GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 36 Portada por / Cover by: TEN ARQUITECTOS

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6 O ANIVERSARIO PORTADA POR TEN ARQUITECTOS ESPECIAL LO MEJOR DEL 2016 ARQUITECTURA Y DISEÑO | BITÁCORA DWM Y AMD | HÉCTOR ESRAWE Y DAVID WEEKS | CHRISTOPHER GUY | STEFAN SAGMEISTER G36_PORTADA_ok.indd 5

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Piso y muro:

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DIRECTORA GENERAL

CONSEJO EDITORIAL

EDITORA EN JEFE

PRESIDENCIA HONORARIA

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS EDITORA

Arturo Aispuro Coronel

Martha Lydia Anaya

Miguel Ángel Aragonés

martha@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

ASISTENTE DE DIRECCIÓN

Juan Carlos Baumgartner

Libertad Hernández

Fernando Camacho Nieto

libertad@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

REDACCIÓN

Rodrigo Fernández

Cristina Cruz

Jorge Gamboa de Buen

redacciongdm@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Cecilia Avila

Beata Nowicka

ceci@glocal.mx

Carlos Pascal Gerard Pascal

EDITORA DE ARTE

Ariel Rojo

Sandra Montiel

Fernando Rovzar

sandra.montiel@glocal.mx

Sagrario Saraid

EDITOR MACROTENDENCIAS

CONTABILIDAD

Germán Velasco

Víctor Villareal Arturo Xochipa

COLABORADORES Juan Carlos Baumgartner

CONTACTO

Itayedzin Aragón

glocal.mx

Jorge Medina

info@glocal.mx

Francisco Javier Barriopedro

Mánchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

FOTOGRAFÍA

México, D.F.

Gabriel González

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

José Margaleff

PORTADA TEN Arquitectos Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: diciembre-enero 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor.

Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero.

El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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as últimas semanas han sido tiempos de reflexión. Los cambios que hemos vivido nos han dejado una sensación de sinsabor y desesperanza. Pero, por historia de vida, he aprendido que en tiempos difíciles es cuando más se tiene que mirar hacia atrás y ver el pasado propio y colectivo; quizá es una manera de evadir. pero siempre funciona. Y, afortunadamente la conclusión de este ejercicio es la certeza de que todo estará bien; claro, si se trabaja por ello. Soy una fiel creyente de que día a día forjamos nuestra propia historia y que el cambio siempre es posible.

Sin embargo, la transformación de fondo viene cuando una sociedad está alerta del inconsciente colectivo y decide tomar acción y responsabilidad para crear ese cambio que beneficia a todo un entorno. Eso está sucediendo en México. Sí, ya vivíamos tiempos de crisis y la sensación se incrementó considerablemente por las decisiones tomadas por nuestros vecinos del norte. Sí, no será sencillo. Pero sé que hoy tenemos un México muy consciente de lo que es, de lo que vale, de lo que puede lograr si las cosas se hacen bien; un México con una juventud que valora su pasado y lo hace propio, que se exige y demanda, y que sabe que la diferencia la hacemos nosotros mismos, ellos, nuestros niños.

Y con esta certidumbre, salí de la oficina de Enrique Norten hace unos días. Al verlo, lo primero fue hablar de estos momentos y de facto surgió la pregunta de cómo él tocó puertas en Estados

Glocal Design Magazine Greta Arcila

Unidos, y certero respondió: “Ahí no se tocan puertas, se abren con el trabajo serio y bien hecho; lo demás se da por sí solo… no hay más misterio en ello: se tiene que ser serio y estar comprometido con uno y con la gente con la que colabora pues llegan con nosotros buscando calidad, y eso es una responsabilidad enorme”. Para él, lo esencial radica en rodearse de la gente adecuada sin importar el origen geográfico; le ocupan las personas que quieren aprender y de quienes aprende; esas que no le temen a lo distinto o a lo nuevo, pues en ellos recae la capacidad de evolucionar, como persona y como líder de un equipo que crea espacios arquitectónicos. Eso, es un compromiso aún mayor pues una buena arquitectura tiene el poder de detonar un cambio social en un entorno.

Cierro 2016 mirando también hacia atrás, recordando esa noche hace seis años en el Museo Franz Mayer cuando presentamos nuestro proyecto Glocal Design Magazine que, afortunadamente, ha ido evolucionando. Errores muchos, lecciones más, pero siempre rodeada de gente valiosa en el equipo. Gracias a todos los creativos que logran que nuestras páginas sean un bello viaje al mundo de la creatividad, ahí en donde todo es posible y en donde la libertad se encuentra en una hoja de papel en blanco.

Greta Arcila EDITORA EN JEFE

@Glocal Design @gretaarcila

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CONTENIDO EDITORIAL AGENDA

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HISTORIA + DISEÑO

RESEÑA Arquitectura y diseño Frank Lloyd Wright y Arita

MISCELÁNEA

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Rústico y refinado Don Shoemaker

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SHOWROOM Estilo de vida Made in Italy Corso Moliere

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TALLER Burbujas moldeadas a fuego lento Barovier & Toso

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LOCAL Kaleb Cárdenas Tapatío en el fin del mundo

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ILUMINACIÓN La magia de la luz Le Royer | Larose Guyon

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TEXTIL Textura y color Biyuu y The Rug Company

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AUTOMOTRIZ Un auto de carreras citadino Audi R8

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DISEÑO + EMPRESA Galardones en plata TANE

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FOODIE Diseño en pequeñas porciones Tangará Catering Creativo

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HOST Estilo de alma europea AC Hotels by Marriott Eclectisismo e historia L'Ôtel

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MACROTENDENCIAS Diseño de interiores, mobiliario, moda, arte y accesorios

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BITÁCORA DE DISEÑO Propuestas entretejidas Design Week México y Abierto Mexicano de Diseño

arquitectura y diseño de interiores

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textil y moda industrial, mobiliario y objeto

LO MEJOR DEL 2016 Tierra Garat Casa Oliva

multidisciplinario

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Casa Irekua Anatani

COLUMNA ¿Para qué diseñamos?

Por Juan Carlos Baumgartner

Cinco Casas

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Casa Wabi Mar Adentro Corporativo Angelópolis

Art & Design Invertir o no invertir en arte Por Martha Lydia Anaya

Torre Reforma Torre Bancomer

ENTREVISTAS Héctor Esrawe y David Weeks Aman el diseño y comparten una misma filosofía

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Museo Internacional del Barroco

Christopher Guy Elegancia atemporal

OBJETO GLOCAL

Stefan Sagmeister Belleza y funcionalidad

Remix Vol. 1 BD Barcelona

ENFOQUE TEN Arquitectos Una nueva visión de la arquitectura mexicana

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DESTINO DISEÑO Milán y sus contrastes

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LO MEJOR DEL DISEÑO

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TRADUCCIONES

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DICIEMBRE ENERO

AGENDA

Un año de AZT, 1991.

TIEMPO PARTIDO GE NE RAL I DE A Fundación Jumex Arte Contemporáneo en colaboración con el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y la National Gallery of Canada presentan por primera vez, en un país latinoamericano, una retrospectiva del colectivo de artistas de origen canadiense General Idea. A través de más de 120 obras en diferentes formatos como videoarte, instalación, fotografías y publicaciones, el visitante conoce el trabajo de estos artistas. La exposición inicia en los últimos años de trabajo del colectivo y termina con sus primeras obras, en un recorrido que se hace de manera circular.

Hasta el 12 de febrero del 2017 MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Ampliación Granada, 11500, CDMX 5395 2618 fundacionjumex.org

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agenda

UNO Y UNO ES DE CUATRO: LA BAUHAUS FOTOMONTAJES DE JOSEF ALBERS Reconocido como una de las figuras más importantes del arte del siglo xx, Josef Albers (1888-1976) alcanzó una aclamación generalizada a través de una gama de medios, desde el diseño de los muebles hasta el printmaking y la pintura. Por primera vez, muchos de sus trabajos se unen en esta notable instalación de 16 fotomontajes, los cuales anticipan las preocupaciones que Albers perseguiría a lo largo de su carrera: la serialidad, la percepción y la relación entre la artesanía y la producción mecánica.

Bel Air Camera, 2016. Foto Alex Yuzdon

TACITA DEAN Una exhibición monográfica de la artista británica donde se analizan los conceptos rectores de su labor creativa: tiempo y causalidad a través de diferentes modos de interpretación.

La muestra reúne diversos soportes análogos como pinturas, objetos, dibujo, fotografía y cine que conforman alrededor de 100 piezas, la mayoría realizados en los años noventa además de nuevos proyectos realizados para esta exposición. También se agrega a la exhibición una publicación del mismo nombre sobre textos y obras de la artista.

Hasta marzo del 2017 MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORÁNEO Paseo de la Reforma no. 51 esquina Gandhi Bosque de Chapultepec 11580, CDMX (55) 41 22 82 00 museotamayo.org © 2016 The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York.

El Lissitzky, Dessau. 1930/1932. Foto John Wronn

Hasta el 2 de abril del 2017 MUSEUM OF MODERN ART (MOMA) IN NUEVA YORK CITY 11 W 53rd St, New York, NY 10019, Estados Unidos +1 212-708-9400 moma.org

ARQUITECTURA ORGÁNICA DE SENOSIAIN Una mirada a la obra del singular arquitecto mexicano que celebra 40 años de trayectoria a través de fotografías, maquetas, planos y videos de 38 proyectos.

Entre las obras exhibidas destacan El Tiburón, en el Conjunto Satélite y el Nido de Quetzalcóatl, en el Estado de México. Su trabajo se ha caracterizado por la sinuosidad y la fusión con el entorno que le ha hecho acreedor de un sello inconfundible.

MAGRITTE. LA TRAICIÓN DE LAS IMÁGENES Esta es una aproximación sin precedentes a la obra del artista belga, René Magritte. La muestra reúne una centena de pinturas y combina obras emblemáticas del autor con otras poco comunes provenientes de colecciones tanto privadas como públicas. El nombre de la exposición retoma el de uno de los cuadros más famosos del artista belga, en el que aparece la imagen de una pipa y un texto en francés que dice “Esto no es una pipa”.

Hasta el 23 de enero del 2017 Hasta el 12 de febrero del 2017 MUSEO NACIONAL DE ARQUITECTURA Palacio de Bellas Artes tercer nivel Av. Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas (55) 86 47 53 60 Centro Histórico, 06050, CDMX museonacionaldearquitectura.bellasartes.gob.mx

Nido de Quetzalcóatl

CENTRO POMPIDOU Place GeorgesPompidou, 75004, París, Francia +33 1 44 78 12 33 centrepompidou.fr Les vacances de Hegel, 1958.

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agenda

GARNITURES: VASE SETS FROM NATIONAL TRUST HOUSES Una serie de jarrones ornamentales marcados por un contexto y diseño específico en una muestra que reúne piezas procedentes de más de 13 casas diferentes de National Trust, préstamos privados y la propia colección del museo. Las piezas son procedentes de China y Japón que datan del siglo xvii y xix entre las que destaca una rara colección de porcelana china pintada con hierro rojo esmaltado. Sets de una excepcional maestría decorativa que sobrevivieron a lo largo de la historia.

Hasta el 30 de abril del 2017

MARIO PANI. ARQUITECTURA EN PROCESO Covered pot-pourri vase from Upton House, Warwickshire, soft-paste porcelain, 1762 – 64, Chelsea factory, London, England. © National Trust. Foto Robert Morris

VICTORIA & ALBERT MUSEUM Cromwell Road, London SW7 2RL +44 (0) 20 7942 2000 vam.ac.uk

50 AÑOS DE ESCULTURA HIPERREALISTA

Una exploración por las etapas de la obra de Pani y su proceso de trabajo a través de maquetas, fotografías, planos, dibujos y videos. Una muestra que relata sobre la transformación y proyectos de nuevas tipologías que introdujo en México. A partir de un análisis de la arquitectura como fenómeno social, la exposición gira en torno a los temas en los que se desenvolvió el arquitecto: edificios, complejos urbanos, arquitecturas locales y planes urbanos.

Hasta el 9 de enero del 2017

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta 31 esculturas realizadas por 25 de los artistas más representativos del movimiento que ponen de manifiesto las múltiples maneras de tratar la figura humana, su relación con diversas expresiones de la historia del arte y su evolución técnica desde los inicios hasta la actual era digital.Es la primera exposición que muestra una revisión profunda de la figuración humana a lo largo de los más de cincuenta años de existencia del hiperrealismo, a través del uso de técnicas tradicionales, como el modelado, el fundido y la pintura.

MUSEO AMPARO 2 Sur 708, Centro Histórico, 72000, Puebla +52 (222) 229 38 50 museoamparo.com

CHINA NO ES COMO LA PINTAN En el marco del Año de Intercambio Cultural ChinaAmérica Latina y el Caribe 2016 y el cuadragésimo quinto aniversario de las relaciones diplomáticas entre la República Popular China y México, el Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta, a través de 151 obras, la trayectoria del arte de la cultura china. Se exhiben obras en formatos como pintura, escultura, grabados, arte en papel, máscaras y marionetas de teatro de sombras.

Hasta el 8 de enero del 2017 MARCO Calle Juan Zuazua s/n, Centro, 64000 Monterrey, NL (01) 81 8262 4500 marco.org.mx

Tony Matelli. Josh, 2010 © Toni Matelli Cortesía del artista y el Institute for Cultural Exchange, Alemania

Hasta el 19 de febrero del 2017 ANTIGUO COLEGIO DE SAN ILDEFONSO Justo Sierra 16 Centro Histórico, CDMX 36 02 00 00 exts. 1028 y 1076 sanildefonso.org.mx

Wang Huaiqing Cuaderno de caligrafía-1. 2009

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reseña

ARQUITECTURA Y DISEÑO Dos recomendaciones bibliográficas que se resumen en la controvertida vida del arquitecto Frank Lloyd Wright, y el exquisito arte de la cerámica japonesa.

Texto Cristina Cruz Fotografía Cortesía Editoriales

THIS IS FRANK LLOYD WRIGHT No era solo un arquitecto

This is Frank Lloyd Wright (Se trata de Frank Lloyd Wright, Laurence King Publishing, Ian Volner, Agosto 2016) es el primer título de arquitectura que se agrega a la colección de las biografías de reconocidos artistas: This is, publicada por Laurence King. Escrito por Ian Volner e ilustrado por Michael Kirkham, cuenta con 50 ilustraciones, textos cortos y una cubierta de cartulina que lo hace parecer un cuento para niños. Relata la vida del arquitecto norteamericano desde su difícil infancia, su complicada formación y su temprano éxito pasando por su fracaso como hombre de negocios y hasta su peculiar estilo de vestir. Es una obra introductoria a la vida polifacética de un personaje parteaguas de la arquitectura moderna. Las ilustraciones representan los eventos más importantes de su vida, así como sus obras más icónicas: el Fallingwater y el Museo Guggenheim de Nueva York. Presentado en agosto pasado, la edición ha ganado el premio DAM Architectural Book Award 2016 del Museo Alemán de Arquitectura en Frankfurt. laurenceking.com

ARITA. TABLE OF CONTENTS. STUDIES IN JAPANESE PORCELAIN Visiones de una antigua artesanía

Una colaboración única entre 16 diseñadores contemporáneos y 10 talleres de cerámica tradicional japonesa, como Scholten & Baijings (Stefan Scholten y Carole Baijings), Studio Wieki Somers y Tomás Alonso, se palpa entre las páginas de Arita. Tabla de Contenidos. Estudios en Porcelana Japonesa (Arita.

Table of Contents. Studies in Japanese Porcelain, Phaidon, Anniina Koivu, Agosto 2016), que celebra el 400 Aniversario de la tradicional cultura de cerámica japonesa.

Más de 500 ilustraciones proporcionan una fascinante introducción a la actividad artesanal que ha colocado al pueblo de Arita como ‘la ciudad de porcelana’. La crítica de arte, y consultora, Anniina Koivu, guía este proyecto, el cual documenta el proceso creativo desde la inspiración a través de dibujos, modelos e imágenes de producción hasta el producto final. Más que un libro, es un estudio de creatividad y diseño. phaidon.com

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miscelánea

MISCELÁNEA Objetos de uso cotidiano que combinan tecnología, diseño y oficio artesanal

CASAMANIA | L I LY Para crear esta colección de mesas de centro, el diseñador de origen estadounidense, Marc Thorpe, se inspiró en la forma de los nenúfares. Las mesas son de diferentes tamaños, cada usuario las puede acomodar a su gusto y realizar un modelo personalizado para que estas tengan diferentes funciones.

Las más altas pueden usarse como mesas o asientos, mientras que las pequeñas pueden utilizarse como reposapiés. Son distribuidas por la marca italiana Casamania y están disponibles en tela o en madera. marcthorpedesign.com | casamania.it

VERREUM | C O R O L L E Los jarrones de cristal Corolle fueron diseñados por Sebastian Herkner para el estudio praguense Verreum, conocido por su trabajo artesanal del vidrio. Herkner se inspira en los pétalos de las flores para darles forma y color.

La usual transparencia del vidrio se vuelve opaca, mientras los colores se superponen y se reflejan entre sí, es por eso que los jarrones pueden contemplarse aún sin flores. sebastianherner.com | verreum.com

GEORG JENSEN | COLECCIÓN URKIOLA La diseñadora española Patricia Urquiola crea una vajilla de metal para la marca danesa Georg Jensen.

Urkiola cuenta con jarras, cuencos, bandejas y candelabros elaborados en acero inoxidable y acabado pulidoespejo. Las piezas tienen secciones cilíndricas con patrones ondulados y lados lisos y angulosos. georgjensewn.com patriciaurquiola.com

MULLER VAN SEVEREN | W I R E S # Este estudio de diseño de origen belga ha creado una colección de tumbonas fabricadas con una malla de acero inoxidable de dos por dos centímetros cuadrados. El nombre de la colección se refiere al material usado y la S a la forma que tienen cada uno de estos sillones. Para los diseñadores de esta firma los sillones-cama son parecidos a una hoja de papel que espera a alguien que se acueste en ella. Están disponibles en blanco, gris, verde y rojo, y son adecuados para usarse tanto en espacios exteriores como interiores. mullervanseveren.be Fotografías Cortesía

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miscelánea

LADIES AND GENTLEMEN STUDIO | KAZIMIR

ZANAT | I G M A N O T T O M A N Creada por el diseñador finlandés, Harri Koskinen, este otomano fue pensado para seguir la tipología de la silla de salón Igman, y se complementa tanto visualmente como en términos de proporcionar la comodidad requerida para que cualquier persona pueda dormirse sin necesidad de una cama. Elaborado en madera y con un diseño contemporáneo, este otomano es distribuido por Zanat.

El despacho estadounidense, Ladies and Gentlemen Studio se inspira en el trabajo del artista Kazimir Malevich para crear esta colección de lámparas, la cual explora la complejidad elemental de la obra del pintor de origen ruso, a través de un collage de tres piezas de vidrio dispuestas alrededor de un marco triangular iluminado. Otros materiales usados son el acero y el aluminio. ladiesandgentlemenstudio.com

zanat.org | harrikoskinen.com

MUTINA | P U Z Z L E Creada por los diseñadores Edward Barber y Jay Osgerby, esta colección de azulejos de porcelana experimenta con figuras geométricas de varios colores. La idea detrás de la colección es diseñar la habitación completa y no solo la fachada, lo que permite la comunicación entre los elementos arquitectónicos y los de los espacios interiores de la casa. mutina.it barberosgerby.com

NENDO + CAPPELLINI | TA N G L E TA B L E El despacho de diseño japonés Nendo presenta esta mesa lateral con una pata retorcida que se abraza a la pata de otra mesa y, así parece que ambas se sostienen con sus ‘manos’. La colección es diseñada por Akihiro Yoshida para la marca italiana Capellini. nendo.jp | cappellini.it

NORMANN COPENHAGEN | ACE COLLECTION La marca danesa presenta una colección de sillas, inspirada en el estilo de vida urbano. De una pequeña caja sale todo lo necesario para que, en pocos minutos, cualquier persona pueda armar una pieza. De manera innovadora, la firma mezcla lujo con un empaque ligero, plano y funcional, y logra un equilibrio entre estética, calidad y precio. Fabricadas en madera contrachapada y cubiertos con espuma para lograr mayor comodidad. normann-copenhagen.com

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local

KALEB CÁRDENAS

TA PAT Í O E N E L F I N D E L M U N D O Como diseñador industrial Kaleb ha sabido organizar su tiempo para participar en múltiples talleres, exposiciones e intercambios dentro y fuera del país. Actualmente trabaja en Designo Patagonia en Bariloche, Argentina.

Texto Itayedzin Aragón Fotografía Cortesía

Para algunos, 1990 todavía suena muy cercano, pero es justo el año de nacimiento de Kaleb, quien actualmente se encuentra trabajando en la Patagonia, lugar denominado popularmente como “el fin del mundo” por ser la parte más austral de América.

Pero, ¿qué ha hecho Kaleb para llegar tan, literalmente, lejos? Sus primeros acercamientos con el circuito global del diseño fueron a partir de las ferias internacionales en Milán, Estocolmo, Londres, Chile, España, Nueva York y, por supuesto, México. También ha participado en numerosos concursos entre los que destaca el primer lugar obtenido con la silla Nasa, en DiMueble 2013. De manera global, su participación en el Red Dot Concept Design Award 2014, le valió ser uno de los ganadores.

En el año 2013, el ahora extinto Centro de Diseño de Oaxaca (CDO) desarrolló el proyecto: Binomios Creativos: Artesanos + Diseñadores, con el objetivo de crear la neo-artesanía con productos

diseñados para crear impacto positivo en la economía y la percepción de lo artesanal. En dicho programa, Kaleb desarrolló junto con un grupo de artesanos una serie de candiles ornamentales, fuertemente influenciado por el apoyo del CDO y la creatividad local.

Kaleb, también formó parte del colectivo La Tlapalería, con quienes expuso en Wanted Design Nueva York en 2014 con Santa Guadaña, dentro de la colección Armas Benditas, inspirada en los conflictos que atraviesa nuestro país. Esta, responde de manera creativa a los problemas sociales mediante el diseño de ‘armas’ para combatir la ola de violencia por la que atravesamos. Santa Guadaña está integrada por floreros de cerámica creados con un enfoque positivo tanto para el púbico en general, como para los artesanos involucrados en su manufactura. www.kalebcardenas.mx

ABOUT Kaleb es egresado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM), campus Guadalajara.

Además de exponer su trabajo como diseñador industrial en diversas ferias, comercializa sus productos en el mercado nacional e internacional.

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L A MAGIA DE L A LUZ LE ROYER | LAROSE GUYON

Una colección de luminarias versátil que facilita personalizar los espacios, creando atmósferas únicas. Diversas composiciones son generadas, rememorando el folklore francés-canadiense con un diseño contemporáneo.

Texto Cristina Cruz Fotografías Cortesía

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iluminación

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os antecedentes de Le Royer vienen de la primera colección diseñada por el estudio canadiense Larose Guyon, llamada La Belle Époque; de la cual partieron para desarrollar un nuevo concepto basado en la versatilidad y dinamismo.

Para esta segunda colección, los dos diseñadores detrás de Larose Guyon recrean un mundo que, para ellos, está lleno de poesía, romance, elegancia y belleza. Enriquecen su proceso creativo con siete nuevos accesorios escultóricos, los cuales están dispuestos para colocarse en diferentes espacios de la residencia, ya sea en una isla, en la cocina, una mesa de comedor, en el espejo para baño o en el área de lectura. ¡Las posibilidades son muchas y muy propositivas!

Le Royer está inspirada en La Belle Époque (Época de Oro) de Francia; por lo que, la propuesta tiene un añorado folklore francés-canadiense, pero con denotado estilo contemporáneo. No se trata solo de crear luminarias, sino de armar una atmósfera con piezas de luz independiente.

La magia y el calor que producen la luz y las sombras, proyectadas por esta última, son factores importantes en el proceso creativo de lo que es el objeto. Por eso, esta nueva colección presenta un elemento básico en forma circular, con un anillo inferior donde surge la luz funciona con iluminación LED y un bajo consumo de energía, además de contar con brazos adicionales con tres longitudes estándar para ensamblar o desarmar cada luminaria y colocarla de acuerdo con las dimensiones de los espacios.

Cada quien es libre de configurar los elementos de las luminarias conforme diversas composiciones y la variedad de acabados disponible: negro y blanco mate, cobre satinado o latón.

Para Larose Guyon, el trabajo artesanal local es primordial para esta colección, elaborada en Quebec, Canadá, y presentada recientemente en la International Contemporary Furniture Fair (ICFF) en Nueva York, Estados Unidos; a la espera de una pronta distribución en Europa para 2017.

Siete luminarias escultóricas conforman la colección Le Royer, con la cual se puede armar una atmósfera llena de luces cálidamente independientes.

laroseguyon.com

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textil

FORMAS E HISTORIAS EN TEXTURAS Y COLOR El trabajo artesanal del diseñador de moda escocés, Jonathan Saunders, crea una armonía visual que encanta; mientras que la diseñadora textil, Marisol Centeno, busca ‘contar historias’ a través de color, texturas y formas.

Fotografías Cortesía

NORTE 61 | BIYUU Se inspira en el progreso del norte de México, cuando en 1961 empezó a circular El Chepe, un ferrocarril que recorría la Sierra de Chihuahua. A lo largo de sus recorridos, el tren se fue llenando de óxido, lo cual demostró su vulnerabilidad ante la naturaleza. Estos tapetes muestran esa lucha con la naturaleza a través del color, textura y composición. Para el teñido de la lana utiliza la técnica japonesa Shibori, y los materiales son algodón mercerizado y lana Merino y Lincoln, característica de la marca.

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textil

MODERNO | BIYUU Esta colección se inspira en cómo usaban los arquitectos de la época moderna el volumen, la luz y la sombra. Su diseño juega con esos contrastes.

HERRINGBONE | THE RUG COMPANY En este tapete, Saunders transforma los zigzags de la técnica de tejido en un gráfico intrépido, usando los colores rosa, azul cielo y verde hoja.

NORTE 61 Y MODERNO POR MARISOL CENTENO PARA BIYUU

HERRINGBONE, NOUVEAU, HARRINGTON Y HUTTON POR JONATHAN SAUNDERS PARA THE RUG COMPANY

En 2012, la diseñadora textil, Marisol Centeno fundó Biyuu como una marca que busca rescatar las técnicas tradicionales de producción de textiles para realizar diseños contemporáneos de tapetes con una visión de calidad, vanguardia y responsabilidad social.

El objetivo de esta marca es que sus tapetes no solo sean estéticos y funcionales, sino que además cuenten historias contemporáneas que dialoguen con la tradición para expresar emociones a través de la combinación de color, textura y forma. Además brindan calidez, armonía y vida a cualquier espacio y crean ambientes confortables, tanto para trabajar como para vivir. Cada tapete es elaborado a mano, con materiales naturales. Se trata de productos textiles de lujo que entienden y respetan el proceso ritual, la dedicación y el tiempo que requiere la producción artesanal.

Cuando uno observa por primera vez los diseños de los tapetes y cojines de Jonathan Saunders puede pensar que están inspirados en la cultura textil de alguna región de artesanos indígenas de México.

Los colores llamativos y las figuras geométricas de sus piezas son las que nos hacen pensar eso. Sin embargo, este diseñador de moda de origen escocés, visitó por primera vez nuestro país el pasado mes de octubre, para presentar la colección que ha elaborado para la famosa tienda The Rug Company.

Su trabajo se caracteriza por realizar estampados gráficos en los que combina colores llamativos que contrastan entre sí. Para algunos es caótico, pero armonioso. La colección consta de cuatro tapetes, dos para cualquier tipo de salón: Herringbone y Nouveau y, otros dos, para pasillo o corredor: Harrington y Hutton.

biyuu.mx

therugcompany.com

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automotriz

UN AUTO DE CARRERAS CITADI NO AUDI R8 | ALEMANIA

¿Te acuerdas del auto de Tony Starck Iron Man en la película Los Vengadores: La Era de Ultrón? Era un Audi R8 de segunda generación. Florian Liese, su diseñador, cuenta los detalles de cómo creó este súper deportivo de altas prestaciones.

Texto Martha Lydia Anaya Fotografía Cortesía

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automotriz

Luego del prototipo: Audi Le Mans Quattro; el R8 ‘de calle’ debuta en el Salón del Automóvil de París en 2005. Ahora, la marca presenta la segunda generación de este auto.

¿C

ómo es el trabajo de un diseñador de autos? ¿De dónde surgen las ideas? ¿Cuál es la fuente de inspiración para interpretar movimiento y velocidad, y dar forma a un coche de altas prestaciones, como el súper deportivo Audi R8 de segunda generación?

Desde su despacho en Berlín, Alemania, el diseñador de los exteriores del afamado automóvil, Florian Liese, se acomoda en su escritorio y responde para Glocal: “El lenguaje de diseño del nuevo Audi R8 se inspira mucho en el ganador de la carrera de Le Mans: el Audi R18. En su forma, es un coche fuertemente influenciado por las todas las emociones que inspiran nuestros autos de carreras exitosas.”

Con Audi R18, la marca germana busca recuperar su hegemonía de los últimos tiempos tanto en el World Endurence Championship (Campeonato Mundial de Resistencia) como en las 24 Horas de Le Mans. Entre los cambios más destacados está que utiliza una cabina cerrada y que es también el primer coche de carreras del fabricante de los cuatro aros, con un renovado prototipo híbrido que cuenta ahora con más de 1,000 CV de potencia combinada, una carrocería completamente nueva y la novedad de contar solo con dos coches para toda la temporada.

Esto, en esencia, fue lo que alimentó de ideas al equipo creativo de Florian para ir bocetando lo que sería el nuevo Audi R8. “Un coche nuevo, literalmente, toma forma cuando se discute el carácter que debe transmitir. Su inspiración puede derivar de todas partes: si se va por la vida cotidiana con una mente abierta, se pueden descubrir ideas e inspiración dado que la forma sigue a la función. Claro que las nuevas tecnologías también pueden ser fuente de inspiración”, dice.

Agrega que “dependiendo del modelo de cada automóvil, el proceso se tarda unos tres años a partir de la creación de los primeros bocetos hasta la congelación final de diseño.”

Un tema importante es la selección de los materiales que le darán textura y color al nuevo vehículo. Florian explica que en su estrategia de diseño ligero, Audi no se basa en un solo componente, sino en una mezcla de materiales inteligentes.

Esto en concordancia con la filosofía de la empresa: el material adecuado en la cantidad correcta en el lugar correcto.

El R8 es un ejemplo perfecto: al igual que su modelo anterior, esta nueva versión también tiene ‘un cuerpo’ basado en la tecnología Audi Space Frame (ASF), que aporta mayor

ligereza, mayores niveles de resistencia a torsión y se combina con el acero para un buen reparto de pesos. En otras palabras, es sinónimo de diseño ligero extremo. “Por eso -explica Florian-, el peso del Audi R8 es de solo 200 kg (440.9 libras), que es diez kilogramos (22.0 libras) menos que antes. Por primera vez y gracias a un concepto que se utiliza en Audi, se combina polímero reforzado de aluminio y carbono-fibra (CFRP) para la manufactura de componentes importantes de ‘la célula’ del auto, mientras que los módulos del cuerpo de la parte delantera y trasera están construidos de aluminio.

De esta manera, la tecnología ASF con el uso de materiales múltiples es la base para el concepto de diseño de peso ligero del Audi R8 como un coche deportivo de alto rendimiento.”

Florian se siente muy orgulloso de esta creación de ingeniería y diseño automotriz que es Audi R8. “Ningún otro coche de la producción de serie de Audi está más cerca, en concepto, a lo que es un coche de carreras. Al igual que en la primera generación, la proporción de partes comunes es un poco menos de 50%, y en los dos coches se han hecho avances de rendimiento e ingeniería mecánica. El nuevo Audi R8 expresa las ideas de diseño del modelo anterior de una manera técnica más tensa y fuerte. También refleja los detalles del prototipo de carreras R18, lo que interpreta el interés de la marca por los deportes de motor”, concluye Florian.

Audi R8 está más cerca, en concepto, a lo que es un auto de carreras. Su diseñador, Florian Liese, trabajó muy de cerca con técnicos e ingenieros.

audi.com.mx

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historia + diseño

“El curador, Iñaki Herranz, escoge 150 piezas de mobiliario de estilo rústico y refinado, con una hechura impecable”: Sylvia Navarrete, directora del MAM en México.

RÚSTICO Y REFINADO Desde Morelia, el diseñador estadounidense Don Shoemaker fabricó algunos de los muebles más distintivos de los años 60’s y 70’s. Hasta febrero del 2017, el Museo de Arte Moderno (MAM) presenta la primera retrospectiva dedicada a su obra: Don S. Shoemaker. Diseño artesanal e industrial.

Fotografías Cortesía del Museo de Arte Moderno

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historia + diseño

1930

Criado en una familia acomodada, Don Shoemaker (19191990) era originario de Nebraska.

Durante la década de 1930 estudió en el Instituto de Bellas Artes de Chicago, pensando en dedicarse a la pintura.

1940

Después de la guerra se casó con su prometida Bárbara, y se enamoró de México durante su luna de miel, país en donde finalmente decidió ‘echar ra íces’ y al cual se trasladó a finales de los años 40’s.

1945

Durante un tiempo, vivió y disfrutó del arte de la pintura en San Miguel de Allende, en Guanajuato, pero luego se mudó a la pequeña y pac ífica ciudad de Santa María de Guido, en el estado de Michoacán.

1950

El amor por la naturaleza inspiró a Don y Bárbara a instalar un invernadero en Santa María de Guido, en el que recogieron unas 5,000 variedades de orquídeas.

1959

En Santa María de Guido, Don comenzó a fabricar sus primeros muebles en maderas tropicales. Esa inquietud se convirtió en una pequeña fábrica a finales de los años 50’s.

1960

Pronto la pequeña empresa empleó a más de un centenar de artesanos expertos y empezó a generar un impulso económico para el pueblo moreliano. Don también empezó a ser conocido por sus obras de caridad.

1965

Las piezas de mobiliario creadas por Don empezaron a ser conocidas en los salones de diseño más importantes de Chicago, Los Ángeles, Houston y algunas ciudades de la República Mexicana.

1990

Don y Bárbara tuvieron tres hijos, pero solo su hijo George se involucró en el negocio. Cuando Don falleció en mayo de 1990, fue él quien se hizo cargo de la empresa.

2016

Hoy, la obra de Don Shoemaker es valorada como fundamental en la historia del diseño mexicano moderno del tercer cuarto del siglo xx , a la altura de autores como Clara Porset, Óscar Hagerman, Michael van Beuren, Po Shung Leon, Arturo Pani o Eugenio Escudero.

2017

A pesar de que sus muebles son muy codiciados por el coleccionismo, Don no se ha beneficiado de ninguna publicación monográfica. El MAM exhibe una exposición hasta febrero del 2017, como un homenaje a su figura y entender el desarrollo del diseño artesanal e industrial en México.

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CORSO MOLIERE ESTILO DE VIDA MADE IN ITALY

“En este mundo imperfecto, la belleza y lo estético nos dan un equilibrio en el día a día”: Gilda Guss, empresaria, diseñadora de interiores y fundadora de Corso Moliere.

Entrevista Martha Lydia Anaya

A

mable, distinguida y con una sonrisa a flor de piel, la empresaria y diseñadora de interiores Gilda Guss se adueña de su espacio y nos transporta, a través de los diferentes entornos y ambientes que ella misma ha armado en su concept store: Corso Moliere, en la colonia Polanco de la CDMX, a diferentes escenarios que simplemente se disfrutan.

“Interpreto el diseño como un arte. Detrás de cada pieza está el trabajo de un arquitecto y de gente que está creando.

Es arte porque cada mueble, cada accesorio… nace de una pequeña idea en la cabeza, que luego se va desarrollando con tecnología y la ayuda de maquinaria que hacen que todo sea perfecto”, comparte Gilda, quien desde niña se enamoró del estilo de vida made in Italy por su apariencia estética y porque

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Fotografías José Margaleff

los italianos hacen muebles excepcionales. “Son unos artistas natos”, dice. En Corso Moliere –que debe su nombre a la curiosa combinación de corso, calle en italiano, y a la famosa avenida Moliere en la colonia Polanco donde se ubica el showroom–, la propuesta se enfoca en líneas europeas exclusivas como Flou que brinda un ‘buen dormir’ con sus camas y mobiliario de alta tecnología para un descanso óptimo; Ciccotti que durante Design Week México (llevada a cabo en octubre pasado) anunciaron como una marca exclusiva de la tienda y que tiene la característica de que todo es hecho con telas cuidadosamente seleccionadas; Bellavista con su línea de muebles clásicos y Busnelli con sus sofás totalmente hechos a mano; entre más de 40 compañías de las mejores marcas italianas.

showroom

Escenarios estéticamente bien armados con mobiliario y accesorios de renombradas marcas italianas, como Flou, Ciccotti y Bellavista.

Gilda Guss, fundadora de Corso Moliere

“Básicamente manejamos solo líneas italianas, aunque creemos mucho en el diseño nacional. Tan es así que algunas de las piezas de joyería que ofrecemos son de una joven diseñadora mexicana que nos ha ido conquistando tanto por su talento como por la calidad con que elabora sus colecciones”, comenta la fundadora del showroom.

“Nuestro concepto –agrega– va más allá al de solo tener ‘una tienda linda’. Trata de un espacio donde la gente pueda encontrar desde un accesorio, como unos lentes o joyería, hasta un mueble con la idea de armar todo un estilo de vida. Cuando alguien entra a la concept store, la idea es que cada entorno lo invite a quedarse y a que quiera que una sala, un cuadro, una silla o una cama sean parte de su casa, creando diferentes ambientes”.

Gilda cuenta que a un año de la apertura de Corso Moliere en la CDMX, la respuesta ha sido más que exitosa, no descartan el plan de que pronto puedan abrir una tienda en provincia. “La gente sale muy contenta de lo que puede ver y encontrar aquí. En lo personal, me siento muy satisfecha de estar dirigiendo esta empresa y de colaborar con arquitectos y diseñadores en sus propuestas. Recién estamos terminando un proyecto que hicimos con Miguel Ángel Aragonés y el hotel ‘Mar Adentro’ en Los Cabos, Baja California, y simplemente puedo decir que seguimos enriqueciéndonos con el trabajo de arquitectos de alta envergadura”.

Para algunos, visitar este showroom parece una experiencia de museo, en la que todo está muy bien seleccionado y muy bien unido. Lo peculiar es que se trata de escenarios estéticamente bien armados y en los que la diseñadora Gilda Guss ha puesto su especial ‘toque femenino’, haciendo lo que le apasiona: compartir las cosas bellas del mundo. corsomoliere.com.mx

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BUR B UJ AS M O LD E A DAS A FU E G O L E NTO Cada pieza tiene su historia y su técnica. Con la ayuda del fuego y valiéndose de centenarias tradiciones, los vidrieros de la histórica isla veneciana de Murano transforman la arena en esplendorosas creaciones.

Texto Martha Lydia Anaya, enviada Murano Fotografías Luca Dal Gesso

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taller

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odo sucede en un lugar tan maravilloso como exótico y misterioso por los secretos que guarda entre sus talleres artesanales. Estoy en Murano, pequeña isla de la laguna de Venecia, famosa por sus fábricas de vidrio, un material que conforme la técnica del soplado se ha moldeado en la región durante más de mil años.

Al desembarcar, encamino mis pasos al taller de Barovier&Toso –una de las empresas italianas más antiguas en la fabricación artística del vidrio–. Ahí, el gesto amable de mi espléndido anfitrión, Luigi Lucchetta, directivo de la compañía, se apresura a darme la bienvenida y a explicarme con un breve recorrido por sus talleres cómo es el proceso de elaboración del vidrio soplado.

“El artesano sopla y balancea con su caña la bola de vidrio fundido hasta obtener una burbuja alargada. Con diestros movimientos de tenazas y tijeras, estira, corta y pinza la masa carente de forma hasta convertirla en la pieza exacta de lo que luego podría ser un esplendoroso candelabro”, explica.

Me comparte que en la vecina isla de Torcello existen ruinas de una vidriería del siglo vii (de nuestra era); sin embargo, el primer testimonio real que se tiene del arte del vidrio en la ciudad de los canales es una escritura del año 982, atestiguada por el soplador Doménico ‘el vidriero’, que hacía botellas. Se cuenta que, por motivos de seguridad (sobre todo para evitar los incendios) las autoridades de la época ordenaron que los talleres donde trabajaban todos los vidrieros se trasladaran a un kilómetro de Torcello; por eso, llegaron a Murano, en donde permanecen hasta el día de hoy.

El vidrio de Murano (70% arena y 30% sosa, caliza, nitrato y arsénico) se licua a 1,400 °C y se endurece a 500 °C. Entre estos dos extremos, hay una temperatura ideal en la que el material se hace blando y dúctil

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Pero, ¿qué tiene de especial el vidrio soplado de Murano?

Luigi dice que los artesanos locales alcanzaron una maestría tan exquisita por la frecuente convivencia de su gente con regiones donde el soplado tenía una larga tradición, como Egipto, Fenicia, Siria y el Corinto bizantino.

Es innegable que los métodos y productos de los talleres venecianos más antiguos deben mucho de su trabajo a los orientales. Aun así, las técnicas empleadas en Murano han elevado su arte a niveles que difícilmente se podrían igualar en otros sitios del Viejo Continente.

Según referencias históricas, en los siglos xiii y xiv, Venecia era el único lugar capaz de producir ‘obras de arte’ de vidrio soplado, las cuales se exportaban desde el Mediterráneo oriental hasta el norte de Europa.

El oficio se ‘protegió’ de tal forma, que incluso las autoridades prohibieron a los vidrieros que emigraran y solo se permitió el acceso a la profesión o al aprendizaje a los muraneses legítimos. Aunque hubo competidores, el arte veneciano alcanzó su apogeo en los siglos xv y xvi. Murano,

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con sus formas de cristal soplado, sus esmaltes, su lattimo (una composición de vidrio de color lechoso) y su reticello (una técnica de vidrio soplado con pequeñas burbujas de aire) –por citar algunas de sus especialidades– siempre destacó.

ENTRE LOS ANCESTROS HORNOS DEL VIDRIO Luigi relata que para la familia Barovier, un representante muy importante en la dinastía fue Angelo Barovier, un maestro artístico del renacimiento italiano, cuyo papel en la historia del cristal de Murano se puede comparar con la de Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel a la pintura y a la escultura. “A Angelo ‘el Grande’ (1405-1460), se le atribuye la creación de la ‘copa nupcial Barovier’, que data de 1450. Está hecha de vidrio azul con esmalte y decoraciones en oro. Es una pieza que aún se conserva en el museo de Murano y que es el objeto precioso más famoso de las obras maestras del cristal renacentista”.

El artesano forma una burbuja cuyo extremo corta un ayudante. Luego gira la caña alrededor de su eje a fin de que se abra la burbuja. A base de calentarla y moldearla, va creando diversas figuras.

Sentados en bancos con brazos horizontales, los maestros van dando vueltas a las cañas con una mano y, con la otra dan forma a la masa valiéndose de un molde húmedo de peral.

Cuenta, además, que fue entre las dos guerras mundiales, cuando la familia Toso –muy conocida entre los artesanos de Murano– se unió a los Baroviers para fundar la compañía Barovier&Toso. A Ercole Barovier (1889-1974), presidente de la empresa por cerca de 40 años, se le considera uno de los diseñadores de vidrio más importantes de esa época. Sus trabajos se exhiben en el museo Victoria&Albert en Londres, el Louvre de París y el museo del Vidrio de Corning en Nueva York, además de muchas otras galerías y colecciones privadas que se conservan alrededor el mundo.

Hoy, Barovier&Toso es una empresa-miembro de la prestigiosa asociación internacional ‘Les Hénokiens’ que agrupa compañías renombradas y bicentenarias que aún son administradas por los descendientes de sus fundadores.

También se le cita en el libro de récords Guiness como una de las dinastías industriales más antigua del mundo: en 2015, celebró su 720 aniversario. barovier.com

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GALARDONES EN PLATA “El proceso creativo de un diseñador puede ser muy doloroso, pues hay muchas horas de soledad frente a un papel en blanco. Al final del día, las ideas llegan y debes explorarlas para llegar a un concepto real y definido”: Nino Bauti, director creativo de Tane.

Entrevista Martha Lydia Anaya Fotografías José Margaleff

Nino Bauti, director creativo de Tane y Matthieu Guerpillon, embajador de la marca de whisky Buchanan’s.

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diseño + empresa

"La grandeza se va forjando a través de la reinvención continua": Nino Bauti, director creativo de la casa platera Tane.

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acer objetos estéticamente bonitos no es complicado, “lo realmente difícil es darles un ‘alma’ para que esos accesorios cuenten una historia y ‘muevan’ las emociones de las personas cuando los vean..”, platica entusiasmado el director creativo de Tane, Nino Bauti, en medio de los aparadores en que destellan algunas de las piezas que ha diseñado para la casa de orfebrería mexicana.

La cita fue en la tienda de la marca dentro de El Palacio de Hierro, en Polanco, donde Nino se siente cómodo y en libertad para inventar y pensar sus ideas con un 35% con la cabeza y 65% con el corazón.

El diseñador español que estudió en Londres y trabajó con Alexander McQueen, entre otros prestigiados nombres de la moda, ha sido el responsable de crear -hasta ahora- siete famosos premios para distintas empresas. “El primero fue para el Festival de Cine y Arte de Careyes; nunca había hecho un trofeo en mi vida y fue con esa experiencia que le tomé un gusto especial al diseño de galardones.

Luego vinieron otros, como el de LuxuryLab y el de la Fórmula 1, el cual llegó en el momento preciso a mi vida y que es el que más fama me ha dado. Su diseño es un águila real y la base de obsidiana, que son materiales extraídos de la tierra”, cuenta Nino.

Para él, “los trofeos son el recordatorio de una victoria y, como tal, son un objeto que tiene que transmitir emociones”. Su creación más reciente: el proyecto Fénix, con el premio Buchanan’s a la grandeza del cine mexicano, ejemplifica muy bien esa filosofía. “De todos los trofeos que he hecho, este es uno de los que más he disfrutado porque, además de que me encanta el cine, de nuevo me da la oportunidad de expresar la grandeza de México a través de un objeto”, dice el creativo, quien se reconoce “muy mexicano”, ajeno a malinchismos y agradecido con nuestro país por creer en su talento. “México me ha dado mi lugar y no ha sido complicado trabajar aquí. Luego de un proyecto han ido saliendo otros. La inspiración para crear la voy encontrando en el momento mismo que empiezo a dibujar, la mayor parte de las veces dejo que los diseños se apoderen de mí y que sea solamente la mano la que escribe”, enfatiza.

La colaboración con la marca de whisky Buchanan’s se dio de manera natural. Matthieu Guerpillon, embajador de whiskies de Diageo –compañía de bebidas alcohólicas Premium que maneja marcas como Smirnoff, Captain Morgan y Baileys– se involucra en la plática y comparte que para este proyecto se dio el tiempo de hacer un recorrido por los talleres de la casa platera. “Hay mucho en común entre las dos marcas: Tane y Buchanan’s. Mirar cómo las manos expertas de un artesano moldean una pieza de joyería, me remite al trabajo dedicado de un maestro escocés fabricando una barrica de madera en la que madurará nuestro whisky con su característico sabor y aroma”, dice Matthieu.

Para la segunda edición del premio Buchanan’s, que reconoce a personalidades que han sido parte del legado cinematográfico de México, Nino ha recreado un ave Fénix en plena metamorfosis, que simboliza el ánimo de renacer, de reinventarse, de resurgir de entre las cenizas… Estas cenizas están representadas con piedra volcánica, a las que el diseñador les ha dado un pulido especial con la idea de hacer hincapié en que son los principios los que invariablemente hacen llegar al triunfo. El vuelo grandioso del ave se une a los instrumentos de guerra de los mayas, como penachos y plumas, que en conjunto terminan por darle forma al trofeo. tane.com.mx

Buchanan's reconoce la grandeza del cine mexicano con: un ave Fénix en plena metamorfosis que se abre a la capacidad de resurgir, creada por el artista Nino Bauti.

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DISEÑO EN PEQUEÑAS PORCIONES Tangará Catering Creativo: Un concepto que reúne ‘recorridos culinarios’, creatividad y diseño para brindar una experiencia gastronómica integral a comensales exigentes.

Texto Cristina Cruz Fotografías José Margaleff

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adie puede negar que uno de los mayores placeres de la vida es el buen comer, y en esta ocasión, el equipo de Glocal Design Magazine visitó a Tangará Catering Creativo: un movimiento culinario formado por Sebastián Jaume, Fredy Girón y Emilio Serrano.

La pasión e interés de un grupo de amigos por la gastronomía, los hizo pensar en crear un concepto diferente denominado ‘recorridos culinarios’. Su historia comienza con el proyecto de La Canapería, para el que propusieron un diseño y tamaño particular de canapés tanto para clientes corporativos como para eventos sociales.

A diferencia de un restaurante, La Canapería se adentró a los hogares, oficinas y entornos de las personas con la idea de que disfrutaran lo bueno de la vida ‘en pequeñas porciones’ que le dieran gusto a su paladar y a la vista.

Con el paso del tiempo, el proyecto evolucionó a Tangará Catering Creativo, dedicado a brindar un servicio con vastas posibilidades de crear y generar una cultura culinaria más significativa para la gente.

Cada evento viene acompañado de diferentes experiencias y aprendizajes para las personas que acuden con el inquieto equipo de chefs y cocineros, pues brindan talleres, maridajes,

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1. Cheesecake con esponja de sésamo negro y chocolate blanco.

2. Atún sellado con sandía al grill y reducción de frutos de temporada.

3. Concassé de pimientos con panela parrillado, puré de zanahoria y pesto fresco.

4. Napoleón de moras, death by chocolate y tlacoyo azul con requesón dulce.

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catas y charlas para aprender y compartir su conocimiento sobre el exigente mundo del buen paladar. No solo se trata de una nueva propuesta culinaria sino de una experiencia integral de planificación, logística y montaje para que los eventos superen las expectativas.

“Lo que nosotros estamos haciendo es crear un espacio creativo gastronómico que complementa los eventos sociales con distintas ideas, producción y diseño… ese diseño tiene distintas etapas, desde la gastronomía hasta todo lo que hay detrás de una reunión”, comenta Emilio, cofundador de Tangará Catering Creativo. De esta manera, el equipo creativo en el área de diseño se encarga de la planeación, montaje y selección de mobiliario.

Para este nuevo concepto, el diseño tiene un papel holístico muy importante en el que la creatividad es un valor primordial para una empresa que apuesta por la innovación gastronómica y el diseño de experiencias. Por eso, en colaboración con chefs procedentes de diversas partes del mundo, Tangará Catering Creativo ha generado nuevos platillos y presentaciones dejando atrás las reglas gastronómicas.

Entre su variada lista de menús, se encuentra el cheesecake de sésamo negro con esponja de sésamo negro y chocolate blanco, un ejemplo de la cocina molecular cuya presentación, textura y sabor son algo fuera de lo común.

Un punto relevante al respecto de la creación de sus platillos es que estos “son elaborados con ingredientes frescos y de origen local, pero con un enfoque gastronómicamente internacional”, cuenta el chef Sebastián.

En una continua búsqueda por reinventar y proponer algo diferente, su colega Emilio nos comparte un poco del gusto y entusiasmo por la gastronomía, así como de lo venidero para esta joven firma culinaria: “Para Tangará Catering Creativo viene un movimiento gastronómico importante en México que ofrecerá diseño, mucha creatividad, inspiración y pasión por el buen comer”. tangaracatering.com

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ESTILO DE ALMA EUROPEA AC HOTELS BY MARRIOTT | JALISCO

Un hotel bien diseñado es un oasis para el viajero. "Desde esa perspectiva pensamos que era importante que el edificio se entendiera como una pieza unitaria que demostrara su condición de edificios mixtos, pero sin perder rotundidad": Boris Pena, director de proyectos para Sordo Madaleno Arquitectos.

Texto Cristina Cruz Fotografías Cortesía AC Hotels by Marriott

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a historia comenzó en un pequeño hotel familiar en Navarra, España, donde Antonio Catalán -fundador y presidente de la cadena hotelera AC Hotels- solía jugar cuando era niño. Esas vivencias infantiles entre cocinas, pasillos, habitaciones y salas comunes del negocio familiar, lo llevaron a pensar que un hotel tiene la oportunidad de convertirse en algo mejor que un hogar: un lugar en donde las complicaciones de la vida cotidiana simplemente desaparecen.

Con ese espíritu visionario es que Antonio Catalán ha consolidado la marca española AC Hotels que, en alianza con Marriott International, tiene presencia con más de 90 hoteles de diseño de vanguardia en países, como Italia, Dinamarca, Francia, Reino Unido, Turquía y Portugal. Así, desde 1998, la marca AC Hotels by Marriot ha ganado renombre como una de las cadenas europeas más respetadas del mundo. A partir de 2011 ha buscado expandirse más allá de los horizontes del Viejo Mundo y ha abierto hoteles en Estados Unidos, Brasil y ahora México, donde hace unos meses estrenó las instalaciones de una unidad en la ciudad de Guadalajara, en el estado de Jalisco, y muy pronto harán lo propio con otra más en la Ciudad de México.

El nuevo espacio en tierra tapatía está pensado para acoger a los turistas nacionales e internacionales con un concepto pilar, basado en las experiencias sensoriales y en un estilo de vida rodeado de arte y diseño, en el que el reconocido empresario y fotógrafo Nigel Barker participa con una interesante galería.

AC Hotels by Marriott Guadalajara celebra la belleza del diseño clásico-moderno con su alma europea y sus raíces españolas. Por eso, la marca apuesta por la arquitectura y diseño mexicano, con la mayor parte de su mobiliario, iluminación y decoración fabricados en México. Es el despacho Sordo Madaleno Arquitectos el que se hizo cargo del proyecto arquitectónico de este edificio de usos mixtos. El resultado es un espacio con un diseño elegante y atemporal, con un estilo limpio y minimalista que se ve reflejado en el mobiliario y el uso de los tonos neutros.

En palabras de los directivos de la cadena Marriott International, con la cual AC Hotels ha creado una buena mancuerna de expansión: la cartera de hoteles de diseño ha tenido un rápido crecimiento en el mundo, pues se trata de una nueva forma de comprender lo qué es el alojamiento. La apertura de AC Hotels by Marriott Guadalajara muestra el interés por hacer arquitectura y diseño distintivo, asequible y accesible tanto para creativos como para empresarios y visitantes.

Guadalajara es una de las ciudades más vibrantes de México con escenarios de arte y cultura urbana activa y energética. Este hotel está en el centro financiero, a poca distancia de las principales atracciones turísticas. Es ideal para quienes buscan lo que la ciudad ofrece y creen en que el ‘diseño con propósito’ mejora la calidad de vida. achotels.marriott.com

DETALLES DEL ESPACIO Hotel: AC Hotels by Marriott ¿Dónde?: Guadalajara, Jalisco Arquitectura: Sordo Madaleno Arquitectos Interiorismo: Jihei Aoki Concepto: Todo el hotel es creado por mexicanos, desde la estructura arquitectónica hasta el diseño de interiores.

Detalles representativos: Tonos grises y cafés, pisos de madera y mobiliario minimalista con líneas limpias, que evocan el estilo europeo contemporáneo.

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ECLECTICISMO E HISTORIA L´ÔTEL | SAN MIGUEL DE ALLENDE

Como los mejores vinos, el último proyecto de Roy Azar hace que cada paso y vivencia sea una experiencia que explota los sentidos al máximo.

Entrevista Greta Arcila, enviada San Miguel de Allende Fotografías Cortesía

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na de las trayectorias más interesantes del mundo de la arquitectura interior en México es, sin duda, la de Roy Azar. De afable personalidad, mantiene bajo perfil ya que vive alejado del spot mediático, sin embargo, ha tenido el privilegio de realizar proyectos de gran nivel –en dimensión y propuesta– como el Hotel St. Regis Punta Mita, mismo que por su lenguaje clásico, pero contemporáneo y con una lectura internacional de lo que es el México actual, lo posicionó a nivel

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internacional como una figura a la cual había que seguirle los pasos muy de cerca y no perderlo de vista.

De sonrisa franca, él y su eterna cómplice, Sally Serur de Azar, nos recibieron en su más reciente proyecto de vida: el nuevo L´Ôtel, ubicado en el Centro Histórico de San Miguel de Allende, ciudad que se ha convertido en un destino cultural y turístico sin igual. Vivir el proyecto junto con ellos fue toda una experiencia. Desde que llegamos nos atraparon con la

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historia del recinto ya que este pequeño hotel, de 10 suites de alto diseño, alojado en la parte superior de Dôce-18 Concept House, ocupa uno de los espacios con más historia de la zona, la casa Cohen; recinto del siglo xviii, protegido por el INAH en donde la cantera rosa es la protagonista de la fachada, esta toma más relevancia cuando se observan los animales que coronan sus balcones y cornisas –que datan de mediados del siglo pasado–, y que los lugareños bautizaron como `El Arca de Noé´.

En plática con Roy, nos comenta que el proceso para adquirir el inmueble fue muy peculiar, pues la familia Cohen estaba a punto de vender el espacio, pero que afortunadamente los buscaron porque sabían del amor que sienten por Guanajuato. En ese momento, ellos vieron la manera de crear un proyecto que reflejara todas las cosas que disfrutan: la buena gastronomía, el diseño y el arte. La primera idea fue llamar a los amigos para reunir lo mejor en un espacio y, poco a poco, la idea evolucionó a una concept store con alta cocina, y un hotel de alto diseño. ¿Y cómo describo en una palabra el espacio? Exquisito, no hay más. El blanco absoluto con acentos de color que dan materiales y objetos, hacen que el lugar te abrace, te hable. Al preguntar a Roy sobre las piezas y objetos, comenta que muchas colecciones fueron compradas en ferias; él describe al hotel y a las piezas como eclécticos, pues es una mezcla rica y depurada de estilos que comulgan entre sí de manera extraordinaria. En lo que respecta al arte, invitaron a los fotógrafos, Cynthia Araf y Rafael de la Lastra y a la artista plástica, Marisa Boullosa quien estuvo a cargo de plasmar sus famosas ramas de magnolias en los muros de las cabeceras.

l-otelgroup.com

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[MACROTENDENCIAS] [DISEÑO DE INTERIORES] [MOBILIARIO] [MODA] [ARTE] [ACCESORIOS]

Arte: Jorge Medina Concepto creativo: Germán Velasco Arquitectos + Glocal Design Magazine Colaboradores: Carmina Cué, Mauricio Torres y Mario Báez Moda: Colección Otoño-Invierno | Cihua • Silla, WW Chair Colour Series | H Furniture | Disponible en Esrawe • Mesas modulares, Pie Chart System | H Furniture | Disponible en Esrawe

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Página anterior Moda: Colección Otoño-Invierno | Sandra Weil • Armario Huixcolotla | AD HOC • Lámpara, Babel | Mutable • Recubrimiento cerámico, Óptico | Emiliano Godoy | Lamosa Esta página Mesa de marquetería, Skull | RCDESIGN para Shelf | producción por CyTF • Silla García 2 | Mob Estudio • Perchero, Colección 04 - Alcoba | Goyo Estudio • Reloj, Réflex | Shelf

REINVENTANDO MATERIAS Di fe re n te s m ate r i a le s q u e se usa n d e ma nera cot i d i a na en p i so s, muro s y tex t i les, s e apoderan de o b jeto s d e fo r m a n o c o nve n ci o na l: el co rcho en la lá mp a ra , el p a rq uet y ma rq uetería en la mes a y u n re lo j, u n e n tra m a d o q u e fo r ma un p at ró n en el resp a ld o d e la si lla , el d i seño geométric o en la lo s eta c e rá m i c a y u n a té c n i ca d e ca la d o, i nsp i ra d a en p a p el p i ca d o en el a r ma r io.

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macrotendencias

Esta página Moda: Colección Otoño-Invierno | Cihua • Silla, CASBAH | Nomade Atelier • Mesa de centro | Comité de proyectos Página siguiente Moda: Colección de verano | Yakampot • Loseta cerámica, LINO handpainted tiles | David Pompa | producción por Uriarte Talavera • Lámpara, Cupallo | David Pompa

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ESPACIOS INHABITADOS Una deconstrucción geométrica de los elementos interpreta el movimiento y la transformación a través de formas lineales muy marcadas en el diseño de la loseta y la silla al estilo Bauhaus; en la mesa y lámpara se descubren materiales en latón y acero, y en moda se usan textiles en blanco y negro haciendo referencia a las tendencias que se mostraron durante Design y Fashion Week 2016.

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Esta página Moda: Colección Otoño-Invierno | Sandra Weil • Tapete sobre ropa, Colección Norte 61 III | Marisol Centeno para Bi Yuu Página siguiente Lámpara, Ciudad Imaginada | Luisa Restrepo + Diego Vides Borrell para Ángulo Cero • Mesa, Maburu | Mob Estudio • Anillo:,Rubble Ring | Harriet Morris Jewellery • Consola, Sexta Consola | Cuchara Diseño

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CIUDADES INVISIBLES Fo r m as y p atro n e s c re a n c i u d a d e s en d o nd e p are ce q u e n o l a s h ay, f i gu ra s e n mo d a y text ile s q u e a p a re c e n y d e s a p a re c en co mo si e l vie n to s o p l a ra y s o lo d e ja ra tra zo s. Una m e sa d e m á r m o l q u e p a re c e lev i ta r ; el p at ró n d e u n t a p ete d e d i s e ñ o d e sv a n e c i do ent re l as p re n d a s y u n a n i l lo c o n f ra g m e nto s d e p rism a s a d h e r i d o s c u a n d o e l v i e n to so p la .

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La Feria de Arte Contemporáneo de México CENTRO CITIBANAMEX SALA D / HALL D. CIUDAD DE MÉXICO MEXICO CITY www.zsonamaco.com info@zonamaco.com

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columna

¿PARA QUÉ DISEÑAMOS? Por Juan Carlos Baumgartner

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ace algunas décadas, diversos psiquiatras comenzaron a cuestionarse si los comportamientos de una persona en depresión eran la consecuencia de ese estado emocional en sí mismo, o si tal vez existía una relación inversa también. Es decir, qué tanto de esos comportamientos de alguien sumergido en una ‘tristeza y desánimo profundos’ determinan la depresión o influyen en ella.

Los resultados son asombrosos. Después de un periodo relativamente corto, una persona en bienestar emocional, psíquico y social que es obligada o que voluntariamente adopta comportamientos típicos de alguien en estado depresivo, termina teniendo las mismas consecuencias biológicas. En pocas palabras, la depresión es “un animal que se alimenta de sí mismo y de su entorno”.

La psicóloga social, profesora e investigadora, Amy Cuddy, recientemente surgió al estrellato con su conferencia en TED basada en la teoría de que el lenguaje corporal moldea nuestra identidad y la forma de moldear nuestra identidad es modificando nuestra química.

Estos son solo un par de ejemplos de que el comportamiento de un ser humano, la forma en la que utilizamos nuestro cuerpo y la manera en que nos comportamos no es únicamente la consecuencia de lo que sucede en el interior de nosotros mismos, sino que en realidad es una ‘carretera de dos vías’.

Retomando el contexto de mi pasada participación editorial (Los espacios que diseñamos nos diseñan de regreso, Glocal 35,

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octubre-noviembre 2016), creo que habría que cuestionarnos los efectos biológico-cognitivos de nuestros diseños, los cuales se convierten no solo en un tema de suma importancia sino en una responsabilidad con la sociedad en general y con nuestros usuarios en particular.

Si entendemos al diseño como una intervención en la vida de los seres humanos a niveles sumamente profundos, es inevitable hacernos la pregunta: ¿para qué diséñanos? Y una de las respuestas evidentes debería de ser: “Diseñamos para la felicidad, no solo de quienes diseñamos y somos los autores creativos de esas obras; aún más importante es que diseñamos para generar felicidad en quienes usan y aprecian cada uno de nuestros diseños”.

De acuerdo con Pieter Desmet, creador de la teoría de la granularidad emocional aplicada al diseño: un ser humano puede experimentar alrededor de 25 emociones positivas durante la interacción con un espacio o con un objeto; pero, rara vez el diseño está dirigido a generar felicidad como una consecuencia, efectiva y directa, de las interacciones de estas emociones positivas.

conscientes de que sucedieron, sin embargo, las vivimos y experimentamos.

Por décadas, la sociedad ha demostrado ser extremadamente eficaz en responder preguntas; sin embargo, hemos sido particularmente malos en articular dichas preguntas.

Por fortuna, comenzamos a ver despachos de diseño como híbridas mezclas entre investigadores y diseñadores, antropólogos y arquitectos, cada vez más conscientes de la trascendencia del quehacer de diseñar y sus consecuencias en el estado de ánimo.

Mi esperanza es que esto no solo no cambie, sino que poco a poco vaya creciendo y que en un futuro cercano la arquitectura y el diseño no se limiten a ‘no hacer daño a sus usuarios’, sino que logremos entender cómo diseñar para la felicidad. La idea es que pronto podamos reducir los niveles de depresión en la sociedad mediante diseños adecuados o que eliminemos el uso de medicinas para los niños con síndrome de déficit de atención mediante espacios adecuadamente diseñados. ¡Comencemos a hacernos las preguntas indicadas!

Las microemociones En la interacción con los objetos y los espacios, el profesor Desmet argumenta que existen lo que en la universidad de Delft University of Technology, en Holanda, han nombrado como las microemociones: emociones que experimenta el ‘yo de la experiencia’, pero que no quedan claramente grabadas en el ‘yo de la memoria’; es decir, prácticamente no somos

@jcbaumgartner @baumgarj

columna

ART & DESIGN

INVERTIR O NO INVERTIR EN ARTE Por Martha Lydia Anaya

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ventos inesperados suceden en el panorama mundial. La incertidumbre es grande en la política y economía y, para todos está claro que las decisiones que vayan tomando los actores en esos escenarios tendrán mucho que ver con los acontecimientos venideros para la sociedad global.

En medio de esta crítica coyuntura, hay temas un poco más amigables que es válido rescatar en la recta final del 2016. Uno de ellos es que México se encuentra en un momento muy emocionante para el arte, ya que existe un boom muy intenso en el mercado privado a partir de la apertura de variadas galerías, el interés cada vez mayor en exposiciones de diseño, arquitectura, interiorismo y moda, y el aumento en la asistencia a ferias, como Zona Maco –que este año se presentó en su décimo tercera edición– y Caravana Americana del Diseño –en su segunda edición en México–; además de eventos cada vez más consolidados en el mundo creativo, como Design Week México (DWM) –en su octava edición– y el Abierto Mexicano de Diseño (AMD) –en su cuarto año de organización–, ambos llevados a cabo apenas con unas semanas de diferencia durante el mes de octubre pasado. Énfasis particular merece el hecho de que México será la sexta World Design Capital y la primera ciudad del continente americano en recibir este título en el 2018. Es decir, estamos a muy poco tiempo de compartir nuestra historia y de convertirnos en un referente para otras ciudades que utilizan el diseño para hacer frente a los desafíos de la urbanización y para construir espacios propicios para una mejor calidad de vida. Habrá que sumar que el 2017 contará con una vasta agenda de actividades que provocarán el análisis no solo entre la comunidad creativa, sino también en las audiencias en general.

En fin, el quehacer en el arte (entendido como “todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo”) pinta bien. De hecho: ‘bastante bien’, pues desde el punto de vista de negocios, considero que el paso a seguir orgánicamente será el de hacer crecer el interés en el arte como inversión. Vale la pena tomar nota de algunas importantes consideraciones: De acuerdo con datos duros: el mercado del arte alcanzó 63.8 billones de dólares en transacciones en 2015 (las cifras del cierre del 2016 aún se están elaborando), según el reporte financiero de TEFAF 2016, que se estableció en 1988 y ahora es considerada como la feria referente más importante en el mundo del arte y antigüedades. Cabe acotar que en México algunas consultoras han investigado sobre el mercado del arte, pero manejan cifras dispersas La peculiaridad de este mercado radica en que se trata de un sistema autónomo muy complejo; es decir, en el que convergen variantes, como un vasto nivel de conocimiento artístico e histórico, pero a la vez inundado por el desconocimiento generalizado de los criterios para valuar una obra de arte y de la convergencia de mercados paralelos y especializados, afectados por modas Esto, en su conjunto, hace que el mercado del arte sea considerado como ‘no-regulado’, cuando en realidad se encuentra regido por las propias reglas implícitas, conocidas la mayor parte de las veces solamente por los jugadores involucrados.

Hay leyes, normas, códigos de conducta, regulaciones de impuestos y otro tipo de obligaciones de restitución artística a nivel mundial que rigen el mercado. Sin embargo, los tipos de asesores cualificados para invertir en arte se cuentan con los dedos de la mano.

Aunado a ello, el mercado del arte maneja un

tipo de demanda singular. Por ejemplo, el ‘arte de creación concluida’ (las obras de un artista fallecido cuya oferta es limitada) registra índices alcistas por el número de coleccionistas atraídos por los precios históricamente sólidos de esas piezas; mientras que, por el contrario, el llamado ‘arte de creación reciente’ (cuyos autores siguen vivos y tienen una oferta ilimitada) puede generar una gran euforia y se le considera una inversión de alta especulación. Con el ‘arte de creación concluida’, la demanda se satura por el aumento de los precios. En el ‘arte de creación reciente’, a mayor demanda más oferta contemporánea. Son las leyes de competencia perfecta.

La pregunta es: si la oferta nunca se satura y las leyes de competencia son perfectas, ¿por qué y cómo es que puede subir de precio el arte contemporáneo? La respuesta es simple: los artistas que superan la prueba del tiempo en cada década son muy pocos, razón por la cual, la oferta de obra contemporánea ‘sube de nivel’ y se restringe; es como si pasara por un ‘embudo’ y luego por un ‘filtro’. El meollo es que seguirá habiendo un sinfín de artistas de ‘segunda fila’ que satisfagan al primer segmento del mercado, pero sin consecuencias relevantes. Y así, el ciclo se irá repitiendo generación tras generación. ¿Tomarías el riesgo de invertir en arte?

@mla0408 martha@glocal.mx

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El diseño de productos tan diversos refleja una esencia multifacética de Weeks y Esrawe.

HÉCTOR ESRAWE Y DAVID WEEKS AMAN EL DISEÑO Y COMPARTEN UNA MISMA FILOSOFÍA Nuevas propuestas de diseño en mobiliario llegan a México. El diseñador industrial Héctor Esrawe presenta en su showroom las originales luminarias de la marca neoyoquina David Weeks Studio.

El objetivo: Crear una plataforma para difundir el diseño.

Entrevista Cecilia Avila Fotografías Gabriel González

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entrevista

I

ntegrar nuevas marcas de diseñadores internacionales a su showroom es uno de los objetivos de Héctor Esrawe, quien desde hace cinco años exhibe su trabajo en el corazón de la colonia Polanco, lugar emblemático de la CDMX donde se concentra la mayor parte de los protagonistas de la escena del diseño y el arte. Entre las nuevas firmas que se muestran, se encuentra la del famoso diseñador neoyorquino David Weeks, quien recientemente estuvo de visita en México. Glocal Design Magazine tuvo la oportunidad de platicar con los dos creativos sobre este novedoso proyecto.

El objetivo de Héctor Esrawe es crear una plataforma que sirva para difundir el diseño: “Queremos que este espacio sea eso, un lugar de difusión. Por eso, decidimos empezar a realizar este trabajo con marcas internacionales que comparten con nosotros la misma filosofía de trabajo, tal es el caso de David Weeks”, dice el diseñador industrial por la Universidad Iberoamericana, para quien el diseño no tiene país ni región específicos, por lo que la idea de exhibir diferentes marcas en un mismo escaparate podía haberse concretado en México, o en cualquier otra parte del mundo.

Desde hace dos décadas, David Weeks Studio se dedica a la fabricación de muebles, iluminación y objetos esculturales; asimismo, colabora en la creación de pedidos ‘hechos a la medida’. El diseño de productos tan diversos refleja la esencia multidisciplinaria de su fundador; ya que, a lo largo de su carrera, Weeks ha sido pintor, escultor y joyero. Esta es la primera vez que sus productos y accesorios, particularmente, sus luminarias, se van a distribuir en México.

El diseñador neoyorquino, crítico visitante en la Universidad de Yale, durante 2002, comparte: “Estoy muy contento de colaborar con Héctor, ambos conocemos nuestros respectivos trabajos y nos dimos cuenta de que en ellos hay muchas coincidencias, por lo que colaborar juntos se ha dado de una manera muy armoniosa y natural”. David también considera que, entre los muebles de Esrawe y sus lámparas, “se entabla un diálogo que fluye bastante bien”.

“La iluminación es un marco excepcional para que las piezas se exhiban, un marco que realza y no estorba. Este es nuestro debut en un escaparate de América Latina, y estamos muy satisfechos con el resultado”, afirma David. Además, considera que el showroom de su colega Héctor Esrawe en México: “¡Es muy hermoso!”.

Haymann, H. Furniture y Karakter son algunas de las firmas nuevas que se distribuirán en el showroom de Esrawe en Polanco. Estas fueron elegidas por el mismo Esrawe por tratarse de pequeñas marcas comerciales que comparten entre ellas la forma en que conciben el diseño.

"Compartimos una filosofía de trabajo entre nostros, y con las marcas internacionales con las que hemos empezado a trabajar": David Weeks y Héctor Esrawe, diseñadores.

“Seleccionamos marcas de las personas que admiramos y con las que compartimos una filosofía; marcas que nos hagan crecer como compañía de diseño, pero también que nos hagan desarrollarnos en diferentes áreas, con nuevos tipos de proyectos, como residenciales, comerciales, hoteles, restaurantes etc.”, comenta Héctor.

Dichas marcas están alejadas de las grandes corporaciones y, por eso mismo, Esrawe pudo dialogar con sus creadores para conocer su punto de vista sobre el diseño y la iluminación. Fue así que se dio cuenta de que coincidían.

A Héctor Esrawe y David Weeks les gusta mucho su trabajo y aman el diseño, y es esa pasión la que se convierte en el motor que los impulsa a emprender esta nueva aventura, que seguramente será un éxito.

“Estamos dando un gran paso. Espero que de aquí surjan nuevas y fructíferas colaboraciones entre las marcas con las que estamos trabajando. Y que esto nos haga dar un paso natural de crecimiento y desarrollo, que es distribuir nuestra marca y nuestros servicios en el extranjero”, coinciden los dos talentos creativos. esrawe.com davidweeksstudio.com

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entrevista

CHRISTOPHER GUY ELEGANCIA ATEMPORAL

Un Mercedes-Benz se describe como ‘un auto confiable, pero discreto”, un Rolls Royce y un Lamborghini como ‘los coches para hacer entradas espectaculares’... Conforme esta analogía, el inquieto diseñador inglés define la marca que lleva su nombre como “el Aston Martin del diseño”; es decir, de una elegancia atemporal.

Entrevista Martha Lydia Anaya Fotografías Cortesía

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ara decorar su casa y llevarla a la pantalla grande, Miranda Presley –el personaje principal de la novela y película homónimas The devil wears Prada– buscó al diseñador inglés Christopher Guy Harrison, quien en la vida real es el inquieto creativo que le ha dado forma a escenarios de cintas, como Casino Royale (de la serie cinematográfica de James Bond) y Ocean’s Eleven (conocida como La gran estafa), además de la ya mencionada comedia inspirada en el controvertido mundo de la moda.

Hace unas semanas, Christopher visitó México por primera vez y el equipo de Glocal tuvo una amena charla con él. “Desde niño he viajado a muchas partes del mundo y, es interesante ver que en México la gente no lleva la vida ‘tan seria’. En el tema del diseño, saben disfrutar de las propuestas de otros países y la gente no es como en Estados Unidos o Canadá, en donde su estilo de decoración se enfoca básicamente en colecciones de talentos locales”, cuenta el diseñador, nacido en Inglaterra, pero que vivió gran parte de su infancia y creció en el sur de Francia y España.

Nos contó que su primer encuentro con el diseño se dio en la infancia, cuando construyó una ‘casa de juegos’ con su padrastro. A medida que fue creciendo, su admiración por la belleza de los yates y las villas a lo largo de la Riviera francesa también se fue alimentando. Todo esto, poco a poco, se fue complementando con el glamour de los grandes festivales de cine y diversos eventos sociales a los que asistía con su familia.

“Así conocí el lujo, la elegancia y el buen gusto; y eso, me inspiró a querer crear algo por mi cuenta”, relata.

“Considero que mi estilo –que yo llamo ‘francés modernista’– se define en los mismos términos que la Alta Costura: líneas sensuales y una excelente ejecución”, explica Christopher, confesando que no tenía ningún entrenamiento formal en la fabricación de muebles o el diseño cuando comenzó su carrera a los 16 años de edad. “Cuando eres joven,

Mirror Charme

Mirror Coubertin

haces cosas que normalmente no harías. Así me pasó: solo me atreví a darle rienda suelta a mis ideas locas”. Como parte de esa historia, fue a principios de los 90’s cuando tuvo la visión de crear la mejor colección de espejos del mundo. Un pequeño poblado en la isla de Java y hogar de los mejores talladores de caoba del mundo fue el lugar donde comenzó Harrison & Gil, una prestigiosa colección de espejos, que luego se convirtió en la punta de lanza para ampliar su alcance en mobiliario de lujo.

Así, en 2006 nace la marca Christopher Guy, uniendo espejos y mobiliario de lujo en armonía, la cual hoy se ha convertido en un icono global con sede en Singapur. Los diseños de Chris son legendarios por fusionar lo clásico y moderno.

Cuenta que cuando crea sus diseños, piensa en piezas que Coco Chanel o Christian Dior tendrían en sus casas. “Me pregunto: ¿Cómo serían las residencias de estos dos iconos de la moda en nuestros días? Y concluyo que, aunque adaptados a los tiempos modernos, el gusto de los dos diseñadores no dejaría de ser elegante y simple. Ahí es donde está mi fuente de inspiración: la elegancia de lo simple”, enfatiza el diseñador, cuyas colecciones se pueden encontrar en las mejores casas de Beverly Hills y la Riviera francesa, en hoteles de Las Vegas a Londres, en los más afamados casinos del mundo y, por supuesto, en sus showrooms insignia en Estados Unidos.

En México, Casa Palacio ha incorporado la colección de espejos de Christopher Guy a sus exclusivas marcas y piezas de interiorismo. Particularmente, estos son especiales porque dejan de ser el accesorio tradicional para rasurarse o maquillarse y colocarse en el baño, y se transforman en auténticos manifiestos estéticos para ser colocados en cualquier habitación. Eso sí, en todos encontramos el hilo conductor del uso del dorado. christopherguy.com casapalacio.com.mx

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STEFAN SAGMEISTER

BELLEZA Y FUN CI ONAL IDAD

¿Cuánto tiempo se investiga ‘la belleza’? El diseñador de origen austriaco Stefan Sagmeister llevará el tema al cine. De esto, y más, platicó durante su visita a nuestro país como parte del Abierto Mexicano de Diseño.

Texto Cecilia Avila Fotografías Cortesía

AIGA Colorado Banana Foto: Henry Leutwyler

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perfil

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u nombre aparece junto al de los mejores diseñadores del siglo xx, como Milton Glaser, David Carson o Neville Brody. Una de las características de su trabajo es que siempre busca confrontar al público, causarle algún tipo de reacción ante lo que ve. Sus diseños son provocadores y buscan cuestionar el statu quo y el rol que juegan los diseñadores en la sociedad.

Entre sus trabajos más controvertidos se encuentra el que realizó en 1999 para la agencia de diseño AIGA, cuando decidió tatuarse en su cuerpo desnudo, las letras del cartel que anunciaba un evento. Posteriormente, en 2003 para el cartel de la exposición, Sagmeister en una borrachera comió más de 100 alimentos chatarra para ganar peso, y después decidió tomar fotografías de su cuerpo semidesnudo del antes y el después. En otra ocasión, para un cortometraje sobre tipografía decidió colgarse del Empire State mientras en la calle, la policía corría de un lado a otro para atraparlo con una red en caso de que se cayera.

El año pasado presentó la exposición The happy show, una muestra que ofrecía la oportunidad de ‘caminar’ a través de la mente de Sagmeister y conocer la forma en que él ha intentado aumentar su felicidad a través de la meditación, la terapia cognitiva y algunos fármacos que alteran el estado de ánimo. La felicidad también es un tema que este creativo llevará al cine. Con ambos trabajos este diseñador no pretende hacer más contentas a las personas, pero sí quiere dar a conocer las estrategias que él ha implementado para ser cada vez más feliz.

Convencido de que la música es una de las manifestaciones artísticas más elevadas que el ser humano ha inventado y celoso porque por medio de ésta se llega directamente a las emociones del público, el famoso diseñador gráfico Stefan Sagmeister quiso dedicarse al diseño para la música. Sin embargo, no fue sino hasta un año después de haber abierto su estudio en Nueva York cuando por fin consiguió su primer cliente dedicado a la música. A partir de ese momento, Sagmeister diseñó las portadas de los discos de algunos de los protagonistas de la escena musical, tales como: The Rolling Stones y Lou Reed, entre otros. Gracias a este trabajo, se hizo acreedor de dos premios Grammy. El primero por la portada de Once in a lifetime de The Talking Heads (2005) y el segundo por el arte de Everything that happens will happen de David Byrne y Brian Eno (2010).

Art of Oubey

Stefan Sagmeister cuestiona el papel de los diseñadores en la sociedad a través de su obra.

Durante su reciente visita a México en octubre pasado durante el Abierto Mexicano de Diseño (AMD), Sagmeister dio una conferencia en una carpa instalada en el Corredor Cultural Ángela Peralta, en la Alameda Central del Centro Histórico de la CDMX. Ante un público, en su mayoría de jóvenes estudiantes, el creativo hizo un recorrido por la historia del diseño de los últimos cien años e hizo hincapié en el porqué es importante la belleza.

Entre sus conclusiones destaca que: “La belleza es inherente a todos los seres humanos”, y que la labor de los diseñadores es encontrar el equilibrio entre la belleza del objeto y su funcionalidad. Sagmeister compartió que, así como ha explorado el tema de la felicidad, planea hacer algo similar con la belleza, proyecto que aseguró le llevará mucho tiempo de investigación. abiertodediseno.mx sagmeisterwalsh.com

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Lou Reed Poster

Foto: Timothy Greenfield

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Escuela Nacional de Teatro en CDMX 58

foto Luis Gordoa

UNA NUEVA VISIÓN DE LA ARQUITECTURA MEXICANA

Los creativos son una de las mayores fuerzas y activos que México tiene como país. Es tiempo de aprender de las lecciones que nos ha dado el mundo y de dejar atrás la idea de ‘tocar puertas’ y recurrir a gente conocida para ganar proyectos. “Los méritos de las personas que nos reinventamos, día a día, hablan por sí solos”. Enrique Norten Entrevista Greta Arcila y Martha Lydia Anaya Retrato Gabriel González Fotografías Cortesía TEN Arquitectos

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enfoque

“Es importante entender que nuestro trabajo no es hacer ‘los objetos de la ciudad’, sino que debemos diseñar y construir espacios públicos de manera consciente y que llenen los grandes vacíos de convivencia”

Museo Amparo en Puebla

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or unos momentos, interrumpimos su rutina de trabajar rodeado de una vista maravillosa en su departamento de la colonia Condesa en la ciudad de México. A unos minutos de ese espacio que disfruta al máximo, en el que se inspira y también acostumbra resolver asuntos personales durante los ratos en que no está de viaje o dando clases, el arquitecto Enrique Norten nos abre las puertas de su despacho. Su amena charla inicia con una frase tan verdadera como contundente: “Imposible saber hacia dónde te van a llevar los diferentes caminos. Cuando fundamos TEN Arquitectos, en 1986, era un pequeño proyecto del que no sabíamos qué iba a pasar”.

¿Qué era lo que movía al joven e inquieto Enrique Norten en aquella etapa de su vida? “Una gran pasión por la arquitectura y un enorme entusiasmo de lograr hacer cosas. Todo era incierto, pero nada es imposible. A veces pienso que son actos de enorme irresponsabilidad porque cuando uno es joven y tiene muchas ganas de hacer cosas, es difícil valorar los riesgos y uno ‘se avienta’ a las oportunidades. Hoy, me siento muy contento de todo lo que hemos pasado durante todo este tiempo. Ha sido una gran aventura llena de satisfacciones, de la cual me siento muy orgulloso”.

En aquellos años, los profesores de las escuelas de arquitectura describían al equipo de

fotos Michael Moran

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Mercedes House

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Monumento Emblemático de Puebla

Enrique Norten como parte de un movimiento que, en ese momento, rompía un poco con el monumentalismo y ciertos paradigmas que guiaban la forma de hacer arquitectura en México. Pero, ¿realmente así se veían o solo se dejaron llevar por ese pensamiento? “Creo que fue un poco de todo –contesta Enrique de inmediato sin perder su expresión afable–. Ahora que lo veo retrospectivamente, pienso que lo que sucedió fue que el equipo comenzó en una etapa en la que el panorama estaba cambiando de una manera muy importante. Era imposible predecir, pero lo que sí estaba muy claro era que México estaba dejando de ser ese país cerrado, ensimismado y separado del mundo, y empezaba abrirse al mundo. El panorama de la arquitectura estaba dominado por los grandes maestros, quienes dejaban muy pocos espacios para otras propuestas. En una reacción evidente, casi como un acto de rebeldía –muy similar al que tienen los hijos con sus padres de querer encontrar la expresión a su capacidad y conocer sus propios límites–, nuestro despacho se fue desarrollando de una forma, casi intuitiva. De pronto, ya había salido a estudiar al extranjero y me estaba dando cuenta de un sinnúmero de cosas que estaban cambiando alrededor”.

La arquitectura que se estaba haciendo en esa época representaba mucho de lo que era México con sus valores culturales, pero no reflejaba lo que empezaba a cambiar. “Nos tocó vivir en un México diferente, no es que fuéramos los grandes descubridores sino que simplemente estábamos proponiendo trabajar con una arquitectura más amplia y que nos permitía dialogar ojo a ojo–cara a cara con todo mundo. Eso fue lo que, sin darnos mucha cuenta, nos fue abriendo ciertos caminos, los cuales decidimos explorar y empujar. En esta gran apertura que se estaba dando, existía una gran necesidad de ser parte de un discurso en el que México se visualizaba ‘más allá” de sus fronteras geográficas y que requería de una arquitectura distinta a la que se estaba haciendo en esos momentos.”

La apertura de la oficina de Nueva York, en Estados Unidos, se dio catorce años después, en el año 2000, cuando Enrique tenía unos cuarenta años, pero ya lo respaldaba una plataforma de conocimiento y experiencia muy vasta. Nos cuenta que “sin quererlo ya llevaba construyendo una posición y un nombre en Estados Foto Evan Joseph

foto Luis Gordoa

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LANGEBIO

Centro de Gobierno de Acapulco

Fotos Luis Gordoa

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BAM

Unidos, que empezó a través de la academia. Por eso, cuando formamos la oficina de Nueva York tampoco fue de un día para otro, ni de repente; ya nos soportaba todo un trabajo detrás que me había permitido crear un grupo de gente alrededor mío, una especie de equipo ‘no formalizado’ al cual después se le fue dando una estructura legal y financiera para hacer trabajo internacional, luego de las primeras oportunidades en ese país.”

Cuenta que el equipo era pequeño, apenas con 5 o 6 personas.

Pero, muy pronto, este empezó a crecer porque tuvieron la suerte de que fueron bien recibidos y los proyectos hablaron por sí solos de su trabajo. “Ahora somos una oficina de más de 30 personas y estamos muy ocupados tanto allá como acá en México, donde nunca hemos dejado de trabajar. Mi compromiso con México es enorme”, enfatiza el arquitecto.

Un punto importante en la trayectoria de Enrique es que ha participado en distintas tipologías de arquitectura: museos, hoteles, bibliotecas y escuelas. Por ejemplo, el hotel Habita Polanco (2009) –el primer hotel de diseño contemporáneo en la ciudad de México– rompió esquemas de lo que eran los

hoteles. Otra muestra es la escuela de diseño Centro, en la avenida Constituyentes de la colonia América, frente al Bosque de Chapultepec, para la cual trabajó con un talentoso grupo de diseñadores muy reconocido.

“Para mí, la arquitectura siempre es una investigación. Me molesta la especialización y los encajonamientos, lo que me estimula es seguir transformando. Cuando alguien se dedica a un tipo de arquitectura, termina volviéndose ‘formulaico’ y los clientes te contratan porque creen que ya tienes la fórmula establecida para construir algo. ¡Eso es terriblemente aburrido!

Quizá para un médico hacer una misma operación varias veces al día, sea sinónimo de una gran experiencia, pero a un arquitecto le quita posibilidades de experimentar y encontrar otros caminos.

Obvio no elijo todo de los proyectos que nos presentan. Siempre busco cosas distintas y me da mucho gusto cuando tenemos la oportunidad de trabajar con nuevos programas.”

Cada proyecto tiene su propio cúmulo de información y es absolutamente rico por las ‘capas transparentes’ que lo conforman. Estas capas se refieren al momento histórico en el que

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Rutgers Business School

son planeados e incluso a las condiciones del lugar, de las comunidades donde van a estar asentados y a la coyuntura económica y social. Cuando se van sumando todas esas ‘capas’, el resultado es un proyecto único y diferente. Sin embargo, para llevarlos a cabo con éxito se requiere de un equipo multidisciplinario. Enrique nos comparte que, a veces, piensa que su trabajo es muy parecido al que hacen los directores de cine o una orquesta. “Evidentemente, uno tiene una visión, pero necesitas tener información de mucha gente, y eso es fundamental. Eso es lo que hago con mis contrapartes de proyectos y negocios: allegarnos de gente estupenda. A mí, me encanta trabajar con personas de distintos perfiles y de todos aprendo muchísimo; al final del día, eso es lo que nos va a permitir crear grandes proyectos.”

En esta lista de grandes proyectos no puede pasar desapercibida la escuela de diseño Centro –inspirada en el Art Center College of Design, comúnmente llamado Art Center, de Pasadena en California–, un inmueble del cual Enrique se siente muy orgullo y que empezó a visualizar con su gran amiga Gina Diez Barroso durante un desayuno informal en el que desde un principio se propusieron el objetivo de construir una escuela de diseño a la altura de medirse con las mejores del mundo.

“Investigamos, viajamos por muchos países y nos entrevistamos con mucha gente con la idea de conocer las mejores escuelas de diseño.

Aprendimos mucho y fue un trabajo de muchos años, que hoy nos llena de satisfacciones inmensas. Incluso me tocó diseñar el edificio y me involucré tanto con el proyecto que me opuse rotundamente cuando el plan original proponía una ubicación en un terreno de la colonia Bosques de las Lomas.

Universidad Panamericana en CDMX

Fotos Evan Joseph / Luis Gordoa

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enfoque

“Por muchos años, los arquitectos dejamos de ‘hacer ciudad’ con nuestros proyectos. No cumplimos con nuestra responsabilidad como gremio y ahora todo mundo nos quejamos. Nuestra responsabilidad es crear ciertos tejidos y estructuras que eleven la calidad de vida de las ciudades”

Museo del Chopo en CDMX

Foto Agustín Garza

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"Luego de muchos años, algunos de mis colegas mexicanos han empezado a ‘repetirse’ en sus trabajos. La diferencia con otros países es que, cuando dejas de reinventarte también te dejan de llegar los proyectos"

CENTRO en CDMX

Por fortuna, tuvimos la suerte de encontrar un lugar frente al Bosque de Chapultepec, que es la misma cara que tiene la colonia Polanco con vistas maravillosas, dentro de una comunidad con un potencial de desarrollo importante.

Estoy seguro que, poco a poco, Centro va a ser un detonador de una gran parte de la ciudad de México y va a empezar a haber otro tipo de desarrollos en la zona.”

Otros proyectos relevantes y que se engloban muy bien en el concepto de esa gran tarea arquitectónica de ‘hacer ciudad’ son: el parque de La Mantarraya, en Puebla, que se distingue por

sus superficies onduladas y el Museo Amparo, en esa misma ciudad. “Ambos, además de que son grandes trabajos, me han dado la oportunidad de inventar algo nuevo y de descubrir caminos que se van convirtiendo en oportunidades”, concluye Enrique, quien invierte gran parte de su tiempo en dar clases por su simple afán de seguir aprendiendo de las nuevas generaciones y porque cree en su compromiso absoluto por apoyar ese gran talento y capacidad.

ten-arquitectos.com

Foto Luis Gordoa

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West End 37 en Washington D.C.

MUNET

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MILÁN Y SUS CONTRASTES

Detrás de las monumentales Roma, Florencia o Venecia se abre paso la exquisita Milán, una ciudad donde se respiran: historia, diseño y estilo, pero también modernidad. Aquí, los coloridos tonos de una urbe en movimiento se diluyen entre la atmósfera construida por marcas clásicas del Made in Italy.

Texto Martha Lydia Anaya, enviada Milán Fotografías Luca Dal Gesso, Cortesía

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destino

Colores vivos que se inspiran en los cuatro elementos naturales: aire, agua, tierra y fuego.

Piezas en colores vivos resaltan en nhow Milano, hotel de diseño en la exquisita ciudad.

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uienes la conocen, la describen como la tierra del diseño y del capricho. Aquella en donde grandes diseñadores de moda, como Giorgio Armani, Domenico Dolce & Stefano Gabbana, Mario Prada, Franco Moschino y Gianni Versace encontraron la atmósfera ideal para desarrollar su creatividad. ¡Es Milán!

Esta ciudad italiana –fundada por los celtas del norte italiano con el nombre de Midland o Médelhan y, luego conquistada por los romanos– es más que solo ‘la capital del diseño industrial y de la moda’, también es cuna de la stravaganza y la finezza. Aquí es en donde la expresión Made in Italy toma forma como la evocación directa de un estilo de vida. Es el lugar en donde esta idea se ha convertido en ‘una marca’ que describe la calidad y la excelencia que caracterizan a las piezas artesanales e industriales italianas. Esta vez, el motivo de visita a Milán es justamente ese: descubrir de cerca

algunos de esos lugares que han hecho prevalecer el Made in Italy, observar a detalle cómo se hacen sus productos, conocer la tradición y la cultura que hay detrás de sus obras, de cada una de sus piezas, de sus creaciones, las cuales, curiosamente van desde el calzado hasta el pret a porter, de las bicicletas a los automóviles deportivos, sin olvidar sus excelencias gastronómicas y aquellos productos que presumen su denominación de origen, particularmente apreciados y buscados por muchos de nosotros por su imaginación, su fantasía y la originalidad del diseño con que son hechos.

En Milán, particularmente después de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de arquitectos fue el pionero en demostrar toda su creatividad y convencer a pequeñas empresas familiares de nivel artesanal a confiar en sus creaciones, las cuales pronto dejaron de ser solo productos de exportación y se fueron convirtiendo en ‘objetos de deseo’.

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Hay muebles que representan ciertos periodos históricos y que refieren al buen gusto.

VIVIR EL ARTE Un buen lugar para hacer la primera escala de este singular recorrido es, sin duda, el hotel de diseño nhow Milano, considerado como una piedra angular del arte, el diseño y la moda. Se encuentra dentro del distrito creativo milanés, justo sobre la conocida Via Tortona.

El hotel fue diseñado por el arquitecto Daniele Beretta y amueblado por el diseñador de interiores Matteo Thun.

Está construido en lo que eran las instalaciones de la antigua General Electric Factory, que una vez reestructurada se ha convertido en un hotel multifuncional con obras de arte y elementos de diseño, destinados a ser descubiertos.

Esa agradable sensación, al cruzar su puerta de cristal corredizo en la entrada, inmediatamente me da la impresión de que se trata de un ambiente ‘para ser vivido’ y me derrumba completamente la idea de lo que es un hotel tradicional. Y es que se trata de una atmósfera de espacios amplios, de colores vivos inspirados en los cuatro elementos naturales (agua, aire, tierra y fuego) y piezas dispuestas -tanto en lo más escondido de sus rincones como en sus paredes altas–, todo lo cual favorece las nociones de los entornos interactivos. Sus salas, por ejemplo, cuentan con piezas de culto y elementos El trabajo de expertos artesanos se transmite de generación en generación y sigue presente en la producción de los muebles italianos clásicos.

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Los detalles artesanales conviven con mobiliario y accesorios, confeccionados conforme nuevas tecnologías y materiales.

artísticos, como las luminarias de Jacopo Foggini. Estar aquí, invariablemente me transporta al ‘mundo del diseño’ y a un estilo de vida contemporáneo del Made in Italy.

En este universo, las colecciones de muebles y accesorios de la marca Giorgio Collection son típicas del estilo italiano. Su showroom, localizado a unos 30 minutos del hotel nhow Milano, muestra el trabajo de esta empresa familiar, originalmente fundada por la dinastía Masolo y que ahora ha consolidado su estructura para convertirse en lo que es: 40 pequeñas empresas del barrio de muebles Brianza agrupados bajo un nombre. Mi anfitrión, Fabio Masolo, me platica que: “ahora las nuevas tecnologías van muy de la mano del trabajo de expertos artesanos calificados, cuya experiencia se transmite de generación en generación y sigue presente en cada etapa de la producción de sus colecciones de muebles y accesorios.

El resultado final son piezas refinadas, hechas con una precisa selección de materiales que las hace únicas”.

Luego de este deleite artesanal, el trayecto continúa hasta llegar a otro interesante showroom, el de la marca Angello Cappellini & C, creada en 1886 en el corazón del barrio de Brianza y hoy reconocida como una de las compañías de muebles clásicos, especializada en la reproducción de modelos auténticos de estilos europeos, como Luis xv, Luis xvi, Regency,

Empire y Biedermeir. Habrá a quienes estos estilos les parezcan rebuscados e incluso ya pasados de moda, pero lo cierto es que, desde el punto de vista de la estética, representan ciertos periodos históricos del mueble considerados como referencia en lo que es de buen gusto y aquello que no lo es.

“Un estilo no es necesariamente bueno solo por el hecho de ‘estar de moda’. Para ser considerado bueno tiene que resistir la prueba del tiempo, y eso es lo que este tipo de muebles pone de manifiesto”, me comparte Stefano Zecca, director de la marca, quien paso a paso nos explica la evolución de la compañía. Enfatiza que aunque la compañía se ha especializado en la manufactura de mobiliarios clásicos, su equipo creativo se ha mantenido a la vanguardia. Por eso, en años recientes, presentaron colecciones como Opera Contemporary y Mediterraneo, de estilo refinado y líneas más rectas, con la idea de satisfacer los gustos de hoy. El viaje es aún infinito, pero así es cómo se van armando los contrastes entre lo tradicional y lo moderno de la exquisita Milán.

nhow-milan.com giorgiocollection.it angelocappellini.com

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Chocolate Buffalo -5617 Ivory Croc - 5623

Grey Thunder Croc - 5619

El nuevo dECOLeather es un producto elaborado a partir de piel reciclada, que trae un lujo sustentable a los espacios interiores. Disponible en 18 colores y 3 texturas.

Formica, el logo del Yunque de Formica, son marcas comerciales registradas de The Diller Corporation. dECOLEather, Formica Surfaces For Real son marcas comerciales de The Diller Corporation. Todos los derechos reservados. ©2016 The Diller Corporation. Miembro de Fletcher Building Group. Las imágenes que se muestran son de carácter ilustrativo.

formica.com

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bitácora de diseño

PROPUESTAS ENTRE TEJIDAS Estamos a unas semanas de cerrar el 2016 y de cambiar la página del calendario hacia el siguiente año. Sin duda, fue un viaje con cambios complicados en aspectos relevantes de muchos temas para el mundo.

En este devenir, el equipo de Glocal Design Magazine fue tomando nota de aquellos asuntos relacionados con la arquitectura, el diseño e interiorismo que, si bien, se entrelazan con el mundo creativo y quizá se alejan un poco de asuntos políticos, sociales y económicos del entorno mundial; son tópicos que nos comparten la ‘otra visión’ de la realidad, esa que tiene que ver con el talento, las ideas, las imágenes, los colores, las líneas y los trazos de la gente que visualiza a la humanidad desde otro punto de vista. Al final del día, ambas caras de la moneda: lo objetivo y lo subjetivo, conforman el día a día de cada uno de nosotros y de nuestro entorno.

En esta bitácora, hacemos un recuento de lo sucedido durante octubre, mes del diseño, en el que se llevaron a cabo la octava edición de Design Week México (DWM) y la cuarta del Abierto Mexicano de Diseño (AMD), ambos eventos reunieron a los creativos mexicanos más destacados, quienes nos presentan sus innovadoras propuestas.

Texto Cristina Cruz y Cecilia Avila

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DESIGN HOUSE Fotografías Alfonso Béjar

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Estudio Mumo creó un salón para escuchar música donde rindió homenaje a la arquitectura original de la casa de polanco.

ste es uno de los ejercicios creativos de diseño de interiores más esperados tanto por los profesionales del área como por el público en general. Esta vez y, como parte de Design Week Mexico (DWM), el proyecto tuvo que ver con la intervención de una casa, con un tema específico previamente elegido por el comité organizador de este evento.

El inmueble elegido fue el que se ubica en la esquina de las calles Anatole France y Luis G. Urbina, de la colonia Polanco, una de las más emblemáticas de la CDMX, justo enfrente del Parque Lincoln. La tarea de los creativos era remodelar todo el lugar para convertirlo en lo que sería un Hotel Boutique.

La convocatoria para participar en este ejercicio se abre únicamente para los profesionales que ya tienen una trayectoria consolidada. Para esta edición, algunos de los despachos participantes fueron: AmoAto, C Cúbica, Ezequiel Farca y Cristina Grappin, Grupo de diseñadores Amin S. y Joshua B, Jimena Fernández y Glocal Design Magazine, Marqcò-Covadonga Hernàndez, Mumo, Pedro Ávila, RC Design, Sofía Aspe, Studio Spazio, Uribe Krayer y Vieyra Arquitectos, entre otros.

Uno de los principales retos de este año, además del poco tiempo disponible para realizar la transformación, fue intervenir una casa que está catalogada como Monumento Histórico, por lo que las propuestas de cada uno de los diseñadores e interioristas tuvieron que alinearse a los objetivos de respetar el estilo neobarroco del inmueble y realizar una intervención sutil, pero que al mismo tiempo fuera innovadora, sobre todo en el uso del mobiliario, accesorios, arte y colores.

En opinión de Andrea Cesarman, una de las organizadoras de DWM, Design House es un “museo efímero que vale mucho la pena visitar”.

Durante pocos días se puede conocer el trabajo y las propuestas de los mejores interioristas mexicanos en un mismo espacio.

Debido al éxito de este ejercicio en ediciones anteriores, este año los organizadores decidieron dejar abierta la casa al público hasta el 23 de octubre pasado, dos semanas después de que terminara DWM. La casa tuvo un promedio de 650 visitantes por día entre semana y 1,500 durante el fin de semana. designweekmexico.com

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Claudina Flores Estudio diseñó uno de los spas con materiales de origen jaliscience, como el cobre y el basalto.

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El tea room estuvo a cargo de Studio Roca, quienes integraron el paisaje del Parque Lincoln a su propuesta de diseño.

Ezequiel Farca y Cristina Grappin utilizaron materiales como el agua, la madera y la piedra en su propuesta de spa.

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Pedro Ávila colocó un árbol de Olivo, símbolo de la abundancia en la cocina exterior.

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Rizoma Estudio transformó por completo lo que antes fue un cuarto de servicio.

C Cúbica diseñó el baño de la recámara principal, sin alterar aquellos elementos originales del inmueble.

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AmoAto Estudio estuvo a cargo de este espacio que transformaron en una sala de lectura.

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El antro-bar fue diseĂąado por el despacho RC Design, un espacio donde predominaron los materiales reflectivos.

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Otra de las habitaciones fue realizada por Nowicka Estudio quien optรณ por utilizar una paleta de colores intensos.

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Un tapiz de roble rojo, diseĂąado por MOB Estudio, cubriĂł las paredes de la Sala Concierge de de este Hotel Boutique.

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Sofìa Aspe fue la encargada de crear el vestíbulo del Hotel Boutique, en el que utilizò piezas de artistas mexicanos.

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Foto: Sófocles Hernández

SPACE +GLOCAL DESIGN MAGAZINE Jimena Fernández, del despacho de arquitectos Space y Glocal Design Magazine tuvieron a su cargo la intervención de uno de los espacios de la planta baja de la casa. Junto al árbol de Olivo que adornaba el desayunador exterior, después de pasar por una pequeña sala de lectura, se encontraba el espacio dedicado a la biblioteca.

El espacio fue diseñado a partir del concepto design for happiness (diseño para la felicidad). Un lugar para hacer sentir al visitante como en su propia casa. “Un espacio lúdico que de entrada parecía muy tradicional, pero que cuando mirabas hacia el techo y veías los avioncitos de papel que colgaban del techo se convertía en un lugar donde predominaba un ‘caos ordenado’, un lugar para relajarse y dejar fluir a las ideas”, explica Jimena, de Space.

Todas las superficies de la biblioteca fueron lanzamiento mundial de la marca Formica: Infiniti, con un acabado mate resistente a huellas dactilares y Decoleather, un producto fabricado a partir de piel reciclada. Otras marcas que colaboraron en el montaje del espacio fueron: Fine Floors, con 100 años de tradición en pisos de madera; West Elm, con originales diseños en accesorios; los cojines; diseñados por Roku y Serena y la marca danesa de mobiliario Fritz Hansen. El arte estuvo a cargo de Luisa Restrepo y los muebles fueron de la casa IHO.

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TRABAJO EN MADERA/ DWM16 Durante Design Week México (DWM), que tuvo lugar del 5 al 9 de octubre pasado, un avión de madera aterrizó afuera del Museo Tamayo, es el primero fabricado completamente en México en el siglo xxi.

La aeronave fue fabricada por Pirwi, empresa especializada en la producción de muebles de madera en colaboración con el diseñador de origen italiano, Giovanni Angelucci y el arquitecto Eduardo Carrasco, ambos expertos en aeronáutica.

“Nos apasionamos con el proyecto y nos complementamos muy bien. Giovanni tiene además un conocimiento sobre lo que es la madera y sobre el tema artesanal y es como un match perfecto con lo que nosotros hacemos”, dice Alejandro Castro, fundador de Pirwi que, entre otras cosas, hace posible que este proyecto sea comercializable en México.

Básicamente, este avión de madera puede tener un uso deportivo y recreativo. Su costo es de 180,000 dólares cada uno y se fabrica sobre pedido. Es construido con madera de abetos y abedules, provenientes en su mayoría de Finlandia, que cuentan con un certificado de calidad y que cumplen con las normas internacionales de sustentabilidad. Recorre una distancia de hasta 1,500 km a 300 km por hora. pirwi.com.mx

MUSEO DE LA INMORTALIDAD / DWM16 El diseñador alemán Nikolaus Hirsch y su colega Michel Müller, de Studio MC, se encargaron de la creación del Museo de la Inmortalidad, que fue presentado durante DWM 2016.

Esta instalación temporal se encuentra en el jardín posterior del Museo Tamayo, proyectada por el dúo de arquitectos alemanes a propósito del año dual México-Alemania e inspirada en la conexión que hay entre la vida y la muerte.

El concepto está inspirado en la dialéctica de Nikolai Federov y el filósofo Boris Groys. El discurso teórico de la obra está basado en el estudio de las condiciones sociales y políticas en torno a la inmortalidad y la resurrección, así como el papel que los museos tienen respecto a la preservación y conservación de los vestigios históricos.

Es una estructura de módulos de vitrinas que, a su vez, van formando una estructura hexagonal en formato vertical. Si quieres saber más acerca de la premisa teórica del proyecto, puedes consultar el video de Anton Vidokle y Oleksiy Radynski. studio-mc.de

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ABIERTO ME XICANO DE DISEÑO Texto Redacción Fotografías Cortesía / José Margaleff

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alificada como ‘la gran fiesta del diseño de la CDMX’, el Abierto Mexicano de Diseño (AMD) celebró su cuarta edición durante las últimas semanas del mes de octubre pasado. Las calles y museos del Centro Histórico se convirtieron en escaparates para exhibir desde instalaciones efímeras hasta exposiciones en las que participaron unos 650 diseñadores. Al final del día, fueron más de una centena de eventos en diferentes localizaciones del Centro Histórico, como el Munal, el museo Franz Mayer, la Alameda Central, el Palacio de Correos, entre otros.

El invitado de honor fue el célebre diseñador Lance Wyman, con quien el equipo de Glocal Design Magazine tuvo la oportunidad de convivir y de platicar sobre su trabajo. El estadounidense, conocido por la co-creación del logotipo de los Juegos Olímpicos de México 1968 y la identidad gráfica del Metro de la Ciudad de México, fue el creador de la nueva imagen del AMD, inspirada en el lugar donde se llevaron a cabo los eventos del festival. Así, además de estrenar imagen, este festival transita hacia una nueva concepción del diseño que se enfoca en las propuestas de trabajo multidisciplinario en combinación con las nuevas tecnologías. Para sus organizadores, esto permitirá generar un diálogo sobre los nuevos campos del diseño, en donde participantes, visitantes y festival conversen conforme novedosas maneras de entender y aportar a la cultura material y visual. abiertodediseno.mx

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LA MIRADORA | ARCHETONIC Diseñada por Jacobo Micha Mizrahi y Jaime Micha Balas, esta pieza fue ubicada en Avenida Juárez, entre la Alameda Central y el Palacio de Bellas Artes.

Los transeúntes podían interactuar con esta instalación urbana, en forma de torre rectangular creada con diferentes telas de colores que parecían listones.

La torre estaba rodeada por escalones y una vez arriba, las personas podían observar las calles del Centro Histórico de la Ciudad desde distintos ángulos, a través de unos visores colocados alrededor de la pieza. El diseño estuvo inspirado en las ferias de los pueblos mexicanos, que con muy pocos elementos ofrecen al público diversas opciones de entretenimiento. archetonic.mx

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PABELLÓN CULTURAL MIGRANTE | TUUX Instalado en el Corredor Cultural Ángela Peralta, a un costado del Palacio de Bellas Artes, este pabellón es una estructura itinerante desarrollada por el estudio de diseño mexicano Tuux, e inserta en el programa Cultura para la Armonía de la Dirección General de Culturas Populares de Conaculta.

La estructura puede colocarse sin ayuda de ningún tipo de herramienta o conocimiento especial, de tal forma que todas las personas de una comunidad pueden involucrarse en su instalación. Un pabellón como este funciona actualmente en la frontera de México con Estados Unidos y da servicio a algunos de los migrantes que han sido deportados. En la estructura se organizan diferentes actividades culturales para los migrantes, con el objetivo de impulsar el uso de los espacios públicos para fomentar la cohesión y convivencia social. tuux.mx

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FOLD | ESRAWE STUDIO + CERÁMICA SURO Esrawe Studio y Cerámica Suro presentaron Fold en el Museo Nacional de Arte durante la cuarta edición del AMD. Se trata de una serie de piezas cuya representación gira en torno al concepto de ‘elástica’; un ejercicio que muestra la secuencia de transformación de un objeto.

Un proyecto de impecable acabado y calidad en cada una de las 19 piezas percibidas a través de un proceso que lo hace cambiar de función y estética.

Cada objeto se aprecia en un estado determinado por el tiempo y el espacio capturado de forma permanente. esrawe.com

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CALEIDOSCOPIO | ESCATO Esta instalación inmersiva fascinó a quienes tuvieron oportunidad de asistir al Museo Franz Mayer. De pronto, al final de una de las salas de exhibición de este recinto se encontraba un caleidoscopio del tamaño de una persona y era como un sueño hecho realidad, ya que para mirar las diferentes formas geométricas y los destellos luminosos a través de este artefacto no había que asomarse por un pequeño orificio, sino que podías disfrutar de este espectáculo desde su interior.

Diseñado por Escato, empresa especializada en realizar escenografías corporativas, el caleidoscopio fue uno de los escenarios preferidos de los visitantes para disfrutar y tomarse fotos durante el AMD. franzmayer.org.mx escato.com.mx

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WYMAN + URIARTE TALAVERA La colaboración entre Uriarte Talavera y el maestro Lance Wyman –invitado de honor durante el AMD– está concebida como una línea de acabados arquitectónicos de alta gama en azulejería fina que pretende convertirse en un referente del diseño mexicano contemporáneo; así como una breve selección de piezas de ornato como tibores y vasijas de gran formato.

Los azulejos fueron presentados en una instalación volumétrica en el Museo Nacional de Arte. El núcleo inicial de la colección se integra por 40 modelos de azulejo que suman 130 variantes de uso distintas, así como dos modelos de tibores. Sin embargo, se prevé que esta colección seguiría creciendo, especialmente durante la residencia del maestro Wyman en la fábrica de Uriarte Talavera en Puebla. uriartetalavera.com.mx lancewyman.com

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LA MANCHA | BNKR Afuera del Palacio de la Autonomía de pronto nos encontramos con bloques de cemento, unos encima de otros como si alguien los hubiera dejado ahí para ser usados posteriormente en una construcción. El bloque de cemento es un elemento que vemos con frecuencia en zonas marginadas de la CDMX. BNKR Arquitectura reunió más de 24 mil bloques para realizar una instalación que se llamó La Mancha, una manera de reflexionar sobre el crecimiento de las ciudades y de la construcción desordenada de viviendas, así como del papel que juegan los arquitectos en una sociedad como la nuestra. El bloque de cemento se convierte en un símbolo de descontrol, ingobernabilidad y pobreza al ser el material con el que las personas de bajos recursos autoconstruyen sus viviendas. bunkerarquitectura.com

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INSTALACIÓN| STUDIO DAVID POMPA El Museo Nacional de Arte fue el escenario donde se presentó la instalación de Studio davidpompa, donde el protagonista fue el vidrio. La pieza mostraba todo el proceso de manufactura de un objeto desde el incio hasta el final. Esta firma se caracteriza por utilizar vidrio 100% reciclado y, entre sus objetivos se encuentra crear diseños contemporàneos con un fuerte compromiso por respetar la identidad mexicana.

Todo el trabajo de Studio davidpompa se inspira en la combinación de tradición e innovación y su pasión por la alta calidad de todos sus productos. davidpompa.com

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LO MEJOR DEL 2016 Sin duda, un año lleno de cambios y transiciones importantes dirigiendo a la humanidad por nuevos horizontes; y puesto que estamos inmersos en una era digital y de grandes avances médicos y tecnológicos, la arquitectura y el diseño no se quedan atrás y prosperan en diversos ámbitos de la disciplina. En México, las industrias creativas también han propuesto el buen aprovechamiento de los recursos, la sustentabilidad y las prácticas que disminuyen el impacto en el medio ambiente. Es la preocupación de muchos quienes ejercen la arquitectura y el diseño hoy en día; y es que no es para menos, las adversidades y dificultades ambientales nos han llevado a pensar nuevas maneras de diseñar e intervenir nuestro entorno.

Los cambios en la convivencia e interacción de las personas han propiciado un interés mayor en la colaboración transdisciplinar para atender proyectos complejos y problemáticas en la sociedad; así como una arquitectura que procure tanto el bienestar físico, como el emocional.

Glocal Design Magazine se despide de este 2016 con un especial de todos aquellos proyectos distinguidos por su calidad y propuesta. ¿Qué nos depara el próximo año? Acontecimientos donde la creatividad será un gran impulsor y catalizador en nuestro país, y cada vez más cerca de celebrar a México como la Capital Mundial del Diseño 2018.

Texto Cristina Cruz y Cecilia Avila

lo mejor del año

TIERRA GARAT Esrawe Studio + Cadena

Fotografía Jaime Navarro

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lo mejor del año

Una ambientación generada por materiales y tonalidades que evocan la tradición e historia del café mexicano.

Este año, la empresa mexicana Sabormex decidió abrir una nueva red de cafeterías denominada Tierra Garat, por lo que decidieron acudir con Esrawe Studio y Cadena para realizar el diseño de interiores y darle vida al concepto de la cafetería.

Actualmente, hay cuatro tiendas en operación en la CDMX: Presidente Masaryk, Tecnoparque, Reforma y Condesa, esta última unidad fue la ganadora de la tercera edición del Premio Noldi Schreck 2016, en la categoría de Restaurant & Bar. La ambientación es generada por materiales y tonalidades que evocan la tradición e historia del café mexicano a través de una paleta de color ocre. Como elementos clave en el interior del lugar están las baldosas y ladrillos, en barras y paredes que logran un agradable juego de texturas en compañía del mobiliario: sillas de madera que contrastan con la ligereza de los asientos de cuero bordado y el toque elegante de los anillos de arcilla en la parte superior del lugar. Caracterizada por un lenguaje vernáculo, Tierra Garat fue pensada hasta en el más mínimo detalle, los cuales están presentes en los accesorios de cocina además de la historia y la tradición que relata la identidad gráfica del lugar. esrawe.com cadena-asociados.com

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lo mejor del año

CASA OLIVA ZD+A + Yuri Zagorin Alazraki

Este desarrollo residencial está distribuido en 40 lotes con 5,000 metros cuadrados cada uno: “Decidimos colocarlo en un claro del terreno para preservar tantos árboles como fuera posible y evitar movimientos de tierra innecesarios”, afirmaron los arquitectos de ZD+A. Comprometidos con el entorno que se abrió paso a la construcción, la residencia tiene una conexión directa con el exterior cuya presencia vegetal abrazó la propuesta. Sin límites físicos o bardas, Casa Oliva tiene un ‘filtro de privacidad’ que protege la apertura de la casa en la vista de la calle y, a la vez, permite que la edificación se mimetice con los alrededores.

En el plano perpendicular de las paredes de piedra está presente una línea recta que se materializó como un puente flotante de entrada convirtiéndolo en un pasillo. Dicho pasillo finaliza como un espejo de agua exterior que divide las funciones principales de la casa: espacios públicos, por un lado y, los cuartos privados, del otro. En cuanto a materiales se refiere, se utilizó mármol, vidrio, concreto, madera, piedra y acero que unificó el concepto de diseño y se complementó con el entorno de la casa. zda.com.mx

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lo mejor del año

La residencia tiene una conexión directa con el exterior cuya presencia vegetal abraza la propuesta.

Fotografía Rafael Gamo

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lo mejor del año

CASA IREKUA ANATANI Broissin Architects

Fotografía Alexandre d’ La Roche

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Una propuesta que armoniza con la naturaleza, rodeado de una gran variedad de vegetación como oyameles, pinos y encinos.

Uno de los grandes retos de la arquitectura contemporánea es adaptarse al entorno y complementarse con la naturaleza; un claro ejemplo de ello, es la Casa Irekua Anatami. Su nombre, de origen purépecha, significa: ‘Casa familiar bajo los árboles’. Rodeada de una gran variedad de vegetación como oyameles, pinos y encinos, es una propuesta que armoniza con la naturaleza. El programa arquitectónico se adaptó a la topografía, cuya plataforma se desplaza sobre un remanso en medio del monte, bajo determinadas condiciones ambientales y ubicación, por lo que se propuso un diseño de cinco fachadas con base en su orientación.

La fachada sur oriente, dominada por la madera, para espacios públicos y privados mientras que, la fachada sur poniente está cubierta de vidrio para aclimatar el hogar con la luz del sol.

La fachada norte remata con una alberca y una terraza principal con dirección al Valle de Bravo. Y, para finalizar, una quinta y gran fachada verde que no podría faltar en la residencia. broissin.com

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lo mejor del año

CINCO CASAS Weber Arquitectos

Fotografía Rafael Gamo

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Cinco casas es el plan arquitectónico que contempló un conjunto de residencias, así como privacidad sin barreras físicas en los diferentes lotes.

Aprovechando la inclinación del terreno y una vegetación abundante, cada casa cuenta con un área de 300 m2 dividida en tres volúmenes: la estancia y terraza, cuatro recámaras y un área de servicios.

A la par del plan arquitectónico, Weber Arquitectos se encargó del diseño de interiores de una de las casas denominada Casa Cinco. Dicha residencia está dividida en dos zonas: un área social compuesta por sala, comedor, cocina abierta y terraza, mientras que el área privada cuenta con dos recámaras para niños y una recámara de visitas con terraza privada.

El uso de materiales locales resalta las cualidades estéticas y formales de Casa Cinco; texturas y acabados naturales que armonizan con el entorno.

Entre sus características destaca la duela de oyamel en pisos y techos, que contrasta con la piedra volcánica para el muro de la chimenea. Proyectada con una orientación hacia el sur, la vista se abre hacia el bosque, peculiares paisajes se aprecian, por ejemplo, desde el área de servicios ubicada como volumen independiente que se eleva sobre el terreno inclinado. weberarquitectos.com

El uso de materiales locales resalta las cualidades estéticas y formales de Casa Cinco; texturas y acabados naturales que armonizan con el entorno.

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lo mejor del año

CASA WABI Ta d a o A n d o A rc h i t e c t a n d A s s o c i a t e s

Un paraíso para creativos donde se gestarán proyectos en beneficio de la comunidad.

Fotografía Edmund Sumner

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En el paraíso de Puerto Escondido, Oaxaca, se localiza la Fundación Casa Wabi, un retiro para creativos de diversas disciplinas donde colaboran para generar proyectos en beneficio de la comunidad. El programa arquitectónico estuvo a cargo del Premio Pritzker, Tadao Ando, quien proyectó una edificación contemporánea redefiniendo el estilo característico de la construcción en zonas costeñas. El equipo de arquitectos locales fueron el estudio BAAQ, quienes se encargaron de la construcción, así como DECADA, en la parte del interiorismo. Con el uso de materiales locales y tradicionales, Casa Wabi está realizado con tejados de palapa, paredes de hormigón y pisos de piedra. Su diseño consiste en un muro de concreto de 312 m de largo por 3.6 m de altura generando un programa público de lado norte y una sección privada de lado sur. Hay seis estudios-dormitorios y una sala de proyección, entre otros espacios.

El arquitecto Álvaro Siza se encargó de un pabellón donde varias actividades giran en torno al barro, hay un horno de quema, bodega y una sala de usos múltiples. Kengo Kuma fue invitado para desarrollar un programa sustentable que incluye un huerto e invernadero. Y, finalmente, Alberto Kalach desarrolló el jardín botánico con especies endémicas del lugar y un pabellón abierto con vista hacia la playa para la meditación. casawabi.org

lo mejor del año

MAR ADENTRO Miguel Ángel Aragonés

Arquitectura que armoniza con un entorno vibrante y lleno de reflejos a través de la pulcritud y la simpleza.

Se trata de un hotel abrazado por el Mar de Cortés, en San José del Cabo, sobre la punta de la Península de Baja California. Mar Adentro es un proyecto que se conforma por módulos, logrando edificaciones independientes cuya versatilidad también le permite integrarse de manera funcional. El módulo principal pertenece al loft, con la posibilidad de ser dividido para generar dos habitaciones, así como una casa si se suman módulos o espacios.

La pulcritud y simpleza de la arquitectura armoniza con un entorno vibrante y lleno de reflejos. El Hotel cuenta con 198 suites, villas y residencias privadas. Entre todos los servicios para un retiro más que placentero, destaca uno de sus tres restaurantes, denominado Nido; una estructura ovoide y de complejo entramado parece flotar en medio del agua. Su gran tecnología en iluminación proveé de variadas ambientaciones y la selección de un mobiliario sobrio y minimalista se complementa con el todo.

En alianza con el Hotel Café de Los Ángeles, Mar Adentro ofrece un concierto, cada mes y de manera abierta a todo público, en el que el arte, el diseño y la naturaleza hacen de este lugar idílico, una maravilla más en México. talleraragones.com

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Fotografía Joe Fletcher Photography

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CORPORATIVO ANGELÓPOLIS Arditti + RDT Architects

Situado en el Town Center, Lomas Angelópolis II, en Puebla este corporativo es un edificio con una superficie de 3,142 m2 y una construcción total de 24,450 m2. Junto a la edificación se localiza un complejo de cuatro niveles para las oficinas que se conectan por un paseo peatonal cubierto; en total hay cinco niveles distribuidos que, además de las oficinas está compuesto por un lobby para zonas de comercio, un sótano para estacionamiento y una terraza con jardín de uso común para todo el público.

Entre sus principales cualidades destaca su propuesta sustentable, eficiencia energética, una planta para el tratamiento del agua, así como el uso de materiales reciclados y locales para su construcción.

Uno de los retos que afrontó el despacho de arquitectos, fue la temperatura del lugar por lo que para proveer al edificio de luz natural sin excedente de calor, implementaron una fachada de concreto prefabricado y cristal low-e. Las fachadas crean colindancia con el parque y los hermosos paisajes de San Andrés Cholula, que provee de una excelente vista. ardittiarquitectos.com

Fotografía Arditti + RDT Architects

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TORRE REFORMA Benjamín Romano Arquitectos

Fotografía L. Benjamín Romano Arquitectos

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Inaugurado en mayo de 2016, Torre Reforma ha sido galardonado con el Premio Noldi Schreck y la Bienal de Arquitectura.

El edificio de 57 pisos está compuesto por dos muros de concreto aparente de 246 metros cuya altura hace de este rascacielos el más alto de la CDMX. El programa arquitectónico contempló la rehabilitación de una casona histórica —supervisada por el INBA—, que fue desplazada a 18 metros de distancia para cimentar el terreno, integrándola al vestíbulo principal. Sus muros están empotrados a 60 metros bajo el nivel del suelo para nueve sótanos de estacionamiento y cimiento a la torre; su complejo proceso de construcción e ingeniería está diseñado para soportar un sismo de 8.5 grados en la escala de Richter. Incluye jardines interiores, áreas para instalaciones deportivas, restaurantes y bares; espacios abiertos, terrazas y un auditorio con vista panorámica a la naturaleza del Bosque de Chapultepec.

Su tercera fachada tiene tensores metálicos y paneles de cristal que permiten espacios libres de columnas y reducción en el consumo de energía dentro de la torre. lbrarquitectos.com

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TORRE BANCOMER Legorreta + Legorreta Rogers Stirk Harbour y Partners

Ganador de la Medalla de Plata en la categoría de Oficinas de la Bienal de Arquitectura Mexicana 2016, este edificio es la nueva sede central del Grupo Financiero BBVA Bancomer. Su diseño arquitectónico estuvo a cargo del despacho Legorreta +Legorreta Rogers, Stirk Harbour y Partners quienes se propusieron reinterpretar la organización tradicional de un espacio para oficinas y ofrecer una variedad de nuevos entornos de trabajo para todos sus usuarios.

Ubicada en la avenida Paseo de la Reforma, esquina Lieja, la torre cuenta con 52 niveles hacia arriba y 7 subterráneos. Su cimentación flexible asegura que, en caso de un sismo de fuerte intensidad, la estructura no se derrumbe. Cuenta con una estructura de acero arriostrada contra incendios que permite la evacuación de más de cuatro mil trabajadores en un lapso de tres horas.

El rascacielos es inteligente y sustentable, con accesos especiales para personas con alguna discapacidad física. Además, cuenta con certificación LEED (Leadership in Energy & Environmental Design), que garantiza los más altos estándares de sustentabilidad en el mundo. El edificio no tiene columnas, solo espacios que fomentan la luz natural.

Las áreas comunes como la cafetería y el auditorio están diseñadas para permitir mayor interacción entre los usuarios y promover un sentido de comunidad en un ambiente más humano. La Torre Bancomer se encuentra entre los edificios más altos de Paseo de la Reforma. legorretalegorreta.com

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Sin columnas y solo espacios que fomentan la luz natural, el entorno de este edificio promueve un sentido de comunidad en un ambiente mĂĄs humano.

FotografĂ­a Legorreta + Legorreta Rogers Stirk Harbour y Partners

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lo mejor del año

MUSEO INTERNACIONAL DEL BARROCO To y o I t o & A s s o c i a t e s A rc h i t e c s

Fotografía Luis Gordoa

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lo mejor del año

Un nuevo museo en Puebla se perfila como principal punto de encuentro para conmemorar y compartir el arte barroco.

Ubicado en la Reserva Territorial Atlixcáyotl en la ciudad de Puebla, el Museo Internacional del Barroco se yergue a 19.5 metros de altura en una superficie construida de 18,149 metros cuadrados, en la parte norte del Ecoparque Metropolitano.

El recinto alberga más de mil objetos relacionados con el Arte Barroco en sus diversas manifestaciones como pintura, escultura, arquitectura y música, entre otras disciplinas, provenientes de diversos museos del mundo y colecciones mexicanas. El proyecto arquitectónico estuvo a cargo del ganador del Premio Pritzker 2013, Toyo Ito, en colaboración con la firma local, Estudio Arquitectura, para la coordinación y desarrollo del proyecto ejecutivo. El diseño destaca por osadas formas blancas, muros curvos e inclinados que giran en torno a un patio y una fuente en forma de vórtice.

En la planta baja del edificio se disponen ocho salas de exhibición, vestíbulo, taquillas, punto de información y auditorio; mientras que en la planta superior se encuentran salas de investigación, difusión y educación del Arte Barroco, acompañadas por un Salón Internacional del Barroco como principal espacio de encuentro para simposios y eventos, donde expertos nacionales e internacionales compartirán conocimientos. toyo-ito.co.jp

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LO MEJOR DEL DISEÑO Texto Cecilia Avila

TRÍPTICO | ESTUDIO POMELO Pomelo, despacho de arquitectura y diseño con sede en Guadalajara tiene entre sus objetivos principales crear espacios divertidos y adaptables. Se dedican a diseñar mobiliario y accesorios de la mano de los artesanos locales como una manera de mantener frescas las técnicas tradicionales.

Este es un tapete en forma de tríptico, elaborado con hilos crudos y un acento de color; una composición sencilla, de figuras cuadradas y rectangulares, proporcionales entre s í, realizada con las reglas más elementales de un telar tradicional. estudiopomelo.com

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CONSOLA SEXTA | CUCHARA Esta consola es la primera pieza de una colección de mobiliario creada por el estudio de diseño Cuchara. La firma se caracteriza por privilegiar la funcionalidad de los objetos, evita la ornamentación y trata de que el objeto por s í mismo sea estético.

Su diseño se inspira en figuras geométricas como el hexágono, y juega con ángulos y múltiplos de seis.

Todas las proporciones de Sexta se circunscriben en la geometría hexagonal, pero sin que esté presente. La consola está elaborada con tres materiales: madera maciza, metal y aglomerado; y en tres procesos: carpintería, punzado y torneado. cucharadiseno.com

LÁMPARAS | ORFEO Orfeo Quagliata es un diseñador industrial de origen estadounidense radicado en la CDMX desde el año 2000. Cuenta con más de dos décadas de experiencia en el trabajo del vidrio, en el que mezcla diseño con el trabajo manual y artesanal. El concepto de estas lámparas se basa en dos temas: la refracción de la luz a través de los colores y formas del vidrio; y el sistema solar, el universo y las galaxias. orfeoq.com

COLECCIÓN 01 | TALLER LU’UM Taller Lu’um es una firma de diseño preocupada por crear puentes entre las comunidades de artesanos mexicanos y sus técnicas de producción y los diseñadores, quienes buscan transformar los objetos más allá de su funcionalidad. La colección 01 se inspira en las historias que cada uno de los artesanos transmiten con sus manos a través de su trabajo, y cómo los diseñadores las adoptan para transformar los objetos. Así, cada objeto muestra su manufactura artesanal y un concepto de diseño contemporáneo.

La firma se apega a los parámetros de desarrollo sustentable y comercio justo. Para esta colección se sumaron al proyecto comunidades de Santa Clara del Cobre, Michoacán; la cooperativa Hikuri Ta-Iyari, en la Cebolleta, Jalisco y Teotitlán del Valle, Oaxaca. tallerluum.com.mx

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MESA OCUM | ITZ Creada por Ana Wolowska, esta mesa ganó el Premio al Mejor Diseño, en la pasada edición de Inédito, durante Design Week México. Su diseño busca el equilibrio en las proporciones, la sencillez de las formas básicas y una construcción minimalista. La mesa es desarmable, su cubierta se separa de la base y puede ser utilizada como charola de servicio o centro de mesa. La cubierta está sostenida en tres puntos sobre una base formada por dos elementos que se atraviesan y unen con un pequeño pasador de bronce sólido. Fue elaborada de forma artesanal en el torno, con dos diferentes especies de madera tropical, la caoba y el katalox. itzfurniture.com

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ORPHEUS M.| MARGULES Margules Group es una empresa dedicada a fabricar productos para mejorar la calidad del sonido en cualquier evento musical. En colaboración con el despacho de diseño Mutable crearon la bocina Orpheus M. diseñada para reproducir con gran precisión un sonido dulce y dinámico que revela espectaculares detalles. El cajón de la bocina, elaborado con una lámina de concreto con madera, quita toda la resonancia. La recubierta negra con acabado Fénix está fabricada con un material con nanotecnología; si se raya, basta limpiarlo con un trapo húmedo y una plancha para que se regenere.

Los materiales son importados de Alemania, de lo más exótico de cerámica de muy poca masa, que permiten quitar la resonancia y la vibración. La potencia recomendada es de 30 a 140 watts. margules.com

SIMBIOSIS | FÁBRICA ASTILLA Fábrica Astilla es un taller especializado en ebanistería fina que, desde 2013, tiene como objetivo convertirse en una de las mejores marcas de diseño y manufactura de México. Para esta colección buscaron materiales que vienen de la tierra o que son la tierra misma, para lograr un vínculo estrecho entre las piezas y la naturaleza. En cuanto al color buscaron tonos que logran una verdadera expresión emocional. Usaron tonos claros y neutros para después pigmentarlos mediante diferentes procesos naturales y lograr ‘una segunda piel’ para cada mueble. Jarras, mesas y seracs (bloques de madera) son algunos de los artículos que integran la interesante colección. fabricaastilla.com

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TABLA DE QUESOS ANA | ONORA Atraída por la riqueza cultural de México, esta marca de diseño artesanal fundada por Maggie Galton y María Eladia Hagerman, cuenta con más de 15 años de colaboración con artesanos de la República Mexicana con quienes han creado diversos textiles y accesorios de casa. Entre sus objetivos está buscar el balance entre la tradición y las nuevas tendencias. La tabla de quesos Ana está elaborada de recinto de Tecali, Puebla, los cubiertos son de madera de granadillo de Quintana Roo y el diseño de la servilleta de algodón hace referencia al sarape tejido en telar de pedal en Oaxaca. onoracasa.com

PITA DAY BED Y COJINES | PECA Para este estudio independiente de diseño, radicado en Guadalajara, todo está en los detalles. Su directora, la diseñadora Caterina Moretti ha alentado el uso de materiales naturales. Sus piezas incorporan un espíritu poético a la vida diaria y traducen la riqueza estética de la naturaleza en diseños de líneas orgánicas y sutiles. Pita Day Bed es un mueble elaborado con madera de encino.

Los cojines son de piel, bordados artesanalmente en hilo de fibra de maguey en Colotlán, Jalisco, cuna de la técnica milenaria del piteado. peca.com.mx

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CÁNTARO | TRIBUTO Tributo es un estudio de diseño que ofrece soluciones creativas de acuerdo con las necesidades de cada cliente y busca el balance perfecto entre identidad y modernidad, como resultado de una investigación de las costumbres locales con una visión global. Este despacho multidisciplinario se involucra en todo el proceso de producción de un espacio o de un objeto, desde que se concibe la idea hasta que está terminado.

Esta colección de macetas de arcilla bruñida presenta el trabajo artístico del ilustrador Ricardo Luévano y están colocadas de manera armoniosa en una base de acero. tributo.mx

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Pág. 58 TEN Arquitectos Entique Norten, a new vision in Mexican architecture Nuances make us unique Those who are creative are one of the biggest forces and assets México has as a country. It is time to learn from the lessons the world has given us and leave de idea to go ‘knocking on doors’ behind and go to our well-known acquaintances to win projects. “The merits of we who reinvent ourselves on a daily basis, speak for themselves:” Enrique Norten Interview Greta Arcila and Martha Lydia Anaya Portraits Gabriel González Photography Courtesy of TEN Arquitectos We interrupted, for a few moments, his routine based in working surrounded by a magnificent view of his apartment in the Condesa neighborhood of México City. A few minutes away from that space he enjoys to the best of his ability, where he finds inspiration and also uses to deal with personal matters whenever he is not traveling or working as a teacher, architect Enrique Norten opens his studio’s doors for us.

His amenable conversation begins with a phrase that is as true as it is powerful: “It is impossible to know where will all those different roads will take you. When we founded TEN Arquitectos, back in 1986, it was a small project whose future we did not have the slightest clue about.”

What was it that moved the young and restless Enrique Norten during that stage of his life? “A great passion for architecture and a huge enthusiasm about successfully doing things. Everything was uncertain, yet nothing was impossible.

I sometimes think that those were acts born of incredible irresponsibility because when one is young and filled with an unending drive to get things done, it is difficult to assess risks and one ‘jumps headfirst’ into those opportunities. Today, I feel very happy with all we have faced during all these years.

It has been a great adventure filled with satisfaction and one I feel very proud about.”

In those years, the professors at the architecture schools described Enrique Norten’s team as a part of a movement that, at the time, broke ever so slightly with the monumentalist trend and certain paradigms that guided the way architecture was practiced in México. Yet, did they really look themselves like that or just allowed their team to be carried away by this way of thinking? “I believe it was little bit of both,” Enrique immediately replies without loosing his amiable expression. “Now that I look at it in retrospect, I think that what really happened was that the team came to be during a time where the outlook was changing in a very important way. It was impossible to predict, but what was crystal clear was that México was not that closes, selfabsorbed country, it wasn’t separated from the world any longer and it began to open itself to it. The grand masters, who left very few spaces for other proposals, dominated the architecture scene. In an evident reaction, almost as a rebellious act—quite similar to that offspring have against their parents while trying to find the way to express their capacities and discover their own limits—our studio developed in an almost… intuitive way. All of a sudden, I was out of the country to continue my studies and I realized there existed almost numberless things that were changing.”

The architecture practiced during those years represented a lot of what México was with its cultural values, but it did not reflect what was starting to change. “We lived in a different México; it is not like we were great at discovering previously unknown things, but rather it simply was that we were proposing to work with a more ample architectural scope and that allowed for us to converse vis-à-vis with the whole world. That was what, without us fully realizing it, opened certain paths for us, which we decided to exploit and expand further. With this major openness that was taking place, there existed a great need for being a part of the discourse where

México was conceptualized ‘beyond’ its geographical borders and that required a different architecture.”

The opening of the New York office, took place fourteen years later—in the year 2000—when Enrique was about forty years old, but he was already backed by very vast knowledge and experience platform. He tells us that “without really wanting it he had been building a position and a name in the United States, which began thanks to his academic work.

That is why when we created the New York office, it wasn’t a sudden move; we had our corpus behind us and that allowed me to create a group of people around me, a sort of ‘non-formal’ team that was later give a legal and financial structure in order to engage in international projects, after the first opportunities presented themselves in that country.”

He tells us that the team was a small one, barely five or six members, but it began to grow soon enough because they were lucky enough to be well received and the projects spoke for volumes about their work. “We are now an office with more than 30 employees and we are very busy both over there and over here in México, where we have not stopped working since day one. My commitment with México is enormous,” the architect points out.

An important phase in Enrique career is that he has engaged in several architectural typologies: museums, hotels, libraries, schools... By way of example, the hotel Habita Polanco (2009)—the first one with a contemporary design in the whole of México City—broke all the preconceptions regarding what hotels should be. Another example is the Centro Design School, located in Constituyentes Avenues in the América neighborhood, in front of the Chapultepec Preserve, where he worked alongside a group of highly renowned designers.

“For me, architecture always a research endeavor. I find specialization and categories to be bothersome, what drives me forward is to keep transforming. When someone is dedicated to a singe type of architecture, they become ‘formulaic’ and the clients hire us because they believe that you already have the formula to build a given thing. That is terribly boring! Maybe for a surgeon to perform the same operation several times a day is a sign of having vast experience; but such a thing takes all those possibilities to experiment and discover new techniques away from an architect. Obviously, I do not accept all the projects that are presented to us. I always search for different things and I am very glad when we have the chance to work with new programs.”

Each project has its own information base and it is absolutely rich because of the ‘transparent layers’ that form it. These layers refer to the historical moment when they are planned and even to the locale’s conditions, to the communities where they will be located and the pre-existing economic and social parameters. When all these ‘layers’ are added up, the result is a project that is unique and innovative. Nevertheless, to complete them successfully a multidisciplinary team is required. Enrique confides that, sometimes, he thinks that his work is very similar to that performed by movie directors or orchestra conductors. “Evidently, one has a vision but we need to have the information provided by many people and that is fundamental. That is what I do with my project and business partners: surround ourselves with incredibly gifted people. Me, I love working with people with different profiles and I learn a lot from all of them; at the end of the day, that is what will allow to create grand projects.”

In this list of grand projects the Centro Design School— inspired by the Art Center College of Design, commonly known as the Art Center, in Pasadena, California—cannot go unmentioned. It is a building that makes Enrique very proud and which he began to conceptualize alongside his great friend Gina Diez Barroso during and informal brunch where, right from the start, they agreed on the objective being to create a design school capable of going toe to toe with the best in the world.

“We researched, visited many countries and interviewed

many persons with the idea of finding the best design schools.

We learned a lot and it was a labor of many years that today has given us incredible satisfactions. I even got to design the building and I was categorically opposed to the original plan when it suggested a location using a plot in the Bosques de las Lomas neighborhood. Fortunately, we were lucky to find this place in front of the Chapultepec Preserve, that is the same view Polanco has with fantastic landscapes and in a community with a noteworthy potential development. I am positive that, ever so slowly, Centro will double as catalyst for a large part of México City and that there will be other types of developments throughout the zone.”

Other important projects and that sum up the concept of this architectonic task of “creating city” pretty well are: La Mantarraya park, in Puebla, which stands out for its curved surfaces, and the Museo Amparo, in this same city. “Both, besides being grand-scope projects, have given me the opportunity to come up with something new and to discover paths that go on to develop into further opportunities,” Enrique, who dedicates a good portion of his time to lecturing out of his drive to keep learning from the younger generations and because he believes in his total commitment to back up that great source of talent and capabilities, concludes.

“For many years, we architects stopped ‘creating city’ with our projects. We did not live up to our responsibilities as guild and now all of us are complaining. Our duty is to create certain fabrics and structures that increase the quality of life in our cities” “It is important to understand that our job is not to make ‘the city’s objects’, but rather design and build public spaces in a conscious manner and for these to fill the biggest vacuums present in our coexistence” “After many years, some of my Mexican colleagues have started to ‘repeat’ themselves in their works. The difference between us and other countries is that when one stop reinventing oneself, projects also stop coming in”

Pág. 52 Héctor Esrawe and David Weeks They love design and share the same philosophy New furniture design proposals are arriving to México.

Héctor Esrawe, the industrial designer, presents the original lamps by the New York brand David Weeks Studio in his showroom. The objective: to create a platform for the broadcasting of design.

Interview Cecilia Avila Portrait Gabriel González Integrating new brands by international designers to his showroom is one of Héctor Esrawe’s objectives, who for five years now exhibits his work at Polanco’s neighborhood’s heart, an emblematic quarter in México City where the majority of the main players in the arts and design scenes coexist. Among the new firms being showcased we find that of the famous New York designer David Weeks, who recently visited México. Glocal had the opportunity to talk with both creative minds about this particular project.

Héctor Esrawe’s objective is to create a platform that can be used to showcase design: “We want this space to be just that, a place to broadcast. That is why we decided to begin with this work along international brands that share the same work philosophy with us, as is David Weeks’ case,” the industrial designer, who is a graduate of the Universidad Iberoamericana and for whom design has no specific country or regions, so this idea of displaying several brands in a same space could have been done in México, or any other place around the world.

For two decades now, David Weeks Studio is dedicated to manufacturing furniture, lamps and sculptural objects; likewise he collaborates in the creation of ‘custom made’

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requests. The design process of products as diverse as these, reflects the founder’s multidisciplinary essence as Weeks has been painter, sculptor and jeweler throughout his career. This is the first time his products and accessories—his lamps in particular—are going to be distributed in México.

The New York designer and visitor critic at Yale University shares: “I am very happy to be collaborating with Héctor, we both know our respective fields and are acquainted with each other’s works, and we realized there are many coincidences in them, so collaborating has been something that just flowed quite naturally.” David also considers that between Esrawe’s furniture and his lamps, “a dialogue is established and it flows quite well.”

“Lighting is a frame so the pieces can be displayed, one that does not get in the way. This is our debut in a Latin American showcase, and we are very satisfied with the results,” David states. Beside he considers that Héctor Esrawe’s—his colleague—showroom in México: “Is very beautiful!”

Haymann, H. Furniture and Karakter are but a few of the new firms that will be distributed via Esrawe’s showroom in Polanco. These were chosen by Esrawe himself because they were small commercial brands that share the same basic ideas about the nature of design.

“We select those brands of people we admire and with whom we share a certain philosophy; brands that will make us grow as a design company, but that will also make us develop several different areas, with new kinds of projects such as residential, commercial, hotels, restaurants, etc.” Héctor comments.

Said brands are far from all the big corporations and thus, Esrawe was able to speak with their founders and creative teams to get to know their points of view regarding design and lighting. It was this way that he found out they all coincided.

Héctor Esrawe and David Weeks love their work very much and their adore design, and it is this passion that becomes the driving force behind the commencement of this new venture, which will surely be successful.

“We are taking a huge step forwards. I hope that new collaborations between the brands we are working with will begin here, and that this forces us to take a natural step towards growth, represented by the distributing of our brand and services outside our respective borders,” both creative talents agree.

Pág. 54 Christopher Guy Timeless Elegance A Mercedes-Benz is described as ‘a reliable yet discreet car,” a Rolls Royce and a Lamborghini as “the cars to make a spectacular entrance.” Following this analogy, the English designer defines his brand as the “Aston Martin of design;” that is, one with timeless elegance.

talents,” the designer, born in England but raised in the south of France and Spain, declares.

He told us about how his first contact with design took place during his early childhood, when he built a “game house” along his stepfather. As he was growing up, so did his admiration for the yachts and villas all along the French Riviera. Little by little, all of this was complemented with the glamour of the grand cinema festivals and several social events he frequented with his family. “That is how I discovered luxury, elegance and refined taste; and that was what inspired me to go on and create something of my own,” he tells.

“I consider my style—that I call ‘French modernist’—is defined with the same parameters of Haute Couture: sensuous lines and an outstanding execution,” Christopher explains, admitting he had no formal training in the manufacturing or designing of furniture when he began his career with only 16 years of age. “When one is young, one makes things people would not do normally. That was what happened to me: I just dared to let my crazy ideas run free.”

As part of that story, it was during the early 90’s when he had a vision to create the world’s best mirrors collection. A small town in Java that was home to the best mahogany carvers in the whole world, was the place where Harrison & Gil began, a prestigious mirrors collection, which would later be at the forefront and serve to expand its reach with the launch of luxury furniture. Thus, the Christopher Guy brand was born in 2006, harmoniously mixing mirrors, which in our day has become a global icon with headquarters in Singapore.

Currently, Christopher’s designs are legendary because of the fusion between classic and contemporary elements.

He tells us that when he is creating his designs, he thinks about pieces that Coco Chanel or Christian Dior would have in their homes. “I ask myself: how would the houses of these two modern age icons be like? And I conclude that, even when adapted to the current times, the taste of both designers would not stop being elegant and simple. That is where I find my source of inspiration: the elegance of simple things,” the designer points out, whose collections can be found in the best houses in Beverly Hills, the French Riviera, hotels in Las Vegas and Londres, in the most famous casinos around the world, and in the insignia showrooms throughout the United States, of course.

In México, Casa Palacio has incorporated the Christopher Guy mirror collection to its exclusive catalogue of brands and interior design pieces. Particularly, these are special because they are not the traditional accessory used for shaving or makeup to be place in the bathroom, and the transform into true aesthetic manifestos to be displayed in any room; and it each one we find the common theme in the use of golden colors.

Pág. 56 Stefan Sagmeister Beauty and its functionality

Interview Martha Lydia Anaya Photography Courtesy To decorate her house and have displayed on the silver screen, Miranda Presley —the main character in the novel and movie The devil wears Prada— looked for the English designer Christopher Guy Harrison, who is the hyperactive creative mind that has brought to life the scenery in movies like Casino Royale (from the James Bond movie franchise) and Ocean’s Eleven to life, beside the aforementioned comedy inspired by the controversial Fashion world.

A few weeks ago, Christopher visited México for the first time and the Glocal team had an amenable chat with him. “I have travelled to several regions around the world since I was a child, and it is interesting to see that people in México does not lead an “oh so serious” life. Regarding design, the know how to enjoy the proposals coming from other countries and the people is no like that of the United States or Canada, where their style is basically focused on collections by local

For how long does one research ‘beauty’? The controversial Austrian designer Stefan Sagmeister will present his answer when he takes the issue to the silver screen. He talked about this and many more issues during his visit to México as parts of the Abierto Mexicano de Diseño’s (19-23 oct.) calendar of activities Text Cecilia Avila Portrait Courtesy His name is displayed alongside those of the best 20th Century designers, such as Milton Glaser, David Carson or Neville Brody. One of the defining characteristics of his work is that he always seeks to confront the public, cause some kind of reaction to what they are witnessing. His designs are provocative and aim to question the status quo and the role played by designers in their respective societies.

He began his career when he was fifteen years old, working

for the Alphorn magazine, a small leftist publication where he contributed a few articles; it was there that he decided he liked designing better than writing.

He studied graphic design in the Applied Arts University of Vienna, in Austria and later —thanks to his winning the Fulbrigth scholarship—he travelled to New York, United States, to continue his education.

In 1991 he moved to Hong Kong to work for the Leo Burnett advertising firm, and upon returning to New York, he collaborated with Tibor Kalman’s M&Co design agency.

Throughout his career he has ventured into different areas that go from graphic design to concept typography, performance and video.

Among his most controversial works we find the one he developed in 1999 for the AIGA design agency, when he decided to tattoo on his body the letters used in the poster announcing the event. Later, in 2003 and for the poster designed for the Sagmeister on a Binge exhibition, he ate more than 100 portions of junk food to gain weight and lather decided to photograph his almost naked body showing the before and after stages. On another occasion, for a movie short about typography he decided to hang from the Empire State building while in the streets, police ran to and fro with a net they planned to use to break his fall in case he actually fell off.

Last year, he presented the The happy show exhibition; a showcase offering us the chance to ‘stroll’ down Sagmeister’s mind and discover the way in which he has tried to augment his happiness through meditation, cognitive therapy and a few legal drugs that alter our moods. Happiness is also a theme this creator will be taking to cinema. With both works, this designer has no pretension of making people happier, but he does want to share the strategies he has implemented in his life to be increasingly happier each time.

Convinced that music is one of the grandest artistic manifestations human beings have invented, and jealous because this medium reaches the audience’s emotions directly, the famous graphic designer Stefan Sagmeister wanted to dedicated his efforts to design for music.

Nevertheless, it wasn’t until after a year had passed since he opened his New York studio, that he finally signed his first client dedicated to music. From that moment one, Sagmeister designed some of the album covers of the main players in the musical scene, such as: The Rolling Stones and Lou Reed, to mention just a couple of them. Thanks to this work, he won two Grammy Awards. The first one for the Once in a lifetime cover for The Talking Heads’s album (2005), and the second one for the art in Everything that happens will happen cover, in the David Byrne’s and Brian Eno’s album (2010).

During his most recent visit to México, this last October and during the Abierto Mexicano de Diseño (AMD, 19-23 oct.), Sagmeister dictated a conference in a tent erected in the Ángela Peralta Cultural Corridor, along the Alameda Central at México City’s Centro Histórico. Before an audience composed mainly of young students, the creator made a retelling of the last one hundred years in the history of Design and he stressed the reason why beauty is important.

Among the many conclusions he reached, we can point out this one: “Beauty is inherent to all human beings,” and that the designers’ labor when they are working on a project is to find the balance between the object’s beauty and its functionality.

Sagmeister shared with the Mexican public that, just like he has explored the theme of happiness and he has taken it to the movie screen, he plans to do something similar regarding beauty, a project where the required research he assured all of us present, would take him a long time.

Pág. 75 Log Interweaved Proposals Texts Martha Lydia Anaya, Cristina Cruz and Cecilia Avila Photography and images Courtesy

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We are a few weeks away from the end of 2016 and from our turning the page on our calendars going forwards into the next year. There is no doubt that it was a journey with complicated changes in several relevant issues for the world at large.

Throughout this flux, the Glocal Design Magazine team kept a record of those issues related to architecture design and interior design that, even is these overlap with the creative world and may put certain distance between the global political, social and economic happenings and themselves, these are topics that provide us with “the other’s view” regarding reality; that which has everything to do with talent, ideas, images, colors, lines and tracings by the people who conceptualizes humanity under a light. At the end of the day, both sides of the story: that which is objective and that which is subjective, form up the daily grind for each and every one of us.

In this log we will share some of these ideas and projects that, throughout this complicated journey that was the year 2016, offered both proposals to the techniques of designing, projecting and building edifices and public spaces, and the tasks of decorating those interior spaces.

Pag. 78 Design House Mexico Photography Sófocles Hernández / Alfonso Béjar This is one of the most anticipated creative interior design exercises by both the professionals and the general public.

This time and as a part of Design Week Mexico (DWM)— which took place this past October—the project had to do with the intervention of a whole house, under a specific theme previously selected by this event’s organization committee.

The chose building is located in the corner of Anatole France and Luis G. Urbina, in Polanco neighborhood, one of the most emblematic in CDMX (México City), just in front of the Lincoln Park. The creators had to remodel the place in order to turn it into a Hotel Boutique.

The invitation to participate in this exercise is open only to those professionals whose careers are well-established. For this edition, some of the participating firms were: AmoAto, C Cúbica, Ezequiel Farca and Cristina Grappin, Grupo de diseñadores Amin S. and Joshua B, Jimena Fernández and Glocal Design Magazine, Marqcò-Covadonga Hernàndez, Mumo, Pedro Ávila, RC Design, Sofía Aspe, Studio Spazio, Uribe Krayer and Vieyra Arquitectos, among several others.

One of the main challenges for this year—besides the small amount of time available to come up with the transformation—was to intervene a house that is categorized as a Heritage Landmark, and that is why the proposals of each of the designers were aligned with the objectives of respecting the buildings neo-baroque style and performing a subtle intervention, but one that was innovative at the same time; especially regarding the use of furniture, accessories, art and colors.

In Andrea Cesarman’s—one of DWM’s organizers— opinion, Design House is an “ephemeral museum that is well worth the visit.” For a few days, the public can come in contact with the work and proposals of the best Mexican interior designers, all in one place.

Given the success this exercise had during previous editions, this year the organizers deiced to leave the house open to the public until October 23rd, two weeks after DWM was officially over. The house had a mean 650 visitors per weekday and 1,500 during weekends.

Pág. 89 Abierto Mexicano de Diseño Design’s Fest Described as ‘the greatest design festivity in México’, the Abierto Mexicano de Diseño (AMD) celebrated its fourth edition during the last weeks of this past October. The streets and museums located in the Centro Histórico quadrant, were turned into showcases to display everything from transient installations to exhibitions where up to 650 designers participated. By the end of the day, it was more than a hundred events held in different locales throughout México City’s downtown area, such as Munal (National Museum), the Franz Mayer museum, the Alameda Central (Central Park), and Palacio de Correos (Postal Palace), among many others.

The guest of honor was the renowned designer Lance Wyman, who along the Glocal Design team had the chance to interact with the public and tell them about his work. The United States’ citizen, known as the co-creator of México 68 Olympic Games’ logo and the visual identity of Ciudad de México’s Metro subway system, was the creator AMD’s new image, inspired in the place where the festival‘s events took place. Thus, besides showing a reinvigorated image, this festival advances towards a new conceptualization of design that focuses on proposals based on multidisciplinary work combined with new technologies. For its organizers, this will allow for a dialogue centered on the new fields in design, where those participating, the visitors and the festival proper will converse according novel understanding approaches and new ways to contribute to the material and visual cultures.

Pag. 97 The Best of 2016 Notable Architectonic Projects Text Cristina Cruz No doubt, this was a year filled with important changes and transitions leading humanity towards new horizons and, given we are immersed in a digital era and one of impressive medical and technological advances, architecture and design are not far behind and prosper in various of the discipline’s aspects. In México, the creative industries have also championed the responsible use of natural resources, sustainability and practices that reduced their impact on the environment. This is a main concern of many of those dedicated to architecture and design in our day; and it is only obvious, the environmental adversity and difficulties have led us to think about new ways to design and intervene our surroundings.

The changes in the people’s coexistence and interactions has generated an increased interest in the transdisciplinary collaboration to tend to complex projects and issues in our societies, as well as an architecture that not only looks for physical well-being, but also the emotional one of those inhabiting the spaces.

Glocal Design Magazine bids farewell to 2016 with a special collecting all those projects that were notable because of their quality and proposal. What does the next year bring? Several instances where creativity will be the biggest impulse and catalyst in our country, and will bring us closer to celebrating México City as the World Design Capital Mundial in 2018.

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objeto glocal

REMIX VOL.1

BD BARCELONA DESIGN | CURRO CLARET Texto Cecilia Ávila Fotografía Cortesía

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D Barcelona Design lanza esta colección limitada de candelabros y se une a la tendencia de reutilizar materiales que de otra forma van a dar a la basura.

Elaborados con los herrajes diseñados por Cristian Cirici, que tuvieron mucho éxito en la década de los años 80’s del siglo pasado y que actualmente están descontinuados, los candelabros fueron diseñados por Curro Claret, cuyo trabajo se ha distinguido por cuestionar el papel del diseñador en la sociedad y por ser defensor del “hágalo usted mismo” y del uso de materiales reciclados.

El nombre de la colección se inspira en la música disco, que estuvo muy de moda durante la misma década en que fueron elaborados los herrajes de Cirici y que también era una mezcla de sonidos. A la serie de candelabros le sigue otra de consolas denominada, Remix Vol. 2.

Con esta colección, la empresa española, especializada en el diseño de muebles de autor, hace una invitación a que más diseñadores se den a la tarea de recuperar y reutilizar materiales de sus almacenes. bdbarcelona.com

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