Glocal Design Magazine No. 49 Portada por/Cover by Legorreta by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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49 $100.00 MX

LOS NUEVOS ESPACIOS DE LAS CIUDADES MODERNAS: LEGORRETA | LO MEJOR DE DESIGN MIAMI/ | ZsONA MACO DISEÑO | MEXICANOS DESTACADOS EN ARQUITECTURA Y DISEÑO

Piso: T-Marble Covelano White. Muro: T-Wood Rovere Brown, T-Wood Rovere Black, T-Wood Rovere White, T-Marble Apuano Gray, T-Stone Vulkan Black.

Calidad • Innovación • Diseño • Servicio

pisos • azulejos • muebles para baño • cocinas • materiales de instalación México • Estados Unidos • Canadá • Centroamérica • China www.interceramic.com

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Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

caly@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

mar tha@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

Héctor Esrawe

Sandra Montiel

Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Portada de autor Homenaje a Legorreta por Jorge Medina

Beata Nowicka Diseñadora

Carlos Pascal

Ximena Polanco

Gerard Pascal

ximena.polanco@glocal.mx

Ariel Rojo Sagrario Saraid

Editora web Itayedzin Aragón

Contabilidad

itayedzin@glocal.mx

Víctor Villareal

Redacción

Gerente comercial

Adriana Onofre

Eduardo Rodríguez M.

redacciongdm@glocal.mx

eduardo.rodriguez@glocal.mx

Coordinación de video

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Eduardo Ramírez eduardo.ramirez@glocal.mx Colaboradores Jorge Medina

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Duilio Rodríguez Rober to Zamarripa Lisa Heller

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: febrero-marzo 2019. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Design Miami/ por Jorge Medina Galerías en portada Calico Wallpaper, The Future Perfect y J. Lohmann Gallery.

DiseĂąo. Ing. Jorge Sanchez Obra. Casa Nicolas Romero

El inicio hacia el futuro Nuevos comienzos. Nuevos objetivos. Sueños más grandes y cada vez más cercanos. Con lo anterior en mente, comenzamos este 2019 con nuevos proyectos que nos llevarán a espacios antes no pensados. ¿Cómo presentarlo en una edición? Caminando hacia el inicio de todo, ahí en donde yace el futuro. ¿A dónde nos llevó esa búsqueda? La respuesta era tan obvia que no la veíamos; de pronto llegó el chispazo: hablemos de las ideas y de los personajes que las llevan a cabo dejando su esfuerzo en el camino. Sí, en estas páginas leerán muchas historias, muchas anécdotas de cómo surgen los conceptos, cómo se transforman pequeños trazos en muros, en espacios, en ciudades. ¿Y quién mejor que Víctor Legorreta para hablar de lo aprendido, del pasado y del presente? Muchas ideas, muchas historias esconden los muros del taller de arquitectura Legorreta, ubicado en una casona de Bosques de las Lomas, lugar en donde en cualquier calle se pueden encontrar múltiples discursos arquitectónicos, pero la fachada y el interior de ese taller es, simplemente mágico. Ahí creció Víctor, el único arquitecto de formación de la familia del maestro Ricardo Legorreta. En esos muros, Legorreta escuchó y aprendió de los volúmenes, del uso del color como herramienta hermanado con la luz. Habló y comprendió el valor del trabajo en equipo y supo, después de varias obras, que las mejores palabras para describir un espacio, son las que el habitante o usuario puede decir del lugar que recorre.

Legorreta sabe que la mejor herencia que ellos como arquitectos pueden dar a su país, a nuestra nación, es un espacio digno para vivir.Y no se refiere sólo a esos cuatro muros que son una casa, para él lo más importante es la calidad de vida que da todo un entorno, una ciudad bien planeada; por ello gran parte de su esfuerzo en los últimos años, lo ha dedicado a buscar y desarrollar, proyectos de usos mixtos, los cuales se convierten en diminutas ciudades totalmente transitables a pie; sabe que la experiencia de caminar y, en un mismo entorno encontrar lo deseado, es lo que muchos seres humanos desean, muchos mexicanos anhelan. Al final del día, la experiencia de vivir en lugares que nos signifiquen, es mucho más importante que cualquier pertenencia material. Lo comprende del pasado con su padre, del presente con su equipo, del futuro con su país. Comenzamos también con un reportaje donde hablamos de esos talentos mexicanos que están destacando por reencontrarse con la vida que generan los materiales dignos nacidos en su localidad. Muchos de ellos con estudios o posgrados en otros países, no buscan la mexicanidad por el hecho de haber nacido aquí, encuentran su propia esencia y discurso en lo vivido, en las ideas compartidas; ellos generan conceptos con significado, con su propio pasado, con su propia historia, que al compartirla con nosotros, se hace eco… esperemos sean escuchados por muchos para que sean cómplices de estas mentes ansiosas por darnos ideas. GRETA ARCILA Editora en jefe-

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Greta Arcila

@gretaarcila

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LEGORRETAÂ®

Contenido 02 DIRECTORIO 04 EDITORIAL 09 AGENDA 12 MISCELÁNEA 14 NUEVOS TALENTOS

16 TECHNO

Superstar 56

18 TEXTIL

Emma Boomkamp 20 LUMINARIA

DISEÑO + CIUDAD

Allied Maker

38 Paseo Molino 40 Parque Memorial Das Cerejeiras

ACTUAL 22 Showroom | Studio IMA

44 SU ESPACIO

24 Host | Garde Summerland

Alfonso Quiñones

28 Host | Suite Dos Casas 29 Shopping | Plaza Satélite

ENTREVISTAS 48 Carla Fernández y Pedro Reyes

30 TALLER

52 Atelier Oï

Nendo + Fritz Hansen

54 Hermanos Campana

34 DISEÑO + HISTORIA

56 ENFOQUE

Charles & Ray Eames

Legorreta

Foto Eduardo Ramírez

Matteo Leorato

FERIAS 68 Lo mejor de Design Miami/ 74 Maison & Objet | Rising Talents 78 Zsona Maco Diseño 82 TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO MEXICANOS DESTACADOS 90 Fernando Laposse 92 Daniel Romero 94 Jorge Gracia 96 Moisés Hernández 100 Iker Ortíz 102 Alejandro Tapia

Sketch Sabine Marcelis

98 Verónica González Zavala

128

104 Fundamental 106 Regina Pozo 108 Héctor Barroso

RESIDENCIAL 110 Casa Palmas | Dosa Studio 114 Entre Pinos | Taller Héctor

Barroso 118 Ahuehuetes Norte | Taller David Dana COLUMNAS 122 Homero Hernández

Foto cor tesía Fernando Laposse

123 Juan Carlos Baumgartner 124 ENGLISH TEXT 128 OBJETO GLOCAL

Foto Laziz Hamani.

A GEN DA

Mรกs de 200 prendas de alta costura que hablan de las afinidades de Christian Dior.

AGENDA

ROMA EN MÉXICO EN ROMA: LAS ACADEMIAS DE ARTE ENTRE EUROPA Y EL NUEVO MUNDO Hasta el 28 de abril del 2019 En el marco de su 50 Aniversario, el Museo Nacional de San Carlos presenta una exposición conformada por 93 piezas que dan cuenta del intercambio académico y artístico entre la Academia de San Luca y la Academia de San Carlos durante el siglo xix. La exhibición recupera en ocho núcleos que conforman la exposición, el trabajo de artistas mexicanos como Tomás Pérez, Juan Cordero y Primitivo Miranda, así como la obra de importantes creativos italianos como Francesco Coghetti, Giovanni Silvangi y Francesco Podesti. MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS Puente de Alvarado No. 50 Col. Tabacalera, CDMX www.mnsancarlos.com

CHRISTIAN DIOR: DESIGNER OF DREAMS Hasta el 14 de julio del 2019 Basada en la exposición presentada en París, Christian Dior: Couturier du Rêve, la exhibición más grande de Dior en el Reino Unido llega al Victoria & Albert Museum. Christian Dior: Designer of Dreams presenta más de 200 prendas de alta costura, accesorios, fragancias, bocetos, fotografías de moda y pertenencias del diseñador que recuerdan su historia y su afinidad por las tradiciones, arquitectura y cocina inglesas. VICTORIA & ALBERT MUSEUM Cromwell Road, SW7 2R Londres, Inglaterra www.vam.ac.uk

El juicio entre la Vir tud y el Vicio.

THE IDEAL HOME: ART AND DESIGN Hasta el 19 de mayo del 2019 Exhibición que se divide en dos partes: la primera, que incluye más de 70 objetos de la colección MAAS de muebles de la posguerra, maquetas arquitectónicas y otros objetos cotidianos, se presenta en la Penrith Regional Gallery; la segunda parte, expuesta en los salones del Powerhouse Museum, reúne piezas de mediados de siglo que revelan la visión modernista, abstracta y utópica que se tenía del arte y el diseño en esa época. POWER HOUSE MUSEUM 500 Harris St. Ultimo NSW 2007 Sydney, Australia www.maas.museum Eliza Gosse, Ancher on River Road

Fotos cor tesía Christian Dior / cor tesía

AGENDA

OROZCO, RIVERA, SIQUEIROS. LA EXPOSICIÓN PENDIENTE Hasta el 5 de mayo del 2019

Foto Araceli Limón

La exposición que se planteara originalmente hace 45 años por Fernando Gamboa para presentarse en Santiago de Chile, llega al Museo Carrillo Gil reuniendo 120 obras en total, de las cuales, 60 provienen de tres grandes exponentes del muralismo mexicano: José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. La exhibición está acompañada de documentos y materiales audiovisuales que dan cuenta del contexto en el cual la Colección Carrillo Gil estuvo en peligro, un golpe militar que casi termina con el acervo histórico. MUSEO CARRILLO GIL Av. Revolución 1608 Col. San Ángel, CDMX www.museodeartecarrillogil.com

INTERVENCIÓN: ÍNDIGO Hasta el 31 de marzo del 2019 Realizado por primera vez en las calles de Brooklyn, Intervención: Índigo es un performance realizado por Laura Anderson Barbata quien en colaboración con The Brooklyn Jumbies, Chris Walker y Jarana Beat, presentan mediante música y el diseño de personajes, un recordatorio de la resonancia global ante la crisis que afecta la vida de las personas afrodescendientes. La curaduría es de Ixchel Ledesma, beneficiaria del programa de Comisión de Apoyos Especiales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

PODRÍA SER (UNA FLECHA): UNA LECTURA DE LA COLECCIÓN JUMEX Hasta el 31 de marzo del 2019 Exhibición que explora la forma en que un grupo de mujeres artistas interrogan y trastocan los cánones tradicionales de la producción de imágenes en el arte. Está integrada por obras que cuestionan el concepto de femineidad a través de distintos aparatos audiovisuales que reproducen la forma de percibir la realidad. Una conversación en la que la mujer interroga al espectador e invierte los papeles por medio de la imagen. MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Granada, CDMX www.fundacionjumex.org

MUSEO TEXTIL DE OAXACA Miguel Hidalgo 917 Centro Histórico, Oaxaca www.museotextildeoaxaca.org

MISCELÁNEA

KHEOPS BY KRISTINA RISKA Hostler Burrows Gallery La galería en Nueva York presenta el trabajo de la artista finlandesa Kristina Riska. Es la segunda exposición individual de Riska que es miembro senior de la Sociedad de Departamento de Arte de Arabia en Helsinki y una de las artistas de cerámica contemporáneas más importantes de Escandinavia; ha estado explorando y redefiniendo la escultura de cerámica desde los años 80's. Sus trabajos, a menudo monumentales en escala, son ejemplo del enfoque físico y riguroso que ella toma en su práctica. www.hostlerburrows.com

WAITING FOR GODOT BY BAE SEJIN J. Lohmann Gallery En el contexto de Curio –que es una plataforma dentro de Design Miami/ que da cabida a diseñadores, galerías y curadores que presentan proyectos de pequeña escala– está J.Lohmann Gallery de Nueva York, fundada en 2006. Su exhibición Breaking the Mold: Contemporary Korean Ceramics mostró la conocida maestría asiática con propuestas amorfas y un uso del color poco contrastante. www. jlohmanngallery.com | www.baesejin.com

MISCELÁNEA

ERIC ROINESTAD The Future Perfect Eric Roinestad es un artista visual que trabaja en el mundo de la cerámica, el diseño y la dirección de arte. Su estudio con sede en Los Ángeles: ER Studio, produce escultura de cerámica, accesorios para el hogar e iluminación. Al integrar el espíritu del modernismo popular de California con la propia herencia escandinava del diseñador, el resultado son piezas impulsadas por la personalidad del artista, que logran un equilibrio entre formas orgánicas y modernas: una yuxtaposición atractiva. www.thefutureperfect.com | www.erstudiola.com

THE 6 BIRDS PANEL BY ROGER CAPRON Thomas Fritsch Gallery

Fotos cor tesía de las marcas

TROPHIES BY AARON PORITZ Cristina Grajales Gallery Aaron Poritz es un ceramista con sede en Brooklyn y diseñador de muebles de Massachusetts. Su convivencia en el taller de carpintería y escultura de su padre motivó en él un gusto por comprender cómo se hacen los objetos y los edificios. Estudió arquitectura en el California College of the Arts y se graduó en 2008. Luego se mudó a Nueva York para adquirir experiencia. Sus diseños se centran en el uso de materiales exquisitos con patrones naturales y texturas en madera, piedra y cerámica. www.cristinagrajalesinc.com | www.poritzandstudio.com

The 6 birds panel de Roger Capron es una pieza única, encargada en 1960 para una colección privada en Evreux (Normandía) Francia. Fue solicitada directamente al ceramista como un regalo de bodas y desde su diseño se pensó para ser un panel de pared. La pieza se compró directamente a esta pareja en el 2017 y hasta ahora no se ha visto algo similar en el mercado del arte, según diversos críticos. www.thomasfritsch.fr | www.rogercapron.com

NUEVOS TALENTOS

La armonía de las FORMAS Objetos que surgen de la alquimia entre la nobleza del mármol, sus rasgos distintivos y belleza atemporal— MATTEO LEORATO Texto

ANA LAURA MUÑOZ

“NORMALMENTE no me identifico mucho con el concepto de objetos que se asemejan a una estatua; en cambio, me encantan los productos que toman vida mediante la expresividad gestual de la persona que los crea: el reloj de cuerda es, sin duda, el objeto que mejor refleja esta filosofía”, expresa Matteo Leorato sobre su trabajo y la inspiración que guía su proceso creativo, el cual se concentra en el deseo de crear piezas en equilibrio entre la armonía y la curiosidad, usando el mármol como material privilegiado. Nacido en Verona, Italia, Leorato descubrió su gusto por el diseño desde muy pequeño, el cual refinó con sus estudios y luego lo complementó con la experiencia de sus viajes por Australia, Nueva York y China, a donde se mudó para trabajar como director artístico de la firma de arquitectura italiana Mondo Marmo Design. Fue ahí donde aprendió a experimentar con el mármol, ya que este material “no deja lugar al desacierto” y tiene una pureza de forma, rasgos distintivos y una belleza atemporal. Con esta filosofía es que el diseñador desarrolla plenamente su visión original basada en la pureza de la forma que dicta el propio material: “Trabajado por sustracción, requiere adquirir progresivamente un conocimiento y una conciencia ‘a fuego lento’ en el taller. Y es que el mármol sabe recompensar ese esfuerzo, ayudando a madurar ideas de diseño claras y equilibradas en las que siempre ha persistido la innovación tecnológica, empezando por la perfección de los pavimentos de terrazo desde hace siglos en el Triveneto italiano”. Todo se conjuga en sus productos: la lámpara de mármol Block Round para Mondo Marmo Design, basada en la forma rudimentaria del cilindro que contiene un núcleo de luz que evoca la iluminación fluorescente en una equilibrada composición de ironía y armonía o la colección Loggia de mesitas de centro para Portego, inspirada en la arquitectura veneciana y hechas completamente en terrazzo. www.matteoleorato.it

Leorato está desarrollando el tema de innovación tecnológica con el mármol ligero e investiga sobre el terrazzo.

Fotos cor tesía

NUEVOS TALENTOS

Foto Por tego

Para su colaboración con las compañías de mármol, Leorato opta por líneas sostenibles como las mesitas Loggia y el mosaico terrazzo Progetto Rialto Carnevale.

"El mármol no me interesó de inmediato, quizá porque en Verona (ciudad de donde vengo) representa tradición".

TECHNO

Movilidad LIGERA Utilizando materiales aeroespaciales, la marca suiza Küschall redefine las reglas en sillas de ruedas.

Superstar es la silla de ruedas más ligera del mundo con un chasis de 1.5 kilogramos.

LA COMPAÑÍA Küschall fue fundada en 1978 por Rainer Küschall, quien quedó cuadripléjico a los 16 años, tras lo cual dedicó su vida a la innovación en sillas de ruedas aplicadas a una mejor calidad de vida para el usuario. Competition, el primer modelo lanzado por Rainer en 1985, fue merecedor al Premio de Diseño del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, modelo del que emanaron nuevas generaciones, accesorios y aplicación de materiales, como titanio y carbono, para mejorar las cualidades de este tipo de sillas. Durante el año pasado la compañía lanzó los primeros comunicados alrededor de su modelo Superstar, en el que prometen un chasis 30% más ligero y un 20% más resistente en comparación con las clásicas sillas de fibra de carbono. El armazón completo de la silla está fabricado con grafeno, mediante un proceso de laminado que consiste en aplicar capas del material sobre un molde y humedecerlo a mano con resina. El grafeno es un material extraresistente, se trata de una forma de

carbono compuesta por una red hexagonal de átomos, casi transparente. Una lámina de este material, con el grosor de un átomo es unas 200 veces más resistente que el acero actual más fuerte. Para la “superestrella”, Küschall trabaja de la mano con fabricantes de Fórmula 1, lo que asegura su calidad. El diseño de la Superstar se caracteriza por su geometría en X, factor que minimiza el uso de material y mejora su rendimiento, el peso ligero de la silla ayudará a prevenir la fatiga del brazo y las lesiones que los usuarios de sillas de ruedas están habituados a padecer. Además, la posición del asiento se puede ajustar a voluntad en cualquier momento; la Superstar se personalizará con un respaldo hecho a la medida y con los ángulos de las ruedas colocados bajo necesidades específicas. Sin duda, se trata de un proyecto de innovación en el que se reducirá el riesgo de sufrir lesiones a futuro. –AMG www.kuschallsuperstar.com

Fotos cor tesía

TEXTIL

TEXTILES que transforman el espacio “Viajé a Oaxaca para aprender sobre artesanías y textiles”. —Emma Boomkamp

Los tapetes son fabricados con lana mexicana, tejidos a mano en telar de pedal en Teotitlán del Valle, Oaxaca. En foto: Gonzalo (izq) y Anne (der).

LAS POSIBILIDADES creativas que ofrecen los textiles son infinitas: colores, patrones y texturas se entremezclan para dar vida a un objeto físico que tiene la fuerza para unir y dar coherencia a todos los elementos en un interior: el tapete. Emma Gavaldon van Leeuwen Boomkamp, originaria de Ámsterdam, es una diseñadora que llegó a México para investigar las técnicas y tradiciones artesanales de los textiles mexicanos; de la mano de Maddalena Forcella –artista y diseñadora textil cuyo trabajo gira en torno a los tintes naturales extraídos de plantas, cortezas, flores e insectos-, Emma exploró a detalle la cultura oaxaqueña que abrió un panorama distinto en su quehacer como diseñadora. El proceso para iniciar una nueva pieza comienza consultando a sus clientes y ofreciéndoles propuestas de diseño de manera que, al llegar a un acuerdo, la idea pueda pasar de la imaginación al telar de pedal. “Los tejedores realmente pueden hacer de todo, pero con el tiempo fui aprendiendo y ahora diseño a partir del conocimiento que me han compartido sobre el trabajo en los telares”, comenta. Esta búsqueda por distintas técnicas y su inquietud por la investigación de nuevas posibilidades plásticas y espaciales, le abrieron las puertas para obtener la beca Jóvenes Creadores, otorgada por el FONCA, misma que le ha posibilitado explorar con materiales como el

henequén, trabajado por artesanas de Yucatán. Cada tapete lleva el nombre de su dueño; el tapete Gonzalo, presentado recientemente en Inédito, es un diseño bastante robusto, amable y masculino que, a diferencia de la mayoría de sus piezas, es asimétrico, proyectado a partir del concepto de espacio. “Busco la manera de integrar más textil artesanal a nuestros espacios e investigo cómo las mismas piezas crean espacio, por eso el diseño de este tapete da un sentido de tridimensionalidad”. El diseño con textiles no ha sido, sin embargo, la disciplina que vio nacer el trabajo de Emma Boomkamp, su trayectoria comenzó con el vidrio soplado, creando piezas inspiradas en el mar. “Creo que el textil y el vidrio son opuestos en muchos sentidos, pero ambas técnicas tienen una gran tradición”. –AO www.emmaboomkamp.com

Foto Javier Reyes / Laura May Grogan

TEXTIL

Cada tapete tiene la posibilidad de adaptarse a diferentes tamaĂąos y colores a peticiĂłn del cliente, como el modelo Clara.

LUMINARIA

Las luminarias miden más de dos metros y medio, lo que les da presencia y realza su material y forma, como en Wood Tótem.

Fotos cor tesía

LUMINARIA

Magia y ARTESANÍA Todo lugar de diseño surge inspirado en las personas que rodean al artista. —Allied Maker Texto ADRIANA ONOFRE

LA EMPRESA fundada por Ryden Rizzo en 2012 nació como un estudio de carpintería escondido en el garaje de sus padres; un pequeño paraíso en el que Ryden, apasionado por los productos que creaba, comenzó la historia de Allied Makers, nombrada así en honor a la gran comunidad de fabricantes en la que el diseñador se inspiró. Al integrarse Lanette Ryden, el nombre cambió a Allied Maker y todo cobró sentido. “Había decidido cambiar lo que venía haciendo y alguien me dijo: "Oh, deberías conocer a Ryden. Nos llevamos muy bien. Él me inspiró mucho y me sentí atraída por lo apasionado que es con las piezas que diseña, realmente resonó en mí. Creo que eso es lo que resuena en todos los que ven nuestros diseños, la emoción que él pone en crearlos”, comenta Lanette. Con el equipo completo, Ryden y Lanette Rizzo comenzaron a diseñar objetos de luz influenciados por su historia familiar y profesional. En 2017, el estudio lanzó la colección Tótem, creada originalmente para Collective Concept y presentada en ICFF; esta serie de luminarias fue elaborada en colaboración con artesanos locales expertos en madera, vidrio y piedra de alabastro y homenajea, a través de la idea de un objeto sagrado, a este grupo de creativos. “El Tótem de Alabastro es nuestro gran favorito, está inspirado en la belleza de este antiguo material y muestra la traslucidez mágica de la piedra”, explica Lanette. El estudio ha crecido mucho en los últimos seis años; en la actualidad cuenta con más de 30 empleados que se dividen en siete departamentos distintos. “Buscamos estar al pendiente de todos los procesos de manufactura, eso nos da un mejor control sobre el resultado final”, agrega la diseñadora. En el futuro, Allied Maker desea evolucionar como estudio y continuar ofreciendo a la comunidad de artesanos con los que trabajan, un espacio de producción que les brinde una completa satisfacción por su labor y su desarrollo creativo. www.alliedmaker.com

El Tótem de la serie Alabastro expone la translucidez mágica que tiene esta piedra preciosa.

ACTUAL | SHOWROOM

Un espacio para ‘estar presente’ Studio IMA | Bettina Kiehnle | Ciudad de México

“IMA (In my apartment) nace de mi pasión por el arte y el diseño. Crecí en una familia que le gusta mucho el arte y el diseño y desde niña me empezó a llamar la atención esto. El concepto lo empecé a desarrollar hace alrededor de tres años, mientras vivía en Londres. Un día caminando por Notting Hill compré la revista Milk Decoration que me encanta y en la portada estaba Niels Strøyer Christophersen –fundador de Frama–. Leí el artículo y me encantaron sus piezas, así como la filosofía de la empresa; entonces automáticamente empecé a seguir a Frama en todas sus redes sociales y me obsesioné con la marca. Después, un fin de semana viajé a Copenhague y me aparecí en el estudio de Frama; en esa visita tuve la suerte de conocer a Niels con quien sentí una conexión instantánea. De ser su fan, pasamos a construir una relación de amistad”, cuenta Bettina Kiehnle, fundadora de Studio IMA, una palabra que en japonés quiere decir “el presente” y con la cual

curiosamente también se identifica Kiehnle porque en este mundo de la tecnología y los celulares a veces la gente se olvida del ahora y eso es algo relevante para el espacio de IMA. “Queremos crear un espacio donde la gente esté presente”, dice la joven emprendedora cuyo objetivo es posicionar a Studio IMA como una galería reconocida en todo el mundo y que se vuelva un punto de referencia para comprar diseño.“Poco a poco, nos encantaría desarrollar proyectos integrales de diseño de interiores, crear espacios congruentes con nuestra estética y valores; también tener más artistas y marcas representadas exclusivamente por nosotros y ayudar a estos artistas a crecer tanto en México como en otros países sobre todo porque hay mucho talento que no ha sido descubierto y su trabajo merece ser visto en otros lados”, enfatiza Kiehnle que tiene en puerta una colaboración de objetos con una artista bulgara que se presenta durante Zsona Maco 2019. –MLA

Fotos cor tesía Studio IMA

"He visitado decenas de tiendas, mercados vintage, galerías, museos y ferias de arte y diseño con el afán de estudiar más sobre diseño."

Orizaba 42–402 Col. Roma Norte, CDMX (visita al estudio sólo con cita) www.studioima.com

"Siempre es complicado traer cosas desde fuera; es costoso y siempre hay problemas que resolver. Con Frama, por ejemplo, hubo algunos contratiempos en la aduana que al final se solucionaron muy bien". –Bettina Kiehnle

ACTUAL | HOST

HOSPITALIDAD rodeada de diseño

Sitz y Davidson aprovechan la oportunidad para presentar colecciones exclusivas para Garde Summerland, hechas por diseñadores como Ben Storms, DIM Atelier, Arno Declerq, Portola Paints y Emilie Lemardeley, entre otros.

Garde Summerland | Santa Bárbara, California EU

Una granja restaurada de dos pisos que data de 1921 en Summerland, Santa Bárbara, es el destino ideal para ubicar la segunda tienda de diseño de Garde, que lleva poco más de seis años de experiencia en la fabricación de muebles, luminarias y otras piezas de gusto impecable. A esta nueva boutique se suma la inquietud de Scotti Sitz y John Davidson –la pareja detrás de la compañía con sede en Los Ángeles– para expander su concepto de diseño hacia otras actividades e incluir también el elemento de hospitalidad con la operación de la tienda como Airbnb. Gracias a esta plataforma, ahora es posible

que el lugar se pueda alquilar como alojamiento turístico, brindando la opción a los huéspedes de complementar su aventura al rodearse de objetos de diseño y tener como anfitriones a los mismos Sitz y Davidson. Los fundadores de la marca recrean el estilo de vida tradicional californiano en la planta baja del granero reconfigurado, el cual se complementa con un patio exterior y sus simpáticos pollitos silkie itinerantes. Ahí mismo se encuentra el espacio comercial, el cual cuenta con una amplia selección de muebles, iluminación y accesorios para el hogar como las obras de Apparatus, Egg

Fotos Sam Frost, cortesía Garde

ACTUAL | HOST

Los creadores de Garde, Scotti Sitz y John Davidson, colaboran con un colectivo de diseñadores y fabricantes para restaurar un edificio histórico que había permanecido sin cambios como granero antiguo durante los últimos 50 años, revitalizando así la comunidad de Summerland.

ACTUAL | HOST

En el segundo piso de la granja se habilita un departamento, que representa la incursiรณn de Garde en el mundo de la hospitalidad.

ACTUAL | HOST

Fotos Sam Frost, cortesía Garde

Un lugar que se convierte en un destino para vacacionar con propuestas de diseño dentro de una histórica casa de campo.

Collective, When Objects Work, Heather Rosenman, Workstead, Giopato & Coombes, Emilie Lemardeley, DIM Atelier, KBH Denmark, Gubi, Faye Toogood, Karen Chekerdjian, Arno Declercq, Malgorzata Bany, Editions Milano, Celestino y Chiara Andreatti, cc-tapis, Nika Zupanc, Aja Blanc y Zanat y Ben. Con la apertura de esta nueva tienda, Sitz y Davidson también quisieron aprovechar la oportunidad para presentar colecciones exclusivas para Garde Summerland, hechas por los diseñadores y estudios de diseño Ben Storms, DIM Atelier, Arno Declercq, Portola Paints, Emilie Lemardeley, Terres d’Albine y la primera línea de muebles para el hogar de Garde, House Sofas, en colaboración con la diseñadora de Los Ángeles, Mandy Graham. Es el segundo piso de la granja el que alberga

Garde House, que representa la incursión de la marca en la hospitalidad. Disponible como Airbnb desde agosto del 2018, este espacio se transforma en un hermoso departamento, habilitado con una selección de muebles y accesorios que irán cambiando según la temporada. Así, el lugar se convierte en un alojamiento ideal para unos días de retiro placentero, aderezado con el encanto costero de Santa Bárbara y la oportunidad de sumergirse por completo en el aclamado mundo y estética de Garde. –MLA Garde Summerland 2280 Lillie Avenue Summerland Santa Bárbara, California www.gardeshop.com

ACTUAL | HOST

Elegancia & TRADICIÓN The Suite | Atelier|Europa | San Miguel de Allende

Situado en el corazón de San Miguel de Allende, en Guanajuato, se encuentra el Hotel Boutique Dos Casas, un espacio de lujo colonial en sintonía con las últimas tendencias de diseño, interiorismo y gastronomía, por ello surgió la alianza con Atelier | Europa, quienes desde la óptica del diseñador Christopher Guy han intervenido por completo la suite más exclusiva del hotel con piezas icónicas de las marcas internacionales Boca Do Lobo, Jetclass, Christopher Guy y Sempli, renovando la imagen interior de la habitación sin dejar de lado la identidad colonial que ha volcado la atención mundial hacia San Miguel de Allende. El color fue el punto de partida para reunir la estética mexicana con los finos acabados europeos. Al fondo de la alcoba, un muro de color rojo intenso soporta la enorme cabecera Cosmopolitan de la marca Christopher Guy, hecha de madera sólida de caoba, tallada a mano, acabada en Italian Silver (resultado de una pátina plateada sobre hoja de oro). Flanqueando la cama: dos buros de la última colección del diseñador, Mademoiselle, cuyo frente fue esculpido en una sola pieza de caoba. La decoración de la habitación fue enriquecida con complementos de iluminación de la firma local Tao Studio Gallery. También fueron intervenidos espacios comunes del hotel con piezas de Boca Do Lobo, destaca Heritage, cajonera acabada con mosaicos portugueses pintados a mano e interiores en hoja de oro, sello de la marca originaria de Portugal. Así, la mancuerna entre Hotel Dos Casas y Atelier | Europa demuestra que no existe incompatibilidad entre la tradicional cultura mexicana y el lenguaje europeo contemporáneo. -IA

www.doscasas.com.mx ig @atelier_europa

Fotos cor tesía Atelier | Europa

Quebrada 101, Centro San Miguel de Allende, Guanajuato

Fotos Jaime Navarro

ACTUAL | SHOPPING

Estética renovada Plaza Satélite | Sordo Madaleno Arquitectos | Estado de México

Cto. Centro Comercial 2251 Ciudad Satélite, Naucalpan de Juárez Estado de México www.sordomadaleno.com

Plaza Satélite es un proyecto original de Juan Sordo Madaleno que tiene más de 40 años de existencia y que desde sus inicios se convirtió en uno de los hitos más importantes de Ciudad Satélite. Tal ha sido su transcendencia que es una de las plazas más grandes y renombradas de Latinoamérica, no sólo por su oferta comercial sino por ser un centro de convivencia. Su ubicación, al costado del Boulevard Manuel Ávila Camacho (Periférico Norponiente) también ha sido factor para el éxito del proyecto, permitiendo ser un detonador positivo para sus alrededores. Arquitectónicamente, el edificio del centro comercial está resuelto como un circuito interno que parte de una plaza central de 50m x 50m con dos ejes longitudinales paralelos de circulación hacia las tiendas anclas ubicadas en los extremos del volumen central. De manera reciente y gracias a un proyecto de renovación de la plaza, ésta no sólo contempla la remodelación y ampliación

de todo el complejo sino que también destaca por ser un importante desafío arquitectónico pues representa la tercera intervención de Sordo Madaleno al diseño original. Cada generación ha plasmado su huella y ahora se transforma en una propuesta para la vida contemporánea. Así, a través de una nueva estética, Plaza Satélite expresa tintes atemporales al usar madera, acero y piedra como principales materiales. Para mejorar la vivencia de los espacios cuenta con nuevas áreas arboladas y al aire libre que también otorgan iluminación y ventilación natural. Asimismo, se han abierto nuevos espacios públicos en su interior, como la zona central que se volverá en una plaza que albergará diferentes tipos de eventos. Como resultado, el Centro Comercial cuenta con una área total comercial de 180,376 m2, dando un total construido de 548,181 m2, destacándose como una de las plazas más grandes y modernas de todo Latinoamérica. –ALM

TALLER

Fritz Hansen es el equilibrio entre procesos tradicionales de manufactura y diseĂąo contemporĂĄneo.

TALLER

EXACTITUD milimétrica “Una silla de madera se define por sus uniones, justo ahí se exponen los conocimientos de manufactura y también sus cualidades estéticas.” –Oki Sato, diseñador en jefe del estudio Nendo.

Fotos © Lumecore / Toon Grobet (producción) / Ditte Isager (ambiente) / Egon Gade (producto)

Texto ARIADNA SÁNCHEZ

LAS TRADICIONES del diseño japonés y danés tienen mucho en común, precisamente la silla N01 es un ejemplo de ello. Diseñada en colaboración con el estudio de diseño Nendo, la silla de madera maciza aprovecha la calidez del material y exalta sus posibilidades expresivas a través de delicadas uniones trabajadas en los talleres de la marca de origen danés, Fritz Hansen. La silla, disponible en roble negro, roble natural y haya con cojines opcionales en tela o cuero, se integra con un asiento y respaldo hecho con nueve capas de chapa –característica de la colección de sillas apilables de la marca–, en cambio, las patas y soportes están hechos con madera maciza. En total, está construida como un rompecabezas que consta de 23 piezas elaboradas industrialmente en un taller belga fundado en 1924, que se ensamblan a mano por completo. Normalmente, la sección en la que se unen la estructura de la silla con el asiento o el respaldo se engrosa para aumentar su resistencia, lo que da

una impresión de pesadez. Sin embargo, en N01 el encuentro entre el respaldo y los reposabrazos se expresa de forma silenciosa, las secciones de la junta están diseñadas cuidadosamente para que parezca que dichas uniones se tocan lo menos posible. La dificultad con una silla de madera es que incluso un pequeño cambio de tamaño –incluso menos de 1 mm– puede cambiar mucho su apariencia y nivel de confort. Cambiando la forma de las patas o de los brazos de una forma redonda a una elíptica, o estrechando el borde, o dándole una ligera curvatura, se le puede dar a la silla un carácter totalmente diferente. Por ello, el ensamblaje numerado de la N01 garantiza que la construcción rica en detalles se acerque lo más posible a la perfección, ya que, de haber inexactitudes por mínimas que sean provocan que su ensamble comience de nuevo. Nendo representa un lenguaje de diseño que complementa el ADN de diseño en Fritz Hansen y al mismo tiempo lo desafía con una forma de

23 piezas de madera, contrachapada y maciza, se integran como un rompecabezas en la silla N01.

TALLER

trabajar dejada en el olvido, ya que no habían fabricado una silla de madera maciza desde hace muchos años, probablemente no desde la silla Grand Prix de Arne Jacobsen en 1957. Aunque son reconocidos por su técnica de madera contrachapada, utilizado en muchas de sus sillas, como la Ant y la Series7, también de Arne Jacobsen. Christian Andresen, jefe de Diseño de Fritz Hansen, comentó: “con N01 queríamos hacer una silla contemporánea, que se remontara a nuestra historia tanto en términos de diseño como de artesanía. Nuestro objetivo: conseguir un confort excepcional y un diseño bello sin concesiones. Con esto en mente, encontramos a Nendo como la pareja perfecta». La experiencia de diseño de la N01 incluyó visitas al taller de Alleroed en las afueras de Copenhague –casi todos los meses en la fase final–, donde había un nuevo prototipo para estudiar, discutir y regresar varias veces. Este proceso productivo fue uno de los puntos culminantes para la carrera de 15 años del diseñador Oki Sato. Realmente fue un proceso de colaboración entre Fritz Hansen y Nendo. Al respecto, el canadiense comenta: “Tanto los diseños japoneses como los daneses tienen un gran respeto por la madera y la artesanía relacionada con ella. Teniendo esto en común, a pesar de la distancia y diferencia cultural, nos fue posible hablar el mismo idioma. Por último, pero no por ello menos importante, no está diseñado para el diseño. En cambio, el diseño sigue la función y los requisitos prácticos de la silla. Ni siquiera estoy seguro de si realmente he diseñado la silla; siento que nosotros (Nendo y Fritz Hansen) la hicimos juntos, como un equipo”. www.fritzhansen.com www.nendo.jp

“Un pequeño cambio de tamaño provoca que el ensamble de la N01 comience de nuevo”. –Oki Sato.

Ambos lados del asiento tienen una inclinación gradual, como si estuviera abrazando al cuerpo. Un punto en común con la identidad de las sillas insignia de la marca de origen danés.

ADVERTORIAL

La experiencia ¿Cómo cautivar a los nuevos y futuros mercados? Sólo las nuevas generaciones son las que pueden aportar propuestas asertivas para construir una mejor experiencia de marca.

Lilian Levy, Daniella Miselewicz (Diseño Gráfico), Daniela Ponce, Tabata Paredes, (Diseño Industrial) y Mariana Chávez (Diseñadora de Moda).

Fotos Edgar Hernández / cor tesía proyecto A Escala

Equipo Directivo Recubre.

En colaboración con la Universidad Iberoamericana, Recubre crea un concurso para enriquecer ‘La experiencia Recubre’. Así, surgió un concurso más profundo y alineado a la estrategia de la empresa hacia el 2023 con su nueva esencia: experiencia, solución y vanguardia en decoración. Participaron cinco equipos –integrados por alumnas de las licenciaturas de Diseño Gráfico, Diseño Industrial y Diseño de Indumentaria y Moda–, los cuales armaron sus propuestas basándose en diferentes perspectivas; algunos se enfocaron en cómo atraer a usuarios potenciales y posicionar la marca, y otros se dieron a la tarea de ofrecer alternativas para mejorar ‘la experiencia Recubre’. El resultado final es interesante, sobre todo por las ideas frescas y la manera

en que cada una de las soluciones se puede implementar dentro del negocio. Todos los trabajos mostraron una gran investigación de mercado y de campo, con ideas creativas que dan un panorama más amplio de cómo las propuestas más tradicionales se pueden transformar en conceptos innovadores que incorporen un modelo comercial con características de creatividad, innovación, tecnología y vanguardia. El proyecto ganador se llama: "A Escala", un nombre que representa que cada proyecto estará hecho a la medida y necesidades específicas del cliente, escalando 'la experiencia Recubre' a otro nivel y cubriendo al 100% lo que pide el cliente a través de la APP Recubre. La propuesta es un servicio completo de decoración de interiores al

cual pueden acceder los usuarios desde la comodidad de sus casas. “Gracias a la investigación realizada, nos dimos cuenta de que los canales de venta están en constante cambio.Vivimos en una época en la que las 24 horas del día no son suficientes para todas nuestras actividades. Preocupándonos por los clientes Recubre, diseñamos un servicio integral y multicanal que ataca las necesidades del cliente de diferentes maneras”, plantea el equipo ganador. Recubre agradece a la Universidad Iberoamericana y, en particular, a los profesores Paulina Sierra y César Lara por su dedicación a este proyecto. www.recubre.com.mx

DISEÑO + HISTORIA

Demasiado modernos Desde sus trabajos pioneros, Ray & Charles Eames siempre mostraron una inquietud por las ideas y espíritu lúdicos. Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

La legendaria pareja de diseñadores se conoció en la Cranbook Academy of Art en Michigan en 1940, después se instalaron en Los Ángeles.

Fotos cor tesía Vitra Design House

DISEÑO + HISTORIA

Sus muebles son un icono en la historia del mueble moderno, pero su vida creativa es genial, divertida y un mito en las páginas del diseño.

En 1949 Charles y Ray diseñaron y construyeron su propia casa en Pacific Palisades, California; como parte del Programa Case Study House patrocinado por la revista Arts & Architecture.

ORIGINARIO de St. Louis, Missouri, Charles Eames (19071978) estudió arquitectura en la Washington University de St. Louis. Su trabajo captó la atención del arquitecto Eliel Saarinen, quien le ofreció una beca en la Cranbrook Academy of Art en Michigan donde conoció a Ray Eames (1912-1988), cuyo nombre de soltera fue Bernice Alexandra Kaiser, nacida en Sacramento, California, quien se dedicaba a sus estudios de pintura dentro de la Cranbrook Academy of Art. Ambos fueron sobresalientes en sus propios ámbitos antes de conocerse; para 1941 se casaron y juntos empezaron a experimentar con técnicas de modelado tridimensional de madera contrachapada que llamarían plywood, en la que se unen chapas de madera con un pegamento de resina y se moldean con un proceso que implica calor y presión. Dicha técnica se usaría en las sillas que los harían famosos hasta nuestros días. Sin embargo, también diseñaron asientos para piloto y otras partes de avión durante la Segunda Guerra Mundial, y produjeron miles de férulas para piernas en contrato con la US Navy, adquiriendo conocimiento invaluable que después aplicarían a su mobiliario. La máquina con la que doblaban la madera se llamaba Kazam, en honor al sonido que hacía al funcionar. Se trataba de un aparato casero, una especie de horno hecho con trozos de madera y piezas de repuesto para bicicletas. Fabricada con un molde de yeso curvado, la máquina les permitió crear un sándwich compuesto de varias capas de chapa, que luego fue empujado contra un molde de yeso por una membrana que, a su vez, fue inflada manualmente por una bomba de bicicleta. Fue en la primavera de 1945 que los Eames lograron crear la silla de madera contrachapada LCW (Lounge Chair Wood) fabricada

El equipo de trabajo de los Eames. En su ética de trabajo, la pareja daba empleo a gente local. Su oficina era un lugar de trabajo diversificado donde se conceptualizaban ideas y también se desarrollaban prototipos, ya que para ellos se aprendía haciendo.

DISEÑO + HISTORIA

Arriba: Instalación Mathematica en el Museo de Ciencia e Industria en Los Ángeles, California, 1961 Abajo: Set fotográfico para el Aluminium Group.

ES 106 (Sillón Eames), originalmente diseñado para su amigo, el director de cine Billy Wilder en 1968.

DCM (Dining Chair Metal), producto de los experimentos de la pareja con contrachapado de madera moldeado, diseño de 1946-47.

con madera contrachapada de curvas compuestas. En 1946, expusieron sus primeros diseños de muebles experimentales en el MoMA. Posteriormente, la compañía Herman Miller comenzó a fabricar sus muebles. Charles y Ray participaron en el concurso Low-Cost Furniture del MoMa en 1948, y para 1949 diseñaron y construyeron la innovadora Eames House, Case Study House #8, como parte del programa Case Study de la revista Arts & Architecture. Situada en un acantilado con vistas al Océano Pacífico y construida a mano en cuestión de días con piezas prefabricadas de acero destinadas a la construcción industrial, la casa Eames es un hito de la arquitectura moderna. En 1957, Vitra firmó un acuerdo de licencia con Herman Miller y comenzó a producir los diseños de los Eames para Europa y Oriente Medio, acuerdo que sigue vigente. Los muebles de Charles y Ray Eames han sido la piedra angular de la colección del Vitra Design Museum desde sus comienzos. Una importante parte de los objetos del legado de la pareja se recibió en 1988. Después de la exposición The Work of Charles and Ray Eames (1997-1998), el Vitra Design Museum presentó una retrospectiva de su obra en la exposición titulada An Eames Celebration celebrada durante 2017 y 2018, dividida en cuatro exposiciones paralelas en el Vitra Campus de Weil am Rhein. Además de sus trabajos en arquitectura y diseño de muebles, también se dedicaron al diseño gráfico, la fotografía, el cine y el diseño de exposiciones, algunas que aún siguen en exhibición como Mathematica: a world of numbers…and beyond, la primera exposición organizada por la oficina de los Eames e inaugurada originalmente en 1961 y que todavía mantiene su vigencia, en ella procuraron fomentar la curiosidad y promover la participación de los asistentes. Actualmente, la familia Eames dirige la Eames Office, trabajando en todos los asuntos relacionados con la conservación, desarrollo y fabricación de los diseños de los Eames. Más allá de hacer un trabajo que preserve los diseños, la Eames Office busca promover y mantener el legado de la pareja, reavivando proyectos de manera constante y cuidando la calidad que ellos procuraron desde el principio de su práctica. www.eamesoffice.com www.design-museum.de

DKW (Dining K-Wire Shell), parte de la familia de wire chairs, que imitan la forma de las sillas de plástico Eames, diseño de 1951-52.

LCW (Lounge Chair Wood), icónico diseño de Charles y Ray Eames que data del periodo en que experimentaban con contrachapado de madera, diseño de 1947-49.

No. 684 (Eames Aluminum Group), silla reclinable con reposabrazos, se trata del antecesor de las sillas EA de aluminio, diseñada en 1947-49.

DISEÑO + HISTORIA

En 1949, Alexander Girard fue el comisario de An Exhibition For Modern Living, Ray preparó un boceto del diseño donde más tarde se expondría el sillón Eames por primera vez.

Fotografía publicitaria de The Toy, diseñada en 1951 y fabricada hasta 1959. Reintroducido en 2017, The Toy es un juguete versátil diseñado para adultos, adolescentes y niños. Sillas apilables de fibra de vidrio, diseño de 1957. Charles y Ray construyeron el prototipo del asiento a partir de metal.

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Entre lo ANTIGUO y contemporáneo

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ, enviados Toluca

Fotos cor tesía Paseo Molino

Ubicado en lo que antes se conocía como ‘La Harinera’ de Toluca, Paseo Molino es un proyecto que reconecta a la comunidad a través de la vivienda y el comercio.

DISEÑO + CIUDAD

Una intervención arquitectónica que respeta lo que fuera conocido como El Granero del molino, el cual ahora es una integración perfecta entre lo contemporáneo y los detalles restaurados del inmueble original.

EN LO QUE FUERA el Antiguo Molino de La Unión en el corazón de la ciudad de Toluca, hoy se materializa: Paseo Molino, una sofisticada propuesta de bienes raíces a la vez pionera en cuanto a proyectos de usos mixtos se refiere en la capital mexiquense. Se trata de una intervención arquitectónica que, acotándose a los principios de la Carta de Venecia, respeta y rehabilita lo que fuera conocido como El Granero, la principal fábrica de harina que abastecía a Toluca y algunas partes de la Ciudad de México gracias a un molino que tenía como fuerza motriz el agua del río Verdiguel (una de las principales fuentes de abastecimiento de agua para los pobladores de Toluca desde épocas muy antiguas). El arquitecto Samuel Chávez, quien ha estado a cargo del proyecto de restauración, platica que para rehabilitar un edificio con más de 250 años de antigüedad y que había estado en abandono total, por lo menos, los últimos 50 años de su existencia, se tuvo que aplicar el sistema de construcción top-

down que ‘carga’ el inmueble antiguo mediante elementos contemporáneos anclados a la superficie del terreno, lo que permite rescatar todas las caras y muros envejecidos sin tener que demoler. “En México –puntualiza Chávez– sólo hay dos edificios con este tipo de sistema que además de costoso también es muy complejo; uno es Torre Reforma en la Ciudad de México y otro es Paseo Molino en Toluca”. Así, ahora se aprecia una integración entre una construcción contemporánea con detalles restaurados del inmueble original. Por ejemplo, toda la madera que integra el proyecto es la original, pasó por tratamientos de diferentes naturalezas para restaurarse y extender su tiempo de vida durante otros 200 años más; en algunos casos, incluso se liberó para tratarla, quitarle plagas y darle nuevos usos como colgantes y luminarias que adornan la parte del Centro Comercial. “En las fachadas –continúa el arquitecto– también hicimos varias calas estratigráficas para descubrir el color original de las

paredes. Encontramos unas seis calas de pinturas diferentes que se usaron durante todo este tiempo hasta llegar al que se usó desde el principio”. Chávez explica que la visión contemporánea del inmueble contempla departamentos de lujo repartidos en 3 torres, además de espacios comerciales con salas de cine, bancos, restaurantes, gimnasios, boutiques y servicios diversos; más de 650 cajones de estacionamiento y áreas de oficinas. “Esto hace que Paseo Molino se convierta en la punta de lanza de proyectos que conectan a la comunidad con lo público, lo privado y la vivienda. Es un concepto único e irrepetible en el Centro Histórico de Toluca, pues por la dimensión del predio no se podrá construir otro similar en los primeros cuadros de la ciudad y por su impacto es un lugar que despertará el interés de la gente hacia lo contemporáneo, lo que sin duda va de la mano con la generación de una derrama económica para la entidad”. www.paseomolino.mx

DISEÑO + CIUDAD

Arte, PAISAJISMO y arquitectura En Brasil existe un parquecementerio que transforma un lugar de reflexión en un espacio de conexiones materiales y espirituales. Texto ANA LAURA MUÑOZ

Arriba: Cada detalle del proyecto arquitectónico ha sido pensado para que el espacio funcione como un recinto de reflexión y de contemplación. Abajo: Una estructura vigorosa protagonizada por la madera y que parece desdoblarse hacia el cielo, da vida a una capilla, la cual ha sido reconocida con el premio inglés International Property Award 2017-2018 en la categoría de Espacios Públicos.

DISEÑO + CIUDAD

Fotos cor tesía Crisa Santos Arquitectos

Basado en el concepto de 'arquitectura de sentimientos' nace Memorial Parque das Cerejeiras que une arquitectura y diseño con emociones y sensaciones.

UNA PLAZA definida por placas de acero curvadas que sirven como una metáfora cronológica de la vida es lo que visualmente describe al Memorial Parque das Cerejeiras, ubicado en Jardim Ângela, en São Paulo, Brasil. Se trata de uno de los proyectos más recientes del despacho Crisa Santos Arquitetos que ha enfocado su trabajo en lo que llama ‘arquitectura de sentimientos’ con intervenciones arquitectónicas y de diseño basadas en las emociones y sensaciones. Memorial Parque das Cerejeiras es un concepto inédito de parque-cementerio que recrea un espacio de bienestar y comunión aliado a la necesidad de tener un área verde en la región: son 300,000 m2 oxigenados por vegetación y rodeados con estructuras hechas de arquitectura paramétrica, una plaza de chapas curvilíneas de acero, un mirador de madera, un invernadero de orquídeas con captación de agua pluvial vertical, una capilla y espacios públicos con bancos, mesas y esculturas de los diseñadores Hugo França, Sérgio J. Matos y obras de la artista Alessandra Bufe. Así, es posible encontrar un lugar donde la fusión de la arquitectura con la naturaleza bosqueja completitud, nutre sentimientos y concilia significados en la conexión entre construcciones, obras de arte y paisajismo. La arquitecta Crisa Santos platica que: el proyecto de

revitalización del Memorial Parque das Cerejeiras tardó dos años para desarrollarse. “Queríamos –dice– que el ambiente fuera agradable y contemplativo, brindándoles a los asistentes el confort que necesitan durante los difíciles momentos de la pérdida y despedida material de un ser querido. Gracias a una relación de complicidad con la arquitectura y objetos de diseño es como logramos esa sensación”. Por eso, cada detalle del proyecto arquitectónico ha sido planeado para que el espacio funcione también como un ambiente de contemplación y ordenación de las emociones. La portería, por ejemplo, se basa en una estructura de madera paramétrica como incidencia de luz, movimiento y entorno y el afán de recrear la simbología de un movimiento de vuelo hacia un lugar sagrado. Otro punto interesante es la Plaza de la Eternidad, formada por diversos tramos con chapas de acero en movimiento espiral, que conduce por caminos y asume la función de itinerario en una metáfora cronológica de la vida llena de significados: el nacimiento, la adolescencia, la fase adulta, los hijos, la madurez y el rito del paso hacia otro espacio existencial. De modo poético, el trazo curvilíneo define capítulos de una narrativa y las paredes de metal asumen el rol de guardián de nombres. www.crisasantos.com.br

ENTREVISTA

ESTRATEGIA DE DISEÑO “Trabajamos de la mano de la tecnología para proponer tendencias en el mercado.” —KARLA BORBOLLA Entrevista GRETA ARCILA

Retrato DUILIO RODRÍGUEZ

Desde finales del año pasado, Formica dio inicio a la presentación de las colecciones 2019 en superficies decorativas y continuará con la introducción de nuevas propuestas en los meses próximos. La oferta de productos de calidad que, además de ser funcionales y estéticos, también apoyen la realización de proyectos ha estado presente en el ADN de la marca desde sus inicios en 1913. “Observar y proponer tendencias es un elemento fundamental que está presente desde la creación de cada uno de los diseños que se han introducido al mercado local desde hace más de 30 años”, enfatiza Karla Borbolla que ingresó a Formica Group en al año 2014 siendo responsable de la estrategia de mercado y comunicación para la marca Formica®. En su rol, está a cargo de las actividades de nuevos negocios, producto, branding y comunicación para el mercado mexicano. Para la directora de mercadotecnia de Formica en México, la palabra clave del medio especializado es: colaboración. “La comunicación con arquitectos y diseñadores está presente en cada proceso creativo. Conocer sus necesidades e intereses es un ingrediente clave en la preparación que apoya al lanzamiento de una superficie decorativa. Y por supuesto, toda vez que el producto ha sido creado, estamos interesados en conocer sus propuestas para aplicación en proyectos.” Las superficies decorativas que ofrece la marca están inspiradas en las tendencias en diseño globales: “Año tras año –explica Borbolla–, el equipo de diseño e investigación trabaja

en el desarrollo de nuevas propuestas al mercado siempre de la mano con la tecnología, las necesidades de los usuarios y clientes para dar lugar a la creación de superficies decorativas. Ejemplo de ello son los lanzamientos 2019 que se tienen en fechas próximas y cuya inspiración son las piedras y maderas a gran escala.” En este sentido, Formica es una de las firmas de laminados sólidos que ha logrado tener una importante transformación y de ser vista como proveedora de materiales de alta calidad, ahora es percibida como una compañía que marca tendencia en diseño. Uno de los segmentos de negocio de la empresa que ha madurado es la aplicación de sus materiales en mobiliario de alto diseño. Borbolla expresa su orgullo y satisfacción cada vez que los clientes y usuarios utilizan las superficies decorativas de Formica para sus proyectos. “Hay ejemplos de casos de éxito en diferentes segmentos como son hotelería, comercial, corporativo y residencial”, dice entusiasmada haciendo hincapié en que la oferta de superficies decorativas en tendencia es primordial en su portafolio. “Nuestro interés es seguir trabajando conjuntamente y mantener la comunicación para conocer sus necesidades en superficies decorativas en todo momento. Gracias a esto se ha desarrollado la Colección 2019 Specialty, compuesta por acabados en metales mate.” Formica visualiza las tendencias globales y su estrategia con mucha antelación, su visión como empresa trasnacional la hacen ir siempre un paso adelante. Particularmente, "México es un mercado receptivo y abierto siempre a las propuestas”, concluye Borbolla quien se confiesa apasionada por la cocina y el diseño. www.formica.com

ENTREVISTA

“La comunicación con arquitectos y diseñadores es clave en cada proceso creativo. Sus intereses se reflejan en cada nueva superficie decorativa.” –Karla Borbolla

En un lugar de la Condesa Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ Fotos ALUM GÁLVEZ

SU ESPACIO

La terraza, al fondo del patio de la casa, es el lugar favorito de la familia por ser un espacio donde se acoplan con la naturaleza.

“La casa debe ser un espacio religioso en el sentido estricto de la palabra de ser el lugar para ‘religarte’ contigo mismo y el entorno”. –ALFONSO QUIÑONES ERAN PRINCIPIOS del siglo xx y la colonia Condesa iniciaba su desarrollo urbano-arquitectónico con el trazo de sus calles y la construcción de las primeras casas que le dieron vida. Hoy alguna de esas residencias originales es el corazón de las tareas cotidianas de la familia del arquitecto Alfonso Quiñones –fundador de BAAQ’–. “Vivo enfrente del Parque México, en una casa que encontramos por casualidad y que resultó ser la mejor opción para volver a la Ciudad de México después de estar viviendo en Puerto Escondido, Oaxaca. Sin el parque,

nuestro hogar no sería lo mismo; cuando decidimos regresar era importante elegir un lugar donde tuviéramos una buena conectividad sin perder el contacto con la naturaleza al que mi familia y yo estábamos acostumbrados en la playa”. “Como en todas las casas que se desarrollaron en esa época –relata Quiñones–, hay una influencia de art decó en el inmueble, aunque en realidad lo describiría de un estilo ecléctico con elementos de todo tipo. Su interior se divide en crujías, que son espacios entre muros de carga y pilares, las cuales han hecho que la construcción soporte muy bien los temblores que han ocurrido en el barrio. Es muy curioso, pero en algún momento estuve haciendo una investigación sobre el origen e historia de estas casas y revisando algunas fotos aéreas de lo que era el Hipódromo de la Condesa, ya se alcanzan a ver las primeras referencias de su construcción”.

“La terraza es nuestra área más importante quizá porque contrasta con el interior un poco obscuro”.

SU ESPACIO

“No sabría describirlo, pero esta casa me hace muy feliz porque me reconecta con el contexto”. Una escultura-instalación de la artista visual Fabiola Torres-Alzaga da la bienvenida al abrirse las puertas del espacio personal del arquitecto Alfonso Quiñones.

Al abrirse el portón y conocer los interiores del espacio personal de Quiñones, los primeros pasos cruzan invariablemente por una pequeña cochera que al final conecta con un patio y una agradable terraza. “En broma siempre digo que con los coches tan grandes que había antes se hacían las casas con las puertas más chicas que podían existir. La realidad era que en aquel tiempo nadie tenía la necesidad de una cochera ni de meter su auto a la casa”, cuenta Alfonso a modo de anécdota. “Nuestro hall –continúa– está lleno de muebles y objetos que mi esposa y yo hemos ido heredando y recolectando a través del tiempo: un sillón y la sala, por ejemplo, eran de la abuela de mi esposa y se han retapizado con la idea de conservarlos y llevarlos a todos lados; asimismo un candil francés que cuelga en el centro del espacio y que le da un carácter soberbio a la estancia”. Quiñones colecciona obras de arte, algunas de las cuales reparte entre los espacios de su casa y los de su despacho que se encuentra a tan sólo unas cuantas cuadras de distancia. “Mi pieza favorita –dice– es una escultura-instalación hecha por la artista visual Fabiola Torres-Alzaga que habla sobre la percepción de las cosas y trata de una mariposa que desaparece según el ángulo por donde se le mire; a ésta le acompañan algunos otros muebles como una cajonera-armario y un escritorio antiguo que mi esposa me regaló como obsequio de Aniversario y que nos han acompañado durante todas nuestras mudanzas”. Un detalle interesante del inmueble es que éste tenía un falso plafón en lo que ahora es la sala, el cual al quitarse dejó al descubierto toda una yesería con frisos originales en los techos que el arquitecto espera restaurar muy pronto y que le dan mucho carácter a la casa.

El arquitecto comparte que la terraza se ha convertido en su lugar favorito, sobre todo en el verano porque ahí suelen departir entretenidas comidas familiares y tardeadas con amigos y colegas. “Es nuestra área social más importante quizá porque contrasta con el interior un poco oscuro que tiene la casa por la forma en que se diseñó; además, un frondoso árbol en el medio del patio no sólo se ha convertido en el punto central de la terraza sino que también es un elemento que a diario nos reconecta con la naturaleza”, finaliza Quiñones haciendo énfasis en el valor emocional de habitar y adueñarse de un espacio, sobre todo cuando se trata de una familia apasionada por la arquitectura e historia de las construcciones antiguas. www.baaq.net

SU ESPACIO

“Disfruto mucho los momentos de silencio, pero también de aquellos en los que mi esposa y yo platicamos del día a día”. —Alfonso Quiñones.

En la casa conviven muebles, obras de arte y piezas antiguas que el arquitecto Alfonso Quiñones y su esposa han ido heredando y recolectando a través del tiempo y de sus distintas mudanzas.

ENTREVISTA

El valor de lo hecho a mano

“La artesanía es una forma real de priorizar a los humanos sobre las máquinas.” —CARLA FERNÁNDEZ Y PEDRO REYES Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

Retrato Ana Hop / Fotos James Harris

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Por su impacto tangible en el mundo, Fernรกndez y Reyes fueron galardonados con el Design Visionary Award en la reciente ediciรณn de Design Miami/.

ENTREVISTA

En el booth de Design Miami/ se integraron las sillas Metate de Pedro Reyes, inspiradas en artefactos precolombinos de tres patas.

“SER seleccionados como los ganadores del Design Miami/ Design Visionary Award nos dio la oportunidad de presentar piezas que invariablemente demuestran que el diseño ha adquirido dimensión social, ya sea abordando la justicia social o el establecimiento de la paz, así como la importancia de productos artesanales en un mundo donde la mayoría de los procesos están siendo automatizados y millones de personas están perdiendo sus trabajos”, expone el artista contemporáneo Pedro Reyes que junto con la diseñadora de moda (y también su esposa) Carla Fernández –con sede en la Ciudad de México– presentaron durante Design Miami/2018 una retrospectiva de obras, enfocada a algunas de las preocupaciones de nuestro tiempo como la pérdida del intercambio humano íntimo que se ha vuelto cada vez más raro en esta era digital. Reyes relata que cuando les pidieron hacer la identidad de la feria de diseño –una de las más importantes a nivel global–, pensaron en trabajar con la idea de la gráfica de protesta, retomando el tema de los 50 años del Movimiento del 68 “pero tratando de no hacer una aproximación nostálgica hacia los hechos que ocurrieron sino

de conectar a las personas con la situación actual, sobre todo con la crisis de los migrantes que está ocurriendo en estos momentos. Carla –explica Reyes– ha trabajado durante muchos años con las comunidades indígenas; por eso, decidimos hacer una especie de mapa de todo el hemisferio del continente americano, el cual tiene los nombres de los más de 300 asentamientos originales del continente de las Américas que estuvieron antes de la conquista. Estábamos investigando y descubrimos que, a menudo, cada país tiene un mapa de sus propias ‘Primeras Naciones’. Sin embargo, no pudimos encontrar un mapa que integrara todos los grupos étnicos combinados en los hemisferios, por lo que decidimos crear uno. También descubrimos que lo que a menudo ha ocurrido es que las comunidades con las raíces más arraigadas también han sido las más marginadas a lo largo del tiempo y de la historia. Esa conexión del pasado con el presente, que se ha usado para desintegrar el tejido social, es algo que quisimos traducir en nuestra instalación”. El objetivo de Fernández y Reyes es ofrecer una perspectiva en una época histórica en que la xenofobia y el racismo van en aumento, y en la

Fotos James Harris

ENTREVISTA

que con miras hacia el futuro se pueden advertir aún más migraciones y reconocer que “todos somos inmigrantes” . Fernández, por su parte, reitera el agradecimiento de que ferias como Design Miami/Basel 2018 premien a los artesanos mexicanos, “es un reconocimiento para los diseñadores de moda mexicana y para la artesanía, el cual nos gustaría aprovechar como una plataforma para hacer un discurso que ayude a que todos seamos mejores personas”. “La artesanía es una forma muy real de priorizar a los humanos sobre las máquinas: nuestros productos de diseño son precisamente productos que no pueden ser realizados por máquinas. Desde la concepción hasta el marketing, nuestro objetivo es crear valor en las piezas que están hechas a mano. No es sólo una idea romántica, sino también una forma de asegurar que las personas que eligen estas profesiones estén a salvo de las oleadas destructivas que la automatización traerá a la sociedad”, argumenta la pareja de creativos a quienes les preocupa mucho que los procesos se conecten y que se genere una forma de continuar con el trabajo artesanal, sobre todo de crear vínculos y sensibilizar a la gente del valor y el es-

píritu que tienen las piezas hechas a mano, cuyo trabajo además merece que se pague un precio justo. Una anécdota curiosa es que Carla Fernández y Pedro Reyes han sido amigos de la feria de diseño de Design Miami/ desde hace 15 años; por eso, cuando presentaron su propuesta de hablar de temas políticos y sociales no pensaron que la fueran a rechazar. “Son expertos en diseño que saben que el verdadero lujo al que uno puede aspirar es hacia escapar del ciclo de crueldad que nos imponemos los unos a los otros a través de nuestras decisiones y hábitos. Si esto no ocurre, el mundo dejaría de ser humano”, puntualizan los artistas que en mayo siguiente planean la apertura de una nueva tienda en la Ciudad de México que está diseñando Pedro y que de manera paralela a su participación en Design Miami/ también está vigente la exposición Double Agents: Carla Fernández and Pedro Reyes en el Scottsdale Museum of Contemporary Art (SMoCA) de Arizona, Estados Unidos con piezas inéditas y obras emblemáticas de su producción. www.carlafernandez.com www.pedroreyes.net www.designmiami.com Ilustraciones por Pedro Reyes.

A menudo, cada país tiene un mapa de sus 'Primeras Naciones', por eso la inquietud de los artistas por hacer un mapa que integrara todos los grupos étnicos combinados en los hemisferios.

ENTREVISTA

El toque suizo de Objets Nomades “La tradición de 'hacer con las manos’ empata muy bien nuestro trabajo con la filosofía de Louis Vuitton.” —ATELIER OÏ Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

Retrato ©Louis Vuitton Malletier - Benjamin Decoin / Foto cor tesía Louis Vuitton

ENTREVISTA

LA NATURALEZA entretejida de la sabiduría de Louis Vuitton con el ojo y el perspicaz savoir faire de diseñadores de renombre ha creado formas, materiales y productos muy creativos, una tradición que la marca de lujo pone en evidencia con sus Objets Nomades. Entre las nuevas piezas que se integran a esta exquisita colección y que fueron presentadas durante la reciente edición de Design Miami/ está la mesa Serpentine, diseñada por el despacho suizo Atelier Oï. “Aunque ya hemos creado varias piezas para Objets Nomades, en esta ocasión quisimos irnos al principio de la historia y hacer un recorrido estético a través de los objetos que hemos producido. Desde un taburete plegable hasta una hamaca, después lámparas y los pequeños Objets Nomades con las flores, nos percatamos de que todos juntos forman una gran colección y de que también cada uno de estos productos se describe por sus diferentes tipologías: lámparas, sillas, jarrones etc. Por eso, para este proyecto, la idea partió de encontrar un objeto que se pudiera usar junto con nuestro taburete; de ahí, la propuesta de la mesa de comedor e intentar que su manufactura jugara con el uso del cuero como estructura para crear tridimensionalidad, así como sucede con una almohada o con las flores de origami”, platica Patrick Reymond, socio fundador de Atelier Oï junto con Aurel Aebi y Armand Louis. Así, la mesa Serpentine de Atelier’s Oï tiene una tapa de cristal biselado que se asienta sobre unas suaves patas de nogal americano unidas por tiras finas hechas de cuero azul Louis Vuitton. Su forma se inspira en los movimientos complejos y fluidos de las danzas suecas tradicionales en un juego construido de peso y tensión. “Lo maravilloso es que puede ser una gran mesa de comedor o una sencilla coffee table. Es una pieza

Serpentine tiene una tapa de cristal biselado que se asienta sobre patas de nogal americano unidas por tiras finas hechas de cuero azul.

diseñada conforme una estructura un poco orgánica como una intención de inicio suave que va derivando en un elemento más fijo. Por eso la llamamos Serpentine que es también la representación de un baile, de cuando las personas mayores danzan con sus manos juntas y forman como una especie de cinta que conecta a todas las diferentes personas alrededor de la mesa”, dice Reymond haciendo énfasis en que el día a día de su trabajo se resume en “tratar de pensar con las manos”. Dicha filosofía identifica mucho al taller suizo con la esencia de la marca francesa. Patrick cuenta que cuando visitaron por primera vez las oficinas de Louis Vuitton se dieron cuenta de que es un gran grupo, pero finalmente una empresa familiar que empezó como un pequeño taller que producía productos hechos a mano que todavía fabrican. “Tuvimos la oportunidad –dice– de visitar el corazón de la casa en sus talleres ubicados en Asnières-sur-Seine y ahí comprendimos el espíritu de la empresa. En ese lugar tan pequeño aprendimos que lo que nos encanta hacer es tener la oportunidad de estar cerca de las personas que trabajan con sus manos. Eso es algo único que caracteriza a la colección de Objets Nomades y que los convierte en piezas con alma”. Esto probablemente explica porqué Atelier Oï es uno de los talleres que tiene la mayor gama de objetos con Louis Vuitton. “Nosotros como ellos siempre estamos pensando en lo hecho a mano; es lo que nos gusta hacer”, remarca el diseñador suizo que al verse rodeado de muchos colegas y amigos en la feria de diseño de Desing Miami/ cae en la cuenta de que todos son personas con mucha energía y grandes apasionados por la deseabilidad y el placer. www.atelier-or.ch

La forma de la mesa se inspira en los movimientos de las danzas suecas tradicionales.

ENTREVISTA

“La manualidad rescata las tradiciones que están desapareciendo.” —FERNANDO Y HUMBERTO CAMPANA Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

Retrato ©Louis Vuitton - Benjamin Decoin / Foto cor tesía Louis Vuitton

Entre lo kitsch y sofisticado

ENTREVISTA

DURANTE Design Miami/ 2018, Objets Nomades presentó algunas variaciones con la idea de continuar la expansión de la colección creada por Louis Vuitton conforme su visión de reinterpretar el ‘arte del viaje’ de 160 años de la casa; uno de estos lanzamientos es la silla giratoria colgante Cocoon, diseñada por los Hermanos Campana, la cual ha sido halagada desde su creación en el 2015 y que ahora está disponible con una cubierta azul turquesa de piel de oveja y un largo y cómodo cabello largo, cojines con piel de cordero para una comodidad acogedora y elegante. Pero, esto es algo completamente diferente a lo que hacen los Hermanos Campana –sugerí al inicio de esta agradable entrevista con los hermanos brasileños Fernando y Humberto Campana, quienes sobra decir figuran entre los diseñadores latinoamericanos más reconocidos del mundo–. “De acuerdo –contesta Humberto–. Aunque no diría que es completamente diferente, porque la base del Studio Campana es la manualidad, rescatando las tradiciones que están desapareciendo. Eso lo hemos hecho todo el tiempo porque desde que comenzamos, Fernando y yo hemos tenido varias formas de abordar el diseño: un enfoque surrealista, social, material y visual; y otro guiado por la textura, el patrimonio y lo geográfico. Hemos trabajado en estos varios conceptos y no veo ninguna diferencia cuando alguien te pide que trabajes para una marca de lujo, sólo se trata de ir en la dirección correcta sin perder el sentido de la manualidad y adaptación.” “Lo hecho a mano es la base –remarca Humberto–. Y en el primer proyecto que hicimos para Louis Vuitton quisimos trabajar con los cortes de la marca, todas las franjas son cortes de cortes. Entonces, cuando tenemos la oportunidad de abordar todos estos elementos a través de una gran empresa, lo que obtenemos en términos de comunicación es fantástico.” Para los Hermanos Campana, la colaboración con marcas como Louis Vuitton, que su trabajo es conocido en todo el mundo, les permite transmitir identidad. “No importa si es la feria de diseño de Miami, de Milán u otra en el mundo, lo importante es que la gente sepa de dónde venimos, quiénes somos y que se contagien de lo orgullosos que nos sentimos de que nuestro trabajo sea reconocible. Intentamos hacer cosas que no todos hacen y lo que queremos es que las personas reconozcan nuestra marca, que sepan quiénes son los Campana”, enfatizan.

El diseño de la silla colgante Cocoon ha sido halagado desde su creación en el 2005.

“Creo, entonces, que ferias como Design Miami/ son únicas en el sentido de que nos permiten reafirmar nuestra identidad a través de las colecciones que presentamos”, dice Fernando que aprovecha para también hablar de su labor social por medio del Instituto Campana –creado hace nueve años–, en el que invierten parte de los recursos obtenidos por su trabajo. Ahí, los Hermanos Campana de vez en cuando dan clases o realizan talleres en los que particularmente participan los niños de las favelas de un país como Brasil que tiene grandes diferencias sociales; “es un trabajo comunitario que le da mucho sentido a lo que somos, pero que sobre todo nos hace humanos”, dicen Fernando y Humberto a quienes les parece muy curioso y divertido que el nuevo color azul turquesa de Cocoon invita a la gente a tocar el objeto. “Sí, el diseño de Cocoon es táctil porque creo que Brasil está texturizado. No está limpio, estamos sucios pero de una manera muy positiva a través de texturas, colores, distintos climas y diferencias geográficas. Esto es Brasil: kitsch, pero lleno de colores sofisticados”. www.campanas.com.br

"No importa si es en Miami o Milán u otra feria de diseño en el mundo, lo que queremos es contagiar una identidad".

ENFOQUE

Los nuevos espacios de las ciudades modernas “El despacho Legorreta tiene más de 50 años, lo fundó mi papá Ricardo Legorreta y ahora trabajamos los socios que estuvimos con él hace 20 años. Es un privilegio continuar con su legado.” –VÍCTOR LEGORRETA Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ

Retrato EDUARDO RAMÍREZ

"Lo que más me influenció de mi padre fue la pasión a su trabajo. La arquitectura ocupaba su mente todo el tiempo." —Víctor Legorreta

ENFOQUE

“Sí se debe hacer una arquitectura funcional y que cumpla ciertas necesidades físicas, pero sobre todo que ayude a ‘construir’ mejores seres humanos”.

El reto del proyecto de Celanese Mexicana (1968) era lograr un 'edificio continuo'.

últimos 20 años de su vida: “Cuando mi papá y yo empezamos a trabajar juntos y todo empezó a funcionar fue justamente cuando me dejó de importar la parte del crédito; a veces caemos en el indicio de tratar de reconocer a quién hizo tal o cual obra o de buscar al ‘realmente bueno’ en una oficina y eso no tiene importancia, ya que lo relevante es que el proyecto se haga bien. Creo que cuando te quitas esas ideas de la cabeza es cuando comprendes lo que es un equipo; por eso, el despacho Legorreta es más una filosofía, una forma de pensar que vale la pena conservar y que continúa evolucionando hacia el futuro con nuevas ideas. Mi padre decía que ‘la verdadera satisfacción del arquitecto es ir a un edificio que construyó y ver que la gente está contenta y cómoda, de nada sirve lo demás si hiciste algo que no sirve a la sociedad’, y con base en su ética y sentido humano es que me siento muy orgulloso de ser el arquitecto de la familia”. Bien es cierto que una de las hermanas de Legorreta también estudió arquitectura, pero finalmente su desarrollo profesional la ha encaminado por el mundo creativo de la fotografía. EL PRIMER PROYECTO Legorreta cuenta que el primer proyecto en el que trabajó con su padre fue el Papalote Museo del Niño. “Siempre fui un niño y estudiante rebelde. Cuando estaba en la escuela, no me gustaba mostrarle mis trabajos a mi papá y cuando me gradué él me sugirió que comenzara a ejercer la carrera con algunos de sus colegas y amigos. Por eso, antes de trabajar con él tuve la oportunidad

Foto Lourdes Legorreta

ES EL MÁS JOVEN de seis hijos –tres niños y tres niñas– y el único arquitecto. Su nombre impone por el inconfundible legado heredado por su padre Ricardo Legorreta, de quien aprendió a conocer las ciudades desde su interior, con la parte humana de las emociones y sentimientos que éstas le generan a las personas a través de sus calles y edificios. Hablamos de Víctor Legorreta, que ahora está al frente del despacho Legorreta junto con los socios que lo han acompañado. “Siempre me gustó la arquitectura; desde niño viví alrededor de ella e invariablemente terminaba viajando a los lugares en donde mi padre hacía arquitectura. Conocí muchas ciudades y mi casa estaba llena de libros con ilustraciones y fotos de grandes proyectos y construcciones de todo el mundo; de alguna forma desde muy chico sabía que me gustaba la disciplina, pero también tenía ese miedo natural de que me compararan con mi papá y de que la gente criticara mi trabajo o de que opinaran que no era tan bueno como él”, comparte Víctor Legorreta durante una agradable plática en su despacho de la Ciudad de México, el cual es reconocible desde la calle por el característico estilo Legorreta de llevar líneas atrevidas en la construcción, usar colores vibrantes y el manejo del espacio para crear patios en donde conviven lo moderno con lo tradicional. Es ahí en donde Víctor Legorreta ha bocetado un sinnúmero de proyectos durante los

Foto Ma. Dolores Robles-Maratínez

ENFOQUE

Ubicado en la esquina clave de la Macro Plaza de Monterrey y franqueado por la Catedral y el Palacio Municipal, Museo Marco (1991) se integra al paisaje urbano por medio de un patio central.

Foto Lourdes Legorreta

La Biblioteca Central Monterrey (1994) fue planeada como un centro de informaciรณn para el sistema de la Universidad de Nuevo Leรณn.

nado e incluso me atreví a sugerir mis propios bosquejos sobre los suyos. Por supuesto, al comienzo él tomaba todas las decisiones importantes, pero poco a poco me fui involucrando más con el quehacer del despacho y él se convirtió en mi mentor, mientras que yo dirigía la oficina. Trabajó aquí hasta el final, no faltó ni un solo día a su oficina. Extraño poder discutir el trabajo con él y pedirle sus consejos”, relata emocionado el arquitecto, que al día de hoy está plenamente convencido de que la buena arquitectura se siente dentro de los espacios si estos hacen sentir a las personas como en su casa y son capaces de transmitir sentimientos como comodidad, serenidad, calma, etc. “Eso requiere de un gran esfuerzo. La arquitectura debe evocar sentimientos y emociones. Hay muchos arquitectos que pueden hacer edificios buenos y eficientes, pero si no tienen un ‘alma’ que los soporte no es suficiente”.

Colección Legorreta

de estar en otros lugares y experimentar distintas culturas gracias a que mi padre conocía a muchos arquitectos alrededor del mundo. Primero, me fui a Los Ángeles para trabajar en Leason Pomeroy Associates, después a Barcelona y finalmente a Japón. También viajé a Nueva York para entrevistarme con Aldo Rossi, pero fue en esa época que a mi papá lo invitaron a participar en el concurso para construir un museo de niños en la Ciudad de México, proyecto para el cual me pidió que regresara para trabajarlo juntos”. Corrían los primeros años de la década de los 90’s y en ese entonces el arquitecto Ricardo Legorreta no tenía un equipo que se enfocara en el diseño de un espacio para el juego, el aprendizaje y la convivencia de distintas generaciones de niños y familias, un lugar que le apostaba a convertirse en un museo muy peculiar y único en el país. Se le ocurrió entonces invitar al joven Víctor Legorreta a que formara un equipo de trabajo con algunos de sus amigos para participar en el concurso al que habían invitado al despacho. Su hijo Víctor regresó del extranjero, contactó a varios colegas suyos, junto con ellos se involucraron de lleno en el diseño del proyecto y finalmente construyeron el museo del Papalote Museo del Niño y el Planetario, que se inauguraron en 1993 y fueron remodelados en el 2016 también por el despacho Legorreta. “Mi padre siempre estaba abierto a nuevas ideas. Tenía una personalidad fuerte, era dominante y se adecuaba a su manera particular de hacer las cosas. Yo, sólo tenía 24 años cuando comencé a trabajar con él, estaba muy emocio-

Foto Lourdes Legorreta

ENFOQUE

Por su terreno, Camino Real Ixtapa (1981) –ahora Las Brisas– es excepcional.

Sus 63 cúpulas dan escala y funcionan como fuentes de luz y en la Catedral Managua (1993).

ENFOQUE

“Cada proyecto es importante por el impacto que provocará en la gente y en su entorno”.

Por sus diferentes formas y orientaciones, Museo Laberinto (2008 ) ofrece una personalidad y ambiente muy distintivos en San Luis Potosí.

EL FUTURO DE LA CIUDADES Actualmente, el despacho Legorreta trabaja, además de diversos proyectos corporativos y residencias, en el diseño y planeación de Barrio Santiago en la ciudad de Querétaro, un desarrollo de usos mixtos que se prevé estará listo en marzo del 2020. “Es un proyecto muy especial para el equipo, pues se encuentra en un terreno único justo enfrente de lo que es el Acueducto que es el símbolo arquitectónico de la ciudad y también su monumento histórico más importante. También en una parte del terreno está lo que era la antigua Hacienda Carretas que es sitio histórico cerrado al público, el cual ha sido intervenido en varias ocasiones y que ahora la idea es restaurarlo por completo para que puedan abrirse sus puertas”. Barrio Santiago se convertirá en uno de los motivos para visitar la ciudad de Querétaro e incluso en un referente para quienes están buscando un nuevo lugar de residencia. Legorreta explica que

contará con un hotel, edificios de departamentos, comercios y otras amenidades recreativas y de entretenimiento con la idea de que se vuelva un centro de barrio para la ciudad y un lugar donde la gente se pueda sentar a admirar el Acueducto. “Ha sido un proyecto interesante –reitera– porque desde el punto de vista arquitectónico ha exigido una fusión entre lo viejo y lo nuevo, y eso siempre es muy apasionante. En el despacho siempre hemos querido hacer una arquitectura que sea muy respetuosa con los monumentos e inmuebles históricos y Barrio Santiago nos da esa oportunidad; así que más que mirar la antigua Hacienda y el Acueducto como limitantes, los hemos visto como un complemento interesante para hacer una arquitectura que se lleve bien con la parte histórica, es decir, un proyecto contemporáneo que se convierta en la amalgama perfecta entre lo viejo y lo contemporáneo”. Para lograr ese objetivo, el equipo de Legorreta ha trabajado muy de la mano con las autorida-

El edificio de posgrado de la Facultad de Economía de la UNAM (2010) es interesante por su topografía.

ENFOQUE

Y quien mejor para hablar de la evolución de las ciudades que el mismo Víctor Legorreta que las ha vivido desde niño: “Para mí, ver cómo se desarrollan y van cambiando las ciudades es apasionante; una ciudad es el símbolo de lo que está pasando en la sociedad, no creo que pueda haber una sola en el mundo que se quede estancada, sobre todo porque la humanidad está en constante avance y movimiento. Un país como México que está creciendo tanto en población como cultural y económicamente supone el requerimiento de nuevos espacios”. En estos momentos, por ejemplo, la misma Ciudad de México tiene que evolucionar y está cambiando mucho; se está guiando conforme las tendencias impuestas por los millenials y las nuevas generaciones que les siguen. “Los jóvenes traen en mente otra actitud ante la vida y están dispuestos a vivir en lugares más chicos, pero que tengan más amenidades o más actividades recreativas comunes; entonces estás viviendo en comunidades mucho más densas, pero que les quedan cerca de sus lugares de trabajo y que además tienen parques y plazas

Foto Lourdes Legorreta

Foto Undine Pröhl, cortesía La Purificadora

Foto Allen Vallejo

des del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). “Esa buena escala arquitectónica ha implicado el crecimiento de las banquetas y de hacer una serie de pequeñas plazas y terrazas en donde la gente pueda caminar e incluso sentarse a admirar los más de 70 arcos que conforman el Acueducto. Hasta ahora no hay un lugar donde eso se pueda hacer”. En opinión de Legorreta, el futuro de las ciudades está en los proyectos de usos mixtos. “Estoy plenamente convencido de que a las personas les atrae cada vez más la idea de vivir en lugares en donde cuenten con todos los servicios que necesitan y que agilicen su movilidad con comercios, gimnasio, restaurantes, cines y hasta con un pequeño componente de oficinas. Este tipo de proyectos van a ser el futuro de las ciudades; Querétaro, por ejemplo, es un destino pujante, en pleno desarrollo y hacia el que se está yendo mucha gente joven para trabajar o cambiar su lugar de residencia. Mucho del México moderno está recayendo en estas ciudades y en proyectos como Barrio Santiago”.

El hotel boutique La Purificadora (2007) en Puebla consiste en un gran patio lateral, que el edificio rodea en todos sus niveles.

El Museo de Ciencia e Historia de Fort Worth (2009) es vecino de obras de Luis Khan, Tadao Ando, Phillip Johnson y Renzo Piano.

Foto Jaime Navarro

La renovaciรณn del Museo del Papalote (2016) contempla el uso eficiente de recursos naturales, adecuando los espacios para privilegiar la luz y ventilaciรณn naturales y dotarlo de iluminaciรณn inteligente (tipo LED).

ENFOQUE

de problema conviven diferentes clases sociales, generaciones de distintas edades e incluso personas con pensamientos sociales e ideológicos muy dispares”. FILOSOFÍA DE TRABAJO EN EQUIPO En esta historia de crecimiento, de desarrollo y de trueques entre los estilos urbanos y la manera de vivir las ciudades, ¿cómo ha cambiado la forma de hacer arquitectura?. Legorreta responde: “El fundamento de la arquitectura sigue siendo el mismo: un problema para ser resuelto, el cual se resume en un proyecto trazado a través de un terreno que está en una ciudad dentro de un entorno urbano o natural, cuya transformación afectará el entorno en el que se encuentra. Esa base de solucionar una necesidad no creo que cambie nunca, pero la forma de cómo se puede atacar el problema sí será diferente cada vez. La tecnología, por ejemplo, es una variante interesante; cuando empecé a estudiar la carrera no había computadoras, todo se dibujaba a mano [una actividad que curiosamente Legorreta sigue

“Somos un despacho al que le gusta México y su pasión arquitectónica y su gusto por vivir en lugares agradables”.

Foto Hunter Kerhar t

Foto Lourdes Legorreta

para practicar algún deporte o que les permiten distraerse. A veces prefieren vivir en menos metros, pero con un estilo y calidad de vida de no usar el automóvil, de poder ir al cine, de ir a cenar a restaurantes bonitos en cualquier momento, de contar con zonas peatonales etc. Creo que eso es lo hemos visto en barrios como las colonias Roma y Condesa, los cuales han servido como detonadores para contagiar a otras áreas de la ciudad, lo que a final de cuentas se resume en el enfoque de retomar la vida de barrio”, explica el arquitecto quien refiere que durante los 70’s y 80’s la tendencia fue más hacia el estilo de los suburbios y por eso, las familias hacían todo lo posible por comprarse un coche (o varios) para ir a trabajar hacia las afueras de la ciudad y regresar a vivir en zonas habitacionales tipo cerradas o privadas. “Ahora –enfatiza– hay un regreso muy positivo hacia las ciudades que tienen la preferencia por el estilo de barrio y que están encontrando una respuesta urbana en los proyectos de usos mixtos; algo que incluso califico como ciudades más sanas y en donde sin ningún tipo

Corporativo Terracota Cien (2011) se encuentra en Santa Fe, en un predio de 6,400 m2 cuya geometría describe un polígono en forma triangular, lo cual se convierte en el rasgo característico del proyecto.

El nuevo edificio de residencias de la Escuela de Graduados de Negocios 'Highland Hall' se suma al complejo universitario de Stanford en el 2016.

ENFOQUE

Foto Lucía Cervantes

Foto Allen Vallejo

Toks Veracruz (2016) ocupa la nave principal del templo que conformaba el ex Convento de Santo Domingo, que data del siglo xvii.

practicando porque le gusta mucho trazar sus bocetos todavía]. Hoy, la computadora ha abierto muchas oportunidades, los nuevos programas ya permiten modelar con todos los detalles de problemas y acabados que puede tener una construcción; virtualmente es posible mirar un proyecto con todas las combinaciones posibles de colores, de materiales, de objetos, de uso de luminarias, de costos y aún mucho más, lo que en teoría nos da las herramientas viables para el planteamiento de hacer mejores edificios. Antes todo lo imaginabas con maquetas, acuarelas y dibujos, pero ahora todo se puede modelar y ensayar con diferentes detalles incluso antes de empezar a construir y tomar decisiones. Eso, sin duda, ha afectado la manera de hacer arquitectura y la forma cómo estamos trabajando”. Sin

Miyana se convierte en un verdadero centro urbano e hito arquitectónico en la Ciudad de México, no en un proyecto aislado.

embargo, esa parte de poder modelar está apenas empezando, cada vez va a haber herramientas más sofisticadas y en el futuro los procesos serán muy participativos entre clientes y arquitectos. “Cuando haces un edificio no lo puedes estar tirando cada cinco años, sería una completa irresponsabilidad; por lo que sí visualizo que con las nuevas herramientas se puedan eficientar los procesos para hacer una arquitectura más de equipo. Para esta entrevista soy yo quien habla, pero en el despacho somos más de 80 personas que a diario realizamos una labor de equipo a veces guiados por una idea que dio el cliente y en otras ocasiones por la propuesta de alguien de la oficina, ya no es el viejo mito del arquitecto genio que se va en solitario al bosque a caminar, se abraza de los árboles y regresa inspirado con

una ideal genial. El reto es construir ciudades que funcionen para todos”, dice Legorreta haciendo un especial hincapié en que lo mucho que le gusta trabajar con artistas pues cada vez que los visita en sus talleres y estudios sale empapado de muchas ideas en la cabeza y en el corazón. “Acercarte a gente que piense parecido a ti funciona mucho”, concluye el también empresario quien alimenta sus días habituales con viajes, juntas de trabajo, revisión de proyectos, tiempos de meditación y hasta paseos ocasionales en bicicleta –que es su hobby preferido–, sin olvidar el gran amor que siente por su familia. www.legorretalegorreta.com

Foto Lourdes Legorreta

Foto Jaime Navarro

Torre BBVA Bancomer (2016) reúne el lenguaje arquitectónico de los despachos de Legorreta y la británica Rogers Stirk Harbour + Partners.

FERIAS

Espacio de diseĂąo coleccionable, reflejo de la ciudad que lo alberga: colorido, atrevido, divertido y armonioso Texto GRETA ARCILA, enviada Miami

Foto James Harris

FERIAS

CALICO WALLPAPER

Esta empresa de diseño de papel tapiz, fundada en 2013 por Nick y Rachel Cope en la ciudad de Nueva York, tiene como premisa la experimentación y las técnicas que utilizan van desde los métodos artesanales pasando por los industriales. En esta ocasión los Cope presentaron un mural abstracto de gran formato diseñado por el británico Philippe Malouin. The Color and The Shape se inspira en Henri Matisse y retoma el collage con la técnica llamada por el artista francés Carving into Color en donde grandes formatos de papel son cortados a mano y se yuxtaponen en las capas dando un resultado rico en volumen y texturas. www.calicowallpaper.com

FERIAS

UNA DE LAS COSAS que más me atrae del diseño coleccionable es la cercanía que tiene con las Artes Aplicadas en lo que a factura se refiere: en cada pieza el cuidado al detalle es tan preciso, que las manos que lo hacen y diseñan sin duda tienen un virtuosismo similar a los grandes maestros artesanos y artistas de finales del siglo xviii y principios del xix. Pero para hablar y ver lo mejor de esta disciplina del diseño en Estados Unidos, una de las visitas obligadas cada año es Design Miami/, que sucede en la primer semana de diciembre, y nosotros como el único medio asociado de Latinoamérica, tuvimos el privilegio de caminar por la feria antes que nadie al tiempo de asistir a los eventos más destacados. La carpa de 70,000 m2 en donde se desarrolla esta feria cobijó a 34 galerías de 12 países en su más reciente edición y se ubica estratégicamente frente al Centro de Convenciones de Miami, recinto ferial que en las mismas fechas recibe a una de las ferias de arte con más renombre a nivel mundial: Art Basel. Y no es casualidad que suceda de este manera, el creador de esta feria de diseño y fundador de Miami Design District, Craig Robbins, tuvo la visión de hermanar fechas de estas dos exhibiciones para que los amantes del coleccionismo se reunieran en una misma ciudad al tiempo de ayudar a la plusvalía de las zonas que en su momento él estaba rescatando como desarrollador inmobiliario

que es, ya que los predios que hoy ocupan el distrito de diseño estaban en completo abandono. ¿Qué vimos entre los pasillos de Design Miami/? Además de encontrarnos con joyas del modernismo francés (del cual seis galerías presentaban piezas muy valiosas), vimos diseño comisionado, multidisciplinar, piezas de corta edición, arts & crafts, y claro, diseño hecho totalmente a mano. Lo más destacable es que las galerías junto con los creadores siguen trabajando en dar significado y explorando sobre la premisa pilar del diseño: forma + función, y el resultado es el PROCESO –del que tanto ya se ha hablado en la última década–, pero éste es llevado a su máxima expresión. Vimos cómo la desnudez de los materiales (desde naturales como industriales y con alta tecnología detrás) reta al espectador a encontrarse no sólo con la contemplación sino con la experimentación franca con la pieza y con la virtud que tiene el diseño-objeto muy por arriba del arte: se puede tocar plenamente, por lo que la experiencia es más vívida aún y la relación que se logra entre el ser humano y la obra es sumamente íntima y por lo mismo, casi inolvidable por el hecho de entrar en contacto frontal con los sentidos. Les compartimos una selección de lo que consideramos lo mejor considerando que parte de esa selección está en otras páginas de nuestra publicación www.designmiami.com

LES ATELIERS COURBET

Les Ateliers Courbet, galería neoyorquina establecida en 2013, presentó The Masters Editions by Giancarlo Valle and Mori. Lo presentado en esta feria son piezas de edición limitada hechas a mano que son el resultado de una colaboración con los mencionados diseñadores, quienes tomaron las líneas del diseño europeo de mediados del siglo pasado y también retomaron las técnicas, lo anterior gracias al trabajo con maestros que heredaron las finas prácticas, pero con una visión contemporánea. Entre lo más bello de esta instalación estaba The Smile Chair en donde se ve claramente el refinado trabajo con los tapiceros franceses Domeau & Perès. www.ateliercourbet.com

Fotos cor tesía de las galerías

FRIEDMAN BENDA

Desde 2007 en la ciudad de Nueva York, esta galería ha logrado una red de creativos sumamente valiosa, vemos desde arte visuales, diseño contemporáneo, arquitectura, craft y muchos proyectos sustentados en la tecnología de punta. Este año la visita a su espacio fue mágica, era prácticamente una visita a un jardín zen; así se vivió y esa fue su intención: caminar entre piedras y materiales naturales de manera fluída, y encontrarse en ese recorrido piezas de Byung Hoon Choi, gt2P, Faye Toogood, Joris Laarman, Florian Idenburg (SO-IL), Najla El Zein y Calico Wallpaper, que era el papel semitransparente que envolvía todo el espacio. www.friedmanbenda.com

FERIAS

THE FUTURE PERFECT

Con una nutridísima exhibición, la galería fundada por David Alhadeff en 2003, presentó el trabajo comisionado de artistas como Chen Chen & Kai Williams, John Hogan, Eric Roinestad, Reinaldo Sanguino, Christopher Stuart, Chris Wolston y Floris Wubben. Lo común: llevaban a su frontera más lejana el color, la forma o la técnica. Entre lo exuberante y nutrido de esta selección, destacaba el espejo y candil de Chris Wolston llamados Corconá Mirror y Tropical Chandelier, piezas que parecían ser la objetualización del Miami de hoy: colorido, atrevido, diseñoso, divertido y armonioso. Sin duda, de mis piezas favoritas y quizá de muchos más visitantes. www.thefutureperfect.com

Fotos cor tesía de las galerías

FUNCTIONAL ART GALLERY

Esta galería presenta su primera participación en Estados Unidos de la mano del artista Théophile Blandet con una muestra titulada Future Artefacts. La instalación se destacaba porque invitaba de inmediato a la contemplación por lo disruptivo de su discurso: te envolvía el misterio de descubrir qué era aquella instalación blanca y al verla de cerca, el entorno se tornada inmersivo con una realidad distópica donde, en un futuro próximo, los materiales cotidianos se vuelven raros, no disponibles e ilegales, como lo es el caso del plástico “el mejor invento” del siglo pasado y con el que está hecha la obra expuesta. Éste, según la visión del artista, desaperecerá por lo destructivo de su esencia. www.functionalart.biz

Fotos Liu Hang / Wuu / cor tesía Ximi Li Design y Urbancraft / Cao Haochang / cor tesía Frank Chou Design Studio / Annemarijne

74 FERIAS

Talento emergente made in China

De izq. a der: Mario Tsai, Chen Furong, Ximi Li, Bentu, Frank Chou y Hongjie Yang.

FERIAS

El premio Rising Talent 2019, organizado por Maison&Objet y DesignChain, mostró a seis jóvenes promesas del diseño chino en el recinto ferial de París Nord Villepinte. Texto ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada París

La decisión de que el premio se centrara en jóvenes diseñadores de China es consecuencia del rápido crecimiento del país impulsado por el diseño para convertirse en un actor global en creatividad e innovación; lo que refleja también los esfuerzos de Maison&Objet por exponer la vanguardia y desarrollo del diseño internacional en la feria fundada en 1995 para los profesionales de las industrias de estilo de vida, diseño de interiores y diseño de productos; junto a la plataforma de servicios de consultoría de diseño profesional DesignChain, donde se integran más de 1,000 marcas internacionales de mobiliario. La vida actual en China se mueve rápidamente, dichos cambios están creando una nueva estética con estándares cada vez más altos y un compromiso renovado con la buena artesanía, la innovación y la calidad. Esto ha impactado tanto en la forma en que los diseñadores se ven a sí mismos como en la forma en que se ve su trabajo local y globalmente. Además, es notorio que los jóvenes diseñadores están trabajando para forjarse una nueva identidad, explorando nuevas formas de pensar el diseño, algunos ahondan en sus raíces para inspirarse, mientras que otros abrazan influencias multiculturales, en un diálogo cultural de ida y vuelta. El jurado de selección de los talentos emergentes estuvo integrado por expertos en su campo: Liu Xu, presidente de la Asociación Nacional de Decoración de Interiores de China; Xing Tong-He, ex Arquitecto Jefe de Shanghai Xian Dai Architectural Design (Group) Co. Ltd; Qu Guangci, fundador y director

artístico de la marca de diseño X+Q Art; Tom Dixon, diseñador de mobiliario e iluminación londinense; Luca Nichetto, diseñador industrial italiano; y por último, Lyndon Neri & Rossana Hu del estudio interdisciplinario de arquitectura y diseño Neri&Hu. El proceso de selección de este año incluyó a cinco jóvenes diseñadores seleccionados por los miembros del jurado y a un joven diseñador seleccionado a través de un call for entry. Frank Chou, nacido en Pekín y graduado por la Universidad Forestal de Beijing; Chen Furong, originario de Zhangzhou, estudió en el Instituto de Artes Visuales de Shanghai; Mario Tsai, diseñador de muebles, producto e industrial graduado en la Universidad Forestal de Beijing; Hongjie Yang, nacido en China, estudió en la Academia de Diseño de Eindhoven, Países Bajos, donde obtuvo su maestría en Diseño Contextual; Ximi Li, diseñador industrial por la Academia de Arte de China, tiene una maestría en Diseño de Muebles por la Universidad Politécnica de Milán y Bentu, marca fundada por el diseñador industrial Chen Xingyu junto con Xu Gang, Peng Zeng y Chen Xingguang en 2011. Sin duda, los seis rising talents están comprometidos con la formación de un nuevo idioma de diseño que represente a su país. www.designchain.com.cn www.maison-objet.com

FERIAS

Bentu “El propósito del diseño es descubrir los problemas importantes que existen en la sociedad humana y proporcionar soluciones”. www.bentudesign.com

Hongjie Yang “Muchas de mis obras buscan una nueva clase de estética que trasciende la división entre el poder del hombre y la naturaleza”. www.hongjieyang.nl

Ximi Li “Mis obras están influenciadas por mis experiencias en diferentes países y regiones, mi comprensión y sentimientos hacia diferentes culturas, así como mi imaginación”. www.urbancraftdesign.com

FERIAS

Chen Furong “El proceso de diseño para mí es diferente dependiendo del producto; a veces mi inspiración viene de una imagen bella y poética y esto se convierte en el primer paso para el objeto ideal”. www.wuu.im

Frank Chou “Mis diseños no tienen características orientales obvias, pero en realidad las ideas e inspiraciones de diseño se originan en pensamientos profundamente arraigados sobre los estilos de vida orientales modernos y futuros”.

Fotos cor tesía Bentu / Pimtop / Ximi Li Design y Urbancraft / Wuu / Frank Chou Design Studio / Mario Tsai

www.frankchou.com

Mario Tsai “Los Rising Talent Awards son una plataforma perfecta para que los jóvenes diseñadores muestren sus diseños y creaciones. En cierto modo, nuestros diseños representan el nuevo poder de diseño de la China contemporánea”. www.mariotsai.studio

Zsona Maco Diseño “La idea es que la gente aprenda a valorar los objetos de diseño.” —CECILIA LEÓN DE LA BARRA

El año pasado, Joel Escalona presentó Balance, una colección de diez piezas de diferentes materiales que desafían las leyes del equilibrio

Foto cor tesía Joel Escalona

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ Retrato EDUARDO RAMÍREZ

FERIAS

"De ser un escaparate de galerías, Zsona Maco Diseño ahora es una plataforma sólida que promueve la cultura por el diseño de objetos coleccionables".

"El arquitecto Diego Rivero Borrell hizo los muebles para algunas de las áreas comunes de la feria con material de Proteak", platica la curadora.

LA EDICIÓN número dieciséis de ZsONAMACO México Arte Contemporáneo y la número nueve de ZsONAMACO Diseño reúnen a más de 180 galerías y expositores provenientes de 22 países de América Latina, Europa y Asia. “La feria en general ha madurado muy bien, con sus tropezones de cada edición y también con el aprendizaje de muchos años. Siempre va a haber contratiempos en eventos de este tipo, pero lo importante es que cada vez esta plataforma creativa se hace más fuerte y sólida. En lo personal, como diseñadora industrial y curadora de ZsONAMACO Diseño, ha sido un privilegio poder colaborar en una feria tan importante por su contenido y calidad. Si reviso los planos de ediciones anteriores es notorio cómo han crecido los espacios de las diferentes secciones y cómo se han ido acomodado muy bien y en armonía con su respectiva curaduría”, platica Cecilia León de la Barra cuyo trabajo ha sido expuesto en Mé-

xico, Milán, Berlín, Paris, Madrid, Washington, Londres y Nueva York, además de ser publicado en libros y revistas nacionales e internacionales. Particularmente, ZsONAMACO Diseño inició como un escaparate de galerías y ha extendido su rango hacia las expresiones más importantes del diseño, como muebles y objetos producidos desde épocas muy antiguas hasta las más recientes tendencias. León de la Barra cuenta que esta va a ser su sexta edición como curadora de la sección, la cual siente con una personalidad propia. “Cada vez es más grande la audiencia que viene a ver lo que estamos ofreciendo y también hay más intención por participar por parte de los diseñadores, artistas y galerías. Sí ha variado la mezcla de expositores, pues ha habido años en que la presencia internacional es muy significativa y en otras ediciones –como en esta del 2019– no es tan evidente, lo que da más oportunidad a las firmas nacionales para estar en la feria”.

FERIAS

Para ella, lo más importante en este proceso de crecimiento y maduración es el propósito de fomentar la cultura del diseño sobre todo en cuanto a los objetos coleccionables y de entender su valor no necesariamente económico sino como piezas únicas, de edición limitada o históricas. “A veces hasta se presentan prototipos hechos por los diseñadores que después se convierten en los objetos de sus colecciones de línea”, dice la curadora que cuando empezó a hacerse cargo de la sección, ésta contaba con apenas unas 20 galerías participantes y ahora la cifra se mantiene entre los 30 y 33 expositores promedio por edición. Entre las galerías y diseñadores que están en los pasillos de ZsONAMACO Diseño 2019 están Héctor Esrawe con Ewe Studio y que el año pasado presentó Nouvel Limited cuyo nombre de la galería ahora es diferente y trae nuevas propuestas de experimentos en colaboración con Emiliano Godoy y Brian Thoreen; Carla Fernándezque se suma como local recurrente y a quien le acaban de dar un reconocimiento en Design Miami/ 2018; Ángulo 0 que muestra unos tapetes de artistas nuevos; Merkki de Guadalajara con piezas de cerámica únicas y que el año pasado fue su primera edición; además de Odabashian, Casa Gutiérrez Nájera, Orfeo Quagliata y Taracea que se han mantenido como expositores y presentan tanto piezas nuevas como cambios en sus líneas. En joyería regresan Iker Ortíz, Felina y YAM, y entre los que debutan en la feria figura la galería de diseño Studio IMA. En la parte internacional, este año vemos a Venini, una fábrica italiana de vidrio soplado que trae piezas clásicas y de arquitectos europeos como Ettore Sottsass y de diseñadores latinoamericanos como los Hermanos Campana.

"La mesa Toro G6 surgió mientras buscaba una forma de construir una figura toroidal a partir de módulos de madera maciza ensamblados. Una superficie de vidrio preserva las cualidades escultóricas de la pieza", dice Pedro Cerisola de las piezas que muestra en Zsona Maco Diseño 2019.

Haciendo una evaluación, León de la Barra considera que por lo menos las dos terceras partes de los expositores se han mantenido constantes en su participación a lo largo del tiempo, algunos incluso han regresado y eso habla de cómo van entendiendo cada vez mejor la plataforma de ZsONAMACO Diseño en el contexto de la feria en general y del mercado. “La sección –explica– no la podría describir conforme una línea o criterio establecido pues la idea es que convivan propuestas para todos los gustos y presupuestos, pero como curadora sí trato de que se presenten piezas conceptuales e interesantes, que tengan un carácter de objeto de diseño coleccionable, con un valor histórico y una historia que contar. La idea es que la gente aprenda a apreciar los objetos de diseño y que invierta por su valor no sólo económico sino por su concepto y manufactura”. Xinú, por ejemplo, es una marca de alta perfumería que cuenta con sus presentaciones de línea, pero que de pronto también puede crear una edición nueva con una esencia diferente y eso ya convierte a su perfume en un objeto con el antecedente de diseño. La diseñadora concluye que lo más divertido de formar parte del equipo curatorial de ZsONAMACO México Arte Contemporáneo es el placer de enriquecerse como ser humano y de aprender del constante diálogo entre inversionistas, diseñadores y galerías, de lo difícil que a veces es empujarnos a ir más lejos en todo tipo de negociaciones como creativos. www.zsonamaco.com

Capitales es una galería itinerante de piezas one-off de diseño que promueve a diseñadores como Caterina Moretti con su marca Peca.

Fotos cor tesía ZsONAMACO México Arte Contemporáneo

FERIAS

La fábrica italiana de vidrio soplado Venini trae piezas como Monofiori Balloton Spring Summer 2019 y la colección de autor Where are my glasses? de Ron Arad.

Casa Gutiérrez Nájera presenta el tapete Tilos Glitch, diseñado por Pablo Lujambio y Cristina Pou y fabricado por Odabashian, y la serie Strom de piezas cerámicas de Nicholai Wiig-Hansen, entre otras colecciones.

TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

El vidrio se ha convertido en muros transparentes, inteligentes, acústicos, térmicos y divisor de espacios.

TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

Biblioteca del Tec de Monterey Proyecto por Sasaki Associate Inc + GLR Arquitectos + rdlp arquitectos + Convir tus con vidrio Solarban® 90 de Vitro

El nuevo edificio del campus Monterrey fue reconocido como mejor diseño por la International Interior Design Association y la American Library Association. Por su tecnología de cuatro capas de plata del vidrio que recubre toda la fachada, la biblioteca logró conseguir la certificación LEED Oro, reduciendo considerablemente su consumo de energía eléctrica.

Museo Marqueyssac Gardens Allosaurus (Francia)con Guardian|Clarity Foto Stanislas Ledoux

Edificio Die Welle (Austria) con SunGuard|Solar|Royal Blue 20 de Guardian Glass Foto pierer.net

Tour Incity (Francia) con SunGuard|HD|Silver 7 de Guardian Glass Foto Stanislas Ledoux

84 TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

Guardian Glass ha elaborado estudios junto con universidades sobre los beneficios energéticos del vidrio y cómo utilizarlo en los edificios para fomentar la salud, psicología y sociabilidad.

TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

Torre BBVA Bancomer (Ciudad de México) Proyecto por LegoRogers Foto María Dolores Robles Mar tínez Gómez

DURANTE los últimos 50 años, gracias a sus cualidades y bondades, el vidrio se ha posicionado como un activo fundamental en el diseño y desarrollo de edificios sustentables, pues además de la versatilidad indiscutible que tiene para la construcción y decoración, es un material conveniente para los arquitectos en su doble función como transmisor de luz y como atenuante de la ganancia de calor solar. Son pocos los materiales para la construcción que ofrecen un equilibrio tan idóneo entre estas funciones tan distintas. Además, la arquitectura moderna cada vez se enfoca más en el ser humano, como lo demuestran certificaciones LEED o WELL, promoviendo el bienestar de sus ocupantes. Está comprobado que el acceso a la iluminación natural aumenta la productividad del ser humano, además la luz solar ayuda a mejorar la salud considerablemente e incluso influye en la calidad de sueño. El vidrio puede permitir la exposición balanceada de los ocupantes a la luz natural, que afecta positivamente el comportamiento humano.

“Estéticamente, el vidrio es muy atractivo para los arquitectos, ya que existe una gran variedad de tonos en distintos niveles de reflectividad o transparencia. Además, el avance en tecnologías ha permitido desarrollar los vidrios de baja emisividad, que permiten la entrada de luz, pero reducen considerablemente la entrada de calor, lo que permite que los ocupantes disfruten de vistas de calidad y reciban iluminación natural, generando una atmósfera espacial agradable y abierta, mientras que –si se usa el vidrio adecuado– también es un gran material para la envolvente del edificio, manteniendo la temperatura interior a niveles confortables. Actualmente a nivel mundial todas la obras medianas y monumentales que buscan certificaciones energéticas y/o un ahorro en el consumo de energía a mediano y largo plazo están considerando el uso de vidrios bajo emisivos”, explican Antonio Vieyra –architectural manager LEED green associate– y Andrea Castillo Guzmán –coordinadora de relaciones legistativas– de Vitro, uno de los fabricantes más importantes de vidrio en el mundo. En esa misma línea se suma el argumento del arquitecto Adriel Sosa Trejo, director de proyectos de Glass Studio, al remarcar que el vidrio no es un elemento que trabaje por sí solo, necesita de las nuevas tecnologías estructurales que también han cambiado y favorecido el empleo de este material; así mismo, los perfiles de aluminio estructurales, herrajes, las siliconas y las cintas estructurales crean una simbiosis entre tecnologías dando como resultado sistemas de fachadas y cerramientos (ventanas) como elemento principal de las construcciones modernas. “El desarrollo de nuevas tecnologías en la construcción y procesamiento del vidrio pone en manos de los arquitectos, ingenieros y diseñadores un mundo de opciones que eleva la belleza arquitectónica del concepto, impulsada por la creciente interacción de este elemento con su entorno y el usuario de estos espacios”. Gran parte del cómo y por qué el vidrio ha pasado de ser un elemento opcional a convertirse en el insumo principal de muchos proyectos arquitectónicos consiste en la evolución que como sociedad hemos tenido en los últimos años. A diferencia de lo que nuestros padres o los padres de nuestros padres vivieron, actualmente en todo lo que hacemos y vivimos tratamos de proteger la naturaleza y el medio ambiente, y en el siglo XXI la tecnología aplicada al vidrio es una base fundamental para lograrlo.

Paseo de la Reforma concentra la mayor exhibición de arquitectura moderna –con Torre BBVA Bancomer, Torre Mayor y Torre Reforma– que usan el vidrio como material protagonista en pleno siglo xxi.

TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

“La versatilidad del vidrio –complementa Guardian Glass– para incorporarse con otros materiales, el aporte de luz y brillos, las texturas que se logran o la variedad de colores que se pueden conseguir, además de tener la virtud de ser simple y elegante por naturaleza (dándole ese aspecto limpio y minimalista que está siendo tendencia en los últimos años) ha hecho que las empresas proveedoras de este material estemos innovando y que hoy en día existan vidrios que no sólo son estéticos sino que realmente ayuden a mejorar el planeta y se sumen a nuestro bienestar. Con estos vidrios conservamos energía, controlamos y nos protegemos de los rayos UV, además de brindar funciones de seguridad, de control acústico y de resistencia que proveen al usuario de confort mientras se encuentran en una habitación.” De acuerdo con el panorama expuesto, los directores de Vitro, Antonio Vieyra y Andrea Castillo Guzmán, consideran que la tendencia mundial es buscar vidrios con alta transmisión de luz natural y la menor transmisión de calor solar, esto medido en el valor LSG (Light to Solar Gain) que significa que la luz solar que entra en el edificio es más eficiente para la iluminación natural. www.vitro.com www.guardianglass.com www.glasstudio.com.mx

Torre KOI (Monterrey) Proyecto por VFO Arquitectos con vidrio arquitectónico Vitro

Museo del Niño con vidrio arquitectónico Vitro

Con su particularidad de ser trasparente, permitir el paso de luz natural, ser un elemento esbelto, ligero y resistente al tratarlo térmicamente, el vidrio es un material muy noble y versátil comparado con otros materiales de recubrimiento.

Saqqara Residences (Monterrey) Proyecto por Foster + Par tners con vidrio arquitectónico Vitro

TENDENCIAS EN EL USO DEL VIDRIO

El vidrio es el único material de construcción traslúcido, capaz de realizar la doble función de transmisor de luz y a la vez de atenuante de calor solar; se ha convertido en un elemento importante para edificios sustentables.

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MEXICANOS DESTACADOS

Esfuerzo, tenacidad y mucho trabajo El talento rompe esquemas, Glocal hace una selección de aquellas caras que están marcando huella en la arquitectura y el diseño. Entrevistas

Foto Regina Orozco

MARTHA LYDIA ANAYA

Regina Pozo apuesta por la atemporalidad en la remodelación de la anteojería de barrio Dr.York en la colonia Roma de la Ciudad de México.

Fotos cor tesía Fernando Laposse

Fernando Laposse y el curador Mario Ballesteros prepararon una retrospectiva de los proyectos del diseñador en los que usa materiales naturales como estropajo, henequén y hoja de maíz; se trata de la exposición Transmutaciones que se presenta en Archivo de Arquitectura y Diseño en el marco de Zsona Maco Arte Contemporáneo 2019.

MEXICANOS DESTACADOS

Hecho a mano con materiales naturales “He hecho desde pequeños objetos hasta muebles e instalaciones, el siguiente paso sería hacer una casa bajo las mismas pautas de diseño.” –FERNANDO LAPOSSE

Piezas hechas de fibra de agave integran la instalación sensorial: Sisal Sanctum, que Laposse presentó en el Festival de Diseño de Londres 2018.

“SER DISEÑADOR siempre es complicado, pero si tengo que elegir, diría que uno de los momentos más difíciles apenas sucedió el pasado septiembre: tenía en puerta dos exposiciones para el Festival de Diseño de Londres, era un caos total y estábamos a unos cuantos días del inicio cuando empezó el desastre. Un corto eléctrico en mi taller creó una chispa que causó un incendio muy fuerte; en tan sólo 20 minutos se quemó el estudio y también mi casa. Perdimos todo incluyendo herramientas, máquinas, materiales y algunas de las piezas para las exposiciones. Esa semana fue la más dura que he tenido como diseñador, pues tuve que continuar con las responsabilidades que conlleva un festival de diseño al tiempo de que mi esposa y yo no teníamos ni donde dormir o ropa que ponernos”, relata Fernando Laposse, que ahora comparte un gran taller con Bethan Wood y Silo Studio quienes son grandes amigos y colegas suyos, y le han compartido sus herramientas y ayudado a restablecer su estudio. La práctica de Laposse se distingue de otros despachos en el sentido de que él produce todas sus piezas personalmente; es una labor artesanal que realiza en su taller en lugar de mandarlas a hacer. “He hecho –dice– desde pequeños objetos hasta muebles e instalaciones a escala considerable. Creo que el siguiente paso sería hacer una casa, la cual me encantaría diseñar y construir siguiendo las mismas pautas que he tenido con todas mis piezas: usando materiales naturales y hecho todo

Para Lufa Series, Laposse investigó sobre las cualidades de la fruta de la loofah para incorporarla a objetos funcionales.

a mano. Tal vez sea ‘un sueño guajiro’ que jamás suceda, pero espero poder hacerlo algun día”. En estos momentos, Fernando se encuentra en México a punto de irse a la Sierra Mixteca para trabajar con sus socios campesinos que están levantando la cosecha de maíz que sembraron hace seis meses. “En las siguientes semanas –cuenta Laposse– empezaremos a producir Totomoxtle, el contrachapado de hoja de maíz que voy a utilizar en los próximos meses para crear nuevas piezas. En la primavera, el proyecto estará expuesto en el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt en Nueva York, en el Victoria & Albert Museum de Londres y como parte de Broken Nature, una exposición curada por Paola Antonelli y el MoMA en colaboración con la Triennale de Milano. www.fernandolaposse.com

MEXICANOS DESTACADOS

El proyecto museográfico del Museo de las Constituciones fue premiado durante la VI Bienal Iberoamericana de Diseño.

Versatilidad para crear proyectos “Desde restaurantes hasta un museo y un pabellón nómada comparten diseño, arquitectura e ingeniería.” –DANIEL ROMERO "Además del estudio, tenemos un taller enfocado a la transformación de la madera y el metal, lo que permite mucho dinamismo entre el área de diseño y producción": Daniel Romero.

“TUUX es un estudio que ha crecido desde que lo fundamos, de forma orgánica y más o menos ordenada, pero ahora ya somos más de 50 personas y eso siempre conlleva una responsabilidad muy grande. No es complicado en un sentido pesimista, aunque sí tenemos mucho trabajo y ganas de hacer muchos más proyectos juntos”, platica entusiasmado Daniel Romero –socio fundador del despacho junto con Emiliano Godoy y Rodolfo Sampeiro–. Especifica que dentro del estudio y compartiendo espacio al sur de la Ciudad de México conviven varios de sus proyectos: tenemos una plataforma de venta en línea (llamada hecho y derecho) que se distingue por distribuir más de 400 productos de más de 50 diseñadores mexicanos. Por si esto fuera poco, algunos de los socios además de diseñadores industriales

también son escaladores en roca, lo que los ha llevado a juntar estas dos pasiones en un proyecto llamado muta climbing. “Con Diego Álvarez y Rodrigo Alonso a la cabeza, en muy poco tiempo hemos realizado algunos de los mejores muros del país y de calidad mundial. La escalada en roca es uno de los deportes de más crecimiento en el mundo y desde Tokio 2020 será deporte olímpico, y este proyecto apenas empieza, así que creemos que nos depara mucho trabajo”, explica Romero que mientras estudiaba la carrera de diseño industrial en la UNAM le costaba lidiar con la idea de diseñar productos con la única finalidad de ser un éxito de ventas. “Después de un ejercicio de diseño comunitario y mi cercanía con Oscar Hagerman (con quien comparto clase en el CIDI UNAM) me regresó la esperanza en el

diseño como un agente y factor de cambio positivo en y para la sociedad a la que pertenece”, puntualiza el creativo, cuya versatilidad de proyectos con Tuux van desde restaurantes, cafeterías o bares, museos o un pabellón nómada para trabajo con migrantes, proyectos de grandes escalas que comparten campo con otras disciplinas como la arquitectura o la ingeniería. “Nuestro equipo de trabajo es multidisciplinario e incluye carpinteros, ingenieros, arquitectos, administradores, diseñadores gráficos e industriales y algunos más. La idea es mantener y fomentar el equilibrio entre las distintas áreas del estudio, los proyectos con enfoque comercial y otros con tintes mucho más sociales”, finaliza el diseñador. www.tuux.mx | www.mutaclimbing.com www.hechoyderecho.com

Fotos cor tesía Daniel Romero

MEXICANOS DESTACADOS

En la cantina Bartola, una diversidad de texturas refleja la profundidad del menú y selección de ingredientes.

Retrato Adrián Tapia / Fotos cor tesía Jorge Gracia

Gracia Studio reta lo convencional en arquitectura residencial en el área de Tijuana-San Diego.

MEXICANOS DESTACADOS

Geometrías sobrias “La conceptualización de un proyecto es la consecuencia de emociones, análisis crítico y circunstancias que gestan una idea.” –JORGE GRACIA

Volúmenes y restauración de espacios interiores son elementos que proporcionan identidad y valor histórico a proyectos como Casa Tonalá (der).

“CADA DÍA, en esta profesión, enfrentamos retos. Pero creo firmemente que es justo en esos momentos en los que nace el amor por la profesión: el arquitecto es una persona constructiva que se nutre de esos desafíos para descubrir nuevas posibilidades y oportunidades de innovar”, dice Jorge Gracia, arquitecto formado en la Universidad Iberoamericana Noroeste y cuyo estilo ha sido reconocido por medios especializados de México, Estados Unidos y Europa. Para él, su experiencia con la arquitectura ha sido más sensorial que teórica; por eso, en su obra, los materiales comunes y su uso de manera inusual le dan un valor agregado que sólo la composición creativa puede generar. Al respecto comenta que hay algunas cosas que le gustan más que otras en esta carrera, lo que

definitivamente sí lo ha encaminado a pensar en la posibilidad de hacer sólo las cosas que más le entusiasman de la profesión. ¿Qué proyecto te gustaría sumar a tu portafolio? –le preguntamos–, a lo que enfático responde: “Siempre he querido diseñar un museo de arte moderno para mi ciudad (Tijuana). En lo personal, creo que la conceptualización de un proyecto ocurre de una forma muy rápida y es la consecuencia de momentos, emociones, análisis crítico y circunstancias específicas que gestan una idea; así mismo, creo que esa idea se puede quedar sólo en ‘una idea’ si no se le dedica una gran cantidad de tiempo para lograr que se convierta en un proyecto exitoso. En mi experiencia, las obras a las que les he dedicado más horas han sido las más exitosas”. Entre los

proyectos en los que se encuentra trabajando el equipo de Gracia Studio están una casa para un cliente brasileño en Hawaii, así como un hotel en el Arts District de Los Ángeles y una residencia frente a un viñedo en Healdsburg para un cliente suizo, los cuales se sumarán a un portafolio que integra un importante número de proyectos de geometrías sobrias, sumamente expresivas en la región de Tijuana y San Diego. Para el despacho fundado por Gracia, su área de acción no se limita a México ni a Estados Unidos, es simplemente la frontera, donde existe un corte bicultural en todos los sentidos, desde el punto de vista constructivo hasta las características de la situación geográfica. www.graciastudio.com

MEXICANOS DESTACADOS

Incertidumbre y experimentación “Esta profesión [el diseño] es como una montaña rusa, lo importante es siempre levantarse y encontrar nuevos caminos para seguir haciendo lo que te gusta.” –MOISÉS HERNÁNDEZ.

Organo Vases se compone de una serie de objetos que le dan a las flores y el agua una apariencia suspendida en el aire, generando así un micropaisaje.

embargo, lo más importante fue toda la experimentación que se hizo como punto de partida”, puntualiza el diseñador que en estos momentos está trabajando para una línea de accesorios para Pirwi y que en Zsona Maco –junto con Merkki– presenta nuevas piezas de cerámica que tienen como eje conceptual principal el color, además de su colaboración con el despacho Ezequiel Farca + Cristina Grappin con quienes ha creado unas mesas que de nuevo tienen como eje principal los círculos cromáticos. www.moises-hernadez.com

Fotos cor tesía Moises Hernández

“RECUERDO justo cuando regresé de la maestría en Suiza; sentí que ni yo ni mi estilo de trabajo encajaban de vuelta en México, me costó mucho trabajo adaptarme después de estar acostumbrado a otra dinámica en un lugar tan especial como lo es la Ecole Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL)”, platica Moisés Hernández que curiosamente es el primer mexicano en graduarse de ECAL, la universidad más renombrada del mundo para el arte. En el 2014 instaló su estudio en la Ciudad de México, que aún siendo un lugar tan caótico y poblado, también le ha funcionado como inspiración por sus objetos, tradiciones, texturas, contraste social y diversidad cromática que se ven reflejados en su trabajo.

“Hago muchos proyectos que me gustaría sumar a mi portafolio –dice Hernández–; de hecho, hay ejercicios que empiezan siendo exploraciones relacionadas con las formas, materiales o colores, cuyo ingrediente principal es la incertidumbre. Son proyectos de investigación interna, que después de entender mejor la situación y el contexto busco la manera de cómo aplicarlo a algunos productos cuyo resultado haga sentido. Un ejemplo de esto es Immersed Birds, cuya experimentación consistía en teñir madera con acuarela como si fuera un lienzo; después de dominar el proceso se aplicó en un set de aves decorativas con colores y gradientes que se intersectan entre sí”. Este proyecto llamó la atención de la marca francesa Ligne Roset para ser comercializado y así las figuras llamadas Pájaros y su proceso de pigmentación se adaptaron a este reto comercial. “Sin

MEXICANOS DESTACADOS

Los Caballos se integra por piezas, inspiradas en la Cuadra San Cristóbal de Luis Barragán.

Inspirado en las características fascinantes del tucán, el colibrí y el quetzal, Moisés Hernández desarrolla una serie exquisita de pájaros de madera.

Retrato Teddy Shinagl / Fotos Rafael Gamo y Jaime Navarro

"La luz o las texturas... todo en el entorno nos inspira, a veces sin notarlo", dice Verรณnica Gonzรกlez Zavala de Miralto.

MEXICANOS DESTACADOS

Arquitectura sensorial “El 2018 fue muy interesante: participamos en Millesime y Design House por primera vez y aprendimos de las tecnologías sustentables para hacer una arquitectura más responsable.” –VERÓNICA GONZÁLEZ ZAVALA

Retrato Teddy Shinagl / Fotos Rafael Gamo y Jaime Navarro

Los espacios de Casa P29 se vinculan con el exterior a través de accesos desde la terraza y jardines, contemplando el ahorro energético.

“LO MÁS IMPORTANTE en esta carrera o en cualquiera que sea del área creativa es ‘no tirar la toalla’. He tenido la fortuna de nunca querer abandonar la arquitectura, aunque reconozco que es una carrera en la que superar la frustración es algo que tienes que aprender desde muy temprano. A veces, un proyecto en el que has trabajado mucho se cancela, no se aprueba o no se obtiene, pero en contraparte ésta es una carrera llena de satisfacciones al poder ver realizado en algo tangible lo que imaginamos”, dice la fundadora de vgz arquitectura. “En retrospectiva –cuenta González Zavala–, creo que no he tenido momentos particularmente difíciles, en ocasiones sólo se trata de lanzarse al vacío y eso es lo más complicado. Recuerdo cuando tuve que dejar un par de trabajos que me encantaban por temas personales, lo que sentí como ‘volver a empezar’, pero al final todo es crecimiento y aprendizaje. Si tuviera que elegir un sólo momento complicado creo que sería cuando decidí poner la oficina en

forma. Esto representó una inversión fuerte en espacio físico, computadoras, programas, muebles y sobre todo la contratación de gente con la que te comprometes”, platica la joven arquitecta a quien le gustaría sumar miles de proyectos a su portafolio, empezando por aquellos con más impacto social o temas de urbanismo. En los dos últimos años, González Zavala ha trabajado en tres proyectos que maduraron muy rápido: dos restaurantes y una clínica de wellness que desde el diseño a terminación de obra tardaron menos de un año, aunque por lo general hay obras que pasan un promedio de año y medio en el papel o que se cocinan a fuego lento, como las casas. Justo ahora, el despacho está empezando una cabaña en Valle de Bravo en un terreno muy difícil y para la que estamos usando un sistema constructivo muy novedoso, además de un departamento en la Ciudad de México y los interiores de un edificio en la colonia Condesa, entre otros proyectos. www.vgzarquitectura.com

La fachada del restaurante Piedra Sal en la Ciudad de México fue reconocida con el galardón Prix Versailles.

MEXICANOS DESTACADOS

Piezas de estilo atemporal “Me gusta experimentar con nuevos materiales y crear piezas únicas. Un nuevo proyecto en puerta es el de crear objetos utilitarios.” –IKER ORTIZ

“APRENDÍ el oficio de la joyería con mi padre y con mi abuelo; después de varios años decidí independizarme. En ese momento, tenía 22 años, un hijo de casi tres años y prácticamente nada de dinero. Sin embargo, decidí rentar un espacio en el Centro de la Ciudad de México; era un lugar sumamente pequeño, pero ahí arranqué este proyecto que ha crecido y me ha dado muchas satisfacciones. Mi primer orfebre, el señor Antonio Prado (‘Toño’), sigue trabajando conmigo y ha sido parte muy importante de toda esta historia”, cuenta Iker Ortiz que en el 2005 fundó IK joyeros con la idea de desarrollar una línea de joyería contemporánea y experimental cada año, explorando un tema específico. Hoy la marca cuenta con 11 colecciones de piezas atemporales. Ortiz es un apasionado por los anillos, pero a lo largo del tiempo también ha creado pulsos, mancuernas y gargantillas como parte de sus colecciones. Bohemio por naturaleza y enamorado de la arquitectura su premisa es la experimentación, la cual lo ha llevado a materializar sus locuras, sueños y creaciones. “Por supuesto –dice–, a lo largo de todos estos años ha habido momentos muy complicados, pero jamás he pensado en abandonar esta profesión. La joyería es mi pasión y mi forma de expresión, no me veo haciendo otra cosa”. “A veces –continúa platicando– hay proyectos que tardan un poco más en madurar y en pasar

del papel a la realidad; en lo personal, quiero hacer piezas más grandes, de hecho ahora mismo estoy trabajando en un proyecto en el que voy a crecer la escala de mis piezas: pasar de piezas de joyería a una escala de objeto utilitario. En mis inicios, en el taller de mi abuelo y posteriormente en el taller de mi padre, hacíamos piezas grandes en plata como trofeos. Contábamos con las herramientas para fabricarlas y es algo que quiero revivir, pero dándole un toque contemporáneo, creando objetos como lámparas, accesorios de escritorio, para mesa, etc. Por supuesto, con el mismo acabado impecable que tienen mis piezas de joyería. Es un proyecto que se está materializando y del que muy pronto habrá noticias”, enfatiza el diseñador, que en este febrero participa por quinta ocasión consecutiva en la feria de Arte Contemporáneo Zsona Maco. www.ikeror tiz.com

La búsqueda de formas geométricas, experimentación con metales y piedras preciosas definen el trabajo de Iker Ortíz.

Fotos cor tesía Iker Or tiz

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Parte de los nuevos proyectos del diseñador es invitar a colaborar a distintos colegas. “Es un reto en mi carrera que me entusiasma y estoy seguro de que el resultado serán piezas muy interesantes”.

Los broches Inox + cuarzos y amatista son una declaración de diseño portable a través de piezas sobrias y de gran carácter.

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Inquietud y constante evolución “Creemos que lo que hace que un diseño sea atemporal es su conciencia constructiva.” –ALEJANDRO TAPIA

Bajo la premisa de que el espacio de trabajo está evolucionando, Manada activa una oficina como un espacio flexible y permeable en Element Studios.

“TENGO en el tintero los proyectos de construir un par de barcos desde hace 16 y 14 años, respectivamente; los cuales no pienso abandonar y estoy en el proceso de prepararme para llevar a cabo. En la lista de pasos por ir resolviendo: para el 2020 tengo que saber navegar y después tengo que mandar las maquetas de los prototipos de los barcos a Holanda o a Italia para que pasen ciertas pruebas. Calculo que me faltan otros 15 años más y todo el dinero para lograrlo, pero alguien me compartió lo que creía Picasso, quien decía que ‘una vez que existe una idea en tu cabeza y sabes como hacerlo, ya no hay necesidad de hacerlo’. No sé qué tan cierto sea, pero lo que sí es un hecho es que no voy a desistir”, platica con mucho entusiasmo Alejandro Tapia, socio director del despacho Manada –fundado en el 2007– que ha fabricado las piezas y sets de Macrotendencias, un proyecto creado por

Glocal, además de otros proyectos que reflejan su inquietud y constante evolución en construcción, producción y fabricación de productos, artículos y espacios en varias gamas de escala. “Actualmente –continúa Tapia– estoy trabajando en la consolidación de Manada, que antes era un taller de manufactura, pero que ha crecido y ahora construimos y también diseñamos en varias escalas. Colaboramos con otros despachos como sus constructores y fabricantes, cómplices y confidentes; a mí lo que mas me gusta es poder aprender de tantas personas como sea posible. Hasta ahora hemos trabajado con arquitectos, diseñadores y artistas, esto nos ha dado una experiencia realmente amplia en muy poco tiempo, además de una curiosa lista de aventuras dignas de contar una novela”. Para Tapia, pocas cosas hay tan divertidas como lo que él y su equipo tienen que resolver en el día a día. “Nunca he sentido que estoy trabajando, es como despertar dispuesto a divertirme, pues le juegas a todo: desde cómo ser plomero hasta carpintero, fotógrafo, productor, constructor y creador”. www.manada.com.mx

Retrato Duilio RodrĂguez / Fotos cor tesĂa Alex Tapia

Ensayo 4 literalmente explora el uso de materiales aparentes para intervenir un espacio existente.

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MEXICANOS DESTACADOS

Un alto nivel de resiliencia “No pensamos en tipologías. Cada proyecto es el que queremos hacer en ese momento.” –VÍCTOR HUGO BETANZOS, CINTHIA XOCHICALE Y MARCOS BETANZOS

Fundamental colabora con especialistas para proyectos de diferentes escalas y tipologías como en la Intervención a la Plaza de la Constitución con Lucio Muniain et al.

“DEFINITIVAMENTE, la arquitectura es una carrera que implica mucha disciplina, trabajo y talento, pero sobre todo resistencia. Al inicio de esta aventura me encontré con grandes pruebas como concursos perdidos, siendo una de las primeras experiencias que me hicieron cuestionarme si estaba en el camino correcto”, cuenta Víctor Hugo Betanzos que junto con Cinthia Xochicale y Marcos Betanzos crearon el taller de arquitectura Fundamental en el 2011. En los primeros meses hubo momentos de fricción, escasez de recursos y controversias sobre continuar trabajando para alguien más o iniciar el camino propio; hoy, los tres socios se sienten seguros de la decisión que tomaron y si en alguna ocasión pensaron en renunciar a la

arquitectura, quizá fue cuando eran estudiantes y se dejaron llevar por la presión de algún profesor exigente. “En todos los casos, siempre hay algo que nos hace seguir adelante a pesar de que las frustraciones pueden ser continúas. Creo que el diseño y el mundo de la creatividad exige un alto nivel de resiliencia. La perseverancia debe ser inagotable”, apunta Marcos Betanzos quien le contagió ese entusiasmo a Cinthia Xochicale cuando fue su profesor en el tercer semestre de la carrera. Actualmente, el despacho trabaja en diversos proyectos de escala urbana, arquitectónica y de interiores. Xochicale cuenta que están realizando dos conjuntos de usos mixtos (centro comercial más vivienda y oficinas) en la Ciudad de México. “También –dice– desarrollamos algu-

nos proyectos de arquitectura de paisaje fuera de la ciudad en colaboración con otros despachos. Nos mantenemos dando seguimiento a proyectos que están en construcción y también realizando proyectos de arquitectura efímera. A la pregunta concreta sobre qué proyecto les gustaría sumar a su portafolio, Víctor responde que “definitivamente sería alguno que haya perdido el equipo porque siempre queda el sentimiento de que tu propuesta es la mejor. Entonces, sería el del Paseo Urbano Monumento a la Madre o alguno de los que hemos quedado como finalistas o ganadores con propuestas de espacio público para el Centro Histórico en la Ciudad de México”. Ig: @es_fundamental Twitter : @fundamentalmx

Retrato Federico Gama / Fotos cor tesía Fundamental

Marcos Betanzos

MEXICANOS DESTACADOS

Sismo Galería de Arte Contemporáneo es un espacio intervenido que funcionaba como laboratorio fotográfico de un equipo de artistas plásticos.

Remo Parque Lineal y Paseo Deportivo son propuestas urbanas que han revitalizado la ciudad al detonar nuevas formas de interacción social.

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Retrato cor tesía Regina Pozo / Fotos Regina Orozco

Después de siete años con la misma fachada, la anteojería de barrio Dr.York decide renovarse, apostando por la atemporalidad característica de los diseños de Regina Pozo. con su marca de diseño txt.ure.

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Diseño mexicano y técnicas ancestrales “El arte tiene sus dinámicas y el diseño tiene otras. Pero, hay casos en que son ‘un algo indisoluble’ y no se pueden fragmentar.” –REGINA POZO

“EN REALIDAD no soy diseñadora; soy historiadora del arte por carrera y maestría, y curadora en diseño técnicamente. Mi momento de realización se dio justo un año antes de terminar la carrera de historia cuando decidí no dedicarme al estudio y reflexión del arte y sí más al diseño. Fue entonces cuando empecé a trabajar con el arquitecto Fernando Romero como parte de un proyecto para construir una colección privada. Descubrí las maravillas y alcances del diseño como disciplina y al mismo tiempo la falta de crítica sobre el campo; por eso, me animé por este camino contra las perversas dinámicas del mundo del arte”, platica Regina Pozo que lleva diez años dedicándose al diseño de manera muy apasionada tanto en el punto reflexivo como el práctico con su proyecto social/marca: txt.ure y también desde frentes como exposiciones, textos críticos, libros, etc. En este punto, Pozo se encuentra incursionando más en los interiores con txt.ure. “El año pasado –cuenta– hicimos una pequeña tienda y quiero seguir incursionando en proyectos de remodelaciones, stylings y decoraciones como consultorías. Tenemos pendiente un proyecto en el Valle de Guadalupe que ojalá podamos hacer nosotros y otro pequeño comercio en Tulúm. Mi objetivo es llevar a txt.ure hacia un punto de mayor colaboración con diseñadores y arquitectos para crear proyectos únicos que

empujen las posibilidades del diseño artesanal”. De hecho, el trabajo de Regina se centra en preservar el diseño mexicano y las técnicas ancestrales, así como en formar una nueva generación de artesanos que sigan trabajando estas técnicas. “Por otro lado, también estoy escribiendo un texto crítico sobre una de las mejores exposiciones de arte contemporáneo del año pasado antes de su cierre; y este 2019 me ha retado a preparar mi primer libro, el cual es una trilogía de artículos dedicados al estudio del diseño industrial moderno en México, llamado Genealogías del diseño en México”, concluye la joven creativa. www.reginapozo.com

En la remodelación se usaron materiales locales con el expertise de diseño artesanal de la marca.

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MEXICANOS DESTACADOS

Naturaleza y arquitectura “Cualquier edificio que no se haya hecho aún es un proyecto que me gustaría llevar del papel a la realidad.” –HÉCTOR BARROSO

dice Barroso que actualmente está trabajando en algunas casas en la ciudad y en el campo, así como en vivienda vertical. “La vivienda ha sido una constante en el taller, aunque también nos encontramos haciendo varios concursos para otros proyectos”, concluye el arquitecto que en el 2018 recibió la medalla de plata entregada por el Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México y la Sociedad de Arquitectos Mexicanos, y la medalla de oro de la Segunda Bienal de Jóvenes Arquitectos organizada por la Federación del Colegio de Arquitectos de la República Mexicana, entre otros reconocimientos. www.tallerhectorbarroso.com

Casa Tucán (izq) y LC 710 (der) son proyectos residenciales que conectan la arquitectura con la naturaleza y hacen que las construcciones se fundan con los paisajes que las rodean.

Fotos cortesía Héctor Barroso

“CUALQUIER disciplina es difícil todo el tiempo, nunca deja de serlo; hacerlo con pasión aligera mucho las cosas”, enfatiza Héctor Barroso al reconocer que no encuentra en ninguna otra disciplina lo que en la arquitectura. “Desde luego que muchas otras cosas me gustan y apasionan, pero nada como la arquitectura que se ha convertido en una forma de vida más que en una profesión”, dice el también emprendedor que ha logrado contagiar a su equipo de generar propuestas arquitectónicas que logren fundirse con su entorno, aprovechando los recursos naturales propios de cada lugar como la incidencia de luz y sombra, la vegetación circundante, la composición del suelo y los accidentes geográficos. Desde su punto de vista, cualquier edificio que no se haya hecho aún es un proyecto que le gustaría llevar del papel a la realidad, así que la lista es extensa. “Me inquieta seguir pensando en todas esas distintas posibilidades de seguir haciendo arquitectura. Lo malo es que en México, los proyectos y obras siempre son para ‘ayer’; por lo que, me gustaría seguir peleando en contra de esa dinámica. Hay que tomar tiempo para pensar la arquitectura”,

Foto Rory Gardiner

Entre Pinos es un proyecto residencial en Valle de Bravo, compuesto por viviendas de temporada asentadas en un terreno poblado por pinos.

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RESIDENCIAL

Arquitectura para todos CASA PALMAS | DOSA STUDIO | TEXCOCO, ESTADO DE MÉXICO

Fotos ONNIS LUQUE

Con un presupuesto limitado, Casa Palmas se erige en el municipio de Texcoco en el Estado de México, compuesta por el rojo inconfundible del ladrillo.

RESIDENCIAL

Se trata de un trabajo colaborativo entre Dosa Studio y tres empresas mรกs: Novaceramic, Mezcla Brava y Probarro.

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El ladrillo se emplea para modular la casa por completo, además de servir como aislante térmico.

FIRMADA por Dosa Studio, Casa Palmas responde a necesidades familiares básicas; la idea arranca con la solicitud precisa del cliente para diseñar una vivienda mejorando condiciones en términos espaciales, de iluminación, ventilación y privacidad de una construcción que tenía más de 40 años de antigüedad, todo esto con un presupuesto limitado. El proyecto de 160 m2 fue desarrollado mediante un trabajo colaborativo entre Dosa Estudio y tres empresas interesadas con el mismo propósito: Novaceramic, Mezcla Brava y Probarro. Éstas aportaron sus productos para construcción de la vivienda. De entre los materiales, destaca el ladrillo rojo, empleándose para modular la casa por completo, además de servir como buen aislante térmico. Los arquitectos a cargo fueron Raúl Medina y Sergio Sousa, quienes con la colaboración de Abraham Servin, Angélica Pasten, Mariana Morales, Daniel Castillo y Carlos Cruz, asumieron el reto de generar una morada que busca la luz con una solución sencilla: una cubierta dentada orientada al sur, que provee de iluminación constante y uniforme a

los interiores, configurados bajo el funcionamiento espacial que tenía la vivienda anterior. Casa Palmas se cierra visualmente al exterior y aprovecha las condiciones irregulares del terreno, dando como resultado dos patios que la separan de sus colindancias, cada uno con identidad propia; por un lado, uno sirve como preámbulo antes de entrar a la casa, la aísla visual y acústicamente del contexto y por otro se aprecia una fachada cerrada que contiene el área pública, integrada por sala, comedor y cocina. La planta alta es el área privada, incluye tres recámaras que se enlazan al interior por un pasillo y al exterior por un balcón corrido. Además, en la planta baja se dispuso un local comercial que da hacia la calle y funciona de manera independiente. Casa Palmas cuenta cómo puede cambiar la vida de una familia mediante las experiencias espaciales sin depender de grandes presupuestos, ligándose a las necesidades funcionales y espirituales de los usuarios, su forma de habitar y con la premisa de que la arquitectura es para todos. www.dosa.mx

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Casa Palmas otorga otro sentido a la arquitectura social y contemporĂĄnea del Estado de MĂŠxico.

Las experiencias espaciales de Casa Palmas ligan las necesidades funcionales y espirituales de sus moradores.

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Emergiendo de la tierra ENTRE PINOS | TALLER HÉCTOR BARROSO | VALLE DE BRAVO, ESTADO DE MÉXICO Fotos RORY GARDINER

RODEADAS DE PINOS e inmersas en un terreno montañoso, se ubican cinco casas recubiertas de arcilla, misma que fue tomada de las excavaciones locales para hacer la cimentación, así el proyecto reintegra los materiales extraídos a su arquitectura. Cada una de las casas está integrada por seis volúmenes irregulares, sembrados de tal manera que crean un patio interno, ofreciendo vistas privadas y silencio para sus habitantes. La orientación de los volúmenes hacia el norte se mantiene cerrada, mientras que hacia el sur se abren al bosque y sus jardines, bañando de luz sus interiores. En la planta baja se ubica el salón, la cocina, el comedor y un dormitorio que se extienden hacia el exterior para unir las terrazas, los patios y el jardín; mientras tanto el nivel superior contiene tres habitaciones con vistas hacia el bosque. Las escaleras que conectan ambos pisos se instalaron como un elemento externo; se trata de tres estructuras que juegan con la percepción del espacio vacío que queda debajo de los escalones hacia el exterior, mientras la parte superior queda sumergida en el interior de la casa y dirige de manera independiente hacia las habitaciones. El proyecto dirigido por el arquitecto Héctor Barroso se extiende a través de 1,700 m2 de construcción, entre sus colaboradores se encuentra Thalía Bolio, como project manager, junto a la colaboración de Vianney Watine y Diego Ramírez, el cálculo estructural e ingeniería estuvieron a cargo de Ricardo Camacho y Tomás Rodríguez, respectivamente. Al tratarse de un proyecto en medio del bosque, se aprovecharon los materiales locales: ladrillo, madera y arcillas. Reconociendo sus cualidades y manteniendo la armonía entre las nuevas viviendas y el bosque. www.tallerhectorbarroso.com

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Localizadas en Valle de Bravo, cinco casas de descanso completan el conjunto Entre Pinos, proyecto del Taller HĂŠctor Barroso.

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El suelo de las excavaciones se reutilizó para cubrir los muros. Así, la arquitectura retoma colores y texturas locales.

Entre Pinos aprovecha materiales locales: ladrillo, madera y arcillas con la idea de mantener la armonía entre las nuevas casas que se están construyendo en Valle de Bravo y la vegetación del bosque.

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La esencia del minimalismo AHUEHUETES NORTE | TALLER DAVID DANA | CDMX Fotos CÉSAR BÉJAR

Uno de los ejes compositivos principales del proyecto fue la consideración de las vistas panorámicas al exterior que son enmarcadas por su vegetación abundante.

“El concepto general en Departamento en Ahuehuetes Norte intenta transformar nuestra idea de materialidad y amplitud a través de la combinación de elementos simples y limpios.” – Taller David Dana.

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La integración de la cocina con el comedor se logra a través de canceles, lo que permite un diálogo entre ambos espacios.

Un estilo sobrio y diseño minimalista se abordan desde una paleta de color neutra.

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UBICADO en un edificio residencial en la colonia Bosques de las Lomas, Departamento en Ahuehuetes Norte fue abordado desde un estilo sobrio con una paleta de color neutra, a través de materiales honestos y carentes de color, su diseño sirve como representante del minimalismo y la atemporalidad, interrumpidos por breves acentos de color generados por la vegetación y algunos detalles sutiles en el mobiliario. El diseño de interiores del proyecto expone contrastes entre materiales elegantes como el mármol, y fundamentales como el concreto y el acero, que en conjunto sirven como un lienzo uniforme a lo largo del proyecto de unos 285 m2 distribuidos en dos plantas. En la planta baja se localizan los espacios de uso común, donde en primer plano se encuentra un elemento decorativo de mármol que enfoca la vista hacia el acceso. Aprovechando la longi-

tud del espacio central, la estancia y comedor se comunican visualmente, unidos entre sí mediante la terraza y sus amplios ventanales. La integración de la cocina con el comedor se logra a través de canceles, lo que permite un diálogo entre ambos espacios, al tiempo que se recrea un juego visual de reflejos y transparencias en función del jardín vertical que sirve como remate al fondo del comedor. La configuración en la planta alta integra los espacios privados, en los cuales la paleta de acabados refleja una atmósfera sobria y confortable. Dentro de este nivel, el family room se convierte en un punto de encuentro para los espacios complementarios, el cual puede funcionar lo mismo como espacio común o privado. La recámara principal cuenta con su propia composición de materiales y tonos cálidos, teniendo comunicación al exterior a través

En el interior del departamento se refleja un contraste elegante entre materiales como el mármol, el concreto y el acero.

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de la terraza que agrega remates visuales interesantes. Del otro lado del espacio, se encuentra el baño principal, el cual funciona como vínculo entre la recámara y el amplio vestidor, pero al mismo tiempo delimita el espacio mediante un cristal entintado y una serie de persianas. La composición arquitectónica de la morada brinda comodidad y neutralidad para sus usuarios. Uno de los ejes compositivos principales del proyecto fue la consideración de las vistas panorámicas al exterior que son enmarcadas por su vegetación abundante, factor que influyó en la configuración de los dos niveles del conjunto, teniendo como objetivo principal el crear una atmósfera interior confortable en armonía con los elementos que lo rodean. www.tallerdaviddana.com

OBJETO GLOCAL

Una década The Shapes of Water | Sabine Marcelis | Fendi

Líneas suaves y materiales etéreos fusionan historia, creatividad y el legado estético de la marca de moda.

Para celebrar la primera década de colaboración, Fendi y Design Miami/ expusieron piezas creadas por Sabine, proyecto dedicado a redescubrir uno de los elementos más valorados por la marca italiana: el agua, convirtiéndola en una herramienta de diseño, aprovechando y remarcando su delicada belleza a través de diez fuentes inspiradas en la misma cantidad de emblemáticos símbolos de la casa de moda. Dos de las fuentes retoman el logo de la marca, creado por Karl Lagerfeld en 1965. En la primera se desarrolla horizontalmente y acuna el agua en una profundidad breve, mientras que la segunda, más alta y en posición vertical, tiene el FF tallado en un bloque similar con agua burbujeando suavemente. En el proyecto, la diseñadora holandesa manipuló el color, los tonos y el ritmo para crear efectos ópticos, sombras y transparencias inesperadas, trayendo características lúdicas a cada una de las fuentes. Las fuentes de resina quedaron sostenidas sobre un zócalo de travertino, piedra que se encuentra en el Palazzo della Civiltà Italiana, sede de Fendi desde hace tres años e inspiración de otra de las fuentes. El año pasado también se celebró el décimo aniversario de la bolsa Peekaboo, pieza icónica que también sirvió como inspiración para una de las fuentes, específicamente la que daba la bienvenida a los visitantes del pasado Design Miami/. –DR www.sabinemarcelis.com www.fendi.com

Fotos cor tesía Fendi

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Glocal ed49_SNR43t.pdf 1 18/01/2019 12:43:05 p.m.

EL VIDRIO QUE HACE UNA

DECLARACIÓN Producto usado: SunGuard®

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Mckinney and Olive Dallas, Texas Foto por: Craig D. Blackmon, FAIA

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Galardonado. Emblemático. LEED Guardian Glass ayudó a hacerlo posible.

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