Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero
Dirección Ernesto Caballero
Del 7 de octubre al 27 de noviembre
Escuadra hacia la muerte
Reparto (por orden alfabético) Jan Cornet Iván Hermes Carlos Martos Agus Ruiz Unax Ugalde Julián Villagrán
de Alfonso Sastre Versión y dirección Paco Azorín
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Coproducción Centro Dramático Nacional y Metaproducciones
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Colabora Instituto Etxepare y Teatre-Auditori de Sant Cugat
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Teatro Valle-Inclán
Reparto (en orden alfabético) Silvia Abascal Roberto Álvarez Fátima Baeza Aitor Beltrán Almudena Cid Víctor Duplá Patxi Freytez Javivi Gil Valle José Emilio Gimeno Ricardo Gómez Pepe Lorente Óscar Martínez Natalia Mateo Xabier Murua Diana Palazón Paloma Porcel Ignacio Rengel Lucena Xenia Reguant Nacho Rubio Alejo Sauras Marta Solaz Romans Suárez-Pazos Mario Tardón Javier Tolosa Carmen del Valle Luis Zahera
Del 18 de noviembre al 30 de diciembre
La cocina de Arnold Wesker Versión y dirección Sergio Peris-Mencheta
Producción Centro Dramático Nacional en colaboración con Barco Pirata Colabora
Con el apoyo de
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editorial
La eternidad no te olvida Nos vanagloriamos de estar viviendo en Madrid y en España la eclosión de una generación dramatúrgica caudalosa y talentosa a la que casi cada mes sumamos nuevos nombres. Pero hubo una época en la que los autores teatrales relevantes (generalmente solo hombres) se podían contar con los dedos de una mano. Esa época no es tan lejana, digamos que no hace más de 70 años. Entonces, la batalla se libraba entre los pasos y pemanes de un lado, y los sastres y vallejos de otro. Había más, por supuesto, pero de estos cuatro nos llegan los ecos más claramente hasta hoy día, sobre todo de Sastre y Buero Vallejo, aunque sólo sea porque están en los cánones de estudio. Es más, Sastre está vivo todavía y el Centro Dramático Nacional acaba de montarle (con escasa fortuna artística, todo hay que decirlo) su Escuadra hacia la muerte. Buero murió hace 16 años y, el pasado mes de septiembre, se cumplían 100 de su nacimiento. Ha habido algunas voces, entre la irritación y el desconsuelo, que han denunciado el poco fasto con el que se ha tachado en el calendario la efemérides, diciendo que ya hemos sepultado a Buero Vallejo en las profundidades del olvido. Parece que si no hay un conglomerado de ayuntamientos, diputaciones, autonomías y ministerios gastando dineros en actos de reconocimiento, un autor muere una segunda vez. Buero es una pieza fundamental de la historia de nuestro teatro, que es la historia de una escalera llena de vecinos envidiosos y escalones-trampa. Los aficionados al teatro lo sabemos, como sabemos que no habrá un año Buero, y no lo habrá de Valle-Inclán (150 años de su nacimiento), porque han de pasar siglos para que se conviertan en autores acomodaticios.
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p.28
sumario exkisitios.4 el arte del actor.5 madrid en danza.8 internacional.14 la cocina.18 la extinta poética. 20 carme portaceli.22 mateo feijóo.24 ricardo III.27 interrupted.28 estrenos.32 ángel martín.36 pablo messiez.38 lecturas.42 lírica.47 jazzmadrid2016.50 intercity.52 foto portada: Last Work, de Batsheva Dance Co.
Revista Godot Artes Escénicas
EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén Embrujo COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Ka Penichet, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual, Lucas Cavallo. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.
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exkisitios Tuuulibrería. c/Covarrubias 38 (Bilbao) y c/ Padilla 78 (Lista).
Una nueva vida para las historias recogidas en los libros Entra, mira, indaga, investiga. Llévate los libros que quieras y paga lo que más te convenga. Tú eliges. Esa es la filosofía de TuuuLibrería, una asociación sin ánimo de lucro cuya misión es facilitar el acceso a la lectura a todo el mundo que lo quiera tener. En los dos locales que tienen en Madrid se encargan de recoger todos los libros que les donan. De todo
lo que reciben van colocando ejemplares en las estanterías sin catalogar, a disposición de las personas que se pasen por allí. Como usuario/a te puedes llevar tantos libros como te quepan en una mano, a cambio de un donativo económico. Tú decides cuánto valen los libros que te llevas. De los libros que reciben algunos se separan para usarlos
en campañas externas (por ej. diccionarios y libros infantiles para escuelas). Todo depende del usuario, de nosotros. Nosotros proveemos de libros, consumimos y pagamos por ello. Y así este maravilloso sistema de retroalimentación sigue funcionando. Trafica con libros. Consume cultura. Engancha mucho, pero merece la pena. Y es barato.
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el arte del actor por María Morales
Mejor acompañados Me sorprende oír a colegas decir a las dos semanas de estar haciendo una función, que quieren cambiar. No me sorprendo a propósito, me ocurre sin querer, como si un resorte saltara en mí con ganas de decir: “pero, ¿por qué te dedicas al teatro si no quieres hacer temporadas largas? ¿Cómo no deseas que una obra dure lo máximo posible?” Supongo que cuando yo asumí que soy actriz, asumía también el reto que supone dar vida a una misma partitura durante mucho tiempo y mantenerla fresca. De hecho me atraía mucho ese reto. Todavía ando en ello y me fascina todo lo que descubro con cada montaje y cada función. Entiendo que sea aburrido hacer lo mismo cada día, pero en absoluto se trata de hacer eso. Nuestro trabajo no es repetir, sino recrear, es una oportunidad para explorar, probar y dejarse sorprender. Es entrenarse en no dar por hecho nada y permitirse redescubrir. Es uno de los privilegios con los que cuenta nuestra profesión. Exige de humildad y compromiso con la presencia, respeto por la historia y las decisiones de dirección. Me apena mucho cuando veo en el escenario intérpretes que ya no confían en la historia que
cuentan y se centran más en la reacción del público. Buscando el chiste o el efecto emocional. Puede parecer que el truco funciona porque se obtienen una risa o un sollozo, pero quizá no fuera ese el objetivo en un principio. Otras veces veo a actores que han decidido que ellos son lo más interesante del montaje y empiezan a venirse arriba haciendo que prime su opinión sobre el escenario. ¡Qué aburrimiento! En este país estamos poco acostumbrados a que haya una tutela en el montaje por parte de dirección, y eso no ayuda. He tenido la fortuna de trabajar con una directora y un director a quienes esto les resulta inconcebible. Lo agradezco profundamente. Después de más de dos años y medio con una obra, todavía disfruto haciéndola como el primer día. Y creo que tener en cada función una mirada atenta, que vela por el ritmo, la entrega, y el dibujo de la función, ha conseguido que fuese un éxito en cada lugar. Me parece tan razonable que no entiendo cómo no está más extendido. ¿Qué pasaría si un director de orquesta estuviese únicamente en el primer concierto y luego dejase a los músicos solos?
Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com
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poéticas del cuerpo por Sergio Díaz
Madrid en Danza 2016 CON CLARA VOCACIÓN INTERNACIONAL, EL FESTIVAL DE DANZA DE LA COMUNIDAD DE MADRID LLEGA A SU 31ª EDICIÓN Dorothée Gilbert y Mathieu Ganio, estrellas de la Ópera de Paris, o Catherine Habasque; la histórica Batsheva Dance Company, o la emocionante Gauthier Dance/Dance Company Theaterhaus Stuttgart, son los mejores embajadores de la danza que se hace en otros países y podremos verlos en esta gran edición de Madrid en danza. Junto a ellos estará lo mejor de aquí con Cesc Gelabert y Mónica Runde, pioneros de la danza contemporánea en España; con los innovadores Israel Galván, Marcos Morau y Belén Maya; con el ballet de Rafael Aguilar, modernizador de la Danza Española; con Pep Ramis y María Muñoz, siempre cuestionando los lenguajes; con Larumbe, Concha Jareño, Lali Ayguadé, Sara Calero... todos ellos nos presentarán sus propuestas, su virtuosismo y su voluntad de renovar. Y para comenzar nada mejor que hacerlo con nuestro bailarín y coreógrafo más internacional, Nacho Duato, que abre este certamen con una gran Gala en la que veremos extractos de sus coreografías más emblemáticas.
Madrid en Danza Bajo la dirección de Aída Gómez, la muestra profundiza en su renovación con la idea de ofrecer una programación que abarque todas las disciplinas de la danza. Varios espacios Del 18 de noviembre al 8 de diciembre
FC BERGMAN T O N E E L H U I S
300 el x 50 el x 30 el 11 Y 12 DE NOVIEMBRE DE 2016
Fotografía: Sofie Silbermann
SALA ROJA / TEATROS DEL CANAL
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“UN JUEGO SINIESTRO SOBRE UNA COMUNIDAD ATRAPADA” Brabants De Volkskrant “DESCONCERTANTE, EXCÉNTRICA Y DIVERTIDA” Brabants Dagblad
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MADRID EN DANZA 2016
FOTO: Gauthier Dance Company
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Last Work Ohad Naharin y los bailarines de
Nijinksi El nuevo ballet de Marco Goecke gira en torno a la vida del bailarín y coreógrafo Vaslav Nijinsky y nos confronta con la estrecha relación que se establece, con frecuencia, entre arte y locura. Teatros del Canal. 30 nov. FOTO: Dorothee
Batsheva exploran la movilidad del cuerpo como la más humana y estimulante expresión de las artes escénicas. Teatros del Canal. 23 y 24 de nov.
Tristan & Isolde El coreógrafo Giorgio Mancini ha contado con Dorothée Gilbert y Mathieu Ganio, bailarines estrella de la Ópera de París, para crear esta obra sobre la ópera de Richard Wagner. Teatros del Canal. 20 de nov.
INTERNACIONAL
Violetta Simone et moi Catherine Ha-
basque ha realizado una versión sobre las múltiples lecturas que muestra la manipulación de la figura de la mujer por la sociedad en la que vivimos. Teatro de La Abadía. 6 de dic.
MADRID EN DANZA 2016 11
Chasing Forest Arte, Naturaleza, Ecología y Tecnología que reivindican la libre creatividad para la Infancia, así como la conservación de los Bosques para el bienestar físico e intelectual del Ser Humano, en este espectáculo de Larumbe Danza. Real Coliseo Carlos III (El Escorial). 3 de dic.
El quinto invierno
Mal pelo ha construido un poema coreográfico límpido, a la vez tierno y potente, construido a partir de las palabras del escritor y poeta italiano Erri de Luca. Teatros del Canal. 1 y 2 de dic.
Escrito en el aire El
encuentro del coreógrafo y bailarín catalán Cesc Gelabert con el artista francés Valère Novarina crea un lenguaje inédito, que va a permitir al público escuchar, por primera vez, las palabras que secretamente habitan en el cuerpo del bailarín cuando danza. Teatros del Canal. 24 y 25 de nov.
NACIONAL
MADRID EN DANZA 12
Siena La Veronal viaja hasta
la ciudad de Siena para iniciar una reflexión sobre el cuerpo humano. Aquí, la memoria y la imaginación se mezclan, mostrándonos una visión del cuerpo en todos sus estados. Siena es la necesidad constante y absoluta del ser humano de contemplarse a sí mismo. Teatros del Canal. 8 de dic.
Olvido... de hilo blanco ¿Los recuerdos te hacen? ¿sin ellos
Soy? Sin ellos me iré en calma, pero ya te echo de menos. Inés Narváez Arróspide y Mónica Runde han elaborado este montaje bello e intimista. Sala Cuarta Pared. Del 23 al 26 de nov.
La edad de oro
NACIONAL
Israel Galván vuelve al formato tradicional, sin palmeros, sin cajones. Y bailar el cante. Librar al cante y a la guitarra de la métrica del baile y recuperar su esencia natural. Teatros del Canal. Del 2 al 4 de dic.
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abriendo la mente escénica
FOTO: Sofie Silbermann
Tres ventanas abiertas a la innovación creativa 300 EL X 50 EL X 30 EL 11 y 12 de noviembre
El colectivo belga Fc Bergman es una de las formaciones más interesantes de la escena contemporánea. Durante dos días podremos ver su crudeza, su talento creativo, su lenguaje escénico brutal en nuestra ciudad. Un retrato en tiempo real de cómo vive y se comporta la sociedad... o al menos una parte de ella. En el envoltorio donde viene empaquetada esta obra se puede leer: PARENTAL ADVISORY. EXPLICIT CONTENT. Montaje no apto para estómagos delicados ni mentes demasiado costumbristas.
LA TRISTE FIGURA Del 1 al 4 de diciembre
MUCH ADO ABOUT NOTHING Del 1 al 4 de diciembre
Una delirante obra visual del artista David Espinosa que especula con las convenciones de espectacularidad, a través de figuras y objetos cargados de aventuras, romances, lujuria, guerra, tragedia y poder. Un irónico juego de luces y sombras con numerosos guiños al cine, el cómic, las artes plásticas, y a la propia historia del teatro.
De nuevo el artista David Espinosa nos introduce en su particular manera de ver el mundo con una instalación performativa sobre el uso de la imaginación y su relación con la percepción y el significado, inspirada en la novela Don Quijote de la Mancha. Manteniendo un espíritu crítico, cargado de ironía, sobre la sociedad y el mundo del arte, en cada creación Espinosa desarrolla un juego formal que sorprenda al espectador y que le haga partícipe en el visionado de la obra, exponiendo con crudeza los mecanismos y los planteamientos del trabajo.
Festival de Otoño Tres montajes dentro de la 34º edición de este Festival que dirige por primera vez Carlos Aladro Teatros del Canal
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desde latinoamérica
Elegía de una guerra civil Una compañía de variedades, compuesta por Carmela y Paulino (artistas que recorren España mostrando su espectáculo), va a parar accidentalmente a Belchite, ciudad recién tomada por el bando nacional durante la Guerra Civil española. Son literalmente obligados a hacer una función no solo para divertimento de las tropas vencedoras sino también para los presos que serán ejecutados al día siguiente. Esta función es el eje de la trama en la que se desarrolla el texto de José Sanchis Sinisterra, una obra que habla sobre la dignidad del ser humano, la rabia, el miedo, la injusticia, la necesidad de sobrevivir. Esta nueva versión está dirigida por Paco Sáenz y cuenta con dos intérpretes muy conocidos y respetados por tierras sudamericanas como son Gabriela Iribarren y Gustavo Saffores, dos grandes alicientes para acercarse a ver de nuevo este conocido texto teatral.
VIEJO, SOLO Y PUTO Teatro Valle-Inclán Del 10 al 13 de noviembre
¡AY CARMELA! Teatro Lara Del 7 al 22 de noviembre
Dentro de este maravilloso ciclo que nos propone el CDN, Una mirada al mundo, donde podemos descubrir joyas teatrales que se hacen por otros lugares, nos llega este premiado texto del argentino Sergio Boris. Un montaje que nos instala en la vida de dos hermanos que atienden una farmacia, un visitador médico y dos travestis. Son historias de derrumbes sentimentales, de amores prohibidos y mandatos familiares donde mezclando fármacos, sexo y alcohol, vamos descubriendo las vidas de unos personajes que navegan sin rumbo por un mar embravecido buscando un salvavidas que les lleve hasta la orilla. Un salvavidas que anhelan tenga forma de amor, pero que no siempre aparece.
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el mundo entre fogones por Álvaro Vicente
se cumple el sueño de peris-mencheta de dirigir un clásico contemporáneo como la cocina con 26 intérpretes a sus órdenes
Como todos los grandes proyectos, este tiene su historia, o sus historias, detrás. En 2003, Sergio Peris-Mencheta montó La cocina con un grupo amateur donde casi todos los actores eran universitarios. Fue en el Centro Cultural Meseta de Orcasitas y llegaron a verlo unas 4.000 personas. Entre ellas la vio Jordi Dauder (que en paz descanse), que acudió junto al resto del elenco de La gaviota que había montado Amelioa Ochandiano con Teatro de la Danza por aquel entonces. En ese elenco estaba Silvia Abascal, que entonces era pareja de Peris-Mencheta y cortaba las entradas en la puerta del Centro Cultural. No participó como actriz, pero ambos se juraron, tras la insistencia de Jordi Dauder, de que algún día montarían a lo grande La cocina y que ella estaría allí como actriz. Ese día ha llegado. Silvia y Sergio ya no son pareja, pero
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El director sobre sus actores son grandes amigos y la cuenta pendiente está a punto de saldarse. Y está sucediendo porque Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, apostó hace dos años por este montaje. La cocina es idónea para hablar de un mundo contaminado por las diferencias donde estamos viendo que nuestra supervivencia depende de la convivencia, del respeto al otro. Lo contrario es la autodestrucción. Peris-Mencheta alejó de sí la tentación de traer la trama de la obra a nuestros días. Encontró la excusa perfecta para mantenerla en su época, en la Inglaterra post Segunda Guerra Mundial. Allí se firmaron, en agosto de 1953, los Acuerdos de Londres por los que varios países europeos, entre ellos Grecia, le condonaban la mitad de la deuda a Alemania. Entre los personajes de la obra hay unos cuantos griegos y unos cuantos alemanes, y entre comanda y comanda, se tiran los trastos a la cabeza, mientras el chef intenta mantener el control de una cocina que ha de servir comida para 1400 comensales. Una auténtica locura teatralizada (con el asesoramiento de varios cocineros) en un escenario circular en torno al cual se disponen los espectadores a cuatro bandas. El montaje está hecho de tal forma que el sitio elegido te brindará ver la obra desde una perspectiva única, así que... ¡habrá que ir varias veces!
SILVIA ABASCAL Cuenta pendiente
NATALIA MATEO Terremoto de 1,55
ROBERTO ÁLVAREZ
XABI MURÚA Ejemplo de humildad
El mejor chef, si se deja FÁTIMA BAEZA El corazón AITOR BELTRÁN Versatilidad pura ALMUDENA CID Sorpresa VÍCTOR DUPLÁ Reencuentro PATXI FREYTEZ El chef en la sombra JAVIVI GIL VALLE Imaginación JOSÉ E. GIMENO Talento por descubrir RICARDO GÓMEZ Superdotado PEPE LORENTE Indispensable
DIANA PALAZÓN Un bombón PALOMA PORCEL Trabajo, trabajo NACHO RENGEL Apuesta personal XENIA REGUANT La mejor Corazza NACHO RUBIO Lo tiene chupao ALEJO SAURAS El Tom Cruise de Cuatro Vientos MARTA SOLAZ Todo por demostrar MARIO TARDÓN Bestia parda JAVIER TOLOSA Buen amigo CARMEN DEL VALLE
ÓSCAR MARTÍNEZ Nueva oportunidad
Nuestra primera vez director-actriz
R. SUÁREZ-PAZOS Su sueño hecho realidad
LUIS ZAHERA El desorden más bonito
La cocina Sergio Peris-Mencheta prepara el plato de su vida, el clásico de Arnold Wesker que le puede dar la estrella Michelín que lo encumbre definitivamente como director. Teatro Valle-Inclán. Del 18 de noviembre al 30 de diciembre
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¿qué es poesía? por Sergio Díaz
Vuelve la magia escénica de La Zaranda
La extinta poética La compañía Nueve de Nueve presenta este montaje escrito por Eusebio Calonge y dirigido por Paco de La Zaranda Teatro Español Desde el 24 de noviembre
Mencionar a La Zaranda dentro del contexto teatral ya atrae la atención de cualquiera. Su larga trayectoria (40 años) y el maravilloso trabajo escénico que han realizado a lo largo de todo este tiempo avala ese enorme interés que despierta la compañía jerezana afincada en Madrid desde hace unos meses. La Zaranda vive desde hace un tiempo un proceso de apertura que ha hecho que, en esta ocasión, Eusebio Calonge y Paco de La Zaranda hayan trabajado con actores fuera de su propia compañía. La extinta poética es un texto de Eusebio Calonge, dirigido por Paco de La Zaranda que representa la compañía Nueve de Nueve. La obra sumerge al espectador en un cerrado ámbito de pesadilla cotidiana, donde la única válvula de escape es el humor. Las situaciones se vuelven cómicas en su propia desesperación, dejando una reflexión abierta: ¿tiene algún sentido la belleza en esta
época de brutalidad y vacío? Es un trabajo desgarrador que cuenta con la experiencia escénica en múltiples disciplinas artísticas de su elenco (formado por Carmen Barrantes, Laura Gómez-Lacueva, Ingrid Magrinyà y Rafael Ponce). Una conjunción poética maravillosa: la belleza escénica que siempre emana de La Zaranda con la fuerza de una compañía teatral con mucho talento y largo recorrido como es Nueve de Nueve.
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nueva directora del Teatro Español Álvaro Vicente
Carme Portaceli
“Desde un teatro público lo más importante es ofrecer excelencia artística” Es la primera mujer que dirige el Teatro Español en sus 400 años de historia. Y no es cualquier mujer. Carme Portaceli es una directora escénica de amplia trayectoria, con más de 60 espectáculos a sus espaldas, que empezó en el Teatre Lliure de Barcelona en los 80 junto a Fabià Puigserver y Lluis Pasqual. Ha recibido premios Butaca, ADE y Max y en 2005 fundó la Factoría Escénica Internacional. A partir de febrero entrará la programación que ya ha empezado a gestionar.
¿Qué fue lo primero que se te vino a la cabeza cuando supiste que ibas a dirigir el Español? Lo primero que pensé fue: ¡aaaah! ¡Dónde me he metido! Me asusté un poco, la verdad. Pero me presenté con mucha ilusión y me hace mucha ilusión haber ganado y estar aquí. ¿Cómo va a ser tu forma de programar a nivel temporal? Yo seguiré un poco el camino que abrió Mario Gas en ese sentido, porque estamos en una sociedad muy diversa y nos tenemos que hacer eco de esa diversidad y tratar de llegar a muchos públicos. Habrá obras que puedan estar 6 semanas y otras que no estarán más de 2 o las que estén sólo una semana de jueves a domingo.
¿Vas a hacer una diferenciación entre las dos salas, la grande y la pequeña? Hago una diferenciación en tanto en cuanto creo que cada una tiene una medida que sirve para una serie de cosas. En la grande habrá mucho teatro de repertorio español básicamente, pero también universal, pero con formas dramáticas del siglo XXI y una lectura obvia del siglo XXI. Y plural, que creo que es una cosa muy importante. Y en la pequeña habrá ciclos y actividades muy interesantes en torno a la nueva autoría, con todos los medios de producción a disposición. Supongo que con los presupuestos que se manejan, habrá mucha coproducción... Pues sí, no nos queda otra. Esos momentos de bonan-
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za pasaron, al menos aquí, en este país. Mucho presupuesto no tenemos, así que nos tenemos que buscar otros compañeros de viaje, que por otra parte, eso también es muy bonito, porque eso se traduce en movimiento, en trabajo para la gente. Desde un lugar como este vertebras muchas cosas, y entre ellas el trabajo. ¿Cómo va a ser la relación con los creadores madrileños, tratándose de un teatro municipal? Van a estar siempre en el punto de mira, desde luego, porque somos un teatro de Madrid, pero al haber coproducciones pues igual trabajamos, por ejemplo, con el Lliure de Barcelona, si no, no podremos hacer muchas cosas. Y además, yo vengo de allí y conozco muy bien la realidad teatral catalana y esto habrá que aprovecharlo en beneficio de ambas ciudades. De todas formas, lo más importante de todo ha de ser la excelencia artística, desde un teatro público, donde cumples un servicio, la excelencia artística debe ser lo más importante, no hay nada más importante.
En cuanto a la convivencia con los teatros privados, que a veces se quejan de competencia desleal. ¿Cómo lo afrontas? Nosotros nos podemos permitir el lujo de no buscar a toda costa vender entradas, aunque yo las quiero vender todas desde el primer día, pero que sea porque la gente tiene una gran ilusión por venir a ver qué pasa aquí. El teatro público debe asumir un riesgo y una pluralidad, cargándote todos los muros que nos puedan separar de los espectadores y las espectadoras. Ya que dices espectadoras, lo femenino y la paridad es fundamental para ti como ya has indicado otras veces... Por supuesto, y la paridad sale, ¿eh? Que hay mucha gente escéptica al respecto, pero haberlas haylas y si te fijas un poco salen. ¿Quién se acuerda de Rosa Chacel o de María Teresa León? A ellas las quiero tener aquí. La paridad es fundamental porque si no la realidad que reflejamos es falsa, no solo por la cuota, que también, sino por la óptica, que es lo importante: es otra visión del mundo que tiene que estar presente.
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
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nuevo director de las Naves del Matadero Álvaro Vicente
Mateo Feijóo
“Madrid vive de espaldas a la realidad teatral internacional” De las 22 candidaturas que optaban a dirigir esta nueva etapa de las naves teatrales del Matadero, desvinculadas a partir de ahora del Teatro Español, la ganadora ha sido la liderada por Mateo Feijóo, que desempeñará esta labor gestora junto a María José Manzaneque y Almudena Ávalos. Actor, director y docente, Feijóo dirigió el Festival Escena Contemporánea entre 2003 y 2007 y el Teatro de La Laboral de Gijón entre 2007 y 2010.
¿Cuál es tu concepto de teatro público? Para mí lo que define sobre todo una estructura pública es que la gente que está al frente de esa estructura tiene que cumplir el rol de facilitador. Es un espacio donde nosotros somos los que coordinamos las relaciones entre los artistas y la sociedad y los individuos. Creo que uno de los problemas que tenemos en España es que los espacios públicos están cerrados a cal y canto, y deben ser espacios abiertos y vivos. Un espacio como este, las naves de teatro del Matadero, ya por el hecho de pertenecer a este gran contenedor cultural, ¿te obliga a ponerte en un determinado lugar? ¿Impone el espacio algún tipo de regla?
A mí el espacio no me da ningún miedo, no tengo esa relación pasional o sagrada hacia el espacio. Creo que es un espacio que hay que profanar, intervenir, desarticular de toda la parafernalia y el aparataje que lo construye. Hay que deconstruirlo. El espacio, además, tiene que ser una extensión de lo que pasa en la calle y del pensamiento de los artistas. Y en el caso de mi proyecto, que se centra en la creación contemporánea, en la investigación, en lo interdisciplinar, en lo transversal, pues todavía con mayor razón. ¿Cómo piensas relacionarte con el resto de entidades y colectivos de Matadero? Escrito está en mi proyecto y es fundamental para nosotros: yo quiero colaborar
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y participar en proyectos conjuntos con todos los colectivos que conforman Matadero, yo no quiero ser una isla dentro de este espacio, quiero ser uno más. Evidentemente marcaremos unas líneas de trabajo y definiremos un proyecto, porque sobre todo necesito internacionalizarlo. No me gustan los cajones de sastre, las naves 10, 11 y 12 deben tener una línea de programación, de trabajo muy clara y muy definida, que tiene que ver con lo contemporáneo, que no es lo actual. Lo contemporáneo es otra cosa. ¿Cómo resumirías a grandes rasgos, conceptualmente, tu proyecto para las Naves 10, 11 y 12 de Matadero? La internacionalización es la piedra angular del proyecto. Creo que Madrid vive de espaldas a la realidad teatral internacional y este es un buen momento para cambiar esta dinámica. A mí me apetece traer cosas que no han venido nunca a Madrid; quiero coproducir a artistas con estructuras de otros países; quiero generar proyectos interdisciplinares con artistas locales, nacionales e internacionales, generar equipos y dinámicas exportables. También quiero vincular a la gente de a pie como elemento fundamental en los procesos artísticos; quiero que el espectador acabe teniendo una voz propia sobre lo que pasa aquí, que tenga una formación, que podamos ayudarle tanto nosotros como los artistas para entender el código de los lenguajes contemporáneos y que pueda opinar de una manera activa sobre lo que sucede. Es necesario saber que lo interdisciplinar forma parte de las artes vivas, es necesario desarticular binomios de palabras que han hecho mucho daño como política cultural, ocio y cultura, industria cultural... todo eso tiene que existir, evidentemente, la Gran Vía tiene que existir, los teatros privados y las producciones de ocio tienen que existir, pero también tienen que existir, y más desde un espacio público, los lugares para la reflexión, para generar pensamiento, para trabajar con la filosofía, con la política, con el cuerpo, con la arquitectura... para ver cómo nos relacionamos con la diferencia, cómo aceptamos las diferencias de los demás... Creo en el conocimiento y la aceptación de las diferencias, no en la integración, que de hecho no está funcionando... Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
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los espectadores opinan
Don Juan El mito en formato de musical en una producción de Álex García que llega de la mano del compositor Antonio Calvo con Ignacio García en la dirección artística, dirección musical de Julio Awad y coreografías de Tino Sánchez Teatro de la Luz Phillips Gran Vía Desde el 6 de octubre
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“Magnífico musical. Un 10 en todos los sentidos, espectacular orquesta, vestuario, escenarios y actores. De visita obligada.”
“Me pareció DE DIEZ. Hacía tiempo que no veía un espectáculo como DON JUAN.”
iiiii “Por los cantantes que erizan la piel, por la puesta en escena, porque te atrapan los efectos visuales, por los bailarines, por el vestuario atemporal... Don Juan Tenorio... Me calaste hondo!!!”
iiiii
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“Por fin! Un musical completo en el que voz, danza e interpretación están al mismo nivel, un nivel profesional y de calidad.”
“Gran producción, decorados y vestuario estupendos, grandísimas voces y gran cuerpo de baile, y la adaptación de Zorrilla estupenda.”
iiiii “Del elenco, todo el mundo es bueno: bueno en todos los sentidos... buenos como cantantes, buenos como actores, buenos como bailarines... Mención especial para la intérprete de Brígida. Todos en general arrancan los gritos de ¡Bravo! …”
iiiii “Grandísimos artistas, fantástico montaje y magnífica adaptación de una obra tan perfecta como difícil de adaptar al formato musical. ¡Espectacular!”
*Opiniones recogidas de usuarios de la página de Facebook de la obra
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ambición desmedida por Sergio Díaz
Arturo Querejeta: caballo ganador
Ricardo III El conocido texto de William Shakespeare, dirigido por Eduardo Vasco y protagonizado por Arturo Querejeta Teatro Español Desde el 1 de diciembre
Ricardo III es, a nivel formal, la última obra de la tetralogía sobre la historia de Inglaterra que escribió Shakespeare. A nivel sensorial es un montaje de Noviembre Compañía de Teatro, dirigido por Eduardo Vasco -lo cual dota a la obra de una dimensión diferente de la que hayamos podido esperar-; se representa en el Teatro Español -un lugar perfecto para poderla disfrutar-; y el papel protagonista recae en Arturo Querejeta, uno de esos actores, que tanto abundan en nuestro país, que no siempre tienen el reconocimiento que deberían, pero que dignifican un trabajo como este, ya que por sí mismos son capaces de dotar a un texto de máxima verosimilitud. El actor riojano es un rostro que resultará conocido o familiar si te lo encuentras caminando por la calle, pero no mucha gente sabrá cual es su nombre; sin embargo es un elemento de solidez imprescindible que sostiene cada
proyecto del que forma parte. Además, en esta producción, está muy bien acompañado por un elenco resolutivo que es capaz de sumergirnos de lleno en las intrigas del reino de la Inglaterra del siglo XV. Tras una larga guerra civil, el país disfruta de un inusitado periodo de paz bajo el reinado de Eduardo IV. Ricardo, duque de Gloucester, tras relatar la manera en que se ha producido la ascensión al poder de su hermano, revela su envidia y sus ambiciosos deseos. Él, jorobado y deforme, no se conforma con su estado y planea conseguir el trono a cualquier precio, eliminando todos los impedimentos que pueda encontrar en el camino. Pero en esa ambiciosa y sanguinaria carrera para alcanzar su ansiada meta, tendrá que luchar con unos adversarios con los que no contaba, los fantasmas de sus víctimas que le irán avecinando el triste final que le va a deparar la vida.
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jóvenes creadoras en búsqueda por Sergio Díaz
Buscando los límites del teatro la crisis, pero ¿qué es la crisis? Y lo único de Hablar sobre teatro es uno de los grandes plalo que puedes hablar es de una experiencia ceres de esta profesión. Y sobre todo aprender personal de una crisis. Y eso es de lo que habla sobre teatro. Que te transmitan la capacidad Interrupted, de los pasos que vas dando hasta transformadora de las artes escénicas, sobre que tu vida se desmorona por completo. cómo el teatro adquiere una dimensión vital. Es un lujo conocer a personas que aman lo que hacen y ponen todo el Teatro EnVilo empeño en conseN: Soñar y formar guirlo. Hablamos con parte de algo como Andrea Jiménez y nuestra compañía, Noemi Rodríguez, coTeatro EnVilo, es gedirectoras artísticas nial, porque nos prode Teatro EnVilo, una porciona encuentros, compañía de teatro de aventuras, experiencarácter internacional, cias, viajes… Lo que que son las creadoras yo quiero es que la de Interrupted, una compañía me siga de las joyas teatrales inspirando, que sea de la cartelera. Ellas algo vivo que conshablan. Escuchamos. tantemente inspire a FOTO: Interrupted en el Fringe Edimburgo 2013 la gente que trabaja @ Ganecha Gil Gracia Interrupted con nosotras. Noemi: Esta obra A: Para mí la idea de es una comedia y no deja de ser comedia por la compañía es algo que va más allá de la idea tratar un tema complejo como es el del ‘breakde solamente hacer espectáculos. Es la idea de down’ emocional. En el 2012 sufrimos el estallicrear un marco o un terreno de juego en el que do de la burbuja de confort, y quisimos analizar poder inventar. Todos los artistas tienen el misla idea de crisis. Este fue el comienzo. mo problema, un deseo de crear, pero siempre Andrea: Queríamos hacer un proyecto sobre falta esa otra parte de tu proyecto, ese marco
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que te desafía, que te inspira, que te pone un horario. Y la idea de Teatro EnVilo es un trabajo de discurso, de hablar mucho entre nosotras para preguntarnos constantemente qué es lo que queremos que sea esto, para seguir creando nuestra propia identidad. Cada vez trabajamos más la idea de unión y de compañía, aglutinando cosas donde está Interrupted, donde están los cursos que impartimos, los trabajos con diferentes grupos sociales… y cómo todo eso va hacia una misma dirección. Somos un proyecto estable que crece y que se desarrolla. Somos una gran familia.
El Teatro y la vida
A: Mi idea es acercarme a lo que hace Le Théâtre du Soleil en Francia. Es el ideal. Esta idea de desarrollar en el teatro no sólo espectáculos, sino una relación al mundo. ¿Qué queremos transmitir sobre el
teatro? ¿Por qué nos importa el teatro? ¿Por qué creemos qué es relevante esta profesión? ¿Por qué es algo que el mundo tiene que tomarse en serio? Ahí es donde queremos que la idea de compañía fragüe: para elevar la profesión. ¿Por qué es importante esto? pero realmente, y demostrar que es indispensable. N: ¿Hasta dónde podemos llevar el teatro? ¿Cuáles son los límites del teatro? Nosotras no sabemos la respuesta y no sabemos si algún día la encontraremos, pero trabajamos con la idea de afectar e impactar en la sociedad, y por lo tanto, elevar lo que una hace a través de ese impacto. Teatro EnVilo no se detiene. Siguen creando, moviéndose y caminando por el alambre. Y nosotros seguimos su movimiento intentando identificar, gracias a ellas, el significado de lo que sentimos. NOEMI RODRÍGUEZ es co-directora artística de la compañía Teatro EnVilo. Es actriz, directora y autora de cuatro obras dramáticas, las cuales han sido ampliamente representadas en Europa
ANDREA JIMÉNEZ es co-directora artística de la compañía Teatro EnVilo. Es creadora, directora y actriz y ha trabajado para reputadas compañías de teatro en Francia, España e Inglaterra
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
Interrupted Ariana Cárdenas, Andrea Jiménez, Esther Ramos y Noemi Rodríguez interpretan esta irreverente y original comedia sobre cómo perder el control de tu vida Teatro Lara Jueves de noviembre
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FOTO: Jean Pierre Ledos
estrenos
Acariciándonos el alma Roger Álvarez, un actor de largo recorrido, nos propone un entrañable viaje a través de recuerdos y vivencias que, como en un tobogán de emociones, nos pueden conducir hasta la carcajada. En esta Pequeña Suite Emocional se habla de tres mujeres, tres ciudades y de una isla diminuta. De la grandeza de lo pequeño y lo cotidiano, en contraste con lo inmenso y lo sobrenatural. Se habla de la misteriosa relación que existe entre lo que nos muestra un microscopio y lo que nos desvela un telescopio. Y así, a través de un recuerdo, nos encontraremos con la Vía Láctea hecha polvo, y flotando dentro un haz de luz, en el oscuro sótano de un colegio de primaria... Este montaje es también la metáfora de la realidad como fuente de inspiración. La pura realidad convertida en puro teatro. Es un canto a la alegría de vivir.
THE FUNAMVIOLISTAS Teatros Luchana Desde el 18 de noviembre
PEQUEÑA SUITE EMOCIONAL Teatro Lara Lunes de noviembre
Esta obra ha cosechado el Premio Max en 2014 como ‘Mejor Espectáculo Revelación’, el premio Talent 2013, premio en la XVI Feria de Teatro de Castilla y León... o sea que estamos hablando de algo que merece mucho la pena. Ana Hernández (violín), Mayte Olmedilla (viola) y Lila Horovitz (contrabajo) fusionan música, danza, humor y teatro de gesto para contar de forma insólita una historia de reinvención. La obra comienza cuando estas tres mujeres con un presente truncado se encuentran. Este cruce del destino hará que construyan una vida en común, con sus alegrías, sus desencuentros, sus sueños y esperanzas. La amistad y la superación son el hilo con el que se teje esta historia entrañable y conmovedora sin necesidad de la palabra.
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Las peores heridas son las que no se ven Tengo una cicatriz en el cuerpo. Una cicatriz de una herida que abrió mi pecho en canal. Se fue cerrando, poco a poco, pero nunca se curó del todo. Tú no ves mi cicatriz, pero sangra. Sangra, duele y me desgarra el alma. Y no me deja ser yo. Me impide ser yo, porque estoy sangrando. Y la sangre lo inunda todo... Aunque ahora estamos juntos, solos los dos, y todo parece en calma. Nada en nuestro lenguaje corporal delata lo que verdaderamente estamos sintiendo. Ese torbellino emocional que está llevando nuestras mentes a un lugar fuera de nosotros dos. A ese lugar donde nos hicimos las heridas. Nos miramos, nos besamos, nos acariciamos. Como siempre hacemos. Como si todo en nuestra vida fuese normal y sólo existiésemos el uno para el otro. Una gran mentira. Hemos elegido alejarnos de todo. Salir de la rutina que nos envuelve y perdernos juntos en un rincón apartado para encontrarnos. Aparentemente sanos. Impostadamente felices. Buscamos un refugio para intentar salvar esto que estamos viviendo. Para convencernos sin
necesidad de expresarlo. Pero ambos sabemos que no será así. Ninguno de los dos vemos las cicatrices, pero la sangre no deja de brotar. Y no seremos capaces de curarnos, ni siquiera haciendo el amor desaforadamente. Sí, hay un mañana, pero parece que no está hecho para nosotros. David Ramiro Rueda, autor y director de la aplaudida Píntame, nos adentra ahora de forma súbita en los vericuetos sentimentales de una pareja, cuya vida no avanza por los temas que cada uno ha dejado sin resolver en su pasado. Heridas que no se curan, aunque las tapes, y que se van infectando pudriendo el futuro.Adriana Salvo -Píntame- y Álvaro Quintana -miembro de La Joven Compañía- (con Jorge Ygarza como cover) darán vida a esta pareja con la que podremos descubrir el alcance de nuestras propias heridas. S. Díaz
LA CICATRIZ Teatros Luchana Desde el 28 de noviembre
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ESTACIONES DE ISADORA Teatro Español Hasta el 20 de noviembre
Un día en Nueva York, Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière apostaron a ver cuál de los dos sabía más sinónimos de la palabra ‘polla’. De aquel juego imaginativo salió este glosario de palabras gruesas para paladares finos, no apto para mojigatos. En escena, descubrimos la curiosa relación entre un viejo filólogo (Ricard Borràs) y una joven dobladora de películas porno (Elena Barbero). ¿Queréis sumaros a la orgía de esas palabras prohibidas, pero que se dicen con ganas? Un texto divertido y sabio sobre el tema más universal. Una cuestión de la que depende nuestro futuro como especie, pero también nuestra fantasía y nuestra libertad. Un paseo erudito y sugerente por las posibilidades eróticas de nuestra lengua.
TARTUFO, EL IMPOSTOR Teatro Fernán Gómez Del 17 de noviembre al 11 de diciembre
Mirar al mar. Mecerse en su vaivén. Imitar el movimiento de las olas con las manos... Este se supone que fue el detonante y el comienzo. Esa observación que hacía desde niña en la playa Isadora Duncan, en su San Francisco natal, le llevó a investigar y desarrollar nuevas forma de movimiento y expresión en el ámbito de la danza. Isadora Duncan está considerada por muchos como la creadora de la danza moderna, y Hugo Pérez de la Pica ha construido este montaje para que podamos acercarnos a ella. A Isadora. A la danza. Beatriz Argüello protagoniza este viaje poético a través del amor y la muerte. Un canto al dolor, a la determinación y a la búsqueda permanente de la belleza. S. Díaz
LAS PALABRAS Y LA COSA Teatros del Canal Hasta el 27 de noviembre
El Tartufo posee una inteligencia muy elevada que utiliza para radiografiar las debilidades y las virtudes del prójimo. Se acerca a las personalidades manipulables, las que puede manejar a su propio antojo y se aleja y recela de las que le identifican a él como un impostor. Y es así como Tartufo, cualquier tartufo, a partir de la manipulación y saber estar cerca de quién debe estar, construye su imperio. Este montaje pretende trasladar la historia clásica de Molière al día de hoy, para que podamos descifrar a los tartufos que vagan acechándonos. Seguro que el camaleónico Rubén Ochandiano nos conduce de forma magistral por los vericuetos mentales que pone en liza El Tartufo para conseguir sus objetivos y así los descubriremos.
MÁRMOL CDN. Teatro Valle-Inclán Desde el 25 de noviembre
El dramaturgo y director argentino Ciro Zorcoli fue amablemente perseguido por los componentes de T de Teatre para poder unir sus caminos artísticos y trabajar juntos. Fruto de ese encuentro, nada casual, ha surgido este montaje surgido de la mente de Zorcoli que la compañía catalana, con más de 25 años de trayectoria teatral a sus espaldas, se encarga de dar forma. ¿Cómo ponerse en la piel del otro?. Ese aspecto vital del trabajo del actor, y de cualquier ser humano, es el pilar fundamental de esta obra. Es un trabajo de inmersión total, de completa asimilación y mimetismo, de sumergirse enteramente en los infinitos pliegues de un personaje. Un trabajo de transformación para lograr la perfecta comunión entre actores y público.
LAS PRINCESAS DEL PACÍFICO Teatro Galileo Desde el 12 de noviembre
Art y Ben encarnan el arquetipo del triunfador actual. Amigos de toda la vida, profesionales de éxito, los dos están casados, tienen hijos, una sólida posición económica, y lo que en resumen podríamos considerar una vida plena y satisfactoria. Pero un día Art le cuenta a Ben, en tono casi jocoso, que ha soñado que se acostaba con Catheriene, la mujer de Ben, en una habitación cubierta de mármol. Esa misma noche, Ben descubre estupefacto que su mujer ha tenido exactamente el mismo sueño, con su amigo Art. José Luis Alcobendas, Elena González, Susana Hernández y Pepe Viyuela protagonizan este texto de Marina Carr, donde cuatro apacibles vidas saltan por los aires por dos sueños cruzados y compartidos.
FOTO: David Ruano
FOTO: Moisés Fernández Acosta
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PREMIOS Y CASTIGOS Teatro de la Abadía Del 3 al 20 de noviembre
Zarpa de nuevo el barco más extravagante y surrealista de la cartelera. Una obra que en 2015 conquistó el corazón de los espectadores que se sumaron por legiones al pasaje de este crucero dirigido por José Troncoso y magistralmente interpretado por Alicia Rodríguez y Belén Ponce de León. Ambas dan vida a dos personajes que viven recluidos en el salón de su casa con una única ventana al mundo: la televisión. Pero, ¿qué ocurre si por una vez la suerte les sonríe premiándolas con un fantástico crucero con el que nunca hubieran soñado? ¿Qué pasa si las enfrentamos a personas incapaces de empatizar con el micromundo que estos dos personajes han ido forjando? Nuestra princesas nos lo cuentan con su maravillosa gracia natural.
PROGRAMACIÓN
distrito Hortaleza
SANCHINARRO
CENTRO CULTURAL
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cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo
Ángel Martín
“El humor es algo que me ha salvado y que me salvará la vida muchas veces” Sé lo que hicisteis durante muchas sobremesas de vuestra vida: reír viendo a este tipo en televisión. Es hora de que te sumes -si aún no lo has hecho- a su legión de fans. Nuestro invitado ha puesto muchos huevos -con perdón- en la cesta de solocomedia. com. Un proyecto con nombre inequívoco. Comedia en estado puro. Corred a verlo por los locales de Madrid con su monólogo Lo de hablar...
¿Quién eres y a qué dedicas el tiempo libre? Soy un tipo que intenta ser libre todo el tiempo. ¡Chúpate esa, Coelho!
so que un gato en YouTube? Nadie es más gracioso que un gato en Youtube. Nadie. Quien diga lo contrario, miente
¿Cómo te inspiras para buscar el lado cómico de la vida? Cuestión de actitud. Soy incapaz de no ver el lado cómico de la vida por muy mierda que esta pueda ser en muchas cosas.
¿Cómo ves el género del monólogo, el humor, la corrección política...? El monólogo y el humor me parecen dos sacos enormes donde caben mil estilos distintos. Sé los monólogos y el humor que me interesan a mí. Y del tipo de cosa que me interesa a mí en España se hace muy poco. Respecto a la política, me parece un mundo lleno de gente que quiere mandar sobre otra gente. Como comprenderás, no me fío de nadie que quiera eso.
¿En qué momento te percatas de que eres más gracio-
El teatro y la cultura hoy son...
¿Y el ocupado? ¿qué harás en los próximos decenios? Ocupo mi tiempo en cosas que me apasionan y espero seguir así al menos hasta que me muera.
Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.
FOTO: ESN photography
Algo que los de arriba llevan años intentando cargarse. El humor para ti es… Algo que me ha salvado y me salvará la vida muchas veces. Solocomedia es… (¿acaso demasiado bueno como para estar en ‘prime time’?) Un proyecto lleno de alcohólicos y fracasados socialmente que ojalá siga en esa línea mucho tiempo. (Si Netflix está leyendo esto... por favor, que me llame). ¿Estamos bien de lo nuestro? ¿Cómo crees que ríe España? Cada mañana, por trágica que pueda ser la situación, siguen siendo TT cosas como #holaoctubre así que supongo que estamos de puta madre. Respecto a cómo ríe España, no tengo la más puta idea. Creo que dedicamos más tiempo a contar lo que no nos gusta que a gritar lo que nos gusta. ¿Qué y quiénes te hacen reír por doquier? La gente de la que me rodeo. He conseguido rodearme de gente capaz de reírse incluso de su sombra. Por jodidos que estén. Un momento memorable de tu vida fuera de los escenarios Memorable… Cada vez que he mandado
a la mierda a alguien cercano que he descubierto que se estaba aprovechando de mí. Juro que la sensación de ser consciente de que alguien disfrazado de “amigo” o persona que te quiere se está aprovechando de ti como un hijo de puta, y poder ser lo suficientemente fuerte de poder mandarlo a la mierda por difícil que te pueda resultar… es maravillosa ¿Cómo se vive con la fama a cuestas? ¿Se puede mantener el sentido del humor a todas horas? Para mí, ser famoso significa que alguien grite tu nombre en Tokio y todo el mundo se gire. Nunca he vivido algo así. De hecho no mucha gente sabe mi nombre. La mayoría de la gente que me reconoce lo hace por el nombre de los proyectos donde he estado. Y las pocas veces que alguien se ha arriesgado a llamarme por mi nombre la ha cagado y me ha llamado Dani Martín... Dónde localizarte y cómo y cuándo… En solocomedia.com. Siempre estoy ahí. Y si no estoy, puedes dejar un mensaje y te responderé en cuanto lo vea. O quizá no. Un mensaje a los lectores de Godot y teatreros del mundo, ávidos de cultura, risas y espectáculos. No hagáis caso a nada de lo que cuente la gente en una entrevista.
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
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el director del momento por Álvaro Vicente
Pablo Messiez
“Deberíamos ir al teatro con amor, mirando respetuosa y activamente los trabajos” La providencia, la suerte, la casualidad o, simplemente, la cosecha de los frutos sembrados durante años de trabajo, hacen que nos encontremos en Madrid, de pronto, con tres obras dirigidas por Pablo Messiez (Buenos Aires, 1974). Charlamos en un rincón del Café Pavón, café para mí, té para él, sobre este gran momento profesional y sobre esos tres montajes.
¿Cómo estás viviendo este “momento Messiez” que se da en Madrid en noviembre? Bueno, me he dado cuenta como de repente, porque digamos que mi proyecto para este mes es Todo el tiempo del mundo, lo que pasa es que La piedra oscura sigue funcionando muy bien y me parece genial que la productora apueste por continuar, porque no siempre pasa esto aquí, muchas veces las obras mueren antes de lo que deberían. Y luego La distancia pues tuvimos muy pocas funciones en prima-
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La Distancia Con el problema de los pesticidas con los que se rocían las plantaciones de transgénicos en Argentina como trasfondo (del que no se habla, pero que se intuye), Messiez adapta la novela de la también argentina Samanta Schweblin, Distancia de rescate, en lo que ha supuesto la primera producción de la cía. Bacantes Teatro. Se estrenó la pasada primavera en el Teatro Galileo y en solo 8 funciones levantó gran expectación y era de esperar que volviera. Y vuelve con sus mismas protagonistas: María Morales, Luz Valdenebro, Estefanía de los Santos y Fernando Delgado. El Pavón Teatro Kamikaze. Del 1 al 13 de nov.
vera en Galileo y a mí es una obra que me encanta, por las cosas que me hizo pensar, por poder trabajar con Luz y María, y con Fernando, y con Fani otra vez. La Distancia es una reposición, pero dado que el espacio es muy distinto del Galileo al Pavón, ¿es posible que la obra cambie sustancialmente? Sí, claro, la materia con la que trabajamos nosotros es el tiempo y el espacio, por lo tanto, al hacerla ahora en el proscenido del Pavón, evidentemente cambia. Pero no es un problema, es un estímulo.
trabajos con amor, eso lo cambia todo. No para que te guste. Amor es respeto, sentarte a mirar respetuosamente y de un modo activo. Me encanta la frase de Paul Valery que dice que “una obra no da el sentido, sino que lo busca”. En La distancia ya se atisba un tratamiento del tiempo en el espacio muy particular, que mezcla pasado y presente. Y en Todo
“En teatro trabajamos con espacio y tiempo y un cambio de espacio no es un problema, es un estímulo.”
Fue una obra que en sólo 8 funciones dejó mucha huella y provocó gran impacto en la gente... Sí, fue muy curioso, yo no pensé que fuera a tener esa enorme aceptación, porque la obra es rara. Pero ya sea por la gente que movían las actrices o la gente que me viene siguiendo a mí, la obra fue mirada con mucho amor, y eso es fundamental. Es la mirada que yo pido para todo, creo que uno debería ir a ver todos los
el tiempo del mundo, ese juego temporal va más allá y pasado, presente y futuro a veces son una misma cosa. ¿Qué te pasa a ti con el tiempo? A parte de que durante el último año he estado trabajando sobre el tiempo en mis talleres, a mí siempre el tema de los recuerdos y de la
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relación de las palabras con las cosas, cómo nos contamos la vida, el modo en que armamos los relatos que nos contamos, me ha interesado mucho. Después me empezó a inquietar esto de qué pasa si algo que pasó se le olvida a todo el mundo. Lo dice el personaje de Todo el tiempo del mundo, Flores: si algo se olvida, ¿eso pasó? ¿Qué entidad tienen los hechos, en realidad, si no son recuperados por las palabras? Luego me tocó dirigir La piedra oscura, que tiene esa enorme frase al final: “nadie puede desaparecer del todo”. Y finalmente entró mi abuelo, que era hijo de una mujer que él pensaba que era su tía. Mi abuelo es Flores, el protagonista de Todo el tiempo del mundo. Me pareció un vehículo ideal para poder hablar de estas cosas, además de que yo a mi abuelo lo amaba profundamente.
a un físico para hablarnos del tiempo, por esta idea cuántica de que la cronología es una mentira. Nos construimos la realidad desde una lógica que poco tiene que ver con lo que pasa en términos físicos, que para mí todavía es imposible de pensar. Hay un filósofo argentino, Eduardo del Estal, que dice “lo que no se puede pensar no se puede ver”, y es verdad. Pero hay otra frase de Silvina Ocampo, que es una autora
“Nos construimos la realidad desde una lógica que poco tiene que ver con lo que pasa en términos físicos.”
Al final los títulos de tus obras dicen mucho de tus propias obsesiones... Tienen que ver mucho con los sentidos, con tratar de ver de qué va esto; los sentidos, las palabras y el tiempo, es eso en realidad lo que más me interesa. Vamos a traer a los ensayos
La Piedra Oscura Gran triunfadora de la última edición de los Premios Max, (se alzó con 5), el montaje de Messiez sobre la obra de Alberto Conejero llena cada día el Teatro Galileo después de haber hecho antes dos temporadas en el Teatro María Guerrero, donde se estrenó. Un espléndido trabajo de todo el equipo, desde los actores (fantásticos Nacho Sánchez y Daniel Grao) hasta las responsables de la luz y la escenografía, Paloma Parra y Elisa Sanz, todos al servicio de la historia de Rafael Rodríguez Rapún y su relación con Federico García Lorca, que sin estar, sobrevuela toda la pieza. Teatro Galileo. Sin fecha de salida
que está muy presente en este montaje, que dice que “lo cierto es más raro”. Es todo un leit motiv en nuestro trabajo, incluso a la hora de escribir, porque a veces, cuando escribimos, nos captura una cierta convención acerca de lo posible, que termina aplanando nuestro intento por hablar de la realidad, que siempre es mucho más compleja.
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Todo el tiempo del mundo Una pieza llena de poesía y saltos en el tiempo con tintes autobiográficos. No en vano, los protagonistas, el zapatero Flores y Nené, son los abuelos de Messiez, que retoma aquí su doble condición de dramaturgo y director. Cada noche, al cerrar la zapatería, Flores recibe extrañas visitas de personas que le cuentan su futuro o le dan detalles de su pasado. Junto al núcleo de la compañía Grumelot, Íñigo Rodríguez Claro, Carlota Gaviño y Javier Lara, la obra cuenta también con María Morales, Rebeca Hernando, José Juan Rodríguez y Mikele Urroz. Naves del Matadero. Del 24 de nov. al 18 de dic.
¿Todos los personajes de Todo el tiempo del mundo pertenecen a esa constelación familiar que te precede? No, los únicos reales son Amelia, que es mi madre y que vendrá al estreno, mi abuela Nené, mi abuelo Flores y Aurora, su madre real. Luego hay dos personajes ficticios que son los novios, un poco espejo de Flores y Nené. Pero la obra tiene mucho de salto de registro, todos los personajes aparecen como en irrupciones repentinas, no responde a una lógica realista en términos de construcción de escena. Como en el caso de La distancia, esta historia también está focalizada en la cabeza del protagonista. Se trata de hipersubjetivizar la cosa, porque la percepción del tiempo subjetiva siempre es rara, a veces una hora te parecen dos minutos o al revés. Y esto le pasa a Flores, pero de forma muy radical a veces. Leyendo el texto se intuye un poco de angustia en Flores frente a esas apariciones que no entiende y le hablan de su familia... Sí, está construida un poco para volver loco al personaje, que llega agotado al final porque todo el tiempo tiene gente que le viene a contar
cosas sobre él y que no sabe si es cierto, si no, si lo olvidó... Su presente termina siendo cuestionado totalmente, hasta el punto de llevarlo a una cierta locura. También porque la obra plantea que la realidad ya es en sí misma otra locura. En Todo el tiempo del mundo repites con la gente de la compañía Grumelot -a la que se suman otros actores- tras Los brillantes empeños. Hubo química, ¿no? Yo los amo y me gusta mucho de ellos que apuestan por hacer teatro y han decidido dedicar su vida a eso, a entrenar, a investigar, y confían mucho en mí y yo en ellos. La experiencia de Los brillantes empeños fue para mí modélica de lo que yo quiero para un montaje, con 6 meses de trabajo, con confianza absoluta para probarlo todo... Y esta no va a ser la última vez, volveremos a trabajar juntos muchas veces.
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leer la gentrificación por Neus Molina
La ciudad de Desolation Row “En este barrio hay locales en los que no sabes si cortarte el pelo, comerte un muffin o comprarte un mueble vintage que antes era de tu abuela.” De esta guisa mostraban su rechazo a la gentrificación los okupas de La Quimera en el pregón alternativo de las fiestas de San Lorenzo de Lavapies. Entre la ironía y el malestar porque lo cierto es que el hipster de la calle Argumosa, de Hackeney o del Raval de Barcelona, comparten no solo la pertenencia a una nueva clase social, sino un nosequé que resulta cómico, ridículo e irritante. “Tios de 40 años en monopatín comprando reposteria para sus perros. Madre de Dios, ¿y estos quieren vivir aquí?” Así son para Jaime, vecino de Embajadores “de toda la vida”, los nuevos colonos urbanos: la clase creativa. Lo que para Jaime resulta inaudito y desconcertante es lo que los sociólogos llaman gentrificación o cómo las clases sociales con un mayor poder adquisitivo se desplazan a los centros urbanos, a menudo degradados, desplazando a su vez a la población ‘autóctona’. La gentrificación -término que proviene de “gentry”, la manera peyorativa de referirse a la nueva burguesía inglesa durante la Revolución Agrícola del siglo XIX- no es un fenómeno nuevo pero sí un fenómeno en alza que coloniza, sin prisa pero sin pausa, los centros de las metró-
polis europeas y en algunos casos americanas o latinoamericanas. El neologismo fue introducido por la socióloga marxista Ruth Glass en 1964 para hablar del modelo migratorio de la nueva burguesía-bohemia, que buscaba en los barrios céntricos y paupérrimos viviendas y estudios para sus actividades creativas. Malasaña, El Cabanyal, La Magdalena, Hoxton, Harlem, El Raval, Valparaiso –Chile- son algunos ejemplos de esta ola de “destrucción creativa” que a menudo se confunde con regeneración urbana. Para David Madden, periodista de The Guardian, no hay duda, todos los procesos de gentrificación siguen casi siempre una dinámica calcada: los barrios pobres se definen como necesitados de una regeneración o rehabilitación, “como si el problema fuera la falta de ‘vida’ y la ‘dejadez’ y no la desigualdad o la pobreza”.
Y aparece el cupcake
Daniel Sorando, doctor en Sociología, y Álvaro Ardura, arquitecto y profesor de Urbanismo, analizan el fenómeno en el libro First we take Manhattan. La destrucción creativa de las ciudades, y haciendo un guiño a Leonard Cohen (o a Lagartija Nick y Morente) trazan un recorrido entre diferentes guettos urbanos y analizan los impactos de lo que Sara Kendzior llama la ‘hipsterización’ capitalista.
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La proliferación de comercios dirigidos a esos nuevos urbanitas -tiendas de cupcakes, ropa vintage o repostería para perros- es la parte final y más visible de un fenómeno que silenciosa y lentamente impone otras consecuencias, como la pérdida de diversidad, el destierro de lo público y la ‘invisibilización’ de los perdedores que migran a otros rincones de la urbe. Los problemas no desaparecen. Se desplazan.
Para Rodrigo, la gentrificación no es un modelo blanco o negro. Los polos entre clase creativa y la clase social ‘autóctona’ pueden desaparecer para dar lugar a alianzas a través de la cultura comunitaria. “Más que demonizar las instituciones culturales públicas habría que reconducir sus recursos hacia un debate y otro modelo de ciudad lejos de la especulación inmobiliaria y el elitismo cultural”, matiza Rodrigo.
Aunque cada ciudad responde a idiosincrasias propias, para Sorano y Ardura la gentrificación puede explicarse en cuatro fases: degradación, estigmatización, resignificación y mercantilización. Los grandes equipamientos culturales aparecen en el proceso de resignificación cuando desde las instituciones se facilita la sustitución de la clase social no productiva, hacia la clase creativa. La ciudad-asilo reconvertida en ciudad-escaparate y el equipamiento cultural en el nuevo punto de encuentro y peregrinación sobre el que pivoten el resto de reestructuraciones del barrio.
Resistir desde la cultura de base sí, pero también desde las instituciones. Así por ejemplo, el ayuntamiento de París está adquiriendo opciones de compra de vivienda para mitigar la rotación poblacional en algunos barrios. O Berlín, que ha aprobado una ley para frenar el precio del alquiler, disparado en un 32 % entre 2007 y 2013.
Donde hay poder hay resistencia
No obstante, y de manera paradigmática, a veces se añade una nueva fase, la quinta: la resistencia. Como decia Foucault, “donde hay poder hay resistencia”, y tal y como apunta Javier Rodrigo, investigador de fenómenos urbanos del colectivo Transductores, “los grandes equipamientos culturales como el Reina Sofia en Madrid o el Macba en Barcelona han permitido la identificación del ‘enemigo’ facilitando el sentimiento identitario de pertenencia al barrio.”
Uno de los objetivos de First we take Manhantan tal y como explica Ardura es “hacer un llamamiento a los poderes públicos para que contrarresten la deriva del mercado con medidas como la provisión de parque público de vivienda”. Pero en realidad el libro también es un aviso para navegantes: a los flaneurs de Baudelaire, a los paseadores profesionales de barba y monopatín, a los comedores de cookis y porridge, a los del iphone y las camisas de flores, a las instituciones, a los culturistas y culturetas, a los especuladores y a los resistentes. ¿Cómo queremos que sean nuestras ciudades? ¿Escaparates para turistas, hipsters y mascotas, o la ciudad de Desolation Row de Dylan? Una metrópolis donde T.S Elliot conviva con el jorobado de Nôtre Dame, la Cenicienta y Caín y Abel. Una ciudad donde quepamos todos.
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pensando la ciudad por Daniela Pascual
Devolver el urbanismo a la calle Quito, Teatro Nacional, 19 de octubre. Auditorio lleno. Joan Clos, Saskia Sassen, Richard Sennett y Ricky Burdett, cuatro peces gordos del urbanismo, presentan The Quito Papers, contrapunto teórico a la Nueva Agenda Urbana. Se discute sobre la herencia funcionalista de la Carta de Atenas, manifiesto de arquitectura moderna de los años 30, y sobre cómo repensar la ciudad. Esta última es compleja, incompleta, porosa, un artefacto político inacabado. Ya en la discusión, Sennett declara que hoy en día las gated communities deberían de ser ilegales, y todos aplaudimos como locos ante tal evidencia. Paradójicamente, Hábitat III, conferencia sobre vivienda y desarrollo sostenible organizada por Naciones Unidas cada 20 años, no fue otra cosa sino un recinto cerrado. En aquel instante, y durante los 4 días que duró el congreso, fuimos cómplices de una comunidad cercada, de acceso restringido, y dentro de la cual la participación de cada quién estaba claramente delimitada y jerarquizada. No hay por qué extrañarse: era, después de todo, un evento de la ONU. Sin embargo, es preciso recalcar la incoherencia entre los discursos dentro de Hábitat III, la organización de la conferencia en sí y lo que sucedía a dos calles de allí. El debate sobre
el futuro de nuestras ciudades se hizo al margen de la ciudad misma, ajeno a Quito y a la mayoría de su población. La ciudad abierta se imaginaba en una ciudad amurallada y excluyente donde una cuarta pared separaba a quienes tenían el privilegio de la palabra de aquellos que tenían el derecho a la escucha. En reacción a este esquema, y mientras estábamos en aquel auditorio, David Harvey, geógrafo radical y otro gurú del urbanismo, crucial en cuestiones del Derecho a la Ciudad, participaba en un encuentro en el Mercado de San Roque, en una zona muy estigmatizada de Quito. Dando una lección de congruencia, estaba acompañado mayoritariamente de vecinos del barrio, sin publicidad, sin seguridad, sin auditorio. Si teorizar la ciudad es necesario, no podemos hacer ciudad sin tejer redes de afecto, y esto supone devolverle el cuerpo en estos “espacios de esperanza” cotidianos, abiertos y transitados, como puede ser un mercado. Asimismo, la ciudad es una sedimentación de relatos y narrativas urbanas frustradas. La pregunta en qué ciudad y cómo queremos vivir ha desatado una serie de imaginarios colectivos que han tenido repercusiones en el planeamiento de las urbes y en los conflictos que en ellas
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acontecen. En efecto, todo modelo urbano es un modelo de convivencia que se manifiesta a la vez que otros y de forma parcial en la ciudad contemporánea. De manera simultánea porque la existencia de uno no implica la desaparición de otro, parcial porque ningún modelo ni diseño espacial es todopoderoso. Si nos fijamos en las directrices urbanas de hoy, la ciudad participada debe cortejarse con la ciudad sostenible, y esta con la inclusiva, pero también con la competitiva, la resiliente, la abierta, la creativa, la inteligente. Concretamente, ¿qué se defiende? ¿Cómo es una ciudad competitiva y solidaria? ¿Son compatibles? Las dramaturgias políticas son contradictorias. Por ejemplo, la Nueva Agenda Urbana promueve ciudades inclusivas, pero por cautela política ni se nombra a la comunidad LGTB, ni aparece la idea de acceso a la justicia, aún menos el término democracia. A su vez, la incorporación del Derecho a la Ciudad en el documento final, a pesar de la resistencia de varios países, es una batalla ganada. La ambigüedad y la manipulación del lenguaje es aquí comparable con el enmascaramiento propio del teatro. Por lo tanto, pensar la ciudad también es fabricar ficciones y, como en el teatro, hay relatos con más poder que otros: qué visión del mundo se defiende es ya elección de cada quién, pero el resultado nos afecta a todos y es la construcción y el choque entre ficciones, la interacción social, que dicta sobre la marcha el rumbo de la ciudad. Hábitat III se contradijo al abogar por una cierta imagen de ciudad y practicar su opuesto. Se defendió el espacio público desde un espacio privado y en el marco de una interlocución fallida. No obstante, si el Teatro Nacional sirvió como escenario para reproducir las relaciones de poder vigentes en la ciudad y en el gremio del urbanismo, el teatro es también un bastión
estratégico en la lucha por recuperar los espacios públicos. Por un lado, el juego nos permite refutar la existencia de roles fijos y no intercambiables, mientras que por otro, la teatralidad y el arte en la esfera pública nos procuran herramientas de disidencia y métodos de acción colectiva
La ciudad es una sedimentación de relatos y narrativas urbanas frustradas. para habitar el espacio. La manera en que las artes vivas se aproximan al cuerpo, al espacio y a los afectos permite repensar lo colectivo desde un lugar distinto al del urbanismo clásico. Saskia Sassen habla de recapturar la ciudad, pero se trata también de re-habitarla, y un cuerpo comprometido que decide ocupar una plaza es capaz de generar experiencias de cuidados que son esenciales para la vida cotidiana. Por esta razón es pertinente abrir un diálogo entre teatro y ciudad que incorpore tanto la investigación artística como la práctica urbanística. Considerar el teatro como elemento constitutivo del proceso urbano y reconocer el arte como arma de transformación social es un buen punto de partida.
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la última de Mozart Miguel P. Valiente
Ópera seria de trasfondo propagandístico El 3 de septiembre de 1791 la Asamblea Nacional Constituyente de Francia finiquitaba siglos de régimen absolutista con la promulgación de la primera constitución escrita del país. El rey Luis XVI se convertía, muy a su pesar, en un monarca constitucional en lo que sería tan solo la antesala de los sucesos que culminarían con su ejecución. Tres días más tarde, en el otro lado de Europa, una vistosa comitiva regia se trasladaba al Teatro Nacional de Praga para asistir al principal de los espectáculos ofrecidos con motivo de la coronación del hermano de la reina Maria Antonieta de Francia, el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Leopoldo II de Habsburgo-Lorena, como rey de Bohemia. La obra representada fue La clemenza di Tito, la última ópera compuesta por Mozart sobre un texto que Catarino de Mazzolà había adaptado a partir del original de Metastasio. Libreto muy conocido por la casa de Habsburgo ya que había sido escrito para homenajear al abuelo de Leopoldo, el emperador Carlos VI, en una primera ópera con música de Caldara y que desde entonces, y hasta la ópera de Mozart, había sido musicado en 39 ocasiones por 35 compositores diferentes. Con este encargo de los estados de Bohe-
La clemenza di Tito Procedente del Festival de Salzburgo, con dirección musical de Christophe Rousset y escénica de Ursel & Karl-Ernst Herrmann, el Real recupera esta mítica producción de 1982.
Teatro Real Del 19 al 28 de noviembre
mia, Mozart, que moriría tres meses después del estreno, volvía a un género que había frecuentado poco, la opera seria. No deja de ser irónico, habida cuenta del curso que estaba tomando la Revolución Francesa, que los comitentes quisieran ofrecer un trabajo propagandístico que exaltara las virtudes del gobierno de un déspota ilustrado como Leopoldo. Esta ópera, plagada de pasajes musicales sublimes pero de trama y personajes anquilosados, perdió el favor del público a partir de 1830 debido a los prejuicios que contra ella solidificaron durante el período romántico musical. Esos escrúpulos solo se superaron hacia la mitad del siglo XX cuando musicólogos y críticos reivindicaron las virtudes artísticas evidentes de una partitura excelsa. Título indispensable para el anterior director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier, el coliseo madrileño recupera la mítica producción de 1982 que el propio Mortier, a la sazón director artístico del Teatro de la Monnaie de Bruselas, encargó al director y escenógrafo alemán Karl-Ernst Herrmann y a su esposa, Ursel, y que luego traería a Madrid en 2012.
“No conoció la Antigüedad ni mejor, ni más amado príncipe que Tito Vespasiano. Sus virtudes le hicieron tan querido por todos que fue llamado «delicia del género humano”. Suetonio
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Una tragedia griega con rostro de mujer Estrenada en el Teatro de la Cruz de Madrid en enero de 1747, esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela interpretada sólo por mujeres cuenta con música de José de Nebra y libreto de Nicolás González Martínez. De género barroco, esta zarzuela (inspirada en la leyenda griega de los Átridas) nos sitúa en el momento en que Orestes a su llegada a Táuride, junto a su insepable amigo Pilodoro, es capturado por los tauros quien deciden sacrificarlos. Ifigenia, hermana sin saberlo de Orestes, es la sacerdotisa mayor de la ciudad encargada de ejecutar el trágico destino. El estreno viene acompañado de la exposición AMAT/ESCENA en el Museo Thyssen-Bornemizsa que en colaboración con el Teatro de la Zarzuela mostrará un recorrido por la obra escenográfica de Frederic Amat, incluyendo la escenografía que ha preparado para éste montaje de Iphigenia en Tracia.
01 DIC 15 ENE Teatro Español de Madrid C/Príncipe 25. Madrid T. 913 601 484 venta de entradas
teatroespanol.es
IPHIGENIA EN TRACIA Teatro de la Zarzuela Del 15 al 27 de noviembre
RICARDO III SHAKESPEARE
versión Yolanda Pallín dirección Eduardo Vasco
noviembreteatro.es
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20 años de dos trallazos por Lucas Cavallo
Pulp Fiction
Trainspotting
Abucheos, gritos y algunos aplausos se escucharon en el Palacio de Congresos de la Croisette cuando Clint Eastwood, Presidente del Jurado, leyó que la Palma de Oro iba para Pulp Fiction en detrimento de Rojo, la tercera película de la trilogía sobre los valores de la Revolución Francesa de Kieslowski y gran favorita de esa edición del certamen galo. En su debut, Reservoir Dogs, Quentin Tarantino sorprendió al mundo contando las vicisitudes de un grupo de delincuentes que se reúnen en una casa luego de un golpe fallido a una joyería. Sin embargo, es en esta segunda película, Pulp Fiction, donde va a llegar a la cúspide de los grandes realizadores. En este film ya se pueden ver algunas de las obsesiones que acompañarán a su director durante toda su obra: la violencia cruda, las referencias a la cultura popular norteamericana, la música de los sesenta y los diálogos casuales que normalizan la actitud y la forma de ser de los personajes que los enuncian. Resucitando a John Travolta y otorgándole a Bruce Willis la oportunidad de construir un personaje serio, Quentin Tarantino, narra, de forma deconstruida, la vida de unos gangsters en la ciudad de Los Angeles. En la memoria colectiva nos quedan la primera y última
Reino Unido, 1996. El gobierno de John Major (y de los ‘tories’) estaba llegando a su fin. Oasis había superado a Blur en los Brit Awards y el Manchester United volvía a ganar la liga. En este contexto, Danny Boyle, que impresionó al Festival de San Sebastián un par de años antes con su debut cinematográfico, Shallow Grave, firma su segunda película, Trainspotting. Basada en la novela del escritor de culto Irvine Welsh, cuenta la historia de cinco jóvenes británicos adictos al alcohol y las drogas que intentan sobrevivir en un mundo cambiante que no los comprende. El film narra, con ritmo frenético y directo, el estilo de vida de un sector marginado de la población británica como consecuencia de las políticas aplicadas por el Partido Conservador durante más de 15 años. El director, acompañado de una banda sonora asombrosa, donde destacan grupos como Primal Scream, Pulp, Brian Eno, Elastica y Blur, que seguirían siendo muy influyentes en la cultura musical de las islas durante las siguientes décadas, junto con un acento escocés incomprensible y una mezcla de actores casi noveles (Ewan McGregor) con otros con más tablas (Robert Carlyle), construye una obra maestra que retrata con certeza las dudas existenciales de la gente
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escena de la película entre Tim Roth y Amanda Plummer; la conversación en el coche entre Jules y Vincent Vega sobre las hamburguesas; o el baile entre John Travolta y Uma Thurman con música de Chuck Berry. El director logra divertirnos durante más de dos horas con unos diálogos ocurrentes, una banda sonora elegida exclusivamente para la ocasión, unas actuaciones memorables y unos personajes increíbles donde, como nos mostrará a lo largo de todo su cine, los malos no son tan malos y los buenos no lo son tanto. La película fue un éxito de público y crítica que cosechó siete nominaciones a los Oscar alzándose con el de Mejor Guión. A veinte años de su estreno, su visionado es obligatorio para cualquier cinéfilo.
que no tiene nada que perder pero tampoco nada que ganar. La utilización de escenas violentas a la par que otras desagradables, cómicas o surrealistas, hace que los noventa minutos de su metraje se conviertan en un viaje muy placentero hacia un mundo horroroso. El film pronto se transformó en un éxito de público y crítica y deparó fama y fortuna para sus protagonistas y director. Hoy, a veinte años de su estreno, y a la espera de su segunda parte, recordamos a Trainspotting como una película que marcó un antes y un después en la forma de enfocar a la generación X y su relación con las drogas, erigiéndose en La Naranja Mecánica de los años 90.
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noches de jazz por Rubén González
el corazónjazzmadrid2016 de madrid late negro
SOMI desarrolla su trabajo en ciudades como Nueva York o la nigeriana Lagos, y es la presidenta de la ONG New Africa Live, que dedica su tiempo a ayudar a artistas africanos emergentes.
Malo es que los recortes se lleven por delante aquello que nos define. Sin educación, sin sanidad, sin prestaciones ni transportes, la sociedad que somos se viene abajo. Sin cultura también, aunque no sea tan dramática y emergente su ausencia. El 2013 fue un año aciago para este veterano Festival con la anulación de la que iba a ser su trigésima edición. El drama no podía durar demasiado, y pasada la tormenta, el matrimonio a día de hoy se presenta mejor que nunca, con un Consistorio que ha doblado el presupuesto y prácticamente su oferta, llegando a ofrecer un centenar de conciertos (más de seis horas diarias e ininterrumpidas). Así, Madrid vuelve a unir los latidos de su corazón al ritmo sincopado del jazz con el Festival JAZZMADRID16, para que tengamos ocasión de vestirnos de gala y disfrutar de estas veladas improvisadas, mágicas melodías y armonías vertiginosas. Aunque ante tanta oferta es difícil señalar alguna recomendación, no podéis perderos el espectáculo Aziza, una reunión entre el contrabajista Dave Holland, el guitarrista Lionel Loueke, el tenorsaxofonista Chris Potter y el baterista Eric Harland, que trae una lectura interesante acerca de lo que cuatro supernovas del jazz pueden dar de sí. Ni la veteranía de insignes nombres como el guitarrista John Scofield, quien colaborara con Chet Baker o Miles Davis; ni el saxofonista Charles Lloyd, que hiciera lo propio con B.B. King; nombres como Nils Petter Molvaer, René Marie, Madeleine Peyroux, Gregory Porter, Hiromi, Corey Harris, o el nuevo grupo del virtuoso bajista Stanley Clarke son una joya. Como el de Somi, comparada por el JazzTimes Magazine con “el valor terrenal de Nina Simone y la belleza vocal de Dianne
FOTO: NES @ Alex Baker
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Reeves”. Por otro lado, Pablo Martín Caminero, Kontxi Lorente, Marta Sánchez, Ximo Tébar, O Sister!, Luis Verde, Niño Josele y Giulia Valle, entre otros artistas nacionales, forman parte de esta programación marcada por el acento femenino que se desarrolla hasta el 30 de noviembre.
Debates, conferencias y blues
Con los propósitos didácticos que afianzaron la filosofía de las ediciones de 2014 y 2015, JAZZMADRID16 sigue abriéndose al clasicismo sin olvidar los necesarios contenidos aventureros y avanzados. El blues, género hermano, asoma la patita con la tradición de Corey Harris, el cosmopolita Popa Chubby, Jack Broadbent, y la savia regeneradora de Ana Popovic y Sue Foley, mientras que la Asociación de Salas de Música en Directo (La Noche en Vivo), volverá a ofrecer decenas de conciertos en diferentes salas y clubes de la capital, ni tampoco faltará el recuerdo a Allen Toussaint, fallecido hace un año en Madrid. El cartel se completa con un ciclo de debates y conferencias sobre la vida cultural y la crítica de jazz en España; la exposición Una crónica del jazz en Madrid, con fondos fotográficos de ABC; y proyecciones de varias películas documentales para hacer crecer este Festival tan apegado a Madrid.
FOTO: AZIZA @ Govert Driessen
Jazz Círculo llega a su décima edición Jazz Círculo, el ciclo de conciertos de jazz del Círculo de Bellas Artes, llega a su décima edición consecutiva. Se trata de un acontecimiento ya consolidado en la programación cultural madrileña, cuya trayectoria cumple con los objetivos que impulsaron su puesta en marcha allá por el año 2007: emular a los emblemáticos clubs de jazz de ciudades como Londres, Nueva York o París. Destacan NES, la voz de Nesrine Belmokh. Cantante y violonchelista francoargelina, posee una presencia imponente y transita con libertad diferentes idiomas y estilos; Tino di Geraldo, considerado como uno de los grandes percusionistas del jazz; Jorge Pardo presentando Metaflamenco, un nuevo proyecto que se adentra en la esencia del flamenco; el pianista Xan Campos; Perico Sambeat, uno de nuestros músicos jazzistas de más prestigio internacional; Magos Herrera, una de nuestras vocalistas más consagradas; Rubem Dantas y su recorrido por géneros como el jazz, el blues, la samba, el reggae, la música yoruba, la chacarera o el flamenco; Moog Indigo uniendo música electrónica y jazz; Javier Alcántara, ganador del concurso de nuevos talentos del festival Portón de Jazz; el pianista Abe Rábade o el dúo Josemi Carmona y Antonio Serrano.
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dossier Mercartes
Un sector más dinámico e internacional Valladolid acogerá Mercartes este mes de noviembre, una de las citas imprescindibles para todos los profesionales que forman el sector de las artes escénicas en nuestro país. La feria está organizada por la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA), La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública (LA RED) y la Asociación de Autores de Teatro (AAT). Como medio oficial de esta edición, desde Godot no vamos a escatimar esfuerzos para traeros todo lo que suceda del 9 al 11 de noviembre en la Feria de Valladolid desde nuestras páginas, webs y redes sociales. La importancia del evento radica en que se ha convertido en el principal espacio de networking del sector permitiendo a los participantes (más de 500 inscritos a la fecha de cierre de la publicación) incrementar su red de contactos profesionales y encontrar o consolidar oportunidades de negocio.
A disposición de los profesionales
Mercartes 2016 es un mercado sin exhibición que se centra en las tareas comerciales y de intercambio poniendo a disposición de los participantes varios instrumentos: Pabellón Ferial: Más de 90 stands entre productoras y distribuidoras, servicios, agencias y la presencia de instituciones y entidades de 12 Comunidades Autónomas. Itinerarios para programadores y Foro de los Negocios: Respectivamente, recorridos guiados por todos los stands en grupos reducidos y encuentros breves para conocer la oferta de los expositores y de espectáculos. -Tribuna de presentaciones: Los expositores presentan sus novedades en 12 min. con imágenes. - Sesión sobre mercados internacionales: Los
invitados internacionales explican las características y funcionamiento de los mercados escénicos de sus respectivos países. La apuesta por la internacionalización marcará esta edición de Mercartes 2016 con invitados y actividades que permitirán generar intercambio profesional, co-producciones y compra de derechos o proyectos. Entre otros, acudirán el argentino Sebastián Blutrach, la mexicana Marcela Díez, las costarricenses Ada Acuña y Marielos Fonseca y Borja Sitjà del Théatre de l’Archipel de Perpignan.
Actividades complementarias
Mercartes 2016 ofrecerá, además, un programa de actividades con monólogos breves y debates que la ciudad de Valladolid completará con una programación especial en diferentes espacios escénicos para compartir el evento con ciudadanos no profesionales. El último día estará reservado para el II Foro Mercartes que contará con reconocidos ponentes para analizar el mercado dentro y fuera de España. Toda la información de actividades y programación podréis encontrarla en: www.mercartes.es y www.escenagodot.com
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dossier Mercartes
Los organizadores toman la palabra
Jesús Cimarro Presidente de FAETEDA
¿Cómo de importante es Mercartes para una organización como FAETEDA? Mercartes es el encuentro bienal más importante que organiza el sector y FAETEDA es uno de los máximos organizadores de este encuentro. Para nosotros es clave que cada dos años podamos analizar la situación de las artes escénicas, hablar de la realidad de los mercados existentes en el ámbito público y en el ámbito privado; y ver cómo está la situación política. ¿Cuál es la proyección internacional del evento? Bueno, este año van a venir representantes de numerosos países europeos y latinoamericanos. Posiblemente sea la edición más internacional de las celebradas hasta este momento. ¿Cuál va a ser el tema que más van a poner sobre la mesa las empresas? Intentaremos que se hable de la visibilidad y el reconocimiento social de las artes escénicas en España y de su financiación; de las programaciones estables, del programa Platea… se hablará del IVA cultural, y en definitiva, de hacia dónde debe ir el sector de las artes escénicas.
Xosé Paulo Rodríguez Presidente de LA RED
¿Cómo de importante es Mercartes para La RED? La Red aglutina un número muy significativo de los teatros públicos del Estado y como tal entiende que Mercartes es una cita estratégica para la potenciación de la cadena de valor del sector de las artes escénicas y la búsqueda de complicidades y sinergias que propicien el progreso en el sector. ¿Qué aporta Valladolid para ser elegida como sede del evento? Centralidad y unas condiciones de uso del recinto propicias para que se pueda realizar el evento. ¿Cuál es la principal problemática que expondrán los diferentes agentes de la RED? Las dificultades de trabajar efectivamente en red, los problemas económicos que tenemos día a día para poder estabilizar las programaciones de los teatros públicos.
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Ignacio Del Moral Ituarte
II Foro Mercartes
Presidente de la AAT
¿Cómo de importante es Mercartes para la AAT? Uno de los problemas que los autores de teatro afrontan es el de su falta de visibilidad como colectivo, y la ignorancia de su papel como elementos activos en el proceso de la producción teatral. Mercartes supone conseguir esa visibilidad, y un lugar de encuentro con los demás agentes del sector escénico. ¿Cómo afronta una asociación de creadores la relación con las empresas? En los últimos años ha ido aumentando el número de dramaturgos que se implican activamente en el proceso de producción de sus obras. Entre otras cosas porque muchos de ellos son también directores, actores o incluso dirigen sus propias compañías. La Asociación procura siempre ser útil a sus asociados y estar en Mercartes es una manera de serlo. De toda la programación, ¿dónde pondría la AAT el foco? En la presentación de Buscautores, una base de datos que recoge las obras de nuestros asociados con sinopsis en español e inglés, datos de las obras (relevantes a su producción) con múltiples entradas. Es una herramienta muy útil para conocer el trabajo de nuestros alrededor de 325 asociados.
Tras el éxito de convocatoria y conclusiones en la pasada edición, el II Foro Mercartes propone el último día de esta cita un encuentro profesional donde especialistas de prestigio analizarán la situación del mercado interior y las oportunidades que ofrecen algunos mercados exteriores. Esta iniciativa se inicia con un proceso de debate previo que culmina en Mercartes 2016. Se han definido los temas de interés a partir de una consulta a los participantes de la edición anterior. Los cuatro ejes que se han definido son: Presencia de las artes escénicas en los medios de comunicación, redes sociales y sistema educativo; Misión, funciones y modelos de gestión de los espacios escénicos de titularidad municipal en el nuevo contexto; Formación y desarrollo de públicos escénicos, a partir de sus hábitos e intereses y, finalmente, Profesionalización y desarrollo tecnológico de la gestión de las artes escénicas para optimizar los recursos disponibles y mejorar la eficiencia. Desde hace meses se han trabajado las líneas de discusión y el proceso culminará con el foro presencial abierto a cualquier profesional interesado. Será la puesta en común y debate de las conclusiones presentadas por los especialistas invitados. Algunos de los nombres ya confirmados son: Xavier Greffe (Univ. de París), Lluís Bonet (Univ. de Barcelona), Jordi Sellas (comunicación digital), María Díaz (comunicación AAEE), Miguel Ángel Varela (Teatro Bergidum), Margarida Troguet (gestora cultural), Carlos Morán (Serantes Kultur Aretoa), Pepe Zapata (Teknecultura), María José Quero (Univ. de Málaga), Oriol Martí (FiraTàrrega) o Manuel Martín (Centro Tecnología del Espectáculo).
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dossier Mercartes
Nombres propios Mercartes 2016 Invitados internacionales
Sebastián Blutrach
Asociación Empresas de Teatro de Argentina.
Marcela Díez
Festival Internacional Cervantino. México.
Ada Acuña
Ministerio de Cultura. Costa Rica.
Marielos Fonseca
Teatro Popular Melico Salazar. Costa Rica.
Borja Sitjà
Théatre de l’Archipel de Perpignan. Francia.
Expertos del II Foro
Xavier Greffe
Lluís Bonet
Jordi Sellas
María Díaz
Miguel Ángel Varela
Margarida Troguet
Carlos Morán
Pepe Zapata
Mª José Quero
Oriol Martí
Manuel Martín
Paco Paricio
www.mercartes.es
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intercity Valencia
“Tratamos de situar a España en el mapa escénico a nivel internacional” Hace dos años, Jacobo Pallarés llegó a la presidencia de la Red de Teatros Alternativos de España con la idea de internacionalizar la principal entidad que aglutina las salas de pequeño formato de nuestro país. Co-director del Espacio y Proyecto Inestable en Valencia, ha liderado un equipo que ha conseguido traer a España, 20 años después, el encuentro de la IETM, la International Network for Contemporary Performing Arts, una institución que aglutina a más de 700 agentes culturales de los cinco continentes. Será en Valencia del 3 al 6 de nov.
¿Qué es, a grandes rasgos, el IETM y cuál es su función primordial? Hace 20 años que no se celebra aquí un meeting de IETM porque de alguna manera España, artísticamente, ha estado bastante desconectada de las artes escénicas europeas, por eso cualquier red europea no pasa de los Pirineos. Hay muy pocos socios españoles en la IETM, sobre todo catalanes y del País Vasco. Dicho esto, la IETM es una red internacional de artes escénicas fundamentalmente, aunque como hay distintos perfiles entre los socios (distribuidores, centros culturales, creadores, instituciones
privadas y públicas, compañías, salas, etc.), algunos se dedican exclusivamente a las artes escénicas y otras son un híbrido entre varias disciplinas y acogen otras artes. Podríamos hablar de una de las redes escénicas más nutridas y más importantes a nivel mundial, ¿no? Lo es, lo es, a lo mejor en Estados Unidos y otros países así tan grandes, pues su incidencia no es tanta, pero redes que contemplen los cinco continentes no hay muchas. El hecho de que aquí se organice a través de la Red de Teatros Alternativos,
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¿significa que estamos ante una red donde predominan las artes escénicas de pequeño formato o de vanguardia? No tanto. Hace 2 años llegué a la presidencia de la red con un programa a cuatro años de internacionalización. El contacto con la IETM fue a partir de ver que tienen perfiles muy parecidos a los nuestros, entendiendo que la Red de Teatros Alternativos no trabaja con la exclusividad del teatro alternativo, sino de una alternativa a lo público de alguna manera. En la IETM, en la que están bastantes espacios privados, centros culturales o compañías privadas, también hay espacios públicos. El tipo de artes escénicas que recorre esa línea es también como la nuestra, variopinta, es decir, no sólo son vanguardias, por decirlo así. Esa idea de red, de cruce, está en el centro del encuentro de Valencia, que tiene como lema la encrucijada, crossroad en inglés. Estamos en ese momento porque no sabemos ahora mismo qué dirección tomar y entonces hemos querido establecer 10 encrucijadas en las artes escénicas y en cultura, también en relación con lo social y con Europa, para ponerlas en entredicho entre ellas y ver esa miríada de caminos que se abren. ¿Qué destacarías de la programación de éste encuentro? Hay un proyecto europeo de cooperación que se llama Creative Lenses, un proyecto de sostenibilidad para agentes culturales españoles con las redes más importantes de Europa. Llegará un día antes de que arranque el encuentro, el 2 de noviembre, y en español (el resto sucede mayormente en
inglés). Ese mismo día es el pre-meeting en Gandía, con actividades como la ruta de los Borgia, etc., porque Gandía se ha implicado también, y es una actividad lúdico cultural para los agentes que vienen de fuera de Europa. Luego las sesiones ordinarias entre el 3 y el 6, que hay muchísima actividad, se puede consultar en la web www.ietm.org. ¿Y la programación artística es estilo festival o cómo se plantea?
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
Sí, bueno, se acaba pareciendo a un festival, aunque no está concebido como tal, no hay estrenos por ejemplo. Es por la tarde-noche y se involucra a 11 espacios de la provincia y 10 espacios de Valencia capital. Son espectáculos que puede entender cualquiera de cualquier nacionalidad. Al final de lo que se trata es de situar a España en el mapa cultural europeo y mundial y, más concretamente, en el mapa escénico a nivel internacional.