GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 43 Portada Homenaje a OSCAR HAGERMAN por J Medina.

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ÓSCAR HAGERMAN: EL SERVICIO COMO PROFESIÓN | MÉXICO WORLD DESIGN CAPITAL | ZsONAMACO | MACROTENDENCIAS: BINOMIOS CREATIVOS

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FUTURO DE LAS CIUDADES –

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PALACIO DE BELLAS ARTES

Directora General

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Presidencia honoraria

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Portada en homenaje a ÓSCAR HAGERMAN por Jorge Medina

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Editor Macrotendencias Germán Velasco

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Portada Macrotendencias por JORGE MEDINA

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Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: febrero-marzo 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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Simplemente lo mejor

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Ciudad y genios creativos Hoy el gremio creativo vive un momento de celebración. Se siente en el aire y todos estamos atentos a lo que está por venir y con planes desde nuestras trincheras. Llegó el 2018 y con éste la oportunidad para la CDMX y México de quedarse en el mapa global como destino creativo. Si ya estábamos en el escenario mundial cultural por nuestro pasado ancestral, espléndido modernismo y manos artesanas; ahora merecemos quedarnos en la memoria colectiva como una ciudad en la que el diseño se ve y se entiende como un factor que genera cambio. Hoy somos un espacio donde los actores creativos tomaron el control y crecieron desde la propuesta, con y para la industria, y con ello, se ha detonado ese factor 0 que rompe el ritmo pasado. Hoy vivimos un compás contundente y estridente, pero lo suficientemente suave para estacionarse en la armonía.

Apenas a inicios de febrero tuve el privilegio de compartir mesa con homólogos de distintas partes del mundo con motivo del preview del Salone del Mobile, y todos cuestionaban ansiosos lo que está sucediendo en la Ciudad de México y sobre su nombramiento como World Design Capital. Me preguntaban nombres de los protagonistas, sobre nuestra arquitectura, cultura culinaria, riqueza de materiales; querían saberlo todo y los más curiosos, anotaban cada dato. Mi estancia no pudo ser más afortunada ya que pisaba el suelo de Milán cuando apenas faltaba sólo un mes para la apertura del WDC en el Palacio de Bellas y ya tenía información para compartir con mis colegas. Durante el vuelo de regreso medité sobre lo vivido y me sentí orgullosa porque supe que la labor y

esfuerzo de diseñadores, curadores, interioristas, arquitectos, investigadores, medios de comunicación, y claro, las cabezas detrás de DWM, han logrado generar expectativa y llegar a ese momento de madurez que genera factor de cambio radical en la historia de un país.

Recuerdo perfectamente el día en que, dando cobertura de Design Miami, recibí la llamada de Emilio Cabrero; su voz sonaba emocionada: estaba por presentar el proyecto de postulación al regente de la ciudad; por momentos estuvo dudoso de que las cabezas de la ciudad tuvieran oídos para el diseño y comprendieran su importancia. Le compartí algunas ideas, pero sobre todo le dije que, llegado el momento y en caso de ganar el nombramiento, el gremio abrazaría con gusto la iniciativa.

Horas más tarde hablamos y él no podía estar más contento pues la reunión con María Laura Medina de Salinas y las autoridades había sido un éxito y la ciudad apoyaría la postulación.

Hoy el momento llegó. No me queda más que sumar desde lo personal y con Glocal Design.

Les comparto que también estaremos presentando nuevos proyectos como Macrotendencias y Design Films, pero ya les daremos detalles.Y no pensamos en mejor personaje para celebrar la historia del diseño que quien ha sido profesor de muchos, el gran Oscar Hagerman. Él con su franqueza y diálogo directo con los materiales locales y las comunidades de donde surgen éstos, ha generado diseño y arquitectura social; es el claro ejemplo de cómo el diseño es agente de cambio colectivo; hoy honramos a nuestra manera a un genio de la sencillez.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Contenido 04 DIRECTORIO 06 EDITORIAL 13 AGENDA 16 MISCELÁNEA 20 LIBRO

Vivienda colectiva en México 22 LUMINARIA

Decimal ACTUAL 24 Cañamiel 26 Casa Decu 28 Basque Living 30 FERIAS

Manifiesto | Salone Mobile Milano

Biyuu 36 DISEÑO + HISTORIA

La Ciudad de los Palacios 40 DISEÑO + EMPRESA

The Grid + Kickstarter

44 CIUDAD SUSTENTABLE

Ecoducto Viaducto Río de la Piedad 46 SU ESPACIO

Félix Sánchez y Anna Fusoni 50 DESTINO DISEÑO

Ciudad de México

42 DISEÑO + CIUDAD

ENTREVISTAS

Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca

58 Vincent Grégoire

56 Feria Hábitat Valencia

Foto José Margaleff

32 TALLER

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“La simplicidad extrema se convierte en elegancia�

Gabinete Espinoza Bernhardt Interiors

ENFOQUE 60 Óscar Hagerman WORLD DESIGN CAPITAL 72 Emilio Cabrero 74 Daniel Libeskind 76 Joshua Prince-Ramus 78 Stefan Sagmeister 80 Wade Graham 82 Weiss Manfredi 84 Wolf D. Prix 86 Charles Montgomery 88 Gaetano Pesce 90 Daan Roosegaarde ARQUITECTURA RESIDENCIAL

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92 Casa VV | BGP Arquitectura 96 Casa Contadero | Óscar Monsalve + Masisa 98 Casa Ramos | JJRR Arquitectura 102 Casa Paseo de las Lilas | Taller David Dana Arquitectura 106 Alpes House | Garduño Arquitectos

GALERÍAS 109 Fernando Mastrangelo 110 Mutable 111 OMR 112 Ginocchio Galería 113 Odabashian 114 Glassford Moncada 115 SmithDavidson Gallery 116 Kurimanzutto 117 Galería Hilario Galguera 122 MACROTENDENCIAS 128 MAISON & OBJET PARIS 134 TENDENCIAS

138 Luis Mercado Rojo

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140 ENGLISH TEXT 144 OBJETO GLOCAL

Fotos José Margaleff

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A GEN DA

Cómo conspiran imagen y lengua entre sí para crear arte: Aprendiendo a leer de John Baldessari en Museo Jumex

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AGENDA

JOHN BALDESSARI. APRENDIENDO A LEER. Hasta el 8 de abril La exposición se inspira en la práctica artística de Baldessari y su interés en temas pedagógicos. Él trabaja la manera en que la imagen y la lengua se confrontan y conspiran entre sí; cómo se hace el arte y también cómo se entiende. Con citas, instrucciones, juegos visuales y de palabras, Baldessari hace uso de un humor irónico. La exposición se compone de más de 80 obras que incluyen sus primeras pinturas, videos, esculturas, piezas con texto y ediciones de una trayectoria profesional que se extiende a lo largo de más de medio siglo.

MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada 11520, CDMX fundacionjumex.org

HARÉ LO QUE DESEO Hasta el 22 de abril El Museo Universitario de Ciencias y Arte, muca-Roma presenta la exposición Haré lo que deseo: Diseño y empoderamiento femenino, una muestra que explora el papel que el diseño industrial, de moda, tecnológico y gráfico ha jugado en la búsqueda de la equidad de género.

Haré lo que deseo: Diseño y empoderamiento femenino explora el complejo y contradictorio rol que ha jugado el diseño desde la mitad del siglo XX –pasando por la segunda ola feminista, hasta las intersecciones no binarias del presente– en la búsqueda de la expresión de género y la igualdad para aquellos que se identifican como mujer. La exhibición presenta objetos, interfaces e indumentaria en un mundo material en su mayoría diseñado por hombres y para hombres, pero no consumido por ellos.

Alfredo Zalce. La lagunilla.

TRAVESIA DE OCHO SIGLOS Hasta el 1 de abril Esta exposición aborda diferentes periodos artísticos que se han desarrollado en la ahora CDMX, en los últimos ocho siglos. Dividida cronológicamente desde la época prehispánica, virreinal, pasando por la modernidad y el siglo XX. Teniendo como ejes transversales a la música, la caricatura, la propaganda política y la cartografía. Estará hasta el 1 de abril de 2018. Se trata de la exposición temporal más ambiciosa presentada en la estancia museística a lo largo de sus 52 años de existencia, que propone un retrato poliédrico de la capital.

MUSEO UNIVERSITARIO DE CIENCIAS Y ARTE ROMA Tonalá 51, Colonia Roma, Del.Cuauhtémoc, C.P. 06700. mucaroma.unam.mx

MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO Pino Suárez, 30, Colonia Centro, Del. Cuauhtémoc, CDMX. car telera.cdmx.gob.mx

AGENDA

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CARNE Y ARENA Hasta el 15 de abril La Universidad Nacional Autónoma de México y el Gobierno de la Ciudad de México presentan esta instalación de realidad virtual que enfrenta al espectador con la vivencia de los migrantes en su intento por cruzar la frontera con Estados Unidos. Carne y Arena (Virtualmente presente, Físicamente invisible) es una instalación de realidad virtual del cineasta Alejandro G. Iñárritu que enfrenta al espectador con la vivencia de los migrantes mexicanos y centroamericanos en su intento por cruzar la frontera con Estados Unidos. Esta experiencia sensorial inédita, en la que G. Iñárritu utiliza tecnología de punta nunca usada para crear un espacio multinarrativo, es un trabajo inmersivo que potencia la empatía hacia estos viajeros y está inspirado en historias verdaderas.

RUFINO TAMAYO, ÉXTASIS DEL COLOR Hasta noviembre Un éxtasis de color que nos acerca a la obra del artista oaxaqueño de manera más íntima. La muestra está ligada a los sueños y a una búsqueda interior en la que desarrolla una ciencia del color y logra encontrar un lenguaje propio en el que recurre a cierta estética prehispánica, su arquitectura y escultura queda transfigurada para revitalizarla en un lenguaje contemporáneo. Reúne 54 obras, algunas provenientes de la colección del Museo de Arte Moderno (MAM), y otras más del Museo Rufino Tamayo y el Museo Nacional de Arte (MUNAL).

CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO Av. Ricardo Flores Magón 1, Tlatelolco, 06995 Ciudad de México, CDMX carneyarenatlatelolco.com

MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE MONTERREY Zausa y Jardón S/N, Centro, Monterrey, N.L. México marco.org.mx

PARAMETERS Hasta el 15 de abril

Fotos cor tesía

Casa Luis Barragán presenta Parameters, la primera exhibición individual de Bruce Nauman en México. La exhibición consta de cinco videos, cuatro producidos en 1968-69, los cuales se exhiben en monitores instalados alrededor de diversos puntos dentro de la casa, al igual que un proyector de Setting a Good Corner (1999) en el Estudio. La muestra de videos permite la exploración y demostración de los elementos arquitectónicos y de espacios de sus obras desde un inicio.

CASA LUIS BARRAGÁN General Francisco Ramírez 12-14, Miguel Hidalgo, Ampliación Daniel Garza, 11840 Ciudad de México, CDMX casaluisbarragan.org

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MISCELÁNEA

S.R.O. Ewe Studio

Sacred Ritual Objects es la primera colección de EWE Studio y surge por lo fascinante del trabajo artesanal, cuyas habilidades evolucionan constantemente para crear objetos exquisitos. La colección refleja cómo el sincretismo religioso y cultural ha moldeado la expresión de la herencia artesanal mexicana. ewe-studio.com

PERSONAL INTERPRETATIONS Serial

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SILLA NEWTON LITE, LIBRERO BAC & MESAS FEYNMAN HUMO

Presentadas durante Design Week México 2017, las tres piezas fueron diseñadas para espacios residenciales, de estética sencilla y altamente funcional, hechas con materiales y mano de obra mexicanas. La silla Newton Lite es una reinterpretación del primer objeto diseñado por HUMO; los libreros son una propuesta de diseño mínimo y las mesas aparentan ser de una pieza. h-u-m-o.com

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Colección debutante de Serial, una plataforma para el diseño, desarrollo y fabricación de productos; mediante el trabajo simultáneo de diseñadores, fablabs y makers.

Sus piezas pueden ser fabricadas en cualquier parte del mundo a través de la fabricación digital, procesos de ensamble ‘intuitivos’ y materiales locales.

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MISCELÁNEA

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SAMANA José Bermúdez + Vrokka + Fango Studio

Inspirada en las cantinas, Samana contiene todo lo necesario para preparar una buena taza de café, los estudios unieron la tradición cafetera de México y Colombia en esta pieza dedicada al deleite de la infusión originaria de Etiopía. jose-bermudez.com vrokka.com In @fangostudio

MATRYOSHKA MEXICANA Fernando Laposse para Studio Toogood

Presentada como parte del Trade Show de Studio Toogood durante el London Design Festival 2017, la Matryoshka Mexicana al final descubre un maíz nativo rosa, variedad originaria del grano mesoamericano que está en peligro de desaparecer y de cierto modo es parte del origen de todo el maíz del mundo, por ello debe ser protegido y atesorado. fernandolaposse.com

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LIBRO

Construir sociedades Fernanda Canales presenta un análisis en el que compara 100 proyectos realizados en México entre 1913 y 2015.

Un estudio que da pie a la evaluación de proyectos desde su función y aportación a la vivienda colectiva.

Fotos José Margaleff

La editorial Gustavo Gili publica Vivienda Colectiva en México. El derecho a la arquitectura (Fernanda Canales, mayo 2017) donde se revisa de manera crítica la fórmula arquitectónica que ha rodeado a la vivienda colectiva, siendo uno de los fenómenos que resultaron de la urbanización masiva en México. El análisis de más de 200 páginas forma parte de un trabajo de investigación más amplio, desarrollado inicialmente con el apoyo de la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2012-2015) del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

El libro se divide en dos partes fundamentales (además de la introducción y la bibliografía), la primera parte consiste en un análisis teórico sobre la vivienda colectiva y los conceptos que giran en torno a su desarrollo: innovación,

flexibilidad, colectividad, eficiencia; de manera paralela se analizan aportaciones relevantes en la materia. En la segunda parte se examinan los parámetros básicos de 100 obras de vivienda colectiva desarrolladas en México, divididos en 10 bloques ordenados de manera cronológica y con una breve introducción que explica la relación entre las obras y sus diferencias respecto a otras épocas. Cada una de las obras está acompañada con una ficha en la que se especifica tipología, uso, promoción, número de viviendas, densidad, superficie por vivienda, entre otros aspectos; además de exponer con planos y fotografías de la época. Lo que da pie a realizar una lectura comparada y evaluar los proyectos en función de sus características funcionales y su aportación a lo que conocemos como concpto de vivienda colectiva.

Al revisitar estos proyectos, Fernanda Canales le concede al lector conocimiento de la arquitectura habitacional y de cómo algunos arquitectos proyectaron cambios significativos, esto con la intención de cuestionar cómo el progreso del pasado puede transformarse en mejores soluciones para el futuro. Vivienda Colectiva en México. El derecho a la arquitectura es un estudio que proporciona herramientas para construir una cultura del hábitat que indague en la relación entre lo individual y lo colectivo, porque no sólo se trata de construir casas, sino de construir sociedades. – IA ggili.com.mx

Con fotografías y planos redibujados se examinan proyectos de Pedro Ramírez Vázquez, Juan O’Gorman, Luis Barragán, Mario Pani y Teodoro González de León, entre otros.

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El trabajo colaborativo con diseñadores como Emiliano Godoy desvela el lado futurista de cómo se integra el diseño contemporáneo y la ingeniería.

LUMINARIA

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Tecnología, INGENIERÍA y diseño Hay lámparas bonitas, pero con focos muy feos. Decimal hace la diferencia con colaboraciones de diseñadores contemporáneos.

Entrevista ANA LAURA MUÑOZ

TODO EL DISEÑO se basa en unidades de medida, tomadas a partir de patrones o composiciones de otras unidades. Las luminarias Decimal nacen de ese concepto; Omar Ruel y Alejandro Barrero, fundadores de la empresa mexicana, tomaron como referencia el sistema métrico decimal y escogieron una palabra que, además de que se entendiera en todos los idiomas, también englobara la idea de precisión.

“Esto le ha dado un sentido al tema de la nomenclatura de nuestras piezas de luminarias; las cuales no tienen un nombre en particular, pero sí un número que va distinguiendo la esencia de cada uno de los modelos, co-creados con diseñadores internacionales”, cuentan Ruel y Barrero.

“Decimal representa un producto hecho en México, que va más allá de funcionar sólo como una luminaria decorativa y se convierte en un objeto integral de tecnología LED, ingeniería y diseño de alta calidad”, puntualizan los dos emprendedores, que oficialmente lanzaron su marca en el 2017 aprovechando la plataforma de Inédito de Design Week México; aunque su proyecto de crear luminarias ya lo visualizaban desde un par de años atrás.

“Nos dimos cuenta de que había lámparas muy bonitas, pero con focos muy feos. La mayoría estaban hechas por gente que desconocía o sabía muy poco del tema de iluminación,

Fotos cor tesía Decimal

Un proyecto de diseño que desarrolla luminarias con formas geométricas, aprovechando las nuevas tecnologías y formas diferentes de fabricación.

como el uso de la tecnología LED que nadie estaba incorporando a los objetos decorativos. Nosotros decidimos integrar todo esto y luego de una investigación en cuanto a métodos de fabricación, generamos una propuesta sin las limitantes en cuanto a la unión de tecnología LED con la parte de la impresión en 3D, cuyo proceso es muy versátil y hace que nos tardemos unos 4 meses en promedio en elaborar nuevos productos, desde su diseño hasta fabricación”.

Para complementar el círculo, Ruel y Barrero han buscado a diseñadores contemporáneos, innovadores, inquietos e interesados por trabajar con esta amalgama de aspectos.

“Visionarios en iluminación que también estén en la búsqueda de esa adaptación de nuevas formas de diseño y tecnología”, dice Alex. Así, han surgido sus colaboraciones con Víctor Alemán y Emiliano Godoy de México, Jonathon Anderson y Studio Robazzo de Canadá y Vincent Buret de Australia.

Ahora mismo, van regresando de Toronto, Canadá, en donde participaron en una plataforma muy similar a lo que es Inédito, y en la que presentaron nuevos modelos de luminarias de la mano de Guto Requena y una diseñadora de joyas rusa. ¿Cuál es el paso siguiente para Decimal? “En estos momentos estamos muy enfocados en el diseño de luminarias, pero no cerramos las puertas a que con el paso del tiempo nuestro portafolio de productos se vaya diversificando”, concluye Omar Ruel. decimalmade.com

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ACTUAL | SHOPPING

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Piezas tridimensionales de concreto

Fotos Yaatzil Ceballos

Cañamiel Concept Store | Materia

En 2011, Materia tuvo a su cargo la primera tienda conceptual de Cañamiel, un espacio donde sólo convergen marcas exclusivas de diseñadores mexicanos y latinos. Los productos que se exhiben abarcan diferentes aspectos de moda: calzado, indumentaria, joyería e incluso accesorios para el hogar.

Desde entonces y hasta la actualidad, Cañamiel ha impulsado a nuevos expositores del prêt-à-porter latinoamericano de lujo y ha experimentado una evolución constante; esta marcha ininterrumpida se volcó en una necesidad imperiosa: la transformación de su espacio.

El diseño de la nueva tienda, también a cargo de Materia, rompe el esquema tradicional de su tipo, en su interior se dispone una pieza tridimensional de concreto sobre la que se yergue una estructura de acero, en conjunto funcionan como exhibidores para las prendas que integran la colección.

La concept store, ofrece un espacio de actitud contemporánea que corresponde a la identidad de los objetos que queda enmarcado con luminarias que se mimetizan con la estructura metálica.

En cuanto a materiales, se apostó por su reducción (en número y acabados), contrastando con la propuesta anterior.

De la mezcla que surge entre el espacio y la indumentaria se desarrolla lo que en palabras de Materia es “un universo con infinidad de historias en sí mismo, espacios dentro de otros y constante sorpresa”. El proyecto de 132 m2 estuvo a cargo de Gustavo Carmona y Lisa Beltrán, con la colaboración de Karla Uribe, Gustavo Xoxotla, Paulina Robledo, Sol Fernández, Murray Hawker y Clarissa Acevedo. –IA

ACTUAL | HOST

Fotos cor tesía Casa Decu

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Mood déco con detalles mexicanos Casa Decu | Mikel Merodio + Salvador Arroyo | Ciudad de México

Un edificio construido en 1937 en la calle de Culiacán de la colonia Condesa ha sido cuidadosamente restaurado por los arquitectos Mikel Merodio y Salvador Arroyo, y hoy preserva la mayor parte del estado original de un inmueble característico del Art Déco y también se ha convertido en Casa Decu: un maravilloso hotel boutique, inmerso en el panorama urbano de uno de los barrios más emblemáticos de la Ciudad de México por su arquitectura de construcciones plagadas de herrerías, figuras trapezoidales y marquesinas de concreto en forma de zigzag.

Cada detalle del hotel se inspira en la línea Art Déco; por eso, cada mosaico, cada florero, cada pieza de mobiliario fueron elegidos minuciosamente para que los espacios quedaran impecables y fueran el reflejo de la amalgama estética que representa ese estilo. La recepción de Casa Decu es el prólogo perfecto a su

concepto de hospitalidad: una mezcla de diseño contemporáneo mexicano con el estilo original de la casa. Sus habitaciones, 27 en total, están distribuidas en dos torres; cada una con escaleras de caracol angostas que dan la sensación de infinito, con un cubo de luz que ilumina desde arriba. Aunque son suites únicas porque cada una tiene una forma distinta, todas se rigen por una misma estética minimalista con detalles mexicanos, como los cojines bordados que forman parte de su interiorismo. Casa Decu se encuentra frente a la glorieta de Citlaltépetl que alberga una fuente de agua y está rodeada de un ambiente ecléctico en el que figuran restaurantes, parques y tiendas de diseño. Por su ubicación también se encuentra cercana a lugares imprescindibles de la CDMX como el Museo Rufino Tamayo, el Museo de Antropología, el Castillo de Chapultepec y el Ángel de la Independencia.–ALM

Culiacán 10, Col. Hipódromo Condesa 0610, Ciudad de México casadecu.com

ACTUAL | SHOWROOM

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Madera, diseño y mobiliario vascos Basque Living México | Habic | CAD México

Con la idea de potenciar la imagen del diseño vasco-navarro surge Basque Living Mexico, un showroom de 200 m2 ubicado dentro del Centro de Arquitectura y Diseño (CAD) de la colonia Polanco en la CDMX. En este espacio se expondrán de manera permanente los productos de 13 compañías asociadas al cluster Habic, muchas de las cuales ya han trabajado en proyectos a nivel local y cuyo objetivo es establecer nuevos lazos comerciales en nuestro país, al que consideran un puente hacia los mercados del sur de Estados Unidos y Centroamérica.

El cluster Habic aglutina a los principales fabricantes vasco-navarros (norte de España) de equipamiento, madera y diseño, como Basmat, Dvelas, Eun Group, Euro Seating, Isimar, Kider Wood Floor, New Bordonabe, Niessen, Palmadera, Premo, Prodema, Salcedo Mueble y Sellex. Por citar algunos de los proyectos en los que han colaborado estas compañías: Premo, por ejemplo, especializada en adaptar espa-

cios de trabajo mediante mamparas divisorias, remodeló las oficinas de Cemex en Monterrey; Burdinola equipó las instalaciones del Instituto Nacional de Cancerología de México; Eun Group se encargó de aprovisionar las salas del Archivo Histórico del Estado de Oaxaca e Isimar diseñó el mobiliario de la terraza para las oficinas de WeWork en Ciudad Juárez y para las de Audatex en la Ciudad de México.

Para Basque Living México, las empresas participantes han aportado productos y diseños propios con la intención de que este showroom funcione como un punto de encuentro, intercambio e inspiración para arquitectos, diseñadores y fabricantes de mobiliario. No es la primera vez que el cluster vasco establece relaciones comerciales con México; el año pasado hubo un intercambio de talento entre empresas, arquitectos y diseñadores mexicanos en busca de entablar y llevar a cabo proyectos de calidad en conjunto. –ALM

Centro de Arquitectura y Diseño (CAD México) Juan Vázquez de Mella No. 481 Polanco, CDMX. clusterhabic.com

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La feria de Milán ha movido los hilos del mundo del diseño desde su fundación; ahora, con su Manifiesto renovará su esplendor.

Fotos cor tesía Salone del Mobile.Milano

Milán grita y se apodera del estandarte de la innovación

FERIAS

SALONE DEL MOBILE presenta su primer Manifiesto, un documento firme y poderoso para seguir gestando la escena del diseño italiano e internacional.

Texto GRETA ARCILA, enviada Milán Claudio Lutti, presidente del Salone del Mobile y Marva Griffin, fundadora del Salone Satellite, comparten su conocimiento para que Milán siga siendo cuna de ideas que cambian al mundo.

TAL Y COMO LO HICIERON a principios del siglo pasado las vanguardias modernistas para abrirse un espacio en el vasto mundo del arte, este año el Salone del Mobile se decide y alza la voz para presentar su primer Manifiesto. Sí, lo leyeron bien, lanzan un documento sustentado con un discurso firme y poderoso gestado en las mentes de los directores de FederlegnoArredo (la institución de empresarios italianos que crearon hace 57 años el Salone del Mobile) y que el Presidente de la feria de diseño más importante del mundo, Claudio Lutti, explicara a detalle el pasado 5 de febrero en la Universidad Bocconi contando también con el apoyo del alcalde de la ciudad, Giuseppe Sala, así como de grandes representantes de la creatividad italiana tales como Stefano Boari, Fabio Novembre y Piero Lissoni; la presencia de éstas mentes nos habla de cómo las cabezas de esta feria movieron los hilos correctos para crear una triada perfecta para hacer que las cosas sí sucedan; unieron a los grandes pensadores del diseño, los empresarios del design y el gobierno, por lo que sin duda alguna con el tiempo seremos testigos de un nuevo esplendor de la escena del diseño italiano e internacional.

Lutti en todo su discurso no dejó de mencionar la palabra clave: Innovación, ésta entendida no sólo en acción; el Salone busca ser creador de pensamiento y, por lo tanto de acción y movimiento para seguir encabezando el cómo y el qué del diseño y así lograr que Milán siga siendo la ciudad en donde las ideas se generen, compartan y florezcan con el tiempo.

Emprendedurismo es otro de los ejes: al ser la cuna de grandes empresas del design, buscarán apoyar a los jóvenes para crear empresas que muevan la economía a través del diseño. A su vez, la palabra: Calidad, también es una de las

protagonistas en este discurso, pero ésta sólo puede ser posible si los involucrados cuidan los procesos de producción con tal de que asuman su responsabilidad con la naturaleza y a su vez sean sostenibles ciento por ciento. Y sin palabra: Diseño, este manifiesto no puede estar completo, aquí se conmina a arquitectos, diseñadores y empresarios a asumir la responsabilidad de educar a las nuevas generaciones y compartir su conocimiento para que Milán siga siendo cuna de ideas que cambian al mundo. Networking: compartir y establecer cadenas de contactos locales e internacionales para mantenerse como el lugar en donde las cosas suceden por las manos que se entrelazan durante el Salone. Nuevas Generaciones: atender, comprender y recibir a los jóvenes para ser cuna de talentos y por lo tanto, de innovación. Comunicación: seguir dando noticias relevantes para esos 5,000 reporteros que logra reunir el Salone en el mes de abril y que gracias a la tecnología de hoy, comparten noticias al momento con todo el mundo; sin los medios y su poder de convocatoria la noticia no tendría relevancia alguna. Cultura: hacer que la Triennale sea un espacio que recibe únicamente lo mejor del diseño y la arquitectura, pero al ser apoyada por todos los recintos culturales, el eco de la creatividad podrá permear a más gente incluso ajena al discurso del diseño. Milán como el Centro: la ciudad italiana como generadora de bonanza cultural, como sinónimo de belleza y negocio por antonomasia; seguir siendo considerada la ciudad del design porque todas las calles abrazan al diseño y son un estandarte de cómo la economía y la cultura sí van de la mano, pueden crecer y ser un ejemplo mundial. salonemilano.it

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TALLER

El encuentro entre artesano y diseñador no sólo se reduce a la estética del tapete, también se manifiesta en nuevas herramientas.

TALLER

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Trama y URDIMBRE Con un lustro de vida, Bi Yuu se ha establecido como una plataforma de compromiso social para el diseño, manufactura y distribución de “tapetes con alma, tejidos por manos expertas”.

Fotos cor tesía BIYUU

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

A CARGO de la diseñadora textil Marisol Centeno, Bi Yuu se especializa en tapetes y complementos textiles, bajo un proceso horizontal donde cada actor se involucra, lo que ha permitido que el ciclo creativo se enriquezca de cada integrante y arroje sinergia. Las colecciones de la marca cuentan diversas historias que se mezclan con tradiciones y emociones, expresándose a través de una cuidadosa combinación de color, textura y forma.

El trabajo colaborativo y sustentable se lleva a cabo entre el estudio situado en la Ciudad de México y el grupo de artesanos que radica en Teotitlán del Valle, Oaxaca y Huixtán, Chiapas, lugares de donde destaca la destreza manual para el tejido en telar de pedal. El intercambio de conocimientos que se da entre el estudio en la CDMX y los diseñadores locales de ambas comunidades se mantiene en diálogo constante.

Dentro del desarrollo de cada colección textil

hay dos áreas, la primera donde se hace una investigación profunda de tendencias, independientemente de que en Bi Yuu les dan prioridad a sus propias propuestas, el equipo está involucrado con el tema; después eligen un tema de inspiración al cual se le dedica un par de semanas para hablar, leer, escribir e investigar sobre él.

Para expresar este tema hacen moodboards con collages, dibujos y recortes que se hacen de manera grupal. Luego empieza la fase de bocetaje y digitalización, con ello se hacen visualizaciones de cómo podrán verse en el lenguaje del tejido, a través de la experimentación y el prototipaje, realizados en telares de mesa y pedal en el estudio de CDMX, paralelamente se desarrollan muestras con los artesanos y la jefa de producción en el taller local, este momento es muy importante porque en él se enfrentan resultados inesperados, se simplifican procesos y los errores que se manifiestan se transforman en cualidades

Marisol Centeno, es una diseñadora apasionada por la investigación, cualidad imprescindible para el desarrollo de las colecciones de Bi Yuu.

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TALLER

bondadosas. Sobre las muestras se hace una mezcla entre la parte visual y los tejidos, con los colores que se desean implementar en la colección. Con el resultado se llama a una junta colectiva, incluyendo a ambos equipos, el de diseñadores y el de artesanos, para valorar a nivel técnico qué se puede mejorar y revisar qué ya puede comenzarse a producir.

Sobre los materiales, emplean fibras Lincoln de alta calidad, hiladas en México. La longitud de mecha, su estructura poco ondulada y fina aporta gran resistencia al tejido que cuenta con 2800 pasadas de hilo por m2 , además de tratarse de un material natural, reciclable y biodegradable. Las fibras se tiñen con pigmentos naturales, extraídos de forma artesanal, como la grana cochinilla, el añil, el pericón, el nogal, la granada, entre otros. Durante estos años, Bi Yuu ha ampliado la gama de colores en sus tapetes sin dañar el medio ambiente.

Los tapetes de las colecciones de Bi Yuu están inspirados en diversos motivos, desde la manipulación del volumen arquitectónico de los modernistas mexicanos, en la colección Moderno, o el primer recorrido del ferrocarril Chepe presente en la línea Norte 61, en la que se implementó la técnica de teñido shibori, de origen japonés, Marisol destaca que en esta colección logró que tanto diseñadores como artesanos experimentaran en conjunto, de manera horizontal. La colaboración entre diseñador y artesano no sólo queda impresa en la estética de las colecciones, también se analiza qué herramientas o procesos se pueden diseñar para generar una nueva y mejor experiencia durante el desarrollo de cada producto. biyuu.mx

"Nosotros creemos en relaciones de largo plazo porque es la única manera de generar un verdadero impacto": Marisol Centeno

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DISEÑO + HISTORIA

La CIUDAD de los Palacios “Miren sus obras: los muelles, acueductos, iglesias, caminos –y la lujosa Ciudad de Palacios que se ha levantado de las ruinas de arcilla de Tenochtitlan…”: Charles Joseph La Trobe Texto

ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos cor tesía de la Fototeca de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Ar tíscito Inmueble / INBA

DISEÑO + HISTORIA

Foto Diego Grandi/Shutterstock.com

Palacio de Bellas Artes Adamo Boari ca. 1910, México

LA CDMX ha sido otras ciudades a lo largo de su historia, se ha nutrido de otras épocas, otros habitantes y cuenta con numerosas anécdotas en sus calles. Durante el siglo XIX, era recurrente que los viajeros pisaran nuestra capital para reconocer su realidad, recorrer sus caminos y registrar sus viajes en crónicas y anécdotas, fue en 1834 que el político inglés Charles Joseph La Trobe visitó México, encontrándose con la que él llamaría: La Ciudad de los Palacios, nombrada así en su libro The rambler in Mexico publicado en 1836, en el que recopiló cartas sobre su estancia en nuestro país.

Aquellos edificios, o al menos la gran mayoría de los que observó La Trobe, fueron proyectados por el arquitecto Francisco de Guerrero y Torres (1727-1792), él estuvo a cargo del Palacio de los marqueses del Jaral de Berrio (construido entre 1779-1785, conocido como Palacio de Iturbide y funcionando actualmente como Palacio de Cultura Banamex, ubicado en Madero 17), también de la remodelación del Palacio de los Condes de Santiago de Calimaya (ocurrida en 1771, actual Museo de la Ciudad de México, ubicado en José María Pino Suárez 30) con su icónica fachada que embebe una cabeza de Quetzalcóatl en la parte inferior derecha, además de hacer la famosa Capilla del Pocito (construida entre 1777-1791, ubi-

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cada en Plaza de las Américas 2), entre otras. Su estilo barroco fue una de las interpretaciones más notables del rococó, agregándole por supuesto, el innegable carácter novohispano.

Lo que La Trobe no imaginó fue que esta frase acompañaría a la ciudad hasta nuestros días y que además se edificarían más palacios, como el Palacio de Bellas Artes (ubicado en Av. Juárez esq. con Eje Central Lázaro Cárdenas), edificado de 1904 a 1934, durante el gobierno de Porfirio Diaz. Diseñado por el arquitecto italiano Adamo Boari, quien lo diseñó mezclando los estilos Art Nouveau y Art Decó. La construcción del Palacio de Bellas Artes tuvo que suspenderse por varios motivos, entre ellos la Revolución Mexicana, sin embargo, fue hasta 1931 que el arquitecto Federico Mariscal retomó y concluyó el proyecto, que fue construido con mármoles de diversos tonos y orígenes, destacando el mármol blanco de Carrara en las fachadas, por su ubicación el Palacio presenta un hundimiento de suelo que ha sido atendido periódicamente. Actualmente es sede de dos museos: el Museo Nacional de Arquitectura y el Museo Palacio de Bellas Artes, donde se exhiben permanentemente murales de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Jorge González Camarena y Manuel Rodríguez Lozano.

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DISEÑO + HISTORIA

Además del Palacio de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas, construido durante 1904-1911 (ubicado en Tacuba 8), cuyo estilo ecléctico fue proyectado por el arquitecto italiano Silvio Contri, quien combinó elementos del neoclásico y renacentistas, la decoración estuvo a cargo de la familia de artesanos Coppedé, quienes realizaron picaportes, puertas, emplomados, labrados, mobiliario y herrería en general, además de la pintura al temple del plafón en la escalera principal. El edificio actualmente alberga al Museo Nacional de Arte.

La presencia vasta de palacios en la ciudad, grandes moradas que eran ocupadas por nobles familias, gobernantes y allegados, fue siendo menos común y dio paso a los palacios de uso oficial, como el Palacio Postal o Quinta Casa de Correos (ubicado en Tacuba 1), cuya función era servir como nueva sede de la Dirección General de Correos. El diseño fue de Adamo Boari y la construcción estuvo a cargo del ingeniero Gon-

1522-1526

Construcción del Palacio Nacional, cuyo edificio original funcionó como residencia privada de Hernán Cortés.

1771

zalo Garita. De estilo ecléctico, el Palacio Postal es resultado de la combinación de elementos del plateresco isabelino y del gótico veneciano, destacando su fachada en pan-coupé y la escalinata del salón principal, realizada en bronce.

Por otro lado, está la presencia del palacio que no pudo ser y que ha sido un recordatorio de nuestra historia: el Monumento a la Revolución (ubicado en Plaza de la República), que se edificó de la estructura central de lo que originalmente sería el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, proyectado por el arquitecto francés Émile Bénard. Su construcción se detuvo frente al inminente inicio de la Revolución Mexicana y fue hasta 1933 que el arquitecto Carlos Obregón Santacilia y el ingeniero Alberto J. Pani retomaron el proyecto para honrar la memoria de la Revolución Mexicana, actualmente el monumento alberga el Museo Nacional de la Revolución y cuenta con un mausoleo dedicado a distinguidos personajes nacionales.

Remodelación del Palacio de los Condes de Santiago de Calimaya, actual Museo de la Ciudad de México.

1779-1785

Construcción del Palacio de los marqueses del Jaral de Berrio, actual Palacio de Cultura Banamex.

1797-1813

Construcción del Palacio de Minería, diseñado por el arquitecto español Manuel Tolsá.

Fotos cor tesía de la Fototeca de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Ar tíscito Inmueble / INBA

Monumento a la Revolución Carlos Obregón Santacilia ca. 1930, México

1836

Se publica The rambler in Mexico (“El excursionista en México”) de Charles Joseph La Trobe.

DISEÑO + HISTORIA

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Palacio Postal Adamo Boari 1908, México

Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas actual Museo Nacional de Arte Silvio Contri 1902, México

1902-1907

Construcción del Palacio Postal, diseñado por el arquitecto Adamo Boari y a cargo del ingeniero Gonzalo Garita.

1904-1911

Construcción del Palacio de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas, actual Museo Nacional de Arte.

1904-1934

Construcción del Palacio de Bellas Artes, proyecto a cargo del arquitecto Adamo Boari y concluido por su discípulo, el arquitecto Federico Mariscal.

1910-1938

Construcción del Monumento a la Revolución, estructura de lo que originalmente sería parte del Palacio Legislativo.

1966-1968

Construcción del Palacio de los Deportes, proyectado por Félix Candela, Antoni Peyrí y Enrique Castañeda Tamborell.

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DISEÑO + EMPRESA

Diseño y entretenimiento ENTRELAZADOS El análisis de todas las variables posibles de un proyecto creativo sumado al trabajo indispensable del equipo de Estudio Víctor Alemán le dieron un ‘alma’ particular a The Grid, hoy un caso de éxito en Kickstarter.

Entrevista ANA LAURA MUÑOZ

Fotos ESTUDIO VÍCTOR ALEMÁN

ERAN LAS TRES DE LA MADRUGADA de un martes de Febrero del 2017 cuando el video del juego de mesa The Grid, diseñado por Estudio Víctor Alemán, se empezó a ver en el sitio web de Kickstarter, una plataforma global de crowfunding enfocada en proyectos creativos.

“Fuimos de los primeros proyectos mexicanos en presentarse en esa plataforma, que tiene un alcance de más de 13 millones de usuarios en todo el mundo. Nuestro juego de mesa no es como cualquier dominó u otros similares, son 88 piezas hexagonales que por su forma, color y materiales se convierten en una pieza de diseño. No es un juego que se pueda vender en una tienda de juguetes tradicional, es más para quien aprecia el valor de algo nuevo, bien hecho y con un toque de arte”, cuenta Luis Ramírez, director de negocios en el despacho. Explica que eligieron Kickstarter para presentar la campaña de su producto porque ésta tiene una base de gente muy interesante que le gusta el diseño, además de que se les hizo un paso muy natural para buscar financiamiento y su objetivo era que la mayoría de los juegos se los compraran en Estados Unidos, donde Kickstarter está muy bien posicionada y la

logística de los envíos se hace menos complicada que si se tratara de países de Europa o Asia.

Al respecto, Ismael Porras López, socio fundador y director de identidad de Estudio Víctor Alemán, enfatiza en otro punto importante: “Partimos de la premisa de que el juego de mesa es genial, pero teníamos que encontrar la forma de hacerlo universal. Kickstarter es una plataforma que también ayuda a estudiar el mercado para saber si tu producto va a ser aceptado o no y si a la gente le interesa.

Permite analizar diversas categorías y el perfil de los usuarios; así si de repente el proyecto no es un éxito lo que se pierde es el tiempo invertido en el desarrollo de la campaña, aunque también existe la oportunidad potencial de que algún distribuidor vea el producto, le interese y te contacte para producirlo”.

El caso de éxito de The Grid en Kickstarter se resume en una investigación y análisis minuciosos de todas las variables posibles para lanzar el proyecto en el día y momento adecuados y con los valores atractivos y entrelazados de diseño y entretenimiento. “Estudiamos detalle a detalle cuál era la mejor forma de presentar la campaña,

DISEÑO + EMPRESA

a qué hora, qué día, cuándo cerrar, qué le gustaba a la gente del juego, qué cambios eran convenientes en los materiales de la caja y las piezas, cuál era el mejor precio para vender el juego de mesa, etc. También hicimos un esfuerzo promocional muy fuerte tanto en México como en Estados Unidos para difundir el juego y así descubrimos que era acertado hacer ciertos cambios de colores, tamaño y materiales de las fichas”, relatan los creativos.

El diseñador Víctor Alemán, creador de The Grid, agrega que a finales de marzo próximo se empezarán a distribuir los juegos vendidos, todos hechos en fábricas de México por motivos de control de calidad en la producción. “Se colocaron juegos de mesa en Estados Unidos, Japón, Australia, Malasia y otros 50 países más.

Ahora lo primordial es dejar contentos a nuestros backers (patrocinadores) y el paso siguiente es sacar un nuevo juego tomando en cuenta la experiencia que ya tenemos, además de continuar con otros proyectos en los que está trabajando el estudio”, concluye Alemán. victoraleman.mx

88 piezas hexagonales que por su forma, color y materiales son una pieza de diseño.

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DISEÑO + CIUDAD

Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca es más que un parque; integra a unas 40,000 personas con ideas diferentes en un sólo espacio.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos ARTURO ARRIETA, BRUNO GAETA, PERPETUO

Fotos cor tesía Gaeta-Springall Arquitectos

Construir una CIUDAD

DISEÑO + CIUDAD

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Uno de los elementos característicos del proyecto es una línea roja, que cose a manera de gesto anti-muro y anti-fronteras a las personas, bancas y juegos infantiles de manera lineal.

"TODAS LAS COSAS BUENAS de la vida requieren tiempo y con los proyectos de arquitectura sucede lo mismo. Para crear un bosque se necesita de la plantación de centenares de árboles jóvenes que luego de sus primeros 5 ó 6 años irán tomando fuerza para arraigarse a su territorio y alcanzar una escala precisa de frondosidad”, cuentan Julio Gaeta y Luby Springall, autores creativos de Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca, que en diciembre pasado abrió su primer tramo de 1.5 kilómetros. Este primer trayecto corre de la avenida Río San Joaquín hasta Marina Nacional y el plan es que antes de que termine este 2018, el proyecto integral (que abarca 4.5 kilómetros) quede construido en su totalidad, pasando por 22 colonias de diferentes sectores socioeconómicos y culturales de la Ciudad de México. Gaeta y Springall explican que éste ha sido uno de los proyectos más complicados en los que han trabajado, sobre todo porque su impacto urbano implica ‘construir ciudad’. “No se trata de

la propuesta simple de hacer un parque y plantar muchos árboles, sino de integrar a unas 40,000 personas de diferentes ideas y costumbres en un sólo espacio, que es un tramo muy largo por donde sigue pasando el tren y del cual ya se habían apropiado aunque no tuviera las condiciones adecuadas para vivir”, dicen los arquitectos.

La idea de ‘construir ciudad’ va más allá de lo que pueda entenderse como un proyecto de paisaje.

“La Ciudad de México tiene una deuda muy importante con su gente: contar con más áreas verdes y agua, que son esenciales en la construcción de las ciudades. Este es un proyecto que atiende esas necesidades y que además suma otras condiciones de diseño”, comentan Gaeta y Springall, haciendo referencia a una nota publicada en el periódico El país, en la cual atinadamente enmarcan su propuesta en el concepto de ‘la arquitectura que repara’ mediante la construcción de largo plazo, la reconversión de infraestructuras y la colaboración ciudadana. Vale la pena hacer

énfasis en este último punto, pues para desarrollar el proyecto se requirió de la socialización y consenso de los vecinos residentes, además de la interacción con distintos actores de gobierno, empresas e instituciones.

Uno de los elementos característicos de Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca es: la línea roja.

“En un momento en el que se proponen nuevos muros que separan y dividen, en un lugar de fronteras paralelas casi irrompible, construimos una línea que cose, que une, un gesto anti-muro y anti-frontera, que sugiere un sistema de bordes permeables. Es una línea que juega a nivel de piso, se eleva suavemente, cose partes, señala y construye acentos, entrelaza y conecta. La línea roja es programática y funcional, en ella se integran las bancas y juegos infantiles de manera lineal”, concluyen los autores. gaeta-springall.com

Fotos Taller 13 Arquitectura Regenerativa

44 CIUDAD SUSTENTABLE

CIUDAD SUSTENTABLE

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Estética URBANA Todas las grandes ciudades se han fundado al lado de un río. Ecoducto Río de la Piedad es un detonador que empuja otros temas necesarios en la visión de la Ciudad de México como sostenible y saludable.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos TALLER13 ARQUITECTURA REGENERATIVA

Con una extensión de 1.6 kilómetros, el primer tramo inaugurado de Ecoducto Río de la Piedad cuenta con vegetación e incluso conexiones USB.

HACE 10 AÑOS, un grupo de jóvenes inquietos, soñadores y emprendedores, liderados por el arquitecto Elías Cattan Cherem, comenzaron a impartir talleres sobre: Desarrollo Regenerativo para la Ciudad de México, un concepto que han aprendido de la mano de un grupo de consultores expertos en los temas de renovación urbana y la transformación creativa de las ciudades y territorios.

Desde la primera plática sugió la idea de regenerar el río La Piedad, que se entubó en 1942 y por donde corre una parte de la vialidad Viaducto Miguel Alemán por encima de la obra. “Había gente tan entusiasta que incluso propuso poner palmeras y fotoceldas sobre Viaducto, pero la idea no era dejarse llevar por la euforia. Fue entonces que vi un documental de Seúl en el que mostraban cómo habían recuperado el río Cheong Gye Cheon (cuyo cauce estaba oculto, pero gracias a un proyecto de renovación, hoy se ha convertido en un parque fluvial para la comunidad y ha potenciado la actividad económica y social de la ciudad). Aunque el río sigue entubado, el desarrollo de ese proyecto se fundamenta en el entendimiento de los sistemas vivos (un río, como cuenca, es un sistema vivo), pues ‘regeneración’ es que la humanidad pueda integrarse a su medio ambiente y viceversa”, explica Cattan Cherem. Así, mediante un proceso de investigación y diseño integrados, el equipo de Taller13 Arquitectura Regenerativa propuso el proyecto piloto: Regenerando Ríos con el objetivo de retomar la vocación que esos lugares tuvieron hace años cuando funcionaban como integradores sociales y biológicos de la ciudad. Como parte de ese proyecto, la recuperación del río La Piedad es uno de los primeros pasos para regenerar más de una cuarentena de ríos. El eje medular de la iniciativa es su viabilidad e

impacto para la comunidad, que exige la interacción de autoridades, empresarios, arquitectos y ambientalistas. Por eso, la inauguración en diciembre pasado de la primera etapa de lo que ahora se ha llamado Ecoducto Río de la Piedad es un logro que se aplaude desde diversas trincheras.

Por ahora, el Ecoducto tiene una extensión de 1.6 kilómetros, cuenta con bancas de descanso, luminarias, vegetación, tratamiento de aguas residuales e incluso conexiones USB para recargar móviles.

Es un espacio de 4,800 m2 de vegetación y 50,000 ejemplares de plantas, lo que contribuye a la reducción de 50 toneladas de carbono emitidas a la atmósfera cada año y favorece la producción de oxígeno. La recuperación del área es integral y se hizo una rehabilitación del entorno vial con accesibilidad total; por lo que, también se construyeron escaleras, rampas y pasos seguros; se ampliaron banquetas y se hicieron adecuaciones geométricas en esquinas y camellones.

Para la segunda etapa del proyecto se realizará un concurso para la construcción de un pabellón cultural y educativo, con la idea de que el Ecoducto también sea un museo y se utilice con fines didácticos y de educación ambiental.

“Debemos entender que la ciudad no funciona; la única gran solución es rediseñar su entorno conforme una serie de sistemas para el manejo eficiente de los recursos. Esa es la sincronía que buscamos: más comida local, más bicis, más parques por todos lados, más áreas verdes por habitante, etc. El Ecoducto es sólo una semilla porque genera vida y conciencia para empujar otros temas necesarios en la visión de una ciudad sostenible”, concluye Cattan Cherem. taller13.com

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SU ESPACIO

SU ESPACIO

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Sentido del humor y generosidad “Pasamos mucho tiempo aquí en casa, porque es todo, es nuestro estudio, es nuestra sala de estar, la disfrutamos, nos encanta”: Anna Fusoni y Félix Sánchez.

Entrevista ARLETH SÁNCHEZ

Una de las piezas más queridas por ambos es una réplica del óleo Le Petit Déjeuner del pintor Fernand Léger.

Fotos JOSÉ MARGALEFF

“ESTE PREDIO originalmente fue una casa, luego se convirtió en una alberca y una zona de gimnasia, aquí yo traía a mis hijos a que aprendieran a nadar, hace unos 40 años…finalmente en este terreno, mi hijo Javier Sánchez con su empresa JSa, con Santiago Sánchez y Álvaro Becker, desarrollaron este proyecto”, nos cuenta Félix Sánchez, quien adquirió uno de los penthouses del edificio que se encuentra en la Condesa, barrio famoso en la Ciudad de México por sus habitantes y sus modos de convivencia.

El departamento, diseño de Javier, manifiesta en su interior los gustos de Anna y Félix, del inmueble destaca la distribución de espacios, ya que al entrar somos recibidos en un vestíbulo, las recámaras están a los costados y en la planta alta se encuentran la sala, comedor, cocina y terraza, lugar que abarca un buen espacio de la propiedad y que, en palabras de Anna y Félix, es uno de los espacios que más utilizan y disfrutan.

La habitación principal tiene una orientación ideal para asoleamiento, “es una maravilla recibir el sol en la mañana”, nos comparte el arquitecto

mientras observamos los cuadros que visten en cada muro; aunque no se consideran coleccionistas cuentan con obra de Javier Marín, Waldo Rincón, Armando Villagrán, Luis Granda, que lo mismo conviven con sillas de Charlotte Perriand en colaboración con Le Corbusier y Pierre Jeanneret, Verner Panton o Philippe Starck que con artesanías de San Miguel de Allende, Valle de Bravo o Oaxaca.

Luis Barragán decía que la casa era un refugio, sin duda es lo más sagrado que se tiene y en su interior se refleja la personalidad de quien la habita, a través de los objetos y la vestimenta diaria, en la casa Fusoni-Sánchez observamos una combinación ecléctica que Anna ha ido aportando, “los arquitectos son minimalistas, quieren que no haya nada sobre las superficies, entonces poco a poco he ido agregando objetos, me gustan mucho las cosa mexicanas, pequeñas cajas de madera o cerámica”, nos confiesa mientras vemos en el vestíbulo un equipal tapatío que convive con una cajonera proveniente de la India.

Al subir por la escalera roja que nos condu-

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SU ESPACIO

ce hacia el área social, el remate visual es una réplica del óleo Le Petit Déjeuner del pintor cubista francés Fernand Léger, sin duda una de las piezas favoritas de la pareja. Ese espacio sirve como una transición entre la sala y la terraza, que es un espacio principal, ya que en ella conviven, comen y Anna cuida de su jardín personal, en donde crecen plantas comestibles y ornamentales, como las orquídeas, que cuando florecen son su fascinación.

Félix cuenta que la cocina es uno de sus hobbies, pues a través de la comida comparte y convive, por otro lado, Anna revela que su única contribución culinaria es preparar buen café. Sin dudar, la pareja nos cuenta que en su casa nunca ha faltado el sentido del humor y la generosidad, ambos aspectos son evidentes en la manera en la que se refieren uno al otro, “creo que al habernos encontrado Félix y yo, él se volvió extremadamente generoso con todo mi entorno que es la moda, aunque a mucha gente le inquieta, a Félix no, él lo asumió y lo asumieron”, refiriéndose a los amigos que ahora comparten. ¿Y si no vivieran aquí, dónde vivirían?, les preguntamos y ambos se miran con complicidad, la respuesta inmediata es: ¿les decimos? Y asintiendo con su mirada, Félix nos dice: “a Tijuana, por todo lo que significa ese espacio y toda la evolución que está teniendo”, Anna nos cuenta que “el mismo fenómeno, con su justa proporción, que

ocurrió en la Condesa está pasando en Tijuana, son los jóvenes, los nuevos arquitectos, cada uno trayendo nuevos enfoques de vida”.

Su experiencia cotidiana de vivir en la Condesa se complementa con sus áreas de trabajo que están cerca, para ellos no existen los problemas de movilidad, para ellos existe una red de amigos que también son sus vecinos, sus colaboradores, la gente que trabaja con ellos, red que han ido tejiendo desde que se conocieron pues antes era una de las maneras de mantenerse comunicados sobre lo que sucedía en el barrio y crecer como comunidad. Anna cuenta que, antes de conocer a Félix, frecuentaba un lugar que se llama La Garufa que fue uno de los detonadores para que la colonia surgiera como una referencia en la Ciudad, y Félix destaca que el espacio público es clave, pues la Condesa goza de parques que refuerzan ese sentido comunitario.

Posterior al sismo del pasado septiembre, Félix y Anna perdieron algunos objetos pero adquirieron un sentido de desapego: “Todo es pasajero, estás prestado. Eso se adquiere con la edad, la experiencia y la madurez en la que ya no tienes pasiones por lo material”, reflexionan con duelo, pero concluyen “Ha sido muy triste, hay silencio en la noche, pero de aquí somos, aquí seguimos y aquí vamos a seguir”. annafusoni.fashion | sanchezarquitectos.com

Para Félix, la comida es un rito importante: “ahí se educa, se platica y se comparte buena compañía y buena comida, es fundamental”.

SU ESPACIO

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El departamento manifiesta en su interior los gustos eclécticos de Anna y el minimalismo de Félix.

“No somos coleccionistas, ellos son más puristas. Pero hemos ido coleccionando arte, pequeños objetos de madera, cerámica”: Anna Fusoni

DESTINO DISEÑO

01.

PASEAR LA CAPITAL

Basta con estar alerta, abrir los ojos y tener la curiosidad encendida porque en esta ciudad no sabes si a la vuelta de la esquina encontrarás una joya urbana.

Texto

MARISOL GUERRERO

Fotos cor tesía

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DESTINO DISEÑO

RUTA SUR

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03. MUAC Dentro del espacio cultural universitario, se encuentra el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), diseñado por el arquitecto Teodoro González de León e inaugurado en 2008. El museo alberga exposiciones temporales en sus 9 salas de exhibición y se realizan actividades afines en su auditorio y sala de conferencias, además cuenta con un espacio de experimentación sonora. En su tienda, mensualmente se monta un escaparate con algún diseñador destacado de la escena local contemporánea.

El diseño, la arquitectura, lo nuevo y lo viejo convergen en la Ciudad de México. Elegimos hacer un compendio ligero de lugares icónicos de nuestra metrópoli, referentes degustables y habitables.

Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario muac.unam.mx

04. Carlota Cerca de la zona universitaria se encuentra el barrio de San Ángel, una zona con alta tradición colonial, en sus calles parece que se detuvo el paso del tiempo, muestra de ello es Carlota, un restaurante inmerso en una casa porfiriana con espacios renovados para disfrutar cocina que rescata recetas tradicionales mexicanas.

02.

Plaza del Carmen 4 San Ángel restaurantecarlota.com

01. Tetetlán

Av. de las Fuentes 180-B Jardines del Pedregal tetetlan.com

02. Campus Central de Ciudad Universitaria

Foto Pedro Hiriait

Dentro de la zona del Pedregal se encuentra Tetetlán, un centro cultural, proyecto que cuenta con restaurante, cafetería, tienda, biblioteca, entre otros servicios dirigidos al bien integral. Destaca por sus instalaciones ubicadas en una casa restaurada de Luis Barragán con mobiliario proveniente de firmas contemporáneas de diseño como Tributo de Laura Noriega, o Itz Mayan Wood Furniture, ambos estudios han sobresalido en ferias de diseño por su calidad estética y de manufactura. Además, Tetetlán es un punto perfecto para iniciar un recorrido por la zona sur de la ciudad.

03.

Al sur de la CDMX está la máxima casa de estudios, lugar que contiene uno de los símbolos de la arquitectura mexicana moderna: el Campus Central de Ciudad Universitaria (CU), del que destacan los murales en la torre de Rectoría, el Estadio Olímpico Universitario y por supuesto, la Biblioteca Central.

En julio del 2007, el Campus Central fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, comprendiendo sólo una cuarta parte del total que conforma CU, de donde también destaca la reserva ecológica, el área deportiva y el espacio cultural.

Av. Universidad 3000, Ciudad Universitaria unam.mx

04.

52

DESTINO DISEÑO

RUTA CENTRO

Foto Camila Cossio

Por supuesto el centro de la CDMX es un punto necesario en el itinerario, con sus palacios, museos, templos, mercados y leyendas, su gente bullente que parece no descansar nunca y camina por la Alameda Central o se detiene a admirar la Torre Latinoamericana. En el centro convive nuestro pasado prehispánico, colonial, porfiriano y moderno con nuestra contemporaneidad.

01. Chaya

01.

Con un concepto de bed&breakfast situado al interior de Barrio Alameda, un edificio de los años 20, Chaya ofrece la oportunidad de hospedarse en una de sus suites o sus standard rooms, cuyo diseño interior realizado por Talller, hace uso de materiales naturales y soluciones sencillas. También cuentan con un comedor colectivo, una terraza con hamacas y por supuesto una vista hacia la Alameda Centro.

Doctor Mora 9 Centro chayabnb.com

02. Museo Memoria y Tolerancia

02.

Plaza Juárez Centro myt.org.mx

Fotos cor tesía

Proyectado por la firma Arditti Arquitectos, el MMyT alberga una de las exposiciones permanentes más reflexivas en torno a la memoria y tolerancia, haciendo un llamado de no violencia a través de un estudio sobre los genocidios que más han marcado nuestra historia como humanidad. El edificio de 7,500 m² alberga a la escultura monumental “El Memorial de los Niños”, concebido junto con el artista holandés Jan Hendrix, tratándose del corazón del museo.

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Foto Jaime Navarro

DESTINO DISEÑO

03. Downtown Dentro de lo que fuera el Palacio de los Condes de Miravalle, renovado y en funciones desde 2012, se ofrece servicio de restaurantes, tiendas de diseño y al fondo está Downtown, proyecto de Abraham Cherem y Javier Serrano que preservó fachadas originales añadiéndoles un estilo contemporáneo con ladrillo rojo para dar servicio como hotel-hostal boutique, con una terraza que da servicio como restaurante y piscina, abriendo paso al cielo capitalino.

03.

Isabel la Católica 30, Centro downtownmexico.com

04. ATEA Famoso por su actividad mercante y su gente, el barrio de La Merced resguarda una joya cultural: ATEA, plataforma fundada en 2011 que promueve la producción, experimentación y creación colectiva, donde se organizan exposiciones, talleres, residencias y prácticas de carácter artístico y arquitectónico. En sus instalaciones —que originalmente servían como fábrica— conviven proyectos independientes de cine, producción textil, gráfica y cerámica, además de arte urbano y música.

Topacio 25 Centro Ig /ateacdmx

04.

NO TAN AL CENTRO Biblioteca José Vasconcelos Eje 1 Norte Mosqueta s/n esq. Aldama Buenavista bibliotecavasconcelos.gob.mx

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DESTINO DISEÑO

RUTA TRENDY Cerca del centro hay una zona que por generaciones ha sido escenario efervescente y vivienda de artistas, creativos, arquitectos y demás personajes memorables de nuestra ciudad, fue donde vivió la fotógrafa Tina Modotti, o donde el escritor beat Jack Kerouac encontró la inspiración para su Mexico City Blues; sus calles contienen un sinfín de historias y sigue generando encuentros y creaciones, nos referimos a la zona Roma Condesa.

02. Blend Station El primer proyecto integral en la CDMX del estudio creativo Futura, quienes llevaron el concepto de branding hasta el último rincón de esta cafetería, creando una experiencia completa, desde el origen del café, su tostado, dónde se sirve, el emplatado de cada alimento, la música que suena en sus instalaciones, hasta el mural que envuelve a sus comensales en un área que despierta la curiosidad desde su entrada.

Av. Tamaulipas 60 Hipódromo Condesa blendstation.com.mx

Un pequeño hotel boutique que cuenta con cuatro habitaciones, cada una toma inspiración de quienes fueran residentes de la casa, por ejemplo, De la Lama, en honor a José G. de la Lama, urbanista y financiero quien fuera el responsable de la construcción de la casa, así como pionero en la industria inmobiliaria junto a Raúl Basurto. Nima cuenta con un bar, un centro de negocios y una terraza.

Colima 236, Roma Norte nimalocalhousehotel.com

Foto Rodrigo Chapa

01. Nima

DESTINO DISEÑO

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03.Ignacia Casa de Huéspedes Entre los múltiples edificios ubicados en la Roma, se encuentra Ignacia Casa de Huéspedes, una casona neoclásica de 1913 que funciona como bed & breakfast, en un ambiente de diseño contemporáneo que convive con finas piezas artesanales, el proyecto de renovación estuvo a cargo de Factor Eficiencia y A-G Interiorismo, quienes eligieron conservar la casa original, ampliándola para ofrecer un espacio central de convivencia y descanso, terrazas privadas y un bar que dan paso a las habitaciones contenidas en una construcción contemporánea.

Foto Jaime Navarro

Jalapa 208, Casa B, Roma Norte ignacia.mx

03.

Fotos cor tesía

FUERA DEL BARRIO 04. Sala de Arte Público Siqueiros Fue fundada en 1969 por el muralista David Alfaro Siqueiros, quien tuvo la idea de tenerlo como espacio para teorizar, innovar y enseñar los aspectos más importantes de la composición espacial. Actualmente —siguiendo con el concepto del muralista— abre su espacio para expresiones contemporáneas, además de exhibir vida y obra del muralista, como sus Trazos de composición espacial del mural La marcha de la humanidad, basado en lo que realizaría para el actual Polyforum Siqueiros.

Tres Picos 29, Polanco saps-latallera.org

04.

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ENTREVISTA

JUAN CARLOS MUÑOZ

Entusiasmo para estar a la vanguardia Valencia recupera la esencia de la feria Hábitat: un escaparate a nivel mundial para fabricantes, arquitectos, interioristas y diseñadores.

HÁBITAT ha vuelto a ser el gran evento que es.

Luego de unos años de crisis, la feria del mueble, iluminación y decoración con sede en Valencia ha retomado el pulso que tenía desde ediciones anteriores. El presidente de la Asociación Nacional de Exportadores del Mueble de España (Anieme), el empresario Juan Carlos Muñoz, platica que “el cierre de la edición de 2017 (llevada a cabo en septiembre pasado) ha sido un punto de inflexión muy importante: hemos vuelto a recuperar lo que era la esencia de la feria: un escaparate a nivel mundial para fabricantes, arquitectos y diseñadores, que de antemano tenían anotado el evento en su agenda. Nuestra feria ha recuperado el gran protagonismo que sin duda

se merece”. Valencia es la cuna de grandes productores y también de renombrados despachos de arquitectura y diseño. Esto es un precedente importante para los empresarios, profesionales y gente interesada que se dio cita en el evento, cuyas cifras de cierre contabilizaron la visita de unas 22,000 personas de más de 50 países.

“Hábitat fue capaz de suscitar el interés de un mayor número de participantes, tanto nacionales como internacionales; logramos reunir una oferta lo suficientemente potente para atraer de nuevo las miradas a nuestra ciudad y a la feria”, dice Muñoz. Fueron más de 400 compañías y marcas españolas y extranjeras las que apostaron por el proyecto de recuperar lo que era

la exposición; Anieme logró unir el esfuerzo y entusiasmo de todos esos empresarios, sabiendo que se necesitaba una asociación fuerte, bien estructurada y comunicada para transmitir sus objetivos. “No dejamos de viajar, conocer propuestas y convocar a la gente a que visite la ciudad; nuestras empresas se nutren de ese conocimiento y lo comparten con colegas internacionales, que a su vez nos ayudan a consolidar que Valencia esté mas situada en el mapa”, puntualiza el empresario.

Uno de los espacios que más llaman la atención en el marco de Hábitat es Salón Nude, vivero de diseñadores y jóvenes talentos emergentes, de cuyas listas han surgido grandes

Fotos cor tesía

Entrevista GRETA ARCILA

ENTREVISTA

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Empresas y visitantes comparten experiencias con colegas internacionales.

personajes del mundo creativo. “Esta iniciativa –cuenta Muñoz– nació hace muchos años como una demanda importante de los profesionales del diseño. Los nombres que ahí se han reunido han hecho que, poco a poco, se vayan abriendo nuevos despachos y creando mejores y más ideas”.

Para la edición de 2017, hubo tres universidades mexicanas, un centro universitario especializado en diseño de interiores de República Dominicana, un centro de enseñanza especializado en diseño de Perú y una escuela de diseño de Corea del Sur que formalizaron su inscripción a este semillero de nuevos talentos. Como novedad, esta vez el Salón Nude incorporó de forma significativa la artesanía y el arte dentro de las propuestas acep-

tadas para participar en el espacio.

Así, la ciudad de Valencia resurge como capital del diseño. Su arquitectura con un estilo muy particular también ha renacido con la reciente apertura de su nuevo Centro de Arte ‘Bombas Gens’, donde se montarán diferentes tipos de exposiciones enfocadas en la fotografía y el arte contemporáneo. “Sin duda, la crisis se ha sentido, pero hemos hecho cosas para estar a la vanguardia y levantar tanto nuestra ciudad como una de las ferias que nos ha dado una imagen como país”, finaliza Muñoz. feriahabitatvalencia.com

Valencia es cuna de grandes productores y despachos de arquitectura y diseño.

Foto Béa Cor teel

La porcelana hecha a mano, diseñada y decorada por Béa Corteel fue inspiración para Netculture, uno de los espacios en Showroom.

“Debe haber un equilibrio entre el diseño de élite y el consumidor, pues ellos también son creativos e inspiradores”: VINCENT GRÉGOIRE

Fotos cor tesía M&O Paris

Todos tenemos algo que decir

ENTREVISTA

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Vincent Grégoire forma parte de la agencia de innovación y creatividad NellyRodi desde 1991, donde es director del departamento de Estilo de Vida.

Foto DR

EN CADA EDICIÓN MAISON&OBJET Paris presenta un observatorio de tendencias y un café-librería bajo el mismo concepto, este año la dirección artística de dicho espacio estuvo a cargo de Vincent Grégoire de la agencia NellyRodi, tuvimos la oportunidad de conversar con él sobre nuestros tiempos, la era digital y las redes sociales, instalados en un espacio de su propuesta de tendencia: Showroom. ¿Cómo llegaste al concepto?, le preguntamos, sin dudar Grégoire nos habla de la revolución digital y el impacto que tiene en nuestro día a día, “es mi punto de vista y la manera en la que percibo los medios digitales, quizás tiene que ver con que trabajo y vivo con millenials, entiendo la importancia de la data y esto es una manera de expresarlo. Los consumidores están tomando una posición de poder a través de la tecnología, pueden comparar productos, calificarlos e intercambiar experiencias con otros consumidores, forman parte de una nueva generación de consumidores hiperconectados e hiperinformados, tienen una voz que resuena en las redes sociales. Es lo que llamamos showroomisation.

“Quiero dejar un mensaje al sector comercial, quiero que se cuestionen, que intercambien ideas, que tomen en cuenta la energía de los consumidores y que jueguen con el sistema”, detalla Vincent sobre la instalación y su propósito. ¿Y qué quiere el consumidor?, “quiere soñar, pero quiere que ese sueño sea como la vida real, que sea factible entenderlo y compartirlo”.

La línea entre los espacios de exhibición y los espacios domésticos se está diluyendo, es habitual observar la casa de alguien y que parezca una composición digna de fotografía, la influencia de revistas y medios especializados en los consumidores es innegable, sobre esto, Grégoire comenta: “se están

Foto Agencia Nelly Rodi

Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada París

La empresa sueca Tictail, plataforma social de e-commerce dirigida a marcas emergentes de todo el mundo, es un ejemplo de tendencias de consumo.

creando nuevas maneras para capturar el interés de los consumidores”. Y para él, ¿qué funciona?, “quiero ser sorprendido, me interesa enfrentarme a este juego doble, donde necesitamos la tecnología para mostrarnos al mundo, pero al mismo tiempo es jugar con este sistema de avatars peligroso, ¿es real?, ¿es un cuento de hadas?, me parece que es irónico y festivo, como un carnaval”, y nos queda claro, le fascina contemplar el comportamiento virtual.

Y hablando del trabajo desde el diseño, nos cuenta: “hay esta tendencia de darle un doble uso a las cosas, de revivir materiales y proporcionarles otro giro a través de la creatividad, volverlos atractivos para el consumidor, es una alianza, ya que el sector no existe sin el consumidor, entonces les toca ofrecer un producto atractivo, con buen branding, a través de creaciones colaborativas, hace algunos años la tendencia iba hacia la exclusividad y ahora se está buscando un equilibrio; por supuesto no es absoluto, porque hay quien prefiere un color contra otro y está bien, cada persona tiene sus propias ideas y esa es la verdad. Actualmente, tenemos una gran libertad de elegir, de crear nuestra propia burbuja y es en parte por lo que se vive virtualmente, queremos esa libertad también en la realidad, hay muchas oportunidades con todas estas nuevas herramientas tecnológicas, puedes tener un papel tapiz con tu fotografía en él, por decir algo, y que ese objeto reciba comentarios a través de las redes, no digo que las herramientas digitales sean la solución, pero han sido un buen apoyo para que esto suceda, si se es suficientemente creativo se puede crear un producto competitivo, conectar con una persona del otro lado del mundo que lo encuentre atractivo y ponerlo a la venta, esa realidad está a un click de distancia”. maison-objet.com nellyrodi.com

A Óscar le ha interesado el diseño de mobiliario por su relación con el cuerpo humano.

ENFOQUE

El servicio como profesión “Creo en un diseño universal que resuelva las necesidades humanas generales, pero también creo en el diseño local que se apoya en los conocimientos de las generaciones anteriores”: ÓSCAR HAGERMAN Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN

Retratos JOSÉ MARGALEFF

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Óscar es arquitecto por la UNAM, además de sus diseños en mobiliario ha proyectado en su mayoría casas y escuelas, especialmente para comunidades rurales y cooperativas sociales en México, ha visto desarrollarse al diseño mexicano desde los 60's, época en la que empezaron a funcionar las primeras escuelas de esta carrera en nuestro país; en este sentido él considera que la profesión ha avanzado mucho desde entonces y que los alumnos están mucho mejor preparados, sobre el diseño mexicano nos dice: “hoy en día está a la altura del diseño de todo el mundo, a lo menos en mobiliario que es en lo que me he estado especializando”.

FUI ALUMNA DE ÓSCAR HAGERMAN hace casi diez años, lo tengo en una estima vigente pues me enseñó que el diseño puede ser social, que el conocimiento debe transmitirse de manera generosa y por supuesto me enseñó, tan sólo en un semestre, a diseñar una silla confortable.

Como su alumna, recuerdo claramente la calma con la que nos explicaba su curva para respaldo, nos compartió paso a paso por qué el ángulo iba a tal altura, qué pasaba si le subías dos o tres grados y qué pasaría si esa curva bajaba uno o dos centímetros, para mí fue una de las clases más cálidas de toda mi carrera porque además de reconocer la calidad de Óscar y de Arturo Treviño, con quien compartía la cátedra en ese entonces, nos invitó a observar la destreza manual de Ignacio, tejedor de tule de San Pedro Tultepec, Estado de México, técnica que ha revestido asientos y respaldos en múltiples diseños de Óscar y de sus alumnos. Cada año, Óscar dicta ese taller de mobiliario en el Centro de Investigaciones de Diseño Industrial en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, espero que cuando él deje de dar la clase, la curva de respaldo, su curva, siga siendo transmitida con la misma paciencia. Hablar con él, es hablar con un amigo, con un maestro entregado a su oficio, que es servir.

"Me di cuenta de lo importante que es tener un trazo que se pueda reproducir y modificar"

LA COOPE Su trayectoria en el diseño comenzó con Arrullo, aquella silla que diseñara en la Cooperativa Artesanal Don Emiliano, en Ciudad Nezahualcóyotl, misma que él llama con mucho cariño “La Coope”. Inspirado en una silla popular mexicana, ese diseño fue reproducido de manera innumerable, incluso se sigue vendiendo con algunas modificaciones hechas por carpinteros locales. A Óscar le interesó el diseño de mobiliario por su relación con el cuerpo humano, él sentía que los muebles eran parte muy importante del interior de la arquitectura.

APRENDIZAJE, ENSEÑANZA Y PERMANENCIA “Hace muchos años, cuando diseñé una silla para oficina me di cuenta de que el apoyo del sacro estaba inclinado para adelante, esto era muy incómodo a la larga. Pedí detener la producción de la silla hasta encontrar la causa de la molestia en la espalda, afortunadamente me esperaron, y me di cuenta de lo importante que era tener un trazo que yo pudiera reproducir y modificar de acuerdo con los resultados obtenidos con el prototipo en que probábamos la silla” nos cuenta el arquitecto Óscar Hagerman, quien desde entonces, hace más de 40 años ha ido modificando ese trazo y adaptándolo a las formas del cuerpo y a las posturas que las personas toman al sentarse en la silla, su silla, objeto que ha diseñado, mejorado y adaptado de manera continua.

“Generalmente les enseño a mis alumnos el trazo al que he llegado hoy en día, para que ellos puedan seguir mejorándolo poco a poco en el

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"Hay muchas posibilidades de aprender y hacer un diseño de México con todos los conocimientos de nuestra cultura". Óscar ha trabajado principalmente con madera que se complementa con tejidos artesanales de tule, palma, piel, mimbre o algodón.

Desde hace más de 40 años, Óscar Hagerman ha ido modifcando el trazo de 'su silla', objeto que ha diseñado, mejorado y adaptado continuamente.

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Dedicado en el proceso de diseĂąo, Ă“scar realiza modelos a escala para observar el volumen de sus sillas.

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diseño que hagan”, esa es la manera en la que Oscar hereda, de forma generosa, lo que ha aprendido, en sus palabras enseñar ha sido una experiencia muy buena, de cierto modo es su manera de permanecer porque así ha mantenido vigente lo que él aprendió de sus maestros. Óscar ha dado cátedra en varias universidades de México, en el CIDI, en la Universidad Iberoamericana, en el Centro de Estudios para el Desarrollo Rural, en la Universidad Marista de Yucatán, entre otras. Es entonces cuando hablamos de lo que han hecho las escuelas de diseño en México, que a su parecer ha sido un gran trabajo y la enseñanza ha mejorado a lo largo de los años, de ahí han surgido diseñadores destacados como Emiliano Godoy, Christian Vivanco, Daniel Romero y todos los alumnos que cada semestre hacen trabajos extraordinarios, los que considera que serán buenos diseñadores.

LA CASA DE VALLE En 1969 Óscar diseñó, con mucho cariño, una casa para su familia, que edificaron poco a poco, tomando como arranque un cuarto de adobe que ya estaba construido y un árbol que se convirtió en el centro de la casa y dio pie a construir un patio central que se volvió el alma del proyecto, cuyo rasgo particular es estar acabado con ladrillo cuyas juntas permiten

el crecimiento de hierba. La casa se construyó con materiales locales: una parte de adobe enjarrado con lodo y paja, otra se construyó con tabique y arcilla.

Esta casa, actualmente ocupada por la familia de su hijo Carlos, fue hilo conductor en “El patio de mi casa” (2016), película que dirigió en honor a sus padres Óscar y Doris, donde retrata lo que han hecho a lo largo de su vida, camino en el que ambos han trabajado profundamente con comunidades rurales y aquel patio, que ha servido como punto de reunión para la familia, como contacto con la naturaleza y con la arquitectura rural que tanto ha desarrollado Óscar en el Estado de México, en la Sierra Norte de Puebla, Chiapas, Oaxaca o en la Sierra Huichola de Jalisco.

LO QUE HA HECHO Y LO QUE FALTA POR HACER Sobre su trayectoria, nos comparte que la mayor satisfacción que ha recibido al crear ya sea diseño o arquitectura, es beneficiar a las personas, “cuando veo una silla que ha servido durante 20 ó 30 años y que sigue sirviendo o cuando voy a una escuela que hice hace 20 años y ahora los alumnos son hijos de los maestros que fueron alumnos cuando empezó, es cuando pienso que valió la pena haberles dedicado mi vida a estos proyectos”. Interesado en rescatar técnicas del pasado y cuidar el ambiente, Óscar ha

La Casa de Valle fue el primer proyecto arquitectónico de Óscar, cuyo patio sirvió como hilo conductor para el documental El patio de mi casa (2016), dirigida por Carlos, su hijo.

Fotos El patio de mi casa, 2016

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Agradecemos a Claudia Barriga, Carlos Hagerman, Doris Ruíz y Óscar Hagerman por el material fotográfico

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Óscar trata de que sus muebles sean cada vez más cómodos; por eso, los va adaptando a las nuevas tecnologías. Su dinámica de trabajo se enfoca en estar al día en la técnica sin olvidar la herencia cultural.

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elegido trabajar con madera, “es el material que más me ha gustado y con el que he hecho más diseños, pero creo que los materiales naturales como el tule, el algodón, la piel, el mimbre o el yute son también interesantes”.

También nos compartió su actual dinámica de trabajo, “mucho tiempo trabajé con diseñadores jóvenes, actualmente trabajo prácticamente solo, trato de estar al día en las técnicas de producción y en conocer nuestra herencia cultural. Yo creo que hay muchas posibilidades de aprender y hacer un diseño de México con todos los conocimientos que tenemos en nuestra cultura”.

La manera de diseñar de Óscar es empática, trata de conocer al usuario, conocer las técnicas en las que será producido y también trata de estar contento con lo que hace. “Cuando uno trabaja para alguien de su cultura y su época, tiene parte del conocimiento, pero cuando trabaja para personas que tienen otra manera de vivir, el único modo es acercarse a ellos y la mejor manera es hablando y observando cómo viven”.

Activo, Óscar se dedica actualmente a hacer variaciones sobre cinco diseños que hizo anteriormente, son completamente diferentes y trata de mejorar el diseño con los conocimientos que

"Cuando veo una silla que sigue sirviendo, pienso que valió la pena haberle dedicado mi vida a esos proyectos".

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ha adquirido en todos estos años, apoyándose del conocimiento de las personas que conocen su oficio y de nuevas tecnologías, “trato de que mis muebles sean más cómodos y de adaptarlos a las nuevas tecnologías”, nos comparte. También trabaja en vivienda rural, con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), a través del Sistema de Nacional de Creadores de Arte, del cual Oscar es miembro.

Para terminar, le preguntamos a Óscar si considera que le falta algo por hacer, sólo nos recuerda que hay que pensar en el diseño social, hay que pensar en el diseño como una profesión de servicio, sobre todo para los que más necesitan. Con su calidez personal, continúa: “todas las personas de una sociedad deben de trabajar para que los demás tengan una vida digna y mejor. Yo creo que los diseñadores también debemos de trabajar y aportar lo que podamos con nuestros conocimientos para mejorar los modos de vida de todos nuestros hermanos”. oscarhagerman.wordpress.com Facebook Canto Artesanos

Espacio CDMX Arquitectura y DiseĂąo en el Bosque de Chapultepec funciona como la sede temporal de WDC 2018.

Y EL DÍA LLEGÓ…

LA CIUDAD DE MÉXICO, CAPITAL MUNDIAL DEL DISEÑO Entrevistas y textos MARTHA LYDIA ANAYA

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WORLD DESIGN CAPITAL

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EMILIO CABRERO Y EL DÍA LLEGÓ. Después de dos años del nombramiento de la Ciudad de México como World Design Capital, los ojos de todos los interesados en temas diseño están puestos en nuestra enorme ciudad capital. Pero ser vista y entendida como una ciudad creativa no ha sido tarea fácil, muchos han sido los factores para que este nuevo entendimiento y racionamiento propio tomara carácter y forma. El diseño es hoy una disciplina integral que une a todas las disciplinas creativas, y hoy es gestado en mentes y manos de personajes que están más atentos que nunca a su propia cultura y a cómo ésta, al tener tantas aristas, hace que vivamos un momento único de reconocimiento cultural sumamente rico en expresión, texturas y lenguajes.

Lo que vemos hoy, no es más que el inicio de gran revolución cultural e industrial, estamos gozando el creernos lo que ya éramos: potencia creativa. Hoy, me enorgullece decir que estamos siendo testigos y actores de una historia que, aún sin entenderla del todo porque la estamos viviendo profundamente, será vista por nuestras futuras generaciones como el momento en que la industria, la creatividad, la sociedad y el gobierno decidieron caminar de la mano para crear un plan estratégico de crecimiento ideológico, y por lo tanto, un resurgimiento social.

Pero vamos por pasos. Todo el año las mentes que lograron que México fuera visto como un destino de diseño –CCúbica Arquitectos–, estarán compartiendo proyectos que hablen de una ciudad mejor a través del diseño. Y para ir al grano, preguntamos a su director general, Emilio Cabrero, qué le significa a él esta designación, a lo que contundente respondió: “Es simplemente histórico que autoridades de la ciudad, del gobierno federal de cultura y de Design Week México estemos trabajando juntos, con el objetivo común de ver el diseño no como ‘un objeto’ sino como un catalizador para hacer a las ciudades más competitivas, atractivas, habitables y eficientes”, así mismo reconoce que lograr el apoyo del gobierno para la organización, desarrollo y planeación de World Design Capital (WDC) con

sus exposiciones, actividades y eventos satélites también es el resultado de toda una carrera profesional de un equipo de trabajo que vio en el diseño una manera de cambiar su entorno.

“Indiscutiblemente –puntualiza– hay una solidez en los integrantes de CCúbica que están detrás del proyecto. La colaboración para montar más de una veintena de exposiciones de diseño en casas como el Museo de Arte Moderno, Museo Tamayo, Museo del Chopo, MUCA Roma y el MUAC se dice fácil, pero es ‘un mundo de trabajo’ que sólo la actitud de un equipo profesional puede lograr; además, llevar una organización sin fines de lucro para tener un evento como WDC es algo a lo que la gente no está acostumbrada y que también es digno de admiración y reconocimiento”.

Oficialmente, el año de eventos relacionados con WDC inicia el 3 de marzo próximo con una ceremonia inaugural en El Palacio de Bellas Artes. Como parte de estas actividades habrá una serie de conferencias, impartidas por arquitectos y diseñadores que a través de su trabajo han hecho que las ciudades sean más vivibles y eficientes; es un vasto programa que contempla ponencias de Wolf D. Prix, Stefan Sagmeister, Daniel Libeskind, Gaetano Pesce y Charles Montgomery, entre otros. “Son personas

“México se suma a la lista de ciudades que muestran una política urbana innovadora y orientada al diseño, una plataforma catalizadora de cambios”.

con ese tipo de obras, de las cuales tenemos que hablar como ejemplos catalizadores de cambio”, dice Cabrero. Muchos de ellos lograron, a través de sus proyectos, detonar cambios sociales y por ende, culturales. Para el director de WDC una de las zonas a las que debemos de poner atención urbanísticamente y más por el tema del transporte, es al oriente de la ciudad, justo en donde se albergará el nuevo aeropuerto de la Ciudad de México; el desarrollo de un sistema de movilidad seguro, apto, ágil e inteligente hará que ese espacio, que ahora parece lejano, sea quizá exitoso pero igualmente puede llevarnos a una crisis mayor en movilidad. Este y mucho temas más se pondrán en la mesa en voz de actores que ya han llevado a buen fin proyectos urbanos y sociales.

Otra de las actividad importante es un programa interuniversitario, que no se ha dado en el pasado en ninguna de las ciudades nombradas como WDC ni tampoco existe como referencia en alguno de los programas educativos del país.

“Es una beca para las universidades”, comenta Cabrero, enfatizando que la relación con las escuelas ha sido extraordinaria. “El interés ha sido increíble, sobre todo para la generación de este programa local interuniversitario en el que se abordarán temas de medio ambiente, economía creativa, identidad, habitante, espacio público y movilidad”.

En el Espacio CDMX Arquitectura y Diseño también habrá una exposición en la que se van a presentar videos y maquetas del espacio. De esta manera México se suma a las ciudades que muestran una política urbana orientada al diseño, aquéllas que han tenido el título de WDC en ediciones pasadas incluyen a Turín (Italia) en 2008, Seúl (Corea del Sur) en 2010, Helsinki (Finlandia) en 2012, Ciudad del Cabo (Sudáfrica) 2014 y Taipei (Taiwán) en 2016. “Hacer realidad este evento ha sido una responsabilidad enorme, que nunca me imaginé que iba a ser tan compleja, pero que ya podremos evaluar en octubre próximo”, concluye Cabrero. wdccdmx2018.com | designweekmexico.com

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DANIEL LIBESKIND

La arquitectura cuenta una cierta HISTORIA SIN PALABRAS; intercambia la lectura o el oído a un relato por la experiencia del recorrido y las emociones que producen las formas y los espacios.

Fotos cor tesía Studio Daniel Libeskind

“LA ARQUITECTURA es finalmente un lenguaje que tiene la capacidad de contarnos sin palabras una cierta historia, pues intercambia lo que sería una lectura literal o el oído atento a un relato hablado por la experiencia del recorrido y la evocación que producen las formas y el asombro ante el espacio”, comparte el arquitecto estadounidense de origen judeo-polaco Daniel Libeskind, quien llegó a Estados Unidos huyendo de la guerra pero que lejos de desanimarse aprovechó esas circunstancias para apreciar el valor material y tangible que tiene la palabra ‘libertad’, la cual ha inspirado mucho de sus obras.

Según su biografía, estudió música en Israel y posteriormente arquitectura en Nueva York e Inglaterra.

Entendió que no es posible un gesto arquitectónico sin un pensamiento que lo sustente. Ello lo ha acercado a la filosofía de otros pensadores también judíos como Walter Benjamin o Derrida con quienes compartió la experiencia de esa terrible persecución. Su particular visión sobre la arquitectura la demuestra en un número significativo de obras que tienen la particularidad de ser sitios de memoria: el Museo de Guerra de Dresde que recuerda uno de los más cruentos bombardeos aéreo del que se tenga registro; los Museos y Memoriales a la Shoá (Holocausto) en Berlín, San Francisco y Copenhague; y el Plan Maestro para la Zona 0 en Nueva York.

Todos esos inmuebles se expresan mediante la forma y el espacio, y permiten pensar en las sensaciones que deben haber sentido quienes vivieron y sufrieron los acontecimientos recordados.

“Nuestro estudio es una colaboración de arquitectos y diseñadores que creen que la arquitectura es una práctica de optimismo. Nos acercamos a nuestros proyectos con la actitud de que para hacer grandes lugares, debes creer en el futuro, pero también recordar el pasado” se lee en el perfil del despacho, y nada más cierto al concordar con Libeskind en que un edificio debe ser expresivo y reflejar la vida contemporánea.

Daniel y su compañera Nina Libeskind fundaron Studio Daniel Libeskind en Berlín, Alemania, en 1989 después de ganar el concurso para construir el Museo Judío de Berlín. Pero desde febrero del 2003, trasladaron su sede central de Berlín a la ciudad de Nueva York cuando Daniel Libeskind fue seleccionado como planificador maestro para la remodelación del World Trade Center en Estados Unidos. libeskind.com

Fotos Alex Fradkin

El Centro de Convenciones de Mons (Bélgica) y el Museo Judío Contemporáneo de San Francisco (Estados Unidos) se describen como una oda al diálogo.

Foto Georges de Kinder

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La arquitectura es una práctica de optimismo: para hacer grandes lugares se debe creer en el futuro, pero sin olvidar el pasado.

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Los proyectos de REX tienen una característica particularmente distintiva: están hechos con elementos de construcción que se adaptan dramáticamente a su ENTORNO.

Retrato Burak Teoman / fotos cor tesía REX

JOSHUA RAMUS

Foto Iwan Baan

Foto Iwan Baan

REX es un despacho de arquitectura y diseño reconocido por sus propuestas desafiantes y promotoras de las tipologías de construcción, cuyo nombre hace alarde a esa filosofía: Una reevaluación (RE) de la arquitectura (X). Su equipo compuesto por más de un treintena de jóvenes diseñadores, provenientes de diversos orígenes culturales y educativos, está dirigido por Joshua Ramus, quien ha sido profesor visitante en las Universidades de Yale, Columbia y Harvard, además del Instituto de Tecnología de Massachusetts y la Universidad de Syracuse, entre otras instituciones educativas. Ramus fue uno de los primeros miembros de TED Brain Trust y ha compartido las metodologías de diseño de REX en diversas conferencias, organizaciones culturales y simposios de todo el mundo. Los proyectos icónicos del despacho incluyen el Teatro Dee & Charles Wyly en Dallas; el Vakko Fashion Center y Power Media Center en Estambul; y la Biblioteca Central de Seattle, todos abiertos a la crítica. Joshua dirigió este último proyecto, aclamado por Herbert Muschamp en The New York Times como “el nuevo edificio más emocionante que he tenido el honor de revisar en más de 30 años de escribir sobre arquitectura”.

Actualmente, la firma se encuentra trabajando en proyectos como el Centro de Artes Escénicas Ronald O. Perelman en el World Trade Center; Brown University Performing Arts Center en Providence; el Laboratorio y Museo Mercedes-Benz Future en Stuttgart y PERTH+, un rascacielos de usos mixtos en Australia Occidental.

Su trabajo ha sido reconocido con los máximos galardones de la profesión, incluyendo dos AIA National Honor Awards, un Premio Nacional de Honor otorgado por el Instituto Estadounidense de Tecnología Teatral y otros premios de diseño de publicaciones especializadas. En el 2017, REX fue nombrada como una de las 10 empresas más innovadoras en arquitectura del mundo según Fast Company; un año antes, Ramus fue distinguido con el Premio Marcus que se da a los arquitectos con ‘una trayectoria hacia la grandeza’. rex-ny.com

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Foto Luxigon

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Tres icónicos proyectos llevados por el equipo de Joshua Ramus en Estados Unidos: Ronald O. Perelman Art Center (arriba),Vakko Fashion Center (en medio) y Dee and Charles Wyly Theatre (abajo).

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Retrato Victor G. Jeffreys

STEFAN SAGMEISTER

Este es el momento oportuno para hablar del por qué el DESCUIDO DE LA BELLEZA es tan completamente estúpido y qué podemos hacer para revertirlo.

WORLD DESIGN CAPITAL

En la última década, México ha hecho un trabajo fantástico en la renovación de su ciudad.

son lo que hace que la ciudad sea muy emocionante”.

Por eso, Sagmeister aprovechará su participación como orador en WDC para hablar sobre la belleza. “Durante la mayor parte del siglo XX y XXI la belleza ha adquirido mala reputación: la mayoría de los diseñadores respetables afirman no estar interesados ​​en ella; el mundo del arte contemporáneo la ha abandonado casi por completo. Tan es así que la gente puede sentarse durante horas a escuchar conferencias sobre arquitectura sin oír la pronunciación del término una sola vez. Lo inverosímil es que un entorno hermoso no sólo cambia la forma en que nos sentimos, sino también la forma en que nos comportamos”, enfatiza el artista, sabiendo de antemano que este será un momento oportuno para hablar del por qué “el descuido de la belleza es tan completamente estúpido y qué podemos hacer para revertirlo”.

De esta manera, el controvertido diseñador le abrirá paso al diseño y la belleza con la intención de captar la atención de la audiencia creativa mexicana. Tiene la certeza de que encontrará un eco correspondido. sagmeisterwalsh.com

Fotos cor tesía Sagmeister & Walsh

NO ES LA PRIMERA VEZ que Stefan Sagmeister estará en México. El diseñador de origen austriaco ha viajado a nuestro país en diversas ocasiones tanto por motivos profesionales como por placer; de hecho, en reiteradas ocasiones ha dicho que uno de los lugares que más le gusta visitar cada vez que viene es el Jardín Escultórico de Edward James (Las Pozas) en el municipio de Xilitla en San Luis Potosí. “Aunque con gusto viviría en la Ciudad de México”, cuenta con entusiasmo el diseñador al momento de estar preparando su próxima presentación como parte de World Design Capital.

“Ya era hora de que México se uniera a la lista de capitales de diseño en el mundo. Hace mucho tiempo que se viene haciendo un trabajo fantástico”, dice Sagmeister sin dejar de expresar su alegría y admiración porque ahora esto también se manifieste oficialmente.

Desde su punto de vista, nuestro país está haciendo un buen trabajo. “Si camino por ciertas áreas de la Ciudad de México son palpables muchas cosas interesantes que se han creado en los últimos 5 ó 10 años. Nuevos edificios, residencias renovadas, centros comerciales con propuestas sustentables y muchos más proyectos

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Deitch Projects (2008) en Nueva York creó un patrón de plátanos verdes y amarillos que deletrean un sentimiento: la autoconfianza produce buenos resultados.

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México ha experimentado un increíble RENACIMIENTO URBANO en los últimos años, pero también enfrenta los desafíos de las megaciudades en todo el mundo.

Fotos cor tesía Wade Graham

WADE GRAHAM

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México es un buen ejemplo para replantear una ingeniería programática urbana, como dice Graham en su libro Dream Cities, en el que habla de ideas aplicadas en otras ciudades.

“ESTE ES EL MOMENTO perfecto para que la Ciudad de México sea la sede de World Design Capital, donde voy a hablar sobre la historia del urbanismo visionario y los intentos de los diseñadores por ‘curar’ la megaciudad moderna de sus males, y cómo la mayoría de estos proyectos han fallado”, platica Wade Graham, escritor, historiador y diseñador de paisaje con una práctica basada en Los Ángeles.

Su libro Dream Cities: Seven Urban Ideas That Shape The World (Harper Collins, 2016) trata sobre los esfuerzos que se han realizado en los últimos 150 años para hacer una reingeniería programática de la ciudad moderna y reformar sus defectos. “México –dice el diseñador– es un buen ejemplo para explorar esos trabajos como respuesta a las crisis percibidas de la ciudad moderna; los usaré como puntos de referencia y, en algunos casos, también como advertencias sobre cómo deberíamos pensar en (re)diseñar ciudades en nuestra propia era de crisis urbana”.

Graham hace hinciapié en que México es una de las ciudades más grandes y caóticas del mundo; con una distintiva tradición arquitectónica y urbanística, pero también comparte los mismos serios desafíos que otras ciudades globales: crecimiento demográfico, expansión, contaminación, tráfico, desigualdad, etc. “Aun así, sus esquemas de diseño urbano le dan herramientas

únicas para enfrentar esos desafíos y convertirla en un país-modelo para otras regiones”. Para el experto en políticas urbanas y medioambientales, los legados del México indígena, el periodo colonial y el compromiso del modernismo mexicano para abrazar la modernidad son únicos en el mundo. “Mucho más que el modernismo europeo o norteamericano, lo que aporta este país al mundo del diseño es que sus creativos han encontrado la manera de integrar tradiciones más profundas (especialmente de materiales orgánicos y escala humana) con las nuevas tecnologías y perspectivas en el siglo XX, creando una práctica con más sentimiento y sentido del lugar en comparación con los ejercicios que se han hecho en la mayoría del resto de los países. No cabe duda que este país ha experimentado un increíble renacimiento urbano en los últimos años”, enfatiza Graham, quien suele viajar con frecuencia a Baja California y se declara un amante de las maravillas de ese Estado de la República Mexicana, además de sentir una especial curiosidad por conocer Oaxaca y Michoacán. wadegraham.com

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WEISS / MANFREDI

Una definición de diseño más elástica es aquella que conecta los cabos sueltos del arte, el paisaje, la infraestructura y la ecología para crear NUEVAS FORMAS de arquitectura pública.

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Fotos cor tesía Weiss / Manfredi

Brooklyn Botanic Garden Visitor Center (arriba) redefine el umbral entre ciudad y jardín, mientras que Olympic Sculpture Park convierte una zona industrial en área verde.

“HOY EN DÍA, a medida que los ámbitos públicos y naturales se erosionan, creemos que la arquitectura debe preocuparse por la totalidad del entorno construido. Por eso, nos atraen los proyectos que sin importar su tamaño y tipo, trascienden los límites del objeto arquitectónico singular, buscando oportunidades para crear conexiones e inventar nuevos territorios para la vida pública”, expresan con entusiasmo Marion Weiss y Michael Manfredi, cofundadores de Weiss/Manfredi, una firma que ha sido reconocida con el Premio en Arquitectura de la Academia Estadounidense de Artes y Letras por sus prácticas de diseño arquitectónico que están redefiniendo las relaciones entre paisaje, infraestructura y arte.

“Nuestros proyectos son experimentos en evolución en la creación de una definición de diseño más elástica; una que conecta los cabos sueltos del arte, el paisaje, la infraestructura y la ecología para crear nuevas formas de arquitectura pública”, dicen los autores de proyectos como el Parque Olímpico de Esculturas del Museo de Arte de Seattle, que integra arte, arquitectura y ecología en un nuevo modelo para el desarrollo costero y que destaca por sus formas audaces e innovación material.

Marion y Michael platican que la mayor parte del tiempo se la pasan viajando, pero esas experiencias hacen que sus diseños tomen movimiento dentro y fuera de ellos. Una vez que aterrizan en su despacho, asentado a unas pocas cuadras de Penn Station en un edificio tipo loft en Hudson Street en el barrio de Manhattan en Nueva York, se ponen a trazar decenas de ideas sobre el papel y a armar maquetas de proyectos actuales junto con su equipo. Si bien sus edificios son extremadamente fotogénicos, esta calidad cinematográfica también significa que visitar y experimentar sus edificios es una necesidad para comprenderlos en su totalidad y, así tomar una apreciación más allá de lo meramente visual. Hay quienes entienden esta idea al visitar el Centro Conmemorativo y Educativo para Mujeres en el Cementerio Nacional de Arlington en Washington, DC. Se trata de un edificio simétrico y semicircular, que reutiliza un muro histórico de contención de piedra, el cual parece sencillo a primera vista, pero cuya circulación vertical y horizontal en capas y entrecruzada lo convierte en una experiencia gratificante con una serie de sorpresas sólo visibles al atravesarlo. weissmanfredi.com

La relación entre paisaje, infraestructura y arte merece proyectos arquitectónicos que "tomen movimiento fuera y dentro de ellos".

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WOLF D. PRIX

“Nuestros proyectos son capaces de acoger DESEQUILIBRIO, inquietud, distorsión, fragmentación y CAOS”.

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Los arquitectos se deben guiar por ideas exhaustivas para crear inmuebles que vayan más allá del límite de las formas.

“LA CIUDAD DE MÉXICO es un gran lugar para vivir aunque sin descartar todas las ventajas y desventajas con las que debe lidiar ‘una gran urbe’. Pero, si algo tiene esta ciudad son muchos arquitectos y diseñadores, excelentes y conocidos, que podrían tratar cada uno de los ángulos posibles de este tema. Creo que si el país tuviera un fuerte poder mediático, podría tener una gran influencia en el mundo de la arquitectura y el diseño, sobre todo ahora que ha sido nombrada como Capital del Diseño 2018”, dice el ‘arquitecto de arquitectos’ Wolf D. Prix, de origen austriaco y curiosamente poseedor de un récord mundial guiness por el Centro de Cine de Busan, que tiene el techo en volado más largo del mundo.

Para su participación como orador durante World Design Capital, Prix ha preparado una conferencia titulada: The Himmelb (L) au Project que es una mirada crítica detrás de la escena de lo que significa y representa la profesión de la arquitectura; y además, describe la filosofía y el método del proceso para desarrollar un proyecto. Su ponencia hace referencia al trabajo que ha realizado el despacho del cual es fundador: Coop Himmelb (L) Au, que desde sus inicios en 1968 se ha guiado con la idea de crear inmuebles exhaustivos y que vayan más allá de los límites del uso de formas complejas que se comunican usando una variedad de medios y materiales. “Nuestros proyectos son capaces de acoger desequilibrio, inquietud, distorsión, fragmentación y caos”, señala el arquitecto.

El trabajo de Coop Himmelb (L) Au fue presentado en 1988 en la exhibición Arquitectura Deconstructivista del MoMA de Nueva York, la cual resaltó lo que el curador Philip Johnson describió como ‘los placeres de la inquietud’ y destacó la labor de otros seis arquitectos (Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Bernard Tschumi y Daniel Libeskind). Los

curadores reunieron este diverso grupo de arquitectos para mostrar los puntos en común entre proyectos que emplearon potencialidades del movimiento moderno previamente inexploradas.

Prix expresa una particular alegría y emoción por sumarse a las actividades de World Design Capital; México no le es un lugar desconocido pues suele pasar algunas temporadas en las playas de Puerto Escondido en Oaxaca, donde tiene una casa cerca del mar. Ahí es donde reflexiona, descansa y piensa en nuevas ideas para trazar. coop-himmelblau.at

En sus proyectos, el austriaco Wolf D. Prix hace que las formas complejas se comuniquen con una variedad de medios y materiales.

Se pueden construir ciudades que fortalezcan las CONEXIONES SOCIALES. Las calles, sistemas y edificios influyen en cómo se sienten las personas, y cambian su comportamiento. Este es el eslabón perdido en las ciudades inteligentes.

Fotos cor tesía Charles Montgomery

CHARLES MONTGOMERY

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En su libro Happy City, Montgomery relata un viaje por las ciudades más dinámicas del mundo donde busca la convergencia entre diseño urbano y felicidad.

“MÉXICO TIENE UN HISTORIAL de diseño tan rico como cualquier ciudad del mundo. Pienso en Tenochtitlan, en donde el comercio y la sociedad prosperaron entre canales proporcionando lo que hoy podríamos llamar movilidad sostenible. Por eso, creo que el diseño mexicano siempre ha existido en la intersección de diferentes disciplinas; en sus obras más icónicas siempre existirán desde ingenieros hasta astrónomos, comerciantes, políticos y personas trabajando juntas”, dice el escritor y periodista canadiense Charles Montgomery, en ocasión de su visita a nuestro país con motivo de World Design Capital y que presentará una ponencia sobre cómo todos podemos lograr una mayor felicidad a través del diseño.

Para él, el que México haya sido nombrado Design Capital es un honor, pero también un gran desafío. “:¿Cómo puedes usar el diseño para cultivar una sociedad que sea más saludable, más segura, más feliz y más resistente? México necesita trascender su famosa complejidad política y crear una visión real y funcional para el futuro que brote de los sueños e ideas de su gente”, enfatiza el autor del libro Happy City, en el que relata un emocionante viaje por algunas de las ciudades más dinámicas del mundo con el afán en encontrar respuestas a la interrogante sobre la convergencia entre el diseño urbano y la emergente ciencia de la felicidad.

Las ciudades sueñan con edificios de alto status antes de considerar respuestas simples.

“Sería fácil defender a los héroes arquitectónicos mexicanos. Pero mi interés está en el diseño que no es necesariamente llamativo o bonito, sino que sirve para nutrir las relaciones humanas, la salud y la felicidad. Por eso, cada vez que regreso a la Ciudad de México, me impresionan sus innovaciones formales e informales que brotan en todas partes”, comenta Montgomery. Sin embargo, ese dinamismo arquitectónico también merece una alerta: “He pasado una década trabajando en la relación entre el diseño y el bienestar humano. Con demasiada frecuencia, las ciudades persiguen arquitectura de alto estatus o soluciones de alta tecnología antes de considerar respuestas simples y efectivas a sus desafíos. Creo que México debería brindar soluciones globales para ciudades complejas y en donde todos puedan prosperar. Los arquitectos y diseñadores mexicanos enfrentan limitaciones económicas, políticas, tecnológicas, culturales e incluso religiosas; por lo que, deben llevar la creatividad al siguiente nivel. ¡Los resultados pueden ser maravillosos!”, advierte el periodista.

Concluye diciendo: “Los mexicanos entienden que el diseño no es sólo un producto final. Parece que saben, mejor que nadie, cómo disfrutar el proceso. Esta destreza social les ayuda a encontrar nuevas formas de resolver desafíos perversos”. @thehappycity | thehappycity.com

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El modernismo debe ser un mĂŠtodo para INTERPRETAR el presente e insinuar el futuro en el que se preserva y celebra la individualidad.

Fotos archivo Glocal

GAETANO PESCE

WORLD DESIGN CAPITAL

El modernismo debe ser un método para interpretar el presente e insinuar el futuro en el que la idea es preservar la indiviudalidad.

HACE TIEMPO, Gaetano Pesce visitó la Casa Luis Barragán que fue el taller del arquitecto mexicano luego de la Segunda Guerra Mundial y que hoy es una de las obras arquitectónicas icónicas de la Ciudad de México.

Pesce quedó encantado y sorprendido por el uso del color que hace Barragán: “Es extraordinario –dice el italiano en referencia al trabajo de su colega mexicano–.

Esa manera de trabajar el color generalmente no es asunto de un arquitecto, sino de un artista; entonces, él era muy bueno en este tipo de arquitectura metafísica”.

Ahora que Pesce pisa de nueva cuenta las calles de la Ciudad de México no sólo se siente emocionado de conocer otros lugares del país, sino que también ha preparado una ponencia en la que habla de su trayectoria y de sus trabajos, los cuales abarcan unas cuatro décadas de encargos de proyectos de arquitectura, urbanismo, exposiciones y diseño industrial –públicos y privados– en Estados Unidos, Europa, América Latina y Asia. Su principio rector es: “El modernismo no es un estilo, debe ser un método para interpretar el presente e insinuar el futuro en el que se preserva la individualidad”.

Nacido en La Spezia, Italia, en 1939, Pesce estudió arquitectura en la Universidad de Venecia entre 1958 y 1963 y participó en el Gruppo N, un colectivo dedicado al arte programado siguiendo el patrón de la Bauhaus. Ha dado clases en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos en Estrasburgo, el Carnegie Mellon en Pittsburgh, en la Domus Academy en Milán, en el Politécnico de Hong Kong, en la Escuela de Arquitectura de Sao Paulo y Cooper Union en la ciudad de Nueva York, donde ha hecho su lugar de residencia desde 1980, después de vivir en Venecia, Londres, Helsinki y París.

El trabajo de Pesce se presenta en más de 30 colecciones permanentes de los museos más importantes del mundo, como MoMa de Nueva York y San Francisco, Museo Metropolitano de Nueva York, Vitra Museum en Alemania, Victoria and Albert Museum en Londres, Centro Pompidou y Musée des Arts Décoratifs en París. gaetanopesce.com

Más de 30 colecciones permanentes en los museos más importantes del mundo reconocen la trayectoria del italiano Gaetano Pesce.

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WORLD DESIGN CAPITAL

DAAN ROOSEGAARDE

La idea fundamental es APRENDER DE LA NATURALEZA para luego aplicar esos conocimientos en la composición de edificios, espacios públicos o mobiliario urbano inteligente.

Fotos cor tesía Studio Roosegaarde

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Aprender de la naturaleza, para luego aplicar eso en la composición urbana.

que purifican el aire contaminado convirtiéndolo en aire limpio. Asimismo, el artista tiene otro proyecto, en el que usando la tecnología de la luz LED proyecta cómo estaría el nivel del mar en una ciudad si no existiera la intervención humana; esto fue creado para La Plaza de los Museos, en Ámsterdam.

En su opinión, el aire de la Ciudad de México se puede limpiar de tal manera que se acabe o se controle todo el smog que afecta a la gran urbe y sus habitantes. “Es una visión de largo plazo para reducir la contaminación y compartir una experiencia inspiradora de un ambiente limpio; un trabajo que en China ya se comenzó a hacer hace unos años y cuyos resultados sirven como referencia para llevarlo a cabo en México”, dice el artista. Para él, su misión principal es ‘diseñar prototipos de la ciudad inteligente del futuro’, una idea fundamental que se basa en aprender de la naturaleza para luego aplicar esos conocimientos en la composición de edificios, espacios públicos, carreteras o mobiliario urbano inteligente. studioroosegaarde.net

Foto Derrick Wang

EL ARTISTA Y DISEÑADOR holandés Daan Roosegaarde se dice emocionado por estar de nueva cuenta en México; el año pasado se contagió de muy buenas experiencias con estudiantes universitarios cuando presentó su proyecto para construir en la Ciudad de México una torre que convertirá el smog en diamantes (Smog-Free Tower), similar a otra realizada por él mismo en Beijing. Sin duda, un proyecto innovador e interesante que limpia el aire en China mediante el uso de una pieza artística basada en la tecnología y los espacios de la naturaleza, el cual –desde su punto de vista– se puede hacer en nuestro país con muy buenos resultados.

Roosegaarde, graduado en arte y en arquitectura por el Instituto Berlage en Rotterdam, explica que bajo un proceso de ionización, la estructura arquitectónica recolecta en carbono las partículas esparcidas en el aire, que después comprime durante media hora a alta presión para obtener los diamantes. “Es una manera peculiar de entender el lujo, pero que también se relaciona con un mundo limpio”, dice el diseñador, a quien le gusta experimentar con diversos materiales en busca de aire, agua y energía limpias, con la idea de hacer de las ciudades un mejor lugar para vivir. En China, Roosegaarde también ha trabajado en la creación de bicicletas

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Smog Free Tower es una pieza artística basada en la tecnología y los espacios de la naturaleza.

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Habitar en lo mĂ­nimo CASA VV | BGP ARQUITECTURA

Fotos JAIME NAVARRO

Casa VV se encuentra en un terreno de pendiente pronunciada que se aprovecha para desarrollar la mayor parte del inmueble por debajo del nivel de banqueta.

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RESIDENCIAL

LA CONSTRUCCIÓN DE 414 m2 está localizada al sur de la Ciudad de México en un terreno rodeado de casas con características llamativas, llenas de color, texturas y techos inclinados con tejas, la residencia VV se desenvuelve con discreción para presentarse hacia el exterior como un volumen de poca altura que se cubre con una azotea verde.

El programa arquitectónico mantuvo la presencia de estacionamiento y acceso principal al frente, donde se accede a la vivienda por medio de un puente escalonado de pendiente ligera que dirige al habitante hacia el núcleo estructural desde donde emergen las escaleras que conectan el espacio público de doble altura, donde su fachada de vidrio favorece la entrada de luz natural. Debajo de esta planta se encuentran las áreas privadas: dos recámaras secundarias que cuentan con acceso al jardín. Además de cuarto de lavado, habitaciones y patio de servicio. La recámara principal se encuentra encima del área social, se cubre hacia el exterior con una fachada de concre-

to, pero se abre hacia el jardín privado con ventanas de piso a techo, que otorga el flujo de luz natural. Destaca el uso de concreto encofrado en muros y concreto pulido en pisos, las escaleras y acabados de techos se detallaron en color blanco, manteniendo al mínimo la paleta de colores y materiales.

La propuesta contiene un programa sustentable, ya que se recolecta y aprovecha el agua pluvial. Además de fomentar el cuidado de plantas medicinales en su azotea verde. El proyecto estuvo a cargo de Bernardo Gómez-Pimienta, Luis Enrique Mendoza, Jesús Morones y Rafael Gamo, con la colaboración de Loreto Lara y Carolina Inostroza. bgp.com.mx

RESIDENCIAL

El concreto, el cristal y la vegetaciรณn se funden para darle un sentido discreto a Casa VV.

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Versatilidad de un material CASA CONTADERO | ÓSCAR MONSALVE + MASISA

Fotos CORTESÍA MASISA

Colores, texturas y tableros de MDF con recubrimientos melamínicos se combinan de forma dinámica y estética en esta residencia.

UN PROYECTO que se fue integrando espacio por espacio. Al principio se comenzó sólo por la cocina, pero conforme avanzaban los trabajos de remodelación, el diseñador industrial Óscar Monsalve –junto con su despacho WAO Kitchen Design, fundado en 2012– le propuso al propietario de Casa Contadero en el norponiente de la Ciudad de México, que también se modificaran otros rincones de la residencia. Finalmente, el creativo y su equipo se apropiaron de todo el proyecto, en el que atinadamente fusionaron colores, texturas y el trabajo con nuevos espesores de tableros de MDF con recubrimientos melamínicos.

Por lo general, es muy común que se tenga una percepción errónea de la versatilidad que pueden ofrecer los tableros de melamina en proyectos de remodelación, construcción o diseño. Este material se tiende a estigmatizar como una opción económica y de baja calidad, cuando en realidad puede ser una alternativa eficiente, sustentable y personalizable. Así lo demuestra Monsalve en Casa Contadero, asentada en un predio de 200 m2 , donde incorpora este tipo de materiales de manera elegante y versátil, al proponer un diseño contemporáneo para una residencia de alto nivel. “Se pudieron haber propuesto chapas naturales o maderas importadas; sin embargo, se logró un resultado equiparable y sustentable a través del buen diseño y la utilización de melaminas de alta calidad”, cuenta Monsalve que, para este proyecto en particular, usó los diseños Nebraska, Oxford y Blanco Frosty sobre tableros de 15, 18 y 25 mm con cantos de 1 y 2mm de MASISA Melamina para darle una nueva cara a la atmósfera de diversos lugares de la casa, como baños, cocina, family room, estancia, centro de entretenimiento y bar (tipo man cave). El diseñador no tuvo miedo de usar los máximos espesores de las melaminas para sacarle un mayor provecho estético y lograr una apariencia más robusta y ecléctica, además de riqueza y volumen en los espacios. Lo que realmente hace que el diseño de esta casa sobresalga es la armonía que se logra con el uso variado y uniforme de las melaminas: trabajar con el mismo material para crear mobiliario (puertas y clósets) y espacios (cocina, recámaras, centro de entretenimiento y bar) hace posible una estética que le da una lectura mucho más homogénea al espacio. waokitchen.com

RESIDENCIAL

Modernista y funcional CASA RAMOS | JJRR ARQUITECTURA

Fotos FERNANDO MARROQUÍN

Esta casa aprovecha la forma triangular del terreno donde está asentada, lo que le da una orientación y vistas únicas desde sus diferentes ángulos.

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HACIENDO REFERENCIA a las Case Study Houses (CSH) de mediados de los años 40's (que básicamente se enfocaban a casas modernistas y funcionales para los soldados que regresaban a Estados Unidos luego de la Segunda Guerra Mundial), Casa Ramos –proyectada por JJRR Arquitectura– se levanta sobre un terreno de 300 m2 con forma triangular y que está en una cabeza de manzana en la calle de Sierra Amatepec en la colonia Lomas de Chapultepec de la Ciudad de México. Por curiosidades de la vida, se trata de una casa que el arquitecto José Juan Rivera Río había trazado para él, pero que terminó construyendo para una familia vecina que compró el terreno y de la cual ahora se han convertido en grandes amigos. “Era un terreno muy codiciando por su forma y ubicación; y ocurrió que estando en un restaurante con mi esposa, se me acercara una vecina del edificio donde vivíamos para pedirme me hiciera cargo de la construcción de una casa, la cual resultó estar en el terreno que tanto me gustaba. ¡Ya tengo el proyecto diseñado!, le dije y sin ningún pero la residencia se hizo una realidad”, relata en singular anécdota el arquitecto.

Rivera Río es un seguidor de la arquitectura moderna

y funcionalista; su personalidad profesional se basa en las líneas básicas y sencillas, y el uso de materiales que el tiempo favorezca. Por eso, para esta residencia rescata los prototipos de vivienda de valor arquitectónico atemporal y de presupuestos no muy altos. “Para mí, la arquitectura más valiosa es aquella que es sencilla y que se adapta a lo que el terreno te ofrece más que pelear con él”. Esto explica porqué Casa Ramos aprovecha la forma triangular del terreno y la orientación y vistas de sus diferentes ángulos. Se crea un efecto visual interesante; pues si se mira de un lado se aprecia un solo nivel, pero si se observa desde otro de los bordes, se pueden ver los tres niveles que tiene la casa: uno es el sótano; otro es el primer nivel donde está el área social y finalmente se cuenta con el segundo nivel donde están las recámaras y que representa un volumen apoyado en sus extremos dando una aparente ligereza a la fachada frontal. Otro aspecto característico de la residencia es el uso de materiales como acero, concreto aparente, piedra y aplanados que envejecen muy bien con el tiempo. josejuanriverario.com

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El uso de materiales como acero, concreto aparente, piedra y aplanados que envejecen muy bien con el tiempo, hace que el mantenimiento de la casa sea sencillo y accesible.

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Un perímetro visual lleno de árboles CASA PASEO DE LAS LILAS | TALLER DAVID DANA ARQUITECTURA

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Fotos ALESSANDRO BO

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Un proyecto Ăşnico por su proceso constructivo: cada loza se fue insertando una por una y con mucho cuidado para no derrumbar la estructura original.

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Los arquitectos estudiaron el contexto para identificar las mejores vistas y รกreas de infiltraciรณn solar.

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“LO INTERESANTE de esta casa –de 407 m2 – son las ingenierías porque en el momento en que se planteó la propuesta de su ampliación, se tomó la decisión de hacer la remodelación hacia abajo y no hacia arriba como es lo habitual. Según el programa arquitectónico original de la vivienda, por debajo de los niveles ya construidos hay una montaña; un talud que se tuvo que excavar con mucha precisión para no dañar las columnas ya existentes y que exigió la confirmación de que las ingenierías propuestas sí dispondrían de las capacidades para los incrementos de las cargas estructurales que haríamos a las instalaciones. Además, también fue necesario asegurarnos de que en cuestión de tramitología todos los documentos estuvieran en orden y en forma para el arranque de la obra civil”, cuenta David Dana sobre Casa Paseo de las Lilas en los alrededores de Cuajimalpa en la Ciudad de México; una residencia que se caracteriza por ser un proyecto único por su proceso constructivo y que recibió Mención Honorífica en la categoría de remodelación de edificios de la Segunda Bienal de Jóvenes Arquitectos, organizada por la Federación de Colegios de Arquitectos de la República Mexicana.

“La residencia –continúa Dana– se desplanta 15 metros sobre nivel banqueta; se accede a su interior por un elevador que sube a los dos niveles que son parte del incremento al proyecto original. Cada una de las lozas que se agregaron sobre la estructura, fueron prefabricadas y, como si fuera un trabajo muy minucioso de cirugía, se fueron insertando una por una y con mucho cuidado sobre las columnas ya asentadas; un solo golpe o daño a éstas y el riesgo de poner en peligro la construcción original era muy alto”. Literalmente la construcción se podía venir abajo; se tuvieron que excavar volúmenes y volúmenes de metros cúbicos de tierra, para después contener (‘meter ancla’) y reforzar la estructura para que fuera más resistente. Una vez terminada la obra civil, ya se contaba con un esqueleto que se complementó con la visión creativa de diseño, como asentar las lozas al nivel de las copas de los árboles. Dana relata que él y su equipo estudiaron el contexto, identificaron las mejores vistas y las áreas de mayor infiltración solar, y el resultado es una casa en la que todo su primer nivel está rodeado de vidrio y que luce un perímetro visual extraordinario. tallerdaviddana.com

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Una construcciรณn que puede describirse como una hoja de concreto que se convierte en muros y techos con diferentes รกngulos.

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Un origami de concreto ALPES HOUSE | GARDUÑO ARQUITECTOS

Fotos PAUL CZITROM

CASA ALPES es como un origami: una hoja de papel que se fue desenvolviendo y de cuyos ángulos y formas varias nacieron las ideas de levantar muros y techos con movimiento; no cubos ni formas rectangulares, sino una residencia más atrevida y con más soltura. “Hace siete años, cuando una vieja amiga, arquitecta transformada en artista, me pidió hacer este trabajo, de inmediato aproveché la oportunidad. Estaba familiarizado con su trabajo y sabía que su percepción y visión formarían parte importante del proceso. Me brindó completa libertad creativa, lo que al mismo tiempo fue un reto del que hoy me siento muy satisfecho”, platica Juan Garduño sobre esta casa ubicada en las Lomas de Chapultepec de la Ciudad de México y que, en su momento, fue muy visionaria y progresista.

“Era una residencia que cuando la terminamos y le dimos difusión, nadie la tomó en cuenta. Estaba muy adelantada para su tiempo; a algunos les parecía interesante, como algo del futuro, pero de una arquitectura nada común para su época, la veían casi como una escultura”, dice Garduño, haciendo hincapié en el uso de concreto aparente en la construcción y en los muros inclinados que, cuando se construyó la residencia, la hacían ver como ‘una casa bonita, pero no habitable’. Hoy, la gente

mira Casa Alpes y ya está dispuesta a habitarla, a vivirla, a usarla en su día a día y en su entorno. Incluso, esa curiosidad e inquietud se ha contagiado y es notorio cómo diversos espacios contemporáneos, diseñados por jóvenes arquitectos, ya van muy encaminados en esa misma tendencia.

Garduño describe la estructura de la construcción como una hoja de concreto que se convierte en muros y techos con diferentes ángulos. Recuerda que cuando el proyecto se trazó, los ángulos en tercera dimensión se veían diferentes en la computadora; por lo que, “los trazamos con hilo durante la obra en sitio y los revisamos en cimbra antes de colar para ajustar los niveles y medir las alturas hasta que nos gustaran”. Así, la obra se concluyó en 15 meses y el resultado es un espacio que refleja una conectividad entre pasión por el arte, uso de materiales, contexto natural y necesidades funcionales. “Lo más satisfactorio es saber que mi amiga artista está muy contenta con su casa”, concluye el arquitecto, no sin antes compartir que actualmente su despacho está haciendo un hotel en Baja California y otra casa en la Ciudad de México con esa misma idea, además de otros proyectos. gardunoarquitectos.com

ESPECIAL GALERÍAS

Toparse con el arte y el diseño entre los pasillos de ZsONAMACO, que cumple 15 años.

Entrevistas y textos ANA LAURA MUÑOZ

Fotos cor tesía Fernando Mastrangelo

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ESPECIAL GALERÍAS

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Minimalismo con materiales cotidianos Fernando Mastrangelo Luego de muchos años de ya estar radicando en Nueva York, aunque vivió gran parte de su adolescencia en Monterrey y por eso le tiene un especial cariño a México, el artista y diseñador Fernando Mastrangelo no oculta su emoción por presentar sus piezas en ZsONAMACO como si fuera la primera vez. “Hace tiempo estuve en esta feria y recuerdo que en aquella ocasión el entonces presidente del país, Vicente Fox, se llevó toda mi colección. No sé dónde las tiene, pero quiero pensar que seguramente le dan vida a un lugar especial”, cuenta Mastrangelo, que utiliza materiales atípicamente comunes como sal, café, arena, vidrio y cemento, para fundir objetos escultóricos que enredan inextricablemente las disciplinas del arte y el diseño. Su trabajo y técnica se explican a través del amalgamado de los materiales básicos y la forma geométrica pura; por eso, sus obras son intrigantemente contradictorias, con texturas rugosas y refinadas, materiales duraderos y delicados, formales y funcionales. Por su naturaleza híbrida, cada obra rompe el potencial de la singularidad contextual.

Mastrangelo está convencido de que dicha feria ha evolucionado con el tiempo y se ha convertido en una plataforma para coleccionistas y gente interesada en el arte. Su plan es que durante algunos meses tenga puesto un showroom en México con la idea de que el público las personas se atrevan a experimentar con el minimaalismo sofisticado de sus piezas. fernandomastrangelo.com MMaterial 46-55 Metropolitan Avenue Suite 102, Flushing New York, 11385 (by appointment only)

Mastrangelo expande la experiencia del uso de materiales cotidianos, otorgándoles un minimalismo sofisticado.

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ESPECIAL GALERÍAS

Colaboración del tiempo Mutable Mutable es un estudio de conceptualización y desarrollo transdisciplinar que integra diferentes puntos de vista en objetos, tanto de uso cotidiano como artísticos. Nació en 2014 luego de 15 años de gestación en diferentes áreas del diseño y el arte.

Sus fundadores Ernesto Azcárate y César Pindter cuentan que: “Diversos trabajos de diseño, fotografía, arquitectura, publicidad, escenografía, cine y desarrollos tecnológicos nos han permitido investigar y experimentar diferentes técnicas y materiales que están hoy consolidados en todos nuestros conceptos. Nuestra esencia es la transformación a través del diseño; transformación de los planteamientos sobre cómo se deben abordar los proyectos; transformación de las soluciones, procesos y conceptualización y transformación de las formas tradicionales y los materiales comunes”.

“Nos inspira el culto al objeto cotidiano, nos guía la disección de las formas, nos evoluciona las técnicas constructivas, nos conmueve la sencillez. Todo encaminado a mutar la manera de vivir, evolucionando la relación objeto-espacio-tiempo”, dicen los diseñadores, que crearon su taller con los materiales en las manos y la síntesis en la mente. Para su primera vez en ZsONAMACO. Azcárate y Pindter presentan: Tiempo Anular, una colección de 70 piezas únicas que se inspiran en los árboles urbanos que por alguna razón murieron y quedaron abandonados. “Rescatamos el tiempo del que han sido testigos y les hacemos un homenaje con los anillos de sus vetas. Los tomamos en el momento en que el tiempo terminó de trabajarlos e iniciamos el recipiente simbólico de la creación de la vida; es una vasija que representa morfológicamente la matriz que da origen a una nueva vida”, detalla Pindter. mutable.mx

Tiempo Anular es una colección de 70 piezas únicas que se basan en los árboles urbanos que por alguna razón murieron y quedaron abandonados.

Fotos cor tesía Mutable

Eje Central Lázaro Cárdenas 423 Col. Narvarte Poniente, 03020, Ciudad de México

ESPECIAL GALERÍAS

El orden del caos

Córdoba 100 Col. Roma Nte., 06700, Ciudad de México

Fotos cor tesía OMR

Galería OMR

Pioneros en la promoción del arte contemporáneo en México, OMR se posicionó como una de las primeras galerías en el país.

Fue fundada en 1983 por Patricia Ortiz Monasterio y Jaime Riestra, y desde enero de 2016 es dirigida por su hijo, Cristóbal Riestra; a través de más de 400 exposiciones y 18 años participando en ferias de arte, ha desarrollado una identidad como un espacio de arte contemporáneo de vanguardia para el fomento de nuevas voces artísticas en toda América Latina y en el mundo. Durante las últimas tres décadas, ha tenido el honor de trabajar y de contribuir al desarrollo de la carrera de muchos de los más talentosos artistas emergentes y consolidados en el arte mexicano contemporáneo.

Actualmente en un emocionante momento de cambio generacional, OMR está lista para el siguiente capítulo en la frontera de la creación artística, con un nuevo cargo de director curatorial, una nueva sede, el desarrollo de un programa de residencia, y el establecimiento de una fundación para reinvertir en el arte público y en comunidades locales. Estos programas marcan un cambio hacia el arte con un impacto más amplio y socialmente responsable; encabezado por artistas cuyas prácticas desdibujan los límites entre disciplinas y que invitan al espectador a participar en la evolución de la cultura.

En su galería muestran Mecánica de lo inestable que presenta dos grupos recientes de obras escultóricas de José Dávila. La exposición muestra la relación entre los sistemas yuxtapuestos. galeriaomr.com

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Mecánica de lo inestable de José Dávila es una oportunidad para observar las formas sutiles.

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ESPECIAL GALERÍAS

Bronce y mármol Ginocchio Galería

Las piezas del artista latinoamericano Jorge Jiménez Deredia aportan un contenido refinado a la propuestas de arte moderno en México.

Fotos cor tesía Ginocchio Galería

La galería Alfredo Ginocchio, fundada en 1988 originalmente como Praxis México y que a partir del 2008 comenzó a llevar el nombre de su fundador, presenta al artista Jorge Jiménez Deredia, quien cuenta con una trayectoria de mas de 40 años.

Deredia estudió en Florencia, Italia y ahí se ha establecido y vivido hasta el día de hoy. Sus esculturas y obras monumentales se han colocado en las ciudades más importantes de Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Canadá.

A manera de anécdota, es el mismo director de la galería, Alfredo Ginocchio, quien relata que Jorge Jiménez Deredia es el único artista latinoamericano que tiene obra en el Vaticano.

En 2010, el Papa Juan Pablo II le comisionó a Jiménez Deredia la realización de la escultura de San Marcelino Champagnat, la cual hoy en día se encuentra ubicada dentro del nicho proyectado por Miguel Ángel Buonarroti (entre el 1544 y el 1564) dentro de la Plaza de San Pedro en el Vaticano.

Recientemente (en noviembre del año pasado), la obra de Jiménez Deredia junto con la de los grandes maestros modernos latinoamericanos se subastó en Christie’s de Nueva York; dicha obra luego se exhibió en el Rockefeller Center de la misma ciudad. “Presentamos una sola exhibición de este gran artista latinoamericano con piezas recientes en bronce y mármol, creyendo firmemente en que aporta un contenido escultórico único y refinado a la feria de ZsONAMACO La obra de Jorge Jiménez Deredia se ha posicionado exitosamente en el mercado del arte y entre el gusto del coleccionismo internacional”, dice Ginocchio. ginocchiogaleria.com

Arquímedes 175 Polanco, 11560, Ciudad de México

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Fotos cor tesía Odabashian

ESPECIAL GALERÍAS

Tapetes anudados

Ernest J. Piper No. 9-A, Col. Paseo de las Lomas Del. Álvaro Obregón, 01330, Ciudad de México

Odabashian Esta edición de ZsONAMACO es la quinta vez que Odabashian participa en ella. “Para nosotros es sumamente importante la presencia de la marca no solamente por seguir subrayando nuestro compromiso de seguir presente en México, donde nuestra trayectoria supera ya los 96 años. También lo vemos como una ventana de enlace donde tenemos acceso a un mercado muy calificado que entiende nuestros valores y casi ‘obsesiva manera’ de abrir el mundo de los tapetes anudados a la gente”, platica Jaime Odabachian, director de la firma. Este año, Odabashian ha invitado a Joe Doucet a crear una sola colección. Él es un diseñador de Nueva York con quien la fábrica ha tenido una larga relación de trabajo; ha sido reconocido con la medalla Cooper Hewitt del Smithsonian como mejor diseñador del 2017.

“Con Doucet hemos compartido la visión del diseño como un lenguaje para comunicar temas complejos. En esta colección, se usan cuatro técnicas de producción de tapetes hechos a mano, en las que se emplean una serie de materiales y texturas muy distintas entre sí. La idea es que sea una metáfora para apoyar el movimiento mundial de reconocimiento de los derechos de la comunidad transgénero. Donaremos un porcentaje de las ventas a la Unión Americana de Derechos Civiles, una ONG que promueve los valores de equidad social”. odabashian.com

Usar el diseño como un lenguaje para comunicar temas complejos, como los derechos a la comunidad transgénero.

ESPECIAL GALERÍAS

Piezas de arte funcional Glassford Moncada Los artistas Isabel Moncada y Peter Glassford presentan obras inéditas de arte funcional, mobiliario, diseño y decoración en Zona Maco. Ambos proponen un concepto basado en un santuario para la meditación, revistiendo un espacio con las características paredes tipo collage de Glassford, el cual está aderezado con un magnífico candil inspirado en la naturaleza, creado por Moncada. Esta colaboración refleja las disciplinas que los dos creadores han reunido en un mismo techo –su matrimonio– y un mismo proyecto –su estudio de diseño Glassford Moncada, ubicado en Guadalajara, Jalisco.

Las paredes tipo collage de Glassford están creadas con maderas rescatadas y reutilizadas que el artista ensambla de forma azarosa, cuidando no generar patrones o formas regulares, definiendo así el carácter caótico y accidental de estas piezas. Por su parte, Moncada estudió psicología, enfocando siempre sus investigaciones en esa disciplina en las artes y la creatividad. Paralelamente a su oficio como terapeuta, desarrolló su oficio como artista, el cual fue cultivando a través de la práctica constante y, más tarde, mediante la profundización del concepto. Para ella: “La iluminación es una especie de poder mágico, tanto en su forma física como en la metafórica o la mística. ZsONAMACO es el espacio idóneo para exhibir el alma de ese poder que busco hacer evidente”, dice la artista. peterglassford.com | isabelmoncada.com

Glassford trabaja con maderas rescatadas y que ensambla de manera azarosa.

Después de un reencuentro, Glassford y Moncada fundaron el estudio en el que juntos desarrollan proyectos de mobiliario, arte utilitario y joyería.

Fotos cor tesía Glassford Moncada

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ESPECIAL GALERÍAS

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De Botero a Yannima

SmithDavidson Gallery

Lee Ufan, From Point No 80139, 1980

La presencia de la galería en México se distingue con piezas enfocadas en arte moderno, incluyendo obras de Botero, Calder y Cruz Diez.

Fundada en 1969 en La Haya, Holanda, originalmente la galería se llamaba Leslie Smith Gallery en honor a su propietaria estadounidense. Leslie Smith fue una destacada especialista y la principal fuente de pintura holandesa del siglo XIX durante los años setenta y ochenta. El género fue reconocido como ‘La Segunda Edad de Oro del Arte Holandés’ después de que Smith acuñara el término mientras colaboraba en una exposición del mismo nombre en el Museo Frans Hals de Haarlem en 1986.

El hijo de Leslie Smith, David Smith, asumió el control en 1990 y la galería comenzó a cambiar su enfoque hacia el arte moderno y contemporáneo del siglo XX. A partir del 2007, su esposa Gabriëlle Davidson, entonces abogada de éxito, se involucró cada vez más en las operaciones diarias de la galería y finalmente se convirtió en socia en el negocio en el 2015. Como reflejo de esta evolución, la galería se trasladó a Ámsterdam en el 2007 y luego adoptó el nombre SmithDavidson Gallery.

Se inauguró una segunda ubicación en Miami en el 2016, después de haber expuesto en la feria Art Miami durante más de una década y de tener una aparición permanente en la escena artística internacional de la ciudad. Su presencia en México, a través de ZsONAMACO, se distingue en esta ocasión con piezas enfocadas en Arte Moderno, incluyendo obras de Fernando Botero, Alexander Calder, Carlos Cruz-Diez, Lee Ufan, Paolo Scheggi e importantes artistas aborígenes australianos como Warlimpirrnga Tjapaltjarri y Tommy Watson Yannima. smith-davidson.com

Fotos cor tesía SmithDavidson Gallery

Minervaplein 10 1077 TP, Amsterdam, Países Bajos

Paolo Scheggi, Zone Riflesse, 1962

Warlimpirrnga Tjapaltjarri, Tingari, 2013

ESPECIAL GALERÍAS

Foto Onnis Luque

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Escultura y moldes

Gob. Rafael Rebollar 94 San Miguel Chapultepec, 11850, Ciudad de México

Foto Omar Luis Olguín

A quince años de haberse fundado, kurimanzutto trabaja bajo la misma premisa: son los artistas quienes se encuentran al centro de la galería y la innovación creativa de sus proyectos es prioridad por sobre todo lo demás. Esta vez, Mónica Manzutto y José Kuri –fundadores de la galería– eligieron el marco de ZsONAMACO para presentar la primera exhibición de Nairy Baghramian, quien compartió un conjunto de esculturas recientes, tituladas Maintainers. Cada obra consiste de tres elementos independientes: moldes de aluminio burdo, figuras de cera de colores y soportes laqueados. Aún cuando se exhibieron de forma dispersa dentro del espacio de la galería, todos los elementos comparten una correlación visible y un potencial para la interdependencia y conectividad inherentes.

Las formas cuboides abstractas hechas de cera para pulir desafían vocabularios modernistas. Su naturaleza material supone un propósito utilitario sumiso, ya que existen para preservar a su contraparte de aluminio que a la larga podría consumirlos gradualmente. La práctica de Nairy Baghramian se anima por una determinación de conectar preocupaciones formales con investigaciones. La artista está comprometida con un cuestionamiento activo de la escultura tradicional, estratificando su obra con reflexiones sobre temas socio-políticos, así como antecedentes del arte, la arquitectura y el diseño. kurimanzutto.com

Foto Diego Pérez

Kurimanzutto

ESPECIAL GALERÍAS

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México en la escena global Galería Hilario Galguera Este año, la galería exhibió las obras de Gwladys Alonzo, Daniel Buren, Yolanda Ceballos, Amy Feldman, Cristóbal Gracia, James hd Brown, Oliver Marsden, Leo Marz, Francisco Larios, Joaquín Segura, Bosco Sodi, Benjamín Torres y Marco Treviño durante ZsONAMACO. Su vocación la ha llevado a ser pionera en la presentación al público mexicano de artistas de talla internacional, así como en el desarrollo integral de las carreras de talentos nacionales. Por eso, desde sus inicios, Mauricio e Hilario Galguera –director y fundador de la galería, respectivamente– se han enfocado en la generación de exposiciones y proyectos hechos por artistas de carrera emergente, mediana y consolidada. Su filosofía es brindarles la posibilidad de actuar en la escena global con la idea de hacer de México una entidad influyente en los campos de la creatividad, el conocimiento, la ciencia y la creación.

Haciendo un repaso de la historia de la galería fue después de una trayectoria en el mundo del arte y los medios de comunicación que Hilario Galguera fundó el espacio que retoma su nombre en el 2006. Ubicada en una casa porfiriana de principios del siglo XX en la Colonia San Rafael, la galería ha sido siempre un foro para la discusión del arte contemporáneo internacional. De 2008 a 2011, abrió un segundo espacio en Leipzig, Alemania, en una antigua fábrica de hilo del siglo XIX y a partir del 2012 mantiene una oficina en Berlín, Alemania, en donde participa en la escena contemporánea. galeríahilariogalguera.com

Fotos cor tesía Galería Hilario Galguera

Calle Francisco Pimentel 3 San Rafael, 06470, Ciudad de México

Bosco Sodi

Gwladys Alonzo

La galería organizó la primera exposición de Damien Hirst en Latinoamérica, así como proyectos de Daniel Buren y Jannis Kounellis.

Marco Treviño

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MATERIALES

SUPERFICIES EN TENDENCIA

Patrones de madera, piedras naturales y artesanales conforman Living Impressions de Formica.

Texto SANDRA MONTIEL, enviada Orlando

Fotos cor tesía Formica

Una gama de superficies en tendencia que se adaptan a los espacios contemporáneos.

MATERIALES

Stormy-Night-Granite

EN LOS NUEVOS LAMINADOS 180 FX destacan las piedras de granito, mármol y cuarzo en escala real.

Quar tzite-Bianco

Formica, hemos roto los límites entre éstas porque realmente sentimos que la dos se mezclan.

Tomando eso como una referencia importante es como surge la colección Living Impressions 2018, que básicamente se inspira en tres perfiles de estilo de vida: Millenial maker que se enfoca en alguien que hace cosas con sus manos y aprecia el oficio; Modern gentlemen que es más como un lujo cambiante y habitable, con preferencia hacia materiales como pieles, piedras y maderas exóticas, y Neo Chalet que se refiere a lo hogareño, pero sin dejar de ser sofisticado. Entonces todo lo que diseñamos, lo hemos arreglado dentro de estos segmentos”, explica la directora.

Así, Living Impressions 2018 presenta 11 diseños, duraderos y funcionales, que incluyen cuatro nuevos patrones 180fx (Quartz Composite, Sea Pearl, Quartzite Bianco y Stormy Night Granite); seis nuevos diseños de laminado Formica que evocan la piedra y la madera unidas con materiales hechos por el hombre (Umbra Oak, Silver Galaxy Slate, White Shalestone, Black Shalestone, Sea Salt y Smoked Sea Salt), y HappyWords una nueva superficie de alto brillo de la colección Writable Surfaces. Gerri remarca que el objetivo de Formica es romper con esquemas tradicionales e inspirarse en hacer cosas diferentes; por eso, ya están trabajando en las tendencias de 2019 para las que piensa que la gente está buscando patrones más sutiles y sofisticados, con colores más suaves. formica.com

PIEDRA Y MADERA unidos con materiales hechos por el hombre resaltan en los nuevos diseños.

Black-Shalestone

Sea-Salt

HACE UNOS MESES, la Universidad de Cincinnatti se acercó a Formica para pedirle a la compañía la donación de material para que los estudiantes pudieran hacer esculturas. A uno de los profesores le gustó tanto el proyecto que él empezó a hacer sus propios trabajos y actualmente junto con un grupo de alumnos entusiastas están haciendo murales con piezas pequeñas hechas de Formica. De esta manera, el equipo directivo y creativo de la empresa, fundada en 1913 por los investigadores Herbert A. Faber y Daniel J. Oconor, quiere transmitir que Formica es más que sólo una fábrica de laminados para superficies tradicionales.

Precisamente durante The Kitchen and Bath Industry Show 2018 (KBIS) llevada a cabo en Orlando, Estados Unidos, a principios de enero pasado, la directora de diseño residencial para Norteamérica en Formica Corporation, Gerri Chmiel, compartió mucho de su inquietud y entusiasmo sobre lo que la compañía está haciendo para alentar a experimentar más con el material, e incluso que exista el atrevimiento de hacer objetos diferentes a las superficies de cocinas. "La ventaja de los laminados es que podemos 'jugar mucho' con ellos e incluso cambiarlos sin problema si de pronto se quiere llevar de gris a una textura blanca la atmósfera de un espacio, ya sea en el trabajo o en el hogar", dice la directora.

Chmiel platica que, esta vez en el booth de la feria de KBIS, materializaron sus ideas con un ejercicio diferente: “Bajo el concepto de: Resomercial, que toma un poco de los lanzamientos de las colecciones Residencial y Comercial de

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BlackShalestone es uno de los versátiles patrones de los nuevos diseños de laminados.

HappyWords

COLORES FESTIVOS se agregan a la colección de superficies para escribir desde escritorios hasta paredes.

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MA C RO TEN DEN CIAS formica.com/es/mx

Explorar el interior

Personal Sanctuary: elementos naturales y tonos neutros

Soltar las horas ante el caos cotidiano es la idea de esta tendencia en la que el binomio creativo formado por el arquitecto Germán Velasco y el diseñador Joel Escalona han trabajado de la mano de Formica®. Los jardines del Museo Archivo Diseño y Arquitectura en la Ciudad de México enmarcan su 'santuario personal'.

Fotos JOSÉ MARGALEFF Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO

Textura, sombras y diseño de la geometría "El proyecto se llama: binomios creativos, pero más allá del trabajo de dos mentes, este es el resultado de un equipo que hizo posible que la variable del tiempo se convirtiera en una certidumbre", comparte el diseñador Joel Escalona, quien trabajó por primera vez con los materiales de Formica para crear un banco que se integra a una pieza más grande, pesada visualmente, pero con mucho movimiento. "Esa sensación de descubrir el material es lo que intento trasladar en la pieza, y es que conforme la gente se va moviendo para explorarla también va descubriendo los dos distintos acabados que se ocuparon tanto para el biombo como para el asiento", explica el creativo.

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Just Rose, Danish Maple, Waxed Maple y White.

Vestido, JESÚS DE LA GARSA | Brazalete, FERNANDO RODRÍGUEZ

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Suit Blanco, JESÚS DE LA GARSA | Anillo, Dorado con Piedra Amarilla FERNADO RODRÍGUEZ Página derecha: Vestido, JESÚS DE LA GARSA | Sandalias Vintage

MACROTENDENCIAS

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MACROTENDENCIAS

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Suit Blanco, JESÚS DE LA GARSA | Aretes de Plumas Blancas, FERNANDO RODRÍGUEZ

MACROTENDENCIAS

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Modelo: Daisy Hidalgo @New Icon Models Styling: Guillermo Arriaga y Jorge Maceo Make Up Artist: Artur Gamiño Asistente de fotografía: Daniel Mejía Agradecemos a ARCHIVO por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica. archivonline.org

Dura bilidad, texturas y una paleta de colores "Fueron meses de trabajo arduo para comprender los materiales con los que estábamos trabajando", cuenta Germán Velasco al ver la solución final en la que se transformaron sus ideas: una pieza focal y un habitáculo de introspección que unidos adquieren fuerza y se hacen una sola composición. "Los materiales de Formica –dice– se han utilizado desde hace mucho tiempo; ahí han estado, pero los arquitectos y diseñadores no habíamos volteado tanto a verlos y gracias a este ejercicio, descubrimos que tienen bondades como la durabilidad, diversas texturas y una paleta de colores que se puede combinar según el concepto en que se inspiren diseñadores industriales, arquitectos e interioristas".

Foto cor tesĂ­a Fritz Hansen

Stand de cc-tapis en M&O, al fondo Rotazioni por Patricia Urquiola.

FERIAS

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El diseño se come con la vista MAISON&OBJET Paris es una de las ferias que arrancan con el año, desde 1995 reúne marcas internacionales y locales para mostrar un sinfín de posibilidades en diseño de producto, mobiliario e interiorismo.

Foto DR

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada París

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes y de M&O Paris

Luminaria de suspensión Mingus por Cecilie Manz para Lightyears.

EN ENERO pasado tuve la fortuna de visitar M&O Paris, “¿y de dónde vienes?” me preguntaron constantemente, al saber que era de México la mayoría abrían sus ojos y expresaban “vaya que hiciste un viaje largo”, lo cierto es que no lo sentí así, mi intención de conocer los 8 salones que integraron la feria era más latente, esa fue la emoción que se mantuvo conmigo durante cinco días, hablar con los diseñadores o representantes de las marcas y saber de primera mano qué novedades tenían en sus colecciones y cuáles eran sus motivaciones para crear, fue realmente inspirador.

La búsqueda necesaria era por Cecilie Manz, la diseñadora escandinava quien fue nombrada Diseñadora del Año por la organización del Maison, quienes organizaron junto a Kvadrat una muestra retrospectiva de su trabajo, con proyectos para B&O Play, Fritz Hansen, Iittala, Muuto, entre otros, donde

su estilo minimalista y cálido era innegable. Lo siguiente era buscar lo nuevo, los lanzamientos recientes de marcas como Lladró, históricamente dedicada a la porcelana artística, que dio a conocer las mesas Moments, su primera colección de mobiliario, además de fragancias, luminarias y sus clásicas figuras de serie limitada. Vista Alegre también amplía su colección con Earth To Humanity, cuatro lámparas diseñadas por Ross Lovegrove, además de Folkifunki y Primavera, dos instalaciones vibrantes con cerámica diseñada por Jaime Hayón y Christian Lacroix, respectivamente. O bien el stand de cc-tapis, donde se desplegaron Cartesio por Elena Salmistraro, la colección Metroquadro por EligoStudio, junto a diseños de la colección Signature. Una parada imperdible fue Ligne Roset, que celebra a Pierre Paulin, reeditando algunos de sus diseños como el sofá Bonnie, aplicando nuevas tecnologías para su fabricación,

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FERIAS

además de mobiliario de descanso, como el sofá L’imprévu por Marie Christine Dorner, que puede configurarse de diferentes formas, incluida una cama temporal, sería imposible nombrar cada pieza de los 3,000 stands que se reúnen en M&O. El observatorio es uno de los espacios más visitados, este año la muestra estuvo integrada por cinco instalaciones temáticas bajo un mismo concepto: Showroom fue una ejemplificación de cómo el interiorismo presenta una tendencia hacia elementos propios de un espacio comercial, donde los objetos se colocan de manera cuidadosa por un consumidor que se acerca al trabajo curatorial, eligiendo estilos y sirviendo a la cultura del ego. Cada espacio transmitía un mensaje claro a través de hashtags: comenzando con Showoff, la exposición teatral de los objetos, seguido de Masquerade, un modo de hablar sobre las apariencias, los fetiches y la ironía; SerialCollector, dedicado a la repetición obsesiva de elementos; Netculture, inundada de símbolos adquiridos de las redes sociales y la necesidad de compartirlos, y Narcissus, que se dirige al consumidor como protagonista. Completado por una selección de objetos que consuman el concepto de manera más general. Toda la instalación estuvo ambientada como un set fotográfico, listo para ser capturado, editado con algún filtro y compartido de manera inmediata en redes sociales. Y la tendencia resuena en la feria, algunos stands estuvieron dispuestos como si alguien viviera ahí, donde todo se podía adquirir y donde ese alguien podría ser cualquiera.

Moments, primera colección de mesas de la marca española Lladró.

E2H —Earth To Humanity—, lámpara diseñada por Ross Lovegrove para Vista Alegre.

Sillas Bai por Ander Lizaso para Ondarreta.

Sofa Cabala por Muller & Wulff para Soft Line.

FERIAS

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Más de 3,000 stands se reúnen dos veces al año en M&O; tan sólo en la edición de enero, 600 fueron marcas que se presentaban por primera vez.

Luminaria Cipher por Yabu Pushelberg para Lasvit.

Vaso Lord’sRock 3413 por Lukáš Houdek para Moser.

Fotos cor tesía M&O y marcas par ticipantes

Collección 2018 de Zaha Hadid Design.

Sofá L’imprévu por Marie Christine Dorner para Ligne Roset.

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FERIAS

También hubo una participación importante por parte de la Italian Trade Agency (ITA), agencia con la que se hizo una alianza para presentar a los Rising Talents, esta ocasión el ejercicio consistió en promover el trabajo de seis diseñadores que llamaran la atención de seis consagrados del diseño italiano. Fueron elegidos por su talento: Federica Biasi (nominada por Andrea Branzi), Antonio Facco (por Giulio Cappellini), Marco Lavit Nicora (nominado por Rosita Missoni), Kensaku Oshiro (por Piero Lissoni), Federico Peli (por Luca Nichetto) y Guglielmo Poletti (por Rossana Orlandi). Sus diseños fueron dispuestos en una instalación que sirvió como escaparate para el talento que no debemos perder de vista.

Me hubiera encantado contar con más días para platicar con más expositores, para conocer nuevos materiales y revisar nuevas técnicas; de cualquier modo, el tiempo que tuve me bastó para seguir convencida de que el diseño es un plato maravilloso para la pupila. maison-objet.com Silla Venezia por Marco Lavit Nicora.

Foto Studio Rocci

En alianza con la Italian Trade Agency fueron presentados los seis Rising Talents de este año.

Fotos cor tesía M&O

Florero Elettra por Federica Biasi.

Living in a Chair por Federico Peri.

50 years of tomorrow’s design NeoCon® is a registered trademark of Merchandise Mart Properties, Inc.

Chicago, June 11–13 The World’s Leading Platform for Commercial Design neocon.com

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TENDENCIAS GLOCAL

Design Mia mi EL NUEVO GROTESCO

No es casualidad que propuestas como la The Haas Brothers y los hermanos Campana estén entre lo más esperado en ferias como Design Miami. La comprensión de los nuevos seres fantásticos y la morfología creada en la propuesta estética de The Haas Brothers se complementa con las formas salvajes y la autenticidad de los materiales que usan en sus trabajos los hermanos Campana, lo que en conjunto habla de exceso y exuberancia: un nuevo grotesco que se traduce en formas estéticas.

Crustacea por Chris Schanck para FRIEDMAN BENDA GALLERY | Column por Chris Schanck para FRIEDMAN BENDA GALLERY | Lámpara de mesa "E.T." por Pierre Yovanovitch para R&COMPANY GALLERY | Credenza "Ratatouille" por Pierre Yovanovitch para R&COMPANY GALLERY | Sillón "Mama Bear" por Pierre Yovanovitch para R&COMPANY GALLERY Página derecha: Sofá Bomboca por Fernando & Humberto Campana para Objets Nomades (ed. Miami) de LOUIS VUITTON | Moonjar por Morten Løbner Espersen para JASON JACQUES GALLERY | Fairy Berries por The Haas Brothers para R&COMPANY GALLERY | fondo: Lámpara por David Lindberg para CAMP DESIGN GALLERY

Entre el exceso y las líneas En la feria de Miami el entendimiento de la exuberancia permite materiales preciosos, pieles, colores sólidos y personajes fantásticos; mientras que en París los acabados metálicos vestidos en negro puro rememoran el mobiliario tubular.

Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL , GRETA ARCILA E ITAYEDZIN ARAGÓN

M&O BOLD WIRE

Las líneas marcadas en color negro destacaron en M&O, con una fuerza visual evidente que llama a la vista y las procesa en formas definidas, como si se tratara de un marco. Las mismas líneas se repiten para formar patrones y simulaciones geométricas tri y bidimensionales, sin duda es un recurso contundente que últimamente se ha explorado en acabados metálicos como el bronce o el rose gold, ahora revisitado en negro puro para recordarnos el mobiliario tubular que tuvo su auge entre 1920 y 1940.

Candelabro Spin de TOM DIXON | Jarrón Varia por AYTM | Silla alta Angui por AYTM | Revistero Curva por AYTM Página izquierda fondo: detalle de la colección Cartesio Outline por Elena Salmistraro para CC-TAPIS | Sillas Ronin Jardin D´hiver y Ronin Nuit & Jour por Frederik Werner y Emil Lagoni Valbak para LA CHANCE X PIERRE FREY | Pantalla Arla por Diana Müller para LIGNE ROSET

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COLUMNA

WDC: Sinergia estructurada Por LUIS MERCADO ROJO Ilustración ZAMARRIPA

COMO YA ES SABIDO, la Ciudad de México la Capital Mundial del Diseño 2018 (Aprovecho para felicitar al equipo de Design Week Mexico, por haberlo hecho posible). Después de los terribles eventos del año pasado en nuestro país y, en especial en la capital, este nombramiento adquiere mucha más relevancia de la que ya tenía.

Como comunidad creativa nos encontramos ante una oportunidad muy especial: ser un escaparate de las actividades y propuestas del diseño nacional y convertirnos en un verdadero parteaguas en nuestro quehacer profesional.

Si algo dejaron claro los eventos del año pasado es la capacidad que tenemos de organizarnos y hacer que las cosas sucedan con una mezcla de entusiasmo, emprendimiento y un verdadero sentido de compromiso por ayudar.

La temática de esta edición del World Design Capital no puede ser más acertada: Sustentabilidad y Ciudad.

Es importante entender “sustentabilidad” en el sentido más amplio de la palabra. No solamente vincularla, como lo hemos hecho tradicionalmente (con ecología), sino también con sustenatibilidad social, económica y de desarrollo, entre otros puntos.

Me refiero a entenderlo desde un punto de vista integral, en el que seamos capaces de comprender la otroriedad para proponer soluciones que incluyan todos los aspectos de sustentabilidad y las diferentes realidades que se viven.

El verdadero reto es encontrar soluciones que apunten a propuestas concretas; pero que incluyan las necesidades de muchos que, en no pocas ocasiones, más que ser diferentes, son encontradas. Reconocer nuestra propia complejidad como

@zamarripa.mx

World Design Capital es la oportunidad para crear puentes fuera del círculo gremial creativo y acercarse a otros actores. individuos y la necesidad de ampliar el diálogo para ser objetivos en nuestros planteamientos.

Por eso, el marco del World Design Capital es la oportunidad que tenemos para crear puentes de comunicación fuera de nuestro círculo gremial y aprovechar para acercanos a los diferentes actores, a los especialistas, activistas y asociaciones para que, en conjunto, exploremos soluciones.

Necesitamos aprovechar el marco que se nos ofrece este año para desarrollar las herramientas adecuadas, para comprender el contexto de estos problemas tanto desde una perspectiva individual como de una social, para expandir el alcance.

Crear los espacios, sinergias, colaboraciones o lo que sea necesario para generar propuestas de proyectos bien estructurados y basados en la realidad, dejando de lado las soluciones a veces románticas o con un sesgo utópico y muchas veces egocéntricas.

Propuestas que incluyan todos los aspectos necesarios para concretizarlos; no sólo identificar una problemática específica para darle solución, sino también ubicar a quienes habría que vincular sin dejar de lado no sólo la financiación para iniciar esas propuestas y mantenerlas a largo plazo.

La sociedad y las autoridades se encuentran abiertas para escuchar y apoyar iniciativas.

También este año será muy activo políticamente hablando, dadas estas oportunidades, es nuestra responsabilidad saber proponer proyectos con la contundencia de iniciar un cambio. @lmrdesigngarage

TRIPLAY DE ABEDUL IDEAL PARA MUEBLES DE DISEÑO Y CORTES LÁSER

®

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ENGLISH TEXT

MEXICO WORLD DESIGN CAPITAL 2018

P. 72

P. 72 EMILIO CABRERO Mexico joins the list of cities that display innovative urban policies and are geared to design, as a platform and agent of change.

What does it mean to Mexico City to have been named World Design Capital 2018? “It’s simply historic that authorities from the city, the federal government, culture and Design Week Mexico are working together, hand in hand, with the shared goal of seeing design not as ‘an object’ but as a catalyst in making cities more competitive, attractive, livable and efficient,” answers without hesitation Emilio Cabrero, general director of Design Week Mexico, who acknowledges that achieving the support of the government for the organization, development and planning of World Design Capital (WDC), with its exhibitions, activities and satellite events, is also the result of a whole professional career by a work team like CCúbica.

“Unquestionably,” he states, “there is solidity in the members of CCúbica who are behind the project. The collaboration for mounting over 20 design exhibitions in venues like the Modern Art Museum, Tamayo Museum, El Chopo Museum, Muca Roma and the MUAC may sound easy, but it is ‘a world of work’ that only the attitude of a professional team can accomplish. Plus, getting a not-for-profit organization to have an event like WDC is something people are not used to seeing and also deserves admiration and recognition.”

Officially, the year of events having to do with WDC begins this coming March 3, with an opening ceremony at the Fine Arts Palace. The activities include a series of conferences, given by architects and designers who have used their work to make cities more livable and efficient.

It is a vast program that involves talks by Wolf D. Prix, Stefan Sagmeister, Daniel Libeskind, Gaetano Pesce, Charles Montgomery and many others. “They are people with that type of works, and who we have to discuss as exemplary agents of change,” Cabrero says.

Another major collateral activity is the interuniversity program, which none of the previous WDC cities had, nor is there reference to any within the country’s educational programs. “It is a grant for universities,” Cabrero explains, emphasizing that the relationship with schools has been extraordinary. “Interest has been incredible, especially for the generation of this local interuniversity program which will deal with such topics as the environment, creative economy, identity, population, public space and mobility.”

In the CDMX Architecture and Design Space (located in the former workshop of the Chapultepec Scenic Train and which will be the temporary headquarters of the whole WDC program), there will also be an exhibition of several speakers who will present their videos and space

models. All in all, this is how Mexico joins the list of cities that reflect an innovative urban policy that is also geared to design. Cities to bear the title of WDC in past editions include Turin (Italy) in 2008, Seoul (South Korea) in 2010, Helsinki (Finland) in 2012, Cape Town (South Africa) in 2014 and Taipei (Taiwan) in 2016.

“Making this event a reality has been a huge responsibility that I never imagined would be so complex but that we will be able to evaluate next October, when all the activities come to an end,” concludes Cabrero.

P. 74 DANIEL LIBESKIND Architecture is a language that tells a story without words.

It exchanges the reading or hearing of a tale for the experience of walking through it and the emotions that the forms and spaces produce.

Architecture is, after all, a language that can tell us a particular story without words, since it exchanges what would be literal reading or attentively listening to a spoken tale for the experience of walking through it, the evocation produced by the forms and the amazement when faced with the space. This idea is shared by the Polish-Jewish-born American architect Daniel Libeskind, who arrived in the United States after the war, but far from being discouraged, he took advantage of his circumstances to grasp the material and tangible value of the word ‘freedom’, which has inspired many of his works.

According to his biography, he studied music in Israel and subsequently architecture in New York and England.

He understood that an architectural endeavor is not possible without thought to sustain it, which led him to the philosophy of other fellow Jewish thinkers such as Walter

Benjamin and Jacques Derrida, with whom he shared the experience of that terrible persecution. His particular view on architecture is displayed in a significant number of works that are sites of memory: the Military History Museum in Dresden that recalls one of the cruelest air attacks in recorded history; the museums and memorials to the Shoah (Holocaust) in Berlin, San Francisco and Copenhagen; and the Master Plan for Ground 0 in New York. All these buildings are expressed through shape and space and lead to thinking about the sensations that those who experienced and suffered the recalled events must have felt.

In the words of the firm’s profile: “Our Studio is a collaboration of architects and designers that believe architecture is a practice of optimism. We approach our projects with the attitude that to make great places, you must believe in the future, but also remember the past.”

And we couldn’t agree more with Libeskind: “that a building should be expressive and reflect contemporary life.”

Daniel and his partner Nina Libeskind founded Studio Daniel Libeskind in Berlin, Germany, in 1989 after winning the competition to build the Berlin Jewish Museum. But since February 2003, when Daniel Libeskind was chosen to be the master planner for the World Trade Center redevelopment, Studio Daniel Libeskind moved its main headquarters from Berlin to New York.

P. 76 JOSHUA PRINCE-RAMUS The projects that REX takes on share a highly distinctive feature: they are made with construction elements that adapt dramatically to their environment.

ENGLISH TEXT

REX is an architecture and design firm known for its challenging design ideas that promote typologies in construction and whose name honors that philosophy: a reevaluation (RE) of architecture (X). Its team of over 30 young designers from an array of cultural and educational backgrounds is headed by Joshua Prince-Ramus, who has been a visiting professor at Yale, Columbia and Harvard universities, as well as Massachusetts Institute of Technology and Syracuse University, among other educational institutions. Prince-Ramus was one of the first members of TED Brain Trust and has shared REX design methodologies in several conferences, cultural organizations and symposiums throughout the world. The firm’s iconic projects include the Dee & Charles Wyly Theater in Dallas; the Vakko Fashion Center and Power Media Center in Istanbul; and the Seattle Central Library.

Joshua himself directed the latter project, acclaimed by Herbert Muschamp in The New York Times: “In more than 30 years of writing about architecture, this is the most exciting new building it has been my honor to review.”

Among the firm’s current projects are the Ronald O. Perelman Performing Arts Center at the World Trade Center in New York; Brown University Performing Arts Center in Providence; the Mercedes-Benz World in Stuttgart, and PERTH+, a mixed-use skyscraper in Western Australia. Their work has won top professional accolades, including two AIA National Honor Awards, a U.S. Institute for Theater Technology National Honor Award and numerous other design prizes from major specialized publications in the field. In 2017, REX was named one of the world’s 10 most innovative architecture firms by Fast Company, while the previous year PrinceRamus was distinguished with the Marcus Prize, awarded to architects on ‘a trajectory to greatness.’

P.78 STEFAN SAGMEISTER This is the time to talk about why the neglect of beauty is so utterly stupid and what we can do to reverse it.

This will not be Stefan Sagmeister’s first time in Mexico.

The Austrian designer has come to our country several times, both for professional reasons and pleasure. In fact, more than once he has said that one of the places he wishes he could visit every time he comes is Edward James’ Sculptural Garden (Las Pozas) in the Xilitla area of San Luis Potosí. “But I would gladly live in Mexico City,” the designer enthusiastically states, while preparing his presentation for World Design Capital.

“It’s about time Mexico joins the list of design capitals in the world. Fantastic work has been coming out of Mexico for a long while now,” Sagmeister states, without curbing his delight and admiration “that this will now also be officially manifested.”

From his point of view, our country is doing a good job.

“If I walk around certain areas of Mexico City, many of the things that are interesting have been created in the past 5-10 years: new buildings, renovated homes, sustainable malls and lots of other projects, which makes the city

very exciting.” With that in mind, when Sagmeister is introduced to speak at WDC, he will talk about beauty.

“Throughout most of the 20th and 21st centuries, beauty has gotten a bad reputation. Most respectable designers claim not be interested in it; the contemporary art world has almost completely abandoned it, and you can sit through hours of lectures on architecture without hearing the term uttered once. But a beautiful environment not only changes how we feel, it also changes how we behave,” the artist emphasizes, knowing ahead of time that this will be a great opportunity to “talk about why the neglect of beauty is so utterly stupid and what we can do to reverse it.”

And so, the controversial designer will open things up for design and beauty, intending to get the attention of the Mexican creative audience. He is sure that his ideas will resonate.

P. 80 WADE GRAHAM Mexico has been experiencing an incredible urban renaissance in recent years, but it also faces the challenges of megacities worldwide.

“The timing is perfect for Mexico City to host World Design Capital, where I will be talking about the history of visionary urbanism and attempts by designers to “cure” the modern mega-city of its ills, and how most of these projects failed,” mentions Wade Graham, writer, historian and landscape designer with a Los Angeles-based firm.

His book Dream Cities: Seven Urban Ideas That Shape the World (Harper Collins, 2016) deals with the efforts that have been made over the last 150 years to programmatically reengineer the modern city and reform its flaws. “Mexico,” the designer says, “is a good example.

I will explore these efforts as responses to perceived crises of the modern city and use them as reference points, and in some cases, warnings, about how we ought to be thinking about (re)designing cities in our own era of urban crisis.”

Graham underscores that Mexico is one of the largest and most chaotic cities in the world; “with a distinctive architectural and urbanistic tradition, but it also shares the same serious challenges as other global cities: population growth, sprawl, pollution, traffic, inequality, etc.” Yet, its “urban design traditions give it unique tools to face these challenges and can make it a model for other regions to learn from.”

For the expert in urban and environmental politics, “The legacies of indigenous Mexico, the colonial period and of Mexican Modernism’s engagement with both of them while embracing modernity are unique in the world.

“Far more than European or North American modernism, Mexican designers found a way to integrate deeper traditions, especially of organic materials and human scale, with the new technologies and perspectives in the 20th century, creating a modernist practice with more feeling and sense of place than in most countries.”

“There’s no question that this country has been

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experiencing an incredible urban renaissance in recent years,” emphasizes Graham, who makes frequent trips to Baja California and claims to be a lover of the wonders of that Mexican state, in addition to harboring special curiosity about Oaxaca and Michoacán.

P. 82 WEISS/MANFREDI A more elastic definition of design is that which connects the loose ends of art, landscape, infrastructure and ecology, to create new forms of public architecture.

“Today, as public and natural realms erode, we believe that architecture must concern itself with construction surroundings in their totality. We are, therefore, drawn to projects that, no matter what their size and type, transcend the limits of the singular architectural object, seeking opportunities to create connections and invent new territories for public life,” we are enthusiastically told by Marion Weiss and Michael Manfredi, cofounders of Weiss/Manfredi, a firm that has been honored with the American Academy of Arts and Letters Award in Architecture for its architectural design practices that are redefining the relationships between landscape, infrastructure and art.

“Our projects are experiments in the evolution of creating a more elastic definition of design: one that connects the loose ends of art, landscape, infrastructure and ecology to create new forms of public architecture,” explain the authors of projects such as the Seattle Art Museum Olympic Sculpture Park, which combines art, architecture and ecology in a new model for coastal development and stands out with its bold shapes and material innovation.

Marion and Michael share that they spend most of their time traveling, but those experiences add motion to their designs inside and out. Once they land in their office, just a few blocks from Penn Station, in a Manhattan loft building on Hudson Street, they start sketching dozens of ideas on paper and assembling models of current projects with their team. Although their buildings are extremely photogenic, that cinematographic quality also means that visiting and experiencing their works involves a need to understand them fully and thereby get an appreciation that goes beyond the merely visual. Some people grasp that notion when they visit the Women’s Memorial and Education Center at Arlington National Cemetery in Washington, DC. It is a symmetrical, semicircular building that reuses a historic stone retaining wall, which looks simple at first glance, but whose vertical and horizontal layered and intersecting circulation turn it into a gratifying experience with a series of surprises that are only visible when moving through it. Other works built by the firm include the Visitor Center at the Brooklyn Botanic Garden in New York and the Kent State Center for Architecture and Environmental Design.

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P. 84 WOLF D. PRIX “Our projects are capable of embracing imbalance, inquisitiveness, distortion, fragmentation and chaos” “Mexico City is a great place to live, taking into account all the pros and cons any huge city has to contend with.

But one thing this city has are lots of excellent and wellknown architects and designers capable of dealing with each one of the possible angles of this topic. I think that if the country had a forceful media presence, it could have a great influence on the architecture and design world, especially now that it has been named Design Capital 2018,” declares Austrian ‘architect of architects’ Wolf D. Prix, who is actually a Guinness world record holder for the Busan Cinema Centre, which has the longest cantilever roof in the world.

For his conference at World Design Capital, Prix has prepared a conference titled: The Himmelb (L) au Project, which is a critical behind-the-scenes look at what the architecture profession means. It also describes the philosophy and process method for project development.

His talk makes reference, of course, to the work done by his firm: Coop Himmelb (L) Au, which, since it was founded in 1968, has been guided by the idea of creating exhaustive buildings that go beyond the limits of the use of complex forms and that communicate through a variety of media and materials. “Our projects are capable of embracing imbalance, inquisitiveness, distortion, fragmentation and chaos,” the architect points out.

The work of Coop Himmelb (L) Au was introduced internationally in 1988, at the New York MoMA exhibition Deconstructivist Architecture, which highlighted what curator Philip Johnson described as ‘the pleasures of unease’ and included the work of six other architects (Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Bernard Tschumi and Daniel Libeskind). The curators put this diverse group of architects together to point out the commonalities among projects that used previously

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unexplored potentialities in the modern movement. Prix expresses particular joy and emotion about being part of the World Design Capital activities, as Mexico is far from an unknown place for him. He spends periods at the beach in Puerto Escondido, on the Oaxaca coast, where he has a house near the ocean. That is where he goes to ponder, rest and think over new ideas to draw.

P. 86 CHARLES MONTGOMERY Cities can be built that actually strengthen social connections. Streets, systems and buildings influence how people feel and change their behavior. This is the missing link in so many intelligent cities.

“Mexico has a design history as rich as any city in the world. I think of Tenochtitlán, where commerce and society thrived amongst canals providing what we today might call sustainable mobility. Therefore, I think that Mexican design has always existed at the intersection of different disciplines; its greatest achievements required engineers, astronomers, merchants, politicians and people working together,” says Canadian writer and journalist Charles Montgomery, on the occasion of his visit to our country for World Design Capital, where he will give a talk about how we can all achieve greater happiness through design.

To him, the fact that Mexico has been named Design Capital is an honor but also a great challenge. “How can you use design to nurture a society that’s healthier, safer, happier and more resilient? Mexico needs to transcend its famous political complexity and create a vision for the future that sprouts from the dreams and ideas of its people,” underscores the author of the book Happy City, in which he tells of an exciting trip through some of the world’s most dynamic cities, in search of answers to questions regarding the convergence of urban design and the emerging science of happiness.

“It would be easy to champion Mexican architectural

heroes, but my interest is in design that is not necessarily striking or pretty but which serves to nurture human relations, health and happiness. That’s why, every time I return to Mexico City, I am awestruck by the formal and informal innovations that sprout everywhere,” Montgomery comments. However, that architectural dynamism also calls for an alert: “I have spent a decade working on the relationship between design and human wellbeing. Too often, cities chase high-status architecture or high-tech solutions before considering simple, effective responses to their challenges. Mexico should provide global solutions for complex, layered cities where everyone can thrive. Mexican designers face limitations– economic, political, technological, cultural and even religious–, so, they have to take creativity to the next level.

The results can be wondrous,” the journalist states.

He concludes saying: “Mexicans understand that design is not just a final product. They seem to know, better than anyone, how to enjoy the process. This social prowess helps them find new ways to solve wicked challenges.”

RESIDENTIAL ARCHITECTURE P. 92 LIVING THE MINIMAL LIFE Casa VV | BGP Arquitectura Casa VV is situated on noticeably sloping land, and the incline is used so that most of the house is below sidewalk level.

Concrete, glass and vegetation come together to give Casa VV a discreet feeling.

Photos Jaime Navarro

The 414 m2 construction is located in the south of Mexico City on land surrounded by houses that tend to be showy: full of color, textures and slanted tiled roofs. The VV house opens up discreetly, presenting itself to the outside as a low volume covered by a green roof.

The architectural program kept the parking area and main entrance in the front, where the home is entered by a slightly inclined stepped bridge that leads the person toward the structural core, from where the staircases emerge that connect the doubly high public space, where the glass façade lets natural light in. Beneath this floor are the private areas: two secondary bedrooms that open onto the yard, as well as a laundry room, service patio and quarters for personnel. The master bedroom is located above the social area, covered to the outside by a concrete façade, but opening onto the private garden with floor-toceiling windows that provide a flow of natural light. The use of concrete framework for walls and polished concrete on floors is noteworthy. The stairways and ceiling finishes are done in white, keeping the palette of colors and materials to a minimum.

The design incorporates a sustainable program, with rainwater collected and utilized and medicinal plants meant to be cared for on the green rooftop. Bernardo Gómez-Pimienta, Luis Enrique Mendoza, Jesús Morones and Rafael Gamo were responsible for the project, with the collaboration of Loreto Lara and Carolina Inostroza.

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P.96 ONE SINGLE MATERIAL FOR FURNISHINGS AND LIVING SPACES Casa Contadero | Óscar Monsalve + MASISA A project that developed space by space. It started off with just the kitchen, but as the remodeling work progressed, industrial designer Óscar Monsalve –and his firm WAO Kitchen Design, founded in 2012– suggested to the owner of Casa Contadero, in northwestern Mexico City, also modifying other corners of the residence. Finally, the creative and his team took over the entire project, in which they fused colors, textures and new thicknesses of MDF boards with melaminic coatings.

There seems to be a generalized mistaken perception of the versatility that melamine boards can provide remodeling, construction and design projects. The material tends to be stigmatized as an economical and low quality option, when it can actually be an efficient, sustainable and personalizable alternative. Monsalve makes this very clear in Casa Contadero, built on 200 m2 of land, where this type of material has been incorporated adroitly and elegantly into a contemporary design for an upscale residence. “We could have proposed natural veneers and imported wood; yet, a comparable and sustainable result was achieved through good design and the use of high quality melamine.” Monsalve went on to explain that for this project in particular, Nebraska, Oxford and Blanco Frosty designs were used on 15, 18 and 25mm boards with 1 and 2mm edging of MASISA Melamine to update the atmosphere of several areas of the house, such as the bathrooms, kitchen, family room, living room, entertainment center and (man cave type) bar. The designer was not at all wary about using the thickest melamine for greater esthetic clout and to create a more robust and eclectic look, plus spatial richness and volume. What really makes the design of this house stand out is the harmony created by a varied and uniform use of melamine: working with the same material to create furnishings (doors and closets) and spaces (kitchen, bedrooms, entertainment center and bar) leads to an overall esthetic that provides a much more homogenous reading of the space.

P. 98 MODERNIST AND FUNCTIONAL Casa Ramos | JJRR Arquitectura Photos Fernando Marroquín

Wuth reference to the Case Study Houses (CSH) from the mid 1940s (which basically focused on functional modernist houses for the soldiers returning to the United States after World War II), Casa Ramos –designed by JJRR Arquitectura– stands on a 300 m2 triangular-shaped lot that is at the beginning of a block on Sierra Amatepec Street in the Lomas de Chapultepec district of Mexico City. Given life’s surprising twists, it is a house that architect José Juan Rivera Río had drawn for himself but ended up building for a neighboring family that bought the land and have now become wonderful friends. The architect shared the incredible anecdote. “That piece of land was highly coveted due to its shape and location.

What happened is that while I was in a restaurant with my wife, a neighbor from the building where we lived

approached to ask me if I would build a house for her, and it turned out to be on the lot that I liked so much! ‘I’ve already designed it,’ I told her, and without any ifs ands or buts, the home became a reality.”

Rivera Río is a follower of modern, functionalist architecture; his professional personality is based on simple basic lines and using materials that time treats well. So, for this home, he relies on housing prototypes with timeless architectural value and not extremely high budgets. “To me, the worthiest architecture adapts simply to what the land offers rather than fighting against it.”

This explains why Casa Ramos makes the most of the triangular shape of the land, its orientation and the views from its different angles. An interesting visual effect is created; if it’s viewed from one side, it looks like a house on a single level, but if observed from another one of the sides, all three levels of the project appear. One is the basement for parking and services, which is below the house and yard. Next is the first level, which contains the social area: living-dining rooms, TV room and kitchen.

And last of all is the second level, where the bedrooms are and which represents a volume supported at each end, giving the frontal façade an apparent lightness. This entire level has a large terrace and looks out at a tree-filled area. Another characteristic aspect of the house is the use of materials such as steel, exposed concrete, stone and surface treatments that age very well over time and whose maintenance does not require a particularly high budget.

P. 102 A TREE-FILLED VISUAL PERIMETER Casa Paseo de las Lilas | Taller David Dana Arquitectura Photos Alessandro Bo

“The interesting thing about this 407-m2 house is the engineering, because when the proposal for its expansion was put together, the decision was made to do the remodeling downwards instead of upwards, as is usually done. According to the original architectural plan for the home, beneath the levels that were already built is a mountain; a slope that had to be dug out with great precision, so as not to damage the already existing columns. This required confirmation that the proposed engineering feats would be supported by sufficient capacity for the increase in structural loads that the installations would undergo. Plus, it was also necessary to ensure that all the documents were in order for the necessary administrative procedures prior to getting started with the civil work,” David Dana explains about Casa Paseo de las Lilas in the area around Mexico City’s Cuajimalpa district. It is a home known for being a unique project due to the construction process and the fact that it received Honorable Mention in the category of building remodeling at the Second Biennial of Young Architects, organized by the Federation of Schools of Architects in Mexico.

“The home,” Dana continues, “rises 15 meters above sidewalk level. To enter, an elevator goes up the two levels that are part of the expansion of the original design.

Each one of the slabs that were added onto the structure was prefabricated and, like a very delicate surgical job, they were inserted individually and very carefully onto the columns that were already in place. The risk of endangering the original construction was very high, as

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a single blow or bit of damage to them was all it would take.” Literally, the construction could come down. They had to dig out huge amount of cubic meters of earth, to then contain (‘anchor’) and reinforce the structure to strengthen it. Once the civil work was finished, it was a framework to be complemented by the creative vision of design, like placing the slabs at treetop level. Dana relates how he and his team studied the context, identified the best views and areas of greatest solar infiltration. The result, today, is a house whose entire first floor is encased in glass, providing an extraordinary visual perimeter. It is not often that people can live and look out at the height of the treetops amidst contemporary architectural accents.

P. 106 WALLS AND CEILINGS THAT MOVE Alpes House | Garduño Arquitectos Photos Paul Czitrom

Casa Alpes is like origami: a sheet of paper as it unfolds and its angles and various shapes lead to ideas for erecting walls and ceilings with movement; no cubes or rectangular shapes, but rather a bolder and more unrestrained home.

“Seven years ago, when an old architect-turned-artist friend asked me to take this job on, I jumped at the chance.

I was familiar with her work and knew that her perceptions and vision would be a major part of the process. She gave me total creative freedom, which was also a challenge that I am very satisfied with today,” Juan Garduño tells us about this house in the Lomas de Chapultepec district of Mexico City, which, at the time he worked on it, was extremely visionary and progressive.

“It was a home that nobody took into account when we finished it and gave it some publicity. It was very much ahead of its time. Some people found it interesting, like something from the future, but architecture that was totally uncommon for its day. It was viewed almost like a sculpture,” Garduño says, stressing the use of exposed concrete in the construction and on the slanted walls, which when the home was built, made it look like ‘a pretty, yet unlivable, house.’ Today, people look at Casa Alpes and are interested in living in it, in using it in their daily life and their surroundings. In fact, that curiosity and restlessness has caught on, and it’s clear how many contemporary spaces designed by young architects are headed in that very same direction.

Garduño describes the structure of the building as a sheet of concrete that turns into walls and ceilings with different angles. He recalls that when the project was drawn, the angles looked different in three dimensions than on the computer; so, “we traced them with string at the work site and checked them on the falsework before pouring, to adjust the levels and measure heights until we were satisfied with them.” So, the work was finished in 15 months, and the result is a space that reflects connectivity between passion for art, use of materials, natural context and functional needs. “The most satisfying part is knowing that my artist friend is very happy with her house. For her family, it is a space that responds functionally and esthetically to what they want to express: their love for art,” the architect concludes, but not before sharing that his firm is currently working on a hotel in Baja California and another house in Mexico City with that same idea, in addition to other projects.

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OBJETO GLOCAL

La recreación del apartamento de Fien Muller y Hannes Van Severen en Design Miami desvela un estilo de vida cosmopolita.

mullervanseveren.be airbnb.com designmiami.com

La genialidad va acompañada de historias personales. Así lo vivimos en la 'casa' de los diseñadores Fien Muller and Hannes Van Severen, esposos y socios de uno de los talleres de diseño que más relevancia tiene en el momento por su discurso conceptual artístico, sencillo y con una atrevida paleta de colores sólida y vibrante. Airbnb y Muller Van Severen lograron dar un statement de cómo se vive hoy en las ciudades cosmopolitas al trasladar el apartamento de los diseñadores –ubicado en Gante, Bélgica– a los pasillos de Design Miami, el cual es una curaduría artística, espontánea y, por lo tanto, muy personal.

Esta pareja creativa denomina como wild thing a todas esas piezas encontradas en bazares, galerías de arte, regalos de amigos y objetos comprados por ellos, ya que el hilo conductor de éstos es el impulso de la belleza espontánea y la historia de cómo llegó cada pieza a su casa.

Para Hannes Van Severen mostrar un poco de su intimidad fue un reto, ya que trasladar inclusive piezas de su abuelo Dan Van Severen en contraste con una silla hecha por su pequeña niña, fue la oportunidad de ver cómo la gente percibía lo más íntimo de su espacio. Por otro lado, para Fien abrirse a la discusión de las ideas más allá del espacio o del momento era indispensable en este ejercicio por lo que la selección de libros fue algo en lo que él fue muy cuidadoso, pero sin duda las obras que llevaron sí son parte de su día habitual. –GA

A Wild Thing by Muller van Severen for Airbnb at Design Miami/ 2017, fotos Elizabeth Lippman

El DIARIO NO ORDINARIO Muller Van Severen

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