Godot Noviembre 2012 by Godot

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Imagen de la Compagnie Marie Chouinard y su espectáculo Body_remix que estará en Madrid en Danza. Pág. 44

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palabra de espectador

fotosíntesis Pablo Mesiez

noticias

en portada Doña perfecta

en cartel Varios

entrevista José Sacristán

reportaje Una mirada al mundo

www.facebook.com/revistagodot @RevistaGodot

entrevista

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dirección y edición GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43

Dan Poole y Giles Terera

redacción redaccion@revistagodot.com, Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, Rubén González dirección comercial Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com maquetación y diseño David Hinarejos fotografía Karlos Sanz colaboraciones Rafa Romero de Ávila, Noelia Martín imprime Exce Consulting Group

madrid off cómicos x madrid reportaje 1812 Vive la Pepa!

reportaje Madrid en Danza

menudo teatro lírica / música formación

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cartelera

Depósito Legal M-37604-2010

Noviembre 12

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Palabra de...

espectador

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Invitamos a algunos de nuestros lectores a asistir al nuevo espectáculo de Tricicle, Bits, y luego les pedimos que nos dieran su opinión sobre él. Teatro Compac Gran Vía Hasta el 30 de diciembre.

“Me pareció una obra muy divertida, con gags muy buenos y actuales. Representaciones breves y ágiles, en las que más de uno nos vimos reflejados. Pasamos todo el tiempo con la sonrisa puesta, es un espectáculo que merece la pena ver”. Paloma García “Bits es un espectáculo divertido y de humor fácil aunque más elegante que la media. Se echa en falta gags más desarrollados y alguna historia o mayor nexo común que no los haga parecer un mera sucesión. Se nota que tienen su público y llenan el teatro de incondicionales”. Alejandro Madrid “La obra me gustó bastante, me reí un montón y eso que Tricicle no me ha llamado nunca mucho la atención, ¡pero se me hizo hasta corta! Al ser sketches y de temas tan variados se hace muy entretenido. Y el trabajo de los 3 actores, la capacidad de usar el cuerpo sin hablar y transmitirte una idea divertida, es IMPRESIONANTE, los momentos que hacen movimientos ralentizados es como estar mirando la televisión”. Irene González “Volver a verlos es lo más parecido a entrar a la casa de tus tíos... y anoche tocaba cena familiar. Esos tíos que ves de ciento en viento pero que te apasiona cómo se expresan y lo que expresan. Esos con los que disfrutas cada instante y cuando te marchas de su casa piensas que tienes que visitarlos más, llamarles más, estar más cerca… Esos tíos que son los que siempre han estado en el salón haciéndote reír en ocasiones señaladas y ayer, los volví a ver. Seguro que soy uno de sus sobrinos preferidos”. Gorka Martín “Nos lo pasamos muy bien, no dejamos de reír ni un minuto, completamente recomendable, es espectacular”. Mari Carmen Benito “Mi sonrisa no desapareció en ningún momento, desde que supe que iba a ir hasta el momento de la salida del teatro que nos los encontramos saludando a todo el mundo, y tuvimos ocasión de darles las gracias por tan buen momento que nos hicieron pasar”. Élida Muñiz

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Centro Dramático Nacional

UNA MIRADA AL MUNDO Las tres hermanas de Anton Chéjov Dirección: Declan Donnellan Del 1 al 4 de noviembre de 2012 En ruso con sobretítulos en español

En el túnel un pájaro de Paloma Pedrero Dirección: Pancho García Del 8 al 11 de noviembre de 2012

Bob SITI Company Dirección: Anne Bogart Del 15 al 17 de noviembre de 2012 En inglés con sobretítulos en español

Dirección: Ernesto Caballero

Teatro Valle-Inclán Del 24 de octubre al 17 de noviembre de 2012

DOÑA PERFECTA

Teatro María Guerrero Del 2 de noviembre al 30 de diciembre de 2012

de Benito Pérez Galdós Versión y dirección Ernesto Caballero

Reparto José Luis Alcobendas Diana Bernedo Lola Casamayor Israel Elejalde Karina Garantivá Miranda Gas Alberto Jiménez Jorge Machín Toni Márquez Paco Ochoa Belén Ponce de León Vanessa Vega

Coproducción Centro Dramático Nacional y Teatro Cuyás Cabildo de Gran Canaria X Congreso Galdosiano Colaboración

LA COMEDIA QUE NUNCA ESCRIBIÓ MIHURA de Carlos Contreras Elvira Dirección Tamzin Townsend Reparto Sandra Arpa Manu Hernández José Manjón Gorka Martín

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva Del 16 al 25 de noviembre de 2012

ATLAS DE GEOGRAFÍA HUMANA

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa Del 23 de noviembre al 30 de diciembre de 2012

de Almudena Grandes Adaptación Luis García-Araus Dirección Juanfra Rodríguez

Reparto Arantxa Aranguren Nieve de Medina Ana Otero Rosa Savoini Músico Ángel Ruiz

CICLO DE LA NOVELA AL TEATRO http://cdn.mcu.es Venta telefónica 902 22 49 49 www.entradasinaem.es

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la fotosíntesis de Pablo Messiez

Y aunque no me necesites, te voy a cuidar Serás mi orquídea

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Noticias

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XVII Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizas

El ciclo empezó el pasado 23 de octubre y acabará el 10 de diciembre en la Sala Manuel de Falla (c/ Fernando VI, nº 4). Las representaciones de estos textos no estrenados y de autores españoles contemporáneos son de entrada libre hasta completar aforo y tendrán lugar a las 19 h. todos los lunes (a excepción de la apertura que será en martes). Esta iniciativa, que la Fundación Autor lleva organizando desde hace más de dieciséis años de forma consecutiva, busca incentivar la escritura y lectura de piezas teatrales. Una magnífica oportunidad para autores, actores, directores, productores y público que participan de esta experiencia, en la que se asiste a ver una obra nunca antes representada y ensayada ese mismo día. El ciclo incluye en la programación a los ganadores de los premios SGAE de teatro y SGAE de teatro infantil, y el Premio LAM (para obras de temática lesbiana, gay, transexual y bisexual); además del Premio Tirso de Molina y un autor del proyecto T6, que realiza el Teatre Nacional de Catalunya con la colaboración de la Fundación Autor/SGAE. Para información del calendario de obras consultar: www.sgae.es

El Festival Don Quijote en París Organizado por el Grupo Zorongo el festival programa en París su vigésimo primera edición con seis espectáculos de teatro y danza del 20 al 25 de noviembre. Las obras seleccionadas llevan al escenario textos de autores tan destacados como García Lorca, Lope de Vega, Mario Benedetti, Juan Mayorga o Ernesto Caballero. El certamen, reconocido en 2011 con el Premio Max de la Crítica, contará con cinco compañías españolas y una boliviana que ofrecerán sus montajes en el Instituto Cervantes y en el Teatro Café de la Danse de la capital francesa. www.zorongo.com

Ron Lalá, de la escena al papel Tras el éxito de su montaje teatral Siglo de Oro, Siglo de ahora (Folía), que hasta el 4 de noviembre hemos podido disfrutar en los Teatros del Canal, ahora Ron Lalá publican un especial libro-disco. En él han incluido el texto completo de la obra (con pasajes no incluidos en versión escénica), introducciones de Javier Huerta Calvo (director del ITEM y catedrático de Literatura Española) y Antonio López Fonseca (Secretario ITEM), fichas biográficas, ilustraciones y fotos en color. Por su parte, en el disco encontraremos las peculiares canciones del espectáculo. Si quieres conseguirlo: http://ronlalaweb.blogspot.com.es/p/libro.html Edición del Instituto del Teatro de Madrid (Universidad Complutense), colección Varia escénica nº 6. Ediciones Clásicas, 2012.102 pp.

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Festival de Otoño a Primavera Casi por sorpresa el pasado 31 de octubre empezó el Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid en su nueva versión con Zimmermann & de Perrot y su Hans was Heiri que estará hasta el 4 de noviembre en los Teatros del Canal. En esta nueva andadura el festival se alargará toda la temporada y se irán estrenando paulatinamente espectáculos comprendidos en su programación. Se han confirmado Propeller, Angélica Liddell y Heiner Goebbels, entre otros. De todas formas os sugerimos que estéis atentos a porque la programación se va cerrando sobre la marcha. www.madrid.org/fo

Talent Madrid 2013 El presidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González (en la foto), presentó el pasado 19 de octubre en los Teatros del Canal la primera edición de Talent Madrid. Este proyecto tiene como objetivo descubrir e impulsar obras originales de las artes escénicas en cuatro categorías: teatro, espectáculo musical, danza y cabaret/circo, utilizando las redes sociales. La iniciativa, que pretende ofrecer oportunidades a artistas nacidos o residentes en España, permitirá que 60 creadores pongan en pie sus obras en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, durante el Festival Talent Madrid 2013 que se celebrará del 21 de febrero al 2 de marzo. Este último día se celebrará la gala final, de la que saldrá la obra ganadora. Para participar sólo hay que disponer de una idea original, una cámara y acceso a Internet. El plazo de presentación es hasta el 11 de diciembre y luego los ganadores saldrán de la votación por internet. Para más info: http://talentmadrid.teatroscanal.com

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El teatro español está reluciente... o casi. Oe,oe,oe. Las compañías teatrales han hecho un esfuerzo, los actores han renunciado a sus antiguos sueldos, los productores han arriesgado más que nunca y los números cantan a pesar de la subida del I.V.A. Naturaleza muerta en una cuneta, Siglo de Oro, siglo de ahora (folía), La vida es sueño o Un trozo invisible de este mundo han llenado y llenan teatros y ponen al público en pie día tras día. Y no puedo más que alegrarme. Estamos ante una de las mejores temporadas teatrales que hemos tenido en años. Creo. La más comprometida e inteligente de los últimos tiempos, seguro. También me alegra saber que escritores tan magníficos, jóvenes y nuestros como David Desola encuentran productores para estrenar sus textos. Y productores novatos, sabia fresca en los tiempos que corren. No se elige ser un héroe, es el título y el equipo no le va a la zaga porque la dirección corre a cargo de Roberto Cerdá y el protagonista (¡ah!, qué maravillosos seres humanos ha dibujado Desola en su teatro) lo encarna Juanjo Artero, que está que no para. Le acompañan, entre otros, Carmen Ruíz y Patxi Freytez, dos actores ante los que me rendí hace mucho. Tampoco puede quejarse Mario Gas, que va a dirigir para el Español, donde tuviera su casa, uno de los textos de Vargas Llosa que anunciara Natalio Grueso en aquella extraña rueda de prensa. El texto elegido por el catalán es La Chunga. Parte del público parece tener curiosidad ante la obra dramática del peruano. A otros parece que se les complican más las cosas, como a Will Keen. Tras el accidentado estreno de Hamlet en Madrid que, a mi entender, responde a la particular manera de trabajar de la pareja KeenFernández Ache, este montaje parece haberse convertido en un trolebús del que se bajan y se suben unos y otros actores. En el camino ha perdido la baza infalible de Pedro Casablanc, en un casting que ya era de por sí particular. Ahora, se incorpora a la gira Gorka Otxoa, ilusionado con el proyecto. Ante eso, sólo puedes desear lo mejor. Y de ‘maltrato’ podríamos definir la despedida rápida que van a dar al montaje que mejor ha funcionado en la cartelera madrileña el pasado año, Manual de la buena esposa. Los programadores del teatro han decidido retomar Burundanga y se quitan de encima sin estilo alguno uno de los espectáculos más certeros del panorama. ¡Qué le vamos a hacer! Desde aquí sólo me queda levantar una queja por medidas que considero absurdas. Chiuti

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En Portada

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Doña Perfecta Alegoría certera del sempiterno conflicto entre las dos españas, Ernesto Caballero estrena una nueva versión de aquella furibunda novela social escrita por Galdós, con protagonismo de Lola Casamayor, Israel Elejalde y José L. Alcobendas Benito Pérez Galdós, nuestro Émile Zola, nuestro Honoré de Balzac, taquígrafo de un tiempo y un país en caída libre hacia su infausto siglo XX, escribió la novela Doña Perfecta en 1876. Veinte años después, él mismo se encargó de convertirla en una obra de teatro, que estrenaría en el Teatro Español en enero de 1896 la compañía de María Tubau. Ernesto Caballero, director de probada solvencia y dramaturgo de fuste, ha desechado la versión teatral del propio Galdós por considerarla anticuada para los modos teatrales de hoy, ya que entonces se hizo con mimbres decimonónicos. Él ha hecho su propia versión a partir de la novela y la pone en escena como un cuento, “potenciando el relato”, explica, “como en una sucesión de escenas en la que me he servido de unos personajes enigmáticos, a modo de extraño coro formado por tres muchachas marginadas, las Troyas, que son como las bestias negras de Doña Perfecta, simplemente por su modo alternativo de vivir”.

Del amor al choque de trenes Como habrá quien no haya leído Doña Perfecta, todo empieza cuando Doña Perfecta y su hermano deciden que sus respectivos hijos se casen. Así es que Pepe Rey va a Orbajosa, a casa de su tía Perfecta, para conocer a su prima y prometida, Rosario. Orbajosa es una ciudad pequeña sin vida cultural y de economía renqueante, pero Rosario y Pepe se conocen y se enamoran. Inocencio, el

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penitenciario del pueblo, no está muy de acuerdo con esta unión, así que hace caer a Pepe en la trampa de su sinceridad, que acaba poniendo en guardia a Doña Perfecta. Los mundos de ambos son muy distintos, la forma de entender la vida y las relaciones también. Un auténtico choque de trenes que no anuncia un final feliz precisamente. De momento, Doña Perfecta encierra a Rosario: ya no quiere que su hija y su sobrino se casen.

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FOTO DE PORTADA: Susana Cabañero FOTOS DEL REPORTAJE: David Ruano

ESTRENO

NOV. Teatro María Guerrero Hasta el 30 de dic.

Este montaje de Doña Perfecta es una gran celebración galdosiana. Está coproducido entre el Centro Dramático Nacional y el Teatro Cuyás-Cabildo de Gran Canaria, con motivo del X Congreso Galdosiano. Además, en paralelo, en la Sala Margarita Xirgu del Teatro María Guerrero, tendrá lugar la exposición Galdós y la Realidad (del 2 de noviembre al 30 de diciembre), una muestra organizada junto al Museo Nacional del Teatro que dirige Andrés Peláez. En ella se exhibirá un interesante compendio de figurines, escenografías, paneles didácticos, pinturas, dibujos, esculturas, documentos, programas de mano y fotografías relacionados con Galdós y su obra como novelista y dramaturgo.

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En Portada

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A vueltas con las dos españas Ernesto Caballero explica que Galdós escribió esta novela “en un arranque liberal y anticlerical furibundo. Es una obra de juventud y, de alguna manera, está anticipando el dolor de España y el anhelo de regeneración de los noventayochistas. Básicamente, Galdós escribe sobre la dificultad o la imposibilidad del progreso en España, sobre todo en una época donde a España, una vez más, una de tantas, le cuesta incorporarse al tren del progreso en Europa”. Esa imposibilidad viene del retraso y de los réditos que los poderosos sacan de ese retraso, queriendo perpetuar un estado de cosas caciquil y retrógrado donde prima el servilismo, la relación vertical de poder y la concepción católica del pastor que ha de guiar al rebaño. Ese modelo social impera en la España rural del XIX y Doña Perfecta es su manifestación patente. Enfrente se encuentra con Pepe Rey, trasunto de una mentalidad moderna, urbana y aperturista, que mira fuera, que necesita aires nuevos y nuevas formas de organizar la sociedad. “Ambos son personajes de carne y hueso, personajes con sus razones, determinados por las circunstancias sociales. Ahí es donde Galdós bebe del naturalismo, del determinismo social que recoge de Émile Zola. La obra es un grito de protesta y, lo que yo creo más importante, una muestra de la dificultad, o directamente incapacidad para el diálogo que tenemos los españoles”, dice el director del montaje.

El miedo engendra la violencia Lo que retrata Galdós es la tradición conflictiva de un país que se fraguó guerreando tras la Reconquista. “Venimos de pegarnos, de guerrear. Y cuando se guerrea son muy difíciles el matiz y la empatía. Venimos de una tradición vehemente, apasionada, de adhesiones y bandos, y el diálogo es otra cosa. Y en esta obra, la incapacidad para dialogar la tiene Doña Perfecta, pero también la tiene Pepe Rey que, aun representando el progreso, es incapaz de intentar entender el modelo de quien tiene enfrente, intenta imponer el suyo de forma igualmente sectaria. Y viene la catástrofe. El miedo es la madre de la violencia y hoy lo estamos

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viendo: el recurso al pequeño terruño, el nacionalismo, la vuelta a la infancia y la infantilización de todo... no es más que la búsqueda de lugares seguros ante la incertidumbre, ante un presente nada fácil. Es una actitud lógica en el ser humano, pero cuando se exacerba, genera violencia. Y eso es lo que le pasa a Doña Perfecta, que recurre a la violencia al final básicamente por miedo. Como siempre”.

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Una idea de compañía Esta es la primera producción que Ernesto Caballero dirige como máximo responsable del Centro Dramático Nacional. Y quiere que sea ejemplo de su forma de entender el teatro público, “un arte colectivo que hacemos todos, donde la idea de compañía es fundamental, a nivel artístico y a nivel técnico. El Barça juega así y tiene los mejores jugadores del mundo”.

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En este equipo, concretamente, está Lola Casamayor como Doña Perfecta e Israel Elejalde como Pepe Rey, además de otros diez intérpretes. Está José Luis Raymond en una escenografía basada en una plataforma giratoria y en un mobiliario que, sutilmente, como el vestuario de Gema Rabasco, pasa de la época actual al tiempo de Galdós, “porque vamos para atrás”, sentencia Caballero. Álvaro Vicente

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En Cartel

ESTRENO

FOTO: Marta Vidanes

NOV. Teatro María Guerrero Hasta el 30 de dic.

ATLAS

DE GEOGRAFÍA HUMANA

Almudena Grandes es una de las autoras más adaptadas en la cinematografía de nuestro país. Sus obras Las edades de Lulú, Malena es un nombre de tango, Los aires difíciles, Castillos de cartón o la que nos ocupa Atlas de geografía humana, han tenido su espejo en la gran pantalla. La escritora madrileña ha traspasado eso de ser un fenómeno editorial para convertirse en un referente a la hora de dibujar las pasiones, sentimientos, decepciones o deseos de, sobre todo, la mujer contemporánea. Está claro que en el cine no tardaron en darse cuenta de la fuerza y profundidad de sus personajes y, ahora, es el teatro el que abordará una de las obras más importantes de su producción. Como suele ocurrir, la escritora no ha participado en la adaptación de la novela, labor que ha desarrollado Luis García-Araus dentro del Ciclo De la Novela al Teatro desarrollado por el Centro Dramático Nacional. Juanfra Rodríguez, por su parte, es quien está al mando de la dirección de una

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propuesta que cuenta en los papeles de las cuatro protagonistas con Arantxa Aranguren, Nieve de Medina, Ana Otero y Rosa Savoini. Este curioso cuarteto trabaja en el Departamento de Obras de Consulta de un gran grupo editorial y reciben el encargo de confeccionar un atlas de geografía en fascículos. Reunidas por azar, y muy distintas entre sí, todas comparten, sin embargo, una edad decisiva en la que deben buscar un punto de inflexión para encararse de una vez consigo mismas, despejar dudas, deseos y contradicciones. Han llegado a un momento de sus vidas en el que deben aprender que la vida puede cambiar y que esos cambios no tienen por qué ser malos. Mientras investigan, buscan materiales y fijan datos, iremos descubriéndolo todo sobre cada una de ellas y sobre el mundo que las rodea: su soledad, sus inhibiciones, sus sueños truncados, sus decepciones, pero también sus pasiones y sus amores inconfesados, su dureza y su ternura, sus derrotas y sus grandes conquistas.

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En Cartel

LEO BASSI

ESTRENO

NOV. Teatro Alfil Hasta el 16 de dic.

FOTO: Palmira Escobar

EN CARTEL

NOV. Teatro Español Hasta el 8 de nov.

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Es un provocador nato, un loco, un bufón.... un cómico, y de los mejores. Bassi es alguien que dice verdades como puños, y no sólo las dice, sino que te las tira a la cara para hacerte despertar del letargo en el que te han sumido. Es directo, radical, transgresor... y muy necesario, porque es alguien capaz de remover conciencias. De nuevo se presenta ante nosotros sin tapujos y, como si de una gran estrella del rock ‘n’ roll se tratara -que lo es-, ha elaborado un espectáculo recogiendo los mejores momentos de su carrera. Leo Bassi, The best of... dinamita de la buena. Qué tiemblen la banca, la iglesia, los políticos, el poder establecido... que tiemblen los cimientos del sistema porque Leo ha vuelto y no viene solo, viene cargado con su mejor arsenal para soliviantar a esta sociedad aborregada en la que nos movemos. Casi nada al aparato. Sergio Díaz

EL TIEMPO ES UN SUEÑO Dedicar tu vida a otra persona es uno de los mejores ejercicios de generosidad que se pueden hacer en esta vida. Asunción Balaguer dejó de lado su vida sobre los escenarios para dedicarse a su gran amor, Paco Rabal. Ahora la vida le vuelve a dar la oportunidad de recuperar su otra pasión, actuar, y ella la está aprovechando con ese gran talento que posee y porque ha sido, es y será un alma de teatro. Tras el éxito cosechado con su interpretación de Hattie Walker en Follies, Asunción nos cuenta detalles de su vida, de su infancia, su vocación teatral, sus alegrías, sus tristezas, sus ambiciones... en este monólogo escrito y dirigido por Rafael Álvarez, ‘El Brujo’. Un precioso espectáculo para conocer mejor a esta mujer de mirada serena y dulce sonrisa, que esconde una esencia valiente, un espíritu fuerte y una entrañable personalidad.

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ESTRENO

NOV. Teatro Valle-Inclán Hasta el 25 de nov.

LA COMEDIA

QUE

NUNCA ESCRIBIÓ MIHURA

Antes de morir en 1977, Miguel Mihura dejó escrita en su agenda la idea matriz de la obra que nunca escribiría: “El administrador de una finca tiene que echar a un inquilino por falta de pago”. Pudo haber sido otra comedia, pero no superó “la pereza de tener que llenar de palabras, de tipos, de situaciones, de interés, de sorpresas, las dos horas de un espectáculo”. A partir de este apunte, Carlos Contreras Elvira se propone la escritura de una dramaturgia que indague en los problemas que se le presentan a un autor a la hora de crear sobre la marcha un espectáculo capaz de interesar y entretener al público, actualizando el modelo de comedia costumbrista que con tanto éxito desarrolló el genial dramaturgo madrileño. Esta obra se enmarca dentro del Ciclo Escritos en la Escena, cuyo objetivo principal es “impulsar la dramaturgia contemporánea”, como lo definió Ernesto Caballero, director del CDN. Comenzó con Proyecto Milgram, esta es la segunda propuesta y aún quedarán otros dos: La ceremonia de la confusión, de María Velasco, y Serena Apocalipsis, de Verónica Fernández.

EN CARTEL

NOV. Teatro Galileo Hasta el 3 de feb.

ROMEO La Versión montesca de la tragedia de Verona es una muy especial adaptación de Romeo y Julieta… en la que no aparece Julieta. Respetando en todo la trama original, el trío de jóvenes amigos -Mercutio, Benvolio y Romeo- es el encargado de hacernos revivir la gran tragedia romántica del teatro que, en este caso, gira en torno además del amor, también de la amistad. ¿Qué mayor reto para Romeo que dar vida, él mismo, al espíritu de Julieta? No se trata de una visión misógina del amor; por el contrario, lo que transgrede y permanece como referencia de Romeo y Julieta es justamente que ambos van más allá de los papeles masculino y femenino que todos esperan de ellos. ¿Puede uno de ellos, sin la presencia del otro, hacernos creer nuevamente en ese mito de la entrega absoluta? ¿Puede el espectador creer en Julieta sin verla? Las respuestas las encontrarán en este espectáculo protagonizado por tres de los rostros masculinos más de moda gracias a las series de televisión.

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Entrevista

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José Sacristán “Don Quijote está cuando alguien hace algo bien” A sus 75 años le quedan todavía muchas ínsulas por conquistar. No sólo ha ganado su segunda Concha de Plata en San Sebastián, sino que se prepara para pisar, por primera vez en su vida, el escenario del Teatro Español con Yo soy Don Quijote de La Mancha Lo primero, enhorabuena por la reciente Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, gracias a la película El muerto y ser feliz, de Javier Rebollo. Argentina te sigue dando alegrías. Sí, muchas alegrías. Y procuro ser recíproco. A Argentina y a los argentinos les debo mucho. Así que es tu primera vez en el Español, ¿cómo es debutar a los 75? Pues imagínate, llevaba soñando con esto desde que era un chaval, que trabajaba a cuatro calles del teatro Español, en un taller mecánico. Entonces iba con un grupo de aficionados a ensayar y desde los camerinos escuchábamos la voz entrecortada de don Carlos Lemos en el escenario. ¿Qué otras ínsulas teatrales te quedan por conquistar? Pues llevo ya más de 50 años en esto. He hecho teatro, cine, televisión, zarzuela, musicales... ahora vengo de hacer con mi amigo Víctor Pablo Pérez, con la Sinfónica de Galicia, Iván el Terrible. Y he hecho la 13ª de Shostakovich... en fin, va uno por ahí, transitando territorios, haciendo de todo, menos bailar, eso sí, que soy muy patoso. Pero para lo demás he estado y estoy siempre dispuesto. En este oficio hay que estar siempre dispuesto para todo, para contar y cantar las historias, que es lo que me ha gustado desde siempre. ¿Puede hablarse de Don Quijote y Sancho como de dos categorías humanas? Sí, sí, claro. Cervantes compuso

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dos personajes que son, por un lado, perfectamente diferentes, y perfectamente identificables y reconocibles el uno sin el otro.

“En este oficio hay que estar siempre dispuesto para todo”

“Soy sancho pancesco de origen, pero aspiro a la nobleza quijotesca”

¿Y con cuál te identificas tú más? Por origen soy sanchopancesco, total y absoluto, porque yo nací en la España de la Guerra Civil y mi familia era gente de campo. Como aspiración, te diré que los empeños y la nobleza de los propósitos de Don Quijote han estado ahí, caminando de la mano en mí, y ahí siguen. ¿Cómo es el Don Quijote de José Ramón Fernández, autor del texto? Él tenía claro, y todos lo veíamos con él, que en primer término estaba el referente moral que es el hombre que enfrenta lo que haya que enfrentar con tal de defender unos principios. Si está loco o no eso ya habrá que considerarlo más tarde. Y que su discurso estuviese salpicado, nunca desde el púlpito, con el humor que está latente en todo el Quijote, constantemente. Y, sobre todo, plantear la mirada desde tres posiciones distintas, de tres personajes, de tres actores de distinta condición y edad que lo enfrentan y lo entienden cada uno a su modo. Finalmente, lo que prevalece es que Don Quijote está ahí, presente, cada vez que

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ESTRENO

NOV. Teatro Espa単ol Hasta el 9 de dic.

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Entrevista

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alguien hace algo que está bien. ¿Y cómo es el Quijote de Luis Bermejo, el director? Bueno, aquí, si me lo permites, quiero aprovechar la ocasión para hablarte de la suerte que he tenido, joder. La suerte de poder estar con gente joven que tiene este espíritu y este entusiasmo. Lo de Luis es una cosa acojonante, de llevártelo a casa, porque es una fuente inagotable de sugerencias, de vitalidad, de un montón de cosas. Y sobre todo de generosidad a la hora de compartir con Almudena (Ramos, que hace el papel de Sanchica) y Fernando (Soto, que encarna a Sancho) y conmigo sus distintas actitudes y puntos de vista sobre el montaje.

“Esta es una mirada más próxima a la esencia del Quijote, más rocinantesca”

¿Y como es tu Quijote, finalmente? Supongo que nada que ver con aquel Hombre de La Mancha que hiciste hace años... Yo he

“Le tengo un gran cariño y un gran respeto al crío que fui”

defendido el soporte dramático del señor Wasserman porque deduje que este hombre sabía perfectamente quién era Cervantes. Lo que pasa es que aquello era un soporte para un musical, no iba mucho más allá. Ahí están los resultados y el éxito que tuvo. Pero indudablemente, esta es una mirada más próxima, más centrada en la esencia, más rocinantesca, diría yo. ¿La de actor es una profesión quijotesca? Algo tiene, por la aventura. Todo esto de hacer creer al otro que eres el que no eres y que el otro se lo crea, no deja de ser eso: por un lado, una fabulación; por otro lado, una forma de comunión muy parecida a una especie de misa laica. Para mí, por encima de todo y fundamentalmente, esto sigue siendo un juego, un juego formidable del que hay que conocer muy bien las reglas, que hay que practicar con nobleza y lealtad, pero un juego. Eso que jugamos de niños, de ser el pirata o el gángster, eso hay que seguir disfrutándolo igual. Has cumplido 75 años. ¿Qué huella dejó nacer durante la Guerra Civil Española? Eso es como las alforjas que lleva mi tío en el campo, lo llevo conmigo y lo llevaré toda mi vida, no como un peso, como un lastre, sino como documentación. Todo eso forma parte de mi seña de identidad. Lo que procuro es no ir enseñando el pasaporte todo el rato, pero si alguien quiere saber a dónde voy y de dónde vengo, tengo la documentación perfectamente a punto. Resumiendo: le tengo un gran cariño y un gran respeto al crío que fui. Álvaro Vicente

Tras estrenar en el pasado Festival de Almagro y pasar por alguna otra cita veraniega (Olmedo y San Javier fundamentalmente), la reducción que José Ramón Fernández concibió a partir del texto inmortal de Cervantes llega al Español. Reducción porque la historia se reduce a tres personajes: la pareja protagonista, icono de nuestra cultura, Quijote y Sancho (Sacristán y Fernando Soto) y Sanchica, la hija de Sancho (Almudena Ramos). Ellos tres, con la ayuda de un violonchelista en escena, recrean algunas de las famosas aventuras del célebre hidalgo. Lo que se ha intentado es rescatar la esencia del personaje y, sobre todo, su bondad. “Ser bueno es el grado máximo en nuestra definición como especie”, dice José Ramón Fernández. Hoy más que nunca necesitamos creer, aunque sea a base de convertirnos en locos soñadores, que el bien común es posible, que el mundo puede funcionar de otra manera, que los gigantes se los lleva el viento y que siempre habrá un/una Dulcine@ para cada caballer@ andante.

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La Obra Yo soy Don Quijote de la Mancha

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Reportaje

ESTRENO

NOV. Círculo de Bellas Artes Hasta el 25 de nov.

XVII EDICIÓN DE LA

MUESTRA

Una cita totalmente asentada que el Círculo de Bellas Artes, en colaboración con el INAEM, nos trae un año más. Una iniciativa que nos sigue trayendo diferentes propuestas que, sin el empuje de la muestra, difícilmente podríamos disfrutar en la capital. En esta decimoséptima edición participarán tres agrupaciones teatrales (la mitad que el año pasado), dos procedentes de Andalucía y una de Extremadura. La muestra comenzará en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo el día 1 de noviembre con la obra Ricardo III (foto de arriba), el drama histórico en cinco actos escrito en prosa y verso por William Shakespeare hacia 1593. Atalaya es la compañía encargada de montar de nuevo este clásico desde tierras andaluzas para acercarnos la historia de un auténtico criminal que para conquistar el poder asesina a sus seres más cercanos. Se trata de una obra que disecciona con precisión extrema la ambición, el anhelo de poder y cómo tal deseo puede llegar a corromper el alma humana. Estará hasta el día 4. En el mismo espacio Teatro del Noctámbulo, de Extremadura,

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DE TEATRO DE LAS

AUTONOMÍAS

nos ofrece un texto de Mike Barlett, una comedia dramática sobre la edificación de la identidad que se presenta con una puesta en escena circular y unos intérpretes que actúan privados de atrezo; la obra se desarrolla sobre la pura acción verbal e indaga, a través de un personaje inmerso en un trío amoroso, en la presión del grupo y en como nos dejamos llevar por la corriente social. La decisión de John (foto central) estará los días 22 y 23. Por último, también desde Andalucía, llegará Manual de Bricolaje (foto de abajo), de Miguel Romero Esteo, que traerá la compañía Teatro del Gato los días 24 y 25. Un texto divertido que se gesta entre las paredes de una villa burguesa presentándonos a una familia peculiar abandonada años atrás por el padre. En ella, el hijo se ve obligado a escribir teatro para salvar a los suyos de la ruina. La hija, dedicada a las finanzas y con una relación compleja con su hermano, se encarga de permanecer lejos de su madre, una mujer que se mece en el limbo de la nostalgia. Un perfecto caldo de cultivo para las situaciones más disparatadas.

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Reportaje

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UNA MIRADA AL MUNDO

En el túnel un pájaro Teatro Valle Inclán. Sala Francisco Nieva. Del 8 al 11 de noviembre. 19.30 h.

Hace casi diez años que se estrenó este montaje, con texto de Paloma Pedrero y dirección de Pancho García, en el Teatro Hubert de Blanch de La Habana (Cuba). Colmada de premios, llega ahora a Madrid con su director como actor protagonista también. La obra es una muestra de los temas recurrentes en la producción de Pedrero, en este caso centrado en el derecho de las personas a morir dignamente. Desde una perspectiva espiritual poco común en el teatro contemporáneo se aborda el tema de la eutanasia. También el del regreso, personajes que vuelven al lugar de donde una vez se fueron para dilucidar problemas que son cargas en el presente, heridas mal curadas que urge sanar. Pero en esta obra, la mujer que vuelve no viene a saldar cuentas con otras personas, sino que es la sociedad misma el objeto de sus latigazos verbales. Paloma Pedrero dispara al centro, desbroza el camino y, sin ambages, nos conduce por él a su desgarradora llamada en busca del respeto de la dignidad humana.

Teatro Valle Inclán. Sala Francisco Nieva. Del 1 al 4 de nov. 19.30 h.

Tres Hermanas El director británico Declan Donellan le está cogiendo gusto a esto de venir por España. Antes de verano estrenó Lástima que sea una puta con Cheek by Jowl en el Matadero y ahora aterriza en el Valle-Inclán en modo ruso, como director de la Fundación del Festival Internacional Chéjov de Moscú. Su producción de Las tres hermanas es una apuesta por retratar sin artificio alguno la decadencia de la alta sociedad rusa de comienzos del siglo XX. Un excepcional elenco de actores rusos dan vida a esta historia, la de Olga, Masha e Irina, tan dolorosa como divertida a veces, profundamente conmovedora siempre.

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Sin duda, una de las noticias teatrales de este otoño es el paso por Madrid de la directora norteamericana Anne Bogart y su SITI Company, con un montaje en torno a la figura de Bob Wilson

Bob Desde hace unos años, el mejor sustituto del añorado Festival de Otoño es el ciclo Una mirada al mundo del Centro Dramático Nacional. Uno de sus platos fuertes para este año es este ‘solo’ que gira en torno a la vida y la época de un director teatral de vanguardia internacionalmente conocido: Bob Wilson, al que da vida en escena Will Bond. Hace unos meses el obsesivo coleccionista de sillas Wilson dirigió para el Teatro Real la hagiografía escénica de la performer Marina Abramovic, y ahora es él el que pasa al centro de atención para ser protagonista de un montaje hecho a base de palabras salidas de su boca. Y para dirigirlo, otra pope del teatro estadounidense y mundial: Anne Bogart. Ella cuenta que “con la ayuda de mi ayudante Kara Manning recogí cientos de entrevistas y conversaciones realizadas con Bob Wilson a lo largo de su carrera. Copié los que consideré los extractos más fascinantes y provocadores y se los entregué al escritor, crítico y dramaturgo irlandés Jocelyn Clarke, que elaboró el guión de la obra”.

La genialidad como materia prima Anne Bogart fundó hace 20 años la SITI Company junto al también director (japonés) Tadashi Suzuki. Es muy conocida en los ámbitos pedagógico-teatrales por sus publicaciones teóricas, donde explica la técnica de los puntos de vista escénicos, los ‘viewpoints’ (la Asociación de Directores de Escena y Alba Editorial han publicado sendos títulos suyos). Con Bob inició una trilogía sobre el proceso artístico. La segunda obra de esa trilogía fue Room, inspirada en la vida y la obra de Virginia Woolf. La tercera, Score, se centró en la figura de Leonard Bernstein. Ninguno de los tres son retratos realistas. En el caso de Bob, la intención es sumergirse, a partir del legado artístico de Wilson, en la perspectiva de la familia, el arte y la cultura en Estados Unidos.

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Teatro Valle Inclán. Del 15 al 17 de noviembre. 19.30 h.

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Entrevista

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Estos dos actores ingleses son los padres de Muse of Fire, un proyecto con el que están recorriendo el mundo en busca de la esencia de Shakespeare, cuyo resultado será un documental. En septiembre pasaron por Madrid y aprovechamos para entrevistarlos ¿Cuál es el origen de Muse Of Fire? Tuvimos la idea en octubre de 2007. Empezamos a filmar en marzo de 2008 y hemos seguido filmando hasta julio de 2011. ¿Por qué? En el colegio los dos lo pasamos muy mal con Shakespeare. Parecía difícil e impenetrable. Cuando llegamos a la escuela de arte dramático, todavía teníamos pánico al hecho de tener que trabajar con Shakespeare... nos atormentaba. Pero vimos dos películas: Romeo y Julieta, de Baz Lurhmann, y Looking for Richard, de Al Pacino. Por primera vez pudimos sentir una verdadera conexión con Shakespeare, un vínculo real. Vimos que las historias trataban de gente como nosotros. Y nosotros queríamos hacer una película que hiciera lo mismo por los demás. ¿Hasta qué punto ha jugado el azar en el desarrollo del proyecto? Empezamos a partir de un plan muy concreto en cuanto a localizaciones y compañías o gente que queríamos entrevistar. Pero sabíamos que lo más importante era no ponernos límites. Shakespeare creó unos 1000 personajes. Situó sus historias en ciudades que él nunca había visitado y otras que ni siquiera existían. Escribió sobre africanos, judíos, mujeres, hombres, niños, homosexuales, héroes míticos o personajes históricos. Su imaginación era muy poderosa y no tenía límites, así que nosotros tampoco quisimos límites. ¿En cuántos lugares habéis estado ya hablando de Shakespeare? Hemos pasado ya por Dinamarca, Alemania, Francia, Irlanda, Malta, Gabón, Estados Unidos y España. Quisimos ir a Japón, porque habíamos estado allí antes con una obra de Shakespeare y fuimos

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Dan Poole y Giles Terera “Shakespeare no se puso límites a la hora de crear y nosotros tampoco”

testigos de cómo lo aman. Está pendiente y quizás todavía podamos ir. ¿Cuál ha sido el descubrimiento o revelación más importante de esta aventura? Shakespeare es extraordinario porque no sólo representa a la condición humana DENTRO de sus obras, sino también FUERA de ellas. Los problemas que encontramos en Shakespeare son los mismos, idénticos, que encontramos en la vida.

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¿Qué signfica Shakespeare para vosotros, en cuatro palabras? Todo lo que es terrible y bello en la vida de uno, sus personajes ya lo han vivido antes. Hay cierto consuelo en ello. Nos da las palabras justas para poder expresar aquello que no podemos decir. ¿Cuándo está previsto que se estrene el documental? Acabaremos en noviembre o diciembre

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“Shakespeare te da las palabras justas para aquello que no puedes decir”

con la edición y se podrá ver en la primavera de 2013. ¿Qué tal la experiencia en España? Teníamos intención de cruzarla a caballo como Don Quijote y Sancho, pero tuvimos que venir en coche. Pasamos por el TEDxMadrid y estuvimos con la compañía Fundación Siglo de Oro, que estrenó en Londres el Enrique VIII de Shakespeare. ¡Y lo filmamos todo! Á. Vicente

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Reportaje

LEVIATHAN

En coproducción con el Old Vic de Londres, llega al Matadero la impactante versión escénica de Moby Dick de Living Structures

EN CARTEL

NOV. Matadero Hasta el 2 de dic.

Cuando Natalio Grueso (director de los teatros del Ayuntamiento de Madrid) dirigía el Centro Niemeyer de Avilés, se trajo a Kevin Spacey y a su Ricardo III a la ciudad asturiana. Aquellos mismos días programó en paralelo Cart Macabre, experiencia teatral alucinante de Living Structures, un colectivo de artistas que crean excitantes montajes donde se conjuga lo visual, lo físico y lo musical, donde el público es un elemento más que se mueve con la acción, no un ente pasivo sentado en un patio de butacas. Ahora vamos a tener la suerte de vivir en Madrid el estreno de la última creación de Living Structures, Leviathan. La producción la firman varias entidades, pero principalmente dos: el teatro Español y el Old Vic Tunnels, una sucursal del Old Vic Theatre de Londres que abrió hace un par de años en los túneles que hay debajo de la estación de Waterloo, en la capital británica. Allí se están gestando algunas de las creaciones contemporáneas, a nivel escénico, artístico y musical, más impactantes de los últimos tiempos. De hecho, Old Vic Tunnels es ya lugar de visita obligada para los amantes del teatro en espacios no convencionales.

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Leviathan o Moby Dick en el teatro Parece que Leviathan llevará la misma línea de Cart Macabre a la hora de mover al público y a la hora de contar, con impactantes efectos visuales, una música magnética y un depurado lenguaje poético, la historia de un capitán y su tripulación. El montaje está inspirado en Moby Dick, la novela de Herman Melville de 1851 en la que el ansia de venganza del Capitán Ahab le lleva a perpetrar una vendetta salvaje contra un fantasma líquido en forma de gigantesca ballena blanca. La mayor parte de la tripulación le sigue ciegamente, pero algunos, intuyendo la tragedia, cuestionan las motivaciones de su patrón y sus actos. Envuelto por la acción desde el comienzo, el público se coloca en el papel de los marineros contratados que se unen a la tripulación a bordo. Juntos, público y actores son testigos de como Ishmael, superviviente, emerge del océano para contar su historia. A partir de ese momento los acontecimientos se desencadenan y el público revive la aventura, una aventura física y espiritual, tan metafórica como real, con el sabor de la sal marina en la punta de sus labios.

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10 AÑOS DE RÉPLIKA Jaroslaw Bielski y Socorro Anadón nos

cuentan de

primera mano qué significan y cómo han sido estos duros años

RÉPLIKA

de trabajo con la compañía, la sala

reportaje 30

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y la academia

erte lo cotio. El camino te traza nuevos fines y convi Nada es nuevo, lo único nuevo es tu camin en el año Teatro a Réplik sala ra premisa al inaugurar nuest diano en extraordinario. Esta fue nuestra ro proyecnuest para tante impor nto mome un Era mío. y el 2002, el punto de partida de Socorro Anadón del Actor, ambulante, después de crear una Academia to artístico. Después de 12 años de compañía para poder sitio un s tramo encon le, estab añía comp futura donde decidimos formar actores para una investigar, s, tener una compañía y, lo más importante, realizar todo en un solo lugar: formar actore Socorro y yo 1989, por allá io, princip Al les. teatra s ccione realizar y representar nuestras propias produ ctos, hasta ó siendo el germen de nuestros futuros proye creamos una compañía de teatro, que termin de explorar deseo el por , Nuevo Teatro de añía Comp os hoy. En nuestra primera etapa nos llamam simple deseo s formas de hacer teatro. No nos movía un nuevas obras, nuevas dramaturgias y nueva del teatro cosdonos aleján ra, mane otra de ndolo hacié ido de innovar, queríamos redescubrir lo conoc Academia a. En 1997, decidimos fundar una escuela, la tumbrista y realista que predominaba en Españ quedamos con nos nte, nalme fi y, a Réplik mos añadi del Actor. Al nombre Compañía de Teatro Nuevo polaco y en español: una respuesta. Réplika Teatro. Réplika significa lo mismo en Un año ra de la sala de teatro, en septiembre de 2003. El verdadero cambio se produjo con la apertu 8 de la ro núme el en trial indus convertir un almacén antes comenzamos las obras pertinentes para cuatro actores para eto Cuart de o estren el con etapa esa calle Justo Dorado en un teatro. Iniciamos ra cocina En noviembre del mismo año estrenamos Nuest de Bouguslaw Schaeffer, bajo mi dirección. de la Academia os alumn ex y os alumn eran jes monta s de J.L. Alonso de Santos. Los actores de ambo el nido del gran éxito de la compañía: Alguien voló sobre del Actor. En enero del 2004 estrenamos el

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COMBATE DE NEGRO Y DE PERROS DOS DE LOS ESPECTÁCULOS QUE PODRÉIS VER EN RÉPLIKA DURANTE EL MES DE NOVIEMBRE. ARRIBA COMBATE DE NEGRO Y PERROS DE KOLTÈS, QUE YA SE ESTRENÓ CON GRAN ÉXITO LA TEMPORADA PASADA. A LA DERECHA CUARTETO PARA 4 ACTORES, UN MONTAJE QUE AMENIZA LAS VELADAS TEATRALES ‘REPLIKANTES’

CUARTETO PARA 4 ACTORES

DESDE JULIO Y QUE FUE CON EL QUE SE INAUGURÓ ESTA SALA HACE YA

10 AÑOS

cuco de Dale Wasserman, también con traducción, adaptación y dirección mías. En ese espectáculo , 13 de los 16 actores del reparto eran ex alumnos de Réplika, dos de los tres restantes fueron alumnos nuestros de otras escuelas y, por último, estaba Socorro. Todos los proyectos teatrales posteriores tienen ya la misma filosofía: contar fundamentalmente con actores formados en nuestra Academia del Actor. Debo recalcar que para cada uno de nuestros espectáculos la sala se configura en función de la percepción, es decir, el público siempre ve la obra desde un lugar privilegiado, en función de las necesidades de la puesta en escena y del tipo de percepción que se busca en el espectador para esa obra. Esta ha sido siempre nuestra ventaja, poder ir diseñando el espacio en función del montaje que se iba haciendo en la sala, huyendo así del tópico de la sala ‘a la italiana’ y buscando nuevas formas de llegar al público, modificando el espacio de la percepción en función de las necesidades artísticas de la obra representada y, lo más importante, en función de la percepción del espectador de hoy, educado en el cine y la televisión y con un concepto de la convención muy distinto al del espectador de siglos pasados. Lo fundamental era y es encontrar, en cada montaje, una relación estrecha y lo más adecuada posible con el espectador. Actualmente, cuando estamos celebrando los 10 años de la sala, tenemos en cartel tres espectáculo s: Cuarteto para cuatro actores, con el que inauguramos la sala en 2003, ¿El último, por favor?, una creación colectiva de los alumnos que terminaron la Academia el año pasado, y Combate de negro y de perros, el primer montaje de la recién creada Compañía Joven de Réplika Teatro, formada por las generaciones más jóvenes de nuestro equipo. La experiencia, los alumnos y el futuro están representados en estos tres montajes que ofrecemos al espectador con el motivo de nuestra décima temporada. La estabilidad ha sido la clave para sobrevivir estos 10 años. Esperemos seguir otros diez, por lo menos, si el público y los acontecimientos políticos nos lo permiten. Jaroslaw Bielski y Socorro Anadón. Fundadores y directores de Réplika Teatro.

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LA SOLE Teresa Rivera vuelve, incansable, con

Sole, montaje visceral, revelador, renovador y

catártico que dirige Valeria Alonso

TEATROMATÓN

Por Álvaro Vicente

SALA DT. DEL 15 DE NOVIEMBRE AL 8 DE DICIEMBRE

¿Quién es La Sole, para quien no lo sepa? La Sole es la soledad, ni más ni menos. En este caso, la soledad vista por mí y por Valeria Alonso. ¿Y por qué una obra sobre la soledad? Sufrí una pérdida humana muy importante y me encontré con ella, con La Sole, con la soledad. Al principio me asusté, y luego, poco a poco, me di cuenta de que todo el mundo tiene miedo a estar solo, sin pareja, sin padre, sin madre, sin hijos, sin amigos... Y como el proceso fue largo, personalmente fui cambiando y entendí que La Sole no es mala, la soledad siempre está ahí, lo que pasa es que no queremos verla. Así que decidí hacer un montaje y estar sola en el escenario, homenajear a la soledad, sin tenerle miedo, mirándola cara a cara, teniéndola como amiguita y cuidándola. ¿Por qué hay que ir al teatro a ver a La Sole? Primero porque es para pasárselo bien, para disfrutar. La Sole provoca tanto miedo como risa y te trae canciones de toda la vida, te lleva a recuerdos de la infancia y te hace salir del teatro diciendo... qué bien. Dime un género dramático para definir a La Sole. La Tragicomedia. ¿Y un clásico del teatro para La Sole? La casa de Bernarda Alba, de Lorca. ¿Y un contemporáneo? La omisión de la familia Coleman, de Claudio Tolcachir. ¿Un libro para La Sole? La voz dormida, de Dulce Chacón. ¿Una película para La Sole? El piano, de Jane Campion. ¿Una canción para La Sole? Y sin embargo, te quiero. Porque La Sole es copla.

entrevista

¿Un lugar para La Sole? El mar.

¿Dónde depositas tu fe? En la gente que quiero.

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VUELA SI PUEDES

SALA CUARTA PARED. DEL 9 AL 11 DE NOV.

ácidos Omega 3. A los adultos nos El teatro es un complemento perfecto en nuestra vida, como el La-Casei o los un maravilloso juego que puede es niños los para Y pensarla. a , entenderla a realidad, la r ayuda a sobrelleva de los mayores. El teatro para universo del ón servir de trampolín para dar esos primeros pasos hacia la comprensi muy hermoso. La Compañía ejercicio un es adultos y niños entender puedan que mensajes todos, el teatro con climático está provocando cambio El públicos. los Teatro Paraíso nos trae esta obra apta -y necesaria- para todos ientos de los individuos. comportam los y modernas s sociedade las r transforma a va y ientales catástrofes medioamb - no tiene otra Oceánicas Islas las de -pájaros ‘Tourons’ Ante la proximidad de un devastador ciclón, la tribu de los , es necesario anunciada catástrofe esta a sobrevivir Para latitudes. otras hacia nte urgenteme elección que escapar ingenuos estos amanecer, Al vuelan. no te simplemen dejar en tierra a los más débiles, los que vuelan mal o están condenados huracán al frente pero suerte, su a dos abandona sido han que estupor con personajes descubren mejor escudo contra la adversidad. a entenderse. Todos deberán aportar su talento, que puesto en común, será el y rica en contenido: racismo, bella , espléndida fábula una ofrecen nos raros pájaros cuatro En Vuela si puedes De manera sensible e respeto. y solidaridad mutua, indiferencia, ansias de poder, egoísmo, pero también ayuda se nos parecen. que animales de través a otro, el con relaciones de paleta la toda evoca inteligente la historia los ojos y comabran que para vida, la hacia más Esta obra puede servir para dar a los peques un empujón ciegos, mudos, adultos: los nosotros a servirnos puede igual (aunque nido cálido del fuera prendan lo que hay que al final mensajes con alentarles de capaces sordos del siglo XXI). La cosa no pinta muy bien, pero si somos les estaremos dando obraesta -como corazones sus en esperanza una y rostros sus en dibujan una sonrisa las mejores alas para volar muy alto. Sergio Díaz 33

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HIELO

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un conmovedor Ópera prima de Ángel Málaga sobre italiano Alessio Arena. y desgarrador texto del Por Sergio Díaz NUDO TEATRO. SÁBADOS 3, 10, 17 Y 24 DE NOV. 23.00 H

en la os¿Estás ahí? Sé que estás ahí Reinaldo, el descuridad percibo tu reflejo en el cristal. Veo gotas culas minús esas Veo as. tello de tus lágrim deslizan cristalizadas resbalar por tus mejillas. Se es de a través de tus párpados en forma de millon punátomos helados, todos diferentes pero todos de ura comis la en ndose fundié r zantes, para acaba tu sonrisa. tus labios. Se convierten en agua al tocar universo, Esa sonrisa que esconde las verdades del la verdad las verdades de nuestros propios miedos, ! grietas, de enfrentarse a uno mismo. Hielo. ¡Hielo ! laberintos, amenazadores abismos. ¡Hielo ldo? Tus Qué difícil es escapar de ti, ¿verdad Reina de relaetapas de crecimiento, tus padres, la forma iones, decis las , rodea te que o cionarte con el mund de eslas pruebas, los caminos, el sexo, tus vías disfraz, da cape, tú... siempre nosotros. Da igual el ilidad igual la forma, da igual el fondo, no hay posib desen y ntro encue de so proce un de huir. Vivir es Vivir, crecuentro con uno mismo, y con los demás. ento, cocer, asumir la pérdida, asumir el enfrentami aprender municarse. Asumirse. Quererse. Vivir es es amar. a perdonar, aprender a perdonarse. Vivir silencio. Hielo es amar... a pesar del frío, a pesar del

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Esta obra es un relato lírico sobre Reinaldo Atxaga, un joven auxiliar de enfermería en un centro de discapacitados y asiduo frecuentador de las páginas de contactos gay. Reinaldo basa en su experiencia profesional y biográfica la idea según la cual el sexo debe estar completamente desvinculado de su carácter social y ser vivido como hecho natural entre seres humanos. Partiendo de esa base su discurso se lanza a indagar las heridas insanables de su familia, en que la falta de comunicación y de apego han hecho posible la ruptura de contacto con su hermano, el hombre al que más admira en su vida. Historia moderna de Caín y Abel. Una certera disección del corazón humano, la parte más débil de nuestra anatomía, allí donde anidan los sentimientos y las ataduras que rasgan nuestra muñecas y guían nuestros sueños. Allí dónde resulta más complicado restañar las heridas. ¿Escuchas la música Reinaldo? La música me transporta, me lleva a ti, me ayuda en este viaje. Un viaje que no quiero hacer solo, pero es mi destino, es el juego y he de llegar hasta el final, como tú me enseñaste, sin olvidar que el hielo abrasa más la piel desnuda que el fuego...

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Cuando vi la película Garage Olimpo fue cuando descubrí por primera vez la realidad que había golpeado varios países de Latinoamérica durante las dictaduras militares. Y sigue siendo estremecedor recordarla. Estremecedor, por los gritos, por la angustia, por el miedo... por la posibilidad de enfrentarte cara a cara a algo así, no a través de un televisor. ¿Que harías ante una situación parecida? ¿Te enfrentarías a la tortura con valentía? ¿Te derrumbarías? ¿Harías todo lo posible para escapar de ella y no sufrir? ¿Incluso traicionarte? Y mi voz quemadura nos habla de una hermosa muchacha izquierdista, Gabriela Gottardi, de profesión actriz, que es detenida, secuestrada y torturada tal como ocurría en las pavorosas dictaduras del Cono Sur. En el centro de detención conocerá a un alto oficial de la marina, el almirante Hugo Mortini, que la convertirá en su colaboradora, después en su novia y más tarde en esposa, y gracias a este extraño noviazgo podrá escapar a la dureza de la prisión, a las vejaciones y humillaciones y a la muerte sin sospechar que esa maquinaria de terror tendrá consecuencias nefastas en su familia. Esta obra de Serendipia Teatro, escrita por Alberto de Casso y ganadora del Premio Lope de Vega 2008, hace que acompañemos a la protagonista durante las diferentes etapas que vive en su proceso de detención. Un cruel juego de vida que hará que nos pongamos en su piel y pensemos por su voz. Una piel mortificada. Una voz silenciosa y demoledora que quema de rabia. Sergio Díaz

Y MI VOZ

QUEMADURA CENTRO DE NUEVOS CREADORES. DE X A D. HA. EL 25 DE NOVIEMBRE

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CHAPERO

SALA AZARTE. S Y D. DESDE EL 10 DE NOV.

La joven Compañía Muga Teatro abord a en esta obra, escrita por Antonio Jesús González, un tema poco tratado en los textos teatrales, la prostitución masculina. Chapero narra el encuentro entre dos hombres, uno que se prostituye y otro que paga por su compañía. Pero más allá de la etiqueta de ‘temática gay’ y prostitució n, esta obra también afronta conflictos universales como la incomunicación, el sexo o los problemas generacionales entre una madre frustrada y un hijo ahog ado por el ambiente familiar. Nico es un chico de apenas 19 años que en su afán irremediable de encontrarse a sí mism o huye de su propia familia. En un encuentro cargado de confesiones, recuerdos y sexo pagado con un desconocido encontrará parte de las respuestas que busca. Bajo la dirección de Pedro Casas, los protagonistas Salvador Bosch, Irene Calabuig y Marcos Castro, ponen su ilusión y sus ganas al servicio de una sencilla historia que se cuela por aque llas grietas que nos desvelan quiénes somo s realmente y qué queremos del otro. Chapero es sólo un desencuentro y un encuentro, un paréntesis en lo cotidiano, un dejarse ver, un dejarse decir, un dejar se oír. Un espacio para pensar sobre lo que verdaderamente nos falta y lo que de verdad buscamos.

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“Me llamo Daniela Kaminsky Gómez. Tengo 20 años. De pequeña quería ser bombero, pero ahora estudio segundo de periodismo en la Universidad Complutense de Madrid. Pero nunca voy a ejercer de periodista, porque mañana voy a morir en un accidente de coche...”. Esta es la contundente carta de presentación de la segunda obra de teatro de Álvaro Aránguez (La primera fue Los que besan bien que se estrenó el pasado Junio en esta misma sala), un viaje emocional por los recuerdos de la protagonista. Es comedia, drama, recuerdos nítidos, bailes danielescos, recuerdos confusos, ensoñaciones americanas, conversaciones grabadas a fuego en la mente de una chica cualquiera, con una vida cualquiera, pero cuya forma de ver del mundo que la rodea, su constante pelea por entender todo lo que ocurre a su alrededor, será el imán que nos mantenga conectados a ella durante una hora. Una hora para que Daniela se despida definitivamente de nuestro planeta… y del suyo. Este texto es un interesante ejercicio narrativo sobre una biografía póstuma narrada por uno mismo. Una oportunidad para reflexionar sobre lo que ha sido tu vida cuando te quedan pocas horas para abandonarla y para compartir cómo ha sido tu visión del mundo. Una oportunidad para explicarse y para despedirse, para analizar los sentimientos de toda una vida.

PLANETA GÓMEZ KAMINSKY GARAJE LUMIÈRE. JUEVES DE NOVIEMBRE

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Palabra de...

Sergio Díaz

A veces te sientes un privilegiado por poder disfrutar de ciertas cosas, son esos momentos mágicos que guardarás en tu memoria para siempre. Instantes en los que sientes una perfecta comunión con el mundo que te rodea, con lo que estás viendo, con las personas con las que lo estás disfrutando… con ese retazo suspendido de tiempo que pasa por tu vida. Recuerdo muchos festivales de música por distintos lugares de nuestra geografía, muchas interpretaciones de grandes actores/ actrices, ese cuadro que te subyugó, esa foto que te trasladó a otra dimensión, ese texto que enmarcó aquella obra teatral o esa canción que sientes que han escrito para ti. Hace poco viví algo así. Estaba en una sala pequeña de un barrio del Sur de Madrid, uno de esos eriales en los que parece que no crece nada cultural, pero sí que crece. La obra era Laberinto con vistas al amor, el proyecto de dos mujeres que aman el teatro por encima de todas las cosas y ponen todo su esfuerzo y recursos para sacar adelante todos los sueños que tienen en sus ‘locas’ cabezas. Dos voces, una guitarra, canciones y reflexiones sobre lo que sentimos cuando amamos. Y 30 espectadores expectantes. Espectacular. No es que cantasen especialmente bien, ni que la escenografía fuese un impacto de luz y color, ni que... simplemente fue el momento, el instante en el que nos pusimos tod@s

a cantar las canciones que apenas nos sabíamos, la sensación de que todo el mundo estaba como tú, -como ellas que lo interpretaban-, con la emoción a flor de piel. Fue la mágica sensación de sentirte más humano, de reconciliarte con el mundo (algo que en estos tiempos que corren ni te apetece hacer). Por vivencias así reivindico y reivindicaré la cultura, por eso reivindico y reivindicaré -y tendré cierta envidia, todo hay que decirlo- a todas las personas que se dedican a crear, porque ellos son los que nos han proporcionado las guías de nuestra vida. Ellos han dado forma a nuestra memoria RAM, nos han insertado los recuerdos a base de compartir emociones, nos han hecho disfrutar, reír, llorar, pensar, abrazar… nos han hecho crecer, nos han hecho madurar, nos han hecho vivir. Piénsenlo detenidamente. Pueden olvidar lo que comieron ayer, pero no podrán olvidar nunca dónde y con quien estaban al escuchar una determinada canción, al volver a ver una película, al leer el título de un determinado libro… Por eso es maravilloso poder disfrutar de cosas así, por eso es imprescindible que las generaciones futuras puedan seguir haciéndolo, por eso es incomprensible que la cultura sea gravada como un bien de lujo, por eso sería necesario que los ‘presupuestos más sociales de la historia’ (Montoro dixit) prestasen más atención a las tradiciones orales, cantadas, escritas, grabadas, fotografiadas… que nos hacen avanzar y crecer como sociedad. 37

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Llega a Microteatro Por Dinero esta nuev a obra dirigida por Miguel Ángel Cárcano, escrita por él y por María Inés González. En tono de comedia, Cicatrices narra el conflicto que se le presenta a dos primos que al heredar una casa se encuentran con algo inesperado. Ella, Sara Martín, desde el escepticism o y la practicidad. Él, Juan Vinuesa, desde la superstició n y la fe en lo paranormal. A través de quince minutos de diálogo sin tregua, intentarán llegar a un acuerdo. Esta comedia sobrenatural dejará claro que cuando hered as una casa, hasta la última mancha de humedad te pertenece.

Quim es un actor especialista en sustituir a artistas famosos. Con ayuda de varias máscaras imaginarias consigue convertirse en sus dobles. Al frente de todos estos trabajillos está Juan, su mánager, amigo, confidente, consejero, cómplice y maestro. Después de un tiempo de giras y sustituciones, Quim empieza a cansarse de su trabajo y empieza a dudar de su personalidad. La sombra se inspira en un período de la vida de Toni Albà -el autor- en el que tuvo que hacer el mismo trabajo que el héroe de este romance: sustituir a actores, y nos invita a revivir un pedazo de la vida de Quim, un hombre que va en busca de sí mismo... buscando la libertad.

CICATRICES MICROTEATRO. NOVIEMBRE

LA SOMBRA TEATRO ALFIL. 6 Y 13 DE NOV.

Interesante obra de Christopher Hampton, autor, entre otras, de Las Amistades Peligrosas. Treats aborda, en clave de comedia, la historia de un triángulo amoroso que nos hace preguntarnos por qué nos equivocamos una y otra vez en el terreno sentimental. Dave, un brillante corresponsal de guerra, alcohólico y mujeriego, regresa de Irak y descubre que su novia, Ann, le ha dejado por Patrick, un compañero de trabajo anodino, remilgado y pusilánime. A partir de ese momento Dave intentará recuperar a Ann empleando todos los medios posibles.

TREATS SALA ARTE&DESMAYO. S Y D DE NOV.

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Inspirada en el cuento Bartleby, el escribiente, de Herman Melville, la obra de Álvaro A. Malmierca reflexiona sobre la capacidad del ser humano de decir NO, como signo de libertad del individuo. La acción se desarrolla en el despacho de un abogado de Wall Street. El abogado decide contratar a un nuevo escribiente, y así llega Bartleby, un personaje muy peculiar, que al principio se muestra como un eficiente empleado pero luego va dejando entrever una profunda soledad contestando a todos los encargos con un cordial: “Preferiría no hacerlo”. Esto altera la vida del abogado, un hombre ordenado y exitoso, aferrado a su conservadurismo.

EL ESCRIBIENTE DE WALL ST. KUBIK FABRIK. DEL 15 AL 25 DE NOV.

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CARLOS LATRE

YES WE SPAIN IS DIFFERENT. TEATRO NUEVO ALCALÁ. DEL 1 DE NOV. AL 9 DE DIC.

el único artista Vuelve a Madrid tras su exitosa gira capaz de desdoblarse en más de 70 personajes

a la vez sobre un escenario Carlos Latre es castellonense, cosecha del 79 -una de las mejores añadas que se han dado- y sus primeros pasos fueron en el mundo de la radio -mundo que nunca ha abandonado-, pero se dio a conocer al gran público en aquel fenómeno televisivo que fue Crónicas Marcianas. Rápidamente enganchó al público con sus grandes imitaciones de personajes como La Bruja Lola, Torrente, Juan Carlos I o Cayetana de Alba, y lo hacía tan bien que se convirtió en el imitador de cabecera de este país. Tuvo su propio programa, lo intentó con otros proyectos televisivos que no terminaron de cuajar, pero aún así las cosas le siguen sonriendo, quizás porque él siempre tiene una sonrisa en la boca para los demás y quizás porque es muy bueno en lo que hace. En 2011 presenta su espectáculo teatral Yes, we Spain, en el que aparece él solo en escena pero desdoblado en innumerables personajes. Tras triunfar por la geografía española regresa a la cartelera madrileña con Yes, We Spain is different, una versión renovada y totalmente actualizada de la que ya presentó hace un año. Angela Merkel ha decidido requisar España. El ministro Cristóbal Montoro, ante la adversidad, urde un plan de rescate para nuestro país. Nuevamente, Obama será el hombre escogido. Pero el gobierno de Mariano Rajoy y su equipo deben enfrentarse a numerosos contratiempos para lograr su fin. Ya nada podrá evitar el fatídico final... Quizás las canciones y las risas arrancadas de este gran showman lo consigan y se conviertan en el motor que tire de este país nuestro tan especial. Por él no quedará... Sergio Díaz

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XAVIER DELTELL

LUIS LARRODERA

SU ESPECTÁCULO: En Monólogos urbanos y

SU ESPECTÁCULO: En Deja vi deja va cada día

otras leyendas nos muestra su lado más cómico y nos habla de su vida y de sus aficiones más curiosas: las leyendas urbanas. La niña de la curva, Ricky Martin y la mermelada, la reacción a la mezcla de Baileys y Coca Cola... serán diseccionados desde el punto de vista más delirante y divertido. DÓNDE Y CUÁNDO: 3, 4, 10, 11, 18, 25 de noviembre en La Chocita del Loro Senator.

te quiero mas revolution Deltell vuelve a redescubrir todas aquellas canciones que le marcaron en su vida, pero enfocadas desde un plasma diferente, desde el suyo propio tan característico, y combinando la creatividad de sus letras con la propia imaginación del artista, que es mucha y desbordante. DÓNDE Y CUÁNDO: Domingos de nov. en Teatro Arlequín.

PEDRO LLAMAS

SU ESPECTÁCULO: Con cada carcajada se mueven cerca de 400 músculos. Si no tenéis tiempo para ir al gimnasio ya no hay excusa. Pedro Llamas es el mejor profesor para hacer ejercicio sentado. Ofrecerá monólogos hilarantes con toques de improvisación para ejercitar los dorsales, liberar endorfinas y fortalecer el diafragma. Pueden venir cenados que con cada risa perderemos unas cuantas calorías. DÓNDE Y CUÁNDO: 3 de noviembre Teatro Reina Victoria.

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MANEL CASTILLEJ

SU ESPECTÁCULO: Castillejos interpreta este conocido texto de Gustavo Ott que nos cuenta la historia de Fernando, un futbolista que muere en el terreno de juego y en torno a su cadáver hará un cómico repaso a su vida, un hilarante mundo absurdo, lleno de humor y cinismo, presentando a sus familiares tal y como son. DÓNDE Y CUÁNDO: J de nov. a las 20 h. en Garage Lumière.

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Reportaje

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ESTRENO

DIC. Palacio Mun. de Congresos Hasta el 8 de dic.

El pianista y compositor gaditano Manolo Carrasco es el creador de este espectáculo musical y audiovisual inspirado en los hechos históricos que propiciaron la aparición de la Constitución de Cádiz de 1812, conocida popularmente como la Pepa Cádiz está viviendo un año intenso de celebraciones por este segundo centenario de la Pepa, la primera constitución de la Historia de España. En lo teatral, a comienzos de año giró por toda Andalucía un espectáculo producido por el CAT (Centro Andaluz de Teatro) a partir de la obra de Albert Camus Estado de sitio. Aquel no llegó a Madrid, pero este otro que aquí presentamos llegará justo los días en los que se celebra cada año el día de la Constitución, días festivos y de puente que en la capital de España se viven con multitud de turistas que calientan motores y vacían bolsillos con la cercanía de las fechas navideñas. 1812 Vive la Pepa! es un gran espectáculo de los que no caben en un teatro y las tres representaciones que tiene previstas se realizarán en Ifema (Palacio Municipal de Congresos), por lo que invitamos a nuestros lectores interesados a que visiten la web del espectáculo, www.vivelapepa.es, con el fin de informarse sobre la venta de entradas.

Una fiesta para los sentidos Con la música de Manolo Carrasco como eje central, 1812. Vive la Pepa! se conforma como un espectáculo multidisciplinar donde tienen cabida las muestras tradicionales de la cultura andaluza. Las composiciones coloristas de Carrasco, sus melodías infinitas interpretadas junto a su quinteto de cuerda, se combinan con espectaculares coreografías y números ecuestres, con un fuerte soporte multimedia detrás de todo. Una fiesta para los sentidos a partir de títulos como Constitución, Torre Tavira o Bahía de Cádiz, un grupo de músicas que transportan a los espectadores a un Cádiz histórico y liberal, un momento épico en el que España luchó contra los ejércitos de Napoleón. Ese espíritu de cambio y libertad quedó impregnado para siempre en la tacita de plata, aires democráticos que llegaban como consecuencia del impulso de un puñado de hombres y mujeres empeñados en diseñar para España un futuro mejor. El progreso, la igualdad, la libertad de prensa o el derecho a la educación aparecían por ver primera reunidos en un texto que, además, sirvió de inspiración para otras normativas parecidas a un lado y otro del Atlántico. La Pepa, sin duda, fue la Carta Magna que marcó un antes y un después en la historia y la política de este país, sentando las bases de la Modernidad y abriendo para nosotros y para Latinoamérica un nuevo ciclo que conviene recordar, celebrar y nunca olvidar.

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Danza

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XXVII EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL

La Comunidad de Madrid organiza un año más el festival referente para la danza en nuestro país que reúne a las mejores compañías nacionales e internacionales. Nosotros os ofrecemos, cómo no, una información detallada (por salas) de lo que nos ofrece en Madrid y en otros municipios de la comunidad. www.madrid.org/madridendanza

ESTRENO

NOV. Varias salas Hasta el 25 de nov.

CUARTA PARED

Compañía Sharon Fridman.

Inner propone sondear la vida de unos personajes que retornan a su mundo interior, a sus anhelos más recónditos, para afrontar la calamidad cotidiana, las averías de una casa que se derrumba. 15, 16 y 17 de noviembre a las 21.00 horas

Pablo Esbert Lilienfeld.

PLAY (2006), EDIT (2010) y EJECT (2012) forman una trilogía de investigación coreográfica y audiovisual. Ésta última, la que ahora podremos disfrutar, es un ensayo coreográfico para tres cuerpos multiplicados que reflexiona sobre la memoria como una acumulación deteriorada y el tiempo en su cualidad elástica. Es un espectáculo donde movimiento y música son filtrados a través de un sistema de vídeo para dislocar la percepción del espectador. Las nuevas tecnologías son utilizadas para tocar más profundamente al ser humano. 22, 23 y 24 de noviembre a las 21.00 horas

FOTO: Sharon Fridman © CHEDLYZ

TEATRO PRADILLO

Cie. Olga Mesa & Hors Champ/ Fuera de Campo.

A través de un juego de cámaras, dos cuerpos operadores bailan. En el primer movimiento, tres cámaras: dos fijas y una móvil que circula de un cuerpo operador al otro. Las cámaras graban continuamente mientras que los objetivos están unas veces cubiertos con una tela negra o pegados al cuerpo. Esto es lo que el espectador ve y comprende que en algunos momentos se están filmando los espacios escondidos a su mirada. Todo aparece como ritualizado en esta labOfilm&1, El lamento de Blancanieves. Del 14 al 17 de noviembre a las 21.00 horas

Elena Córdoba.

La primera vértebra de la columna se llama Atlas, igual que el gigante al que castigó Júpiter a sujetar el cielo. Vestida de Atlas la madrileña describe Atlas, el gigante y la vértebra como “una ficción donde me imagino que puedo sujetarlo todo o donde todo me aplasta. Una ficción que me acerca al momento en el que el esfuerzo de mi cuerpo sea mayor que sus fuerzas”. Es una obra para una bailarina sola con una película de Chus Domínguez a modo de epílogo. 23, 24 y 25 de noviembre a las 21.00 horas

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FOTO: Elena Córdoba © Susana Paiva

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TEATROS DEL CANAL Compagnie Marie Chouinard.

“Durante los primeros pasos de esta creación, los bailarines y yo trabajamos sobre las variaciones Goldberg de Bach tal y como las interpretó Glenn Gould en 1981. Emprendí el trabajo con una mezcla de los cuerpos de los bailarines, a través del uso de varios elementos de apoyo: muletas, picos, arneses, etc”. Comenta la propia Marie Chouinard sobre el proceso de esta sorpendente propuesta llamada bODY_rEMIX / gOLDBERG_vARIATIONS. 9 y 10 de noviembre a las 20.00 horas. 11 de nov. a las 18.00 horas

FOTO: bODY_rEMIX de la Compañía Marie Chouinard

Peeping Tom.

En For Rent, la compañía nos invita a descubrir una vez más un lugar improbable. Un lugar grandioso, que parece librarse del tiempo y del espacio para las constantes idas y venidas de extraños personajes guiados por extrañas obsesiones. Estos personajes actúan, cantan y bailan con brillantez y virtuosismo, en los confines más alejados de la realidad y de la representación artística. 16 y 17 de noviembre a las 20.00 horas. 18 de nov. a las 18.00 horas

O Vertigo.

FOTO: Provisional Danza © Juan Carlos Toledo

El mundo entero se convulsiona. La naturaleza gime, se descompone. Los seres humanos gritan de rabia, de hambre. ¿Cómo entendemos lo que está sucediendo y cómo podemos lidiar con eso? Seguir bailando y creando, para vivir, para sobrevivir. Considerar el caos, jugar y disfrutar con ello, es lo más sensato. Khaos es un espacio imaginado por Marilène Bastien, delimitado por unas varillas verticales equipadas con captores sensoriales y de audio que erizan el escenario como tantas zonas fronterizas, cárceles o refugios. 22 y 23 de noviembre a las 20:00 horas. 24 de nov. a las 18:00 horas

Provisional Danza.

La compañía celebra este año su 25 aniversario. Esta pieza, Sin pena y sin gloria. 25 años de Provisional Danza, está dedicada a todas aquellas personas que han colaborado durante este tiempo con ellos. 8, 9 y 10 de noviembre a las 20.30 horas

Gallim Dance.

Blush es una obra estimulante, densa en emociones y esfuerzo físico, que trabaja en torno al momento de ruborizarse. Mientras la danza se despliega en su campo de batalla, con movimientos basados en el butoh y el ballet, los seis bailarines cubiertos con pintura blanca pasan de movimientos gélidos a momentos de ternura dolorosa. 15, 16 y 17 de noviembre a las 20.30 horas

Pannullo Dancetheatre Co.

Avalanche nos lleva a un mundo de confrontaciones dancísticas y nos habla sobre todo del inexorable paso del tiempo. Dani Pannullo busca y explora sobre la escena los puntos de encuentro de un mundo en el que esperamos que la tecnología pueda desvelarnos todo. Además incluye una novísima modalidad que se sitúa entre el control, la práctica del deporte y cierto virtuosismo; trucos, creatividad y estilo convertidos en el escenario en poesía. 21 y 22 de nov. a las 20.30 horas 2, 23 y 24 de nov. a las 21.00 horas

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FOTO: Gallim Dance © Steven Schreiber

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Danza

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CENTRO CULTURAL PACO RABAL

Malucos Danza.

FOTO: Federico reloaded © Jesús Robisco

Federico Reloaded es un espectáculo de danza y teatro inspirado en el guión de Viaje a la Luna que Lorca escribió en Nueva York (1929) para Emilio Amero, que nunca llegó a concluir el film. Es una de las piezas más desconocidas del poeta, que nos adentra en el surrealismo español y un grito de rabia a la mentira social en la que el poeta se encontraba inmerso. 10 de noviembre a las 20.00 horas

La Intrusa Danza.

Ataraxia: disposición del ánimo gracias a la cual alcanzamos el equilibrio emocional mediante la disminución de la intensidad de nuestros deseos, y la fortaleza del alma frente a la adversidad. Un estado que otorga libertad. Y eso nos ofrece esta compañía catalana en Ataraxia, libertad frente a las pasiones, afectos y apetitos. 17 de noviembre a las 20.00 horas

Dantzaz Konpainia- Arte-An.

ARTE-AN (Earth Apples, A Place between, Flash Deluxe) nos ofrece tres creaciones diferentes de la compañía vasca. 24 de noviembre a las 20.00 horas. 25 de nov. a las 12.30 horas

MATADERO

FOTO: Ataraxia de La Intrusa Danza

FOTO: Babylon de la CND

Cía. Nacional De Danza.

ESPAÑA CREA (Unsound, Babylon, Demodé) son tres coreografías originales de sabor intrínsecamente español que nos muestran el talento, la elegancia y la modernidad de nuestros autores nacionales. Una triple oferta de la compañía bajo la dirección de José Carlos Martínez. Del 14 al 17 de nov. a las 20.00 horas. 18 de nov. a las 19.00 horas

TEATRO DE LA ABADÍA

La Intrusa Danza.

MUNICIPIOS

24 de noviembre a las 20.00 horas 25 de noviembre a las 20.00 horas

Majjadahonda

Casa De La Cultura Carmen Conde. Cía Proyecto Gr - <<Rew. 10 de Noviembre a las 20.30 Horas.

La cabrera

Centro Comarcal De Humanidades Cardenal Gonzaga. Cía Mey-Ling Bisogno - Peep Box. 24 de Nov. a las 20 horas.

Alcobendas

Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas. Cía Proyecto Gr <<Rew. 24 de Nov. a las 20 horas.

Torrejón de Ardoz

Teatro José María Rodero Torrejón De Ardoz. Cía Proyecto Gr - <<Rew. 25 de Nov. a las 20.00 horas.

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Alcalá de Henares

Corral De Comedias Alcalá de Henares. Korzo Productions/ Lesley Telford- In/Verso - Paredes de Papel. 24 de Noviembre a las 20.30 horas. 25 de Nov. a las 19 horas.

San Lorenzo de El Escorial

Real Coliseo de Carlos III San Lorenzo de El Escorial. Kukai Dantza – Sorbatza / Latidos. 10 de Nov. a las 20 horas. 11 de Nov. a las 12.30 horas. Para familias. Jesús Carmona & Cía - Cuna Negra & Blanca. 17 de Nov. a las 20 horas. 18 de Nov. a las 12.30 horas. Para familias. Teresa Nieto En Compañía - Petí Comité. 24 de Nov. 20 horas. 25 de Nov. 12.30 horas. Para familias.

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Menud0 teatro

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Cuento de Navidad La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, la podremos disfrutar durante las navidades del 2012. La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón. Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el ‘milagro’ de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás. Un gran elenco de actores y bailarines hará de esta obra una historia que los más pequeños y también los mayores, recordaremos.

Teatro Sanpol Sábados, Domingos y festivos

Teatruras Vuelve la original propuesta infantil de Impromadrid Teatro. El espectáculo es un juego a través del cual los niños descubren en qué consiste el teatro. Un grupo de actores se enfrenta al reto del Señor Teatro demostrando que conocen los elementos que forman el teatro y consiguiendo que los niños se lo pasen bien. Contarán con la ayuda de Recaredo y la colaboración de los niños para pasar todas las pruebas.

Teatro Nuevo Alcalá Domingos a las 12.30 h.

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Menud0 teatro

Floripondia Flor y Pondia son dos amigas con una gran imaginación. Durante el recreo, la imaginación de Flor se vuelve en contra suya y le paraliza, por lo que Pondia inventará un plan que le hará viajar por los Sentimientos a través de un duende chulapo, una manzana musical, un elegante pájaro y otros personajes sorprendentes gracias a los cuales Flor irá recuperando la confianza en sí misma. Una obra en la que el público infantil pondrá cuerpo y voz a eso que nos pasa cuando estamos felices y nos reímos, cuando estamos enfadados y nos cruzamos de brazos o cuando algo nos da vergüenza y nos tapamos la cara.

Sala Nudo Teatro Sábados a las 17 h.

La cigarra y la hormiga ¿Quién no conoce esta historia? La fábula de siempre: esa de la cigarra vaga y la hormiga trabajadora. Pero aquí os van a contar la historia verdadera, la que empezó una noche de tormenta que cambió todo… la que descubre la cara desconocida de los personajes, donde la música y las canciones transforman el primer enfrentamiento en una bonita amistad. Un mundo de música y poesía que acortará la brecha entre ‘querer’ y ‘deber’. De 4 a 7 años.

Sala Tarambana 10 y 11 de noviembre

¡¡¡Croa!!! Esta es la aventura de Gustavito, un príncipe muy especial que no encaja con los gustos que requiere vivir en palacio. Expulsado por el rey se adentrará en el bosque de la bruja Cazurra y sólo ella podrá ayudarlo. En un singular viaje se dará cuenta que en la diferencia radica lo que nos hace ser únicos. Es una historia divertidísima narrada por una particular cuentera que maneja a su antojo tanto a los personajes como a las fantásticas situaciones que se van creando a través del ingenio, de la creatividad y de la música. De 3 a 8 años.

Sala Bululú S y D a las 12.30 h.

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Lírica

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ESTRENO

NOV. Teatro de la Zarzuela Hasta el 16 de dic. FOTO: Jesús Alcántara

EL JURAMENTO El Teatro de la Zarzuela reestrena la versión que montó Emilio Sagi de esta obra en el año 2000. Sagi recuperó entonces una producción que no se había representado mucho desde aquel estreno en este mismo escenario hace 154 años, en 1858. Su autor, Joaquín Gaztambide, contribuyó a consolidar la zarzuela grande y fue pieza fundamental en la construcción del Teatro de la Zarzuela. El libreto corresponde a Luis de Olona, un dramaturgo muy prolífico que compuso comedias, sainetes y zarzuelas como El primo y el relicario, Galanteos en Venecia o El postillón de La Rioja. En esta ocasión repite Emilio Sagi en la dirección de escena, en la dirección musical está Miguel Ángel Gómez Martínez, la escenografía corre a cargo de Gerardo Trotti y el vestuario es de Jesús del Pozo. Basada en una ópera-comique de Scribe y Auber —como Los diamantes de la corona de Camprodón y Barbieri—, El Juramento traslada su acción a 1710, durante la guerra de Sucesión entre Felipe V y los austriacos, algo frecuente en aquellas adaptaciones. Esta zarzuela tiene

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tres actos y se organiza en trece números musicales y resulta una excelente oportunidad para comprobar el trabajo dramático de Olona y el musical de Gaztambide, ambos escasamente conocidos.

Lo que cuenta El Juramento narra la historia de María, la hija del mayordomo del Conde del Arenal, que ha crecido junto a Carlos, el sobrino del Conde, y están enamorados, pero lo deben ocultar debido a la diferencia social que les separa. El Conde tiene previsto casarse con la Baronesa de Aguafría para zanjar un pleito de familias. María al final se casará con el Marqués de San Esteban. Pero éste se niega a hacer vida conyugal con ella y comienza a flirtear con la Baronesa. Entre batallas se van descubriendo los sentimientos y los entresijos de todos. Sabina Puértolas, Silvia Vázquez, Carmen González, María Rey-Joly, Gabriel Bermúdez, Isaac Galán y David Menéndez, entre otros, encabezan un joven elenco interpretativo.

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ESTRENO

NOV. Teatro Real Hasta el 15 de nov.

IL PRIGIONIERO/SUOR ANGELICA Lluis Pascual se encarga de dirigir esta doble propuesta, coproducción del Teatro Real y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Con la dirección musical de Ingo Metzmacher se nos presentan Il prigioniero de Dallapiccola y Suor Angelica de Puccini, dos obras que se han unido por su común leitmotiv: el derecho a la libertad individual más allá de las ideas imperantes. En palabras de Pascual, en ellas se habla “de cosas que forman parte de la vida de todos y que conmocionan cada día... son obras que han optado por denunciar claramente al monstruo que se esconde dentro del poder –y por ende de nosotros mismos– pero que, al mismo tiempo, gracias a su búsqueda de la verdad, a su poesía violenta y conmovedora, alimentan nuestra esperanza de creer en el hombre”. Y es que tanto Dallapiccola como Puccini nos hablan de dos dictaduras de poder que ejercen una desmedida crueldad sobre el individuo. El primero presentándonos a un preso de guerra al que se le alimenta la idea de que los suyos están cerca de ganar la batalla y por tanto cerca de liberarle, para luego, una vez que llega a oler la libertad ejecutarlo inmediatamente. Puccini, por su parte, nos remite a otra prisión aparentemente menos violenta, un convento de clausura, pero que encierra una crueldad tal vez mayor. A Sor Angelica le han hecho creer que su entierro en vida salvará la vida de su hijo. Otra esperanza alimentada en vano por un poder que no sólo castiga el ejercicio de la libertad sino que se dedica a cortar cualquier atisbo de ella.

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Visto

Oído

Boris Godunov en el Teatro Real. Boris Godunov es la opera más audaz de toda la escuela rusa. Aspectos que se habían considerado deficiencias técnicas o fallos, se revelaron geniales anticipaciones del lenguaje musical más avanzado como ya Debussy había intuido. Musorgski acentuaba todavía más que Pushkin la imagen del pueblo oprimido y explotado y lo elevaba a protagonista coral, desarrollando polifónicamente sus cantos populares. En esta producción se decidió con gran acierto representar la ópera completa con el acto polaco y la escena de la Catedral de San Basilio, y dar al coro, dirigido por Andrés Máspero, toda la importancia que tiene como representante del pueblo. A su cargo están el principio y el final. Su prestación consiguió gran fuerza expresiva y supo subrayar el sufrimiento de unos súbditos oprimidos y hambrientos como querría el autor. Sus voces resultaron como siempre magníficas, esta vez impulsadas por la batuta de Hartmut Haenchen, que consiguió también de la orquesta una actuación rotunda, realzando los elementos rítmicos y melódicos de los materiales étnicos rusos insertados en la partitura original. Johan Simons intenta traspasar las barreras temporales por medio de un triste vestuario moderno y de unos utensilios como la cámara de video o el teléfono que emplean los hijos del zar, pero, en nuestra opinión, innecesarios porque la ópera tiene en sí misma temas siempre actuales: el hombre y sus aspiraciones, el poder, la revuelta de un pueblo hambriento. El escenario inmutable es un escuálido patio de cemento gris, al que se asoman los exteriores desconchados de viviendas típicas de un barrio obrero. Se aleja un poco su tristeza solo en el acto polaco, donde predomina el rosa tanto en el cortinaje como en el vestuario, aunque rozando la cursilería. En algún momento el director alcanza cotas de gran emotividad como en las escenas de la locura y muerte de Boris y la final del coro, contribuyendo decididamente a elevar el tono de la 2ª parte sobre la primera. Exceptuado el bajo Dmitry Ulyanov en el papel de Pimen, el monje historiador, dotado de una voz profunda y pastosa, los demás cantantes son ciertamente válidos como actores, pero vocalmente débiles para las altas exigencias de esta ópera. El protagonista Günther Groissböck, que luce buenas dotes dramáticas, alcanza con dificultad la extensión necesaria para su papel. El público se mostró bastante frío y desinteresado, con algunas deserciones después del primer acto. Magda Ruggeri

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Música

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El prestigioso festival madrileño celebra del 6 de noviembre al 2 de diciembre su vigésimo novena edición, que contará en su programa central con un total de 46 conciertos y tendrá tres sedes principales. Patti Smith, Michel Camilo y Tomatito, Martirio y Chick Corea Trío serán las principales estrellas. Teatro Fernán Gómez El pianista cubano Omar Sosa y el trompetista sardo Paolo Fresu serán los encargados de abrir el programa central del festival y la propuesta del Teatro Fernán Gómez, el 6-N. Hasta el 27, día en el que El Negri cerrará con un tributo a Armando Manzanero, pasarán por su escenario un total de 16 formaciones, entre las que destacan nombres como Martirio, Tommy Emmanuel, Antonio Zambujo, Cowboy Junkies, Robben Ford Band, Albert Sanz, Stancey Kent, Ray Lema, Jorge Pardo, Paquito D’ Rivera, Nishat Kahn, Antonio Rey o la Larry Martin Band. Teatro Circo Price Abrirá con la presentación del primer disco de Silvia Pérez Cruz, el 8-N. Contará además con la fusión de jazz y flamenco (Camerata Flamenco Project, 9), de jazz y ritmos latinos (Oscar D´León, 12), y con una leyenda internacional como Incógnito (17-N). Conde Duque Conde Duque albergará 22 conciertos, entre los que destacan las tres veladas de la Muestra Israel (días 9, 10 y 21), la colaboración con el Instituto Italiano de Cultura de título 6 Donne in Jazz con seis destacados nombres de la escena actual: Carla Casarano, Rita Marcotulli, Petrina, Ada Montellanico, Silvia Bolognesi y María Pia de Vito; y un ciclo de documentales musicales de producción suiza (con Tomas Sauter, Daniel Schläppi y Jorge Rossy, día 22).

ESTRENO

NOV. Varias salas Hasta el 2 de dic.

Arriba a la izq. Patti Smith, a su der. Cowboy Junkies. Debajo Ray Lema y Chick Corea Trío. Más abajo Albert Sanz y El Negri. Por último, Michel Camilo y Tomatito

XXIXFESTIVALDE

JAZZDEMADRID 52 53 musica R A S.indd 2

Jazz en toda la ciudad El escenario del Auditorio Nacional acogerá dos de las más destacadas citas de la presente edición del festival con los conciertos de Michel Camilo y Tomatito (4 de noviembre) y Chick Corea Trío (2 de diciembre). Tampoco hay que olvidar el Festival del San Juan Evangelista o el de Ciudad Lineal, y de colaboradores varios y distintas salas, como La Riviera que recibirá el próximo 15 de noviembre a una de las grandes damas de la música internacional, Patti Smith, que presentará su último trabajo Banga. También La Noche En Vivo, la asociación de locales con música en directo de Madrid, que aportará al festival su programa Jazz con Sabor a Club en un total de 16 salas, el Instituto Francés de Madrid, el Centro Cultural Sanchinarro, la Fundación Progreso y Cultura o el Nuevo Teatro Lara. esmadrid.com/es/festivaldejazz

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ESTRENO

10 ISMAEL SERRANO Todo empieza y todo acaba en ti es el título de un trabajo donde han confluido todas las señas de identidad que Serrano reconoce como suyas: desde las diferentes corrientes de canción de autor en castellano hasta la obra de músicos anglosajones como Damien Rice, pasando por todo el universo de la rica variedad musical existente en Latinoamérica. “En Todo empieza y todo acaba en ti suena mi voz de siempre, pero también es resulta-

CORIZONAS 2012 ha sido un año tan frenético como espectacular para Corizonas. Docenas de salas, teatros y festivales atestiguan su ascenso a la primera división de la escena nacional. De abajo a arriba. De blogs alternativos y webs indies a los telediarios nacionales, innumerables reportajes dan cuenta del fenómeno Corizonas salpicado de premios como el Mejor Directo 2.011 (Radio3 y otros medios) para su inicial proyecto Dos Bandas Y Un Destino o la reciente nominación a Mejor Artista Español en los European Music Awards (MTV). Sus demoledores directos y el incontestable impacto de su único álbum The News Today han bastado para que en apenas 9 meses esta feliz conjunción de Arizona Baby y Los Coronas se haya ganado por igual el fervor

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do de nuevas búsquedas: se abren otras ventanas a otros universos musicales”, dice Ismael. El propio autor explica el título: “Es en nosotros mismos donde tenemos que buscar la llama que alumbra el futuro; si en estos tiempos difíciles hemos de buscar un nuevo camino hacia un mundo mejor, éste comienza en nuestra propia conciencia, en nuestra voluntad, en nuestros propios sueños. Y para ello toca despertar”. 10 y 11 noviembre.

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y respeto de crítica, público y bandas rivales. Objetivo cumplido. Ahora llega el momento perfecto de agradecer a todos este año inolvidable y despedirse entre amigos. Corizonas emprende así su fin de gira con broche especial junto a sus fans madrileños.

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Música

En abril de 2011 se celebró en Málaga, en el Teatro Cánovas, el ciclo Flamenco viene del Sur. Para tal evento, la cantaora onubense preparó un espectáculo cuyo hilo conductor era el recorrido por un puñado de cantes clásicos, cantes de distintos orígenes y procedencias, muchos de ellos ya en desuso o directamente olvidados. La preparación del espectáculo, la investigación en las fuentes del flamenco, ya supuso todo un viaje para Argentina y sus colaboradores. Luego, la puesta en escena fue mágica, una de esas noches en las que el duende sale a pasear y deja una impresión perdurable, sino eterna, en los afortunados que viven el hecho artístico sobre el escenario o en el patio de butacas. Aunque hubo alguna actuación más con ese repertorio, el viaje fue tan alucinante que Argentina decidió registrarlo en un disco, el disco que salió a la venta hace dos meses, el que muchos consideran el acontecimiento flamenco más importante de este otoño: Un viaje por el cante. “Al trasladarnos al estudio de grabación, salieron muchas ideas nuevas y, comparado con mis dos discos anteriores (Argentina, de 2006, y Las minas de Egipto, de 2009), es algo totalmente diferente a lo que habíamos hecho hasta ahora. Pero para mí es el disco que yo quería, el que me hubiera gustado escuchar como aficionada”, explica la cantaora. Lo que ha quedado es un disco de flamenco tradicional, clásico, pero hecho en el siglo XXI, con valentía y riesgo. Ahí están, al lado del fandango y la bulería, la Serrana o el Garrotín dedicado a Chano Lobato, y los Cantes del Piyayo. “Son cantes que o no sabía o que nunca había cantado en público y ha sido un reto muy satisfactorio”, sigue contándonos Argentina. “El flamenco no es sólo soleá y seguiriya. Algunos de estos cantes son más fáciles, pero son muy bonitos y me gusta poder darles vida”. La Niña de los Peines, Pepe de la Matrona, Rafael Romero El Gallina, Antonio Chacón, La Paquera, Serna de Jérez o el citado Chano Lobato son las fuentes a las que ha ido a beber Argentina para hacer su viaje por el cante. El público madrileño podrá saborearlo durante tres noches seguidas en el Teatro Lara con un recital que rememora el original malagueño del año pasado. Junto a su compañía habitual, Argentina interpretará cada uno de las canciones incluidas en el disco. Sin duda, serán tres noches memorables. Álvaro Vicente

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ARGENTINA La última revolución del flamenco se llama Argentina y, durante tres noches, presentará en el Lara su último trabajo, Un viaje por el cante

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