. Los colores predominantes del espacio son los oscuros y el rosa, éste último rindiendo un homenaje a la arquitectura vernácula de nuestro país. El azul está dado por el mobiliario, las vajillas y los accesorios que hacen un perfecto equilibrio con la madera de mesas y barras. La mayor parte de los muros y columnas están recubiertos con cerámica italiana artesanal, baldosas de tal manera colocadas que recuerden el patrón de la cestería y textiles mexicanos. Los baños, por su parte, están recubiertos de un material especial para que los usuarios puedan hacer propias las paredes con frases y dibujos a través de gises.

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VIVARIUM

HYPOTHESIS | BANGKOK, TAILANDIA Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de Hypothesis

a agencia de diseño tailandesa Hypothesis creó Vivarium, un restaurante ubicado en Bangkok, en lo que fuera un almacén de tractores que fue adaptado para recibir comensales. El espacio preserva las cualidades históricas del edificio original y las combina con elementos frescos, minimizando costos de construcción. Con el fin de enfatizar las características industriales del antiguo almacén se conservaron las estructuras existentes (manteniendo el color blanco original), a las que simplemente se les añadieron elementos nuevos definidos por su color rojo quemado que las protege de la oxidación. Para disminuir los costos de la remodelación, Hypothesis empleó objetos recolectados durante la limpieza del sitio: puertas de hierro, tubos de acero, ramas secas y raíces que fueron utilizados como elementos decorativos, así como andamios —su uso estuvo inspirado en las estructuras que anteriormente estaban en la nave—, pintadas en sobrio color negro con uniones doradas que funcionan como estantes dentro del comedor.

El equipo de diseño pensó en los terrarios como concepto para los interiores con el objetivo de inyectar vida y energía al almacén, y animar el espíritu del lugar. El verde exuberante de las plantas colgantes capta la atención de los comensales y deja entrever la naturaleza industrial de la construcción. El proyecto de 652 m2 es el resultado de la colaboración entre Hypothesis y el trabajo arquitectónico de la firma Stu/D/O Architects, mientras que el diseño de iluminación corrió a cargo de In Contrast Design. Por su parte, el estudio de cerámica Yarnnakarn Art and Craft concibió una pieza especialmente para decorar el espacio interior: mariposas que contrastan con la rigidez estética del entorno industrial. La selección vegetal fue realizada por Bankampu. Vivarium, como su nombre plantea es un contenedor de vida, sostenida por elementos industriales.

www.hypothesis.co.th

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ONEOCEAN CLUB

EL EQUIPO CREATIVO | BARCELONA, ESPAÑA Texto Marisol Guerrero Fotografía Adrià Goula, cortesía de El equipo creativo

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bicado en Barcelona, Oneocean Club es un restaurante de estilo clásico con ambiente relajado. El diseño, propuesto por el estudio barcelonés El equipo creativo recreó la atmósfera mediterránea dentro del espacio cálido y romántico. El resultado arrojó un ambiente atemporal y moderno donde el límite entre los interiores y la terraza quedan diluidos para abrirle paso a las impresionantes vistas de OneOcean Port Vell, un puerto deportivo que aspira a convertirse en el escaparate de la vocación náutica de la ciudad. La superficie total del proyecto es de 795 m2, espacio que quedó rodeado de las cualidades del paisaje y el club pareciera estar sobre el agua, quizás estar en Oneocean Club sea lo más cercano a sentarse en la cubierta de un yate mirando el infinito azul del mar.

El equipo creativo está integrado por Oliver Franz Schmidt, Natali Canas del Pozo y Lucas Echeveste Lacy —para Oneocean Club colaboraron además Néstor Veloso, Anna Martínez Salom y Cristòlof Tauler—, quienes coincidieron en que la arquitectura original del espacio les remitía a un pabellón donde sólo podrían estar presentes algunos elementos verticales y una celosía para dosificar el paso de la luz solar. La verticalidad de la estructura hace referencia directa a los bosques artificiales que crean los mástiles de las embarcaciones en los muelles. En general, todo tiene un sabor náutico. El uso de superficies reflectantes en el techo del restaurante remite a las aguas quietas del puerto y al forro exterior de los barcos, con ello se amplía la percepción espacial y se atrae el paisaje al interior del restaurante. Los elementos del techo

y el ambiente general del espacio están inspirados en los clásicos y elegantes barcos J-class. Las terrazas del restaurante evocan a los invernaderos mediterráneos, frescos, verdes y acogedores. La selección botánica consiste en plantas trepadoras tales como la hiedra que reafirma la verticalidad y remiten a las algas marinas. El área de los sanitarios es un viaje a través del tiempo y del cosmos, con la recreación de antiguas cartas de navegación, constelaciones estelares y personajes mitológicos que aparecen como líneas de luz sobre el fondo negro, para acompañar al usuario e invitarlos a pensar sobre el misterio que representaba viajar a través del mar en otras épocas.

www.elequipocreativo.com 85

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HUESO

CADENA + ASOC. CONCEPT DESIGN GUADALAJARA, MÉXICO Texto Janine Porras Fotografía cortesía Cadena y Asociados

adena + Asociados, este laboratorio regiomontano de diseño multidisciplinario, bajo la dirección de Ignacio Cadena, fue el encargado de crear un escenario para el restaurante Hueso, ubicado en la colonia Lafayette de Guadalajara, Jalisco. El restaurante se encuentra en lo que habría sido, hasta este momento, la Casa-estudio del arquitecto Ignacio Díaz Morales y que hoy se presenta como el lugar para probar la cocina de Alfonso Cadena, chef y dueño del lugar. El inmueble de los años 40 nos recibe con una piel reticulada compuesta de baldosas de cerámica diseñadas por José Noé Suro, una piel “prístina y suave que gráficamente nos remite a las geometrías lineales de costuras que juntan materiales

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y materias primas, tal como lo hace el chef en sus procesos culinarios”, nos describe el equipo Cadena Asociados. El interior —que encontró su inspiración en la teoría de la evolución de Darwin— se presenta igualmente luminoso, blanco, y decorado con una colección de más de 10,000 huesos. Se trata de un diseño que hace que el comensal no olvide que la carne que está comiendo proviene de un ser vivo y ahí, justo enfrente o al lado, está la osamenta que lo atestigua e incluso incita a la reflexión. “Definitivamente nuestro trabajo busca siempre (provocar) al espectador, el conjunto de miles de huesos y materia orgánica no sólo se vuelve un proceso documental también explora la idea de que la materialidad agresiva de un espacio puede ser manipulada sutilmente para crear una atmósfera intrigante, acogedora y desenfadada”. Los huesos están combinados con utensilios de cocina y objetos que fueron intervenidos por artistas visuales urbanos, éstos fueron dispuestos de tal manera que recuerdan a un gabinete de curiosidades necrológicas, donde de manera poco solemne y luminosa se expone a la muerte como dadora de vida. Por otro lado, el menú también fue pieza de sugestión en el planteamiento del diseño: “La cocina de Alfonso es la inspiración. Su valentía, híbridos en platos, mezclas exóticas, la sorpresa y lo inesperado, la fuerza, masculinidad y femineidad fundidas en un mismo espacio conformado por aromas, sabores y colores sin paralelo”, finaliza el equipo multidisciplinario de Cadena + Asociados Concept Design. www.cadena-asociados.com 87

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EXPENDIO TRADICIÓN EZEQUIEL FARCA | OAXACA, MÉXICO Texto Janine Porras Fotografía Jaime Navarro y Adlai Pulido, cortesía Ezequiel Farca

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n Loma de Santa Ana, Tlacolula de Matamoros, Oaxaca, don Jorge inició una historia de tradición al mezclar uno de los recursos que presentaban sus tierras, el agave silvestre, junto con su visión para desarrollar una de las bebidas espirituosas con más historia de la región: mezcal Tradición Chagoya. Desde 1897 y a través de cinco generaciones este “fuerte” ya pedía y exigía un lugar donde beberlo, un lugar que recordara los años 30, cuando los expendios de mezcal comenzaron a popularizarse. Esta tarea que requería delicadeza y conocimientos fue encomendada a Ezequiel Farca arquitectura quienes supieron llevar el proyecto hacia una senda hedonista y, por qué no, también artística, donde el maguey es el centro de todo el planteamiento. Acompañado por el diseño gráfico de Savvy Studio, la arquitectura interior se encargó de unir todos los espacios para crear un concepto abierto sin tirar ningún muro ni modificar la fachada del inmueble del Centro de la capital oaxaqueña. La barra se convirtió en el punto de partida del expendio que armoniza perfectamente con los muebles y disposiciones. Todo el proyecto fue el vórtice de una serie de acciones que favorecieron a los locales y el medio ambiente, pongamos un ejemplo: el mobiliario reutilizó los durmientes de las antiguas vías de ferrocarril, así como las maderas de las barricas de mezcal que se colocaron en techos y paredes; losetas de barro negro tradicional, por su parte, recubren la barra como si fueran escamas lustrosas de serpiente; el piso y algunos muros fueron aderezados con mosaicos de pasta producidos específicamente para Tradición, lo cual generó trabajo. La herrería original fue intervenida por el artista Francisco Toledo quien cerró con broche de oro el concepto tanto de Ezequiel Farca arquitectura, como de Savvy Studio, integrando su diseño a un espacio donde no sólo se puede degustar el mezcal, también platillos regionales reinterpretados; tomar talleres o asistir a catas, además de adquirir productos locales seleccionados cuidadosamente por su origen y calidad. www.expendiotradicion.com www.ezequielfarca.com 89

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SUVLAKI

AFRODITI KRASSA | WESTMINSTER, LONDRES Texto David Romero Fotografía cortesía de Afroditi Krassa

finales de 2014, la diseñadora Afroditi Krassa fue convocada para rediseñar el interior y la imagen del restaurante Suvlaki, comedor que toma su nombre del plato popular de la cocina griega callejera. Ubicado en el área de Soho en Westminster, Londres, el sitio retoma la sátira del grafiti ateniense para reflejar el lado urbano de Grecia y alejarlo de los clichés que rodean a su cultura del vox pópuli mundial. El interior del restaurante para 34 comensales se presenta como una potencia creativa, enfocada a la energía, lo crudo e ingenioso de la idiosincrasia griega. La paleta de azules que domina el interior y exterior de Suvlaki va del azul petróleo al turquesa brillante, complementada con diferentes texturas y acabados. Destaca la parrilla, que se ha colocado casi de manera teatral, a la vista de los comensales y sirviendo como escaparate del espectáculo gastronómico.

Para decorar el espacio, Afroditi recurrió a su colección AKollection, como el piso marroquí Piano decorado a mano con plecas monocromáticas de diferentes gruesos y las lámparas colgantes de cristal biselado Pentagon. El mobiliario, incluidas las mesas de mármol, se adquirió en Bateman Street donde la mayoría de los objetos que se comercializan han sido fabricados o provienen de Grecia. El muro que contiene al área de comensales está revestido con una repetición de más de 80 módulos de terrazo italiano proveniente de columnas recuperadas. El pequeño espacio del restaurante es aprovechado con un sillón comunal, donde las mesas pueden acomodarse en beneficio del número de comensales de cada grupo. Parte importante de todo el proyecto era crear un espacio para sentirse como en casa, no demasiado formal pero que pudiera convertirse en un punto de referencia en la oferta de comida griega de la zona. www.afroditi.com 91

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QUATTRO

ALEX MEITLIS | TEL AVIV, ISRAEL Texto Gerardo Morales Fotografía Alon Grego, cortesía de Alex Meitlis

uattro es un restaurante italiano moderno, ubicado en HaArba’s Street en Tel Aviv, la segunda ciudad más grande de Israel. Diseñado por Alex Meitlis, arquitecto egresado de la Academia de Artes y Diseño de Bezalel en Jerusalem, continuó sus estudios en Londres y desde 1993 trabaja en su propio estudio en Israel, donde desarrolla proyectos que integran arquitectura, interiores y diseño industrial. Alex —junto con las artistas Tamar Zidon y Diana Eisenberg, con quienes estudió hace cerca de 30 años en Bezalel—, creó un espacio que cambia constantemente de manera involuntaria, la idea fue utilizar arte vivo para generar una experiencia única. A pesar de ser un lugar tan vibrante en

su interior, Quattro se ubica en una discreta torre de oficinas con la que contrasta directamente con el característico concreto gris de la zona. El diseño de 800 m2 es una balanza entre diseño y arte que proporciona a quien lo visita una experiencia de entretenimiento multisensorial. La atmósfera que predomina en Quattro es la de un carnaval, la experiencia culinaria se vuelve una celebración gracias a los elementos que se crearon específicamente para el lugar, una serie de instalaciones que conviven por sus colores y texturas. El restaurante contiene una barra que se deforma de manera orgánica para darle espacio a 60 sillas altas, donde los comensales pueden rodear la forma tan peculiar. El soporte de

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la barra está hecho de placas de cartón corrugado, cortadas a manera de montículos irregulares, este trabajo fue realizado por Tamar Zidon. El piso del restaurante es una obra de arte por sí mismo, diseñado en blanco y negro, cada elemento fue ideado por Meitlis y pintado por Ketty Kanevsky, retomando las características gráficas de las fachadas de algunas casas africanas. Los muros del área privada continúan el diseño del piso, al tiempo que penden de éstos decenas de espejos de varios tamaños y formas que apuntan hacia diferentes direcciones creando una composición rica en geometría que triplica visualmente las dimensiones del lugar gracias a la ilusión óptica de los reflejos. Al centro del restaurante cuelga un gran candelabro diseñado por la artista argentina Diana Eisenberg. Cada una de las zonas de Quattro fue planteada con meticulosa creatividad, incluyendo el mobiliario, el área de la terraza y la barra, piezas creadas con materiales poco convencionales y dentro de una selección ecléctica de color.

www.alexmeitlis.com 93

SAN JUAN GRILL KOB&CO | MONTERREY, MÉXICO Texto Arleth Sánchez Fotografía GroovyChaos, cortesía de Kob&Co

onterrey es una ciudad que se caracteriza por su excelente calidad en cárnicos bovinos, por ello el estudio de diseño fundado por Jakob Gómez, Kob&Co, ideó San Juan Grill, restaurante ubicado en el desarrollo Nuevo Sur y que representa el siguiente paso en el consumo de cortes y platillos regionales del norte del país. El espacio de San Juan Grill refleja los orígenes y procesos de su empresa fundadora, una carnicería homónima que se convirtió en la más importante de la ciudad, cuya historia se remonta a 1952. El concepto del espacio busca

reflejar sus inicios añadiendo la experiencia que han adquirido desde entonces. Para ambientarlo se utilizaron materiales ligados a dicha industria, desde hierro, hasta madera y cuero. San Juan Grill está dividido en seis áreas principales: terraza y acceso, bar, sala privada, parrilla, sanitarios, y cocina-administración. Cada zona está delimitada por elementos colgantes y materiales contrastantes que acentúan la separación del espacio en tres niveles visuales. El interiorismo plasma elementos de la granja donde la historia de Carnicería San Juan inició,

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así se observan piezas de cuero, en madera y piedra presentes en todo el restaurante. Para representar la actualidad se utilizó vidrio, metal y la instalación de figurillas ornamentales de barro negro y cerámica. Simplificando las formas y texturas de un pastizal se creó un patrón en la terraza divida por un muro verde desde la recepción. El mobiliario incorporado para la zona de degustación en San Juan Grill fue de Studio Creatif, Polart Design y Bakan, el sillón de recepción y el booth corrido de piel fue diseñado por Kob&Co al igual que la instalación luminosa del área central del restaurante. La iluminación de la sala privada y los detalles en la terraza fueron de Bulbo. El equipo del proyecto de 624 m2 estuvo integrado por Diego Licea, Carolina Basurto Torres, Tatiana Posadas, bajo la gestión de Berenice Gómez, la supervisión de obra corrió a cargo de Guillermo Gutiérrez de Velasco Schmidt y Alejandro Cantú.

www.kobandco.com

NOBU POLANCO SORDO MADALENO ARQUITECTOS CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO Texto Jaime Contreras Fotografía Paul Rivera, cortesía sma

n una casona de estilo californiano se erigió el interiorismo de Nobu Polanco —la representación en la Ciudad de México de uno de los famosos e internacionales restaurantes fundados por Robert de Niro, Meir Teper, Drew Nieporent, en conjunto con el reconocido chef Nobu Matsuhisa—, trabajo realizado por el equipo de Diseño de Interiores encabezado por Nadia Borrás. El tradicional tallado en cantera de la tendencia artística presente en la Casa Calderón, como antiguamente se le conocía a este inmueble, fue el origen de la inspiración para sma, quienes basados en los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego), desarrollaron la idea de una gruta con lajas de piedra muy presentes, media luz, mucha vegetación, maderas, metales y una impresionante raíz de manglar que recibe al visitante, se extiende por el plafón y pareciera mimetizarse con las luminarias de formas orgánicas. Los 510 m2 de superficie están distribuidos principalmente por tres corredores limitados por los elementos originales de la casa y que fueron en su mayoría respetados. Uno de ellos está dedicado a circulaciones y servicios, otro más para el salón principal de comensales, y el último aloja la barra de sushi, el bar y un salón semiprivado que permite el paso hacia un patio. Al frente de la casona se diseñaron dos terrazas intercomunicadas que posibilitan que el interior y el exterior dialoguen en ambiente y sensaciones enriqueciendo ambas atmósferas. Los elementos del interiorismo presentan colores neutros y oscuros que evidencian los ornamentos de la casa, que de hecho fueron restaurados y recuperados para hacerlos lucir. El mobiliario de líneas simples, geométricas y con un diseño sencillo fue realizado ex profeso por el despacho y constituye una de las peculiaridades de Nobu Polanco que no se ha repetido en ningún otro restaurante de la cadena.

www.noburestaurants.com www.sordomadaleno.com 97

EL JAPONEZ

TALLER DAVID DANA ARQUITECTURA CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO Texto Carmina Romero Miranda Fotografía Alessandro Bo, cortesía tdda

bicado en la colonia Condesa de la Ciudad de México, El Japonez fue totalmente renovado por el Taller David Dana Arquitectura. El equipo abordó la intervención con la firme intención de lograr una nueva imagen que se adaptara y restableciera un diálogo con el contexto. Lograr la sencillez es quizá una de las cosas más difíciles de obtener y, sin embargo, tdda consiguió su objetivo al resolver la disposición del espacio que presenta el local de El Japonez. Las mesas fueron colocadas hacia los costados y un largo gabinete en negro que recorre toda la pared poniente del restaurante hace eficientes los 120 m2 del lugar. Los colores utilizados fueron neutros: blanco, negro y el tono de la madera elegida para crear un elemento estructural

que recorre la mitad del restaurante como un envolvente reticulado que proporciona unidad desde la cornisa hasta los servicios, donde sirve para dividir el área de los comensales de los baños y la cocina. La mitad del local presenta un blanco profundo que contrarresta la calidez del mobiliario y maderas. El piso con sus marcadas líneas generan una perspectiva que engaña al ojo alargando el espacio. La iluminación cobija al visitante pues crea una atmósfera más bien íntima, perfecta para una plática amena acompañada de un excelente platillo.

www.eljaponez.com www.tallerdaviddana.com

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BALMORI ROOFBAR TALLER DAVID DANA ARQUITECTURA CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO Texto Nina Paz y Soto Fotografía cortesía tdda

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avid Dana, fundador y líder del taller homónimo, fue el encargado del diseño arquitectónico y de interior de Balmori Rooftop, uno de los bares más populares de la colonia Roma en la Ciudad de México. La creación de este espacio tuvo varias etapas y no fue un reto fácil: en 300 m2 el despacho debía alojar cocina, servicios, circulaciones, mesas y barras en la parte superior de un edificio de la calle de Zacatecas, lo que se convirtió en su mayor ventaja. El espacio es un rectángulo que se dividió longitudinalmente a través de un muro curvo hecho con bloques multicámara sin recubrir. Esta valla delimita el área pública de aquella que sólo usan los trabajadores del bar y también sirve a los visitantes como lugar de transición para degustar una copa. Balmori presenta varios niveles, caras y materiales ricos en texturas en todo su espacio: coronando el comedor se encuentra una estructura de metal con un sistema automatizado de persianas —que permite la circulación del aire y el paso de los rayos de sol, según la conveniencia de los usuarios—; a un costado se erige un muro verde que puede apreciarse mejor cuando el bar está a cielo abierto y proporciona color y frescura al lugar. Sobre la barra está suspendido un plafón de madera en la misma tonalidad que las mesas y bancas del mobiliario, y encabezando el gran rectángulo un muro en cerámica blanca termina de enriquecer el ambiente. Bloques de hormigón, madera, cerámica y pisos de materiales clásicos pero diseño contemporáneo crean un juego de geometrías y espacialidades muy peculiares pero totalmente funcionales. La idea era generar un pequeño punto verde dentro de la caótica y fascinante ciudad.

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TROTTER’S

DØX ARQUITECTOS | MÉRIDA, MÉXICO Texto Lorena Riquelme Fotografía cortesía Døx Arquitectos

os arquitectos Xavier Salas y David Cervera, fundadores de Døx Arquitectos, quienes se han especializado en arquitectura e interiorismo comercial en el sureste de la República mexicana, fueron los responsables de crear el concepto y diseño de Trotter’s, un restaurante ubicado en la ciudad de Mérida. El proyecto conservó en su totalidad una gran casa de la década de los 60 a la que debía añadírsele una ampliación totalmente nueva donde se ubicaría el salón del comedor. Døx levantó una estructura a doble altura cubierta de vidrios y con puertas corredizas, integrando el viejo inmueble con el nuevo e inspirándose en la vista de un centenario laurel que habita el terreno del restaurante. Desde cualquier ángulo, los comensales pueden apreciar el jardín y su vegetación. La terraza, por su parte, se encuentra protegida del sol y el viento por un muro de 7 m de alto que reproduce en gran formato la obra “Terraza de café por la noche, Place du Forum,

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Arlés” de Van Gogh, la cual proporciona una perspectiva única al espacio. La importancia de la vegetación es vital en la terraza, pues pareciera que el techo está hecho a partir de la copa de los árboles. Hacia el interior, la casona fue adaptada para alojar los servicios, lo que permitió que la cocina se abriera para que los visitantes observen el movimiento cotidiano de ésta. La iluminación cierra el concepto del diseño de interiores con unas grandes luminarias creadas por el despacho para el proyecto y añadiendo calidez a la atmósfera al tiempo que reducen la escala de la doble altura del comedor. Los jardines y árboles presentan un alumbrado casi teatral que hace que en Trotter’s se experimente un agradable ambiente tanto de día como de noche.

www.trottersmerida.com www.doxarquitectos.com

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BELLOPUERTO REFORMA ESTUDIO ATEMPORAL CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO Texto Ana María Galvis Fotografía Luis Garduño de lgm Studio, cortesía Estudio Atemporal

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l Grupo Bellopuerto solicitó a Estudio Atemporal crear el espacio para el restaurante Bellopuerto Reforma, en la Ciudad de México. El estudio tomó como eje conceptual las sensaciones que experimentan los visitantes de Acapulco: el ambiente, la luz, la calidez del trato. Dentro del local de 410 m2 se ubica una barra configurada como isla, elemento protagónico del lugar que nos remite a las marisquerías ubicadas en la playa. La doble altura del salón hace posible la entrada de luz que se ve reflejada sobre el mobiliario de madera con acabados en color blanco, reminiscencia clara hacia el mobiliario (sobre todo las sillas playeras) característicos del puerto.

Continuando con las referencias populares de Acapulco, la silla homónima se hace presente de manera discreta con tejidos de hilo de pvc, comúnmente utilizado para tejer el tan popular asiento que ha sido objeto de múltiples rediseños y reinterpretaciones. La calidez de los materiales se percibe como una ligera brisa a pesar del fuerte contraste presente en la estructura de concreto y la vista hacia la caótica urbe siempre presente en avenida Reforma. El salón queda contenido por un muro de cilindros de concreto donde se inserta un astillero de madera, alusión directa al taller de un embarcadero; la vegetación colocada entre

cada estructura de madera complementa la composición del muro, definiéndolo como un punto focal para los usuarios. La cancelería de la entrada se abre completamente e integra el exterior con el interior en una sola atmósfera. La terraza estrechamente relacionada con las áreas públicas de la avenida queda delimitada con los pórticos ajardinados que van graduando la privacidad sin negarse a la ciudad, convirtiéndose en un escaparate social.

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P. 48 IN FOCUS DIEGO VILLASEÑOR AND THE EMOTIONAL ARCHITECTURE “It contained all that a well-design garden had to encompass: not a thing less than the whole universe.” Luis Barragán Diego Villaseñor welcomed us on his office at the San Miguel Chapultepec quarters, a grand house surrounded by trees and gardens that he has procured for himself and his office personnel. There, a certain tranquility can be felt even when he authorizes budgets and goes over projects while he talks to us about his life’s philosophy. The architect Diego Villaseñor, a graduate of the unam’s Architecture College, has maintained a solid career that began as soon as he was out of the university. This architect has taken an interest on themes that currently have become very important, such as the use of local materials, the dialogue between architecture and its context, the landscape’s influence, as well as the importance of the environment and its preservation inside the daily business of an architecture firm such as dva. Close to Luis Barragán, we can see his friend’s influence in his architecture, the predilection for the works of art by Richard Long, and the respect and love for Pre-hispanic architecture, all elements that added to his ample knowledge result in a most peculiar architecture and doubtlessly beautiful. We asked between ourselves what was the secret to maintain an architecture firm—an enterprise in the end—for 37 years. Diego responded to us: “to make any kind of work you must like it, that’s point No. 1, and by doing it right, sooner or later you start to be noticed, it is matter of time. Many individuals get demoralized at the first sign of trouble. I had a Zen teacher whom I loved very much, Philip Kapleau, who one day came because he wanted to build his monastery in Amatlán, and he said a phrase to me that I will never forget: ‘You fall six times, you get up seven times.’ When you have your objective clearly set and you want to achieve it, you will reach it. I am not telling you this is about architecture, but about life, because architecture has to do with the art of living.” LIFE BY THE SEA Diego Villaseñor has always had a great interest in the Mexican littorals, not because he wished to live near the sea or felt an affinity for the weather (as he has always considered a high plateau person); nevertheless when he saw that the Mexican geography has more than 11,000 kilometers worth of coastlines, he knew there was a great architectonic opportunity that he did not waste. “I lived in a moment where Mexicans decided to go for the seashores, there were, well… waves, like litters coming during the 1970s. There were not many developments, we had Acapulco, but we always had this example set by Miami Beach. I considered that México had another way to approach the coast. And what is that way, what is it that México offers: it is not the Mediterranean, neither it is Hawaii nor Tahiti, but it has everything and also its own very particular things. It is from this that the architecture that shows the Mexicans’ art of living by the sea sprang.” He showed us one of the tomes of his new book: Diego Villaseñor, Architecture and Nature created from 12 residential projects that explore and discuss a way of life centered in certain earthly paradises located in our country: Playa Careyes, Zicatela, Ixtapa, Los Cabos, and Amatlán, among others. The house that illustrate this edition are Casa Amatlán, Jardín de San Miguel, Punta Ixtapa, Casa Quinto Sol, Casa La Cangrejera, Casa el Palmal, Casa Lagartija, Casa Papelillos, and a few more, a reflection of Diego’s love for México, reinterpreting our reality. Rocas Rojas is one of the most representative examples where the fact that the Mexican finds pleasure in contemplating natural beauty is manifest. The house is located in Puerto Escondido, Oaxaca, in a very peculiar lot of land: presented in two promontories that sparked the development of the building and its final semicircle form. “It is the site that dictates me what to do, it has to be in stone so there is no need for painting it continuously as it sits very close to the sea. I want a place that works for me to frame the landscape and

being able to enjoy it; not to make it into the magazines, but for the user.” The residence has slopes of a Pre-Hispanic inspiration and an arch where one can sit underneath it so as to admire the horizon dividing the sky and the sea, surrounded by rocks, medicinal cuachalalate trees and cacti. “The site it opens for you, this life merely 14 meters away from the sea, these trees and this spot and plenty of rocks.” He tells us that there is no other person in the world that can work a bonding as expertly as the Mexican master masons, who having worked based on a design come up with a breathing residence as a result; one coexisting with its surroundings—as these made the house their own—and captures the site’s values and wealth between mortar and stone. In all of the projects we find fantastic examples: the Casa La Cangrejera, just to mention one of them, values the local labor by making the living room’s palm roofing become the space’s protagonist thus honoring the architectonic traditions. Slopes, arches, clearings, buildings that blend with their surrounding environment, materials rich in textures and colors are what form a part of this emotional architecture by Diego and that stresses the aesthetic qualities of shape, materials and character in all Mexicans. This architecture cannot be replicated, as it is united to its particular terrain and conditions, showcasing the skies, the changing flora in every state in the country, the coasts, the sea: “‘There is no anguish in the heart of he whom observes the sea’ is one phrase that I found in a lost North-African town, that was in a cave dating to the 12th Century. This philosophy allows me to come up with an architecture with that precise goal, this way of life that I have that is about facing architecture is what it is to be profoundly Mexican; this is how we Mexicans feel,” Villaseñor assures us. AN EMANCIPATED NATIONALISM ‘Why is it that even the way of thinking is important?’ the architect asked us then. We have our own ways and our solutions, functional, without baseless Mexicanisms or Pharisaic nationalisms. Diego finds himself in a constant search, and even when all of the architects know the basic rules and framework of their craft, few develop a sensibility like Villaseñor’s who has revalued one of the most ample ecosystems, an enviable geography and an unbeatable climate. “When I built my house in Amatlán I reinterpreted the hills that surround it ad put soil on top of it. Instead of making architecture a notorious protagonist, I harmonized it with the location. As a matter of fact, my friend Carlos—who looks after my house—called me over the phone and told me ‘architect, the news is that 67 nopal (prickly pear) plants are sprouting on the rooftop.’ When you respond to your plot and harmonize yourself with it, that is what it gives you back.” Diego was and is interested in issues concerning sustainability: he economizes and reduces the carbon footprint by taking what nature gives him, “using what is in the place reduces the transportation costs. One of the points in being sustainable is how architecture benefits the community; that is, you must not have carbon emissions, you have to use renewable energies, you need to use materials that can be recycled: an adobe house can be recycled, the soil returns to the earth,” Villaseñor comments regarding his architecture. THE EYE’S WORKOUT Diego was part of a family with very peculiar sensibilities: he is the son of a plastic artist and a father who liked architecture and taught him to question everything, to be curious, to always ask himself questions. All this observation resulted in having a unique analytical view; we are not facing gregarious individual, he observes the development of the vernacular architecture, of the solutions that Bernard Rudofsky called “architecture without architects (and that he explained in a book of the same title), of the ways of life and the needs solved, that is how he build his master plans because, it must be noted, he also observes himself and his context: “the people of the desert, the people of Yemen (all of us architects should make a pilgrimage to Yemen); the people in the hills of Italy (as a matter of fact, there is a book called “Hill Towns of Italy”); all the Andalucian people, the Greek islands... that is the architecture without architects. That architecture strongly

shook me up because everything has a reason to be there.” From these architects without a license, degree or studies, Diego has learned the ingenious ways to integrate his house into the landscape, to design and solve his needs without having to destroy a complete hill or affect nature by reducing it to its minimal expression. Using what is available and using it wisely. “I remember that in the Oaxaca coast I went to visit the kitchens of the Mixteca and Zapoteca women (who had such a great cuisine). They built their adobe tables some 84 or 86 centimeters high, for Mexican women are short, thus a 90 fits them improperly,” Diego tells us, laughing. The architect speaks to us of the countries that he has visited, that he has absorbed and later decanted into his architecture; of the inspirations born due to the travels, and it is precisely because of this constant observation that the creator nurtures his craft. “I believe that one must travel a lot in order to finally find his or her own language, as a painter, engraver... the world is bigger than just Mexico. There are things in other places that relate you with what you are seeing and what you are, what you appreciate. Observing a lot, makes the eye fit; it is like with music, only through listening that you obtain its wealth of information. And Mexico is made of mestizo people; for example, I am a proof of that hybridization and I use whatever suits me and hold on to whatever I can, no matter what discipline this might be. I believe that the emotional part and the aesthetic part do a lot of good to us human beings.” The essence of Diego’s architecture begins with nature, with whatever is around it; of course, landscapes such as Los Cabos, San Miguel de Allende, Valle de Bravo, Zicatela, etcetera, are beautiful in and of themselves; nevertheless, in the city and amidst the chaos, spaces can also be made beautiful, make them livable. “If I am working in México City, in an tenement building, I try to achieve a balance by incorporating what he have already lost. I believe that man can always have contact with nature; I do not think we can surround ourselves only with plastic. Having a few plants even in a very small space, even if it is a balcony, if only a place to look at the sky. One of the phrases that my book reuses is: ‘It contained all that a well-design garden had to encompass: not a thing less than the whole universe.’ In jail facilities, I do not see there being a single plant (it must be one of the worst punishment that a human being can be given), in this mineral patios where you cannot see a single bird, no vegetation whatsoever, they could at least make a skylight, allow for a look at the clouds, being in with light.” THE CULTURAL UTILIZATION OF THE MATERIALS We asked Diego about his architectonic preferences, especially to what concerns to typology, and he answered conclusively: “well, the thing is I do not have a style, I do have a philosophy. If I were given a house to build in orbit tomorrow, I would make a house to live in space or if it were be on the moon, the sea, on the desert or the jungle... all very different. I would not make the same architecture. I have seen some colleagues and superstar architects come up with the same repetitive architecture, the are far more flexible architectures that others and these fit in different places, of course, but I am not a fan of that. The architects that possess a unisense of style, I believe them to be wrong; it is like being dressed as I am and go either to the coast or the North Pole. Nature does not do that, the vegetation in the North Pole is quite different to the one in the Amazon, the steppes, the desert, and I believe that architecture has to respond culturally, too.” Yes, underneath those answers we sense reflection and we feel the same when looking at his architecture, and he lightheartedly comments: “Some have mocked me because they say that I charge too much for doing my designs, that I charge my clients like they were rich just to teach them to live like the poor... and there is something true about it, I teach my clients to walk barefoot (I make floor that do not overheat for them), to lay down on a hammock [with cross-ventilated architecture], to enter the sand [with residences in contact with nature], etcetera...” Our conversation went on about with life, the no-control philosophy as Diego calls it, about appreciating the wellperformed techniques without discriminating them because

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of their origin, making him an stimulating architect who uses his resources as a means to make things happen. An architecture where the architect disappears and the user reappears, and nature reappears and, finally, emotion reappears. P. 62 HUMBERTO CAMPANA, THE WASTELESS DIALOGUE After trying in Milan, México City and Paris, it was in Miami that we were able to sit and talk with Humberto Campana so he could briefly tell us how he creates based on the materials at his disposal. Born in 1953, in Rio Claro, São Paulo, Brasil, Humberto was a boy in a small city far away from the cultural centers, and this made him begin collecting and revalue all those discarded objects he found. "When I was very young, it was because of this remoteness we lived in, that reusing objects were part of our daily life, you know? Wood for the fences, cans... actually I made my own toys and rejected the electrical ones my father bought for me; I was used to make my own out of bamboo, plastics. My grandmother did not discard the aluminum cans; she planted seed in them. This was part of my upbringing, a part of my family heritage and how I started in design; it happened because we did not have the means and we needed to come up with something." After a long story as practicing lawyer graduated from the University of São Paulo, he decided to quite the profession to fully commit to design, which he had not abandoned but was not practicing full-time, and he began designing furniture along with his brother. "We used to select materials that were already in the market and that were salvaged from some place else. This became a trademark of us the Campana and at that time there were people publishing and well, this helped us be more conscious about what we were doing and that is how our journey began. That was the way I started this life as a designer. The materials are some of the things I really love, you know? They challenge me to give it another look to something banal and give it mobility; that is very important to me." Now comfortably nestled in the world of design and with his prestige on the rise, in 1998 he was offered a job as an Industrial Design instructor at the Fundación Armando Alvares Penteado (faap) in São Paulo, and later he worked at the mube (Museo Brasilero de Escultura) in 1999 and 2000, in the same city. "Let us just say that for the past 30 years, our work can be divided in several collections. Many creators work with new materials and create beautiful things, but those materials were gorgeous from the start. We first worked with iron, then we moved to cardboard, then we used bubble wrap... these materials gave birth to each one of the collections we came up with. It was the materials what lead us to develop our design identity." P. 63 COVADONGA HERNÁNDEZ COMMUNICATION WITHOUT WORDS Sketching by hand to let her ideas and sensibilities flow, and put creativity in order is Covadonga Hernández’ first creative step, an interior architect that has dedicated herself to the observation and creation of a universe of textures, colors and materials to enrich her proposals. Covadonga Hernández is one of the founders of the interior design firm MarqCó; she is a young woman with 20 years of experience in the market and who has succeeded in the creation of a solid reputation as an interior architect. Yet, things never come easily, as she tells us. “I can tell you it has been a road full of challenges. The passion I feel for my work, as well as the effort, dedication and commitment I put into everything I do, has helped me fulfill many of my dreams. I am convinced that the road to success is to do what you love and looking for perfection in everything you project. It is also clear that during the journey, there are better and worse moments, but everything is a lesson for me that drives me to continue forward every day.”

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Ever since she was a girl, Covadonga showed a special affinity for the arts and draughtsmanship that finally became design. Conceiving spaces, transform them, being part of the production process of furniture... “that was how the idea to create the MarqCó firm was born, with the clear mission of making interior design that was innovative and of high quality. To offer a personalized and unique proposal to create harmonious, elegant, comfortable and aesthetic spaces.” Regarding the inclinations of current design, Covadonga tells us that “we can see a trend on a global level regarding the promotion of the local cultures through proposals based in the unique and proprietary to each country. We create ageless lines and designs, with a strong cultural heritage reinterpreted in a contemporary way. The use of recycled or natural materials adapted to the building’s environment is basic. The true luxury is in the materials and in the way these are presented; not following fashions or whimsical lines, paying special attention to the details and the textures in order to come up with unique objects and ambiences that have their own personality.” Staying updated does not necessarily requires a huge investment, Covadonga assures us, all that is needed is to switch a few colors and textures to transform your space. “There are many styles that set trends, like the vintage, industrial and minimalist styles, for example, and the most interesting thing about them is mixing them to achieve an eclectic and ageless flair.” This designer’s secret rests in “analyzing each client’s unique personality and their necessities. Combining my creativity with the particular taste of each person is what project unique, where I always look to leave my mark on every element. Building a custom-made space goes beyond furniture placement, it is projecting the inhabitant’ intimacy, imagining each of the persons living every space, enjoying every detail...” She told us about the Interior Design guild in México, a combination of art, tradition, modernity and design, with many important firms located in our country, but there still exists an area of opportunity: “The national designs does not lack identity, but promotion and commercial skills. The interior designer must stop seeing him or herself as an artist. As time passes, the interior design firms find themselves forced to become more professional, investigate, manage projects or implement new technologies.” P. 64 YVES BÉHAR, THE FRONTIER LIES IN A MORE HUMANIZED TECHNOLOGY In a world of fast technological expansion, Béhar is not prone to keep up with trends; he has made innovation and the creation of new concepts for sustainability and the social good the main objective of his whole career. Son to immigrant parents and born in Lausanne, Switzerland in 1967, he left for California to study and graduate as a BS in industrial design, at the Art Center College of Design. His career had been closely linked to Silicon Valley ever since, and he worked as leader of the product identity design teams for companies like Apple, HP and Silicon Graphics. Recently given the Design Visionary Award by Panerai during Design Miami, we had a conversation with him while we were in the city, and he told us how it was that he got invited thanks to his participation at the London Design Week. "It was a couple of months ago," he confided us. "From the conversations we had, we came up with the idea of developing a story that would be contemporary and based on the historical designs that we are presenting here. And as one of the bookends, I was asked to present the area for social, humanitarian and sustainable design. This is how in many ways, I expect that the social and humanitarian work that we are building here, in this moment, will become the artifacts of the future; that in 50 or 80 years, people will see on the same level as Le Corbusier’s social projects. One of my biggest concerns is the way so much technology would seem to be dehumanizing our interactions. The way in which we control the information and our surroundings based on it, is through screens … and

the screens can be very distractive because every time we look at them we do not see the world around us or the person we are talking to. That is why I believe that the interface that use to work with and control our information will become even more invisible; it will be less about the control screen and more about the signal: voice, vibrations and sounds. More about the other signals that exist and that can broadcast information and grant us control over it. That is what I have called the invisible interface and I am convinced that this is the future of the technology that will accompany us as we live our lives. More integrated, less disruptive, more dynamic, natural and humanitarian, above all else." One of our question was when did he realized that Design could be the start of a revolution in the social consciousness. Yves does not doubt and tells us: "it always was like that in my case. When I was a child, I lived in Lausanne, close to Geneva and there you find the United Nations, the Red Cross; I was in contact with social issues. Besides, I have always thought that the designer's life is not about only one thing; it is not about just making money o creating a trend. Being a designer, design, has always been about changing the world. In fact, my motto is 'Design accelerates the adoption of new ideas.' By doing this, we as designers have the responsability to choose which ones are the most important. These are simple decisions, but with enormous implications because for us, wanting to change the world is something natural. The change in the way how the public relates to design, has become a critical element for any company or social endeavor to be successful. The most successful company in the world, Apple, put design at the center of its business objectives. Investing in design is the key to achieve a presence amongst the consumers. In fact, if someone thinks that design is not necessary for a business, it is quite probable there won't be said business in the future," he finishes. P. 66 PHILIPPE NIGRO: THE ART OF CREATING NEW PRECIOUS STONES Now a usual face for us as well as the rest of the people visiting the great design fairs around the world, we met again with Philippe in Miami this time he talked about the idea and process behind his most recent creation. "The relationship began in 2008, when I was working at the Le Lucci’ studio, coming up with projects for Dezeen Gallery and contact was established once we met at Milan. The friendship went on and they always had this interest in me doing something for them. I did not know full well what to do, as I always had worked with manufacturers than galleries carrying exclusive pieces. In truth, it was a bit difficult for me to understand what was it that I could do for them and so they hinted at my thinking about doing something with stone. It was very interesting to work with this material for me. So I started sketching and that was when this idea of intersections and overlapping of shapes and colors came to me. Based on their proposal and because I liked working with this material because of their graciousness and color, the idea they gave me was to design something to sit, similar to a bench, be it for interiors or exteriors, and so we have the bench or a coffee table. The process was very quick because I made the sketches and developed the project between July and August; then in September we began production with a craftsman in Verona, Italy. He is a great artisan and it took about two or three months for the piece to be ready. My main idea was to work with the optical illusion of the meeting of colors. That was how Damiano, one of the master crafters, showed me various marbles and colors, and the most interesting thing was that each element comes from different countries: Egypt, Tunisia, Iran and Italy, of course. The other part is volcanic rock, a single piece of the same stone. One piece, but with three distinct finishes that are what gave it those three different colors it displays. It has a very light protective coat so it surface doesn’t get stains, as it is very fragile, but it is not heavily treated with chemicals. It is an effect inherent to the material, which also results quite pleasant to the touch. It was made like this because if left natural, it is very difficult to clean and quite fragile. Now, I must note

that I do not know this market vey well, but I know that the piece is very expensive because this are costly materials, the technique used is pricy, so this is for a very special market made by people passionate about design and, of course … a lot of money. For me, it is interesting because as a designer, you need to be very cautious about the costs related to the object you are developing, depending on the industry and the way the production will be carried out. In this case, this is a very limited series, and it might even be these very unique pieces, and then you are given more liberties and you can do crazier things, like my bench, because what is important is for the final product to be the piece you want to present to the potential clients. Besides, this nurtured my creativity to apply it to other, less exclusive projects, but equally interesting to show to the industry.” P. 68 FERNANDO LAPOSSE DESIGN: THE REINTERPRETATION OF THE QUOTIDIAN Glocal Design Magazine had the opportunity to chat with Fernando Laposse, one of the Mexican designers with empiric aptitudes and attitudes quite uncommon among his contemporaries, as starting with design he experiments, cares for the environment and questions out-of-control consumerism. Fernado Laposse is a young designer who has studied at the University of the Arts London, whom once he began his creative work also began a way to analyze the materials, rediscovering his roots and putting to the test under the observant eyes of design. “Everything began with my sugarbased projects, that experimentation was sparked by the frustration of not being able to work with real glass. By being in London and in Europe, I realized that we tend to take certain things for granted when living in Mexico: hiring a glassblower so he can manufacture prototypes for you is utterly expensive. So I began looking for a substitute, something that looked and behaved like glass, that could photographed so I could have a visual registry,” Fernando tells us. In filmmaking sugar has been used to create objects that look like glass and that can be used in action scenes without endangering the actors; on the other hand, sugar sculptures are made in France—a country most close to the creator as his father is a French citizen—so the next natural step for Fernando to take was creating some sugar drinking glasses, Sugar Glass, inspired in the artwork made in Murano. Creating pieces out of sugar took the designer some time, as he initially wanted to recreate the blowing technique, but the results were not precise. The whole process was submitted to trial and error until the appropriate method was discovered. Fernando has self-directed himself down a path rarely trodden by the majority of the designers. He likes learning along the way, to test the materiality of certain elements that are widely used, but not in design. This way he modifies their daily nature and usage expanding their limits, transgressing them. “This has driven me to combine various disciplines: design with food, photo and video, where the process is the central part and the main focus of the project. This justifies the object’s final appearance,” Fernando comments. This designer has been featured in more than 10 exhibitions throughout his career and feel extremely proud of his country; the last time he visited us he was freshly returned from a residence at the Centro de las Artes de San Agustín, in Oaxaca, where the main requisite was to know how to mix art, design and food, a very familiar subject for Fernando. “My initial steps were to inform myself again about my own culture, I was visiting a group of women every day at 5 o’clock, to grind down corn. At the beginning it was a period of research and information-gathering. The mill’ stones were very inspiring to me, impressive sculptural objects in and of themselves,” he contemplates. The proposal born from this approach to maize, nixtamal and food was a tapestry made with totomoxtle, its texture and color allowed for the creation of a panel with different laser-cut patterns that resulted in a continuous surface displaying the variations in color, vein and fiber found in the material. Along this new proposal exhibited at the Universidad Autónoma

Benito Juárez in Oaxaca, the mill, the metate and the corn were present, but so was the criticism to genetically-modified corn and the risk of loosing several varieties endemic to our country. “I love coming to México for visual inspiration. You can have the best design in Europe on your fingertips, but that is not what inspires me, I far more stimulated by going to the market, see a handcraft pieces and obsess about the processes required to make these things. The advantage that Europe has given me is the finish and the drive to do things impeccably, the level of attention to detail. There are certain things that are unacceptable, you couldn’t go and present something that is not cleared both by the client and the artisan; that has helped me in the setting of my standards. If there is going to be an imperfection, it is going to be one that is controlled and justified,” Fernando comments. During Design Week London, the creator presented a project about the saponification process; that is the transformation of blubber into soap with the use of caustic soda. The designer has not yet finished developing this project that showcases various issues: reusing and recycling of elements that could be considered to be waste; the rethinking of the processes that we as an industrial society have forgotten, and a deep, hard look at our consumerist behaviors. Thus, the fat mixed with minerals, clays and some other ingredients such as kaolin generates blocks of soap similar to stones that through the use of a lathe can be transformed into objects that, for their part, invite the viewers to interact with them, rough them down, and even take away a fragment of the pieces. Fernando Laposse will be present at Milan in April with a showcase where he will continue to explore what his soapmaking began. P. 70 RITSUE MISHIMA, THE CLEAR AND DISCREET BEAUTY OF THE INVISIBLE With more than 28 individual exhibitions and 21 collective showcases, two international awards and six public collections, Mishima does not stop surprising the world, offering us drops of fragile eternity in all of her works. Ritsue Mishima is a sculptress and glass designer, simple as that. Born in the year 1962 in Kyoto, Japan, and has always maintained a particular and unmistakable style: natural and absolutely transparent, colorless forms... to capture and amplify the purity and luminosity of the world around it. Our Editor in Chief had the opportunity to have a conversation with this woman, who is as humble and sparkling as each and every one of her pieces. Knowing well that is had been barely a year since she had started collaborating with Perrier-Jouët, we wanted to know what had been the process to develop with her participation. Ritsue, with an ample smile on her face and a peaceful look in her eyes, answered: "It all began during a meeting after we met at Maison&Objet, since I had been invited last year. During our strolls around the showcases and a few glasses of champagne, we develop the dynamic that ended in my proposal for the collaboration. As you can see, those champagne bubbles are present in the pieces because their image began to grow in my mind, and one idea followed another until I came up with an instant connection between the bubbles and the flow evident in my work up to that point. It was a union between the piece’s sense, sensation and objective what give way to this creation." One of the things that contributes the most to her mystic as a creator is that she does not follow the Japanese artistic tradition as much as many would like to believe. "I am asked about this a lot during my travels, but the reality is that there are not many traditional Japanese processes in my works. Nevertheless, I do make an effort to grant a lot of importance to the invisible things; to the emotions, what other people feel, the mental process of the master glassworkers as they get involved with the materials. All of that cannot be seen, but I have a lot of respect for the individual and I include it on the concept until the imagined piece is achieved. So, that part might indeed come from my Japanese heritage. That respect for the person, for the whole of humanity because the process

involves many individuals, takes plenty of time, but my intention is for the piece to be enjoyed by all the people." P. 79 SPECIAL HOST, P. 80-81 BÉSAME MUCHO RICARDO CASAS DESIGN | MILAN, ITALY In 2009 Ricardo Casas founded his own firm, Ricardo Casas Design; a studio dedicated to the development of projects furniture, interior and product design, that in this occasion had the chance to develop the interior design of this restaurant called Bésame mucho, Verdadera cocina Mexicana (true Mexican Cuisine), located in a section of Mexico’s Pavilion at the Expo Milan, 2015, in Italy. This restaurant, a small proof of what the Italians can expect from the Mexican cuisine (far from burritos and nachos), was inspired in the 1950s and the Acapulco harbor, when this was the preferred destination for international artists and stars. 2 A dining hall of a casual ambiance was created in the 170 m space, yet without loosing elegance and sophistication. The patrons can choose between sharing a table, sitting in one of the two bars—depending if they wish to enjoy a drink or one of the specialties of the open kitchen’s bar—or sit at a small table for two. Liquen, the client, asked for those visiting Bésame mucho to be able to live a Mexican experience, so the menu was in charge of chef Mario Espinosa and offers dishes hailing from different regions of our country. The wine cellar, located in an independent area, is made of wooden shelves and illuminated with 50 table lamps that remind us of the Dear Ingo piece by Moooi de Ron Gilad (made in turn as a homage to Ingo Maurer). The word “salud” (cheers) stands out in the form of neon light sign that adds a fun touch, as do the screen of the lamp made from the parts of the Acapulco chair. The colors predominant in the space are dark tones and pink, the latter as homage to the vernacular architecture of our country. The furniture, the stoneware and the accessories provide the blue that creates a perfect balance with the wooden tables and bars. The majority of the walls and columns are covered with traditional Italian artisan ceramic, the tiles placed in such a way that it will remind us of the Mexican basketry and textiles. The restrooms for their part are covered in a special material so users could make the walls their own by writing phrases and making doodles with the chalks provided to such end. P. 82- 83 VIVARIUM HYPOTHESIS | BANGKOK, THAILAND The Thai design agency Hypothesis created Vivarium, a restaurant located in Bangkok, inside what it used to be a tractors warehouse that was adapted to receive clients. The space retains the historical features of the original building and combines them with fresh elements, thus minimizing construction costs. The pre-existing structures were preserved as a means of enhancing the old warehouse’s industrial characteristics— preserving the original white color—to which new elements were simply added that are defined by their burnt red paint that protects them from oxidation. So as to minimize the renovation costs, Hypothesis used objects salvaged during the sites cleanup: iron doors, steel tubes, dried-u branches and roots, all of which were used as decorative elements as well as scaffolding—their use was inspired by the structures that were previously built inside the nave—painted in a sober black color with golden joints that double as shelves inside the restaurant. The design team though in terrariums as a concept for the interior, with the purpose of injecting life and energy to the warehouse and thus make the place’s spirit more vibrant. The luscious green from the hanging plants attracts the clients’ attention and allows for peeks at the industrial nature of the edifice. 2 The project has an area of 652 m and is the result of the collaboration between Hypothesis and the architectonic work

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of the firm Stu/D/O Architects, while In Contrast Design was put in charge of the lighting design. For their part, the ceramic design firm Yarnnakarn Art and Craft Studio came up with a piece specially designed to decorate the interior space: butterflies that bring contrast to the aesthetic rigidity of the industrial environment. Bankampu made the plants selection. Vivarium, as its name indicates, is a life container, encased and preserved by industrial elements. P. 84- 85 ONEOCEAN CLUB EL EQUIPO CREATIVO | BARCELONA, ESPAÑA Oneocean Club, located in Barcelona, is a classic-style restaurant with a relaxed atmosphere to it. The design proposed by the Barcelonan studio El equipo creativo recreated the Mediterranean ambience inside the warm and romantic space. The result was an ageless yet modern ambience where the limit between the interiors and the terrace become blurred to make way for the impressive vistas of the OneOcean Port Vell, a sports marina that looks forward to becoming the city’s maritime vocation’s showcase. 2 The project’s total area is 795 m , a space that was surrounded by the landscape’s attributes and the club would seem to be over the waters; it may be that visiting the Oneocean Club could be the closest to sitting on a yacht’s deck looking out into the sea’s endless blue. El equipo creativo is formed by Oliver Franz Schmidt, Natali Canas del Pozo and Lucas Echeveste Lacy—but Néstor Veloso, Anna Martínez Salom and Cristòlof Tauler also collaborated in the Oneocean Club project—whom agreed that the space’s original architecture reminded them of a pavilion where only a few vertical elements and a trellis to control the sunlight’s intensity could be present. The verticality of the structure is a direct reference to the artificial woods created by the ships’ masts while in the dock. Everything has a nautical trace to it, in general. The use of reflecting surfaces on the restaurant’s roof reminds us of the harbor’s placid waters and the ships’ exterior lining, these allows for an amplified spatial perception and the restaurant’s interior landscape is brought forth. The elements on the ceiling and the locale’s general atmosphere are inspired in the classic and elegant J-class vessels. The restaurant’s terraces evoke the Mediterranean glasshouses, fresh, green and cozy. The botanical selection consists on creeper vegetation such as ivy and it stresses the verticality while reminding us of seaweed. The restroom area is a travel through time and space, what with the recreation of antique nautical charts, constellations and mythological characters that appear as lines made out of light over the black background, to accompany the visitor and invite reflection upon the mystery that sea travel represented in ages gone by. P. 86- 87 HUESO CADENA + ASOC. CONCEPT DESIGN GUADALAJARA, MÉXICO Cadena + Asociados, this multidisciplinary Regiomontano design laboratory, under Ignacio Cadena’s direction, was charged with the creation of stage for the Hueso restaurant, located in the Lafayette neighborhood in Guadalajara, Jalisco. The restaurant is located in what had been, up to this day, the House-studio belonging to architect Ignacio Díaz Morales and that currently is presented as the place to experience the cuisine offered by Alfonso Cadena, chef and owner of the place. The edifice built in the 40's welcomes us with a reticulate skin made of ceramic tiles designed by José Noé Suro, a “pristine and soft skin that, graphically reminds us of the linear geometries of the seams hat hold together supplies and raw material, just as the chef does in all of his culinary processes,” the Cadena Asociados’ team describes to us. The interior—that was inspired by Darwin’s Evolution Theory— is presented equally luminous, white and decorated with a collection of over 10,000 bones. This is a design thought to remind the patrons remember that the

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meat they are eating came from a living being and there, just in front or next to them, there are the bones that offer proof and invites reflection, even. “Definitely, our work is always aimed at (being provocative to) the spectator, the grouping of thousands of bones and organic matter not only becomes a documentation process, but also explores the idea the aggressive materiality of a space can be subtly manipulated to create an intriguing, welcoming and insouciant atmosphere.” The bones are mixed with kitchen utensils and objects intervened by urban visual artists and these were displayed on such a manner that they resemble a necrological curious cabinet, where death as the giver of life is showcased in a most non-solemn and luminous manner. On the other hand, the menu was also one piece suggested during the exposition of the design program: “Alfonso cuisine is the main inspiration. His daring, his hybrid dishes, exotic mixtures, the surprising and the unexpected, strength, masculinity and femininity fused into a single space made up of unequalled aromas, flavors and colors,” the Cadena + Asociados Concept Design’s multidisciplinary team ends. P. 88- 89 EXPENDIO TRADICIÓN EZEQUIEL FARCA | OAXACA, MÉXICO In Loma de Santa Ana, Tlacolula de Matamoros, Oaxaca, Mr. Jorge began a story of deep-rooted tradition when he mixed one of the resources available in his lands—wild agave—with his vision about developing one of the oldest and most famous spirits in the region: mezcal Tradición Chagoya. Ever since 1897 and throughout five generations, this “fuerte” (strong drink) demanded a place for its exclusive consumption, one that reminded us of the 1930s, when the mezcal stores started to become popular. This task that required subtlety and understanding was given to Ezequiel Farca arquitectura, who knew how to lead the project down a hedonist path and, why not? One that is also truly artistic, where the maguey plant is at the center of the whole development. Along with the graphic design by Savvy Studio, the interior architecture was chosen to be the one unifying all the spaces to create an open concept without the need to demolish a single wall or modifying the building’s façade, located in the Oaxacan capital city’s downtown. The war was turned into the starting point for the whole store and it perfectly harmonizes with the furniture and placements. The whole project became the vortex of a series of action that favored the establishments and the environment, let us offer you and example: the furniture was built by reusing the ties from the old railroad tracks, as well as the wood from the mezcal casks that were affixed to the ceiling and the walls; on the other hand, traditional barro negro tiles cover the bar simulating the glossy scales of a serpent; both floors and walls were adorned with clay mosaic tiles specifically produced for Tradición, a thing that created local jobs. Artist Francisco Toledo intervened the original latticework on the windows, who contributed the grand finale to the whole concept both created by Ezequiel Farca arquitectura as well as Savvy Studio, integrating their designs into a place where not only mezcal can be enjoyed, also reinterpreted regional cuisine can be savored, workshops attended or participate in tastings, besides buying local products, all carefully selected for their origin and quality. P. 90- 91 SUVLAKI AFRODITI KRASSA | WESTMINSTER, LONDON At the end of 2014, designer Afroditi Krassa was called to redesign the interior and the whole image for the restaurant Suvlaki, a fine dining spot that takes its name after a dish most popular in the Greek street cuisine. Located in the Soho area of Westminster, London, this place takes after the satirical Athenian graffiti to portray Greece’s urban side and to set it apart from the clichés that surround their culture according to world’s vox populi. The restaurant’s interior—thought for 34 clients—is presented

as a creative force, focused on the energetic, raw and ingenious Greek idiosyncrasy. The hues of blue palette that dominate both the Suvlaki’s interior and exterior goes from deep dark blue to shimmering turquoise, complemented with different textures and finishing touches. The grill stands out, as it has been placed in an almost theatrical fashion, in plain sight of the patrons and so serves as a culinary showcase. To decorate the space, Afroditi resorted to her collection AKollection, like the Piano Moroccan flooring decorated by hand with monochrome dashes of various widths and the hanging lamps made with Pentagon beveled crystal. The furniture, including the marble tables, was acquired on Bateman Street where the majority of the objects sold there have been manufactured in or brought from Greece. The wall that envelops the patrons’ area is lined with a repetition of more than 80 Italian terrazzo modules hailing from salvaged columns. The restaurant’s small space is used wisely by the placement of a communal couch, where tables can be set according to the number of customers in each group. An important part of this project was to create a space where one could feel at home, not too formal, but one that could become a place of reference amidst the zone’s Greek food offerings. P. 92- 93 QUATTRO ALEX MEITLIS | TEL AVIV, ISRAEL Quattro is a modern Italian restaurant, located in HaArba’s Street in Tel Aviv, Israel’s second largest city. Designed by Alex Meitlis, architect graduated from the Bezalel Academy of Art and Design in Jerusalem, he continued his studies in London and ever since 1993 has been working in his form in Israel, where he develops projects combining architecture, interior design and industrial design. Alex—along with the artists Tamar Zidon and Diana Eisenberg, with whom he studied nearly 30 years ago while in Bezalel—created a space that constantly changes in an involuntary fashion, the idea was to use living art to generate a unique experience. Despite it being such a vibrant place in its interior, Quattro is located in a discreet office tower with which it sharply differs and contrasts against the typical gray concrete prevalent to the zone. 2 The 800 m design is an equilibrium between design and art that provides its visitors an entertainment experience for all senses. The prevailing atmosphere at Quattro is that of a carnival, the culinary experience becomes a celebration thanks to the elements that were created specifically for the place, a series of installations that coexist because of their colors and textures. The restaurant houses a bar that bends in an organic way to make room for sixty high chairs, where the patrons can sit circling its most peculiar shape. The bar’s base is made out of corrugated cardboard plaques, cut to resemble irregular outcroppings; Tamar Zidon worked on this piece. The restaurant’s floor is a work of art in and of itself— designed in black and white—every element was envisioned by Meitlis and painted by Ketty Kanevsky, retaking the graphic characteristics of the façades of some African houses. The private area’s walls adopt the floors designs while at the same time tens of mirrors of different sizes and shapes hang from them, pointing in different directions creating an ensemble rich in geometry that visually triples the locale’s dimensions thanks to the optical illusion created by the reflections. A great chandelier designed buy the Argentinian artist Diana Eisenberg, hangs over the restaurant’s center. Each of the zones in Quattro was designed with a meticulous degree of creativity, including the furniture, the terrace area and the bar, pieces created with unconventional materials and presented under an eclectic selection of colors. P. 94- 95 SAN JUAN GRILL KOB&CO | MONTERREY, MÉXICO Monterrey is a city that characterized itself by an excellent quality in its beef products, therefore the design studio founded

by Jakob Gómez, Kob&Co, came up with the idea for San Juan Grill, a restaurant located in the Nuevo Sur urban development and that represents the next step in the consumption of select meat cuts and regional dishes from all over the country’s Northern region. The space in San Juan Grill portrays the origins and processes of it founding enterprise, a butchers shop of the same name that became the most important one in the city, and with a history going as far as 1952. The spatial concept aims to represent its beginnings and the experienced gained since then. Material clearly linked to industry mentioned before were used to create the ambience, from iron to wood to leather. San Juan Grill is divided into six main areas: terrace and access, bar, private room, grill, restroom and kitchenadministrative office. Contrasting hanging elements and materials stress the separation of spaces into three visual levels for each distinct zone. The interior design portrays farm elements where the history of Carnicería San Juan began, thus we can see leather, wooden and stone pieces presents all over the restaurant. To best portray our contemporaneity glass, metal and as well as the installing of decorative barro negro and ceramic figures was used. Simplifying both forms and textures of a grassland extension a pattern was formed on the terrace divided by a green wall that runs from the reception and the waiting area. The furniture incorporated for the tasting area inside San Juan Grill was the creation of Studio Creatif, Polart Design and Bakan, the couch in the reception and the long leather booth was designed by Kob&Co as was the lighting installation in the restaurant’s central area. Bulbo crafted the lighting in the private room and the details on the terrace. 2 The team for this 624 m project was formed by Diego Licea, Carolina Basurto Torres, Tatiana Posadas, all under Berenice Gómez’s management while Guillermo Gutiérrez de Velasco Schmidt and Alejandro Cantú were in charge of supervising the construction work. P. 96- 97 NOBU POLANCO SORDO MADALENO ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO The distinctive interiors associated with Nobu Polanco was built inside an old Californian townhouse—this is the site for the México City branch of the famous international restaurants founded by Robert de Niro, Meir Teper and Drew Nieporent, along with the renowned chef Nobu Matsuhisa—and it was carried out by the Interior Design team commanded by Nadia Borrás. The traditional quarry stone engraving present in the artistic trend seen in Casa Calderón, as this building was formerly known, was what originally inspired sma, whom taking the four elements (earth, air, water and fire) as their base, developed the idea of a grotto with very visible elements, subdued lighting, plenty of vegetation, woods, metals and an impressive mangrove root welcome the visitors, extending throughout the drop ceiling and it would look as if it were blending with the organic-shaped lamps. 2 The 510 m surface are distributed mainly in three corridors delimited by the former house’s original elements and that were mostly preserved. One of them is dedicated entirely for circulation and restrooms, another is devoted for the main dining hall, and the last one houses the sushi bar, bar and a semi-private room that allows entry into the patio. On the building’s front, two interconnected terraces were designed and this allows for a dialogue centered in both ambiance and sensations that enrich both atmospheres. The interior design elements display neutral and dark colors that enhance the house’s ornamentation, which was in fact restored and salvaged so they became showpieces. The furniture has simple geometric lines of a subtle design made specifically by the studio, and it constitutes one of Nobu Polanco’s main features and one that has not been repeated in any other of the group’s restaurants.

P. 98- 99 EL JAPONEZ TALLER DAVID DANA ARQUITECTURA CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO Located at the Colonia Condesa quarter in México City, El Japonez was completely renovated by Taller David Dana Arquitectura. The team tackled the intervention with the precise intention of achieving a new image that adapted and reestablished a dialogue with the locale’s surrounding context. Attaining simplicity is one of the most difficult things to accomplish, and tdda nevertheless achieved its objective to solve the spatial collocation of the locale that represents what El Japonez is. The tables were set to the sides and a long black cabinet runs along the whole of the restaurant’s west wall, 2 making for a very efficient use of the place’s 120 m area. The colors used were neutral: white, black and the tone of the wood selected to create a structural element that runs half the restaurant as a reticulate container that creates unity to the whole setting, starting on a ledge over the restroom area used to divide the locale into the service hall from the sanitation and kitchen sections. Half the locale displays a deep white that offers a counterpoint to the warmth created by the furniture and wooden areas. The floor, with its sharp lines generates a view that tricks the eye presenting the space as if it were longer. The lighting embraces the visitor for it creates a rather intimate atmosphere, perfect for an amenable chat over an excellent meal.

The projects preserved the totality of a great townhouse built during the 1960s that had to be intervened so as to add a completely new extension where the main hall would be located. Døx raised a double height structure covered in glass and with sliding doors, thus integrating the old building with the new space and inspiring themselves with the sight of a 100-year old laurel tree that occupies the restaurant’s plot. The customers can appreciate the garden and its foliage from any angle. On the other hand, the terrace is protected from sunlight and wind by a 7 m high wall that reproduces the piece “Café Terrace at night on the Place du Forum, Arlés” by Van Gogh in great format, which provides a unique perspective to the space. The importance in vegetation has is vital for the terrace, for it would seem that the ceiling is made out of the surrounding treetops. Towards the interior, the townhouse was adapted to accommodate the restrooms, a thing that permitted to have the kitchen open to the visitors’ eyes so they can observe its daily bustle. The lighting completes the interior design’s concept with great lamps created by the firm solely for this project and adding warmth to the atmosphere while at the same time giving the impression of reducing the double height proportions of the dining room. The gardens and trees display an almost dramatic lighting that makes one experience a pleasant ambiance both day and day whenever visiting Trotter’s.

P. 100- 101 BALMORI ROOFBAR TALLER DAVID DANA ARQUITECTURA MÉXICO CITY, MÉXICO David Dana, founder and leader at the workshop carrying his name, was put in charge of the architectonic and interior design for Balmori Rooftop, one of the most popular bars in México City’s Colonia Roma quarter. The creation of this space went through various stages and 2 was no easy task: in a 300 m area, the firm had to place a kitchen, restrooms, pathways, tables and bars at the top of a building located at the Zacatecas street, a thing that became its greatest advantage. The space is a rectangle that was divided longitudinally by use of a curved wall built with hollow blocks with no plaster. This partition marks the limits of the public area from that reserved for the bar personnel only, and it also serves a transition station for the visitors to enjoy a drink. Balmori presents various levels, facets and materials, all rich in textures throughout all its available space: a metal structure equipped with the automated curtain system crowns the dining hall—that allows for air circulation and lets the sunlight in, according to the users’ needs and convenience; a green wall looms on one side that can be best appreciated when the bar is under an open sky, and it provides the place with color and freshness. A wooden plank hangs over the bar and has the same white tones as the chairs and tables that make the whole of the furniture, and as the main piece in the whole white rectangle we find a wall in white ceramic adds the finishing touch that enhances the ambience. Concrete, wood, and ceramic blocks and flooring in classic materials but of a contemporary design, create a playful display of very peculiar geometries and spatiality, but one that is completely functional. The idea was to create a small green spot in the middle of this chaotic and fascinating city. P. 102- 103 TROTTER’S DØX ARQUITECTOS | MÉRIDA, MÉXICO Architects Xavier Salas and David Cervera, founders of Døx Arquitectos, whom have specialized in commercial architecture and interior design in the Mexicos’s Southeast, were the minds behind the creation of the concept and design for Trotter’s, a restaurant located in the city of Mérida.

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OBJETS NOMADES LOUIS VUITTON Texto Paula Torres Fotografía cortesía de Louis Vuitton

a colección Objets Nomades fue presentada por primera vez durante la feria Design Miami en 2012, desde entonces se han incorporado a ella piezas de mobiliario plegable y accesorios de viaje creados en colaboración con distintos diseñadores internacionales como Patricia Urquiola, Maarten Baas, los hermanos Campana, Damien Langlois-Meurinne, Atelier Oï, Nendo, Gwenaël Nicolas y Raw Edges. La gama de Objets Nomades incluye materiales nobles aplicados a hamacas, bancos, lámparas, valets, por decir algunos, producidos en ediciones limitadas o prototipos experimentales que son referencia clara a los pedidos que se hacían a la Maison Louis Vuitton en el pasado. La colección se reinventa año con año e invita a un nuevo creativo, en 2015 Marcel Wanders creó la silla Lounge, presentada durante Art Basel Miami, realizada en fibra de carbón con correas de piel y superficies de gamuza en color camello. Compartiendo un sentido de diseño y placer, Objets Nomades expresa la tradición de la marca con los objetos que son plegables, modulares o portátiles, inspirados en la funcionalidad y la innovación donde cada forma tiene sus propios materiales y cada pieza exige una producción artesanal meticulosa.

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