Cineclub Cinexkrúpulos Ezine #5 Edición de Mayo by Editorial Bleeding Noise

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Salu2 amigos y amigas del cineclub Cine-xkrúpulos, aquí vamos otra vez con una nueva entrega de nuestro zine digital, justo un mes después de haber lanzado nuestro número anterior. En ésta oportunidad hemos aprovechado el mes de mayo para prepararles el TOP 20 titulado MAMI VA AL CINE. Una colección de Posters de películas que han tratado la figura de la madre; un ser que comúnmente se retrata con ternura, compasión, entrega y amor. Pero, como verán a medida que presionan click derecho y mientras avanzan las páginas, confirmaremos una vez más que toda regla tiene una excepción, por tanto las madres, también pueden llegar a ser malvadas. Como por ejemplo la historia de la película #2 del TOP, Queridísima Mamá (1981) ilustrada también en nuestra portada, la película está supuestamente basada en el libro autobiográfico de Christina Crawford, hija adoptiva de la famosísima actriz Joan Crawford, quien maltrató física y psicológicamente a sus dos hijos adoptivos, Christina Crawford y Christopher Crawford. En la época en que salió el libro, Joan Crawford ya había fallecido, así que fue imposible conocer si la historia de su hija adoptiva es verdad o no, lo cierto es que la película es impactante y nos enseña una faceta bastante siniestra de la icónica actriz interpretada en la película por Faye Dunaway. Así que en el TOP podrán encontrar de todo un poco, lo mismo aplica para el conjunto de suculentas reseñas escritas por nuestro STAFF, hay filmes nuevos como Cloud Atlas o Kon Tiki, clásicos como Freaks, o pelis de culto como Pink Flamingos entre otras. También hay un dossier sobre las adaptaciones cinematográficas de Marvel al cine desde el 98 al 2012, además de una entrevista realizada al famoso Guitarrista George Lynch, quien ahora se ha convertido en un activista y además cineasta. La entrevista fue originalmente hecha para mi fanzine BLEEDING NOISE, les comparto la dirección de mi blog http//bnfanzine.blogspot.com/ en esta entrevista Lynch habló sobre el documental aún en producción, Shadowtrain: Under a Crooked Sky, el cual intenta ofrecer una solución al exterminio de las últimas comunidades de nativos americanos, desplazados por el avance de las grandes multinacionales que han devorado no solo sus reservas indígenas, sino también contaminado sus recursos naturales y fuentes de alimento, por medio de la minería y la explotación desproporcionada del medio ambiente, una historia que se ha repetido una y otra vez desde el tiempo de la mal llamada conquista de América, en fin este número está cargado así que les recomiendo que sigan adelante, espero que el contenido sea de su agrado, finalmente quiero dar la bienvenida a dos nuevos integrantes de nuestro STAFF, ellos son Juan Andrés en el departamento editorial y Juán López el departamento de diseño y diagramación, así que es gracias a él que este nuevo número luce tan bien y a podido llegar a sus computadoras oportunamente. Y bien nos vemos apreciados lector@s, y si tienen alguna sugerencia por favor escríbanme a b.n.fanzine@gmail.com no importa el asunto, sólo escriban, es muy importante para mí como editor de este proyecto revista del cineclub cinexkrúpulos, conocer qué piensan quienes nos leen sobre nuestro trabajo desinteresado, guiado única y exclusivamente por nuestra pasión y afición al cine. Finalmente no olviden hacer lo que les dé la gana, nos leeremos pronto, suerte!!! Jorge Andrés Trejos Iturregui Director Editorial http://www.facebook.com/cinexkrupulos

Cloud Atlas

Luego de ver la película una cuarta vez deseé hacerme un lavado cerebral, y no para olvidar los horrores de una historia mal contada o el dolor ocular provocado por series de “defectos” especiales; no! El objetivo de pasar por un lavado cerebral es el poder dejarme llevar de nuevo por la emoción y la expectativa del universo de las seis historias que La Red Invisible (Cloud Atlas 2012) nos cuenta. A diferencia del libro de David Mitchell, en el cual las historias se cuentan de forma cronológica, dejando en suspenso para el último capítulo el desenlace de cada una, los directores de La Red Invisible (Cloud Altas 2012), Lana Wachowsky, Larry Wachowsky, y Tom Tykwer(director de Corre Lola Corre (Lola rennt 1998)) entremezclan los seis relatos en un guión que a simple vista reluce de complejidad y de un diseño en el que no cualquiera se aventuraría. Afortunadamente esta triada de directores ya de renombre tomaron el riego y transformaron el papel en celuloide. Así encontramos en cada fotograma el sello Wachowsky-Tykwer; solo es dar un vistazo a la dirección de fotografía, a la ambientación y banda sonora; siendo todo esto complemento de un diseñode personajes muy bien logrado. Con todo lo anterior los directores nosllevan por un viaje psicotrópico de emociones y géneros; partiendo de mediados del siglo XIX con la aventura de Adam Ewing y su tortuoso viaje desde las islas del pacífico hasta su hogar en san francisco, pasando por el drama de Robert Frobisher y su amante RufusSixmith durante los comienzos del siglo XX.

continuando en los años 70’s con el thirller protagonizado por la periodista Luisa Rey; luego de las intrigas del thriller llegamos a nuestra época (comienzos del siglo XXI)y con ello a la hilarante experiencia del editor Timothy Cavendish; cuya historia da paso al genero de ciencia ficción ambientado en un Seulultra desarrollado que se presenta como la cúspide de la civilización en donde Sonmi 451 hará un llamado a la humanidad. Finalmente, y casi 500 años después de la aventura de Adam Ewing llegamos a un mundo post-apocalíptico que sirve de escenario para el drama de Zachary y Meronym quiénes enfrentan la extinción de sus diferentes pueblos. Los protagonistas de cada historia son llevados a la vida por un desfile de estrellas como Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, JimBroadbent, JimStrugess, Ben Wishaw, James D’Arcy, y Dona Bae, quién en mi opinión personal, y dejándome llevar por lo emocional, lleva a cabo un performance maravilloso que hincha el espíritu. El personaje que encarna Dona Bae (Sonmi 451) no solo representa algo para la historia de la película sino que hace un denuncio sobre lo que nosotros los humanos estamos haciendo con nosotros mismos y de lo que quizás llegaremos a hacer si seguimos el camino que hemos trazado hasta el momento; en suma, ella nos advierte sobre las consecuencias de nuestros actos de bondad y maldad, y los que estos pueden acarrear. A parte de esto, para mi persona fue inclusive aun mas interesante ver como Sonmi 451 es presentada como analogía de lo que se basan ciertas creencias espirituales que llevan un par de milenios azotando la humanidad… espero la encuentren o la hayan encontrado.

Finalmente, los hermanos Wachowsky creyeron poder sumar otro hit a su serie de triunfos como lo fueron Matrix (Matrix 1999) y su diseño de guión en V de Venganza (V for Vendetta 2005); lastimosamente las cosas no salieron bien, partiendo del problemático tráiler de cinco minutos y los problemas de distribución y publicitación de la película. Muy someramente se nombró o publicitó la película en nuestra región (Risaralda), siendo así que muy pocos oídos sintieron el llamando; como ejemplo de esto nos encontramos que en una de las funciones en uno de los cines de Pereira solo hubo 11 espectadores, en contraste a la copiosa, demencial y absurda afluencia de público de ciertas películas de súper héroes que causan nausea cerebral. No con esto quiero decir que todos estemos obligados a ver películas con contenido filosófico o espiritual, y que los films que no los contengan sean baratos o de mala calidad. A lo que me refiero es que el cine como arte se debe ser respetado y no llevar a la pantalla un arsenal de efectos y personajes con armaduras brillantes montados en una historia vacía saturada de elementos tecnológicos estroboscópicos.

En suma, mi opinión personal como aficionado al cine es que La Red Invisible(Cloud Atlas 2012) va camino de convertirse en película de culto, debido a dos cosas, el desconocimiento del público sobre la existencia de ésta, y el poco éxito financiero. Una pequeña muestra de este tipo de eventos es Ciudad Oscura (Darkcity 1998), película impecable desde todo punto de vista que fracasó financieramente, llevando a los empolvados anaqueles del cine de culto una de las mejores historias contadas en la década de los 90’s (quizás estoy exagerando, eso no lo sé, usted lector sabrá disculparme). No siendo más, y con toda la diatriba (quizás ensalzada) expuesta por su servidor, los dejo con La Red Invisible (Cloud Atlas 2012); disfrútenla, víbrenla, y si es necesario háganse un lavado cerebral. Título: Cloud Atlas Director: Lana Wachowsky, Larry Wachowsky, Tom Tykwer. Año: 2012 País: Estados Unidos, Alemania, Singapore, Hong Kong. Productora: Cloud Atlas productions, X-Film creative pool, Anarchos pictures, A Company Filmproduktionsgesellschaft, ARD Degeto Film, Ascension Pictures.

El Vuelo El crac suena a tiburón. Una fiesta del cine norte-americano, los OSCAR representa la magnificencia, el poder y la capacidad de una de las industrias más grandes y a la que el cine le debe muchas contribuciones, desde la evolución técnica, hasta la creación de géneros, narrativas e iconos (StarSystem), que dentro y fuera de cualquier producción cinematográfica, mantienen el imaginario de Hollywood intacto. Y como toda fiesta muestra lo mejor, ganadores y ganadoras, es decir, los que más producen capital, aquellos que más venden y que por su puesto entienden que el capital es lo importante. Una fiesta que debe imitar victoria, emulando la época dorada, aquella que se situó anterior a una crisis, al crac del 29.

Contrario a esto, los ganadores a mejores efectos especiales en la película la vi da de pi de Ang Lee (The Life Of Pi, 2012), que llegaron como el prestigioso estudio realizador de FX en Babe: el cerdito valiente (1995), Stuart Little (1999), X-Men (2000), los juegos del hambre (2012). Terminaron saliendo por la puerta de atrás, por decir la verdad, por comentar que el estudio Rhythm & Hues se encontraba en bancarrota. El papel que nadie en el gran USA está dispuesto a caracterizar. Y por ello dos interesantes producciones los miserables (2012) y el vuelo (2012)quedaron eclipsadas por Ben Afflecky su cinta Argo (2012), un mensaje claro, que la queridísima Michelle Obama desde la casa blanca se encargó de amplificar, en un conflicto por medio oriente y sus recursos. Por fuera quedaron los solitarios, los acabados, que a causa de sus problemas son marginados (desaparecen) y con ello, emerge el síntoma de toda sociedad caduca, el implacable y desigual sistema que obliga a entendernos como mercancías, olvidando la vitalidad como organismo humanos.

Cáncer a mi cáncer. Una imagen devastadora: un avión destrozado, más de treinta heridos, cuatro pasajeros y dos tripulantes muertos y un mar de experiencias trágicas, no fueron suficientes para tomar la decisión, y con ella aceptar que era un adicto: alcohólico, que debía dejar de beber. El escape es la fórmula mágica, todo el mundo lo hace, y se empieza olvidando el hoy, la realidad con la que se cuenta. En el vuelo (Flight, 2012) no solo “la religión es el opio del pueblo” (Carlos Marx) en un mundo de consumidores, toda adicción es fatal. “El látigo” Withaker (Denzel Washington) un veterano piloto de una aerolínea comercial, es el gran héroe, que después de haber logrado una de los aterrizajes de emergencia más acrobático y también logra salvarle la vida a la mayoría de su tripulación. La imagen para él es confusa, aunque definitivamente no es un sueño. Súbitamente trata de levantarse, comprende la gravedad del asunto, y huye. Es notable su sentimiento de culpa, se siente mal y busca refugio. Sabe que está en la peor; aunque no sabe cómo Salir de aquel problema, al cual todavía no de terminado de entrar, definitivamente comprende en aquel penoso instante que debe dejar la bebida. Regresa a su granja, los recuerdos, las fotografías, los videos caseros con la cámara familiar, las tablas, la ropa y las ventanas son el refugio de proyectos y sonrisas extintas. En un segundo recupera lo que algún día fue, un piloto en busca de su sueño. La adicción es el síntoma, como tal, es la consecuencia de problemas más profundos. Allí radica la confusión de esta enfermedad. Muchos espectadores que juzgan a cualquier adicto, entienden que es el alcoholismo o la drogadicción la fuente de todos sus problemas, precisamente porque desde la distancia eso es lo que vemos, un sujeto que no para de ingerir alcohol, que no detiene su autodestructiva situación. Pero para haber llegado allí tuvo que existir alguna situación que detonara este envenenamiento, este suicidio moral y carnal. Que de tomar unos tragos para hacer vida social hasta perderse en un abismo de impotencia y esclavitud, donde una sustancia termina por convertirse en nuestro dios. Al mejor estilo Robert Zemeckis, de grandes películas como ForrestGump (1994), la trilogía de volver al futuro (Back to the Future, 1985, 89 y 90), un largo animado importante: ¿Quién mato a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit, 1988), Contacto (Contact, 1997), extraída del famosos libro de Carl Sagan y Naufrago (Cast Away 2000), con un excepcional Tom Hamks.

Desarrolla en este filme un ritmo vertiginoso, con una brillante escena introductoria: todas las peripecias de un piloto que borracho y drogado, mantiene con todo su esfuerzo, los daños mecánicos de un avión que lleva sobre si más de una centena de personas. Aunque el retrato es trágico y sincero: no duda en colocarle un alto grado de humor negro a toda escena que esta por caer del acantilado. Iniciando con una tertulia particular que se desarrolla en la clínica, la visita.

Yo, Cristina F UliEdel es un director desconocido, un alemán que nace un 11 de abril de 1947, con una importante filmografía que divide su producción entre Alemania y Estados Unidos. Entre series y largos para televisión, Uli Edel solo tiene tres trabajos que valen la pena verlos: entre ellos tenemos R.A.F. (Der BaaderMeinhofKomplex, 2008) y Ultima salida, Brooklyn (Lezte Ausfahrt Brooklyn, 1989), por la crudeza de su imagen, la historia y el frenesí narrativo que necesita muy poca de nuestra imaginación. Otro es su mejor película, su opera prima: Yo, Cristina F (WirKindervomBahnhof Zoo, 1981), un largometraje que a buen paso y con una cámara contemplativa nos introduce en un mundo que nuca aspiramos a vivir en carne propia. Cinta que nos traslada a la Alemania de los años sesenta y setenta, los jóvenes del contexto entre la cotidianidad de los hogares disfuncionales y la euforia nocturna de la calle, el dinero fácil, los paraísos artificiales y todo el rock que tus oídos no estén dispuestos a escuchar. Ulrich Edel busca documentar las etapas de una adicción, con hache mayúscula (H), desde la visual de una jovencita en transición de los 13 a los 14 años de edad, que se convierte en un personaje homogéneo y masificado en aquella generación de la contracultura.

Una película que nos introduce en la escena, imágenes de inyecciones, sangre, vómitos, dolor y oscuridad. Caminamos junto a cristina desde sus inicios como una joven hermosa e ingenua hasta la muerte de su dignidad, el cambio de una moral familiar, a la moral de la adicción. Nos desplazamos de las locaciones cerradas a la gran ciudad, de ver las cuatro paredes de la pequeña aldea a la metrópolis con sus luces brillantes, en una noche donde los sonidos se mezclan y nos seducen a quedarnos, hasta que aparezca la luz inexistente: una metrópolis constantemente nublada, lluviosa y solitaria. Mientras vamos por este camino que nos conduce a la muerte, hasta en la propia cama, tenemos en David Bowie un acompañante que nos ilusiona en una noche desenfrenada, antes y después de uno de sus magníficos conciertos.

La muerte te da perspectiva. Ambos largometrajes se fusionan porque retoman lo que alguna vez logramos ver en la calle, en la casa o en el cine, en la misma historia de cine. Encontramos en el corrosivo Billy Wilder, una joya adictiva, Días Sin Huella (The Lost Weekend, 1945) que nos muestra como un fracaso nos puede llevar al fracaso mortal del placer, el placer de consumir o cualquier actividad que esconda o detenga nuestra memoria, para así sobrevivir sin el dolor del ayer. Un escritor perdido en el alcohol y no en sus escritos pierde la voluntad de vivir, así mismo la de dejar la bebida. La otra visual la encontramos en Días de Vino y de Rosas (Days of Wine and Roses, 1962) con Blake Edwards que con una vasta filmografía, entre (Breakfast at Tiffany’s, 1961) y (The Pink Panther, 1963) nos muestra como un romance entre vinos y rosas puede plagarse de un momento a otro en una pesadilla sin escapatoria. De allí que sin haberlo anunciado viajamos por la adicción, el amor, los placeres, la arrogancia, un poco de Alcohólicos Anónimos y parece que hemos absorbido un poco de perspectiva.

Abdénago López

Escrito

Todo fin es un comienzo, Todo comienzo es un fin. ¡El todo! El trino de un pájaro, una gota de lluvia, las hojas de un árbol, el brillo de la luz, el calor de una estrella, el tamaño del espacio, la inmensidad de las galaxias, el todo, eso es existencia, el ser que tiene parte en cada proceso del universo, el viento no se mueve sin que le se entere o aun una supernova no explota sin antes hacerle reverencia, todo hace parte de él y él hace parte de todo. En el universo no existe la respuesta de cómo nació existencia o si fue primero él o el universo, aun él desconocía esa respuesta, sólo tenía presente que mientras en su omnisciencia hubiera un problema el debería estar allí. Guerra, hambruna, enfermedad y la misma muerte palidecían ante el poder de existencia, la realidad de existencia no era dudada, pero cada tanto, el intelecto del universo se reunía, cada ser que lo mereciera era invitado a Nexus, el denominado centro del universo, ninguna condecoración era considerada superior a ese privilegio, debatían de cómo pudo haberse creado todo y el porqué no se colapsaba la imponencia del universo. “Somos la salida de un hoyo negro” decían unos”, somos la sombra de un universo aun más complejo” decían otros, toda clase de teorías e ideas se oían y respetaban, cada año trataban de saber el porqué y cada año llegaban a la misma respuesta “porque es la voluntad de existencia”, eventualmente invitaban al mismo existencia a deliberar con ellos pero él prefería actuar de maneras misteriosas. Existía la leyenda de que él fue justamente quien convoco la primera reunión. Se preguntaban el principio y con su confianza en existencia nunca se preguntaron el fin. Lo infinito del universo era sólo una especulación, en su borde, donde el espacio se curveaba y desaparecía, donde la luz no penetraba ni la oscuridad reinaba y donde ni la propia existencia gobernaba, en ese lugar de vacio siniestro la nada inició su ataque. En múltiples lugares del universo existencia percibía un problema pero de inmediato cesaba y tras cada una de estas alteraciones momentáneas existencia sentía vacio un pedazo de él, pasaron siglos antes de que percibiera como a millones de parsecs de Nexus el borde del universo se estrechaba. Poco pasó para que la reunión en Nexus debatiera de cómo evitar el fin en lugar de averiguar su inicio “Es solo un proceso cíclico, se detendrá”,”debemos escapar de este universo”,”poseo los planos de un cañón de materia que detendrá a la nada” 14

cada año eran menos optimistas, cada planeta que se acercaba al fin luchaba con cada gota de su poder, pero ni el mejor guerrero, la más grandiosa arma o poderosa explosión lograban detener el paso de la nada. Con cada mundo que caía y cada fracción de espacio que desaparecía el poder de existencia menguaba, su poder absoluto al que nunca había logrado controlar por completo se redujo lo suficiente para permitirle realizar su contraataque, creó campeones alados, luchadores de luz, guardianes del universo y los llamó “los eternos”, ellos luchaban en nombre de existencia contra la nada y desplazaban planetas hacia el centro para salvar sus habitantes, poco a poco las razas de todos los mundos oraban a existencia implorando salvación y alentaban a sus guerreros a quienes ellos llamaban “ángeles” que en un idioma perdido traducía “portadores de salvación”, después de mover cada mundo del universo cerca al centro existencia decidió que era momento de el contraataque final, todos los ángeles dispersos a lo largo y ancho del universo se aliaron contra la nada, ella había incrementado sus poderes, tan rápido como expandían el universo la nada lo devoraba, lucharon valientemente, dieron todo de sí, cada gramo de esfuerzo, cada gota de poder y cada segundo de vida.

Tras una feroz batalla los 599 invencibles portadores de salvación fueron vencidos, el grito al desaparecer el último de ellos consumiendo todo su poder para expandir sólo un poco más el universo y ganar algo de tiempo, lo escucharon en cada esquina del universo, la esperanza se había esfumado de los corazones, pero no de la voluntad de existencia, condensó todo el poder que aún le quedaba y que no era necesario para mantener a salvo el centro, dos tercios de las estrellas se apagaron, los hoyos negros se detuvieron y los movimientos de leptones y quarks se ralentizaron, el todopoderoso existencia había creado un avatar para por fin enfrentarse a su enemigo, se dirigió en busca de de uno de los bordes del universo y allí la encontró, lo único capaz de amenazar su poder, la nada, existencia se había transformado en un ser tan perfecto que sería imposible describir con palabras y su enemigo era el vacio absoluto, incapaz de sentir temor, odio, dolor o compasión sólo la dominaba su impulso de devorarlo todo, su insaciable hambre. Existencia no dijo nada, se mantuvo calmado mientras huía del apetito de la nada replegándose hacia el centro, vio a su espalda un sin número de planetas, vidas que sólo él podría salvar, les pidió perdón cerrando sus ojos en un corto silencio, los abrió de golpe miro desafiante al monstruo que lo amenazaba -Puede que yo no sobreviva-dijo indulgente- Pero tú no pasaras!-Existencia chocó sus puños en un último ataque –Hágase la luz- fue lo último que se escucho antes de que el sonido desapareciera junto con la luz, la oscuridad, la vida, el espacio y casi por completo el tiempo, todo lo que alguna vez fue el universo, el cosmos, existencia, se transformaron por un solo instante en una partícula poco más pequeña que un átomo, toda la energía, todo el poder, todo el sacrificio existieron en armonía, la nada lo rodeaba, un segundo habría sido suficiente para acabar con el universo. Existencia no se habría equivocado, no se habría convertido a sí mismo en el último bocado, él cumpliría su palabra de no dejar avanzar a la nada. La partícula explotó, un choque de galaxias, la detonación de un millón de soles no serian más que un susurro al lado de esta, la gran explosión. Un fin, un comienzo, nunca hubo explosión como esta y nunca la habrá, el universo había regresado expandiéndose con cada fracción de tiempo. La nada, la entidad más peligrosa fuera del universo había sido derrotada, no destruida, pero por cada porción de espacio que devoraba diez más aparecían en su lugar expandiéndose al borde del espacio, delegándola a la única prisión que podía detenerla, ella misma.

Pink Flamingos

Por allá en 1972, un joven director americano llamado John Waters, quien ya había realizado previos trabajos cinematográficos con contenidos bizarros, personajes extravagantes y títulos atractivos tales como Múltiples Maniacos (MultipleManiacs1970) o Mondo Trasho (1969), se aventuró a crear su obra maestra, una oda al mal gusto, un golpe con tacón rosado y puntudo en las pelotas de la sociedad americana, toda una explosión de divertida hediondez que produciría una ruidosa controversia, gritos a los cuatro vientos y sensación de asco a nivel mundial. Esta bomba de deliciosa repugnancia se le llamó Flamingos Rosados (PinkFlamingos) Esta película es un clásico indestronable, un hito en la historia del cine B, es por eso que es de obligada revisión para todos aquellos que amen este tipo de filmes; pero todos estos adjetivos no se merecen a esta producción ni por sus efectos especiales, ni por su elenco de estrellitas gringas llenas de botox ni cabello rubio, ni por sus escenarios fantásticos, ni por los litros de sangre ni por ninguna de las otras características que abundan en el universo del cine hoy por hoy, ya que Flamigos Rosados (PinkFlamingos) carece de todos estos clichés y es por eso que es fabulosa y original, certera y contundente, todo esto sin necesidad de estudios color verde brillante, sin Brad Pitts ni Tarantinos, sin 3D ni HD; Flamingos es la mamá del cine absurdo y aberrante, una madre gorda, con experiencia irrefutable, voluntariosa y magnánima, cuya heredera tiene por nombre “Divine” alias “Babs Johnson”, cuyo verdadero nombre es Harris Glenn Milstead; un travesti de figura voluminosa y desproporcionada, llena de glamour, rebeldía y con un 0% de vergüenza en su mente, quien vive con sumamá Eddy, su hijo Crackers y una bella fugitiva rubia llamada “Cotton”, ellos son los desequilibrados secuaces que acompañan a la descabellada gorda en sus locuras callejeras.

La historia al igual que la mayoría de las producciones de su director John Waters está cargada de humor negro, personajes homosexuales y que parodian los paradigmas con diálogos absurdos e historias de alto contenido irreverente. En esta ocasión hay una batalla nunca antes vista, no por el poder económico de una región ni por poseer el carro más lujoso o la chica más deseada; en esta historia la pelea es por el título de “La persona más inmunda del mundo” (Filthiest person alive), una frase que es repetida durante la película de manera constante y que sólo Babs ha podido merecer pues sus fechorías y sus sucias andanzas le han catapultado a una hedionda reputación de la cual se vanagloria al lado de su familia, quienes habitan en una casa rodante en un lejano bosque de Estados Unidos.

Para Babs y los suyos no todo es placer inmoral ni escandalo, pues al otro lado de la ciudad, una pareja de depravados, peliteñidos llamados Connie y Raymond Marble luchan con su mejor arsenal de sandeces para llevarse el trono de la inmundicia que Divine les ha arrebatado; los dos lunáticos secuestran mujeres para embarazarlas y posteriormente vender sus hijos recién nacidos al mejor postor, venden droga en escuelas, adoran el voyerismo y cada acto de maldad los lleva a un éxtasis casi que narcótico; es por ello que este fracaso de no ser catalogados como los número uno en cuanto a malhechores se trata hará que los Marble tomen venganza contra nuestra transexual protagonista y la ataquen con sus mejores armas de vejación y fealdad. ¿Quién ganará la batalla por la mala reputación? ¿La glamurosa Divine con sus vestidos de color brillante y sus senos prominentes en compañía de su hijo sádico, su compañera desquiciada y su madre adicta a los huevos crudos? ¿O serán el matrimonio de dementes esposos de cabello tinturado, carácter déspota, tendencias de exhibicionismo público y fetiches sexuales extraños, los que se lleven a casa la apestosa corona de la obscenidad? Al hablar de Flamingos Rosados (PinkFlamingos) estamos frente a una producción que sigue siendo perturbadora y exquisita para los gustos más ácidos, extravagantes y depravados; las escenas que se muestran en esta película oscilan constantemente en la estupidez y el asco visual, todo acompañado en un coctel de cuerpos desnudos con formas poco deseables, diálogos absurdos, relaciones sexuales inmorales y crudas, personajes disparatados más un plus de coprofagia, locura y diversión sin fin.

Todo este manjar corrosivo y efervescente es servido por una diva de la fealdad, Babs Johnson o Divine, como la quieran llamar, quien está dispuesta a brillar con su hediondez y devastar a todo aquel que se interponga en su camino; no hay villano más sórdido y salvaje que esta mezcla de hombre y mujer que muestra sin pudor alguno su deseo por poseer un título desquiciado y mal visto, el de la persona más ruin y horrenda del planeta, sin remordimientos ni pelos en la lengua a decir y hacer lo que se le venga en gana; la reina de la locura, la comandante del ejercito de los personajes más vesánicos y psicópatas se presenta ante el mundo en un traje fucsia ceñido al cuerpo con tul al final que resalta su fealdad física, que es sólo una pequeña parte de la bomba de desfachatez que abunda en su mente. hEl director John Waters continuó pariendo demás obras llenas de disparate, risas y crudeza sin fin, unas en compañía de Divine como en Problemas de Mujeres (FemaleTrouble, 1974), o Hairspray, Fiebre de los 60 (Hairspray1988) o por otro lado, también dirigió Llora Nena (CryBaby1990) con un veinteañero Johnny Deep o la original y delirante Mamá Asesina (Serial Mom1994); sin duda alguna un director con una mente maníaca y atractiva a la hora de crear cine hediondo; pero que difícilmente podrá desbancar, a su primaria creación, a la joya invaluable en el universo del cine Basura en forma de Flamingo Rosado. Título:Pink Flamingos Director:John Waters Año: 1972 País: USA Productora: DreamlandStudios Género:Comedia negra, Explotation

Ya casi llegan las vacaciones. Este tema retoca cuan fortaleza MARVEL ha mostrado con el paso de los años retomando los personajes más destacados de sus comics. Sin embargo, muchos de los directores han ubicado a tales personajes en contextos inventados, como si se tratara de los reboots, cuando se solían confundir con remakes. Aquí me fijaré con brevedad las películas desde 1998 hasta el pasado 2012 según las compañías cinematográficas, a pesar que MARVEL es otra de las numerosas propiedades de Mickey Mouse. 1998, a dos años del cierre del primer milenio, ha sido el año dorado de los chupasangre, cuando New Line Cinema adapta al legendario dhampir (hibrido vampiro - humano) de color, Blade, cuya trilogía ha dejado una huella imborrable en otro concepto de antihéroe, que ha personifcado Wesley Snipes. Blade reúne tres capítulos donde este personaje se ve enfrentado a una nueva raza de vampiros que ha sobrevivido desde el exterminio del linaje de Drácula, y la venganza de esta especie es hacer de la humanidad parte de los mismos chupasangre, un esfuerzo hecho por directores como Stephen Norrington (Blade), Guillermo Del Toro (Blade II) y David S. Goyer (Blade Trinity).

Fox inicia este siglo XXI con una impresionante trilogía, o más bien una saga de héroes que han sido los más famosos, como X Men, en el 2000 y en el 2003, Bryan Singer crea el live action perfecto de esta saga donde recordamos a personajes como Wolverine, Cyclops, Storm, Jean Grey, entre otros. Y viéndolos en los cuerpos voluptuosos de Hugh Jackman, James Marsden, Halle Berry, Famke Janssen, etc. Y ya en el 2006 una batalla final que Brett Ratner creería que daría resultados esperados, en realidad solo deja una huella donde Mystique muestra su lado humano, Rebecca Romijn con el cabello negro y tirada en el suelo, recibiendo la carta de despido de Magneto (Ian MacKellen), quien es el amigo pero rival de Charles X. Xavier (Patrick Stewart). Gavin Hood (2009) y Matthew Vaughan (2011) activan la máquina del tiempo para volver al pasado con precuelas como X Men Origins “Wolverine”, y X Men “First Class”, asignando a villanos como Stryker (Danny Huston, 2009) y Sebastian Shaw (Kevin Bacon, 2011). Aparte del mundo de X Men, Fox vuelve al ataque con más héroes como “Daredevil” (Mark Steven Johnson, 2003), un prospecto de antihéroe nocturno, la competencia de Batman que hace Ben Affleck, el imponer la autoridad por su propia cuenta, lo que la misma justicia no hace, y la primera vez que ponen a un personaje de comic desempeñado por un actor de color, Kingpin, que lo personifico el fallecido Michael Clarke Duncan.

Sony Pictures, que antes conocíamos como Columbia Tristar, recluta a directores como Sam Raimi, Marc Webb, Jonathan Hensleigh, Lexi Alexander, Marc Steven Johnson, Mark Neveldine y Brian Taylor, para dirigir a héroes como Spider Man, The Punisher y Ghost Rider. Empezando por el lado de Raimi, conocidísimo por el mundo del horror como Evil Dead, en su trilogía de Spider Man, mantuvo firme la relación entre Peter Parker (Tobey Maguire), M.J. Watson (Kirsten Dunst) y Harry Osborn (James Franco), que con dolores de cabeza aparecen villanos como Green Goblin (Norman Osborn - Wilhem Dafoe, 2002), Dr. Octopus (Dr. Otto Octavius – Alfred Molina, 2004) y recibiendo ataque doble, con drama y simbiote incluido, aparecen enemigos como Sandman (Flint Marko – Thomas Haden Church, 2007) y Venom (Eddie Brock – Topher Grace, 2007), y en el pasado 2012, Marc Webb le pase el disfraz del arácnido a Andrew Garfield para enfrentarse a The Lizard (Dr. Curts Connors - Rhys Ifans), y la compañera de al lado sea Emma Stone (Gwen Stacy).

Y ahora en el mundo de Punisher, que Sony recibe el apoyo de Lions Gate Films, Jonathan Hensleigh, quien aportó para la tercera parte de Die Hard, en el 2004 crea el reboot de Punisher, haciendo de Tom Jane del temible Frank Castle, y donde su familia muere brutalmente asesinada en Puerto Rico y no en el Central Park, a manos de un mucho más despiadado John Travolta y una banda de gorilas desalmados. Cuatro años después, Lexi Alexander convierte a Castle en un mucho más sanguinario pero sentimental Ray Stevenson, liquidando a Jigsaw (Dominic West), aquí esta película pertenece a la colección Marvel Knights y solo de Lions Gate. Ahora en lo paranormal, Mark Steven Johnson hace que Nicolas Cage se transformarse en el angel caído de Ghost Rider, haciéndole la vida más imposible a Blackheart (Wes Bentley, 2007), y Mark Neveldine y Brian Taylor le ponen la misión a Cage a arruinarle el trabajo a un fanático del oscurantismo, Roarke (Ciarán Hinds, 2012), aquí la película se llame Ghost Rider “Spirit Of Vengeance”. 23

Universal Studios no pudo convencer a la gente con el proyecto Hulk de Ang Lee (2003) y Louis Leterrier (2008), el primero que muestra como Bruce Banner (el hombre verde), aquí Eric Bana, se enfrenta a un villano en común, su propio pasado, y teniendo el apoyo de su inseparable amiga Betty Ross (Jennifer Connelly), y aguantando la interferencia del general Ross (Sam Elliot, que más adelante participó en Ghost Rider), y el veterano Nick Nolte se transforma en Papá Hulk, para darle escarmiento a su hijo. En el 2008, Banner ahora se encierra en el cuerpo de Edward Norton, así como Liv Tyler y William Hurt, haciendo de los Ross, y el enemigo que tuvo fue The Abomination (Emil Blonsky - Tim Roth). Aquí en en The Incredible Hulk, nuestro personaje, Tony Stark, nos da inducciones sobre un nuevo proyecto de Superhéroes, incluyendo al muñeco verde.

Y finalmente, Paramount Pictures, nos deleitó con héroes como Iron Man, Thor y Captain América “The First Avenger”, gracias a directores de renombre como Jon Favreau, que participó en proyectos como “Revolution” y “Cowboys & Aliens”, además de verlo actuar en Daredevil, Kenneth Branagh y Joe Johnston, éste último es reconocido por películas infantiles como “Honey, I Shrunk The Kids” y “Jumanji”, mencionando a este trío de directores, reclutan a actores como Robert Downey Jr. un actor de actorzazos, que conocemos en muchas películas, pero famoso por su excentricidad para darle vida a Tony Stark y Iron Man, enfrentándose a villanos como Obadiah Stane (Jeff Bridges, 2007), un antiguo socio de Howard Stark y Whiplash (el musculoso Mickey Rourke, 2009), este villano según la historia original lo diseñaban como mujer, y este año el nuevo villano es “Ming” (Sir. Ben Kingsley). Thor fue interpretado por Chris Hemsworth, que… bueno… haciendo de héroe estuvo bien, pero con instantes de despertar el actor de novela mexicana, el villano ahí fue Loki (Tom Hiddleston, 2011), haciendo montones de travesuras (XD). Y Chris Evans, otro que repite carta en el mundo Marvel, después de interpretar a Johnny Storm (Human Torch) en la secuela de los cuatro fantásticos, ahora hace Steve Rogers, el Capitán América, y Sebastian Stan interprete a James Buchannan “Bucky” Barnes, la mano derecha de Rogers, y terminen enfrentándose al Agente Smith… perdón a Red Skull (Johan Schmidt – Hugo Weaving, 2011), y en el cierre de la película, vemos como abrebocas el prometido mundo de “The Avengers”.

El proyecto “Avengers” vio la luz la primera semana de mayo del pasado “apocalíptico” 2012, arrasando taquillas los tres primeros días de su estreno, y Disney reconociendo su dominio en esta película. La mente brillante detrás de películas como “Buffy, The Vampire Slayer”, “Serenity”, y “The Cabin In The Woods” asume la batuta en la película prometida “The Avengers”, donde héroes como Iron Man (Robert Downey Jr.), Captain America (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), y Hulk (Mark Ruffalo, aquí hace del tercer actor que interpreta a Hulk), son reclutados por una organización gubernamental con la sigla S.H.I.E.L.D, que es en sí la policía que arresta a villanos, liderada por el Agente Nick Fury, también interpretado por otro actor de color como Samuel L. Jackson, que lo vimos en escenas post créditos de Iron Man y Thor, y en el cierre de Captain America “The First Avenger”, actuó propiamente en Iron Man 2.

Se agregan dos héroes mas como Black Widow (Natasha Romanoff - Scarlett Johansson), que también salió en Iron Man 2 y Hawkeye (Clint Barton – Jeremy Renner), que lo vimos de cameo en una escena de Thor. La trama de la película fue muy interesante, en relación con la reaparición de Loki (Tom Hiddleston), el medio hermano de Thor, que busca venganza después de los incidentes de la película anterior, y en la escena post créditos, descubrimos su intención, algo que debería ser más bien llamada “Thor 1.5: Loki’s Vengeance” (XD), y en el venidero 2014 o 2015, no estoy seguro llegaría la segunda parte de esta historia, ofreciendo como villano potencial a Thanos (en el pleno cierre). Para no extendernos tanto, se estaba mencionando después del hit de The Avengers, nuevos proyectos con los que empezamos este año con Iron Man 3 (que ya se han dado buenas críticas) y Thor “The Dark World”, y trabajos demoraditos como Captain America “The Winter Soldier”, “The Avengers 2” (aun no se sabe sobre la posible aparición de Ms. Marvel) que se rumora para el próximo 2015, Guardians Of The Future, y The Ant Man. Para todo esto que nos llega nos toca tener tantito de paciencia y eso sí a ahorrar bien juiciosos las entradas de cine y más adelante tener la dichosa colección de DVD’s desde las mejores películas, hasta las peores del universo de MARVEL.

Hated GG Allin And The Murder Junkies Hated GG Allin And The Murder Junkies es un interesante documental que retrata la vida de GG Allin cantante de punk con algunas características un poco peculiares, dirigido y producido por Todd Phillips el cual ha dirigido, producido hasta actuado en otras películas; una de las más reconocidas es The Hangover (qué pasó ayer) del 2009 por su éxito llego a dirigir sus secuelas The Hangover 2 (2011) y The Hangover 3 (2013). GG Allin fue considerado como el ultimo de los rock and roll verdaderos, es un personaje de culto y nunca se dejo llevar por las industrias musicales, se caracterizaba por sus puestas en escenas bizarras llena de actos agresivos se golpeaba con el micrófono, contra las paredes y peleaba con el publico, orinaba y defecaba en el escenario y salía desnudo a cantar sus canciones desenfrenadas todo esto con el fin de fastidiar a su público, éste era el plan de GG, el cual por lo general, solía terminar sus conciertos en una ambulancia rumbo al hospi- El documental de Todd Phillips sobre GG Altal o terminaba en el calabozo de la estación lin y su grupo de junkies es demasiado interede policías. sante ya que además de contrastar la información desde varios puntos de vista, también nos interroga si Allin nació así o si la sociedad lo corrompió, el mismo Allin afirma que su puesta en escena es una forma de catarsis propia de lo contrario sería un asesino en serie como otros tantos en Estados Unidos, Allin como buen amante del punk rock no le interesaba el futuro, solo vivir el instante, aunque siempre dijo que se suicidaría el 31 de octubre del 1990, no lo hizo, la muerte la encontraría mucho más rápido y de otro forma. Cualquier documental o película seria insuficiente para retratar cualquier vida, sobre todo la de Allin pero Hated GG Allin And The Murder Junkies desde su buena narrativa y estética logra caracterizar muy bien a este personaje de culto GG Allin logrando no solo acércanos o conocer un poco mas de este personaje excéntrico si no que además nos pone a reflexionar sobre preguntas de la vida como por ejemplo ¿en realidad estoy viviendo mi vida? En fin es una buena película documental, recomendada.

Good Bye, Lenin! Recuerdo que hace un tiempo atrás en un canal de cine independiente durante mi época de descubrimiento a esta rama del cine que no estaba acostumbrado, de películas como Viólame (Baise-moi), Mundo fantasmal (Ghost World), Bus Corto ( Shortbus), Zatoichi (Zatoichi),etc, que me topé con un tráiler de Good Bye, Lenin! Pero curiosamente nunca me la pude ver bien, o no me sentía listo, o no quería verla en fin todo tipo de situaciones, que en lo personal influyen mucho en la recepción de la película, tuvieron que ver con que esperara para verla, porque igual que un buen libro, una buena película llega cuando puedes verla, no antes. Entonces tuve la oportunidad, y decidí sentarme a ver Good Bye, Lenin! Inicialmente te encuentras ante un marco social real delicadamente bañado por la fantasía, entonces sabes que encontraras algo de mentira y verdad con forme avanza la historia. Ya que cuando entiendes la premisa de la película que es: Una socialista patriótica que le da un infarto, cae en coma y no puede exaltarse por miedo a otro, a base de mentiras piadosas de su hijo vive una fantasía, vive una mentira, ella aun piensa que la Alemania Socialista aun existe, pero han pasado 8 meses, despierta del coma, y cayó el muro de Berlín, triunfo el capitalismo en Alemania, etc. Entonces desde que entiendes esto, subes en una montaña rusa de emociones, puesto que sientes que subes y presientes la inminente caída que desde que la película coge ritmo no puedes evitar al mismo tiempo

que Alex el protagonista, preocuparte por que su madre se entere de la verdad, pero al mismo tiempo lo justificas, más aun, sientes el amor real que él tiene por su madre con cada acto, que va desde esas puestas en escena donde magistralmente retrata el cuarto socialista de su madre, sus camaradas, la comida, la vestimenta, cada detalle que Alex y el director de esta película cuidan con meticuloso perfeccionismo. Porque hay que destacar, que en Good Bye, Lenin! Se respeta la teoría de los ejes al cerrar no solo 1, sino 3 ejes muy importantes y que hacen caer el telón en esta obra de teatro de principio a fin: Primero con la historia del padre de Alex, después la trama que sostiene toda la película que es la mentira de Alex a su madre, y finalmente Alemania porque vivimos una parte de su pasado, presente y futuro. Podríamos disipar las dudas del párrafo de arriba cuando decimos, que los ejes son esas situaciones, problemas, historias por ejemplo, que deben cerrar porque al cerrar y descubrirse la verdad de ellos o resolverse esta situación se le da más fuerza a la trama que soporta la película, como por ejemplo cuando vemos una película como Harry Potter y las reliquias de la muerte - parte 2. y vemos la revelación de Snape, que por fin pone al descubierto un secreto que ayuda a entender la película y su final, ese fue un eje cerrado magistralmente que le da sentido a la obra y no deja dudas.

El eje del padre de Alex, es cerrado magistralmente, porque te das cuenta de que Alex es más parecido a su madre de lo que él piensa, el eje de la mentira no decae y tiene escenas cumbre como la parte en que Christiane ve a Lenin, o cuando ella por fin camina al mismo tiempo que su nieta.

Exacto si el mismo director dice eso, significa que no fue mera parafernalia verbal lo que llevo escribiendo, sino que agarre algo de la esencia de lo que vi, y si como espectador sientes eso, puedes sentir que puedes recomendarle a otro cinéfilo algo de eso, y en este espacio de verdad, recomiendo que a Good Bye, Lenin! La tengas en cuenta, para una tarde juntos velas, música suave, ya sabes, un encuentro romántico con el cine.

También tenemos que destacar la actuación de Alexander Kerner (Daniel Brühl) ¿Fui el único que piensa que es el mejor hijo del mundo? Toda esa gama de situaciones que van desde adulterar comida y marcas descontinuadas, a adulterar programas de televisión y usar verdaderos programas a beneficio. Y finalmente el eje de Alemania que al mismo tiempo que un bebe va creciendo y avanzando, da sus primeros pasos cuando Alemania clasifica al mundial, avanza a semifinales, finales y finalmente gana, derrumbando totalmente el muro, y sacando a Alemania de esa polarización y uniendo a la nación. Entonces cerremos este eje al citar al director de Good Bye, Lenin!: Wolfgang Becker que describe su trabajo como: “La historia universal de un joven que salva la vida de su madre a través de mentiras, construyendo un pequeño mundo que representa una gran ilusión”.

Título: Good Bye, Lenin! Director: Wolfgang Becker Año: 2003 País: Alemania Productora: X Filme Creative Pool / ARTE / WDR / Senator Entertainment Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Años 80

Hiroshima 2

Sinopsis: Basadas en las experiencias reales vividas por KeijiNakasawa durante el holocausto nuclear de Hiroshima en el verano de 1945. Hadashi no Gen 2; cuenta la historia de Gen, un niño sobreviviente de la explosión de la bomba atómica, que después de tres años de la catástrofe nuclear, vive con su madre victima de las consecuencias de la radiación y con su hermano adoptivo Ryuta; un huérfano después de perderlo todo, acompaña a Gen a la aventura de sobrevivir entre los escombros de Hiroshima y las degradantes condiciones de vida que trae la post-guerra.

Las experiencias bélicas son sucesos traumáticos para las sociedades que deben atravesarlas. Indudablemente Japón es un caso paradigmático de ello, dado que en el contexto de la Segunda Guerra Mundial el país sufrió graves sucesos como: las grandes incursiones incendiarias sobre sus ciudades, la muerte de millones de personas y el holocausto nuclear. Además, de las irrupciones políticos y militares que se vieron profundamente trastocados después de la derrota a causa de la ocupación norteamericana entre los años de (1945-1952), generando un clima de incertidumbre y frustración en la población. En primer lugar, (Hadashi no Gen 2) o en la traducción española Hiroshima 2, es una Con el fin, de contextualizar tales sucesos que película basada en el manga de 1973 de Keihan dejado un trauma en la sociedad oriental, jiNakazawa; un superviviente de la bomba el presente articulo reconoce las diversas man- atómica arrojada a Hiroshima, el cual hace ifestaciones en las producción cinematográfi- su obra en las experiencias vividas post-guerca que han retratado los acontecimientorefer- ra y esta se adapta a6 novelas, 3 películas entes a los efectos y las consecuencias de la de acción, una serie de televisión y dos largo última gran contienda mundial que arraso con metrajes animados, que populariza la historia parte de Japón. interesándose en el cinede en el Japón, donde el manga original supuso animación o animeque ha producido cuatro un autentico shock para muchos japoneses obras que expresan fehacientemente estos que desconocían los verdaderos efectos de pesares, tanto por su enfoque narrativo como la bomba atómica, consecuencias que el gocomo por elplanteamiento ideológico que sus- bierno japonés había tratado de ocultar para tenta tales obras: Hadashi no Gen (Hiroshima, evitar el crecimiento del odio antiamericano. MasakiMori- 1983), Hadashi no Gen 2 (Hiro- En segundo lugar, el enfoque narrativo de shima 2, AkioSakai y ToshioHirata - 1986), Hiroshima 2(Hadashi no Gen 2), dirigida por Hotaru no haka (La tumba de las luciérnagas, (AkioSakai y ToshioHirata - 1986), se aproxiIsaoTakahata - 1988) y Torani no Totoro (Mi ma al de otras películas como el de La tumba vecino Totoro, Hayao Miyazaki - 1988), cada de las luciérnagas de (IsaoTakahata, 1988), una con un enfoque narrativo sobre la recon- en tanto ambas obras retratan los momentos strucción del pasado que deja al descubierto previos al fin de la Segunda Guerra Mundial las preocupaciones sociales inherentes al mo- y sus consecuencias inmediatas, con diferencia que en La tumba de las luciérnagas de mento histórico en que fueron estrenadas. Así, como desde una miradacrítica y desgar- (IsaoTakahata, 1988) se desarrolla al final de radora evocada a denunciar la irracionalidad su relato una atmosfera mucho más opresiva, de la contienda bélica, el objetivo dela pre- lúgubre, desprovista de cualquier nota espersente reseña consiste en rescatar los elemen- anzadora. tos que componen el largometraje japonés de AkioSakai, ToshioHirata,Hadashi no Gen 2 (Hiroshima 2), siendo este el escogido, para ahondar por medio del contexto histórico del film, su estética y personajes la mirada que ofrece el cine a los fenómenos sociales que trascienden y hacen parte de los pilares que construyen nuestra sociedad actual.

Mientras que la muerte de la pequeña Tomoko en Hiroshima ( Hadashi no Gen) MasakiMoricierra un ciclo de tristeza que se ve equilibrado por la fuerza y el optimismo de Gen y su compañero Ryuta, en Hiroshima 2( Hadashi no Gen 2),la ultima parte de esta saga de dos películas, en donde lo fácil habría sido crear una narración dramática y desesperada, en el panorama sombrío de las secuencias de la bomba. Sin embargo, la película no ahonda en efectos dramáticos, entre ellos la muerte de seres queridos y los terribles efectos de la radiación en los supervivientes, con excepciones de algunas escenas, imposibles de disimular a los acontecimientos históricos que le dan vida a este relato cinematográfico,el cual los directores,AkioSakai y ToshioHirata, lejos de centrarse en el drama, prefieren contar a través del personaje optimista de gen, para reconocer el camino de la supervivencia, la reconstrucción social y en definitiva la esperanza deun futuro mejor. En cuanto a la estética y la forma cronológica en que se desarrollan los sucesos, Hiroshima 2( Hadashi no Gen 2)es un film animado que nos muestra, desde el punto de vista de Gen, el niño protagonista, el después de la caída de la primera bomba atómica en la ciudad de Hiroshima, siendo este evento el punto clave del film tanto en argumento como estética. En esta segunda parte de la historia de KeijiNakazawa, los directores AkioSakai y ToshioHirata bajo la animación de corte clásico dentro del anime japonés, abre la cortina al espectador con una secuencia de la caída de la bomba atómica que supone una ruptura total dentro del ritmo de la película,

ya que es narrada de una forma tan directa y con tanta brutalidad que arroja sobre el espectador todo un balde de agua fría, pasando de la estética anime a las imágenes más tendientes al realismo del bombardero, donde el impresionismos hace parte los rostros de las victimas desintegrándose por la onda explosiva y el fuego que consume toda a su alrededor. En esta primera secuencia sin duda alguna, se hace una introducción que pone en disposición al espectador de olvidar que está asistiendo a una obra animada, para tocarseun pocodel horror, que infunde ese instante, en el cual la bomba atómica desciende sobre Hiroshima. Además, permite contextualizar lo venido a continuación, que será los efectos de la post-guerra, narrados a través de un conjunto de escenas que se podrían calificarse como infantiles, pero sutilmente poco a poco van introduciendo elementos documentales, que dejan al descubierto la Indudable pobreza y el deterioro social apoderado de las calles y el mercado negro, que en la diégesis de la película, es el habita de los niños huérfanos, personajes principales del largometraje. Con respecto a los personajes, Gen como protagonista, representa la fuerza y la esperanza para los demás, en cuanto a un futuro mejor des pues de la post-guerra. En este orden de ideas, pasa a ser un sobreviviente más del a taque yanqui, el cual a pesar de los traumas queha generado la guerra, no pierde cordura y los buenos valores para tomar decisiones y cuidar de su madre comohermano adoptivo. Único vinculo familiar que lo motiva salir adelante.En otras palabras, Gen podría simboliza la nación japonesa que años después del holocausto nuclear, se recuperara a través de recobrar su dignidad y patrimonio cultural. Los demás personajes sonniños huérfanos que encuentra en Gen y Masa de Enko,una figura paterna, ya que han perdido todo y viven entre las ruinas de Hiroshima; un contexto insalubre,que les ofrece abastecerse del robo, la basura y la limosna estadunidense. Esto fenómeno que se visibiliza en el largometraje, hace parte del contexto que ambienta el film y se puede referenciar como un trastorno de post-guerra, en donde los niños huérfanos ocupan el mismo rol de padres y madres de los más jóvenes, la educación no se vuelve la prioridad y la prioridad se convierte en sobrevivir , para lo cual, hay que aprender a delinquir, porqueel contexto no ofrece otra opción,

la intensa pobreza como se muestra en Hiroshima 2 ( Hadashi no Gen 2)no da otra alternativa de actuar, cuando los adultos se desinteresan por los niños con hambre, miseria, enfermedad y trauma de postguerra. Vale mencionar, la forma como HideoTakayashikiy KeijiNakazawa, escriben la historia, que por medio del guion, recreael imaginario de niños haciendo de adultos responsables,cuando los adultos son inmunes al sufrimiento ajeno y se vuelven antagonistas, en la historia que parce apostar a un mejor futuro, cuando lo construyen niños y jóvenes; llenos de ilusiones, esperanza y una fuerza insuperable, en comparación a de los adultos, quienes representan el presente y el pasado, el cualparece estaralgo perdido, viejo y occidado. Para finalizar, refiriéndonos al contexto socioeconómico y político; el largometraje refleja una sociedad civil marginada, después de tres años de la explosión de la bomba atómica, la cual deja serios problemas de violencia física y simbólica, a causa de las pérdidas materiales y humanas que marginan a los sobrevivientes por un estado de extrema pobreza, que trae consigo; desnutrición, aislamiento, deterioro familiar y esto a su vez, hurto, delincuencia y mas muerte,que se ve reflejada en la plaza de mercado negro de Hiroshima 2( Hadashi no Gen 2), donde el mercado, también es la casa de los bribones;o sea de los niños carroñeros que roban cualquier trozo de comida para apaciguar su hambre y deseo por sobrevivir, que trasgrede la razón y hace que Ryuta pierde el dinero que ha ganado por recolectar basura en un juego de azar, mientras Katchinpierde la vida, por robar papas, en una actividad que parece ser de igual forma un juego, como todo los acciones que hacen los niños en el transcurso del film, seguido de sus canticos, que se entonan como warksong o canciones de trabajo, las cuales cantaban anteriormente los negros al hacer de esclavos. 34

Conclusiones: Si Alemania provoco en la segunda guerra mundial la muerte de miles de judíos a causa del holocausto naci,Hiroshima 2 ( Hadashi no Gen 2)visibiliza el sin número de muertes, perpetuadas en el acto y después de la explosión nuclear de la bomba atómica, que deja más del 60% de la ciudad en ruinas, en otro acción deshumanizada de la guerra, la cual provoca un segundo holocausto, pero esta vez nuclear, para emparejar las cosas entre los bandos contrincantes. Con la diferencia que esta vez, las víctimas mortales no son judíos sino civiles japoneses, que se sumarian a través de los años venideros, por causa de la radiación producto de cáncer y paludismo a la muerte propagada que deja infértil la tierra y el agua contamino de Hiroshima.. Además en concordancia al tratado de Versalles, victimas que a diferencia de los judíos no tendrán el derecho a reclamar ninguna porción de su dignidad, como perdedores de la guerra sometidos a la piedad del adversario, que se materializa en barras de chocolate, para calmar el rencor y sufrimiento de un pueblo en agonía, que debe pagar por los costos económicos y morales de la guerra.

ED WOOD Hagamos una película de Monstruos “Hagamos una película de Monstruos” fueron las palabras de Ed Wood. ¿Quién se hubiera imaginado? Que esas cinco palabras, fecundarían la idea, de para muchos, la peor película en toda la historia del séptimo arte, su título: “Plan 9 del Espacio Exterior” traducción en español para “Plan 9 from outer Space” del director norte americano: (léase de la siguiente manera) Eduard Di Wood Junior. Nada más con detenernos a pensar en un nombre como ese, podemos intuir que sus películas son tan particulares -por no emplear un calificativo más terrible- como su propio nombre. Pero y entonces ¿Qué fue lo que hizo que una película se ganara tal clasificación? ¿Un guión terrible? ¿El histrionismo de sus protagonistas no les daba ni para hacer de extras? ¿Errores técnicos que fluyen como burbujas? ¿Poco o nada de pasta para financiarla? Me temo que solo un sí, aplicaría para dar respuesta a los anteriores interrogantes. Pero también permítanme agregar que existen otros elementos que hacen, no sé si grande, pero sí única a Plan 9. ¿Así que les parece si empezamos de una buena vez?

No obstante, por muy fácil que parezca, el calificativo de mala, resulta ya un problema para empezar. Ya que, para afirmar algo como esto, se es necesario emitir un juicio de valor, de tipo ético o moral. Que nos introduce inevitablemente en el camino de la subjetividad. Una vez en este camino no hay nada que hacer. Un ejemplo tan simple, lo representa la misma Plan 9, ¿Sí es tan mala, Por qué nadie la olvida? La adoración hacia ese artefacto fílmico sigue aumentando año tras año. Plan 9 Se ha transmitido por televisión, ha sido editada numerosas veces en video (DVD). Ha salido reseñada en numerosos libros, lo que nos confirma, que ésta película se ha convertido en lo que muchos llaman una película de culto.

Defendiendo lo indefendible El culto a PLAN 9 es tal, que han existido algunos tarados que han amenazado con hacer un remake, pero ojalá la virgen del atolladero, nos libre de un mal como ese. Aunque, en este mundo existe gente para todo, y lo que es mejor con tiempo libre para tolerar lo que para otros sería una tortura. Ahora bien, para hablar de películas malas, conviene entonces precisar ciertas ideas que nos ayuden a filtrar el prototipo de candidato de película mala. Pero ha caso ¿Tiburón, El Exorcista, hasta El Valle de las Muñecas, son también consideradas películas de culto? Y las anteriores, no son precisamente lo que el público consideraría malas películas. Entonces ¿Qué es lo que las hace películas de culto? En primer lugar son filmes que consiguen perdurar en el inconsciente colectivo del público, algunos de sus elementos, como la música, líneas de diálogo o personajes, trascienden el espacio temporal, siendo devoradas por la cultura popular.

Por otra parte, algunas películas de culto, no todas, comparten un no sé qué, no sé dónde; que hace que el público excuse, errores de tipo argumental, errores técnicos, errores de racor (continuidad), diálogos estúpidos, o bien escenas sin sentido. También se presenta el caso, en el que las productoras son más que independientes, carecen de solvencia económica. Así que de entrada no hay que esperarse mucho por parte de la escenografía, efectos especiales, o de sonido, mucho menos –aunque existen excepcionesque alguna cara conocida protagonice el filme en cuestión. O sino que lo digan los hermanos Harry y Michael Medved, críticos de cine, que han escrito no uno, sino varios libros dedicados a loar lo peor del celuloide. En su primer libro “The Fifty Worst Movies Of All Time- 1978” (Las 50 peores películas de todos los tiempos) Los Medved escriben: “Apreciar la grandeza de estos films –especialmente en esta era de creciente sofisticación- demanda tener ciertas cantidad de paciencia y experiencia (…) Hasta este punto, hemos de hacer una confesión embarazosa: ¡Amamos Así que esperamos que este libro, aliente a las malas películas! Es más, sabemos que no todos los aficionados a las malas películas a estamos solos. salir del closet” así mismo continúan “Después de todo, las malas películas tienen un gran parecido con las piezas maestras; en ambos casos, el espectador se maravilla ante el grado de imaginación y creatividad, admirando el espíritu creativo que logró dar forma a elementos tan dispares. No obstante, cuando observamos una terrible película, nosotros en lugar de maravillarnos, nos sorprendemos al ver como decenas de personas han gastado dinero, tiempo e imaginación en producir una completa y absoluta basura”. Y vaya que este caso continúa repitiéndose todavía hasta el día de hoy. Y no sólo es menester de compañías independientes despilfarrar su dinero, muchas veces, son las compañías grandes quienes derrochan miles de millones de dólares en películas desastrosas, condenadas finalmente al mercado del video (DVD) y posteriormente al olvido. Ahora bien, los Medved volverían a contraatacar, ya que el éxito de su primer libro fue tal, que con “The Golden Turkey Awards” (Los premios del pavo dorado) se incentivó a los lectores para que votaran, las películas que ellos mismos consideraban las peores. A pesar de que se recibieron más de tres mil votos, la rotunda ganadora del ‘pavo de oro’ a la peor película de todos los tiempos, sería nada más y nada menos que “Plan 9 del Espacio Exterior”. 39

Desde entonces, Plan 9 se ganó su corona a lo peor de lo peor, provocando un efecto mariposa; pues la curiosidad por parte del público, hacia la supuesta peor película de todos los tiempos, aumentó de forma exagerada, desempolvando en el acto, el interés del respetable hacia las películas de ED WOOD. ¿WOOD: Loco o genio incomprendido? Con lo visto en hasta ahora podemos afirmar entonces que a veces el amor ciego del cinéfilo es tan grande, que provoca que muchos de nosotros nos hagamos los de la vista gorda, y nos entreguemos sin más al disfrute de una ‘buena película mala’. Y vaya que en este campo, ED WOOD fue toda una eminencia. Ahora, la obra de WOOD es bastante amplia, existe inclusive un periodo oscuro, en donde WOOD, hizo películas cuasi pornográficas y también con bastante hemoglobina; sin embargo, me temo que de momento no tenemos el espacio ni el tiempo para tal empresa, por lo que, nos enfocaremos especialmente en “Plan 9 del Espacio Exterior”. Aunque antes me gustaría detenerme un poco en la película “Glen o Glenda? (1959)”. Con la actuación de Bela Lugosi, quien interpreta el papel de un psiquiatra que relata las historias de un travesti (Glen o Glenda) interpretado por el mismo ED WOOD, y una segunda historia de un hombre que planea someterse a un cambio de sexo (Alan o Ann) la primera, es en realidad una manifestación del alter ego del propio WOOD, aficionado a lucir una peluca rubia y un par de tacones altos. En la película ED WOOD (1994) de Tim Burton se hace creer que WOOD aparecía vestido de mujer en público. Pero muchos de sus más cercanos colaboradores han negado esta versión, asegurando, que aunque ED no se avergonzaba de su fetiche, este sólo usaba atuendos femeninos en su propia casa, por lo que era normal que WOOD recibiera a sus visitantes, luciendo una peluca rubia, y como música de fondo, los repetidos click clack de su máquina de escribir, acompañados por un ahogado “Ahorita los atiendo” que se escapaba por entre sus labios que además apretaban un cigarrillo. Se conoce que esta fijación o impulso a vestirse de mujer, habría empezado en su niñez, cuando su propia madre, insistía en vestirlo como niña; dicen que para reforzar su lado femenino.

En un intento por reforzar lo que el médico psiquiatra y eminencia del psicoanálisis Carl Jung, llama el ánima, el aspecto femenino que esconde el inconsciente colectivo de los hombres, en la mujer este instinto, se llama el animus, y representa el influjo masculino presente también en el inconsciente colectivo de la mujer. Sea o no sobre estimulación del ánima (lado femenino) de WOOD, el hecho de llevar ropa interior femenina bajo su ropa de hombre, se volvió algo común con el pasar de los años. Ahora, la segunda historia de “Glen o Glenda?” es la del transgenerista o transexual, estuvo basada en un caso verídico, el de Christine Jorgensen, nacida con el nombre de George William Jorgensen, conmocionó al mundo en 1952 cuando aseguró ser el primer paciente en someterse a un cambio de sexo, bajo el cuidado de un médico danés, el Dr Christian Hamburger, y su método de cirugía e inyección de hormonas femeninas (Estrógenos). No obstante, he traído a colación ésta película porque me sirve para ilustrar dos ejemplos, primero, la valentía de WOOD al abordar una película sobre un tema tabú y sobretodo explosivo, pues el transvestismo y sobretodo el homosexualismo, era un tema vetado, prohibido, para la Norte América de los años 50s. Era tal la homofobia, que los pocos Gays, digamos públicos, eran en ocasiones tildados de comunistas, detractores del sueño americano y de la moral de la iglesia cristiana. El segundo ejemplo que me ayuda a ilustrar Glen o Glenda? es el de película de explotación, mejor conocida en ingles como ‘Exploitation Movie’. Este tipo de películas han existido desde los años 30s.

Con el desmantelamiento, en 1948 del emporio liderado por las mayores productoras de Hollywood, gracias a que el congreso aprobó una ley que prohibía el modelo de negocio conocido como Starsystem (Sistema de Estrellas) también restringió el monopolio de las salas de exhibición y distribución con el que las grandes compañías mantenían controlado el negocio del cine y de las películas. Propinando así una apertura para el surgimiento de nuevas y pequeñas productoras independientes, que rápidamente se montaron en el carro del cine de explotación. Uno de estos era precisamente ED WOOD quien además escribía, actuaba, editaba y dirigía sus películas. Y eso a mí me suena, más que como a un megalómano en total control de su trabajo, como a un valiente hombre comprometido con su quehacer. Por otra parte, con el tiempo los films de explotación descartaron los mensajes morales, enfocándose finalmente en sacarle plata a los destapes, la sangre y la ultra violencia. Como si se tratase de un ‘vale tudo’ con tal de que los productores multiplicar los panes ‘verdes’. Así fue como nacieron las películas de explotación, el público las continúa adorando desde entonces, también calificándolas de malas, pero ya sabemos que lo malo es bueno y lo bueno es malo.

Y se catalogan –como su mismo nombre lo indica- en explotar un tema considerado tabú para la sociedad, su misión era tratar un argumento que nadie más quería tratar, algo así como una papa caliente, como el uso de drogas o alcohol, homosexualismo, embarazos precoces, desviaciones sexuales, violencia juvenil etc. Así como en Glen o Glenda? se pretendía que estas películas contuvieran un mensaje moral bastante claro, para así prevenir, advertir o persuadir a los espectadores. Por tanto muchos de estos films fueron acompañados con un narrador o bien con una voz en off. Que colocaba los puntos sobre las Íes, señalando lo políticamente correcto. No obstante, si quitamos del medio las buenas intenciones de los realizadores, la película al fin y al cabo, seguía siendo eso, una película, hecha con dinero y con la intención de recuperarlo y multiplicarlo.

Entrevista a George Lynch

El nominado al Grammy George Lynch es uno de los guitarristas más reconocidos del mundo, en sus 30 años de carrera ha grabado múltiples álbumes con bandas como Dokken o Lynch Mob además ha girado por el mundo entero en muchas ocasiones. George convina su pasión musical con el activismo social, pues muy a pesar de que EL SEÑOR Lynch proviene de la tierra del tío Sam, no tiene reparos en decir que la cosa huele mal y que la economía de su país debería de replantearse. Éste es tan solo uno de los temas de fondo del documental Shadowtrain: Under a Crooked Sky una película dirigida en compañía de Mark McLaughlin y Vinny Nicastro, que también intenta hacer evidente el impacto ambiental y cultural que la economía capitalista ha tenido en las comunidades de nativos americanos. Con la música de un grupo llamado Shadowtrain, Lynch viaja por el oeste americano visitando resguardos indígenas, intentando resarcir un poco el abandono del estado y el puño intempestivo del progreso, a través del Heavy Metal promulgan por generar un cambio de paradigma y de ética no solo necesitado por en la sociedad Norte Americana, también por el mundo entero, porque recordemos que al igual que como la vida, solo tenemos un mundo y hay que tratar de preservarlo. ¿Cómo te involucraste en el film Shadowtrain: Undercrooked Sky? George Lynch: Todo comenzó cuando hablé con Vinny Nicastro (Baterista, Escultor y Cineasta) sobre la idea de crear un proyecto que involucrara algo de activismo social. Los temas que nos fascinaban eran el ambientalismo, la justicia social y económica. Así que hicimos algunos viajes, creamos algo de música y grabamos también algunas imágenes. Por esa misma época, me encontraba en un vuelo rumbo a Dallas, justo al lado mío se encontraba un sujeto de nombre Mark McLaughlin. Durante el curso de nuestra conversación, me enteré de que él era un cineasta. Hacía cámara, sonido, y había trabajado editando documentales. Eso sirvió mucho para que nos hiciéramos amigos, hemos venido trabajando hombro contra hombro en este filme por los últimos 2 años y medio.

Cuál es la sinópsis de Shadowtrain: Undercrooked Sky? George Lynch: Siempre lo resumo en una línea, es la exploración de los impulsos de la naturaleza humana a través de la lente de la experiencia indígena. Es muy simple, pero a veces no lo es tanto (risas). Hazte esta pregunta ¿serán capaces los humanos de evolucionar colectivamente, una ética que nos permita tratarnos a nosotros mismos y al mundo que dejamos en una manera más compasiva y mucho más justa? Cuáles son los conflictos que el filme intenta resolver? George Lynch: El espectro de temas es amplio, trata sobre temas bastante afin a nuestra existencia: Economía, el medio ambiente, ética, guerra, cuestiones laborales, política etc. Pero las respuestas o conclusiones de fondo siempre nos llevan de regreso a las mismas premisas filosóficas… ¿De qué estamos hechos? ¿Qué es lo que nos impulsa para ser una especie al mismo tiempo tan exitosa, pero qué nos comportamos en maneras dañinas para nosotros mismos? Cómo hicieron para que el intelectual Noam Chomsky se vinculara a la película? George Lynch: Tener la oportunidad de entrevistar a Noam Chomsky fue algo grande para mí. Nos sentamos un rato antes de la entrevista para charlar y algo abrumador. Noam es como mi rockero favorito (risas). Él ha sido un incansable soldado durante toda su vida, cantándole la verdad a la gente poderosa. Creo que debería ser reconocido como un héroe intelectual moderno.

Además de él, qué otras personalidades aparecerán en la película? George Lynch: Tom Morello de Rage Against The Machine, Sirj de System Of A Down, Ted Nugent y John Trudel (Activista y músico) también aparece en la película. Personalmente creo que es genial que figuras públicas o artistas como en el caso tuyo se vinculen en proyectos como estos… Por otro lado he visto los dos trailers y de verdad me han enganchado, cuánto más tiempo o dinero necesitan para poder completar la película? Todavía les hace falta rodar más? George Lynch: Todavía nos quedan unos 3 o 4 meses de rodaje. En la mayoría de ese material se encuentra la carga pesada, la carne y las patatas de este filme. Vamos aprendiendo sobre la marcha, a medida que avanzamos por el proceso nuestra visión de la película se hace más clara. El dinero siempre ha sido un problema para nosotros, como lo ha sido para otras personas que se dedican a esta cosa, pero de todas formas lo seguimos haciendo. Igual siempre conseguimos que alguien nos compre. Sin embargo sí es frustrante ver como lo que uno visiona no puede ser alcanzado a causa de las limitaciones económicas. Pero ya he dicho antes que finalmente vamos a poder conseguir los fondos que nos faltan para la producción, con el corazón, pasión y tenacidad. Qué hay de la música de la película? George Lynch: Tenemos una banda llamada Shadowtrain que aparece por alrededor de toda la película. Viajamos en convoy por el oeste Norte Americano tocando música y visitando resguardos indígenas en busca de la verdad. Nos encerramos por una semana en un remoto estudio en las montañas de Tehachapi en California. Lo único que hicimos fue tocar música viva y fresca durante todo el tiempo, creamos y grabamos toda la música para Shadowtrain durante esa semana. La banda sonora es muy ecléctica y también cuenta con la participación de algunos artistas invitados.

Personalmente me impresiona mucho el monumento llamado Trail Of Tears (ED. Camino de Lagrimas) y la abominable ley llamada Indian Remove Act (acta remoción indígenas) que generó el desplazamiento forzado de miles de indígenas, aunque es en realidad la misma historia que se repitió una y otra vez desde la “conquista” de América en 1492, es triste pero cierto… George Lynch: John Trudel y Yo hacemos una canción juntos que se llama Trail Of Tears, habla sobre todas esas cosas, las largas caminatas, desplazamiento forzado, genocidio, 400 tratados rotos. John ha estado luchando en contra del imperio y sus mentiras durante toda su vida y le ha salido caro. Las palabras de John son extremadamente poderosas porque son la pura verdad. Claramente han sido aprendidas a raíz de su convicción y sacrificio sin esperar nada a cambio.

Qué hay del título del film, por qué Shadowtrain Under a Crooked Sky? George Lynch: La primera secuencia del filme es un panorámico en donde aparece una locomotora de vapor de 1800, rumbo al oeste a través de las montañas rocosas. Mientras que un guerrero nativo observa al tren desde la cima de un risco. Él eventualmente cabalga junto a esa nueva bestia, como una analogía de inevitable expansión hacia el oeste, el choque cultural, la máquina dura versus la máquina blanda. ¿Cuáles son algunas de las conclusiones o soluciones que la película plantea para hacerle frente al capitalismo que de hecho devoran el ambiente natural? George Lynch: La respuesta es que nuestras prioridades han de ser replanteadas, para que las políticas que surgen a raíz de esas prioridades hagan el menor daño posible y beneficie a la mayoría de nosotros. Tú crees que Norte América está preparada para un cambio de esa naturaleza? George Lynch: La mitad lo está. La otra mitad continúa haciendo que sus abogados deroguen las políticas que no están alineadas con sus intereses. Muy bien, guardé éstas preguntas para el final… Dado que soy un gran fan de la saga de Pesadilla en la Calle Elm, tengo curiosidad por saber qué se hizo la guitarra con el que rodaron el videoclip Dream Warriors que apareció en la banda sonora de Pesadilla en la Calle Elm 3? George Lynch: La guitarra fue construida por mi y John Frog. Una está colgada en algún Hard Rock Café alrededor del mundo, yo tengo la segunda guitarra; fue construida en ESP, suena infinitamente mejor que la original.

Te gustaba el cine de horror de los 80s? George Lynch: Me gustó Evil Dead, Me vi la primera parte de Pesadilla, pero ninguna de sus secuelas captó mi atención tanto como lo hizo la primera parte. Cómo fue conocer a Robert Englund? George Lynch: Nosotros nos enfiestamos con Robert en el set del videoclip de Dream Warriors, él tenía puesto todo su maquillaje; nosotros le quitamos su guante de cuchillas, algo de lo que todavía hoy me siento apenado.

Casi, casi lo logra -Juno-

Nunca había escuchado de Jason Reitman y a decir verdad Juno (Juno) es la primera película que he visto de este director, pero por lo que he leído le gusta hacer películas sobre comedia y drama y Juno (Juno) es una gran prueba de esto, el Oscar que gano en el 2007 por mejor guion lo corrobora, sus diálogos son coherentes tiene un hilo perfecto uno con el otro y lo mejor no son diálogos forzados al contrario lucen con toda naturalidad y así es durante toda la película, al parecer fue muy buen precisado esto, aunque los personajes sean un poco ficticios como por ejemplo los padres de Juno muy tranquilos frente a una situación como esta donde la mayoría de los padres tendrían una reacción un poco mas “brusca”, por si decirlo al tener que recibir una noticia de estas por parte de su pequeña hija, o la magnifica pareja perfecta que adoptara que lo tiene todo y que después de un rato se termina la relación sin mas ni menos por un motivo de poco peso, pero a pesar de que esto parezca una falla el guion lo logra mantener y hacernos creer que existen personas así, además la ambientación musical es excelente y termina por ayudar lo anterior, es especialmente una película para adolescentes y la música en cierta parte también lo es, cada que se ambienta la película nos enrolla mas en la trama porque esta justo en una escena interesante y mas si contiene ese drama que mueve algo por allá no se donde que lo deja a uno pensando en que pasara después, o sonreímos por que compadecemos la situación . Ahora viendo el reparto, las actuaciones estuvieron excelentes, solo que saco dos de estas, a Vanessa (Jennifer Garner) que en mi opinión nunca me ha gustado esta actriz, no significa que sea mala o que haya actuado mal en la película es solo que hay algo en ella que no encaja, y la otra actuación que obviaría seria la de Paulie Bleeker (Michael Cera) me parece que es un poco pasivo en la película y el es uno de los mas importantes en esta debería haber tenido un poco mas de peso o darle el papel a otro actor.

Pero hablando de los mas importantes Mark (Jason Bateman) y Juno (Ellen Page) sus interpretaciones fueron magnificas ya que le daban buen ambiente, la fenomenal Ellen Page WOW; películas en la que haya visto actuar, ummm, veamos, si mal no recuerdo he visto Super (Super), El Origen (Inception), y pues esta, Juno (Juno), y a decir verdad que mejor papel que ha hecho esta jovencita (jovencita en el 2007, ahora es toda una mujer) en esta película, con 20 años hacer la de una joven de 16 no le quedo nada mal, además no exagera su papel, y lo desarrolla con gran “madurez” al interpretarlo.

Si tomamos esto desde un contexto social, vemos la situación de muchas jovencitas que inician su vida sexual a muy corta edad y no miden las consecuencias y es ahí cuando surgen los problemas, algo como lo que nos presenta Juno (Juno), un embarazo, puede ser un problema no solo para la joven sino las personas que la rodean, y es allí donde se empiezan a pensar en posibles soluciones como el aborto, uno de los temas mas polémicos en el mundo por obvias razones, o la adopción. Esto es lo que hace Jason Reitman mostrarnos en forma de comedia como es la vida de una de tantas jovencitas que se ven en esta situación y nos da a entender como se ven obligada a madurar y donde el que maquillaje que usara hoy, o la ropa que debe usar para no repetir, o como se peinara el cabello, dejan de ser decisiones importantes y se enfrentan a decisiones de verdad. En síntesis, buena película, con muy buen guion que debes ver para divertirte un rato, ver una buena historia y reflexionar. Título: Juno Director: Jason Reitman Año: 2007 País: Estados Unidos Productora: Fox Searchlight Pictures Género: Comedia, Adolescencia

Kon-Tiki – Enalteciendo el espíritu humano Basada en hechos reales más parece una novela de aventuras escrita por un angloparlante recorriendo el mundo. Ni siquiera sé el por qué nombro un angloparlante en todo esto, quizás es el hecho de que el inglés proviene de la mezcla de las lenguas llevadas por los sajones y escandinavos a las islas británicas en sus conquistas a través de Europa. Quizás se debe a que la película retrata los hechos vividos por el etnógrafo de origen noruego Thor Heyerdahl, quién sin saber nadar y haciendo honor a su alma exploradora escandinava se aventuró a cruzar el océano pacífico desde Perú hasta la polinesia en una pequeña embarcación de madera llamada el Kon-Tiki, antiguo nombre dado al dios de los incas Wiracocha. Hey hey! Mas despacio, que es todo esto? Incas, noruegos, polinesios…cómo es posible? Sí, yéndonos un poco mas atrás en la vida de Thor, vemos que su aventura comienzaen la polinesia en donde conviviendo con los habitantes del lugar descubre que entre el universo de creenciasde los polinesios se relata que su dios creador proviene de oriente. Así, Thor como etnógrafose plantea una teoría no muy lejana de una posible verdad en la cual sugiere que los peruanos de la antigüedad (Incas) cruzaron el pacífico en pequeños botes y colonizaron la polinesia. Creyendo tener en manos un descubrimiento de tan grueso calibre Thor plasma su teoría en papel, busca editor, y se estrella contra un muro de testarudas mentes convencionalistas, para finalmente ser retado por uno de los editores, quién burlándose, compele a Thor a probar su teoría en la práctica. De esta forma, y sin dejarse amedrentar Thor se arma de osadía, teoría, pasión, unos pantalones bien apretados, y se lanza al pacifico, dejando a un lado todo, incluyendo esposa e hijos… para navegar durante 101 días los mares con una multifacética y enérgica tripulación.

Partiendo del mismo Thor, cuyo espíritu porfiado en imprudente le lanza a la nada;pasando por un sicólogo ávido en el manejo del español, y sendos ingenieros de navegación y mediciones técnicas; hasta llegar ados destacados soldados de la segunda guerra mundial que participaron en hechos tan famosos como el hundimiento del acorazado Tirpitz, y la infiltración y destrucción de las plantas nazis de procesamiento de agua pesada para el desarrollo de la bomba atómica. Este explosivo coctel de personajes montado en tan extraordinario contexto sirve de plataforma para ejemplificar cómo el espíritu humano rompe los limites de lo que el hombre cree posible. Así el film noruego más costoso hasta la fechaexalta el espíritu humano, tocando en su fibra más sensible a aquellos que sienten que deben salir y explorar el mundo sin medirse en las limitaciones y obstáculos. Así el espectador recibe una cachetada en el rostro que le ordenavivir la vida y luchar por cada sueño, creencia, ideal y teoría. Se que suena poético, cursi, y poco pragmático en este contexto post moderno, pero de que está hecha la vida sino es de las “pequeñas” osadías individuales? A parte de cachetadas espirituales el film también da cachetadas cerebrales al engañar por completo la mente con unos efectos especiales muy bien logrados. Siendo mi caso personal me atormentaba la forma en que se lograron los efectos pues mi mente me gritaba realidad y mi lógica mentira!A parte de ello, la fotografía, casting, y banda sonora hacen de la película una pieza fílmica de la que hablar.

En este punto cabe anotar que Kon-Tiki(2012) es dirigido por Joachim Rønning y EspenSandberg, dos realizadores noruegos de corta trayectoria que no tuvieron muy buena acogida con su film Badidas (2006). Sin embargo, como la vida está llena de segundas oportunidades, Kon-Tiki (2012) fue esa segunda chance para los directores, tanto así que la película estuvo nominada a mejor película extranjera en la última entrega de los premios Oscar. Esta no es la primera vez que el título Kon-Tiki desfila por la alfombra roja de Hollywood. La primera vez lo hizo en 1951, año en que gana el Oscar a mejor documental bajo la dirección del propio Thor Heyerdahl y la edición de Olle Nordemar quién oficialmente se hace al premio; interesante no? Planteas la teoría, construyes el bote, cruzas el pacífico, buscas un buen editor (parece que los editores tenían algo contra Thor), y éste se hace con el oro… oh salve a los tecnicismos del cine. Ahora si, conociendo un poco acerca de el título que nos ocupa en estas páginas digo os solicito preparen las palomitas, traigan la pizza, o compren el pan de 500, que con tecnicismos y todo es tiempo de recibir unas buenas cachetadas de manos de esta muy interesante y entretenida película noruega que os promete pegaros a los asientos por dos horas que se quedan cortas para recorrer los 10.000 kilómetros de aventuras del Kon-Tiki. Título:Kon-Tiki Director:Joachim Rønning y EspenSandberg Año: 2012 País: Noruega, Dinamarca, Alemania, Reino Unido. Productora:Recorded Picture Company (RPC), Nordisk Film Production, DCM Productions, Film i Väst, Roenbergfilm Género: Acción, Aventura, Biografía.

Adolescencia en su máxima expresión Vaya, Vaya, por fin una película para adolescentes con un nuevo aire, no es la misma repetidera de siempre que empieza con una pareja se separan y después de muchos problemas terminan con un beso, en esta encontramos un joven escribiéndole al parecer a su “amigo imaginario” y con una personalidad un poco rara, que entra a estudiar y que no encaja con nadie hasta que conoce un pequeño grupo que al parecer va con el. Muchos libros que son muy buenos creen que llevarlos a la gran pantalla seria una buena idea y resultan ser un fracaso total, pero Stephen Chbosky logra acomodar su propio libro (Best – Seller por cierto) en una buena película y no le fue mal para ser su debut como director, con un guion bien acomodado con respecto al libro aunque en algunas partes se desfasa el dialogo y pierde un poco el hilo, se logra reponer fácilmente, un muy buen reparto Logan Lerman (Charlie) ¿acaso hay alguien más invisible para el mundo que el en esta interpretación?, Ezra Miller (Patrick) excelente papel, cuando entro en escena nos damos cuenta de que era (¿Qué era Patrick?, ahí les dejo para que la vean), y ahora cuando aparece Emma Watson (Sam), si señor, es allí donde entendemos que ella no es solo una niña con una varita mágica que solo hace hechizos, sino que esta preparada para actuar en cualquier papel que le propongan. Ahora creo que el talón de Aquiles en esta película fue la música que manejaron en ella, no subía para nada los ánimos, se notaba que algo sonaba pero que a la vez era irrelevante. Además de eso casualmente a todos les gustaba la música antigua (porque si que hicieron énfasis en esto); si, esta bien, les gusta pero ya no lo repitan cada que se regalan un casette o un acetato. Creo que de todas las canciones si alguna se hizo notar fue la que sonó en el túnel y gracias a Dios fue esta porque es importante para el final sino, no habría nada. dejando eso, olvidemos la música, es importante pero que va, es una buena historia, amistad, drogas, peleas, amor, enamorarse, esfuerzo por lograr algo y muchas otras cosas son las que nos mantienen allí viéndola y ¿Porque lo hace?,

pues porque fuimos o somos adolescentes la edad dorada de la vida, donde se hace de todo y claramente se dice en la película “Cuando cumples 17, te olvidas que tuviste 16” la vida pasa y cada año que pasa se vive y se disfruta, desde el inicio nos hace concentrar en que esta diciendo Charlie y así ver que es lo que vendrá después, pero desde que comienza tenemos que mantenernos inmersos en la trama, porque mientras mas deseamos saber porque este joven es tan distante de los demás, porque le escribe a alguien que no sabemos quien es, porque es tan callado y todo lo demás, mas suspenso nos entrega la película como tratando de decir ¿Quieres saber porque Charlie es así?, y la respuesta es, Espera un rato mas, y lo curioso y mejor es que esperamos porque nos dice el porque y la historia lo merece, el final se los dejo a su consideración, en la mía si era Patrick quedaría un poco mejor.

Título: Las ventajas de ser un marginado (The Perks of Being a Wallflower) Director: Stephen Chbosky Año: 2012 País: Estados Unidos Productora: Mr. Mudd / Summit Entertainment Género: Drama Romántico, Adolescencia, Amistad

Miedo y asco en Las Vegas & Where the buffalo roams En la historia existen muchos nombres dejados atrás, en ocasiones por intrascendencia o poca importancia; ese no es el caso de Hunter Stockton Thompson(1939-2005) un periodista y escritor estadounidense a quien se le atribuye la creación del periodismo Gonzo o de inmersión; estilo en el que son desdibujadas las líneas entre sujeto-objeto o subjetividad vs objetividad; el contexto toma mayor importancia que la misma acción central, el periodista se convierte en protagonista y narrador del relato. El primer trabajo de Hunter S. Thompson catalogado bajo el título de periodismo Gonzo fue El Derby de Kentucky es Decadente y Depravado (The Kentucky Derby is Decadent and Depraved),publicado porScanlan’s Monthly el 4 de Junio de 1970, y que sería el trampolín que le permitiría a Thompson la consolidación de un estilo propio; aunque cinco años antes había tenido la posibilidad de publicar su experiencia con el grupo de motociclistas que se hacían llamar “Ángeles del Infierno” (Hells Angels), con los cuales había convivido más de un año y cuya relación termino con una salvaje golpiza por parte de los integrantes de la banda hacia Thompson.

El éxito de su carrera alcanzo el clímax en 1971 al ser publicado su novela “Miedo y asco en Las Vegas” (Fear and Loathing in Las Vegas) en la revista Rolling Stone en dos volúmenes y que retrata el viaje que realiza Raoul Duke (Alter ego de Thompson) junto a su abogado el Dr. Gonzo (Oscar Zeta Acosta) su abogado de origen “chicano”. Por supuesto el éxito de Thompson no habría alcanzado tales magnitudes de no haber sido por la colaboración de Ralph Steadman quien se encargaría del diseño gráfico de la mayoría de sus publicaciones, cuyo diseño siempre fue muy acorde con la creativa manera de redacción que caracterizó a Hunter S. Thompson, quien se convirtió rápidamente en símbolo de la contracultura gringa. El cine por supuesto, no dejó pasar la oportunidad de retratar la historia y obra del doctor Thompson y entre múltiples documentales realizados para cine y televisión, hoy hablaremos de dos películas en particular,ambas producidas por la UNIVERSAL: Fear and Loathing in Las Vegas (1998) y Where The Buffalo Roam (1980) Título: Miedo y asco en Las vegas (“Pánico y Locura en Las Vegas”) Título Original: Fear and Loathing in Las Vegas Director: Terry Gilliam Año: 1998 Productora: Universal Pictures – Rhino Films

La idea de realizar una adaptación a la pantalla grande de la novela de Thompson “Fear and Loathing in Las Vegas” (1871) data desde varios años antes de haberse podido consolidar; para el papel de losprotagonistas Raoul Duke y el Dr. Gonzo fueron considerados en su momento Paul Newman y Marlon Brando respectivamente, pero ya estaban muy viejos para interpretar aquellos papeles, descartada la idea de aquellos dos personajes se tomó en consideración a Dan Aykroyd y John Belushi pero todo se desmoronó cuando en 1982 Belushi Murió. Varios años después Hunter S. Thompson quien se encontraba inmerso en el proyecto conoció a Johnny Deppy lo recomendó para el papel de Raoul Duke diciendo que “nadie más podía interpretarlo como él”; más adelante se sumaría al reparto Benicio Del Toro quien encarnaría al fiel abogado de Duke, el Dr. Gonzo. Rhino Films comenzó a trabajar en la película en 1992. La escenografía de la película está perfectamente diseñada para recrear Las Vegas de los años 70´s, lugar al cual se dirigirán los dos personajes para cubrir El torneo de Motocicletas “Mint 400”; sin embargo se sumergirán en el consumo excesivo de todo tipo de drogas y el cubrimiento del evento pasará a segundo plano. Miedo y Asco en Las Vegas (Fear and Loathing in Las Vegas 1998) es a mí parecer una película de difícil clasificación, se encuentran escenas tan cómicas como grotescas; no es una película de aventuras, ni de comedia ni de drama, durante todo el recorrido por este fascinante film se encuentran tintes de todos los géneros entrelazados entre sí, dando origen a un viaje con ácido, mezcalina, marihuana y cocaína en la que se sumerge al espectador sin siquiera tocar alguna de estas sustancias; la dirección excepcional de Terry Gilliam, combinada con las brillantes actuaciones de Depp y Del Toro convergen de tal manera, que casi se puede sentir la espina entumecida por los efectos de la mezcalina aliada con los planos inestables y aberrantes que se encuentran a lo largo de la película. Desde la primera aparición de los protagonistas sabes qué tipo de personas son y que tan “colgados” están, a algunos les parece de entrada repulsivo pero no podemos actuar como “Tobey Maguire” y bajarnos del coche rojo sólo por la primera impresión; después de todo nos espera un una aventura inolvidable. 56

Duke nos da a conocer por medio de sus distorsionados sentidos un Las Vegas diferente a la que hallamos en la publicidad; llena de infelices y monstruosos personajes que dejan en cada mano de póker, en cada tragamonedas parte de su alma y esperanzas; lo que Hunter S. Thompson buscaba era aquel sueño americano del que tanto se alear daba dando con que existen muchos, algunos acceden a él por medio del juego depravado, el sexo o las drogas; pero el verdadero sueño americano había muerto en manos de una generación de hippies guiados por las enseñanzas de Timothy Leary, “todos esos fenómenos ávidos de ácido que creían que la lucidez y la paz se lograba con $3 de droga” (Fragmento del guión de la película); la guerra de Vietnam estaba lejos de acabar, y su agudización se veía venir pero, nadie quería ver la realidad.

El guion está adaptado por el propio Gilliam junto a Tony Grisoni, Tod Davies y Alex Cox consiguiendo como resultado un manejo inmejorable de la voz en off, enseñándonos las intenciones del protagonista de actuar con cordura pero haciendo todo lo contrario por efecto de la droga que ha consumido.

La incursión de Hunter S. Thompsonen la pantalla grande empieza con esta película, la cual contiene tintes biográficos y cómicos, mostrándonos un poco más acerca de la personalidad de este enigmático personaje que Otro de los aspectos plausibles de la película se ganaría un papel importante en la historia es la neutralidad que maneja respecto al tema estadounidense. de la droga, ni lo juzga ni lo ex salsa; solo lo expone de una manera artística y entretenida, Bill Murrayencarnará aThompson en el papel principal destacándose en la personificación mostrando una realidad irreal. de una manera excepcional, siendo opacada esta brillante actuación debido a la falsedad de los “pases” en algunas escenas. En el inicio de la película parece tanto el titulo como el nombre de las estrellas en un estilo gráfico de Ralph Steadman, acompañado de una canción designada por Neil Youngquien se encargaría de la banda sonora en la película.

Con un reparto lleno de iconos cinematográficos como Cameron Díaz, una reportera de la cual Del Toro se engancha, Christina Ricci en el papel de Lucy una jovencita que cae bajo los encantos del Dr. Gonzo (Del Toro), en una escena de “pedofilia” tan inexplicable como absurda entre muchas otras. Esta película ha ido adquiriendo con el paso del tiempo el título de “culto” consiguiéndole más seguidores cada día, una crónica desarrollada en el corazón de la ciudad del pecado, donde el “sueño americano” se niega a morir.

Murray nos llevara en un recorrido de una hora con treinta y nueve minutos a conocer más acerca de la personalidad, gustos y tendencia política de Thompson al igual que de su estrecha relación con su abogado activista Óscar Zeta Acosta, un insólito personaje que prestará su “servicio jurídico” incondicional a las bizarras necesidades de Hunter. A diferencia de Miedo y asco en Las Vegas (Fear and Loathing in Las Vegas 1998) que nos puede dar la impresión de que la pareja Duke - Dr Gonzo (Thompson y Zeta Acosta) son sólo un dúo de drogos desmedidos,Where The Buffalo Roam nos muestra la fraternidad entre estos dos personajes que vivieron innumerables momentos entre ácido y ácido que posteriormente se unirían a la leyenda. Óscar Zeta Acosta es fielmente retratado en su lucha contra la opresión del gobierno gringo y su política contra las drogas; lucha que le valdría varias visitas a la prisión en muchas ocasiones por desacato en los tribunales, al defender en muchas ocasiones a jóvenes procesados por la posesión de marihuana. Hunter por su parte sentía una fuerte apatía por Nixony su política, hecho que se ve reflejado en los primeros minutos del film después de que al decirle a su perro Bronco la palabra Nixon este ataca con particular furia un muñeco con la máscara del presidente.

Sin lugar a duda una de las partes más llamativas de la película se encuentra en el viaje que realiza Thompsonpara cubrir las campañas presidenciales de 1972, en la cual podemos ver claramente la reacción de los políticos hacia él, e inclusive la apatía de algunos colegas frente a su “método” periodístico; al final a Hunterle toca viajar en el Zooel avión donde viaja el equipo técnico que acompaña a los periodistas, un avión lleno de hippies, alcohol y música (un lugar de ensueño para nuestro personaje).

Título Original: Where the Buffalo Roam Director: Art Linson Año: 1980 Productora: Universal Pictures

Sin lugar a duda es una película dotada de un excelente guion, un increíble reparto y una historia llamativa para quienes nos gusta desentrañar los misterios de la cultura norteamericana.

Mothers Day 3 viejas amigas se reúnen para ir de campamento como lo hacen al parecer desde años atrás. Este año han decidido ir a Deep Barons un bosque aparentemente tranquilo. Abbey, Jackie y Trina se encuentran disfrutando de sus vacaciones al ritmo de Cervezas, Porros, Baños en el Río algo ligeras de ropa (Hummmmmmm), bromas pesadas, En fin todo lo que uno desearía estar haciendo en un bosque apacible. Sin Embargo algo horrible les ocurrirá pues de no ser así no estaría esta película hoy en este zine. Además ya es muy truculento saber que la casa en que se utilizó para el rodaje ubicada en los bosques de Newton New Jersey, estuvo abandonada por alrededor de 15 años; el dueño de la casa fue encontrado asesinado allí mismo. Mothers Days aunque no sea precisamente la mejor cinta de la Troma Films (pero es que ¿a caso Troma tiene Buenas Películas?) ha sabido convertirse en todo un clásico de Horror de los 80. La dirección y parte del guión estuvo a cargo de Charles Kaufman hermano de Lloyd Kaufman propietario y mente creadora dentro de la Troma Films por años. Y digan lo que digan: Que es una versión Ripoff de Masacre en Texas o de la Última Casa A La Izquierda, Bla bla bla. Pienso que en el fondo muy en el fondo este Slasher tiene su unicidad… y aprovechando que en este número mami va al cine, pues la he querido comentar.

Lo que más me ha fascinado es el personaje de Rose Ross nuestra amorosa madre (Beatrice Pons) desde el comienzo cuando se muestra sumisa e inocente ante los hippies que le piden el aventón hasta lo que más tarde nos enseñaría el personaje: Una vieja decrepita cebada con la depravación más inhumana, papel creo nunca antes visto en el celuloide mundial. Y están sus Hijos dos soquetes cuasi deformes, bastante intimidadores por cierto; dispuestos hacer feliz a su madrecita aun así tengan que violar o despedazar cadáveres ¿y es que quién no haría todo por mamá? Finalmente tenemos el personaje de Queenie, la hermana de Rose Ross que deambula solitaria por Deep Barons y que siente un profundo odio por mamá y los muchachos o por quien se atraviese en su camino (como veremos al final de la película). En cuanto al Gore; qué más se puede pedir, la película constó 115 grandes, la decapitación del Hippie, la gran paliza que los muchachos le dan a la hippiegilr antes de matarla, inclusive la estrangulación que mamá Rose le da con la soga. La “célebre” escena de violación por la que es conocida esta película: -mamá ordena y los muchachos hacen de las suyasJackie sufre y sus dos amigas observan el macabro show horrorizadas. Pero pronto les tocará turno a ellos, mamá y los muchachos recibirán su merecido.

En el 2010 Darren Lynn Bousman realizó un remake que le hace justicia a la original, pero que también abrió la puerta para que un público más joven se familiarizara con el título original. Para terminar un dato curioso, les cuento que las tomas realizadas en el lago fueron realizadas en el mismo utilizado para Viernes 13th. Y bueno les recomiendo esta película en especial para un día en que no tengan nada que hacer les puedo garantizar 2 cosas: que soltaran una que otra risa o que saldrán asqueados y horrorizados. Feliz Día Mamá. Ficha Técnica: País y Año: USA 1980 Director: Charles Kaufman Productor: Lloyd Kaufman y Michael Herz Guión: Charles Kaufman, Warren Leight Ficha Artistica: Nancy Hendrickson, Deborah Luce, Tiana Pierce, Frederick Coffin, Michael McCleery, Beatrice Pons.

¿Magia o Engaño? Oz El Poderoso recrea el origen del Mago de Oz, el popular personaje de Frank Baum. Oscar Diggs (James Franco), un penoso mago de circo de dudosa moralidad, tiene que abandonar la tormentosa Kansas a causa de su desenfrenado complejo de don Juan y dirigirse en medio de un tornado a una tierra de encanto y fantasía. Lo más curios es que antes de llegar el increíble país de Oz el ya se hacía llamar el mago de Oz. Está convencido que le ha tocado el baloto y que la fama y la fortuna de un rey están en sus manos. Pero las cosas se ponen muy complicadas cuando conoce a un brujerío de bellezas sensualmente vestidas, Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda (Michelle Williams), que no están del todo convencidas de que Oscar sea el gran mago que promete una vieja profecía y todo el mundo esperaba ansiosamente. Oscar tiene que enfrentarse a todo tipo de problemas en el País de Oz como leones, fuego, relámpagos verdes y un conveniente ejército de simios voladores, que al parecer nadie nota está en la cima del castillo. Para mantener su seguridad a salvo y su cabeza en el lugar donde debe estar, debe apresurarse a descubrir quién es bueno y quien malo, además de la valiosa lección de que las brujas no necesariamente tienen verrugas o escobas voladoras. Oscar utiliza sus juegos de magia, con ingenio, fantasía y mucha imaginación y se transformarse en el gran y poderoso Mago de Oz. Lo que nos demuestra que a veces cuando no puedes ser algo, basta solo con aparentarlo.

Esta producción de Disney fue concebida más que nada como una especie de precuela del clásico que protagonizo Judy Garland, el mago de Oz (1939), la historia del león cobarde, el hombre de hojalata sin corazón, el espantapájaros sin cerebro y la joven Dorothy perdida en una tierra fantástica, que van en busca del (hasta donde ellos saben) increíblemente poderoso mago en ciudad esmeralda. Un aspecto interesante es que los personajes que fueron creados especialmente para esta producción (dado que le propietario de la película original MGM ha sufrido de varias compras a lo largo de los años y querían evitar cualquier problema legal), como el mono Finley o la chica de porcelana, ya que han sido pocas las poblaciones de la tierra de oz que han tenido su espacio en el cine. Y al menos para mí, el mejor personaje es el mono Finley, no entiendo como muchos lo percibieron irritante, para mí fue de lo más gracioso y carismático.

No defraudará al combo familiar. Tal vez su ingenua narrativa la haga más llamativa para público infantil (a los que ya nos sentimos grandes nos resultara un poco tonta). El filme tiene a su favor la curiosidad por conocer de dónde viene el mago (de acuerdo con la imaginación del estudio, los productores y el director), pero no logra trascender a un clímax que capture a un público mayor. Es sin duda una película para niños. Sobre los efectos visuales y las actuaciones, realmente no obtenemos nada fuera de lo común. Los protagonistas se enfocan en entretener sencillamente al objetivo principal de la película(los niños). Hay un poco de humor blanco, luces, explosiones de colores y exagerados maquillajes que logran mantener entretenidos a los más pequeños. El impacto popular de la película ya aseguró su continuidad. Disney confirmó que jugará las mismas cartas con los guionistas Mitchell Kapner y David Lindsay-Abaire, y que James Franco continuará como el mago redimido, en la segunda entrega de ‘Oz, el poderoso’, que se estrenaría a principios de 2014, en formato de musical (que imploro al cielo no sea pop u otro musical romántico). Mis mejores deseos para la segunda entrega y esperemos impacte tanto como presume la primera. ¡El mundo necesita magia!

Una Película Visual Cuando era pequeño escuchaba lo que muchos conocemos como esa música clásica de las caricaturas, esa música que tiene violines, trompetas, redoblantes y demás instrumentos que suenan para esta época en tono cómico y que inmediatamente lo escuchamos sabemos de que es una caricatura o una de las películas de los años de “oro” en donde se revoluciono el cine, donde eran a blanco y negro, películas cortas y todo lo demás que las caracteriza, pero sin duda escuchar esta música y saber de que no es una caricatura sino una película de culto como La Parada de los Monstruos (Freaks), nos damos cuenta de que estamos a punto de ver un tipo de película que nunca hemos visto, una película de “terror” de la época de los años ´30 en donde ese terror llega de forma extraña pero llega, donde las actuaciones tienen su punto,

en si una película distinta a lo que vemos actualmente y eso es lo que motiva ,en especial porque es una película para que te fijes en los detalles y cada uno de sus actores, ver algo con otra perspectiva, acá no exigimos actuaciones, ni ambientación musical, ni guion; acá vemos como en la época en donde se pasaba del cine mudo al cine con sonido daba un gran salto a mostrar excelentes obras a recordar, tal vez en la época el tema era demasiado polémico y fue por esto que esta no tuvo mayor repercusión a tal punto de que fue censurada y fue calificada como desastre, pero fueron directores como Luis Buñuel o Tod Browning o muchos otros que pasaron por la transición de cine mudo – sonido y mostraron que son capaces con los cambios y fue Browning con La Parada de los Monstruos (Freaks) donde mostro una gran forma de hacer cine, película que se le agrega un gran valor en nuestra época en donde se empezó a ver la película como debe de ser, con buenos ojos y aceptando que veremos una película con un reparto no muy profesional y con sus tópicos, un reparto que en su mayoría no son actores, debido a que su guion meritaba personas con deformidades era casi imposible conseguir actores así por lo que hizo fue buscar entre la sociedad personas con estas características e involucrarlas en esta donde sin duda cada uno de los personajes le da vida a la película. Ahora bien, el terror no lo pone Tod Browning a flor de piel, el terror lo buscas tu mismo al ver la película, tu decides si el terror se lo das a los “Freaks” o se lo das a lo que pasara en el final o si simplemente dejas que algo te asuste para saber a que va, Si Browning estuviera vivo estaría feliz de ver como su película se transformo en una muy conocida y que además es inspiración de muchos directores en sus obras, cuando en su época no lo fue. Si quieren ver una película con efectos especiales es ilógico que lo esperes ver en esta, conviértete en una persona distinta, mírala como debe ser, no exijas lo que sabes que no tendrás y sin lugar a dudas con el solo hecho de saber de que se trata, sabrás veras una excelente película de culto.