Cineclub cine xkrúpulos e zine #6 septiembre 2013

Es un grupo de trabajo enfocado a la creaci贸n audiovisual de videoclips, cortometrajes, filminutos, reportajes e investigaci贸nes.

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Después de unas buenas vacaciones estamos de regreso en el departamento editorial para traerle a nuestr@s lector@s toda nuestra programación del cineclub cine-xkrúpulos en su novena temporada de proyecciones del 23 de agosto hasta el 6 de diciembre del 2013. Así que les doy la bienvenida, y les sugiero que corran rápido a nuestro índice y seleccionen lo que quieran empezar a leer, para terminar quisiera dar la bienvenida a un nuevo integrante de nuestro staff, él es de Bogotá y se llama Fernando Chávez, ya en otras oportunidades Fernando ha colaborado para mi fanzine BLEEDING NOISE, demostrando que es un gran entusiasta y conocedor de buen cine, el único requisito para posarse sobre las páginas digitales de nuestra revista digital, que ya va en el número 6, del mismo modo, Fernando contribuyó con un artículo sobre el por qué según él hay que ver el Exorcista 2, de hecho él va mucho más allá y asegura que el exorcista 2 es mejor que el uno, pero será mejor que él solito de esa pelea con los lectores, lo que les quería decir es que nos encantó la forma en cómo está escrito el artículo que no dio pie para fundar una nueva sección en la que los integrantes de nuestro staff postularan una película que defendería hasta la muerte. No siendo más, les deseo lo mejor, los que puedan y están en Pereira espero asistan a nuestras proyecciones, y por último corran y vean The Conjuring el mejor filme de horro del 2013, o qué opinan ustedes?

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os videojuegos cada vez van evolucionando, como ya para uno ponerse a pensar que llega la hora de controlar a actores en las consolas (XD). Diciembre será el mes dorado para la llegada de las promisorias consolas PS4, XBOX Infinity y WiiU, de acuerdo con la información del E3, salvo que los videojuegos clásicos están siendo prácticamente olvidados.

Bien, mi infancia inicialmente ha sido marcada con los primeros juegos del sistema de 8-Bits, recordando una experiencia con la llegada de la consola Atari 2600, cuando se disfrutaban juegos como Tennis y Enduro, el segundo se consideraría como el boceto de F-1 Race de Nintendo. Esta consola fue el punto de partida de este modelo de videojuegos, donde también se incrementaba el reto de volar aviones, ovnis, incluso jugar al policía y al ladrón. Además de uno verse enfrentado a los ataques de monstruos aberrantes y aliens despiadados, recordando el caso de Space Commander, a la hora de ver un capitulo de Futurama donde Fry le quedaba grande eliminar el ultimo bicho.

Justamente, la aparición de la consola NES, cuyo clon barato, el famoso “CREATION”, donde el empaque mostraba los personajes de Street Fighter, mostraba la verdadera cara de la adicción, vulgarmente se le llamaba el “primer bazuco virtual” (XD). Iniciemos con describir cómo

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fue la experiencia con Super Mario Bros, el primer paso de Nintendo, y a la hora de desesperarse por obtener el truco de las vidas ilimitadas, y tratar de mantener el poder del “Panadero”, para deshacerse de los enemigos sin ninguna dificultad. Su trilogía fue el verdadero furor de este comercio de videojuegos de primera dimensión, desde la primera derrota de Bowser, pasando por vencer a Wart con objetos arrojadizos, y terminando con otra derrota contra Bowser y reclutando a sus siete hijos.

Nintendo podría crea su propio reino de videojuegos con varios títulos como Zelda, Metroid, entre otros, y sin descartar la experiencia con títulos como Bomber Man y Lode Runner, y algunos otros iconos de Hudson Soft, como los ataques a aliens y piezas cibernéticas desquiciadas vividos en títulos como Star Force, Starship Hector y Star Soldier, que uno puede decir: “se sabe perder el tiempo jugando esto por un estúpido final de letras nada más”. Viéndose como la realidad de lo que conocemos como Arcade, que solo se vive de obtener el máximo puntaje, y de ahí muchos gamers empedernidos se gastaban más de dos horas (tiempo límite de juego) para batir records propuestos, en juegos también conocidos como “Millipede”, “Galaga” y “Galaxian”, a medida que se pasen stages, el reto se pone mas interesante.

NES, La reforma a los primeros videojuegos Y justamente, Robert Downey Jr. virtual, Bill Rizer, justo con su colega, hizo referencia a estos juegos en The Lance Bean, liquidando a una colonia imparables de razas alienígenas que Avengers. usan tecnología avanzada, planeando Empresas conocidas como CAP- una invasión total a la tierra, teniendo COM, Konami, Jaleco, Taito, entre poco argumento, la meta del juego era otras, nos han deleitado con infini- elevar el puntaje y sumando la maydades de títulos, por donde la intensi- oría de vidas ganadas, contando con va saga de Mega Man, el primo sureño estrategias de tiro, evasión y uso de Astro Boy, y la versión cibernéti- de mejor armamento. ca del Capitán América nos deje un gran recuerdo con sus seis entregas, experimentando un futuro donde las maquinas a medida van dominando la mente humana, hasta hacer el mismo ser humano como algo obsoleto, donde el Dr. Wily, el único ser humano, ese entonces, al igual que el Dr. Light.

El primero se veía como el ejemplar de un desquiciado Hitler, obsesionado con dominar el mundo con su ejercito innumerable de androides psicópatas. Sin olvidar la experiencia que uno vivió encarnando en el patriota 7

anto en este punto, porque la verdad me llegan muchos juegos a la mente, y se nos va mucho tiempo, energía y papel para hablar más. Pero en sí demos un espacio a los deportes y a los juegos épicos, en deportes no nos olvidamos los ataques de frustración cuando se jugaba Baseball, Tennis, Chess, Mahjong, Othello, donde la mayoría de veces uno tendría que utilizar la habilidad de Shang Tsung para transformarse en un ser superior a Gasparov para vencer a la computadora, como el reflejo que el invento del hombre es imposible de derrotar. Y juegos de movilización tipo Micro Machines hasta tamaño familiar Hot Wheels, sobreviviendo en pistas fáciles pero imposibles en títulos como Excite Bike y Mach Rider, chocando motocicletas con todo al paso, asi también destrozando un prospecto de Ferrari y un F1 en juegos como Road Fighter y F-1 Race, este ultimo el motivador para jugar Top Gear (SNES), juegos épicos que recuerde apenas serían Gun. Smoke y Wild Gunman, demostrando ser el Clint Eastwood virtual y Castlevania, cuya saga sigue inmortalizando al temible Vlad Tepes (Dracula).

Galaga, lecciones de maniobr

Una Caceria Imposible 8

Y para la reflexión, los 8-bits aun perduran, valiendo la pena dentro de una consola original (NES), incluso gracias al internet, el emulador y su millonada de roms, sin descartar la adaptación a la consola portátil a Game Boy Advance. Sin embargo, la “sinverguenzada” de hacer estereotipos de consolas de ultima generación, que en otras palabras, son esas “malditas imitaciones” baratas como el “Poly Station” y el “G - Box”, que no es mas que aparaticos que si uno los sabe cuidar pueden durar sus años, y su negocio redondo es el mostrar en el aviso de su milloncito de juegos (el Famicom se salió siempre con la suya), en el sentido que en general de esa tentación uno encuentra 15 a 20 juegos y el resto meros repetidos.

ras evasivas

El Verdadero Insulto A Los 8-Bits 9

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reo que muchos conocemos a Rob Zombie, ya sea por su música o por algunas de sus películas, sin embargo se nota claramente que su ocupación como cantante de Metal lo ha inspirado a hacer esta película, llena de escenas siniestras, un ambiente oscuro y pesado. Una película que nos lleva a un mundo donde las brujas aun existen, donde la iglesia y cualquier cosa celestial que exista no tiene relevancia como Satán, el único “Dios verdadero” para las brujas. Conforme empecé a ver la película se me vino a la mente esta frase de VargVikernes “El mundo necesita oscuridad, porque el exceso de luz no nos ilumina ni nos abriga sino que nos ciega y nos abraza”, ¿Por qué pensé en esto?, porque esto es lo que ofrece Zombie,esta es una de esas películas que han creado en mi una tensión bastante fuerte y que va creciendo conforme avanza la película, no es como las típicas películas de terror que todo es negro que no se ve nada y de un momento a otro ¡PLAM!, llega el sonido estruendoso con un monstruo al lado,no, en esta la oscuridad es la dominante en toda la película de forma sutil.

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En cuantoal reparto hay que destacar (léase bien) notablemente la pinta y vestimenta de Heidi (Sheri Moon Zombie), para ser una presentadora en una estación de radio de rock pesado le va como anillo al dedo esos tatuajes, sus rastas y esa vestimenta relajada, y ni que decir de su cuarto, uno así es de sueños, pero en cuanto actuación, creo que ha sido uno de sus peores, por no decir la peor, creo que solo me resta destacar la actuación de las brujas que aparecen al inicio, ya que obviamente fue hace muchos siglos y las precarias vidas de esa época lo representan a flor de piel en estas mujeres, descuidadas físicamente, voces siniestras y demás cosas que las hacen unas brujas excelentes.

Las demás actuaciones tanto de los compañeros de radio de Heidi, como el escritor como las brujas que viven en el edificio con ella creo que no vale la pena mencionarlos son mas que todo un simple ”relleno” porque lo que están aportando a la película es nada, en especial las ultimas brujas, A ver ya es siglo XXI no seria lógico incluir unas brujas un poco menos sobresaltadas, estas abusan de sus actuaciones se les nota a leguas esas sonrisas fingidas como “te voy a hacer algo pero no sabes que”, o hablar pausadamente con sus acentos de (se podría decir) brujas cuando por razón lógica no lo deben aparentar, para mi estas 3 actuaciones fallaron en esa parte.

La película tiene escenas bastante fuertes, ver a sacerdotes haciendo “cosas” que no deben, mujeres escupiendo bebes en el rostro, un bebe deforme crucificado y otras cositas causan algo de impacto y mas que todo porque son cosas que casi no se muestran pero para que esta película funcionara un poco había que hacerlo.

Por último al parecer Rob Zombie es un adorador del Diablo, porque el guion de la película es incoherente, pierde el hilo, lo único que llevaba sentido eran las oraciones y alabanzas que hacían las brujas a Satán, creo que Zombie se tomo todo el tiempo que fuese necesario para que estas quedaran perfectas y se olvido del resto. Si eres (perdonen la palabra) ”fanático” religioso y te ofenden algunas cosas sobre la iglesia no te recomiendo verla. Medio bien: la ambientación y el dominio que tiene la oscuridad en la película, medio mal: guion y borrar lo bueno que se había hecho con el final.

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ste es quizás el documental con mayor proselitismo a favor de Manson. Ya que pretende ante todo desmitificar la imagen de ‘Boogeyman’ vendida por todos los mass media por alrededor muchos años. Imagen que entre otras cosas se volvió un ícono de consumo más, una marca registrada tan popular como Coca Cola o Mc Donalds, el CHE GUEVARA o el mismo Jesucristo con el que es frecuentemente comparado. Al público en general se le ha vendido un mito con el nombre de Charles Manson, un Satán moderno, condenado por una sociedad ‘moderna’ que dice creer nunca en diablos, brujas o demonios. El realizador del documental, Nik Shreck es un músico, escritor y mago ocultista, se hizo popular en los años ochentas, por haber sido un abierto militante de la iglesia de Satán, recordemos que Nik se casó con Zeena LaVey, la primogénita de Anton Zandor Lavey, y ex sacerdotisa de la iglesia de Satán. Para Shreck los asesinatos ocurridos la noche del 8 de agosto, no son ninguna cosa del azar.

Él está absolutamente convencido, de que tiempo atrás, cosas horribles han venido ocurriendo entre los días 8 y 9 de agosto, de esta manera, y en la propia voz en off de Shreck se abre el documental: “Un 9 de agosto de 1945 lanzan la bomba de Hiroshima (...) un 8 de Agosto el Ku Klux Klan celebró su primer congreso (...) un 8 de Agosto nació Ed Gein el carnicero de Plainfield” paralelos cada vez más insólitos o dispares, que se alejan más y más del concepto que Nik insiste en llamar ‘purificación a través de la violencia’. Y que tendría un efecto destructor, que reafirma la decadencia de la sociedad occidental y su camino hacia la autodestrucción.

No obstante en lo que Nik, a mi humilde opinión sí acierta. Es en apuntar que Charles Manson, es el primer condenado a cadena perpetua, por un crimen del que no fue autor material, además nunca se ha comprobado que Charlie haya matado a nadie. Manson está preso más por su filosofía e ideología política; que por ser un asesino de masas, como erróneamente se le conoce.

Otro aspecto interesante del documental es en la parte donde se insiste que la verdad sobre los motivos verdaderos continúa siendo un misterio, atribuyen que la culpa de la desinformación y contradicciones en torno al caso Manson, es el trabajo sucio 12

de los diferentes medios de comunicación pasando por magazines, periódicos, TV y cine. Por tal razón Shreck suelta los ‘hipotéticos móviles’: Uno es el Copycat (Asesinato por imitación) plantea que los crímenes Tate/La Bianca fueron cometidos para despistar a la policía en la investigación del asesinato de Gary Hinman, asesinado por Bobby Beausoleil.

El otro motivo plantea, que todo se trató de un ajuste de cuentas de drogas. Tanto Tex, como Frikowski, y Leno LaBianca tenían una conexión con los narcóticos.

Sin embargo lo que si queda claro es que el móvil Helter Skelter, por el cual Manson está preso, y que fue ideado por Vince Bugliosi, es una total y completa fábula, difícil de creer aún hasta por un niño de 7 años.

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ay películas que te sensibilizan y te hacen abrir los ojos para que veas la vida y el mundo mas allá de lo que creías correcto, esta es una de esas películas, YojiroTakita nos pone a pensar con esta película y nos saca una lagrima que representa todos los sentimientos posibles, alegría, tristeza, amor y muchas otras, nos dan ganas de aplaudir por ver esta obra; una obra que jamás olvidaré. Una película con un inicio tranquilo, que nos relaja como diciéndonos “te preparamos para que la veas sin apuros”, y luego conforme va avanzando la historia ya no nos importa lo que pase, ya estamos “dentro de la película” esperemos que acabe, no hay afán. Ademásde eso su ambientación musical es única, es gratificante ver esas escenas en la que su protagonista DaigoKobayashi (MasahiroMotoki) se sienta, coge su instrumento, afina sus cuerdas y empieza a tocar, ver los rostros de los personajes como viajando a otro mundo mientras escuchan su música nos hace dar cuenta que nosotros estamos haciendo lo mismo, y algo totalmente extraño pero agradable es ver los recuerdos que se nos vienen a la mente cuando escuchamos tocar su violonchelo.

Adoro estas películas que en 2 horas nos muestran situaciones de odio, alegría, tristeza, desespero, optimismo y todo lo que le puede suceder a una persona, cuando nos incluyen esos momentos de comedia que nos animan, y nos hace ver que una “simple historia” la podemos comparar con nuestras vidas y nos hace ver el lado bueno a las cosas, pero lo más importante de esta 13

pero lo mas importante de esta película es la forma en la que nos hacen ver la muerte, vemos que la idea que tenemos sobre la muerte es muy distinta y que la podemos cambiar, nos hace querer que cuando llegue nuestra hora también queremos dejar este mundo de la mejor forma posible, vestidos con nuestra ropa favorita, dejando nuestra ultima y mejor expresión posible aunque ya no seamos dueños de esta, nos muestra que la muerte no es el fin, es una puerta mas que se abre para una nueva vida y para eso debemos llevarnos nuestra mejor expresión para empezar una vida mejor.

Las películas Japonesas siempre sorprenden con ideas y esta no es la excepción, Un merecido Oscar (2008) por película de habla no inglesa por la nobleza y la belleza artística que en 2 horas no aburre en ningún momento, actuaciones geniales en especial la de RyokoHirosue (que hermosa mujer, que hermosa sonrisa, que hermosa voz), guion bien implementado, buenas tomas en cada escena, música a la perfección, un final esplendido que cierra como debe de ser esta película, una película que lo tiene todo y que vale la pena ser vista.

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eolo es una película de Jean-Claude Lauzon de 1992 que nos relata la vida de Leolo, un chico que cree que ha sido concebido por un tomate siciliano y que además se encuentra en medio de una familia atormentada por la locura, y cuya principal cura a todos los problemas, según piensan ellos, es la mierda.

Sin embargo Leo es el único entre su familia que no está loco y que además se refugia en la lectura y sobre todo en la escritura de un diario para no caer en la locura genética de su familia, Leo repite: “porque sueño, yo no lo estoy”.

Jean Claude Lauzon en esta película que es su obra maestra, nos muestra ambientes y atmosferas abrumadoras, cargadas y sofocantes en donde se encuentra inserto Leo quien recurre frecuentemente a su imaginación para que su contexto no lo aplaste. Jea Claude nos presenta una película con una densidad en la que no permite que el espectador aparte la atención, pero sin embargo nunca es aburrida para lo cual se vale de una estética en la imagen un tanto parecida a Amelie y otro tanto a Delicatessen y una banda sonora exquisita en la que incorpora temas como “Coul, coulground” de Tom Waits.

Esta es una película llena de sentidos difícil de catalogar y mucho más difícil

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de describir, en la cual el que busca reírse en una película va a encontrar momentos y situaciones que les arrancará una risotada, pero también momentos en que fluirán las lágrimas a raudales pues esta película toca nuestra sensibilidad. El director no sólo buscaba que sintamos empatía con Leolo, sino que nos convierte en Leo, de modo que las situaciones por las que pasa nos ocurren también a nosotros como espectadores. Además, también nosotros nos encontramos inmersos en una realidad sofocante, saturada y un tanto loca para lo cual también cada uno de nosotros tiene sus escapes y nos refugiamos, algunos en el cine, otros en los libros o en la música.

Como lo dije antes Leolo es la obra maestra de Jean ClaudLauzon, pues después de haber hecho esta película murió trágicamente en un accidente aéreo mientras preparaba su tercera película, y aunque fue corta la carrera fílmica de este director (tan solo dos películas), nos dejó Leolo una gran obra maestra que forma parte de las 100 películas más importantes de la historia según la revista Time.

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ealmente no sabía a lo que me iba a enfrentar en esta película, pues a falta de intenciones para leer la sinopsis simplemente me dejé hipnotizar por el poster del film, en el cual nos encontramos con la ya familiar Keira Knightley, el rostro no tan familiar de Andrew Garfield, y una delicada Carey Mulligan, quién hasta ese momento me era desconocida, pero que hoy por hoy tiene mi admiración y más.

Así, sin idea alguna sobre la temática di inició a la película. Primera impresión, Nunca me abandones (Never let me go 2010), basada en la novela Never let me go escrita por Kazuo Ishiguro, no sería un cursi drama romántico que olvidaría una vez finalizados los créditos; todo lo contrario, desde la primera escena nos enganchamos con el tono, el performance de los actores, y el ritmo, montándonos en un viaje distópico y denso que nos dejará sin aliento. Segunda impresión, el flashback desde el punto de vista de Kathy (Carey Mulligan) sobre las vivencias de ella, Ruth (Keira Knightley), y Tommy (Andrew Garfield) en el inquietante internado llamado Hailsham, en donde los tres protagonistas se ven envueltos a temprana edad en una lucha por amar y ser amados. Durante esta primera parte de la película no solo vibramos con el amor inocente expresado por Kathy, sino que la intriga por saber lo que se cocina en el internado nos lleva 15

a toda clase de conjeturas hasta enterarnos de que el internado es para niños clones que son educados para donar sus órganos. Es aquí cuando entendemos el por qué del alboroto por un par de colillas de cigarrillo encontradas en un arbusto, o los juguetes descompuestos que son regalados a los niños desde afuera; secuencia que en verdad me produjo un dolor penetrante y una nostalgia inexplicable.

Pero acá no para todo, ya adultos, los protagonistas deben enfrentarse a fuerzas indómitas dentro de sí mismos que no cualquiera podría llevar consigo; desde sus deseos sexuales mas punzantes hasta su puro y desbordante amor por quienes aman, los tres jóvenes son llevados a un verdadero laberinto. Pero si tan solo esto fuera lo que arrastra a Kathy, Ruth y Tommy a vivir no habría ningún problema, serían tan humanos y burdos como cualquiera de nosotros.

Pero en su caso, a parte de experimentar las pasiones humanas, Kathy, Ruth y Tommy sienten ese ferviente deseo de hallar su origen, y no nos referimos a un padre o una madre, no!, nos referimos a lo que ellos denominan su original, la

persona de la cual fueron clonados.

Y es acá donde una serie de preguntas invaden nuestra mente; y qué si encuentran su original? Y qué si logran estar con la persona que aman? y qué si mueren al donar sus órganos vitales? Y qué si tienen un alma como nosotros?

Respuesta: Nada. Como seres que han sido diseñados para donar sus órganos vitales no son vistos más que como objetos portadores de piezas de recambio para lo que podríamos llamar humanos de verdad. Es en este punto en donde la película, de forma extremadamente sutil toca el alma humana y llama a la reflexión; y no solo desde el punto de vista de los niños clones, sino desde el nuestro propio, ya que la película presenta el cómo los seres humanos (a excepción de unos cuantos que se niegan a aceptar este estado “natural” de las cosas) aceptan el mundo tal y como está configurado. Así, este aspecto presentado por la película, enmarcado por la vida de los niños de Hailsham, es realmente tremendo para el mundo en el que vivimos hoy, en donde oficialmente compañías como la Myrial Genetics de Estados Unidos está buscando patentar los genes humanos, o la California Stemagen Coporation que ha anunciado la primera clonación de un embrión humano a partir de células humanas. En pocas palabras, si se prosigue con la clonación de partes humanas, y se diera el paso 16

de permitir la patente de la genética humana, el cuerpo humano pasaría a ser propiedad de la posible Monsanto de la genética. Y así, en un par de (de)generaciones, la población tomaría con naturalidad (o se haría la de la vista gorda) la clonación humana, igual a como se dio con la manipulación genética de los alimentos a manos de Monsanto hace ya décadas atrás.

Finalmente, y para evitar revolvernos las entrañas con esas realidades, mas bien revolvámoslas revisando lo técnico. Primero, la película fue un desastre financiero. Creo que uno de los factores fue la crítica negativa, pues ésta esperaba encontrar como elemento central la parte humanista del libro y no la historia de amor de Kathy y Tommy. En éste caso podemos aventurarnos a decir que el ataque de la crítica a este aspecto del film alejó parte del posible público. Segundo, el trabajo de dirección, impecable; siguiendo la tonalidad de su trabajo, Mark Romanek parece degustar de ésta clase de historias que punzan el alma.

Claro ejemplo de esto es Retratos de una obsesión (One hour photo 2002), en donde Robbin Williams se faja un papel extraordinario encarnando a un solitario y psicorrígido copiador de fotos. Tercero, el final; No muchas películas tienen finales tan sólidos como Never let me go (2010). Quizás me dejo llevar por la actuación de Carey, o el impacto de la fotografía, pero un final en donde un ser humano se encuentra al atardecer en un campo solitario con el rostro iluminado por las lágrimas, y cuya única compañía es un árbol al lado del camino, no es algo que cualquiera pueda lograr tan fácilmente; y es ahí en donde me inclino ante el director, mil venias a Romanek, y dos mil venias a Carey Mulligan, quién ya sea en el hostigante derroche de el gran Gatsby (The great gatsby 2013), o la austeridad de Nunca me abandones (Never let me go 2010) brilla intensamente hasta enamorar.

¿Película de Terror?, Acá tienes una. os niños siempre han sido una de esas cosas que mas tenemos que cuidar en este mundo, ¿Por qué?; razones hay muchas pero la que todo el mundo tiene en la mente es: “Los niños son el futuro de la humanidad”, ahora sabiendo esto damos por entendido que un niño es un ser intocable, que debemos respetarlo y darle cariño. Tener esta idea en la cabeza puede hacernos pasar un muy mal día, y hasta terminar mal. España es un país que hace buen cine, eso no se puede negar y Narciso Ibáñez se lucio con esta obra, un clásico total.

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Un inicio aislado, aparece un hombre muerto con señales raras en el mar. Pero bien. ¿Cómo murió el hombre al inicio?, ¿Qué pudo haber pasado?, La película ni siquiera no lo dice, la muerte del hombre es una incógnita pero no hace falta que no lo mencionen, venir del mar muerto ya nos da la idea “TIBURONES” NOOOOOOOO, esto es terrible. Pero continuemos…

Aparece una pareja de ingleses Tom (Lewis Flander) y Evelyn (PrunellaRansome, una pecosita muy sexy) que van de luna de miel a un lugar que no conocen muy bien y para colmo de males se van a una isla a la que si de un lugar no conocían esta isla peor. Cuando esta pareja parte hacia esa isla a pasar una buena luna de miel verán como esta se convertirá en una luna de sangre. ¿Qué podrías pensar al ver una isla sola, casas vacías, calles solitarias?, algo extraño debe de ocurrir, sin embargo no esta de más ver que pasa y si se puede pues tratar de disfrutar la estadía, pero lo extraño empieza a suceder, Aparecen niños, si niños, no hablan y lo único que se les escucha es esa risa tenebrosa que causa escalofríos, como cuando caminas por un bosque en la noche y escuchas un ruido y la piel es la primera en sentir esa sensación. Esa es la sensación que causan las risas de estos niños. Y conforme van sucediendo las cosas, no hay nadie solo niños que aparecen y desaparecen sin más, se empieza a sospechar que algo extraño pasa; aunque ya es demasiado tarde. Alguna fuerza extraña convirtió a estos niños en seres sedientos de sangre, con ganas de mostrarles a los adultos que ellos mandan, y lo peor de todo disfrutar cuando matan a alguien. (Ahora creo que ya sabes como murió el hombre al inicio de la película). Es en este momento en donde nos damos cuenta de que todo esta mal y que esta pareja esta perdida en esta isla solitaria al encontrarse con estos niños escurridizos que se esconden donde sea y salen por donde sea con tal de dar la gran sorpresa y llevarse su premio.

Termina elsuspenso y comienza el verdadero terror, y la pregunta es ¿Porque simplemente no nos defendemos? Son simplemente niños ¿Que puede hacer un niño a un adulto bien plantado?, Es precisamente lo que este título ¿Quién puede matar a un niño? Nos plantea, ¿Te crees capaz de matar a un niño, o herirlo para salvar la tuya? La respuesta puede ser simple, es mi vida, tengo que defenderme, claro que lo haría, pero la idea que tienes en tu cerebro de no hacer daño a un niño ¿crees que te dejara hacerlo?, se puede tener mucha fuerza de voluntad pero luchar contra un “dogma” que lleva forjándose durante toda la vida en nuestros pensamientos para contradecirlo puede resultar mas difícil de lo que parece. Así que ¿Qué posible idea nos deja Narciso Ibáñez en esta película?, no lo se realmente, pero es una muy buena idea enfrentar una realidad como encontrarse bajo presión en una situación como esta contra una idea.

Terror lo tendrás, suspenso lo tendrás, Guion? Esas risas tenebrosas son todo el guion que buscas y mejor aun con una música bastante apabullanteque con esas risas te harán tener pesadillas con niños asesinos. ¿Crees que te conté la película?, dejé un detalle muy importante, ¿Quieres saber cuál? te quedaras boquiabierto, pista es sobre la pecosita sexy.

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xisten casos en que un amigo o un conocido nos vende una película, y uno como comprador prevenido genera cierta resistencia, pero en este caso, a falta de vendedor, una de mis voces susurrantes comenzó a intrigarme, -Hey, amigo, es una película de anarquistas-; lo único que podía pensar era -vaya, que innovador-, -siii, es una comedia alemana- responde la voz, a la cual replico -Tienes toda mi atención, pero…-, -que bien- interrumpe la voz susurrante que luego pasa a preguntar –Conoces al bastardo de Til Schweiger-, con intriga y disgusto pregunto –quién, perdón?-, -sí, el Stiglitz de Tarantino, Schweiger protagoniza Was tun, wenn’s brennt-, una vez escucho esto, reacciono –Pero, como no sabía de ésta película?-, -Relájate amigo, el cine es un mundo inconmensurable, solo debes abrir mas los ojos y no ser tan prevenido- responde la voz para luego retirarse.

Luego de hacer caso a los susurros bajé toda barrera preventiva y me senté a disfrutar de Que hacer en caso de incendio (Was tun, wenn’s brennt 2001). No siendo la gran película del año me sacó más de una buena sonrisa con sus situaciones bien traídas de los cabellos. Partiendo de la premisa, capturar un grupo anarquista que no milita desde hace 20 años; razón? Nuestra banda anarquista coloca una bomba casera en un edificio, y saben, la bomba no explotó hasta pasados 20 años cuando una vendedora de bienes raíces y un potencial cliente abren la puerta del edificio.

Una vez pasado todo el alboroto entra en escena nuestro antagonista, un policía al borde del retiro cuyo zenith fue la lucha contra las células anarquistas en la Berlín dividida; como era de esperarse nuestro antagonista se toma esta nueva cacería muy a titulo personal. Para beneficio de nuestro amigo policía la banda dueña de la bomba degustaba de filmar todo lo que hacían, incluyendo la fabricación y colocación de bombas; se creería que las películas después de 20 años ya son historia de basurero, pero no es así, están intactas en el apartamento de Tim (Til Schweiger) y Hotte (Martin Feifel), los únicos miembros que aun siguen a ciegas el movimiento anarquista. Sin embargo, y como era de esperarse nuestros amigos pierden los videos a manos de la policía. Es aquí cuando no podemos evitar sonreír al ver la aparición en pantalla de los antiguos miembros del grupo, quienes sin querer queriendo, y para evitar arruinar sus nuevas vidas, deberán unirse a Tim y el inválido de Hotte en la aventura de re19

cuperar el video con la evidencia de la bomba.

Nuestra banda no podría ser más dispareja y conflictiva, pues juntar un yupi, dos anarquistas de vieja guardia, una madre soltera, un abogado, y una mujer subida en la clase alta, no es de todos los días y mas si se juntan después de una abrupta separación causada por males de amor y amistades traicionadas.

Sin embargo, a pesar de sus conflictos, éste coctel molotov nos deleita mostrando en lente macro la torpeza policiaca, y su derroche de maquinaria coercitiva, enfrentada a un famélico grupo anarquista que ya no solo sabe de bombas, sino también de pañales, leyes, y mercadotecnia.

Bueno, aquí me detengo para no quitaros la sorpresa de lo que viene, más bien os comento que la película me divirtió de principio a fin. Que hacer en caso de incendio (Was tun, Wenn’s brennt 2001) es esa clase de películas que no son extraordinarias pero extrañamente uno no desea que lleguen a su final, y si en tal caso llega (obviamente), solo deseamos rebobinar la cinta, o en su defecto reiniciar el reproductor para gozar de nuevo con lo absurdo, lo inverosímil, y lo cotidiano.

Luego de ver la cinta no puedo decir sino mas que bravo! Pues ésta relativa nueva serie de películas alemanas de humor ayuda a sacudirse de la “mugre” dejada por las películas históricas sobre la Alemania dividida, el racismo y la segregación; ejemplos de esto son películas como La Ola (Die Welle 2008), El Hundimiento (Der Untergang 2004), y Baader (Baader 2002). En todo caso, creo que a Greog Schnitzler (director de la película) y los guionistas Stefan Dähnert y Anne Wild los podríamos juntar con Fatih Akin, pues en la tonalidad del trabajo que hacen van muy a la par trayendo vitalidad al cine que nos venden desde Alemania, pues en sus películas se abordan con sátira los demonios del alma alemana.

En pocas palabras, para los que creen que todo lo alemán es NAZI, o que lo que viene de Alemania trae un sello militarista, Que hacer en caso de incendio (Was tun, Wenn’s brennt 2001) les sacudirá las cucarachas y abrirá los ojos, mostrándoles que el alma alemana, a pesar de las tragedias vividas durante el siglo XX, está mas viva que nunca, llena de sonrisas, y con las botas puestas para hacer de su cultura cinematográfica un hermoso collage.

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ablar de cine de artes marciales, es remover un poco también, en mis recuerdos personales. Cuando tenía unos 7 u 8 años quizás, no había un fin de semana en que a mí no me mandaran al cine, a veces iba los dos días, sábados y los domingos. Aunque, ahora que pienso bien este asunto, creo que mis padres hacían esto como una manera para descansar de este mí, durante los fines de semana. Pero aún así: papá, mamá (q-e-p-d) -donde estés- ¡Gracias por “desencartarsen” de mí! Y sobre todo en esa manera tan eficaz. No recuerdo en cuál de éstos teatros, si el Cinema, Capri, Caldas, o el Consota. (Aclaro que estoy hablando de la Ciudad de Pereira de los 80.) Vi El “Gran Jefe (1971)” la primera película de Bruce, mejor conocida como “Karate a muerte en Bangkok”. Los movimientos rápidos de Lee, elegantes, finos, toda una coreografía letal, casi como un ballet, pero, un ballet de la muerte, cautivaron millones de espectadores alrededor del mundo, lo curioso era que estas películas como cosa rara, llegaron a Colombia mucho tiempo después.

Los mismos movimientos que lo hicieron quizás el actor no chino, más aclamado en Hong Kong China, ícono pop, pero sobretodo, indiscutible legenda del cine de artes marciales. Mucha gente acuerda que con la muerte de Lee, murió también el cine de Artes Marciales. Esto es en parte verdad. Si se piensa en el número que marcaron las registradoras cuando se estrenaron las cintas de Bruce Lee a principio de los 70. Pero mentira si echamos mano del listón de pateaculos cinematográficos post Bruce Lee: El no tan –todopoderoso- Chuck Norris (Bruce le patea el culo en El Furor del Dragón), el belga Jean Claude Van Damme, Steaven Seagal y por supuesto, los chinos Jakie Chan y Jet Li, todos y cada uno de ellos, han conquistado Hollywood, encargándose de que este cine puntee en taquillas de vez en cuando. Pero si hay que hablar de un verdadero hit del cine de artes marciales o cine Wu Xia para los puristas, hay que hablar de la nominada a 10 premios oscar, y ganadora de 4, El tigre y el Dragón (2000), del taiwanés Ang Lee, la película más de artes marciales más taquillera de la historia, en todo el cine de habla no inglesa, ¡Todo un fenómeno!.

No obstante, Bruce Lee es el mismísimo dragón chino y punto, es más estoy seguro, de que hasta el más

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desprevenido o lego espectador, podrá asociar el cine de Lee, con el cine de artes marciales. Además la historia de Lee, llena de misterio y tragedia, se mitificó con su misteriosa muerte, producida por una inusual hemorragia interna, provocada por una aspirina que el actor ingirió, para calmarse un dolor de cabeza. Sin embargo, sobre la muerte de Lee se especulan hipótesis todavía más delirantes, como las prácticas de sexo bizarro y abuso de drogas. La autopsia practicada al cadáver de Bruce, notificó la presencia de THC (Marihuana) en su sangre, dando lugar a astronómicas especulaciones.

Además a esto le podemos sumar que Bruce no pudo escoger peor lugar para estirar la pata, el apartamento de la actriz de películas eróticas (Más adelante volveremos hablar de ella) Betty Ting Pei. Entretanto existe otra hipótesis más delirante, que señala que Bruce murió envenenado por las triadas (mafias) chinas. Todo porque según ellos Bruce Lee había profanado el secreto milenario del Kung Fu. Como pueden ver, todas estas hipótesis no han hecho más que echar leña al fuego, aportando más camorra al zarzo. Pero si ésta hipótesis llegara a ser remotamente factible, sería a David Carradine, el protagonista de la serie televisiva Kung Fu, al que las triadas chinas debieron de envenenar. Por ser el verdadero responsable, a gran escala, de la popularización del Kung Fu. Aunque irónicamente, Bruce Lee, sería el responsable del concepto general de la serie Kung Fu, pero se especula que no llegó a protagonizarla, a pesar de haber nacido en Estados Unidos, los estudios temían un fracaso, si el protagonista era un actor con acentuados rasgos chinos.

Es por esta razón que Carradine, teniendo escasos conocimientos del Kung Fu, logró hacerse con el protagónico, su registro en pantalla, y por muy raro que esto pueda sonar, su rostro simulaba una especie de oriental americano. Personalmente yo fui un fan de esta serie, que pude ver todo y gracias a la recién llegada televisión por cable de los 90. Kung Fu además ofrecía la exótica mezcla de western, filosofía oriental y budismo zen, la serie es hoy día objeto de culto.

Sin embargo las películas sobre Kung Fu y su sinónimo más difundido el cine de artes marciales, ya se habían hecho hace más de 50 años atrás, cuando empezaron a emerger los primeros productores de cine Chino, muchos de estos pioneros, adaptaron historias del teatro chino, o de la ópera pequinés, mostrando un particular interés por un estilo de novela de artes marciales conocida como Wu Xia, o películas de caballería marcial, que ofrecían historias sobre gestas heroicas, combates de espadas, patadas voladoras, puño venteado y además elementos fantásticos del tipo de manos que tiran rayos, shaolins voladores, parecidos a los de la película El Tigre y el Dragón. Por otra parte, volteamos 25

la página y nos paramos en los netos 60s, el movimiento Hippy en plena efervescencia lisérgica, muchos colocaron sus brújulas con dirección a oriente, con la ilusión de encontrar otro sentido al ritmo de la vida occidental. El movimiento de la new age (Nueva Era) hizo ver play el practicar una disciplina oriental; yoga, fen shui, y por supuesto técnicas de combate oriental entre ellas el kung fu chino o el karate japonés.

Es así como muchos inmigrantes chinos instalados en las diferentes Chinatown (Barrios Chinos) de ciudades como Nueva York, California, San Francisco en los Estados Unidos, empezaron a fundar academias de Artes Marciales. Uno de estos inmigrantes es por supuesto, Bruce Lee, quien diseñó su propio estilo de artes marciales, el Jet Kun Do (La técnica del puño que intercepta) para el que grabó videos, y hasta escribió un libro, mientras alternaba todo esto con clases de actuación. Dentro de sus alumnos se encontraban estrellas de cine como Roman Polanski, su esposa Sharon Tate, el estilista y playboy de Hollywood, Jay Seabring asesinado por la familia Manson en la masacre de Cielo Drive. Jay Seabring sería el responsable de presentar a Bruce ante William Dozier, el productor de la versión para TV de El Avispón Verde. Bruce hizo su debut Interpretando a Kato el enmascarado e inseparable compañero del avispón verde. Cuando la serie se emitió en Hong Kong, Bruce Lee se transformó en una estrella. La Shaw Brothers, la compañía más importante, le quería, pero Bruce, se quedaría con una propuesta mejor por parte de la competencia, la Golden Harvest.

Compañía propiedad de Run Run Shaw (Raymond Chow), la oveja descarriada del imperio Shaw Bros, que fundó su propia productora. Teniendo entre manos al verdadero dragón de los huevos de oro, Bruce Lee firmaría por varias películas, en la que le dieron luz verde a todas sus sugerencias. Inclusive llegó a dirigir y co escribir su tercer película El Furor Del Dragón, en la que Bruce impulsó la carrera del por aquel entonces campeón mundial de Karate y también futuro héroe de la pantalla grande, Chuck Norris. La última película de 26

Lee titulada Operación Dragón, una co producción entre la Golden Harvest y la mismísima Warner Brothers quién recién quería subirse cuanto antes al barco de las exitosas películas de “ojirasgados” tira pata. Operación Dragón es la historia de un torneo clandestino organizado por un poderoso maleante, en dicho torneo convergen los mejores luchadores del mundo. Y claro el dragón chino no podía perderse esta cita. La película por supuesto fue todo un hit en las taquillas, Bruce Lee había conquistado Hollywood. Pero pasó lo que tenía que pasar, se murió.

Lo que ocurrió después de la muerte de Lee, no tiene precedente alguno.

Mientras los gusanos recién se ruñían la carne en descomposición del desaparecido héroe del Kung Fu. Decenas de imitadores, empezaron a surgir, para protagonizar en los films más baratos y delirantes que se hayan hecho jamás; nombres como los de Bruce Li, Bruce Le, Bruce Liang, Bruce Leugn o Bruce Lin, nos pueden aportar una pisca del frenesí que se les venía encima. Estos films dieron origen a toda una nueva categoría: El Bruceplotation (Bruce explotación) dichas películas intentaron llenar un vacío dejado por Lee, muchos de sus fans no pudieron sobre llevar el hecho de que Bruce sólo haya protagonizado cuatro películas. El tema del Bruceploitation es tan amplio que inclusive merece su propio volumen. No obstante de todas estas películas una de las más bizarras es Bruce Lee and I (Bruce & Yo), también conocida como The Sex Life Of Bruce Lee (La vida sexual de Bruce Lee) lo más bizarro de esa película es que Betty Ting Pei, ¿recuerdan la actriz erótica, dueña del apartamento donde murió Bruce Lee? Pues resulta que ella tiene la suficiente sangre fría para actuar en una película en donde supuestamente narra lo que en verdad ocurrió, para que se hagan una idea de este extravagante exabrupto, los dejo con un fragmento de una reseña escrita por Peter Tombs en su libro Mundo Macabro: “La historia es narrada a modo de Flashback por Betty Ting Pei, que hace de sí misma, a un simpático camarero con el que departe en un bar, la película avanza lenta y plomiza hasta el esperado clímax final. En esa escena Betty rocía de perfume su enorme lecho y se desnuda completamente mientras Bruce (interpretado por Li Hsui Hsien), que no para de tragar pastillas y fumar enormes Porros, le da a su tórrida anfitriona un último repaso” 27

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os límites de la violencia en el cine son ilimitados, y en nuestra contemporaneidad, la violencia se ha vuelto una costumbre en el cine como en la realidad. Lo descarnado, lo realista, lo visceral y en él, lo exagerado. Y en el cine de terror popular Norteamericano, desde Herschell Gordon Lewis, Tom Savini ó Tarantino, la moda juvenil der tripas desmembradas ha sido hecho de elogio por parte de la taquilla y a mucho, del disgusto de aquellos que se atrevieron a pagarla con otra idea de ver cine de terror.

No es una cuestión de purismo mirar a Posesión Infernal de esa manera, la nueva adaptación del clásico de terror que puso a Sam Raimi (Con toda la razón) en el mapa del cine tanto del mismo género como en el cine independiente Norteamericano de los 80s junto a sus compañeros-amigos Ethan y Joel Coen. No es un purismo, ni un cliché y sobre todo, aunque suene irónico, ningún disgusto. Posesión Infernal en su nueva entrega, es violenta por naturaleza. Y no solo es violenta por naturaleza, sino que es artificialmente violenta por naturaleza. Y lo más importante, es que es consciente de ello.

Si es cierto que esa consciencia se adquiere también desde su inspiración original, tampoco puede negarse esa intención de acoger un estilo y empezar por otro camino. A contar otra historia, o mejor dicho a contar otra experiencia grotesca. Grotesca de forma consciente y gusto del mal gusto.

Fede Alvarez, joven director Uruguayo que llamo la atención de Raimi (Y de muchos cibernautas y asistentes a festivales del género) por su cortometraje Ataqué de Pánico en el 2009, tiene el fetiche por la exageración calculada sin pretensiones, lo cual hace que dicha experiencia adquiera otro valor.

El argumento con el que se basa para esta galería de grotesquerias es seco, general y pisa terrenos conocidos por los espectadores de los últimos treinta años. Son cinco jóvenes que se reúnen en una cabaña, a los cuales y en una contextualización moral no sé si absolutamente necesaria, Álvarez y Rodo Sayagues (También urugayo) les interponen la excusa de la rehabilitación de una de ellas, Mia (Jane Levy, famosa por ser la protagonista del satírico seriado Norteamericano Suburgatory) como razón excusa de su futura aventura demoniaca. Hay varias distinciones en paralelo con otras adicciones al género recientemente en cuanto a los personajes juveniles que aunque clichés en bastantes sentidos (De decisión, de carácter y hasta de contexto) logran ser agradables dentro de los límites de sus pocas dimensiones. Y el público logra interactuar con ellos en el primer acto de forma mu-

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cho más personal. En la necesidad de una experiencia cinematográfica espectacular, cuando hay personajes desagradables, no hay espectadores agradables.

Y por eso la galería de grotesquerias se unifica con los sujetos a los que violenta, logrando entonces una película acartonada, no como una caja de cartón, sino como una viñeta de comiquita de domingo. Posesión Infernal, logra deshacerse de cualquier prejuicio sin abandonar la armonía del exceso del espectáculo (grotesco). Ese es su gran éxito. Y, al igual que Raimi, abandona los sentidos de la verosimilitud para encontrar el caos. El caos como espectáculo.

Hablando como un fanático y no como un escritor, Alvarez accede a los elementos clave de la saga (Incluyendo, por qué no, a la confusa aunque bienquerida El Ejercito de las Tinieblas, 1992), y con permiso coge sin asco referencias estéticas, rítmicas y elementales de las tres primeras películas para poder crear otro universo propio en la misma cabaña. ¿Raimi acaso no hizo lo mismo para Terroríficamente Muertos, engañándonos a todos diciéndonos que era una secuela, cuando en realidad era otra versión alterna de lo que podría suceder en la maldita cabaña? Y allí, probando estilos y tácticas para encontrar el límite entre la risa y el grito, la aventura encuentra el génesis. Esta nueva versión de esa aventura es una película de medianoche perfecta de auto-cine. Álvarez no agrega una dimensión nueva a la extravagante formula de la trilogía – el intento de contextualizar un problema interno en los personajes solo resulta en excusa, que no determina otra razón más profunda que el de un gimmick narrativo valido -, pero en sus propósitos, logra darnos otra aventura de naturaleza pulp, exagerada y sobre todo divertida dentro de la ideología de un espectáculo grotesco ingenuo y hasta un poco inocente que se había perdido hace unos años en la dimensión comercial del género, con algunas contadas excepciones. Y Álvarez demuestra esa creatividad, que aunque no sé si él necesite o quiera realmente despertar en Hollywood ahora, sé que puede convenir mucho al género en esta nueva generación de espectadores.

Evil Dead se estreno con gran éxito comercial en Colombia como Posesión Infernal, el 19 de Abril del 2013.

La película original y sus subsecuentes películas dirigidas por Sam Raimi también fueron estrenadas en nuestro país en los años 80s.

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os años después del estreno de la avasallante y desquiciada Flamingos Rosados (Pink Flamingos, 1972), el glamuroso maniaco y príncipe de la demencia cinematográfica, John Waters nos trae otra suculenta sobredosis de humor negro, desnudos, lujuria y escenas vesánicas para los ojos de los más insaciables viciosos del cine de culto; otro ataque de frenesí comandado por la inmortal y eternamente divertida Divine, quien en esta ocasión viene por partida doble.

En Problemas de Mujeres (Female Trouble), Divine encarna a Dawn Davenport, una colegiala rebelde, voluntariosa y mal educada, completamente superficial y odiosa que además de tener pésimo rendimiento académico y hacer fechorías junto a sus amigas Chicklette y Concetta, le exige a sus padres unos tacones “Cha-Cha” que no recibe por su terrible comportamiento. Después de que la joven Dawn no obtiene su tan esperado regalo, huye de casa sin pensarlo dos veces, no sin antes insultar a sus padres y declararles su más oscuro odio y posteriormente, correr a la carretera en busca de alguien que la lleve lejos de su hogar, es allí donde Earl Peterson (también interpretado por Divine) la recoge en su camioneta y le cobra el viaje en especie.

De allí en adelante, Dawn queda embarazada de Earl y su vida será una espiral de sucesos llenos de morbo, violencia y sexo descabellado donde tendrá que trabajar como camarera, prostituta y ladrona para poder sobrevivir con su pequeña niña, Taffy (interpretada por Mink Stole) en una ciudad llena de pecado, locos en las calles y mucha acción. Pasado el tiempo, su hija crece y sale igual de ruidosa y problemática como su sediciosa madre, lo que hará que ambas tengan una relación humillante y degradante, donde se profesan su enemistad y que debilitarán cada vez más la relación madre/hija.

La rutina de ama de casa y los problemas cotidianos aburren a Dawn quien decide empezar a frecuentar una absurda y descabezada peluquería llamada “Lipstick Beauty Salon”, un centro de estética cuyos empleados son unos inmorales personajes, adictos a la vanidad y al cabello jocosamente alborotado. Es allí donde Dawn empieza a asistir diariamente a hacerse horrendos peinados y donde conocerá a Donna y Donald Dasher, los dueños del salón de belleza, una extraña pareja de estirados pelipintados con tendencias narcisistas y elitis-

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tas, que odian el sexo, la desnudez y la paz y adoran la fealdad y el crimen. La relación entre estos tres vesánicos actores se hará más fuerte cuando Dawn es convencida de que el horror y la maldad incrementan la belleza y que ella es la personificación misma de dicha combinación, por lo que es contratada como la modelo de los Dasher para dejarse fotografiar cometiendo los más obscenos maltratos y demás actos impúdicos, que llevan a la pareja de peluqueros al éxtasis cuando ven que su modelo escupe groserías, mata a personas e infringe la ley.

La terrible combinación entre Dawn y los Dasher forma una especie de relación interdependiente donde la pareja de estilistas son adictos a las fechorías que Dawn hace sin remordimiento alguno, mientras que ella se siente plena y satisfecha con los flashes de las cámaras y con la mala reputación que empieza a ganar con las cochinadas que comete.

A partir de allí, Dawn enloquece pues quiere superar los índices de maldad de criminales como Richard Speck o Juan Corona, a los cuales adula en sus monólogos, además de buscar como sea ser el centro de atracción; todos estos absurdos acontecimientos harán de esta mujer una delincuente amenazante que disfruta de la impunidad y la sangre, pues cree que eso la hará más fabulosa y bella.

Para concluir, hay que recalcar que esta cinta tiene una producción mucho más trabajada y elaborada que las anteriores películas de la época realizadas por John Waters; en este caso, Problemas de Mujeres (Female Trouble) presenta mayor calidad, mejorías en los hilos argumentales, variedad de escenarios y una notable inversión por parte de su realizador. Describirla en una palabra es imposible, pues es una bomba de locura difícil de clasificar, con miles de disparates y sucesos que demuestran la genialidad del director y la versatilidad y pasión que le ponía Divine a todos los papeles que ejecutaba. Problemas de Mujeres (Female Trouble) tiene un mensaje profundo en cuanto a la fama y el mundo del espectáculo, pues en primera instancia es un homenaje a la familia Manson y a los asesinos Charles “Tex” Manson, Richard Speck, Juan Corona, entre otros, que son la inspiración de este film para constatar que la mala notoriedad, el deseo de atención y las mezquindades de la sociedad misma, forman seres repugnantes, cuyo deseo de matar es inconmensurable y que a pesar de que la ley los recrimine y castigue, no pueden hacer que se olviden de la memoria de la gente.

Un film corrosivo, sarcástico y mordaz, irónicamente divertido y altamente recomendado, pues además de presentar un elenco conformado por la la mayoría de actores de Flamingos Rosados (Pink Flamingos, 1972), critica de manera picante la vida heterosexual tachándola de aburrida y tediosa, a la belleza como la semilla de la locura y a la vida hogareña como la materia prima perfecta para formar a un asesino serial.

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La Cinemateca Distrital: donde no se habla de Futbol pero si se meten muchos goles Javier Montes.- Recuérdeme por favor, su nombre y el cargo que ocupa en la Cinemateca.

Jaiver Sánchez.-Bueno mi nombre es Javier Sánchez y soy el proyeccionista de uno de los espacios más emblemáticos del cine en Colombia como es la cinemateca distrital, es un espacio que se encarga de crear cultura, de romper paradigmas en torno al cine. Entonces desde acá creamos un espacio muy interesante para el futuro del cine en Colombia . un espacio el cual hemos llamado la “CINEMATECA RODANTE” que consiste en un grupo de personas que nos desplazamos a las diferentes localidades de Bogotá para trabajar con niños deseosos de contar historias, de movilizarse ante una sociedad que a veces los ignoramos y creemos que no existe. Entonces lo que tratamos de hacer es que los muchachos empiecen a sentirse parte de esta sociedad. Que los rechaza simplemente por el hecho de ser menos favorecidos que otros. Entonces desde ese punto de vista empezamos a trabajar con unos talleres de formación cinematográfica; Les hablamos de cine, que lo empiecen a conocer, las raíces del cine, cómo se puede usar el cine como herramienta de formación, posterior a eso , empezamos con la parte técnica que consiste en el manejo de una cámara, se les enseñan los planos, contra planos, después de eso ellos hacen el trabajo y cuentan sus propias historias, en ese momento que sus propias historias se ven reflejadas en la pantalla, que se pasan acá en la cinemateca distrital y luego van a las diferentes localidades y se muestran a la gente, eso empieza a visibilizar al ser humano y se crea un espacio dentro de lo cultural y dentro de lo social eso es muy importante, mirándolo desde dos puntos de vista: Primero desde lo social que ellos realmente pertenecen a un espacio y que merecen ser escuchados y ser vistos por medio de la herramienta del cine, y segundo la misma formación temática que ellos adquieren del cine, porque después de eso no se quedan con lo que hicieron , sino que quieren seguir haciendo cosas y se crea una cadena de ondas donde empieza eso a trascender y crea una cultura y formación cinematográfica donde posiblemente pueda estar el futuro del cine Colombiano. Estos muchachos con lo que estamos trabajando ahora, ellos crean esos espacios no solamente como hobby sino que se dan cuenta que realmente desde el cine se pueden contar historias y crear sociedad , y se puede hacer conciencia y muchas otras cosas que le hacen falta a la sociedad.

Entonces realmente el trabajo de la cinemateca es trascender a todas las localidades y que ellos aparte de ver el cine, lo hagan y lo cuenten.

J.M.- ¿Entonces piensausted que el cine puede educar, o que se puede con32

siderar como herramienta educativa?

J.S..-Sin lugar a dudas si se puede usar como herramienta educativa, pues desde el cine podemos contemplar toda la atmósfera y todo el entorno de nuestro espacio. No solamente desde lo artístico sino también desde lo social, porque vemos que dentro del cine está inmerso un mundo que es el que a nosotros nos toca, el que depende de nosotros y que estamos inmersos 100% dentro de ese mundo, entonces el cine como elemento de formación es muy importante para poder realizar y poder encontrarnos dentro de nuestro espacio.

J.M.- Continuando con esa línea, y aterrizándolo acá en Colombia, más específicamente en Pereira donde existen cineclub pero tienen poca acogida ¿Considera usted que tenemos películas para educar?

J.S.- Hay diferentes puntos de vista a contemplar, si miramos el cine como herramienta de comercio, indudablemente estamos dejando al lado la parte cultural, la pedagógica que realmente es la parte más importante, por que cuando se le da mucha importancia a lo comercial, nos olvidamos de lo que es el ARTE como tal. Desde ese punto de vista podemos anexar que un espacio como la cinemateca distrital acá en Bogotá esencialmente el trabajo que nosotros realizamos es eso, hacer del cine una herramienta de formación. ¿Porqué una herramienta de formación? Porque tenemos que empezar a identificarnos como individuos, tenemos que entrar a crear un espacio de socialización y podemos crear sociedad, entonces cuando se toma el cine como un elemento comercial, indudablemente se olvidan todos los elementos que son los que nutren y los que educan y llevan a una formación a una sociedad.

J.M.- Entonces la clave está es en ir a la práctica y no quedarse solamente en el discurso, como muchos cineastas lo hacen.

J.S.-La proyección de cine y la parte de formación, se nutren como el pintor se hace en el lienzo, ahí es cuando realmente se forma y surgen esos elementos que hacen del pintor un gran trabajo, la parte interior del artista se exterioriza, es igual en el cine, cuando tienes una historia en borrador y la dejas para ti no pasa nada. Pero tu tomas una cámara y plasmas esa historia, ahí es cuando realmente se hace bien el trabajo. Es supremamente importante la parte teórica, pero es desde la práctica donde se hace realmente cine. Por eso es importante lo que ustedes hacen desde su espacio (CINECLUB) para que la gente empiece a conocer el cine y se dé cuenta que el cine no solo es el de ficción, y que aparte de entretener también nos invita a pensar y que el valor que tiene el cine dentro de la sociedad es muy grande, y no debemos, reitero quedarnos en el discurso que somos un país con crisis, que somos un país neoliberal. Toca empezar hacer parte de la solución y no del problema, por ello este trabajo que se hace con los niños es un trabajo de retroalimentación porque uno se da cuenta de las 33

cosas tan valiosas que se encuentran allí.

J.M.- uno de los motivos de viajar hasta Bogotá es: recolectar datos, convertirlos en un género periodístico, y como el cine es una de mis pasiones no quise desaprovechar esta oportunidad, ya que cuando usted dijo ¿quién tiene preguntas?, yo dije, tengo que llevar esto a una entrevista y de paso ayudar a mi compañero con su tesis de grado. Nosotros en la UTP tenemos un cineclub donde cada 7 días proyectamos películas variando la temática, en este momento la temática es las drogas. Y para la mejor creación de dichos espacios he conseguido otras entrevistas, por ejemplo a mi profesor de CINE, una de las preguntasque yo le hice fue: ¿Cuál es la mejor parte del cine, en que parte el se desempeñaba mejor? Y él dijo, lo mejor para hacer en el cine es el proyeccionista, por eso me pareció curioso, llegar acá y encontrarme con usted.

J.S.- Yo tengo una filosofía de vida; es que la diferencia entre el que triunfa y el que fracasa es simplemente la pasión con la que se hacen las cosas y cómo no sentir pasión estando en esta academia, viendo toda la filmografía de grandes directores que han marcado historia en el cine, realmente yo me siento de las personas más favorecidas del mundo teniendo un trabajo como este, donde no solamente me formo yo sino que después de las más de tres mil películas que he visto, empezar a instruir esa experiencia. Hace tiempo tuve la oportunidad de trabajar con un director de cine chileno y el expresaba lo mismo, que después del director de la película, para él lo más importante era el proyeccionista. Aunque en ocasiones sea un trabajo invisible, pues a veces solo se recuerda cuando hace las cosas mal. Pero cuando tu entras a la sala de cine en lo último que piensas es en el proyeccionista. Por eso siento que pasé un gran momento con ustedes, porque sienten de la misma manera que no debemos quedarnos en el discurso, por el contrario debemos crear conciencia y a mí me parece algo importante es que debemos apagar un poquito más el televisor, y sentarnos un poco a ver más cine formativo, constructivo, que nos está haciendo falta, recordar nuestras raíces.

J.M.- Por ejemplo este semestre tengo que hacer un video documental, y he visto BARACA, AGARRANDO PUEBLO Y TIGRE DE PAPEL, y me gustaría crear algo que raye. (Algo innovador) J.S.- Yo pienso que eso que están haciendo ustedes de empezar a formar público es muy importante, al igual que estos ciclos por directores es perfecto.

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J.M.- Esa es una de las metodologías del profesorJOHN HAROLD GIRALDO, en una asignatura llamada “Teorías de la imagen” J.S.- Indudablemente que si, detrás de las historias del cine a veces uno cree que están contando la historia de uno, cuando existe esa sensibilidad al ser humano, uno se da cuenta que no es único y que realmente formamos parte de una sociedad .

J.M.- Por ejemplo si yo viviera acá mantendría acá metido (en la cinemateca) J.S.- si, es que acá solo hablamos de cine, no sabemos cómo se cobra un penalti, acá solo hablamos de cine. Sin rechazar el futbol. Aunque comparando con todo el país, lo que hacemos es muy pequeño, pero la idea es empezar a que personas como usted se unten de todo esto y empiecen a crear esos espacios que necesitamos.

J.M.- Eso he visto, solo llevo unas horas acá en Bogotá y me he enamorado del mundo cultural que comparte esta ciudad.

J.S.- Si Realmente a pesar de los inconvenientes que tenemos, siento que somos la ATENAS suramericana, pues es un espacio donde se respira cultura, mas de 100 universidades en un espacio relativamente reducido y eso ayuda mucho a que se respire esa cultura, y la invitación es esa que intercambiemos información.

J.M.- por eso yo quiero compartirle trabajos que he hecho y el trabajo macro que piensa realizar mi compañero.

J.S.- Hágale, cuenta con nosotros, desde lo poco que podemos hacer, y acá hay un espacio que es espectacular, que es la biblioteca de cine donde tu simplemente llegas, abres el espacio, escoges la película que quieras y te sientas a ver la película que es para ti solo. Y la gente usa mucho esa sala, los adultos mayores, los jóvenes, etc.

Es paradójico que en un país como el nuestro tan violento, la gente busque expresiones de diferentes maneras, por medio de la cultura, cine,teatro, la danza, y nuevamente reitero a ustedes el agradecimiento por haber venido a esta la cinemateca distrital.

J.M.- Para finalizar quisiera decirle: yo me perfilo como director de cine en un futuro y no quisiera hacer cine comercial, para usted que le hace falta al cine colombiano para sacarlo de ese rango.

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J.S.- Bueno, la parte económica es fundamental, lo que te decía del lienzo, simplemente no podemos quedarnos en contar historias, no solamente para vender un producto sino para empezar a crear conciencia de que realmente somos un país que piensa, que quiere sentirse, entonces cuando empiezas a contar historias verdaderas, historias de barrio, eso es realmente fundamental para un buen cine en un futuro, y utilizar los recursos tecnológicos, utilizarlos muy bien. Para empezar a contar historias, y que la gente no solo vea en la pantalla su lado oscuro, sino también su lado más humano. Cuando uno se ve como colombiano agresivo, grosero, etc. Esa parte no nos gusta, pero cuando vemos la parte más humana del ser es la que tenemos que contar. Por eso el niño de la historia lo único que vio diferente a un cuadrado, fue el lente de la cámara. Y eso es bellísimo.

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