Centro Dramático Nacional
Teatro Valle-Inclán
Dirección Ernesto Caballero
VIDA DE GALILEO
Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Felype de Lima Composición musical Hanns Eisler Música y espacio sonoro Javier Coble
de Bertolt Brecht Traducción Miguel Sáenz Versión y dirección Ernesto Caballero
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Músicos Javier Coble Pau Martínez Kepa Osés
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Del 29 de enero al 20 de marzo de 2016
Reparto (por orden alfabético) Chema Adeva Marta Betriu Paco Déniz Ramon Fontserè Alberto Frías Pedro García de las Heras
Ione Irazabal Borja Luna Roberto Mori Tamar Novas Paco Ochoa Macarena Sanz Alfonso Torregrosa Pepa Zaragoza
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Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
PÁNCREAS de Patxo Telleria
Del 11 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016
Dirección Juan Carlos Rubio
Reparto (por orden alfabético) Fernando Cayo Alfonso Lara Santiago Ramos
Escenografía José Luis Raymond Iluminación José Manuel Guerra Vestuario María Luisa Engel Música Miguel Linares Espacio sonoro Sandra Vicente
Coproducción Centro Dramático Nacional y Concha Busto Producción y Distribución
Síguenos en: #pancreasteatro
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
C
Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
INSOLACIÓN
de Emilia Pardo Bazán Dirección Luis Luque Versión Pedro Víllora
Teatro María Guerrero
Reparto (por orden alfabético) María Adánez Chema León José Manuel Poga Pepa Rus
Del 10 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016
Escenografía Mónica Boromello Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Almudena Rodríguez Música Luis Miguel Cobo
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Producción
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COCINA
Teatro María Guerrero Sala de la Princesa Del 13 de enero al 21 de febrero de 2016
de María Fernández Ache Dirección Will Keen
Reparto (por orden alfabético) Sonia Almarcha Bruno Lastra Luis Martínez Arasa Manolo Solo Voces María Fernández Ache Mamen Camacho Pilar Castro Mercedes Castro Cristóbal Suárez
Escenografía y vestuario Esmeralda Díaz Iluminación Pedro Yagüe Espacio sonoro Luis Miguel Cobo Síguenos en:
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
6 14 17 20 26 28 30 34 38 42 palabra de nico guau noticias MADferia
portada Cervantina estrenos Cocina
estrenos Huevos con amor
estrenos Tres Hermanas
reportaje 25 años de Yllana
la visual Aire
FOTO PORTADA: David Ruiz
reportaje La Zaranda
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reportaje Lluvia constante estrenos Una pareja cualquiera
estrenos La última sesión de Freud
danza Monsieur
lírica La flauta mágica
cómicos Álvaro Velasco
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entrevista Alfredo Sanzol
reportaje La estupidez
entrevista Natalia Sánchez
32 36 40 46
EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Enero 2016
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COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DIRECTORA
HELENA PIMENTA
en coproducción con
DEL 14/1 AL 6/2 TEATRO DE LA
CERVANTINA
Comedia
Versiones y diversiones sobre textos de Cervantes dirección
www.ronlala.com
YAYO CÁCERES
TE TEA ATRO DE LA COMEDIA
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PALABRA DE... nico guau
¡Otra vez! ¡Otra vez! Estamos viviendo épocas teatrales convulsas. Y no me refiero solamente a que en las dos sedes del Centro Dramático Nacional haya en cartel sendas adaptaciones de novelas, ni a que a los dramaturgos españoles que no basan sus obras en novelas se les reserven los sótanos y las buhardillas... Me refiero, por ejemplo, a que el mes pasado, el público del Teatro Real le pidió un bis al barítono Leo Nucci, que interpretaba a Rigoletto. Pero no fue al final de la obra, como en un concierto, sino durante la representación. Al público le gustó algo y al momento exigió una repetición, y hubo repetición. Sí, es verdad, eso era ópera, y no teatro... Pero veamos la ópera como una obra de teatro en que los protagonistas cantan, y como tal, ante la repetición, la obra dramática sufre... Vale, la acción dramática en ópera se encuentra a veces diluida entre tanto alarde vocal... Así que, centrémonos en nuestro tema preferido, ¿qué pasaría si el público de teatro pidiera repeticiones de las partes que más le han gustado? Tenemos un par de precedentes, que son ya un clásico de la escena: el juego de pierna de Lina Morgan, o el “chatina” de Arturo Fernández. Estos dos ejemplos son bises inconscientes, pues ambos actores repiten sin que el público lo reclame explícitamente. Pero, y redundando en la pregunta, ¿qué pasaría si el público solicitara a cada momento lo que quiere volver a ver? Si una actriz hubiera pronunciado una dolorosa y penetrante frase y la quisieran volver a escuchar, lo podrían exigir. “¡Otra vez! ¡Otra vez!”, le gritarían a Nuria Espert en La casa de Bernarda Alba tras escuchar eso de “¡Mi hija
ha muerto virgen!” y ella repetiría a gusto del público, poniendo de nuevo una gran cara de dolor... Y a José Luis Gómez, en Hamlet, le pedirían el bis tras eso de “Ser, o no ser. ¿Qué es más noble...?” Y él, de nuevo: “Ser, o no ser. ¿Qué es más noble...?” Y el público se lo volvería a pedir, quizá hasta 3 o 4 veces... “Ser, o no ser. ¿Qué es más noble...?” A Concha Velasco, en Filomena Marturano, el público le pediría que volviera a proponer a su esposo el enigma de los hijos. A José Pedro Carrión, en Ricardo III, que dijera 6 o 7 veces más lo de “mi reino por un caballo”... A Vicky Peña, en Sweeney Todd, que volviera a golpear con el rodillo sobre la mesa... Bueno, vayamos a algo de más actualidad... A Nuria Gallardo, en El Alcalde de Zalamea, podrían hacerle contar otra vez cómo ha sido violada. A Fernando Cayo se le instaría a convertirse de nuevo en Rinoceronte. A Blanca Portillo se le rogaría que recitase otra vez lo de “Apurar, cielos, pretendo” en La vida es sueño... A Kiti Mánver en Las heridas del viento, que se volviera a disfrazar de mujer y luego de hombre otra vez y luego de mujer de nuevo... A Luis Bermejo en El minuto del payaso, que volviera a exclamar “¡Papapancho!” treinta y tantas veces seguidas, hasta que el público se cansase... Tal vez, algún día, en estos tiempos teatrales convulsos, en el silencio de una función se escuche de repente al público gritar: “¡Otra vez! ¡Otra vez!”. Y entonces, quizá el intérprete se vea obligado a hacer un bis para no defraudar a sus espectadores. El público paga, el público pide. ¡Otra vez! ¡Otra vez!
nico guau: dálmata extremeño - Ilustración: Nuria Henríquez
humor
Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Carteles Posteri paqui vengan Todo letras
Dibujo
Caras cómicas
Caras graves
Conceptual
Todo letras Posteri paqui vengan blablablae
Caras cómicas Posteri paqui vengan carabobus
Caras graves Posteri paqui vengan cararequiem
Bien diseñados, estos carteles llaman la atención como un callado en mitad del barullo. Normalmente, el barullo continúa y nadie atiende al callado.
Estos carteles son como chistes explicados o como deditos moviéndose en un “¿lo pillas?”. Cuando los intérpretes son conocidos dan menos pena, pero algo siempre dan.
Estos carteles para comedias pueden ser logros como las interpretaciones de Leslie Nielsen. En dramas y tragedias pueden ser adecuados o redundantes hasta el ridículo.
Dibujo Posteri paqui vengan plastidecori Bien diseñados, estos carteles sugieren como un cuello inclinado. Normalmente, son pescuezos con tortícolis.
Conceptual Posteri paqui vengan stoquees Metáforas visuales, jeroglíficos, expresionismo abstracto, ¡incluso sinestesias…! Cuando el diseñador acierta, estos carteles son imanes de público. Cuando no acierta, su cartel es percibido como un mojón pretencioso y ahuyenta hasta a su madre.
Luis Felipe Blasco Vilches
Andrea Espier www.andreaespier.com
Andrea Espier Ilustración
@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor
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#elArtedelActor
Agotado “Es obvio que no existe una entidad separada llamada “coraje”, no hay célula del cerebro ni vaso sanguíneo que contenga gotas o átomos que nos inculquen esa virtud; sin embargo, la valentía es el derecho o estado saludable de cualquier ser humano; la valentía lo torna libre de hacer aquello que le corresponde por su constitución o naturaleza. El coraje es una fuerza directa, es la ejecución instantánea de lo que uno debe hacer.” RALPH WALDO EMERSON Quizá sea mal título para empezar el año nuevo. Pero hay acepciones de agotar que son hermosas, cuando colgamos el cartel de “agotadas las localidades” por ejemplo. No quiero hablar aquí de cansancio, tercera acepción en el DRAE. Antes habla de gastar del todo, consumir. Y eso sí es algo que nos compete. Cada nuevo trabajo tiene su propia fecha de caducidad. Teniendo muchísima suerte estaremos un par de años de gira con una función, y luego vuelta a empezar. Agotar las posibilidades de cada personaje, de cada montaje, incluso de la relación con nuevos compañeros y directores, exprimirle el jugo a cada trabajo, debería ser una meta a perseguir. “Ya lo resolveré en el próximo montaje” no funciona, porque lo próximo tendrá sus propias exigencias y puede que no tengan nada que ver con lo que dejé de hacer ahora. Probar, aunque la cague, probar hasta hartarme, hasta encontrar, y una vez encuentre, seguir probando nuevas formas. Tengamos el coraje de atrevernos a probar, de sacarnos todo el jugo que tenemos, de regalar nuestra entraña y nuestro sudor; solo así tendremos sensación de satisfacción al final. Incluso aunque nos parezca que podría quedar mejor. Así de agotadora es nuestra profesión, porque cada nuevo trabajo exige que agotemos las posibilidades que existen en nosotros para contar esta historia. Me parece bello, porque saber que esto puede suceder es saber que puedo confiar en que en mí existe todo lo necesario, que poseo todos los recursos y expresiones. Y buscar allí donde no estoy segura, en ocasiones me ha llevado a descubrimientos propios muy interesantes. Cuando agotas lo que conoces, llega lo que está por descubrir, y eso hace que esta profesión sea un interminable aprendizaje de vivencias y recursos.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
Programación sujeta a cambios
SALA PRINCIPAL
LA ZARANDA EL GRITO EN EL CIELO DE
EUSEBIO CALONGE
DIRECCIÓN
PACO DE LA ZARANDA
Una producción de La Zaranda
13 ENE - 31 ENE SALA MARGARITA XIRGU
TIEMPO A ESTA PARTE DE ALGÚN
C
DE
M
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MAX AUB
DIRECCIÓN
IGNACIO GARCÍA
CM
CON
MY
CARMEN CONESA
Una producción del Teatro Español
CY
28 ENE - 6 MAR
CMY
K
SALA MAX AUB
LA
ESTUPIDEZ DE
RAFAEL SPREGELBURD
DIRECCIÓN
FERNANDO SOTO
Una producción de Feelgood
16 ENE - 21 FEB Síguenos en
teatroespanol.es
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noticias
FOTO: Javier del Real
200 Años
TeatroReal
Este mes comienzan oficialmente los tres años de programación y actos conmemorativos con los que el Teatro Real celebrará, a nivel nacional e internacional, una doble efeméride: los 200 años de su fundación, en 1818, por orden del rey Fernando VII; y los 20 años de su reapertura en 1997, después de una rehabilitación arquitectónica compleja y pionera, que convirtió el escenario del Real en un referente entre sus símiles, tanto por su sofisticada tecnología teatral, como por su orgánica funcionalidad. La conmemoración de ambas efemérides, declaradas “acontecimiento de excepcional interés público” por la Ley de Presupuestos del 2015, supone un reconocimiento al papel histórico del Teatro Real y contribuye a fortalecer su presencia nacional e internacional, llevando la ópera a todo el territorio español como punto de encuentro cultural y artístico. Dos ejes vertebrarán la programación de los próximos años: la ampliación del repertorio operístico y el desarrollo de diversos proyectos de difusión social y de popularización de la ópera en España, así como la recuperación de su patrimonio. www.teatro-real.com
Sister Act
Stage Entertainment, productora responsable de éxitos como El Rey León, Los Miserables o Mamma Mia! estrenará, el 17 de marzo, en coproducción junto a El Terrat y Whoopi Goldberg, el musical Sister Act. Precedido de un gran éxito en Broadway, y el West End londinense donde el musical ha sido nominado a 4 Premios Oliver y a 5 Premios Tony, se estrenará en el Nuevo Teatro Alcalá donde permanecerá sólo 3 meses, hasta el 26 de junio. El personaje de Deloris, en su día interpretado por la actriz Whoopi Goldberg, lo encarna la actriz Mireia Mambo, galardonada recientemente como Mejor Actriz Principal en los premios BroadwayWorld.
Germinal
El 29 y el 31 de enero tendrá lugar en el Teatro Compac Gran Vía el estreno, en versión sinfónica, del musical Germinal. Está basado en el clásico de la literatura universal de Émile Zola. Una historia de amor y lucha en los albores del movimiento obrero que cuenta con una Sinfónica de 80 músicos y un elenco de 60 actores y cantantes entre los que se encuentran Virginia Carmona, David Romero o Paco Sánchez.
Grandes estrenos
Teatro, danza y música
MARIDAJE SONORO
LA ESPERANZA DE UN FUTURO MEJOR
Noches de vino y música
Caldos de alta gama en la Sala Negra de los Teatros del Canal
COMPAÑÍA GUINDALERA DIRECCIÓN: JUAN PASTOR
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NOTICIAS
MADFeria Javier Pérez-Acebrón y Gustavo del Río Hablamos con dos de los responsables de la Feria de Artes Escénicas de Madrid que se celebra del 19 al 22 de enero por Álvaro Vicente En la foto de la derecha tenemos a Javier Pérez-Acebrón, a la izquierda, director artístico de MadFeria, y a Gustavo del Río, presidente de Artemad, la asociación de empresas productoras de artes escénicas de la Comunidad de Madrid que se constituyó en 1996 y que desde 2004 organiza esta feria que en su duodécima edición se celebra en el Matadero y en la sala Cuarta Pared del 19 al 22 de enero. Es la primera vez de Javier como director artístico de la feria. GUSTAVO DEL RÍO. Sí, aunque Artemad es siempre la organizadora, quiero dejar claro que la dirección artística es independiente, Javier no es socio de Artemad y queremos que sea
porque nos llegan proyectos de todas las disciplinas. GR. Claro, como es una feria contemporánea, cabe todo, aunque creo que este año nos han llegado proyectos más variados que nunca en ese sentido.
La Feria busca crear lazos y vínculos de comunicación entre todos los agentes del sector que participen así, consideramos que debe haber una independencia artística en el proceso.
¿En qué momento está la Feria y cuál es su lugar dentro del entramado de Ferias de Artes Escénicas españolas? GR. Yo creo que la Feria se va a posicionar este año como un mayor lugar de encuentro, al ser Madrid un poco el aglutinador de todas las ferias. Hablo de lugar de encuentro de profesionales y de compañías emergen-
MAD
¿Y las compañías programadas son todas de la Asociación? GR. Algunas sí y otras no. JAVIER PÉREZ-ACEBRÓN. Hay una convocatoria abierta a todo el mundo, incluidas las compañías de fuera de Madrid. Yo creo que este año hemos abierto incluso a cualquier disciplina,
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tes en el panorama. En eso justamente es en lo que ha ido avanzando y creciendo la feria en los Toda la información y la programación últimos años, en intentar buscar lazos y vínculos de de MadFeria la puedes encontrar en: comunicación con todos los agentes del sector que www.artemad.com/madferia/ puedan participar dentro de ella, en un enclave maravilloso que es el Matadero, con la Cuarta Pared como segunda sede, y con la ayuda del Ministerio de Como primera feria del año y punto de encuentro fundamental entre Cultura, la Comunidad y el profesionales del sector, MadFeria organiza toda una serie de actiAyuntamiento. vidades paralelas de cariz profesional entre las que hay asambleas, comisiones, encuentros, talleres y jornadas diversas. La mañana del día 21 está consagrada a la presentación de proyectos, entre los La tercera vía que nosotros presentaremos los I Premios Godoff, a celebrar el 26 En lo artístico, Javier, ¿cuáde enero. Además, estaremos participando en una jornada de enles son las líneas básicas cuentros bajo el título Madrid, por un pacto regional en las AAEE. de la programación este año? JPA. Yo he seguido una línea, que espero poder cumplir, espero que sí, que tiene que ver con algo que yo llamo la tercera vía, una programación que no es necesariamente comercial y tampoco es absolutamente alternativa, sino que está a mitad de camino entre ambas, y que además tiene alguna pregunta que hacer. Se trata de programar un contenido que va más allá del teatro de evasión pura, de un espectáculo que solamente divierte, y sí que he buscado un cierto contenido social, no en todas las obras, pero en muchas. Y también estaba muy cabezón con no olvidarme de las otras disciplinas, las hermanas FOTO: Arriba: pobres, el circo, la danza y el teatro infantil, sobre Periodo de todo este último que otros años no ha tenido a lo reflexión, de Sergio Martínez Vila, mejor tanta presencia. También he prestado espedirigida por Camilo cial atención a las nuevas dramaturgias y con ese Vásquez. Abajo: Delapuríssima cóctel vamos a ver qué tal sale.
Godot en MadFeria
Todo esto sale de entre ¿cuántos proyectos presentados? JPA. Más de 400 proyectos.
DFeria
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en portada
Cervantina Ron Lalá + CNTC por Álvaro Vicente porque una de las tesis que defendemos en la Ron Lalá y la Compañía Nacional de Teatro obra es que la Cervantina es una cepa de un Clásico (CNTC) han hecho buenas migas. Van virus extraño que tuvo a su primer portador a por su segundo trabajo en coproducción en Miguel de Cervantes. Sus efectos son la tras el apabullante éxito de En un lugar del libertad de pensamiento, el libre albedrío, Quijote. Además, Ron Lalá y el Barroco esla búsquedad de la libertad, la identidad, la pañol también han hecho buenas migas. Esta cultura. Evidentemente, se trata de un virus Cervantina cerraría una trilogía con la citada que en nuestro país versión del Quijote y el compuede resultar letal. pendio Siglo de Oro, Siglo de El sexteto músico-teatral Pero nosotros estamos Ahora. Parece que algo les ha nos ofrece versiones y empeñados en el atrapado de aquel esplendor diversiones sobre textos contagio masivo.” literario. ¿Es la Cervantina una de Cervantes en este Esta epidemia se lleva especie de droga? Le preguntanuevo montaje extendiendo desde mos a Álvaro Tato, uno de los que estrenaron hace 6 integrantes de la compañía, ahora dos años En 5 sobre escena y Yayo Cáceres Del 14 de enero al 6 de febrero un lugar del Quijote, dirigiendo: “En realidad, más Teatro de La Comedia aunque no ha habido que una droga es un virus,
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alarma social porque en realidad la empresa farmaceútica no está implicada, con lo cual pasa más desapercibida. “Con este nuevo espectáculo”, dice Tato, “aconsejamos a los espectadores que vengan provistos de mascarillas contra la inteligencia, que vean mucha tele antes de venir, que procuren cerrar los oídos a todas las verdades y a todas las maravillosas defensas de la libertad que hace Cervantes.”
Cervantes in love
Fue al abordar el Quijote y leer todo el corpus cervantino para entenderlo en toda su complejidad y toda su globalidad, cuando comprendieron que Cervantes no acaba en el Quijote, que su obra es esférica. “Esto es lo que Yayo ha querido trasladar al montaje, esa idea de esfericidad, esa sensación de orbe, donde los personajes, desde la Leonora de El viejo celoso hasta La Gitanilla, pasando por Sancho y Quijote o los perros del coloquio, todos mutan, cambian, se mueven,
Cervantes nos cuenta en una lección brutal de Humanismo, cómo podemos determinar libremente quiénes somos
Los títulos Comandados por Yayo Cáceres como director, Ron Lalá ha creado una obra coral en la que cada actor hace entre 8 y 10 personajes y donde se mezclan fragmentos de El viaje del Parnaso, Don Quijote de La Mancha, El celoso extremeño, El coloquio de los perros, El hospital de los podridos, El licenciado Vidriera, La Galatea, Rinconete y Cortadillo o La gitanilla.
se transforman, cambian de nombre, de condición social. Esta lección brutal es la esencia del Humanismo, Cervantes te está contando en toda su obra que podemos determinar quiénes somos, todos sus personajes se reinventan, salen al camino, rompen con las condiciones previas, con las convenciones. Es dinamita”, sentencia Tato. Esta especie de Cervantes in love se abre y se cierra con el propio escritor, con su Viaje del Parnaso. “Una macedonia ágil muy para la carcajada, muy ronlalera”, cuenta Tato, “con nuestra música, con aparente liviandad y ligereza, pero donde se cuelan las verdades humanas. Es una fiesta popular, un homenaje para enamorar con Cervantes”.
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estrenos
Cocina a conocer sus rostros público y privado y a La cocina es el lugar más importante de la percibir gélidas corrientes subterráneas de casa. Suele serlo vaya. Es el lugar que nos envidia, amargura, desdén... La verdadera proporciona recuerdos y sabores imborrables y naturaleza de su relación se empieza a hacer donde se fragua el elemento vertebrador de las visible y ambos tienen que enfrentarse a ella. reuniones con familiares y amigos: la comida. A lo largo de la obra seremos testigos de La cocina -y el baño también- son los rincones una serie de desayunos y cenas en los cuales de la verdad. Lugares normalmente tabicados asistiremos al desmantelamiento de un matrimoque esconden la verdadera esencia de las pernio, una carrera, y, probablemente, todas las sonas, lo que somos a solas, nuestra verdadera relaciones sociales que rodean a identidad, esa que esta pareja. La liturgia del cocinar intentamos ocultar y comer se repite una y otra vez, en los rincones Texto de una de nuestras mientras, a través de lo que hacen de la casa que se dramaturgas más internalos personajes, crean y se convierten comparten con los cionales, María Fernández en lo que de verdad son. invitados. Ache, dirigido por Will María Fernández Ache es una Nos encontramos Keen directora y autora teatral residente en una cocina; a en Londres que ha cosechado varios través de la puerta premios internacionales y que debeescuchamos una Hasta el 21 de febrero CDN-Teatro María Guerrero ría ser más reconocida en nuestro animada converpaís. Por eso se agradece esta sación. Algo se apuesta que ha hecho el CDN con está cocinando... este texto suyo que dirige Will Keen. Una obra El buen vino fluye, la conversación es brillante que nos descubre los secretos de una pareja a y amena. Los comensales rezuman éxito (¿tamtravés de su cocina... ¿de tu cocina?, ¿de mi bién los anfitriones?). A medida que Antonio y cocina? Sergio Díaz Emma entran y salen de su cocina empezamos
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FOTO: Javier Naval
Huevos con amor Desde el 20 de enero Teatro Fernán Gómez
Esta es la historia de Carmela, un ama de casa, que, después de haber sobrevivido a una madre adicta a los marcianos, un marido que iba para cocinero, pero acabó de criminal, y una hija desequilibrada... se plantea el suicidio como solución a su vida familiar. Y en este punto de no retorno Carmela va compartiendo sus emociones con el espectador de una forma desenfadada y gamberra haciendo que nos riamos, pero con esa sonrisa cómplice de quien empatiza, de quien entiende lo que le están contando... una sonrisa que comienza siendo amarga ante el dolor de una situación vital que no nos es ajena, pero que a lo largo de la obra se irá tornando en una carcajada profunda y sincera cuando Carmela nos vaya haciendo comprender -y lo vaya asimilando ella misma- lo hermosa que es la vida al fin y al cabo. Paloma Paso Jardiel interpreta este monólogo cómico y tierno, escrito por Ramón Paso y dirigido por Mariano de Paco. La nieta y el biznieto de Jardiel Poncela por primera vez juntos en un escenario, perpetuando la línea de humor e imaginación que hizo célebre a este gran artista que da nombre a la sala del Teatro Fernán Gómez donde se representa la obra. S. Díaz
Los caciques
Desde el 20 de enero Teatro Marquina Segunda oportunidad para disfrutar con este texto de Carlos Arniches, escrito en 1920, que retrataba perfectamente, ya hace un siglo, la naturaleza grotesca de aquellos que ostentan -y ostentarán- el poder en nuestra España querida. En una pequeña ciudad un partido político y su alcalde llevan más de treinta años ejerciendo el caciquismo y la corrupción. Se les notifica la llegada de un inspector del gobierno, que debe analizar sus cuentas. El alcalde siguiendo su tendencia natural, se propone comprar la voluntad del inspector con todo tipo de agasajos, regalos y dinero. Sin embargo, aparecen en la ciudad un sobrino y su tío, con intención de solicitar la mano de la sobrina del alcalde. Éstos son confundidos por el inspector del gobierno, provocando todo tipo de divertidos malentendidos. Un gran reparto dirigido por uno de nuestros grandes directores: Ángel Fernández Montesinos.
FOTO: Marcos G. Punto
ILUSTRACIÓN: Manuel Martín Morgado
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La Zaranda Siempre esperados, siempre agradecidos, siempre aplaudidos. La Zaranda es un fenómeno teatral sin parangón en la historia escénica española, dueños de un lenguaje genuino, único, inimitable e inigualable, por mucho que muchos creadores tengan a la compañía jerezana como referente. Son 14 espectáculos en cuatro décadas ya realizando una labor que le ha valido un gran prestigio internacional (y el Premio Nacional de Teatro en 2010). Es, probablemente, la compañía española que más gira fuera de nuestras fronteras. Sus constantes son la búsquedad de una poética trascendente sin perder la cotidianidad, el compromiso existencial, Con El grito en el cielo, copartiendo de sus raíes tradicionales para revelar una cinada en la última bienal simbología universal, el uso simbólico de los objetos de Venecia, la compañía y un riguroso proceso de creación en comunidad. de Jerez apura su búsquePura mística teatral para tiempos banales. “Es el da de la libertad momento de dejar que el teatro se exprese a través de nosotros. Uno aprende a ser obediente al oficio. No quiero transitar por el teatro, sino que el teatro Del 13 al 31 de enero Teatro Español transite por mí.” Paco de La Zaranda dixit.
La telaraña humana
El grito en el cielo, la obra que nos traen en esta ocasión, se ubica en un geriátrico. Una ubicación en una obra de La Zaranda nunca es casual. “Es una metáfora y refleja la telaraña en la que el ser humano está atrapado. Y la obligación que tenemos es buscar la libertad, y eso te lo da la belleza”, dice Paco de La Zaranda de nuevo. Los tratamientos, las sesiones de rehabilitación y las diveras terapias (entre ellas las artes como ejercitación corporal o entretenimiento) ocupan la rutina de los internos en el ocaso de sus días. Sin embargo, de esas vidas reducidas a mecanismos orgánicos no han podido abolir totalmente la contraindicación de soñar. Algunos deciden desertar de la defunción médicamente certificada para vivir en la intemperie del alma.
In memoriam Esta obra está dedicada al dramaturgo Juan de La Zaranda, uno de los fundadores de la compañía, que falleció en 2013. Sin él, la compañía no habría sido la misma. Y sin él, se lanzaron a algo insólito en su historia: abrir su proceso creativo al público de la Bienal de Venecia, “una de las experiencias más enriquecedoras de mi vida”, dice Paco, hermano de Juan.
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estrenos
FOTO: Manuel Martínez
Tres Hermanas Trepanier, el estado de decadencia espiritual ¿Cuántas veces habremos oído hablar a Juan y material que caracteriza a las hermanas de Pastor sobre su sueño de montar en condila obra de Chéjov y más concretamente a la ciones la Tres hermanas de Chéjov? Pues sociedad aristocrática rusa de finales del siglo con esa premisa arranca este montaje, en el XIX, se puede comprender por una lectura que una compañía teatral decide cumplir el de Musil ‘sobre la estupidez’. El novelista sueño de montar Tres hermanas. La obra nos austríaco dice que ‘la causa de la decadencia dice que es necesario el cambio, pero sus de las sociedades cultas personajes son incapaces y su eventual colapso es de leer lo que sucede. Ese Un sueño largamente la estupidez, que mas inmovilismo nos suena acariciado ve por fin la luz. que una deficiencia es tanto... El montaje lleva una falta de comprencomo subtítulo La esperanza Juan Pastor dirige la obra sión.’ Naturalmente esto de un futuro mejor y en él de Chéjov para reflexionar podría aplicarse también encontramos una reflexión sobre el presente perfectamente a nuestra sobre el presente a partir sociedad española y eudel clásico ruso. La crisis Del 20 de enero al 7 de febrero ropea actual que, como provocada por esa necesiTeatros del Canal consecuencia de la falta dad no solo es económica de comprensión o incay política, afecta al sistema pacidad de sus líderes de valores, y con ello existe ante lo que está sucediendo, estúpidamente se el riesgo de perder lo válido... Anotamos están perdiendo los valores en nuestro ‘Estado aquí una cita de Juan Pastor muy elocuente del bienestar’.” al respecto: “según una reflexión de Lee
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entrevista
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Alfredo Sanzol “Para que una relación funcione no puedes poner en el otro responsabilidades tuyas” por Álvaro Vicente
Tras su experiencia edípica con el Teatro de la Ciudad, Sanzol vuelve a su particular teatro con una historia nacida de un proceso propio de ruptura sentimental. El amor, el gran tema de casi todos los relatos artísticos humanos junto con la muerte, atraviesa la obra a través del acercamiento a tres tipos de relaciones, tres parejas de tres generaciones distintas. No ha trascendido mucha información sobre este montaje nuevo tuyo... Ya, porque estoy escribiendo la función al mismo tiempo que estoy ensayando. Tuve el reparto antes de empezar a escribir, así que he escrito la obra para estos actores. Hice dos talleres, tres días en septiembre y tres días en octubre, de los que empezó a salir material. Ya en octubre llegué con unas 40 páginas. Luego ya al primer día de ensayos llegué con la estructura básica de la obra, sin acabar todavía, y ya la he acabado ensayando con los actores. ¿Este procedimiento es nuevo para ti? Sí, es la primera vez que lo hago, siempre he llegado al primer día de ensayos con la función acabada, y en esta ocasión lo he querido hacer así y estoy muy contento.
El autor y director navarro vuelve a La Abadía con La Respiración, una comedia romántica protagonizada por Gloria Muñoz y Nuria Mencía Del 20 de enero al 21 de febrero Teatro de La Abadía
FOTO: Javier Naval
¿Por qué has querido hacerlo así en esta ocasión? Porque yo hago talleres de creación de argumentos a partir de improvisaciones, pero nunca me había atrevido a usar la técnica que uso en esos talleres para un espectáculo mío, porque tiene algo de arriesgado el no tener un texto desde el primer día de ensayos, te produce mucha incertidumbre. Pero en esta ocasión, por la compañía que tenía y por el tipo de historia que quería contar, he pensado que era un buen momento para hacerlo. ¿Qué historia querías contar? Lo primero fue el título, La respiración, y quería que fuera una comedia romántica para, con humor, curar el duelo de mi separación, porque he estado con una pareja durante 15 años, con la que he tenido un hijo, y la separación es el desencadenante de querer contar esta historia para curar este duelo. Estaba seguro de que quería hacer una comedia romántica y estaba seguro de que quería que en el reparto hubiese tres parejas de diferentes edades, porque quería hablar del amor en diferentes edades, de una manera intergeneracional. Hombre, curar una separación con una comedia romántica... tiene guasa Sí, la tiene, pero realmente creo que a través del humor se pueden curar muchas cosas y en este caso el duelo por el desamor, una buena manera de curarlo es con una historia que precisamente habla de todo esto. Dices que lo primero fue el título: ¿por qué ese título, a qué remite? Cuando me separé, Pietro Olivera, uno de los actores de esta función, que ha sido mi ayudante de dirección en muchos montajes, y que es además profesor de yoga, me dijo: tú lo
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entrevista
que tienes que hacer ahora, Alfredo, es respirar. Me di cuenta entonces de que lo primero que me pasó con la separación es que la respiración se me alteró, se me puso ansiosa. La respiración es el viaje de Nagore, que es la protagonista, para recuperar su respiración, su respiración calmada, la que no es ansiosa. En ese sentido, esa ansiedad está también muy conectada con la autoestima, también es el viaje de recuperación de la autoestima, es el viaje de la aceptación de su nueva situación de soledad, y estos viajes los sintetiza muy bien este título, La respiración. ¿Existen vínculos de algún tipo entre las tres parejas? Sí. Te explico. Pietro Olivera hace de Andoni, que es el profesor de yoga. Martiño Rivas es Mikel, que es el hijo de Andoni, y es preparador físico. Pau Durá es Íñigo y es hermano de Andoni y tío de Mikel, y es fisioterapeuta. Luego, Gloria Muñoz es Maite, que es la madre de Nagore, que interpreta Nuria Mencía, y Camila Viyuela es la novia de Mikel, Leire, la única que no es familia. Las tres mujeres se dedican al derecho: Maite es una jueza jubilada, Nagore es una abogada de familia y Leire está recién licenciada en derecho. O sea, los personajes masculinos tienen que ver todos con la salud, y los femeninos con la justicia… curioso. Sí. La función arranca con Nagore, que lleva un año de separación y sigue estando muy ansiosa. Ella empieza diciendo: lo primero que hice fue hacer aparecer a mi madre. Y entonces aparece Gloria Muñoz, que le dice: tú lo que tienes que hacer es comenzar a cuidarte y lo primero que vas a hacer es ir a yoga. Nagore entonces irá conociendo al resto de los personajes y se verá de pronto metida en una especie de fantasía de su madre, que tiene una relación con tres hombres. O sea, básicamente lo que hace Maite para ayudar a su hija es meterla en una aventura amorosa con varios hombres a la vez. ¿Por qué quieres contar así esta historia... o para qué? Tiene que ver con el viaje de Nagore para aceptar su nueva situación, porque digamos que el paso esencial a
la hora de curar un duelo es la aceptación. Al empezar la obra, Nagore no acepta su situación. Entonces se mete en un caos, en el que encontrará la fuerza suficiente para aceptar su nueva situación. ¿Y todo esto en clave cómica? Claro, es una comedia romántica. En la función me pregunto por ese amor romántico, si existe realmente y, si existe, cuáles son sus límites, cuántas personas se pueden amar a la vez, si eso es posible, qué supone para nuestra autoestima el ser amados y el amar... o el dejar de ser amados.
La respiración es el viaje de Nagore, la protagonista, para recuperar su autoestima y aceptar su nueva situación
FOTO: Javier Naval
¿Alguna conclusión al respecto? Pues no. Digamos que me vuelvo a hacer las mismas preguntas que se han hecho todos los artistas que han tratado el tema y, bueno, lo que hago es dar forma a las historias que me han generado esas preguntas. Y, desde luego, respuestas no hay muchas, lo que sí que hay, o la sensación que tengo yo, es que para que el amor con el otro funcione, es necesario no poner en el otro responsabilidades que nos pertenecen. Que para que una historia de amor funcione no puedes poner en el otro responsabilidades que son tuyas. Entrevista completa en www.escenagodot.com
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reportaje
La estupidez
por Álvaro Vicente
grafía, Juan Gómez Cornejo a la iluminación, Antes de que esta compañía se lanzase al ruedo Arantxa Ezquerro al vestuario y David Angulo a la de la producción con Feelgood, ya acariciaban la música, original para la propuesta. idea de montar La estupidez, pero la complejjidad del asunto les echó para atrás. Una obra inmensa, con 5 historias cruzadas y 24 personajes interpreLo que ocurre en Las Vegas... tados por 5 actores, una ‘road movie’ con toques ¿Qué ocurre en La estupidez? Pasa que un grupo de Pulp Fiction y de las pelis de los Hermanos de personas intentan hacerse ricos en Las Vegas. Cohen, esas en las que todo está a punto siempre La codicia, a veces, te hace hacer cosas estúpidas, de caer por el precipicio es lo que tiene. Un método made la inverosimilitud, pero temático para ganar a la ruleta que, finalmente, son acojoguarda relación con la temible Con Fran Perea y Toni nantemente creíbles. Fran ecuación que encripta el secreto Acosta al frente del reparPerea, Toni Acosta, Ainhoa del Apocalipsis. Dos criminales to y dirección de FernanSantamaría, Javi Coll y deben vender un cuadro antiguo do Soto, llega la sorprenJavier Márquez componen robado antes de que se termine dente obra del argentino el elenco de una obra con de deteriorar por completo. La Rafael Spregelburd una producción cuidadímafia siciliana fabrica una nueva sima en la que está Ferestrella del pop y unos policías Del 16 de enero al 21 de febrero nando Soto a la dirección, motorizados viven una intensa Naves del Español - Matadero Elisa Sanz a la escenohistoria de traiciones. Todo esto
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ocurre al mismo tiempo. En Las Vegas. Y lo que ocurre en Las Vegas... no siempre se queda en Las Vegas. O sí, yo qué sé. Lo que está claro es que lo que ocurre en La estupidez se queda donde al espectador le dé la gana.
estúpidas, como las llamamos, que originan consecuencias y efectos colaterales. Es como que los personajes están actuando y no se dan cuenta de lo que están haciendo, lo cual va complicando la trama y lo lleva todo hacia un final bastante caótico. Es muy
La heptalogía La estupidez forma parte, junto con La Inapetencia, La extravagancia, La modestia, El pánico, La paranoia y La terquedad de la Heptalogía de Hieronymus Bosch, con la que Rafael Spregelburd (Buenos Aires, 1970) quiso darle una vuelta a los conceptos de los pecados capitales a partir de la famosa tabla medieval de El Bosco.
La complejidad
Se dice de esta obra (que visitó España con el propio autor en el reparto dentro de la programación del Festival de Otoño de 2005 y que fue calificada entonces por Marcos Ordóñez como “hongo atómico fuertemente alucinógeno”) que encierra una gran complejidad. Para Fran Perea, sin ir más lejos, es una “catedral escénica contemporánea”. Por su parte, Fernando Soto, que ha tenido que hilar muy fino en su labor de dirección, dice estar de acuerdo con la denominación que el propio Spregelburd hace de su obra: falso vodevil, “una falsa comedia de puertas, de entradas y salidas, muy frenética, que por debajo toca temas como la ciencia, el arte o las relaciones familiares. Y para que la gente se haga una idea, son 5 historias que se desarrollan en 6 hoteles distintos de la ruta 66 de Las Vegas, como en 16 habitaciones distintas. Todo esto, en el teatro, se hace en un único espacio, hemos optado por hacerlo cambiar con pequeños detalles nada más. Todo es muy complejo, pero yo estoy intentando que las cosas pasen porque van sucediendo, sin más, dentro de la sencillez. Hay actitudes
Marcos Ordóñez dijo de esta obra que “era un hongo atómico fuertemente alucinógeno” cuando visitó España en 2005 interesante.” A Fran Perea le está resultando un trabajo apasionante, como al resto de los intérpretes, según nos cuenta. “Pero hay que estar muy en forma. Estamos entre la prisa y la calma, vamos asentando cosas aunque el estreno está a la vuelta de la esquina, pero es una obra en la que no te puedes permitir el aturullamiento. Es un proceso muy curioso, con sus conflictos, como en cualquier proceso creativo, pero nos está encantando.” Desde luego levanta no pocas expectativas tras ver las cotas de calidad teatral conseguidas con Feelgood y con un texto como este, escrito solo hace 15 años, pero representado en medio mundo, casi un clásico contemporáneo sobre lo estúpido que es perseguir la riqueza a toda costa.
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entrevista
FOTOS: Sergio Parra
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Natalia Sánchez “Ninette no es ninguna caricatura, es una mujer que persigue aquello en lo que cree” por Regina Navarro Su voz suena dulce y firme, igual que el personaje al que interpreta. Tal vez sea su candidez o esa expresión de niña que aún se dibuja en su cara lo que hizo que este papel fuera para ella. Natalia Sánchez tiene algo de esa Ninette que se encuentra con un señor de Murcia, esa a la que Miguel Mihura situó en un París de los años cincuenta en el que la liberación sexual estaba bastante más avanzada que en España. Ninette es un personaje que han representado actrices como Teresa Rabal o Carmen Morales. ¿Qué nos puedes decir sobre ella? Es un personaje de estos que te llega una vez en la vida a una edad concreta y no te vuelve a llamar porque, aunque haya montajes más modernos en los que se experimente con esas cosas, lo normal es interpretarla joven. Es un personaje precioso, lleno de luz. Tiene mucho carácter, es bastante extrema tanto en lo bueno como en lo malo, pero siempre desde un buen fondo, por eso cuando se enfada o manda sigue siendo dulce. A veces se ha hablado de ella solo como una niña caprichosa... Se ha caído mucho en el estereotipo presentándola, pero cuando lees el texto original, que es el que hacemos nosotros, ves que en realidad Ninette no es ninguna caricatura, es una mujer perseguidora de lo que cree. Una emoción con patas: todo le alegra en un extremo, todo le gusta en un extremo. Y esa premisa sobre la inocencia de Ninette, ¿es cierta? Creo que es todo lo inocente que se ve, es un personaje tan transparente, esta tan bien escrito, que ves totalmente la vuelta de hoja que tiene. Creo que sí hay un punto de inocencia, por la edad o por ese carácter mas infantilizado. Es inocente
aunque sabe jugar para conseguir lo que quiere. Lo bonito de esta comedia es que es muy blanca. Estamos tan acostumbrados a que todo esté basado en el sexo, las drogas, la vejación ajena... Y en este caso, permitiéndoles a todos actuar como son, hablan de una realidad sin faltarle a nadie. Quizá ahí resida el arte de Mihura.... En la elegancia con la que critica a ambos bandos, porque tiene para todos. Él barre para la derecha, pero le da guantazos a la derecha, a la izquierda... Y se lo permite en una época en la que no era fácil reírse de esto. Ahora con 50 años de diferencia es sencillo verlo. Verdaderamente es una crítica a una sociedad con una doble moral. Toca todo los palos y muy bien tocados con los cinco personajes que ves sobre el escenario. A veces hay que tener cuidado porque hay quien puede pensar que el señor de Murcia es pederasta pero es como en Lolita, que muchas veces se ha especulado con eso. La realidad es que se enamoran, y eso que Lolita no tiene nada que ver con esto. Pero a veces caemos en juzgar al personaje.
¿Por qué crees que ahora es un buen momento para estrenar Ninette y un señor de Murcia? Las cosas con perspectiva se ven mejor y una obra como esta nos puede ayudar con la situación que estamos viviendo y que llevamos ya muchos años viviendo en España, a tomar un poco de aire, conciencia, consciencia... A veces para dar un gran salto hay que ir un poco para atrás y tomar Dirigida por César Oliva y carrerilla y creo que esto es como un acompañada por Jorge Badescanso en medio de esta selva en que vivimos. Mientras te ríes de lo ridículo santa, Miguel Rellán, Javier que es lo ajeno te ríes de lo ridículo que Mora y Julieta Serrano, la eres tú, porque todos hemos sido alguna actriz se lanza con Ninette y vez caprichosos o bobones como los un señor de Murcia personajes de la obra. Del 14 de enero al 14 de febrero Teatro Fernán Gómez
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
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reportaje
Lluvia constante “La amistad es maravillosa, quizá lo más importante en la vida, pero, como el amor, también se puede desmoronar” por Álvaro Vicente Dos policías y una amistad en juego. Un thriller UNA OBRA QUE IMPACTA servido a la manera del cuentacuentos. Implica“Al que le toca la función, le toca mucho. Creo ción total de los espectadores. La obra de Keith que tiene que ver con la ruptura de la cuarta Huff que en Broadway protagonizaron Hugh pared y la implicación, desde el principio, del Jackman y Daniel Craig se estrenó en otoño de espectador, que termina haciendo la mitad del 2014 en los Teatros del Canal. Dejó muy buen trabajo. Cada espectador se hace su película sabor de boca y durante la función. Sólo le pone cara mucha gente se quey voz a dos personajes de los veindó con las ganas. titantos que aparecen en la obra. El Vuelve a Madrid la obra Tras un año de gira resto se los tiene que imaginar, igual de Keith Huff dirigida intensa y exitosa, el que los lugares donde sucede todo. por David Serrano y montaje, uno de los Es como lo que pasa cuando lees protagonizada por Sergio más aclamados por una novela, que te sumerges. Creo Peris-Mencheta y Roberto el público allá donde que lo que provoca esa complicidad Álamo se hace, vuelve es ese grado de inmersión, que hace a Madrid para que la gente salga empapada, como Del 13 de enero al 14 de febrero despedirse por todo Teatro Bellas Artes nos gusta decir a nosotros” lo alto. Sergio Peris-Mencheta
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HUMANIDAD Y FRAGILIDAD
“Sergio y yo ponemos sobre el escenario algo que no es tan usual poner: nuestra humanidad, nuestra fragilidad a flor de piel, más allá de cualquier técnica teatral. Y lo ponemos de manera muy descarnada, por lo que el espectador termina entrando en el cuento también de forma descarnada. Y eso creo que es lo que hace que, para mi pasmo y el de Sergio, acabe todo el público en pie aplaudiendo y emocionado en cada función, que es el mayor premio que te pueden dar.” Roberto Álamo
LA AMISTAD COMO TEMA
“Yo diría que el tema de la obra es más bien la desintegración de una amistad. Huff ha abierto en canal que se supone inquebrantable entre dos personas, la verdadera amistad. El autor mete ahí el cuchillo y dice: cuidado, la amistad es maravillosa, quizás de las cosas más importantes de la vida, pero a veces se puede desmoronar, como el amor.” Roberto Álamo “La amistad entre Dani y Rodo se resquebraja porque era absolutamente neurótica, era una necesidad neurótica más que una amistad. Se necesitan los dos en sus enfermedades respectivas, no en su salud. Cuando lo descubren, se dan cuenta de que la sanación está en viajar hacia donde está el otro, cada uno va al infierno del otro.” Sergio Peris-Mencheta
LA AMISTAD FUERA DE ESCENA
“Sería muy difícil hacer esta función, y para mí imposible, si fuéramos dos actores que no se llevan bien o que sean indiferentes el uno para el otro, que no se tengan empatía. Nos dimos cuenta pronto que esto era muy duro e inconscientemente nos aferramos el uno al otro. De hecho, hay algo que la gente no sabe: antes de empezar cada función, justo antes de que suba el telón, Sergio y yo estamos en escena a oscuras durante unos 5 segundos. Ahí nos abrazamos y nos decimos al oído: te quiero, yo cuido de ti. Y él me dice: y yo de ti.” Roberto Álamo
EL REESTRENO EN MADRID
“A Madrid le pedimos un cierre bonito, porque no podremos seguir con ella justo después, quizás más adelante. Queremos disfrutar y que la disfrute la gente que no pudo venir al Canal y los que repitan.” Sergio Peris-Mencheta
David Serrano: “Sabíamos que teníamos entre manos algo muy especial” “El texto de Lluvia constante es muy especial, muy original, porque podría ser una ‘tv movie’ de policías normal y corriente, pero el autor estuvo muy muy hábil y lo ha contado de una manera totalmente diferente, con esos monólogos lanzados al público directamente, rompiendo la cuarta pared. Y nosotros eso lo hemos potenciado especialmente en nuestra versión, porque en realidad no había tanta relación con el público en el original, y creo que eso a la gente le impacta. Y luego el éxito de Lluvia constante está también en que hay dos actores sobre el escenario que están maravillosos y el público engancha mucho con ellos, con lo que les pasa. He tenido la suerte de contar con dos bestias. En los ensayos yo tenía la sensación de que sólo tenía que colocarles y escucharles, ha sido la obra seguramente en la que menos he tenido que dirigir en mi vida. Es muy distinto dirigir unas obras u otras dependiendo del reparto que tengas y, en ésta, la sensación que tenía desde el principio era que sólo había que ponerlos a jugar, conseguir una buena comunicación entre los tres, porque teníamos aquí algo muy especial. Y yo sí esperaba que algo iba a pasar, que esa función tenía algo especial y que con Roberto y con Sergio iba a pasar, no me sorprendió. Hay veces que las cosas van bien y te sorprenden, no te lo esperas, pero aquí desde que empezamos a ensayar vi que había algo, desde las primeras lecturas que hicimos. Y si se hubiese podido hacer en un teatro más chiquitito, si Lluvia constante se hiciera en un teatro de 150 butacas, con ellos más cerca todavía, la gente fliparía más. A parte de todo esto, ha sido muy bonito ver cómo Rober y Sergio se han hecho amigos en el camino.”
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estrenos
La última sesión de Freud
Tamzin Townsend dirige esta obra sobre el debate dialéctico de dos de las personalidades más importantes del siglo XX Desde el 15 de enero Sala Arapiles 16
Obra no recomendada para menores de 18 años... pero recomendadísima para tod@s aquell@s que quieran aprender y disfrutar plenamente de su sexualidad. Utilizando el fenómeno ‘tupper sex’ -reunión de mujeres para hablar de sexo con venta de juguetes eróticos-, Pilar Ordoñez crea un animado monólogo de educación sexual con visión de género, donde la divulgación y el humor van de la mano. Poniendo al servicio del público toda la curva de la sexualidad femenina desde el apetito sexual hasta el fisting. Todo con el talento, la gracia y el verbo directo y afilado de una actriz que se come el escenario allá donde va.
Mark St. Germain escribió este texto sobre el posible encuentro entre Sigmund Freud, el conocido padre del psicoanálisis, y C. S. Lewis, escritor inglés autor entre otros libros de Las Crónicas de Narnia. La obra enfrenta a dos hombres opuestos totalmente tanto por su ideología (apologista cristiano Lewis, judío pero escéptico Freud) como por el momento vital de cada uno (en el cénit de su carrera Lewis, a punto de morir Freud). Es un encuentro en el que el creyente aborda ante el no creyente, sin superficialidad alguna pero con humor inteligente, temas como la bondad y la maldad, la moral y la conciencia, Dios y la religión, el sexo y el amor, el sufrimiento y la muerte, Hitler... En este montaje que ahora podemos disfrutar en la Sala Arapiles 16 (dentro de la Escuela de actores UNIR, situada en lo que fue El Sol de York) Tamzin Townsend dirige a Helio Pedregal y Eleazar Ortiz en una obra potente para disfrutar con el arma más mortífera que existe, el cerebro, que mediante el uso de la palabra puede herir y dañar almas, pero que también puede curar conciencias. Una obra para comprender, para vernos reflejados en el otro, para empatizar. Una obra para hacernos entender que hablando se alcanzan más soluciones que usando metralla. Sergio Díaz
Mis Tupper Sex
Miércoles y sábados de enero Teatro Luchana
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estrenos
El Lara repesca tres perlas del Off Tras sorprender en Nave 73 llega al Off del Lara esta obra que habla de amor... del amor a tres bandas y con poco prejuicio sobre ello. Tres amigos de toda la vida, de los que se conocen desde siempre, un día deciden dar un paso más en su relación... porque sí, porque es el paso que quieren dar. Y no importan los prejuicios sociales ni la opinión de las demás. Es así de simple. Así de complicado. Las interpretaciones de Nacho López, Nacho Redondo y Nahia Laíz -que ya nos han conquistado- llevarán a sus personajes a situaciones de las que tendrán que salir con acuerdos a tres.
Una noche como aquella Desde el 21 de enero Teatro Lara
Este espectáculo de Trigo Gómez (que ya ha pasado con éxito por Espacio Labruc y la Sala Nada) está compuesto por siete monólogos tragicómicos de lenguaje extremo, en los que siete personajes sueltan bilis, ácido y corrosión por la boca, interpretados todos por un solo actor. Este espectáculo está hecho para reír, aunque en este viaje también hay tiempo para tomarse un pequeño respiro y pensar, ya que entre personaje y personaje el actor se transforma ante el público delante de un micro-camerino portátil, en el que se desnuda y se muestra a sí mismo tal y como es.
Una puta mierda Desde el 28 de enero Teatro Lara
José Manrique de Lara dirige esta comedia llena de emociones escrita por Lynn Shelton (que también vimos en Nave 73). Es la historia de tres personas. De su pasado, de su presente y de su futuro. Nico no consigue recuperarse de la muerte de su hermano. Iris, cansada de verlo así, le ofrece un refugio para que vaya a reflexionar. Con lo que no contaba nadie es con que en esa casa estuviera Estela, la hermana de Iris, en busca de esta misma tranquilidad. Es una obra que habla del reencuentro de aquellas pequeñas cosas que uno, a veces, cree haber olvidado. Habla de la vulnerabilidad de las personas. Habla del amor.
El amigo de mi hermana Desde el 6 de enero Teatro Lara FOTO: Mandela Photography
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DANZA
FOTO: Brigitte Enguerand
Monsieur de Pourceaugnac 21, 22 y 23 de enero Teatros del Canal
Atisbos de lo que somos a través de los objetos con los que nos relacionamos. Tomando conciencia de los elementos, aparentemente inocuos, que están a nuestro alrededor y que forman parte de nosotros... Retazos y pequeñas historias a través de las que se va conformando nuestra vida. La coreógrafa mexicana Marlene García Martínez ha construido un solo de danza contemporánea compuesto por 3 piezas cortas. La temática coreográfica surge de la necesidad de profundizar en el proceso del inconsciente al consciente, fundándose en lo sensorial: aromas, texturas, colores, ruidos y sabores. Los objetos (relojes, partes de un maniquí, mascaras, velas, fruta, semillas, flores, inciensos, telas) forman parte primordial de un proyecto que recurre al surrealismo visual y narrativo como apoyo estético y coreográfico y que aborda temas que todos tenemos escondidos en algún rincón de nuestra mente, como el significado de los sueños o nuestra relación con la muerte. S. Díaz
Atisbos
8 y 29 de enero Teatro La Usina
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, esta obra raramente representada en fechas modernas resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad… Monsieur de Pourceaugnac fue creado como una comedia-ballet. La música fue compuesta por Jean-Baptiste Lully y la dramaturgia de Molière retrata el desmedido anhelo por avanzar en el escalafón social del protagonista. El vehículo para llegar a su meta es casarse con Julie, la hija del aristócrata Orontes. Sin embargo, Julie está enamorada del joven y guapo Erasto... Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. El valor de esta obra reside, además de en su ácida crítica de la sociedad burguesa, en que Molière y Lully consiguen hacer teatro a través de la música. El montaje nos lo trae Les Arts Florissants, una compañía fundada en 1979 por William Christie especializada en música barroca. Una buena oportunidad para disfrutar con un espectáculo no muy representado y con una reputada compañía francesa que sabe muy bien lo que hace.
FOTO: Emilio Tenorio
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reportaje
Yllana, 25 años En 2016 se cumple un cuarto de siglo desde que la compañía de humor gestual más célebre de nuestro panorama, con permiso de Tricicle, echó a andar con sus obras subversivas, su componente salvaje y gamberro, haciendo del cachondeo bandera impertérrita por Álvaro Vicente
The Gagfather a inventiva teatral y código gestual, máxime Por si no lo habían hecho suficiente, se trataba cuando los ‘gagsters’ llevan unas aparatosas ahora bajar a los bajos fondos, a los más bajos máscaras con sus aparatosos trajes a juego instintos de la especie humana. Más cinemato(trabajo, tan impresionante como todos los que gráficos que nunca, con referencias veladas a acometen, de la compañía Morboria). los maestros de la novela negra Chester Himes y Dashiell Hammett, The Gagfather pone en escena la historia de una banda de despiadados Mafiosos y caníbales ‘Gagsters’ que está aterrorizando la ciudad. Tras “Son muy malos los gagsters”, apunta Fidel ellos va un grupo Fernández (uno de los fundadores de disparatados de Yllana) protagonista junto a Luis Estrenada el año pasado policías, que se Cao, Juanfran Dorado y Jony Elías. en los Teatros del Canal, proponen pararles “Tienen un punto muy violento y se se reestrena ahora este los pies cueste lo que mueven a base de asesinatos, tráfihomenaje al cine negro de cueste. Humor negro, co de dorgas y de influencias, algo polis y mafiosos más negro que que está bastante a la orden del nunca, como en los día. Pero es que además practican tiempos de 666, pero el canibalismo, su dieta está basada Desde el 7 de enero un paso adelante de en carne humana. Lo tienen todo.” Teatro Alfil gigante en cuanto Más info en www.yllana.com
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Una trayectoria sin palabras Baste un dato para tener una idea de la dimensión que ha adquirido Yllana en estos 25 años: han visitado 48 países del mundo. Se dice pronto. “Y lo mejor -reconoce Fidel Fernández- es que la gente te dice: joder, seguís sorprendiendo. Esto es lo más difícil, mantener un público fiel y no defraudarlo.” Lo llevan haciendo desde que, con obras como 666 (en la foto de aquí al lado, a la izquierda, una obra que representan desde hace18 años, que también es flipante), irrumpieron en el Madrid de los 90, que trataba de salir adelante tras los ‘felices’ años 80. El lenguaje de Yllana era novedoso e impactante en aquel panorama. “Lo definió muy bien Haro Tecglen, el crítico de El País -cuenta Juan Francisco Ramos, otro de los fundadores de la compañía junto a Fidel, Joseph O’Curneen y los hermanos David y Marcos Ottone-: si Tricicle hacía música clásica, nosotros hacíamos rock and roll. Y sí, algo hay de verdad en eso, porque además de que estamos muy influenciados por el rock and roll, el darle una doblez al humor y hacerlo un poco más canalla nos parecía muy interesante, sin dejar de buscar dejar un poso de compromiso social.” Tampoco han dejado de tener en cuenta a los espectadores del futuro, dándole al teatro familiar una impronta también novedosa,
libre de prejuicios y de ideas anquilosadas. Espectáculos como Far West (foto inferior derecha), Zoo, Olimplaff o ¡Splash! se convierten en experiencias conjuntas inolvidables entre padres e hijos, donde ambos se lo pasan en grande.
La celebración del aniversario
A parte de reponer The Gagfather en su casa, el Teatro Alfil, teatro que gestionan desde 1996, quieren que el año de celebración sea un continuo goteo de apariciones estelares en el escenario del Alfil de toda esa gente que ha hecho también grande la historia de Yllana: Sexpeare, Leo Bassi, Imprebís, Ron Lalá o Las Grotesqués. Yllana siempre se ha caracterizado por diversificar su actividad (han participado en The Hole, sin ir más lejos, y han dirigido obras como La cantante calva o la reciente Trágala, trágala de Íñigo Ramírez de Haro. Pero sus greatest hits están compuestos por títulos como Star Trip (foto inferior izquierda), ¡Muu2! (foto superior derecha) o Brokers. Un compendio de todas ellas se podrá ver a comienzos de 2017 en los Teatros del Canal para cerrar por todo lo alto los fastos del 25 aniversario.
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LÍRICA
La Flauta Mágica
FOTO: Iko Fresse
Barrie Kosky, junto al grupo teatral 1927, ha elaborado una insólita puesta en escena sobre una de las óperas más famosas del mundo Del 16 al 30 de enero Teatro Real
La flauta mágica es la última ópera escenificada en vida del compositor y estrenada en el Freihaus-Theater auf der Wieden de Viena, el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, apenas dos meses antes de su muerte. El libreto en alemán es de Emanuel Schikaneder. Su estatus como obra maestra de la ópera es incuestionable y encierra en sí misma un mensaje que resume todos los ideales de la Ilustración. Ópera sobre el amor común y el amor sublime, cuento maravilloso, comedia popular, fábula filosófica llena de simbolismo, confrontación entre el Bien y el Mal encarnados por la luz y las tinieblas…, el mosaico que crea el músico de Salzburgo encaja piezas muy dispares con genial maestría. La insólita puesta en escena que podremos disfrutar llega de la mano del director australiano Barrie Kosky, en colaboración con el grupo teatral británico 1927 (que ya estuvieron por aquí el mes pasado sorprendiendo, como siempre, con Golem). Estos dos elementos se fusionan creando un montaje espectacular, estéticamente bellísimo, alegre, lleno de juegos de luces que trata de volver a codificar la obra con el lenguaje de los inicios del cine, en un homenaje a los grandes como Chaplin o Buster Keaton. Kosky devuelve a La flauta mágica su carácter de espectáculo popular, divertido y al mismo tiempo estimulante para todos los sentidos... sobre todo para la vista.
Farinelli... ...el castrato del Rey Felipe narra, en el lenguaje del teatro musical barroco, los hechos extraordinarios de la vida en España de Carlo Broschi, el cantante más célebre de su tiempo. El legendario castrado logró con su canto sacar de la melancolía al rey Felipe V y hacerle retomar sus deberes como monarca. Al mismo tiempo, la fascinación por su voz y su
inteligencia fuera de lo común le granjearon la admiración de la familia real, convirtiéndose en el verdadero amo de la actividad musical española de la época. Gustavo Tambascio, veterano dramaturgo y director de teatro y ópera, ha elaborado este montaje donde se podrá disfrutar con las arias de mayor belleza y poder emocional de su mítico repertorio.
14, 16 y 17 de enero Teatros del Canal
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la visual
“Hay pocas propuestas escénicas en Europa como AIRE. Es un espectáculo original y único. Podemos encontrar semejanzas con montajes de Stomp, Mayúmana o Les Luthiers, pero aquí hay un mayor equilibrio entre la comedia visual y la música”. Emilio Aragón (Productor)
“AIRE es un espectáculo en el que hemos tratado unir varios conceptos: la idea de sumar la comedia visual y gestual con la música, el ritmo, con algo de drama y poesía. Un viaje al corazón del niño que todos llevamos dentro”. Emilio Aragón (Productor)
“Es una manada de artistas que ha emprendido un viaje. Han comenzado descubriendo sus propios orígenes para, a partir de ahí, ir encontrando su propio camino”. Patxi Barco (Dirección)
“Los cinco intérpretes somos músicos de formación, pero durante este viaje hemos tenido que ir aprendiendo nuevas técnicas, ritmos nuevos... Hay un gran trabajo detrás. Ha sido un descubrimiento individual y ahora tratamos de llegar al público y sorprenderles. Lo esencial es que este espectáculo transmite mucha verdad”. Rodrigo Aragón (Intérprete)
“Manada, Bovoj, es lo que somos encima del escenario y fuera de él. Somos cinco artistas que queremos que AIRE sea una fiesta, un espectáculo que aporte felicidad y buen rollo a todo aquel que venga a vernos.” Alonso Aragón (Intérprete)
“Con una estética muy sugerente es un espectáculo que crece a través del individuo, gracias al trabajo de cinco intérpretes que se dejan la piel sobre el escenario. Prevalece su gran trabajo y su talento como artistas y músicos sobre la maquinaria escénica, que también es impactante, pero la esencia del montaje son ellos cinco”. Fernando Bernués (Dirección)
“Es una coctelera de varios lenguajes escénicos con la premisa del aire como elemento unificador de la obra y con la idea de cuatro entes que nacen y que aparecen en el escenario como si fuera la primera vez que pisan este mundo y se tienen que comunicar con el público como mejor lo saben hacer, a través de la míusica y el gesto”. Emilio Aragón (Productor)
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Aire Es uno de los espectáculos más rompedores de la cartelera teatral. Una comedia visual con una estética muy cuidada y contemporánea creada por Fernando Bernués y Patxi Barco. Los cinco protagonistas de AIRE, con su gran trabajo escénico, nos invitan a un mágico viaje a través de la música, los ritmos, el teatro de gesto y la poesía. Allá donde vayan darán que hablar porque es felicidad en estado puro.
“Llevamos el clown a un territorio desconocido. Un clown más intimista, más poético, más contemporáneo”. Gonzalo Aragón (Intérprete)
“Nuestros mayores nos han enseñado todo acerca de este mundo. Y ha sido una suerte poder contar con ellos. Esa tradición familiar es una gran responsabilidad, pero con este montaje empezamos a construir nuestro propio camino, nuestro propio territorio escénico”. Rodrigo Aragón (Intérprete)
“Es un espectáculo para toda la familia y que se puede entender en cualquier lugar del mundo. Es una comedia muy visual llena de armonía y melodía musical”. Alejandro Aragón (Intérprete)
“Es un espectáculo para gente viva. Tan natural y tan mágico como la sonrisa de un niño”. Patxi Barco (Dirección).
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CRÍTICAS
Crituits
FOTO: Javier del Real
Crítica: Rigoletto Teatro Real Por Magda Ruggeri
Leo Nucci y los demás En esta versión de la obra de Verdi, emerge sobre todo la grandiosidad de la música y la altura interpretativa de la orquesta dirigida por Nicola Luisotti, que se supera en virtuosismo y sensibilidad. El maestro capta los delicados matices de la partitura con decididos cambios de velocidad, tono e intensidad, subrayando sucesivamente las reminiscencias, los sentimientos dulces y amorosos de Gilda, la frivolidad del Duque, la abyección de los cortesanos, las múltiples facetas de Rigoletto que van desde la adulación, la perversión, la ferocidad, la superstición, hasta la ternura de padre. El primer reparto es homogéneo y de gran calidad. Andrea Mastroni (Sparafucile) acompaña su robusta voz con una acertada interpretación. Entregada y expresiva la Maddalena de Justina Gringyte. La soprano, Olga Peretyatko, con voz notable por timbre y coloratura, alcanza momentos de rara sugestión emotiva cuando, con expresión flébil que evoca una oración, entona “tutte le feste al tempio”, y en su dúo con el padre que responde, agitado y con ritmo acuciante, con “solo per me l’infamia”. La estrella de la noche fue Leo Nucci que, en su interpretación número 513 de Rigoletto, encarna con gran maestría este personaje expresando todos los matices de su carácter, desde la cobardía hasta la ternura. Dueño del escenario, concedió el demandado bis de “vendetta, tremenda vendetta”, enloqueciendo al público que lo ovacionó y aplaudió largamente. Al final su voz, hasta entonces velada en las expresiones patéticas, truena con la imploración lacerante “non morire”, mientras Gilda con su lamento “lassù in cielo” nos recuerda la muerte de Aida. Finalmente el grito desgarrador de Rigoletto “La maledizione” llena verdaderamente de congoja al espectador.
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Crítica: Las princesas del Pacífico Teatros Luchana Por Pere Ripoll
Un drama vestido de farsa Imaginen una pequeña y singular familia, una tía, Agustina, y una sobrina, Lidia, con las que la vida no ha sido, digamos, generosa. Son pobres, feas y están solas. Su universo, tejido a ganchillo, se alimenta de sus propias miserias y de las de los demás, las de sus vecinas y las que ven a través del televisor. Viven aisladas en su humilde piso, asfixiadas entre tapetes y deudas, y sólo se tienen la una a la otra. Imaginen ahora que la vida les da una tregua y la suerte decide premiarles con un fantástico crucero, algo completamente fuera de su alcance, ¡el sueño de sus vidas! Vida y milagros de dos perdedoras de campeonato, esta comedia, que encierra un drama social más común de lo que nos gustaría, tarda poco en conseguir que asome la sonrisa, y poco más en que rompa la carcajada. La impecable construcción de los personajes juega a hacer de lo real algo grotesco, y es esa transformación la que permite al espectador tomar la distancia necesaria para atreverse a disfrutar de las desgracias ajenas, exactamente igual que hacen sus protagonistas. Y es que, en el fondo, no es tan grande el abismo
entre ellas y nosotros. Su historia habla de la miseria, de la exclusión social, de pérdidas, de soledad, de hipocresía, de postureo... El espectador se sienta ante un espejo, un espejo que deforma, pero espejo al fin y al cabo. En el elenco las actrices Alicia Rodríguez, en el papel de Agustina, y Belén Ponce de León, en el papel de Lidia, realizan un trabajo asombroso. Sus interpretaciones se mueven en el terreno del bufón contemporáneo y en ese contexto son escandalosamente creíbles. El texto está escrito por Alicia Rodríguez, Sara Romero y José Troncoso, asumiendo este último también la labor de dirección. Troncoso ha exprimido todas las posibilidades de esta historia de antiheroínas, ha mimado el detalle, ha dado prioridad a la inmejorable interpretación de las actrices y ha elaborado una propuesta escénica sencilla donde los tiempos, los espacios y el ritmo están medidos a la perfección. La suma de todo consigue hacer de esta obra una pieza discreta pero sólida que no hace aguas por ningún sitio.
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 28 de diciembre
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CÓMICOS
de risas con... “La potencia intelectual de un hombre se mide por la dosis de humor que es capaz de utilizar”. Lo dijo Nietzsche y nos hemos venido arriba. Jorge García Palomo, periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva. Porque, como suele decir Jorge en La Sala de RNE, hay que seguir “¡bienhumorando el mundo!” @jorgegpalomo
Álvaro Velasco
c No caigamos en la tentación. Nada de ‘spoilers’. Sólo advertir que a Álvaro Velasco te lo puedes encontrar en cualquier parte. Tiene el don de la ubicuidad… y el de la risa. Monologuista de Paramount Comedy, está en todas las redes sociales y garitos del mundo. Seguro que muchos lo habréis visto junto al humorista Diego Arjona en el Pequeño Teatro Gran Vía de Madrid con la primera comedia sobre series de televisión. Se llama Spoiler, así que hasta aquí podemos leer. Estamos listos para saber algo más de Álvaro Velasco. Bienvenido a Godot.
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Álvaro... ¿Qué proyectos te traen por estos lares? Para 2016 son varias las cosas en las que estoy trabajando. Por un lado la gira de Spoiler. Tras unos meses en Madrid queremos visitar Barcelona, Valencia, Galicia, Euskadi... También preparo dos nuevos shows en directo, uno de humor enfocado al teatro y otro de monólogos con dos compañeros. Y grabar mi cuarto monólogo para Comedy Central en marzo... ¿Por qué ir a ver uno de tus espectáculos? Porque son divertidos y baratos. Y porque tengo que pagar el alquiler de mi casa. El teatro y la cultura hoy son… Una labor de héroes. Los artistas por sobrevivir con poco, los productores por arriesgarse y el público por seguir sosteniendo la industria. El humor para ti es… Mi vida. Una vía de escape, un lugar donde posar la creatividad, una forma de lucha. Y mi único arma para ligar. ¿Por qué decidiste dedicarte a esto y no al porno, que era también vocacional? ;) De formación soy periodista. Pasé seis años trabajando en el departamento de comunicación del Real Madrid, donde viajaba, tenía un contrato indefinido y ganaba mucho dinero. Pero me aburría. Quería ser artista, ser mi propio jefe y probar suerte en los escenarios. Me arriesgué y por ahora ha salido bien. ¿Son buenos tiempos para la comedia o eso parece? Eso parece. Pero no es oro todo lo que reluce. Son buenos tiempos para un corto número de caras muy televisivas. Pero malos tiempos para montar nuevos espectáculos o arriesgar con gente nueva. ¿Y qué tal andamos de sentido del humor en España? Al contrario de lo que parece, creo que mal. Cada vez hay más corrección y menos mala leche. El español es un tipo que presume de tener mucho sentido del humor cuando no es algo real. En el mundo anglosajón no es extraño ver a un político bromeando en un late night. Algo impensable en nuestro país. ¿Qué y quiénes te hacen reír por doquier? Mis amigos. Son muchísimo más graciosos que yo. En cuanto a profesionales, mis dioses son Faemino y Cansado y Ricky Gervais. ¿Cómo te inspiras para desatar la risa del público?
Prueba y error. Pienso, escribo y pruebo hasta que hace gracia. En cada etapa mi humor ha ido evolucionando. Nunca me ha gustado la comedia de observación ni la de “¿Nunca os ha pasado que...?”. Me parece caduca, fácil y poco divertida. Intento asumir riesgos y ser ácido. Una comedia que nunca me hará rico. Un momento memorable de tu vida. Así nos ponemos tiernos o cínicos o lo que te venga en gana... Supongo que mi nacimiento y resurrección. Con quince días sufrí una meningitis muy dura (año 1984 en un pueblo de Zamora a 100 kilómetros del hospital más cercano) y casi me voy. Me quedo con eso, aunque no me acuerde. ¿Alguna anécdota sobre el escenario, de esas cosas inconfesables... hasta que hemos llegado los de Godot? ¡Una vez me tiraron un sujetador! Actuando en un festival de comedia dentro del Viñarock. No ha vuelto a pasarme nunca. Un viaje inspirador que recomiendes a los lectores. Sanabria. Una de las zonas más bonitas de Europa, situada en Zamora. Desconocida por muchos. Una película, libro y/o canción para sentirnos mejor en tiempos aciagos. Una película que es imposible que no anime a alguien cuando está deprimido es Cantando bajo la lluvia. Acabo de terminar de leer Woody Allen, el último genio de Natalio Grueso y me ha encantado. Y mi canción preferida es El aire de la calle, de Los Delinqüentes. Un teatro para reír a carcajadas. Las salas alternativas con aforos de 20 personas. A veces descubres auténticas joyas. Un lugar de Madrid que te ponga de buen humor. Me quedo con dos sitios. El Videoclub Ficciones en Malasaña. Cuando estoy de bajón voy y me llevo cinco o seis películas. Tienen mucho cine clásico y de autor. Y el Santiago Bernabéu. Aunque este año no está siendo muy divertido ir a ver el fútbol allí. Un sueño acaso cómico. Tener mi propio late night. Un mensaje a los lectores de Godot, teatreros y gente risueña del mundo… Que sigan apoyando los proyectos culturales y luchando por un mundo en el que la ignorancia y la estupidez sean solo una anécdota.