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Centro Dramático Nacional
Teatro Valle-Inclán TRILOGÍA SOBRE ALGUNOS ASUNTOS DE FAMILIA
Dirección Ernesto Caballero
Texto y dirección: Jorge Hugo Marín (Colombia) Del 8 al 10 de octubre de 2015
LA GAVIOTA
UNA MIRADA AL MUNDO
de Anton Chéjov Dirección: Oskaras Koršunovas (Lituania) Del 16 a 18 de octubre de 2015
DARLING
de Ricci / Forte Dirección: Stefano Ricci y Gianni Forte (Italia) Del 23 al 25 de octubre de 2015
Teatro María Guerrero EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO
SPLENDID’S
de William Shakespeare Dirección: Jung-Ung Yang (Corea del Sur) Del 24 al 27 de septiembre de 2015
de Jean Genet Dirección: Arthur Nauzyciel (Francia) Del 29 de octubre a 1 de noviembre de 2015
TEATRO SOLO
Sala El Mirlo Blanco LECTURAS GRIEGAS
Concepto, dramaturgia y dirección: Matías Umpierrez (Argentina) Del 23 de octubre de 2015 al 24 de enero de 2016
Varios autores y directores Del 1 a 4 de octubre de 2015
LECTURAS BRASILEÑAS
Varios autores y directores Del 8 a 11 de octubre de 2015
CUENTO DE INVIERNO
de William Shakespeare Dirección: Declan Donnellan (Reino Unido) Del 10 al 14 de febrero de 2016
LECTURAS RUSAS
Varios autores y directores Del 20 de octubre a 7 de noviembre de 2015
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Teatro Valle-Inclán
REIKIAVIK
Sala Francisco Nieva
Texto y dirección de Juan Mayorga
Del 23 de septiembre al 1 de noviembre
Reparto (por orden alfabético) Daniel Albaladejo Elena Rayos César Sarachu Escenografía y vestuario Alejandro Andújar Iluminación Juan Gómez-Cornejo Sonido Mariano García
Producción Entrecajas Producciones Teatrales http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
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LOS CACIQUES
Teatro María Guerrero Del 9 de octubre al 22 de noviembre
de Carlos Arniches Dirección Ángel Fernández Montesinos
Reparto (por orden alfabético) Víctor Anciones Marisol Ayuso Juan Calot Fernando Conde Óscar Hernández Alejandro Navamuel Elena Román Raúl Sanz Juan Jesús Valverde
Versión actualizada Juanjo Seoane Ángel F. Montesinos
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Producción Siempre Teatro
Escenografía y vestuario Alfonso Barajas Iluminación Ángel F. Montesinos Videoescena Álvaro Luna
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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38 palabra de Álvaro Vicente noticias Mercado de las Artes
portada amores minúsculos reportaje Una mirada al mundo
entrevista Ricardo Darín
musicales La princesa roja
autores Juan Carlos Rubio Canal
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reportaje Los caciques
44 estrenos Cuissine et confessions
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críticas
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estrenos Lo malo de ser perfecto
panorámica Debate sobre el estado de la dirección
estrenos En manos del enemigo clásicos El Alcalde de Zalamea
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reportaje Desde Barcelona
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entrevista Dani Guzmán
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EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Octubre 2015
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@RevistaGodot
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PALABRA DE... Álvaro Vicente
Cumplimos 5 años. Y de aquí, al séptimo miau Dicen que los años de un gato equivalen a entre 7 y 8 años de un humano. Así, la esperanza de vida de un gato oscila entre los 10 y los 15 años, dependiendo de lo casero o callejero que sea el felino en cuestión. También dice el acervo popular que los gatos tienen 7 vidas, supongo que porque al final un gato quiere vivir tanto como un humano. Al fin y al cabo, somos los animales que con más facilidad conquistamos territorios, adaptándonos a todo tipo de climas y geografías. A veces creo que Godot es un gato, que Beckett puso a Vladimir y a Estragón a esperar a un gato, que Dios es un gato, que está en todas partes, que lo ve todo. Hablo del personaje, sí, del escurridizo Godot que inspiró a los cinco locos que hace 5 años crearon esta revista que tienes, lector/a, entre tus manos. Ignoro a cuánto equivale un año de vida de una revista con respecto a la vida de una persona; lo que sí sé es que cada uno de estos 5 años han sido tan intensos que hoy parece que llevamos toda la vida haciendo revistas. En estos 5 años hemos transitado todos los patios de butacas, los grandes y los pequeños, ronroneándole con el mismo cariño a actores y actrices, a directores, a los dramaturgos que pasarán a la historia y a los de nombre más efímero. Hemos afilado
Director de Godot/Godoff
las uñas en la madera de los escenarios, en la moqueta de los pasillos, en el linóleo de los bailarines. Hemos escalado el terciopelo de los telones robustos y hemos buscado el calor de los focos, allá arriba, entre las bambalinas. Hemos sido funambulistas delicados sobre las varas y hemos jugado con las borlas doradas hasta deshilacharlas, porque nos gusta desmenuzar lo establecido y contarlo a nuestra manera. Hemos entrado en los camerinos, donde encontrábamos el pienso de la confianza y el agua que mitiga la sequedad de boca que deja el miedo escénico. Hemos enseñado los dientes y arrugado el hocico ante los bull dogs que manejan el cotarro, pese a que oíamos ese lamento antiguo que reza que no debes morder la mano que te da de comer. Hemos buscado a cada uno de los fantasmas que habitan los viejos teatros, en la oscuridad, sabiendo que ellos nos iban a acariciar el lomo porque entienden que la verdadera esencia del teatro tiene poco que ver con los números, con viejas polaridades entre lo público y lo privado, lo comercial y lo alternativo. Hemos aspirado a esta existencia felina, estando en todas partes con una cierta elegancia, dejándonos querer sin perder la libertad de movimiento. Y creo que en cierto modo lo hemos conseguido. Y si no es así, todavía tenemos por delante lo que queda de ésta y otras 6 vidas más.
humor
Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Espectadores forzosos Spectadorus per fortia El bebé
El adolescente
El aspirante
El más triste
El bebé Spectadorus per fortia cognaci massivo
El aspirante Spectadorus per fortia picapetrus
Sus padres aman el teatro, por eso no dudan en ir siempre que pueden, y genial si se llevan a su pequeño retoño: así se va empapando. Aman el teatro, sí, pero no a los demás espectadores: la criaturita, que ya está empezando a hablar, da gritos encantadores, berrea dulcemente y, si se tercia la ocasión, caga.
De los espectadores forzosos, éste es el más diligente. El teatro le aburre sobremanera, pero asiste a la función porque va acompañado y al término irán a tomar algo y… bueno, quién sabe, ¿a lo mejor…, no? Como no tiene ganas de estar allí, se distrae con cualquier cosa. Pero como quiere impresionar a su acompañante, busca detalles que le sirvan para luego manejarse seductoramente en la conversación.
El adolescente Spectadorus per fortia hormoni locati El instituto, en un acto que no debería ser excepcional, lleva a los alumnos al teatro. Después de la obra tendrán que escribir un resumen. Muchos atienden con fruición. Otros, sin embargo… los hay que se pasan los 90 minutos buscando el mejor ángulo para asomarse al escote de la de abajo, o moviendo el bracito para que el repetidor malote le roce eléctricamente… ¡ay!
Luis Felipe Blasco Vilches
El más triste Spectadorus per fortia tristia magna Hay parejas de gustos tan incompatibles que pactan un “yo me fastidio esta semana, la siguiente te fastidias tú” porque si no, no harían nada juntos –y nada es nada–. A veces uno de los dos, suele ser ella, quiere ir al teatro y él, amante y triste, acude con hondo pesar porque ese viernes, precisamente, es la final de la Copa de Europa.
Andrea Espier www.andreaespier.com
Andrea Espier Ilustración
@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor
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#elArtedelActor
La espontaneidad Si yo fuera periodista, probablemente no hubiera comenzado a escribir estos artículos con la alegría y entrega que lo hice, o al menos, supongo que una porción grande de expectativa y preocupación me hubiera acompañado. Cuando una no se juega ni el prestigio ni el sueldo en lo que hace, está más cerca de sentirse libre al hacerlo. Esto me hace comprender por qué en ocasiones, directores o diferentes profesionales, que considero con calidad y compromiso, prefieren trabajar con gente “que no se dedica a esto” alegando que con ello ganan en espontaneidad y “vida”. Entiendo que cuando acudimos a pruebas o ensayos, estamos deseosas de “hacerlo bien”, de encontrar y dar aquello que están buscando, de acertar con algo que acabe en una respuesta afirmativa y un trabajo, por fin, de actriz o actor. Hay mucho en juego, y eso nos hace cargar el momento con un montón de presiones que, dificilmente, van a ayudar a que la vida fluya de forma creativa. La espontaneidad, segun la RAE, es la “expresión natural y fácil del pensamiento.” Nada menos. No sé a vosotros, pero a mí a veces me cuesta expresar con facilidad natural mis pensamientos en situaciones cotidianas, no digamos en un lugar en el que me juego tanto. No estoy de acuerdo en que un actor no pueda ser tan o más espontáneo que alguien que no se dedica a esto. En absoluto. Sólo creo que a veces confundimos la espontaneidad con el dejarnos llevar. Ahora parece más importante gustar a los directores de casting, productores, directores, etc, que contar historias que tengan interés especial para los implicados. Ahí es donde creo que se produce la confusión. Si nos dejamos llevar por gustar al personal de mando, lo que espontáneamente va a salir, será más o menos acertado según las necesidades de reconocimiento de los susodichos, y probablemente, algo un pelín patético que todos conocemos por haberlo transitado en algún momento. El malabarismo al que nos enfrentamos no es moco de pavo. Teniendo lo anterior en cuenta, lo suyo sería, además, mantenernos concentrados en la vida y la historia que estamos contando, y sobre eso, dejar que fluya nuestro pensamiento de forma natural y fácil. Por eso es importante estar enamorados de lo que hacemos. Si no nos apetece contarlo con todo el corazón, ‘¿pa qué?’ Cuanto más generosos seamos con lo que nos sucede, más cerca estaremos de la espontaneidad. Cuanto más permiso nos demos para crear, cuanto más honestos seamos en cada momento, mayor será el grado de verdad que mostramos. Cuando crezca tanto la valentía que anule el miedo a cagarla, más ricos saldremos de cada experiencia.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
Compañía Nacional de Teatro Clásico directora
temporada
Helena Pimenta
Teatro de la Comedia
16 octubre - 20 diciembre
29 diciembre - 3 enero
14 enero - 6 febrero
El alcalde de Zalamea
Pulgarcito
Cervantina
dirección
dirección
dirección
Helena Pimenta
Iñaki Rikarte
CNTC
Teatro Paraíso
CNTC/Ron Lalá
18 febrero - 20 marzo
6 abril - 8 mayo
20 mayo - 12 junio
Hamlet
Celestina
La villana de Getafe
dirección
dirección
de Charles Perrault
de Calderón de la Barca
de William Shakespeare
Miguel del Arco
de Fernando de Rojas
José Luis Gómez
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Basado en textos de Miguel de Cervantes
Yayo Cáceres
de Lope de Vega
Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico dirección
Roberto Cerdá CNTC/Kamikaze Producciones
CNTC/Teatro de La Abadía
CNTC
16 - 19 junio
Lorenzaccio de Alfred de Musset dirección
Catherine Marnas
Dramatizaciones Comedia famosa de Pedro de Urdemalas de Miguel de Cervantes
Hacer que hacemos Teatro Nacional de Burdeos
de Tomás de Iriarte
Y además En gira La vida es sueño BURDEOS (TEATRO NACIONAL).
La voz de nuestros Clásicos
Otras actividades El alcalde de Zalamea - SANTANDER, LOGROÑO, SEVILLA, ZARAGOZA, BARCELONA, VALLADOLID, VALENCIA, BOGOTÁ Y ALMAGRO.
BREMEN, FRANKFURT, VARSOVIA, SOFÍA, BELGRADO Y ATENAS.
La villana de Getafe
Préstame tus palabras - GUADALAJARA, CALATAYUD, ZARAGOZA, HUESCA, CUENCA, TOLEDO, ÁVILA, SALAMANCA, CÓRDOBA Y SEVILLA.
COPRODUCCIONES CNTC
ALCALÁ DE HENARES, ALMAGRO Y OLITE.
Hamlet, Cervantina y Celestina.
Foro permanente de in vestigación de la dramatugia clásica española y universal del siglo XVI al XIX. Encuentros con el público, conferencias, talleres, mesas-debate, muestras de trabajos, recitales y visitas guiadas.
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noticias
Cambio de Mentalidad Mercado de las Artes
El encuentro profesional internacional sobre desarrollo de audiencias para la cultura tendrá lugar del 26 al 28 de octubre. Asimétrica organiza, por quinto año consecutivo, la Conferencia de Marketing de las Artes, una oportunidad perfecta para conocer las prácticas más avanzadas de desarrollo de audiencias y marketing cultural, conocer otros profesionales del sector e intercambiar nuestras ideas y experiencias. Cambio de mentalidad será el título en esta ocasión de la cita, en la que se reflexionará sobre los cambios que estamos viviendo o deseamos vivir, en los que artistas, público e instituciones adquieren un nuevo y fundamental rol, planteándose nuevos modelos y relaciones, entre sí y con su entorno. NOVEDADES DE ESTA EDICIÓN Una nueva sede, los Teatros del Canal, acoge esta edición en la que también encontraremos una nueva sección de talleres prácticos y nuevos precios, más reducidos. Contará con dos grandes secciones: la Oficial, con 9 ponencias internacionales, y la OffCon-
ferencia, con 4 talleres prácticos para grupos reducidos. En la primera estarán presentes, entre otros, Sir John Tusa, Co-Presidente del Consejo de la European Union Youth Orchestra; Niels Righolt, Director del Danish Centre For Arts & Interculture; Shelley Bernstein, Vicedirectora de Engagement Digital y Tecnología de Brooklyn Museum, José Manuel Gómez-Zorrilla, Ex-Director de Marketing del Museo Picasso o Beatriz Clemente, directora del Área de Comunicación y Marketing de Teatros del Canal. En la segunda sección se darán cita nombres como los de Ben Cameron, director de programas artísticos de Doris Duke Charitable Foundation; Anne Torreggiani, Directora Ejecutiva y fundadora de The Audience Agency; o Javier Duero, productor cultural independiente. Este año los precios son más reducidos y se mantiene una tarifa especial para desempleados, profesionales en el extranjero y estudiantes. Podéis consultar toda la información y adquirir vuestras entradas en www.marketingdelasartes.com. Y para cualquier duda, podéis contactar con la organización en info@marketingdelasartes.com
Distinto escenaring, mismo Jamming
Tras 13 años de andadura en la capital, los espectáculos de Jamming dan un importante salto estableciéndose en el Teatro Maravillas. Allí podremos verles desde el 2 de octubre con Jamming Show los viernes y sábados. Luego llegarán las sesiones golfas y otros proyectos. Os recordamos que la compañía realiza uno de los espectáculos improvisados más originales y desternillantes de la cartelera, donde cada función es única e irrepetible y se construye ante los ojos del público asistente con su colaboración.
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El circuito Danza a Escena, que celebra durante 2015 su sexta edición, encara el otoño con un amplio programa de representaciones escénicas. Desde el pasado 24 de septiembre y hasta el 20 de diciembre, 18 compañías llevarán sus creaciones a 27 teatros, auditorios y casas de cultura de diferentes localidades de Andalucía, Canarias, Cataluña, Castilla-La Mancha, Castilla y León, Comunidad Valenciana, Galicia, Madrid, Murcia y País Vasco. Propuestas contemporáneas, flamenco, danza neoclásica, obras dirigidas al público infantil o familiar y otras creaciones que conjugan tecnología y artes del movimiento dan forma a la heterogénea oferta que el circuito propone hasta final de año y que podréis consultar en su web www.danzaaescena.es. Recordar también que Danza a Escena ya ha lanzado la convocatoria de propuestas artísticas para su edición de 2016 y que las compañías profesionales de danza que deseen concurrir a ella deberán presentar sus solicitudes a partir del 1 de octubre. El plazo de inscripción se extenderá hasta el viernes 23 de octubre. La inscripción será online en la web www.redescena.net
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en portada
amores minúsculos
FOTO: Unai Mateo
una comedia romántica concebida como una startup por Álvaro Vicente Alfonso Casas en el que se basa la obra (y del que Hace casi año y medio vio la luz un proyecto prepublicamos una muestra dos páginas más adelante). “Y parado con tanto mimo como visión empresarial, un teníamos un elenco de primera dispuesto a desnudarse montaje que tiene en su germen un cromosoma artístico emocionalmente delante del público, contando situacioy otro más pragmático. Esa combinación ha terminado nes cercanas que nos permiten identificarnos bien con por demostrarse una fórmula exitosa. Pero no es tan un personaje, bien con circunstancias que nos suenan simple como sumar dos y dos. Igual que las relaciones familiares.” La cuestión era llenar la sala al menos duhumanas no se pueden reducir a un cuadriculado chico rante una semana, para que empezara a funcionar el conoce chica. Los tres máximos responsables de la boca a oreja. ¡Y vaya si funcionó! producción, Diego Rebollo, Edu Díaz e Iñaki Nieto, es decir, loszurdos La comedia de loszurdos (foto derecha), sabían que tenían un Objetivos claros basada en el cómic de Albuen material entre manos. Había “Es muy emocionante consefonso Casas constata que que conseguir que la gente también guir lo que nos propusimos”, los sueños se cumplen lo creyera, aún antes de comenzar nos cuenta, feliz, Edu Díaz. con su salto a un gran las funciones en Nave 73, que “Las artes escénicas no eran escenario fue la sala que recibió el estreno. realmente nuestro medio natural, “Teníamos un texto fácil de enteny el secreto fue hacer una buena Desde el 9 de octubre der, cotidiano”, apunta Iñaki Nieto, planificación, casi como si estuTeatro Nuevo Apolo director y adaptador del cómic de viéramos diseñando una startup
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tecnológica. La idea era marcar unos objetivos muy claros desde el principio: queríamos una obra comercial que llegara a mucha gente. Y queríamos llegar a una sala grande. Esto no hubiera sido posible tampoco sin un gran equipo que se ha entregado con una generosidad infinita. Pero es cierto, y aquí me quito la máscara de la modestia, que hemos sido innovadores en muchos elementos con
“Confiamos mucho en esta obra porque es fresca, es joven y trata del amor. Eso la convierte en universal” respecto a otras compañías, que lo hacen también muy bien, pero de otra manera. Lo que hicimos fue restar incertidumbre de aquellos puntos en los que podíamos avanzar aun cuando no sabíamos todavía cómo iba a reaccionar el público. Por eso hicimos la mejor presentación posible del proyecto, en plan esta obra va a ser la hostia, y sabiendo que nuestro target estaba sobre todo en las redes sociales, donde hicimos y seguimos haciendo una gran campaña basado mucho en lo audiovisual.” FOTO: Mood Studio
Un montaje más ambicioso
Amores minúsculos es el mejor ejemplo de lo que tiene que ser el off teatral de una ciudad, una plataforma desde la que obras de mayor proyección dan el salto hasta alcanzar el escenario soñado, el ‘mainstream’ del teatro madrileño. En este viaje, lo que empezó siendo un montaje modesto que intentaba representar la idea de viñeta en escena (con la ayuda de Batavia, que diseñando un proyecto de interiorismo para la función, les ahorró la escenografía a cambio de ser partner), acaba por realzar la presencia del cómic y del paso de las estaciones, del año y del amor, con un dispositivo escénico más ambicioso, con cicloramas, telones y proyecciones. Eso sí, el ambiente más cerrado y oscuro, que privilegiaba la relación íntima del actor con el espectador en el Off del Lara, paso intermedio con el que Iñaki Nieto, según nos cuenta Diego Rebollo, quiso emular las puestas en escena del Off Off Broadway, ahora da paso a una concepción mucho más vital, luminosa y colorista. “Confiamos mucho en esta obra”, sentencia Rebollo, “porque es joven, fresca y habla del amor.” Sentimientos minúsculos... pero universales.
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en portada
Fischer contra Spassky
Programación sujeta a cambios
SALA MARGARITA XIRGU
SALA PRINCIPAL
SALA MARGARITA XIRGU
AL GALOPE DE
DE
JOSÉ RAMÓN FERNÁNDEZ DIRECCIÓN
FERNANDO SOTO
DIRECCIÓN
DIRECCIÓN
GUIDO TORLONIA CON
Una producción de Teatro El Zurdo
Una producción de Teatro Español
Una producción de Teatre Akadèmia
HASTA 11 OCT
1 OCT - 29 NOV
15 OCT - 15 NOV
SALA MAX AUB
SALA FERNANDO ARRABAL
DE
DE
DIRECCIÓN
DIRECCIÓN
Una coproducción de Teatro Español y el Complejo teatral de Buenos Aires
Una producción de Teatro Español
LUIS BERMEJO
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TIRSO DE MOLINA
MARK HAMPTON Y MARY LUISE WILSON
DARÍO FACAL
CON
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ATRIBUIDA A
CARME ELÍAS
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FERNANDO ARRABAL CORINA FIORILLO
HASTA 1 NOV
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ANDREW BOVELL JULIÁN FUENTES RETA
9 OCT - 8 NOV
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REPORTAJE
Una mirada al mundo El Centro Dramático Nacional prosigue con este ciclo que nos invita a mirar más allá de nuestras fronteras para descubrir verdaderas joyas escénicas que nos muestran otras formas de entender el fenómeno teatral. Estas son las cuatro propuestas este mes de octubre por Sergio Díaz
Trilogía sobre algunos asuntos de familia Del 8 al 10 de octubre Teatro Valle-Inclán
Lecturas dramatizadas Este año, a los montajes que nos presenta el ciclo se suma una serie de lecturas dramatizadas de gran interés para saber qué se cuece en las dramaturgias vecinas. En concreto en la griega (1-4 oct), con nombres como Yannis Kalavrianos, Lena Kitsopulu y Andreas Flourakis; la brasileña (8-11 oct), con textos de Newton Moreno, Silvia Gomes, Pedro Bricio y Paulo Santoro; y la rusa (20 oct-7 nov), donde escucharemos obras de Ivan Vyrypacv, Maxim Chertanov y Yaroslava Pulinivch.
“Un grupo teatral que representa lo que ocurre hoy, aquí y ahora”. Así se presenta la joven compañía colombiana La Maldita Vanidad, nacida hace tan solo seis años en Bogotá pero que cuenta ya con un largo recorrido de presencia internacional. Se presentan en el CDN con Trilogía sobre algunos asuntos de familia, formada por sus tres textos más emblemáticos (El autor intectual, Los autores materiales y Cómo quieres que te quiera) escritos y dirigidos por el director artístico de la compañía, Jorge Hugo Marín. La sala de una casa, la cocina y un salón de fiestas son los escenarios para que La Maldita Vanidad muestre a través de sus montajes eclécticos, íntimos y situacionales, el drama y el suspenso de algunos asuntos de familia. En esta trilogía el espectador se vuelve cómplice de las situaciones, presenciando así la vida privada de tres familias. Mirando desde la mirilla pero hacia dentro, descubriendo los secretos que hay tras la puerta de los vecinos de enfrente, pero que no son ni más ni menos que los secretos que todos guardamos cuando cerramos la puerta -de lo políticamente correcto- y nos creemos a salvo de los juicios morales de los compañeros de rellano. Son tres propuestas creadas a partir de historias cotidianas, que construyen un panorama de la clase media colombiana, atravesando temas como el egoísmo, la intolerancia, el miedo a la realidad y las relaciones en el núcleo familiar. Todo esto gracias a un humor negro muy bien construido, quizás la manera más efectiva de sacudirlo todo.
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Darling
Del 23 al 25 de octubre Teatro Valle-Inclán Steffano Ricci y Gianni Forte, representan lo más innovador y crítico de la nueva escena italiana y sus trabajos son requeridos por los más prestigiosos festivales de Europa. Formados en la controversia berlusconiana, denuncian de una manera cruda pero extremadamente bella, todas aquellas injusticias y vejaciones que, desde la ‘legalidad democrática’, son permitidas por el poder en un país donde todo es excesivo. El suyo es un teatro eminentemente físico y visual, basado en textos -propios o ajenos- de una enorme riqueza literaria y donde la música juega un papel fundamental. Darling seguro que no les dejará indiferentes. Es un estallido de poesía, un drama enorme y poderoso que te sacude escupiéndote tus responsabilidades a la cara -ya que las tenemos bastante olvidadas los seres humanos-.
Oskaras Koršunovas, director de OKT (Teatro Municipal de Vilna), firma esta magnífica versión de La gaviota de Chéjov, nacida del trabajo previo de laboratorio en el estudio de OKT que la compañía lituana utiliza habitualmente como forma de experimentación teatral. La obra se centra en los conflictos artísticos y amorosos de sus cuatro protagonistas y le ha servido al director para tratar de transmitir la esencia pura del teatro, para reivindicar al teatro como el mejor instrumento para captar y diseccionar la realidad.
Splendid’s
Del 29 de oct. al 1 de noviembre Teatro Valle-Inclán El director del Centro Dramático Nacional de Orleans, Arthur Nauzyciel, nos presenta un Splendid´s en lengua inglesa en el que la obra de Jean Genet es una sensual y espectral danza de la muerte, casi como una película de cine negro bañada de barrocas alucinaciones y fantasías homoeróticas. Una banda de ladrones ha secuestrado a la hija de un millonario para pedir un rescate y se han encerrado en el hotel Splendid´s. La policía rodea el edificio. Durante el secuestro matan a la joven. A partir de este momento, la tensión entre los protagonistas se dispara y aparece la esencia pura de Genet: personajes que se rebelan contra sí mismos, excesivos, temerarios y sórdidos. Personajes sumergidos en una espiral destructiva y unidos por su fatal fascinación por la muerte.
La gaviota
Del 16 al 18 de octubre Teatro Valle-Inclán
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entrevista
Ricardo Darín “Bergman nos desnuda frente al espectador, pero lo hace con piedad, casi amorosamente” por Álvaro Vicente pisar escenario después de muchos años y nada menos Has dicho que este es uno de los compromisos actorales que con una propuesta de este tamaño, con textos más importantes de tu carrera, pero viendo tu trabajo de Bergman que parecen sencillos y cotidianos pero en cine y teatro da la sensación de que tu compromiso que ofrecen al actor enormes es siempre muy fuerte y muy firme. posibilidades de exploración y ¿Qué ha de tener una obra para que encima con dirección de Norma te decidas a hacerla? Porque seguro El actor protagoniza, junto Aleandro… un combo bastante te llueven las ofertas… a Érica Rivas, Escenas de la impresionante, ¿no? Es verdad que el compromiso siemvida conyugal, de Ingmar pre es el mismo, como las ganas y Bergman, con dirección ¿Cómo fue tu primer contacto con la fuerza con las que se emprende de Norma Aleandro el cine (o el teatro) de Bergman? cada trabajo. Es verdad que me ¿Fue como simple espectador o llueven ofertas y que la gran mayoría ya estabas ‘haciéndote’ como o no me gustan o no considero que Del 21 de oct al 15 de nov actor? ¿Qué sensaciones te sean para mí… Pero en este caso Teatros del Canal produjo? en particular, se trataba de volver a
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Bergman tenía fama de ser un director de esos que hacían películas ‘difíciles’ y a quien encima se le habían prohibido algunas, como El Silencio. La primera que vi de él creo que fue Fanny y Alexander… y me fascinó. Después de eso recorrí casi toda su filmografía y lo que más me impresiona de él tanto en su cine como en este caso en Escenas de la vida conyugal, es lo profundo que cala en el alma humana, en nuestros miedos e inseguridades, y como lo saca a flote. Nos desnuda frente a los ojos del espectador, pero lo hace con piedad, casi amorosamente. He leído que vuestra puesta está un tanto lejos de la concepción original de Bergman. ¿Es así? ¿En qué se distancia o diferencia? En este caso y de acuerdo con Norma Aleandro, optamos por evidenciar el humor que la pieza contiene y que es muy fácil –si uno quiere- pasar por alto. Mucha gente cree que va a ver una obra ‘seria’, que habla sobre la crisis del matrimonio y sus consecuencias y se encuentra con algo más parecido a una comedia, lo cual la hace muchísimo más llevadera sin evitar que al final se saquen las mismas conclusiones. Sé del caso de una pareja que la vio en Buenos Aires, se descosieron de risa durante toda la obra y a la salida del teatro, durante la cena, terminaron discutiendo acaloradamente. Acabaron separándose. Supongo que hay tantas formas de hablar de la pareja, del amor y su ausencia, como artistas y obras. ¿Cuál crees que es la particularidad al respecto de esta pieza? Esta obra logra que cada espectador se identifique sí o sí por lo menos con una de las escenas que cuenta, si no con todas. Y que vea reflejadas en el escenario circunstancias parecidas a las que vivió, vive o imagina que vivirá con su pareja. Eso la hace tan realista y contundente. El espectador se siente ahí, sobre el escenario. Es imposible que tome distancia. Norma Aleandro hizo la obra junto a Alfredo Alcón y ahora la dirige. ¿Cómo ha sido con ella este proceso?
Norma es un ser delicioso desde todo punto de vista. La mejor actriz de su generación y una directora soñada. No te impone nada, te deja hacer y en todo caso, sugiere. Y así, sugiriendo, te lleva por el camino que ella cree que es el que corresponde pero que de ninguna manera te incomoda. Ante las primeras dificultades que aparecieron, lo primero que nos dijo fue: “no se preocupen si no encuentran al personaje, con Alfredo eso nos sucedió un día antes del estreno”. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com
Érica Rivas: “Llego con ánimo de profundo encuentro” Exitazo en Buenos Aires, donde la han visto más de 150.000 espectadores, Escenas de la vida conyugal llega a España con tres paradas: Barcelona, Madrid y Valencia. Y llega con Érica Rivas junto a Darín. Ella se incorporó al montaje el año pasado, sustituyendo a la actriz que estrenó la pieza, Valeria Bertuccelli. “Lo asumí sin tener en cuenta la puesta anterior”, comenta la actriz, protagonista también junto a Darín de otro taquillazo, este de cine, Relatos salvajes. “Me dejé impresionar por el texto y por lo que me proponían Ricardo y Norma, cada uno con su sabiduría sobre esta pieza, su propio camino recorrido.” Dice de Bergman que es un autor que adora, pero que también aborrece: “me duele, me pincha; me queda en la cabeza, en el cuerpo, un tiempo largo. Es de esos que me dan muchas cosas, buenas y malas. Pide mucho al actor. Y de ese compromiso con su mundo, sale algo que siempre nos modifica. También a nosotros que la hacemos todas las noches.” Entrevista completa en www.escenagodot.com
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estrenos
Cuisine & Confessions Más allá de los conciertos, de traer a algunos de los mejores artistas del mundo o del especial navideño, para mí, uno de los eventos imprescindibles y fundamentales en el Circo Price es la llegada de Les 7 doigts de la Main. La compañía canadiense es algo único en sí mismo que hay que ver al menos una vez en la vida (y mejor si pueden ser dos, o tres o no perderse ninguna de sus originales y estéticas creaciones). En el Price han cosechado explosivas muestras de entusiasmo con Traces, Psy, La vie, Patinoire y Sequence 8 y ahora nos traen un montaje que se ha fraguado en la cocina, en el hogar, ese rincón que surgió alrededor del fuego y se convirtió en el espacio imprescindible de la casa.
Les 7 doigts de la main nos regala un mágico espectáculo alrededor de la cocina lleno de olores, sabores y texturas
FOTO: Alexandre Galliez
Llega la compañía canadiense Les 7 doigts de la main con su nueva creación, un placer para degustar con todos los sentidos Desde el 21 de octubre Teatro Circo Price
Nuestra historia se escribe en la cocina. Es el dulce sabor de la infancia: una brisa de verano a través de la mosquitera, el primer beso con chocolate en las comisuras. La vida transcurre aquí. Confesiones nocturnas, almuerzos familiares alrededor de un plato inimitable, lecciones aprendidas, secretos intercambiados, vínculos forjados a través del más visceral de nuestros sentidos... El olor de las galletas saliendo del horno, el aroma de las hierbas. Les 7 doigts de la main crea un nuevo género de espectáculo, en el cual el tacto, el olor y el gusto se unen para regalar nuestros ojos y nuestros oídos, convirtiendo la cocina en un lugar de encuentro entre culturas. Estamos hechos de una sabia mezcla: cada uno de nosotros es una receta única y cuando nos combinamos con nuestros semejantes creamos platos inimitables para así disfrutar enteramente la vida. Con todos los sentidos. Con todos los sabores. S. Díaz
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La polifacética Antonia San Juan regresa al escenario como autora, protagonista y directora de este espectáculo lleno de humor, diálogos punzantes y canciones en vivo. Estará acompañada por Luis Miguel Seguí y el actor y cantante Félix Navarro. Lo malo de ser perfecto es una comedia que combina humor, la ironía y el sarcasmo con un texto repleto de sorpresas en un viaje alrededor de la pareja, la amistad, la seducción, la familia... Son cuatro historias teatrales independientes pero unidas por un mismo hilo conductor como es el de las relaciones humanas desnudas y despojadas de prejuicios, donde el espíritu personal de Antonia impregna el montaje. Y todo ello combinado con canciones en directo que Antonia San Juan engarza de una manera acertada, interpretadas por Félix Navarro. Una galería de personajes inigualables y muy distintos entre sí que conforman esta divertida comedia que nos hará reír y pensar.
Lo malo de ser perfecto Hasta el 1 de noviembre Teatro Nuevo Apolo Antonio Díaz (Premio Nacional de Magia) apareció un día en nuestras casas a través de la TV y nos dejó a todos flipados con los trucos que era capaz de hacer. También rompía moldes con su imagen moderna y cercana. Antonio es un mago de nuestro tiempo, es el Mago Pop, y ha recorrido medio mundo soprendiendo con su magia y sus capacidades ilusionistas. Ahora se sube de nuevo a un escenario con algo más que un espectáculo de magia. Es un viaje asombroso donde conoceremos al protagonista involuntario de un programa de televisión que retransmite su vida en directo 24 horas al día. El pueblo donde vive es un set cinematográfico y todos los que le rodean son actores (como en El Show de Truman). Desde su infancia vive obsesionado con los juegos de manos. Los actores que interpretan a su familia y amigos fingen para hacerle creer que es un ilusionista excepcional. Nada más lejos de la realidad, toda su vida es una gran mentira. Entonces decide ponerse a prueba y abandonar la ficción del programa con un solo objetivo, demostrar a todo el mundo que puede llegar a ser un ¡¡ilusionista extraordinario!!
La gran ilusión. El Mago Pop Hasta el 1 de noviembre Teatro Calderón
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clásicos
El Alcalde de Zalamea por Álvaro Vicente Cuarta puesta en escena de esta obra maestra El individuo contra el poder del Siglo de Oro a cargo de la Compañía La fecha oficial de ‘nacimiento’ de El alcalde Nacional de Teatro Clásico (CNTC). La primera de Zalamea es 1636. Calderón de la Barca fue en 1988, con dirección de José Luis Alonso encadenó en pocos años varios de sus títulos y Jesús Puente al frente del reparto. La segunmás célebres, en su época probablemente más da fue en 2000 y la montó Sergi Belbel. La esplendorosa como autor: El médico de su hontercera la firmó Eduardo Vasco y tuvo a Joaquín ra y La vida es sueño en 1635; A secreto agraNotario en el papel de Pedro Crespo, actor que vio, secreta venganza y No hay burlas con el ahora repite en esta cuarta tentativa, esta vez amor en 1936, junto a El alcalde... y El mágico como Don Lope de Figueroa. Jesús Noguero, prodigioso en 1937. Refrescamos la memoria y David Lorente, Clara contamos que la obra narra Sanchis, Rafa Castejón, el drama vivido en el pueblo Nuria Gallardo, Óscar Con Carmelo Gómez y extremeño de Zalamea de Zafra o Francesco Carril la Serena al pasar las tropas Joaquín Notario al frente son otros de los intérpretes españolas con motivo de la del reparto, la CNTC que acompañan en escena inaugura teatro y tempora- guerra de Portugal. El noble al protagonista esta vez, capitán Don Álvaro de Ataide da con este célebre título Carmelo Gómez, que se se aloja en la casa de un de Calderón dirigido por reencuentra con la CNTC labrador bien posicionado, Helena Pimenta casi 25 años después de Pedro Crespo. El militar se participar en el montaje encapricha de la hija de de El caballero de Olmedo Crespo, Isabel, a la que se Del 16 de oct al 20 de dic que dirigiera Miguel Nabeneficia, en contra de su Teatro de la Comedia rros en 1991. voluntad, claro. Crespo inten-
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ta atajar el deshonor ofreciéndole casarse con Isabel, pero Ataide la rechaza por ser de clase inferior. En esto, Pedro Crespo es nombrado alcalde de Zalamea y, aun sin tener jurisdicción para ello, detiene a don Álvaro y lo pasa por
un orden social. Y habla de la honra, pero nunca más profundamente entendida en Calderón como dignidad humana. Y habla de la justicia, de un tipo que es asertivo y resiliente cuatro siglos antes de que se pusieran de moda estas palabras. Porque es un tipo que piensa antes de actuar y que resiste los embates del destino, porque quiere una sociedad más justa, aunque el mundo no es justo y paga por ello un precio salvaje. La sociedad española debería escuchar, ver y sentir El alcalde de Zalamea, por lo menos una vez cada temporada.”
el garrote. En última instancia, es el rey Felipe II el que, como en toda obra barroca española y contrarreformista que se precie, da el visto bueno y trae el orden al conflicto.
Honra y dignidad
Álvaro Tato, integrante de la compañía Ron Lalá, se ha encargado de la versión en este montaje que dirige Helena Pimenta. “Hemos pretendido ser fieles”, explica, “pero entendiendo la fidelidad no como rigidez, sino como diálogo, pensando que la palabra de Calderón y el verso de Calderón, sobre todo en esta obra, tiene que pasar al público de hoy como pasó al de su época, como puro romance, como agua, fácil, rápido, a dentelladas, a puñetazos. Porque El alcalde de Zalamea es una obra masiva que habla del amor, del amor entre padres e hijos, entre amigos improbables, del amor que se transforma en odio a través del deseo. Habla también de la violencia, de la violencia de una persona, de un espacio y de
“La obra habla de un tipo asertivo y resiliente cuatro siglos antes de que se pusieran de moda estas palabras”
13 años después Con este estreno de El alcalde de Zalamea se abre de nuevo al público el Teatro de la Comedia, sede de la CNTC desde su creación en 1986, que permanecía cerrado desde 2002 para llevar a cabo una ambiciosa reforma que, puede decirse, lo ha dejado como nuevo. Han sido 13 temporadas en el teatro Pavón (¿qué pasará con él?) en los que los arquitectos Araujo y Nadal se han ocupado de la rehabilitación de La Comedia, recuperando espacios y creando nuevos equipamientos, entre ellos una nueva sala en la quinta planta para representaciones y ensayos.
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CLÁSICOS
FOTO: Luis Castilla
La estrella de Sevilla férrea como en Fuenteovejuna, e incluso la Este espectáculo de la Compañía Teatro Clávíctima de la historia, Estrella Tavera, ante la sico de Sevilla está galardonado con cuatro imposibilidad de seguir enfrentándose a los Premios Teatro Andaluz-SGAE 2015, además gobernantes, opta por huir de su propia vida. de contar con nominaciones a los Premios La obra es una acertada reflexión sobre los Max por su escenografía y vestuario. Es un bemecanismos que usa el poder para someter la llo trabajo sobre una de las grandes tragedias voluntad de las personas a su antojo, cercede Lope de Vega, en versión y dirección de nando la libertad indiAlfonso Zurro. vidual de quien se les Nos situamos en el siglo XIII. Alfonso Zurro dirige una ponga por delante para El Rey Sancho el Bravo llega de las tragedias referensimplemente calmar a Sevilla y queda prendado ciales de nuestro teatro sus instintos primarios. por la belleza de Estrella del Siglo de Oro, escrita Como se decía en uno Tavera. La desea, y todo su de los grandes clásicos fin es conseguirla cuanto por Lope de Vega contemporáneos V de antes, pasando por encima Vendetta: “Un pueblo de quien se tercie. La obra Del 7 al 25 de octubre no debe temer a su Goes directa y clara y critica sin Teatro Fernán Gómez bierno, es el Gobierno ambigüedades la actuación quien debe temer al del soberano. Estamos ante pueblo”. Y nos temen, un planteamiento donde por eso se inventan resortes como la Ley frente al poder absoluto medieval aparece la Mordaza (el absolutismo democrático), para concepción moderna del ciudadano. Porque luchar contra ese miedo que nos tienen. Ocho los súbditos empiezan a exigir sus derechos siglos despúes sigue siendo muy complicado ante los desmanes de sus monarcas. Aunque que el ciudadano pueda alzar la voz... S. Díaz la oposición del pueblo en este caso no es tan
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PANORAMICA
Aprovechando que los cinco tienen obra en cartel en las próximas semanas, hemos querido tomarle el pulso a la dirección escénica convocando a Fernando Soto, Julián Fuentes Reta, Carlota Ferrer, Víctor Velasco y Darío Facal para una charla relajada, desenfadada, en la que hablamos de cómo ha cambiado o no la consideración del director, de cómo se enseña y cómo se aprende la dirección, de cómo es la relación con los actores, en definitiva, de cómo está esta disciplina que ha sido hegemónica en el teatro en los últimos 100 años.
Debate sobre el estado
de la Dirección por Álvaro Vicente
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Lo primero que debemos hacer es agradecer al Teatro Español que nos permitiera utilizar su espacio Pérez Galdós para que pudiéramos tener esta charla. Darío Facal estaba inmerso en los ensayos de El burlador de Sevilla a tan solo unos metros de allí y se pudo escapar para la foto, pero su contribución al debate fue por teléfono al día siguiente. Hablamos con él mientras comprobaba la nivelación de un elemento de la escenografía de 300 kilos que debía bajar desde las alturas. Eso nos daba pie a hablar de la omnipresencia del director en el proceso de montaje de una obra tetral... DARÍO FACAL. Como no hay legislación alguna, cada director asume lo que le parece y yo participo en todo, desde la maquinaria hasta las fotos de promoción, porque así la experiencia teatral es completa. Para mí todo es importante, todo es una necesidad.
con lo que normalmente te ves obligado a trabajar en otras cosas, en mi caso como actriz y como ayudante de dirección. Estamos en un país que apuesta muy poco por los procesos de creación, se va a tiro hecho, sin inversión ni intención para descubrir nuevos lenguajes. JULIÁN FUENTES RETA. Es que el sistema no funciona. Estamos en un momento de cambio, a todos los niveles, también generacional. Nos toca a nosotros y nos encontramos con que el sistema no contempla la creación de redes de trabajo entre los compañeros. Es necesario cambiar ese concepto tradicional del corralito en torno al director de turno, que llevaba la batuta dentro y fuera de escena. Y es interesante anotar que trabajar en Madrid es trabajar de espaldas a Europa, a países como Francia o Alemania, donde hay otro tipo de mentalidad, de funcionamiento, que aquí no se ha dado. Y no es tan difícil, no es tampoco una gran revolución. D. F. Desde luego, el teatro no es una de las prioridades de los gobiernos en España, pero creo que también es labor nuestra, de los profesionales del teatro, conseguir que el teatro sea cada vez más atractivo, que sea una necesidad cultural. VÍCTOR VELASCO. Vivimos en un círculo vicioso en el que hay miles de producciones sin que realmente haya espacio para absorber tanta producción, no paramos de hacer cosas porque no podemos vivir de la dirección y cada uno de nosotros está metido en varias cosas de una forma u otra. Y qué pasaría si nos pusiéramos de acuerdo y un día dijéramos: “oye, vamos a hacer la mitad de lo que hacemos cada uno”. A mí me gustan los procesos lentos y cuando estás en tantas cosas, no se disfrutan y tienes la sensación de que lo estás haciendo peor de lo que lo podrías hacer.
Para un director, trabajar en Madrid es trabajar de espaldas a Europa, a otras formas de hacer y entender el teatro
El director ha sido un tótem en la creación escénica a lo largo del siglo XX, el siglo de los directores. ¿Caudillismo, tiranía? ¿Cómo están hoy las cosas al respecto? FERNANDO SOTO. La dirección está hoy como está el teatro. Yo creo que faltan oportunidades. La gente que dirige los centros de producción debería estudiar un plan de viabilidad para que todos tuviéramos más trabajo, porque creo que hay directores y directoras, igual que actores y actrices, muchos y muy buenos, en paro. CARLOTA FERRER. Socialmente, la consideración de un director no es mala, al menos es mejor que la del actor. Pero lo que le pasa a los directores es que si quieres trabajar, necesitas una producción detrás. Y no es fácil que te den más de una producción al año, con suerte,
Carlota Ferrer
Los nadadores nocturnos
Tan solo durante 5 días, del 4 al 8 de noviembre (Teatro de La Abadía), habrá una nueva oportunidad de ver la obra que ha ganado este año el Max al Espectáculo Revelación de la temporada, una creación coral tan impactante en lo estético como en las ideas e historias que pone el texto sobre la mesa. Actriz curtida en La Abadía, ayudante de dirección de José Luis Gómez y de Álex Rigola, su ‘matrimonio’ artístico con el autor José Manuel Mora nos ha traído al mundo un puñado de creaciones genuinas, la última de ellas Fortune Cookie, estrenada hace unos meses en el CDN.
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PANORAMICA
Los estudios de dirección escénica reglados, oficiales, son relativamente recientes. ¿Son útiles? ¿Cómo se enseña y cómo se aprende la dirección en España actualmente? V. V. Yo estudié Dirección en la RESAD y lo que viví desde que entré allí era una voluntad de estudiarlo para ejercerlo, pero luego te das cuenta de que para nuestra generación, pese a esta toma de conciencia, está siendo muy difícil. Dirigir no es llegar y mover un poco el tráfico, cada cual tiene una particularidad en el trabajo, y ahora que existe digamos esta profesionalización del director, no hay un tejido para desarrollarse. F. S. Yo creo que la rama de dirección no está bien planteada en esta escuela tampoco, porque la lleva gente que no está en activo como directores la mayoría. Yo no estudié dirección, vengo de la interpretación, y lo que aprendí fue trabajando con Francisco Ortuño, con Ana Vallés, trabajando en La Abadía, en el teatro independiente, viendo a Kantor y a Lepage en el Festival de Otoño cuando era un festival de verdad... C. F. Hay un problema en la enseñanza oficial de la dirección: no se admiten especialistas. No digo que no haya pedagogos maravillosos, pero no está de más que se ejerciten, que uno se juega los cuartos en cada espectáculo que firma, es una gran responsabilidad, y esto te hace crecer como director y en la relación con los alumnos. D. F. Lo único que se puede enseñar es lo que no es puramente artístico, porque la creación, como su propio nombre indica, es crear algo, y si lo estás creando no ha podido ser enseñado de antemano. La enseñanza es fundamental, pero sólo puedes enseñar lo que ya ha sido creado, lo que ya está muerto, y ver las reflexiones que se tienen que desafiar. Y eso es esencial.
La enseñanza es fundamental, pero sólo puedes enseñar lo que ya ha sido creado, lo que está muerto, para reflexionar
Darío Facal
El burlador de Sevilla Con 15 años de experiencia a sus espaldas, 25 montajes con su firma y una actividad docente constante, Darío Facal es una voz totalmente autorizada entre los directores escénicos del momento. Con esta obra fundacional del mito de Don Juan, completa una trilogía de clásicos tras Las amistades peligrosas y El sueño de una noche de verano. En este caso, respondiendo a un encargo del Teatro Español, se acerca sin complejos al texto de Tirso de Molina para servirlo con una alta carga erótica y con la intención de hablar de la corrupción de los hombres y la adulteración de las leyes.
Fernando Soto
Constelaciones (y otras) Citamos una a modo de título, pero las direcciones de Soto, sea por casualidad o por causalidad, se multiplican en estos meses en la cartelera madrileña. A la exitosa Constelaciones, que sigue su andadura en los Teatros Luchana, se suman Delirare, que ha pasado recientemente por el Teatro Galileo o El minuto del payaso, que sigue en el Español hasta el 11 de octubre. Y lo mejor está por venir. También en Galileo estrena una obra de Alonso de Santos, En manos del enemigo, y en enero llegará La estupidez, del argentino Rafael Spregelburd, con la compañía de Fran Perea. ¿Nos olvidamos de alguna...?
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Julián Fuentes Reta Cuando deje de llover
Este montaje de la obra de Andrew Bovell fue el gran triunfador en la última gala de los Premios Max (se llevó 3, entre ellos el de Mejor Director), y además dejó muy buen sabor de boca y muchas ganas de verlo en aquellos que no pudieron hacerlo en su estreno en el Matadero. Así que vuelve durante otro mes para seguir contándonos este relato familiar de múltiples capas, anatomía de las relaciones paterno filiales. Fuentes Reta estrenó también el pasado mes de junio Hard candy, resultado de un taller de Lazonakubik, que esperamos tenga más vida en los escenarios madrileños próximamente.
Víctor Velasco
Ascensión y caída de Mónica Seles Habitual ayudante de dirección de Ernesto Caballero en sus producciones para el Centro Dramático Nacional, Velasco se ha curtido como director en el off y uno de sus más recientes éxitos vuelve este mes a la joven Sala Mínima: Ascensión y caída de Mónica Seles, de Antonio Rojano, estrenada en La casa de la portera. También junto al autor cordobés fraguó este verano para el Frinje del Matadero I’m sitting on top of the world, adaptación de la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré, que está buscando acomodo en algún otro escenario en estos momentos.
¿Cómo es la relación del director con el resto de los ‘ingredientes’ de una creación teatral, especialmente los actores? J. F. R. Había como una tradición de llevarse mal entre directores, una verticalidad con el resto del equipo, ¿no? Pero creo que ahora, al menos aquí en Madrid, está todo muy tranquilo, hay un grupo de gente currando, más o menos sabemos quiénes somos, qué estamos haciendo... C. F. Yo aquí quiero romper una lanza por el director, y quizás sea polémico lo que voy a decir, pero veo muchas veces una actitud muy ‘burguesa’ en los actores, de los de nuestra edad para arriba, y no todos, obviamente, pero durante años en este país han dirigido prácticamente los mismos, un grupo de 8 o 10 directores que trabajan siempre con los mismos actores, cosa normal, pero se ha generado algo con ciertos actores que poco menos te vienen a decir que dirijas el tráfico y no les molestes mucho. D. F. En mi caso yo no he tenido problema con los actores que me han tocado. Creo profundamente en la horizontalidad durante el proceso creativo y en mi teatro el actor tiene que asumir muchos riesgos, pero los asumimos todos, todo el equipo. La obra la descubro conjuntamente con el actor durante el proceso de ensayos. V. V. El director tiene también su corazoncito y ante esa visión heredada del director tirano, creo que ahora somos bastante más normales e incluso reivindico mucho la inseguridad del director. Parece que duele si le dices a un actor: mira, pues no lo sé... Dirigir es llegar a una pauta en común, a una síntesis de diferentes visiones y sensibilidades. F. S. Yo lo que intento es que el actor vea que la frescura que él puede aportar es el oro que yo recojo, tamizo y hago el lingote.
Quiero reivindicar la inseguridad del director, poder decirle a un actor tranquilamente: “esto no lo sé”.
Puedes leer la charla completa en www.escenagodot.com
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estrenos
En manos del enemigo Desde el 22 de octubre Teatro Galileo
Los desvaríos del veraneo es una actualización de la primera parte de la ‘Trilogía del veraneo’ del italiano Carlo Goldoni, y es el tercer montaje de Venezia Teatro que, tras sorprender al público con sus dos espectáculos anteriores (La Hostería de la Posta y La isla de los esclavos), vuelve con este montaje -tras su paso por el Fringe 2014- para hacernos disfrutar con esa particular manera de entender y revisar textos clásicos, una forma fresca, actualizada (adecuada a los tiempos que corren) y muy divertida. El montaje dirigido por José Gómez nos propone una fábula sencilla: dos familias vecinas en la ciudad y también en las casas de verano, se preparan para partir de vacaciones. Durante esta primera parte de la trilogía nunca llegan a viajar, y la acción se centra en los enredos, los impedimentos y los problemas que hacen que ambas familias retrasen el viaje, haciéndonos reflexionar de forma divertida sobre cómo las apariencias sociales modifican la conducta de los seres humanos con el fin de demostrar que tenemos más de lo que realmente somos. Sergio Díaz
Se presenta en España este texto del autor José Luis Alonso de Santos. Es un drama humano enmarcado en un entorno hostil donde la violencia contrasta con un mordaz sentido del humor. Es una batalla por la supervivencia entre seres que no encuentran hueco en este mundo y que se levantan cada día para emprender una lucha titánica contra el muro que los oprime. Dos hombres, una barca, el inmenso mar, y un destino implacable que les espera. En Manos del enemigo parte del encuentro entre dos hombres aparentemente muy diferentes: Checa, un ruso afincado en nuestro país, y Mustafa, recién llegado, una noche cualquiera, a una costa cualquiera. Trapicheos, engaños, contrabando, el dinero fácil como objetivo irán marcando sus destinos. La irrupción en escena de dos policías romperá el frágil equilibrio que se estaba estableciendo entre ellos.. El montaje cuenta con un elenco sólido y adecuado para este texto y lo dirige Fernando Soto, una personalidad contrastada en el mundo escénico, muy activo últimamente y siempre inmerso en proyectos muy interesantes... como este. S. Díaz
Los desvaríos del veraneo Desde el 19 de octubre Teatro Fígaro
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Solo Fabiolo, glam slam Desde el 11 de octubre Teatro Alfil
Grandes estrenos
Vuelve al Teatro Alfil el pijo con el mejor revés de todos. Sólo Fabiolo Glam Slam nos propone un viaje en business por la actualidad más austera, ofreciendo una exclusiva visión de la crisis pero siempre de una forma de lo más fashion. El show aúna, a través del discurso mordaz y desternillante de Fabiolo, glamurosas varietés, malabares y la aparición de personajes de lo más variopinto en un ejercicio virtuoso de imitaciones y acentos que el polifacético actor Rafael Maza borda. Con Fabiolo visitaremos un peculiar palacete en Pedralbes o disfrutaremos de sus olímpicas reflexiones del buen vivir... pero siempre servidas en copa de balón. Cuidado con el ‘smash’ de Fabiolo porque a veces los pijos son los más atrevidos y dicen las cosas como son, sin tapujos, quizás porque creen que su estatus les coloca por encima del resto de los mortales (¿Carmen Lomana?). Un pijo ‘Marca España’ de los que tanto abundan en nuestro país y de los muchos que quieren llegar a serlo, pero no todos lo hacen con el estilo de Fabiolo. O sea, ¿vienes?
Teatro, danza y música DEL 16 DE OCTUBRE AL 8 DE NOVIEMBRE DE 2015
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CAYETANO FERNÁNDEZ • FERRAN GONZÁLEZ ARMANDO PITA • IGNASI VIDAL DIRECCIÓN: VÍCTOR CONDE
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MUSICALES
Mi princesa roja El musical quiere diseccionar la parte más El Teatro Arlequín Gran Vía acoge el estreno del sentimental del abogado y político español musical Mi Princesa Roja, un montaje de Álvaro simplemente pretendiendo dar luz al mundo Sáenz de Heredia sobre la historia de José Antopersonal de José Antonio Primo de Rivera, el de nio Primo de Rivera. Es un musical que transcurre sus amores. El objetivo de la producción reside en los años 30, realizando un gran despliegue en conseguir entretenimiento y de vestuario de época, provocar emociones. “No es con música en directo, que Musical sobre la vida y un tratado de historia. Es un recorrerá durante la acción la obra de José Antonio personaje muy interesante pero más de 35 localizaciones Primo de Rivera, produvamos más allá al contar su diferentes y que presentará cido y dirigido por Álvaro vida, contamos sus sentimienuna gran innovación técniSaénz de Heredia tos”, ha apuntado el director y ca: proyectar los decoraa la vez guionista del musical, dos para que interactúen Álvaro Sáenz de Heredia que con la acción ya que Hasta el 8 de noviembre es sobrino segundo del fundaÁlvaro Sáenz de Heredia Teatro Arlequín dor de La Falange. De ahí sus ha decidido unir su pasión motivaciones para hacer este por el cine y el teatro en un recorrido vital y personal por único escenario. la figura de un personaje muy controvertido de Años 30. Tiempos convulsos en una tierra nuestra historia. partida en dos y en el escenario se nos muestra Jesús Cisneros será quien dé vida a Jose Antonio la vida privada de José Antonio Primo de Rivera y le acompañarán sobre el escenario Irene Minen forma de musical. Su amor prohibido con gorance, Sonia Reig y Cecilia Regino entre otros. Elizabeth Asquith, esposa del príncipe Bibesco, Habrá opiniones para todos los gustos acerca embajador rumano en Madrid, la relación con de este montaje. La historia ya está presentada, su novia formal Pilar Azlor, sus relaciones con ahora les toca decidir si quieren descubrir más... Azaña y Franco...
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Cabaret
Desde el 1 de octubre Teatro Rialto Regresa a la capital el famoso musical basado en la película que protagonizó Liza Minelli. Cabaret es un musical ambientado en el Berlín de los años 30 que cuenta la historia del Kit Kat Klub, un local nocturno de moda que escenifica la convivencia entre el imparable crecimiento del nazismo y la fingida normalidad de los protagonistas ante un mundo que se desmorona. El musical fue estrenado en 1966 en Broadway, bajo la dirección de Harold Prince con libreto de Joe Masteroff. Su banda sonora, con música de John Kander y letras de Fred Ebb está considerada como una de las más emblemáticas del género, incluyendo temas como Willkomen, Cabaret o Money Money. Tras varios años vuelve de nuevo a Madrid este mítico montaje con un elenco muy interesante: Edu Soto será el Maestro de ceremonias, Cristina Castaño dará vida a la emblemática Sally Bowles y Dani Muriel a Clifford. También estarán sobre el escenario Marta Ribera, Víctor Díaz, Alejandro Vera, Enrique del Portal o José C. Campos. Cuando no sabes cómo continuar ni cuál debe ser el siguiente paso. Cuando la vida te ha maltratado y crees que todo se ha terminado, lo único que no puedes perder es la esperanza. Y para eso queda un lugar al que puedes acudir: El Cabaret de los Hombres Perdidos. Allí te aguarda el destino, con uno o más caminos a elegir. El amor, lo sórdido, lo bello, lo divertido. La ilusión a corto plazo, los errores, el dinero fácil, la traición, los sueños hechos realidad y el ver cómo se desvanecen. La subida y la caída. La risa y el llanto. La música y el silencio. La vida y la muerte. Todas las opciones se dibujan ante tus ojos en una sola noche. El Cabaret de hombres perdidos es un musical de culto y transgresor que se representó por primera vez en París en 2006 y ha cosechado dos Premios Molière y seis Premios Hugo. Ignasi Vidal, Armando Pita, Ferrán González y Cayetano Fernández protagonizan la versión española de este musical que será dirigido por Víctor Conde.
El cabaret de hombres perdidos Desde el 20 de octubre Teatros del Canal
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lirica
Galanteos en Venecia Galanteos en Venecia, obra que mezcla En la Venecia del siglo XVI, Laura, la hija escenas de intenso drama romántico con de Marco, espera a su prometido, Andrés, chispeantes situaciones de sainete y con quien lleva dos años luchando contra los el trasfondo político de las guerras entre turcos. Mientras tanto, el Conde y la Convenecianos y turcos, es la obra escogida desa Grimani acuden a una regata con para abrir la temporada 15/16 y se estremotivo de la última derrota de la escuadra na el día 10 de octubre, justo el mismo día otomana. Allí aparece Don Juan, un cabaen el que se inauguró el Teallero español bajo tro de la Zarzuela en 1856. las órdenes del Cristóbal Soler y Paco Mir Luis Olona escribió el libreto Conde, que sin han vuelto a dar vida a estructurado en tres actos y saber la verdaesta zarzuela en tres actos Francisco Asenjo Barbieri, dera identidad de Luis Olona con música considerado como uno de de la Condesa de Francisco Barbieri los padres de la zarzuela, se enamora de compuso la música de una ella. Así, diversos pieza que no se ha vuelto a malentendidos Del 10 al 30 de octubre representar desde su estreno entre ellos nos Teatro de la Zarzuela en 1853. Cristóbal Soler conducen a una y Paco Mir han decidido serie de enredos acabar con un olvido imperque ponen a pruedonable y este desconocidísimo Barbieri ba su amor y fidelidad en una historia de vuelve a la vida convertido en un intenso honor, engaños, conspiraciones, disfraces montaje adaptado al siglo XXI. y amores en la Venecia renacentista.
Diseño: martacorgo · Fotógrafía: Alfred Mauve · Coreógrafa: Roser López Espinosa · Espectáculo: Lowland
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reportaje
Desde Barcelona Reunimos en esta doble página dos montajes que vienen precedidos de un éxito arrollador en la capital catalana, un éxito forjado sobre todo a base del boca a oreja que sólo provocan los trabajos de gran calidad. Álvaro Vicente
Stockman
FOTO: Mario Tardón
toría Volkswagen, sino de un balneario, princiEntre Cataluña y la Comunidad Valenciana, pal atracción turística de la ciudad y motor de el montaje original de Oriol Tarrasón, con su la economía local. El Dr. Stockmann descubre compañía Les Antonietes Teatro, ha sido repreen el agua compuestos contaminantes que sentado más de 80 veces. Ana Mayo, Bernard pueden poner en riesgo la salud de toda la Quintana, Jimena La Motta, Mario Tardón y población. Él quiero advertir del peligro, pero Jorge Suquet conforman el elenco ‘madrileño’ su buena acción se convierte en un que va a estrenar calvario en el que se ve obligado esta versión libre Oriol Tarrasón monta en a enfrentarse contra todos los pode Un enemigo Madrid con actores de deres fácticos del pueblo, que ven del pueblo en aquí su versión de Un enepeligrar ‘su’ negocio si se conoce nuestra ciudad. Un migo del pueblo, de Ibsen la noticia. Crítica frontal de Ibsen montaje arriesa la sociedad conformista y a la gado, valiente, mezquindad de sus dirigentes, que siempre necesario en esta adaptación de Tarrasón tratándose de un Desde el 6 de octubre suena actual, más directa si cabe, texto como este Teatro Fernán Gómez tan adecuada o más en este tiempo en el que Ibsen le nuestro que en la época en que fue quita la máscara escrita, cuando el capitalismo tan al capital y nos ensolo estaba empezando a enseñar sus modos seña su verdadero rostro, el que antepone sus y no había alcanzado sus actuales cotas de intereses a la protección del medio ambiente y corrupción moral. de las vidas humanas. No hablamos de la fac-
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Liberto Venimos oyendo hablar de este montaje desde hace casi dos años. Uno de esos rumores que crece y crece, uno de esos fenómenos teatrales que va calando en los espectadores a medida que uno le cuenta a otro y así sucesivamente. Finalista en los últimos Premios Max en las categorias de Espectáculo Revelación y Autoría Revelación, Liberto, dice su autora y
Una tragedia moderna escrita y protagonizada por Gemma Brió, que asesta un golpe emocional y teatral inolvidable Hasta el 25 de octubre Teatro de La Abadía
protagonista, Gemma Brió, “es una tragedia moderna sobre una vida de 15 días pero no es solo eso: es el mundo visto desde la lucidez de una situación extrema.” Con humor, con absurdos, con contradicciones, con errores, con aciertos, con canciones, con valentía, Liberto es, en palabras de su director, Norbert Martínez, “toda una vida, narrada desde una voz valiente, concisa y directa”. La obra es el relato de una madre de los 15 días de vida de su hijo, de cómo pasan ella y su pareja de la explosión de felicidad inicial a la dolorosa certeza de que lo mejor que puede pasarle al niño es que se muera. Dura y tierna, tan risueña como dramática, la obra atrapa de una forma incontestable. La actriz Tàtels Pérez y la cantante de rock Mürfila acompañan a Brió en escena, que se estrena aquí como dramaturga. Las tres nos regalan este latigazo de humanidad extrema. Pura catarsis.
FOTO: Felipe Mena
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reportaje
Los Caciques por Regina Navarro amores y de enredos. Y mientras tanto, denuncian Año 1920. Los palcos están llenos, en el patio de la corrupción de unos gobernantes que roban a los butacas no hay ningún asiento libre y tampoco en ciudadanos y favorecen a sus amigos. Una denuncia el anfiteatro. El publico del Teatro de la Comedia de hilvanada por ese fino sentido del humor tan caracMadrid aguarda a que el telón suba, esperan ansioterístico de Arniches. Un texto que ha sobrevivido sos la nueva comedia de Don Carlos Arniches, Los al paso de los años y del que se han realizado caciques. Al día siguiente los periódicos se hacen decenas de adaptaciones. Ahora, 150 años después eco de tan aclamado estreno. “Farsa cómica, de del nacimiento de su autor, Los caciques vuelven a costumbres de política rural”, comentaba algún plulos escenarios españoles. milla, añadiendo algo de texto a una página Versión más dinámica llena de viñetas en Marisol Ayuso encabeza el Ángel F. Montesinos dirige esta versión y las que se ilustraban reparto dirigido por Ángel se enfrenta por segunda vez al texto, pero momentos puntuales Fernández Montesinos desde un punto de vista completamente de la obra. para la celebración del diferente. “Cuando abordamos la obra Inspirada en El 150 aniversario de Carlos en 2001, lo hicimos con el texto original Inspector, de Nicolái Arniches de Arniches y sus 23 personajes. Ahora Gogól, veintitrés eso no lo resiste nadie. El sistema de impersonajes deambuDel 9 de oct al 22 de nov puestos actual ha matado la vertebración Teatro María Guerrero lan sobre el escenario empresarial, y no hay compañía ni empremientras hablan de
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sa que resista mantener tantos actores”, indica el director. Aun así contará con un reparto bastante dilatado, nueve actores, entre los que se cuelan nombres como Marisol Ayuso, Fernando Conde y Juan Calot. Un logro para una época en la que cinco o seis personajes sobre el escenario ya dan quebraderos de cabeza. El director insiste en que, pese a la reducción de personajes, los parlamentos se mantienen íntegros casi en su totalidad, solo ha habido pequeñas modificaciones para lograr encajar el discurso de un personaje en otro. Montesinos quería mantener la esencia del texto original, intentar modificar lo menos posible las palabras de Arniches para no alterar ni el sentido de la obra ni su humor.
La corrupción y el humor
Los paralelismos con la realidad y un punto de vista diferente desde el que abordarlo, la comedia, convierte a Los caciques en una obra sobre corrupción diferente. “El humor nunca tiene peligro de caer en un panfleto, pone cada cosa en su sitio con sutileza. Es mejor que las denuncias vayan envueltas en una trama, que no sean lo principal sino el trasfondo. Esta
“Es mejor que las denuncias vayan envueltas en una trama, que no sean lo principal, sino el trasfondo” no es una obra de denuncia aunque denuncie”, explica el director. Estamos ante una versión llena de retazos del siglo XXI, y no solo en el argumento. Una pantalla que permite la proyección de audiovisuales, se cuela en el escenario. Apoyos gráficos que aportan más ritmo a la trama y trasladan al espectador a todos los lugares en los que se desarrolla el argumento. Una obra diferente que revolucionó a la sociedad española ya en los años 20 y que promete remover a los espectadores en sus asientos. Porque, pasen los años que pasen, a nadie deja indiferente un cierre como el que escribió don Carlos Arniches: “Los españoles no seremos felices hasta que acabemos de una vez para siempre con los caciques”. Puedes leer el reportaje completo en www.escenagodot.com
150 aniversario
Carlos Arniches
Con este retrato caciquil del partido político que gobierna una pequeña ciudad de España, su alcalde y sus vecinos, Arniches podría ser el notario de la Gürtel o de la Púnica. El autor alicantino (1866-1943), maestro del sainete costumbrista, fue un comediógrafo de éxito en el Madrid del cambio de siglo. Protegido de Ruperto Chapí, escribió libretos de zarzuelas, de género chico, y se anticipó en cierta forma a los esperpentos de Valle-Inclán con unas tragedias grotescas que fundían lo dramático con lo caricaturesco, no exentas de crítica, humor negro y tesis social. Además de Los caciques (1920), quizás La señorita de Trevélez (1916) y La heroica vida (1921) son los títulos menos efímeros de su producción.
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entrevista
Daniel Guzmán “Hugo es un soñador un tanto infantil” Madrileño hasta las trancas, de Aluche, inquieto actor que quiso ser bombero, que es motero y que no se quita de encima la pinta de pendenciero. En este año mágico, que le ha hecho valedor de la Biznaga de Oro del Festival de Málaga con su primer largo como director, A cambio de nada, sigue disfrutando del teatro en la comedia de Peris Romano, donde entró en 2013. ¿Qué es Los miércoles no existen? Una historia cercana de relaciones personales, en clave de comedia, que habla de las relaciones de pareja, la amistad, la infidelidad, las rupturas, el amor y algunas cuantas cosas más... Casi 100.000 espectadores ya. ¿Qué tiene esta función para llevar 5 temporadas de éxito? Quizá que son historias cercanas donde el espectador se identifica con los personajes. Creo que el público conecta con la historia y se divierte, entre otras cosas, por el tipo de interpretación por parte de los actores, la interacción con el público en la puesta en escena, la música en directo y por la comedia que generan algunas de las situaciones de la obra.
FOTO: Carlos Ruiz
En la quinta temporada de Los miércoles no existen, el carismático actor sigue protagonizando esta comedia coral y generacional Sin fecha de salida Teatro Fígaro
Háblanos de tu personaje en la función. Hugo es un soñador, inocente... A veces, un poco infantil. Intenta madurar pero su fantasía e imaginación le impide ver la realidad. Intenta dar una apariencia canalla pero en el fondo es un tipo noble con una incapacidad muy clara al compromiso. Su personalidad genera mucha comedia. La química con tus compañeros es maravillosa. Nos han contado que os ponéis, llamémoslo “retos sorpresa en escena”... Eso, justamente, es lo que más me gusta de la función a nivel profesional: el nivel de complicidad y de diversión con mis compañeros. Me gusta vivir orgánicamente las situaciones que establece la función con disciplina pero de manera viva, sin saber qué va a pasar en cada momento. Y con esta función y con mis copañeros puedo ‘probar’ lo que surge en cada momento. Eso hace que todo esté muy vivo y provoca situaciones muy cómicas e inesperadas en el escenario que el público agradece. Irene L. Navarro Lee la entrevista completa en www.escenagodot.com
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danza
FOTO: Kris Rozental
John
15, 16 y 17 de octubre Teatros del Canal
Este espectáculo de Cristiane Azem, con música del gran investigador Eduardo Paniagua, busca escenificar la herencia musical y poética de la convivencia de la España de las tres Culturas durante la época medieval, un hito que ha marcado la cultura y el arte de este país hasta nuestros días. Todo arranca con la llegada del gran músico Ziryab al Califato de Córdoba, lo que ha supuesto una autentica revolución en la sociedad de la época, llevando incluso a influenciar en la creación de la guitarra española. La riqueza de conocimientos de la cultura sefardí, la belleza de los poemas de Alfonso X, el rey sabio, con las Cantigas de Santa María, la música del Camino de Santiago y el incesante intercambio cultural que este ha promovido entre las 3 culturas, la herencia musical dejada por Ziryab marcan la pauta de la representación. Poesía Andalusí, la refinada belleza de las Nubas (música compuesta para cada hora del día), los jardines, el sonido del agua, la sensualidad desvelada entre poemas y cantes... llenarán de sensaciones el escenario.
Tras la impactante Can We Talk About This?, la formación británica DV8 Physical Theatre regresa al Festival de Otoño a Primavera para inaugurarlo con John, una arrebatadora creación de danza-teatro. Lloyd Newson, director artístico de DV8 y uno de los artistas más influyentes del panorama teatral contemporáneo, entrevistó a más de 50 hombres acerca del sexo y el amor para poner en pie esta pieza. Uno de aquellos hombres era John, cuya historia de delincuencia, drogadicción y lucha por la supervivencia se desgrana en escena como una experiencia intensa, punzante y conmovedora, algo que sucede a menudo con la danza, una disciplina que consigue sacar a flote las emociones y vivir todo más intensamente. Como ya sucediera en las producciones anteriores de la compañía, el movimiento y la palabra convergen para llevar al espectador a lugares únicos e inesperados de una sorprendente fisicalidad. Todo un lujo en Madrid.
Ziryab – Vino y Rosas 14, 19, 20 y 21 de octubre Teatro Gran Vía
en familia
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Don Quijote Dentro de la programación de Titerescena que se va desarrollando durante toda la temporada en el Centro Dramático Nacional, podremos ver delicias como esta que nos trae El Retablo, una compañía de teatro de títeres que se caracteriza por un estilo singular que combina tradición e innovación, economía de medios y máxima expresividad, exploración de materiales, reciclaje de objetos y búsqueda de nuevos lenguajes escénicos. Siempre es un buen momento para descubrir a Cervantes y al personaje que le hizo inmortal, Don Quijote. Y El Retablo lo hace de una forma tierna y sencilla para que los más pequeños se acerquen a la figura del Hidalgo de la Mancha con una sonrisa. Un anciano titiritero y sus dos ayudantes relatan y dramatizan con muñecos y otros objetos algunas aventuras de Don Quijote. En un momento de la representación, el viejo Maese comenzará a desvariar, a confundir el teatro con la realidad, a tomar los muñecos de cartón y madera por personas de carne y hueso. Sus ayudantes, sin salir de su asombro, intentarán que el anciano recupere su cordura. Esto provocará diversas situaciones entre los actores-titiriteros que sucederán paralelamente a la propia escenificación, con marionetas, de las peregrinas andanzas de Don Quijote de la Mancha.
La compañía El Retablo nos trae las aventuras de Don Quijote dentro de la programación de Titerescena 17 y 18 de octubre Teatro Valle-Inclán
Los Payasos de la tele, el musical
Domingos a las 12 h. Teatro Cofidis Alcázar
Es la primera gran obra teatral que se hace en todo el mundo en homenaje a la gran familia Aragón y en especial a aquellos payasos de la tele que tanto y tanto nos hacían disfrutar. El musical está basado en la vida de una de las sagas circenses más exitosas y premiadas del mundo del entretenimiento, y uno
de sus miembros, Rody Aragón, será el maestro de ceremonias que nos haga participar animándonos a dar palmas y a cantar los grandes éxitos musicales: Cómo me pica la nariz, Hola Don Pepito, El auto, Dale Ramón, Susanita... Un tierno musical para descubrir y también para recordar.
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#elteatrotambiénselee
Juan Carlos Rubio
FOTO: Sergio Parra
Juan Carlos Rubio es un hombre de teatro. Sólo hace falta echar un ojo a la cartelera teatral para comprobarlo: en los Teatros del Canal, El Principe de Maquiavelo; en el Fernán Gómez, su adaptación Windermere Club; en el Lara, Tres, y girando por el mundo su exitosa Las heridas del viento. Son muchos los reconocimientos que destacan en su trayectoria. Los más recientes: el Premio Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier y el Premio a la Autoría Teatral en la III edición de los Premios de Teatro Andaluz por Las heridas del viento. A esto se une el Premio Andalucía de la Crítica (2014) en la modalidad de teatro por su libro Seré Breve, el Lope de Vega (2013) junto a Yolanda García Serrano por Shakespeare nunca estuvo aquí, y el Broadwayworld Spain (2013) al mejor musical por Esta noche no estoy para nadie. El musical. Un hombre guapo, por dentro y por fuera, de cabeza y espíritu inquieto que lo mismo actúa que inventa un guión o dirige a los actores que representan las obras que él adapta o escribe. Cuando hablamos
sobre sus textos -los suyos de verdad-, se define como un autor sin un estilo concreto, pero cuando se tiene la inmensa suerte de poder leer su corpus, se descubre bajo la diversidad una sola voz, una forma muy peculiar en su escritura y una única intuición: la de hacer que el teatro como literatura, como representación y como espectáculo no deje indiferente. Prueba de ello son sus dos grandes últimas aportaciones al género dramático: Las heridas del viento y El príncipe de Maquiavelo. Juan Carlos Rubio cree en el teatro; por eso es valiente y no desprecia ninguna de sus formas para la escena. Tampoco abandona ningún contenido que pueda resultar mínimamente interesante por la razón que sea. De ahí que se pase por alto lo “estrictamente protocolario”. Y, además, se posiciona como un gran defensor del texto teatral escrito. Por estas razones (y por otras cuestiones extrateatrales) se ha ganado un lugar de oro en la lista de dramaturgos imprescindibles del siglo XXI y un hueco en nuestros corazones. Conchita Piña
En colaboración con Ediciones Antígona
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“EL PRÍNCIPE DE MAQUIAVELO” FRAGMENTO EL HOMBRE: “La virtú…” ¿Cómo explicar el término virtú? El calificativo definitivo y fundamental para un príncipe… ¿Cómo explicarlo sin caer en su connotación moral? Quizá luego, si luego… Virtú. ¿Por qué Oliverotto y algún otro de la misma especie pudieron, después de tantas crueldades, vivir por mucho tiempo seguros en su patria? ¿Por qué sus súbditos no se conjuraron nunca contra él? Creo que esto dimana del bueno o del mal uso que se hace de la crueldad. El buen uso de la crueldad… ¿Se puede hablar bien del mal? Debemos llamar buen uso de los actos de crueldad a aquellos que se ejercen de una vez, sin continuarlos después, y que son destinados al bien común de los gobernados. Los actos de severidad mal usados son aquellos que, siendo más cortos al principio, se van aumentando y multiplican. Es menester, pues, que el que toma un Estado ejerza los actos de crueldad inmediatamente, a fin de no estar obligado a volver a ellos todos los días, y poder, no renovándolos, tranquilizar a sus gobernados, a los que ganará después fácilmente haciéndoles el bien.
Fernando Cayo se enfrenta a un monólogo de gran carga política que funde textos de las obras más conocidas del autor italiano, con El príncipe a la cabeza, un texto que 500 años después sigue siendo objeto de debate Del 16 de oct al 8 de nov Teatros del Canal
EL HOMBRE quiere un café. Se prepara un café. Y lo beberá. Con calma, hablará del mal cómodamente mientras bebe un café. EL HOMBRE. Quien hace otra cosa, por ser timorato o por estar mal aconsejado, se ve obligado a llevar siempre el cuchillo en la mano. Los hombres deben ser tratados con generosidad o destruidos, pues tienden a vengarse de las pequeñas ofensas. Las ofensas graves eliminan este inconveniente, lo eliminan por completo. Y si, para el ejercicio de esta maldad, necesitas alguna ayuda ajena, no muestres claramente tu intención. Sería estúpido e imprudente decir “Dame tu arma, te quiero matar con ella”. No. Basta con pedirla y, una vez que tienes el arma en la mano, satisfacer tu deseo… Por la misma razón que las heridas, si son necesarias, deben infligirse todas de una vez, los favores deben hacerse poco a poco, a fin de que el pueblo tenga lugar de saborearlos mejor… EL HOMBRE bebe su café. Lo bebe y lo saborea. Sí, saborea su café con placer. EL HOMBRE. También puede ocurrir que un príncipe llegue a reinar en su patria sin valerse de crímenes ni violencias intolerables. Para adquirir un principado de este tipo, no hay necesidad ninguna de cuanto el valor o fortuna pueden hacer, sino más bien del uso de una acertada astucia. En cualquier lugar hay dos inclinaciones diferentes. Una proviene de que el pueblo desea no ser dominado ni oprimido por los poderosos; y la otra de que los poderosos desean dominar y oprimir al pueblo. Cuando los poderosos ven que no pueden manejar al pueblo, comienzan a otorgar una gran reputación a un candidato, y dirigiendo todas las miradas hacia él, le convierten en príncipe, para poder dar, a la sombra de su soberanía, rienda suelta a sus intereses. Al príncipe que consigue el poder por esta vía le resulta más difícil mantenerse en él, ya que se hallará rodeado de muchas gentes que se tienen por iguales, será complicado su contento y no podrá mandarlas a su voluntad. Sin embargo, el que asciende con el favor popular todos están presto a obedecerle. Lo peor que el príncipe debe temer de un pueblo que no le ama es el ser abandonado por él, porque un príncipe está en la necesidad de vivir siempre con este mismo pueblo.
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CRÍTICAS
Crituits
FOTO: Jaime Villanueva
Crítica: Bajo Terapia Teatros del Canal Por Pere Ripoll
Una seria comedia Tres parejas se exponen a una inusual terapia en un espacio ideado especialmente para eso y que resulta exactamente como los personajes describen, moderno e impersonal. Saldrán a la luz un sinfín de problemas, algunos más cotidianos, otros no tanto, confesiones, sospechas, verdades y mentiras, un acto público de intimidad. Una comedia muy divertida con un desenlace inesperado al que no se llega como se debería. Daniel Veronese no ha conseguido en su dirección de actores transitar de la risa a la piel de gallina con la brusquedad escalofriante que el texto exige en momentos, ni tampoco algunas actrices han conseguido dar coherencia y credibilidad a la evolución de sus personajes, es el caso de Carla que Manuela Velasco interpreta con falta de definición aferrándose en momentos clave al efectismo del grito vacío, o el de la tímida Marta, interpretado con sutileza y gracia por Carmen Ruiz que, pese a hacer un gran trabajo, no ha conseguido matizar de forma creíble los bruscos cambios de actitud provocados por el alcohol. En cambio es destacable el trabajo de Melani Olivares en el papel de Laura que a pesar de ser su personaje, a priori, el más dado a caer en el estereotipo, va ganando peso a medida que avanza la representación y acaba convirtiéndose en ocasiones en la piedra angular de esas geniales atmósferas que en este caso el director sólo ha sabido conseguir a medias. Hay mucha fuerza en las tensiones espaciales con las que se juega, las espaldas de algunos personajes en momentos concretos consiguen una rotunda discriminación de personajes y generan cierta incomodidad. Una forma acertada de adelantar acontecimientos. Puedes leer la crítica completa en www.escenagodot.com
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Crítica: Cena con amigos Teatro Lara Por Álvaro Vicente
Cuando falla la ecuación Nueva ocasión para ver cómo la varita aparentemente desenfadada de Daniel Veronese, toca con sutileza los discursos para hacerlos naturales y orgánicos, le da un dinamismo a las escenas que se parecerá a muchos pero que es efectivo como pocos. Los sucesos de esta cena se van hilando casi imperceptiblemente, sin cortes bruscos, al servicio de un argumento que se revelará escaso pero suficiente: reunión en casa de A y B, a la que asiste C. A los 5 minutos, se revela que la ausencia de D no es por lo que parecía ser, sino por algo que funciona como detonante de las acciones posteriores. Cae la bomba y la función se dedica a mostrarnos las consecuencias de su onda expansiva. Resultado: A+B no es igual a C+D, aunque pudo parecerlo. Las relaciones personales no son matemáticas o, como decía la canción de Mártires del Compás, “las matemáticas no aman, pero tampoco fallan”. Yo, en este caso, diría que tampoco follan. Ni las matemáticas ni los personajes de la obra de Donald Margulies. Bueno, uno de ellos sí lo hace, con su joven amante. Se trata de D… de Tomás. Su ex, Bea,
interpretada por Gloria López, es una mujer hastiada y desubicada que a veces gasta una extraña inocencia. En el flashback se supone que la vemos cuando era joven. Se diría que ha pasado de la huida a la resignación, del colocón a la abulia. Al principio Gloria la sirve un tanto melodramática. Los amigos no parece que terminen de tomársela en serio, y más adelante se comprobará que, efectivamente, ha sido una persona muchas veces desdibujada por la sombra de los otros. La de Gabi y Karen, por ejemplo, la pareja longeva y siempre saludable que interpretan con mucha solvencia Orencio Ortega y May Pascual. Hay algo en ellos que se mueve entre la fina línea de la empatía fácil y el empalago y ambos actores consiguen no descarrilar. Al contrario, sus personajes se muestran mucho más consistentes, con mayor recorrido, con mayor trasfondo, con una complicación más interesante desde el patio de butacas. Son los que realmente hacen un viaje de A a B donde B realmente es la antípoda de A. Crítica completa en www.escenagodot.com
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