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Ceremonia de entrega Lunes 30 de abril. Retransmitido por La 2 de TVE Disfruta Max
1998. I edición (Madrid)
1999. II edición (Barcelona)
2000. III edición (Sevilla)
2001. IV edición (Bilbao)
2002. V edición (Valencia)
2003. VI edición (Vigo)
2004. VII edición (Zaragoza)
2005. VIII edición (Guadalajara)
2006. IX edición (Barcelona)
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2008. XI edición (Sevilla)
2009. XII edición (Las Palmas de Gran Canaria)
2010. XIII edición (Madrid)
Organiza
2011. XIV edición (Córdoba)
Colabora
Retransmitido por
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FOTO: Roberto Álamo estará en el teatro Español con De Ratones y hombres. Pág. 46
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palabra de Ernesto Caballero
noticias
aquellos años Bulbul
portada
Nuria Espert
en cartel
entrevista Antonia San Juan
reportaje Lástima que sea una puta
www.facebook.com/revistagodot @RevistaGodot
opinión
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entrevista José Pedro Carrión
madrid off cómicos x madrid
reportajes Cosas que hoy decíamos / De ratones y hombres
menudo teatro danza / lírica música
dirección y edición GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 redacción redaccion@revistagodot.com, Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, Rubén González dirección comercial Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com maquetación y diseño David Hinarejos fotografía Karlos Sanz colaboraciones Rafa Romero de Ávila, Noelia Martín imprime Exce Consulting Group La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Palabra de...
Ernesto Caballero
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Laboratorio Rivas Chérif: una inversión Que inventen ellos… Aquella infausta frase de Unamuno también caló en la actividad teatral del pasado siglo. La falta de invención o de innovación escénica frustró el mejor teatro escrito en nuestro país por aquel entonces: Valle, Lorca, Max Aub y el del propio don Miguel, autor de la célebre proclama anticientífica. La verdad es que si a nuestra sociedad ya le cuesta comprender el sentido de la investigación en el ámbito científico y tecnológico, qué no decir de la incomprensión que manifiesta hacia tal actividad referida a disciplinas propias del mundo del arte y las humanidades. ¿Qué es lo que tiene que investigar un filólogo, un bibliotecario o un actor? ¿Qué beneficio nos reporta? En el teatro la palabra ensayo ya remite a ese proceso de prueba y error mediante el que se van poniendo en pie las obras; en general es un proceso de entre apenas cuatro o seis semanas en el que los actores incorporan una determinada partitura gestual, la de la puesta en escena del director. Se trata de un periodo muy reducido de preparación del espectáculo por cuanto en él deben resolverse diversos aspectos del espectáculo de no menor importancia: escenográficos, técnicos, de vestuario, de sonido, caracterización, etc… En este esquema resulta prácticamente imposible ahondar en los retos estilísticos que plantea cada texto teatral: la escasez de tiempo obliga a resolver con oficio la papeleta sin parar mientras en otras disquisiciones. A resultas de todo ello terminamos repitiendo esquemas consabidos con grave riesgo de caer en el estereotipo o en la copia de recursos expresivos surgidos en otras latitudes. Y es que el teatro en Occidente se define por la necesidad que tiene de renovar su lenguaje con notoria perentoriedad; se trata de una delicada planta que requiere de riego constante para que
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florezca de forma viva y elocuente. Esta es la razón por la que algunos profesionales están promoviendo interesantísimos programas de investigación y entrenamiento teatral exentos de las dinámicas profesionales al uso. Comparto con ellos la misma inquietud y el mismo empeño por llevar a la práctica teatral las muchas preguntas que suscitan estos tiempos de convulsión e incertidumbre. Sí, estoy convencido de que tampoco en el arte existen caminos previamente trazados, sino que se hacen al andar: explorando. Por ello, mi primera decisión como director del CDN ha sido la creación de un centro de investigación teatral que lleva el nombre de Laboratorio Rivas Cherif, en homenaje al insigne innovador de nuestro teatro. A lo largo de toda la temporada vamos a llevar a cabo diversas actividades relativas a las distintas disciplinas del hecho teatral; desde la creación dramática hasta aspectos técnicos de la maquinaria escénica, pasando, naturalmente, por la técnica del actor. Pretendemos con ello crear un espacio de libertad creadora exento de la presión que supone la dinámica profesional al uso. Estoy convencido de que una inversión de este tipo, basada en la exploración reporta a medio plazo enormes beneficios sociales, culturales y económicos. Y es que el nivel técnico de nuestros profesionales nos debe hacer pensar que ha llegado el momento de ser exportadores de teatro como hemos sido capaces de hacerlo con nuestra cocina o con nuestro deporte. Es cuestión de trabajo y de su hermana, la paciencia. Como dijo Confucio, a paciencia infinita, resultados inmediatos. Ernesto Caballero es el nuevo director del Centro Dramático Nacional. Información sobre el Laboratorio Rivas Chérif en http://cdn.mcu.es.
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aquellos años
TRASTEANDO
CON LA TECNOLOGÍA PUNTA Bulbul
Sobre todo me ha llamado la atención el detalle de las gafas. En la foto de arriba, en la que Bulbul da rienda suelta a su arte en su época de clubber, que le llevó por discos de todo el mundo, el tipo lleva unas gafas negras y bien modernas. En la de abajo, en plena faena en Sensormen, las gafas de pasta negra le dan un aire woodyallenesco muy llamativo para alguien que trastea e inventa continuamente con la tecnología punta. Será cosa de la madurez o de estar trabajando en un teatro, que siempre impone más con su solemnidad añeja. Lo que se ha inventado junto a Yllana, de todas formas, no tiene nada de añejo. Digamos que lo verdaderamente añejo, lo que está mucho antes del momento recogido en la foto superior, son ciertos datos de la biografía de este ¿músico?... parece que
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sólo con eso se queda corto. Bulbul tocó la batería en aquella canción celebérrima, Aquí no hay playa, del one-hit wonder The Refrescos. También pasó por Def con Dos y fundó los Petersellers. Pero a finales de los 90 se trajo una darbouka de Egipto y empezó a combinar la música de baile con la percusión por bares, discotecas y clubes de toda España. Míticas las noches de Bulbul en la cueva del Torero y míticas sus actuaciones en las fiestas de los hermanos Bardem. Aquello queda ya un tanto lejos y ahora, en su faceta de neo-luthier, si puede llamarse así, desarrolla proyectos como este junto a Yllana, Sensormen, que sigue en cartel en el Alfil con su propuesta de comedia, percusión y música electrónica. Sensormen. Teatro Alfil. Hasta el 29 de abril.
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Teatro María Guerrero
Del 20 de abril al 10 de junio de 2012
LA LOBA
de Lillian Hellman
Versión Ernesto Caballero
Dirección Gerardo Vera
Reparto Héctor Colomé Carmen Conesa Nuria Espert Ricardo Joven Paco Lahoz Markos Marín Jeannine Mestre José Luis Pellicena Ileana Wilson
Producción Centro Dramático Nacional Juanjo Seoane Producciones
Teatro María Guerrero Sala de la Princesa
Del 30 de marzo al 6 de mayo de 2012
LA PIEL EN LLAMAS de Guillem Clua
Dirección José Luis Arellano
Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
Del 16 de marzo al 29 de abril de 2012
EXTRAÑO ANUNCIO de Adolfo Marsillach
Dirección Mercedes Lezcano
Reparto José Luis Alcobendas Helena Castañeda Chani Martín Marina Seresesky
Reparto Mónica Aragón Ana María Barbany José Carabias Manuel Galiana Óscar Olmeda Kiko Sánchez
http://cdn.mcu.es Venta telefónica Servicaixa 902.33.22.11
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Noticias
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godot MAX de Honor e Iberoamericano 2012 Además de las 23 categorías a concurso, estos dos premios se entregan por designación directa de los galardones, junto al Premio Nuevas Tendencias y el Premio de la Crítica. El Max de Honor 2012 ha recaído este año en la actriz Julia Gutiérrez Caba (Premio Nacional de Teatro en 1970 y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1994). Esta gran figura de la escena ve recompensada así una vida entera dedicada a la interpretación en la que ha desarrollado un sólido bagaje en el cine y la televisión, pero siempre manteniendo un estrecho vinculo con el mundo del teatro. La actriz pertenece a la cuarta generación de una longeva saga actoral iniciada por el intérprete de zarzuela Pascual Alba Sors en el siglo XIX, hija de los actores Emilio Gutiérrez e Irene Caba Alba; sobrina de Julia Caba Alba y hermana de Irene y Emilio Gutiérrez Caba. Por su parte el Festival Las Translatinas recibirá el Premio Max Iberoamericano. Situado en el País Vasco francés, organizado por la compañía Théâtre des Chimères y actualmente dirigido por Jean-Marie Broucaret, el festival se ha consolidado, a lo largo de sus 30 años de historia como una ventana para la creación teatral latinoamericana, estrechando los lazos culturales entre las dos orillas atlánticas. Ambos agraciados recibirán sus galardones en la ceremonia de la XV Edición de los Premios Max el próximo 30 de abril en el Teatro Circo Price.
Julio Iglesias JR. en Grease, el musical Con motivo de la celebración del 40º aniversario de Grease, el musical que está triunfando en el teatro Arteria Coliseum, se incorporará, como estrella invitada, al cantante y actor Julio Iglesias Jr. en el papel de Teen Angel. Se trata de una colaboración especial que el artista llevará a cabo, durante un período de tiempo limitado, a partir de su estreno oficial, el martes 27 de marzo. Julio Iglesias Jr. actualmente reside en Miami y se instalará en Madrid para este nuevo proyecto artístico. El artista fue el ganador del reality de música Gone Country en 2008, de la cadena estadounidense CMT y, recientemente, quedó como tercer finalista de la primera edición del programa Tu cara me suena en Antena 3 TV.
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De comunión para un Carnaval El espectáculo infantil El carnaval de los Animales que desde el 31 de marzo está en el Teatro Bellas Artes (ver en nuestra sección Menudo Teatro) ha tenido una iniciativa de lo más curiosa relacionada con aquellos niños y niñas que este año hacen su primera comunión: el sábado 14 de abril pueden presentar un recordatorio, los guantes o algún elemento que sirva como prueba de su comunión y consiguirán una entrada gratis. Además, podrán subir al escenario los que vengan con su traje puesto y llévarse un recuerdo inolvidable: fotos debutando en el teatro junto a nuestros actores y músicos. Consulta las bases de esta promoción en: www.elcarnavaldelosanimales.com
XV Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena La Comunidad presenta el XV Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena Ciudad de Torrejón de Ardoz. Arrancó el pasado 29 de marzo y se celebrará hasta el próximo 20 de abril en el Teatro Municipal José Mª Rodero. Se trata de un concurso único en toda España, que tiene como objetivo mostrar el trabajo de las mujeres en la dirección de montajes teatrales para fomentar e impulsar la creatividad femenina. Durante el certamen se pueden ver las cinco obras finalistas de las 63 presentadas: El año que viene será mejor dirigida por Mercé Vila Godoy, Diagnóstico Hamlet dirigida por María Castillo, La indagación dirigida por Charo Amador, Absurdo ma non troppo dirigida por Marta Torres y, por último, la compañía Marta Carrasco con No sé si… El día 21 de abril se celebrará la Gala de Entrega de Premios. Bajo el título Y llevamos 15 años, la gala contará con un espectáculo de danza y música, interpretado por la cía. Dragones en el armario, basado en la interpretación del violinista Ara Malikian, de la obra Caprichos de Niccolo Paganini.
FOTO: El vicepresidente de la Comunidad en el centro. A su izq. Aída Gómez, y a su der. la alcaldesa de Pozuela.
Pozuelo acoge a la compañía de Aída Gómez La Comunidad de Madrid cuenta desde hoy con una nueva compañía residente de danza, la agrupación Aída Gómez, que tendrá su centro de creación en Pozuelo de Alarcón. Aída Gómez se suma así al programa que el Gobierno regional desarrolla con los ayuntamientos para fomentar la creación en la Comunidad de Madrid y promocionar el arte coreográfico. Este programa cuenta con ocho compañías en otros tantos municipios: Losdedae (en Alcalá de Henares), Larumbe Danza (Coslada), Malucos Danza (Galapagar), Compañía Antonio Gades (Getafe), Rojas y Rodríguez (Móstoles), Ibérica de Danza (Las Rozas) y Compañía Antonio Márquez (Villaviciosa de Odón), además de la nueva en Pozuelo de Alarcón. El vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid, Ignacio González y la alcaldesa de Pozuelo de Alarcón, Paloma Adrados, acompañados de Aída Gómez, fueron los encargados de presentar el pasado 20 de marzo esta residencia en el Mira Teatro de Pozuelo.
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Nuria Espert “Da miedo lo visionario de esta obra respecto al capitalismo” Un gran texto escrito por una mujer ejemplar, Lillian Hellman, que una gran actriz, Bette Davis, inmortalizó en el cine. Ahora Gerardo Vera, tras regalarnos a Amparo Baró en Agosto, nos obsequia con otra enorme intérprete en La loba. La Espert se mete en la piel de un ave de rapiña. Este montaje nos ofrece la posibilidad de acercarnos a una autora ejemplarmente íntegra... Y muy poco conocida. ¿Tú habías trabajado algún texto antes de ella o es la primera vez? Es la primera vez que hago una obra de Hellman, pero sí soy muy lectora suya, empecé con Pentimento hace muchos años, que es su biografía novelada, y después entré en sus obras: La hora de los niños, que aquí se llamó La calumnia, que es un texto extraordinario, o El otro lado del bosque... tantas obras espléndidas para una mujer, como tú has dicho, excepcional. Siempre estuvo en el lado de lo justo y lo pagó caro también, como todos los que estaban con ella. Se dice que su obra, en general, es excesivamente dramática... Sí, pero, ¿quiere eso decir que es mala? ¿Es una crítica? Es una obra dramática y punto, y la dureza no tiene nada que ver con la calidad, puede ser durísima y buenísima o durísima y malísima. Unir ambas cosas no me parece atinado. Pensar en La loba te lleva a pensar en Bette Davis. ¿Has revisado la película o te has olvidado de este referente a la hora de hacer este personaje? Yo vi la película cuando era jovencita y la volví a ver 20 años después. En cuanto apareció la posibilidad de hacer La loba en el teatro no he vuelto a verla, pero de una manera deliberada, porque
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“Lillian Hellman estuvo siempre en el lado de lo justo”
“Nunca está todo dicho en los grandes personajes, siempre hay caminos nuevos”
la presencia de Bette Davis en esa película es fuertísima y es una imagen que no necesito volver a ver para recordarla, bastante tengo con el recuerdo, no necesito afianzarlo más. ¿Surge algún conflicto para vosotras, las actrices, cuando hay que hacer un papel que ha quedado tan marcado en el imaginario colectivo por una actriz con tanta presencia y personalidad como Bette Davis? Si es una película magnífica, si es un éxito universal, es un inconveniente, que se resuelve en el momento en el que te metes en la obra y te das cuenta de que todos los grandes roles se pueden interpretar de muchas maneras. Nunca está dicho todo en los grandes personajes, siempre hay muchos caminos para rellenar un gran papel. El hecho de que Hamlet lo hayan hecho actores impresionantes, no es un inconveniente para que un joven actor con talento se enfrasque y saque de él nuevas facetas, porque nunca está todo dicho. En este caso hablamos de una gran autora y de un gran personaje. Sólo podía hacerlo una gran actriz como tú... Otra ventaja que yo tengo es que el cine tiene poco que ver con el teatro. Son lenguajes diferentes. Todos somos actores, evidentemente, pero yo voy a estar todo el tiempo en plano general, y Bette Davis estaba en primerísimo plano el 80% de la película; ella usaba unas armas y yo tendré que usar otras diferentes.
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ABR. Teatro María Guerrero Hasta el 10 de junio
FOTO DE PORTADA Y FOTOS DE REPORTAJE: David Ruano
Has dicho que este que vas a hacer en La loba es un personaje horripilante pero que no te parece difícil de hacer... Está muy muy bien escrito, es un personaje muy de tierra, no es una persona con pensamientos ocultos ni con un subtexto chejoviano, es alguien que habla y expresa sus bajezas o sus intenciones y sus debilidades, las habla y las dice de forma muy evidente, y no me parece que una actriz pueda equivocarse demasiado interpretándola.
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“El papel está muy bien escrito y eso lo hace más fácil de trabajar”
Abiertamente codiciosa, abiertamente manipuladora y abiertamente cínica. ¿Es esta una buena forma de definirla? Sí, y abiertamente frustrada, abiertamente desesperada y abiertamente desgraciada también. Porque es la hermana aliada con los hermanos en la rapiña, pero es también la madre desgraciada... Sí, sí, es una familia educada en la rapiña ya por un padre que Lillian Hellman
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En portada
describió muy bien en El otro lado del bosque, un padre monstruoso, maltratador, manipulador... Eso no está en La loba, está en esa otra obra en la que se cuenta la infancia de Regina, mi personaje. Y ese es el mundo en el que ella se ha educado. Sus hermanos son igual de ambiciosos y crueles que ella, pero más bastos. Ella se ha casado con un hombre refinado y eso la ha pulido mínimamente, pero en cuanto rascas un poco aparece la misma vulgaridad de sus hermanos y aparece toda su biografía, que es de una avidez carroñera. Lo que cuenta la obra sucede cuando el capitalismo está naciendo y donde ya se puede apreciar su potencial corrosivo en las personas... Da mucho miedo, ¿sabes? Cuando estás trabajando en una obra así, metida hasta el tuétano, da terror la predicción, la lucidez de la autora. Hay un momento en
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“Tanto La loba como Agosto son obras muy de mujeres, muy feministas”
el que, después de los peores momentos de la obra, de más avaricia y suciedad que te puedas imaginar, dice uno de mis hermanos: “este es el futuro de América, en cada casa habrá una familia como la nuestra, no se llamarán como nosotros pero querrán lo mismo y harán lo mismo para conseguirlo”. Y ella dice: “sí, eso espero”. Y así ha sido, tal cual. Quizá hace 25 o 30 años esas frases no hubieran sonado tan terribles como suenan en este momento. Las palabras que más usamos en la obra son ‘dinero’ y ‘ganar’. Papeles como este, y como el de la protagonista de Agosto, de Tracy Letts, que hemos visto recientemente en el teatro Valle-Inclán, nos están dando la oportunidad de ver y disfrutar de unas actrices como tú o Amparo Baró, en plena madurez y con toda una experiencia acumulada que da mucho sentido a trayectorias tan amplias y tan ricas.
Carmen Conesa, Nuria Espert y Jeannine Mestre
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Es una maravilla que Gerardo Vera haya tomado estas dos obras para concluir su labor en el CDN. Tanto en Agosto como aquí en La loba, las mujeres tienen un papel determinante en sus acciones y en las de los hombres, no solo el papel de Amparo, que estaba genial, también el de Carmen Machi y hasta el de la niña (Irene Escolar) que observa las actitudes de los adultos, que está tomando ya unas lecciones que utilizará después durante la vida. Son verdaderamente obras muy de mujeres, muy feministas. Y que ejemplifican cómo en la familia está contenida toda la problemática del ser humano, su conflictividad... Eso no es un descubrimiento ni de Lillian Hellman ni del autor de Agosto, porque hay mil autores que nos hablan de dramas encerrados entre cuatro paredes. El talento del escritor está en encontrar nuevas cosas que contar dentro
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de esas cuatro paredes. En un ambiente familiar pueden desarrollarse todo tipo de selvas, donde encontramos caos, dolor, furia, agresividad, injusticia, pero también ternura y amor... son temas muy bellos que no pasarán jamás.
“Nadie debe quedarse siempre en ningún sitio y Alicia Moreno se ha ido muy satisfecha”
Ya que hablamos de familia, una pregunta tierna y sin maldad que espero que me respondas como madre: ¿ha perdido mucho la cultura de Madrid con la marcha de Alicia Moreno del Ayuntamiento? ¿Que te responda como madre? Como madre te digo que lo de Cristóbal Colón fue una fábula y quien descubrió América fue Alicia y quien inventó la penicilina fue Alicia (risas). No, en serio, todas las cosas terminan, nadie debe quedarse para siempre en ningún sitio, hay que dejar paso a las ideas diferentes. Ella ha sido muy feliz durante estos 14 años y se ha ido muy satisfecha. Álvaro Vicente
En palabras de Ernesto Caballero, autor de la versión que veremos en el teatro María Guerrero dirigida por Gerardo Vera, “Little foxes (La loba), de Lillian Hellman, es todo un clásico de la literatura dramática norteamericana. Con claras reminiscencias chejovianas, la obra es un gran mural de las clases adineradas del sur en los primeros años del siglo XX. La autora fustiga la ambición desmedida y la falta de escrúpulos de muchos voraces especuladores que tras la guerra civil estadounidense se lucraron, fundamentalmente, con la industria algodonera”. Precisamente los dos hermanos de Regina Giddens (Nuria Espert) la involucran en su plan carroñero para explotar esas plantaciones algodoneras pasando por encima de los derechos fundamentales de los trabajadores. Hellman la escribió para el teatro en 1939 y dos años más tarde se estrenó la versión cinematográfica dirigida por William Wyler y protagonizada por Bette Davis, que fue nominada al Oscar como Mejor Actriz. En la versión que ahora disfrutaremos junto a Espert podremos ver a Héctor Colomé, Carmen Conesa, Ricardo Joven, Paco Lahoz, Markos Marín, Jeannine Mestre, José Luis Pellicena e Ileana Wilson.
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La Obra La Loba
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FOTO: David Ruano
MAR. Teatro María Guerrero Hasta el 6 de mayo
LA PIEL
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LLAMAS
Guillem Clua es uno de nuestros jóvenes valores en la dramaturgia nacional que ya ha eclosionado fuera de nuestras fronteras estrenando sus textos en EE.UU., Gran Bretaña, Grecia, Latinoamérica y hasta Chipre, entre otros. Nacido en Barcelona y habitualmente vinculado a la Sala Beckett de la ciudad condal, Clua ha recibido las alabanzas de crítica y público a toda su obra, en especial a Killer y a Marburg (de la que ya prepara Isabel Coixet su adaptación cinematográfica). Periodista de formación, su teatro es una mezcla astuta de cómo lo global afecta a cualquiera de nosotros en un momento concreto. El autor ahonda una y otra vez en los grandes temas que ocupan los titulares de los periódicos (la guerra de Irak, el conflicto palestino, el cambio climático, los nacionalismos,...) para acercarlos al universo de sus personajes y ver cómo estos reaccionan ante sucesos que normalmente les superan. Su preocupación normalmente va más allá de una temática comprometida y suele intentar jugar con la forma de sus creaciones, así como inculcarles ritmos trepidantes, estructuras del melodrama o de medios como la televisión o el cine. Ahora llega al CDN con La piel en llamas,
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una doble historia en la que por un lado nos encontraremos con Frederick Salomon, un fotoperiodista que consiguió la fama al capturar la imagen de una niña volando por los aires como consecuencia de una explosión que vuelve al país donde veinte años antes había tomado la conocida fotografía. Allí una crítica periodista local le entrevistará y debatirá con él sobre el papel de Naciones Unidas en su relación con los países del Tercer Mundo, el merchandising de las imágenes violentas y, por encima de todo, sobre lo que ocurrió exactamente el día fatídico en el que se tomó la foto. Simultáneamente, en el mismo espacio teatral tiene lugar la historia de otra pareja: la del doctor Brown y una mujer local, Ida, cuya hija está en coma en un hospital de la ciudad. Ida ofrece sus favores sexuales a cambio del tratamiento médico que puede salvar la vida de su hija o incluso, trasladarla a vivir a Occidente. Dos escenas contrapuestas de engaño y desesperación que van tejiendo poco a poco un argumento demoledor protagonizado por José Luis Alcobendas, Helena Castañeda, Chani Martín y Marina Seresesky, bajo la dirección de José Luis Arellano.
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FOTO: Marc Costa
MAR. Teatro Circo Price Hasta el 15 de abrtil
CIRCA “El espectáculo es pura poesía física. Una mezcla de sonido, luz, proyección, cuerpos en movimiento e increíbles acrobacias circenses”. Así define el director de esta compañía australiana y de este espectáculo, Yaron Lifschitz, lo que nos trae el Price este abril. Una forma muy especial de mostrar el hecho circense que ha hecho que se les considere una de las compañías más innovadoras a nivel mundial. En España aterrizan con Circa, una producción única donde las posibilidades coreográficas y corporales son infinitas y donde la poesía física lo abarca todo. Siete artistas se mueven enlazando secuencias acrobáticas y caídas con rápidos momentos rítmicos de gran complejidad, donde precisión y tiempo lo son todo. Un trabajo basado en el cuerpo, sin la necesidad de una compleja puesta en escena ni de elementos coreográficos adicionales. A lo largo de la función los protagonistas evolucionan explorando la increíble ca-
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pacidad del cuerpo humano, llevándolo al límite con posturas muy complejas y exigentes. La compañía con base en Brisbane (Australia) se ha granjeado una importante reputación tanto a nivel nacional como internacional, por su innovación en las artes circenses, su desarrollado repertorio y sus programas de talleres locales. La compañía ha paseado sus espectáculos por dieciocho países del globo desde el año 2006, recibiendo a su paso un caluroso reconocimiento del público. El ingrediente central de su reconocimiento ha sido la calidad de todos sus trabajos. Bajo la dirección artística de Lifschitz, se ha consolidado en apenas unos años como un centro de referencia para el circo contemporáneo. La audacia de sus propuestas se caracteriza por una mezcla de trabajo corporal, luz, sonido y acrobacias imposibles. Un lugar donde destreza y movimiento se unen intensamente de forma perfecta.
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ABR Círculo Bellas Artes Hasta el 22 de abril
Aún no estando muy arraigada la tradición carnavalesca en nuestra ciudad, el mejor carnaval de Madrid siempre se ha disfrutado en el Círculo de Bellas Artes. Dos meses después de su celebración su sala de teatro nos invita a otro... pero en el infierno. Visión humorística y musical del reino de Lucifer como sociedad organizada, como un lugar oculto y generalmente subterráneo donde uno guarda cosas que no conviene que estén al alcance de cualquiera. Canciones, danza y la perversión de textos de Dante, Sartre, Strindberg, Kafka o Goethe conforman este espectáculo de ‘teatro dentro del teatro’. Sátira humorística de cabaret literario llevada a cabo por la Compañía Dei Furbi, dirigida por Gemma Beltrán, que el pasado año obtuvo el Primer Premio en el XIV Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena con este espectáculo. Sólo tendremos 5 días para recorrer los entresijos más divertidos del apasionante lado oscuro.
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ABR. Teatro de la Abadía Hasta el 22 de abril
MUNDOS POSIBLES Kubik Producciones lleva a la Abadía un texto de John Mighton (El indomable Will Hunting), un thriller de ciencia ficción, una sencilla y profunda reflexión sobre la capacidad de amar, una historia de misterio al más puro estilo de Alfred Hitcoch y una reflexión filosófica sobre los avances de la ciencia y la responsabilidades éticas que ello conlleva. Características todas ellas muy del estilo de Mighton, un autor que bucea en la relación de las almas humanas con un entorno cada vez más hostil gobernado por la cultura tecnológica que devora nuestras entrañas hasta convertirnos en seres lobotomizados. Siguiendo la estela de innovación en el trabajo artístico inherente a Kubik Producciones es la primera vez que esta obra se traduce al español, para que podamos descubrir el trabajo de uno de los autores anglosajones más importantes de nuestro siglo. Un ejercicio de futurización acerca de la sociedad que habitamos en la que nos damos cuenta que la realidad, desgraciadamente, siempre supera la ficción
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FARSAS Y ÉGLOGAS
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MAR Teatro Pavón Hasta el 22 de abril
NUESTRA CLASE En Maus, cómic biográfico de Art Spiegelman sobre el holocausto, los personajes se muestran con rasgos faciales de animales. Así los judíos eran ratones, los nazis gatos y los polacos cerdos. Resulta curiosa y llamativa esa elección por parte del escritor queriendo reflejar el papel que jugó gran parte del pueblo polaco en esa época nefasta. Nuestra clase es un texto del polaco Tadeusz Slobodzianek y es la historia de 1600 judíos de Jedwabne, un pueblo de Polonia, que fueron conducidos hasta un granero y quemados vivos. La masacre fue atribuida a los nazis pero estudios posteriores han demostrado que los verdaderos responsables fueron polacos, la gente del pueblo, sus propios amigos y vecinos. Es una obra emocionante y conmovedora que disecciona los diferentes extremos que puede abarcar nuestra alma condicionada por estímulos externos como el miedo, las ideas, las religiones, los nacionalismos... Una obra sobre la dificultad de enfrentarse a los pensamientos de la masa y sobre la fragilidad de nuestra condición cuando lo primero que perdemos son nuestros principios ‘humanos’, dando igual si somos polacos o de cualquier rincón del mundo. Sergio Díaz
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En números anteriores de Godot ya hablamos de Ana Zamora, la directora de Nao d’amores, una compañía teatral especializada en teatro renacentista que ahora pone en escena un texto del salmantino Lucas Fernández, quien está considerado uno de los padres del teatro español junto a Juan del Encina. Lo publicó en 1514 en estilo pastoril y castellano, y es un espectáculo optimista, de celebración vital, un canto al amor que cuenta con un gran trabajo de investigación acerca de los textos, danzas y músicas que constituyen nuestra herencia, esas tradiciones orales ancestrales que se pierden en el tiempo y que nos encargamos de enterrar sobre los ricos cimientos del teatro del Siglo de oro, pero que gracias al trabajo de gente como Ana Zamora salen a la luz y nos reconcilian con lo que también fuimos.
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ABR. Teatro Fernán-Gómez Hasta el 13 de mayo
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MAR Teatro Español Hasta el 13 de mayo
DANI Y ROBERTA Personajes secundarios cuyas vidas transcurren por carreteras secundarias y que no importan a nadie. Así de simple puede ser el retrato de estos dos personajes a los que John Patrick Shanley, autor del texto original, llamó Dani y Roberta. Dos personas que podemos conocer, que forman parte de nuestro entorno o que podemos ser nosotros mismos. Dos personas anónimas cuyo proceso vital les ha alejado de lo que se conoce como vida placentera, cuyos sueños de infancia se perdieron tiempo atrás en una de las curvas en la que se salieron, o que quizás nunca llegaron a tener porque no les enseñaron a soñar. Dos personas que esconden sus sentimientos -o no saben identificarlos- y que actúan diferente a cómo en realidad son por miedo a parecer vulnerables. Dos personas que necesitan una segunda oportunidad, un minuto de atención, un rasgo cariñoso de su entorno. Dos personas que se encuentran una noche y que quizás descubran que sí importan. S. Díaz
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MAR Teatro Conde Duque Hasta el 15 de abril
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EN
LA
OTRA HABITACIÓN
¿Debe una madre renunciar a su vida y a sus sueños por su hija adolescente?, la exigencia de renuncia de una hija a su madre ¿es amor o es egoísmo?, ¿dónde está la frontera entre el amor y la dependencia? Todas estas preguntas son las que se hace este texto de Paloma Pedrero que vuelve a las carteleras madrileñas. Paula es una mujer que no renuncia ni ha renunciado a vivir. Y esto tiene un precio. Su hija, Amanda, se lo quiere hacer pagar. Porque tener una madre, o un padre, con un fuerte carácter hace mella en los hijos. Son las famosas ‘sombras’ con las que hay que convivir. Amanda tiene sus razones para enfrentarse a una madre egocéntrica que además osa invadir la intimidad de la hija entrando en su habitación. La obra es una sincera reflexión sobre las relaciones de amor y confrontación entre una hija y su madre.
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Entrevista
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Antonia San Juan
“Es la primera vez que navego por un texto sin miedo”
Tras su andadura en la gestión del teatro Arlequín, Antonia San Juan regresa a los escenarios madrileños junto a Luis Miguel Seguí y Jorge Monje con una obra de Dunia Ayaso y Félix Sabroso (La gran Depresión) sobre una pareja en declive por David Hinarejos
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MAR. Teatro Bellas Artes Hasta el 24 de junio
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Sois un equipo que os conocéis muy bien. Los directores y autores de la obra, Dunia Ayaso y Félix Sabroso, son amigos tuyos y has trabajado varias veces con ellos, sobre todo en cine, y Luis Miguel Seguí, coprotagonista, es tu pareja. ¿Que hay de positivo y de negativo cuando existe tanta confianza? No hay nada perjudicial, todo el encuentro con mis amigos de toda la vida ha sido totalmente positivo. Con Dunia y Félix todo es muy fácil, además el texto es muy bueno. Es la primera vez que navego por una obra sin tener miedo a no entender algo porque detrás siento una gran dirección de actores. La prueba de que todo ha ido muy fluido es que la hemos montado en apenas seis semanas. Repetiría todos los días. En esta dirección bicéfala ¿cómo reparten las tareas Dunia y Félix? Tienen muy bien repartidos los papeles. Para los actores hay una voz que es la de Dunia. Ella nos marca lo que antes han comentado entre los dos. Félix se ocupa más del texto, de dar forma a las ideas sobre el papel. ¿Y te ofrecen cierta libertad a la hora de crear el personaje? Cuando me dirigen prefiero estar encorsetada, me encuentro más cómoda. Yo intento seguir todas las pautas que me da el director. Félix y Dunia son especialistas en el género de la comedia, ¿estamos ante una? Cada texto tiene su historia más allá del género, estamos ante una comedia en la forma, y está claro que la gente se va a reír mucho. Pero también es una obra llena de contenido que trata muchos temas serios que nos pasan a todos.
La obra.
“Trabajar junto a mis amigos de toda la vida ha sido totalmente positivo”
¿Como es la relación de la pareja Victoria y Román, eje central de la obra? Son dos personas que no pueden vivir el uno sin el otro, y pasan del amor al odio en un instante. Con el tiempo se ha convertido en una relación sadomasoquista como todos las relaciones que llevan muchos años. Están en plena decadencia y a la vez están intentando reinventarse. Y entonces conocen a Federico... Él ejemplifica la nueva versión de ellos mismos, mas fresca y viva. Victoria le utiliza para poder salvar su relación. Victoria y Román también sufren otra crisis, la económica. En toda la obra se busca un paralelismo entre estas dos crisis. Ellos están viviendo el declive emocional y económico tras años disfrutando de las mieles de la cultura del pelotazo. Así que no dejan de intentar remontar el difícil momento que están viviendo.
“En la obra hay un paralelismo continuo entre la crisis sentimental y la crisis económica”
¿Cuando Dunia y Félix se pusieron con la escritura del texto ya pensaban en vosotros como protagonistas? Sí, lo hicieron pensando en llevarlo a escena con Luis Miguel y conmigo. En ese aspecto yo soy una actriz muy afortunada, ha habido muchos personajes que se han creado pensando en mi. ¿Qué sabor de boca te dejó tu andadura como directora del Teatro Arlequín? Vi cumplido el sueño de dirigir un teatro, pero también fue muy duro ver que cuando alguien se lanza a promover la cultura con su dinero no recibe ningún tipo de apoyo de la administración. Nunca recibimos ni un simple mail para felicitarnos. Y eso que si no hubiéramos intervenido el espacio hubiera dejado de ser un teatro.
DE CINTURA PARA ABAJO
Victoria y Román son un matrimonio de estafadores encubiertos que, a punto de acabar con su relación, están, sin embargo, condenados a seguir juntos ante la amenaza de una quiebra económica que puede llevarlos a la cárcel. Ambos, metepatas, compulsivos y torpes, queman sus últimos cartuchos en una fiesta, donde les va la vida para intentar solucionar sus vidas a dentelladas feroces. Todo esto ante la mirada ingenua pero no desinteresada de Federico, un joven arribista que se convertirá en su tabla de salvación.
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Reportaje
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ABR. Matadero Hasta el 21 de abril
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La prestigiosa compañía inglesa Cheek by Jowl, con el director Declan Donellan a la cabeza, nos trae su versión de una de las tragedias más violentas, intensas y arrebatadoras del teatro clásico británico. El autor: John Ford No, no estamos hablando del director de cine americano ganador de cuatro Oscar. Antes, mucho antes que él hubo otro John Ford, uno de los últimos representantes del llamado teatro isabelino, inmediatamente posterior a los años en los que Shakespeare lideró los ambientes teatrales ingleses. El autor de Hamlet murió en 1616 y Ford empezó a estrenar a partir de 1620. De su vida se sabe muy poco, nunca ha estado en el olimpo de la literatura, pero dejó algunas tragedias asombrosas por su violencia y su efectismo tan manierista, tan barroco ya. Entre ellas destaca, con luz propia, Lástima que sea una puta.
La obra: ‘Tis pity she’s a whore Este es el título original de una obra que se basa, fundamentalmente, en el incesto entre dos hermanos. John Ford vino a reventar las pocas buenas maneras que le quedaban al teatro inglés de aquel tiempo. Shakespeare probablemente hubiera tenido reparos en abordar una trama como esta, que pone sobre el tapete uno de los tabúes más espinosos de la civilización occidental. Todo ocurre en otro sitio, claro, no en Londres, pongamos. No, la cosa sucede en Parma. Giovanni y Anabella, hijos del potentado Florio, están profundamente enamorados el uno del otro y no tardará en salir a la luz este amor, aunque Anabella es obligada a casarse con quien no quiere. Giovanni tiene fuertes enfrentamientos dialécticos (de una belleza poética extraordinaria) con su confesor fray Bonaventura, que representa el poder eclesiástico. Hay treguas paralelas y más personajes involucrados, pero esencialmente todo gira en torno a la pareja de hermanos.
La compañía: Cheek by Jowl No es la primera vez que la prestigiosa compañía formada hace 30 años por Declan Donellan y Nick Ormerod, Cheek by Jowl, visita nuestros escenarios. Nos han ido dejando boquiabiertos con The Changeling, Cymbeline o Troilus and Cressida, grandes ejemplos de la renovación formal y de lenguaje escénico que suponen sus propuestas de los clásicos, no sólo los ingleses (también han montado a Corneille, a Pushkin o a Calderón de la Barca). Conociéndoles, no nos extraña que hayan convertido la tragedia más punk del teatro isabelino en un festival de violencia, sexo y elitismo donde los poderes fácticos, esos que realmente lo mueven todo en la oscuridad, se despedazan unos a otros hipócritamente, mientras dos seres humanos sufren por su sinceridad. Á. Vicente
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Opinión
El teatro bien, gracias. Dice el artículo 13 de la Constitución del 12, esa que hemos estado celebrando recientemente, que tiene el gobierno de turno la obligación de conseguir la felicidad del pueblo. Y ante la dejación de los políticos parece ser que es el teatro el que se va a encargar de ello. Lo digo, no sólo a tenor de la buena salud de espectadores que parece que se gasta en los últimos tiempos, si no por la cantidad de actores que han vuelto su vista hacia los escenarios comprobado que el cine español respira mal y hasta tose. Y no me refiero únicamente a la gente joven. Creo que puedo adelantarles que, si mis fuentes no fallan, antes de fin de año volveremos a ver a Marta Etura en el teatro, esta vez como actriz en La Gaviota que prepara Daniel Veronese y que llegará bajo un título inesperado. Parece ser que el director argentino se ha quedado prendado de esta deliciosa donostiarra que desparrama arte por doquier. También están los ya crecidos. En edad y en ego. No vean lo que me he reído con una Massiel, tan rotunda como siempre, buscando foco en Follies como loca. Ahora que sabemos que el montaje regresa a Madrid recomiendo a Mario Gas que le coloque una estructura sobre los hombros que sujete una buena luz para ella sola. Se ahorrará problemas. Yo no he podido menos que acordarme de mi querido Paco Valladares -al que lloro desde hace días- cuando recordaba las últimas palabras que le dijo el gran José María Rodero antes de morir: “Paquito, date importancia”. José Sacristán, en plena forma, también se va a mojar con un texto de José Ramón Fernández sobre el Quijote que dirige Luis Bermejo. El trío me gusta. O el cuarteto, si incluimos en la panda a Alonso Quijano. Y algo tiene de este personaje Adolfo Fernández que se enfrasca de nuevo en un proyecto de otro autor desconocido en España pero de largo reconocimiento fuera de nuestras fronteras: Fausto Paravidino. Este italiano, joven, mi edad me da licencia para decidir sobre eso, parió hace pocos años un texto tan particular como excelso que responde al seductor título de Naturaleza muerta en una cuneta. Bonito ¿no? Sólo me queda citar a Alberto Amarilla. El cacereño no es de esos intérpretes que se deja ver mucho en el teatro. Como actor, digo. Pero ha apostado por uno de los libretos más puñeteramente divertidos que ha visto la luz en los últimos años: Lúcido, de Rafael Spregelburd, un argentino con muy mala leche que se va mereciendo un sitio en nuestra dramaturgia. Dirige la ‘orquesta’ Amelia Ochandiano. ¡Qué bien!. Con lo que a mí me gustan las mujeres y en poco tiempo he podido hablar de tres directoras de escena en plena vorágine. Chiuti
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Eva se va al teatro Lo que duran las cosas y lo que han de durar. El teatro, como el deporte, tiene sus tiempos: su medias partes, su tiempo muerto, su tiempo añadido. “Señorita, ¿Dura mucho la obra?” Sí, no miréis para otro lado. Todos lo hacemos alguna vez justo cuando nos dan el programa de mano. “Oh, cielos. ¡¡Dos horas!! ¿Sin descanso? Esto se avisa”. Sí, claro, imagínense qué estrategia de venta: “Próximamente, en el Nacional, la obra más larga de la historia: 7 horas 22 minutos. Sin media parte. Vengan y disfrútenla”. Seguro que llenan el aforo. En el Matadero se ha estrenado estos días Los últimos días de Judas Iscariote. Dos horas diez minutos. Aproximadamente. Sin descanso. Lo que hablábamos. Pero pasa bien. Tiene muchos elementos que hacen que, si en un momento dado empiezas a oír un ruido en tus tripas o una presión en tu vejiga, te distraigas hasta nuevo aviso. La perfecta utilización de la nave, el juego de luces, el elenco actoral…Y lo llevas bien, pero claro, en ese tiempo añadido, en esos minutos de prórroga que decide el público para los aplausos, puede que pidas la hora como si fueras ganando por la mínima y te jugaras la Champions. En los Teatros del Canal también se ha estrenado Qué desastre de función. Dos horas treinta minutos. Con media parte, eso sí. Lo que pasa es que el ritmo de la obra es tan frenético que si no llegan a hacer descanso tampoco pasa nada. Porque lo que dura mucho ¿saben qué es? El descanso precisamente. Ese tiempo muerto se te hace eterno. Que ya has ido al baño, ya has cruzado las frases de rigor, ya has evitado cruzarte con quien no querías y… ¿aún quedan 5 minutos? Desde aquí lanzo una idea a los publicistas: ¿Qué tal unos minutos comerciales entre actos? Pero teatrales. Sí, minimonólogos anunciando los próximos estrenos o las obras en cartel. Si se hace, recuerden que yo di la idea. Que está aquí escrito. Finalmente, en el Lara, Secun de la Rosa interpreta Guillermito y los niños ¡A comer! Un monólogo de una hora diez minutos. Sin pausa. Que dura lo que dura y lo que tiene que durar. El ritmo y el tiempo exacto. Ni más ni menos. Un equilibrio perfecto. Como en el básket, el tiempo bien clarito en el marcador, y cuando suena la bocina, el árbitro no tiene ninguna potestad para añadir minutos porque sí. No hay ni quejas, ni protestas. Un resultado justo. Piiiii… piiiiii….piiiiiii. Este ha sido el silbato final. O sea, que hasta el próximo partido. Eva Mor
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Realidad ¿virtual? Sergio Díaz Soy un tío raro, lo sé, por eso a veces me sorprendo -y mucho- cuando alguien comparte -o finge compartir- mis pensamientos. Desde hace un tiempo pienso que formamos parte de un videojuego, que somos muñequitos pertenecientes a la civilización de los SIMS Capitalistas. Que todos estos ciclos vitales-sociales-económicos en los que nos vemos inmersos están más que pensados y orquestados por un grupo de programadores que viven descojonándose en sus islas remotas artificiales. Estos programadores son los dueños de las grandes empresas mundiales, de los grandes bancos, las grandes aseguradoras, las empresas de telecomunicación, las farmaceúticas, las constructoras, las empresas energéticas... Nos montan un sarao genial, épocas de extraña bonanza en las que podemos comprar todo lo que queremos, disfrutar en nuestros puestos de trabajo, ir al súper y que la cajera nos de un crédito... y así convertirnos en pequeños ‘consumistoides’ que aumentan la barra de felicidad acumulando cosas materiales. Y mientras, a ellos en sus islas, les aumenta exponencialmente la barra de la riqueza y siguen jugando a colocar en puestos de responsabilidad a ‘políticos’ que ‘administren’ nuestro dinero y hagan y deshagan a su antojo sin que nosotros hagamos nada para impedirlo (para qué, si tenemos TV de plasma). Luego se inventan un nuevo elemento del videojuego, un coordinador llamado mercados que es el que marca nuevas reglas y restricciones. Reglas que afectan al bienestar social, a nuestros sueldos y que de un plumazo destroza los derechos adquiridos durante años con el esfuerzo de tod@s. Y no sólo eso, además te das cuenta de que si quieres explorar otros mundos, cambiar las cosas (otro mundo es posible) no puedes, porque esa época de bonanza te ha traído como regalo una rígida cadena atada al cuello que es tu contrato casi de por vida con los programadores y tienes que ser tú quién asuma la mayor parte de los riesgos y consecuencias, no ellos, ellos que se han enriquecido ilícitamente con tu esfuerzo (y algo de estupidez, todo hay que decirlo). Tienes tanto que pagar, tanto miedo, el enemigo de final de pantalla es tan potente que no te atreves a levantar la cabeza ni a protestar... y te conviertes en el trabajador-esclavo del siglo XXI. Brillante ¿no? Es un plan tan genial, que sólo las mejores distribuidoras de videojuegos podrían haberlo diseñado.
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TRAS EL ÉXITO EN LOS TEATROS DEL CANAL AHORA VUELVE AL
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
DEL 3 AL 27 DE MAYO “Conmovedora y espléndida.” “Nadie debe perderse este Tio Vania.” Javier Villán (El Mundo)
“Una de las obras más logradas y populares de Chejov.” Juan Ignacio García Garzón (ABC)
“Excelentes actores. Aquí todo es perfecto.” Enrique Centeno (Teatro Crítica)
ESTA VEZ NO TE QUEDES SIN ENTRADAS 902 488 488
¡¡ HASTA EL 30 DE ABRIL APROVECHA LA PROMOCIÓN DE VENTA ANTICIPADA !!
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Entrevista
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José Pedro Carrión
“Esto es un profundo viaje de la noche hacia el día” ESTRENO
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MAR. Matadero Hasta el 27 de mayo
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Es la cuarta vez que está en un montaje de John Strasberg y, en esta ocasión, lo hace acompañado de Eusebio Poncela y Mercé Pons en la más poética de las obras de O’Neill por Álvaro Vicente Una luna para los desdichados, de 1943, fue la última obra larga que escribió Eugene O’Neill, tras Aquí está el vendedor de hielo y Largo viaje hacia la noche. La enfermedad que tenía le propiciaba un temblor en las manos que le impedía escribir, pero aquí echó el resto y consiguió, en palabras del director John Strasberg, encargado de la puesta en escena, una obra “poética, romántica, triste y plena de humor amargo y salvaje.” Los protagonistas son Jim Tyrone, el hijo mayor de un actor rico y famoso que está enamorado de Josie, la hija de un pobre granjero inmigrante irlandés, Phil Hogan, aparcero en las tierras de los Tyrone. Éste último es el personaje de José Pedro Carrión. Vuelves a trabajar con Strasberg... ¿cómo se fragua este nuevo proyecto? John Strasberg y Mario Gas llevaban tiempo dándole vueltas a un nuevo proyecto y finalmente cuajó Una luna para los desdichados, un texto que yo creo es muy oportuno para una época donde nos falta tanta alma. Strasberg tiene una predilección especial por este texto, ¿no? Como buen americano, está absolutamente enamorado de un texto que conoce y de un autor que adora, porque es el padre del teatro americano y creo que todavía no ha sido superado. Por muchas obras que veamos, nunca tienen la profundidad ni la dimensión poética que puede tener ésta. Él habla de que es una obra muy de actores. En tu experiencia con él, ¿cómo definirías su forma de trabajar con los actores? Aunque John también pertenece digamos al mismo modo de entender el teatro de Layton, Plaza, Narros, con los que yo me formé, realista, sobre la verdad y la experiencia en el escenario, yo necesitaba encontrar también una manera diferente de ver las cosas, y John es muy personal en esto, por su propia biografía. Yo me encuentro en el año 80 con él cuando lo trae José Luis Gómez, y desde entonces lo tengo sumado a los padres de mi formación. Es un maestro y lo más interesante es cómo él plantea una lectura de la obra yendo a sus elementos sustanciales, para que todo durante los ensayos sea una preparación para el momento de la representación con el público. Es un work in progress donde hasta que no está el público no se termina de armar la función. Entiendo que los ensayos son entonces una búsqueda del personaje, más que un simple montar la obra siguiendo un libreto... Sí, para mí ahora es muy difícil decirte de qué va la obra o cómo es mi personaje, porque lo que hemos hecho es analizar la obra no de una manera fría, sino yendo a donde está el magma, los elementos fundamentales del texto y de los personajes, que tienen que ver con los grandes temas de la humanidad: la supervivencia, el miedo, la ilusión, la creación de un sueño para sobrevivir, el amor, la muerte...
“Un texto oportuno para una época donde nos falta tanta alma”
“Hasta que no está el público no se termina de armar la función”
Finalmente, ¿qué nos está contando esta obra? Es un canto a la fraternidad, sería como la otra cara de aquel Largo viaje hacia la noche; esto sería más bien un viaje profundo de la noche hacia el día, en el sentido de que hay un planteamiento de vida en el que la muerte siempre está en juego, una manera de entender el sufrimiento y la frustración y de llegar al perdón.
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Desenmascarados
POLÍTICAMENTE INSUFICIENTE (Un despacho. Un hombre sentado en un gran escritorio. Es el candidato. Delante de él dos de sus colaboradores) Candidato: (muy dicharachero, hablando por teléfono) Eso será pan comido. Se acuerda hace 10 años mi cara cuando me lo dijo, cuando me eligiste, yo ahora me acuerdo... que vergüenza, y ¡¡¡qué visión la tuya!!!... Sí, claro. en cuanto se vaya confirmando saldré, que bien suena, Presidente...claro, hablaremos antes... adiós... felicidades a ti también (ríe). Colaborador 1: Estamos al 11% escrutado señor y la tendencia sigue siendo positiva, pronto alcanzaremos los suficientes diputados para la mayoría absoluta. Nuestras encuestas a pie de urna se confirman. Colaborador 2: De todas formas daré órdenes para que todos mantengan la calma. Y ofreceré las primeras declaraciones, mejor ser cautos todavía. Candidato: No demasiado cautos, odio la falsa modestia y lo sabes. Realistas, vamos bien y sí, todo apunta a que venceremos. No más preguntas (ríe). 3 horas después desde un balcón: (El candidato habla, los dos colaboradores están sonrientes detrás de él) Candidato: Quiero deciros que los resultados son concluyentes... ¡Hemos ganado las elecciones! (decenas de personas le aplauden en la calle). Hemos tenido un resultado histórico para nuestra formación... (mientras continúa el candidato con su discurso, el colaborador 1 fija su mirada en los pies de éste. Está descalzo. Habla con el otro colaborador murmurando) Colaborador 1: Yo volveré a Madrid, tengo segura una plaza con alguna secretaría general. Acabo de confirmarlo con la dirección. Tú deberías quedarte, es posible que tengas opciones en la sucesión. Colaborador 2: No creo que nadie me odie tanto. Este cargo es una manzana envenenada. Que otros lidien con lo que está por venir, ni siquiera soy de aquí. Si no me quieren en Madrid volveré a mi provincia, a esta gente ni siquiera la entiendo bien. (el candidato sigue con sus agradecimientos) Colaborador 1: Y éste (señala al candidato)... que será de
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por Darkhin él... Por un lado me da pena, han sido muchos años. Colaborador 2: Cada uno que aguente su vela, tuvo su momento, todos tenemos derecho a tener el nuestro. 1/2 hora antes en el despacho del candidato: (El candidato desnudo tumbado boca abajo en el suelo empuña unas tijeras entre el suelo y su cuello. Gritan al otro lado de la puerta) Colaborador 1: ¡Abra la puerta, no haga tonterías, es un trabajo, sólo eso, usted tiene mucho más. Una familia, amigos, podrá empezar de nuevo donde quiera! Colaborador 2: ¡Las empresas se lo rifarán, olvidará todo esto, ya lo verá!... Tírenla abajo, rápido... (la puerta se abre violentamente. El candidato no se inmuta. Entran apresuradamente varias personas. Silencio) Colaborador 1: Bien, nos quedaremos nosotros dos solos, los demás fuera (nadie reacciona) ¡Fuera! (se quedan sólo los dos colaboradores) Candidato: Me he dejado la piel, mi mujer ya me lo dijo “nunca llegarás a nada allí, te están apartando”, pero cómo caí. Sólo quería dejar de ser el jardinero de nadie y tener mi propio jardín. He abandonado todo por esto y así me lo agradecen, ¿que quieren más? Colaborador 1: Vístase, por favor. A qué viene esto, ha ganado, ha sacado más votos que nadie de nuestro partido aquí. Lo de gobernar, sabíamos que era complicado. Candidato: De nada sirven los votos si no te dan poder. Y estos no valen una mierda. Espero que esta tierra se hunda, no quiero de esta gente ni los trajes que con los que les he representado. Se acabó mi carrera política. Colaborador 1: Sea profesional por Dios. Tenga dignidad. Colaborador 2: Aquí está su ropa, pero no encuentro sus zapatos, creo que los ha tirado por la ventana. Colaborador 1: Hay que salir ya. Terminemos con esto. Candidato: (se pone en pie y suelta las tijeras) Superaremos esto juntos. Colaborador 1: Nos esperan cuatro años muy divertidos en la oposición. Sin preocupaciones, sin responsabilidades.
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Especial
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EN CARTEL
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MAR. Teatro Triángulo Hasta el 16 de mayo
FOTO: A la izq. imagen de Quiero que seas un nadador, a la der. de A solas
SCENA SIMULACRO 2012 El Concurso de Nuevas Tendencias Teatrales Scena Simulacro, organizado por la sala Triángulo y FIB-Actúa (la rama teatral del Festival de Benicàssim) sigue con su certamen en abril y nosotros como medio colaborador seguimos informando de todo lo que está por venir. Este mes, cuatro nuevas producciones a concurso aterrizarán los miércoles en la sala de Lavapiés. De una de ella ya os hablamos largo y tendido en la sección Off de este número en la pág. 35, se trata de la original Impromptus Op.90 que llegará el 4 de abril. Tras ella, el día 11 será el turno de El Rastro Teatro con A solas, un monólogo en clave de comedia en el que la actriz Pilar Crespo interpreta cuatro mujeres muy diferentes durante la investigación de la desaparición de un empleado de banca a las que las cuatro conocían. Un espectáculo sobre la independencia de la
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mujer contemporánea que se ha escrito gracias a la colaboración de las socias de A.M.A.M.A (Asociación de mujeres con cáncer de mama de Sevilla). El 18 de abril llegará Quiero que seas un nadador de la Cía. La Fabulosa con un espectáculo, según ellos, para personas a las que les gusta llorarlo todo. Desde una historia individualizada, la de Mari y Fran, se reflexiona sobre la acumulación de pequeños dolores, de cómo saber nadar contracorriente y llegar a la orilla más fuerte. La Cía Carmen Fumero cerrará el mes el día 25 con Ironía, una pieza de danza contemporánea de larga duración que utiliza la herramienta de trabajo más potente del bailarín: el cuerpo. Tres mujeres nos mostrarán una investigación coreográfica sobre la relación existente entre acción y movimiento, entre gesto y cuerpo, entre sentimiento y pensamiento, entre estar e imaginar.
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LA CASA DE LA PORTERA. DE J A S A LAS 20.30 H. D A LAS 19.30 H.
un chisme de Seguro que para la portera que allí habitaba hubiera sido para crear, artistas de grupo un reunían se allí que saber jugoso lo más de la anos cuadrad metros 100 los entre otras cosas, teatro. Y es que escénico espacio nuevo un ahora son Abades calle la de portería tigua al miado compar han algunos que y que abrió el pasado mes de marzo Los artífices dernos. sorpren de deja vista ya por no que cosa o, croteatr y las artes en de esta nueva y arriesgada aventura (fomentar el teatro son Alberto así) rada conside ser puede sólo ya , privado nivel a , general . Los dos director y actor , Martret Puraenvidia, director de arte, y José nombre mismo del ión asociac la por y espacio este por o han apostad , pintores s, músico , actores grafos, para aglutinar a directores, escenó y creaciones. obras sus mostrar y os, fotógraf y cos gráfi ores diseñad os destaDentro de la variedad que promete su programación querem Marpropio el por dirigida f, Ivan-Of a, escénic apuesta primera car su cuatro en teatro de obra primera la tret, versión actualizada de Ivanov, por Raúl actos que escribió Antón Chéjov. Nueve actores, encabezados llará en desarro se que obra esta de Tejón, darán vida a los personajes mente perfecta sido han cuales las casa, la de iones habitac las dos de s persona 22 sólo s, persona 22 n. ambientadas para la pieza en cuestió texto que un de r disfruta de idad oportun la tendrán , ntación por represe porque Martret quiere desempolvar y poner en el lugar que se merece os reivindiquerem que matices en rico tan je persona un es “Ivanov entre el car esta obra olvidada de Chéjov y darle el lugar que merece obra no se esta que injusto parece Nos s. maestra obras sus de resto que fuimos represente con más asiduidad. Madurar, superar al niño , es un uencias consec sus todas con adulta, vida la a frente y hacer able”, insuper s, persona algunas para trámite difícil, doloroso e incluso, la vida: una en todo tuvo lo que hombre un es Ivanov . director el afirma que amaba, estupenda posición social y económica, una esposa a la , la apatía tristeza la , eración desesp la años, 35 los cumplir al que pero donde fondo sin pozo un en o cayend y el mal humor se adueñan de él DHL or. alreded su a están que los todos a arrastra
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LA CRISIS DE LA ESPERANZA CNC-SALA MIRADOR. HASTA 29 DE ABRIL
La esperanza es lo último que se pierde, dicen, pero hay momentos en los que ni siquiera esa es una opción a la que agarrarse. Hay momentos en los que la única fuerza que te mueve es la desesperación. Aún sufriendo esta acuciente crisis que nos ahoga, la mayor parte de nosotros, afortunadamente, no estamos en ese punto, pero cada vez hay más gente que sí (y puede que cada vez seamos más). A Julián van a ascenderle en su empresa. En el bar donde cada mañana desayuna con sus amigos, Adolfo, Gabi y Pepe, la vida parece hoy que, sin duda, tiene un color especial. Son las 9 de la mañana y el día no ha hecho más que empezar. Así comienza esta comedia dramática, ácida, agria, negra plagada de humor corrosivamente reflexivo de Yassin Serawan y la compañía Itaca Producciones. Vivimos tiempos oscuros sometidos a un sistema dominado por una estructura mayor contra la que nos resulta imposible luchar y que nos relega al papel de meros espectadores -títe-
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res-, viendo cómo sin haber sido los causantes reales -sólo piezas- asumimos la mayor parte de las consecuencias de esta crisis. ¿Cuáles son las alternativas que nos quedan? Una es aferrarnos a lo poco que tenemos, y que cada vez es menos gracias a la labor de los políticos (la gente elegida por nosotros para que velen por el bienestar común) y de los mercados (sea lo que sea eso), agachar la cabeza y seguir remand o viendo cómo todo se va desmoronando a nuestro alrededor pero nosotros aún tenemos un trozo de cadena que no nos deja ir: la esperanza. Otra es tirar todo por la borda, saltar del barco e ir contracorriente, sublevarnos y pelear por nuestra dignidad aún a riesgo de no conseguir nada y ahogarnos definitivamente: la desesperación. Casi todos nos sabemos este cuento, casi todos conocemos estas alternativas, la único que nos queda por averiguar es cuál será nuestra actitud, qué será lo que elegiremos. Quizás sólo exista un camino, que la Otra nos permita alcanzar la Una. Sergio Díaz 33
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CANÍBALES GARAJE LUMIÈRE. DESDE EL 12 DE ABRIL
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obra sobre el holocausto, Nuestra Ya en la página 18 de este número hemos abordado una y desconcertante que puede dente sorpren lo sobre y , Gómez clase en el Teatro Fernán una vuelta de tuerca al tema dan Lumière llegar a ser el comportamiento humano. En Garaje 40 familiares en los campos unos a perdió quien Tabori, George o con este texto del húngar concentración y la reunión de campo un de concentración nazi. La obra se desarrolla entre descendientes de las víccon itz Auschw de vientes supervi dos tienen s que 25 años despué nder, para preguntarse compre para r, timas. Viajes desde el futuro al pasado para rebusca tas. e intentar hallar respues judíos hambrientos mata a un comDurante el tiempo de cautiverio un grupo de prisioneros n cocinero, prepara la comida profesió de ellos, de Uno pan. un uir pañero que logró conseg con un alimento nuevo en el menú... que no trata de denunciar los La compañía chilena Teatro Atómico nos trae este montaje implícitos. Es una obra que están aunque crímenes nazis, no es su argumento principal, nuestros propios principios, moral, la de límites los edimos transgr trata de explicar cómo extremas. Una obra en la nes situacio en o cuando estamos sometidos a una gran presión pretéritos, lejanos pero tiempos a nes regresio con vivos, los con s que coexisten los muerto e en otros rostros, en present de forma en no olvidados, y en las que el pasado se aparece una situación así se vivido ha que alguien que tas pregun mismas las otros ojos, pero con mismo cuando las uno con convivir de ad ha hecho cada noche. Una obra sobre la capacid Díaz Sergio . impiden lo nos acciones ejecutadas
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IMPROMPTUS OP 90 El impromptu es una pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza por la continua improvisación. Impromptu es también el nombre de esta obra y de la compañía que la representa. Una compañía que no hace teatro de improvisación como tal, hace más bien teatro de investigación surcando diferentes espacios para comprobar las distintas emociones que su trabajo provoca en los espectadores. Aún así algo de ese espíritu impromptu, que tan bien cultivaron genios como Schubert, se aprecia en su espectáculo, porque cada función es diferente, cada función se mueve al ritmo de los corazones de quien mira, latidos que los propios actores oyen por la cercanía con el público. Y es que en ese proceso de investigación la obra se ha sacado de una sala teatral propiamente dicha y se ha llevado a un piso que habitualmente funciona como galería de Arte, la madrileña galería Rina Bouwen (El cuarto de invitados en la calle Augusto Figueroa). Y 19 son
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GALERÍA RINA BOUWEN. 14, 15, 20, 21, 22, 28, 29 DE ABRIL. SALA TRIÁNGULO 4 DE ABRIL
los corazones que cada noche se oyen participando del juego que les proponen los actores. 19 invitados a esta pieza que se guarda en un frasco pequeño, como si se tratara de la esencia que un perfumista guarda para sí como un tesoro, como un secreto... el secreto de un personaje que altera la vida normal de tres herman os, el secreto de los ordenadores, del supermercado, de la hora de comer, del amor, del desayuno, de las peleas entre hermanos, de las tortillas francesas, el secreto de un agente secreto... esas son las piezas que se irán hilvanando para formar una función íntima y cercan a (que en marzo agotó todas las entradas los días que se programó), y que también tendrá su reválida con más cantidad de público. El pequeño frasco de perfume con aroma a Schubert y Bach se abrirá para más gente el 4 de abril, ya que esta obra es una de las elegidas para participar en Simulacro, el festival de nuevas tenden cias teatrales que organiza la sala Triángulo -y del que Godot es medio colaborador-, pero el resto de fechas volverá a su esencia natural, ese pequeño cuarto de invitados donde podremos disfrutar con uno de los placeres más bellos del mundo del teatro, sentir que están interpretando únicamente para ti... Sergio Díaz 35
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TRES MUJERES Y... ¿UN DESTINO?
NUDO TEATRO. VIERNES DE ABRIL
Lo primero que hay que decir de este montaje es que es una obra valiente, porque valiente es tomar una decisión que no sabes dónde te va a llevar, y valiente es arriesgarte a cambiar de vida persiguiend o tus sueños. Dos mujeres que quieren ser actrices, trabajan en algo que las aleja mucho de sus expectativas. ¿Qué hacer para acercarse a ellas? Pues crear su propia obra de teatro y lanzarse a representarla. Ingenioso y atrevido ¿no? Así comienza este espectáculo, narrando ese momento de emancipación de la vida impuesta para lanzarse al vacío, a lo Thelma y Louise. Y en ese camino encuentran otra alma viajer a que las acompañe y las tres juntas recorren a ritmo de comedia, y utilizando escenas míticas del cine, lo que ha sido su vida. Una vida de frustraciones, que parece ser la norma común entre los jóvenes de nuestra generación, pero ante la perspectiva anodina y gris del futuro que les espera, ellas inundan el escenario con la luz que irradia del crisol muticolor que son sus sueños. Unos sueños de libertad que quizás nos ayude n a los demás a luchar por los nuestros. Tres mujeres y... ¿un destino? Tres mujeres, tres destinos y la posibilidad que nos ofrece n con esta obra de teatro sobre la lucha y la perseverancia que homenajea al cine de hacer que muchos destinos nuevos sean escritos. Sergio Díaz
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Después de su estreno en el Festival La Alternativa, esta obra sigue en la cartelera de Triángulo, lo que indica que hay algo que rascar en su mensaje, que no se va a acabar mañana. La dirige Fernando Soto, quien ya dirigiera el gran montaje Mejorcita de lo mío. Y si buscan más avales, lo mejor es que vayan a verla, porque es un espectáculo de pura creación teatral y de intensa investigación emocional. Un ejercicio de asomarse al abismo de nuestras sensaciones más escondidas. Rocío García Cano y Pablo Paz son los actores que se enfrentan a sí mismos y asumen el riesgo de afrontar sus miedos y sus pasiones a través de esta danza de sentimientos agridulces, este poema en movimiento que supone un reto para los sentidos. Ambos convierten el espacio en un campo de acción física, como un relato paralelo y simultáneo de un texto crudo y comprometido, que con maestría ha sido creado por la coreógrafa Carmen Angulo. Con una puesta en escena fuera de lo convencional, las imágenes hablan por sí solas. Los diferentes planos se entrecruzan entre lo onírico y el rigor de la realidad, lo que obliga a los actores a desnudar sus almas, el ejercicio sin duda más complicado al que el ser humano tiene que enfrentarse, porque es complicado ser honesto con uno mismo, conocer tus propias limitaciones, ser consecuente con tus actos y sobre todo tener el valor de cambiar el rumbo si la vida te lleva por un camino que no quieres...
SI ESTO SE ACABARA MAÑANA SALA TRIÁNGULO. VIERNES DE ABRIL
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MORIR
TEATRO VICTORIA. J DE ABRIL
La Cía. DeseArte Teatro nos presenta este texto de Sergi Belbel, uno de nuestros dramaturgos más recon ocidos y director del Teatre Nacional de Catalunya. Son siete histor ias. Catorce personajes unidos por un denominador común: la muerte. Morir es la única certeza del ser humano. Morir es la lucha de la gente, de los jóvenes, el mundo y la sociedad por sobrevivir. Es un enfrentamiento a las frustraciones y una defensa por todo lo que aspiran y sueñan. Lo imprescindible que somos cada uno de nosotros en este mundo. ¿Cómo os sentiríais si supierais que por casualidad salváis la vida de la persona que tenéis al lado?
LAGRADA. DEL 27 AL 29 DE ABRIL
GEOGRAFÍA DE UN
En una sórdida habitación de un hotel un hombre está atado a una cama con los ojos vendados. Como un clarividente y en estado de trance a cada rato pronuncia los nombres de caballos de carrera. Estos caballos serán los ganadores. Santee y Beaujo, dos gangsters que lo vigilan, anotan estos nombres, y la organización mafiosa a la que pertenecen apostará por estos caballos. El negocio irá viento en popa... pero este turbio asunto tomará un cariz inesperado, el soñador de caballos está en crisis, ha perdido su poder de acertar. Interesante texto de Sam Shepard que nos trae la Cía. de Teatro de David Amitín.
SOÑADOR DE CABALLOS
RÉPLIKA TEATRO. DESDE EL 20 DE ABRIL
Vuelve esta obra a la cartelera de Réplika, con cambio de reparto, Emilio Gómez en el papel de XX el obrero materialista y apolítico, obsesionado por el trabajo y el ahorro compulsivo para, cuando regrese a casa, poder deslumbrar a todo el mundo. Jaroslaw Bielski es AA, el intelectual cínico y manipulador, refugiado político, aferrado únicamente a sus ideas. Ambos son dos desarraigados sin nombre, que tienen como único equipaje los recuerdos de un lugar que tuvieron que abandonar.
LOS EMIGRADOS QUIERO SER COMO ROCKY PLOT POINT. J DE ABRIL
Rocky ha marcado la vida y la manera de ser de Roberto. Tanto que lo tiene como un Dios, le reza, habla con él, le pide ayuda, mira sus películas como si fuera la Biblia. Es esa la única peculiaridad que tiene este joven boxeador que sueña con ser campeón mundial de boxeo. Pero como diría un ya experimentado Rocky Balboa: “El mundo no es todo alegría y color, es algo terrible y por muy duro que seas es capaz de arrodillarte a golpes. Nadie golpea más fuerte que la vida. Pero hay que soportar los golpes sin dejar de avanzar”.
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Visto y
PERRA VIDA, DULCES SUEÑOS MONTACARGAS. V Y S DE ABRIL
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Mucho ha llovido desde 1987, desde aquella tarde en París cuando representaron No te muevas, muñeca. Han llovido unos 25 años y ahí siguen Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves, en su Montacargas, la sala de Puerta del Ángel que cada mes nos obsequia con teatro de calidad. Un teatro donde prima siempre, por encima de todo, el trabajo del actor. Y una nueva prueba de ello es esta obra de Miguel Morillo que protagonizan los dos artistas que este año cumplen tan increíble fecha al pie del cañón interpretativo. Perra vida, dulces sueños es una vuelta de tuerca a La vida es sueño de Calderón de la Barca, un juego barroco traído a nuestros días. Él vive encerrado en la cárcel de una vida y un trabajo que no le gusta. Ella ha visto enjauladas todas sus ilusiones y se siente engañada. Ambos coincidirán una noche y con Barbara Streisand y Roberto Carlos (el cantante) como testigos, darán rienda suelta a sus ilusiones y encontrarán la fuerza y las llaves de sus respectivas celdas. Él para rebelarse contra la opresión laboral que sufre. Ella conseguirá vengarse recuperando su honor y su autoestima. 25 años son muchos en cualquier ámbito de la vida, y haciendo teatro aún se multiplican, porque muchas son las pieles en las que toca meterse en cada obra, pero siempre lo han hecho con rigor, profesionalidad y con ganas de hacer reír y pensar, sobre todo pensar, a los demás, y desde aquí se lo queremos agradecer: Compañía Montacargas ¡Muchas Felicidades! S. D.
Oído
Celebraciones. Celebro que la compañía del Teatro Guindalera haya podido estrenar finalmente una nueva producción, cuando hace unos meses todo parecía estar abocado al abandono, a la rendición, a colgar la bicicleta... ¡pero no! Siempre hay un rayo de esperanza que termina por salvar lo que lleva en su genoma la perdurabilidad que da la calidad, el buen gusto, el trabajo riguroso y el amor al teatro. Gracias a una iniciativa de micromecenazgo (esto de lo “micro” empieza a parecer ya una moda o una tendencia, porque entre el microteatro, el micromarketing y ahora los micromecenas... ¡que le den a la macroeconomía, esa cosa tan deshumanizada!) han podido reunir el dinero suficiente para montar otro de sus deliciosos montajes, no exento de riesgo, pues se trata de un texto tan narrativo como lleno de poesía y belleza: El fantástico Francis Hardy, curandero, de Brian Friel. El autor irlandés debe estar muy contento con Juan Pastor y su trouppe de Guindalera, pues le han estrenado ya, con este, cuatro textos (espero no olvidar ninguno). Y debe estar contento por cantidad y por calidad, que esta gente no da puntada sin hilo y sus montajes son ricas experiencias por mucho que en esta ocasión la acción esté dividida en tres largos monólogos que, al fin y al cabo, cuentan lo mismo desde puntos de vista diferente. Bruno Lastra, Felipe Andrés y María Pastor, los tres ejecutantes, están sobresalientes. Demuestran a todos aquellos que han puesto pequeñas sumas de dinero en esto que realmente ha valido la pena. Probablemente repetirán. No quiero acabar esta columna sin hablar de otra celebración, la de Teatro Meridional, que ha cumplido 20 años como compañía y lo ha celebrado en la sala Cuarta Pared recuperando alguno de sus antiguos montajes y, sobre todo, estrenando Una comedia americana sobre la ansiedad, de Steven Berkoff. El timing de la comedia, fenomenal; una dirección de ritmo adecuado que extrae todo el jugo cómico a la propuesta; actores muy buenos que dan rienda suelta a todo su cuerpo y gesto en favor de la comedia... PERO... ¿por qué hacer Matrimoniadas, por mucho que lo firme Steven Berkoff? AV
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PEDRO REYES
se sube de nuevo a El genial e inclasificlable humorista los escenarios con su nueva obra de teatro Mi tío no es normal,
que protagoniza junto al joven Manu Feijoo
que tenía yo al verlo en La Bola de Cristal. La verdad es que nunca ha sido muy normal. O al menos esa era la impresión me ‘colgase’ de la televisión para verlos no que sábado había Y lo mismo pensaba de Pablo Carbonell, Alaska... pero no . Sus chistes eran muy malos, chavales!) los en s conciencia despertar para así programa un ahora (¡Qué bien vendría pequeño). Con el tiempo he bastante era (yo entendía le pero yo me reía sólo de verlo, y la verdad es que no siempre este país, que quizás no goce en dido incompren algo genio un humor, del genio un es y era que er aprendido a comprend imitado su estilo y siempre ha estado ahí, ni de la fama ni del reconocimiento de otros, pero la verdad es que muchos han televisiva. parrilla la de humor de programas mejores los de dentro del elenco y media, El año de las luces o Atún y choTambién ha formado parte de míticas películas como Makinavaja, Atraco a las 3 en La curva de la felicidad o en El cielo ver podido hemos le teatro en y textos s numeroso escrito Ha colate, entre otras. esta comedia en la que estará acomcon Victoria Reina Teatro es infinito pero un poco estrecho. Ahora le veremos en el un tío y un sobrino. Al tío le acaba de a vida dan Ambos Feijoo. Manu genes, los en humor el lleva que pañado de alguien sobrino le echan del trabajo y rompe su a que el en día el justo abandonar su mujer, con la que lleva casado toda la vida, s que nos harán reír hasta no parar. situacione as disparatad y techo compartir a obligados ven se dos con su novia. Y los y es verdad, aunque si se fijan bien ... surrealista y absurdo A Pedro le acompaña siempre la etiqueta de que hace humor ha pasado por el planeta Tierra, que surrealista más lo es humano ser el porque será cotidiano, y real es un humor muy Díaz Sergio explique. lo nos y s y es una suerte que gente como él se suba a los escenario MI TÍO NO ES NORMAL. TEATRO REINA VICTORIA.
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IMPROVISA TÍO!!!
KARIM
PROCEDENCIA: Teatro, humor y magia son las especialidades de este showman con 10 años de experiencia a sus espaldas. SU ESPECTÁCULO: Kamino de risas es un viaje a través del humor y el absurdo que transporta al espectador a un lugar donde la imaginación es el único vehículo posible. DÓNDE Y CUÁNDO: 23 de abril en la Sala Galileo
PROCEDENCIA: Improclan propone un ‘mastershow’ de improvisación que te prepara para la vida. SUS ESPECTÁCULO: Improvisa Tío!!! significa diversión, humor e infinitas risas. La mezcla perfecta de sorprendentes improvisaciones con la participación activa del público. DÓNDE Y CUÁNDO: Sábados de Abril en ArtEspacio Plot Point
BERNAR CALDEVILLA
HOVIK KEUCHKERIAN
PROCEDENCIA: Hovik es un monologuista español, de origen armenio, nacido en el Líbano que ha sido boxeador y al que le encanta la poesía. SU ESPECTÁCULO: Un mendigo con zapatos de algodón donde le veremos hablando del amor y el desamor. DÓNDE Y CUÁNDO: 2, 9, 16, 23 y 30 de abril en la Chocita del Loro Senator.
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PROCEDENCIA: Actor cántabro, modelo, agricultor, masajista, escritor... que la está rompiendo con su humor irreverente. SU ESPECTÁCULO: ¿No conoces a Charli Black? Insólita comedia unipersonal, no apta para menores, personas sensibles ni otros tipos de mamíferos que ya lleva un año en cartel. DÓNDE Y CUÁNDO: Sábados en la Escalera de Jacob Lavapiés.
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Este mes + cartelera
QUI
QU
E
MAT
CORIA CASTILLO
ILLA
PROCEDENCIA: Es de Valladolid, una tierra conocida por sus grandes cómicos (el más grande es el propio alcalde de la ciudad). SUS TEMAS FAVORITOS: El amor, las relaciones, las diferentes formas que tienen de romper una historia los hombres y las mujeres... DÓNDE Y CUÁNDO: 21 de abril en Beer Station, 27 de abril en el Teatro La Latina, 28 de abril en La Chocita del Loro Hermosilla.
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PROCEDENCIA: Nació en el bonito barri... call... ciud... en la Rosilla y a los 6 años ganó su primer dinero contando chistes en la playa... sus padres estaban tan orgullosos que la pusieron a trabajar robando... sonrisas. SU ESPECTÁCULO: Humor mordaz e irreverente con el que ha ganado varios concursos a nivel nacional (incluso uno de comer perritos). DÓNDE Y CUÁNDO: 13 de abril La Chocita del Loro Hermosilla. Domingos en Olé Lola
LA CHOCITA DEL LORO SENATOR Gran Vía, 70. Tfno.: 91 524 25 03. Metro: Plaza España y San Berbardo. www.lachocitadelloro.com LA CHOCITA DEL LORO HERMOSILLA Hermosilla, 77. Tfno.: 91 435 30 46. M: Goya. www.lachocitadelloro.com LA CHOCITA DEL LORO CARABANCHEL Doctor Urquiola, 23. Tfno.: 91 466 75 04 . M: Carabanchel-Vista Alegre. www.lachocitadelloro.com ESCALERA DE JACOB LAVAPIÉS Lavapiés, 11. Tfno.: 91 539 10 44 M: Antón Martín-Tirso de Molina. www.laescaleradejacob.es ESCALERA DE JACOB LATINA Mancebos, 4. Tfno.: 91 591 39 07/ 91 591 01 06. M: Latina. www.laescaleradejacob.es SALA GALILEO Galileo, 100. Tfno.: 91 534 75 57/ 91 534 75 58. M: Islas Filipinas y Canal. www.salagalileogalilei.com OLÉ LOLA San Mateo, 28. Tfno.: 91 310 66 95 M: Alonso Martínez-Chueca-Tribunal. www.olelola.com BEER STATION MADRID Cuesta de Santo Domingo, 22. Tfno.: 91 547 27 48. M: Santo Domingo-Ópera-Callao. www.beerstation.es IRISH CORNER Arturo Soria, 6. Tfno.: 91 377 4251 M: Ciudad Lineal. www.irishcorner.es FOUR ROOMS Gutiérrez Solana, 6. M: Santiago Bernabéu. www.fourroomsmadrid.com 666 COMEDY BAR C/ Pez, 40. Metro: Noviciado. www.yllana.com ANGELIKA CINEMA LOUNGE C/ Cava Baja, 24. Tfno.: 91 364 55 31. Metro: La Latina. www.angelika.es ZANZÍBAR Regueros, 9. Tfno.: 91 319 90 64. M: Chueca-Alonso Martínez. www.zanzibar.com JANAGAH Plaza de Arteijo, 14. Tfno.: 91 591 39 07/ 91 591 01 06. M: Barrio del Pilar. www.janagah.es
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Reportaje
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ABR. Teatro de la Abadía Hasta el 13 de mayo
Cosas que hoy decíamos Bajo este título de canción de The Beatles, Julio Manrique dirige tres piezas breves de Neil LaBute reunidas en torno a un espacio, el restaurante, y un tema, la ruptura sentimental. Tragicómico, contemporáneo y urbano.
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Hace casi dos años que se montó este espectáculo. Es curioso y satisfactorio presenciar los recorridos guadianescos de los montajes teatrales. Julio Manrique está ahora enfrascado en un éxito sin precedentes en Barcelona: protagoniza Incendis, la obra de Wajdi Mouawad que ya vimos en Madrid dirigida por su autor y que sorprendió a propios y extraños. Se ha hecho en catalán, con equipo catalán y está reventando el Romea noche tras noche, teatro que programa el propio Manrique. Cuando todavía era Calixto Bieito el director artístico del Romea, Manrique se metió a cocinar a fuego lento estas tres piezas que Neil LaBute prácticamente regaló a la que es una de sus principales traductoras al catalán, Cristina Genebat. Que lo cuente él mismo: “Cristina es también actriz y coincidió con Neil LaBute en un taller de verano que él impartía en el Obrador de la Sala Beckett de Barcelona. Se cayeron bien, a él le gustó mucho ella como actriz y empezaron a cruzarse mails. Junto al texto que salió del taller, LaBute le envió otros dos y le dijo que quizás podría montarlos. Ella me lo propuso a mí para dirigirlo y aquí estamos”.
La ruptura como punto de sutura Lo primero que pensó Manrique era que no quería hacer una muestra de teatro breve de Neil LaBute, guionista y dramaturgo norteamericano consagradísimo ya. Cuando termina una pieza larga, mata los tiempos muertos escribiendo obras breves. Estas tres son independientes unas de otras, no tienen nada en común de partida, pero el actor y director catalán vio pronto que se podía encontrar un pegamento que permitiera la
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realización de un único espectáculo con los tres títulos: Aventura, Las furias y Helter Skelter, traducida como Tobogán. El propio LaBute, a petición de Cristina Genebat, le dio el título al montaje de Cosas que hoy decíamos, otra canción de los Beatles, como en el caso de Helter Skelter. “Las tres están protagonizadas por parejas que se rompen”, comenta Manrique, “desde puntos de vista distintos y con tonos diferentes. Pensamos que sería divertido que esas tres historias ocurrieran en sitios donde fuese puñetero que ocurriesen, es decir, expuestos a las miradas ajenas, de ahí que los hayamos colocado en un restaurante, un espacio emblemáticamente burgués”.
Girando de lo vulgar a lo inaudito A priori podría pensarse que estas historias de parejas que se rompen durante el transcurso de una cena en un restaurante están muy vistas. Manrique califica a LaBute como francotirador. “Su particularidad está en que él siempre empieza planteando una situación muy vulgar, muy común, y de repente te pega un giro que piensas: oye, pues igual no es algo que esté tan visto esto. Cuando crees que estás confortablemente viendo algo cómodo... pum, te la clava. Es así, es cruel, tiene muy mala leche. A veces ocurre, como en la tercera de las obras del montaje, que lleva las cosas tan al extremo que el desenlace termina siendo trágico, cuando te has pasado todo el rato riéndote, de ahí que lo califiquemos como tragicomedia”. Sí, tragicomedia contemporánea de tono urbano, aunque en los entornos menos urbanos también se rompen las parejas, ¿eh?. Álvaro Vicente
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Reportaje
Mientras Follies descansa su éxito arrollador para volver en junio, el escenario grande del Teatro Español recibe otro inmenso soplo de talento y... testosterona. Nueve hombres rudos y violentos librarán la batalla entre la razón y el instinto que plantea De ratones y hombres, obra que nació novela y que su autor llevó al teatro al comprobar el éxito inmediato que tuvo tras su publicación. Nueve hombres, nueve, y una mujer, para dar vida a la historia entre George y Lennie, dos amigos, dos almas inseparables en torno a los cuales se desarrolla esta tragedia moderna, con la Gran Depresión americana de los años 30 del siglo XX como telón de fondo. El director de la función,
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el rey Midas Miguel del Arco, cuenta cómo “la Gran Depresión se caracterizó por la inestabilidad de los mercados, las elevadísimas tasas de paro, el trabajo precario, los despidos, los desahucios, los enfrentamientos raciales por las migraciones en busca de una vida mejor...” Si abrimos el periódico hoy mismo podríamos jurar que estamos hablando de abril de 2012.
La supervivencia genera monstruos George Milton (Fernando Cayo) y Lennie Small (Roberto Álamo) son dos trabajadores de rancho errantes que, tras el crack del 29, buscan cualquier trabajo que les permita sobrevivir. Lennie tiene un cierto retraso mental y es tan
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primitivo como tierno. George es un pícaro hábil e ingenioso que siempre protege a Lennie de sí mismo, aunque a veces se escuda en su fuerza para salir de apuros. Álamo ya ha dado vida a un boxeador vasco en Urtain y al inmigrante polaco de Un tranvía llamado Deseo. Es probable que se reafirme su talento con este nuevo y jugoso papel. Junto a la pareja protagonista, otros actores como Rafael Martín, Josean Bengoetxea, Eduardo Velasco, Emilio Buale o Diego Toucedo dan vida a los hombres del rancho Tyler, que es donde finalmente comienza a trabajar la pareja protagonista. El encuentro allí con la esposa del hijo del capataz, interpretada por Irene Escolar, hará que todo se tambalee.
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Fuerza, emoción y humor Miguel del Arco reconoce que ha sido un proceso de creación lleno de emotividad, “en el que he llorado más que en toda mi puta vida”. Hay mucha visceralidad en esta historia, mucho trabajo físico también para dar idea de que se trata de un grupo de aparceros que trabajan como esclavos, pero también hay mucho humor, algo que inicialmente no está en el texto, pero que el director ha buscado a toda costa, sobre todo a partir del trabajo de Roberto Álamo. Todo en un entorno de gran hostilidad donde está en juego la propia vida, donde el hombre se debate entre el mismo y el animal que lleva dentro. Álvaro Vicente
ESTRENO
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ABR. Teatro Español Hasta el 17 de mayo
Miguel del Arco dirige a un grupo de 10 actores, comandados por Fernando Cayo y Roberto Álamo, y una sola actriz, Irene Escolar, en una obra del Nobel John Steinbeck con la Gran Depresión de los 30 de fondo
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Hay quién no le conocerá ni sabrá de su existencia, pero cualquiera que trate en su círculo más cercano con niños seguramente ya se habrá hecho eco del fenómeno que supone un tal Gerónimo Stilton. No hablamos por hablar, ni decimos frases hechas para impresionar, es que este ratón ha vendido 46 millones de libros de sus aventuras (sólo la saga Harry Potter consigue acercarse de lejos) y ahora es el protagonista de todo tipo de productos que arrasan en las tiendas más allá de sus divertidas peripecias. Por supuesto ya hay una serie de dibujos animados sobre él, la película suponemos que no tardará, y ahora podemos disfrutar de su musical. Llega a Madrid después de haber triunfado en Barcelona y haber obtenido toda clase de premios (nominaciónes a los Max de este año incluidas). El espectáculo al que podremos asistir además del incontestable gancho de su protagonista tiene muchos y buenos ingredientes que aseguran su éxito. Viene bajo la dirección del multifacético y televisivo Ángel Llácer, cuenta con guión de Enric Llort, música de Manu Guix y coreografía de Pedro del Rey. Además, uno de los aspectos más impresionantes de la propuesta, el vestuario y caracterización, son de Amadeu Ferrer y Clap Realitzacions. Gerónimo Stilton, el Musical del Reino de la Fantasía, es la adaptación libre del primer libro de la saga que protagoniza el ratón periodista y director del Eco del Roedor, y podemos afirmar que no defraudará y que los colores, la acción, el humor y hasta los característicos olores de los libros (se filtrarán por el aire acondicionado dependiendo de la escena) se revivirán en el escenario. Los más mayores también podrán comprobar que los valores como la amistad, la sinceridad, el amor, el respeto o la paz siguen teniendo un protagonismo absoluto.
Teatro La Latina Viernes 19h. Sábados y Domigos 12 h. 16 h. 19 h. Horarios especiales para Semana Santa y para el Puente Mayo.
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Conocí a Gerónimo hace tres o cuatro años, leyendo su primer imer libro, El reino de la fantasía. Lo que más me gustó fueron n los olores y cómo se expresaban las palabras, llenas de color y de formas diferentes. También me gustó mucho el personaje de Gerónimo erónimo y todos los personajes del libro: Plumilla Verdoso, Alys, Boletus, us, Setina, Valeroso, Brujaxa, Floridiana, Thalassa, Jengibro y Pustulino. no. En mi opinión destacaría a Alys, a Floridiana y a Pustulino. Alys es rubia y con una gran melena recogida en una enorme trenza, es domadora de dragones de plata y especialista en el tiro con arco. rco. Floridiana es la Reina de las Hadas y muy hermosa, muy muy uy muy hermosa, y ha sido engañada y encantada por la malvadaa bruja Brujaxa. Y Pustulino es un camaleón al que le encantan los caramelos, se pasaría el día entero zampando caramelos. En la historia, Gerónimo encuentra una caja de diamantes mágica que cuando la abre le transporta al Reino de la Fantasía. Allí descubrirá que él es el Caballero Sin Mancha y Sin Miedo, por ello Plumilla Verdoso le pide quee despierte a Floridiana, que ha sido envenenada con una rosa que le ha dado Pustulino, el cómplice de la bruja Brujaxa. Para ello tendrá que cruzar los Siete Reinos y enfrentarse a las brujas ujas y a los trolls. Aunque en realidad toda la historia es muy bueuena, mi parte favorita es cuando Gerónimo encuentra la cajita ita en el desván porque ve varios objetos de su infancia que le recuerdan a momentos de su vida. Después de leer éste, durante varios años me he leído del tirón todos sus libros, tanto nto los siguientes del Reino de la Fantasía como los pequeños que ue tratan su vida diaria como periodista y jefe del Eco del Roedor or. En ellos le he acompañado en sus aventuras con todos sus us amigos y familiares como Tea, Trampita, Benjamín, Hiena, na, Lupa... En todas ellas hay intriga, misterio, amistad, humor... r... me gusta tanto que también veo la serie de dibujos animados, os, me he comprado su agenda, a veces me compro su revista, me he hecho ‘ratosocia’ de su club de fans en su web y me releo eo muchas veces sus libros. Supongo que el musical será emocionante y alucinante. Voy oy a intentar ir con todos mis amigos para pasárnoslo muy bien. n. A todos nos gusta Gerónimo tanto que en la biblioteca de mi cole pusieron toda la colección y siempre que llego están án cogidos. Por la web que hay en internet sobre el musical he visto a todos los personajes, he escuchado varias canciones y me parece que es una chulada. ¡¡¡Seguro que es un exitazo!!! !! ¡Gerónimo al poder! Nekane Galindo Rivas, 9 años
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Cantajuego: EnCanto en el cole El nuevo espectáculo de CantaJuego nos propone una divertida manera de aprender, cantando y jugando, esta vez en el colegio, un lugar en el que los peques pasan muchas horas de su tiempo. Allí los profesores serán los originales personajes de CantaJuego y el Grupo EnCanto, y los alumnos serán el público que participará activamente del espectáculo. Coco, Pepe, Buby, y muchos más, contarán experiencias y originales conocimientos de su entorno y sus vivencias en el cole y cantarán con el público esos éxitos -modificaciones de las canciones infantiles originales- que los han hecho tan famosos y que provocan tanta adicción, porque no hay nada mejor que poner algo de Cantajuego en la tele o en la radio para que no se note que hay niños en la casa.
Häagen-Dazs Calderón Sábados y Domingos 12 y 16 h.
La Kalabaza de Pippa Pippa, despierta, traviesa, y adicta a las pipas de calabaza descubre, simplemente con entrar en la calabaza que de la noche a la mañana creció en su balcón, que los cucurbitantes, increíbles personajes del universo kalabacil, pueden acompañarle en un viaje a través del cual irá descubriendo el valor de la amistad, el respeto a los mayores y la importancia de una buena y sana alimentación, todo ello cuajado de juegos, bailes y canciones llenas de energía y optimismo.
Teatro Nuevo Alcalá Domingos a las 12 h.
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El Carnaval de los Animales Una mezcla perfecta de teatro y música que da como resultado un maravilloso concierto teatralizado en el que la participación del público es esencial. De la mano de Arteatro y versionando la magnífica composición de Camille Saint- Saëns, permitirá sentir claramente los distintos instrumentos del Quinteto de Viento que protagonizan cada uno de los animales de este Carnaval. Niños y adolescentes descubrirán a través de la flauta travesera, el clarinete, el oboe, la trompa y el fagot, animales de todos los tipos que llenarán el escenario. Es un espectáculo que introduce a los pequeños, desde los cuatro a los doce años, en la música clásica a través de la risa y la diversión.
Teatro Bellas Artes sábados a las 16h, domingos y festivos a las 12h.
Ojos y cerrojos Presiosa historia para niñ@s y mayores. Una historia sobre la multiculturalidad y la importancia de conocer la riqueza de otras culturas. El montaje nos muestra una imagen positiva del hecho migratorio, del otro como portador de innovación, riqueza y diversidad cultural. Pone de relieve la contribución de las distintas culturas a la diversidad en nuestro entorno más cercano: ciudad, barrio, hogar y relaciones personales.
Teatro Cuarta Pared Domingos de abril a las 17.30 h.
En el corazón de una piedra azul Viaje de una piedra desde que es arrancada de sus raíces en un profundo bosque, en el que se verá transformada en varios animales, así como en una luna, una tumba, los muros de una cárcel... Cuando parece aclimatarse a su nueva forma, de pronto siente la nostalgia del hogar perdido. Un hogar impregnado de naturaleza y de sensaciones. Tras este viaje que podría durar toda una vida, la Piedra Azul regresa, impulsada por el viento, al que fuera su hogar en el bosque, reencontrándose allí con su otra mitad. Con ella su corazón vuelve a latir completo.
Sala La Usina D a las 12.30 h.
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Danza
ESPACIO
COMÚN
La danza y la música son como dos amantes que tienen sexo cada vez que se encuentran, que se aman a primera vista, que desnudan y fusionan sus cuerpos para formar un sólo ser cuando se tocan. La compañía Omos Uno crea cada noche este espectáculo que se basa en el diálogo que se establece entre la música y la danza, esa mágica forma de comunicarse sin la necesidad de utilizar palabras -que suele ser casi siempre la mejor forma de hacerlo-. Un espectáculo de piezas improvisadas que tiene como tema central la naturaleza y como objetivo el crear un espacio común entre estas dos disciplinas a partir de imágenes, sensaciones, materiales, sonidos y movimiento... Una escenificación intensa y real de una de las historias de amor más bonitas que existen -casi como la de la luna y el sol-. La música y la danza, dos amantes que nacieron para estar juntos. Sergio Díaz
ESTRENO
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ABR. DT Espacio Escénico Hasta el 5 de mayo
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ABR. Nuevo Teatro Alcalá Hasta junio
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AETERNUM Tras llevar su primer espectáculo 7Hermanos por 30 países y bailar frente a cerca de un millón de espectadores Los Vivancos regresan a España para presentar su segunda producción, una historia sobre el bien y el mal que fusiona el baile flamenco con el ballet, las artes marciales, el claqué y la magia. Aeternum aúna el arte del baile con grandes efectos visuales y escénicos. Coreografiado y dirigido por Los Vivancos este espectáculo cuenta con un equipo creativo internacional de primer nivel. La música ha sido compuesta por Fernando Velázquez, y fusiona el flamenco con el rock, la música clásica y la música de cine. El director del Circo del Sol, Daniele Finzi Pasca, colabora con Los Vivancos como asesor artístico. Espectáculo de baile y visual que supone un nuevo paso en el proceso creativo de Los Vivancos, estos chicos que más bailarines parecen modelos de catálogo.
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LĂrica
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Vida y muerte de
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ABR. Teatro Real Hasta el 22 de abril
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FOTOS: Lucie Jansch
Marina Abramovic
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Reunión en la cumbre: Bob Wilson, Marina Abramovic, Williem Dafoe y Anthony Hegarty, líder de Anthony and the Johnsons. La vida de la abuela de la performance, hecha ópera. La celebración del yo a través del lenguaje total de la ópera. También podría verse como un descomunal ejercicio de egolatría perpetrado por Marina Abramovic, artista de 64 años, con la ayuda del no menos descomunal presupuesto del Teatro Real, donde ella se interpreta a sí misma (el personaje no es una noción muy habitual en el mundo de la performance) en una ópera que repasa su vida, que dirige el mago de la iluminación, amante de las sillas y del teatro No japonés, Bob Wilson. La ópera está escrita por ella misma con la participación del director y compuesta por Anthony Hegarty, el líder -raruno él- de Anthony and the Johnsons. Hay que decir, en defensa de la artista serbia, que todo esto responde a un encargo especial que el Real hace y para el que recluta semejante equipo, liderado en escena por Williem Dafoe, junto a otros músicos, actores, cantantes y bailarines, pues de todo hay en este, seguro, delicioso montaje: teatro, danza, música...
Vida y... ¿muerte? Sea como sea, Abramovic, considerada una revolucionaria del arte de la performance, protagoniza la escenificación de su vida y, sorprendentemente, de su muerte, aunque esta no haya ocurrido. Eso suponemos, porque poco ha trascendido sobre este montaje al que, realmente, sólo accederán
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unos cuantos elegidos de eso que se llama público madrileño. Un montaje encorsetado en la urna elitista de los teatros de ópera, posibilitado gracias al dinero público, que poco o nada tiene que ver con el arte de la performance. He ahí quizás donde radica la llamada a la muerte de la performer Marina Abramovic. Quizás tras esto ella nunca vuelva a frecuentar lo que ha hecho siempre y, quien sabe, quizás la historia del arte termine siguiendo su camino y la performance cambie para siempre.
Abonando un futuro mito El caso es que Abramovic, que siempre ha llevado el arte hasta los extremos, que ha puesto toda la carne en el asador (y nunca mejor dicho, pues su cuerpo ha sido su mejor lienzo) cree que este espectáculo va a sorprender mucho a los habituales del Real. No me extraña, pues los habituales del Real llevan sorprendidos ya una temporadita viendo los controvertidos montajes programados por Gerard Mortier. Este será otro de los que llamará la atención y dará que hablar, de los que verán unos pocos y tendrá eco y amplificación mediática, de los que sirven al artista para abonar su propio y futuro mito. Aunque, por otra parte, si el arte requiere a veces estas sumas de dinero, será porque el resultado vale la pena... ¿no? Á. Vicente
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Lírica
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Visto
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ABR. Teatros del Canal Hasta el 5 de mayo
EL DÚO
DE LA
AFRICANA
Vuelve al Canal la zarzuela de enredos firmada por Emilio Sagi ambientada en los años cincuenta que cuenta las peripecias de una modesta compañía de ópera. Una eficaz escenografía conseguirá sumergirnos en las bambalinas de un teatro imaginario donde las historias se entremezclan. Allí conoceremos al empresario que no paga a los coristas, pero se queja de su ineficacia, la supuesta relación entre la tiple Antonelli (mujer del empresario) y el tenor Giuseppini, o la baronesa Serafina, madre del tenor, intentando sacar a su hijo de lo que considera un ‘indigno trabajo’.
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ABR. Teatros del Canal Hasta el 6 de mayo
AMADEU El director del Canal Albert Boadella ya presentó este retrato del compositor Amadeo Vives en clave de zarzuela y rock duro el año pasado. Ahora podemos volver a disfrutar de la historia de un “joven periodista aficionado al rock duro, que recibe el encargo de escribir un artículo sobre Amadeo Vives para el periódico barcelonés en el que trabaja. Su peculiar forma de investigar lleva al joven a imaginarse de manera visible la vida y la obra del famoso músico catalán, del que no conocía ni su existencia”, resume Boadella.
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y
Oído
C(h)oeurs o el malestar del mundo de hoy en el Teatro Real. Este estreno mundial, nueva producción del Teatro Real, nace del proyecto de Alain Platel, alentado por Gerard Mortier, de comparar las revueltas de 1848 con las de hoy. Wagner y Verdi dedicaron buena parte de su música a las aspiraciones de libertad de sus pueblos en una época convulsa que, según el director, puede compararse con la Europa de nuestros días. La incertidumbre sobre la posibilidad de caminar unida o volver a la separación es también el núcleo del espectáculo: el dualismo entre la masa y el individuo como indica su título: C(h)oeurs, neologismo polisémico que abarca el grupo (coro) y el ser humano (corazón). Se trata de una performance en la que el primer actor es el coro, que con constante movilidad protagoniza manifestaciones con pancartas, aparece en los palcos y canta, transmitiendo con sus magníficas voces la grandiosidad de la música de Verdi y Wagner. El esfuerzo que conlleva su actuación es extraordinario: escriben carteles formando frases y en un momento dado componen un funeral que cruza el escenario. Su vestuario gris oscuro contrasta con el de los bailarines (Les Ballets C de la B) que visten de rojo y blanco y actúan como contorsionistas y acróbatas, a menudo agitados por un temblor epiléptico que produce desasosiego. En el espectáculo no hay un hilo conductor, sino que es un viaje emocional en torno al ser humano enfrentado con el mundo contemporáneo. Puede también considerarse un homenaje a la primavera árabe, a los indignados del 15M y a todas las revoluciones en favor de la libertad. Su expresión corporal e icónica recuerda el Living Theatre, el Teatro Cátaro y los espectáculos que en los años 70 dieron voz a las protestas. A los movimientos y canto se superponen frases entre las que emergen las de Marguerite Duras, pero la larga pausa de recitado y presentación de los coristas estanca el espectáculo. La batuta de Marc Piollet con su fuerza y su entusiasmo consigue de la orquesta un sentido épico de extraordinaria belleza y de gran expresividad sobre fragmentos musicales muy bien escogidos. Empieza por el Dies Irae del Requiem de Verdi, sigue con Die Meistersinger de Nürnberg, Lohengrin, Nabucco y Macbeth, para terminar con la dulce intimidad de La Traviata y la tristeza de Libera me. El espectáculo, que sin duda produce angustia y desasosiego, fue recibido con división de opiniones y algunos abandonos de la sala antes del final. Magda Ruggeri
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Música
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ABR. Ochoymedio (But) 21:00H
MAIKA MAKOVSKI Lo normal en nuestro país es que las actrices se conviertan en cantantes. Lluvia Rojo, Najwa Nimri (ella lo compaginó desde sus inicios)... lo han hecho. Maika Makovski por su parte, hace el viaje de vuelta y de cantante pasa a actriz en la obra Desaparecer de Calixto Bieito que estos días pasa por Madrid. Más de actualidad que nunca, este mes además podremos verla presentando en Madrid su nuevo trabajo Thank You For The Boots. Ella misma nos cuenta cómo se sintió al verse de lleno en esta doble faceta: “Me he encontrado en esta situación y no sé bien cómo. De todas formas”, aclara, “no he dejado de ser músico en la obra, aunque más que cantante sea intérprete, hago algo muy parecido a actuar, vivo la canción desde su temática, dando mucha importancia a las letras”, nos asegura, mientras nos cuenta cómo ve ella la diferencia entre sus conciertos habituales o su puesta en escena en el teatro: “La diferencia más grande es que con la banda estoy en primera línea, me siento muy responsable, e intentamos cambiar mucho las canciones en cada show, que estén muy vivas, mientras que en la obra voy variando sutilmente. Da una mayor tranquilidad además tener a Echanove al lado, él sí que está en primera línea, y lo se-
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gundo, ir siguiendo las instrucciones de Calixto Bieito, es un hombre de un instinto colosal, es un genio. Yo voy detrás de esa gran opinión suya con mucha seguridad”, se sincera. Thank You For The Boots es su nuevo disco, que firma para Warner, y en él encontramos la continuación de un giro que ya vimos en las canciones adaptadas de Edgar Allan Poe que musicaron Desaparecer y que le aleja de la vertiente más tenebrosa e inquietante del trabajo que la encumbró, Maika Makovski (10): “Las canciones se fueron haciendo sin más, hice lo que me pedía el cuerpo, tenía muchas ganas de tocar de nuevo el piano lo que me ha dado un giro a esta dirección. Si sigo una mucho tiempo, me aburro mucho. Es un disco claroscuro, sí, pero prima lo claro, a pesar de canciones como Number o Vulnerable... incluso A Dream, que ahonda en temas más nostálgicos. Lo otro no lo he abandonado, simplemente mi momento me guía más hacia otros lados. Hay una parte de mí que no cabía en mi definición hace unos años, tenía muchos prejuicios pues me gustaban tanto el garaje como el rock por lo que mi sensibilidad y dulzura no entraban e intenté recortarlas, desde ese disco me quité de encima esas gilipolleces. Hago mucho caso a mi instinto, y no le doy más vueltas”. R. González
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FLAMENCO KIDS EN QUILLOLANDIA Flamenco Kids en Quillolandia es una obra cuyo objetivo es defender el poder de la imaginación, mostrarnos que ser diferente nos hace especiales y que poniéndose en la piel del otro se refuerzan los valores humanos, todo ello con el Flamenco como vehículo de unión y grandes dosis de creatividad. A raíz del nacimiento de su hijo, una madre, recuerda la pandilla de amigos de su niñez, los Flamenco Kids. Le va describiendo a su bebé cómo es el mundo de Quillolandia. Poco a poco van apareciendo los miembros de la pandilla que van transformando a la madre en la niña que fue. Grabi, el camaleón daltónico nos enseña a ver el mundo de otro color; Andrés, el erizo bailarín, Daniel, un camarón opaco, Don Pedro, que juega con sus gorros, Lola, la urta mellada que nada entre el público, Orsea, una ortiguilla presumida y coqueta y Luis, el pulpo cantautor, que canta una guajira mientras todos juegan a tener ocho brazos.
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EN CARTEL
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ABR. Arteria Coliseum S y D 12.30 h.
ESTRENO
ROBERT GLASPER
ABR. Teatro Lara 23.00 h. 20 €
Desde muy joven Robert Glasper tenía claro que no le interesaban los compartimentos estancos para elaborar su propia concepción del jazz. Dotado de un talento asombroso para la improvisación y tras haber explorado las posibilidades del trío acústico con una identidad rítmica muy marcada, incluye en su repertorio el hip hop como marca de la casa. Poco después reúne una formación paralela en la que, con un sonido decididamente eléctrico y la incorporación del vocoder, rescata páginas olvidadas de aquel Hancock de finales de los setenta pero vestidas con un afán experimental. Covers de rock y de pop, algo de drum and bass, cálidas armonías de soul y el saxo ácido de Casey Benjamin se agitan en la inquieta coctelera de Glasper de forma inusitada. El concierto entra dentro del ciclo Jazz in Blue / V Ciclo 1906 de Jazz, una iniciativa que ofrece en Madrid y Santiago, la oportunidad de acercarse a una musica radicalmente creativa y de incontestable calidad.
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Cartelera
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presenta
de Álvaro Sáenz de Heredia
Vicente RENOVELL y Nelson DANTE Vic Vi E Dirección Álvaro Sáenz de Heredia • Producción David Morgan • Ayudante de Dirección David Morgan Dirección artística Antonio Belizón • Ambientación María Alonso • Iluminación y sonido Julio Bao • Departamento legal Quid Juris Tecnico audiovisual Pepe Lara • Fotografía Mario Larrode • Diseño Gráfico Emilio Alejandro Mateos
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