GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 41 Portada por / Cover by: Atelier OÏ

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CURIOSIDAD INFATIGABLE POR LOS MATERIALES: ATELIER OÏ | TALENTOS EN ARQUITECTURA Y DISEÑO | MACROTENDENCIAS: BINOMIOS CREATIVOS | DESIGN WEEK MÉXICO: ESCENA DE VANGUARDIA

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NADIE PUEDE RESISTIRSE A LA BELLEZA DEL DISEÑO MODERNO Y MINIMALISTA DE LA NUEVA COLECCIÓN DE GRIFERÍA COMPOSED™.

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Editora

Consejeros honorarios

Mar tha Lydia Anaya

Ar turo Aispuro Coronel

mar tha@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora de arte

Ar turo Arditti

Sandra Montiel

Juan Carlos Baumgar tner

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Fernando Camacho Nieto

Portada Atelier Oï por Jorge Medina

Carmen Cordera Asistente de dirección

Héctor Esrawe

Liber tad Hernández

Jorge Gamboa de Buen

liber tad@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

Edición web

Carlos Pascal

Karla Rodríguez

Gerard Pascal

redacciongdm@glocal.mx

Ariel Rojo Sagrario Saraid

Editor Macrotendencias Germán Velasco

Contabilidad Víctor Villareal

Colaboradores Alin Ponce de León

Gerente de ventas

Jorge Medina

Eduardo Rodríguez

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eduardo.rodriguez@glocal.mx

Rober to Zamarripa Rosa Hanhausen Itayedzin Aragón

Fotografía José Margaleff

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Dorian Ulises López Macías

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: octubre-noviembre 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Macrotendencias Arte por JORGE MEDINA

Y nacimos entre los escombros Durante el cierre de esta edición nuestro día a día cambió en su totalidad. El día 19 de septiembre todos hablamos del simulacro que debía de suceder antes de mediodía y del caos vial que éste iba a provocar. Ojalá todo hubiera quedado sólo en eso: en un día más de horas sentados en nuestros vehículos, en los transportes públicos, etcétera; pero no, la vida, la tierra nos tenía guardado un momento que de sólo pensarlo, se me nublan los ojos.Yo viví el temblor en Campo Marte, casi para llegar a Av. Paseo de la Reforma, esperé a que pasara y seguí manejando sobre la avenida con dirección a mi oficina pues ahí estaba lo más valioso: mi equipo de trabajo en medio del caos.

El radio dejó de escucharse, las redes se cayeron. Por momentos regresaba el radio y decían que algunos edificios habían colapsado. El terror se apoderó de mí al ver a toda la gente correr hacia Chapultepec. Dejé el coche varado en la avenida y comencé a correr, tenía que ver cómo se encontraba mi gente.

Llegué a la calle en donde están nuestras oficinas, todo se miraba bien. Busqué a mi equipo y algunas de ellas no dejaban de llorar, pero lo que me preocupaba más en ese momento era la mirada perdida de nuestra editora quien en el terremoto de 1985 había perdido absolutamente todo. Sus ojos miraban absortos el desastre, las lágrimas eran sólidas y caían despacio, sin embargo su mirada era diferente al de nosotras, que por primera vez vivíamos un temblor con esa intensidad; en sus ojos vi esperanza. Hubo silencio pero sus pocas palabras y abrazos intensos lograron transmitir a todo un

equipo que era momento de avanzar.Y todas avanzamos, supimos que todo estaría bien pues nos acogimos entre nosotras sabiendo que si estaba el hombro de la otra, nos ayudaría sin importar el cómo, nos encontramos en nuestras miradas y con eso bastó para después, ir a abrazar a nuestras familias, ese día sobrevivimos y fuimos más fuertes con sólo mirarnos.

Y sobrevivimos, sobrevivió nuestro país y se restauró algo que parecía casi imposible por brechas generacionales, por prejuicios, por estigmas, por conveniencia de nuestra vergonzosa clase política; recuperamos la confianza en el otro, en nosotros. Supimos que avanzamos más si nos organizamos y prevalece el bien común. En el aire se respiraba tristeza, mucha tristeza, pero la superaba la esperanza, por días supimos que somos más los buenos que los malos. Nuestros jóvenes tomaron las redes como instrumento y vivieron en las venas esa humanidad que desconocían. No hubo una sola alma que no buscara cómo ayudar. Fuimos magia sólida y efervescente a la vez. Fuimos, somos México.

Mucho se habla de la reconstrucción, para mí la más valiosa ya sucedió: se recuperó el corazón de México. Ahora falta que como humanos, como profesionales y como ciudadanos responsables, aboguemos porque cada nueva construcción esté construida bajo los estándares de cada reglamento; que no nos dejemos vencer y salir por el lado fácil y caer en la corrupción. Falta que defendamos lo poco o mucho que queda de los edificios históricos pues cada ladrillo de éstos es parte neurálgica de nuestro pasado, el hilo conductor de nuestro futuro. Falta tomar acción y hacer que nuestros políticos trabajen como nosotros trabajamos para ser y hacer un nuevo México.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 06 DIRECTORIO 07 EDITORIAL 11 AGENDA 14 LIBRO

Artificios. Plata y diseño en México. 1880-2015 15 TECHNO

HP Látex ACTUAL 16 Le Drugstore 18 Miu Miu 20 DISEÑO + HISTORIA

76

Suiza y su legado al diseño 24 DISEÑO + CIUDAD

Museo Regional de Cholula DISEÑO + EMPRESA 26 República Sin Fronteras 30 Glenmorangie + amoATO

58 LUMINARIAS 64 DESTINO DISEÑO

Puebla

34 TEXTIL

68 SU ESPACIO

Semi Rugs

Carmen Cordera

ESPECIAL ILUMINACIÓN 38 Lighteam

72 TALLER

Scena

42 Noriegga Iluminadores

76 ENFOQUE

46 UNICORP Lighting +

Atelier Oï

Design 50 Studio Spazio 54 Luz en Arquitectura

ARQUITECTURA RESIDENCIAL 86 Casa Albino | Rozana Montiel

Estudio de Arquitectura | Morelos 90 Casa AB | E|Arquitectos | Guanajuato 92 Refugio en la Viña | Ramón Esteve Estudio | España 96 Wood Farm | Studio Rhe | Inglaterra TALENTOS EN DISEÑO Y ARQUITECTURA 99 José Antonio Bermúdez 100 Bandido

36

101 Central de Proyectos 102 Karla Sotres 103 C37

108 Alma Millán

104 Slot Studio

109 Diego Vides Borrell

105 Estudio Claudina Flores

110 Ricardo Yslas Gámez

106 HGR Arquitectos

112 LONDON DESIGN FESTIVAL

107 Paulina Rodete

DESIGN WEEK MÉXICO

128

116 Inédito 128 Visión y Tradición 133 MACROTENDENCIAS 140 TENDENCIAS GLOCAL COLUMNAS 144 Juan Carlos Baumgartner 145 Luis Mercado Rojo 146 Valentina González Wohlers 148 ENGLISH TEXT 152 OBJETO GLOCAL

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Yves Klein

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Objetos y diseĂąo | Legado suizo| Jirafas y arte | Luminarias emocionales

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AGENDA

YVES KLEIN Hasta el 14 enero 2018 Curada por Daniel Moquay,Yves Klein representa una de las exposiciones con más expectativa del año al ser la primera muestra retrospectiva en América Latina del artista francés, quien es considerado uno de los principales referentes del arte del siglo XX al buscar la unificación entre arte y vida. Con más de 75 obras artísticas y un archivo documental que abarca cartas, dibujos, fotografías y películas, ésta es un recorrido a través de las facetas de la carrera creativa de ocho años de Yves Klein.

La muestra parte de su exposición doble Proposiciones monocromas (1957), a partir de la cual inició su periodo azul y la concepción de un color: el Azul Internacional Klein (IBK, por sus siglas en inglés).

MUAC Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario Coyoacán, CDMX muac.unam.mx

INÉDITO Hasta marzo 2018 Inédito es una iniciativa que surge como parte de Design Week México cuyo objetivo principal es promover y exhibir el diseño contemporáneo mexicano a través de sus diferentes áreas. Resulta ser una oportunidad excepcional para conocer los nuevos lanzamientos de diseñadores nacionales mediante una exposición con más de 40 piezas, y ahí mismo se hace entrega del Premio DWM a lo más destacado en las categorías de impacto social, función, estética, concepto, experiencia de usuario, materiales y procesos.

AN EAMES CELEBRATION La obra de los diseñadores: Charles y Ray Eames se presenta en cuatro exposiciones que conforman An Eames Celebration.

La primera, Charles & Ray Eames.The Power of Design, en el edificio central del Museo Vitra Design, con una visión de la obra y vida de los creadores; la segunda, Ideas and Information.

The Eames Films, en la estación de bomberos de Zaha Hadid, con una selección de videos incluyendo archivo de la Library of Congress y 100 cortos a cargo de la Eames Office; la tercera, Play Parade. An Eames Exhibition for Kids, que muestra juguetes y objetos de la colección, y la cuarta Kazam! The Furniture Experiments of Charles & Ray Eames.

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51, esq. Gandhi Col. Bosque de Chapultepec, CDMX museotamayo.org

VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2, D-79576 Weil am Rhein design-museum.de

Fotos cor tesía

Hasta el 25 febrero del 2018

AGENDA

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BEAZLEY DESIGNS OF THE YEAR Del 18 octubre del 2017 al 28 enero del 2018 Siendo ésta la décima edición anual de la premiación, el Design Museum en Londres presenta los proyectos nominados en seis diferentes categorías: Arquitectura, Digital, Moda, Gráfico, Producto y Transporte. Siendo el activismo y la protesta dos agentes que permanecen latentes a nivel mundial, este año también fueron retomados por los participantes, quienes a través del diseño han comunicado diferentes inquietudes. Los esbozos, modelos, piezas físicas, videos y fotografías estarán en exhibición en el recinto para posteriormente dar a conocer a los ganadores en cada categoría y un ganador general el 25 de enero de 2018.

THE DESIGN MUSEUM 224-238 Kensington High Street, London. designmuseum.org

NICOLAS DE CRÉCY. BITÁCORA MEXICANA Hasta el 29 de septiembre Al ser considerado uno de los representantes de la llamada nueva novela gráfica francesa, Nicolas de Crécy estará presente en nuestro país a través de 65 acuarelas realizadas por él mismo en su visita de 45 días a México en 2014. Éstas reflejan detalles bidimensionales que nos permiten apreciar en otros ojos colonias de la Ciudad de México y urbes del Estado de México, Morelos, Oaxaca y Puebla. La llegada de su obra, originalmente concebida para ilustrar el Travel Book, un volumen dedicado a México, se debió a la colaboración entre la Embajada de Francia en México, el Instituto Francés de América Latina y la Fundación Louis Vuitton.

VISIÓN Y TRADICIÓN Hasta el 8 octubre Este es el nombre que lleva un programa de residencia para jóvenes diseñadores mexicanos creado por Design Week México. El objetivo es fomentar la colaboración entre diseñadores y artesanos de un estado invitado, que en esta novena edición será: Puebla. Se pretende crear piezas que establezcan un diálogo entre artesanía tradicional y diseño contemporáneo. Los resultados son expuestos en un recinto de arte.

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec, CDMX. museoar temoderno.com

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51, esq. Gandhi Col. Bosuque de Chapultepec, CDMX. museotamayo.org

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LIBRO

El ARTE de la platería mexicana genes y tres ensayos escritos por Juan Rafael Coronel Rivera, Gobi Stromberg y Ana Elena Mallet Cárdenas, muestran su compromiso con y por México.

En el interior de Artificios. Plata y diseño en México, 1880-2015 se encuentra una verdadera joya: una pieza bibliográfica recuperada de uno de los maestros fundadores del diseño en el estado de Taxco, Héctor Aguilar Ricketson (1905-1968). Además, en los anexos se incluyen un texto del diseñador Luis Equihua Zamora y una entrevista con los coleccionistas Cindy y Stuart Hodosh, realizada por Juan Rafael Coronel Rivera. La pieza literaria se convierte así en una obra palpable que podemos agregar a nuestra biblioteca personal. Está disponible en dos versiones: rústica y de tela, tanto en español como en inglés, y se puede adquirir en la tienda-librería del Palacio de Cultura Citibanamex, ubicado en el Centro Histórico de la ciudad de México. fomentoculturalbanamex.org

Un panorama histórico de un centenario del quehacer de la platería mexicana y sus diversas vertientes.

Fotos José Margaleff

La plata es un material que, sin titubear, podemos decir que representa gran parte de la cultura de nuestro país.

Basta con saber que en 2016 México fue nombrado por séptimo año consecutivo como el productor más grande de plata en el mundo, por el Silver Institute, al superar a Perú.

Para apreciar este metal maleable, se presenta Artificios. Plata y diseño en México. 1880-2015 (Fomento Cultural Banamex, 2015) una obra que representa un recorrido histórico y cultural del desarrollo del diseño de la plata mexicana durante ese periodo. Aborda el tema valorando la destreza artesanal y el apego a la tradición.

Este libro se logra gracias a la colaboración entre Compromiso Social Citibanamex, a través de Fomento Cultural Banamex, Grupo BAL, Fundación Roberto Hernández Ramírez, Industrias Peñoles, Fresnillo, El Palacio de Hierro, Museo Amparo y Tane, quienes, mediante un compendio de 436 páginas ilustradas con 425 fotografías e imá-

Una obra que hace un viaje cultural por el desarrollo de la platería mexicana, valorando la destreza artesanal y el apego a la tradición.

TECHNO

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Foto cor tesía HP México

La tercera generación de HP Látex es una propuesta en soluciones de impresión con gran versatilidad. Se puede imaginar dando vida a los muros como si fuera papel tapiz, ya que puede imprimirse en distintos materiales.

TRANSFORMANDO impresiones HP LÁTEX | MÉXICO Inventada, patentada y, hasta el momento, fabricada sólo por la empresa estadounidense HP, surge la tercera generación de HP Látex, una propuesta en soluciones de impresión en gran formato con versatilidad en su aplicación y con características ecológicas.

Para conocer esta tecnología de punta que surgió en 2009 nos reunimos con Alberto Corral, gerente de categoría Signage & Decor HP Inc México, quien platicó que “lo que la hace destacar en el mercado es su responsabilidad social y ambiental, pues a diferencia de la casi única opción existente (la tinta solvente), HP Látex no expide

agentes que dañan la salud”. Además, su procesamiento es más rápido y no requiere de un espacio exclusivo para trabajar, puede tener lugar hasta en una casa, únicamente se requiere de un área de dos metros de ancho para que pueda manipularse, pues, a través de una asesoría, cualquier persona puede hacer uso de ésta. Los diferentes campos que esta tecnología abarca son bastos, podemos imaginar a HP Látex en boutiques, aplicada en cortinas, muros y aparadores; hospitales, brindando un ambiente amigable y cálido a los pacientes; publicidad interior y exterior; residencias, dando vida a los muros

como tapiz, ya que puede imprimirse en materiales sintéticos, metálicos y magnéticos. Su duración aproximada es de tres años, pero puede cambiarse o rotarse según las necesidades del cliente. Paralelamente a Látex, HP cuenta con una solución gratis que requiere de una impresora. Su nombre es HP Wallart y busca integrar a impresores, creadores y diseñadores para que en conjunto puedan visualizar el resultado que tendrá su aplicación. Es capaz de mostrar una visión previa del uso de HP Látex en el espacio o material deseado. –KR hp.com

ACTUAL | TABLE

Fotos cor tesía

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REVIVIENDO un París revolucionario Le Drugstore | Design Research Studio | Francia

133 Av des Champs Élysées 75008, París, Francia designresearchstudio.net

Los Campos Elíseos alojan uno de los lugares más revolucionarios de París, el Publicis Drugstore que, durante más de 60 años fungió como punto de referencia social, y ahora es presentado como el más reciente proyecto de Design Research Studio de Tom Dixon.

El proyecto lleva por nombre Le Drugstore y mantiene uno de los objetivos principales de dicho lugar –fundado por Marcel Bleustein-Blanchet desde sus inicios en 1958: llevar al público parisino la cultura de bar en un ambiente cómodo que pudiera durar hasta tempranas horas del día siguiente. El despacho de diseño basó su labor en la mejora arquitectónica e interior de éste para dar paso a una amplia paleta de materiales y acabados con mayor durabilidad.

Así, la madera ahora da calidez y fuerza a los muros que resaltan con las barras de mármol coordinadas con una tapicería oxblood –caracterizada por un color rojo intenso− y una elección especial de accesorios de bronce.

Todo en conjunto cobija a los asistentes con

un ambiente contemporáneo que hace énfasis en el glamour y sofisticación de los años 60 en Publicis Drugstore.

El diseño de la sala lounge de este bar renovado busca ofrecer una experiencia íntima y relajada tomando como eje un gentleman’s study: enmarcado por un latón a medida y estantería de vidrio que permite una vista borrosa hacia el comedor y las áreas aledañas.

Luminarias como Melt Surface y mobiliario de Tom Dixon como la silla Micro Wingback, tapizada en lana color gris y amarillo, también tiene presencia a lo largo de áreas como la terraza. Asimismo, otras piezas fueron diseñadas especialmente para Le Drugstore, entre ellas comedores, mesas de centro y taburetes, fabricadas en acero y recubiertas con cuero. Dichas creaciones estuvieron inspiradas en una colección diseñada por el francés Mathieu Matégot en 1950. Todo pensado en la unión de un pasado y un presente que reviven la esencia de aquella época parisina revolucionaria. –KR

ACTUAL | SHOPPING

Fotos cor tesía

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Una caja monocromática Miu Miu | Roberto Baciocchi | México

Hace un par de años, el grupo Prada inauguró la segunda boutique para su marca Miu Miu en la Ciudad de México dentro de la remodelada departamental de lujo ‘El Palacio de Hierro’ de la colonia Polanco. La primera de estas tiendas se abrió en el 2012 y tiene como locación a Saks Fifth Avenue de Santa Fe. Originalmente diseñado por el arquitecto italiano Roberto Baciocchi, el establecimiento –de 162 metros cuadrados– ubicado en la planta baja del llamado Palacio de los Palacios, se caracteriza por su fachada de cristal transparente, en la cual se destaca el ecléctico estilo de las campañas y líneas de calzado, accesorios y bolsos con que cuenta la hermana menor de Prada.

Detrás de esa fachada, se encuentra una cortina de metal perforado, que le da un carácter contemporáneo a la sucursal. Algo novedoso es que desde hace unos meses, esta tienda luce un nuevo diseño con la idea de enriquecer la

experiencia de compra: la tela golden damask, un ícono de la marca, crea un cambio colorido, logrando un efecto de iluminación azul. Así, en conjunto con el techo y las alfombras en la misma tonalidad la boutique se transforma en una caja monocromática, íntima y moderna.

En los pisos, una alfombra gris con detalles en azul claro junto con las paredes y el techo en la misma tela, funcionan muy bien para hacer un juego armónico con la atmósfera cálida y acogedora, pero al mismo tiempo minimalista y contemporánea. La tienda se complementa con mostradores en acero y cristal, pequeñas mesas cubiertas con carpeting y cojines redondos de un azul damasco claro, dándole un toque muy femenino. Un dato interesante sobre el arquitecto Baciocchi es que ha alternado el diseño de las tiendas de Prada y de otras marcas de lujo por todo el mundo con la recuperación de edificios históricos en la Toscana. –ALM

Moliere 222, Los Morales Chapultepec 11570 Miguel Hidalgo, CDMX miumiu.com elpalaciodehierro.com

“El arte que se vive es diseño; el arte que se crea es inspiración” Consola Esgrimas Paco Camus

DISEÑO + HISTORIA

Autophon Modell 29, Antophon A.G. (1929).

Suiza y su legado al diseño Silencioso y preciso, el diseño suizo ha estado presente en nuestra vida a través de objetos cotidianos de alta calidad.

Fotos

FERNANDO ETULAIN

Texto

ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos cor tesía de ©SwissDesignMexico

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DISEÑO + HISTORIA

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(Arriba izq.) Mikiphone, sistema Vadász, Paillard A.G.1926. (Arriba der) Rex, Alfredo Neweczerzal, edición Nespresso, 2015.

(Abajo) Verso Diverso, Nicolas Le Moigne, 2005.

DE CARÁCTER RACIONAL Y FUNCIONALISTA, el diseño suizo es un referente histórico, podemos contar con la reconocida navaja multiusos del ejército, la máquina de escribir Hermes Baby, los peladores y, por supuesto, la alta relojería suiza. Existe, además, un legado arquitectónico de suma importancia, un estilo gráfico que ha traspasado fronteras y tipografías que han permanecido vigentes por décadas.

ARQUITECTURA Sin duda el arquitecto suizo más reconocido en el mundo es Le Corbusier, sobrenombre que ha acompañado a la obra de Charles-Édouard Jeanneret-Gris, nacido en Suiza en 1887 y que es considerado uno de los exponentes más importantes de la arquitectura moderna. Además de su concepto machine à habiter, Le Corbusier hizo aportaciones en mobiliario funcional junto a su primo Pierre Jeanneret, ejemplificado en los diseños con tubo de acero del año 1928, como la silla B301, el sillón Grand Confort LC3 o el chaise longue, parte importante del Estilo Internacional.

Otro arquitecto ampliamente reconocido es Mario Botta, quien nació en 1943 en Tesino, un detalle importante es que Mario trabajó junto a Le Corbusier en 1965 en París, y fue hasta los años 80 que se dedicó a diseñar muebles, de los que destaca la silla Seconda y la butaca Quinta, caracterizados por trazos geométricos que ejemplifican la afirmación máxima de Mario: “geometría es equilibrio”, y que lo convirtiera en el portavoz más racional del posmodernismo.

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DISEÑO + HISTORIA

1891

Se edita la primera navaja del ejército suizo, “Modell 1890”, originalmente de producción alemana.

1913

Sophie Taeuber-Arp fue comisionada para diseñar el Schweizerisches Marionettentheater (Teatro de Marionetas Suizas).

1922

Se funda la compañía Autophon A.G., destacada por su manufactura en equipo de comunicación telefónica.

1935

La compañía E. Paillard & Co. comienza la producción de la máquina de escribir portátil Hermes Baby.

1947

Alfred Neweczerzal crea el pelador de vegetales Rex, una variación de peladores en forma de Y, considerado un ícono del diseño suizo.

(Izq) Caran D'ache, Mario Botta, 2016.

(Der) Manteles individuales, Moisés Hernández, 2016.

SWISS STYLE La apariencia discreta, la formalidad honesta y la producción de calidad son características que acompañan al diseño suizo y que integran una identidad innegable. La educación suiza es uno de los motivos principales para que estas características se hayan decantado en todo un legado; diversas profesiones y oficios como diseño gráfico, diseño de producto y tipografía se enseñaron en las Escuelas de Oficios Artísticos (Kunstgewerbeschulen) que siguieron de cerca la estructura interdisciplinaria de la Bauhaus.

Uno de los portavoces principales del funcionalismo fue Max Bill, arquitecto, artista, tipógrafo y diseñador suizo que dirigió la Escuela Superior de Diseño de Ulm, entre sus obras más famosas se encuentra el Ulmer Hocker (Taburete de Ulm) que puede usarse de diferentes maneras y que actualmente se sigue fabricando. Sumado a nuevas tipografías influenciadas por la Bauhaus y

por el diseño industrial de la época que desencadenó el nacimiento del Swiss Style, de donde extraemos la letra Helvetica, desarrollada en 1957 por Max Miedinger y Edouard Hoffmann en Münchenstein, y que actualmente es una de las más utilizadas para identidades visuales de marcas como Cassina, 3M, Behance, BMW, Jeep, Knoll, Lufthansa, Nestlé, entre otras que se añaden a múltiples señaléticas y comunicaciones gubernamentales a nivel internacional.

MEXICO & SUIZA Mucho se habla de la influencia de Suiza en el estilo gráfico de México, sumado a esto es importante reconocer los vínculos que unen a ambos países en materia de diseño; por ejemplo, el caso del arquitecto y urbanista Hannes Meyer, quien después de ser director de la escuela Bauhaus en Dessau llegó a México en 1938, para integrar una serie de conferencias sobre planeamiento

DISEÑO + HISTORIA

1954

Max Bill diseña el icónico Banco de Ulm, que puede ser utilizado como banco, mesa auxiliar, buró o repisa móvil.

1965

Georg Utz desarrolla el sistema de almacenaje de plástico RakoBox, que redujo considerablemente el uso de contenedores desechables.

urbano, posteriormente permaneció en nuestro país durante una década en la que dio clases en la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura, además realizó la planificación urbana de Tlalneplanta en 1944, entre otras actividades tanto académicas como de desarrollo urbano. Otro ejemplo, más contemporáneo es el de Yves Béhar, diseñador originario de Lausana que participó en el año 2010 en el programa “Ver bien para aprender mejor” diseñando lentes que fueron entregados a niños mexicanos de escasos recursos con problemas visuales. Y también existe la experiencia de diseñadores mexicanos como Uzyel Karp o Moisés Hernández, quienes han tenido la oportunidad de desarrollarse académicamente en Suiza y han regresado a México para inyectar de este aprendizaje a nuevos diseños.

1973

Ubald Klug presenta el sofá DS-1025 para la marca de Sede, el modelo destacó por su estética poco convencional y flexible.

1983

Aparecen en el mercado los relojes Swatch, que destacan por ser asequibles y compactos.

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1993

Markus y Daniel Freitag realizan el primer prototipo de su messenger bag, una bolsa funcional y repelente al agua con materiales reciclados para ciclistas.

(Arriba der) Sol Sol Ito, Sandra Kaufmann, 2013.

(Abajo der) Hermes Baby, Paillard Bollex, circa 1960.

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DISEÑO + CIUDAD

PAREDES que narran historia Tras su transformación arquitectónica, el Museo Regional de Cholula se suma al tesoro cultural de Puebla y a los poco más de 120 museos en el país con temática en paleontología, arqueología y antropología.

Fotos JAIME NAVARRO

Todos los pabellones originales del antiguo Hospital Psiquiátrico de Nuestra Señora de Guadalupe se remodelaron.

DISEÑO + CIUDAD

AL PIE DE LA GRAN PIRÁMIDE, en un edificio centenario que ocupara el antiguo Hospital Psiquiátrico de Nuestra Señora de Guadalupe, se encuentra el Museo Regional de Cholula: un espacio que alberga un valioso acervo arqueológico que lo mismo cuenta la evolución geológica que el desarrollo cultural durante la época prehispánica del valle de San Andrés Cholula, en Puebla.

Este museo abrió sus puertas a principios de 2017 y fue el equipo de Taller 6A quien se encargó de la intervención y transformación arquitectónica del antiguo hospital psiquiátrico –inaugurado en 1910 por Porfirio Díaz– en museo de sitio.

El proyecto consistió en la restauración de los pabellones originales del inmueble, retirando los elementos que fueron agregados con el tiempo y, eventualmente, reconstruyendo algunas partes de los edificios. Todo esto para generar la mayor cantidad de espacios abiertos al interior de las instalaciones, la cuales ahora funcionan como galerías de exhibición arqueológica, artesanal y elementos del paisaje volcánico local. Dos pabellones se destinaron a actividades comercia-

les y restaurantes, y otros dos –completamente nuevos– son espacios de usos múltiples, que reinterpretan el sistema constructivo de bóvedas y rescatan la artesanía del ladrillo, mezclándolo con sistemas estructurales de acero y concreto.

Según un análisis estructural, se descubrió que uno de los pabellones estaba constituido en su mayoría por muros divisorios, por lo que se decidió intervenir su fachada; sustituyéndola por una celosía de ladrillo que representa el material constructivo por excelencia en Puebla. Por su parte, el patio que se encuentra entre el museo y la zona comercial se propone como un acceso lateral que comunica por un lado con la pirámide de Cholula y por el otro con el parque de las Siete Culturas, permitiendo una nueva relación entre lo arqueológico-prehispánico, la arquitectura porfirista y la arquitectura contemporánea. Así, el Museo Regional de Cholula se suma al tesoro cultural de Puebla y a los más de 120 museos en el país dedicados a paleontología, arqueología, antropología e historia. taller6a.com

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Hoy, los espacios abiertos funcionan como galerías arqueológicas, artesanales y de elementos volcánicos.

DISEÑO + EMPRESA

De Dinamarca para México Nuestro país es el primero en América en donde se realiza: República Sin Fronteras, un proyecto que reúne a 20 figuras de la arquitectura y el diseño para intervenir la clásica silla Serie 7.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Gloria Cortina usa chapa de madera moldeada a presión, laqueada en color negro de alto brillo.

Fotos cor tesía IHO Espacios

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DISEÑO + EMPRESA

HAY MUEBLES que se convierten en íconos del diseño y que pasan a las páginas de la historia como piezas invaluables y no sólo como accesorios funcionales y utilitarios. Ese es el caso de la silla Serie 7, diseñada en 1955 por Arne Jacobsen y producida por la firma danesa Republic of Fritz Hansen. Esta silla es una de las más vendidas en el mundo y en Europa se hereda de generación en generación, como testigo de infinidad de historias y recuerdos familiares.

Se ha convertido en un clásico que ha sido adaptado a lo largo del tiempo para satisfacer las necesidades de diferentes estilos de vida conforme distintas versiones, que incluyen piezas con tapicería de tela o cuero, reposabrazos, ruedas, versiones para niños, escritorios y mesas a juego. Actualmente, Republic of Fritz Hansen produce un promedio anual de 300 mil sillas Serie 7, las cuales se venden en 29 países de 4 continentes.

En diversas ocasiones, la pieza ha sido intervenida por artistas y diseñadores de países como Australia, Indonesia, Singapur, Filipinas o Taiwán, como parte de un ejercicio interesante de hacer trascender la silla más allá de sólo ser un referente del diseño.

En 2015, por ejemplo, como celebración de su 60º Aniversario se convocó a personalidades como Zaha Hadid, Jean Nouvel, Snøhetta, Jun Igarashi Architects y Neri & Hu a participar en el proyecto: 7 Cool Architects, cuyo trabajo se mostró en una exposición itinerante en el Museo de Diseño de Bélgica.

Bronce latonado y lacas de poliuretano trabajadas a mano es lo que inspira a Lorena Vieyra.

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Tapiz de borrego neozelandés, en colores negro y crema, definen el estilo de Sofía Aspe.

Víctor Legorreta toma un diseño que se basa en mantener la esencia de la silla natural.

Dos tonos de piel y ojillos metálicos cromados distingue la propuesta de Germán Velasco y Marisol Centeno.

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DISEÑO + EMPRESA

Una pieza de concreto cortado sobre la silla original como molde es lo que trabajan Andrea Cesarman (C Cúbica) y Ramiro Barret.

Abraham Cherem crea una silla que deja de ser silla: imprimatura de hoja cobre, socket, foco y cable.

Héctor Esrawe parte del principio ready made, no existen alteraciones en la base ni el cuerpo de la silla, las piezas se separan una de otra y se integran a un solo elemento.

DISEÑO + EMPRESA

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Una mecedora con dos sillas Serie 7 encontradas, estructuradas por dos patines de PTR cuadrado y patas redondas, y una maceta como pieza central es lo que propone Michel Rojkind.

Esta vez, y por iniciativa de IHO Espacios y Republic of Fritz Hansen, México es el primer país en América en donde se realiza un esfuerzo similar con: República Sin Fronteras, un proyecto que reúne a 20 figuras destacadas de la arquitectura y el diseño, para plasmar en la Serie 7 su visión sobre cómo generar una transformación real en un mundo ideal sin fronteras. Los talentos participantes son Abraham Cherem, Grupo de Diseñadores, Andrea Césarman, Beata Nowicka, Farca + Grappin, Francisco Elías, Germán Velasco, Gina Diez Barroso, Gloria Cortina, Héctor Esrawe, Sordo Madaleno Arquitectos, Arditti Arquitectos, Michel Rojkind, Lorena Vieyra, Pirwi, Ramón Neme, Sofía Aspe, Uriarte Talavera, Uziel Karp y Víctor Legorreta, quienes luego de trabajar durante meses en la elaboración de su propuesta, finalmente presentarán sus sillas intervenidas para ser subastadas a mediados de octubre en la Universidad CENTRO bajo la coordinación general de la casa de subastas Sotheby’s.

El cien por ciento de los fondos que se recauden en ese evento se destinarán a la Fundación Construyendo Comunidades Integrales, que destinará los recursos a la reconstrucción de casas en el municipio de Unión Hidalgo en Oaxaca. iho.com.mx

Capas de laqueado de poliester color negro con acabado suave de 'piano' define el concepto de 'Amor y Paz' de Grupo de Diseñadores.

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DISEÑO + EMPRESA

ARTE con causa social Trabajo de madrugada y decenas de hojas de papel con ideas y bocetos se vieron reflejados en estas hermosas jirafas, convertidas en piezas de arte, las cuales fueron donadas para fines filantrópicos.

Colores de estilo muy mexicano destacan en la jirafa creada por amoATO.

Fotos cor tesía amoATO Studio

Entrevistas MARTHA LYDIA ANAYA

DISEÑO + EMPRESA

ANTES DE QUE LAS PIEZAS quedaran listas para la Subasta Glenmorangie –que fue todo un éxito en el Foto Museo Cuatro Caminos en septiembre pasado y en la que finalmente se logró recaudar la cifra de 715,000 pesos vendiendo las icónicas jirafas que fueron intervenidas por 25 talentos creativos para apoyar la causa de Fundación VeracruzANA de Ana de la Reguera– pasaron decenas de anécdotas. Orfeo Quagliata, por ejemplo, no tenía ni idea de cómo podría interpretar con vidrio una jirafa de 2.20 metros de altura; el despacho de Ezequiel Farca + Cristina Grappin cambió su proyecto original al toparse con una muy buena técnica de la aplicación de hoja de plata que les recordó mucho a los alambiques de Glenmorangie donde se destila el whisky y que son un factor diferenciador de la marca, y el arquitecto Miguel de la Torre simplemente desechó la jirafa de fibra de vidrio que le habían mandado y lo que hizo fue un muro de alto y bajo relieve de donde sale la jirafa de un lado. La pieza que él descartó la intervino el joven artista plástico Iván Medina.

Así podría continuar con las anécdotas detrás del proceso creativo de las 10 jirafas de 2.20 metros y 15 jirafas de medio metro, que crearon arquitectos, diseñadores e ilustradores como Adán Paredes, Alonso Cartú, Esteban Fuentes de María, Marcela Cadena, Michel Rojkind, Vanessa Guckel, Cihuah, Claudio Limón, Guillermo Huerta, Indi Maverick, Isabella Moreno, Endanabani, Karla Hernández, Charlötte, Jorge Serrano Montero, María Fernanda Jiménez, Mariana Ramos, Ricardo Luevanos, Tabata Bandín, Carlos Quintero, Carolina Beltrán, David Reyes y Eduardo Guerrero.

Una armadura de espejos sobre una jirafa pintada de rosa que representa la nobleza: Orfeo Quagliata.

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Para el estudio de diseño industrial amoATO, que desde 2011 ha impulsado proyectos de causa social con diferentes empresas, de nueva cuenta fue un reto crear junto con la marca de Single Malt Scotch Whisky su primer proyecto de responsabilidad social para apoyar a la sociedad mexicana por medio del arte y el diseño.

Todos los talentos convocados coinciden en que la experiencia y oportunidad de ayudar a través de una pieza intervenida es ‘el granito de arena’ que pueden aportar desde sus trincheras. “Creemos firmemente en el poder de ayudar a la gente con nuestro trabajo. No importa si es a gran o pequeña escala, todos tenemos el poder de cambiar nuestro entorno, impactar positivamente la vida de alguien más y generar una diferencia en el mundo”, dicen Melissa, Saraí y Ray de amoATO Studio.

“Hay mucha necesidad en el mundo y colaborar en este tipo de proyectos mueve a mucha gente y motiva mucha energía positiva que como personas y ciudadanos nos devuelve la confianza en los esfuerzos colectivos”, expresa por su parte el arquitecto Miguel de la Torre, quien se imagina ver ‘su jirafa’ en medio de la sala de algún corporativo. “Lo importante –reitera– es cómo a través de una iniciativa se puede reunir el talento de artistas con distintas visiones y cómo ninguno de nosotros se niega a participar, independientemente de la carga de trabajo que cada uno tenga. Es un esfuerzo e inversión en tiempo y recursos que nos deja un buen sabor de boca y que además también nos divierte por lo que implica en creatividad”. amoatostudio.com

Un muro de alto y bajo relieve de donde sale la jirafa impresiona en la pieza de Miguel de la Torre.

Ezequiel Farca y Cristina Grappin usaron una técnica que recuerda la aplicación de hoja de plata.

Una tarde de té puede ser la inspiración de un dulce escenario.

GASTRONOMÍA Y DISEÑO en el bosque Un espacio creativo gastronómico se trasladó al bosque para crear una experiencia inolvidable.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

México ofrece al mundo su gastronomía, su música, su gente, su cultura y su historia.

Una muestra culinaria que reúne talento, creatividad y pasión de tres empresas mexicanas: Tangará, Ornare y Rincón del Bosque.

El entusiasmo de Fredy Girón (izq) y Emiliano Serrano (der), fundadores de Tangará, empresa de catering creativo, se contagia en sus propuestas gastronómicas.

Atmósferas diferentes que se crean conforme la intervención de espacios y el catering de Tangará.

PARA SU LANZAMIENTO, TANGARÁ ORGANIZÓ: Una experiencia en el bosque, una muestra gastronómica y de diseño dentro de los escenarios rodeados de naturaleza que ofrece Rincón del Bosque, en colaboración con Ornare, atelier de decoración y ambientación. A través de la intervención creativa de cuatro distintos espacios, la empresa de catering creativo Tangará mostró lo que puede ofrecer en distintos eventos.

Los cuatro ambientes que formaron parte de esta muestra gastronómica fueron: Healthy place, Momento del té, Aqua party y Taberna leñadores.

La esencia de Healthy place giró alrededor de la filosofía del pensador chino Lao Tse: “La salud es la mayor posesión. La alegría es el mayor tesoro.

La confianza es el mayor amigo”. Por eso, la ambientación de este espacio exploró las bondades de bienestar y de tranquilidad que aportan

los ambientes verdes, en los que también se montaron diversos sets. El desfile gastronómico estuvo formado por un healthy bar con variados smoothies y canapés de frutas y verduras.

En Momento del té, el espacio intervenido retrató la clásica escena en la que los personajes del cuento de Alicia en el país de las maravillas se reúnen para tomar el té. Pastelillos, bombones, fresas cubiertas con chocolate y decenas de otros deliciosos postrecillos dulces vestían una larga mesa que se antojaba por dondequiera que se le mirara. Un piano en medio del bosque le dio un toque especial a este ecléctico lugar, inspirado en la historia fantástica de Lewis Carroll.

En otro mood, mucho más moderno, juvenil y vanguardista, resaltó el espacio de Aqua party que, entre los contrastes de una divertida alberca aderezada con la intimidad que contagia

la calidez de una chimenea, se llenó de pop food, incluyendo bocadillos veganos, mojitos y gin.

En Taberna leñadores, los panes, queso, vino y sabores al carbón se hicieron presentes en un espacio inspirado en un concepto rústico de vanguardia. “Cuando todos se vayan a otros planetas, yo quedaré en la ciudad abandonada bebiendo una última copa de vino, y luego volveré al pueblo donde siempre regreso como el borracho a la taberna” dice el poeta chileno Jorge Teillier, y nada mejor para describir este lugar.

La muestra gastronómica incluyó otro espacio que no podía faltar: México chic, el cual se sumó para departir entre todo lo bueno que ofrece nuestro país al mundo: su gastronomía, su música, su gente, su cultura y su historia. tangaracatering.com | rincondelbosque.com.mx instagram.com/ornare.atelierdedecoracion/

Formas y puntos abstractos se combinan de manera armรณnica y dan como resultado paisajes que dan pie a querer sentir sus texturas.

TEXTIL

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ATRACCIÓN visual y táctil Anudadas mediante una técnica tibetana, las alfombras Semis, de los hermanos Bouroullec para Danskina, varían según la las superficies en las que son colocadas.

Fotos cor tesía Danskina

Texto KARLA RODRÍGUEZ

UN PAISAJE ABSTRACTO de puntos que varían en altura y densidad es el resultado de dos años de colaboración entre la empresa productora de alfombras Danskina y Ronan y Erwan Bouroullec, quienes, a través de su pasión por lo hecho a mano, finalmente presentan Semis, una alfombra rectangular con corte en las esquinas cuyo patrón se expande a partir de su centro, donde de forma regular se sitúan los puntos para después dispersarse en la parte superior e inferior de la pieza.

Semis fue anudada mediante una técnica tibetana para la que, considerando una pieza de 200 centímetros de ancho, se requirió la labor de tres tejedores trabajando simultáneamente para hacer un total de 7 centímetros por día. Una vez lograda la magnitud deseada, la alfombra fue lavada y recortada. Razón suficiente para que los hermanos Bouroullec califiquen a ésta como una pieza sumamente especial, pues requirió de un proceso importante para su creación que partió de una ardua

investigación previa. Si bien Danskina se caracteriza por hacer uso de un carácter distintivo con una artesanía espléndida en sus productos, esta ocasión no es la excepción, pues Semis refleja detalles hechos a mano de alta calidad y valoración tradicional, además de un gran sentido conceptual por parte del dúo francés basado en la sencillez de la forma.

De este proyecto surgieron dos diseños disponibles, uno con puntos pequeños y otro con puntos más grandes y, a su vez, se generaron dos opciones en color: blanco y negro en variaciones positivas y negativas cambiando el color de la superficie.

Sea cual sea la opción en color elegida, lo cierto es que Semis es una alfombra que atrae a la vista y da pie a querer sentir su textura. danskina.com bouroullec.com

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

Artistas, diseñadores de luz y estrategas.

Glocal platica con expertos en iluminación sobre cómo han cambiado las herramientas para proveernos de luz.

Entrevistas KARLA RODRÍGUEZ MARTHA LYDIA ANAYA

Retratos JOSÉ MARGALEFF

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Fotos cor tesía

"Nunca desaparecerá la necesidad básica de tener luz": Kai Diederichsen, creador de proyectos como el de la imagen.

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La evolución de las luminarias

Gustavo Avilés es director y fundador de Lighteam.

“A partir de que apareció la iluminación LED, la industria se ha vuelto más dirigida hacia el uso de la tecnología”: GUSTAVO AVILÉS.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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Fotos cor tesía Lighteam

El Museo de Arte Contemporáneo (MUAC)impacta por su fachada de vidrio difuminado que forma un pórtico. Su majestuosidad sobresale con su iluminación.

¿CÓMO HA EVOLUCIONADO LA ILUMINACIÓN EN CUANTO AL USO DE NUEVAS TECNOLOGÍAS Y MATERIALES? Antes la iluminación se daba simplemente por electricidad y ahora se lleva por tecnología en sistemas y diferentes cuestiones más sofisticadas. Lo cual la ha vuelto más dirigida hacia una tecnología de avance y compleja. Promete, pero no cumple. ¿POR QUÉ 'NO CUMPLE' LA TECNOLOGÍA EN ILUMINACIÓN? La tecnología te habla de

ahorro de energía y muchas más ventajas, pero no dice toda la verdad. No se mencionan aspectos de la complejidad de esa tecnología, de la falta de estadísticas, de la falta de registro histórico, de la necesidad de ofrecer no sólo una garantía en tiempo, sino una garantía en permanencia, que no toda la energía que se ahorra está en watts, sino que también hay una energía que es más bien ergonómica, una tecnología psicológica, anímica, de capacidad de percepción visual, de la calidad de la reproducción hacia objetos y personas.

¿HAY ALGUNAS CONSECUENCIAS QUE GENERE ESTA TECNOLOGÍA EN EL SER HUMANO? Claro. Yo te puedo decir que, si yo iluminara la recámara de una pareja de recién casados enamorados, con LEDS les quitaría el contraste, reduciría la calidad cromática, eliminaría las sombras, estaría exagerando el brillo, quitaría una actitud de pacificación, hasta de amor y cariño, y creo que disminuiría la potencia sexual. Pero eso no se menciona. Y si llevas esto a un hospital y pones en la habitación del paciente

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Fotos cor tesía Lighteam

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"Procuro que la iluminación sea un elemento unificador" dice Gustavo Avilés, y en su proyecto del Expiatorio de León en Guanajuato se hace evidente.

una lámpara ahorradora de energía, pues ese paciente no se va a aliviar, lucirá verde y enfermo.

Entonces, ¿a qué ahorro de energía se refieren? La orientación de la luz, en este caso, debe estar no sólo en el ahorro energético sino en el beneficio y bienestar de la gente. ¿CUÁLES SON LAS TENDENCIAS EN EL DISEÑO DE ILUMINACIÓN? Tecnológicamente hacia la miniaturización, con la consecuencia de que mientras más pequeña es la fuente luminosa más brillo genera. Cuando las lámparas eran más grandes como esferas, la distribución de la luz era mucho más atmosférica y el brillo era menor. Ahora estamos iluminando todos los espacios arquitectónicos con estrellitas, que no generan visibilidad, sino una oposición a la vista. Y como nuestra vista orgánicamente se va directo a donde hay luz, pues inmediatamente se va a donde hay lámpara y no al objeto, enton-

ces estás iluminando espacios deformados. El mejor ejemplo que tengo de algo bien hecho es un puesto de carnitas. Afortunadamente los taqueros tienen un conocimiento de la luz muy desarrollado, siguen poniendo, la mayoría, una lámpara incandescente autoreflectorizada que te da el color real del alimento, brillo, contraste, y una respuesta que da hambre. ¿CÓMO SE HA DESARROLLADO LA ILUMINACIÓN INTELIGENTE EN MÉXICO? Ha sido vertiginoso. México sigue siendo un país con grandes fuentes de inversión, que sigue ganando concursos internacionales para seguir desarrollando proyectos internamente, como por ejemplo en hotelería. Es muy alto el desarrollo de la demanda de iluminación, y como hay mucha energía para la creatividad, se desarrolla con mayor facilidad. Además, hay un alto desarrollo en consumo de energía y recursos de la iluminación.

¿CUÁLES SON ALGUNOS DE LOS PROYECTOS EN LOS QUE HAS APLICADO TUS CONSIDERACIONES EN TECNOLOGÍA? Trabajamos con una cadena japonesa de restaurantes que ha notado la transformación total en el cliente y el impacto de su comida; estoy trabajando en un proyecto de urbanismo, en el que procuro que la iluminación sea un conciliador social, un elemento de unificación en el uso y habitabilidad del espacio público, pues en la ciudad tenemos una desarticulación total de las áreas comunes. No quiero exagerar, pero creo que no tenemos un solo espacio en la ciudad que esté bien iluminado de noche, y no hay ni un solo elemento arquitectónico que represente a la Ciudad de México. Aplican la luz como si fuera una cubetada de agua. lighteam.eu

Líder en Soluciones de Iluminación, Control e Iluminación Natural

Ricardo Noriegga y Santiago Bautista Licona son socios directores de Noriegga Iluminadores.

Estrategas, no iluminadores “Es complicado ser honestos en un mercado en el que cualquiera se dice lighter designer”: RICARDO NORIEGGA Y SANTIAGO BAUTISTA.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

¿CÓMO SE CONSTRUYE EL PROCESO CREATIVO DE UN PROYECTO DE ILUMINACIÓN? Para nosotros, la respuesta real es: ¿cuánto es lo que el cliente quiere invertir en iluminación? Y de ahí, partimos para desarrollar los pasos siguientes. No somos artistas, somos prestadores de servicios profesionales que nos contratan para solucionar problemas previstos desde una hoja de papel. Nuestro cliente siempre es el usuario, quien visita la obra, quien vive el proyecto. Trabajamos en conjunto con arquitectos, paisajistas e interioristas, quienes desde su especialidad aportan la parte que les corresponde, pero a final de cuentas a quienes le entregamos resultados por watts, metros cuadrados, vida útil de los equipos, eficiencia y eficacia es a la propiedad y a los usuarios finales.

Fotos cor tesía Noriegga Iluminadores

¿CUÁL HA SIDO LA OBRA MÁS COMPLICADA QUE HAN REALIZADO? Nuestro proyecto más complicado es el poder ser honestos en un mercado muy corrupto y en el que cualquiera dice ser lighter designer o se siente iluminador o

Hacemos conciencia de que muchas veces la inversión inicial es mayor en equipamiento, pero menor en en el pago de recibo de luz a largo plazo.

El Palacio de Hierro ubicado en el centro comercial Antea de Querétaro impone por su majestuosidad. Fue un proyecto de iluminación realizado en 2014.

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diseñador de luz cuando sólo es especificador o comercializador. Son 35 años de experiencia en este campo y la parte más difícil es no ser corrupto, porque el 99% del mercado de iluminación en México está constituido por empresas que especifican el producto que quieren comercializar y eso no es diseño; eso es una especificación basada en cálculos más un poco de creatividad porque su objetivo es la comercialización. En cambio, lo que sale de nuestro taller son soluciones previas en papel, eso es lo que nosotros fabricamos y ese es nuestro proyecto más importante: no engañar al cliente, ser honestos desde el principio. ¿QUÉ SIGNIFICA VENDER ILUMINACIÓN? Ante nuestro cliente, en lugar de que le hagamos gastar dinero le hacemos ahorrar recursos no en la compra del equipo de iluminación porque muchas veces lo que nosotros especificamos es más caro que el promedio del mercado convencional, pero al hacer las soluciones más eficientes, ahorramos en salidas eléctricas, en mano de obra, en consumo, etc., que eso impacta más que

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

Parte del portafolio de Noriegga Iluminadores incluye el proyecto de El Palacio de Hierro en el Centro Histórico de la CDMX (2010)

cuando se desarrolla un diseño barato. Nosotros hacemos conciencia de que muchas veces la inversión inicial es mayor en el equipamiento de iluminación, pero es menor en la ejecución y en el pago del recibo de energía eléctrica a largo plazo. Somos más hombres de negocios y estrategas que artistas o diseñadores; únicamente vendemos papel y muchísima prevención de problemas para que la propiedad no pierda dinero. ¿CÓMO SE COMPLEMENTA LA PARTE DEL ARTISTA Y DISEÑADOR CON LA DE SER UN ESTRATEGA EN SOLUCIONES DE ILUMINACIÓN? Cuando la fórmula es: 70% estratega financiero, 20% creatividad (artista) y 10% servicio se va caminando bien. Quizá el servicio podría llevar un poco más de ese porcentaje, pues hoy por hoy el cliente espera que cuando se le presente un problema y haga una llamada para pedir asistencia, haya alguien al otro lado del teléfono que le dé soluciones. Si sólo eres ‘artista’ vas a esperar tu turno y a tomar la llamada cuando no estés en tu actividad zen y te dignes a bajar al mundo terrenal.

¿POR QUÉ RECURRIR A LA ASESORÍA Y CONSULTORÍA DE UN DESPACHO EN SOLUCIONES INTEGRALES DE ILUMINACIÓN? Para enaltecer el producto. Hay una competencia feroz en el mercado arquitectónico, ya sea en soluciones de iluminación para centros comerciales, vivienda vertical, parques, restaurantes, etc. Lo relevante en todos esos proyectos es la experiencia que se le brinde al usuario final, es decir, a la familia que se da la vuelta por la plaza comercial y se siente segura de caminar por pasillos iluminados o disfruta de un café al lado de una fuente con juegos de luz o el comensal que come su platillo en un mood diferente bajo una iluminación tenue que lo hace sentir relajado.

En resumen, este mercado exige evolución no crecimiento; los arquitectos dicen saber de iluminación, pero sólo unos cuantos son buenos en el tema. Lo irónico es exista una ausencia de cultura de la luz. Debemos trabajar en ello. escuelanoriegga.lighting norieggailuminadores.com

Si sólo eres 'artista' vas a esperar tu turno para tomar una llamada cuando no estés en tu actividad zen.

El cliente lo que quiere son respuestas.

ARQUITECTURA ARTE DISEÑO COMUNICACIÓN GASTRONOMÍA NEGOCIOS

W W W. D I P L O M A D O S . I B E R O . M X

D I P LO M A D O S Y CURSOS

Otoño 2017

DiplomadosIbero

informesdec@ibero.mx

Dirección de Educación Continua • Universidad Iberoamericana Ciudad de México.

Prolongación Paseo de la Reforma No. 880, Col. Lomas de Santa Fe, C.P. 01219.

Edificio G – PB. Tel. 9177 44 40 / 5950 40 00

9177.44.40

LA UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA SE RESERVA EL DERECHO DE POSPONER O CANCELAR LOS PROGRAMAS. EL ALUMNADO DE EDUCACIÓN CONTINUA QUEDAN REGIDOS POR LOS REGLAMENTOS GENERALES DE LA UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA, ASÍ COMO POR LOS REGLAMENTOS PARTICULARES INTERNOS. PROGRAMAS SUJETOS A CAMBIOS DE FECHA Y NUEVAS APERTURAS. CONSULTA LA INFORMACIÓN ACTUALIZADA EN WWW.DIPLOMADOS.IBERO.MX

La cuarta dimensión de la arquitectura María de los Ángeles Escobedo es directora y fundadora de UNICORP (Lighting + Design).

“Sin la luz no podemos vivir, es la que hace que la arquitectura aparezca y que un proyecto luzca en todo su esplendor”: MARÍA DE LOS ÁNGELES ESCOBEDO.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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Una luminaria ya no sólo es un punto de luz, ahora puede también puede ayudar a crear ambientes increíbles, como en el proyecto Living Showroom.

¿CUÁL ES LA IMPORTANCIA QUE TIENE LA LUZ? Yo creo que la luz es un elemento vital como el agua, sin ella no podríamos vivir, entonces, en ese orden de ideas, las personas la percibimos. En iluminación, la luz la podemos considerar como la cuarta dimensión de la arquitectura, es la que hace que la arquitectura aparezca y que un proyecto luzca en todo su esplendor. ¿EN QUÉ MOMENTO DECIDISTE DEDICARTE A LA ILUMINACIÓN? Es una historia larga, pero la haré corta. Desde que nací, de lo único que he oído hablar es de iluminación. Mi papá fue uno de los pioneros de iluminación en México, le tocó participar en obras muy grandes como el proyecto de iluminación de toda Ciudad Universitaria, el Museo de Antropología y la primera línea del metro. Yo no sabía que iba a dedicarme a la iluminación, estudié diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana y cuando terminé mi papá me invitó a hacer el diseño de la imagen corporativa de su compañía porque pensó que iba

a recibirme más rápido, pero ¡sorpresa!, todavía tardé años en hacerlo porque me metí a todo lo que involucraba la empresa y me encantó. ¿QUÉ CRITERIOS SE TOMAN EN CUENTA PARA LLEVAR A CABO UN PROYECTO? En el 2005 nos invitaron a participar en el primer edificio LEED en Latinoamérica, el edificio HSBC de Paseo de la Reforma, y a partir de esa experiencia increíble descubrimos todo lo que era el diseño sustentable y la compañía cambió su concepto. Desde entonces estamos enfocados al diseño de iluminación sustentable. Aunado a que siempre trabajamos de la mano de criterios de los arquitectos, ingenieros, diseñadores interiores y dueños, tomamos en cuenta el ahorro de energía, soluciones de bajo mantenimiento, mucha eficiencia y una inversión estudiada. ¿QUÉ TENDENCIA DE ILUMINACIÓN ESTAMOS VIVIENDO? Después de todo un avance del siglo pasado, la iluminación sufrió una

En la última década, la industria se ha retransformado: de hacer luces fluorescentes a integrar la tecnología LED.

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

Un ambiente confortable se genera en las oficinas de Ericsson Tecnoparque en la Ciudad de México gracias a su iluminación.

La ilmunicación se encamina a integrar criterios con la tendencia Design Thinking.

transformación en los últimos 10 años. Todas las grandes empresas de iluminación: Philips, General Electric, etc. retransformaron sus industrias.

De fabricar luminarias fluorescentes pasaron a integrar toda la tecnología LED (Light Emitting Diode). Con esa revolución, ahora tenemos nuevas herramientas de trabajo que tienen que ver con la innovación, con la tecnología digital para poder generar ambientes confortables. Un luminario ya no sólo es un punto de luz, un luminario integra tanta tecnología que es capaz de hacer cosas increíbles. ¿DE QUÉ MODO SE PUEDE DECIR QUE UN PROYECTO DE ILUMINACIÓN SE LOGRA CON ÉXITO? Hoy en día existen herramientas como Commissioning, una actividad que se genera por empresas

o gente especializada que es independiente a los diseñadores, arquitectos e ingenieros. Este proceso tiene como objetivo garantizarle al cliente que su obra está lista de acuerdo con los parámetros establecidos previamente. Podremos decir que con éste te califican, por ejemplo, si cumples con los pocos watts por metro cuadrado que diseñaste, si no hay brillos que te molesten, etc. Y casi siempre, quizá un 80% de las veces cuando entras a un lugar y dices Wow! es porque está bien logrado. ¿QUÉ ELEMENTOS DEBEN TOMAR EN CUENTA LOS NUEVOS TALENTOS CUANDO SE TRATA DE ILUMINACIÓN? Los nuevos talentos deben tener en cuenta todo lo que está pasando en el mundo, en arquitectura, en el arte, en la ciencia. Estamos viviendo una

revolución tecnológica sin precedentes y si este ámbito les apasiona es porque ya se dieron cuenta de lo que culturalmente pueden hacer dentro de la iluminación. Mientras actúen con compromiso y responsabilidad con lo que tienen en sus manos sabrán cómo hacerlo bien. ¿HACIA DÓNDE SE DIRIGE EL CAMPO DE LA ILUMINACIÓN EN MÉXICO? En México y el mundo, se dirige a integrar criterios de Design Thinking. Hay que regresar a las bases para retomar lo más sencillo, lo más eficiente y saber lo que realmente resuelve las diferentes necesidades sin cosas superfluas. unicorplighting.com.mx

La iluminación: una caja de experimentación

Carlos Avilés es director y fundador de Studio Spazio Laboratorio de Luz.

“La luz se entiende por las sensaciones.

Si tú ves, iluminas algo y si además te causa hormigueo quiere decir que estás aprendiendo iluminación”: CARLOS AVILÉS.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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En Design House (2016) en la Ciudad de Mèxico, el equipo de Carlos Avilés buscó resaltar cada uno de los rincones de la casa, dándole espectacularidad.

¿EN QUÉ MOMENTO SE FUSIONA LA TECNOLOGÍA CON LA ILUMINACIÓN? Desde que se inventó el foco. La tecnología siempre ha estado presente desde Thomas Alva Edison, lo que pasa es que ahora es una cuestión electrónica y antes era eléctrica. Se ha vuelto una cuestión digital y lo digital está integrado con la computación y sistemas. La tecnología se ha hecho cada vez más pequeñita, más potente, más eficiente, de más calidad, de más durabilidad. La iluminación se ha integrado a ello y la tecnología con la que convivimos hoy es muy compleja porque evoluciona muy rápido. ¿CUÁLES SON LAS VENTAJAS Y DESVENTAJAS DE ESA EVOLUCIÓN CONTINUA? Tiene más ventajas porque cada día la calidad de la tecnología es mejor. Ahora, el LED es utilizado en un 99.2% por no decirte el 100%. Esa tecnología yo la empecé a usar a partir del 2012, pues ya era eficiente, ya se podía vender y podías comprometerte en cuestión de calidad; antes de ese año seguía siendo una caja de experimentación con bastantes fallas. La desventaja es que la iluminación de alta calidad no es tan accesible.

La luz se entiende a través de los ojos, la piel, las sensaciones; no es sólo un catálogo o estudio, hay que saberla sentir.

¿HASTA DÓNDE CREES QUE LA INNOVACIÓN VA A LLEGAR EN EL CAMPO DE LA ILUMINACIÓN EN MÉXICO? Yo creo que habría que ver alguna película de Los Supersónicos, son quienes nos pusieron el ejemplo, ¿no? Antes los veíamos y no lo creíamos. La iluminación no tiene límites, uno se sorprende de las cosas que se hacen. La otra vez pude ver una lámpara alemana de 1 watt y funciona muy bien con una alta calidad. Es ideal para iluminar un elemento en específico pequeño que no requiere gran cantidad, pero sí una gran calidad. ¿QUÉ ES LA CALIDAD DE LUZ? La calidad de luz va en función a su rendimiento de color, a su eficiencia y a su definición en términos de que se acerque lo más posible a lo que es la luz natural. ¿CÓMO PODEMOS SENTIR QUE UNA ILUMINACIÓN ES DE CALIDAD? La iluminación es un autoaprendizaje. La luz se entiende a través de los ojos, la piel, las sensaciones. Si tú ves, iluminas algo, y si además te causa hormigueo y te emociona quiere decir que

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"La iluminación es un resultado y no una técnica", dice Carlos Avilés, quien ha trabajado en la iluminación de distintos recintos, como el Centro Cultural Tequila Cuervo.

estás aprendiendo iluminación. Es muy sensible la iluminación, no es de catálogo, no es de sólo estudio, hay que saberla sentir. ¿CÓMO ES CARLOS AVILÉS AL MOMENTO DE PLANEAR UN PROYECTO? Cada proyecto tiene su personalidad, por lo tanto tienes que buscar y conocer el fondo de para quién es, qué uso va a tener. Entonces mi primera reacción es un signo de interrogación y posteriormente comienzo a plantearme las diferentes posibilidades para hacerlo. Y una de las cosas más importantes es que lo que sea que vaya a ser, tiene que estar bien hecho porque muchas veces se confunde la iluminación con alumbrado, siendo este último una cuestión de luz más general y la iluminación

algo más delicado, mucho más detenido, de más investigación y detalle. ¿CÓMO SUPISTE QUE TENÍAS QUE ENCAMINARTE HACIA EL ESTUDIO DE LA ILUMINACIÓN? Fue la vida la que me abrió el camino que me fue guiando hasta acá. Después de tantos años de estar trabajando en la construcción, porque empecé a trabajar desde los 18 años en el ámbito de la ingeniería civil, pero curiosamente siempre he hecho más arquitectura que ingeniería. Toda mi vida he trabajado mucho con arquitectos. Hay personas que me dicen que soy más arquitecto que ingeniero, les digo: “Es que soy ingeniero”, y me responden: “Sí, arquitecto”.

Y entre proyectos arquitectónicos de pronto

llegamos a la iluminación, detectamos que era un gran hueco en México, y empezamos a experimentar y probar, ello junto con mi hermano Gustavo, para después trabajar cada uno de manera independiente.

HAS TRABAJADO DIVERSOS PROYECTOS DE ILUMINACIÓN EN MUSEOS, ¿HAY ALGO QUE LOS DISTINGA ANTE EL RESTO DE LOS TIPOS DE ILUMINACIÓN? La diferencia está en el resultado. Yo creo que la iluminación es un resultado y no una técnica. Hay que estar más atentos a llegar al resultado porque un proyecto nunca acaba, siempre tendrás un poquitito más que darle. studiospazio.mx

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Kai Diederichsen es socio director de Luz en Arquitectura.

Nostalgia por la incandescencia “Las lámparas van a ser algo más, serán sensores de temperatura o de presencia; pero, lo que nunca desaparecerá es la necesidad básica de tener luz”: KAI DIEDERICHSEN.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Foto Carlos Varilla

HABLAR DE LUZ ES ALGO INTANGIBLE. ¿CÓMO ATERRIZAR EL TEMA PARA COMPRENDERLO? La necesidad por tener una luz adecuada no ha cambiado, es intrínseca y fundamental para vivir. Realmente las emociones que nos transmite la luz han sido parte de un proceso evolutivo del ser humano. El hecho de reunirnos alrededor de una fogata o los sentimientos que nos transmite una puesta de sol están directamente relacionados con nuestro reloj biológico, va mucho más allá de una cuestión de diseño o de arquitectura. Es un tema de salud y de bienestar.

Si pensamos en cualquier situación en la que nos hayamos sentido cómodos y tratamos de aislar los elementos de esa atmósfera, nos daríamos cuenta de la importancia de la luz. Es interesante percatarnos de cómo las emociones invariablemente siempre están ligadas con un tema de luz. Entonces, para empezar a comprender el tema, tendríamos que estar conscientes de que la iluminación es algo nato en el ser humano y que lo que ha cambiado a través del tiempo son las herramientas tecnológicas para proveernos de luz. Por ejemplo, cuando empecé en 1998 con el

tema de iluminación las posibilidades de tecnología que tenía eran totalmente distintas a las que hay ahora para llevar a cabo las visiones en diseño de luz; incluso la especialidad misma era muy novedosa, el que hacía diseño de iluminación, vendía luminarias porque no estaba reconocido como un experto. ¿CUÁL CONSIDERAS QUE HA SIDO EL PARTEAGUAS EN ILUMINACIÓN? Creo que la iluminación siempre va a estar presente, aún en realidad virtual. Las nuevas generaciones, por ejemplo, lo único que han visto como fuente de luz es el diodo de luz (LED) cuando hace 10 años lo común eran las fuentes de luz convencionales.

Eso ha sido la gran transformación que hemos visto y mirando hacia el futuro las lámparas van a ser más que sólo lámparas, así como el celular ya ha dejado de funcionar únicamente como un teléfono. Las luminarias van a desarrollarse hasta convertirse en sensores de temperatura, de presencia, de ocupación y en equipos que nos puedan dar mucha más información que sólo proveer de luz a un espacio.

Sobriedad y excelente iluminación se logra en el Museo Amparo en Puebla, un proyecto arquitectónico por TEN Arquitectos en colaboración con Luz en Arquitectura.

Las emociones siempre están ligadas a un tema de luz, desde lo que nos transmite una fogata hasta una puesta de sol.

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Foto Rafael Gamo

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En Casa en el Pacífico (2014) se logra una perfecta simbiosis entre equipos de iluminación resistentes a las condiciones climáticas de Ixtapa, Zihuatanejo.

¿LA ETAPA DEL USO DEL LED YA ESTARÍA CONSOLIDADA? ¿QUÉ SIGUE LUEGO DE ÉSTE? En México, a diferencia de Europa y Estados Unidos, somos muy obsesivos. En aquellos países se pueden encontrar soluciones de iluminación con otro tipo de recursos, el tema del LED no está tan marcado; en cambio aquí el 100% de los proyectos usan el LED. Visto así, hablamos de un mercado consolidado. Sin embargo, desde mi punto de vista donde tenemos que madurar es en el abanico de posibilidades que tenemos para también disponer de otro tipo de tecnologías.

Quienes nos dedicamos al diseño de luz, estamos obligados a actualizarnos en temas como la calidad del LED, normatividades y cuáles serían las mejores soluciones de iluminación según el proyecto de que se trate. Incluso hay un peligro para nuestro gremio porque, de pronto, el cliente puede decir: ¿para que invierto en un diseñador

de luz? Si el resultado va a ser la misma luz espantosa que tendría si algún vendedor de luminarias me atiende. ¿CUÁL ES EL RETO CUANDO SE HABLA DE ILUMINACIÓN? Para mí, mucho está en trabajar en la cultura y en la educación del cliente, de la gente, de la industria, de los fabricantes de luminarias. Necesitamos aprender a utilizar la tecnología, pero sobre todo a identificar cuándo la innovación es la mejor solución aplicada, y cuando no. También tenemos que pensar que el uso de las nuevas herramientas tiene un costo adicional y que, a veces, es mejor invertir un poco más desde el principio de un proyecto que gastar en luminarias que con el paso del tiempo no van a funcionar. Hay corporativos, por ejemplo, que gastan hasta 100 dólares por cada sensor de luz que tienen instalado en salas de juntas de muchos

metros cuadrados, pero que no están siendo utilizadas con el mejor provecho posible. El punto es saber invertir en el equipamiento que será el más adecuado para las funciones y emociones de la gente que hará uso de ciertos espacios. ¿CREES QUE EN ALGÚN MOMENTO REGRESAREMOS A LO BÁSICO? Sí. Soy de los que piensa que por más que escuchemos de predicciones sobre innovación y avances del futuro, la mayor parte de las veces siempre terminaremos regresando de la automatización a pedir cosas básicas: llegar a un lugar y con un simple switch prender la luz. La tendencia claramente va hacia la tecnología, pero creo que va a haber un segmento que se concentrará en las necesidades básicas, y eso no habría que perderlo de vista cuando hablamos de iluminación. luzenarquitectura.com.mx

Sensibilidad estética para transformar luz en objetos.

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes.

Lámpara de suspensión Mile por SSSVLL Studio para Lambert et Fils.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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Lámpara de mesa Optunia por Claesson Koivisto Rune para FontanaArte.

Hoy miramos desde instalaciones artísticas hasta objetos luminarios que generan una interacción ingeniosa con un intangible, como es la luz. Es evidente que la innovación tecnológica y la cultura del diseño también forman parte de la evolución que está teniendo la industria de la iluminación.

Texto GRETA ARCILA

Curaduría SANDRA MONTIEL Y GRETA ARCILA

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

Lámpara Sawara por Nendo para Flos.

Lámpara de suspensión Compendium Circle de Daniel Rybakken para Luceplan.

Lámparas de mesa y piso Table & Floor Composition por Michael Anastassiades.

Lámpara modular Noctambule por Konstantin Grcic para Flos.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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DISEÑO EN ILUMINACIÓN Líneas rectas y curvas se usan con ingenio para crear luminarias que se mueven entre el minimalismo, las estructuras modulares y las propuestas suspendidas, hechas con materiales como vidrio, metal y madera.

Lámpara de suspensión Yuma por David Pompa para Kundalini.

Lámpara de suspensión Capsula por Lucie Koldová para Brokis.

Lámpara de suspensión Zé por Atelier de Troupe.

Lámpara de suspensión Nami por Alberto Saggia & Valerio Sommella para Kundalini.

Lámpara de escritorio Morsetto por Davide Groppi.

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

LAS LUCES MÁS BRILLANTES Colgadas con cables o enrolladas en forma desordenada para estar suspendidas en paredes o techo, surgen piezas que llaman la atención por su espontaneidad.

Lámpara de suspensión Satellight por Eugeni Quitllet para Foscarini.

Lámpara de mesa Lollipop por Hanna Särökaari para Luomo Collective.

Lámpara de suspensión Aero por David Derksen Design.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

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Lámpara de suspensión Chains por Sylvain Willenz para Petite Friture.

Lámpara de mesa Setareh por Francesco Librizzi para FontanaArte.

Lámpara de suspensión Post por Rachel Griffin para Earnest Studio.

Lámpara de mesa Bicoca por Christophe Mathieu para Marset.

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DESTINO DISEÑO

Puebla: un prisma de energía y vitalidad El patrimonio de un país no son sólo las piedras con las que se construye un lugar, sino que es una forma de ciudadanía que se cultiva desde la parte humanitaria y que, en esencia, mantiene de pie a un pueblo.

Texto

ANA LAURA MUÑOZ

“EL PUEBLO DE MÉXICO ama el arte y la arquitectura, y sobre todo tiene un gran respeto por la naturaleza y convive con ella manteniendo una relación profunda. Cada vez que visito este país, siento que recibo la energía y la vitalidad que emana de sus tierras”, dijo el afamado arquitecto Toyo Ito en ocasión de la apertura en el 2016 del Museo Internacional del Barroco en la ciudad de Puebla, el cual fue diseñado por el genio japonés, ganador del premio Pritzker 2013.

Durante sus visitas para la construcción y supervisión del proyecto, el arquitecto confesó que la planeación de ese museo influyó de manera notoria en su trabajo: “Las decoraciones artesanales primitivas hechas por los pueblos indígenas nos muestran lo extraordinaria que es la vida del ser humano. Por eso quise expresar cómo la naturaleza y el medio ambiente que rodean el entorno pueden fundirse con un edificio, como el del Barroco, provocando un fuerte dinamismo entre ellos”.

Así es Puebla, un prisma de energía y vitalidad que se descubre a través de su historia y tradiciones; artesanías en talavera, vidrio y textiles, e inmuebles icónicos por su diseño y arquitectura. Su catálogo de proyectos arquitectónicos abarca la construcción de recintos religiosos con más de cuatro siglos de antigüedad, museos, centros de convenciones, teatros y espacios para la salud, así como la reconfiguración y modernización de lugares representativos de distintas épocas.

Esa lista incluye desde el parque-monumento La Mantarraya –diseñado por el despacho TEN Arquitectos para conmemorar la Batalla del 5 de mayo– hasta el Edificio Vacas, restaurado y modernizado por el arquitecto poblano Sergio Gallardo; el hotel boutique La Purificadora, el cual sólo tiene 26 habitaciones y preserva la piedra de los muros originales del siglo XIX y el proyecto de Sordo Madaleno Arquitectos para el programa de Centros de Rehabilitación Infantil Teletón (CRIT), por mencionar algunos.

Este 2017, el estado mexicano ha sido presentado como el invitado especial para participar en la agenda de actividades de Design Week México (DWM). En anteriores ediciones del evento más esperado por la comunidad creativa, ya habían colaborado con Chiapas (2015) y Jalisco (2016). ¿Por qué elegir a Puebla en esta ocasión? “Porque es una ciudad donde el arte lo llena todo”, nos comparte Fabián Valdivia, director de la Secretaría de Turismo Municipal de la Ciudad de Puebla.

Además, este año se conmemora el 30 Aniversario de la capital poblana con el reconocimiento como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Fue un 11 de diciembre de 1987 cuando la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le dio ese importante nombramiento.

Fabián, quien conoce muchos de los rincones de este maravilloso lugar, nos cuenta que tan sólo el Centro Histórico de

DESTINO DISEÑO

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Foto Luis Gordoa

Tres ideologías le dan forma al Museo Internacional del Barroco: fluidez de los espacios; la luz como guía del camino y la conciencia ecológica.

DESTINO DISEÑO

(Arriba) El arquitecto español Francisco Becerra proyectó la Catedral Basílica de Puebla, cuya torre sur tardó más de un siglo en construirse. (Abajo) Algunas capillas se convirtieron en fortificaciones militares y fueron escenario de batallas históricas, como el Fuerte de Loreto.

Una fuente barroca adornada con esculturas viste el Barrio del artista, donde se puede pasear entre talleres de pintores y artistas.

Para admirar los volcanes que hay en Puebla, un recorrido por su Teleférico es imprescindible.

Fotos cor tesía Consejo de Promoción Turística de Puebla

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DESTINO DISEÑO

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El Museo Amparo es una obra de arte en su conjunto, tanto por el valor cultural del edificio como por sus exposiciones, como su colección permanente compuesta por 4,800 piezas prehispánicas.

Puebla cuenta con 391 manzanas con más de 2,619 inmuebles; de ese total, 19 son edificios construidos entre los siglos XVI y XIX, 61 son iglesias, templos o conventos, 71 son universidades y escuelas, y el resto funcionan como comercios y casas. “Lamentablemente algunos de esos inmuebles resultaron dañados por el terremoto del pasado 19 de septiembre. La capilla del Sagrario de la Basílica Metropolitana, por ejemplo, no se derrumbó gracias a los botareles que fueron instalados después del temblor de 1999 (que tuvo su epicentro en Tehuacán), pero sí presenta cuarteaduras en su interior que se deben atender.

Lo mismo sucede con otras iglesias, templos y museos. Todavía tendrán que pasar algunas semanas para tener un inventario detallado sobre los inmuebles afectados. Expertos aún hacen los recorridos necesarios para evaluar cada uno de los edificios; sin embargo, lo que sí es importante resaltar es que el patrimonio de la Angelópolis se encuentra en buen estado, en general, y que en ningún momento se corre el riesgo de que Puebla pierda su título como Patrimonio Cultural de la Humanidad”. Lo más probable es que algunos lugares turísticos y museos estén cerrados por unos días, pero el plan es que muy pronto estén operando de nuevo para los visitantes.

La lección que nos da este destino, sobre todo luego del trágico temblor que devastó la Ciudad de México y otros estados de la República Mexicana, es que el patrimonio de un país no son sólo las piedras con las que se construye un lugar, sino que es una forma de ciudadanía que se cultiva desde la parte humanitaria y mantiene de pie a un pueblo.

La arquitectura de Puebla –representada en sus inmuebles de los siglos XVI y XVII– se reforzará con las nuevas tecnologías que ofrece el sector de la construcción para rehabilitar todo lo que necesite una intervención. Asimismo, el plan de acción técnico y ciudadano contempla diferentes fondos para reparar recintos, como la Biblioteca Palafoxiana, la Catedral y otros inmuebles de la zona histórica. El INAH ya ha comunicado que 14 monasterios localizados a las faldas del volcán Popocatépetl ya están siendo atendidos por especialistas.

Es paradójico, pero Toyo Ito construyó el museo del Barroco imaginando una situación semejante: “Soy consciente de que México es uno de los países que sufre más terremotos, pero eso no supone una especial limitación en el diseño". Al contrario, con esa actitud debemos enfrentar los proyectos. turismo.puebla.gob.mx

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SU ESPACIO

Sus libros favoritos son los de arquitectura y diseĂąo, aunque eso no limita el gusto por la lectura de Carmen.

SU ESPACIO

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El significado de los objetos bellos “Todo en mi casa me trae algún recuerdo, pues hay muebles y obras de arte que han estado conmigo por muchos años”: Carmen Cordera.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

Cajitas recolectadas durante sus viajes son parte de los detalles en el hogar de nuestra anfitriona.

“CUANDO CRUCÉ LAS PUERTAS de este lugar le pregunté a mi esposo Eduardo qué tanto este departamento era mi casa y, sin titubeo alguno, él me dijo: ‘Mi amor, esta es tu casa’. Al día siguiente, ya había albañiles remodelando el espacio, demoliendo muros y tirando el tirol de paredes y techos para hacer adecuaciones a mi gusto”, nos cuenta Carmen Cordera a manera de anécdota sobre el condominio en el que ya lleva viviendo 31 años. Ubicado en los alrededores de la colonia Lomas Chapultepec en la Ciudad de México y en medio de un entorno en el que se respira mucha tranquilidad, el departamento de la directora de la Galería Mexicana de Diseño –creada en 1990– se integra a los inmuebles de

arquitectura contemporánea presentes en esas calles. Ella nos dice que el edificio en donde están ya existía cuando ella y su esposo llegaron a instalarse; de hecho, el departamento aún cuenta con algunas cosas originales que los arquitectos propusieron desde aquel entonces, como la chimenea hecha en acero inoxidable que está en medio del estudio o las cenefas a las que sólo se les dio continuidad en las paredes de algunas habitaciones. Lo que Carmen ha hecho con su espacio es actualizarlo, dándole un estilo modern classic en el que se siente cómoda y libre de pensar, trabajar, descansar y disfrutar.

“En mi recámara –cuenta– tengo un pequeño escritorio en el que suelo sentarme a trabajar por

largas horas. Está en uno de los rincones más iluminados de la habitación, rodeado de libreros y de un sinfín de materiales que uso en el día a día.

Ese escritorio es uno de los muebles más queridos e importantes para mí, sobre todo ahora que mi dinámica es más hacia el home office. Hubo un tiempo, cuando mi galería se ubicaba en Polanco, que pasaba la mayor parte del día fuera de casa.

Pero desde hace casi dos años procuro trabajar más desde aquí; un poco porque la galería ahora se encuentra en la colonia Juárez y prefiero invertir más tiempo aplicándome desde mi escritorio, contestando mails y resolviendo pendientes, que atorada y estresada durante horas en el tráfico tan sólo para llegar a la oficina”.

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SU ESPACIO

Una atmósfera ecléctica rodea cada espacio, definido por un estilo modern classic.

Obras de arte y piezas icónicas como una silla de Philippe Starck se adueñan del recibidor.

SU ESPACIO

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Muchas de las piezas que tiene Carmen en su casa son de colección porque ya no se hacen.

Algunos muebles han pasado por la galería de Carmen, como una pieza diseñada por Ad Hoc.

“Al departamento le hice una actualización, en general, con la idea de integrarlo en un sólo espacio; por eso hay unas puertas corredizas que crean habitaciones independientes, pero que al estar abiertas unen sala, comedor y estudio en un mismo lugar. Desde la terraza hasta la puerta de entrada se logra una máxima amplitud”, dice Carmen, quien a lo largo del tiempo se ha ido topando con centenas de objetos bellos y bien hechos que ha hecho suyos, como el hermoso piano que majestuosamente recibe a sus invitados y que fuera un regalo de bodas por parte de su abuela.

“Algunas de esas piezas han pasado incluso por la galería para ser exhibidas y luego he optado por quedármelas para convivir con ellas. Por ejemplo, junto a la sala hay un par de sillas holandesas que estuvieron en exposición y la mesa del centro tiene unas patas diseñadas por Philippe Starck.

Las lamparitas de buró que tengo en mi recámara son de una marca alemana que hace muchos años

presenté en la galería”. La creativa confiesa que uno de los sillones que más le gusta es un sofá Capellini que tiene en el estudio y que se convierte en cama. El modelo de esa pieza ya no se fabrica y es ahí donde Carmen suele descansar para ver la tele o leer un buen libro, como La Rebelión de Atlas de Ayn Rand (Atlas Shrugged) que ha sido una de las novelas que más la ha marcado en su vida.

“Todo en mi casa me trae recuerdos, hay muebles y accesorios que han estado conmigo desde hace muchos años y en cada cosa que veo encuentro un significado especial. Muchas de las piezas son de colección porque ya no se hacen y, quizá, lo que más podría atesorar son las obras de arte que aderezan mi espacio, como un cuadro que adquirí en Zona Maco del artista Gabriel de la Mora”, concluye la directora de Galería Mexicana de Diseño. galeriamexicana.mx

TALLER

Olimpico, inspirado en el Teatro OlĂ­mpico en Vicenza, Italia.

Fotos cor tesĂ­a de Portego

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TALLER

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Detalles decorativos de los espejos Rotonda y Olímpico, diseñados por Nikolai Kotlarczyk para la marca italiana Portego.

PORTAL hacia el pasado Los espejos se han utilizado desde civilizaciones clásicas y han develado una serie de creencias ligadas a lo mágico de su reflejo. El arquitecto Andrea Palladio inspira otro simbolismo para ese objeto.

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

HASTA EL SIGLO XVI los espejos comenzaron a tener presencia decorativa en las habitaciones, con ello se les glorificó con marcos elegantes y adornos, su elaboración generalmente implicaba el uso de metal bruñido, ya fuera plata o bronce, bajo un proceso que se conoce como plateo.

Para el diseñador Nikolai Kotlarczyk originario de Australia y actual residente de Copenhague, Dinamarca, los espejos también son una expresión de la perspectiva y la ilusión, concepto que desarrolló en la colección Scena, después de su residencia creativa en las instalaciones de la marca italiana Portego, a su vez reconocida por crear sinergia entre talentosos diseñadores y artesanos expertos. Durante su estancia en los talleres de Portego, Nikolai descubrió la arquitectura poderosa de Andrea Palladio en la ciudad de Vicenza, que junto con las villas palladianas del Véneto son Patrimonio de la Humanidad desde 1996. También durante esa residencia, el diseñador australiano tuvo la oportunidad de conocer el legado de la familia Barbini, reconocida por su maestría para trabajar vidrio en la isla de Murano en Italia.

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TALLER

“La artesanía es conocimiento.

Es una forma de transmitir habilidades y técnicas, pero también historias. Es nuestra conexión con el pasado”: Nikolai Kotlarczyk

Las hábiles manos de los artesanos de Murano realizaron los espejos Scena, que hacen alusión a perspectivas arquitectónicas proyectadas por Andrea Palladio.

Scena está inspirada de manera central en las formas y el diseño de espacios creados por Palladio. Nikolai se enfocó directamente en los paisajes que envuelven a La Rotonda, la herencia de los pintores del Renacimiento plasmada en el Teatro Olímpico, y en cómo Palladio jugó de manera constante con la percepción del espacio. Sumado a la oportunidad de crear un objeto contemporáneo que contiene técnicas tradicionales y las mantiene vigentes para nuevas generaciones.

Los espejos fueron realizados por las manos hábiles de los artesanos de Murano quienes plasmaron repeticiones que hacen referencia a lo ilusorio de las perspectivas y la profundidad en la arquitectura como si se tratara de un abanico o el arreglo de un auditorio donde el escenario se ajusta a la parte central del espejo.

Cada espejo se elabora por medio de una intrincada talla, afilado y pulido de las superficies de vidrio en el que posteriormente se realiza el plateo para darle profundidad a los ornamentos que corresponden al nivel de detalle que Palladio proyectó en sus edificaciones; replicando una a una líneas y formas, todas hechas a mano en ambos lados del cristal, como seguramente se realizaron aquellos edificios del siglo XVII. czyk.com.au por tego.it

Fotos cor tesía de Por tego

Rotonda, inspirado en los paisajes que envuelven a La Rotonda.

Twentieth and Twenty-First Century Collectible Design

designmiami.com @designmiami #designmiami

Bolotas Armchair (Pistachio)/ Fernando and Humberto Campana, 2015/ Courtesy of Friedman Benda and Estudio Campana

Dec 6–10, 2017/

Para Fuorisalone de este año, en Milán, Atelier Oï montó Minoshi garden, una instalación que interpreta el espíritu misterioso de la naturaleza en Japón.

ENFOQUE

Curiosidad por los materiales “Exploramos y tocamos el material con una curiosidad infatigable por descubrir siempre más”: Aurel Aebi, Louis Armand y Patrick Reymond, fundadores de ATELIER OÏ.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Suiza

LUEGO DE UN TRAYECTO que requirió de tomar un par de trenes partiendo de la ciudad de Berna, en Suiza, llegamos al pueblo medieval de La Neuveville a orillas del lago Biel y al pie de la meseta del Chasseral.

Ahí, en medio de esa pequeña aldea de apenas unos miles de habitantes, se encuentra el taller de Atelier Oï, un despacho de diseño suizo fundado en 1991 por Aurel Aebi, Armand Louis y Patrick Reymond en los albores de ese poblado histórico. Fue el mismo Patrick quien se encargó de recibirnos en la estación del tren, para luego llevarnos al que hace algunos años fuera un antiguo motel en las afueras del pueblo, el cual fue remodelado por ellos mismos para funcionar como estudio, taller de investigación y oficinas para el equipo de colaboradores que hoy ha trabajado con empresas y marcas como Ar-

temide, B&B Italia, Bvlgari, Danese, Driade, Foscarini, Louis Vuitton, Moroso, USM, Zanotta y Parachilna.

“Este ‘moïtel’ –cuenta Patrick– se ha convertido en nuestro archivo, biblioteca de materiales y prototipos, y también en una especie de estudio de arte y laboratorio de ciencias, en el que nos damos el permiso de ‘vivir’ y experimentar con la diversidad de materiales con los que hacemos nuestras obras”. Es muy diferente de una oficina de arquitectos y diseñadores estándar pues, para empezar, está rodeado por un gran lago y el verde follaje de decenas de árboles y plantas. Y es que, ciertamente, la inspiración y el atrevimiento para experimentar se suelta mucho mejor en atmósferas que contagian ánimos de libertad y rebeldía, y que permiten ver las cosas de una manera diferente.

Retratos e imágenes ATELIER OÏ

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ENFOQUE

Patrick hace hincapié al decirnos: “Todo el equipo de Atelier Oï somos personas naturalmente curiosas; por lo que, cualquier técnica que podamos usar para crear algo nuevo no la dejamos en el papel, la llevamos más allá y la intentamos”.

Por eso su espacio de trabajo, su propio taller, lo han concebido justamente como un laboratorio para motivar la curiosidad, un lugar en donde puedan dejarse llevar por los caprichos de cualquier idea. Junto con Aurel y Louis, Patrick concuerda en que “el individuo ni el ego son lo importante cuando se trata de crear, lo que vale es el resultado final y son los materiales los que terminan siendo el ‘héroe de la película’, el protagonista de la escena. No queremos ser definidos por el estilo particular de un resultado final, buscamos que el proceso sea lo que nos defina”, dice.

ARQUITECTURA, DISEÑO Y CONSTRUCCIÓN DE BARCOS Podría decirse que Aurel y Patrick han sido colegas y amigos de toda la vida. Estudiaron juntos en la universidad la carrera de arquitectura y diseño. Louis se les unió cuando por azares del destino trabajaron juntos en la construcción de barcos, tema en el que este último es un experto. Una vez que los tres talentos se hallaron en el camino, el entusiasmo literalmente se desenfrenó. Ellos cuentan que ‘la reacción química’ que se generó al unir sus locas ideas y proyectos fue simplemente maravillosa y no hubo más que decir, que sólo sentarse a planear juntos en un despacho. De hecho. ‘Oï’ se deriva de la palabra

rusa troika con la que se designa a un carruaje tirado por tres caballos, pero que también describe cualquier tarea realizada de ‘a tres’. “Nos gustó la imaginería que evoca un vehículo de viaje, la reinterpretamos como una reminiscencia de la forma en que nos vemos como viajeros, casi aventureros, descubriendo nuevos materiales y formas de crear”, cuenta Patrick. Puntualiza en que: “Ser tres es primordial para nuestro enfoque compartido. Con sólo dos personas puede haber un acuerdo o un desacuerdo; pero con tres personas siempre habrá una discusión, siempre una visión diferente”.

Si se buscara describir el despacho, la respuesta de sus fundadores sería: “Es el resultado de una alianza enraizada en la humanidad y en el arte por igual; es una idea que nace del principio de compartir valores e ideales. Es el deseo de tres inquietos jóvenes desenfrenados con el entusiasmo de crecer y aventurarse juntos en un viaje que nunca niega las tres historias individuales y que, al final, es el vínculo intangible que los ha ligado durante casi 30 años. Atelier Oï reúne a tres mentes abiertas y creativas, dispuestas a compartir sus visiones”.

No cabe duda de que Aurel, Louis y Patrick han hecho de la arquitectura, el diseño y la construcción naval su mejor fórmula. Su encuentro con personajes carismáticos como Alberto Sartoris y Ettore Sottsass ha sido una gran experiencia y una herramienta invaluable de aprendizaje para consolidar su filosofía como taller. En el centro de esa ideología está el rechazo a permanecer dentro de los confines de una sola disciplina.

La idea de la multidisciplinariedad se resume en la palabra

Atelier Oï ha trabajado con empresas como Louis Vuitton, Artemide, B&B Italia, Bvlgari y Foscarini.

Ser tres es primordial para lograr un enfoque compartido: Armand Louis (izq), Aurel Aebi (centro) y Patrick Reymond (der), fundadores de Atelier Oï.

ENFOQUE

Las luminarias Spiral toman su forma e inspiración de las líneas, las cuales crean sinfonías en mágico equilibrio y además se suspenden en el aire.

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ENFOQUE

Foto Yves André

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Un concepto arquitectónico global que incluye arquitectura, interiorismo, mobiliario, escenografía y fachada, así son las oficinas que se hicieron para la marca Dress your body.

con la que nombran su despacho: Atelier el lugar de creación en el dominio del saber intelectual y del saber-saber. A escala internacional, el trabajo de Atelier Oï abarca desde la arquitectura y el diseño de interiores hasta el diseño de productos y la escenografía.

“Para nosotros el trabajo nunca es un esfuerzo individual, puesto que el camino creativo nunca es un viaje en solitario.

Siempre trabajamos en equipo y todo el mundo forma parte de un proceso”, explica Patrick mientras caminamos entre el desorden que muestra el trabajo que se realiza en cada uno de los espacios de ese ‘moïtel’ que ha sido reacondicionado como su taller. Un sinfín de maquetas, materiales recortados, planos, lápices y papeles corrugados con numerosas ideas son parte de esa aparente desorganización, la cual únicamente puede revelar que hay proyectos y obras en plena labor creativa.

EL MATERIAL COMO PUNTO DE PARTIDA Para hacer realidad un nuevo proyecto ya sea en arquitectura o en diseño, la inspiración primera siempre se deriva de la observación del contexto. Es éste el que sugiere el tema en torno al cual se cultivará el contenido o esencia del proyecto en cuestión a través de crear un diálogo armonioso entre los

diferentes elementos. El punto de partida del proceso es, a menudo el material: su naturaleza, sus potenciales afinidades, sus reacciones a estímulos externos y su interacción con otros materiales.

La comprensión de la naturaleza del contexto y de las posibilidades que ofrece el material arman un panorama de perspectivas creativas en la búsqueda de una armonía, en la que el material mismo puede entrar en una relación e interactuar con elementos más intangibles como el sonido, el movimiento y el color.

Esto explica porqué la investigación y experimentación son aspectos esenciales en el enfoque de Atelier Oï. Patrick argumenta: “Los objetos a menudo surgen de una relación intuitiva y emocional con el material. Nosotros exploramos y tocamos el material con una curiosidad infatigable en la búsqueda de muchos más conocimientos y descubrimientos de los que nos da con la simple mirada o el primer tacto”.

Así es como el despacho suizo ha concebido y fabricado piezas de mobiliario tan sorprendentes como el taburete y la hamaca plegables que hicieron en cuero para la colección Objetos Nómadas de Louis Vuitton, la cual mantiene viva la tradición de la marca por crear artesanalmente preciosos objetos

ENFOQUE

Allegretto de Atelier Oï para Foscarini hace de la luz una armonía en el aire.

Foto Masayuki Hayashi

Respetando el estilo japonés, el despacho crea la lámpara Fusion para Ozeki & Co.

Gifoï muestra el trabajo del taller con la madera de cedro japonés.

El punto de partida es el material: su naturaleza, afinidades, reacciones e interacción.

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ENFOQUE

Para la tienda de Rimowa en Londres, el despacho trabajo con aluminio brillante y un concepto sobre las reflexiones que se comparten en los viajes.

Un hermoso ejercicio interactivo y olfativo es Eoles que trabaja con papel plegable para hacer unos ventiladores de papel perfumado.

La colecciĂłn GifoĂŻ se desarrolla alrededor del montaje bicromĂĄtico de dos maderas: cedro y haya, con un contraste de color.

El detalle artesanal se hace evidente en los accesorios de viaje hechos por Atelier Oï para la colección Objetos Nómadas de Louis Vuitton.

Las luminarias Oãphoriques representan a la luz en formas escultóricas con un juego de movimientos único.

de viaje; o las esculturas vibrantes de Oãphorique que se han convertido en las luminarias ícono de la marca Parachilna por sus formas únicas que emulan los graciosos movimientos de las medusas en el agua. En las piezas de ambas colecciones se lee enfoque multidisciplinario y el compromiso de Atelier Oï por hacer cosas que las personas no han visto antes.

Una perspectiva tan singular y extraña tampoco puede pasar desapercibida en la colaboración que hicieron con la marca Pringle of Scotland, para la cual redefinieron la línea de diseño de sus boutiques, comenzando con su tienda de Mount Street, en Londres. “En ese proyecto destacamos algunas similitudes sorprendentes: jugamos con materiales nobles como el cashmere, y buscamos entre nuestros archivos y técnicas patrimoniales para conjuntar diseño y arquitectura retomando el pasado. Inspirados por la herencia escocesa de la marca, elegimos materiales naturales y resistentes como la madera y la piedra, los cuales reflejaran la autenticidad y armonía de los paisajes naturales escoceses y tratamos de trabajar con la actitud contemporánea que maneja la marca”. Este proyecto despertó en el equipo una inquietud por seguir viajando.

FUSIONAR LA DIVERSIDAD Desde sus inicios, Atelier Oï ha sabido conjuntar el saber y la habilidad como la antítesis de una mono-cultura. Sus obras son una celebración a la diversidad y una fusión de disciplinas que, a menudo, son consideradas entidades separadas.

“Esa manera de pensar y trabajar intensifica nuestro proceso creativo y amplía las fronteras de la imaginación. Es lo que nos abre nuevas perspectivas y nos invita a explorar nuevas escalas”, dice Patrick. Hoy, el despacho combina museografía, escenografía y expografía. “Nos integramos sistemáticamente en cada proyecto con la idea de compartir arquitectura, diseño y escenografía sin la más mínima barrera”, concluye el creativo al despedirse de nosotros en las puertas de su ‘moïtel’, ese lugar de 900 metros cuadrados al lado de la tranquilidad de un hermoso lago, el cual lo mismo funciona como galería que como área de trabajo o taller de ejecución. Un espacio en donde el despacho guarda los secretos de su proceso creativo que, esta vez, con gusto nos compartió. atelier-oi.ch

Residencias enmarcadas en hermosos escenarios.

Textos ITAYEDZIN ARAGÓN MARTHA LYDIA ANAYA

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ARQUITECTURA RESIDENCIAL

Esta casa transita de una fachada exterior prรกcticamente cerrada a un gran espacio abierto que integra la vegetaciรณn exuberante.

ARQUITECTURA RESIDENCIAL

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Paseo placentero entre terrazas CASA ALBINO ORTEGA | ROZANA MONTIEL ESTUDIO DE ARQUITECTURA | MORELOS Fotos SANDRA PEREZNIETO Una casa de descanso –proyectada por el despacho de Rozana Montiel Estudio de Arquitectura– que va de lo más hermético a lo más abierto con la idea de proteger la intimidad del espacio.

Cuando uno la recorre, literalmente se va desdoblando la materialidad en espacios habitables que se viven como un paseo placentero entre distintas terrazas. Así se describe esta residencia, ubicada en el pueblo mágico de Tepoztlán en Morelos, la cual se caracteriza por un basamento artesanal, que combina tierras locales con piedra texcal, piedra canela y piedra arqueológica, las cuales son muy características del pueblo localizado a faldas del Cerro del Tepozteco y cuya presencia ocupa gran parte del programa arquitectónico de la casa. Transita de una fachada exterior prácticamente cerrada a un gran espacio abierto que integra la vegetación exuberante

del jardín. Predominan la piedra y la madera, mientras que las superficies, recubiertas de piedra texcal y vegetación, construyen recintos de penumbra habitable. El agua, presente dentro y fuera de todo el ambiente, refresca cada uno de los espacios, los llena de aire y los reconforta con sonidos relajantes. A modo de claustro, el recorrido de la casa entreteje interior y exterior hasta desembocar en la terraza y el gran jardín a cielo abierto. Sobresale en la planta alta una caja flotada de madera como recámara principal; y en la planta baja, un estanque con deambulatorio.

La residencia modula distintas atmósferas de intimidad y de disfrute de la naturaleza, ejemplo de ello, son la posa exterior y un pequeño jardín secreto que alberga un ciruelo que se asoma tras un muro de piedra al fondo del jardín principal. rozanamontiel.com

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ARQUITECTURA RESIDENCIAL

Piedra texcal, piedra canela y piedra arqueológica, las cuales son muy características del pueblo mágico de Tepoztlán, ocupan gran parte del programa arquitectónico de esta casa.

ARQUITECTURA RESIDENCIAL

A modo de claustro, el recorrido de la casa entreteje interior y exterior hasta desembocar en la terraza y el gran jardĂ­n a cielo abierto.

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ARQUITECTURA RESIDENCIAL

Sinergia con la naturaleza CASA AB | E|ARQUITECTOS | GUANAJUATO Fotos FRANCISCO VÁZQUEZ Y GERARDO MEDINA

La ubicación de la casa se caracteriza por sus pendientes naturales que fueron aprovechadas en la construcción de terrazas.

Ubicada en el fraccionamiento Bosque Country Club, Casa AB cuenta con tres plantas desarrolladas en una pendiente pronunciada, parte de una de las formaciones más altas de la ciudad. La residencia de aproximadamente 624 metros cuadrados de construcción fue planteada como un elemento que integra sus espacios interiores con los exteriores, dejando su estructura visible y diluyendo sus límites para compartir la sensación de amplitud.

El equipo dirigido por Fabián Escalante decidió aprovechar la pendiente natural y el suelo rocoso para proyectar plataformas que funcionan como terrazas escalonadas, interviniendo lo menos posible el terreno, creando sinergia entre la construcción y las cualidades naturales de su contexto. En su interior, Casa AB cuenta con todos los servicios para cubrir las necesidades de descanso, recreación, alimentación e higiene de una familia y en acabados exhibe los materiales utilizados, como acero, ladrillo rojo y concreto expuestos que manifiestan sus características, con presencia de materiales como madera y mampostería.

El sótano funciona como receptáculo para autos, con cuatro cajones de estacionamiento, por su parte la planta baja destaca por los espacios sociales sin muros divisorios y con doble altura, donde se encuentra: comedor, vestíbulo, cocina, cuarto de lavado y de servicio, además de la terraza.

La escalera se ubica en un punto central y sirve además como un elemento escultórico que liga el área social y la privada. En planta alta se encuentran un estudio y tres habitaciones, cada una con cuarto de baño y vestidores.

Casa AB forma parte del sitio y se fusiona con la naturaleza, aporta una paleta de colores y materiales que enriquecen el paisaje e invitan a habitar las áreas verdes de la casa y apreciar la vista desde su altura. e-arquitectos.com.mx

ARQUITECTURA RESIDENCIAL

Desarrollado en un predio de topografía accidentada, la casa AB cuenta con espacios íntimos ideales para la convivencia en familia.

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Integridad en el horizonte El Refugio toma como idea generadora la tipologĂ­a tradicional de vivienda rural con cubierta a dos aguas, para aplicarle un nuevo concepto espacial.

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REFUGIO EN LA VIÑA | RAMÓN ESTEVE ESTUDIO | ESPAÑA Fotos MARIELA APOLLONIO

Exactamente en el municipio de Fontanars dels Aforins, entre una zona de pinada y campos de vid en la provincia de Valencia, se encuentra Refugio en La Viña, que se mimetiza en las grandes extensiones de cultivo como uno de los objetivos principales de su programa arquitectónico y, por ello, todo el desarrollo de la morada está hecho en una sola planta, además de que los materiales que se eligieron para su construcción y acabados retoman las tonalidades propias del lugar.

La geometría en planta del proyecto consiste en sintetizar el perímetro que define una casa tradicional y posteriormente expandirla hasta formar una envolvente de hormigón donde se contengan todas las necesidades de una vivienda. Aunque el refugio toma la tipología tradicional de vivienda rural con techo a dos aguas, se le han aplicado nuevos conceptos espaciales, ya que el volumen es interrumpido transversalmente por módulos de madera de pino que son utilizados para estancias.

Para llegar a la casa, el acceso es por medio de un recorrido envuelto por olivos, al fondo se aprecia la construcción, escondida entre cipreses, chopos y pinos. La entrada a la vivienda es a través de uno de estos módulos de madera, el espacio central de hormigón forma una zona común a la que recurren el resto de estancias y queda rematada por una gran chimenea.

El arquitecto Ramón Esteve, nos comparte que “el volumen se compone de dos estructuras monolíticas que forman dos grandes masas diferenciadas por su naturaleza material, una de hormigón blanco, tanto en el interior como en el exterior, que queda intersecada por unas cajas estructurales de madera de pino termotratada”.

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El proyecto además responde a su medioambiente tomando las facilidades adecuadas para aprovechar energías renovables mediante el uso de paneles de captación solar, suministro de energía a partir de biomasa además de la recolección y almacenamiento de agua pluvial. El ahorro de energía se optimiza gracias a los materiales utilizados en la construcción y la aplicación de un aislante térmico.

Todo el mobiliario de pino y la carpintería fija se ha diseñado exclusivamente para la casa, siguiendo la modulación de las cajas de madera que consisten en tablones de veinte centímetros, misma medida que fue utilizada para el encofrado del hormigón. ramonesteve.com

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Proyecto que ejemplifica la mรกxima unificaciรณn entre paisaje y medioambiente, debido a su localizaciรณn.

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Líneas vernáculas WOOD FARM | STUDIO RHE | INGLATERRA

Fotos DIRK LINDNER En medio de la belleza natural de las marismas del condado de Suffolk en Inglaterra salta a la vista Wood Farm, una combinación inusual de casas de granja y de nuevos recintos modernistas que fue proyectado para ser una residencia rigurosamente contemporánea, pero también sostenible y armoniosa con el entorno.

El proyecto trazado por los arquitectos de Studio RHE –con sede en Londres, Inglaterra– destaca por los nuevos graneros con paredes de vidrio que se han añadido a los edificios agrícolas originales y que se elevan por encima de una planicie construida con una mezcla de materiales locales. Una vez dentro de las instalaciones, las vistas cuidadosamente definidas revelan una secuencia coreografiada de espacios que funcionan como una simple casa de tres habitaciones. La propiedad se orienta hacia el sur para aprovechar en todo momento del día los bellos paisajes, mientras que los patios abiertos a ambos lados del edificio protegen al inmueble de los fuertes vientos predominantes por la región.

En consecuencia, todo el espacio –compuesto por habitaciones hechas de madera de roble– se adapta sin esfuerzo a la vida tanto interior como exterior, en donde particularmente destaca el mobiliario diseñado por Jasper Morrison para Kettal: Park Life, su primera colección de muebles para exteriores, cuyo perfil de corte limpio es adaptable a diferentes situaciones.

La casa cuenta con una mezcla de materiales locales tradicionales, incluyendo ladrillos hechos a mano y baldosas de terracota, acero galvanizado, pedernal y roble crudo que conecta con la nueva madera laminada y marco de acero, vidrio sin marco, zinc negro y un amplio revestimiento de porcelana. La recepción principal y los dormitorios están recubiertos de roble, creando modernos volúmenes rústicos. Asimismo, el recinto cuenta con calefacción gracias a los suelos radiantes, una instalación fotovoltaica en el techo del granero y un sistema mecánico de recuperación de calor. studiorhe.com

La casa cuenta con una rica mezcla de materiales locales tradicionales, como ladrillos hechos a mano y baldosas de terracota, acero galvanizado, pedernal y roble crudo que conectan con madera laminada y marcos de acero.

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Graneros con paredes de vidrio y una mezcla de materiales locales hacen de esta residencia un lugar que juega entre lĂ­neas vernĂĄculas en medio de la belleza natural de los campos ingleses.

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Además de inspiración, el lenguaje de los despachos noveles habla de trabajo arduo, profesionalismo, entusiasmo y un afán infinito por innovar.

Fotos cor tesía José Bermúdez

TALENTOS EN DISEÑO Y ARQUITECTURA

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Dedicación y pasión creativas Cuando los sentimientos se transforman en formas, surgen piezas de mobiliario e interiorismo en las que existe una conexión entre éstas y el usuario: JOSÉ ANTONIO BERMÚDEZ.

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A SUS 25 AÑOS, José Antonio Bermúdez ha trabajado en diferentes proyectos en colaboración con diseñadores mexicanos destacados y talentos internacionales, actualmente presenta su firma, la cual lleva su nombre, para expresar sus sentimientos a través de las formas, soluciones y propuestas que permite desarrollar esta disciplina creativa. Su obra va más allá de representar algo estético, por lo que está pensada en las necesidades de quien lo tendrá. Ha bastado trabajar con una mano derecha, su practicante, para que desde el 2015 desarrolle proyectos a fondo que se consolidan en piezas de mobiliario, de producto e interiorismo y sea cual sea el resultado cabe la certeza de que existe una conexión emocional entre el usuario y éste. En ello, por supuesto, influyen los materiales utilizados, entre los que, en este caso, sobresalen la madera, metales, piel y concreto combinados o trabajados de manera independiente.

El objetivo de este joven diseñador es seguir realizando piezas de carácter sutil con tendencia al diseño japonés y escandinavo, pero próximamente bajo el nombre de una firma con el colombiano Juan Carlos Franco, quien actualmente dirige Vrokka y con quien llevó a cabo Kumo, una de sus más recientes producciones. José ha presentado su obra en Nybro, Suecia, en 2015 con Interlude; en la última edición de Milan Design Week con Nomu; Habitat Expo, y este año en el Abierto Mexicano de Diseño -por tercera vez consecutiva- con Samaná, un proyecto en colaboración con diseñadores colombianos.

Lo anterior es reflejo de la tenacidad de José ante el diseño industrial, pues su pasión por crear no tiene ni tendrá límites. –KR jose-bermudez.com

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Diseño como factor principal Alejandro Campos y Joel Rojas fundaron BANDIDO en la ciudad de Puebla en el 2016, con el deseo ferviente de hacer industria local.

EN FUNCIÓN DE CREAR SU IDEAL, Alejandro y Joel reunieron diferentes perfiles profesionales para construir fortalezas y crear objetos con un enfoque industrial que conjugue técnicas artesanales y una metodología crítica dentro de su proceso de diseño.

Alejandro y Joel se han encargado de involucrarse en el desarrollo de concepto y diseño en mobiliario para diversos usuarios, contemplando y analizando necesidades a través de un proceso creativo donde el detalle se vuelve uno de los factores primordiales para obtener resultados óptimos de uso.

Bandido ha formado parte de exhibiciones y concursos nacionales e internacionales, incluso antes de su fundación oficial, como Dimueble

2014 en Guadalajara, la exposición MX Sillas 2014 en el Mumedi en CDMX, al Abierto Mexicano de Diseño 2015, Generación Decode 2015 y la exposición Puebla Creativa 2016 en Ingolstadt, Alemania, sólo por nombrar algunas.

Para Bandido, ser un despacho joven no ha frenado su intención de enfrentarse a cualquier proyecto, ellos manifiestan un compromiso por cumplir profesionalmente y crear un ambiente de trabajo multidisciplinario para ofrecer soluciones integrales presentes en la Ciudad de México, Puebla, Monterrey, Aguascalientes y San Luis Potosí. El lenguaje de diseño de Bandido es claro, de líneas sencillas que hacen mancuerna con materiales reconocidos por su practicidad y durabilidad. Por ejemplo, la lámpara Catrina CRT,

que pertenece a una familia de tres lámparas que cambian su función de iluminación de acuerdo con el tipo de base que las acompaña, por lo que la pieza se vuelve versátil e indispensable para espacios en crecimiento. La atemporalidad del diseño de Bandido es general y exhibe una de las necesidades primordiales del diseño: durabilidad, si bien existen objetos que pierden vigencia estética, algunos también tienen obsolescencia programada para mantener en funcionamiento el ciclo de consumo del que formamos parte; para contrarrestar esta característica, ellos han propuesto diseño consciente en el uso de energía, materiales y tipologías, ofreciendo objetos básicos hechos con materiales duraderos. –IA bandidostudio.co

Fotos cor tesía Bandido

Lámpara de suspensión Deborah DBH-01 (arriba) y (abajo) Lámpara de mesa Catrina CTR-02.

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Fotos cor tesía

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Restaurante Ixi'im en Mérida,Yucatán.

Estrategias antes que formas CENTRAL DE PROYECTOS entiende la arquitectura como parte de un complejo sistema social.

LUEGO DE TERMINAR SUS CARRERAS y de haber trabajado en otros despachos, Ana Laura Puig Casares y Eduardo Calvo Santisbón formaron una pequeña oficina en 2005 con la intención de independizarse e ir en busca de un camino propio en este ámbito creativo. Así nació Central de Proyectos, un despacho con sede en Mérida, Yucatán, que está conformado por 15 miembros distribuidos en el taller de arquitectura, el taller de construcción y el área administrativa, quienes trabajan en conjunto para alcanzar un estado de conciencia respecto a la tarea arquitectónica.

Durante el tiempo que lleva el despacho, éste se ha enfocado en la elaboración de un buen diseño arquitectónico comprendido a través de la eficiencia constructiva, pues el alcance que tienen abarca desde la proyección arquitectónica hasta la construcción de un proyecto. Asimismo, ha trabajado en diferentes áreas como hotelería, restaurantes, oficinas, espacios culturales, entre otros. Un proyecto que los distingue es Chablé Resort, el cual consistió en la consolidación y restauración de una antigua hacienda, sus plazas, jardines y el diseño y construcción de los elementos que lo hacen un hotel.

En 2009 obtuvieron su primera mención como segundo lugar en el concurso nacional abierto para el diseño del Conjunto de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara, lo cual inauguró la ola de reconocimientos en las Bienales Yucatecas de 2013 y 2015, en la Bienal Nacional e Internacional de Arquitectura Mexicana de 2016, así como en la Bienal Latinoamericana de Arquitectura de Paisaje y fueron seleccionados en la Bienal de Venecia en el mismo año. Cabe destacar que con Restaurante Ixi’im, el despacho fue acreedor a un reconocimiento de primer lugar en la más reciente edición del Premio Noldi Schreck 2017, y otro al segundo lugar con el proyecto Plaza de Acceso a Chablé Resort.

Próximamente estarán presentes en la etapa final del Archmarathon en Miami, Florida, donde tendrán cita 42 proyectos del continente para celebrar la arquitectura, lo que Central de Proyectos sabe hacer a la perfección con responsabilidad social y tomando decisiones que beneficien a la población a través de una pequeña o gran intervención sea privada o pública. –KR centraldeproyectos.com

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Set Mapas personales, línea extraordinaria (arriba) y botellas Balanus, línea extraordinaria (abajo).

Cerámica en progreso

CON ESTUDIOS EN la Universidad Nacional Autónoma de México y el Politecnico di Milano, la mexicana Karla Sotres se dedica al diseño de producto con su taller de cerámica Geográfica, establecido en el año 2014 en Rieti, Italia, donde actualmente reside, concentrando su trabajo en la relación entre diseño y territorio, con metodologías colectivas e individuales, herramientas de mediana tecnología, experimentación estética y uso de materiales suaves, a los que se acerca de manera muy natural, casi intuitiva, para comprender durante su manipulación su naturaleza.

Uno de los principios en Geográfica es reconocer cada contexto, cada territorio y que las expresiones pertenecen a ellos. Respecto de que su taller se ubique en Italia, Karla comparte: “Creo que estar lejos de casa, de mi tierra de origen, me ha obligado a construir un nuevo camino, con la espera de pertenecer y hacer comunidad en otras partes del mundo”.

Su propuesta comprende dos líneas, la ordinaria y la extraordinaria, creando diálogos y no distinciones entre diseño, artesanía y arte.

La línea ordinaria cubre objetivos funcionales prácticos, de autoría colectiva que se realizan en pequeñas ediciones. En cambio, la línea extraor-

dinaria se identifica por otorgarle más peso a los valores funcionales míticos con especial cuidado a la calidad técnica y cualidad estética, además de que se trata de piezas únicas con autoría individual. Ambas líneas se separan en cinco familias: doméstica, grácil, arquetípica, progreso y primaria. Según a qué línea pertenezcan, cada familia propone diferentes soluciones, formas y materiales para satisfacer diferentes requerimientos de los usuarios. Así la familia progreso y la familia doméstica, ofrecen opciones prácticas y eficientes en ambientes colectivos como un restaurante, la casa o la oficina; mientras que familias como grácil o primaria, satisfacen otro tipo de anhelos, más íntimos y personales.

Karla se considera una ceramista en progreso, pues es a través de su práctica que crece y se enriquece, ya sea de nuevos procesos, tecnologías o materiales. En este proceso, la artista ubica su momento favorito durante la construcción de una pieza: “Es cuando la dibujo en el torno, sentir la tierra y su humedad, modelar sus líneas y sus curvas. Mi proceso es lento y contenido. También es recurrente, abierto, permeable, flexible y en continuo progreso”. –IA cargocollective.com/karlasotres

Fotos cor tesía Galería Ángulo Cero

“El diseño es una acción cotidiana que da respuestas a necesidades reales, pero también es sublime cuando se le atribuyen metáforas” KARLA SOTRES.

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Mentes exploradoras C37 es la suma de ciencia, tecnología y diseño, y mucha labor de investigación.

Fotos cor tesía C37

MAGMA 04 es una fórmula semilíquida que mejora la apariencia de la piedra basáltica.

SIN BUSCAR SOLUCIONES INMEDIATAS y ampliando su ruta de diseño a la ciencia, la tecnología y la sustentabilidad, Carolina Cantú Sepúlveda y Valeria Loera apostaron su futuro en C37, un estudio mexicano de diseño que replantea la labor del diseñador en diferentes contextos actuales como la globalización, la evolución tecnológica, y la política.

Fue en el 2014 que decidieron aterrizar sus ideas y objetivos de la mano con socios, asociados, colaboradores y asesores estratégicos. El resultado de ese trabajo han sido colecciones, cuyos proyectos, en varios casos, se encuentran confidenciales al tratarse de investigaciones profundas en desarrollo de materiales; sin embargo, MAGMA 04 nos permite contextualizar su obra.

Este material consiste en una fórmula semilíquida

que mejora la apariencia y textura de la piedra basáltica, además de que en un 23% resulta ser más ligero en comparación con una pieza original, tiene la virtud de ser vaciado en molde para crear formas orgánicas y copiar texturas a detalle en espesores de hasta 7mm.

Su aplicación es versátil, va desde elementos arquitectónicos, piezas de diseño industrial, automotrices, de moda, hasta joyería. C37 también busca involucrar rasgos de la cultura mexicana en su labor innovadora, por lo que pondrá en disposición MAGMA 04 en diferentes tonos similares al barro negro, terrazo, terracota, cantera, entre otros materiales característicos del país, para así –como lo han hecho hasta el momento en ferias y exposiciones como el Abierto Mexicano de Diseño, Milan Design Week, El poder de la creati-

vidad en el Museo Mexicano del Diseño, Milano in Messico en la Galería Mexicana de Diseño, Inédito durante Design Week México y próximamente en Dubai Design Week–, difundir un poco del talento existente en México a través de propuestas que buscan competir a nivel mundial. Con el tiempo, este equipo de mentes exploradoras –del que han sido socias desde su fundación Lucía García en el área de diseño y Yamile de la Garza en el área de desarrollo de materiales– pretende ampliar su catálogo y ofrecer más y mejores caminos en el empleo de materiales alternativos con alta resistencia mecánica en los procesos de transformación. –KR c37.mx

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Disciplina constructiva Para SLOT, hacer arquitectura significa generar experiencias y escenarios que trasciendan más allá de lo espacial.

FUNDADO EN 2008 por Juan Carlos Vidals y Moritz Melchert, Slot es un estudio multicultural dedicado a la arquitectura, urbanismo y diseño interior, en sus palabras todos sus proyectos son sistemas espaciales de interconexión cultural, integrados desde el sentido de uso y la exploración matemática de las posibilidades estéticas.

Fue en 2009 cuando Slot llamó la atención dentro del gremio pues ganaron el primer premio en el concurso público para el Pabellón Mexicano en la Expo Universal de Shanghai 2010 que se celebra en China, destacando entre más de quinientos participantes, siendo el primero de varios concursos y menciones honoríficas.

Durante su trayectoria se han dedicado al desarrollo de proyectos en distintas escalas y tipologías arquitectónicas y expresan que cada proyecto debe contener las aspiraciones de los clientes y las búsquedas del arquitecto, la relación que surge entre ambas partes se vuelve un diálogo constante e indispensable para que cualquier obra llegue a buenos términos y se convierta en espacios que se disfruten, no sólo que se aprecien.

La arquitectura de Slot se caracteriza por su diseño contemporáneo que intenta establecer una alternativa basada en el análisis, planeación, creatividad e implementación de nuevas tecnologías a través de su equipo de trabajo. “Mas que seguir una línea estricta, la arquitectura de Slot no tiene una ideología de diseño” y se nota en la variedad de sus proyectos, donde en cada uno se sigue una metodología adaptada a su contexto y circunstancias y se persiguen objetivos específicos, dependiendo de la investigación previa.

Consideran este proceso como un mecanismo crucial para no caer en la rigidez ni en la repetición, sin embargo, mantienen una expresión formal basada en formas simples y accesibles, que comuniquen un mensaje claro.

Actualmente, el despacho se encuentra realizando diversos proyectos industriales, residenciales y culturales en México, además de desarrollar los preparativos para una exposición internacional por su trayectoria que será expuesta en la galería Aedes en Berlín, Alemania y está prevista para mayo de 2018. –IA slot-studio.com

Fotos cor tesía Slot

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Bricktown es un proyecto en proceso.

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Fotos cor tesía Estudio Claudina Flores

Lámpara Julia expuesta en Inédito como parte de Design Week México 2017.

INTERVENIR EL ESPACIO que habitan las personas es una gran responsabilidad, algo que la diseñadora y arquitecta Claudina Flores ha logrado desarrollar a través de su filosofía enfocada en crear nuevas sensaciones en diferentes espacios, con la misión de impulsar el bienestar humano y la eficiencia en todos los sentidos. Su habilidad para diseñar y gestionar proyectos de arquitectura integral ha sido una característica esencial en su carrera. Con una trayectoria impecable en proyectos de arquitectura de interiores, mobiliario y objetos, Claudina ha ganado premios en Madrid, Italia, Australia y México. Durante los últimos 10 años ha colaborado para distintos despachos de diseño en México y Australia, hasta que en el año 2012 decide emprender su propia firma que se caracteriza por promover la creación de nuevas experiencias a través de conceptos de diseño hecho a la medida, aprovechando la manufactura de oficio tradicional y mano de obra artesanal, apoyada por herramientas tecnológicas que le permiten definir hasta el último detalle.

Estudio Claudina Flores está ubicado en la ciudad de Guadalajara, cuenta con un equipo multidisciplinario de diseñadores y arquitectos que no ha hecho más que demostrar una gran capacidad de compromiso en cada proyecto, mediante procesos creativos de experimentación desarrollados con la calidad que caracteriza a la fina mano de obra mexicana. Su experiencia en proyectos de arquitectura e interiorismo se traduce a la ejecución de espacios para la industria corporativa, comercial, hotelera y residencial, se ha ganado la recompensa más codiciada entre los estudios de diseño en Guadalajara: una excelente reputación que se transmite de boca en boca, donde cada cliente se convierte en una invitación a nuevos proyectos. Sin pretensiones, ni estrategias de marketing Estudio Claudina Flores continúa con un crecimiento sólido después de 5 años de trabajo continuo en sociedad con el diseñador Juan Manuel González, quien ha colaborado en ejecución de obra, planeación y desarrollo de proyectos. Sus procesos de diseño llevan en conjunto un concepto único, logrando en las propuestas satisfacer plenamente las necesidades del cliente de una forma innovadora, generando así una experiencia total e inolvidable, la cual es diseñada en cada proyecto, filosofía que les ha dado éxito en su esquema de trabajo, pues cada cliente recibe un resultado distinto. –ALM claudinaflores.com

Sensaciones a través de los espacios ESTUDIO CLAUDINA FLORES impulsa el bienestar y la eficiencia, en todos los sentidos, a través del diseño de interiores, mobiliario y objetos.

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Arquitectura para hacer ciudad HGR ARQUITECTOS desarrolla proyectos que integran aspectos sociales, económicos y geográficos.

FUNDADO EN LA CIUDAD DE MÉXICO por el arquitecto Marcos Hagerman, HGR Arquitectos ha desarrollado numerosos proyectos trabajando desde el concepto inicial y el diseño de mobiliario e imagen hasta la ejecución de la obra. Junto con su equipo siempre han buscado la colaboración y las aportaciones de expertos y especialistas en cada rama, con la idea de integrar una sola visión, presupuesto y desarrollo en los procesos de diseño. Con proyectos destacados como Vertiz 950 (2013), Bosques Flats (2013), MR299 (2014), Popocatépetl 143 (2016), La Solana (2016) y Emiliano Zapata 167 (2017), este despacho considera que la importancia de los detalles, así como la aplicación de diversos materiales, son parte de los ejes vitales para innovar procesos.

Marcos nos comparte que fue en el año 2010 cuando empezó con pequeños encargos, desde remodelar un cuarto de visitas hasta escoger muebles para un baño. “Poco a poco, los proyectos fueron creciendo y los clientes se fueron acercando por la calidad del trabajo que realizamos. El resultado es el despacho que somos ahora enfocados en hacer el mejor diseño posible en cada proyecto”. Nacido en 1984 en la Ciudad de México, Marcos es egresado de la carrera de Arquitectura por la Universidad Iberoamericana

y ha colaborado con el despacho AT103 para la Bienal de São Paulo en el 2005 y con los arquitectos José Castillo y Enrique Martín Moreno para la Bienal de Venecia en el 2006. Después de graduarse con mención honorífica en el 2007 entró a trabajar al despacho de TEN Arquitectos donde trabajó por casi cuatro años. “Estando ahí me tocó trabajar en varios proyectos de gran escala, lo cual me animó a independizarme para fundar HGR Arquitectos”, dice el joven emprendedor, quien visualiza a su equipo enfocándose al 100% en cada proyecto y durante todo el proceso de diseño. “Me gusta realizar todo el diseño arquitectónico de cada proyecto que tenemos, desde las plantas y cortes hasta el diseño del mobiliario.

Creo que es importante estar involucrado en todo el proceso de diseño hasta el último detalle de cada proyecto”, puntualiza. Sin buscarlo, su oficina ha estado encargada casi en su totalidad en proyectos de vivienda vertical, algo que les gusta mucho aunque siempre es bienvenido ampliarse a otras escalas y tipologías de proyectos.

“Por ahora, es enriquecedor saber que estamos haciendo una arquitectura que forme parte de la imagen de la Ciudad”, concluye Marcos. –ALM hgr.mx

Fotos cor tesía HGR Arquitectos

Popocatépetl 143 resalta la importancia de los detalles, así como la aplicación de los materiales.

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Los objetos que portamos “En Rodete se exploran los límites de las formas y los materiales con los que se trabajan, cuidando el proceso de elaboración al máximo” PAULINA RODETE.

Fotos cor tesía Paulina Rodete

Anillos y pulseras de la colección Rebanadas (arriba) y anillo de la línea Encapsulado, hecho de resina y granito Santa Cecilia (abajo).

LA DISEÑADORA TEXTIL Y DE MODA, Paulina Rodete fundó en 2013 Rodete Studio, un espacio dedicado a la creación de piezas de joyería a partir de piedras calizas trabajadas, generalmente utilizan mármol y granito en combinación con resinas y metales. La expresión estética de Rodete es una fusión entre pasado y futuro, retomando materiales ancestrales en combinación con referencias posmodernas y minimalistas.

A partir de su trabajo personal, Paulina ha impartido talleres como “Rebanadas Sonoras”, 2014 en The Workshop Estudio en Guadalajara y “Talla, corte y dibujo para la creación de joyería”, 2015-2016 en el Centro de las Artes en San Luis Potosí, siendo parte de una exploración constante que ha devenido en diversos proyectos, por ejemplo Piedra, papel y pigmento en el que se retoman los polvos que se desprenden de las piedras al ser cortadas y talladas para la creación de joyería; este polvo fino se rescató para transformarlo en pigmentos de acuarela que evoca a las pinturas naturales prehispánicas y genera un

diálogo a partir de los materiales reinterpretados y reutilizados. El proyecto fue una colaboración con Adriana Sánchez, Fernando Bueno, Gilberto Hernández y otros autores y arroja un kit para dibujo formado por tres pastillas de pigmento, un paquete de hojas y un pincel, la singularidad de los pigmentos es que cada uno es único.

También está el trabajo en joyería de Paulina, quien está interesada en construir historias, comunicar nuevos lenguajes a partir de materia y objetos, cuestionando los límites del espacio entre el cuerpo y la joyería a través del performance, happening y escultura social.

El equipo de Rodete Studio se conforma por artesanos, diseñadores y artistas, todos comparten procesos creativos y generan nuevos enfoques para darle voz y forma al estudio que comparte espacio con FOAM y Taller Nu, en un albergue destinado al desarrollo de sus proyectos, abierto a crear comunidad y colaboraciones a partir de la exploración creativa. –IA rodete.com

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Piezas de joyería que experimentan con materiales artesanales.

El contacto directo con la materia y la forma es irrepetible, las manos y la mente se centran sólo en la creación: ALMA MILLÁN.

lograr situarse en un punto medio entre diseño y arte, pues, por un lado, considera que el diseño actualmente representa para ella una cuestión estética que puede ser funcional o no, y, por el otro, se da cuenta que el arte es la no perfección y le ofrece libertad.

La cafetera V60 fue el primer proyecto que realizó al llegar a Oaxaca, derivado de un diplomado en Diseño Industrial en el Centro de las Artes de San Agustín (CASA) y que consistió en un método de extracción de café por goteo.

Actualmente trabaja en la elaboración de unas tazas para Boulenc, un negocio gastronómico, que representan un gran reto para Alma al ser la primera vez en la que hace uso de la impresión en 3D, por lo que dedica gran parte de su amor por diseñar y dar valor a esta labor que requiere de consciencia emocional. –KR almamillan_ar t Fotos cor tesía Alma Millán

Frutos del cambio

ALMA MILLÁN sigue un definido camino a través de sus piezas en cerámica y madera que conforman las consecuencias de un proceso de cambio por el que ha atravesado la artista mexicana, quien actualmente reside en el colorido estado de Oaxaca.

Ese cambio se debió a la búsqueda continua que Alma tenía por encontrar y llevar a cabo lo que realmente la hiciera feliz y, además, darle un giro para poder vivir de ello. Y la vida la llevó a ese rico estado, donde hace poco más de un año comenzó este proyecto que lleva por nombre Alma Millán y está rodeado de sentido creativo, pues actualmente colabora con diversos talleres de la región en el suroeste del país. Con Canela, Coautlicue y Taller Zapote trabaja principalmente con cerámica para la elaboración de piezas utilitarias y de decoración, y en colaboración con Muebles más diseño, en Oaxaca, y Agua y Monte de Pajapan, en Veracruz, en la realización de elementos en madera.

Asimismo, la obra de Alma es apreciada por su trabajo en joyería. De hecho, su más reciente colección es una edición especial con grabado que formalizó con Luis López, un artista de Zautla, Oaxaca, una muestra más de que su intención es

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Diseño incluyente Dedicado a la producción de piezas en vidrio soplado, la intención de DIEGO VIDES BORRELL es, aparentemente, simple: mantener el valor artesanal de este oficio.

Foto Tirso Pérez | Luisa Restrepo

El despacho rescata el valor artesanal de trabajar el vidrio soplado.

CON PROYECTOS EN LA MESA, la firma Diego Vides Borrell cumple tres años en el mundo del diseño. Desde su fundación se ha dedicado a la producción de piezas en vidrio soplado cuya intención es, aparentemente, simple: mantener el valor artesanal de este oficio, pero resulta todo un reto ante la imparable evolución tecnológica.

La decisión de trabajar con este noble material partió de Void, el primer proyecto que Diego presentó fuera de México y que consistió en una colección con dos años previos de realización en JamFactory, una asociación que brinda entrenamiento de negocios a artistas en Australia. En ese momento comenzó a llevar a cabo nuevos proyectos en la misma región y, por supuesto, en México. Simultáneamente a la dedicación con su marca, el mexicano se encuentra desarrollando

una nueva firma: Parallel Glass Studio, un espacio –también enfocado al vidrio soplado– que diseñó y construyó con Tim Edwards, Luis Rea y Longinos González.

Así como el vidrio es su principal herramienta, éste se complementa de otros materiales como madera, latón y mármol que, si bien no siempre están presentes, cuando lo están buscan el mismo desenlace: un producto de alta calidad basado en un concepto que permita tener contacto con un extracto social más amplio frente al que normalmente se dirige el arte o el diseño por sí solos.

Diego asegura que como diseñador su intención con el espectador es que él, al tener las piezas en sus manos no sepa si proviene de una fábrica o de la mente de un diseñador independiente, sino que sólo aprecie su forma, su función y su concepto

mediante el respeto a las técnicas artesanales.

Entre los proyectos de Diego también destaca Seconds, un proyecto de instalaciones basadas en un diseño crítico y dispuestas en sitios abandonados de Australia y México. Éstas incluyeron piezas de vidrio soplado de segunda mano o con defectos que impedían su venta. ¿El objetivo?

Captar la atención de la sociedad que no precisamente consume productos de diseño. Las instauraciones eran movidas de lugar cada tres meses para llevar diseño conceptual a contextos ajenos a galerías: escenas de la vida cotidiana. –KR diegovides.com

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Casa Encinos (arriba) y Casa La Negra en Puerto Los Cabos (abajo).

Cada proyecto es especial

CUANDO ESTABA ESTUDIANDO en la Universidad Anáhuac del Norte en la Ciudad de México y cursaba el noveno semestre de la carrera de arquitectura, Ricardo Yslas Gámez tuvo la oportunidad de hacer una obra, que se trató de un salón de trofeos de cacería para un cliente privado. Luego de llevarla a cabo y, gracias a ese proyecto, le llegaron más oportunidades de trabajo a Ricardo, quien desde ese entonces maquinó la idea de abrir su propio despacho. Hoy, RYG Studio –creado en octubre del 2003– se dedica al desarrollo de proyectos arquitectónicos y de construcción, así como al diseño de mobiliario e interiores. El área de proyecto está integrada por seis arquitectos, mientras que en el área de construcción el equipo varía entre residentes ingenieros y arquitectos según la obra. Cuenta también con un taller de carpintería y herrería en el que se fabrican los muebles y accesorios de las obras que lleva a cabo el despacho, así como piezas sobre diseño y pedidos especiales encargados por los clientes. “En estos momentos –comparte Ricardo–, estamos teniendo oportunidades de nuevos proyectos de mayor escala, lo cual es muy interesante y también tenemos proyectos

en los que nos dejan involucrarnos en todos los detalles, desde la planeación del proyecto hasta construcción, diseño de mobiliario e interiores.

Eso nos emociona y nos encanta porque nos abre las puertas a hacer algo muy especial”.

Ricardo está plenamente convencido de que todos los proyectos son una gran oportunidad, pero algunos son más especiales, como la capilla RLJ que nos encargaron y que se integra a una topografía natural del predio original sin afectar su vegetación. Su estructura está conformada por dos grandes muros de concreto y una techumbre que alojan un coro, un área para bancas y el altar. “Ésta nos permitió hacer una arquitectura más singular y fuera de lo común, además con ella recién ganamos el Premio Noldi Schreck 2017 en la categoría de Arquitectura Institucional”, dice el joven arquitecto, quien agrega que a él y su equipo les gustaría participar en proyectos más públicos y en los que puedan hacer arquitectura que interactúe más con la comunidad. “Ahora mismo estamos trabajando en un edificio de oficinas de 27 niveles, lo cual nos emociona porque es una oportunidad diferente”, concluye. –ALM ricardoyslasgamez.com

Fotografías RYG Studio y Jaime Navarro (Casa Encinos).

El reto es participar en proyectos más públicos y en los que puedan hacer arquitectura que interactúe más con la comunidad: RICARDO YSLAS GÁMEZ.

Lo mejor de London Design Festival Se cumplen 15 años del London Design Festival que reúne una agenda muy variada de actividades, exposiciones, conferencias y performance en torno al diseño. Descubre las instalaciones más impactantes.

CAPILLA DE LUZ Reflection Room | Flynn Talbot

REFLECTION ROOM fue la primera instalación alojada en The Prince Consort Gallery como parte del London Design Festival 2017. Flynn Talbot, diseñador de iluminación de origen australiano responsable del proyecto, convirtió el espacio en una capilla vívida de luz con la intención de que los visitantes formaran parte de ésta al moverse, cambiar de posición, detener-

se y serpentear durante su recorrido.

El espacio estuvo iluminado en cada extremo para hacer notar su espectacular longitud de techo a piso de 35 metros, para lo que se recurrió a colores verdaderamente vibrantes: azul y naranja, y a 56 paneles reflectantes negros Barrisol para ampliar la anchura del área que albergó la instalación. Con ello, Flynn no alteró la belleza de la galería, por lo que tuvo cuidado en dejar huella en ésta, añadiendo su historia sobre la arquitectura del inmueble, sin ser asumida por completo, pero creando una conexión entre la gente y el lugar.

Asimismo, la magia -como lo define el australiano- creada con la iluminación fue revestida con armarios de madera que al abrirlos revelaban una serie de cajones con objetos únicos, un ejemplo de ello era un conjunto de más de 30,000 muestras de tejidos, “cada una con su propia historia, colores, patrones y texturas”. Para Reflection Room, en esa galería hermosamente abovedada, “quería hacer una toma ultramoderna con esas y el uso de materiales modernos como Barrisol”. flynntalbot.com

Foto Edmund Summer

Textos KARLA RODRÍGUEZ

FERIAS | LONDON DESIGN FESTIVAL

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OLVIDAR LO COTIDIANO On Repeat | Universal Design Studio

DESTINADA A INDUCIR un estado de la mente conocido como ‘conciencia abierta’, la cual consiste en lograr una atención obtenida por la repetición de tareas manuales que permite que el pensamiento creativo crezca, la instalación On Repeat, presentada en 74 Rivington Street, ofreció la oportunidad de olvidarse de la vida cotidiana y liberar la mente. Dicha repetición fue observada en su arquitectura, constituida por tres partes: una cáscara de madera alargada que incorporó el tema de repetición, el techo formado por un ensamble manual de cientos de formas de papel blanco, y una mesa central que permitió llevar a cabo las actividades. Para consolidar la experiencia, el equipo de Universal Design Studio invitó a los usuarios a crear por sí mismos tareas que incluyeron la creación de piezas de papel, cocinar sushi y

meditar a través de la respiración. “Queríamos diseñar un ambiente que requiriera el compromiso humano para ser construido totalmente, pero también que representara físicamente la idea de repetición que se está explorando" dice Hannah Carter Owers, directora de la firma con sede en Londres.

Para desarrollar la instalación, trabajaron en equipo con The Office Group (TOG), lo que influyó en el poder que obtuvo el proyecto en su forma y programación. Con On Repeat, los integrantes de TOG, empresa pionera en el concepto de espacio de trabajo compartido en Gran Bretaña, se convencieron de que todos los seres humanos necesitan de entornos diferentes para trabajar, pues beneficia a la creatividad y a la productividad. universaldesignstudio.com theofficegroup.co.uk

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FERIAS | LONDON DESIGN FESTIVAL

ESTRUCTURAS Y GRÁFICOS Gateways | Turkishceramic & Adam Nathaniel Furman

atractivo visual no sólo de la muestra en Granary Square -que presenta más de 200 marcas de diseño industrial-, sino también de la décimo quinta edición del festival, al que acuden cientos de personas de todo el mundo. Y cómo no voltear a ver las estructuras si en ellas lucían gráficos variados: flores, patrones de repetición y contrastes de color y marcos con diferente forma que daban cabida a tomarse un retrato que sería recordado durante el resto de la vida. turkishceramics.org adamnathanielfurman.com

Foto Ruth Ward

DANDO LA BIENVENIDA a designjunction, el destino principal del London Design Festival, Turkishceramics trabajó en la elaboración de cuatro puertas de 4x4 metros de cerámica en coordinación con el diseñador, con base en Londres, Adam Nathaniel Furman. La instalación llevó por nombre Gateways y logró la atención de todos los asistentes por su altura y, por supuesto, por los coloridos azulejos que le daban vida.

Si bien el objetivo de Gateways era promover la cerámica turca, muchos asistentes aseguran que ésta superó la expectativa convirtiéndose en el principal

Foto Andy Stagg

FERIAS | LONDON DESIGN FESTIVAL

ESCULTURAS INFLABLES Villa Walala | Camille Walala

LA INSPIRACIÓN PROVENIENTE de textiles también se hizo presente durante el festival, Villa Walala es el nombre de uno de los tantos proyectos que retomaron este ámbito creativo.

Consistió en una escultura inflable de tamaño gigante localizada detrás de la estación Liverpool Street que exhortaba a los visitantes a jugar con los atractivos patrones lúdicos y geométricos de la instalación con tendencia a los de la tribu Ndebele, en Sudáfrica.

El proyecto estuvo “entretejido con recuerdos de mi infancia. Siempre

me ha atraído el uso de los colores en bloques, las formas audaces y el toque de humor realmente resuena conmigo, y se ha convertido en mi mayor inspiración como artista”, asegura Camille Walala, quien estableció su marca en Londres en 2009 y cuyos proyectos tienen influencia del movimiento Memphis de los años 80.

Y vaya que la londinense buscó la forma de liberar el estrés que podría suscitarse por las actividades cotidianas de los habitantes de la región, pues anterior a Villa Walala pensaba en crear

una bola enorme que contrarrestara dicha emoción al ser apretada, sin embargo eso no pudo ser posible, por lo que recurrió a las estructuras inflables que resultaron ser una excelente opción durante los ratos libres de quienes transitaban alrededor.

Cabe mencionar que fue gracias a su colaboración con Go Visual que ello se logró, pues fue la empresa que le ayudó a trasladar sus ilustraciones a una estructura tridimensional de aspecto y tacto suave, pero paralelamente rígido. camillewalala.com

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Entrevistas KARLA RODRÍGUEZ, ITAYEDZIN ARAGÓN Y MARTHA LYDIA ANAYA Retratos JOSÉ MARGALEFF

“Abrir más los procesos de exploración para nuevas

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propuestas y retos” Andrea Cesarman, directora de Design Week Mexico.

Luego de una convocatoria que cerró con 270 proyectos inscritos, la tercera edición de Inédito –una iniciativa que forma parte de Design Week Mexico (DWM), la cual exhibe el diseño contemporáneo mexicano a través de piezas de lanzamiento de distintos despachos en el Museo Tamayo– promete una amplia variedad de talentos nuevos, quienes además de mobiliario y objetos también presentan ideas y conceptos. De esa visión, surgen diferentes propuestas en innovación de materiales y procesos.

“La eliminatoria fue bastante difícil, pero creemos que hicimos un buen arcoíris. Hay muchos accesorios con los que en ediciones pasadas no contábamos, así como muchas luminarias, tapetes y hasta proyectos que no necesariamente son de diseño, sino visiones más abiertas en diferentes temas”, comenta Andrea, quien ha coordinado Inédito desde que se presentó por primera vez en el 2015.

Este año se cuenta con la participación de 60 despachos, de los cuales Glocal presenta una selección de 10 equipos creativos, quienes nos compartieron detalles acerca de su proyecto y de los procesos que llevaron a cabo para prepararlo y mostrarlo a México y al mundo durante DWM en el Museo Tamayo del 11 al 15 de octubre. designweekmexico.com

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Romper las barreras entre interior-exterior “La búsqueda constante de estímulos en la vida cotidiana y provocar sensaciones a través del diseño es nuestro objetivo” COMITÉ DE PROYECTOS Amigas, colegas, diseñadoras y socias, así se describen Andrea Flores y Lucía Soto, las jóvenes emprendedoras que están al frente del despacho Comité de Proyectos, cuyo hilo conductor es la cultura en la vida diaria. Durante sus primeros años, el despacho nacido en la Ciudad de México en el 2014, se enfocó de lleno al desarrollo de proyectos de interiorismo, pero a partir del 2016 es cuando empiezan a incursionar en el desarrollo de objetos propios. Su trabajo se ve motivado por la búsqueda constante de estímulos en la vida cotidiana. Las caracteriza la atención en los detalles y uno de sus propósitos fundamentales es provocar sensaciones a través del diseño, pues pien-

san que éste es un importante conductor cultural. Esta es la segunda ocasión que forman parte de Inédito con piezas que continúan en la misma línea de lo que ya habían presentado en la edición anterior de dicho foro creativo. “El año pasado lo que intentábamos mostrar era cómo el exterior se va hacia el interior, por eso mostrábamos una mesa con una montaña, una lámpara que era un eclipse y un macetero que repetía las imágenes y te hacía sentir que había más plantas. Lo que quisimos hacer en esta ocasión es romper con las barreras que existen entre interior-exterior. Nos fuimos a espacios como las ruinas arqueológicas, donde la naturaleza forma parte de un inte-

rior, de tal forma que los límites entre estar fuera o adentro se desvanecen. También nos inspiramos en espacios escultóricos, que te hacen sentir parte de algo, pero como si estuvieras contenido en un espacio”, cuentan las diseñadoras. De esas ideas es cómo desde hace unos seis meses se enfocaron en el diseño de: una poltrona (sillón), que contiene al individuo, pero al mismo tiempo lo pone en contacto con el exterior y de una mesa de piedra y cristal que se inspira en los espacios escultóricos. “El año pasado nos fue muy bien. Nuestras piezas fueron muy bien recibidas. Ahora nos emociona ver las propuestas de nuestros colegas". comitedeproyectos.mx

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Representación de un México Contemporáneo “Es la primera vez que presentamos una colección completa basada en nuestra riqueza cultural” MASS COLECTIVO

Mass Colectivo, integrado por Miguel Ángel Carrera, Alan Frank, Sergio Morales y Sebastián Ángeles, exhiben Representación de un México Contemporáneo, una colección inspirada en conceptos con carácter mexicano, como: costumbres, juguetes, objetos, colores y tradiciones, que sirven para transmitir la sinergia que se obtiene de la cultura local, la relación entre los métodos artesanales y el proceso creativo. El objetivo de la colección es hacer un juego de piezas que tengan historia, que reúnan procesos industriales y artesanales, que puedan representar el talento mexicano y proyectarlo internacionalmente, pues consideran que Inédito forma parte de uno

de los eventos más importantes en materia de diseño mexicano. “Mass Colectivo también es una plataforma para despegar a talentos emergentes y proyectar el diseño mexicano, contar una historia y que eso se comunique con el usuario y su entorno”. La colección está integrada por tres piezas: la mecedora BamBa (que integra herrería con tejido artesanal cuyo origen se remonta a la cestería prehispánica), la mesa Cobalto, (inspirada en la talavera poblana, en ella se combinan cerámica y madera) y la silleta Gregorio (inspirada en la representación del árbol de la vida en los textiles mayas combinado con el trabajo manual de herrería y peletería, además de

la tecnología en corte láser). La triada es una síntesis de la diversidad y la constante evolución de nuestro país, respetando y haciendo énfasis en las raíces culturales de México. Cada uno de los objetos considera al usuario como elemento principal en su desarrollo, haciendo del diseño una herramienta que genere impacto social, conciencia y conocimiento de la importancia de nuestras raíces culturales. Además, nos compartieron que, aunque este es el primer lanzamiento que tienen en conjunto van a seguir buscando canales para hacer proyectos interesantes en el futuro, así que no hay que perderles la pista.

MASS Colectivo

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Exploración en concreto “En nuestras piezas tenemos mucha influencia de la arquitectura mexicana.

Son abstracciones de la cotidianidad que queremos compartir” MDC

Sofía Barroso, Jesús Llamosas y Sebastián Sinta, integrantes de Muebles de Concreto (MDC), firma que ha dedicado sus esfuerzos a explorar las cualidades del concreto como materia prima en mobiliario para interiores y exteriores, luminarias y piezas especiales como su alcancía Torito. La razón para que ellos comenzaran a trabajar con este material es porque consideran que en México tenemos un gran desarrollo en concreto, con arquitectos como Félix Candela o Mathías Goeritz que implementaron este material en obras complejas, lo que resultó en un gran bagaje cultural en uso del concreto. Su inquietud surgió al notar que la exploración en dicho material se detuvo aproximadamente en los años 50 y justa-

mente les parece que el material es muy noble y con un gran potencial de explotación en usos por ser resistente, duradero y moldeable. MDC comenzó en el año 2014 a trabajar el concreto con procesos artesanales que poco a poco se han ido modificando para mejorar su calidad, añadiendo procesos industrializados que llevan el material a su límite y buscando siempre que haya experimentación, diseño e innovación en cada uno de sus proyectos. Para MDC, esta es la segunda ocasión que tienen presencia en DWM ya que estuvieron en Diseño Contenido 2016, para este año será su primera participación en Inédito con la presentación de una mesa en el material que desde su fundación han explorado. Ellos nos compar-

ten que “la pieza, aunque en apariencia es formalmente sencilla, su ejecución contiene un alto nivel de complejidad tecnológica y de desarrollo”, ya que, viéndola a detalle, tiene muchas aristas y consideran que es una de las aproximaciones más finas que han desarrollado en el despacho y por tanto están muy contentos del resultado. Añaden que la mesa es una síntesis de todo el trabajo que han hecho para que el concreto deje de percibirse como un material burdo y darle elegancia, ya que el diseño mexicano también es fino, estético y de mucha calidad, pues coinciden con que “lo hecho en México está bien hecho”. m-d-c.mx

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Lenguaje abstracto de lo cotidiano “La geometría es un componente fundamental de las estructuras materiales y de que los números son una cualidad inteligible de las cosas” ESTUDIO CERISOLA Todo el trabajo que lleva realizando Estudio Cerisola, fundado por Pedro Cerisola en el 2013, básicamente se centra en sistemas matemáticos y geométricos, y en cómo aplicar ese análisis y conocimiento a diseños estructurales para luego crear objetos que sean funcionales, como muebles y juguetes. Para esta segunda ocasión que colabora en Inédito ha preparado una mesa de madera sólida de Tzalam, hecha a partir de la construcción geométrica de un antiprisma que tiene propiedades muy mágicas y cuyo proyecto de planeación y producción se llevó alrededor de unos seis meses de trabajo. A Pedro le resulta interesante cómo se puede construir un objeto a partir de las demandas, adaptaciones y ensam-

bles que se pueden generar con cada material. “Soy muy orgánico”, dice el creativo graduado por la Universidad Iberoamericana en la carrera de Diseño Industrial, quien se confiesa muy emocionado por mostrar nuevamente su trabajo en el Museo Tamayo. “La primera vez que participé fue el año pasado y no estaba tan conectado con el evento ni con la dinámica que implica. Esta vez, me emociona ver qué hay y cuáles son las nuevas propuestas de mis compañeros.

Hay muchos diseñadores emergentes y eso es muy bueno porque le inyecta sangre nueva a este ejercicio. ¿Qué espero del evento? Mostrar mi trabajo y que la gente lo vea. Para mí lo mejor que puede ocurrir es encontrar personas afines con la misma

fascinación que hay detrás de los trabajos que realizamos. Lo más padre que tenemos es el taller, porque justo ahí es donde experimentamos y armamos los prototipos de nuestros objetos funcionales de identidad híbrida”. Desde juguetes o esculturas para parques infantiles hasta esculturas monumentales para espacios públicos es lo que pone sobre la mesa Estudio Cerisola, que se apunta a crear un lenguaje abstracto de la vida cotidiana, partiendo de la idea fundamental de que la geometría es un componente fundamental de las estructuras materiales existentes, así como las relaciones numéricas son una cualidad inteligible de todas las cosas. estudiocerisola.com

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Materiales comprometidos con el ambiente “Entendemos los materiales, su respuesta, función y compatibilidad para involucrarlos en procesos más industriales” FOAM Siendo esta edición la segunda vez que participan en Inédito, el equipo de FOAM ha definido cada vez más su labor dentro del ámbito creativo. En esta ocasión presentan tres piezas: una mesa de centro, un asiento con mesa lateral y una lámpara vertical de pared, presentados sobre un ambiente que podría ser un cuarto elemento, una propuesta de piso. El motor para su realización fue un Stracciatella, un tipo de helado que se compone principalmente de nata y trozos pequeños de chocolate, con el que proponen nuevas tendencias en materiales. El estudio ha invertido gran parte de su corta trayectoria en la investigación de materiales creados a través de métodos de

reciclaje. Basura Cero y Guma son empresas con las que la firma ha trabajado para lograr lo anterior. Por un lado, el resultado con Basura Cero fueron láminas multicapa de aglomerado de aluminio originarias de la trituración de empaques de pasta dental que cumplen la función de cubiertas de mesa y paneles verticales; y por el otro, con Guma el proyecto consistió en generar un aglomerado similar, pero de caucho con diversos pigmentos que han permitido un efecto de terrazo, visto principalmente en pisos de alto impacto y mobiliario. Cabe mencionar que el proceso en definitiva no ha sido fácil, pues se han dado a la tarea de elegir desde “el tamaño de las piedritas

hasta la cantidad que utilizarán de cada una de ellas y su color. Pudimos diseñar las propuestas de terrazo y caucho, pero la de aluminio no, por lo que sólo nos dedicamos a aprovecharla de manera óptima”, nos comparten en entrevista. Ésta es la forma en la que, hasta el momento, la firma entiende los materiales, su respuesta, su función y su compatibilidad con otros, pues su intención va encaminada a involucrarlos en procesos más industriales y desarrollar otros proyectos. foamdf.com

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Diseccionar las formas “Desde nuestro taller, con los materiales en las manos y la síntesis de una idea en la mente, mutamos los diseños usuales en algo nuevo” MUTABLE DISEÑO

“Todo es mutable y puede cambiar en cualquier momento”, platica César Pindter que en mancuerna con el diseñador Ernesto Azcárate fundaron el despacho Mutable Diseño en el año 2014. Se trata de un proyecto de conceptualización y desarrollo en varias disciplinas, a través de las cuales han unido sus intereses profesionales y hasta gustos personales, como la fotografía, arquitectura, publicidad, escenografía y cine. Con todas estas herramientas, ambos construyen diseño, el cual se materializa en objetos de uso diario y quizá hasta un tanto artísticos. “Nos inspiramos en los objetos que ocupamos en el día a día, que luego transformamos para hacer una

síntesis minimalista y artística, lo que hace que nuestro trabajo sea diferente y bastante original”. Justo de esto trata la propuesta con la que estaremos participando en Inédito este año, la cual hemos retomado de nuestro catálogo y hemos trabajado desde tiempo atrás por medio de la investigación y experimentación que hemos tenido con diferentes materiales y técnicas para dar un punto de vista diferente en los diseños.

“Estamos abiertos a explorar y a ser mutables”, enfatiza César. “Nuestra esencia nace de la transformación para abordar proyectos con soluciones y procesos que, la mayor parte del tiempo, rompen con lo tradicional. Lo mismo hacemos con

los materiales, los cuales pasan de formas comunes a otras interesantes y únicas”. La inspiración principal de este estudio trata al objeto diario, se podría decir que juegan con las siluetas de los artefactos de uso diario y que éstas son su guía primordial. El minimalismo y lo sencillo en los productos cotidianos se convierte en un lienzo para que su diseño evolucione y cambie la estética de casi cualquier cosa. “Desde nuestro taller, con los materiales en las manos y una idea en la mente, mutamos los objetos en algo nuevo. Para nosotros, un proyecto sigue evolucionando y marca una estética en cada fase de su desarrollo” mutable.mx

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El valor de lo artesanal “Nos enfocamos e inspiramos en el ser humano y los procesos creativos del diseño mexicano de los años 50, que se basaba en el valor de lo artesanal” HUMO

Luego de haber trabajado en varios despachos y de forma independiente por algunos años, los diseñadores industriales Nai Castellanos Givaudan y Fernando Rivero Sosa coincidieron en sus caminos para crear Humo, un despacho de soluciones creativas en objetos, interiores y arquitectura. La suma de sus esfuerzos para diseñar piezas únicas ha dado como resultado la colección Humo, conformada por accesorios muy grandes, como comedores y sillones.

Por eso, lo que ahora han preparado para Inédito se enfoca en piezas más variadas y que se complementen a lo que ya tienen en su catálogo; claro que sin descuidar su propuesta basada en procesos artesanales con

la firme intención de que no sean objetos replicables a gran escala. Con esto, lo que Humo quiere es demostrar lo valioso que es el detalle artesanal, sobre todo cuando hablamos de manos mexicanas y alejadas de la idea de hacer cosas para las grandes masas. Sobre su colaboración en Inédito, Nai y Fernando nos dicen que se sienten muy emocionados de estar de nueva cuenta en esta plataforma, pues a ellos en particular les ha ayudado mucho a tener el primer acercamiento con la gente para generar comunicación y darse a conocer. También para generar alianzas con marcas y tiendas.

Muchos de sus objetos parten de desarrollos que llevan más de un año de experi-

mentación; para foros creativos como lo es Inédito, lo que hacen son ajustes y cambios a las piezas para generar otras versiones. La silla que presentan esta vez les llevó un año de investigación y de proceso. “Es una versión en metal de nuestra silla Newton, por lo que bien la podríamos llamar: Newton 2.0”, dice Nai. Así, la propuesta de Humo se enfoca e inspira en el ser humano y los procesos creativos, particularmente del diseño mexicano de los años 50 que se basaba en el valor de lo artesanal. h-u-m-o.com

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Significados preciosos “Inédito es una vía para mostrar lo que estamos haciendo a un público que tiene un ojo especializado en diseño” DI ME DI LO.

Di Me Di Lo es un colectivo mexicano de diseño especializado en joyería cuyos materiales y colores no están sujetos a México, tampoco se apegan a los materiales estereotípicos que se utilizan en la joyería tradicional, en sus piezas no hay presencia de oro ni piedras preciosas. Su lenguaje es contemporáneo y cada integrante del colectivo tiene su propuesta con materiales a los que se les puede atribuir un significado de valor y que puede ser utilizado como una forma de expresión, de ahí el nombre del colectivo, pues cada diseñador intenta comunicarse a través de sus piezas. El colectivo considera que los asistentes de Inédito están buscando diseño diferente y

por ello buscan estar presentes en cada edición, siendo esta la segunda vez que participan. También consideran que es una oportunidad para mostrar lo que están haciendo y que el público indague sobre las piezas y se pregunte ¿de qué están hechas?, ¿por qué son así?, ¿cómo me lo pongo? y eso es parte de enseñarles lo que es la joyería contemporánea. En la joyería que han diseñado muestran un lenguaje global, aunque a veces los temas son muy locales, por ejemplo, el año pasado presentaron la exposición “Lo inesperado de lo cotidiano” durante DWM, donde el tema central eran los sucesos cotidianos pero que al aislarlos se le añaden significados inespe-

rados y generan sorpresa, resultado del caos y del ingenio cómico y trágico que se vive día a día en la Ciudad de México, el proyecto se hermanó con un colectivo argentino convirtiéndolo en algo más global, Martacarmela Sotelo, nos comparte al respecto, “aunque nuestros resultados eran muy mexicanos y hablábamos en ellos de temas muy locales, al final podemos hacerlo tan global como queramos, porque fuimos encontrando el rebote en otras culturas”. Y es cierto, porque gran parte de lo que vivimos se desenvuelve en un contexto globalizado. dimedilo5.wixsite.com

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El diseño que viene “Creemos que el diseño puede involucrar muchas áreas y así poder generar un mejor país” BAUD.

El equipo de diseño multidisciplinario Baud se dedica a emplear tecnología de manera creativa, están convencidos de su poder transformador y la aplican como herramienta para inspirar un cambio social y cultural hacia su adopción cotidiana. En Inédito presentan Nous, una plataforma tecnológica educativa, el objetivo del proyecto es desarrollar pensamiento computacional y de robótica en niños. Está integrado por un dispositivo físico llamado Bucky, inspirado en la esfera molecular de carbono (llamado también buckminsterfullereno en homenaje al arquitecto Buckminster Fuller), que tiene sensores y actuadores. Este dispositivo se puede programar a través de una tableta electrónica con ayuda de

recursos y contenidos on-line para que el niño pueda crear algoritmos mediante “flujo de señales”. Todo está pensado para que pueda implementarse en escuelas públicas y se estreche la brecha tecnológica que existe en comunidades rurales o que no tienen acceso a este tipo de plataformas, “estamos anticipándonos a un futuro que exige un cambio en la educación, pues la tecnología será parte del día a día”.

Al preguntarles por qué eligieron participar en Inédito responden: “creemos que es una referencia de diseño y también que somos los raros, ya que suelen exponer arquitectos o diseñadores de mobiliario, pero Inédito puede darnos la visibilidad para llevar a Nous a aulas reales”.

Más allá de mostrar un producto, Baud nos permite llevar a cabo una reflexión y preguntarnos ¿qué está pasando ahorita? ¿qué va a pasar en 10 o 15 años con todas las tecnologías presentes?, ¿estamos preparados realmente para lo que viene? Uno de los problemas que observan en México es la brecha educativa que existe, su trabajo es acercar estas tecnologías y preparar a los niños para el futuro. baud.com.mx

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Diseño, cultura y tradición “Buscamos regresar al origen de la cultura precolombina en México a través de la Obsidiana, que tuvo un papel importante en el desarrollo de las civilizaciones” TALLER DE OBSIDIANA Conformado por los hermanos Topacio y Gerardo Cuevas, Taller de Obsidiana se presenta por primera ocasión en Inédito con entusiasmo y una consola que representa la primera pieza de su enfoque a elementos que influyan en un diseño interior. Consiste en un mueble de madera con recubrimiento en piedras duras: Obsidiana −en primer plano−, Ágatas y Jáspes.

Este taller y también estudio que está por cumplir cuatro años se especializa en el manejo de diferentes piedras. Se encargan de todo el proceso que conlleva cada pieza que realizan, pues conforman la tercera generación con experiencia en lapidaria de piedras, cuarzos y minerales, lo que les

ha permitido afinar su técnica en tallado, pulido y abrillantado de éstas. En la tercera edición de Inédito, Topacio y Gerardo buscan que la gente conozca su propuesta en diseño y regrese un poco al origen de la cultura precolombina en México a través de la Obsidiana, que tuvo un papel importante del desarrollo de las civilizaciones en rituales, en la guerra, la cocina y la joyería, además de su valor comercial, y ahora en objetos funcionales que albergan tres elementos clave: diseño, cultura y tradición. tallerdeobsidiana.com

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Un diálogo creativo entre Suiza y Puebla Texto ROSA HANHAUSEN, Design Days Mexico

La artesanía siempre revelará la identidad de su lugar de origen.

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Fotografías cor tesía de Design Week México

El taller de Visión y Tradición cumple tres años como parte de DWM. Esta vez, diseñadores mexicanos y suizos compartieron experiencias con artesanos poblanos expertos en textil, cerámica, fibras naturales, vidrio y joyería.

LA ARTESANÍA no sólo es una práctica arraigada a nuestras tradiciones, sino que está inserta en nuestra vida diaria. Basta con darnos una vuelta por varios barrios de la ciudad para ver la cantidad de talleres que han sobrevivido a la industrialización y continúan funcionando hoy en día; sin embargo, fuera de la metrópolis nos encontramos con una diversidad mucho más grande.

Nuestro país cuenta con aproximadamente 17 ramas artesanales, las cuales se desarrollan de distinta manera según el estado en donde se encuentren; siendo la artesanía una práctica que siempre mantendrá una identidad fuerte de su lugar de origen.

Esto, sin embargo, no es garantía de la supervivencia del producto artesanal ya que, si éste no evoluciona para responder a las necesidades contemporáneas, se puede perder al no tener la demanda necesaria para continuar su producción. Lo que conlleva a eventualmente perder algo más importante aún: el savoir-faire.

Durante los últimos años se ha visto un interés cada vez más fuerte por parte de la comunidad del diseño mexicano de encontrar y materializar el significado de identidad mexicana dentro de un contexto global. En esta búsqueda, los diseñadores se han ido acercando a distintas comunidades artesanales a lo largo del país para formar equipos de trabajo muy fructíferos.

Diseñadores suizos, como Christophe Guberan, convivieron con artesanos poblanos.

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Técnica y experiencia artesanal en distintas ramas rompieron barreras en el taller Visión y Tradición.

En este intercambio ambas partes ganan: los diseñadores descubren técnicas que han pasado de generación en generación dándole un valor agregado a sus piezas, mientras que los artesanos renuevan su práctica a través de la incorporación del diseño contemporáneo a su lenguaje.

Para quienes no la conocen, Visión y Tradición es una iniciativa que cumple tres años durante esta edición de Design Week México (DWM) 2017 y se fija como objetivo promover la vinculación entre el mundo del diseño y la artesanía. Es un taller que se desarrolla a lo largo de una semana en la que se vinculan tres comunidades creativas: diseñadores extranjeros, diseñadores nacionales y artesanos.

Durante los primeros tres días se realiza una labor de reconocimiento de sitio a través de visitas a los talleres de los artesanos, siendo ésta una experiencia muy interesante sobre todo para los diseñadores extranjeros, quienes no necesariamente están familiarizados con estas técnicas.

Después de estas visitas se dedica un día completo a la presentación del trabajo de cada uno de los diseñadores y luego se forman equipos. A partir de aquí, las mancuernas trabajan rápidamente en la conceptualización de un proyecto y lo presentan al resto del grupo al finalizar la semana. Con este concepto definido, las partes se separan y comienza el reto de materializar ese encuentro en una pieza que se exhibirá, cuatro meses después, dentro del marco de DWM. Este año, la concurrencia del taller fue sumamente rica, siendo éste el más numeroso hasta la fecha. Además de los cinco diseñadores del País Invitado –siendo Suiza en esta ocasión–, y los cinco diseñadores nacionales, se sumaron cinco diseñadores de Puebla, el Estado Invitado. 15 diseñadores conocieron el trabajo de 15 artesanos, representantes de siete distintas ramas artesanales, todas ellas típicas de Puebla: textil, cerámica, fibras naturales, trabajo en madera, trabajo en piedra, vidrio y joyería.

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Se trata de experimentar con técnicas y nuevos materiales, para perfeccionar los prototipos que se van creando.

Al formar los equipos, algunos creativos como Christophe Guberan, buscaron tener una afinidad entre su campo de experiencia y la técnica del artesano; otros, como Mauricio Álvarez y Juan José Nemer de Ad Hoc, tomaron la decisión por la razón contraria: por tratarse de una técnica nueva.

Carlos Dufour, diseñador mexicano con una larga experiencia de trabajo con artesanos en varios países, cuenta que al conocer a Mauricio Juárez y percatarse que era el artesano más joven de todos, decidió acercarse a él. “Cada vez es más raro que las nuevas generaciones quieran continuar con la tradición de sus padres”, comentó y aplaudió el hecho de que, a pesar de tener menos experiencia que el resto, formara parte de esta iniciativa.

Este es un taller que cuenta como una gran experiencia para todos sus participantes, por todo lo que ya se ha mencionado y, sobre todo, por los retos que plantea. Probablemente los más grandes sean para los diseñadores extranjeros, los cuáles tienen que vencer las barreras del lenguaje, la distancia y el huso horario.

En general, todos los participantes luchan contra el tiempo, ya que cuentan con poco para poder experimentar con nuevos materiales o técnicas, y perfeccionar los prototipos que van saliendo; por lo que tienen que ser muy cuidadosos en construir un diálogo fluido con su equipo desde el inicio para facilitar el proceso de desarrollo para ambas partes.

Visión y Tradición es uno de los programas favoritos del público, de los participantes e incluso de los organizadores de DWM, porque como Carla Sofía Elizundia –jefa de operaciones– comenta: “Este es un proyecto donde a través del diseño se puede generar un impacto visible en el día a día y sobre todo apoyar a que la tradición continúe vigente”.

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MA C RO TEN DEN CIAS Arte portada Jorge Medina Fotos Dorian Ulises López Macías Editor de sección Greta Arcila Curaduría Sandra Montiel

JOEL ESCALONA Personal Sa nctua ry

Sillón 102S Stanley de Luca Nichetto para De La Espada, Artelinea | Chamarra de Cuero con aplicaciones Black Diesel | Pantalones (Zara) | Tenis NIKE Air Max 97 Ultra '17.

En el vaivén cotidiano es complicado soltar las horas para enfocarnos en nosotros mismos. La idea de esta tendencia es explorar el desarrollo de ambientes privados dentro de áreas públicas para refugiarnos en un 'santuario personal' donde las preocupaciones queden olvidadas. Tonos neutros y elementos naturales forman expresiones únicas.

JUST ROSE & DANISH MAPLE DE FORMICA®.

Un contraste entre lo claro y lo natural funciona a la perfección para dar un toque íntimo a espacios del hogar en donde el alma pueda descansar. La composición de las superficies de Personal Sanctuary retoma el color y la textura provista por los minerales.

Banco Nora colección Blend Design por Zafra | Tenis NIKE Lunarcharge Premium.

Naturaleza, hombre y vida Un selecto grupo de arquitectos y diseñadores experimentan con los materiales de la marca Formica® y participan en un ejercicio convocado por Glocal para desarrollar ideas dinámicas sobre el concepto del buen vivir a través del diseño.

VIEYRA ARQUITECTOS Sma rt Org a nic Tranquilidad y armonía es lo que da balance a la vida. Como un 'orgánico inteligente', esta tendencia se inspira en materiales naturales combinados con las cualidades de los sintéticos.

TINTED PAPER & TONAL PAPER, TERRAZO DE FORMICA. Superficies orgánicas que nos acercan al medio ambiente es el concepto esencial de Smart Organic. El coordinado de las opciones en su paleta de colores y texturas armoniza con espacios clásicos en los que se quiere resaltar una estética tradicional. Su versatilidad también permite la ambientación de lugares bohemios.

MATERIA Spectral

Canastos Muuto, Blend. | Gustavo: Tenis NIKE Airforce 1 Flynit low | Saco (Vintage) | Jeans ( Levis) Lisa: Tenis NIKE Lunarcharge Premium | Collar de plata ( Driguez Inc) | Blusa y Jeans ( Maternity)

Cuando arte y diseño se unen, el 'espectral' de propuestas se hace infinito. La armonía de los tonos dorados y oscuros presentes en esta tendencia resulta interesante y le dan un toque optimista a los ambientes en los que predominan los colores clásicos.

PAINT SCRAPE, SKY & STEEL DE FORMICA. Definida como una de las tendencias más artísticas, Spectral se convierte en una propuesta dinámica y divertida por su paleta de colores vivos en combinación con tonos neutrales. Las pinceladas de color en estas superficies hace un juego ideal con accesorios y mobiliario también en tonos brillantes.

AD HOC Sma rt Org a nic

Cojín Alan Favero + Susana Soancatl para Visión y Tradición DWM | Sweater ( Top Man)

Dar vida a los espacios de una forma original, olvidando lo clásico pero sin perder el sentido del buen gusto. La sensación suave que transmiten los colores hace que los ambientes se conviertan en una atmósfera relajante y artística al mismo tiempo.

Materiales sintéticos y naturales crean una combinación de biocompuestos inteligentes.

TINTED PAPER & TONAL PAPER, TERRAZO DE FORMICA. Pequeñas notas de tonos grises se suman a la gama de superficies de Smart Organic. Esta sutil combinación se puede usar para resaltar entornos tranquilos, en los que se busca crear una sensación de pureza y libertad, pero al mismo tiempo moderna y con el encanto de tintados originales.

CHRISTIAN VIVANCO Spectral

Lámpara Type 75, colección Margarett Hawell, Anglepoise, Diez Company | Camisa ( Pull and bear)

Una paleta de colores muy creativos y una variedad de materiales audaces que en conjunto contagian energía y mucho optimismo, abre el abanico de posibilidades para lograr estilos libres y desenfadados. El resultado es un portafolio con el que se pueden generar atmósferas fuera de serie, entrelazando tecnología, belleza, arte y diseño.

PAINT SCRAPE, SKY & STEEL DE FORMICA. El contraste de tonos neutros con acentos de colores vivos motiva la creatividad. Esa particular combinación de las superficies de Spectral hace que el coordinado de opciones sea casi infinito: desde ambientes que quieren ser divertidos y dinámicos hasta lugares zen que se van por lo más sencillo.

GERMAN VELASCO ARQUITECTOS Personal Sa nctua ry

Chamarra tipo biker cuero ( Acne Studios) | Broche edición Especial ( Karlito para Fendi) | Anillo Doble (Top Man) | Jeans (H&M) | Tenis (Stan Smith).

Un toque ligero de color ilumina los ambientes y le da un carácter sereno a los espacios. Ese es el mood del refugio que cada uno de nosotros busca cuando requerimos momentos de tranquilidad para pensar en los pasos siguientes.

JUST ROSE & DANISH MAPLE DE FORMICA. Serenidad es la clave de Personal Sanctuary; por eso, esta tendencia se inspira en la estética escandinava. La mezcla de tonos neutros con maderas se antoja para espacios privados, donde el fin último sea disfrutar las horas del día con estilo y sin prisas.

Iluminación Lechix | Maquillaje Cinthia Martínez | Styling Guillermo Arriaga | Locación Blend

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TENDENCIAS GLOCAL

ETERNA CONEXIÓN CON LA TIERRA Desde finales del año pasado ha habido un material-textura que no dejamos de ver en las ferias de diseño: el terrazo. Lo vimos en telas y joyería, pero también en objetos. Fiel a su origen, los diseñadores lo presentaron en fondos blancos, emulando al concreto; sin embargo, las nuevas generaciones lo mezclaron con colores enfáticos pero yendo hacia los pasteles azulados, verdosos y rosas, dándole un toque contemporáneo.

Fondo Park Play, colección Jesmonite por Laura KNIGHT STUDIOLKS, Design Junction, | Silla Codfish por WEWOOD | Maket Medium (peony) por RSW para PULPO. derecha: Fondo Bombetta por DISCIPLINE LAB | Platter 21por Bruce Mclean para PINCH | Banco de la colección AXYL por LAYER para ALLERMUIR

Arte JORGE MEDINA Curaduría GRETA ARCILA

Contrastes desvanecidos Colores enfáticos que se diluyen entre materiales nobles y que son una gran opción cuando se trata de ir a contracorriente.

Brick candle holders por Jenny Nordberg para Swedish Ninja | Gabinete Contador para Wewood derecha: Fondo Screen Print por Atelier Mats y Anne Ligtenberg para Form&Seek | Op-Vase por Bilge Nur Saltik para Form&Seek | Consola Carousel por Leonhard Pfeifer para Wewood | Ol Lamp por Meng Hsun Wu para Form&Seek.

EXQUISITEZ NATURAL Materiales nobles: envejecen con dignidad, y sí, es una premisa de diseño de siglos que nunca pierde su actualidad y que no deja de sorprendernos. Entre más pura la pieza, más silenciosa y más hábilmente puede ser parte de un escenario que hable de diseño.

Esta vez la proponemos con los colores que más hemos probado en las páginas de Glocal, el resultado es afable y atemporal ¿Podemos esperar más? No lo creemos.

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COLUMNA

Cuando viajé al futuro Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

LLEGAMOS A RENO, en el estado de Nevada; temprano por la mañana había que recoger nuestro camper o ‘RV’ (por sus siglas en inglés).

Después de un par de horas de clase de cómo utilizarlo, estábamos listos para emprender la aventura no sin antes pasar a un supermercado a comprar una dotación de cervezas, agua y comida para sobrevivir una semana.

Desde que tengo memoria me ha intrigado el tema del tiempo, concretamente el futuro. Para quienes diseñamos, tener la capacidad de predecir el futuro es sin duda un talento indispensable.

Siempre diseñamos para el futuro.

Visualizar escenarios de posibles futuros es entonces una herramienta que tendría que ser obligatoria en los procesos educativos para quienes se dedican a diseñar, y es parte fundamental de las prácticas de los despachos de arquitectura y diseño. Pero a pesar de ser evidente la importancia de vislumbrar futuros posibles para diseñar, en realidad es una práctica poco metodológica en la mayoría de quienes nos dedicamos a la práctica del diseño.

Y es posiblemente este interés por el futuro la razón principal por la que hace algunas semanas me encontraba en Reno rentando un camper y manejando varias horas para adentrarme en el desierto de Nevada rumbo a Burning Man, festival de Arte y Música que se lleva a cabo cada año en el desierto de Nevada.

Burning Man es posiblemente el festival más extremo del planeta al que atribuyo 10 principios fundamentales: 1. Inclusión radical: Todos son bienvenidos y respetados.

2. Economía de lifting: El dinero no funciona en este festival y la economía se construye alrededor de la economía de dar.

Visualizar días futuristas es imprescindible para quienes diseñamos.

3. De comodificación: Alejarse por completo de la cultura del consumo y de las marcas.

4. Autosuficiencia radical: En la mitad del desierto, sin agua ni energía eléctrica, cada quien es responsable de subsistir con sus recursos propios.

5. Autoexpresión radical: Expresar la individualidad a través de expresiones artísticas.

6. Esfuerzo comunitario.

7. Responsabilidad civil.

8. No dejar huella: El desierto después del festival tiene que quedar como lo encontramos, como si nunca hubiéramos estado ahí.

9. Participación: Todos son bienvenidos a ser parte de la experiencia.

10. Inmediación: La habilidad de conectarse con uno mismo y con las personas que están a nuestro alrededor y en nuestro contexto.

Burning Man es una maqueta 1 a 1 de un escenario posible; visualmente, sin duda, a muchos

amantes del cine nos recordará Mad Max, un contexto post apocalíptico de un mundo que no supo cómo detener el deterioro del planeta hasta terminar prácticamente con él. Un escenario en el que paradójicamente la sociedad se dio cuenta de la importancia de no juzgar, de ser inclusivos y de saber dar a los demás sin esperar nada a cambio. Un escenario en el que puedes ser Leonardo Di Caprio y el desierto te falta al respeto de igual manera que a un estudiante de arte. Y una vez que una tormenta de arena te tomó por sorpresa, nuestras diferencias físicas se vuelven imperceptibles. Burning Man es, al mismo tiempo, una advertencia y una esperanza; es morir y no saber si estás en el cielo o en el infierno. Para quienes diseñamos vivir, aunque sea sólo por unos días, el futuro puede ser transformador. @baumgarj

COLUMNA

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Lo ‘hecho a mano’ Por LUIS MERCADO ROJO Ilustración ZAMARRIPA

¿A QUE NOS REFERIMOS cuando decimos que algo está hecho a mano? Desde hace mucho tiempo me he preguntado cuáles son los criterios que deberíamos de usar para esta clasificación.

Cada vez que se transforma un material es necesario utilizar algún tipo de herramienta, si nos vamos al espectro más básico de las herramientas como un martillo, una sierra o un desarmador; en general, estamos todavía a salvo dentro del terreno de lo hecho a mano. Cuando la producción es cien por ciento automatizada, es claro que ya estamos del otro lado y nos encontramos ante un objeto puramente fabricado de forma industrial. ¿Pero qué sucede en el medio cuando se utilizan herramientas como un taladro, una sierra circular o un torno? ¿Cuándo algo deja de ser hecho a mano y empieza a ser industrial?

David Pye nos ofrece un criterio que me resulta extremadamente interesante. El término: “hecho a mano” no es una definición técnica per se y en la que es necesario ahondar un poco. Si aceptamos que el trabajo se realiza usando cualquier técnica o aparato, en donde la calidad del resultado no está predeterminada y depende del juicio, habilidad y cuidado con el que el se realiza el trabajo, podemos decir que éste está hecho a mano. La idea esencial es que la calidad del resultado está constantemente en riesgo durante el proceso de fabricación.

A esto Pye lo denomina workmanship of risk, que se podría traducir como “trabajo de riesgo” y que se contrasta con lo que define como workmanship of certainty o “trabajo de certidumbre”, donde la calidad resultante del trabajo está perfectamente predeterminada.

Nos pone un ejemplo típico de “trabajo de riesgo”, que es escribir con una pluma, comparado con el “trabajo de certidumbre” que sería la

Las miles de horas que los artesanos dedican a perfeccionar su oficio es invaluable.

imprenta. En el primer caso corremos el riesgo de cometer un error en cada trazo, y en el segundo podremos imprimir miles de copias sabiendo que todas serán exactamente iguales. Si continuamos con esta aceptación, utilizar un taladro eléctrico requiere muchísima más habilidad, juicio y cuidado que al usar un berbiquí, ya que el riesgo de cometer un error es mayor.

También existen otras consideraciones importantes que debemos tomar en cuenta. En el “trabajo de certidumbre” la cantidad de trabajo previo, juicio y cuidado que se debe tener antes de iniciar la producción son extremadamente altas, ya que una vez iniciada no hay oportunidad de hacer cambios, mientras que en el “trabajo de riesgo” tenemos la libertad de hacer los cambios que queramos, aunque siempre con el riesgo de cometer un error.

Es apenas durante las últimas generaciones que los productos de fabricación industrial alcanzaron y, en muchos casos, superaron la calidad de los objetos “hechos a mano” con la innegable ventaja de la reducción de costos.

Queda claro que ya nunca se utilizará el “trabajo de riesgo” en producciones en masa, pero esta estandarización en los resultados de la fabricación industrial y la falta de flexibilidad de hacer cambios en el producto, ha creado un renovado interés en los objetos “hechos a mano”, como expresiones de la mas alta calidad, habilidad y cuidado al crear objetos únicos, donde buena parte de la apreciación del objeto proviene de reconocer estas mismas cualidades, donde a pesar del constante riesgo de cometer errores, nos encontramos ante objetos que son soberbiamente fabricados.

Como comentaba Roger Smith (unos de los pocos que fabrican relojes de pulsera cien por ciento a mano). “Es sólo cuando nuestros clientes visitan el taller y se dan cuenta de qué es lo que intentamos crear con nuestro método de producción, que aprecian el trabajo detrás de cada pieza y comprenden el valor de cada reloj. No sólo en los costos directos de fabricación, ni en los cientos de horas de dedicación, cuidado y atención a cada pieza sino en las miles de horas que cada artesano ha dedicado en su vida a desarrollar y perfeccionar su oficio”. @lmrdesigngarage

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COLUMNA

XV Aniversario de London Design Festival Por VALENTINA GONZÁLEZ WOHLERS Ilustración ZAMARRIPA

ESTA EDICIÓN DEL LONDON DESIGN FESTIVAL celebra 15 años de creatividad, innovación, estilo y tendencias que marcan pautas internacionales. Durante nueve días en septiembre, Londres recibe miles de diseñadores y creativos –tanto independientes como establecidos–, así como organizaciones y compañías vinculadas con la industria del diseño. Todo reunido sobre una plataforma que festeja la diversidad, lo pluricultural y el pensamiento creativo que va más allá de lo establecido.

Tan sólo en el oeste de la ciudad hay más de 80 expositores, incluyendo la sede del LDF y el museo más querido de Reino Unido, el Victoria & Albert Museum, que presentó su ciclo de conferencias en el Global Design Forum. En Brompton se realizó la exhibición colectiva Otras Historias - perspectivas alternativas sobre el diseño en el Cromwell Place, donde se mostraron proyectos de diseño y trabajo social que reflejan narrativas alternativas de diseño. Por su parte Faye Toogood presenta Trade Show, inspirada en las ferias de mobiliario tipo Milán en colaboración con 50 diseñadores, arquitectos y artistas locales.

En Central London se alojan las grandes marcas comerciales como Cassina y Alessi, tiendas departamentales originales de Reino Unido y galerías de arte. Destacaron Somerset House con Design Frontiers, exhibición que sumó a 30 marcas y diseñadores internacionales en una conversación sobre innovación, mercado de consumo, y sustentabilidad. Por su parte, Marcel Wanders, director creativo de Moooi, presentó la inauguración del primer showroom de la marca en Londres, con Alfombras Moooi - Tu Propio Diseño que invita a sus clientes a crear su propia pieza con un escaneo de iris de alta definición.

El Este de Londres es una total celebración a lo mejor del diseño independiente. Organizado por las compañías creativas de la zona, combina lanzamientos de productos, exposiciones, instalaciones, talleres, charlas, tours y delicias culinarias. Conocido como el Shoreditch Triangle, ofrece la oportunidad de pasar el día paseando a pie y no dejar de sorprender con más de 50 eventos.

En cuanto a destinos de diseño estuvieron: London Design Fair (Tent). Una feria pluricultural y rica en propuesta y variedad con 300 diseñadores independientes y despachos creativos, más 200 marcas internacionales, provenientes de 28 países, teniendo como invitado especial a Estados Unidos. Fue particularmente interesante la propuesta holandesa, con despachos como New Citizen Design, que ofrecen diseño de producto y paisaje urbano creado a conciencia, sustentable y en aras del bienestar ciudadano.

Designjunction. El tema es el de colaboraciones, y desde que la marca fue adquirida por una compañía canadiense de eventos, la propuesta del show incluye mucho mobiliario contract para el sector hospitalario y de oficinas. Por otro lado, encontramos propuestas emergentes internacionales muy interesantes de Turquía, África, Medio Oriente y Japón. Así como toda una sección de diseñadores jóvenes y recién graduados, esto debido a que Designjuction comparte inmueble con la Universidad de las Artes de Londres.

Trouping Colour. Siempre es un orgullo encontrar a talento mexicano exhibiendo en el LDF, y la diseñadora Ana Jiménez lleva haciéndolo, y bien, ya por un par de años. Es ella quien concibe Trouping Colour, una plataforma colectiva para jóvenes diseñadores ya establecidos, donde juntos presentan su trabajo en ferias de alto perfil.

Esto con la intención de apoyar a establecerse como marcas resilientes y reconocibles.

Africa by Design. Los diseñadores seleccionados para esta 1era edición comparten una narrativa simbólica y cultural. Sin embargo, cada propuesta, invita a la reflexión por su propia herencia cultural, llegando a sorprender por su valor contemporáneo. ¿Qué nos deja LDF? “El diseño es un vehículo de discusión, desarrollo social, movilización y negocios”.

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LIGHTING SPECIAL

work together with architects, landscapists and interior designers, who all contribute from the standpoint of their respective specialties, but in the end those to whom we deliver the results in watts, square meters, equipment lifespan, efficiency and effectiveness are the property and end users.

PÁG. 38 LIGHTING TECHNOLOGY “Ever since LED lighting appeared, a major dramatic change has taken place in the industry, which has been aimed more at technology”: GUSTAVO AVILÉS How has lighting evolved in terms of the use of new technologies and materials?

Illumination used to be done simply by electricity, and now it is based on systems technology and various more sophisticated undertakings, which has led it more toward a complex forward-looking technology. It is a technology that promises but doesn’t deliver.

Why doesn’t lighting technology deliver?

Technology talks about energy savings and many other advantages, but it doesn’t tell the full truth. Aspects of the complexity of that technology are not mentioned, of the lack of statistics, the lack of historical records, the need to offer not only a time guarantee but an endurance guarantee, that not all energy savings is in watts but that there’s also energy that is ergonomic, a technology of psychological, emotional pressure, of capacity for visual perception, of the quality of reproduction of objects and persons.

Does this technology have consequences for people?

Of course. I can tell you that if I lit a loving newlywed couple’s bedroom with LEDS, it would take away the contrast, reduce the chromatic quality, eliminate shadows, overdo the brightness, get rid of a feeling of peacefulness, even of love and affection, and I think it would reduce sexual potency. But that isn’t mentioned. And if you take this to a hospital and put an energy-saving lamp in a patient’s room, well that patient won’t get better and will look green and sickly. So, what energy savings are they referring to? The focus of light, in this case, should not only be on saving energy but on benefiting people.

What are current lighting design trends?

Technologically towards miniaturization with the outcome that the smaller the light source, the more the glare. When lamps were bigger like spheres, the light was distributed much more atmospherically, and there was less glare. Now we are illuminating all architectural space with little stars that do not generate visibility but rather opposition to vision. And since our sight is organically drawn directly to where there is light, it immediately looks at where there is a lamp and not at the object, so you are illuminating deformed spaces. The best example I have of something well done is a carnitas (fried pork) stand. Fortunately the taco cooks have highly developed knowledge about light, and most of them keep using incandescent, selfreflecting lamps that give you the actual color of the food, brightness, contrast and a response that whets the appetite.

What development has there been in Mexico in terms of intelligent lighting?

It has been dramatic, very fast. I think that Mexico, with all its social problems, is still a country with great investment sources and that keeps winning international competitions to continue investing internally, for example in the hotel industry. The development of lighting demand is very high and since there’s a lot of energy for creativity, it is developed easily. Plus, Mexico has high energy consumption development and resources from lighting.

What are some of the projects in which you have applied the technology considerations you’ve discussed?

We work with a Japanese restaurant chain that has noticed a total transformation in the clientele and the impact of its food. I am working on an urbanism project in which I am aiming for illumination to be a social mediator, an element of unification in public space use and livability, since we have total disjointedness of common areas in the city. I don’t want to go overboard, but I don’t think we have a single space in the city that is well lit at night, and there’s not a single architectural element that represents Mexico City. Light is applied as if it were a bucket of water.

PÁG. 42 LIGHTING SOLUTION STRATEGISTS “Our most complicated project is being honest in a very corrupt market in which anyone can claim to be or feel like a light designer when in fact he’s just a specifier or marketer.” RICARDO NORIEGGA and SANTIAGO BAUTISTA LICONA. How is the creative process of a lighting project put together?

For us, the real answer is: how much does the client want to invest in lighting? And we go from there to develop the steps that follow. We are not artists; we are professional service providers who are hired to solve problems foreseen on a sheet of paper. Our client is always the user who visits the work site and experiences the project. We

What is the most complicated job you have done?

Our most complicated project is being honest in a very corrupt market in which anyone claims to be or feels like an illumination designer when in fact he’s just a specifier or marketer. We have 35 years of experience in the field, and the hardest part is not being corrupt, because 99% of the lighting market in Mexico is made up of companies that specify the product they want to market, and that’s not design; that’s a specification based on calculations plus a little creativity because the goal is the sale. Whereas, what comes out of our workshop are solutions previously done on paper. That is what we manufacture, and that is our major project: not misleading clients.

What does selling lighting mean?

Instead of making our customers spend money, we make them save resources, not on the purchase of the lighting equipment, because what we specify is often more expensive than the conventional market average, but by making more efficient solutions, we save on electric outlets, labor, consumption, etc., which has a greater impact than when a cheap design is developed. We create awareness that lots of times the initial investment is greater in the lighting equipment, but then it’s lower to carry out, as are the electricity bills in the long run. We are more businessmen and strategists than artists or designers. We only sell paper and a great deal of prevention of problems so the property doesn’t waste money.

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How does the artist and designer part complement the side of being a lighting solution strategist?

When the formula is: 70% financial strategist, 20% creativity (artist) and 10% service, things go well. Service might take a little more of that percentage, since these days, clients expect that when they have a problem and make a call to ask for assistance, there’ll be someone on the other end of the line who will give them solutions. If you’re just an ‘artist’ you’ll wait your turn and take the call when you’re not doing your Zen activity and see fit to come down to earth. Our magic is service and being there when the client needs it.

Why consult and seek the advice of a comprehensive lighting solution firm?

To enhance the product. There is stiff competition in the architectural market, whether it’s in lighting solutions for shopping centers, vertical housing, parks, restaurants, etc. What matters in all those projects is the experience the end user is provided, in other words the family going around the mall and feeling safe walking through illuminated hallways or enjoying some coffee beside a fountain with lighting effects or guests in a restaurant eating their meal in a different atmosphere with dim lighting that makes them feel relaxed. To sum up, this market demands evolution not growth. Architects claim to know about lighting, but only a handful are good at it.

What’s ironic is that a culture of light is missing.

PÁG. 46 THE FOURTH DIMENSION IN ARCHITECTURE “We can’t live without light. It is what makes architecture appear and a project shine in all its splendor”: MARÍA DE LOS ÁNGELES ESCOBEDO. What is the importance of light?

I think that light is a vital element, like water. We couldn’t live without it, sopeople perceive and think of it just that way. In the field of illumination, we can consider light as architecture’s fourth dimension. It is what makes architecture appear and a project shine in all its splendor.

When did you decide to devote your career and life to the study of lighting?

It’s a long story, but I’ll make it short. Ever since I was born, all I have heard about is illumination. My father was one of Mexico’s lighting pioneers. He got to take part in very big jobs like the lighting project for all of University City, the Anthropology Museum and the first subway line.

I didn’t know that I was going to work in lighting. I studied graphic design at Iberoamericana University, and when I finished, my father asked me to design the corporate image for his company because he thought that I was going to graduate very quickly. But surprise! It took me years to get there, because I got immersed in everything involving the company and loved it.

What criteria do you consider when carrying out a project?

In 2005, we were asked to take part in the first LED building in Latin America, the HSBC building on Paseo de la Reforma, and that incredible experience made us discover everything design encompasses, and the company altered its concept. Since then, we’ve been focused on sustainable lighting design. Besides the fact that we always work closely with the criteria of architects, engineers, interior designers and owners, we take into account saving energy, low-cost and highly efficient solutions, and investment analysis that always involves new technologies.

Are there trends within the lighting field, and if so, which one are you a part of?

Yes, of course, loads. After all the progress during the last century, lighting has undergone a transformation in the past ten years. All the big lighting companies: Philips, General Electric, etc. have retransformed their industries. They went from manufacturing fluorescent lights to incorporating all the LED (Light Emitting Diode) technology. With that revolution, we now have new work tools that have to do with innovation and digital technology so as to be able to produce comfortable environments. A light is no longer just a spot of light; a light contains so much technology that it can do incredible things.

How can it be declared that an illumination project has been carried out successfully?

Nowadays, there are tools like commissioning, used by companies or specialized individuals and totally separate from designers, architects and engineers. This process is meant to ensure clients that the work done for them abides by the previously established parameters. We could say that you’re rated by it; for example, if you comply with the few watts per square meter that you designed, if there are no annoying bright spots, etc. and almost always –perhaps 80% of the time– when you enter a place and say “Wow!” it’s because it’s a job well done.

What elements should new talents take into account when it comes to lighting?

New talents should take into account everything that is happening in the world, in architecture, in art, in science.

We are undergoing an unprecedented technological revolution, and they’re impassioned by it. That’s because they’ve realized what can be done within illumination culturally. As long as they are committed and act responsibly with what they have in their hands, they’ll know how to do it well.

Where is the field of lighting headed in Mexico?

In Mexico and the world, it’s headed for incorporating “design thinking” criteria. It’s important to go back to basics and return to what’s simplest and most efficient and know what really takes care of different needs without anything superfluous.

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PÁG. 50 AN EXPERIMENTATION BOX “Light is grasped through the eyes, skin and sensations.

If you see, you illuminate something, and besides that if it makes you tingle and excites you, that means you’re learning lighting.” CARLOS AVILÉS. When do technology and lighting merge?

Ever since the light bulb was invented. Technology has always been present, since Thomas Alva Edison. The thing is that now it’s an electronic issue, and before it was electric. It has become a digital question and the digital world is tied in with computers and systems. Technology has become smaller, more powerful, more efficient, higher quality and more durable. Lighting has joined in with that, and the technology we interact with today is very complex because it evolves very quickly.

What are the advantages and disadvantages of that ongoing evolution?

It has more advantages, because every day its quality and technology quality are better. Now LED is used 99.2% of the time, if not 100%. I began using that technology in 2012, since by then it was efficient, could be sold and you could commit yourself as far as quality. Before that year, it was still an experimentation box with plenty of flaws. The disadvantage is that right now high quality lighting is not that affordabe to all social sectors.

How far do you think innovation will get in the field of lighting in Mexico?

I think you’d have to watch one of The Jetsons movies; they’re the ones who set the example, don’t you think?

We used to watch them and not believe it. Lighting has no limits; we’re surprised by the things that are done. I recently had the chance to see a 1-watt German lamp, and it works really well, with high quality. It is ideal for illuminating a small specific element that doesn’t require great quantity but does need great quality.

What is light quality?

The quality of light is a function of its color output, efficiency and definition in terms of getting as close as possible to natural light.

How can we feel when lighting is high quality?

Lighting is self-taught. Light is grasped through the eyes, skin and sensations. If you see, you illuminate something, and besides that if it makes you tingle and excites you, that means you’re learning lighting. Lighting is highly sensitive: it’s not from a catalog, not just from studying. You have to get a feel for it.

Considering all of this, what is Carlos Avilés like when he’s planning a project?

Each project has its personality, so you have to look into and find out the background of who it is for, how it will be used. So my first reaction is a question mark, and after that I start to examine different possibilities for carrying it out.

And one of the most important things is that no matter

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what it’s going to be, it has to be well done, because lots of times illumination gets confused with street lighting.

But the latter is a more general question of light, while the former is more subtle, much more meticulous, requiring more research and detail.

How did you know that you should study lighting?

Life opened up the way and guided me in that direction, after so many years working in construction. I began to work at 18 in the civil engineering field, but oddly enough, I’ve always done more architecture than engineering.

All my life I’ve worked with architects. Some people tell me I’m more of an architect than an engineer, and I say: “I am an engineer,” and they respond: “Yes, architect.”

And through architectural projects, you suddenly get to lighting. We detected a big gap in Mexico and started experimenting and testing. At first I did it with my brother Gustavo, and later we each went off on our own.

You’ve worked on several lighting projects in museums. Is there anything distinctive about that compared with other types of lighting?

The difference is in the outcome. I think that lighting is a result and not a technique. You have to pay more attention to getting to the result, because a project never ends; you’ll always have a little bit more to give it.

PÁG. 54 NOSTALGIA FOR INCANDESCENCE “Lamps are going to be more than just lamps. Lights will be temperature or presence sensors. What will never disappear, though, is the basic need to have light.” KAI DIEDERICHSEN Talking about light is somewhat intangible. How do we tackle the topic in order to understand it?

The need to have adequate light has not changed. It is intrinsic and fundamental for living. The emotions conveyed by light have actually been part of an evolving human process. The fact of gathering around a campfire and the feelings stirred by a sunset are directly related to our biological clock, going far beyond a question of design or architecture. It’s a subject of health and

wellbeing. If we think about any situation in which we have felt comfortable and try to isolate the elements of that atmosphere, we would realize the importance of light.

It is interesting to notice how emotions are invariably linked to a subject having to do with light. So, to start to understand the subject, we have to be aware that lighting is innate to humans and that what has changed over time are the technological tools for supplying us with light. For example, when I started with the topic of lighting in 1998, the technology possibilities available were totally different from what they are now to carry out light design visions; in fact, the specialty itself was very new; anyone who did lighting design had to sell lights, because (s)he wasn’t acknowledged as an expert.

What do you think the watershed in lighting has been?

I think that lighting is always going to be present, even in virtual reality. The only thing the new generations, for example, have seen as a light source is the light diode (LED), when 10 years ago conventional light sources were common. That has been the great transformation, and looking toward the future, lamps are going to be more than just lamps, just as cells are no longer solely telephones. Lights are going to be developed to become sensors of temperature, presence and occupation and devices that can give us much more information.

Has the stage of LED use been consolidated? What comes next?

In Mexico, unlike Europe and the United States, we’re very obsessive. In those places, other kinds of resources are available for lighting solutions; LED is not so central.

Yet here, one hundred percent of our projects use LED. Looking at it this way, we can talk about a consolidated market. From my point of view, though, where we have to mature is in our array of possibilities so that we can also use other types of technologies. Those of us in light design must stay updated on subjects such as LED quality, normativity and what the best lighting solutions would be for each project. Our profession is even at risk, because clients could suddenly say: “Why should I invest in a light designer if the result is going to be the same awful light I’d have if some lighting salesperson took care of me?”

What is the challenge when talking about lighting?

To me, a lot has to do with working on culture and educating clients, people, the industry, light manufacturers. We need to learn to use technology but above all to identify when innovation is the best applied solution, and when it isn’t. We also have to think that using new tools has an additional cost and that sometimes it is better to invest a little more at the outset of a project than to spend on lighting that is not going to work over time.

There are corporate headquarters, for instance, that spend as much as 100 dollars for each light sensor they have installed in very large meeting rooms but that aren’t being used to the best possible advantage. The point is to know how to invest in equipment that will be the most suitable for the functions and emotions of the people who will make use of certain spaces.

Do you think that at some point we will go back to basics?

Yes. I am one of those who think that no matter how much we listen to predictions about innovation and progress in the future, most of the time we end up coming back from automatization seeking basic things: to arrive someplace and use a simple switch to turn on the light. The trend is clearly leaning toward technology, but I think there’s going to be a segment that concentrates on basic needs, and we mustn’t lose sight of it when we talk about lighting.

COVER STORY PÁG. 76 CURIOSITY PIQUED BY MATERIALS “We explore and touch the material with unbounded curiosity, in search of much more knowledge and discoveries than we get by looking or with the first touch.”

Aurel Aebi, Louis Armand and Patrick Reymond, founders of ATELIER OÏ Interview by Martha Lydia Anaya, correspondent in Switzerland

We left the city of Bern, took a couple of different trains and finally arrived at the medieval town of La Neuveville, on Lake Biel and at the foot of Chasseral Mountain. This small village of just a few thousand people is the home of Atelier Oï, a Swiss design firm founded in 1991 by Aurel Aebi, Louis Armand and Patrick Reymond. Patrick himself picked us up at the train station and then took us to what, a few years back, was an old motel on the outskirts of the historic town. They themselves remodeled it as a studio, research workshop and offices for the team of collaborators who, to date, have worked with companies and brands like Artemide, B&B Italia, Bvlgari, Danese, Driade, Foscarini, Louis Vuitton, Moroso, USM, Zanotta and Parachilna.

“This ‘moïtel’,” Patrick explained, “has turned into our archive, library of materials and prototypes, and also a sort of art studio and science laboratory in which we let ourselves ‘live’ and experiment with the range of materials we use in our works.” It’s very different from a standard office of architects and designers. To begin with, it is surrounded by a big lake and the green foliage of dozens of trees and plants. And the thing is, inspiration and boldness to experiment are definitely released better in atmospheres where feelings of freedom and rebelliousness are catchy and enable seeing things in a different way.

Patrick emphasizes this by saying: “Everyone on the

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Atelier Oï team is curious by nature, so any technique that we might use to create something new doesn’t get left on paper; we take it further and try it out.” That’s why they’ve conceived their workspace, their own workshop, precisely as a laboratory to motivate curiosity, a place where they can let themselves go where any idea might take them. Together with Aurel and Louis, Patrick agrees that: “Individuals and egos are not what’s important when it comes to creating. What counts is the end result, and materials end up being the ‘heroes of the movie’, the protagonist of the scene. We don’t want to be defined by the particular style of an end result but rather by the process of getting there.”

ARCHITECTURE, DESIGN AND SHIPBUILDING You could say that Aurel and Patrick have been lifelong colleagues and friends. They studied architecture and design together at the university. Louis joined them when a quirk of fate brought them together building boats, something the latter is an expert at. Once the talented threesome’s paths crossed, the enthusiasm literally went wild. They say that ‘the chemical’ reaction produced by joining their crazy ideas and projects was fabulous, and nothing more needed to be said; they just had to sit down and start planning together in an office. In fact ‘Oï’ comes from the Russian word troika, meaning a carriage drawn by three horses but by extension also describes any task undertaken by ‘threes’. “We liked the imagery evoked by a vehicle used for travel and reinterpreted it as a reflection of how we see ourselves as travelers, practically adventurers, discovering new materials and ways of creating,” Patrick relates. He emphasizes that: “Being three is basic to our shared focus. With just two people, there may be agreement or disagreement, but with three people there’ll always be discussion, always a different viewpoint.”

If asked to describe the firm, its founders would answer: “It is the result of an alliance deeply rooted as much in humanity as in art. It’s an idea that emerges out of the principle of sharing values and ideals. It is the desire of three restless young people running wild with enthusiasm for growing and venturing out together on a journey that never denies the three individual histories and that is, in the end, the intangible link that has connected them for nearly 30 years. Atelier Oï joins three open and creative minds, anxious to share their visions.”

Aurel, Louis and Patrick have clearly come up with their best formula through architecture, design and naval construction. Their encounter with charismatic figures such as Alberto Sartoris and Ettore Sottsass has been a great experience and invaluable learning tool to firm up their workshop philosophy. At the center of that ideology is rejection of staying within the confines of a single discipline.

The idea of multidisciplinarity can be summed up in the word used in the name of their firm: Atelier the place of creation within the domain of intellectual knowledge and of knowledge-knowledge. On an international scale, the work of Atelier Oï encompasses from architecture and interior design to product design and scenography.

“To us, work is never an individual effort, since the creative path is never a solitary trip. We always work as a team, and everyone is part of a process,” Patrick explains as we walk amidst the disorder that shows the work done in each one of the spaces in this ‘moïtel’ reconditioned as their workshop. Countless models, cut up materials, plans,

pencils and corrugated papers with numerous ideas are all part of the apparent disorganization, which can only reveal the presence of projects and jobs in the midst of creative work.

MATERIAL AS STARTING POINT To make a new project actually take shape, be it in architecture or design, the initial inspiration always comes from context observation. That is what suggests the topic around which the content or essence of the particular project will be cultivated by creating a harmonious dialog among the various elements. The jumping off point for the process is often the material: its nature, potential affinities, reactions to external stimuli and interaction with other materials.

By understanding the nature of the context and of the possibilities the material offers, they put together a panorama of creative perspectives in the search for harmony, in which the material itself can enter into a relationship and interact with more intangible elements such as sound, movement and color.

This explains why research and experimentation are essential aspects of the focus at Atelier Oï. Patrick ventures: “Objects often emerge out of an intuitive and emotional relationship with the material. We explore and touch the material with unbounded curiosity in search of much more knowledge and discoveries than we get by looking or with the first touch.”

This is how the Swiss firm has conceived and manufactured pieces of furniture as amazing as the leather foldable stool and hammock that they made for the Louis Vuitton’s Objets Nomades collection, which keeps the tradition of the brand alive by handcrafting stunning objects for travel; or the dynamic Oïphorique sculptures that have become the Parachilna brand’s icon lights because of their unique shapes that recall the graceful movements of jellyfish in the water. The pieces from both collections reflect a multidisciplinary focus and Atelier Oï’s commitment to making things that people have never seen before.

Such a singular and strange perspective can hardly go unnoticed in the work they did for the Pringle of Scotland brand, for which they redefined the design line of its

boutiques, beginning with the Mount Street shop in London. “In that project, we zeroed in on some amazing similarities: we played with fine materials like cashmere, and looked among our files and techniques to combine design and architecture in a nod to the past. Inspired by the brand’s Scottish heritage, we chose natural durable materials like wood and stone, which could reflect the authenticity and harmony of natural Scottish landscapes and tried to work with the brand’s contemporary attitude.”

This project, in particular, stirred up the team’s interest in traveling and continuing their adventures with experiences picked up on those outings.

FUSING DIVERSITY From the get-go, Atelier Oï has known how to combine knowledge and ability as the antithesis of a mono-culture.

Its works are a celebration of diversity and a fusion of disciplines that are often considered separate entities.

“That way of thinking and working intensifies our creative process and expands the borders of imagination. It’s what opens us up to new perspectives and gets us to explore new scales,” Patrick states. These days, the firm combines museography, scenography and expography. “We systematically get involved in every project with the idea of sharing architecture, design and scenography without the slightest barrier,” the creative concludes as he sees us out at the door of the ‘moïtel’, that 3,000-foot building beside a peaceful, lovely lake, which is both a gallery and work area or workshop. It is a space where the firm keeps the secrets of its creative process yet generously shared with us during our visit.

OBJETO GLOCAL

Foto cor tesía

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Degustación y plata legendaria Epicurean | Christopher Jenner | E & Co. La emblemática casa de platería E & Co. es parte de la historia de las artes aplicadas, pues desde su fundación en el año 1824 se ha dedicado a la excelencia, tan es así que la compañía obtuvo una medalla de oro en la Gran Exposición del Crystal Palace en 1851 y también produjo una serie de comisiones de alto perfil, incluyendo los cubiertos de lujo para el Titanic y los trofeos de tenis de Wimbledon, así como los cubiertos para muchas de las casas reales en Europa. Pero les faltaba renovarse y ahí es cuando surge una alianza con Christopher Jenner, quien con su visión de una estética purista, pero apegada a las nuevas tecnologías, presentó en LDF la colección Epicurean. Ésta celebra la contemporaneidad artesanal, la innovación inglesa y el diseño culinario, éste último trabajado con Studio Appetit. Así, en la presentación se vieron bellos montajes en los que conviven el gin tonic de violeta y orquídea con flores británicas cristalizadas, así como un brioche crouton carbonizado con mantequilla de sal y pimienta servido con salmón ahumado. Cada cubo de cata fue diseñado para traer la esencia de las piezas de plata al centro de la mesa. –GA christopher-jenner.com

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