Centro Dramático Nacional
Teatro Valle-Inclán
Dirección Ernesto Caballero
Del 29 de enero al 20 de marzo de 2016
VIDA DE GALILEO
Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Felype de Lima Composición musical Hanns Eisler Música y espacio sonoro Javier Coble
de Bertolt Brecht Traducción Miguel Sáenz Versión y dirección Ernesto Caballero
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Músicos Javier Coble Pau Martínez Kepa Osés
Ione Irazabal Borja Luna Roberto Mori Tamar Novas Paco Ochoa Macarena Sanz Alfonso Torregrosa Pepa Zaragoza
Reparto (por orden alfabético) Chema Adeva Marta Betriu Paco Déniz Ramon Fontserè Alberto Frías Pedro G. de las Heras
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Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
Interpretado por Blanca Portillo
Del 26 de febrero al 20 de marzo
Traducción Enrique Juncosa Escenografía Frederic Amat Vestuario Mercè Paloma Iluminación Josep Maria Civit Música Lisa Gerrard
EL TESTAMENTO de Colm Tóibín
Una producción de Centro Dramático Nacional, Testamento, Grec 2014 Festival de Barcelona, y Avance PT
Dirección Agustí Villaronga
DE MARÍA Colaboran:
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Teatro María Guerrero Del 4 de marzo al 10 de abril
...Y LA CASA CRECÍA Texto y dirección Jesús Campos García
Escenografía Jesús Campos García Vestuario María Luisa Engel Iluminación Juan Gómez-Cornejo Espacio sonoro Javier Almela
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Reparto (en orden alfabético) Fernando Albizu José Ramón Arredondo Ana Cerdeiriña Luis Hostalot Ana Marzoa Juan Matute Miguel Palenzuela Juan Carlos Talavera Marilyn Torres Samuel Viyuela Síguenos en:
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LOS DRAMÁTICOS ORÍGENES DE LAS GALAXIAS ESPIRALES
Teatro María Guerrero Sala de la Princesa Del 9 de marzo al 10 de abril
Texto y dirección Denise Despeyroux Reparto (por orden alfabético) Ester Bellver Juan Ceacero Cecilia Freire Ascen López Actor vídeo Pepe Viyuela
Escenografía Monica Boromello Iluminación Pedro Yagüe Vestuario Ana López Cobos Música Luis Miguel Cobo Vídeo Emilio Valenzuela
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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32 palabra de perro nico guau
noticias
estrenos ... y la casa crecía
panorámica La distancia
estrenos Ana el 11 de marzo
en familia
danza / lírica
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el arte del actor María Morales
en portada Sister Act
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reportaje Los dramáticos orígenes...
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en cartel Invernadero
cómicos Los Absurdos
autores ¿Qué se esconde tras la puerta?
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estrenos Dios K
entrevista José Sacristán
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entrevista Sara Gómez
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EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Marzo 2016
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PALABRA DE... nico guau
Fundación para el Fomento del Teatro en los menores de 80 Acabo de acordar con mi amigo J.G. (tras decirme que le entristece encontrar en el patio de butacas de un teatro sólo abuelos y abuelas) la creación de una fundación para promover que ese sector de población al que le cuesta más ir al teatro regularmente (los menores de 80), acuda varias veces a la semana. Nos proponemos estudiar, cada uno por nuestro lado, las medidas a tomar por nuestra fundación, y después ponerlas en común, para así escribir los estatutos. Voy a pensar, aquí, en mi página, así, a lo grueso, algunas ideas:
1.- ¿Qué es lo que más le apetece ver a los menores de 80? La tele, indudablemente. Y también, quizá, el fútbol. ¿No sería tan sencillo como meter en las obras de teatro un televisor encendido retransmitiendo en directo un partido? 2.- Segmentar, debemos segmentar... Por franjas de edad. Así, para espectadores entre 14 y 20 años, podríamos incluir en los montajes música de discoteca y pizza. Y algún personaje fumando un porro (y en sobretítulos pondremos
“los porros utilizados en esta función no contienen...”, por no promover el enaltecimiento del fumeteo y el consiguiente encarcelamiento de los actores). 3.- Para atraer a los de entre 30 y 50, podríamos meter un personaje disfrazado de político de moda, mientras otro se le pone delante y le grita “¡córtate el pelo!”, “¡no sabes usar esmoquin!”, “¡corrupta lo serás tú!”... 4.- También sería importante adaptar un poquito los grandes clásicos y crear un nuevo repertorio de textos acordes con la demanda de este nuevo público. Por ejemplo, para atraer a las mujeres trabajadoras a ver Hamlet, podríamos hacer que Ofelia trabajase de oficinista, y Gertrudis quizá en el departamento de marketing de una inmobiliaria, o de asesora del equipo de dirección de un banco... 5.- Y para atraer a los maduros inquietos, escribiríamos obras de ciencia ficción basadas en series de moda; y ya, de paso, para conquistar a amas de casa de gustos folclóricos, insertaríamos una escena costumbrista en que los robots, en un bar para robots, brindaran celebrando la salida de la cárcel del robot de la Pantoja... 6.- Tal vez sea eso, que en nuestros teatros no estamos ofreciendo lo que este sector de población quiere ver... Hay que fijarse en ellos, escucharles, estudiar sus hábitos, sus gustos, su modo de vida, y cautivarles en la escena... Estoy deseando reunirme con mi amigo J.G. para comentarle mis ideas. Le voy a llamar ahora mismo, a ver si puede mañana.
nico guau: dálmata extremeño - Ilustración: Nuria Henríquez
humor
Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Reacciones de los actores cuando suena un móvil Cagonbipbip El que ni lo oye
El que se desconcentra
El que regaña
El que lo utiliza
El que ni lo oye Cagonbipbip comunatapiae
El que regaña Cagonbipbip cagonbipbip
Son actores con un nivel de concentración inusitado. Cuando están en el papel, ya puede caer un meteorito que no hay quien los saque del personaje.
Al público hay que educarlo, y a veces la mejor lección es una reprimenda. Lo malo es que cuando esto sucede pagan justos por pecadores, como dicen los maestros cuando castigan a la clase sin recreo.
El que se desconcentra Cagonbipbip pordonde ibae Hace todo lo posible por permanecer ajeno a ese sonido del demonio que, como un taladro, se le mete por la oreja y le perfora la concentración. A veces no se nota apenas; otras, apena porque se nota.
Luis Felipe Blasco Vilches
El que lo utiliza Cagonbipbip tevasaenterarus No hay mejor modo de bajar los humos a un espectador impertinente que evidenciando que es un memo, y esto es algo que saben muchos actores, sobre todo los que han hecho café teatro y cosas así.
Andrea Espier www.andreaespier.com
Andrea Espier Ilustración
@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor
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#elArtedelActor
Endogamia peligrosa Hay desencanto generalizado por el trato que recibe nuestra profesión desde las instituciones. Normal. No nos tienen en su lista de prioridades ni somos bienvenidos casi nunca más allá de los momentos de campaña. Es comprensible el enfado incluso cuando asistimos a censuras más propias de otros tiempos. Pero me pregunto: ¿por qué sucede? Y como soy de la creencia de que “Como arriba es abajo; como abajo es arriba”, observo cómo estamos nosotros con respecto a lo público también, para ver si me arroja luz sobre esta injusticia. Ahora es buen momento para observar, en estos meses llenos de encuentros, premios, reuniones... He podido asistir a unos pocos, o los he seguido en televisión. En todos ellos veo algo similar: están hechos para la gente de la profesión. En los Goya resulta que el público general no ha visto la mitad de las películas, y en los Max, por poner los ejemplos más llamativos, hay algunos montajes que solo han estado unos pocos días en algún teatro. Quiere decir que quien decide lo que se ‘premia’ son unos pocos elegidos pertenecientes a una élite. No tiene por qué ser malo. Tampoco tiene por qué ser perjudicial querer pertenecer a esa élite. Lo que creo que no está tan bien es la absoluta falta de interés en llegar a cuantas más personas mejor, a todas esas personas que forman parte de nuestro país y que no se dedican a esto pero podrían estar interesadas y disfrutar mucho. Me pregunto: si a nosotros no nos interesa acercarnos a ellos, ¿por qué tendrían ellos que estar interesados en nosotros? Cuando hablamos de que la cultura es necesaria para un país, algo que creo profundamente, ¿a qué nos estamos refiriendo? ¿Sabemos cuál es nuestra contribución? ¿En qué beneficia a una sociedad determinado montaje o propuesta? ¿Cómo reaccionamos desde la profesión cuando se prohíbe o ‘suspende’ un montaje comprometido? ¿Actuamos para la gente o queremos gustar a los entendidos? ¿Por qué está mal visto querer llegar al ‘gran público’? ¿No es esta una manera de menospreciarlo? ¿Quizá ese sea el motivo por el que nos encontramos menosprecio como respuesta? Con toda la controversia que está habiendo en la sanidad, vemos cómo se unen médicos, enfermeras, auxiliares, celadores, etc, porque todos saben a qué pertenecen, todos tienen claro que lo que tienen entre manos es algo tan importante como la salud. No hay duda sobre su necesidad y su prioridad para la sociedad, independientemente de las preferencias políticas. ¿Lo tenemos igual de claro nosotros? ¿Cuál es nuestro negocio, el ‘show business’? Tengo la sensación de que últimamente se trata más de pasarelas y palmareses. ¿Dónde está nuestro compromiso con el ser humano y con cómo podemos contribuir desde los escenarios? En este artículo hay sobre todo preguntas porque no sé dónde están las respuestas. Quizá ni existan. Pero veo necesario plantear dónde está nuestro valor como profesionales para no perdernos en vaguedades y peleas vacías.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
ARTE NUEVO (UN HOMENAJE) CARGAMENTO DE SUEÑOS DE
ALFONSO SASTRE
EL HERMANO DE
MEDARDO FRAILE
DIRECCIÓN
JOSÉ LUIS GARCI
Una producción del Teatro Español
HASTA EL 27 MAR
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SALA MARGARITA XIRGU
ANA EL ONCE DE MARZO
DE
PALOMA PEDRERO
PALOMA PEDRERO Y PILAR RODRÍGUEZ DIRECCIÓN
Una coproducción de Teatro del Alma y El Muro
11 MAR - 10 ABR
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SALA FERNANDO ARRABAL
MUÑECA DE
PORCELANA DAVID MAMET
DE
DIRECCIÓN
Programación sujeta a cambios
Síguenos en
teatroespanol.es
JUAN CARLOS RUBIO
SALA MAX AUB
EN EL OSCURO
CORAZÓN DEL BOSQUE
AUTORÍA Y DIRECCIÓN
JOSÉ LUIS ALONSO DE SANTOS
Una coproducción de Bravo Teatro y Talycual
Una producción del Teatro Español
3 MAR - 10 ABR
10 MAR - 17 ABR
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noticias
TEATRO ¿OFF?
Un documental de Magda Calabrese y Richard Zubelzu El próximo 3 de marzo se estrenará en Madrid el documental TEATRO ¿OFF? dentro del espacio abierto a los creadores Pantalla Libre en Cineteca Matadero. Después podremos disfrutarlo en la sala Artistic Metropol los días 4, 5 y 6 de marzo. Su directora y guionista Magda Calabrese, junto a su productor Richard Zubelzu, pretenden con este último trabajo acercar al público de la mano de actores, gerentes de salas y demás personas vinculadas a este sector, la realidad actual del teatro, que ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos y reinventarse cada día
con la apertura de las salas de teatro alternativas. Nuevos escenarios que nacen como una opción diferente, pero igual de apetecible, para los aficionados a las artes escénicas. “Gracias a la colaboración de todos los que participan en el film he podido acercar un poco más al público la realidad que viven todos estos héroes y heroínas de un sector castigado y no apreciado por la mayoría”, comenta la directora sobre un proyecto en el que han colaborado entre otras salas: La Nao 8, La puerta de al Lado, Bululú 2120, Sala Tú o La escalera de Jacob.
Ante la caída de la oferta cultural madrileña durante los meses estivales, Nave 73 lanza la IV edición de este festival que repasará clásicos del Siglo de Oro desde un prisma contemporáneo y experimental. Podrán participar todos los creadores o directores escénicos cuyo trabajo este basado, inspirado o ponga en escena textos del Siglo de Oro. Las propuestas seleccionadas serán exhibidas durante el festival del 18 de julio al 31 de julio en Nave 73. Consulta las bases: nave73.es
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Frinje Madrid abre la convocatoria de su V edición que se celebrará del 1 al 17 de Julio en Matadero Madrid. alentando a sus creadores a diseñar propuestas artísticas en las que tracen vínculos humanos, políticos y sociales con la realidad en la que viven. Una apuesta por la multiplicidad de miradas y enfoques en la creación contemporánea que alienta a sus participantes a enfrentarse a la realidad política y social desde una mirada ‘extrañada’ que ilumine las zonas de sombras de una época marcada por la velocidad con la que acontecen los cambios. Para ello, busca una programación ecléctica que pueda alojar múltiples relatos y diferentes disciplinas artísticas. Además de su programa de exhibición, el festival consolida su programa internacional de laboratorios de creación con muestras públicas, seminarios y vermús literarios. Para participar consulta: www.frinjemadrid.com
Alltheater, primer catálogo autorizado en España para la emisión de obras de teatro en streaming Alltheater es una plataforma que se adapta a las necesidades de las nuevas generaciones acostumbradas al consumo de contenidos en streaming. Encarna un modelo solvente de teatro para el siglo XXI: un teatro-de-salón con acceso a lo mejor de las artes escénicas en HD y a un nuevo formato en 360º. En colaboración con teatros y compañías nacionales, inicia su apuesta por difundir e incentivar el consumo de obras en castellano más allá de los escenarios y ofrecer la posibilidad de disfrutar de los mejores títulos producidos en España y en países
de habla hispana. El catálogo ofertado por la plataforma incluirá, además de los contenidos producidos por Alltheater, obras completas en formato digital y materiales de archivo exclusivos directamente proporcionados por las propias compañías y teatros. Por otro lado, cualquier profesional del teatro podrá presentar obras y añadirlas al catálogo de forma gratuita. Por cierto, también habrá un catálogo de obras gratuitas. Los primeros títulos estarán disponibles a partir de este mes. Si quieres disfrutar del teatro en casa visita alltheater.es
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noticias
FESTIVAL ELLAS CREAN
por Regina Navarro La mayor de las citas anuales con la creatividad de las mujeres nos trae propuestas de cine, música, literatura, arte, teatro y danza. Más de un centenar de creadoras participarán en las 80 actividades programadas en el festival organizado por el Instituto de la Mujer Del 1 de marzo al 12 de abril Centro Conde Duque y para la Igualdad de Oportunidades. Aquí os destacaremos cuatro de los espectáculos, en su web tenéis el resto de la programación Hace algo más de seis años que la compañía Teatro Sin Red nacía cuando cuatro jóvenes creadores se unieron para mostrar sobre el escenario algo más que su pasión por interpretar. Conscientes de que vivimos en un mundo que necesita arte, cultura y reflexión, se unen este año al Festival Ellas Crean con Ella(s) (foto de arriba), inspirado en la obra Some girl(s)- del cineasta y dramaturgo estadounidense Neil LaBute, en el que reflexionan sobre las relaciones de pareja actuales, prestando especial atención al individualismo contagiado. Una propuesta que podrá verse el 1 de marzo a las 20 h. en el Teatro Conde Duque. De la individualidad a la singularidad de diez mujeres que labraron un pequeño hueco entre las páginas de la historia. Reinas (segunda foto), orquestada por la Plataforma de Actrices para la Escena, narra la vida de Leonor de Aquitania, Isabel La Católica, Juana de Castilla, Catalina de Aragón o María Estuardo. Reflexiona sobre el poder y las luchas que se producen en el alma humana, mientras debate sobre la vida y la muerte. Esta
dramaturgia podrá verse los días 8 y 12 de marzo en el Teatro del Centro Cultural Paco Rabal y en el Teatro Conde Duque respectivamente. El Pueblo Gitano, o mejor, sus mujeres, son las protagonistas de Romnia (tercera foto), la propuesta que la Compañía de Belén Maya representará el día 9 en el Teatro Conde Duque. Así, mientras los movimientos de las artistas se confunden con las alas y las raíces de unas mujeres ancladas que desean escapar, la danza se convierte en un interrogante y en la búsqueda de las necesidades de cada ser. La danza también se hace eco del individualismo enfermizo y la necesidad de calor en una sociedad llena de distracciones. Un tema que, mediante el tango, aborda la Compañía Lucía Marote el 11 de marzo en el Teatro Conde Duque. Bajo el nombre de Downtango (cuarta foto), la coreógrafa costarricense parte del encuentro de dos personas que bailan, que se transforman hasta transformarse en seres sin identidad. ellascrean.com
Grandes estrenos
Teatro, danza y música
DEL 9 DE MARZO AL 3 DE ABRIL DE 2016
Dirección: Carles Alfaro
Basado en Tío Vania, de Chéjov
UNA COPRODUCCIÓN DE:
Entradas desde 14 e GODOT 162x230.indd 1
24/02/16 15:06
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en portada
Sister Act
por Álvaro Vicente
estrenó en la capital británica hace 5 años Los amantes de los musicales están de enhoray en este tiempo ha levantado el telón en 12 buena. Ya está aquí esta nueva producción de países, con 4 millones de espectadores que Stage Entertainment (esta vez con la colaboya la han visto en siete idiomas distintos. Todo ración de El Terrat, o sea, de Buenafuente), esto no hace más que augurar un taquillazo en responsable de éxitos como El rey León, Los el Nuevo Alcalá, sobre todo sabiendo que sólo miserables o Mamma Mia, auténticos revulpermanecerá tres meses en cartel. sivos del género en Madrid. Sister Act llega a nuestra ciudad para concluir la gira que Del cine al teatro comenzó en octubre de Como muchos recorda2014 con una temporada Por obra y gracia de rán, Sister Act se estrenó en el teatro Tívoli de BarWhoopi Goldberg y con en el cine en 1992, una celona. Y llega precedido la bendición de Broadway, comedia que contaba con del gran éxito cosechado llega a Madrid un musical Whoopi Goldberg como también en las mecas celestial protagonista, en un papel teatrales, en Broadway y por el que va a ser siempre en el West End londinense, recordada y que, ya lo con varias nominaciones A partir del 17 de marzo vemos, le acompaña desde en los Premios Olivier y Nuevo Teatro Alcalá entonces. No en vano, es en los Premios Tony. Se
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la principal impulsora de esta versión teatral junto a Stage, cuyo fundador, Joop van de Ende vio claro que podría crearse un producto a la altura de sus precedentes y con un futuro prometedor en los escenarios de todo el mundo. No se equivocaba, a juzgar por los calificativos que le han dedicado grandes medios de comunicación como The Times -”Irresistible”-, Time Out Londres -”Simplemente divino”-, The New York Times -”Perfecta en el reino de la comedia musical”- o The London Evening Standard -”Un musical que contagia buen rollo”-.
librarle de su pasado... El musical cuenta con una banda sonora original firmada por el compositor Alan Menken, ganador de varios Oscar, Grammy y Globos de Oro por sus
Mireia Mambo, Angels Gonyalons, Fermí Reixach y Edu Engonga encabezan el reparto de la versión española del musical
Revolución en el convento
El argumento de la obra tiene como protagonista a la joven Deloris, una cantante que ha presenciado, sin comerlo ni beberlo, un asesinato. Para proteger su integridad, la policía le sugiere que se esconda en el último lugar al que ella hubiera querido ir: un convento. Rebelde e inconformista, Deloris revoluciona la tranquila vida de la comunidad religiosa y se gana la admiración y el cariño de sus nuevas compañeras. Pero eso no será suficiente para
trabajos en Aladdin, La sirenita o La bella y la bestia. En esta versión española, cuyo libreto ha sido adaptado por Xavier Cassadó, el elenco lo encabeza Mireia Mambo en el papel de Deloris. Junto a ella, la veterana y solvente Angels Gonyalons, que interpreta a la Madre Superiora. Monseñor es otro veterano de la escena, Fermí Reixach, mientras que Edu Engonga da vida a Eddie, protector de la protagonista. Como la propia Whoopi Goldberg dice: “¡Os prometo que pasaréis una increible noche en el teatro!” Pues nada, vayan comprando entradas, ¡que seguro que vuelan!
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estrenos
FOTO: marcosGpunto
... y la casa crecía …y la casa crecía es una comedia en la que Jesús Campos García es uno de los dramahace un sarcástica reflexión sobre el creciturgos españoles importantes de la segunda miento desmedido del dinero y el constante mitad del siglo XX. Y hace 40 años que no se poder de los ricos. El dinero ha ido aumentansubía con un texto suyo al María Guerrero. La do sin control gracias al avance de las nuevas última vez que lo hizo fue allá por 1976 con tecnologías y a los mecanismos generados 7000 gallinas y un camello, un gran texto que por el sistema para abastecer a personas sin fue galardonado con el Premio Lope de Vega. escrúpulos. Un hecho 40 años son demasiados que ha conseguido que para alguien como Jesús Jesús Campos vuelve, tras aquellos que más tienen, Campos que tiene tanto 40 años de ausencia, al terminen acumulando que ofrecer. Y ahora por fin regresa a este gran templo Teatro María Guerrero con aún más riqueza y más poder. Y cuanto más teatral con un texto suyo, una divertida crítica sobre atesoran, menos saben dirigido por él y para el el poder del dinero en qué gastarlo... por que ha diseñado el espacio eso guardan lingotes de escénico. Jesús Campos en Hasta el 10 de abril oro bajo la cama. plenitud, como siempre ha Teatro María Guerrero Pero algo que crece sin hecho. Y sin perder un ápice control termina mutando de su vis cómica, de su crítiy pudriendo los tejidos ca satírica, de sus diálogos sanos, generando enfermedades, generando disparatados y de su alegoría de la realidad cáncer. Y la casa se cae, incapaz de sosteneren escenas divertidas y aparentemente absurse con unos cimientos putrefactos. S. Díaz das, pero que ponen el dedo en la llaga.
FOTO: Javier Naval
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Dios K -supuestamente- de una camarera en un hotel de En el último día de la creación, Dios dijo: “Hagamos Nueva York. Es un viaje alucinatorio a través de los al Hombre a nuestra imagen, conforme a nuestra excesos, pecados y males de la sociedad contemsemejanza” (Génesis1:26). Y así, de esta manera poránea, donde el personaje principal asume su Dios formó al Hombre del polvo y le dio vida de su condición de Ser Pluripotente capaz de someter la mismo aliento (Génesis 2:7). voluntad de aquellos que le rodean gracias al poder Y los Hombres nos convertimos en los únicos seres que le han otorgado y a lo insaciable que es su falo. de la creación capaces de acercarnos a él, con Es un despiadado retrato sobre los desmanes del posibilidad de mirar a los ojos de Dios, porque él es capitalismo y los mecanismos del poder, el reflejo nuestro espejo, él está en nosotros y nosotros en él. de la degradación humana en Y nos gusta jugar a ser Dios... la que estamos inmersos, una Esta obra dirigida por Víctor Dramaturgia de Antofábula perversa y satírica sobre Velasco y protagonizada por nio Rojano basada en la lo que nosotros, como socieMona Martínez y Alberto novela Karnaval de Juan dad, estamos construyendo. Jiménez, es una adaptación Francisco Ferré, dirigida Una sociedad, la actual, que escénica de la novela Karnaval por Víctor Velasco hace que el retrato que se hizo de Juan Francisco Ferré a cargo de Sodoma y Gomorra en las del dramaturgo Antonio Rojano, Hasta el 20 de marzo antiguas escrituras nos parezca que se centra en la detención Cineteca-Matadero ahora la Aldea del Arce. del exdirector del FMI, DominiSergio Díaz que Strauss-Kahn, tras abusar
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Panorámica
Pablo Messiez dirige una obra inspirada libremente en la novela Distancia de rescate de la argentina Samanta Schweblin Desde el 17 de marzo Teatro Galileo
La Distancia
por Álvaro Vicente
Comparado con España, Argentina es un país gigante, inmenso. Las distancias, desde nuestra perspectiva, nos pueden parecen abismos. Tiene enormes llanuras dedicadas a la agricultura. Y sobre todo tiene muchas hectáreas consagradas al cultivo de soja modificada genéticamente. Esos campos son fumigados sistemáticamente con productos químicos que, amparados en la impunidad de las grandes empresas que mueven el mundo y en ese perverso privilegio que es el secreto industrial, terminan en-
trando en contacto, tarde o temprano, de una forma u otra, con los gentes que, resignadas, conviven con este panorama hecho por y para el comercio a escala global, donde la dimensión humana hace tiempo que dejó de importar. Esta entente sin escrúpulos entre terratenientes y multinacionales atenaza a la población rural con esperanza salarial y consigue que todo el mundo mire hacia otro lado. Quizás no todo el mundo, pero la resistencia y protesta de unos pocos no hace el ruido suficiente y,
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La multinacional más odiada del mundo Cualquiera que esté mínimamente informado y sensibilizado con toda la cuestión de los llamados OMG (organismos modificados genéticamente) y las prácticas agrícolas y ganaderas destinadas a inflar los negocios de unos pocos en detrimento de la mayoría, tardará poco en citar un nombre: Monsanto. La multinacional bioquímica norteamericana (fundada hace 115 años para producir sustitutos del azúcar para Coca-cola, de donde nació la sacarina) tiene un historial que da miedo,
FOTO: Lacon T.
al final, este flagrante delito contra la salud pública se perpetúa sin que nadie diga o haga nada. Esta historia, La distancia, es una consecuencia de todo esto. Pero ni en la novela en la que se inspira ni en su traspaso al escenario se hace referencia, en ningún momento, al origen de la plaga tóxica. Es intencionado, desde luego, porque no deja de reflejar una realidad. La deshumanización se imprime en los cuerpos deformes y manchados, pero, como heredando una resignación católica de otro tiempo, uno mira a dios, o a sus sucedáneos, para
pero ahí sigue, aterrorizando con su disfraz de empresa que “cubre las necesidades actuales y preserva el planeta para el futuro”, según ellos dicen. Contribuyó al desarrollo de la bomba atómica y vendió el agente naranja con el que el ejército estadounidense roció Vietnam, modificó una hormona para que las vacas dieran más leche y, ahora, es el principal produc-
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Panorámica
FOTO: Lacon T.
buscar cobijo ante las desgracias que les ha tocado vivir, ante las plagas que les manda el cielo.
Del abstracto al concreto
La distancia es la historia de Amanda y de Clara y de sus hijos. Nina es la hija de Amanda. David el vástago de Clara. La estructura dramática juega a mezclar el relato de Amanda con el de Clara, superponiendo planos narrativos a los que Pablo Messiez imprime un ritmo de puesta en escena frenético, in crescendo, sin renunciar
A caballo entre Lynch y Pedro Páramo, en la obra se transmigran las almas de niños intoxicados a su sello poético habitual. En medio, un elemento perturbador -y un punto fantástico-, que pone la obra a cabalgar entre David Lynch y Pedro Páramo: una práctica de transmigración de almas para salvar la vida de los niños intoxicados. La obra es oscura, por momentos hipnótica, y tiene también el aliciente de ver juntas en escena de nuevo a tres de las mejores actrices de su generación, María Morales, Luz Valdenebro y Estefanía de los Santos, que vuelven a reunirse tras el glorioso montaje Urtain, de Animalario. Completa el reparto un sorprendente Fernando Delgado, que carga sobre sus jóvenes hombros gran parte del peso de la función. Él es David, el hijo de Clara, última etapa en una vida, la de Amanda, que se apaga con toda la angustia a cuestas de no saber si midió bien la distancia de rescate respecto a Nina, su hija. Esa es la distancia fundamental aquí, la del título, la que una madre se pasa la vida calculando, la necesaria para salvar de cualquier peligro a la camada. “¿Por qué las madres hacen eso?/¿Qué cosa?/Lo de ir por delante de lo que podría ocurrir, lo de la distancia de rescate./Es porque tarde o temprano sucederá algo terrible. Mi abuela se lo hizo saber a mi madre. Mi madre me lo hizo saber a mí.”
tor del herbicida glifosato Roundup, cuyos efectos nocivos, tanto para la tierra, como para los animales y los humanos, están más que demostrados. Pero nada parece hacer daño a este mega empresa, abanderada de la devastación. En Argentina abrió en 2011 tres plantas productoras de semillas pese a la resistencia de la gente y los ecologistas. Fumigan con glifosato a 200 metros de las casas habitadas, cuando la ley impide hacerlo a menos de 5 km. Cultiva desgracia. Cosecha ira e impotencia. El caso europeo no es menos flagrante, a pesar de que Monsanto se ha ido retirando de muchos países por el rechazo frontal, social y político, a sus OMG. En España no hemos seguido esa digna senda de contundencia en la defensa de nuestros campos y nuestro futuro. Según informaciones de 2013, los cultivos transgénicos en nuestro país han aumentado un 20%. Tenemos el dudoso honor de contener el 90% del sembrado genéticamente modificado de toda Europa. Sí, el maiz, la soja o la remolacha estarán libres de plagas, pero con el tiempo acabarán por no tener quién las consuma.
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entrevista
FOTOS: Sergio Parra
José Sacristán “¿Hasta qué punto somos responsables al jalear (votar) la podredumbre del poder?” por Álvaro Vicente El veterano actor de Chinchón, a sus años, se estrena con David Mamet, con una obra, La muñeca de porcelana, que ha estrenado Al Pacino en Broadway y que habla sobre un poderoso millonario que se quiere jubilar tras comprarle un avión a su joven amante. Una llamada inesperada lo cambiará todo... La última vez que hablamos estabas con un Vargas Llosa. Ahora estás con un Mamet. Buen salto.
Sí, es muy interesante, no vamos nada mal saltando de un Nobel a un Pulitzer. Estoy muy contento, esta muñeca de porcelana es la crónica de un tiempo escrita por un buen cronista, un buen testigo de su tiempo. Esta es la segunda producción de la obra tras la que se ha hecho en Estados Unidos, en Broadway. O sea, que coger el testigo de Al Pacino nada menos... Espero que no le moleste a mi amigo Al Pacino (risas).
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No, en serio, me siento muy honrado, él me parece un actor inmenso y es un texto que permite un trabajo muy interesante. La crítica allí no la ha puesto muy bien que digamos... No, no han sido críticas muy favorables, pero bueno, esto ya no tiene nada que ver con nosotros. Son opiniones de los críticos de allí y aquí nosotros estamos muy contentos y confiamos en que esto sea del gusto del personal. Siendo tu primer Mamet, ¿ha habido algo de su forma de escribir que te haya llamado la atención a la hora de llevártelo a tu terreno como actor? No, no hay diferencias sustanciales con otros testigos de su tiempo de los que me he hecho cargo, como Arthur Miller. Las diferencias las establece únicamente el perfil del personaje, que es un tipo perfectamente reconocible. Al menos para mí, Mamet no propone ningún tipo de salto al vacío, le coges las vueltas sin mayores dificultades. Hay una frase de Mamet en el dossier de prensa que me ha hecho mucha gracia: dice que esta obra es mejor que el sexo oral... Pues no sé qué idea tiene el señor Mamet de lo que es el sexo oral, pero yo personalmente establezco diferencias notables entre una actividad y otra, y no me atrevo a decir ahora cuál, de las dos prácticas, sería la más interesante. En todo caso... igual tiene más que ver con el sexo anal (risas)... pero tampoco. También he rescatado una frase del crítico de El País Marcos Ordóñez, que escribió que “el personaje repele y atrae porque encarna el lado oscuro pero también la fuerza, el fango de la cumbre y la soledad de la caída”. Imagino que haces este tipo de personajes que generan amor y odio igualmente, ¿no? Sí, lo estamos viendo ahora con la que está cayendo, o con los que están cayendo, de las altas esferas, los vito-
Con dirección de Juan Carlos Rubio, a Sacristán le acompaña en escena Javier Godino en La muñeca de porcelana, de David Mamet Del 3 de marzo al 10 de abril Matadero - Naves del Español
reados, los aclamados, los queridísimos, los del “que te quiero, coño, que te quiero” que le decía un presidente del gobierno a un capullo que está ahora en la puta cárcel. Este personaje efectivamente tiene esa cosa, tiene el magnetismo del poder, el poder ejercido en todas sus dimensiones, con todas sus grandezas y también, lógicamente, con sus miserias. Pero sí, es un personaje que en ocasiones provoca una cierta empatía. Uno de los temas de la obra es la impunidad, la del poderoso corrupto... No es tanto el tema de la corrupción lo que se toca, sino el tema del poder, la lucha entre poderes, el que ejerce una forma de poder hasta que llega otra forma de poder que le pone en otro sitio, se llame justicia o lo contrario, porque no necesariamente le ajusta las cuentas al corrupto o al miserable la justicia, hay ajustes de cuentas entre ellos mismos. Y poder asociado al dinero, porque estamos hablando de una persona podridamente rica, nunca mejor dicho. Sí, dinero y poder público, es un hombre que está metido en política y que ejerce ese poder político. ¿Habéis hecho algún tipo de adaptación a la realidad española? No, no, no hace falta. Todo suena tan familiar, tan cercano, que acojona. Es lo que tienen los grandes, tienen una mirada que abarca lo que pasa en su lugar más inmedito y alrededor. Y hay una cosa que plantea esta obra que a mí me parece muy interesante: ¿Qué coño pintamos los demás? ¿Por qué ocurre esto y qué papel juega la sociedad? ¿Es cómplice al jalear y aplaudir y votar y dejarse manipular? ¿Hasta qué punto estos depredadores no están alimentados por la propia sociedada? Y esto se traslada al patio de butacas, porque es un personaje puesto en cuestión permanentemente. Entrevista completa en www.escenagodot.com
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estrenos
Salomé es el título de una tragedia escrita por el gran poeta Oscar Wilde en 1891, que muestra una versión muy personal de la historia bíblica de Salomé, la hijastra del gobernante Herodes Antipas que pidió a su padrastro la cabeza de Juan el Bautista en una bandeja de plata, como recompensa por haber bailado ante él. Jaime Chávarri dirige ahora una nueva versión, respetuosa con el original en la letra y en el espíritu y que ahonda en los conflictos interiores y deseos frustrados de los personajes. Un laberinto de pasiones, un drama familiar, un nudo claustrofóbico de odios antiguos y amores frustrados que estallan repentinos y abrasadores. Una nueva versión de esta ‘femme fatale’ sutil, compleja y seductora. Y pocas Salomés pueden resultar tan bellas, provocadoras y sensuales como Victoria Vera. Sergio Díaz
Salomé
Hasta el 4 de abril Teatro Fernán Gómez
Carles Alfaro y la compañía que dirige, Moma Teatre, llegan a Madrid con este montaje basado en el clásico universal Tío Vania, de Ánton Chéjov. Es una lectura personal de la obra de Chéjov en la que se reflexiona sobre “el tiempo perdido y la importancia de las decisiones tomadas a lo largo de la vida”, según ha manifestado el propio Alfaro, que en esta versión ha querido otorgar más fuerza al texto. Un texto ya conocido que dibuja como nadie el hastío de la vida, el tedio de una existencia mísera y superflua, en la que ningún personaje es capaz de coger las riendas de su destino. La acción transcurre en una apartada casa de campo a donde se traslada un matrimonio jubilado desde la ciudad. Desde la llegada del matrimonio la vida en la casa sufre un gran trastorno. Todo gira alrededor de su vida ociosa y las costumbres y los horarios han perdido su orden habitual. Esto genera un cambio en la forma de comportarse de los distintos personajes que irá provocando pequeños cataclismos en sus relaciones personales.
Vania
Del 9 de marzo al 3 de abril Teatros del Canal
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reportaje
Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales
por Álvaro Vicente
FOTOS: marcosGpunto
secuela de una precuela que todavía no existía más Hace 4 años, la autora y directora uruguaya que en estado potencial o embrionario. Es decir, afincada en España Denise Despeyroux estrenaba en el momento de escribir La realidad ya tenía a la La realidad, una obra en la que dos hermanas gefamilia de Los dramáticos orígenes... y ya existía melas hablaban por Skype sobre la idea de una de el argumento principal de la pieza, que era esta ellas de que la otra le suplantara en determinada idea de que Andrómeda asuma la identidad de su celebración familiar. La pieza la protagonizó una gemela Luz en las celebraciodesdoblada Fernanda Orazi, nes familiares. En esta obra a través de un sorprendente Denise Despeyroux escripresente se materializa esa dispositivo de vídeo que be y dirige esta pieza insuplantación, con todas las hacía parecer que la actriz clasificable protagonizada consecuencias que conlleva. hablaba en tiempo real con su por Ester Bellver y Cecilia La realidad se centraba en hermana, a la que daba vida Freire la relación de dos hermanas. la misma intérprete. Esas dos En esta nueva obra el foco hermanas, Luz y Andrómeda, está puesto en esa pequeña vuelven a escena en este nuevo Del 9 de marzo al 10 de abril familia de cinco miembros montaje. En palabras de la Teatro María Guerrero tan complejamente unidos”. autora, “La realidad sería una
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Esos cinco miembros son interpretados por Ester Bellver (Casandra), Juan Ceacero (Oliver), Cecilia Freire (Luz/Andrómeda), Ascen López (Aurora) y Pepe Viyuela, que no está presente en el escenario, sino que participa en vídeo, otra constante en los montajes de Despeyroux.
La familia y la ciencia
galaxias espirales. Las ciencias -y las paraciencias o pseudociencias- suelen estar muy presentes en la dramaturgia de Despeyroux, tanto unas como otras “topan a veces con el escollo del sentido común y de la intuición, y ahí pueden producirse situaciones teatralmente muy divertidas”. En este caso hay un poco de astronomía y un poco de terapia de constelaciones familiares. Como sucede en el universo, donde la espiralidad de ciertas galaxias resulta de una gran colisión intergaláctica (el origen dramático del título), a partir de la cual se abren, desde una agrupación central de estrellas, brazos luminosos de estrellas más jóvenes y brillantes (los brazos espirales), los personajes más jóvenes de la obra deciden muchas cosas y lo ejecutan todo un poco a espaldas de sus mayores. “Lo fundamental es que las galaxias espirales”, sentencia la autora, “son, por lo visto, de los objetos más bellos y enigmáticos de nuestro cosmos. Tal vez una familia con una estructura espiral pueda ser también bella y enigmática”. Y, añadimos, divertida, porque el humor es otro ingrediente fundamental aquí y siempre, a la manera de Nicanor Parra: “la verdadera seriedad es cómica.”
El juego de suplantación pone en evidencia muchas paradojas y mecanismos perversos
La suplantación de identidad pone sobre la mesa el propio tema de la identidad y de la personalidad de cada uno, fraguada en familia para ser luego limada a lo largo de la vida, con no poco conflicto interior y exterior. “Tal vez la personalidad sea mucho más flexible de lo que nuestro entorno principal esté dispuesto a aceptar”, comenta la autora. “Cuando queremos cambiar, o simplemente integrar nuevos aprendizajes, topamos con nuestras propias resistencias, pero también con las resistencias de las personas que están más cerca. El juego de suplantación que practica Andrómeda pone en evidencia muchas paradojas y mecanismos perversos”. Siempre se ha dicho que la familia es un microcosmos y en esta función se hace más patente que nunca, sobre todo por el paralelismo que se establece con la formación de las
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estrenos
Juan Tamariz
Del 3 al 13 de marzo Teatro de la Luz Philips Gran Vía
Hablar de Juan Tamariz es hablar del mejor mago que ha habido en este país, o el que mejor ha sabido transmitir la magia al menos. Porque hubo una época en la que pensábamos que aquí sólo había un mago (afortunadamente ahora ya sabemos que hay muchos más y muy buenos). Es la misma sensación que teníamos -y seguimos teniendo- con Karlos Arguiñano. Podía haber más cocineros, pero el que mejor lo contaba a través de la TV era él. Y Juan Tamariz siempre ha sido el mago que mejor nos ha contado la magia, con su gran talento y su gracia natural. Gracias a él han llegado todos los demás. Ahora tenemos la oportunidad de verle en un teatro con su nuevo montaje Magia Potagia... ¡y más!, un renovado espectáculo de magia y misterio con nuevas adivinaciones, predicciones y transformaciones imposibles... todo ello gracias a sus mágicos poderes. Y también gracias a su humor y a su alegría pasaremos un buen rato de ilusión, de energía positiva y de asombrosas sorpresas que nos seguirán dejando con la boca abierta... como cuando éramos pequeños y no nos perdíamos sus actuaciones en el Un, dos, tres.
Chaplin XXL
Hasta el 24 de abril Teatro Alfil
El 7 de Febrero de 1914 se estrenó el primer cortometraje mudo (Carreras sofocantes), dirigido por Henry Lerhman e interpretado por Charles Spencer Chaplin, Charlie Chaplin. En aquel filme de unos pocos minutos, se observa por primera vez a un extraño personaje de pantalones amplios, chaleco ajustado, bombín y bastón flexible. Había nacido Charlot, el mejor y más grande cómico en la historia de la cinematografía mundial. Con motivo de este centenario la compañía Teatro del Barro montó este espectáculo protagonizado por Óskar Redondo, Carmen Morey, Maya Reyes, Alberto Roca y Luis Callejo, que es un sentido homenaje a la figura de Chaplin, y donde podremos ver un divertido repaso de las más famosas escenas del gran cómico inglés.
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entrevista
Sara Gómez
por Irene L. Navarro
“Marian es un caballo que nunca se desboca, hasta que un día decide coger las riendas de su vida”
Tras verte interpretando a la lorquiana Adela en La casa de Bernarda Alba, de 300 Pistolas, ahora damos un viraje de 180 grados para conocer a Marian en La ciudad borracha… Curiosamente son muy distintas. El comportamiento de Marian se esperaría más en la época en la que Lorca escribió Bodas de Sangre que en la actual, y el de Adela se correspondería más con el de una mujer más liberada socialmente. Marian vive para agradar a los demás, se deja llevar por lo que está estipulado en la sociedad, hace siempre lo que los demás esperan de ella. Es un caballo de competición que nunca se desboca y corre libre. Hasta que un día, decide coger las riendas de su vida. ¿Qué tipo de obra esconde el título La ciudad borracha? A través de tres chicas y tres chicos se muestra cómo nos escondemos en las licencias que una gran ciudad nos puede brindar. Se esconden entre gente que no les conoce y el alcohol, para dar rienda suelta a sus verdaderos deseos o huir de sus miedos. ¿Se podría decir que Marian es un retrato de la mujer actual? Depende de en que marco analicemos a esa mujer que consideramos actual. Creo que hay muchas Marian, muchas Marisa y muchas Lidia. Son los otros dos personajes
femeninos de la función, interpretados por Mabel del Pozo y Aixa Villagrán respectivamente. Cada una representa una manera de enfocar la vida. Marian ha vivido siempre intentando ser lo que esperan de ella, con lo cual deja de lado sus verdaderas necesidades o sus deseos por no defraudar a los demás. Pero es algo insostenible, que te entristece mucho por dentro. Tenemos información sobre un nuevo proyecto que se está gestando y que nos ha dejado boquiabiertos por la valentía que supone llevarlo a escena… Las Beat girls. ¡Si! Es un texto de Mario Hernández, donde tres de las escritoras que pertenecieron a la generación Beat, Joyce Johnson, Louise Cowen, y Carolyn Cassady, ponen voz a su historia, sus escritos, los escritos de otros contemporáneos... Se habla sobre sus vidas, desde ellas mismas. Tienen unas historias apasionantes, se arrojaban a la vida, al amor, a las experiencias... fueron mujeres valientes y desbocadas que dejaron unos poemas a ritmo de jazz maravillosos. Está siendo un viaje muy bonito por lo enriquecedor de las lecturas previas para la creación de personajes, información, relaciones... Tengo muchas ganas de empezar con eso. Entrevista completa en www.escenagodot.com
La actriz estrena La ciudad borracha, obra de Adam Bock en versión de Nancho Novo y dirigida por Enio Mejía Teatro Galileo A partir del 12 de marzo
estrenos
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¡Chist!
Nuevo espectáculo de estos grandes maestros del teatro musical y de humor donde hacen un repaso a su extensa carrera Del 4 al 12 de marzo Barclaycard Center de Madrid
Regresan a Madrid Les Luthiers, la compañía argentina que conjuga como nadie el teatro musical, el humor y el ingenio. Siempre que vienen a nuestro país estos grandes maestros del teatro es un acontecimiento único y especial, pero en esta ocasión, será además un acontecimiento conmovedor porque Les Luthiers no vienen al completo. Hay un hueco difícil de llenar en su formación ya que uno de sus míticos componentes y fundador del grupo, Daniel Rabinovich, nos dejó tristemente el agosto pasado. A pesar de este duro revés la banda argentina continúa con más ganas que nunca y ahora, cada vez que se suben a un escenario, lo hacen también como homenaje a su compañero perdido.
Lo mejor de lo mejor
Este nuevo montaje, ¡Chist!, reúne una selección de las obras más celebradas por el público de Les Luthiers a lo largo de sus 48 años sobre las tablas, y es que comenzaron su andadura en 1967. Más de 9 millones
de espectadores han disfrutado con ellos en su dilatada carrera y ahora podrán volver a revivir alguno de los mejores sketches que los maestros han ido creando en sus diferentes shows. El hilo conductor de este espectáculo es la obra La Comisión, que narra las vicisitudes de dos políticos corruptos y un músico para cambiar el himno nacional tras la victoria de su partido político. La antología se completa con piezas como Manuel Darío, El Bolero de los Celos, La Bella y Graciosa Moza Marchose a Lavar la Ropa, Sólo necesitamos, La hija de Escipión y Encuentro en el Restaurante, entre otras; extraídas de los espectáculos Bromato de armonio, Vigésimo aniversario, Unen Canto con Humor o Por Humor al arte. Una prueba más de la vigencia del humor de este magnífico grupo, caracterizado por su creatividad, ingenio y mordacidad que provoca grandes momentos de risas y alegrías. Seguro que Daniel, esté donde esté, se reirá también con todo el público y acompañará con su inseparable guitarra. Sergio Díaz
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estrenos
En el oscuro corazón del bosque Del 10 de marzo al 17 de abril Naves del Español
El once de marzo siempre será una fecha marcada a fuego en el calendario de nuestro país. Uno de esos días de los que recuerdas perfectamente dónde estabas y lo que estabas haciendo. Un día negro de nuestra historia, triste, pero sobre todo desgarrador para aquellos que directamente perdieron a un ser querido. Al hilo de esta fecha Paloma Pedrero ha construido un alegato contra la violencia, un grito de amor contra la barbarie. Y no hay amor más grande que el que son capaces de otorgar las mujeres. Ana el once de Marzo narra la historia de tres mujeres relacionadas con un mismo hombre. Un hombre que podría haber ido en uno de los trenes. Acaba de ocurrir, es la hora de la incertidumbre. Ellas, llamadas Ana las tres, acaban de enterarse del atentado, no saben nada más. Las tres mujeres, en el mismo tiempo pero en diferentes espacios, hacen todo lo posible por averiguar dónde está él. De diferente manera, las tres le aman. Y las tres representan a todas las mujeres del mundo, víctimas casi siempre inocentes de la violencia demente en la que seguimos sumidos. S. Díaz
Uno de nuestros grandes actores, Héctor Colomé, tristemente ya desaparecido, fue el protagonista de esta obra el día de su estreno en 2009. Ahora es Manuel Galiana quién coge el testigo en un texto, este de José Luis Alonso de Santos, que no se ha representado mucho, pero que siempre ha contado con grandes elencos. A Don Manuel le acompañan en el escenario Luisa Martín, Marta Guerras, Mariano Estudillo y Pedro Miguel Martínez. Buenos mimbres para sostener este montaje dirigido por el propio autor Alonso de Santos. Esta obra es una fábula para adultos que mira con tristeza la vida que se escapa y que rezuma muchas dosis de nostalgia. Tres gatos se congregan en el caserón que han habitado en los últimos tiempos y son testigos de cómo la pareja propietaria va vaciando la vivienda. Ante la inminente demolición del edificio los felinos hablan sobre sus recuerdos y la vida que allí han pasado. Una vida que ahora se les antoja incierta. Como contrapunto iremos conociendo la historia paralela de una joven pareja que empieza un camino nuevo, donde el amor dará sentido a sus vidas... Es un interesante cuento lleno de simbolismos sobre el inevitable paso del tiempo. S. Díaz
Ana el once de marzo Del 11 de marzo al 10 de abril Teatro Español
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Hacia el amor
Hasta el 24 de abril Teatros Luchana
A Ingmar Bergman se le atribuye la herencia artística de Strindberg, autor del conflicto entre femenino y masculino presentado dramáticamente por el hombre y la mujer, el amor y el desamor, el desgarro y el deseo. Pasiones comunes, que a todos nos mueven, pero que no todos somos capaces de diseccionar, entender y plasmar en un texto como hizo el gran autor y director sueco Bergman en Hacia el amor.
De esta creación de la dramaturga francesa Yasmina Reza ya hemos visto muchas versiones teatrales, incluso Roman Polanski hizo una película en 2011 protagonizada por Jodie Foster y Kate Winslet. Con lo cual estamos ante una obra de magnitud. El texto revela un conflicto cotidiano sin más, lo que podría pasar por una mera anécdota entre dos niños, pero que acaba derivando en un retrato del comportamiento neurótico, violento, maleducado y egoísta de los adultos, esos padres que son los que deberían dar ejemplo a los menores. Algo que se puede observar cada día a la salida de las escuelas. Y ese es el gran mérito de este montaje, hacer de un pequeño grano de arena, una montaña de mierda social en la que nos vemos inmersos los adultos por el conflicto más estúpido. Jaime Zatarain, Maia Sur, Fernando Ramallo y Lidia Navarro protagonizan esta nueva versión dirigida por Paco Montes. Sergio Díaz
Adriana Davidova ha elaborado -y protagoniza junto a Liberto Rabal- una versión teatral dirigida por José Carlos Plaza. Sobre el escenario una mujer y un hombre. Solos los dos. Y nosotros asistiremos a tres momentos únicos y claves dentro de su relación en los que recorrerán un catártico viaje emocional hacia el amor, y en los que tendrán que tomar decisiones difíciles que cambiarán sus vidas para siempre.
Un dios salvaje
Hasta el 24 de abril Teatro Nuevo Apolo
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estrenos
Tres hermanas se reúnen en el entierro de su padre. No las separa únicamente la distancia de sus respectivos lugares de residencia, también algunos hechos pasados las mantiene en una continua tensión que las ha llevado a una situación con la que ninguna está contenta. Sin embargo, una información inesperada, un secreto sepultado en el tiempo, irrumpirá, de manera abrupta y descarnada en la vida de estas mujeres: tres supervivientes emocionales que superaron la falta del cariño materno, debido a la muerte de su madre cuando eran unas niñas. Ignasi Vidal -ganador del Premio Godoff a la mejor obra con El Plan- ha escrito y dirige otro interesante texto sobre las relaciones personales, que cuenta con tres solventes y reconocidas actrices: Ana Otero, Marian Aguilera y Ana Rayo.
Memoria o desierto Hasta el 23 de marzo Teatro Fígaro
La puerta de al lado Hasta el 3 de abril Teatro Marquina
Ella es una psicóloga poco dada a lo social y de mente cuadriculada. Él es jefe de marketing en una empresa de yogures, fiestero y de espíritu rotundamente hedonista. Él es un seductor irresistible, encantado de haberse conocido. Ella una toca pelotas insoportable. Se detestan cordialmente, ya que todo les separa... a pesar de que son vecinos puerta con puerta.
Él es Pablo Chiapella, un actor que poco a poco va creciendo en cada uno de sus registros. Ella es Silvia Marsó y poco se puede escribir sobre esta actriz que no se haya escrito ya... salvo que siempre es grato disfrutar con ella en un escenario. El grandísimo Sergio Peris-Mencheta dirige este texto original de Fabrice Roger Lacan. Un lujo de vecindario.
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en cartel
Invernadero La que fue primera obra estrenada como direc- bles? ¿Qué hacer ante semejantes sucesos, tan inesperados como comprometedores? tor por Mario Gas en el Teatro de La Abadía, Los personajes que pueblan este inquietante que también supuso su primera tentativa sobre invernadero humano de reposo tienen todos una obra del Nobel Harold Pinter, vuelve al sonoridad monosilábica. Sus nombres son teatro donde se estrenó después de una gira como golpes u onomatopeyas: Roote, Gibbs, igual de exitosa que su primer paso por el Lamb, Cutts, Lush, Tubb, teatro que dirige José Luis Lobb (De Castro, Tristán Gómez. Invernadero es una Vuelve a La Abadía la obra Ulloa, Carlos Martos, una obra escrita en 1958 de Harold Pinter dirigida Isabelle Stoffel, Jorge pero guardada en el cajón por Mario Gas, uno de los Usón, Javivi Gil Valle del autor inglés hasta 1980, grandes éxitos de la pasay Ricardo Moya, resen espera, según él mismo, da temporada pectivamente). Quizás de un momento más oportuno son los sonidos de la para ser estrenada. Traducida maquinaria, paradójipara la ocasión por Eduardo Del 2 al 27 de marzo camente inhumana, que Mendoza, es una sátira sobre Teatro de La Abadía maneja el lugar que la burocracia y el gobierno habitan, donde viven autoritario de un extraño sainternados un número natorio, inquietante y mordaz, indeterminado de personas que, precisamente, es “una fantasía -dice Pinter- que con el tiempo son categóricamente tratados como números. se ha convertido en realidad”. En plena celeGran interpretación de todo el elenco, aunque bración navideña, el director de la institución a nuestro juicio hay que destacar el espléndi(Gonzalo de Castro) y su equipo se enfrentan do trabajo de templanza que realiza Tristán a un nacimiento y a una muerte que levantan Ulloa, contrapunto perfecto de un Gonzalo de no pocas suspicacias dejando muchas incógCastro histérico. Álvaro Vicente nitas en el aire. ¿Quiénes son los responsa-
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ClímaX!
Sábados a las 21 h. Teatro Alfil Este montaje de Laindalo Creaciones sigue ganando adeptos en cada representación. Lleva ya tres años en la cartelera y la gente sigue teniendo ganas de ir a verla (es comprensible, todo el mundo está deseoso de alcanzar un buen clímax). Alicia Fernández, José Sospedra, María González y Víctor Palmero protagonizan este texto donde conoceremos a un adolescente desesperado por la búsqueda de un amor imposible; a dos mujeres felices ante la expectativa de un sueño a punto de realizarse; a una mujer enfrentada a la persona que le robó el amor de su juventud... Historias entrecruzadas que sacarán a flote todas las emociones posibles y donde los personajes alcanzarán el ClímaX! más importante de sus vidas.
Un trompetista de jazz, a través de sus recuerdos, nos narra la extraordinaria historia del que fuera su mejor amigo, Novecento, un pianista excepcional nacido en uno de esos barcos que recorrían las rutas entre Europa y América a principios del siglo XX, en los que se mezclaban ricachones, golfos, emigrantes y turistas. Miguel Rellán, en uno de sus grandes papeles, nos invita a acompañarle por un viaje emocional en busca del sentido de la vida a través de la memoria y la música.
Ildebrando Biribó Hasta el 19 de abril Teatro Infanta Isabel Ildebrando Biribó es un texto original de Emmanuel Vacca, dirigido por Iñaki Rikarte e interpretado de manera magistral por el gran Alberto Castrillo-Ferrer. La obra ya se estrenó hace tiempo, ya la hemos podido ver por diferentes teatros, pero sigue siendo un verdadero placer adentrarse en ella, porque es adentrarse en la esencia misma del Teatro. Ildebrando Biribó fue el apuntador de la primera representación mundial de Cyrano de Bergerac. A través de su persona se produce una reflexión sobre la vida y sobre el teatro desde uno de sus pilares: el oficio, personificado en la figura del apuntador. Al final de la obra a Ildebrando Biribó se le encontró muerto en su concha...
Novecento
Desde el 29 de marzo Teatro Maravillas
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CRÍTICAS
Crituits
Crítica: Hamlet Teatro de La Comedia Por Álvaro Vicente
Israel EleHamlet Sí, el título de esta crítica tiene su guasa, a qué negarlo. Pero también tiene su sentido. Creo que a este Hamlet le sobran actores, y lo siento sobre todo por José Luis Martínez y por Jorge Kent, que tanto me gustaron, pero de verdad que me sobran prácticamente todos. Israel Elejalde lo eclipsa todo con su magnífica interpretación, podría ser un monólogo perfectamente. Hay una propuesta clara, un camino decidido, del que probablemente no se vislumbrará nunca el final, porque interpretar a Hamlet puede ser un Lago Ness sin fondo conocido donde el monstruo, la leyenda, emerge de vez en cuando para seguir alimentando el mito. Toda la plástica del montaje, la concepción espacial, la coreografía de movimientos, la escenografía, las luces, los audiovisuales, son una maravilla que consigue momentos de impresionante belleza teatral, pero los encuentro más justificados por la condición de gran montaje en gran teatro de gran institución, que por un anhelo de contribuir al vericueto hamletiano. De verdad, si Elejalde me cuenta este inmenso relato de Shakespeare en un espacio apenas iluminado, sólo él y su texto, sólo él y los fantasmas, estoy convencido de que la experiencia calaría hasta el tuétano. Pero, como siempre, esto es una simple apreciación personal, condicionada además -y es justo señalarlo- por haber visto la función previa al estreno, es decir, prácticamente un ensayo general. Y también es cierto que la expectativa generada por el montaje les pone el listón muy alto a ellos y te predispone a ti como público a una exigencia mayor. Aún así, creo que este trabajo no está a la altura de Misántropo, ni mucho menos de Antígona, donde se notaba una mayor compactación de todo el elenco que hacía de la experiencia una catarsis total. Aquí, creo, sobran excentricidades, sobre reggaeton.
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Crítica: Nosotros no nos mataremos con pistolas Teatro Lara Por Álvaro Vicente
Se iban a comer el mundo... He de reconocer que siento una especial debilidad por esta compañía valenciana, Wichita Co. En apenas tres años han cuajado media docena de montajes que dialogan sin complejos con el mundo actual, desde la perspectiva generacional (al menos en este caso y en la otra obra de ellos que he podido ver: A España no la va a conocer ni la madre que la parió) de un grupo de seres humanos entre los 30 y los 40 años, mediterráneamente globales, representantes simbólicos de todos los españoles y españolas nacidas con la democracia, que se iban a comer el mundo y se han comido un mojón. Una generación de víctimas de un engaño masivo, el engaño del progreso, el engaño de la prosperidad, el engaño del primer mundo y sus eslóganes. Doblemente abatidos, los que se revolvieron contra sus padres con rebeldía de niñato bien, ahora vuelven con el rabo entre las piernas, con kilo y medio de enferma melancolía, con el sambenito de fracasados, que no es nuestro, copón, que es otra importación de la filmografía del imperio. Vuelven
a la realidad, al país de charanga y pandereta. Vuelven con un título bajo el brazo que no les da ni para pan. Vuelven con idiomas y ofimática nivel avanzado. Vuelven de lo que creían un paraíso llamado esperanza y no era más que un paréntesis tan tocho que nadie supo ver que había empezado y que iba a acabar. Todo esto, en esta obra, sucede en una jornada, tras un encuentro de cinco amigos de toda la vida orquestado por una de ellas, con el pretexto de celebrar el aniversario de la muerte de la sexta en discordia, que les dejó tal día como este 16 de julio, virgen del Carmen, fiesta tan levantina, tan levantisca en este caso. El montaje peca de esta provisionalidad que da hacerla en un teatro donde se representan otras 10 obras en la misma semana. Pero alberga un pulso con la verdad demoledor, gracias a un buen texto, un buen dibujo de personajes y, sobre todo, a una interpretación fantástica del grupo, de los 5 por igual, conocedores de que lo que hacen tiene un sentido, que no siempre ocurre.
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 24 de febrero
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en familia
Títerescena
Baobab
La compañía canadiense Theatre Motus nos trae un delicioso espectáculo de títeres ambientado en el corazón de África 12 y 13 de marzo Teatro Valle-Inclán
Una nueva propuesta llega al Teatro Valle-Inclán en marzo dentro de Títerescena, este gran festival escénico para todos los públicos que se va desarrollando durante toda la temporada teatral. Desde Canadá Theatre Motus nos trae Baobab, una deliciosa obra que nos traslada a una región de África que sufre una gran sequía y donde se erige un baobab milenario. Un día de este baobab nace un huevo y, de ese huevo, un niño pequeño. Los habitantes del pueblo descubren que él es el único capaz de liberar el manantial de agua. Así empieza una gran búsqueda donde sólo el valor de un niño puede cambiar la historia del Mundo. En este universo lleno de sol, donde la sombra es reconfortante, las percusiones africanas se transforman en animales y las máscaras y títeres se vuelven genios o hechiceros. Baobab es un viaje por el mágico universo africano que nos devuelve a la esencia del niño que fuimos, la esencia pura y sencilla de nosotros mismos que puede dar forma a los sueños.
AGUGUTATA Clan de bichos nos trae este espectáculo que combina títeres de guante, teatro negro, humor y canciones con su habitual estilo y humor. Está a punto de nacer un bebé, y su hermanita se pregunta cómo será su vida a partir de este momento. Tíos, abuelos, padres, todos alborotados... hasta que llega el momento del parto. AGUGUTATA presenta el primer parto en directo de un títere bebé, incluso algunos de los niños del
público ayudarán al doctor. El día más feliz de la vida de sus papás. La segunda parte del espectáculo es el sueño del bebé: un mundo onírico de teatro negro donde vuelan biberones, saltan peces de colores, pesadilla de tiburones, monstruos fluorescentes, chupetes que conquistan planetas, un carnaval sorprendente de luz y tambores que despiertan al bebé. Menos mal que la nana de la luna azul logra hacerle dormir de nuevo...
Sábados y domingos La Cueva del Clan de Bichos
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CÓMICOS
de risas con... “La potencia intelectual de un hombre se mide por la dosis de humor que es capaz de utilizar”. Lo dijo Nietzsche y nos hemos venido arriba. Jorge García Palomo, periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva. Porque, como suele decir Jorge en La Sala de RNE, hay que seguir “¡bienhumorando el mundo!” @jorgegpalomo
Los Absurdos
c Risas, crítica, diálogos vertiginosos e ingeniosa verborrea. Es el sello personal de un equipo fabuloso encabezado por Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía. Lo suyo, dicen, es “teatro de humor hecho muy en serio”. Y damos fe cual notarios. Con absurdidad y alevosía, nos conocimos trabajando juntos en un gran evento de la Fábrica de Experiencias, empresa creativa que -todo un honor- nos une en diferentes proyectos. Desde entonces hay química... ¡y admiración! Porque, queridos lectores, Los Absurdos Teatro cuentan con varios hitos en la escena alternativa como Manténgase a la espera. Desde 2010 ya nos han llevado a más de una Tierra de nadie y A protestar a la Gran Vía, nos han revelado que Demasiado al Este es el Oeste y, sí, nos han retratado: Desnudo nadie es perfecto. Absurdamente o no, desnudémonos. ¡Bienvenidos a Godot!
comicos
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¿Qué os trae por estos cómicos lares? ¿Qué estáis haciendo o, mejor dicho, qué no estáis haciendo, que no paráis? Descansar poco... pero llegará el momento (esperamos) y nos vengaremos enviando todas las fotos que podamos hacernos tirados en la playa. ¿Por qué ir a ver uno de vuestros espectáculos? Porque... porque... Bueno, vosotros venid y ya lo discutimos a la salida, que algo se nos ocurrirá. ¿Por qué objetivo, reto universal o chorrada supina os mantendríais a la espera? Por ver qué pasa, somos muy curiosos. ¿Qué es lo más absurdo que habéis hecho en teatro… y que se pueda contar? Meternos en esto… ¿Te parece poco absurdo? ¡Y mira que nos lo dijeron en casa! El teatro y la cultura hoy son... Una necesidad, hoy y siempre. El humor para Los Absurdos Teatro es... El pan nuestro de cada día. ¿Creéis que, pese a todo, son buenos tiempos para la comedia? Sí, la gente necesita reírse, la gente quiere reírse, la risa purifica mucho y mantiene en forma. Y además nos embellece mucho. ¿Y el sentido del humor en España? ¿Absurdamente saludable? En España hay mucho humor... y de absurdo andamos muy bien servidos también. A veces, incluso se maridan ambas cosas... No hace falta más que mirar los intentos de formar gobierno estos meses. ¿Qué y quiénes os hacen reír por doquier? Las cosquillas, sobre todo en los pies. ¿Cómo os motiváis y qué os inspira para arrancar la risa del público? La mejor motivación es el propio público. En realidad, esto de la risa es un toma y daca, a veces es más toma y a veces es más daca, pero lo bonito de la risa es el contagio mutuo. Un momento memorable de vuestras vidas. Vale todo. Un día nos olvidamos todos el móvil en casa... y no pasó nada. ¡Fue espectacular!
¿Alguna anécdota de esas inconfesables... hasta que hemos llegado los de Godot? (Siguen con sus respuestas corales. Sin titubeos.) Patri y Jorge se muerden las uñas. A veces entre ellos. Alfonso es más de paella. Miguel Ángel no come apenas, es muy comedido. ¿Un viaje inspirador y absurdo que nos recomendéis a todos sí o sí? De Callao a Sol, por la calle Preciados. Hay días que hay que hacer noche a la altura del Bershka. Es lo más. Una película, libro y/o canción para sentirnos bien en tiempos aciagos.
Cualquiera de Stevie Wonder; en su defecto, una de Serafín Zubiri, aunque no es lo mismo. Un teatro para reír a carcajadas. El gran teatro del mundo. Somos muy de Calderón. Un lugar de Madrid que os ponga de buen humor. Menorca. Un sueño... acaso cómico y, permitidme que insista, acaso absurdo. Se nos ocurren 21, más o menos... No sé si nos seguís... Un mensaje a los lectores de Godot y teatreros del mundo, ávidos de cultura y quizá de entretenimiento. Quién sabe... Que lean la revista, tomen buena nota de lo que decís y se vayan directos a las taquillas a comprar entradas, que para dos días que son... vamos a llevarnos bien.
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DANZA
La bailarina Sasha Waltz fundó la compañía que lleva su nombre en 1993 en Berlín. Sasha Waltz & Guests es seguramente uno de los conjuntos de danza más prestigioso de Europa, con el que han colaborado más de 300 artistas de 25 países. Sasha Waltz decidió rendir, con este montaje que ahora llega el Teatro Real, un homenaje a la obra maestra de Stravinsky, La consagración de la primavera. Es una obra interpretada por 28 bailarines en escena y producida junto a los teatros Mariinsky de San Petersburgo y La Monnaie de Bruselas. Este programa triple se completa con Escena de Amor, extraído de la Sinfonía dramática Roméo et Juliette, de Hector Berlioz; y Preludio a la siesta de un fauno, poema sinfónico según el texto de Stéphane Mallarmé, con música de Claude Debussy. La Orquesta Titular del Teatro Real es la encargada de ofrecer las delicadas composiciones sonoras que acompañan a este montaje divido en tres apartados muy bien definidos. Todos ellos creados por una artista que ha revolucionado la danza-teatro con su portentosa manipulación del lenguaje coreográfico extrayendo lo mejor del mundo narrativo y las creaciones musicales y que ahora podremos disfrutar durante cuatro días en Madrid.
Sasha Waltz
Del 9 al 12 de marzo Teatro Real
FOTO: Bernd Uhlig
FOTO: Javier Suarez
Kaspar Hauser
Del 22 al 25 de marzo Teatros del Canal
Dentro del Festival de Otoño a Primavera, La Phármaco compañía de danza presenta una pieza inspirada en Kaspar Hauser, un misterioso personaje de la primera mitad del s. XIX que fue conocido como el ‘huérfano de Europa’. Kaspar fue un adolescente alemán famoso por el misterio en torno a su origen y a su muerte. Su carácter era el de un niño salvaje, ya que creció en cautiverio en completo aislamiento, pero deslumbró a todos por su sofisticada e ingenua inteligencia y por su perfecta comunicación con la naturaleza. La Phármaco, una de las formaciones más prometedoras de la danza contemporánea de nuestro país, con la coreógrafa y bailarina Luz Arcas al frente, presenta este espectáculo físico que se adentra en la verdadera naturaleza salvaje del ser humano para ayudarnos a comprender las claves de nuestra propia existencia.
lírica
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Imagen que mezcla los vestuarios de las dos obras. FOTO: Cristina Galvez
Sebastián Durón en la Zarzuela recitativos y arias que realizará Sebastián Durón Sebastián Durón, compositor español, autor de en sus producciones de años sucesivos. Una de sus obras religiosas y operísticas fue, junto a Antonio obras con el nuevo estilo es la otra pieza que vede Literes, el mejor autor de música escénica de remos en este programa doble. El imposible mayor su época (s. XVII-XVIII). Entre su obra lírica se en amor, le vence amor (1710) es una comedia con encuentran estos dos títulos que ahora nos propone música en dos actos con libreto de Francisco Banel Teatro de la Zarzuela. La Guerra de los gigantes ces Candamo y José de Cañizares. La obra es fruto es una ópera escénica compuesta por Sebastián de la competencia con los músicos Durón sobre un libreto italianos y representa esta nueva anónimo. En este texto La guerra de los gigantes y etapa de la zarzuela española, que aparece por primera vez El imposible mayor en amor, debe competir con los italianos en su la palabra ‘ópera’ en una le vence amor son las dos mismo terreno: en el del virtuosismo partitura española, y es vocal. La dirección musical de estos uno de los pocos ejemplos obras de Sebastián Durón dos montajes corre a cargo de de este género musical que podremos disfrutar Leonardo García Alarcón y Gustavo en el barroco español. Se Tambascio los ha dirigido a nivel compuso con motivo del Del 17 al 23 de marzo escénico. matrimonio del Conde Teatro de la Zarzuela Son dos títulos imprescindibles de Salvatierra con Doña para conocer un poco más acerca María Leonor Dávila López de nuestra historia musical, para de Zúñiga en 1702. Esta descubrir los orígenes y el incipiente desarrollo de ópera debe ser considerada la última en el estilo la Ópera en España. Dos títulos para homenajear español de la Tonada y las Coplas antes de la a un precursor. adaptación del nuevo estilo operístico italiano de
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#elteatrotambiĂŠnselee
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27 puertas, 27 historias
por Álvaro Vicente
abanico de autores que nutren hoy día nuestra No sé si Pablo CanoSales ha consultado un numeescena, hubiesen nacido en los 60, en los 80 o en rólogo, pero probablemente el 27 debe albergar los 90. Le comentó la idea a Ignacio García May no pocas claves sobre su identidad. A los 27 años y su entusiasmo terminó de convencerlo. Empezó va a conseguir poner en pie un proyecto muy ama tantear a los autores y al final resultó esta lista bicioso y complejo, un montaje conformado por impresionante que podéis ver en la otra página, 27 historias escritas por 27 autores a partir de 27 todos encantados de colaborar en el proyecto. puertas de Madrid. Hubiera sido redondo estrenar el 27 de marzo, Día Mundial del Teatro... casi. Las puertas En cualquier caso, lo que se mostrará el día 21 La piedra angular de todo esto son las puertas, en el María Guerrero, además de la presentación las puertas como símbolo teatral, que te llevan a de la edición de los textos en un solo volumen a descubrir nuevos lugares, nuevos sucesos, nuevas cargo de nuestros amigos de Ediciones Antígona, ideas. La puerta como elemento arquitectónico y será un ‘semimontado’ de ¿Qué se esconde tras la como cofre de secretos. Junto a la fotógrafa Laura puerta?, un aperitivo que sirva para lanzar y dar B. Fernández, se hizo un trabajo de campo exa conocer el proyecto y, hay que decirlo también, haustivo hasta dar con las 27 puertas. Los autores buscar financiación para llevarlo a cabo con la recibieron la foto de cada puerta sin saber qué entidad y los medios que merece. historia escondía. Y recibieHace un año que CanoSales ron una sola premisa: escribir se puso a trabajar en esto. una pieza de 3-4 minutos Quería que esta iniciativa Tras un año de trabajo ve para no más de 5 personajes. unificara distintas artes, la luz este ambicioso proCon un elenco conformafundamentalmente la fotoyecto que traspasa géneros do por Nacho Sánchez, grafía y el teatro. También y disciplinas artísticas a Carmen Mayordomo, Txabi tenía claro que tenía que favor de la dramaturgia Pérez, Silvana Navas, Víctor ser una apuesta a favor de española Nacarino y Camila Viyuela, la dramaturgia española el 21 de marzo se usurpará el contemporánea, pero no por espacio del María Guerrero y la ultimísima generación, 21 de marzo sucederán las 27 historias en Teatro María Guerrero quería huir de las parcelacualquier rincón de la sala. ciones y mostrar el amplio