Glocal Design Magazine No. 51 Portada por / Cover by Augusto Quijano by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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51 $100.00 MX

'ESPACIOS, NO FORMAS', AUGUSTO QUIJANO, PORTADA | SALONE - FUORI SALONE 2019 | | MACROTENDENCIAS GLOCAL MILÁN | ESPECIAL USO DEL MÁRMOL

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Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

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Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

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Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

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Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

Héctor Esrawe

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Jorge Gamboa de Buen

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Juan Manuel Lemus

Portada de autor Homenaje a Augusto Quijano. Arte por Jorge Medina

Beata Nowicka Diseñadora

Carlos Pascal

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Ariel Rojo Sagrario Saraid

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Samuel Rodríguez redaccionprint@glocal.mx Coordinación de video Eduardo Ramírez eduardo.ramirez@glocal.mx

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Colaboradores Lisa Heller Jorge Medina Rober to Zamarripa Mafer López "La Borrega Viuda"

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: junio-julio 2019. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Macrotendencias Arte por Jorge Medina Fondo: colección Arabesque por Serena Confalonieri | Silla Griot por Gala Fernández para MOROSO | Floreros King y Takuya por Jaime Hayon para BOSA | Gabinete Cristallo por Alessandro Mendini para BD BARCELONA | Moda: Alejandra De Coss `19

Vivir creando Este año Milán recibió medio millón de personas provenientes de distintos países por motivo de la Semana de Diseño más importante del mundo y, como siempre, no decepcionó pero esta vez no sólo por la forma sino por el fondo. Hablemos de Rho Fiera, el recinto ferial diseñado por Fuksas Architects y en donde –en palabras de Marco Sabetta, director general del Salone del Mobile– se logran miles de interacciones entre empresarios que ven en la innovación una manera sana de subsistir y de crecer no sólo la economía también culturalmente. “Esto sólo puede suceder en una ciudad como Milán en donde la belleza y el diseño son una forma de vida. Lo brillante de nuestra ciudad es que las ideas se vuelven objeto y éste crea una industria ágil y en la que todos quieren participar ¿Quién no quiere vivir creando? Pensar y crecer, eso nos hace seres humanos útiles para el planeta”. En los pasillos vimos pocos lanzamientos y una revalorización de los clásicos contemporáneos; la crisis que se vive a nivel global se hizo inminente en la industria y el uso inteligente de los materiales, así como la preocupación y ocupación por el reuso o reciclaje de los productos, fue el discurso reinante. No hubo empresa que dejara de ocupar la sustentabilidad o la preocupación por el planeta dentro de su discurso, y si el escaso movimiento económico logró que los empresarios vieran en el revival estilístico una opción para encontrar otro

negocio, se aplaude: más prevalencia logran los diseños que encuentran valor en lo básico formal y, por su sencillez estructural e inteligencia conceptual, pueden aceptar el uso de materiales con tecnologías nuevas, que aquellos diseños sólo anclados en la forma. En esta edición invitamos al arquitecto Augusto Quijano a nuestra portada de autor y no podemos estar más satisfechos con el resultado. Vemos con asombro la evolución de su fina, limpia y firme arquitectura en donde la utilización de la luz y materiales locales y básicos, crean espacios impresionantes en recorrido, las luces te persiguen y dan intimidad cuando es necesario. La arquitectura residencial lograda en Mérida en donde lo simple es majestuoso, habla de una madurez de ideas que sólo los años tirando lápiz, construyendo y entendiendo su entorno se puede alcanzar: El arte de la observación hecho materia. ¿Algo más? Sí, no dejen de ver la cobertura web de todas las entrevistas hechas en estos dos meses, mucho aprenderemos. ¡Gracias por leernos! GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

@glocal_design

Greta Arcila

@gretaarcila

@arcilagreta

Contenido

02 DIRECTORIO 04 EDITORIAL

14 NUEVOS TALENTOS

Eduardo Altamirano 49

16 TECHNO

Dyson ACTUAL 18 Table | Rosa Negra 20 Showroom | Firenze

ENTREVISTAS 32 Patrizia Moroso

22 TEXTIL

36 Masquespacio

Selección Milán

38 Inga Sempé 40 Matthew Day Jackson

26 DISEÑO + HISTORIA

42 Patricia Urquiola

Lalique

46 Formafantasma

EVENTOS

49 ENFOQUE

30 Herman Miller

Augusto Quijano

Foto Eduardo Ramírez

10 AGENDA

Mรกrmol, va con todo.

@ S T O N E G A L L E R Y B YG A P C

S T O N E G A L L E R Y. C O M . M X

64 ESPECIAL USO DE MÁRMOL 72 ESPECIAL HOTELES FERIAS 80 Instalaciones Salone del Mobile 90 Ro Plastic-Master's Pieces 94 LUMINARIA

Euroluce 2019 101 CROMÁTICO

MACROTENDENCIAS MILÁN 2019

Foto cor tesía Tarkett

Rodrigo Fernández 80

106 Nuevo expresionismo 108 Cósmico 110 Patrones encontrados RESIDENCIAL 112 La Sirena | Sofía Aspe 118 Villa Akoya | Studio Saxe 124 Sayulita | Palma Estudio

124

130 Casa Cabo | Dellekamp EVENTOS 136 The Smart Conversations COLUMNA 138 Homero Hernández

Foto César Béjar

139 ENGLISH TEXT 144 COLECCIÓN GLOCAL

Foto Jaime Navarro

A GEN DA

Una retrospectiva que explora la cultura literaria y visual entre Holanda y MĂŠxico.

AGENDA

MELANIE SMITH: FARSA Y ARTIFICIO

Balkrishna Doshi, Tagore Memorial Hall, Ahmedabad, 1967 © Vastushilpa Foundation, Ahmedabad

Hasta el 6 de octubre La artista inglesa presenta, gracias al desarrollo del MACBA y la curaduría de Tanya Barson, la exposición Farsa y artificio, la cual se presentará simultáneamente en la Ciudad de México y en el Museo Amparo en Puebla. La exhibición se centra en los distintos canales de expresión utilizados por la artista: escultura, ensamblajes, fotografías, instalaciones, pinturas, relieves y videos. La pieza central será una producción acerca de la investigación de la deconstrucción a través del performance y el video. MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, CDMX www.muac.unam.mx

BALKRISHNA DOSHI: ARCHITECTURE FOR THE PEOPLE Hasta el 8 de septiembre La exhibición nos acerca a la totalidad de la obra del primer arquitecto hindú en recibir el prestigioso premio Pritzker, cuya inspiración surgió a partir de su colaboración con Le Corbusier en París, Chandigarh y Ahmedabad. Su lenguaje formal está basado en el sincretismo entre el industrialismo y el primitivismo, creando obras funcionales y poéticas. La exposición, además de fotografías, croquis, dibujos y modelos, también muestra material cinematográfico e instalaciones. VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2 Weil am Rhein, Alemania www.design-museum.de

CAMP: NOTES ON FASHION Hasta el 8 de septiembre

Fotos Johnny Dufor t

Basada en el ensayo de Susan Sontag Notes on Fashion, la exposición muestra más de 250 objetos, del siglo xvii hasta nuestros días, que exploran las expresiones del artificio, la exageración, el humor, la ironía, la parodia y la teatralidad en la moda. Camp se define como un estilo artístico que surge de lo kitsch, lo ostentoso y la transgresión de un objeto a una copia vulgar pero con un valor estético establecido. THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART 1000 5th Avenue Nueva York, Estados Unidos www.themetmuseum.org Ensemble, Alessandro Michele for Gucci, Fall 2016 / Ensemble, Ber trand Guyon for Schiaparelli, Fall Winter 2017

AGENDA

JAN HENDRIX: TIERRA FIRME La primer retrospectiva del artista holandés explora las dinámicas y los vasos comunicantes entre la cultura literaria y visual de Holanda y México. Organizada en conjunto con el Bonnefantenmuseum de Maastricht y curada por Cuauhtémoc Medina, la exposición incluye la investigación técnica y visual sobre las posibilidades de la gráfica actual, además de la visión del artista hacia la naturaleza en nuestra memoria personal y social. MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, CDMX www.muac.unam.mx

Foto Rafael Or tega

Hasta el 22 de septiembre

Selección de libros del ar tista Jan Hendrix

AI WEIWEI: RESTABLECER MEMORIAS Hasta el 6 de octubre Como parte de los múltiples eventos para festejar los 10 años del museo, se presenta una exhibición del artista y activista chino Ai Weiwei, personaje controversial por su postura crítica hacia la política y la sociedad. En esta ocasión reconstruye un templo de la dinastía Ming y realiza una instalación con Lego inspirada en las problemáticas políticas y sociales actuales de México.

Foto David Lozano

MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, CDMX www.muac.unam.mx

GUILLERMO DEL TORO: EN CASA CON LOS MONSTRUOS

Foto Oliver Santana

Hasta el 31 de agosto Con la curaduría de Eugenio Caballero, ganador del Oscar en el 2007 en Dirección de Arte por El Laberinto del Fauno, llega a Guadalajara la exposición más importante de la creatividad y el imaginario de Guillermo del Toro. Se considera como un retrato de los particulares gustos del director hacia la magia, el horror, la fantasía y los monstruos. La exhibición será el evento inaugural del 34° Festival Internacional de Cine de Guadalajara. MUSEO DE LAS ARTES, UNIVERSIDAD DE GUADALAJARA Av. Juárez 975 Americana, Guadalajara www.musaudg.mx

NUEVOS TALENTOS

INSPIRACIÓN en lo cotidiano La percepción de lo ordinario traducida en objetos, sin dejar de lado la parte crítica. –EDUARDO ALTAMIRANO Entrevista

SAMUEL RODRÍGUEZ

“DESPUÉS de estudiar en la reconocida escuela de mobiliario Carl Malmsten Furniture Studies, me di cuenta de que los diseñadores jóvenes en México carecían de oportunidades para trabajar, exhibir o incluso estudiar fuera del país. Por eso, decidí aventurarme a emprender y comencé mi propia práctica como director creativo en el despacho: En la superficie de la arena, una iniciativa con el fin de poner un ojo y dar seguimiento a lo que los talentos emergentes están haciendo en la ciudad de Guadalajara”, platica el joven diseñador Eduardo Altamirano, egresado del Tecnológico de Monterrey campus Guadalajara y quien tuvo la oportunidad de residir en Estocolmo por algún tiempo, desarrollando un proyecto

de investigación, así como una especialización en diseño de mobiliario y carpintería, experiencia que lo ha nutrido de nuevas perspectivas. Todos sus proyectos comienzan, o los considera, como pequeñas investigaciones surgidas de la observación de su entorno: “Mi inspiración proviene de la cotidianidad, de la percepción de las cosas ordinarias y de cómo es que podemos traducirlar y llevarlas a la concepción de nuevos objetos, sin dejar de lado la parte crítica”. Altamirano platica que, poco a poco, su proyecto ha crecido como una oficina de diseño y una plataforma de autogestión para enaltecer el diseño local emergente, además de investigar sobre técnicas artesanales jaliscienses para poder optimizar los procesos sin quitarle el elemento tradicional. “El trabajo que desarrollo se basa constantemente en la observación; la percepción ordinaria y lo que genera el contexto suele ser la principal fuente de referencia dentro de mi práctica”, enfatiza el diseñador para quien Jalisco ha madurado en sus propuestas de diseño.

“Mi educación cercana a los cabinet makers y en general a las artesanías nórdicas ha influenciado bastante la manera cómo diseño; al momento de desarrollar un proyecto me replanteo la honestidad y el valor del material con el que trabajo a través de un pensamiento lógico. Actualmente estoy balanceando mi trabajo personal y la docencia académica. Soy profesor de cátedra y asistente de taller en el Tecnológico de Monterrey campus Ciudad de México. Al mismo tiempo llevo dos proyectos: mi estudio de diseño: En la superficie de la arena, y una nueva marca de objetos (& asociados) que estoy desarrollando con otro colaborador en Guadalajara”. www.enlasuperficie.com @_asociados

NUEVOS TALENTOS

Fotos cor tesía

"Al momento de diseñar, replanteo la honestidad y el valor del material con el que trabajo".

Con su propuesta de diseño, Eduardo Altamirano ha colaborado en plataformas como Diseña México, Abierto Mexicano de Diseño, Design House y China International Furniture.

TECHNO

INTELIGENCIA en el hogar Dyson recuerda que la innovación también se encuentra en casa.

La nueva gama de purificadores de aire de Dyson logra atrapar hasta de 99.95% de alérgenos, entre partículas extrafinas y toxinas liberadas por productos del hogar.

presentaron el purificador de aire personal Dyson Pure Cool Me con tecnología Core Flow Technology, que proporciona aire limpio capturando el 99.95% de los contaminantes y bacterias presentes en el ambiente. “Dyson invierte en ciencia y tecnología para mejorar la manera en la que los productos del día a día funcionan. Desarrollamos máquinas inteligentes que resuelven problemas y apoyan al cuidado y bienestar personal”, asegura Jake Dyson, ingeniero de Iluminación en Jefe. Así, la compañía intensifica sus planes de crecimiento en nuestro país y refuerza su compromiso para desarrollar tecnología aplicada al hogar. –IA www.dyson.com.mx

Fotos cor tesía Dyson

DESPUÉS de un año de operaciones en México, Dyson celebra su aniversario en nuestro país con el lanzamiento de su línea de productos que ayudan a que nuestra vida sea más eficiente, desde nuestra respiración, visión o cuidado personal. La marca inglesa es reconocida mundialmente por resolver problemas cotidianos con soluciones innovadoras, desde la popular G-Force, una aspiradora sin bolsa, inventada por James Dyson en 1983, cuya venta fue exclusiva para Japón, hasta la más reciente colección de lámparas Lightcycle, que regula su intensidad lumínica para el cuidado de la vista de sus usuarios, gracias a la aplicación móvil Dyson Link, que controla la luz de acuerdo con las actividades, edad y ubicación geográfica del usuario para que la intensidad y la temperatura sean ideales. Además de contar con el sistema de enfriamiento Heat Pipe, que consiste en un tubo de cobre sellado al vacío que controla la temperatura de los LED con una gota de agua, otorgándole una vida útil de hasta 60 años. Siguiendo con las innovaciones en aspiradoras, Dyson presenta su modelo Dyson V11 Absolute, una aspiradora sin cable que detecta qué tipo de superficie se está aspirando, ya sea alfombras o piso duro, regula su nivel de succión con una autonomía de hasta 60 horas que puede ser consultada en su pantalla LED, donde también se muestran recordatorios de limpieza de filtros y se identifica en qué zona hay bloqueos. Parte de los esfuerzos de Dyson por limpiar el aire que respiramos radica en que la mayor parte de nuestro tiempo lo pasamos en interiores, por ello además de presentar su nueva aspiradora,

ACTUAL | TABLE

Interiorismo entre sabores latinos Rosa Negra | Jorge Borja | México

Hay un lugar en la esquina de Presidente Masaryk y Aristóteles en Polanco que al pasar por ahí contagia por su algarabía. Es Rosa Negra, un espacio culinario que irradia libertad y que le hace tributo a la cocina latinoamericana con platillos e ingredientes provenientes de países como Perú, Argentina, Colombia, Brasil y México. Arquitectónicamente el restaurante se describe como una casa antigua con rasgos históricos, rodeada de una caja de muros acristalados, con instalaciones aparentes y plafones colocados en una especie de plataformas en varios niveles que se alimentan de varias fuentes de iluminación. “Cuando Eduardo Beaven –empresario con más de 20 años de experiencia en la industria restaurantera– y yo nos sentamos a platicar del proyecto, lo primero en lo que pensamos fue en la manera de darle vida a un sitio aparentemente sin mucha presencia ni imagen en una de las colonias con más exposición y movimiento urbano en la Ciudad de México. Empezamos por quitar una serie de paneles de madera que se habían colocado para tapar temporalmente la casa y lo que fuimos descubriendo al limpiar y dejar al descubierto los espacios fue una construcción vieja, pero con elementos originales en buen es-

tado y además muy valiosos, que no quisimos alterar sino realzar. De ahí la idea de renovar y envolver el inmueble en una caja acristalada que llamara la atención y que a la vez permitiera ver todo lo que ocurría en el interior con la intención de contagiar un ambiente de ecléctica combinación entre arquitectura, detalles de interiorismo y sabores latinos”, cuenta el arquitecto Jorge Borja, ganador del Premio Versalles de Arquitectura 2017 y quien estuvo a cargo del diseño de Rosa Negra. El concepto ha sido un éxito, pues a dos años de la apertura de la sucursal de Polanco, la gente inmediatamente se siente atraída por conocer esta opción gastronómica en la que todos sus platillos son cocinados con ingredientes traídos diariamente desde su origen. Rosa Negra cuenta actualmente con tres sucursales: Polanco, Tulum y Cancún, cada una con su propia personalidad: Tulum se encuentra en una de las zonas más chics del destino turístico y Cancún está ubicado en un impactante complejo de más de 1,600 metros cuadrados con increíbles vistas a la laguna Nichupté. El diseño de Borja para los tres restaurantes destaca por su destreza para potencializar los espacios interiores con el exterior. –MLA

Fotos cor tesía

La obra que se ha convertido en la imagen insignia del restaurante simboliza su estilo ecléctico latinoamericano.

ACTUAL | TABLE

Rosa Negra Polanco Presidente Masaryk 298 Polanco, CDMX www.rosanegra.com.mx www.grupobv.com.mx

El techo está hecho de paneles de metal reciclado (cacharros).

Algunos platillos son servidos en piezas de latón y cobre avejentado, que les da un toque vintage.

El mural insignia del espacio representa un paisaje de montañas combinado con el rostro de una mujer.

ACTUAL | SHOWROOM

Un espacio hecho para la creatividad Durante algunos meses, el showroom Firenze –que se integra a la concept store de Blend Design ubicada en las Lomas de Chapultepec– fue una pop store con la exposición temporal de una colección en particular de la marca y en donde eventualmente se realizaban eventos programados, pero los comentarios compartidos por los visitantes, le dieron varias pistas al equipo de Local 10 Arquitectura para hacer algo más interesante. “Por la naturaleza de los proyectos que hemos realizado, casi siempre nuestro enfoque ha sido lo efímero. Sin embargo, para el showroom de Firenze, el contacto que tuvimos con el equipo de la empresa y las revisiones que hicimos en sitio fueron de lo más divertido y dinámico, ya que agregaban retos al proceso. Y es que cada una de esas revisiones significó volver a la mesa de dibujo y resolver con el equipo los nuevos planteamientos y necesidades que se iban agregando al proyecto que (por estar en un espacio con tres pisos abajo completamente funcionales y con estándares muy altos en cuanto a ruido, olores y polvo) debimos de llevar a cabo en horarios muy concretos y restringidos”, platica Diego Hernández, fundador del despacho radicado en Monterrey. “No todas las tiendas de revestimientos

tienen sus piezas expuestas y acomodadas según los colores y formatos con los que cuentan en su portafolio, ni tampoco las tienen exhibidas por tipologías o usos”, agrega Hernández, remarcando que este requisito lo tenían claro desde el programa: diseñar y construir un lugar que pudiera ser una herramienta para la mezcla libre de los revestimientos Firenze; combinaciones realizadas por los arquitectos y no tanto por la marca necesariamente. Es decir, un espacio que tuviera muestras de producto disponibles para combinar en el sitio o para que los creativos se llevaran a sus oficinas o a sus proyectos. “En este showroom no se venden productos sino que se crea una empatía muy particular entre los arquitectos e interioristas con la marca. No funciona como una tienda e incluso quien así lo desee puede usar el espacio de la manera que mejor le resulte para explicar la selección de acabados o propuestas. Así que la próxima vez que vayan por ahí, no pidan un café, sírvanse uno ustedes mismos si les apetece y muevan las piezas de un lado al otro; no importa cómo las revuelvan, pues quizá encuentren combinaciones que nunca pensaron que fueran posibles”, concluye el arquitecto. –MLA

Fotos Jorge Taboada

Firenze | Local 10 Arquitectura | Ciudad de México

ACTUAL | SHOWROOM

Un showroom con la flexibilidad para organizar charlas de diseño o interiorismo e incluso hacer eventos en la terraza.

El espacio aprovecha la iluminación natural que entra al lugar por dos de sus fachadas: norte y sur, que a su vez lo integran dos cuerpos, uno de exposición de productos y otro pensado como una zona de trabajo.

Showroom Firenze | Blend Design Palmas 520 Lomas de Chapultepec Ciudad de México www.firenzeworld.com www.local10.mx www.blendmexico.com

TEXTIL

Textiles ÚNICOS Exhibidas durante la pasada semana del diseño en Milán, seleccionamos cuatro proyectos que destacan por su propuesta creativa de materiales y conceptos. Textos ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

NUANCES POR PATRICIA URQUIOLA PARA GAN Recogiendo la esencia de la marca, Patricia Urquiola parte del fieltro para diseñar Nuances, colección en la que la diseñadora aprovechó las cualidades del material y lo reinventó, cambiando los parámetros tradicionales de su fabricación y creando una técnica que permitiera reciclar fibras procedentes de recortes descartados, así experimentó con distintos colores y densidades de lana hasta obtener un aglomerado cuyo aspecto cumplía con sus expectativas. La colección se compone de tres alfombras con trazos diferentes: Curve, Line, Round y un taburete con el que pueden combinarse entre sí. Los colores que parten siempre del gris son Burgundy (rosas y burdeos), Naiad (verdes y azules) y Volcano (negro, azules y arena). www.gan-rugs.com Foto cor tesía Gan

TEXTIL

SCRAP_CMYK POR RIKAKO NAGASHIMA PARA KINNASAND LAB / KVADRAT Creada por la diseñadora gráfica japonesa Rikako Nagashima, la colección de cortinas Scrap está compuesta por cuatro diseños, además del tejido base hecho en poliéster 100% reciclado. Para el diseño, Rikako tomó inspiración en las hojas de papel que sirven para las pruebas de color en impresión offset y a los patrones accidentales que se producen durante dichas pruebas. Las cortinas impresas digitalmente recrean las marcas dejadas por las máquinas de impresión, con variantes en intensidad, profundidad y precisión. El material de poliéster reciclado fue desarrollado especialmente para la colección y se produce a partir de botellas de plástico usadas. La textura del tejido es arenosa y mate, completando el concepto que Rikako tenía en mente. Cada uno de los diseños corresponde a las tintas utilizadas en impresión offset: cian, magenta, amarillo y key (negro).

Foto cor tesía Kinnasand Lab

www.kinnasand.com

TEXTIL

T E X T I LE P O S T E R P O R LY K C A RP ET X BAU H AU S PA R A Z E I T R AUM Cien años después de la fundación de la Bauhaus, Mareike Lienau reinterpreta obras de mujeres de la Bauhaus en la colección Textile Poster, con el propósito de llamar la atención sobre el diseño y eficacia de las mujeres creativas de aquella época, se trata pues de un homenaje a las mujeres de la Bauhaus. La colección fue desarrollada en colaboración con la tienda de diseño Bauhaus Dessau y consiste en seis piezas independientes, hechos con lana teñida con extractos 100% vegetales, tejidos hechos a mano en Nepal con una técnica mixta que combina relieve, nudos y otras metodologías locales. La colección fue concebida para formar parte de un modelo de comercio justo. A partir de la primera colección, Mareike Lienau diseñó una pieza especial para la firma Zeitraum, específicamente para ser exhibida en el pasado Salone del Mobile en Milán. En la pieza se combinaron los colores del diseño del stand, funcionando como un imán para los visitantes, por lo vistoso de su textura y la combinación libre de los hilos de lana que va desde los flecos largos y caóticos, hasta las texturas cortas y lisas, hechos también con lana tibetana hilada a mano y teñida con extractos vegetales. El propósito de las piezas es funcionar como una barrera sonora y dar calidez visual. www.lyk-carpet.de | www.zeitraum-moebel.de

Foto Benjamin Pritzkuleit

TEXTIL

JAIPUR WUNDERKAMMER POR MATTEO CIBIC PARA JAIPUR RUGS Originaria de India, la marca de alfombras Jaipur Rugs y el diseñador italiano Matteo Cibic colaboraron en una colección de alfombras artesanales cuyos diseños están inspirados en la visita de Matteo a Jaipur, Rajasthan. El diseñador desarrolló todo un universo creativo retomando la arquitectura y los colores peculiares de la ciudad y ha incluido características de pinturas antiguas, artefactos y personajes ficticios para conformar el gabinete de curiosidades o wunderkammer, un motivo que surgió a mediados del siglo xvi en Europa, en el que se colocaban todo tipo de objetos maravillosos y exóticos en habitaciones específicas para dicho propósito; concepto que ahora cobra vida en las alfombras surreales hechas en lana y viscosa que plasman una visión contemporánea, colorida y vibrante al mismo tiempo que rinden tributo a la llamada “ciudad rosa”, en la que Jaipur Rugs promueve un modelo de negocio socialmente inclusivo y sostenible para la industria de alfombras hechas a mano por artesanos de 600 pueblos de la India.

Fotos Davide Calafà, cor tesía Jaipur Rugs

www.jaipurrugs.com

DISEÑO + HISTORIA

En búsqueda de la BELLEZA Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Pionero en su época, René Lalique revolucionó el uso del vidrio en joyería y demás objetos de lujo que cautivan a los amantes del Art Decó y del Art Nouveau.

Foto cor tesía Lalique SA

Dessin Gaia ©archive Lalique SA / Dessin Cygnes ©archive Lalique SA

DISEÑO + HISTORIA

ANTES DE ser la marca reconocida mundialmente, Lalique era el apellido de uno de los joyeros más prolíficos del París a finales del siglo xix y principios del siglo xx, cuya herencia creativa prevalece hasta nuestros días: René Lalique, quien nació en el año 1860 en Ay, Marne al norte de Francia. En 1888 fundó Lalique, compañía que es símbolo de la tradición artística de su fundador y guardiana de los altos estándares de calidad de manufactura. Hoy en día, Lalique es considerada como una de las firmas más importantes de la industria francesa del vidrio y el cristal, y fuerte representante de la exclusividad heredada de su fundador, quien al principio de su carrera realizó trabajos de diseño para joyerías francesas y luego, bajo su propio nombre, creó obras maestras insuperables de joyería Art Nouveau. Durante aproximadamente una década, René Lalique trabajó para forjar su reputación. Ganó concursos, expuso su trabajo y creó joyas para artistas famosos. Siempre esforzándose por crear joyas nunca vistas inspirado en figuras femeninas, flora y fauna, a las que aplicó materiales poco usuales para la época, como esmaltes, carey y piedras semipreciosas, incluso llegó a ser nombrado “inventor de la joyería moderna”, convirtiéndose en uno de los favoritos de la alta sociedad. A lo largo de su vida, René Lalique fue convocado para colaborar en proyectos excepcionales, desde emblemas para cofre hasta grandes planes arquitectónicos. Actualmente, la oferta de Lalique, ya como empresa global incluye una amplia gama de productos de estilo de vida, desde piezas de arte, decorativas, proyectos de arquitectura, diseño

Pendentif Paysage forêt © LALIQUE SA

Boceto de René Lalique, (izq.) estudio de un pectoral egipcio de alas abiertas ca. 1898, (der.) diseño para un pendiente de cisnes, ca. 1897-1899.

Dije de paisaje boscoso s/fecha.

de interiores, joyas, fragancias y recientemente, hoteles y restaurantes. Además, la empresa colabora con marcas de lujo exclusivas, artistas y diseñadores para crear objetos impresionantes, trabajando con líderes creativos como Anish Kapoor, Damien Hirst, Arik Levy o Mario Botta, entre otros. De forma natural, Lalique continúa produciendo diseños inspirados en los de su fundador, por ejemplo: Perles, un candelabro diseñado por Pierre-Yves Rochon, inspirado en el modelo homónimo de luminarias creadas por René Lalique en los años 30. En la versión presentada durante Euroluce 2019, cilindros de cristal tallados con rayas y cabujones representan velas coronas con luz de tecnología LED. Sumado a la lámpara Coutard, diseñada por Pierre-Yves Rochon a partir de un diseño de René Lalique de 1935, que en su momento fue producido para un proyecto exclusivo. Hirondelles es otro de los objetos inspirados en un original de René Lalique, en donde se representa la belleza de las golondrinas en cristal cincelado, satinado y pulido. Lalique retoma los tapones para radiadores que René Lalique diseñó en los años 20, reinterpretando las

Flacon René Lalique - Bouchon cassis ©Lalique SA

Lámpara Coutard de Pierre-Yves Rochon, inspirada en un diseño de 1935 por René Lalique.

Frasco diseñado por René Lalique, ca. 1920.

1885

Reconocido como diseñador independiente por las grandes casas francesas de joyería, René Lalique se hizo cargo del taller del joyero Jules Destape en París.

1888

René Lalique, inspirado en la antigüedad y en Japón, incluyó oro y piedras semipreciosas a sus creaciones, en ellas registró su sello “RL” identificando sus piezas únicas.

Lanterne Lalique-PY Rocho-PM Coutard noir mat

DISEÑO + HISTORIA

Trois Hirondelles - 1920 © Lalique SA / Lalique - Lampe Hirondelles bleu saphir

Las golondrinas son un motivo icono de Lalique, (der) frasco tres golondrinas, 1920. (Izq) Lámpara Golondrinas en azul zafiro, producida actualmente.

1890

Con cierta popularidad adquirida, René Lalique comenzó a experimentar con vidrio y esmaltes junto a oro, ópalo, diamantes o perlas para embellecer sus joyas.

1900

Participación de René Lalique en la Gran Exposición de París de 1900, momento culminante de su carrera como joyero dentro del Art Nouveau.

1907

Comenzó la colaboración entre René Lalique y François Coty, revolucionando la industria perfumera.

esculturas Victoire, Vitesse y Longchamp fabricadas en cristal satinado que, gracias a una base luminosa se convierten en luces de apoyo. Por su parte, la colección Essence of Speed es una colaboración entre Lalique y McLaren, en la que se celebran los valores compartidos por el fabricante de cristal y uno de los equipos emblemáticos de la Fórmula 1, las piezas Cheetah y Falcon forman parte de una edición limitada a 375 piezas. La firma francesa, reconocida como una compañía patrimonial viva, sigue enriqueciendo la vida cotidiana, con estilo atemporal y artístico impregnado a productos y objetos contemporáneos, cargados de emoción y funcionalidad, así como de belleza formal, a través de varias formas, motivos y tamaños que aprovechan el contraste entre el cristal satinado y el pulido, la presencia de luz, reflejos y transparencias, detalles inconfundibles y cualidades que han prevalecido en Lalique desde su fundación. www.lalique.com www.musee-lalique.com

Candelabro Golondrinas actualmente en producción.

LALIQUE - Lustre Perles montage / Lalique - Lustre Perles nickel

Lalique - Lustre Hirondelles PM chromé

DISEÑO + HISTORIA

Candelabro Perlas, diseñado por Pierre-Yves Rochon para Lalique. Inspirado en un diseño de René Lalique de los años 30.

1925

Durante la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas de París, René Lalique se consagró como maestro vidriero dentro del movimiento Art Decó.

1935

Contratado para una serie de proyectos de alto perfil, René Lalique diseñó puertas de cristal, fuentes, interiores, candelabros y columnas de alumbrado para salones, residencias, galerías y trasatlánticos.

1945

Tras el fallecimiento de René Lalique el 1ero. de mayo, su hijo Marc Lalique quedó al frente de la compañía.

2008

El grupo suizo Art & Fragrance, bajo la dirección de Silvio Denz, adquirió Lalique con el objetivo de desarrollarla globalmente y aumentar su capacidad de producción.

2011

El museo Lalique abrió sus puertas en Wingen-surModer, albergando más de 650 piezas de René Lalique y sus sucesores.

EVENTOS

Arquitectura, diseño & eficiencia Profesionales comparten su experiencia con universitarios en Herman Miller México. Texto

ARTURO OLÍN

Fotos

EDUARDO RAMÍREZ

A PARTIR del taller Teoría y práctica del diseño sustentable, organizado por Herman Miller y Glocal Design Magazine, alumnos de las licenciaturas de Arquitectura y Diseño Industrial del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial y de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México asistieron a una sesión en la que Andrea Soria, arquitecta especialista en el sistema Living Office de Herman Miller, Raúl Huitrón, arquitecto fundador y director de Biomah Architects & Energy Consultants y Daniel Romero, diseñador industrial y socio fundador de Tuux, compartieron sus conocimientos en torno a la eficiencia, ahorro energético y optimización de recursos por medio del diseño para después impulsar a los jóvenes a desarrollar un proyecto especulativo a manera de repentina, que mejorara la organización en una oficina aplicando el conocimiento recién adquirido y apoyándose en los recursos de la plataforma digital de Herman Miller, los cuales sirvieron para especificar qué tipo de mobiliario se utilizaría en sus proyectos. Al terminar la repentina, los alumnos organizados en equipo expusieron sus propuestas con conceptos e ideas extraídas de las conferencias previas, finalmente se llevó a cabo una premiación y convivencia entre profesionales y universitarios. El equipo ganador denominado AM Studio, integrado por Brando Marín Fabre, Fernando Martínez Castro, Mauricio Ramírez Herrera y José Pablo Alcántara Valdés, destacó por cubrir las necesidades del proyecto y entregar una propuesta que rebasaba los requisitos planteados por los profesionales. Al respecto los jóvenes compartieron: “Propusimos en un plazo de 4 horas, un partido arquitectónico que se integraría por un diseño de piso, plafón, iluminación y mobiliario. El brief de trabajo fue un espacio de oficinas

para 5 startups de tecnología de la comunicación enfocadas al desarrollo urbano y un headcount de 60 personas. El proyecto parte de un eje longitudinal al centro del espacio que funge como casual collision, siendo este el primer espacio observado por el usuario, generando un ambiente disgregado. Así lo primero que los clientes observan es un espacio contemporáneo de trabajo y no los cubículos a los que estamos acostumbrados. Este eje separa las dos áreas principales de trabajo y los únicos espacios cerrados son para el área de finanzas y recursos humanos, que por su naturaleza precisan confidencialidad. Diseñamos también una sala de juntas, un área para la preparación de alimentos y un pequeño auditorio. En conclusión, los espacios no se diseñan por capricho estético sino por eficiencia y función, que bien resueltos son estéticos en sí mismos.” Los profesionales coincidieron en que realizar este tipo de ejercicios permite a los jóvenes acercarse a herramientas y a casos de estudio reales, preparándolos para su futuro profesional con una visión más amplia de las necesidades que cada proyecto debe cubrir. hermanmiller.com

EVENTOS

El equipo que ganó la repentina estuvo integrado por: Brando Marín Fabre, Fernando Martínez Castro, Mauricio Ramírez Herrera y José Pablo Alcántara Valdés.

Andrea Soria, arquitecta.

(Izq) Daniel Romero, diseñador industrial. (Der) Raúl Huitrón, arquitecto.

Este tipo de ejercicios creativos permite a los jóvenes acercarse a herramientas y a casos de estudio reales.

ENTREVISTA

La colección M'Afrique está diseñada por talentos como Patricia Urquiola, Ron Arad, Martino Gamper yTord Boontje.

Fotos cor tesía

ENTREVISTA

Entre el arte y el diseño

Retrato Alessandro Paderni

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

“Para mí, el diseño no es solo lo que hacemos, el diseño es la empresa misma, nuestra razón ser”. —PATRIZIA MOROSO.

ENTREVISTA

FUNDADA en 1952, Moroso creció de la mano de Agostino Moroso, padre de Patrizia Moroso, actual directora de arte de la compañía, quien se integró a la empresa italiana a mediados de los años ochenta a petición de su familia. “Mi comienzo fue, creo, no planeado, sino una cosa del destino. Había pensado en trabajar en el mundo del arte, mis estudios son en ese campo. Vivía en Bolonia en ese entonces y de pronto me llamaron para decirme que la compañía familiar estaba en problemas, me pidieron ayuda y dije: ¡Por supuesto!, así que me llevó uno o dos años entender qué hacer. Comencé por acercarme a algunos de mis amigos; el primero fue Massimo Iosa Ghini con quien presentamos Dynamic, una colección de 20 piezas que representaban una nueva visión del mundo, algo que iba más allá del objeto”, comenta Patrizia, quien trabajó para encontrar las “debilidades” de la que entonces era una pequeña empresa con mobiliario de alta calidad, pero con una crisis de publicidad. Pronto, el trabajo de investigación y comunicación llevado a cabo por Moroso rindió frutos y sus primeras colaboraciones importantes llegaron: Ron Arad y Patricia Urquiola. Al

Como cada año, Patrizia Moroso visitó los pasillos de SaloneSatellite en busca de inspiración y para encontrar a las jóvenes promesas futuras.

respecto de su relación con Ron Arad, Patrizia comenta: “Yo era una gran admiradora suya. Seguía su trabajo en Londres y me encantaba lo que hacía con el Vitra Museum, hasta que un día un amigo en común nos presentó; Ron vio la colección que realizamos con Massimo Iosa Ghini y quedó impresionado por su calidad, así que se propuso desarrollar algo para nosotros.” Por su parte, la primera colaboración de Patricia Urquiola para Moroso se remonta a 1998 cuando la diseñadora visitó la fábrica de la empresa en Udine en donde presentó un pequeño prototipo que convirtió a la compañía en el primer fabricante en producir el trabajo de la diseñadora. “Conocí a Patricia por un amigo que me dijo: ‘Es una chica española, vive en Italia y trabaja con Studio, pero quiere hacer algo por su cuenta. Tiene un gran talento, pero no ha encontrado una empresa que quiera trabajar con ella ¿quieres conocerla? Cuando llegó me mostró el prototipo de un sofá hecho con tanto detalle que inmediatamente comprendí el gran talento que tenía. Los años siguientes fueron de constantes cambios y evolución para Moroso; las aportaciones creativas llegaron de todos lados y nombres como Ross Lovegrove, Konstantin Grcic, Alfredo Häberli, Marcel Wanders, Tokujin Yoshioka, Enrico Franzolini, Doshi & Levien, Tord Boontje, Nendo y Front crearon diseños icónicos con el inconfundible estilo de la empresa. “Para mí, todos los diseños son un tesoro. Cada diseñador me aporta un poco de su cultura y su experiencia, lo que, a su vez, enriquece la experiencia de la empresa. Es importante tener muchos ‘lenguajes’ con los cuales trabajar y que sean tan

La colección de sofás Heartbreaker surgió de la colaboración con el diseñador danés Johannes Torpe.

ENTREVISTA

El stand de Moroso en el Salone estuvo diseñado por Patricia Urquiola y presentó novedades como la colaboración con el danés Johannes Torpe.

Fotos cor tesía

La firma de Johannes Torpe para sus sillas Precious es un perfil de metal a lo largo del marco.

diferentes entre ellos. Quiero mostrar que ser diferente es una cualidad, no un problema. Es bueno vivir en mundo diverso, pero hay que prepararse para ello”. Definir el estilo de Moroso no es una tarea sencilla. Una visión versátil del mercado, innovación tecnológica, destreza artesanal y su pasión por la experimentación con nuevos materiales les lleva a estar en constante cambio, “cuando se forma y se crea un objeto, se mezclan volúmenes y superficies, como sucede en la arquitectura, pero a una escala diferente. Cada objeto -como si se tratara de un edificio- tiene un interior interesante y bien hecho, pero el exterior funciona como una membrana de comunicación con el mundo, es la primera aproximación a un objeto. La superficie es muy importante”. El color, por su parte, es uno de los elementos más destacados en los diseños de la compañía; cada pieza encuentra una personalidad distinta en sus tonalidades, como en los materiales: “Me encantan los colores. Algunos objetos se expresan a través de ellos. Cada persona tiene una expresión de color distinta que habla de sí mismo”, finaliza Moroso. www.moroso.it

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Nostalgia tropical “Nos inspiran los movimientos emocionales del diseño”. –MASQUESPACIO. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

(Izq. a Der.) Valentina Guidi Ottobri, Martina Gamboni, Christophe Penasse y Ana Milena Hernández Palacios.

fue presentada en las instalaciones de la agencia Strategic Footprints como parte de Fuori Salone. La colección de 17 piezas nuevas surgió con la intención de añadirle un toque contemporáneo al material milenario. Las piezas están inspiradas en la idea del viaje como revelación y explora los movimientos emocionales del diseño. Ana explica a detalle: “Los jarrones están inspirados en unos edificios Art Decó ubicados en Bruselas, de los que retomamos sus marquesinas. No quisimos que fuera sólo sobre un momento o un país, porque cada movimiento se reinterpreta de diferentes maneras, por ejemplo, en el Caribe, el Art Decó de Miami o de Cuba, donde vimos cómo las palmeras proyectan sus sombras en los edificios, de ahí surgió el biombo. También hay un panel con figuras geométricas que homenajean a Ettore Sottsass, lo que nos trae a los años ochenta de Italia. Los bancos están inspirados en el Art Noveau francés, en resumen, nos saltamos las guerras y los movimientos racionales del diseño, escogimos tres movimientos emocionales, los interpretamos y los llevamos al futuro”. www.masquespacio.com www.poggiugo.it www.salonemilano.it

Land venera el estilo emocional de diferentes ciudades, pero también es un homenaje a la terracota.

Foto cor tesía Poggi Ugo

HACE 12 AÑOS, Ana Milena Hernández Palacios y Christophe Penasse se conocieron en Valencia, España, dos años después, en 2010 decidieron fundar Masquespacio, un despacho creativo que desde entonces se ha dedicado a hacer interiorismo y diseño de producto desde un enfoque emocional y experiencial. Este año, a razón del centenario de la empresa Poggi Ugo y bajo la comisión de Valentina Guidi Ottobri, Ana y Chris se encargaron de desarrollar Land, una colección que celebra la sabiduría y habilidad de los artesanos que trabajan la terracota en Impruneta, localidad de la provincia de Florencia en la región Toscana de Italia, donde Poggi Ugo mantiene sus técnicas tradicionales para producir piezas en terracota. Sobre el origen del Land, Chris comparte: “Todo comenzó por Valentina Guidi, ella seguía nuestro trabajo y nos seleccionó para desarrollar este proyecto”, a lo que Ana agrega: “Poggi Ugo es una empresa dirigida por la tercera generación familiar que trabaja la terracota, de todo el proyecto lo mejor fue haber ido y observar cómo trabajan el material, ver la fábrica que tiene cien años, conocer a sus trabajadores y observar sus procesos, ahí aprendimos el valor del tiempo porque nosotros a veces vamos muy rápido, el mercado nos exige ir cada vez más rápido pero en Poggi Ugo nos detuvimos para observar y aprender qué dificultades enfrentan con la terracota, pues se trata de un trabajo manual desde la extracción de las tierras que son de la región, su transformación y finalmente su quema, es un trabajo artesanal muy complejo”. Con tan sólo tres meses de trabajo para su producción, Land

El proyecto, comisariado por Valentina Guidi Ottobri, sugiere nuevas visiones estĂŠticas relacionadas con la terracota, la cual se utiliza en una sĂntesis entre naturaleza y artificio.

ENTREVISTA

La riqueza de los materiales “El material alimenta mis ideas por sus cualidades naturales”. –INGA SEMPÉ. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

Colaborar con Eugenio Perazza es un deleite: "Es un hombre con mucha paciencia y cariño por la empresa que ha creado”. –Inga Sempé.

EL TRABAJO de Inga Sempé es vasto. Su carrera como diseñadora la ha llevado a colaborar con marcas como Alessi, Cappellini y Baccarat, un camino creativo lógico si se toma en cuenta que Sempé nació en el seno de una familia de artistas; su madre, Mette Ivers, es una reconocida artista gráfica y pintora; y su padre Jean-Jacques Sempé, un famoso dibujante de historietas. Este año, como parte del Salone del Mobile Milano 2019, Inga Sempé presentó Volentieri una colección de alfombras diseñadas para la compañía italiana Magis que nace tras la visita, en compañía de Eugenio Perazza –fundador de Magis–, a una pequeña empresa familiar ubicada en un barrio cercano a Venecia,

quienes inventaron una técnica para producir alfombras empenachadas de manera industrial. “Eugenio me pidió que tratara de encontrar la manera de diseñar algunas alfombras con la idea de que pudiesen hacerse en cualquier tamaño, según el gusto del cliente. Por esta razón la colección se llama Volentieri, que significa ‘con mucho gusto’ o ‘como quieras’ en italiano”, comenta la diseñadora. Fieles a su estilo, los diseños son sencillos y neutros, apenas salpicados por finas líneas vivas y luminosas. “Lo que realmente quería es utilizar las mejores fibras y mezclarlas de una manera que se lograra un contraste. También estuve trabajando con diferentes tejidos, hay algunos bucles y terciopelo, por lo que se crea un poco de contraste entre el lino y la viscosa (o rayón): el lino es mate y la viscosa muy brillante, por lo que siempre he utilizado grandes lienzos de ambas telas divididos por algunas líneas muy brillantes y de colores fuertes”, agrega la diseñadora. La colección Volentieri consta de dos modelos donde la superposición de lienzos hace posible que sus telas base se contrasten y, a su vez, se complementen de manera armónica. El primer modelo Cornice parece una superposición de dos alfombras: un par de cuadrados de lino opaco y rizado delineados por un ribete de viscosa brillante en terciopelo. Por su parte, Finestra está compuesta por tres rectángulos de terciopelo de viscosa suave y tupido, separados por finas líneas de lino y viscosa tejidas en rizo. Al respecto de los materiales, Inga comenta: “El material alimenta mis ideas, así que es importante que sean materias primas de calidad y cualidades naturales, duraderas. Soy muy cercana a la tela porque fue el único material con el que podía trabajar cuando era niña”, concluye. www.magisdesign.com www.ingasempe.fr

Foto cor tesía

ENTREVISTA

La colaboración de Sempé con Magis la ha enriquecido en el sentido humano por la pasión y técnica de su trabajo.

ENTREVISTA

Geometrías lunares El primer alunizaje inspiró a Matthew Day Jackson para su colección Kolho.

EN FINLANDIA hay una ciudad llamada Kolho, a unos kilómetros de Mäntttä, ciudad en la que el artista establecido en Brooklyn, NY, Matthew Day Jackson estuvo preparando una exposición de su obra para los museos Serlachius; mientras Jackson estuvo ahí, descubrió que en Kolho hay una fábrica de Formica Group y de manera casi inmediata quiso conocerla porque el material laminado es de especial importancia para él, es un recuerdo de su infancia y ha sido material central de su práctica artística. Por circunstancias fortuitas, Jackson logró visitar la fábrica y la colaboración entre Formica Group y Jackson fue lógica, juntos desarrollaron planchas metálicas para crear laminados texturizados que representan la superficie lunar, derivados de imágenes

"Hacer un objeto doméstico sobre la tecnología usada para llegar a la Luna ayuda a probar nuestra propia existencia”. –Matthew Day Jackson.

tomadas por el Orbitador de Reconocimiento Lunar de la NASA en 2009. También en Finlandia, Jackson conoció a Niclas Ahlström, uno de los fundadores de Made by Choice, compañía finlandesa especializada en desarrollar y producir objetos de madera con una larga tradición nórdica, quién le propuso hacer un proyecto de mobiliario en conjunto. En Milán, Made by Choice, Formica Group y Jackson presentaron una colección de muebles titulada Kolho, naturalmente en honor a la ciudad finlandesa que inspiró a Jackson. La colección compuesta por una serie de mesas y sillas de comedor se exhibió en el marco de la semana del diseño y las piezas convivieron con pinturas florales del artista. El interés de Jackson por el alunizaje está muy presente en sus obras de arte y por supuesto en Kolho. Jackson comparte: “Quise tomar el lado más lejano de la luna y dejarlo impregnado en laminados de Formica®, porque se trata de superficies resistentes y concuerdan con la necesidad que tenemos de adquirir cosas inalcanzables, en este caso la superficie lunar, por supuesto no fue sencillo convencerlos de que hiciéramos esta colaboración, pero tuve la fortuna de conocer a Phil Wise y que él me enlazara con el equipo de diseño de Formica Group y eso llevó a que se imprimieran pruebas, muy gráficas y hermosas, yo quería que fuera algo más parecido a un mapa, así fue como obtuvimos el terminado texturizado”. Sin duda, Kolho es un extracto de las ideas que apasionan a Matthew, y precisamente esa pasión lo llevó a desarrollar la colección, contagiando a Made by Choice y a Formica Group. Las piezas están compuestas por diferentes geometrías que representan el orden y el caos; por un lado, está la madera curveada del cuerpo de las sillas, mientras que, por otro, el asiento unido al respaldo propone una línea suave. www.formica.com www.madebychoice.com

Fotos Per ttu Saksa

Entrevista SANDRA MONTIEL, enviada Milán

Fotos Per ttu Saksa

Las piezas parten de cómo exploramos no sólo la tierra sino su órbita, la luna, los satélites artificiales y el sistema solar.

ENTREVISTA

Con Nuances para Gan, Urquiola explora con materiales como el fieltro sostenible que hace eco su compromiso con el medio ambiente.

Foto cor tesĂa

Revalorar los procesos

Retrato cor tesía Andreu World

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

"La gente que trabaja con las manos tiene un karma profundo para expresar y comunicar lo que siente con su cuerpo".

–PATRICIA URQUIOLA

ENTREVISTA

Flauta para Flos hace referencia a las formas puras de los órganos y las flautas.

El mundo artesano cuenta con una densidad temporal maravillosa pues se desenvuelve en un trance de relajación humano.

UNO de los proyectos que más le gustó e impactó a Patricia Urquiola durante la pasada semana del diseño en Milán fue la exposición temática Broken Nature, comisariada por Paola Antonelli. “Es una muestra maravillosa que aborda el papel del diseño en la supervivencia humana; una instalación que nos pone los pies en la tierra sobre un tema que debemos de tener muy presente no sólo los creativos sino todos las personas del mundo, pues explora los hilos que conectan a los seres humanos con los ecosistemas naturales y sociales que nosotros mismos hemos puesto en peligro en los últimos años”, platica emocionada la diseñadora, para quien la humanidad tendría que aceptar el error que ha cometido de no tomar conciencia de la manera cómo se relaciona con los entornos. “Creo –dice Urquiola– que debemos ‘ponernos las pilas’ en diversas direcciones para cambiar y mejorar muchos de los procesos que hemos aplicado para construir y tranformar ambientes y objetos; entender que para consumir de manera más inteligente también debemos pensar en el aire y en el desgaste de otros recursos naturales que son vitales para la superviviencia humana”. Broken Nature, que formó parte del núcleo de la xxii Triennale di Milano, atinadamente mostró una amplia red de proyectos de arquitectura y diseño que subrayaron el concepto de diseño restaurativo del planeta, una idea que trastocó el lado humano de Urquiola y que también revela su preocupación por el futuro de nuestro planeta y de nuestra especie. Para ella, la sensibilidad de los proyectos mostrados en esa exposición nos permite seguir creyendo en el poder del diseño para comprender la complejidad de los seres humanos y en cómo adaptar sus comportamientos para generar propuestas nuevas. “Estamos en el momento de un cambio de paradigma importante en el que tenemos mucho qué hacer. No podemos dejar este planeta a nuestros hijos y nietos con un deterioro tan grande sobre todo ahora que las consecuencias están siendo más desastrosas; es importante que asumamos una real conciencia social”, remarca uno de los tótems del diseño español

Bisel para Glas Italia, una consola realizada en vidrio multilaminado y multicromático,

Fotos cor tesía de las marcas

ENTREVISTA

Los sofás Gogan para Moroso toman su nombre de las piedras japonesas suavizadas por el tiempo y el agua.

de quien sería más fácil mencionar los proyectos en los que no ha colaborado en comparación con los que sí estuvo presente durante la semana del diseño en Milán: Ágape, Andreu World, Bottega Ghianda, Cassina, CC-tapis, Co-Edition, Editions, Flos, Gan, Glas Italia, Janus et Cie, Kettal, Laufen y Moroso; además de sus colaboraciones en instalaciones y stands como Cassina, Kettal, Moroso, Santoni, Rossana Orlandi y Nilufar Depot. Por si esto fuera poco, Urquiola también se dio tiempo para participar en dos charlas: Casa Loewe Conversations con Anatxu Zabalbeascoa y en F-Design Week Talk con la plática Contaminazioni creative, l’abitare del Futuro con Angela Missoni. Nuances fue uno de los proyectos que la diseñadora presentó en el Salone, el cual trata de una colección de alfombras y pufs que desarrolló en colaboración con GAN, la marca indoor del grupo Gandia Blasco. Las piezas están realizadas artesanalmente en la India con fieltro sostenible –un material natural, cálido y maleable–, pero tratado por Urquiola de una manera innovadora, quien además se atreve a jugar con las formas, densidades y colores para que éstas adquieran un aspecto casi pétreo. De su experiencia de trabajar de cerca con los artesanos, Patricia comparte que “la gente que trabaja con las manos tiene un karma profundo de poder traducir, expresar y comunicar con su cuerpo su inteligencia, capacidad y manera de pensar. Es impresionante ver trabajar a los artesanos; son artistas que crean una especie de continuidad y fluidez que también incluye a la mente. El mundo artesano cuenta con una densidad temporal maravillosa al entrar como en una especie de mantra y repetir acciones que podrían interpretarse como técnicas de relajación y humanización de profunda fuerza espiritual. Creo que si las personas en general nos preocupáramos más por educarnos en la formación y realización de trabajos manuales, cada uno encontraríamos talentos no imaginados, incluso las nuevas generaciones digitales descubrirían nuevos makers, capaces de revalorizar los modos cómo se hacen las procesos”, concluye la diseñadora a quien siempre se le ocurrirá un argumento distinto para hacernos reaccionar. www.patriciaurquiola.com www.salonemilano.it

La idea detrás de la colección Band es una descomposición de la estructura. Un objeto concebido con un ensamblaje de piezas.

ENTREVISTA

El lenguaje de los materiales “WireRing mantiene su espíritu simple, pero con otra dimensión” –FORMAFANTASMA. Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

A pesar de que Simone y Andrea son italianos, su estudio está establecido en Ámsterdam, Países Bajos, un país que abraza el diseño.

otro material, pero no, es algo muy simple”, dice Trimarchi. Se trata de un segundo ejercicio de reducción para Formafantasma, en el que un objeto con la misma tipología y el mismo eje conceptual, es abismalmente diferente a su antecesor. Formafantasma ha desarrollado una práctica de diseño que se caracteriza por la investigación y experimentación en materiales, más allá de generar conceptos a través de la forma han explorado la relación entre tradición y cultura local. En función a esto, le pedimos a Andrea que nos compartiera una guía para aquellos que inician su carrera en el diseño: “Especialmente al principio, aprendan a decir que no, elijan bien las colaboraciones en las que participan, pues con el tiempo rendirán frutos. Como diseñadores también debemos ser radicales, hacer menos de la mejor manera posible y ser conscientes de los materiales que usamos, las técnicas con las que trabajamos, las compañías con las que establecemos relaciones y cuestionarnos todo el tiempo sobre nuestro papel como diseñadores”. www.formafantasma.com www.flos.com www.salonemilano.it

Retrato cor tesía / Foto cor tesía Flos

LA FIRMA italiana Flos invitó de nuevo a sus compatriotas Simone Farresin y Andrea Trimarchi a desarrollar un proyecto que fue presentado durante la pasada edición del Salone del Mobile Milano, la propuesta de Formafantasma es WireLine, una luminaria peculiar que aprovecha el uso del cable eléctrico como elemento central y añade una personalidad secundaria a la fuente luminosa. Andrea comenta: “Al principio, cuando pensamos en la lámpara, pensamos también en el cable, que a menudo se considera algo que hay que ocultar, incluso si ves fotografías de lámparas en una revista, verás que los cables son removidos digitalmente, para nosotros esto fue un punto de partida, ¿cómo podíamos convertir al cable en el núcleo de la pieza? Un poco como pasó con WireRing, que es una apología de Parentesi, diseñado por Achille Castiglioni & Pio Manzù en 1971 y que es uno de los objetos más sorprendentes en Flos”. WireLine es una luminaria colgante en la que una cinta de goma plana, similar a una correa, funciona como cable eléctrico y sostiene una extrusión de vidrio acanalado que contiene una fuente de luz LED. Puede instalarse en solitario o creando composiciones más elaboradas con más de una pieza. Incluso se pensó en su empaque, que consiste en una caja plana dentro de la cual la lámpara se reduce al mínimo: una gran tira enrollada de goma y un cuerpo cristalino alargado. “Una peculiaridad es su tamaño, hace un par de semanas nos mostraron imágenes de prueba, pero así no puedes ver realmente su escala, únicamente instalada es cuando ves su verdadera dimensión y también su materialidad, porque podrías pensar que la cinta es de piel o algún

“El punto de partida para Wireline fue diseñar a partir del cable eléctrico, elemento que quisimos convertir en un protagonista en lugar de ocultarlo”.

Glocal ed51_ASN68-G50_EY.pdf 1 29/04/2019 12:06:46 p.m.

CMY

ENFOQUE

Espacios y no formas "La arquitectura debe colmar el espíritu de emociones, sin olvidar su función". –Augusto Quijano

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ, enviados Mérida Retrato EDUARDO RAMÍREZ

ENFOQUE

PREGUNTARLE a un arquitecto cuál es su proyecto predilecto es ponerlo en un predicamento. Cada dibujo que trazan en un hoja de papel o que proyectan con la ayuda de un programa de computadora tiene su cuento especial. “Los proyectos son como nuestros hijos, cada uno tiene sus características y la parte que lo hace diferente para ser nuestro favorito. A mí, en lo personal, me gusta mucho hacer casas sobre todo porque veo cómo empiezan a tomar forma desde que se van construyendo y transformando entre los gustos de las familias y las propuestas de arquitectura; cuando finalmente esas casas ‘se viven’ el concepto se termina de redondear y me doy cuenta que como parte de ese proceso también termino por hacer grandes amigos de mis clientes”, cuenta el arquitecto Augusto Quijano, a quien el equipo de Glocal Design Magazine visitó en su despacho de la ciudad de Mérida en Yucatán, el cual curiosamente enumeró como uno de los proyectos que más le ha gustado realizar. Con una sonrisa a flor de piel e intachable hospitalidad, el arquitecto Quijano nos abrió las puertas de su Taller de Arquitectura, un proyecto creado por él mismo en un lugar a la que ha ido desde hace 26 años y que a pesar del tiempo continúa siendo uno de sus espacios predilectos porque le sigue descubriendo cosas. “Puedo estar tomando un café en la sala de juntas o estar sentado en uno de los rincones de la entrada y sigo

Una casa libre, que configura un lugar. Se retira de la playa para crear un propio mundo.

La buena arquitectura retoma y reinterpreta espacios y no formas. La tecnología es importante, pero también el lugar en donde se construye.

encontrando detalles diferentes a este lugar que obtuvo la medalla de oro en la Bienal de Arquitectura Mexicana en 1994. Es un sitio agradable para trabajar y que además cuenta con todas las condicionantes propias de un proyecto integral: yo era el usuario, el constructor, el diseñador, el inversionista y el arquitecto; todo al mismo tiempo, y eso al final fue sumando para hacer algo que me dejara satisfecho”, cuenta Quijano acerca de una obra que habla por él y de su estilo sobrio para hacer arquitectura con materiales como la luz y el viento, cuando hoy muchos hablan de tecnología, vanguardia y modas. “En esta oficina –dice– no hay ninguna lámpara que esté prendida todo el día, el sol está cuidado de tal manera que nos da todo lo que necesitamos incluso para dibujar a mano con iluminación natural ni siquiera con la computadora; usamos aire acondicionado pero el espacio aprovecha la circulación del viento para estar siempre fresco y soportar el clima caluroso de Mérida. Esto ayuda a ahorrar energía y contribuye a lograr una serie de elementos que ahora se han llamado: sustentabilidad, pero que nosotros en el despacho hemos conocido y aplicado desde hace mucho tiempo”. Para él, lo que hoy llamamos sustentabilidad antes sólo se llamaba: arquitectura. “La sustentabilidad es algo inherente a la arquitectura, no tendríamos porqué darle el calificativo de arquitectura sustentable o arquitectura inteligen-

te, cuando la práctica de esta disciplina ya es un concepto redondo y habla de valores universales como cuidado del medio ambiente, composición, espacialidad y materialidad”, explica el arquitecto haciendo énfasis en que la arquitectura tiene la cualidad de expresarse a través de los valores propios de su contexto, ya sea climático, económico, social o tecnológico. “A todos nos encanta ver edificios de alta tecnología, pero la manera de construir y producir arquitectura debería de ser otra, no siempre se trata de crear formas espectaculares sino de diseñar espacios con identidad y significado. La arquitectura debe cumplir una función, pero también debe colmar el espíritu. Si revisáramos la historia y las obras de los grandes maestros, caeríamos en la cuenta de que muchos de sus edificios están pensados y hechos para el lugar en donde están, y es en ese punto en el que la arquitectura empieza tener un valor universal: cuando se expone en un sitio en particular a partir de las características de su contexto. No es lo mismo hacer una casa en Yucatán que en Australia, y eso lo deberíamos tener muy claro, pero por desgracia muchos se dejan guiar más por las formas y dejan de lado los elementos básicos para hacer buena arquitectura”. PARTIR DE LAS RAÍCES “A mí también me pasó, y en algún momento durante el ejercicio de mi quehacer arquitectónico tuve una especie de bache. Creo que si hiciera

ENFOQUE

Fotos cor tesía despacho Augusto Quijano

El Mercado de San Benito (2004), insertado en el Centro Histórico de la ciudad de Mérida, expresa una variación en el ritmo mediante cartelas de concreto. Su estructura es el lenguaje formal del conjunto.

ENFOQUE

Fotos cor tesía despacho Augusto Quijano

Durante su trayectoria, el arquitecto Quijano ha llevado a cabo más de 250 proyectos, entre los que destacan la Universidad Anáhuac Mayab (en foto) y el Centro Cultural El Olimpo.

ENFOQUE

una lectura de la ruta que he llevado desde la primera casa que construí hasta lo que he hecho hasta ahora, me encontraría con que alguna vez me enfrenté a la famosa idea del posmodernismo y me dejé llevar por la idea de trabajar y hacer ‘cosas extrañas’. Era entre mediados de los 80’s y principios de los 90’s y en aquella época se hacía un tipo de arquitectura más pesada, con aplicaciones de materiales que no tenían mucha profundidad, que quizá eran más ‘maquillaje’ que propuestas reales”, relata el también académico quien se sintió un poco perdido en esos años. “Fue a partir de 1988-89 que retomo la idea de regresar a la base de lo que me enseñaron en la universidad. Recuerdo que por azares del destino tuve la oportunidad de conocer al arquitecto chileno Eduardo San Martín y le llevé algunos planos de los proyectos que había hecho para que los viera, él los miró y de manera fría y honesta me dijo: todo esto que has hecho no sirve de nada. Lo primero que trazaste es tu base (refiriéndose a la primera casa que había construido para unos amigos de mi papá al terminar la carrera), yo en tu lugar regresaría a lo básico. Hoy, me acuerdo de esa última frase y le agradezco mucho lo que me dijo, pues a partir de ahí retomé la idea del orden, de los esquemas claros, del análisis de un programa que me permitiera abrazar y generar un espacio con esencia; puse énfasis en una serie de cosas que, con 10 años de avance que ya llevaba por esa época, entendía más; eso me sirvió mucho y a partir de 1989 puedo decir que es cuando realmente me arranco con todo”. En el camino, Quijano se ha ido encontrando con clientes que le han abierto las puertas de

par en par al brindarle todas las facilidades para hacer lo que más le gusta. Su primer cliente, como él mismo refiere en la anécdota con el arquitecto San Martín, fueron unos amigos de su familia que le pidieron hacer su casa. “Tomé nota, documenté y al final fui muy afortunado porque me dejaron explorar. En aquellos tiempos la gente era muy abierta y no le tenía miedo a escuchar las propuestas de los arquitectos, y es que para esa primera casa tuve el conflicto entre usar una arquitectura de muros pesados que me habían enseñado en la escuela como la mejor opción o de realmente hacer un click en el sentido de diseñar una casa para un lugar como Mérida. ¿Cómo juntaba lo que me gustaba de la arquitectura de Le Corbusier o Barragán y lo aplicaba en Yucatán? No era nada fácil. Fue cuando descubrí que el blanco da matices para hacer muchas cosas y que la luz puede entrar y correr dentro de un espacio para animarlo de modos distintos. A la fecha, esa casa continúa impecable, es una residencia

El nuevo diseño del Centro Cultural El Olimpo destaca por su uso innovador del concreto.

ENFOQUE

La escuela de medicina de la Universidad Anáhuac Mayab es una obra magistral sobre el manejo de la luz natural y del espacio como principio artístico.

Fotos cor tesía despacho Augusto Quijano

ENFOQUE

muy atractiva que no la han modificado en nada, quizá sólo en algo mobiliario en sus interiores y ya tiene más de 40 años de construida”. Así fue cómo el arquitecto Quijano fue adquiriendo y madurando el valor de pensamiento de la arquitectura que estaba haciendo, una partida para la que también ha tenido la gran fortuna de encontrarse y de colaborar con grandes arquitectos de Yucatán. Platica que cuando regresó a Mérida después de haber terminado la carrera en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México (la cual en aquel entonces se encontraba en la colonia Campestre Churubusco), coincide que también se gradúa la primera generación de arquitectos de Yucatán, a quienes se integra para formar un grupo de entre 12-14 colegas con quienes desde entonces empezó a estrechar caminos para posteriormente trabajar juntos en diversos proyectos que incluyen una ruta de géneros desde lo comercial hasta lo privado y corporativo. Esos fueron los inicios de un profesionista, que a los 26 años ya estaba diseñando la Universidad del Mayab y en su avance ha sido pionero en la construcción de los primeros edificios altos en la ciudad de Mérida y de las propuestas de casas de espacios más abiertos y transparentes.

“La arquitectura no se basa en estilos, sino en actitudes relacionadas con el momento histórico”.

MÉRIDA, BELLEZA Y VALOR CULTURAL ¿Dejaría Mérida? –preguntamos al arquitecto Quijano durante la plática–. A lo que él respondió

Fue en 1981 cuando el arquitecto Quijano diseñó el Plan Maestro para el campus de la Universidad Anáhuac Mayab; actualmente ha retomado el proyecto para incorporar el nuevo edificio para el Instituto de Biotecnología.

sin titubear: “Nunca he pensado cambiar de lugar de residencia; Mérida es una ciudad fantástica, en desarrollo y muy bonita. Alguna vez, platicando con mi hermano menor que se llama Mario y es doctor en musicología, me dijo que aquí se estrenaban las zarzuelas tres meses antes, lo que demuestra que esta es una ciudad que siempre ha estado relacionada con el mundo. A finales del siglo xix cuando en Chicago se estaban haciendo edificios altos, en Mérida también se estaba construyendo ese tipo de arquitectura con varios proyectos en el Centro Histórico y ni hablar de Paseo Montejo que se inauguró en 1904 como una de las avenidas más importantes, esas son sólo un par de referencias que atestiguan nuestra conexión con el mundo aunque aparentemente estemos fuera del contexto nacional por estar ubicados en la punta del mapa de México. Creo que Mérida es una ciudad de muy buena escala, muy completa, que tiene muchos atractivos y en donde me gusta hacer arquitectura. Aquí es donde he aprendido que la arquitectura es más de adentro hacia fuera que de afuera hacia adentro, se trata de gozar los espacios; no es lo mismo

ENFOQUE

pensar en un comedor que en un lugar para comer o en un baño a un sitio en donde bañarse, esa percepción cambia profundamente la idea de espacio que tienen las personas. En Yucatán, por ejemplo, el enfoque de diseño de los espacios está basado en las actividades que van a suceder ahí y luego trascienden a otros acontecimientos. Por eso, las terrazas se han convertido en el área principal de las casas en Mérida, pues motivan la convivencia y experiencias como ver un atardecer dentro de un espacio bien orientado y con calidad espacial”. Ese es el tipo de valores que a Quijano le gustaría contagiar en el mapa de la arquitectu-

ra mexicana. “Creo que junto con el grupo de amigos y colegas del que formo parte estamos permeando un tipo de arquitectura clara, concisa y sincera con el lugar en donde está. No sólo es importante la organización de los espacios sino también considerar la influencia de materiales intangibles como la luz y el viento, ese es el tipo de arquitectura que se está haciendo en Yucatán desde hace unos años para acá y que hace que la gente nos volteé a ver. Son ideas que incluso son parte de la formación de las siguientes generaciones y que también trato de compartir cuando imparto mis clases en las que me gustaría toparme con alumnos que incluso superen lo que nosotros pensamos”. HACER ARQUITECTURA EN LA ERA DIGITAL De su acercamiento con las nuevas generaciones, Quijano comparte que desde hace algún tiempo se ha relacionado con la docencia y reparte su tiempo entre los asuntos que a diario revisa en el despacho con su equipo y el quehacer de ir a la universidad a impartir clases por las tardes. “Me he dado cuenta de que actualmente mucho de la vida y de las experiencias que platican los jóvenes se basa más en la imagen, en lo externo, en las fotografías que se envían por las redes sociales. Esto de alguna manera también ha permeado a la arquitectura, pues a veces los proyectos que más se conocen y se difunden son aquellos que impresionan por su imagen y no tanto por lo innovador de su propuesta o la calidad de la obra y sus materiales. Hoy, muchos arquitectos se preocupan más por la presentación de sus obras, que por la calidad. Por eso, en las clases que doy le insisto mucho a mis alumnos en que no vean sólo lo externo sino que también vean el interior de sus proyectos; que conozcan los edificios por dentro; que sepan lo que piensa la gente cuando vive y convive en esos espacios y que siempre investiguen un poco más acerca de la historia de las construcciones y no sólo se conformen con los datos de saber quién lo hizo y en qué

“Lo importante de la arquitectura muchas veces está fuera de ella. Hay que salirse del problema para resolverlo”, dice Quijano, quien ha diseñado corporativos como Bacsa y Dicas (arriba), además de la Parroquia de Cristo Resucitado (abajo) en Mérida.

Fotos cor tesía despacho Augusto Quijano

ENFOQUE

El corporativo de Grupo Dicas esculpe, gracias a la interacciรณn de sombras y luces, una serie de piezas que abrazan los interiores y le brindan un carรกcter notorio dentro de su entorno urbano.

En el despacho de Quijano han nacido desde proyectos de casas, oficinas, y hoteles hasta un templo parroquial.

Fotos cortesĂa despacho Augusto Quijano

58 ENFOQUE

ENFOQUE

Casa Ancha responde a un programa arquitectónico pensado para una pareja después que los hijos ya no viven en casa. Se plantea a la inversa: el espacio propio es el más público.

ENFOQUE

año. No sólo se trata de caminar por las calles y ‘ponerle palomita’ al edificio que el maestro les dejó conocer como parte de su tarea, se trata de que entren a esos lugares, de que los vivan y de que verdaderamente los exploren por dentro. Esta es una práctica que se va aprendiendo con tiempo, lo importante es que quienes ya llevamos una buena parte del camino recorrido sepamos cómo contagiarla e irla transmitiendo. Así me pasó a mí cuando –después de muchos años– por fin comprendí a qué se refería el arquitecto Francisco Serrano y el concepto de ‘crear sombras’ al que me hizo referencia mientras estudiaba en la universidad y fui su alumno”. Curiosamente esa es una de las anécdotas que más cuenta Quijano: estaba en el octavo semestre, tomando un taller con el arquitecto Francisco Serrano que le daba clases y con las inquietudes normales de un estudiante a punto de terminar la carrera. Entonces, se le acercó y le platicó: “No sé qué hago en la ciudad de México, me voy a regresar a Mérida y allá realmente lo que voy a hacer son casas”. A lo que Serrano le cuestionó: ¿Qué hay en Mérida? –Mucho sol– dijo Quijano. Y el argumento contundente de su maestro fue: ¡Haz sombras! “No entendí el significado de su comentario sino hasta muchos años después cuando comprendí que la arquitectura efectivamente tiene que ver con ideas que teóricamente nos enseñan en la escuela, pero pesan más situaciones sobre cómo sentir el calor o no sentirlo, o si la luz entra de una manera y anima de otro modo los espacios”, platica Quijano.

Fotos cor tesía despacho Augusto Quijano

Casa Angosta recibió el Primer Premio en la II Bienal de Arquitectura de Yucatán en 1996 y la Mención de Honor en la V Bienal de Arquitectura Mexicana en 1998.

Casa Rivas y Casa Chicxulub (abajo) forman parte de las obras residenciales de mayor esplendor arquitectónico en Yucatán.

ENFOQUE

Quijano obtuvo la Medalla de Oro en la Bienal de Arquitectura Mexicana (1998) por Casa de Huespédes en Mérida.

La arquitectura de Yucatán refleja un estilo de vida; sus relaciones espaciales son apropiadas a su clima caluroso. Casa Larga se desarrolla a manera de una gran terraza, en una serie de espacios que buscan que los vientos crucen y que evitan el asoleamiento por medio de una gran pérgola que genera un jardín aromático.

Fotos cortesĂa despacho Augusto Quijano

62 ENFOQUE

ENFOQUE

En Casa Ancha las áreas habitables son abiertas, con muros móviles de madera que permiten acomodar el espacio de múltiples maneras, logrando así distintas configuraciones espaciales.

El arquitecto reitera que ‘hacer buena arquitectura’ es simple: parte de la idea de considerar una serie de valores universales como espacialidad, composición, geometría, iluminación, composición etc., que si se van cumpliendo y la obra está en un contexto adecuado, la relación termina por ser la correcta. "La obra no tiene que ser grandota sino grandiosa; por más pequeño que sea un proyecto, si provoca las ganas de entrar, de explorarla, de conocerla, de desmenuzarla por dentro… es entonces cuando esa obra se queda en el registro de la memoria y se vuelve memorable. Si no te llevas nada, no es buena arquitectura”, enfatiza el maestro a quien le siguen emocionando las obras de Barragán y lugares como El Panteón en Roma y la Plaza de San Marcos en Venecia, el Museo Guggenheim en Nueva York, la ciudad maya de Uxmal o el instituto Salk en la Jolla California, tan sólo por mencionar algunos de los espacios que ha conocido durante sus viajes y que le han despertado emociones. Ahora mismo, Quijano va regresando de un recorrido que hizo en compañía de un grupo de colegas y amigos por diversas ciudades de Alemania, y no sólo se siente maravillado de la grandeza humana para crear sino que también se confiesa aún más entusiasmado e inspirado para seguir trazando nuevos proyectos, tal y como lo veía desde niño cuando algún ingeniero o contratista llegaba a su casa y extendía 'papeles grandes con dibujos' que luego supo eran planos para construir casas. augustoquijano.com

presentado por

ESPECIAL Mร RMOL

Material noble por naturaleza, de carรกcter aspiracional y veteados caprichosos

Altaire 1 Fotos LGM Luis Gallardo

ESPECIAL MÁRMOL

Aprovechando la naturalidad, iluminación y el mármol, los espacios del departamento Altaire I –diseñado por Kababie Arquitectos– se dividen a través de diferentes materiales y texturas sin paredes divisorias.

ESPECIAL MÁRMOL

A TRAVÉS de los años, el mármol ha dominado las ten-

dencias de arquitectura e interiorismo. Técnicamente es una piedra formada a partir de rocas calizas que sometida a altas temperaturas y presión se cristaliza; en términos de uso cotidiano se describe como un material noble por naturaleza que, aunque hizo su aparición hace siglos en la forma de esculturas antiguas, se ha mantenido en la escena del diseño de interiores por su elegancia única. Quizá una de las novedades es que en los últimos años su aplicación y uso han avanzado desde los espacios de un baño clásico o cocina tradicional a otras áreas del hogar. Ahora también se aplica a salas de estar y en general a cualquier otro ambiente, ya que sus posibilidades por excelencia son infinitas. Independientemente de donde sea que se coloque, el mármol da la característica innegable de elegancia y sofisticación a cualquier ambiente. Además, gracias a su versatilidad, el mármol también puede usarse sin complicación alguna en una vasta gama de espacios, ya sea que se trate de lugares públicos, hoteles, oficinas o incluso residencias privadas; las bondades de la piedra resaltan en casi todas partes y son difíciles de perder. Otra de sus características es su durabilidad incomparable, lo que combina con su mantenimiento competitivo. “Dureza, versatilidad y funcionalidad, así resumiría las características de este material atemporal, que en temas de estética es puro y vigente en estilo”, agrega el arquitecto Elías Kababie, quien a través de su despacho Kababie Arquitectos ha logrado una sinergia entre arquitectura, interiorismo y diseño de muebles y objetos, con el fin de transcribir el estilo de vida personal de sus clientes a sus espacios. Para él, la mano de obra y cómo esté trabajada la colocación del mármol es uno de los factores clave: “Es indudable que hablamos de una piedra exquisita que recorre un largo y fascinante camino desde su extracción

"El mármol es sinónimo de opulencia y tiene un carácter aspiracional. Nunca será un material obsoleto". –Bernardo Negrete, interiorista.

Proyecto Shark, diseñador por el interiorisa Bernardo Negrete

ESPECIAL MÁRMOL

La presencia del mármol se ha extendido a espacios como vestíbulos, salas, comedores e incluso para crear piezas y objetos de diseño.

en las canteras hasta su fabricación. Pero su instalación en los espacios requiere de un trabajo artesanal delicado, muy bien cuidado y hecho por manos expertas. Usar el adhesivo equivocado puede hacer que éste se escurra en la superficie y manche las baldosas, y manejarlo descuidadamente podría causar roturas o abrasiones. Además, una vez instalado, el mármol debe tratarse con un sellador penetrador de manera regular para mejorar el brillo de la superficie, evitar las manchas y ayudar a protegerlo de abrasiones y agresiones químicas provocadas por líquidos como los limpiadores”, explica el arquitecto quien concuerda que actualmente el uso del mármol se ha extendido a espacios como vestíbulos, salas, comedores e incluso para crear piezas y objetos de diseño, además de su presencia habitual en baños y cocinas. En opinión de Kababie, el mármol no sólo es de Italia, si bien es innegable que las canteras en el país de la bota albergan majestuosos escenarios donde se forma este preciado tesoro de la naturaleza, también es un hecho que en México se han desarrollado prolíficas regiones para la extracción de mármol con excelente calidad. A este punto de vista se suma el del interiorista Bernardo Negrete, fundador de Bernardo Negrete Studio,

quien se ha atrevido a proponer y a usar tanto piedras nacionales como de importación en sus proyectos. “El mármol siempre lo vemos en áreas muy opulentas dando un carácter aspiracional a las atmósferas; por eso, nunca será obsoleto, más aún cuando hay piezas de piedra natural que son únicas y exóticas porque las canteras de donde se extraían han dejado de producirlas”, dice el creador de espacios residenciales en desarrollos de la Península de Yucatán como Puerto Cancún, Aldea Zama, Isla Dorada, Residencial Campestre y Yucatán Country Club. Hace algunos meses, Negrete tuvo la oportunidad de viajar a Italia para visitar las canteras y conocer las fábricas de mármol en ese país. Ahí, pudo constatar la belleza de este material que por su textura, grosor, color, vista y acabados, exalta las emociones de muchas maneras. “Las caprichosas figuras en sus veteados, la solidez y cohesión de la roca; su dureza y durabilidad, lo convierten en un elemento sumamente bello y funcional”, cuenta el interiorista haciendo hincapié en que hoy en día se pueden encontrar distintos tipos de mármol en el mercado, incluidas las propuestas de alta tecnología que lo imitan en acabados. “Lo indiscutible es que hablamos de un material de carácter fuerte y sofisticado, muy versátil y que en combinación con materiales naturales como cobre, cuero y madera transforma espacios en verdaderos espacios artísticos”, concluye Negrete. www.kababiearquitectos.com @bernardonegretestudio

Altaire 1 Fotos: LGM Luis Gallardo

Casa O Cuatro Migdal Arquitecto Fotos: Rafael Gamo

ESPECIAL MÁRMOL

Materiales pétreos se adaptaron a cada espacio para crear ambientes distintos en Casa O Cuatro de Migdal Arquitectos.

TRAYECTORIAS

Fotos cor tesía

La nueva cara del MÁRMOL en Ciudad de México

Stone Gallery by GAPC Priscilla y Gerardo Pérez.

TRAYECTORIAS

“Queremos aumentar el alcance de estos recursos naturales en el diseño, interiorismo y construcción nacional mostrando cómo son únicos por su composición y dignos de su valor”

Escena Mármol, boutique en Polanco.

Piso en mármol arabescato cervaiole.

FUE HACE MÁS de 3 décadas que Stone Gallery by GAPC abrió sus puertas en Villahermosa, Tabasco. No sería hasta 15 años después que se lograría el éxito necesario para abrir la segunda sucursal en Ciudad de México. El auge de Stone Gallery se conformó por grandes colaboraciones con referentes nacionales en el ámbito corporativo, comercial, cultural y residencial. Proyectos del nivel de la restauración del Castillo de Chapultepec y del emblemático Gran Hotel Ciudad de México; la construcción de las columnas de mármol más grandes de Latinoamérica, aquellas de la Torre Reforma 115; la Torre HSBC; así como la importación de 270 contenedores para la instalación de más de 120,000 m2 de mármol en dos de los hoteles más grandes del país. Es hasta 2016, que Stone Gallery abre su tercera sede en San José del Cabo, Baja California Sur, sumando 20,000 m2 de infraestructura entre talleres, fábricas y showrooms a lo largo de la República Mexicana. Hoy, la empresa comienza un nueva etapa con Priscilla y Gerardo Pérez al frente de la segunda casa en Ciudad de México. “Estamos convencidos de que nos esperan retos que deberán ser afrontados con la experiencia transmitida por nuestro padre y la visión que mi hermana y yo hemos construido juntos. Conocemos nuestro producto y hemos sido testigos de la evolución y crecimiento de este mercado en el país, por lo que junto a una práctica constante de una cultura de servicio hará que cumplamos nuestro objetivo de recordarles y mostrarles lo que es Stone Gallery”. –Gerardo Pérez, Regional Manager CDMX. www.stonegallery.com.mx

ESPECIAL HOTELES

Foto Rodrgio Pardo

Experiencias de hospitalidad enmarcadas en lugares de peculiar belleza y naturaleza. Textos MARTHA LYDIA ANAYA

ESPECIAL HOTELES

HOSPITALIDAD ENTRE ARTE E HISTORIA UVENCE ARTE + HOTEL | AMEZCUA | CHIAPAS

INSPIRADO en un concepto contemporáneo de arquitectura de diseño con raíces chiapanecas, Uvence Arte +Hotel reúne historia, arte y cultura local. La formación intelectual de su propietario Mario Uvence –coleccionista, anticuario y promotor cultural– le da a este hotel un nuevo concepto de hospitalidad, soportada por el valor del arte y las antigüedades. Aquí, los huéspedes disfrutan de una Biblioteca-Museo, exposiciones, conciertos, charlas literarias y obras de arte originales en sus habitaciones. La propiedad está enmarcada por montañas y el maridaje entre viejas y contemporáneas construcciones surgidas de la comunión de ideas conceptuales entre el equipo Uvence y el despacho de arquitectura AMEZCUA. “Es un proyecto de reciclaje y re-usos que sigue una estrategia de crecimiento y construye nuevas capas de historia. El proyecto revaloriza y rescata una edificación histórica en San Cristóbal de las Casas en Chiapas y actualiza su uso, generando un

beneficio colectivo para el sitio y la ciudad. El proyecto consta de una intervención de 2,650 m2 en lo que fuera una fundación sin fines de lucro, convertida ahora en un hotel boutique. La propuesta de transformación replantea una edificación histórica del patio central con habitaciones alrededor, renovando espacios que fueron ocupados por oficinas, bodegas y habitaciones, modificándolos para albergar ocho habitaciones con terma y patios interiores, los cuales se distribuyen alrededor de un gran espejo de agua, en el que la protagonista es una escultura de Mathias Goeritz”. Cada habitación da una lectura del lugar con muros elaborados con tierra local; techos inclinados que dan un sentido escultórico del espacio y mobiliario reciclado, como sofás, mesas, burós y lámparas de Arturo Pani, Clara Porset, Pedro Ramírez Vázquez y Luis Barragán, cuyas piezas se renovaron con tejidos artesanales chiapanecos. www.amezcua.mx

Fotos Rodrgio Pardo

Muros elaborados con tierra del lugar y techos inclinados ayudan a crear una nueva experiencia de hospitalidad.

Costa Careyes es una comunidad creada por GianFranco Brignone, quien une naturaleza, bienestar y arte.

ESPECIAL HOTELES

MATERIALIDAD CÁLIDA Y CONTEMPORÁNEA EL CAREYES CLUB & RESIDENCES | TALLER MAURICIO ROCHA + GABRIELA CARRILLO | JALISCO

Fotos Rafael Gamo

ORIGINALMENTE construido a finales de los años 70, el Hotel Careyes estaba compuesto por inmuebles de influencias arquitectónicas mexicanas y mediterráneas; en su época fue una construcción elogiada por sus colores vibrantes y su artesanía. Después de una etapa exitosa, el hotel cerró sus puertas y durante varios años estuvo en una etapa de transformación ecléctica. Ahora, después de una importante renovación y con un nuevo diseño, el Hotel Careyes se ha convertido en El Careyes Club & Residences. El nuevo desarrollo es un homenaje a lo antiguo, pero ahora con un énfasis en la relajación y los servicios de hospitalidad. Las residencias cuentan con un ambiente y estilo más contemporáneo para cumplir con las expectativas de viaje de los huéspedes y brindar alojamiento de primer nivel. El programa cuenta con 61 castillos, casas y casitas restauradas conforme una arquitectura surrealista y que en conjunto han sido denominadas como “La Herradura”, además de una sección de servicios con áreas comunes, andadores y zonas verdes llamadas “El Corazón”. Para el concepto de los departamentos se

tomó el riesgo de integrar los baños a las recámaras y formar parte de las terrazas traseras, esta acción detona en el éxito de la continuidad visual a todo lo largo de cada residencia, optimizando la sensación visual, espacial y sobre todo el confort de una ventilación cruzada. En la arquitectura y diseño de todo el lugar se integran elementos de paisaje que añaden frescura al ambiente, así como tapetes de vegetación que se extienden desde los jardines. La volumetría del edificio se presenta como una mezcla del pueblo italiano con reminiscencias mexicanas. La intervención del espacio permite conservar estos sutiles contrastes que se integran a una atmósfera cálida, ligera y contemporánea. Uno de los sitios más importantes del proyecto es el vestíbulo que se encuentra en el centro de un espacio abierto, en donde –a través de un andador rodeado de arena– se abren paso varios espacios dedicados a la naturaleza y a la vegetación hasta llegar a múltiples piscinas, así como a una duna que se extiende como barrera frente al mar. www.elcareyes.com | www.tallerdearquitetura.com.mx

ESPECIAL HOTELES

La volumetría del edificio es una mezcla de pueblo italiano con reminiscencias mexicanas. La intervención integra una materialidad cálida, ligera y contemporánea.

Fotos Rafael Gamo

6 instalaciones imperdibles que dejaron innovación y creatividad en la Semana del Diseño de Milán. Textos

Foto Takumi Ota

ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

FERIAS

Jardín artificial NENDO + DAIKIN La empresa especialista en aire acondicionado, Daikin encargó al estudio de diseño Nendo que desarrollara una instalación que girara en torno del “aire invisible”, con un enfoque que mostrara el interés de Daikin en la calidad del aire y la climatización de los espacios, pues es un tema en el que son especialistas. La instalación, llamada Breeze of light, mostró 17,000 flores artificiales hechas con película polarizadora, misma que proyectó sombras en constante movimiento aparente. Cuando un foco se coloca con un filtro polarizador y se proyecta sobre otra película polarizadora, la luz pasa filtrada a través de esas dos capas polarizadas, lo que hace que la sombra de la flor sea mucho más oscura. Al girar el filtro 45° se crea una sombra más translúcida y si el giro es de 90° la sombra desaparece por completo, creando la posibilidad de jugar con la presencia de las sombras. Aprovechando este principio, se suspendieron del techo 115 focos con motores de control individual que al proyectar su luz contra las flores crearon patrones de sombras. Las flores se colocaron trazando patrones a diferentes distancias y alturas, de modo que todo el espacio parecía ser un paisaje suave y ondulado, como si se tratara de un verdadero jardín floral. Aunque no haya cambio constante en la cantidad de luz del espacio, el movimiento de las películas polarizadas en los focos permitía que las sombras cambiaran de intensidad y desaparecieran como su hubiera una corriente de aire dándoles movimiento. Al tomar como eje conceptual un tema invisible, Breeze of light ofreció la oportunidad de experimentar con la vista algo que generalmente experimentamos con el tacto. www.nendo.jp www.daikin.com

FERIAS

Expansión hedonista Dimoremilano se une al enfoque completo y complejo del estudio liderado por Britt Moran y Emiliano Salci, quienes se especializan en proyectos residenciales, hoteleros y comerciales, además de representar Dimoregallery, la galería de diseño histórico y contemporáneo. Para lanzar su nueva línea de mobiliario, tomaron las instalaciones de un viejo cine cuya marquesina expuso con letras brillantes el nombre de la colección: Interstellar, integrada por piezas de colores oscuros, textiles aterciopelados que envolvieron formas bien definidas y materiales como aluminio, lacas, acero cepillado y pulido, bronce y superficies laminadas, en un espíritu disco de los años 70 ambientado con música estrafalaria y luces estroboscópicas. Interstellar es una declaración en la que Moran y Salci expanden su visión y amplían la galaxia que han ido creando estos últimos años; sumergido en el cine abandonado expusieron un glamour refinado que sugirió hedonismo y dramatismo en un espacio habitado por un escenario central rectangular de rejillas de acero, iluminado por tubos de neón. La nueva colección fue la protagonista de cuatro espacios divididos por largas cortinas de seda: salón, comedor, oficina y dormitorio. En el comedor destacó una mesa cuya parte superior está lacada en negro con un inserto de acero y cromo en forma de estrella, llamada Tavolo 128. En el suelo, la alfombra de lana Tappeto 143, con insertos dorados y plateados, reproduciendo un mapa estelar. El dormitorio estuvo amueblado con Letto 134, una cama con estructura metálica lacada en rojo, detalles en latón. En la sala de estar se exhibieron atractivos muebles como el Divano 139, sofá hecho de una estructura de cristal ahumado y cubierto con un tejido acolchado de hojas plateadas. El Tavolo 130 fue presentado en el espacio de oficina. Dimorestudio nos recordó el poder atmosférico que se puede aprovechar cuando se hace una buena curaduría creativa de piezas individuales, iluminación y producción de sonido. www.dimoremilano.com www.dimorestudio.eu

Foto Paola Pansini

DIMOREMILANO

FERIAS

Durante la Semana del Diseño de Milán 2019, Dimorestudio presentó el debut de Dimoremilano, una nueva marca de mobiliario, tapetes, objetos y piezas para exterior.

FERIAS

Superficies transformadas TARKETT + NOTE DESIGN STUDIO + MAGIS

Fotos cortesía

Formations estuvo integrado por formas a múltiples escalas de diseño arquetípico con un material industrial moderno, mobiliario icónico de Magis y un escenario histórico.

La nueva colección iQ Surface de Tarkett fue presentada durante la Semana del Diseño de Milán en la instalación Formations, diseñada por Note Design Studio. El Circolo Filologico Milanese fue escenario perfecto para apreciar las posibilidades del material de Tarkett, sin dejar de promover el diálogo en torno a la creatividad. La instalación cuestiona las nociones de escala, retoma paradigmas arquitectónicos con un aspecto contemporáneo brindado por el material vinílico. En Formations, el material sirvió para envolver objetos, grandes columnas y pequeñas figuras en combinaciones creativas de color, la instalación central de 24 columnas de diferentes tamaños, siendo la más grande de 5 metros de altura, desafió la percepción de la arquitectura, los materiales y el espacio.

Además, se colocaron volúmenes geométricos repetidos para equilibrar la composición de las columnas. En otra habitación, una biblioteca más íntima, se ofreció una selección de objetos a pequeña escala sobre una mesa: arcos, curvas, cilindros y escaleras mostraron las posibilidades de aplicación y su contraste. Finalmente, se contó con salas de reuniones en las que se armonizaron colores de iQ Surface, asociados al mobiliario de la firma Magis y combinados con las alfombras Desso, hechas especialmente para la ocasión, todo con la intención de crear ambientes más cercanos a usos personales. www.magisdesign.com www.notedesignstudio.se www.tarkett.com

FERIAS

Desafiando estándares Fiel al manifiesto fundacional de la galería Nilufar, su fundadora, Nina Yashar, dedica Nilufar Depot para explorar nuevos territorios que van más allá de los límites tradicionales del diseño. Se trató de dos proyectos excepcionales: FAR y New Sculptural Presence. El primero, curado por Studio Vedét, fue diseñado por Space Caviar, tomando como punto de partida un proyecto piloto del año pasado, la muestra funcionó como un recorrido por el trabajo de diseñadores emergentes, abarcando el trabajo de colectivos que trabajan de manera fluida, captando de forma temporal una nueva generación del diseño. Sus experimentaciones radicales convergieron en proyectos obsesionados con las membranas, películas, recubrimientos o formas desarrolladas a través de procesos de estratificación, cuya finalidad quedó intencionalmente poco clara. En ellos se observaron experimentos que desafían abiertamente la noción de función, centrándose en el despliegue de materiales y técnicas que no se han probado antes. El segundo, New Sculptural Presence, bajo la curaduría de Libby Sellers y con el diseño de Estudio Urquiola, presentó nueva escultura independiente a través del trabajo de tres artistas contemporáneos: Nao Matsunaga, Irina Razumovskaya y Jonathan Trayte, quienes destacan por su pasión por la experimentación, su habilidad técnica en el manejo de materiales como arcilla, hormigón, madera o bronce fundido. www.nilufar.com

Foto cortesía

NILUFAR DEPOT

Nilufar Depot presentĂł FAR y New Sculptural Presence, dos nuevos proyectos que rompen esquemas en el diseĂąo y la arquitectura tradicional.

LEXUS + RHIZOMATIKS

Fotos cortesĂa

Luz y movimiento

FERIAS

Por segunda ocasión, la compañía automotriz Lexus unió su tecnología con la firma creativa japonesa Rhizomatiks, presentando el resultado en el afamado SuperDesign Show en via Tortona. En la instalación retomaron la importancia tecnológica que la luz representa en el desarrollo humano. Rhizomatiks diseñó Leading with Light, un espectáculo inmersivo que combina la iluminación lúdica y dinámica con la danza humana y la robótica avanzada. La exposición utilizó múltiples haces de luz en movimiento, robots entrenados por movimientos humanos y un único intérprete cuya interacción coreografiada con la tecnología mostró el enfoque centrado en el ser humano. La instalación partía de la obscuridad total, y se rompía con innumerables luces que revelaban la presencia de seis robots emergiendo de las sombras. De manera teatral, una bailarina danzaba a lo largo del espacio, interrelacionándose con la luz, la tecnología y el movimiento, en una metáfora de cómo esta combinación guía el camino de la firma automotriz, al tiempo que los seis cuerpos robóticos marcaban el camino hacia un portal abierto, insinuando el camino hacia el futuro. La muestra se sumó a una sala donde los asistentes pudieron interactuar con la instalación de iluminación y explorarla de forma individual utilizando esferas que sirvieron como focos de atención para los haces de luz. Con esto, Lexus reflejó su visión de cómo el diseño centrado en el ser humano iluminará el camino hacia un mañana más brillante. www.lexus.com www.rhizomatiks.com

En Leading with Light de Lexus + Rhizomatiks se explora el futuro tecnológico e innovación de Lexus.

FERIAS

Ro PlasticMaster’s Pieces Un llamado creativo y generacional de cómo regresar a la naturaleza y explorar las posibilidades del plástico reciclado en el diseño. Texto EMMANUEL RUFFO, enviado Milán

Fotos cor tesía

Ro Plastic-Masters's Pieces fue curada por estudio Vudafieri-Saverino y en ella colaboraron arquitectos y diseñadores como Patricia Urquiola, Marcel Wanders y Fabio Novembre.

INICIADA en el mundo de la moda durante los años 80’s, Rossana Orlandi decide emprender su propio camino en el mundo del diseño, en el que las tendencias, la convivencia y la no competitividad generan –para ella– los valores del diseño. En el 2003, inaugura Tabula Rara, una muestra de diseño que gira en torno a la mesa, transportando los objetos de diseño dal salotto alla tavola (de la sala a la mesa). Resaltando el valor único de hacer convivir a los objetos entre sí: la nueva convivialidad, como la definiría Orlandi. Con ideas siempre frescas, directas y en el marco del Fuorisalone durante la pasada semana del diseño en Milán, la galerista Rossana Orlandi inicia un

nuevo desafío al inaugurar en el Museo de la Ciencia en Milán la muestra Ro Plastic-Master’s Pieces, con la que genera una nueva era: la de la sustentabilidad y la reutilización del plástico, un llamado creativo y generacional a artistas y diseñadores para reinventar los residuos plásticos. La muestra es un recuento de objetos únicos como la lámpara diseñada por Studio Jobs, que hace homenaje al maestro Alessandro Mendini –fallecido el pasado 18 de febrero–, resaltando literalmente el gran corazón y mente del gran arquitecto. Además, Studio Jobs realizó una pequeña orquesta de lámparas que se armonizan al son de la música; una

FERIAS

interpretación simpática en la que utiliza icónicas y coloridas garrafas que se usaban para el transporte de agua y gasolina durante los años 80’s, las cuales adapta como lámparas de diseño. La silla-calavera Jolly Roger, diseñada por Fabio Novembre para Gufram en el 2013, representa el nacimiento de una nueva etapa y el constante repensar del artista sobre la idea de que los objetos tienen un fin, una fecha de caducidad, lo que quizá también revela lo que él entiende por reciclaje. Continuando con la muestra, tropiezo invariablemente con el sneaker de Patricia Urquiola, la lazy chair, un objeto no gender, que al igual que el celular –cuenta Urquiola– identifica fuertemente a la generación de hoy. Su diseño se caracteriza por la composición de diversos elementos y detalles realizados completamente en PET, los cuales pueden ensamblarse y desensamblarse fácilmente: “El reciclaje no consiste únicamente en el re-uso del material sino también en la oportunidad de crear algo nuevo y divertido.” La crítica más interesante llega de parte del controversial Marcel Wanders con su botella de plástico, de la cual platica: “Cuando fui invitado a participar en la exhibición era bastante renuente a la idea de

Rossana Orlandi desafía a los diseñadores a desarrollar nuevas formas de reciclar y reutilizar el plástico.

trabajar con algo tan serio como la sustentabilidad. Creo que el reciclaje es una idea muy cuestionable, así que decidí hacer una crítica presentando una botella de plástico diseñada por mi amigo Ross Lovegrove, la cual reutilicé más de 200 veces durante el último mes”. Para Wanders la idea de reciclaje radica en el re-uso de objetos ya existentes. El objetivo de esta muestra es estimular el mundo del diseño a trabajar con el plástico reciclado. Un problema enorme que está sofocando a la humanidad. Orlandi considera que “detrás de esta problemática existe un mundo por descubrir a través de la reinterpretación y el valor mismo del material”. La exposición demuestra, según Orlandi, las posibilidades infinitas del diseño y de cómo éste puede ser narrado a través de mensajes únicos y propios de cada autor. Resalta el trabajo de Barnaba Fornasetti: un biombo que se integra perfectamente con la misión de la muestra. También se caracteriza por engrandecer el valor de las piezas únicas de diseño a través de repensar el uso del material: plástico reciclado. Estamos ansiosos por ver cómo Orlandi intentará relanzar este concepto durante los próximos meses y presenciar esta nueva era para el mundo creativo. www.rossanaorlandi.com | www.salonemilano.it

FERIAS

La exposición se compone de 29 piezas inéditas de plástico reciclado, hechas por artistas, diseñadores y arquitectos.

El cambio climático no es un tema del futuro, necesitamos resolverlo en el presente.

Fotos cor tesía

El plástico en sí mismo no es el culpable, el problema real ha sido su uso incorrecto.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

El objeto de la iluminación Texto ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán Selección GLOCAL DESIGN MAGAZINE

La línea por BIGBjarke Ingels Group para Artemide

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Jewel por Yonoh para Axolight

Con casi 40,000 m2 de espacio expositivo y la colaboración cercana a las 500 marcas y empresas del sector de todo el mundo, el Salón Internacional de Iluminación Euroluce 2019 evidencia temas como la cultura del diseño y la tecnología de iluminación.

ESPECIAL ILUMINACIÓN

OE Quasi Light por Olafur Eliasson para Louis Poulsen

Trypta por Stephen Burks para Luceplan

Noctambule por Konstantin Grcic para Flos

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes.

Balance Pendant de SkLO

Helio I de UTU Soulful Lighting

Firefly de Lladrรณ

Ferai por Alberto Lago para Salviati

Gioia por Andrea Anastasio para Foscarini

Heco por Nendo para Flos

ESPECIAL ILUMINACIÃ&#x201C;N

Adonis por Marcel Wanders para Barovier & Toso

Light Drops por Tord Boontje para Swarovski Lighting

Coax por John Hogan para Roll & Hill

Light with a table por Keiji Takeuchi para Living Divani Loop por MUT para LZF lamps

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Luna de Gabriel Scott

Sticks por Arik Levy para Vibia

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes.

VVV por Vandont para DCW Editions

Glacier por William Pedersen para Lasvit

_UNLOCK MEXICO CITY IGNACIA GUEST HOUSE IGNACIAMX IGNACIAMX

JALAPA 208 CASA B, COLONIA ROMA, 06700, MEXICO CITY hola@ignacia.mx ignacia.mx

CROMÁTICO

Retrato Eduardo Ramírez

Arquitectura, luz y color

“Nada de lo que percibimos alrededor existiría sin la luz, incluyendo al color". –Rodrigo Fernández, director de Diez Company.

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CROMÁTICO

“ADENTRARME en el tema de luz realmente fue una casualidad; siempre pensé que sería diseñador de muebles y encontré una categoría que al principio no sabía qué tan compleja podría ser hasta que trabajé en ella. Hoy, la luz tiene otro significado para mí; antes la veía sólo como un objeto y he descubierto que va más allá de eso: engloba una ciencia que estudia los efectos que puede tener la luz en el organismo humano e incluso que influye en las emociones, pues funciona como un factor para transformar en forma positiva o negativa un espacio y también como un elemento capaz de alterar el estado de ánimo de las personas”, platica Rodrigo Fernández, fundador y director de Diez Company, una empresa que desde hace 14 años se ha enfocado en el diseño, fabricación, comercialización y distribución de productos de iluminación. “Este transcurrir de mi carrera profesional –relata Fernández– me ha hecho entender que la luz es una materia prima muy poderosa con la que trabajamos todos los días; más allá de diseñar y ofrecer un producto o luminaria de cualquier tipología, lo que proponemos es una solución integral para crear proyectos y transformar espacios de la mano de grandes arquitectos y diseñadores de interiores”. En este contexto, la arquitectura, la luz y el color crean una fórmula que hace completo sentido, pues se convierten en cómplices para crear ambientes y generar un enfoque determinado en cada proyecto. “Creo que trabajar muy de cerca con arquitectos y diseñadores de interiores me ha ayudado a entender cuál es el efecto que ellos quieren provocar con la luz, ya sea para evidenciar o esconder ciertos detalles que tiene un espacio. El color definitivamente se ve transformado por el tipo de iluminación; no es lo mismo incidir en un lugar con una cierta tonalidad y temperatura a través de una luminaria; el objeto

Hércules 301-05

Chapas 085-05

Libre

205-03

“De la paleta Reflejo, mis colores favoritos son: Chapas, Hércules y Libre que aunque parecen estridentes, tienen un toque muy contemporáneo”.

en sí mismo hace que los colores sean distintos y nuestro trabajo como expertos en iluminación es privilegiar las texturas y asegurarnos de que los colores sean reales. No aplico el color como tal, pero sí ayudo a que éste se vea bien”, explica Fernández haciendo énfasis en que comprender el color va muy ligado a entender cómo funciona la luz. “Hay ciertos factores externos que pueden modificarlo o volverlo más interesante. Por eso, las dinámicas –como las que organiza Comex para crear ColorLife Trends– de reunir a equipos multidisciplinarios para analizar y generar las paletas de color que serán tendencia, se convierten en un ejercicio creativo interesante para confrontar los distitnos puntos de vista entre profesionales que se desenvuelven en distintas actividades”, dice el experto. De ColorLife Trends 2019, la paleta con la que más se identifica Fernández es: Reflejo, sobre todo porque está basada en fenómenos relacionados con la luz como iridiscencia, refracción brillo y transparencia. “Son colores que podemos ver en el arcoíris o con objetos que tienen un efecto diferente con el sol o a través de la luz natural. Incluso dentro de esa gama también está la posibilidad de crear efectos metálicos, que son los que más me gustan porque permiten mezclar materiales reflejantes con acabados iridiscentes. Esta combinación le parece estridente a algunas personas, pero la realidad es que son toques de color muy contemporáneos. Baste ver proyectos como el de las oficinas de coworking de WeWork o el de algunas startups –empresas creadas por jóvenes emprendedores– que se están atreviendo a aplicar este tipo de paletas más divertidas y desafiantes, generando ambientes en los que el color no es un complemento sino un protagonista dentro de los espacios”. diezcompany.mx

Ar te por Mafer López "La Borrega Viuda"

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CROMร TICO

La paleta Reflejo estรก basada en fenรณmenos relacionados con la luz: brillo, iridiscencia, refracciรณn y transparencia.

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MA C RO TEN DEN CIAS fondo: Rain por Piero Lissoni en Hidden Rooms FuroiSalone Milan`19 para SALVATORI | credenza y sillรณn, Colecciรณn Back Home por Cristina Celestino para FENDI CASA | mesa lateral Rene por Piero Lissoni para SALVATORI | Moda FENDI SS19.

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MACROTENDENCIAS

Tendencias Glocal Milán La expresión con rasgos exagerados; lunas y estrellas que van de la oscuridad a lo iridiscente y geometrías sinuosas dominan la escena del diseño.

Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL, GRETA ARCILA E ITAYEDZIN ARAGÓN

fondo: Tapete por Matteo Cibic para JAIPUR RUGS | Máscara, colección Land por Masquespacio para POGGI UGO | Jarrón de cerámica, Vases Découpage por Ronan y Erwan Bouroullec para VITRA | Moda MARNI RESORT19 | OCELOTE FW19 página der.: fondo, colección Arabesque por Serena Confalonieri | Tapete Xequer, Colección Signature por Martino Gamper para CC-TAPIS | mesa Ondamarmo XL por Federica Elmo para BLOC STUDIOS | Máscara, colección Land por Masquespacio para POGGI UGO | Gabinete por Antonio Aric para ALTREFORME | Moda MARNI RESORT19

NUEVO EXPRESIONISMO Diseñar es expresar con formas, colores, dimensiones y volúmenes. Diseñar es hacer hacerse presente a través de objetos que hablan de momentos. Mucho de lo visto y analizado este año en Milán habla del divertimento, de los ágiles momentos de movimiento que vivimos. Caras con rasgos exagerados, formas yuxtapuestas, volúmenes con dimensiones no pensadas, colorismo a su máxima tonalidad y siempre contrastante. Expresar que la humanidad necesita un poco de felicidad en momentos de crisis.

CÓSMICO Era el año de 1969 cuando la percepción que teníamos sobre nosotros en el planeta tierra cambió por completo: el hombre pisó la luna por primera vez y de ahí en adelante millones de historias se han escrito sobre esta hazaña. Cincuenta años se celebran de ello y muchas empresas y diseñadores han retomado el tema de manera lúdica y asombrosa por la cantidad de materiales con la que se pueden expresar. De la total oscuridad a lo iridiscente, vemos estrellas, lunas y formas que nos recuerdan cohetes lunares. Sin duda, seguiremos viendo estos elementos en los siguientes años.

pág. izq.: instalación Chroma. A Matter of Color por Diego Grandi Office para AZZURRA + DAVINES | banca por FERNANDO MASTRANGELO | mesa, colección Explorer por Jaime Hayon para BD BARCELONA | Moda ALFREDO MARTÍNEZ SS19 Luminaria Aura por Maria Culenov para LASVIT | mesas Francis por Constance Guisset para PETITE FRITURE | Moda ALFREDO MARTÍNEZ SS19

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MACROTENDENCIAS

fondo: colección Policroma por Cristina Celestino para CEDIT | colección Araldica por Federico Pepe para CEDIT | lámpara y sillón, Colección Back Home por Cristina Celestino para FENDI CASA | Moda FENDI SS19 pág. der.: walldecor Sikelia, colección Bisanzio por Elena Salmistraro para LITHEA | mesa Calafato, colección Bisanzio por Elena Salmistraro para LITHEA | mesa Elephant por Bernhardt+Vella para MINGARDO | Moda FENDI SS19

MACROTENDENCIAS

PATRONES ENCONTRADOS Geometrías depuradas y sinuosas con sutiles remembranzas al art noveau y art déco, son elementos que vemos constantemente de unos años a la fecha; el aliado principal para denotar ese lujo depurado que pretendían esas corrientes artísticas, es el uso de materiales nobles como el mármol, la madera y, gracias a la tecnología de hoy, la impresión digital, logran armonía total y arriesgada.

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RESIDENCIAL

Con una selección minuciosa de mobiliario de renombrados diseñadores, este espacio convive entre lo contemporáneo y lo tradicional.

RESIDENCIAL

Un paraíso en blanco y negro CASA LA SIRENA | SOFÍA ASPE INTERIORISMO | YUCATÁN Fotos ALFONSO DE BÉJAR

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RESIDENCIAL

Un vestíbulo acogedor y bien iluminado invita al descanso y a la convivencia en un entorno contemporáneo.

RECORDANDO a las construcciones caribeñas tradicionales, Casa La Sirena, recupera los materiales y elementos predominantes de la arquitectura vernácula yucateca, mezclándolos para crear espacios frescos y actuales con vistas insuperables hacia el Golfo de México. El proyecto, realizado por Artigas Arquitectos, hace una referencia a las Bahamas, en donde el toque local son, sin lugar a dudas, los techos de palma. La interiorista Sofía Aspe se basó en la cultura maya local de la mano de una paleta de color predominantemente blanca, con concreto, Chukum, cerámica, mármol, fibras naturales y maderas en acabados y en mobiliario, además de textiles tradicionales como un gobelino tejido de Teotitlán del Valle y hamacas de Daniela Bustos Maya y del Museo de San Pablo, concibiendo entornos contemporáneos con una fuerte influencia histórica. Aspe comenta que “los clientes querían una casa playera, que pudiera ser gozada por familia y amigos pero que al mismo tiempo tuviera gran diseño y el lujo adecuado.” Además de estos requerimientos, también se necesitó contrarrestar las altas temperaturas y la humedad de la península, esto se logró gracias a los techos de cuatro aguas recubiertos de palma, dando la sensación de estar bajo una gran palapa, y a la utilización de materiales que soportan la salinidad.

La planta baja, un espacio amplio y continuo, se convierte en una conexión franca hacia el mar, gracias al contacto directo de la casa con la playa. En la terraza, el bar esta realizado con bloques de concreto blanco con forma de cruz maya y una cubierta de madera de parota. Para dar a la casa un fuerte sentido de pertenencia a la península, el piso del patio interior y un muro de la cocina están realizados con loseta de pasta yucateca, fabricadas de forma tradicional. Resalta el mobiliario en tonos negros y la utilización de fibras naturales como bejuco, mimbre, paja, sisal y yute en muebles y accesorios, volviéndolos protagonistas en cualquier espacio. Se realizó una selección minuciosa de mobiliario de renombrados diseñadores como Patricia Urquiola, Ronan y Erwan Bouroullec, Ezequiel Farca, David Pompa y Ligne Roset, así como la intervención de la arquitecta Andrea Cesarman de la icónica silla Serie 7 de Arne Jacobsen. Para la interiorista “este es, sin duda, unos de mis proyectos consentidos donde tuve total libertad creativa y pude reflejar mi estilo mas puro en un ambiente fuera de mi zona de confort alejada de la presencia del color” y donde el espacio invita a la convivencia armónica entre familiares y amigos. www.sofiaaspe.com

RESIDENCIAL

El proyecto se basa en la creaciĂłn de una casa de playa con gran diseĂąo, el lujo adecuado y llena de personalidad, apta para el convivio entre familia y amigos.

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RESIDENCIAL

El patio interior esta revestido con loseta de pasta yucateca brindando un fuerte sentido de pertenencia a la casa.

La planta baja de la residencia se convierte en una conexiรณn franca hacia el mar, gracias a su contacto directo con la playa. Destaca su exquisito gusto en interiorismo con una paleta de color en concordancia.

La paleta de color ofrece un descanso a la vista frente al gran colorido de la naturaleza yucateca.

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Simplicidad, belleza y naturaleza VILLA AKOYA | STUDIO SAXE | COSTA RICA Fotos ANDRÉS GARCÍA LACHNER

Materiales modestos, artesanías tradicionales e iluminación natural conectan a los moradores de esta residencia con un entorno lleno de vegetación.

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Grandes terrazas capturan el viento y las olas que enmarcan a esta casa de playa en la costas del PacĂfico.

La casa se levanta del suelo por tres escalones, lo que brinda una vista más directa a la playa. Este movimiento crea una sensación de levitación sobre el paisaje.

CUANDO PENSAMOS en una casa en la playa, de inmediato se nos viene a la mente un entorno idílico y paradisiaco: arena blanca, cielo azul, vegetación frondosa y mar turquesa. Estos elementos los encontramos todos en las maravillosas playas de Puntarenas en el Golfo de Nicoya en Costa Rica, considerada una de las Perlas del Pacífico. Con la misión principal de crear una arquitectura visualmente ligera y escondida entre la vegetación, Studio Saxe diseñó una villa de 300 m2 frente al mar en el transcurso de 18 meses. Compuesta por cuatro planos horizontales, de los cuales tres resguardan las habitaciones y espacios privados, y uno los espacios públicos: la cocina, la sala, el comedor, la terraza y la piscina; esta distribución permite que la zona pública funcione como un gran vestíbulo. Otra de las premisas de diseño fue la conexión de todos los espacios interiores con la naturaleza, esta característica, además de crear vistas y brindar privacidad, se pensó con el fin de permitir la iluminación y la ventilación natural. Sobre otros

elementos de diseño que se utilizaron para mitigar los efectos del clima “se utilizaron techos desprendidos de las paredes para generar ventilaciones cruzadas en todos los espacios; estos mismos también tienen grandes aleros que protegen el interior, ese movimiento arquitectónico y la desmaterialización del techo en diferentes piezas genera una arquitectura con un lenguaje bioclimático que entiende su locación y el impacto sobre el mundo natural”, expresa el equipo de diseño de Studio Saxe, liderado por Benjamin García Saxe que estableció el despacho en San José, Costa Rica desde el 2004. La importancia de la integración de este proyecto a su contexto se refleja en que “los grandes aleros que protegen a la residencia del sol y la lluvia no solamente han sido utilizados de manera vernácula por años, al día de hoy son tan fundamentales para el confort climático de una vivienda. Combinando esto con materiales contemporáneos y naturales, logramos una arquitectura que es un balance entre la durabilidad de los materiales modernos y la atemporalidad que trae la madera y

su uso”. La madera es uno de los materiales más utilizados en el proyecto tanto en cubiertas como en pisos, así como en los marcos de los ventanales, en accesorios y en mobiliario. Para Studio Saxe es de suma importancia anteponer el diseño inteligente ante el uso de tecnología, es por ello que optaron por implementar estrategias bioclimáticas para controlar la temperatura, así como estrategias activas como recolección de agua pluvial, calentadores solares y sistema de eficiencia energética. Desde su punto de vista, los inmuebles deben de conectarse a su paisaje, ya sea un paraíso tropical o una jungla de asfalto y de concreto. A pesar de la simplicidad del proyecto, la combinación de una conexión franca con la playa y el mar y el contacto con la naturaleza lo hacen un destino confortable y extraordinario en el que se viven experiencias únicas e inolvidables. www.studiosaxe.com

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Un pequeĂąo pueblo de pescadores en la Riviera Nayarit es el escenario protagonista para levantar Casa Sayulita.

Calidez regional CASA SAYULITA | PALMA ESTUDIO | MÉXICO Fotos CÉSAR BÉJAR

Una casa de verano que enaltece las vistas a la playa y las montañas a través de una arquitectura contemporánea.

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ENTRE EL OCÉANO Pacífico y la Sierra Madre Occidental se encuentra uno de los destinos turísticos que, poco a poco, se ha convertido en el favorito de mexicanos y extranjeros: Sayulita en la Riviera Nayarit. Este proyecto surge de las necesidades de una pareja de extranjeros jubilados que buscaban un sitio donde establecer una casa de verano, donde la característica principal fueran las vistas hacia la playa y las montañas. “Durante un proceso de diseño que duró, aproximadamente dos años, el reto principal fue convencer al cliente de la importancia de hacer arquitectura contemporánea y no una imitación de su prejuicio sobre lo que es arquitectura tradicional mexicana”, comenta el arquitecto Juan Luis Rivera de Palma Estudio, que ha ganado varios concursos en México por sus propuestas. El resultado fue un proyecto que supo integrarse al contexto natural y estilístico regional sin perder de vista la contemporaneidad. Uno de los requerimientos principales del proyecto nació a partir de la necesidad de aprovechar el mercado turístico, por lo que se desarrolló un departamento de una recámara, separado de la casa principal, y ubicado arriba del garaje con una entrada independiente a nivel de calle. La casa principal, emplazada en la parte superior del terreno, se compone de dos niveles. En la planta baja, la cocina funciona como elemento articulador entre la sala y el comedor, además de la terraza y la alberca; y en el nivel superior se encuentran la habitación principal, la sala de televisión y un estudio. En cuanto a la protección del proyecto contra el clima, Rivera explica: “tomamos medidas pasivas para compensar una orientación que climáticamente no era la ideal. Se incorpora un volado con balcón en segundo nivel y unos generosos patios traseros en planta baja para aprovechar los vientos y generar ventilación cruzada constante. Los techos altos en planta baja y a dos aguas en el nivel superior también ayudan a disipar el calor.” La paleta cromática del proyecto responde al color natural de la piedra regional que se utilizó para los muros de contención, de esta forma se incorporaron materiales de una cromática similar como el estuco pigmentado, la gravilla, la madera y el barro; esta combinación ayudó a dar protagonismo a las vistas hacia el mar, las montañas y la exuberante vegetación. Para Rivera, el diseño óptimo del proyecto y la satisfacción del cliente es una de las experiencias más gratificantes del quehacer arquitectónico, "la casa funciona muy bien para las necesidades de nuestros clientes y la paleta de materiales que se propuso de acuerdo a los tonos de la piedra de la región le brinda mucha calidez a los espacios. Lo que más me gusta del proyecto es la manera en que se enmarcan las vistas desde cada uno de los principales espacios del proyecto.” www.palmaestudio.com

La paleta cromática de la casa se inspira en los colores naturales de las playas y montañas de Sayulita, a la que se integra la piedra regional como material recurrente en los muros.

Lo mรกs atractivo del proyecto es la manera es que se enmarcan las vistas desde cada uno de los espacios de la casa.

Un proyecto que se integra al contexto natural y estilĂstico regional sin perder de vista la contemporaneidad.

RESIDENCIAL

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Para compensar una orientaciรณn que climรกticamente no era ideal, se incorpora un volado con balcรณn y generosos patios para aprovechar los vientos y generar ventilaciรณn cruzada constante.

Los muros de tierra compactada parecen emerger de la arena entre rocas y vegetaciĂłn, soportando las armaduras de las techumbres.

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Refugio árido CASA CABO | DELLEKAMP + SCHLEICH | MÉXICO Fotos SANDRA PEREZNIETO

Temperaturas elevadas, vientos secos y una vegetación endémica muy peculiar se tomaron en cuenta para diseñar esta casa en San José del Cabo, Baja California.

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La residencia estรก sobre unas plataformas construidas con la misma tierra del lugar, las cuales van bajando suavemente junto a la pendiente del terreno.

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RESIDENCIAL

Entre los volúmenes se entretejen los jardines y pasillos hasta desembocar a un patio central interior que remata con la alberca.

SAN JOSÉ DEL CABO es, sin duda, uno de los destinos predilectos de quienes buscan un pueblo mágico y colonial donde pasar sus vacaciones o establecerse durante unos meses. Son varias las características que hacen de este poblado un destino inolvidable, pero una sobresale más que las demás: el contraste entre el mar y la particular vegetación endémica. Debido al entorno natural árido y desértico, Casa Cabo surge de la necesidad primordial de convivir con el contexto natural, además de la apropiación del sitio sin perder de vista la necesidad de resguardo. Se desarrolla en varias plataformas construidas siguiendo la topografía del sitio de donde surgen gruesos muros de tierra compactada que soportan cuatro grandes cubiertas a dos aguas, mismas que jerarquizan el programa arquitectónico. Entre las cubiertas surgen jardines y pasillos que conectan todos los espacios, hasta desembocar en la alberca, la cual funciona como un regulador de la temperatura interior gracias a que ayuda a enfriar el viento que circula y entra desde la costa. Para contrarrestar los efectos del clima, los arquitectos Derek Dellekamp y Jachen Schleich comentan que “los muros de la casa fueron hechos con la misma tierra del lugar y funcionan como cartelas en el oriente y poniente que protegen del sol; gracias a sus dimensiones fungen como un regulador natural

de la temperatura. Los programas de la casa son configurados por cuatro techos monumentales a dos aguas que parecen levitar generando recintos libres de barreras para la ventilación.” Las propuestas y soluciones del despacho siempre van en función de las condiciones específicas de cada proyecto, esto con la idea de que sean congruentes y que puedan aportar en términos del sitio, contexto, cliente, presupuesto y desde su particular inquietud arquitectónica. Casa Cabo es la segunda propuesta para un mismo cliente en el mismo sitio, la cual se pudo concretar después de un año de construcción. Sobre la función principal de la casa, “logramos generar un espacio que se disfruta y en donde se logra tener esa experiencia de vida al aire libre, pero resguardado al mismo tiempo. La casa tiene la atmósfera de descanso y disfrute que el cliente pedía sin perder de vista la calidad y congruencia en la propuesta arquitectónica”, explican los arquitectos. El proyecto conjunta a la perfección la búsqueda de refugio y la necesidad del contacto con la naturaleza, en una serie de espacios en perfecta conexión con el entorno natural y con influencias de la arquitectura mexicana tradicional. www.dellekamparq.com

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Cuatro techos a dos aguas definen a la cubierta que parece levitar, siendo una pieza clave en la configuraciĂłn de la casa al generar separaciones y jerarquĂas en los espacios.

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EVENTOS

Futuros posibles Conferencistas de Europa, Estados Unidos y México participan en The Smart Conversations, Workplace Design Conference 2019. Texto

MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos

EDUARDO RAMÍREZ

TECNOLOGÍA, personas y espacios son los tres ejes de cambio bajo los cuales se está generando una etapa de regeneración en el mundo. “Hablamos de una transformación que ya se encuentra en la hoja de ruta de las organizaciones, las personas y las culturas”, dice Francisco Vázquez, fundador y presidente del grupo internacional 3g Smart Group, una multinacional que desde el 2006 ha organizado una serie de conferencias internacionales informativas para estudiar las tendencias clave de los cambios que llevarán al mundo hacia esta ‘nueva normalidad’. A la fecha, esta serie de smart conversations cuenta con más de 150 ediciones realizadas en diferentes países y más de 60,000 contactos de todo el mundo que han ido sumando su talento para analizar los distintos escenarios y su impacto en temas como tecnología, negocios y mercadotecnia, arquitectura y diseño de los espacios.

“Todas las compañías y las personas se van a transformar hacia ‘una nueva normalidad’ y en ese contexto deberán tener la visión de que este ensamble sea con un impacto positivo. El rediseño de los espacios es un magnífico motor para caminar hacia esa transformación”, dice Vázquez, enfatizando que The Smart Conversations, Workplace Design Conference se encarga de reunir a las voces que se involucran en este camino. La edición de este año en México se llevó a cabo en el Bajo Circuito, Multiforo Urbano de la Ciudad de México, con ponencias impartidas por Fernanda Rocha y Jon Black, CXO y CEO de la empresa de marketing y medios Blackbot, quienes retaron a la audiencia a reflexionar sobre la oportunidad que trae el futuro para transformar el entorno. “Ahora mismo, a donde quiera que volteemos, estamos viviendo una gran crisis y esos cambios provocan nuevos

EVENTOS

Juan Carlos Baumgartner, CEO de spAce Arquitectura, habló del impacto de la Neuroarquitectura.

La idea de estas pláticas es conocer lo que otras mentes estudian y despertar la curiosidad de industrias relacionadas con la arquitectura y el diseño. comportamientos en las personas y en los modelos de negocios que se han creado. El diseño está en todas partes y en su intersección con otras industrias ayuda a entender factores como las personas, el planeta y los propósitos”, argumentaron los expertos durante su plática. Con ese mismo enfoque de transformación de los entornos, la fundadora y directora de investigación de SpaceSonology, Jasmine Moradi, compartió una plática sobre la importancia de crear lugares que evoquen emociones. “No puedo creer que el diseño de los espacios esté omitiendo elementos como el sonido y la música que son capaces de convertir atmósferas en ambientes productivos. Es momento de alertar sobre un cambio en los lugares de trabajo que están siendo diseñados como oficinas abiertas con mucho ruido alrededor, el cual aún a larga distancia genera estrés, ansiedad, baja productividad y distracción”.

Otro tema importante en el diseño de los espacios es la ciberseguridad, que no sólo trata de proteger la infraestructura sino también de comprender los nuevos escenarios en los que el mundo y las personas están hiperconectados a través de muchos dispositivos. Eddy Bobritsky, CEO de Minerva Labs, planteó los riesgos que hay al no cambiar los hábitos para cuidar tanto los datos e información personal como de las empresas. La sesión culminó con un panel con líderes de empresas como Telefónica On the Spot, ARUBA, SNGULAR, Ricoh, Neoris, Rauda Consultores y Cerveza Minerva, quienes hablaron de cómo crear experiencias positivas en los ambientes laborales. thesmar tconversations.com | spacemex.com blackbot.rocks | jasminemoradi.com soundtrackyourbrand.com | minerva-labs.com

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COLUMNA

Instalaciones socialmente responsables Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración ZAMARRIPA

LAS INSTALACIONES son un género artístico de arte contemporáneo surgido en la década de los 60's como un movimiento en el que la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Esta forma experimental artística se exhibe por un tiempo determinado y se puede presentar en cualquier espacio físico. Está basada en sacar un objeto del contexto y situarlo en otro para dale una utilización estética. La Ciudad de México es una excelente catalizadora de ideas y de múltiples expresiones artísticas que incluso difícilmente somos capaces de asimilar por la gran diversidad y velocidad a la que éstas se generan. Bajo este contexto han aparecido singulares triángulos coloridos sobre la carpeta asfáltica de 12 diferentes cruceros en la colonia Hipódromo Condesa y sus alrededores. Mientras un sábado por la mañana, doce grupos conformados con 500 voluntarios los trazan, la gente los observa anonadada preguntándose el significado de estos enigmáticos patrones. Al mismo tiempo, vecinos más intolerantes, impiden que se lleven a cabo dichos trabajos. Es parte de un proyecto de esta índole el provocar reacciones inesperadas en los observadores, sin embargo, este proyecto tiene además una finalidad social más interesante que busca generar conciencia en los automovilistas del uso que le damos a los arroyos vehiculares. Este ejercicio denominado por algunos como “Urbanismo táctico” fue el resultado de una estrategia planteada por la Universidad La Salle en colaboración con las consultoras en movili-

Trazos geométricos convierten el asfalto negro de las calles en coloridas instalaciones. dad CityEs y Camina, quienes cuidadosamente estudiaron los cruceros seleccionados e hicieron un nuevo proyecto de trazo geométrico para las aceras de dichos cruces, convirtiendo 4,500 m2 de asfalto negro en una colorida instalación que permite restringir el paso a los automotores. “Nuestra intención no solamente es dejar un cruce bonito, sino que hacemos mediciones; para esto necesitamos proteger a los peatones. Lo que hicimos fue hacer este primer macroproyecto”, comenta Yazmín Viramontes, directora y fundadora de Camina. Tres semanas más tarde, los grupos de voluntarios que realizaron dichas instalaciones, regresarán para verificar el impacto que tuvo dicha señalización y analizar cómo fue acogida por los peatones y por los vecinos.

@zamarripa.mx

Este movimiento, mezcla híbrida de arte efímero, urbanismo social inteligente, educación cívica vial y participación ciudadana, inició en octubre del año pasado como parte del Festival del Abierto Mexicano de Diseño en el cruce de la calle de Madero y Eje Central, ubicado frente a la Torre Latinoamericana. Aplaudo así, desde este foro, una propuesta artística, fresca, voluntaria, cívica, participativa, efímera y socialmente responsable, a través de la cual se hace conciencia de la importancia que debemos darle al Rey Peatón para lograr una mejor convivencia entre autos y personas de las ciudades del siglo xxi.

@HomeroHdez

COVER STORY P. 49 SPACES, NOT SHAPES “Architecture should fill the spirit with emotions yet not forget its function.” –Augusto Quijano Interview: Martha Lydia Anaya and Eduardo Ramírez, Mérida correspondents Portrait: Eduardo Ramírez Asking an architect to name his favorite project is a real predicament. Every drawing made on a sheet of paper or design using a computer program has its special story. “Projects are like our children, each one has its own traits and a part that makes it unique and our favorite. Personally, I especially like doing houses, because I see how they start taking shape as they are being built and adjusting to the tastes of the families and architectural proposals. When those homes are finally ‘lived in’, the concept is rounded out, and I realize that as part of that process, I also end up with a great friendship with my clients,” architect Augusto Quijano told the Glocal Design Magazine team when visiting him at his firm in the city of Mérida in the state of Yucatán. And interestingly, he listed it as one of the projects he most enjoyed doing. With a broad smile and impeccable hospitality, Quijano led us into his Architecture Workshop, a project he himself created in a home he has been going to for the past 26 years and that, despite the passage of time, continues to be one of his favorite spaces, because he keeps on discovering things about it. “I might be having a cup of coffee in the meeting room or sitting in one of the corners in the entryway, and I keep finding different details in this place that received the gold medal at the Biennial of Mexican Architecture in 1994. It is a pleasant spot to work in; plus and it has all the determinants of a comprehensive project. I was the user, the builder, the designer, the investor and the architect, all at the same time, and in the end it all added up to creating something that I was satisfied with,” Quijano says about a work that speaks for itself and about his restrained style of doing architecture with materials such as the light and wind, when nowadays so many discuss technology, the cutting edge and trends. “In this office,” he continues, “there are no lamps on all day. Such care is taken of the sun that it gives us

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Photo cour tesy of: Augusto Quijano firm

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everything we need, even natural lighting to draw by hand, not merely using the computer. We don’t use air conditioning either, since the space makes use of wind circulation, to keep it fresh and deal with Mérida’s hot weather. This helps save energy and leads to a series of elements that have now been termed sustainability but that we in the firm have been familiar with and applied for a very long time.” As he sees it, what is now called sustainability used to just be called architecture. “Sustainability is inherent to architecture. There’s really no reason to label it sustainable architecture or intelligent architecture, when practicing this discipline already encompasses the full-blown concept and involves universal values such as environmental care, composition, spatiality and materiality,” the architect explains, underscoring that architecture has the quality of expressing itself through the very values of its context, be they climatic, economic, social or technological. “We all love to see buildings constructed with infrastructure and high-tech materials, but the way architecture is produced should be otherwise, not always about creating spectacular forms but rather designing spaces with identity and meaning. Architecture should fulfill a function, but it should also satisfy the spirit. Were we to look back at history and the works of the great masters, we would realize that many of their buildings are intended and made for the place they are in, and that is where architecture starts to have universal value: when it is presented at a particular site based on the features of its context. Building a house is not the same in Yucatán as in Australia, and we must be very clear on that. Unfortunately, though, many get carried away with forms and leave the basic elements of doing good architecture aside.”

FROM THE ROOTS UP “I went through it, too. At some time during my architectural practice, I had a sort of rough patch. I think if I did a reading of the route that I’ve taken from the first house I built to what I have done up to now, I would find that at some point I was confronted by the famous idea of postmodernism and followed the temptation to work and make ‘strange things’. It was between the mid-80s and early 90’s, a time when a heavier sort of architecture was being done, applying materials that didn’t have much depth, that were perhaps more ‘makeup’ than actual proposals,” relates this architect and academic, who felt somewhat lost in those years. “Starting in 1988-89, I decided to go back and rely on the foundation of what I was taught at university. As luck would have it I got to meet Chilean architect Eduardo San Martín, and I showed him some plans of projects I had done. He looked at them and coldly and honestly said: ‘All of this that you have done is worthless. The first one you drew is your base (referring to the first house I had built for some friends of my father, when I finished my degree). If I were you, I would go back to the basics. Today, I remember that final phrase and am very grateful to him for what he told me. And that is when I went back to the idea of order, clear blueprints, analysis of a program that enabled me to essentially embrace and create a space. I focused on a series of things that, 10 years into my career, as I was at the time, I understood better. That was really good for me, and I can now say that 1989 is when I really took off.” Along the way, Quijano has found clients who have opened up their doors completely, providing all the facilities to do what he likes the most. His first client, as he himself said in the anecdote about San Martín, were family friends that asked him to build their house. “I took notes, researched and in the end was very lucky, because

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they let me explore. In those days, people were very open and not afraid to listen to suggestions by architects. For that first house I was conflicted between using the architecture of heavy walls that I had been taught at school as the best option or really click in the sense of designing a house for a place like Mérida. How could I put together what I liked about the architecture of Le Corbusier and Barragán and apply it in Yucatán? It wasn’t easy. That’s when I discovered that white provides shades to do many things and that light can enter and run through a space to bring it to life in different ways. To date, that house remains impeccable. It’s a very attractive home that hasn’t been modified at all –maybe just some of the furnishings inside–, and it’s over 40 years old.” That is how Quijano gradually acquired and matured the value of his thoughts about the architecture he was doing. He has also had the good fortune of meeting and collaborating with great architects from Yucatán. He relates that when he returned to Mérida after graduating from the Iberoamericana University in Mexico City (which was in the Campestre Churubusco neighborhood at the time), it coincided with the first class of architects graduating in Yucatán, and he became part of a group of 12-14 colleagues with whom he eventually worked on a number of projects that include spanning genres from commercial to private and corporate. Those were the early years of a professional, who at the age of 26 was already designing the Mayab University and while moving on has been a pioneer in the construction of the first tall buildings in the city of Mérida and homes with more open and transparent spaces. MÉRIDA, BEAUTY AND CULTURAL VALUE Would you leave Mérida?” we asked architect Quijano during the conversation, to which he responded without any hesitation, “I have never thought about changing my place of residence. Mérida is a fantastic city, evolving and very beautiful. Once, chatting with my younger brother Mario, who is a doctor in psychology, he told me that this is where zarzuela was introduced, which shows that this is a city that has always been connected to the world. In the late 19th century, when tall buildings were going up in Chicago, that type of architecture was also being built in Mérida, with several such projects downtown, not to mention Paseo Montejo, inaugurated in 1904 as one of the major avenues. Those are just a couple of references that bear witness to our connection to the world, though we are apparently beyond the national context, being located at the tip of the map of Mexico. I think Mérida is a city on a very good scale, very complete, which has many attractions and where I like to do architecture. Here is where I have learned that architecture is more from the inside outwards than from outside inwards. The idea is to enjoy spaces; it’s not the same thinking about a dining room as a place to eat or a bathroom as somewhere for

bathing. That perception deeply changes the idea of space that people have. In Yucatán, for instance, the design focus of spaces is based on the activities that will take place in them and then moves on to other events. That explains why terraces have turned into the main area of houses in Mérida; they inspire socializing and experiences like watching a sunset in a well oriented spot with spatial quality.” That is the kind of values that Quijano would like to spread over the map of Mexican architecture. “I think that together with the group of friends and colleagues I am part of we are spreading a type of architecture that is clear, concise and sincere with the place where it is. Not only is organization of spaces important but also considering the influence of intangible materials like light and wind. That is the kind of architecture being done in Yucatán for some years now, and it makes heads turn. Such ideas are even part of the training of upcoming generations and that I also try to share when I teach my classes. I would, in fact, love my students to surpass what we what we think.” ARCHITECTURE IN THE DIGITAL ERA Regarding his relationship to the new generations, Quijano shares that for some time he has been involved in teaching and splits his time between the everyday affairs he deals with in his office with his team and the job of going to the university and giving classes in the afternoon. “I have realized that currently a good deal of the life and experiences young people talk about is based more on image, on the external, on photographs posted on social media. Somehow that has also permeated architecture. Sometimes the projects that are the best known are the ones that are impressive in terms of their image and not so much because of an innovative proposal or the quality of the work and the materials. Today, many architects worry more about the presentation of their works than about quality. Therefore, in the classes I give, I reiterate a lot to my students that they not look only at the outside but also see the interior of their projects; that they know their buildings on the inside; that they know how people feel when they live and move about in those spaces and that they always look further into the history of the constructions and not just settle for knowing the facts about who made them and in what year. It’s not merely a question of walking along the street and ‘checking off’ the building that the teacher wanted them to study as part of their homework. The idea is to go into those places, to experience them and truly explore them inside. This is a practice that you learn over time. The important thing is that those of us who have traversed a good part of the road figure out how to spread and transmit it. That happened to me when –after many years– I finally understood what architect Francisco Serrano had meant and the concept of ‘creating shadows’ that he referred to while I was studying

at the university and was his student.” That is one of the anecdotes that Quijano tells the most, curiously enough. He was in the eighth semester, taking a workshop with the architect Francisco Serrano, who was also his teacher, and had the normal concerns of a student on the verge of graduating. He approached his teacher, saying, “I don’t know what I’m doing in Mexico City. I’m going back to Mérida, and what I’m really going to do there is design houses.” Serrano responded by asking him, “What is there in Mérida?” “A lot of sun,” Quijano replied. And his teacher boomed, “Well, make shadows!” “I didn’t understand the meaning of his comment until years later, when I grasped that architecture has to do with ideas that we are, effectively, taught theoretically in school, but what weighs more heavily are situations regarding how to feel or not feel heat, or if light enters one way and livens spaces up differently,” Quijano says. The architect reiterates that ‘doing good architecture’ is simple. It starts with the idea of considering a series of universal values like spatiality, composition, geometry, illumination, composition etc., that if that is done and the work is in a suitable context, the relationship ends up being right. “The work does not have to be huge, just grandiose; because no matter how small a project is, if it inspires a desire to enter, explore, see and scrutinize it on the inside… That is when that work is recorded in memory and becomes memorable. If you don’t take anything with you, it’s not good architecture,” emphasizes the maestro who is still excited by the works of Barragán and places like El Panteón and Piazza Venezia in Rome, the Guggenheim Museum in New York, the Maya city of Uxmal and the Plaza San Cristóbal in Chiapas, just to mention a few of the spaces he has seen on his trips and that have stirred indescribable emotions in him. At the moment, Quijano is just back from a tour he made with a group of colleagues and friends through several cities in Germany. Not only does he feel amazed at the human grandeur of creating, but he also says he is even more enthused and inspired to continue designing new projects, just as he would watch as a child when an engineer or contractor went to his house and spread out ‘big papers with drawings’ that he later found out were plans for building houses.

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INTERVIEWS P. 32 BETWEEN ART AND DESIGN “To me, design is not just what we do. Design is the company itself, our raison d’être.” ––Patrizia Moroso.

Founded in 1952, Moroso grew under the watchful eye of Agostino Moroso, the father of the company’s current art director, Patrizia Moroso, who responded to her family’s call and joined the Italian firm in the mid-1980s. “I think my beginning was unplanned, a question of fate. I had thought about working in the art world, having studied in that field. I was living in Bologna at the time, and I got a call out of the blue telling me that the family business was in trouble and asking me to help. “Of course!” I answered, though it took me a year or two to figure out what to do. I started by approaching some of my friends, the first being Massimo Iosa Ghini. We presented him “Dynamic”, a collection of 20 pieces that represented a new view of the world, something going beyond the object,” relates Patrizia, who worked to find the “weaknesses” of what was then a small company with high quality furniture but undergoing a publicity crisis. Before long, the research and communication work done by Patrizia Moroso paid off, and her first major collaborations came about: Ron Arad and Patricia Urquiola. Regarding her relationship with Ron Arad, Patrizia says: “I was a great admirer of his. I followed his work in London, and I loved what he did with the Vitra Museum, and then one day a mutual friend introduced us. Ron saw the collection that we did with Massimo Iosa Ghini and was impressed by its quality, so he decided he would come up with something for us.” Then there’s Patricia Urquiola’s first collaboration for Moroso, which goes back to 1998, when the designer visited the company factory in Udine, where she presented a small prototype that turned the Italian firm into the first manufacturer to produce the designer’s work. Patrizia recounts: “I met Patricia through a friend we had in common, who told me: ‘She’s Spanish, lives in Italy and works with Studio, but she wants to do something on her own. She’s very talented but hasn’t found what she wants to do. Would you like to meet her? When she arrived, she showed me the prototype of a sofa done with such detail and love that I immediately understood the great talent she had and that I had never seen before.” The following years at Moroso involved constant changes and evolution. Creative contributions came from everywhere, and names like Ross Lovegrove,

Photo cour tesy Poggi Ugo

Interview Greta Arcila, Milan correspondent

Konstantin Grcic, Alfredo Häberli, Marcel Wanders, Tokujin Yoshioka, Enrico Franzolini, Doshi & Levien, Tord Boontje, Nendo and Front created iconic designs with that unmistakable company style. “For me, every design is a treasure. Each designer shares a little of his or her culture and experience with me, which, in turn, enriches the experience of the company. It is important to have lots of ‘languages’ with which to work and for them to vary greatly. I want to show that being different is an advantage, not a problem. It’s good to live in a diverse world, so we have to get ready for that and not for a single language,” Patrizia adds. Defining the Moroso style is no easy task. A versatile market outlook, technological innovation, artisanal skill and passion for experimentation with new materials mean being in constant flux. “When an object takes shape and is created, volumes and surfaces are combined, as happens in architecture but on a different scale. Every object -as if it were a building- has an interesting and well-made interior, but the exterior acts as a communication membrane with the world, the first approximation to an object. The surface is very important.” Color is one of the most outstanding elements in the firm’s designs; each piece develops its own personality through its tones, as with the materials: “I love colors. Some objects are expressed through them. Every person has an individual expression of color that speaks for itself,” Patrizia Moroso wraps up. As every year, she visits the halls of the SaloneSatellite in search of inspiration and, perhaps, too, the future designer for whom Moroso will be a career springboard, as it has been for so many of today’s world-renowned designers.

P.36 TROPICAL NOSTALGIA “Emotional design movements inspire us. Land is a journey through several cities and periods.” –Masquespacio. Interview Greta Arcila, Milan correspondent Twelve years ago, Ana Milena Hernández Palacios and Christophe Penasse met in Valencia, Spain. Two years later, in 2010, they decided to found Masquespacio, a creative firm focused on interior and product design with an emotional and experiential bent. This year, due to the centennial of the company Poggi Ugo and commissioned by Valentina Guidi Ottobri, Ana and Chris have designed Land, a collection that celebrates the knowledge and skill of artisans who work with terracotta in Impruneta. The town located in the province of Florence in Italy’s Tuscany region, is where Poggi Ugo continues to use traditional techniques to produce terracotta pieces. On the origin of Land, Chris shares: “It all began with Valentina Guidi, who followed our work and chose us to do this project,” to which Ana adds: “Poggi Ugo is a company directed by the family’s third generation working with terracotta. The best part of the whole project was having gone and getting to observe how the material is handled, see the hundred-year-old factory, meet the workers and observe their processes. There, we learned the value of time, because we go very fast at times. The market demands constantly faster speeds, but at Poggi Ugo we stopped to watch and learn about the problems faced with terracotta, since it involves manual labor, beginning with its extraction from the lands, which are in the region, its transformation and finally baking it. It

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is highly complex artisanal work.” After just three months of production work, Land was presented in the Strategic Footprints section of Fuori Salone. The collection of 17 new pieces grew out of the intention of adding a contemporary touch to the millenary material. The pieces are inspired by the idea of travel as revelation, and it explores the emotional movements of design. Ana explains in more detail: “The vases are inspired by some Art Decó buildings in Brussels, from which we borrowed from the awnings. We didn’t want it to only be about a time or a country, because every movement is reinterpreted in different ways. For instance, in the Caribbean, Art Decó in Miami or in Cuba, we saw how palm trees project their shadows onto buildings, leading to the folding screen. There is also a panel with geometric figures to honor Ettore Sottsass, which takes us to the 1980s in Italy. The stools are inspired by French Art Nouveau. In other words, we skipped the wars and rational design movements, chose three emotional movements, interpreted them and took them into the future.” As for Penasse, he also discussed the use of color. “Naturally, the firm needed us to use terracotta as the central material, but we proposed adding color to some pieces to create contrast, but always with materials close to nature. So, there is glass on the masks and a material made of granite, marble and cement created for the project.” Land is a tribute to the emotional style of different cities but also a tribute to terracotta, which welcomes other materials, too. Of course its beauty and unique qualities make the material stand out, and behind the forms is a singular technique.

P. 38 VOLENTIERI, THE WEALTH OF MATERIALS “The material nourishes my ideas, so it’s important they be quality raw materials with long-lasting natural features.” –Inga Sempé Interview Greta Arcila, Milan correspondent The work of Inga Sempé is vast. Her design career has led her to collaborate with such brands as Alessi, Cappellini and Baccarat, a logical creative path if you consider that Sempé was born into a family of artists; her mother, Mette Ivers, is a well-known graphic artist and painter and her father, Jean-Jacques Sempé, a famous cartoonist. For this year’s Salone del Mobile Milano 2019, Inga Sempé presented Volentieri a carpet collection designed

for the Italian firm Magis after a visit with Magis founder Eugenio Perazza to a barrio near Venice, where a small family business has developed a technique for producing plush carpets industrially. “Eugenio asked me to try and find a way to design rugs so they could be custom-made in any size, which is why the collection is called Volentieri, which means ‘with pleasure’ or ‘as you like’ in Italian,” the designer explains. Faithful to her style, the designs are plain and neutral, slightly interspersed with fine lively, shiny lines. “I really wanted to use the best fibers and combine them to achieve a contrast. I was also working with different weaves, there are some loops and velvet, so a little contrast is created between the linen and viscose (or rayon): linen is matte and viscose very shiny, so I have used large panels of both fabrics divided by very shiny lines and strong colors,” the designer adds. The Volentieri collection has two models where overlapping panels allow their base fabrics to contrast while also complementing each other harmoniously. The first model, Cornice looks like two overlapping carpets: a pair of squares of opaque and curly linen outlined by velvet trim with shiny viscose. As for Finestra, it is composed of three thick, soft viscose velvet rectangles separated by fine lines of linen and viscose woven in loops. With respect to the materials, Inga says: “The material nourishes my ideas, so it’s important they be quality raw materials with long-lasting natural features. I feel very close to fabric, because it was the only material I could work with when I was a child.” Beyond the professional aspect, she has found collaborating with Magis to be enriching in the human sense. “Working with Magis means working with a team that is really interested in helping you create the project and that follows its evolution from beginning to end. Working with Eugenio Perazza is delightful. He is a man with great patience and love for the company he’s created,” a passion and technique, clearly reflected in every one of the pieces in the collection.

P. 40 LUNAR GEOMETRIES Made by Choice, Formica Group and Matthew Day Jackson presented a table and chair collection inspired by the first lunar landing, which happened 50 years ago. Interview Sandra Montiel, Milan correspondent In Finland, there is a city by the name of Kolho a few kilometers from Mäntttä, the city where Matthew Day

Jackson, an artist established in Brooklyn, NY, was preparing an exhibition of his work for the Serlachius museums. While there, Jackson discovered that Formica Group has a factory in Kolho and almost immediately wanted to see it, because laminate sheet material is especially important to him. He not only remembers it from childhood, but it has been a central material in his artistic practice. Fortuitous circumstances led Jackson on a tour of the factory, after which the collaboration between Formica Group and Jackson seemed logical. Together, they developed metal plates to create texturized laminates representing the lunar surface, derived from images taken by the NASA Lunar Reconnaissance Orbiter in 2009. Also in Finland, Jackson met Niclas Ahlström, one of the founders of Made by Choice, a Finnish company specialized in developing and producing wooden objects with a long Nordic tradition. Ahlström proposed doing a furniture project together. In Milan, Made by Choice, Formica Group and Jackson presented a furniture collection named Kolho, in honor of the Finnish city that inspired Jackson. Consisting of a series of dining room tables and chairs, the collection was shown within design week, and the pieces shared the space with some of the artist’s floral paintings. Jackson’s interest in the moon landing is extremely present in his artwork and of course in Kolho. In an interview, Jackson told us: “I wanted to take the far side of the moon and imprint it on Formica® laminates, because they are durable surfaces and coincide with the need we have to acquire unattainable things, in this case the lunar surface. Of course it wasn’t easy to convince them of this collaboration, but I was fortunate to meet Phil Wise and he hooked me up with the Formica Group design team, which led to proofs being printed, very graphic and lovely, but I knew that I wanted it to be more like a map. That’s how we got the texturized finish.” Clearly Kolho is an extract of the ideas that Matthew is passionate about, and precisely that passion, which he passed on to Made by Choice and Formica Group, led him to develop the collection. The pieces incorporate different geometries that represent order and chaos. On the one hand, there’s the curvy wood of the chair bodies, while on the other, the seat joining the back offers a smooth line. The collection targets domestic spaces and expresses concerns of the artist. “Although they are formally totally conservative, the pieces take off from how we explore not only the Earth but its orbit, artificial satellites, the moon and now beyond our solar system, because space is also part of our natural environment; it just loses the value of time a little, because what do we get from this? How can we have it? Which makes me think about the notion of private property. We got to the moon, and the technology

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used to get there is all that belongs to us. And now that technology is used for purposes of war. Making a domestic object brings that technology to homes, to us and helps us prove our own existence.”

P. 42 REASSESS THE PROCESSES The artisan world has a wonderful temporal density as it creates a sort of mantra through repeated actions that could be interpreted as heavily spiritual relaxation and humanization techniques. –Patricia Urquiola Interview Greta Arcila, Milan correspondent One of the projects that Patricia Urquiola liked best and was most amazed by during the last design week in Milan was the thematic exhibition Broken Nature, organized by Paola Antonelli. “It is a wonderful show that deals with the role of design in human survival, an installation that brings us down to earth about a topic that everyone, not only creatives, must pay attention to, as it explores the threads connecting humans with the natural and social ecosystems that we ourselves have put in danger over these years,” explains the designer, clearly moved. She thinks humanity has to accept its mistake in ignoring how we relate to environments. “I think,” Urquiola says, “that we must get serious in several directions, to change and improve many of the processes that we have been using to build and transform settings and objects, understanding that to consume more intelligently, we must also think about the air and the depletion of other natural resources that are vital to human survival.” Broken Nature, which was part of the 22nd Triennale di Milano, pertinently exhibited an extensive network of architecture and design projects that underscored the concept of planet restoration design, an idea that shook Urquiola’s human side, also revealing her concern for the future of our planet and our species. To her, the sensitivity of the projects displayed in this exhibition enables us to continue believing in the power of design to grasp the complexity of humans and how to adapt their behaviors to come up with new proposals. “This is the time for a major paradigm change, which gives us lots to do. We can’t leave this terribly deteriorated planet to our children and grandchildren, especially now that the consequences are becoming more and more disastrous. It is vital that we have a real social conscience,” remarks a totem of Spanish design for whom it would be easier to mention the projects she wasn’t involved in rather than those she was during the Milan design week: Ágape,

Andreu World, Bottega Ghianda, Cassina, CC-tapis, Co-Edition, Editions, Flos, Gan, Glas Italia, Janus et Cie, Kettal, Laufen and Moroso; as well as her collaborations on installations and stands such as Cassina, Kettal, Moroso, Santoni, Rossana Orlandi and Nilufar Depot. And if that weren’t enough, Urquiola also made time to participate in two talks: Casa Loewe Conversations with Anatxu Zabalbeascoa and the F-Design Week Talk on Contaminazioni creative, l’abitare del Futuro with Angela Missoni. Among the projects the designer presented in the Salone, Nuances is a collection of carpets and puffs she developed in collaboration with GAN, the Gandia Blasco group’s indoor brand. The pieces are handcrafted in India with sustainable felt–a natural, warm and pliable material, but innovatively handled by Urquiola, who also boldly plays with shapes, densities and colors to give them a nearly stone-like look. Of her experience working closely with artisans, Patricia shares that, “People who work with their hands have a deep karma for being able to translate, express and use their body to communicate their intelligence, ability and way of thinking. Watching artisans work is impressive. They are artists who create a sort of continuity and fluidity that encompasses the mind as well. The artisan world has a wonderful temporal density as it creates a sort of mantra through repeated actions that could be interpreted as heavily spiritual relaxation and humanization techniques. I think if people in general worried more about being trained and carrying out manual tasks, we would each find talents we’d never imagined. Even the new digital generations would discover new makers, capable of reassessing the way processes are done,” concludes the designer who can always come up with a different argument to get us to react.

P. 46 THE LANGUAGE OF MATERIALS SPEAKS “We wanted to do a continuation of WireRing, following its simple spirit but taking it to new dimensions and materials”. –Formafantasma. Interview Itayedzin Aragón, Milan correspondent Once again, the firm Flos asked fellow Italians Simone Farresin and Andrea Trimarchi to develop the project that was presented during the last edition of Salone del Mobile Milano. Formafantasma’s proposal is WireLine, an unusual light that uses electric wire as a central element and adds a secondary personality to the light source. Andrea

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comments: “At first, when we thought about the lamp, we also thought about wire, which is often considered something to conceal. In fact, if you look at photographs of lamps in a magazine, you’ll see that the wires are digitally removed. This was our takeoff point. How could we convert the wiring at the core of the piece? A little like what happened with WireRing, which is a response to Parentesi, designed by Achille Castiglioni & Pio Manzù in 1971 and one of the most surprising objects at Flos.” WireLine is a hanging light, in which a flat rubber band acts as electric wiring and holds up a grooved glass extrusion containing an LED light source. It can be installed individually, or more elaborate compositions can be created with several pieces. The packaging was even considered, as it consists of a flat box inside of which the lamp is reduced to the minimum: a long rubber strip rolled up and a clear elongated piece. “One peculiarity is its size. A few weeks back we were shown proof shots, but you don’t really notice its scale. Only when it is installed do you see its true dimension and also its materiality, because you might think the band is leather or some other material, but no, it is very simple,” Trimarchi says. It is clearly a second exercise in reduction for Formafantasma, where an object with the same typology and the same conceptual core is terribly different from its predecessor. Formafantasma has developed a design practice known for researching and experimenting with materials. Beyond generating concepts through form, they have explored the relationship between tradition and local culture. Based on that, we asked Andrea to offer a guide for people starting out on their design career. “Especially at the beginning, learn to say no, choose the collaborations you take part in carefully, as they will bear fruit over time. As designers, we must also be radical. We are living in a time when we need to be radical with our actions, to do less as well as possible and be conscious of the materials we use, the techniques we work with, the companies with which we establish relations and constantly question our role as designers.” Although Simone and Andrea are Italian, their studio is in Amsterdam, the Netherlands, since, as Andrea says, that country embraces design, and many designers their age work there, due to the facilities offered to young studios that want to develop. While at first they set their studio up in Eindhoven, the city where they did their master’s degrees, they don’t dismiss the idea of moving their studio to Milan.

COLECCIÓN GLOCAL

Piezas en mármol Fatrolls, Ondamarmo y Affinità Elettive | Bloc Studios | Italia

Con una visión innovadora que replantea el diseño funcional más allá de las aplicaciones industriales del mármol, Bloc Studios –fundado por Sara Ferron Cima y Massimo Ciuffi en 2014– transforma el mármol en objetos de uso cotidiano sin perder o modificar sus cualidades inherentes. Para la edición 2019 del Salone del Mobile Milano, invitaron a los estudios de diseño Odd Matter, Federica Elmo y Studiopepe a crear tres colecciones de objetos de mármol, las cuales nos llevan por un viaje a través de formas escultóricas, tonalidades y dinámicas de afinidades electivas. Fatrolls toma su inspiración en la similitud visual del mármol con la piel humana. A través de técnicas innovadoras de manufactura, Odd Matter crea una serie de

objetos que invitan a ser tocados. Ondamarmo surge como una evolución de la colección Onda de 2017 de Federica Elmo. Inspirada en el agua y en la vida marina, da la idea de una plasticidad líquida en el mármol; además, con una técnica de transferencia de imágenes y color, se genera una nueva superficie que se difumina entre la realidad y la ficción. Affinità Elettive de Studiopepe nace de la cualidad química “afinidad electiva”, característica de ciertos elementos de crear nuevas conexiones a pesar de estar conectados con otros. La colección incluye vasijas-esculturas, tazones y charolas en distintos tipos de mármol que pueden “conectarse” creando configuraciones interesantes. –SR www.bloc-studios.com

Fotos cor tesíai Bloc Studios

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Interceramic Tel. 01800 - 725 1010 Zenth Tel. (55) 1209 1969

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