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FOTO: Sergio Parra. De izq. a der.: Luis Merlo, Belén López, Gonzalo de Castro y Enma Suárez con el director Miguel del Arco. Un gran reparto y director para el estreno de Deseo. Pág. 28
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palabra de Álvaro Vicente
fotosíntesis Pablo Messiez
noticias
en portada Juan Diego
reportajes Maridos y mujeres El lindo Don Diego
reportaje Estrenos 2013
entrevista Amparo Larrañaga
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teatromatón
34 36 46 48 50 56 59
Fernanda Orazi
madrid off cómicos x madrid menudo teatro
danza lírica música formación
dirección y edición GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 redacción redaccion@revistagodot.com, Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, Rubén González dirección comercial Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com maquetación y diseño David Hinarejos fotografía Karlos Sanz colaboraciones Rafa Romero de Ávila, Noelia Martín imprime Exce Consulting Group La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Enero 13
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Palabra de...
Álvaro Vicente
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22.12.12 Escribo estas líneas el 22 del 12 del 12, o sea, un día después del fin del mundo. El panorama es desolador. Un espectáculo espeluznante. El tsunami neoliberal ha arrasado con todo. Se ha acabado el mundo Se ha acabado el periodismo Se ha acabado la literatura Se ha acabado la seguridad social Se ha acabado la dignidad laboral Se ha acabado la sanidad pública Se ha acabado el cine español Se ha acabado la confianza Se ha acabado la naturaleza Se ha acabado el amor con sexo, el sexo con amor, el amor con amor Se ha acabado la investigación científica Se ha acabado el dinero Se ha acabado el crédito Se ha acabado el valor humano Se han acabado los peces en el mar Se ha acabado la ética en los supermercados Se ha acabado la libre decisión sobre el cuerpo Se ha acabado el deporte
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Se ha acabado la utopía Se ha acabado la educación Se ha acabado la crítica Se ha acabado la vivienda digna Se han acabado las pensiones Se ha acabado el buen humor Se ha acabado la política Se ha acabado el derecho (aunque no la derecha) Se ha acabado la honestidad Se han acabado los bosques Se ha acabado la gramática… y no digamos la ortografía Se ha acabado la esperanza, pero está Ignacio Se ha acabado el teatro ESTRAGÓN. Hermoso lugar… Delicioso panorama… Vámonos VLADIMIR. No podemos. ESTRAGÓN. ¿Por qué? VLADIMIR. Esperamos a Godot Hay todo un mundo que soñar Feliz Mundo Nuevo
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YERMA
Centro Dramático Nacional
de Federico García Lorca
Dirección: Ernesto Caballero
Dirección Miguel Narros
Teatro María Guerrero Del 11 de enero al 17 de febrero de 2013
Reparto
(por orden alfabético)
Marcial Álvarez María Álvarez Rocío Calvo Asunción Díaz Alcuaz Antonio Escribano Emilio Gómez Iván Hermes Eva Marciel Silvia Marsó Mona Martínez Paloma Montero Soleá Morente Roser Pujol Teresa Quintero
Coproducción
LA RENDICIÓN
Teatro María Guerrero Sala de la Princesa Del 18 de enero al 17 de febrero de 2013
http://cdn.mcu.es Venta telefónica 902 22 49 49 www.entradasinaem.es
HILVANANDO CIELOS
Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva Del 23 de enero al 24 de febrero de 2013
Texto y dirección Paco Zarzoso
de Toni Bentley Dirección Sigfrid Monleón Interpretación y adaptación Isabelle Stoffel
Reparto
(por orden alfabético)
Ruth Atienza Luis Campos Lola López Carles Sanjaime Mireia Sobrevela
CICLO DE LA NOVELA AL TEATRO
Espectáculo recomendado para adultos Producción
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Coproducción
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la fotosĂntesis de Pablo Messiez
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Visto en MĂŠxico (cuna del melodrama)
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palabras funambulistas 7
Azúcar
en las
manos sal ojos y
falá as de Bu María Riv
para los
Existe una foto muy conocida de Man Ray titulada Las manos de Antonin Artaud que retrata en blanco y negro dos manos encima de una mesita oscura, colocadas minuciosamente, sombra a sombra, haciendo reposar cada dedo en tensión sobre un terrón de azúcar, como si hubiera algún tipo de piano incrustado divididamente en la negrura. Artaud; promotor simbólico del surrealismo de la mano de Bretón, se devanó los sesos y el corazón tratando de hacer converger ideas y realidad en una forma absoluta de teatro que llamó ‘de la crueldad’ e hizo crujir con él no sólo su propia vida, sino la de todo aquel que se dejara seducir por las sacudidas del sueño de convertir el teatro en último y primer recurso para jugar a construir una ficción más intensa aún que la vida. Como una forma de rebeldía contra la insensibilización, contra la interpretación lánguida y desposeída de implicaciones emocionales. Como una insubordinación dolorosamente activa depredadora de esa conformidad que nos lleva a estar en paz con todo aquello que podemos dominar y todo aquello que nos domina. Vuelvo a esos dedos bien retorcidos por dentro, bien vueltos del revés en un idioma invisible para un mundo en el que no encuentran lugar ni cabida, aparentemente en calma sobre el azúcar, tocando en escala de grises un puñado de terrones dulces con el contraste premeditadamente ácido de la amargura, y pese a no ser más que una imagen, y pese a no pasar de alegoría absurda de instrumento musical simplificado hasta la mueca que recorta su silueta en el vacío: la fotografía es de todo menos muda, y no habrían dado con otras manos más apropiadas, más irónicamente precisas, para desfigurarla, como una parte integrante y fundamental de su sentido, de su fin y de la
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huella que ha de golpear con sonoridad explícita a aquel que la contempla. Pienso mucho en esa foto. Salir a la calle hoy día, asomarse al mundo sin otro kit de supervivencia que una conciencia en fase REM, exige un ejercicio no menos surrealista ni menos efectivo de auto-disposición para el engaño. El baile de cifras y declaraciones, de medidas y contramedidas, la amputación sistemática de los recursos destinados a salvaguardar las necesidades vitales y de desarrollo más elementales para cualquier ser humano (que algunos definirían como infrahumanos tratando de vivir por encima de sus posibilidades), y el esfuerzo continuo por reclamar un cambio en los intereses que marcan las directrices políticas de los gobiernos de buena parte de occidente en estos momentos y, más concreta y deplorablemente, del país en que vivimos: debería hacernos sentir mucho más incómodos y violentos que cualquier clase de representación, de escenografía, de teatro... Pero el teatro no educa del mismo modo, no domina. Abre en todo momento la puerta a rebelarse contra todo lo que estás viendo y viviendo. Te permite escoger entre el piano y el azúcar. Y cada día se me hace más necesario que algo y alguien nos recuerde que esa opción existe (aunque sea a golpes; metafóricos y no tan metafóricos; accésit aquí para los antidisturbios), que está en nuestra mano recurrir a una realidad distinta no como una forma de huir, sino de afrontar mucho más directamente y mejor preparados la impuesta. No puedo eludir mi admiración por Artaud ni evitar reconducirla hacia todos los que habéis colaborado en que otros tantos podamos seguir disfrutando de esa posibilidad, más allá del aprecio, hasta el punto de haber aprendido a defenderla. No nos vamos a aburrir en mucho tiempo, pero gracias.
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Noticias
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Este enero el misterio regresa de la mano de La Ratonera de Agatha Christie en el Teatro Amaya El regreso a las carteleras madrileñas, una vez más, de la obra de teatro más representada tras sus casi 60 años en las carteleras de medio mundo. Esta vez el Teatro Amaya es el lugar elegido para transportarnos a esa gélida noche de invierno de los años cincuenta donde unos inquietantes visitantes se reunen para pasar un fin de semana. Como no podía ser de otra forma en una historia de Agatha Christie uno de ellos morirá asesinado y provocará la llegada de un inspector de policía que, con sus interrogatorios, hace que la casa (incomunicada debido a la nieve) se convierta en una ratonera. El misterio está servido, pero, ¿quién es el asesino? Todo envuelto de este especial humor inglés que siempre ha distinguido a una de las autoras más leídas y representadas. El elenco que podremos disfrutar en esta ocasión, sólo durante ocho semanas, viene con nombres como Ana Turpin, Fael García, José Troncoso, Aroa Gimeno o Guillermo Muñoz, entre otros.
El Teatro Sanpol y Aldeas Infantiles SOS de España reparten becas Aldeas Infantiles SOS de España confirma que 40 niños madrileños de familias vulnerables obtendrán una beca comedor para el mes de enero, gracias a la recaudación de su primera gala benéfica en colaboración con el Teatro Sanpol, celebrada el sábado 15 de diciembre. “Ahora esos niños podrán acudir a los comedores del colegio como los demás”, señaló Pedro Puig, presidente de la ONG. A través del programa de becas comedor de Aldeas Infantiles muchos hijos de familias vulnerables afectadas por la crisis económica “volverán a quedarse a comer en sus respectivos colegios y mantendrán una vida normalizada”. Cerca de 300 personas asistieron a un pase especial del montaje Cuento de Navidad, uno de los estrenos más esperados de la temporada del madrileño Teatro Sanpol, inspirado en la novela corta A Christmas Carol del británico Charles Dickens. Estará en cartel hasta el 5 de enero. Felicitamos desde aquí al Teatro Sanpol por esta magnífica iniciativa en la que ha participado.
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Tribueñe Premio Ojo Crítico El pasado 26 de noviembre se falló el Premio Ojo Crítico de Teatro 2012 a favor del Teatro Tribueñe fundado en 2003 en Madrid y que actualmente representa la obra Por los ojos de Raquel Meller por “su compromiso con un modo especial de concebir y materializar el hecho teatral, al tiempo que investiga nuevos lenguajes escénicos, alternando textos ya consagrados con los de autores por descubrir”. Este es el tercer Premio Ojo Crítico que se ha dado a conocer en la edición 2012, tras el de Música Clásica a Fernando Velázquez y el de Cine a Aida Folch.
La CND se pone las zapatillas de punta La Compañía Nacional de Danza, dirigida por José Carlos Martínez, empieza a marcar un nuevo rumbo, que se adentra hacia los terrenos de la danza clásica sin perder el repertorio contemporáneo que ha hecho de esta compañía una de las más prestigiosas del mundo. La CND crea un nuevo proyecto que denominará CND Clásica (toda una declaración de intenciones) y que tendrá su puesta de largo oficial nada menos que en el Teatro Real de Madrid. En palabras del propio Martínez “La CND sigue avanzando hacia un modelo más abierto, versátil y cercano al público, que combina la elegancia y la modernidad, la vanguardia y el clasicismo, manteniendo en todo momento su compromiso con la excelencia y la calidad artísticas”.
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Españoles en París. Poco se habla del teatro que exportamos, que lo hacemos, y parecen olvidados ya los éxitos gloriosos de Javier Tomeo en el Odeón de Paris. Tan mala memoria tenemos que ni siquiera nos preguntamos dónde anda el autor maño que tantos aplausos ha recibido por sus textos y que tan bien ha roncado en sus propios montajes. De hecho, me consta que en uno de sus estrenos le mandaron a dormir al parnasillo conocedores del ruido que hacía en el patio de butacas y que cuando se despertó, desorientado, abrió la primera puerta que encontró…¡para encontrarse de lleno en medio del escenario mientras los actores seguían con la función!. Educado como es, pidió perdón y salió por donde había entrado, para sorpresa de los intérpretes, que fueron los únicos que parecieron ser conscientes de la situación. El público, entregado a lo que estaban viendo, dio por hecho que aquello había sido un guiño del autor y aplaudieron el ‘cameo’. El teatro, como la vida, es lo que tiene. Digo esto porque pronto tendremos a dos actores españoles trabajando en Paris. Por un lado a Roberto Mori con el montaje que Lepage puso en pie aquí en el Price y que podríamos resumir bajo el título de Cartes. Algo verde, pero muy Lepage. Así que, al menos a mí, me resultó tan interesante como inacabado. Ya se anunció que aquello era un proyecto a lo grande y continúa su gira como tenía previsto: el 19 de marzo, a la France. El otro, actorazo también donde los haya, e imparable – este año le he visto al menos en tres producciones y me sigue pareciendo un animal de escena- es Pedro Casablanc. Llega a la capital gala con Le prix Martin de Eugène Labiche bajo la dirección de Peter Stein el 21 de marzo. Ambos montajes y, por ende, ambos actores, coincidirán en el Théâtre National L’Odéon. A ver si sabemos presumir de intérpretes. También debería llegar a Argentina la producción de Cristina Rota, Un trozo invisible de este mundo que ha puesto en pie día tras día al público madrileño en su estreno en el Matadero y que ha valido para disfrutar de un Juan Diego Botto en estado de gracia y para empezar a reconocer que Peris-Mencheta lleva teatro en la cabeza. Ahora, la matriarca va a dirigir a María Botto, en Rudolf, otro de esos textos que meten el dedo en la llaga. El teatro siempre ha sido maravillosamente válido para agitar conciencias y, afortunadamente, los tiempos que corren nos están permitiendo confirmar este dato. Chiuti
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“No concibo la vida sin mi oficio, sin el teatro, sin las palabras”
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ESTRENO
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ENE. Teatro Bellas Artes Hasta el 3 de febrero
Recién cumplidos los 70 años, el grandísimo actor sevillano se sube solo al escenario para hacer carne la escritura de Juan José Millás en el monólogo La lengua madre, un recorrido desde la inocencia y el humor para quitarle velos al lenguaje que muchos quieren infrautilizar con fines poco lustrosos.
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Murcia, Toledo, Sevilla o Alicante son algunas ciudades que ya han podido disfrutar de La lengua madre. Tras un proceso creativo tan largo y minucioso como este, en el que se han invertido 2 años (con intermitencias), ¿qué tal las primeras reacciones del público? Desde una primera función previa que hicimos en Villalba a finales de verano, ya vimos cómo ríe la gente, cómo disfrutan. Es sorprendente. Y a medida que la función ha ido creciendo, que está más hecha, ya sé cómo es ese coprotagonista que es el público. Ahí se produce esa interacción, que cada vez es más certera por mi parte. Lo que está claro es que este espectáculo está demandando un público sensible. Al estar solo en el escenario, ¿necesitas un público cómplice o se requiere que en algún momento sea tu antagonista? Nunca es antagonista. Es coprotagonista como te digo. En todo caso es antagonista quizás cuando se salen del guión, pero es que no se salen nunca del guión. Es quizás en los silencios donde se sienten ellos antagonistas, porque ese silencio no les cuesta, pero les funde un poco; no esperan que este personaje que acaba de soltarles una gansada estupenda y graciosísima, a la siguiente frase los deje helados. Y ese silencio helado que se produce a veces, creo yo que les hará sentirse tan mal como el propio protagonista. Eso sí, inmediatamente, en el minuto siguiente, la cosa va ya por otros derroteros. Me gusta mucho, es como una montaña rusa de sensaciones, un carrusel de risas y silencios... lo paso muy bien, como un enano no crecido. El texto nace de una conferencia de J. J. Millás, cómica a su pesar, ¿no? ¿Cómo fue llevarla al teatro? Me llegó como llegan las cosas, a través del aire. Alguien me pasó la conferencia, me dijo que era muy divertida, que el propio Millás pensaba que quizás ahí había un texto teatral. Y sí, la verdad es que había ahí un personaje que era el escritor pero que podía convertirse en otro personaje, alguien al que le quepan más cosas. Eso requería mucho
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“Un proceso largo y muy agradable del que ha resultado un hermoso artefacto teatral”
trabajo de mesa, introducir al director y empezar a colaborar los tres. Así lo hicimos, pero sin prisas, despacito. Han sido dos años de quedar, de rumiar, pero nunca ha sido ‘fulltime’, sino una cosa más bien masticada, y digo masticada porque quedábamos en casa y nos tomábamos un cous-cous mientras trabajábamos, luego el café... un trabajo muy agradable del que ha resultado un hermoso artefacto teatral. ¿Os conociáis Millás y tú ya de antes? Sí, nos conocemos hace mucho tiempo y soy lector de su obra, pero nunca habíamos intimado como ahora. ¿Y cómo es para un lector de Millás trabajar un texto suyo con tanta profundidad, teniendo al autor al lado?. He comprobado que la humildad de Juan como autor es estupenda, porque es como mi misma humildad o la de Emilio (Hernández, el director), que se basa en la búsqueda del conocimiento, en este caso del conocimiento teatral. Compartimos un bonito viaje hacia el personaje, hasta ver cómo pasaba del papel al cuerpo, de la literatura al escenario.
“Un pequeño dios que pensaba que los sillos tenían tanto derecho a existir como las sillas”
¿Qué personaje ha resultado ser, quién es este hombre? Yo le busqué una intrahistoria. No tenía nombre, así que este fulano yo pienso que es un profesor de instituto, de fuera de Madrid, muy al día, muy interrelacionado con la búsqueda de la palabra, de la gramática, del lenguaje. Su padre era un hombre que adoraba la gramática y él ya de pequeño aprendió a leer en orden alfabético. Eso determina una personalidad, a la hora de nombrar las cosas, es como un pequeño dios que ponía nombres a las cosas y los cambiaba y ante los demás él creía que los sillos tenían tanto derecho a existir como las sillas, igual que las garbanzas o los aspirinos. A partir de ahí, esta parte de su infancia es muy sobrecogedora por el humor que tiene, la mirada espantada del personaje, y a medida que va creciendo vemos como la realidad se va imponiendo, aunque no deja de viajar en el tiempo, volver a
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Juan José Millás, escritor de ingenio apabullante, autor de novelas como El desorden de tu nombre, La soledad era esto o El mundo, imaginó que una conferencia podía ser teatro cuando vio el entusiasmo que provocaba en los oyentes. Ese es el origen de La lengua madre. “En gran medida, estamos hechos, o deshechos, de palabras”, dice Millás. “De la extrañeza frente al lenguaje nació este monólogo que trata de eso, de lo raro que es hablar y ser hablado”. Emilio Hernández se ha encargado de dirigir a Juan Diego, de acompañarlo en el viaje hacia el personaje, hacia esa persona común, anónima, “un personaje entrañable, tierno”, como indica Hernández, “que nos hace sonreír y llorar, que nos gustaría llevar a casa para que, como ángel de la guarda, nos prevenga, desde su humildad y su verdad, de los peligros que nos acechan”.
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La Lengua Madre
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la infancia, presentarnos a su padre o a sus hermanos, corporeizándolos con las palabras. Y para el público es muy divertido seguir la historia, se les ve la maquinaria de la imaginación a todo gas. Finalmente, cuando crece y ya es un adulto, descubre la perversión del lenguaje, la manipulación de las palabras, en una confrontación con la realidad que vivimos ahora mismo. Hace poco hubo otro montaje en Madrid, en La Abadía, que también hablaba de las palabras y del lenguaje y de cómo se instrumentaliza con intereses no siempre virtuosos. Se trata de El diccionario, obra de Manuel Calzada sobre María Moliner, dirigida por José Carlos Plaza. ¿Es casualidad o hay una preocupación en el ambiente sobre la utilización del lenguaje? Curiosamente nosotros empezamos con una introducción de María Moliner sobre la gramática. Y efectivamente, sí hay una preocupación porque nos estamos quedando sordos y ciegos y casi analfabetos de pronto, porque esta gente que nos gobierna habla un lenguaje que cada vez entendemos menos, sobre todo a la hora de referirse a las cosas esenciales, como es el pan, el agua o la merluza. Se están cargando hasta el amor, porque si acaban con la cultura acabarán también con el amor.
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“Si acaban con la cultura, acabarán también con el amor”
¿Puede decirse que el lenguaje es el gran protagonista de esta función? El lenguaje y la realidad al ser examinada por el lenguaje. Y el humor de Juan, la causticidad que tiene y su capacidad de llevarnos con sus palabras. Es la vez que mejor lo estoy pasando en un escenario. Qué maravilla, Juan. Nos hace especial ilusión poder entrevistarte y que seas nuestra primera portada en 2013, porque debutaste en el teatro haciendo Esperando a Godot, ¿verdad? Sí, en el TEU de Filosofía en Sevilla, efectivamente. Yo era muy joven y me fascinó aquella obra. Y, atento, después de eso, un mes más tarde, hice El genio alegre, de los hermanos Álvarez Quintero, ¡pa que te enteres! Álvaro Vicente
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M M A yU R J I E D R O E S S .
Álex Rigola acomoda al público en sofás junto a los actores, para luego incomodarlos con los dardos envenenados de este texto obsceno de Woody Allen sobre las relaciones de pareja, el sexo, el amor y la pasión que el director catalán vierte al teatro. .
A película por año desde 1966, van 46 títulos. Aunque el adjetivo genial acompaña normalmente al nombre propio Woody Allen, las genialidades se pueden contar con los dedos de las dos manos a lo sumo. En los 70, Annie Hall; en los 80, Hanna y sus hermanas; en los 90 Desmontando a Harry y, sí, Maridos y mujeres. Estas elecciones son totalmente subjetivas, está claro, pero en el caso de esta última película llevada ahora al teatro por Álex Rigola en La Abadía, muchos coinciden en que se trata de uno de los textos más afilados del pequeñín de Brooklyn. Hace 20 años de su estreno, pero su puntería fue tan certera a la hora de hablar de las relaciones de pareja, que hoy día sigue -y segui-
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rá- absolutamente vigente. “En pocas ocasiones he visto algo así”, asegura Rigola, “quizás en algún título de Bergman. Es como coger el bisturí y abrir en canal a unas cuantas personas que viven en pareja”.
Amor y pasión, sentimientos efímeros El cine, la literatura, la filosofía y también el teatro tratan constantemente el tema del amor y sus recovecos. Según el director catalán, “el 80% hablan de esos momentos culminantes, de la pasión, de ese amor que nos atonta un tiempo. Pero eso pasa y hay que aceptarlo así”. ¿Qué viene después? ¿Tranquilidad, rutina, amor según una convención
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ENE. Teatro de La Abadía Hasta el 24 de feb.
inventada en la Edad Media? De eso habla Maridos y mujeres. Todo ocurre en torno a dos parejas, que en el montaje de La Abadía interpretan Luis Bermejo, Israel Elejalde, Elisabet Gelabert y Nuria Mencía. “Desde que vi la película”, recuerda Rigola, “me quedé impactado por la obscenidad con que Woody Allen habla de todo esto. El origen de la palabra obscenidad está en lo que se queda fuera de escena, lo que no se enseña. Por eso es una historia incómoda, sobre todo si oyes todo lo que se dice ahí acompañado de tu pareja”. La historia comienza cuando Álex, escritor y profesor de literatura, y su mujer Carlota, que trabaja en una revista de
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arte, se enteran, sin dar crédito, de que sus mejores amigos, Alicia y José Luis, aparentemente una pareja perfecta, han decidido separarse. A partir de ahí, con una filosofía de calle pero filosofía al fin y al cabo, se plantean las bases de lo que es una relación sólida. En escena, el montaje borra los límites entre el espacio de los actores y de los espectadores, hasta el punto de que los sofás que sirven de lugar para la acción son ocupados también por parte del público, “porque no es la cama el lugar más representativo de la pareja, como podría pensarse. Eso es al principio”, advierte Rigola, “porque luego el protagonismo lo toma el sofá”. Álvaro Vicente
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Don Diego Edu Soto se atreve con una comedia barroca de figurón, obra de Agustín de Moreto que protagoniza junto a Javivi, Raúl Prieto, Rebeca Valls o Carlos Chamarro, bajo la dirección de Carles Alfaro
Nada hacía presagiar que un actor como Edu Soto estuviera en el elenco de un montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Pero esto es sólo un prejuicio, quizás abonado por el tipo de trabajos en los que últimamente se ha visto al actor catalán. Muchos todavía le mentarán al Neng de Castefa, pero Soto cambia de registro como de calzoncillos y, tras estrenar en Barcelona su espectáculo unipersonal Exit-Salida o pasar por el televisivo Tu cara me suena enfundado en el traje de Sting, salta ahora al teatro clásico como protagonista de una comedia de figurón, es decir, con “un personaje desmedido en una faceta de su carácter (la vanidad), tan obsesionado y cegado por ella que, alejado de la realidad, vive aislado en un mundo aparte, acomodado en una realidad ficticia muy diferente de la que perciben los demás”, según lo explica Joaquín Hinojosa, autor de la versión que dirige Carles Alfaro.
Por los enredos de un Mosquito El lindo Don Diego parte de un matrimonio forzado, como tantas comedias del Siglo de Oro. En este caso, Don Tello (Javivi) compromete a sus dos hijas, Doña Leonor (Natalia Hernández) y Doña Inés (Rebeca Valls) con Don Mendo (Cristóbal Suárez) y Don Diego (Edu Soto) respectivamente. Lo que pasa es que Leonor está enamorada de Diego y a Inés le gusta Don Juan (Raúl Prieto). Inés no soporta a Diego, por su vanidad, y le tiende una trampa, haciéndole creer que Beatriz (Vicenta N’Dongo), la novia
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de su sirviente Mosquito (Carlos Chamarro), es una condesa de gran alcurnia. Diego traga e intenta seducir a Beatriz, pero es sorprendido por Don Tello, que le reprocha la infidelidad. “El ingenio de Moreto se las arregla”, anota Hinojosa, “para hacer que el lindo, cegado por su obsesión, caiga en las trampas que le tiende Mosquito, el gracioso de la obra, factótum de la comedia y único personaje que, por ser ajeno a las convenciones, puede competir con Don Diego”.
El último de los grandes autores barrocos Esta es la tercera vez que la Compañía Nacional de Teatro Clásico monta un texto de Agustín de Moreto, tras No puede ser... el guardar a una mujer (1987) y El desdén, con el desdén (1991). Escrita entre 1654 y 1662 recoge, como es habitual en su autor, materiales del teatro anterior, dotándolos de una completa revitalización, de tal forma que crea una obra diferente y original, acorde con la nueva sensibilidad de su público. Moreto fue uno de los autores más destacados de esa segunda generación de dramaturgos que comienza a escribir cuando Calderón ya ha producido sus grandes piezas y la fórmula de la comedia nueva lopesca se ha ido complicando en enredo y culteranismo. La construcción rigurosa de la arquitectura teatral y el gusto por la caricatura del figurón acompañaron a Moreto a lo largo de su carrera dramática y fueron, quizás, los únicos excesos que se permitió vivir.
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LA ODISEA Si se ha atrevido con el Quijote, con el Lazarillo y hasta con el evangelio de San Juan, cómo no iba a atreverse con Homero, con ese monumento fundador de nuestra cultura que es La Odisea... El Brujo, juglar de pelo blanco abundante hacia atrás y nariz superlativa hacia delante, máscara él mismo del arte de la comedia, ha demostrado que con su cuerpo y con su voz puede dibujar un universo entero sobre el escenario, arrastrar al público, entregado siempre, hacia donde él quiera, y trufar sus obras con guiños de actualidad, convirtiendo sus espectáculos en retratos vivos del presente a partir de materiales del pasado. En La Odisea, aquel viaje de Ulises de vuelta hacia su Ítaca, donde le espera Penélope, hace otra vez una lectura renovada del referente clásico, tratando de extraer los valores contenidos en él, en una época en la que la información, a veces, menoscaba el sentido y la orientación final del conocimiento. El montaje incorpora la música en vivo con instrumentos tradicionales antiguos que remiten al contexto musical de Oriente, Turquía y la India. El espectáculo, estrenado este verano en Mérida, está conectado desde la perspectiva y el punto de vista de la diosa Palas Atenea, verdadero artífice de las aventuras de Ulises. El héroe astuto por antonomasia aparece como un instrumento eficaz para que la diosa de ojos glaucos despliegue su acción y su energía en el mundo, y el instinto primario y violento del hombre sea una fuerza positiva y civilizadora hacia la paz.
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ENE. Teatros del Canal Hasta 10 de febrero
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FOTOS: Luis Malibran
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ENE. Teatro MarĂa Guerrero Hasta el 17 de feb.
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Yerma
Con Silvia Marsó, Marcial Álvarez e Iván Hermes como protagonistas, Miguel Narros se enfrenta al drama rural con el que Lorca inundó de poesía la matriz de la feminidad
Nada más empezar la obra, le dice Yerma a Juan, su marido: “Cuando nos casamos eras otro. Ahora tienes la cara blanca como si no te diera en ella el sol. A mí me gustaría que fueras al río y nadaras, y que te subieras al tejado cuando la lluvia cala nuestra vivienda. Veinticuatro meses llevamos casados y tú cada vez más triste, más enjuto, como si crecieras al revés”. Él le contesta: “¿Has terminado?”. Yerma es una campesina frustrada por no poder concebir hijos con Juan, un hombre con el que se casó como consecuencia de un matrimonio pactado por conveniencia y no por derivaciones del amor. A partir de esa situación que, sin duda, preocupa, angustia y llena de impotencia a cualquier mujer que ve impedido su deseo de ser madre, Lorca aborda la temática de la esterilidad y los efectos negativos que tiene ese problema en la realidad femenina.
Trilogía trágica lorquiana Escrita en 1934, Yerma conforma, junto a La casa de Bernarda Alba y Bodas de sangre, un tríptico trágico con el que Lorca explora la relación de lo femenino con el mundo y la cultura de la España de los años treinta, una España rural y analfabeta, cristiana y recia, que intenta despertar a la contemporaneidad gracias a los impulsos de la Segunda República. Desgraciadamente, un señor bajito con muy mala leche y preñado de complejos cortó por lo sano y nos sumió de nuevo en la oscuridad. Y ahí seguimos, parece ser... Con lo que las obras de Lorca, Yerma entre ellas, siguen
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hablándonos hoy, con su altura poética, con su inconfundible aroma de gran teatro, de arte imperecedero, de lo que una humanidad bien entendida puede depararnos. Así lo expresa Miguel Narros, el octogenario director: “Yerma mantiene una actualísima vigencia, tanto en lo que se refiere al conflicto que plantea como a su concepción dramática. La Yerma de este montaje supone una vuelta al principio, a la Yerma más desnuda, a la esencia de la obra: el drama de una mujer que cree que ha nacido fértil y no logra ser madre. Y también el drama de la tierra en que vive, en la Andalucía más árida, mal repartida y mal cultivada, que tiene que soportar largos periodos de sequía”.
Víctima del siglo XX La actriz Silvia Marsó da vida aquí a Yerma, a una mujer que no sólo busca tener una descendencia para satisfacer un deseo personal, sino que también es una víctima de la sociedad del siglo XX, para la cual las mujeres tenían la obligación de encargarse de las tareas domésticas y cumplir con sus compromisos femeninos, donde la maternidad era un requisito indispensable. Con el tiempo, este deber impuesto por las normas sociales termina por arruinar la vida de la protagonista, que no deja de luchar contra su realidad y reacciona frente a ello de forma conflictiva, hasta el punto de cometer acciones que nunca hubiera creído capaz de llevar adelante. “Yerma es una obra esencialmente femenina”, sentencia Narros, “un canto a la maternidad y un llanto por la maternidad”.
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HERMANAS
Amparo Larrañaga “No estoy segura que la autora fuera consciente de que estaba escribiendo una obra tan graciosa”
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ENE. Teatro Maravillas Sin fecha de salida
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La actriz protagoniza junto a María Pujalte y Marina San José esta comedia en la que dan vida a tres hermanas que por David Hinarejos deben hacer frente a la muerte de su padre Desde que la autora y directora Carol López escribió esta obra en catalán (Germanes) y la estrenó hace cinco años en Barcelona, no ha parado de recoger multitud de premios por ella, entre ellos el Premio Max a la Mejor Autora Teatral. Ahora, Amparo Larrañaga la ha recuperado en su versión en castellano para estrenarla con un nuevo elenco en Madrid y de nuevo con la propia López al mando. ¿Por qué Hermanas ha tardado tanto en llegar a Madrid? Eso nunca se sabe. Es un producto que funcionó muy bien en Barcelona y donde se representó pero a la hora de jugar en una liga diferente como es Madrid tienes que encontrar al productor y los actores adecuados que se comprometan con el espectáculo. A mí me la mandó mi hermano (Pedro Larrañaga) y me pareció maravillosa, me emocionó y me divirtió mucho y a partir de ahí implicamos a un montón de gente para ponerla en pie. ¿Qué tal el encuentro con un talentazo como Carol López? Me encanta. Ella tiene una manera especial de trabajar partiendo de ideas que ella trae y que luego van tomando la forma definitiva en base a improvisaciones viendo los registros que cada actor da. Si lees el texto no tiene nada que ver con lo que ves, son treinta páginas pero luego lo importante es lo que no se dice, todo lo que sucede en cada movimiento con cada gesto. Por ejemplo, en esta versión en castellano la base es la misma pero Carol cambia la obra para aprovechar lo que el nuevo elenco puede aportarle e irle mejor. Menos en el caso de la madre que es Amparo Fernández que repite rol porque me enamoró cuando vi el montaje original. Y estamos ante una comedia, ¿no? Sí. Aunque yo no veo muy claro que Carol cuando la escribió supiera que esta obra era tan graciosa. Ten en cuenta que se parte de la muerte del padre y que es
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“Queremos que el público crea en todo momento estar viendo una familia de verdad”
“Es una familia de tantas que vive situaciones en las que los géneros se diluyen”
un punto de partida muy dramático. Tras ese hecho todas las hermanas se juntan para afrontarlo pero es ahí donde resulta muy divertido ver cómo esta familia va a vivir esos momentos. Para mí a través de la muerte se está haciendo un espectacular canto a la vida. Eso es una de las cosas que más me atrajeron de la obra, el espíritu tan vitalista que la envuelve. ¿Cómo ha sido hermanarte con este elenco? Ha sido muy fácil. Con María Pujalte tenía muchas ganas de trabajar en teatro tras nuestra experiencia en la serie Periodistas. Es una persona con una honestidad y una nobleza enormes que además le van muy bien a su personaje, que es la más sensata de todas las hermanas. La madre, que ya he comentado, y que a nivel personal es igual de fantástica y luego Marina San José, que hace de la pequeña, es adorable y ha creado un personaje maravilloso, y así todo el elenco... Lo cual es muy positivo porque el éxito de esta obra se basa sobre todo en que el público que venga crea en todo momento estar viendo a una familia de verdad. ¿Cómo es esta familia? Una de tantas. La obra te invita a vivir con ellos algunos trocitos de su vida, situaciones familiares en las que los mismo están llorando y acto seguido oyen una música que reconocen y se ponen a cantar o bailar porque se acuerdan de cuando iban a los bailes juntas. Es la vida misma, donde los géneros se diluyen. Por eso creo que el público va a identificarse con muchos aspectos. Veo que la experiencia con Carol López te está encantando, ¿proyectos futuros? Carol es fácil, es una persona muy auténtica y con una creatividad desbordante. Hemos conectado tan bien que a mí me gustaría realizar un proyecto con ella partiendo de verdad de cero, de una idea y formar parte de ella desde el inicio.
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Pere Ponce “Cuando leí la obra supe que estaba ante un gran texto que expresaba un enorme amor por el teatro”
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Junto a Juanjo Puigcorbé, que se reencuentra con las tablas dos décadas después, con un impresionante texto de Juan Mayorga y bajo la dirección de Juan José Afonso, el actor estrena en Madrid esta obra que nos presenta un combate dialéctico que tiene lugar en la casa del crítico teatral Volodia la misma noche que recibe la inesperada visita de Scarpa, el autor de la obra que acaba de ver y de la que está a punto de escribir una crítica. ¿Qué te transmitió la obra cuando la leíste? La primera sensación es que estaba ante un gran texto con una riqueza mayúscula y, también, un gran amor por el teatro. ¿Es una obra que requiere un plus de intensidad? Es una obra que necesita cada noche toda la energía y toda la tensión por parte de los actores para que el texto llegue. Además está plagada de grandes monólogos y vamos dando muchos saltos de tema durante la función que conllevan diferentes conflictos. También por parte del público requiere cierto esfuerzo porque es un teatro de ideas. Supongo que da tranquilidad tener al lado a alguien de la solvencia de Juanjo Puigcorbé, ¿o se le ha notado un poco oxidado en el escenario? ¡Que va! Juanjo sabe muy bien el instrumento que toca, es una gran virtuoso y sabe afinarse para cualquier trabajo. Ha sido una suerte contar con él porque además es un actor con una gran entrega y pasión con lo que hace. En este caso no era fácil el papel que le tocaba, encarnar al crítico y dotarle de vehemencia y convicción.
SI SUPIERA CANTAR ME SALVARÍA (EL CRÍTICO) ESTRENO
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ENE. Teatro Marquina Sin fecha de salida
¿Qué une y qué separa al autor y al crítico? Son dos caras de una misma moneda, están unidas por una obsesión: la perfección en su trabajo. Lo que les separa es la necesidad de entender al otro, tener empatía con lo que realiza y piensa el otro. La obra habla de cómo llegar a eso tumbando los miedos y teniendo ganas de avanzar. ¿Hay algún vencedor en este combate? Los dos se necesitan, es como una relación entre un maestro y un alumno, un padre y un hijo, en la que los dos quieren lo mejor del otro. No gana nadie, por encima del combate dialéctico los dos van a sacar una maduración que les va a hacer avanzar, aunque vaya a resultar algo doloroso. Mayorga es el autor de moda, ¿como lo definirías? Es una persona comprometida de la que yo destacaría la bondad y honestidad que pone en lo que hace.
FOTO: Javier Naval
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ENE. Teatro Cofidis Sin fecha de salida
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Deseo Emma Suárez, Luis Merlo, Gonzalo de Castro y Belén López, cuatro actores de lujo que se reúnen para dar salida, o no, a sus deseos, en esta obra escrita y dirigida por el Miguel del Arco deseo. (Del lat. desidíum).
La historia nos presenta a Ana, una mujer de más de cuarenta años y casada desde hace veinte con Manu, que disfruta de los relatos sexuales que le cuenta Paula, de una edad parecida y sin compromiso, a la que ha conocido casualmente en el gimnasio. Paula es gráfica y expresiva al narrar sus aventuras, tal vez animada por el brillo voraz que reflejan los ojos de Ana. Empujadas ambas por el vértigo del deseo deciden llevar a cabo un experimento durante un fin de semana en la casa de campo de Ana y su marido, quien será objeto del mismo junto a su amigo Teo. Este es el punto de partida de lo nuevo de Miguel del Arco, que aquí ejerce de autor del texto y director, uno de esos nombres que están marcando la actualidad teatral de mayor éxito últimamente. Recordemos que en su faceta de director y productor se ha encargado de algunos de los mejores y más premiados títulos que se han visto últimamente como Veraneantes, La función por hacer, La violación de Lucrecia o Juicio a una Zorra, entre otros. Con esto sabemos que su firma es sinónimo de calidad. Ahora, rodeado de un elenco de auténtico lujo con Emma Suárez, Luis Merlo, Gonzalo de Castro y Belén López nos trae un texto suyo sobre una historia llena de pasiones encontradas donde la carne se empeña en imponerse a la mente. “Luchamos permanentemente entre la necesidad de trascender y la constatación de que nuestra
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vida no es más que un secreto fisiológico. Esa lucha básica, tan básica que a veces puede convertirse en primitiva, es la que hemos intentado plasmar en los acontecimientos que tienen lugar a lo largo de un enajenado fin de semana en el campo”, comenta el autor sobre una obra que plantea un conflicto que se define a la perfección, como él mismo ha señalado, con la cita de Marguerite Yourcenar que podéis leer más abajo. Sin embargo, del Arco es consciente de que es casi imposible dar respuesta a esas preguntas que siempre están presentes cuando nos referimos a los instintos sexuales en el ser humano: “¿Somos más civilizados, más razonables? ¿Estamos hechos para actuar siguiendo únicamente nuestros impulsos?” Pase lo que pase, consiga resolver dudas o no, lo que sí es seguro es la capacidad de esta obra para dar mucho que hablar después de su visionado. Un viaje emocional al que conviene venir con la mochila de prejuicios vacía y lista para llenar de múltiples experiencias.
“Quizá lo que haga la voluptuosidad tan terrible sea que nos enseña que tenemos un cuerpo. Antes, solo nos servía para vivir. Después, sentimos que aquel cuerpo tiene su existencia particular, sus sueños, su voluntad y que, hasta la muerte tendremos que contar con él, cederle, transigir o luchar. Sentimos (creemos sentir) que nuestra alma solo es su mejor sueño. Solo, ante un espejo que descomponía mi angustia, he llegado a preguntarme qué tenía yo en común con mi cuerpo, con sus placeres o sus sufrimientos, como si no le perteneciera. Pero le pertenezco, amiga mía. Este cuerpo que parece tan frágil es sin embargo más duradero que mis virtuosas resoluciones, quizá más que mi alma, porque a veces el alma muere antes que él. Esta frase quizás te escandalice más que toda mi confesión: tú crees en la inmortalidad del alma. Perdóname por estar menos seguro que tú, o por tener menos orgullo; con frecuencia, el alma no me parece más que una simple respiración del cuerpo”. Marguerite Yourcenar
FOTOS: Sergio Parra
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FOTO: Jordi Pla
ENE. Teatro Valle Inclán Hasta el 24 de febrero
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HILVANANDO CIELOS A 19 de diciembre escribir acerca de una obra que habla sobre el fin del mundo viene que ni pintado. Quedan dos días para que esto se acabe de verdad (de verdad de la buena) y el 22 de diciembre ya no existirá. Esta obra se estrena el 23 de enero… quizás no lleguemos nunca a disfrutarla, pero lo más probable es que sí lo hagamos y quizá podamos aprender para futuros malos augurios. Paco Zarzoso ha escrito esta tragicomedia que acontece en el descuidado jardín de la casa de campo de un viejo actor. Después del anuncio de una amenaza irreversible contra el futuro de la humanidad, se retiran a esta aislada casa el hijo de este actor (una estrella de la TV), la mujer de éste (famosa arquitecta) y Cordelia, la misteriosa hija adolescente de ambos. En esa calurosa noche de verano una enigmática vecina que accede a la casa justo antes de que aparezca la luna, desvela un suceso que desestabiliza aún más a los miembros de esta familia... Los cinco personajes, que por momentos se comportan de la manera más ultracivilizada y por momentos más bárbara, se convertirán por una hora en los portavoces inconscientes del Apocalipsis de un mundo que pide a gritos un cambio de rumbo. Y quizás esa es la gran verdad de la obra, el cambio de rumbo que necesitamos para no fagocitarnos como especie y dejar de fagocitar a las demás como ya estamos haciendo. S. D.
DE BUENA FAMILIA
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ENE. Teatro Lara Hasta 5 de febrero
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Natalia Hernández ha escrito y dirige este texto sobre los avatares cotidianos que pueden suceder en cualquier familia en la realidad actual que nos ha tocado vivir. Los momentos más difíciles son aquellos que frecuentemente nos obligan a improvisar y esto no es ajeno a la familia Rincón. Una familia azotada por los sin sabores de la situación económica que padecen pero que no se dejará amedrentar por la difícil empresa que supone ponerse manos a la obra y dulcificar esa circunstancia, a pesar de que las maneras no sean del todo ortodoxas, o sí… Desde la ironía y el sentido del humor esta obra pretende abrir una puerta a la esperanza y a la convicción de que ‘todo irá mejor’. La comedia y el musical se aúnan esta vez para dar paso a una producción con un mensaje optimista muy útil para afrontar, cogiendo carrerilla, la empinada cuesta de enero de 2013 que se presenta muy jod... no muy buena.
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Si hay una práctica sexual demonizada por la Biblia es la sodomía. Escribir un libro sobre tus propias experiencias sexuales en ese ‘oscuro’ campo implica haberte librado de tus propios demonios o, al menos, no tenerles miedo. Tony Bentley es una escritora australiana que escribió en La rendición cómo a través del sometimiento anal pudo encontrar la libertad e incluso a Dios. Dicho así suena chocante y muy raro, pero todo tiene un trasfondo más profundo, un trasfondo que tiene su origen en la infancia, en la relación con su padre, en su relación con la religión. Todos estamos lastrados por las vivencias que hemos ido acumulando en nuestro proceso de crecimiento, son huellas que van arañando nuestra alma y a veces, dejan heridas sin cicatrizar. Todos tenemos demonios dentro y corsés que nos impiden ser quienes de verdad somos... hasta que te liberas de todos ellos. Y cuando superas los prejuicios, los principios rancios de la religión y descubres cómo quieres vivir tu vida y sobre todo tu sexualidad, eres de verdad libre. En la sala de La Princesa del Teatro María Guerrero (ya vimos esta obra en Microteatro hace un año y la verdad es que yo no esperaba verla en un escenario como este, pero me encanta la capacidad de sorpresa del CDN) disfrutaremos de esta pieza valiente dirigida por Sigfrid Monleón y adaptada y protagonizada por Isabelle Stoffel. En ella se repasan momentos de la vida de Bentley, de su matrimonio y algunas de las 298 relaciones sexuales anales donde ella se entrega, como un ritual, hasta estar completamente sometida, hasta estar rendida a su amante, lo que hace que, paradójicamente, acabe siendo dueña de sí misma. Una obra que quizás nos haga cuestionarnos nuestros propios deseos y quizás nos ayude a descubrir nuevas maneras de liberarnos a nosotros mismos también. Sergio Díaz
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ENE. Teatro María Guerrero Hasta el 17 de feb.
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ENE. Teatro Español Ha. el 3 de marzo
LOS CENCI Con versión y dirección de Sonia Sebastián, llega a la cartelera madrileña un título de Antonin Artaud, artista que preconizó un teatro de la crueldad, por el que muchos autores y directores del siglo XX se sienten fuertemente atraídos e influenciados. Los Cenci está basada en un hecho real y cuenta la historia de una familia italiana del siglo XVI marcada por la tragedia. Francisco Cenci, el patriarca, que en este montaje interpreta Celso Bugallo, es un hombre cruel y despiadado que maltrata frecuentemente a su familia, hasta el punto de violar a su propia hija, Beatriz, a la que da vida Celia Freijeiro. Hartas del comportamiento del hombre y siendo repetidamente ignoradas por la justicia, las mujeres Cenci deciden matar a Francisco para poner fin a sus abusos, organizando un complot junto a los criados y a un enamorado de Beatriz. El episodio ocurrió en 1599. Al parricidio le siguió el juicio sumario y la ejecución pública de la esposa de Francisco, Lucrecia (encarnada aquí por Maru Valdivieso), y de dos de sus hijos, la citada Beatriz y San-
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tiago. Aquello conmovió a la opinión pública de la época y fue ampliamente documentado. En el Palacio Barberini existe de hecho un retrato de Beatriz Cenci, que habría sido realizado en la celda poco antes de su ejecución y que, muchos años después, impresionó a Stendhal. También al escritor romántico Percy B. Shelley, que escribió un poema dramático estrenado en 1886. Artaud escribió su drama conociendo todos estos materiales, pero en sus propósitos estaban también los efectos que preveía en los espectadores. Y es así porque presenta una tragedia magnánima, de absoluta crudeza discursiva, despiadada y cruel. Una tragedia donde el poder corrupto de una familia se despliega y alimenta en el ritual, casi cotidiano, del sadismo, el abuso sexual del padre para con los hijos, el abandono en el discurso del sentido de familia y el entrecruzamiento de diálogos donde el asesinato simula ser una metáfora de salvación. “Sin un elemento de crueldad en la base de todo espectáculo, no es posible el teatro”, dijo Artaud.
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ENE. Teatro Fernán Gómez Hasta el 24 de febrero
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LOS HABITANTES DE LA CASA DESHABITADA Escritor madrileño de principios del siglo XX. Es considerado uno de los grandes maestros del humor teatral. Obtuvo mucho éxito, ganó mucho dinero y murió en la pobreza. Hoy una calle de Madrid lleva su nombre y sus obras no dejan de representarse. Puede ser la biografía de muchas personas que han dedicado su vida a escribir teatro, pero esta es concretamente la de Enrique Jardiel Poncela. El teatro Fernán Gómez nos trae una de los muchos textos que escribió, una obra que está considerada como uno de los títulos cumbre del teatro del absurdo. En una noche de lluvia y frío, D. Raimundo y su chófer Gregorio, sufren una avería en el coche en el que viajan por un páramo desolado. El único refugio posible es una casa solariega cercana, plagada de criaturas extrañas y fantasmagóricas, que pondrán a prueba el temple de los protagonistas. Una banda de estafadores y dos hermanas secuestradas, una de ellas ex-prometida de Raimundo, complican aún más la trama.
Con la colaboración del Consorcio de Rehabilitación de Teatros de Madrid
entradas: www.teatrobellasartes.es Del 9 de enero al 3 de febrero de 2013
de
Juan José
Millás
Dirección de
Emilio Hernández PRODUCCIÓN
DISTRIBUCIÓN
P.A. TRIANA
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TEATROMATÓN
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Fernanda Orazi La actriz argentina afincada en Madrid estrena en el Fernán Gómez La Realidad, obra de Denise Despeyroux en la que interpreta a una mujer y a su hermana gemela, con Skype por medio ¿Qué es La Realidad? Es un texto maravilloso que surge del deseo de trabajar con Denise. Es una pieza de dos personajes para una sola actriz. No es un monólogo. Yo hago de mí y de mi hermana gemela y mantenemos una conversación vía Skype. Una vive en La India, está en un camino místico de iluminación, pero se va a morir y le pida a la otra, que vive aquí, de un modo más terrenal, que la sustituya delante de la madre de ambas. ¿Por qué hay que ir a ver esta obra? Porque es una obra hermosa y muy singular y porque hay una propuesta de un dispositivo escénico que es muy particular, porque aunque estemos acostumbrados a ver vídeo en el teatro, no es tan común que la obra suceda al mismo tiempo en el plano real y en el audiovisual siendo la misma actriz en los dos planos. Hay algo de eso que a mí me parece mágico. ¿Con qué género teatral identificas tu vida? Diría un drama, pero quitándole la connotación negativa, porque soy muy feliz, pero un drama en el sentido de la intensidad, digamos que soy más del peso que de la levedad. ¿El mejor montaje que has visto últimamente? En el último Festival de Otoño vi una pieza de una compañía que se llama Quarantine, Entitled, en La Casa Encendida. Fue una de las cosas más hermosas que vi en mi vida. ¿Tu obra de teatro favorita? No tengo una obra favorita, pero me gusta mucho como escribe Rafael Spregelburd y hay una obra suya, que se llama Todo, que es brillante. ¿Qué personaje te gustaría hacer? Olga, de Las tres hermanas, de Chéjov. ¿Qué libro estás leyendo? En presencia de la ausencia, de Mahmud Darwix. ¿Nos recomiendas una peli? Melancolía, de Lars Von Trier. ¿Dónde depositas tu fe? En el trabajo... no sé si me gusta, pero es la verdad.
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BITS Regresa el 4 de enero tras su parón navideño el que muchos dicen es el mejor espectáculo de Tricicle hasta la fecha. En él os recordamos que sus integrantes se han convertido en bits y como tales, a golpe de ratón saltan de sketch, de tema, de decorado, de personajes, de gafas, de sexo e incluso recuperan a viejos conocidos para hacerse un autohomenaje con el fin de aumentar una pasión enfermiza que les persigue desde hace 32 años: lograr la mayor Densidad de Gags por Minuto Posible (DGMP). Pero, ¿qué han dicho los propios Tricicles de este espectáculo? Carles Sans: “En Bits somos nosotros. Tricicle puede ofrecer algo nuevo hasta cierto punto, pero no podemos dejar de lado nuestro sello”. Paco Mir: “Internet es simplemente un nexo entre sketches. No hemos querido hacer una teoría sobre internet, sobre la comunicación... este sería otro espectáculo. Nosotros hacemos sketches y el nexo es internet”. Joan Gracia: “Probablemente, sea la representación en la que más se escucha hablar a los miembros de Tricicle aunque son diálogos pequeños y anecdóticos. Para la ocasión hemos actualizado personajes propios creados a principios de nuestra carrera como formación, hace mas de 30 años. Ya los descubrirán”. Si todavía no lo has visto, no pierdas el tiempo, ¡nunca se sabe cuando saltarán a otra ciudad!
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OCT. Teatro Compac Gran Vía Sin fecha de salida
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TODO SOBRE VÁZQUEZ Estreno por partida doble, la de esta
interesante
obra con rostros muy conocidos de la TV y de la sala que la
SALA TU
alberga, la Sala Tú que abre sus puertas en Malasaña
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SALA TU. DE J A S 20 H. D 19 H. DEL 17 DE ENERO AL 3 DE FEBRERO
obra que se estrena (siempre deberíamos Pues sí, doble enhorabuena. La primera enhorabuena es para una textos en cartelera). Todo sobre Vázquez es felicitar a quienes, en estos tiempos, se aventuran a poner nuevos Belinda Washington, Lidia San José, Ángel con elenco su en Cuenta . su título y está dirigida por Jaime Palacios que protagonizaron hace años una serie Caballero y Rubén Sanz y nos habla de César y Laura dos actores es estrella del porno. Pero sus vidas ella y taxista es él y pasado ha televisiva de gran éxito. Ahora el tiempo segunda oportunidad. Eso sí, quiere algo a pueden cambiar cuando la representante del momento les ofrece una Así es, a grandes rasgos, su argumento. sudor… con ente precisam paga cambio. Porque la fama cuesta. Y no se quedado tirados en el camino del éxito), dos Es la historia de dos juguetes rotos (como tantos otros que se han a la que imaginaban cuando el mundo diferente muy es vida su que ven personas que lo han tenido todo y ahora oportunidad... quizás para volver al tren del entero estaba a sus pies. Pero siempre suele aparecer una segunda rse... equivoca a volver para éxito del que les bajaron hace años, quizás es aún más grande) es para una nueva La segunda enhorabuena (y quizás algo más efusiva porque el empeño y a su nombre ya da una idea de sus presala que abre sus puertas, la Sala Tú. Abre en el corazón de Malasañ expresarte si tienes algo que decir. Cinco puedas que el en lugar el tensiones. Pretende ser tu sala, tu espacio, han unido sus fuerzas, su cerebro y sus profesionales de diversos ámbitos de las artes escénicas y la creación ilusión, con fuerza, con gancho y con el con todos, como a, comienz que ahorros para dar vida a este proyecto pero también (e igual de importante) de ser objetivo de resistir. Por supuesto resistir de perdurar mucho tiempo, que el mundo de la cultura está sufriendo. externas es agresion es un cuerpo de resistencia frente a las constant tod@s los demás que tienen el mismo propósiDesde estas páginas teatrales nuestras les ofrecemos a ellos (y a de convertirnos en parte de esa muralla de voluntad nuestra y ánimo to, que sabemos que son much@s) nuestro a... Sergio Díaz resistencia, bien como piedra de sustento, bien como piedra arrojadiz 37
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VAMOS A POR GUTI
SALA TRIÁNGULO. DEL 9 AL 19 DE ENERO
Hace poco leí una noticia acerca de un preso norteamericano que había contratado a dos sicarios para secuestrar a Justin Bieber, cortarle los testículos y luego venderlos... todo un plan bien trazado. Es reconfortante notar que el hecho de que surjan ‘buenas ideas’ fruto de la desesperación es algo de ámbito planetario. La obra de Proyecto Nisu va un poco en esa línea. Cuatro trabajadores de una inmobiliaria deciden secuestrar a Guti para desestabilizar al Real Madrid y conseguir que pierda un partido contra el Barça con el objetivo de ganar una apuesta millonaria en internet. Así de fácil. Ideal para que lo haga usted también en su casa. Pero a pesar de tan llamativo título y la aparentemen te absurda propuesta escénica, este texto esconde la historia de unos personajes desencantados con el rumbo que, sin remedio, han tomado sus vidas: los cuatro son trabajadores de una inmobiliaria que están hartos de sus miserias y de soportar a un jefe prepotente (como la gran mayoría de los que aún tienen trabajo en este país). Los cuatro quieren crearse su propio destino, distinto al de todos los demás, pero todo lo que planean fracasa. Un desencanto existencial que
también puede hacerse extensivo a la mayor parte de nuestra sociedad atrapada en un trabajo que no colma sus expectativas (o sin trabajo que es peor), sin saber qué rumbo tomar, ahogados por el día a día (como ahogan las corbatas que sirven de uniforme de trabajo), incapaces de alcanzar la felicidad ni de transmitirla. Esta obra ya ha estado en Madrid en un par de ocasiones antes y ahora vuelve para que conozcamos a estos cuatro fracasados que encuentran en este texto un pequeño lugar para desahogarse y confesar sus miserias... y ya de paso darnos alguna ‘buena idea’ para salir de nuestra propia crisis personal. Sergio Díaz
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No hay nada mejor que empezar fuerte los nuevos proyectos, generar ilusión, Así arriesgar, sabiendo que la derrota es una opción, pero sin miedo de intentarlo. ha iniciado su andadura Teatro del Arte (el Ave Fénix del Teatro de Cámara) mosesta trando teatro comprometido. Una de las obras en su cartelera de enero es del Indagación. Oratorio en 8 cantos de Peter Weiss, una representación teatral cronolóforma de narrando va nos texto El Amador. Charo holocausto dirigida por de gica el juicio de Frankfurt celebrado contra los oficiales nazis y los responsables de s testimonio los Con barbarie. la de después años 20 los campos de Auschwitz una los asesinos, de las víctimas, de los testigos, del fiscal... se va conformando composición de la barbarie, todo un ‘collage’ de algo que debe ser lo más parecido al infierno bíblico que la deshumanización ha dibujado. A través de las palabras iremos evocando todo el horror y las torturas que millones de personas inocentes sufrieron en esa fábrica de la muerte que fue Auschwitz. Palabras que van tomando su sentido a través de los diferentes cantos (Canto del Andén, Canto del Campo, OraCanto de la Posibilidad de Sobrevivir, Canto del Muro Negro, Canto del Fenol, s. testimonio diferentes los entre unión de nexo el son que torio de la Solución Final), de Pasarán los años y seguirán teniendo sentido obras teatrales así. Como dice uno “. los testigos en su declaración: “Yo salí del campo, pero el campo continúa existiendo Y no deberíamos olvidarlo, para hacer que no vuelva a repetirse. S. Díaz
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LA MIRILLA GARAJE LUMIÈRE. SÁBADOS DE ENERO
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En su origen las mirillas se pusieron en las puertas para que desde dentro pudiésemos comprobar quién llamaba antes de abrir. Pero este original e inteligente mecanismo ha derivado, en la sociedad ‘voyeurista’ en la que vivimos, para ayudarnos a mirar lo que ocurre en el rellano de nuestro portal, nos permite observar quién sube y quién baja por nuestra escalera, es un elemento morboso más que hemos incluído en nuestro modo de vida. Mirar sin ser vistos de puertas para afuera. Desde Garaje Lumière nos ofrecen una privilegiada mirilla a través de la cual observar lo que acontece en el excitante cabaret-burlesque-teatro que han montado para los sábados de enero. Un espectáculo con música en directo que fusiona streaptease y comedia, erotismo y vodevil,
danza y teatro. Todo ello rodeado de lentejuelas, copas, risas, corsés, ligueros, tacones, plumas y sobre todo arte, mucho arte y mucho morbo... Serán siete las artistas que podremos ver bailar, lucir, gozar y seducir desde el escenario. Habrá también dos maestros de ceremonias, como son Luis Callejo y Nacho Marraco, que nos conducirán con mucho desparpajo a través de las distintas puertas en las que se incrustan las discretas mirillas. ¿Vienes a mirar? Sergio Díaz
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CICLO DE AUTORES CONTEMPORÁNEOS La sala Estudio Liberarte vuelve con este interesante Ciclo que este año cumple su quinta edición y que se realiza con la perspectiva de presentar las propuestas más interesantes de autores contemporáneos hechas en España
FOTO: Víctor Boto
HAMLET ESTÁ DORMIDO DEL 11 AL 20 DE ENERO
Obra de la Compañía de Antonio Travieso cuya trama revela el recorrido que Horacio y Laertes hacen por un Elsinore reducido a escombros en busca de Hamlet la noche antes de la coronación de Claudio. Es un viaje a los cimiento s del corazón y una reflexión acerca de la tristeza, del valor de la amistad y del amor incondicional de los seres queridos en situaciones límite. El cuerpo personal se transforma en cuerpo social y pide ayuda al otro en un mundo crispado y hostil para sobrevivir, amar y ser amado y aspirar a la felicidad. Al menos, un instante más.
SECUELAS
DEL
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Amenazados por la inminente llegada de un grupo al margen de la ley, Julio y Claudia se enfrentan al miedo y al dolor de tener que partir por causa de la guerra y a la frustración de dejarlo todo por un conflicto sin sentido. Chango Producciones nos ofrece esta conmovedora historia sobre el sentimiento de pérdida que sintieron -y que aún siguen sintiendo- muchas personas en cualquier rincón del mundo al tener que dejar su pasado atrás y empezar de nuevo. Una sensación que, afortunadamente, es desconocida para muchos de nosotros, pero quizás, desgraciadamente, tengamos que ir acostumbrándonos a ella tal y como está el cariz de las cosas en nuestro, hasta ahora, confortable hogar. 41
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RUTA 6,8 20 Y 27 DE ENERO. 18H. UTOPIC_US (EN EL MADRID ESPACIO_US1) C/ CONCEPCIÓN JERÓNIMA, 22.
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Una experiencia teatral conformada por ocho historias diferentes, donde el espec tador encarna a distintos personajes a lo largo del recorrido. El montaje cuenta con ocho actor es ubicados en ocho estancias diferentes. Cada uno de ellos esconde una pequeña histor ia, un pedazo de vida. Los espectadores entra n en grupos de seis y, al finalizar la obra, habrán recorrido las ocho estancias y disfru tado de las ocho experiencias. El espectador se convierte así en un ente activo del mont aje; en un cómplice del actor. La dramaturgia y la puesta en escena se basan en la proximidad entre el actor y el espec tador, ya que éste último es el verdadero receptor de cada monólogo. Se trata de irrum pir por un momento en la vida de una perso na y conocer sus preocupaciones, su circun stancia vital, su estado anímico. El hilo condu ctor de la propuesta es el actual contexto socia l, político y económico. La pérdida de valore s, la crisis de identidad, el miedo y la desid ia colectiva son algunas de las reflexiones que pretende suscitar. Sin embargo, la obra no concluye con una tesis, ni siquiera tiene un final predeterminado, ya que cada grupo termina la experiencia en un habitáculo difere nte. Llegan a utopic_US tras haber encandilado al público en el Festival Fringe Madrid. Eva Redondo, dramaturga y directora del proye cto, define la propuesta como “un teatro cerca no, extra-sensorial, donde el actor y el espec tador conforman el espacio imaginario y se relacionan de manera íntima, próxima y real en el aquí y el ahora”.
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Días como estos, la obra teatral por capítulos que se desarrolla en la Librería La Buena Vida desde el pasado mes de octubre, y de la que la Revista Godot es orgullosa madrina, sigue adelante. En diciembre se estrenó el segundo capítulo y tanto este como el primero se podrán disfrutar cada fin de semana en la librería de los hermanos Trueba que está en Ópera. Escrita y dirigida por Luis López de Arriba, es uno de los formatos teatrales más novedosos que han aparecido en Madrid en los últimos tiempos. El primer capítulo, visto el segundo, adquiere un claro valor de prólogo, de presentación de los personajes. Recordemos que el protagonista es Martín (Carlos Chamarro), un librero cuya vida está en un momento crucial, de punto de inflexión. Su padre ha muerto y él... bueno, como comprobamos al principio del segundo capítulo, en el que ha pasado un año desde lo acontecido en el primero, ha estado fuera buscándose a sí mismo. En la librería se ha quedado Alberto (Fran Calvo), el pedante antisocial amante de la literatura oscura y compleja. Ana (Inma Isla) y Elena (Inma Gamarra) son personajes que cobran mayor protagonismo en un capítulo que es, realmente, el primero de una serie que los espectadores degustan a escasos metros de la acción y los actores. Todo un gustazo, divertido y entrañable, y que te deja con ganas de más... vamos, que engancha! Álvaro Vicente
DÍAS COMO ESTOS LIBRERÍA LA BUENA VIDA. VIER. 22H. CAP. 1. SÁB. 21.30 Y 23H. CAP. 2. DOM. 21.30H. CAP. 2
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Palabra de...
Sergio Díaz
“Compra pesimismo extremo, todos dicen que esta en alza, busca la palabra clave de la gente que conspira y ¡basta!... todos te gritan... reaccionar, y actuar al fin, reaccionar y conspirar...”. Nunca pensé yo que un grupo como Love of lesbian llamaría tanto mi atención. Un duende de pelo rubio puso en mis manos su música y ahora no dejo de escucharlos por todos los rincones. Seguramente todo lo que yo siento al escuchar sus canciones no tiene nada que ver con el propósito con el que el grupo inicialmente la escribió, pero he aquí la magia de la música, que puedes sacar tus propias conclusiones (como los antiguos libros que leíamos de niños de ‘Elige tu propia aventura’). El fragmento de canción que escribo arriba se titula La mirada de la gente que conspira. El día de Nochebuena, de madrugada, al volver a casa de la cena familiar iba escuchándola y las palabras ‘pesimismo extremo’ me iban taladrando el cerebro. Se acaba un año, el 2012, que ha sido duro, muy duro para esta sociedad. Hemos perdido muchas cosas en el camino y, a nivel individual, hay gente que lo está pasando realmente mal. Ese mismo día 24 por la tarde, dando un paseo por un barrio del Sur de Madrid vi como a unas 10 personas en otros tantos contenedores de basura buscando su cena y pensé que verdaderamente no había derecho a algo así (y que ninguno de nosotros estamos ni tan lejos ni tan exentos de llegar a esa situación). Que es imposible que nadie haga nada. ‘Pesimismo extremo’. Y miras hacia atrás, haces balance del año que nos hemos comido y en tu cabeza resuenan las palabras copago, reforma laboral, desahucio, participaciones preferentes,
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prima de riesgo, mercados, pobreza, huelgas... y te van cayendo como losas llenando la mochila que llevas a la espalda. Y ese es el futuro que nos espera, porque los brotes verdes no se ven por ningún sitio. ‘Pesimismo extremo’. ¿Pero saben qué? no queremos esos brotes verdes, al menos no únicamente los brotes del color del dinero que ellos nos venden. Ya nos los vendieron en el pasado y así nos ha ido. Queremos brotes de todos los colores, basados en otros principios. Avanza la canción y las palabras ‘reaccionar’ y ‘conspirar’ sustituyen a las dos anteriores ya mencionadas. Es Nochebuena, avanzo por la noche negra y en el cielo empiezo a ver fuegos artificiales. Fuegos de mil colores que se mezclan con las luces que adornan los hogares, gente brindando en las calles y en las casas y a lo lejos se escuchan canciones. Más allá del significado hipócrita o no de estas fechas, la gente está de fiesta, está contenta (habrá mucha gente que no, por supuesto, los 10 que vi en los contenedores y muchos otros que tienen como techo el cielo de Madrid). Pero impera la alegría, algo innato que no debemos perder. Hay que ‘conspirar’ para no perder la sonrisa ni caer en el desánimo. ‘Reaccionar’ para seguir saliendo a las calles, para seguir enfrentándonos cada día a nuestra realidad, para no perder las fuerzas aún sabiendo en lo que quieren convertirnos (una nueva clase trabajadora sin derechos), para demostrarles que podrán seguir mintiéndonos pero nunca nos podrán quitar la libertad (ya sé que es de Braveheart, pero tenía que colarlo). ‘Conspirar’ para intentar seguir cambiando el mundo y a nosotros mismos. ‘Reaccionar’ para construir una sociedad mejor. Feliz 2013. Feliz Conspiración. Feliz Reacción.
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Partiendo del real, terrible e inexplicabl e crimen de las hermanas Papin, que conmocionó toda Francia, Jean Genet compone uno de los textos emble máticos del siglo XX. La cía. Profetas de mueble bar nos ofrece una singular, potente y ‘distinta’ versión. Es un juego actoral que busca la cercanía con el espectador para transmitir, a flor de piel, las emociones, el inquie tante juego de espejos, de identidades, de teatro dentr o del teatro, de este maravilloso y delirante texto. Las criada s te invitan a la casa de su señora para sumergirte en un vértigo que te atrapará desde el principio.
LAS CRIADAS SALA MONTACARGAS
En 1925, en la población de Dayton, un joven maestro fue sometido a juicio por violar una ley del Estado de Tennessee. El delito que se le imputaba era haber enseñado la teoría de la evolución de Darwin a un grupo de estudiantes de secundaria... El público actuará de jurado popular en esta interesante obra de la cía. vallisoletana Azar Teatro que aún tiene su vigencia, porque en muchas partes de los EE.UU. hoy se siguen sin aceptar las Teorías de la Evolución.
EL JUICIO DE DAYTON SALA CUARTA PARED
Espectáculo formado por piezas cortas que recorren La Casa de la Portera, incluyendo esta vez, los pasillos y el cuarto de baño… El público va a tener que moverse por La casa persiguiendo las diferentes historias. Nombres como Miguel Ángel Cárcano, Quino Falero, Rulo Pardo y Diego Sabanés han creado los textos para que Font García, David González, Kike Guaza, Maika Jurado, Sara Martín, Rulo Pardo, Roser Pujol y Juan Vinuesa los interpreten. Toda una delicia poder ver a tanta gente de talento en tan poco espacio... ¡pero muy bien aprovechado!
HISTORIAS DEL CHISCÓN LA CASA DE LA PORTERA. L DE ENERO
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En un rincón secreto de Madrid podrás descubrir el espectáculo de terror más espeluznante que hayas visto hasta ahora. Ya nos sorprendieron este verano con La Pensión Maldita y ahora vuelven con ganas de meternos aún más miedo. 15 personas son citadas en una nave abandonada. Han sido convocados por un psiquiatra que tiene secuestrado a uno de los psicópatas más peligrosos de la historia del crimen. El grupo conocerá la atroz historia que se esconde detrás de este secuestro: el asesinato de la familia del psiquiatra a manos de este psicópata. Pero cuando están en el interior de la nave el psicópata escapa. ¿Conseguirás tú escapar de él? Entra en su web y descúbrelo.
EL PSICÓPATA DE JUEVES A DOMINGO
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JUAN AROCA los mar tes serán En La Chocita del Loro de Gran Vía menos cuesta arriba gracias al talento de este humorista,
el mejor estudiante de la universidad de ‘yosiestaun’ Una palabra, una imagen y ¡zas! aparece la chispa y comienzas a reír. Juan Aroca es andaluz de pura cepa, sevillano para más señas, y le acompaña ese gracejo típico sureño que hace su humor tan especial. Es un Obelix del humor que se cayó de pequeño en la olla del gazpacho y los superpoderes cómicos son permanentes en él. Le hemos visto pasar de vez en cuando -sin darnos cuenta de que era él- por las pantallas de nuestros televisores en series como Cuéntame, Hospital Central, Aquí no hay quien Viva, Los Serrano, Sin Tetas no hay Paraíso, Hispania, o Águila Roja. Sin embargo su rostro sí resulta familiar en los locales y salas de monólogos porque cada semana se recorre media España regalando su humor allá donde va. Ha grabado 3 monólogos para Paramount Comedy, pero donde se le puede sacar todo el partido es ‘tête à tête’, sentado cerca de él sin parar de reír, interaccionando, ahí es un crack, ágil como un gato, con unos reflejos mentales de vértigo para sacar a colación las más locas ocurrencias y provocar al personal estruendosas carcajadas. Lo suyo es una carrera de fondo. Se ha ido formando como actor, estudiando, aprendiendo nuevas técnicas, y sobre todo, haciendo muchos kilómetros a sus espaldas, y así seguro que llega lejos (por lo menos hasta La Coruña), porque el trabajo duro acaba dando sus frutos. De día es un actor anónimo estupendo (muy educado e incluso serio), pero cuando llega la noche se viste de luces (de neón) y ofrece un espectáculo lleno de simpatía que nos acerca una visión hasta ahora desconocida sobre las fiestas populares, las nuevas generaciones, los cantantes extranjeros, las nuevas tecnologías, las relaciones de pareja, las grandes universidades... todo de una forma despeinada, loca y desenfadada. Así es Juan Aroca, un humorista que no puedes perderte. ¿Sí o qué? Almudena Hernández
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MARTES DE ENERO A LAS 21 H. EN LA CHOCITA DEL LORO SENATOR
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Este mes
MANU KAS
JUAN TAMARIZ
SU ESPECTÁCULO: Cari, quiero el divorcio. Para
SU ESPECTÁCULO: Magia Potagia es el
Manu Kas, si no puedes divorciarte porque te lo impide el amor, lo que puedes hacer es casarte y hacer vida de divorciado, que mola más: un fin de semana te quedas tú con los niños y el siguiente me los quedo yo. Y es que para él, los divorciados viven de puta madre... DÓNDE Y CUÁNDO: Miércoles de enero a las 22.15 h. en La Escalera de Jacob Lavapiés.
espectáculo que el maestro de los magos españoles llevará al Circo Price durante 2 días en enero. Un espectáculo en el que ofrecerá los mejores números de su trayectoria profesional: donde el humor, la telepatía y la improvisación bastan para llevar al público donde nunca había sospechado. DÓNDE Y CUÁNDO: 18 y 19 de enero en el Teatro Circo Price.
MIGUEL LAGO
SU ESPECTÁCULO: Humor canalla, gamberro, directo y polémico. Esto es Soy un miserable, el espectáculo de Miguel Lago que lleva ya casi dos temporadas en cartel. Políticos, empresarios y cualquier hijo de vecino puede recibir. El cómico da rienda suelta a su humor incorrecto y directo, a su lado más egocéntrico y prepotente. DÓNDE Y CUÁNDO: D a las 21.30 h. Pequeño Teatro Gran Vía.
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SOLALA
SU ESPECTÁCULO: Esta es la historia de una mujer, madre de quintillizos, con el marido en la guerra y a la que sólo le ocurren desdichas... pero aún así Cristina Medina nos invita a dejar por un rato las preocupaciones cotidianas y a reírnos de manera inteligente con este sorprendente y divertido espectáculo. DÓNDE Y CUÁNDO: Sábados de enero en el Teatro Alfil.
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Las aventuras de Tom Sawyer y Huckleberry Finn El clásico de Mark Twain nos llega de la mano de la Cía. chilena Escarabajo Teatro, en un montaje familiar que mezcla diversos recursos de teatro físico y de muñecos, en el que el tema central es la importancia de la niñez como resguardo humano frente a un mundo industrializado. La obra se propone rescatar los valores de la amistad, la lealtad, la imaginación y los derechos del niño en una narrativa teatral cargada de juegos, música, comedia épica y comedia del arte. La teatralización de las aventuras de estos dos amigos, divertidas, tiernas o sorprendentes, van más allá del indispensable y seguro entretenimiento. Apelando al eterno imaginario y a la natural alegría de la infancia, la obra rescata el contenido filosófico de Twain reivindicando la niñez como el espacio primordial para lograr un mundo mejor.
Teatro Sanpol Sábados, Domingos y festivos
En busca de la Isla de Nur Tristán, Simona y Valentín son tres amigos que cambiarán su rutina en el parque cuando conocen a Nur y al Señor Bárbol. Los niños deben ayudar a Nur para que el tesoro de su isla no caiga en manos del temido corsario Pata Pelo. Se convertirán en auténticos piratas y harán frente a muchos peligros y todo con la ayuda de la imaginación. Una aventura pensada para toda la familia, donde la imaginación será el tesoro más preciado.
CNC. Sala Mirador. S y D a las 12 h.
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Ojos y cerrojos
FOTO:Julio Castro
Óscar y Bea son dos hermanos que viven encerrados en su casa porque creen que en su edificio hay una maldición. A causa del miedo, Óscar ha ido llenando la casa de cerrojos, pero a Bea no le gusta vivir encerrada... Ojos y Cerrojos de Luis Gª Araus y Javier G. Yagüe, es una historia sobre la multiculturalidad y la importancia de conocer la riqueza de otras culturas. El montaje nos muestra una imagen positiva del hecho migratorio, del otro como portador de innovación, riqueza y diversidad cultural. Pone de relieve la contribución de las distintas culturas a la diversidad en nuestro entorno más cercano: ciudad, barrio, hogar, relaciones personales...
Sala Cuarta Pared 13, 20 y 27 de enero a las 17.30 h.
El patito feo Con esta obra la compañía Mulambo da un paso más en el acercamiento del universo infantil al teatro. El patito feo es un viaje en el que se van dando los instrumentos necesarios para que nunca nadie pueda bajar nuestra autoestima. La superación, la aceptación de uno mismo y la perseverancia son las herramientas con la que se puede crear una personalidad fuerte y respetuosa con los demás...
Teatro Cofidis S 17 h.
Ha nacido una estrella En el bosque va a nacer una estrella. Los animales y vegetales organizan una fiesta para celebrarlo. Juntos preparan la velada: poesía, música, canciones… El público infantil y adulto participará activamente, ayudando estos ‘particulares’ seres para que la fiesta sea un éxito. Porque, como dice el Director Caracol: “Cuando todos los seres vivos crean en conjunto, el universo se convierte en una fiesta y todos somos estrellas”. Obra escrita y dirigida por Coral Igualador, un nombre que vemos mucho últimamente por las carteleras infantiles y de adultos. Nos alegramos por ello.
Sala La Usina Sábados 18 h.
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Danza
RECUERDO La Cía. Provisional de Danza / Shun Project de la mano de Carmen Werner traen a la Cuarta Pared esta creación sobre una de nuestras capacidades más especiales y que más nos va marcando durante nuestra vida: la memoria. La memoria es una función del cerebro y, a la vez, un fenómeno de la mente que permite al organismo codificar, almacenar y recuperar información. Surge como resultado de las conexiones sinápticas repetitivas entre las neuronas, lo que crea redes neuronales (la llamada potenciación a largo plazo). De ahí que cuanto más ejercitemos nuestro cerebro mejores resultados obtendremos de él. En términos prácticos, la memoria (o, mejor, los recuerdos) son la expresión de que se ha producido un aprendizaje. De ahí que los procesos de memoria y de aprendizaje sean difíciles de estudiar
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ENE. Sala Cuarta Pared Ha. 26 de enero
por separado. Es esta una propuesta llena de movimientos coreográficos donde se plantean los recuerdos buenos y malos que se guardan en la memoria. El ser humano vive de recuerdos la mayor parte de su vida y, cuanta más vida tiene, más recuerda y más se deleita en sus buenos recuerdos, porque una de las cosas que nos permite sobrevivir es el hecho de guardar los buenos recuerdos en los cajones que tenemos más cercanos y enviar los malos recuerdos al fondo de los baúles (aunque a veces todo se desordena). Es una de nuestras formas de evasión y, a veces, de supervivencia. Memoria, recuerdos, nostalgia, aprendizaje, sabores, olores... todo se va almacenando en esa mochila que llevamos a la espalda y que crece con el paso del tiempo permitiéndonos avanzar y crecer.
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Lírica
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LA REINA MORA / ALMA DE DIOS
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ENE. Teatro de la Zarzuela Hasta el 10 de feb.
Figurines de la producción.
Programa doble dedicado al compositor valenciano José Serrano, con textos de algunos de los autores dramáticos más conspicuos de comienzos del siglo XX: los hermanos Álvarez Quintero y Carlos Arniches, en colaboración este último con Enrique García Álvarez. El ambiente sevillano del sainete en tres cuartos estrenado en el Teatro de Apolo de Madrid el 11 de diciembre de 1903 de La Reina Mora, con su misterio y su humor, siempre envuelto en la amabilidad con que los Álvarez Quintero desarrollaban sus obras, contrasta con la visión descarada y descarnada de las clases bajas madrileñas en la comedia lírica de costumbres populares en un acto y cuatro cuadros que es Alma de Dios de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez que se estrenaría en el Teatro Cómico de Madrid el 17 de diciembre de 1907. Tanto en una
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como en otra la trama gira en torno a la figura de una mujer que por diversos motivos ve comprometida su opinión por comentarios ajenos. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela viene dirigida en el aspecto musical por José María Moreno y como director de escena encontramos a Jesús Castejón. La escenografía corre a cargo de Ricardo Sánchez-Cuerda, el vestuario es obra de Jesús Ruiz y la coreografía de Nuria Castejón. En la Reina Mora encontraremos nombres de la talla de Cristina Faus, Juanma Cifuentes, Alfredo Alba (los tres también protagonizarán Alma de Dios), César San Martín, Aurora Frías, Miguel Caiceo o Charo Reina, entre otros. Por su parte, en la comedia, Alejandro Roy, Cristina Marcos, Jesús Castejón o Manuela Velasco, entre otros, formarán extenso elenco.
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ESTRENO
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ENE. Teatro Real Hasta el 6 de feb.
THE PERFECT AMERICAN A sus 75 años, Philip Glass, una de las figuras señeras de la música del siglo XX, compone una nueva obra para el Teatro Real, donde tendrá lugar su estreno mundial. Se trata de la primera ópera dedicada a una figura –la de Walt Disney– que como ninguna otra ha influido en el mundo del consumo actual e inspirada en la novela The Perfect American, de Peter Stephan Jungk: los niños ya sólo ven a los ratones y los patos como Mickey Mouse o el Pato Donald, a través de la imagen que de ellas inventó la factoría de Walt Disney. En oposición al mundo feliz que ideó, la existencia de este perfecto americano estuvo marcada por una juventud desgraciada y una personalidad de una “corrección política” superior incluso a la de Richard Nixon. En su fábrica de sueños, sólo los hombres podían dibujar. Las mujeres se limitaban a colorear los dibujos. De la mano de Dennis Russel Davies, el director musical que ha dirigido casi todos los estrenos de las óperas de Glass, y del director de escena Phelim McDermott, nos adentraremos en la pesadilla de un mundo feliz.
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Visto
y
Oído
Macbeth de Giuseppe Verdi En El Teatro Real. Con esta ópera, basada en la pieza homónima de Shakespeare, Verdi inicia un nuevo estilo donde destaca el análisis psicológico de los personajes, sin olvidar la exaltación de los valores de la libertad. El director Dmitri Tcherniakov, también escenógrafo y figurinista, ha ambientado el drama en nuestros días porque es muy actual la reflexión del bardo sobre el poder y el mal que, en su opinión, se encuentran entre nuestros vecinos. Por eso transforma a las brujas en los habitantes de una pequeña ciudad que, después de haber adulado al protagonista, le manipulan. El vestuario es vulgar y provocativo. La escenografía parte de una imagen de Google Earth que gira, se traslada, se amplia y aterriza en una plaza, rodeada de sencillas casas iguales. Es este el espacio de las escenas de masas, iluminado por una sola farola moderna. En otros momentos el viaje tridimensional rodea una mansión y se detiene ante un amplio ventanal tras el que se halla un salón, donde Macbeth y su mujer, impulsados por la ambición, intentan hacerse con el poder y administrarlo. El director musical Teodor Currentzis ha desentrañado la música de Verdi hasta hacer vibrar y pulsar cada matiz oculto de la partitura, variando magistralmente tiempos e intensidades instrumentales, explorando cada uno de sus entresijos y logrando espaciar desde los delicados pianissimo hasta los vehementes fortissimo, arrastrando a cantantes y orquesta con absoluta seguridad. No es inferior Andrés Máspero al frente del coro Intermezzo. Es éste el otro gran protagonista de la ópera, en el que aquí se mezclan los diferentes grupos; a veces canta oculto y alcanza un momento muy sugestivo en «Patria oppressa». Dimitris Tiliakos como Macbeth luce un timbre pastoso y su fuerza vocal, su maestría, sobresalen y encantan en el aria final «Perfidi! All’anglo contro me v’unite!», ¡a pesar de presentarse en calzoncillos! Violeta Urmana, Lady Macbeth, con su potente voz de soprano dramático domina en los momentos en que tiene que sostener al vacilante marido, pero sin perder dulzura cuando los remordimientos y los delirios la devoran. El bajo Dmitry Ulyanov, Banco, con su gran presencia escénica, cantó con voz vibrante que destacó en la bellísima aria «Come dal ciel precipita». El tenor Stefano Secco, Macduff, con un completo dominio de su bello timbre, se mostró totalmente entregado en el aria «Ah, la paterna mano». Aplausos para los intérpretes y el maestro; abucheos al director. Magda Ruggeri
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ENE. Sala Cuarta Pared 21 h.
TXETXU ALTUBE (LOS MADISON) Tercera entrega del ciclo Música para licántropos. Para comenzar el año llega Txetxu Altube, componente de Los Madison, que acaba de publicar su nuevo y poderoso álbum, Compás de espera. Un peldaño más en una carrera de fondo que comenzó en 2007 y que, paso a paso, con esfuerzo, tenacidad y grandes canciones, ha llevado a Los Madison a ser uno de los grupos de referencia del panorama actual en España. Con una música a caballo entre el mejor rock americano y la mejor tradición de la música en castellano, las canciones del grupo se abren paso a base de verdad, franqueza y unos estribillos que basculan entre la sutileza y la épica. Su repertorio posee la virtud que ha hecho del rock la banda sonora de la gente de la calle.
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ENE. Teatro Nuevo Apolo 20.30 h.
El teatro de Tirso de Molina abre sus puertas para acoger la puesta de largo en Madrid de uno de los artistas que mejor rollo generan en el personal. Y es que desde aquel Poquito a Poco en el 2001, con el que logró un éxito mucho mayor del que él mismo esperaba, El Arrebato no ha parado de ganarse adeptos con esa mezcla de rumba-pop y flamenco que hace mejor que nadie. Ahora presenta Campamento Labandón, su séptimo álbum en estos 11 años de consolidada carrera. Su primer single ya es de sobra conocido, Aquí me tienes, pero a este romántico tema le siguen otros como Me hace falta dinero, Enamórate, La calle de los marginados, He decidido, Llamaré a tu puerta…y muchos más. Todos ellos y algunos de sus éxitos anteriores es lo que podremos disfrutar en una noche en la que está asegurada la fiesta, el buen rollo y la buena música.
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ENE. Teatro Circo Price 21 h.
NANCYS RUBIAS Punk, pop, glam y electrónica es lo que ofrece este grupo liderado por Mario Vaquerizo. Sus otros integrantes son Marta Vaquerizo (Nancy O), Juan Pedro (Nancy Travesti) y Miguel (Nancy Reagan). Desde que en 2004 se juntaran por pura diversión para hacer un grupo por un día y dar un concierto en la madrileña sala Morocco, han publicado cuatro discos con Warner Music. Temas como su primer single Nancys Rubias, Sálvame, Maquíllate o su último hit Peluquitas, son de sobra conocidos por los fans de la banda y todo el que ha visto el popular reality de MTV Alaska y Mario. Ocho años después, Nancys Rubias ha recopilado todos sus éxitos y tres canciones nuevas en un CD+DVD que podremos disfrutar en directo en un espacio tan especial como el Price.
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Teatro Lara 20 h.
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PATRICK WOLF SON Estrella Galicia inaugura el año con sus conciertos en el Lara con Patrick Wolf, que presenta su nuevo trabajo Sundark and Riverlight, música inglesa en estado puro. Hace ya una década que Wolf inició su carrera con un EP homónimo. Al año siguiente cayó su debut largo, Lycanthropy, y la bola de nieve empezó a hacerse grande. Sus proporciones no dejaron de crecer, hasta alcanzar cotas muy notorias en 2007 con su tercer trabajo, The Magic Position, que paseó por escaparates festivaleros del tamaño del FIB, Glastonbury o Reading. Se había convertido en el campeón de aquel lustro del pop arty, barroco y melodramático. Acabó agotado, saturado, y anunció su retirada. Pero regresó, cambiado y con un aura más positiva y colorista, menos torturada, evidenciándolo sobre todo en su quinta entrega, Lupercalia (2011). En 2012 ha publicado el doble Sundark And Riverlight, recopilación que recoge sus grandes éxitos pero regrabados para la ocasión.
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Música
EL HIJO
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ENE. Matadero Horario por confirmar
FOTO: David Fernández Huerta
El Hijo es el nombre del proyecto de canciones de Abel Hernández, quien fuera cantante de Migala y parte de Emak Bakia y que ha ejercido como productor de discos de grupos como Grupo Salvaje, Aroah, Ornamento y Delito o McEnroe, entre otros. Las composiciones de Hernández como El Hijo se vienen caracterizando por sus cuidadas letras en castellano y por un sonido rico y cálido con resultados que viajan entre cierto rock psicodélico, el dream pop más actual y el folk anglosajón de los 60 y 70. Hasta la fecha ha publicado los minielepés La piel del oso (2005) y Canciones gringas (2006) y los álbums Las otras vidas (2007) y Madrileña (2010). Ahora en 2013 le toca girar con su tercer LP, Los movimientos, producido por el mismo y que contiene un sonido de banda claramente distinguible del de anteriores trabajos.
LA RULETA DE LOS 40 CONCIERTOS ESTRENO
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ENE. Teatros del Canal 13 y 20 de enero
Brodsky Quartet es una de las agrupaciones camerísticas mejor posicionada en la vanguardia de la música de cámara internacional. Es obvia su predilección por el repertorio tradicional de cuartetos de cuerda así como obvio es el reconocimiento internacional ante su maestría, lo cual queda patente tanto por sus interpretaciones desde Haydn, Beethoven, Schubert y Tchaikovsky hasta Shostakovich, Bartók, Britten y Respighi, como por su extensa lista de premiadas grabaciones. Al mismo tiempo, el Cuarteto es conocido por sus vanguardistas colaboraciones con artistas de reconocido prestigio internacional incluidos cantantes como Elvis Costello, Anne Sofie von Otter, Dawn Upshaw y Björk, por sus participaciones con la Complicite Theatre Company, con el poeta islandés Sjon , así como sus colaboraciones con compositores de la categoría de John Tavener, Lutoslawski, Peter Sculthorpe, Django Bates o Sally Beamish. En 2012 se ha cumplido su 40 aniversario y para celebrarlo ha diseñado este programa con 40 cuartetos de su repertorio situados en una ruleta que decidirá qué obras se interpretarán.
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