Godot n51 marzo 15 by Godot

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Reparto (por orden alfabético) Isabel Ayúcar Beatriz Bergamín Alfonso Blanco Javier Ferrer Gabriel Garbisu Carlos Lorenzo Ángeles Martín Juan Matute Juan Meseguer Nancho Novo Sergio Reques Sara Sánchez José Luis Sendarrubias Alfonso Vallejo

Teatro María Guerrero

SALVATOR ROSA O

Del 27 de febrero al 5 de abril

EL ARTISTA

de Francisco Nieva

Dirección Guillermo Heras

Escenografía Gerardo Trotti Iluminación Juán Gómez Cornejo Vestuario Rosa García Andújar Música Tomás Marco Movimiento Mónica Runde

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Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Dirección Ernesto Caballero

Del 25 de febrero al 29 de marzo

LA PECHUGA DE LA SARDINA de Lauro Olmo

Escenografía Paloma Canseco Vestuario José Miguel Ligero Iluminación Pedro Yagüe

Dirección Manuel Canseco

Reparto (por orden alfabético) Manuel Brun Marta Calvó Jesús Cisneros Víctor Elías María Garralón Nuria Herrero Marisol Membrillo Cristina Palomo Amparo Pamplona Natalia Sánchez Juan Carlos Talavera Alejandra Torray

Teatro Valle-Inclán

Del 30 de enero al 22 de marzo

LA OLA Texto Ignacio García May Idea y dirección Marc Montserrat Drukker

Escenografía Jon Berrondo Iluminación Albert Faura Vestuario María Araujo Sonido Francisco Grande Igor Pinto Vídeo Xavier Bergés

a partir del experimento real de Ron Jones

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Reparto (por orden alfabético) Javier Ballesteros David Carrillo Jimmy Castro Carolina Herrera Ignacio Jiménez Helena Lanza Xavi Mira Alba Ribas

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6 12 17 22

36 40 palabra de Sr. Godot

la visual André y Doriné

entrevista Antonio Rojano

entrevista Estefanía de los Santos

reportaje El señor Ye ama los dragones

noticias Mérida en Madrid

portada Sexpeare estrenos La pechuga de la sardina

estrenos El Buscón reportaje Invernadero

panorámica Salvatore Rosa o el artista

estrenos Pluto

en familia Teatralia

10 16 18

entrevista Charo López

reportaje Enrique VIII y La Cisma de Inglaterra

30 35

críticas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Marzo 2015

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PALABRA DE... SR Godot

NOTA ACLARATORIA En nuestro número anterior, el número 50 perteneciente al mes de febrero de 2015, publicamos como hacemos habitualmente la columna de opinión que lleva por título Entrecajas (página 9) firmada bajo el pseudónimo de Chiuti por uno de nuestros colaboradores. En esa columna hay una serie de afirmaciones que no concuerdan con la postura de Godot, son hechos no contrastados al no tratarse de una pieza informativa y queremos pedir disculpas a las personas o empresas que se hayan podido sentir ofendidas o afectadas por lo que ahí se dice, que, reiteramos, no son más que opiniones de una persona concreta, no de esta revista.

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Orphans ricio y Rafael Rojas Borja Elegea, Nuria Apa esta inquietante obra conforman el reparto de por Roberto Cerdá a gid diri ly de Dennys Kel Los podéis ir a ver al con su pulcritud habitual. defraudarán. os no Teatro Galileo, que

Principio y fin de un proyecto

Tres años en la estación espacial Feelgood Febrero de 2015, un hombre viendo el debate sobre el estado de la nación, los líderes de los dos partidos mayoritarios se esfuerzan por colocar las perlas de sus discursos. El hombre sonríe, abre un cajón, rebusca y encuentra recortes de críticas, fotos, un dossier de prensa... En la portada una palabra en inglés: FEELGOOD. Primer plano de ojos que recuerdan y ¡música de cabecera! La canción homónima de James Brown nos acompaña en un flash-back de tres años. Ahora estamos en un autobús, de gira, varios jóvenes actores leen una obra de teatro. Ríen, proponen, discuten... Buscan un proyecto para seguir trabajando juntos. Éste podría ser el primer fotograma de la película Feelgood, el día en el que pasamos del deseo a la acción. Cuando pusimos la primera piedra de nuestro proyecto teatral propio y arrancó la maquinaria: más textos, lecturas en ruta, en habitaciones de hotel, traducciones, películas susceptibles de adaptación, sin prisa... Sin pausa. Y un día, recién importada de Londres, llega la elegida. Recuerdo la frase de Fran Perea : “Puede ser una opción”; la de Manuela Velasco: “Desde la primera página sabes que es buena”; la de un gran productor: “Esta obra no funcionará en España”.

A partir de aquí los datos: 115 funciones, dos temporadas en Madrid, cientos de artículos, elogiosas críticas, miles de tuits, casi cuarenta ciudades de gira, un punto de inflexión en nuestras carreras, tres años de disfrute teatral, madurez, anécdotas, compromiso, la visita de Alistair Beaton (el autor), charlas, entrevistas, grandes aplausos, de sentirnos bien con nuestro trabajo… ¡Tres años de Feelgood! Feelgood ha sido sobre el escenario lo que vemos de este país de poder corrupto y, detrás del escenario, la prueba de que en este país mucha gente harta no se conforma y que está preparada y con ganas de avanzar. Al hacer balance, la memoria es selectiva, pero hemos tenido grandes tormentas, momentos duros, tristezas, peleas, enemistades, miedos, pequeñas traiciones, desprecios y ninguneos. Y en plena debacle cultural, con el 21% de IVA, que es como atar a un nadador un yunque al tobillo. Sin embargo, esto es lo que de verdad nos ha hecho fuertes, lo que nos da la confianza para emprender juntos un nuevo proyecto, nos hemos puesto a prueba y conocemos nuestras virtudes y vergüenzas. Somos una familia teatral, con todo, broncas y exaltaciones de la amistad, pero sobre todo con un proyecto común: hacer sobre el escenario lo mejor que sabemos y que al público le conmueva. Somos Feelgood, somos Teatro. Os queremos.

Alberto Castrillo-Ferrer. Director de Feelgood @castrilloferrer FOTO: Sergio Parra

noticias

MÉRIDA EN MADRID El 16 de marzo se presentará en Mérida la 61 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida que tendrá lugar del 1 de julio al 27 de agosto, sin embargo, nosotros aún os vamos a hablar de la edición anterior ya que del 18 al 29 de marzo el Teatro Bellas Artes acogerá la que será la cuarta extensión del festival sumándose como sede al Teatro Romano de Mérida, escenario natural de la cita veraniega; y a los teatros romanos de Regina y Medellín. Madrid será un poco más Mérida este mes y nos dará la oportunidad de saborear algunos de los espectáculos allí presentados como Coriolano, Edipo Rey y Los Gemelos, todas del festival con las productoras extremeñas Aran Dramática, Teatro del Noctámbulo y Verbo Producciones y Oscuro Total, respectivamente. Os concretamos un poco más. Los días 18 y 19 de marzo se podrá ver Coriolano (foto arriba der.), de William Shakespeare, un texto que nos narra la lucha de clases entre plebeyos y patricios, el conflicto del héroe con su propia naturaleza intransigente y la fragilidad del Estado romano de la época, acosado por la amenaza eterna del pueblo volsco. Los actores Elías González,

en el papel de Coriolano, y María Luisa Borruel, interpretando a su madre Volumnia, encabezan un amplio elenco de actores extremeños. El 21 y 22 será el turno de Edipo Rey (foto arriba izq.), de Sófocles. Una nueva versión del clásico escrita por el dramaturgo Miguel Murillo y dirigida por Denis Rafter. El actor José Vicente Moirón se pone al frente de un elenco de once actores. Finalmente, del 25 al 29 llegará Los Gemelos (foto central), de Plauto, una apuesta por las carcajadas y la diversión asegurada. Adaptada por el escritor de Almendralejo Florián Recio y dirigida por Paco Carrillo, el montaje se ubica en época romana pero localizada en esta ocasión en Mérida (Emérita), en vez de en la Siracusa de la obra original. El festival, además, está de enhorabuena ya que el pasado febrero Jesús Cimarro recogió como director del certamen el Premio Inturtech 2015 en su categoría de Eventos-hitos por su repercusión turística en la Comunidad Autónoma de Extremadura. Este premio reafirma la repercusión y el reconocimiento nacional alcanzado en los últimos tres años por el festival desde que se produjo su revitalización por parte de la nueva directiva.

Teatros Luchana El proyecto se inaugurará en Madrid a finales de marzo y viene de la mano de los promotores Jorge de las Heras y Ventura Gil. En el antiguo espacio de los Cines Luchana se ofertará una gran variedad de obras para todo tipo de edades, abarcando todo tipo de géneros y con precios asequibles con un abanico que se situará entre los 6 y los 15 euros por entrada. Cuatro salas con aforos de entre 100 y 340 butacas que además contará con un ambiente destinado a la hostelería. Pedro Gómez, promotor del Mercado de San Miguel y Moncloa, será el responsable de dinamizar las esperas del público, abriendo boca. Además, el espacio contará con otros perfiles de negocios: la formación en artes escénicas de la mano de Víctor Ullate y la producción de eventos de la mano de Vaca Estudio. De las Heras define este proyecto como “un espacio innovador, ajustado a todos los públicos y a todos sus bolsillos. Un teatro de cine, a precio de cine que ofertará una amplia programación, con flexibilidad de horarios”.

Frinje2015, sí con J Los candidatos a participar en Frinje Madrid 2015 tendrán de plazo hasta el 22 de marzo para presentar sus proyectos. Este año una de las novedades del certamen, que se celebrará del 3 al 25 de julio en Matadero Madrid, es el cambio de nombre que, inspirado en Juan Ramón Jiménez, ha cambiado la G por la J. Al fin y al cabo todos lo llamábamos ‘frinje’, ¿no?. En esta cuarta edición se volverá a apostar por una programación repleta de originales propuestas escénicas que suponen una apertura a nuevas experiencias artísticas. Para más información. www.frinjemadrid.com

La Brújula

Estudio de Actores La brújula, el estudio dirigido por la argentina Heidi Steinhardt, abrió sus puertas hace dos meses. Despliega una amplia labor pedagógica dedicada a actores profesionales, directores noveles y espectadores curiosos. Propone además un diálogo abierto sobre el arte escénico, dentro de las tertulias mensuales. “La Brújula es el lugar donde los actores vienen a reencontrase con su pulsión creativa luego de cierto recorrido profesional. El acento está puesto en volver a disfrutar el proceso de trabajo, desplegando el potencial de cada uno y sabiendo que los resultados son una consecuencia de lo anterior”. Heidi es actriz, directora y dramaturga y entrenadora de actores. Nacida en Buenos Aires su formación multidisciplinaria abarca: Artes Combinadas en la Universidad de Buenos Aires, ballet clásico y contemporáneo en la Escuela Nacional de Danzas e interpretación en la escuela de actores de Julio Chávez. La labor como entrenadora de actores, abarca más de una década impartiendo seminarios de interpretación y dirección en Argentina, Costa Rica, Cuba, España. En La Brújula, la primavera estará dedicada a Chéjov y la inscripción a los seminarios ya está abierta. “Mis grupos nunca superan las diez o doce personas. Me gusta ver al actor trabajando varias veces, tener tiempo para cada uno y soy muy fan de la intimidad, a la hora de crear”, nos comenta Heidi para terminar, sobre su metodología. www.heidisteinhardt.com

en portada

como Fele Martínez (que estuvo en los orígenes de la Han pasado 20 años y, como podemos comprobar compañía), que protagonizaría Solomillo, una historia en la foto de la página anterior, la de abajo, Rulo poco hecha, en 2007, o como la compañía Las groPardo, en un momento de su vida... ¡tuvo pelo! Es tesques, con las que han montado varios espectáculos, inevitable hablar con o de los Sexpeare y no contar como En grilletes (2005) o Sin balas (2010). “Todo con altas dosis de cachondeo. El propio Rulo reconoce esto nos produce gran satisfacción, saber que a parte que el secreto de su éxito es “que caemos muy bien, de Santi y yo en el escejajajaja... quiero decir, que nos lo pasamos nario, los productos que muy bien en el escenario y la gente nos ve Santiago Molero y Rulo hemos hecho al margen pasándolo bien y se lo pasa bien. Como Pardo, los Sexpeare, recutuvieran nuestro sello y somos los primeros que nos reímos de nosoperan uno de sus mejores los programadores lo tros mismos, el público en seguida se suelta montajes, H, el pequeño vieran y lo valoraran”, y entra al trapo”. Ahora que cumplen 20 niño obeso quiere ser cineasdice Rulo. Esa comedia años como compañía, se han buscado unos ta, para celebrar sus 20 absurda y disparatada asesores de marketing y quieren darle una que cultivan y el éxito vuelta a su imagen, sin perder su esencia. años como compañía que cosechan les lleva a Todo empezó en Madrid en 1995, en la Real ir puliendo un estilo que, Escuela Superior de Arte Dramático. En el 96 quizás, con los años, ya estrenan su primera obra en el Teatro AlA partir del 3 de marzo Teatro Maravillas pierde descaro pero fil, un lugar íntimamente ligado a su historia: gana solidez profesioYo tengo un amigo que me ama, perpetrada nal. Obras como H, el con mucha cara y pocas nueces. Antes del pequeño niño obeso quiere ser cineasta, o El título de gran despegue que fue Hipo (coproducido junto a este espectáculo no es mi madre, tienen ya una mayor Yllana en 1999), presentarían Sexketch, amor de color ambición en todos los aspectos del montaje. “Antes hamahonesa. “Entonces -recuerda Rulo- no había ni OT bía algo más punki”, analiza Rulo. “Lo que antes salía ni Gran Hermano ni nada parecido. Hipo era muy muy natural y orgánico, que yo me volvía al público, rompedor, muy bestia, muy transgresor. Hoy ya no nos me salía del personaje y les decía cualquier burrada... sorprenden nada este tipo de historias”. y la gente se partía de risa... pues ahora sale un poco más forzado. Pero es un proceso lógico... ¡nos haceCada vez más profesionales mos mayores! jajajajaja”. Tanto que, para principios Con la llegada de Qué pelo más guay, probablemente de 2016, tienen previsto estrenar una revisión de un el título que más satisfacciones les ha dado (y que lleclásico español en un montaje que harán en colaboravaron al cine en 2012, 10 años después de su estreno ción con el dramaturgo Alberto Conejero y el director en teatro), Sexpeare pasa además a ser productora Salva Bolta. Uff... eso pinta pero que muy bien! y se embarca en proyectos con otras gentes amigas

H, ese niño El Teatro Maravillas acoge la recuperación de la que, según Rulo, es la obra que sus incondicionales consideran mejor terminada de su producción. Un homenaje a las películas de suspense y misterio en el que se cuenta la historia de dos amigos que participan en el concurso de guiones cinematográficos de la marca Galletas Niki Oe Oe Oe. Un no parar de reírse para una función que este año ha cruzado el charco y se ha estrenado en México DF. Todo son buenas noticias para los Sexpeare. Así que... ¡a por otros 20 años!

en portada

Deberías guardar esta página que tienes en tus manos, amigo lector o amiga lectora. Este pequeño álbum histórico de Sexpeare cobrará todo su sentido en nuestro próximo número de abril. Allí podrás pegar estos cromos y llevarlos al Teatro Maravillas. Se te recompensará...

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Grandes estrenos

Teatro, danza y música

“Es muy difícil hacer compatibles la política y la moral” Francis Bacon

Ignasi Vidal

Daniel Muriel

del 6 al 26 de abril de 2015 Dirección: Juan José Afonso Distribuye:

Producen:

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22, 23 y 24 de abril de 2015

Entradas desde 10 e Revista Godot 162x230.indd 1

23/02/15 17:00

estrenos

La pechuga de la sardina

Lauro está considerado como uno de los Lauro Olmo. El nombre no les dice nada, precursores del Realismo social en nuestro ¿verdad?, como el de tantos otros escritores país. Su obra más conocida, La camisa y artistas que realizaron su labor en la triste (1962), refleja el drama de los condeEspaña de posguerra donde el sol estuvo nados a emigrar a otro país para poder oculto durante 40 años y así no dejó floresubsistir. La pechuga de la sardina (1963), cer a tanta gente con ansias de expresión. refleja el ambiente de miseria resignada de Sin embargo Lauro Olmo puede ser perfecaquella época aquí, en España. Dos obras tamente considerado como uno de nuestro distintas en dos ambientes distintos pero más grandes dramaturgos. Algunos breves que son un mismo retrato en color gris de ejercicios se han hecho para devolver a una época en la que llevarse un filete de nuestra memoria su figura como el mítico pollo a la boca era un lujo. A la mayoría programa de TVE Estudio 1 que programó de nosotros eso nos suena a años de Nodo La pechuga de la sardina con Emma Peney oscuridad, pero en muchos rincones de lla, Marisa Paredes y Verónica Forqué como nuestra ciudad, actrices protagonistas. Hoy en los mismos es el CDN quien nos brinda El CDN hace un gran contenedores la oportunidad de acercarnos ejercicio de recuperación donde nosotros a la figura del dramaturgo programando un texo de depositamos la orensano gracias a un nuevo uno de nuestros grandes basura, a día de montaje dirigido por Manuel autores olvidados hoy, hay mucha Canseco y que cuenta con gente buscando un gran reparto entre los que entre los restos encontramos a Manuel Brun, Hasta el 29 de marzo una raspa de Marta Calvó, Jesús Cisneros, Teatro Valle Inclán sardina. S. Díaz Víctor Elías, María Garralón...

El Buscón en Francisco de Quevedo y en su obra El Buscón. Haciendo un paralelismo con la intención de esta Así las andanzas, gracias y, sobre todo, desgraobra de traernos el ayer al ahora nosotros también cias de un joven llamado Pablos se convirtió en miraremos al pasado para hablaros del presente. una pieza imprescindible de su repertorio. Y de No os aburriremos con fechas y años así que esa manera llegamos al presente, a su puesta de simplemente diremos que la Compañía Teatro Clálargo en Madrid donde sico de Sevilla se formó hace ya ese joven que intenta mucho tiempo aglutinando bajo su subir desde su mísera techo a un buen puñado de profeTeatro Clásico de Sevilla escala social y alcanzar el sionales con, igualmente, muchos nos trae un clásico de rango de caballero en un años de bagaje y experiencia. la literatura española mundo divertido, repleto Venidos de distintos ámbitos como visto desde los ojos del de infortunios y situaciola Compañía Nacional de Teatro espectador de hoy nes peculiares intentará Clásico, La Jácara, Esperpento, el actualizar nuestra visión Instituto del Teatro, la Real Escuela del clásico. El encargado de Arte Dramático, el Centro Del 4 de marzo al 5 de abril de esta adaptación y su Teatro Fernán Gómez Andaluz de Teatro o el mundo del dirección, Alfonso Zurro, cine y la televisión, su principal acompañado de un objetivo desde entonces ha sido versátil reparto actoral en acercar piezas clásicas del teatro el que siete actores dan vida a más de cincuenespañol a un público cada vez menos acostumbrata personajes, nos hará viajar entre pasado y do a ellas. Con ese motor creativo han ido montapresente para indagar sobre lo que queda de la je a montaje renovando, puliendo y adaptando al picaresca descrita en la obra en nuestros días. público del siglo XXI muchas de las historias y perUna puesta en escena muy original que no dejará sonajes que ya son patrimonio histórico español. indiferente a nadie. Sólo era cuestión de tiempo que fijaran sus ojos

FOTO: Luis Castilla

reportaje

Invernadero

por Álvaro Vicente

un extraño sanatorio, inquietante y mordaz, es Parecerá increíble, pero es así. Mario Gas “una fantasía -dice Pinter- que con el tiempo se debuta doblemente. Por primera vez en su larha convertido en realidad”. En plena celeguísima trayectoria, acomete un texto de Harold bración navideña, el director de la institución Pinter, Premio Nobel de Literatura en 2005. Y lo (Gonzalo de Castro) y su equipo se enfrentan hace en coproducción entre la compañía que él a un nacimiento y a una muerte que levantan mismo acaba de crear, Teatro del Invernadero no pocas suspicacias dejando (junto a Gonzalo de muchas incógnitas en el aire. Castro, Tristán Ulloa y Mario Gas dirige por ¿Quiénes son los responsables? Paco Pena), y el Teatro primera vez una obra de ¿Qué hacer ante semejantes de La Abadía, donde Harold Pinter y lo hace, sucesos, tan inesperados como el director de Follies y también por primera vez, comprometedores? tantas otras joyas de en La Abadía nuestra escena reciente Ser o no ser... pinteriano trabaja por primera “Siempre hay quien sabe cómo vez. Para este singular Del 26 de febrero al 29 de marzo y de qué modo se debe interpreacontecimiento han Teatro de La Abadía tar al autor -explica Mario Gas-. elegido una obra de Y apartarse de ahí se convierte Pinter escrita en 1958 en peligroso y, consecuentepero guardada en el mente, se corre el peligro de no ser pinteriano. cajón del autor inglés hasta 1980, en espera, Pero lo cierto es que su universo teatral ha según él mismo, de un momento más oportuno para ser estrenada. Invernadero (traducida para devenido un lugar personal, único, demoledor, crítico, disolvente e ideológico. No hay un solo la ocasión por Eduardo Mendoza), una sátira Pinter, sino múltiples, unidos por un máximo sobre la burocracia y el gobierno autoritario de

común denominador: el hombre urbano occidental, su alienación, su disolución, a la par que crece un poder occidental pretendidamente democrático y radicalmente aniquilador.” El director incluye Invernadero dentro del grupo de farsas negras de Pinter: “muy negras; dislocadas, trepidantes, ácidas y corrosivas, donde el poder, político y estatal en este caso, asoma su hocico maloliente y exterminador”.

Números y monosílabos

Los personajes que pueblan este inquietante invernadero humano de reposo tienen todos sonoridad monosilábica. Sus nombres son como golpes u onomatopeyas: Roote, Gibbs, Lamb, Cutts, Lush, Tubb, Lobb (De Castro, Tristán Ulloa, Carlos Martos, Isabelle Stoffel, Jorge Usón, Javivi Gil Valle y Ricardo Moya, respectivamente). Quizás son los sonidos de la maquinaria, paradójicamente inhumana, que maneja el lugar que habitan, donde viven internados un número indeterminado de personas que, precisamente, son categóricamente tratados como números. La obra empieza en la oficina de Roote: ROOTE: Gibbs. GIBBS: Sí, señor. ROOTE: Dime una cosa... GIBBS: Sí, señor. ROOTE: ¿Qué tal está 6457? GIBBS: ¿6457, señor? ROOTE: Sí. GIBBS: Está muerto, señor.

“Usted, probo ciudadano y seguidor del orden establecido, puede, sin saberlo, cometer algún error y perder su identidad”

“El invernadero”, continúa Gas, “es todo lo contrario de lo que parece o de lo que su pretensión indica: un lugar balsámico y de rehabilitación. Antes bien, es un espacio en el que se ha instalado el horror y la aniquilación psíquica y total, la negligencia y el desamparo y, cómo no, el asesinato, la desaparición impune y el mutismo institucional. Usted, probo ciudadano y seguidor del orden establecido -viene a decirnos Pinter-, puede, sin saberlo, cometer algún error y perderá su identidad: se convertirá en un número y desaparecerá para siempre...”

estrenos

Festival de Otoño

teatros del Canal

Dos grandes producciones internacionales de la mano de Robert Lepage y George Lavaudant llegarán en marzo a los Teatros del Canal para ofrecernos distintas visiones de cómo afrontar el desamor Sergio Díaz Con un montaje altamente visual, a medio camino entre la magia y el teatro, Robert Lepage revisita, 20 años después de su producción original, Needles and Opium (Agujas y opio). Una nueva e impactante escenografía, imágenes originales, un acróbata en escena, la música de Miles Davis, las palabras de Jean Cocteau y la interpretación sensible e ingeniosa del actor Marc Labrèche dan como resultado un espectáculo con efectos hipnóticos donde asistimos, en el Hotel La Louisiane en París, al viaje introspectivo de un canadiense solitario que trata en vano de olvidar a su antigua amante. Sus tormentos emocionales recuerdan a la dependencia de Cocteau al opio y a la de Miles Davis a la heroína. Ahí comienza una espectacular experiencia de abstinencia, que muestra el desesperado empeño de un hombre que busca en su interior para vencer el dolor y liberarse de su adicción al amor.

Cyrano de Bergerac 13, 14 y 15 de marzo Teatros del Canal FOTO: Marie Clauzade

Neddles and opium

FOTO: Nicola Frank Vachon

Del 7 al 10 de marzo Teatros del Canal

Cyrano de Bergerac es la obra de teatro más célebre de Edmond Rostand, libremente inspirada en un personaje real, Hercule Savinien Cyrano de Bergerac (1619-1655). Esta versión se mece entre la comedia y la tragedia. Patrick Pineau da vida al espadachín de larga nariz, mostrando toda su capacidad interpretativa sobre las tablas y dotando de humanidad a un personaje melancólico pero elocuente. El director George Lavaudant ha depurado y abreviado la puesta en escena de esta gran narración de amor, todo un clásico de la historia universal del teatro, como una creación íntima y despojada de grandes maquinarias, con 17 personas en escena.

entrevista

FOTO: David Ruiz

Charo López “En la época de la Celestina, ser bruja era la salida de las mujeres independientes. Era un éxito comercial” por Álvaro Vicente Me hace especial ilusión esta entrevista. Hace 20 años, cuando sólo era un estudiante de periodismo, entré una tarde tonta en el Teatro Lara a ver a Charo López, que hacía un monólogo, Tengamos el sexo en paz, de Dario Fo y Franca Rame. El áspid inoculó su veneno en mi torrente sanguíneo y ya nunca me aparté de los escenarios... en mi caso de los patios de butacas. Y aquí estás, Charo, con otro monólogo... Un reto enorme. Podría decir que es una obra más en mi carrera, pero no. No, no, no. Tengamos el sexo en paz fue muy importante, me puso en un sitio muy bueno con respecto a la profesión, tuve unas críticas de locura, pero era muy diferente a este otro monólogo. Aquí hay pasajes de La Ceslestina de Fernando de Rojas y tengo la suerte de interpretar unas frases de Melibea, otras de Calixto, otras de Sempronio... y luego hay otro entorno, escrito por Álvaro Tato, sobre un mundo paralelo a la Celestina, imaginario, y eso a todas las mujeres que ven la obra les chifla.

Y de la vejez. Habla desde el punto de vista de una vieja alcahueta. Es mucho más que una hechicera. La brujería era una forma de vivir, porque en un momento dado dice ella: “he hecho de mi labor mi vida, como las arañas, las avispas, las monjas y las putas”. Celestina se dedica a lo que se dedica, pero en esa época si querían ser mujeres libres e independientes, tenía que ser así. Ser bruja era un éxito comercial. En ese sentido de hacer de la labor de una su vida, ¿las actrices sois también un poco brujas? No sé... no sé lo que somos las actrices... puntos suspensivos (risas).

Bueno, en todos estos años que llevas trabajando te ha dado tiempo a vivir las distintas formas en las que se relaciona el trabajo del actor con la sociedad de turno. Sí, fuimos vagos y maleantes y ahora nos llaman titiriteros. De alguna forma, la sociedad “bienpensante” siempre ha tenido prejuicios con nuestra profesión, con los actores y las actrices, nosotras somos putas y ellos ¿Por qué les chifla? maricones, eso se ha dicho y se seguirá diciendo toda la Porque se habla de la juventud de una mujer que hace el vida. Pero a parte del mundo “bienpensante y amor, que es feliz, que de orden”, todo entre comillas, por supuesto, está enamorada de la Una de las grandes que, de está el mundo que crece, el mundo joven, la vida, que tiene la misión la mano de Álvaro Tato como gente progresista, las mujeres y los hombres de hacer de alcahueta… autor y Yayo Cáceres como feministas de mi generación, que saben que Habla del aborto, del director, ambos de Ron Lalá, hay otro tipo de mujeres y de hombres. dinero, de cómo vivía, se mete en la piel de la que eso es Celestina pura, Celestina en Ojos de agua Aunque sea por la crisis, estamos en un cuando dice los oficios momento muy de monólogos, lo que nos da que tenía… Es muy cercala oportunidad de disfrutaros desplegando no todo lo que cuento. Del 26 de marzo al 26 de abril Teatro Español todos vuestros recursos... Sí, es muy delirante lo que pasa en un monóSe dice en el texto del logo. Cuando gustas, parece que te valoran dossier de prensa que más, y hacen bien en pensar que es más Celestina lleva una vida complejo. Yo echo de menos el calor humano que te da del lado de las brujas. ¿Es una forma de reivindicar la libertad de la mujer? un compañero en escena, pero también tiene ventajas... Por supuesto. Celestina habla del mundo y de la vida, del amor y del sexo, de la felicidad y de la belleza. Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com

estrenos

Dos peor que uno

Estamos en una ciudad dominada por la mafia en los años sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el criado de un gánster y de un gran criminal. Así se va elaborando una trama llena de enredos que va navegando entre la Commedia dell’Arte, el vodevil, la sátira, la música, las canciones y la improvisación. Paco Mir ha elaborado una versión de una versión de un original del siglo XVIII. El original -Arlequín, servidor de dos patrones, de Goldoni- se desarrollaba en Venecia. La versión del siglo XX transcurre en el Brighton de los sesenta, y esta que veremos ahora se localiza en algún rincón indefinido del Mediterráneo de la misma década. El lugar es lo de menos porque lo que mueve esta frenética historia son los celos, la pasión, la venganza, el engaño, la esperanza, la corrupción, los equívocos, el derecho romano, el hambre, el honor, la liberación de la mujer, la rivalidad, el deseo, la codicia, y, por encima de todo, el amor; un amor que supera todas las barreras. Un amor loco y muy divertido.

Desde el 20 de marzo Teatros del Canal

El lenguaje de tus ojos o El príncipe travestido es un espectáculo contemporáneo basado en un texto clásico. Amelia Ochandiano ha pasado por su tamiz teatral el original de Pierre de Marivaux, que ya en sus inicios era un texto bello e ingenioso y que ahora se convierte en una obra sorprendente que nos ayuda a comprender la magia del teatro, cómo el ser humano contemporáneo se puede ver reflejado en obras escritas tanto en el siglo XVIII como en el siglo II. Las intrigas, sobornos y pasiones de unos y de otros, buscando conseguir sus deseos más ocultos, se irán desarrollando en este brillante juego escénico donde las miradas toman la palabra cuando las palabras son insuficientes.

El lenguaje de tus ojos Hasta el 22 de marzo Naves del Español-Matadero

El pasado 25 de febrero se daba el pistoletazo de salida a la segunda edición de este festival multidisciplinar y vanguardista que reúne una amplia oferta de propuestas con la pretensión de responder a las demandas culturales actuales y ser un vivero de actividad para un público joven y nuevo. Cinco semanas dedicadas al teatro, exposiciones, música, cine, humor, danza y hasta espectáculos de magia que se podrán disfrutar en la sede del Ateneo de Madrid a un precio asequible de 7€. Entre los nombres más destacados estarán el cineasta Jonás Trueba, que presenta el film Los ilusos; el grupo Los Torreznos con su performance La noche electoral; El Pollo Campero con la obra Sekvantaro; Losdedae con el espectáculo Cenizas o dame una razón para no desintegrarme; Gustavo Biosca, Greca y Mariano Goñi y su Magia a tres bandas; La cantera/Juan Mayorga con la obra Famélica (Work in Progress); o el guitarrista José Luis Montón. Toda la programación en www.ateneomuchavida.es

Ateneo Mucha Vida Hasta el 31 de marzo Ateneo de Madrid

REPORTAJE

Enrique VIII

y La cisma de Inglaterra re lo subiera a las tablas, obras, libros, películas, Ante todo y para situarnos, decir que estamos series... se han hecho eco del magnetismo de su ante uno de los personajes más controvertidos persona. En España fue Calderón de los primeros y examinados de la historia. Enrique VIII reinó que fijaron su mirada en él en una de sus obras en Inglaterra desde 1509 hasta 1547 y cuando de juventud, La cisma de Inglaterra, en la que pensamos en él suelen venirnos a la cabeza dos aprovechó para mostrar uno de sus temas recuhechos: su ruptura con la Iglesia católica romana rrentes: la determinación y el establecimiento del monarca del destino frente al libre como jefe supremo de la Iglesia albedrío. Ignacio García de Inglaterra (Iglesia Anglicana) La Compañía Nacional de dirige ahora una versión y el hecho de que se casó hasta Teatro Clásico recupera de José Gabriel López en 6 ocasiones, siendo la pridel olvido este texto de Antuñano de aquella mera de esas esposas ‘nuestra’ Calderón de la Barca para obra de Calderón proCatalina de Aragón, hija de los proponer una profunda tagonizada por Sergio Reyes Católicos. Recordamos reflexión sobre lo que Peris-Mencheta, Mamen estos dos datos de ámbitos conlleva el poder político Camacho, Joaquín tan distintos porque es difícil Notario, Sergio Otegui, encontrar un personaje en el que Pepa Pedroche o Natalia se conjuguen con tal exceso la Hasta el 26 de abril Huarte. García, que ha faceta de hombre y monarca. Teatro Pavón ayudado a rescatar del Deseos, vicios y contradicciones destierro escénico este del ser humano junto al poder, texto, nos ha aceptado el la responsabilidad y el perfil reto de analizarla en la siguiente página a través político como rey. Por esto, y por otros muchos del enfrentamiento de algunos de los conceptos motivos, Enrique VIII se ha convertido en un gran que rodean este clásico. D. Hinarejos personaje para la ficción. Desde que Shakespea-

Original Vs Versión

Calderón Vs. Shakespeare “Son dos enfoques distintos del mismo episodio de la historia. Shakespeare es más épico y grandilocuente en la narración mientras que Calderón hace un retrato íntimo, pero en el que su protagonista tiene muchos más pliegues, dudas, contradicciones y conciencia que el del bardo inglés. Cada uno acaba la historia llevándola a su terreno y ensalzando a la que considera la futura gran reina de Inglaterra, por lo que Shakespeare acaba con el bautizo de Isabel, la hija de Ana Bolena, mientras que Calderón concluye con la coronación de María, reina católica hija de Catalina”.

“Calderón hace un drama histórico con un enorme componente teológico por la narración de la ruptura de la iglesia anglicana. Debajo de ese drama hay un enorme retrato humano de sus personajes y una narración política sobre las responsabilidades de un gobernante frente a la ciudadanía. En la versión de José Gabriel López Antuñano hemos potenciado lo político y lo humano en lugar de lo teológico. La obra adquiere así un gran dinamismo, una enorme fuerza y una vigencia sorprendente, y se hace mucho más comprensible para el espectador”.

Poder Vs. Responsabilidad “Ese es el gran dilema de la obra: ¿qué debe hacer el gobernante, el servidor público? Calderón responde en boca de Enrique VIII que debe anteponer la paz y el bienestar de sus ciudadanos a su propio beneficio y a su afán de riquezas o privilegios. Esa pregunta sigue golpeando hoy más que nunca a nuestra sociedad, en la que lamentablemente hemos visto el abuso de algunos servidores públicos que se han servido de las instituciones en su provecho, despreciando y maltratando a la ciudadanía. Calderón sitúa el problema en la conciencia de un culto y bienintencionado Enrique VIII, que sucumbe a sus vicios y pasiones. Al menos él después tiene conciencia, admite su culpa y trata de enmendarla en la medida de lo posible, como el hombre culto y sensible que es”.

Catalina Vs. Ana

Catolicismo Vs. Anglicanismo

“Encarnan, una la virtud y la otra el vicio, lo ecuánime y lo arbitrario, la compasión y el egoísmo, la piedad y el deseo. Son la luz y la sombra. Sin embargo, ambas son seres complejos y contradictorios en la escritura de Calderón y nosotros hemos pretendido trascender su condición simbólica y dar vida a dos mujeres poderosas e inteligentes obligadas a subsistir en una corte compleja e intrigante. Son dos de las grandes creaciones de la obra, y creo que como los grandes personajes masculinos (Enrique, Volseo, Pasquín, Carlos) son el centro neurálgico de ella. Los actores, toda la compañía, han construido seres humanos de carne y hueso, convulsos y contradictorios. Su trabajo es magnífico”.

“En Calderón, de una manera simplista, hay una oposición frontal entre las virtudes del catolicismo, encarnado por Catalina y su ansia de justicia y después su compasión, y los vicios de los que surge la escisión anglicana. Ésta religión es, según él, fruto de la pasión y lujuria de Enrique VIII y de la manipulación del Cardenal Volseo en su ansia de poder, lo que lleva a ambos a enfrentarse al papa. Más allá de lo religioso yo me quedo con el Calderón humanista que hace grandes preguntas sobre lo que somos, individual y colectivamente. Es un genio de la pregunta: ¿Quiénes somos? ¿Qué debemos hacer en cada situación? ¿Somos libres de elegir? Él responde desde su condición de hombre de fe católica, nosotros dejamos esas preguntas abiertas”.

Hombre Vs Rey “El rey debe encarnar todas las virtudes: la justicia, la inteligencia, la compasión. Y sin embargo el hombre es irascible, lujurioso, apasionado hasta cegarse. Esos dos hombres en uno, como en un combate entre el Dr. Jeckyll y Mr. Hyde, se batirán en amargo duelo durante la obra. Yo me quedo con el martirio de un rey que sabe que tiene una misión con su ciudadanía y no la está cumpliendo, y gusto de imaginar que los fantasmas de la conciencia se aparecen con la misma dureza a algunos que han usado el poder para su provecho con una falta absoluta de sensibilidad cívica ante las dificultades de muchos ciudadanos”.

la visual

André y Dorine Obra universal. Obra sin palabras. Obra de emociones intensas. Ha girado por medio mundo. Hizo parada en el Fernán Gómez el año pasado y fue tal la conmoción en el público que se agotaron todas las entradas y, claro, lo han tenido que volver a programar. La compañía Kulunka Teatro está detrás de esta pequeña gran maravilla escénica en la que se juega con esas particulares máscaras para contar la historia de un matrimonio de ancianos que, como tantas otras parejas, ha olvidado con el tiempo lo que un día les unió. Pero un acontecimiento vital les volverá a reconectar con el amor, les hará recordar lo que ha sido una existencia rica en felicidad. Risa y lágrima se tocan en este viaje inolvidable. Teatro Fernán Gómez. Del 19 de marzo al 12 de abril

panorámica

Salvator Rosa o el artista presencia de Nancho Novo ejerciendo el papel Francisco Nieva, a sus 90 años, vuelve al del pintor protagonista que da nombre a la Centro Dramático Nacional, vuelve al María obra, junto a Gabriel Garbisu como Masanielo, Guerrero, donde en 1982 estrenó, bajo su Carlos Lorenzo como Spadaro, Ángeles Martín propia dirección, Coronada y el toro, una obra como Floria, Beatriz Bergamín como Rubina que conmocionó profundamente al público o Alfonso Blanco como Pittichimadrileño. Volvería en naccio. 1997 con la producción Guillermo Heras dirige de Pelo de tormenta que una obra cumbre en la La libertad del artista dirigiera Juan Carlos Pérez y la revolución producción de Francisco de la Fuente y todavía una El propio Nieva reconoce vez más, en 2002, cuando Nieva, autor de incontestaque, después de La señora puso en escena como ble originalidad Tártara, Salvator Rosa es “la director el Manuscrito encomedia más ambiciosa, de contrado en Zaragoza. Un fondo y forma, que he escrito centro de producción pújamás.” Pertenece a su trilogía blico es, tal y como está el italiana (junto a El baile de patio, el lugar más óptimo Del 27 de febrero al 5 de abril los ardientes o Poderoso para las obras del autor Teatro María Guerrero Cabriconde y Los españoles de Valdepeñas, propuestas bajo tierra o El infame jamás), casi siempre pantagruépublicada en edición conjunta licas que exigen elencos por Cátedra en 1988, aunque la idea llevaba abultados y líneas estéticas de las que ya no se rondándole al escritor desde que, viviendo en ven, por costosas, en el teatro privado y, no diParís en los años 50, lee El signor Formica de gamos, en el off. El reparto de esta producción E.T.A. Hoffmann. Se trata de una sátira sobre que comanda Guillermo Heras está formado por el poder ubicada en el Nápoles de 1967, en 12 intérpretes, entre los que destacaremos la

Auge y caída En julio de 1647, en Nápoles, un pescadero se erigió en líder de una revuelta popular. Los napolitanos de a pie estaban hartos del mal gobierno del virrey español, el Duque de Arcos. Una subida de impuestos sobre la fruta prendió aquel estallido de indignación capitaneado por Masanielo, que pocos días después, cegado por el poder, se convirtió en un tirano y terminó decapitado por sus propios conciudadanos. El Duque de Rivas recogió este hecho en su Sublevación de Nápoles capitaneada por Masanielo, donde escribió: “corto fue el periodo de aquella memorable revuelta, pero importantísimo en la Historia porque en él se puede estudiar la energía que da la desesperación a los pueblos oprimidos.” Un contemporáneo del Duque de Rivas, hoy olvidado, Antonio Gil y Zárate, le dedicó un gran drama romántico al héroe caído en la obra Masaniello, estrenada en el Teatro Español en 1841.

los días anteriores y posteriores a lo que pasó a la Historia como la sublevación de Masanielo. Salvator Rosa es un pintor que ama lo extraordinario, que no se pliega a los cánones estéticos del momento (representados por Ribera en la función). Muchos estudiosos coinciden en señalar que en este Salvator se esconde un autorretrato del propio Nieva en cuando artista libre de cualquier atadura moral, política o estética.

Entre tradición y modernidad

Como bien señala el director de esta tentativa, Guillermo Heras (que ya dirigió otro texto de Nieva en 1993, Nosferatu, en el añorado Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas), “si existe un autor español contemporáneo que mejor haya sabido construir su discurso estilístico en la síntesis de tradición y modernidad, ese es, sin duda, Francisco Nieva.” Según Heras, el Duque de Rivas, Valle-Inclán y Ionesco se dan la mano orgánica y armoniosamente en obras que, como Salvator Rosa, son un festín teatral donde la idea convive con la acción y la diversión con el mensaje. Porque, hay que dejarlo claro, estamos ante una comedia con vocación de hacer reír pese a todo. Álvaro Vicente

FOTOS: marcosgpunto

estrenos

Artículo 47 de la Constitución española: Todos los españoles tienen derecho a disfrutar de una vivienda digna y adecuada. Los poderes públicos promoverán las condiciones necesarias y establecerán las normas pertinentes para hacer efectivo este derecho... En papel mojado han convertido nuestra Carta Magna los que tienen la labor de hacerla cumplir, y desde el Teatro Alfil nos dan su propia versión del asunto con una comedia con tintes musicales que trata la trágica realidad de los desahucios en España. El punto de partida es una pareja de jóvenes que compra una vivienda mediante una hipoteca. Para ello utilizan como aval la casa familiar que pertenece al padre de ella, viudo. Con la llegada de la crisis la pareja no puede hacer frente al crédito, son desahuciados y el banco ejecuta el aval. Artículo 47 es una apuesta novedosa y atractiva que incluye música y canciones en directo para contar esta realidad social que a nadie deja indiferente.

El disco de cristal Desde el 6 de marzo Teatro Lara

Artículo 47

Desde el 5 de marzo Teatro Alﬁl

Me encanta cuando el talento de la gente florece y se expande venciendo estereotipos o juicios realizados sin ningún fundamento. Trabajo le ha costado a Secun de la Rosa emitir su propia luz, una enorme y talentosa luz, ya que parecía siempre eclipsado por la sombra de los demás. Pero lo ha conseguido y se ha consagrado con montajes como este. El disco de cristal es una versión libre y personal de El Zoo de Cristal de Tennesse Williams, ambientada en la España actual, con aires de los 80 donde la música es conductora y aligera una historia que habla del éxito y del fracaso a través de unos personajes vitales, muy humanos y reconocibles. S. D.

entrevista

Antonio Rojano “Es hora de reencontrarnos con la memoria dañada” Miembro del G21, esa nueva generación de dramaturgos que homenajeábamos el mes pasado, Rojano da el salto al Centro Dramático Nacional con una obra salida del laboratorio Escritos en la escena, que se encargará de poner en escena Paco Montes. Algo sabemos de esta obra, como que es de sinopsis enrevesada... ¿de qué va La ciudad oscura? Un escritor, seguramente no en un buen momento de su vida, está escribiendo una obra de teatro con la ayuda de su hija. A través de este viaje de creación también viviremos dentro del texto que están escribiendo, alternando realidad y ficción. En la obra que escriben, un jinete de carreras de caballos acaba de suicidarse, o eso parece. A partir de la investigación policial de este crimen descubriremos que hay una herida mucho más profunda en el interior de esta ciudad oscurecida por el miedo. ¿Cuál es el gran tema de la obra? El gran tema es la manipulación de la memoria. Pero no en un sentido menor, sino en toda su amplitud. Se habla de la manipulación informativa, de la ficcionalización del pasado, de los falsos mitos que se venden desde el poder. Pero no he querido olvidar que estas acciones las acometemos los individuos en nuestra vida cotidiana. Desde la transformación de nuestros propios recuerdos a la manipulación a la que sometemos a los demás. Incluso, en este caso, también se habla de esa manipulación de los escritores sobre sus propias creaciones. ¿Y su mensaje? Partiendo del tema, considero que las nuevas generaciones hemos alcanzado ese momento que nos demanda mirar atrás para reencontrarnos con la memoria dañada y ausente que tenemos en este país, y tratemos de enfrentarla para poder evolucionar como sociedad. Somos hijos, como sociedad, de la llamada Transición… ¿es hora de matar al padre y a la madre, psicoanalíticamente hablando? No es hora de matar al padre. En este país ha pasado lo que ha pasado. Nada podemos hacer. Debemos convivir con el padre, conocer al padre, entender sus motivos... y si chochea demasiado, subirlo al trastero. Pero si renunciamos a su memoria siempre será como volver a empezar. Álvaro Vicente

El autor cordobés llega al CDN con La ciudad oscura, protagonizada por Pilar Gómez, Ana Otero y Fernando Soto Del 18 al 29 de marzo Teatro María Guerrero

lírica

La gran duquesa de Gerolstein momento, también se convirtió en ocasiones en Al programar esta opereta de Offenbach con mecanismo de denuncia y crítica social. libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, el TeaLa opereta nos traslada a una época no del todo tro de la Zarzuela está recuperando un género definida en la que la malcriada y tirana duquesa que, durante los siglos XIX y XX, se mostró con de Gerolstein está aburrida, hecho que la obliga mucha frecuencia sobre sus tablas. Eso sí, convea entretenerse declarando la guerra en el exterior nientemente ‘arreglado’ (traducido y adaptado al y haciéndole la vida imposible a la corte y a su español) para procurar el disfrute del público que ejército en el interior. Durante una revista a sus acudía al coliseo madrileño. tropas, la gran duquesa se enamora perdidaEn esta ocasión, la conocida pieza antimilitarista mente del hermoso y francesa sube a escena traduciviril soldado Fritz, al que da al español, como entonces, Zarzuela bufa en tres actos asciende rápidamente, con dirección musical a cargo y cuatro cuadros de Henri incluso por encima de su de Cristóbal Soler y con una Meilhac y Ludovic Halévy superior el general Bum. emblemática producción de con música de Jacques Los voluptuosos deseos Pier Luigi Pizzi. Esta puesta en de la duquesa, que escena, sumamente sencilla, es Offenbach menosprecia desde hace una muestra del estilo y coloriseis meses a su prometido del regista italiano, capaz Del 13 al 28 de marzo do oficial, el afeminado de llegar, con los recursos más Teatro de la Zarzuela príncipe Pol, generará simples, a la escena misma del una conmoción en teatro lírico francés. Esta opereta, Gerolstein en la que se que relata la divertida historia de mezclarán el autoritario ambiente castrense, las una extravagante y tiránica aristócrata, resulta intrigas de corte y los inesperados derroteros que una interesante ocasión para corroborar cómo el tomarán los caprichos de la hastiada duquesa. género aparentemente más despreocupado del

FOTO: Fundación Teatro La Fenice. Michele Crosera

ESTRENOS

Esta sátira política sobre Atenas fue escrita por Aristófanes hacia el 380 a. C. y nos presenta a Pluto, dios griego de la riqueza, del dinero. Sin embargo, este dios es ciego y eso es algo que no deja de atormentarle porque le impide ver a quién se entrega. Por suerte, Crémilo, un agricultor arruinado, le devuelve la vista y a partir de ahí todo se vuelve un sueño para unos y una pesadilla para otros. Esta aparentemente ligera historia le permitió a su autor reflexionar sobre el deterioro de la democracia y el aumento de la corrupción y a la vez de la pobreza. Tras su éxito en Mérida el montaje llega a Madrid protagonizado por Javier Gurruchaga, Marcial Álvarez y Marisol Ayuso, entre otros, y dirigido por Magüi Mira: “Pluto es humor del bueno porque además nos hace reflexionar. Un humor ácido, satírico, deslenguado, que nos invita a la fiesta. Una fiesta donde la pobreza esté erradicada y la riqueza, es decir Pluto, lejos de abusos, de exclusiones…”

Pluto

Del 25 de marzo al 3 de mayo Teatro La Latina

entrevista

Estefanía de los Santos “Latifundista de mí misma gracias a Messiez” FANY Y LAS PLANTAS ANTES DE LAS PLANTAS “Sigo teniendo la misma relación con las plantas antes y después de hacer este monólogo, no ha cambiado nada. El floristero de mi barrio tuvo la osadía de decirme una vez: cada vez que entras las plantas tiemblan, porque las mato todas, no sé qué pasa pero se me mueren siempre, no sé cuidarlas bien”. FANY Y PABLO MESSIEZ “Con él he trabajado en otras dos obras, Ahora y Los ojos (sustituyendo en algunas funciones a Violeta Pérez) y Pablo para mí... así de forma sencilla... es el director de mi vida. Él de cada encuentro para ensayar hace algo fácil y trabaja contigo, con la materia prima que tienes, te aprovecha a ti y adapta a la actriz lo que haya que contar. Luego también es exigente y te pide y sabe guiarte y llevarte hasta zonas donde ni siquiera tú sabías que podías habitar. Pablo te convierte en latifundista de ti misma. Pablo ama a los actores”.

Monólogo desgarrador escrito por Pablo Messiez para lucimiento de la actriz sevillana, que lo borda

Desde el 12 de marzo Teatro Lara

FANY Y LOS ESPACIOS “Llevo dos años y medio conviviendo con este personaje, hemos pasado por el casoplón del Conde Duque cuando estrenamos en el Fringe de 2012, por el sofá del siglo XVIII de la Sociedad Cervantina, por la Mirador y sus muebles recogidos de la calle... y la adaptabilidad que tiene este texto no es normal, sin cambiar ni una coma los hemos habitado todos, es una historia universal”. FANY Y ALICIA, PROTAGONISTA DE LAS PLANTAS “Con Alicia materializamos eso que todos buscamos, que nos quieran, coño, que es inevitable. Expresa la necesidad de que te abracen, de que te cuiden, de que te amen, porque sin eso no se podría haber desarrollado la especie humana. Es necesario. Aunque nos guste la soledad -y a mí me encanta- somos seres sociales y sin amor la vida es muy triste”. Álvaro Vicente

ESTRENOS

Fui a verla en su estreno en El Sol de York (cómo os echamos de menos) y me pasé varios meses recomendándola a todo aquel que me pidiera una opción teatral para llenar su tiempo libre. No andaba muy desencaminado, es la cuarta temporada que podemos disfrutarla en cartelera y nadie de los recomendados me lo tuvo que echar en cara. Tiene todos los elementos para gustar: es divertida, dinámica, fresca, cuenta con música en directo y con un gran elenco de actores/actrices... bueno, dos elencos, porque sigue manteniendo la estructura de tener dos repartos de auténtico lujo que se van alternando según los días de función y sin perder ni un ápice de calidad (comprobado). La obra de Peris Romano es una dramedia romántica que habla sobre esas reacciones en cadena derivadas de nuestras decisiones. Un puzzle de momentos y situaciones en torno a la vida de seis personajes, que están a punto de romper con su rutina emocional y sentimental. S. D.

FOTO: Javier Naval

Los miércoles no existen Desde el 6 de marzo Teatro Fígaro

Trágala, trágala

Desde el 25 de marzo Teatro Español

Farsa contemporánea escrita por Íñigo Ramírez de Haro, donde el humor y la capacidad de reírse de uno mismo son el medio más directo para comprender tanto la historia de España como su realidad actual, social, política y cultural, que nos afecta dramáticamente a todos los ciudadanos. Nadie debería ignorar que la historia siempre se repite (sobre todo cuando se olvida). No te desesperes, porque España no es una tragedia; es un sainete, que es mucho mejor, dónde va a parar. Antes de que votes en las próximas elecciones y tomes una decisión importante para tu país, afila tu sentido crítico y tus ganas de reír con este montaje que la compañía Yllana lleva a cabo.

CRÍTICAS

Crituits

Crítica: Banqueros vs. Zombis Teatro Galileo Por Alfonso Álvarez-Dardet

Distopía interactiva Esta es una obra de teatro ambiciosa. A las actuaciones de Alberto Basas, Roberto Correcher y Dolores Garayalde hay que sumarle una gran producción audiovisual que incluye cameos de actores conocidos como Carlos Hipólito, Silvia Marsó o Pepe Viyuela y la posibilidad de interactuar por medio de una aplicación para móvil. Un completo, vamos. La obra nos introduce en el supuesto de que el Fondo ‘Dinerario’ Internacional ha dado con la clave para solucionar el problema de la deuda: convertir a los deudores en zombis. Y como si de una alegoría de las miserias humanas se tratase, somos testigos de las artimañas que los mercados especuladores fraguan para favorecer los intereses de ciertas empresas. Al final, quienes pagan el pato son los de siempre, los que no tiene nada. La mayoría de habitantes de África se convierten en muertos vivientes. Lo que les separa de nosotros: tres vallas de metal. Poca cosa. Durante el espectáculo vemos cómo vídeo, público y actores interactúan en una vorágine de simposios, juego bursátiles y una parodia del popular programa de televisión Factor X. Se trata, sin duda, de una función ideada para no dar tregua al público y que este, si procede, experimente una especie de catarsis colectiva de repulsa a los entramados financieros. La obra es una clase de macroeconomía que dura cerca de dos horas. El trabajo documental realizado por Pilar G. Almansa y Dolores Garayalde, sus ideólogas, es bestial. Quizás, como pega, la comprensión para el espectador puede resultar un tanto difícil. Sin embargo, luego ocurre que cuando termina la obra todo tiene sentido. Hasta el punto de que te preguntas, ¿sabré más economía de lo que pensaba? Consejo: lleva la batería del teléfono cargada.

Crítica: Como si pasara un tren Teatro Por Susana Sánchez

Afán de poesía, afán de esencia Montaje íntimo y cargado de verdad que con una certera dirección de Adriana Roffi, nos cuenta cómo cambia la vida de Susana (María Morales) y su hijo disminuido psíquico Juan (Carlos Guerrero) cuando llega a vivir con ellos su sobrina Valeria (Marina Salas), adolescente tachada de drogadicta desde que su madre le pillara un porro. A Valeria la mandan al campo, a casa de su tía para que cambie de aires, para que se cure. Y la obra arranca en ese punto clásico en el que un extraño llega y su presencia descubre las grietas de un mundo apuntalado. Valeria resultará ser la sanadora de un relación endogámica y claustrofóbica donde el miedo de una maFOTO: Teresa Arilla dre sobreprotectora no deja crecer a un hijo inmaduro intelectualmente, pero cuerdo y sano en sus esperanzas y deseos, obviados por su madre herida. Valeria llega en el momento justo de ayudar a su primo, de ayudar a su tía, de ayudarse a sí misma a crecer, sobre todo, en generosidad. La obra es un drama de una gran sencillez, en todos los sentidos. El buen teatro no tiene afán de audiencias, sino de poesía: la obra conmueve y

mucho porque está muy bien escrita, los personajes no son nada maniqueos y resultan verosímiles, cargados de humanidad y, como guinda, el final logra reconciliarnos con el ser humano y nos deja muy buen sabor de boca. Culpables de dar cuerpo y alma a esta historia corriente son un estupendo trío de actores: Marina Salas es una joven actriz con personalidad, gran naturalidad y un puntito de bordería a lo Candela Peña que la hace muy atractiva. Carlos Guerrero compone un personaje difícil, sin abuso los tics físicos, dotando al personaje de ingenuidad y ternura, pero también de gran carácter e incluso picardía. Por último, y con el personaje de mayor peso dramático, ya que es el que tiene un pasado más doloroso, María Morales, una pedazo de actriz que no hace una Bernarda Alba, ni mucho menos, porque su madre aunque autoritaria no tiene el corazón de piedra y lo mismo se enfada con la rabia de las mujeres mediterráneas, que reparte esos besos ruidosos que agobian, o se le escapa una lágrima, como un deseo furtivo al que no sabe dar nombre, hasta el abrazo final reconciliador.

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 25 de febrero

reportaje

El señor Ye ama los dragones El señor Ye era un entusiasta de los dragones, los adoraba. Le gustaban tanto los dragones que los tenía pintados por toda la casa, por las paredes, por los utensilios de cocina, en las toallas y los albornoces, hasta en su cuerpo, tatuado con el motivo de las mitologías asiáticas por excelencia. Un día, el rey de los dragones tuvo noticia de la existencia del señor Ye y de su admiración por los de su especie. Así que decidió volar hasta su casa y hacerle una visita por sorpresa. Pero el rey de los dragones es tan grande, que no cabe por la puerta de la casa del señor Ye, así que decide asomar su cabeza por la ventana y... el señor Ye se lleva tal susto que, aterrorizado, sale corriendo en dirección contraria y jura no querer volver a saber nada FOTOS: Sergio Parra de los dragones en su vida.

ta de que lo que te gustaba era la idea de esa cosa, pero no la cosa en sí. Y es lo que termina sucediendo en la función. El dragón viene a ser algo así como la verdad. A veces queremos saber la verdad pero cuando realmente la conocemos, nos horroriza, nos espanta y salimos corriendo. Es lo que le pasó a Edipo exactamente, que quiso saber la verdad y cuando la supo no pudo soportarla y se arrancó los ojos.”

Thriller tragicómico

La que busca la verdad en esta obra es Gloria Muñoz, o más bien Magdalena, su personaje, que ya se ha topado un par de veces en el rellano de su edificio con un extraño personaje envuelto en una manta que desaparece escaleras abajo. Un día decide perseguirle y llega hasta el sótano, donde viven dos mujeres chinas, madre La primera apuesta de e hija. Llevan conviviendo El rostro de la verdad la era Pérez de la Fuente 18 años en ese piso y, por Esta vieja historia se la llega con texto de Paco fin, Magdalena va a llamar saben todos los chinos, es Bezerra y dirección de a esa puerta para intentar como una parábola que le Luis Luque arrojar luz sobre el misterio sirve a Paco Bezerra para que tanto le inquieta. Según dotar de sentido último a Bezerra, la obra empieza esta función, la primera Del 18 de marzo al 3 de mayo siendo un thriller por ese programada por Juan Naves del Español en Matadero componente misterioso, pero Carlos Pérez de la Fuente sin abandonar un cierto tras asumir la dirección del tono de comedia donde el Teatro Español y las Naves sarcasmo es moneda corriente. El segundo acto del Matadero como sucesor de la era Grueso. transitará un momento fantástico, apocalíptico, “El proverbio del señor Ye”, nos cuenta Bezerra, envuelto en una densa bruma y, finalmente, “tiene que ver con ese otro dicho nuestro: ten como en el caso de Edipo, quizás todo acabe cuidado con las cosas que deseas, porque en tragedia... o en tragicomedia. “Los géneros puede que se hagan realidad. Tú te crees que puros se acabaron”. Pues eso. Álvaro Vicente quieres algo y cuando lo consigues te das cuen-

DANZA

Ballet de Hamburgo Por sus palabras y sus notas sabemos que para Después de la representación de Muerte en Veél también era muy importante la parte mítica. necia (diciembre de 2014), última ópera escrita De hecho, se interesó conscientemente por una por Benjamín Britten, inspirada en el relato corto parte metafísica que se erige sobre el argumento que Thomas Mann escribiera en 1912, el Teatro concreto y narrable. Neumeier consigue traspaReal de Madrid estrena esta noche otra cara de sar de las páginas del libro a su enorme escenala misma moneda: la versión para ballet que rio la tristeza y melancolía de este intelectual a sobre el mismo relato hiciera John Neumeier, punto de morir que es acosado por los fantasmas director artístico del Hamburg Ballet, en 2003. de su pasado (su madre, sus tiempos de niño feLa obra sigue cronológicamente el relato que liz), su propia frustración Thomas Mann hizo sobre un creativa (representada artista maduro y en decadencia, Adaptación libre de la en una pareja de bailariel profesor Von Aschenbach, que obra de Thomas Mann, nes que se le aparecen y se enamora perdidamente de Muerte en Venecia, a le torturan), la dolorosa un adolescente polaco durante cargo del coreógrafo John imagen de su amor sus días de reposo en el Lido de prohibido y una ciudad Venecia. Este ballet está dividido Neumeier idílica y supuestamente en diez escenas y utiliza la múinspiradora que vive su sica de Johann Sebastian Bach Del 18 al 21 de marzo peor momento asolada y Richard Wagner para ilustrar Teatro Real por la peste que diezma el viaje de Aschenbach del a la población y es arte a la vida... y la muerte. En ocultada a los veraneanpalabras del propio Neumeier, tes que son los que mantienen la economía del “un hombre adulto fascinado por un joven. lugar. Tres únicas oportunidades para disfrutar Puedo coreografiar esta parte mítica, esta parte de una pieza deliciosamente perturbadora. emocional, pero no el texto de Thomas Mann”.

en familia

TE A TRA LI A ca). La representación española procede de En sus 19 años de vida, Teatralia ha traído Andalucía, Cataluña, La Rioja, Madrid y País a Madrid las mejores creaciones internacioVasco. A lo largo de cuatro semanas, Teatranales y españolas para el público infantil y lia 2015 llegará a 42 espacios escénicos de juvenil. Hoy es ya un festival de referencia y la Comunidad de Madrid una cita esperada para con 19 montajes de mael público, que cada año gia, teatro de sombras, disfruta con un programa Llega la XIX Edición del teatro de títeres, actores en el que están presentes Festival Internacional de y objetos, música, danza todas las disciplinas Artes Escénicas de la y producciones multidisescénicas. Serán 24 días Comunidad de Madrid ciplinares, ofreciendo -del 6 al 29 de marzo de para niños y jóvenes más de un centenar de 2015- de grandes especfunciones. De ellos, 12 se táculos de la mano de 19 verán por primera vez en compañías nacionales Del 6 al 29 de marzo España. Una cita única e internacionales. Entre Teatros del Canal y otros... para disfrutar y recorrer las extranjeras, que son los universos mágicos once, hay presencia de que nos proponen los formaciones latinoamerimás destacados creadores de obras para canas (de México y de Argentina), africanas público familiar. Para horarios consultar: (de Zimbabue y de Kenya) y europeas (Dinamarca, Francia, Italia y República Chewww.madrid.org/teatralia. S. Díaz

1. alas Compañía aSombras. Alas (imagen superior), es un espectáculo visual que combina el trabajo gestual, las sombras corporales, la danza y los títeres en sombra. Imágenes poéticas, delicada música y elementos sonoros expresivos que narran una historia llena de humor y sorpresas.

2. skabelse (creación) Compañía Teater Refleksion (foto). Cuento con dos titiriteros y un músico. Es un paisaje, poesía, delicadeza y un profundo ejercicio sobre la belleza que nos transporta al norte de Europa.

3. schlaf gut süsser mond Compañía Dschungel wien & Iyasa.

Coproducción del grupo Iyasa (Zimbabue) y el director Stephan Rabl (Austria). Canciones africanas de cuna inspiran esta historia en la que la luna observa mientras el sol duerme.

4. bhrava! Compañía L’Animé. El proceso de creación se ha desarrollado a través del trabajo con materiales, títeres, el mimo y la danza, una unión que ha proporcionado un nuevo lenguaje de expresión para la compañía. Este montaje es belleza en estado puro. 5. jugar Teatro al vacío. Espectáculo de danza que aborda el juego como actividad del ser humano. Lo ejecutan dos bailarines que juegan a la simbolización más primaria, al modo como lo hacen los niños; cuando uno hace de oveja, el otro, de lobo... 6. un bosque de piernas Compañía Farrés brothers i cia (foto). Una niña se pierde entre la multitud de una estación de tren y sólo ve piernas. Mezcla el trabajo actoral con objetos, máscaras y títeres. 7. kibubu Compañía Marie de Jongh. Kibubu es un espectáculo que

habla sobre el respeto y la libertad. Kibubu es teatro gestual, sin palabras y con registros de clown, que se apoya en la música y el juego teatral.

8. giusseppe y peppina Compañía El Retablo. Bella historia de amor ambientada en

el circo, delicada, optimista y llena de ternura. Un espectáculo que combina la interpretación, los títeres, la música en directo y la danza; disciplinas que acometen con rigor dos únicos intérpretes.

9. palabras al vuelo Compañía Núbila Teatro. Montaje inspirado en la poesía del argentino Jorge Luján que rescata la parte poética que está en todos nosotros. Para ello recurre a las técnicas del teatro de títeres, la manipulación de objetos y la música en directo. 10. la pecora nera (la oveja negra) Compañía Teatrodistinto. Hay una oveja negra, ¿está enfadada?, parece solitaria, parece traviesa, tal vez es mala porque las otras ovejas no la quieren… 11. poslední trik georgese mélièse Compañía Drak Theatre (foto). El último truco de Georges Méliès se inspira en la extraordinaria vida y obra del pionero del cine Georges Méliès. Mucho humor y gran calidad. otras compañías. La Tartana ofrecerá Atrapasueños. Desde Francia Compagnie À Demi-mot con Cactus y Érase una vez una silla de la Compagnie Nathalie Cornille. Eskarnia presenta No se nace al nacer y Almudena Mestre y Nacho Bilbao PIM PAM PUM. De Dinamarca SneOejne de Gazart. Borja González nos ofrece Sueños de Arena. Y desde Kenya Tears by The River de Krystal Puppeteers.

en familia

El Quijote y yo Tomás está castigado. Por tercera vez llega a casa con un suspenso. La razón, negarse a hacer la redacción obligatoria sobre el Quijote. Tomás se siente tremendamente desdichado y no entiende por qué tiene que escribir sobre alguien que ‘nada’ tiene que ver con las cosas que le suceden a él. Esa noche, cuando todos duermen, Tomás se apresta a partir lejos de la casa donde no le comprenden ni le quieren. Al abrir la ventana, un rayo de luna cae sobre el voluminoso libro culpable de sus desdichas. En medio de polvaredas y rechinar de hierros, surge la figura esperpéntica de un descalabrado Don Quijote, harto de permanecer 400 años metido en gruesos libros polvorientos, harto de que lo saquen cada dos por tres para estudiarlo como un bicho raro, del derecho y del revés. El anciano , que se siente tan desdichado como Tomás cree que es una ‘gloriosa’ idea huir juntos en busca de aventuras. A su pesar y sin dejar de refunfuñar, Tomás parte junto a Don Quijote, que va feliz. A poco de salir empiezan las aventuras y se ven envueltos en historias rocambolescas de las que salen bastante aporreados y con mucho que hablar...

La compañía La Bicicleta vuelve a mostrar esta entrañable versión sobre el clásico cervantino 10 años después de su estreno A partir del 7 de marzo Teatro Sanpol

Pinocho, un musical para soñar

Hasta el 5 de abril Teatro Rialto

Emotivo musical del clásico italiano de Carlo Collodi con el que podrá disfrutar toda la familia. El espectáculo cuenta las fascinantes aventuras del travieso títere de madera empeñado en convertirse en un niño de verdad. Su curiosidad por conocer el mundo que lo rodea lo apartará del camino de la escuela y lo llevará al teatro de marionetas de Stromboli, a la feria, al fondo del mar e incluso al estómago de una ballena

glotona. Un sinfín de peripecias en las que Pinocho contará con la ayuda de sus amigos Grillo y Hada, aunque tendrá que esquivar las trampas de los malvados Zorro y Gata. Una aventura musical, con todos los ingredientes para asegurar la diversión. Un espectáculo didáctico y pedagógico que conseguirá estimular a los más pequeños con su música original y divertida y con unas coreografías maravillosas.

Y ABÓNATE YA A LA MEJOR ÓPERA 15_16

ÓPERA

Y ELIGE ENTRE 16 TIPOS DE ABONO DE ÓPERA Y DANZA

Roberto Devereux Donizetti

B. Campanella · A. Yurkevych · Alessandro Talevi 22 septiembre_8 octubre 2015

Händel

Rigoletto Verdi

Alcina

Christopher Moulds · David Alden 27 octubre_10 noviembre 2015

Nicola Luisotti · David McVicar 30 noviembre_29 diciembre 2015

Mozart

La flauta mágica

Ivor Bolton · Barrie Kosky 16_30 enero 2016

La prohibición de amar Wagner Benjamin Written on Skin Parsifal Wagner Verdi Luisa Miller Moisés y Aarón Schönberg Ullmann El emperador de la Atlántida I Puritani Bellini Ivor Bolton · Kasper Holten 19 febrero_5 marzo 2016

Christopher Purves · Barbara Hannigan 17 marzo 2016

Semyon Bychkov · Paul Weigold · Claus Guth 2_30 abril 2016

James Conlon 23_26 abril 2016

Lothar Koenings · Romeo Castellucci 24 mayo_17 junio 2016

Pedro Halffter · Gustavo Tambascio 10_18 junio 2016

Evelino Pidò · Emilio Sagi 4_24 julio 2016

Verdi DANZA

DESCUBRE LA NUEVA TEMPORADA

I due Foscari

P. Heras-Casado 12_18 julio 2016

Staatsballett de Berlín

And the Sky on that Cloudy Old Day · Static Time · White Darkness · La bella durmiente 4_9 septiembre 2015

Sasha Waltz

Consagración · Escena de amor · Preludio a la siesta de un fauno 9_12 marzo 2016

Compañía Nacional de Danza In the Night · Suite (trío) · Raymonda Divertimento · Homenaje a Enrique Granados 22_26 julio 2016

Abonos de ópera y danza ya a la venta en: Taquillas • 902 24 48 48 • www.teatro-real.com