Global Grisart Nº 13 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBAL GRISART

MAYO DE 2020

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL

EDITORIAL

¡ENSAYOS VISUALES MÁS ALLÁ DEL CONFINAMIENTO! Cuatro charlas de Rafa Badia

Desde el comienzo del confinamiento que incide sobre 4.500 millones de habitantes en el planeta -e incluso provoca el cierre de las librerías, incluida la de Amazon en algunos países como Francia-, escritores, libreros o lectores nos invitan a aprovechar este momento en suspenso para disfrutar a la práctica de la lectura. En sus conferencias de Grisart de los viernes en Youtube, Rafa Badia aborda el trabajo de los grandes maestros de la fotografía: William Klein, Irving Penn, Annie Leibovitz, Sally Mann, Alain Laboile, etc., a través de los libros fotográficos.

INTERVIEW DE ENRIC MONTES Me encuentro libros por el camino LIBRE OPINIÓN DE ERIC GARNIER ¡El fotolibro, una experiencia posible! OS GUSTARÁ LEER Y MÁS DE 60 FOTOLIBROS GENERO Y GLOBALIZACIÓN Una exposicion de alumnos de la UPF y de ex-alumnos de Grisart WILLIAM KLEIN EN LA PEDRERA CONFINAMINETO Fotos desde la trinchera

LIBRE OPINIÓN DE ISRAEL ARIÑO

©Anna Galí

GILBERT GARCIN (1929-2019)

Al comienzo de esta crisis, el escritor Jean-Paul Kauffmann, que fue rehén durante tres años en el Líbano en los años 80, explicó que: “encerrado durante meses y meses, lo que me salvó la mente fue leer indefinidamente el segundo volumen de Guerra y paz, de Tolstoi “, tal como Solzhenitsyn explicando que fue

“salvado del Gulag al leer”. ¡Por fortuna, es obvio no estamos allí! Leer es una forma maravillosa de escapar, como explica Daniel Pennac: “yendo a otro territorio, yendo al inmenso territorio que es la literatura”. “El acto de leer forma parte del acto vivir”, dice Ángel Gabilondo, catedrático de Filosofía. Además de ejercitar la mente mediante la lectura, se favorece la concentración. Descubrir imágenes, trabajos fotograficos abre las puertas de la creación para todos, también nutre la imaginación y promueve la atención. Descubrir creaciones a través de la lectura ayuda a mejorar algunas habilidades sociales y técnicas, como la empatía o el arte de la toma fotografica pero, sobre todo, permite refugiarse en grandes momentos de alegrias colectivas y de felicidades íntimas. Jean-Matthieu Gosselin

©J-M Gosselin

ENSAYOS VISUALES MÁS ALLÁ DEL CONFINAMIENTO

TTodo comenzó hace un mes con esta pregunta: ¿Qué imágenes han marcado nuestro imaginario colectivo? en un “capítulo uno” muy interesante. A través del canal IGTV (Instagram) y del canal de Youtube, Rafa Badia, fotógrafo, profesor de Narrativa Visual , nos lleva, en un paseo virtual de entre 20 y 30 minutos, a través de la historia de la fotografía y de los fotolibros.

De la fotografía icónica

©Grisart

©William Klein

a la memoria colectiva

En la primera de estas capsulas ha presentado visualmente lo que ha construido la memoria de la contemporaneidad. https://youtu.be/ cLCZMWVTTgs Es otra manera de presentar el ensayo publicado en Global Grisart de enero (N° 9) «De la fotografía icónica a la memoria colectiva» donde Rafa explica que «Las imágenes icónicas, que se insertan y ayudan a conformar la memoria colectiva, corresponden a aquellas creadas en la era de la reproductibilidad de la imagen. La excepción serían aquellas pinturas, como La libertad guiando al pueblo de Delacroix, que han sido reproducidas –y a veces transformadas– miles de veces mediante un trabajo de imprenta y son conocidas – aunque no hayan visto el original- por millones de personas. A diferencia de las pinturas, y tal como señala Walter Benjamin en su ensayo Sobre la fotografía, las imágenes mecánicas carecen del “aura”, una suerte de carácter sagrado o mágico, donde la contemplación de las mismas supone un ritual, un evento remarcable no cotidiano. Por contrapartida, la fotografía y el cine puede alcanzar un número muy extenso de personas, en algunos casos a nivel planetario.»

ÂŠWilliam Klein

La Nueva York desmitificada de William Klein

bertad: los sujetos, el grano, la violencia de los contrastes, la saturación de los negros, las composiciones complejas, el encuadre, las deformaciones, los “trepidados”, el desenfoque ... Todo esto nos lo enseña Rafa Badia.

No fueron los primeros ni los últimos maestros del retrato psicológico, pero Penn, Avedon, Newman y Annie Liebovitz han marcado un hito en el retrato comercial de estudio de la segunda mitad del siglo XX.

En la tercera sesión la pregunta esta a propósito de cuatro artistas: ¿Qué ha hecho únicos a Irving Penn, Richard Avedon, Arnold Newman y Annie Leibovitz? Hay muchas cosas que los diferencian entre sí y un puñado en común, como que todos ellos trabajaron en Nueva York para las grandes revistas ilustradas como Vogue y Harper’s Bazaar, atendiendo a encargos de retratos de grandes figuras de la cultura, la política, la ciencia o el mundo del espectáculo.

En la segunda cápsula Rafa Badia presenta con muchos detalles y argumentos la Nueva York desmitificada de William Klein: El fotógrafo estadounidense que convirtió al mundo en testigo de las calles, la gente, los rostros, los bares y la vida real y multicultural de la Gran Manzana a través de su cámara. https://www. youtube.com/escuelagrisart.

©Arnold Newman

©Jmg

Grandes retratistas

El retrato fotográfico es un género que gira en torno a la idea de, obviamente, mostrar los aspectos físicos, pero también, y quizás más aún, los aspectos más espirituales y íntimos del sujeto, como su intimidad, su psicología. Los cuatros maestros usaban recursos diferentes de manera creativa y penetrante. https://youtu.be/v7kymCC65Ek

Con este “diario fotográfico”, personal e innovador, tan revolucionario en el mundo del libro fotográfico lo fueron Los Americanos de Robert Frank o Paris de nuit de Brassaï “, Klein golpea las mentes. El autor hace malabarismos con los sentimientos de amor y odio hacia su ciudad natal, presenta a Nueva York como una metrópoli caótica y desordenada, rica y pobre, una ciudad que se eleva al kitsch e incluso al absurdo. A través de este importante libro en la historia de la fotografía, podemos observar cómo un joven pintor abstracto (menor de 30 años) se hizo cargo de la fotografía de la realidad para cambiar todos sus códigos, y ello en total li-

Para ilustrar esta pastilla de fotografía sobre estos 4 maestros del retrato, Rafa muestra una selección de imágenes espectaculares extraídas de 4 fotolibros de autor, verdaderas joyas en papel impreso.

En la cuarta charla Rafa recuerda una afirmación de Picasso: “Los adultos somos exiliados de la infancia”. A partir de esto hace un enfoque sobre fotógrafos como Ralph Eugene Meatyard, Sally Mann y Alain Laboile que han sabido, con sus cámaras, tender puentes para volver a la niñez. Todos ellos han fotografiado a sus hijos en casas de campo y entornos

©Richard Avedon

©William Klein

©Irving Penn

Puentes para volver a la niñez

©Ralph Eugene Meatyard

naturales cercanos, en lugares donde la la imaginación permite a sus chicos crear juegos y universos secretos.

leica digital “los ángulos inesperados, varias miradas, los juegos de detalles, la alegría de vivir...” explica Rafa. Su trabajo es precioso: un descubrimiento tierno y poético en una infancia en completa libertad, con el atemporal blanco y negro. https://www.youtube.com/ watch?v=qDsuguooIg8

©Alain Laboie,

En los tres fotógrafos se puede encontrar en esta frase de Alain Laboile: “Aunque mi traba jo es profundamente personal es accesible y

permite al espectador entrar en mi mundo y reflexionar sobre su propia infancia.” Rafa ha dado una vida a Ralph Eugene Meatyard explicando que “sus imágenes son elaboradas, casi japonés, incluso apuradas”, también experimentando con exposiciones dobles, enfocándose en texturas y luz. Sally Mann, la más conocida de los tres artistas propone “atmosfera, imágenes crudas, ensoñaciones interrogantes, interrogaciones, juego de enfoque-desenfoque, soledad, un trabajo muy honesto sobre la intimidad, como sobre el día a día, y la vida en familia.». El menos conocido es el escultor Alain Laboie quien, con su segundo libro, trabaja con una

©Sally Mann

©Ralph Eugene Meatyard

©Sally Mann,

Rafa nos muestra sus trabajos recogidos en Romances de Meatyard, Inmediate family de Mann y Summer of the fawn. Estos tres fantásticos fotolibros son la puerta de entrada a una realidad paralela en la que nos reconoceremos e identificaremos con el niño que, oculto, todavía llevamos dentro.

Ochos libros y un artículo de Global Grisart para retroceder en el tiempo y sumergirse en las profundidades de la creación fotográfica. Jean-Matthieu Gosselin

©Alain Laboie, “Summer of the fawn”

Niña quemada por napalm huyendo, en 1968, © Nick Ut

Ejecución sumaria de un vietcong, en 1968, © Eddie Adams

La izada de la bandera en Iwo Jima, 1945, © Joe Rosenthal

Desembarcando en Omaha Beach, en 1944, © Robert Capa

Marina Ginestà, miliciana, 1936, © Hans Gutmann

Retrato del Che, 1960, © Alberto Korda

La gran mayoría de las imágenes icónicas del siglo XX son fotografías, no cine o vídeo.

“Esta fotografía de Susan Sontag en «Women», pareja de Annie Leibovitz, es una imagen que recoge muy bien la tradición de los retratos psicológicos. No hace falta ni que mire a cámara: tiene capacidad para llegar a expresar lo que hay en el interior a través del exterior.” Rafa Badia

©Annie Leibovitz

Susan Sarandon en Women, © Annie Leibovitz

INTERVIEW DE

ENRIC MONTES “Me encuentro libros por el camino”

©Enric Mo,ntes

Vinculado a la fotografía en sus más variados aspectos desde 1985, Enric Montes ha compaginado el aprendizaje y la docencia en diferentes centros y escuelas con la actividad como fotógrafo profesional y la producción de obra personal desde 1993. Es el editor de sus propios libros de fotografía.

Primero me gustaría aclarar que siempre he sido una persona de libros. Aunque no tuve una infancia lectora pronto descubrí la maravillosa capacidad que tienen para transportarte a universos lejanos del que habitas. Por lo tanto ha sido un formato que me ha acompañado y he tenido presente desde mis inicios tempranos en la fotografía, y que me ayuda a planificar y a concretar mis proyectos. Entiendo que cuando tienes un libro en tus manos, este ha de ser el fruto de un largo proceso de trabajo, la culminación final de la gran aventura que es embarcarse a realizar un proyecto fotográfico. 2 - ¿Qué obtuviste al editar tus propios photobooks? En su momento me dio la oportunidad de dar a conocer mi universo, partici

©Enric Mo,ntes

1 - ¿Para ti que es editar un proyecto fotográfico?

par en diferentes eventos y festivales fotográficos, y también poder llegar a conocer, desde dentro, cómo es y cómo funciona todo el entramado editorial fotográfico, pues el autoeditar mis libros me permitía compaginar la figura de autor con la de editor según me conviniera en cada momento. Fue una época de mucho aprendizaje y acumulación de experiencias, casi

siempre positivas. Aunque las cosas cambian rápida y constantemente (mis primeras publicaciones ya tienen casi una década) pienso que actualmente el fotolibro continua siendo una herramienta útil y eficaz para mostrar lo que haces. Por supuesto la competencia es dura, el número de nuevos libros aumenta casi a diario y el mero hecho de sacar un libro al mercado no asegura nada, pero si tu trabajo es bueno y haces todo lo posible para distribuirlo y difundirlo creo que esa oportunidad de la que hablaba al principio sigue existiendo hoy en día. 3 - ¿Nos puedes indicar 4 referencias importantes, para ti en los fotolibros? Ralph Gibson siempre ha sido un autor al que he recurrido a menudo a lo largo de los años, tanto en su vertiente puramente fotográfica como en la editorial. En los 70’s fundó su propio sello (Lustrum Press) para poder pu-

©Enric Mo,ntes

Enric Montes el editor de sus propios libros de fotografía: El viaje vertical (2009), El eco de las cosas (2010) y El domador de sueños (2011), que han sido finalistas en Photoespaña al “Premio Mejor Libro de Fotografía del año” (2010 y 2012) y han participado en la exposición colectiva «Libros que son fotos, fotos que son libros» (2014) en el Museo de Arte Reina Sofía. El libro 20 ways to disappear (2013), fue presentado en la sección oficial de Les Rencontres d’Arles (Francia) y durante el 2015 fue exhibido en el Tokyo Institut of Photography (Japón) y los Encontros da Imagen en Braga (Portugal). Su último trabajo, Lisboa Secret (2017), ha sido publicado por la editorial CaravanBook. En la actualidad es profesor de fotografía en Grisart y el IEFC, ambas escuelas de Barcelona. También imparte servicios personalizados de asesoramiento y edición en la realización de fotolibros.

el británico Stephen Gill. Su sello editorial (Nobody Books), en el que sólo publica sus propios libros, me parece un perfecto ejemplo de coherencia, constancia y buen hacer.

blicar sus trabajos con total independencia, y además fue un precursor a la hora de jugar con la potencialidad expresiva de las imágenes, tanto a nivel individual (icónico) como en el momento de secuenciarlas (narrativo). Sus libros son de aquellos a los que vuelves una y otra vez en el tiempo.

En un apartado más contemporáneo, también admiro la consistencia y libertad a la hora de trabajar que tiene

4 - ¿Cual es tu metodología al momento de descubrir un nuevo photobook? ¿Tienes algunos consejos para los lectores de Global Grisart? No tengo ningún sistema de búsqueda organizado, simplemente vivo, me preocupo de mis asuntos y me encuentro libros por el camino. Descubro novedades de diferentes formas, por recomendaciones de amigos, yendo a ferias o festivales de fotografía, leyendo artículos en redes sociales, ... No estoy suscrito a

ningún portal de fotografía, ni blogs ni similares, de hecho intento (y cada vez más!) mantener la bandeja de entrada de mi mail lo más limpia y vacía posible. Mas bien podría decir que son los libros los que le encuentran a uno. Además, hay que tener en cuenta que la oferta de novedades es inabarcable y es casi imposible estar constante y completamente al día. Opino, como Sugimoto, que el exceso de información conduce a la nada, por ello prefiero centrar mi atención (y escaso tiempo disponible) en estudiar casos concretos en lugar de mirar de manera superficial la avalancha constante de novedades.

Entrevista realizada por J-M Gosselin www.enricmontes.com www.facebook.com/EnricMontesFotografia https://www.instagram.com/enric_montes/

LIBRE OPINION DE ERIC GARNIER ¡EL FOTOLIBRO, UNA EXPERIENCIA POSIBLE! ¡Editar tus fotos es posible!... Para algunos, esta frase es un sueño. El libro de fotos, o un libro con tus fotos, se han convertido en una necesidad para todos los fotógrafos y también para los aprendices. En realidad, como prolegómeno a todos los enfoques, hay dos cuestiones fundamentales: ¿Por qué y en corolario, para quién quiero ser publicado? ¿Y qué quiero mostrar, decir, explicar, enseñar? Un photobook no es solo un libro de fotos, incluso si es un libro hecho solamente con fotografías, sin texto. Es un libro de contenido y tambien un libro de artista en sí mismo. Tiene su propio idioma, su gramática, su forma de hablar, su tipo de narración. Debe tener una consistencia interna absoluta. Es obvio que los tiempos editoriales son difíciles, además con esta crisis económica fruto de una crisis sanitaria. Antes de marzo 2020 en España el número de librerías ya había disminuido un 40% respecto a hace 10 años; la mitad de las estructuras de difusion-dis- tribución cerraron sus puertas al mismo tiempo. En los EE. UU., por ejemplo, casi el 30% del mercado es a través del libro electrónico... Además, cada vez hay menos subsidios, becas o concurso que antes... Es decir que financiar un libro se ha conviertido en algo muy complicado. Para que sea posible en un futuro, el punto clave estárá en presentar dossiers perfectos, completos, e igualmente presentarlos como propuestas originales a los bancos, instituciones culturales, ayuntamientos... También es necesario que todavía existan editores dispuestos a jugarse hasta sus camisetas y pagando a los autores, diseñadores gráficos, traductores... Solo deben tener en cuenta que el mercado de libros es un negocio esquizofrénico, que debe mudar y cambiar de modelo. Además se deben crear nuevos canales de comunicación y renovar una nueva forma de moda del coleccionismo.

El primer trabajo de un fotógrafo (como de un autor....) es encontrar una editorial, lo que significa hallar un editor, una mujer o un hombre apasionada/o por el libro, la imagen, la fotografía. Su labor consiste en buscar buenos fotógrafos, buenos proyectos, hermosas intenciones, las pepitas más bellas y ocultas, nuevos talentos. Ella o él ha de bucear en todas partes para descubrir las fotos y los proyectos que esperan los lectores de su editorial. El editor los estudia, los edita, trabaja los pies de fotografia o el texto con el autor, la gráfica con el diseñador revisa el conjuto... Prepara y sigue las portadas, el marketing, salida, promoción, ferias, prensa... Muchos editores eran bastante críticos con lo que se llama el “boom del fotolibro”. En realidad, lo que ha cambiado es que, desde hace 15 años, es más fácil hacer libros de tiradas cortas que acaban siempre vendiéndose en un circuito demasiado cerrado y más complicado de atender. En el genero de la fotografía se publican muchos libros, pero hay muy pocos lectores, algo que comparten cada día más todos los sectores de la edición. Por lo cual es importante cuidar todas las etapas de la realización del libro. No hay ningún paso menos importante. ¡Quien lo diga, se equivoca! Los fotógrafos, tal como los poetas, por ejemplo, han encontrado en el libro un vehículo perfecto para mostrar sus trabajos. Se han publicado libros increíbles, muy buenos, y algunos de ellos eran autoeditados. En general hemos vivido cierta euforia que seguro se va a estabilizar por fuerza tras esta crisis de la primavera de 2020. No hay lectores para tantos libros, pero hay lectores. Hay que estudiar al fondo cada proyecto, trabajar, cuidar las imágenes, la narración, tomarse el tiempo necesario. Para finalizar pienso que sí se ha vivido, en el ámbito de la fotografía, como el de la poesía, de cierto desprestigio de la figura del editor, lo cual es un error. Sin editor, no hay editorial: las dificultades de Amazon como editora lo demuestra. Decía

el editor Kurt Wolff: “Uno edita o bien los libros que considera que la gente debería leer, o bien los libros que la gente quiere leer. Los editores de la segunda categoría, es decir, los editores que obedecen ciegamente al gusto del público no cuentan”. ¿Los tiempos son buenos para la autoedición? ¡No lo sé! Lo que sé es que no es fácil, y realizar un proyecto propio es un riesgo económico personal que puede ser alto. En realidad, es complicado realizar por varias razones: . Se necesita un presupuesto (lo suficientemente grande) para editar la primera serie entre 50 y 200 ej. Obviamente, cuanto menos imprimimos mayor es el costo unitario. . Nunca estamos seguros de sus proveedores: impresora, encuadernador... Es un trabajo de verdad que no se improvisa; incluso si es muy interesante, tienen que saber que consume mucho tiempo. . Nunca nos damos cuenta de todos los gastos imprevistos. Uno debe tener la seguridad de poder vender un mínimo de sus libros. . Es necesario proponer un trabajo cualitativamente sin reproches, para estar seguros de venderlo. La parte comercial es muy pesada y requiere mucho tiempo (facturación, envío de paquetes, gestión de inventario) y disposición para ir a ferias, muestras y salones fotográficos. Hay muchos ejemplos fantásticos, como los de Enric Montes y sus preciosos libros (a ver la entrevista en este numero), o bien Yoshida Akihito quien a autoditado Brick Yard en 2014 y Tannery en 2016, o Ofir Barak que se ha autorealizado su Mea Shearim-The Streets en 2017... Todo el mundo quiere tener el éxito de Ricardo Cases con Paloma al aire o el triunfo espectacular de The Afronauts de Cristina De Middel, pero para ello es necesario contar con toda una experiencia íntima y de realización colectiva muy potente. Eric Garnier Editor Independiente Fundador de agencias fotográficas

Selección que me parece importante descubrir: Mamika: the best, Sacha Goldberger, Fleuve Edition, 2015 ; C’est quoi ce travail, François-Xavier Seren, HC éditions, 2011; Bilder Pictures, Hans-Peter-Fleldmann, 3 Möven Verlag, 1971; Une double absence, Akihito Yoshida, Editions Xavier Barral , 2019

OS ENCANTARÁ LEER

La fotógrafa internacional, con sede en Melbourne, Ying Ang, tiene una visión más dura de la sociedad en este primer libro fotográfico titulado Gold Coast. Explica que debajo del cielo azul y las hermosas casas hay corrupción, racismo y asesinatos. Según Ying Ang, hay problemas en esta falcada de paraíso, que los habitantes de una de las partes más bellas de Australia viven en un mundo de fantasía, totalmente fabricado, donde gobiernan gentes corruptas.

©Ying Ang

En este tiempo la fotógrafa ha podido registrar, documentar y mostrarnos gracias a su percepción sensible, una versión menos conocida, pero muy profunda de este lugar “encantador” de Australia. El libro ganó varios premios internacionales en los dos hemisferios. .

En un sutil libro, Claudine Doury, durante casi treinta años, ha producido un trabajo fotográfico y conmemorativo en forma de diario. El viaje de la fotógrafa, que comenzó en 1991 a orillas del río Ruso Amur, continuó en 1997 y luego en 2018.

©Claudine Doury

Todo eso es la historia de un lugar que creaba las bases imperfectas de lo que se quería perfecto y novedoso, pero en realidad sobre un espejismo de tranquilidad. Se trata de la exactitud de esas piscinas (¡tema que me interesa!) y tardes bañadas por el sol. Se trata también de nuestras percepciones de la seguridad y del peligro dentro de la arquitectura y del urbanismo, mejor dicho, de nuestro entorno construido. Se trata de nuevos edificios y de la hermosa mentira de lo que se vende y compra aquí todos los días.

AMOUR

El lenguaje fotográfico está elegido para crear empatía, imagen tras imagen, para que el lector se identifica con los lugares y los personajes. Las escenas se suceden rítmicamente, creando una tensión vibrante y constante, sin jamás perder nunca una elegancia y un sentido de la arquitectura. Pero también el autor cuestiona nuestra percepción de seguridad y peligro en nuestro entorno más cercano y examina qué imágenes connotan esos dos términos. Esta obra se finalizo después de un proyecto de 4 años.

©Ying Ang

La Gold Coast es uno de los puntos mas turísticos de Australia. Es un largo tramo de costa hermosa al sur de Brisbane, en el estado de Queensland, una exuberante selva tropical, un clima subtropical, largas playas, y una floreciente metrópoli. En resumen, es una utopía moderna, o al menos eso es lo que dice la gente del turismo. Fue señalada como la capital turística de Oceanía, pero ahora está declarada la capital del crimen de Australia.

©Ying Ang

GOLD COAST”

Las generaciones se suceden. Los alrededores del río se transforman. Las tradiciones de los descendientes de los siberianos están cada vez menos presentes. La fotógrafa, enamorada de los pueblos siberianos que ella ha descubierto, hace un trabajo de evocación de las familias encontradas. Ella ofrece un trabajo íntimo sobre el tema de los viajes, pero especialmente la memoria colectiva y tradicional. Sus fotos son soñadoras, enigmáticas, oníricas; sus imágenes son “noveladas” en el sentido de que cuenta historias como las de Kessel, Tesson, Anton Chekhov, o cuentos excéntricos como los de Joseph Delteil. Ella trabaja en la atemporalidad; ama la luz natural, las luces suaves. A Claudine le gusta los retratos de aspectos mestizos y las fotos de lugares de la vida tal como el concepto de lo cotidiano.

Ullic Narducci

Eric Garnier

Ying Ang, “Gold Coast”, Selfedicion, 2014, 132 p.

C. Doury, “Amour”, Chose Commune, 2019, 42 €

UN AÃ&#x2018;O DE FOTOLIBROS

FOTOLIBROS

¿FAMOSA O NO?

¡MAS ALLÁ DEL GRAN VIAJE!

POLIFONÍA VISUAL

¿Qué hace que una obra de arte, una pintura, una fotografía sea famosa? Esta es la pregunta que está tratando de responder Vincent Brocvielle, escritor, especialista en arte, ex-editor jefe del museo Rodin. Bajo una investigación entretenida y bien construida (histórica, sociológicamente, de un punto de visto literario), analiza los inicios de una obra de arte, su fortuna crítica, sus picos de notoriedad, sus bajones, las razones de su admiración aquí y las explicaciones allá, que no siempre son las mismas. Sólo la portada del libro es un fracaso: la Mona Lisa y la Odalisque de Ingres son icónicas, pero obviamente no reflejan todo el arte, y aquí caemos en lo banal, incluso en el ruido cultural. «Pourquoi c’est connu», Rmn, 160 p, 19,90€

En “West of West: Travels along the edge of America”, la fotógrafa Sarah M. Lee y la autora Laura Barton exploran la idea de Occidente al dar forma a la identidad estadounidense. Se mezclan el idealismo y las nociones de la frontera. A los azules, amarillos y rosas se añaden feroces escenas. La playa de Santa Mónica, donde el muelle de madera se adentra en el Océano Pacífico, marca el final de la Ruta 66. El gran viaje estadounidense hacia el Oeste toca su cima. Desde alli Sarah M. Lee comenzará su serie fotográfica, iniciada en 2015.

Es el catalogo, simplificado, sobre la primera gran exposición retrospectiva de la obra del fotógrafo barcelonés Oriol Maspons (1928-2013). La exposición, que recorría más de cuatro décadas de intensa actividad en los campos del reportaje, el retrato, la moda y la publicidad, fue expuesta en el MNAC durante el invierno 2019-2020. Maspons desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico español. Después tomó fotos de moda, arquitectura, retrató a la jetset «gauche divine», realizó portadas de libros fundamentales en la historia de las publicaciones internacionales... Finalmente regresó al reportaje y a los proyectos personales poéticos.

«West of West», 160 p., 2019, 19,55$

«Oriol Maspons, Quadren», MNAC, 2019, 4,5€

¡MOVILES MÁGICOS!

¡LA VIOLENCIA DEL CARIÑO!

Seguro que has notado que en las librerías tradicionales en seccion foto”, la pila mas grande era “Fotografía con móviles”. Obviamente algunos me replicarán, ¿pero de qué puede hablar este libro? Partiendo de un prolegómeno sencillo: fotografiar con el móvil ya es parte de nuestras vidas y la cámara del teléfono se ha convertido en un arma fundamental para compartir la visión del mundo, el libro propone en 230 p., tres tipos de elementos. Una parte técnica sobre el dispositivo smartphone. Luego varios consejos sobre la foto en sí: composición, la luz y su función narrativa... La tercera parte se detiene en el nuevo documentalismo, la streetphotography, la foto de bodegón, de marketing, de gastronomía... ¿Es este el futuro de la fotografía? ¡Quien sabe! Pero seguramente será parte integrante de la imagen, tal como el instamatic, o las cámaras desechables en su tiempo. «Fotografía con móviles», Rodrigo Rivas, PhotoClub, 2323 p., 24€ :

Gema Palenco analiza las formas sutiles y también agresivas que moldean a las mujeres a través del cariño o del falso cariño, los consejos, el cuidado o el chantaje emocional como: “¿qué dirán?”, “es por tu bien”, “hacerlo como ios manda” etc. Ella lo analiza y lo narra desde una perspectiva de genero, clase y raza. Este ya es un tema que se intercala de forma clara en las problemáticas de la violencia cotidiana contra las mujeres.

INDIA ETERNA “La India en el espejo de los fotógrafos” es un pequeño libro en formato alargado muy bien editado e impreso. Ofrece paisajes, retratos, escenas de la vida cotidiana, arquitecturas tradicionales de La India imperial británica, Bombay, Calcuta, Madrás... Muchos fotógrafos, incluidos oficiales del ejército, han capturado los misterios y riquezas de este subcontinente, cuyos paisajes se experimentan física y emocionalmente. Las tres grandes exploraciones de Samuel Bourne fueron cruciales (en 1863, 64 y 66) en la historia de la fotografía británica, al igual que las fotografías de Wiliam Baker y John Burke. Las imágenes son entusiastas, conmovedoras, documentales y poéticas. Este libro fue publicado como parte de la exposición homónima celebrada este invierno en el Museo Guimet. .«L’inde au miroir des photographe», rmn, 96 p., 13,5€

TRANCE POETICO EN CUBA Gilles Roudière nos cuenta su visión de Cuba a través de sus imágenes en blanco y negro llenas de granos como lunares . Él es un poeta cuyo lenguaje se centra en los caminos solitarios y los paisajes maltratados. Ofrece una balada cubana, un viaje interior a un país que algunos fotógrafos consideran como un espacio mental, un lugar de resistencia interna. Sus fotos son táctiles, sensuales, poderosas y suaves al mismo tiempo. ¡Grano y contraste! Fotografías como dibujos al carbón, que cuentan un territorio atravesado por Roudiere con un alma abierta, ojos furtivos, pero como si tuviera entre el sueño y la vigilia. Las imágenes son perturbadoras, febriles, primitivas, deslumbrantes, con soles negros, horizontes que caen. Todo y así, la foto se mantiene estable gracias al juego de los negros. Roudière nos conduce a una especie de trance: un gallo cuya cabeza está allí, o no; bandadas de pájaros que causan ansiedad; un perro en el techo; un personaje agazapado en una habitación desnuda, sin nada. Así es como imaginamos el país: un gallo en el techo, una cruz bajo la luna, sí; ¿pero dónde? ... En este libro, muy bien editado, reina un sentimiento de lánguidez, una calma sin voluptuosidad, una sensacion de exilio, un regreso al pasado; también la preocupación y ternura también por este país del que nadie sabe lo que está sucediendo en la sombra, ni domina realmente los bailes en penumbra. ¡Un flechazo editorial! “Trova”, La main donne, 2019, 33,20€ http://www.lamaindonne.fr

«Como Dios manda», Gema Polanco., 2020, 25€ comodiosmandaphotobook.bigcartel.com

DESCUBRIR MIRÓ En “Son Boter, Joan Miró” Rif Spahni ha inmortalizado cada rincón del taller del pintor en Palma en un proyecto fotográfico y editorial muy original. El fotógrafo captó uno de los estudios de Joan Miró en las Baleares fijándose en las “manchas” que se perduran en el taller, descubriendo un submundo mironiano, haciendo casi un psicoanálisis del artista a través la abstracción. Una de las condiciones que Spahni pidió al museo era que se realizaba un libro muy accesible para la gente, tanto en tamaño como en el precio, pero de gran calidad y con una visión editorial novedosa. Existía sólo una editorial capaz de aceptar el reto y proponer un libro con todos estos requisitos: ¡Anómalas! La forma es ingenio, el objeto tiene delicadeza. El blanco y negro, curiosamente, otorga a las manchas una profundidad y un valor de obra que goza de una lírica poética y de una sutileza extraordinaria. El espacio para las fotos a color, como un cajón secreto, es un estuche precioso enganchado a la portada que añade una sorpresa a las imágenes. El texto de Gustavo Martín Garzo es precioso. “Son Boter. Joan Miró”, Rif Spahni, 2019, 20€

FOTOLIBROS

¿REMANENCIAS, EVOCACIONES, INTIMIDAD DESCONOCIDA O PRESAGIOS?

ULRICH LEBEUF ¡CUADERNOS DE QUEJAS DE LA REVOLUCIÓN FRANCESA!

CAMBIO DE PERSPECTIVA Y POESÍA

Con fotos suaves y cuidadosamente elegidas, Fabrice Domenet, artista de renombre, que era bailarín, cuestionó nuestra relación con la realidad. Él plantea un vagabundeo por el limbo de la imaginación; y aunque la cronología de las imágenes es parte de un proceso de evolución temporal gracias al trabajo editorial, el proceso queda abierto en el subconsciente de cada lector. El autor se pregunta sobre la relación entre el mundo que nos rodea y nuestro mundo interior y, como afrrma, “busca hacer” visible “la manifestación de lo invisible”. «Voir les yeux fermés», Bis.éditions, 20 p., 55 € - https://www.bis-editions.com/

«El fotógrafo Ulrich Lebeuf ha estado cubriendo eventos sociales. Durante estas décadas, vio aumentar la violencia social extrema con nuevas áreas de confrontación como las “ZAD” o incluso en las calles de toda Francia desde noviembre de 2018. Las Editions de Juillet (editorial muy prolífica en autores de calidad) publica su nuevo trabajo con un tratamiento gráfico muy particular sobre estos 16 meses de disturbios. Ofrece un trabajo subjetivo y oscuro. Gris y negro fusionan hombres en lugares de incomodos. Los combatantes sociales se convierten en fantasmas, como mineros sin futuro. «Khaos», Editions de Juillet, 58 p., 30€

El libro de Bénédicte Blondeau es uno de mis favoritos de ParisPhoto. Este volumen, a primera vista parece una miscelánea, un batiburrillo, una cueva de Ali Baba. De hecho, lo que queda no es una cuestión de ruptura, sino un cambio de perspectiva, de paradigma, un movimiento de un lado a otro, recordando que el entorno formado y controlado por la humanidad también es frágil y fugaz. La fotografa nos recuerda que ciertas cosas mueren y que otras aparecen. Es un libro de transformación y regeneración. ¡Un fotolibro optimista, con imagenes brillantes! «Ce qu’il reste», 52 p., 55 € http://www. artbooks.xyz/books/ce-qu-il-reste

¡INFLUENCIAS FOTOGRÁFICAS!

¡FANZINE MÁGICO! El 1° Fanzine de la serie de Nathalie Vigini, una fotografa suiza, narra una soledad, la del mar y sus visitantes. La de esta artista se encuentra en un espacio mayúsculo que ama, un lugar lleno de aire, materias, de cosas extrañas... Ella está sola con su memoria, sus pasiones y sus preguntas.

EL NUEVO DE NAVIA: ¡EL APOCALIPSIS HA PASADO EN LA ESPAÑA VACIA ! EL OPTIMISMO DE LA IMAGEN

Una especie de diccionario enamorado sobre los fotógrafos que influyeron a Jean-Christophe Béchet en su profesión: fuentes, parecidos-razonables, análisis de escritos fotográficos, imágenes, composiciones y tambien los territorios de inspiración. “La fuente de inspiración, siempre que no conduzca al plagio, es esencial”, escribió Umberto Eco; esta referencia pulula a lo largo de este ensayo. «Influences: un jeu photographique», Ed. La Martinière, 29 €

El autor es periodista de radio y presentador de televisión, pero sobre todo es fotógrafo y poeta. ¡Hay que decirlo! En sus diversas exposiciones y en su último libro “La prueba del tiempo”, propone un enfoque sobre el paso del mismo, la importancia de las miradas y todo lo que contienen, las arrugas y marcas dejadas por el tiempo en cada uno de nosotros. Es una visión del mundo que mezcla realismo y poesía. El libro no es sólo una recopilación de fotos, sino todo lo contrario. Unos textos realmente personales acompañan a las imágenes que aparecen al principio de este gran volumen, que ofrecen una visión deudora de la magia y la dulzura: “La infancia eterna tiene alas, las que se guardan secretamente en el hueco de la espalda”.

¡Fantástico trabajo de las Ediciones Anómalas con el ultimo libro del fotógrafo Navia que publica ‘Alma tierra’, un homenaje a las gentes que resisten en comarcas a punto de morir! Sin nostalgia, insisto sobre este punto, este volumen es un homenaje a la España vacía, vaciada, abandonada o extinta. Como el reportero que es, pero también como poeta visual, Navia ha estado más de un año por Burgos, las Tierras Altas de Soria, la montaña palentina, en Ciudad Real, Teruel, Castellón...Navia conoce el país -es su terreno, es su cultura-, la gente...Por lo tanto se acerca humildemente a los pueblos y a sus habitantes. Para realizar su trabajo se ha nutrido de su archivo (un 30% de las imágenes) y de material nuevo. Hay imágenes desoladoras y de cambios de paradigma; muestran las alteraciones ocurridas durante 20 años, dejando zonas aisladas. Es entonces nos preguntamos: ¿como se puede resistir hoy en esa España interior abandonada? Este libro es un acto de fe. Navia ofrece la magia de sus imágenes, sus colores, sus contornos borrosos, sus contrastes, su gusto por los bodegones legados de la pintura del XVII... Es una mirada hacia la despoblación que se fija, sobre todo, en las personas y las situaciones de la vida. Por lo tanto capta rostros, siluetas, paisajes, lugares, interiores.... Navia argumenta que las comunidades rurales mantienen todavía hoy “una forma de vida muy independiente y aleccionadora”. Nos embarga el optimismo, en el momento de acabar la lectura.

A Ian Weldon le gusta las bodas, y retratar las escenas, pero insiste en el hecho de que no es un fotógrafo de bodas. Él busca retratos que representen lo inesperado, el tiempo, la suerte, los accidentes, los preparativos de última hora, los ángulos poco halagadores... Weldon, de la escuela de Martin Parr, rechaza las reglas estándar para las imagenes de bodas, él se aleja de todas las convenciones. Su naturaleza rebelde e irónica, su espíritu libre, su estilo documental y a lo Martin Parr sublimaron su estética. Weldon está asentado en el género de una manera distinta. Hoy la gente en general usa selfies y hace fotos con su móvil y las colgan en las redes sociales. No son documentos como los de hace 10, 20 o 50 años. Hoy menos gente contrata fotografos para sus bodas. Es, de cierta manera, lo que demuestra Ian Weldon: en contraste con las sonrisas afectadas y encuadres forzados de la fotografía tradicional nupcial, Ian Weldon adopta un enfoque documental y burlon para capturar al personaje real de este gran día.

«L’épreuve du temps», 224 p., La Martinière, 2018, 32 €

«Alma-Tierra»», 220 p., Ediciones Anómalas, 30€ https://www.edicionesanomalas.com/

«I am not a wedding photographer», RRB Photobooks, 2019, 92 p., 24£

Para ser socio: nathalie.vigini@gmail.com

LA INFANCIA ETERNA

UNA BODA NO ES UN CUENTO DE HADAS

FOTOLIBROS

¡Y SIEMPRE ROBERT FRANK!

UNA DINÁMICA NOCTAMBULA

DESCÚBRELO DE URGENCIA

En este libro, Robert Frank, 94 años, reconoce y se mueve más allá de sus diarios visuales que yuxtapone imágenes icónicas (39 fotos), actuales y fragmentos de texto sugerentes, a menudo autobiográficos. Su mensaje está principalmente en la secuencia lírica de las fotos, un enfoque influyente para el fotolibro pionero y hoy en los manos de un hombre maduro que analiza su vida. Lástima, aunque el libro se mantendrá en inglés, que se publica por país y que las fotos aparezcan en masa, sin orden ni edición bien hecha, en la red. Un fotógrafo de este renombre no merece este trato. “Robert Frank : good days Quiet”, Steidl Verlag, 64 p., 35 €

Cuando abres el fotolibro «Wake», de Adam Jeppesen en vez de despertar quizás tienes una sensación de entrar en una dinámica noctámbula y llena de penumbras, dibujada por una luz y unos colores que construyen una atmósfera de suspense.

Hesse y Romier fotografiaron a partir de 2014 la costa de “Côtes-d’Armor”. Luego organizaron su trabajo como un cuento visual donde se encadenan extrañas representaciones, elementos de sofisticación, poemas de simplificación. Desde objetos cotidianos recuperados a lo largo de sus caminatas, reflejando emociones, posibilidades visuales, inmersión en el olor, encuentro en las sensibilidades o creencias ecológicas... Ellos ofrecen pinturas donde se puede imaginar, soñar, reactivando recuerdos de la infancia o encontrando elementos familiares. Y si las imágenes son mudas, de hecho, lloran, gritan, gruñen, resoplan o soplan. Y, por último, no olvides prestar atención a la suntuosa portada en negro y en relieve. « Barbarians », GwinZegal, 44p., 24 €

En las imágenes surrealistas de gran formato de Jeppesen, todo pareciera estar congelado, incluyendo los más mínimos detalles. El título del proyecto hace alusión a una claridad emocional y estética, producto de un periodo de soledad. Este libro es una joya que juega a la parálisis del tiempo.

Wake”, Steidl Verlag, 48 p., 32 €

dos del fin del mundo, la realidad de una jungla humana y rebelde. Hay un poo de Diane Arbus en él y de William Klein

¡PARADIGMAS DISTINTOS! ¡Y aquí hay un libro que, a mí me ha encantado! Propone imágenes partidas e incompletas apenas anotado con una única frase de Miguel Romero: “Es en los negativos donde descansan las imágenes unas con otras, separadas por el tiempo”. Es igual que mi cerebro después del Ictus, una otra visión, libertad de interpretación, los intersticios de la línea del tiempo como los espacios nuevos de la normalidad clásica... Las texturas como los colores son imperfectos, no es “vintage”, nada de la moda de los filtros “insta”; es una temporalidad azarosa, un espacio donde la memoria que desaparece o se rencuentra, depende lo que quiere el artista, o bien el lectores-espectador. También es un regreso, como dice Aznavour a “un tiempo, Que menos de veinte años, No puedo saber” cuando los fotogramas en los carretes estaban acostumbrados o condenados (depende de nuestro estado de animo) a vivir unos con otros pasando de un momento a otro; una época donde cada foto suponía mas tiempo, mas dinero, mas conocimiento artesanal que actualidad. Este viaje personal del autor se convierte en un viaje del lector que encuentra nuevos reflejos y paradigmas distintos. “Elipsis”, ed. Anómalas, 48 p., 15 €

DESCUBRIR A CLAUDE IVERNÉ Claude Iverné observa, y fotografía en blanco y negro, con grises sutiles con calma y lentamente, sin olvidar nunca dónde mira: los nómadas, espacios saturados de arenas y cielos, firmamentos saturados de vacío y plenitud, humanos reinventando presencias, días cotidianos limpios en sus repeticiones, composiciones perfectas y puras, geometrías minerales y misteriosas. «Bilad es Sudan», Ed. Xavier Barral, 240 p., 45 €

EXHIBICIÓN EN RIO El artista visual y fotógrafo JR publica un nuevo libro en Actes Sud. La edición inteligente permite (re) descubrir sus proyectos más destacados, incluida la exhibición de atletas de tamaño natural en la ciudad brasileña ... El libro esta pensado de un punto de visto editorial como una serie de muñecas rusas, donde se encadenas las epopeyas plásticas de JR, desde el Río Favella hasta los Juegos Olímpicos de Verano, ocho años después. El diseño es obviamente original, no puede ser de otra manera con JR, y está lleno de escenas emocionantes, incluido un intercambio cruzado entre JR y Vik Muniz, que dice mucho sobre el requisito de la ética del fotógrafo francés. Descubramos su técnica de collage, su gran sensibilidad visual. Este libro cuenta 10 años de creaciones artísticas y la participación artística y humana de un hombre que ha creado vínculos en una de las mayores mega-ciudades del mundo. “JR, JR Géants, JR Rio”, Actes sud, 176p., 55 €

EL CARTUCHO: EN LA JUNGLA MODERNA! Stanislas Guigui escribió, en texto y fotos, una suma sobre la vida cotidiana en el distrito d’El Cartucho, este ghetto de Bogotá, en el centro de la ciudad, a dos cuadras del palacio presidencial. Durante tres años ha vivido el día a día de los grupos más peligrosos del mundo, pero también en los entornos de lo más pobres. Testifica y narra la marginalidad, la violencia, la exclusión, la vida de los olvida-

también. Stanislas Guigui rastrea el carácter humano en lo más profundo del alma. “El Cartucho”, Ed. Chêne, 224p, 22,9 €

MIGRACION Y SUEÑOS “Fata Morgana” es el fotolibro ganador de

la tercera edición de Concurso Fotocanal libro de fotografía 2018, organizado por la Comunidad de Madrid y Ediciones Anómalas. Es el nombre de un espejismo complejo que distorsiona los objetos y se desvanece muy rápido. “Visible desde la región del sur de Italia de la que procedo, Salento, crea la ilusión de estar contemplando las montañas de Albania desde el mar Adriático, pero para mí representa una potente metáfora de la situación geopolítica contemporánea”, explica Alessia Rollo. Este proyecto fotofrafico es una narración entre lo real y lo ficticio donde a partir de una historia personal, la autora propone llenar huecos y brindar a los personajes del libro la posibilidad de duplicarse y transformarse en otras personas. Ofrece sueños y caminos de sueños, que es un aspecto fundamental de la existencia de todos los seres humanos. Es una mirada innovadora sobre un tema pretendiente como es el conflicto migratorio entre Europa y África. “Fata Morgana”, ed. Anómalas, 80 p., 28 €

FOTOLIBROS

UNA RELACIÓN COMPLEJA SURREALISTA Y TAJANTE SOBRE LA FOTOGRAFÍA

MISHA VALLEJO ¡UNA CRUDA IMPARABLE!

CRITICA SOCIAL Y POESÍA

El catálogo de la expo «Picasso y la foto» recorre todas las estancias de la vida artística del autor más conocido del mundo a partir de las fotografías realizadas por el pintor, sus parejas y amigos. También muchas veces por los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, tal como Dora Maar –ella lo inmortalizó para la revista “Cahiers d’art” pintando una de sus obras maestras, el Guernica... Picasso mantuvo siempre una relación compleja e intensa con la fotografía, y experimentó este medio artístico al igual que cualquier otra técnica que usaba. ¡Un catalogo didáctico completo y apasionante! «Picasso, la mirada del fotògraf», Museo Picasso – La Fabrica, 35 €

Esta obra de Misha Vallejo, es un documento realizado en Puerto Nuevo, entre Ecuador y Colombia. Un relato de lo que sucede a lo largo de la delgada línea que divide estos países. ¡Todos asumen que no es nada bueno! Las imágenes lo muestran a través imágenes documentales, facsímiles, fotos vernaculares. Las personas están apartadas, olvidadas dentro de unos territorios peligrosos. La cruda realidad de los lugares, es patente en cada pagina.

Este es un pequeño libro en catalán -o bien en ingles- sobre Joan Brossa, realizado en el marco de una muestra en El Born, sobre un autor cuya mayor parte de su obra consistió en hacer una dura crítica social y política a través del humor, la ironía, la parodia y la metáfora, transgrediendo siempre el lenguaje y las formas poéticas convencionales. La imágenes y los símbolos son importante en su obra. Brossa llegó a escribir que “Si no podía escribir, en los momentos de euforia / sería guerrillero, en los de pasividad prestidigitador. / Ser poeta incluye las dos cosas”.

«Al otro Lado», 104 p., Ed. Madalena, 35$

«Joan Brossa : poet of Revolt», 30 p., El Born CCM, gratuito

¡VIAJAR SIN FRONTERA!

¡ATRACCIÓN TERRIBLE! El momento vertiginoso es ése en el que la ilusión del tiempo lineal se suspende en un parón temporal mental y se convierte en una incertidumbre, una tensión insoportable, una atracción por el vacío. «La Vertigine», @Clavarino, Federico, 25 €

SÓTANO PERSONAL A través de un viaje de interconexiones entre la memoria personal, los álbumes y archivos de su abuela, y sobre la base de las raíces familiares, es decir, la antigua casa de su familia, Fabiana Ruggiero intenta crear asociaciones visuales poéticas y afectivas para crear una historia íntima. En ella todo se mezcla como en la vida real. La autora entra al sótano de la casa soñada de su abuela, la ve y se ve a si misma desde otros puntos de vista, usando alegorías. Las imágenes van desde cruces temporales hasta ruinas conceptuales, pasando por intersecciones conmemorativas y relaciones personales. La memoria baila y galopa entre flashes y flashes. El libro muestra la necesidad del movimiento y también cómo cada uno hace un inventario sensible de las imágenes retenidas o devueltas desde las profundidades de su vida. «O Tombo», Editorial Fotô, 90 R$

30.000 TOMAS: ¡LA LUNA EN FOTOS! EL SILENCIO DE LA IMAGEN

Pierre de Vallombreuse es un “etnoreporteto”, como lo define Bernard Plossu. Su libro “Au hasard des vents” (“Vientos al azar”) trabaja sobre paisajes panorámicos en varios lugares (Canada, cuencas de carbón, zonas de indios de América, ...). Él intenta con estas fotografías crear composiciones intemporales, documentales, poéticas... Un trabajo de gran amplitud donde el autor rinde homenaje a la diversidad cultural. «Au hasard des vents», Ed. EdiSens, 78 €

En el libro “El mar de la intranquilidad”, publicado en la primavera de 2019 en B2, Nikola Jankovic y Sara Vadé proponen descubrir algunos de los clichés no seleccionados para la posteridad sobre la conquista espacial estadounidense de la Luna. Las fotos fueron tomadas, durante todo el programa Apolo, en analógico. Los astronautas llevaron cajas al espacio, varias por cada misión. Pero la fotografía no era uno de los propósitos principales de los viajes de Apolo, que tenían la prioridad de recoger muestras geológicas, datos matemáticos, cálculos... Las cámaras de la época ocupaban mucho espacio. Es por ello que las abandonaron en la superficie de la Luna, con la parte inferior del módulo lunar. Solo las cajas con carretes regresaron a la Tierra, donde fueron procesados, archivados y referenciados. El libro de Jankovic y Vadé, presenta 3.000 de un total de 33.000 tomas. Estas son fotografías hechas en el vacío interestelar, por seres humanos, no robots. Hoy en día muchas fotos espaciales son realizadas por dispositivos controlados desde la Tierra. Este trabajo muestra cómo fue documentado el trabajo antrópologico en vivo, el “fuera del campo” de la aventura. También relata la monotonía de los paisajes, algunos de ellos excelentes y otros repetitivos. Es una saga visual, una peregrinación misteriosa e inmersiva en el silencio del cosmos; una odisea imposible para el lector que sólo la fotografía nos permite imaginar... «La Mer de l’intranquillité. L’Odyssée Apollo 4-17», 400 p., Éditions B2., 49 €

A VERY BLUES ROCK Descubrí “Somewhere” en Arles. El libro me fascinó de inmediato. Después leí el texto y fui convencido. Es una obra fotográfica, según las andanzas de S. Mahé. y A. Le Gouëfflec. Mejor dicho: es la culminación de un viaje íntimo, con imágenes tomadas, trituradas, trabajadas. En este libro, la foto no pretende anclarse en la realidad, sino que se disfraza con voluptuosidad y voluntad, para representar las emociones, sensaciones e imágenes mentales que cada uno adapta a su estado de ánimo del momento. Es una ventana a un lugar impalpable e implacablemente desconocido. El libro propone un viaje inaccesible cuyas fotografías se repiten, y provienen de algún lugar profundo del cerebro del artista, donde se juega todo. La percepción primera, es la emoción, luego la intención y finalmente el gesto. Está claro que el autor quiere “sentir la vida”: la ha visto oscura, y en lo profundo de esta oscuridad él quiere capturar la esencia de las cosas y de sus almas. Es algo similar a una secuencia de imágenes que se articulan como un aliento febril, tal como Myles Sanko hace al cantar “Promises”. «Somewhere», 2019, 352 p., 59 € h https://www.editionsdejuillet.com/

FOTOLIBROS

IMÁGENES INTRIGANTES

MEMORIA Y EXPERIENCIA

DESCUBRELO DE URGENCIA

En “Aporia”, Andrew Waits profundiza la relación entre el hombre y el paisaje urbano, su capacidad para adaptarse al medio ambiente, la ansiedad por el cambio y la naturaleza de los territorios. ¿Cuál es la verdad de la metrópolis y su relación con el ser humano? Waits, en una entrevista, explica que en la ciudad: “La realidad existe en un continuo entre la construcción y la destrucción: el cambio en sí parece ser alfa y omega”. El fotógrafo estadounidense está interesado en la expansión del mundo moderno a través de imágenes intrigantes, espacios críticos, lo inusual ...

Fotos muy poéticas de viajes a Japón realizadas por dos artistas españoles: Angel Albarrán y Anna Cabrera. Las imágenes nos hablan sobre la memoria y la experiencia, en un par de escenas exquisitamente elaboradas. “Pensar en el pasado y en el futuro puede parecer actividades diferentes, pero cuando pensamos en el futuro, hacemos el mismo trabajo mental que cuando recordamos. Solo recordamos un futuro que aún no ha sucedido.” dicen los autores.

Esta monografía titulada “Contacto 72/18” publicada por “Ediciones Xavier Barral”, que acaba de morir (¡Gran editor!), cuenta los cuarenta años de fotografía de Alain Willaume y presenta sus imágenes enigmáticas y poéticas. Es una traducción del mundo, un tipo de conversación delicada que, a lo largo de su carrera, el fotógrafo ha creado, narrando un recuerdo del entorno encontrado. Willaume se unió al colectivo “Tendance Floue” en 2010 y continúa hablando sobre este importante paso en su vida, donde ha traducido la belleza del mundo. Alain Willaume es un fotógrafo reconocido internacionalmente, es curador independiente y profesor en la universidad.

“Aporia”, Ed. Dalpine, 112p., 35 €

“Remembering the future”, RM, 64 p., 55 €

“Contacto 72/18”, Ed Xav. Barral, 288 p., 49 €

¡DISTORSIONES!

¡EL REY DEL JAZZ!

Roser Vilagrassa ha traducido recién Fernando Pessoa en un libro que transmite una enorme posibilidad de ideas sugerentes e inesperadas, -tal como puede hacer algunos fotógrafos- que no pocas veces adquieren la fulgurante condición de la construcción idiomática, la sentencia poética y/o el aforismo. Los textos reunidos en “El Mendigo y otros cuentos” ofrecen la sensación siempre voluble y múltiple, entre la estupefacción y la familiaridad, el abismo y el vacío casi zen. ¡Aconsejo leer poesía o cuentos y más en este caso empezar descubrir a Pessoa. Libro traducido de manera preciosa y sutil por Roser Vilagrassa!

El fotógrafo francés Jean-Pierre Leloir fallecido en 2010 ha retratado toda la escena musical y jazz de los años 60 y 70. Ha hecho un “Ray Charles” espectacular con Olivier Gillisen en los años 80, referencias para los amantes de la foto jazz. Las edicGlenat han publicado ahora un álbum precioso con imágenes de Leloir: de escenas, momentos de entrenamientos, de intimidad... con hojas de contactos ensenando a Miles Davis. Todo eso demuestra la labor rigorosa de este fotógrafo que trabajaba mas de 25 años sobre un sujeto. ¡Un modelo para los fotógrafos de hoy! “Miles Davis”, J-P Leloir, Ed Glenat, 192 p., 40 €

“El Mendigo y otros cuentos”, Trad. Roser Vilagrassa, Acantilado, 2019, 112p., 14 €

OJOS EN OJOS

BERENICE ABBOT: ¡LA MODERNIDAD ABSOLUTA!

Un catálogo que incluye imágenes de las obras que forman parte de la exposición “Miradas paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo” celebrada en el Museo Palau Solterra (Girona) en 2019. ¿Cuales son las afinidades artísticas y culturales que existen entre creadoras contemporáneas?

Un catalogo fundamental para todos alumnos y amigos de la fotografía, el de la exposición “Berenice Abbott. Retratos de la modernidad” en la muestra montada en la Mapfre de Barcelona. Gran calidad de edición, y gran numeroso de fotografías para entender la heredera de la tradición documental de Eugène Atget, esta fotógrafa que ha retratado a

«Miradas paralelas. Irán-España», Fundación Vila Casas, 86 p., 15 €

numerosos personajes de la escena intelectual durante su estancia en París en los años 20, y en Nueva York de los años 30 hasta 60. Descubramos fotos de calle, de arquitecturas, de atmósferas callejas, etc. En pocos años, Berenice Abbot llegó a ocupar un lugar importante entre los retratistas de la fotografía y se convirtió en uno de los enlaces entre la vanguardia del viejo continente y la creciente escena artística estadounidense. Un catalogo que es una pieza importante para aprender la foto del siglo XX. “Berenice Abbott. Retratos de la modernidad”, Fundación Mapfre, 263, p., 39.90 €

HORMIGUEROS EN LA PLAYA: UN TELEOBJETIVO SOBRE LA VIDA La «Beach Therapy», como la práctica Martin Parr, es una forma de psicoterapia en la que la fotografía se utiliza para fines casi terapéuticos. La fototerapia de playas y entornos marinos puede abordar diversos problemas: trastornos de la autoimagen de una sociedad, enfermedades sociales, depresión económica y sociológica, cambios en los estilos de vida, trastornos humanos ... Martin Parr creó escenas llenas de detalles donde el hombre aparece como perteneciente a un mundo de hormigas. Él utilizaba el teleobjetivo para ampliar los efectos de llamamiento de gente. Con ironía él revela los hábitos y comportamientos humanos en un contexto especial como el área de baño de vacaciones. Además de algunas de las playas británicas más conocidas, en “Beach Therapy” se incluyen fotos de playas italianas, españolas y incluso argentinas. ¡Genial! «Beach Therapy», Thames&Hudson, 120 p., 40 €

FOTOLIBROS

EL IMPACTO DEL MOVIMIENTO SURREALISTA EN EL REINO UNIDO

NADAR ¡UNA EXPO ÚNICA!

POR UNA VIDA TOLERANTE

El catálogo sobre Lee Miller y el surrealismo cuenta la historia de un apasionante momento cultural, época en la cual las fotografías de Miller y sus colaboraciones con los artistas surrealistas más importantes, ofrecían una visión panorámica y caleidoscópica nueva del mundo.

Una exposición fantástica que permite a los visitantes ver unos 300 documentos, objetos y fotos que demuestran la participación de esta línea de fotógrafos conocidos en la historia, sus colaboraciones y sus rivalidades. Una pequeña joya de riqueza documental. Y un catálogo que se convierte en una herramienta de aprendizaje única desde los inicios de la fotografía. Félix es el más conocido y es «El inventor»; el arte de la fotografía de retrato ha tenido sentido con Adrien y sus retratos; con Paul, se establece el significado de la instantánea cerca de lo que se hace en Instagram hoy. ¡Un catálogo excepcional! Les 3 Nadar, BNF, 352 p., 59,90 €

¿Qué son los utópicos? ¿Son soñadores, mentirosos, personas que sueñan con los ojos abiertos? ¿O personas que realizan sus sueños? Este libro ilustrado está lleno de ejemplos de héroes de ensueño.

Mas alla de las fotografías, tanto el catálogo como la expo son interesantes para entender el momento y el concepto surrealista. El catálogo enseña obras de Miró, Man Ray, Paul Nash, Salvador Dalí, Max Ernst, Henry Moore, Yves Tanguy, Roland Penrose y Lee Miller, entre otros. Lee Miller, Fundación Miro, 160 p., 40 €

Todos imaginan una sociedad tolerante, “abierta”, sin condicionamiento, sin violencia, y obviamente ecológica. Carlo Bevilacqua, un fotógrafo de 57 años, ha cruzado el planeta. Conoció a personas que quieren creer en un mundo mejor, que quieren construir sus vidas. ¡Fotos muy documentales! Utopia, Intervalles,192 p., 34 €

ciendo el salto «a color»... muy temprano. Una de las pioneras, una de las mujeres más importantes. El trabajo de Levitt es notable por su sentido de la dinámica y un gran sentido del humor surrealista. Capturó la energía, la poesía y la emoción del melting-pot de Nueva York. Muestra contrastes entre personajes «felices» y lugares sombríos. Además, su uso de la fotografía en color fue revolucionario. ¡El libro de ediciones Kehrer es de gran calidad editorial!

¡DISTORSIONES!

¡UN GRAN POETA!

Una multitud de setas son registrados en el archivo de diapositivas de Fernando Maquieira quien ha transformado radicalmente el significado original de las imágenes.

«Los ruidos se quedan, se reabsorben en la memoria, en el silencio. El silencio es mineral »...

Alucinosis propone una experiencia psicodélica, a través de imágenes de un extraño champiñón y ofrece un viaje cósmico increíble. ¡Algunas imágenes son muy pictóricas! Alucinosis, Dalpine, 80 p., 20 €

Helen Levitt, Ed. Kehler, 232 p., 40 €

Un trabajo de Fontcuberta sobre un ejercicio de recuperación de fotografías en descomposición que dialoga con poemas de Josep Palau i Fabra. ¡El tiempo que pasa! Quemas del Alquimista, La Fabrica 64 p., 19 €

MÁS ALLÁ DE LOS COLORES

LA ACTRIZ Y LA FOTO Retratos atemporales con rasgos en blanco y negro, realizados por una artista huérfana cuyos padres eran fotógrafos. ¡40 años de práctica de la fotografía y de la literatura! Son fotografías imbuidas de sutileza y elegancia, poemas visuales desde paisajes llenos de poesía, hasta retratos íntimos y sin fechas (Isabelle Adjani, Francis Perrin, Jean-Pierre Léaud, Bernard Giraudeau, Hans Meyer,...) o bodegones pacíficos y «charmants». Anny Duperey, Seuil, 192 p., 19 €

HELEN LEVITT: ¡50 AÑOS DE IMÁGENES! Este invierno, el Museo Albertina en Viena, Austria, presenta una exposición dedicada a Helen Levitt (1913-2009), “La gran” maestra de la fotografía callejera. Ella trabajó en las calles pobres de Nueva York; fue influenciada por Henri Cartier-Bresson y obviamente, por Walker Evans. Quería capturar la vida del día a día, familias, niños, mujeres, mostrando escenas de vida surrealistas, poéticas y simples con un encuadre inusual. Ella fue una de las primeras fotógrafas ha-

El libro sobre Joel Meyerowitz publicado por Textuel tiene un poder narrativo tan fuerte como las fotos del artista. Enseña un labor de streetphoto, además que un trabajo de ensayo sociológico, artístico y visual. Este libro, con su diseño innovador, presenta la obra de alguien que comienza a caminar por las calles de Nueva York a principios de la década de 1960, equipado con una Leica de 35 mm, apasionado por la energía colectiva de la ciudad, por las luces, por el enjambre, lo inesperado, las relaciones. Rápidamente, prefiere el color al blanco y negro, y así se convierte en un pionero de una nueva estética. Sus escritos, al igual que sus fotografías, enganchan. Dividido en 10 capítulos, notablemente un capítulo 9: «La cuestión del color» muy interesante, el libro vuelve a sus diversos experimentos fotográficos. Un álbum excepcional sobre un fotógrafo que, en la edad de madurez, dijo: «Cuando empecé a mirar mejor a las personas, me di cuenta de que cada persona es íntimamente fascinante». Joel Meyerowitch, Textuel, 2018, 352p, 59 €

DOS CLÁSICOS «La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón» Brassaï

PARIS DE NUIT, BRASSAÏ La ciudad sella la unión entre un territorio (urbs), una población (populatio), una comunidad (las civitas) y una atmósfera. La ciudad tiene un vínculo privilegiado con la fotografía desde sus inicios, ya que las primeras fotos fueron urbanas. Nos recordamos “Boulevard du Temple” en 1838 por Daguerre, o las imágenes que siguen por Hippolyte Fizeau, Charles Soulier, Gustave Gray, Charles Nègre... Más tarde, algunos autores hasta los años treinta, no distinguen la fotografía de la “calle” y la fotografía de “calle” y otros están ligados a los ambientes de la calle, como Brassaï. Él nació en 1899 en la región de Brasso, Transilvania, Hungría; descubre

París muy temprano. Es de una familia de artistas. En 1924 se instaló en París. Quiere pintar, pero las dificultades materiales lo llevan a convertirse en periodista, a trabajar para un periódico deportivo húngaro y varias revistas alemanas. Se hace amigo del pintor Lajos Tihanyi, el fotógrafo André Kertész, el poeta belga Henri Michaux, los escritores Henry Miller, Léon-Paul Fargue, Raymond Queneau, Robert Desnos o Jacques Prévert... Empieza a ilustrar sus textos. Él trabaja la foto para si misma. Comienza a restaurar una visión de la ciudad, a expresar una experiencia de la ciudad, lo que se llama su “observación participante”. A partir de 1930, Brassaï hace una investigación de París por la noche. Pasa noches enteras observando espacios, lugares, personas, escenas de género. Sus imágenes buscan una poesía de lo urbano; sus compañeros escritores traducen en palabras su estado de alma y su búsqueda íntima, lo que otros llaman “sus pensamientos nocturnos”. Él no quiere ser un cazador de imágenes o un creador artístico, y mucho menos un “fotógrafo de vanguardia”. En 1932, conoció a Charles Peignot, director de la prestigiosa revista “Arts et Métiers graphiques”, quien certifica el nacimiento del libro “Paris de nuit”, publicado en di-

ciembre. ¡Se seleccionan 62 imágenes! Peignot decide apelar a Paul Morand, autor muy de moda, para que escriba el prólogo, elección por la cual Brassaï lamenta no haber sido concertado. De hecho, él no es parte de su “grupo”. El texto aparece en un fondo blanco, las imágenes se imprimen en un fondo negro en huecograbado. Los negros de las fotos se desvanecen en el espacio de la página oscura en la oscuridad total. En estos años 30, Brassai crea una oda fotográfica a la electricidad, con sus luces de alumbrado a gas, luces artificiales, reflejos de ventanas, espejos. ¡Ellos son la luz! Es la luz artificial la heroína del libro. El dominio técnico es perfecto, pero la poética también es original. Brassaï usa el largo tiempo de exposición, de hecho, el tiempo para fumar un cigarrillo ... una Travis ... El paisaje urbano se transfigura por la batalla entre la sombra y la luz. La ciudad parece desierta, dejando imaginar habitantes (sugerido). El trabajo de Brassaï ha tenido en su momento un gran eco, probablemente también por su encuadernación en espiral Las 12,000 copias de la primera edición del libro encuentran inmediatamente una gran audiencia, un éxito que continúa hasta hoy. ¡Es el abuelo del fotolibro! “Paris de nuit, Brassai”, Art & MG, 1933

«El gusto en fotografía propende, acaso necesariamente, a lo global, ecléctico, permisivo, lo cual significa que en definitiva tiene que negar la diferencia entre buen gusto y mal gusto. Por eso todas las tentativas de los polemistas por erigir un canon parecen ingenuas o ignorantes.» SuSan Sontag

SOBRE LA FOTOGRAFIA, SUSAN SONTAG Un libro clave, una referencia escrita en los años 70 on 6 ediciones revisadas.

Primero, Susan Sontag explica los usos de la cámara. Hay un pasaje divertido sobre los turistas que fotografían. ¡Siempre actual! Luego explica lo que es la fotografía; en sí misma no explica nada, pero la foto aporta algo también... Evidentemente, Sontag va más allá y dice que la foto «no explica nada, pero está en todas partes». El mundo entero se vuelve foto. Destaca la importancia de Walt Whitman, Walker Evans, y luego explica cómo la Segunda Guerra Mundial cambió el juego. Analiza el período de posguerra, las primeras exposiciones importantes, las fotos científicas, las imágenes de los turistas que se acercan,... después aborda una parte capital: los «ob-etos melancólicos», la foto y la memoria, la difícil cuestión del punto de vista de la fotografía: ¿objetiva

o subjetiva?, la influencia de la fotografía en la pintura, especialmente con respecto al encuadre, y la relación de la sombra y la luz... El capítulo «Evangelios fotográficos» es uno de esos que te hace pensar. De hecho, para Sontag, los fotógrafos tenían que teorizar para tomar en serio su trabajo y para que la foto se considerara definitivamente como un arte, pero el azar también ocupa una relevancia. Entonces ella discute el criterio de juicio de una foto: ¿La técnica sola? ¿La estética? ¿Los sentimientos? Al final, recuerda que: “Aunque no es, en sí misma, una forma de arte, [la foto] tiene este poder particular para transformar en arte todo lo que se necesita para el sujeto.” Sobre la fotografía, Alfaguara, 1977

«GÉNERO Y GLOBALIZACIÓN» El día antes de que se anunciara el confinamiento nacional en España se inauguraba la exposición «Engendering Globalization» en la Sala de Exposiciones del Campus de la Ciutadella en Barcelone. Fruto de un proceso de investigación durante un trimestre, enmarcado en la asignatura de «Género y Globalización», y a partir de un proyecto de innovación docente del PlaClick de la Universitat Pompeu Fabra - Barcelona, algunos de ex-alumnos de Grisart junto al alumnado de la universidad han llevado a cabo proyectos transmedia de investigación que se muestran en formato expositivo sobre este tema. El trabajo de los 6 miembros de Grisart y la cincuentena de estudiantes fue el resultado de clases teoricas, prácticas, de refexiones en grupo, de pruebas... Cada grupo de 4 hasta 7 miembros ha usado la fotografia y el vídeo, obviamente, pero tambien las artes gráficas, los textos, los carteles, objetos de la vida cotidiana, o bien el dibujo... El equipo pedagico estaba compuesto por Rosa Cerarols como Coordinadora académica y la supervisión de los proyectos estaba a cargo de Lourdes Delgado y Enric Montes. Presentamos aquí un apunte de los trabajos, sobre todos las realizaciones de nuestros ex-compañeros que han aceptado pasarnos algunas fotos del trabajo. Una co-participacion muy atractiva entre las dos entidades pedagógicas.

MAKE THEM VISIBLE Un proyecto de: Blanca gavarró Rodríguez, Marta Martinez Manent, Marta Amigó López, Rebecca Susan Edwards, Joan Pol Alcaraz Rodergas, Paula Doménech Conejero Fotos de: Pablo Varela Barca

BEYOND THE BODY Un proyecto de: Maria Garin, Tania Roselló, Lorena Iglesias, Júlia Morera, Lidia.

Fotos de: Leah Fresneda

WOMEN IN RURAL AREAS Un Proyecto de: Marta Aldomà, Clara Caralps, Aloma Masip, Clàudia Moreno.

Fotos de: Marta Sellarés

«GÉNERO Y GLOBALIZACIÓN» Se planteaba sobre la mesa 4 temas a escoger: Cuerpo y sexualidad, Espacio público vs espacio privado, Representaciones y estereotipos, Feminismo. Los grupos trabajaban los subtemas siguientes: selfies; double conviction; beyond the body; I’m not your type of man; women in rural areas; omolade animashaun; abortion; make history visible; gender performance; androgyny... Hubo charlas de Tània Adam «Microhistorias de la diáspora, Experiencias «encarnadas», de la dispersión femenina», Lourdes Delgado «fotografía y genero», Diego Marchante, sobre el activismo transfemenista y el arte audiovisual, Mireia Sellarés, sobre los feminismos....

SELFI(E)GURATION Un proyecto de: Francys Arancibia, Nina Chambaud, Mar Vallverdú, Audrey Parvex, Rita Roig

Trabajo grafico y fotos de : Anna Galí

CICATRIZ ÍNTIMA Testimonio de Dàmaris Torondel. Un Proyecto de: Sophie Guerrazzi, Sara Martín, Sonia Martín, Maria Isabel Quero, Kènia Sanz. https://youtu.be/0C5OcpCnblc

Fotos de : Jean-Matthieu Gosselin

Y OTROS PROYECTOS Gender performance; androgyny; I’m not your type of man; women en carcel; women in politics...

WILLIAM KLEIN

El poder del primer plano

“Klein tenía lo mejor de los dos mundos: el pragmatismo estadounidense y la sofisticación artística europea.”, Óscar Colorado Nates

En La Pedrera, en los días previos a la primavera, se pudo ver más de 200 obras de William Klein, sobre todo fotografías, copias de época, pero también enormes ampliaciones, realizadas por Klein en su ciudad natal, mezclado entre la muchedumbre de Harlem, Bronx o la Quinta Avenida. También de Roma, Moscú y Tokio, en la que los auténicos protagonistas son los ciudadanos, la gente que pasa sin ver el objetivo, que parecen no parar quietos delante del fotógrafo, regalando con ello espléndidos primeros planos, detalles increíbles, contrastes estupendos. La propuesta expositiva es un conjunto muy completo de todo tipo de formatos, entre fotografías, pinturas, documentos o audiovisuales que repasan los principales proyectos del fotógrafo. Este fondo se reúne bajo el nombre de “William Klein. Manifest.” Las fotos de Klein -artista que llegaba de las Bellas Artes- son instantáneas que captan el mundo real, las bulliciosas calles de metrópolis internacionales, lejos de los tópicos retratos oficiales. Es una evolución gráfica en los años 50 y 60, tal como lo fue el registro de los USA hecho por Robert Frank. Klein captura fotos llenas de gente, de extraña e indiscutible verdad cotidiana: Klein capta profundamente el alma de la sociedad, la vida real como nunca antes, como la contaban los diarios populares, casi como los diarios de Weegee. Pero añadia un elemento fundamental: captó la sociedad en movimiento, como si fuera una película. Su historia personal es muy importante para enteder su arte. Nació en 1928 en una familia de judíos húngaros emigrantes que perdió el negocio en el crack de 1929. En 1947 realizó el servicio militar en París y allí se instaló. Estudió en La Sorbona y pasó por el taller de Fernand Léger de quien aprende a representar el mundo trabajador, la cuestión social, la ciudad moderna y la escala monumental. Pronto tuvo la voluntad de unir pintura, arquitectura, diseño, fotografía, tipografía, como hacía la racionalista Bauhaus, por lo que sus pinturas son geométricas, de colores planos. Sus fotos tienen intensidad, cacofonía, subversion, énfasis, realidades en las miradas cruzadas, un vértigo permanente... Klein metió la cámara en medio de la multitud y de esa manera le dio una elegante sacudida al concepto de distancia, lo cual es una de su aportacion muy innovadora. J-M Gosselin

CONFINAMIENTO

FOTOS DE LAS TRINCHERAS

Además de los consejos dados en la prensa y la radio de establecer unas rutinas o intentar seguir con el ritmo habitual de estudio y trabajo, las redes sociales se llenaron de repente de iniciativas para permanecer activos, ser creativos: conciertos, lecturas de poemas, teatro, visitas virtuales de sitios, creación de burlas gráficas, presentación de fotografías (reportaje íntimo, visiones de calles vacías, de colas en el súper, abstracciones líricas, puestas en escenas, retratos, detalles de cuerpos...). La creatividad está en todos lados. Tras 6 semanas, sin embargo, conforme han ido avanzando los días de confinamiento, el panorama creativo se ha vuelto más oscuro, y en la fotografía se ha visto claramente; o quizá habría que decir más realista, más cruda, hasta más dura. Hay un mecanismo de defensa y también una voluntad afirmada de reflexionar sobre el mundo. En realidad nos deja pensar, o mejor dicho sentir, lo que de verdad está ocurriendo y el verdadero drama que hay detrás de cada ventana, dentro cada casa o piso.

«Caminamos sobre nuestras huellas», de Anna Gali

Los trabajos de los alumnos y ex-alumnos de Grisart nos lleva al fondo de las trincheras de esta guerra particular contra la Covid-19 donde cada unos de ellos han empezado pensar en qué están haciendo, qué harán de su vida, cuál será su futuro en un movimiento dialéctico entre el dentro y el afuera. .

©Anna Galí

«Me abismo en una rara ceguera luminosa, un astro, casi un alma, me ha velado la Vida. ¿Se ha prendido en mí como brillante mariposa, o en su disco de luz he quedado prendida?

No sé..», Delmira Agustini ANNA GALÍ - 2017-2018 (fotógrafa)

«...un cerrarse de puertas, a derecha e izquierda; un cerrarse de puertas silenciosas, siempre a destiempo,

siempre un poco antes.», Josefina Pla ELEONORA FERRI - 2016-2018 (fotógrafa)

«¿Puedo agradecerte? mi cama angosta mis pobres cositas mi casa de piso

reensamblado de piedras y tablas.» Cora Coralina FLAVIO EDREIRA - 2017-2018 (fotógrafo)

©David Molero

«Cuando tú te extravíes en tus propios cabellos, no me olvides, acuérdate que te amo, no me dejes perdido, ir sin tu cabellera por el mundo sombrío de todos los caminos

que sólo tiene sombra, transitorios dolores, hasta que el sol sube a la torre de tu pelo.» Pablo Neruda DAVID MOLERO - 2015-2015 (fotógrafo)

«Ceñida en tu silencio. «Sí» y «no», «mañana» y «cuando», quiebran agudas puntas de inútiles saetas

en tu silencio liso sin derrota ni gloria.», Pedro Salinas JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (Fotografo)

«El verde esmeralda riela ante el portón de ramas, en tanto yo reparo mis aparejos y dejo caer un cebo perfumado. Ato los tubos de bambú para regar el huertecillo.

Ya son legión los pájaros que llegan volando y en ruidosa algarabía se disputan el baño.» Du Fu ALESSANDRO PEREGO - 2016-2018 (fotógrafo)

©Maria Munzi

«Cuando el me toma en sus brazos Y me canta bajito Veo la vida en rosa El me dice palabras de amor Me las dice cada dia

Y eso me hace sentir algo Él hace entrar en mi corazon», Edith Piaf MARIA MUNZI - 2017-2020 (fotógrafa)

©Ivan Ferreres

«Lee el amor en mis ojos y no en las sombras. No trastornes tu corazón con sus antiguos filtros. Las ruinas a mediodía son solamente escombros. Ésa es la hora en que tenemos dos sombras

para mejor estorbar el arte de los románticos.» Aragon IVAN FERRERES - 2013-2014 (fotógrafo - coordinador académico de Grisart)

©Vicent Vidal

«Un árbol nos recuerda que para crecer hacia lo alto, hacia lo espiritual, lo abstracto, es necesario estar bien arraigado en la tierra, en lo concreto, en la materia.

Es al igual que el ser humano, un ser que une cielo y tierra.», Friedrich Nietzsche VICENT VIDAL - 2018-2020 (fotógrafo)

GILBERT GARCIN EL CONSTRUCTOR DE ESPACIOS

339 - L’ambition-raisonnable, Gilbert Garcin

El fotógrafo Gilbert Garcin ha muerto el Viernes 17 de abril. Reconocido internacionalmente por la comunidad artística cuando ya tenía más de ochenta años, este provenzal se distinguió con sus fotomontajes en blanco y negro, poéticos y fatalistas. Garcin era un hombre atípico que jugueteaba con y dentro un paisaje surrealista. Se representó a sí mismo a través de la técnica de fotomontaje, sin presentarse

realmente como tal. Reinventó un mundo particular y a veces ofreció, con su esposa Monique, sutiles metáforas de amor. Sus universos ficticios en blanco y negro, que trataban utilizando varios toques de humor, problemas existenciales o “filosóficos”, hablaban de una posible aventura reflejando lo que es su teatro interior. Empezó tomar fotografías después de su 60 cumpleaños, impulsado por el miedo a una jubilación aburrida, a la que temía mucho. Veinte años después, exhibió sus fotomonajes en blanco y negro, hasta llegar a Arles y a galerías de todo el mundo. Poco después de su retiro se unió a un club de fotografía. El primer premio en una competición de aficionados le abrió un curso de capacitación dirigido por el fotógrafo Pascal Dolémieux en los Rencontres d’Arles 1992. Así comenzó su vida artística que seguirá a la de empresario de Marsella, inserto en la burguesía local. Con una cámara Nikon de segunda mano y herramientas de bricolaje, montaba puestas en escena y se convertía en su propio personaje: “el hombre del abrigo”, más tarde rebautizado como “Señor G”. Sus imágenes están cuidadosamente elaboradas. Se componen de figuras recortadas que representan su propia imagen con abrigo, a veces acompañadas por la de su esposa Monique y siempre representadas en un escenario minimalista, entre el sueño y la vigilia, el psicoanálisis y los símbolos. Todo se mueve entre la “nada”, lo “vacío” y lugares casi amenazadores.

Foto de cover:© Anna Galí Foto de primera: © Jean-Matthieu Gosselin Fotos de contra © Israel Ariño - Josef Sudek Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin; Rafa Badia; Enric Montes; Enric Garnier; Ulic Narducci; Anna Galí; Marta Sellares; Leah Fresneda; Pablo Varela Barca; Eleona Ferri; Flavio Edreira; David Molero; Alessandro Perego; Ivan Ferreres Pujol; Vincent Vidal. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

300 - La Précarité, Gilbert Garcin

Trabaja en una reflexión humanista, a veces ligera, a menudo poética, pero siempre sus fotografías tocan los temas universales: el amor, el paso del tiempo, la gloria,la burla, la identidad, la pareja, la complejidad, las diferencias, la elección, la soledad o la libertad ...Sus obras aparecen en colecciones públicas como las de la Casa Europea de Fotografía, el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo de Francia, el Fondo Municipal de Arte Contempo- ráneo en Marsella o la galería del Castillo de Eau en Toulouse. La libertad, el entusiasmo, la envidia son los motores de un trabajo único. Jean-Matthieu Gosselin Work in progress, Gilbert Garciln

Para contactar con los autores y fotógrafos: rbadia@grisart.com; @israelarino; @enric_montes; @daricoh; Anna Galí @lightthrumylens; @pvarelabarca; @leah_fresneda; @ leahypablo; @eleonoraferri__; @flavio_edreira; @molerosaura; @ martasellares; Vincent Vidal @vynny__; www.mariamunzi.com; www.ivanferreres.com ; www.jmgosselin.com; @edicionesanomalas; @jeanmatthieug.

Israel Ariño (Barcelona, 1974) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. A partir del 2001, se instala como profesional en el campo de la imagen, repartiendo su tiempo entre la producción de obras personales, la docencia y su labor como editor en Ediciones Anómalas.

©Israel Ariño

El año 2019 crea junto con Clara Gassull, LaBabuch, un proyecto cultural focalizado en encuentros y talleres con diferentes autores alrededor de la fotografía.

LIBRE OPINIÓN DE ISRAEL ARIÑO “Todos los lugares son interesantes”

La fotografía me ha servido para lidiar con experiencias difíciles de expresar con palabras, para generar proyectos que tengan que ver con lo simbólico, con lo metafórico. En estas semanas de confinamiento el tiempo parece detenido, como si nos permitiera mirar por el retrovisor el camino recorrido, imaginar nuevas rutas o convertirnos en observadores del espacio cotidiano. Aprovecho los primeros días para iniciar algunas lecturas pendientes. De Gustavo Martín Garzo anoto lo siguiente: “Contemplar es mirar dos veces. Y mirar es suspender nuestro juicio sobre las cosas.” Casi al mismo tiempo Thoreau me susurra al oído: “El hombre es rico en proporción a la cantidad de cosas de las que puede prescindir”. Cartier Bresson lo remata

diciendo “Todos los lugares son interesantes, incluso tu habitación”.

©Josef Sudek

Desde hace más de 20 años utilizo la fotografía con la voluntad de crear, con el deseo de construir una imagen del mundo donde aparezca mi propia presencia.

Pasan los días y en medio de una amarillenta carpeta aparece una vieja fotografía de Josef Sudek, una vista a través de la ventana. Sudek fue uno de los primeros fotógrafos que me interesaron, además de Atget, Callahan y Kertesz.

Salgari, etc. El fotógrafo checo cuenta en una entrevista que decidió dedicarse a la fotografía porque era lo más parecido a vivir una aventura que había conocido. Me pregunto por qué me dediqué yo a la fotografía? Por timidez, por casualidad, por equivocación, o por no tener encaje en ningún otro lado. Acabo con una reflexión del barón de Rondeau, protagonista de mi última lectura, El barón rampante de Italo Calvino: “Quien quiere mirar bien la tierra debe mantenerse a la distancia necesaria”. No cabe duda que, la fotografía es una herramienta maravillosa, nos permite mirar el mundo, y lo más importante, estar en él. Israel Ariño Libros - Books - Livres http://www.edicionesanomalas.com/producto/la-gravetat-dellloc-la-pesanteur-du-lieu-3/ http://www.edicionesanomalas.com/?product=le-nom-quiefface-la-couleur-2

A Sudek, como a mi, le encantaba leer libros de aventuras de Karl May, Emilio

http://www.edicionesanomalas.com/?product=terra-incognita http://www.edicionesanomalas.com/?product=atlas

Global Grisart Nº 13

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