Glocal Design Magazine No. 45 Portada por/Cover by Bethan Laura Wood by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

$100.00 MX

BETHAN LAURA WOOD: ESTRELLA POP DEL DISEÑO | SALONE DEL MOBILE MILANO | ENTREVISTAS: JASPER MORRISON, KONSTANTIN GRCIC, GAMFRATESI | SALÓN MACROTENDENCIAS

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

caly@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

mar tha@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

Héctor Esrawe

Sandra Montiel

Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Portada Mono Mania Mexico para Moroso por Bethan Laura Wood

Beata Nowicka Editor Macrotendencias

Carlos Pascal

Germán Velasco

Gerard Pascal Ariel Rojo

Editora web

Sagrario Saraid

Itayedzin Aragón itayedzin@glocal.mx

Contabilidad Víctor Villareal

Coordinación de video Eduardo Ramírez

Gerente de ventas

eduardo.ramirez@glocal.mx

Eduardo Rodríguez

Portada Tendencias Glocal por JORGE MEDINA

eduardo.rodriguez@glocal.mx Colaboradores Jorge Medina José Margaleff Lisa Heller Rober to Zamarripa

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: junio-julio 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Créditos en portada: Fondo: Rain & Cloudy por Gamfratesi para Alpi, Moda: Bottega Veneta C19, textura de Colección Funquetry por Nada Debs, Wallcovering colección Extinct Animals, Dwarf Rhino de Moooi, textura de la colección Kengo Kuma para Alpi, Super Rock por Bethan Laura Wood para cc-tapis

Entre lo efímero, pero bello a la vez Vivimos tiempos muy agitados socialmente y esto se refleja en el ámbito creativo y artístico. En las ferias más importantes a nivel internacional lo palpamos y el resultado no es tan brillante en todos los casos. Por lo tanto, al buscar conclusiones editoriales contundentes al referirnos a lo mejor de las exhibiciones mundiales, decidimos irnos por la constancia y por aquello que creemos, permanecerá; pero lo que sí sabemos es que sólo la historia y el uso de las formas dictará qué se creó para quedarse y qué fue efímero, pero bello a la vez. El barroquismo que hemos visto en el interiorismo de los últimos años, tiene más elementos para seguir sobreviviendo con muchísimo ímpetu, pues vimos diseños con texturas muy ricas y cargadas, colores sólidos contrastando entre tonos inclusive más fuertes, telas cargadas de fibras rugosas y cálidas; vimos el exceso personificado. Pero también estuvo presente la calma: los tonos pastel, el color azul tanto dinámico como suave, la materia prima al natural, vimos que el purismo también sobrevive en las manos de creativos que saben tomar distancia de los excesos, y respetan y exaltan lo bello de cada material y cada forma.

Y nosotros seguimos en la ola del cambio y este mes presentamos en el Museo de Antropología un nuevo proyecto llamado Design Films, el cual bimestralmente contará las historias que esconden las mentes del gremio creativo que son imposibles de contar en papel. No dejen de estar alertas de éstos en nuestro renovado sitio web: glocal.mx, el cual ahora tendrá más información día con día y tendrá más voces que se abrirán al diálogo diario; todo con la misma dirección editorial pero con los ojos nuevos de Itayedzin Aragón, quien ya cuenta con una trayectoria en nuestra casa editorial y sabe detectar qué vale la pena comunicar. Así mismo, les comentamos que Macrotendencias evoluciona; en octubre próximo veremos todos los proyectos que hemos trabajado –y seguiremos haciendo– en el Salón Macrotendencias. Estén pendientes de esta primer muestra de lo que se logra cuando el gremio creativo trabaja de la mano con el ámbito empresarial. GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA LIBRO 10 Caravaggio. Una obra, un legado TECHNO 12 Air Inventions | Panasonic LUMINARIA 14 Breath of light | Preciosa TALENTOS NACIONALES 16 Proyecto Tetra ACTUAL 18 Table | NOSO 20 Host | Lo Sereno

ENFOQUE 38 Bethan Laura Wood

TEXTIL

ENTREVISTAS

22 Illulian

46 Jasper Morrison

DESTINO DISEÑO 23 Nuestro barrio DISEÑO + CIUDAD 28 Espacio CDMX DISEÑO + HISTORIA 30 Florence Knoll SU ESPACIO 34 Lorena Vieyra

48 Konstantin Grcic 50 GamFratesi SALONE DEL MOBILE MILANO 52 Living Nature 54 Lo mejor de Fourisalone 62 Stands 64 Salone Satellite 66 OBJETOS MILÁN

70 WANTED DESIGN CROMÁTICO 77 Andrea Cesarman ESPECIAL COCINAS 81 L'Ottocento 82 Cesar 83 Diesel & Scavolini 84 Snaidero

85 Pininfarina 86 Piacere 87 Valcucine

RESIDENCIAL 88 Casa Peñas | CCA 92 Casa Milton | Atemporal 97 SALÓN MACROTENDENCIAS 102 TENDENCIAS GLOCAL COLUMNA 108 Dolores Martínez Orralde

109 ENGLISH TEXT 112 COLECCIÓN GLOCAL

PREMIO NOLDI SCHRECK 2018 Inscribe tu proyecto a la próxima edición que celebra lo mejor de la arquitectura e interiorismo en México glocal.mx

Fotos cor tesía Archivo Digital de las Colecciones del Museo Nacional de Antropología. INAH-CANON

A GEN DA

La escultura de Xochipilli, el señor de las flores, protagoniza una muestra sobre la cultura mexica

AGENDA

XOCHIPILLI, EL SEÑOR DE LAS FLORES Hasta el 31 de julio Como parte de la tercera edición de la serie: Una pieza, una cultura –proyecto de exposiciones temporales que explora la riqueza de las diferentes culturas de México a través de la exhibición de sus obras maestras–, se presenta Xochipilli, el señor de las flores en la sala A1 del Museo Nacional de Antropología. Esta muestra exhibe a Xochipilli, una escultura emblemática y de manufactura exquisita del acervo arqueológico del museo, como obra cumbre del arte mexicano y protagonista de una exhibición que habla sobre la riqueza, complejidad y diversidad de los habitantes de la cuenca de México y la multitud de pueblos que construyeron la gloria mexica.

MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Chapultepec Polanco, Ciudad de México. mna.inah.gob.mx

La exposición La flor en la cultura mexicana, compuesta por 365 piezas y que se presentó hasta junio pasado en el Museo Nacional de Antropología, mostró cómo las flores han sido interpretadas y representadas en diferentes ámbitos..

OBJETOS, PARA USAR / INSTRUMENTOS PARA PROCESOS Hasta el 30 de septiembre

MUSEO JUMEX Boulevard Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Granada, Miguel Hidalgo 11520, Ciudad de México fundacionjumex.org

Fotos cor tesía

Es la primera muestra antológica en México y América Latina de la obra del artista Franz Erhard Walther, la cual se exhibe de manera paralela a otra exposición que ocupa Casa Luis Barragán. Esta exposición en Museo Jumex abarca seis décadas de producción del artista y presenta una selección significativa de sus cuerpos de trabajo principales, que dan cuenta de los temas predominantes en su trayectoria; desde la idea de la acción como concepto operativo hasta la relación entre objeto, espectador y espacio que caracteriza su aproximación al arte.

AGENDA

PERSPECTIVAS Hasta el 20 agosto Curada por Gonzalo Ortega en colaboración con Tatiana Bilbao, quien desde la resistencia a modelos expositivos convencionales, sugirió un despliegue museográfco singular para su exposición: Perspectivas. Con el apoyo de varios miembros de su equipo, Bilbao desarrolla una muestra que conjuga diferentes fases de su proceso creativo, mostrando su modo de pensar y de producir su trabajo entre la arquitectura y el arte. Todo el material compilado evidencia la postura y método de trabajo que la han convertido en una de las arquitectas más importantes en el ámbito internacional. MUSEO AMPARO Salas de exposiciones temporales, planta alta Av. 2 Sur 708, Centro Histórico 72000, Puebla, Pue. museoamparo.com

DETERMINACIONES DE PROPORCIÓN Hasta el 30 de septiembre Estancia FEMSA–Casa Luis Barragán presentan la exposición individual del artista alemán Franz Erhard Walther en México, quien fue uno de los protagonistas más particulares de las reflexiones y experimentaciones plásticas que se generaron en los años 60 en Europa respecto al lenguaje y a la materialidad de la obra de arte. La exhibición consta de la instalación de varias obras creadas por el artista entre esa década y la actualidad, incluyendo algunas piezas de su icónica serie First work set (1963-1969), varios dibujos tempranos instalados en el estudio de la casa y un nuevo dibujo site-specific creado por Walther especialmente para esta exposición.

PAINTED IN MEXICO 1700-1790: PINXIT MEXICI Hasta el 22 de julio

CASA-TALLER LUIS BARRAGÁN General Francisco Ramírez 12-14 Col. Ampliación Daniel Garza 11840, Miguel Hidalgo, Ciudad de México casaluisbarragan.org estanciafemsa.mx

Una exposición que reúne más de un centenar de obras inéditas o restauradas, provenientes de colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, España, Malta y Portugal. Se divide en siete núcleos temáticos y tiene por objetivo revalorar, de manera amplia y a profundidad, la relevancia de la pintura novohispana del siglo XVIII. Además, la muestra se acompaña de una publicación bilingüe, coeditada por Los Angeles County Museum of Art y Fomento Cultural Banamex, la cual reúne la investigación realizada por el equipo curatorial y se ilustra con imágenes de las obras que integran la exposición. THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART 1000 5th Ave. Nueva York, NY 10028, Estados Unido metmuseum.org

LIBRO

Historiografía y TÉCNICA Caravaggio. Una obra, un legado es una publicación homónima a la exposición que deleitó a más de 100,000 personas en el MUNAL.

gelo Merisi da Caravaggio a través de los textos curatoriales de Abraham Villavicencio y Alivé Piliado, quienes titulan sus ensayos: Caravaggio y la pintura hispánica. Herencia y apropiación y Los rastros de Caravaggio en la Antigua Academia de San Carlos. La publicación también reúne los ensayos del curador Sergio Guarino y de la investigadora Federica Papi de la Pinacoteca Capitolina de Roma, los cuales exploran tanto en la historiografía de La buenaventura como en la técnica pictórica de la misma. Finalmente, la edición contempla un apartado de biografías de los artistas que realizaron las obras que componen la exposición como Juan Cordero, Baltasar de Echave Rioja, Sebastián López de Arteaga y, por supuesto, Caravaggio. –MLA munal.mx/es

En 68 páginas, el lector se familiariza con las obras de Caravaggio, cuya exposición estuvo en el MUNAL hasta mayo pasado.

Fotos José Margaleff

Con un tiraje de 5,000 ejemplares, el Museo Nacional de Arte (MUNAL) en colaboración con el Instituto Italiano de Cultura presentan: Caravaggio. Una obra, un legado, una publicación que acompaña a la exposición homónima que fue visitada por más de 100,000 personas y en la que se exhibieron piezas y obras maestras como: La buenaventura (1596),16 obras de colecciones nacionales y una instalación multisensorial. La muestra estuvo montada hasta mayo pasado dentro del MUNAL y con este libro-catálogo –que contiene textos de especialistas en español e italiano, imágenes de las obras y biografías de los artistas que conformaron la exposición– se busca crear una memoria gráfica de la exhibición, al tiempo de ampliar la experiencia museística del visitante. A lo largo de sus 68 páginas se puede profundizar en el legado artístico que dejó Michelan-

Ensayos escritos por curadores e imágenes de las obras agrandan la experiencia museística de los visitantes a la exposición Caravaggio. Una obra, un legado.

TECHNO

FANTASÍAS purificadas entre la niebla La sensación de un ambiente fresco y libre de malos olores fue recreado en Air Inventions by Panasonic.

La gama de tecnologías de Panasonic en aire acondicionado, audiovisuales e iluminación ganaron el Premio a la Mejor Tecnología en el Milano Design Award 2018.

Un enorme domo de 20 metros de diámetro en forma de gota de agua, instalado en el patio de la Pinacoteca Di Brera, sede de la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue la estructura en que habitó la instalación inmersiva: Air Inventions by Panasonic Design durante la semana del diseño de Milán llevada a cabo en abril pasado. Lo interesante es que al interior de la estructura estuvieron en operación las más recientes tecnologías de aire acondicionado y purificación presentadas por Panasonic como Nanoe X para purificación ionizante del aire y Silky Fine Mist que atomiza microscópicas gotas de agua con aire a alta presión. Los visitantes a la feria literalmente podían detenerse unos momentos para tomar un profundo respiro al toparse en su camino con la estructura y meterse a una atmósfera relajante y placentera, en contraste al agitado ambiente de

la feria y el bullicio de la ciudad. Además, gracias a tecnologías de imagen, audio e iluminación también desarrolladas por la compañía, los paseantes disfrutaron de una experiencia intangible aún más completa de sensaciones de bienestar al ver en acción el proyector de brillo ultra alto PT-RQ32K que emplea un lente gran angular de alto desempeño y resolución ET-D3LEF70 para crear una proyección realista con mapeo en 4K que –en conjunto con Nanoe X y Silky Fine Mist– ayudaron a crear un mundo de fantasía, pero altamente purificado y lleno de niebla. De esta original manera es cómo Panasonic presenta la renovación de sus soluciones de climatización para uso residencial y comercial, la cual ofrece ambientes más frescos y purificados, libres de alérgenos y malos olores. –OVA panasonic.com

Fotos cor tesía Panasonic

LUMINARIA

ALIENTO de luz La marca checa de iluminación, Preciosa, realizó la instalación Breath of light durante la semana del diseño en Milán, en la que mostraron pasión por el diseño, calidad en su manufactura y su lado más contemporáneo.

DESDE 1724, Preciosa Lighting ha explorado de manera profunda las características del vidrio y sus procesos de transformación, técnicas que manejan a la perfección produciendo candelabros según las tradiciones originales de Bohemia, una de las regiones históricas que integran la República Checa. Específicamente en Kamenickÿ Senov, al norte de Bohemia, donde se encuentra la fábrica principal de Preciosa Lighting, en una pequeña región montañosa conocida como Crystal Valley. Gracias a la artesanía y el talento local, las tradiciones de fabricación del vidrio han permanecido intactas durante siglos. Para Breath of light, Preciosa Lighting demostró la maestría de sus artesanos, quienes revelaron su versatilidad en lenguaje estético y apreciación e integración de nuevas tecnologías para crear instalaciones

contemporáneas. Paradójicamente la belleza de Breath of light dejó sin aliento a sus espectadores al ser una manifestación de nuevos conceptos de la iluminación, en ella se invitó a los visitantes a interactuar entre ellos a través de la exhibición, más allá de apreciarla como si se tratase de una pieza de museo ya que la composición de luminarias esféricas traslúcidas y opacas, contenía cuatro sensores especiales en sus extremos, en dichos sensores las personas podían soltar una bocanada de aire y dependiendo de su potencia las luminarias se prendían simulando ser una corriente de aire, lo que generó un espectáculo luminoso y auditivo, que se multiplicaba en función de cuántos y cuáles sensores estaban activados, convirtiéndose en una especie de conversación de luz y sonido, que fue diseñado

y programado especialmente para la instalación. Además, en caso de que las “corrientes de luz” fueran demasiado intensas cruzaban toda la instalación, si había otra “corriente” se encontraban al centro y rebotaban entre sí, como si hubieran chocado, este efecto generaba nuevas secuencias sonoras, manteniendo la vida de la instalación. “Breath of light es uno de los diseños más intrigantes que Preciosa ha creado. Esto demuestra que con diseño e ingenio técnico es posible transformar las propiedades de las lámparas de techo en instalaciones lúdicas”, concluyó Michael Vasku, director creativo de Preciosa Lighting. preciosalighting.com

Fotos cor tesía Preciosa Lighting

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

LUMINARIA

Breath of light sirvió como un oasis, donde los asistentes interactuaban entre sí con tan sólo un respiro.

NUEVOS TALENTOS

La propuesta es que Tetra se use en el Nuevo Aeropuerto de la Ciudad de México, luego de hacer check in y mientras los pasajeros esperan abordar.

Era una tarea ESCOLAR Tetra, una bicicleta híbrida de uso urbano, se exhibirá durante la edición 2018 de Inédito en el Museo Tamayo. Entrevista

MARTHA LYDIA ANAYA

LUIS FERNANDO SÁNCHEZ Y ROBERTO DÍAZ son alumnos de la Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño del Tec de Monterrey, y con la energía y entusiasmo que caracteriza a las nuevas generaciones, ellos están seguros que su escuela va a marcar un parteaguas en el diseño mexicano por los proyectos que se están generando al interior de sus aulas. “Son ideas –platica Sánchez– que primero surgen como tareas escolares, pero que son tan buenas y tan bien argumentadas en su investigación que, poco a poco, van madurando hasta convertirse en modelos de negocio viables y rentables”. Así está sucediendo con: Proyecto Tetra, una bicicleta para el Nuevo Aeropuerto de la ciudad de México, que nació como una investigación escolar. Sánchez cuenta que para su materia de: Proyecto, del semestre en curso, se formaron varios equipos a los cuales se les asignó

el trabajo de diseñar una nueva Ecobici, tomando una colonia de la ciudad como inspiración. Él y Díaz –asesorados por el profesor Juan José Ramos y alentados por el director del departamento de diseño, Moisés Hernández– se integraron en una mancuerna para desarrollar la investigación. “Nosotros creímos que ya había muchas bicicletas en las calles y que la ciudad de México es tan caótica y bonita al mismo tiempo que lo que necesita es otro tipo de soluciones para mejorar su movilidad. En estos momentos, ya hay tres marcas de Ecobicis circulando por las avenidas y pensamos que el futuro no está en poner a rodar más unidades sino en crear un nuevo diseño. Así se nos ocurrió Tetra, una bicicleta híbrida y de tamaño más pequeño que las actuales (rodada 16”), pensada de esa manera para usarse en espacios interiores, particularmente en los corredores del Nuevo Aeropuerto que van a tener poco más de 1 kilómetro de longitud”. Originalmente a Sánchez y Díaz se les había asignado la colonia Polanco como lugar de inspiración para su tarea, pero ellos se atrevieron a sugerir el Nuevo Aeropuerto porque éste busca ser uno de los proyectos más vanguardistas del mundo. Tetra es un nuevo concepto de bicicleta urbana, inspirada en las nuevas plataformas del aeropuerto; es un modelo híbrido con pedaleo asistido, que puede sustituir el uso de las barras transportadoras. itesm.mx

Fotos cor tesía Fernando Sánchez

ACTUAL | TABLE

Privacidad en madera y acero NOSO | Faci Leboreiro | CDMX

En una de las avenidas más exclusivas de Polanco en la Ciudad de México se encuentra Noso, un restaurante que, además de su menú y buena comida, está concebido para entablar un diálogo entre los comensales y los chefs a tráves de las diferentes atmósferas que se arman en su interior mediante un gama de materiales que van desde la madera hasta el acero. El concepto en común de estos rincones es: privacidad. Lo primero con lo que se topa el visitante en la entrada principal es con un monolito que marca el inicio del recorrido por el lugar; este monumento de piedra está inspirado en un hórreo gallego (una construcción de tipo agrícola particularmente usada para almacenar granos) en el que se ilumina discretamente el nombre del restaurante como parte de una textura rugosa de piedra miracema suavizada por un tipo de rayado artesanal realizado aleatoriamente. El matrimonio de los chefs Sandra Fortes y Miguel Hidalgo tomaron la palabra gallega: noso –que significa ‘nuestro’– para simbolizar la esencia, alma y raíces de su cocina.

Al seguir el recorrido, un pasillo compuesto por vigas de madera que bajan sobre el muro crean una dramática perspectiva y un ritmo que continúa hacia el salón, jugando con los reflejos del espejo y con franjas de tenue iluminación, guiando al comensal de la penumbra hacia la luz que invade el salón principal. El monolito se fractura por una franja de placa de acero en un trayecto de 8 metros de largo, el cual es el camino hacia las mesas que fungen como remate visual; mientras que la inclinación en los muros de piedra, en conjunto con la luz que sale de ellos, da la sensación de que los pesados monolitos de granito están flotando. Por fuera, Carlos Faci y Marina Leboreiro buscaron que la celosía de la fachada diera intimidad al restaurante, al mismo tiempo de que creara un faro de luz sobre la avenida Masaryk en la que se ubica, con la idea de anunciar que Noso se encuentra en la planta superior del edificio. Las formas etéreas y sutiles que describen este lugar, se van repitiendo y rotando, generando un ritmo. Un plafón y lambrin de madera junto con el piso de placas de concreto blanco pulido y cómodos sillones grises alrededor de las mesas crean un ambiente de sobriedad y neutralidad, diseñado para que el comensal se pueda concentrar en degustar las creaciones de los chefs. Curiosamente, la única pieza de arte que se encuentra en el restaurante es la escultura de Carlos García Noriega, que funge como remate visual del lambrin. –ALM

Fotos Rafael Gamo

Masaryk 311 Polanco, Ciudad de MĂŠxico noso.com.mx facileboreiro.com

ACTUAL | HOST

Fotos cor tesía

Arquitectura en armonía con el entorno Lo Sereno, Casa de Playa | Rafael Sainz Skewes | Guerrero

En Troncones, una localidad ubicada a media hora de Zihuatanejo, el entorno es dominado por una apacible sensación que permite apreciar los detalles de la naturaleza y disfrutar de la calidez del ambiente. En este litoral, entre la Costa del Pacífico y las montañas de la Sierra Madre del Sur, se alza Lo Sereno, Casa de Playa como un faro para la hospitalidad. Desde su terraza, cubierta por una pérgola elaborada por artesanos, se percibe el vaivén de las olas, mientras las charlas se convierten en emociones que despiertan los sentidos. Aquí, el concepto del lujo bohemio se refiere a la armonización del ambiente y la arquitectura con elementos sensoriales que invitan a vivir el espacio hasta sentirlo como un hogar. Es un hotel boutique de únicamente 10 habitaciones –todas con terraza, baño encapsulado con paredes de cristal y ducha de gota de lluvia al aire libre–, cuya arquitectura consigue un contraste entre el verdor de la exuberante vegetación, la sobriedad de la

madera tropical y la contundencia del hormigón. Detrás de su revolucionario concepto se encuentra Rafael Sainz Skewes, quien es considerado como un “original” por el selecto sello Design Hotels. Esta alianza de prestigio internacional respalda a los hoteleros independientes cuya propuesta estimula la capacidad de asombro por su genuina pasión por la hospitalidad, la autenticidad cultural que mantienen con el entorno y su propuesta arquitectónica y diseño interior. Por eso, Lo Sereno, Casa de Playa privilegia la intimidad y la privacidad de sus huéspedes sin perder la oportunidad de hacer que se reconecten con la naturaleza, a través de facilities como una piscina infinita con vista al mar y una terraza que se inspira por la geografía frente a ella, con colores que complementan las rocas en la playa. Los suelos de hormigón rústico, las mesas de madera tropical y las sillas azul-menta son el lugar perfecto para sentarse y escuchar las olas. –ALM

Av. de la Playa Mz 20 Lt 12 40804 Troncones, Gro. losereno.com

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TEXTIL

TRADICIÓN en estilo contemporáneo Nuevos nombres como Luca Nichetto, Fabio Novembre, Damiano Spelta y Emtivi Studio se unen a la colección de edición limitada de alfombras y tapetes de Illulian.

Diseños minimalistas y geométricos apelan al gusto clásico, aunque también hay series dedicadas al mundo náutico.

FUNDADA EN 1960, Illulian –la compañía ahora dirigida por Shahnaz Illulian y sus hijos Davis y Bendis Ronchetti Illulian– es un punto de referencia obligatorio cuando se habla de tapetes y tapices, tanto antiguos como modernos y hechos a la medida. Sus alfombras son una propuesta exclusiva de mobiliario no sólo porque están anudadas y cardadas a mano, sino también porque se convierten en verdaderas obras de arte por su encanto inalterado en el tiempo. Esta vez, la semana del diseño en Milán – llevada a cabo en abril pasado– se convirtió en el escaparate perfecto para que la compañía mostrara sus diversas colecciones de tapetes y tapices como especímenes únicos y refinados. Su showroom enmarcó la presentación de dichas piezas dentro de un espacio que también alberga muebles refinados de estilo contemporáneo, telas de prestigio y objetos únicos de diseño altamente sofisticados y cuidadosamente seleccionados hasta en los más mínimos detalles. Al desmenuzar sus series se encuentran diseños modernos, minimalistas, florales y geométricos como parte de la Colección de Diseño, que se basa en las tendencias del mundo de la moda; mientras que su Edición Limitada presenta piezas únicas de artistas

como Massimiliano Adami, Dario Ballantini, Marcelo Burlon | Condado de Milán, Fabien Cappello, Guido Crepax, Dimorestudio, Emtivi Studio, Alessandro Enriquez, Bob Krieger, Alessandro La Spada, Marco Lodola, Lorenzo Petrantoni y Karim Rashid, además de nuevos nombres como Luca Nichetto, Fabio Novembre, Damiano Spelta y Emtivi Studio. En otro tema, las alfombras de la Colección Palace tienen matices y sugerencias que apelan a un gusto más clásico, con motivos incluso tomados de documentos históricos; en esa misma línea destaca la serie de Alfombras antiguas con piezas inimitables provenientes de todo el mundo, las cuales se remontan a varias épocas diferentes de la historia y cuya manufactura esconde un proceso creativo meticuloso y calidad impecable de los materiales utilizados. También se muestra la Colección Marina, con modelos que son un spin-off de las colecciones Design y Palace, pero dedicados al mundo náutico con piezas inspiradas en la navegación a vela y en el mar abierto. Finalmente, la colección Kids está compuesta por tonos pastel, colores brillantes y diseños lúdicos, para inyectar un poco de magia y creatividad a los espacios infantiles. illulian.com

Fotos cor tesía Illulian

Texto ANA LAURA MUÑOZ

DESTINO DISEÑO

Nuestro Barrio Reconocida por su vida nocturna, sus espacios sibaritas y su Zona Rosa, la Juárez —originalmente llamada colonia Americana— ha alojado las oficinas de Glocal Design Magazine desde su fundación, motivo por el que compartimos qué lugares se pueden y deben visitar en este pedacito de la Ciudad de México que siempre tiene historias que contar. Texto

ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos

JOSÉ MARGALEFF

01.Centro de Cultura Digital En el extremo de la colonia Juárez más cercano al Bosque de Chapultepec se encuentra el Centro de Cultura Digital, conocido por presentar, a manera de vestíbulo, la Estela de Luz (monumento construido entre los años 2010 y 2011). El CCD se dedica a abarcar diversas maneras de producir, comunicar, enseñar y reflexionar sobre nuevas manifestaciones culturales, sociales y económicas que surgen de la tecnología digital, con un programa variado y nutrido de manera constante. Debajo de la nombrada Estela de Luz se encuentra el Memorial, instalación donde se celebran exposiciones de arte sonoro y piezas lumínicas. Paseo de la Reforma s/n esq. Lieja centroculturadigital.mx

DESTINO DISEÑO

02. Galería Mexicana de Diseño Con más de 25 años en México, la Galería Mexicana de Diseño es una de las plataformas más reconocidas en el gremio, donde se impulsa y promueve el diseño emergente y consagrado de nuestro país. La GDM fue fundada en 1990 por Carmen Cordera, quien se ha dado la tarea de reunir propuestas de marcas nacionales e internacionales. En la galería se vinculan todas las áreas del diseño: artesanal, textil, joyería, ambiental, gráfico, industrial y de interiores. Havre 77, Piso 1 galeriamexicana.mx

03. Xaman Bar de coctelería que trata las cosas como un espíritu y celebra la herencia cultural del mundo prehispánico, a través de mixología inspirada en la identidad y estética del chamanismo, donde no hay una barrera entre el bartender y el cliente, un concepto retomado de otros lugares alrededor del mundo. El espacio que ocupa Xaman es un sótano, diseño que estuvo a cargo de Estudio Atemporal y Despacho Durango, quienes resignificaron el espacio con patrones, texturas, plantas, textiles y elementos que evocan momentos de conexión espiritual ceremonial, donde los cocteles retoman el poder de las plantas. Copenhague 6 xaman.bar

03.

Foto Xaman cortesía Grupo Sicario

02.

DESTINO DISEÑO

04.

05.

04. Gurú Galería | Casa Fusión Dentro de Casa Fusión, se encuentra Gurú, un espacio de culto que sirve como tienda y galería de ilustración, diseño y low-brow, término utilizado para describir al arte visual underground que incluye pinturas, juguetes, arte digital y escultura. En Gurú se organizan exposiciones en colaboración con otras galerías como la Hellion Gallery de EU. Además de impulsar la visualización y venta de artistas extranjeros, Gurú impulsa el trabajo de artistas mexicanos como: Alejandro Magallanes, Mari Garnica, Diego Huacuja y por supuesto de Javier Ramírez, “El Chá!”. Londres 37 gurugalleryshop.com

05. Vitrina Inaugurada en febrero de este año, Vitrina ha mantenido la expectativa de sus visitantes ya que ahí se reúnen en cada edición dos propuestas creativas y se exhiben por tiempo limitado. La idea fue creada por los arquitectos mexicanos Julio Amezcua y Francisco Pardo, quienes consideran que Vitrina no es una galería, pues como su nombre lo indica se trata de un escaparate. En la imagen se aprecia la pasada muestra: Colectivo 4, conformada por piezas de Jimena Carranza, Santiago Arau, Mauricio Guerrero y Daniela Córdova. Marsella 59 fb /vitrinamexico

06.

06. Rompeolas Café Barra donde se ofrece la bebida estimulante de origen etíope y que destaca por su diseño en cada detalle. En Rompeolas se sirve desde el clásico expreso hasta el cold brew, una extracción en frío que destaca de manera sutil los sabores del grano y extiende todas sus propiedades. La identidad visual de Rompeolas Café fue hecha por Malaca Studio, despacho de diseño gráfico y comunicación visual. Milán 44 fb /rompeolascafe

DESTINO DISEÑO

07. Parker & Lenox En la esquina donde se juntan las calles Milán y General Prim se encuentra Lenox, un diner típico que despacha a sus comensales en un espacio con mobiliario mid-century, sin duda recrea el imaginario neoyorkino de décadas pasadas, lo que más llama la atención son una serie de cédulas de seguros que tapizan las paredes y que fueron un elemento que se encontraba en el espacio antes de ser remodelado. Lenox, además de servir comida típica americana como hamburguesas o aros de cebolla, funciona como antesala para Parker, un foro especializado en jazz, blues y funk, que combinan a la perfección con su carta de tragos clásicos.

07.

Milán 14 fb /parkerandlenox

08. Galería Karen Huber

Exposición: “Un litro y dos en la esquina” Endy Hupperich, (Kaufbeuren, Alemania, 1967)

08.

09. Lagos del Mundo Con la misión de crear simples objetos contemporáneos surgió Lagos del Mundo, marca especialista en desarrollar colaboraciones con artesanos locales. La diferencia radica en el cuidado con el que cada técnica es ejecutada y que el estilo de los objetos es sencillo. Lagos del Mundo cuenta con una línea de objetos básicos, cada producto se alinea a las formas básicas y a las características de cada material, equilibrio notable en cada artículo, que ejemplifica que la calidez humana es un elemento que añade valor a los objetos cotidianos, incluso en estos tiempos que algunas veces parece haber quedado en el olvido. Bucareli 108, Piso 1 lagosdelmundo.com

09.

La entrada a esta galería es una escalera que pasa casi desapercibida sobre Bucareli, y la experiencia da la sensación de estar invadiendo el espacio personal de alguien, sentimiento que se disipa al entrar. Galería Karen Huber es una plataforma de arte contemporáneo que realiza proyectos curatoriales promoviendo a artistas jóvenes con trayectoria ascendente. El enfoque de la galería se dirige principalmente a la producción pictórica, cuenta con un programa de residencias y agenda una serie de actividades con artistas, críticos, académicos y especialistas, con la intención de expandir el panorama artístico del país. Bucareli 120 karen-huber.com

DESTINO DISEÑO

10.

10. Utilitario Mexicano Bajo el lema “compra sólo lo que te sirva” surgió Utilitario Mexicano o UM, siendo el espacio donde se enfrenta una verdad innegable: las cosas que más nos sirven son las más simples, por esa razón aquí encontrarás exprimidores, vasos, delantales, platos y demás artículos que han sido colocados libres de publicidad para elegir el objeto más preciso y noble para la tarea que quieras realizar. UM persuade a comprar con inteligencia, apreciar la belleza de las cosas tradicionales que por generaciones han funcionado y a rescatar la herencia de utensilios en peligro de extinción que conforman una colección de artefactos que se funden entre lo industrial y lo artesanal. Marsella 3a. utilitariomexicano.com

11. Hanky Panky Un pequeño speakeasy enclavado en algún lugar de la colonia, lo que define al Hanky Panky como uno de los lugares secretos más interesantes de la CDMX y cuyo nombre es referencia al clásico trago de Ada “Coley” Coleman. Su carta está integrada por clásicos inspirados en la época de la prohibición que se complementa con tragos contemporáneos y alimentos cuidadosamente creados para el speakeasy. El espacio del Hanky Panky nos remite a un bar íntimo de la década de los 30 con toques contemporáneos donde se puede conversar con amigos, alejados del bullicio citadino. Ubicación secreta ig /hankypankydf

11.

DISEÑO + CIUDAD

La NOSTALGIA del ‘trenecito’ de Chapultepec

Texto SIMONETTA MARTS

Fotos JAIME NAVARRO

Como parte de su restauración, Espacio CDMX conserva algunos de los rieles por donde pasaba el tren escénico de Chapultepec y grafittis que se pintaron mientras el lugar estuvo inhabilitado.

C Cúbica desempolva el antiguo taller del tren escénico de Chapultepec para convertirlo en: Espacio CDMX, un centro cultural en medio del bosque. EL FERROCARRIL escénico del bosque de Chapultepec, conocido como el trenecito, fue por varias décadas uno de los espacios recreativos y de entretenimiento para niños y adultos más atractivos dentro de la segunda sección del Bosque de Chapultepec. Este espacio, diseñado por el arquitecto Félix Candela, permanece en la memoria de varias generaciones y por mucho tiempo se ha recordado con nostalgia. Ahora, después de más de una década en desuso y también de acumular mucho polvo entre sus paredes, el taller ha sido recuperado para rendir homenaje a su vocación lúdica original siendo sede temporal del Centro de Información del programa World Design Capital Ciudad de México. El enfoque de este proyecto es de recuperación de un episodio de la memoria colectiva de nuestra ciudad, así como el de mostrar y sociabilizar información significativa para el presente y futuro de nuestra urbe acorde al perfil del programa de diseño socialmente responsable. El Espacio CDMX es un ejemplo de arquitectura, ausente de tentaciones estilísticas gracias a la claridad y calidad de su estructura, la neutralidad de sus componentes y la disposición de las tres naves. Es un frag-

mento de la memoria arquitectónica de la cuidad que con el respaldo de Design Week México y World Design Capital 2018 se ofrece hoy como un gran contenedor de múltiples usos, manteniendo su forma, dimensiones y carácter arquitectónico. La restauración, llevada a cabo por C Cúbica Arquitectos y Sinestesia Arquitectos, constituye una nueva pieza urbana que enriquece el tejido cultural del Bosque de Chapultepec y de la Cuidad de México. La principal función de Espacio CDMX es como plataforma y despliegue de contenidos, así como punto de encuentro para vincular ideas. Por eso, durante un año acogerá exposiciones, talleres y activaciones desde proyectos de estudiantes, diseñadores, arquitectos y colectivos de producción cultural. En mayo pasado, por ejemplo, se pudo apreciar la exposición Diez Exponentes del Siglo XXI Ciudad-Arquitectura-Diseño, una selección de propuestas de ciudad realizadas a través de distintas tipologías y escalas por despachos y talleres internacionales, cuyo trabajo representa un cambio en la narrativa del espacio urbano. ccubicaarquitectos.com

DISEÑO + HISTORIA

Total design, mobiliario & arquitectura Conocida por sus amigos como “Shu”, Florence Knoll cambió el paradigma de los espacios de vivienda y de trabajo a través de su atención al detalle y su visión del modernismo. Texto

ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos cor tesía de Knoll, Inc

DISEÑO + HISTORIA

FLORENCE MARGARET SCHUST nació en mayo de 1917 y quedó huérfana a los doce años, un evento desafortunado que provocó que asistiera al colegio para niñas Kingswood. Los edificios de dicha escuela fueron proyectados por el arquitecto de origen finlandés Eliel Saarinen, quien adoptaría a Florence como un miembro más de su familia tras la amistad profunda y duradera entre ella y el joven Eero Saarinen, quien más adelante se convertiría en un célebre arquitecto y diseñador. La joven Florence estudió en la Academia de Arte de Cranbrook, dirigida por Eliel, en la que estaría al lado de Eero y donde conocería a Harry Bertoia, quien eventualmente colaboraría con ella para realizar diversos proyectos para la compañía Knoll. Hacia el final de su vida académica, "Shu" se matricularía en la Asociación Arquitectónica de Londres, momento en el que estalló la Segunda Guerra Mundial y motivo por el cual tuvo que regresar a Estados Unidos, completando sus estudios en el Illinois Institute of Technology en Chicago bajo la tutela de Ludwig Mies Van der Rohe. Definitivamente todas las personas que se mantuvieron en el círculo cercano de Florence sirvieron como influencia y un gran apoyo en su camino profesional. Florence conoció a Hans Knoll en 1943, mientras residía en Nueva York. Ella trabajaba en el estudio Harrison Abramovitz Architecs, y Hans era dueño del Hans G. Knoll Furniture Company, desde ahí contrató los servicios de Florence como interiorista y, con ella, la compañía cambió para siempre. Tres años después, Florence y Hans

Penthouse lounge del First National Bank fue un proyecto dirigido por Florence Knoll.

“Diseñé mobiliario para llenar vacíos, cuando no había disponible algo más adecuado”: Florence Knoll

Anotaciones de Florence Knoll a una campaña publicitaria.

DISEÑO + HISTORIA

1917

Nace Florence Marguerite Schust en Sanigaw, Michigan en Estados Unidos .

1932

Estudió en la escuela femenina Kingswood, diseñada por Eliel Saarinen; tiempo después se convirtió en amiga cercana de la familia.

Escritorios de Knoll Planning Unit.

Florence Knoll y Eero Saarinen revisando detalles para la silla Tulip.

1943

Mientras trabajaba para Harrison & Abromovitz Architects en Nueva York, conoció a Hans Knoll, con quien contrajo nupcias en 1946.

1945

Abrió la división de diseño total de Knoll: Knoll Planning Unit, estableciendo estándares de diseño para el mid century moderno.

1947

Estableció un programa de diseño textil para cubrir otra necesidad en la industria de mobiliario, la cual sería conocida como Knoll Textiles.

Diseñado hace más de setenta años, el banco Modelo 75 se relanzó como la mesa apilable Hairpin.

contrajeron nupcias y celebraron una nueva sociedad: Knoll Associates, para la que Florence cambió su apellido a Knoll y creó Knoll Planning Unit, un grupo de diseño dentro de la empresa que se dedicó a implementar estándares de calidad y unidad estética en los interiores corporativos de la época. En aquellos días era realmente complicado que la gente aceptara dejar de lado el diseño clásico de muebles; por ello, idearon una manera de convencer a los clientes de la funcionalidad de los muebles que Knoll vendía. Así fue como se les ocurrió implementar sus sistemas en la oficina de Hans Knoll, “era lógica y funcional, pero al mismo tiempo tratamos de hacerla humana”, comentó Florence en su momento. Entre esa década y la de los 50's, Florence también se dedicó a diseñar piezas individuales de mobiliario e invitó a antiguos amigos y compañeros para colaborar con la marca, tales como Eero Saarinen, Harry Bertoia, Isamu Noguchi y

George Nakashima, quienes en conjunto crearon piezas icónicas no sólo de la marca, sino de la época y que hoy en día se mantienen vigentes por su alta calidad estética y de manufactura. En 1947 bajo iniciativa de Florence se lanzó el programa de textiles: KnollTextiles, con el objetivo de cubrir otro vacío que limitaba las posibilidades en el mercado, división que aún perdura dentro de la empresa. Florence escribió al respecto: "Me di cuenta de que no había textiles adecuados para nuestros muebles e interiores". Bajo la dirección de Florence, la compañía también desarrolló una identidad gráfica distintiva, colaborando con Herbert Matter para diseñar desde anuncios y papelería hasta el logotipo distintivo de la empresa. En 1955, Florence se puso al frente de la compañía como única responsable, después del trágico deceso de Hans Knoll, un suceso que no frenó su dedicación al trabajo y que se vería en el diseño de showrooms, campañas pu-

DISEÑO + HISTORIA

Sofá Parallel Bar diseñado por Florence Knoll en 1954.

1950’s

Bajo su dirección, Knoll desarrolló una identidad gráfica distintiva, colaborando con Herbert Matter quien diseñó, entre otros aspectos, el logotipo distintivo de la empresa.

1959

Vendió las empresas Knoll a Art Metal Company, pero siguió involucrada con la compañía como presidente por unos años más.

blicitarias e imagen corporativa. Para 1957, Knoll Planning Unit comenzó a llevar proyectos para el First National Bank de Miami; un año después, ella y Harry Hood Bassett –titular del banco– se casaron y así ella mantuvo su nombre como Florence Knoll Bassett y conservó sus actividades dentro de Knoll hasta 1959, año en el que vendió la compañía a Art Metal Construction Company. Incluso después de este evento, Florence mantuvo una relación con Knoll, gracias a la cual completó algunos proyectos y colaboró en exhibiciones relacionadas al legado de la compañía. La influencia de Florence Knoll Bassett en la sensibilidad del "diseño total" ha hecho de Knoll una de las empresas más prolíficas y sobresalientes, y de ella, uno de los personajes más inspiradores en el mundo corporativo y del diseño. knoll.com

Silla Tulip creada por Eero Saarinen en 1957.

1961

Fue la primera mujer en ganar la Medalla de Oro por Diseño Industrial, entregada por el Instituto Americano de Arquitectura (AIA).

Mesas diseñadas por Florence en 1961.

1965

Anunció su retiro, aunque reavivó su relación con Knoll, completando un último proyecto de planificación. Trabajó en exposiciones sobre la compañía y su legado.

2017

Para celebrar un siglo de Florence Knoll Bassett y su marca personal de modernismo, Knoll amplió la Colección Florence Knoll con productos nuevos y de archivo.

Colección de mobiliario diseñado por Ludwing Mies Van der Rohe entre 1927 y 1930.

SU ESPACIO

Arquitectura, arte y naturaleza “Siento que mi casa es de un estilo atemporal, muy diferente a los proyectos que realizo. El lugar que más me gusta es la terraza por su tranquilidad y contacto con la naturaleza”: Lorena Vieyra. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

"La gran virtud de mi casa es que se trata de un proyecto de restauración que he ido desarrollando durante los 10 años que llevo viviendo aquí con mi familia": Lorena Vieyra.

Fotos JOSÉ MARGALEFF

PIEZAS DE ARTE, esculturas y antigüedades salpicadas de luz y rodeadas de plantas y vegetación describen el espacio personal de la arquitecta Lorena Vieyra: una casa que ha ido remodelando a lo largo de los 10 años que lleva viviendo ahí y que trata de un proyecto de intervención que ella misma ha ido modificando y adaptando. “No se parece a ninguno de los trabajos que he realizado para mis clientes. Para mi casa he querido ser libre y simplemente dejarme llevar por las ideas que se me vayan ocurriendo”, comparte Vieyra al abrirnos las puertas de su hogar. Cuenta que la problemática de renovar su casa es que se trata de un inmueble con la gran virtud de conservar muchos detalles de su arquitectura original como molduras, herrerías, áreas muy hexagonales y cerradas, y entradas de luz muy conservadoras. “Lo que he hecho –explica Lorena– es liberar los espacios para abrir esos sitios contenidos y sentir que son mucho más fluidos y libres. Así, el recibidor se aprecia más amplio, con más entradas de luz y sutilmente dedicado a algunas piezas de arte, como un cuadro de Héctor Falcón hecho especialmente para una de las paredes con la intención de darle un toque de color a esta área. También hay una escalera que era muy curva y con herrerías muy cargadas, por

lo que parte de la remodelación ha sido limpiarla y darle vida con iluminación natural”. El recibidor está flanqueado por el estudio de Lorena y una pequeña entrada que encamina hacia la estancia, el comedor y la terraza; Vieyra los resume como espacios atemporales y de un estilo clásico contemporáneo, los cuales ha ido complementando con objetos adquiridos en subastas, con amigos de tiendas de antigüedades y durante sus viajes. “Tengo distintos objetos; cada uno con un significado diferente, pues se trata de piezas que voy seleccionando para satisfacer mi gusto personal y que, algunas de ellas, tienen el simbolismo particular de que no deben faltar en la casa de un arquitecto, como objetos originales de Mies van der Rohe y de Le Corbusier. Otro ejemplo es una serie de cuadros que cuelgan en una de las paredes de la estancia que tienen que ver con una instalación de fotos en un libro de Jan Hendrix. En general, siento que son objetos que van haciendo ‘mi casa’ y que van complementando la parte de la arquitectura con la del arte”, cuenta Vieyra al momento de emocionarse y tomar una pequeña caja de música entre sus manos para hacerla sonar, y también mostrar otra pieza interesante que adquirió en un reciente viaje realizado a la India.

SU ESPACIO

Una instalación formada con las fotografías de un libro de Jan Hendrix le da un toque artístico a la estancia.

Un par de sillas, que eran de su abuela, reciben a la arquitecta en su despacho.

Cuando se trata de hablar de su estudio, la joven arquitecta comenta que se trata del lugar en donde suele pasar largas horas, sobre todo durante la noche, cuando se da el tiempo de trabajar en sus proyectos sin que haya ruido o suene el teléfono. Ahí tiene desde reconocimientos que le han dado medios especializados hasta libros de arquitectura, fotos familiares y mobiliario al que le tiene un cariño muy especial como un par de sillas restauradas que eran de su abuela y que ahora la acompañan mientras trabaja. Sin embargo, el espacio favorito de Lorena Vieyra es: la terraza, donde le gusta disfrutar las tardes, tomando un té y leyendo algún libro, y que para su familia es su sitio de convivencia preferido ya sea para departir con amigos, preparando algo rico para comer en su cocina abierta o simplemente para disfrutar la calidez de su agradable chimenea. Este espacio no sólo integra interior con exterior sino que además se distingue por su contacto con la naturaleza al tener una vista maravillosa hacia varios árboles de fresno de más de 40 años. vieyrarquitectos.com

SU ESPACIO

"Mi casa es un espacio muy social, siempre hay gente entrando y saliendo".

En su estudio, Lorena Vieyra se acompaĂąa de libros de arquitectura mientras trabaja por las noches.

La vista hacia varios ĂĄrboles de fresno, plantas diversas y una cĂĄlida chimenea hacen de la terraza el lugar favorito para la convivencia familiar.

ENFOQUE

Estrella pop del diseño Con su vestuario fantástico compuesto por patrones increíbles de colores, BETHAN LAURA WOOD irrumpe entre los jóvenes diseñadores, impulsores de una estética distintiva en textiles, joyas, muebles, iluminación, escenografía y aún mucho más. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato ALESSANDRO PADERNI

ENFOQUE

FRUTAS, FLORES, ARCOIRIS y dulces son los puntos de referencia que usa Bethan Laura Wood para crear. Cuenta que siempre lleva con ella sus cuadernos de bocetos que se van llenando de dibujos mientras observa su alrededor. “Es impresionante lo que se puede descubrir de tan sólo mirar a la gente, los lugares, los colores y los objetos. Nada es lo que parece”, dice la diseñadora británica nacida en 1983. “Siempre he sido una persona muy curiosa para observar, es mi manera de investigar. Por eso creo que entiendo el color y la proporción de las cosas incluso antes de tocarlas. Mi colección de telas, ropa y joyas –en particular de pendientes– se entreteje con esas emociones. A veces uso un objeto de maneras diferentes o justo como no debe de ser usado para probar cómo funciona de otro modo. Además, tengo ‘el pequeño problema’ de que me gusta coleccionar cosas y entonces también voy retacando mis bolsillos con ‘chucherías’ a las que luego les encuentro un uso o una función. Creo que así es el alma de una diseñadora y me siento muy bien con ella”, cuenta Bethan que en concordancia con su filosofía de vida, ideas y singular forma de desmenuzar el paisaje urbano, suele llamar la atención de sus colegas y de la gente en general por sus excéntricos atuendos. Relata que su inquietud por vestirse diferente empezó en la adolescencia, cuando tenía 14 años. “Aún eran años escolares, pero desde entonces me di cuenta de que me gustaban las telas y la ropa coloridas, los accesorios curiosos y el maquillaje fuera de lo común. Todo eso lo encontraba en los bazares y ‘mercados de pulgas’ donde hay antigüedades, artículos de segunda mano, objetos vintage o cosas raras que no se encuentran en otros lugares. Desde entonces empecé a vestirme distinto –continúa Bethan–, pero hasta que hice mi maestría no me sentí realmente cómoda con esa conexión entre mi trabajo y la forma en que me arreglaba”. Bethan Laura Wood estudió diseño tridimensional en la Universidad de Brighton, donde se graduó con honores en 2006. De ahí continuó su preparación en el Royal College of Art donde cursó Diseño de Producto con los reconocidos Jürgen Bey y Martino Gamper, graduándose con la maestría en 2009.

“Para mí, el color es una de las formas fundamentales para digerir el entorno que me rodea”. “Estar en el Royal College of Art me hizo pensar más y más, y aprendí a superar ciertos miedos: me empujó a descubrir qué es lo que distingue a un diseñador de otro, y me di cuenta de que dividir mi vestimenta de mi trabajo, era algo que no necesitaba hacer todo el tiempo. Me atreví a combinar ambos y poco a poco fui encontrado la conexión de usar mi cuerpo como una especie de moodboard viviente. No uso ni pongo color en cada proyecto que hago, tampoco me visto de manera exótica todo el tiempo, pero sí creo que existe un flujo más libre entre mis dos mundos: mi ‘yo’ interno y ser diseñadora”. Con una amplia sonrisa en el rostro, Bethan sigue su ameno relato: “Al terminar la maestría, sentí que el paso siguiente era abrir mi propio despacho; y sí, trabajé en ello por algunos meses hasta que encontré el lugar ideal entre un laberin-

to de almacenes de ropa y talleres de soldadura por los tradicionales rumbos del Este de Londres. Ahí descubrí un espacio skylit (que en el lenguaje arquitectónico se refiere a un sitio iluminado por tragaluces), en el que también convivo con otros diseñadores, escultores y fabricantes”, platica la creativa. La diseñadora describe su estudio como el espacio en el que trabaja libremente por horas y hasta por días enteros sin siquiera notarlo. Es habitual que ahí, ella se presente sin vestuarios ni maquillaje extravagantes, tan sólo como una persona llena de ‘sí misma’ y de propuestas. “Las paredes de mi estudio –cuenta– están cubiertas desde el suelo hasta el techo con referencias, lo mismo puedo tener baratijas navideñas que adquirí en algún viaje u objetos que me han inspirado para crear algún proyecto. Para mí no podía haber mejor nombre que el de: Wood London, para representar el lugar en el que trabajo; no sólo porque es una referencia real a mi persona sino porque también simboliza mi pasión por trabajar con la madera”.

MÉXICO Y SUS PALETAS DE AZÚCAR Como parte de su carrera profesional, Bethan ha tenido la oportunidad de hacer residencias en el London’s Design Museum, la Fondazione Claudio Buziol en Venecia y ¡en México!. “En 2013 fui elegida por W Hotels como uno de sus Diseñadores del Futuro; por eso trabajé en México durante algunos meses. Lo que más recuerdo de esa etapa son los vibrantes colores que envuelven su cultura; es un país del que no sólo me llevé esa notoria influencia sino que también me enseñó

Fotos cor tesĂa Bethan Laura Wood Studio, Alessandro Paderni, Moroso

ENFOQUE

Mono Mania Mexico en colaboraciĂłn con Limonta para Moroso, 2018

Playtime–Spaghetti Junction en colaboración con Abet Laminati, 2011

Particle–Stack Super Fake en colaboración con Abet Laminati, 2010

“Todos tenemos recuerdos de ciertos colores y de ciertas etapas de la vida. Eso se puede traducir muy bien entre las culturas y personas”.

Criss Cross Bloom, comisionado por Designer of the Future Awards, Design Miami/Basel. Hecho en colaboración con Pietro Viero y Nouvelle Studio

Rainbow para Linea Sette, 2014

ENFOQUE

Fotos cor tesía Bethan Laura Wood Studio, Bitossi Ceramiche, Angus Mills.

a superar el frío con muchos ponchos que ahora forman parte de mi indumentaria”. Fue en esa etapa cuando Bethan coincidió con el diseñador mexicano Fernando Laposse, quien ahora reside en Londres y se ha convertido en su gran amigo y colega. Con él, Bethan realizó un extraordinario viaje de inducción al ‘México real’ para conocer hasta los rincones más escondidos dentro de la ciudad, con la idea de tener una experiencia multisensorial. “Cuando haces una residencia, eso funciona muy bien en términos de inspiración, para generar nuevas ideas y conocer otros materiales”, enfatiza la diseñadora, quien al día de hoy ha colaborado con galerías, coleccionistas y curadores, y cuyo trabajo se ha expuesto en eventos como Art Basel. “También me gusta mucho dar clases – agrega–, pues creo mucho en que el conocimiento se comparte. Por eso, imparto una maestría en diseño en la École Cantonale d’Art de Lausanne en Suiza”. De su paseo por las entrañas de la urbe citadina junto con Laposse nació su serie de luces y candelabros Criss Cross, que luego Bethan usó para desarrollar una gran instalación hecha de azúcar en una de las ventanas de la cadena de tiendas Selfridges en Londres. Dicha colección se inspira en uno de los dulces mexicanos más conocidos: las tradicionales paletas de azúcar (llamadas ‘cachetadas’) que los vendedores

Guadalupe para Bitossi Ceramiche, 2016

ambulantes colgaban en sus carritos. “Lo que vi me inspiró mucho y aún recuerdo lo refrescante que fue explorar la Ciudad de México en aquella época junto con Fernando”.

MADERA, VIDRIO Y LAMINADOS Actualmente, Bethan ha creado una gama de objetos que van desde joyas, mobiliario e iluminación hasta intervenciones y colaboraciones a gran escala y con marcas renombradas, a menudo produciendo piezas con el expertise de la mano de obra que sólo los artesanos locales pueden detallar. Su trabajo se caracteriza por la recontextualización de los elementos de los objetos cotidianos, a menudo centrándose en el patrón y la coloración de los objetos como indicadores de sus orígenes, producción y uso en el pasado. Su material preferido es la madera, pero también le gustan mucho el vidrio y los laminados. “Me interesan los materiales que han sido el resultado de una manufactura industrial y que, por lo general, inundan tanto nuestra vida cotidiana que no nos preguntamos de dónde vienen o cómo son fabricados. Claro que tampoco descarto la experimentación con otro tipo de materiales, que incluso llegan a ser más baratos en los procesos y con los que se pueden lograr resultados realmente sorprendentes”, enfatiza la artista. Al respecto, la creativa hace hincapié en que la conexión que los diseñadores hacen con los objetos que nos rodean. “Como coleccionista y diseñadora, me gusta explorar lo que lleva a las personas a que les guste o no un objeto en particular. Creo que además de que algo pueda ser estéticamente hermoso, puede llegar a ser aún más bello si funciona como una pieza de joyería o de iluminación. De eso trata justamente el impacto emocional de los objetos: de juntar diferentes formas, colores y texturas”. Curiosamente el proceso creativo de Bethan es tan inusual como aquel paseo urbano que hizo por la Ciudad de México para descubrirla, pues ella misma reconoce que a menudo suele empezar a vestirse de colores y con vestimentas hechas con telas de texturas distintas y combinadas de

Mesas bajas Moon Rock, Super Fake manufacturado en colaboración con Abet Laminati, 2011

Soft Rock–Repeat Venice manufacturado en colaboración con Abet Laminati, 2009

ENFOQUE

Fotos cor tesía Bethan Laura Wood Studio, Valextra, Fernando Laposse

Super Fake Collection para CC-Tapis, 2018

muchos modos, sobre todo cuando está tratando de digerir o entender una paleta de tonos diferente. “No se trata de lo que me recubre sino de usar, modelar y colorear porque necesito verificar y asegurarme de que los patrones que voy a proponer realmente funcionan bien”, asegura la diseñadora que hasta ahora nunca ha llegado a trabajar a su despacho vestida de negro o de blanco únicamente. “Quizá algún día lo haga, no lo sé; pero hasta ahora eso no ha sucedido. Creo que tendría que cambiar el rumbo cuando eso ocurra. Lo que sí puedo decir es que hay días que no me paro frente al espejo, pero no dejo de pensar en el color, la proporción del color, el significado del color, los patrones y el significado del diseño”.

ENTRE TAPICES Y TEXTILES Aunque ella en sí misma es una mezcla ecléctica, la fundadora de Wood London no deja de ser una figura recurrente en ferias de diseño; desde el Salone del Mobile Milano hasta el London Design Week se le aprecia a donde vaya y en donde esté. Es inmediatamente reconocible por la combinación tan liberal de accesorios y capas sobre ella; para algunos es como ‘un pájaro exótico’ entre colores neón y plata, para otros una especie de ‘mercadillo viviente’ que provoca curiosidad. Lo cierto es que Bethan Laura Wood es de las

jóvenes diseñadoras contemporáneas que se atreven a hacer cosas que rayan en la locura. “Si tuviera millones de dólares, me iría a todos los bazares, mercados de antigüedades para comprar miles de cosas y encontrar aún más posibilidades de mezclar accesorios. Así ha sido mi curiosidad desde pequeña, hoy convertida en una verdadera pasión por el diseño”, concluye Bethan, a quien también le fascina el uso del delineador de ojos tipo arcoiris y que durante la semana del diseño de Milán de abril pasado sorprendió con la colección Super Fake para cc-tapis que trata de una serie de tapetes con todas sus capas hechas conforme diferentes técnicas de anudamiento, además de que también fue la curadora del espacio principal de Moroso en la feria, el cual estuvo dedicado a los tapices y textiles. bethanlaurawood.com

Arriba: Criss Cross Bloom, 2017 Abajo: Toothpaste SS18 para Valextra

ENTREVISTA

Los pasillos del Salone del Mobile Milano presentan las novedades de diversas marcas con orgullo, sobre todo cuando los diseños están a cargo de nombres reconocidos como el de JASPER MORRISON. Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

Fotos cor tesía Magis, retrato Kento Mori

Saber elegir

ENTREVISTA

POR SUPUESTO el nombre de Jasper Morrison nos es familiar, tan sólo este año tuvo colaboraciones con Maruni, marca japonesa que produce mobiliario de madera; Emeco, firma estadounidense que tradicionalmente produce mobiliario de aluminio para los que, sorpresivamente, diseñó una silla plástica; Vitra, con quienes creó una mesa; los italianos Cappellini y Schiffini, para quienes diseñó una silla con descansabrazos y un sistema de cocina integral, respectivamente. Y finalmente está Magis, con quienes diseñó la silla Plato, realizada mediante el proceso de fundición a presión de aluminio. El diseñador de origen londinense comparte: “a veces ocurre que yo me acerco con las marcas y les propongo algún diseño; también ocurre lo contrario, ellos me piden que diseñe algún producto. En esta ocasión, el dueño de Magis, el señor Eugenio Perazza, me pidió que diseñara una silla de aluminio. La idea original era que desarrollará una silla hecha en una sola pieza o fundida por completo en un sólo procedimiento, pero al final eso fue ambicioso, porque el molde hubiera tenido que ser enorme y muy costoso, entonces cuando lo haces por separado, el molde es más pequeño y puede resolverse de esa manera, por un lado el asiento y por otro las patas, que fueron extruidas y que más tarde pueden integrarse al cuerpo de la silla, así fue como desarrollamos Plato. Les mostré algunos bocetos, les gustó y me pidieron que considerara otra manera de resolver

su producción, lo intentamos, pero finalmente no era demasiado lógico, por lo que regresamos a la idea de armarla por partes”. Es decir, Morrison mantuvo el proceso simple y con ello Magis obtuvo una pieza sencilla y eficiente. “En general, las cosas especiales son menos útiles que las normales”, afirma Jasper, haciendo énfasis en la línea de diseño que siguió para desarrollar Plato, pues en realidad él considera que el diseño se trata de dar vida a objetos que no sean “extraordinarios”, sino “supernormales”. Esto es lo que Plato ejemplifica, es una silla rigurosa y minimalista, pero al mismo tiempo es versátil y se adapta perfectamente tanto a interiores como a exteriores por su material y su configuración, que puede ser con descansabrazos o sin ellos, al respecto Jasper explica: “El señor Perazza consideraba que tal vez tendríamos que haber hecho la silla sólo con los descansabrazos,

"Se puede aprender mucho de nuestro alrededor, lo importante es reflexionar sobre lo que se mira y se conoce".

lo intentamos y estaba bien, se veía bien pero sentí que sería una lástima no tener la silla sencilla, así que decidimos hacer ambas versiones”. La silla es completamente reciclable y por sus procesos de fabricación es de una estructura más fina y a la vez más resistente que otros materiales como el plástico. Durante el proceso, que duró alrededor de nueve meses, Morrison dibujó muchísimas opciones, detalles y sobre todo modelados digitales para entender el proyecto antes de realizar la producción, un proceso realmente intenso. Finalmente, le pedimos a Jasper que le diera un consejo a su ‘yo joven’, al joven diseñador que apenas comenzaba su carrera, a lo que resolvió sin titubear: “Presta atención a todo lo que te rodea, puedes aprender muchísimo de todo lo que existe, asiste a las ferias de diseño porque ahí puedes experimentar el diseño de otros profesionales y reflexionar sobre sus propuestas, piensa ¿está bien?, ¿es confortable?, ¿se ve bien?, ¿se ve costoso?, ¿es costoso?, porque hay muchos factores que hacen de un diseño algo exitoso y es un balance de todo: precio, materiales, comodidad, apariencia. Si alguno de esos puntos se pierde, el diseño falla. Necesitas aprender mucho y del aprendizaje desarrollas instinto, entonces cuando dibujes algo nuevo ya sabrás tomar el camino correcto para empezar”. jaspermorrison.com magisdesign.com

ENTREVISTA

KONSTANTIN GRCIC diseñó una colección de gavetas y armarios metálicos, utilizando técnicas que observó en una fábrica de acero en el norte de Italia. Entrevista SANDRA MONTIEL, enviada Milán

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos cor tesía Magis, objetos Alessandro Paderni

La satisfacción de colaborar

ENTREVISTA

SE TRATA DE LA COLECCIÓN CHESS, creada para la marca italiana Magis, que fue presentada durante la semana del diseño en Milán en abril pasado; dicha colección fue desarrollada en colaboración con Fami, compañía que ha fabricado por años, sistemas de mobiliario de lámina metálica, que tradicionalmente se ha mantenido en espacios industriales o de oficina. Hablamos con Grcic al respecto y comentó: “Este proyecto comenzó con la colaboración entre Magis y Fami, ellos jamás han hecho este tipo de colaboraciones y la idea era cambiar de contexto los muebles haciendo una intervención”. El proceso, que duró cerca de año y medio, desde el primer acercamiento, pasando por charlas, visitas, los primeros bocetos, prototipos y la producción final, arrojó una colección con un toque sutil en materiales, se añadió roble macizo en las jaladeras y zócalos de las piezas, solución que cambia por completo la apariencia robusta que los muebles metálicos tienen en el imaginario colectivo. El diseñador recalca que es un cambio que no pasa desapercibido: “las jaladeras de madera cambian todo, porque son el punto de contacto con el mueble, es un material suave en comparación con el metal, además elegimos colores que no son comunes con este tipo de muebles, cuidamos el sonido que los cajones generan al cerrarse, es un cambio muy sutil, pero imagina tener un mueble de este tipo en tu dormitorio, no quieres que suene como el que generalmente encuentras en una oficina, también hay versiones con puertas abatibles o deslizables, lo que permite darle aplicaciones de uso diversas y que no serán elegidas por mí, al final quien decida tener alguno de estos muebles será quien dicte su uso”.

Naturalmente, modificar las características de un objeto cambia sus cualidades y cómo es percibido por los usuarios, intención que desde la conceptualización de Chess estaba sobre la mesa. De acuerdo con Grcic: “El diseño puede cambiar el rumbo de los objetos, eso es lo que quisimos desarrollar con esta colección, redirigir un producto industrial a un ambiente doméstico”. Durante el proceso de diseño, el estudio de Konstantin observó cuidadosamente los procesos de manufactura de Fami para encontrar la manera más ágil para producir las piezas de Chess; la compañía, que lleva años en la industria, cuenta con métodos bastante eficientes, algo que el diseñador agradece profundamente y que tomó en cuenta para no alterar el sistema de Fami, en su lugar eligió integrarse a los procesos que la compañía ya lleva a cabo, quienes a decir de Grcic estuvieron felices y satisfechos con el resultado, ya que Chess les permitió ver las capacidades de producción con las que ya cuentan desde otra perspectiva, “fue como mostrarles su sistema de mobiliario con vestimenta de fin de semana, durante el proceso se mostraron muy comprometidos con Chess, fueron extremadamente útiles y colaborativos”, comentó Grcic con una sonrisa en el rostro. Para Konstantin el proceso de colaboración fue algo mutuo, o mejor dicho solidario ya que la colaboración fue de tres, “no es que yo llegara a decirles qué hacer o que ellos me dijeran cómo hacerlo, tratamos de descubrir la respuesta de diseño durante el proceso en conjunto, creo que por eso el resultado es tan fuerte y convincente, porque siguen siendo muebles metálicos, jamás tratamos de cambiar eso, es exactamente lo que quisimos que fuera, una intervención a lo que

"Modificar las características de un objeto cambia sus cualidades y cómo es percibido por el usuario": Konstantin Grcic.

existía, como diseñador estoy muy satisfecho con el resultado, la exhibición es resultado de la calidad y justamente el propósito de cada uno de los muebles”. También hablamos sobre la importancia de este tipo de colaboraciones, “el mundo de la manufactura o de producción es complejo, creo que hacer equipo con los especialistas de Magis, Fami y conmigo como diseñador, de cierta manera sirvió para intercambiar experiencias y habilidades para hacer algo con mucha calidad, eso es importante, desde siempre lo ha sido y ahora con las nuevas tecnologías a veces olvidamos qué tan complicados son los procesos de manufactura, no es que programes algo y funcione a la perfección, es un procedimiento complejo donde se hacen pruebas que poco a poco optimizan los pasos, incluso ahora en 2018, esa es la realidad de la industria, aunque se trate de alguien muy experimentado el proceso debe realizarse con prototipos, porque siempre hay mínimos detalles que pueden cambiarse para que algo funcione y sea mejor que antes, eso es buscar una nueva dimensión de calidad”. konstantin-grcic.com magisdesign.com | famispa.com

Patrones y significados “Cuando colaboras con una compañía que está involucrada con tus ideas se obtiene un resultado maravilloso”: GAMFRATESI

Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

Fotos cor tesía de Alpi

Retrato TUALA HIJARNO

ENTREVISTA

LOS ARQUITECTOS Stine Gam y Enrico Fratesi fundaron el estudio GamFratesi en 2006, desde entonces viven y trabajan en Copenhagen, Dinamarca. Hace poco llevaron a cabo su más reciente colaboración con Alpi, empresa familiar fundada en 1919 en Modigliana, Italia, dedicada al desarrollo y producción de superficies de madera. En la apretada agenda de la semana del diseño en Milán, tuvimos una entrevista con Stine Gam y Enrico Fratesi, hablamos sobre su aportación a la colección de Alpi, en la que lanzaron los acabados Rain y Cloudy. Fratesi compartió de manera muy formal: “nos invitaron a colaborar para crear nuevas superficies para la línea de diseñadores, por supuesto era muy importante tener una junta en persona de inmediato y conocer la fábrica, que es un lugar sumamente interesante”. Por su parte, Stine comentó: “se trata de una fábrica asombrosa donde se llevan a cabo técnicas impresionantes, la base de nuestra colaboración fue entender cómo hacer un proyecto con ellos, con sus técnicas y materiales”. Bajo nuestra interpretación Rain y Cloudy lucen casi como si estuvieran tejidas, a lo que los arquitectos coinciden, “por supuesto cuando trabajas con textiles como nosotros puedes ver la relación entre este material y los tejidos. Con Alpi fue importante respetar las técnicas que ellos utilizan para procesar la madera, por lo que quisimos implementar medidas de fabricación típicas y al mismo tiempo evidenciar nuevos patrones así fue como recurrimos a un aspecto del clima y que interpretamos para implementar el proyecto, ese fue el verdadero reto: transferir el concepto natural a la madera”. La propuesta centrada en instantes cotidianos fue dirigida con una línea estética inspirada en el grabado japonés ukiyo-e, mismo que fue depurado por la visión minimalista propia de

Las superficies son poesía materializada, pues el eje conceptual radicó en la belleza de las nubes y los matices cambiantes durante las tormentas.

Para Enrico Fratesi y Stine Gam, el diseño es una pasión, donde se debe tener curiosidad para analizar profundamente los materiales y entender cómo funcionan.

GamFratesi. Las superficies son poesía materializada, pues el eje conceptual radicó en la belleza de las nubes y los matices cambiantes durante las tormentas. Los patrones en Cloudy son suaves en composición y firmes por sus tonalidades marfil sobre fondo negro, por otro lado, Rain capta la esencia ligera de la lluvia, a través de una representación estilizada y repetitiva de las gotas de agua, el diseño que se repite al azar se presenta sobre dos fondos: gris claro y negro, atravesados por salpicaduras de colores azul, negro, rojo y blanco, haciendo referencia a los colores inesperados que el agua refleja. “El diseño, aunque está inspirado en la naturaleza, no deja de ser artificial; es una especie de equilibrio que tratamos de encontrar en el proceso. Elegimos colores bastante fuertes pero que casi desaparecen al ser elementos tan finos, de cualquier modo, impregnamos la madera de colores poco usuales, inesperados”, concluye Stine Gam. Observar los patrones tan delicados nos hizo preguntarles sobre el proceso de manufactura, “el producto empieza con grandes bloques de madera que se laminan, luego se les extraen partes, a las que se les añaden trozos de madera de otro color, al final obtienes una nueva superficie, pero esta vez totalmente diferente. Es un trabajo fino de ingeniería donde se buscan nuevas soluciones todo el tiempo, el equipo de Alpi lleva años experimentando con esto y gracias a eso recibimos resultados como este. A lo largo de casi un año hicieron varias muestras que nos enviaban a Copenhagen en las que intentábamos nuevas líneas y veíamos cómo lucían los colores, cada vez que les pedíamos algún cambio era implementar nuevas herramientas porque el resultado es impredecible, fue con sus habilidades que logramos el producto que finalmente queríamos, creemos que esa es la parte más importante de nuestra colaboración”. gamfratesi.com alpiwood.com

FERIAS

La naturaleza de vivir

“Los días del Salone son fantásticos, somos el centro de la creatividad durante esta semana, la calidad y la atmósfera que nos rodea en todo Milán es la mejor”: Claudio Luti, Presidente del Salone del Mobile. Enviadas Milán ITAYEDZIN ARAGÓN Y SANDRA MONTIEL

COMO PARTE DE LA AGENDA de la 57ª. Edición del Salone del Mobile, se realizó la instalación Living Nature. La natura dell’abitare, un espacio dedicado a la naturaleza que se ubicó en la Plaza de la Catedral, esta fue la primera vez que el Salone organizó una actividad fuera de Fiera Milano. El proyecto dirigido por Carlo Ratti Associati, se realizó bajo la pregunta: ¿cómo se pueden reconciliar por un lado, la creatividad y la innovación con el respeto y la integración de la naturaleza, y por el otro, controlando los consumos utilizando materiales y técnicas sostenibles, renovables y no contaminantes? En tan sólo 500m2 se idearon criterios de ahorro energético para crear cuatro microambientes naturales y climáticos, en ellos se experimentaron las estaciones del año, coexistiendo una al lado de la otra. Los visitantes se sumergieron en la magia de la naturaleza y experimentaron los cambios de temperatura y vegetación en las cuatro zonas. Cada sala dejaba ver los colores característicos de cada estación, pasando por el blanco de nieve invernal, los colores tenues de la primavera, lo vibrante del verano y los ocres otoñales. Sumado a esto, se colocaron íconos del diseño que dejaban ver una intención habitacional, objetos de Arper, Cappellini, Desalto, Ethimo, Fiam, Glas Italia, Kartell, LaPalma, Living Divani, Magis, Moroso, Muuto, Myyour y Riva1920. Con ellos, uno podía sentirse como en casa por su familiaridad. La instalación fue un desafío tecnológico, se colocaron paneles fotovoltaicos en toda la cubierta del pabellón que generaban energía limpia mientras controlaban las diferentes temperaturas, donde convivieron 23 especies de árboles altos, plantas y flores típicas, además de historias de diseño que se enlazaron a la naturaleza. salonemilano.it 1 carloratti.com

Foto cor tesía Salone del Mobile.Milano, Saverio Lombardi Vallauri

FERIAS

La instalación Living Nature fue un laboratorio único donde se combinaron: diseño, ingeniería y botánica, en él se demostró que un espacio puede ser más cuando se toman en cuenta los recursos naturales.

Fuorisalone Milรกn

FERIAS

ESTADOS ALTERADOS

Foto David Zanardi

“El nombre de la instalación hace referencia a los estados del agua, pues juega un papel importante en la cocina y en nuestras vidas.”: Alex Mustonen, socio cofundador de Snarkitecture.

Caesarstone, empresa que se dedica a la fabricación de superficies de cuarzo, recurrió al estudio neoyorkino Snarkitecture para crear una instalación donde se explorara el futuro de la cocina, específicamente las de isla, diseño que ha tomado fuerza. Ellos retomaron al agua como elemento central. “Quisimos enlazar los tres estados del agua y pensar en la manera en la que se conectaban con la cocina, ya que en estado sólido es necesaria para preservar los alimentos, cuando es vapor tiene que ver más con su preparación y en estado líquido es vital. Hicimos una exploración al respecto en una isla de cocina, habitación que es el centro de actividades de los hogares, ya que ahí nos reunimos, celebramos, cocinamos, es un lugar de entretenimiento e incluso de trabajo. Pensamos en la isla como un punto emocional que reúne a las personas”, añadió Mustonen. En Altered States, se utilizaron materiales diferentes, primero estaba la gravilla del piso, material primigenio para la fabricación de los paneles de cuarzo, luego le siguió la isla central hecha en White Attica, de acabado marmoleado y finalmente el anfiteatro, cuyas superficies estaban conformadas por la colección Metropolitan de Caesarstone, de textura similar al concreto y conformada por tres tonalidades que van de gris muy claro a gris oscuro. La instalación se presentó en el Palazzo dell’Ufficio Elettorale di Porta Romana, inmueble que por sus características fue receptáculo ideal de la intención que Snarkitecture tenía en mente, ya que querían que los visitantes tuvieran una experiencia inmersiva y conceptual de la isla de cocina. snarkitecture.com caesarstone.com.mx

“Esta colección ha sido un proceso fascinante para mí. Quería crear un mundo celestial de iluminación experimental con la última tecnología.”: Lee Broom

Fotos cortesía Lee Broom

OBSERVATORIO

Este año, Lee Broom regresó al diseño de iluminación, cualidad por la que la marca es reconocida. La colección de siete productos fue revelada bajo la instalación Observatory, el trabajo más progresivo de Broom hasta la fecha con nuevos diseños de inspiración estelar que juegan con las proporciones de lo vertical y el espacio horizontal, la forma escultórica, esférica, y la refracción y reflexión de la luz. Desarrollada en cerca de dos años,Observatory incluye cuatro nuevas colecciones de iluminación: Eclipse, integrada por tres versiones de lámpara: una de techo, una de mesa y una de pared, Orion, pieza modular de suspensión, Aurora, candelabro que puede medir desde 32 y hasta 108 cm de diámetro y que puede adaptarse a diferentes configuraciones, finalmente está Tidal, una lámpara de mesa hecha en acrílico opaco y que hace referencia a la fuerza gravitatoria de los cuerpos celestes. En las luminarias se utilizaron nuevas tecnologías con sistemas de iluminación LED y bombillas diseñadas a medida, desarrolladas internamente por el estudio. Se mostraron nuevos acabados como cromo pulido, además de nuevas interpretaciones de materiales utilizados en colecciones anteriores, marcando una nueva dirección para Lee Broom en la que se combinan elementos contemporáneos y clásicos, caracterizados por la sencillez en sus formas y acabados. El diseñador nos habló sobre la importancia de la iluminación en su estudio: “es una parte fundamental de mi ethos como diseñador y siempre jugará un papel protagónico en mi trabajo, esta colección ha sido un proceso fascinante para mí.”. Observatory fue expuesta en Milán y Nueva York, será durante el próximo septiembre que Broom la lleve a Londres, añadiendo elementos nuevos en cada destino. leebroom.com

FERIAS

SUMERGIRSE EN FANTASÍA “Quise traer el cielo al suelo, hacerlo presente de manera física”: Phillip K. Smith III.

Conocido por sus instalaciones inmersivas de gran formato, el artista Phillip K. Smith III bajó el cielo al patio interior del Palazzo Isimbardi con Open Sky, una instalación escultural de larga escala inspirada en el cielo que cubre Milán y en su arquitectura, la escultura ofrecía a sus visitantes la oportunidad de experimentar reflejos abstractos de la luz y los colores del cielo, reflejos que se combinaban con algunos detalles del palacio y sus jardines. “Cada año tratamos de celebrar la creatividad y lo colaborativo, que es exactamente la razón por la que compartimos nuestras inspiraciones a la increíble comunidad creativa del mundo”, compartió Karin Gustafsson, directora creativa de COS. El área del cielo que se observa desde el patio del palacio es de forma cuadrada, en contraparte la escultura refleja un cielo semi circular que se refleja directamente hacia la vista de los visitantes, la idea del escultor era liberar de cualquier obstáculo la belleza que esta presente en el cielo milanés. El artista dijo: “Mi trabajo está inspirado en los cambios constantes que se encuentran en la luz, el color y las formas que se presentan en el ambiente natural y artificial. Las condiciones específicas del Palazzo Isimbardi me ofrecieron la oportunidad de cambiar el formato de su arquitectura y fundirla con el cielo. Estoy seguro de que cada visitante obtuvo una experiencia única, por las cualidades específicas del cielo, por la luz del día y también por el camino que tomaron para recorrer el patio. Cada participante de la instalación estuvo en control de cómo mirar el cielo y la arquitectura en tan sólo 14 metros”. pks3.com cosstores.com

Foto Takumi Ota

FERIAS

LA PERCEPCIÓN DEL TIEMPO Durante la pasada semana del diseño en Milán el estudio Nendo presentó en Superdesign Show una selección de 10 desarrollos basados en el movimiento.

En colaboración con varias empresas japonesas especializadas en la producción y uso de materiales especiales y nuevas tecnologías, la exposición personal de Nendo presentó 10 conceptos basados en la idea de movimiento, que surge de la función del objeto, material o método de producción. Los 10 conceptos fueron sumamente impactantes por la delicadeza de los materiales y la atención particular a la precisión de los detalles en su producción técnica. Nendo: forms of movement mostró no sólo los productos finales sino también modelos y maquetas de cada proyecto, compartiendo con los visitantes el aspecto de producción, así como el proceso creativo del estudio. Entre los 10 productos expuestos destacamos Variations of time, relojes de arena en los que se cambiaron drásticamente las formas por las que caen los granos, esa alteración cambia la velocidad y la percepción del flujo del tiempo. Se podría decir que el concepto de esta colección es “diseño del tiempo en sí mismo". El estudio con bases en Japón y Milán propuso cuatro diferentes relojes que fueron tallados en un volumen de acrílico transparente, las cavidades interiores se pulieron a mano con agujas de metal, cuya punta se impregnaba de abrasivos. Este método de producción da a las formas un aspecto casi natural, orgánico, parecido a nubes o charcos, transmitiendo la sensación de que el tiempo se mueve de manera fluida. Las cavidades abrían paso a diferentes lapsos de tiempo cuyos ejes también fueron conceptuales: estaba el de “tiempo dividido” de cinco minutos, el de “tiempo convertido” de dos y un minuto, el de “tiempo duplicado” y “triple tiempo”, reloj en el que podía contarse uno, dos o tres minutos con la misma cantidad de arena. nendo.jp superdesignshow.com

FERIAS

Stands feira

Magis | Ideal city Inspirados en la arquitectura del célebre arquitecto Andrea Palladio, Note Design Studio colaboró en el diseño del stand de Magis, la propuesta se caracterizó por sus tonos suaves y arcos que nos recordaron a los palacios paladinos. En el conjunto convivieron íconos de la marca y sus lanzamientos más recientes; diseños de Konstantin Grcic, Oiva Toikka, Jasper Morrison, Inga Sempé y piezas nuevas para la colección Me Too, diseñadas por Blaise Drummond, Spalvieri & Del Ciotto y Big-Game. Este año, Magis colaboró con firmas como Fami e Iittala. Su espacio en la feria los hizo acreedores al premio del Salone del Mobile, que se otorgó a empresas cuyos proyectos, productos y exposiciones se distinguieron por su calidad, innovación, creatividad, poder comunicativo y procesos de fabricación. magisdesign.com

Kartell | Smart Design for smart people La marca de origen italiano presentó un recorrido a través de ocho tarimas, cada una dedicada a un proyecto que representa una célula estratégica de la empresa: la investigación relacionada con la madera en Wood, la atención a los temas Bio y a los materiales nuevos, la innovación de las Smart Table, la valoración de las formas esenciales para el Outdoor, las nuevas propuestas Living y Sitting, las formas y los juegos de luz en Lights y por último, la nueva colaboración con La Double J, marca de J.J. Martin. El diseño del stand salió del esquema clásico de la relación forma/función y elevó a la innovación tecnológica de forma sutil. Es una reflexión sin necesidad de superestructuras, sólo fue necesario el diálogo entre forma, materia y creatividad. kartell.com

FERIAS

Cappellini | Design Portraits De formas extremas a líneas esenciales, de colores vivos a tonos neutros, de materiales de alta tecnología a elementos naturales, con aspectos lúdicos, inesperados e irónicos, Cappellini, sabe que los contrastes son parte de una misma visión y los retoma como parte de su identidad de diseño. Esta contraposición fue integrada en su presencia durante el Salone, superando las tendencias y las fronteras funcionales. En su stand exhibieron las nuevas colecciones en un escenario de luz viva y blanca, obtenida a través de lámparas de neón que trazaban cajas y torres inmateriales, resaltando colores y texturas, haciendo referencia al diseño de iluminación de Dan Flavin y a la escenografía de neón de Lucio Fontana. Cappellini nos brindó la experiencia de un diseño efímero en el que los objetos se vieron privados de su funcionalidad y se convirtieron en íconos de sí mismos. cappellini.it

Petite Friture | Villa P.F.

Fotos cortesía

Durante varias temporadas Petite Friture ha hecho diferentes instalaciones de su Villa P.F., ya sea en ferias internacionales, en tiendas o en otros lugares. Durante el Salone, fue ambientada con las ilustraciones de Lisa Laubreaux; en conjunto se trató de un paseo por los objetos de la marca francesa que ofrece talento inmerso en un universo fantástico e imaginativo. Con cada objeto se contaba una historia, nuevos significados moldeados por diferentes diseñadores. La instalación recuperó el concepto de descanso, un lugar vacacional con objetos típicos habitados por los personajes ilustrados. Entre los diseños, destacó el papel tapiz Jetlag creado también por Lisa y la repisa Loop, diseñada por Amandine Chhor en 2011, presentada ahora con nuevos colores, dimensiones y formas. petitefriture.com

FERIAS

Salone Satellite Felicia Arvid La diseñadora danesa, Felicia Arvid Jaeger, comenzó su carrera a los 17 años, cuando era interna en una casa de modas solía crear su propia ropa, fue con esos vestidos que comenzó su carrera y la fundación de su propio estudio. Rápidamente, Felicia amplió su campo de diseño, alejándose de la moda y adentrándose en el mundo de la arquitectura y del diseño de objetos, trayendo consigo el conocimiento de la costura y su trabajo en el área textil. La filosofía de Felicia radica en su experiencia como modista y en su conocimiento de la creación de formas tridimensionales con textiles basados en la tradición nórdica. Su sistema modular de sofás-cama abarca el individuo y las diversas formas de vida mediante la adaptabilidad. feliciaarvid.com

Originario de Tokio, Hiroto Yoshizoe es diseñador de espacios y productos. Su trabajo se centra en la interpretación de las ideas de “cambio”, “movimiento” y “tiempo” en el espacio para crear diseños tanto modernos como analógicos. Fue ganador del premio Lexus Design Award 2017 por su proyecto Pixel, un material que cobra vida con el efecto de la luz y la sombra, puede ser utilizado como ladrillos o como shoji, un elemento divisorio tradicional en la arquitectura japonesa. Hiroto es graduado de la Universidad de Arte Musashino. Actualmente trabaja en dirección de arte y diseño de instalaciones comerciales. Durante su primera participación en Salone Satellite exhibió la colección 1.625 m / s2 y llevó una propuesta de material creado a partir de elementos reciclados con recubrimiento especializado. hirotoyoshizoe.com

Foto Shunsuke Watanabe

Hiroto Yoshizoe

FERIAS

Domenico Orefice Italiano graduado en Diseño Industrial por el Politécnico de Milán en 2006, durante su vida como estudiante estuvo profundamente involucrado en arte callejero y comunicación viral, ha colaborado con estudios como Terri Pecora, Diego Grandi y Setsu & Shinobu Ito. En 2009 fundó su propio estudio de consultoría. Este año presentó Man de Milan, una colección de mobiliario desarrollado en colaboración con artesanos de Milán y Lombardia, en la que se exploran materiales, historia e íconos de la identidad de la ciudad, citando, revitalizando y valorizando el imaginario colectivo milanés para redescubrir procesos locales, impregnándolos de nuevas tecnologías y nuevos materiales. La intención es trasladar historias a objetos contemporáneos, a manera de tributo a los orígenes de la ciudad, su sabiduría artesanal y constructiva. dostudio.org

Fotos cor tesía de los diseñadores

Kosuke Matsuda Egresado de la Facultad de Arte y Comunicación de la Universidad de Arte de Tama, Kosuke trabaja como diseñador UI / UX y de productos. Durante su debut en Salone Satellite incorporó la experiencia del usuario en el diseño de productos para crear una conexión positiva entre el mueble y el individuo. Apenas el año pasado decidió transformar su práctica hacia el giro independiente, en el proceso planea expandir sus ideas hacia una colección completa de mobiliario que la gente pueda manipular de manera intuitiva. Su colección Uni, es un método para evitar la compra desmedida de diferentes muebles, su idea consiste en que el usuario adquiera piezas sueltas y pueda crear lo que necesite cuando lo necesite, es básicamente un sistema modular para configurar mobiliario. matsudakosuke.com

FERIAS

Curaduría ITAYEDZIN ARAGÓN Y SANDRA MONTIEL Biombo Minima Moralia por Christophe de la Fontaine, sillón Falstaff por Stefan Diez y lámpara Nightingale por Christophe de la Fontaine para Dante

Fotos cor tesía de las marcas,

Imprescindibles dentro y fuera del Salone.

FERIAS

Chamfer por Patricia Urquiola para Moroso

Pitagora Outline por Elena Salmistraro para CC-Tapis

Foto Cristina Galliena Bohman

Il naturale por Mayr&Glatzl para Moroso

Clay por Formafantasma para Bitossi

Hiroshima por Naoto Fukasawa para Maruni

FERIAS

Foto Peter Guenzel

Giardino delle Delizie por Cristina Celestino para Fornace Brioni

Remind por Design Eugeni Quitllet para Pedrali

Barbican por Konstantin Grcic para Established & Sons

Fotos cor tesĂa de las marcas

Lari por Angelo Mangiarotti para Karakter

Elan por PINCH

FERIAS

Foto Brooke Holm

Rayures por Ronan & Erwan Bouroullec para Glas Italia

Luminarias Legato por Luca Nichetto, bancos y mesa Orbit por Jamie Gray, silla Avoa por Pedro Paulo Venzon, maceta Oca por Sergio Rodrigues para Mattermade

DB por Santiago CastaĂąo para Sancal

Overlay por Patricia Urquiola para Les Petits Nomades de Louis Vuitton Fine Cut por Raw Edges Design Studio para Really x Kvadrat

Fotos cor tesĂa WantedDesign, Ikon Productions

Odile Hainaut y Claire Pijoulat, co-fundadoras de WantedDesign

FERIAS

PASIÓN, energía y curiosidad Estas son tan sólo algunas de las emociones que te transmiten los jóvenes diseñadores al entrar a WantedDesign, una de las ferias más importantes celebradas actualmente durante la semana del diseño en Nueva York. Texto SANDRA MONTIEL, enviada Nueva York

CUANDO ESTÁS INMERSO en el mundo del diseño, las ferias se convierten en las más esperadas y emocionantes; vivirlas es casi indescriptible, es platicar con los diseñadores, descubrir las historias detrás de ellos y sentir sus emociones. Se acercaba la semana del diseño de Nueva York (NYxDesign) y tuve la gran oportunidad de asistir a WantedDesign por primera vez. Ahí, platiqué con Odile Hainaut y Claire Pijoulat, co-fundadoras de dicha plataforma, la cual se organiza cada mes de mayo con sus dos eventos marquesina en Manhattan y Brooklyn. Hainaut y Pijoulat eligieron un lugar acogedor dentro del recinto para hacer su entrevista: el espacio de Ligne Roset, donde mostraban una nueva edición de la colección Ottoman de Noé Duchaufour-Lawrence con nuevos textiles para exterior en colaboración con Sunbrella. Buena música de fondo y sobre todo un aroma delicioso que venía de una de las velas de Ligne Roset daban la sensación de estar en un jardín platicando. Esta es la 8ª edición de WantedDesign, Odile y Claire iniciaron relatando que todo surgió en el 2010 durante una larga plática, preguntándose acerca de lo que estaba pasando en la comunidad del diseño; ambas sentían que hacía falta una plataforma que uniera a diseñadores, productores, univesidades de diseño, museos y el trabajo de jóvenes y marcas establecidas. Así nació WantedDesign, con la idea de hacer sinergia, crear networking y abrir espacios a nuevas conversaciones. "Empezamos con 32 exhibidores y ahora tenemos alrededor de 120, además de todos los programas, talleres y conferencias", dice Pijoulat. Este año, uno de los propósitos más importantes fue enfocarse en mostrar mayor presencia del diseño latinoamericano. "Pensamos que Nueva York es el lugar ideal donde se pueden unir el Norte, Sur y Centroamérica para mostrar su trabajo", afirma Hainaut. Así fue como Chile, Brasil, Colombia, Argentina, El Salvador y México se hicieron presentes con sus propuestas para darse a conocer ante los ojos del mercado estadounidense. México es un país muy querido por Odile y Claire; desde hace 6 años mantienen una relación muy cercana con Design Week México y en octubre próximo vendrán a celebrar con nosotros que nuestro país sea la Capital Mundial del Diseño. "Año tras año vemos que México ha crecido mucho y tiene grandes diseñadores y una cultura fuerte con el diseño; los

Peca estudio desde Guadalajara presente en el pabellón de México.

diseñadores tienen su propio estilo, pero también empiezan a comprender mejor el mercado", comparten las dos creativas. Otro objetivo de WantedDesign es que también sea una plataforma en la que los jóvenes encuentren una mancuerna para producir o vender sus productos. Por lo mismo, Claire y Odile cuidan que la calidad sea impecable. Su ojo y experiencia le dan forma y sentido a los seleccionados, a los que este año se sumaron Shanghai, Turquía y Finlandia. A su vez con WantedDesign Brooklyn, el cual va tomando más fuerza, buscan colaboraciones cada vez más cercanas con los diseñadores y artistas de Industry City que están marcando pauta. La estrella de este año fue el impactante mural de Camille Walala, la artista inglesa, conocida por sus colores y figuras geométricas plasmadas en espacios públicos. Walala transformó la fachada de uno de los edificios de Industry City, siendo el mural más alto que se ha pintado hasta ahora y el cual será permanente. Al final no podía dejar de preguntarles su consejo para jóvenes diseñadores. Ambas creativas coincidieron al decir: "Encontrar su fortaleza y apegarse a su idea. Salir de su burbuja y descubrir el mundo. Ser original y muy curioso". Así terminamos la charla y no pude quedar más inspirada, pensando en como cada quien desde su trinchera está impulsando a cambiar una pequeña parte del mundo en que vivimos.

FERIAS

MANHATTAN Objetos y diseñadores de todos lados del mundo convergen en un mismo espacio para presentar sus ideas. Este año, el premio American Design Honors fue para el diseñador Oliver Haslegrave, fundador de Home Studios. Lanzaron el programa Lookbook, creado para promover a 12 diseñadores de Norteamérica con un gran interés en objetos únicos y exquisitos. Launchpad, otro de los programas, reúne a 35 diseñadores de todo el mundo para mostrar sus prototipos y tener la oportunidad de enseñar sus conceptos e ideas a futuros productores.

Oliver Haslegrave fue el seleccionado para el premio American Design Honors. homestudios.nyc

Lámpara Bloom, desde Polonia la propuesta de UAU project es crear buen diseño accesible, para ellos el futuro es la impresión en 3D. uauproject.com

Mesas Venus por el estudio canadiense Concrete Cat. concretecat.com

Una de las propuestas mexicanas fue la colección Aleta de Emma Boomkamp. emmabookamp.com

Luminarias, Archaic Modern por Brave Matter. brave-matter.com

FERIAS

Fotos cor tesía de las marcas, WantedDesign, Ikon Productions

Future Illusions por Kosmos Project. kosmosproject.com

Zero Waste Bistro Reducir, reusar y reciclar fueron los tres conceptos clave de la instalación finlandesa, curada por Harri Koskinen y Linda Bergroth. El mensaje: crear mayor conciencia en el uso, consumo y basura que generamos. Además crearon un restaurante pop-up con el mismo concepto con una estética impecable.

Fotos cor tesĂa WantedDesign

El mural mĂĄs alto hasta ahora de Camille Walala en Industry City.

FERIAS

BROOKLYN

Fotos Jonas Marguet

Industry City más que un espacio, alberga una comunidad fuerte del universo creativo en Brooklyn. En conjunto con IC Design Festival y WantedDesign, se convierte en una plataforma más robusta para impulsar el diseño. También Oui Design hace mancuerna con WantedDesign para apoyar el diseño francés, que este año invitó a Camille Walala a intervenir una de las fachadas de los edificios de Industry City. Así como también presentó Couleur, una exposición de Julie Richoz, Ionna Vautrin y Pernelle Poyet y el rol que tiene el color en su trabajo.

Douglas Vase, una serie de vidrio soplado creada por el diseñador francés Francois Azambourg en colaboración con un estudio de vidrio en Brooklyn.

La universidad de ECAL presentó: The Sausage of the Future, un proyecto de experimentación de Carolien Niebling enfocado a usar el mismo método de fabricación de las salchichas con otros productos.

Interlocking Nesting Bottle, creado por Friendship Products LLC, es una serie de bloques de botellas de plástico para construcción.

Couleur: Pernelle Poyet, Julie Richoz y Ionna Vautrin. Tres jóvenes emprendedoras francesas, reunidas en una exhibición que busca ilustrar el importante rol que tiene el color en el diseño.

CROMÁTICO

Entre lo neutro y lo cálido

Piel

Retrato Eduardo Ramírez

073-02

“El color no tiene género, raza o religión, ni una representación exacta”: Andrea Cesarman, socia directora de C Cúbica Arquitectos.

CROMÁTICO

pláticas dinámicas y prácticas diversas– el uso del color en el diseño”. “La paleta de colores: Inclusión, la creamos porque queríamos borrar todas esas líneas de género, de piel y de complejidad. Los seres humanos estamos buscando aquello que nos une y justamente de eso habla esta gama de colores: de globalización, pero de una manera muy sutil en la que el color no tiene un género ni una representación exacta. Por eso, si se mira esta paleta se van a encontrar colores parecidos a la piel, como rosas-grisácesos, que realmente borran las barreras de género, raza y religión”. Es una gama que se equilibra entre neutros fríos y cálidos, con la intención de simbolizar la igualdad sin género. Para Cesarman, esta paleta combina todo entre sí. A ella, en particular, le gusta manejar los colores neutros en lugares grandes y los tonos, como el rosa o el naranja, para interiores, mobiliario y objetos. “Siempre pienso que voy a llegar a un resultado similar, pero ocurre que el desenlace nunca es el mismo y que la combinación deriva en algo distinto cada vez”. La arquitecta concluye que “la gama de colores es impresionantemente amplia; no dudo que aún haya muchas más tonalidades por descubrir, por mezclar y por combinar. “Por lo general, uno piensa que no se va a llegar a otro resultado más allá del arco iris que se conoce, pero siempre hay una propuesta distinta”. ccubicaarquitectos.com

Fotos cor tesía Comex, Libro ColorLife Trends 2018.

EL COLOR DESCUBRE los estados de ánimo de las personas. “Es algo inherente. Es lo que nos reconecta con la realidad inmediata, con nosotros mismos y lo que nos hace volver a entender que somos parte de la naturaleza”, platica Andrea Cesarman, uno de los tres pilares de C Cúbica, para quien “no es complicado llevar el color a un proyecto, pues éste representa la armonía que le va a dar personalidad a un espacio, objeto o mobiliario; a final de cuentas: a un producto terminado. Es lo que te va a trasmitir las emociones”. El color favorito de Cesarman son los tonos sutiles “que dicen mucho, pero hablan poco. Sobre todo aquellos que nos regala la naturaleza y que nos dejan ver todo lo que nos rodea de una manera más honesta”, remarca la arquitecta que en sus más de 30 años de trayectoria se ha visto involucrada en proyectos de construcción y de diseño gráfico, de mobiliario y de interiores. Su filosofía en cuanto a la elección de una paleta de colores la resume en que: “El color es lo que puede hacer que un lugar se sienta más amplio, más chico o más feliz, que incluso te provoque hambre o te transmita tristeza o te haga sentir en el interior o exterior de un ambiente. Es lo que le va a dar esa frescura final a un proyecto arquitectónico y de interiores”. “Creo –agrega Cesarman– que cuando tienes un espacio y tomas la decisión de pintarlo de blanco o de negro e incluso de quizá no pintarlo, es una iniciativa que definitivamente va a cambiar el lenguaje, la filosofía y el estado de ánimo de cómo se perciba ese lugar”. “Para mí, es increíble la dinámica que periódicamente hace Comex de reunir a expertos en color en múltiples disciplinas con la idea de crear una referencia sobre tendencias; desde la manera cómo te presentan qué significa el color, cuál es el futuro en general y por qué proponer una paleta de colores. Se trata de un taller espectacular que te ayuda a visualizar –mediante conferencias,

“El color es tan intrínseco al ojo humano que cuando lo miras en la arquitectura, te provoca emociones”

Ar te por Jorge Medina

CROMÁTICO

Hércules 301-05

Piel

073-02

Cantarita 232-04

MI PALETA DE COLOR FAVORITA: los colores neutros en lugares grandes y los tonos, como el rosa o el naranja, para interiores, mobiliario y objetos. “Siempre pienso que voy a llegar a un resultado similar, pero ocurre que el desenlace nunca es el mismo y que la combinación deriva en algo distinto cada vez. De la tendencia Inclusión, mis colores favoritos son Piel, Hércules y Cantarita”: Andrea Cesarman.

ESPECIAL COCINAS

Cocinas abiertas y libres en su diseño que rebasan lo funcional en el arte culinario. Textos MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos cor tesía L’Ottocento

ESPECIAL COCINAS

Archetipo x L’Ottocento

Fotos cor tesía L’Ottocento

Clásica y contemporánea

Como metida en un cuadro de colores pastel, Archetipo es un buen ejemplo del encuentro entre lo clásico y lo contemporáneo en una cocina; un lugar en donde los espacios para dar rienda suelta a las labores culinarias se hacen más grandes y van más allá del concepto de funcionalidad para adquirir un valor estético. Este proyecto nace de la colaboración de L’Ottocento con makethatstudio, y en él las paredes están ‘vestidas’ de paneles de madera de altura completa que ocultan los compartimentos instrumentales para preparar los alimentos. El estilo clásico se atempera con la complicidad de los colores suaves y polvorientos y las líneas fluidas de una barra que flota a manera de ‘isla central’ en medio de la cocina. Un detalle elemental de esta ‘isla’ es el paralepípedo

de madera maciza que descansa sobre un cilindro, albergando la placa de inducción negra brillante y el área de lavado. Alrededor los colores pastel avivan los estados de ánimo: rosa antigua para los cajones con vidrio lacado y gris celadón para las puertas inferiores y los cajones. El armario montado en la pared se coordina con la ‘isla central’. Así, todos los elementos parecen ocultarse a la vista (no hay manijas que los delaten), con la idea de crear un ambiente elegante, pero también versátil al momento de poner sobre la mesa los ingredientes y utensilios para cocinar. No cabe duda de que los estilos clásico y contemporáneo se entrelazan en Archetipo para crear un nuevo lenguaje, más fresco, ligero y refinado. lottocento.it

ESPECIAL COCINAS

Williamsburg, The 50's e Intarsio x Cesar

Alma tradicional del arte culinario

Tres elementos muy diferentes, pero capaces de dialogar entre sí: Williamsburg , The 50’s e Intarsio componen la estructura de una cocina, creada por la empresa Cesar de Venecia, en la que cada una de sus áreas mantiene su unicidad e identidad aunque sin perder la sintonía en la función principal de ser un ambiente doméstico para preparar los alimentos. Williamsburg es el área de trabajo central, una barra operativa que acoge a los amantes del arte culinario y que, cuando hace falta, sabe convertirse en una mesa donde saborear la comida en buena compañía. Luego está The 50's, que es una reinterpretación de las librerías de los años cincuenta y que, gracias a sus características y proporciones, es un elemento al que se pueden añadir distintos módulos para incorporar hornos, soportes para vasos, botelleros y áreas de almacena-

miento abiertas y cerradas. Su peculiaridad hace que pueda colocarse en la zona de estar o el comedor o convertirse en un elemento de conexión entre estas áreas. Los montantes son de aluminio con iluminación interna; la luz permite crear distintas atmósferas en función de la intensidad elegida, resaltando además la matericidad de la pared.Y finalmente, el tercer elemento del proyecto: Intarsio es un sistema con el que se rompe la geometría de las puertas y las descompone en el sentido de las vetas de la madera. El resultado es una ilusión óptica en la que no se perciben interrupciones en la experiencia artesanal de ese material. Así, tenemos una cocina que se embellece con materiales nobles e inspira el arte culinario, pero sin mirar al pasado con nostalgia. cesar.it

Fotos cor tesía Cesar

ESPECIAL COCINAS

Diesel Open Workshop x Diesel & Scavolini

Fotos Diesel Open Workshop

El toque industrial metropolitano

Desde un punto de vista arquitectónico, lo que define el carácter de Diesel Open Workshop –el programa de Scavolini en colaboración con Diesel Living– son las estructuras metálicas modulares de estilo industrial, estrellas del sistema stock rack, una esetructura modular que gracias a la mezcla de llenos y vacíos permite crear la composición de una cocina con un toque industrial de alma metropolitana, acentuada por el uso de tonos mate. Al igual que un taller, la cocina cuenta con varias áreas funcionales que se pueden armar conforme varios idiomas y materiales; en este caso, la esencia del proyecto recae en el uso de estrictos bloques metálicos y la búsqueda de materiales que en concordancia hagan que sea un diseño simple, pero con visión hipnótica. Son las

estructuras de los tubos de acero los que marcan el ritmo de esta cocina; su enfoque estilístico fusiona y realza su funcionalidad y espíritu vintage conforme una genuina personalidad de meticulosos detalles, como los perfiles de las manillas incorporadas en la puerta, el marco de las puertas mismas y de los estantes, y los pies y elementos de las esquinas diseñados para mirarse con una apariencia única. Entre los elementos distintivos, el metal se introduce en los perfiles de los soportes y el bastidor de las puertas de cristal y también destaca la presencia de una encimera con diamantado en los cantos y con placas angulares en acabado metálico que están montadas en las cuatro esquinas. scavolini.es | shop.diesel.com/living

ESPECIAL COCINAS

Link x Snaidero

Estrictamente funcional

Con formas rigurosas, riqueza de detalles y cuidado en la calidad constructiva, Link representa un proyecto unitario y lineal; es un espacio rigurosamente diseñado para exaltar la funcionalidad de la cocina. Su concepto base es “la riqueza de la función”: un camino que piensa en las áreas operativas de uso doméstico con el objetivo de dar la máxima funcionalidad a toda la superficie, concentrándose en particular en el espacio entre los muebles bajos y las alacenas. En resumen: en Link, la estética se topa de frente con la practicidad. Es el ajetreo de la vida contemporánea lo que sirve como fuente de inspiración para revolucionar los espacios de cajones, puertas y estantes, con respaldadores equipados y una encimera a la cual se accede a través del sistema I-Wall, diseñado por las firmas: Alessandro Andreucci & Christian Hoisl. Su

ambición fue desarrollar un sistema evolucionado y tecnológico, basado en el uso de contenedores diversos tanto en el diseño como en los materiales. La palabra clave en I-Wall es: orden; por eso, estantes y repisas aparecen detrás de elegantes estructuras y se descubren separadas a su vez en compartimientos más chicos o más grandes, con base en su uso. Estas estructuras de guardado pueden aplicarse en la pared y tienen la posibilidad de presentarse a la vista en versiones abierta o ciega con cerrado de bisagras especiales y amortizantes. Asimismo, el espacio sobre la encimera sigue el desarrollo de los espacios de guardado y se vuelve una natural extensión, equipable con porta botellas, porta detergentes, esponjas y porta cuchillos. snaidero.es

Fotos cor tesía Snaidero

ESPECIAL COCINAS

Vision x Pininfarina

Ergonomía y emoción en una interpretación

Fotos cor tesía Pininfarina

Las sensaciones sugestivas que evoca Vision se describen en ergonomía y emoción unidas, lo que se materializa en una cocina que surge del lápiz de Pininfarina, la casa de diseño en donde han nacido obras de arte para marcas de automóviles como Ferrari, Alfa Romeo, Maserati y BMW. La silueta de sus configuraciones descubre su personalidad escondida en el juego de las geometrías, de las figuras simétricas y de las formas perfectas. Su concepto interpreta la moderna expresión de los espacios domésticos continuos, con superficies que se deslizan sin soluciones de ruptura entre espacios y materiales que transmiten pureza y atracción de los sentidos. Volúmenes y superficies se conjugan en una sola interpretación, la cual nace desde la particular geometría de la puerta con perfil-manija integrada. Así, Vision es una cocina reconocible en todas sus diversas composiciones, desde la versión

más simple que podría ser un modelo lineal hasta aquella con el elemento ‘isla’, pasando por todas las opciones imaginables. La sensación de levedad se contagia por el particular diseño del soporte para las ‘islas y penínsulas’, un elegante elemento arquitectónico realizado en madera de fresno macizo estratificado y moldeado conforme el diseño inconfundible de Pininfarina. También el elemento de la campana centro-ambiente toma una marca distintiva, integrando a una capa de aspiración tangencial una estantería en madera que continúa el diseño de soporte de la encimera de la ‘isla’. Se puede decir que esta es una cocina que restituye la armonía y equilibrio entre todos los elementos que la componen: espacio arquitectónico, características de los muebles y calidad de los materiales y las terminaciones. pininfarina.com

ESPECIAL COCINAS

Piacere

Espacios de convivencia

Fotos cor tesía Piacere

Antes la cocina era un lugar cerrado y delimitado por puertas y muros que la separaban de otros espacios de la casa. "Lo curioso es que, con el paso del tiempo, su diseño ha evolucionado y se ha convertido en un lugar más abierto y armónicamente conectado con otras áreas del hogar como el comedor, la estancia e incluso la terraza", cuenta el arquitecto Edgar Ángeles, representante de la firma Piacere, cuyo showroom en la Ciudad de México equipado con electrodomésticos de SubZero-Wolf, propone un concepto de cocinas vivibles, habitables y muy reales. "Las posibilidades –dice– para montar una cocina son infinitas, siempre y cuando se respeten dos ejes rectores: funcionalidad y estética.Y es que no sólo se trata de que esté bonita, sino de que sea un área muy bien equipada para disfrutar los momentos de preparar los alimentos y para crear experiencias con la familia".

Ángeles explica que en la actualidad las cocinas se han transformado en espacios de convivencia; sí con elementos como islas, penínsulas y barras que sirven para realizar la tarea ruda de guisar, pero al mismo tiempo usando esos recursos a favor de crear vínculos entre las personas. "Es un concepto muy de moda en Asia (y que en México se ha aceptado muy bien), el cual habla de una especie de front&back kitchen, con dos tipos de espacios (uno para cocinar y otro para departir con invitados) pero integrados en un solo ambiente". También la idea de la cocina exterior o summer kitchen es algo más común que antes; ahora no sólo se trata de tener un jardín con un asador sino incluso una terraza con hornos de pizza, máquinas de hielo, tarjas más grandes y gabinetes con cajones calentadores para conservar los alimentos. piaceremexico.com

ESPECIAL COCINAS

Machina x Valcucine

Fotos cor tesía Valcucine

El espíritu pionero de la cocina ideal En el sentido histórico y antropológico, cualquier dispositivo o aparato construido y conectando con una o más piezas, constituye un ‘todo único’ sabiamente organizado y funciona como una ‘máquina’. Esa es la idea en la que Valcucine se ha inspirado para crear: Machina, un concepto de cocina que explora la personalización y ofrece la experiencia de elegir materiales, colores y dibujos con toda libertad de los usuarios. Para la marca, la investigación sobre los materiales es esencial, pues gracias a ésta y a la excelencia artesanal se motiva un auténtico juego de creatividad en sus proyectos, para los cuales se puede hacer uso de más de 300 acabados y elaboraciones diferentes. Así, Machina cuenta con tres conceptos clave: Inspiraciones, Colecciones y Estilos de vida, basados en la sensibilidad ergonómica y culinaria del usuario

que, mediante un juego de ingeniosas preguntas, podrá descubrir cuál es su tipo de cocina más idónea de acuerdo a sus exigencias y necesidades culinarias. El modelo base para empezar esta experiencia es: Genius Loci, que como en los antiguos secretaire tiene en los cajones sus espacios secretos, íntimos y cómplices, además de que también se distingue por sus superficies matéricas que potencian la experiencia táctil y sus vértices redondeados de puertas y encimeras para más seguridad y fácil limpieza. Con Machina, la personalización es la joya de la corona, lo que a final de cuentas le da una estética sempiterna a la cocina porque sencillamente se ajusta al gusto de quien la usa y cómo la quiere. machina-valcucine.com

RESIDENCIAL

Paleta de materiales aparentes CASA PEÑAS | CCA CENTRO DE COLABORACIÓN ARQUITECTÓNICA | CIUDAD DE MÉXICO Fotos ONNIS LUQUE

RESIDENCIAL

El despacho CCA –liderado por Bernardo Quinzaños e Ignacio Urquiza– obtuvo el Premio Luis Barragán para Joven Arquitecto de la III Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México por su proyecto Casa Peñas.

RESIDENCIAL

EN UN LUGAR que desde sus orígenes ha albergado grandes residencias dentro de un contexto integrado con la naturaleza se encuentra Casa Peñas, la cual se concibe a partir de un gran muro de piedra volcánica que contiene un jardín privado. Este espacio verde da pie a los diferentes volúmenes del proyecto que se separan del perímetro que delimita la propiedad y juegan a generar remates y luces que completan la vivencia de sus espacios. Es una residencia que busca una relación dinámica entre interiores y exteriores, aprovechando las vistas introspectivas hacia las áreas de paisaje que caracterizan la zona del Pedregal hacia el sur de la Ciudad de México. El acceso principal desde la calle se define por dos volúmenes y un plano que, integrándose de manera discreta con su contexto, muestra su presencia a través de su imponente y maciza fachada rasgada. El uso de materiales se traduce en una claridad, masividad y aparente introspección del concreto aparente hacia el interior, dejando que el frío acero marque sus accesos. Una vez dentro, un juego escultórico de planos enmarca el acceso a través del jardín que orienta el recorrido del

usuario mediante un espejo de agua, hacia el volumen principal de la casa. Una doble altura invita al interior a través de un cubo de luz que además enmarca una escalera de acero que con su geometría imponente se desdobla y visualmente remata el área más privada de la residencia. El programa se organiza en torno a la pieza de acceso: de un lado el área de servicio y del otro el área estancial que mira por su derecha al corredor de mármol, que conecta con la terraza y el jardín central. En su izquierda se genera un lienzo vivo tras el cristal en el que un espejo de agua adornado con vegetación genera un remate visual y corona la sensación espacial de la casa. La cualidad escultórica y la precisión de trazo, uso y programa proyectados, le dan a Casa Peñas un carácter moderno y contundente. De igual modo, su estudiada paleta de materiales aparentes brinda sofisticación al conjunto desde el detalle y una calidez para vivir sus espacios. cca.mx

Una fachada rasgada da la bievenida a Casa Peñas, un proyecto de 659 m², en la zona del Pedregal hacia el sur de la Ciudad de México.

RESIDENCIAL

Maravillosas entradas de luz contagian de calidez el interiorismo de Casa PeĂąas, que destaca por sus tonos neutros en el mobiliario.

En el interior de la casa, un gran pasillo conecta la recĂĄmara principal con las otras habitaciones y espacios de la residencia, aprovechando las vistas exteriores.

RESIDENCIAL

Atmósferas y motivos de una época CASA MILTON | ESTUDIO ATEMPORAL | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos LUIS GALLARDO LGM STUDIO

Bajo la filosofía de analizar el contexto, Estudio Atemporal restaura y remodela una casa de la década de los 50’s, combinando elementos originales con nuevos materiales.

Maderas de roble y fresno, herrerías, latón, granitos y cuarzos monocromáticos crean una plástica llena de texturas en Casa Milton.

RESIDENCIAL

Luego de tres etapas, la residencia se rehabilitó sin perder su originalidad.

CASA MILTON es el resultado de la restauración y remodelación de una casa de los años 50 previamente trabajada en tres etapas. En las dos primeras fases, se proyectaron el segundo y tercer nivel, utilizándolos para un departamento temporal y una terraza respectivamente; mientras que la tercera parte fue la fase de consolidación en la que se integró la casa en un mismo elemento, completando el programa arquitectónico para que respondiera a las necesidades y deseos de sus moradores. Ubicada en la colonia Anzures de la Ciudad de México y en un área de 227 m2, la residencia trazada por Estudio Atemporal reinterpreta las proporciones, atmósferas y motivos propios de la época en que se construyó, combinando elementos originales con una nueva paleta común que convive con la preexistente para generar nuevas experiencias dentro de la casa. Llama la atención que las áreas públicas y de servicio que se encontraban temporalmente en el segundo nivel, cambiaron su ubicación a la planta

baja, dejando en el segundo nivel las áreas privadas del programa. Finalmente se articularon los tres niveles a través de la escalera, ubicada en el corazón de la casa, donde se diseñó un elemento monolítico de concreto ajeno a la preexistencia y definido como una escultura con una plástica propia que da sentido a los espacios que la rodean. Diseñada para una pareja joven que comparte el gusto por el diseño, arte e interiorismo, esta casa adapta referencias propias de la época de su construcción reinterpretando herrerías, mobiliario y demás elementos compositivos. Su paleta de materiales se describe sobria y clara —maderas de roble y fresno, herrerías oscuras, latón, granitos y cuarzos monocromáticos— para dar coherencia y sentido a las secuencias espaciales, propiciando una plástica llena de textura que sirve de ornamento por sí sola y se enfatiza por la iluminación natural. estudioatemporal.com

RESIDENCIAL

El proyecto reinterpreta las proporciones, las atmósferas y los motivos propios de la época de los 50's en que se construyó la casa.

Encalados, concretos y acabados en terrazo integran un espacio audaz, donde lo mismo se puede tender la ropa y luego hacer una parrillada.

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SA LÃ&#x201C; N M AC RO TENDEN CIAS

formica.com/es/mx

La clave es EXPERIMENTAR

De izq. a der: Mauricio Álvarez y Juan José Nemer de Ad Hoc; Lisa Beltrán de Materia Arquitectónica; Alejandro Tapia de Manada; Christian Vivanco; Germán Velasco; Lorena Vieyra y Joel Escalona. en el recién renovado Espacio CDMX en el Bosque de Chapultepec.

Glocal Design Magazine reúne el talento de tres binomios creativos como parte de un ejercicio para experimentar con los materiales de Formica®. Después de meses de trabajo, "al final, dentro de todas las diferencias siempre hay puntos de encuentro que sirven para potencializar ideas que se pueden construir con nuevos patrones, colores y texturas", dice Alejandro Tapia, director de Manada, despacho que fabricó cada una de las piezas y los sets creados por los binomios. Estos proyectos se presentarán en octubre próximo en el Museo Nacional de Antropología en Salón Macrotendencias. Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO

Fotos JOSÉ MARGALEFF

Página opuesta Material mobiliario: Laminados decorativos marca Formica® Modelo Tinted Paper, Terrazzo y Green Slate.

MACROTENDENCIAS

SMART ORGANIC Ma uricio Álva rez y J ua n José Nemer de AD HOC | Lorena Vieyra La tendencia Smart Organic se basa en la conciencia ambiental de unir hombre y naturaleza para mejorar científicamente los recursos naturales y crear compuestos biológicos inteligentes. Con esa idea, los chicos de Ad Hoc y Lorena Vieyra convivieron como colegas, amigos y creativos para desarrollar un proyecto que al final califican como interesante, divertido y bastante enriquecedor. "Me llevo una experiecia muy buena y satisfactoria de ver un resultado superior a los primeros trazos e ideas puestas en un pedazo de papel", relata Vieyra al coincidir con Álvarez y Nemer en este experimento que, de alguna manera, los obligó a trabajar con materiales que no acostumbran usar. "Tener otros puntos de vista te ayuda a crecer y aunque juntar mentes creativas no es fácil, la colaboración con Formica y Glocal es un ejercicio excelente para seguir generando ideas tanto para crear como para producir", concluyen Álvarez y Nemer.-

MACROTENDENCIAS

PERSONAL SANCTUARY Germán Velasco | Joel Escalona "No tenía idea de que Formica tuviera una gama tan amplia de colores y texturas", concluye Germán Velasco luego de su experiencia de colaborar en el ejercicio creativo que lo reunió con el diseñador Joel Escalona con el objetivo de explorar la intimidad del espíritu humano usando los elementos naturales y tonos neutros de la tendencia Personal Sanctuary. "Estamos acostumbrados a pensar en limitantes y a trabajar con ciertos materiales, pero las posibilidades son mucho mayores. Al final, de eso tratan la arquitectura y el diseño: de ser curiosos, de trabajar en equipo y de participar en proyectos ejecutivos que nos inviten a entrar en dinámicas de resolver cuestiones de tiempos, cantidades de materiales, procesos de producción y capacidades", concuerdan Velasco y Escalona, quienes en el proceso de ver su set y pieza construidas encontraron la sinergia para conectar ideas.

Material mobiliario: Laminado decorativo marca Formica® Modelo White.

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Material mobiliario Laminados decorativos marca Formica® Modelo Fox Teakwood y Chrome Yellow

Pelo y maquillaje: Cinthia Martínez Asistente de fotografía: Daniel Mejía Agradecemos a Espacio CDMX por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica.

SPECTRAL Lisa Beltrán + Gustavo Ca rmona de MATERIA | Christia n Viva nco "Siempre que se hacen este tipo de binomios y se juntan el diseño industrial y la arquitectura se abarcan más escenarios; creo que si unimos el talento de personas de diferentes ámbitos del arte podemos llegar más lejos", cuenta Lisa Beltrán al ver su proyecto finalizado al lado de Christian Vivanco, con quien hubo semanas intensas de trabajo entre el intercambio de mails, llamadas telefónicas y bocetos por computadora para ponerse de acuerdo en el ambiente (objeto-escenográfico) con el que materilizarían la energía y el optimismo que transmite la tendencia Spectral, la cual entrelaza tecnología, arte y diseño. Ambos equipos ya habían trabajado con los materiales de Formica, pero no en la forma cómo lo hicieron esta vez al descubrir que es un material bastante versátil y que puede funcionar en diversos contextos tanto para crear objetos como escenarios.

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TENDENCIAS GLOCAL

IRIDISCENCIA Durante la primera mitad del año notamos una intención de trasladar apariencias industriales a objetos utilitarios, es en el Salone que su presencia aumenta pues se han implementado técnicas y materiales poco usuales en lanzamientos. Definitivamente se trata de atraer las miradas y el color es el principio para lograr ese fin, esta es una de las propuestas que más hemos encontrado y consideramos que se quedarán por una larga temporada.

Tendencias desde Milán Listos para la efervescencia del Salone nos dimos a la tarea de observar con cuidado el lenguaje que las marcas, estudios y escaparates están abanderando.

Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL E ITAYEDZIN ARAGÓN

Olympia por Candice Blanc & Ulysse Martel exhibición Future Artefact de NOV GALLERY | Guise por Odd Matter Studio para NILUFAR GALLERY | moda SIES MARJAN FW18 | Brillo por Patricia Urquiola para ATELIER SWAROVSKI pág. izq.: Perspex por Kate Banazi | Bump por Jan Plechac & Henry Wielgus para LA CHANCE | moda SIES MARJAN FW18 | Trulli por Fabio Novembre para KARTELL

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TENDENCIAS GLOCAL

HORROR VACUI La expresión latina horror vacui (literalmente ‘miedo al vacío’) se emplea para describir el estilo de ciertos géneros del arte destacados por rellenar absolutamente todos los espacios vacíos. Hacemos referencia a la expresión pues notamos cierto aire en patrones, texturas y textiles recargados de color, figuras, líneas y motivos que nos hacen pensar en dicho estilo pero ahora ligado al diseño de moda, mobiliario y acabados.

TENDENCIAS GLOCAL

fondo: wallcovering Arte Dodo Pavone de la colecciรณn Extinct Animals de MOOOI | Rain & Cloudy de Gamfratesi para ALPI | moda MARNI PF18 | Japanese Cedar & Maritime Pine por Kengo Kuma para ALPI | GT por Greta Grossman para GUBI | tapete Calligraphy bird de MOOOI pรกg. izq.: tapete Super Round por Bethan Laura Wood para CC-TAPIS | Clap por La Double J para KARTELL | moda PRADA SS18 | Funquetry por NADA DEBS

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TENDENCIAS GLOCAL

AZUL Al ser uno de los colores primarios, el azul ha tenido una estancia casi permanente en el diseño, sin embargo, ahora lo destacamos pues su aplicación se ha homogenizado en looks y colecciones completas, convirtiéndolo en un recurso de refinamiento y sofisticación, manteniendo su vigencia sumado a textiles texturizados y aterciopelados que forman parte de conceptualizaciones sensibles y ligeramente románticas.

TENDENCIAS GLOCAL

bolso Marni PF18 | KN01 por Piero Lissoni para Knoll | tapete Triple Slinky por Patricia Urquiola para CC-TAPIS | silla Mullit por Yonoh para SANCAL pág. izq.: silla Vent por Borja García para DIABLA | banca Alma por Studio Taschide para SCHÖNBUCH | New Japan por Chiara Andreatti para CC-TAPIS | moda BOTTEGA VENETA C19 | sofá Taiki por Chiara Andreatti para LEMA

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COLUMNA

México en la Bienal de Venecia Por DOLORES MARTÍNEZ ORRALDE Ilustración ZAMARRIPA

CON 37 AÑOS y 16 ediciones, la Muestra Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia es la más longeva y relevante para la arquitectura mundial. En esta edición se designó a las arquitectas irlandesas, Yvonne Farrell y Shelly McNamara de Grafton Architects, para curar la muestra. Freespace es el tema que provocan para entender la generosidad, centrándose en la calidad del espacio mismo; la aportación o regalo de un espacio libre adicional a los habitantes; lo inesperado en cada proyecto independientemente de diversas restricciones privadas, normativas o comerciales; el aprovechamiento de las virtudes de la naturaleza; la generación de una nueva forma de pensar donde la arquitectura brinda bienestar y dignidad; la oportunidad de un espacio democrático no programado para usos no concebidos y la posibilidad de imaginar el espacio libre de la memoria y del tiempo, uniendo pasado, presente y futuro. La interpretación de este “espacio generoso” en Echoes of a land es la propuesta curatorial del Pabellón de México para significar un lugar y un momento más allá de la forma. La curaduría y museografía a cargo de Gabriela Etchegaray y Jorge Ambrosi, respectivamente, pone énfasis en la carga geográfica, imaginaria y cultural de la arquitectura mexicana al conjuntar una experiencia espacial y territorial a partir de las experiencias, aprendidas de la participación nacional. En seis años, la participación mexicana ha abierto una ventana para difundir, compartir y promover sus búsquedas y logros. El Pabellón de México en Venecia evidencia los ecos entre el territorio y pensamiento arquitectónico de 21 participantes –seleccionados luego de una convocatoria abierta nacional– y también la voz y visión de aquellos cuyas trayectorias ha plasmado la comprensión que hoy representa la morfología

@zamarripa.mx

El pabellón de México se exhibirá hasta noviembre próximo en la base naval El Arsenal de Venecia. de un territorio desafiante para la arquitectura. La selección oficial incluye a Oscar Hagerman + CANO VERA; Alejandro Guerrero, Andrea Soto | ATELIER ARS; Comunal: Taller de Arquitectura + Onnis Luque; Isaac Broid + PRODUCTORA; Taller Héctor Barroso; Juan Carral Arquitectura; Carlos González Lobo + María Eugenia Hurtado; Manuel Cervantes Céspedes; JSª | Javier Sánchez + Aisha Ballesteros; Estudio Macías Peredo; Enrique Norten | TEN Arquitectos; Taller 6A | Alejandro Sánchez García, Mariza Flores

Pacheco; S-AR; Estudio MMX; Taller | Mauricio Rocha + Gabriela Carrillo; Javier Muñoz + Mario Peniche + Augusto Quijano + Alejandro Vales + Jorge Carlos Zoreda; Mario Schjetnan: GDU: Grupo de Diseño Urbano; Enrique Lastra de Wit; Estudio ALA; Escobedo-Soliz y Alonso de Garay | Taller ADG. El Instituto Nacional de Bellas Artes es la institución responsable del esfuerzo curatorial del Pabellón de México, para lo cual sumó la colaboración tanto de especialistas en el tema como de importantes patrocinadores. La exposición expresa distintas lecturas de nuestro presente a través de la abstracción de obras contemporáneas en soportes pétreos, la aproximación urbana de un contexto geográfico desafiante, la cotidianidad de los espacios y la diversidad geográfica y cultural de nuestro país. A su vez se propone una reflexión sobre la vulnerabilidad de la arquitectura frente a los cambios naturales y la respuesta de la profesión ante estas situaciones. Además de los pabellones nacionales, esta edición de la Bienal de Venecia incluye la participación de 71 invitados a cargo de las directoras artísticas de la Bienal y en la que se integra la mexicana Rozana Montiel.

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COVER STORY P. 38 DESIGN POP STAR With her fantastic costumes composed of incredible patterns of colors, Bethan Laura Wood bursts among young designers, driving a distinctive aesthetic in textiles, jewelry, furniture, lighting, set design and even more. Interview Martha Lydia Anaya Photos courtesy of Wood London studio Fruits, flowers, rainbows and sweets are the points of reference that Bethan Laura Wood uses to create. She says that she always carries with her her sketchbooks that are filled with drawings while she looks around. “It is impressive what can be discovered from just looking at people, places, colors and objects. Nothing is what it seems”, says the british designer born in 1983. “I’ve always been a very curious person to observe, it’s my peculiar way of investigating. That’s why I think I understand the color and proportion of things before I even touch them. My collection of fabrics, clothes and jewelry -–in particular of pending– is interwoven with those emotions. Sometimes I even dare to use an object differently or just as it should not be used to prove how it works otherwise. Also, I have ‘the little problem’ that I like to collect things and then I’m also going through my pockets with dozens of ‘trinkets’ to which I then find a use or a function. I think that this is the soul of a designer and I feel very good with her”, says Bethan, who in accordance with his philosophy of life, ideas and singular way of shredding the urban landscape, often attracts the attention of his colleagues and the people in general because of their eccentric and colorful outfits. She relates that her concern for dressing differently began in adolescence, when she was 14 years old and she was already getting to know herself a little more. “It was still school years, but since then I realized that I liked colorful fabrics and clothes, curious accessories and unusual makeup. All that I found in the bazaars and ‘flea markets’ where there are antiques, second-hand items, vintage objects or rare things that are not found elsewhere. Since then I started to dress differently, “Bethan continues,” but until I did my master’s degree, I did not feel really comfortable with that connection between my work and the way it fixed me”. Bethan Laura Wood studied three-dimensional design at the University of Brighton, where she graduated with honors in 2006. From there she went on to continue her training at the Royal College of Art where she studied Product Design with Jürgen Bey and Martino Gamper, graduating with mastery in 2009. “Being at the Royal College of Art made me think more and more, and I learned to overcome certain fears: it pushed me to discover what distinguishes one designer from another, and I realized that dividing my clothes from my work, It was something I did not need to do all the time. I dared to combine both and little by little I found the connection to use my own body as a kind of living

moodboard. I do not use or put color in every project I do, nor do I dress in an exotic way all the time, but I do believe that there is a freer flow between my two worlds: my internal ‘me’ and being a designer”. With a broad smile on her face, Bethan continues her amusing story: “When finishing the master’s degree, I felt that the next step was to open my own office; and yes, I worked on it for a few months until I found the ideal place between a labyrinth of clothing stores and welding workshops on the traditional routes of East London. There I discovered a space skylit (which in the architectural language refers to a site lit by skylights), in which I also live with other designers, sculptors and manufacturers”, says the creative. When talking about her studio, the designer describes it as the space in which she works freely for long hours and even for whole days without even noticing the passage of time. It is usual that there, she is presented without costumes or extravagant makeup, just as a person full of ‘herself’ and proposals. “The walls of my studio are covered from floor to ceiling with collections organized by references, the same I can have from small Christmas trinkets that I bought on some trip to objects that have worked as inspiration to create some of the projects in which I have collaborated, such as marble mirrors and postcards. For me there could be no better name than that of: Wood London, to represent the place where I work; not only because it is a real reference to my person but also because it also symbolizes my particular passion for working with wood”.

Mexico and its sugar lollipops As part of her professional career, Bethan has had the opportunity to do residencies at the London’s Design Museum, the Fonzazione Claudio Buziol in Venice and

in Mexico! “In 2013 I was chosen by W Hotels as one of its Future Designers that year; that’s why I came to work in this country for a few months. What I remember most about that stage are the vibrant colors that surround the culture of Mexico; It is a country that not only brought me that notorious influence but also taught me to overcome the cold with many ponchos that I bought to make them part of my clothing”. It was at that stage when Bethan coincided with the Mexican designer Fernando Laposse, who now resides in London and has become his great friend and colleague. With him, Bethan made an extraordinary journey of induction to ‘real Mexico’ to know even the most hidden corners and perhaps even cataloged as ‘neighborhood’ within the city, with the idea of catching a multisensory experience. “When you do a residency, that works very well in terms of inspiration, generating new ideas and knowing other materials”, emphasizes the designer, who today has collaborated with galleries, collectors and curators, and whose work has been exposed at events such as Art Basel and Queens for the Royal Academy of Arts. “I also like teaching a lot,” he adds, “because I believe a lot in that knowledge is shared. That is why I teach a master’s degree in design at the École Cantonale d’Art de Lausanne in Switzerland”. From his walk through the bowels of the urban city along with Laposse was born his series of lights and chandeliers of Criss Cross, which Bethan then used to develop a large installation made of sugar in one of the windows of the Selfridges store chain in London. This collection is inspired by one of the best known sweets by Mexican children: the traditional sugar palettes (called ‘cachetadas’) that street vendors hung in their carts and went out to offer in the streets. “What I saw inspired me a

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lot and I still remember how refreshing it was to explore Mexico City at that time together with Fernando”.

Wood, glass and laminates Currently, Bethan has created a range of objects ranging from jewelry, furniture and lighting to interventions and collaborations on a large scale and with renowned brands, often producing pieces with the expertise of the workforce that only local artisans can detail. His work is characterized by the recontextualization of the elements of everyday objects, often focusing on the pattern and coloring of objects as indicators of their origins, production and use in the past. His favorite material is wood, but he also likes glass and laminates a lot. “I am interested in the materials that have been the result of an industrial manufacturing and that, in general, flood our daily life that we do not ask ourselves where they come from or how they are manufactured. Of course I do not rule out experimentation with other types of materials, which even become cheaper in the processes and with which you can achieve really surprising results”, emphasizes the artist. In this regard, the creative emphasizes the connection that designers make with the objects that surround us. “As a collector and designer, I like to explore what leads people to like or not like a particular object. I think that besides that something can be aesthetically beautiful, it can become even more beautiful if it works as a piece of jewelry or lighting. That is precisely what the emotional impact of objects is: to bring together different shapes, colors and textures”. Curiously, Bethan’s creative process is as unusual as the urban walk she made in Mexico City to discover it, as she herself admits that she often begins to dress in colors and dresses made with fabrics of different textures and combined in many ways, especially when you are trying to digest or understand a different palette of tones. “It’s not about what covers me, but about using, modeling and coloring because I need to verify and make sure that

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the patterns I’m going to propose really work well,” says the designer who has never come to work in her office dressed in black or white only. “Maybe one day I’ll do it, I do not know; but so far that has not happened. I think I would have to change course when that happens. What I can say is that there are days when I do not stop in front of the mirror, but I do not stop thinking about color, the proportion of color, the meaning of color, the patterns and the meaning of design”.

INTERVIEWS P. 46 KNOWING HOW TO CHOOSE The halls in the Salone del Mobile Milano introduce the newest from numerous brand names with pride, especially when the designs are the work of well-known designers such as Jasper Morrison, with whom we discuss his latest work.

Between carpets and textiles Although she herself is an eclectic mix, the founder of Wood London continues to be a recurring figure in festivals and design fairs; from the Salone del Mobile Milano to the London Design Week you will appreciate where you are and where you are. It is immediately recognizable by the so liberal combination of accessories and layers on it; for some it is like ‘an exotic bird’ between neon colors and silver, for others a kind of irresistible ‘living market’ that provokes curiosity. The truth is that Bethan Laura Wood is one of the young contemporary designers who dare to do things that really border on madness. “If I had millions of dollars in the bank, I’m sure I would go to all the bazaars, antique markets and also to the very expensive boutiques to buy thousands of things and find even more possibilities to mix some accessories with others. This has been my curiosity since childhood, today turned into a true passion for design”, concludes Bethan, who is also fascinated by the use of the rainbow eyeliner and during the Milan design week of last April surprised with the Super Fake collection for cc-tapis that deals with a series of rugs with all their layers made according to different knotting techniques, as well as being the curator of Moroso’s main space at the fair, which was dedicated to carpets and textiles

Of course the name Jasper Morrison is familiar to us. This year alone he had collaborations with Japanese wooden furniture maker Maruni; American firm, Emeco, that traditionally produces aluminum furniture yet for whom he surprisingly designed a plastic chair; Vitra, with whom he created a table; Italians Cappellini and Schiffini, for whom he designed a chair with armrests and a built-in kitchen system, respectively, and finally, together with Magis, he designed the die cast aluminum Plato chair. The designer from London shares: “Sometimes I approach brands, proposing a design to them, but the opposite also happens, and they ask me to design a particular product. This time, Magis owner Eugenio Perazza, asked me to design an aluminum chair. The original idea was to develop a chair made from a single piece or completely cast in one step. But, in the end that was ambitious, because the mold would have had to have been huge and extremely expensive. When you make a frame, the mold is smaller and can be resolved with the seat on the one hand and the legs on the other, extruded so they can later be added to the body of the chair, which is how we developed Plato. I showed them some sketches, which they liked, and they asked me to think about another way of dealing with production. We tried it, but it wasn’t particularly logical, so we went back to the idea of assembling parts.” In other words, Morrison kept the process simple and with it, Magis got a simple and efficient piece. “In general, special things are less useful than normal ones,” Jasper states, emphasizing the design line he followed to develop Plato, as he thinks that design is actually about giving life to objects that are not “extraordinary” but rather “supernormal”. That is what Plato exemplifies: it is a rigorous and minimalist chair, but at the same time, it is versatile and adapts perfectly to both interiors and exteriors thanks to its material and configuration – with or without arms. In terms of the latter, Jasper explains: “Mr. Perazza thought maybe we should have made the chair solely with armrests. We tried that, and it was fine. It looked good, but I thought it would be a shame not to have the simple chair, too, so we decided to make both versions.” The chair is completely recyclable, and its manufacturing processes provide a structure that is more refined while also more durable than other materials like plastic. Throughout the process, which took about nine months, Morrison drew many options, details and especially used digital modeling to understand the project before launching into production, which is a truly intense process. Finally, we asked Jasper to offer some advice to his ‘young I’, the youthful designer just starting out in his career, to which he responded without hesitation: “Pay attention to everything around you. You can learn so much from everything there is. Attend design fairs,

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because there you experience the design work of other professionals and reflect on their approaches, thinking about whether it is good?, comfortable?, looks nice?, looks expensive?, is expensive?, because many factors go into making a design successful, and it’s a whole balancing act: price, materials, comfort, appearance. If any of these points gets lost, the design fails. You need to learn a lot, and through learning you develop instinct. Then when you draw something new you will know how to take the right path from the beginning.”

P.48 THE SATISFACTION OF COLLABORATION Konstantin Grcic designed a collection of metal drawers and cupboards, using manufacturing techniques he observed in a steel factory in northern Italy. The collection Chess was created for the Italian brand Magis and presented during Design Week in Milan last April. It was developed in collaboration with Fami, a company that has manufactured metal furniture systems for years, furniture traditionally used in industrial spaces and offices. When we spoke with Grcic about it, he told us: “This project started with a collaboration between Magis and Fami. They had never done this kind of joint project, and the idea was to change the furniture context through an intervention.” The outcome of the process, which lasted nearly a year and a half from the initial meeting, to chats, visits, the first sketches, prototypes and final production, was a collection with a subtle touch in terms of materials. Solid oak was introduced to the handles and bases of the pieces, which completely alters the robust look of the metal furniture in the collective imagery. The designer underscores that it’s a change that doesn’t go unnoticed: “The wooden handles change everything, because they are the point of contact with the furniture. It is a soft material compared to the metal, plus we chose colors that are unusual for this kind of furniture. We were careful with the sound the drawers make when they’re closed. It’s very subtle, but imagine having this kind of furniture in your bedroom; you don’t want it sounding like it would in an office. There are also versions with folding or sliding doors, so they can be given different uses not designated by me, since in the end, whoever selects any of this furniture will be the one to decide on its use.” Naturally, modifying the features of an object, its qualities and how it is perceived by users change, an intention that was on the table ever since Chess was conceptualized. According to Grcic: “Design can change the direction of objects. That is what we wanted to develop with the collection Chess, to redirect an industrial product to a domestic environment.” Throughout the design process, Konstantin’s studio paid close attention to Fami manufacturing processes, in order to come up with the most expeditious way to produce the Chess pieces. Having been in the industry for years, the company has very efficient methods, to which the designer is deeply grateful and took into account so as not to alter the Fami system. Instead, he wanted to join in with the processes that the company already carries out, and Grcic says they were happy and satisfied with the result, since Chess enabled them to see the production capacities they already have from another perspective. “It was like showing them their furniture system dressed

for the weekend. During the process, they seemed highly committed to Chess and were extremely useful and collaborative”, Grcic says with a broad smile. For Konstantin, the collaboration process was a mutual thing, or better yet solidary, since the collaboration involved three. “It’s not that I came to tell them what to do or that they tried to tell me how to do it, we tried to discover the design responses throughout the joint process. I think that is why the result is so strong and convincing, because it’s still metal furniture. We never tried to change that. It’s exactly what we wanted it to be, an intervention on what there was. As a designer, I am very satisfied with the outcome. The exhibition is the result of the quality and precisely the purpose of each piece of furniture.” We also talked about the importance of this kind of collaborations, between designers and industry. “The world of manufacturing and production is complex. I think that making a team with specialists from Magis, Fami and myself as a designer somehow made it possible to exchange experiences and skills in order to make something of high quality. That is really important; it has always been, and now with new technologies, we sometimes forget just how complicated manufacturing processes are. You don’t simply program something, and it works perfectly. It is a complex procedure where tests are done to gradually optimize the steps. Even now, in 2018, that is the reality of industry. Even if someone is extremely experienced, the process must be carried out with prototypes, because there are always tiny details that can cause something to work and be better than before. That’s what working for a new dimension in quality means.”

P. 50 PATTERNS AND MEANINGS “When you collaborate with a company that is involved with your ideas and come up with solutions jointly, you end up with a wonderful result, but it is a process that takes time.”: GamFratesi Architects Stine Gam and Enrico Fratesi founded the studio GamFratesi in 2006 and have lived and worked in Copenhagen, Denmark ever since. They celebrated their most recent collaboration with Alpi, a family company founded in 1919 in Modigliana, Italy, that develops and produces wooden surfaces. In the tight schedule of design week in Milan, we had an interview with Stine Gam and Enrico Fratesi and talked about their contribution to the Alpi collection, for which they launched the surfaces Rain and Cloudy. Enrico, very formally shared: “We were invited to collaborate on creating new surfaces for the designer line. It was, of course, very important to meet in person right away and see the factory, which is an extremely interesting place.” Stine then commented: “It’s an amazing factory, where they use impressive techniques. The basis for our collaboration was figuring out how to do a project with them, with their techniques and materials.” Through our interpretation, Rain and Cloudy look almost as if they were woven, which the architects agree with. “Naturally, when you work with textiles, as we do, you can see the relationship between this material and cloth. Of course with Alpi it was important to respect the techniques they use to process wood, so we wanted to implement typical manufacturing measures and at the same time bring new patterns to bear. That is how

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we turned to an aspect of weather and interpreted it for purposes of the project. That was the real challenge: transferring the natural concept to the wood.” The design concept, centered on everyday moments, followed an esthetic line inspired in Japanese ukiyo-e prints and refined by GamFratesi’s minimalist view. The surfaces are materialized poetry, since the conceptual core consisted of the beauty of clouds and the changing hues during storms. The patterns in Cloudy are compositionally smooth and firm due to their ivory tones on a black background, whereas Rain lightly captures the essence of rain, through a stylized and repetitive representation of water drops, with the randomly repeated design offered on two backgrounds: light gray and black, splattered by blue, black, red and white drops, in reference to the unexpected colors reflected in water. “Though inspired in nature, the design is still artificial. We sort of tried to find a balance in the process. We chose colors that are quite strong but that nearly disappear as such tiny elements. In any event, we decided to soak the wood with unusual, unexpected colors,” Stine Gram wraps up. Observing such delicate patterns made us ask them about the manufacturing process, “The product starts with big blocks of wood that is laminated, and then parts are cut out and pieces of another color wood are added. In the end, you have a new, totally different wooden surface. It is fine engineering work where new solutions are constantly being sought. The Alpi team has been experimenting with this for years; thanks to that, we can get results like this. For nearly a year, they made numerous samples that they would send to us in Copenhagen, where we would try new lines and see how the colors looked. Every time we asked them for a change, it meant implementing new tools, because the result is unpredictable. Their skills got us the product we ultimately wanted, and we think that is the most important part of our collaboration.”

COLECCIÓN GLOCAL

Fotos cor tesía

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Ensamble icónico, nuevo y olvidado Typecasting | Robert Stadler | Vitra En colaboración con Milán Design Week 2018,Vitra presentó la exhibición Typecasting, una muestra panorámica integrada por aproximadamente 200 objetos, cuya curaduría estuvo a cargo del diseñador Robert Stadler. Para Typecasting, Stadler eligió productos actuales junto a iconos, prototipos, ediciones especiales y visiones del futuro de Vitra, donde el hilo conductor fue la función social del mueble, especialmente sillas, objeto protagónico en el mundo del diseño, por su presencia evidente en casi todos los espacios desarrollados para el uso humano. Al respecto, Vitra comunica: "las sillas han tenido siempre una función representativa: elegir una determinada silla es también una forma de cultivar la imagen". La muestra fue compuesta en nueve núcleos: los comunales, los organizadores compulsivos, los slashers (personas que acumulan y ejercen diversas profesiones o actividades), los soñadores, los concursantes de belleza,

los espartanos, los inquietos, los atletas y los sitios para citas. Cada uno inspirado en algún comportamiento o hábito humano, concepto bajo el cual se agrupó el mobiliario y que habla de la personalidad de los objetos más allá de sus materiales o procesos de fabricación. "En cierto modo, cada grupo tiene relevancia contemporánea, pero también siempre dicen algo sobre el pasado y cómo las cosas habitan nuestra evolución", expresó Stadler. –AMG vitra.com

Destacamos la presencia de diseños de Verner Panton, George Nelson, Eero Saarinen, Isamu Noguchi y Charles & Ray Eames.

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