EL DUENDE Nº124. "EL LIBRO BLANCO DE LA CREACIÓN"

El Duende

El

LIBRO

BLANCO

de la CREACIÓN

·

Junio 2012

·

El Libro Blanco de la Creación

Nº 124

MINI ROADSTER

ELIGE TU AVENTURA

MINI ROADSTER

ELIGE TU AVENTURA

PEGATINAS CREA TU PROPIA PORTADA

CONCURSO

CREA TU PROPIA PORTADA DE ESTA EDICIÓN DE

1

PEGATINAS

CREA TU PROPIA PORTADA

DESPEGA LAS PEGATINAS.

3

ESCANEA O HAZ UNA FOTO DE TU CREACIÓN.

2

PÉGALAS EN LAS CUBIERTAS CREANDO TU PROPIA AVENTURA.

LA CREATIVIDAD NO TIENE LÍMITES: SI QUIERES, INCORPORA TUS PROPIOS DIBUJOS, PALABRAS...

CUALQUIER AÑADIDO QUE PONGAS SERÁ TENIDO EN CUENTA.

El

LIBRO

BLANCO

de la CREACIÓN

El

LIBRO

BLANCO

de la CREACIÓN

4 ENVÍALA A MIPORTADA@DUENDEMAD.COM

¡PREMIO A TU CREATIVIDAD!: ELIGE TU AVENTURA De todas las propuestas recibidas el jurado elegirá a una ganadora. Quien resulte seleccionado recibirá como premio el disfrutar de un MINI ROADSTER en una ESTANCIA PARA DOS PERSONAS en la CASA RURAL CAMPO Y LUMBRE (www.campoylumbre.es) durante un FIN DE SEMANA (a elección durante el 2012; previa consulta de disponibilidad).

Será un viaje con un MINI ROADSTER en medio de la nada y a un paso de todo, entre Valladolid y Zamora, donde te alojarás durante dos noches en una antigua Casona de Labranza (de 1812) donde podrás disfrutar de una buena agenda de escapadas y rutas para conocer todos los alrededores. Incluye el desayuno, una visita a una bodega con una cata de vino D.O. Toro y dos entradas para visitar el museo del pan en Mayorga. La aventura, en cualquier caso, la eliges tú.

PUEDES VER TODOS LOS DETALLES DEL PREMIO Y LAS BASES COMPLETAS EN WWW.DUENDEMAD.COM/MIPORTADA

MINI ROADSTER

presenta

EL LIBRO BLANCO DE LA CREACIÓN Una mirada privilegiada al mundo de la creación, formato libro, tapa dura ********************************************************** Editado, ideado y producido por: Grupo Duende Encuadernación rústica con cartoncillo Primera edición en castellano 2012 Impreso y encuadernado en Madrid

************************************************************

Somos Dirección: Rubén Arribas y Esther Ordax.

Redactor jefe: Javier Agustí.

Dpto. Arte: CCXXI / Grupo Duende. Nuria Cuesta (coordinación).

Dpto. Financiero: Mª Carmen del Castillo.

Dpto. Publicidad: Roberto Hawkins (coordinación), Manuela Soriano.

Han colaborado: David Bernal, Ana Berruguete, Cecilia Camacho, Andrés Castaño, Óscar Checa, Paloma F. Fidalgo, Teresa Garrido, Inés Granha, Andrea Gutiérrez, Lola Manfar, Christian Osuna, Rocío Ponce, Nino Risueño, Mayte Rodríguez, Nacho Urquijo.

Ilustración de portada y guardas: Gregori Saavedra. Diseño de producción e idea: Grupo Duende.

Logotipo de El Duende: Estudio de Manuel Estrada. Fotografía: Ernesto Artillo (moda).

Distribución: Mensajería urgente, en más de 500 locales de Madrid: restaurantes, cafés, teatros, locales de noche, museos, galerías, peluquerías, tiendas de moda y diseño...

El Duende revista © es una publicación de Ciudad Comunicación XXI, S.L.- Grupo Duende.

Dirección: C/ Flora, 2. 28013 Madrid. T: 91 364 46 88. F: 91 364 57 59 Mail: Dirección: ordax@duendemad.com · arribas@duendemad.com · Redacción: redaccion@duendemad.com · Comercial: roberto@duendemad.com · Imprime: Julio Soto Impresor. Depósito Legal: M-19565-1998 La protección de los derechos de autor se extiende tanto al contenido redaccional como al diseño, ilustraciones y fotografías de la publicación, por lo que queda prohibida su reproducción total o parcial, sin previa autorización escrita de la sociedad editora / www.duendemad.com / Disponible ESTUDIO DE MERCADO. Publicación asociada a la AEPG. Distribución gratuita.

PREMIOS: PREMIO ANUARIA 2011: “Mejor Publicación Periódica” · PREMIO 2009: “Primer premio. Mejor publicación digital 2008”, www.duendemad.com, POR LA AEEPP · PREMIO ANUARIA 2006 EN DOS CATEGORÍAS: “Mejor Publicación Periódica” y “Miscelánea” · PREMIO 2006: “Primer premio mejor dirección del año 2005” POR LA AEEPP.

Otros títulos de la colección: El Libro Rojo de las Artes Escénicas 2010 y 2011 y El Libro Dorado de la Ilustración. *****************************************************************************************************************

EDIT. POR RUBÉN ARRIBAS ILUSTRACIÓN: GREGORI SAAVEDRA

Página en blanco despiértame cuando tengas algo original.

Tengo sueño de sueños y nada para contarte.

Si tú eres de hermoso blanco, y yo siempre de negro ando.

Si tú eres un blanco poema, y yo tu poema en blanco.

Universo níveo, perfección de lo finito, evocación y reclamo.

Amo de mi vacío, que en tus brazos desnudo se siente a salvo.

Si tú eres calavera, y mi tinta de corazón es negra.

Si tú no tienes sombra, y yo no tengo asombro.

Muchacha virgen, fascinante seducción, sin alma ni maquillaje.

Ardo en deseo de clavar en ti mi firma, mi letra y mi impertinencia.

Si te muestras como nieve, mi pluma del fuego viene.

Si te vistes de bella ausencia, en tu espejo se arregla mi apariencia.

Musa desvestida, una historia a punto de empezar, un silencio antes del recuerdo, un ayer fallido, un viaje sin inicio, un beso oculto, un gran secreto, un lienzo eterno, una puta seductora, un autor con alzhéimer, una muerte sin despedida, una flor invisible, una huella en la mente, una muda bienvenida, una sorda protectora, una ciega soledad en constante búsqueda...

El

LIBRO BLANCO de la CREACIÓN

10 EL DUENDE

{ PRESENTA }

EL LIBRO BLANCO DE LA CREACIÓN El acto de crear, de dar vida a materiales que permanecían inertes y que, sumados, desbastados y pulidos, se elevan a otra magnitud física y en ocasiones espiritual. Viajamos del concepto a lo tangible, a lo visible, a la emoción. Y de ahí a otro nuevo concepto. Espesamos pigmentos, modelamos piedra y madera, telas y metales, luz y su ausencia, palabra y silencio.

Creaciones que nacen y se desvanecen concatenadas en un efímero infinito que en su incesante evolución se hace perpetuo.

FOTO: VÍCTOR ENRICH,

DEPORTATION. EL DUENDE 11

FOTOGRAFÍA

HACER POSIBLE LO IMPOSIBLE { VÍCTOR ENRICH }

La fotografía sacó al arquitecto Víctor Enrich (Barcelona, 1976) del aburrimiento que le provocaba dibujar planos y más planos. En el último lustro, se ha recorrido medio mundo retratando edificios, generalmente desconocidos, para después clonarlos en 3D y reinventarlos de una manera irreal, fantasiosa. TEXTO: LOLA MANFAR. FOTO: MANUELA ESTÁ LLEGANDO TARDE. MÜNCHEN, 2012. ¿Cómo empezaste a hacer estas imágenes de edificios manipulados? El primer ejemplo de edificio manipulado que recuerdo haber realizado es el del hotel Reval, de Riga (Letonia). Hacía pocas semanas que había llegado a la ciudad y, sin conocer el idioma ni prácticamente a nadie, los días se me hacían largos. El apartamento en el que me alojaba tenía una hermosa vista hacia dicho hotel, y mientras mi novia pasaba el día en el trabajo, yo me distraía haciendo un clon en 3D del edificio. No me preguntes por qué, pero encontraba esa actividad, aunque penosa y lenta, bastante reconfortante. Cuando terminé la clonación, no sabía qué hacer con él, y se me ocurrió disponerlo de varias maneras: rotándolo, ubicándolo en lugares inverosímiles…

Con el paso de los años me he dado cuenta de que, sin quererlo, había inventado una técnica de clonación virtual en tres dimensiones basada en una fotografía del objeto, es decir, en su proyección bidimensional. ¿Cómo es el proceso creativo del que resultan tus fotos? En principio, cada imagen es una mezcla, un gran poti-poti de ideas, momentos, situaciones, historias o lecturas de las que he disfrutado y que, en mayor o menor medida, han influido en mi subconsciente. Intento no influir de manera racional o premeditada sobre el que será el producto final, es decir, no tomar decisiones sabiendo lo que quiero hacer. Al contrario, mi objetivo principal es que la creatividad fluya por sí sola, sin trabas, salga lo que salga. Para ello, las imágenes se producen según toque. Algunas quedan paradas 12 EL DUENDE

en fase de producción durante algún mes y otras se terminan a las pocas semanas de empezar. Con el paso de una obra a otra, y tras los comentarios de la gente, voy tomando nota de la que debería ser mi línea, que de momento no es otra que encontrar ese umbral entre lo real y lo no real, entre lo posible y lo no posible. ¿Hay algún estilo arquitectónico que te resulte especialmente apropiado para tus trabajos? Desde niño Frank Gehry es uno de mis ídolos. Uno de sus proyectos iniciales, una casa unifamiliar en Santa Mónica, Los Angeles, me tiene encandilado. Sin duda él fue uno de los principales motivos por los que escogí arquitectura como carrera. Y quizás también por él me frustré más adelante, al ver que la arquitectura no era precisamente lo que Gehry hacía, sino algo mucho más burocrático. No obstante, actualmente me cuesta establecer una relación formal entre mis fotos y los edificios de Gehry: su obra es forma pura, concebida de la nada, para dar función a una actividad concreta, mientras que mis fotos se apoyan en geometría preexistente y no pretenden dar forma a un espacio de uso, pretenden convertir al edificio en algo más que un lugar funcional, meramente escultural. ¿Qué ciudades te resultan más fotogénicas? Desde el punto de vista geométrico, son aquellas con una componente vertical destacable, ya sea por agentes geográficos o por la arquitectura misma, como San Francisco, New York, Rio de Janeiro o Benidorm. Otras, como Las Vegas o Tokyo, me resultan fotogénicas porque portan una herencia cultural o iconográfica muy fuerte, lo que en parte le debo al cine. Aunque quizás deba reconocer que las más fotogénicas son aquellas cuyas gentes viven una experiencia urbana totalmente diferente a la que estamos acostumbrados; Delhi, Estambul, o El Cairo, me resultan muy atractivas.

Una de las fotos que ilustran esta entrevista es Manuela está llegando tarde. München (2012). ¿Cómo surgió?

Estaba estudiando alemán en casa de un gran artista de esa nacionalidad, Christian Engelmann. Asistía a clases gratuitas e individuales. Manuela era el nombre de mi profesora, una chica sumamente seria, comprometida y puntual... excepto un día. Algo tan inusual solo podía ser comparable a ver un edificio al revés. www.victorenrich.com

SOLO EN

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¿Por qué el éxito de La Cena y el la trilogía a la que pertenece? Creo que puede tener que ver con que trata un tema universal. La cena habla de la reacción de unos padres al descubrir que sus chavales han quemado vivo a un indigente y han grabado el homicidio con el móvil, un tipo de vandalismo que, al parecer, está extendido por muchos países. Y en Casa de verano con piscina se habla de lo que un padre puede llegar a hacer por defender a sus vástagos. Son temas que interesan tanto a hijos como a progenitores, porque los llevan a plantearse qué harían si se vieran en esa situación. En el fondo, es un dilema moral ya muy antiguo. ¿Y tiene respuesta? La verdad es que cada lector dice una cosa: yo hubiera denunciado a mi hijo, yo nunca lo hubiera hecho…

Me gusta plantear esa cuestión moral para que cada uno se la plantee cuando tenga el libro entre manos.

LITERATURA

EL ARTISTA { HERMAN KOCH }

INTELIGENTE Ya era popular en su país, pero gracias al exitazo de La cena, Herman Koch (Holanda, 1953) se convirtió en uno de los narradores más traducidos y aclamados de Europa. Es el segundo título de una trilogía con tintes de género negro sobre las relaciones paterno filiales en las familias burguesas. TEXTO: INÉS GRANHA. IMAGEN: PORTADA DE CASA DE VERANO CON PISCINA. El primero aún está inédito en España, “pero se publicará”, nos adelanta el autor. El tercero, Casa de verano con piscina (Ed. Salamandra), acaba de presentarlo la editorial Salamandra, y es más que recomendable.

Había escrito siete novelas, cuentos y artículos, pero solo a partir de La cena se hizo mundialmente famoso. ¿Cómo cambia la fama la vida y obra de un creador? Yo ya era conocido en mi país, Holanda, pero me gusta ser traducido y leído internacionalmente, y me gusta mucho viajar para promocionar mis libros. Me sorprende la aceptación que han tenido en países como China o en Corea; he comprobado que los libros pueden ser apreciados por igual por distintas culturas. Además, gracias a ser menos conocido en el extranjero que en Holanda, los lectores se acercan a mis obras sin prejuicios, prácticamente sin saber quién soy, y así valoran cada texto por sí mismo.

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Las familias protagonistas son burguesas. ¿Pretende una crítica de ese estrato social? Creo que es un error basar un libro en una crítica. He contado estas historias porque me parece que tienen interés. Aunque sí percibo que algunos burgueses quieren aprovechar su dinero y su posición para tomarse la justicia por su mano.

Junto al dato anterior hay otros aspectos de su trilogía me recuerda a algunas películas de Woody Allen. ¿Es un referente creativo para usted? Sí, tengo muchos puntos comunes con él. Incluso menciono Match Point en La cena, cuyo protagonista tiene un sentimiento anti elitista muy similar a los de sus películas.

También se parece a algún personaje de Allen el médico protagonista de Casa de verano , que está hasta las narices del grupo de artistas que tiene como pacientes, cree que lo desprecian. ¿Comparte usted esa opinión? La comparto sobre un tipo de artistas muy concreto. Artistas arrogantes que piensan que por ser creativos son superiores al resto de la gente. Normalmente, son mediocres. Los buenos artistas son inteligentes.

La cena está basada en hechos reales, y el médico de Casa de verano… tiene rasgos del suyo de cabecera. ¿Siempre se inspira en la realidad para crear? En absoluto. Simplemente, el hecho en el que está basada La cena me hizo pensar. Fue un suceso ocurrido en Barcelona que leí en el periódico. Y me fijé en mis citas con el médico para describir el sistema sanitario holandés. Pero, para escribir, fabulo.

Por tanto, la escritura de una novela no tiene por qué ir precedida de una profunda labor de investigación. Depende de la pretensión del autor. Yo describí el sistema sanitario de mi país según mi experiencia en el ambulatorio: me daba la sensación de que en medicina general intentaban no derivar a nadie al hospital, salvo que estuviera muy grave, para evitar así un colapso de la infraestructura. Es decir, que se intenta ahorrar de esta manera. Varios profesionales sanitarios me han confirmado después que mis sospechas son ciertas.

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E S CE NA

ARTE TOTAL

{ LA FURA DELS BAUS }

Al principio, lo suyo eran los espectáculos de calle.

Ahora, 33 años después de su nacimiento, la prestigiosa compañía catalana La Fura dels Baus se dedica a la ópera. En su ADN portan las ganas de innovar en escena y de remover las entrañas del público; buena prueba son sus míticos títulos Accions y Fausto 3.0. En plena crisis no le faltan bolos por todo el globo: Álex Ollé, director y cofundador de la troupe, acaba de estrenar en Buenos Aires una espectacular adaptación del Edipo de George Enescu.

TEXTO: PALOMA F. FIDALGO. FOTOS: EDIPO. ¿Cómo ha sido la evolución creativa de La Fura? Siempre hemos tenido el mismo espíritu, aunque haya cambiado el formato. Empezamos trabajando en las fiestas de los pueblos. Después, buscamos un lenguaje teatral distinto al entonces vigente, haciendo espectáculos callejeros con zancos y malabarismos, investigando a base de prueba y error, sin texto. Luego entró en la dinámica la tecnología, con Accions y con los Juegos de Barcelona. El año 1992 fue un punto de inflexión: surgieron varias corrientes en el grupo, y comenzamos a trabajar también por separado. En este punto, la ópera se nos planteó como todo un reto. Significaba pasar del grito a la palabra, y de la creación propia del espectáculo a una partitura y un texto ya escritos. Así que nos propusimos reinventar a los clásicos, con total libertad, con conceptos e imágenes fureras. Ocurrió primero en F@usto 3.0, y así hemos continuado. La verdad es que el tránsito por todas estas etapas ha sido natural, sin traumas y previsible, porque siempre hemos perseguido lo

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que Wagner llamaba el “Arte total”, que significa que la suma de todos los elementos es lo que configura finalmente el producto.

Pero habrá hecho falta adaptar el lenguaje a cada nuevo tipo escenario. No será el mismo el de una representación de calle que el de un teatro u ópera. En el fondo, lo que nos interesa es provocar a un público que está sentado. De ahí derivan todas nuestras estrategias. Con las nuevas tecnologías, saturándolo de información, cambiamos la manera que tiene el espectador de afrontar el espectáculo. Lo hacemos más intenso. ¿Y eso no se puede conseguir en montajes que no estén basados en las nuevas tecnologías? Por supuesto. Si no se dispone de medios, imaginación al poder. Hay muchísimos dramaturgos que lo hacen. Por ejemplo, en Argentina, donde, después de sufrir el corralito, nacieron infinidad de compañías con mucha creatividad y pocos medios, como la de Tolcachir. Aunque uno pueda permitirse disponer de infinidad de medios, estos tienen que estar al servicio del espectáculo, evitando lo superfluo.

Como decía Ludwig Mies van der Rohe, menos es más.

Suelen interactuar con el respetable para provocarlo. ¿Cómo se ensaya esa clase de escenas? Bueno, en las óperas eso no lo hacemos. La música basta para conseguir lo que pretendemos con esas interactuaciones, que es romper la coraza que divide al espectador del actor. Nuestra obsesión es descolocar a la gente tanto visual como musical y actoralmente, porque solo cuando el público se vuelve vulnerable, se abre, y tienes la posibilidad de depositar en él sensaciones y emociones. ¿Cómo son los procesos creativos en La Fura? La creación artística de la Fura ha sido siempre comunitaria. Nacimos 18 EL DUENDE

“AUNQUE UNO PUEDA PERMITIRSE DISPONER DE INFINIDAD DE MEDIOS, ESTOS TIENEN QUE ESTAR AL SERVICIO DEL ESPECTÁCULO, EVITANDO LO SUPERFLUO”.

como un grupo en el que cada uno sabía hacer una cosa. Cada uno de los nueve miembros fundadores (quedamos seis) estaba especializados en un área artística: había quien venía de la plástica, quien venía de la danza, quien venía de la música, quien venía de un circo… Y así, estábamos en condiciones de aportar nuestro conocimiento individual al conjunto. En el caso de este Edipo, yo comparto con Valentina Carrasco el desarrollo de la puesta en escena, Alfons Flores se encarga de los decorados y Lluc Castells, del vestuario. ¿En qué consiste la relectura furera de Edipo? Es una propuesta muy visual.

Edipo, como clásico, puede viajar en el tiempo y plantearnos una reflexión netamente actual, aplicable a los tiempos que corren. Hemos mezclado el tiempo histórico y el tiempo mítico, trasladando cada escena a diferentes periodos: el primer acto es la presentación de la historia con el nacimiento de Edipo; luego éste se encuentra con su supuesta madre Mérope –en este punto tratamos el complejo de Edipo-; y después viene la esfinge -un ser con alas, garras de león y cuerpo de mujer-, que tuvo atemorizado al pueblo tebano pero a la que nosotros llevamos a la Segunda Guerra Mundial.

Como en todos los espectáculos de La Fura, la estética está cuidadísima. Al escenógrafo Alfons Flores se le ocurrió darle un tono monocromático a la puesta cubriendo a los más de cien actores, en el arranque de la pieza, con barro, con la excusa de una catástrofe que hubo en Hungría en 2010, donde se desbordaron químicos tóxicos por campos y pueblos dejándolos rojizos, episodio que incorporamos a la historia. Esto simboliza el

destino, que es el tema principal la ópera, del que el hombre, se dice en ella, no puede zafarse.

Suelen crear unas imágenes muy potentes y metafóricas. ¿Cualquiera puede captar su significado? Espero que sí.

Es cierto que nosotros no pretendemos ser ni muy explícitos ni muy didácticos, sino más bien sugerentes. Pero en una representación pueden combinarse dos niveles expresivos: el evidente y la lectura más profunda, que requiere perspicacia y reflexión. Cada uno, que se quede donde quiera. ¿Los proyectos operísticos de La Fura, los elige ella o son propuestas externas? Normalmente son encargos de directores de teatro, aunque, por supuesto, no son impuestos, nosotros decidimos si aceptamos la sugerencia. También pueden proceder de un compositor; por ejemplo, nuestro Don Quijote fue una idea nuestra que luego desarrollaron un compositor y un libretista.

Una compañía tan creativa como La Fura, ¿cómo valora el panorama escénico actual? En el caso de la ópera, creo que vive un buen momento, incluso de ebullición. Personas como Gérard Mortier o Peter de Caluwe se están atreviendo a abrirla a los directores del teatro y de cine, y eso, aunque a algunos esnobs no les guste, amplía el espectro de público, que se da cuenta de que no es un género elitista.

Hace dos años que no pisan Madrid. Es complicado ir. En Alemania, por ejemplo, la oferta de teatros que acogen ópera es enorme. En la capital hay uno. Y tal como están las cosas económicamente, no se puede programar mucho. ¿Tal vez haya que pensar en volver a hacer teatro? Tal vez. www.lafura.com

Con el apoyo de

Colabora

Ilustraci贸n Lorena Madrazo

diseño

EL MUEBLE, { SUECADO }

COMO DIVERTIMENTO Suecado lo forman Pablo G. Cardenal y Pilar García, quienes decidieron concebir este negocio dedicado al diseño de objetos y muebles cotidianos desde una perspectiva única.

TEXTO: CECILIA CAMACHO. FOTOS: MUEBLES DE SUECADO. Es muy probable que no todos recordéis la peli de Michel Gondry Rebobine por favor (Be Kind Rewind), en la que los protagonistas, Jack Black y Mos Def, borraban por error todas las cintas de un videoclub. Para solucionarlo decidían regrabar las películas protagonizándolas ellos mismos. Las premisas eran el amor hacia la obra original, la brutal escasez de medios y cierto elemento cómico muy de agradecer. Luego usaban como excusa el hecho de ser ediciones especiales suecas o, por decirlo más brevemente, suecadas…

Autodefinición de Suecado. Suecado es un proyecto cariñoso. No pretende ser ni competitivo ni agresivo, en cambio, trata de buscar una sonrisa en el observador. Nosotros hemos elegido las formas como lenguaje de expresión. ¿Cómo definirías vuestro estilo? Cromáticamente neutro, y estéticamente extraño con cierto toque naif. ¿Cuándo, cómo y por qué? Hace ya tres años. Empezó como un juego entre nosotros, con ideas que se materializaban en formas. Intentando llevar al volumen chistes breves y mezclándolo con la interacción entre el objeto y el observador que lo observa desconcertado. Y como no podía ser de otra forma para nosotros… ¡Divirtiéndonos!

Asimismo, la buena sensación que nos dejó una exposición de Chema Madoz ha sido una influencia destacable. Quedamos fascinados por unas orejas pegadas en las paredes de su estudio (las paredes oyen), que más adelante dieron paso a nuestro primer mueble: una caja con ojos y orejas.

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¿Cuál es el proceso creativo que seguís?

Siempre existe un principio o idea motivadora, que da lugar a una explosión de ideas. Este principio puede comenzar a partir de una conversación agradable o apasionada con amigos y un buen vino tinto, o de una película, que son los dos grandes vicios que tenemos. ¿Y vuestras principales fuentes de inspiración? Van desde Luis García Berlanga, pasando por webs como Inspire Me Now o fffound, hasta Philippe Starck. ¿Qué premisas debe reunir un objeto para ser considerado “suecado”? Que lo hagamos nosotros [risas]. Supongo que nos gustaría que los asociasen a “divertidos”. ¿Cuál es vuestra obra fetiche y por qué?

Equilibrio. Porque fue la primera que nos hizo plantearnos seriamente esta serie de muebles. En un primer momento se llamaba Los borrachos, ya que son dos personajes que se apoyan uno en el otro. ¿Qué tipo de materiales empleáis habitualmente? Para nosotros el material más cercano es la madera, aunque estamos empezando a considerar la posibilidad de desarrollarlos en cartón o plástico. También usamos el hierro y la tela, dependiendo del diseño. ¿Cuáles son vuestros artistas favoritos de todos los tiempos? Para nosotros más que un artista hay un proyecto que nos impresionó y fue la creación de Bauhaus, puro I+D… Como artistas, José Luis López Vázquez, Egon Schiele, Chema Madoz, los Prerrafaelitas, etc. ¿Qué es para vosotros la creatividad?

Dar forma a una idea, cada uno en el soporte en el que se sienta cómodo. ¿Se puede vivir del arte? Díselo a Damien Hirst. ¿Os habéis planteado contactar con Gondry? Viendo el resultado que nos dio con Philippe Starck no lo intentamos con Gondry.

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EL PLACER DEL CONOCIMIENTO… Y EL RECONOCIMIENTO NUEVA GAMA ORIGINAL PREMIUM MIXERS DE SCHWEPPES Esta edición de El Duende está dedicada a los creadores y a sus obras. Y si hablamos de tónica, es obligado hacerlo de Jacob Schweppe (1740-1821).

Que los avatares de la vida llevasen a este alemán a fundar la empresa a la que su apellido dio nombre, Schweppes, en la ciudad suiza de Ginebra, no puede sino hacer aparecer una sonrisa en nuestros labios. Los mismos labios que son seducidos, más de dos siglos después, por el sabor e intenso placer de la nueva gama original creada específicamente para respetar y amplificar los destilados Premium: Original Premium Mixers de Schweppes.

Como afirma otro creador, Javier de la Muelas, fundador del mítico cocktail bar Gimlet y del legendario Dry Martini, reconocido como uno de los 10 mejores bares del mundo: “Tomar una copa debe ser un momento muy especial e importante…

Un momento de total relax y disfrute. Si de verdad, queremos disfrutar con plenitud e intensidad de ese momento hemos de cuidar una serie de requisitos, y el más importante de ellos es saber acompañar nuestro destilado Premium con el mixer adecuado”.

En la fórmula original de 1783, no solo destaca la elaboración con ingredientes únicos. Por encima de todo está la perfecta carbonatación de Schweppes, que presenta una burbuja potente y equilibrada que se mantiene hasta el final de la copa, cuando en otros mixers pasados unos minutos desaparece.

La burbuja es el vehículo para que toda la riqueza del destilado Premium se amplifique en boca.

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EL DUENDE 23

ARQUITECTURA

UNA CASA PARA JIMMY { TALLER ABIERTO }

Hace solo unas semanas que los integrantes de Taller Abierto acaban de llegar de Portland (Oregón) de recoger el primer premio de la Competición Internacional “Living Aleutian Home Design Competition” ideada para promover la construcción de una vivienda experimental en la Isla de Atka (Alaska, EEUU).

TEXTO: ÓSCAR CHECA ALGARRA. FOTO: VIVIENDA EXPERIMENTAL DE TALLER ABIERTO.

Daniel Martínez Díaz, Nacho Román Santiago y Julio Rodríguez Pareja (Taller Abierto) no se cansan de hablar y de explicar su proyecto, transformando una conversación sobre arquitectura y diseño en algo sencillo, cercano y tremendamente atractivo. Engancha, como dice Nacho, como les pasó a ellos desde el primer momento en que tuvieron conocimiento de este concurso lanzado desde las Islas Aleutianas, un lugar con el que los mapas cartográficos casi se convierten en cartas de fábula y leyenda. Este conjunto de islas con nombre de planeta de ciencia-ficción es uno de los espacios más ásperos e indómitos del planeta. Allí los temporales y unos vientos constantes y muy fuertes están a la orden del día. ¿Cómo planteasteis el diseño de este edificio cuyas características arquitectónicas debían adaptarse al medio natural y al cultural? Como decíamos, fue creciendo de forma ‘natural’.

Queríamos incluir la doble componente que suponía el uso de la nueva tecnología con el espíritu de las viviendas tradicionales, los ulax (excavadas en la tierra para aprovechar el calor de la tierra, con un espacio único...) y dar una respuesta válida respetando los conceptos de la cultura donde se iba a implantar. Después hay que tener en cuenta las características de la isla, donde sopla un viento constante el 85 por ciento de los días del año, llueve unos 240 días, es una zona con gran probabilidad de terremotos... Con todo eso, nosotros diseñamos una vivienda sostenible y autosuficiente, con una forma inspirada en los sombreros de los habitantes pescadores de estas islas, que son aerodinámicos.

Y además son materiales reciclables y tecnologías limpias, ecológicas, porque también era uno de los requisitos del 24 EL DUENDE

concurso... Sí. El objetivo era construir una casa para Jimmy Prokopeuff, un joven de la isla cuya vivienda se está viniendo abajo, pero que serviría después de modelo para el resto de habitantes. Uno de los objetivos era reducir el consumo energético puesto que las condiciones climáticas unidas a la escasez de recursos (que implica que todo se tenga que importar) elevaba sus facturas a 600 dólares. Nuestro proyecto incluye materiales y amplias capas térmicas y aislantes, turbinas eólicas que aprovechan la fuerza del viento y la convierten en energía, sistemas de recogida de agua para utilizarla como aguas grises, una calefacción que se nutre de la geotermia... Todo se puede producir en serie y son materiales y placas manejables por una persona, porque hay que tener en cuenta las condiciones de orografía y de puesta en obra. En 50 días se puede construir esa vivienda (frente a los 6 meses que emplean ahora). ¿En qué porcentaje ha influido la estética en su diseño? La casa tiene una estructura de madera contralaminada, apoyada en unos soportes metálicos y conectados a una cimentación de hormigón. El exterior va recubierto con paneles de metal. Por los condicionantes del concurso y de la zona, el exterior tiene pocas pretensiones estéticas: son materiales de abrigo, severos, pero donde el diseño juega un papel muy importante, pues el acabado es el mismo que el de las pelotas de golf, con pequeñas hendiduras que dividen las succiones creadas por el viento. Es algo muy importante. El interior habla de lo cálido, lo amable, la sensación de confort. Para ello hemos utilizado la madera. Luego hay muchos detalles como el gran ventanal o los módulos interiores que permiten diversas configuraciones de la vivienda.

Y al conjunto le pusisteis el nombre de Finnesko... Sí. Finnesko es la marca de las botas que llevaba en capitán Scott en su expedición a la Antártida. Y eran botas de diseño, claro, con su aislamiento, sus clavos... Nos gustaba el nombre porque estaba también vinculado a una aventura y todo eso cuadraba con nuestra forma de entender no sólo el proyecto en sí, sino un poco todo...

www.tallerabierto.es

ARTE UR BANO

ESCULPIR LA CIUDAD { VHILS }

Si recorres Girona durante los días 12 y 13 de julio de 2012 las paredes de sus calles irán cambiando a tu paso. Los mejores artistas urbanos del mundo (Interesni Kazki, Moneyless, Erica il Cane…) pondrán su arte al servicio de los muros de la ciudad mientras tú escuchas en directo a Radical Animal Beat o asistes a una conferencia del filósofo Ignacio Castro. Formarás parte de Milestone Project, un contenedor de cultura que busca transformar la ciudad y a sus ciudadanos. El Duende entrevista al retratista urbano Vhils, el portugués Alexandre Farto, famoso por los gigantescos retratos que excava en edificios y muros usando martillos, cinceles e incluso materiales explosivos. Él será uno de los artistas responsables de cambiarle la cara a Girona. TEXTO: ANDREA G. BERMEJO. FOTO: OBRA DE VHILS EN SHANGHAI. Tu obra se caracteriza por excavar en los edificios. ¿Cómo llegaste a un proceso creativo tan particular? Me di cuenta de que las paredes de los edificios de Lisboa, donde crecí, estaban formadas por diferentes capas (carteles, pinturas antiguas, anuncios…) y que si excavaba en ellos podía descubrir fragmentos del pasado. Para hacerlo, necesitaba herramientas distintas a las habituales: martillos, cinceles, taladros, gatos…

Excavando, dejas al descubierto distintas capas de la historia de una ciudad, ¿qué reflexión extraes sobre el pasado, el presente y el futuro? Excavo en esas capas para descubrir un pasado que ha quedado oculto. Me gusta señalar, de una manera simbólica, que en los espacios urbanos muchas veces nuestra identidad se ha perdido. Para mí, escarbar en las paredes es un proceso de arqueología contemporánea. Descubrir nuestro pasado también nos dice muchas cosas del presente y del futuro.

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A la izquierda: obra en Berlín, 2011. Arriba: obra en Moscú, 2010.

Muchas veces utilizas explosivos para crear tu obra.

En tu arte creas y destruyes al mismo tiempo. Las explosiones hacen más explícito este principio, pero crear destruyendo es una constante en mi obra. Por un lado, la destrucción tiene que ver con la estética del vandalismo propia del graffiti. Pero también es una representación del ciclo de creación y destrucción de las ciudades y, en última instancia, de la inacabable regeneración de la naturaleza.

"ESCARBAR EN LAS PAREDES ES UN PROCESO DE ARQUEOLOGÍA CONTEMPORÁNEA".

Tus creaciones más famosas son aquellas en las que retratas a hombres y mujeres anónimos. ¿Por qué lo haces y cómo eliges a los retratados? Hemos creado entornos artificiales para vivir en ellos –las ciudades– pero, paradójicamente, parece que no hay espacio para ser humanos en ellas. Mis retratos representan a la gente ordinaria, al héroe

del día a día. Mis obras intentan devolver esta humanidad al entorno urbano. Los personajes a los que retrato son gente a la que he hecho fotos por las calles, son desconocidos hasta para mí.

Te han considerado un outsider pero también has trabajado para Levi´s y has aparecido en la portada de The Times. ¿Cómo participas de lo mainstream sin comprometer tus ideales artísticos? Quiero que mis obras lleguen a un público más amplio. Se trata de conseguir un equilibrio entre lo que haces para sobrevivir y tu arte y no comprometer tus ideas. Yo funciono a dos niveles: creo en la calle libremente donde quiero y cuando quiero, pero también trabajo en galerías y exposiciones comisionadas. ¿Crees que el arte puede cambiar la sociedad y el mundo? ¿Qué te gustaría conseguir con tus retratos? Me gusta hacer pensar a la gente sobre ciertos temas relacionados con el progreso tal y como lo estamos viviendo, que reflexionen sobre nuestra civilización global que cada vez tiene menos en cuenta nuestras emociones y necesidades como seres humanos. www.milestoneproject.cat/es EL DUENDE 29

Canon EOS 600D UNA NUEVA DIMENSIÓN DE LA

FOTOGRAFÍA

Una cámara de fotos puede ser muy rudimentaria, tanto como una caja de cartón, o una lata de conservas con una pequeña perforación y una película sensible en su interior. En esto se basa la primera cámara de fotos de la historia, la cámara estenopeica. Siglos después de su invención, el abismal salto tecnológico desarrollado ha permitido que con una cámara digital puedas conseguir la mejor imagen posible en las condiciones más difíciles sin apenas esfuerzo.

La Canon EOS 600D es la solución que plantea la prestigiosa casa japonesa a los aficionados que se quieren iniciar en el mundo de la fotografía creativa con una cámara réflex potente, compacta y ligera; muy sencilla de usar. Es ideal para que puedas hacer fotografías o vídeos sin tener que preocuparte de aspectos técnicos.

A la vez, también te permite conseguir esas fotos “diferentes” y juguetonas que consiguen las cámaras lomográficas ya que te ofrece Filtros Creativos, que incluyen funciones como Ojo de Pez, Blanco y Negro granulado, Cámara de Juguete, Enfoque Suave y Efecto Miniatura.

Echa un vistazo a algunas de las características más destacadas de la EOS 600D. Texto: EDM 30 EL DUENDE

NITIDEZ Y REALISMO HECHOS REALIDAD Su sensor CMOS de 18 Megapíxeles te garantiza nitidez, un color realista y gran nivel de detalle, incluso en condiciones de poca luz. Las imágenes mantienen un contraste más alto y detalle en las sombras y en las altas luces.

SÉ EL MÁS RÁPIDO EN DISPARAR, SIEMPRE ACERTARÁS Para que te concentres única y exclusivamente en conseguir el mejor encuadre sin preocuparte de los aspectos técnicos, dispone de un Modo Escenas Inteligente Automático.

HÁGASE LA LUZ Sensibilidad ISO 100-6.400 ampliable hasta ISO 12.800, permite una captura sin trípode de alta calidad en condiciones de poca iluminación, sin necesidad de flash.

EN CUALQUIER POSICIÓN Su pantalla LCD de ángulo variable de 7,7 cm (3,0”) y 1.040.000 píxeles, posibilita fotografiar desde diferentes posiciones.

VÍDEO FULL HD Seguro que has oído hablar de las maravillas que te ofrece su vídeo Full HD: alta definición real. Dispones de control manual sobre la velocidad de imágenes, exposición y sonido. Además, la tecnología Instantánea de Vídeo (Video Snapshot) permite que clips cortos de 2, 4 o 8 segundos puedan fusionarse en un único archivo de vídeo para conseguir una edición profesional de la grabación.

VELOCIDAD PURA Para que no pierdas el mejor gesto, el mejor instante, puedes conseguir fotos en serie a una velocidad de hasta 3,7 fotogramas por segundo. Es algo ideal a la hora de hacer retratos. Una buena foto de moda sería imposible sin estas posibilidades.

COMPATIBILIDAD La EOS 600D es compatible con más de 60 objetivos EF. Cada foto exige una lente apropiada. Cuando lo experimentes habrás descubierto las verdaderas posibilidades de la fotografía.

EL DUENDE 31

MÚSICA

Y SE HIZO LA LUZ { DOMINIQUE A }

Con su nuevo disco Vers les lueurs (Cinq7 / Green Ufos, 2012) el francés Dominique A busca otras fuentes de inspiración: la luz, la naturaleza… Su música suena con más brío; abre un camino más clásico, más orquestal, con influencias de Ravel, Debussy y Satie; y experimenta sin perder un ápice de su estilo. Y sus letras atrapan, porque son historias que rezuman vida, que arrastran experiencias y contienen una mirada profunda. TEXTO: ANDRÉS CASTAÑO Tras ocho discos, los siete anteriores reeditados hace poco con material extra, el músico francés sigue explorando sendas, descubriendo nuevos parajes. “La musique (2009) era más oscuro.

Con éste no tenía la intención de hacer un disco sobre la idea de la luz en relación con la duración de la vida. Es más filosófico que político. Prefiero trabajar con metáforas, con ideas morales, con ideas de filosofía de vida, más que abordar temas políticos. Para que las canciones duren más tiempo”, nos comenta en un céntrico hotel madrileño.

Dominique A se posiciona ante la vida y ante la música, implicándose, acudiendo a la gente creando una banda, una pequeña comunidad, consciente de esa búsqueda de un colectivo: “De encontrar formas de vivir juntos”. Pero sus canciones nacen en la soledad, en forma de voz y guitarra. Luego es un artista que nunca se acomoda, y si ve que una fórmula funciona, sabe que con el siguiente disco romperá con todo y cambiará su forma de trabajar para no repetirse. “Soy artista porque la vida me da miedo, porque no entiendo nada. El otro me da miedo pero al mismo tiempo soy capaz de ser sensible a él, a lo que piensa, a su forma de ver las cosas y a lo que parece que siente. Cuando cantamos o hacemos algo artístico tratamos de ir 32 EL DUENDE

contra nuestro propio pesimismo. No se es artista por azar, no se es artista por cantar a la alegría. Un artista que canta a la alegría, es un artista que tiene algo que esconder”.

Con una trayectoria iniciada hace casi veinte años mira el pasado con amplitud. “No soy para nada nostálgico. Hablo mucho del pasado pero no para lamentarme de él. Es una forma de decir, necesitamos el pasado para vivir bien el mañana”.

Y, ¿cuál es su estilo? ¿Canción popular o ‘nouvelle chanson’?

“Ya se hablaba de ‘nouvelle chanson’ en los años setenta, entonces empieza a ser algo trasnochado. La ‘chanson’ es un arte popular, no hace falta que sea populista. La música populista es aquella que complace al pueblo, al gran público, como la música de fiestas populares. Si consideras que la canción es un arte popular inmediato es necesario ser exigente para que se convierta en algo fascinante, para que sea universal sin olvidar una ambición artística, y llegar a un gran número de gente: que el ganador principal sea el arte”.

Cuando aborda el tema de la creación, tiene claro que “una canción que perdura es aquella que no puedes imaginar con otras notas o con otra letra. Esa es la magia. Como artista no la puedes decidir. Escribes y escribes, y en un momento dado pasa algo y aparece”.

Su canción perfecta es Riverman de Nick Drake. “Es misteriosa, la melodía es magnífica, los arreglos son sublimes, el sonido es increíble y tenemos la impresión de escuchar el río y de ver a ese hombre. Es casi mística. Es mi máximo referente musical”.

Al hablar sobre lo que llega al inconsciente colectivo para que una canción resista el paso del tiempo y siga gustando. Nos deja una frase para la posteridad: “Las canciones deben ser misteriosas para ser convincentes”.

CREATIVIDAD PUBLICITARIA

RESOLVIENDO ACERTIJOS { JUAN SILVA }

Juan Silva es el Director Creativo de Shackleton y se autodefine como “un maquillador de marcas”. Empezó en el mundo de la publicidad hace ya 15 años, trabajando en la agencia Contrapunto y teniendo que asumir, en una de las peores épocas de la agencia clave de la publicidad en España, junto a otros compañeros de profesión la responsabilidad de una serie de clientes muy importantes. TEXTO: CECILIA CAMACHO Tras aquella experiencia, se convirtió en uno de los máximos responsables creativos de dicha agencia. Y a los nueve años se fue como Director Creativo ejecutivo de J. Walter Thompson. Después de dos años y medio siendo responsable de una multinacional decidió que prefería trabajar para una agencia independiente como Shackleton, en la que pudiese ser partícipe de la toma de decisiones. Durante todo este tiempo ha trabajado para clientes como Digital +, Vodafone, Cruz Campo, La ONCE, A3, Caja Madrid, Loterías, y muchos más… Y ha tenido bastantes reconocimientos, entre los que cabe destacar los once Leones en el Festival de Cannes de publicidad. ¿Una mente creativa se hace o se nace? Personalmente creo que la mente creativa se conforma en la infancia y que tiene que ver con la capacidad de ensimismamiento, de perderse dentro de tu cabeza. Por eso hay personas muy creativas, que de pequeños eran un poco bichos raros. Sin embargo, ser más o menos buen creativo tiene mucho que ver con la capacidad de aprender y entender las estructuras y recursos que te ofrecen la TV, la radio, la prensa y el mundo digital para poder contar tu mensaje de la manera más eficaz. Por eso la aptitud imprescindible que se necesita es la curiosidad. Y la capacidad de no perderla nunca. ¿Cuándo decidiste dedicarte a esto? Un día con 14 años estaba desayunando y mi madre me dijo que había pensado que eso de hacer anuncios se me daría bien. Y a las madres hay que hacerlas caso. En serio. ¿Qué es para ti la creatividad? Aplicada a la publicidad es como resolver un acertijo, encontrar la tecla correcta. ¿Qué te gustaría haber creado? Me encanta el cine, así que me hubiera gustado crear una buena película. En publicidad me encantaría haber hecho el anuncio del aficionado número uno de Atlético de Madrid, que contaba la historia de un anciano que con los años había renunciado a todos los vicios que eran malos para su salud. Menos a uno, el “Puñetero Atleti”. ¿A qué otros creativos admiras? En España, a Miguel Vizcaíno y a Tony Segarra. Son muy buenos.

El cliente siempre tiene la razón. ¿Te suena? Lo que tiene siempre el cliente es la última palabra. Siempre va a salir lo que él quiera y como él quiera, que para eso paga. El princi34 EL DUENDE

Drcha: acción para FCC (reparto buzón a buzón de 50.000 bolsas de basura con palabras que te gustaría tirar con el año.

Los vecinos usaron las bolsas y el día de año nuevo se tiró lo peor de 2001 a la basura).

Izda: spot campaña La Quiniela.

pal factor en la relación es la confianza que tiene el cliente en ti. Si no confía, por su culpa o por tu culpa, no va a salir un buen trabajo. El límite está donde tú lo quieras poner, pero si el cliente te pierde el respeto lo puedes dar por perdido, nadie paga por algo que cree que el podría hacer mejor.

Con la crisis se dice que tenemos que ser creativos y generar nuevas fórmulas de supervivencia. En épocas de crisis se producen problemas, y resolviendo problemas es como crecemos, esa es la teoría… Pero la realidad es que hay muy buena gente pasándolo muy mal, y que hay que ser muy fuerte para ponerte a generar nuevas ideas cuando se te pone todo en contra. La publicidad está sufriendo mucho la crisis. Ahora mismo está saliendo de la profesión mucha gente de mi generación, que no llega a cuarenta años, y tienen muy difícil la vuelta.

La gente se pregunta: “¿Y ahora qué?”

Un momento, una película, un libro y un lugar en el que perderte… Un momento: la final del mundial. Una peli: La leyenda del pianista en el océano. Un libro: Mi último suspiro de Buñuel. Para perderme: el sur de Portugal.

Tres deseos… Salud y ya está, no quiero ser acaparador.

Y un secreto… Cuando cierran el metro por la noche se hacen fiestas secretas.

Siempre lo he sospechado.

MIXOLOGÍA

CÓCTEL EXPLOSIVO

Las creaciones de Alberto Pizarro (Barcelona, 1979) apelan a todos nuestros sentidos. La pericia de este bartender le ayudó a convertirse en el último campeón de la World Class Competition nacional, lo que le dio derecho a competir por el título mundial al mejor coctelero. Desde su base de operaciones, en la barcelonesa coctelería Bobby Gin, Pizarro continúa explorando nuevas fórmulas. TEXTO: NACHO URQUIJO. EN FOTO: ALBERTO PIZARRO POR ÁLEX ESCORIHUELA.

sujeto al mundo de las tendencias como cualquier otro producto de consumo y seguramente el éxito de algunos cócteles muy conocidos no se explicaría sin esta influencia. Ahora mismo estamos en medio de una moda indiscutible, la del gin tonic. ¿Cuántos cócteles calculas que habrás creado -o intentado crear- a lo largo de tu vida? Es imposible de calcular, tampoco puedo establecer una media creativa por semana o mes, pues hay temporadas en las que estoy más inspirado que otras e invento más cócteles. El porcentaje al que finalmente doy el aprobado es del diez por ciento, pero muchos de ellos son proyectos inacabados que más adelante recupero. ¿Cuál es el que más satisfacción te produce preparar? Obviamente ‘Urdemales’, ya que es el cóctel con el que conseguí varios premios y al no figurar en la carta de Bobby Gin, significa que el cliente que me lo pide conoce algo de mí. Por otra parte, en Bobby Gin tiene mucho éxito un cóctel llamado ‘Tokio Blue’, que mezcla vodka infusionado con arroz basmati y flor de jazmín con zumos de lichi y frutas del bosque. ¿Y el que requiere mayor concentración por su complejidad?

Cualquier cóctel de la familia del Bloody Mary resulta complicado de preparar, pues es quizás el cóctel cuyas proporciones de sal, pimienta y picante más dependen del gusto personal del cliente.

Para terminar, ¿qué ingredientes utilizarías para crear un cóctel para esta edición de El Duende? Probablemente utilizaría ingredientes cercanos a la mística como el sándalo y los licores de abadía.

{ ALBERTO PIZARRO }

¿También sufres “el miedo a la página en blanco”, en este caso “miedo al vaso vacío”, como los creadores de otras disciplinas? Más que a quedarme en blanco tengo siempre miedo a no acertar con el gusto del cliente al servirle un cóctel. También sufro de temporadas en las que no estoy inspirado, entonces aprovecho para profundizar en los cócteles clásicos. ¿Cuánto tiempo transcurre desde que comienzas a pensar en un nuevo cóctel y finalmente das con el resultado? Realmente no hay un tiempo mínimo o máximo para la elaboración de un cóctel, pues hay algunos que enseguida das con el equilibrio y los ingredientes. Otros, sin embargo, requieren más tiempo, incluso varios días.

Has comentado que te inspiras en la historia del lugar de procedencia de la bebida para crear el cóctel. ¿Qué otras fuentes de inspiración utilizas? El origen y las características del producto base es el punto de partida del cóctel, pero cualquier elemento externo al bar puede influir en el resultado final. ¿Cuál es el que está más de moda? El mundo del cóctel está 36 EL DUENDE

TE El Duende especial 18/5/12 14:23 P gina 1 C

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MÚSICA

BAILE Y COMPROMISO { CALLE 13 }

Son de Puerto Rico y han conquistado varios Grammys Latinos desde 2006. Calle 13 es el cáustico dúo formado por René “Residente” (voz y letras) y Eduardo “Visitante” (multiinstrumentista: teclados, bases, guitarras, coros) junto a las colaboraciones habituales de Ileana “PG13” (coros). Este verano están de gira por España dentro del Salsa & Latin Jazz Festival. Estarán en Madrid el 26 de julio junto a Rubén Blades. TEXTO: ANDRÉS CASTAÑO Empezaron agitando el ritmo, llevando al desenfreno a partir de letras de alto contenido sexual, rap latino, con ritmos sabrosones que venían de la salsa y el reggaetón. Llevan cuatro discos y han querido ampliar su registro de sonidos, darle más color a su música, traspasar fronteras y acudir a las raíces sin perder un ápice de su estilo.

Su último disco Entren los que quieran (2010) es una declaración de principios en el que invitan a todo el mundo a subirse al carro de la fusión bien entendida. “La propuesta crece porque el grupo crece. Cuando uno va madurando se va influenciando de más elementos, ya sean sociales o musicales. Cada país que visitamos es una influencia diferente para nosotros (por ejemplo sus múltiples colaboraciones con artistas como Café Tacuba, La Mala Rodríguez, Susana Baca, María Rita, Seun Kuti, entre muchos otros). Y eso se va notando en los discos. En lo nuevo que estamos haciendo se va a notar también otro cambio y otra influencia”, nos comenta por teléfono René desde Buenos Aires antes de desembarcar en julio por Europa, con varias fechas en España a partir del 20 de julio dentro del Salsa & Latin Jazz Festival (Valladolid, Gijón, Santiago de Compostela, Madrid y Barcelona).

Con el paso del tiempo han cambiado sus referencias. Ya no se sienten cómodos con la etiqueta de reggeaton o de rap latino.

“Desde el segundo disco la gente nos fue capturando. Y ya en el tercer disco entendieron más. Está bastante claro que Calle 13 38 EL DUENDE

es una mezcla de músicas del mundo. También hay rap pero la esencia del grupo es punk, entonces es una mezcla de influencias musicales”.

“A mí quizás me influenció más la salsa, la música de Rubén Blades quizás, la Nueva Trova. El rap norteamericano, yo llegué a escucharlo en algún momento y también es influencia pero no tengo la misma forma de escribir. En Latinoamérica estoy rapeando pero parece que estoy recitando, medio cantando, utilizo un ritmo de 6 por 8, no un 4 por 4 como se suele rapear. En Puerto Rico antes del rap estaba la poesía coreada, con percusiones. Un grande fue Juan Boria”, nos comenta René sobre sus influencias.

En sus tres anteriores discos les colocaron la etiqueta de “Explicit Lyrics, Parental Advisory” ¿Cómo sienta que censuren tus letras?

“A mí no me gusta, obviamente. A la hora de contar historias si es necesario usar una mala palabra, la uso. Ahora mismo trato de evitarlas, para que no se enfoquen en una palabrita y se enfoquen en la idea. Pero si es necesario, creo que le añaden realismo a la vez”, nos cuenta René. “Aunque nos hayan censurado en algunas emisoras y en otros medios, es un arma de doble filo. Al final, le puede dar más ganas de escucharte a la gente”, remarca.

Una característica del grupo ha sido el lado festivo. “Es muy genuino porque nosotros somos muy fiesteros también. Saca a Calle 13 de que lo encasillen como algo político y social. Aunque todo se mezcla porque la fiesta es social, lo sexual es social, lo político es social. Pero nos ayuda a mantener ese balance, para que se vea que Calle 13 habla sobre todo”, concluye René, quién también confiesa que en el disco pasado quisieron contar lo que estaba pasando en Latinoamérica: desarrollo económico, pero también incremento de la violencia, los cambios políticos o la lucha estudiantil.

Calle 13, Rubén Blades y Toto de Lamomposina en directo el 26 de julio · Madrid Arena.

duende-inspector-adaptado.pdf

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06/06/12

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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Teatro Valle-Inclán

Del 4 de mayo al 16 de junio de 2012

EL INSPECTOR de Nikolái Gógol

Escenografía y espacio visual Eduardo Moreno Vestuario Beatriz San Juan Iluminación Juanjo Llorens Música Arnau Vilà Espacio sonoro Sandra Vicente Coreografía Carlota Ferrer

Reparto Fernando Albizu Jorge Calvo Manolo Caro Gonzalo de Castro Pilar Castro Javier Lara Juan Antonio Lumbreras Raúl Márquez José Luis Martínez Chiaki Mawatari Patxi Pascual Ángel Ruiz Macarena Sanz Manuel Solo José Luis Torrijo

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Del 11 de mayo al 16 de junio de 2012

Versión y dirección Miguel del Arco

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Vitín CORTEZO escenógrafo y figurinista 1908 / 1978 Del auto sacramental a la vida perdularia http://cdn.mcu.es Venta telefónica Ticketmaster 902.33.22.11

NUEVO ESPACIO { ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA }

PARA LA CREACIÓN Y UNA NUEVA CULTURA Su piel conserva la memoria de sus casi cien años de historia. Es uno de los edificios más emblemáticos de nuestra arquitectura, ya que fue el primer rascacielos construido en Europa, y a partir de ese instante, el 1 de enero de 1930, y durante casi un año también en el más alto del continente. Como sede de la compañía se convirtió en el gran centro de comunicaciones de España. Ahora alberga también el nuevo y singular Espacio Cultural de la Fundación Telefónica. TEXTO: EDM Desde su mismo nacimiento, fruto de los mayores avances de su época, ha sido un ejemplo de proyección de futuro.

Ahora, tras su completa remodelación, el nuevo Espacio Fundación Telefónica se extiende a lo largo de cuatro plantas del edificio, cuyo interior de cristal y acero es visible desde su nuevo acceso en la calle Fuencarral, 3. Un interior en el que la innovación y la tecnología sirven como herramienta para la difusión de la cultura, el debate y el intercambio de ideas, experiencias, arte y conocimiento. Más que nunca, futuro, presente y pasado se unen en esta máquina del tiempo en la que los creadores y el conjunto de la sociedad encuentran un espacio común.

Los más de 6.000 m2 del Espacio Fundación Telefónica albergan tres salas de exposiciones, un auditorio en el que se llevan a cabo conferencias, debates, presentaciones y proyecciones audiovisuales, una tienda, y varias salas acondicionadas para la organización de eventos de toda índole, talleres, etc.

La tecnología es una de las grandes protagonistas. Puedes, por ejemplo, interactuar con los displays informativos táctiles, que te informan de la programación de cada sala, o acceder a la base de datos relacional de los fondos artísticos y documentales de la Fundación a través de dos grandes monitores también táctiles, o acceder a aplicaciones informativas para dispositivos móviles.

El proyecto es el resultado de un trabajo 40 EL DUENDE

colectivo coordinado por Fundación Telefónica y dirigido por el arquitecto Miguel Ángel García Alonso –director del estudio Quanto Arquitectura–. El diseño arquitectónico ha sido desarrollado por Quanto Arquitectura y Moneo Brock Studio.

Destaca la nueva entrada al Espacio de Fundación Telefónica por la calle Fuencarral, un gran atrio que recorre las cuatro plantas en vertical y que permite percibir globalmente el Espacio en toda su dimensión. Esta visión integral se refuerza con el ascensor panorámico de estructura vista, con capacidad para 60 personas, en la zona principal del edificio y la escalera helicoidal adosada a la fachada de la calle Fuencarral. En la parte trasera del ascensor se ha dejado expuesto el ladrillo como testigo del muro original del edificio, un guiño a la esencia del proyecto arquitectónico original.

EXPOSICIONES INAUGURALES Las tres primeras exposiciones que durante los próximos meses podrán explorarse en tres de sus plantas, son toda una declaración de intenciones y de principios con los que nace el Espacio, así como un homenaje a su propia historia.

Colección Cubista de Telefónica El Espacio muestra lo que eran las vanguardias en el siglo XX en un lugar que es vanguardia del siglo XXI. Para esta exposición se ha llevado a cabo una una selección de los fondos del patrimonio artístico de Telefónica en torno a este movimiento que se constituyó en piedra angular de

Arriba: auditorio. Abajo izda: exposición Arte y Vida Artificial. Abajo drcha: exposición Historia de las telecomunicaciones.

la modernidad de las artes plásticas. Se parte de la figura del pintor madrileño Juan Gris, pero incluye también obras de, entre otros, Vicente Huidobro, Albert Gleizes o Jean Metzinger, así como de artistas latinoamericanos influenciados por el movimiento, como Emilio Pettoruti, Xul Solar, Rafael Barradas. También de otros lenguajes plásticos, como la fotografía. Además de abundante documentación gráfica de la época, aprovechando las posibilidades tecnológicas que ofrece el Espacio, múltiples pantallas táctiles muestran diversos contenidos y la sala de proyección programa un documental sobre Juan Gris y una cronología del Cubismo –desde 1906 hasta 1927.

Historia de las telecomunicaciones Cuando nos comunicamos a distancia no somos conscientes en el momento de toda la tecnología y esfuerzo industrial que ha sido necesario para poder hacerlo. Este recorrido por 150 años de historia de las telecomunicaciones, nos lleva desde el primer teléfono (se expone uno de 1880, de cuatro años después de que fuese inventado por Graham Bell), o el telégrafo, hasta los últimos dispositivos móviles táctiles. Cada una de las piezas

expuestas son un símbolo de la modernidad de cada época, ya sean terminales, centralitas, centrales de conmutación, el cable submarino que viaja a lo largo de miles de kilómetros uniendo continentes, o la fibra óptica.

"LOS CREADORES Y EL CONJUNTO DE LA SOCIEDAD ENCUENTRAN UN ESPACIO COMÚN".

Arte y Vida Artificial. 1999-2012 En el año en que se cumplen el 25 aniversario de acuñarse el concepto de “Vida Artificial” se reúne en esta exposición a las obras premiadas a lo largo de la historia de uno de los proyectos emblemáticos de la Fundación Telefónica, el Concurso Arte y Vida Artificial. En él, artistas de todo el mundo presentan sus propuestas en las que se funden arte, tecnología y ciencia. El concepto de interacción con el arte alcanza aquí su máxima expresión, pues en la mayor parte de las obras resulta clave la intervención del visitante. Al contrario de lo que suele ser habitual, en algunos casos es

necesario tocar las obras e incluso hablarles, como si de un ente vivo se tratasen.

ESPACIO DE INTERCAMBIO DE IDEAS El auditorio es el lugar en donde se llevan a cabo charlas (dos al mes), conferencias, ciclos de cine y presentaciones. El ciclo de coloquios Friends of Talent ha sido creado para que jóvenes españoles que triunfan en diferentes sectores y disciplinas profesionales compartan con el público su experiencia de éxito.

Otra actividad inspiradora para talentosos será la tercera edición de su Thinking Party 2012 (6 de julio).

Puedes concertar visitas guiadas tanto a las exposiciones temporales como al propio edificio.

Puedes consultar todo la programación de actividades del Espacio Fundación Telefónica en su web: www.espacio.fundaciontelefonica.com Fuencarral, 3 · T. 91 584 06 46 · Abierto de martes a domingo de 10 a 20 h · Entrada libre.

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ARQUITECTURA

EL FUTURO EN UN DESIERTO { MA YANSONG }

Ma Yansong es un arquitecto inusual en la actualidad, no sólo es una de las mentes más brillantes y creativas, sino que conjuga dos tradiciones aparentemente antagónicas. Oriente y Occidente se engranan en su formación y, en su experiencia, desde que las Torres Marylin en Canadá le abrieran el reconocimiento profesional.

TEXTO: MAYTE RODRÍGUEZ. FOTOS: MUSEO ORDOS.

La belleza y el desafío de sus edificios fluyen dentro de la firmeza de la sencillez discursiva y el alineamiento conceptual con la naturaleza. En estas premisas se asientan sus obras, siendo el mejor ejemplo, la más reciente de ellas, el Museo Ordos en Mongolia. Un edificio futurista en medio del desierto que paradójicamente, y en perfecta simbiosis con su entorno, logra un espacio único en el mundo de poderosa fuerza visual. ¿Qué relación tiene su arquitectura con la naturaleza? A mi arquitectura se la suele llamar “arquitectura verde”, pero en realidad un edificio va a ser siempre un objeto artificial inserto en un ecosistema. Decía el escritor Lao She que “la belleza del viejo Pekín existe en los espacios vacíos que ha dejado la arquitectura, donde crecen los árboles y viven los pájaros”. Me inspira esa filosofía. Quiero que mis creaciones se integren en un entorno de la manera menos invasiva posible, que encajen naturalmente, como un elemento más, y, sobre todo, que resulten útiles a la gente. La arquitectura no es una máquina, sino un producto que puede aprovechar los elementos naturales (agua, luz, etc.). Yo aprecio la síntesis de naturaleza y urbanismo, como creo que la aprecia todo el mundo, y la arquitectura puede facilitarla.

Los edificios permanecen durante décadas en las ciudades, forman parte de su paisaje, condicionan la vida de sus viandantes.

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MUSEO ORDOS Localización: Ordos, China. Área de construcción: 41. 227 m2. Altura edificio: 40 m. Directores: Ma Yansong, Yosuke Hayano, Dang Qun. El Museo se encuentra en la ciudad de Ordos. Impulsada por una economía pujante, las autoridades de la ciudad decidieron crear una nueva ciudad a decenas de kilómetros de la ciudad original, en un emplazamiento que, hasta entonces, no era nada más que el desierto del Gobi. El plan urbanístico trazó una imagen simbólica, un amanecer constante sobre la tierra. Inspirada en el Manhattan Dome de Fuller, el edificio se diseñó para ser el núcleo irregular de la nueva ciudad e impulsar y la historia y cultura de Ordos hacia el futuro. Con la intención de reactivar la ciudad toma una forma irregular que contrasta con la estricta geometría del diseño urbanístico de la ciudad. La estructura se envuelve en capas de metal pulido que reflejan y se confunden con su entorno. Este caparazón crea un nuevo espacio en su interior que invita a los visitantes. El espacio intramuros se divide en varias salas de exposición limitadas por muros continuos curvos donde la luz y la ventilación natural se consiguen gracias al diseño de la cubierta y las paredes.

Ha desarrollado distintas facetas creativas como el montaje de instalaciones, pero, ¿qué particulariza a la del arquitecto? El proceso creativo de un arquitecto tiene similitudes con el de un artista, pese a las obvias diferencias prácticas. Al igual que un poeta o un pintor, un arquitecto siente la inspiración y la emoción de emprender una creación ante un emplazamiento interesante y que se puede convertir en valioso para ubicar una estructura que cumplirá un servicio. Luego, la estructura concreta se define cuando uno se pone a diseñar.

En el pasado mes de abril (2012) concluyeron las obras del Museo Ordos. ¿Cómo lo creó? En el caso del Museo Ordos, perseguía algo sobrio y abstracto, porque está en pleno desierto del distrito de Kangbashi (en la Mongolia interior), y los mongoles no quieren imitar a sus vecinos sino crear un paisaje personal y que contraste con el del resto del mundo.

Querían algo diferente, su propio edificio, pero nunca habían tenido arquitectura moderna con anterioridad, por lo que pensé que tal vez era necesario traer algo del futuro, como un objeto abstracto parecido a una nave espacial. Era imprescindible proponer esta arquitectura ligera, sencilla, alejada de tendencias e inundada de luz natural. Creo que ha resultado.

Acoge arte y además ha dinamizado su entorno. Para mí la forma es una idea muy sencilla, una concha, un caparazón que ofrece protección.

A menudo acaban siendo más conocidos los edificios de los museos que las obras artísticas que albergan en su interior. Pero, ¿a la arquitectura se le reconoce el mérito que, a su juicio, merece? La arquitectura es ambiciosa. Pretende crear algo tan importante como un hábitat para acoger a personas, y que estas sean más felices en él que en otros lugares. Quizá no se le reconozca

esa importancia, pero los responsables son los propios arquitectos, que no ponen su creaciones al servicio de la gente, y obvian esa responsabilidad social que tienen. ¿Cree que el concepto que tienen los usuarios de sus edificios sobre estos coincide con aquel con el que usted los creó? Bueno, la relación entre una construcción y su usuario, o entre el arquitecto y el usuario, es una relación a largo plazo. Veremos cómo se perciben en el futuro. Aunque desde el primer momento, uno ya tiene una impresión concreta de un edificio. Los míos no son comunes, por su estructura orgánica, curva y pretendidamente sobria,

“QUIERO QUE MIS CREACIONES SE INTEGREN EN UN ENTORNO DE LA MANERA MENOS INVASIVA POSIBLE, QUE ENCAJEN NATURALMENTE CON EL PASO DE LOS AÑOS, LA MODA Y LA TECNOLOGÍA CAMBIAN, PERO LAS GRANDES CONSTRUCCIONES PERMANECEN”. pero eso no quiere decir que no pueda encajar en el gusto y las necesidades de la gente. Pongo un ejemplo: hace algún tiempo se realizó una investigación en la que se animaba a un grupo de personas a utilizar un lavabo, todas ellas al mismo

tiempo, y ninguna se salió de los bordes de las baldosas. Esto es una herencia de la revolución industrial: marcar unos patrones físicos donde la gente ha de moverse. Pero si probamos a anclarlos, probablemente a los usuarios les guste.

A la hora de diseñar un edificio, es preferible olvidarse de clichés y analizar los sentimientos y necesidades de la gente, preocuparse por estudiar los efectos que la luz o el espacio tiene en ella. Solo así responderemos a sus necesidades, y solo así se identificará con la arquitectura. ¿El diseño de un edificio debe estar influido por la cultura y tradición de la sociedad en que se ubica? Es diferente si estamos hablando de un lugar natural, de una ciudad moderna o de un contexto muy urbano. Con el paso de los años, la moda y la tecnología cambian, pero las grandes construcciones permanecen. Tenemos que crear algo, pues, que esté por encima de las tendencias, que armonice las sensaciones. Los rascacielos de muchos lugares de Norteamérica tienen una gran tradición a sus espaldas, y su aspecto está claramente influido por el modelo económico vigente en el momento en el que los construyeron, cuando la altitud de los edificios era un símbolo de poder y riqueza. Son, digamos, una memoria de una época. Pero, por ejemplo, Mississauga, donde yo ubiqué las torres Marilyn, es una ciudad nueva, emergente, como lo son muchas en China. Ahí tenemos la oportunidad de crear algo más humano, más natural, más relacionado con la gente. Los edificios tienen que estar pensados para eso.

Ha estado en España recientemente. ¿Cómo ve la arquitectura de nuestro país? Me entusiasma Gaudí, tan artístico y relajante, y con vínculos con la naturaleza. En general, la arquitectura española me parece relajante, cálida y tradicional.

EL DUENDE 45

APRENDER A SER

creativo

La Universidad Europea de Madrid amplía su oferta en formación artística con su Grado en Creación Musical Un creador, nace, pero también se hace. Los interesados en desarrollar sus potencialidades artísticas y creativas tienen nuevos medios para llevarlo a cabo. La Universidad Europea de Madrid lleva años ofreciendo un variado abanico de formación artística abarcando disciplinas como las artes escénicas, el diseño o la danza. Desde el próximo curso escolar 2012/2013, también los músicos podrás formarse en ella a través de su Grado en Creación Musical.

Texto: Nacho Urquijo La particularidad de este Grado, la única titulación universitaria que abarca la formación musical en todo tipo de estilos, reside en el carácter multidisciplinar de su plan de estudios, que incluirá asignaturas como Pensamiento Musical, Desarrollo Discográfico o Tecnología Musical Avanzada y formará a futuros compositores, productores musicales, orquestadores, arreglistas y directores de música, entre otras profesiones.

El Grado contará con una duración de cuatro años y se impartirá de forma bilingüe, con el objetivo de que el estudiante adquiera “una formación integral y competencias que le ayuden a mejorar su empleabilidad futura, tanto en estilos contemporáneos como tradicionales”, según señaló Luis Calandre, Decano de la Facultad de Artes y Comunicación en la presentación oficial del Grado, que se llevó a cabo en La Casa Encendida.

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Siempre con la innovación como pilar fundamental, la Universidad Europea de Madrid ha desarrollado un catálogo repleto de estudios relacionados con la creatividad, a través de disciplinas tan dispares como el desarrollo de videojuegos, la danza, la fotografía o la música. Esta formación puede comenzar a partir de un Grado universitario o complementarse con uno de los másteres que imparte el centro.

Danza: dirigido tanto a la formación de bailarines y coreógrafos, como hacia otras profesionales de la danza en campos como la salud o la gestión cultural. Otra opción artística sería el Grado en Artes Escénicas y Mediáticas, coordinado por Tamzin Townsend, cono"El afán es el motor cida por montajes incombustible de la creación" Alberto Iglesias, teatrales como El Método Grönholm en la presentación del grado o Un dios salvaje.

Musical de UEM

Una de las figuras destacadas en el acto fue Alberto Iglesias, ganador de diez premios Goya por sus composiciones musicales, quien en su intervención manifestó su satisfacción porque “un Grado como éste llegue a la Universidad, ya que abre las puertas a la experiencia”. Y es que hasta la fecha no había en el mercado un centro donde estudiar conjuntamente los diversos campos relacionados con la creación musical, unificando creatividad musical, la tecnología asociada a todo el proceso (sobre equipos de directo y grabación, software de mezcla y arreglos e instrumentos digitales), y el negocio discográfico (grupos, musicales, bandas sonoras...).

Más información del Grado en Creación Musical: www.uem.es/titulacion/grado-en-creacion-musical

Formarse como profesional de las artes

En el apartado de los másteres creativos también encontramos una gran variedad, desde el Máster de Fotografía PhotoEspaña, pasando por el Máster La Fábrica en Ingeniería Cultural, el Máster en Diseño de Videojuegos o el Máster en Motion Graphics con Canal +. www.uem.es

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EMPRENDEDORES A JORNADA COMPLETA El talento y las buenas ideas son necesarias, pero estas hay que ponerlas en práctica para que cobren un verdadero sentido. Carla Guillén, Moisés Nieto y Óscar Carrasco son tres jóvenes que tras estudiar en el Istituto Europeo di Design pusieron en prácticas sus conocimientos mediante sus propios proyectos. Texto: Nacho Urquijo

MOISES NIETO (UBEDA, JAEN, 1984)

Después de ganar el premio L’Oreal 2012, ¿en qué estás trabajando actualmente? Estamos con la colección primavera verano 2013, enfocada en los hoteles. Además estamos preparando un par de colaboraciones con marcas de joyas. ¿Crees que la continua exigencia por sacar nuevas colecciones favorece la creación o por el contrario puede agotarla? Las ideas surgen, en mi caso, sin mucho esfuerzo. Cuando trabajo en una colección no voy cargando con la anterior. Siempre tenemos algo en la cabeza, por eso nos dedicamos a esto. ¿En qué te sueles inspirar? Las tres últimas colecciones estaban inspiradas en el mundo de los uniformes. Pero para la próxima he cambiado completamente de inspiración. No tengo una fuente en particular. ¿Cómo influyó el IED Madrid en tu carrera profesional? Para mí el IED fue como una familia. Estaba muy a gusto, con muy buen rollo con todos los alumnos y profesores. Poníamos mucho en práctica las asignaturas teóricas y disfrutábamos mucho. Fui conociendo a toda la gente del staff, que ahora son amigos míos. Además hace poco he llegado incluso a dar clases allí.

DISENADOR DE MODA.

CARLA GUILLEN (SAO PAULO, BRASIL. 1981)

DISENADORA DE INTERIORES.

¿Cuál es tu último proyecto? Hemos creado una plataforma, llamada Homeless Design, con la que ayudamos a los diseñadores a encontrar artesanos para sus piezas. Además, vendemos estas piezas y organizamos exposiciones. ¿Hasta qué punto consideras importante la creatividad en tu trabajo? Es como nuestra alma. Vivimos en un mundo en el que prácticamente todo existe, así que nuestra función es utilizar la creatividad para conseguir cambiar las cosas y mejorarlas. ¿Crees que es un don innato o es necesario cultivarla?

Muchas personas nacen con ella, pero la creatividad se puede trabajar y mejorar. ¿Cómo te ayudó tu paso por el Istituto Europeo di Design (IED Madrid) a fomentar esta creatividad? El IED ayuda mucho a hacer que la creatividad sea siempre el punto principal de nuestro trabajo. Y el IED es muy creativo de por sí. Comparado con otras escuelas que he visto, creo que da mucho valor a este aspecto.

OSCAR CARRASCO (VALENCIA, VENEZUELA. 1986)

DISENADOR DIGITAL.

¿A qué te dedicas en la actualidad? Actualmente estoy en la agencia de publicidad Dnoise y además trabajo como freelance. ¿Cómo influye la creatividad en tu día a día? La creatividad lo es todo, porque creo que ya está todo hecho. Por eso hay que darle la vuelta a lo que existe y ver qué puedes hacer para que sea distinto. ¿Piensas que la creatividad hay que ir alimentándola? Es igualito que un músculo, si no te pones a practicarla es como si no estuvieras haciendo nada. ¿Cómo crees que te ayudaron tus estudios en el IED Madrid?

Me ayudó bastante. Yo soy egresado de diseño gráfico en Venezuela pero quise venir acá a estudiar porque hay mucha cultura de diseño. Y efectivamente había cosas en el IED que en Venezuela no había tocado o simplemente había pasado por encima. En conjunto me ayudó mucho y estoy encantado con la experiencia. iedmadrid.com EL DUENDE 51

diseño

DE LO QUE SE COME SE CREA { TRIÁNGULO DESIGN FOOD }

Del “somos lo que comemos” podríamos derivar muy fácilmente al “somos tal y como comemos”, una afirmación que enlazaría no solo con normas sociales o de educación, sino con algo más ‘banal’ o ‘trivial’: los utensilios que rodean al hecho gastronómico. TEXTO: ÓSCAR CHECA ALGARRA. FOTO: PETIT FOUR INVISIBLE. La revolución en la cocina, con nuevas preparaciones y formas de degustar los platos, ha llevado inevitablemente a la creación de nuevos recipientes, herramientas, instrumentos y aparatos. La verdadera novedad no consiste en la invención de todo ello, sino en la forma de acercarse a esa manera de diseñar, determinada por el estatus que ha alcanzado la gastronomía. Comer ya no es simplemente un mero acto fisiológico relacionado con la necesidad de alimentarse: en muchos casos va unido al plano emocional de experimentar nuevas sensaciones.

Es aquí donde el diseño de aquello que rodea a la propios alimentos entra en juego. Estudio Triángulo lo entiende así, y conjuga las disciplinas de diseño industrial, gráfico y desarrollo de producto con la gastronomía, creando conceptos, productos o eventos con un carácter innovador donde hay una integración de esos elementos y donde se investigan y exploran relaciones nuevas entre dichos ámbitos. La clave es no consumir diseño sino vivirlo. ¿Cómo y cuándo surge la idea de formar un estudio de diseño ligado a la gastronomía? Todo empezó mientras cursábamos nuestros estudios de diseño en la Universidad Politécnica de Valencia. Cada uno poseíamos experiencia en un campo: Laura en desarrollo de producto en el sector del metal, Guillermo como chef y Alejandro como diseñador de mobiliario. Al unirnos se creó la salsa. ¿Qué aporta el diseño a la gastronomía? Pensamos que es al 52 EL DUENDE

contrario, ya que la innovación y la revolución conceptual en la gastronomía es inmensa. Podríamos decir que nosotros utilizamos la gastronomía como medio para los diseños. ¿Cuál es, hasta ahora, el producto o la idea que habéis puesto en marcha que mejor aceptación ha tenido y mejor ha funcionado? ¿Y de la que más orgullosos estáis? Lo que más gusta creo que es la Xocolamp, (el chocolate tiene muchos adeptos…). Y de lo que nos sentimos más orgullosos... los jamoneros. Es un objeto para el que no hay prácticamente alternativas a los modelos tradicionales. Es casi imposible encontrar un jamonero bonito en el mercado.

Hemos transformado el hecho de sentarse a comer en un ritual, una puesta en escena, una experiencia. Pero, ¿qué porcentaje atribuís vosotros a la estética y a la funcionabilidad? Para nosotros las dos son igual de importantes. A nadie le gusta una cosa superfuncional que sea fea, ni algo muy bonito que no sirva para nada. Nosotros trabajamos forma y uso intentando descontextualizarlas. Un ejemplo claro es el Petit Four invisible (en la imagen): parece una planta pero se come y posee los utensilios necesarios para dicha acción. ¿En qué os fijáis cuándo vais a un restaurante? En la decoración, el ambiente, la carta, la presentación…

Vamos, en lo mismo que casi todo el mundo, pero con el filtro de la mente del diseñador, que es como un pequeño motor que no se detiene prácticamente nunca. ¿Dónde podemos encontrar vuestros diseños? Como producto, el mobiliario se vende por la distribución típica de este canal (El Corte Inglés, tiendas de muebles, ...) Los productos de food design los solemos utilizar en eventos, aunque estamos buscando vías de comercialización. www.estudiotriangulo.com

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LITERATURA

ESCRIBIR “NO LEER” { ALEJANDRO ZAMBRA }

El éxito de su original novela Bonsai (2006) lo convirtió en gran promesa. Poco después, en 2010, tras publicar poemas, críticas literarias, y narraciones -entre las que destaca Formas de volver a casa- y de hacerse un nombre como profesor universitario, Alejandro Zambra (Chile, 1975) fue elegido por la revista británica Granta como uno de los veintidós mejores escritores de menos de 35 años en lengua española. Acaba de salir en nuestro país su ensayo No leer (Alpha Decay), donde reivindica el derecho a no leer a los clásicos. TEXTO: PALOMA F. FIDALGO. ILUSTRACIÓN DE PORTADA DE NO LEER (ALPHA DECAY).

Hace poco que has publicado No leer, pero ya estás escribiendo el poemario Borradores, el ensayo La literatura de los hijos y una novela que aún no tienen título. ¿Hay que trabajar a este ritmo para poder vivir de la literatura?

Yo pienso que no soy para nada prolífico… Más bien me demoro mucho en libros, que siempre salen breves. Trabajo a un ritmo intenso, eso es cierto, todos los días, pero eso es inevitable. Al final más que un trabajo, escribir es un hábito, una obsesión. Por lo demás, no vivo de la literatura, para nada, sino de las clases que desde hace diez años imparto en una universidad, y de la crónica que escribo cada dos semanas en un diario chileno. ¿Tus libros tienen título aún antes de que los hayas terminado de escribir? Me pasó con Bonsái y con La vida privada de los árboles: lo primero que supe es que quería hacer libros que se llamaran así. Con Formas de volver a casa fue distinto, en la mitad del proceso apareció el título, y lo agradecí mucho, porque realmente la novela siguió la señal de ese título. ¿Necesitas tener la estructura en la cabeza antes de ponerte a escribir? Avanzo bocetando, tentativamente, como con pisadas de turista, y de a poco voy adentrándome en el texto. Creo mucho en el ensayo y error. No hago demasiados planes.

En No leer analizas la obra de grandes autores, como Nicanor Parra o Bolaño, partiendo de tu experiencia como crítico de literatura. ¿Es verdad que es más fácil criticar que crear? Yo pienso que la crítica es una forma de creación.

A veces un texto sobre literatura es mejor que un texto literario. Me interesa más la creación y me he volcado en ella, pero tampoco creo que sean actividades antagónicas. ¿Hay que ser buen lector para ser buen escritor? Pienso que tiene que ver con sensibilidades, con formas de mirar, y de ninguna manera con la cantidad de libros que leas, o con lo vigentes que sean tus lecturas. Más bien pienso que uno va buscando a su propia familia en la tradición, y va contestando con los libros que escribe. Buscamos al padre, lo encontramos, lo matamos y después quizás nos buscamos otro padre más, y así.

En No leer reivindicas el “derecho” a no leer libros, por muy bien que se hable de ellos. ¿Tú crees que cuando se obliga a leer ciertos textos se consigue disuadir de la lectura en lugar de aficionar? No lo sé. Pero sí se puede enseñar de manera abstrusa, matando el gozo, civilizando demasiado el material. En No leer me río un poco de algunos profesores que realmente no amaban la literatura.

En tu artículo Elogio de la fotocopia, te quejas de que los libros en Chile tienen precios prohibitivos. ¿Va cambiar esto el libro electrónico? Adoro los libros-libros, pero es evidente que en países como el mío la tendencia va a acentuarse cada vez más: los libros son para los ricos, y como los ricos no leen, al final no lee nadie… Además de la carestía está la demora, pues realmente un libro tarda mucho en llegar a las librerías del cono sur. No soy tan entusiasta del libro electrónico, pero me parece necesario considerar su efecto. ¿Y por qué te gustan los audiobooks, ¿por qué? Porque para mí una novela debe sostenerse en el aire. Debe soportar una lectura en voz alta.

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ILUSTRACIÓN

COMUNIÓN DE MENTES { TOM AND JAMES }

No todo ha de reducirse a esperar una reacción en el público. Tampoco tiene que ver con parir una idea provocadora, ni siquiera vanguardista.

Hay veces que la creación se reduce a la necesidad humana de entenderse, de estar unos segundos en la piel del otro. TEXTO: TERESA GARRIDO. ILUSTRACIÓN: SELFPORTRAIT, 2011.

James y Tom Hancock son dos hermanos australianos. Cada uno de ellos tiene talento por separado y al tiempo, limitaciones para crear. James se ha hecho adulto y ha tenido que dejar de creer en las hadas. Tom tiene Síndrome de Down y algunas cosas fuera de lo cotidiano le resultan inaccesibles. Cuando los dos se juntan, sus ilustraciones toman direcciones inesperadas que superan la noción de creación y se convierten en un sistema de comunicación propio.

Cuando os ponéis a trabajar en una nueva ilustración, ¿cuál es el proceso? Con algunas piezas los dos nos sentamos con una hoja de papel en blanco y vemos hacia dónde va. Trabajamos orgánicamente sobre la página sin tener en cuenta el diseño. Él dibuja algo y a continuación yo dibujo al lado de él. Yo dibujo algo más y él añade otra cosa... El proceso se eleva desde el inicio del que partimos, la colaboración crece a través del material. Con otros trabajos, como los retratos, empezamos con una base de pintura y otros preparativos que hago yo. Una vez que el fondo está hecho lo tomamos como punto de partida y vamos hacia nuevas direcciones.

“DIBUJAR ES UN ENCUENTRO ESPECIAL DE NUESTRAS CABEZAS, UNA REUNIÓN DE NUESTRAS MENTES”. ¿Qué conceptos tenéis en común? Tom tiene una manera personal de ver y representar el mundo. Tiene todo un catálogo de señales y símbolos personales con los que puede transmitir cosas que, al tiempo, son ritmo y alegría en el acto de dejar su huella. Le encanta hacer pequeñas historias en miniatura con sus símbolos dentro de la historia principal. Creo que él, al igual que yo, ve que con el dibujo se pueden reinterpretar los objetos que te rodean.

Hacer que exploten y luego volver a juntar las piezas en la página.

Te permite ver lo efímero, aspectos emocionales y otros que no son visibles a primera vista.

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¿Tenéis algún tema más recurrente que otros? Tom y yo estamos interesados en la obsesión. Estamos obsesionados con el dibujo, con comenzar algo y rehacerlo hasta que te vuelva un poco loco. Esta obsesión es parte de nuestro proceso de creación y se puede ver en la elección de símbolos de forma repetitiva y detalles complejos. ¿No hay vértigo cuándo piensas en lo que esperan de ti? Siento que tengo una gran sensación de alivio cuando trabajo con Tom. A él le proporciona mucha libertad en un mundo lleno de limitaciones hacia él mismo, no tiene el peso de sentir qué es lo que tendría que hacer según el punto de vista de los demás.

Esto fluye en mí. No hay agobios o limitaciones. Es abrumador.

Todo es juego y aventura. Cada vez que comenzamos a trabajar no existe el miedo a la página en blanco o hacia dónde vamos a llegar. Nos lanzamos y chapoteamos alrededor.

Crear, en este caso, tiene más que ver con la comunicación, ¿no? Rotundamente sí. Hay algunos temas más complicados de los que sería imposible hablar sin nuestro trabajo. Temas como la identidad, la percepción, la virilidad, la física cuántica... Son cosas de las que solemos hablar cuando trabajamos juntos. Es un encuentro especial de nuestras cabezas, una unión de nuestras mentes. Nos mezclamos los dos y juntos codificamos nuestras propias filosofías en el trabajo de cada uno, compartiendo ideas vivas en la página. ¿Qué te aporta trabajar con tu hermano que no conseguirías solo? Trabajar con Tom siempre ha abierto mi mente a nuevas formas de ver las cosas. Su libertad de expresión es fuente de inspiración. Tom ha sido capaz de mantener su sensibilidad e intuición infantil hacia el mundo. Su creatividad y su proceso lo refleja. ¿No decía Picasso que tardó cuatro años en pintar como Rafael, pero toda una vida para pintar como un niño? Tom ha mantenido este mundo personal, infantil y sus habilidades me fascinan. http://tomandjamesdraw.tumblr.com

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MULTIDISCIPLINAR

BREVE MONTAJE SOBRE LA CREACIÓN { PICNIC SESSIONS }

Sube el telón. Entran en escena Silvia Zayas (14 de junio), Sindicalistas (28 de junio), Verity Susman ( 7 de junio), Left Hand Rotation (7 de junio), Ideatomics (21 de junio) y Taller de Casquería (21 de junio). Están en una habitación ficticia rodeados de algunos de los artistas que cada jueves estarán, durante el mes de junio y con entrada gratuita, en la terraza de la Picnic Sessions del CA2M, Centro de Arte 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid (Móstoles). Hablan, entre todos, de algunos puntos clave a los que hay que enfrentarse para tener una idea y llevarla adelante. Nadie coincide, todos crean. TEXTO: TERESA GARRIDO. FOTO: COLLAGE DE VERITY SUSMAN, SAXOPHONE CYBORG. Acto I: la inspiración SILVIA ZAYAS: “Si esos objetos eran musas, se me aparecieron varias en un trastero lleno de humedad. Tenían forma de bobinas de 8 mm. filmadas en São Tomé en los 60. A partir de ahí curro, curro... La inspiración como respirar: inspirar-espirar para no hipoventilar cuando me concentro”.

SINDICALISTAS: “La música de las bandas del Microfestival Autoplacer es nuestra inspiración”.

VERITY SUSMAN: “El síndrome de Asperger, la masculinidad femenina y la ficción rozan la historia de Sustenance by Tenderware”.

LEFT HAND ROTATION: “Emitían una película de los 90 y el audio ambientaba la habitación sin que nadie prestase atención. Estábamos convencidos de estar escuchando a Robert Redford pero al mirar el televisor, Tom Berenger ocupaba su lugar. De esta anécdota surgió Trucador” (un juego audiovisual del que se puede indagar algo más en www.lefthandrotation. com, señala el apuntador).

IDEATOMICS: “La inspiración surgió de una llamada comercial de una compañía de telefonía móvil, en la que una señorita del otro lado del Atlántico, y en franja horaria distinta, me pedía deletrear mi dirección electrónica. Ella al repetirla utilizaba unos referentes geográficos totalmente distintos a los míos para esa misma dirección de email”.

TALLER DE CASQUERÍA: “Los eventos 56 EL DUENDE

populares como generadores de la identidad colectiva de un lugar son el punto de partido de Argonautas Inanes”.

Acto II: el proceso IDEATOMICS: “A veces los proyectos te llevan por rutas insospechadas, en este caso, desde realizar quinientasypico llamadas a personas anónimas preguntándoles cómo deletreaban la palabra ‘Transnacional’, pasando por meter las manos en la masa para hacer galletas que nos trasladen a otros lugares, hasta convertirme en una especie de chamana que exorcice nombres de lugares perdidos en algún punto de nuestra mente”.

SINDICALISTAS: “Menos es más. Menor recorrido, pronta materialización.

Hay que dejar las cosas crecer, eso es fundamental (las canciones, los grupos y los libros independientes que estarán en su sesión, repite el apuntador)”.

LEFT HAND ROTATION: “Muchas horas de descargas ‘ilegalizadas’ y risas”.

VERITY SUSMAN: “Todo es collage, la mayor parte del tiempo me centro en los pequeños detalles. Trabajo en la combinación de los elementos que he creado de forma independiente y el sentido que tienen en su conjunto, al reconstruir la música, el texto y los visuales de Jack Barraclough”.

SILVIA ZAYAS: “Prefiero componer varias versiones, para no cristalizar la historia... Lo móvil es difícil de convertir en monumento conmemorativo. Un

dispositivo documental en directo que se cuestiona a sí mismo. La primera versión parece una ficción de detectives desastrosos que pierden constantemente la pista”.

TALLER DE CASQUERÍA: “En nuestra acción tratamos de llevar a cabo una hazaña colectiva, un acto excesivo a través de una acción heroica, lúdica y masiva, poniendo de manifiesto que ‘toda obra humana es inútil, pero su ejecución no lo es”.

Acto III: la serendipia TALLER DE CASQUERÍA: “Hemos descubierto que hay gente capaz de abrir botellines con helicópteros”.

LEFT HAND ROTATION: “La serendipia nos lleva de un proyecto a otro.

Siempre hay que dejar la puerta abierta a la casualidad”.

VERITY SUSMAN: “Vital, muy importante”.

SINDICALISTAS: “Deseable pero no necesaria. Somos más fans de la casualidad cósmica que hace que todo encaje como en un gran puzzle”.

SILVIA ZAYAS: “Las conexiones precarias... unir materiales desconectados y a veces aparentemente banales. Accidentes o coincidencias...”

IDEATOMICS:” Que la I es de India, de Islandia, de iglú, de Italia, I latina, I de iglesia… ¿de iglesia precisamente tenía que ser? Pues no... la I de… Islas Canarias.

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Arriba izda: Trucador, de Left Hand Rotation; arriba drcha: Autoplacer / Sindicalistas (imagen de Teresa Cobo); abajo: Ideatomics.

Acto final: superar el pesimismo LEFT HAND ROTATION: “Por lo general somos optimistas.

Ayuda el hecho de que el colectivo se implica en aquello en lo que cree, sin condicionantes”.

SINDICALISTAS: “Es fácil cuando haces las cosas por gusto, más que por el resultado. Así te vas a divertir, tenga éxito o no”.

TALLER DE CASQUERÍA: Padecemos de optimismo crónico, capaz de transformar el fracaso en motivo de celebración.

VERITY SUSMAN: “Mi lema es... Hazlo de todas formas, igual funciona y todo”.

IDEATOMICS: “Estoy trabajando mi tolerancia a la incertidumbre. La frase ‘puede que no funcione pero aun así habrá merecido la pena hacerlo’ suelo subvocalizarla en mi interior.

Me tengo casi convencida”.

SILVIA ZAYAS: “Ataco el pesimismo y la solemnidad de la memoria con ironía”.

Perfiles IDEATOMICS 21 de junio Transnacional Las fronteras no son siempre físicas, a veces lo que más nos separa son precisamente los pequeños detalles de todo lo que tenemos en común. Este trabalenguas es solo el aperitivo de la sesión de psicogeografía gustativa que Saioa Olmo Alonso descubre en su mapa de sensaciones.

SINDICALISTAS 28 de junio Micro-festival Autoplacer La convocatoria cumple su III Edición con el mismo entusiasmo que la primera vez y con ganas de dar voz y espacio a los artistas independientes del país. Fotografía, cocina, libros independientes y tres conciertos: Los Punsetes, Los lagos de Hinault y Felón y su mierdofón.

LEFT HAND ROTATION 7 de junio Trucador Que los sentidos nos engañan ya lo dijo Descartes hace mucho tiempo, pero parece que la condición humana está destinada a olvidar este axioma. El colectivo propone un juego creativo para demostrar que el filósofo tenía razón y lo hace a través de una dinámica en torno al doblaje y los audiovisuales.

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VERITY SUSMAN 7 de junio Tras una década como vocalista de rock experimental, Verity Susman aterriza en las Picnic Sessions para ofrecer un concierto-performance con audiovisuales de Jack Barraclough. Con el collage como punto de partida, Verity reflexiona sobre la identidad de género con los instrumentos musicales más sinuosos.

SILVIA ZAYAS 14 de junio SÃO TOMÉ revisitado Las viejas cintas de vídeo familiares parece que nos hablan y están esperando a ser recuperadas para contar viejas historias.

Sobre esta sensación desarrolla Silvia Zayas su cine en directo, un experimento colectivo donde el contenido de la película nunca reproduce el mismo recorrido.

TALLER DE CASQUERÍA 21 de junio Argonautas inanes El movimiento se demuestra andando, esa debe ser la máxima de Taller de Casquería que quiere hacer reflexionar al público acerca del peligro de centrarse mucho en un objetivo y no disfrutar del paisaje. Recorrido y resolución en una acción colectiva de aprendizaje.

Picnic Sessions, hasta el 12 de julio en el CA2M de la Comunidad de Madrid · www.ca2m.org/es/picnic-sessions

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PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA. MADRID “MIGUEL LAGO: SOY UN MISERABLE” “ENCERRONA” “CARNÍVOROS” “MENDIGANDO AMOR” “TÍTULO DEL MUSICAL” Teatro Arlequín. Madrid.

“TÓCALA OTRA VEZ, SAM” Teatro Infanta Isabel. Madrid.

“DANI ROVIRA: ¿QUIERES SALIR CONMIGO?” Teatro Cofidis Alcázar. Madrid.

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NUEVO TEATRO ALCALÁ. SALA I. MADRID VIVANCOS “AETERNUM” Hasta el 3 de junio.

“RECITAL LÍRICO CARLOS ÁLVAREZ” Día 12 de junio.

“CARMEN DE BIZET” Teatro Nuevo Apolo. Madrid.

“GRACIAS MONTSERRAT” MONTSERRAT CABALLÉ Y MONTSERRAT MARTÍ Día 9 de junio. Madrid Arena. Madrid.

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INFANTIL “EL SHOW DE COCO Y PEPE” Día 8 de junio. Teatro Sanchinarro. Madrid.

“APARECIÓ” Día 10 de junio. Teatro Tyl Tyl. Navalcarnero. Madrid.

TEATRO FÍGARO ADOLFO MARSILLACH. MADRID “LA BELLA DURMIENTE” “ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS” “DISNEY LIVE! LA MAGIA DE MICKEY” Del 20 de diciembre al 6 de enero.

Palacio Municipal de Congresos. Madrid.

MUSICALES “MÁS DE 100 MENTIRAS” Teatro Rialto. Madrid.

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“SONRISAS Y LÁGRIMAS” A partir del 28 de septiembre. Teatro Coliseum. Madrid.

CONCIERTOS “MADRID RESPIRA SOLIDARIDAD” Día 7 de junio.

Palacio de Congresos y Exposiciones. Madrid.

PALACIO VISTALEGRE. MADRID “PEREZA” Día 8 de junio.

“VICENTE FERNÁNDEZ” Día 16 de junio.

“EL BARRIO” Día 9 de junio.

Campo de Fútbol La Vía. Coslada. Madrid.

“JOSÉ LUIS PERALES” Días 12, 13 y 15 de junio. Teatro Rialto. Madrid.

“VASCO HERNÁNDEZ GRUPO” Día 15 de junio. Teatro Sanchinarro. Madrid.

“ALBANO” Día 19 de junio. Teatro Coliseum. Madrid.

SALA JOY ESLAVA. MADRID “BERSUIT” Día 22 de junio.

“MOMO QUEEN COVER” Día 22 de noviembre.

“PINK TONES” Día 23 de noviembre.

“XXI CONCIERTOS DE LAS VELAS” Días 7 y 14 de julio. Plaza Mayor de Pedraza. Segovia.

“ROSANA” Días 13 y 14 de julio. Ciudad de la Raqueta. Madrid.

SALA LA RIVIERA. MADRID “BILLY IDOL” Día 19 de julio.

“THE HIVES” Día 1 de diciembre.

“MÚSICOS EN LA NATURALEZA” Día 21 de julio.

Finca Mesegosillo. Hoyo del Espino. Ávila.

“MIGUEL BOSÉ” Día 4 de octubre. Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid.

“2012 F1 GRAND PRIX OF EUROPE” Días 22, 23 y 24 de junio.

Valencia Street Circuit. Valencia.

MOTORLAND ARAGÓN. ALCAÑIZ. TERUEL “FIM - SUPERBIKE WORLD CHAMPIONSHIP” Días 29 y 30 de junio, y 1 de julio.

“GRAN PREMIO DE ARAGÓN DE MOTO” Del 28 al 30 de septiembre.

FESTIVALES “EL FESTIVAL DE LOS SENTIDOS” Del 15 al 17 de junio.

Caseta Municipal. La Roda. Albacete.

CIUDAD DEL ROCK. ARGANDA DEL REY. MADRID “MANÁ + LENNY KRAVITZ...”

Día 30 de junio.

“DAVID GUETTA + PITBULL...”

Día 6 de julio.

“RIHANNA + SWEDISH HOUSE MAFIA...”

Día 5 de julio.

“RED HOT CHILI PEPPERS + INCUBUS...”

Día 7 de julio.

“RAP CON BANDA” Día 30 de junio.

Carpa Espacio R. Rivas Vaciamadrid. Madrid.

“IBIZA 1, 2, 3 - ROCKTRONIC FESTIVAL” Del 1 al 3 de julio. Sunset Strip. Ibiza.

“LAS NOCHES DEL FORO” Del 14 de julio al 18 de agosto.

Foro de la Rábida. Huelva.

“36 FESTIVAL DE JAZZ DE VITORIA” Del 16 al 21 de julio. Polideportivo Mendizorrotza y Teatro Principal. Vitoria.

“BLUESCAZORLA” Del 19 al 21 de julio.

Plaza de Toros de Cazorla. Jaén.

“ARENAL SOUND FESTIVAL” Días 2, 3, 4 y 5 de agosto. Burriana. Castellón.

“52º FESTIVAL INTERNACIONAL DEL CANTE DE LAS MINAS” Del 2 al 11 de agosto. La Unión. Murcia.

“CREAMFIELDS ANDALUCÍA 2012” Días 10 y 11 de agosto. Circuito de Jerez. Cádiz.

“DCODE FESTIVAL” Días 14 y 15 de septiembre.

UCM Recinto Deportivo de Cantarranas. Madrid.

MUSEOS Y EXPOSICIONES “MUSEO DE CERA MADRID” “EL ALMA DE CÓRDOBA” VISITAS NOCTURNAS A LA CATEDRAL DE CÓRDOBA

OTROS “CASA DECOR - MADRID” Hasta el 24 de junio. Madrid.

“PARQUE WARNER ” San Martín de la Vega. Madrid.

“MICHAEL JACKSON - THE INMORTAL WORLD TOUR ” CIRQUE DU SOLEIL Del 26 al 29 de diciembre.

Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid.

“PARQUES REUNIDOS, BONOPARQUES Y SÚPER BONOPARQUES” Parque de Atracciones, Zoo Aquarium de Madrid, Aquópolis Villanueva, Aquópolis San Fernando y Teleférico Rosales.

“SPA BARCELÓ ARANJUEZ” Madrid.

“FAUNIA” Madrid.

“BAÑOS ÁRABES HAMMAM DE MADRID” “MICROPOLIX” Parque Comercial y de Ocio ALEGRA. San Sebastián de los Reyes. Madrid.

DEPORTES “WWE RAW WORLD TOUR” Día 6 de junio. Palacio Vistalegre. Madrid.

“IX GP CAMIÓN DE LAS NACIONES” Días 9 y 10 de junio. Circuito del Jarama. Madrid.

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moda

EL ROCK DE LAS PUNTADAS CLÁSICAS { ROBERTO ETXEBERRÍA }

Roberto Etxeberría (Eibar, 1976) ya ha conquistado Madrid con sus diseños de moda masculina, por eso ahora se emociona al hablar de sus próximas visitas a las pasarelas de Viena y Brooklyn. TEXTO: ROCÍO PONCE. FOTOS: ETXEBERRÍA, COLECCIÓN A/W 2012-13.

La pasarela de jóvenes diseñadores de la semana de la moda de la capital, Ego, premió sus colecciones en dos ediciones consecutivas. Después, independizado, debutó en el Off Cibeles. Este septiembre de 2012 promete volver a dar guerra con “Piel del sur”, colección en la que se encuentra inmerso actualmente y sobre la que desvela algunos detalles. ¿Cómo desarrollas tu proceso creativo? Me monto un panel de referencias con imágenes de pinturas de Sorolla y Zurbarán, cosas de diseñadores contemporáneos, cualquier cosa que llame mi atención. Recortes que quito y pongo. Y luego, a la vez que voy dibujando los bocetos, me gusta tener la selección previa de tejidos cerca. Siempre trabajo con napa, ante, pitón, pelo, cuero… Intento crear prendas atemporales, prendas que están ahí y a las que la moda no les influye. Prendas para siempre. ¿Cuál es la rutina de trabajo en tu taller? Lo componemos cinco personas y se encuentra en Barcelona. Todos hacemos de todo. Primero el patrón y prototipos, todos los que hagan falta hasta que la prenda está perfecta. Los prototipos se cosen en el taller y para la confección tengo un peletero y, por otro lado, el taller para el género. ¿Qué te inspira? ¿Qué hay que hacer para acabar formando parte de ese panel? Me interesa mucho el siglo XXI inglés, la

indumentaria nazi (sin connotación política alguna) y la moda femenina aplicada de forma sutil. Así es como pienso que se consigue una evolución en la ropa de hombre. También hay algo que me inspira mucho y es la gente de la calle. No me fijo en si van bien o mal, sino en cómo defienden las prendas que llevan. Una prenda hay que hacerla tuya y si no lo consigues, se nota. Los hombres al vestir, generalmente son “sota, caballo y rey”. Hay excepciones que marcan la diferencia con cierta camisa o algún color, pero el color no le queda a todo el mundo igual. Hay colores como el verde o el rojo que son complicados y requieren mucha personalidad. ¿Crees en la fusión de disciplinas artísticas a la hora de crear?

Sí, me encanta la arquitectura, la pintura, la literatura… Y la música es muy importante para mi, sobre todo en mis desfiles.

Me pego más de dos meses escuchando cosas y haciendo pruebas. Y es que… la música puede arruinar un desfile. También me interesa la fotografía, de hecho la colección en la que estoy trabajando ahora nace de un libro de Ortiz Echagüe de imágenes de personas de toda España de antes de la Guerra Civil.

A partir de esas fotografías de indumentarias, me centré en las personas del sur y en las que se ligaban al caballo y al trabajo en el campo. Ideas e imágenes a las que doy mi discurso aplicado a la moda. ¿Cómo se consigue decir algo más con la ropa? Mis creaciones son de estilo sobrio, con una clara mirada hacia la sastrería clásica y con interés por contar cosas. Son para personas que quieran decir algo sobre su personalidad a través de lo que llevan sobre sus cuerpos. La clave podría estar en que las tendencias no me interesan a la hora de crear. Las tendencias son para las grandes compañías de “prontomoda”. Ellos las marcan porque les interesa y hacen que todos acaben vistiendo igual. Y de eso es de lo que huyo.

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GASTRONOMÍA

GUSTO POR EL RIESGO { DAVID MUÑOZ }

Hace solo cinco años que abrió sus puertas, pero al restaurante DiverXO ya le han concedido dos estrellas Michelin, y su chef, David Muñoz (Madrid, 1980), es Premio Nacional de Gastronomía. Formado en Londres, Muñoz abrió el establecimiento para ofrecer una cocina diversa, con elementos gastronómicos de todo el planeta, y muy divertida. ¿Uno de sus secretos? Trabajar dieciseis horas al día. TEXTO: INÉS GRANHA. FOTO: RAPE CHIFA GLASEADO EXPRES. 66 EL DUENDE

¿Cuántos sois en la cocina? Unos veintidós. El número varía constantemente porque se fluctúa mucho en el equipo. Es gente joven, normalmente, porque busco a personas dinámicas, con capacidad de trabajo y dispuestas a involucrarse mucho en el negocio.

El restaurante abrió en 2007. ¿Qué balance puedes hacer? Muy bueno. Nadie de los que estamos aquí pensaba que íbamos a tener tan buena acogida, y tan rápida.

DiverXO abrió porque queríamos ofrecer nuestra visión de la cocina, muy diferente y arriesgada. Y ahora mismo, llenamos a diario, hay que reservar mesa con un mes de antelación. Eso sí, el coste es muy alto, requiere mucha dedicación. ¿En qué se diferencia de los demás restaurantes de Madrid? En que ofrece lo que yo

suelo llamar cocina viajera, muy imaginativa, y es informal, cercano y divertido. ¿Eso es cocina de fusión? No. A mi cocina se le suele poner la etiqueta de “fusión”, pero yo no estoy de acuerdo. Fusionar es, simplemente, coger dos cosas y mezclarlas dando como resultado una tercera. Mis platos combinan elementos de las cocinas de todo el mundo para ofrecer algo mucho más elaborado y armónico. Con la fusión no se innova, se mezcla. Creo que en España la cocina de fusión ha sido una cocina sin reglas, y la gastronomía ha de fijárselas.

Sobre todo te gusta la cocina oriental, ¿no? No, tengo como referente recetas de todo el mundo. Aunque la sílaba “xo” del final del nombre del restaurante es el nombre de una salsa asiática que se toma sobre todo en Hong Kong. Es tanta

necen en la carta por lo mucho que les gustan a los clientes y por lo mucho que nos gustan a nosotros.

¿Cómo creas tus platos? La creatividad, como en todas las artes, comienza con la inspiración, que es puro instinto. Aparece en cualquier momento, a raíz de algo que puede ser una chorrada. Aquí, como trabajamos tantas horas, nos suele llegar mientras estamos en la cocina. Pero es un proceso muy caótico, inexplicable, que se puede intuir en lo divertidos que son mis platos, tanto en su estética como en su sabor intenso.

¿Cuál es el perfil del cliente de DiverXO? Ha cambiado con la crisis. Antes, entre semana venía a comer mucha gente simplemente porque trabajaba en los alrededores o tenía una comida de negocios. Ahora, quienes vienen, lo hacen por disfrute. No hay un perfil muy definido demográficamente, pero siempre coincide que son personas a las que les gusta comer. En ese sentido, hemos salido ganando con la crisis, queremos dar de comer a quien sepa saborearlo.

El sistema para poner de comer también es peculiar: la gente no sabe qué le va a caer en el plato, la sorprendéis. Sí. La gente se sienta a la mesa y nos cuenta sus fobias, gustos, alergias, etc. Teniendo eso en cuenta, nosotros le traemos platos del menú que tengamos ese día. Los camareros les hablan de ellos. No hay nada que me guste más que asomarme a las mesas y ver a los comensales riéndose, disfrutando con lo que comen y con lo que les cuentan. ¿Cada cuánto incorporas platos nuevos a la carta? Cada mes hacemos tres o cuatro cosas nuevas, nos salen cerca de cincuenta novedades al año. ¿Y cuáles son los platos estrella? No hay platos estrella, pero el mollete chino y un rape que preparamos en el wok perma-

¿Y qué tal te tratan los críticos? ¿Te importa lo que digan? Mentiríamos si dijéramos que no nos importa, son gente que se supone que entiende y genera opinión.

Ahora bien, las redes sociales han democratizado tanto la información que ya no son tan influyentes, en los foros infinidad de gente los rebate continuamente.

Y tú, como comensal, ¿qué restaurantes de Madrid recomiendas? Me gusta Casa José, que está en Aranjuez… …y Viridiana, supongo, porque eres discípulo de su chef, Abraham García…

Pues sí, mi idea sobre DiverXO tiene mucho que ver con mi paso por Viridiana y con la figura de Abraham García. ¿Qué le darías de comer? Algo contun-

DIVERXO CUENTA CON DOS ESTRELLAS MICHELIN Y SU CHEF, DAVID MUÑOZ ES PREMIO NACIONAL DE GASTRONOMÍA. dente, que sea más efectivo que efectista.

De lo contrario, me lo tiraría a la cabeza.

Este cocinero dice que el secreto de la buena cocina es la materia prima. ¿En Madrid se puede conseguir? Sí. Por ejemplo, un proveedor mío fundamental es Pescaderías Coruñesas, que tiene una calidad excelente y un género muy variado. Pero no es verdad eso de que todo lo mejor viene a Madrid. Fíjate, ahora estamos en época de gamba roja. Aquí puedo encontrarlas buenísimas a algo más de cien euros el kilo. Pero si me voy a Gandía, las encuentro de la misma calidad por 40 euros menos. ¿A quién sueñas con prepararle un menú? No somos mucho de eso… Hace poco hicieron un reportaje en El País analizando cómo tratan en los restaurantes a los famosos, si les reservan mesa aunque ya esté el salón completo. DiverXO resultó ser el único que no lo hacía.

DiverXO · C/ Pensamiento, 28 · Madrid www.diverxo.com

Restaurante DiverXO

su aceptación que la expresión se ha popularizado para denominar todo lo que es de mucha calidad.

CINE

OTRO CINE ES POSIBLE

{ JUAN CAVESTANY Y CARLOS VERMUT }

El cine español está cambiando. El señor y Diamond Flash, películas autoproducidas que están sentando precedente en el mundo de la cultura más underground, sólo se pueden ver online. Hablamos con sus creadores, Juan Cavestany y Carlos Vermut, para que nos expliquen qué hacen un dramaturgo y un dibujante de cómic dirigiendo películas en unos momentos tan inciertos para la industria.

TEXTO: ANDREA G. BERMEJO. La historia comienza con unos muñequitos de Playmobil. El director de la aclamada obra de teatro Urtain, Juan Cavestany, tenía una idea rondándole por la cabeza desde hacía tiempo. En ella, un señor se organizaba su propio cumpleaños y los invitados a la fiesta eran ellos, los pequeños Clicks de la sonrisa pintada y los brazos articulados. Cavestany quería convertir esa historia en una película pero sabía que nadie se la produciría. Llamó a su amigo Luis Bermejo, viejo amigo y conocido del teatro, y le habló de su personaje solitario, de los Playmobil, de aquella extraña celebración. Pocos días después se juntaron para rodarla con la cámara casera HD de Cavestany, un presupuesto de guerrilla (lo que les costó comer durante los meses que duró el rodaje) y un tercer elemento indispensable: ganas de hacer cine. El resultado –también postproducido por Cavestany– fue El señor, un mediometraje que se puede ver online (www.comprarelseñor.es) y que ha recibido el aplauso unánime de la crítica como continuación lógica a la primera película autoproducida por el director, Dispongo de barcos. “El señor nace de las ganas de no parar, de no esperar y de hacer lo que sé”, nos cuenta 68 EL DUENDE

Cavestany. “Rodé con Luis la escena del cumpleaños y enseguida hubo sintonía, nos hipnotizó tanto este personaje perdido –un reflejo de la desesperanza que en estos momentos sentimos todos–, que tuvimos que seguir rodando”.

El dibujante de cómics Carlos Vermut (El Banyan Rojo) no había visto El señor cuando decidió invertir los 20.000 euros que había ahorrado en su ópera prima Diamond Flash, pero sí que había visto la primera película de Cavestany. “Cuando conocí a Juan en Abycine, le dije una cosa que es verdad, y es que Dispongo de barcos había sido un referente para mí –nos explica Vermut–, como otras pelis independientes de los últimos años, por ejemplo, Los materiales, del colectivo Los hijos”. A primera vista, Diamond Flash –estrenada, tras su paso por festivales, en Filmin el 8 de junio–, poco tiene que ver con El señor.

“EL CINE LOW COST NACE DE LA CRISIS ECONÓMICA Y DE UNA INDUSTRIA DEL CINE ESPAÑOL ESTANCADA Y CADA VEZ MÁS CONSERVADORA”.

El salto al largometraje de Carlos Vermut –atrás quedan sus cortos Maquetas o Michirones– es un filme de más de dos horas de duración que explora los márgenes de la ficción apostando fuerte por sus personajes. “Diamond Flash es Santo vs. las mujeres vampiro –cuenta Vermut–, es una película que ya existe y narra cómo El santo, un personaje de lucha mexicana, rescata a unas niñas secuestradas por las mujeres vampiro”. La singularidad de

Diamond Flash, lo que la ha convertido en una de las más valientes apuestas de estos últimos años, es otra: “A mí, como lector de cómic, siempre me ha interesado más la movida que Spider Man, por ejemplo, tenía con su novia, que las partes en las que se peleaba”. Esa filia, trasladada al cine, explica su marciano experimento, un retablo de personajes cuyos potentísimos diálogos oscilan entre el thriller, la acción, el drama y la comedia, derivando en un cóctel de géneros como jamás hemos visto en el cine español. “En Diamond Flash ocurre lo contrario a lo que sucede en los cómics de superhéroes, aquí las protagonistas son las mujeres y el superhéroe es la excusa. Yo lo que quiero saber es qué pasa cuando te ha salvado un superhéroe, ¿cómo te quedas? ¿qué pasa después?”, explica Vermut. El resultado, según Juan Cavestany, “es insólito, de una escritura dramática impresionante”.

“Cuando aparecen propuestas que no tienen que rendir cuentas a nadie, porque se las han costeado sus directores, como Los materiales, Dispongo de barcos o El señor, notas que existe algo que las une, que las hermana”, reflexiona Vermut. Es lo que se ha empezado a conocer como Cine Low Cost y no es una opción sino más bien una imposición. De la crisis económica y de una industria del cine español estancada y cada vez más conservadora, por miedo a perder las subvenciones. “Ante esto, podemos llorar y quejarnos o seguir haciendo películas”, sigue el director de Diamond Flash.

Queda claro qué opción han escogido Carlos Vermut y Juan Cavestany. Tienen internet y los Playmobil de su lado, aunque se han dejado los ahorros por el camino. Pero han hecho las películas que querían hacer. Cuando les preguntamos por qué, la respuesta es una: “Por ganas y por amor al cine”.

Arriba: imagen del cartel de Diamond Flash / Abajo: imagen de El se単or

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ARTE UR BANO

LA CIUDAD COMO LIENZO { BOA MISTURA }

¿Por qué os lla- Entre los colectivos graffiteros españoles, Boa Mistura (Pahg, Derko, el Township de Khamáis Boa Mistura? Arkoh, Purone y rDick) ocupa un lugar destacado. Nacido en 2001, yelitsha (la segunda Cuando fundamos por su imaginación y talento, instituciones como el Cervantes y favela más grande del el grupo, estaba muy marcas como Nike le han hecho encargos. Y su bonita manera de país), hicimos una de moda poner nomgran fachada en el pensar les ha llevado a imprimir color y arte en los muros de babres en inglés o siglas centro de Ciudad del a las cosas. Nosotros rrios deprimidos de todo el mundo. TEXTO: INÉS GRANHA. FOTOS: Cabo, y fuimos parte siempre nos hemos PROYECTO LUZ NAS VIELAS, POR BOA MISTURA. del Toffie Festival. La sentido muy atraígente nos agradeció gente, aunque no se le reconozca el trabajo. dos por lo brasileño, por eso utilizamos muchísimo que fuéramos allí a alegrar su Por ejemplo, acaban de poner una cita muy estas palabras portuguesas que significan vecindario, a darle color. Fue precioso. chula frente a nuestro estudio, “Madrid es “buena mezcla”, refiriéndonos a que cada Parecido ha sido vuestro proyecto Luz Tierno” (refiriéndose a Tierno Galván), y a miembro del grupo aporta una cosa: uno nas vielas en São Paulo. Cruzamos el mucha gente le pasa desapercibida… Para es ingeniero, otro es licenciado en Bellas charco para conocer las zonas degradadas nosotros, que un soporte sea o no legal es Artes, otro en Publicidad… de Brasil, en las que encontramos mucha circunstancial. Intervenimos en la calle energía y magia en la gente. La familia con voluntad de enriquecerla, no preten¿Cómo arrancasteis? Los cinco vivíamos Gonçalves nos acogió en su casa como si demos el vandalismo injustificado ni moen el barrio madrileño de la Alameda de fuéramos sus hijos. Nos fuimos integrando lestar. Nos fijamos en rincones deprimidos Osuna, y los cinco graffiteábamos los en el barrio de manera gradual, e improvio degradados para intentar dignificarlos. muros del vecindario. Un día decidimos samos el proyecto, pintando con colores No consideramos que estemos haciendo hacer un mural conjunto… Y hasta hoy. las paredes, con la colaboración de todos nada malo.

Más tarde además de graffiti y pintura los vecinos, que estaban agradecidísimos.

Sois muy positivos. Y os gustan las citas. mural, comenzásteis con el diseño gráLo hicimos con el corazón y ellos nos diePor Lavapiés habéis hecho murales con fico e ilustración. Fue todo muy natural. ron el suyo. Nos fuimos entre lágrimas. frases como La vida podría ser color de Sabíamos hacerlo y lo hicimos cuando se Nos emociona mucho pensar que hemos rosa o Madrid, te quiero en colores, y en nos presentó la ocasión. Por ejemplo, le puesto una semilla de bienestar allí. la Fundación Antonio Gala escribisteis empezamos a hacer el diseño a los discos ¿Seguís en contacto con los vecinos? Con Callar es gritar intensamente. Nos gusta de Pereza porque los conocemos desde la gente que nos acoge, por supuesto. Y a la palabra, sí. Nos gusta dejar mensajes. La siempre, son también del barrio, y esto llaveces recibimos mensajes de turistas que lo experiencia en esa fundación fue curiomó la atención de otros músicos… han visto y nos felicitan, o de miembros de sa, porque nos invitaron a intervenir ese ¿Cómo es vuestro proceso creativo? Esla comunidad que nos dicen cosas como: convento del S XVII, de altísimas paredes tamos siempre muy alerta a todo lo que “¡Mi perro se ha hecho famoso gracias a y completamente blanco. Todo un oasis nos rodea. Caminando por la calle, vienvosotros!” Nos hace mucha ilusión. para la creación. Quisimos hacer un hodo una peli, tomando un café… De cualTodas estas experiencias las grabáis en menaje al silencio respetando el blanco de quier manera a alguno se le puede ocurrir cortos o las inmortalizáis con fotos, que la pared en el interior de las letras. Blanco una idea. La comparte con los demás, y, luego recopiláis en libros. Claro, porque sobre blanco. ¡a currar! Somos diez ojos, diez manos y es un tipo de arte efímero…

También viajáis. ¿Qué hicisteis en Sudáun solo cerebro. Hablar es indispensable, ¿Y eso es bueno o es malo? Ni bueno ni frica? Nosotros invertimos el dinero que le damos muchas vueltas a las cosas y las malo. Se empieza a intervenir la calle por nos reportan trabajos que nos encargan preparamos al milímetro. Al componer un ego, básicamente. Pero, si evolucionas instituciones y empresas en proyectos permural en una calle, se nos ve con el metro, como artista, luego adquieres un impulso sonales, y viajamos mucho. Sudáfrica nos midiendo cada trazo, porque ya llevamos social, quieres aportar algo a la comunicambió la vida. Hay otro ritmo, más sentiel dibujo bocetado. A menudo, la gente dad. Cuanto más tiempo esté tu trabajo, do de comunidad, la gente es más alegre… no tiene muy claro qué nos traemos entre mejor, pero la naturaleza de este soporte Estuvimos en Ciudad del Cabo durante un manos. es la que es, y es ella la que lo lleva a ser lo mes, en la residencia de artistas de Ricky ¿Y la poli? Jamás nos ha dicho nada. Noque es. Para hacer piezas imperecederas, ya Lee Gordon, ubicada en el barrio de Wosotros tenemos una máxima: no pintamos trabajamos en lienzo. odstock, una peligrosa zona, antes indusnada si no va a embellecer lo que había trial y ahora en decadencia. Pintamos en www.boamistura.com antes. Y creemos que así lo hace mucha EL DUENDE 71

CÓMIC

HÁZTELO TÚ MISMO { ABBY DENSON }

La norteamericana Abby Denson flirtea con la poderosa industria del cómic USA escribiendo series para editoriales como Marvel o DC. Pero en su trayectoria son más importantes las historietas que ella misma dibuja, con tosquedad, estilo naif y escasa ambición lingüística ni prejuicios. Puro DIY puesto en práctica, primero con Tough Love, un drama juvenil gay, y consolidado en The City Sweet Tooth, un webcomic gastronómico dedicado a la pastelería de Nueva York. TEXTO: CHRISTIAN OSUNA. ILUSTRACIÓN DE DOLLTOPIA, POR ABBY DENSON. 72 EL DUENDE

¿De qué trata tu último libro, Abby? Dolltopia trata sobre unos muñecos que se cansan de vivir controlados por los humanos, así que construyen su propia sociedad. Es una historia muy loca pero también cuenta con una buena carga social y feminista. Es una historia para niños que además puede interesar a los adultos.

Creo que divertirá a todos.

Desde luego que los niños estarán encantados. No solo les cuentas historias inconformistas y rebeldes, hay todo un concepto visual, los recortables y las diferentes “prendas” que incluye el libro. Y todo tiene un punto definitivamente punk…

Vivo en NY y estoy muy inspirada por Andy Warhol y la escena punk de Nueva York en los setenta. Muchas de las ideas visuales en la historia, el aspecto de los muñecos… Candy O lleva el pelo como Debbie Harry y Candy X, el peinado mohicano de Tormenta de la Patrulla X. Aunque definitivamente me inspira la escena de la Factoría de Warhol. Y soy muy fan de Keith Haring.

En cómic, Love & Rockets y de manga leía a Rumiko Takahashi o Junko Mizuno. En Dolltopia hemos impreso los muñecos para recortar y, en las divisiones de capítulos, van apareciendo vestidos para poner a los muñecos, hay uno estilo Ramones para el muñeco, hay otro sacado de Pink Flamingos, la película de John Waters, el traje de David Bowie en Laberinto… …y en la escena musical. Has tocado en grupos de punk. Desde los 16 años he tocado en bandas punk, casi siempre solo de chicas. Pero no sigo en la música porque requiere un montón de tiempo y ya me dedico a los cómics. Sería duro hacer las dos cosas, pero siempre voy a estar influida por la estética punk y por su idea de subversión, de cambiar algunas cosas en la sociedad, ser un poco mas tolerantes, y además pasarlo bien, bailando y escuchando música.

Desde que empezaste a publicar tus mini-cómics a mediados de los noventa hasta hoy también has trabajado para la gran industria. Conocí algunos editores a través de Friends of Lulu, una organización por la mujer en el cómic. Allí conocí a Heidi Mcdonald, del blog The Beat y que también editaba Las Supernenas. Y me dio la oportunidad de escribir guiones para los cómics de Las Supernenas. También hice cómics de Scooby Doo, los Simpsons, Sabrina, Josie & The Pussycats y recientemente he trabajado en Amazing Spiderman Family que ha sido muy divertido, ya sabes, tener que escribir las aventuras de la tía de Peter Parker, pero con su propio traje de “Spiderbuela” Las cosas no solo están cambiando en el cómic indie, ¿verdad?

La participación de la mujer en el cómic independiente está creciendo mucho en Estados Unidos, y es claramente por la influencia del manga. Si vas a un festival de cómic indie, el porcentaje está al cincuenta por ciento. Y claro que las cosas están duras ahora mismo en el cómic mainstream. Seguro que ya sabéis de lo que hablo, todos estos cambios en Marvel y DC... Y hay una gran controversia acerca de los derechos de los creadores con ambas compañías. Todo está cambiando y bueno… estoy encantada escribiendo para ellos cuando me llaman, pero me gusta mas hacer mis propias historias.

CÓMIC

NO TENGO PALABRAS

El ilustrador e historietista José Domingo (Zaragoza, 1982) ha crecido como autor a través de fanzines, publicaciones con mayor o menor difusión y un sector editorial que incluso en esta época de bonanza, está en eterno entredicho y crisis. Sin duda, Aventuras de un oficinista japonés es un libro formal y argumentalmente excepcional, que se sale de lo que un lector convencional puede esperar. TEXTO: CHRISTIAN OSUNA. ILUSTRACIÓN: DETALLE DE CUBIERTA DE AVENTURAS DE UN OFICINISTA JAPONÉS.

vertido de hacer y de escribir, tan interesante y lleno de posibilidades a nivel formal… fue por eso que me decidí a presentarlo como proyecto a Bang Ediciones. Tras darle color -un elemento clave en la obra final- a esas primeras cinco páginas en blanco y negro. ¿Cómo se consigue que la salida del trabajo de un personaje gris se convierta desde la tercera viñeta en un ejemplo de libertad creativa hiperbólica? Dejándose llevar por el dibujo y no cerrándose a ninguna opción que pudiera surgir, dejando fluir la historia de una manera kamikaze, sin preocuparme si debería llevarla en tal o cual dirección para que resultara redonda. Si tenía que cerrar la historia en las últimas quince páginas o en la última viñeta nunca me preocupó, con lo cual la libertad para crear era absoluta. Esto es el corazón de Aventuras de un oficinista japonés.

Rubín en el prólogo y Miguel B. Núñez en el epílogo -¡qué lujo!-.

Este menciona el cómic underground de Shelton y la historieta de humor española de Jan y a mi se me antoja la influencia de algunas obras de Jose Luís Ágreda. Sí, todo eso está ahí, y también Max, Dave Cooper, Gabi Beltrán, Toriyama, Sattouf, Chris Ware, Ibañez, amigos cercanos como Miguel Robledo, David Rubín, Brais Rodríguez, Diego Blanco, Jano, Miguel Porto...pero también las pelis, series, la música o la literatura, todo lo que vas viendo y experimentando te influye y de ese cóctel loco sacas tus propias conclusiones.

Y después del premio , ¿en qué trabajas? Pues dándole vueltas a varias ideas de las que te rondan la cabeza insistentemente en espera de ser llevadas al papel, desde ideas para historias largas a otras más lúdicas. Ahora mismo dentro de mi cerebro conviven mendigos medievales con moteros, perros con alienígenas, una encarnación de la estupidez humana y un tipo de baja estofa moral.

{ JOSÉ DOMINGO }

Una vez alcanzado el reconocimiento con el premio del Salón de Barcelona ¿Cuál es el “estado de las cosas” para el autor de cómic, hoy día? Mi visión no ha cambiado tras el premio, puesto que la situación general es ajena a los logros individuales, me temo.

El panorama es agridulce: vivimos un momento increíble a nivel creativo y editorial, con una gran libertad para los creadores para desarrollar sus obras tal y como las concibieron, sin necesidad de ceñirse a formatos o temáticas preestablecidas. Todo, gracias al auge de la novela gráfica y a la importancia que se concede a la voz personal del autor y también a las posibilidades editoriales actuales. Pero en la otra esquina del ring todavía tenemos un mercado pequeño en cuanto a lectores y ventas, en parte porque sigue siendo un medio del que el público general sólo roza la superficie.

Con la perspectiva isométrica de los videojuegos, desplegando sólo cuatro viñetas por página en un álbum de gran formato, Aventuras de un oficinista japonés es un festival de ilustración y desenfreno argumental que mantiene al lector exhausto a lo largo de cien páginas. Tu colega, David Rubín explica el origen de la obra, que primero fue una historia corta publicada en un fanzine. Inmediatamente después de hacer la historia original, cuando veo que el mecanismo de creación da de sí, que era di-

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diseño

IDEAS QUE

Raúl Laurí se fue de Erasmus y volvió con una lámpara debajo del brazo. Pero no es una lámpara cualquiera, sino un objeto elaborado con los posos del café que le sirvió para alzarse con el primer premio de diseño en el Salón de Milán 2011. En la actualidad continúa desde su Alicante natal experimentando nuevas formas de convertir materiales cotidianos en objetos genuinos.

TEXTO: NACHO URQUIJO. FOTO: LÁMPARA KOJI, POR RAÚL LAURÍ.

{ RAÚL LAURÍ }

darle la connotación de provocador, irresistible, insinuante… como por ejemplo una joya o una prenda femenina. ¿Estás investigando sobre otros alimentos y su aplicación como material creativo? He experimentado con piel de naranja, limón…

Y he obtenido muy buenos resultados.

Tengo algunos materiales en fase experimental y espero conseguir su aplicación creativa. ¿Qué objetos cotidianos crees que podrían aportarnos más si se reinterpretaran creativamente? En el campo de los envases tenemos muchas alternativas, ¿quién no ha hecho un juguete con un tetra brick, o un tirachinas con una botella de agua? Creo que muchísimos envases podrían reinterpretarse para encontrar otros usos.

Orson Welles contaba que los tiempos de crisis fomentan la creatividad, ¿crees que esto es aplicable al momento en que vivimos? Estoy completamente de acuerdo, la situación actual nos obliga a repensar las cosas. Debemos cambiar la visión, reflexionar por qué hemos actuado así hasta ahora y cómo podemos mejorarlo, puesto que lo que teníamos hasta ahora “ya no vale”, ¿qué hacemos?, es una situación muy dura y nos obliga a ser creativos.

DEJAN POSO

¿Cómo surgió la idea de aprovechar los posos del café para crear una lámpara?

Surge tras la búsqueda de materias de desecho cotidianas con la intención de aprovecharlas y darle una segunda vida.

El café fue el elegido por ser gran portador de experiencias y por aprovechar el enorme volumen de desechos que genera a diario, siendo la segunda mercancía comercializada en el mundo, tras el petróleo. El café no es solo una bebida para estimular y activar. Lo utilizamos como excusa para evadirnos del trabajo, para crear una mejor unión emocional entre las personas, para contar nuestros problemas, para disfrutar de su aroma, sabor y textura. Siempre acompañados. ¿Por qué precisamente una lámpara?

Quería buscar un producto que formase 74 EL DUENDE

parte de la experiencia de tomar café. La lámpara KOJI simboliza ese momento de relajación, cuando tu taza se está acabando y se queda en el fondo la espumita con la que juegas. La forma de la lámpara es similar a un tazón y su luz cambia de intensidad según la inclinación que elija el usuario. En nuestro caso el contenido es la luz, si la derramamos al ponerla boca abajo, nuestra luz se apaga.

Tus lámparas tienen incluso aroma a café. ¿Cómo puede afectar esto a la vida cotidiana? No debemos preocuparnos, que no nos quitará el sueño. Es un aroma muy suave que se puede disfrutar de él cuando estamos cerca del producto, puesto que el café ya dejó sus matices más fuertes en la taza.

Echándole un poco de imaginación, ¿a qué objeto crees que le iría bien el olor, por ejemplo, de un pan recién horneado? [Risas] El olor del pan recién hecho puede ser muy tentador, me recuerda a mi infancia cuando volvía de la panadería y no me podía resistir a darle ese pellizco a la punta de la barra. Algún objeto que queramos

ILUSTRACIÓN

SINFONÍA DE

En 2009 la UNESCO lo seleccionó como uno de los veinte mejores ilustradores del año, y su obra está en la colección permanente del Austin Digital Art Museum de EEUU. Las ilustraciones de las cubiertas de esta publicación son también obra de Gregori Saavedra (Viladecans, Barcelona, 1968). TEXTO: LOLA MANFAR. ILUSTRACIÓN: FEVER PITCH.

dibujaban sus obras y aquello me parecía magia. Para ellos, esos momentos eran una válvula de escape, porque era una afición. Pero si hablamos de pintores consagrados mis favoritos siempre fueron los renacentistas Durero, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano… Pura maestría. ¿Qué significa el libro electrónico para los ilustradores? Espero que una oportunidad más. A muchos, los nuevos medios les despiertan temores. Yo soy optimista.

Mi trabajo final es plenamente digital, y al final, los medios afines se encuentran y se aman. Uno de los proyectos más interesantes que me han encargado ha sido un cómic digital sobre Charles Dickens para el London Museum en el que todo es interactivo. Cada detalle de mis imágenes lleva a otra imagen y esta a otra…

Infinitas posibilidades (bueno, hasta que el presupuesto las detiene, claro).

Se hace real alguna de ilustraciones. ¿Cuál? La pieza ESCAPE, donde un tipo corre por un andén del metro de Londres perseguido por tres perros salvajes.

La creé cuando decidimos mudarnos aquí. En realidad, el fugitivo soy yo. Y los tres perros no me persiguen, los cuatro vamos juntos. Son mis dos hijas y mi mujer. Ellas siempre me acompañan y me atizan a la vez. www.gregorisaavedra.com

{ GREGORI SAAVEDRA }

DETALLES

Utilizas mucho el blanco y negro y poco el color. ¿Qué te sugieren? Es cierto, tengo una tendencia natural hacia el blanco y negro. Me permite crear imágenes relevantes, dramáticas, hechas de pequeños fragmentos sin importancia. El blanco me sugiere oportunidad, libertad, infinito. El negro, drama, fuerza, calidad. ¿Y el verde? Siempre fue mi color favorito. Desde la infancia. Diría que es mi color. Me habla de frescor, fertilidad, espontaneidad, naturalidad. Mi primera campaña publicitaria al salir de la universidad fue para el Partido Verde. Y el titular: viejos verdes. ¿Por qué te fuiste a Londres? Porque era un tema pendiente. Porque, afortunadamente, mi trabajo lo llevo conmigo y no importa donde vivamos. Porque tenemos dos hijas y en este mundo el inglés es vital.

Porque me encanta esta gente obsesionada con la excelencia. Porque quería pro-

bar qué pasa cuando juegas fuera de casa.

Porque esta ciudad no se acaba nunca. ¿Manías? Un montón. Mi pantalla puede ser un caos de cientos de capas, pero a mi alrededor necesito un orden monástico.

Me debo de estar haciendo mayor. ¿Escuchas música entre tanto? Casi diría que no soporto trabajar en silencio. Hoy por ejemplo, en la lista de reproducción he puesto esto: Charlotte Gainsbourg, Gorillaz (mi queridísimo y admirado vecino Damon), Alex Winston, Andrew Shapiro, Memoryhouse, Soko, Xiu-Xiu, Olafur Arnalds, Perfume Genius, Cool Runnings, Ben Howard... Menudo mejunje. ¿Qué te inspira? Casi todo. Mis dimensiones son muy pequeñas. Igual por eso me fijo en los detalles más diminutos.

Ellos me despiertan ideas ridículas que llevan a otras más complejas. El camino, la mecha que recorren esos estímulos me encanta. Siempre es un momento extremadamente excitante. Ese momento de inspiración es brutal. ¿Tu pintor favorito? Tengo tantos ídolos... Para empezar, mi abuelo y mi padre.

Recuerdo sentarme a su lado mientras

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MULTIDISCIPLINAR

Naturaleza sintética Fotografía y montajes: Ernesto Artillo Estilismo: Xavi Reyes Ayudante de fotografía: Laura Jiménez Agradecimientos: Centro Studios Bomber reversible NIKE

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Página izda: Abrigo PINKO Bañador Najwa by Paty Abrahamsson Página drcha: Sudadera Najwa by Paty Abrahamsson Leggings NIKE Sportwear Zapatos UNITED NUDE 78 EL DUENDE

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Najwa Nimri Antes de grabar El último primate (Dro / Warner, 2010) la actriz y cantante Najwa Nimri se quedó literalmente sin voz, lo que le hizo dar un giro total en su carrera musical, una ruptura. Desde entonces, cambió del inglés al castellano. Y ahora se atreve con un disco orgánico, de guitarras. Hablamos con ella tras la sesión de fotos que ilustra estas páginas.

TEXTO: ANDRÉS CASTAÑO En aquel episodio “había algo de ruptura, veía venir todo encima. No me funcionaba la discográfica, las relaciones, nada funcionaba”, confiesa.

Con Donde rugen los volcanes (Plural Form, 2012) retoma la electrónica y firma su quinto disco, sin contar los dos publicados con Carlos Jean bajo Najwajean: el histórico No blood (Subterfuge, 1998) y Till it breaks (EMI, 2008). Ahora produce Raúl Santos (ex batería de Los Planetas, Supecinexcene) y Vicente Miñana, Uma. Me lanzo: ¿es un buen momento para rugir? “Creo que no es buen momento para rugir. Es momento para ser”. Tiene claro por dónde se dirige el disco. “La premisa era un disco horizontal y en bucle. Es conceptual porque lo importante era el conjunto, no las canciones. Es un disco muy sintético en el sentido en que el sonido ha derivado en el techno minimal, que ha sido mi referencia máxima. Y hay una búsqueda de lo natural dentro de la tecnología, de humanizar la tecnología”, argumenta.

Najwa Nimri tiene ese lado huidizo, esquivo, reservado: “Lo soy, lo soy. No me acabo de dar. Forma parte de una estrategia para parecer más misteriosa, que es donde me he metido al final. Me gusta que parezca estilo personal. A mí me costó muchísimo no poder ser anónima o pasar desapercibida. Es una cosa que no he dicho pero con el tiempo me he dado cuenta.

No soy una persona que se abra y que pida que le digan lo que piensan. Entonces como no llego a hacer ese ejercicio, lo hago en las entrevistas”, subraya.

No cree que sus fans hayan entendido bien los cambios pero, ¿y ella misma? “Ha habido algo como de intentar deshacerme de todo el mundo. No pensando en una masa general”, precisa la actriz y cantante. “No acabo de ser visceral en ninguna canción, que es lo que más me gustaría. En realidad es contra lo que lucho siempre. Me gusta prescindir de lo emotivo, de la emoción.

No me interesan las canciones que llegan al corazón. Al final es

a lo que hay que llegar seguramente, pero creo que hay algo más sensorial. La electrónica es más de texturas, la tónica te lo permite. Flotas, vuelas de otra manera. Con banda, con guitarras, te enfrentas a esa crudeza y sale la víscera, sale el corazón. Así que me he desenganchado de lo visceral. La música electrónica no deja de ser cerebral”. ¿En qué faceta te sientes más creadora? “En la música estoy haciendo de piedra angular”. Luego nos desvela que ha tenido claro que se ha empapado del flamenco vocal, que dejó el soul harta de hacer versiones de Aretha Franklin y que detesta canciones emocionales como Crime, que sin embargo funcionan con el público. Cuando empezó con Carlos Jean: “No había una idea de ir hacia un estilo concreto”. Casi de igual forma, en el cine ha trabajado con gente tan diferente como Julio Medem, Ken Loach, Daniel Calparsoro, Alejandro Aménabar e Icíar Bollaín. Y tiene varias películas sin estrenar: The Wine of Summer de Mariana Teol y De diez mil noches a ninguna parte de Ramón Salazar.

También colabora (las prendas las puedes ver alguna de estas fotos) con Paty Abrahamsson en un línea de cazadoras, con estampados de volcanes, y posiblemente hagan bañadores, sudaderas o burkas. Y nos hace una confesión final. “Me atrevo a decirte que voy a ir hacia un ‘nazismo’ fuerte con el próximo disco, que el sonido fuera más crudo, no sé cómo se puede hacer. Hablo de algo más deshumanizado intentando meter mis paranoias. Igual no es con electrónica”.

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DE BITÁCORA

el kraken deja su recorrido de tinta negra en madrid Del 28 de mayo al 10 de junio tuvo lugar la Ruta del Kraken en Madrid. La nueva marca de ron, recién aterrizada del Caribe y mezclada con trece especias secretas, secuestró los barrios de Triball y Malasaña. En colaboración con la Revista El Duende, el Kraken desplegó sus tentáculos en 18 establecimientos urbanos, Microteatro por Dinero y en varias fiestas que tuvieron una impresionante acogida. Te mostramos, a continuación, el Cuaderno de Bitácora que narra el desembarco del temido monstruo marino en las costas madrileñas. A su paso ha dejado un rastro de nuevos acólitos que se han sumado a la tripulación, cada vez más numerosa, de amantes de su sabor intenso, misterioso y salvaje.

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The Kraken Black Spiced Rum llega en velero desde el Caribe hasta las costas europeas

Viernes 25 de mayo Arriba a puerto un cargamento de Kraken, un preciado espirituoso que hace las delicias de los que recorren su Ruta por la ciudad. Una edición especial del “Diario de A bordo” de Kraken realizada junto a la Revista El Duende nos informa sobre la llegada a Madrid de Kraken Rum y sobre todos los locales de su hoja de ruta, además de incluir un póster para colgar en tu camarote. Una pegada de carteles por Malasaña, Triball y Chueca nos acompaña en nuestra travesía.

Lunes 28 de mayo Kraken Rum, la revista El Duende y la empresa teatral Microteatro por Dinero (Loreto y Chicote, 9) inauguran con una fiesta el ciclo “Microteatro por El Duende”. Una semana conjunta, con cinco micromontajes preparados y escritos para la ocasión por la que pasaron más de 1.500 personas, que pudieron también degustar una probeta del oscuro elixir llamado Kraken Rum en honor a la bestia marina.

(Fotos: Ana Nieto)

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Martes 29 de mayo Los tentáculos de la bestia invadieron todos los escaparates de la Ruta. En cada uno de los locales se disfrutó de una cata de este ron intenso y especiado en sabor. Nos cruzamos con el Kraken Hunter, antes de sumergirse en busca de la bestia. (Fotos: EDM)

Locales participantes Alce * ConSuela * Curiosite * Extasis Shop * García Madrid * Gük * Japanese Closet * Juan, por Dios! * La Chula de Valverde * Licores Picor * Mao & Cathy * Martínez Bar * Microteatro Por Dinero * Milochocientosocho * Monkey Garden * Numbers Madrid * Santamaría, la coctelería de al lado * Tipos Infames

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llega el gran día Miércoles 6 de junio Es el momento del brindis, junto a un montón de amigos, en la gran fiesta secreta y misteriosa de Kraken Rum. El sabor y aroma de los combinados de Kraken Zero y Kraken Stormy con ginger beer endulzaron nuestros paladares. En esta ocasión, Martínez Bar (Calle del Barco, 4) se transformó en la Casa Museo de “Sir Walter Black”, el primer Kraken Hunter. Sus armas y recuerdos de pasadas batallas decoraron el lugar. La cubierta, a rebosar de invitados, se meció al ritmo de la música que ofreció el DJ Ed Is Dead. En la oscuridad de la noche el faro de la costa iluminó las pieles tatuadas efímeramente por Pedro Sega, y el mural preparado para la ocasión por el artista urbano Dourone. Bajando a las bodegas inferiores de la nave pudimos contemplar la proyección de las tres películas sobre la terrorífica historia del Kraken. Una historia que continuará muy pronto en próximas fiestas y eventos que no te querrás perder.

Envía un correo a krakenrumes@gmail.com para no perder detalle de las nuevas citas. (Fotos: David Heofs)

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Domingo 10 de junio Nuestra Ruta toca a su fin. Aún nos esperan muchas sorpresas, atraques en nuevos puertos y aventuras que vivir junto a este ron especiado, tan oscuro como la tinta del Kraken, con la que, según cuenta la leyenda, cubre a sus presas. Dicen que quien ha visto a esta criatura jamás la podrá olvidar.

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Cine - Agenda -

Foto: Juliette Binoche en Ellas.

MUJERES

PERDEDORES Y PERDIDOS

El título del cuarto filme de Szumowska no es tan plano como podría resultar en un primer vistazo a la cartelera.

Ellas es, efectivamente, una historia de ellas contada por ellas y para ellas. La realidad social en la que ahonda “una prestigiosa periodista investiga sobre la prostitución estudiantil” convierte a los hombres, parte fundamental en este asunto, en sujetos absolutamente pasivos. Partiendo de una estructura de monólogo interior (las reflexiones de la siempre admirable Juliette Binoche) Ellas, acaba convirtiéndose en un sugerente diálogo entre las putas (sus circunstancias, sus motivos, sus porqués) y las otras ellas, las mujeres de ellos. Que, por cierto, no están invitados. Texto: Andrea Gutiérrez / ELLAS (Elles) de Malgoska Szumowska · Con: Juliette Binoche, Louis-Do de Lencquesaing · Drama · Estreno: 22 de junio.

Por si nos habíamos olvidado de las virtudes de Jorge Drexler (sus canciones, sus arranques heroicos y oscarizables, su capacidad para reinventarse), el uruguayo ha decidido sorprendernos una vez más. En La suerte en tus manos, irregular filme de Daniel Burman (El nido vacío) y debut del músico en la interpretación, Drexler interpreta a un divorciado con jeta, un boludo (que nada tiene que envidiar a los bonaerenses con tradición cinéfila) que conquista a base de mentiras y manos de póker a su primer amor (estupenda Valera Beruccelli) y le acaban pillando el farol. La sorpresa no es que a Drexler ahora le haya dado por el cine, la audacia es que se le de igual de bien que la canción. Texto: Andrea Gutiérrez / LA SUERTE EN TUS MANOS de Daniel Burman · Con: Jorge Drexler, Valeria Bertuccelli · Comedia · Estreno: 22 de junio.

CACHONDEO PELUDO

RESUCITAR A POE

Dos tipos duros (2003) fue, probablemente, una de las comedias más eficaces de nuestro cine reciente. Pese a ello, su director, Juan Martínez Moreno, intentó ponerse serio frecuentado las vías del thriller negro convencional en la fallida Un buen hombre. Ahora vuelve a sacar su lado más lúdico con una explosiva mezcla pensada para un espectador ideal, carne de un hipotético cine de barrio o drive-in, que no tenga miedo de arrojarse al cachondeo/cutrerio –en el buen sentido- sin complejos. Para ello ha situado a tres cómicos de última generación -Gorka Otxoa, Secún de la Rosa y un desopilante Carlos Areces- en medio de una invasión licántropa con acento gallego. Comparada con la sofisticada Zombieland podría funcionar como decálogo del Spain is different. Texto: David Bernal / LOBOS DE ARGA (Lobos de Arga) de Juan Martínez Moreno · Con: Gorka Otxoa, Carlos Areces, Secún de la Rosa · Comedia · Estreno: 13 de julio.

La muerte de Edgar Allan Poe siempre ha estado envuelta en misterio. Cuando fue encontrado en las calles de Baltimore vestía la ropa de otra persona y repetía el nombre de Reynold, un explorador polar que protagonizó gran parte de sus cuentos. Poco después murió en el hospital sin saber qué había sucedido. Sus últimas palabras fueron: “¡Qué Dios ayude a mi pobre alma!”. Según esta cinta en sus últimos días el escritor colaboró en la resolución de una serie de asesinatos inspirados en su obra. Una excusa para armar un thriller de consumo que no alcanza la grandeza de la obra del homenajeado, pero que tiene sus puntos fuertes en una lograda atmósfera gótico-romántica y un John Cusack totalmente entregado al personaje.

Texto: Nino Risueño / EL ENIGMA DEL CUERVO (The Raven) de James McTeigue · Con: John Cusack, Alice Eve, Luke Evans · Thriller · Estreno: 29 junio.

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Arte

- Agenda -

Foto izda: Eric Mazzakampa en la fiesta de Rapha Bounzeki, 2008. Cortesía Michael Hoppen Contemporary, London © Daniele Tamagni. Drcha: Edward Hopper, Habitación en NY, 1932. Sheldon Museum of Art, University of nebraska-Lincoln, -UNL-F. M. Hall Collection © Sheldon Museum of Art.

AMÉRICA FRÍA Edward Hopper (Nyack, 1882 - Nueva York, 1967) es uno de los artistas del siglo XX más admirados y conocidos por el gran público pero, también, uno de los más enigmáticos. Esta exposición se propone mostrar ampliamente su trayectoria y analizar su complejidad a través de una gran cantidad de bocetos, pinturas, dibujos, ilustraciones, grabados y acuarelas que dialogan puntualmente con obras de artistas como Edgar Degas o Walter Sickert. Su pintura, fiel retrato de la América de la Gran Depresión, se caracteriza por el tratamiento cinematográfico y el dominio de la luz. Texto: Ana Berruguete / Hopper · Museo Thyssen-Bornemisza · Hasta el 16 de septiembre.

RAFAEL Y SUS DISCÍPULOS El Prado nos descubre al último Rafael (1483-1520), figura clave del Renacimiento. Más de 70 obras (40 pinturas y 30 dibujos), presentan la actividad del maestro de Urbino en sus últimos siete años de vida.

Entre ellas, destacan obras tan célebres como el cuadro de altar de Santa Cecilia (Bologna, Pinacoteca Nazionale) o el retrato de Baldassare Castiglione (Colección del Louvre). Se acompañan por las obras de sus principales discípulos: Giulio Romano y Giovanni Francesco Penni, que, bajo el estricto control de Rafael, trabajaron en su

taller. Texto: AB / El último Rafael · Museo del Prado · Hasta el 16 de septiembre.

COMPROMISO Pocas artistas resultan tan potentes a la hora de analizar críticamente el legado de la historia y su evolución en una sociedad como la estadounidense como Sharon Hayes (Baltimore, 1970). Esta retrospectiva muestra una decena de instalaciones sobre las que la artista desarrolla un crítico y comprometido discurso sobre la política e historia de su país. Hitos históricos como el asesinato de Kennedy, el caso Watergate o la guerra de Vietnam, junto con otros recientes como las protestas contra la campaña de Irak o la de los indignados de Wall Street se entremezclan con pancartas electorales y sonido de mítines, transformados en subversivos dispositivos artísticos. Texto: AB / Sharon Hayes. Habla · Museo Reina Sofía · Hasta el 24 de septiembre.

REFLEXIÓN SOBRE EL ARTE La exposición “Contarlo todo sin saber cómo” reflexiona sobre qué se puede y qué se quiere contar desde el arte. Esta original muestra con tan difícil reto, trata de reflejar cuáles son los contenidos en cuanto a ficción, realidad, política y sociedad, que barajan artistas contemporáneos y cómo los narran a través de sus obras. El comisario Marti Manen ha seleccionado a diez

artistas de distintos países: Eija-Liisa Ahtila (Finlandia), Rosana Antolí (España), Rosa Barba (Italia-Alemania), Keren Cytter (Israel), Kajsa Dahlberg (Suecia), Lilli Hartmann (Alemania-España), Rosalind Nashashibi / Lucy Skaer (Gran Bretaña), Christodoulos Panayiotou (Chipre), Job Ramos (España) y Alex Reynolds (España), que acompaña al resto con una novela escrita por él mismo. Texto: AB / Contarlo todo sin saber cómo · CA2M · Hasta el 11 de noviembre.

LLUVIA DE FOTOGRAFÍAS Nueva edición de un festival que, a pesar de la crisis, no pierde fuerza. Más de 60 exposiciones entre galerías, museos, centros de arte y espacios alternativos llenan la ciudad de fotografía. Imprescindibles: la retrospectiva dedicada al genial artista cubano Carlos Garaicoa en el Museo ICO; la provocativa exposición de Santiago Sierra y Julius von Bismarck en Off Limits sobre la visita del Papa, así como las dos colectivas de artistas emergentes, en su mayoría procedentes de Asia, en Alcalá 31 (Ansiedad visual) y Teatro Fernán Gómez (Serendipity Asia), sala que ofrece también una exposición sobre la warholiana Factory. Las galerías completan el festival con propuestas tan interesantes como la de Claudia Andújar en Elba Benítez o Lola Guerrera en Astarté. Texto: AB / PHotoEspaña 2012 · Varias sedes · Hasta el 22 de julio (9 de septiembre en algunas salas).

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Conciertos

- Agenda -

Fotos de izda. a drcha: Regina Spektor, La Negra © Arturo Cardoza, Annie Clarke de St. Vincent © Tina Tyrell.

GLORIA AL JAZZ EN LAS ALTURAS

MÚSICA EN LA VILLA

Disfrutar de la azotea del edificio del Círculo de Bellas Artes (solo si el tiempo lo permite) ya es, por sí mismo, un buen plan para las noches de verano, pero si a semejante paisaje le sumamos la voz tostada de La Negra la cosa empieza a tornase como algo insuperable. Su capacidad de saltar del jazz al soul, y marcarse un cante flamenco entre medias -como si fuese lo más natural del mundo- convierten su directo en uno de los conciertos más apetecibles del mes de julio. En el mismo ciclo de conciertos sonarán, del 15 de junio al 20 de julio: Pablo Held Trío, Toni Zenet, Kind of Cai, Jazz Pretenders y Jerry González y el Comando de la clave.

Texto: Teresa Garrido.

Todos saben que se aproximan Los Veranos de la Villa cuando Madrid se vacía (un poquito) de gente y se llena de conciertos. En esta nueva edición (que traslada su escenario al Circo Price) el programa vuelve a ser un auténtico crisol de estilos y propuestas musicales. El verano empieza el 27 de junio con Charlotte Gainsbourg (como dignísima sucesora del talento de su padre) y se prolonga hasta el final del verano con conciertos de todos los palos. Desde el folk de Russian Red hasta uno de los grandes nombres de la música brasileña, Arnaldo Antunes.

Voces con mucha personalidad (Erykah Badu, Regina Spektor, Melody Gardot) y experimentos deliciosos como el de CocoRosie. Texto: TG / Del 27 de junio al 2 de septiembre, en varios escenarios · http://veranosdelavilla.esmadrid.com

CELEBRAR LA MÚSICA

LOS CORONAS EN ACÚSTICO

The Cabriolets, The New Raemon y Los Evangelistas han sido los últimos en incorporarse al cartel del Día de la Música que este año trae algunas novedades, como un ciclo musical dedicado a los más pequeños.

Christina Rosenvinge, Two Door Cinema Club, Azealia Banks, Fernando Alfaro y The Raveonettes son otras de las perlas de esta edición. Texto: TG / Del 21 al 24 de junio, en Matadero · www.diadelamusica.com/2012

Melodías vibrantes, virtuosismo guitarrero y un pellizquito de sonido western es lo que uno suele encontrarse habitualmente en los conciertos de Los Coronas. Por si esto fuera poco, el próximo mes ofrecen un acústico para disfrutarlos como si estuviesen tocando en el salón de tu casa. Un poquito de contundencia y buenas dosis de espectáculo para empezar con nota el mes de julio en Madrid. Texto: TG / Café La Palma · 4 de julio · 22 h.

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Teatro - Agenda -

Fotos de izda. a drcha: La mujer por fuerza, Por los ojos de Raquel Meller, Hamlet © Javier Naval.

EL CLÁSICO MÁS CLÁSICO La última producción de Mario Gas al frente del Teatro Español es nada menos que un Hamlet, y en una versión bastante fiel al original. A su cargo está una pareja que hace nada estuvo en el Español con Traición, de Pinter: el reputado actor británico Will Keen a la dirección y Alberto San Juan en el papel del Príncipe de Dinamarca. También figuran en el elenco el televisivo Secun de la Rosa, el argentino Pablo Messiez (Las criadas) y la prometedora Yolanda Vázquez. Texto: Paloma F. Fidalgo / Hamlet · Naves del Español, Matadero · Del 12 de junio al 29 de julio.

COMEDIA NEGRA La dramaturga Tazmin Townsend (El Método Grönholm, Un Dios Salvaje…) suele poner en escena lo que denomina obras to feel good, pensadas íntegramente para hacer reír. Pero la comedia de Jorge Roelas que ahora trae al Fernán Gómez tiene una base de thriller bajo las risas. Ruth Gabriel (Goya por Días contados), Ana Marzoa y Lidia

Navarro interpretan a las protagonistas, tres mujeres dependientes del mismo hombre. El montaje ha sido bastante aplaudido en las ciudades donde ya se ha representado. Texto: PF / Verano · Teatro Fernán Gómez · Del 30 de junio al 29 de julio.

CLÁSICO POPULAR Un verano más, el Teatro Guindalera reestrena una de las comedias de enredo más divertidas de nuestro teatro clásico: La mujer por fuerza, de Tirso de Molina, que algunos críticos han definido como “la cara femenina” de El burlador de Sevilla. En años anteriores, el público recibió muy bien esta versión que dirige José Maya, todo un experto en subir a las tablas piezas del Siglo de Oro (lleva unas treinta). Texto: PF / La mujer por fuerza · Teatro Guindalera · Del 15 de junio al 1 de julio.

EJERCICIO DE SUTILIDAD La compañía La Pajarita de Papel es uno de esos pequeños tesoros escénicos que tenemos la suerte de disfrutar en Madrid. Está cerrando su temporada con

esta sutil obra de Harol Pinter en la que nos adentramos en su simbólico y profundo mundo de las ideas. La acertada sobriedad escénica y el acertado trabajo actoral confieren a la palabra el protagonismo absoluto de esta pieza, ambigua, grave, intensa. El dolor más atroz del ser humano es aquí descrito sin alzar la voz, como la tenue levedad de la luz que se apaga. Texto: Javier Agustí / Cenizas a las cenizas · Teatro de la Puerta Estrecha · Prorrogado hasta el 15 de julio.

MÁS ALLÁ DEL CUPLÉ La siempre solvente compañía Tribueñe reestrena en su sala uno de sus grandes éxitos: el musical Por los ojos de Raquel Meller, sobre los inicios de aquella conocida cupletista española. El director de cabecera de este equipo teatral, Hugo Pérez, es el responsable, nada menos, de la dirección, del interminable vestuario de la protagonista, del libreto, de las coreografías y de la original escenografía, con varios telones y juegos de luces. Texto: PF / Por los ojos de Raquel Meller · Sala Tribueñe · Del 8 al 24 de junio.

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MULTIDISCIPLINAR

CRE-ACCIONES { GRUPO DUENDE }

A MEDIDA En tus manos tienes la más reciente edición de la revista El Duende, que se engloba dentro de la colección de “libros”, y en la que exploramos diversos sectores de la cultura. Primero fue el Libro Rojo de las Artes Escénicas, cuya tercera edición pisará las tablas el próximo mes de octubre, después El Libro Dorado de la Ilustración y ahora este Libro Blanco de la Creación.

Además de esta revista, Grupo Duende lleva a cabo otras muchas acciones, tanto editoriales como de prestación de servicios de diseño, contenidos, comunicación y eventos. Te invitamos a que conozcas nuestras creaciones más recientes.

EL DUENDE TRAS EL TELÓN MICROTEATRO X EL DUENDE Entre el 29 de mayo y el 3 de junio, El Duende se representó en Microteatro por Dinero (Loreto y Chicote, 9) con un gran éxito de crítica y público.

Durante una semana se dieron cita las cinco obras, seleccionadas de entre una grandísima cantidad de propuestas, que arrojaron muy diferentes y personales visiones de sentir el duende.

La unión de esta empresa teatral pionera que ha removido los principios del teatro con un nuevo formato y la revista El Duende, un nuevo formato cultural en el mundo editorial, eran una excusa perfecta para crear un nuevo evento cultural lleno de emociones que fueron desde el surrealismo de Sin ti no soy nada, a la carcajada sin concesiones de Angustias Culturales o Asalto en Navidad pasando por la tensión de La Voz Inhumana o el absurdo de Setas Hongos y Familia.

Autores, guionistas, directores y actores salieron de nuestras habituales páginas para reunirse con El Duende en el escenario como nuevo punto de encuentro. Un lugar donde nada es lo que parece; un microteatro de papel o una revista tras el telón para la crítica. Una nueva experiencia escénica en cualquier caso que nos ha dejado con la miel en los labios.

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EL DUENDE BAILA CON EL ARTE. MEDIO COLABORADOR DE LAS PICNIC SESSIONS Cuando se alejan las nubes, que no los “nubarrones”, el Centro de Arte 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid reabre su terraza por tercer año consecutivo. Las Picnic Sessions, noches de arte y cultura gratis para mentes hambrientas de estímulos, han vuelto bajo el título de “Excesos Abundantes” ofreciendo ración doble de imaginación ante la escasez de recursos generalizada. El Duende, un año más, colabora como medio oficial.

No se puede adivinar si la crisis azuzará la necesidad de los madrileños por disfrutar la cultura de una forma diferente, lo que sí parece es que tras varios años las Picnic ya tienen una imagen de marca diferenciada.

“Creo que lo más especial que se ha conseguido es esa atmósfera que se respira, un espacio que gracias a público y artistas, y a la interacción creada entre ellos, está cargado de sensaciones y emociones muy difíciles de vivir en cualquier otro sitio” nos cuenta Jose Luis Villalobos, uno de los creadores y comisarios del proyecto que cada jueves nos trae las propuestas en formato fiesta de distintos colectivos o artistas.

EL DUENDE Y THE M KRAKEN RUM

CREAMOS EL CATÁLOGOCUADERNO DE NOTAS PARA IE Acaba de terminar de distribuirse a la puerta de distintas universidades un original cuaderno de notas-catálogo creado por Grupo Duende para comunicar los másters y los diferentes proyectos de la prestigiosa escuela IE. Además, también contiene artículos interesantes y hasta un TRIV-ie en el que puedes demostrar tus conocimientos.

Es una edición bilingüe (inglés-español), de cien páginas, con cubiertas soft touch (que da gusto tocar), puntas redondeadas y dos diseños de portada diferentes llevados a cabo por Gregori Saavedra, autor de las cubiertas de este libro, y la ilustradora Nisinino.

La revista El Duende de y n orThe Kraken Rum han ultural ganizado una ruta cultural alasaña por los barrios de Malasaña ntar este y Triball para presentar nuevo ron. Del 28 dee mayo al 10 de junio más de 200 tiendas y didos por la espacios fueron invadidos bestia con eventos y acciones de lminó en una escaparatismo que culminó bía ni un alfiler fiesta en la que no cabía en el Martínez Bar. Con motivo de esta acción El Duendee ha creado un espectacular periódico en tamaño formato sábana que incluyee un enorme póster o, la acción contó con del Kraken. Asimismo, es por los barrios de una pegada de carteles hueca.

Triball, Malasaña y Chueca.

MARKETING DE GUERRILLA PARA LACOSTE L!VE Con motivo de la inauguración de la Flagship Store de Lacoste L!ve en Madrid (Fuencarral, 66) Grupo Duende ha llevado a cabo una acción de street marketing diseñando y creando unos posavasos que, además de ser útiles y bonitos, sirvieron para comunicar la fiesta de presentación que preparaba la marca. Los habrás podido ver y tocar en algunos selectos locales del centro de Madrid.

WWW. DUENDEMAD. COM EL DUENDE 95

Toma nota CREAR JUNTO AL CHEF DE TSUNAMI, DAVID JUÁREZ

MAHOU CINCO ESTRELLAS Terrazas para un verano de vanguardia Durante todo el verano podemos disfrutar de la alianza entre Mahou Cinco Estrellas y el Museo Reina Sofía, en los diferentes espacios del en que han colaborado. Al igual que el año pasado, su Bar terraza de la Glorieta del Emperador Carlos V abre de miércoles a domingo, a partir de las 18 h. Ya en el jardín interior del Edificio Sabatini, el visitante puede saborear una cerveza entre árboles frondosos, fuentes y esculturas pertenecientes a las colecciones del Museo. Por último, la última planta del edificio Jean Nouvel del Museo ofrece un espacio de excepción en el que tomar algo mientras se contemplan las increíbles vistas a los edificios que rodean el Centro de Arte.

Y por si fuera poco, el Espacio Acústico Art Impressions Mahou- situado en el bar-café del Museo (edificio Nouvel) vuelve a acoger actuaciones de la vanguardia musical contemporánea. Próximamente actuarán Bradien & Eduard Escoffet (20 de junio), Nils Frahm (11 de julio), Shigueto (26 de septiembre), Roll the Dice(24 de octubre) y Colin Stetson (15 de noviembre). Todos a las las 20 h. Acceso libre, hasta completar aforo). EDM / Foto: Joaquín Cortés/ Román Lores. Terraza de verano Glorieta Carlos V. 96 EL DUENDE

Asistir a un curso de “sushi para principiantes” impartido por el chef de uno de los restaurantes japoneses con más solera de Madrid, Tsunami, es todo un privilegio.

Sus 31 años de experiencia y dedicación a la cocina japonesa, sus creaciones con toques de fusión e influencia latina y su gran conocimiento de la técnica, además de su espectacular labia y desparpajo hacen de David Juárez un maestro de lujo. Todos los sábados del año de 11 a 14 horas puedes asistir a una de sus clases (máximo grupos de 10) donde conocerás una breve historia de la cocina japonesa, aprenderás los cortes de pescado, degustarás, entre otras muchas cosas, la sopa miso y practicarás la elaboración de los rollos tradicionales y fusión. Reservas de plaza en Tsunami · C/ Caracas, 10 . 91 308 05 69 y 91 319 13 99 · info@restaurantetsunami.com

EL DUENDE REGALA UN CURSO DE COCINA (VALORADO EN 60 EUROS) AL PRIMERO QUE CONTESTE DÓNDE NACIÓ DAVID JUÁREZ. MANDA UN MAIL CON TUS DATOS A CONCURSOTSUNAMI@ DUENDEMAD.COM

MICAH LIDBERG un ilustrador “Unconventional Chic” Su pasión por el diseño, los fenómenos extraños, la naturaleza y los viajes son la fuente de inspiración de este ilustrador estadounidense que colabora ahora con Lacoste L!ve de cara a la temporada otoño / invierno 2012-2013.

Una colección cápsula para hombre y mujer, donde Micah Lidberg refleja su energía y optimismo a través de colores llamativos, movimiento y “cantidad de criaturas absurdas e historias”, en palabras del propio artista.

Asegura haber contado con “muchas joyas de la infancia: dinosaurios, discos voladores, jungla, unicornios…

Reinterpreté la clásica zapatilla Rene con animal prints.

Quería hacer una colección con un genuino espíritu joven. Para mí, ser un adulto no tiene nada que ver con ser mayor. Mayor apenas significa que perdiste el sentido de fascinación”. Un artista impresionado por las criaturas, los entornos y la naturaleza, para quien “Unconventional Chic” significa estar contento y cómodo con quien eres, integrarte y respetar el mundo que te rodea. “Es un equilibrio muy bonito y raro”.

La colección estará disponible desde mediados de julio en tiendas seleccionadas de España. En Madrid, Gallery (Jorge Juan, 38) / www.lacoste.com/live

DIESEL apoya el talento creativo un año más La plataforma creativa International Talent Support, concebida por la agencia EVE, y dedicada a descubrir y apoyar a nuevos talentos creativos de todo el mundo, celebra su undécima edición en Trieste (Italia), el 13 y 14 de julio. La plataforma consiste en tres áreas: ITS Fashion, ITS Accesories e ITS Jewellry, y la marca Diesel colabora un año más (lo hace desde la primera edición en 2002) como principal partner de la categoría ITS Fashion, cuyo premio está dotado con 25.000 € y una beca para trabajar durante seis meses con el equipo creativo de Diesel en su sede de Breganze (Italia). El ganador del premio Fashion Collection of the Year recibirá una dotación de 15.000 € para la creación de una nueva colección, que se mostrará en una desfile organizado por EVE en la edición de ITS de 2013, además de formar parte del jurado del próximo año. Se concederá también el Fashion Special Prize, dotado con 5.000 €.

Los finalistas de cada una de las categorías proporcionarán a la organización una pieza de su colección que pasará a formar parte del ITS Creative Archive, un archivo que ya cuenta con más de 9.000 portfolios, 160 outfits, 80 accesorios y joyas y 630 fotos. Foto: Mark Goldenberg, Fashion finalist / www.itsweb.org EL DUENDE 97

SWING TO WIN Renovación y superación Vivimos en un momento en que replantear nuestra situación es clave para afrontar el presente sin miedo. En el caso de las marcas y las empresas es imprescindible encauzar un proceso de autocrítica, de análisis, de ver qué falla y por qué. Y de puesta en marcha inmediata de las acciones correctoras. Quizá de buscar sinergias y, en todo caso de renovación y superación de trabas y actitudes que impiden a una firma crecer, con eficacia y rapidez.

Crea un festival a tu medida con HEINEKEN ¿Sabes esa sensación de que siempre le falta la guinda a los festivales de música a los que vas? Pues bien, Heineken ha decidido poner remedio a semejante drama a través de la aplicación My Festival. Disponible para Iphone, Android y Windows Phone, la herramienta permite crear un festival a la medida, elegir el diseño del cartel y todos los grupos participantes. La app. genera una playlist automática con las propuestas musicales y las hace públicas. Las listas que más votos acumulen entran en el sorteo de premios, como pases VIP a los grandes festivales internacionales. TG / www.myfestival.es

CASI UN MUSICAL Después de su estreno en los escenarios, la deliciosa pieza pop Casi un musical llega en formato libro-CD para alegría de todos los pequeños (y no tan pequeños) que se han quedado prendados del cuento creado por Blanca Lacasa, Alberto Mate (ambos, Plastic D´Amour) y Puño. Narra las aventuras de Casi. Una niña que pierde un ojo, una nariz y una oreja en sueños y Uy, su fiel amiga imaginaria que la acompaña en el periplo onírico. Entre los músicos que intervienen en el disco están Yuri Méndez (Pájaro Sunrise), Jabier Muguruza, Loquillo o Malcolm Scarpa, entre otros. TG 98 EL DUENDE

El joven proyecto madrileño Swing Estrategia e Innovación está especializado precisamente en elaborar fórmulas y acciones para innovar en los modelos de negocio, como catalizadores del cambio. “Actuamos como un cordón umbilical que une lo nuevo con lo maduro, acompañando en los primeros pasos del proyecto, para que el nuevo producto o servicio crezca sano y fuerte”.

Así lo plantean Daniel Ordax y Gonzalo Osés, impulsores del proyecto, que nos hablan de algunos casos que han llevado a la práctica recientemente: Fundación Hom: “Hemos convertido en un servicio real una filosofía que buscaba el cambio del modelo educativo español. Se trata de ayudar a los profesionales del sector de la formación con nuevas herramientas”.

Apark: “Identificamos sus fortalezas y la clave para formar parte de la cadena de valor de las agencias de turismo. Formando parte de su equipo comercial y desarrollando una estrategia clara y ganadora que les ayude a liderar su sector”.

Artesanía Activa: “Hemos creado una estrategia de mercado que conecta a artesanos con diseñadores emergentes para producir complementos culinarios de éxito comercial”.

Autodesk: “Es la firma creadora del célebre software para arquitectos y diseñadores Autocad. Estamos reconduciendo la comunicación de sus nuevos productos desde el antiguo prescriptor del hábitat (el arquitecto) al actual, la propiedad y los fondos de inversión, anteponiendo la calidad del negocio generado a la cantidad de comunicaciones”.

Isoco: “En tres semanas configuramos, ejecutamos y generamos la actitud del primer encuentro de directores de innovación de multinacionales españolas y la guía ‘acentuando la innovación’, que da pie a futuros encuentros”. www.swingtowin.es / Más info: dordax@swingtowin.es / goses@swingtowin.es

¡SUS CRIB ETE! Están diseñadas para moverte rápidamente por la ciudad y pensadas para que sean fáciles de colgar y acceder a tus cosas, tanto si vas a pie como en bici.

Tienen múltiples detalles como un tarjetero incorporado para entrar en el metro sin mover un dedo, las asas ajustables o detalles en material reflectante…

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Junio 2012

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El Libro Blanco de la Creación

Nº 124