EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com. David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Abril 2016
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reportaje Visibles
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en portada Ayami
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críticas
estrenos El trompo metálico
proscenio Abel Zamora
www.facebook.com revistagodot
@RevistaGodot
FOTO PORTADA: INRI3721 y Pablo Quetglas
estrenos La soledad del paseador de perros
entrevista Itziar Cabello estrenos La belleza del escarabajo
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estrenos Tommy y Mickey
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TALENT Big Boy
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cómico destilado Juan Vinuesa
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voz en off
Hermosa fatalidad Jorge Luis Borges al recibir en 1979 el Premio Cervantes en su discurso de agradecimiento pronunció las siguientes palabras: “un Rey, como un Poeta, recibe un destino, acepta un destino y cumple un destino y no lo busca, es decir, se trata de algo fatal, hermosamente fatal”. Yo lo del Rey no lo veo nada claro, pero entiendo perfectamente el caso de los poetas. Solamente a través de las palabras son capaces de VIVIR. De VIVIR de la forma en la que se vive de verdad, no sobreviviendo simplemente a base de alimentarse, respirar y excretar, si no viviendo a pleno rendimiento, sintiendo la alegría y el dolor, percibiendo los colores y los sabores con verdadera nitidez, disfrutando como si cada día fuese el último. Dentro de este grupo de poetas incluiría también a la gente que se dedica al Teatro. A ellos les sucede lo mismo. Su existencia viene determinada por un destino ya marcado, una fuerza interior que les empuja a seguir por el camino incierto de las artes escénicas. Solamente son capaces de sentirse realizados explicando y entendiendo la vida sobre un escenario, fundiéndose en palabras y gestos, a través de otras pieles. Gracias a este soporte y a este lindo trabajo que es hablar y escribir sobre teatro voy encontrándome con ellos. Me cruzó por las calles de Madrid con esa fauna de creadores, directores, intérpretes, titiriter@s, dueñ@s de sala, gente de prensa... y veo en sus
Sergio Díaz
ojos algo especial. Un brillo que sólo se encuentra en la mirada de los que tienen muy claro lo que quieren hacer con su vida. Y saben que el Teatro es su vida. Y no es fácil, porque en esos encuentros no se suele hablar de las últimas vacaciones que nos hemos pegado en Saint Moritz, o del yate que vamos a alquilar este verano. Se habla de la última sala que ha cerrado (Biribó in memoriam), del IVA que nos sigue machacando, de la altísima cuota de autónomo que tenemos que pagar, o de cómo llegar a fin de mes. Pero aún así, esta gente denota una determinación y una tenacidad admirables. Es que simplemente sienten que no pueden hacer otra cosa. Es verdad que la mayoría ha tenido que dar algún rodeo y ha dedicado parte de su tiempo a otros menesteres para poder pagar sus facturas (qué sería del gremio de los camareros sin los actores/actrices), pero una y otra vez se levantan y vuelven a su origen, retomando la senda que les lleva por el camino correcto, el de VIVIR la vida plenamente. Yo nunca he tenido muy claro cuál es mi destino. Creo que escribir se acerca bastante, pero no estoy ni de cerca en el camino de un poeta. No veo ni sus huellas. Tan sólo escribo para entender y para ser. Hoy escribo en el día Mundial del Teatro (27 de marzo). Y quiero agradecer a la fauna de las artes escénicas que compartan con nosotros su pasión. Gracias por no renunciar a vuestra hermosa fatalidad.
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EN PORTADA
Ayami. Las brujas de la noche La Sala Nada acoge un interesante montaje teatral, con aroma al elegante cine clásico de los 40, de Daniel Cabrero. Cuidado, llegan las brujas de la noche... por Sergio Díaz La Sala Nada, ese rincón teatral de La Latina, va poco a poco consolidando su oferta cultural. Ya hemos visto en otros teatros montajes que se han gestado aquí (Píntame, Cómo matar a Julio Iglesias, El despertar de Voren...), lo que va dotando a la Sala Nada de una marca de identidad que la va haciendo cada vez más reconocible. Uno de esas obras que puede tener recorrido es este interesante texto de Daniel Cabrero, Ayami. Las Brujas de la noche. Con este montaje, que también dirige, pretende recuperar la tradición de la comedia de alta sociedad que tan de moda estuvo en los años 30 o 40. “La intención desde
Ayami, es recuperar el humor elegante, lleno de dobles sentidos que bordea el realismo mágico y que encontramos en fantásticos autores como Nöel Coward y su Espíritu Burlón, películas como La Fiera de mi Niña de Howard Hawks o Historias de Filadelfia de George Cukor. También tenemos nuestro referente patrio en Enrique Jardiel Poncela con obras como Los Ladrones Somos Gente Honrada o Usted Tiene Ojos de Mujer Fatal”, nos comenta Daniel. Pero qué sería de estas comedias de gente acomodada si no hubiese un misterio que resolver... Las grandes mansiones están llenas de secretos...
Comedia llena de misterio que bebe de las fuentes de la comedia de alta sociedad que tan de moda estuvo en los años 30 y 40 Desde el 1 de abril Sala Nada
FOTOS Y DE PORTADA: INRI3721 y Pablo Quetglas
Y esta obra también contiene todos los grandes elementos del universo que tan bien ha descrito Agatha Christie en cada una de sus novelas.
La cena de la venganza
Las Brujas de la noche era el sobrenombre que recibieron durante la II Guerra Mundial una unidad de aviación de la URSS formada exclusivamente por mujeres. Actuaban de noche y mientras volaban apagaban los motores de sus aviones para no ser escuchadas. Fueron el terror del ejército nazi. Unas pioneras. El terror de los hombres... Londres. Años 40. Ingrid ultima los preparativos de una cena muy especial ayudada por Grace y Audrey. Son tres mujeres atractivas y elegantes de la alta sociedad relacionadas, de una forma u otra, con James, marido de Ingrid. Lo que parece una agrada-
ble velada poco a poco se transformará en un plan macabro y de venganza contra quien osó desafiar el poder de las Ayami: Las Brujas de la Noche. Entre las tres conspirarán para una venganza en la que no solo tendrán que terminar con la vida del seductor marido de Ingrid físicamente, sino también con su alma. Con la fórmula últimamente recurrente de los dobles repartos (existe un creciente pluriempleo entre el gremio de actores/actrices para poder cobrar dignamente) encontramos a Vera Milán y Cayetana Cabezas (Ingrid), Irene Rubio e Irene Soler (Grace), Wada Muñoz y Lara Muñiz (Audrey) y Alexandro Valeiras y Jose Ygarza (James) interpretando esta enrevesada trama de suspense, comedia y giros inesperados que provocará la sorpresa y la sonrisa a partes iguales. Todo ello envuelto en ese aroma inolvidable y mágico de las películas de los años 40.
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VISIBLES
reportaje
por Sergio Díaz
cortometrajes. Todo ello con el denominador común de ser espectáculos y actividades que realizan personas con diversidad funcional.
Por fin ve la luz
FOTO: Jacobo Medrano
La Sala Tarambana lleva once años de trayectoria como espacio teatral de pequeño y mediano formato. Se han consolidado como sala alternativa en el barrio de Carabanchel y siempre están creando iniciativas con el firme propósito de ofrecer cultura -de calidad y de una forma accesible- a la gente. Tarambana también nació con un espíritu comprometido con la realidad que nos rodea, y hay realidades que nos suelen ser bastante desconocidas, invisibles a nuestros ojos. No solemos volvernos a descubrir lo que se esconde en otras vidas acaso más complejas que las nuestras -pero igual de plenas en sensacionessi no nos toca de cerca. Para ayudar a que todos podamos descubrir mejor el vasto mundo en el que nos movemos, partiendo por conocer nuevas realidades escénicas, del 7 de abril al 1 de mayo la Sala Tarambana va a desarrollar la primera edición del Festival Visibles [arte inclusivo]. Una primera edición dirigida a todos los públicos que contará con espectáculos de danza, teatro, conciertos, exposiciones y la proyección de
La idea de realizar este proyecto llevaba tiempo rondando a los gestores de Tarambana como explica Javier Crespo, el programador e impulsor del Festival, “hace años que queríamos poder organizar un certamen de arte inclusivo, para dar un lugar preferente en nuestro espacio a espectáculos y compañías que ayudasen a cumplir el objetivo de mejorar la visibilidad y la inclusión de los artistas con discapacidad en la vida cultural, tal y como se ha hecho en otros centros de arte como el Teatro Valle-Inclán o La Casa Encendida”. Y por fin va a ver la luz y han programado un mes de abril lleno de propuestas artísticas. A nivel escénico abrirá la muestra el espectáculo Mesa para Tr3S (7, 9 y 10 de abril, foto arriba izqda.) de la compañía Fritsch Company producido por el Psicoballet de Maite León con la colaboración de Amaya Galeote, Patricia Ruz y Antonio Ruz, tres reconocidos coreógrafos que explorarán nuevos retos artísticos con bailarines y actores
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con discapacidad. Le seguirá el espectáculo de teatro musical La bella y la bestia (14, 16 y 17 de abril. Foto abajo.) de Danza Down Madrid-Cía. de Elías Lafuente. Después vendrá la representación de la obra teatral Las visiones de Hildegard (21, 23 y 24 de abril. Foto página anterior abajo), interpretada por dos actrices con discapacidad visual, de la compañía Contando Hormigas. Pondrá el broche final A nuestro ritmo (28, 30 de abril y 1 de mayo. Foto arriba) un espectáculo de danza en donde el baile Flamenco es la principal vía de expresión. Un proyecto que nace en el Estudio de Danza de Isabel Olavide y pretende mostrar los beneficios que aporta la danza a cualquier ser humano. Deberíamos mirar más, descubrir más. Deberíamos acercarnos más a otras personas que luchan con tanto ahínco por sacar adelante cada hora de cada día. Deberíamos lograr que todos fuéramos visibles. La Sala Tarambana y tantos y tantos otros colectivos ponen su granito de arena cada día.
La sala de Carabanchel organiza este festival de arte inclusivo que trata de dar visibilidad a nuevas realidades escénicas Del 7 de abril al 1 de mayo Sala Tarambana
Música, pintura, cine... Dentro del Festival de Cortos de Carabanchel que viene realizando Tarambana a lo largo de esta temporada, podremos ver el 9 de abril trabajos cinematográficos hechos por personas con discapacidad. También habrá lugar para la música y el 15 de abril disfrutaremos del concierto Tambores Afanías, realizado por el grupo de percusión Afanías, un colectivo surgido con el claro objetivo del disfrute y el aprendizaje de la percusión. Y durante todo el mes la Sala Tarambana acogerá la exposición Otra visión. Otra mirada de la artista con discapacidad visual y auditiva Ascensión Mayoral ‘Chon’. Una serie de fotografías en las que nos muestra cómo percibe la realidad a través de sus sentidos.
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CÓMICO DESTILADO
Apuesten por ‘La Joven’ La Joven Compañía de Teatro Clásico está a punto de estrenar La villana de Getafe y el grueso del elenco no supera los 30 años. ¿Por qué no se invierte más en proyectos de este tipo? Para quien no lo sepa, esta compañía es una unidad de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música en la que jóvenes actores, además de participar en un montaje, se forman a través de diversos talleres y materias. Muchas horas y mucha disciplina. Indiscutibles maestros de la escena como Eduardo Vasco, Vicente Fuentes, Álvaro Lavín, Helena Pimenta, Natalia Menéndez, Roberto Cerdá o Laila Ripoll han formado parte de la dirección o del profesorado. Este año hay, digamos, dos ramas de ‘La Joven’. Una con el proyecto Préstame tus palabras, que acerca textos de Lope y Calderón (también han hecho una dramatización sobre Pedro de Urdemalas, de Cervantes, dirigido por Dennis Rafter), a los alumnos de Secundaria y Bachillerato y, otra, con el montaje de La villana de Getafe, dirigido por Cerdá y versionado por Yolanda Pallín. No todos son novatos, pero sí creo importante señalar que, algunos de los mejores actores que conozco, vivieron en ‘La Joven’ su primer “gran trabajo”, como Mamen Camacho, Francesco Carril, David Boceta o Eva Rufo. Cuatro animales escénicos. Y los valores y conocimientos que aporta este proyecto van mucho más allá. El propio Carril formó compañía, y hay muchos más; caso de María Prado (Cuarto y mitad, junto a Fernando de Retes) o Daniel Teba (Off you go). Incluso los hay que montaron espacios de exhibición, formación y gestión cultural, como Íñigo Rodríguez Claro y Javier Lara (Grumelot, junto a Carlota Gaviño y Jose Padilla) o Julio Hidalgo y Carlos Jiménez Alfaro, en la reciente PKMÑ. En conversaciones que he tenido con varios autores, ha surgido una idea que haría mucho por la salud de nuestro teatro: la dedicación de la sala de algún teatro público (la Max Aub del Matadero o la Princesa del María Guerrero serían idóneas) a la dramaturgia que se desarrolla en España. ¿Por qué no pensar también en algún espacio que, de forma continua, facilite el temido puente que hay entre la escuela de Arte Dramático y la industria? Los actores que salen al mercado cada año son cientos, sí, y es una labor difícil… pero se puede hacer mucho más de lo que se hace. Tres preguntas se hacía Michael Chéjov: “¿Qué ocurre con las numerosas y no contadas negativas sufridas por el dramaturgo de a pie hasta que consigue su primer éxito?, ¿y con las amargas decepciones del director novel intentando conseguir su primera gran oportunidad?, ¿y con las privaciones y humillaciones soportadas por el actor desconocido mientras espera su primer gran personaje?”. Nadie sabe dónde van pero sí tengo claro que, aunque la vocación sea eterna, la pasión no es infinita. Apuesten por ‘La Joven’.
Juan Vinuesa FOTO: Jean Pierre Ledos
CRÍTICAS
Las más valoradas en www.escenagodoff.com a 30 de marzo
Crítica: La cena del Rey Baltasar LazonaKubik Por Álvaro Vicente
El valor de la experiencia Sirva este pequeño artículo para homenajear a una sala, la que todos conocemos como “la kubik”, que en los últimos tiempos ha pasado a llamarse Lazonakubik. Homenaje porque cierra, porque se despide, porque desaparece, porque se va. ¿Realmente desaparece, realmente se va? No. Los casi 6 años que Fernando Sánchez-Cabezudo y su equipo le han brindado a Madrid y a Usera, al teatro y a la cultura de la ciudad y del barrio, a la creación escénica contemporánea, no se van a diluir fácilmente. Probablemente serán la base de proyectos futuros más ambiciosos y, por lo menos, igualmente provechosos. Ese es el valor de la experiencia, ese es el tesoro que nos guardamos todos los que de una forma u otra hemos tenido una relación con Kubik. Cierran reprogramando una de las producciones/joyas que se gestaron allí: La cena
del Rey Baltasar (10, 17 y 24 de abril), un trabajo sobre la pieza de Calderón de la Barca que ha dejado una honda impresión en todo aquel que la ha visto y/o vivido. Porque también el título de este artículo tiene que ver con esto. El valor de la experiencia de una pequeña compañía (Los números imaginarios) que han despegado con esta maravilla, y el valor de la experiencia de los que hemos tenido la suerte de sentarnos, literalmente, a la mesa con el Rey Baltasar, catatónico (brillante, hipnótico Jesús Barranco, sin él no podría existir este montaje), y las alegorías parlantes que le rondan (igualmente muy bien interpretadas por Rubén Frías, Kev de la Rosa, Alejandro Pau, Enrique Cervantes y Antonio Rodríguez Liaño). Cuando nos pregunten para qué sirvió Kubik tendremos que responder que para esto, para encontrar la forma de traer al presente un auto sacramental escrito hace 4 siglos y para darle sentido al valor de nuestra experiencia como espectadores.
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ENTREVISTA
Itziar Cabello “Creo en el Teatro cuando actúo en Espacio Labruc”
Itziar interpreta Yogur/ Piano junto a Marta Matute, Nora Gehrig, Daniel Jumillas, Jos Ronda y Gon Ramos Jueves de abril Espacio Labruc
Es tímida, de una timidez tal que hasta los aplausos le generan rubor. Pero cuando está en escena, cuando se mete en un personaje, es imparable. De esas actrices que transmiten con todo su cuerpo, incluso con un leve gesto, incluso con su silencio, son capaces de atraparte en la historia que están compartiendo. Empezó en Bilbao, su ciudad natal. “Empecé haciendo café-teatro. Allí podía sentir la cercanía con el público y me enganché a esa emoción”. Y es que el teatro que interesa a Itziar es el cercano, en el que puedes conectar de una forma más íntima con el espectador. “Respeto cualquier tipo de teatro y no voy a cerrarme a nada, pero el teatro que yo querría hacer siempre es un teatro que me permita conectar de una manera única e intensa con el espectador”. Y damos fe de ello: Árbol, Teresística, Aburrimiento chair... son montajes en los que hemos vivido y disfrutado de esa conexión. Montajes complejos todos ellos. “Me gusta el riesgo en el teatro, apostar por montajes que me remuevan por dentro, de esos en los que consigues emerger, vaciarte de ti misma para vivir al 100% lo que sucede sobre el escenario”. Y siempre la hemos visto en proyectos que no dejan indiferente, “a veces puede pasar que alguien del público se levante y se vaya de una obra. No es lo que pretendes de primeras, claro está, pero al menos has conseguido que el público se manifieste, has conseguido afectarle de alguna manera”. Ahora está en cartelera con Yogur/Piano en Espacio Labruc. “Labruc es como mi casa. Allí es el lugar donde más he actuado y más cómoda me siento. De hecho creo en el Teatro cuando estoy en Labruc”. Espacio Labruc es un lugar donde puedes ir a ver Teatro de verdad. Puede que su propuesta no sea la más convencional -ni lo pretenden-, que ni siquiera te guste lo que has visto, pero sientes que has visto algo hecho desde el corazón. “Allí hacen el tipo de teatro que me alimenta”. Y Yogur/Piano alimenta y mucho. “El montaje empezó a través de unos laboratorios. Yo me sumé al equipo del director, Gon Ramos, y empezamos a trabajar sin pretensiones, hasta que vimos que de esas jornadas de trabajo podíamos sacar algo, y así nació esta pieza de teatro puramente experimental, intensa, vivencial…”. Una pieza de las más interesantes de esta temporada. Teatro de emociones, que te remueve por dentro. Teatro que te obliga a pensar y a vivir… Teatro como el que hace Itziar Cabello. Teatro como el que le gusta hacer. Sergio Díaz
ESTRENOS
En esta estúpida época de morritos, selfies y postureos varios en la que nos hayamos inmersos, donde exponemos públicamente nuestra imagen para conseguir más ‘likes’ que nadie, me encanta que haya montajes así, que nos den una hostia bien dada en el careto y hagan saltar por los aires nuestra banalidad. Pero era de esperar con esta interesante compañía, Sudhum, cuyos proyectos siempre van por esa línea, representando piezas de teatro social y educativo donde los derechos de adultos y niños trascienden más allá de lo puramente artístico, y siempre lo hacen mediante un trabajo muy bien pensado y ejecutado. En La belleza del escarabajo, a través de la exploración con el trabajo gestual, textual y audiovisual, se sumergen en lo que ha significado la belleza a lo largo de la historia y lo que influye en el día a día de los seres humanos. Un escarabajo puede atraer lo más feo, como los peloteros que arrastran su propia mierda, a pasar a convertirse en símbolo de belleza, como el escarabajo dorado de los egipcios. Toda persona ya es bella por lo que puede aportar a los demás a nivel personal, no por lo que digan de ella las fotos de las redes sociales. S. Díaz
La belleza del escarabajo Jueves de abril Nave 73
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estrenos
Mickey, cansado de su relación estable y monótona con Grey, recibe en su casa a su amigo Tommy, un hombre ya harto de tener encuentros casuales e intranscendentes. A lo largo de una noche llena de borrachera, recuerdos y sorpresas, que marcará sus vidas para siempre, experimentan el límite entre la amistad y el amor. Tommy y Mickey mezcla el drama y la comedia para continuar la historia de dos de los personajes más entrañables de la obra teatral de Larry Kramer, Un corazón normal, que narraba el inicio de la crisis del VIH en la comunidad gay de Nueva York durante los 80. La intención de Jesús Amate, el autor y director de este montaje, ha sido “mostrar, desde un punto de vista humorístico, con revés al final incluido, el tipo de relaciones que pueden darse en el mundo gay, la eterna contradicción (tanto homosexual como heterosexual) entre amor, sexo, pareja, amante...”, según sus propias palabras. El resultado final: Un sainete gay. ¿Será éste un nuevo género teatral? Tratándose de un montaje con el sello Benamate todo es posible. S. Díaz
Tommy y Mickey
Domingos de abril Sala AZarte
El trompo metálico De miércoles a domingo Teatro del Arte
La dramaturga argentina Heidi Steinhardt y la actriz Anabel Alonso volverán a colaborar en el Teatro del Arte con El trompo metálico, como ya hicieran hace algunos meses con la obra El sepelio. Aunque en esta ocasión encontramos una diferencia notable. En El sepelio la actriz vizcaína era la productora del montaje y ahora la podremos ver al frente del elenco junto a Jesús Ruyman y Marina Cruz. El elemento que no cambia de hábitat es Steinhardt, una dramaturga-actriz-directora que nos está dejando grandes momentos teatrales con sus creaciones. El trompo metálico es una de sus primeras dramaturgias y fue estrenada en Argentina en 2007, donde permaneció cinco años en cartel cosechando grandes críticas y el afecto del público. Ahora podremos ver si aquí cala esta comedia dramática que, a través del humor absurdo y sarcástico, nos invita a reflexionar sobre el rol hegemónicao de la educación y los valores que transmite. La pieza pone en tensión el modelo educativo universal formado por las estructuras de poder, desarrollado por las instituciones, y avalado en los núcleos familiares.
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Mi soledad no responde a su nombre, solo al timbre de tu voz. Perro, tú. Perra, yo. Perros todos.
Dormíamos más de ocho horas, después de hacer el amor, dos o tres veces, y desayunábamos dos o tres veces también. Luego, nos sentábamos en el café, como franceses -con vistas a un paseo marítimo de asfalto-.
El pene es poco más que un clítoris. Ella lo evita y, a ras del piso, le chupa los pies. Pero él la sostiene por el pelo y, pronto, tiene su polla en la boca, como un pedazo de malvavisco o de asado del día anterior.
La soledad del paseador de perros Y como no podía llamarte ni tampoco escribirte, he hablado mucho con Dios. Y como no creo en Dios, hablaba con un amigo invisible. Y, como desde la infancia no tengo amigos invisibles, hablaba sola. Y esto es lo más difícil que he escrito nunca.
Del 14 al 23 de abril Sala Cuarta Pared
María Velasco es la autora, la codirectora junto a Guillermo Heras y una de las protagonistas de este diario dramático pensado para ciudadanos críticos.
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Proscenio
Proscenio
Un catalán mediando la treintena que se ha afincado en Madrid para desplegar su talento como actor, director y dramaturgo. Lo hemos visto actuar en A quién te llevarías a una isla desierta y en La fundación, y ha triunfado como autor y director de Yernos que aman y de Pulveriza.
¿Cuál es la pregunta que te gustaría que te hicieran en una entrevista? ¿Y la respuesta? La que menos, si prefiero cine, tv o teatro, eso seguro. La que más... Esta que me acabas de hacer y la respuesta ya la tienes. No, en serio, me gustaría que la gente se interesara por el trabajo que hacemos los directores. Es un poco de ego, sí, pero yo disfruto mucho con el trabajo de mesa al que dedico muchísimo tiempo en el proceso de ensayos, el análisis de texto, la partitura de dirección que se va creando con los actores para llegar a un lugar concreto. Es de las partes del trabajo que más me apasionan y poca gente pregunto por ello.
drama sin comedia no es nada y una comedia que no te haga amar a sus personajes y sufrir por ellos no es nada tampoco. Como espectador me apasiona el terror y siempre tengo en la recámara un montón de ideas para escribir un musical. Si pudieras elegir entre todos los actores del mundo, ¿a cuál te gustaría dirigir y por qué? No soy muy mitómano y tengo mucha suerte de trabajar siempre con actores que me gustan. A algunos los he seguido de siempre y nunca pensé que acabaría trabajando con ellos, a otros los descubrí en el camino y ya no quiero que salgan nunca de mi
En abril siguen en cartel sus obras Pulveriza (Nave 73) y Comiéndote a besos (Sala Tú) y prepara otras cuatro producciones que se estrenarán en lo que queda de año
Maykiso Artista visual que destaca por hacer fotografía de autor siempre con actores. En esta serie de retratos y pequeñas entrevistas, los visionarios de las nuevas corrientes escénicas han posado ante un objetivo enmarcados por elementos que van acorde al trabajo que realizan, a su particular punto de vista y a manías o tótems.
¿Actor, dramaturgo o director? ¿Por qué? Me cuesta mucho decidir. Yo me he formado para ser actor, siempre quise ser actor, desde muy pequeño y poco a poco la interpretación me llevó a conocer la dirección y ahora es una cosa que me vuelve loco y me encanta, sobre todo la dirección de actores. En otras parcelas tengo muchas carencias y me queda mucho por aprender, pero siempre me rodeo de gente muy buena que me ayuda y me enseña en el proceso. ¿Con qué género teatral te sientes más cómodo? Como actor soy un maldito dramas y la comedia me cuesta, porque creo que tengo poca gracia y poco instinto cómico. Es el mal de muchos actores, creer que estamos mejor cuando gritamos, lloramos, pataleamos... cuando en realidad la comedia es siempre un reto complicado. Como autor me gusta un poco de todo, pero nunca me decanto por un género puro. Un
vida. Rachel Weisz me gusta muchísimo y siempre he sido muy fan de Kenneth Branagh. Y me gustan mucho Manolo Solo, Eduard Fernandez, Patrick Wilson... ¿Cuál es tu objeto fetiche y qué significa para ti? Mi único objeto fetiche es mi libreta. Siempre tengo que llevar una, siempre dirijo con ella, siempre apunto cosas, notas, ideas... Simboliza la inseguridad de olvidarme de las cosas, pero también muchas cosas positivas, como un lienzo en blanco en el que poder crear (por eso me gustan sin rayas, ni a cuadros). Me encanta pintarrajear, hacer dibujos, escribir frases o fragmentos de conversaciones que se me ocurren. Y cuando dirijo la necesito obligatoriamente para apuntar las notas que doy a los actores, para hacer plannings, para dibujar la escenografía, para hacer listados... esas cosillas. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodoff.com
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TALENT
Big boy
Teatro Lara Desde el 21 de abril TALENT MADRID es un concurso, laboratorio de creación y festival que se consolida en su cuarta edición como un referente en el descubrimiento e impulso de nuevos talentos de las artes escénicas. TALENT y los Teatros del Canal se comprometen con la creación emergente, ofreciendo un espacio a los artistas desde el cual poder mostrar su trabajo al gran público. En estas páginas hablamos con compañías que han participado en anteriores ediciones de TALENT y les preguntamos lo que significó este Festival en su trayectoria. Big Boy, el espectáculo de la compañía Guantuguanteatro, fue finalista de la edición TALENT 2014. “Para nosotros TALENT ha significado una motivación más para seguir adelante con nuestros proyectos. Fue una experiencia emocionante y enriquecedora de la que guardamos un bello recuerdo. Tuvimos la oportunidad de exponer nuestro trabajo en los teatros del Canal, junto con la posibilidad de que Albert Boadella viera el espectáculo y quisiera entrevistarse con nosotros”, comenta José Luis Montiel, uno de los integrantes de Guantuguan. A partir de ahí la obra se ha podido ir viendo en diferentes salas y sigue rodando y cogiendo fuerza. De hecho a partir del
21 de abril podremos ver en el Teatro Lara esta maravillosa historia de superación que es un homenaje a todos los que tienen que abandonar su tierra y sus raíces para aden-
trarse en un mundo desconocido. Big Boy es una soberbia muestra de entrega, voluntad y talento donde dos actores dan vida a casi un centenar de personajes. Es una obra imprescindible en tiempos difíciles, donde las mejores herramientas para sobrevivir son el sudor y el esfuerzo. El ganador de la edición de 2014 en la
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MADRID ENVERBENADO categoría de Teatro fue No se puede mirar, de la Cía. Benamate. Una obra que pudimos ver en la Sala Tú y en el Off de la Latina durante bastante tiempo (y de la que se ha hecho una segunda parte, Fluxus, que ha estado en cartel hasta hace pocas semanas). Para Jesús Amate, director de la compañía, lo mejor fue “que nos dieran el premio profesionales de mucha experiencia y sabiduría. La experiencia fue muy buena, lo vivimos con muchas ganas y fuimos muy bien tratados. Fue una emoción vivirlo. Quizás echamos de menos que programaran en el Canal a los ganadores de cada edición durante algo más de tiempo, pero está claro que ganar este premio ayuda”.
Una gran oportunidad
Otra de las compañías ganadoras de la edición 2014, en este caso en la categoría de Teatro Musical, fue Madrid Enverbenado, de Artes Verbénicas. “Ganar el TALENT fue un tremendo empujón para la compañía, ya que nos puso en el mapa. Y por supuesto, estrenarlo en los Teatros del Canal. Con el premio pudimos crear nuestro espectáculo y exponerlo. También tuvimos muchas facilidades para utilizar los espacios de ensayo, cosa que siempre es complicada. Sí que después del TALENT, tal y como está el panorama teatral, hemos vuelto al circuito off (al cual amamos), ya que es muy difícil mover un espectáculo de esa magnitud. Quizá el TALENT podría ayudar algo más en cuanto a distribución de las piezas finalistas. Pero nosotros tenemos muchas cosas que agradecer al festival” comenta Luis Tausía de Artes Verbénicas. Madrid Enverbenado ha estado hasta el mes pasado programado en Nave 73. Otros montajes ganadores como Interrupted y The Funamviolistas (ambos en 2013) los hemos podido ver recientemente en el Teatro Lara y Matadero respectivamente, lo cual indica que TALENT es un festival que proporciona recorrido. Es verdad que hay cosas que mejorar, y poco a poco se irán puliendo, pero la conclusión es que es una gran plataforma para dar a conocer trabajos que, sin propuestas como esta, lo tendrían un poco más complicado. Sergio Díaz
NO SE PUEDE MIRAR