GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 42 Portada por / Cover by: Marcel Wanders

$100.00 MX

MARCEL WANDERS: POLÉMICO, MULTIFACÉTICO, ÚNICO | LO MEJOR DEL AÑO EN ARQUITECTURA Y DISEÑO | DESIGN HOUSE 2017 | MACROTENDENCIAS: BINOMIOS CREATIVOS

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Editora

Consejeros honorarios

Mar tha Lydia Anaya

Ar turo Aispuro Coronel

mar tha@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora de arte

Ar turo Arditti

Sandra Montiel

Juan Carlos Baumgar tner

sandra.montiel@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto

Portada por MARCEL WANDERS

Carmen Cordera Asistente de dirección

Héctor Esrawe

Liber tad Hernández

Jorge Gamboa de Buen

liber tad@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

Edición web

Carlos Pascal

Karla Rodríguez

Gerard Pascal

redacciongdm@glocal.mx

Ariel Rojo Sagrario Saraid

Editor Macrotendencias Germán Velasco

Contabilidad Víctor Villareal

Colaboradores Jorge Medina

Gerente de ventas

Lisa Heller

Eduardo Rodríguez

Rober to Zamarripa

eduardo.rodriguez@glocal.mx

Itayedzin Aragón

Fotografía José Margaleff Duilio Rodríguez

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: diciembre-enero 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Lo Mejor del Año por JORGE MEDINA

Identidad y futuro Un año más y mucho hemos aprendido como equipo, como país y como seres humanos. Al hacer la selección de los proyectos que forjan nuestra historia arquitectónica y que son un manifiesto de cómo los arquitectos conciben los espacios y cómo materializan nuestra identidad, vimos una nación entera y digna.Vimos una nueva modernidad anclada en la viveza de los espacios abiertos, geometrías francas, la iluminación natural como acento y generadora de momentos especiales en el espacio, la ponderación en el uso de materiales nobles que miran silenciosos y orgullosos su lugar de procedencia, vimos mucho respeto, vimos arquitectos conciliados con ellos, con su entorno.

Nos emociona compartir esa selección, la cual vemos con esperanza ya que es la viva voz de una nación en continua evolución ideológica.

Para celebrar nuestro séptimo aniversario, miramos para atrás y nos encontramos. Hoy tenemos en portada de autor a Marcel Wanders, personaje polifacético y controvertido, que con su visión como creativo y emprendedor, cambió la manera en que las empresas presentan su trabajo en la feria de diseño más importante del mundo. Wanders, con una visión única, ha sumado a su empresa Moooi a reconocidos talentos y ha abierto las puertas a talentos emergentes. Productor, diseñador, empresario y visionario del diseño, fue una de las personas que me inspiró a seguir por este sendero de la

comunicación creativa, no les digo más, lean la historia completa en nuestras páginas centrales.

También, muy emocionados les presentamos nuestra participación en uno de los proyectos de interiorismo que más suena en comunicación abierta: Design House. Esta casa del diseño se ha convertido en una muestra anual en forma de “manierismo moderno”; es decir, el diseño a la manera o estilo de X personaje. Así, vemos en esa casa muchas ideologías de cómo se viven los espacios en donde el diseño de alta escala es el protagonista. El creativo con quien hicimos equipo este año fue Héctor Esrawe, quien con su personal sello, dio una lectura del trabajo de una reconocida chef.

Cerramos un año, pero abrimos otro con mucha inspiración, México es World Design Capital gracias al trabajo de Design Week México, y seremos el medio oficial. No se pierdan la comunicación de todos los eventos que habrá relacionados con este importante momento para nuestra ciudad.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 12 MISCELÁNEA 14 TECHNO

Apps, diseño & arte 16 LIBRO

In perfect shape 18 TALENTOS INTERNACIONALES

Tres diseñadoras y su propuesta creativa ACTUAL 24 Normann Copenhagen 26 IESA 28 Temptation 30 Ritz Carlton Chicago 32 Rómola 33 Piedra Sal

38

34 TALLER

Tequilana de Calvirugs 52 MEXICANOS DESTACADOS

Emiliano Godoy 56 DESTINO DISEÑO

León, Guanajuato 34 TEXTIL

Aram Lee 38 DISEÑO + HISTORIA

Sottsass de cristal DISEÑO + EMPRESA 42 Mármoles Arca + The Woodshop 44 Neri & Hu

60 SU ESPACIO

Studioroca 64 ENFOQUE

Marcel Wanders

DESIGN HOUSE 76 Glocal + Esrawe 80 Casa Studio, TDI Design y

Studio Spazio + Enrique Krauze 82 Luciano Gerbilsky + Tanya Moss 83 Esencial + Lorena Ochoa 84 Ezequiel Farca y Cristina Grappin + Betsabeé Romero 85 Space + Gabriel Ripstein 86 Jardín Sustentable + Aldo Chaparro 87 Pedro Ávila y Studio Spazio + Xavier Velasco 88 C Cúbica + Paola Rojas 89 Faci Laboreiro + Guillermo Ochoa 90 Ricardo Yslas Gámez + Horacio Franco 91 Sinestesia y Quintanilla + Gabriela Warkentin 92 Sofía Aspe + Alejandro Ramírez 93 MAAD + Inés Gómez Mont 94 Salinas Lasheras + Óscar Madrazo 95 Studioroca + Iván Carrillo

96 LO MEJOR DEL AÑO EN ARQUITECTURA 98 Centro Cultural Comunitario

Teotitlán del Valle 100 Edificio del Archivo Histórico 102 María Ribera 104 Ignacia Guest House 106 Centro de Operaciones BBVA Bancomer 108 U125 110 Centro Financiero Tlalpan 112 Casa Iguana 114 Casa Mozoquila 116 Capilla RLJ 118 LO MEJOR DEL AÑO EN DISEÑO 127 MACROTENDENCIAS 132 TENDENCIAS GLOCAL COLUMNAS 136 Juan Carlos Baumgartner 138 Luis Mercado Rojo

118

140 ENGLISH TEXT 144 OBJETO GLOCAL

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Altair Jarabo

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Simplemente lo mejor

Fotos cor tesía

La exposición de Sheila Sicks, en el Museo Amparo, es una joya cultural que reúne unas 120 piezas entre textiles, fotografía y material documental.

A GEN DA

Mujeres en la escena del diseño internacional | Objetos de deseo | Tendencias en arquitectura e interiorismo

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AGENDA

SHEILA HICKS. HILOS LIBRES. EL TEXTIL Y SUS RAÍCES PREHISPÁNICAS, 1954-2017 Hasta el 2 abril 2018 Proponiendo una nueva interpretación del trabajo de Sheila Hicks, esta exposición representa una joya cultural al reunir un aproximado de 120 piezas entre textiles, pintura, fotografía y material documental.

Asimismo, ésta involucra las raíces e influencias latinoamericanas en el trabajo de la estadounidense, tomando en cuenta los años en los que fue testigo y partícipe de la efervescencia creativa de los años sesenta en México.

MUSEO AMPARO 2 Sur 708, Centro Histórico 72000 Puebla, Pue., México. museoamparo.com

DISCURSOS DE LA PIEL. FELIPE SANTIAGO GUTIÉRREZ (1824-1904) Hasta el 14 enero 2018 Esta exposición ofrece a los visitantes la mirada artística de Felipe Santiago Gutiérrez a través de la pintura decimonónica en México, un momento artístico que fue eje de cambio estilístico entre el romanticismo y el realismo. Su obra tiene relevancia por marcar la evolución de la pintura académica hacia el realismo, pero también por trasladar a la pintura un lenguaje literario metafórico del cuerpo femenino al crear el primer desnudo total femenino.

JORIS LAARMAN LAB: DESIGN IN THE DIGITAL AGE Presentando la gama completa de investigaciones empíricas del diseño digital del holandés Joris Laarman, esta muestra busca documentar el entorno de colaboración de su laboratorio y las herramientas de alta tecnología de las que hacen uso. Ésta abarca desde la icónica silla de huesos generada a partir de algoritmos imitando el crecimiento óseo hasta un puente peatonal construido en el aire utilizando impresión robótica 3D. MUSEO NACIONAL DE ARTE Calle Tacuba 8, Centro Histórico, Ciudad de México munal.mx

COOPER HEWITT 2 E 91 St, Nueva York, NY 10128, Estados Unidos cooperhewitt.org

Fotos cor tesía

Hasta el 15 enero 2018

AGENDA

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GARRY WINOGRAND. WOMEN ARE BEAUTIFUL. COLECCIÓN LOLA GARRIDO Hasta el 21 enero 2018 Una secuencia de 85 impresiones vintage con alta calidad estética y dimensión sociológica del fotógrafo Garry Winogrand (1928-84), considerado el pionero de la fotografía callejera. La colección pertenece al acervo de Lola Garrido, coleccionista, curadora y promotora española, y muestra un testimonio del neoyorkino de la vida cotidiana de mujeres desconocidas en una megalópolis con una cámara de 35 milímetros y una lente gran angular.

FAMOUS ARTIS FROM CHICAGO, 1965-1975 Hasta 18 febrero 2018

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosques de Chapultepec, Ciudad de México museoar temoderno.com

Una exposición presentada por Fondazione Prada que representa el resultado de una gran investigación sobre arte en el periodo de la posguerra. Ésta se diseñó como un estudio que aloja la obra de artistas activos en los años sesenta y setenta y protagonistas de exposiciones originarios de Chicago que cuestionaban las convenciones tradicionales de exhibición y el buen término de arte como: Roger Brown, Ed Flood, Art Green, Gladys Nilsson, Jim Nutt, Ed Paschke, Christina Ramberg, Suellen Rocca y Karl Wirsum.

FONDAZIONE PRADA Calle Corner Della Regina, 2215, 30135 Santa Croce, Venezia, Italia fondazioneprada.org

EL MUNDO DE TIM BURTON Hasta abril 2018 Una de las exposiciones más esperadas del año en México que promete sumergir a los visitantes en el mundo creativo del cineasta Timothy Walter, mejor conocido como Tim Burton, a través de piezas nunca vistas como el primer cortometraje que el estadounidense hizo en su adolescencia. La exposición está dividida de manera cronológica y por temáticas, pues cada sala busca comunicar algo distinto del creador y su maravillosa visión fílmica.

MUSEO FRANZ MAYER Avenida Hidalgo 45, Guerrero, 06300 Cuauhtémoc, Ciudad de México franzmayer.org.mx

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DISEÑO + CULTURA

Voces de otro tiempo

Hasta abril del 2018

MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA Paseo de la Reforma con Gandhi s/n.

Chapultepec, Polanco 11560 Ciudad de México mna.gob.mx

El Museo Nacional de Antropología presenta Voces de otro tiempo, una aplicación digital que invita a los visitantes al museo a interactuar con las once piezas participantes en el programa.

La herramienta tecnológica que hace posible este recorrido dinámico e interactivo es operada desde una aplicación en un dispositivo móvil y fue desarrollada por IBM; estará disponible durante seis meses para el público que desee vivir la experiencia. Por medio de esta aplicación, los visitantes podrán preguntar lo que quieran a alguna de las piezas participantes y la herramienta, basada en audio y voz, le contestará con respuestas veraces y puntuales.

Este proyecto surge con motivo de la celebración de los primeros 90 años de IBM en México, que se acercó al Patronato y al Museo Nacional de Antropología para ofrecer la donación del desarrollo de un proyecto de inteligencia artificial aplicado a la cultura. Voces de otro tiempo estará disponible (de martes a viernes y hasta abril del 2018) en las Salas Mexica y Maya, así como en el mural de Tamayo en la entrada del museo.

Las piezas participantes son: • Sala Mexica: Piedra del Sol, Coatlicue, Coyolxauhqui, Piedra de Tizoc, Ocelocuauhxicalli, y la réplica del Penacho de Moctezuma.

• Sala Maya: Dintel 26, Friso Estucado, Tumba de Pakal y Chac Mool.

• Dualidad, mural de Rufino Tamayo.

Fotos cor tesía

Un proyecto desarrollado por IBM en México y el Museo Nacional de Antropología que demuestra cómo se puede acercar la inteligencia artificial a la cultura.

MISCELÁNEA

COLECCIÓN OTOÑO-INVIERNO DE FERM LIVING Al fusionar la esencia de una identidad gráfica de diseño nórdico con un atractivo de sofisticación discreta, se crean piezas vibrantes y audaces en las que la riqueza de materiales, volúmenes y texturas encuentra equilibrio entre formas geométricas. fermliving.com

Foto cor tesía de las marcas

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MISCELÁNEA

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CONCRETE TACTILE LAMP POR PLDO PARA SAAVY El uso de materiales reciclados es la característica de Pablo Limón, quien suele caminar por las calles buscando lo que es atractivo y tiene posibilidades para armar objetos únicos, como concrete tactile lamp que es un ejemplo de diseño sostenible. savvy-studio.net

THIRD EYE POR GENTLE MONSTER PARA MOOOI Una nueva línea de gafas de sol inspirada en el antiguo Egipto y en el misticismo del tercer ojo. Está impregnada de una filosofía de lujo creativo y experimentación. moooi.com | gentlemonster.com

TABLES POR SEBASTIAN HERKNER PARA PULPO COLOUR DIAL TABLE PARA RIVE ROSHAN El color en el cristal se extiende alrededor del centro de la mesa, dejando un rastro multicolor como si el tiempo se reflejara en los tonos brillantes que se asientan sobre el vidrio. riveroshan.com

Una vez más, Sebastián Herkner imagina una serie de mesas de centro con las que explora una nueva estética del vidrio.

Formas puras de este material crean una composición geométrica que le dan otra visión a la mesa y su base. pulpoproducts.com

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TECHNO

Apps, diseño & arte

Actualmente las grandes ciudades del mundo atraviesan crisis ambientales alarmantes, sin embargo, se tienen ideas poco precisas de la contaminación en sitios concretos. Para aclarar estas dudas, Plume Labs desarrolló Plume Air Report (disponible en App Store y Google Play), una aplicación gratuita que registra los índices de contaminación en cualquier ciudad del mundo, obteniendo los datos de diversas fuentes oficiales, como estaciones de monitoreo climático.

La aplicación envía alertas al usuario cuando los índices son altos y aconseja medidas preventivas, además de mostrar mapas con las zonas más contaminadas. La app se complementa con Flow, un accesorio con inteligencia artificial que rastrea la calidad del aire de manera local y envía los datos a una base que complementa los registros globales, además envía al usuario alertas personalizadas y sugerencias para evitar las áreas más contaminadas. plumelabs.com

Aura Pendant | Estudio Guto Requena & D3 Studio | Brasil El Estudio Guto Requena había desarrollado proyectos inspirados en las emociones y en cómo se pueden plasmar en objetos, siguiendo esta línea creativa diseñó y desarrolló, junto a D3 Studio, la aplicación móvil Aura, disponible de manera gratuita para iOS. Con ella crearon una experiencia emocional capaz de convertir una historia de amor en una pieza única de joyería. Para ver cómo quedará materializada su historia, el usuario debe instalar la app en su teléfono celular, la interfaz indicará los pasos a seguir, que en breve consisten en colocar el dedo índice cerca de la luz del flash y al mismo tiempo compartir de viva voz los detalles de alguna persona o anécdota, la aplicación mostrará un modelo virtual que representa la combinación del ritmo cardiaco y las vibraciones de la voz.

El modelo puede compartirse en redes sociales y también se puede solicitar su manufactura en oro, con ello se reconfigura la idea de obsequiar o portar joyería con significados emocionales. gutorequena.com d3.do

Smartify | Smartify | Reino Unido Disponible de manera gratuita en App Store y Google Play, Smartify es la aplicación con la que sueñan los recién iniciados en arte. Funciona como un identificador de arte, el usuario apunta con la cámara hacia la obra, la aplicación la reconoce y devuelve su ficha técnica con datos relevantes de su contexto histórico, además el usuario puede hacer una colección virtual de las obras que ha visto. La iniciativa surgió para ayudar a las personas a crear una conexión con el arte más profunda y replantear el uso de los smartphones, que dejen de ser distractores y se conviertan en herramientas. Aunque por ahora sólo tienen presencia en veintitrés museos, mantienen una convocatoria abierta para museos o galerías que quieran formar parte de su plataforma. smar tify.org Fotos cor tesía de los estudios y desarrolladores

Flow | Plume Labs | Francia

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LIBRO

Un extracto de diseño danés

sen, 1958) o el sofá PK80 (por Poul Kjærholm, 1957), sólo por mencionar algunos de los que forman parte de su colección clásica, además de sus más recientes colaboraciones contenidas en su colección contemporánea, como el sofá Favn (por Jaime Hayon, 2011) o la silla Rin (por Hiromichi Konno, 2008).

Ambas colecciones, clásica y contemporánea, reúnen características que diluyen las líneas entre el diseño y el arte, además de combinar forma y función de múltiples maneras, otorgándole a cada pieza presencia y significado, cualidades que les han permitido vestir lugares públicos y privados, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Actualmente, las oficinas centrales de Fritz Hansen se encuentran en Allerød, Copenhagen con presencia alrededor del mundo.

Esta compilación demuestra que la presencia de una sola pieza de mobiliario puede embellecer una habitación completa. – IA fritzhansen.com teneues.com

La contribución creativa de diseñadores, arquitectos y artistas se integra a la filosofía del diseño característico de Republic of Fritz Hansen.

© IN PERFECT SHAPE - Republic of Fritz Hansen, publicado por teNeues, Foto © 2017 Republic of Fritz Hansen. Todos los derechos reservados.

En 1872, Fritz Hansen fundó la compañía homónima que desde entonces se ha dedicado a expresar lo mejor del diseño en mobiliario escandinavo, la compañía introdujo procesos de innovación en la primera mitad del siglo XX, como el doblado de madera al vapor aplicado en sillas en 1915, y continuamente ha sabido reunir la experiencia artesanal de sus talleres con la creatividad de arquitectos y diseñadores. Para celebrar su historia, la editorial teNeues publica In Perfect Shape. Republic of Fritz Hansen, que sirve como una síntesis perfecta de los diseños que forman parte de su colección, desplegados en 224 páginas. El libro se encuentra disponible sólo en inglés, al interior de su encuadernado con pasta dura el lector puede recorrer, a través de una concienzuda compilación de textos, fotografías e ilustraciones, la historia de la marca cuyo catálogo se ha convertido en referencia para amantes y profesionales del diseño, gracias a íconos como la silla Serie 7 (por Arne Jacobsen, 1955), el sillón lounge Swan (por Fritz Han-

© Verner Panton Design

Piezas históricas de mobiliario que ejemplifican los valores de Republic of Fritz Hansen: creatividad, maestría fabril y atención al más mínimo detalle.

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EL ROSTRO femenino del diseño internacional Entre técnica, materiales y un poco de esquizofrenia se descubren tres artistas con sus propuestas creativas, fuertes e ingeniosas.

Textos

Fields: Inner Monuments forma parte del proyecto Hidden Realities.

Ilustraciones cor tesía Ana Montiel

KARLA RODRÍGUEZ

NUEVOS TALENTOS

Una caja de pasiones El entusiasmo que vive en ANA MONTIEL es el eje que la ha llevado a querer aprehender todo el conocimiento que la vida le ofrece.

Everchanging Balance hace alusión a la escultura y la pintura, lo que tiene que ver con lo que la artista quiere expresar.

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TRAS NACER EN LOGROÑO, La Rioja –al norte de España–, vivir durante 11 años en Barcelona, otros cinco en Londres, para después brincar a la Ciudad de México y de acá trasladarse al mágico Tepoztlán, la española Ana Montiel ha destacado por su talento en el arte gráfico.

Ana Montiel, como también se nombra su firma, surgió en Barcelona al cambiar su pseudónimo Allan The Gallant por su propio nombre. Dicha transformación trajo como primer cliente a la marca de perfumería Nina Ricci para llevar a cabo proyectos de dirección creativa e ilustración. Sin embargo, la firma no se orientó únicamente a dicho ámbito, al contrario, “mi punto fuerte es no tener una especialidad en concreto, sino saber de muchas cosas a la vez y poder hacer polinización cruzada con esa experiencia y conocimiento.

Creo que el hecho de tener la mente en varias disciplinas al mismo tiempo puede llegar a resultar en un enfoque no ortodoxo”, asegura Ana. Su obra involucra herramientas tecnológicas y trabajo nativo digital, pero paralelamente ha puesto atención en el equilibrio de procesos, por lo que también emplea “elementos aire”, como ella misma los define haciendo alusión a la escultura y la pintura. Todo ello tiene que ver con lo que busca expresar y comunicar con cada proyecto, lo cual puede incluir reflexiones en torno a la ciencia y la misma existencia del ser humano. Ejemplos de lo anterior son: Bardo, un ensayo visual –en el que trabaja actualmente– con el que indaga acerca de la impermanencia y la búsqueda del sentido de la vida; y Fields, un proyecto a través del cual cuestiona cómo es que mediante la inducción a estados alterados de conciencia el ser humano puede expandir su apreciación al observar, además de reflexionar sobre conceptos neurocientíficos como la idea de que la realidad es una mera alucinación controlada. La española de 36 años ha estado presente en galerías, museos y plataformas editoriales, también en ferias como Maison et Objet y London Design Week. Parte de su obra tiene lugar en Petite Friture, Matters of Space y en el iPhone X donde colaboró con ocho obras originales para Apple. "Me identifico mucho con la cita de Oscar Wilde: Definir es limitar”. anamontiel.com

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NUEVOS TALENTOS

Desafiando a la naturaleza La venezolana ANABELLA VIVAS saca a los materiales de su zona de confort mediante diseño experimental.

Con la colección Botany (arriba), la artista busca abolir los valores simbólicos del espejo; mientras que con 100% Sand (abajo) expone los materiales.

ANABELLA HA BUSCADO diferentes caminos para hacer de los materiales algo que su misma naturaleza parece no aceptar. Y ha sido a través de su firma: Studio Anabella Vivas, que ha dado a conocer el resultado de los procesos implementados durante los tres años que lleva trabajando bajo ésta. “Juego con el equilibrio entre técnica, concepto y materiales para crear productos y experiencias en los espacios desde una nueva perspectiva basada en aprender a través de hacer y re-imaginar las posibilidades de producción”, comparte Anabella. Pero ¿de dónde surgen las piezas de la diseñadora? De tres instrumentos infalibles: papeles de colores, tijeras y post-it, en los que plasma sus ideas para después trasladarlas

a una dimensión física. Antes del surgimiento de su estudio en 2014, Anabella ya había tenido la oportunidad de presentarte en ferias de diseño.

Lo hizo en Dutch Design Week, Holanda, en octubre de 2013 con el proyecto Assemblage, compuesto de divisores espaciales ensamblados con a modo de pantallas en variados acabados y composiciones con la intención de cambiar la percepción del usuario al crear espacios de ‘su propia’ interpretación. Asimismo, su obra ha sido vista en el Salone del Mobile, en Milán, en 2014, 2015 y 2017. En la última edición presentó la colección Botany, con la que buscó abolir los valores simbólicos del espejo para dar paso al material –metal altamente pulido y erosionado– y a las

imágenes que obtenemos en él. “La capacidad de dejar de ser un objeto para convertirlo en un sujeto, difuminando la línea entre una pieza artística y un producto funcional”. Dentro de Studio Anabella Vivas, la venezolana de 30 años se ha dedicado a experimentar y darse a la tarea de jugar con cosas nuevas, cometer errores e incluso reír cuando no tiene éxito en su realización. De este modo, podríamos coincidir con Anabella en que su trabajo es un diseño experimental en el que la fascinación por los materiales se ve expuesta al sacarlos de su zona de confort. anabellavivas.com

Fotos cor tesía Anabella Vivas

NUEVOS TALENTOS

Botany difumina la línea entre lo que es una pieza artística y un objeto funcional.

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NUEVOS TALENTOS

Fotos cor tesĂ­a Alma MillĂĄn

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En la obra Vernis, la artista trabaja en el equilibrio entre formas y colores.

NUEVOS TALENTOS

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Rellenos de pintura fluorescente sobre imágenes antiguas parisinas es el concepto de las postales creadas por Leslie David para la tienda de diseño Colette.

Entre la fortaleza y la debilidad LESLIE DAVID se ha dedicado a descubrir nuevas técnicas y procesos en diseño, ilustración y arte.

“COMENCÉ a hacer trabajo personal para revistas cuando todavía estaba en la escuela y luego mi estilo evolucionó conmigo durante los años y mi trabajo con las obras que me solicitaban. No veo mi trabajo como una firma, intento disfrutar”, comparte la francesa. De este mismo modo, Leslie asegura que nunca ha planeado especializarse en alguna área, pues para ella representa el mayor temor tener que trabajar siempre para la misma clase de clientes.

Su talento comenzó a desarrollarse con la creación de visuales para músicos, pero más adelante se dio cuenta de que ello ya no le causaba gusto. Dando paso al mundo de la moda y el branding. Si algo le apasiona es sorprenderse a sí misma para después sorprender a quienes la rodean –una gran familia de talentosos en la pequeña región de París– a través de experimentación y sus intereses; siendo uno de ellos la realidad virtual. “No puedo esperar a ver las nuevas herramientas que van a cambiar el mundo y a las que todos tendremos acceso, muy probablemente, en nuestros teléfonos. Este mundo a veces da miedo, pero también es muy emocionante”. Sin duda éste es uno de sus motores creativos, pues

más adelante le gustaría crear “una familia con más colaboradores locos y creativos” para llevar a cabo proyectos de realidad virtual. Por el momento es preciso mencionar que su obra ha sido expuesta desde 2010 hasta la fecha; algunas de sus muestras más especiales han sido: Le nouveau Design en France d’influence Déco en Valencia, España; Happiness en Copenhague, Dinamarca; Par Ici Mon Kik en París; y Typojanchi Biennale en Corea del Sur. Algunos de los clientes con quienes ha trabajado: Adidas, Chanel, Chloé, Givenchy, Hermés, Kitsuné, Louis Vuitton, Nike, Opening Ceremony y The New York Times.

Es un hecho que cada proyecto ha influido en la vida de Leslie, tanto, como para describirse a sí misma en una sola palabra: esquizofrénica. “¡Estoy intentando hacer demasiadas cosas al mismo tiempo! Supongo que es una fortaleza que a veces puede convertirse en una debilidad”, sospecha. leslie-david.com

Fotos cor tesĂ­a

Ă˜sterbrogade 70 DK-2100 Copenhague, Dinamarca normann-copenhagen.com

ACTUAL | SHOWROOM

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Un cálido camino amarillo Normann Copenhagen | Sabine Larsen | Dinamarca Para esta temporada Otoño-Invierno, Normann Copenhagen abre las puertas de su exposición más reciente, la tercera en su tipo que presenta en su exclusivo concepto de showroom en Dinamarca mismo que es protagonista de una metamorfosis completa cada seis meses. Esta vez, se trata de una transformación notable, pues los pilares y arcos de la sala de exhibición ahora se abren a una habitación completamente desnuda, para hacer espacio a una instalación espectacular: una deslumbrante pista de color amarillo zafiro, que serpentea alrededor de la habitación de 1,700 m2, atrayendo la mirada de los espectadores hacia un mundo imaginativo de varias exhibiciones.

Es una colección completa de muebles que se adueña de un solo podio, utilizando el mundo de la moda como fuente de inspiración; así nace The runway issue que presenta desde sofás hasta tazas en unidad creativa, en una sola pasarela. Asientos de primera fila, un área entre bastidores montada en blanco sobre blanco y acentos, como varios rieles de ropa detrás del

escenario, completan la narrativa. En el día, el universo del espacio es terroso y atractivo, una mezcla de zafiro amarillo con cálida terracota y cacao profundo en una mezcla de composiciones artísticas, lo cual refleja el glamour de los setenta, así como de los clásicos atemporales. La gran sala es como un lienzo en blanco que destaca las exhibiciones artísticas en el podio principal. Los accesorios y los muebles están apilados a alturas notables o atados a bloques de espuma de gran tamaño.

Un sofá de terciopelo de color chocolate y sillas de nogal y bouclé capta las miradas de primera impresión. La pasarela se extiende hasta la galería de la planta baja, donde luce una sala experimental, cuyo aspecto rosa se ha transformado en una tentadora cueva dorada. “Amarillo significa positividad y energía. Especialmente en otoño e invierno, las paredes doradas y la pasarela amarilla brindan a la habitación una luz y una textura que se siente acogedora y tranquila”, dice Sabine Larsen, diseñadora del concepto. –ALM

ACTUAL | SHOWROOM

Fotos cor tesía IESA

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Lo sencillo sobre lo ostentoso ASKO | IESA | México

Todo comenzó en 1950 en Vara, Suecia, con el sueño de un joven innovador por construir una lavadora que facilitara la vida de su madre.

Una máquina única de uso eficiente de energía y agua que reflejara el amor de un granjero por la naturaleza. Con un rendimiento superior y fiabilidad que podía calentar el agua y girar, e incluso tenía tambores de acero inoxidable que eran duraderos y confiables. Hoy, 60 años más tarde, ASKO se ha convertido en una marca global que diseña y desarrolla equipos profesionales de cocina y lavandería. Platicamos con Gabriela García, directora de mercadotecnia de IESA –empresa importadora de equipos de cocina como Sub-Zero, Wolf, Franke, Dexa y Scotsman–, quien orgullosa nos dice que la línea ASKO recién se está lanzando en México y Latinoamérica. “Por su propuesta de diseño escandinavo, de estilo atemporal, natural y sencillo, además de su compromiso con el medio ambiente (puesto que se trata de equipos

hechos para ahorrar energía y agua); pensamos que sería muy bien recibida y no nos equivocamos”, asegura Gabriela, quien se ha dado cuenta de que los elementos clave del diseño escandinavo: elegancia discreta, manufactura de alta calidad y materiales naturales son una propuesta perfecta, sobre todo para residencias y departamentos. En Europa, las casas son muy funcionales; por eso, la propuesta de ASKO demuestra que el tamaño de los equipos no interfiere con la eficiencia ni con las necesidades de las personas para disfrutar de un estilo de vida con calidad. “Esta nueva línea ofrece un minimalismo suave y humano basado en el principio de que lo sencillo está de moda sobre lo ostentoso. A su vez, pone énfasis en la funcionalidad. “Nos esforzamos por hacer más fácil la vida de las personas, brindándoles interfaces que integren funciones prácticas y productos duraderos”. –ALM

Galileo No. 8 2o. Piso Polanco, Chapultepec, Ciudad de México Carretera Monterrey-Saltillo 3061 Fracc. Bosques del Poniente, Santa Catarina N.L. lafamiliaperfecta.com

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ACTUAL | HOST

Juego de grandes

“Desde mis primeras visitas a Cancún, para mí era un sueño diseñar un resort aquí. Me emociona mucho que sea mi primer proyecto en México”: KARIM RASHID Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Retrato CAMILA MEDINA

Fotos cor tesía de Original Group

Temptation | Karim Rashid | Cancún

Un hotel que rompe con los esquemas tradicionales y en el que se nota 'el toque Rashid' desde la fachada hasta los coloridos interiores.

Las formas curvas invaden los espacios de este resort, desde la iluminación, los sofás y las alfombras presentes en la recepción.

EL PROYECTO DE TEMPTATION Cancún comenzó como una travesía a alta velocidad, pues en su ubicación se encontraba el edificio original del hotel, que para renovarse tuvo que ser demolido y dar paso a un rápido proceso de construcción de 10 meses, en los que más de 1,200 trabajadores pusieron toda su energía para lograr la hazaña. Temptation es parte de los conceptos creados por Original Group, con más de 35 años de experiencia y se especializan en ofrecer experiencias únicas, sólo para adultos.

Para Karim, “el diseño es un gran diferenciador y debe ofrecer una experiencia a través de su función a nivel físico y emocional”, lo que explica porqué el resort ofrece un concepto que rompe los esquemas en hotelería, ya que además de brindar servicio todo incluido, sólo admiten huéspedes mayores de 21 años pues existe una etiqueta de topless opcional. El sello de Karim comienza desde la fachada, pues diseñó un mosaico que abarca un gran espectro de color, las tonalidades color ciruela se vierten hacia la

entrada como si se tratara de una invitación. Al interior, el edificio central separa sus siete pisos por un color distinto. La alberca principal del hotel, llamada Sexy Pool, es uno de los puntos insignia por sus amenidades y servicios, además de ser el punto de reunión para las fiestas temáticas que se celebran diariamente en el bar Bash, el corazón festivo del hotel. El edificio de formas curvas está flanqueado por dos complejos más pequeños; por un lado, está la zona Chill y por el otro la zona Relax, donde se encuentra la Quiet Pool, una piscina con servicio de bar, amenizada con música más relajada y casual. En conjunto, el hotel cuenta con 426 habitaciones y suites que mantienen una relación cromática con la identidad visual del hotel, cinco bares, una cafetería gourmet, un spa, una sala de belleza, un fitness center, siete restaurantes de especialidad (liderados por el chef ejecutivo Adrián Peregrina), de los que destaca She, por su menú afrodisiaco que se sirve sólo durante la cena y bajo reservación.

Los interiores de cada uno de los restaurantes

y bares, también fueron diseñados con un concepto diferente, entre los elementos de mobiliario se encuentra una amplia selección diseñada por Karim, como las sillas y mesas de la colección Vertex, además de macetas Vlek, sillas Voxel, todas producidas por Vondom, quienes también está presentes en el bar Bash, con los bancos y mesas de la colección Wing diseñada por A-Cero, que son apenas una muestra de todos los objetos de diseño que se encuentran el hotel.

Por otro lado, las habitaciones son en su mayoría espacios en blanco que tienen elementos de color, con la intención de darles energía y vibración visual. En palabras de Karim, “el color es hermoso, si lo utilizas bien” y parte de ello es visible en el equilibrio tonal que habita cada uno de los espacios del complejo. karimrashid.com temptation-experience.com

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ACTUAL | HOST

Vitalidad y color entre rascacielos Ritz-Carlton Chicago | BAMO | Estados Unidos

en una obra maestra dramática e inspirada en el entorno urbano; mientras que en el Salón Central resalta una impresionante escultura flotante y ondulante, hecha de cuatro tipos de vidrio soplado a mano que, en tonos azules, recuerdan al lago Michigan. Detalles como las columnas de mármol en el centro del lobby principal y pantallas metálicas brillantes que crean estructura y dimensión en todo el espacio, son testimonio de la arquitectura moderna e ingenio industrial de Chicago. El hotel brilla aún más con su Salón de Baile, que se presume como el más grande de Chicago y que está adornado magistralmente con una araña de cristal restaurada, grandes espejos y una espectacular vista del horizonte.

Otro punto destacado del hotel es su nuevo Spa and Fitness Center que está lleno de elementos de piedra y noble nogal, creando una atmósfera de tranquilidad en medio del caos urbano.

Finalmente, no habría renovación completa sin nuevos espacios de comedor; así es como Torali Italian Steak se convierte en un asador italiano contemporáneo con un menú inspirado en el modernismo italiano. –ALM

Water Tower Place 160 E Pearson St, Chicago, IL 60611, Estados Unidos ritzcarlton.com bamo.com

Fotos Dave Burk

“Un testimonio del tiempo alineado con el presente”, así es como el equipo creativo del despacho de diseño BAMO –con sede en San Francisco, Estados Unidos y presente en más de 20 países de 5 continentes– describe la renovación hecha en septiembre pasado en el hotel Ritz-Carlton Chicago, un edificio histórico con una arquitectura audaz que continúa contagiando de vitalidad a una de las ciudades con mayor propuesta arquitectónica. Ubicado en Water Tower Place, es uno de los pocos inmuebles que sobrevivió al Gran Incendio de 1871, un desastre que duró tres días y destruyó varios kilómetros de la ciudad. Por eso, Billy Quimby, diseñador principal de este proyecto de renovación, decidió crear espacios sublimes para este icónico lugar. Su principal inspiración viene de la ciudad misma, lo que da como resultado una conexión muy particular de los elementos de diseño de la fachada histórica del edificio y sus alrededores con materiales, como la piedra llamada gris solar, con los que trae la energía de Chicago a los ambientes interiores del hotel. Así, el vestíbulo principal se convierte

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ACTUAL | TABLE

El nuevo hot spot de las calles madrileñas es Rómola, un lugar que toma su nombre de la novela homónima de George Elliot, cuya historia se desenvuelve en la Florencia del Renacimiento; inspirados en dicha lectura, los creadores del restaurante retomaron ideas de belleza y libertad.

Lo que el comensal encontrará en este lugar son dos afirmaciones clave: por un lado, se encuentra el placer de disfrutar y por otro la importancia de cuidarse a sí mismo, de estas dos frases se extrae la propuesta gastronómica, creada por el chef ejecutivo Jorge Reina en colaboración con Pronaf, empresa dedicada a la educación de hábitos de vida saludables. Gracias a esta mancuerna, el menú contiene sólo alimentos hipocalóricos, libres de conservantes, azúcares añadidos, grasas trans o harinas refinadas y toma ingredientes como carnes de libre crianza, pescados salvajes y una cuidadosa selección de hortalizas y frutos.

El espacio fue diseñado por el equipo del arquitecto Andrés Jaque, quienes transformaron el lugar en un templo al arte y la belleza, listo para deleitar a los comensales con referencias a la estética clásica a través de materiales como roble, terciopelo y mármol, que conviven en la sala de doble altura que sirve como acceso, la semiterraza rodeada de cristales abatibles y la zona principal que está habitada por impresionantes piezas de mármol estatuario, detalles iridiscentes y vegetación que convive con el mobiliario tapizo en color verde oliva.

El diseño de marca corrió a cargo de la agencia Knom, quienes crearon además del logo, juegos geométricos monocromáticos para la comunicación visual presente en carta, vasos, etiquetas, embalajes y por supuesto en la vajilla; finas líneas que contrastan con los colores vibrantes de los alimentos. En resumen, Rómola contiene todo un estilo de vida, donde el resultado incluye más allá de lo culinario y lo equilibra con la belleza, la arquitectura y el arte. –IA

Apetito para los sentidos Calle de Hermosilla, 4, 28001 Madrid, España romola.es andresjaque.net knom.es

Fotos cor tesía Rómola

Rómola | Andrés Jaque | España

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Fotos Jaime Navarro

ACTUAL | TABLE

Una pérgola de madera que mira al cielo Piedra Sal | VGZ arquitectura | México

En la esquina de Paseo de la Reforma y Prado Sur en la colonia Lomas de Chapultepec y en donde curiosamente otros lugares no habían tenido el éxito esperado, la arquitecta Verónica González Zavala del despacho VGZ arquitectura asumió la tarea de llevar a cabo su primer proyecto de restaurante: Piedra Sal. Ya casi va a ser un año de que el restaurante está en operaciones y el espacio impresiona por su arquitectura y diseño: una amplia terraza con mucha luz natural, techos altos de madera, lámparas colgantes y una barra semicircular en medio del restaurante. González Zavala platica que desde que conoció el lugar se percató de tres retos importantes: Ocultar la vista de una gasolinería ubicada justo en la calle de enfrente del restaurante y que robaba mucho del escenario urbano alrededor del sitio; crear una entrada cómoda y atractiva por medio de la cual se notara la actividad al interior del restaurante,

pero de una manera sutil y sugestiva, e integrar el espacio de forma tal que las familias también pudieran disfrutar de la terraza. Luego de idear varias pruebas, se creó un espacio cóncavo que resuelve a la perfección los tres retos planteados. Para darle un toque aún más acogedor, la arquitecta Verónica optó por mantener un tema monocromático con los materiales en tonos grises y madera. La barra central se diseñó como el elemento focal en latón de color dorado. Todo fue fabricado especialmente para Piedra Sal por artesanos mexicanos, como Muro Blanco, Local (con base en Guadalajara y que se encargó de la carpintería), David Pompa (luminarias colgantes), La Chicharra (con sede en Oaxaca y quienes diseñaron la vajilla), Claudia Ballesteros (rebozos y cojines) y Entorno (encargado de la arquitectura de paisaje). Sí hay mobiliario importado, pero el protagonismo del ambiente se lo lleva lo ‘Hecho en México’. –ALM

Paseo de la Reforma 1101 Lomas de Chapultepec V Secc 11000, Ciudad de México piedrasal.com

Inspirada en el kawil, Aram Lee desarrollรณ una colecciรณn textil que evoca texturas, colores y tramas del tejido original.

TEXTIL

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OBJETOS y significados emancipados A partir de un objeto que actualmente está en desuso se integró una colección textil histórica y sociocultural.

Fotos cor tesía Aram Lee

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

ARAM LEE es una diseñadora originaria de Corea del Sur que recientemente obtuvo su maestría en Diseño Contextual por la Academia de Diseño de Eindhoven, situada al sur de los Países Bajos. Durante ese periodo académico desarrolló Dutch Wife, una serie de objetos textiles. Aram viajó a Indonesia y rastreó el objeto hasta sus raíces históricas, con el objetivo de presentarlo a los holandeses.

La colección es la ejemplificación de la narrativa y el valor que se le otorga a los objetos a medida que se trasladan de un contexto cultural a otro; en el caso de Dutch Wife, que en español significa “Esposa Holandesa”. El desarrollo conceptual fue a partir del kawil, un cojín de bambú, popular en Indonesia.

Durante el siglo XVII, cuando el país insular era una colonia neerlandesa, el cojín fue nombrado “Esposa Holandesa”, alusión sarcástica hacia las mujeres indonesias que contraían nupcias con hombres holandeses.

Originalmente, el cojín era hecho con fibras de bambú que se tejían a mano hasta formar una malla cilíndrica de las dimensiones de una persona. El cojín, ahora en desuso, era utilizado durante el descanso para tener una superficie confortable que se pudiera abrazar y al mismo tiempo tener una vía de ventilación, porque en realidad está creado para climas tropicales.

Para la diseñadora era importante que los holandeses supieran del objeto, para extraerlo de su contexto original y agregar nuevos significados al adaptarlo al entorno climático, estético y temporal de los Países Bajos. En este sentido, Aram nos compartió: “Al deconstruir Dutch Wife y aplicarlo a un objeto familiar para el contexto frío propio de Holanda (como una manta), le reasigné un rol al artefacto colonial. Con este proyecto, investigué la pérdida de los significados en un mundo globalizado, donde diferentes identidades culturales (la del colonizador y la del colonizado) interactúan dentro de un único objeto que, a su vez, renueva a su contexto”.

La idea central del proyecto es invertir simbólicamente el proceso de colonización y “emancipar” al objeto con materiales y usos más familiares para la sociedad holandesa, es decir, ahora Dutch Wife será la encargada -corpórea y conceptualmente- de abrazar a quienes la usen y la tomen como propia. Al deconstruir y aplicar los principios de producción originales a una serie de mantas, Aram ofrece una versión contemporánea, que ya no se trata de conceptos holandeses en Indonesia, sino que cuenta una historia sobre el presente. leearam.com

ADVERTORIAL

LA CASA DEBE RODEARSE DE UN AMBIENTE QUE AYUDE A LAS PERSONAS A RELAJARSE AL FINAL DE LA JORNADA DIARIA.

ADVERTORIAL

Espacio, estilo y personalidad

Descubre las tres propuestas de Helvex

by Designers para reinventar espacios.

Fotos cor tesía

En el año 2014, el concepto de interiorismo se reinventó gracias a una línea exclusiva que renueva la propuesta de confort, calidad y estilo: Helvex by Designers, la cual combina todos sus elementos con un estilo auténtico según el concepto de espacio, estilo y personalidad que se quiera reflejar. Siempre con el respaldo de Grupo Helvex.

La línea Helvex by Designers es capaz de combinar la estética y funcionalidad, para crear un ambiente placentero. Da vida a una original e innovadora oferta en grifería de diseño y recubrimientos entre los que se encuentran porcelanatos italianos de gran formato y mármoles tecnológicos que brindan un diseño y ventajas únicas. Con esta gama de artículos, se convierte en la mejor propuesta integral para lograr hermosos espacios con una gran sensación de amplitud, más cómodos y acogedores.

Las tres propuestas de diseño de Helvex by Designers para reinventar las atmósferas son: Make it big: Porcelanatos laminados ultra delgados y mármol tecnológico de gran formato. Recubrimientos de última tecnología que mejoran estéticamente las cualidades de un porcelánico, sin las deficiencias de un material de extracción natural.

Make it trendy: Toda la clase y el estilo para revestir de forma única, espontánea y creativa los pisos y paredes de la casa.

Make it unique: Enfoca su genio creativo en el ambiente del baño, el cual se convierte en el lugar de encuentro perfecto entre el individuo, el diseño moderno y la necesidad fundamental de la practicidad.

La casa que todos queremos debe rodearse de un ambiente que ayude a las personas a relajarse y descansar al final de la jornada diaria. La proximidad a la naturaleza, la búsqueda de la armonía y el equilibrio y el uso de tecnología son las principales tendencias en el diseño de interiores que ofrece Helvex by Designers. La meta es lograr una experiencia de especificación de calidad superior. El diseño debe ser atemporal y debe ser capaz de emocionar, pase el tiempo que pase. ¿Cómo lo conseguimos? Buscando esa conexión de las personas con su entorno a través de diseños que estén hechos con amor y con respeto al medio ambiente. Sentir que cada objeto es fiel a uno mismo y a nuestra manera de ser, la manera Helvex by Designers. helvex.com.mx

LA LÍNEA HELVEX BY DESIGNERS COMBINA ESTÉTICA Y FUNCIONALIDAD PARA CREAR AMBIENTES PLACENTEROS. SUS TRES PROPUESTAS DE DISEÑO: MAKE IT BIG, MAKE IT TRENDY Y MAKE IT UNIQUE REINVENTAN ATMÓSFERAS.

DISEÑO + HISTORIA

SOTTSASS de cristal

Sottsass desarrolló piezas de cerámica y vidrio, durante un periodo que abarcó desde 1947 hasta finales de su carrera.

Fotos cor tesía de la Exposición: ”Ettore Sottsass: il vetro” © Ettore Sottsass by SIAE 2017

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DISEÑO + HISTORIA

El arquitecto y diseñador Ettore Sottsass, personaje esencial en la historia del diseño y actor fundamental para establecer el estilo italiano, trabajó de manera profusa con una cantidad enorme de materiales, incluido el vidrio.

Texto

Retrato por Bruno Gecchelin

ITAYEDZIN ARAGÓN

RECONOCIDO por su trabajo en mobiliario, objetos de cerámica y máquinas de escribir, Ettore también desarrolló piezas de cerámica y vidrio, en un periodo que abarcó desde 1947 y llegó hacia finales de su carrera. Es justamente esta faceta, la menos conocida e incluso algunas piezas de su autoría no se habían exhibido hasta este año, que se realizó una muestra en Le Stanze del Vetro, en conmemoración del centenario de su nacimiento.

La primera pieza de vidrio que se desarrolló en manos de Sottsass data de 1947, ésta fue comisionada para una de las primeras Triennale, justo después de la Segunda Guerra Mundial; ese objeto era una esfera de vidrio con un patrón escocés, donde se intercalaban líneas oscuras y claras. Ese acercamiento al material lo llevó a mantener un lazo creativo, cuyos resultados fueron innovadores y sirvieron para colaborar con los talleres más reconocidos de su tiempo.

Sottsass llegó a referirse al vidrio como “un medio increíble y a la vez misterioso, transparente y frágil”. Durante una de sus últimas entrevistas mencionó que, justamente, “a través del vidrio uno se encuentra con todo un universo y tradiciones centenarias”, entonces, reconoció la fascinación que ha envuelto al vidrio desde su descubrimiento cuyo aspecto casi mágico ha sido objeto de experimentación constante; pues es parecido a la cerámica, ya que ambos tienen un característica peculiar: realmente no se sabe qué pasará durante su quema, y con sólo ésta idea el arquitecto vivió seducido al trabajarlo. “De

El vidrio es un medio increíble y a la vez misterioso, transparente y frágil.

"Estoy profundamente involucrado cuando hago vidrio": Ettore Sottsass.

repente, en el proceso surge un objeto puro, quemado por el fuego, un objeto de absoluta pureza e intangibilidad física. Es como una visión. Estoy profundamente involucrado cuando hago vidrio.

El vidrio es espectacular”.

A pesar de que Sottsass tuvo contacto con talleres de la isla de Murano desde los años 40, fue hasta 1974 que experimentó por completo el potencial de los cristales que ahí se trabajan, con la primera serie que desarrolló para los talleres de Vistosi, durante este proyecto realizó al menos treinta bocetos, de los cuales sólo diez llegaron a ser producidos gracias a la maestría de los artesanos. Posteriormente, después de que creara el Grupo Memphis en 1980, diseñó vasos de vidrio en colaboración con los artesanos de Toso Vetri d’Arte, ocho piezas nombradas como estrellas con rasgos sobresalientes que resaltaban los tonos y la transparencia del material, lo que los transformó en mucho más que simples contenedores. Para 1986, Sottsass regresó a Murano, en esa ocasión, promovió que se utilizara adhesivo químico, desafiando el manejo tradicional del cristal en la isla, se realizaron 34 piezas que evocaban a la Grecia clásica, sobresalientes por el manejo de color, y la superposición de elementos,

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DISEÑO + HISTORIA

ya fuera suspendidos, insertados o adheridos.

A finales de los ochenta la compañía japonesa Yamagiwa solicitó al arquitecto el diseño de quince lámparas de manufactura italiana para una exposición en Tokio. Está vez, la elaboración corrió a cargo de la compañía Vetraria Muranese. Hacia los 90, Ettore comenzó a combinar el vidrio con otros materiales como madera, metal o mármol, rompiendo nuevamente con los esquemas del manejo del material. En la década subsecuente, el diseñador fue llamado por el Centro Internacional de Investigación de Vidrio y las Artes Plásticas (CIRVA por sus siglas en francés) en Marsella, ahí pudo experimentar con los formatos de sus piezas, agrandando la escala a niveles escultóricos y mezclando materiales sin las limitaciones de la tradición italiana. Para 2001, creó la colección Kachinas, inspirada en muñecas de madera que observó en el estudio de

Fotos Enrico Fiorese © Ettore Sottsass by SIAE 2017

Para 1986, Sottsass diseñó 34 piezas que evocaban a la Grecia clásica con elementos suspendidos, insertados o adheridos, como Clesitera, para Grupo Memphis.

George Nelson; estas piezas tienen un propósito imaginario de protección, sirviendo como ídolos paganos para los coleccionistas.

La manera para crear del diseñador italiano fue desafiante y marcó pautas para nuevas corrientes, a pesar de que trabajó fuera de las normas tradicionales, realmente no lo hizo con la intención de establecer nuevas escuelas y cambiar lo establecido, simplemente disfrutaba experimentar con los cánones de función, armonía y belleza porque sus intereses se volcaban en buscar lo inesperado, en jugar con los resultados y hacer composiciones que llevaran al espectador/usuario a cuestionarse, a reaccionar ante lo que estaba viendo y afirmar la existencia de la otredad, concepto sumamente necesario para nuestros días. sottsass.it lestanzedelvetro.org

1917

Ettore Sottsass nació el 14 de septiembre en Innsbruck, Austria.

1939

Se graduó como arquitecto en el Politecnico di Torino en Italia, durante este periodo trabajó realizando ensayos sobre arte y diseño interior.

1946

El arquitecto se mudó a Milán, donde colaboró para la Triennale di Milano como curador.

1959

Recibió el Compasso d’Oro, por el diseño para la computadora Elea 9003, producida por Olivetti.

1965

Diseñó los primeros «Superbox», armarios recubiertos con laminado plástico, donde combinaba colores brillantes y texturas de rayas.

DISEÑO + HISTORIA

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La instalación Ettore Sottsass: il vetro (2017), marca pautas para las nuevas generaciones.

1968

El Royal College of Art en Londres le concedió a un doctorado honoris causa, por su trayectoria.

1969

Diseñó la máquina de escribir portátil Valentine para Olivetti, parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York.

1980

Fundó el Grupo Memphis junto a otros arquitectos y diseñadores, cuyo debut fue aclamado en el Salone del Mobile de Milano en 1981.

1981

Estableció la firma Sottsass Associati, estudio que mantiene vigentes la filosofía y los principios creativos del arquitecto.

2007

Ettore Sottsass falleció el 31 de diciembre, en Milán.

DISEÑO + EMPRESA

PIEZA sobre pieza Un interesante ejercicio de creatividad que explora los orígenes del mármol.

Una pieza de medidas iguales para que coincida en sus diferentes configuraciones.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Fotos cor tesía IHO Espacios

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DISEÑO + EMPRESA

WORK IN PROGRESS indaga entre los orígenes de un material, como el mármol, y la relación que se da entre éste, la obra y su creador. La iniciativa para llevarlo a cabo es de Mármoles Arca + The Woodshop, una empresa mexicana que ha logrado colocarse entre las diez más importantes en el rubro de los mármoles y la madera a nivel mundial. La idea surgió de cómo crear actividades que les permitieran acercarse más a arquitectos y diseñadores, y colaborar con ellos en lo que más les gusta hacer: crear proyectos. Así fue como a principios del 2017 organizaron un viaje muy sui generis, pues lograron reunir a siete arquitectos y diseñadores de los más reconocidos de México con el solo objetivo de que conocieran las raíces y el proceso de extracción del mármol. Así reunieron a Héctor Esrawe, Javier Sánchez, Mauricio Rocha, Javier Cleverie, Rafael Rivera, Jorge Arvizu y Manuel Cervantes para recorrer la ciudad de Carrara, en Italia, donde el mármol se hizo ‘un objeto de lujo para los nobles’ por ser un material que, por su conformación de color y superficie lisa, se adaptaba muy bien a la búsqueda de la perfección de escultores y artistas. El recorrido por esas increíbles canteras llenas de paisajes compuestos por la prestigiosa piedra blanca, no sólo fue una experiencia inolvidable de amistad para este gran equipo de creativos, sino que también derivó en una

Fotos Arquine | cor tesía

El recorrido por las canteras de Carrara fue una experiencia de amistad, que se transformó en una colaboración de un gran equipo creativo.

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De la colaboración entre arquitectos y diseñadores surgió el pabellón que Mármoles Arca + The Woodshop presentaron en Expo Cihac 2017.

colaboración para el diseño del pabellón que Mármoles Arca + The Woodshop presentaron durante Expo Cihac 2017 y el cual muy pronto será puesto en el Bosque de Chapultepec de la Ciudad de México como una instalación. Dicho pabellón se integró de una pieza –de medidas iguales para que coincida en sus diferentes configuraciones–, reproducida más de 400 veces. Parte de este proceso de trabajo sirve para cuestionar las inversiones millonarias que se hacen para ferias en las que los proyectos tienen una vida útil de muy pocos días y al final se desaprovechan o terminan por ser poco apreciadas. Por esta razón, es que se propuso que la pieza alargara su tiempo de vida y terminara siendo una pieza que habitara el espacio público, con el fin de difundir el trabajo colaborativo que se forja como parte de estas iniciativas de diseño. marmolesarca.com.mx

Héctor Esrawe, Javier Sánchez, Mauricio Ochoa, Javier Cleverie, Rafael Rivera, Jorge Arvizu y Manuel Cervantes en un viaje muy sui generis para conocer el mármol.

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DISEĂ‘O + EMPRESA

Se crearon piezas de mobiliario personalizadas para el espacio, como carritos tradicionales de alimentos.

DISEÑO + EMPRESA

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Entre lo VINTAGE y las luces de BULBO La metamorfosis de un oscuro restaurante en un hotel de China a un versátil e iluminado recinto para conferencias, ferias y convenciones.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Fotos XIA ZHI

NERI & HU –con sede en Shanghai, China y con una oficina adicional en Londres– reconfigura lo que era el restaurante BEI en el hotel The Opposite House y lo transforman en BEI Space, una sala multifuncional de aspecto vintage que ahora atiende la creciente demanda de lugares para reuniones, conferencias y eventos en Beijing.

Habitualmente, este tipo de salones solían estar ubicados en los rincones oscuros y sin luz natural de los hoteles chinos; sin embargo, Lyndon Neri y su socia Rossana Hu optan por romper con ese esquema y, aprovechando un tragaluz existente en el espacio, aportan la mayor cantidad de iluminación posible al ambiente. El concepto de diseño resultante crea un paisaje que se baña de luz e inserta una caja de cristal luminosa en su interior. El paisaje comienza desde el tragaluz, elevado a lo largo de los bordes del sitio, cuya extensión se articula a través de una serie de estrato de terrazo vertical, aparentemente

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DISEÑO + EMPRESA

tallado y cortado con precisión para definir el corredor envolvente. Guiado por la dirección de la luz del día, el estrato de terrazo corre en una dirección uniforme hacia el borde de una cámara subterránea. Sentado dentro de ese paisaje hay un objeto translúcido parecido a una joya que brilla tanto de día como de noche. Los límites de la caja luminosa definen el perímetro del espacio funcional principal que puede dividirse según sea el uso y las necesidades de cada reunión o evento. Tomando en cuenta las señales de las construcciones de ladrillo gris que son omnipresentes en Beijing, el recinto de vidrio en realidad está formado por ladrillos de vidrio fundido dispuestos en un patrón de enlace de ladrillo típico. Cada ladrillo se coloca cuidadosamente pieza por pieza, y se ata estructuralmente a un sistema de pared vertical. El material permite que toda la luz natural penetre profundamente en el espacio mientras que sólo ofrece vistas oscuras, para mantener un cierto nivel de privacidad.

Para darle un toque particular al nuevo lugar se crearon piezas de mobiliario personalizadas, como estaciones móviles de alimentos y bebidas que siguen el modelo de los carros tradicionales de vendedores ambulantes. También las luces de bulbo están diseñadas para BEI Space; Lyndon y Rossana decidieron colocarlas conforme un sistema de iluminación simple, pero elegante.

Así, este nuevo recinto de eventos de 350 metros cuadrados se integra a uno de los centros económicos más importantes de China. neriandhu.com

Un espacio que se baña de luz e inserta una caja de cristal en su interior, así se describe a BEI Space.

DISEÑO + EMPRESA

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TALLER

La Tequilana, un material de textura suave, fue presentado en Inédito durante Design Week México 2017; obtuvo Mención Honorífica por su impacto ambiental.

TALLER

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Tejido, diseño y bordado 100% MEXICANO La Tequilana es un material 100% mexicano, que proviene de la fibra del agave tequilero. Calvirugs lo retoma y, a través de un proceso natural, lo hace una fibra ideal para tejer tapetes.

Fotos cor tesía de Calvirugs | Shutterstock

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

HACE CINCO AÑOS, Juan Carlos Calvi junto con Francisco Toledo participaron en un taller de felpa en el Centro de las Artes San Agustín en Oaxaca. Esta iniciativa marcó a Juan Carlos, ya que es él quien está más involucrado en la parte textil de la firma mexicana Calvirugs, especializada en la manufactura de tapetes a la medida y fundada en 1997 de la mano de sus hermanos José Luis y Patricio. Como parte de ese taller, Juan Carlos realizó viajes intermitentes que le permitieron conocer el trabajo de artesanos locales y conoció numerosas técnicas tradicionales de tinte, tejido, bordado y cardado. A raíz de esta experiencia, comenzó la búsqueda de un proceso con enfoque social, que aportara valor localmente y tuviera un impacto positivo desde dentro.

El proyecto se dirigió a la producción de una fibra proveniente del agave, planta popularmente conocida como maguey, materia prima indispensable para la obtención de destilados como el tequila. El proceso retoma las investigaciones de Gunnar Hellmund, director de Sol y Agave de Arandas, una empresa que ha dirigido sus esfuerzos en este sentido. Este año, complementando la investigación de Hellmund, Calvirugs obtuvó la Tequilana, un material de textura suave que fue presentado en Inédito durante Design Week

México 2017 y que obtuvo Mención Honorífica en esa plataforma por su impacto ambiental.

El procedimiento para obtener Tequilana comienza con el corte del agave; los jimadores extraen la piña y desechan las pencas, algunas veces quemándolas a cielo abierto. En este proceso las pencas se pasan por una desfibradora, la cual separa la fibra del bagazo y el agua. Esa fibra se seca al sol, lo que resulta en un producto parecido al henequén. Hasta este punto se ha trabajado igual, el henequén ha servido para hacer cuerdas por muchos años, pero en Calvirugs necesitaban un material más terso que pudiera competir en el mercado textil. Juan Carlos realizó múltiples

Las pencas que se utilizan para la Tequilana, son un residuo del proceso del tequila, ya que los jimadores cortan la piña del agave y desechan el resto de la planta.

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TALLER

Los hermanos Calvi tienen más de 20 años haciendo tapetes en Nepal, India y México con materiales provenientes de todo el mundo.

pruebas, “cada semana llegaba con una motita nueva de material, nos sentábamos a tocarla y compararla con otros materiales con los que ya trabajábamos”, comenta. Así, el proceso se repitió hasta encontrar la fibra adecuada, que es suavizada con un proceso natural, libre de químicos.

Los artesanos del taller cardan la fibra a mano, con cepillos y luego se hace el mismo proceso con una cepilladora que arroja un resultado más fino. Después se hila con una torcedora semiautomática. Durante el proceso de cardado e hilado se hacen hilazas completas de agave o se combinan con otras fibras naturales como lana o alpaca. Una vez hilado el material, se tiñe con anilinas o tintes naturales como añil, cochinilla, manzanilla, nogal, té negro, pericón, granada o mora, entre otros. Ya teñido el material se trata como a cualquier otro: se elige un diseño de la colección, se anuda con la ayuda de un aparato semimanual, el cual inserta el hilado en una tela de soporte previamente tensada en un marco. El resultado depende de la destreza manual de quien opera la máquina.

La Tequilana es el primer resultado de Calvirugs para ofrecer sus primeros tapetes 100% mexicanos, algo que llena a los hermanos Calvi de orgullo, especialmente a Juan Carlos.

El próximo paso es producir tapetes con Tequilana en telares horizontales de pedal y hacer el material más accesible para artesanos de todo el país. calvirugs.com

Una vez hilado el material se tiñe con pigmentos naturales como: añil, cochinilla, manzanilla, nogal, té negro, pericón, granada o mora, sólo por mencionar algunos.

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MEXICANOS DESTACADOS

Industria, diseño y mercado

La colección Óptico para Lamosa está inspirada en las obras artísticas del Op Art y, en particular, en el trabajo geométrico del pintor colombiano Omar Rayo.

MEXICANOS DESTACADOS

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“El diseño industrial debe continuar mirando a la creatividad como fuente de competitividad”: EMILIANO GODOY.

Foto cor tesía

Texto KARLA RODRÍGUEZ

TRAS LOS PASOS de este mexicano, lo que resta hacer es un reconocimiento por su labor en el mundo del diseño no sólo industrial, sino interior, museográfico, de branding y su estrecha relación con la arquitectura.

Desde sus 21 años ha tenido contacto con estas dimensiones creativas, a esa edad “hice la imagen de una marca de agua, y a los 22 monté junto con Luis Mercado Rojo nuestra primera oficina que se llamaba AC-3, desde la cual comenzamos a diseñar mobiliario, stands, exposiciones, proyectos gráficos y de producto”, puntualiza.

Sin embargo, ello no significa que en su vida sólo existiera ese camino, pues también asegura que nunca decidió de manera definitiva tomarlo. En su mente existían tres opciones: música –para dar futuro al grupo que tenía–, comunicación y diseño. Comparte que hizo el examen para el trío de carreras y el programa que daba inicio primero era el de diseño industrial.

Y aquí está el fruto de ello, por supuesto, sin abandonar las otras dos disciplinas, ya que, a lo largo de su vida, ha continuado haciendo música y ha estado enganchado a temas de comunicación y edición, lo que le ha dado la oportunidad ser observador de la evolución y el uso de tecnologías en sus áreas. “Eso me ha permitido entender dónde funcionan y dónde no, pues también es cierto que en muchos casos la mejor

En muchos casos, la mejor tecnología para un producto es un telar de cintura o un formón bien afilado.

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MEXICANOS DESTACADOS

tecnología para un producto puede ser un telar de cintura o un formón bien afilado”, asevera.

La obra de Emiliano Godoy tampoco se conoce únicamente a través de su firma de autor, sino que es visible en diferentes ejes conectores del mercado. Por un lado, trabaja para fabricantes y, por otro, como socio desde Tuux, una firma multidisciplinaria que destaca por proyectos como el Pabellón México en la Bienal de Arquitectura de Venecia y el Pabellón Cultural Migrante; también como socio en Hecho y Derecho, una plataforma de venta de mobiliario en línea; además del Abierto Mexicano de Diseño y de Muta, un proyecto de diseño y fabricación de instalaciones deportivas. Las intervenciones más recientes de Emiliano son: dos nuevas colecciones para Nouvel Studio; una luminaria para la nueva firma mexicana-canadiense Decimal; el diseño y adecuación arquitectónica de los espacios y muros de exhibición en el Museo de las Constituciones con Tuux para la UNAM, del cual comparte que se conforma de casi 1000m2 dentro del ex convento de San Pedro y San Pablo; la primera tienda de Livanna en sólo 6m2, una firma mexicana de ropa para niños y adolescentes; un muro de escalar dentro de Sports World Manacar con Muta; y el lanzamiento de 80 productos en el 2017 con Hecho y Derecho. De este modo. Godoy ha hecho lo suyo caminando hacia el crecimiento y desarrollo de un México mejor, que mira a la creatividad como una fuente de diversificación y competitividad. “Espero que el diseño industrial en México continúe por este camino y juntos logremos rearticular una muy necesaria red de industria, diseño y mercado”, concluye. emilianogodoy.com

Un juego de texturas al tacto y la vista con elementos atemporales, así es el restaurante Bartola, una colaboración entre Tuux y el diseñador gráfico Quique Ollervides.

Los jarrones Pizzelle para Nouvel Studio buscan nuevos caminos en la fabricación de moldes de bajo impacto ambiental en el soplado de vidrio.

MUSEO DE LAS CONSTITUCIONES Sus nuevos espacios de exhibición se configuran a partir de una serie de muros museográficos que generan un diálogo contundente con la imponente arquitectura del extemplo de San Pedro y San Pablo. Estos muros se fabricaron con contrachapado de abedul para la estructura y con laminado especial con chapa de teca proveniente de bosques nacionales de explotación sustentable, para las cubiertas. Se eligió la madera para generar una distinción cálida de los elementos históricos y generar un contraste con los soportes de los video-muros y sistemas interactivos. tuux.mx

ADVERTORIAL

RESULTADOS PARTICULARES

Fotos cor tesía Anfora

Cada vez más, los ar tistas y diseñadores interactúan con la industria para crear resultados inigualables, acompañados por tendencias mundiales.

Desde su fundación en 1920, Anfora ha desarrollado una porcelana vitrificada resistente. Su más reciente área de desarrollo es Anfora Studio fue creada en 2012 para producir piezas de vanguardia.

Anfora es uno de los canales para acercarse a la industria cerámica; se ha dedicado desde hace casi un siglo a la producción de cerámica y porcelana de alta calidad. Desde su área de desarrollo experimental: Anfora Studio -donde ofrecen la apertura para crear piezas específicas-, buscan consolidar relaciones con artistas, chefs, diseñadores y arquitectos para generar proyectos particulares y crear objetos únicos o diseños que no se encuentran en el catálogo de línea de la marca.

La principal plataforma de proyección con la que cuenta Anfora es Zona Maco, ya que han participado exponiendo con diferentes artistas, arquitectos y diseñadores, quienes crean piezas de vajilla de edición limitada, llenas de inspiración, creatividad y un toque de su personalidad.

Entre los artistas y diseñadores con los que han colaborado están Alonso Cartú, Christian Vivanco, Rodrigo Noriega, Prince Lauder, Ariel Rojo y Vena2, quienes han contado con el acompañamiento de Anfora Studio durante el desarrollo completo de sus colecciones; el proceso va desde la conceptualización, bocetaje, modelado, desarrollo y producción.

En cada uno de los proyectos, el artista es libre de tomar sus referencias, tendencias, colores y producir de manera conjunta con Anfora Studio un sinnúmero de piezas que están llenas de alma e historias únicas, pero sobre todo que encierran una invaluable cantidad de sensaciones que acompañan a cada pieza desde su concepción hasta llegar a manos de su usuario final. anfora.com

DESTINO DISEÑO

GUANAJUATO: El leonés no es como lo pintan Texto

MARTHA LYDIA ANAYA, enviada León, Gto.

Fotos Código 37000, la ruta de la moda y los negocios en León, y Casa del Turismo de León.

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DESTINO DISEÑO

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La ciudad de León saca su casta y le apuesta a hablar de moda mexicana, con marcas locales capaces de marcar un estilo de vida a la par que pasarelas mundiales como París, Milán o Nueva York.

Desde los años cuarenta, la economía de la ciudad se ha fundamentado en la cadena productiva del cuero, calzado, proveeduría y marroquinería.

HISTÓRICAMENTE, la ciudad de León, en Guanajuato, ha estado relacionada con el calzado, la marroquinería y otros productos de la industria curtidora; no es para menos, pues la producción rudimentaria de zapatos en la región inició en 1654, la cual poco a poco fue creciendo hasta que el trabajo de los leoneses empezó a transformar sus pequeños talleres familiares en empresas, que hoy incluso exportan a países como Estados Unidos y además respaldan a la ciudad como ‘Capital Mundial de la Piel y el Calzado’. Sin embargo, de unos 15 años a la fecha, el diseño de modas se ha convertido en otro de los ejes de crecimiento tanto

para la entidad como para la región y el país. Aquellas pequeñas escuelas o academias que impartían la materia de moda como un curso complementario, han dado pie a que otras instituciones impartan la licenciatura en diseño de modas, con el objetivo de profesionalizar la industria de la moda en la ciudad y armar una identidad de la ciudad de León como marca.

“Se trata de ser agresivos y trabajar para sumarnos a los grandes faros del estilo mundial como lo son las pasarelas de París, Milán, Nueva York y Londres, que son la pauta de las tendencias”, comparte Guillermo Lona Calvo, coordinador de la licenciatura de Modas y

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DESTINO DISEÑO

Calzado en la Facultad de Diseño de la Universidad DeLaSalle Bajío, una escuela con más de 40 años en la escena educativa.

“Hablar de moda -dice- ha ido variando el enfoque del diseño; nos hemos dado cuenta de que, desde que abrimos la licenciatura, se ha generado un mayor impacto en la formación del diseñador como creativo, emprendedor y empresario, lo que incluso ha hecho que el gobierno del Estado cree diferentes foros, concursos y eventos para apoyar a los estudiantes, como Noviembre, el mes de la moda, que es una iniciativa que surgió en el 2016 con la finalidad de proyectar los diversos sectores que integran la moda”.

El objetivo es formar a los futuros diseñadores de modas con todas las herramientas académicas para trabajar en los grandes emporios a nivel mundial, pero también para emprender como marcas propias. Nombres como Gala Limón, nacida en Guanajuato y egresada DeLaSalle Bajío; Francisco Velázquez también egresado de la licenciatura de Modas y Calzado, y ganador de varios premios en Italia, y Omar Muñoz que se desempeña como diseñador senior en Footwear Zara Woman en España son sólo algunas de las figuras que ya han abierto brecha en el tema, y que orgullosamente han cursado sus licenciaturas en la ciudad también conocida como ‘la Perla del Bajío’.

“Es muy cierto que escuelas con una fuerte trayectoria y renombre en la ciudad de México, como la Universidad Iberoamericana, CENTRO y la academia Jannette Klein, son muy prestigiadas en cuanto a la formación de los futuros diseñadores de modas. Pero también es un hecho que, por motivos de seguridad y tranquilidad, los estudiantes no descartan otras opciones como la ciudad de León, cuya historia en calzado y piel le dan un soporte importante”, puntualiza Guillermo.

Este punto de vista lo refuerza Linaloe Galicia, directora académica de COMODI (una de las escuelas de diseño de modas más antiguas en León), quien asegura que en la ciudad se pueden potencializar muchas marcas de moda locales, que pueden llevar su impacto y desarrollo a nivel nacional y luego despegar internacionalmente. “La profesionalización de la carrera demuestra que los estudiantes se ‘están poniendo las pilas’ para evolucionar de simples ‘todólogos’ o fashionistas a comportarse como verdaderos diseñadores con las herramientas para ser empresarios y no tener miedo de competir con colegas internacionales. El talento, la creatividad y el entusiasmo están a flor de piel, no sólo en los leoneses sino también en aquellos estudiantes de otros estados de la República que se

Fotos Código 37000, la ruta de la moda y los negocios en León, y Casa del Turismo de León.

El leonés no es como lo pintan. Es la suma de diferencias, similitudes, lugares comunes y diversidad.

Sus diversos museos abordan esos aspectos socioculturales desde diferentes puntos de vista.

DESTINO DISEÑO

La riqueza arquitectónica, histórica y cultural de la ciudad de León va más allá de sólo una caminata por lugares de interés como el Templo Expiatorio o el Arco Triunfal.

animan a venir a nuestras universidades y radicar en la ciudad por un tiempo”. A esto habría que sumarle el esfuerzo de plataformas como Hilario México, un despacho en el centro de la ciudad de León que se ha enfocado al impulso de diseñadores de modas emergentes, y Código 37000, la ruta de la moda y los negocios en León que cuenta con visitas a ferias especializadas como Sapica, Anpic y Tendencia Cero entre otras, además de recorridos por la ciudad y un tour gastronómico por restaurantes como Blu Experimental, Gastro Bar y Clandestina 74.

Así, la riqueza de León va más allá de sólo planear un recorrido cultural por sus principales destinos de interés histórico y turístico, como la Catedral Basílica de Léon, el Templo Expiatorio, el Arco Triunfal de León, la Plaza de los Fundadores, el Centro de Ciencias Explora y el Museo de las Identidades Leonesas abierto el año pasado, que en sí mismos son una fuente de datos de arquitectura y diseño. Ahora, ese pequeño lugar, al que sólo se pensaba para ir de fin de semana, se ofrece como un destino para estimular la innovación y creatividad.

“Se trata de cambiar el tabú de las banalidades de la moda, al de comprender que ésta es una pauta social y de que en la medida que unamos esfuerzos se hablará de moda mexicana, con marcas locales y que marquen un estilo de vida”, cierra de manera enfática Linaloe Galicia de COMODI.

león-mexico.com

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SU ESPACIO

Cada rincรณn de su apartamento hace sinergia con la calidez que buscan sentir al habitarlo.

SU ESPACIO

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Sobrio, tranquilo y humano “Cada rincón y objeto de la casa nos recuerda algo, aunque no precisamente combine con el ambiente”: Rodrigo Alegre y Carlos Acosta, fundadores de Studioroca.

Entrevista KARLA RODRÍGUEZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF

Simbólicos objetos de diseñador conviven en cordiales atmósferas.

BAJO LA LUZ DEL ATARDECER, Carlos Acosta y Rodrigo Alegre –fundadores de Studioroca–, nos abrieron las puertas de su casa. Un espacio que, más allá de transmitir la propuesta diseñística y enfoques que emplea su firma en cada proyecto, comunica la esencia de un lugar sobrio, tranquilo, humano y completamente habitable. Un elevador estrecho y antiguo comunica el acceso a su casa que, al entrar, nos da la bienvenida con un pasillo alargado que presenta en primera instancia una obra plástica de Pedro Friedeberg: Conejos. ¿Recuerdan el aroma Unión tan peculiar de Studioroca? Pues éste es inmediatamente perceptible aún sin que lo usen

en su propio hogar, confirmando lo que ellos mismos dicen acerca de éste: “El olor es nuestro vínculo más fuerte con el subconsciente y, por eso, nuestro sentido del olfato es casi como una caja de recuerdos, íntimamente ligada a nuestro mundo emocional”.

Gran cantidad de objetos de otros diseñadores tienen un lugar en su apartamento, ubicado en la colonia Polanco de la Ciudad de México. Lo más interesante es que la mayor parte de esos objetos son la primera pieza que los autores hicieron en su carrera profesional. Un ejemplo es la S Chair de Tom Dixon, la cual surgió de un dibujo que hizo Dixon de una gallina que diseñó en 1991.

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Más allá de trasmitir la propuesta diseñística y enfoque que emplea Studioroca, Carlos y Rodrigo desean comunicar su esencia.

Materiales como mármol y madera de nogal ayudan a integrar un refugio.

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El lugar favorito de la casa: el cuarto de ejercicio, donde hay bicicletas y equipo de deportes extremos.

Las horas pueden pasar volando cuando se trata de relajarse, haciendo ejercicio.

Asimismo, encontramos en el recorrido piezas emblemáticas creadas por Carlos y Rodrigo, como la primera mesa de madera que realizaron hace 15 años. Pero ¿por qué tener las primeras creaciones y no las últimas? Por el simple hecho de conservar la esencia de quienes las representan. “No diseñamos nuestra casa con un estilo definido. Realmente cada cosa que tenemos, está porque nos gusta y nos recuerda algo importante, no precisamente porque combine con el ambiente”, asegura Carlos. Lo que es un hecho es que los materiales que aplicaron, como mármol y madera de nogal, en cada espacio de su apartamento hacen sinergia con la calidez que buscaban sentir al habitarlo, concibiéndolo a manera de refugio para despejarse de todas las cosas que

los rodean durante todo el día. “Mi lugar favorito es éste”, confirma Rodrigo, mostrándonos su cuarto de ejercicio, donde destacan bicicletas y otros objetos de ejercitación. “Sí, puede estar aquí durante horas”, asegura Carlos, quien también gusta de practicar diferentes deportes, algunos extremos. La casa de los fundadores de Studioroca no sería la misma si no existieran dos seres que, sin duda, llenan de vida cada sillón, cada rincón: Manchas y Pulga, sus dos compañeras caninas, siendo la primera la serenidad andando y, la segunda, la inquietud en -casi- todo momento. studioroca.com

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ENFOQUE

Polémico, multifacético, único “El mundo del diseño no es para perezosos que sólo están interesados en ​​ crear objetos sin comprender a su audiencia”: MARCEL WANDERS Entrevista GRETA ARCILA enviada Milán

Retrato VIOLA TOFANI desde Milán

ENFOQUE

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Wanders siempre ha visto el diseĂąo como un estilo de vida, entendiĂŠndolo desde un punto de vista sensorial e instintivo.

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CONOCÍ A MARCEL WANDERS hace 9 años en los pasillos del Salon Satellite. Lo vi a lo lejos y, sin duda, lo que me enganchó en él fue la manera en cómo observaba los proyectos de los jóvenes talentos: se acercaba y preguntaba mucho. Marcel es una persona que, por su personalidad, atrae a propios y extraños del diseño; de sonrisa abierta y mirada penetrante, resulta intimidante ante tanta apertura y franqueza. Los que saben de personajes de diseño y estaban ahí, se detenían y lo miraban con distancia, tal como yo lo hice; tengo la sana costumbre de acercarme y presentarme abiertamente, pero en esa ocasión guardé mis pasos y preferí buscarlo dos años mas tarde en su espacio: el showroom de Moooi, que en aquella ocasión estaba en la entrada de Zona Tortona. Fui en el año 2010 y me presenté con su equipo más de 7 veces y pregunté, y tal fue mi insistencia que la persona dedicada a relaciones públicas (una chica mexicana que llevaba trabajando para él más de 8 años), decidió reservarme un espacio en su agenda. La cita iba a ser el último día del Salone (el domingo) a reserva de que quizá él no apareciera. Llegué 20 minutos antes. Moría de nervios y había preparado mi entrevista a conciencia: había llegado el momento. Me vio y sonrió… y la entrevistadora se convirtió en entrevistada. Me preguntó sobre Glocal, sobre el diseño en México, sobre mi vida, hablamos por dos largas horas (canceló sus últimas entrevistas del día). Hablamos de la vida, de las circunstancias que nos llevan a ser mejores seres humanos. Y cerramos esa plática con una promesa: iba a diseñar la portada de Glocal, pidió prestada una pluma y firmó un documento para que yo le creyera que eso iba a suceder. Y pasaron los años. Cada vez que lo veía y me platicaba sobre sus nuevos proyectos, al final preguntaba si ya habíamos cerrado el tema de la portada. Y por fin la fecha se cumplió. Este año planeamos con su equipo, con varios meses anticipación, la producción fotográfica en la emblemática Via Savona, lugar en donde cada 12 meses sorprende al mundo dando un manifiesto diseñístico con el que pretende transformar la vida de los visitantes y de los usuarios de sus propuestas.

Pero hablemos del diseñador, de aquel estudiante que ahorraba todo el año para viajar a Milán para recorrer y absorber todo lo que las calles de esta ciudad ofrecen durante la semana del diseño. Marcel siempre vio al diseño como un estilo de vida, pero en ese entonces lo entendía desde un sentido sensorial, totalmente instintivo: “El diseño para mí era una versión primitiva y más pequeña como lo veo y pienso ahora. No tenía las palabras entonces, pero sabía que el diseño podría hacer un cambio para bien en la vida de

"Soy observador nato, tengo que entender los estímulos para mirar las ideas desde otro ángulo" las personas. Hoy diría que es menos democrático de lo que pensé, pero sí es más humanista y eso me apasiona: ver y entender al ser humano a través del diseño. No supe definitivamente cómo, pero sabía que había un diseño que era realmente más significativo para nosotros, que era menos tecnocrático, menos formal, menos anticuado como en su momento fue el modernismo; entonces sentí que había otra manera y me enfoqué a encontrarla… sigo en la búsqueda, pero sé que todas las exploraciones que hago están enfocadas a encontrar eso que mueve al diseño.

¿En qué momento de esa búsqueda entra el emprendedor? ¿Cómo esa pasión encuentra su cauce en el emprendedurismo?

Si eres diseñador, eres emprendedor, es un binomio totalmente indivisible. No puedes diseñar

sin pensar en cómo se llevará a cabo esa idea y cómo será viable económicamente para ti, para la persona que lo usará, y claro, para el empresario. Si yo hago un proyecto, quiero que quede lo mejor posible; por esa razón, escucho mucho a la gente que me rodea, no sólo al cliente, me importan mucho las opiniones de los técnicos pues ellos son quienes hacen posible cada pieza, cada detalle; si ven que sus opiniones fueron tomadas en cuenta, y posteriormente haces que se enamoren de tu trabajo y de tus ideas, harán lo que esté a su alcance para darle vida a ese diseño, por más osado que resulte. Soy observador nato, tengo que entender los movimientos y estímulos que recibe mi cliente para entender sus ideas y mirarlas inclusive desde ángulos insospechados.

Tengo que entender los miedos subyacentes o las incapacidades. Por lo tanto, cuanto más entiendo a mi cliente, la gente, la tecnología, el marketing que hablará del proyecto, entonces, sé qué camino es el mejor para abordar el proyecto. Cuanto más lo entiendo, mejor será mi diseño. Además, para poder ser empresario, me pregunto si el producto que ofreceré es bueno, me pregunto muchas cosas como ¿por qué compraría o no?, ¿por qué debería vender lo que vendo?. Así, entre las preguntas nació Moooi, porque sabía sentarme en los tres extremos del diseño: el diseñador, el cliente y el comprador final. Tener tu propia empresa te obliga a tomar toda la responsabilidad de una pieza y de cómo la vivirá el usuario. La gente me dice que tengo talento para los negocios; pero no creo eso, realmente tengo talento para aprender. Pero en sí, todo se reduce a lo más básico: yo hago objetos y quiero que otras personas los tengan; y claro, tengo que generar el negocio que haga eso posible.

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Fotos cor tesĂ­a Marcel Wanders

Promotor elegante del estilo cĂłmodo de descanso: Power Nap para Moooi, el cual se puede levantar y reclinar para tomar una siesta en cualquier momento.

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El estilo caracterĂ­stico de Wanders se combina para crear un ambiente holĂ­stico y sensual para el hotel The Mondrian Doha en Quatar.

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Diseñada en 2005 para Flos, la lámpara Zeppelin se distingue por su inusual estructura de capullo.

¿Y hablando de clientes y de tocar puertas, cuáles no se abrieron y qué aprendiste de ello?

Cuando salí de la escuela de diseño, comencé a hacer todo tipo de cosas, así que obtuve un pequeño trabajo con KLM e hice una cosa pequeña por aquí y allá. Cuando me gradué, mi trabajo de diseño final fue noticia nacional, logré estar en la portada de una revista de diseño. Era extraño, pero ya en la escuela, gané tres concursos de diseño en los Países Bajos y dos de mis productos estaban en producción. Eso fue raro para mí; un chico que termina la escuela, publicado en todas partes, que ganó tres premios y productos en producción con Artefour, pero al final, mi trabajo se mantuvo muy local. Y eso cambió cuando Droog Design decidió llevar mi trabajo a Milán.

Renny vio mi lámpara, los tonos de configuración, y fue mi inicio en este torbellino del mundo de los negocios en el mundo del diseño. Posteriormente, llegó la Knitted Chair… y me hice famoso con una silla fantástica que demostró a todos que era un diseñador que nunca tendría un cliente… ¿Porqué? Fue una pieza ridícula pues no era viable comercialmente, sí, es un objeto maravilloso, pero después no sucedió demasiado en términos de trabajo, pero logró un objetivo invaluable: me dio la confianza necesaria para creer en mí y mi trabajo.

Uno de los aspectos que gusta de Marcel Wanders es que no sólo creas, sino que tus espacios cuentan historias. ¿Cuándo te interesas en hacer diseño, pero también en crear un mundo paralelo donde cabe la fantasía?

Bueno, permítanme decir que en 1996 escribí un libro. En ese año pasé por un período en el que mi novia estaba muy enferma y todo mi sentir sobre el diseño estaba confundido. Estaba estudiando curación natural, medicina alternativa, reiki, espiritualidad, para estar con ella en su proceso de curación. Todo ese pensamiento alternativo era completamente ajeno al mundo del diseño, porque el diseño es como la tecnología racional.

Sentí que el mundo del diseño tenía una especie de defecto, a tal punto que me desconecté un poco. Básicamente me sentí muy solo, profesionalmente. Sentí que estaba diseñando cosas que provenían de ese pensamiento pero no había con quién pudiera hablar. Mi novia, al entender mi

"El objeto es todo lo que puedes oír, sentir y oler" frustración, me dio la idea de escribir el libro y, quizá, alguien al leerlo iría a conectar conmigo. Y entonces, escribí un libro con diez ideas, y las dos primeras ideas, son sobre esta noción de que si hacemos objetos, no debemos de mirarlas como objetos materiales, si no debemos abordarlos desde los corazones y las cabezas de las personas, y si hicimos algo allí, realmente logramos algo.

Y comprendiendo esto, supe que un objeto es todo lo que puedes oír, sentir y oler. Este mundo del diseño no es para diseñadores perezosos que piensan que ya saben todo y que sólo están interesados ​​en crear un objeto y no buscan ​comprender a su audiencia ¿Porqué si puedes hacer un objeto tenga magia, no vas más allá y creas un mondo completo? Para mí es sencilla la ecuación: quiero provocar que el mundo de los usuarios tenga otro significado y sienta la magia del diseño. Pero algo importante, en los libros de diseño, nunca leí ni era mi búsqueda, la palabra fantasía, esa se busca provocar, claro pero sin la estructura formal del diseño, no se lograría.

¿Cómo percibes el uso del color en tus piezas; en tus ambientes los hay, pero

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Knotted (1996), Dalia (2013) y Monster (2010) para Cappellini son sillas que desvelan un sorprendente matrimonio de artesanía y tecnología industrial.

Creado para Baccarat, New Antique revela una versión seductora de los floreros por su estilo barroco, acento que también se ve en piezas para Barovier&Toso.

La tienda de lujo Maison Decorté en uno de los centros comerciales de Tokio refleja una relación perfecta entre la naturaleza y la piel.

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Para Objetos Nómadas de Louis Vuitton: tres módulos que se ensamblan para crear una chaise lounge, un sillón o un pouff.

Porcelana y cristalería conviven en la bandeja de alimentos hecha para KLM.

Boutique Botero para Moooi resalta y hace sentir la esencia de materiales, como la piel, en la palma de la mano.

The Mondrian Doha es un hotel clásico contemporáneo en Quatar, cuyo icónico edificio exhibe materiales y técnicas innovadoras.

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Foto Andrew Meredith

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Una de las piezas más icónicas de Wanders es el sofá Charleston de piel negra.

en los objetos buscas lo neutro? ¿Cómo lograr el balance adecuado?

Quiero que las cosas tengan su propio color y hablen por sí mismas. El color lo utilizo en las piezas grandes, pero a veces lo utilizo como acento, ni siquiera como parte de un todo; sin embargo, mis colores sí buscan el contraste, a veces el dramatismo, pero depende de la obra o del objeto. Existe esa polaridad entre no tener color o explotar ese elemento a su máximo, pero en sí selecciono dependiendo del tipo de material.

Tienes un grupo de trabajo multidisciplinario y de todas las edades ¿Qué buscas en la gente para integrarse a tu equipo?

Trabajo con todo tipo de creativos, desde fotógrafos, narradores de cuentos, músicos; no busco algo en particular, pero sí me gusta que me muevan y que su talento sume a la historia que cuenta Marcel Wanders; sí necesito que ellos es que estén dispuestos a cooperar, lo que no siempre es fácil con los creativos.

Háblanos de Powerhouse, ¿Cómo funciona? ¿Cómo es un día normal en tu casa productora?

He entendido que mi ausencia a menudo es más importante que mi presencia. No tengo que estar allí. Tengo que estar donde estoy. Y es importante

"La polaridad entre no tener color o explotarlo al máximo, depende del tipo de material" que no esté allí, porque si estoy allí, la gente sí, es fácil pedirme que haga su trabajo. Me piden permiso. Me piden un consejo y no lo necesitan. Si lo necesitan, lo sabremos. Quiero decir, somos una empresa muy bien administrada, muy impulsada por el proceso. Yo ando por muchos lugares trabajando, y realmente necesito saber cómo deben funcionar las cosas, pero todas las actividades están muy bien definidas y las que no, son áreas de oportunidad para aprender.

Para cerrar, ¿Cómo describes el showroom de Moooi? ¿Cómo surgen las temáticas de cada año?

Este año quisimos decir que estábamos listos para abrir el tema y los negocios en la hospitalidad. Nuestro espacio está listo para que cada área hable distintos idiomas y viva su propio camino. Cambiamos cada año pues sabemos que no tenemos que descansar para seguir evolucionando; pero lo que pretendemos cada año es formularnos las preguntas necesarias para dar las respuestas que cada tipología de diseño necesita. Cambiamos para caminar, para aprender y crecer como diseñadores, pero más como seres humanos. marcelwanders.com

En México se pude encontrar toda la colección de Moooi en Studio Roca, empresa de diseño que siempre ha apostado por la vanguardia.

Showroom Polanco: Horacio 907, Col. Polanco, Miguel Hidalgo, 11550 CDMX Tel. +52 (55) 9149 0009 Showroom Condesa: Av. Ámsterdam #271, PB-101, Col. Hipódromo Condesa , C.P. 06170, CDMX Tel: +52 (55) 50041971 www.studioroca.com

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DESIGN HOUSE

Design Week México 2017

Design house Una residencia de estilo neobarroco y que en sí misma es un inmueble que cuenta una parte de la historia arquitectónica que hay en las calles de Polanco en la Ciudad de México, se convierte en el espacio en el que arquitectos y diseñadores presentan sus propuestas e ideas sobre el uso de los metros cuadrados, nuevos materiales, colores en tendencia e interiorismo. Como cada año, desde hace ya nueve ediciones que lleva la organización de Design Week México (DWM), el proyecto de Design House es uno de los ejercicios de creatividad más esperados.

La novedad en este 2017 es la colaboración que cada uno de los despachos participantes tuvo con un vocero en particular; desde chefs hasta escritores, artistas o músicos, aportaron sus inquietudes para crear atmósferas con una personalidad única e irrepetible.

Entrevistas MARTHA LYDIA ANAYA E ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos JOSÉ MARGALEFF

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DESIGN HOUSE

DESIGN HOUSE

Convivencia y DESCANSO Pabellรณn Glocal + Esrawe

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DESIGN HOUSE

Una estructura modulada, fabricada en acero y madera de pino y enmarcada de vegetación.

(De izq. a der.) Greta Arcila, Héctor Esrawe, María Santibañez, Nahim Magos e Itayedzin Aragón, equipo creativo del Pabellón Glocal + Esrawe.

DESIGN HOUSE

PARA LA NOVENA EDICIÓN de Design Week México hubo noticias diferentes en su planeación en comparación con las de años anteriores. En esta ocasión se contó con un elemento esencial para la realización del proyecto de Design House 2017; se invitaron a voceros: se pensó en personajes que fueran protagonistas de distintas escenas en la cultura y sociedad mexicana cuyo papel principal fue darle eco al discurso de lo que el diseño puede aportar a la sociedad, al tiempo de fungir como ejes de inspiración para la conceptualización y montaje de cada uno de los espacios que se crearon en la casa de Luis G. Urbina 84 en la colonia Polanco. Glocal Design no podía faltar y volvimos a hacer mancuerna con Formica para trabajar con las nuevas texturas y paleta cromática. Así, invitamos como vocera a la chef Elena Reygadas y a Esrawe Studio a ser la parte creativa del proyecto. De tal forma, se decidió llevar a cabo un pabellón que acogiera una cocina exterior, cuyo diseño –a cargo de Piacere– está basado en la pasión por la gastronomía; al mismo tiempo el Pabellón Glocal + Esrawe sirvió como un espacio de convivencia y descanso.

Platones de Anfora en los muros de madera que brindaban relieve y personalidad, fueron parte de los detlalles del espacio.

Esto se logró a través de un estudio del espacio y la valoración de diversas propuestas. Finalmente, el pabellón se resolvió con una estructura modulada, racional y serena fabricada en acero y madera de Pino de la marca Foret por The Woodshop. Está enmarcada por el intenso verde de la vegetación bajo el diseño de paisaje de Polen Diseño Vivo que da secuencia a los muros en tono Rampete de la paleta de colores de Comex.

El diseño de mobiliario fue sencillo y modular, para este desarrollo nos apoyamos del expertise de Gran Llave Studio, los materiales seleccionados fueron triplay ruso para que los cantos lograran gran expresión y los laminados fueron en su totalidad de Formica, retomando colores sutiles en sintonía con el ambiente y con texturas suaves para dar un poco de expresividad a las mesas y bancos. Así, a lo largo del Pabellón se encontraban detalles que hacían la diferencia: platones

En el fondo del Pabellón, a manera casi de altar, se alojó la cocina, cuyo diseño se basó en la pasión por la gastronomía.

Anfora en los muros de madera que brindaban relieve y personalidad, y, por supuesto, ejemplares de las ediciones más recientes de Glocal Design Magazine, donde, al hojearlos, el visitante tuvo la posibilidad de descubrir las propuestas más destacables de dos áreas que nos apasionan: la arquitectura y el diseño, según los ojos de firmas y despachos nacionales e internacionales.

En el fondo del Pabellón, a manera casi de altar, se alojó la cocina completamente equipada, de la que destacan el refrigerador de Samsung Black Edition y piezas cuidadosamente seleccionadas.

Ejemplos de éstas son: una vajilla de Anfora, morteros de Tom Dixon, servilletas, jarros y vasos de barro de Lagos del Mundo, figuras decorativas y de uso por Kristian Vedel, un revistero de Casa Mineral, todos los cuales son proporcionados por Studio Roca; así como otros objetos de Casa Palacio y Blu Dot, entre otros.

El proyecto de iluminación fue diseñado por el ingeniero Carlos Avilés y su equipo de Studio Spazio. Destacan tenues y cálidas fuentes de luz que bajan del techo y otras que brotan del piso. esrawe.com glocal.mx

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Retrato Duilio Rodríguez

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La fuerza de las PALABRAS CASA ESTUDIO, TDI DESIGN Y STUDIO SPAZIO + ENRIQUE KRAUZE | BIBLIOTECA-CAVA

LA PERSONALIDAD INTELECTUAL del catedrático y analista político Enrique Krauze se asocia a un carácter fuerte, imponente y alejado de los reflectores. Él mismo confiesa que nunca lo veremos en ninguna foto de sociales. “Cuando llego a una fiesta y me piden una foto o una entrevista, siempre les pido que no se enojen conmigo, pero que no me saquen. Desde niño me tocó vivir rodeado de la farándula; con mi madre, Helen, como periodista y cronista de viajes trabajando para medios tan reconocidos como el periódico Novedades, recuerdo que gran parte de mi infancia se dio en medio de reuniones con escritores, artistas y actores. ¡Eso nunca me gustó! Por eso, cuando Rocío Martínez de Casa Studio me buscó para platicarme

de este proyecto, mi primera respuesta fue: muchas gracias, pero no me interesa”, platica en amena charla el riguroso escritor y promotor cultural, quien este año está cumpliendo 70 años.

Sin embargo, no contaba con la tenacidad de Rocío Martínez, fundadora de Casa Studio, cuya experiencia en interiorismo va desde iluminación hasta accesorios, objetos de arte, telas y tapetes.

Rocío no aceptó un ‘no’ como respuesta y le dijo: “Enrique, dame la oportunidad de explicarte de qué se trata este proyecto de nuestro espacio en Design House, y si después de escucharme tu respuesta sigue siendo negativa, es válido”. Así, luego de una plática en casa de Krauze, el afamado historiador terminó aceptando la propuesta de colaborar como vocero para lo que sería una biblioteca-cava, instalada debajo de las escaleras principales de la casa de Design House. “No tenía la más mínima idea de lo que trataba en realidad, me habían explicado que era un escritorio con una mano, y eso me imaginaba: un escritorio con la mano y unos libros alrededor, y ya. Claro que puede decirse que no soy la gran imaginación de diseño, pero ver el espacio ya hecho me ha sorprendido y emocionado. Va con todo lo que es mi personalidad”, cuenta Krauze, emocionado y con una alegría en su mirada al recorrer esa pequeña biblioteca, que a la entrada tiene enmarcada una frase escrita por él mismo para definir el espacio y que en sus muros describe: “Hablamos de la libertad, de la democracia y de cómo el poder está en cada uno de nosotros”. El estudio tiene libros y revistas de Enrique Krauze; sobre un escritorio, que es la réplica del que tiene en casa, hay una mano de cera hecha a imagen y semejanza de la del escritor. Un muro al fondo de esa biblioteca esconde una espaciosa cava, hecha con un estilo que recuerda los años 50, explican los arquitectos Jonathan Tovar y Daniel Arzate de TDI Design que junto con Studio Spazio de Carlos Avilés complementan la intervención. casastudio.com.mx @EnriqueKrauze

"Un espacio que va con mi personalidad": Enrique Krauze.

Foto Duilio RodrĂ­guez

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El PLACER de consentirse LUCIANO GERBILSKY ARQUITECTOS + TANYA MOSS | WELLNESS CENTER

LA CASA cuenta con una construcción externa, que en su momento funcionaba como un área de servicios. Este año el despacho Luciano Gerbilsky Arquitectos tomó la plana alta de la construcción y la transformó, inspirados en la diseñadora Tanya Moss. El arquitecto Luciano comenta: “En cierta forma, el lema de su marca de joyería implica consentirse a uno mismo, por eso decidimos hacer un wellness center, también implementamos la paleta de colores de su marca, colocamos algunas de sus piezas de joyería y diseñamos una lámpara en conjunto”. La firma se ocupó de crear un espacio de relajación, dedicado a la belleza y el bienestar personal, “nos gustaría que quienes asistan sientan relajación y un espacio de alivio, pues ésta es la filosofía del proyecto, un espacio de bienestar”. El objetivo de colaborar con un vocero se ve reflejado en los espacios y cada arquitecto lo tomó de diferen-

tes modos, para Luciano era importante que la diseñadora mexicana sintiera una relación con el proyecto, en este sentido explica que quisieron que Tanya se sintiera involucrada, al usar sus piezas, que percibiera este espacio como acogedor y ligado con su marca, su filosofía. Sobre la casa, platica que fue una buena idea que la residencia donde se realizó el proyecto de Design House el año pasado, se repitiera para esta nueva edición.

“Eso brinda un buen espacio para trabajar, más allá de la inmejorable locación frente al Parque Lincoln que se conecta con otras actividades de Design Week. Aunque se trate de la misma casa, la rotación de los despachos y su creatividad hace que los espacios queden transformados totalmente; por ejemplo, el año pasado nuestro espacio fue una suite y ahora es algo completamente diferente”. gerbilsky.com | @tanya_moss

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El TOQUE clásico del golf

Retrato cor tesía

ESENCIAL (MARÍA LAURA MEDINA DE SALINAS) + LORENA OCHOA | CASA CLUB

EN UNA DE LAS PRIMERAS SALAS de la casa se encuentra el lugar perfecto para recrear el espacio inspirado en una de las mejores golfistas del mundo: Lorena Ochoa, con quien trabajó el despacho Esencial de María Laura Medina de Salinas. Una chimenea, una enorme fotografía de Versalles y varios accesorios relacionados con el golf, como zapatos y bolsas para los palos, recuerdan la personalidad de la deportista. “Al pensar en la creación de este espacio, quisimos integrar la parte tradicional del golf respetando las molduras y arquitectura clásicas, con una parte más contemporánea para otorgar una nueva visión del golf, mostrando los enormes talentos que existen en la juventud mexicana.

Conservamos un estilo clásico con toques de modernidad y frescura para no hacer el clásico

salón de un Country Club, sino una Veranda o Casa Club en donde al terminar una partida de golf se puedan reunir los amigos a disfrutar de un rato juntos, ya sea para descansar con un juego de cartas o disfrutar de una bebida. También hicimos un espacio más privado de reflexión, en el cual se pueden analizar jugadas y meditar un poco”, explican los creativos del despacho sobre el diseño del espacio. Al fondo de la habitación y pensada como un lugar favorito para Ochoa, hay una pequeña sala de televisión con un sillón muy particular y una pantalla en donde se proyectan las jugadas favoritas de la golfista. El toque final está en la exhibición del trofeo de Inbee Park, una golfista profesional surcoreana que se ha destacado en el LPGA Tour. esencial.com.mx

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Fusión entre arquitectura y ARTE “LA ARTISTA BETSABEÉ ROMERO es una persona muy auténtica. Para conocerla mejor, fuimos a su casa a entender un poco más de su día a día”, cuenta Cristina Grappin quien junto con Ezequiel Farca tuvieron a su cargo el diseño de la terraza en Design House. “Ahí, en su espacio -platica Cristina-, nos percatamos de que a Betsabeé le fascinan las áreas exteriores; en su casa tiene una terraza muy bonita en donde le gusta departir con su familia y amigos. Además, alrededor de todo ese lugar tiene puestas sus propias esculturas y obras. Por eso, lo que hicimos fue justamente crear un espacio en el que ella pudiera convivir con sus amigos, rodeada de su arte”.

Así, la terraza tuvo una pieza de la artista que cubría todo el ambiente; se trató de ‘una llanta’ que Betsabeé expuso en el Kennedy Center, con

la cual ella representa su estilo de usar objetos cotidianos de consumo urbano como chicles, tatuajes, automóviles, etcétera, para reflexionar sobre las contradicciones de la modernidad.

“De esta llanta, que parece rodillo, salen listones multicolor que abrazan todo el espacio. Al centro, hay un comedor hundido con mobiliario hecho con mampostería y una pieza hecha especialmente por Betsabeé para Design House, que es un tablón de madera esculpido con formas orgánicas lleno de crayones y hojas de papel para que la gente pudiera ‘rayar arte’. Esto con la idea de que la gente se sintiera libre de sentarse a trazar diversos grabados y, a la vez, llevarse una obra de arte de la artista. Lo que ella quería, era comunicar el sentido de cuando uno está en la sobremesa y empiezas a jugar con todo lo que hay en la mesa. Nuestra idea es que el espacio funcionara como un círculo de convivencia, de ahí que la terraza esté nivelada para que haya esa conexión entre la casa, la gente y el exterior”, concluye Cristina. ezequielfarca.com betsabeeromero.com

EZEQUIEL FARCA Y CRISTINA GRAPPIN + BETSABEÉ ROMERO | TERRAZA

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La exactitud en lo HABITABLE SPACE + GABRIEL RIPSTEIN | MINI LIVING

CADA AÑO, la casa cuenta con un espacio ideado para complementarse con un auto Mini, al respecto hablamos con los arquitectos Alejandro Danel, Gabriel Téllez, Loreto Rodríguez y Jimena Fernández, socios de SpAce, quienes hicieron un equipo colaborativo para desarrollar el proyecto; ellos contaron con el cineasta y escritor Gabriel Ripstein como vocero. Inspirados en él y su esencia, desarrollaron un espacio habitable por completo, en este sentido los arquitectos comentaron que: “Gabriel es sencillo, con una personalidad pragmática y práctica, lo que quisimos fue alinear su filosofía con la de Mini Living, de tener todo lo necesario, lo básico para vivir”, y en verdad el concepto de SpAce coincide en gran medida con Mini Living, un proyecto de vivienda mínima que Mini ha impulsado alrededor del mundo, donde el uso creativo del espacio es esencial para lograr soluciones innovadoras en el hábitat urbano. Esta ocasión es el primer ejercicio del concepto en nuestro país, lo que nos deja ver la sinergia que se logra en Design House. El conjunto ofrece una atmósfera muy relajada, ideal para fomentar la creatividad por sus tonos neutros que permiten la concentración, incluso en la regadera “donde se puede escuchar música, cualidad muy específica dirigida para los gustos del cineasta”. Además de tener espacios privados, los arquitectos tuvieron la fortuna de tener una terraza, “quisimos ligar el interior con el exterior, ya que a él le gusta mucho hacer asados, entonces le ofrecemos eso, un espacio donde pudiera hacer todo: trabajar, relajarse, celebrar, ver películas… coincidió también con que le gusta el auto y las bicis de Mini; por lo que hubo una conexión no planeada”. spacemex.com @gabrielripstein

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“LO MÁS INTERESANTE y divertido de Design House es que en una sola casa se concentran muchas mentes creativas. Creo que a la gente le gusta mucho ver el antes y el después de la transformación de cada una de las habitaciones ya que les resulta interesante ver cómo arquitectos y diseñadores resuelven sus espacios con el tiempo tan corto”, así resume la paisajista Fernanda Rionda, fundadora y directora de Jardín Sustentable, su experiencia en este ejercicio. Esta ocasión, intervino el jardín, un espacio perimetral que rodea toda la casa y que se puede apreciar tanto desde las ventanas interiores de la residencia como desde las calles exteriores. Su despacho aborda la arquitectura de paisaje desde una visión en la que se manifiesta la naturaleza como uno de los elementos principales que dan a la vida humana un significado y unión con su entorno.

Así, vemos mucho más movimiento, texturas y el color de las plantas con una alineación caótica y armoniosa; de tal forma que la colaboración con su vocero, el escultor Aldo Chaparro, no podía ser mejor. “Como artista, Aldo basa mucho de su obra en las texturas y ahí es donde compaginamos muy bien. Coincidimos en crear un espacio absolutamente naturalista, nada arquitectónico; básicamente con la intención de complementar la maravillosa construcción de estilo clásico de la casa y no competir con ella. Un punto importante es que se trata de un espacio que se ve desde afuera todo el tiempo, por eso su diseño aprovecha toda la esquina de la calle sin que haya pasillos en medio, pero sí donde se puede caminar por los alrededores del jardín”, cuenta Fernanda.

Cierra subrayando que ver la colaboración que se da entre despachos y sus diferentes propuestas es interesante; no importa cuántas veces se haga este proyecto, siempre habrá algo nuevo. jardinsustentable.com.mx aldochaparro.com

La textura y color de las PLANTAS Retrato cor tesía

JARDÍN SUSTENTABLE (FERNANDA RIONDA) + ALDO CHAPARRO | JARDÍN EXTERIOR

La locura del ORDEN STUDIO SPAZIO Y PEDRO ÁVILA + XAVIER VELASCO | TALLER DE ESCRITURA

SIGUIENDO LA FILOSOFÍA de sus respectivos despachos, Pedro Ávila y Studio Spazio de Carlos Avilés unieron su expertise para crear un orden dentro del desorden en medio del cual suelen inspirarse los artistas. “Las personas creativas toman su motivación e inspiración de casi cualquier cosa, lo que nos identificó mucho con nuestro vocero, el escritor Xavier Velasco.

"Nos emocionó mucho trabajar con él", platica Pedro quien reitera el compromiso que siente por aportar una propuesta real a los visitantes a una plataforma de arquitectura, diseño e interiorismo como lo es la casa de Design House. “Nuestro concepto –continúa platicando– lo desarrollamos a partir de la idea de que todo escritor vive en un caos, siempre en la locura, tratando de imaginar personajes e historias. De ahí la inquietud por

generar un orden dentro del mismo desorden en el que viven las personas creativas, usando desde mobiliario y colores hasta juegos diferentes con la iluminación como la fórmula básica de un espacio ‘locochón’ y fuera de lo cotidiano”. A manera de anécdota, Pedro cuenta que antes de conocer a Xavier, su equipo se dio a la tarea de estudiar quién era él según su perfil, la información y entrevistas que ha dado a diversos medios de comunicación; su sorpresa fue que al estar frente a frente y platicar con el escritor, descubrieron a una persona totalmente opuesta a la que se habían imaginado. “Descubrimos que somos muy parecidos y que lo que hicimos con el taller de escritura es algo que a Xavier incluso le gustaría tener para su casa, donde está buscando hacer un taller-estudio que sea como ‘su guarida’ para escribir, pensar en imágenes y fantasías, y ser todo lo que él representa en la lectura”. No es la primera vez que el despacho de Pedro Ávila y Studio Spazio participan en Design House, pero el estrés por salir a tiempo con el montaje y los detalles de instalación del espacio fue el mismo.

“Todo es parte de la emoción y la adrenalina que provocan este tipo de eventos”. pedroavila.com.mx studiospazio.com.mx @XavierVelasc0

Retrato cor tesía

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HABLAR sobre nosotros C CÚBICA ARQUITECTOS + PAOLA ROJAS | SALA

INSPIRADOS en la periodista Paola Rojas, el estudio C Cúbica creó la sala de Design House. La intención del espacio es hablar del quehacer profesional de Paola, quien es periodista y ha trabajado para radio y televisión. En el espacio, el estudio abarcó una sala y una pequeña oficina, que a manera de estudio representa las noticias, su paso efímero en nuestro entorno y de la importancia de nuestro país. Al preguntarle a Andrea Césarman, Emilio Cabrero y Marco Coello qué esperan que los asistentes observen en su espacio, Andrea se apresura a responder: “Para Design House nos gusta empujar un poquito el límite, no queremos que sea como una casa normal, queremos que sea un espacio que te haga pensar. Preferimos hacer espacios con un concepto”. El ejercicio del des-

pacho también se centra en utilizar materiales, marcas y firmas mexicanas. La selección incluyó diseños de Juskani Alonso, AdHoc, Artelinea, Moda in Casa y Breuer, reunidos por los colores neutros y cálidos, que se suman al arte nacional; por lo tanto, la sala además de ser un espacio inspirado en Paola es una carta de admiración sobre lo que se hace en México. Este año, la ubicación de Design House, se repite y, por primera vez, da pie a reinventar los espacios a pesar de que la arquitectura sea la misma. Sobre esto, Andrea comenta: “El año pasado se hizo un ejercicio sumamente interesante; para renovarlo, esta edición se planteó que cada despacho tuviera un cliente específico y se eligieron personalidades destacadas de México, quienes fungieron como voceros. Más allá de plantear roles determinados para los espacios, quisimos que los despachos eligieran qué desarrollar dependiendo de su vocero, así encontramos un arcoíris muy amplio que demuestra sólo una parte de lo que es el diseño”. ccubicaarquitectos.com @paolarojascommx

Retrato cor tesía C Cúbica

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AÑADIENDO un toque deportivo a Design House, el despacho Faci Leboreiro planteó un bar para el piloto profesional de carreras Guillermo Rojas, quien es ganador de la European Le Mans Series 2017. Sobre el espacio, Carlos Faci compartió: “Queremos expresar un espacio personal, inspirado en él, donde todo gira en torno a su carrera”. Para lograrlo, los arquitectos tuvieron disponibles dos espacios. El primero consistió en una sala individual de relajación, con una poltrona y una pantalla que proyectó la película favorita del piloto, además de un nicho para trofeos.

Al fondo de la habitación se encontraba el acceso a un segundo espacio que consistió en un bar, un espacio concebido para celebraciones, con prismas en color rojo, que a manera de nichos resguardaron objetos personales del piloto, como su casco. El espacio fue habitado mayoritariamente por mármol negro, resaltando la barra con dos bancos altos para degustar bebidas. Por su parte, Marina Leboreiro habló sobre la casa: “Además de que la casa es atractiva, el área que intervenimos es muy noble, lo aprovechamos para separar un lugar de relajación y otro para celebrar ya que tiene muy buena altura, de hecho, sirve para darle la escala necesaria para el propósito de uso”. Ambos arquitectos coinciden en que el bar está creado para percibir lujo y mucha diversión, similar a lo que transmiten las carreras de autos, la celebración y relajación que conllevan. facileboreiro.com @memorojas15

Celebración PERSONAL FACI LEBOREIRO + GUILLERMO ROJAS | AFTER RACE LOUNGE

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Madera, luz y MÚSICA

Retrato Jaime Navarro

RICARDO YSLAS GÁMEZ ARQUITECTOS + HORACIO FRANCO | BALCÓN EXTERIOR

EL DESPACHO de Ricardo Yslas Gámez fue uno de los grandes homenajeados del Premio Noldi Schreck 2017, en el que resultó ganador en las categorías de Interiorismo residencial y Arquitectura institucional con sus proyectos: Casa Encinos y Capilla RLJ, respectivamente.

Curiosamente, fue a los dos días de esa premiación que el equipo de Design Week lo buscó para invitarlo a participar por primera vez en Design House. “Todo el despacho se emocionó mucho con la propuesta y participó de manera muy entusiasta para conformar un espacio muy especial dentro de la casa: el balcón que da hacia el parque Lincoln. Además, la personalidad que nos tocó representar era el flautista Horacio Franco, con quien platiqué de manera muy amena”, platica Ricardo sobre su experiencia. El balcón que da hacia la calle y queda en el primer nivel de la casa es un espacio bastante pequeño y complicado de amueblar; por eso, el equipo de Ricardo decidió

hacer una instalación que se fuera transformando cada día durante el tiempo que durara la exposición. “Jugamos con la madera, la luz, los reflejos y con la vista al parque Lincoln. El resultado fue un espacio que invitó a la gente a interactuar con él y que, de cierta forma, representó la belleza de la música. Para mí, la música es armonía y dentro de su transformación va cambiando de tonos hasta que se vuelve una delicia para el oído. Por eso, tratamos de interpretar esos movimientos, pero con arquitectura y tomando como inspiración la personalidad de Franco”. A Horacio le encantó el concepto y prestó su música para que se escuchara durante los días que estuvo abierta la casa.

“Nada como un espacio simple, que pueda ser realizable por sus materiales y que transmita una de las mejores sensaciones del ser humano, como lo es el placer de escuchar música”. ricardoyslasgamez.com @horaciofranco

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Un escritorio y luz INDIRECTA SINESTESIA Y QUINTANILLA + GABRIELA WARKENTIN | ESTUDIO

SINESTESIA Y QUINTANILLA son dos despachos que lideran Rodrigo Luna y Alejandro Quintanilla, un par de amigos desde hace 15 años que nunca habían colaborado en conjunto. Design House los entusiasmó justo por esa novedad, aunado a que también trabajarían junto a una vocera, como la periodista y comunicóloga Gabriela Warkentin. A ellos les tocó intervenir el estudio, un espacio que abordaron primero desde la parte arquitectónica, para luego sumarle el interiorismo. Aunque tiraron una pared que dificultaba el acceso al lugar, sí enaltecieron y respetaron los dos únicos elementos que conservan la originalidad del inmueble: las molduras del plafón y un rosetón que está en medio del

techo, y un muro de la habitación que jamás ha sido intervenido. “Decidimos abrir una puerta con la idea de dar ‘el efecto Barragán’ que entras a un espacio muy compacto y luego se abre a un lugar más grande. Todo lo demás lo adaptamos para que tuviera una dinámica interesante, como los dos libreros con estanterías empotrados en las paredes”, cuenta Rodrigo. Como materiales, hay dos tonos de pintura, uno en el plafón y otro en los muros; además, las estanterías y el piso de madera se caracterizan por un patrón de geometría irregular que le da un toque peculiar a la habitación. Cuando Rodrigo y Alejandro platicaron con Gabriela, hubo una dinámica de empatía que hizo sencillo que se entendieran; sólo dos temas eran importantes: la iluminación y un escritorio.

“Gaby es muy sensible a la luz, no se siente cómoda en los espacios con luz blanca; eso explica porque toda la iluminación es indirecta casi con un aire de penumbra”. El otro punto en el que insistió la vocera fue su escritorio, pues parte de la historia de la periodista es que se ha cambiando de casa y hasta de residencia varias veces, y que una pieza que siempre la ha acompañado es su escritorio, el cual fue perfectamente recreado. quintanilla_arquitectos.com @warkentin

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CINE y estilo ecléctico SOFÍA ASPE + ALEJANDRO RAMÍREZ | RÉCAMARA

EN EL MARCO de la reciente presentación de su libro: Sofia Aspe Interiorismo, la diseñadora comparte su emoción por formar parte de Design House por segunda vez. “Me tocó trabajar con el empresario Alejandro Ramírez, director general de Cinépolis, como vocero y casi brincó de alegría cuando lo supe. Somos muy buenos amigos y me atrevería a decir que conozco bien en sus gustos y preferencias. Esta ocasión, quise hacer un espacio basado en su personalidad y esa generosidad que lo caracteriza como gran ser humano; no como un cliché cinematográfico (que es el mundo en el que Alejandro está inmerso) sino lograr un espacio que reflejara sus pasiones y divertimentos; buscamos algo más auténtico, más personal”. Sofía diseñó una recámara ro-

deada de obras de arte y coleccionismo, que son parte de la esencia personal de Ramírez, a quien ella describe como un gran cinéfilo de gustos refinados, amante de la perfección y un apasionado de México y su cultura. Así, la recámara se convierte en un espacio masculino de estilo ecléctico, en la que la colocación de materiales e insumos, como mármol, tapices, carpintería e iluminación, son una propuesta de diseño para la gente que está buscando ideas. “Lo atractivo en esta edición de Design House es que tuvimos la oportunidad de colaborar con un vocero, que en la vida real podemos reinterpretar como un cliente. En lo profesional, lo que siempre pretendo en mis proyectos es crear espacios que hablen más de las historias y herencia de mis clientes que de mí como interiorista. Es otra manera de ver las cosas, pues cuando uno como interiorista hace cosas para uno mismo es como transmitir tu estilo propio; sin embargo, en el minuto en que tienes un cliente, la visión es totalmente a la inversa”.

Esta recámara es el estilo de lo que le gusta a Alejandro Ramírez en la interpretación de Sofía Aspe, pero no como un cliché de su persona, sino como un lugar que habla de su esencia. sofiaaspe.com/wp/ @Alejandro_Ramz

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Interior para COMPARTIR MAAD + INÉS GÓMEZ MONT | FAMILY

HABLAMOS con el arquitecto Mariano Aguirre, fundador de MAAD Arquitectura, quien participó por primera vez en Design House: “Estamos muy entusiasmados con el proyecto y agradecidos por formar parte de esto. El espacio que intervenimos fue una habitación en la edición 2016 de Design House, ahora nosotros hicimos un family que a un lado tiene una habitación de baño”. En este sentido, la tipología solicitada por su vocera, la conductora de televisión Inés Gómez Mont, se enfocó mucho al hogar. Sobre su personalidad, el arquitecto compartió que ella es una persona sumamente familiar, está dedicada a sus hijos, por eso el espacio está diseñado para que lo comparta con ellos. Decidimos incluir el baño, como una zona de descanso, algo más personal, donde ella pudiera relajarse con un baño de tina”. La sala es un espacio de confort y en este caso cuenta con un par de sillones exclusivos para

Inés y su esposo; para darle un toque aún más hogareño se agregó una chimenea con una ventana como remate visual. El espacio es atractivo para los niños porque colocaron un papel tapiz con motivos selváticos que se complementó con colores ocres y un azul cobalto. Respecto al baño, decidieron colocar paneles de mármol y piso geométrico de pasta para contrastarlo, en ambos espacios se puede ver la dualidad en la intención de habitabilidad. “Queremos que los asistentes sientan que nuestro espacio tiene dueño, que está diseñado para alguien en específico porque nosotros como despacho no imponemos ideas, nosotros somos sólo un facilitador de las ideas de nuestros clientes, entonces el estilo que se imprime en los proyectos tiene que hablar de sus habitantes y satisfacer sus necesidades”, concluyó el arquitecto. maad.mx @inesgomezmont

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INTIMIDAD funcional SALINAS LASHERAS (EDMUNDO SALINAS) + ÓSCAR MADRAZO | RECÁMARA MÁSTER SUITE

TRANSFORMAR un espacio en obra gris a una recámara máster suite con el mobiliario y las comodidades de su morador, en un tiempo récord de tan sólo cuatro semanas, fue un gran reto, pero finalmente se logró. Edmundo Salinas del despacho Salinas Lasheras -con sede en Monterrey y oficinas en Miami y la Ciudad de México- nos comparte que aunque ya conocían el proyecto de Design House e incluso lo habían visitado en ediciones anteriores, ésta es la primera vez que forman parte de la experiencia.

“Decidimos hacer una recámara tipo máster suite para aprovechar las amplias dimensiones del

espacio que nos tocó intervenir; el cual según las charlas que tuvimos con nuestro vocero, Óscar Madrazo, adoptó la imagen de un espacio multifuncional por las diferentes áreas por las que está conformado: una antesala, un área de trabajo con su escritorio, un desayunador, un rincón de lectura, un bar y un baño completo”. Edmundo platica que desde que se sentó a conversar con el promotor de moda y amante del arte, comprendió muy bien lo que quería. “Óscar y yo no éramos amigos, pero teníamos conocidos en común; cuando supe que él sería nuestro vocero lo busqué y hubo una química inmediata. Desde un principio él me dijo que quería algo diferente, y eso le dio mucha dirección al proyecto, el cual diseñamos como una recámara inspirada en su personalidad y como si fuera a ser usada por él.

De ahí salió la idea de la sala y el bar (lugares no contemplados en la planeación original), ya que a Óscar le gustan ese tipo de rincones para departir, pero sin que invadan su intimidad”. salinaslasheras.com @MadrazoOscar

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LA MANCUERNA formada por Carlos Acosta y Rodrigo Alegre –fundadores de Studioroca– ha participado en Design House casi desde su inicio.

Cada año, su propuesta en este ejercicio de creatividad representa la evolución de su despacho y de su visión en temas de arquitectura y diseño.

“Esta vez –cuenta Rodrigo– tomamos un espacio dentro de la casa que es la terraza ubicada en el fondo del segundo piso, donde construimos una vivienda mínima de descanso”. ¿Qué quiere decir eso?, Rodrigo explica que ya tienen tiempo trabajando con este proyecto, el cual trata del desarrollo de un concepto de vivienda en la que el entorno natural es el campo de juego y no tanto los interiores y objetos materiales que hay dentro de ella. Esa analogía se visualiza en la terraza, donde el equipo de Studioroca construyó una pequeña casa con techo de dos aguas con la idea de darle a los visitantes la oportunidad de generar unos momentos de reflexión. “Necesitamos estar más en contacto con nosotros mismos y con la naturaleza; por eso, la reflexión a la que invita esta casa es a que salgas, la explores y disfrutes de los árboles alrededor. No hay habitaciones ni área de juegos, sólo lo mínimo necesario para disfrutar del entorno y la soledad”, dice Rodrigo.

El concepto empató muy bien con la personalidad del periodista Iván Carrillo, especializado en temas científicos y quien fue el vocero para Studioroca. “La plática con él y lo que aportó fueron increíbles. En conjunto surgió la idea de hacer una retroproyección de los árboles del Parque Lincoln para reforzar aún más la sensación de introspección; por eso, hay una pantalla en el interior de la casa que está pasando imágenes que valoran los momentos de estar en contacto con la naturaleza. Al final, es un ejercicio de diseño interior, en el que el interiorismo eres tú y el entorno en el que te desenvuelves, y no tanto el espacio que te rodea”. studioroca.com

Tu mismo y el ENTORNO STUDIOROCA (CARLOS ACOSTA Y RODRIGO ALEGRE) + IVÁN CARRILLO | TERRAZA EXTERIOR

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Proyectos destacados por su uso de materiales naturales, riqueza textil y sostenibilidad ambiental.

Textos MARTHA LYDIA ANAYA

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El Centro Cultural utiliza una paleta mínima de materiales de elaboración local como concreto pigmentado, madera, baldosas de barro y ladrillos, con la finalidad de integrarse con el entorno.

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LO MEJOR DEL AÑO

Riqueza arqueológica y textil CENTRO CULTURAL COMUNITARIO TEOTITLÁN DEL VALLE | PRODUCTORA | OAXACA Fotos LUIS GALLARDO

LO MEJOR DEL AÑO

Este Centro Cultural Comunitario exhibe las riquezas arqueológicas y textiles de Teotitlán del Valle (lugar de los Dioses, en náhuatl), un pequeño pueblo en el estado de Oaxaca. Su área principal situada junto a la plaza del pueblo alberga el Museo donde se mudaron las colecciones y actividades del actual Museo Histórico de Teotitlán. Formalmente el proyecto, llevado a cabo por los arquitectos de Productora (Carlos Bedoya, Wonne Ickx, Abel Perles, Víctor Jaime), se rige por la estética del entorno, la cual determina desde los parámetros de altura hasta el color y espacialidad formal. Un espacio secundario da lugar a la Biblioteca Municipal y una zona de servicios.

El área que ocupan ambos edificios en el predio representa sólo el 18% del total de la superficie, dejando un gran espacio público para plaza y jardines. De esta manera, se mejoran los recorridos peatonales que pasan por el sitio y conectan con la Plaza principal, logrando insertar los nuevos espacios públicos generados por el Centro Cultural, en el circuito de plazas existentes que define la estructura urbana del pueblo. Los volúmenes arquitectónicos muestran fachadas austeras y neutras. Desde la forma y la materialidad del edificio, pasando por los techos inclinados de doble losa, los muros de concreto de 30 centímetros de espesor y las aberturas controladas, crean un sistema pasivo para responder a condiciones climáticas adversas. Esta estrategia básica ayuda a regular la temperatura en el interior del edificio y brinda a los usuarios un confortable espacio para leer un libro, trabajar o visitar el museo y, al mismo tiempo, elimina la necesidad de instalar sistemas de acondicionamiento térmico. El espacio interior muestra muy diversas condiciones lumínicas y calidades espaciales (dobles y triples alturas), generando diferentes atmósferas para exhibiciones y actividades programadas. El Centro Cultural utiliza una paleta mínima de materiales de elaboración local como concreto pigmentado, madera, baldosas de barro y ladrillos, con la finalidad de integrarse con el entorno. productora-df.com.mx

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LO MEJOR DEL AÑO

Las alturas de los muros de concreto dependen de la topografía, mientras que las otras áreas se distribuyen en niveles para actividades públicas y operaciones del archivo.

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Concreto, acero y madera EDIFICIO DEL ARCHIVO HISTÓRICO | MENDARO ARQUITECTOS | OAXACA

Fotos ÉLENA MARINI SILVESTRI

Con la idea de recuperar y preservar los archivos históricos y el acervo documental de Oaxaca (algunos de los cuales se encuentran casi al borde de la destrucción), la Fundación Alfredo Harp Helú y el Gobierno del estado unieron recursos y esfuerzos para pedirle al arquitecto Ignacio Mendaro Corsini –radicado en España– que se hiciera cargo del proyecto: ‘La Ciudad de los Archivos’ en el parque ‘Las Canteras’, de donde se extrajo la piedra para construir la ciudad de La Verde Antequera. El arquitecto Mendaro ya había realizado el archivo municipal de Toledo que, aunque se trata de un inmueble de menor escala en comparación con el de Oaxaca, fue la referencia que el equipo en México retomó para proyectar el Edificio del Archivo Histórico de Oaxaca. Este inmueble forma parte de un plan maestro dentro de una superficie de 12 hectáreas que, de manera integral, aprovecha las ventajas de una excelente ubicación, medios de transporte accesibles, servicios urbanos y otros elementos que darán sentido a un espacio con áreas verdes y lacustres con amplio potencial ecológico y zonas de esparcimiento. Es un plan cuyo proceso de ejecución inició desde el 2013, pero

que en obra quedó concluido en el 2016. La arquitecta Anabel Gómez –quien es parte del equipo creativo que desarrolló el proyecto en México– cuenta que, al principio, el concepto del edificio se pensaba de tierra compactada, pero el tema de que sería ‘el cuidador de documentos importantes’ hizo que finalmente se eligieran muros de concreto aparente de color ocre como material dominante. “Para complementar -dice- se optó por acero y madera en alusión a las tierras rojizas que abundan en los terruños de La Mixteca. Así, el concepto arquitectónico del Edificio del Archivo Histórico se resume en: concreto, acero y madera, cuyo impacto sociocultural tanto para la Ciudad de las Canteras como para el Estado es muy importante, pues se convierte en un edificio público y cultural que además de resguardar documentos valiosos también le aporta a la comunidad la oportunidad de realizar otras actividades en su biblioteca, auditorio, aulas, salas de investigación y demás espacios. “Este proyecto nos ha sorprendido con varios premios, lo relevante es que nuestro objetivo siempre se encaminó a hacerlo bien”. mendarocorsini.es

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Un concepto habitacional de departamentos que respeta los orígenes industriales de un edificio histórico de la colonia Santa María La Ribera con un diseño moderno.

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Esencia fabril y barrial MARÍA RIBERA | JSA | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos LUIS GALLARDO Originalidad, funcionalidad e impacto social es la fórmula que hace del proyecto residencial María Ribera, en la colonia Santa María La Ribera de la Ciudad de México, uno de los principales ejemplos de diseño arquitectónico.

El equipo de JSa de Javier Sánchez se dio a la tarea de develar las capas de historia de la antigua Fábrica de Chocolates ‘La Cubana’ que se fundó en 1872 y funcionó como tal hasta 2004, para luego rehabilitar el inmueble e integrarlo bajo una dinámica habitacional con usos mixtos y cambios de escala que respeta sus orígenes industriales y que a la vez hace una amalgama ideal con su entorno.

Y es que, por su ubicación y sus antecedentes históricos, la colonia Santa María La Ribera ha desarrollado usos y costumbres de barrio alrededor del emblemático Kiosko Morisco; además de que, más allá de su origen porfiriano, Santa María la Ribera fue fundada en una ranchería como una de las primeras colonias de la ciudad junto con la Nuevo México, la de los Arquitectos, la San Rafael y la Guerrero. Fue una zona residencial habitada por personas

de clase media alta, que construían viviendas elegantes y cómodas entre tranvías urbanos y suburbanos, la edificación de obras públicas y de algunas fábricas, además de la estación de ferrocarril Buenavista. Fue en los años veinte, cuando la fábrica ‘La Cubana’ se traslada a la colonia y se levanta un amplio conjunto que incluía planta de producción, imprenta, oficinas, residencia y un expendio que vendía dulces, cigarros y puros de chocolate, molienda francesa y chocolate Cubana 17. Con esa misma esencia fabril y barrial fue que se diseñó el conjunto residencial María Ribera que no sólo redensifica el centro de la ciudad, sino que a la vez recicla las estructuras originales del edificio histórico dejando un acceso en ambos lados del predio e incorporando circulaciones, plazas, juegos de niños y zonas ajardinadas. Se aprovechó la gran nave industrial principal para distribuir diversos edificios bajos con departamentos de 65 a 86 metros cuadrados en torno a patios, jardines y terrazas. jsa.com.mx

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Habitaciones de colores IGNACIA GUEST HOUSE | FACTOR EFICIENCIA + A–G | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos JAIME NAVARRO Una casa porfiriana construida en 1913 y en donde ‘Ignacia’, su ama de llaves, cocinera y encargada del cuidado del jardín y del huerto sirvió con devoción por más de 70 años, se incorpora con una arquitectura fresca a las calles de la colonia Roma en la Ciudad de México. Ya hay pocas casas como ésta, pues tiene un jardín en medio de toda la construcción que fue restaurado a detalle, preservando una hermosa fuente, árboles frutales y varios cactus. El proyecto, desarrollado por Factor Eficiencia y diseñador por A-G (Andrés Gutiérrez), conserva el edificio histórico y rinde homenaje a la memoria de la fiel ama de llaves que desde los 17 años acompañó a la familia hasta su muerte en el año 2000. A partir de su personalidad fue que se elaboró el concepto de lo que ahora es un pequeño hotel luxury bed & breakfast; desde la paleta cromática y jardinería, inspirada en Guerrero –lugar de origen de Ignacia–, hasta la privacidad de los espacios. El equipo de arquitectos respeta la planta original de la vieja casona y sólo reasigna el uso de los

espacios; restaura molduras, yesería y acabados históricos; conserva cancelerías y puertas originales y rescata los pisos de duela. De tal manera que la casa conecta recibidor, recepción, biblioteca, comedor y cocina a lo largo de un hilo conductor marcado por el color nude de los interiores. Son cuatro habitaciones y una suite, nombradas por el color que domina en cada una de ellas: azul, verde, rosa, amarilla y negra, las cuales están dispuestas verticalmente en torno al patio central. No sólo cuentan con terraza y sala de estar, también con una vista a la calle de Jalapa, donde se ubica el hotel y que presume un hermosa jacaranda. El mobiliario dialoga entre pasado y contemporaneidad, pues incluye muebles y accesorios de diseñadores como Eileen Grey, Eero Saarinen, Serge Mouille, Sean Dix y James Tan; además los espacios se complementan con piezas de A–G, Bo Concept, PECA, Jonathan Adler y objetos del maestro alfarero José Cervantes, de San Agustín Oapan. factoreficiencia.com

LO MEJOR DEL AĂ‘O

Cuatro habitaciones y una suite, nombradas por el color que domina en cada una de ellas: azul, verde, rosa, amarilla y negra.

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El carรกcter tectรณnico del edificio establece un sentido de escala y dinamismo visual que crea un ambiente interior propicio para la productividad.

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Una ‘ciudad vertical’ CENTRO DE OPERACIONES BBVA BANCOMER | SOM | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos RAFAEL GAMO

El Centro de Operaciones de 154,000 metros cuadrados es un hito arquitectónico que consolida y reposiciona la presencia física de BBVA Bancomer en la Ciudad de México. Con 135 metros de altura, el edificio destaca por su concepto de vanguardia ambientalmente sustentable y, al mismo tiempo, imagina el entorno de trabajo para los colaboradores de BBVA en la dinámica del siglo XXI. El diseño de SOM –Skidmore, Owings & Merrill LLP– se adapta a la transformación de la estructura operativa de la empresa de un modelo tradicional y jerárquico a una organización colaborativa más horizontal.

Con oficinas abiertas y espacios compartidos e interactivos, el edificio ofrece oportunidades para reuniones informales y colaboración. Como parte de un desarrollo planificado dentro de un entorno urbano denso, el proyecto se relaciona con su contexto residencial circundante a través de la concentración y la escala. Se concibe como una ‘ciudad vertical’ con un conjunto de volúmenes desplazados en sus intersecciones para crear puntos de articulación, y lleno de comodidades que incluyen cafeterías, salones, terrazas al aire libre y espacios para reuniones que refuerzan el sentido de comunidad entre

colaboradores. El animado carácter tectónico del edificio establece un sentido de escala y dinamismo visual que contribuye al carácter peatonal de la zona y crea un ambiente interior propicio para la productividad. El edificio cuenta con certificación LEED Gold y eleva el nivel de calidad y rendimiento de la construcción en el mercado comercial de la Ciudad de México. La sofisticada fachada de vidrio del proyecto está envuelta por una pantalla de persianas verticales escalonadas que están calibradas según el ángulo del sol para reducir el aumento de calor y maximizar las vistas y el filtrado de la luz del día. El proyecto promueve la sostenibilidad ambiental en toda su estructura, así como una serie de características de ahorro de energía y de agua, integradas en el diseño. Ubicado en el renaciente barrio de Parques Polanco, este Centro de Operaciones lleva un par de años funcionando, pero sin duda destaca entre los mejores proyectos porque su desarrollo ha estimulado la inversión en el ámbito público, incluidas las mejoras de espacios abiertos, paisajes y superficies duras, que a su vez han despertado un mayor interés en la zona. som.com

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Crecer, reciclar y transformar U125 | ARCHETONIC | CIUDAD DE MÉXICO Fotos RAFAEL GAMO, YOSHIHIRO KOITANI

Ubicado en la calle de Montes Urales, la cual conecta con Paseo de la Reforma y Palmas, dos de las avenidas más concurridas e importantes de la Ciudad de México se encuentra U125, proyectado por Archetonic de Jaime y Jacobo Micha. Ahí se encontraba una casa de los años 50 que en sus inicios estuvo rodeada de otras residencias y hoy en día ve edificios de oficinas por todas sus fachadas. Se decidió conservar la casa reconociendo el potencial que tenía para convertirla en el taller de Archetonic. El proyecto integral contempla la restauración de la residencia, así como una intervención estratégica con el propósito de crecer, reciclar y transformar, para poder dar lugar al nuevo programa que contempla 604 m2 de oficinas en cuatro niveles. Los ejes de diseño fueron lograr una armonía entre

el espacio que existe hoy y la intervención, buscando como resultado un perfil contemporáneo, enfocado en la estética original de la edificación y respetando desde los accesos y ventanas hasta los detalles decorativos en toda su composición original en la fachada.

Como parte de su intervención, el despacho propuso cubiertas de placa metálica que hacen referencia a las proporciones originales de la casa y suman una malla metálica tensada entre estos elementos. “Logramos darle un carácter discreto, puro y elegante, también buscando que por la noche, a través de este elemento traslucido y por medio de la iluminación artificial, el edificio revele su cara mas compleja”, dicen los arquitectos. archetonic.mx

LO MEJOR DEL AÑO

Los ejes de diseño se enfocan en lograr una armonía entre el espacio que existe hoy y la intervención.

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Carácter firme y porte amable CENTRO FINANCIERO TLALPAN | BROISSIN | CIUDAD DE MÉXICO Fotos ALEXANDRE DE LA ROCHE

Para el arquitecto David Suárez del despacho Broissin, el Centro Financiero Tlalpan es uno de sus proyectos más completos. Se trata de un edificio corporativo de uso privado que representa la tercera etapa de modernización de las instalaciones de todo un complejo que, de ser unas bodegas instaladas en unos terrenos de gran tamaño, se fueron transformando en oficinas y estacionamiento con áreas de esparcimiento para la convivencia de más de 1,300 personas. "Desde un principio, el plan original fue muy ambicioso, mucho de la dirección del proyecto fueron decisiones que se tomaron en conjunto con el cliente, para quien en ocasiones la propuesta de algunos sistemas constructivos resultó sorprendente por su innovación tecnológica y experimentación", cuenta Suárez, quien reconoce que el hecho de que el cliente se involucrara en los procesos hizo sentir a todo el equipo 'como en casa'. Así, el edificio tiene una capacidad para 1,446 automóviles en respuesta a un agresivo programa de financiamiento automotriz del grupo para los colaboradores a razón de 8 autos por cada 10 empleados, que en total suman 44,700 m2 contenidos en 3 sótanos y 4 plantas en la superestructura.

Favorecido por su altura en la estructura, el volumen vidriado contiene posiciones para 1,143 personas en dos plantas de 6,000 m2 cada una, superficie que exigía una solución para tener iluminación natural. "Decidimos entonces tener cuatro patios abiertos al interior de las oficinas que además de mitigar bien el problema de la luz, ordenaban y seccionaban físicamente los departamentos optimizando funcionalmente cada planta. Era imperante la necesidad de conectar el nuevo edificio con sus predecesores por el estacionamiento que quedaría en su totalidad en el nuevo inmueble dando servicio a todo el conjunto; aprovechamos ese pretexto para tener un espacio abierto que funcionara como parque o plaza pública de convivencia". broissin.com

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Serena, funcional y romántica CASA IGUANA | OBRA BLANCA | VERACRUZ Fotos ADRIÁN LLAGUNO / DOCUMENTACIÓN ARQUITECTÓNICA

Casa Iguana es una vivienda unifamiliar situada en una zona habitacional suburbana de Alvarado en Veracruz, la cual rinde tributo a la riqueza natural de este estado de la República. El proyecto, realizado por el despacho Obra Blanca (liderado por los arquitectos Daniel Treviño Lozano y Gabriela Villegas), se sintetiza en tres construcciones independientes, conectadas por medio de un puente delimitado por tres muros de celosía a base de soleras de barro recocido dispuestos de la misma forma en la que se levanta una torre de naipes, reinterpretando los remates de muros y balcones presentes en algunas de las residencias tradicionales de la región. Como parte de los requerimientos, la casa debía ser un refugio de la rutina. Por eso, pese a ser una residencia de uso permanente, los espacios transportan a sus moradores a un Veracruz de recreación y descanso, emulando las características de un danzón jarocho: tranquilo, pausado, preciso y romántico. En la planta baja, la casa cuenta con un espacio público y de servicio,

desplantado dentro de los límites de los tres cuerpos que conforman el proyecto. En la planta alta, por el contrario, encontramos un área privada, distribuyendo una recámara por cada uno de los tres módulos que, sin importar su orientación tiene todas las vistas rematando hacia el patio interior y la alberca. Los materiales se utilizan al desnudo manteniendo su propia expresión.

El carácter frío del concreto y el sistema aparente de vigueta y bovedilla se equilibran con la calidez del tabique refractario de barro recocido y el aplanado pulido de cemento blanco con resina de chucum, que ofrece un bello color natural, además de plasticidad y fraguado, disminuyendo su agrietamiento y aumentando la impermeabilidad. Todos son materiales de fácil mantenimiento y con carácter suficiente para dignificar la obra a través del tiempo. En esa misma filosofía, el mobiliario refuerza la modernidad artesanal, pues está fabricado en madera, metales oscuros y tejidos autóctonos. obrablanca.mx

ENTREVISTA

Cada rincón transporta a sus moradores a un Veracruz de recreación y descanso, emulando las características de un danzón jarocho: tranquilo, pausado, preciso y romántico.

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La sensación de ‘pertenecer’ a la tierra CASA MOZOQUILA | VIEYRA ARQUITECTOS | MORELOS Fotos JAIME NAVARRO

Ubicada a los pies del Cerro del Tepozteco en el estado de Morelos, es una casa unifamiliar de dos volúmenes que se conectan por un puente y está construida sobre un terreno de 402 m2. La obra de la arquitecta Lorena Vieyra en colaboración con Valeria Llanos y Carlos Trujillo, incorpora la participación de Piacere y Entorno, con la idea de formar la sinergia perfecta. En un principio, la ejecución del proyecto se pensó en función de su entorno natural en donde la vegetación endémica fue recuperada para integrar el paisajismo autóctono de la casa. Para dar carácter propio e identidad se usaron materiales locales en los acabados de la residencia, así apreciamos la rudeza de la piedra volcánica y el adobe rico en texturas, prefabricado localmente para las estructuras. De este modo, la casa parece haber nacido naturalmente de su entorno. Los dos cuerpos construidos están pensados para que sus funciones respondan a un programa arquitectónico que consiste básicamente en tres recámaras y un área

social. La parte construida con piedra volcánica es donde se encuentran las áreas públicas como sala-comedor, lavandería, patio de tendido y un medio baño. Se separa físicamente del otro volumen construido en adobe, donde se encuentran las tres recámaras completas con baño y vestidor.

Unificando este conjunto está el puente-terraza que une a los dos cuerpos con relación visual y geométrica a una alberca del mismo material, la cual está colocada a 50 centímetros sobre el nivel del terreno de forma excepcional. Esta ‘flotación’ intencional es para que la vegetación crezca debajo de los bordes y dé la sensación de ‘pertenecer’ a la tierra. El mayor reto del proyecto fue encontrar la mejor disposición de las recámaras procurando que éstas conservaran la mayor privacidad; por eso, fueron orientadas al sur, con jardines privados circundantes y con vistas al Cerro del Tepozteco, lo que realza el discurso de los residentes naturales: los materiales locales. vieyraarquiectos.com

La casa se pensó en función de su entorno natural, en donde la vegetación endémica fue recuperada para integrar un paisajismo autóctono. También se usaron materiales como piedra volcánica y adobe prefabricado.

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Simpleza en muros de concreto

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CAPILLA RLJ | RICARDO YSLAS GAMEZ ARQUITECTOS | JALISCO Fotos JAIME NAVARRO

Ubicada en San Juan Cosalá, Jalisco, Capilla RLJ se integra a la topografía natural del predio sin afectar la vegetación existente. Se aprovecharon materiales como piedra, teja y madera de la región, además de concreto y herrerías básicas.

Como parte de la integración al contexto social, se proyectó el acceso principal sobre una vialidad pública, generando una inclusión comunitaria a pesar de estar situada dentro de un predio de carácter privado. Cuenta con un patio de acceso que da hacia la carretera, formado principalmente por piedra de la región y que a su vez da acceso a los tocadores, la sacristía y al interior de la capilla. El cuerpo principal está conformado por dos grandes muros de concreto y una techumbre que albergan un coro, un área para 12 bancas con capacidad para 72 personas y el área del altar, con una superficie total de 295.71 m2. Los muros de concreto albergan también un patio al descubierto que cobija en el centro una cruz de acero diseñada y fabricada por el despacho. Este patio remata al fondo con un muro de cantera diseñado con una fuga geométrica que acentúa la profundidad del patio sobre el que flota la cruz. En el interior se buscó que la simpleza imperara y se vistió únicamente con los muebles esenciales que conforman una capilla. La Capilla RLJ cuenta con una salida hacia el resto del rancho, el cual también puede ser utilizado como acceso al salón de eventos construido en el mismo complejo. ricardoyslasgamez.com

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Ejemplos de diseño, aplicados al mundo cotidiano.

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos cortesía de los diseñadores y marcas participantes

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Biombos | Julie Richoz Dentro del marco de Swiss Design Mexico en Design Week Mexico, los diseñadores Nicholas Le Moigne y Julie Richoz realizaron una residencia de cinco semanas en Casa Wabi (Oaxaca) donde desarrollaron objetos de palma con dos talleres de Santa Catarina Mechoacan, en Oaxaca. Nicholas desarrolló luminarias y Julie diseñó biombos, ambos utilizaron procesos de tejido en palma, adaptados a objetos contemporáneos hechos con estructuras metálicas. Esta colaboración combina la tradición de los artesanos mexicanos con lo contemporáneo del diseño suizo, derribando las fronteras del lenguaje. Las piezas fueron exhibidas en Casa Wabi, Ciudad de México ubicada en Santa María la Ribera. julierichoz.com

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Luken | Paola Calzada Durante el Abierto Mexicano de Diseño, Paola Calzada mostró la variación en colores de la colección Luken, una serie de muebles diseñado para niños, producida a bajo coste y respetuosa con el medio ambiente. Luken, consta de mecedora, diván doble y sencillo, sillas y mesas cuyas piezas son fáciles de ensamblar, el propósito es incluir a los pequeños en el armado del mobiliario.

La colección se desarrolló pensando en la máxima optimización del material, menor impacto en costos y óptimo almacenamiento por su empaque flat-pack. Las piezas se han producido en tableros de Valchromat, MDF y polietileno de alta densidad, resultado del reciclaje controlado de botellas. paolacalzada.com

Fotos cor tesías

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Moss | Mónica Calderón La Colección Moss, presentada en Inédito durante Design Week México, está inspirada en las tonalidades verdes de la naturaleza, consta de mesas laterales, mesas de centro y vasijas hechas en resina poliéster. El estudio Mónica Calderón, fundado en 1998, se ha dedicado a explorar las cualidades de este material, en esta ocasión presentando una serie con amplias posibilidades tonales, ya que cada pieza presenta un patrón de color único y una singular textura que se le añadió al material, muy parecido a la talla en madera, agregando a las piezas una presencia escultural. monicacalderon.net

Stracciatella | FOAM Relacionado al verbo italiano stracciare, que significa desgarrar, FOAM explora materiales de desecho y los procesos de reciclaje que dotan a los productos una vida cíclica. En la colección se retoma el terrazo, por ser un material donde se aglomeran fragmentos de piedras naturales y se toman en cuenta nuevos desarrollos de reciclaje. El estudio fue orientado en la producción de materiales por las empresas: GUMA (quienes desarrollan pisos de caucho reciclado), Basura Cero (que promueve estrategias de procesos sustentables), Acopol Interiorismo (expertos en el mercado textil) y el área de tapices de la marca ROCOCÓ. Stracciatella está conformada por mesa de centro, isla, luminaria, papel tapiz y piso. foamdf.com

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Espejos sin título 01 y 02 | Adhoc & Guilherme Wentz Para Inédito, Adhoc presentó un par de espejos que retoman el uso del terrazo y el peltre, ambos materiales están presentes en la estética popular latinoamericana a pesar de tener un origen histórico distante. La colección fue diseñada en colaboración con el brasileño Guilherme Wentz con la intención de explotar el enorme potencial estético de estos materiales, cuyas aplicaciones se han mantenido casi inalteradas. En ambos espejos se rescatan las características positivas del terrazo y el peltre, ambos logran el equilibrio entre calidez y sobriedad en sus colores, texturas y formas. Los materiales que están presentes en nuestra memoria logran tomar otros significados y llaman a nuevos usos. adhoc.mx

Foto Diego Velazquez

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Prima | Pirwi Prima es un proyecto colaborativo de Pirwi, donde se desarrolla mobiliario contemporáneo con diseñadores y productores mexicanos, conservando su código de ética y su filosofía. En su primera entrega, el diseño corrió a cargo de Andrés Mier y Terán, en ella se reúne el trabajo de diferentes productores mexicanos.

La colección presenta dualidades ya que en un mismo espacio se conjugan tradición y vanguardia, tecnología y trabajo manual, madera y cemento. La colección de 26 piezas está dirigida al uso doméstico y mantiene la producción en serie con materiales asociados con la responsabilidad medioambiental y el buen diseño.

Foto Diego Berruecos

pirwi.com

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Toro | Estudio Cerisola Centrado en la investigación de principios matemáticos y su aplicación al diseño, el Estudio Cerisola presentó Toro, una mesa creada a partir de estructuras modulares. Toro surgió al buscar cómo construir una figura toroidal a partir de módulos de madera sólida ensamblada. Durante el proceso, se analizaron varias figuras geométricas con ayuda de maquetas y modelos en 3D, para explorar sus características modulares. La base de la mesa se compone de la repetición de sólo tres figuras distintas, con esas piezas se fabrican módulos que se alternan entre sí para conformar un toroide. Todas las piezas están hechas en madera de Tzalam certificada con terminado en aceite. La intención del estudio es incluir lenguajes abstractos en la vida cotidiana. estudiocerisola.com

Cycle | Xavier Lórand En colaboración con IUSA, Xavier Lórand presentó Cycle, una dupla conformada por silla y mesa auxiliar para exteriores, hechos a partir de “madera sintética”, recientemente lanzada al mercado por IUSA, quienes la desarrollaron con propósitos ambientales, evitar la deforestación y recuperar productos que se consideran desechos, la madera sintética está compuesta por madera reciclada, cáscara de arroz, bagazo de agave, polietileno y polipropileno de alta y baja densidad. Todos esos materiales conforman una mezcla que se funde para producir tableros en medidas comerciales. Cycle es una demostración de uso cuyo objetivo es abrir camino al nuevo material y buscar nuevos usos y aplicaciones.

Fotos cor tesías

xavierlorand.com

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Juxtlahuaca + Cananea Resultado del análisis de la dinámica de trabajo en casa, Juskani presentó Juxtlahuaca y Cananea, donde integra texturas que permiten al usuario entender y vivir el espacio de manera sensorial, abriendo espacio hacia el retiro personal. Juxtlahuaca es un secreter que funciona como gabinete de trabajo acompañado por un taburete, en la parte superior del mueble dos puertas corredizas muestran la riqueza de texturas físicas y táctiles únicamente al estar cerradas; además de la luz generada por Cananea, una lámpara de suspensión colocada sobre un difusor de esencias que se evaporan por el calor de la luminaria y activan el olfato del usuario.

Yuxtlahuaca está hecha en madera de Parota con incrustaciones en Fresno y latón. Cananea está hecha en cobre rechazado con acabado porcelanizado y madera de Parota. juskanialonso.mx

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CDMX y área metropolitana 700 pesos Envío nacional 820 pesos EU 265 USD Europa 300 USD Realiza tu pago en Banamex: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Sucursal 4271 Cuenta: 0132512 Clabe: 00218042710132512 Envía tus datos personales (nombre, dirección, télefono, correo electrónico) y comprobante de depósito a: suscripciones@glocal.mx Informes: 55.33.68.18

MA C RO TEN DEN CIAS formica.com/es/mx

EQUILIBRIO EN PROPORCIÓN, FORMAS Y COLORES Los materiales de Formica® habitualmente se ven desde lo plano, en uso vertical como en un muro. Christian Vivanco quiso jugar de otra manera y haciendo un esfuerzo por alinearlo a una exploración que ya viene haciendo desde hace unos años por hacer muebles sociales (que puedan estar en espacios públicos), diseñó una banca que enaltece los materiales de la marca en equilibrio con aspectos de proporciones adecuadas, tonos, acabados, formas y buenos trazos. Tuvo la oportunidad de trabajar con una paleta de color muy audaz y aunque, de inicio, le costó un poco de trabajo porque no está familiarizado con el uso de tonos tan contrastantes; al final se atrevió a utilizar colores intensos, fuertes y con mucha personalidad. christianvivanco.com Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Moda: Sudadera Terciopelo ( Zara) | Pantalón Terciopelo (Zara) | Tennis (Adidas Originals)

ENERGÍA Y OPTIMISMO Spectral: Propuestas infinitas

Arte y diseño son disciplinas que conviven más de cerca y así lo entendemos en esta casa editorial; por lo que, para colaborar buscamos creativos y empresas empáticas con esta manera de pensar.

Así, para generar un proyecto que hablara de Spectral –tendencia en la que Formica® une estas disciplinas– invitamos a Gustavo Carmona + Lisa Beltrán de Materia Arquitectónica y al diseñador industrial Christian Vivanco, ellos trabajaron en conjunto para crear un ambiente (objeto-escenográfico) que abriera un abanico de posibilidades de estilos libres y desenfadados; el resultado es una atmósfera que entrelaza tecnología, arte y diseño.

Fotos JOSÉ MARGALEFF Editor de sección GRETA ARCILA

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MACROTENDENCIAS

OBJETO, LENGUAJE Y ESCENOGRAFÍA Luego de un proceso de tres semanas de trabajo arduo, se llegó a la conclusión de un ejercicio gráfico tridimensional, que más que arquitectónico se inclina hacia lo gráfico. “Se nos pidió una escenografía y un objeto, lo que al final no se trabajó como dos temas por separado que se unían, sino que se desarrolló con un carácter de objeto-lenguaje para luego hacer una extensión hacia la escenografía. Christian diseñó una banca a la que se le creó un escenario, con el cual balanceamos las intenciones de diseño comprendiendo al mismo tiempo el uso de los materiales de Formica® y perdiendo el miedo a los colores”, explica Carmona de Materia Arquitectónica. materiarq.com Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Florero rojo, Blend Design | El Ciudadano, edición especial DWM 2017 por Edgar Orlaineta | Moda: Overol (Dickies) | Tennis (Reebok Classic) Página derecha: Sudadera Terciopelo ( Zara) | Pantalón Terciopelo (Zara) | Tennis (Adidas Originals)

MACROTENDENCIAS

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Modelo: Borja | Paragon Model Management Styling: Guillermo Arriaga Asistente de fotografía: Daniel Mejía Agradecemos a TriplayMarket por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica. triplaymarket.mx

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TENDENCIAS GLOCAL

NEO MEMPHIS SCHOOL, LA ASIMETRÍA EXALTADA A TRAVÉS DEL COLOR A principios de los años ochenta, Ettore Sottsass crea una corriente diseñística que dictaba una nueva comprensión del postmodernismo en disciplinas como diseño y arte. Exploraron con materiales como cerámica, cristal, objetos de metal, pero también incorporaron materiales industriales como el laminado plástico, y las formas jugaban una geometría volumétrica.

Este año, muchos creadores tomaron como inspiración este divertido movimiento.

Silla Altar por LEE BROOM | Colección de copas On the Rock por LEE BROOM | Colección Stained por Studio Formafantasma para NUDE página derecha: fondo, Colección Potpourri por Meike Harde para PULPO | Colección Beak por Tomas Kral para NUDE | Lámpara Fulcrum negra por LEE BROOM.

La alegría del diseño Dos tendencias que dieron optimismo a través del diseño a una sociedad deprimida por los momentos que vive globalmente.

Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL Y GRETA ARCILA

TERRAZO, EL LUJO DE LA TEXTURA Nacido como un material que rescata los restantes de piedras como mármol, granitos basaltos, piedras calizas, entre otros, al ser mezclados –generalmente- con cemento en color, el terrazo tuvo su primer apogeo en los años sesenta y setenta. Hoy vive un revival, pues las nuevas generaciones lo utilizan para crear piezas con mucha expresividad y textura. Lo vimos este año en todas las ferias de diseño, pero su propuesta estética estará vigente por lo menos otros tres años más.

Colección de mesas Metropolitana en Silipol por DWA DESIGN STUDIO y Mariotti Fulget | Colección Terrazo por ALBERTO BELLAMOLI | Banca Gong por BENTU | página derecha fondo: detalle colección Panel Gong por BENTU | Lámparas Gong por BENTU | Colección de mesas terrazo por ANOTHER BRAND.

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COLUMNA

La innovación Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

“LA INNOVACIÓN es la habilidad de ver el cambio como una oportunidad y no como una amenaza”: Steve Jobs. El concepto y definición de “innovación” ha sido tema de conversación entre muchos especialistas, hoy en día existen cientos de libros y decenas de universidades que han tomado el tema como centro de su tesis y, por lo general, la mayoría concluye que innovación es la capacidad de crear soluciones a problemas que muchos no sabían siquiera que existían. De acuerdo con muchas instituciones y expertos, innovación, en su definición más fundamental, es el proceso de crear ideas y transformarlas en inventos que se conviertan en servicios o productos que generen un valor para los consumidores por el que estén dispuestos a pagar. Sin embargo, ¿es esto suficiente? Personalmente estoy convencido de que las grandes innovaciones deben aportar un beneficio tal a las personas que no sólo estén dispuestas a pagar por éste, sino también a hacer lo necesario -aunque implique para ellos un sobre esfuerzo- para alcanzar ese detonador que mejorará su vida de forma razonable. Vivimos una época sin precedentes, nunca en la historia de la humanidad nos habíamos enfrentado a cambios tan vertiginosos y acelerados. En la actualidad existen alrededor de 10 tecnologías de desarrollo exponencial y no lineal, se trata de desarrollos y, por lo tanto, socialmente no estamos preparados para afrontarlos. En muchas ocasiones resulta difícil comprender las diferencias reales entre ambos tipos de desarrollo. En una organización promedio, del 85% al 90% de las innovaciones son menores, y al final ese tipo de detonantes rara vez generan cambios en dichas organizaciones o son aportes necesarios para la supervivencia.

LA IMPORTANCIA DEL ESPACIO “Moldeamos nuestros edificios, después nos

Las personas están dispuestas a pagar por la trascendencia de las innovaciones. moldean de regreso”: Winston Churchill. Ve por tu ventana y dime qué ves. Un porcentaje alto de la población del planeta lo que ve por la ventana son entornos construidos por el ser humano.

Actualmente, de acuerdo con las Naciones Unidas, casi el 60% de la población del planeta vive en asentamientos urbanos y para el 2050 será cerca del 70% de la población la que viva en ciudades. En la actualidad existen 28 mega ciudades, esto es, ciudades con una población mayor a 10 millones de habitantes. Lo que la mayoría de la población ve por su ventana ha sido construido y, en algunos afortunados casos, diseñado por seres humanos. Desafortunadamente, el 85% de las construcciones no es producto de un proceso real de diseño y así la cuestión de cómo el diseño impacta a las personas rara vez es un tema de discusión. La poca preocupación que se ha dado al diseño está mermando nuestras vidas. En 1943, Winston Churchill, después de que Alemania

@zamarripa.mx

destruyera con sus bombardeos la Cámara de los Comunes (The House of Commons, en inglés), convenció al parlamento para destinar recursos a la reconstrucción de un espacio idéntico al destruido, un espacio rectangular con dos hileras de bancas viéndose frente a frente acomodando a los dos partidos opositores. El argumento que usó Churchill fue una frase que por años pasó inadvertida, demuestra la claridad de pensamiento que el canciller tenía respecto a la importancia de la arquitectura en la generación de una cultura: “We shape our buildings; thereafter they shape us”. En los años cuarenta, Churchill ya tenía claro algo que a la sociedad le ha tomado mucho tiempo aceptar: la arquitectura que moldeamos nos moldea de regreso. Los ambientes construidos determinan quiénes somos y cómo nos comportamos en el mundo físico, social y cognitivo. @baumgarj

Twentieth and Twenty-First Century Collectible Design

designmiami.com @designmiami #designmiami

Bolotas Armchair (Pistachio)/ Fernando and Humberto Campana, 2015/ Courtesy of Friedman Benda and Estudio Campana

Dec 6–10, 2017/

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COLUMNA

¿Materialismo o Consumismo?

Por LUIS MERCADO ROJO Ilustración ZAMARRIPA

HACE POCO tuve una conversación con Jim Jacoby del American Design and Master-Craft Initiative, y me hizo un comentario que me llamó mucho la atención. Me dijo que uno de los problemas actuales es que no somos lo suficientemente materialistas, lo cual como se imaginan me dejó perplejo, pero después de explicarme su punto no pude más que coincidir con él. Para empezar, confundimos el término “materialismo” con “consumismo”. Resulta que en el estado actual de consumismo, no le damos el valor suficiente a los objetos; en algunos casos notables tienen la obsolescencia programada (¿verdad Apple?), o por una cuestión de costos, la calidad nos asegura que no nos durarán mucho tiempo.

También hay que tomar en cuenta las tendencias y la moda, que crean una obsolescencia falsa.

Para aclarar su punto, Jim me contó la historia de un amigo suyo. Su bisabuelo había inmigrado a Estados Unidos, como muchos en esa época llegó sin nada y después de muchos años, cuando ya había forjado una vida, se regaló un reloj de bolsillo. Por supuesto que el reloj era de muy buena calidad, porque tenía que estar a la altura de todas las connotaciones y valores que su dueño le estaba dando: Un objeto como símbolo de estar en un punto en la vida, que después de haber pasado muchas penurias, se lo podía comprar. Un objeto que cada vez que mirara la hora o alguien lo apreciara, le recordaría el camino recorrido.

Ese mismo reloj había pasado de generación en generación, como testimonio de su legado y como recordatorio de su historia.

@zamarripa.mx

En el estado actual de consumismo, no le damos el valor suficiente a los objetos.

La verdad yo no veo heredando mi celular, y mucho menos a mis bisnietos diciendo: ¡Mira!

Este es el teléfono que mi bisabuelo se compró después de pagarlo a 24 meses sin intereses con un plan fijo de datos porque el último que tenía se le rompió la pantalla. Creo que es un buen momento para reflexionar sobre nuestra relación con los objetos. ¿Qué poseemos que pueda durar, ya no digamos 4 generaciones, si no al menos una vida?, ¿a qué objetos les asignamos un valor especial?, sea el que sea y no cosas que simplemente compramos y desechamos. ¿Qué criterios utilizamos cuando compramos?, ¿Es un objeto que voy a tener mucho tiempo o algo que va a terminar en una venta de garage en la siguiente mudanza?

Esto es lo que Jacoby quería decir: Darle un valor material a las cosas, ser más materialistas. @lmrdesigngarage

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COVER STORY P. 64 CONTROVERSIAL, MULTIFACETED, SINGULAR “This world of design is not for lazy designers who think that they already know everything and are only interested in making an object but not in understanding their audience.” MARCEL WANDERS Interview Greta Arcila Portrait Viola Tofani My first contact with Marcel Wanders was 9 years ago in the halls of the Salon Satellite. I saw him in the distance, and what captivated me was the way he looked at the projects of the young talents, approaching them and asking a lot of questions. With an open smile and penetrating gaze, Marcel is someone whose personality attracts design insiders and strangers alike, though so much openness and candor can be intimidating. People in the know about design celebrities stopped and watched him from afar, just as I did. I have the healthy habit of approaching and introducing myself openly, but that time I stopped in my tracks, preferring to seek him out two years later in his own space: the Moooi showroom.

That time, when I went in 2010, it was at the entrance to the Tortona Zone. I introduced myself to his team and asked about an interview over seven times, and I was so persistent that the person in charge of public relations (a Mexican woman who’d been working for him for over eight years), decided to set aside a space on his agenda for me. The appointment was set for the last day of the Salone (Sunday), and I was fully aware that he might not show up. I arrived 20 minutes ahead of time and was a bundle of nerves. I had conscientiously prepared my interview: the time had come. He saw me and smiled… And the interviewer turned into interviewee. He asked me about Glocal, about design in Mexico, about my life… We talked for two yours straight (he canceled his last interviews of the day). We talked about life, about the circumstances that encourage us to be better human beings. And we ended that conversation with a promise: he was going to design the cover of Glocal. He borrowed a pen and signed a document, to convince me that it was really going to happen. And the years went by. Every time I saw him and he told me about his new projects, at the end he would ask if the subject of the cover had been closed. And finally the date came. This year, several months in advance, we and his team planned the photo shoot for the emblematic Via Savona, a place where every 12 months he surprises the world with a design manifesto through which he tries to alter the life of visitors and followers of his ideas.

But let’s talk about the designer, about the student who would save all year long to be able to travel to Milan, to see it all and absorb everything the streets of the city offer during its design week. Marcel always saw design as a lifestyle, but back then he grasped it through the senses, totally instinctively: “Design for me was a primitive and

smaller version of what I see and think today. I didn’t have the words then, but I kind of had the idea that design could make a positive change in people’s lives. Today, I’d say it’s less democratic than what I had thought, but it is more humanistic, and that impassions me: seeing and understanding people through design. I didn’t know definitely how, but I knew that there was a design that was really more meaningful to us, that was less technocratic, less formal, less old-fashioned, like modernism was in its time. So I felt there is another way, and I’d find it … I continue looking, but I know that all the explorations I do are focused on finding what moves design.

And when during that search did the businessman come in? How did that passion find its way through entrepreneurism?

If you’re a designer, you’re an entrepreneur. It’s a totally indivisible dyad. You can’t design without thinking about how to carry the idea out and how to make it economically viable for you, for the person who will use it, and of course, for the businessman. If I do a project, I want to do that project as well as I can, really the best I can. For that reason, I listen to the people around me and not just the client. I really want to hear the opinions of technicians, since they are the ones who make each piece and every detail possible. If they see that their opinions were taken into account, and then you make them fall in love with your work and your ideas, they’ll do what they can to make that design come to life, no matter how bold it turns out to be. I’m a natural-born observer. I have to understand the movements and stimuli my client receives to understand his ideas and even look at them from unexpected angles. I have to understand the underlying

fears or inabilities. So, the more I understand my client, the technology people and marketing, which will talk about the project, then I know what the best way to approach the project is. The more I understand it, the better my design will be. Plus, to be able to be a businessman, I ask myself if the product I will offer is good, I ask myself many things, like why would or wouldn’t I buy it? Why should I sell what I sell? Thus, Moooi was born, amidst questions, because I knew how to sit down and look from the design’s three perspectives: the designer, the client and the end buyer. Having your own company forces you to take all the responsibility for a piece and for how the user will experience it. People tell me I have a talent for business; I really don’t. I have a talent to learn. But all in all it comes down to the most basic thing: I make objects, and I want other people to have them. So, the only way to get them to people is through business.

And talking about clients and knocking on doors, which ones didn’t open, and what did you learn from that?

When I got out of design school, I started to make all kinds of things, so I got a small job from KLM and a little thing here and there.

When I graduated, my final design made national news. It was on the cover of a design magazine. It was weird, but during school, I had already won three design contests in The Netherlands and two of my products were in production. That was weird; a dude who finishes school, who’s published everywhere, who’s won three prizes and has products in production with Artefour, but ultimately, my work stayed very local. But that changed when Droog Design decided to take my work to Milan. Renny saw my lamp, the configuration tones, and that was my start

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in this whirlwind in the business world, in the world of design. At some point there was the Knotted Chair … and I became famous with a fantastic chair that proved to everyone that I was a designer who would never have a customer … Why? It was a ridiculous piece, since it wasn’t commercially viable. It’s a wonderful object, but afterwards not too much happened in terms of work. But it achieved an invaluable goal: it gave me the confidence I needed to believe in myself and my work.

One of the things that I like about Marcel Wanders is that you don’t just create, but your spaces tell stories.

When did you get interested in doing design, but also in creating a parallel world where fantasy fits in?

Well, let me say that in 1996 I wrote a book. That year I had gone through a period in which my girlfriend was very sick, and my whole feeling about design was mixed up. I was studying natural healing, alternative medicine, reiki, spirituality, to be with her in her process of healing.

That whole way of thinking, that whole alternative world was completely alien to the world of design, because design was like rational technology. I felt that the world of design has a kind of shortcoming that really made me less connected to it. Basically I felt very lonely professionally.

I felt I’m doing all these things in design that come from this new age kind of thinking, and there’s nobody I can talk to. Understanding my frustration, my girlfriend gave me the idea of writing a book, so that maybe someone who read it would connect with me. And so I wrote a book with ten insights, and the first two insights are about this whole notion that if we make objects, we shouldn’t look at them as material objects, but we should look in the hearts and heads of people. If we did something there, we did something. And so knowing that, I understood that an object is everything you can hear, feel and smell. This world of design is not for lazy designers who think that they already know everything and are only interested in making an object but not in understanding their audience.

Why, if you can make this an object of magic, don’t you go further and create a complete world? To me it’s a simple equation: I want to give the users’ world another meaning and make it feel the magic of design. But here’s an important point: in books on design, I never read –nor did I search– the word fantasy. That is clearly what we want to produce, but without the formal structure of design, it wouldn’t happen.

How do you perceive the use of color in your pieces?

In your settings they appear, but you seek neutral tones for the objects? How do you achieve the right balance?

I want the things to have their own color. I want things to speak for themselves. I use color on the big things, but sometimes I want to do highlights in color, not even as part of a whole. My colors, however, are full of contrast, sometimes drama, but it depends on the work or the object. So there’s that polarity between no color and exploiting the element to its max, but essentially I choose based on the type of material.

You have a multidisciplinary work group of all ages. What do you look for in people for your team?

I work with all kinds of creatives, from photo to storytelling to musicians; I don’t search for anything in particular, but I like to be moved and for their talent to add to the story that Marcel Wanders tells. I do need them to be willing to cooperate, which is not always easy with creatives, so that may be one of the most important things. And then I want them to be open-minded, not only because I think that is the only way they will ever do something good, but also because I’m going to tell them something and want them to listen Tell us about Powerhouse, How does it work? What is a regular day in your production house like?

I have understood that my absence is often more important than my presence. I don’t have to be there. I have to be where I am. And it’s important that I’m not there, because if I’m there, it’s easy for people to ask me to do their work. They ask me for permission. They ask me for advice, and they don’t need it. If they need it, we’ll find out. I mean we are a very well managed company, very process driven. I am in many places working, and I really need to know how things have to run, but all the activities are very well defined and the ones that aren’t are areas of opportunity for learning.

To wrap up, how do you describe the Moooi showroom? How do the themes emerge every year?

This year we wanted to say that we were ready to open up hospitality as a subject and business. Our space is set so that every area speaks a different language and experiences its own path. We change each year, since we know that to keep on evolving we shouldn’t rest. But what we want each year is to pose the necessary questions so as to give the answers that each design typology needs. We change in order to walk, learn and grow as designers, but more so as human beings. marcelwanders.com

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THE BEST OF ARCHITECTURE P. 98 ARCHEOLOGICAL AND TEXTILE WEALTH Teotitlán del Valle Community Cultural Center | Productora | Oaxaca This Community Cultural Center exhibits archeological and textile treasures from Teotitlán del Valle (Place of the Dioses, in Náhuatl), a small town in the state of Oaxaca.

Its main area, situated beside the town square, houses the museum where the collections and activities from Teotitlán’s Historic Museum were moved. Carried out by architects at Productora (Carlos Bedoya, Wonne Ickx, Abel Perles, Víctor Jaime), the project is formally guided by the surrounding esthetic, which determines everything from height parameters to color and outward appearance.

A secondary space contains the Municipal Library and a zone with services. The portion of the land that the two buildings occupy is only 18% of the total surface area, leaving a large public space for plaza and gardens. This leads to improved pedestrian routes going through the site and connecting with the main Plaza, thus incorporating new public spaces produced by the Cultural Center into the circuit of existing plazas that defines the urban structure of the town. The architectural volumes display austere and neutral façades. The shape and exterior look of the building, like the double slab slanted roofs, the 30-centimeter-thick concrete walls and controlled openings, create a passive system for responding to adverse weather conditions. This basic strategy helps regulate the temperature inside the building and affords users a comfortable space for reading a book, working or visiting the museum and, at the same time, eliminates the need for installing thermal conditioning systems. The interior space displays highly diverse lighting conditions and spatial qualities (double and triple heights), producing different atmospheres for exhibitions and scheduled activities. The Cultural Center uses a minimal range of locally made materials such as tinted concrete, wood, clay floor tiles and bricks, all meant to blend with the environment. Its features and dimensions make this work unique, and the fact that it could be built in a town within the Valley of Oaxaca is the result of collaboration with two different municipal authorities, as well as the National Anthropology and History Institute (INAH), the Conagua water commission, the Oaxaca State Government and Conaculta, the National Council for Culture and the Arts.

P. 100 CONCRETE, STEEL AND WOOD Historical Archives Building | Mendaro Arquitectos | Oaxaca In order to recover and preserve Oaxaca’s historic archives and document collection (parts of which are on the verge of destruction), the Alfredo Harp Helú Foundation and the state government joined forces and resources

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to hire architect Ignacio Mendaro Corsini –who lives in Spain– to handle ‘The City of Archives’ project. It is located in Las Canteras Park, where the stone to build the city, nicknamed The Green Antequera, were quarried.

Mendaro had previously done the Toledo municipal archive, which, though smaller than Oaxaca’s, was the reference the team in Mexico referred to in planning the Historical Archives Building in Oaxaca. This building is part of a comprehensive master plan for a 12-hectare area that makes the most of an excellent location, available transportation, urban services and other elements that will shape a space with green areas and lakes, extensive ecological potential and recreational zones. Execution of the plan began in 2013 yet, as a work site, concluded in 2016. Architect Anabel Gómez –who is on the creative team that developed the project in Mexico– tells how, at first, the concept of the building led to the idea of rammed earth, but because it would be ‘the caretaker of important’ documents, ochre-color apparent concrete walls were ultimately chosen for the predominant material. “As a complement,” she says, “steel and wood were selected, alluding to the reddish land that abounds in the state’s region of La Mixteca. So, the architectural concept of the Historical Archives Building can be summed up as: concrete, steel and wood, with a major sociocultural impact for both Las Canteras and the state as a whole, as it becomes a public and cultural building that not

only safeguards valuable documents but also gives the community the chance to carry out other activities in its library, auditorium, classrooms, research halls and other spaces. “When we started working on this, we didn’t think it would be such a well-known project. Although it has surprised us with several acknowledgments and awards (and that really thrills us as a team), what’s most important is that our goal was always aimed at doing it well,” the architect concludes.

P. 102 FACTORY AND NEIGHBORHOOD ESSENCE María Ribera | JSa | Mexico City Originality, functionality and social impact is the formula that makes the María Ribera residential project, in Mexico City’s Santa María la Ribera District, a prime example of architectutal design. Javier Sánchez’s team at JSa took on the job of revealing the various layers of history at the former Fábrica de Chocolates ‘La Cubana’ that was founded in 1872 and continued operating as a chocolate factory until 2004. The property was then repurposed and incorporated into a residential dynamic with mixed uses and changes of scale based on industrial origins and that also creates an ideal connection to its surroundings. Due to its location and historic background, the Santa María

la Ribera District has developed neighborhood traditions and customs around its landmark Moorish Bandstand.

Furthermore, beyond its roots during the Porfirio Díaz regime, Santa María la Ribera was founded at the site of what had been a rural village, as one of the city’s first neighborhood districts, along with Nuevo México, Los Arquitectos, San Rafael and Guerrero. It was an upper middle class residential zone with elegant, comfortable homes built amidst urban and suburban streetcars, construction of public buildings and a few factories, as well as the Buenavista train station. In the 1920s, the ‘La Cubana’ factory was moved to the area, and an extensive complex was put up, including the production plant, print shop, offices, a residence and a retail outlet that sold candy, chocolate cigarettes and cigars, French grind and Cubana 17 chocolate. The María Ribera residential complex was designed with that same industrial and neighborhood impetus that not only redensifies the center of the city but recycles original structures of the historic building leaving an entrance on both sides of the property and incorporating pathways, squares, playgrounds and garden areas. The large main industrial facility was used for several low buildings with 213 – 282-square-foot apartments around courtyards, gardens and terraces.

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P. 104 COLORED ROOMS Ignacia Guest House | Factor Eficiencia + A–G An elegant home built in 1913 –and where ‘Ignacia’, its housekeeper, cook and grounds keeper, worked devotedly for over 70 years– adds fresh architecture to the streets of the Roma district in Mexico City. Not many properties like this are left; the building has a carefully restored garden in its center that contains a lovely fountain, fruit trees and a variety of cactus plants. The project, developed

by Factor Eficiencia + A-G (Andrés Gutiérrez), conserves the historic building and honors the memory of the loyal housekeeper who was with the family from the age of 17 until her death, in 2000. Her personality is at the root of the concept of the small luxury bed & breakfast that operates in it now: from the color scheme and grounds, inspired in Guerrero –Ignacia’s birthplace–, to the privacy of the spaces. The team of architects has respected the old mansion’s original layout, only reassigning the use of spaces and restoring molding, plasterwork and historical finishes. Original doors and partitions have been conserved and wooden floors restored. The house features an entryway, reception hall, library, dining room and kitchen that are joined by the distinguishing nude shade of their interiors. Four bedrooms and one suite, which are arranged vertically around a central courtyard, are named for the predominant color of each: blue, green, pink, yellow and black. They not only have a terrace and living room but also a view of Jalapa Street, where the hotel is situated and boasts a stunning jacaranda tree that gets covered with small purple blossoms in the springtime.

The furnishings create a dialogue between a traditional past and modern contemporaneity, as they include furniture and accessories by such designers as Eileen Grey, Eero Saarinen, Serge Mouille, Sean Dix and James Tan. Additionally, the spaces are complemented with examples of contemporary design like A–G, Bo Concept, PECA, Jonathan Adler and pieces from the handcraft workshop of master potter José Cervantes, from San Agustín Oapan.

P. 106 A ‘VERTICAL CITY’ BBVA Bancomer Operations Center | SOM | Mexico City The 154,000-square-meter operations center is an architectural landmark that consolidates and repositions BBVA Bancomer’s physical presence in Mexico City. At 135 meters tall, the building stands out for its cuttingedge environmentally sustainable concept, while also imagining the work setting for BBVA employees within the 21st-century dynamic. The design by SOM –Skidmore, Owings & Merrill LLP– adapts to the transformation of the company’s operational structure from a traditional, hierarchical model to a more horizontal collaborative organization. With open offices along with shared and interactive spaces, the building provides opportunities for informal meetings and collaboration. As part of a planned development within a dense urban setting, the project relates to its surrounding residential context through massing and scale. Conceived as a ‘vertical’ city with a complex of volumes shifted at their intersections to create articulation points, and full of amenities that include cafés, lounges, outdoor terraces and meeting spaces that reinforce the feeling of community among employees. The lively atmosphere of the building

establishes a sense of scale and visual dynamism that contributes to the pedestrian character of the zone and creates an inner environment that fosters productivity.

The building boasts LEED Gold certification and raises the Mexico City commercial market quality level and construction efficiency. The project’s sophisticated glass façade is enveloped by staggered vertical louvers that are calibrated according to the sun’s angle to reduce heat from rising temperatures and maximize the views and daylight filtering. The project promotes environmental sustainability throughout its structure, as well as a series of energy- and water-saving features incorporated into the design. Located in the renewed urban neighborhood Parques Polanco, the Operations Center has already been functioning for a couple of years. It clearly stands out among the top projects, as its development has stimulated investment in the public arena, including improvements in open spaces, landscapes and hard surfaces, which in turn have awakened yet more interest in the zone.

P. 112 SERENE, FUNCTIONAL AND ROMANTIC Casa Iguana | Obra Blanca | Veracruz Paying tribute to the natural bounty of this beautiful Mexican state, Casa Iguana is a single-family home in a suburban residential area of Alvarado, Veracruz. The project by the firm Obra Blanca (under the leadership of architects Daniel Treviño Lozano and Gabriela Villegas) basically presents three separate structures connected by a bridge bounded by three latticework walls of baked clay tiles arranged as if they were a tower of cards, reinterpreting the wall and balcony finishes seen on some traditional homes in the region. Despite being a permanent residence, since one of the requirements was that the house be a refuge from routine, the spaces take residents and guests to a Veracruz of recreation and leisure, emulating the steps of a local danzón: calm, unhurried, precise and romantic. On the ground floor, the house has public and service spaces, developed within the boundaries of the three bodies comprising the project. Upstairs, on the contrary, is an exclusively private area, with a bedroom in each of the three modules, and no matter how they are oriented, all of them look out over the inner yard and swimming pool. Materials are used raw, retaining their own expression, without adopting textures or colors not their own. The cold character of the concrete and the open joist and vaulting system are balanced out by the warmth of fireproof baked clay brick and polished surfaces with white cement and chucum resin, which provides a striking natural color in addition to plasticity and hardening, diminishing cracking and heightening waterproof qualities. All the materials are easily maintained and have sufficient character to grace the work over time. Following the same philosophy, furnishings reinforce artisanal modernity, as they are made of wood, dark metals and native weaving. Their warm colors stand out with the natural light that floods the place through the picture windows and latticework.

PÁG. 114 THE FEELING OF ‘BELONGING’ TO THE LAND Casa Mozoquila | Vieyra Arquitectos | Morelos Built on 402 square meters of land at the foot of Mount Tepozteco, in the state of Morelos, is a single-family

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house with two distinct volumes, connected by a bridge.

The work, by Lorena Vieyra’s firm Vieyra Arquitectos, in collaboration with Valeria Llanos and CarlosTrujillo, also includes the participation of Piacere and Entorno, in an attempt to form the perfect synergy. To begin with, the execution of the project was conceived in function of its natural setting, where endemic vegetation was recovered to incorporate autochthonous landscapism for the house.

Additionally, local materials were used for the finishes on the residence, like volcanic rock and locally prefabricated adobe for the structures. Consequently, the house seems to have emerged naturally out of its setting. The two constructed bodies are designed so that their functions respond to an architectural program basically consisting of three bedrooms and a social area. The public areas, such as the living-dining room, laundry room, clothesline yard and a half bath, are located in the part built of volcanic rock. It is physically separated from the other adobe volume that houses the three bedrooms, each with a bathroom and walk-in closet. Unifying this complex is the bridge-terrace that visually and geometrically unites the two bodies with the swimming pool of the same material, which is installed 50 centimeters above the level of the land exceptionally. This intentional ‘flotation’ is meant to allow the vegetation to grow beneath the edges and give the sensation of ‘belonging’ to the earth. The greatest challenge of the project was finding the best positioning for the bedrooms, attempting to ensure them the most privacy. They were, therefore, oriented to the south, with private gardens around them and views of Mount Tepozteco, accentuating the protagonism of the residents of Casa Mozoquila.

P. 116 SIMPLICITY IN CONCRETE WALLS RLJ Chapel | Ricardo Yslas Gamez Arquitectos | Jalisco Located in San Juan Cosalá, Jalisco, RLJ Chapel blends with the natural topography of the land without affecting the flora that is there. Materials like stone, clay tile and wood from the region were used, along with concrete and basic metalwork. Integration into the social context was achieved in part by planning the main entrance on a public roadway, creating community inclusion despite being situated on a private piece of land. Formed mainly with stone from the region, the entry yard that opens onto the road also leads to the restrooms, sacristy and the interior of the chapel. With a total area of 295.71 square meters, the main body is shaped by two large concrete walls and a roof and contains a choir, a section for 12 pews that can seat 72 people and the area of the altar. The concrete walls also enclose an uncovered courtyard with a steel cross in the center suspended from the walls and designed and manufactured by the firm. The end of this yard is finished off with a cantera stone wall designed with a geometric pattern that accentuates the depth of the courtyard over which the cross floats. With simplicity in mind, the interior was decorated solely with the furniture essential to a chapel. The RLJ Chapel has an exit leading to the rest of the ranch, which can also be used to enter the reception hall located in the same complex.

OBJETO GLOCAL

Foto cor tesía

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Lenguaje decorativo y utilitario Transmutación de la materia/piedra | Áurea Sian-ka’an | Áurea Design

Proveniente de Yucatán, el estudio Áurea Design respalda sus colecciones en la investigación antropológica de la artesanía peninsular, sus trabajos retoman técnicas prehispánicas y profundizan en el lenguaje maya como método de diseño. El proyecto Transmutación de la materia/ piedra se focalizó en la investigación en la zona occidente del estado de Yucatán, debido al impacto del cráter de Chicxulub, el cual ha erosionado la tierra y construido de forma natural características únicas en el subsuelo. En esta investigación se explora el lenguaje natural y crudo que tienen los materiales, con piezas que se diluyen entre lo decorativo y utilitario.

La colección se compone de materiales pétreos provenientes de Ticul, Calcehtok y Sisal; que

se recogieron de forma manual por sus características de coloración, densidad y textura que describen su origen y hablan de su propia historia, el trabajo en los materiales fue realizado a través de manos artesanas de la localidad de Dzitya. Las piezas se complementan con madera de Chacte que fue torneada, quemada con alambre y pulida con cera de carnauba y aceite de linaza, además de latón y espejo que brindan funcionalidad. Otra singularidad del proyecto es que las piezas pueden ser ensambladas para crear diversas combinaciones entre texturas y volumen. –IA aureadesign.mx

El vidrio extra claro

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