Noviembre 2016
#19
Boletín del Grup Fotogàfic d’Almenara Núm. 19 - Noviembre de 2016
Edita: Grup Fotogàfic d’Almenara Pl. del Molí de l’Arròs, 1 12590 Almenara (Castellón) Sociedad inscrita en el registro de asociaciones de la Generalitat Valenciana Núm. CV-01-053133-CS Miembro de: Federación Levantina de Fotografía Confederación Española de Fotografía email: gfalmenara.gmail.com https://gfalmenara.wordpress.com https://es-es.facebook.com/gfalmenara Foto portada: Mar Biosca Diseño y maquetación: J.Lairón © de las fotos: sus autores © de los textos: sus autores
Grup fotogràfic d’Almenara Portfolio Julián Negredo, Premio Nacional de Fotografía 2016 Conversamos con Hugo Romano Liga social noviembre Fotografía callejera, con Arturo de las Liras
Presentamos el proyecto realizado por el fotógrafo Julián Negredo, que, junto con su dilatada trayectoria y extenso palmarés, le ha hecho acreedor del Premio Nacional al Mejor Fotógrafo 2016. Felicitamos desde estas páginas a nuestro compañero Julián por tan importante galardón.
MUSEO “GUGGENHEIM” BILBAO, DE GHERY
Es una increíble obra de arquitectura que ha marcado el final del S. XX y se ha convertido en un icono de referencia universal no sólo en este campo, sino también se ha transformado en un fenómeno social para el desarrollo cultural y económico para esta ciudad que, necesitaba un revulsivo para revitalizar los márgenes de una ría industrial que se extinguía ante una destrucción total en el tiempo. Todo este conjunto de circunstancias han hecho aún más grande si puede ser el nombre de su creador, el arquitecto Frank Ghery, cuando en abril de 1991 llegó a Bilbao en respuesta a la propuesta del Gobierno Vasco para embarcarse en un proyecto de tal envergadura con la Solomon R. Guggenheim Foundation, porque nadie podría imaginar que el edificio vería la luz en octubre de 1997, seis largos años y que el resultado sería esta genialidad que nos ha llevado a recuperar en la memoria un espacio o solar de 32.700 metros cuadrados, con un área construida de 28.000 metros cuadrados y el edificio tiene 24.920 metros cuadrados, tal magnitud nos da una idea de lo impresionante que es este emblemático museo previsto para el siglo XXI, y poder mostrar el arte de nuestro tiempo, fondeado en los márgenes de la ría, en el triángulo cultural de la ciudad de Bilbao. Esta es la razón por la que afronté este proyecto fotográfico y me vine con mi cámara ilusionado a conocer esta titánica escultura de volúmenes curvilíneos contrapuestos que, forman altas torres retorcidas, a simple vista imperfectas pero encajadas en una perfecta armonía de espacios, con una atrevida combinación de materiales como son la piedra caliza, el titanio y el cristal. Esta impresionante empresa me dejó fascinado y conmovido. Este museo tan singular, majestuoso, audaz e imaginativo, no dejó de sorprenderme según lo iba observando desde diferentes lugares, sus formas se asemejan a un gran barco, a un pez gigante luminoso o a una enorme flor exterior con hojas que se abren entre los cielos grises de Bilbao. Mientras lo fotografiaba me daba cuenta que era imposible hacer algo así sin pasión, sin fantasía, sin utopía por ir más allá de lo simplemente real y profesional. Así fue, como entendí esta aventura de enfrentarme a captar el Guggenheim, a través de la creatividad y experimentar, igual que lo había hecho Frank Ghery, me dije a mi mismo; que es como yo entiendo la vida y mi forma de ser. Así pues, presento este proyecto basado en una combinación de montajes de varias estructuras y partes del edificio en cada fotografía. Buscando brillos, luces, texturas, perspectivas, desenfoques para dar profundidades, creando volúmenes nuevos dentro de los reales para fundirse visualmente en espacios tridimensionales. Iluminando y tratando lo más adecuadamente posible las luces de los cielos melancólicos inconfundibles de esta tierra. Introduciendo una pequeña alegoría o escultura de un jugador de golf, como un elemento narrativo de la imaginación que va recorriendo los tejados y superficies del museo; a través de un juego de formas rítmicas para conseguir un efecto de profundidad y luz natural difícil de controlar, debido al revestimiento del edificio con las placas de titanio que se asemejan a las escamas de un pez brillante de tonos grises, blancos y neutros. A la vez, se me ocurrió desplazar por la superficie y estructura del barco la figura de la araña como elemento aleatorio y recurrente para experimentar simplemente como un nuevo sujeto enriquecedor de espacios intuitivos en la obra, que como se puede ver carece de presencia humana, situación que he busqué intencionadamente. Por último recordar que hay una parte de este trabajo que es irreal, pero no por ello deja de ser un sueño tan real como el propio “GUGGENHEIM” BILBAO de GHERY. Julián Negredo Sánchez
PORTFOLIO
Hugo Romano (Tucuman, Argentina). Desde 2003, año en que comenzó a dedicarse seriamente a la fotografía, ha sido galardonado en numerosas ocasiones y ha expuesto su obra en países como Israel, Bélgica, Turquía o Japón. Desde 2012, viene actuando regularmente como jurado en concursos internacionales. Ostenta, entre otras, las distinciones de Artista FIAP, Proficiency in Photografic Society of America y Artista IPAS.
CONVERSAMOS CON . . .
HUGO ROMANO
Háblanos de tus comienzos como fotógrafo… Mi pasión por la fotografía se remonta a los tiempos de mi adolescencia, aunque no comencé a trabajar seriamente en esto hasta el año 2006. Desde entonces no me he detenido, salvo por algunas circunstancias. No he tenido una formación formal. Mi profesión es la ingeniería en software, pero siempre me ha gustado el arte. La fotografía fue para mí algo que poco a poco fue llevándome hacia donde estoy ahora y despertó aun más mi pasión por el arte, especialmente por este arte. Puedo decir que Santos Moreno ha sido un referente casi permanente desde que lo conocí, ya hace 10 años. Con él he compartido muchas charlas sobre fotografía, en paralelo con otros fotógrafos, como Igor Laptev, y Yuri Bonder, ya fallecido. Por entonces también conocí a Jorge Duro, ahora radicado en Argentina, que fue presidente del primer club de fotografía al que asistí en la ciudad de Ashdod, en Israel. Recuerdas con qué libros o publicaciones te formaste visualmente? He leído algunos libros, así como muchos artículos de internet, pero solo mencionaré los siguientes: Composición Artística para Fotógrafos, de Luis René Morilla, Fotografía de Alta Calidad, de José María Mellado, The Photographer Eye, de Michael Freeman y Practical Photography Magazine. Y sobre todo ver muchas fotografías, evaluar sus composiciones y técnicas, además de escuchar el consejo de los que más saben.
Perteneces a alguna asociación fotográfica? Actualmente pertenezco al Club Fotográfico Netanya, ubicado en la ciudad de Netanya, en Israel. Qué importancia crees que juega el asociacionismo en la formación del fotógrafo? Depende de cada persona. En mi caso supuso el poder relacionarme con personas que de un modo u otro tienen un mismo gusto por las cosas, aprender de otros, escuchar sus recomendaciones y por supuesto recibir y dar consejos, ayudar a los que recién empiezan o que están dispuestos a escucharte, promover la fotografía como arte y muchas cosas más. Sueles participar en concursos, crees que son una buena opción para crecer fotográficamente? He participado en muchos concursos fotográficos, aunque reconozco que en estos últimos años lo he hecho en menos ocasio
“considero que mis fotos son emocionales, pues cada una de ellas habla de sentimientos” nes. Seguramente comenzaré con más fuerza el año venidero. Creo que son una
buena opción para medirse uno mismo, pues al fin y al cabo, una aceptación es un premio a un buen trabajo, así valorado por los jueces. Concursar nos sirve para saber si vamos o no en buena dirección. Qué significa para ti la fotografía? Simplemente es un bello arte, en el que las ideas no se expresan con pinceles sino con el arte de captar la luz. Esto desde un punto de vista fotográfico puro. En mi caso, he derivado a realizar parte de mis obras con más de una fotografía, con inclinación al arte de la fotografía creativa digital. Cómo nació tu interés por este tipo de arte y que encuentras en él que no te ofrece la fotografía tradicional? Este tipo de fotografía me ofrece la posibilidad de expandir mi parte creativa, y de poder expresar lo que siento con mayor flexibilidad, a pesar de que el proceso conlleve más tiempo y resulte mucho más complejo. Se diría que la llegada de las técnicas digitales ha propiciado un retorno a un cierto pictorialismo fotográfico. Crees que la fotografía llamada “creativa” pa-
sa necesariamente por un alejamiento de su referente real, para aproximarse a lo supuestamente pictórico? Las nuevas técnicas nos abren todo un abanico de posibilidades, y en cierto modo la fotografía “creativa”, que algunos llaman “realidad alterada”, nos puede llevar de hecho hacia el pictorialismo. Hay muchos autores cuyas fotos parecen más una obra pictórica que un fotomontaje. Considero que mi trabajo se sitúa en una posición intermedia. Algunos alteran y deforman al modelo y lo introducen en un ambiente completamente abstracto. Otros hasta utilizan programas informáticos para generar digitalmente una escena en 3D, sin haber hecho una sola toma con la cámara. Podríamos decir que existen subcategorías, como abstracto, surreal y conceptual, entre otras.En mi caso considero que mis fotos son emocionales, pues cada una de ellas habla de sentimientos. Muchos de tus trabajos muestran un mundo que juega entre lo real y lo imaginario, con elementos recurrentes que adquieren una gran carga simbólica, como globos, campanas, huevos, etc.
Estos objetos tienen algún significado especial para ti? Más bien forman parte de lo que yo llamaría una firma digital, pues son elementos que sugieren delicadeza, como el globo y el huevo, al igual que la imagen femenina, que representa la belleza y la sensibilidad al mismo tiempo. La campana es un símbolo de armonía, ya que su sonido, siendo fuerte y agudo no resulta molesto. Es un símbolo presente no solo en muchas religiones, también se utilizaba antiguamente en las escuelas, en los hoteles, incluso en los restaurantes modernos cada vez que un plato está listo para ser servido. Desde el punto de vista estético considero que todos estos elementos dan armonía a la imagen. El color también es un elemento importante de tus composiciones. En muchas de ellas destaca algún elemento en rojo intenso sobre el resto de la escena. Es un recurso estético o atribuyes algún simbolismo a este color? El histograma de mis imágenes está ligeramente desplazado hacia la izquierda, con lo cual mis obras son más oscuras que las
de otros artistas. Los colores cálidos son el sello de mis composiciones digitales, y el rojo es el predominante en esta gama de colores. Aunque a veces también me gusta mucho usar el verde, que es un color más frío, y trato de evitar en lo posible el uso de la gama de azules. Yo diría que no es un recurso puramente estético, sino parte del estilo de mis trabajos. Y ya para finalizar, mantienes alguna relación con la fotografía realizada, procesada y compartida casi instantáneamente mediante dispositivos móviles? Crees que banalizan la fotografía, o por el contrario, abren nuevos caminos a la creación artística? La fotografía es banal cuando la toma también lo es. Ese es un terreno que no conozco y creo que puede generar una nueva ola. Y como todo lo nuevo, también nuevos paradigmas. Pero hasta que estos dispositivos no tengan la calidad de mi cámara profesional no creo que me introduzca en ese campo, pues todavía existe una gran limitación de recursos técnicos. Finalmente me tendrías que repetir esta pregunta dentro de 10 años...
PORTFOLIO
LIGA SOCIAL Noviembre 2016
JURADO
CALIFICADOR
Eukene
Joan Parera
Arturo José González
“Lo que vemos al mirar una imagen no debe separarse de la imagen o de nosotros mismos. La sensación, la imagen y nosotros estamos unidos en un único misterio”. René Magritte
CLASIFICACION
Mar Biosca Antonio García César March Vicente Almodóvar David Piqueras José Beut Vicente Moraga María Teresa Veral Miguel Vicent Ismael Rodrigo Carlos Correcher Juan Diego Gómez José Antonio Doménech José Mª Fernández Enrique Valdepérez José Manuel Abarca Mayte Cruz Juan Luis Durán Antonio Damián Gallego Luis de Julián José Mesa Arturo de las Liras Alfredo Mingarro Felipe Noguera Ximo Aparisi José Claramonte Pascual Fabregat Francisco José García Rafael Enrique Miranda Carlos Vela Carlos Poveda Pedro Pinilla
26 24 24 23 23 22 22 22 22 21 20 20 19 19 19 18 18 18 18 18 18 17 17 17 16 16 16 16 16 16 15 14
NOVIEMBRE
Mar Biosca The soldier
Toni GarcĂa Modelo por un dĂa
César March Caixa Fórum
Vicente Almodรณvar Orange Morning
David Piqueras Chilches
JosĂŠ Beut When the tide is rising
Vicente Maroto The Anthill
Miguel Vicent La soledad del fotรณgrafo
MarĂa Teresa Veral Perdida
Ismael Rodrigo Atardecer en el castillo
Carlos Correcher AllĂ estĂĄ nuestro destino
Juan Diego Gรณmez Buelna 2016
José Antonio Gómez Cruces
José Mª Fernández Antromero ll
Enrique ValdepĂŠrez Nostalgia
JosĂŠ Manuel Abarca Embolada
Mayte Cruz OtoĂąo
Antonio Damiรกn Gallego Instantes
Juan Luis Durรกn Retrato moderno
Luis de Juliรกn Ciclista
JosĂŠ Mesa Por fin encontrado
Felipe Noguera Tregรณn Arrozales de Sollana
Alfredo Mingarro A la cesta
Arturo de Las Liras Cordillera
Ximo Aparisi Chicos Cien Fuegos. Cuba
José Claramonte Colás Rascacielos
Carlos Vela La familia baduina
Pascual Fabregat El guardiรกn
José Francisco García Sevilla
Rafael Enrique Miranda No hay edad
Carlos Poveda Sara
Pedro Pinilla Charlando
COLABORACIONES
Arturo de las Liras
FOTOGRAFIA CALLEJERA Podríamos definir la fotografía callejera o, para que rabie la RAE, street photography, como aquella fotografía que se hace en la calle o lugar público, aunque añadiendo excepciones a esta tan amplia definición y un poco cajón de sastre. Por ejemplo, un posado en medio de la calle no es fotografía callejera, o una foto de un concierto tampoco podríamos considerarla como tal. Podríamos decir entonces que es una fotografía en calle o lugar público, pero sin una situación prevista, fotografiando lo que nos va apareciendo sobre la marcha. Sería algo así como fotoperiodismo, pero sin una acción o evento concreto. Fotografía imprevista de la vida cotidiana. Varias características que la suelen caracterizar, aunque no son norma, son, por ejemplo:
Anonimato de los fotografiados, personas de a pie, en sus quehaceres diarios. Esto lleva implícito que los fotografiados a menudo no saben que lo están siendo y no porque tengamos miedo a que nos toque correr calle abajo si nos pillan, sino para no perder esa espontaneidad del momento. Cuando le pides a alguien permiso para fotografiarlo, seguramente va a desaparecer esa naturalidad del sujeto.
Espontaneidad, como ya hemos, dicho nos enfrentamos un poco al: "a ver qué me encuentro".
Marcada temática sobre la naturaleza humana. No tiene el por qué aparecer el elemento humano en una fotografía callejera, pero en ese caso sí que debería reflejarse en ella una intervención humana implícita. Un paisaje, urbano o natural, con una persona en el encuadre no tiene porque ser fotografía callejera (aunque muchas veces es difícil colocar según qué fotografías en un grupo concreto).
Una pequeña identidad que añada valor a la foto, que transmita algo, un valor, una historia, una acción, una emoción…
Yo iba detrĂĄs de ellas (no tras ellas, que no es lo mismo...), de repente se les caen los maniquĂes, acelero el paso, las adelanto, me coloco frente a ellas y con todo el morro disparo. La gente joven acepta mejor estas cosas.
El poder de la mente: ven, vÊndeme una, ven, ven‌al final vino.
Escena de pueblo en el "Bar joven"… menuda guasa tienen los dueños del bar.
Aunque la composición siempre es muy importante en cualquier fotografía, tenemos que relegarla a un segundo plano en algunos casos porque es más importante el contenido y el momento de las fotos que las formas. Para conseguir alguno de los puntos anteriores no siempre las circunstancias son óptimas, a veces no son ni medianamente buenas. Con la elección del B/N la mayoría de ocasiones lo que se busca es eliminar cualquier elemento que pueda distraer del punto de interés. Aunque a veces también se use para enmascarar las carencias de la foto (mensaje, composición, técnica…). Pero no vamos a malpensar ya tan pronto. Recordemos que es una fotografía donde muchas veces no podemos encuadrar al gusto, o quitar ciertos elementos "molestosos" del encuadre, sobretodo los fondos caóticos, así, con el paso a B/N conseguimos atraer la atención sobre lo que queremos mostrar. (siempre hay alguna señal roja por el fondo). Aunque ahí tenemos a Martin Parr, con sus coloridas fotografías. Tampoco muchas veces podremos dedicarnos a configurar perfectamente la cámara para medir la luz, cambiar el enfoque, cambiar objetivo, etc…por motivos diversos, pero sobretodo porque muchas escenas callejeras duran instantes, o la haces ya o dos segundos después, la escena cambia totalmente, o desaparece el elemento, o te pillan preparándote y ya te tienen controlado y vigilando lo que haces, etc. Ni que decir tiene que debemos pasar lo más desapercibido posible, por ejemplo, con nuestra indumentaria, recordar que somos nosotros lo que hacemos las fotos, no queremos que nos las hagan. Vamos al apartado más técnico centrándonos en fotografías con elemento humano, pues sin personas es todo mucho más fácil y tranquilo.
¿Qué FOCAL utilizo? Bueno, pues depende de algunos factores. Uno muy importante es la vergüenza. Mucha gente tiene cierto respeto a acercarse a un desconocido a hacerle una foto por el miedo a que le pillen infraganti. En ese aspecto, como mucho os puedo recomendar un psicólogo muy bueno que conozco (yo no voy, va un amigo). Pero siempre se pueden utilizar focales largas para hacer los robados si estas más tranquilo.
Ventajas de las focales largas:
Puedes estar a una distancia relativamente segura y fuera de la atención del personaje. Eso puede que te deje más margen para hacer diversas tomas, encuadrar mejor o ajustar parámetros entre unas y otras sin que se de por aludido. Conseguirás una menor profundidad de campo, para difuminar el fondo. (aunque sabemos que hay más factores que afectan a la profundidad de campo). Al reducir el ángulo puedes eliminar más fácilmente elementos que no te gusten del encuadre. Puedes conseguir algunas fotos que con una focal pequeña no seria posible por la imposibilidad de acercarte al elemento.
Inconvenientes de las focales largas:
Por regla general te obliga a llevar unos objetivos más grandes y visibles (y pesados, ya puestos). Es prácticamente indispensable que encuadres por el visor o el display para acertar el encuadre, por lo que pueden ver tu intención. Según en qué situaciones colocarte a cierta distancia hace que se paseen elementos no deseados entre tú y lo que quieres fotografiar, sobretodo en lugares concurridos.
Y ahora ventajas e inconvenientes de usar focales cortas: ¡pues lo contrario, lógicamente! Inconvenientes:
Tienes que estar cerca del fotografiado de lo contrario queda pequeño en el encuadre y perdemos ese casi esencial elemento humano principal. Debido a esta distancia es más fácil que la persona se de cuenta de lo que estás haciendo. (Siempre tenemos excepciones a la regla como Bruce Gilden, pero también habría que saber cuantos gorrazos se ha llevado. Si no te importa…¡¡Todo sea por el arte oye!!).
En esta foto, una gaviota apareció de repente por detrás de este chico y por todo el morro le quitó un trozo de gofre de la mano. Una escena totalmente inesperada con una duración de décimas de segundo. (por eso no está tan perfecta como sería deseable) ¿Como la obtuve? Sigue leyendo...
No tienes prácticamente ninguna opción de cambiar parámetros de la cámara y muchas veces ni siquiera varias oportunidades para hacer la foto. La profundidad de campo realmente no es en este caso ni una ventaja ni un inconveniente, si tienes mucha, encuadras el elemento principal con su entorno y colocas al espectador de la foto en el lugar que está hecha, y si tienes poca, pues te queda el sujeto más realzado contra el fondo. Todo ventajas oiga! Te la juegas a que salgan en el fondo elementos que no serían deseados por ejemplo en una foto de retrato… pero bueno, estamos hablando de fotografía callejera, ¿no? Si hay una papelera al fondo que molesta, las quejas al ayuntamiento. Todo elemento forma parte del conjunto y la coyuntura del momento y lugar. Y si no, un poco de tampón y punto, ¿si lo hace McCurry por que tú no? También vale eso de…"Es mi estilo. Suburbano y decadente", y punto pelota.
Si lo que quieres fotografiar está en un lugar inaccesible para acercarte físicamente…pues foto que no haces. Pero no te preocupes que si no lo dices nadie se va a enterar. Ventajas: Los objetivos angulares suelen "cantar menos" que los teleobjetivos. Y ahora con las nuevas cámaras evil, mirrorless o sin espejo y sus pequeños objetivos, todavía puedes pasar más discreto. Y de paso decir que la eliminación del espejo y la obturación electrónica también hacen muy silenciosas este tipo de cámaras. Podemos encuadrar a ojo ya que abarcamos un amplio ángulo de visión con lo cual es más fácil que el sujeto quede dentro del encuadre. Llevando la cámara al cuello sin levantarla podemos disparar. Requiere un poco de práctica, como todo en esta vida, pero se puede hacer. Al poder acercarte mucho al sujeto, prácticamente no hay nada que pueda atravesar el campo de visión, y al mismo tiempo el efecto angular hace que el sujeto central parezca mucho más grande y llame más la atención (si es lo que deseamos). Podemos jugar mucho con el encuadre solo dando un paso adelante o atrás.
Focal equivalente a 120 mm. El compañero Carlos Poveda a la derecha fastidiando el plano.
;-p
Focal equivalente a 24 mm. No, no se enteraron. Ayudó el bullicio que había alrededor y un poco de teatrillo para disimular.
¿Zoom o fijo? Lógicamente siempre tendremos más juego con un zoom, aunque también suelen ser más grandes que las focales fijas (a igualdad de focal y gama, que ya os veo venir). Con un fijo te obligas a buscar una posición más concreta para una determinada situación o puedes perder sujetos lejanos o cercanos, dependiendo de la focal que lleves. No está de más decir que si ves algo que te interesa sacar, siempre puedes empezar haciendo una foto con una focal más larga y luego intentar un acercamiento buscando una imagen con más fuerza. Si al final no puedes por cualquier motivo, al menos te llevas una foto. Luego ya decides si es suficientemente buena para el Facebook o no. Hagamos un inciso para hablar un poco sobre algunas situaciones generales a las que nos podemos enfrentar. Esto es como los coches de choque:
Tú contra el lateral de la pista = golpe gordo. Tú contra otro coche de frente = golpe más gordo. Te golpean por atrás en el mismo sentido de la marcha = golpecito asequible para tus cervicales.
Podemos estar caminando por una calle y ver a unos metros una escena de gente sentada en una terraza comiendo. Tenemos aquí un sujeto en movimiento que eres tú pasando por su lado y un motivo predominantemente estático. O la situación inversa: tú quieto y el sujeto en movimiento.
No tenia pinta de ser un hombre muy dado a fotografiarse. Pues como los vaqueros, primero disparo y luego ya si eso pregunto.
También puede pasar que vayas caminando y a unos metros venga en dirección opuesta un personaje curioso con vistas de ser inmortalizado. En este caso son dos movimientos opuestos que tenemos que tener en cuenta. Alguien caminando delante de ti en tu mismo sentido. Sí, es una foto callejera, pero a no ser que el culo sea bonito, pierda la gracia. (¡Búho, he dicho búho!) Es como disparar por la espalda. Queda feo y de cobardes, que lo sepáis. (Como en todo siempre hay excepciones, si el mensaje de la foto o la situación de los elementos lo requiere). Esto es importante a la hora de configurar los parámetros de la cámara. Recordad que no podemos estar midiendo y ajustando la luz manualmente porque perdemos comba. Veamos detenidamente una configuración bastante efectiva en el caso de queramos disparar lo más anónimamente posible. Modo de fotografía S o Tv. Con esto nos aseguramos una velocidad siempre controlada a nuestra elección. La abertura variará automáticamente en función de la luz y con ello la profundidad de campo, pero ya hemos dicho que esto último es un efecto un tanto despreciable.
Velocidad: dependiendo del tipo de choque. En el caso de los dos elementos caminando en sentido opuesto subiremos más (1/400) que en el caso de que solo se mueva uno de los elementos (1/250). Por ejemplo. Aunque todo depende de la velocidad de los sujetos (siempre puedes ralentizar tu paso o pararte) y la distancia entre ellos. Un objeto cercano se mueve relativamente más rápido que uno más lejano, ambos a la misma velocidad absoluta. Los que hagan barridos sabrán de que hablo. Con práctica iremos afinando. Modo de medición: podemos usar el que nos sintamos más cómodos, pero en las situaciones que encuadremos a ojo y no podamos estar mirando la cámara para modificar parámetros o solo tengamos una oportunidad para hacer la foto no es recomendable el modo puntual, porque si pillamos un punto blanco (prenda de ropa, por ejemplo) nos va a oscurecer toda la foto y si pillamos un punto negro nos la va a sobreexponer demasiado. Si disponemos del modo matricial o evaluativo y del modo "ponderada en el centro", podemos usar uno u otro al gusto, pero teniendo en cuenta sus particularidades. Si estamos en un lugar más abierto como un parque en el que puede que se nos cuele en el encuadre una porción de cielo, en la medición evaluativa el sujeto puede salir demasiado oscuro, por lo que aquí sería más recomendable la opción de medición ponderada central. Pero, también podemos adelantarnos a la foto y saber que vamos a tener ese problema de subexposición y entonces tener el forzado de exposición en un valor positivo (mas o menos dependiendo de la situación). Podemos hacer unas fotos de prueba por la zona para ver si hace falta más o menos forzado, para que la zona que nos interesa tenga la luz correcta, aunque se nos queme otra parte de la foto. Posteriormente igual podemos recortarla o dejarla quemada si no es importante.
Cruce por dentro de un mercado. Codo con codo. Focal 28 mm equivalentes. Velocidad 1/320, I SO automático 1250, f 2,9.
Un factor importante en esta configuración es posicionar el ISO en automático. Previamente lo limitaremos para que no suba de cierto valor (dependiendo de lo ruidosa que sea la cámara) Imaginemos una situación: paseando por una calle de una gran ciudad, tenemos el modo S (Tv) con una velocidad de 1/400 en modo de medición matricial e ISO automático con valor máximo de 1600. De repente en una zona iluminada por el sol vemos una persona interesante acercándose, cuando la tenemos cerca encuadramos a ojo y hacemos la foto. La cámara va a medir la luz de la escena y con esa información elegirá una abertura adecuada, por ejemplo, f 5'6 (mientras tenga valores de f suficientes no subirá el ISO, que se mantendrá al mínimo). Si la foto ocurriera en una zona de sombra y la cámara con el diafragma más abierto no pudiera llegar a la exposición correcta entonces tiraría de ISO. Por ejemplo, si usa un 2.8 (si el objetivo lo permite) pero sigue necesitando luz, subiría ISO hasta conseguir la exposición adecuada. Si la zona fuera muy oscura y llegara al máximo ISO indicado (1600 por ejemplo) y no consigue llegar a la luz correcta, tendrías la foto, pero subexpuesta (más o menos dependiendo de lo que faltara). De esta manera nos aseguramos que la foto no saldrá borrosa porque siempre tendremos una velocidad de 1/400 en todas las tomas. Y como he comentado antes, si prevemos que debido a la medición matricial (evaluativa) el elemento de interés saldrá oscuro, deberemos configurar el forzado de la exposición a positi
¿Puedo utilizar el modo A (Av), en lugar del S (Tv) para así decidir la f con la que trabajar? Si es un lugar iluminado puede que en la mayoría de encuadres tengas una velocidad elevada y no ocurra nada, pero en lugares en sombra o más oscuros, nada impide que la cámara baje la velocidad a niveles de 1/5 por ejemplo, con lo que obtendrás una foto totalmente movida. En mi cámara por ejemplo con esta configuración, el ISO comienza a subir cuando la velocidad baja hasta los
Me adelantó por la calle, pues ale, foto.
La crisis. Tranquilamente sentado desde la otra acera.
Y sobre el tema de enfoque… ¿manual, automático? Si no quieres que te vean cámara al ojo, olvídate del manual propiamente dicho. Tenemos dos opciones:
Automático simple: usar un único punto de enfoque (central o un lateral) y sobre eso intentar que cuando hagas el enfoque aciertes sobre el elemento principal. No es tan difícil, sobretodo si estamos cerca, sólo hay que practicar un poco el encuadre a ojo.
Hiperfocal (más práctica con angulares), con esto sabes de antemano que tendrás todo enfocado desde, por ejemplo, 2.5m hasta el infinito, y te olvidas de enfocar. También sabes que tienes que mantener esa distancia de seguridad porque no te saldrá enfocado nada que esté más cerca. Por ejemplo, no hubiera podido sacar la foto del hombre negro de barba de más arriba. La distancia hiperfocal depende del tamaño del sensor, la distancia focal y del número f.
Forzado de exposición en +1 y 1/3.
Sobre la forma de encuadrar a ojo sin que se note, os voy a decir cómo llevo yo la cámara en estas ocasiones. Correa al cuello y la cámara en la mano izquierda cogiéndola como si fuera un bebé o gatito del Facebook, apoyándola sobre el interior del antebrazo. Eso, por la posición del botón de disparo de mi cámara me permite pulsar el disparador con el pulgar sin mover ni la mano ni el brazo, por lo que no hago ningún movimiento extraño. Y como el dedo está continuamente encima del disparador me permitió hacer rápidamente la foto de la gaviota ladrona vista más arriba. Para despistar un poco más puedes hacer como que hablas por teléfono con la mano derecha. Vas hablando mientras pasas junto al sujeto y vas disparando en ráfaga. Que no os preocupe parecer unos locos hablando solos por el móvil, nadie lo sabe, y la mujer llega un punto que ya pasa de todo. Cuanto más bullicio haya alrededor menos se oirá la cámara, y si no lo hay, lo provocas tú tosiendo o hablando fuerte como mi vecino. Lo que sí es indispensable para este tipo de fotografía…es salir de casa. Tanto pasear por la calle, como buscar un punto con un fondo concreto y esperar que pase el sujeto perfecto. Si eres pescador no vas a tener problema, puede resultar igual de aburrido. En las situaciones en las que esperas en un lugar concreto, sí que podemos configurar los parámetros de antemano y dejarlos fijos si la luz que va a afectar a los sujetos no va a variar. Y como comprobaréis cuando salgáis a "afotar" por ahí, va muy bien saber manejar ciertos parámetros de la cámara sin mirar, por ejemplo, la compensación de exposición o el pasar de un punto de enfoque central a un lateral, etc.
Por casualidad, salí reflejado en el cristal y se puede ver como hice la hice, que por cierto es lo único interesante de la foto. No me diréis que no queda disimulado...
Resumiendo, si tenéis tiempo y oportunidad de colocar los parámetros de cámara correctos y encuadrar al gusto, pues mucho mejor, pero si la situación requiere una rápida reacción y disimulo, hay que recurrir a métodos menos ortodoxos. Y todo lo escrito aquí ni es blanco, ni negro ni gris, hay tantas opciones de hacer una foto como situaciones te puedes encontrar, pero al menos espero haberos ayudado en algo.
¡Venga va!!, ¿qué haces? Sal a la calle ya, a qué esperas!! Esto se ha acabado!
Grup Fotogràfic d’Almenara