Arte 5G. Innovación en Arte by GrupoHUM337

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Ilustración página anterior Manuel-Fernando Mancera-Martínez Arte 5G ParaLosQueAmanDemasiado Motivo de repetición - Adobe Illustrator CMYK 2021

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Manuel Fernando Mancera Martínez (coord.) SEVILLA 2021

Reservados todos los derechos. Ni la totalidad ni parte de este libro puede reproducirse o transmitirse por ningún procedimiento electrónico o mecánico, incluyendo fotocopia, grabación magnética o cualquier almacenamiento de información y sistema de recuperación, sin permiso escrito de la Editorial. Motivo de cubierta: Innovación en Arte 5G ParaLosQueAmanDemasiado Edición digital de la primera edición impresa de 2021 © ALFALFA XXI C/ Arquitectura 1 - Planta 4, Modulo 12 - 41015 Sevilla © Manuel-Fernando Mancera-Martínez (coord.) 2021 © De los textos, los autores, 2021 ISBNe: 978-84-09-28177-0 Edición bilingüe Diseño de cubierta: Manuel-Fernando Mancera-Martínez Maquetación: Manuel-Fernando Mancera-Martínez Edición digital: ParaLosQueAmanDemasiado

A los que sueñan con vivir diseñando sueños To those who dream of living by designing dreams

TEXTOS TEXTS

Arte 5G llega al Antiqvarivm �� 16 5G Art comes to Antiqvarivm �� 18 A ntonio M uñoz

Arte 5G. Innovación en Arte ��20 5G Art. Innovation in Art ��24 J avier F ito

De SANTA EULALIA a SPIDERMAN a través del rostro del AMOR ��28 From SANTA EULALIA to SPIDERMAN through the face of LOVE ��30 M iguel F ernández M elero

Arte 5G. El arte de vivir y amar ��32 5G Art. The art of living and loving ��40 T irso P riscilo V allecillos

Creando historias ��48 Creating stories ��60 M anuel -F ernando M ancera -M artínez

Biografía / Currículo ��266 por los autores

AUTORES

Eloina Álvarez Murillo �� 76 Ángel Aranda Simón �� 80 María del Rocío Benito Márquez �� 84 David Berrocal González �� 88 Ricardo Calvo Cotán �� 92 Cristina Camacho Sánchez �� 96 Irene Caro Campos �� 100 David Claro Durán �� 104 Gema Climent Camacho �� 108 Rita del Río Rodríguez �� 112 Carlos Alberto Dovao Hidalgo �� 116 Pilar Félix Cárdenas �� 120 Rocío Filiberto Vázquez �� 124 Tamara Flores Muñoz �� 128 Pablo Galindo Serrano �� 132 María José García del Moral �� 136 Sebastián García Garrido �� 140 Laura Garlito Núñez �� 144 Emilio José Garrido Garrido �� 148 David Gómez Zapata �� 152 Juan Dolores González Caballero �� 156 Elena Hermida Medina �� 160 Isabel Herrera González �� 164

Natalia Herrera Pombero �� 172 Andrea Iglesias Lozano �� 176 Pablo Jiménez �� 180 Miguel Ángel Jiménez Mateos �� 184 Manuel Losada López �� 188 Manuel Fernando Mancera Martínez �� 192 María del Mar Martín Llorente �� 196 Andrea Medina Barroso �� 200 María Molero Arrabal �� 204 María Nogues Campanario �� 208 Pepe Núñez Cabral �� 212 Francisco Javier Pérez Carmona �� 216 Ángela Portillo González �� 220 Laura Ramírez Salado �� 224 Jesús Ramos Valencia �� 228 Laura Rastrollo Corbacho �� 232 Paola Román Reyes �� 236 Pepa Ruiz Fernández �� 240 Alexis Sánchez Alonso �� 244 Paco Sánchez Concha �� 248 Ángel Sarmiento Burgos �� 252 Carlos Spínola Romero �� 256 Ana Ufano �� 260

Arte 5G l l e g a

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A n t i q v a r i v m

El Delegado de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla D. Antonio Muñoz, en nombre del Instituto de la cultura y las Artes, agradece a la Universidad Hispalense la constante colaboración en el ámbito artístico en los últimos años. La Facultad de Bellas Artes, situada cerca de la plaza de la Encarnación, se ha convertido en un gran referente cultural de esta colaboración (desde su vicerrectorado de extensión universitaria), en la sede del espacio museológico Antiqvarivm. Son numerosos los proyectos compartidos: las prácticas realizadas por el grado en la sección de arqueología. También exposiciones colectivas de pintura y escultura de varias promociones de profesores y antiguos alumnos de BB.AA (octubre 2019). La colaboración ha continuado con las esculturas de alumnos con trabajos de fin de curso, que ha dado como fruto las dos ediciones de la exposición Bronces de Bellas Artes (2019 y febrero 2020). Proyectos como la restauración del cuadro de gran formato La Virgen de Belén. Reentelado (diciembre 2019). También destacan conferencias y seminarios relacionados con el patrimonio o la arqueología impartidas por profesores de arte de la Universidad de Sevilla. Entre las más recientes sobre diseño gráfico, itinerarios romanos hispalenses o nuevas tendencias (año 2020). En la exposición colectiva “ARTE 5G, INNOVACIÓN EN ARTE”, realizada gracias al notable esfuerzo del Departamento de Dibujo y coordinada por el profesor D. Manuel Mancera, la Facultad de Bellas Artes de Sevilla nos trae el fascinante mundo de las nuevas tecnologías. El Arte, en el campo de la investigación universitaria, relacionado con la Innovación. Una exposición en la que profesores y alumnos trabajan sobre este importante campo profesional. Parten de las manifestaciones artísticas del presente para construir y abrir camino a las formas del futuro. Antonio Muñoz Delegado de Cultura. Ayuntamiento de Sevilla

5G Art co m es

A ntiqvariv m

The Delegate of Culture of the City Council of Seville, Mr. Antonio Muñoz, on behalf of the Institute of Culture and the Arts, thanks the Universidad Hispalense for its constant collaboration in the artistic field in recent years. The Faculty of Fine Arts, located near the Plaza de la Encarnación, has become a great cultural reference of this collaboration (from its vice-rectorate of university extension), in the headquarters of the museum space Antiqvarivm. Numerous projects have been shared: the internships carried out by the undergraduate students in the archaeology section. Also group exhibitions of painting and sculpture of several promotions of teachers and alumni of BB.AA (October 2019). The collaboration has continued with the sculptures of students with end-of-course works, which has resulted in the two editions of the exhibition Bronces de Bellas Artes (2019 and February 2020). Projects such as the restoration of the large-format painting The Virgin of Bethlehem. Reentelado (December 2019). Also noteworthy are conferences and seminars related to heritage or archeology given by art professors from the University of Seville. Among the most recent ones on graphic design, Seville’s Roman itineraries or new trends (year 2020). In the collective exhibition “ARTE 5G, INNOVACIÓN EN ARTE” (5G ART, INNOVATION IN ART), carried out thanks to the remarkable effort of the Department of Drawing and coordinated by Professor Manuel Mancera, the Faculty of Fine Arts of Seville brings us the fascinating world of new technologies. Art, in the field of university research, related to Innovation. An exhibition in which teachers and students work on this important professional field. They start from the artistic manifestations of the present to build and open the way to the forms of the future. Antonio Muñoz

Delegate of Culture. Seville City Council

Arte 5G I n n o v a c i ó n

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A r t e

Exposición colectiva que supone la colaboración entre la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla y el Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla. Está compuesta por 47 obras (11 esculturas y 36 obras gráficas: pintura, grabado, arte digital, etc), concebidas en el Proyecto de Innovación Docente subvencionado por el 3er Plan Propio de la Universidad Hispalense. En él se recogen distintas propuestas relativas a la transversalidad y la aplicación de las nuevas tecnologías para el desarrollo o gestión de la obra en cualquier fase de su proceso creativo. Coordinador/Comisario: Manuel Fernando Mancera Martínez. Responsable del grupo de investigación HUM337. Han desarrollado su trabajo dentro de 5 grupos de investigación, denominados: HUM337: Arte Plástico, Secuencial, Experimental de Estampación y Nuevas Tecnologías. Teoría y Praxis HUM576: Lenguaje Visual y Diseño Aplicado HUM467: Materiales y Técnicas Artísticas HUM749: Nuevos Materiales y Procedimientos Escultóricos HUM814: Dibujo: Conceptos, Procesos y Proyectos Los autores participantes son (*Profesorado): Eloina Álvarez Murillo, Ángel Aranda Simón, María del Rocío Benito Márquez, David Berrocal González, Ricardo Calvo Cotán, Cristina Camacho Sánchez, Irene Caro Campos, David Claro Durán, *Gema Climent Camacho, *Rita del Río Rodríguez, Carlos Alberto

22 Dovao, Pilar Félix Cárdenas, Rocío Filiberto Vázquez, Tamara Flores Muñoz, Pablo Galindo Serrano, *María José García del Moral, *Sebastián García Garrido, Laura Garlito Nuñez, Emilio José Garrido Garrido, David Gómez Zapata, Juan D González Caballero, Elena Hermida Medina, Isabel Herrera González, Natalia Herrera Pombero, Andrea Iglesias Lozano, Pablo Jiménez, *Miguel Ángel Jiménez Mateos, *Manuel Losada López *Manuel Fernando Mancera Martínez, María del Mar Martín Llorente, Andrea Medina Barroso, María Molero Arrabal, María Nogues Campanario, Pepe Nuñez Cabral, Fco Javier Pérez Carmona, Ángela Portillo González, Laura Ramírez Salado, Jesús Ramos Valencia, Laura Rastrollo Corbacho, Paola Román Reyes, Pepa Ruiz Fernández, Alexis Sánchez Alonso, *Paco Sánchez Concha, Ángel Sarmiento Burgos, *Carlos Spínola Romero, Ana Ufano.

Javier Fito

Coordinación Antiqvarivm

Instituto de la Cultura y las Artes Ayuntamiento de Sevilla

5G Art

I n n o v a t i o n

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Collective exhibition that represents the collaboration between the Faculty of Fine Arts of the University of Seville and the Institute of Culture and Arts of the City of Seville. It consists of 47 works (11 sculptures and 36 graphic works: painting, engraving, digital art, etc.), conceived in the Teaching Innovation Project funded by the 3rd Plan of the University of Seville. It gathers different proposals related to transversality and the application of new technologies for the development or management of the work in any phase of its creative process. Coordinator/Commissioner: Manuel Fernando Mancera Martínez. Head of the HUM337 research group. They have developed their work within 5 research groups, called: HUM337: Plastic Art, Sequential, Experimental Printmaking and New Technologies. Theory and Praxis HUM576: Visual Language and Applied Design. HUM467: Materials and Artistic Techniques HUM749: New Materials and Sculptural Procedures. HUM814: Drawing: Concepts, Processes and Projects The participating authors are (*Faculty): Eloina Álvarez Murillo, Ángel Aranda Simón, María del Rocío Benito Márquez, David Berrocal González, Ricardo Calvo Cotán, Cristina Camacho Sánchez, Irene Caro Campos, David Claro Durán, *Gema Climent Camacho, *Rita del Río Rodríguez, Carlos Alberto Dovao, Pilar Félix Cárdenas, Rocío Filiberto Vázquez, Tamara Flo-

26 res Muñoz, Pablo Galindo Serrano, *María José García del Moral, *Sebastián García Garrido, Laura Garlito Nuñez, Emilio José Garrido Garrido, David Gómez Zapata, Juan D González Caballero, Elena Hermida Medina, Isabel Herrera González, Natalia Herrera Pombero, Andrea Iglesias Lozano, Pablo Jiménez, *Miguel Ángel Jiménez Mateos, *Manuel Losada López *Manuel Fernando Mancera Martínez, María del Mar Martín Llorente, Andrea Medina Barroso, María Molero Arrabal, María Nogues Campanario, Pepe Nuñez Cabral, Fco Javier Pérez Carmona, Ángela Portillo González, Laura Ramírez Salado, Jesús Ramos Valencia, Laura Rastrollo Corbacho, Paola Román Reyes, Pepa Ruiz Fernández, Alexis Sánchez Alonso, *Paco Sánchez Concha, Ángel Sarmiento Burgos, *Carlos Spínola Romero, Ana Ufano.

Javier Fito

Coordination Antiqvarivm Institute of Culture and Arts Seville City Council

De Santa Eulaliaa Spiderman a través del rostro del AMOR

Un encuentro entre el arte y la tecnología 5g... un gran trabajo de cinco grupos multidisciplinares, con algo en común..., un profundo amor al arte, ...así es esta exposición que del 23 de febrero al 14 de marzo se celebrará en Sevilla en la sala Antiqvarivm, aledaña a la facultad de Bellas Artes, en pleno corazón de la ciudad y en lo más profundo de su historia. Es una creación de “los que sueñan con vivir diseñando sueños”, y dirigido al espectador que disfruta del arte en su más amplio sentido, dirigido a los que no ponen riendas ni acotan, dirigido a los que creen que el ARTE es una expresión del alma... que a veces surge y que, como algo inmortal e incorpóreo, no se puede encasillar, ni preestablecer su forma. Es un intento por evolucionar, para que recojan el testigo y que continúe la carrera, ...en un mal momento..., pero es en los malos momentos donde el hombre se repone, donde la inteligencia brilla y donde se resurge y renace. ARTE inmortal, digno de ser expuesto y admirado. Miguel Fernández Melero Director de Alfalfa XXI

FromSanta Eulaliato Spiderman through the face of LOVE

An encounter between Arts and 5G Technology ... a fantastic job from five multidisciplinary groups, with something in common ..., a deep love for Arts, ... this exhibition will take place in the Antiqvarivm of sevilla from the 23rd February to 14th March, next to Arts College, in the heart of the city and in close contact with its history. It is a creation of “those who dream of living by designing dreams”, and addressed to the spectator who enjoys art in a hroad sense, to those who do not put reins or delimit, addressed to those who believe that ART is an expression of the soul... that sometimes emerges and as something immortal and incorporeal cant be classified or its from preestablished. It is an attempt to evolve, to pick up the baton and to continue the race, ...in a bad moment..., but it is in bad moments where man recovers, where intelligence shines and where he resurges and is reborn. Immortal ART, worthy of being exhibited and admired. Miguel Fernández Melero Director of Alfalfa XXI

Arte 5G

El arte de vivir y amar El artista

Una exposición que se llame así, Arte 5G, tiene que ser moderna... ¡No digas nada!, quiero averiguarlo por mí mismo, como cuando mi padre pelaba una naranja y yo atendía la dirección del corte para adivinar qué figura había esculpido. Arte 5G es un título sugerente, actual, moderno... Me viene a la cabeza un router: su mirada de estrella, las manos inmóviles ofreciendo los rincones del mundo como niño que alimenta palomas. ¡No me mires así!, es la imagen que me viene a la cabeza. La cabeza es como un puerto, y la mía, en concreto, como un puerto clandestino. Más tarde me cuentas lo que desees..., pero ahora quiero entrar solo y descargar los containers del tiempo. De todas las manifestaciones humanas quizás sea en el arte donde se establezca una distancia mayor entre nosotros, entre tú y yo, artista y espectador. Esta distancia está marcada por el conocimiento de los distintos elementos que configuran los lenguajes. Esta distancia concede poder. Yo, en una ocasión, fui poder. Déjame que te cuente que evalué las pruebas de acceso a la Escuela de Arte donde impartía lengua. En uno de los exámenes un aspirante comparaba una pieza escultórica con un mojón de carretera. Y añadió: “no me gusta nada, me pone triste ahí sola”. Pasó la prueba, luego sabrás por qué. No me mires así, te lo prohíbo: tu mirada esculpe algo maravilloso que no puedo sujetar… El poder y la voz van de la mano. Es fácil distorsionar la voz. Durante un cambio de escenografía en el Teatro Central, entre los escaparates rotos de mis pupilas, tras el acto vandálico de la vida que acababa de presenciar, un grupito osó intermediar con su voz en nuestra mirada. “Es totalmente Chagall, sí sí, Chagall”, repetían; “Y el Bosco, ¡ah, el Bosco!”; “Y es surrealismo, ¡oh, sí, puro surrealismo!”; “También está la Pietá..., sí tía, la Pietá también está”. En aquel escenario devastado de las emociones, la única preocupación de aquellos jóvenes era repetir consignas memorizadas, metralla articulada de los legionarios incondicionales del arte. Esa es la distancia de la que te hablo. Hubiera preferido “es un mojón de carretera”, como imagen de esa soledad fría y dura que nos había sepultado en la sala, mucho más de centro neurálgico

34 de lo artístico, que esas palabras superficiales de zona residencial, que buscaban, como yonkis, un poco de poder. El arte es artilugio, es uno de los artilugios que nos hacen humanos. Un lenguaje ad hoc impregnado, poseído, preñado y fecundado por hombres y mujeres. Fue en ese mismo teatro donde escuché, en boca de un personaje, algo que cobra sentido en esta conversación: ¿Por qué los hombres hablan tan poco de lo que solo pueden hablar los hombres? Y yo te pregunto, ¿por qué hablamos tan poco de arte? Porque tenemos miedo. Tenemos miedo a que nos repriman, somos ese chimpancé detrás de unos barrotes. ¿Que de qué chimpancé hablo? Te avanzo que la diferencia entre ese chimpancé y nosotros es que él no teme a sus iguales. Por eso la gente no habla de arte, por miedo. Por miedo a los que utilizan su poder para imponer una mirada, o engañar, o promocionar a sus allegados o ningunear a quien carece de los instrumentos específicos para entender lo que solo ellos entienden. Por eso le puse un seis a aquel chico, porque dio el primer paso: el de no tener miedo. El miedo es distancia. El padre El padre es la autoridad. Mi padre siempre sonreía, su sonrisa era como un día de puertas abiertas en el Prado. ¿Acaso eso no es también arte? Sé que vosotros los artistas disponéis de unos instrumentos que para el resto suenan a lengua asiática. Imagino que también vosotros contempláis las palabras de aquellos que ejercen cierta autoridad, a veces mal adquirida por una posición de poder… Algo parecido ocurre en literatura. Mi padre nunca usó el poder que tenía, pero sí se ganó la autoridad. Y en arte o en literatura, mucho me temo que el juego que se produce entre ambas puede ser peligroso: Hacer crítica es construir con hechos ajenos (salvo para algunos críticos que pretenden hacerlo con sus propios deshechos). No sé si entiendes lo que quiero decir. El arte no debería de estar en la boca de nadie, salvo en la tuya. La autoridad puede establecer qué es o no arte, pero nunca podrá controlar lo que se pueda o no sentir. Desconozco si también te sucede... personas que te zarandean solo con su presencia, convierten tu cuerpo en ropa tendida justo en el ojo del huracán. El arte también nos puede sacudir violentamente y, casi con seguridad, tengamos que agarrarnos con nuestros propios ojos al no tener a mano palabras ajenas. El arte

35 no debería de estar en la boca de nadie, sino en la mirada. Todos podemos descifrar las guerras que se inician en las entrañas, esquivar el plomo del color, soportar la embestida de la forma, levantar trincheras con haces de luz... No interpretes en estas palabras mi desinterés por la geografía de ese lugar llamado arte: los diferentes elementos que lo componen, las reglas y los pactos que se establecen entre ellos. Lo que quiero decir es que gran parte del conocimiento para la vida o para el arte, se adquiere desde la cuna. Otra parte exige un esfuerzo, una táctica, como la que he utilizado yo para que me invites a esta exposición. ¿Pero de qué te ríes? A ver si piensas que estamos aquí por azar. Aquí, en estos músculos que ves tensarse hay mucho estudio anatómico. La poesía es un tipo de selfie de moda que no convierte ni en fotógrafo ni en poeta. Puede que suceda lo mismo en arte. Vas a casa de un tío a las tres de la mañana... señala un par de cuadros, se hincha como un pez globo, y te lo suelta, te dice que son suyos, que pinta abstracto. Siempre desconfío del que dice que pinta abstracto... Me recuerda al que escribe como quiere para justificar que no sabe escribir o al que no puede resolver una trama y acude al recurso final de que todo fue un sueño. Dime ahora, en este momento, si debo confiar en ti. Me has invitado a esta exposición, pero yo necesito saber que me estás engañando. Yo me sentaba a jugar en la mesa camilla mientras mi padre hacía moscas para la pesca. Y, un día, aburrido, me puse a coser. No tuve que ser valiente porque mi padre nunca opuso resistencia. Sin embargo, todavía hay quien tiene miedo en las manos y en la mirada. Lo que te quiero decir es que me dejes entrar solo. Tengo la actitud idónea para hacerlo. Mi padre era la autoridad. Él me impuso la sonrisa. La sonrisa mueve unos engranajes que despliegan lentes como las de los instrumentos de optometría. De esta manera, mi padre me impuso la mirada predispuesta. Mi padre también tenía una caligrafía excelente; de él aprendí a cuidar las palabras: él las cuidaba por fuera, yo lo hago por dentro. La madre Vivimos secuestrados desde que nacemos. Desde que nacemos atan nuestros brazos con papel de celofán la abundancia obstruye cualquier tipo de orificio y manos protectoras ciegan nuestros ojos intuyendo un terror que además crean. Y a pesar de esto, exigen que

36 entendamos el mundo; hay, incluso, quien pretende que cambiemos el mundo. Te digo esto y a la vez presumo de no sentirme así: mi madre me parió de pie, como a un potro, lamió mis heridas, solo lo necesario; cuando me templaban las piernas y estaba a punto de caer, mi madre me daba una pequeña patada para recuperar el equilibrio. Mi madre me dejó en medio del mundo. Antes de que yo naciera mi madre fue a Francia a cuidar de un hermano enfermo. Sin estudios, sin idiomas. Nadie la esperaba en la estación. Llevaba en un papel una dirección apuntada… Y llegó: lo hizo sola. Así es como quiero entrar en esta exposición: solo. Por eso le puse un seis a aquel estudiante: entró solo, y se enfrentó, solo con su experiencia, a aquella escultura. No podía decir cosas como es Rodin, completamente Rodin, ni siquiera quiso agradarme con adjetivos de segunda mano. Se limitó a comparar lo que veía con la realidad que dominaba: un mojón de carretera en medio de la soledad de la existencia. Ese alumno merecía pasar la prueba y conocer a Rodin y el lenguaje de sus manos. De aquellas sobremesas guardo un recuerdo: mi madre haciendo pestiños. En aquel momento soy pequeño como un ingrediente y mi mirada cae sobre ella desde mis ojitos de ajonjolí. Mi madre se pone el delantal: se anuncia cualquier acto de creación ¿costumbrismo o misticismo? Abre los brazos y se despeja la mesa del patio, coge a puñados los ingredientes, el tiempo se detiene y, de repente, pega un salto, ya es media tarde y sobre la madera, como figuras de barro fresco, se alinean decenas de pestiños. Técnica: frito al óleo, lacado en almíbar. Soporte: plato Duralex. Dime, ¿qué diferencia hay entre mi madre y una ceramista? En ella hay algo sutil y a la vez tajante que determinará, sin ninguna duda, mis gustos estéticos: las formas, los colores, las texturas adheridas a las yemas de mis dedos de almíbar. Cuando se enfrían yo los reparto por todas las puertas del edificio. Mi madre tiene autoridad, como mi padre. También la recuerdo pisando la máquina de coser por debajo de la mesa. La máquina protesta y tira de la tela como hace con la sábana el amante enfadado. Las manos de mi madre acompañan el tejido y al final consigue amansarlo. Entonces la máquina calla. Mi madre tiene una capacidad especial para amansar fieras.

37 Ya en el sur, mi madre hace migas, la espátula de hierro blande la sartén. La luz, como de Anunciación, entra por la chapa del patio, pero parece escapar hacia arriba; la vegetación arrojada por cubos sobre las paredes, delantal de loneta, zapatillas de pobre, cara de pobre, vida de pobre… el crepitar del fuego en su mirada, la sonrisa cansada pero siempre del día, como el pan, y el brazo, presionando la rasera, arrastra uno a uno los problemas de la vida. Dime que eso no es arte, Mujer haciendo migas, dime que no la puedes imaginar entre los dorados marcos de la historia, después de hablar con La lechera de Vermeer, o con la Vieja friendo huevos, de Velázquez, que cómo han subido los precios, que luego te llevo unos pestiños, que no mujer, que todavía tengo mantequilla del último día y mañana, en cuando limpie el marco, te traigo huevos frescos. Mi madre siempre tiene las llaves de la casa puestas por fuera. El hijo No sé si has leído Lolita… El caso es que Wladimir Nabokov confesó que el primer latido de su novela fue provocado por un relato periodístico sobre un chimpancé en el Jardin des Plantes de París. Un científico había incitado reiteradamente al primate para que hiciera el primer dibujo obra de un animal. En este punto te tengo que preguntar si el arte es solo una manifestación humana dotada, además, de una determinada intención. Situémonos en este momento y en este lugar... ¿cuáles son tus intenciones? ¿Puede una persona modelar a otra? Estoy convencido de que la belleza de las personas es total porque en ellas se concentran todas las manifestaciones de la belleza. Ignoro cómo explicarlo, pero siento la embestida de tus ojos dando forma a no sé qué arcillas; los siento remover algo allí donde nunca he podido mirar. ¿Y sabes qué dibujó el chimpancé? Los barrotes de su jaula. Piénsalo, ¿no crees que las personas hacemos precisamente eso, utilizar el arte para mostrar nuestros propios barrotes? El canario se compadece del hombre por llevar la jaula dentro de la cabeza. ¿Es el arte una forma de romper esta jaula? ¿Romperla o abrillantarla? El arte es un viaje de ida y vuelta: la vida nos da el arte y el arte nos da la vida. No te rías, tómate en serio lo que te dice este pueblerino. La técnica ya estaba en las manos de mis padres... en sus movimientos nacía la precisión, la agilidad, la determinación artística. En aquellas manos

38 se había comenzado a escribir este texto, en ellas hallé la fuerza con la que amenazo este espacio que nos aleja... para caminar por El jardín de las delicias que se esconde en tus ojos, en cuanto aparte con mi aliento tus pestañas. Mis padres me soltaron al mundo como a un potro: no me ofrecieron el mundo, se limitaron a ponerlo ante mis ojos y justo en ese momento comenzó a gestarse mi mirada, una de las características más importantes, esenciales e indiscutibles del arte. Perdona que siga apostando por la mirada, sobre todo por tu mirada. Nuestros ojos son como máquinas de envasado, lo que entra por las cuencas queda envuelto en la mirada. En ese filtro plástico aún permanecen restos frescos de la casquería humana, expuestos al lento paso de las puestas de sol. Todo recae en la mirada, poco importa el objeto y menos aún la voz. Tú y yo ahora podríamos besarnos con intención estética en medio de esta plaza, convertir mi lengua en la clave del arco de tu boca, una cámara de ojos variopintos girando alrededor... ser la gárgola que te achique a chorros... Hay mucha intención puesta en este beso. No sé si has pensado que la vida es un acto de creación, el más complejo acto de creación; asistimos a él, somos parte de él y, sin embargo, no la contemplamos con los mismos ojos con los que miramos el arte, estos mismos ojos con los que ahora yo te miro. No te rías. Cuando te vi por primera vez me dieron ganas de suicidarme en tu boca y aquí estoy, disertando como si fuese un hombre cuerdo. Si ahora nos besáramos, si ahora tú y yo nos besábamos..., pero un beso de los de estallar barrotes… ¿Puede haber en un beso intención estética? Tú que sabes del tema... se me ocurre que podías besarme y comprobarlo. Voy a entrar a esta exposición con la mirada del hijo, del que pone la mano para recibir un pedazo de mundo. Me dejaré llevar como he hecho cuando apareciste hace unos minutos: arrodillándome al engranaje de tus piernas... atraen hacia mí ciudades desconocidas, caballo de Troya del deseo... ¿con que táctica me pretendes destruir? Si ya me rendí en el preciso momento en que nos conocimos. Aun así, me he esforzado en recoger una a una las piedras de este templo; conozco cada uno de los caminos, de las historias del mundo, desde los personajes mitológicos a las sombras oscuras de los cuartos oscuros: cargo en mis espaldas haces de brazos con los que levanté hogueras sobre mares de sábanas: tengo la mirada de la carne.

39 Anda, entra conmigo en la exposición, ayúdame a iluminar la sala: es cierto que nadie puede enseñar a amar, pero también lo es que no ha habido nadie que haya aprendido a amar solo. Entra conmigo y caminaré bajo el trabajo impecable de tus ojos, que escriben la luz en caligrafía perfecta, como de persiana. Y ahora calla, que voy a pronunciar las palabras que preceden a cada uno de mis libros y que certifican todo lo que hasta ahora he dicho: A mis padres, con el pudor de ofrecerles algo que desde siempre les ha pertenecido.

Tirso Priscilo Vallecillos

Escritor

5G Art The art of living and loving

The artist An exhibition that is called Art 5G has to be modern... Don’t say anything, I want to find out for myself, like when my father peeled an orange and I watched the direction of the cut to guess which figure he had sculpted. Art 5G is a suggestive title, current, modern? A router comes to mind: his star-like gaze, his hands still offering the corners of the world like a child feeding pigeons. Don’t look at me like that, that’s the image that comes to mind. The head is like a port, and mine, in particular, like a clandestine port. Tell me later what you want..., but now I want to go in alone and unload the containers of time. Of all human manifestations, it is perhaps in art where the greatest distance is established between us, between you and me, artist and spectator. This distance is marked by the knowledge of the different elements that make up the languages. This distance grants power. I, on one occasion, was power. Let me tell you that I evaluated the entrance exams to the Art School where I taught language. In one of the exams an applicant compared a piece of sculpture with a road marker. And he added: “I don’t like it at all, it makes me sad there alone”. He passed the test, you’ll know why later. Don’t look at me like that, I forbid you: your gaze sculpts something marvelous that I cannot hold... Power and voice go hand in hand. It is easy to distort the voice. During a change of scenery at the Central Theater, among the broken windows of my pupils, after the vandalic act of life I had just witnessed, a little group dared to intercede with their voice in our gaze. “It’s totally Chagall, yes yes yes, Chagall”, they repeated; “And Bosch, ah, Bosch!”; “And it’s surrealism, oh yes, pure surrealism!”; “There’s also the Pieta..., yes aunt, the Pieta is there too”. In that devastated scenario of emotions, the only concern of those young people was to repeat memorized slogans, articulated shrapnel of the unconditional legionaries of art. That is the distance I am talking about. I would have preferred “it’s a roadside cairn”, as an image of that cold and hard loneliness that had buried us in the hall, much more of a nerve

42 center of the artistic, than those superficial words of the residential area, which sought, like junkies, a bit of power. Art is a device, it is one of the devices that make us human. An ad hoc language impregnated, possessed, impregnated and fertilized by men and women. It was in that same theater where I heard, in the mouth of a character, something that makes sense in this conversation: Why do men speak so little of what only men can speak? And I ask you, why do we talk so little about art? Because we are afraid. We are afraid of being repressed, we are that chimpanzee behind bars. What chimpanzee am I talking about? I’ll tell you that the difference between that chimpanzee and us is that he is not afraid of his peers. That’s why people don’t talk about art, out of fear. Out of fear of those who use their power to impose a look, or to deceive, or to promote their close ones, or to ignore those who lack the specific instruments to understand what only they understand. That is why I gave that boy a six, because he took the first step: that of not being afraid. Fear is distance. The father The father is the authority. My father always smiled, his smile was like an open day at the Prado. Isn’t that also art? I know that you artists have instruments that sound like an Asian language to the rest of us. I imagine that you also contemplate the words of those who exercise a certain authority, sometimes ill-acquired by a position of power... Something similar happens in literature. My father never used the power he had, but he did gain authority. And in art or in literature, I am afraid that the game that takes place between the two can be dangerous: To criticize is to build with other people’s facts (except for some critics who pretend to do it with their own waste). I don’t know if you understand what I mean. Art should not be in anyone’s mouth, except yours. Authority can establish what is or is not art, but it can never control what you may or may not feel. I don’t know if it also happens to you... people who shake you just by their presence, turn your body into clothes lying right in the eye of the hurricane. Art can also shake us violently and, almost certainly, we have to hold on with our own eyes when we don’t have other people’s words at hand. Art should not be in anyone’s mouth, but in the eye. We can all decipher the wars that

43 start in the entrails, dodge the lead of color, withstand the onslaught of form, raise trenches with beams of light ... Do not interpret in these words my disinterest in the geography of that place called art: the different elements that compose it, the rules and the pacts that are established between them. What I mean is that much of the knowledge for life or for art is acquired from the cradle. Another part requires an effort, a tactic, like the one I used to get you to invite me to this exhibition. But why are you laughing? Let’s see if you think we are here by chance. Here, in these muscles that you see tensing, there is a lot of anatomical study. Poetry is a kind of fashionable selfie that makes neither a photographer nor a poet. It may be the same in art. You go to a guy’s house at three o’clock in the morning... he points to a couple of paintings, swells up like a puffer fish, and lets you go, tells you they are his, that he paints abstract. I am always suspicious of those who say they paint abstract.... It reminds me of those who write as they want to justify that they don’t know how to write, or those who can’t solve a plot and resort to the final resource that it was all a dream. Tell me now, at this moment, if I should trust you. You have invited me to this exhibition, but I need to know that you are deceiving me. I used to sit and play on the table while my father made flies for fishing. And, one day, bored, I started sewing. I didn’t have to be brave because my father never put up any resistance. However, there are still those who have fear in their hands and in their eyes. What I want to tell you is to let me go in alone. I have the right attitude to do it. My father was the authority. He imposed the smile on me. The smile moves gears that unfold lenses like those of optometry instruments. In this way, my father imposed the predisposed gaze on me. My father also had an excellent calligraphy; from him I learned to take care of words: he took care of them on the outside, I take care of them on the inside. The mother We live kidnapped from the moment we are born. From the moment we are born, our arms are tied with cellophane paper, abundance obstructs any kind of orifice and protective hands blind our eyes, sensing a terror that they also create. And in spite of this, they demand

44 that we understand the world; there are even those who pretend that we should change the world. I tell you this and at the same time I presume not to feel this way: my mother gave birth to me standing up, like a foal, she licked my wounds, only as much as necessary; when my legs were hardened and I was about to fall, my mother would give me a little kick to regain my balance. My mother left me in the middle of the world. Before I was born, my mother went to France to take care of a sick brother. No studies, no languages. No one was waiting for her at the station. She had an address written down on a piece of paper... And she arrived: she did it alone. That’s how I want to enter this exhibition: alone. That’s why I gave that student a six: he entered alone, and he faced, alone with his experience, that sculpture. He couldn’t say things like it’s Rodin, completely Rodin, he didn’t even want to please me with second-hand adjectives. He limited himself to comparing what he saw with the reality he mastered: a roadside cairn in the middle of the loneliness of existence. That student deserved to pass the test and get to know Rodin and the language of his hands. From those after-dinner meals I keep a memory: my mother making pestiños. At that moment I am as small as an ingredient and my gaze falls on her from my little sesame eyes. My mother puts on her apron: any act of creation is announced: custom or mysticism? She opens her arms and clears the patio table, picks up the ingredients by handfuls, time stops and, suddenly, she jumps, it is already mid-afternoon and on the wood, like fresh clay figures, dozens of pestiños are lined up. Technique: fried in oil, lacquered in syrup. Support: Duralex plate. Tell me, what is the difference between my mother and a ceramist? In her there is something subtle and at the same time decisive that will determine, without any doubt, my aesthetic tastes: the shapes, the colors, the textures adhered to the fingertips of my syrupy fingers. When they get cold I hand them out through all the doors of the building. My mother has authority, like my father. I also remember her stepping on the sewing machine under the table. The machine protests and pulls the fabric as an angry lover does with the sheet. My mother’s hands accompany the fabric and in the end she manages to tame it. Then the machine falls silent. My mother has a special ability to tame wild beasts.

45 Already in the south, my mother makes crumbs, the iron spatula wields the frying pan. The light, as of Annunciation, enters through the sheet metal of the patio, but seems to escape upwards; vegetation thrown by buckets on the walls, canvas apron, poor slippers, poor face, poor life... the crackling of the fire in her eyes, the tired smile but always of the day, like bread, and the arm, pressing the scraper, drags one by one the problems of life. Tell me that’s not art, Woman making crumbs, tell me you can’t imagine her among the golden frames of history, after talking to Vermeer’s The Milkmaid, or Velázquez’s Old Woman frying eggs, that how prices have gone up, that later I’ll bring you some pestiños, that no woman, that I still have butter from the last day and tomorrow, when I clean the frame, I’ll bring you fresh eggs. My mother always has the keys to the house on the outside. The son I don’t know if you have read Lolita... The fact is that Wladimir Nabokov confessed that the first heartbeat of his novel was provoked by a newspaper story about a chimpanzee in the Jardin des Plantes in Paris. A scientist had repeatedly goaded the primate into making the first drawing by an animal. At this point I have to ask you if art is only a human manifestation endowed, in addition, with a certain intention. Let’s place ourselves in this moment and in this place... what are your intentions? What are your intentions? Can one person model another? I am convinced that the beauty of people is total because all the manifestations of beauty are concentrated in them. I don’t know how to explain it, but I feel the onslaught of your eyes shaping I don’t know what clays; I feel them removing something where I have never been able to look. And do you know what the chimpanzee drew? The bars of his cage. Think about it, don’t you think people do just that, use art to show our own bars? The canary pities the man for carrying the cage inside his head. Is art a way to break this cage? To break it or to brighten it? Art is a round trip: life gives us art and art gives us life. Don’t laugh, take what this country boy tells you seriously. The technique was already in the hands of my parents... in their movements was born the precision, the agility, the artistic determination. In those hands I had begun to write this text, in them I found the strength with which I threaten this space that takes us away... to walk through The garden

46 of delights that hides in your eyes, as soon as I move my eyelashes away with my breath. My parents released me into the world like a foal: they did not offer me the world, they just put it in front of my eyes and right at that moment my gaze began to develop, one of the most important, essential and indisputable characteristics of art. Forgive me for continuing to bet on the gaze, especially your gaze. Our eyes are like packaging machines, what enters through the eye sockets remains wrapped in our gaze. In that plastic filter there are still fresh remains of the human flesh, exposed to the slow passing of the sunsets. Everything falls on the gaze, the object matters little, and even less the voice. You and I could now kiss with aesthetic intention in the middle of this square, turn my tongue into the keystone of the arch of your mouth, a camera of colorful eyes spinning around... be the gargoyle that shrinks you in spurts... There is a lot of intention put into this kiss. I don’t know if you have thought that life is an act of creation, the most complex act of creation; we attend it, we are part of it and yet we do not contemplate it with the same eyes with which we look at art, these same eyes with which I now look at you. Don’t laugh. When I saw you for the first time I felt like committing suicide in your mouth and here I am, disserting as if I were a sane man. If we were to kiss now, if you and I were to kiss now..., but a kiss that would burst bars... Can there be aesthetic intention in a kiss? You who know about it... it occurs to me that you could kiss me and check it out. I will enter this exhibition with the gaze of a son, of one who puts his hand out to receive a piece of the world. I will let myself go as I did when you appeared a few minutes ago: kneeling at the gears of your legs... they attract towards me unknown cities, Trojan horse of desire... with what tactic do you intend to destroy me? If I already surrendered at the very moment we met. Even so, I have striven to pick up one by one the stones of this temple; I know each of the paths, the stories of the world, from the mythological characters to the dark shadows of the dark rooms; I carry on my back bundles of arms with which I raised bonfires over seas of sheets: I have the gaze of the flesh. Come, come with me into the exhibition, help me to illuminate the room: it is true that no one can teach how to love, but it is also true

47 that no one has ever learned to love alone. Enter with me and I will walk under the impeccable work of your eyes, which write the light in perfect calligraphy, like a shutter. And now be quiet, I am going to pronounce the words that precede each of my books and that certify everything I have said so far: To my parents, with the modesty of offering them something that has always belonged to them.

Tirso Priscilo Vallecillos

Writer

Creando h

El trabajo que presentamos en esta publicación es el colofón a un proceso de investigación que ha sido subvencionado por el 3er Plan Propio de Docencia de la Universidad de Sevilla en la Convocatoria de Apoyo a la Coordinación e Innovación Docente (ref. 1.2.3 modalidad B – convocatoria 2019-2020), denominado Modelos ABP (Aprendizaje Basado en Proyectos) y DT (Design Thinking) aplicados a la innovación docente en las Bellas Artes. El aprendizaje basado en proyectos (ABP) construido desde el revolucionario Design Thinking (DT) gestiona el aprendizaje desde una formalización de producto enfocado a la demanda social. Profesionalizando y generando valor emprendedor como referente en las distintas actuaciones teórico-prácticas que puntualmente se desarrollan. El máximo valor entendido en el producto viene refrendado por el proceso propio de identificación del modelo: 1.- Fase de experiencia del usuario investigando en la comprensión, observación y definición del proyecto. 2.- Fase creativa, destinada a definir el producto, ideación del referente y prototipado del mismo. 3.- Fase de selección, construyendo desde el prototipo un modelo evaluable o de testeo 4.- Fase de diseño y ejecución, que proyecta desde el resultado del testeo una implementación de los parámetros hacia el producto definitivo. Esto en el ámbito artístico requiere de una adecuación de los distintos materiales y plataformas de aprendizaje para enfocar las destrezas y habilidades hacia una creación y producción de elementos susceptibles de ser adaptados al ámbito empresarial bajo una demanda social definida. En dicho proyecto han estado involucrados varios grupos de investi-

50 gación, docentes y alumnado de las universidad de Sevilla y Málaga, comprendiendo a las titulaciones de: Grado en Bellas Artes Máster Universitario en Profesorado de Educación Secundaria Máster Universitario en Artes del Espectáculo vivo Grado de Ingeniería en Diseño Industrial y desarrollo del Producto. Dentro de las mismas, las asignaturas implicadas han sido: Anatomía y Morfología Arte, Diseño y Comunicación Cerámica Configuraciones de la Escultura Dibujo del Natural Dibujo y análisis de formas Diseño de Comunicación Escultura del Natural Estética, Teatro y Pintura Estrategias de la Pintura Estrategias narrativas del dibujo Fundamentos de la Pintura Fundamentos del Dibujo II Grabado II

51 Pintura del Natural Procedimientos escultóricos Valores educativos del Patrimonio y las Bellas Artes La idea del proyecto nació como un referente promocional de los distintos parámetros creativos de un colectivo multiforme y diverso que es, claramente, en este momento, el eje vertebrador desde donde se proyecten las distintas acciones, identificadas en el devenir artístico, como recurso para generar un motor de cambio en cuanto a los aspectos técnicos y conceptuales, en definitiva, docentes, que suscribirán un valor universal de transformación al resto de estudios desarrollados en el ámbito universitario. Transformación que redundará en la interrelación de las distintas asignaturas como un aporte sobre el que recalcular y retroalimentar los criterios de autoevaluación. Todo ello con un marcado sentido de calidad y eficiencia abordando los distintos requerimientos que la sociedad demanda al profesional que en nuestras instituciones se forma. Contextualización de la propuesta de innovación docente En torno a las distintas materias sobre las que se trabaja en el grupo que se ha creado, se va a desarrollar una propuesta de innovación metodológica, por cada materia específica, basada en los modelos de Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP) y el denominado Design Thinking (DT). Aunado a este proceso, en el que se desarrollarán las actividades en cuanto a proyectos competitivos y emprendedores, lo radicalmente importante es el modo de evaluar que tendrán los distintos productos generados desde este modelo de innovación. El proceso cíclico que nos ofrece el concepto Design Thinking hace, además de interesante, por la retroalimentación que proporciona en cuanto al conocimiento, factible y colaborativa la interacción entre materias y la proyección del producto final. Esta propuesta de innovación docente va a elaborar nuevos recursos didácticos y procesos para su aplicación en los diferentes niveles creativos que se gestionan en las distintas áreas que abarca, consiguiendo aportar al catálogo de propuestas un recurso vivo y en evolución constante.

52 De ello se extraerán materiales didácticos que reforzarán los contenidos propios de las distintas disciplinas. Como mejora docente, en cuanto a la interrelación entre las asignaturas implicadas, se formulará un contacto horizontal entre el alumnado, para promover el intercambio de ideas, y promocionar una interacción de datos y referentes que enriquezcan al colectivo. Se crearán grupos de trabajo que, mediante interlocutores, promuevan y expongan los distintos referentes gráficos o formales dentro del ámbito creativo. Antecedentes El interés de los distintos participantes por evolucionar personalmente y el afán por desplegar en el ámbito educativo los fundamentos y recursos basados en las personas son un punto de conexión e inflexión sobre el que reestructurar los nuevos modelos propuestos. Tenemos que ser coherentes, y por tanto, aquello que internamente se ha estado desarrollando ahora tiene que ser visible al exterior de una manera contundente y con el compromiso de liderar este protocolo de actuación. Las aulas deben mirar a la sociedad para que la sociedad vea en las aulas el valor añadido que tiene dicho proceso educativo, fundamentalmente, enfocado a crear y concebir distintos productos artísticos de calado social, dotados de la máxima calidad. Características del centro y de la titulación y / o asignaturas implicadas En el ámbito creativo, históricamente el hombre es quien ha predominado en los roles de producción, sin embargo, en el cómputo total del alumnado matriculado en Bellas Artes, el número de mujeres es más elevado que el de hombres. Por tanto, es una tarea muy importante dentro de un camino que hemos trazado, el empoderar y dar relevancia a la gestión de la mujer en el ámbito creativo sin menoscabo del concepto holístico de la proyección personal de todos y cada uno de los intelectuales, alumnos y alumnas, capacitados para promocionar su discurso personal. Para ello vamos a marcar un camino trazado desde la creación, muy potente, de un organismo gestor, paritario, que estructure los proyec-

53 tos, siendo interesante y fundamental que vayamos midiendo el impacto que las distintas valoraciones van teniendo en cuanto a los objetivos propuestos. Análisis de necesidades Buscando un liderazgo, de las distintas disciplinas artísticas, en las que se enmarcan los modelos ABP y DT aplicados a la innovación docente en las Bellas Artes, se ha estructurado el trabajo de cómo abordar los distintos engranajes de coordinación, observando los distintos desafíos que se plantean, como los diferentes mecanismos de coordinación entre materias, la movilización de las distintas propuestas de manera colectiva para reforzar las propuestas autónomas. Para ello se crea un consejo de transmisión para que sea el pulmón de los distintos puntos de vista que puedan conformar una red de ideas y un modelo creativo sostenible, basado en la eficiencia, al cotejar como un valor real el proceso intelectual con la práctica creativa. Con ello se potencia y da un claro papel de liderazgo al colectivo como mente supra-cognitiva. Objetivos y metodología Se busca un modelo sostenible mediante el cual se aporte a futuras generaciones un producto cargado de recursos, ideas, aportaciones técnicas, que hasta el momento quedan supeditadas al reconocimiento puntual de algunos. Empoderar al colectivo hará que ganemos todos: - Desarrollar un plan estratégico de cómo queremos que se muestre el ámbito artístico a la sociedad. - Perfeccionar las herramientas de demarcación para los diferentes niveles de superación. Indicadores de los distintos aspectos que tenemos que superar para llegar a ser inclusivos, relacionados directamente con la sociedad, con las personas y valorando los cambios técnicos que nos aportan las nuevas tecnologías para entrar en un mercado competitivo sin dejar de lado los valores tradicionales mimando al pasado mientras miramos al futuro. - Empoderar al creativo desde el proceso intelectual, conociendo los distintos recursos y estrategias de producción para desarrollar desde la calidad cualquier producto ideado inicialmente en abstracto.

54 - Relacionar directamente el producto artístico con los distintos nichos de mercado que ofertan las empresas públicas y privadas. Dar relevancia y movilizar, según la demanda social, los criterios estéticos y formales del proceso creativo para impulsar, en este momento, las acciones educativas como modelo de emprendimiento. Descripciones de actuaciones y actividades Según los indicadores de calidad, que se identificaron en los distintos creativos, se formularon proyectos asociados a instrucciones reales, de colectivos afines al área de producción que, en concreto, se ha gestionado desde el área o materia específica. Análisis crítico por autores: Eloina Álvarez Murillo investiga el concepto del amoR en un formato (óleo) donde la abstracción desfigura la realidad existente entre dos entidades que observan distantes, frías y externas a un retrato metamórfico del alma. En Dissection: facial muscles (talla en yeso), Ángel Aranda Simón nos adentra en la comezón de tortura que desgrana aquello que nos hace ser lo que somos siendo, internamente, la cruda realidad tortuosamente mecanizada. En la misma línea, María del Rocío Benito Márquez en su obra Sin Título (vaciado en yeso) parece bipolarizar el óbito valor del silencio. Y es la sinrazón el caleidoscópico devenir por donde se adentran los pensamientos de David Berrocal González. Paranoia (gráfica digital) es la locura sostenida por un patrón de neuróticas geometrizaciones que representan la propia existencia. Y ese caos se convierte en el Amor a ciegas (collage) que Ricardo Calvo Cotán nos muestra en el arrojado paroxismo de una consulta que en pétalos nos descifra el mensaje inesperado… “me quiere, no me quiere”. Cristina Camacho Sánchez, con Confinados (cerámica esmaltada), quiere expandir la forma de la involución en concretos retratos aliena-

55 dos en el eje de la mirada indiscreta. Configuración (talla en yeso) de Irene Caro Campos vuelve a dibujar los dos niveles de la realidad. La serena mecánica interior envuelta por la piel de los secretos que vierte al exterior lo que no somos. Igualmente, David Claro Durán en su Estudio de músculos (molde y talla en escayola) espeja los dos mundos del ser humano. Alma y Teatro. La realidad frente a la máscara. Y en ese teatro se adivina la singular pieza de Gema Climent Camacho donde Geysha con sombrilla roja (fotograbado) articula la teatralización de todo un mundo idealizado. Exquisitamente falso. Endiabladamente constreñido. Apeteciblemente sumiso. Y en la gama cálida de los ocres desmembramos las historias que Rita del Rio Rodríguez nos muestra en ese Mare Nostrum (xilografía) exuberantemente cromático. Formas informes de reminiscencias animalísticas que bailan en un tropel de un canibalismo textural sobre el que construir de nuevo un ser híbrido todopoderoso. Y cuando ya no sabemos qué somos ni dónde estamos Carlos Dovao nos somatiza en Targus 03 (modelado en barro) la espesa excreción de un ser genéticamente perfecto. La verdad del pensamiento hecha carne. La regurgitación de los sueños en la Forma construida, casi animada. Latente, inquietante… Es entonces cuando lo mítico empieza a tomar forma. Pilar Félix Cárdenas en Autorretrato de dragón (bolígrafo BIC) y nuestro yo no es yo mismo sino el alter ego de lo imposible. Y esos nuevos seres construyen ciudades como Kalem (aguafuerte y aguatinta) de Rocío Filiberto Vázquez. Babilónicas extensiones de dos polos. Lo positivo alzándose al infinito. Lo negativo retorciéndose en las laceraciones de los cimientos que compiten por apabullar a su contrincante. En esa lucha está Roro (escayola y aerógrafo). El mestizaje que Tamara Flores Muñoz nos muestra de lo dulce y lo airado, del dolor y la congoja, del empoderamiento oculto, agazapado hasta poder avanzar sano y

56 salvo sobre la presa de un nuevo destino mejorado. Esa salvación puede ser la representación de un ser poderoso que Pablo Galindo Serrano idéntica en el León de Fu (dibujo digital). Un animal caracterizado por la fiereza y la fuerza de un alma esencialmente libre. Entonces, desde el origen, Anastasia (óleo y pan de oro) de María José García del Moral nos muestra la belleza de la calma en el centro de la creación. Sintética y rotunda. Elegantemente enriquecida. Y de la belleza surge la geometría estudiadamente armoniosa que la obra de Sebastián García Garrido crea en un intrincado panel de cromáticos niveles para musicalizar el espacio con España-China (dibujo vectorial). Y en ese modelo musical Laura Garlito Núñez diseña a Joy (aguafuerte y aguatinta al azúcar) como la imagen de un cálido sonido iconográficamente identificado. Y entonces, EGGAR, intenta situarnos en el espejismo del Sin Título (aguafuerte y aguatinta al azúcar) como el huérfano recuerdo del pasado que queda olvidado en el devenir por la ilusión del futuro. Y ese roto nos devuelve al aMor (collage) de David de Zapata que amalgama mensajes por donde navegar y dejar soñar nuestros pensamientos. Y esos pensamientos del amOr (collage) que Juan Dolores González Caballero nos geometriza son un mensaje oculto en un nuevo braille. Y de todo esto surgen personajes como Billy (gráfica digital) que Elena Hermida Medina ha materializado en la humanización de un animal. Dulcemente sensible. Sensiblemente natural. Pero El lunático (barniz blando lineal) de Isabel Herrera González nos recuerda que la razón es un engaño y en ese engaño vuelve a construir una neorealidad con Olga (Rotring) que defiende nuevamente la humanización de la entelequia. Y a través de los sueños se rememora el pasado en un motivo de repetición que nos quiere retrotraer a las vivencias de Natalia Herrera Pom-

57 bero con Extremadura en mis faldas II (gráfica digital) por construir la ramificación genética de las constantes culturales. Andrea Iglesias Lozano, de igual manera, y sin embargo muy diferente, construye desde la simetría de La belleza en la dualidad (aguafuerte) un decorativo cadáver exquisito de naturalezas muertas. Y llegados a este punto los seres extraños como Sefu Tafari (grafito y lápiz de color) que ha engendrado Pablo Jiménez se nos antojan naturalmente familiares. Convivientes. Cercanos. Amigos. Y de esa amigable creación la geometrización de Altair (modelado en yeso) que construye Miguel Ángel Jiménez Mateos se nos antoja Catedral de nuevos espacios habitables en donde poder depositar nuevas almas límpidas, secretamente perfectas. Y es ahí donde el sereno paisaje de 7º - siete grados- (acrílico) se desdoblan los mapas imaginados que Manuel Losada López crea como telón de fondo del nuevo mundo que estamos construyendo. En este nuevo mundo la deidad de Santa Eulalia (gráfica digital) que reformula Manuel Fernando Mancera Martínez es la transgresora imagen una expendedora de stickers convertidos en cupones de descuento para los pecados. Llegados a este punto, nos analizamos. Autorretrato (pastel) es la búsqueda de un yo que intenta ver más allá del yo mismo. María del Mar Martín Llorente nos conecta con los mensajes ocultos en los propios mensajes codificados. De aquí parte el conocimiento personal donde Mi yo más puro (grafito) de Andrea Medina Barroso extrae una instantánea del transcurrir de las vivencias. A veces inconscientes, las más conscientemente involuntarias. Hablamos desde el silencio de la expresión corporal. Callamos mientras gritamos con los gestos. María Molero Arrabal con Kiku (aguafuerte) compone explosivos artificios florales que decoran todo este modelo constructivo. María Nogues Campanario vuelve a engendrar lo humano como el au-

58 tómata que pretende ser Desgarrada (mixta) mecanización de lo irreal pretendiendo encarnar lo real. De entre estos engendros, Pepe Núñez Cabral, surge el Retrato (yeso policromado) de lo poligestual. La cubista robotización del gesto programado. La inquietante forma del proceso constructivo de una entidad no identificada. Del secreto oculto de la identidad surge Spiderserver (gráfica vectorial) donde Francisco Javier Pérez Carmona hace que nuestra cultura colectiva aproxime a la singular recreación de lo inventado un modelo aceptado de lo imposible. Caras opuestas (fotograbado) que conforman la misma moneda. Ángela Portillo González rescata desde la persistente realidad del rostro la singularidad de los mensajes ocultos en la genética. Ese ADN emocional (método puzle) que descifra Laura Ramírez Salado es el genoma de lo que aquí se investiga. Alquímica formulación de la creatividad circunscrita en la elucubración del hacedor de sueños. El colectivo creativo denominado El grupo (acrílico) que ha sido identificado por Jesús Ramos Valencia es la representación de la agrupación crítica que desarrolla las ideas en la mente inventiva. Y allí donde se maceran esos pensamientos son el descanso de la imaginación. Sillas (gráfica digital) de Laura Rastrollo Corbacho identifica en la gráfica la diversidad de pensamiento mediante un objeto cotidiano. Sin embargo, este producto mecánicamente producido es el símil del intelecto que diseña dioramas donde programar las obras. Un ejemplo de ese espacio representado es el que Paola Román Reyes muestra con Peces clavo (cerámica) componiendo un diálogo personal. Pepa Ruiz Fernández, llegando casi al final, redirecciona el mensaje de nuevo al Amor (óleo). Origen de todo mensaje. Alexis Sánchez Alonso, desde el aspecto psicológico nos habla del Tránsito (mixta) que se experimenta en la introspección. Esa mirada interior que Paco Sánchez Concha proclama en el eslogan

59 de Solo el amor curará el mundo (mixta). Esa cura que Ángel Sarmiento Burgos quiere convertir en oración. La Virgen Dolorosa. El luto castellano (punta seca) vuelve a ser una estampa de canje para el perdón de los pecados. Vasos comunicantes (cerámica esmaltada) por el que deambulamos, como nos recuerda Carlos Spínola Romero y que nos habla del cosmos, del destino sin camino y los senderos identificados en la incógnita. Ana Ufano cierra la muestra con El cuerpo y el alma (mixta). Juntos, pero siendo universos muy distintos. Buscando encontrar el mismo camino, pero nos separa el espacio imaginado. A veces el Amor parece tejer las caricias que la piel intenta imantar a los pensamientos… pero la verdad está pensando … ¿qué está pensando? El discurso de este material, desarrollado en las actividades necesarias para conseguir el mayor grado de calidad, tras reformular cíclicamente, en caso de necesidad, las cualidades propias de un producto factible y competitivo, ha estado encaminado a empoderar y potenciar en el colectivo las competencias inherentes al referente creativo propio de su materia o área, pudiendo revertir su discurso, transversalmente, hacia otros productos de diferentes proyecciones artístico-intelectuales. Con este conjunto de elementos se construye, por tanto, un archivo, como material docente, para nutrir al colectivo presente y futuro, en otras materias ajenas al proyecto de innovación que nos ocupa, y a futuras generaciones, como ideario de producción y gestión de ideas y recursos. Hacer visible este compendio de obras a la sociedad, digitalizando todo el material creado, como una necesidad, para ser identificados como un elemento más del mecanismo motor que activa las relaciones interpersonales, institucionales y profesionales ha sido finalmente la meta que perseguíamos.

Manuel-Fernando Mancera-Martínez Responsable Grupo HUM337 - Comisario Exposición Profesor Titular Departamento de Dibujo

Facultad de Bellas Artes — Universidad de Sevilla

Creating s

The work presented in this publication is the culmination of a research process that has been funded by the 3rd Own Teaching Plan of the University of Seville in the Call for Support for Coordination and Teaching Innovation (ref. 1.2.3 modality B - call 2019-2020), called ABP (Project Based Learning) and DT (Design Thinking) models applied to teaching innovation in the Fine Arts. The project-based learning (PBL) built from the revolutionary Design Thinking (DT) manages learning from a product formalization focused on social demand. Professionalizing and generating entrepreneurial value as a reference in the different theoretical-practical actions that are developed from time to time. The maximum value understood in the product is endorsed by the process of identification of the model itself:t 1.- User experience phase, investigating in the understanding, observation and definition of the project. 2.- Creative phase, aimed at defining the product, ideation of the reference and prototyping of the product. 3.- Selection phase, building from the prototype an evaluable or testable model. 4.- Design and execution phase, which projects from the result of the testing an implementation of the parameters towards the definitive product. In the artistic field, this requires an adaptation of the different materials and learning platforms to focus the skills and abilities towards the creation and production of elements that can be adapted to the business field under a defined social demand. Several research groups, teachers and students from the universities of Seville and Malaga have been involved in this project, comprising the degrees of:

62 Degree in Fine Arts Master’s Degree in Teaching Secondary Education Master’s Degree in Live Performing Arts Degree in Industrial Design and Product Development Engineering. Within them, the subjects involved have been: Anatomy and Morphology Art, Design and Communication Ceramics Sculpture Configurations Drawing from Life Drawing and Form Analysis Communication Design Life Sculpture Aesthetics, Theater and Painting Painting Strategies Narrative strategies of drawing Fundamentals of Painting Fundamentals of Drawing II Printmaking II Natural Painting Sculptural Procedures

63 Educational values of Heritage and Fine Arts The idea of the project was born as a promotional reference of the different creative parameters of a multiform and diverse group that is, clearly, at this moment, the backbone from where the different actions are projected, identified in the artistic evolution, as a resource to generate an engine of change in terms of technical and conceptual aspects, ultimately, teaching, which will subscribe a universal value of transformation to the rest of studies developed in the university environment. Transformation that will result in the interrelation of the different subjects as a contribution on which to recalculate and feed back the self-evaluation criteria. All this with a marked sense of quality and efficiency, addressing the different requirements that society demands of the professional that is trained in our institutions. Contextualization of the teaching innovation proposal For each specific subject, a methodological innovation proposal will be developed based on the Project Based Learning (PBL) and Design Thinking (DT) models. In addition to this process, in which the activities will be developed in terms of competitive and entrepreneurial projects, what is radically important is the way in which the different products generated from this innovation model will be evaluated. The cyclical process offered by the Design Thinking concept makes the interaction between subjects and the projection of the final product feasible and collaborative, as well as interesting, due to the feedback it provides in terms of knowledge. This proposal of teaching innovation will elaborate new didactic resources and processes for its application in the different creative levels that are managed in the different areas that it covers, managing to contribute to the catalog of proposals a living and constantly evolving resource. From this, didactic materials will be extracted to reinforce the contents of the different disciplines. As a teaching improvement, in terms of the interrelation between the subjects involved, a horizontal contact between students will be formu-

64 lated to promote the exchange of ideas, and to promote an interaction of data and references that enrich the group. Working groups will be created to promote and expose the different graphic or formal references within the creative field through interlocutors. Background The interest of the different participants to evolve personally and the eagerness to deploy in the educational field the foundations and resources based on people are a point of connection and inflection on which to restructure the new proposed models. We have to be coherent, and therefore, what has been developed internally must now be visible to the outside world in a forceful manner and with the commitment to lead this action protocol. The classrooms must look to society so that society sees in the classrooms the added value of this educational process, fundamentally focused on creating and conceiving different artistic products of social significance, endowed with the highest quality. Characteristics of the center and of the degree program and/or subjects involved In the creative field, men have historically predominated in the roles of production; however, in the total number of students enrolled in Fine Arts, the number of women is higher than that of men. Therefore, it is a very important task within a path that we have traced, to empower and give relevance to the management of women in the creative field without undermining the holistic concept of the personal projection of each and every one of the intellectuals, male and female students, able to promote their personal discourse. To this end, we are going to mark a path traced from the creation, very powerful, of a managing, joint organism that structures the projects, being interesting and fundamental that we measure the impact that the different evaluations are having in terms of the proposed objectives. Needs analysis Looking for a leadership, of the different artistic disciplines, in which

65 the ABP and DT models applied to teaching innovation in the Fine Arts are framed, the work of how to approach the different coordination gears has been structured, observing the different challenges that arise, such as the different coordination mechanisms between subjects, the mobilization of the different proposals in a collective way to reinforce the autonomous proposals. To this end, a transmission council is created to be the lung of the different points of view that can form a network of ideas and a sustainable creative model, based on efficiency, by matching as a real value the intellectual process with the creative practice. This enhances and gives a clear leadership role to the collective as a supra-cognitive mind. Objectives and methodology A sustainable model is sought through which a product loaded with resources, ideas, technical contributions, which until now have been subordinated to the punctual recognition of some, will be contributed to future generations. Empowering the collective will be a win-win situation: - Develop a strategic plan of how we want the artistic field to be shown to society. - Refine the demarcation tools for the different levels of improvement. Indicators of the different aspects that we have to overcome to become inclusive, directly related to society, to people and valuing the technical changes that new technologies bring us to enter a competitive market without leaving aside traditional values, pampering the past while looking to the future. - Empowering the creative from the intellectual process, knowing the different resources and production strategies to develop from quality any product initially conceived in abstract. - Directly relate the artistic product with the different market niches offered by public and private companies. To give relevance and mobilize, according to social demand, the aesthetic and formal criteria of the creative process to promote, at this moment, educational actions as a model of entrepreneurship.

66 Descriptions of actions and activities According to the quality indicators, which were identified in the different creative areas, projects associated with real instructions were formulated, of groups related to the area of production that, in particular, has been managed from the specific area or subject. Critical analysis by authors: Eloina Álvarez Murillo investigates the concept of amoR in a format (oil painting) where abstraction disfigures the existing reality between two entities that observe distant, cold and external to a metamorphic portrait of the soul. In Dissection: facial muscles (plaster carving), Angel Aranda Simon takes us into the itch of torture that unravels what makes us what we are being, internally, the crude reality torturously mechanized. In the same line, María del Rocío Benito Márquez in her work Untitled (cast in plaster) seems to bipolarize the abject value of silence. And unreason is the kaleidoscopic becoming through which the thoughts of David Berrocal González enter. Paranoia (digital graphics) is the madness sustained by a pattern of neurotic geometrizations that represent existence itself. And that chaos becomes the Blind Love (collage) that Ricardo Calvo Cotán shows us in the arrogant paroxysm of a consultation that in petals deciphers the unexpected message... “he loves me, he doesn’t love me”. Cristina Camacho Sánchez, with Confined (glazed ceramic), wants to expand the form of involution in concrete portraits alienated in the axis of the indiscreet look. Configuration (plaster carving) by Irene Caro Campos redraws the two levels of reality. The serene inner mechanics wrapped by the skin of secrets that pours outside what we are not. Likewise, David Claro Durán in his Muscle study (mold and plaster car-

67 ving) mirrors the two worlds of the human being. Soul and Theater. Reality versus the mask. And in this theater we can guess the singular piece by Gema Climent Camacho where Geysha with red umbrella (photogravure) articulates the theatricalization of a whole idealized world. Exquisitely false. Devilishly constrained. Appetizingly submissive. And in the warm range of ochers we dismember the stories that Rita del Rio Rodriguez shows us in this exuberantly chromatic Mare Nostrum (woodcut). Shapeless forms of animalistic reminiscences that dance in a troop of textural cannibalism on which to build again an all-powerful hybrid being. And when we no longer know what we are or where we are, Carlos Dovao somatizes in Targus 03 (modeled in clay) the thick excretion of a genetically perfect being. The truth of thought made flesh. The regurgitation of dreams in the constructed, almost animated Form. Latent, disturbing... It is then when the mythical begins to take shape. Pilar Félix Cárdenas in Autorretrato de dragón (BIC pen) and our self is not myself but the alter ego of the impossible. And those new beings build cities like Kalem (etching and aquatint) by Rocío Filiberto Vázquez. Babylonian extensions of two poles. The positive rising to infinity. The negative twisting in the lacerations of the foundations that compete to overwhelm their opponent. In that struggle is Roro (plaster and airbrush). The crossbreeding that Tamara Flores Muñoz shows us of the sweet and the angry, of pain and sorrow, of hidden empowerment, crouched until it can advance safe and sound over the prey of a new and improved destiny. That salvation can be the representation of a powerful being that Pablo Galindo Serrano identical in the Lion of Fu (digital drawing). An animal characterized by the fierceness and strength of an essentially free soul. Then, from the origin, Anastasia (oil and gold leaf) by María José García del Moral shows us the beauty of calm at the center of creation.

68 Synthetic and emphatic. Elegantly enriched. And from the beauty emerges the studiedly harmonious geometry that the work of Sebastián García Garrido creates in an intricate panel of chromatic levels to musicalize the space with Spain-China (vector drawing). And in that musical model Laura Garlito Núñez designs Joy (etching and sugar aquatint) as the image of a warm iconographically identified sound. And then, EGGAR, tries to place us in the mirage of the Untitled (etching and sugar aquatint) as the orphan memory of the past that is forgotten in the becoming by the illusion of the future. And that broken one brings us back to David de Zapata’s aMor (collage) that amalgamates messages to navigate and let us dream our thoughts. And those thoughts of the amOr (collage) that Juan Dolores González Caballero geometrizes for us are a hidden message in a new Braille. And from all this arise characters like Billy (digital graphics) that Elena Hermida Medina has materialized in the humanization of an animal. Sweetly sensitive. Sensibly natural. But El lunático (linear soft varnish) by Isabel Herrera González reminds us that reason is a deception and in that deception she builds again a neoreality with Olga (Rotring) that defends again the humanization of the entelechy. And through dreams the past is recalled in a motif of repetition that wants to take us back to the experiences of Natalia Herrera Pombero with Extremadura in my skirts II (digital graphics) for building the genetic ramification of cultural constants. Andrea Iglesias Lozano, in the same way, and yet very different, builds from the symmetry of Beauty in duality (etching) an exquisite decorative corpse of still lifes. And at this point the strange beings like Sefu Tafari (graphite and colored pencil) that Pablo Jiménez has engendered seem naturally familiar

69 to us. Cohabitants. Close. Close friends. And from this friendly creation, the geometrization of Altair (plaster modeling) built by Miguel Ángel Jiménez Mateos seems to us like a Cathedral of new habitable spaces where new limpid, secretly perfect souls can be deposited. And it is there where the serene landscape of 7º -seven degrees- (acrylic) unfolds the imagined maps that Manuel Losada López creates as a backdrop of the new world we are building. In this new world, the deity of Santa Eulalia (digital graphics) reformulated by Manuel Fernando Mancera Martínez is the transgressive image of a sticker vending machine converted into discount coupons for sins. At this point, we analyze ourselves. Self-portrait (pastel) is the search for a self that tries to see beyond the self. María del Mar Martín Llorente connects us with the messages hidden in the coded messages themselves. From here comes the personal knowledge where Andrea Medina Barroso’s My purest self (graphite) extracts a snapshot of the passing of experiences. Sometimes unconscious, sometimes consciously involuntary. We speak from the silence of corporal expression. We keep silent while we shout with gestures. María Molero Arrabal with Kiku (etching) composes explosive floral artifices that decorate all this constructive model. María Nogues Campanario returns to engender the human as the automaton that pretends to be Torn (mixed) mechanization of the unreal pretending to embody the real. From among these monsters, Pepe Núñez Cabral, emerges the Portrait (polychrome plaster) of the polygestual. The cubist robotization of the programmed gesture. The disturbing form of the constructive process of an unidentified entity. From the hidden secret of identity arises Spiderserver (vectorial graphics) where Francisco Javier Pérez Carmona makes our collective culture approach the singular recreation of the invented, an accepted model of the impossible.

70 Opposite sides (photoengraving) that make up the same coin. Ángela Portillo González rescues from the persistent reality of the face the singularity of the messages hidden in genetics. That emotional DNA (puzzle method) that Laura Ramírez Salado deciphers is the genome of what is investigated here. Alchemical formulation of creativity circumscribed in the elucubration of the dream maker. The creative collective called The group (acrylic) that has been identified by Jesús Ramos Valencia is the representation of the critical grouping that develops ideas in the inventive mind. And there where those thoughts are macerated are the rest of the imagination. Chairs (digital graphic) by Laura Rastrollo Corbacho identifies in the graphic the diversity of thought through an everyday object. However, this mechanically produced product is the simile of the intellect that designs dioramas where to program the works. An example of this represented space is the one that Paola Román Reyes shows with Clove fish (ceramic) composing a personal dialogue. Pepa Ruiz Fernández, arriving almost at the end, redirects the message back to Amor (oil). Origin of every message. Alexis Sánchez Alonso, from the psychological aspect speaks to us of the Transit (mixed) that is experienced in introspection. That inner look that Paco Sánchez Concha proclaims in the slogan of Only love will heal the world (mixed media). That cure that Ángel Sarmiento Burgos wants to turn into prayer. The Sorrowful Virgin.The Castilian mourning (dry point) returns to be a stamp of exchange for the forgiveness of sins. Communicating vessels (glazed ceramic) through which we wander, as Carlos Spínola Romero reminds us and that speaks to us of the cosmos, of destiny without a path and the paths identified in the unknown. Ana Ufano closes the exhibition with Body and soul (mixed). Together, but being very different universes. Seeking to find the same path, but

71 the imagined space separates us. Sometimes Love seems to weave the caresses that the skin tries to magnetize the thoughts ... but the truth is thinking ... what is thinking? The discourse of this material, developed in the activities necessary to achieve the highest degree of quality, after cyclically reformulating, if necessary, the qualities of a feasible and competitive product, has been aimed at empowering and enhancing in the group the skills inherent to the creative reference of its own subject or area, being able to revert its discourse, transversely, to other products of different artistic-intellectual projections. With this set of elements, therefore, an archive is built, as teaching material, to nurture the present and future collective, in other subjects unrelated to the innovation project at hand, and to future generations, as an ideology of production and management of ideas and resources. To make this compendium of works visible to society, digitizing all the material created, as a necessity, to be identified as one more element of the driving mechanism that activates interpersonal, institutional and professional relationships has finally been the goal we were pursuing.

Manuel-Fernando Mancera-Martínez

Head of HUM337 Group - Exhibition curator Professor of Drawing Departmentt

Faculty of Fine Arts — University of Seville

Arte 5G I n n o v a c i ó n

e n

A r t e

Eloina Álvarez Murillo El fuego de la vela, que produce sentimientos de calma, serenidad y paz, evoca una sensación parecida a la que se relaciona con el AMOR: suave, pero atrayente.

amoR Técnica: óleo Soporte: lienzo Tamaño: 730 x 500 mm. Datación: 2020

Ángel Aranda Simón El cuerpo humano se asemeja a una compleja máquina repleta de infinidad de piezas y mecanismos engarzados, siendo todas ellas igual de importantes. Del mismo modo que el médico la necesita para sanar al enfermo, el artista debe hacer lo mismo con esta “máquina”. Solo así, mediante su conocimiento, será capaz de retratarla fielmente o deformarla en la labor artística.

Dissection: facial muscles Técnica: talla (policromía acrílica) Soporte: yeso Tamaño: 230 x 140 x 120 mm. Datación: 2020

María del Rocío Benito Márquez Estudio anatómico de la cara. Pieza realizada para estudiar qué da forma a nuestra cara y cómo. Destinado a su aplicación en la escultura.

Sin título Técnica: vaciado Soporte: yeso Tamaño: 220 x 155 x 115 mm. Datación: 2019

David Berrocal González La geometría como un caleidoscopio sobre el que construir infinitas estructuras que representen la esencia de un mundo soñado.

Paranoia Técnica: gráfica digital (Adobe Illustrator) Soporte: papel Tamaño: 320 x 320 mm. (reescalable) Datación: 2019

Ricaldo Calvo Cotán Desde sus comienzos la obra de Ricardo se ha centrado en su tierra, su historia, todo lo que le rodea. De qué manera el artista se ve influenciado por el arte, la arquitectura, la cultura, la historia, en definitiva, de su entorno. Además, sumado al interés de hacer un arte social, en el cual tiene la necesidad de integrar socialmente a personas con diversidad funcional o que se encuentren en riesgo de exclusión social. Uniendo estas dos premisas el artista se interesa por llegar a la mayor parte del público. Que todos los espectadores puedan tener una experiencia plena con el Arte; los niños y personas que no tienen la posibilidad de experimentarla puedan interesarse y participar en ella.

Amor a ciegas Técnica: collage de papel y flores preservadas Soporte: papel Tamaño: 400 x 400 mm. Datación: 2020

Cristina Camacho Sánchez El cubo (espacio) como una representación del universo, como un vehículo para la expresión y experiencia del uno mismo. Su representación simbólica como “nuestro interior“ y como el espacio acotado ha sido elegido como elemento principal de esta obra; está conformado por muchas imágenes de caras, ojos, pájaros, todo como si estuvieran atrapados dentro de dichos cubos . El cubo como nosotros, nuestro espacio y las imágenes superpuestas unas con otras como nuestro subconsciente. La geometría del tiempo y del espacio en todas sus caras, supone una visualización de ese instante representado.

Confinados Técnica: cerámica esmaltada y hierro Tamaño: 800 x 200 x 200 mm. Datación: 2019

101

Irene Caro Campos El estudio anatómico del rostro humano. Siendo inicialmente un aspecto más superficial, hasta ser tratado de algo más maníaco porque fue enfocado al estudio muscular implicado en las muecas faciales. ¿quién no se ha preguntado alguna vez por qué las cejas se mueven de una forma u otra en función de lo que se quiera trasmitir?

102

Configuración Técnica: talla Soporte: escayola Tamaño: 228 x 139 x 115 mm. Datación: 2020

105

David Claro Durán La escultura habla por sí sola, se puede ver a simple vista el procedimiento de trabajo que se le ha aplicado y refleja el estudio realizado.

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Estudio de músculos Técnica: molde y talla en escayola Soporte: escayola Tamaño: 190 x 130 x 90 mm. Datación: 2020

109

Gema Climent Camacho Obra basada en el retrato directo de geishas, estampada sobre papel manual Japonés de hilos, cuya imagen supone impregnarse de una espiritualidad, sensualidad y belleza que difícilmente se nos escapa para inspirarnos y transformar en arte gráfico nuestra visión interior.

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Geysha con sombrilla roja Técnica: fotograbado sobre papel japonés Soporte: 3 planchas Fotopolímero / 2 digitales y 1 manual. Entintado a la pupée Tamaño: imagen 420 x 297 mm - papel 800 x 600 mm Datación: 2020

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Rita del Río Rodríguez El estudio de color en el enjambre de formas estudia la singularidad de la composición como búsqueda de un equilibrio dentro del caos.

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Mare Nostrum Técnica: xilografía a color Soporte: papel Michael 250 gr. Tamaño: 700 x 500 mm Datación: 2019

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Carlos Dovao Ya no sabremos quién es una persona real y quién no, qué es inanimado y qué es un ser vivo. En este espacio es donde la idea de confundir y aturdir la percepción del espectador se torna como otro elemento fundamental del discurso.

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Targus 03 serie: Rapsodio Naranja Técnica: modelado en barro Soporte: pasta refractaria blanca Tamaño: 370 x 220 x 120 mm. Datación: 2020

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Pilar Félix Cárdenas La obra representa la lucha, la fuerza y el poder. El dragón, signo del zodiaco chino, representa la creatividad, la ambición, la constancia y la fuerza.

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Autorretrato del dragón Técnica: bolígrafo BIC Soporte: papel Basik Tamaño: 700 x 700 mm. Datación: 2020

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Rocío Filiberto Vázquez Dentro de la serie de ciudades inventadas, Rocio Filiberto nos muestra Kalem, iluminada por la calidez de los colores del ocaso. Cúpulas que reflejan los últimos rayos de sol y sombras perdidas entre las encrucijadas de sus calles. Y debajo, las entrañas de una ciudad, el hilo conductor laberíntico que transporta la savia que la ciudad necesita para estar viva.

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Kalem Técnica: aguafuerte – aguatinta estampación a la Poupee Soporte: papel Canson Tamaño: imagen 370 x 280 mm Datación: 2019

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Tamara Flores Muñoz La violencia de género ha sido y sigue siendo una de las manifestaciones más claras de la desigualdad, subordinación y de las relaciones de poder de los hombres sobre las mujeres. Este tipo de violencia se basa y se ejerce por la diferencia subjetiva entre los sexos, ya sea por creencias populares acerca de “la debilidad” que poseen las mujeres y/o por los roles que éstas desarrollaban años atrás. Esta violencia se da independientemente de cualquier estrato social, nivel educativo, cultural o económico. Lo que llega a ser retorcido es que en la mayoría de los casos las agresiones se producen por parte de quienes están o hayan estado ligados a ellas por relaciones de afectividad (parejas o ex-parejas).de manera continuada en el tiempo y sistemática en la forma, como parte de una misma estrategia.

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Roro Serie: Ten Faces, One Fight Técnica: escayola y aerógrafo Soporte: escayola Tamaño: 210 x 130 x 100 mm. Datación: 2020

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Pablo Galindo Serrano Concept Art de una criatura de morfología animal, basada en los Leones de Fu. Su anatomía y movimiento se ha elaborado mediante el estudio de diferentes especies de animales: cocodrilo, dragón de komodo, toro, murciélago, león, lobo, anguila y barbo. Se ha concebido como un personaje semi-acuático para una hipotética película de animación japonesa.

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León de Fu (concept art) Técnica: dibujo digital Soporte: papel Tamaño: 297 x 420 mm. Datación: 2020

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María José García del Moral Anastasia es nombre de mujer y también el nombre de una de las ciudades invisibles de Italo Calvino: “ciudad bañada por canales concéntricos”. Esta obra quiere llevar el mensaje del poderoso papel de la mujer en el mundo, en donde se unen la sensibilidad femenina y el objeto de deseo (pertenece a la serie Las ciudades y el deseo) así como su capacidad de concitar acción social en el mundo.

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Anastasia Serie: Las ciudades del deseo Técnica: óleo y pan de oro Soporte: lienzo Tamaño: 410 x 500 mm.

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Sebastián García Garrido La obra es la réplica artística a una pieza del arte tradicional chino que fue una celosía rescatada del mercado, por su maestría en el uso del cuadrado en múltiples versiones y haberse construido completamente mediante ensamblado de madera. Ahora ha sido adoptada como soporte para una obra del autor (China-España) y, al mismo tiempo, como obra independiente e inspirada en ella, que es la que se muestra aquí como resultado de la experiencia vivida y que intercambia el lugar del punto de vista.

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EspañaChina Técnica: dibujo vectorial, impresión Art-Giclée Soporte: papel Hahnemühle Bamboo 265 gr y protección de dos capas de barniz Hahnemühle Tamaño: 500 x 500 mm. Datación: 2021

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Laura Garlito Núñez Obra homenaje a Park Sooyoung, cantante y actriz surcoreana del grupo femenino “Red Velvet”.

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Joy Técnica: aguafuerte, aguatinta al azúcar Soporte: papel Michael Tamaño: imagen 383 x 290 mm Datación: 2020

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EGGAR Si bien no es agradable sentirse perdido, no es necesariamente algo malo, nunca es tarde para replantearnos un nuevo comienzo donde empecemos a controlar las cuerdas sin tener que ponerlas por completo en manos ajenas. Si tenemos una buena brújula, es posible remar en la niebla, siempre puede encontrarse un sentido a la vida, bajo cualquier circunstancia, incluso la más difícil, y eso convierte nuestra cotidianidad en un elemento pleno. Para determinar cuál es el sentido de nuestra vida deberíamos ver la diferencia que existe entre una meta y un rumbo, entre el objetivo y el sentido.

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ST Técnica: aguafuerte, aguatinta al azúcar Soporte: papel Michael Tamaño: imagen 380 x 280 mm Datación: 2019

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David de Zapata Se presenta un fondo con cartas originales de amor pertenecientes a diferentes épocas de la vida privada del autor que aún conserva, son cartas de novias, amigos, amigas e incluso hijos. Los dos sobres rojos representan la letra M del código Morse, que junto a las demás obras forman la palabra “amor”. He querido así representar diferentes formas de vivir el amor en algunos de sus aspectos, ya sea con la intensidad de un “amor” de pareja, la fraternidad de un amigo, o la ternura de un hijo. Amor desde varios puntos de vista y sujetos diferentes, pero “AMOR” en definitiva.

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aMor Técnica: collage de papel Soporte: lienzo Tamaño: 500 x 730 mm. Datación: 2020

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Juan Dolores González Caballero La O de Amor, tres rallas, navegan en el éter impreciso donde el espacio es color, que permite la construcción del signo, su dirección, su autonomía. Este trabajo, es una parte de un todo de la palabra amor, creado a partir de cadáveres exquisitos y donde el conjunto de la propuesta toma su sentido y cierra la significación de la obra.

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amOr Técnica: collage de papel Soporte: lienzo Tamaño: 500 x 730 mm. Datación: 2020

161

Elena Hermida Medina Este diseño de personaje surgió tras un estudio exhaustivo de anatomía animal, consiguiendo hacer una fusión de distintas especies mamíferas. Centrada en la creación infantil y juvenil, se quiere proporcionar rasgos de un adolescente infantilizado pero pasivo, con poca experiencia y seguridad, pero que reflejara curiosidad y observación.

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Billy Técnica: gráfica digital Soporte: papel Tamaño: 297 x 420 mm. Datación: 2020

165

Isabel Herrera González Se trata de una prueba experimental que combina en un mismo trabajo la cualidad textural de un lápiz con las venas de las hojas secas. La ilustración muestra una personificación de la llegada de la noche: un funambulista lleva la luna por el cielo. Alude sutilmente al delicado equilibrio con que suceden los fenómenos naturales en el mundo actual.

166

El lunático Técnica: barniz blando lineal, textural en cobre, entintado a la poupée Soporte: papel Michael Tamaño: imagen 245 x 165 mm - papel 570 x 375 mm Datación: 2019

169

Concept art de un personaje de raza inventada, cuyo diseño y creación es resultado del análisis de seis animales distintos (su morfología, movimiento, comportamiento). Estos animales serían: gallina, pingüino, canguro, hámster, elefante, mono narigudo. El fruto de este estudio es Olga, una criaturita singular: roba flores y se las guarda en el marsupio. Podría protagonizar un cuento para niños.

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Olga (concept art) Técnica: Rotring Soporte: papel Tamaño: 330 x 434 mm. Datación: 2020

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Natalia Herrera Pombero Con obras como Extremadura en mis faldas II su discurso se mueve hacia esos años de juventud tan entretejidos con fandangos, jotas y rondeñas, en las que los colores de los bordados “se revoleaban”, dibujando un mundo de fantasía fuertemente arraigado en su memoria. Obras como esta no dejan de ser un homenaje a su tierra, al legado que ha recibido, al espíritu que habita aún en el extremeño. Ese extremeño que describía Luis Chamizo en sus versos del Miajón de los castúos y que aún sigue tan presente en la Extremadura actual.

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Extremadura en mis faldas II Técnica: patrón vectorial (Adobe Illustrator) Soporte: papel Tamaño: 320 x 320 mm. (reescalable) Datación: 2019

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Andrea Iglesias Lozano La guerra en uno mismo nunca termina al igual que la dualidad que comprende al mundo y que gracias a ella se consiguen metas hermosas. Este trabajo habla sobre la dualidad encriptada en cada persona de forma única y personal. Esta dualidad que poseemos y que a veces nos hace desde reflexionar hasta sentirnos devastados dan forma a nuestra persona y de donde se pueden extraer hermosos momentos encriptados en nosotros mismos. Para conseguir ver más allá de la dualidad y conseguir ver la belleza del conjunto se debe como bien dice “La trascendencia significa ir más allá de la dualidad.” Rajneesh.

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La belleza en la dualidad Técnica: aguafuerte a dos tintas Soporte: papel Michael Tamaño: imagen 380 x 280 mm Datación: 2019

181

Pablo Jiménez Sefu Tafari o “La Espada del Miedo”, es el nombre de este personaje, creado a partir de diferentes animales, que se hayan en peligro de extinción en África. Su historia, es la de un vengador, que libera esclavos, de las garras de los Boers, durante los siglos XVIII y XIX. De una especie ancestral, del corazón de las selvas del Congo, es el último de los suyos. Criado por una tribu humana, aprende la lengua, las costumbres y sufre el acoso de los extranjeros, que les arrebatan a su gente, sus tierras y matan sus deidades animales. El proceso de darle vida a esta criatura, a la que quise dotar de un trasfondo, de una reivindicación de ideas. Una especie de símbolo de todo lo que se perdió y se perderá en los países del Tercer Mundo. Pérdidas, causadas por la explotación de los recursos y las personas, por parte de los países del Primer Mundo.

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Sefu Tafari Técnica: grafito y lápiz de color Soporte: papel Tamaño: 420 x 297 mm. Datación: 2020

185

Miguel Ángel Jiménez Mateos La nueva escultura del siglo XXI da lugar a una relación muy amplia entre el espacio envolvente y el espacio envuelto, utilizando una gran diversidad de formas de las cuales, a simple vista se podría tener la impresión de que no tiene un orden y en el cual habita un caos.

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Altair Técnica: modelado en yeso Soporte: yeso Tamaño: 700 x 500 x 400 mm. Datación: 2020

189

Manuel Losada López Partiendo de la pintura como sustancia, en un proceso de transformación que va de lo líquido a lo sólido, más que ser aplicada sobre una superficie, ha sido vertida, en capas sucesivas, sobre un “soporte-recipiente” que se ha dispuesto sobre el suelo con una inclinación de siete grados. Por tanto la forma final estará determinada más por la acción de la gravedad que por la mano del pintor. La obra se inició en 2019 y todavía está en proceso: la aplicación y secado de las sucesivas capas que crearán la forma definitiva terminará justo antes de que se exponga en este 2021.

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7º -siete gradosTécnica: acrílico Soporte: tabla Tamaño: 800 x 800 x 48 mm. Datación: 2019 / 2020

193

Manuel Fernando Mancera Martínez Una nueva revisión de la iconografía religiosa vista con un concepto gráfico flat design. Actualizar los referentes culturales es evolucionar. Reinventar los lenguajes para formalizar un diálogo personal en torno a la historia sacra son el nuevo modelo constructivo.

194

Santa Eulalia Técnica: gráfica digital (Adobe Illustrator) Soporte: papel Tamaño: 1120 x 770 mm. (reescalable) Datación: 2019

@EuLalein

Verdadero Retrato de la Virgen y Mártir Santa Eulalia que se venera en la Dehesa de la Aguijuela término de la Villa de Almonaster la Real ParaLos QueAman Demasiado

197

María del Mar Martín Llorente La obra representa el interés por la lectura y su capacidad para transportarnos a lugares fantásticos, fruto de la imaginación, y en los que podemos dar rienda suelta a nuestra creatividad. En esta se representa un anhelo, casi material, por introducirse y participar en esos mundos.

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Autorretrato Técnica: pastel (sepia, azul ultramar y rosa palo) Soporte: papel Tamaño: 700 x 500 mm. Datación: 2019

201

Andrea Medina Barroso A partir de fotografías personales relacionadas con una cierta idea de felicidad. Esa imagen y esa idea resultan especialmente idóneas para el proyecto, ya que, a pesar del realismo en el tratamiento de la luz, puede desarrollar la forma del rostro sin renunciar a la línea y a su vez reflejar “mi niña interior”.

202

Mi yo más puro Técnica: grafito Soporte: papel Guarro Tamaño: 700 x 500 mm. Datación: 2020

205

María Molero Arrabal Se hace alusión a la belleza y armonía de la naturaleza nipona, llena de leyendas, simbolismo, sencillez, que llega a estar representada incluso en sus jardines. Los jardines japoneses están diseñados para inspirar serenidad y vitalidad, en un fluir constante de sensaciones placenteras y profundas. Son jardines para ser contemplados, que nos invitan a la reflexión y a reencontrarnos con nuestro mundo interior. Esta flor ha sido retratada a menudo como símbolo de perfección; representa la jerarquía y la fuerza de lo perenne, la longevidad. Emblema imperial de Japón; la familia imperial japonesa lo adoptó como su emblema y el sello del propio emperador.

206

Kiku Técnica: aguafuerte Soporte: papel Michael Tamaño: imagen 248 x 160 mm Datación: 2020

209

María Nogues Campanario La mente es la clave de nuestra consciencia y la que controla nuestras reacciones e impulsos. El rostro es nuestro rasgo más identificativo y las expresiones faciales son el mejor reflejo de cualquier pensamiento o sentimiento. La risa, el ceño fruncido, el llanto, los labios apretados, la media sonrisa o la mirada perdida son reflejos de nuestros estados anímicos. Los diferentes estados mentales y emocionales hacen que nuestro cuerpo esté en continuo cambio, a veces en armonía con nuestro interior y a otras en conflicto. Normalmente reflejamos lo que sentimos pero otras lo intentamos ocultar. Esto provoca una rotura entre interior y exterior, y la capa intermedia que los mantiene unidos se desgarra, cansada y agotada de tanto sinsentido.

210

Desgarrada Técnica: bandas de escayola, alambre de aluminio color cobre, silicona, madera y pintura color plata Soporte: mixto Tamaño: 300 x 300 x 400 mm. Datación: 2020

213

Pepe Núñez Cabral La obra escultórica Retrato, una desfragmentación del rostro humano, es un trabajo donde los componentes anatómicos de la misma se muestran en una descomposición que transmite incertidumbre, desasosiego e inquietud al espectador. A pesar de trabajar de una manera grotesca y sacar a la luz en ocasiones temas de una complejidad ideológica importante, se trata de hacerlo con un carácter positivo, que entre por los sentidos del espectador e inunde la marisma de su cerebro.

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Retrato Técnica: yeso policromado Soporte: yeso Tamaño: 350 x 350 x 350 mm. Datación: 2020

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Francisco Javier Pérez Carmona Inspirado en Miles Morales, uno de los personajes relevantes en la franquicia Marvel y que se ha visto impulsado, entra otras cosas, por su participación en la creación del spider-verse en la pantalla grande. El patrón de repetición tiene como objetivo implementarse en elementos cotidianos con finalidad de acercar la cultura del comic a la mayor cantidad de público, haciendo uso de la imagen icónica del personaje junto con los colores que lo representan.

218

Spiderverse Técnica: patrón vectorial (Adobe Illustrator) Soporte: papel Tamaño: 320 x 320 mm. (reescalable) Datación: 2019

221

Ángela Portillo González Caras opuestas es un proyecto que se ha basado en una investigación experimental sobre la expresión y su relación con el rostro, representando una serie de identidades desde un punto de vista diferente, mucho más conceptual rompiendo con la rutina. A través de la técnica del fotograbado se muestran rostros individuales en formato A5 que nacen a partir del recuerdo de retratos fotográficos. A raíz de esa referencia, se interpreta espontáneamente a través de manchas y texturas aquello que ese recuerdo significa, mostrando de esa manera lo invisible a los ojos. Se deja a un lado la preocupación por la estética, solo el de reflexionar sobre la transmisión a través del rostro, haciendo referencia a la artista africana Marlene Dumas con su serie Models.

222

Caras opuestas Técnica: fotograbado Soporte: papel Hahnemühle Tamaño: imagen 210 x 148 mm. Datación: 2020

225

Laura Ramírez Salado Siendo el dibujo el método principal de plasmación de una idea, este trabajo sirve también como un medio de experimentación y exploración de otras técnicas plásticas de grabado y digitales, cuyo fin es entender nuevos registros de acabado y de configuración de una obra física a través del proceso de trabajo y utilizar el grabado como lenguaje artístico. Esta producción viene acompañada de un estudio constante de creación de un nuevo método de trabajo y la investigación de la historia del retrato, tanto pictórico como fotográfico, con el fin de comprender los cambios objetivos-expresivos para entender o contar una idea o una realidad.

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ADN emocional Técnica: método puzle Soporte: papel Hahnemühle Tamaño: imagen 210 x 148 mm. Datación: 2019

229

Jesús Ramos Valencia En la obra se materializa la idea del recuerdo a través de una fotografía antigua de un grupo de folclore piornalego (Extremadura) de los años 50. Haciendo referencia al término global de folclore, que actualmente va desapareciendo y que con el paso del tiempo ha ido perdiendo sus rasgos originarios por la modernidad. Esa memoria colectiva se va olvidando generación tras generación y poco a poco se desvanece como una foto antigua sin sujetos. Manchas de un pasado desconocido que se muestra de manera difusa, sin reconocer a personas, olvidando sucesos y perdiendo su esencia originaria. La obra quiere expresar ese valor que se le atribuye a dicho recuerdo que, aunque de manera difusa y descontextualizada, se centra en una experiencia vivida y un pasado que es importante para el que lo conserva.

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El grupo Técnica: acrílico Soporte: tabla Tamaño: 425 x 425 x 50 mm. Datación: 2019

233

Laura Rastrollo Corbacho Ergonómicas, clásicas, incómodas, altas, bajas, mullidas, cojas, olvidadas, perdidas, idealizadas... Descansamos en la arquitectura de una máquina infernal que, aunque nos habla del sosiego, viaja inevitablemente hacia el final del futuro incierto. Rosas, amarillas, de plástico o madera, frías o acogedoras.. en su entorno somos coronados por la mágica sensación de un reino personalizado.

234

Sillas Técnica: gráfica digital (Adobe Illustrator) Soporte: papel Tamaño: 320 x 320 mm. (reescalable) Datación: 2020

237

Paola Román Reyes El mar tan sereno, fiero, inmenso, el que nos atrae, el fascinante… en definitiva el maravilloso e inspirador océano, es sin embargo, en muchas partes del planeta un receptor de desechos y basuras. Nosotros los humanos, nos empeñamos en castigarlo y destrozarlo, a sabiendas de que es fuente de energía, riqueza, y cadena fundamental para nuestro ecosistema…. La contaminación oceánica y el cambio climático despiertan preocupación no sólo por el estado general del entorno marino sino también por el impacto de los alimentos que se extraen de él y su seguridad para la salud pública.

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Peces clavo Técnica: cerámica - óxido bajo cubierta Tamaño: 600 x 300 x 300 mm. Datación: 2020

241

Pepa Ruiz Fernández Artista novel de vocación tardía, comienza su andadura en octubre de 2019 cuando ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. En ese momento da un cambio radical en su vida profesional y personal, dejando atrás más de 40 años dedicados a la medicina y la salud pública. Con Amor entre niebla, propone un homenaje al amor con mayúscula. Es la A en lenguaje Braille de una composición de cuatro obras. Porque el Amor nunca va solo: el amor de una madre, el amor a tu hijo, el amor pasional….. el amor a la vida. El Amor teje redes de alianzas individuales y sociales. A través de él se reinterpreta la vida y se construye con resiliencia un entramado para afrontar el futuro, aunque siempre exista niebla entorno a él.

242

Amor Técnica: óleo Soporte: lienzo Tamaño: 730 x 500 mm. Datación: 2020

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Alexis Sánchez Alonso Abordar la psicología de un presente continuo lleno de cambios e incertidumbre. Buscando siempre nuevas maneras de proceder en la gráfica que otorguen diferentes posibilidades para poder explotar.

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Tránsito Técnica: mixta Soporte: papel Canson Mi-Teintes Tamaño: 700 x 500 mm. Datación: 2019

249

Paco Sánchez Concha La pieza pertenece al proyecto Solidario Vírgenes Guapas, creada exprofeso para formar parte del cadáver exquisito realizado con los alumnos de la asignatura Fundamentos de la Pintura. Trata de ser en tiempos de incertidumbre, necesidad y desasosiego, un canto al amor y esperanza en los tiempos venideros.

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Solo el amor curará el mundo Técnica: mixta Soporte: lienzo pegado a tabla Tamaño: 500 x 400 mm. Datación: 2020

253

Ángel Sarmiento Burgos En esta composición (matriz) aparece en primer plano la “Virgen dolorosa” vestida a la usanza castellana de finales del siglo XVI. A los dos lados encontramos dos Ángeles que equilibran la composición y que portan filacterias; propias de las tablas flamencas y de las estampaciones religiosas de hasta finales del siglo XVIII. En la parte baja encontramos dos orantes, este elemento es propio de las representaciones marianas; podían ser aquellos mecenas que habían encargado la obra, aquellas personas que habían contribuido a la realización de ésta, propietarios de la capilla donde se iba a situar o la más probable; personalidades importantes a las que iban destinados los favores de la Virgen.

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La Virgen Dolorosa. El luto castellano Técnica: punta seca Soporte: papel Hahnemühle Tamaño: imagen 450 x 300 mm Datación: 2020

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Carlos Spínola Romero Transitamos de un lugar a otro, recorremos un espacio hacia ninguna parte, y bajamos haciendo círculos hacia ningún destino.

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Vasos comunicantes Técnica: cerámica esmaltada y hierro Tamaño: 450 x 250 mm. Datación: 2020

261

Ana Ufano El amor es un sentimiento eterno. Es el motor del mundo. Me he propuesto reflejar la dualidad entre el espíritu, el alma y el cuerpo, visualizar como hoy día, esta máxima sigue siendo así. De este modo se recupera uno de los estilos más universalmente reconocidos del siglo de oro -el penumbrismo- , para ofrecer una visión neoclásica de la metafísica dualidad cuerpo-alma. Así, este trabajo al óleo trata de reflejar la esencia del ser frente al otro. Dos personas que se unen en una sola. Así, cuerpo y alma, ser y espíritu hacen uno.

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El cuerpo y el alma Técnica: mixta Soporte: lienzo Tamaño: 1300 x 970 mm. Datación: 2020

Bio

Eloina Álvarez Murillo Interesa por la pintura como medio de transmitir vivencias y emociones. Ángel Aranda Simón Nacido en Utrera el 28 de enero del año 2000 y residente en dicho municipio, Ángel Aranda Simón comenzó a estudiar arte en el Instituto de Educación Secundaria de Utrera “I.E.S. José María Infantes” cursando el Bachillerato de 2016-2018. En 2018 inició su formación universitaria en La Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Los principales géneros artísticos que aborda son la pintura en acrílico u óleo, el dibujo, y el arte digital en sus vertientes de concept art e ilustración. Toma su inspiración tanto de los antiguos y clásicos artistas, como de los más contemporáneos del momento. María del Rocío Benito Márquez Su creatividad la lleva a curiosear en todo lo que pueda inspirarla. Así ha formado parte de la antología conjunta del cómic de Huelva resultante del I concurso de tiras gráficas. También ha diseñado cartelería, y actuado y colaborado con animación 3D en cortometrajes... Cualquier cosa que le haga encontrar su mundo interior. El 17 de abril de 2018 inauguró su primera exposición individual titulada “No feelings” en la Casa de la Cultura de Aljaraque que también ha pasado por el Instituto Andaluz de la juventud y ha participado en otras exposiciones colectivas. En su obra trata de expresar aquellas complejas cosas que no podemos articular con palabras a través de algo tan simple como un trazo de tinta y manchas de acuarela. David Berrocal González Apasionado de la gráfica digital a lo largo de su currículo ha ido profundizando en el conocimiento de recursos y herramientas digitales para obtener los mejores resultados en los conceptos artísticos.

268 Ricardo Calvo Cotán 2020 - Exposición “Entorno a la utopía y otras realidades.” Morón de la frontera, Sevilla. organiza ayuntamiento de Moron de la frontera. 19 de febrero al 20 de marzo. 2019 - Exposición “72 horas”Galería Zunino Sevilla. Comisario Guillermo Amaya Brenes. 4 de diciembre 2019 al 4 de enero de 2020 2019. – Exposición “La modelo y los artistas” Sala pintor Elbo centro cultural Hospital de Santiago Úbeda. Comisario Francisco Sánchez Concha. Mayo 2019. Cristina Camacho Sánchez Graduada en la escuela de Artes de Sevilla, especialidad Cerámica. Y centro cerámico Della Robbia. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas. La cerámica es el medio de expresión en el que más se mueve. El estudio continuo de materiales y formas constituyen un reto que junto con la magia del fuego le siguen fascinando y conmoviendo después de tantos años. Irene Caro Campos Nace en Sevilla 1998 tiene dos medias carreras, el carnet de conducir y ganas de revolucionar el mundo. Es medio química y medio artista. Dibuja, escribe y recita (de vez en cuando). “Proyecto Innovación” es su primera exposición artística. Actualmente se encuentra estudiando química en su ciudad natal. David Claro Durán Inquieto en la búsqueda de nuevos referentes constructivos dentro del ámbito creativo. Gema Climent Camacho Nace en Abenojar (Ciudad Real,) el 6 de febrero de 1963. Licenciada

269 en Valencia en Grabado y Pintura, Profesora Titular de Grabado II en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla desde 1995. PREMIOS MAS IMPORTANTES RECIBIDOS -2003. Primer Premio Antares, Sevilla -2013 Primer Premio Pintura Nacional del LXIV Salón de Arte “Ciudad de Puertollano”. -2003. EXPOSICIÓN INDIVIDUAL de Pintura y grabado en la Galería Infantas de Madrid. Expuesta.- 2006. Exp. de Pintura en la Galería de Arte Álvaro de Sevilla. -2008. Exp. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla La Mancha. 2010. Exp. pintura y grabado, Palacio Pimentel Valladolid. 2013. Exp. grabado, Museo de Puertollano. 2016. Exp. Obra Gráfica Museo López de Villaseñor C.R.-2008. EXPOSICIÓN COLECTIVA Internacional de grabados, titulada: “Ard And the Mountain 2008” di Milano Italia. -2008. Exp. Internacional de grabados National Taiwán Museum of Fine Arts. -2008. Exp. Internacional de grabados, titulada: “Bimpe V” Vancouver BC,Canadá. -2009. Exp.”IV CERTAMEN LADRÚS DE GRABADO IBEROAMERICANO”. Huelva.-2009. Exp. “MUFART ARTES PLASTICAS PARA EL SIGLO XXI”, Ministerio Madrid. -2012. Exp. Internacional “XIX Premios Museo del Grabado Contemporáneo Málaga. -2012.Exp. Internacional de Grabado “III Bienal Internacional Palacio de Pimentel. Valladolid. -2012. Exp Internacional de Grabado “ARTE en papel Amatl Pahuatlán. Puebla, Nuevo México. -2012. Exp. Nacional “Grabado e Innovación” Palacio los Serrano Ávila. -2012. Exposición Internacional de Grabado Iberoamericano. Fundación Ladrús Huelva. -2012. Exp. Internacional de Grabado 32è Mini Print. Internacional. Cadaqués Girona España. -2013. Exp. Nacional Pintura y grabados, “Bajo la luz de Clara”. Badajoz - 2013. Exp. Internacional de Serigrafia Museo Ciencias Valencia y Claustro San Agustín en Bogotá.-2013. Exp. Internacional de Grabado 32è Mini Print. Internacional.-Galerie L’Etangd’ Art Bages, Francia.y -Wingfield Barns, Wingfield (Reino Unido). -2014. Muestra Internacional itinerante:”MINIPRINT6º MUESTRA INTERNACIONAL, ROSARIO-ARGENTINA”. -2015. Exposición Internacional de Grabado. “The Iosif Iser Art Museum of Prahova Rumanía. -2017. Exposición internacional de Grabado. Sala de Exposición Centro Cultural Tachia – Taiwán. 2019. Exposición Individual de Obra Gráfica en la Sala de Exposiciones del Museo Centro Cultural San Clemente Toledo 8/03 al 5/04 2019. Rita del Río Rodríguez En los últimos años destacan los siguientes méritos: -2.012 Bienal internacional de grabado de Valladolid, Palacio Pimentel

270 (España); Exposición de grabado matérico en el Palacio de los Serranos. Ávila (España); Exposición de grabado sobre papel amate. México. Pahuatlan. Puebla; Exposición fotográfica, Capilla de San Bartolomé. Córdoba (España) -2.014 Exposición de grabados y dibujos. Puertollano, Ciudad Real (España); 15 Exposición itinerante colectiva “Arte Cisoria I” España , Francia, Argentina, Italia -2.015 Bienal internacional de grabado Ciudad de Cáceres (España) -2.016 Bienal internacional de grabado. Valladolid (España); Exposición itinerante colectiva “Arte Cisoria II” España , Francia, Argentina, Italia. Carlos Alberto Dovao Hidalgo Nace en Córdoba en 1984. Vive y trabaja en Sevilla. En 2012 comienza el Grado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, Sevilla. Relevantes son sus exposiciones individuales: en 2018 MORBOSUIT, en el Espacio Laraña, Sevilla y DARKROOM, en el Espacio Santa Clara, Morón de la Frontera; y en 2019 NICTOFILIA en el Centro Olontense de Arte Contemporáneo (CODAC). Gibraleón y YO TAMBIÉN SOY NARANJA en Galería La13 de Huelva. Pilar Félix Cárdenas Vive en la Palma del condado, Huelva. Desde que tiene memoria, le gusta dibujar. Enfocada en la ilustración y el cómic. Siempre dispuesta a aprender. Rocío Filiberto Vázquez Nace en Sevilla en 1967. En 2014 ingresa en la Facultad de Bellas Artes. Ha participado en exposiciones conjuntas de pintura organizadas por el Ayuntamiento de Valencina de la Concepción, en las Jornadas contra el Cáncer de Mama en el Hospital Virgen del Rocío, y en la exposición La Palabra rodada.

271 Observadora, inquieta y curiosa. Tamara Flores Muñoz Nacida en Olivares, Tamara Flores Muñoz comienza la carrera de Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla en 2017, donde se instruye en las principales asignaturas: el dibujo, la pintura y la escultura. Le atrae principalmente el estudio de la figura humana, pues considera que se trata de un elemento con el que puede expresar todo tipo de circunstancias posibles, desde el miedo, la fuerza, la delicadeza, la sexualidad, etc. Su obra abarca el género de la Crítica Social, tema que la lleva la denuncia de cuestiones y situaciones mediante diferentes soportes y técnicas. Especializada en la escultura, se interesa por la interacción entre la obra y el espectador. Considera que este acto hace que la obra cobre un mérito especial al tener un doble valor: el propio del significado por sí misma y el que recibe al relacionarse con un público que se involucre con la causa. Pablo Galindo Serrano Pocos años después de haber sido dado a luz un 29 de agosto de 1998, Pablo Galser ya manchaba decenas de folios ilustrando todo tipo de historias. Tiene predilección por los videojuegos como inspiración y medio para elaborar sus trabajos, que suelen tener tintes críticos contra lo socialmente establecido. Especializándose en ilustración y animación tradicional. María José García del Moral Nace en Granada. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y posteriormente Doctora por la Universidad Complutense de Madrid la cual le publica la tesis doctoral sobre su padre, el pintor y poeta Amalio García del Moral. Vive dos años en Madrid y seis en París en donde entra en contacto con

272 las corrientes pictóricas más vanguardistas. Como docente imparte clases de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla y como gestora ha sido Vicedecana de su facultad, Directora de Promoción Cultural de la Universidad de Sevilla, Comisaria de varias exposiciones. Desde la muerte de su padre en 1995 es Presidenta de la Fundación Pintor Amalio. Sebastián García Garrido Catedrático de Universidad. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca; y Licenciado en Bellas Artes, diseño y grabado, por la Universidad de Sevilla. 4 sexenios de investigación de la CNEAI. Ha creado y coordinado el programa de doctorado Bellas Artes, Diseño y Nuevas Tecnologías, 2001-2009; y el Máster en Diseño y Creación Multimedia, 2002-2004. Imparte actualmente su docencia, relacionada con el diseño, en la Escuela de Ingenierías, en el máster del departamento de Historia del Arte y otros dos posgrados del citado centro. Su principal línea de investigación es la Identidad Visual de las Instituciones, ha comisariado exposiciones de arte y diseño, y mantiene una doble trayectoria como diseñador y artista plástico. Su último proyecto de creación artística es Tipometrías (2011-2020), expuesto en el Museo de la Imprenta-Artes del Libro de Madrid, Galería Artis de México DF y Sala del Rectorado de la Universidad de Málaga. Ha realizado estancias prolongadas de investigación, en Unversità di Firenze (1991), Centro de Altos Estudios Sociales de París CNRS –Centro de Arte y Lenguaje– (1996), y Politecnico di Torino (2008). Miembro del colegio de profesores del doctorado en Diseño de las universidades de Nápoles-Lisboa-Málaga desde 2006 y Universidad de Florencia desde 2016. Fundador y director de las revistas: i+Diseño, 2009-2020 (www.idiseno. org) y ddiseño, 2008-2011. Director de la última etapa de la revista La Traíña: Revista de las Artes y las Letras (fundada en Marbella por J.M. Vallés, Presidente de los Críticos de Arte de Andalucía).

273 Es ahora académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo; Evaluador de la Agencia Estatal de Investigación AEI-FLA, en el campo de las Humanidades; y miembro de numerosos comités nacionales e internacionales, editoriales y científicos. Ha sido vocal académico del panel de expertos del proceso de verificación de títulos oficiales de la comunidad de Madrid; experto del área de Dibujo para la acreditación a Titulares de Universidad, mediante el programa Academia; y miembro del Consejo Consultor de los Premios Nacionales de Diseño en varias ediciones. Laura Garlito Núñez Natural de Extremadura, Laura Garlito Núñez, nació en Plasencia en 1999. Pasó la mayor parte de su infancia en Jaraíz de la Vera y, más tarde, se trasladó a Almendralejo donde reside actualmente. Estudió en la Escuela superior de arte y diseño de Mérida, y ahora está matriculada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Emilio Edgar Garrido PINTURA: paisajes de Extremadura, Caja Badajoz, Badajoz 2011. Escultura: Extraterrestre; Zona wifi, entre sin llamar. ( Sevilla) 2017. Escultura: Sentimientos maltratados, Córdoba 2017. ESCULTURA: Fiel felino; Institución El Broncense, Caceres 2017. PINTURA: Mengabril. Badajoz 2018 PINTURA DIGITAL: Cartel carnavales de Don Benito 2018. PINTURA: XLVIII exposición Internacional de pintura. Homenaje a Rafael Zabaleta. QUESADA. 2018 LXVII Exposición Internacional de Otoño, Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría. Sevilla. 2019 Exposición colectiva. Museo etnográfico de Don Benito.(Badajoz).2019

274 David Gómez Zapata Exposiciones Colectivas: 2021- •Exposición solidaria pro Asilo de Ronda. Convento de Santo Domingo de Ronda. Excmo. Ayuntamiento de Ronda y Hermanitas de los Pobres. 2020 - “Vandelvira en Úbeda”. Centro Cultural Hospital de Santiago. Excmo. Ayuntamiento de Úbeda. Juan Dolores González Caballero Fundador de la Compañía Teatro del Velador, es director de teatro, escenógrafo y diseñador de vestuario. Ha dirigido más de cincuenta espectáculos entre teatro, danza, flamenco y ópera. Sus obras han visitado emblemáticos espacios escénicos: Festivales de Mérida, Almagro, Festival de los teatros romanos, Festival Don Quijote de Paris, Teatro Central de Sevilla, Círculo de Bellas Artes, acumulando numerosos reconocimientos a su trabajo. Actualmente, compagina sus estudios académicos con la preparación de una nueva obra de danza. Elena Hermida Medina Nacida en Rota, provincia de Cádiz, estudia bachillerato en ciencias tecnológicas en el IES Castillo de Luna de su ciudad natal. Su pasión por el dibujo la lleva a la facultad de Bellas Artes de Sevilla. Ya ha participado en varias exposiciones colectivas y su interés profesional se proyecta especialmente en el campo del dibujo y la ilustración, campo en el que ya ha iniciado su camino gracias a las prácticas realizadas en Lantia Publishing. Isabel Herrera González Nacida en Sevilla el 20 de febrero de 1996. Desde pequeña Isabel Herrera ha sentido inclinación por la literatura y por las artes. Sus trabajos suelen girar en torno a las ideas de infancia, el hogar, el tiempo, lo cotidiano, la naturaleza y la luz. Actualmente cursando el cuarto curso de

275 Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, espera aprovechar este año para seguir desarrollando un discurso más personal. Natalia Herrera Pombero Como artista, está especialmente interesada en el mundo de la gráfica y el arte conceptual, abarcando disciplinas artísticas múltiples, desde el dibujo y el grabado hasta la fotografía o la performance. En este sentido, sus obras se mueven desde el dibujo figurativo y la ilustración hasta la expresión gráfica más abstracta y depurada. Desde pequeña, su fascinación ha residido en el mundo del dibujo. Se puede decir que su andadura comenzó cuando su abuela descubrió que, siendo aún un bebé, si le daba un rotulador carioca azul claro, dejaba de llorar. De ahí, pasando por toda una infancia y juventud ligada a la literatura fantástica y al deseo de reflejar lo que su imaginación creaba, pasó a estudiar arquitectura, donde una expresión más abstracta, conceptual y discursiva se abrió camino. Andrea Iglesias Lozano Editora y compositora digital que ayuda a los soñadores y pensadores a construir imágenes que cumplen un propósito. Pablo Jiménez Interesado por el mundo del cómic y la ilustración, influenciado por autores como Hugo Pratt o Giraud, ha enfocado sucarrera a la realización de esta disciplina. La creación de historias dándole un trasfondo a los personajes son estrategias claves para entrar en este campo. Miguel Ángel Jiménez Mateos Profesor y escultor natural de Mairena del Alcor, Sevilla. Siempre listo para atrapar fuerte la vida con las manos y disfrutarla. Virtud y frescura en el modelado acorde con mi personalidad abierta y nada ambiciosa define mi trayectoria profesional y artística. En mi proceso artístico intento “captar” una mirada más amplia del mundo y una forma propia de percibir y sentir la realidad.

276 Nacido en Mairena del Alcor (Sevilla) en 1968. Profesor titular, doctor en Bellas Artes y director del grupo de Investigación Hum 749: “Nuevos materiales y procedimientos escultóricos”. Su trayectoria como docente la ha ido combinando con su actividad profesional como escultor realizando obras y encargos desde 1993 hasta la actualidad: Premio Ángel Orensanz, Sabiñánigo (Huesca), Premio Villa de Rota (Cádiz), Finalista Monumento a Aníbal González (Sevilla). Obras en colecciones públicas y privadas: Museo Ángel Orensanz ((Huesca); Ayuntamiento Alcalá la Real (Jaén); Museo Ruiz Mateos de Rota (Cádiz); Convento Santa Clara Alcalá de Guadaíra (Sevilla); Facultad de Medicina Univ. Sevilla; Monumento público Cementerio de Osuna (Sevilla); Parroquia Santa Aurelia (Sevilla); Parroquia Rochelambert (Sevilla); Parroquia San José de la Rinconada (Sevilla); Monumento al Rey Alfonso X El Sabio, Almonte (Huelva). “Sin la ayuda y el apoyo de mi familia nunca hubiese sido posible tanta aventura, a mi padre Miguel y a mi madre Isabel”. Manuel Losada López Nacido en Dos Hermanas, es licenciado y doctor en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Continuó su formación a través de numerosos cursos con artistas como Gerhard Richter, Emil Schummacher, Soledad Sevilla, Yamandú Canosa, Juan Luis Moraza o Juan Fernandez Lacomba. En la actualidad es profesor titular de universidad adscrito al Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, donde ha ejercido la docencia e investigación desde el curso 1988/1989. Con anterioridad trabajó como ilustrador gráfico en la Agencia de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía. Ha expuesto su obra en ciudades como Sevilla, Málaga, Marbella, Jerez, Cartagena, Argel, Tetuán, Tánger, Como o Roma. Manuel Fernando Mancera Martínez (ParaLosQueAmanDemasiado) Nace en Sevilla el martes, trece de abril de mil novecientos setenta y uno. Licenciado en Bellas Artes, en las especialidades de “Escultura”; “Pintura” y “Grabado y Diseño Gráfico”. Actualmente es Profesor Titular de Universidad, e imparte la asignatura de Arte, Diseño y Comunicación en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes

277 de Sevilla. Medalla al mejor expediente académico de la promoción 1993-1998 y Mención especial en la Convocatoria de Premios Nacionales Fin de Carrera de Educación Universitaria, curso 1997-98 por el Ministerio de Educación y Cultura, en reconocimiento al expediente y curriculum académico; obtuvo una beca de Formación de personal docente e investigador (FPU) de la Junta de Andalucía (2000-2004). Ha expuesto en Alemania, Argentina, China, España, Italia, México, Perú, Portugal... María del Mar Martín Llorente Nacida en la provincia de Badajoz (España). Graduada en bachillerato artístico en el I.E.S. Puerta de la Serena de Villanueva de la Serena (Extremadura) ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla en el año 2018. Sus obras son figurativas con especial predilección por el género del retrato. Caracterizadas por una gráfica personal, además de la preocupación por el análisis de las formas. Combina su interés por el dibujo con la práctica de la pintura. Andrea Medina Barroso Apasionada del arte por la herencia familiar. Comienza su andadura cursando estudios de orfebrería y joyería y esmaltes al fuego. En 2017 ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. María Molero Arrabal Obra pictórica “Anthophila”, exposición Vandelvira en Úbeda, Centro Cultural Hospital de Santiago Sala Juan Esteban. Úbeda, 2020. María Nogues Campanario Arquitecta y artista natural de Monesterio, Badajoz, y asentada en Sevilla. Tras acabar sus estudios de arquitectura se embarcó en el mundo del arte, su principal pasión. Actualmente compatibiliza trabajo y estudios, y también desarrolla proyectos artísticos personales y colaborativos. Trata sus obras desde una perspectiva muy personal, reflexionado sobre conceptos existenciales como el tiempo, el bien y el

278 mal, el equilibrio, los pensamientos y sentimientos, el subconsciente, y el mundo de los sueños. También reflexiona con un sentido más crítico sobre la propia existencia del ser humano y su comportamiento, sobre la vida en general, la realidad y la sociedad. Pepe Núñez Cabral Tras una relación constante con el mundo plástico y artístico de manera autónoma, cursa Arquitectura Efímera en la Escuela de Artes de Jerez de la Frontera y seguidamente el Grado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla que está a punto de terminar. Habiendo recibido Mención de honor en algunos certámenes y seleccionado en otros, se encuentra en este momento en un trampolín creativo que va a desembocar en la culminación profesional como artista en un corto periodo de tiempo. Francisco Javier Pérez Carmona Apasionado por la gráfica digital y el entorno 3D. Se especializa en el concepto game. Ángela Portillo González Artista freelance Laura Ramírez Salado Apasionada por el arte en todos sus aspectos, desarrolla pensamientos gráficos como modelo tangible de la instrospección. Jesús Ramos Valencia Inmerso en la búsqueda de los valores humanos e inquieto por representar la calidad humana. Laura Rastrollo Corbacho

279 Apasionada del arte, la publicidad, las redes sociales, lo visible e innovador. Luchadora, atrevida y extrovertida, cercana y empática. Paola Román Reyes Trabaja como marionetista en la compañía Títeres Caracartón, se basa en la interpretación, manipulación y construcción de los personajes; y se extiende a todos los campos de la realización que una puesta en escena conlleva. Dedicada al mundo del títere su trabajo es una forma de vida. Reuniendo dos pasiones: el teatro y la expresión plástica. La Facultad de Bellas Artes de Sevilla, le ha brindado las herramientas y los contenidos necesarios para desarrollar nuevos proyectos, creciendo a nivel personal, profesional y ampliando así sus posibilidades creativas. Pepa Ruiz Fernández Licenciada en Medicina y Cirugía. Facultad de Medicina de la Universidad de Cádiz. Master en Salud Pública y Administración Sanitaria. Escuela Andaluza de Salud Pública. Granada. Diploma acreditativo del Programa de Desarrollo de Directivos. Escuela Andaluza de Salud Pública. Granada. Alexis Sánchez Alonso Nacido en Huelva, la inquietud de este estudiante de bellas artes siempre ha sido el dibujo y todo lo que le rodea. Desde muy pequeño empezó a copiar láminas de Emilio Freixas que su profesor en primaria le daba. Nunca dejó soltar un lápiz sabiendo que se iba a dedicar a ello. Fue con la entrada al grado superior de ‘’Técnicas escultóricas en madera’’ de Huelva que su concepción del arte dio un giro de ciento ochenta grados. Desde entonces Alexis investiga y trabaja tanto en la facultad como en su espacio con mucha rigurosidad para convertirse en un artista influyente.

280 Paco Sánchez Concha Nacido en Baeza (Jaén) es Pintor, Escultor, Fotógrafo, Ceramista y Artes Suntuarias. Profesor Contratado Doctor del Departamento de Pintura de la Universidad de Sevilla. Resumen exposiciones individuales: 2021- “Proyecto Covid: Vírgenes Guapas”. Pinturas y obra gráfica. Sala Moreana Cultura, Sevilla. 2020- “Flecha 2020”. Seleccionado como artista participante de la feria en www.flecha.es, Madrid. 2017- “María Museum Visitat”. Pinturas. Galería alta Museo de Santa Clara de Zafra. Badajoz. Ángel Sarmiento Burgos Investigando siempre la singular propuesta del Arte Sacro como un potente gestor de Cultura y Arte. Carlos Spínola Romero Nace en Sevilla. Ciudad en la que trabaja e investiga. Licenciado en Bellas Artes. Universidad de Sevilla. Mejor Expediente Académico. Especialidad de Escultura. Bellas Artes. Sevilla. II Premio Nacional Fin de Carrera. M.E.C. Madrid. Beca Programa Nacional de Personal Investigador en España. Madrid. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Profesor Titular de Universidad. Facultad de Bellas Artes. Universidad de Sevilla. Ha participado en más de un centenar de Exposiciones de carácter Nacional e Internacional; obteniendo diferentes premios y distinciones, tiene obras en Museos, Colecciones e Instituciones. Desarrolla su actividad como docente e investigador en la Facultad de Bellas Artes. Departamento de Escultura. Universidad de Sevilla.

281 Proyecto y realización de Mural Cerámico. Consejería de Medio Ambiente, Junta de Andalucía. Proyecto Andaluz de Formación del Profesorado Universitario” Estrategias de enseñanza interdisciplinar para la Facultad de Bellas Artes de Sevilla”. UCUA. Proyecto y realización de videos didácticos. Tratamientos de Superficie Cerámicos. SAV. Universidad de Sevilla. Actualmente realiza diferentes proyectos de investigación con varias líneas de trabajo, relacionados con nuevos materiales y experimentación de diferentes procesos tecnológicos cerámicos y procesos escultóricos, fuera y dentro del Grupo de Investigación (I-D) HUM 373.Junta de Andalucía. Ana Ufano 2019: “100 años Bauhaus”. Exposición colectiva Facultad de Bellas Artes de Sevilla. “Cherry Pin-Up. La modelo y los artistas”. Exposición colectiva. Hospital de Santiago. Úbeda 2020 “Vandelvira en Úbeda” Exposición colectiva. Hospital de Santiago. Úbeda. “Arqueología doméstica”, comisariada por Manolo Cuervo. Facultad de Bellas Artes. Sevilla.

Este libro se editó en los talleres ParaLosQueAmanDemasiado y fue publicado en Sevilla el 23 de febrero de 2021 Sol: 07:58 a 19:00 - Luna 14:44 a 04:54 Luna llena el 27 en Virgo Festividad de Ss. Policarpo: ob. y mr. Sireno o Sirenio.

Exposición Colectiva

Sala Antiqvarivm Plaza de la Encarnación, 37 41003 Sevilla

del 23 de febrero al 14 de marzo 2021