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LOS HERMANOS KARAMÁZOV
Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
de Fiódor Dostoievski
Teatro Valle-Inclán
Dirección Gerardo Vera Versión José Luis Collado
Del 20 de noviembre de 2015 al 10 de enero de 2016
Reparto (por orden alfabético) Juan Echanove Óscar de la Fuente Fernando Gil Markos Marín Antonio Medina Antonia Paso Marta Poveda Lucía Quintana Chema Ruiz Ferran Vilajosana Eugenio Villota Abel Vitón
Escenografía Gerardo Vera Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Alejandro Andújar Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Videoescena Álvaro Luna
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Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
PÁNCREAS de Patxo Telleria
Del 11 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016
Dirección Juan Carlos Rubio
Reparto (por orden alfabético) Fernando Cayo Alfonso Lara Santiago Ramos
Escenografía José Luis Raymond Iluminación José Manuel Guerra Vestuario María Luisa Engel Música Miguel Linares Espacio sonoro Sandra Vicente
Coproducción Centro Dramático Nacional y Concha Busto Producción y Distribución
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
INSOLACIÓN
de Emilia Pardo Bazán Dirección Luis Luque Versión Pedro Víllora
Teatro María Guerrero
Reparto (por orden alfabético) María Adánez Chema León José Manuel Poga Pepa Rus
Del 10 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016
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Producción
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Escenografía Mónica Boromello Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Almudena Rodríguez Música Luis Miguel Cobo
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RAPSODIA PARA UN HOMBRE ALTO
ESCRITOS EN LA ESCENA Un trabajo de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif
Texto y dirección Félix Estaire Teatro María Guerrero Sala de la Princesa
Reparto José Ramón Iglesias Ignacio Jiménez
Del 9 al 20 de diciembre de 2015
Síguenos en:
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30 34 42 45 palabra de Jorge G. Palomo
portada Don Quijote
estrenos Resilienza d’amore
estrenos Obscenum
reportaje Medea
noticias
estrenos Rapsodia para un hombre alto reportaje Insolación
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estrenos La viuda alegre
danza El cínico
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especial navidad Ana del Arco y Germán Vigara
especial navidad La vuelta al mundo en 80 cajas
especial navidad Pocoyó y sus amigos
especial navidad Pulgarcito (mi primer clásico)
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entrevista Juan Echanove
reportaje Aire
entrevista Carles Castillo (Imprebís)
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lírica Rigoletto
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EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Diciembre 2015
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Programación sujeta a cambios
SALA MARGARITA XIRGU
SALA PRINCIPAL
DIRECCIÓN ARTÍSTICA Y COREOGRAFÍA
TEXTO DRAMÁTICO
DIRECCIÓN DE ESCENA
DIRECCIÓN
Una producción de Piccolo Teatro Di Milano
Una producción de Compañía de Danza Los Dedae
Una producción de Festival Internacional de Teatro de Mérida y Pentación
10 DIC - 13 DIC
10 DIC - 10 ENE
18 DIC – 10 ENE
SALA FERNANDO ARRABAL
SALA MAX AUB
SALA FERNANDO ARRABAL
SALA PRINCIPAL
RESILIENZA D’AMORE UN RECITAL DE ROSSY DE PALMA
EL CÍNICO CHEVI MURADAY
DAVID PICAZO TEXTOS PABLO MESSIEZ
MERCADER DE VENECIA
DANZAD MALDITOS
DE
DIRECCIÓN
EL
WILLIAM SHAKESPEARE
YOLANDA PALLÍN DIRECCIÓN EDUARDO VASCO VERSIÓN
ALBERTO VELASCO VERSIÓN
MEDEA VICENTE MOLINA FOX JOSÉ CARLOS PLAZA
FUNAMVIOLISTAS
THE
DIRECCIÓN
RAFAEL RUIZ
FÉLIX ESTAIRE
Una producción de Noviembre y Teatro Calderón
Una producción de Malditos
Una producción de The Funamviolistas
12 NOV - 13 DIC
25 NOV - 13 DIC
16 DIC - 10 ENE
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teatroespanol.es
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PALABRA DE... Jorge G. Palomo
La vida que brota Cuando los amigos de Godot me propusieron escribir sobre radio y teatro, evoqué mil y un momentos. Sonreí, pensé en incontables programas, entrevistas y sueños de una noche de verano y, por aquello de ir dotando de sentido a tanta divagación, pregunté al cómplice Daniel Galindo, director de La Sala de RNE, el programa de artes escénicas donde colaboro con fervor: “¿Cómo definiría radio y teatro? Como una pareja de hecho sólida, con un maravilloso y comprometido proyecto en común: acercar la vida que brota de las tablas, sin podarla”. (Sí, lo admito, yo también he releído la frase.) Me fascina la vida que brota de las tablas. Esas historias que regalan un carpe díem genuino, aquí y ahora, que alteran los biorritmos de estos tiempos desbocados y nos obligan a disfrutar del presente. La magia del instante: ese relato que acaso sea lo único que hoy por hoy no podemos bajarnos de Internet. Subrayaba el crítico Javier Vallejo en Babelia que “la mejor representación de una buena obra teatral es la que sucede en la cabeza del lector” y recordaba que, al hilo de este dueto formidable entre radio y teatro, “la BBC emite unos 500 dramáticos anuales” y “Beckett y Pinter escribieron parte de su producción para la emisora británica”. Y apostillaba: “Tomemos su ejemplo”. De acuerdo, desconozco hasta qué punto se trata de revitalizar este género legendario. Todo esto va más allá. Soy consciente de la obsolescencia programada para los gustos, aficiones o tendencias ciudadanas, de modo que tras el micrófono siempre he intentado compaginar temas populares con descubrimientos sugerentes: éxitos consagrados y apuestas arriesgadas, actualidad inmediata y asuntos atemporales. En suma –y valga el ‘postureo’ moderno-, un cóctel de ‘mainstream’ aderezado con ‘underground’. Y bien
agitado. Y sospecho que, en esta época vertiginosa, poca gente se la jugaría por reflotar los seriales o radionovelas. Y procuro entenderlo... Siempre nos quedarán el archivo sublime de RTVE y sus continuas (y excelsas) ficciones sonoras. Ahora bien, contradiciendo el sarcasmo de Woody Allen, ¿qué nos impide desde los medios de comunicación empezar a brindar de una vez por todas con la cultura también en horarios de máxima audiencia? Es un dilema propio de tesis doctoral, lo sé: contrapone el idealismo frente al pragmatismo, la charla en la cafetería de la universidad frente a la agenda imponente de una redacción, los sueños -sueños son- frente a la realidad que dicta este mercado etéreo, hiperactivo, estresante, mucho más pendiente de las declaraciones políticas sobre cualquier asunto -por muy banal que sea- que de la opinión de un artista ilustrado, creativo o iconoclasta. A pesar de los pesares, me quedo con mi sempiterna oda al optimismo: hay espacios de radio espléndidos en todas las emisoras, una cartelera colosal (sobreviviendo al lacónico panorama económico) e infinitos foros donde compartir ideas, sapiencia y títulos de espectáculos inspiradores; el talento emerge por doquier y, si bien sobran los motivos para reivindicar tiempos muchísimo mejores, la vida sigue brotando en las tablas y hay que contarla ya. Contagiando la pasión que sentimos. Ojalá la radio, con su encanto incomparable, alce el telón de muchas salas y emprenda junto al teatro más y más viajes... Y que no sean a ninguna parte.
Jorge G. Palomo – Periodista @jorgegpalomo
humor
Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Opiniones positivas Maparecidus bene La comprensible
La incomprensible
La acomplejada
La comercial
La sensata
La comprensible Maparecidus bene menteradus
La acomplejada Maparecidus bene comoati
La buena pintura es la que parece una fotografía y el buen teatro es el que cuenta una historia lineal y realista. Se aceptan tramas fantásticas y algún flashback, siempre y cuando se mantengan en lo simple.
Hay quien tiene la autoestima por los suelos y, debajo, está el criterio propio. Marginan sus pensamientos y sentimientos: los sustituyen por los de otro, que puede ser brillante o un zoquete lenguaraz. Algunos despiertan… otros son por siempre tristes pasmarotes.
La comercial Maparecidus bene figuroni
La incomprensible Maparecidus bene nomenteradus Es teatro no es para ver una versión de la realidad sino para soñar, para que la imaginación y el alma vuelen a lugares imposibles… Por lo tanto, el buen teatro es donde hablan de manera imposible, los actores se mueven de forma imposible, la escenografía es imposible y, en definitiva, entender la obra es imposible.
Lo que de verdad mola es la tele pero no está mal ir de vez en cuando al teatro a pasear las pieles y la vanidad. El qué se ve, es lo de menos: lo importante es a quién: aplican a la escena el mismo postureo frívolo que aplican a la vida.
La sensata Maparecidus bene bene Cada obra que gusta lo hace por razones particulares, normalmente vinculadas a la razón que estimula y la emoción que despierta: así de sencillo, así de difícil. Luis Felipe Blasco Vilches
Andrea Espier www.andreaespier.com
Andrea Espier Ilustración
@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor
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#elArtedelActor
Malos tiempos para la mística Dos cosas han sucedido esta semana que tienen que ver con que escriba este artículo. La primera es una entrevista a Paco de la Zaranda llena de perlas entre las que destaco: “El público es importante pero mucho más importante es el hecho teatral, la comunión que se da”. La segunda tiene que ver con mis hijos. Aún no tienen tres años, han asistido a una docena de espectáculos, y todavía no han recibido ninguna indicación de cómo comportarse, porque siempre priorizamos que sea un disfrute para ellos. El pasado sábado noté con asombro cómo asistían, durante una hora y media (muy larga para ser un infantil) a una obra que era para niños mayores, y estuvieron callados y tranquilos recibiendo lo que se les ofrecía. Notaba cómo, de manera innata, participaban de ese hecho teatral, asumiendo el papel de espectadores atentos y respetuosos a lo que ocurría en el escenario. Pensé que más allá de la educación, existe en nuestra naturaleza una disposición al hecho teatral como lugar de comunión. Es por esto que el teatro funciona y siempre funcionará. Con un mínimo de calidad en los medios y la interpretación, el buen rato está asegurado. Ahora bien, me pregunto si como vehículos de este encuentro sagrado, le damos el debido respeto a lo que transmitimos. Me gusta la palabra comunión, porque fuera de las connotaciones religiosas, me parece que describe muy bien lo que sucede entre escenario y patio de butacas. Son muchas las ocasiones en
las que salgo del teatro sabiendo que he visto un buen montaje pero que no comulgo con lo que me han querido contar. A veces creo que se pretende defender lo perverso, feo y retorcido del ser humano sin cabida a que haya una transformación en ello. Como si el mensaje último tuviera que ver con la desesperanza. El teatro se generó como lugar comunitario de encuentro con lo místico, aquello que “incluye misterio o razón oculta”. Fue pasando desde los fenómenos naturales a toda clase de dioses y divinidades hasta llegar a lo mitificado. Pero no siempre lo que hemos mitificado como sociedad tiene la cualidad de místico, no está en el camino “del conocimiento y dirección de los espíritus”. Asisto con asombro al estreno de una función muy esperada que se llama La clausura del amor, y descubro que el concepto de amor que manejan y que sostiene el montaje es adolescente, oscuro e hiperintelectualizado. El amor ensancha y mueve el mundo, no nos hace pequeños y mezquinos nunca. No digo que haya que tener miedo a mostrar los pozos más o menos negros que todos tenemos, pero si no es para mostrar lo aprendido de ello, o la necesidad que nos anima a salir, bajo mi punto de vista, es profanar lo sagrado del teatro, hacer magia negra con los dones que tenemos. Actores y actrices somos los oficiantes de este hecho y, como tales, estaría bien que estuviésemos comprometidos con eso intangible que llamamos “sagrado” y que logra alquimizar cualquier inclinación o comportamiento, por ponzoñoso que sea.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
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noticias
Nace un nuevo espacio escénico en Madrid, el Gran Teatro Príncipe Pío, enmarcado en un complejo de ocio y cultura llamado La Estación. Al cierre de esta edición todavía no se había realizado su presentación oficial y poco podemos explicaros del nacimiento y gestión del nuevo teatro pero lo que sí podemos es adelantaros con qué levantará el telón en diciembre. Será el cabaret adulto Clandestino quién estrene programación inaugural junto a The Lovers (el animal amante) de Roma Calderón el día 4 para después compartir cartelera con espectáculos como SwingStar, Mi, Me, Conmigo, La Ratita Presumida, el cantante Daniel Diges o Solo Rielo.
Corral de Comedias El espacio de Alcalá de Henares presentó el pasado mes su programación para la temporada 2015-2016 en la que se sigue celebrando el X aniversario desde que en 2005 la Fundación Teatro de La Abadía se hizo cargo de su gestión. Este año especial en el que también se conmemora el vigésimo cumpleaños de La Abadía y el IV centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, llegarán a este centro Entremeses, de José Luis Gómez; Othelo de Gabriel Chamé; el Best of BE Festival; el italiano Antonio Tagliarini; Teatro do Chapitô y su Edipo; Liberto de Gemma Brió; Carlota Ferrer con Los nadadores nocturnos; Las guerras correctas de Teatro del Barrio; Antonio Tabares y Sergi Belbel con Una hora en la vida; Alfredo Sanzol con La respiración; la compañía Lavi e Bel con su Escenario Ambulante; DATE Danza; Zum Zum Teatre; entre muchos otros. Ademas, acogerá programación de ALCINE y Clásicos en Alcalá y parte de Teatralia, Titirimundi y Suma Flamenca. www.corraldealcala.com
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www.escenagodoff.com
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El Hombre de la Mancha
29 Certamen Coreográfico
Stage Entertainment estrenará el musical El hombre de La Mancha dirigido por Mario Gas, en el año del IV Centenario de la muerte de Cervantes, en agosto de 2016. El musical irá primero al Gran Teatre del Liceu de Barcelona y en octubre se estrenará en Madrid, en el Nuevo Teatro Alcalá, donde permanecerá toda la temporada. A Mario Gas le acompañará en este nuevo proyecto Paco Delgado, nominado al Oscar por Los Miserables, como diseñador de vestuario; María Pagés, encargada de la coreografia; y el diseñador de escenografía Tom Pye. La idea es realizar una versión nueva, moderna, y cercana, creada de cero a partir del libreto y de la música originales.
Conde Duque acoge un año más una nueva edición de una de las citas más veteranas y fundamentales de la danza contemporánea española, el Certamen Coreográfico de Madrid organizado por la asociación cultural Paso a 2 Plataforma Coreográfica. El teatro y varios espacios más del centro se llenarán de aire y movimiento a través de distintas actividades como conferencias, talleres y encuentros con creadores emergentes, que se suman a las actuaciones propias del Certamen (del 3 al 5 de diciembre). www. condeduquemadrid.es
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Don Quijote Más de 20 años después, la Compañía Nacional de Danza vuelve al ballet clásico con este estreno absoluto por Álvaro Vicente Cualquier estreno es un acontecimiento, pero hay estrenos que vienen precedidos de una gran carga simbólica y generan expectativas inusitadas. Es el caso de este Don Quijote, estreno absoluto de la CND, que lleva casi 25 años sin afrontar un ballet clásico completo. Motivo de orgullo para su director, José Carlos Martínez, que asume el reto con el mismo nivel de exigencia y responsabilidad con el que afronta todas sus producciones. “Don Quijote es nuestro nuevo reto”, nos cuenta. “Gran parte de nuestro público está esperando desde hace cuatro años la llegada de nuestro primer ‘gran título clásico’. Hemos estado trabajando todo este tiempo para conseguir tener un cuerpo de baile homogéneo para poder representar
los clásicos. Y ahora ha llegado el momento de la verdad.”
Un Quijote más poético
Junto con El lago de los cisnes o Giselle, Don Quijote es una pieza referencial, uno de los grandes títulos de ballet clásico, “un ballet lleno de alegría y de color que se ha bailado sin interrupción en Rusia desde su creación”, nos dice Martínez. “Marius Petipa, el coreógrafo, utilizó el folclore de nuestro país como base de la coreografía y Ludwig Minkus (creador de la música) no sólo se inspiró en nuestros ritmos, sino que compuso seguidillas, boleros y fandangos. Yo he mantenido la construcción coreográfica original, pero he querido darle un ma-
FOTO: Jesús Vallinas
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tiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea.” El primer y el tercer acto del ballet cuentan la historia de los jóvenes manchegos Quiteria y Basilio, basándose en un episodio del segundo volumen de la novela cervantina (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos”). Sólo
Una versión más cercana al Quijote cervantino, más respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición el segundo acto está centrado en la figura del Quijote, sobre todo en sus sueños. “Es el acto ‘blanco’ existente en todos los ballets clásicos”. En cualquier caso, el director español ha buscado hacer una versión más cercana al Quijote cervantino, “realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”, lejos de la visión de un coreógrafo francés emigrado a Rusia, “que utilizó un episodio del Quijote para poner en escena un ‘divertimento’.” FOTO: Jesús Vallinas
Narrativa cinematográfica
Se trata del ballet favorito de Martínez, que ha bailado la pieza en varias ocasiones y con distintas compañías, y era ideal para ‘estrenarse’ haciendo su primera versión de un gran clásico. Ha respetado la coreografía (de Petipa) de un ballet, según él, “muy estructurado”. “Gorsky, Coreografiado por el en su revisión, le dio más director de la CND José vida a los personajes. Yo Carlos Martínez, a partir he querido continuar con de la creación original de ese trabajo y contar la hisMarius Petipa toria de una manera casi cinematográfica. Dentro del cuerpo de baile cada Del 16 de dic al 3 de enero personaje tiene su propio Teatro de la Zarzuela hilo conductor y hay muy a menudo varias acciones simultáneas (como si estuviéramos en una plaza de un pueblo de verdad, no en un escenario) que le dan más dinamismo a la acción general.” Entrevista completa con José Carlos Martínez en www.escenagodot.com
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en portada
Primer cuatrienio de la nueva era Tras la tempestuosa salida de Nacho Duato y el breve paso de Hervé Palito, la Compañía Nacional de Danza ha encontrado otro periodo de estabilidad con José Carlos Martínez, que cumple 4 años al timón de la entidad. “El balance es muy positivo”, señala. “Han sido cuatro años muy intensos, hemos trabajado mucho y la compañía ha adquirido una nueva identidad. Han entrado en repertorio más de 45 nuevas piezas y reposiciones y hemos reanudado nuestras giras internacionales, que se paralizaron al no tener repertorio a mi llegada.”
FOTOS: María Alperi Ensayos de Don Quijote
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estrenos
Rapsodia para un hombre alto Del 9 al 20 de diciembre Teatro María Guerrero
Concha Busto es una de las grandes distribuidoras y productoras teatrales de este país. Estaba ya alejada de la vorágine teatral cuando cayó en sus manos este texto. Se enamoró de él y volvió con más ganas que nunca para llevarlo a cabo. Al reconocido director Juan Carlos Rubio también le llegó y sin dudarlo se lanzó a dirigirlo. Y el elenco de actores que lo van a protagonizar son Fernando Cayo, Santiago Ramos y Alfonso Lara... nada más y nada menos. Algo muy especial tiene que tener esta obra de Patxo Tellería para que semejante grupo humano se haya prestado a llevarlo a la escena. En ella conocemos a tres amigos. El primero necesita urgentemente un trasplante de páncreas. El segundo tiene previsto suicidarse en un futuro no muy lejano, para esquivar la decrepitud y la vejez. El tercero les junta para plantear al segundo que se suicide ya mismo y done al primero su páncreas. ¿Qué somos capaces de hacer o no hacer por alguien querido? ¿Hasta dónde llegaría nuestra generosidad? ¿Hasta el páncreas? Y toda esta historia que disecciona la condición humana es en verso. Vaya joya. S. Díaz
El Laboratorio Rivas Cherif es una de las acciones que el actual director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero, ha impulsado desde que accedió al cargo. Es un centro de investigación teatral, un espacio de libertad creadora para que jóvenes artistas puedan desarrollar su talento en su máxima amplitud. Uno de los formatos de investigación escénica es Escritos en la escena, un programa que plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario. Así ha nacido Rapsodia de un hombre alto con dramaturgia y dirección de Félix Estaire y protagonizada por José Ramón Iglesias e Ignacio Jiménez. Es la final del mundial de baloncesto. El marcador está ajustadísimo. Una falta personal y tres tiros libres por delante. El tiempo se ha muerto. ¿Qué ocurre en la mente del jugador que tiene en sus manos la gloria o el fracaso de su equipo? El resultado real del partido en escena (es decir, según se encesten o no los tiros libres) determinará el final entre las distintas posibilidades de continuidad y desenlace que ofrece la pieza. Un interesante juego escénico con un final abierto que depende de la capacidad por parte de nuestro jugador de templar los nervios y soportarlos. Sergio Díaz
Páncreas
Desde el 11 de diciembre Teatro Valle-Inclán
FOTO: Sergio Parra
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Resilienza d’amore Del 10 al 13 de diciembre Teatro Español
La definen como la comedia más brutal de los últimos años. Y no es de extrañar mirando quien la firma. Es de Juan Dolores Caballero, el dramaturgo granadino que es el máximo exponente de esa corriente teatral llamada ‘teatro bruto’ que trabaja sobre el mundo de lo grotesco, de lo deforme. Siguiendo esa línea y esa tradición estética ha creado este montaje único y sorprendente. Dos personajes extraños se encuentran creando un mundo de ilusiones imposibles que sólo son pensables desde el surrealismo y la ingenuidad. El destrozo del violín, un concierto de voz de la enana, el mundo oculto del piano, la muñeca del ventrílocuo... Los dos payasos se relacionan, se odian y se asesinan, para poder seguir viviendo en el amor. Los dos payasos son Manuel Solano y Eva Rubio, quienes se han puesto a las órdenes de Dolores Caballero para escenificar los primeros recuerdos vitales del dramaturgo, esos payasos que personifican la alegría infantil, el humor, la pulsión por la vida, lo grotesco de la muerte... Y todo ello a través de la música y el lenguaje mágico del clown. Habrán visto obras mejores, pero seguro que no habrán visto nada parecido antes... y tan divertido. Sergio Díaz
La he admirado siempre, desde que vi su rostro por primera vez. La admiraba simplemente por estar, porque teníamos cosas en común y me resultaba inspiradora. Después, una vez fui conociendo sus trabajos, empecé a admirarla por ser. Me encanta su desparpajo y su naturalidad. Quizás le resultaba sencillo o quizás era más complicado de lo que parecía, pero el caso es que en que cada interpretación yo encontraba su verdad. Pero su verdad era realmente su día a día. La Resiliencia es la capacidad de sobreponerse a la adversidad y a los acontecimientos traumáticos por muy duros que estos sean e incluso resurgir fortalecidos. Rossy de Palma es una resiliente del amor y de la vida y nos lo demuestra en un espectáculo unipersonal en el que va desmenuzando su existencia, se va quitando las capas artificiales que ha usado como armadura protectora para mostrarnos su verdadera esencia, la de un alma herida por el destino que ha sabido hacerse un importante hueco a base de no dejar de luchar y resistir. Sergio Díaz
Natta
Hasta el 10 de enero Teatro Fernán Gómez
FOTO: Sergio Pulido
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reportaje
Insolación
por Álvaro Vicente
El siglo XXI será femenino o no será. Tiene que serlo, pues son muchas las mujeres que lo están luchando desde hace, por ejemplo, 125 años, si nos detenemos en el caso de una escritora, Emilia Pardo Bazán, y una novela, Insolación, publicada en 1889. Con con esta obra, dice Pedro Víllora, autor de la versión teatral que se presenta en el Centro Dramático Nacional, la escritora gallega “no solo escribió una fenomenal historia de amor, sino una acendrada defensa del derecho a elegir de las mujeres.” Fue el propio Víllora el que le propuso a la productora, Faraute (la de los añorados Miguel Narros y Andrea D’Odorico), llevar a la escena este texto, revolucionario en su momento. Y no podremos sentirnos plenamente orgullosos cuando una historia de hace tanto nos resuena cercana y nos sirve para seguir hablando hoy de la cuestión femenina, de la lucha de la mujer por conquistar su voluntad frente a la del varón. No hace ni un mes veíamos a un tipo con cargo público mandar callar a una mujer y pedirle respeto cuando hablaba un hombre.
Cuando estalla el corsé
La protagonista de Insolación es Francisca de Asís Taboada, marquesa viuda de Andrade, gallega como la Pardo Bazán y, en palabras de Víllora, “afincada en un Madrid de final de siglo (XIX) donde las tradiciones y el conservadurismo de la aristocracia y la alta burguesía generan un clima asfixiante que constriñe los deseos e ilusiones de una dama todavía joven y atractiva que, de repente, asumirá la capacidad de pensar y decidir por su cuenta”. Nada simboliza mejor tal situación que una prenda como el corsé. “A lo largo del tiempo, los vestuarios
nos van definiendo”, señala Luis Luque, el director de este montaje. “Desde tres siglos atrás, las mujeres encorsetadas no se pueden ni doblar, tiesas como estacas.” Pero es aquí donde los nudos del corsé estallan llevados por una pasión, por un golpe de calor y amor. Asís Taboada conoce a Diego Pacheco, un muchacho de buena sociedad con
fama de conquistador, frente al que, a pesar de su remordimiento inicial, decide dejar de plegarse a la moral sexual del entorno “y no ya entregarse sin miedo al placer, sino capitanear la relación admitiendo que uno debe ser protagonista de su propia historia.” La encargada de dar vida a esta marquesa es María Adánez, “actriz y mujer muy comprometida Pedro Víllora trasvasa al y de firme carácter”, teatro la novela de Emilia como la define Luque. Pardo Bazán, en un monEl director sentencia: taje dirigido por Luis Lu“es verdad que las que y protagonizado por mujeres han avanMaría Adánez y Pepa Rus zado en su posición social y eso ha sido gracias a personas como Emilia Pardo Del 10 de dic. al 24 de enero Bazán, que apostaron Teatro María Guerrero por la educación.”
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Emilia Pardo Bazán
FOTOS: Luis Malibrán
En una historia escrita desde la dominación masculina, cabe reivindicar a las pioneras que, como la Pardo Bazán, abrieron ventanas y pusieron los puntos sobre las íes, demostrando que el sometimiento se vence con determinación y educación. Mujer de enorme cultura, viajera infatigable, conquistó con su inteligencia las cumbres tradicionalmente vetadas, espacios de decisión que empiezan y terminan en la libertad de una misma y abogan por el respeto hacia la voluntad de la mujer que decide desarrollar su propio camino al margen de los dictados masculinos. Doña Emilia es una figura indiscutible de nuestra literatura, y ni es ni debe ser tratada como excepción.
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estrenos
Obscenum una fábula preñada de arte y artistas, un Vaya por delante que este espectáculo es para relato conducido por un fotógrafo, Efe, que mayores de 18 años, con sus desnudos explíen plena crisis profesional, tiene el dedo citos, sus primeros planos de pollas y coños, repartido entre el disparador de su cámara, su discurso abierto para mentes abiertas y su las cuerdas de su guitarra eléctrica y el clítoris afán por emular los musicales conceptuales de las jóvenes que, como espíritus en mitad de de Stephen Sondheim. Bueno, esto último, que la noche, vienen a removerle el desasosiego. está muy bien como horizonte, es para todos De una de ellas cree los públicos... o no, según. enamorarse, aunque el El caso es que esta historia, Sexo, droga y power pop, amor es esa cosa puesta llena de rincones oscuros y un cóctel subido de tono, en cuarentena, por si pasarelas para el morbo, se pone a dialogar mezcla comedia, música contemporáneo y directo, con la peste. ¿Razón o en directo y post-drama, cocinado por José Cruz y emoción? Se irá viendo para hablarnos, sin perder Diego Martínez con la comparecencia de el norte de la diversión, otros personajes vestidos de cómo nos relacionamos Hasta el 10 de enero de noche para vivir del sentimental y sexualmente Teatro Galileo desnudo. Sórdida a raen este arranque del nuevo tos, juega a pervertir los milenio. Si hay un protagotabúes de toda la vida nista, o una, es la carne, y y a desnudar los complejos al tiempo que se un asador bien de brasas crepitando, un tuero reflexiona sobre la obscenidad, lo que es y lo brillador que estalla en chispas, parafraseanque no, pornografías en cuerpo y alma. do al poeta. Pero también hay una historia,
Grandes estrenos
Teatro, danza y música
Del 18 de diciembre de 2015 al 17 de enero de 2016
Franz Lehár
LA VIUDA ALEGRE, el musical Director escénico Emilio Sagi | Director musical Jordi López | Escenografía Daniel Bianco | Figurinista Renata Schussheim | Iluminación Eduardo Bravo | Coreografía Nuria Castejón | Adaptación y traducción Enrique Viana | Intérpretes Natalia Millán, Antonio Torres, Silvia Luchetti, Guido Balzaretti, Iñaki Maruri, David Rubiera Música en directo con el Ensemble de la Orquesta Sinfónica VERUM Una producción de:
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entrevista
FOTOS: Sergio Parra
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Juan Echanove “Salgo cada día a escena dejando que sea el personaje el que vaya por delante de mí” por Álvaro Vicente
La última vez que tuve la suerte de entrevistar a Echanove fue cuando hizo Plataforma, la novela de Houellebecq llevada al teatro por Calixto Bieito. Años después se asoma de nuevo al abismo con otro personaje inmenso. Hablamos por teléfono el primer lunes de descanso tras el estreno de Los hermanos Karamázov. Está a tope, disfrutando este más difícil todavía... Porque si nos ponemos circenses, esto es ya el triple salto mortal con pirueta... Hay algo que me atrae mucho de los textos que no tienen formato teatral o cuando no tienes referencias para revisar montajes que se han hecho o estilos distintos a la hora de afrontar un montaje, porque si tu tienes que hacer un Hamlet, hay Hamlets donde mirar, igual que si tienes que hacer un Macbeth. El caso es que cuando de una novela se intenta una dramaturgia, tienes una capacidad de riesgo todavía mayor, porque es muy morboso acercarse al borde del precipicio y asomarse y tener la absoluta sensación de que te la estás jugando, de que no hay referencias, de que el salto es sin red y de que lo que hay que hacer es saltar, y a mí eso me gusta.
poder digamos mostrar al espectador toda la esencia de Karamázov, no se han cogido episodios sueltos, cortando y pegando hasta hacer una obra. Yo creo que ha sabido mantener el lenguaje y expresar lo que es realmente esta historia tan tremenda de amor y odio que es Los hermanos Karamázov, llevarla a escena y hacer vibrar al espectador. ¿Hace falta un cierto grado de inconsciencia para afrontar, como actor, un personaje así? En el fondo yo creo que estos personajes me llaman cada cierto tiempo, se me aparecen en la ruta y se me aparecen con señales muy visibles diciéndome esto tienes que hacerlo, tienes que hacerlo. Y la verdad es que, hombre, yo ya tengo 54 años, no soy un chaval, pero a mí cuando un director como Vera o como Calixto o Pasqual me ponen delante un salto mortal, en el fondo, cuando luego vuelvo a casa y tengo que tomar la decisión pienso que es exactamente la razón por la que yo he querido ser actor, poder hacer el triple salto mortal que se me propone. La propuesta te la hizo Gerardo Vera, pero es algo que habéis soñado juntos... Gerardo me ha ofrecido muchas cosas y siempre coincidía que yo estaba en otra cosa y no podía. Por fin, me propuso hacer La zapatera prodigiosa y le dije que sí. Y cuando ya estaba en marcha la cosa, me llama un día y me dice que quiere hablar conmigo y me cita en el café
Pues esta, que se sepa, es la primera adaptación teatral de los Karamázov en España... El actor da vida a Fiodor, el Hay alguna adaptación padre de Los hermanos Karapor ahí, es una novela mázov en el montaje universal, pero creo que el de Gerardo Vera sobre la éxito de José Luis Collado novela de Dostoievski (autor de la versión) y de Vera, pero sobre todo de Collado en este caso, a la hora de hacer la primera Hasta el 10 de enero Teatro Valle-Inclán conversión del texto, de la novela al teatro, ha sido
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entrevista
Comercial. Nos vimos allí, a las 4 de la tarde, no había nadie, nosotros solos, tomando dos cocacolas, fíjate tú qué cosa más ridícula, y me dice que se ha caído la producción de La zapatera... qué putada, joder, la madre que me parió… siempre nos pasa lo mismo, vaya frustración más grande. Y me dice: y qué podríamos
Sabía que me estaba metiendo en el infierno y que iba a doler, pero que me iba a proporcionar un enorme gozo hacer tú y yo, porque no nos podemos desanimar. Y digo yo: qué es lo que te gustaría a ti hacer. Y dice: yo siempre he soñado con poder hacer una adaptación de Los hermanos Karamázov. Y yo le dije, coño, Los hermanos Karamázov es una de mis novelas favoritas, pero vamos, es una de los textos de la literatura clásica contemporánea que yo más admiro, adoro a Dostoievski y me encantan los rusos. Si lo haces, Gerardo, yo lo hago contigo. ¿Tú harías el padre de los Karamázov? Me dice. Y yo que sí, que lo hago. Pero hay que hacer la adaptación, dice. Que sí, que me da igual, yo te doy la mano aquí, me comprometo contigo a hacer Los hermanos Karamázov. Y ya esa tarde, cuando salimos del Comercial a las 5 y pico, él estaba llamando al CDN para decir que teníamos título para sustituir La zapatera. Y yo ya bajando en el parking, en el de Fuencarral, que había dejado el coche en la planta -4, a medida que iba andando, bajando de planta a planta, me iba dando cuenta de que me iba a meter al infierno directamente, y que aquello iba a doler, pero que me iba a proporcionar un enorme gozo. Este Fiodor Karamázov es un personaje abismal, profundísimo. ¿Qué tanto se llega a conocer durante el proceso de ensayos y qué tanto queda para las funciones?
Queda todo. Salgo todos los días a escena dejando que sea el personaje el que vaya por delante de mí, intento agarrarlo, hay veces que no puedo, hay veces que me muerde, me hace de todo el hijoputa, pero ya estoy aprendiendo a meterme en la jaula y hacerle que abra la boca, meter la cabeza... Y toda esa doma me está produciendo un enorme placer. Gerardo ayer me decía: vete a casa, descansa. Bueno sí, voy a descansar, he quedado a comer con unos amigos, pero yo lo que quiero realmente es volver el martes y hacer otra vez la función. Y yo creo que así como he llegado muy fresco al debut, a la primera función, tengo la sensación de que cuando termine en Madrid el espectáculo, me va a quedar mucho todavía por hacer. Gerardo Vera dice que los personajes de Dostoievski son ellos y lo contrario. En el caso de Fiodor, cómo se concreta eso. Hay un punto que yo he descubierto con un enorme placer, porque en Fiodor todo es mentira, todo es bufoneo pero todo es mentira, hasta la mayor verdad es mentira, pero lo que es grande es que para que sea mentira, tiene que ser una enorme verdad. Y hay algo que yo estoy trabajando y que me gusta que es que en el fondo tiene un enorme cariño y cuidado y amor por sus hijos, sí, yo creo que sí, especialmente por Smerdiakov, porque Smerdiakov es su hijo bastardo, que vive con él, si no le quisiera, estamos hablando de que le quiere pero luego es mentira ¿eh?, pero si no le quisiera, no podría vivir con él, lo hubiera dejado en la calle. ¿Tú invitarías a comer a este Fiodor? No, nunca, a mí no me gusta nada la gente que monta números en público. Entrevista completa en www.escenagodot.com
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reportaje
AIRE
FOTOS: Pedro Gato
por Sergio Díaz
Alonso Aragón, Gonzalo Aragón, Rodrigo AraBOVOJ significa ‘manada’ en esperanto. BOVOJ gón y Punch Domínguez Aragón han decidido es un grupo de artistas que desde siempre han dar un paso más, han decidido buscar nuevos permanecido juntos, trasteando con la música lenguajes a través de los cuales comunicarse. desde que eran bien pequeños, aprendiendo las Para estos artistas lo fácil hubiera sido continuar técnicas circenses de sus mayores y recibiendo la con el lenguaje circense clásico que tan bien reamejor herencia posible, la sabiduría de la gran lizaban los que han sido sus maestros. Pero son familia Aragón, una saga que ha transmitido jóvenes con ganas de buscar su propia forma de como nadie la mejor esencia clásica del clown. expresión. Han trabajado duro Siempre juntos creciendo para llegar hasta aquí y ahora y aprendiendo como necesitan buscar su propio lugar manada, ahora también BOVOJ presenta su pripara establecer así las pautas juntos deciden dar un mer montaje teatral, un de lo que será su propio camino paso más. Necesitan busespectáculo impactante artístico. car nuevos territorios para creado por Fernando Bercrecer y evolucionar… y nués y Patxi Barco La música y el gesto lo hacen a través de Aire, como forma de expresión un montaje arriesgado y La música y el ritmo son los valiente de cinco artistas Desde el 10 de diciembre elementos que vertebran y acomque llevan trabajando 30 Teatros Luchana pañan el trabajo físico y gestual años. Alejandro Aragón,
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de Aire. A través de la música y de los efectos visuales y sonoros (utilizan en cada función más de 150 elementos entre instrumentos de juguete, objetos sonoros y artilugios musicales fabricados por ellos mismos) iremos descubriendo la fascinante historia de 4 ‘entes’ que llegan al mundo con un aspecto que nos puede resultar familiar, una imagen que podemos asociar de alguna manera a la de los payasos clásicos que todos tenemos en la retina. Pero no es exactamente eso. Desde el primer momento comprendemos que estos ‘entes’ son otra cosa. Gracias a la ayuda de un viejo chamán estos
Con una estética sorprendente es una comedia visual que aúna teatro, música y ritmo recién nacidos irán descubriendo su nuevo territorio, su papel en el mundo y cómo ser capaces de transmitir a los demás su verdadera esencia: su pulsión vital a través de la música, a través del Aire. Además de nuestros 5 curiosos protagonistas, este montaje de Caribe Teatro cuenta con un grupo técnico de enorme calidad. Los directores Fernando Bernués y Patxi Barco han dado forma a un espectáculo elaborado con una estética muy cuidada y contemporánea, que reinterpreta ‘La comedia del arte’ y que lleva el lenguaje clown a una nueva dimensión. Una fiesta de los sentidos interactiva (ya que el público es parte fundamental) es la que nos ofrece BOVOJ, una nueva manada de artistas jóvenes y sobradamente preparados que ha venido para quedarse y hacernos disfrutar.
Aire Espectáculo que surge del afán de riesgo, exploración y aventura de cinco intérpretes que un día decidieron abrir las puertas para dejar que “entrara el aire”, respirar en su esencia para, desde lo más naif y poético a lo más sofisticado, buscar claves que diviertan y emocionen. Jugar con el aire… Reinventar, Inspirar, Investigar...
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entrevista
Carles Castillo (Imprebís) “Nos encanta que haya tanta improvisación, pero hay que inventar constantemente” por Álvaro Vicente do. Aquí no hay nada improvisado. Y nada, son unos Parte de la celebración de los 20 años de Imprebís es personajes normales, de la calle, que se apuntan a una este montaje. ¿Qué es exactamente La crazy class, de escuela de teatro y vemos el desarrollo de todo un curso dónde surge la idea? de nueve meses hasta llegar a la Surge de una idea de Michel López, muestra final. que dirige la obra junto a Santiago Sánchez, como suele ser habitual Junto a Carles MontoEsos personajes los hacéis todos en nuestra compañía. Después liu, Santiago Sánchez y Carles Montoliu y tu, junto a de tantos años improvisando, nos Elena Lombao estrena en Elena Lombao. ¿Cuántos son en apetecía hacer un espectáculo que Madrid La Crazy Class, un total? estuviera escrito. Hemos hecho obras canto de amor al teatro Montoliu y yo hacemos seis persocomo La soledad de los campos de najes cada uno y Elena hace tres, algodón o el Quijote, pero no eran que los hace muy bien. No nos textos nuestros. Aquí hemos querido Del 9 de dic. al 3 de enero conocíamos y es una gran compahacer nosotros los textos a partir de Teatros del Canal ñera y muy buena actriz, porque personajes que hemos ido proponien-
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hace tres personajes muy distintos entre sí, cambiando la voz y todo. Ha sido todo un acierto poder contar con ella. Y bueno, Santiago también hace otro personaje. 16 en total. De ahí lo de ‘crazy’, ¿no? Claro, es una clase muy loca. El público suele decirnos al final que le ha gustado mucho y que cómo nos aclaramos con tanto cambio de personaje. Yo suelo contestarles que ni yo mismo sé cómo nos aclaramos, la verdad. ¿Qué tipo de personajes son? Son tipos muy reconocibles, una señora de la limpieza, uno que trabaja en el puerto, otro en un bar... Podrían ser de nuestra familia, no son nada raros. Y se meten a hacer teatro... Sí, quieren ir a clases de teatro y poco a poco se van enganchando, surgen sus cosas personales, se van conociendo, van cogiendo confianza, van perdiendo la vergüenza... He oído decir que la obra es un canto de amor al teatro... Eso es muy bonito... y sí, hay amor por el teatro, porque se ve lo que nunca se ve cuando vas a un espectáculo, que ves el resultado final. No es que se vean las clases de teatro, sino lo que va sucediendo entre los personajes, que es lo chulo. Estando acostumbrados a improvisar, ¿os resulta difícil trabajar con un texto cerrado? No, y además, como luego hacemos Imprebís al mismo tiempo... Lo hemos hecho en Valencia y lo haremos también aquí: La crazy class de martes a domingo y los viernes y sábados, cuando acabamos una, empezamos con Imprebís. Hemos hecho de todo y eso es lo bueno, pasar del mimo a un Chéjov, pasando por la improvisación. Es lo que te permite crecer como actor. ¿Cuál es el secreto que os mantiene unidos y frescos en escena tras 20 años? Básicamente el respeto, porque cada uno es de su padre y de su madre...
20 años improvisando Esta nueva visita a Madrid de la compañía valenciana L’Om-Imprebís trae programa doble, como cuenta Castillo en la entrevista. El espectáculo pionero de la compañía pionera de la improvisación en España no tiene fecha de caducidad mientras su cuarteto instigador (los Carles, Santiago Sánchez y Michel López) sigan al pie del cañón. Más de un millón de personas los han visto alguna vez haciendo de las suyas. Desde el estreno en 1995 han surgido como setas en otoño docenas de compañías de esta disciplina que siempre está reinventándose. “Nos sentimos un poco padres de la criatura, sí -reconoce Carles Castillo-, y yo siempre les digo a todas estas nuevas compañías que van surgiendo que creen sus propios espectáculos, que hacer improvisación está muy bien pero que hay que estar todo el rato investigando, inventando nuevos formatos. Hay que trabajar mucho y pensar mucho, porque cabemos todos, todos tenemos un hueco. Los que sobran son los que no trabajan con rigor, los que lo hacen porque ven negocio rápido.”
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reportaje
Medea
por Regina Navarro
Un tratamiento injusto a ojos de Vicente Molina Tiene algo de hechicera y de bárbara. Es pasional, Foix, autor de la última versión del clásico que se capaz de amar hasta el extremo y de odiar del estrenó este verano en la 61 edición del Festival de mismo modo. Un mujer en la que las virtudes y los Mérida. “En esta versión encontramos a una Medea defectos se magnifican, en la que los sentimientos se dividida en dos partes: por un lado está la suma de convierten prácticamente en una religión, y explotodos los autores que ya han hablado de ella, por ran ese lado oculto de los hombres. Ese lado lleno otro ese encuentro de dos civilizaciode recovecos que encierra nes”, explica Molina Foix. Y es que las acciones más oscuras. en este texto el autor no se contenta Estrenada en el pasado Medea tiene algo de mito con contar solo el mito que retrataba y de realidad. Emana ese Festival de Mérida, cuenta Eurípides, sino que incluye el viaje aire grandilocuente de los con Ana Belén en el papel personajes trágicos, de principal, bajo la dirección previo de Jasón y los argonautas buscando el vellocino de oro. Indica grandes monólogos llenos de José Carlos Plaza que esta misión es necesaria para de palabras sensibles entender la evolución tanto de Jasón y desgarradoras que Del 18 de dic. al 10 de enero como de Medea, el viraje de ambos, cuentan más de lo que reTeatro Español ese cambio que lo lleva a él a transsuena. Ella es un personaje formarse de héroe en antihéroe, y a deshumanizado que rompe ella a experimentar un amor intenso su propia esencia, que y después un odio extremo. destruye el fruto de sus entrañas por venganza. Una Pero quizá otro de los puntos llamativos de la obra mujer herida, cegada por la humillación que busca es que explora en los conflictos entre las civilizacioredimir su dolor de una forma poco ortodoxa. Ella, nes, esos lugares en los que ya antes hubo guerras Medea, siempre condenada a la barbarie, persoy ahora sigue habiendo luchas. Un rincón situado naje trágico que siempre ha cargado con la culpa en el extremo por el que los años pasan sin cambiar extrema. ¿Qué mujer mata a sus hijos salvo que la condición guerrillera de un hombre que tropieza esté loca o sea un ser abominable?
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constantemente con sus pasiones. Las mismas que llevan a Medea a matar a sus hijos.
Más allá de las pasiones
Estrenada con críticas positivas y una dosis de polémica, la Medea de Foix intenta respetar el mito mientras incluye, de su propia cosecha, personajes y testimonios grotescos, que provocan ciertas dosis de humor a una de las mayores tragedias griegas. Una comicidad reservada a la ironía que sirve de alivio a un texto con una gran carga dramática. Una historia en la que la sangre se convierte en otra de las protagonistas. “En todas las grandes tragedias hay sangre”, explica el autor, haciendo referencias a las obras de Shakespeare. Sangre, el cambio fundamental que Séneca incluyó cuando escribió su propia Medea. Y es que hasta entonces, el momento en que Medea mata a sus hijos nunca se representaba de cara al público. Sin embargo él introdujo una escena cruenta, llena de dolor y horror para hacer más patente la maldad de aquella mujer que se deshacía de su propia carne. “Nosotros hemos querido ahondar en las razones de Medea, en lo que la lleva a actuar de ese modo”, indica Foix. No se trata tanto de justificar sus acciones y de redimirla como
de explicar que había un motivo más allá de la barbarie y la maldad. No en vano abandona a su padre, su hogar y su familia por la promesa de un amor puro que, con el paso de los años, se transforma en una de las traiciones más sonadas de la mitología clásica: Jasón, el valiente, Jasón, el héroe, se casa con la hija de Creonte y repudia a su mujer. Ana Belén encarna, de este modo, a dos Medeas antagónicas, del mismo modo que sobre el escenario hay dos Jasones que se mueven con cuidado entre los extremos. Un elenco de más de 10 actores, entre los que destacan, además del de Ana Belén, nombres como Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rallo, Poika Matute o Alberto Berzal, para representar de nuevo una de las obras que más veces se ha visto durante la historia del Festival veraniego y que ahora hace parada en Madrid para regocijo de los amantes del teatro. Reportaje completo en www.escenagodot.com
Todas nuestras Medeas Eurípides fue el primero que dio voz a una Medea despechada, herida por sus propias pasiones y loca de amor y celos. Después fue Séneca el que aportó su visión particular sobre el mito, muy similar a la primera. Corneille, Richard Glover, Franz Grillparzer, Miguel de Unamuno, Christa Wolf o Fermín Cabal son solo algunos de los autores que se han atrevido a reinventar en cierto modo este clásico. Pero quizá, lo más llamativo, es que en el mismo año nuestro país haya podido disfrutar de dos versiones de la obra. Una, de la que venimos hablando, la de Vicente Molina Foix, dirigida por José Carlos Plaza y protagonizada por Ana Belén; otra, en el marco del Teatro de La Abadía bajo el ciclo del Teatro de la ciudad, un texto en el que Aitana Sánchez Gijón, bajo las órdenes de Andrés Lima, aborda desde otro punto el clásico. Si en el primer caso Medea es tratada como un acto de revelación en si mismo, en el segundo se exploran las capacidades destructivas del amor y el odio, aunque ambos pretenden llegar hasta los límites del hombre. Medea como mito, como hechicera. Medea como madre y como amante. Medea como feminismo, como reivindicación de la mujer. Medea como vengativa e inhumana. Medea como cúmulo de bajas pasiones, como bárbara. Medea como mujer pisoteada y como heroína. Medea bajo la mirada poliédrica del teatro, su hábitat natural.
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estrenos
La viuda alegre
Desde el 18 de diciembre Teatros del Canal Pesa sobre los servicios diplomáticos de la mayoría de las países la injuriosa fama de que sus titulares no han de tener más virtudes que un hígado resistente y la habilidad de sonreír mientras parlotean sobre naderías, de recepción a fiesta de embajada y de baile de delegación a cena de gala. Quizá obras como La Viuda Alegre hayan alimentado esa calumnia. En ella Danilo, su protagonista, se enfrenta a la patriótica tarea de seducir y desposar a Hanna, una joven viuda acaudalada, para que su fortuna no salga del pequeño principado de cuya embajada en París es Danilo primer secretario. Pero no será tarea fácil... Esta obra coreografiada por Nuria Castejón y protagonizada por una bellísima, elegante y misteriosa Natalia Millán es probablemente la opereta más famosa de todas, un verdadero paradigma del teatro musical... un gran musical lleno de diversión, glamour y lujo con dirección escénica de Emilio Sagi.
The Funamviolistas
FOTO: David Ruiz
Desde el 16 de diciembre Naves del Matadero La primera representación de este montaje fue en 2013. En su corta trayectoria ha recibido el Premio Max en 2014, el premio Talent Madrid 2013, un premio en la XVI Feria de Teatro de Castilla y León, el Premio Revelación en los III Premios de Teatro Andaluz en 2015... O todos los jurados eran familia de las protagonistas o es que estamos ante un montaje que merece verdaderamente la pena. Ana Hernández (violín), Mayte Olmedilla (viola) y Lila Horovitz (contrabajo) fusionan sobre el escenario música, danza, humor y teatro de gesto para contar de forma insólita una historia de reinvención. La obra comienza cuando estas tres mujeres con un presente truncado se encuentran. Este cruce del destino hará que construyan una vida en común, con sus alegrías, sus desencuentros, sus sueños y esperanzas. La amistad y la superación son el hilo con el que se teje esta historia entrañable y conmovedora sin necesidad de la palabra. S. Díaz
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DANZA
El Cínico La compañía Losdeade, con Muraday a la caDentro de la Biología el mutualismo se define beza, propone una revisión de las enseñanzas como una interacción biológica, entre individel filósofo griego Diógenes de Sínope al que duos de diferentes especies, en donde ambos apodaron El cínico. Es un espectáculo que, se benefician y mejoran su aptitud biológica. por medio de los movimientos escénicos, trata Eso es lo que está ocurriendo con Chevy de recuperar la obra de este sabio heleno, un Muraday y Pablo Messiez. No es que ambos hombre cuya idea de la virtud consistía en la sean de diferentes especies (aunque su formasupresión de las necesidades y cuya visión de ción inicial sí pertenece a distintos ámbitos), un mundo corrupto e indecoroso pero su mutua cohizo que buscase la honradez laboración -que se Espectáculo de danza de humana en la sociedad griega sin va haciendo cada Chevy Muraday, con textos encontrarla. Messiez, Muraday, el vez más habitual, de Pablo Messiez, que reresto de intérpretes y la dirección y bien que lo cupera las enseñanzas del de David Picazo estructuran una agradecemos- les filósofo griego Diógenes coreografía que busca recrear a va haciendo creeste personaje de la antigüedad. cer cada vez más En cada movimiento, en cada como artistas. Desde el 10 de diciembre paso que va dando sobre el esceLos textos escritos Teatro Español nario, el artista se va despojando por Pablo Messiez de su vida material -un mundo continúan llevande aglomeración y acumulación do al coreógrafo de elementos escénicos- para mostrar toda Chevi Muraday a profundizar en la grieta que la fuerza del baile, una energía que bulle en separa palabra y movimiento, haciendo que su interior y que es el verdadero motor de su el intérprete siempre tenga que transitar por vida... la única gran necesidad a la que está un lugar distinto al que hasta ahora nos había apegado. Sergio Díaz mostrado. Y eso le llena aún más de matices.
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Rodadanza
6, 13 y 20 de diciembre Espacio Labruc
La compañía de danza de Juan Carlos Avecilla presenta Melómano, un canto de amor por la música en toda su magnitud a través de la danza y el flamenco. Un regalo para todos aquellos que amamos la música y que vivimos nuestra vida a través de los ritmos y las notas musicales. Es un proyecto coreográfico donde música y danza se unen para llevar al espectador a un estado de trance donde la perfección es el punto de partida. A través de las distintas escenas iremos reconociendo diversos aspectos de la condición humana como la obsesión, la perfección y la lucha. Estados de ánimo por los que se traviesa para alcanzar la plenitud musical. Paula Rodríguez, Carmen Muñoz y Juan Carlos Avecilla dan vida a la magistral composición musical realizada por Daniel Yagüe. Tres músicos y las voces de Desiré Paredes y Pablo Oliva conforman un montaje donde se usa el código fundamental de la estilización del flamenco con elementos contemporáneos gracias a la improvisación coreográfica. S. Díaz
Rodadanza es un colectivo joven que nace en Madrid a través de la iniciativa de Alba Vergne López con distintas coreógrafas y bailarinas de diferentes partes de Europa. Ofrecen espectáculos rotatorios, ‘mini’ festivales de danza para las salas tratando de dar visibilidad a artistas emergentes que tienen piezas breves de pequeño formato difíciles de programar de forma independiente. Es una iniciativa cultural muy interesante que invita a nuevos públicos a participar de la danza contemporánea de una forma dinámica y variada. Ofrecen danza en pequeñas dosis para que el espectador pueda adentrarse en este nuevo territorio, paladeando cada momento que se le ofrece y deseando que encuentre en cada pieza una historia que llevarse a casa. Los días 6, 13 y 20 de diciembre podremos disfrutar de las piezas coreográficas MAMAS de Anastasia Shelepova, Tot està bé de Artur Villalba, Parole Parole Parole de Alba Vergne López, Kilómetros, PLAY y Un.Y.Dos de InPut Danza, y Men’s Day de Cía. Caminante. Danza de calidad a sorbitos.
Melómano
17 de diciembre Sala Tarambana
FOTO: Javier López
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estrenos
Ya hemos hablado muchas veces del Festival de Otoño a Primavera, de lo que supuso el cambio de nombre y de formato del añorado Festival de Otoño. Pero lo que es innegable es que gracias a este evento, con todos los peros que le queramos poner, podemos disfrutar de algunas de las mejores creaciones teatrales internacionales. Golem es una buena muestra de ello. El mejor aval de este montaje es que es un espectáculo de 1927, una de las compañías más interesantes de la escena contemporánea europea especializada en crear un teatro fílmico mágico. La formación londinense ya nos dejó boquiabiertos con su anterior montaje, The Animals and Children Took to the Streets, y ahora llegan con la misma fuerza escénica y visual. Golem está ambientada en un mundo futurista donde la tecnología ha evolucionado para trascender los límites del control humano. Este espectáculo explora, de forma inusitada, las interrelaciones entre los hombres y las máquinas fusionando la animación artesanal, el stop motion, la interpretación y la música en directo. S. Díaz
Golem
Del 9 al 12 de diciembre Teatros del Canal
Papá Noel es una mierda Desde el 22 de diciembre Teatros del Canal
FOTO: Bernhard Mueller
Esta es una de las comedias más populares de la historia del teatro y del cine francés. Fue creada por el colectivo teatral Le Splendid en 1982. Ya sólo por eso se convierte en un evento especial que no hay que perderse, pero es que además, este montaje, supone la vuelta a los escenarios de Los Goliardos, una de las compañías históricas del teatro independiente español, fundada hace cincuenta años por Ángel Facio. Por sus filas han pasado algunos de nuestros grandes actores y actrices (Carmen Maura, Gloria Muñoz, Santiago Ramos, incluso Pedro Almodóvar). Ahora es Sergio Macías quien dirige a Emma Ozores, Antonio Vico y al propio Ángel Facio en esta obra que se plantea como una comedia violenta. Bajo una apariencia cercana al vodevil acaba dinamitando una tras otra las convenciones más arraigadas de nuestra sociedad políticamente correcta. Pone en solfa la navidad, la familia y la maternidad, pero también cuestiona nuestra visión de las ONG´s, la transexualidad, la inmigración o la violencia de género. Este montaje es un gustazo por el significante y el significado. Sergio Díaz
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CRÍTICAS
Crituits
Crítica: La del Soto del Parral Teatro de La Zarzuela Por Magda Ruggeri
Zarzuela de campo Esta producción del Teatro de la Zarzuela se remonta a 2010 y, como entonces, se vale de la dirección de Amelia Ochandiano que nos introduce en un ambiente totalmente campesino donde triunfa la naturaleza con tormentas, lluvia, y sol. Todo el escenario está ocupado por un prado sobre el que se abren casas de pueblo y en lo alto cuelga un grupo de campanas de iglesia. Bellísima la coreografía de la misma directora y Luis Romero, brillantes los bailes y la fiesta de los novios, graciosas las escenas de los criados y eficaz el enfrentamiento con cuchillos entre Germán y Miguel. El vestuario de Pedro Moreno es muy alegre, aunque se sirve de colores tenues y delicados. El maestro Martín Baeza-Rubio sabe realzar los contrastes y los colores de la partitura, rica en motivos folclóricos, y en dúos dominados por la pasión. Consigue mantener un perfecto equilibrio entre partes musicales líricas y otras de carácter más ligero. El elenco es de alto nivel. La soprano Saioa Hernández bordó con oficio el papel de Aurora también desde el punto de vista actoral. Su magnífica voz destacó en Ten pena de mis dolores, haciendo romper en aplausos al público, y en el dúo del primer acto con Alejandro Roy como Miguel. Apreciamos mucho la voz de este tenor que consiguió grandes resultados en su difícil papel, en especial en la romanza Fuerza que me vence. Buena la interpretación de Javier Franco (Germán), aunque su papel requeriría una voz más grave. Los demás cantantes y actores lucieron su profesionalidad tanto a nivel canoro como actoral. El coro del Teatro de la Zarzuela, preparado por Antonio Fauró, dio una soberbia interpretación. La ronda de enamorados y el final A reír, a cantar… han entusiasmado al público que canturreaba y estalló en aplausos y ovaciones.
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Crítica: La clausura del amor / 40 años de paz Teatros del Canal Por Álvaro Vicente
Cuesta abajo y sin freno Esta crítica me sirve para hablar de dos obras programadas durante el pasado mes de noviembre en el marco del llamado, absurdamente, Festival de Otoño a Primavera. Pero sobre todo me sirve para corroborar que, probablemente, estamos ante el declive y previsible muerte de este festival que tantas alegrías nos ha dado en los más de 30 años de vida que tiene. Ya al transformarlo en una muestra anual diseminada en la programación del Canal perdió vigor, pero este año, el último programado por Ariel Goldenberg, deja ver que el presupuesto no es el que era y que, por muy dignos que sean, hay espectáculos cuyo acomodo real no parece un festival de estas características. Hablo sobre todo de 40 años de paz, bien escrito y bien dirigido por Pablo Remón, que ha pasado del off del Lara con la muy notable La abducción de Luis Guzmán a compartir FOTO: Josep Aznar programación con
DV8 Physical Theatre o con Pascal Rambert en este trimestre. Igual es demasiado, ¿no? La obra está muy bien interpretada y, con un marcado acento cinematográfico en su narrativa, y una gran carga de ironía, se plantea de qué manera influye la Historia reciente de España en las vidas comunes y anónimas de una familia un tanto peculiar, como tantas. Creemos que le falta entidad para un festival así. Igual que La clausura del amor, que pese a ser un ejercicio interpretativo soberbio por parte de Israel Elejalde y Bárbara Lennie, no nos parece que plantee cuestiones de gran interés. Si todavía fueran Adán y Eva separándose habría un acicate, pero una pareja cualquiera gritándose y echándose mierda a la cara como cualquier pareja de nuestro vecindario una noche de crisis, y encima a través de una forma que constriñe la teatralidad... pues no nos ha interesado mucho. Aunque insitimos, Elejalde y Lennie están SO-BRE-SA-LIEN-TES.
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 26 de noviembre
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lírica
Rigoletto al bufón jorobado en un ser escindido entre su Este espectáculo es una de las apuestas odio hacia un poder corrupto, y su enfermizo seguras para el Teatro Real esta temporada amor por una hija que caerá víctima de todas 15/16. El director escocés David McVicar las conspiraciones que él mismo ha fomentapone sobre la escena de Madrid la gran obra do. Con esta obra, el compositor arranca una de Giuseppe Verdi, Rigoletto. Una magnífica nueva etapa hacia su propia concepción del producción del Royal Opera House Covent drama musical, con formas operísticas más Garden de Londres que cuenta con la particilibres. La elegante puespación del coro y la orquesta ta en escena de David titulares del Teatro Real. El director escocés David McVicar reproduce la El poder contra los indefenMcVicar trae al templo de atmósfera opresiva de sos es un tema recurrente la ópera de Madrid la gran la corte y ahonda en en la literatura universal. obra de Giuseppe Verdi la ambivalencia del Victor Hugo lo aborda en Le personaje -monstruoso Roi s’amuse (la obra en el por fuera y frágil por que está basado el libreto) dentro-, mostrando la con una dureza tal que su Hasta el 29 de diciembre degradación en la que representación se prohibió duTeatro Real puede sumirse un ser rante medio siglo. Verdi, tras humano movido por el dos años inmerso en la vida miedo. cultural parisina, se arriesEste ‘Melodramma’ en tres actos unirá a cangará con el estreno en La Fenice en 1851 de tantes tan reconocidos como Olga Peretyatko, esta trágica historia llena de claroscuros -el Lisette Oropesa, Stephen Costello o Leo Nucci, personaje de Rigoletto, como él mismo afirma, bajo la dirección musical de Nicola Luisotti. le parece digno de Shakespeare-. Y convertirá
/ del 12 Noviembre al 13 de Diciembre
SHAKESPEARE
EL MERCADER DE VENECIA versión Yolanda Pallín dirección Eduardo Vasco
“Un Shakespeare cercano, accesible, al día.” Pedro Barea / EL CORREO (Bizkaia) “Arturo Querejeta, poderoso, encarnando a ese prestamista judío. Un magnífico y oportuno montaje.” Nel Diago / CARTELERA TURIA (Valencia) “Una libra de carne humana a cambio de un crédito no devuelto. Un contrato es un contrato, se exige. Hoy se llama desahucio. ¡No se la pierdan!” Lara Martínez / ABC (Sevilla)
noviembreteatro.es coproducción
42 ESPECIAL NAVIDAD EN FAMILIA
Ana del Arco y Germán Vigara Normalmente nadie repara en los actores y actrices que hay detrás de esos personajes que divierten, encandilan y enamoran a nuestros hijos, pero son profesionales con gran experiencia a sus espaldas que conocen bien los resortes que hay que tocar para atrapar la atención del que -coinciden ambos- es el público más difícil, pero también el más agradecido por Álvaro Vicente demuestran todo, lo que les gusta y lo que no, siempre. Un sábado de trabajo en el Teatro Maravillas empieza GERMÁN VIGARA. Hay que hacerlo con muchas temprano. Ana del Arco, que interpreta a la prota ganas. No digo que el teatro para adultos haya que en Alicia en el país de las Maravillas, llega de las hacerlo sin ganas, pero el público infantil es el más puro primeras, a eso de las 10 de la mañana (la función es que existe. Si lo haces con ganas, con energía y ofreces a las 12.30). Germán Vigara llega poco más tarde, algo que interesa, a ellos les vas a interesar, porque si le toca transformarse en Sr. Conejo. Por la tarde, será no, no hay manera de captar su el león en El Mago de Oz (16.30), atención. Se trata básicamente donde Ana hace cuatro personajes. Del país de las maravillas de convertirte en un niño, en Ambos acumulan más de 10 años de al reino de Oz. Así pasan jugar. Ellos juegan todo el rato y experiencia en el teatro para niños y los sábados estos dos acte tienes que poner a su altura. niñas, así que... tores, para regocijo de los AdA. Y jugar también es bueno pequeños de la casa para nosotros como actores, por¿Qué significa para un actor hacer que por suerte tenemos muchas este tipo de teatro? funciones y jugar te permite ir ANA DEL ARCO. Es el que más tablas Sábados y 7 y 28 de diciembre probando y encontrando cosas te da, porque los niños son el peor y el Teatro Maravillas distintas. mejor juez, son claros y meridianos, lo
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Germán, tú en Alicia eres el Sr. Conejo, y en El mago de Oz el León... GV. Sí, mi carrera es un zoo (jajajaja). Con Ara Malikian hice de perro, y he trabajado también haciendo de buey, de gato... esto te da los recuersos para poder desenvolverte haciendo lo que quieras, casi nada te asusta. ¿Y tú Ana? AdA. No, yo no he hecho mucho el animal. Pero en El mago hago cuatro personajes: la señora Gultz, la tía Emma, el hada Glinda y la Bruja del Oeste... apenas tengo cambios. Y en Alicia soy “solo” Alicia. Es un personaje muy presente en el imaginario colectivo, sobre todo, como pasa con muchos otros personajes, por las pelis de Disney, que fijan los personajes en la mente de la gente como arquetipos. Pero vamos, aquí la compañía nos ha permitido jugar mucho y a la gente le gusta un montón. ¿El teatro infantil es un género menor? GV. No, no, y crasso error pensar que lo es,
¿Cómo sentís la influencia de otras formas de ocio en los niños, que muchas de ellas tienen que ver con una pantalla: videojuegos, cine, tablet...? AdA. Yo lo he notado un montón, ahora todo tiene que ser mucho más inmediato, tienes que llamar mucho más su atención con luces, colores, fantasía... estímulo, estímulo, estímulo todo el rato. Cuando yo empecé a hacer teatro para niños, hace 10 años, no era así, era más sencillo. El elemento pantalla ha cambiado mucho la forma de comunicarnos con los niños desde el escenario, aunque también es cierto que nada va a cambiar el auténtico 3D, porque cuando al acabar la función vamos al photocall con los peques y coges a uno y le notas el corazón a tope, entusiasmados... eso no te lo da una pantalla jamás. GV. De todo esto precisamente habla nuestra Alicia, porque en esta versión Alicia es una niña enganchada a su móvil, está todo el día en el whatsapp, y lanzamos el mensaje de apartar los ojos de la pantalla y la invitación a interactuar, a vivir, huele, toca, siente el aquí y el ahora con otras personas, con otros seres como tú, no con algo ficticio a través de una pantalla.
sobre todo si te dedicas a esto, porque tenemos que cuidar y mimar mucho este teatro, los pequeños son los futuros pagadores de las entradas de teatro. Si no cuidas el producto, vas a ir perdiendo espectadores por el camino, y si los pierdes a esta edad es muy difícil recuperarlos. AdA. El teatro infantil nos da de comer a muchos actores y, como dice Germán, si lo cuidamos nos seguirá dando de comer en el futuro, así que... ¡vivan los niños! GV. De todas formas, también te digo, sólo de dos funciones semanales no se vive, que yo luego, entre semana, construyo atrezzo y escenografía para otra compañía... ¡diversificando!
44 ESPECIAL NAVIDAD EN FAMILIA La vuelta al mundo en 80 cajas Dentro de Titerescena llega en diciembre La vuelta al mundo en 80 cajas de la cía. Markeliñe, una adaptación libre del clásico relato de Julio Verne, La vuelta al mundo en 80 días. Tres trabajadores de un almacén que viven en la rutina de ordenar cajas de cartón, son los protagonistas de un viaje imaginario a través del juego. Los tres personajes, agotados por la rutina laboral, crean con las cajas de cartón que tienen que cargar y descargar un universo mágico mediante el cual recorren todos los rincones del planeta. Un espectáculo donde, a través de la sencillez, nos transportan a un mundo de ensueño, donde una simple caja de cartón adopta todos los sentidos y formas que nuestra imaginación sea capaz de generar. Teatro Valle-Inclán. 19 de diciembre a las 13 y 17 h. 20 de diciembre a las 11 y 13 h. Espectáculo recomendado a partir de 5 años. 3-7 €
La bella durmiente, el musical Bello musical donde conoceremos a la princesa Aurora, la rueca, Belinda su hada madrina y la malvada Carabosse. Un espectáculo que logra mantener en vilo a los espectadores que ven como la maldición de Carabosse se va cumpliendo: “la princesa a los 16 años morirá”. La versión del Teatro Sanpol se ve apoyada con la música que Tchaikovski compusiera para su famoso ballet. Otro protagonista de la función son las impactantes proyecciones que acompañan a la cuidada escenografía y la interpretación de los actores de la Compañía La Bicicleta, elenco estable de Sanpol, que nos llevan del maravilloso mundo de las hadas y duendes al interior de los palacios de cuento. Un gran clásico de la literatura infantil que nos emocionará. Teatro Sanpol. Sábados, domingos y vacaciones de Navidad a las 12 y 17 h. Espectáculo recomendado a partir de 5 años. 12,5-20 €
100% Burbujas Regresa la magia de las pompas de jabón al Teatro Lara. El artista David Vega ha renovado este montaje para seguir asombrando al público con un espectáculo que va más allá de la realización de pompas de jabón, es pura poesía visual en movimiento. 100% Burbujas cuenta la historia de un maestro del arte de las pompas de jabón, cuya misión es ir viajando por el mundo para mostrar a todas las personas el sorprendente universo de las membranas jabonosas. Usando aire, agua, fuego, humo, vapor de agua, helio y una infinidad de artilugios sorprendentes irá realizando bellas esculturas imposibles dentro de una mágica historia teatral con muchísimo encanto y humor. Teatro Lara. Del 23 de diciembre al 7 de enero a las 12 h. Para todos los públicos. 9-12 €
45 Pocoyó y sus amigos Hoy es un gran día en el Mundo de Pocoyó. Todo está muy tranquilo y como siempre Pocoyó y sus amigos quieren jugar y divertirse pero ¿podrán ponerse de acuerdo? Cada uno quiere jugar a una cosa, ¿serán capaces de jugar todos juntos como amigos? Espectáculo musical en vivo que tiene como protagonistas a los personajes de la famosa serie televisiva y que incluye las canciones y aventuras de este grupo de pequeños y entrañables amigos. Juntos harán increíbles viajes y bailarán al son de los mejores temas musicales de la serie. Teatro Compac Gran Vía. Sábados y domingos a las 12 h. Espectáculo recomendado para niños de 1 a 6 años. 15 €
PinoXXio La compañía Ananda Dansa (Premio Nacional de Danza 2006), tras el éxito de Peter Pan, presenta una versión contemporánea y personal del inmortal cuento de Collodi. El espectáculo trata de la compleja relación entre padres e hijos; de cómo las ansias del padre Gepetto por educar a su vástago son inversamente proporcionales a las ganas del hijo PinoXXio de que lo deje en paz; de cómo la vida que todo joven busca es la que gana con sus propias batallas... Teatros del Canal. Del 19 de diciembre el 3 de enero Espectáculo recomendado a partir de 7 años. 8-20 €
Ratón Pérez, el musical El Ratón Pérez viaja por el mundo recogiendo los dientes caídos de los niños. Sin embargo, nadie sabe a ciencia cierta por qué lo hace o por qué nadie ha sido capaz de verlo nunca. De pronto, un día pierde la magia que le da su habilidad. Desesperado, solamente tiene un día para recuperarla y resolver el enigma del tiempo. El único que puede ayudar al Ratón Pérez es el Gato Bianca. Juntos se embarcan en una divertida aventura llena de jazz, soul, swing, rock y blues de la mano de la actuación del grupo Los Gatos del Jazz. Teatro Nuevo Apolo. Del 19 al 25 de diciembre. Espectáculo recomendado a partir de 3 años. 14-18 €
Peter Pan en el país de la ópera Gran aventura en la que Peter Pan convoca a sus amigos en el país de la Ópera. Gracias a la magia de Campanilla y a su ‘polvo de estrellas’, empezarán a descubrir cosas jamás vistas y oídas... Los intérpretes cantarán piezas de las óperas más conocidas por todos. Pero el juego se verá truncado por un mensaje enviado por Wendy, pidiendo ayuda a Peter para que libere a sus hermanos y a la ópera que están bajo el hechizo de Garfio. Con ayuda de Peter, sus amigos y el público, veremos si esta importante misión podrá ser resuelta... Teatro Quevedo. Sábados a las 12 h. Hasta el 30 de enero Espectáculo recomendado a partir de 3 años. 8-10 €
46 ESPECIAL NAVIDAD EN FAMILIA Pulgarcito (Mi primer clásico) En esta nueva temporada de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, dentro del ciclo ‘Mi primer clásico’ -un proyecto que nació para que los más pequeños se familiaricen con las grandes obras teatrales-, podremos disfrutar de Pulgarcito, el texto de Charles Perrault producido por Teatro Paraíso, que cuenta con la dirección y la dramaturgia de Iñaki Rikarte. Una obra ganadora del Tercer certamen barroco infantil del Festival de Almagro. Son varios los temas que Perrault aborda en su versión del cuento y, sin duda, uno de ellos es el del abandono. Teatro del Paraíso presenta el cuento haciendo hincapié en este tema y contextualizándolo en una situación que no dejará de reclamar paralelismos con la sociedad actual. Teatro de la Comedia. Del 22 de diciembre al 3 de enero. Espectáculo recomendado para niños de 7 a 11 años. 8-14 €
Nadie es quien parece ser Una nueva forma de presentar el claqué al público. Teatro y baile se dan el relevo durante la función en varias ocasiones jugando con el absurdo, la confusión y el malentendido, para generar un contexto divertido y cercano con el público. Se mezcla la fantasía con el mundo real, con el teatro, el jazz y funk con el baile. En poco más de una hora nos presentarán un elenco de estilos y modalidades que se adaptan a todos los gustos y que llega a todas las edades. El Tap Show Project cuenta con la agrupación de algunos de los bailarines mas punteros de la modalidad y supone el arranque de una tendencia que está por desarrollar y que cuenta con estéticas y tendencias musicales muy actuales. Teatro Fernán Gómez. De martes a domingos a las 11 y 13 h. Del 19 de diciembre al 10 de enero. A partir de 5 años. 7-11 €
Hansel y Gretel, un mágico musical Basado en el inmortal cuento de los Hnos. Grimm, llega esta nueva versión de la historia en formato musical con libreto y canciones originales de Miguel Antelo, coreografías de Sonia Dorado y un elenco de artistas procedentes de algunas de las mejores producciones de teatro musical. Este Hansel y Gretel se despoja de los aspectos más tremendistas de la historia original y muestra a los hermanos como dos jóvenes luchadores que se adentran en el bosque prohibido para encontrar un tesoro que ayude a su familia a salir de la pobreza. Valores como la importancia de la unión de la familia, el valor de la amistad y el respeto y cuidado de nuestros mayores sustentan esta historia con grandes dosis de aventura, ternura y humor. Teatro Fernán Gómez. Del 22 de diciembre al 10 de enero. Espectáculo recomendado para todos los públicos. 7-13 €
47 A Christmas Carol Desde que se publicó Un Cuento de Navidad, en 1843, la novela de Charles Dickens ha llegado a ser tan popular en el mundo anglosajón, que es imposible imaginar la Navidad sin ella. Face 2 Face Theatre Co., expertos en el arte de hacer reír, hace una nueva adaptación desde su particular visión cómica. Toda la magia y el humor de Dickens donde los espectadores se ríen a carcajadas y reflexionan sobre la alegría de compartir. Canciones evocadoras, divertidos gags y magia basada en el mimo y la comedia visual. En inglés. Teatro Infanta Isabel. Sábados a las 16 h. Domingos a las 12.30 h. Espectáculo recomendado a partir de 7 años. 12-15 €
Crazy Christmas Show! ¿Te atreverías a llevar a tu hijo, a tu sobrino, a tu alumno... a un show donde Leo Bassi hace de Papá Noel y se pronuncian palabras políticamente incorrectas para niños como franquista o ‘balconing’? Bassi, junto con Laura Inclán y Lola Barroso, hacen de Crazy Christmas Show! un divertidísimo viaje relámpago al Polo Norte, con una buena dosis de típico humor ‘british’. Un gran espectáculo que cumple por fin el sueño del showman, que nunca antes había actuado para el público menudo, por fin puede convertirse en Papá Noel. Teatro Alfil. Sábados a las 17 h. Domingos a las 12 h. Del 12 de diciembre al 5 de enero. 16-20 €
Los payasos de la tele, el Musical Primera gran obra teatral en homenaje a la gran familia Aragón y en especial a aquellos payasos de la tele que tanto y tanto nos hacían disfrutar. Cuenta con la incomparable presencia de Rody Aragón. Toda España se emocionará con un espectáculo único e irrepetible donde cantaremos las canciones más conocidas y populares (Cómo me pica la nariz, Hola Don Pepito, El auto, Dale Ramón, Susanita, El barquito de cascara de nuez…) con el objetivo de hacer partícipe a todo el público animándoles a cantar, a dar palmas y a divertirse. Teatro Cofidis Alcázar. Domingos a las 12.30 h. Hasta el 4 de enero. Espectáculo recomendado para todos los públicos. 18-20 €
El patito feo, un viaje interactivo musical Espectáculo musical para toda la familia. Un patito es rechazado por su familia adoptiva. Le dicen que es feo y se ríen de él. Con tristeza, decide emprender un viaje para encontrar una familia que le quiera tal y como es. Durante este viaje conocerá aves simpáticas, aves carroñeras y aves completamente locas que le harán pasar ratos divertidos y alguno más angustioso. La compañía T-Gracia ha elaborado un colorido montaje con una sorprendente escenografía y música original de David Ordinas que llegará al corazón de todos. Teatro Fígaro. Sábados a las 16.30 h. Hasta el 9 de enero Espectáculo recomendado para niños de 2 a 12 años. 12-15 €