Godot feb 16 by Godot

AF-godot-Galileo.pdf

25/01/16

12:42

Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán

Dirección Ernesto Caballero

VIDA DE GALILEO

de Bertolt Brecht

Del 29 de enero al 20 de marzo

Traducción Miguel Sáenz Versión y dirección Ernesto Caballero

Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Felype de Lima Composición musical Hanns Eisler Música y espacio sonoro Javier Coble

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Músicos Javier Coble Pau Martínez Kepa Osés

Reparto (por orden alfabético) Chema Adeva Marta Betriu Paco Déniz Ramon Fontserè Alberto Frías Pedro G. de las Heras Ione Irazabal Borja Luna Roberto Mori Tamar Novas Paco Ochoa Macarena Sanz Alfonso Torregrosa Pepa Zaragoza

http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

VERANO EN DICIEMBRE Texto y dirección Carolina África

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Reparto (por orden alfabético) Carolina África Lola Cordón Laura Cortón / Virginia Frutos Pilar Manso Almudena Mestre

Del 3 al 21 de febrero

Escenografía Almudena Mestre Iluminación La Belloch Teatro Vestuario Vanessa Actif Espacio sonoro Nacho Bilbao

Producción La Belloch Teatro

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa Del 13 de enero al 21 de febrero de 2016

COCINA de María Fernández Ache Dirección Will Keen

Reparto (por orden alfabético) Sonia Almarcha Bruno Lastra Luis Martínez Arasa Manolo Solo Voces María Fernández Ache Mamen Camacho Pilar Castro Mercedes Castro Cristóbal Suárez

Escenografía y vestuario Esmeralda Díaz Iluminación Pedro Yagüe Espacio sonoro Luis Miguel Cobo Síguenos en:

http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49

6 12 17 20 24 26 28

38 42 palabra de nico guau

portada Vida de Galileo

estrenos Cenizas

estrenos Cuento de invierno

la visual El testamento de María

lírica Juan José

reportaje Longevos

entrevista Cristina Soria y Nahia Láiz

noticias TALENT 2016

estrenos Arte Nuevo

reportaje Sócrates

estrenos Nosotros no nos mataremos...

en familia FETEN2016

cómicos Eva Isanta

10 16 18

estrenos De algún tiempo a esta parte

reportaje Hamlet

22 entrevista Sexpeare

30 entrevista Carolina África

34 40 46

FOTO PORTADA: David Ruano

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Febrero 2016

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PALABRA DE... nico guau

Algo habrá que hacer El director de una compañía reunido con los actores al terminar un ensayo. DIRECTOR.- Bueno, como sabéis, el sábado próximo hacemos la última función y cerramos el espectáculo, y quería sacar un delicado tema hoy... ACTOR 1.- Abrevia, que me están esperando... DIRECTOR.- Voy al grano: la escenografía. ACTOR 2.- ¿Qué es la escenografía? DIRECTOR.- Pues... El decorado... ACTOR 2.- Anda, que la escenografía es el decorado... Siempre había oído hablar de ella, pero... ACTOR 1.- A mí siempre me ha gustado llamar a todo eso trastos. ACTRIZ 1.- ¿Y qué le pasa a la escenografía? DIRECTOR.- Que habrá que hacer algo. ACTOR 2.- Pues lo que hacemos siempre, ¿no? Cuando lleguemos con la furgo lo metemos, perdón, “la” metemos en el local, y nos vamos de cañas. DIRECTOR.- Veo que no me entendéis. Me refiero a qué hacemos con la escenografía. ACTOR 1.- No, yo definitivamente no le entiendo. A estos directores modernos nunca les entiendo... DIRECTOR.- El bolo del sábado es el último. ¿Qué se hace con la escenografía cuando se cierra una función? Silencio. Todos ponen cara de no tener ni idea. DIRECTOR.- Bueno, nos tendremos que deshacer de ella... ¿Para qué la queremos? ACTRIZ 1.- ¡Que se la lleve el escenógrafo! ACTOR 2.- ¿No la podemos utilizar en la próxima? ACTRIZ 2.- Pero si es horrorosa. DIRECTOR.- Y aquí no puede estar, no hay sitio. ACTOR 3.- Algo habrá que hacer. Se callan y adoptan un aire pensativo. (Actores y actrices pensando, qué miedo...) ACTOR 1 (a Actriz 1).- A ti te quedarían fenomenal los puffs en el salón alrededor de la tele.

nico guau: dálmata extremeño

ACTRIZ 1.- Y a ti los maniquíes en el váter, no te digo... ACTRIZ 2.- ¿A quién se le ocurre, 12 maniquíes, 12 puffs y 12 cadenas colgando de las varas...? DIRECTOR.- Yo también había pensado en repartírnosla... ACTOR 2.- Pues a mí me gusta. ACTRIZ 1.- Ah, ¿sí? Pues te llevas los puffs. ACTOR 2.- Que me guste no quiere decir que me quiera llevar nada, sino que la veo apropiada para nuestro Hamlet... Y también para la comedia que estamos montando... DIRECTOR.- A mí me viene bien una cadena, para... ACTOR 3.- Son 12. O te llevas el lote completo de cadenas, o no hay trato. ACTOR 2.- Además, yo en un puff nunca he sabido sentarme... ACTOR 4.- Es muy sencillo: somos 8, tocamos a un puff cada uno y sobran 4... ACTOR 1.- Y una mierda, te regalo el mío... ACTRIZ 1.- ¿Pero de verdad no le has preguntado al escenógrafo? DIRECTOR.- Se ha ido a vivir a Galicia. ACTRIZ 2.- Pues mejor, aquello es muy grande y hay mucha zona sin habitar... Puede llevarse los... ACTRIZ 2.- Yo me quedaría con mi vestuario, pero las cadenas, los maniquíes y los puffs... No sé... ACTOR 1.- A ver, tiene que ser muy fácil, ¿qué se suele hacer con las escenografías habitualmente? (Silencio.) En otros montajes. (Silencio.) Otras compañías tienen montajes con muchos más trastos, algo harán. (Silencio.) ¿Y si preguntamos a otros? Silencio largo. Actor 1 sale a fumar un cigarrillo a la puerta del local, porque se lo ha encendido dentro y Actriz 1 le ha lanzado una mirada criminal. Actriz 2 disimuladamente coge el bolso y se marcha. El resto se queda pensativo de nuevo. Actriz 3, que no ha abierto la boca, apaga las luces, y se hace el oscuro. Y 3 días después llega el sábado por la noche y aún no han decidido qué hacer con la escenografía.

humor

Risa risa

Flora y Fauna de las Artes Escénicas Murmullo risa pse

Risa piadosa risa ora pro vobis

Risa interior risa mute

Es lo que se oye en las obras que no llegan a graciosas y se quedan en simpáticas. En muchas ocasiones tienen pretensiones intelectuales, apócrifos de Woody Allen. Los que se quieren dar tono dicen entender muchos matices.

No hay nada más triste que un graciosillo sin gracia. Cuando nos encontramos con algunos de estos desgraciaditos en escena, ¿qué otra cosa podemos hacer sino reírnos piadosamente?

Es la propia de los espectadores de escayola que luego dicen: “¡es una obra desternillante!” No se ríen por no molestar: seguramente sean de los que se comen las gambas con cuchillo y tenedor. Van de sabihondos y son unos inmaduros, pero buena gente.

Risa con jet lag risa yalopillus! Todo el público estalla en una sonora carcajada… ¿todo? ¡No! Un irreductible se ovilla en la butaca sin comprender lo que sucede. Luego el resto de los espectadores se calma y entonces él, como si sólo tuviera una rayilla en el wifi de la risa, se descarga por fin el chiste y ríe.

Risa no “con” sino “de” risa mater mihi ¿Hay algo, cabe preguntarse, más triste que un graciosillo sin gracia? Sí, un graciosillo sin gracia y arrogante. En esos casos, la penita que despiertan se vuelve desprecio y nosotros, espectadores sin corazón, nos reímos de su desgracia.

Luis Felipe Blasco Vilches

Risa franca risa risae ¡Jajaja!: ¡Ay, qué tío! ¡Je, je, je!: ¡Ay, qué cuco! ¡Ji, ji, ji!: ¡Ay, qué pillín! ¡Jo, jo, jo!: ¡Ay, qué bribón! ¡Ju, ju, ju!: ¡Ay, qué raro!

Andrea Espier www.andreaespier.com

Andrea Espier Ilustración

@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor

#elArtedelActor

El reconocimiento Enero y febrero son meses con muchas galas y variadas que premian el trabajo de los intérpretes y demás áreas de nuestra industria. Llegar de la candidatura a la nominación es un paso hermoso, y obtener el premio da un subidón... Aunque sepamos que a veces los criterios para premiar tengan que ver con políticas, amiguismos o incluso quién conforma el jurado. Está claro que el reconocimiento es un acicate importante para seguir con ánimo haciendo nuestro trabajo. El propio aplauso es el reconocimiento inmediato que obtenemos en la sala, y los que estamos en el escenario, sabemos por la intensidad y las caras, si el aplauso es de corazón o no. Sentir que lo que hacemos es valorado poco tiene que ver con la vanidad, aunque a veces todo lo que rodea a esta vorágine de los premios se parezca más a pasarelas de moda o doraciones de píldora. Nuestro trabajo no puede cuantificarse, es artístico, es muy subjetivo, por eso cuando llega a ser premiado se produce mucha satisfacción. Es como si gente entendida en el tema, o el propio público, te confirmase que vas por buen camino. Por ello me parece muy lícito desear los premios y disfrutarlos en toda su magnitud. Ahora bien, somos pocos los premiados y somos muchos los que quedamos fuera de las listas. De hecho a veces parece que se copian la lista de unos a otros, como si cada temporada solo hubiera unos pocos montajes (productos) que merecen estar ahí. ¿Cómo incluir entonces el reconocimiento en nuestras andanzas cuando estar en las listas se presenta difícil? Más bien la pregunta sería ¿dónde podemos encontrar ese reconocimiento más allá de las galas? Sugiero que abramos bien los oidos y los ojos a lo que nos encontramos en el camino. Está en el calor generado en la sala, en las palabras de colegas que a veces descontamos porque creemos que nos las dicen sólo por amor, en la propia sensación de haber hecho un buen trabajo. Sugiero que el reconocimiento más valorado sea el propio. Insisto, el amor propio no es igual a la vanidad. Reconocer lo que una tiene de valioso no la exime de querer mejorar ahí donde hay limitaciones o en nuevos campos a investigar. El propio deseo de ser grande es ya en sí digno de valor. Sugiero que transformemos la posible envidia que nos da no pertenecer a una lista en nuevo aliento para mejorar. Que cada trabajo que hagamos pensemos que es digno de ser premiado porque así lo creemos profundamente, porque estamos dando lo mejor y exigiendo lo mejor, porque valoremos cada detalle y cada persona implicada, porque pensemos que lo que hacemos va a mejorar el alma y la calidad del gremio. No es fácil, requiere convertir la autoexigencia agobiante en responsabilidad creativa. Pero creo que es el camino hacia tener cerca un reconocimiento que alimente nuestra felicidad y no solo nuestro ego.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DIRECTORA

HELENA PIMENTA

DEL 18/2 AL 20/3 TEATRO DE LA

HAMLET

Comedia

DE WILLIAM SHAKESPEARE

MIGUEL DEL ARCO coproducción CNTC / Kamikaze dirección

noticias

TALENT2016

Los Teatros del Canal han presentado la cuarta edición del Festival Talent con su director Albert Boadella a la cabeza (en el centro de la imagen en el acto de presentación). Una iniciativa de apoyo a los creadores y de búsqueda de talento que se desarrolla en colaboración con Talent Festival LTD. El concurso tiene como objetivo descubrir e impulsar a nuevos talentos de las artes escénicas (creadores, dramaturgos, coreógrafos y compositores). Las categorías en esta edición son teatro, danza, espectáculo musical y circo/cabaret. El festival se desarrollará en varias fases y para participar solo hay que contar con una idea original, una cámara

y acceso a Internet. Hasta el 15 de marzo los participantes deberán subir a la plataforma un vídeo de unos dos minutos donde muestren la esencia de su idea. Después, un panel de expertos de reconocida trayectoria y la votación popular en Internet elegirán 50 finalistas. La votación estará activa del 21 al 31 de marzo de 2016. El 5 de abril se hará público el listado de los 50 finalistas que serán asesorados para crear una versión de 8 a 12 minutos de su obra. Ésta se exhibirá finalmente ante el público de los Teatros del Canal del 2 al 12 de junio. En la gala final del último día se decidirán los ganadores. www.talentmadrid.teatroscanal.com

‘Nuevo’ Teatro de la Luz Philips Gran Vía

El Grupo Smedia, que actualmente gestiona siete teatros en Madrid y Philips, líder mundial en iluminación, han llegado a un acuerdo para el patrocinio del actual Teatro Compac Gran Vía. A partir de ahora el recinto pasará a llamarse Teatro de la Luz Philips Gran Vía y se realizará una renovación total de su iluminación, tanto en el interior como en su fachada principal y marquesina. Con un diseño moderno y espectacular, el ‘nuevo teatro’ contará con lo último en tendencias de iluminación Philips, creando un ambiente moderno y teatral, bajo los criterios más estrictos de eficiencia energética y sostenibilidad.

Nuevo Teatro Fronterizo cumple 5 años El Nuevo Teatro Fronterizo cumple en este 2016 cinco años teatrales. Cinco años que les invitan a seguir mirando hacia adelante. A seguir investigando, creando y formando. A seguir estableciendo lazos con aquellos que formarán parte de su futuro teatral. Porque éste es el sueño de José Sanchis Sinisterra y de todos los que sueñan con él. Y lo hacen con una serie de propuestas que no debes dejar pasar: Desde el 1 de febrero Taller Play Pinter; el 4 de febrero En voz del autor Donde rezan las putas, texto inédito y reciente de José Sanchis Sinisterra; 8 de febrero Muestra del COLABORATORIO en la Cuarta Pared; a partir del 26 de febrero, Taller sobre La Celestina (colaboración con la CNTC); a las que se suma sus actividades habituales. www.nuevoteatrofronterizo.es

en portada

FOTOS: David Ruano

Vida de Galileo por Álvaro Vicente

temas que suscita es de rabiosa actualidad, Dice Ernesto Caballero, director del Centro porque está hablando de cómo nos colocamos Dramático Nacional y de este montaje, que la frente a un gran cambio de paradigma”. Gaobra de Brecht podría llamarse perfectamente lileo supuso un cambio de paradigma. Brecht La retractación de Galileo más que la Vida de igualmente cambió para siempre la forma de Galileo, porque la historia que quiere contar hacer teatro y, encima vivió y escribió durante el autor alemán es esa, la de un científico que años convulsos. No en vano, esta obra se emplanteó un cambio de paradigma pero que pieza a escribir al final renunció a la responsabien 1938 y, tras lidad social de la ciencia. Montar Obra cumbre de Brecht varias revisioun Brecht ya es en sí mismo una con Ramón Fontseré en la nes, es en 1945 decisión que trasciende el mero piel del científico que revo- cuando se da hecho teatral. Sí, es un gran clásico lucionó la ciencia, dirigido por terminada. contemporáneo europeo y un gran por Ernesto Caballero “Brecht defendía centro de producción público está en un principio obligado a servir ese patrimonio la posibilidad a los espectadores. Pero es que, Del 29 de enero al 20 de marzo de retractarse, además, y cito a Caballero, “lo que Teatro Valle-Inclán defendió el plantea la obra en cuanto a ciertos

posibilismo, es decir, poder desdecirse de los principios en aras de un trabajo soterrado por el bien de la humanidad. Pero esa idea es cuestionada después del estallido de las bombas atómicas en Japón. Para Brecht, a partir de ahí, la ciencia inicia un camino de especialización, desvinculado del pueblo, lo cual acarreó funestas consecuencias”. A Galileo le ocurrió lo mismo. Rendido al poder, o sea, a la Iglesia, se le permite seguir con sus investigaciones, pero en un ámbito muy restringido y desentendido del progreso de la humanidad. Einstein y Oppenheimer orbitan en torno al personaje renacentista, que el autor toma precisamente para provocar ese distanciamiento típico de su teatro épico.

Un actor y un colectivo al servicio de la historia

El teatro de Brecht es un teatro ejemplarizante, un teatro consagrado a la historia que ha de contarse, dejando a un lado los alardes emocionales de los actores, a no ser que estén al servicio del relato. Todo ha de estar al servicio del relato de hecho y, por tanto, como señala el director, “es necesario un actor que venga de las compañías, del trabajo colectivo, porque para contar una historia colectivamente, primero ha de haber un colectivo. Es un trabajo en el que están hechos y duchos algunos actores y otros no. Por otro lado, yo no pretendía hacer una hagiografía de Galileo, del santón de la ciencia,

“Para hacer a Brecht es necesario que un actor venga de las compañías, del teatro colectivo, porque esta historia se ha de contar así”

en portada

pontificando sobre lo divino y lo humano. Quería introducir dosis de humor, retranca e ironía, y un punto de vista. Para todo esto Ramón Fontseré es un maestro. Y es capaz igualmente de dejar entrever la figura de Brecht en la de Galileo, porque eso también está en este espectáculo, ya que aunque a Brecht no le gustaba el término, hay una identificación evidente entre personaje y autor, más que nunca en esta pieza”.

Escenario circular

“A Brecht no le gustaba nada el término identificación, pero es evidente que ésta existe entre el autor y el personaje de Galileo”

Eppur si muove Han corrido ríos de tinta en torno a si fue cierto que Galileo, después de retractarse ante el tribunal de la Santa Inquisición, pronunció la célebre frase “y sin embargo, se mueve”. A lo mejor lo dijo por lo bajini, pero entonces no había grabadoras ni micros abiertos ni cámaras. Sea como sea, lo que está claro es que el astrónomo, filósofo, ingeniero, matemático y físico italiano revolucionó la ciencia y sus métodos. Su trabajo rompe con la física aristotélica y hace irrumpir el empirismo, el acceso al conocimiento a base de la verificación empírica. La escena cuarta de la obra de Brecht recoge muy bien este choque con los preceptos de la razón aristotélica dominante. Es un conflicto central en la obra, que no deja de ser reflejo del gran conflicto, “el del mundo de las creencias frente al de los hechos”, como anota Ernesto Caballero. “Porque hoy lo vemos continuamente: detrás de un sistema de creencias hay normalmente un sistema de conveniencias”.

La ciencia lo impregna todo en este montaje y eso se percibe en la propia concepción espacial y escenográfica por la que ha optado Ernesto Caballero. “Los postulados de Galileo suponen un cambio de perspectiva en el sentido más amplio, por eso hemos renunciado a la disposición frontal convencional para plantear un escenario circular giratorio, donde todo está al servicio de la coralidad en el trabajo actoral. Un montaje muy limpio que da idea de movimiento y cambio de perspectiva”. Un montaje con el público sentado alrededor de la escena, como una tierra orbitando en torno a un sol en el que no solo brilla Fontseré, sino que lo hace con el concurso de un elenco en el que también están Chema Adeva, Marta Betriu, Paco Déniz, Tamar Novas o Paco Ochoa.

estrenos

FOTO: Sergio Parra

Arte Nuevo (un homenaje) calado. Un aterrizaje necesario. El gran titular al escribir sobre esta obra es que el “Era, en efecto, la de Arte Nuevo una protesta todavía director de cine, y ganador de un Oscar, José Luis confusa: la protesta, impetuosa y generosísima, de Garci, debutará como director de escena. Es sin duda unos muchachos alrededor de los veinte años. Pero una gran noticia que todo el mundo repetirá en sus precisamente esa juventud confería al propósito un portales de noticias. Y que lo hace, además, acomcarácter absoluto, sin límites, porque entonces no se pañado por un gran elenco. Yo, sin embargo, lo que pretendía sino la renovación total del teatro.” Este quiero resaltar es el texto elegido para debutar. Y fragmento lo he sacado de un trabajo realizado por más que el texto en sí, que además son dos -CargaMariano de Paco sobre el Grupo de Teatro Arte Nuevo mento de sueños, de Alfonso Sastre, y El hermano, de y el Teatro español de la Posguerra... Medardo Fraile-, es el fin de esta obra, el motivo. Ese Alfonso Paso, Enrique Cerro, Carlos José Costas, homenaje que reza el título y que va dirigido a un gruAlfonso Sastre, Medardo Fraile... esta es una parte po teatral que en los años 40 propició una corriente de su historia. De los artística nueva en España: Arte Nuevo. que formaron el teatro Me pasó igual con la película Noviembre. José Luis Garci dirige alternativo de aquella Me emociono sobremanera al conocer teatro por primera vez y época, los que buscaban historias de jóvenes pioneros que tratan lo hace homenajeando al un lenguaje vanguardista y de cambiar las cosas a través del teatro. grupo teatral pionero en contemporáneo con el que Siendo alguien que ha entrado ya de lleno su tiempo Arte Nuevo cambiar la concepción en la treintena, que piensa que nadie más artística imperante. Eso es ha sido joven antes que él y que son las lo que quiero agradecer a ideas de mi generación las verdaderamenDesde el 18 de febrero Garci. Esa es mi noticia. te revolucionarias, redescubrir historias Teatro Español Sergio Díaz así suponen un aprendizaje vital de gran

La Plaza del Diamante Desde el 18 de febrero Teatro Bellas Artes De nuevo en Madrid este texto de Mercè Rodoreda que desgarradoramente interpreta Lolita Flores. La obra se desarrolla en los años de la posguerra y cuenta la historia de Natalia, una chica que sufre un proceso de pérdida de identidad. Huérfana de madre y hundida en un matrimonio que no le proporciona felicidad, renuncia a su propia identidad aceptando las imposiciones de su esposo y deja de ser Natalia para convertirse en ‘La Colometa’. Verá partir y morir a sus seres queridos, pasará hambre y miseria y se verá muchas veces incapaz de sacar adelante a sus hijos. En este duro monólogo interior, costumbrista, duro y lleno de simbolismos, Lolita se mete en la piel de una mujer, pero representa a todas aquellas que sufrieron lo indecible durante las posguerra. Mujeres que sufrieron doblemente. Sufrieron por ser pobres y sufrieron por ser mujeres.

Cenizas

Desde el 24 de febrero Teatro Fernán Gómez

FOTO: Sergio Parra

A Jacob le acaban de comunicar por teléfono que su padre ha muerto. Unos minutos más tarde se ha olvidado por completo de la noticia. Ni siquiera se lo dice a su hermana Ruth, con la que vive en un piso modesto en el centro de una pequeña ciudad. Este es el principio del largo día y medio que pasa desde la muerte del padre hasta su entierro. Y este tiempo lo vivirán de manera distinta las tres almas perdidas que aparecen en esta historia: Alba, Jacob y Ruth. La obra de Llàtzer García ha cosechado numerosos premios dentro de la escena teatral catalana. Su reconocimiento ha sido tal que se ha hecho una película sobre la obra. Es un retrato en color de tres vidas en blanco y negro. Tres vidas que interpretan de manera magistral Marta Aran, Laura López y Guillem Motos. Tres vidas marcadas por la herencia recibida, porque a todos nos marca lo que hemos vivido con nuestros padres. La gran mayoría recibe amor, cariño y apoyo. Una minoría recibe estímulos más nocivos como gritos y desencuentros. Hay quien no recibe ni eso porque han sido abandonados... y esas vidas son las que jamás se recuperan. Son cenizas esparcidas al aire sin rumbo alguno. Sergio Díaz

reportaje

FOTOS: Jero Morales / Festival de Mérida

Sócrates Juicio y muerte de un ciudadano

por Álvaro Vicente o incluso estatal y... democrática.” Desde su Además de ser uno de los pensadores más conocélebre muerte, no se ha dejado de escribir sobre cidos de la antigua Atenas y maestro de Platón, Sócrates en todos estos siglos. Ahora llega este Sócrates está considerado el padre del pensamienacercamiento teatral al filósofo y, sobre todo, al to occidental. Como dice Mario Gas, director del entorno de su juicio y su muerte. En escena un José montaje y autor del texto junto a Alberto Iglesias, María Pou en estado de gracia (para variar) en su “Sócrates no escribió jamás una sola palabra. Sin caracterización del filósofo, “asumiendo socráticaembargo, la filosofía griega se divide y se estudia mente la elaboración de su personaje”, indica el en dos partes: los presocráticos y los grandes director. Le secundan en escena otros filósofos posteriores a pesos pesados de la escena como su figura. Su búsqueCarles Canut, Amparo Pamplona o el da de la verdad, su Tras su estreno en el propio Alberto Iglesias, junto a jóvenes indagación, mediante pasado Festival de Mérida, intérpretes como Ramon Pujol, Guillem el diálogo, sobre la llega a Madrid este acerMotos y Borja Espinosa. Pou da vida moral, la honestidad camiento teatral al filósofo a un sabio que no quiso escribir sus la justicia, el conocigriego dirigido por Mario pensamientos porque consideraba que miento del hombre, lo Gas y protagonizado por todo el mundo debía desarrollar los suconvierten en un ser José María Pou yos propios. El célebre “sólo sé que no singular y, por supuessé nada” es hoy ya casi una anécdota, to, en un ser peligroso un tópico tras el cual está la historia para cualquier tipo Del 5 al 28 de febrero de un hombre juzgado y condenado de hipocresía, ya sea Naves del Español Matadero tras haber denunciado la corrupción individual, colectiva

en Atenas y haber advertido sobre el papel supersticioso y manipulador de la religión oficial. Acusado de despreciar a los dioses y corromper a la juventud, se negó a huir -como le proponían sus discípulos- cuando fue condenado a ingerir una copa de cicuta. Su muerte se convirtió en un símbolo para la Historia. Y hoy que Atenas sigue viva y contrariada tras los últimos sucesos políticos que han convulsionado al país heleno, Mario Gas ha querido dedicar este montaje “al pueblo griego y a su gobierno, esperando que el caso de Grecia sirva para que avance la Europa de los ciudadanos y retroceda la Europa del gran capital”.

El filósofo se negó a huir cuando fue acusado de despreciar a los dioses y corromper a la juventud

estrenos

Winter’s Tale

de William Shakespeare por Álvaro Vicente

La obra se aparta de las unidades aristotéliEl ciclo Una mirada al mundo del Centro Dracas de tiempo, lugar y acción para recorrer mático Nacional se desarrolla normalmente en otoño, al comienzo de la temporada. Pero este Europa y movernos de corte en corte y de país en país, pasando de la alta tragedia a la año quedaba un montaje descolgado, suponefarsa a lo largo de un periodo de 14 años. En mos que por problemas de agenda del insigne el centro de la trama, Leontes, un rey delirante Declan Donellan y de su compañía Cheek by y paranoico que destruye a su Jowl, que nos visitan en familia. Pero este inicio oscuinvierno precisamente La visita a Madrid del ro, en el último Shakespeare, con la obra de Shakesdirector inglés Declan Doel que ha terminado ya sus peare más invernal, nellan es ya una tradición grandes tragedias y ha libraal menos en su título. anual. Esta vez llega con su do una dura batalla contra la Donellan ha visitado compañía, Cheek by Jowl redención, es preludio de un Madrid en los útlimos salto hacia la alegría, hacia tiempos al frente de la luminosidad del campo. compañías francesas Del 10 al 14 de febrero El Tiempo, en mayúscula, y rusas, pero en esta Teatro María Guerrero como un personaje central, ocasión tenemos la arrastra a los personajes a suerte de volver a ver una pasmosa conclusión. El por aquí a su propia arrepentimiento es posible, el examen de concompañía en un montaje en el que el propio ciencia puede de pronto apartar todo orgullo CDN ha participado como coproductor. Ambipara dar lugar al perdón. Hay atisbos de ciosa tentativa, pues, sobre esta tragicomedia esperanza. Seguramente, en manos de Declan de tintes pastoriles que compendia géneros Donellan y de sus portentosos intérpretes, este y estilos con la maestría habitual del bardo. cuento de invierno acabe en una primavera Escrita en la misma época de La tempestad, dorada de disfrute para todos los espectadohacia el final de su vida, Shakespeare rompía res que aprecian lo bueno de este arte eterno. con todas las reglas aplicadas en esta última.

Grandes estrenos

DE:

SANTIAGO CASTELO

GODOT 162x230.indd 1

Teatro, danza y música

DIRECCIÓN:

EMILIO SAGI

25/01/16 9:17

entrevista

Sexpeare “Este es un oficio de valientes, si te atreves tiene que ser con todas las consecuencias” por Regina Navarro Lo suyo fue un flechazo. Se conocieron en la RESAD de Madrid y apenas tres meses después creaban su propia compañía. Si algo caracteriza a esta pareja es su modo de mirar al mundo desde un rincón distinto al que lo hace la mayoría, desde un lugar en que las cosas se ven mejor o, al menos, son más divertidas... Ahora van a por su primer clásico.

en SeXpeare y estamos de 20 aniversario, había algo ahí que funcionaba y unía toda la propuesta. ¿Qué supone para una compañía como SeXpeare celebrar 20 años sobre los escenarios? RP. Celebrar 20 años en la misma compañía independiente es algo muy complicado, nos deberían dar la medalla de oro de las olimpiadas. La verdad es que siempre hemos tenido suerte, aunque también creo que somos muy trabajadores. Eso de estar apretando tornillos y luego ponerte la peluca y salir al escenario...

Alberto Conejero, SeXpeare y Salva Bolta, una mezcla bastante curiosa... RULO PARDO. La idea era encontrar un equilibrio entre todos. Lo más interesante es que conseguimos un punto de partida para Rulo Pardo y Santiago el texto un poco anacrónico, muy SeXpeare, sin cuarta pared. Molero se atreven con SANTIAGO MOLERO. El trabajo entre Rinconete y Cortadillo de los cuatro ha sido muy curioso también. Cervantes, en versión de No habíamos trabajado juntos antes Alberto Conejero y con y tenemos universos muy particulares. dirección de Salva Bolta Desde el principio estuvimos trabajando sobre la idea primigenia de versionar Del 17 de febrero al 13 de marzo un clásico. Luego Alberto nos hizo su Teatros del Canal planteamiento y comenzamos a trabajarlo entre todos. ¿Y cómo ha sido todo ese proceso de creación? RP. Alberto es una gran dramaturgo, muy poético, pero teníamos que adaptar el texto a nuestro modo de hacer teatro. Él no toca mucho la comedia, y es a lo que nosotros nos dedicamos fundamentalmente. Así que con su ayuda hemos ido adaptando el texto. SM. Alberto también ha volcado mucho de nuestra propia idiosincrasia. Nos hacía muchas preguntas personales para crear el texto, y eso se nota luego en las líneas. Al final Rinconete y Cortadillo son dos cómicos, como nosotros. Elegís Rinconete y Cortadillo con 20 años recién cumplidos como compañía. RP. Hablamos de dos personajes que son también actores, Rinconete y Cortadillo tienen ahora 40 años, ya no son los de 15 y 17 que escribió Cervantes. Somos dos

¿Teníais claro a dónde queríais llegar con la comedia? SM. Hacemos humor, comedia, contamos historias, nos gusta hacer reír. Hemos intentado volcarnos en todas las piezas e intentamos hacer cosas bastante buenas aunque tengamos pocos medios. Si vas a morir que sea matando. Este es un oficio de valientes, si te atreves tiene que ser con todas las consecuencias.

¿Vuestro éxito radica en que vais a contracorriente? SM. Hemos hecho más o menos lo que nos ha dado la gana, con el precio que eso conlleva a veces. Creamos nuestra propia productora para trabajar con libertad, y bueno eso también te cierra puertas. RP. Nosotros no hemos tocado nunca tema social, salvo en Sexpearemente, porque ya artísticamente el cuerpo te lo pide, pero siempre nos ha gustado el teatro de lo absurdo, relacionarnos con el público. Siempre unimos nuestras obras en cierto modo con lo cinematográfico, nos gusta que el público tire de su imaginario y reconozca las cosas y las maneras de hacer. Tu juegas con la gente y la gente juega contigo porque les haces participar. Eso es SeXpeare, caemos bien a la gente. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

estrenos

De algún tiempo a esta parte por Sergio Díaz el abrigo que se compró... pequeños detalles De Max Aub ya se ha ido escribiendo mucho sin importancia que se van alternando con en estos útimos años. De ser uno de los granvivencias terribles, pues su marido y su hijo des olvidados, ahora se le considera como han desaparecido de su vida en circunstancias uno de nuestros grandes dramaturgos. Nacido muy dolorosas como consecuencia de dos en Francia, de padres alemanes, cuando guerras crueles. se trasladó a vivir a España a los 9 años y A través de este monóaprendió castellano tuvo claro logo interior accedereque esa era la lengua con la Carmen Conesa da vida a mos a los pensamientos que iba a expresarse el resto Emma, la protagonista de más íntimos de Emma. de su vida. Y así lo hizo. Y de este texto de Max Aub en Nos adentraremos en su rico castellano han surgido una versión dirigida por sus recuerdos, lo único obras como esta que ahora Ignacio García que tiene de su vida nos propone Ignacio García, pasada, el recuerdo protagonizada por Carmen de una vida feliz. Conesa y que acogerá el Hasta el 6 de marzo Conoceremos también Teatro Español. Teatro Español su identidad a través De algún tiempo a esta parte, de sus creencias y los escrita en 1939, supone el conflictos que ello le comienzo de la etapa más genera. Emma es una mujer educada en el fructífera de Max Aub. Es un monólogo que se amor fraternal cristiano, pero en este preciso sitúa en Viena en 1938 y ya en tal temprana momento de su vida se revuelve contra los época nos desvela el verdadero y atroz rostro golpes que ha recibido y no se resigna ni del nazismo y de las guerras en general. pone la otra mejilla. Ahora es una mujer que La protagonista, Emma, se dirige a un marido no quiere consuelo, y desde su más absoluta ausente, Adolfo, y comienza por recordar y a soledad y fragilidad clama venganza y justicia hacernos partícipes de pequeñas anécdotas para remediar su dolor. El odio será su fuerza sobre su vida: nos va hablando de la época ahora. Sergio Díaz en que se conocieron, lugares que visitaron,

reportaje

por Ă lvaro Vicente

Hamlet está en ese vértigo cuando empieza Helena Pimenta, directora de la Compañía la obra, está en ese filo tan desequilibrante, Nacional de Teatro Clásico (CNTC) fue a con toda su energía, con toda una vida por ver el Misántropo de Molière que Miguel delante para hacer cosas, pero sometido en del Arco y sus kamikazes llevaron al Teatro sus decisiones por ese sentido de la muerte Español. Le gustó mucho. Tanto que al día tan presente. Me reconozco totalmente en siguiente llamó a Miguel y le dijo: es hora esa naturaleza, en esa perpetua ansiedad de que hagamos algo juntos, que la CNTC de decir para qué estamos aquí y para qué ayude a consolidar esta línea de trabajo. esta lucha permanente si A Miguel le pareció nos vamos a morir”. una gran idea, claro, y a la pregunta de Israel Elejalde será prínciEspacio mental qué querría hacer, él pe de Dinamarca a las órCon la libertad y la tranrespondió: un Shakesdenes de Miguel del Arco quilidad que dan los años peare. ¿Qué obra? en este montaje cocinado y la experiencia, y los Hamlet. Sea. ¿Así de a medias entre Kamikaze y éxitos y el reconocimienfácil? Pues sí. “Helena la Compañía Nacional de to, por qué no decirlo, es una mujer muy Teatro Clásico Miguel del Arco aborda generosa”, reconoce su Hamlet habiendo del Arco, sabiendo podado el original hasta que habrá voces puDel 18 de febrero al 20 de marzo dejarlo en poco más ristas que se levanten Teatro de La Comedia de dos horas y media y en contra de que una habiéndole metido mano compañía nacional de teatro clásico español aborde la obra de un inglés. Y qué, ¿acaso la Royal Shakespeare Company no montó un Lope de Vega? Menos purismos y más aperturismos.

La muerte presente

Pero, ¿por qué Hamlet, por qué ahora? Que sí, que Hamlet siempre está ahí tentando a todo actor y director, con el mismo nivel de atracción que de miedo a cagarla. “Intento intelectualizar lo menos posible este tipo de decisiones”, explica el director. “Yo creo que la decisión responde a un momento vital, tanto mío como de Israel Elejalde. Son esos vértigos entre la vida y la muerte. Por un lado, Isra perdió el año pasado a su padre y a su madre del tirón. Y luego yo perdí a un hermano cuando tenía 38 años. Fue una muerte absolutamente repentina que marcó un antes y un después. Latiendo un halo profundamente vitalista en mí, la relación con la muerte es muy cercana. Y creo que ese es el punto de partida de Hamlet.

Esta versión arranca sobre la cama/tumba de Hamlet, donde ni él ni nadie sabe si duerme, sueña o muere

al arranque de la obra para contarnos que, para él, todo sucede más en un espacio mental que en uno real, en la mente de un hombre que, sobre su cama/tumba, no sabe si duerme, sueña o muere. Sus fantasmas no vienen desde el inframundo, sino desde su propia psique, alterada por el dolor de los acontecimientos recientes. Este es el camino elegido, uno entre mil, sin más destino que ser honesto contando la historia desde el más íntimo y profundo sentimiento. “Si Shakespeare es la invención de lo humano, como dice Harold Bloom, en ninguna otra obra de una forma tan clara como lo hace en Hamlet”.

la visual

Blanca Portillo encarna a la mujer fundacional, el mito sobre el que se sustenta nuestra cultura, la mujer entre las mujeres: la virgen María

El texto nació novela de la mano del escritor irlandés Colm Tóibín y ha supuesto el debut en la dirección teatral de Agustí Villaronga

Es como el Evangelio según María, que ante las mentiras de los fanáticos seguidores de Jesús, nos cuenta lo que realmente sucedió

El testamento de María Teatro Valle-Inclán. Del 26 de febrero al 20 de marzo

Lo más impresionante de este desgarrador monólogo es ver cómo se resquebraja el amor que el cristianismo erigió como estandarte FOTO: Josep Aznar

entrevista

Carolina África “La obra retrata tres generaciones de un universo femenino que conozco muy bien” por Álvaro Vicente que se quería morir encima de un escenario, haciendo la función. Y es terrible, porque hay un momento en el que la abuela, cantando, un poco desnortada, dice que tiene cáncer, y claro, fue muy fuerte hacer eso con ella sabiendo que tenía muy mal pronóstico lo suyo. Al final tuvo que dejar los ensayos y la sustituyó una amiga suya, Lola Cordón, que, casualidades de la vida, vivía en la esquina de la calle de nuestra sala, La Belloch, que se llama así en honor a Carmen. Todavía Carmen vino a algún ensayo y a tomar café con nosotras a la sala y un día nos regaló una planta, que es la planta que tenemos en escena en la habitación Autora, directora y prode la abuela. Era una manetagonista, con Verano en ra de estar las dos abuelas diciembre Carolina África en la misma habitación y ganó el Premio Calderón encima del escenario. de la Barca de teatro

Estamos ante un montaje lleno de historias bonitas con un cierto poso amargo, tanto dentro como fuera del escenario. Y una obra también muy apegada a lo ‘público’, pues se escribió en Buenos Aires gracias a una beca, ganó el Premio Calderón de la Barca que concede el Ministerio de Cultura a jóvenes autores de teatro y llega ahora al Centro Dramático Nacional... La verdad es que se cierra un círculo precioso. Ojalá ocurriera con mayor asiduidad. ¿Dónde está el origen de esta obra? Está en un homenaje que siempre quise hacerle a mi abuela que, como la de la función, se ponía delante del espejo y decía que veía a su madre. Claudio Tolcachir (director del Teatro Timbre 4, donde realizó la beca) me dijo que tenía que escribir esa historia. Y me fui a Buenos Aires a escribirla, aunque ya iba con parte del texto escrito. Estuve 6 meses allí y a la vuelta, el día que nos reuníamos por primera vez para hacer una lectura, me comunicaron que había ganado el premio.

¿Elegiste el personaje de Alicia para interpretarlo tú por algún motivo? Sí, probablemente porque es la más diferente a mí. Yo tengo mucha vis cómica y en un casting me habrían dado a Carmen o a Paloma. Una se proyecta un poco en todos los personajes que escribe y yo me veo mucho en las tres, pero Alicia era un reto porque es más seria, las cosas le pasan más por dentro.

Del 3 al 21 de febrero Teatro Valle-Inclán

¿Qué supuso ese premio para la obra? Primero el empujón definitivo para decidirnos a montarla. Con el dinero del premio alquilamos un local y creamos el espacio La Belloch. Allí ensayamos y montamos la función, hacíamos pases privados y conseguimos que viniera Ernesto Caballero (director del CDN) a verla y le gustó mucho. También vinieron críticos como Marcos Ordóñez, que publicó una crítica maravillosa en El País, y vinieron las distribuidoras que confiaron a ciegas en este proyecto. Hicimos gira, la llevamos a Argentina, a Uruguay, a Colombia... y ahora al CDN. La abuela, en principio, la interpretaba Carmen Belloch, pero... no pudo continuar. No, no pudo, desgraciadamente. Carmen era una actriz maravillosa, empezó ensayando con nosotras y siguió una vez que le detectaron la enfermedad. Ella nos dijo

Es una historia muy de mujeres, ¿tiene mucho de autobiográfico? Más que autobiográfico, es una inspiración. Quería hablar de tres generaciones de mujeres, de un universo femenino que conozco bien, conozco los problemas que les preocupan y les invaden. Y sobre todo quería hablar de esa madre que es todas las madres de nuestra generación, que se mueve por una amor muy grande, que cuida a sus mayores pero no quiere que sus hijas hagan lo mismo que ella. Y sobre todo que se olvida de ella misma mientras sólo se ocupa de los demás. Lee la entrevista completa en www.escenagodot.com

estrenos

Comedia musical dirigida por Roberto Santiago que relata la historia de diez personajes cuyo devenir se ve unido por una serie de catastróficas situaciones de mala suerte y cuyo destino les ata a un lugar mítico: Benidorm. Juanjo es un cantante de chiringuito, que el mismo día ve cómo todo se desmorona a su alrededor: Su novia le abandona. Su jefe le echa del trabajo. Y su casero le pone de patitas en la calle... Ese día mejor hubiera sido no levantarse de la cama. Pero Juanjo no se rinde y para empezar a seguir viviendo emprende una misión titánica: ayudar a los necesitados, a los desheredados de la tierra. Lo cual (como irá descubriendo) no es una tarea sencilla. Y para continuar... cantar. No dejar de cantar. Porque la música es terapéutica, porque amansa a las fieras, y también porque es lo que ha hecho toda su vida. No lo ha hecho tan bien como para ser una estrella mundial, pero sí para tener Benidorm y al público guiri y del IMSERSO a sus pies. Juanjo aún no lo sabe. Pero sus actos y su música cambiarán el destino de muchas personas para siempre. What happens in Benidorm... stays in Benidorm. Sergio Díaz

Ámbito resistiré

Te elegiría otra vez Hasta el 28 de febrero Teatro Pequeño Gran Vía

Hasta el 24 de febrero Teatro Alﬁl Sara Escudero desprende alegría y vitalidad. Sólo hay que verla. Siempre en ebullición con ganas de compartir ideas. Es un no parar: radio, televisión, monólogos, libros... y ahora se estrena en el teatro. Sara ha escrito y dirige esta comedia romántica con una puesta en escena muy particular. Es una pequeña película en vivo donde se escudriña la esencia del comportamiento humano en las relaciones personales. En Te elegiría otra vez iremos descubriendo a diversos personajes que irán viviendo situaciones de pareja a lo largo del tiempo, mostrando que ninguno nacemos aprendidos, que no siempre tenemos las cosas claras, que somos contradictorios y que repetimos conducta y equívocos, por nuestra condición de humanos imperfectos. Angy Fernández, Esmeralda Moya, Óscar Reyes y Nene son los cuatro intérpretes de esta divertida historia sobre cómo nos comportamos en pareja. Risas que esconden el peligro de hacernos mirar a la butaca de al lado y preguntarnos ¿Te elegiría otra vez?

LÍRICA 33

Juan José

“Este drama lírico popular, en realidad se trata de una ópera, pero yo le llamo así, porque no me gusta la palabara ópera. Lo de popular quiere decir proletario, no folklórico. Es un sainete madrileño cantado. No tiene ni coro ni ballet, todo es magro; sin relleno espectacular. Mi labor en esta obra supone once años de trabajo con ilusiones y desalientos, y un esfuerzo constante. Durante ese tiempo compuse otras cosas, pero Juan José fue mi obsesión”. Así hablaba el maestro Pablo Sorozábal de esta obra que dejó sin estrenar a su muerte y que ahora por fin ve la luz. Sorozábal la terminó en 1968 y tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido. En 2009 se estrena finalmente en San Sebastián, pero en versión de concierto. Es por tanto ahora, con este montaje, donde se llevará a cabo, después de 48 años, el estreno absoluto de la versión escénica. La historia transcurre en los barrios bajos de Madrid. Juan José y Rosa viven desde hace tiempo juntos y ella es para él el único sentido de su vida. Pronto las cosas cambiarán y los hechos conducirán hacia un fatídico final...

Del 5 al 19 de febrero Teatro de la Zarzuela

Obra creada por Richard Wagner y basada en la comedia Medida por medida de William Shakespeare. La pieza es una auténtica rareza dentro del catálogo de óperas de Richard Wagner porque los escándalos que envolvieron su estreno en el Teatro de Magdeburgo en 1836 bajo el título La novicia de Palermo, para sortear la censura, la convirtieron en una ópera maldita de la que se tuvo que distanciar incluso su autor. El director danés Kasper Holten debuta en Madrid con esta producción escénica diseñada como el propio compositor germano dispuso en su momento. Así se narra cómo Claudio pide a su amigo Lucio que visite en el convento a su hermana Isabel para que ésta interceda por él ante el regente Friedrich, quien piensa castigarle por haber tenido un hijo fruto de un amor clandestino. Es una de las grandes adaptaciones musicales sobre un texto de Shakespeare digna de ser reivindicada con motivo de los 400 años de la muerte del escritor inglés.

La prohibición de amar Del 19 de febrero al 5 de marzo Teatro Real

estrenos

Nosotros no nos mataremos con pistolas nes que crecimos en un universo technicolor que Nosotros no nos mataremos con pistolas. propiciaba el apagón analógico del imperante Nuestro duelo se libra a través de una pantalla. gris de las décadas anteriores. La generación La foto de un lugar idílico hace notoria nuestra que se iba a comer el mundo... felicidad. O nuestra cara en primer plano. Un Esta obra se estrenó en 2014 en una pequeña buen filtro y esperaremos ansiosos el juicio susala de Valencia, alcanzando gran repercusión marísimo. Contaremos desesperados el número en poco tiempo y haciendo que mirásemos hacia de ‘Me gustas’. Así cuantificaremos el éxito esa joven escena teatral de gran calidad que prometido por nuestros padres... lleva tiempo creciendo en el Mediterráneo. Las compañías valencianas Wichita CO y TaTres amigos se reencuentran en la fiestas patrobula Rasa unieron sus fuerzas y su talento para nales de su pueblo tras años sin crear este montaje. Un verse. Juntos hablan de cómo han texto que reflexiona evolucionado sus vidas y de cómo sobre la generación Acertado retrato de la afrontan estos momentos de crisis de los que nacimos en generación nacida en los en los que se sienten perdidos los 80. Aquellos que años 80 realizado por y luchan por salir del bache de heredaríamos todos los Wichita Co y Tabula Rasa incertidumbre y mediocridad. Hafrutos del esfuerzo de blan de regresar a sus orígenes, nuestros padres, los que de volver a tejer las redes sociales crecimos como futuras Desde el 15 de febrero y familiares que tanto ayudaron grandes promesas para Teatro Lara a nuestros padres y abuelos. Las nuestras familias -acaso redes reales, tangibles y sólidas los primeros en ir a la que se construyen a través del universidad-, educados verdadero amor y la solidaridad. Sergio Díaz en el éxito profesional y el individualismo. Jóve-

DANZA

Ballet de San Petersburgo

La compañía fundada por el solista principal de Mariinskiy Ballet, Andrey Batalov, nos trae dos de sus grandes propuestas Del 2 al 28 de febrero Teatro Compac Gran Vía

Dentro de la VII Edición del Ciclo Puente Aéreo que podremos ver en DT Espacio Escénico durante febrero y marzo, encontramos este montaje escénico de la Cía. Input donde se abordarán las relaciones, conexión o unión que hay entre dos personas, a través de tres historias diferentes. Play es un dúo centrado en el trabajo de contact improvisación que refleja la fluidez y energía entre dos cuerpos. Continua, Kilómetros, con el que nos llevarán a un mundo de fantasía donde todo es posible. Y para terminar Un.Y.Dos, centrada en la investigación de la unión por una cuerda, que refleja el amor y el odio al mismo tiempo.

El Ballet Clásico de St. Petersburgo es la compañía fundada por el solista principal de Mariinskiy Ballet, Andrey Batalov (Director Artístico y Coreógrafo) y por Andrey Sharaev (Director General). Su repertorio incluye versiones clásicas de los ballets más conocidos y un año más llegan a nuestro país para traernos sus bellas creaciones de El Lago de los cisnes y El cascanueces, dos conocidos cuentos de hadas-ballet cuya música compuso Piotr Ilich Chaikovski. En El Lago de los cisnes el Príncipe Sigfrido termina por enamorarse de Odette, princesa convertida en cisne víctima del sortilegio del brujo Rothbart y a la que sólo puede salvar el amor. El Cascanueces nos traslada a una antigua ciudad alemana, a principios del siglo XIX en Nochebuena, donde la gente se prepara para la fiesta. El salón de la casa de los Stalbaum están llegando los invitados, entre ellos está Drosselmeyer, es un viejo chiflado, inventor de juguetes que tiene preparadas muchas sorpresas para los niños, y les enseña modernos juguetes con motor de cuerda. Pero a Masha lo que más le ha gustado de todo es el juguete que rompe nueces, El Cascanueces... Son dos nuevas oportunidades que tienen los amantes de la danza para disfrutar con el ballet más clásico.

De relaciones va la cosa 25, 26 y 27 de febrero DT Espacio Escénico

reportaje

Los más longevos Estamos ante dos fenómenos teatrales, dos casos de apego entre escenario y patio de butacas. Este mes, Los miércoles no existen alcanzan 100.000 espectadores en su 5ª temporada y Toc Toc llega a 2.000 funciones en su 7º año en cartel. ¡Tela!

Los miércoles no existen Si fuéramos nombrando a los actores y actrices que han pasado por Los miércoles no existen desde su estreno en El sol de York en 2013 nos faltaría página. En la foto de arriba están muchos de ellos, no todos. Un buen plantel, sin duda, que ha sostenido durante cinco temporadas, y sostiene todavía, esta obra que ha enganchado como pocas con el público joven en Madrid. Tanto es así que en febrero van a celebrar la llegada del espectador 100.000. En ese camino de éxito han recibido el apoyo de nombres como Aitana Sánchez-Gijón o Alberto San Juan

y, claro, les ha pasado de todo, bueno, malo y regular. Sin ir más lejos, cuando estaban en el Lara un día le dio un infarto a un espectador y tuvieron que parar la función para que entrara el Samur. También hubo una pedida de mano. El novio se compinchó con los actores y le pidió matrimonio allí mismo, desde el escenario. Dramedia romántica escriElla le dijo que sí, claro. ta por Peris Romano y diY en muchas funciones, rigida por él mismo junto siempre hay algún espona Maite Pérez Astorga táneo que se arranca a bailar Dirty Dancing o se pone a cantar junto a los actores. Los miércoles no Vier, sáb y dom existirán, pero esta obra Teatro Fígaro está haciendo historia.

Toc Toc este texto francés de Laurent Baffie cuya versión El día que pasemos por la calle Tres Cruces y española firma Julián Quintanilla. Empezaron no veamos el cartel de Toc Toc sobre la entrada Daniel Muriel, Gracia Olayo, Nicolás Dueñas del Príncipe Gran Vía será todo un aconteo Inge Martín, para ir dando paso a Ana Frau, cimiento. En el circuito comercial es probaÁfrica Gozalbes, Miguel Foronda, Fran Sarieblemente la obra más longeva de los últimos go, Ana Trinidad, Ana Burrel, Laura Hernando, tiempos. Tanto que ha superado los 700.000 Óscar Ramos y Paco Obregón. Todos ellos espectadores y este mes tiene previsto alcanzar han contribuido a ofrecerle al público, siempre la nada desdeñable cifra de 2.000 funciones. asiduo, unas buenas dosis Impresionante. Los seis de humor con esta alocada personajes con trastornos La comedia sobre los historia llena de manías y obsesivos compulsivos, los trastornos obsesivos comobsesiones. Y a juzgar por conocidos como TOC, que pulsivos de Laurent Baffie el ritmo de venta, parece se encuentran en la consulta sigue haciendo reír en esta que la obra podría seguir del psiquiatra, han sido versión de Esteve Ferrer en cartel otros siete años interpretados durante todos más como poco. ¿Estaremos estos años por unos cuantos ante “La ratonera” madriactores y actrices que se De martes a domingo leña? Quizás es un poco han ido pasando el testigo Teatro Príncipe Gran Vía exagerado si pensamos que unos a otros temporada tras la obra de Agatha Christie temporada. El único que ha lleva 64 años en cartel en permanecido siempre ha el West End de Londres, pero quién sabe... En sido Esteve Ferrer, que además de actuar en la cualquier caso, desde aquí ¡felicidades! obra es el director de la versión española de

FOTO: Javier Naval

en familia

FETEN es un espacio que promueve los intercambios y la cooperación entre los distintos sectores de creación y distribución de las artes escénicas tratando entre todos de elevar y digniﬁcar una, cada vez mayor, calidad de las artes escénicas hechas para y por los menores. Este año será una edición muy especial, ya que celebran su 25º aniversario. Este evento reúne el mayor abanico de oferta destinada al sector escénico infantil y juvenil del país, basa su selección de contenidos en un cuidado equilibrio que atiende tanto a la calidad de las representaciones como a la diversidad de formatos y contenidos, intentando representar en su programación la pluralidad creativa del territorio nacional y las interesantes propuestas que se realizan más allá de nuestras fronteras, tratando

así de favorecer la consideración social y el reconocimiento del trabajo de los profesionales de las artes escénicas que producen e investigan en este ámbito para los públicos más jóvenes. Y siempre lo hacen manteniendo su carácter de Feria, reuniendo a programadores y distribuidores de nuestro país y del resto del mundo, potenciando los intercambios culturales, concentrando la exhibición de espectáculos, promoviendo foros de debate, presentaciones de libros... realzando y enriqueciendo así todo lo que tiene que ver con este aspecto tan importante de la cultura. Del 21 al 26 de febrero cójanse una semana blanca teatral con sus hij@s y suban a Gijón a dis-

frutar del buen teatro para público familiar. Toda la info en: feten. gijon.es

FETEN 2016

Feria Europea de Artes Escénicas para niños y niñas

Lo mejor de aquí

FETÉN siempre trae las mejores propuestas escénicas dentro del ámbito internacional y este año no faltarán montajes provenientes de Chile, Argentina, Holanda, Irlanda... Pero en esta edición tan especial se han potenciado los espectáculos de nuestro país y podrán verse espectáculos provenientes de 14 Comunidades Autónomas distintas.

entrevista

Cristina Soria “El amor no es un fin sobre el que debamos planificar. Es un sentimiento que nos llena y nos mueve” por Sergio Díaz

Cristina es una de las protagonistas de Un balcón con vistas, una comedia de Laura Molpeceres que lleva dos años cosechando éxitos y que ahora llega al Teatro Quevedo Un balcón con vistas nació en Azarte en 2014… Habéis pasado por el Pequeño Gran Vía, el Lara, ahora llegáis al Quevedo. ¿Cómo ha evolucionado la obra en este tiempo? Han sido dos años en los que no hemos parado de crecer. Hemos tenido tiempo de profundizar en nuestros personajes y sus conflictos, de pulir los gags y las situaciones, hasta el punto de que salimos a escena pisando suelo firme, sabiendo muy bien qué queremos contar y cómo hacerlo. Pero, sobre todo, disfrutamos al máximo cada función, y nos dejamos sorprender por lo que ocurre como si fuera la primera. Tu papel es el de Luna, quizás quien tiene la vida más ordenada y más clara de los 4 personajes… Sí. Luna se ha esforzado por llevar una vida convencionalmente ordenada, hasta convencerse a sí misma de que lo hace por instinto propio, que esa es su verdadera naturaleza. Pero, por suerte para ella, no se puede ocultar eternamente lo que de verdad somos. Qué es más difícil ¿cumplir con lo que se espera de

Rubén Martínez, Esther Rivas y David Tortosa, son, junto a Cristina Soria, los intérpretes de esta comedia que ahonda en las relaciones de pareja De viernes a domingo Teatro Quevedo

nosotros o romper con todo y escoger libremente el camino que uno quiere? Las rupturas, como las que se plantean en la obra, son difíciles. Suponen un acto de valentía. Pero yo agradezco cada decisión importante que he tomado y ha supuesto una ruptura con un modo de vida que no me hacía feliz. Es difícil, pero lo que viene a continuación sólo puede mejorar. Cumplir con lo que se espera de nosotros en contra de lo que deseamos no sólo es difícil, también es frustrante e innecesario. ¿El fin justifica los medios en una relación? Siendo el fin la supuesta felicidad de estar en pareja, aún sabiendo que esa pareja no es la elección correcta. ¡No! El amor no es un fin sobre el que debamos planificar, no se diseña a medida. El amor es un sentimiento que nos llena y mueve momento a momento, y sólo siendo fieles a nosotros mismos será auténtico y podrá hacernos felices. Eso es lo que Luna tiene que descubrir. ¿Este trabajo te ha servido a nivel personal para entender y vivir mejor el amor? Nos ha servido a todos para comprendernos mejor a nosotros mismos, y entender cómo somos cuando nos relacionamos con los demás. Luna es parte de mí, y no son pocas las ocasiones en mi vida en que me paro y pienso: “Luna lo habría hecho así”. Entrevista completa en www.escenagodot.com

Nahia Láiz “Soy actriz para llegar más allá de la imaginación y acercarme a facetas diferentes que conviven en mí” por Sergio Díaz Si ya son complicadas ‘las relaNahia da vida a Patricia, la ciones a dos’, si incluimos más protagonista femenina de Una variables en la ecuación ¿todo noche como aquella, obra se va complicando? escrita por Nacho Redondo y Absolutamente. Cualquier tipo de relación conlleva muchas dirigida por Chos, que podeconversaciones para sanar y mos ver simultáneamente en el seguir adelante. Cuando una Teatro Lara (jueves) y en Nave relación es tan íntima esto hay 73 (sábados) que cuidarlo mucho más, y ya si somos más de dos todo es posible, pero se complica. No es lo mismo ponerte de acuerdo la imaginación y acercarme con cada con otra persona que lograr propuesta a las facetas tan diferentes que acuerdos a tres. conviven en mí. Esta obra me ha enseña¿No sería más sencillo vivir y do que una relación así es posible. Otra disfrutar enamorándote de las cosa es que lo queramos para nuestra personas sin más? Más allá de vida real. FOTO: Laura Ortega sexos y etiquetas. Es un texto que conecta con la gente, Absolutamente también. Vivir desde el amor siempre hace aunque no sé cuántas personas de las que van a ver la todo mucho más grato. Resolver desde el amor marca la obra estén pasando por esta situación... ¿Dónde está la diferencia entre quedar heridos y rompernos o ser caclave? paces de acercarnos cada vez más. Creo personalmente Pues creo que tiene que ver con que esta obra te abre que enamorarse de cada persona que tenemos cerca y de nuevas posibilidades de pensamiento. Sin meternos en cada cosa que hacemos es la mejor solución. Y no hablo grandes disquisiciones filosóficas sobre el amor y sin de un amor erótico sino de algo profundo, directo al ser sentar cátedra sobre nada, nuestro trío siempre da que humano, más allá (como tú dices) de sexo y condición. pensar. Me encantaría saber si alguien del público se ha Al meterte en la piel de tu personaje, ¿te has planteado animado a plantear su particular aventura amorosa desa nivel personal cómo llevarías una relación así? pués de vernos o si ya venía con ella puesta. Lo que está Me lo he planteado porque cuando actúo siempre me claro es que les sentimos disfrutar, reír, llorar… y estamos planteo la posibilidad que me ofrece cada personaje. infinitamente agradecidos de su compañía. Creo que por eso soy actriz, para llegar más allá de Entrevista completa en www.escenagodot.com

Nacho Redondo y Nacho López acompañan a Nahia Láiz en esta historia de amor sin prejuicios

Jueves y sábados Teatro Lara y Nave 73

CRÍTICAS

Crituits

Crítica: El grito en el cielo Teatro Español Por Alvaro Vicente

Zarandeado Nuevamente zarandeado por La Zaranda. Su canto a la vejez, su denuncia del olvidar a los ancianos, su laberinto hacia el minotauro de la eternidad, tan grotesco, tan ritual, tan heredero de Valle, tan gaditano, tan destilado. Su uso de la música y la luz, su manejo del espacio, su juego de carruseles chirriantes que hipnotizan, su uso de los objetos, sus palabras, las justas. Sus chanzas, andaluzas hasta parecer gotas de agua marrón del Guadalquivir, sus chistes, sus rostros desencajados. Su maridar lo sagrado y lo profano, lo elevado y lo popular, la música cubana de Pérez Prado con el Wagner del Tännhauser. La Zaranda es un universo que orbita sobre sí mismo, pero con la maestría del genio que mejora las variaciones sobre un tema a medida que encuentra una vuelta más. Llevan casi 40 años en la pomada y son un género en sí mismos, imitados y adorados como semidioses del arte escénico. Son como una manada de ‘peterbrooks’ pero sin teorizar ni intelectualizar el espacio vacío. Al contrario, son más poesía que teoría, más acción que razón. Son sencillos y profundos. Y todo esto vuelve a estar en El grito en el cielo, una obra de ascesis desde la base de la demencia senil. Los viejos son niños que en vez de acabar de nacer, se disponen a morir. El mismo miedo los asiste, irracional, la misma irreverencia natural. Más libres cada vez de las ataduras morales de la mascarada llamada vida, buscan el camino final, la última aventura. Se oyen cosas sobre la compañía española más deseada al otro lado del charco, se dice que tienen pocos recursos económicos para seguir haciendo lo que saben, que si Andalucía les retira las ayudas y ellos retiran a Andalucía del nombre de la compañía. Que si Focus les puede producir lo próximo. Sea como sea, es un patrimonio vivo que conviene cuidar.

Crítica: La Flauta Mágica Teatro Real Por Magda Ruggeri

La ópera simbólica de Mozart Mozart y Schikaneder, el libretista, formaban parte de la misma logia masónica y ambos estuvieron interesados en la creación de una ópera, o mejor dicho de un singspiel de gusto popular. Así se inspiraron en las comedias de magia del momento y en cuentos esotéricos orientales, muy en boga en Viena, pero la trama fue enriquecida porque el músico y el poeta se inspiraron en los ritos masónicos y las pruebas a las que se vieron sometidos los protagonistas se transformaron en ritos de iniciación y sus peripecias asumieron un importante sentido. El resultado fue una obra maestra: La flauta mágica, que recoge en sí los principales elementos de la música operística del siglo XVIII fundiéndolos y cargándolos de gran significado simbólico, donde queda claro el mensaje del amor como culmen de la sabiduría y de la belleza, los únicos elementos que pueden dispersar las tinieblas y llevar al conocimiento. El director de este montaje (producción de la Komische Oper de Berlín), Barrie Kosky, junto con Suzanne Andrade y Paul Barritt, del famoso equipo teatral 1927, han querido seguir el deseo

de Mozart de que su espectáculo fuese popular y se han inspirado en el cine mudo de los años veinte y en sus protagonistas. Los cantantes interactúan con la animación proyectada en un fino trabajo de acoplamiento entre ambos. La componente actoral es mínima porque aquellos se hallan inmovilizados en elevadas posiciones o a lo sumo se desplazan linealmente al pie de la pantalla al dictado de las imágenes en movimiento. Un espléndido elenco de voces otorga a esta Flauta Mágica una alta calidad musical, que destaca por una orquesta dirigida con verdadera maestría por el director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, un experto en el repertorio mozartiano, que atiende premurosamente a los cantantes, sin menoscabo de la belleza de la partitura. Perfecto el coro del Teatro Real y el de los Pequeños cantores de la ORCAM. La flauta mágica es una síntesis de virtuosismo vocal y todo el elenco ha logrado superar las dificultades, entusiasmando al público que aplaudió a todo el equipo. Crítica completa en www.escenagodot.com

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 29 de enero

CÓMICOS

de risas con... “La potencia intelectual de un hombre se mide por la dosis de humor que es capaz de utilizar”. Lo dijo Nietzsche y nos hemos venido arriba. Jorge García Palomo, periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva. Porque, como suele decir Jorge en La Sala de RNE, hay que seguir “¡bienhumorando el mundo!” @jorgegpalomo

Eva Isanta

c Y yo con estos pelos... Primero sucedió con mis primos. Luego con amigos. Al final, vi que hasta en mi comunidad utilizan a diario expresiones de La que se avecina, sin duda, una de las series más populares que ha parido la madre tele. Un éxito basado en un guión desopilante con un elenco en estado de gracia. Y por ahí aparece Eva Isanta, con su mirada cristalina y un rostro bello que desprende simpatía. La actriz es un derroche de trabajo, alegría natural y amabilidad espontánea. Basta ver Wikipedia para comprobar que nuestra invitada no para de currar, que su talento es polifacético. Cine, teatro, saraos culturales, causas benéficas… Eva es una mujer que vale para un roto y un descosido. Se avecinan confidencias de otra cómica estupenda. Bienvenida a Godot…

FOTOS: Elvira Sánchez Gallo

comicos

¿En qué proyectos estás embarcada y a qué dedicas el tiempo libre, si es que te queda? En estos momentos estoy grabando la novena temporada de La que se avecina. Y estoy muy contenta porque acabo de participar en un capítulo de otra serie de TVE, El hombre de tu vida, una adaptación de la serie argentina de Juan José Campanella. Ha sido muy grato poder interpretar a un personaje radicalmente diferente al de Maite Figueroa, que encarno habitualmente. Y mi tiempo libre lo dedico básicamente a vivir, a descansar, a leer, ver cine y teatro, estar con mis seres queridos... Por si me lo pregunta mi cuñado… ¿Por qué ir a ver tus espectáculos? Porque seguro que va a ver un trabajo hecho con toda mi ilusión, mi esfuerzo y lo mejor de mí sobre un escenario. El teatro y la cultura hoy son… Imprescindibles para explicar la vida y la existencia humana. Son una necesidad universal ligada al deseo del hombre de conocerse, expresarse y entenderse a sí mismo y a lo que le rodea. Por eso hoy y siempre son necesarios. El humor para ti significa… Una medicina para el alma. Un regalo del Universo para sobrellevar las partes duras de roer de la vida. La risa es una de las capacidades más maravillosas que tenemos para sentirnos felices. ¿Son buenos tiempos para la comedia, con sus pros y contras, o eso le parece a este ingenuo pero atractivo reportero? ;) (Risas.) La comedia es algo eterno. Y, ¡cómo no!, son maravillosos tiempos para la comedia... para reírnos de todas las estupideces que cometemos los seres humanos a diario. Necesitamos Comedia, con mayúscula. ¿Por qué decidiste dedicarte a esto (¡gracias!) y no al periodismo (que nos han confesado era una de tus vocaciones)? (Risas) Ya me dirás qué amiga te ha chivado eso... (Ha sido Rosa Arroyo, genial responsable de Prensa del Teatro Alfil de Madrid) Siempre me gustó eso de

vivir y contar historias, pero escribir, a pesar de mis intentos, no es lo mío por el momento. Fue el contacto con un grupo de teatro aficionado de Getafe, donde descubrí que interpretar era mi verdadera vocación y mi objetivo vital. De no ser actriz, no sabría qué hacer. ¿Cómo te inspiras para desatar la risa del público? ¿De dónde irrumpe esa vis cómica? No me inspiro en nada en concreto. Mi trabajo es dar credibilidad a una situación, siempre desde la manera de ser y de actuar de ese personaje. Si la situación es cómica, solo he de vivirla lo más de verdad posible; si el texto o el guión son buenos, la comicidad está asegurada. Yo intento relajarme y disfrutar. Así también me divierto. De la escena a las pantallas, y viceversa. Sin parar. ¿Cómo se sobrelleva la fama del fenómeno cómico que es La que se avecina? La fama es algo inherente al trabajo popular. Para mí es un detonante del trabajo que realizas y que gusta a la gran mayoría de los espectadores. Entrar en las casas de las personas, aunque sea a través de la televisión, crea mucha complicidad, si la cosa funciona. Es normal que luego te vean por la calle y sientan el impulso de acercarse y decirte algo, normalmente agradable. Un momento memorable de tu vida. ¡Total libertad para nuestra Eva Isanta! Es difícil... Quizá la primera vez que me subí a un escenario encarnando a Doña Inés de Ulloa, en el Don Juan Tenorio de Alcalá de Henares, delante de casi mil personas, y sentí ese escalofrío que recorría mi espina dorsal y me hacía elevarme unos centímetros del suelo. Un teatro para reír a carcajadas. Sin duda el Alfil. Para mí Yllana son maestros del humor. Soy muy fan. Brokers es una de mis obras favoritas. Y muy recomendable su último espectáculo en cartel, The Gagfather. Un mensaje a los lectores de Godot, teatreros y gente risueña del mundo… Me gustaría invitaros a no dejar de soñar. No es tan difícil, solo hay que no alienarse nunca, no dejar de pensar, no dejar de decidir por uno mismo. Uno de los secretos está en no dejar de leer, no dejar de viajar, no dejar de amar y escuchar y, sobre todo, no dejar de ir al teatro. Podéis leer la entrevista completa en: www.escenagodot.com