Febrero
2016
# 12
Boletín del Grup Fotogàfic d’Almenara Núm. 12 - Febrero de 2016
Edita: Grup Fotogàfic d’Almenara Pl. del Molí de l’Arròs, 1 12590 Almenara (Castellón) Sociedad inscrita en el registro de asociaciones de la Generalitat Valenciana Núm. CV-01-053133-CS Miembro de: Federación Levantina de Fotografía Confederación Española de Fotografía email: gfalmenara.gmail.com https://gfalmenara.wordpress.com https://es-es.facebook.com/gfalmenara Foto portada: José Beut Diseño y maquetación: J.Lairón © de las fotos: sus autores © de los textos: sus autores
Grup fotogràfic d’Almenara Conversamos con Isabel Casellas Liga social febrero 2016 El rincón de Morilla
L’espera
Isabel Casellas ha estado con nosotros con motivo de la inauguración de su exposición en el Centre Municipal de Cultura “Paulo Freire”, de Almenara. Natural de Berga (Barcelona), comenzó en el mundo de los concursos fotográficos obteniendo premios y menciones de honor en diversos certámenes, tanto nacionales como en Suiza, Singapur o Estados Unidos, para derivar posteriormente hacia una obra más personal, introspectiva, participando en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas. Ha actuado como jurado internacional en varios certámenes y colabora asiduamente en revistas y otras publicaciones relacionadas con la fotografía. Casellas forma parte de la Agrupació Fotogràfica Taller d’Arts i Oficis de Berga, de les Dones Fotògrafes de València, de la Federació Catalana de Fotografía, de la Real Sociedad de Fotografía, Confederación Española de Fotografía, o la Fédération Internationale de l’Art Photographic”.
CONVERSAMOS CON . . .
Háblanos de tu formación y comienzos en el mundo de la fotografía. En el año 1992 me compré una bonita cámara réflex semiautomática que sacaba las fotos que ella quería. Visto que no había forma de usarla correctamente un compañero de trabajo me habló de una agrupación fotográfica que había en Berga, y así aterricé en el AFTDAO. Allí empezó mi formación, conseguí familiarizarme con la cámara, aprendí a revelar y ampliar mis propias copias, participar en concursos, hasta llegar a dar clases. Desde entonces, sigo formándome en tantas técnicas y formas de fotografiar como puedo. Actualmente existen muchísimos cursos on-line que son una maravilla y que te permiten realizarlos a tu ritmo y desde casa. Qué importancia crees que juega el asociacionismo en la formación del fotógrafo? Las asociaciones son básicas para entrar de forma amena en el mundo de la fotografía. Las actividades que se realizan: talleres, cursos, charlas, salidas y sesiones fotográficas, permiten ver formas distintas de fotografiar, conocer a los grandes fotógrafos y sobretodo practicar, hasta encontrar el tipo de fotografía con la que uno se sienta cómodo para poder evolucionar. Consideras que los concursos son una buena opción para crecer fotográficamente? Sí, desde luego que son una buena opción. Por un lado, puedes ver gran cantidad de fotografías de distintos estilos y técnicas. Y conocer las personas que las realizan. Por otro lado, en el mundo del asociacionismo no hay muchas opciones de enseñar tu trabajo, los concursos te permiten mostrar tu obra a nivel nacional o mundial a través de concursos puntuables para FIAP, PSA o ISF, u otros concursos que se convocan.
La llamada fotografía “concursística”, la foto única y a menudo espectacular, es sinónimo de “fotografía amateur”? constituye un género en sí misma? Tal vez sí sea sinónimo de “fotografía amateur”. Mayoritariamente los concursos con reconocimiento de las distintas federaciones, confederaciones, tanto nacionales como internacionales van a premiar fotografías únicas, y si, seguramente van a tener algo espectacular. Es muy difícil sobresalir en un certamen de este tipo si tu imagen no impacta a simple vista; sobre todo cuando hablamos de concursos con más de mil imágenes. Aunque no creo que sea un género en sí misma. Hay otro tipo de concursos, dónde se piden series de fotografías, ahí ya cambia el tema, ya se buscan otro tipo de trabajos. A menudo este tipo de fotografía repite ciertos prototipos con mucho predicamento en certámenes y concursos. Crees que el verdadero artista ha de atreverse a explorar y buscar nuevos caminos? Supongo que con prototipos te refieres a “modas”, cuando algo tiene éxito, hagamos todos lo mismo, ¿no?. Bueno, tampoco es mala idea probar, experimentar, aprender, quizás nos sirva o quizás no. Pero si queremos evolucionar no nos queda otra que estudiar, experimentar, equivocarnos y vuelta a empezar. Trabajar, trabajar y trabajar, es básico para cualquier persona que quiera crecer, no sólo cómo fotógrafo o artista, sino en cualquier ámbito. Se dice que un fotógrafo comienza a serlo cuando encuentra “su tema”, aquel que le va a permitir realizar una obra más personal y expresar su mundo a través de ella.
“Trabajar, trabajar y trabajar, es básico para cualquier persona que quiera crecer, no sólo cómo fotógrafo o artista, sino en cualquier ámbito...” En este sentido, en qué momento de tu trayectoria tomas consciencia de haber encontrado “tu tema”? A finales de verano, mientras trabajaba en las últimas series que conforman la “Assaig per un autoretrat”, cuando empecé a sentirme cómoda delante de la cámara, tanto posando como técnicamente. En la exposición que presentas en Almenara propones una estética muy austera, dotada de una gran carga poética y conceptual. Háblanos de tus planteamientos, del proceso de realización, de las claves que nos permitan adentrarnos en tu trabajo.
En realidad creo que toda mi fotografía es bastante austera y conceptual. En la serie "Assaig per un autoretrat", lo único que pretendía era plasmar mis estados de ánimo de forma visceral. Por ejemplo, para mostrar mi enfado aporrear una pared, como hacen los niños cuando se tiran al suelo y tienen una rabieta. Era vital mostrar la acción para que se entendiera la foto, así que tenía que dibujarla con luz. Para ello trabajé con largas exposiciones, a la vez que modelaba la luz natural con las baldas de las ventanas, para atenuarla y que saliera el dibujo. En la serie "L'espera", es una reflexión sobre un elemento que se halla en una habitación de un lugar deshabitado. Un elemento que está solo esperando que alguien lo utilice, lo recicle o simplemente espera su final. También me gusta apoyar mis imágenes con el color y su significado. Estas colecciones tienen una dominante muy gris. El gris es el color más neutro de la paleta, es la mezcla de negro y blanco, y tiene un doble significado; uno negativo, de tristeza, melancolía (la parte conceptual) y otro positivo, de responsabilidad, constancia, disciplina (la parte técnica).
Tus autorretratos son difusos, imprecisos, lo que les confiere un carácter introspectivo, muy intimista, en los que se narran vivencias personales que invitan a la reflexión. Cómo encaras este género tradicional, el autorretrato, desde una perspectiva actual? De forma muy simple, tratando de verme reflejada en mis imágenes como si fuera una foto-terapia, sentir que esa foto es verdadera porque ha sido realizada en un momento que pasaba algo en mi vida que ha motivado esa imagen. La exposición se compone de dos series, estructuradas como dos secuencias casi cinematográficas, en las que el movimiento, sugerido por los desenfoques parciales, así como el ritmo creado por la disposición de las fotografías parecen hacer fluir las escenas representadas, dotándolas de una gran vitalidad y dinamismo. Qué importancia das a estos elementos como parte de la narración? Toda, ya que son estos elementos los que me permiten dibujar con luz mis movimientos. Para terminar, qué relación tienes con la fotografía realizada, procesada y compartida casi instantáneamente mediante dispositivos móviles? Crees que banalizan la fotografía, o por el contrario, abren nuevos caminos a la creación artística? Tengo muy buena relación con esta fotografía, en realidad, desde principios de este año estoy colgando una foto cada día en mi perfil de Instagram. Son fotografías tomadas y editadas con mi smartphone. Las cámaras de los móviles cada día están más avanzadas y tienen mayor resolución que nos permiten tomar fotos con buena calidad. Para nada banalizan la fotografía, es más, hay grandes instagramers con unos trabajos espléndidos y con una visión fotográfica brutal… realmente es un elemento más que vale la pena explorar.
Imágenes pertenecientes al proyecto “Ombres”, que publica diariamente en su perfil de Instagram (#belings)
LIGA SOCIAL Febrero 2016
JURADO
CALIFICADOR
Rafa García J. A. Palacios Alex García
CLASIFICACIONES José Beut
25
Juan Luis Durán
24
Arturo de las Liras
24
Vicente Almodóvar
23
Ximo Aparisi
22
José Antonio Doménech
22
Mar Biosca
21
José Claramonte
21
Antonio Damián Gallego
21
César March
21
José Mesa
21
Nuria Forner
20
Jaume Lairón
20
Alfredo Mingarro
20
José Carlos Muñoz
20
Julián Negredo
20
Felipe Noguera
20
Carlos Poveda
20
Emilio Rubio
20
Carlos Correcher
19
Pedro Pinilla
19
David Piqueras
19
Enrique Valdepérez
19
Mayte Cruz
18
Pascual Fabregat
18
Francisco José García
18
Luis de Julián
18
María José Ruperto
18
María Teresa Veral
18
Luis Beltrán
17
José Mª Fernández
17
Carlos Vela
17
José Manuel Abarca
16
Antonio García
16
Yolanda Vicente
16
JosĂŠ Beut Pastora
Juan Luis Durรกn Lleno
Arturo de la Liras Bosque mรกgico
Vicente Almod贸var Atardecer en los arrozales
Ximo Aparisi Voltor
José Antonio Doménech Esperando
Mar Biosca Farinato race
JosĂŠ Claramonte Cruce de miradas
Antonio Damián Gallego Jalajé
CĂŠsar March Hey! Look at this
JosĂŠ Mesa Embarcadero
Nuria Forner Blue
Jaume Lair贸n Fast food
Alfredo Mingarro Zurich night
José Carlos Muñoz Orange machine
Juliรกn Negredo Sea golf
Felipe Noguera Catorce de febrero
Carlos Poveda Mira
Emilio Rubio David contra Goliath
Carlos Correcher Abluciones de sal
Pedro Pinilla CafĂŠ
David Piqueras BerlĂn
Enrique Valldepérez Altea mágica
Mayte Cruz A la rica fresa!
Pascual Fabregat The people and the politicians
Francisco José García Generaciones
Luis de Juliรกn Hacia atrรกs
María José Ruperto Taj
MarĂa Teresa Veral Embarcadero
Luis Beltrรกn Thai
José María Fernández Low tide
Carlos Vera La mona
JosĂŠ Manuel Abarca Truckrace
Antonio GarcĂa Gincana
Yolanda Vicente Al son del sol. Sur India
El rincón de Morilla Iniciamos una nueva sección en nuestro boletín para acoger una serie de interesantes artículos sobre fotografía, publicados gracias a la generosidad del fotógrafo y profesor Luis René Morilla (1937, San Salvador, Entre Ríos. Argentina). . Con más de 210 exposiciones, individuales y colectivas en América y Europa, Morilla fue organizador del Primer y Segundo Salón Latinoamericano de Fotografía de la Juventud FIAP (1974 y 1975). Estuvo encargado de las Carpetas Circulantes de la FIAP, para Argentina entre 1976 y 1978. . También organizó la Exposición Fotográfica Americana “América vista por ojos de mujer” en el año 1995. . Fue profesor y director de la Escuela de Fotografía de la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Avellaneda, Prov. de Buenos Aires, entre los años 1968 y 1974. . Enseño fotografía en el Foto Club Buenos Aires, Argentino, 33, Tigre, en el Club Universitario de Buenos Aires, Club Banco Provincia y la Escuela Argentina de Fotografía. Fue integrante del Comité Central de la Federación Argentina de Fotografía durante 5 períodos (9 años) y profesor de la Escuela de Jurados de esa misma Federación. Desde 1986 a 1988 dirigió la Galería Permanente del Foto Club Buenos Aires. También en ese Foto Club dirigió la Galería Fotográfica “Alejo Grellaud”. . Entre otros títulos, ostenta los de Artista AFIAP, Excelencia EFIAP y ESFIAP, así como Máster FAF, de la Federación Argentina de Fotografía. En el año 2000 el Foto Club Buenos Aires, le otorga la Pirámide de Plata en reconocimiento a la trayectoria de toda una vida.
Luis René Morilla
CABALGATA DE LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA: De dónde viene Dónde está A dónde va Entre los años 1839 y 1850, aproximadamente, se instalaron los primeros estudios fotográficos y aparecieron los pioneros de esta nueva profesión, verdaderos artistas en su especialidad, con una dosis tremenda de ingenio, tenacidad y habilidad manual, que suplía las deficiencias de los rudimentarios aparatos y de las placas, que debían emulsionar personalmente. Desde entonces has transcurrido años de lucha y de continuo progreso, hasta llegar a la fotografía digital, que es el símbolo del presente. En aquellos tiempos no se concebía que con la fotografía se pudiera hacer otra cosa que retratos. Este concepto perduró en infinidad de personas de todas las latitudes, especialmente en la que no profundizaban en las posibilidades que puede brindar la fotografía. Así, junto con el odio de los pintores desplazados –que hasta ese momento eran los encargados de documentar en telas la fisonomía de los personajes destacados-, surgieron fotógrafos retratistas, que con elementos precarios hicieron obras de arte, a la vez que abarataron el precio de la vanidad personal que incita a todos los seres humanos a dejar estampada en una hoja de papel su figura “para la posteridad”. La evolución trajo otros puntos de vista. De la fotografía profesional, dedicada exclusivamente a lo documental y científico, derivó a la fotografía amateur, practicada por entusiastas aficionados, cargados con pesados aparatos y carpas, sin más afán que el de interiorizarse en los secretos del nuevo arte-ciencia. Con ellos nace y crece la FOTOGRAFIA ARTÍSTICA, nueva rama sin impaciencias de lucro, que tiene como única finalidad expresar por este medio visual las inquietudes estéticas de
quienes la practican, una nueva manera de “hacer arte”. El instrumento para la primera parte es la cámara fotográfica (elemento mecánico que es necesario dominar), pero sigue luego el proceso de laboratorio, donde continúa desarrollándose la imaginación e interpretación del autor, independientemente del conocimiento de la técnica y de su habilidad en el dominio de los distintos pasos que llevan a la “copia final” Como toda expresión artística, no puede evitar los altibajos de las “modas”, preferencias o secuelas de cada época, que en constante renovación guían los “gustos” de sus adeptos, marcando tendencias o dejando sus vicios o aciertos como sedimento para el futuro. Por que es sabido que cada avance, que cada audacia, que cada “locura” momentánea está destinada a caducar en plazo más o menos variable, pero ALGO deja enseñanza y orientación para los nuevos cultores. La pintura, escultura, música y las artes plásticas han tenido –y seguirán teniendo- periodos influenciados por diversas escuelas o “modismos”, como consecuencia de la búsqueda de nuevas ex
“Como toda expresión artística, no puede evitar los altibajos de las modas...” presiones e interpretaciones. El arte fotográfico, ¿por qué tiene que ser la excepción? En las primeras exposiciones -a fines del siglo IXX- se premiaban reconstrucciones de hechos históricos (griegos, romanos, egipcios), con actores caracterizados, tal como se estilaba entonces en el arte pictórico. Guerreros, profetas barbudos, escenas de Oriente, asesinatos famosos, tristeza, dolor. Luego se pasó a la época bucólica, paisajes con o sin figura humana, contraluces, muchos crepúsculos. Las nuevas cámaras portátiles, pasearon la fotografía por exteriores campestres y ciudadanos. Vistas de pueblos, lugares
históricos, monumentos, rebaños de ovejitas, copias de la naturaleza. Las tomas realizadas con lente “flou” acentuaban el efecto pictórico en paisajes y retratos. Hasta que la reacción señaló a esos fotógrafos con el mote de “postaleros”. Entonces se volvió al interior y triunfaron los retratos con gran definición y luces rasantes: un anciano con barba era la receta segura para ganar un premio, a principios del siglo XX. Cuantas más arrugas, mejor. La competencia eran mujeres pálidas, lánguidas, nostálgicas, romanticismo puro. Siguieron las naturalezas muertas y otras composiciones sobre mesa (table-top). La primera guerra mundial cortó el auge de la joven fotografía artística por varios años, desarrollándose entonces la fotografía periodística, con los acontecimientos que sacudieron a esa generación. Los periódicos comenzaron a publicar fotografías con retículas de trama muy abierta. Terminado el conflicto bélico (1920) reaparecieron los amateurs. Volvió el paisajito, pero también fructificaron otras inquietudes. Se hizo uso y abuso de los procedimientos artísticos: bromóleo, goma bicromatada, solarización, relieves, separación de tonos, trucos de toda clase. Fue muy plausible esta búsqueda de “novedades”, por que sirvió además para explorar en terrenos poco trillados, pero el abuso trajo otra vez el deseo de volver a ver fotos normales, de composición clásica. Los más audaces comenzaron sigilosamente a presentar desnudos. Desde entonces en casi todos los salones internacionales “entran” algunos desnudos, para matizar. Los Jurados discuten previamente sobre el peligro de caer en sensualismos o procacidades, Pero algunos siempre se filtran, como si entraran a hurtadillas… Esta etapa duró varios años, atravesando otras guerras mundiales, con sus crisis respectivas, que hicieron sentir su efecto paralizante en todas las expresiones artísticas. Luego los nuevos avances de las cámaras y de la óptica permitieron a los aficionados internarse en otros terrenos, escenas de primer plano bien nítidos con desenfoques exagerados como fondo, (foco diferenciado) o “fotos sorpresa” tomadas con teleobjetivos, o pequeños detalles captados con aproximación. El apego a la composición, con la regla de oro lógicamente debía desencadenar a corto plazo la reacción de los iracundos. (continuará en el próximo número)
Sombras Luis RenĂŠ Morilla Sombras
Grup Fotogràfic d’Almenara