EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com. David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Octubre 2015
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voz en Off
entrevista María Botto
12 14 estrenos El coleccionista
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estrenos Bienvenido, Señor de la Fuá
estrenos Mis cosas preferidas
en portada Píntame
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reportaje LAZONAKUBIK estrenos Tejas verdes
estrenos Shakespeare, la mujer silenciada
estrenos La Piel
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críticas
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reportaje Sólo con tu amor no es suficiente
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cómico destilado Juan Vinuesa
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voz en off
Navegando por ideas escondidas La nostalgia puede ser muy peligrosa. Viajar una y otra vez a lugares que nos resultan comunes y alejados en el tiempo suele ser uno de los placeres más amargos que existen en nuestro día a día. Cuando tu momento vital actual no va por dónde debería, echas la vista atrás añorando otras situaciones ya vividas que te resultan cómodas. No tienen ni siquiera por qué ser del todo buenas, simplemente tu mente las dibuja mejores -sólo por conocidas- que la incertidumbre que se abre en tu nuevo camino. Y cuando haces real esa añoranza y la revives volviendo a ese lugar conocido te das cuenta que, pese a estar todo en el mismo sitio, nada vuelve a ser igual. Sobre todo porque son muchas horas de navegación por los abruptos mares de la vida y tú mismo ya eres diferente. Cuando vivo una época de muchas preguntas trato de buscar las respuestas en mí mismo, dentro de mí. He pasado a solas conmigo mismo demasiado tiempo como para conocerme y saber por dónde tirar, pero no siempre soy capaz de encontrar esas respuestas que busco. Muchas veces tengo que recurrir a los árboles cuando paseo por un bosque o a meter los pies en la orilla del mar. Son momentos en los que encuentro la calma, me equilibro y vuelvo a pensar con claridad. Pero hay veces que ni siquiera la energía natural es capaz de apagar las dudas que me corroen y ya entonces tengo que recurrir a los libros. Suele ser la palabra escrita la que hace que me despoje de mi
Sergio Díaz
duro exoesqueleto y me convierta en un ser que vive y siente a flor de piel, que absorbe la energía que emana de la tinta impresa. Y es que la palabra escrita es mi medio, la forma que siempre he tenido de canalizar mis emociones. Dentro de mis lecturas de cabecera no suelen estar los grandes novelistas rusos. He leído sus libros y he visto sus obras de teatro. Conozco sus motivaciones y soy capaz de entrever en sus textos ya antiguos la actualidad de sus palabras, pero siempre me he considerado más devoto de los autores y autoras contemporáneos. Sin embargo, en esta época laberíntica de mi vida, se me vino a la mente el título de una obra de teatro (que es el título de esta columna también) que pude ver en la Sala Tribueñe la pasada primavera y que reivindicaba las ideas de célebres autores rusos, lo cual hizo saltar como un resorte una frase que estaba oculta en mi mente, pero que deseaba serme por fin de utilidad: “Cuando pienso en mi vocación no temo a la vida”, de Anton Chéjov. Cuando navegas por ideas escondidas que se van tornando turbias y que hacen que te ahogues, nunca sabes qué será lo que te haga volver a flote. Surgirá de donde menos te lo esperes. Aún así, afortunado de mí, además del salvavidas que me ha prestado Chéjov en este momento concreto, hace tiempo que camino sujeto a la mejor línea de vida, mi cable a tierra que me vuelve cabal -y loco a la vez-, esa sonrisa en la que busco yo la calma de la eternidad...
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EN PORTADA
FOTOS: Carmina Prieto
Píntame
por Álvaro Vicente
agotadas y un run run boca a oreja que iba Si hay una cosa que está haciendo bien la Sala recomendándola entre un público cada vez más Nada es dejar que las obras que programa maduvariopinto. “Tocaba pensar en un reto mayor”, dice ren, no doblegarse ante la fiebre compulsiva de la Román Reyes, “porque ya era viable plantearse ir a multiprogramación. Píntame es un buen ejemplo. una sala más grande, no quedarse en el conformisCuando confías en el valor de un espectáculo, por mo y asumir la responsabilidad.” pequeño que parezca, si le das el tiempo de asentarse y limar todas sus asperezas en la necesaria confrontación con el público, terminas encontrando El cuadro de una etapa de nuestra vida un camino de éxito y reconocimiento. Y una nueva Todo empezó cuando esos tres amigos que oportunidad frente a otros públicitábamos antes deciden cos, en otros escenarios. La obra poner en marcha un prode David Ramiro Rueda, conceyecto a partir de un texto Adriana Salvo, Iker bida y puesta en escena por el Azkoitia y Fran Gómez pro- de Ramiro Rueda todavía propio autor junto a sus amigos con mucha carga narrativa tagonizan esta obra amor, Román Reyes y Sergio Lardiez, (él proviene de la novela amistad y arte escrita por llega al Off del Teatro Lara con y esta es su primera obra David Ramiro Rueda la garantía de que su nacimiento de teatro). Tres productoras y desarrollo en la modesta sala se ponen manos a la obra: de La Latina ha servido para Lardiez Studio, Hypnos Desde el 1 de octubre apuntalar su calidad, cosechanFilms y Serie Teatro. Se Off del Teatro Lara do muchas jornadas de entradas conforma un primer elenco,
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del que todavía sobreviven dos de los tres actores: Adriana Salvo, que hace el papel de Elena, e Iker Azkoitia, que encarna a Diego. El tercero en discordia, Gonzalo, ha sido interpretado por Javier Server primero, por Mikel Bustamante después y, finalmente, por Fran Gómez, que se incorpora a este triángulo ¿amoroso? Desde luego hay amor, de muchos tipos: el amor entre amigos, el amor de pareja y hasta el amor al arte, literal. Porque arte, amor y amistad son las vértebras de una columna robusta, a pesar de que luego vivamos la obra como una sencilla historia de tres personas normales, como tú y como yo. “Quería hablar del arte y de los artistas, combatir esa idea frívola que se tiene desde fuera de la gente que se dedica, o que nos dedicamos al arte. Parece que estamos siempre de juerga y no, hay mucho sacrificio, mucho trabajo sin cobrar un euro. Eso está muy bien reflejado en un monólogo de Elena”, explica el autor. Porque Elena es artista, ama la pintura sobre todas las cosas, a veces incluso sobre todas las personas, o eso es lo que cree Gonzalo. El encuentro entre ambos al principio de la obra ya presagia lo que va a ser el tono general de la misma, que se mueve entre la comedia y el drama de la cotidianidad. Gonzalo, por su parte, es un joven que cree que su suerte cambiará cuando encuentre a la mujer de sus sueños y, mientras tanto, comparte piso con Diego, el típico amigo bromista al que adoras tanto como odias, según el día que tengais tú y él. El encuentro entre los tres en este punto del espacio/ tiempo que es Píntame tiene algo intangible que engancha al espectador, que lo lleva de la mano con ellos hasta un final sorprendente. “Creo que el secreto del éxito”, reflexiona Román Reyes, “está en que la obra es una unión de mil cosas de una forma muy natural. Es una obra bastante honesta, no pretende hacer fuegos artificiales para contarte algo sencillo, y eso ha conectado mucho con el público. Ese juego entre drama y comedia, presentado de una forma tan natural, tan fluida, tan fácil...” Al final, se trata, nada más y nada menos, de responderse a uno mismo aquella pregunta tan recurrente: ¿tú qué pintas aquí?
“Es una obra honesta que juega de forma natural entre el drama y la comedia, y eso conecta mucho con el público”
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entrevista
María Botto “Ser alguien, hoy, no significa ser feliz” La obra se basa en la relación entre una madre y su hija, entre el deseo de una y la otra, como dice el título. ¿Qué ocurre entre ambas? La obra habla de la decisión que tiene que tomar un hijo cuando el deseo del padre, la madre en este caso, es mucho más grande que el deseo del propio hijo. Aquí la hija se queda sin deseo, porque como la madre desea más que ella, la hija no tiene ningún motor que la accione. Lo único que hace es hacer lo que dice la madre, pero no tiene un deseo propio, no tiene unas ganas propias de hacer lo que ella quiera. Eso termina por paralizarla. ¿Cómo surge la idea de hablar de esto? Lo que quería Juan al escribirla es reflexionar sobre qué significa ser alguien. Ser alguien no es ser feliz, con tus hijos, con tus amigos, sino significa, en esta sociedad en la que vivimos, tener reconocimiento, ser famoso. Por lo tanto el ser feliz no entra dentro de ser alguien, ser alguien es una carrera contra los otros. A partir de esa idea empezó a escribir y nació esta relación entre esta madre y esta hija. La obra comienza con tu personaje en mitad de un intento de suicidio, parte desde el fondo del pozo, ¿no? ¿Qué haces si no deseas, si no tienes un motor que te lleve hacia adelante, si no tienes ganas de vivir, si no tienes ganas de amar, de trabajar en algo y disfrutarlo? La única salida es desaparecer. Y esa es la decisión que ha tomado esta chica y es ahí donde empieza la obra.
Con texto de Juan Diego Botto y dirección de Cristina Rota, Entre tu deseo y el mío reflexiona sobre el deseo como motor de vida Desde el 22 de octubre Sala Mirador
La madre, que hace Carmen Balagué, quiere que la hija triunfe como cantante. ¿Ella también es artista? No, pero quiso serlo. Aunque la obra no habla tanto de la frustración de los padres, del fracaso de un padre proyectado sobre sus hijos. Va de la relación simbiótica de una madre y una hija que la pasión de la madre hace que la hija pierda todo deseo en la vida. En escena también hay música, ¿no? Sí, hay canciones en directo, cuatro canciones, y está Mateu Bosch, que hace del chico, que aparece en un momento en el que todavía parece que hay una salida. Pero no se puede contar más... hay que venir a verla. Álvaro Vicente Lee la entrevista completa en www.escenagodoff.com
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REPORTAJE
FOTOS: Carmina Prieto
Sólo con tu amor no es suficiente por Álvaro Vicente te pillaban los nazis ensayando una obra patriótica La nueva criatura de Íñigo Guardamino tiene un polaca, ibas directo al campo de concentración. claro ‘leit movit’ que vertebra toda la historia: Me interesaba esa faceta de Wojtila.” El antagonis“¿qué haces si la persona que más te quiere te jode ta natural para este personaje, que aquí interpreta la vida?”. Una historia que arranca en Cracovia, un actor negro, Elton Prince, era el Padre Arrupe en 1942, con el foco puesto en el dramaturgo (interpretado por una mujer, Karol Wojtila (sí, el papa Juan Juana Cordero). El jesuita Pablo II), autor del primer microteatro. “Durante la Segunda De Japón a Bilbao, pasando bilbaíno fue la conciencia de los pobres en una iglesia que Guerra Mundial”, relata el autor, por El Salvador, este fresco lo odió por su compromiso “los polacos, para que su cultura sobre la dependencia emoinquebrantable. ‘Desterrado’ sobreviviera, montaban obras cional recorre 70 años del en Japón, vio estallar la de teatro en casas, para los convulso siglo XX bomba atómica de Hiroshiamigos. Obras sobre patriotas ma en 1945 y de allí se trajo polacos, sobre santos... porque para Bilbao a una pareja los nazis se lo habían cargado Desde el 2 de octubre Sala Nave 73 de siamesas unidas por la todo. De hecho, ser actor en ese pelvis, Megumi y Edurne, momento era muy peligroso, si
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que nacieron justo 9 meses después de la explosión y que vieron cómo su madre se suicidaba ante tal panorama.
Relaciones emocionalmente dependientes
Juan Pablo II, antes que papa, fue autor del primer microteatro de la historia en la Polonia tomada por los nazis
Los mundos de Guardamino
Wojtila y Arrupe fueron rivales y representaron las dos formas de la Iglesia de enfrentar la pobreza. Ambos habían quedado huérfanos con apenas 20 años. El primero se encomendó obsesivamente a la virgen negra de Czestochowa. El segundo se volcó en los más necesitados con una generosidad incondicional. Las siamesas, por su parte, viven su tragedia cotidiana: una quiere separarse y la otra no. Todo un reto interpretativo para las actrices que les dan vida en la obra, Esther Acebo y Ana del Arco. Buscan su lugar en el mundo y quieren creer que está en El Salvador, donde vive Pablo (Javier Prieto), otro ser unido casi enfermizamente a su madre. Este amor tóxico entre madres e hijos, fundamentalmente, es el pegamento de una obra que salta hacia atrás y hacia delante en el tiempo, fusionando tres historias en un fresco humano en el que, como anota Juana Cordero, “se habla de las elecciones personales”, con la cuestión religiosa como telón de fondo, con la generosidad y la soledad, la pobreza y la justicia, como temas principales. También la dependencia irremediable y la gestión del amor (no el romántico, sino el que tiene que ver más con la familia o con los otros en un sentido amplio). Como dice Ana del Arco, “las siamesas son la representación gráfica de eso que ocurre tantas veces en el día a día de mucha gente: ni contigo ni sin ti”.
La de Íñigo Guardamino (Bilbao, 1973) es una de las voces más genuinas del panorama dramatúrgico nacional. Los premios y sus estrenos recientes lo atestiguan. En 2012 ganó el Leopoldo Alas Mínguez de textos teatrales LGTB con El año que mi corazón se rompió y en 2014 el II Certamen de la Asociación de Autores de Teatro con Londres, Londres. Con Un resplandor en el cielo del norte ha sido seleccionado este año por la Fundación SGAE para el III Laboratorio de Creación. En las últimas temporadas hemos podido ver obras suyas en el Off madrileño, títulos como Castigo ejemplar yeah, estrenado en La Trastienda en 2014, o la estupenda Vacaciones en la inopia, nominada a tres Premios Max y estrenada en la sala Kubik en 2013.
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estrenos
El coleccionista El otro día escuché a Juan Mayorga decir en una entrevista que los buenos actores son aquellos que, con su elocuencia, sin apenas atrezzo, son capaces de hacer imaginar al espectador e introducirlos en la obra. En el escenario sólo hay una cama, un par de sillas, una caja de madera, un cuaderno y algunos dibujos, y yo estuve atrapado en el sótano donde se desarrolla la trama todo el tiempo, imaginándome en la piel de los dos protagonistas, asistiendo a esa lucha dialéctica y corporal entre dos personajes, víctima y verdugo, que afrontan la existencia y viven sus propias vidas de una forma radicalmente distinta. Dos perso-
Versión teatral de la novela de John Fowles interpretada por Juanma Gómez y Cristina Arranz y dirigida por Carlos Martínez-Abarca De viernes a domingo arte&desmayo
nalidades complejas y angulosas. Luz y oscuridad bajo un mismo techo. Vidas atormentadas.
Por primera vez en teatro
Arte&Desmayo estrenó hace dos temporadas, por primera vez en España, la versión teatral de la conocida novela de John Fowles que ya fue adaptada al cine en 1965. En ella un coleccionista de mariposas que vive obsesionado con una mujer ve cumplidos sus -macabros- sueños de estar con ella cuando, gracias a un golpe de suerte, puede comprar una casa de campo donde la encierra, poniendo a su disposición todo lo que desee, con el objetivo de que ella llegue a aceptarlo como pareja con el tiempo. Un duelo vital por poseer, dominar y ser amado. Un duelo vital por escapar, liberarse y ser amada. Un trabajo que afronta de manera magistral la deshumanización a la que estamos abocados en nuestra cultura dominada por el tener y no por el ser. Al terminar la función, cuando pude liberarme y quitarme el alfiler del pecho que me oprimía -me sentía como una mariposa más de las que Frederick tiene en su pared-, comprendí que Mayorga tenía razón. Sergio Díaz
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Fermín Cabal lleva más de 40 años de trayectoria a sus espaldas como autor y director de teatro, cine y televisión. Es más conocido por formar parte del grupo de autores que abordó la renovación de la SGAE tras la marcha del polémico Teddy Bautista, pero es un gran dramaturgo, un personaje comprometido con la verdad que le rodea, algo que demuestra en este texto, Tejas verdes, de 2003, que ahora ha reescrito para hacer una versión más ágil y dinámica. La obra es un homenaje a los desaparecidos tras el golpe militar que derrocó al gobierno de Salvador Allende en Chile en 1973. En 1998, momento en el que se sitúa la acción de la obra, Baltasar Garzón solicita la extradición del General Pinochet al gobierno del Reino Unido, por crímenes contra la humanidad y se revisan los casos de aquell@s que sufrieron la tortura, la desesperación y la muerte, como le ocurrió a Colorina. Es un texto que convierte convulsiones sociales en experiencias personales, desgarradoras, tiznadas de angustias, y también justificaciones de carácter pragmático y calculador. Todo muy humano y terrible. Este es el interesante viaje teatral que nos proponen desde Nuev9 Norte. Sergio Díaz
Tejas verdes
Desde el 3 de octubre Nuev9 Norte Teatro
“Shakespeare, la mujer silenciada” de Manuel Molins
16, 23 y 30 de Octubre 7, 8 - 14, 15 - 21 y 22 de Noviembre. Teatro Lagrada C/ Ercilla, 20 <M> Embajadores y Acacias. www.teatrolagrada.com gerencia@teatrolagrada.com Tfno. 912926477
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PROGRAMACIÓN
LAZONAKUBIK Y van 5. 5 años que lleva abierta esta sala, 5 años de cultura y compromiso con el barrio de Usera creando un sello teatral propio. El sueño de Fernando SánchezCabezudo no sólo se ha hecho realidad, sino que ha superado con creces las expectativas creadas en torno a él. Este proyecto nacía en un barrio que era un auténtico desierto para la cultura. 5 años después se ha consolidado y ha puesto a Usera en el mapa teatral de nuestra ciudad a través de un modelo de gestión cultural que combina investigación y calidad en los procesos creativos. Para celebrar esta trayectoria LAZONAKUBIK empieza la temporada con obras que exploran distintos conceptos artísticos e investigan sobre nuevos lenguajes teatrales. Octubre comienza con Las Princesas del Pacífico (2,3 y 4 de oct.), una obra que ya dejó un gran sabor de boca la temporada pasada. Wichita Co desde Valencia llegan con A España no la va a conocer ni la madre que la parió
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2 5 (del 9 al 11 de oct.), un retrato de FOTO: A España no la va a lo que ha sido España desde la conocer ni la madre que la Transición hasta nuestros días. Sólo parió, de Wichita Co. Nora, 1959 de Lucía Miranda. un día podremos disfrutar con la Beautiful Beach, de Antonio deliciosa Cía. Nao de amores y su Ruz. El misterio del Cristo de Misterio del Cristo de los Gascolos Gascones, de la compañía Nao de Amores. Las nes (15 de oct.). El mismo día 15 princesas del Pacífico, de la veremos cómo va evolucionando compañía La Estampida. Nora, 1959 un ‘work in progress’ de Lucía Miranda sobre aquellas mujeres que lucharon para que el universo femenino fuese ocupando el lugar que le corresponde. Del 22 de oct. al 4 de noviembre veremos La sala de Usera celebra Beautiful Beach, la última su quinto aniversario pieza coreográfica de abriendo temporada con Antonio Ruz que se ha montajes que siguen sus gestado en los laboratolíneas habituales: investirios teatrales de Kubik. gación y calidad teatral Como ven, es un modelo coherente que apuesta LAZONAKUBIK sin ambages por la calidad de los nuevos talentos en la creación contemporánea. Un modelo necesario para el teatro actual que esperemos pueda celebrar otros 5 años más... ¿en Usera? Sergio Díaz
ESTRENOS
Shakespeare, la mujer silenciada Del 16 al 30 de octubre Teatro Lagrada
Shakespeare, la mujer silenciada es un texto que juega con lo que fue y/o pudo ser. Podía haber sido una mujer la dramaturga que no podía firmar y que estaría detrás de ‘lo’ escrito por Shakespeare. Una mujer que le cedió su lucha interior, su rebeldía, su contestación a ‘lo’ establecido, su hipocresía, sus celos, sus amores imposibles al conocido autor inglés y que acabó en el más oscuro ostracismo. El texto de Manuel Molins plantea un juego de justicia interesante, ya que a lo largo de la historia (de la literatura, del arte, de la música, de la ciencia, de la vida...) surgen serias dudas sobre descubrimientos y hechos relevantes que se han atribuido al género masculino cuando habían sido mujeres las que lo habían realizado. Los escenarios de las comedias y tragedias de Shakespeare, Manuel Molins los coloca en una taberna donde la mujer silenciada vomita verdades como puños. Provocación, ironía, tristeza, lamento... Falstaff, la tía Margareth, Lady Ann, Ricardo III... personajes que han pasado a la historia gracias al profundo conocimiento del ser humano que atesoraba el grande de Sir William... ¿o quizás era Wilma? Sergio Díaz
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estrenos
FOTOS: Jean Pierre Ledos
La Piel En la pasada edición de SURGE se pudieron Una invitación al interior estrenar muy buenos trabajos, pero para Porque de eso se trata, de un cambio de piel, nosotros, sin duda, la revelación fue este de un mudar el espíritu, de un zambullirse entre monólogo oscuro y apasionante de Maltrago las cicatrices, las arrugas, las heridas y los lunaTeatro y la compañía La Cabra. Era cuestión res hasta encontrarse dentro y desembarazarse de tiempo que encontrara acomodo en alguna de una misma. En ese tránsito hacia una nueva sala madrileña para que lo siga viendo más resurrección, conocemos el proyecto de Mary, gente y empiece un viaje que, auguramos, va que quiere abrir un centro para suicidas. Mary a ser largo. Ya lo hemos habla con su móvil y es ahí dicho en otras ocasiones, donde empieza a darse cuenta este montaje es digno de lo lejos que está de su piel, Después de La sole, el de cualquier escenario, cuando ve que toca más su tertándem Valeria Alonsode cualquier festival de minal telefónico que a la gente Teresa Rivera presentan creación contemporánea. La piel, un poema escénico a la que quiere. Metáfora bruPorque La piel es una tal de la deshumanización. En sobrecogedor experiencia estética y escena, lejos de distanciarnos emocional única, donde por lo apocalíptico, la actriz al texto y dirección de rompe toda distancia e incorDel 7 al 28 de octubre Sala Nave 73 Valeria Alonso se une la pora al público a la reflexión. impresionante actuación Entre risas nos damos cuenta de Teresa Rivera, servida de que, como ella, estamos con un marco plástico de de mierda hasta el cuello, comida basura con apabullante belleza, obra de la gran escenóla que endurecemos el estómago y el corazón. grafa Elisa Sanz. Todos sus ingredientes son, “Cuando comes mierda se ve muy claro en la pues, acicates para el disfrute y la catarsis, piel”. La piel lo señala todo. Nos cubre y nos para viajar de la muerte a la vida. descubre. Es hora de cambiar... de piel.
estrenos
Ya hemos disfrutado de este divertido montaje de la factoría Tarambana cuando ha estado en cartelera. Ha estado de gira por España cosechando muy buenas críticas y ahora vuelve a su sala matriz para seguir haciendo disfrutar al público. Nacho Bonacho, el impulsor de Tarambana, dirige este texto de Salvador Leal en el que conocemos a dos ricas sevillanas del siglo XVII que viajan a París en busca de su sueño: ser damas de la corte francesa. Su desconocimiento del idioma y su desmedido afán por entrar en la aristocracia francesa, les llevan a malinterpretar un manuscrito real en el que creen leer que el Marqués de la Fuá viene a visitarlas. Laura García-Marín, Marina Muñoz y Eva Bedmar protagonizan esta comedia de enredo llena de juegos de palabras y absurdas situaciones que harán que el espectador no pare de reír. Una trama basada en dos premisas: la creencia de que nuestro sueño está en manos de otros, como expone Berlanga en Bienvenido Mister Marshall, y la pretensión de ser alguien especial y superior ante los iguales, como en Las Preciosas Ridículas de Molière.
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Bienvenido Señor de la Fuá 3, 10 y 17 de octubre Sala Tarambana
Dios contra Eva Eisenberg Jueves de octubre El Umbral de Primavera
FOTO: Eva Eisenberg
Llegar a Londres con un montaje propio y conseguir estar un año allí mostrando tu trabajo es un dato reseñable para poner en el curriculum. LaCanoa Teatro ha conseguido hacer eso y ahora ha vuelto a España para dar a conocer este interesante trabajo del joven dramaturgo Saúl F. Blanco, dirigido por Jano Sanvicente y protagonizado por Yolanda Vega. Es un thriller con trazos de comedia negra donde conocemos a una mujer que ha pasado su vida huyendo de todo y cuyo mayor anhelo tal vez sea huir de sí misma. Eva desea un cambio de aires y lo que parecía apuntar a convertirse en una escapada que clama rebeldía e independencia se convierte en la serie de acontecimientos más fogosa, romántica y reveladora de toda su vida. ¿Qué episodios ha de vivir una persona para dejar de permanecer atrapada en los recuerdos? ¿Puede discernir el alma humana entre el bien y el mal cuando está atrapada por el amor?
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estrenos
Obra de la dramaturga argentina Macarena García Lenzi interpretada por Valeria Giorcelli que, tras haberse estrenado en Buenos Aires, llega a España avalada por una gran cosecha de críticas, gracias al gran trabajo de la actriz protagonista y a la original estructura del montaje. Es una pieza para cuatro personajes, con uno sólo en escena. Una mujer recibe en su salón a sus tres amigas de la adolescencia, visitas que sólo ella puede ver, y alrededor de la mesa se entabla una conversación que pone de manifiesto el reencuentro de una amistad muy cercana que quedó suspendida en el tiempo. En el transcurso del ágape se irá revelando un pasado que ni ella misma recordaba. O que no quería recordar... Llena de giros y de humor negro el trabajo físico y vocal de Valeria hace que podamos percibir perfectamente a sus tres acompañantes invisibles y que nos veamos atrapados en una merienda inquietante -y algo esquizofrénica- en la que descubriremos la historia de una vida de obsesión y angustia. S. Díaz
Mis cosas preferidas Desde el 21 de octubre La Pensión de las Pulgas
El jardín de los cerezos Desde el 3 de octubre Teatro Réplika
Revisión poética del clásico de Anton Chéjov en Réplika Teatro con el núcleo duro de la sala encabezando el elenco. Siempre es un lujo poder disfrutar con Socorro Anadón y Jaroslaw Bielski (fundadores de Réplika), y aquí les vemos juntos en un texto y en un ambiente teatral que dominan a la perfección. A su lado algunos de los nuevos valores de la Academia del actor, la escuela que desde hace años está formando a grandes actores/actrices de nuestro país. De nuevo Chéjov y uno de sus textos más famosos. Ese cerezo que simboliza la pérdida de la inocencia, el fin de los sueños. Una obra que nos habla sobre el tiempo, sobre la acción y el inmovilismo, sobre los recuerdos que impiden ver la realidad. La destrucción y la reconstrucción. Siempre Chéjov porque hoy aquí también soplan vientos de cambio. La sociedad necesita reinventarse. Todos los pilares morales se tambalean. Hay que construir un mundo nuevo y el material dramático de Chéjov puede ayudarnos. S. Díaz
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CÓMICO DESTILADO
¿Pero es que nadie va a pensar en los niños? El pasado 26 de septiembre estuve en el Teatro Lara disfrutando de la obra Todo irá bien, de José Manuel Carrasco. La función es espléndida y, gracias al trabajo del propio Carrasco, junto al de Laura Barceló, Pilar Bergés, Juan Dávila e Ignacio Mateos en las tablas, el espectador transita por diversas emociones. Pero hubo un detalle que celebré especialmente: el patio de butacas estaba lleno de adolescentes. Adolescentes que salieron encantados y que acudieron gracias a su profesor de literatura, el dramaturgo y productor Luis López de Arriba. Y me puse a pensar en mis primeras veces teatrales: un espectáculo extraño en historia y otro en verso que ni recuerdo (rondaba yo los 11 años). Nada de eso me enganchó al teatro, ninguna de estos montajes me llevaron a interesarme por el arte escénico y quizá la razón sea sencilla: no los entendí. Es común llevar colegios e institutos a ver grandes clásicos: Calderón, Lope de Vega, Zorrilla, Shakespeare… y no tengo claro si es lo adecuado. Insistimos en todas las capas que hay en ellos, en la maravilla que supone el investigarlos, y me cuestiono cómo es la recepción cuando suponen el primer contacto teatral. El texto lo es todo ante ciertos autores, pero puede convertirse en un rocoso impedimento según la edad. Diferente es que lleguen con una propuesta que les ayude a entenderlo y a entusiasmarse (claro ejemplo es La Joven Compañía, de José Luis Arellano, tal y como me apuntó Íñigo Guardamino en una entrevista). Creo que los centros deberían apostar por montajes con mensaje y enjundia, sí, pero acompañados de un potente dinamismo. Recuerdo reflexionar por primera vez sobre este asunto al ver la mágica propuesta con la que Meridional Teatro contó la historia del universo en QFWFQ y pensar “cómo llamaría esto la atención a un adolescente y cuánto aprendería sin darse cuenta”. Hablamos mucho de lo importante de dar valor a la cultura en este país, y creo que una medida certera sería replantearnos la presencia de la misma en la educación. No sólo en cantidad, sino también en forma. Ya lo decía Helen Lovejoy en Los Simpsons: “¿Pero es que nadie va a pensar en los niños?”.
Juan Vinuesa FOTO: Jean Pierre Ledos
CRÍTICAS
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Crituits
Las más valoradas en www.escenagodoff.com a 29 de septiembre
Crítica: El Coleccionista Sala Arte y Desmayo Por Pere Ripoll
Una historia de manipulación y dominación Basada en la novela de John Fowles, es la historia de un perturbado coleccionista de mariposas que, tras ganar una quiniela, decide comprar una casa aislada en el campo y secuestrar a la mujer con la que está obsesionado. A partir de ese momento los protagonistas vivirán con intensidad una relación basada en la manipulación y la dominación. Bajo la dirección de Carlos Marínez-Abarca, la propuesta se desarrolla con más carencias que hallazgos. El repentino y forzado vínculo que existe entre sus personajes, víctima y verdugo, no consigue ser retratado con la complejidad que, tanto los comportamientos de uno como los del otro, demandan. La construcción de los personajes queda en un plano superficial. Juanma Gómez en el papel de Frederic realiza un buen trabajo en la corporalidad y la expresión de su personaje, está trazado con solidez, su presencia tiene peso, y es, desde el comienzo, un
narrador excelente; sin embargo ha apostado por el estereotipo, ese personaje antisocial, tímido y maniático, tan trillado por el cine americano. En esa misma línea de reproducción de un cánon interpreativo que no nos corresponde se desenvuelve Cristina Arranz dando vida a Miranda. La actriz es, sin duda, un torbellino de fuerza e impulso, sin embargo la manera en la que hermosea el texto, esa necesidad de control tan visible, desvirtúa completamente todo lo demás. La sencillez en lo técnico juega a favor del montaje, un espacio prácticamente vacío en el que lo realmente importante son los actores que dan vida a Frederic y a Miranda, pero no funcionan las convenciones cuando manipulan objetos invisibles, cuesta que armonice el estilo realista que presentan en todo momento con ese intento de jugar con la imaginación del público. Crítica completa en www.escenagodoff.com