Global Grisart Nº 11 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBAL GRISART

MARZO DE 2020

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL

EDITORIAL

¡EL COLOR, UNA LIBERACION! Entrevista de: HÉLÈNE MEYER ¡Los colores son variados y caprichosos! INTERVIEW DE SIMONE COITIÑO Los colores simbolos visuales LOS PROYECTOS DEL MES DESCUBRIR UNA DOCENTE: DANI SOLSONA: Fotografia y Rock and Roll BREVES INTERVIEW DE ALBA SERRA ¡Que te guste escuchar y observar!

¡EXCELENCIA! ¡FOTOLIBROS! LIBRE OPINIÓN DE JOSÉ-MANUEL NAVIA

©Serena Morandi - Cover

EXPOSICIONES

La idea para el tema de este número, el color, se me ocurrió en un fin de semana al leer el último libro de Navia “Alma Tierra”, al descubrir el trabajo monocromático azul de Michaël Duperrin “Odiseo”, al estudiar el trabajo de Harry Gruyaert, uno de los dos primeros “coloristas” de la agencia Magnum, con Alex Webb, antes de que Martin Parr y Pinkhassov llegaran, y buscando una foto de apertura para este tema. Me encontré una, tomada en América Central, por Nathalie Vigini, ex alumna de la escuela Grisart. ¡La evidencia estaba allí! Tuvimos que afrontar el color. Narrar su historia desde los albores del tiempo, hasta la transición de la representación pintada hasta la fotografía y las imágenes digitales de hoy. Explicar la híper-saturación de los millones de fotos publicadas diariamente en las redes sociales, etc. ¡Las evidencias se acumulaban! Simone Coitiño, su armonía poética rara, su absolu-

ta libertad con los colores, su virtuosismo en el encuadre coloreado tenía que estar allí. Así como Alba Serra, alumna de la clase de Proyecto 2019-2020, que es diseñadora de moda, directora de arte, para traer su concepción estética, sus conocimientos artísticos, elegancia y profesionalidad. Daniel Solsona, profesor de fotografía, artista de múltiples presentaciones, sugeriría un texto y dos de sus fotos donde la luz de color emerge de las sombras del alma. Y para dar una perspectiva más amplia, Hélène Meyer, Conservadora general en el departamento de artes gráficas del museo del Louvre, nos llevaría a la historia del arte. Solo quedaba por implementarse. El resultado está ahí. Vamos a descubrir que, como escribió Picasso: “En realidad trabajamos con pocos colores. Lo que da la ilusión de su número, es haber sido puesto en su lugar correcto.” Jean-Matthieu Gosselin

¡EL COLOR, UNA LIBERACIÓN!

CRafael Sanzio - Collezione Doni Palazio Pitti de Flrenza

Durante un programa piloto organizado por la UPF (Universidad de Barcelona) en colaboración con la escuela Grisart, mientras Lourdes Delgado impartía la lección “Lectura de la imagen” se hizo una pregunta sobre la importancia y la influencia de filtros en las fotos actuales publicadas en las redes sociales. Se explicó que, además de que ciertos filtros copian viejos colores fotográficos y juegan con el efecto de rememoranza, éstos no dejan de ser modas que pertenecen a la globalización. En un estudio reciente de la plataforma Canva muestra que el filtro Clarendon domina en gran medida la clasificación de los filtros utilizados, (es el número 1 en 119 países), seguido de lejos por Juno, Sierra y Valencia, y después por X-Pro XX, Brooklyn, Amaro y Ludwig (los últimos tres para la naturaleza), así como Kelvin para las fotos de moda. Los filtros son herramientas para alterar la apariencia de tonos, contraste y saturación. En un instante, gracias a las aplicaciones que a veces están preinstaladas en los teléfonos, todos los usuarios, sin tener necesariamente conocimientos tecnológicos, pueden jugar con los colores. Los filtros pertenecen a la gran democratización de la fotografía, pero también a su alteración. Son beneficiosos, pero también pueden ser pústulas. Han cambiado, en 10 años, la percepción de los colores de las generaciones jóvenes. Los filtros pueden cambiar el color de un sujeto y engañar al espectador. Pero, ¿puede ser el objetivo en sí? Debemos reflexionar: los colores de las pinturas de Greco, ¿a qué se referían?, ¿tendían a un naturalismo?, ¿querían estar más cerca de la verdad? Hace más de 15.000 años los hombres dejaron la huella de su paso en cuevas en África,

Las cuevas de Lascaux - «El nacimiento de Venus», Sandro Botticelli - «The Night Cafe”, 1988, Van Gogh «LaFeria del camping en 1960», ©Raymond Depardon - Mujer en un bar, 1978, ©William Eggleston.

Asia y en Europa, en este último en particular en Francia y en España. Encontramos este arte en pinturas sobre paredes o techos. Lo hicieron mediante una mezcla de grabados y pinturas. Los dos colores predominantes eran el rojo y el negro. El rojo provenía de un óxido de hierro llamado hematita que se encontraba naturalmente en el suelo. Por su parte, el negro provenía del carbón de madera, de hueso, o de carbón mineral, así como del óxido de manganeso. Un poco más tarde en la historia de la humanidad, en Egipto, apareció el color para decorar las paredes de los edificios. Dominaban cinco colores: blanco, azul oscuro, marrón y rojo. El blanco, símbolo de alegría, esplendor y opulencia, era obtenido con la cerusita natural. El azul oscuro, obtenido a partir del lapislázuli, era el símbolo del cielo, por lo tanto, de la noche y el abismo. El marrón era el del color de la piel humana; se obtuvo en ciertos casos por pigmentos de colores marrones resultantes del óxido de hierro hidratado. El color rojo es el símbolo de la violencia, el desierto, la sangre y la muerte, pero también de la victoria. A lo largo de la Edad Media, los artistas desa-

rrollaron un gran conocimiento de las mezclas de colores ya, lo que hoy llamamos mezclas sustractivas. En el Renacimiento los artistas teorizaban que todos los colores se pueden obtener mediante la combinación de tres colores primarios: azul, rojo y amarillo. Leonardo da Vinci dudó entre una paleta primaria en tres colores y una paleta en cuatro colores, incluido el verde. En la Europa postclásica y en la Europa moderna temprana, el verde era el color generalmente asociado con la riqueza, los comerciantes, los banqueros y la nobleza. El rojo está reservado para la nobleza y el alto clero. Es por eso por lo que el traje de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y los bancos de la Cámara de los Comunes británica son verdes, mientras que los de la Cámara de los Lores son rojos. Los siglos XVIII y XIX permitieron el descubrimiento y la producción de pigmentos químicos y colorantes sintéticos. Reemplazaron rápidamente a los pigmentos y tintes minerales y vegetales. Interesaron a los pintores por ser más estables y brillantes que los tintes vegetales; pero algunos tintes contienen altos

niveles de arsénico. Finalmente fueron prohibidos. Los pintores reflexionan sobre la pintura y su contribución a la representación. Así, en relación con The Night Cafe, en una carta a su hermano Theo en 1888, Van Gogh escribe: “Traté de expresar con rojo y verde las terribles pasiones humanas: la habitación es roja. Sangre y amarillo pálido, con una mesa de billar verde en el centro y cuatro lámparas de color amarillo limón, con rayos naranjas y verdes: en todas partes es una batalla y una antítesis de los rojos y verdes más diferentes.” En momento de la carta de Van Gogh, la fotografía llevaba 35 años existiendo, solo en blanco y negro. Pero ya a finales del siglo XIX, la fotografía comenzó a “pensar” en el color. Los procesos serán inicialmente muy rudimentarios mediante una “coloración” en la película misma. La primera foto en color que sigue a blanco y negro es ... sepia. Su impresión es monocromática, pero tiene este tinte marrón. Para obtener una película en color, también se pintan algunas fotografías en sepia para acentuar su realismo, en una especie de “postproducción”... un siglo antes del Photoshop.

“Los colores son variados y caprichosos”

©Hélène Meyer

1. ¿Quiénes son los maestros del color, en la pintura como en el dibujo?

Hélène Meyer, es en la actualidad Conservadora General en el Departamento de Artes Gráficas del Museo del Louvre. Anteriormente fue Conservadora de la Oficina de Diseño del Museo de Arte e Historia de Ginebra y también Conservadora en Jefe en el Museo Nacional del Palacio Imperial de Compiègne.

La pregunta, de hecho, se refiere a la famosa disputa sobre el color; un gran debate estético que animó a las academias europeas a finales del siglo XVII, y en particular en Francia a la Real Academia de Pintura y Escultura, y en general a la educación artística europea. La cuestión era definir la importancia y el valor del color en relación con el dibujo, considerado como la expresión del espíritu, que está en la base, desde hace siglos, de la enseñanza de las artes. Por contraste, el color está asociado con la seducción y la emoción, en referencia a los venecianos y al barroco flamenco, el primero de los cuales, Rubens, se liberó de las limitaciones de la línea.

La primacía otorgada al dibujo también se basa en la confusión creada por la homofonía de las palabras “dessin’ (“dibujo”) y “disign”. Vasari, en el primer capítulo del primer libro de “Le Vite”, fue el primero en recordar que: “Partiendo del intelecto, el dibujo es el padre de nuestras tres artes, arquitectura, escultura y pintura”. Charles Le Brun, gran decorador de Versalles, dijo por su lado (Conferencia del 9 de enero de 1672 en la Real Academia sobre “El sentimiento sobre el mérito del color”) que “el dibujo viene solamente de la mente”. Y en el siglo XX, Paul Valéry en “Degas, Dance, Dessin” dejó este famoso dicho: “Dibujar puede ser la tentación más inquietante de la mente. Este debate de alguna manera cristalizó la disputa entre el intelecto y la emoción.

Sin embargo, la disputa terminará a fines del siglo XVII en beneficio de los defensores del color contra los del dibujo, y permite que toda una generación trabaje como coloristas (François Lemoyne, Watteau, Boucher, Fragonard...). El debate resurgirá en el siglo XIX oponiéndose los defensores del academismo a la aparición de todos los “ismos”, hasta la llegada del impresionismo. Esta primacía del color, que acompaña al gesto y su espontaneidad, también se siente en el campo del dibujo que se “coloreará” a partir del siglo XVIII, época de una muy amplia variedad de técnicas gráficas, entre ellas los “50 sombras de sanguinas” (Boucher, Hubert Robert, Bouchardon ...), el nacimiento de los lápices de colores “Deux et Trois” con Watteau, o técnicas gráficas pictóricas donde puedes yuxtaponer diferentes técnicas (pastel, gouache, lavado...). También fue el siglo XVIII la gran era del pastel y la miniatura. Después, en el siglo XIX, llegó la época de las gouaches y acuarelas, técnicas de elección para artistas al aire libre (Delacroix, Corot, Signac, José Jimenez Aranda, Fortuny,...). La libertad adquirida en el siglo XIX y luego en el XX con el descubrimiento de la luz desde las costas del Mediterráneo, permite a los seguidores del color trabajar a plena luz del día. Esto se extiende desde Delacroix, líder del Romanticismo, hasta Matisse, Kandinsky, el grupo Blaue Reiter, Kupka y los futuristas italianos, tras haber pasado por Picasso y sus períodos monocromáticos. 2- ¿Quién es tu fotógrafo o referencia de color favorito? No soy especialista en fotografía, pero realmente la disfruto. Por otro lado, veo y pienso la fotografía en blanco y negro. Durante mucho tiempo consideré que el color no era el “arma” de los grandes artistas fotográficos. Pero los tiempos han cambiado. Para mí hay un maestro absoluto que observar, estudiar, meditar: Saul Leiter. Debemos recordar que para disfrutar su obra se debió esperar hasta la década de 2000, cuando la foto en color

4: ¿Habría confusión entre el color y materia? Indudablemente, hay una acción del color sobre la forma. Una forma monocromática no tendrá la misma presencia que una forma coloreada. El color puede modificar una forma y darle una atmósfera particular a una representación, mediante colores sólidos, yuxtaposiciones o mezclas.

de la década de 1970 ya disfrutó de un interés estético y cultural en los museos y en el mercado del arte, mucho antes de descubrir o redescubrir esta obra fotográfica tan especial. 3 - ¿No se ha convertido el color en una noción abstracta? La cuestión del entendimiento del color está vinculada a la del fenómeno físico de la visión y la luz, de acuerdo con las diferentes teorías que han pasado a la historia. En la Antigüedad, para Platón, es la radiación del ojo sobre el objeto lo que permite la percepción de los colores, como si el color perteneciera al objeto. Aristóteles, por otro lado, defiende la teoría de la luz, haciendo visibles los colores. La gran revolución en el siglo XVIII fue la de Newton, quien entendió por experiencia que la luz blanca se descompone en múltiples colores, los del arco iris. Su teoría no será unánime contra Goethe, quien, en su Tratado sobre los colores (1810), defiende la idea de que el color es una cuestión de proporciones de luz y sombra, siendo el blanco y el negro los extremos de su escala de colores. El dicho popular de que “de noche todos los gatos son pardos” deja claro, desde el principio, que no hay color en sí mismo sin radiación de luz.

Los artistas pueden tratar el color jerárquicamente, dándole una función secundaria en relación con el dibujo o como un adorno. Pero puede tener para otros artistas el papel primordial y definir una composición. ¿Algunos no llamaban a Rubens “barbouilleur” (“mal pintor”), a fines del siglo XVIII cuando los neoclásicos volvieron al blanco y negro (piedra negra y tiza blanca) y también a la primacía de la línea? 5: ¿De dónde viene la falta de cultura sobre el color? Sin embargo, estamos en un momento en que hay muchas obras populares sobre el color. Bastará citar solo los varios libros pequeños sobre los colores del historiador Michel Pastoureau. Quizás lo que más interesa al gran público es el simbolismo de los colores, su significado oculto o significado. Su historia es compleja, a menudo paradójica o contradictoria, que va de una civilización a otra, demostrando la evolución de las mentalidades. De ahí quizás nuestra pérdida de referencias. El amarillo, el color cálido fundamental, se asocia inmediatamente con el calor y, sin embargo, durante siglos, es el color de Judas, de la calumnia. El blanco, ¿significa pureza y virginidad, o enfermedad y muerte? etc. Los colores son variados y caprichosos. Sin embargo, adquirimos la cultura del color sin saberlo, porque está en todas partes en el lenguaje cotidiano: cuando vemos todo color de rosa, o nos ponemos rojo como un tomate... Entrevista realizada por J-M Gosselin

De izquierda a derecha: “Autobus en la nieve”, ©Saul Leiter “Prodigis” (triptico),_©Enric Montes Londres bajo lluvia, ©Sarah M Lee

«Cada persona tiene su propio color, una tonalidad cuya luz se filtra apenas a lo largo de los contornos del cuerpo. Una especie de halo. Como en las figuras vistas a contraluz.» Haruki Murakami

Â©Rafa Badia

©Agfa

Durante el “desarrollo” de la foto, cada capa corresponde a un tinte específico y permite obtener un Kodachrome. La película, en formato de 16 mm, se lanzará para el cine en 1935. Un año después, se lanzará el formato de 35 mm para cine y fotografía. Al mismo tiempo, pero al otro lado del charco, en una Alemania próspera, surgió un rival. Su era Agfacolor Neue.

Su funcionamiento es casi similar al de Kodachrome, a diferencia del sistema de desarrollo

Saul Leiter trabajó muy tempranamente con el color. Robert Doisneau produce Palm Spring, una ciudad en los Estados Unidos un reportaje en color para la revista estadounidense Fortune . El fotógrafo estadounidense Walker Evans, después de criticarlo, decidió en 1969 usarlo. La Polaroid SX 70 fue lanzada en 1972. Permite avanzar en el proceso de aceptación del color por parte del público en general, tanto por su tamaño compacto como por su simplicidad de uso. En 1976 se realizó una exposición sobre la obra de William Eggleston en el Moma en Nueva York, pensada para cambiar los prejuicios y las mentalidades sobre el color .¡Era la primera vez que un museo presentaba una exposición fotográfica sobre el color! Este evento permitió sacudir las ideas preconcebidas. Otros fotógrafos estadounidenses se unieron al movimiento, como Stephen Shore y Joel Meyerowitz. El color finalmente se percibe como una contribución de relevancia, magnificando lo banal, liberado de la etiqueta que hasta entonces lo relegaba a lo “comercial”. William Eggleston, pionero de la fotografía documental en color, había demostrado con sus imágenes que el cromatismo también puede representar el realismo de lo común. Raymond Depardon, conocido por su blanco y negro, había fotografiado el color ya y muy pronto, en 1960: disparando en la feria del Camping de Paris. 20 años después, tomó fotos de la guerra del Líbano en color ... El fotógrafo inglés Martin Parr introdujo el color en Gran Bretaña a mediados de los años 80, centrándose en la fotografía documental con un estilo marcado por la burla y la ironía y el juego de coloridos contrastes. No se puede terminar este articulo sin recordar que el color no se experimenta de la misma

manera según las sociedades. En Occidente, el rojo es estimulante y el azul es relajante, pero es diferente en otras partes del mundo. En Japón, por ejemplo, hay blancos emocionantes y blancos relajantes.

©Jean-Matthieu Gosselin

de fotografías. En este caso, los componentes químicos que dan los colorantes se integran directamente en las capas de la película. Una marca japonesa ingresará en el mercado con su primera película en color en 1948: la famosa Fujifilm. Más tarde, la foto instantánea también se viste de color gracias a la casa Polaroid que en 1963 presenta la Polacolor. Las cámaras “a color” se multiplican: ¡la democratización del color está hecha! A mediados de la década de 1960, las revistas comenzaron a imprimirse en color, incorporando los tonos cromáticos, una tras las otras.

©Kodak

La apariencia “real” del color fotográfico data de 1868, cuando Louis Ducos du Hauron y Charles Cros inventaron el proceso fotográfico de la impresión a tres colores. Consistía en superponer tres imágenes separadas con un filtro rojo, azul y amarillo. Obviamente, se debe tomar tres fotos idénticas, con el mismo marco para obtener cada uno de los colores primarios. En 1917, Godowsky y Mannes, superpusieron 3 imágenes de colores transparentes, una magenta, una cian y una amarilla. Esto da como resultado una foto de calidad excepcional, comparable a la calidad de una foto en blanco y negro y una nitidez mucho mejor que las fotos en autocromo. Esta habilidad técnica les permitió firmar con Kodak en 1930 para desarrollar la diapositiva Kodachrome. La película contiene 3 capas separadas de imágenes en blanco y negro, sensibles a diferentes colores.

Entre los griegos y los romanos, el azul era un color discreto y sin amor. Es la Reforma la que moralizará los colores brillantes. Un buen cristiano puede (y debe) vestirse de negro, gris, blanco y azul (en todos sus aspectos). Curiosamente, la Contrarreforma católica retomará los valores protestantes a este nivel. De ahí la inmensa popularidad del negro y el azul en todos sus tonos. Desde su surgimiento a partir del siglo XVI, el azul ha sido el color más común en Occidente.El verde, por ejemplo, era un color poco común antes de los tiempos modernos. Debemos esperar el desarrollo de la ciencia y la promoción de la teoría de los colores primarios y complementarios: el verde se ha convertido en el complementario del rojo y, cuando este último se ha convertido en sinónimo de prohibición y peligro, el verde se ha convertido en el color de la libertad, del “laisser-passer”, de la independencia. “El color sobre todo y quizás incluso más que el dibujo es una liberación”, escribió Henri Matisse. J-M Gosselin

Bibliografía Philipp Ball, «La invención del color», Turner, 2016 Michel Pastoureau, «Chroma: Celebrating Colour in Photography», Thames & Hudson, 2010 Michel Pastoureau, «Los colores de nuestros recuerdos», Editorial Periferica, 2018 Alexander Theroux, «Los colores primarios», La Bestia Equilátera, 2013

©Simone Coitiño

Para Pablo Trabajo de Simone Coitiño (2019)

INTERVIEW DE SIMONE COITIÑO (PROMOCIÓN 2018-2019)

©Simone Coitiño

“Los colores, símbolos visuales, para ayudar a mi memoria”

1 - ¿Cuál es tu formación? ¿Por qué has decidido estudiar en Grisart? Estudié fotografía y luego hice la licenciatura en comunicación audiovisual en mi país, Uruguay. Después empecé a trabajar en rodajes y, aunque nunca dejé de sacar fotos, me faltaba un incentivo para crear un proyecto redondo. Después de investigar y de tomarme un avión de muchas horas, terminé estudiando en Grisart. 2 - ¿Qué representa el color para ti, en tus vida y tu trabajo fotográfico? Creo que los colores en realidad son símbolos visuales que utilizo mucho para ayudar a mi memoria. La realidad es que no archivo mucha información en mi cerebro. Por ello, todo el tiempo tengo que estar observando y jugando con elementos visuales para crear un recuerdo mínimamente duradero. Por eso saco fotos. Los colores, así como las texturas, son atajos que uso e que con el tiempo se han vuelto obsesio-

Simone Coitiño nació en Uruguay en 1991. Estudió fotografía analógica a los 17 años, pues la Comunicación Audiovisual. Expuesta en el 2014 en el Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo), en Les Rencontres de Arles, Fotofever (París) y en la Biblioteca Agusti Centelles (Barcelona).

nes bastante absurdas y divertidas en mi vida. En general soy bastante maniática y me entretiene mucho combinar elementos, confrontarlos, buscar una sinergia donde quizá no la hay o no se espera, y de alguna manera generar un goce visual. Supongo que por eso mis fotos son coloridas. No es que quiera transmitir nada, ni generar algo atractivo o agresivo. Es un juego de yo- conmigo. 3 - ¿Cómo se te ocurrió crear el tema de tu Proyecto? Bueno, me costó bastante. La realidad es que nunca me había planteado a mis fotos como un equipo que jugara en el mismo partido. Nunca me había cuestionado mucho si existía una coherencia, porque pensaba que la gracia de todo era que no la tuviera. Pero después de una especie de análisis-exorcismo que hice con Enric Montes llegamos a la conclusión de que había cosas para explotar y que el camino estaba bastante marcado

ya sin que yo lo supiera. El proyecto no es nada algo limitado en un tiempo y un espacio. La realidad es que son fotos totalmente aleatorias de mi vida que terminaron siendo familia. 4- ¿Cuáles son tus objetivos fotográficos ahora? Mi objetivo creo que siempre fue uno: sacar fotos. Sinceramente nunca tuve intención de hacer nada profesional relacionado a la fotografía, y de hecho, no se absolutamente nada de tecnicismos. A mi sacar fotos me hace feliz. Supongo. No. De hecho, no sé si feliz es la palabra. Pero digamos que es algo que me altera muchisímo y al mismo tiempo me tranquiliza. Supongo que es un poco como el amor. Es un canal. Cerremosla por ahi, un canal. Y la verdad que me parece bastante genial poder divertirse así solita con tan poco.

Entrevista realizada por J-M Gosselin

PROYECTOS

«DIPTICOS DE LA MODA» TRABAJO DE MAR DOCAVO (PROMOCIÓN 2016-2017) En las fotos de moda de Mar Docavo lo que aparece de primer golpe es una sencillez siempre inspiradora, una creación como si los seres humanos están en permanente metamorfosis.

Mar tiene un dominio profundo del encuadre en relacion con los colores. Sus desenfoques dan y refuerzan la impresión de la velocidad de la instantánea, de una dinámica juvenil y del tiempo de la metamorfosis. Sus imágenes recordan estos versos de Octavio Paz en “La cara y el viento”:

“Lluvia de luz. Un bulto gris: el buda. Una masa borrosa sus facciones, por las escarpaduras de su cara...”

« MOLOCH» TRABAJO DE LIVIA DI LUCIA (PROMOCIÓN 2015-2016) «El titulo se refiere a un dios antiguo, históricamente relacionado con Oriente Medio y el Norte de África, que pide sacrificios humanos. Ya Freud afirmaba la existencia de una relación entre los sueños y la fotografía, subrayando que en ambos casos

«THE BANG BANG GAMES » TRABAJO DE GUILLEM SARTORIO TEIXIDO (PROMOCIÓN 2016-2017) «El instinto de supervivencia de los humanos dicta que, para evitar daños físicos, hay que evitar la violencia y el conflicto salvo en situaciones extre-

se trata de una ventana en un mundo fuera de campo, que los dos, sólo aparentemente, son casuales y que conllevan la necesidad de racionalización a través de la palabra. Además, afirma que la imagen onírica tiene, en la actividad psíquica, la misma fuente del pensamiento racional, que simplemente se expresa en un lenguaje diferente.... Por otro lado, según Jung, los sueños no deberían ser interpretados a través

de la ciencia moderna, si no con la mitología y las leyendas primordiales. De alguna manera mis sueños representan miedos primordiales, universales, como por ejemplo el miedo de la oscuridad o del caos. Los sueños, en realidad, pueden ser una llave para tomar conciencia de la existencia de un hilo conductor que une la nuestra existencia...»

mas. Sin embargo en la era moderna, la violencia forma parte de nuestra vida diaria y se ha impregnado en nuestro ocio. Películas, videojuegos... Ahora hay un paso más allá. Ya se puede vivir la guerra en las propias carnes y entrañas. Caminar, correr, saltar y disparar como un soldado de verdad. Experimentar una guerra edulcorada, sin

el olor a muerto, sin fuego, sin gritos de dolor, con bromas.... En estas guerras los que empuñan las armas son hombres que echan de menos su pasado militar, o que se encuentran en activo y necesitan refrescar sus habilidades. Hombres que comparten su amor por la violencia y por las armas.»

DESCUBRIR UN DOCENTE DE GRISART ESTE MES: DANI SOLSONA

©Dani Solsona

Rock y foto: lo oscuro, el desnudo del alma y la pasión

A mi me encanta contar historias. Puedo vivir mil vidas a través de la cámara para intentar conocerme un poco mejor a mí mismo. Por eso, a veces me da por escribir textos. También escribo canciones y toco en una banda de rock. Crecí entre vinilos. Antes de aprender a andar ya escuchaba música rock de los 70 y los 80. Siempre les estaré agradecido a mis padres. Mi actual banda se llama Refugio. En nues-

©Kertész

KERTÉSZ USA UNA LEICA

La exposición, dedicada a las fotografías tomadas por Kertész con su Leica entre 1930 y 1936, realizada en la Maison de la

tra música encuentro un lugar donde siento que puedo ser yo mismo y gritarles a la cara a mis miedos. Escribo estas líneas mientras me llega un correo con la portada de nuestro próximo disco, Cosmogonía (una palabra que hace referencia al orígen del universo y del ser humano). Estoy bastante entusiasmado con la idea de compartir todo el nuevo material con el público. Estas canciones hablan de relaciones personales, de parejas, de desamor, de miedos, de la soledad, del paso del tiempo, de pérdidas y de preguntas que quizás no tienen respuesta pero que uno necesita hacerse en voz alta. Todo esto mezclado a modo de metáfora con términos relacionados con la astronomía: planetas, estrellas, cohetes, lunas, órbitas, fases temporales...

Un mundo interno de vivencias personales con un decorado de viaje a la Luna.

Photographie Robert Doisneau en Gentilly este invierno, nos permitió entrar en la intimidad de la mirada, de uno de los famosos: Kertész. La nueva camera más ligera, con una contribución muy vernácula, ofrece visiblemente más flexibilidad. Luego viene el proceso de editar imágenes y, finalmente, el recortar. La exposición muestra los negativos, las hojas de contacto para mostrar el camino que condujo hasta la impresión final de ciertas fotos. Una hermosa lección de fotografía, donde el espectador se colo-

ca detrás del ojo del maestro. Con motivo de la exposición, Cédric de Veigy ofrece un trabajo editorial notable en tres partes: manipulaciones técnicas, editoriales, estéticas; cuestiones estéticas técnicas y personales del fotógrafo de origen húngaro; finalmente las razones por las cuales Kertész, no se reconocía en la noción de momento decisivo. Un trabajo increíble, un libro indispensable!

Las letras expresan algo que siento sobre mí y mi círculo cercano; algo que podría estar contando desde el sofá de casa viendo pósters en las paredes y libros en las estanterías con ilustraciones de ciencia ficción antigua o monstruos extraños. Mientras me acuerdo de los que ya no están, me pregunto si estoy en el sitio correcto, y veo como el tiempo pasa por delante de mis narices sin que pueda hacer nada al respecto. Hay una frase en una de las canciones que resume todo esto: “El azar creando estrellas, puede que no nazcan todas muertas”. Un nuevo disco, otra conversación conmigo mismo. Dani Solsona

“André Kertész : Marcher dans l’image”, Cédric de Veigy, Cédric de Veigy, 39 €

©Dani Solsona

Dani Solsona, nacido en Barcelona, es fotógrafo, músico y profesor de fotografía en Grisart. Sus imágenes son retratos íntimos que expresan lo subjetivo de las emociones. Su proyecto fotográfico “Anagnórisis” es consonante a la densidad del sonido y las letras de sus canciones.

ÂŠalba Serra

Hotel Trabajo de Alba Serra (2019)

INTERVIEW DE ALBA SERRA (ESTUDIANTE EN 2019-2020)

©Eli Apezteguia

¡Que te guste observar y escuchar! Alba Serra nació en Barcelona, donde se graduó en diseño de moda. Continuó su formación estudiando dirección de arte en Buenos Aires. Actualmente cursa el Itinerario Narrativo en fotografia, gracias a la beca Grisart 2019/2020 .

1 - ¿Cuál es tu formación? ¿Por qué has decidido seguir una formación en Grisart?

2- ¿Desde tu punto de vista, cuales son las cualidades que necesita un fotógrafo?

Estudié Diseño de Moda en Barcelona, fueron 4 años. Estuve trabajando y luego me fui a Argentina donde seguí estudiando mientras trabajaba de free-lance. Hice dirección de arte, diseño de vestuario y varios talleres; bordado, danza contemporanea... Aunque algunos no estuvieran directamente conectados con la fotografía, creo que todo me ayudó de una manera u otra. Cuando volví aquí, empecé a hacer fotos con una cámara pequeña que llevaba conmigo a todos sitios. Pero aprender sola tenía muchas limitaciones. Vi que Grisart tenía diferentes itinerarios. Dudé al principio si presentarme al Técnico porque también lo necesitaba mucho.., pero me gustó demasiado el planteamiento del Narrativo.

Que te guste observar y escuchar creo que ayuda mucho. Ayer ví en Filmin un documental de Doisneau y decía que hay tres cualidades esenciales; comentaba que hay que ser: curioso, desobediente y tener más paciencia que un pescador de caña. 3 - ¿Cómo se te ocurrió crear el tema de tu Proyecto? Estoy trabajándolo ahora con Enric Montes en creación de proyectos. Encontrar tema se esta convirtiendo en un tema en sí mismo. Estoy viendo que hay en común en todas las imágenes, una especie de diálogo con todo lo que voy registrando con la camara. Hay conceptos que se van repitiendo y otros que nunca están y que también te dan mucha in-

formación. Estoy aprendiendo mucho con los visionados. Justo ahora también estamos buscando un concepto para fotorreportaje con Rafa Badía. 4- ¿Cuáles son tus objetivos a mediano y largo plazo, con la fotografía? Ahora estoy con 35mm y empezando con medio formato. A medio plazo me gustaría haber conseguido tener mucho más control con el medio formato analógico. A largo plazo, me gustaría poder conseguir alguna residencia artística para poder desarollar un proyecto durante algunos meses y poder centrarme solo en él.

Entrevista realizada por J-M Gosselin

©Hanna Jarzabek

EXPOSICIONES

LA REPORTERA POLACA HANNA JARZABEK EXPONE EN EL CENTRE CIVIC CAN BASTE, en Barcelona su proyecto ‘Fuera del Mapa: Transnistria’, en el que documenta la situación de este país no reconocido internacionalmente y de sus gentes. Con la caída de la Unión Soviética, algunas de las antiguas repúblicas soviéticas entraron, de la noche a la mañana, en una espiral de conflictos étnicos y lingüísticos, buscando establecer sus identidades nacionales y convirtiéndose en nue-

vos estados a lo que algunas regiones respondieron declarando unilateralmente su independencia. Tansnistria se separó unilateralmente de Moldavia en 1990. No fue reconocida como país independiente. Para el mundo exterior Transnitria no existe. Hasta ahora el país ha podido mantenerse gracias al apoyo económico ruso, aunque Putin nunca lo ha reconocido como estado. La muestra está compuesta por 46 fotografías, acompañadas de textos y citas de los testimonios recogidos entre sus habitantes. Hanna Jarzabek, tras estudiar las ciencias políticas, desde 2008 vive y trabaja como fotógrafa independiente en España; colabora con muchas revistas del mundo: BuzzFeed News, L’Obs, Equal Times, Interviú, El Periódico de Cataluña, Gazeta Wyborcza, Polityka, etc. ¡”Transnitria” es una muestra documental de gran calidad! Grisart

MAN RAY SE HA DISTINGUIDO EN muchos campos artísticos y de género. Por lo tanto, también se expresó con la fotografía de moda,

Su inventiva fue apreciada. Bajo la mirada de Man Ray, la fotografia de moda se revolucionó: ya no se trataba de mostrar las últimas creaciones de diseñadores de moda, sino contar una historia, la de la mujer que la usa, en un universo visual donde se mezclan la realidad y la ficción. El género se transforma en juego a través de la libertad para encuadrar y una nueva composición gracias a los efectos de luz. Eric Garnier

©Man Ray

sirviendo a diseñadores como Paul Poiret o trabajando para revistas importantes, caso de Vogue o Vanity Fair. La exposición en el museo Cantini en Marsella revela este lado poco conocido del artista surrealista.

©Carlos Pérez Siquier

La Fundación Mapfre de Barcelona dedica una gran retrospectiva que incluye 174 imágenes a Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930). Siquier es un fotografo todavia en activo, un cazador de imágenes decisivas. La muestra, bastante exhaustiva, enseña varias series que han jalonado su trayectoria; desde las neorrealistas de La Chanca -con una foto de una chica que tenia 11 años y que ha encontrado 60 años después-, pasando por sus primeras en blanco y negro y luego por sus imágenes en color, hasta las últimas fotos de hace apenas dos años con un contenido y una forma introspectiva e intimista.

A Pérez Siquier el reconocimiento le llega tarde. En 2003 fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografia y en 2017 se inauguró un museo dedicado a su trabajo. Él tiene una cierta voluntad de desnudar el sustrato kitsch de las cosas, es un precedente español de Martin Parr. Siquier fotografiaba la España que había de atraer al turista y, para ello, se ponía a jugar con el color o, mejor dicho, con los colores. ¡Aquí está el corazón de su trabajo! Es un fotógrafo que busca las cicatrices interirores de las cosas, mas allá de lo que se ve. Jean-Matthieu Gosselin Mapfre Barcelona, del 4/02 al 17/05/2020

©Carlos Pérez Siquier

DESNUDAR EL KITSCH

DAVID JIMÉNEZ

©Grisart

Una poesía visual

“Las parejas de fotografías nos inducen a ver la permanencia de ciertos ritmos en el mundo visible, también la ambigüedad de las formas”, David Jiménez

MASTER CLASS EN GRISART Los alumnos y alumnas del Curso de Proyectos, impartido por Enric Montes, han disfrutado de una clase magistral con David Jiménez, centrada en el proceso creativo y en la creación de fotolibros. David presenta su proceso personal de creación y explica la imagen. Para él “Una imagen tiene su propio significado y debe explicarse por sí sola como tal”. David actúa como un artista, o mas bien como un poeta o escritor buscando su voz a través de su interpretación del mundo. Considera el libro «como el soporte fundamental de su trabajo»; cuyo ejemplo paradigmático es «Infinito» (2000): el tamaño es pequeño y se comporta como una obra en sí; no hay ninguna palabra; hay una novedad en la maquetación y, por lo tanto, de lectura. Para David el reto era de «dialogar con nuestro imaginario interior». Considera que «el acto de fotografiar es dar significado a nuestra realidad que ya no es real». En lo relativo a sus consejos para los jóvenes fotógrafos y los alumnos, David considera que «hay que intentar más cada día, hay que repetir, disfrutar de la foto, dialogar y imaginar con las iconografías, emocionarse, tener el gusto de la practica.» Y añade que «tener una satisfacción, aunque parcial, ya es algo importante». Luego ha explicado que en su proceso realiza muchas maquetas físicas de papel, imprime muchos cromos, juega con la foto tangible. Este esfuerzo casi físico «cambia totalmente el chip del creador». Como otra recomendación aconseja el jugar con el tiempo: «no hay que cortar el tiempo, debemos estar atentos, tener momentos de concentración total, sin cortes, ir despacito». Finalmente ha enseñando como trabajar con la complejidad de las imágenes, la oscuridad, el misterio, el silencio, la dramatización de las penumbras, de los blancos,... esto con varios ejemplos prácticos de su libro “Aura”. Con David Jiménez se entiende que, si lo queremos, la ambigüedad de la imagen nos predispone a la contemplación. J-M Gosselin

©David Jimenez

INVESTIGAR EL ESPACIO

©Gérard Boyer

Gerard Boyer expone «L’ombra del núvol» en la Alalimon Galeria de Barcelona. Es un proyecto realizado para investigar el espacio de la periferia urbana en la que el autor realiza pequeños descubrimientos y encuentros en lo conocido, la ecmensia. El autor explica así su trabajo: “L’ombra del núvol”, es una sucesión de fotografías que representan pequeños hallazgos en lo ya visto, lo ya conocido. En ellas evoca lo extraño y lo oculto en lugares comunes ya visitados y aprendidos, provocando una sensación de desasosiego a pesar de la poética de la imagen.” La sombra de la nube es un paseo inocente por un paisaje conocido, sabido ya que se vuelve un viaje imprevisto. Alalimon Galeria, 30.01.20 - 3.03.20.

BOCCACIO Y «LA GAUCHE DIVINE»

Finalmente (lo cual me gusta) suenan indistintamente, pero de manera sutil, canciones de bandas y músicos como Pink Floyd, Genesis o Lou Reed; o ritmos como el twist o el rock, en un repertorio musical similar al que se reproducía en el club.

La expo empieza con la puerta física de origen, nos recuerda que el Bocaccio tuvo un logo conocido en todo el mun-

do, un decorado muy años 70, una revista propia, un sello discográfico, una productora de cine y una agencia de viajes sui generis... Xavier Miserachs era el responsable de poner la música, que iba a buscar a Londres, mientras que el éxito de Bocaccio fue resultado del trabajo y de la la iniciativa personal de Oriol Regàs.

©Jean-Matthieu Gosselin

La muestra enseña la búsqueda de una libertad que no existía en las calles de esta Cataluña rebelde durante la España Franquista. El Boccacio, en la calle Muntaner, era el punto de reunión de la intelectualidad barcelonesa de finales de los años 60 y principios de los 70. Un lugar de fiesta donde se cruzaban intelectuales (entre ellos los fotógrafos Xavier Miserachs, Oriol Maspons e Isabel Steva, Colita, y el editor Jorge Herralde) con la jet set internacional: Ricardo Bofill, Rosa Regàs, Teresa Gimpera, Joan Manuel Serrat, Roger Moore, Gabriel García Márquez, Dalí, Michael Douglas...y también la alta burguesía local como Samaranch, Bagués, Lara...

©Jean-Matthieu Gosselin

La exposición en el Palau Robert de Barcelona, sobre la sala Bocaccio cuenta y recuerda el centro neurálgico de la “gauche divine” en la Barcelona de los sesenta.

Esto hace que no podamos marcharnos de la exposición... Jean-Matthieu Gosselin

La exposición nos permite revivir la historia de la discoteca barcelonesa con unos 200 objetos originales, fotos y decoración de época.

Exposición “Bocaccio, el templo de la Gauche Divine”, Palau Robert, Sala 4 del Palau Robert del 16 de enero al 12 de abril 2020.

©René-Jacques

RENÉ-JACQUES EL EQUILIBRIO PERFECTO René-Jacques o “La elegancia de las formas”. Esta exposición, con un total de 120 copias vintage, está coproducida por el Jeu de paume y la Biblioteca de medios de arquitectura y patrimonio, en colaboración con la ciudad de Tours. Ofrece una retrospectiva de René-Jacques (nacido René Giton, 1908-2003), gran fotógrafo, figura destacada de la fotografía francesa de la posguerra, cuya última exposición data de hace 25 años.

René-Jacques fue reportero para el “L’Intransigeant”, ilustrador para la editorial Grasset, fotógrafo industrial para la “Régie Renault”; pero también “flaneur” en las calles de París, tanto de día como de noche, en un Paris ya vacío, siguiendo los pasos de los escritores Francis Carco y Léon-Paul Fargue. También fue fotógrafo de cine. La exposición muestra imágenes ordenadas, con líneas puras, que ilustran la expresión de un clasicismo fotográfico muy francés. Pero también es un trabajo que explora un universo muy íntimo, en busca del

silencio, donde el rigor de la técnica nunca contradice a la inspiración. Estas son fotos de equilibrio perfecto Jean-Matthieu Gosselin.

EXCELENCIA

GAEL DEL RIO (2016-2017)

Gael del Rio, graduada en arquitectura de la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona, luego estudió en el Royal Melbourne Institute of Technology en Australia, donde cursó «Architecture After Dark». Continuó con su formación en fotografía en el IEFC y en la escuela Grisart. Hoy en día Gael se dedica profesionalmente a la fotografía de arquitectura, a la vez que desarrolla proyectos personales. Su obra « Evocaré » fue expuesta en la Galería Mutuo de Barcelona, en el Voies Off Festival de Arles 2018, y en Fotofever Paris 2018.

Evocare, de Gael de Rio (Selección)

Gael empezó a disparar para confrontar la realidad que ella vivía en los momentos que estudiaba en la escuela de fotografía; para convertir las imágenes en algo más tangible, en un idioma personal. La autora explica su proyecto : « Disparaba al ver un paisaje que se asemejaba al que llevaba dentro, en el que yo leia mensajes. Mensajes que hablaban de ausencia, del rastro de algo que estuvo y se fue, del hueco que quedó en mi después de la muerte de mi padre. Evocaba también, inconscientemente, las conexiones (escaleras, puertas...) a un posible “màs allà” en el que nunca habia creído o pensado. Al mirar las imágenes un tiempo después, también descubrí que hablaban de mi padre de otra manera: existía un vínculo entre mis fotografías y sus grabados.

Los dos compartimos un lenguaje compuesto por ideogramas, formalmente similar y con multiples interpretaciones. Comencé entonces a componer una ultima conversación padre-hija que se ha convertido en una narración conjunta a través de símbolos y espacios.

Homenaje y terapia son dos términos que describen lo que ha significado este proyecto para mí; que también me ha permitido encontrar lo que de mi padre sigue vivo en mí.»

©Xi Zhou

FOTO DE ILUMINACIÓN La calidad de la fotografía de estudio dependerá de la percepción que se tenga del objeto, de la poesía que queramos dar a su forma, así como de sus texturas, materia, colores...

La fotografía de producto es un tipo de imagen que requiere el mayor cuidado posible. Xi ZHOU - 2016-2018 (fotógrafa)

FOTO DE MODA «Como un mármol virtuoso drapeado húmedo, forma plisada silencio enmascarado de la realidad.»

ALEJANDRA LEZCANO - 2016-2017 (fotógrafa, retocadora)

FOTO DE CGI «Con CGI he realizado una serie -inspirada en “la muralla roja” de Ricardo Bofill-, de imágenes renderizadas donde la composición juega con los colores pasteles, geometría de la

ciudad y sombras marcadas con un aire surrealista..» CRISTINA_BRANDNER - 2017-2018 (fotógrafa, retocadora)

©Pep Buadesl

FOTO DE «STREETPHOTOGRAPHY» «‘Culquicóndor’ es un proyecto que gira en torno a Agustín, mi mejor amigo. Tras un capítulo en Barcelona, la parte fundamental del trabajo muestra su vuelta a Argentina después de 7

años y dónde le esperaba su padre después de estar dos años sin verlo.» PEP BUADES - 2017-2018 (fotógrafo)

©Rosa Vroom

FOTO DE REPORTAJE «En el documental “Chinos de ultramar” la autora dibuja un matizado, tierno, colorista, original e impresionante retrato sobre el día a día de los chinos de aquí. Proporciona

un informe visual actualizado que ‘no es un cuento chino’...» ROSA VROOM - 2014-2015 (Periodista multimedia)

FOTO DE NARRATIVA «Las grandes ciudades intentan mantener un mínimo de verde, de naturaleza, pero inevitablemente lo urbano acaba priorizando sobre todo lo demás. El simple hecho de

que la naturaleza y lo urbano cohabiten tiene un punto de irreal, de surrealista. Este proyecto explora esa imposibilidad.» ITSASO ARIZKUREN - 2016-2018 (fotógrafa)

FOTOLIBROS

¿FAMOSA O NO?

¡MAS ALLÁ DEL GRAN VIAJE!

POLIFONÍA VISUAL

¿Qué hace que una obra de arte, una pintura, una fotografía sea famosa? Esta es la pregunta que está tratando de responder Vincent Brocvielle, escritor, especialista en arte, ex-editor jefe del museo Rodin. Bajo una investigación entretenida y bien construida (histórica, sociológicamente, de un punto de visto literario), analiza los inicios de una obra de arte, su fortuna crítica, sus picos de notoriedad, sus bajones, las razones de su admiración aquí y las explicaciones allá, que no siempre son las mismas. Sólo la portada del libro es un fracaso: la Mona Lisa y la Odalisque de Ingres son icónicas, pero obviamente no reflejan todo el arte, y aquí caemos en lo banal, incluso en el ruido cultural. «Pourquoi c’est connu», Rmn, 160 p, 19,90€

En “West of West: Travels along the edge of America”, la fotógrafa Sarah M. Lee y la autora Laura Barton exploran la idea de Occidente al dar forma a la identidad estadounidense. Se mezclan el idealismo y las nociones de la frontera. A los azules, amarillos y rosas se añaden feroces escenas. La playa de Santa Mónica, donde el muelle de madera se adentra en el Océano Pacífico, marca el final de la Ruta 66. El gran viaje estadounidense hacia el Oeste toca su cima. Desde alli Sarah M. Lee comenzará su serie fotográfica, iniciada en 2015.

Es el catalogo, simplificado, sobre la primera gran exposición retrospectiva de la obra del fotógrafo barcelonés Oriol Maspons (1928-2013). La exposición, que recorría más de cuatro décadas de intensa actividad en los campos del reportaje, el retrato, la moda y la publicidad, fue expuesta en el MNAC durante el invierno 2019-2020. Maspons desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico español. Después tomó fotos de moda, arquitectura, retrató a la jetset «gauche divine», realizó portadas de libros fundamentales en la historia de las publicaciones internacionales... Finalmente regresó al reportaje y a los proyectos personales poéticos.

«West of West», 160 p., 2019, 19,55$

«Oriol Maspons, Quadren», MNAC, 2019, 4,5€

¡MOVILES MÁGICOS!

¡LA VIOLENCIA DEL CARIÑO!

Seguro que has notado que en las librerías tradicionales en seccion foto”, la pila mas grande era “Fotografía con móviles”. Obviamente algunos me replicarán, ¿pero de qué puede hablar este libro? Partiendo de un prolegómeno sencillo: fotografiar con el móvil ya es parte de nuestras vidas y la cámara del teléfono se ha convertido en un arma fundamental para compartir la visión del mundo, el libro propone en 230 p., tres tipos de elementos. Una parte técnica sobre el dispositivo smartphone. Luego varios consejos sobre la foto en sí: composición, la luz y su función narrativa... La tercera parte se detiene en el nuevo documentalismo, la streetphotography, la foto de bodegón, de marketing, de gastronomía... ¿Es este el futuro de la fotografía? ¡Quien sabe! Pero seguramente será parte integrante de la imagen, tal como el instamatic, o las cámaras desechables en su tiempo. «Fotografía con móviles», Rodrigo Rivas, PhotoClub, 2323 p., 24€ :

Gema Palenco analiza las formas sutiles y también agresivas que moldean a las mujeres a través del cariño o del falso cariño, los consejos, el cuidado o el chantaje emocional como: “¿qué dirán?”, “es por tu bien”, “hacerlo como ios manda” etc. Ella lo analiza y lo narra desde una perspectiva de genero, clase y raza. Este ya es un tema que se intercala de forma clara en las problemáticas de la violencia cotidiana contra las mujeres.

INDIA ETERNA “La India en el espejo de los fotógrafos” es un pequeño libro en formato alargado muy bien editado e impreso. Ofrece paisajes, retratos, escenas de la vida cotidiana, arquitecturas tradicionales de La India imperial británica, Bombay, Calcuta, Madrás... Muchos fotógrafos, incluidos oficiales del ejército, han capturado los misterios y riquezas de este subcontinente, cuyos paisajes se experimentan física y emocionalmente. Las tres grandes exploraciones de Samuel Bourne fueron cruciales (en 1863, 64 y 66) en la historia de la fotografía británica, al igual que las fotografías de Wiliam Baker y John Burke. Las imágenes son entusiastas, conmovedoras, documentales y poéticas. Este libro fue publicado como parte de la exposición homónima celebrada este invierno en el Museo Guimet. .«L’inde au miroir des photographe», rmn, 96 p., 13,5€

TRANCE POETICO EN CUBA Gilles Roudière nos cuenta su visión de Cuba a través de sus imágenes en blanco y negro llenas de granos como lunares . Él es un poeta cuyo lenguaje se centra en los caminos solitarios y los paisajes maltratados. Ofrece una balada cubana, un viaje interior a un país que algunos fotógrafos consideran como un espacio mental, un lugar de resistencia interna. Sus fotos son táctiles, sensuales, poderosas y suaves al mismo tiempo. ¡Grano y contraste! Fotografías como dibujos al carbón, que cuentan un territorio atravesado por Roudiere con un alma abierta, ojos furtivos, pero como si tuviera entre el sueño y la vigilia. Las imágenes son perturbadoras, febriles, primitivas, deslumbrantes, con soles negros, horizontes que caen. Todo y así, la foto se mantiene estable gracias al juego de los negros. Roudière nos conduce a una especie de trance: un gallo cuya cabeza está allí, o no; bandadas de pájaros que causan ansiedad; un perro en el techo; un personaje agazapado en una habitación desnuda, sin nada. Así es como imaginamos el país: un gallo en el techo, una cruz bajo la luna, sí; ¿pero dónde? ... En este libro, muy bien editado, reina un sentimiento de lánguidez, una calma sin voluptuosidad, una sensacion de exilio, un regreso al pasado; también la preocupación y ternura también por este país del que nadie sabe lo que está sucediendo en la sombra, ni domina realmente los bailes en penumbra. ¡Un flechazo editorial! “Trova”, La main donne, 2019, 33,20€ http://www.lamaindonne.fr

«Como Dios manda», Gema Polanco., 2020, 25€ comodiosmandaphotobook.bigcartel.com

DESCUBRIR MIRÓ En “Son Boter, Joan Miró” Rif Spahni ha inmortalizado cada rincón del taller del pintor en Palma en un proyecto fotográfico y editorial muy original. El fotógrafo captó uno de los estudios de Joan Miró en las Baleares fijándose en las “manchas” que se perduran en el taller, descubriendo un submundo mironiano, haciendo casi un psicoanálisis del artista a través la abstracción. Una de las condiciones que Spahni pidió al museo era que se realizaba un libro muy accesible para la gente, tanto en tamaño como en el precio, pero de gran calidad y con una visión editorial novedosa. Existía sólo una editorial capaz de aceptar el reto y proponer un libro con todos estos requisitos: ¡Anómalas! La forma es ingenio, el objeto tiene delicadeza. El blanco y negro, curiosamente, otorga a las manchas una profundidad y un valor de obra que goza de una lírica poética y de una sutileza extraordinaria. El espacio para las fotos a color, como un cajón secreto, es un estuche precioso enganchado a la portada que añade una sorpresa a las imágenes. El texto de Gustavo Martín Garzo es precioso. “Son Boter. Joan Miró”, Rif Spahni, 2019, 20€

MICHEL PASTOUREAU ¡EL COLOR ES EL COLOR!

Michel Pastoureau nos propone una incursión en el color, a través de los símbolos, la heráldica, los pigmentos, el vocabulario, el arte y la cultura en general, desde la prehistoria hasta hoy. Pastoureau mezcla constantemente la narración de sus propias experiencias vitales con la especulación y la erudición sobre los colores a ellas asociadas. El historiador, especialista en bestiario medieval y heráldica, primo de Claude Lévi-Strauss, escribió una tesis de historia medieval, con

especial dedicación a los colores (su historiografía y simbología) y ha trabado como asesor histórico para algunas películas, como “Perceval”, de Éric Rohmer (aunque este finalmente no tuviera muy en cuenta sus recomendaciones) y “El nombre de la rosa”, dirigida por Jean-Jacques Annaud y basada en el libro de Umberto Eco. Un parágrafo definía bien el contenido del libro, claro y bien escrito: “No sólo los resultados no varían de una década a otra, sino que son más o menos los mismos en todos los países de Europa: de Portugal a Polonia, de Grecia a Noruega. Ni el clima, ni la historia, ni la religión, ni las tradiciones culturales, ni aún menos los regímenes políticos ni los niveles de desarrollo económico parecen incidir en los colores que se prefieren o no gustan. El azul se halla siempre en cabeza ante el verde y el rojo, con el amarillo cerrando la marcha. Aún más sorprendente: esta clasificación de colores preferidos es la misma para hombres y mujeres, para todas las franjas de edad y para todas las categorías profesionales. Sólo los niños muestran algunas divergencias, al esgrimir una mayor preferencia por el rojo, que se coloca más o menos a la altura del azul, y por el amarillo, menos abandonado que en los adultos”. El volumen está estructurado (como todos sus libros) en pequeños capítulos, que empiezan desde normas personales para extenderse sobre consideraciones

Foto de cover:© Serena Morandi Foto de primera: © Nathalie Vigini Fotos de contra © José-Manuel Navia Global Grisart es una publicacion de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin; Rafa Badia; Hélène Meyer; Enric Montes; Simone Coitiño; Livia di Lucia; Mar Docavo; Guillem Sartorio; Daniel Solsona; Alba Serra; Gael del Rio; Xi Zhou; Alejandra Lezcano; Cristina Bander; Pep Buades; Rosa Vroom; Michaela Fenton; Itsaso Arizkuren; Jean-Charles Borgnez; Maria Munzi; José Manuel Navia. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

y explicaciones que van de lo histórico a lo artístico, pasando por lo técnico y lo sociológico. Pastoureau señala inmediatamente el protagonismo de un determinado color sobre un tema para, a continuación, glosar la trayectoria histórica de tal color, sus aplicaciones, sus interpretaciones, los contenidos simbólicos positivos o negativos de su presencia, o empleo deliberado etc. Todo esto lleva a una formidable erudición interdisciplinar, expuesta con un tono entretenido, que permite descubrir opiniones y consideraciones variadas. El contenido del libro está expresado siempre con libertad, desenfado y considerables dosis de humor. Pastoureau recurre constantemente a la pintura, al dibujo, la literatura, el cine, la moda, la filosofía, la ciencia, la política, la religión, la sociología, la psicología, la antropología, la lingüística, la vida cotidiana...y, por descontado, la propia historia para fundamentar e ilustrar su discurso sobre los colores. ¿Qué es el color? Según Pastoureau, en primera instancia los colores son nociones, concepciones y categorías; a continuación, son palabras; y solo en última instancia son materias, luces, rayas, vibraciones, percepciones y sensaciones. O yendo a lo seguro: ¡el color es el color! Jean-Matthieu Gosselin Michel Pastoureau, Los colores de nuestros recuerdos, Periférica, 272 p., 2018, 18,05 €

Para contactar con los autores y fotógrafos: rbadia@grisart.com; jcbrognez@gmail.com; www.mariamunzi. com; www.ivanferreres.com ; www.jmgosselin.com; simone Coitiño @chimo.co; Mar Docavo @mdocavo; Gael del Rio @delriobani; Xi Zhou @xizhouxz; Alejandra Lezcano ale.lezca@gmail.com; Pep Buades https://www.facebook.com/pepus.buadesclar; Rosa Vroon https://es.linkedin.com/in/rosavroom; Itsaso Arizkuren @itsasoarizkuren; Edicion Anomalas: https://www.edicionesanomalas.com/; Editons La Main donne: https://www.lamaindonne. fr/; La Réunion cdes musées nationaux: https://www.rmngp.fr/ www.nathalievigini.com; @edicionesanomalas; jcbrognez@gmail. com; @danielsoldona; jeanmatthieug.

©Maria Munzi

José Manuel Navia (Madrid, 1957) es un fotógrafo licenciado en filosofía. Su trabajo como reportero se ha movido progresivamente hacia una fotografía más personal y deliberada, siempre en color, siempre dentro del documental. Sus imágenes, procedentes de fuentes profundamente ibéricas, exploran territorios y pueblos vinculados a sus orígenes y cultura.

©Navia

Le fascina el poder significante de la fotografía y su relación con la literatura.

LIBRE OPINIÓN DE JOSÉ MANUEL NAVIA Juan de Mairena para fotógrafos

No creo que a don Antonio Machado, que nos habla aquí por boca de su heterónimo Juan de Mairena, le importe demasiado que cambiemos la palabra poeta por fotógrafo. Al fin y al cabo, como dijo el propio Mairena, “en verdad, lo poético es ver”. El problema de la representación y, sobre todo, el de las “trampas” de las representaciones, nos acecha muy de cerca a todos los que trabajamos con imágenes. No pocas veces se ha dado por bueno que una imagen es una representación de algo (cuando no una copia, aún peor).

Pero siguiendo a Machado, más vale que las fotografías que nosotros produzcamos tengan que ver con las

©Navia

“La palabra representación, que ha viciado toda la teoría del conocimiento, envuelve muchos equívocos, que pueden ser funestos al poeta. `Las cosas están presentes en la conciencia o ausentes de ella. No es fácil probar, y nadie en efecto ha probado que estén representadas en la conciencia. [...] También vosotros tendréis que habéroslas con presencias y ausencias, de ningún modo con copias, traducciones ni representaciones.”

presencias y con las ausencias (la ausencia no es más que una forma de estar no estando), es decir, con la cosa en sí misma, o dicho de otro modo, que sean algo, y no copia o símbolo o representación de algo, pues por este camino llamémosle “conceptual”, tan mal entendido y tan de moda, nos alejaremos de la verdadera esencia de lo

fotográfico, que para mí no es otra que su absoluto, casi obsesivo hermanamiento con la cosa fotografiada tal como la ha visto y sentido el fotógrafo (la fotografía y aquello a lo que remite serían como las dos caras de una misma moneda, tan distintas e inseparables a la vez). Y será ese hacer mía la cosa, bien en presencia o en ausencia, lo que nos permita a su vez traerla a la conciencia del lector de nuestras imágenes. Dicho todo esto más expeditivamente en palabras de Álvaro Mutis: “Una caravana no simboliza ni representa cosa alguna. [...] Lo saben las bestias que la componen, lo ignoran los caravaneros”.

José-Manuel Navia