EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com. David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Septiembre 2015
FOTO PORTADA: Paco Navarro
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El Arte del Actor María Morales
portada Reikiavik
estrenos Salteadores de Otoño
reposiciones Priscilla, el musical
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críticas
noticias Premios Ceres
estrenos El minuto del payaso
estrenos Tres
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reposiciones El Nombre
cómicos guía
autores Alberto Conejero
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estrenos Cerda
estrenos Bajo Terapia
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estrenos Nuestras mujeres
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PALABRA DE... Álvaro Vicente
“Cruda, vuelta y vuelta, al punto, chamuscada” (*) En la infame entrevista al nuevo ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, que El País publicó el pasado 9 de agosto, se le preguntó por la marca España citando a Almodóvar y a Javier Bardem y el sustituto de Wert obvió estos nombres y contestó citando el Celler de Can Roca y la gastronomía patria como embajadores de nuestra cultura. Ahí confirmé mis sospechas de que alguien ha decidido vendernos fuera como un país de cocineros de alto copete, de que aquí todo pasa por la cocina, incluidas las encuestas electorales del CIS. Eso me llevó a pensar en la borrachera de programas culinarios con la que nos empacha la televisión de todos y todas. Siempre hubo espacio para programas de recetas, desde aquel inolvidable Con las manos en la masa. Vale. Pero lo de ahora es un atiborre insufrible. Total, que últimamente me vengo haciendo la siguiente pregunta: ¿qué pasaría si, por un azar caprichoso, alguien decidiera que es el teatro el buque insignia de nuestra cultura y que hay que metérselo por los ojos a todo dios a través de diversos y alocados formatos televisivos? Cada martes por la noche, en ‘prime time’, tendríamos un reality tipo Masterchef donde los concursantes -actores aficionados- irían superando pruebas eliminatorias hasta llegar a tener un ganador. Una semana harían
un monólogo de Angélica Liddell, la siguiente una escena de Shakespeare con sus compañeros, la siguiente entrenarían con un clown payasadas varias, visitarían la cúpula de Els Joglars en el Ampurdán o el cuartel general de La Zaranda en Jerez, o recibirían la visita de Robert Lepage. Tres teatreros prestigiosos, tipo Rigola, Mario Gas y Nuria Espert, por ejemplo, les darían notas precisas y moldearían al aspirante con más talento innato. Otro día, Juan Echanove e Imanol Arias, en vez de ponerse finos comiendo, visitarían en su programa los teatros y auditorios que los años de bonanza diseminaron por la geografía española, a costa del erario público y para regocijo de los constructores amigos. En Teatreros al volante, seguiríamos las andanzas de las compañías en gira. En verano nos daríamos el atracón con los festivales, con programas especiales cargados de lopes y calderones, esquilos y plautos... uf, qué pasada. Habría debates entre productores, lanzándose las miserias y recordándose cómo aquel año se robaron los derechos de tal éxito del ‘west end’ londinense. En Planeta Dramaturgia, cada semana una joven dramaturga destriparía a Peter Handke o a Harold Pinter o a Thomas Bernhard. Y, claro, Rodrigo García tendría su propio programa de recetas. Ahí seguro que podría cocinar sus bogavantes sin que le censuraran.
Álvaro Vicente. Director de Godot/Godoff (*) Título de una obra de Rodrígo García
humor
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Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Programas de mano Papelicus El inexistente
La fotocopia
El inexistente Papelicus? Antes de acceder a la sala, hay una mesa vacía, triste. La compañía sigue una política de austeridad y uno de sus recortes es en la partida “programas de mano”, eliminada de los presupuestos. Si la obra no gusta, lo mismo da. Pero cuando la obra gusta, da pena no poder rememorar el placer de haberla visto curioseando el programa de mano, tratando de memorizar los nombres de los actores, el autor, el director… ¡ay!
El diferente
El esperable público
El esperable público Papelicus tipical publicus Aparecen muchísimos nombres: la ficha técnica, la artística, la jerarquía del teatro y, si se tercia, también la institucional –que a menudo coincide con la anterior referida–. Hay un texto del director diciendo qué le parece la obra. Hay un texto del autor diciendo qué le parece la obra. Hay un texto de un señor importante diciendo qué le parece la obra. Ninguno habla claro.
El esperable privado, pequeña compañía
El esperable privado, gran productora
El esperable privado, pequeña compañía Papelicus tipical privatis pauperrimus
El esperable privado, gran productora Papelicus tipical privatis panapartendi
Antes eran trípticos, luego fueron dípticos y ahora son unas hojillas de escaso gramaje y delgadas como marcapáginas. La idea es que los espectadores lo consulten y, si tienen interés, se lo lleven para, ojalá, dárselo a alguien diciendo “te va a gustar”. No siempre es así.
Papel del bueno, fotos de los actores en las que salen guapos y con buenos dientes. Muchos faldones del tipo “¡La más divertida de la temporada!” “¡Cinco años llenando en Broadway!” y cosas así. Son parecidos a los programas de mano esperables de los teatros públicos, pero más alegres.
Andrea Espier www.andreaespier.com Andrea Espier Ilustración Luis Felipe Blasco Vilches @LuisFelipe_BV
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#elArtedelActor
Con(m)pasión Que la interpretación es una profesión vocacional no tiene mucha discusión. ¿Qué persona está dispuesta a la incertidumbre laboral, económica, estructural, social, y hasta emocional a veces si no le empuja una necesidad y una pasión muy fuertes? Esta pasión con la que comenzamos, a menudo nos hace valientes y somos capaces de afrontar duras situaciones con tal de hacer aquello para lo que, sentimos, hemos nacido. Creo que a la larga hay que tener cuidado con no confundir la pasión con el miedo, otro gran aliado en nuestro camino. Miedo a que no nos elijan, a que no nos vuelvan a llamar, a no poder actuar si no es en otras condiciones, a que no guste lo que hacemos, a que salga tan bien que alguien querido salga perjudicado… Cada vez que el miedo aparece, quiere decir que alguna inseguridad asoma. A veces no la reconocemos a simple vista, hay que hurgar en las propias entrañas para detectarla y solo al hacerla consciente, poder darle su espacio y saber qué hacer con ella. Para ello es imprescindible la compasión, primero hacia nosotr@s mism@s. Esos miedos nos pertenecen, y no van a desparecer solo porque los echemos a un lado y tiremos para delante. Si no los conocemos, acabarán por ser ellos quienes decidan nuestros pasos. Alguna vez me he encontrado antes de empezar una función pensando “¿qué hago aquí?”. Y he descubierto que hacía esa función por no defraudar a la persona que me había pedido la participación, como si el hecho de decirle que no, me convirtiese en una especie de apestada a la que ya nadie volvería a llamar. No estoy diciendo que haya que dejar de hacer las cosas que nos dan miedo, sino que el “venga que tampoco me cuesta tanto y así al menos actúo”, puede ser una respuesta al miedo, no a la pasión. Yo misma lo he confundido en muchas ocasiones. Lo que me parece importante es que, cuando esto sucede, es porque algo en nuestro camino está cambiando. No nos da miedo lo conocido, sino pasar a nuevas etapas. Esas nuevas etapas, normalmente, están ligadas al crecimiento, en este caso artístico. Pero en nuestras vidas, lo artístico y lo personal a menudo van de la mano. Tomarse un café con el miedito puede traernos mucha más calma que claudicar. Incluso puede darnos información sobre algo propio que, si nos atrevemos a afrontar, nos irá haciendo cada vez más grandes. Es la mejor forma que he encontrado para alimentar la pasión y que no sea aplastada poco a poco por el miedo y las inseguridades. Somos muchas las que nos quejamos del trabajo que estamos haciendo, sin pararnos a pensar que la responsabilidad de continuar en una situación que no nos gusta es exclusivamente nuestra. Es más valiente hacerse cargo de ello que soportar duras condiciones y luego quejarse. Es más trabajoso disfrutar, pero es más placentero para el alma. Y, ¿no era eso lo que nos trajo hasta aquí?
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
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noticias Los Premios Ceres de Teatro 2015 se entregaron el pasado 27 de agosto como cierre a la 61 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La gala recordó los 2.000 años que lleva en pie el Teatro Romano de Mérida con un espectáculo que nos hizo viajar al 4015. Por cuarto año consecutivo los premios fijaron su mirada en el mejor teatro que se produce a nivel nacional según el jurado compuesto por nueve periodistas culturales presidido, este año, por Antonio Resines. Las 14 categorías galardonadas recibieron una estatuilla creada por el escultor extremeño Jesús Díaz Moreno Machaco que representa a la diosa Ceres.
FOTO SACRISTÁN: Javier Naval
Premios
CERES Noemí Rodríguez y Juan Yuste del Valle, miembros fundadores de la compañía de teatro madrileña Yo nunca jugué con Barbies y el ayuntamiento de Cabanillas, ponen en marcha por segundo año consecutivo el festival de teatro contemporáneo-alternativo de Navarra El Gallinero II, durante los días 4, 5 y 6 de septiembre. Un espacio de muestra y representación a compañías autogestionadas, autoproducidas, cuyos integrantes se encargan de todo el proceso creativo, de producción y representación, sin ayuda ni soporte de entidades externas como equipos de distribución o subvenciones ni grandes presupuestos, sin suponer por ello menos calidad.
PALMARÉS Mejor Espectáculo: Rei Lear, de Lluis Pasqual Mejor Director: Carles Alfaro por Atchúusss!!! Mejor Actriz: Aitana Sánchez-Gijón (foto de arriba) por Medea Mejor Actor: Pedro Casablanc (foto abajo izq.) por Hacia la alegría y Los cuentos de la peste Mejor escenógrafo: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso por Enrique VIII y la cisma de Inglaterra Mejor Vestuario: Pedro Moreno por Enrique VIII y la cisma de Inglaterra y Medea Mejor Caracterización: La compañía Morboria por El burgués gentilhombre Mejor Autor: Alberto Conejero por La piedra oscura Mejor Composición Musical: Mariano Marín por Atchúusss!!!! Mejor Trayectoria Empresarial: Kamikaze Producciones Mejor Iluminación: Pedro Yagüe por Don Juan Tenorio, Edipo rey y La pechuga de la sardina Premio de la Juventud: el actor José Francisco Ramos por El cerco de Numancia Premio del Público: El cerco de Numancia Premio Emérita Augusta: José Sacristán www.festivaldemerida.es
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La danza invade el Cabo de Gata-Níjar
Por sexto año consecutivo los grandes de la danza trasladan sus montajes de las capitales a las playas y recalan en Costa Contemporánea VI, el Festival de Danza y Artes Escénicas del Parque Natural Cabo de Gata-Níjar. Una edición donde se deja ver más que nunca la apuesta por los grandes referentes de la danza contemporánea (como Mal Pelo, Guillermo Weickert, La Macana o Nicolas Rimbaud) junto con los nuevos talentos que están dando que hablar (Elías Aguirre, Francisco Córdova, Poliana Lima, Ana Cembrero o Alberto Cortés). Además, se realizará el II Certámen Coreográfico Mujer Contemporánea. Puedes ver toda la programación del festival que se realizará del 2 al 6 de septiembre en su web www.costacontemporanea.es
Cir&Co 2015 en Ávila
Bajo el lema ‘Paseen y vean’, la tercera edición del Festival Internacional de Circo de Castilla y León mostrará en Ávila, entre los días 10 y 13 de septiembre, las nuevas tendencias de las artes circenses en más de un centenar de representaciones programadas. Quince estrenos en España y siete primicias más en Castilla y León convierten esta cita escénica en una oportunidad única para conocer la vanguardia del género en el panorama internacional. El compromiso y la vocación social del festival tendrá su expresión, además, en un foro que tratará la dimensión educativa del género y su capacidad para luchar contra la exclusión.
Territorios Teatrales Transitables A partir del 24 Septiembre y hasta el 3 de octubre tendrá lugar TTT - Territorios Teatrales Transitables, encuentro internacional de teoría y práctica de las artes escénicas que organiza la cía. Residui Teatro. Coincidiendo con el aniversario de los 15 años de la cía, Residui ha querido reunir en Madrid a maestros y maestras de todo el mundo para reflexionar sobre las practicas teatrales, las modalidades de transmisión de la herencia teatral, la relación entre el teatro y la política y sobre las redes internacionales de colaboración. Eugenio Barba, director de la compañía Odin Teatret (en la foto), Julia Varley, José Sanchis Sinisterra, Keiin Yoshimura, Parvathy Baul, Susanne Linke, Vladimir Olshansky, entre otros, estarán presentes en un programa repleto de actividades. www.residuiteatro.com FOTO : Fiora Bemporad
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Juan Mayorga “El autor y el director no han dejado de pelearse y con eso la obra ha salido beneficiada” por Álvaro Vicente Seguramente habrán visto en algún parque de Madrid alguna de esas mesas sobre las que hay impreso un tablero de ajedrez. Tableros públicos, a disposición de cualquier jugador. En uno de esos lugares indeterminados cobra vida de pronto una partida con la que Mayorga vuelve a mostrar su genio dramatúrgico. Dos seres anónimos, que esconden su identidad bajo los nombres de batallas napoleónicas (Bailén y Waterloo), están buscando al heredero de su pasión.
decida por qué han elegido esos nombres y no otros -por ejemplo, nombres de victorias-.
Sobre el papel, la obra plantea un reto interpretativo importante para los dos actores que han de hacer de Fischer y Spassky y de muchas otras personas, cambiando muchas veces de personaje de una frase a la siguiente prácticamente. ¿Cómo se resuelve esto en escena, desde dirección? ¿Cómo ha sido el trabajo con los actores, qué dificultades les ha planteado esta ‘forma textual’? Supongo que eres un gran aficionaSe resuelve gracias a la elodo al ajedrez, porque sólo un gran cuencia de tres grandes acaficionado podría escribir una obra así, Daniel Albaladejo, César tores y a la imaginación del ¿o no? Sarachu y Elena Rayos espectador. La obra cuenta Aunque nunca he pasado de ser un protagonizan Reikiavik, una dos historias: la de Waterloo, jugador del montón, amo el ajedrez obra que rememora la mítica Bailén y el Muchacho y la de desde que mi padre me enseñó a mover partida de ajedrez entre Fischer, Spassky y los otros las piezas. Siento curiosidad y envidia Fischer y Spassky personajes que movieron ficuando veo a dos hombres unidos y cha en el duelo de Reikiavik. separados por un tablero. Me fascinan Desde el 23 de septiembre Todos ellos son interpretados los jugadores profesionales -esos tipos Teatro Valle-Inclán por César Sarachu, Daniel que atesoran en sus cabezas partidas Albaladejo y Elena Rayos, que otros jugaron hace cien años-, pero que consiguen, sólo con sus también los que se reúnen a jugar por cuerpos y sus voces, que el espectador reconozca al puro placer y para detener el tiempo. Porque en cada personaje y goce al hacer ese reconocimiento. También partida de ajedrez se detiene el tiempo. aporta claridad el hecho de que la puesta en escena esté construida espacial y simbólicamente conforme a la Pensando en su recepción, para los aficionados al ajesimetría propia del ajedrez -a un lado, el mundo de los drez debe ser una gran experiencia, ¿pero qué crees americanos; a otro, el de los soviéticos-. César, Daniel que le ocurrirá al espectador que desconozca el juego y Elena han tenido que trabajar mucho para hacer que y su historia? parezca tan fácil lo que es muy difícil. Reikiavik es una obra de la que puede gozar un espectador que no sepa mover un peón. Da la sensación de que te pones retos a ti mismo, de tu yo autor a tu yo director. ¿Piensa el primero en el ¿Por qué los personajes llevan nombre de batallas y segundo cuando escribe? ¿Cómo dialogan ambos en el por qué esas batallas concretamente? proceso de la puesta en escena? Son los nombres que ellos se han dado a sí mismos Aunque quizá siempre acabe escribiendo la misma para identificarse en esta sociedad secreta, distintos obra, en cada una quiero desafiarme y desafiar. Busco de los que tienen en su vida cotidiana. Corresponden que mis textos no sean redundantes; que el espectador, a derrotas napoleónicas. Prefiero que cada espectador
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Fischer contra Spassky Dice Mayorga: “La sospecha de que el contrario puede estar beneficiándose de factores que no pertenecen al juego es también parte del juego. En 1972, en Reikiavik, se cruzaron dos juegos: el del ajedrez y el de la geopolítica. En ese cruce, la paranoia creció exponencialmente.” Si en fútbol cada
final Madrid-Barça es el partido del siglo, en el caso del ajedrez no ha
el actor y el director no puedan apropiarse de ellos a partir de experiencias previas. Que haya escrito Reikiavik no implica que supiese cómo había que ponerla en escena. El primer día de ensayos apenas tenía algunas intuiciones al respecto. Una puesta en escena siempre entra en conflicto con la escritura en que se basa. También cuando autor y director son la misma persona. El autor y el director de Reikiavik no han dejado de pelearse. El espectáculo se ha beneficiado, creo, de ese combate. ¿Cuánto de realidad y cuánto de fabulación hay en esta obra? Todo en la obra es realidad. Pero, como dice Bailén: ¿qué significa ‘realidad’? Lo que Reikiavik no quiere ser en ningún caso es una obra documental. No presenta lo sucedido en aquel verano del 72 como lo contarían los historiadores, sino como Waterloo y Bailén quieren contárselo -y cada día se lo cuentan de un modo distinto-.
habido otro enfrentamiento de mayor calibre en la pasada centuria
que aquel Match que se prolongó casi dos meses en la capital islandesa. Spassky se terminó rindiendo por teléfono y Fischer se convirtió en el primer estadounidense que ganaba el Campeonato Mundial de Ajedrez desde que lo hizo Steinitz en 1888. De paso, acabó con 24 años de reinado soviético.
Pareciera que el mundo no sabe vivir en otro sistema que no se articule en torno a la bipolaridad, en el binomio. Los tiempos de la Guerra Fría pasaron (¿pasaron?), pero ahora vemos, por ejemplo, como en la vida política española se mueven todos los hilos posibles para que permanezca el bipartidismo ante la posibilidad de un gobierno de minorías. ¿Qué opinas al respecto? No hay nada teatralmente más rico que el antagonismo entre dos personajes que en su enfrentamiento acaban siendo cada uno del doble del otro. Yo he explorado esa forma de relación en El traductor de Blumemberg, en El jardín quemado, en Animales nocturnos, en El crítico, en La lengua en pedazos y ahora en Reikiavik. En política, en cambio, recelo de las construcciones “o conmigo o contra mí”, que casi siempre están acompañadas de frases huecas y gestos grandilocuentes, esto es, de mal teatro. ¿El director Juan Mayorga ha venido para quedarse? Dirigir me apasiona, y volveré a hacerlo si cuento con actores tan creativos como los que me han acompañado en La lengua en pedazos y en Reikiavik. Hay varias obras mías que quiero dirigir precisamente porque no sé cómo hacerlo. Para empezar, Los yugoslavos, El jardín quemado y El cartógrafo. El resto de la entrevista en www.escenagodot.com
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estrenos
El Minuto del Payaso n u e v a · t e m p o r a d a
“En un minuto un payaso pone el mundo del revés.” En una hora, Luis Bermejo despliega todo su arsenal de intérprete sin límites, capaz de hacernos reír y de atravesarnos el alma poniéndose el traje del eterno payaso gruñón, para hacerle un homenaje a todos los payasos que han sido, dejándonos ver la trastienda del clown que va de circo en circo con su camerino a cuestas, en una vieja maleta. El monólogo atraviesa los minutos eternos de Charlie Rivel y de Tortell Poltrona,
Desgarrador y desternillante a partes iguales, Luis Bermejo protagoniza este monólogo de José Ramón Fernández dirigido por Fernando Soto Desde el 16 de septiembre Teatro Español
de Zampabollos y de Pepe Viyuela, en una espera agónica que le sirve al actor, tanto como al autor y al director, para dar relieve a la trastienda sentimental del payaso. Todo ocurre en el día del ‘Festival de homenaje al circo’, una función benéfica en la que van pasando números circenses en un teatro. Un payaso, entre tanto, espera su turno. Van a hacer que salga al escenario por una trampilla... La obra se estrenó el año pasado en la sala Kubik. Fueron pocos días, pero dejó una impronta imborrable en todo aquel que la vio. El clamor ha terminado por traerlo al Teatro Español. No se la pierdan. Y no le guarden rencor, por mucho que repita que la culpa de todo la tiene... Miliki. Ajústense la nariz roja y déjenle hacer, porque ese minuto, su minuto, puede salvarle(s) la vida.
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Cerda habitan un puñado de seres perdidos y solos, Delirante, irreverente, excesiva, absurda como atrapados en una selva de piedra y movidos una primera película de Almodóvar, distorsiopor un único sentimiento: el deseo de llegar al nada como la realidad en un esperpento de mar. La paz del convento se ve perturbada por Valle, improbable pero, aquí está, posible. la llegada de Sabrina, una nueva aspirante E incombustible, pues tras su longevo paso que, poco a poco, va a ir descubriendo los por la añorada Casa de la Portera (2 años secretos, fragilidades y obsesiones de las hace de su estreno), con su buena cosecha de novicias. premios y su legión de inconAunque ya no está en dicionales, Cerda se sube a Tras triunfar en La casa de la el elenco, Inma Cuevas un escenario ‘normal’ en un portera, la comedia de Juan se llevó el Premio de la teatro ‘normal’, aunque traMairena salta al templo de la Unión de Actores por tándose del Alfil, lo ‘normal’ risa de la calle Pez esta obra. La sustituyó allí tiene sus propias normas. Carolina Herrera, que En esas tablas convertidas en junto a Dolly, David templo del humor se instala la Aramburu, Soledad RoOrden italiana de las Siervas Hasta el 20 de septiembre sales y María Velesar, del Santo Membrillo, un Teatro Alfil conforman un reparto convento de clausura dirigido digno de su éxito. Cerpor Sor Leona, autoritaria y da ha sido publicada dominante madre superiora, en Ediciones Antígona y ya se ha estrenado la dispuesta a cualquier cosa para sacar adeversión argentina en Buenos Aires. lante a la congregación en plena crisis. Allí
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FOTO: Jean Pierre Ledos
Bajo Terapia Vellido, Carmen Ruiz, Gorka Otxoa, Manuela Puede estar satisfecho Matías del Federico, Velasco, Fele Martínez y Melani Olivares actor y autor primerizo. Con Bajo terapia, dan vida a tres parejas que, sin saberlo, se su ópera prima, consiguió ganar el concurso ven reunidas un viernes por la noche para CONTAR 1 en Buenos Aires, con el que las compartir una sesión conjunta de terapia de principales asociaciones del sector escénico pareja, una sesión muy especial, donde la buscaban estimular la presencia de autores terapeuta está ausente y son ellos los que se nacionales en el circuito comercial de la capivan alentando a través tal argentina. Debió de flipar de un juego dispuesal enterarse que la obra la El argentino Daniel to en una serie de montaría Daniel Veronese Veronese dirige a un sobres (un juego que con un elenco plagado de elenco de gran solvencia recuerda un tanto a El estrellas del teatro de allá. Y en una comedia coral método Gronhölm de tuvo que alucinar al ver que Galcerán, otra insigne su texto saltaba el charco llena de risas y sorpresas comedia). La educapara estrenarse, también con ción de los hijos, los Veronese a la batuta, en los Hasta el 27 de septiembre celos, la sexualidad, Teatros del Canal y con otro Teatros del Canal el compromiso o la fiplantel de celebridades del delidad son temas que cine, el teatro y la televisión hacen estallar tanto las de aquí. Pero como dice el risas como los recelos. El público se va a ir propio Veronese, no se eligieron por famoenterando de cosas muy sorprendentes... sos, sino por buenos actores. Juan Carlos
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El sueño de una noche de verano Desde que el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid dejó de ser tal, la cita otoñal con el teatro de fuera nos la brinda el Centro Dramático Nacional (CDN) con su ya consolidado y necesario ciclo Una mirada al mundo. Este año empieza con esta reputadísima versión del clásico de Shakespeare, muy respetuosa con su espíritu tradicional y a la vez impregnada de forma intensa de la cultura oriental. Llega de la mano de la compañía coreana Yohangza Theatre Company, dirigida por Jung-Ung Yang. El montaje ha recorrido numerosos festivales internacionales entre los que destaca su presentación durante las Olimpiadas culturales del Globe Theatre, con motivo de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Yohangza, que significa ‘viajero’, ha paseado sus producciones por multitud de países desde su fundación en 1997, siempre con propuestas que combinan danza, percusión y
La compañía coreana Yohangza mezcla danza, percusión y voz combinando tradición y experimentación voz. Pasado y futuro se fusionan con una mezcla única de tradición pura y experimentación. El ciclo Una mirada al mundo continuará en octubre con lecturas dramatizadas de obras griegas, rusas y brasileñas, y con las visitas de los colombianos La maldita vanidad, las huestes lituanas de Oskaras Korsunovas (que traen La Gaviota de Chéjov) o el montaje de Splendid’s, de Jean Genet, a cargo del Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre de Francia. Seguiremos informando.
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Con este montaje del clásico de Shakespeare a cargo de la compañía coreana Yohangza arranca el ciclo Una mirada al mundo del CDN Del 24 al 27 de septiembre Teatro María Guerrero
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FOTO: Sergio Parra
Una de las mejores comedias de Juan Carlos Rubio vuelve con una nueva producción comandada por Quino Falero Desde el 21 de agosto Teatro Lara
De pronto, en un día nos quedamos sin nada. Silvia confía en el éxito de su nuevo proyecto artístico. Toni depende de un trabajo para pagar su vida conjunta con Silvia. Laura bebe whisky para llevarle la contraria a Abel, su marido. Abel ha invertido en una constructora. Pero si el sector inmobiliario se hunde, si el marido te abandona, si el trabajo se acaba o el proyecto se frustra... es la ruina. Ha pasado. Hoy. Pero no es una tragedia, es una comedia, la comedia del descalabro económico, de la risa y el llanto, la que te hace mirarte, descubrirte, desnudarte (emocionalmente). Otra buena obra de Jordi Casanovas...
Que Juan Carlos Rubio tiene músculo para la comedia queda demostrado en esta obra, que ya vivió el éxito en el montaje que en 2010 protagonizaron Kiti Mánver y Nuria González. Ahora se vuelve a montar con otra terna de actrices muy bregadas en el Off que cuajan un gran trabajo con sus físicos y personalidades tan distintas. Es lo que demanda el texto, al fin y al cabo. Natalie Pinot, Carmen Mayordomo y Eva Higueras interpretan respectivamente a Rocío, Ángela y Carola, tres viejas amigas que compartieron los años de la infancia en un colegio de monjas y que se reencuentran 30 años después. Cuando el reloj biológico acelera, las tres se encuentran que están más solas que la una y durante su noche de reencuentro y borrachera de sentimientos y licores, se dan cuenta de que ninguna ha cumplido el sueño de ser madre. ¿Demasiado tarde? Quizás no. En un arrebato de ¿locura? deciden buscar al hombre ideal (José Sospedra le da vida) y tener las tres un hijo del mismo semen, perdón, del mismo padre. Quino Falero dirige con pulso una comedia que tiene pinta de perpetuarse en la cartelera del Lara, porque engancha y divierte y, lo que es más importante, es una máquina de arrancar carcajadas. Y qué diablos, la familia tradicional está pasada de moda, ¿no? Pues eso...
La Ruina
Desde el 4 de agosto Teatro Lara
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Recibir la visita de la compañía andaluza Atalaya es siempre un sugestivo acicate para correr hacia el teatro. Sus montajes, personalísimos y profundamente teatrales en el sentido más loable del término, son lecturas siempre tan respetuosas como contemporáneas de textos eternos. En este caso se atreven con una obra maestra de Bertold Brecht, “metáfora de la sociedad en que vivimos, embarcada en una desaforada carrera hacia el éxito y el culto al mercado y la propiedad”, según palabras del director Ricardo Iniesta. La obra se sitúa en la llamada Guerra de los Treinta Años, en la Europa del siglo XVII, y su protagonista es Anna Fierling, una vendedora de baratijas conocida como Madre Coraje por el valor que parece tener en el campo de batalla. En un mundo dominado por la crueldad y la violencia, Fierling confunde la supervivencia de su propio negocio con la de su propia familia. Brecht demuestra así como la guerra no es más que la exacerbación de los negocios que nacen en tiempos de paz.
Madre Coraje
Hasta el 4 de octubre Naves del Español - Matadero
Esta es la primera muestra del acuerdo de colaboración alcanzado entre el Ayuntamiento de Madrid y el Gobierno de la ciudad de Buenos Aires para establecer un puente teatral entre ambas capitales. El 17 de junio el teatro San Martín de la ciudad argentina vivió el estreno de este montaje de la directora Corina Fiorillo sobre una de las mejores obras de Fernando Arrabal, protagonizada por los actores españoles Alberto Jiménez y Fernando Albizu. Ahora llega al Matadero esta “gran metáfora de la sociedad que no busca los valores de la filosofía, la sabiduría o la justicia, sino que cae cíclica y repetidamente en sus propios errores y en la búsqueda de imitar y anhelar imperios ficticios”, en palabras de la directora. Un texto escrito hace casi 50 años pero de una vigencia impactante, donde humor, poesía y absurdo campan a sus anchas.
El arquitecto y el emperador de Asiria Desde el 23 de septiembre Naves del Español - Matadero FOTO: Carlos Furman
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Windermere Club Hasta el 4 de octubre Teatro Fernán Gómez Juan Carlos Rubio adapta el clásico de Óscar Wilde, El abanico de Lady Windermere, y se lo lleva a un club de salsa. Con la ayuda en la dirección de Gabriel Olivares, convierten la obra en un musical que cuenta con Natalia Millán al frente de un reparto donde también están Teresa Hurtado de Ory y Emilio Buale entre otros. La obra pone en escena el miedo a la difamación, la importancia que se le da a la imagen que la sociedad tiene de nosotros... En este caso, la puritana sociedad victoriana en la que Wilde situó su texto ha dado paso a un mundo donde el sexo y las relaciones personales son mucho más flexibles. Internet ha cambiado las reglas del juego, pero la vergüenza y la necesidad de aprobación son eternas. En una calurosa noche de verano, las verdades y las mentiras se irán desgranando en el Windermere Club mientras van cayendo uno tras otro grandes hits del género donde reina Rubén Blades.
La balsa de Medusa Del 3 al 20 de septiembre Teatro Fernán Gómez Nos alegramos de que este excepcional montaje que vio la luz en La pensión de las pulgas dé el salto a un escenario más grande. Con dramaturgia de Antonio Escribano (que también participa como actor en el montaje), La balsa de Medusa adapta al teatro una de las cintas más geniales y perturbadoras de Luis Buñuel: El ángel exterminador. Un puñado de personajes a la deriva en un mundo que se tambalea, desprotegidos en un océano de incertidumbre. El sistema ya no protege a los que antes protegía. El edificio social se va desgajando y asoma el armazón animal cuando un grupo de personas comprueba que, por alguna extraña razón, no pueden salir de la habitación en la que están. La comida, como la paciencia, como el respeto, se acaba. La cordialidad se torna salvajismo. Gran trabajo de los seis actores, capitaneados por Marcial Álvarez, en una obra que nos devuelve un reflejo deformado de lo que podemos ser.
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Nuestras mujeres
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personal de cada individuo. Comedia negra es como he encontrado esta Con respecto a la versión francesa, que tuvo obra referenciada en prensa. Y así es, porque tanto éxito en el país vecino, aquí se ha deciestá construida mediante gags irónicos, pero dido rejuvenecer el elenco (allí lo interpretacuesta definirla como comedia tratando el ban actores de 50 años, entre ellos Jean Reno) tema que trata. Lo que sí es, es una obra de para desmontar, con acierto, el tópico de que teatro compleja y sorprendente que más allá el machismo es una consecuencia únicamente de etiquetas (casi siempre inútiles) retrata de de la educación que manera brillante una parte de recibieron nuestros la sociedad actual. En este Gabriel Olivares dirige a padres y abuelos, que caso es el retrato de tres homun reparto de lujo en un está asociado a una bres exitosos y sus conflictos. texto teatral sorprendente época ya pasada y Tres amigos, Gabino Diego, del dramaturgo francés olvidada, y que los Antonio Garrido y Antonio hombres de hoy en día Hortelano que se reúnen Eric Assous hemos ‘evolucionado’. como suelen hacer para jugar Es una obra que presu partida de cartas habitual. Hasta el 1 de noviembre senta potentes argumenUno de ellos al llegar a la cita Teatro La Latina tos (de texto, dirección comenta a los otros dos que e interpretación) como ha asesinado a su mujer... para acercarse y desEl autor francés Eric Assous cubrir cómo funcionan los resortes del cerebro toma como punto de partida este hecho (un tras pasar por situaciones tan dramáticas y hecho que está desangrando nuestro país) preguntarse si el valor de la amistad debe para construir un texto que pone en cuestión la estar por encima de todo... moralidad, las convicciones íntimas y la ética
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Salteadores de Otoño
Del 17 de septiembre al 19 de octubre
Un año atrás me pidieron hablar en estas mismas páginas de la nueva etapa que empezaba para uno de los lugares teatrales más notables de la capital. El Teatro Galileo daba un giro, y ya, para ser más exacto, lo ha dado. Quizá aún no sea tan notorio, quizá quede maquillado por la aparición de nombres y productos más comerciales, pero estos se han alternado con otros de más riesgo abriendo la puerta a montajes y creadores más radicales. Gracias a todos, a todos. A proyectos muy interesantes que no fraguaron. A sorpresas que nos hicieron creer que hay otras formas de hacer arte. A los que confiaron en nosotros. Y hasta incluso a los que no confiaron a pesar de recibirles con alfombra roja, incluso descubriendo que no nos han querido porque al mismo tiempo llamaban a otras puertas, cosa válida, por supuesto, si se avisa y no se acuerdan temporadas. Es una cuestión de elegancia y honestidad. Pues sí, gracias a todos, incluso a los últimos. Y esta gratitud la quiero y queremos personificar en una artista y un espectáculo inmenso que nos ha acompañado toda la temporada. Llegó tímidamente, apostó por nuestro pequeño gran espacio, y se quedó 6 meses, unas veces sufriendo, otras feliz. Gracias a Esperanza Pedreño y su contundente Mi relación con la comida por su honestidad y su inmensa calidad personal y artística. Y con ella a todo un año intenso, duro pero gratificante. Habrá más este año, para empezar, con un ciclo que hemos llamado Salteadores de
otoño. Buscando en diferentes lugares y procedencias, tamaños e inquietudes, hemos tejido un cuarteto de pequeñas grandes joyas que o bien no han podido llegar a la cartelera madrileña o que recuperamos de algún festival dedicado a los más emergentes. De carácter ecléctico y plural, la idea es que a lo largo de cinco semanas se trace un panorama más o menos acertado de lo que se está creando actualmente. Pero queríamos abrir por todo lo alto. Y para ello recuperamos un espectáculo que, aunque sí que ha tenido su difusión y ha estado en diferentes escenarios de la capital, tiene un trabajo de escritura y dirección, pero sobre todo de interpretación, de gran altura. Hablamos de Las Plantas (foto inferior), monólogo intenso y crudo al que pone cuerpo Estefanía de los Santos y que le sirvió en bandeja de plata Pablo Messiez. Delirare (foto izda.), original de Cristina Redondo y dirigido por Fernando Soto; Obligacciones, de Toni Aparisi, co-creador de la importante formación Ananda Dansa; y Paula Quintana con Latente, que viene de ganar el primer premio en la última Feria de Teatro de Leioa, completan este ciclo en el que tanta ilusión hemos puesto. Una vez más, gracias.
Rafa Romero de Ávila. Co-programador de Galileo Teatro
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estrenos
Diego y Álvaro son dos ex agentes secretos patosos, desaliñados, freaks... y absolutamente locos por las series de televisión. Un día, el telediario cuenta que un malvado villano quiere acabar con este modo de entretenimiento. Nuestros dos ex-agentes no pueden permitir que esto ocurra, por su propia pasión y para así redimirse dentro de su profesión, y se ponen manos a la obra (que buena serie fue esa por cierto) para capturar al villano responsable del fin de la ficción televisiva. Las series son algo casi tan antiguo como la propia televisión, pero que en los últimos tiempos se han convertido en una religión. Desde esta perspectiva, Spoiler propone un recorrido satírico, pero también sentimental, desde los grandes títulos de la ficción catódica que arrasan en estos momentos, hasta aquellos que forman parte de nuestra memoria colectiva. La Tropa Produce ha creado este divertido montaje que protagonizan los cómicos Diego Arjona y Álvaro Velasco y que contará con los cameos virtuales de los protagonistas de las grandes títulos de la ficción televisiva española.
Spoiler
Hasta el 13 de noviembre Teatro Pequeño Gran Vía
Dinero Negro
Hasta el 3 de octubre Teatro Amaya
Esta obra es una farsa escénica tradicional, llena de giros, enredos y equívocos y de personajes que se ven obligados a fingir ser lo que no son. Los ingredientes habituales de los textos del autor inglés Ray Cooney. El montaje de Descalzos Producciones (cía. fundada por Jesús Cisneros) ya ha hecho las delicias del público en agosto y lo seguirán haciendo para todos los que quieran pasar un rato divertido en el teatro y comenzar septiembre con una sonora carcajada. Un serio empleado de banca recibe el mejor regalo de cumpleaños: alguien sufre una confusión de maletines, se llevan el suyo y le dejan otro con diez millones de euros. Nuestro hombre siente que eso es una oportunidad que no puede desaprovechar, así que, al llegar a casa, encarga dos pasajes de avión y llama a un taxi para que le lleven al aeropuerto con su esposa, dispuesto a comenzar una nueva vida. Claro que tendrá que lidiar con sus vecinos invitados a cenar, con un inspector de estupefacientes, otro de homicidios, un taxista caradura y con la permanente amenaza de que los dueños del maletín aparezcan para llevarse lo que es suyo.
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ÉXITOS QUE REGRESAN
El nombre Gabriel Olivares y con un reparto de lujo: Cuando una obra regresa a la cartelera se Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio da por hecho que será porque le fue bien en Molero, César Camino y Kira Miró. Este gran fechas pasadas. Y en este caso concreto es cócktel de nombres conforma un espectáculo así, ciertamente. Cosechó muy buenas taquique transita, a través de la comedia, por llas y buenas críticas (aunque también hay diversas controversias y diatribas morales que quien esperaba más de ella). Pero en líneas todos, en algún momento, nos hemos puesto a generales es un montaje muy recomendable y debatir. una gran opción para comenTodo comienza en una zar la vida tras el periodo La comedia de Mathieu reunión normal de amivacacional. Delaporte y Alexandre de gos para celebrar la El nombre es una comedia la Patelière, con versión de futura llegada del bebé francesa escrita por Matthieu Jordi Galcerán, vuelve a de una de las parejas. Delaporte y Alexandre de la Cuando preguntan por Patelliêre que se estrenó en los escenarios el nombre del futuro París en 2010 y que desde niño, la respuesta deja el primer momento tuvo un Desde el 10 de septiembre a todos boquiabieréxito arrollador en el teatro. Teatro Cofidis Alcázar tos… desde luego, Tal fue su repercusión que se no es para menos. realizó una versión cinematoY es que cuando las gráfica que, de igual modo, verdades se sueltan sin tapujos se desatan consiguió ser un éxito de taquilla y traspasar las batallas que han estado latentes tras lo así fronteras. A nuestro país ha llegado con políticamente correcto. Sergio Díaz la versión de Jordi Galcerán, la dirección de
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FOTO: Javier Naval
Más apellidos vascos 2.0 La obra cuenta ocho pequeñas historias en Tras el merecido descanso estival vuelve la las que se ponen patas arriba las diferencias comedia teatral inspirada en la película más entre Euskadi y Andalucía para reírse de taquillera de la historia del cine en España, 8 todo lo que hay en medio. Más humor con apellidos vascos. Regresa al teatro Marquina nuestros propios tabúes regionales y más tóen su segunda temporada consecutiva, con picos desmontados a golpe de comedia que nuevas escenas y bajo el título de Más apellipreceden al estreno en dos vascos 2.0. la gran pantalla de 8 “No ha cambiado la Regresa la versión teatral apellidos catalanes, estructura, sino que se han de la taquillera película lo que demuestra que eliminado algunos sketches 8 apellidos vascos con este tipo de humor en que funcionaban menos, el que los españoles se han potenciado los que nuevos sketches y nos reímos del vecino funcionaban más y se han más risas aseguradas pero también de añadido algunos nuevos. nosotros mismos sigue No ha sido un cambio en lo Hasta el 20 de diciembre teniendo mucho tirón, sustancial, pero la obra es Teatro Marquina sobre todo porque lo aún más dinámica“, comenta que subyace en el texto sobre la nueva versión Leo es un llamamiento a Rivera, uno de los actores, la igualdad entre seres humanos a través del junto con Rebeca Valls, Cecilia Soraguren y amor y las sonrisas. Sergio Díaz Carlos Heredia.
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ÉXITOS QUE REGRESAN
En el estanque dorado Hasta el 1 de noviembre Teatro Bellas Artes
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Si somos trabajadores de una cadena de montaje quizás no nos crucemos nunca con las personas a las que nuestro trabajo afecta íntimamente. Ahora bien, si nos relacionamos directamente con individuos de carne y hueso hay trances difíciles de evitar. Para los médicos, los tenderos, los profesores, los policías o cualquier otra profesión en la que el contacto es inevitable, los problemas pueden aparecer en cualquier momento. Si eres director de una sucursal bancaria todavía peor. Si eres director de una sucursal, con el caldo de cultivo que se ha ido formando en los últimos tiempos contra estas “instituciones” (se lo han ganado a pulso también), las cosas pueden llegar a complicarse de manera alarmante. Y es que antes, en nuestro civilizado mundo, cuando alguien necesitaba dinero iba al banco y pedía un crédito. La mayor parte de las veces te lo concedían, pero si no era así, te volvías para casa cabizbajo, conformado, pensando: “¡qué se le va a hacer!”. Hoy ya no puedes confiarte... como nos demuestran en este magistral duelo interpretativo Carlos Hipólito y Luis Merlo.
En el estanque dorado es una obra de teatro que triunfó en Broadway y se popularizó cuando se transformó en una gran película que ganó tres Oscar: para los dos actores principales, Henry Fonda y Katharine Hepburn, y para el dramaturgo Ernest Thompson, que se había encargado de adaptar su pieza al cine. Esta producción fue la primera que la adaptó para España y así pudimos disfrutar sobre los escenarios de Héctor Alterio y Lola Herrera actuando juntos, lo que supone un placer teatral incalculable. Este delicioso texto aborda esa etapa final de la vida en la que parece que las expectativas se agotan, donde tenemos un futuro más corto por delante pero que aún se presenta con multitud de interrogantes acerca del miedo a la muerte, el amor, la soledad, la familia... Magüi Mira dirige esta valiosa reflexión sobre lo difícil que es conseguir relaciones positivas a lo largo de la vida, saber hacerlas duraderas y disfrutar cada etapa del camino simplemente por el hecho de saber que seguimos vivos. Aprovechen este nueva oportunidad que nos regalan y siéntense junto al banco del estanque.
El crédito
Desde el 12 de agosto Teatro Maravillas
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La Lengua Madre Finales sept o principios oct Teatros Luchana Al cierre de esta edición todavía no estaba clara la fecha en la que Juan Diego se va a subir al escenario de la sala grande de los Teatros Luchana, no porque él no lo sepa, sino porque en este país nunca se pueden hacer planes certeros cuando hay una obra de por medio, no una obra de teatro, sino una de las de albañiles, aparejadores, encofradores, pintores, electricistas, arquitectos, etc., etc. La primera palabra que te dan nunca es la definitiva, y estamos seguros que el bueno de Juanjo Millás le sacaría punta a esta cualidad tan ibérica. Los responsables de los Luchana ansían, sueñan, desean inaugurar su sala grande por fin, y esperemos que no se alargue mucho más, porque tenemos muchas ganas de verla en funcionamiento, y más con este excepcional monólogo de Millás que en la voz y cuerpo de Juan Diego adquiere una vida fascinante. El lenguaje es un laberinto de significados y significantes que tanto se presta al juego como a la perversión, al amor y a la barbarie. El teatro es un gran lugar para explorarlo. Con ese título, sólo podía programarse en sesión golfa, claro. Los viernes y los sábados tienes una cita con este montaje que ya cosechó gran éxito en su primera temporada y que vuelve a los Luchana con su aire canallesco y sorprendente. Porno Star es una comedia negra, con toques de erotismo y reminiscencias del humor clásico de Hollywood, que representa un día como otro cualquiera en uno de los locales de alterne más peculiares de la ciudad. El hilo argumental se verá alterado por una curiosa propuesta: grabar una película porno en el club. Lo que parecía ser la solución a todos sus problemas, se va a convertir en un auténtico caos plagado de sorpresas, subidas de todo, perdón, de tono, historias de amor, efectos especiales y hasta fenómenos paranormales. Los ochos actores que protagonizan esta historia son a la vez -valientes- sus productores: Lucía Ramos, Kirian Sánchez, David Laguía, Marta Wall, Laura Calero, Rubén Bernal, Mario Alonso y Belén CE.
Porno Star
Desde el 18 de septiembre Teatros Luchana
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ÉXITOS QUE REGRESAN
El musical más colorista de la cartelera inicia su segunda temporada tras ser visto por casi 300.000 espectadores Desde el 21 de agosto Teatro Nuevo Alcalá
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Priscilla Tres amigos recorren el desierto australiano a bordo de un desvencijado autobús (que da nombre al musical) representando su atrevido espectáculo drag en un viaje en busca del amor y la amistad. Esto es sólo una sinopsis. El espectáculo es un derroche de color, vestuario, efectos especiales y pelucas, muchas muchas pelucas. Priscilla es el reino del postizo, donde todo se mueve a ritmo de música disco. Desde Tina Turner a Madonna, la banda sonora de este montaje contiene los hits más bailados de la historia. 40 artistas en escena, 500 trajes, 200 pelucas... en su primera temporada en Madrid ha hecho 292 funciones que convocaron a 290.000 espectadores. Más
números: 574 horas de representación con 157.680 cambios de vestuario. 930 pares de pantys, 36 kilos de purpurina, 135 barras de labios, más de 100 botes de laca... pero, un momento, ¿quién es el que cuenta todo esto? Qué más dan las cifras. Lo importante es que se trata de un espectáculo divertidísimo que tiene momentos para la risa y momentos para la emoción, que te pone a bailar en cuanto te descuidas, que te sumerge en un viaje iniciático en el que, además, un hombre aprende que la frivolidad no lo es todo, que la amistad es importante, y que no hay nada como ser uno mismo y aceptarte tal cual. Por cierto, ¡¡grandes actuaciones de todo el elenco!!
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Edipo y Medea vuelven a La Abadía
El gran éxito cosechado en la pasada temporada provoca la vuelta de dos de las tres primeras producciones de Teatro de la Ciudad. Del 11 al 19 de septiembre podremos volver a ver Medea (foto inferior), la tentativa de Andrés Lima sobre el clásico de Séneca, con una inmejorable Aitana Sánchez-Gijón, que ha recibido el Premio Ceres por este trabajo. Le acompañan en escena el propio Lima, Laura Galán y la sorprendente Joana Gomila. Por otro lado, el inquietantemente estático Edipo Rey (foto superior) de Alfredo Sanzol podrá verse del 16 al 26 de septiembre, una nueva oportunidad para disfrutar de un montaje depurado, síntesis de palabra y emoción, en el que Sanzol se pone a la altura de los grandes directores europeos del momento. Los 5 intérpretes están estupendos en el relato profundo de la tragedia del destino por excelencia y es de justicia mencionarlos y aplaudirlos a rabiar: Juan Antonio Lumbreras, Natalia Hernández, Paco Déniz, Eva Trancón y Elena González. www.teatroabadía.com
Grandes estrenos
Teatro, danza y música
Del 27 de agosto al 27 de septiembre de 2015 PRODUCCIONES TEATRALES CONTEMPORÁNEAS PRESENTA
POR ORDEN DE INTERVENCIÓN
GORKA
MANUELA
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OTXOA VELASCO OLIVARES MARTÍNEZ
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VELLIDO
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CARMEN
RUIZ
VÍCTOR ULLATE BALLET dEl
comunidAd dE mAdrid 27 dE agosto Al 13 dE septiembre dE 2015
El Amor Brujo: 10 únicas funciones DE
MATÍAS FEDERICO DEL
ADAPTACIÓN AL CASTELLANO
DIRECCIÓN
DAVID SERRANO
ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO
DISEÑO DE ILUMINACIÓN
SAmSArA: 6 únicas funciones
DANIEL VERONESE
ELISA SANZ
ION ANIBAL LÓPEZ HERALDO 97 S.L.
El A mor B rujo En coproducción con E l T EATro r EAl dE m Adrid :
c olABorA :
BALLET NACIONAL DE CUBA DIRECCIÓN ARTÍSTICA: alicia alonso
LAGO DEL 16 AL 20 DE SEPTIEMBRE DE 2015
CARMEN DEL 23 AL 27 DE SEPTIEMBRE DE 2015
QUIJOTE DEL 30 DE SEPTIEMBRE AL 4 DE OCTUBRE DE 2015 SOLANO Y GARCÍA PRODUCCIONES, S.L.
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danza
FOTOS: De izquierda a derecha. Don Quijote @Jacques Moatti, Amor Brujo @ Stephane Martinez y Samsara @ Jesus Vallinas. Abajo Materia de Cristian Martin © Miguel J. Berrocal.
Danza para todos los gustos n u e v a · t e m p o r a d a
ciones de 15 compañías, con espectáculos de Ataviado como un chef, de los que tanto vemos todos los estilos: danza contemporánea, danza últimamente por televisión, Albert Boadella preespañola, clásica y neoclásica, danzas urbanas sentó el pasado mes de junio la programación y flamenco. de la nueva temporada de los Teatros del Canal Y el 16 de septiembre vuelve el Ballet Nacional y uno de los platos principales del menú será de Cuba (avalado por el éxito la danza, disciplina que cosechado en temporadas contará con 4 espectáculos Atracón de danza en el anteriores) dirigido por la gran durante septiembre. Cocomienzo de temporada Alicia Alonso que durante tres menzará el Ballet de Víctor de los Teatros del Canal semanas representará lo mejor Ullate con un programa de su repertorio clásico: El lago doble en el que podremos de los cisnes, Carmen (junto a ver dos de sus magníficas Las Sílfides y Celeste) y Don piezas: El amor Brujo, una Quijote. Un menú degustación versión renovada de la Hasta el 4 de octubre apto para todos los paladares. obra de Falla de marcado Teatros del Canal Sergio Díaz carácter andaluz que ahonda en el misticismo gitano, y Samsara, que es una abstracción de los sentidos que permite, a través de la conjunción del movimiento corporal y la música, trasladarnos a aquellos lugares de donde procede el diverso repertorio de músicas étnicas que conforma este ballet. Entre el 7 y el 29 de septiembre podremos ver una exhibición de las propuestas coreográficas desarrolladas en el Centro Danza Canal, que es uno de los lugares de referencia de la creación coreográfica en España. Comprobaremos las evolu-
LÍRICA 35
Roberto Devereux del romanticismo italiano, la ópera alcanza El gran templo lírico de nuestra ciudad abrirá un gran virtuosismo vocal y proclama la afirla temporada con danza, con el Ballet Estatal mación ‘donizettiana’ de la supremacía de de Berlín, dirigido por Nacho Duato, que la voz en el género. La puesta en escena del desde el 4 al 9 de septiembre nos deleitará director sudafricano Alessandro Talevi la sitúa con un programa muy variado. en un tiempo indeterminado, resaltando el La temporada lírica como tal comienza el día juego de claroscuros. La música está a cargo 22 con esta ópera trágica en tres actos con del Coro y Orquesta música de Gaetano Donizetti Titulares del Teatro y libreto en italiano de SalvaTragedia lírica en tres Real. tore Cammarano. La ópera actos con música de En la última y espectase basa vagamente en la Gaetano Donizetti, cular aria de Roberto vida de Robert Devereux, II dirigida por Alessandro Devereux su protagoconde de Essex, un influyente nista, la reina Isabel I miembro de la corte de la Talevi de Inglaterra, exclama: reina Isabel I de Inglaterra. “No reino, no vivo”. Es una de las óperas que Desde el 22 de septiembre Entre estos dos ejes, tratan del período Tudor en Teatro Real grandes temas siempre la historia inglesa (Anna de la ópera, se mueven Bolena, María Stuarda e Il las pasiones de unos Castello di Kenilworth) que personajes que viven entre las intrigas palaDonizetti compuso en 1837. Escrita en el peciegas y sus afectos. riodo de madurez del máximo representante
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cómicos / magos
Que me aspen
18 de septiembre Teatro La Latina
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Uno de los magos más populares y reconocidos de nuestro país vuelve a los escenarios con un nuevo espectáculo. Palabra de mago es una reflexión sobre el apasionante mundo de los magos. ¿Los magos son personas honestas? ¿Ó son unos tramposos? En la Edad Media les quemaban en la hoguera y en el siglo XXI el público compra entradas para verles en teatros. Los magos son unos auténticos manipuladores de la percepción. Su trabajo consigue hacerte ver y creer lo que nunca has visto, y olvidar aquello que está delante de tus narices. Lo cierto es que aunque jueguen con nuestras mentes, son gente de fiar, siempre avisan de que te van a engañar, y lo hacen con cuidado, sigilo, delicadamente... -siempre que no haya televisión de por medio que enseñe el hilito a los espectadores y destripe el truco-. Durante 90 minutos cada noche del mes de septiembre, Jorge Blass engañará a todos aquellos que vayan a disfrutar con el mejor engaño que pueden experimentar: la magia.
Sí, lo reconozco, yo soy de los que he visto la serie Anclados de tele 5. Más allá de que me entretenía, había tres argumentos de peso que me hacían encender la TV. Uno era Alfonso Lara (me encanta). Otro era Rossy de Palma (me encanta) y el otro era Joaquín Reyes (me encanta). La verdad es que trato de no perderme nada de lo que hace este gran cómico. Me gusta su humor y me divierto mucho. Y ya si se junta con Ernesto Sevilla es el acabose. En mi olimpo de cómicos siguen estando los primeros Faemino y Cansado (no creo que nunca les baje del primer puesto), pero lo que hace la gente de ‘Muchachada’ está muy cerca de ser lo mejor que yo haya visto en el mundo de los cómicos (pero es sólo mi opinión). El caso es que Joaquín Reyes vuelve a subirse al Teatro La Latina con más ganas que nunca para seguir haciéndonos reír con este divertido recorrido por toda su trayectoria artística y con su peculiar estilo de contarlo. S. Díaz
Palabra de mago
Hasta el 27 de septiembre Teatro Compac Gran Vía
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cómicos
1. Desencadenado. Dani Mateo
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Teatro Cofidis Alcázar. 11 de septiembre. 9 de octubre y 6 de noviembre. Espectáculo que es la crónica de un viaje a través del tiempo (perdido) y del espacio (vacío) que conforman la rutilante (ni siquiera sabe qué significa esto) carrera de un ARTISTA con mayúsculas. Dani anda suelto... y de la parte musical se encarga Jimmy Barnatán&TheCocooners. Casi nada.
2. Sí a todo. Ernesto Sevilla 2
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Teatro Cofidis Alcázar. 18 de sept. 16 de oct. 13 de nov. 11 de dic. Nuevo espectáculo de Ernesto Sevilla, donde hace un recorrido por toda su vida descubriéndonos sus filias y sus fobias, sin centrarse en un tema en concreto. Todo esto pasado por el tamiz del estilo particular del cómico albaceteño.
3. La cavernícola
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Pequeño Teatro Gran Vía. De jueves a domingos. Segunda temporada de este divertidísimo monólogo de Yolanda Ramos, que ahonda en la cueva de la psicología femenina y dispara a discreción contra los machos de nuestra especie desmontando los estereotipos y los mitos acerca de lo que piensan las mujeres.
4. Espinete no existe
Teatro Compac Gran Vía. Viernes y sábados. Eduardo Aldán celebra 10 temporadas de esta comedia nostálgica y canalla sobre nuestra infancia y las pequeñas cosas que han marcado a varias generaciones.
5. Como en la casa de uno... Santi Rodríguez
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Pequeño Teatro Gran Vía. Sábados desde el 3 de octubre. Santi presenta su nuevo monólogo sobre el turismo, viajar al extranjero y lo bien que se está en casa. Para hincharte a reír los sábados por la noche.
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6. #quenonosfrunjanlafiesta. David Guapo
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Teatro Cofidis Alcázar. 5 de septiembre. 10 de octubre y 7 de noviembre. Uno de los grandes showmans del panorama humorístico actual presenta un espectáculo fresco, divertido, original y que gusta a todo el mundo.
7. Morgadeces
Teatro Compac Gran Vía. 18 de sept. 23 de oct. 13 de nov. 10 de diciembre. Ana Morgade nos vuelve a deleitar durante una hora y media con sus sandeces elegidas con todo el gusto y delicadeza.
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8. Toda la verdad sobre el oso hormiguero
Teatro Cofidis Alcázar. 19 de sept. 24 de octubre, 28 de noviembre y 19 de dic. Julián López y Raúl Cimas dan rienda suelta a la comedia tan característica de la que han hecho gala durante su trayectoria.
9. Sí, soy el Señor
Teatro Cofidis Alcázar. 25 de sept. 23 de octubre, 20 de noviembre y 18 de dic. Pablo Chiapella nos abrirá la puerta de sus complejos y sus vivencias más cómicas. Merengue merengue...
10. Follamigas. Toni Moog 11
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Teatro Compac Gran Vía. 31 de octubre. 7, 14 y 21 de noviembre. Un show sin límites ni censuras donde el humorista más irreverente retrata con humor corrosivo todo ese mundo de sexo gratuito al alcance que son las ex novias, las follamigas y otras variantes dentro del terreno sexo-afectivo.
11. Hasta aquí hemos ‘llegao’
Teatro Compac Gran Vía. De Jueves a domingos. Desde el 1 de octubre. Leo Harlem, Sinacio y Sergio Olalla, a través de sus monólogos y gags nos harán reír descubriéndonos la ajetreda vida de los cómicos cuando recorren el mundo para mostrar al público su trabajo.
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familiar
Llega la irresistible historia basada en el archiconocido investigador londinense Sherlock Holmes. Un musical totalmente original, con un formato innovador en 3D, en el que grandes y pequeñ@s se sentirán transportados al mundo de los misterios y de la diversión. Como telón de fondo, un cuadro muy especial que Sherlock y su inseparable Watson podrán atravesar y entrar así en un mundo mágico lleno de misterios.
Sherlock Holmes y el cuadro mágico
Un espectáculo creado por el reconocido bailarín y coreógrafo internacional José Tirado, con un elenco de altísimo nivel, adaptado al lenguaje y sensibilidad de l@s niñ@s a partir de 6 años y dotado de una forma teatral que se integra plenamente en la coreografía revelando la conocida historia de Saint-Exupéry con todos los mecanismos escénicos disponibles: teatro, danza, canto, audiovisuales…
El principito
Un espectáculo de la compañía El Curro DT, coreografiado por Marcela Aguilar, para niñ@s de todas las edades, cuyo objetivo es acercarl@s al universo de la danza y al de la música clásica. El león, el canguro, las gacelas, la tortuga, los elefantes, el cisne y demás divertida fauna de este universo animal danzarán al ritmo de la música. Dos actores y una actriz darán vida a todos estos increíbles personajes.
El carnaval de los animales
Zumo Animaciones organiza el ciclo de teatro infantil La máquina del tiempo en Microteatro Por Dinero, donde podremos ver Érase una vez (de 0 a 3 años), Unga Bunga Hola (desde 2 años), Esta reina no se peina (de 3 a 8 años) y Misión A-Marte (de 3 a 10 años). 4 obras adaptadas a diferentes edades que viajan a diferentes épocas de nuestra historia y donde aprenderemos jugando y riendo.
La máquina del tiempo
Desde el 12 de septiembre Teatro Lara
Desde el 12 de septiembre Teatro Cofidis Alcázar FOTO: Emilio Tenorio
Domingos de septiembre La Usina
Del 5 al 27 de septiembre Microteatro por dinero
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CRÍTICAS
Crituits
Crítica: La soga Teatro Por Regina Navarro
Un cadáver a los postres La casa está preparada para la fiesta. Una guirnalda de bombillas ilumina la estancia, la mesa ya dispuesta a falta de algunos platos y, en un rincón, un arcón del que se escapa un trozo de cuerda. En su interior hay un cuerpo: Brandon (Kiko Gutierrez) y Phillip (Markos Marín) acaban de asesinar a David Kentley. Así comienza La Soga, una adaptación teatral de la película de Alfred Hitchcock, versionada por Jesús Martínez y dirigida por Nina Reglero, que ha podido verse este verano en el Teatro Fígaro. Los invitados comienzan a llegar para disfrutar de una velada, como poco, macabra. Así, con el arcón transformado en una improvisada mesa sobre la que servir las viandas, el Sr. Kentley (Mariano Venancio), Janet (Igne Martín) novia de David y el profesor Rupert (Aníbal Soto) hablan con unos anfitriones nerviosos y algo tensos. Una tensión que no termina de llegar al público en los primeros momentos. Después la obra parece dar un giro. Quizá son las referencias a la teoría del superhombre de Nietzsche, las lágrimas de agobio y miedo de Markos Marín, o el agitado diálogo entre Kiko Gutierrez y Aníbal Soto, los que imprimen ritmo a una acción demasiado relajada, y en la que algunos de los intérpretes parecen no terminar de sentirse cómodos. Llevar a las tablas una película del gran maestro del suspense nunca es sencillo, aunque, en el caso de La Soga, fue él quien transformó el teatro en cine. Filmó la versión de Rope, una historia que Patrick Hamilton escribió en 1929 basada en un hecho real. Un crimen escalofriante cometido para demostrar la teoría del profesor Rupert sobre la superioridad de algunos individuos o, al menos, lo que ellos habían interpretado de la misma.
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Crítica: Todo irá bien Teatro Lara Por Á. V.
España va bien
Crítica: Las hermanas Rivas Teatro Lara Por Á.V.
K.O. por amor
José Manuel Carrasco está que se sale. Parece que se quitó un coágulo con el extraordinario monólogo que le escribió a Ana Rayo (La vida en blanco) y desde entonces la comedia le posee. Acaba de estrenar en el Amaya Dinero negro, y en el Lara retoman con Todo irá bien, donde vuelve a demostrar que dibuja como nadie personajes que, a pesar de la desgracia en la que viven, son entrañables. A eso contribuyen los actores, en este caso una fantástica Pilar Bergés en el papel de esa cajera de supermercado que, con todo en contra, se convierte en heroína de su propia vida por pura supervivencia.
Otra obra que vuelve, con producción y elenco renovado, es esta que dirigió Adriana Roffi (directora de Como si pasara un tren) y que, junto al actor protagonista, Mariano Rochman, adapta un cuento de Borges a una realidad distinta. Nos pareció que entonces le faltaba pegada al montaje, teniendo como tiene una historia atractiva sobre un boxeador venido a menos y las dos hermanas que se enamoran de él. Confiamos en que en esta nueva puesta, el Potro Estrella deje a un lado lo histriónico para sentir con verdad la encrucijada que le presenta la vida.
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 26 de agosto
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#elteatrotambiénselee
Alberto Conejero
FOTO: marcos G punto
Su timidez se defiende con amabilidad. Su titubeo en el diálogo a pie de calle se vence con palabras inusuales. Él no dice calificar, ni siquiera adjetivar. Él dice epitetar. No es pedante, es la antítesis de tal. Es un amante del lenguaje y ese amor le supura. Y un amante del teatro llamado a escribir páginas de oro en nuestra dramaturgia. De Jaén, del 78, aprendió (o sacó un título de Dramaturgia y Dirección) en la RESAD de Madrid y enseña en la ESAD de Castilla León, provincia de Valladolid. Apegado a lo popular (parece extraer el carbón de su locomotora creativa tanto de Lola Flores como de la gran literatura), lo mismo te escribe el libreto de un musical (Sicalipsis now!, en 2009), que te trabaja un shakespeare del tamaño de Macbeth, que te escribe textos originales como Húngaros, Ushuaia (atrévanse con ella, compañías y productores, que no muerde), Cliff (Acantilado) o La piedra oscura. Estas dos últimas vuelven a la vida escénica en este mes de septiembre. En Nave 73 se recupera el montaje de Cliff que dirigió Conejero al alimón con el gran Alberto Velasco y el gran Carlos Lorenzo a la interpretación para La pensión de las pulgas. En la sala La Princesa del Teatro María Guerrero, el suelo se vuelve a tiznar de guerra fratricida, las butacas a llenarse con las ausencias. Hablaba hace poco con Alberto sobre esta obra, La piedra oscura. Me confesaba que hay algo intangible y un punto místico, espiritual, algo que toca los resortes interiores del que lee, ve o escribe La piedra oscura, porque a él le temblaba la mano cuando concluía las últimas frases de esta obra que nombra lo que nadie antes había nombrado y que necesitaba nombrarse para vivir una eternidad en paz. Rafael Rodríguez Rapún, ‘Tres erres’, amor de Lorca, revive y remuere en el teatro para brindarnos un acto de justicia poética e histórica. Y de paso seguir reivindicando a Lorca y a todos los que siguen en las cunetas. El ojo vidrioso de Conejero rememora el día en que las sobrinas de Federico y las de Rafael se encontraron y se abrazaron al finalizar la función. Ahí, quizás, haya -hayamos- encontrado un sentido para esta vida. Álvaro Vicente
En colaboración con Ediciones Antígona
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“LA PIEDRA OSCURA” FRAGMENTO DE LA QUINTA ESCENA
Daniel Grao y Nacho Sánchez hacen un trabajo excepcional bajo las órdenes de Pablo Messiez y habitando un espacio tan sobrecogedor como la propia obra, diseñado por Elisa Sanz.
Del 18 de sep al 18 de octubre Teatro María Guerrero
SEBASTIÁN: No nos van a perdonar, es cierto. Pero no por ese montón de papeles perdidos. RAFAEL: Si sobrevives, y ese es mi deseo, si sobrevives a esta maldita guerra, finalmente tendrá un sentido. SEBASTIÁN: ¿Qué tendrá un sentido? RAFAEL: Que tú y yo nos hayamos cruzado en este lugar, en esta madrugada. Que seas la última persona que haya conocido antes de morir. Podrás mirar a tus hijos y decirles: “Yo salvé esos libros que leéis en el colegio”. Eso le dará un sentido. SEBASTIÁN: Pero / RAFAEL: Hay poemas y tres obras de teatro. Eso no puede perderse. No para siempre. Los que vengan sabrán entenderlas. SEBASTIÁN: ¿Pero cómo voy a hacerlo? RAFAEL: Tienes que recordar este nombre: Modesto Higueras. Búscalo. Y le dices que Rapún te ha dicho lo siguiente: que las cosas de Federico están en el piso de Alcalá. Él sabe dónde es. Dile que allí está todo. Que rompa las cartas y que nos perdone. Pero que saque los manuscritos del país, que se los lleve a Francia o a México. También los discos de gramófono. Son seis pizarras. Una conferencia que dio en el Teatro Español para los actores. Y otras recitando algunos poemas. Prométeme que lo harás. SEBASTIÁN: Yo / RAFAEL: Tienes que hacerlo. SEBASTIÁN: ¿Por qué es tan importante? RAFAEL: Debo cumplir mi encargo. Al menos eso. Se lo prometí. SEBASTIÁN: ¿A quién? RAFAEL: A Federico. SEBASTIÁN: Pero ahora está muerto. ¿Qué importa lo que le prometieras? RAFAEL: ¿Qué importa? No entiendes nada. Ni tú ni ninguno de los salvajes que te acompañan. ¿Por qué a él? ¿Por qué tuvisteis que matarlo a él? Había intentado llamarlo desde Donosti. Nadie sabía decirme nada. Mi hermana me dijo que había preguntado por mí en julio, antes de que todo esto empezase. Un amigo me dijo que se había bajado a Granada, con su familia. Me tranquilicé. No estaba solo. Cuando regresé mi padre me dio la noticia: “Han matado a tu amigo el poeta”. Mi hermana María lloraba sentada en una silla. ¿Qué? Han matado a Federico, han fusilado a Federico. Mentira. ¿Por qué iban a matarlo? ¿Por qué querría alguien matar a Federico? ¿Qué ha hecho él? ¿Qué os hizo él? Salí de casa y me puse a correr. Hasta la Gran Vía. Llegué a casa de unas amistades. “Mi padre se ha vuelto loco. Dicen que han matado a Federico”. Y se callaron. No sé qué hice luego. Me encontró Modesto en el café de Correos. Resolviendo problemas, ecuaciones en una servilleta. Cosas de la Escuela de Minas. “Rafael, tienes que volver a casa” me dijo. ¿Volver a casa? ¿Qué casa? El mundo se había deshecho bajo mis pies y me parecía que todo flotaba en el aire. No pude despedirme. Pensé que como siempre nos acabaríamos encontrando y yo / ahora tengo que salvar esos documentos. Al menos eso debo hacerlo. SEBASTIÁN: No puedo ayudarte.