GFAL#14 abril 2016 by GFAL Magazine

Abril 2016

# 14

Boletín del Grup Fotogàfic d’Almenara Núm. 14 - Abril de 2016

Edita: Grup Fotogàfic d’Almenara Pl. del Molí de l’Arròs, 1 12590 Almenara (Castellón) Sociedad inscrita en el registro de asociaciones de la Generalitat Valenciana Núm. CV-01-053133-CS Miembro de: Federación Levantina de Fotografía Confederación Española de Fotografía email: gfalmenara.gmail.com https://gfalmenara.wordpress.com https://es-es.facebook.com/gfalmenara Foto portada: José Beut Diseño y maquetación: J.Lairón © de las fotos: sus autores © de los textos: sus autores

Grup fotogràfic d’Almenara Conversamos con Manuel Vilanova Liga social abril 2016 El rincón de Morilla

Manuel Vilanova, (Vila-real, 1960), es miembro de la Agrupación Fotográfica Sarthou Carreres. Si bien siempre se ha sentido atraído por la fotografía, no es hasta el año 2009 que se convierte en un entusiasta creador de imágenes, de forma autodidacta y de la mano de su colega y amigo Xavier Ferrer. Viajero empedernido, define su trabajo de ensayo antropológico. Poco dado a participar en concursos, Manuel encuentra en la vía expositiva la salida más adecuada para mostrar sus trabajos. Tras varias experiencias corales, en 2015 presentó en Valencia su primer trabajo individual “Fez: Luces y Sombras”, expuesto en 2016 en Almenara y en el Foto Mayo de Segorbe. Este mismo año inaugurará su segunda muestra individual,en el Mayo Fotográfico de Éibar bajo el sugerente título “Faces of the World”.

CONVERSAMOS CON . . .

MANUEL VILANOVA Háblanos de tus comienzos, de cómo llegaste a la fotografía, de tu formación como fotógrafo, de tus referentes… Llegué a la fotografía de por casualidad… un regalo inesperado junto a unas amistades peligrosas fueron los culpables. Mi formación como fotógrafo se consolida de forma autodidacta (prueba >resultado). Mis referentes son aquellos que me rodean, sin obviar a los maestros consagrados, pero es el día a día y los que me rodean en este mundo, los que han sido y siguen siendo mis referentes, o sea… que la peligrosidad de mis amistades fue la que me ha traído hasta aquí. De entre ellos destacaría a Xavier Ferrer que es con quien comparto diariamente mis inquietudes en este campo, siendo a la vez maestro y compañero de fatigas en mis viajes fotográficos, y posiblemente el más peligroso de entre las amistades. Jejeje. Perteneces a alguna asociación? Sí, desde hace algún tiempo pertenezco a la Agrupación Fotográfica Sarthou Carreres de Vila-real. Qué importancia crees que juega el asociacionismo en la formación y el desarrollo del fotógrafo? En sus inicios creo que el movimiento asociacionista hizo un trabajo inestimable en la formación y difusión tanto de fotógrafos como de la fotografía, hoy en día las nuevas tecnologías me hacen entender este mundo de otro modo y creo humildemente que las asociaciones deben evolucionar estructural y funcionalmente para poder captar la atención de los nuevos nativos digitales en esta disciplina.

Sueles participar en concursos? No, no suelo hacerlo, exceptuando el de mi propia agrupación. Consideras que son una buena opción para darse a conocer y crecer fotográficamente? Creo que es un modo endogámico de darse a conocer y quizás por eso no me atrae nada. La llamada fotografía concursística, la foto única y espectacular, constituye un género en sí misma? Rotundamente no. Pero a más de uno le gustaría que así fuese. No crees que a menudo repite ciertas modas o clichés? Los repite todos… y además cíclicamente. Cuál es el mejor consejo fotográfico que te han dado? Disfrutar de lo que haces, que a la

postre valdría para cualquier actividad en la vida. Que no importa el “qué” miramos, sino el “cómo” lo vemos. Y en realidad es eso lo que nos hace diferentes, la percepción personal. En tu exposición “Fez, Luces y Sombras”, aunque existe un predominio de fotografía callejera, también hay algún retrato, paisaje urbano, etc. Cuéntanos cómo se gesta este proyecto, de tus planteamientos, de su realización, que equipo utilizaste… No puedo decir que cuando realicé este, mi primer viaje/reportaje fotográfico, tuviese en mente un proyecto, o el cómo, cuándo y por qué de cada una de las imágenes, ellas fueron acudiendo a mí y yo simplemente disfrutaba, posiblemente como nunca volveré a disfrutar, congelando instantes de vida, luz y color. Fez es una ciudad especial, la luz, en sus laberínticos y caóticos callejones, la mayoría de ellos sin salida, genera ambientes únicos, exclusivos e inalterados en el tiempo, fundiéndose con las sombras que ella misma genera.

El equipo que utilicé (Canon 5D MKII + Canon 24-70 2.8) fue el regalo inesperado que al inicio os contaba, y que a la postre junto con las amistades peligrosas (Xavier Ferrer, Joan Julbe y Carlos Bravo) con las que coincidí en el mismo, son lo que me engancharon a este Universo Fotográfico. Sigues algún método concreto para procesar tus fotografías? Si no un método concreto, sí al menos los sabios consejos y el buen saber hacer en el campo de la edición, que me transmitió otro de mis referentes, en este caso en el de la edición fotográfica, es él, el que hizo que algo que para mí era nuevo e inatacable se convirtiera en una diversión y goce, este no es otro que el amigo Santos Moreno.

“no importa el “qué” miramos, sino el “cómo” lo vemos. Y en realidad es eso lo que nos hace diferentes, la percepción personal…”

Has seguido algún criterio a la hora de elegir las imágenes que conforman la exposición? En especial ninguno, aparte de que cada una de ellas me transmitiese alguna de las sensaciones que viví durante los días de mi estancia en Fez. Mis pretensiones no son otras que las de mostrar en muy pocas imágenes la belleza de un entorno atemporal y sus gentes. Intentando documentar, alrededor de una panorámica de grandes dimensiones, mi visión de la antigua medina de Fez.

Tus composiciones son muy limpias, en ocasiones con muy pocos elementos distribuidos en el encuadre de forma muy efectiva. Captar ese “instante decisivo” en que los elementos visuales se orquestan plásticamente ante tu objetivo es una cuestión de habilidad y saber reaccionar a tiempo, o de anticiparse y prever lo que va a ocurrir delante de ti? No sabría decirte, es una mezcla de intuición y de elección de los entornos donde en verdad tengo interés fotográfico. Alguna de las famosas amistades… me comentó que el fondo también era fotografía, y eso ha sido una de las cosas que siempre he intentado preservar en mis tomas.

En esta exposición llama la atención el uso creativo que haces del color y sus relaciones cromáticas Sin embargo en otros trabajos tuyos utilizas un blanco y negro muy potente y expresivo, Qué criterio determina la elección de un procedimiento u otro, con cuál de ellos te sientes más a gusto? Me siento igual de a gusto con los dos, quizás al inicio mis proyectos veían la luz en monocromo, puesto que este me permitía cierta poesía en su presentación, pero con el paso del tiempo mi lenguaje visual ha ido evolucionando a una retórica narrativa en la que el color me es más necesario para el reflejo fiel de la realidad por mi observada.

En ese sentido tienes composiciones muy ricas en yuxtaposiciones, guiños, juegos visuales, en los que estableces una relación entre tus sujetos y su entorno o el fondo sobre el que aparecen. Buscas este tipo de situaciones o son casuales?

Colores, texturas, paisaje urbano, animales, pero si hay algo en común en todas las fotografías es la presencia humana. Cómo y en función de qué eliges a tus sujetos? Estableces un contacto previo con ellos, preparas el terreno o prefieres disparar a discreción?

Al principio eras casuales y poco a poco se han convertido en una búsqueda contínua.

Soy persona extrovertida y eso me facilita mucho las cosas, y la verdad es

que no sigo un patrón único para las tomas, hay veces que robo la imagen, otras en las que entablo conversaciones eternas hasta que la gente olvida la cámara y así voy actuando según mi instinto.

Todo lo que sume es bueno, y por regla general nuevos modos siempre traen nuevas ideas.

Si tuvieras que elegir una única fotografía de esta exposición, con cuál de ellas te quedarías y por qué?

Sí, me muevo con facilidad en ellas, suelo usar y abusar tanto de Facebook como de Instagram

No podría, es algo que me he planteado muchas veces y que no he sido capaz nunca y no sé muy bien el por qué.

Para terminar, cuéntanos en qué dirección va evolucionando tu trabajo y que proyectos de futuro te planteas.

Que tal te llevas con la llamada postfotografía, aquella realizada, procesada y compartida de forma instantánea mediante dispositivos móviles? Ni bien ni mal, simplemente no me llevo, son muy contadas las ocasiones en las que he actuado de ese modo. Crees que banaliza la fotografía, o por el contrario, abre nuevos caminos a la creación artística?

Tienes presencia en las llamadas redes sociales?

Buena Pregunta…. pero si te digo la verdad, no lo sé, me siento muy cómodo con el reportaje, mi trabajo podríamos calificarlo de ensayo antropológico de los personajes que habitan aquellos lugares que visito. Y en cuanto a proyectos de futuro solo el de viajar, viajar y viajar para poder documentar !!!

PORTFOLIO

LIGA SOCIAL Abril 2016

JURADO

CALIFICADOR

Rafa García J. A. Palacios Alex García

CLASIFICACIONES

José Beut

Mar Biosca

Jaume Lairón

César March

Julián Negredo

David Piqueras

Enrique Valdepérez

Carlos Vela

Juan Luis Durán

Pedro Pinilla

Ximo Aparisi

Carlos Correcher

José Mª Fernández

José Mesa

Emilio Rubio

José Claramonte

Mayte Cruz

Antonio Damián Gallego

José Antonio Doménech

Pascual Fabregat

Felipe Noguera

Luis de Julián

Arturo de las Liras

Alfredo Mingarro

María Teresa Veral

José Manuel Abarca

Francisco José García

Antonio García

Carlos Poveda

JosĂŠ Beut Old pier

Mar Biosca Aseo

Jaume Lair贸n Bilateral conversations

CĂŠsar March Stairs

Juliรกn Negredo Geometric rider

David Piqueras Limonges

Enrique ValdepĂŠrez Spanish eyes

Carlos Vela Baywatch

Juan Luis Durรกn Juegos

Pedro Pinilla PĂŠrgola

Ximo Aparisi Parada de frutos secos

Carlos Correcher Marta

José Mª Fernández NMYWB2

Jos茅 Mesa Tras el bal贸n

Emilio Rubio Blanca prisi贸n

JosĂŠ Claramonte Un paseo por las nubes

Mayte Cruz El tren de la vida

Antonio Damiรกn Gallego Nuevos espacios

José Antonio Doménech Compañerismo

Pascual Fabregat El regreso

Felipe Noguera SSS

Luis de Juliรกn Foredeck

Arturo de la Liras Macro

Alfredo Mingarro VĂa Esperanza

Mar铆a Teresa Veral Conversaci贸n

JosĂŠ Manuel Abarca Home

Francisco José García Fallera

Antonio GarcĂa Cabut

Carlos Poveda Culla

El rinc贸n de Morilla

Luis René Morilla

FOTOGRAFÍA DE EXPRESIÓN Todo comenzó cuando a Nadar (Gaspard-Félix Tournachon) se le ocurrió en 1856, subirse a un globo aerostático y fotografiar París desde arriba hacia abajo. El hombre-fotógrafo empezó a expresarse, a ser diferente, a ser personal demostrando su forma de pensar, sus sentimientos. Luego llegó el momento del pictorialismo, cuando la fotografía tomaba sus principales referentes de la pintura impresionista. Francia era el país con mayor cantidad de cultores del nuevo arte, por ejemplo, el Comandante Puyo, Peter Emerson, Robert Demachy, etc. Con técnicas y procedimientos de arte (Bromoleo, goma bicromatada, etc.) realizaban fotografías de foco muy suave, con los principales elementos en “flou”. Acercándose a la pintura, así hicieron conocer la “imagen” tomada con una cámara fotográfica. Fue cuando más se difundió el uso de la fotografía y fue así creciendo el número de aficionados al nuevo arte. Entre ellos debemos destacar a Jean Eugène Atget (1867-1927), quien fue marinero, actor, pintor, etc. Sus fotos sirvieron como modelo a pintores como Utrillo y Vlaminck y otros. Él fotografío toda la ciudad de París, dejando un documento histórico que después serviría para remodelar partes edilicias. Poseía un instinto especial para captar la vida silenciosa, casi latente de los objetos, los kioscos, las fuentes de los parque, salía cada mañana a recorrer París, con su pesado equipo fotográfico de más de 10 kilos. Murió olvidado en 1927, nunca lo acompaño la fortuna. Su obra fue reconocida y valorada después de su muerte. En los primeros años del siglo XX, en casi todos los países ya se había logrado un desarrollo importante, de la fotografía como arte. En Estados Unidos, Alfred Steiglitz (1864-1946) creó un movimiento llamado “Foto Secesión”, en Nueva York, en la que se defendía la autonomía del fotógrafo, frente a la pintura. En España José Ortiz Echagüe creó auténticos cuadros con fotografías de elementos humanos y paisajísticos, con su proceso al carbón. Edward Steichen, integrante de la Foto Secesión, fue evolucionando a una fotografía más romántica, hacía formas más puras.

FOTOGRAFIA PURA Sigue avanzando el siglo, las artes plásticas buscaran nuevas formas de expresión. En medio de ese delirio artístico algunos fotógrafos permanecieron fieles al realismo, buscando temas en el escenario de la vida cotidiana, como lo hacían Adamson & Hill, hasta Nadar y Atget. CINCO GRANDES FOTÓGRAFOS HUMANISTAS PAUL STRAND (1895-1965). Recorrió todos los temas que permite la fotografía, fue integrante de la “Nueva Objetividad”, en 1915 creó las primeras fotografías con temas abstractos. Fue asombrando a todos con sus obras “directas, limpias y ajenas a todo engaño”. Creó un estilo informal y personal. Con temas de rostros sorprendidos en primer plano, con dignidad y respecto, la vida cotidiana y paisajes realizados con mucho contraste. DOROTHEA LANGE (1895-1965). Se dedicó a temas de pedagogía antes de dedicarse al arte fotográfico. Cursó en la Escuela de Fotografía de la Universidad Columbia, Nueva York. A partir de 1935 se dedicó a la fotografía documental, trabajando en el equipo de la Farm Security Administration, junto a los mejores fotógrafos norteamericanos. Sus imágenes de la población rural constituyen

“Acercándose a la pintura, así hicieron conocer la “imagen” tomada con una cámara fotográfica. Fue cuando más se difundió el uso de la fotografía y fue así creciendo el número de aficionados al nuevo arte…” una impresionante documentación social, y una de sus fotos “madre migrante” es considerada una obra maestra, en la historia de la fotografía universal. Su capacidad de exponer la tragedia de las clases menos afortunadas, no se debe a trucos ni a técnicas depuradas, sino a la tremenda ternura que guiaba su cámara. Trató durante 30 años de recoger los fragmentos del destruido mundo. HENRY CARTIER-BRESSON (19082004). Su obra se inscribe dentro del realismo más absoluto y exigente, sus fotos son un testimonio insuperable de los hechos tal como han ocurrido, en el

“instante preciso”, sus imágenes no fueron manipuladas en el laboratorio. Dio un nuevo sentido a la fotografía de reportaje, su cámara silenciosa y discreta, está presente en el momento oportuno y en la perspectiva más directa y comprometida. Siempre repetía que cada fotografía se debe hacer poniendo en un mismo punto de mira, el cerebro, el ojo y el corazón. ANDRE KERTESZ (1984-19959. La percepción, la curiosidad y una gran habilidad para la composición y su profundo afecto por las personas y los lugares que le rodeaban, permitieron a Kertesz crear una serie de obras vívidas y atrayentes. Captaba todos los momentos sensoriales que conforman el alma, en sus fotos de Hungría, el espectador casi puede sentir la humedad y el aroma del aire, o las huellas en el lodo surcadas por las ruedas de un carro y unos adoquines relucientes por la lluvia. Seguía guiándose en su trabajo por la forma de fotografiar, solo aquello que amaba. W. EUGENE SMITH (1918-1978). Su amargo sentimiento de derrota en una tarea imposible, indica las elevadas metas que este sensible fotógrafo se había impuesto. A lo largo de su larga carrera Smith, había puesto toda el alma, en su trabajo. Confiado en persuadir a aquellos que vieron sus fotografías, de que las guerras y la crueldad debían terminarse, que todas las criaturas merecen amor. Pocos espectadores están de acuerdo, en cuanto al fracaso de Smith. EL MUNDO DE LA OPULENCIA EN FOTOGRAFIAS ROBERT FRANK. Nacido en Suiza, comenzó a dedicarse seriamente a la fotografía a los 18 años. Recorrió en Estados Unidos, 15.000 kilómetros. Fotografiando todo lo que le interesaba, de todo este material seleccionó 83 fotos, que luego fueron publicadas en un libro titulado “Los Americanos”. Era inmoral –dice Szarkowski- director del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aquellos restaurantes baratos, aquellas estaciones de autobuses, aquellos cines de 5 centavos la entrada! El libro era un desafío a la imagen que debían ofrecer los americanos. Se ocupaba de una parcelas de la vida, que nadie creía relacionada con el arte. Las fotos de Robert Frank, representa a América como una masa de seres humanos remotos, separados, alineados indiferentes los unos de los otros. El decía “no hay mensajes en mis fotografías”, la verdadera labor es la de captar un poco de realidad (sea como sea) en una película. FRED FRIEDLANDER. Sus fotografías transmiten un mensaje de desorientación, de algo que no encaja. Un hombre cordial y sencillo que se encoge de hombros y dice que a él le gusta tomar fotografías, sencillamente, lo que el espectador piense o sienta, ante sus obras, es cosa de él. GARRY WINOGRAND. Soy un turista dice y afirma. Sus fotografías, muestran a personas corrientes, en actitudes corrientes. DIANE ARBUS. Quiero, decía, fotografiar las considerables ceremonias de nuestro presente. Todo aquello que ocurría en “lugares ceremoniales”, en salones de belleza. En funerales, en fiestas y en casas particulares.

Luis René Morilla Sinfonía boquense

Grup Fotogràfic d’Almenara