Sara Funaro e Fabrizio Moretti: BIAF come progetto condiviso
64 BACK TO THE FUTURE
Simone Verde tells us about his vision
for the Uffzi Galleries
Simone Verde ci racconta la sua visione
delle Gallerie degli Uffzi
text Francesca Lombardi
72 FULL AESTHETIC IMMERSION
The Torlonia Collection in the Apartments of Anne of Austria at the Louvre
La collezione Torlonia negli Appartamenti di Anna d’Austria al Louvre
78 REVOLUTIONS
Arturo Galansino tells us about the new exhibition at Palazzo Strozzi and big plans for the future
84 ALIVE AND EVOLVING
Sergio Risaliti: refections on the Museo Novecento
Rifessioni sul Museo Novecento
90 ARTISTIC HERITAGE
An exclusive journey through the unknown masterworks of the Sovereign Military Order of Malta Viaggio esclusivo attraverso capolavori inediti del Sovrano Militare Ordine di Malta
The life and works of Massimo Listri
Massimo Listri, la storia e le opere
La nuova mostra di Palazzo Strozzi e gli importanti progetti futuri
98 A BROAD VIEW
Thomas Clement Salomon, to love art with an eye on budget
Amare l’arte senza dimenticare il budget
106 URBINO’S DUCAL PALACE
Director Luigi Gallo and his plan for renewal and expansion in Urbino
Il piano di rinnovamento ed espansione a Urbino del direttore Luigi Gallo
112 REBIRTH
Museo Ginori will be back to life by 2026. Word of Tomaso Montanari
Entro il 2026 torna a vivere il Museo Ginori. Parola di Tomaso Montanari
116 SEARCHING FOR EMOTIONS
Our exclusive interview with Andrea Bocelli on his 30-year career
La nostra intervista esclusiva con Andrea Bocelli per i suoi 30 anni di carriera
124 CAPTURING THE PRESENT
Marco Casamonti and his architecture bridging past and future
L’architettura che unisce passato e futuro di Marco Casamonti
130 OUR POETRY
Laura Sartori Rimini and Roberto Peregalli talk about their love of ancient things
L’amore per l’antico di Laura Sartori Rimini e Roberto Peregalli
136 A PLAY OF CONTRASTS
Matteo Corvino on the brilliant design of Palazzo Corsini, between glass structures and masterpieces Il geniale allestimento
di Palazzo Corsini, tra strutture in vetro e capolavori
142 IN THE BEGINNING
Palazzo Settimanni in Florence and the cultural legacy of Gucci
Palazzo Settimanni a Firenze e l’eredità culturale di Gucci
148 LOOKING TO THE FUTURE
The long-established relations between BIAF and the Florence Chamber of Commerce
La consolidata collaborazione tra BIAF e la Camera di Commercio di Firenze
150 THE LINK BETWEEN BIAF AND FONDAZIONE CR FIRENZE
Under the banner of continuity and excellence Nel segno della continuità e dell’eccellenza
152 FROM THE PAST TO THIS DAY
Arte Generali for the protection of heritage
Arte Generali per la salvaguardia del patrimonio
154 FROM NEW YORK TO VENICE AND BACK
Venetian Heritage and BIAF together for beauty
Venetian Heritage e BIAF, insieme per il bello
156 A DEEP-ROOTED LIAISON
Rocco Forte Hotels and BIAF: shared values
Rocco Forte Hotels e BIAF: valori condivisi
159 EXHIBITORS
33rd edition - Florence International Biennial Antiques Fair
IWC PORTUGIESER AUTOMATIC.
Portugieser Automatic 42, Ref. IW501707
Conceived 85 years ago as an instrument watch with marine chronometer precision, the Portugieser has evolved into a timeless yet dynamic paragon of understated elegance. A slimmer case now makes the Portugieser Automatic 42 even more refned, while double-box glass sapphire crystals showcase the IWC-manufactured 52011 caliber with a power reserve of 7 days and the elaborately crafted dial in a new colour called Obsidian. IWC. ENGINEERING BEYOND TIME.
COLOPHON
EDITOR IN CHIEF
Matteo Parigi Bini
EDITORIAL DIRECTOR
Cesare Cunaccia, Fabrizio Moretti
MANAGING EDITORS
Teresa Favi, Francesca Lombardi
EDITORIAL COMMITTEE
Riccardo Bacarelli, Bruno Botticelli
EDITORS
Rossella Battista, Virginia Mammoli, Martina Olivieri
PHOTOGRAPHERS
Massimo Listri (cover), Mattia Aquila, Lorenzo Cotrozzi, Giovanni De Sandre, Alexander Dobrovodskye, Dario Garofalo, Dave Hogan Alessandro Moggi, Lorenzo Montanelli, Agostino Osio, Pasquale Paradiso, Ottavia Poli, New Press Photo, Luca Rossetti
Supplemento a Firenze Made in Tuscany N.72 Registrazione Tribunale di Prato - n° 9/2006 del 15.12.2006 Spedizione in abbonamento postale 45% - art. 2, lettera b - legge 662/96 Filiale di Firenze - Contiene IP
PUBLISHER
Alex Vittorio Lana & Matteo Parigi Bini via Cristoforo Landino, 2 - 50129 Firenze - Italy - ph +39 055 0498097 www.gruppoeditoriale.com
Finished printing September 2024
PRINT
Baroni & Gori - Prato
THE WATCHMAKER OF WATCHMAKERS
REVERSO
Boutique Firenze - Via Strozzi, 8r
LENNY KRAVITZ
PALAZZO CORSINI FIRENZE
28 th September / 6 th October 2024
PRESIDENT
Sara Funaro (Mayor of Florence)
VICE-PRESIDENT
Riccardo Bacarelli
Enrico Frascione
SECRETARY GENERAL
Fabrizio Moretti
COMMITTEE
Massimo Bartolozzi
Bruno Botticelli
Alessandra Di Castro
Fabrizio Guidi Bruscoli
Carlo Orsi
Luigi Salvadori
Furio Velona
Held with the contribution of: Fondazione CR Firenze and Chamber of Commerce of Florence
FONDAZIONE EXPO ARTE E CULTURA ETS Via del Parione, 11 – 50123 Firenze Tel 055 282635 www.biaf.it
VETTING
PAINTINGS AND DRAWINGS
Marco Voena, Coordinatore
Francesco Ortenzi, Coordinatore
Bernard Jan Hendrik Aikema
Daniele Benati
Anna Bozena Kowalczyk
Stefano Causa
Sonia Chiodo
Maria Cecilia Fabbri
Carlo Falciani
Luca Fiorentino
Gaudenz Freuler
Arturo Galansino
Loredana Gallo
Peter Kerber
Richard Knight
Francesco Leone
Jean-Patrice Marandel
Fernando Mazzocca
Alessandro Morandotti
Nicoletta Pons
Sergio Risaliti
Carl Strehlke
Maria Cristina Terzaghi
Emanuele Zappasodi
SCULPTURE
Andrea Bacchi
Sandro Bellesi
Silvestra Bietoletti
Andrew Butterf eld
Laura Cavazzini
Maichol Clemente
Aldo Galli
Giancarlo Gentilini
Simone Guerriero
Francesco Leone
David Lucidi
Fernando Mazzocca
Riccardo Naldi
Claudio Pizzorusso
Mauro Pratesi
Mario Scalini
Guido Tigler
FURNITURE AND DECORATIVE
ARTS
David Sestieri, Coordinatore
Alessandra Di Castro, Referente per gli
espositori
Marco Arosio
Dora Liscia Bemporad
Simone Chiarugi
Enrico Colle
Andrea De Miglio
Roberto Fersini
Maurizio Fioravanti
Pier Maria Scagliola
Roberto Valeriani
COORDINATRICE SCIENTIFICA
Elena Capretti
Some scholarship holders from the Roberto Longhi Foundation of Art History Studies (AA 23/24) will take part in the vetting process, together with some postdoctoral researchers and final-year students of the ‘Roma Tre’ University.
CONTRIBUTORS
CRISTINA ACIDINI
Cristina Acidini, an art historian born in Florence, was director of the Opifcio delle Pietre Dure and Polo Museale Fiorentino. She has promoted restorations, museum renovations, exhibitions, research and publications, and has written books and essays. Today Cristina Acidini chairs the Opera di Santa Croce, the Academy of Arts of Drawing, and the Casa Buonarroti and Roberto Longhi Foundations.
ARTURO GALANSINO
In 2015, he was appointed General Director of Florence’s Palazzo Strozzi Foundation.
He has built a brilliant career working frst in Paris, at the Musée du Louvre, and then in London, at the National Gallery and Royal Academy of Arts. Galansino has studied in Italy, where he received a PhD in Art History and Criticism.
STUDIO PEREGALLI SARTORI
Studio Peregalli Sartori was founded in Milan in the early 1990s when the architect Laura Sartori Rimini met the philosopher Roberto Peregalli. Since then the Studio has been devoted to the creation and the aesthetic concept of buildings and interiors all over the world. The international press lists it among the 100 most infuential studios in the world.
MARCO CASAMONTI
He is a graduate of the University of Florence, a professor at the Faculty of Architecture of Genoa and since 1997, editor-in-chief of the Area magazine. In 1988, he founded the Studio Archea along with Laura Andreini and Giovanni Polazzi, and later in 2001, Silvia Fabi joined them. Today, the frm has more than 220 architects and offces all over the world, and has designed major architectural projects.
LUIGI GALLO
He received his education at the Sapienza University of Rome and at the Panthéon-Sorbonne of Paris. He has held courses in Rome, Paris and Matera. He is an editor and curator at the Scuderie del Quirinale, art historian at the Archaeological Park of Pompeii, and from September 2020, also Director of the National Gallery of Marche in Urbino and of the Regional Museums of Marche.
SERGIO RISALITI
Sergio Risaliti is an art historian, writer, and curator of exhibitions and interdisciplinary events. Since 2014 he has acted as artistic director of projects at the Forte di Belvedere, the Museo Stefano Bardini, the Palazzo Vecchio, and the Piazza della Signoria, Florence. Since 2018 he is artistic director of the Museo Novecento in Florence.
STEFANO CASCIU
He specialises in the history of collecting and Medici patronage, 17th- and 18th-century painting and late-Baroque bronze sculpture. He founded the Museum of Still Life in the Medici Villa in Poggio a Caiano. From 2015, he is the regional director of the ‘Musei nazionali Toscana’ of the Ministry of Culture, and is a member of the boards of directors of the autonomous museums of Florence and the Casa Buonarroti foundation.
MASSIMO LISTRI
Already at a very young age, he started working as a photographer for architecture and art magazines. Today, Massimo Listri is an internationally renowned artist who has had exhibitions in some of the most prestigious museums around the world such as the Uffzi Galleries in Florence, the Vatican Museums, the Morgan Library & Museum in New York and the Shanghai Himalayas Museum.
THOMAS CLEMENT SALOMON
Thomas Clement Salomon, art historian, jurist and museologist was appointed Director of the National Galleries of Ancient Art in Rome in January 2024. From 2021 to 2023, he was project director at the Borghese Gallery in Rome. From 2019 to 2021, he was scientifc director of MondoMostre and from 2014 to 2019 scientifc director of the MoMo-Skira group.
CESARE CUNACCIA
Journalist, writer, teacher, curator and fâneur, Cesare takes on an eclectic approach to life, freely exploring different felds. He has written many books and has collaborated with prestigious Italian and international magazines and newspapers. His interests range from ancient and contemporary art to architecture and design, music and costume, often creating unexpected connections, links and suggestions.
TOMASO MONTANARI
President of Fondazione Museo Archivio Ginori della Manifattura in Doccia, he is an expert on seventeenth-century European art and has written about one hundred essays about it. Among his bestknown books are A cosa serve Michelangelo? (Einaudi 2011); Le pietre e il popolo (minimum fax 2013); Privati del patrimonio (Einaudi 2015).
SIMONE VERDE
A 48-year-old museologist and art historian from Rome. From 2014 to 2016 he was head of the scientifc research department of the Louvre in Abu Dhabi. From 2016 to 2023 he directed the Monumental Complex of the Pilotta, dealing with its complete restoration and layout. In January 2024, he was appointed as the new Director of the Uffzi. His objectives are museum quality and scientifc research.
THE SHAPE OF BEAUTY
DIALOGUE ON CULTURE
Sara Funaro and Fabrizio Moretti: BIAF as a shared project
Sara Funaro e Fabrizio Moretti: BIAF come progetto condiviso
The interiors of Palazzo Corsini and the beautiful grotto
For me this year’s BIAF is extremely important; it’s my ffth edition. Ten years as Secretary General of the Biennale. I’d like to thank Dario Nardella, because the journey we embarked on together has turned the Biennale into the most important exhibition of Italian art, characterised by quality, excellence - we attract the world’s leading art dealers - and experience. Because there’s no other city on the planet that can offer what we have in Florence. I’d also like to thank the mayor, Sara Funaro: it’s our frst Biennale together, but she’s already shown great enthusiasm and openness to the event.”
With these words Fabrizio Moretti, Secretary General of BIAF introduced the 33rd edition of the International Biennale of Antiques in Florence, a museum like no other that opens for 10 days and exhibits works of extraordinary value, some of which have never previously appeared in public.
For Sara Funaro, the Biennale is partly a matter of DNA, as she herself explains: “For me it’s a great honour, as mayor of Florence, to be president of the Biennale. And I’m also extremely moved, because my grandfather Piero Bargellini was a great expert, attendee and defender of the Biennale when it used to be held in Palazzo Strozzi. Today, as Secretary General Fabrizio Moretti says, the Biennale is considered as a ‘museum for sale’: it’s the world’s most important exhibition of antique Italian art and, every two years, it brings the best of the Italian and international antiques sector to Florence, inviting a select group of antiquarians who propose a huge variety of highly valuable pieces.”
“Per me è una edizione molto importante: è la mia quinta edizione. Dieci anni di mandato come Segretario Generale della Biennale. Devo ringraziare Dario Nardella perché il percorso intrapreso insieme ha riportato Biennale a essere la più importante mostra di arte italiana, con valori come qualità, eccellenza - abbiamo i mercanti più importanti del mondo - e esperienza. Perché nessuna città al mondo offre quello che può regalare Firenze. Ringrazio anche la sindaca Sara Funaro, è la nostra prima Biennale insieme ma ha già dimostrato entusiasmo e grande apertura verso l’evento.”
Così Fabrizio Moretti Segretario generale di BIAF presenta la 33ma edizione della Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze, un museo unico al mondo che vive nello spazio di 10 giorni e che presenta opere di straordinario valore, alcune volte mai apparse in pubblico.
‘I’M EXTREMELY MOVED, BECAUSE MY GRANDFATHER PIERO BARGELLINI WAS A GREAT EXPERT, ATTENDEE AND DEFENDER OF THE BIENNALE’
Some of the outstanding numbers, dates and participants: Palazzo Corsini will host 80 galleries, including 14 prestigious new international names; the exceptional standard is kept up by newly-opened galleries and those run by talented young dealers, who will bring rarities and new discoveries to Palazzo Corsini.
Whether the pieces are ancient or modern, all will be overseen by the Vetting Committee, a panel of 55 experts from various felds (painting, sculpture, ceramics, furniture, design, silverware): a pool of specialists who will examine every single item.
The Biennale and Florence have been working side by side for years, sharing values and aims. “BIAF opens the doors to the autumn season, which once upon a time was described as medium-density in terms of tourism”, continues Sara Funaro. “But these days we welcome a remarkable number of visitors at this time of year; outside the beaten tourist track, these are selected targets, rep-
Per Sara Funaro la Biennale è anche una questione di Dna, come ci spiega lei stessa: “È per me un grande onore, in quanto sindaca di Firenze, essere la presidente della Biennale. E sono anche molto emozionata perché mio nonno Piero Bargellini fu un grande conoscitore, frequentatore e protettore della Biennale quando si svolgeva a Palazzo Strozzi. Oggi la Biennale è considerata come dice il suo segretario generale Fabrizio Moretti ‘un museo in vendita’; è la mostra più importante al mondo per l’arte antica italiana e, ogni due anni, porta a Firenze il meglio dell’antiquariato nazionale e internazionale, invitando un gruppo selezionato di antiquari capace di proporre una scelta di grande valore e molto varia di opere.”
Un po’ di numeri, appuntamenti e presenze eccellenti: a Palazzo Corsini sono presenti 80 gallerie con 14 nuove prestigiose partecipazioni internazionali; non fanno eccezione a questi elevati standard le Gallerie di recente fondazione o dirette da giovani galleristi, che portano a Palazzo Corsini nuove scoperte e rarità.
Su tutte, sia che trattino l’antico che il moderno, vigila il Comitato di Vetting composto da 55 esperti dei vari settori (dipinti, sculture, ceramiche, arredi, disegni, argenti): un pool di studiosi chiamato a verifcare ogni singolo oggetto.
La Biennale e Firenze ormai da anni lavorano fanco a fanco, condividendo valori e intenti. “BIAF apre le porte alla stagione autunnale, quella che un tempo era defnita come stagione turistica di media densità. - continua Sara Funaro - Oggi invece ci troviamo in questo periodo ad accogliere un numero signifcativo di visitatori, i quali, fuori dai circuiti estivi più battuti, rappresentano target sele-
resenting a higher-level, more conscientious kind of tourist seeking cultural and art events that are in line with their visit. Encouraging more meaningful and informed tourism means building a solid network among the various sectors involved, from hospitality to communications, public services to tourist information, culture and the arts. Indeed, BIAF is complemented by a large number of events, including charity concerts and art-themed talks, taking place both at Palazzo Corsini and in several of the city’s museums. It’s a vibrant and ever-changing economic fabric that blends ancient tradition with increasingly rapid and modern development. And it’s a challenge that our city is addressing from multiple angles: from tradition to innovation.”
Her views are shared by Moretti, who underlines the importance of the city in his work: “With the Biennale, Florence becomes a platform for the art market and attracts visitors who are relevant, passionate and international. Their presence benefts all the satellite businesses in the city, as well as Florence’s image in the wider world. We could say that we scratch each other’s backs: the Biennale is undoubtedly a major opportunity for Florence. But at the same time the Biennale gains precisely because it’s surrounded by all the beauty of the city.”
‘WITH THE BIENNALE, FLORENCE BECOMES A PLATFORM FOR THE ART MARKET AND ATTRACTS
zionati, un turismo più consapevole e di alto livello in cerca di eventi culturali e artistici all’altezza del viaggio. Accogliere un turismo più motivato e consapevole signifca costruire una solida rete tra i vari soggetti coinvolti, dal settore dell’ospitalità, alla comunicazione, dai servizi all’informazione turistica, all’offerta culturale e artistica. Infatti, la mostra è completata da molti eventi: tra cui spettacoli musicali a scopo benefco e conferenze a tema artistico, che si svolgono sia a Palazzo Corsini che nei vari musei della città. Si tratta di un tessuto economico vibrante e in continua evoluzione, che unisce la tradizione antica a una mutazione sempre più rapida e contemporanea. Una sfda che la nostra città si trova ad affrontare sotto molteplici punti di vista: dalla tradizione all’innovazione”.
VISITORS WHO ARE PASSIONATE AND INTERNATIONAL’
Sara Funaro expresses her enormous appreciation for Matteo Corvino’s design and organisation of the event, which gains new features with every edition; pointing out that the architectural language signals BIAF’s openness to the city: “Florence welcomes and supports private projects connected with modern and contemporary art and antiques, which are seen as places of prestigious and fourishing trade, but also as promotors of a new spread of culture and art. The event’s current home in Palazzo Corsini has defnitely led to a new type of set-up, with exhibits installed
Dello stesso parere Moretti, che sottolinea l’importanza della città nel suo lavoro: “Con Biennale, Firenze diventa la piattaforma del mercato dell’arte e attira un pubblico importante, appassionato, internazionale. Di questa affuenza ne benefcia tutta l’indotto della città e la proiezione della sua immagine nel mondo. Possiamo dire che una mano lava l’altra: Biennale è indubbiamente una opportunità importante per Firenze. Ma la stessa Biennale acquista forza proprio perché è immersa nella Bellezza della città.”
Il lavoro di allestimento di Matteo Corvino, che ogni anno si arricchisci di nuovi elementi, sottolinea con il linguaggio architettonico l’apertura di BIAF verso la città, come ci racconta Sara Funaro: “Firenze accoglie e supporta progetti privati legati all’arte contemporanea, moderna e all’antiquariato, intesi come luoghi di un commercio pulsante e prestigioso, ma anche come promotori di nuova diffusione culturale e artistica. La sede attuale di Palazzo Corsini, veramente dettato una linea nuova per l’allestimento delle mostre in spazi anche particolari e complessi.
Palazzo Corsini sull’Arno
in sometimes unusual and complex spaces. The Biennale’s plan to fll the courtyard with stalls whose false architecture is topped by a hanging garden; the idea of including parts of Palazzo Corsini, like the grotto; these are all ways of opening the event to the city, whereas it previously took place in closed rooms.”
Fabrizio Moretti concludes by mentioning the new generations: “Young people are an essential chapter of our work: it’s crucial to educate them about art and beauty. Not only because they’ll be the antique dealers and collectors of the future, but so that they can come into contact with unique and often previously unseen masterpieces. Like other similar art fairs, the Biennale isn’t just about buying and selling, it’s also about culture.”
It’s not the moment to take stock, but we’ve come a long way since 10 September 1959 and the inauguration of the very frst Mostra Mercato Internazionale dell’Antiquariato di Firenze, organised by the brothers Mario and Giuseppe Bellini, who inherited the dream of their father Luigi. From 10 to 22 September, the fair was open to curious visitors and experts, willing to spend a couple of days away from home to see this sui generis ‘museum’, where they could come into close contact with marvellous pieces and ask their prices, imagining the wonderful works in their own homes. That too was an event that made culture, not just business, in a world hungry for value and beauty. All the value and beauty swept away by the War. Following many years at Palazzo Strozzi, in 1997 the fair moved to Palazzo Corsini, beside the Arno. 2014 marked the start of Fabrizio Moretti’s tenure as Secretary General, which has taken the Palazzo Strozzi event to top place in the world in terms of Italian painting, as well as among the most important European art fairs. Only one thing remains unchanged, the magnifcent city that hosts it.
L’idea di Biennale di popolare il cortile di stand con questa falsa architettura sul cui tetto si trova un giardino pensile, l’idea di rendere visitabile parte del percorso come la grotta di palazzo Corsini, sono tutti modi di aprire la mostra alla città che prima si svolgeva in stanze chiuse”.
Fabrizio Moretti si rivolge infne alle nuove generazioni: “I giovani sono un capitolo importante del nostro lavoro: è fondamentale educarli alla Bellezza e all’arte. Non solo perché saranno gli antiquari e i collezionisti del futuro ma perché posso venire a contatto con capolavori unici e spesso inediti. La Biennale, come altre mostre mercato affni, non servono solo per fare mercato ma anche cultura”
‘LIKE OTHER SIMILAR ART FAIRS, THE BIENNALE ISN’T JUST ABOUT BUYING AND SELLING, IT’S ALSO ABOUT CULTURE’
Non è tempo di bilanci ma da quel 10 settembre 1959 ne è stata percorsa tanta di strada: era il giorno della inaugurazione della prima Mostra Mercato Internazionale dell’Antiquariato di Firenze frmata da Mario e Giuseppe Bellini, fratelli ed eredi in questo anche del sogno del padre Luigi. Per un mese (dalle 10 alle 22) rimase aperta a un pubblico fatto di curiosi e d’intenditori disposti ad affrontare almeno un paio giorni lontani da casa per visitare questo “museo” sui generis, del quale si potevano sforare le meraviglie e chiederne i prezzi per poterne immaginare i pezzi unici nelle proprie case.
Una mostra che oggi come allora faceva cultura, non solo mercato, in un mondo assetato di valori e bellezza. Gli stessi spazzati via dalla Guerra. Dopo molti anni a Palazzo Strozzi, il trasferimento del 1997 in Palazzo Corsini sull’Arno. Nel 2014 inizia l’era con Fabrizio Moretti Segretario Generale che ha visto diventare la rassegna a Palazzo Strozzi la prima a livello mondiale per quanto riguarda la pittura italiana, e una tra le più importanti a livello europeo per l’arte antica. Una sola cosa rimane invariata, la splendida città che la accoglie.
Sara Funaro, Major of Florence and President of the BIAF, and Fabrizio Moretti, Secretary General of the BIAF
1.
2.
3.
PRESTIGE AND PRIDE
The places in Florence that tell the story about the frst Grand Duke of Tuscany I luoghi a Firenze che raccontano del primo granduca di Toscana
text CRISTINA ACIDINI
The perception of the state and of its prosperity and beauty as one’s own or one’s family’s, is defnitely one of the traits that best defnes the attitude of Cosimo de’ Medici, Tuscany’s frst GrandDuke, an attitude, on the other hand, inherent with command and, inherited, so to speak, by his collateral ancestors from the Cafaggiolo lineage: Giovanni, Cosimo, Piero, Lorenzo the Magnifcent - of whom Niccolò Machiavelli mentioned the commitment to “making his city more beautiful and grander”- up to Giovanni-Leone X and Giulio-Clemente VII. Personal prestige, family interest, dynastic pride, strengthening one’s power, propaganda abroad: none of these goals was extraneous to Cosimo I in his various enterprises, discreetly yet effectively supported by Duchess Eleanor of Toledo. But other reasons too coexisted and even surpassed the above-mentioned ones: the city’s beauty and the land’s wellbeing, the subjects’ safety and economic prosperity, religious observance and the extolling of Tuscany’s antiquity - that is, the Etruscan age - before the Roman rule and Christianity. Recognizing Cosimo’s legacy in today’s Tuscany, with his architectural and artistic but also infrastructural and military initiatives, means rediscovering the mark of a vision so grandiose, it transformed a small and weak dominion com-
450
YEARS THEY HAVE PASSED SINCE THAT 21 APRIL 1574 WHEN COSIMO DE’ MEDICI, THE FIRST GRAND DUKE OF TUSCANY, DIED IN PALAZZO PITTI
La percezione dello stato e della prosperità e bellezza d’esso come cosa propria e di famiglia, è certo uno dei tratti che caratterizzano l’attitudine di Cosimo de’ Medici, primo granduca di Toscana, un’attitudine d’altronde connaturata al ruolo di comando ed ereditata, per così dire, dagli avi collaterali originati dalla stirpe di Cafaggiolo: Giovanni, Cosimo, Piero, Lorenzo il Magnifco - del quale Niccolò Machiavelli ricordò la dedizione “a fare più bella e maggiore la sua città” - fno a Giovanni-Leone X e a Giulio-Clemente VII. Prestigio personale, tornaconto familiare, orgoglio dinastico, consolidamento del potere, propaganda all’estero: nessuno di questi fni fu certamente estraneo a Cosimo I nelle sue varie imprese, cui non mancò il sostegno effcace e discreto della duchessa Eleonora di Toledo. Ma con essi coesistevano fno a sovrapporsi altre motivazioni, quali la bellezza delle città e il benessere del territorio, la sicurezza dei sudditi e la foridezza dei commerci, l’osservanza della religione e l’esaltazione dell’antichità ‘toscana’ - vale a dire etrusca - precedente il dominio di Roma e il Cristianesimo. Riconoscere il lascito di Cosimo nella Toscana odierna, con le sue iniziative sia di carattere architettonico e artistico sia di tipo infrastrutturale e militare, signifca ritrovare l’impronta di una visione così grandiosa da fare d’un dominio, che in confronto alle grandi
Uffzi Galleries
ColumnofJustice in Piazza Santa Trinita
PerseuswiththeheadofMedusa by Benvenuto Cellini stands in the Loggia dei Lanzi
4. View of Brunelleschi’s Dome from Palazzo Pitti
5. ApotheosisofCosimo I by Giorgio Vasari, Palazzo Vecchio Museum
3.
pared with the other great Powers of the time into a beacon of art and culture that continues to shine over the centuries. He had, for example, the brilliant idea of celebrating a solemn funeral service for Michelangelo Buonarroti, although the artist had been living in Rome in voluntary exile for over thirty years, to bring back to Florence the international glory of his subject; as well as founding, in 1563, the Academy of Drawing, Europe’s and perhaps the world’s frst academy of arts, a paragon for all future schools of the kind. Suffce is to mention a few charismatic names and places to evoke the very high level of Cosimo I’s initiatives as patron of the arts and collector, supported by great artists such as Bronzino, Tribolo, Vasari, Cellini, Ammannati, Giambologna and many more: Palazzo Vecchio, entirely renovated and frescoed with stories of the Medici family and Tuscany, as well as with geographical maps of the known world; the Loggia dei Lanzi, decorated with Cellini’s bronze Perseus; the Uffzi, Europe’s frst museum, a treasure box full of ancient statues and precious objects, connected to Pitti, the Palace with the Boboli Garden, through the Vasari Corridor; the family villas, in particular, the one he was the fondest of, Castello, where the ‘Italian garden’ was born. And the Santa Trinità Bridge, with the nearby Column of Justice. And- Vasari’s fnal feat for Cosimo, which was interrupted by the death of both in 1574 - the Last Judgement frescoed in Brunelleschi’s dome of the Church of Santa Maria del Fiore, the apex of sacred art in Tuscany. Other monuments, other artistic and cultural treasures that we owe to Cosimo I are found across Tuscany - in particular in Pisa. In short, we can say that under his rule, for the frst time, our region gained a geopolitical dimension, as a place of care and beauty.
potenze in via di formazione si sarebbe potuto defnire piccolo e debole, un faro d’arte e di cultura, che continua a risplendere nei secoli. Fu, ad esempio, una sua formidabile intuizione celebrare con esequie solenni Michelangelo Buonarroti, che pure da trent’anni viveva a Roma in volontario esilio, per ricondurre a Firenze la gloria internazionale del proprio suddito; e fondare nel 1563 l’Accademia del Disegno, la prima accademia artistica d’Europa e forse del mondo, modello per tutte le altre a venire.
LET US RETRACE COSIMO’S MILESTONES IN A WALK IN FLORENCE FROM PALAZZO VECCHIO TO PALAZZO PITTI, PASSING THROUGH THE VASARIAN CORRIDOR
Per evocare il livello altissimo delle iniziative di Cosimo I da mecenate e collezionista, sostenute da grandi artisti quali Bronzino, Tribolo, Vasari, Cellini, Ammannati, Giambologna e molti altri, basteranno alcuni nomi e luoghi carismatici. Palazzo Vecchio, interamente rinnovato e affrescato con fatti dei Medici e della Toscana, nonché con le carte geografche del mondo conosciuto. La loggia dei Lanzi abbellita dal Perseo bronzeo di Cellini. Gli Uffzi, primo museo d’Europa: uno scrigno di statue antiche e di oggetti preziosi, collegato dal Corridoio Vasariano a Pitti, la reggia col Giardino di Boboli. Le ville di famiglia, tra le quali amò specialmente quella di Castello, dove nacque il ‘giardino all’italiana’. E poi il ponte a Santa Trinita, con la vicina colonna della Giustizia. E - ultima impresa del fdo Vasari per Cosimo, rimasta interrotta alla morte di tutti e due nel 1574 - l’affresco con il Giudizio Universale nella cupola di Brunelleschi in Santa Maria del Fiore, apice dell’arte sacra a Firenze.
Altri monumenti, altri tesori d’arte e di cultura dovuti a Cosimo I costellano le città - specialmente Pisa - e i territori della Toscana. Può ben dirsi che sotto il suo dominio si sia delineato per la prima volta il proflo geopolitico della nostra regione, nel segno della cura e della bellezza.
The frescoes inside the Brunelleschi’s Dome represent the Universal Judgment painted by Giorgio Vasari from 1572 to 1579
VASARI THE ILLUSTRIOUS
450 years after his death, celebrations in his hometown Arezzo
A 450 dalla morte, le celebrazioni a Arezzo, sua città natale
450 years after Giorgio Vasari’s death, the city of Arezzo, where he was born in 1511, is honouring one of its most illustrious citizens with a series of exhibitions and events. The programme, which began in May, is titled Arezzo. The City of Vasari and will culminate on 2 February 2025. The flagship exhibition, The Theatre of Virtues, curated by Cristina Acidini with the collaboration of Alessandra Baroni, is scheduled from 30 October to 2 February at the Municipal Gallery of Contemporary Art, and marks the return to the renowned Chimera of Arezzo, on loan for the occasion from the Archaeological Museum of Florence. This “Etruscan bronze,” explains Stefano Casciu, Regional Director of Tuscany’s National Museums for the Ministry of Culture, “is closely linked to both Giorgio Vasari and Cosimo I de’ Medici,” another pivotal figure in Italian history and culture who passed away, just like Vasari, in 1574. Among the other exhibitions already underway, The Vasari “vasai” and the Arezzo ceramic production in ancient times at the National Archaeological Museum Gaio Cilnio Mecenate, explores the origin of Vasari’s family. “The family were once known as ‘Vasai’ because they were ceramic vase producers,” linking them to the famous Aretine ceramics displayed in the museum. Another exhibition, Il disegno fu lo imitare il più bello della natura. The house, the drawings, the ideas: Giorgio Vasari and the figure of the intellectual architect is held in the very home Vasari himself designed and decorated to live in, adding an extra layer of authenticity to the experience. Meanwhile, at the National Museum of Medieval and Modern Art, visitors can marvel at one of Vasari’s most monumental works, “Alcuna cosa fuor dell’uso comune”. The banquet for the wedding of Esther and Ahasuerus by Giorgio Vasari which stands nearly three metres tall and over even metres wide. For full details of all the exhibitions and events, visit vasari450.it
Trascorsi 450 anni dalla morte di Giorgio Vasari, Arezzo, la città che lo vide nascere nel 1511, celebra uno dei suoi più illustri cittadini con una serie di mostre e iniziative. La rassegna, iniziata a maggio, si chiama Arezzo. La città di Vasari e si conclude il 2 febbraio 2025. La mostra principe, dal titolo Il Teatro delle Virtù e curata da Cristina Acidini con la collaborazione di Alessandra Baroni, è in programma dal 30 ottobre al 2 febbraio alla Galleria Comunale d’Arte Contemporanea, e segna il ritorno in città della famosa Chimera di Arezzo, in prestito per l’occasione dal Museo archeologico di Firenze, “un bronzo etrusco - come ci spiega Stefano Casciu, direttore regionale Musei nazionali Toscana del Ministero della Cultura - legatissimo a Giorgio Vasari e a Cosimo I de’ Medici”, altra figura focale dalla storia e della cultura italiana venuta a mancare, proprio come il Vasari, nel 1574. Tra le altre mostre, già inaugurate, che concorrono a comporre il quadro della vita e dell’attività artistica di questo grande personaggio, I Vasari “vasai” e la produzione ceramica aretina di età antica, presso il Museo Archeologico Nazionale Gaio Cilnio Mecenate, ricorda l’origine della famiglia del Vasari, “un tempo ‘Vasai’, in quanto produttori di vasi in ceramica” e si collega alle celebri ceramiche aretine esposte nel museo. Il disegno fu lo imitare il più bello della natura. La casa, i disegni, le idee: Giorgio Vasari e la figura dell’intellettuale architetto, “gode del valore aggiunto di essere allestita nella casa che Vasari progettò e decorò per abitarvi”, mentre al Museo Nazionale d’Arte Medievale e Moderna, grazie ad Alcuna cosa fuor dell’uso comune Il convitto per le nozze di Ester e Assuero di Giorgio Vasari, “è possibile ammirare una delle più grandiose opere dell’artista, alta quasi tre metri e lunga più di 7”. Per scoprire tutte le mostre e iniziative: vasari450.it
The Chimera was discovered by chance in 1554, during the construction of new fortifcations around Arezzo. The sculpture, dating from the 5th-4th centuries BC, enchanted Cosimo. After Cellini’s restoration, Cosimo displayed it frst at Palazzo Vecchio and then at Palazzo Pitti. It was a sign of his descent from the glorious Etruscans. The Chimera, the flame-spewing monster with the head of a lion, the body of a goat and the tail of a snake? It was slain by Bellerophon, who used his intellect rather than brute force: astride his winged steed Pegasus he thrusts his lead-tipped spear down the Chimera’s throat. And who but Cosimo could feel like a new Bellerophon capable of vanquishing his enemies?
Venne rinvenuta per caso, mentre nel 1554 si stava lavorando a una nuova fortifcazione di Arezzo. Il pregevole bronzo, del V-IV secolo aC, incantò subito Cosimo che, dopo il restauro di Benvenuto Cellini, lo tenne prima a Palazzo Vecchio e poi a Pitti. Era lui il discendente dei gloriosi etruschi. Che dire poi di Chimera, il mostro vomitante famme con la testa di leone, il corpo di capra e la coda di serpente che Bellerofonte uccide usando più l’intelligenza della forza: a cavallo del suo alato Pegaso (simbolo della regione Toscana) le confcca in gola la lancia dalla punta di piombo che le famme scioglieranno soffocandola. E chi se non Cosimo poteva sentirsi un nuovo Bellerofonte capace di sconfggere i nemici?
COSIMO IN TUSCANY
Intelligent, far-sighted, determined, and ruthless, Cosimo I achieved the seemingly impossible: he turned Tuscany into an independent state – or nearly so. Under his rule, the region flourished, becoming wealthy and prosperous. It is perhaps no coincidence that, seeing himself as a modern-day Augustus, Cosimo also found it natural to claim direct lineage from the Etruscans.
Intelligente, lungimirante, determinato quanto spietato a Cosimo I riuscì l’impossibile: fece della Toscana uno stato indipendente o quasi. Sicuramente la rese ricca e prospera. E forse, non a caso, oltre a sentirsi il nuovo Augusto, trovò ovvia la discendenza diretta dagli etruschi.
The Chimera of Arezzo, an Etruscan bronze sculpture, probably by a group of artisans active in the Arezzo area; preserved at the Archaeological Museum of Florence
PALAZZO DI SERAVEZZA
Built between 1561 and 1565, the Medici Villa in Seravezza was more strategic than representational. It served a dual purpose: to manage the marble quarries and silver mines and to control the borders with Lucca and the northwest. Though the identity of its architect remains uncertain – whether Ammannati, Vasari or Buontalenti – the simplicity of its design makes it a successful synthesis of palace and fortress, complete with gardens, stables, and a chapel. A recent restoration brings it back to the image immortalised by Giusto Utens in one of his lunettes. Today, it houses exhibitions, events, and the Museum of Labour, and since 2013 it has been recognised as a UNESCO World Heritage site.
Funzione strategica più che di rappresentanza, il Palazzo Mediceo di Seravezza costruito tra il 1561 e il ‘65, serviva a un duplice scopo: gestire le cave di marmo e le miniere d’argento e controllare i confni con Lucca e il nord ovest. Benché non siano certi i progettisti, Ammannati, Vasari o Buontalenti, la semplicità delle sue forme lo rendono una riuscita sintesi tra palazzo e fortezza con giardino, scuderie e cappella. Il recente restauro ricalca l’immagine immortalata da Giusto Utens in una delle sue lunette. Sede di mostre, eventi e del Museo del Lavoro è dal 2013 patrimonio Unesco.
Palazzo di Seravezza is located in the municipality of Seravezza in the Apuan Alps, at the confluence of the rivers Serra and Vezza
COSIMO IN TUSCANY
PIAZZA DEI CAVALIERI DI SANTO STEFANO IN PISA
Cosimo needed to protect the Tuscan coast from Saracen pirates, but he also desired his own chivalric order, which Pope Pius IV fnally granted him in 1562. The name - Knights of Saint Stephen Pope and Martyr - was carefully chosen, as the Saint’s feast day falls on 2nd August, the date on which Cosimo had won the Battle of Montemurlo (1537) and the Battle of Siena (1554). In 1558, Vasari began renovating the Piazza dei Priorthe location the Tower of the Muda (now the Tower of the Clock), where Count Ugolino della Gherardesca was imprisoned. Vasari harmonised the buildings, creating the Palazzo della Carovana, then the seat of the Knights and today home to the Scuola Normale.
Cosimo doveva difendere le coste dai pirati saraceni ma anche vantare un proprio ordine cavalleresco che riesce a istituire solo col benevolo papa Pio IV nel 1562. Il nome non è casuale: Cavalieri di Santo Stefano Papa e Martire la cui festa è il 2 agosto. Ma di quale anno? Infatti sia la battaglia di Montemurlo (1537) che di Siena (1554) furono vinte il 2 agosto. Sta di fatto che Vasari fn dal 1558 inizia a ristrutturare la piazza pisana sede dei priori e un tempo foro romano nonché di quella torre della Muda (oggi dell’Orologio) dove fu rinchiuso il conte Ugolino della Gherardesca. Vasari armonizza i vecchi palazzi creando quello della Carovana sede al tempo dei cavalieri e oggi della Normale.
Detail of the facade of the Scuola Normale of Pisa, Piazza dei Cavalieri
COSIMO IN TUSCANY
VILLA DI CASTELLO’S GARDEN
Cosimo I chose the garden of his childhood at Castello to celebrate his triumph. It was here that he left history one of the frst examples of Italian gardens, thanks to the designs of Niccolò Tribolo, Piero da San Casciano, Benedetto Varchi, Ammannavi and Gianbologna. Nature was reshaped around the monumental bronze statue of the Apennines, the park’s centrepiece, and emblem of the prince Cosimo himself. The garden features symbolic fountains, including those of Venus Fiorenza, Hercules and Antaeus, and the Grotto of the Deluge, where animals of all species in stone and bronze seem to come to life in sudden and spectacular displays of water (recently restored).
Cosimo I sceglie il giardino della sua infanzia, Castello, per celebrare il suo trionfo. E lascia alla storia uno dei primi giardini all’italiana, grazie a Niccolò Tribolo, Piero da San Casciano, Benedetto Varchi, Ammannavi e Gianbologna. La natura viene ridisegnata attorno alla monumentale statua bronzea dell’Appennino. È il cuore del parco, è l’emblema del principe con le fontane simboliche della Venere Fiorenza e dell’Ercole e Anteo e della Grotta del Diluvio con animali di tutte le specie in pietra e bronzo che sembrano riprendere vita con improvvisi e spettacolari giochi d’acqua (oggi restaurati).
The Medici Villa di Castello is located in the Castello hills, very close to another famous villa, and is known mainly for its magnifcent gardens, second only to Boboli
COSIMO IN TUSCANY
VILLA DI CERRETO GUIDI
Between 1564 and 1566, Davide Fortini transformed this ancient villa, now a UNESCO World Heritage site. However, its fame is forever entwined with the mysterious death of Cosimo’s beloved daughter, Isabella, in 1578. Her jealous husband, Paolo Giordano Orsini, was immediately suspected of her murder, but recent studies have dispelled this, concluding that Isabella died of kidney failure. Today the villa is home to the Historical Museum of Hunting and, along with Petraia and Poggio a Caiano, is one of the residences well worth visiting, not least for its interiors, faithfully recreated according to the inventories from 1667, 1705 and 1728.
Sarà Davide Fortini tra il 1564 e il ’66 a trasformare l’antica è patrimonio Unesco, ma deve la sua fama al giallo sulla misteriosa morte, nel 1578, dell’amata fglia di Cosimo, Isabella. Si sospettò subito Paolo Giordano Orsini, il marito geloso.
Ma il femminicidio è smentito da studi recenti: Isabella sarebbe morta invece per blocco renale.
Oggi sede del museo storico della Caccia è con Petraia e Poggio a Caiano una delle dimore che meritano una visita anche per i suoi arredi ricreati secondo gli inventari del 1667,1705 e 1728.
The Medici Villa di Cerreto Guidi is a noble residence in the village of Cerreto Guidi. It is one of the few Medici villas to be open permanently as a museum
COSIMO IN TUSCANY
1. Nikita de Vernejoul, Pietro Paolini (1603-1681), Arthena
A painter capable of combining “great eccentricity and nobility of invention”. Born in Lucca, he founded an Academy in Tuscany where he trained numerous artists of 17th-century Tuscan realism. His paintings often depicted subjects such as drunkards and fraudsters. A ‘low-class’ world where he developed his odd vision of reality, with skillful and complex allegories.The catalogue features 91 artist’s autograph works, in addition to the paintings attributable to his workshop.
2. Stella Rudolph - Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, Carlo Maratti (16251713) tra la magnificenza del Barocco e il sogno d’Arcadia. Dipinti e disegni, Ugo Bozzi
The monograph restores this artist to his rightful place as a leading figure who achieved great fame during his life- he was in great demand with popes, patrons of the arts, collectors and sovereigns across Europe- but to whom very few historical-artistic studies have been devoted so far. A monumental work carried on for over 30 years by Stella Rudolph, Italy’s greatest Maratti expert who died in 2020, then updated and completed by Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, an expert on drawing, and accompanied by over one thousand illustrations.
3. Marino Marini, Maioliche e Ceramiche del Museo Nazionale del Bargello, Allemandi
The new catalogue of majolicaware and ceramics of Florence’s National Bargello Museum, which became necessary due to the significant increase in the number of pieces, from 622 in 1971 to about 1,000 today, made in Italian workshops between the 13th and 20th centuries and by Moorish potters in Spain.The book includes 589 entries subdivided into ten sections and ends with the most significant examples of the fragments kept in storage (unfiled).
4. Maria Sframeli, Le dimore del patrimonio. Opere delle Gallerie fiorentine in deposito esterno a sedi di rappresentanza e luoghi di culto, Polistampa
Based on a research on the so-called ‘gratuitous loan’ practice which began in the 1800s, the book is a catalogue of the works - paintings, but also sculptures, furniture and art objects - granted in storage by Florentine museums to public and ecclesiastic bodies over one century, in Italy and abroad.The works are subdivided into four sections (Florence,Tuscany, the rest of Italy, abroad) and accompanied by technical and identifying data, records on the origin and critical notes.
With many thanks to Art&Libri, the international book store for the arts, architecture and antiques. Florence, Via dei Fossi 32/r + 39 055 264186 libreria@artlibri.it
1. Nikita de Vernejoul, Pietro Paolini (1603-1681), Arthena Pittore capace di coniugare “grande bizzarria e nobiltà d’invenzione”. D’origine lucchese, erige in Toscana un’Accademia che vide numerosi protagonisti del realismo toscano seicentesco. I suoi dipinti vedono spesso soggetti come bevitori e imbroglioni. Un universo ‘basso’ dove sviluppa la sua strana visione della realtà, con sapienti e complesse allegorie. Il catalogo vede il corpus delle pitture autografe dell’artista (91 in tutto) e dipinti ascrivibili al suo atelier.
2. Stella Rudolph - Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, Carlo Maratti (16251713) tra la magnificenza del Barocco e il sogno d’Arcadia. Dipinti e disegni, Ugo Bozzi
La monografia qui presentata restituisce la posizione di leader a un artista che raggiunse grande fama in vita - conteso da papi, mecenati, collezionisti e regnanti di tutt’Europa - ma a cui, di contro, finora sono state dedicati rari studi storico-artistici. Un lavoro monumentale portato avanti per oltre 30 anni da Stella Rudolph, massima esperta di Maratti scomparsa nel 2020, aggiornato ed ultimato da Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, esperta del disegno, e corredato da oltre mille illustrazioni.
3. Marino Marini, Maioliche e Ceramiche del Museo Nazionale del Bargello, Allemandi
Il nuovo catalogo delle maioliche e delle ceramiche del Museo Nazionale del Bargello di Firenze, reso necessario dal significativo incremento di pezzi, passati dai 622 nel 1971 ai circa 1000 esemplari di oggi, realizzati da officine italiane fra il XIII e il XX secolo e da vasai moreschi attivi in Spagna. Il volume si compone di 589 schede suddivise in dieci sezioni e si conclude con gli esemplari più significativi dei frammenti conservati nei depositi (non schedati).
4. Maria Sframeli, Le dimore del patrimonio. Opere delle Gallerie fiorentine in deposito esterno a sedi di rappresentanza e luoghi di culto, Polistampa Prendendo avvio da un’indagine sulla pratica del ‘comodato’ iniziata nell’Ottocento, il volume costituisce un repertorio delle opere - dipinti ma anche sculture, mobili e oggetti d’arte - concesse in deposito dalle Gallerie Fiorentine a enti istituzionali ed ecclesiastici in più di un secolo in Italia e non solo. Le opere sono suddivise in quattro sezioni (Firenze,Toscana, resto d’Italia, estero) e schedate con dati tecnici e identificativi, documentazione sulla provenienza e una nota critica.
THE VISIONARY
Cecco Bravo in the words of Francesca Baldessari, an expert in Tuscan painting
Cecco Bravo raccontato da Francesca Baldassari, esperta di pittura toscana
Two books have been recently published on Francesco Montelatici, that is Cecco Bravo (Florence, 1601 - Innsbruck, 1660), by Francesca Baldassari, the greatest expert on seventeenth and eighteenth-century Tuscan painting. They include the entire corpus of the artist’s paintings and drawings and restore him to a leading role. In 1958, in Art and Architecture in Italy, 1600-1750, Rudolf Wittkower had never heard Cecco Bravo’s name. It was rediscovered by Anna Rosa Masetti, who wrote a monograph on him, after taking her degree with Raggianti. He was an artist who was studied and beloved by poets such as Luigi Baldacci and Piero Bigongiari.
“Even more than Mina Gregori - Francesca Baldassari says -, it was Piero Bigongiari who directed my attention to Florentine seventeenth-century art in its many facets, heights and experiments. Cecco Bravo was a painter worth exploring because there was no complete catalog of his works. I reconstructed his entire creative career over forty years of study, from the early 1986 to this day. A huge research work, which involved a lot of travelling. All his paintings in private collections and museums were discovered for the frst time. Cecco Bravo was a wonderful painter and he mastered the art of drawing. Imagination, his visionary style, even melancholic and melodramatic, the recurring dream theme, made him unique. He was able to do things that no one else achieved. A visionary nature and a virtuoso technique gave shape to the ghosts of his mind, to a creative, anxious and tormented imagination. Seventeenth-century Florentine art fed on opposites. It ranges from Carlo Dolci’s fawless neo-sixteenth century enamel to Cecco’s turbulent and sfumato chiaroscuro work. You can feel the Florentine artists going to Venice to sink into Titian. The Angelica and Ruggero in Chicago, with its misty and evanescent atmosphere, had been attributed by Mason Perkins to the Mannerist painter from Ferrara Dosso Dossi. Cecco Bravo has an unmistakable imaginative surge. In the Armida painting kept at the Uffzi, dating back to around 1637, despite the similarities with the poetics of Salvator Rosa who worked in Florence between 1640 and 1649, Cecco Bravo reached nearly hallucinated expressionist heights. Crazy and agitated dynamics, the fruit of Titian’s lesson of the 1550s, but reinterpreted in amazingly modern and original style”.
È uscita da poco la pubblicazione in due volumi su Francesco Montelatici, ovvero Cecco Bravo (Firenze, 1601 - Innsbruck, 1660), di Francesca Baldassari, massima esperta di pittura toscana del Sei e Settecento.Comprende l’intero corpus dei dipinti e disegni dell’artista e gli restituisce un ruolo primario. Nel 1958, in Art and Architecture in Italy, 1600-1750, Rudolf Wittkower ignorava del tutto il nome di Cecco Bravo.
Lo riscopre Anna Rosa Masetti, che nel 1962 gli dedica una monografa, dopo la laurea conseguita con Raggianti. Si tratta di un artista studiato ed amato da poeti quali Luigi Baldacci e Piero Bigongiari.
“Ancor più di Mina Gregori - racconta Francesca Baldassari -, fu Piero Bigongiari a indirizzarmi verso il Seicento Fiorentino nelle sue varie luci, vertigini e sperimentazioni.
Cecco Bravo era una personalità pittorica che andava indagata perché mancante d’un catalogo completo. Il suo percorso creativo è stato ricostruito in toto da me grazie a quarant’anni anni di studio che vanno dagli inizi nel 1986 fno ad oggi. Un enorme lavoro di ricerca, di confronto e di viaggi. Per la prima volta sono stati scoperti tutti i quadri nelle collezioni private e nei musei.
Cecco Bravo è uno splendido pittore e padroneggia magnifcamente il disegno. Lo rendono unico la fantasia, la capacità visionaria anche melanconica e mélo, quest’aspetto insistito del sogno.
Riesce a fare cose che gli altri non possono raggiungere. Un temperamento onirico e una tecnica virtuosistica che dà corpo ai fantasmi della mente, a un’immaginazione estrosa, sospesa e tormentata. Il Seicento forentino si nutre di opposti. Trascolora dall’impeccabile smalto neo-cinquecentesco di Carlo Dolci fno al tumultuoso e sfumato chiaroscuro di Cecco. Si sente il passaggio di tutti i forentini che vanno a Venezia ad immergersi in Tiziano.
L’Angelica e Ruggero di Chicago, dall’atmosfera brumosa ed evanescente, Mason Perkins l’aveva assegnato a manierismo ferrarese di Dosso Dossi. Cecco Bravo possiede uno slancio fantastico inimitabile. In un dipinto come l’Armida degli Uffzi, databile intorno al 1637, pur nelle analogie con la poetica di Salvator Rosa, di stanza a Firenze tra il 1640 e il 1649, raggiunge vertici espressionistici quasi allucinati. Una dinamica folle e concitata, fglia della lezione del Tiziano degli anni ’50 del Cinquecento, ma reinventata dentro una temperatura flmica sconcertante, del tutto moderna e originale.”
Angelica e Ruggiero by Cecco Bravo
Caravaggio by Derek Jarman, 1986
ARTHOUSE FILMS
1. La Ricotta, an episode of Ro-Go-Pa-G, by Pier Paolo Pasolini, Italy-France 1963
A short 35-minute feature flm, one of the episodes of a flm written and directed by four different directors: Rossellini, Godard, Pasolini, Gregoretti. Pasolini’s segment tells the story of the flming of a movie on Jesus Christ’s Crucifxion.The cynical flm director, played by Orson Welles, is busy setting up complex Mannerist tableaux vivants, while Stracci, actor Mario Cipriani, an extra found within Rome’s lumpenproletariat class, after a series of misfortunes and suffering, becomes the personifcation of the Passion of Jesus Christ himself.The flm features two famous pictorial quotations: The Deposition by Rosso Fiorentino in Volterra and Jesus Being Transported to the Sepulchre by Pontormo in the Capponi Chapel of Florence’s Santa Felicita Church. “Mannerism was unbelieving- Pierpaolo Pasolini wrote- Pontormo, Rosso Fiorentino painted the Crucifxion, but deep down they were diabolic, godless people”. An interpretation taken to the extreme of a thought already expressed by Giorgio Vasari, when he mentioned Rosso’s diabolism and Pontormo’s violent and bizarre nature, tinged with introvert and heretical melancholy.
2. Andrej Rublëv, by Andrej Tarkovskij, Russia 1966
The flm is set against the background of Russia in the 15th century, during the turbulent period of the Tatar invasions, seen through the life of icon painter Andrej Rublëv, the creator of the mystical Trinity ( 1425) kept in Moscow’s Tret’iakov Gallery. A life that, according to Tarkovskij’s visionary and tormented approach, is the metaphor of art winning over man’s bloodthirsty politics. Entirely shot in black and white, the epilogue is the only part of the flm in color to show the actual works of Rublëv, a monk-artist who died in 1430 and is worshipped as a saint by the Orthodox Church. The fnal scene shows the slightly out-of-focus and poetical image of four horses standing by a river in thunder and rain.
3. Caravaggio, by Derek Jarman, UK 1986
Awarded with the Silver Bear for Best Director at the 1986 Berlin Festival,
1. La Ricotta, episodio di Ro-Go-Pa-G, di Pier Paolo Pasolini, Italia-Francia 1963. Un mediometraggio di 35 minuti inserito in un flm a episodi di vari autori, Rossellini, Godard, Pasolini, Gregoretti. Pasolini incentra la narrazione sulle vicende di una troupe che gira un kolossal su Cristo. Il cinico regista interpretato da Orson Welles è assorto a rappresentare complessi tableaux vivants manieristi, mentre Stracci, l’attore Mario Cipriani, comparsa pescata dal sottoproletariato di Roma, in un succedersi di sventure e sofferenza diviene la personifcazione stessa del Cristo della Passione. Nelle riprese si inseriscono due celebri citazioni pittoriche: La Deposizione di Volterra di Rosso Fiorentino e il Trasporto del Cristo al Sepolcro del Pontormo della Cappella Capponi in Santa Felicita a Firenze.”Il manierismo era miscredente- scriveva in proposito Pierpaolo Pasolini-. il Pontormo, il Rosso Fiorentino dipingevano la Crocifssione però nel loro fondo erano diabolici, miscredenti.” Interpretazione estremistica di una suggestione già raccolta da Giorgio Vasari, che parla del diabolismo del Rosso e del temperamento violento e bizzarro, venato di introversa malinconia eretica del Pontormo.
2. Andrej Rublëv, di Andrej Tarkovskij, Russia 1966 Il flm rilegge la storia della Russia del XV secolo, flagellata dalle ricorrenti invasioni dei Tartari, attraverso le gesta del pittore di icone Andrej Rublëv, autore della mistica Trinità (1425) della galleria Tret’iakov di Mosca. Una parabola che per il talento visionario e tormentato di Tarkovskij diviene metafora del senso dell’arte che vince sulla politica sanguinaria degli uomini. Girato interamente in bianco e nero, soltanto nelle ultime sequenze ricorre al colore per mostrare le opere del vero Andrej Rublëv, monaco artista morto nel 1430 e venerato come santo dalla Chiesa ortodossa. La pellicola si conclude con l’immagine lievemente sfocata e poetica di quattro cavalli sotto la pioggia in riva a un fume.
3. Caravaggio, di Derek Jarman, UK 1986
Orso d’Argento alla regia al Festival di Berlino 1986, il flm dello scandaloso regista britannico segna il debutto di Tilda Swinton come Lena e di Sean Bean
3.
the movie by the British flm director marked Tilda Swinton’s flm debut as Lena and Sean Bean playing Ranuccio Tomassoni. A surreal and erotic tension that does not give a moment’s break. In the frst scene, Merisi, played by Nigel Terry, is on his deathbed. The narrative of the flm reveals Derek Jarman’s aesthetic originality and unique imagination, embodied in every detail, through a rarefed storytelling rhythm and modern objects of everyday use flled with restlessness and even through intentionally coarse replicas of Caravaggio’s famous paintings.
4. Red Desert, by Michelangelo Antonioni, Italy 1964
“There is something awful about reality and I don’t know what it is. Nobody tells me”.
So says Giuliana, played by Monica Vitti co-starring with Richard Harris in Antonioni’s ninth flm. It was the flm director’s frst flm in color, an iconic cinematographic reference in itself.The working title of the flm was Celeste e Verde ( Sky Blue and Green). It was also the flm director’s frst collaboration with the brilliant Carlo di Palma as director of photography.The story is set in a “dehumanized” and surreal Ravenna, except the dream-like scene of the “ fairy-tale”, set on the pink Budelli beach in Sardinia.The painting that appears in the flm is La Sagra della Primavera by spatialist painter Gianni Dova, chosen by Antonioni after seeing it in the home of art collector from Ravenna Roberto Pagnani.
5. Band of Outsiders, by Jean-Luc Godard, France 1964
An odd and liberating flm by Godard, which combines multiple flm genresromantic comedy and thriller, crime and action- with light and shade overlapping, an arpeggio of lightheartedness, melancholy and gloom. Art in this story, revolving around a robbery to the detriment of a wealthy aunt, appears in one of the most emblematic scenes in the history of cinema, the three leading characters Odile (Anna Karina), Franz (Sami Frey) and Arthur (Claude Brasseur) running at breakneck speed through the Louvre Museum’s rooms to beat the 9-minute record set by an American. An irreverent, goliardic and cathartic scene which remains indelible and was cited as a tribute in 2002 in The Dreamers by Bernardo Bertolucci.
nei panni di Ranuccio Tomassoni.Una rappresentazione romanzata e anacronistica, passioni all’acme e sangue, chiaroscuro e tenebre sferzate di scarlatto. Una tensione surreale ed erotica che non dà respiro. Nella prima sequenza il Merisi, interpretato da Nigel Terry, appare sul letto di morte. Narrazione in cui Derek Jarman rivela un’originalità estetica e un immaginario unici, incarnati in ogni dettaglio, lungo una ritmica di racconto rarefatta, oggetti del quotidiano moderno che si caricano d’inquietudine e perfno attraverso le riproduzioni volutamente grossolane dei celebri dipinti caravaggeschi.
4. Il Deserto Rosso, di Michelangelo Antonioni, Italia 1964 “C’è qualcosa di terribile nella realtà e io non so cos’è. Nessuno me lo dice.” Così afferma Giuliana, un’ermetica Monica Vitti protagonista con Richard Harris del nono lungometraggio di Antonioni. È il primo flm che il regista realizza a colori, di per sé un riferimento cinematografco iconico. Inizialmente doveva intitolarsi Celeste e Verde. È anche la prima collaborazione del realizzatore con il geniale Carlo Di Palma quale direttore della fotografa. La storia è ambientata in una Ravenna “disumanizzata” e surreale, tranne l’onirica sequenza della “favola”, un intermezzo estraneo che si svolge sulla spiaggia rosa di Budelli in Sardegna. Il dipinto che compare nella narrazione è La Sagra della Primavera del pittore spazialista Gianni Dova, scelto da Antonioni dopo averlo visto a casa del collezionista ravennate Roberto Pagnani.
5. Bande à part, di Jean-Luc Godard, Francia 1964 Un flm strano e liberatorio di Godard, che cita e scombina i generi, miscelando commedia romantica e thriller, noir e azione, sovrapponendo luce e ombra, un arpeggio di leggerezza, malinconia e cupezza. L’arte in questo plot imperniato su un furto ai danni di una zia doviziosa, si manifesta attraverso una scena tra le più emblematiche dell’intera storia del cinema, la corsa a perdifato dei tre protagonisti, Odile (Anna Karina), Franz (Sami Frey) e Arthur (Claude Brasseur) attraverso le sale del Louvre per battere il record di 9 minuti di visita stabilito da un americano. Gesto dissacrante, goliardico e catartico insieme, magistrale burla registica che rimane indelebile e ritorna nel 2003 quale citazione e omaggio in The Dreamers, di Bernardo Bertolucci.
1. La Ricotta by Pier Paolo Pasolini, 1963
2. AndrejRublëv by Andrej Tarkovskij, 1966
5. Band of Outsiders by Jean-Luc Godard, 1964
4. Red Desert, by Michelangelo Antonioni, 1964
UNMISSABLE
1. SeventyGreatMasters fromthePérezSimónCollection, Madrid 2. 3. MUNCHIlgridointeriore, Milan 4. 5. Siena:TheRiseofPainting,1300–1350, New York
A year of art: the most eagerly awaited exhibitions in the world Un anno d’arte. Le mostre più attese nel mondo
text CESARE CUNACCIA
The upcoming art season is packed with must-see exhibitions. From Italy to the United States, here are the most eagerly awaited shows for autumn 2024 and into 2025, including major solo retrospectives and significant group exhibitions.
We begin with Edvard Munch, at the Palazzo Reale in Milan until 29th January 2025. Curated by Patricia G. Berman, this retrospective celebrates the great Norwegian painter, considered a precursor of Expressionism and one of the most important exponents of late 19th-century European Symbolism. More than 100 works are on display. Next, we head to Madrid and move from a monographic exhibition to a large choral exhibition: Seventy Great Masters from the Pérez Simón Collection at CentroCentro in Plaza de Cibeles, on show until 12th January 2025. A selection from the vast and eclectic collection of the Mexican businessman, which includes a staggering 4,000 works, this exhibition serves as a prelude to the creation of a permanent space in the Spanish capital, at the Espacio Culturl Serrería Belga. The exhibition spans three sections and features great masters from various epochs and origins, including Bronzino, El Greco, Murillo, Tiepolo, Goya, Renoir, Van Gogh, Zuloaga, Magritte, Rothko, and Murakami. Over in Paris, at the Collection Pinault from 9th October 2024 to 20th January 2025, we fnd Arte Povera, Bourse de Commerce. Curated by Caroline Christov-Bakargiev, the exhibition consists of 250 works tracing the origin of this art movement in Italy, its development and its international influence. Featured artists include Anselmo, Zorio, Fabro, Emilio Prini, Jannis Kounelliis, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario and Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto, and Pierpaolo Calzolari.
The 14th-century Sienese is celebrated with a major two-part exhibition: Siena: The Rise of Painting, 1300-1350, starting at the Metropolitan
Una stagione d’arte ricca di mostre da non perdere. Dall’Italia agli Stati Uniti, i titoli più attesi dell’autunno 2024 e del 2025, tra importanti personali e grandi collettive. Iniziamo da Edvard Munch, a Palazzo Reale di Milano fno al 29 gennaio 2025. A cura di Patricia G. Berman, la retrospettiva celebra il grande pittore norvegese considerato un precursore dell’espressionismo e tra i più importanti esponenti del simbolismo europeo tardo ottocentesco. Sono più di 100 le opere esposte.
Andiamo ora a Madrid e da una monografca passiamo a una grande mostra corale: Seventy Great Masters from the Pérez Simón Collection, al CentroCentro in Plaza de Cibeles, fno al 12 gennaio 2025. Una selezione dell’eclettica e sterminata raccolta dell’uomo d’affari messicano che conta ben 4000 opere, preludio alla creazione di una sede defnitiva nella capitale spagnola, presso l’Espacio Culturl Serrería Belga. Grandi maestri di varie epoche e provenienza, lungo tre sezioni, con nomi quali Bronzino, El Greco. Murillo, Tiepolo, Goya, Renoir, Van Gogh, Zuloaga, Magritte, Rothko, Murakami.
Alla Collection Pinault di Parigi, dal 9 ottobre 2024 al 20 gennaio 2025, ci attende invece Arte Povera, Bourse de Commerce. Curata da Caroline Christov-Bakargiev, la mostra consta di 250 opere che tracciano la nascita del movimento artistico in Italia, i suoi sviluppi e l’influenza internazionale. Lavori di Anselmo, Zorio, Fabro, Emilio Prini, Jannis Kounelliis, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario e Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto e Pierpaolo Calzolari.
Il Trecento senese celebrato con un’importante mostra in due tappe: Siena: La Grande stagione della pittura,1300-1350, al Metropolitan Museum di New York dal 13 ottobre 2024 al 26 gennaio 2025 e poi presso la National Gallery di Londra, nel quadro della celebrazio-
GUIDO TRENTINI
La fanciulla sommersa, 1914 circa Tempera su tela, 40,5 x 188 cm. Firmato in basso a sinistra Guido Trentini
Pittura italiana del XIX e XX secolo
Via Alessandro Manzoni, 45 - Milano info@bottegantica.com | tel. +39 02 35953308 bottegantica.com
4. Palazzo Strozzi, venue of BeatoAngelicoexhibition
5. FlightintoEgypt:BlackArtistsandAncient Egypt,1876-Now,New York
Museum in New York from 13th October 2024 to 26th January 2025, and continuing at the National Gallery in London, as part of its bicentenary celebrations from 8th March to 22nd June 2025. This major exhibition will feature over a hundred works by Sienese artists, including Duccio di Buoninsegna, Pietro and Ambrogio Lorenzetti, Simone Martini, along with illuminated manuscripts, textiles, and superb pieces of goldsmithing. The curators are Stephan Wolohojian, Laura Llewellyn, Caroline Campbell in collaboration with Joanna Cannon from the Courtald Institute. Also at the Metropolitan in New York, from 17th November 2024 to 17th February 2025, is Flight into Egypt: Black Artists and Ancient Egypt,1876-Now Curated by Akili Tommasino with McClain Groff, this exhibition explores how black artists have engaged with ancient Egypt across more than 200 visual, sculptural, musical, literary, academic, religious, political, and performance works. It offers a journey to through more than a century and a half of artistic and cultural production. Returning to Italy, Origini e Splendori della Collezione Farnese nella Roma del XVI secolo (Origins and Splendours of the Farnese Collection in 16th-century Rome), will be held at Villa Caffarelli, Musei Capitolini, from 1st December 2024 to 31st May 2025. Curated by Chiara Rabbi Bernard and Claudio Parisi Presicce, the exhibition showcases representative works from the Farnese collection at the height of its splendour, promoted by Pope Paul III and his nephews, spanning from the early 16th century to the early 17th century. Highlights include masterpieces mainly from the National Archaeological Museum of Naples, Capodimonte, the National Librarym and other public and private collections. Particular emphasis is placed on the works that were once housed in Palazzo Farnese in Rome and those scattered over time. We conclude our Grand Tour in Florence, with the exhibition Beato Angelico at Palazzo Strozzi, from 26th September 2025 to 25th January 2026. Curated by Carl Brandon Strehlke, in collaboration with the Regional Directorate for National Museums in Tuscany and the Museo di San Marco, this exhibition will reunite works that have been dispersed for over 200 years, thanks to loans from the world’s greatest museums, such as the Louvre in Paris, the Metropolitan in New York, and the Gemäldegalerie in Berlin. It will celebrate the mystic painter, one of the founding fgures of the Renaissance in early Medici Florence.
ne del bicentenario dalla fondazione, dall’8 marzo al 22 giugno 2025. Una grande rassegna che verte su oltre un centinaio di opere di artisti senesi quali Duccio di Buoninsegna, Pietro e Ambrogio Lorenzetti, Simone Martini, corredate da codici miniati, tessuti e superbi pezzi d’orefceria. I curatori sono Stephan Wolohojian, Laura Llewellyn, Caroline Campbell in collaborazione con Joanna Cannon del Courtald Institute. Sempre al Metropolitan di New York, dal 17 novembre 2024 al17 febbraio 2025, è in programma Flight into Egypt: Black Artists and Ancient Egypt,1876-Now. Curata da Akili Tommasino con McClain Groff, l’esposizione analizza come gli artisti neri si siano confrontati con l’antico Egitto attraverso 200 opere visive, scultoree, musicali e letterarie, accademiche, religiose, politiche e performative. Un viaggio per esplorare più di un secolo e mezzo di produzione artistica e culturale.
Torniamo poi in Italia con Origini e Splendori della Collezione Farnese nella Roma del XVI secolo, a Villa Caffarelli, Musei Capitolini, dal 1° dicembre 2024 al 31 maggio 2025. Curatori: Chiara Rabbi Bernard e Claudio Parisi Presicce. La mostra presenta opere rappresentative del momento di maggior splendore della raccolta farnesiana, promossa da papa Paolo III e dai nipoti, su un arco che dai primi del Cinquecento si estende fno agli inizi del XVII secolo. Comprende capolavori che provengono soprattutto dal Museo Nazionale Archeologico di Napoli, da Capodimonte, dalla Biblioteca Nazionale e da altre collezioni pubbliche e private. In particolare l’attenzione è posta sulle opere che erano custodite in Palazzo Farnese a Roma e sul recupero di quante disperse nel tempo.
Concludiamo il nostro Grand Tour a Firenze, con la mostra Beato Angelico, a Palazzo Strozzi, dal 26 settembre 2025 al 25 gennaio 2026. A cura di Carl Brandon Strehlke, in collaborazione con la Direzione regionale Musei nazionali Toscana e il Museo di San Marco. Opere non di rado disperse da 200 anni verranno riunite per l’occasione grazie a prestiti che provengono dai maggiori musei del mondo, come il Louvre di Parigi, il Metropolitan di New York, la Gemälde Galerie di Berlino, per celebrare il pittore mistico, uno dei padri del rinascimento nella Firenze proto-medicea.
Palazzo dei Principi, Carpegna by Massimo Listri
THE ABSOLUTE GAZE
The life and works of Massimo Listri
Massimo Listri, la storia e le opere
text MATTEO PARIGI BINI
It was 1995. I was in Versailles for a photoshoot. That was when I began taking photos for myself. Alongside the images commissioned by the publishing house, I started photographing the construction site, the empty spaces... Photographs that would certainly never be chosen for publication, but which had an almost metaphysical character. And I did the same during subsequent shoots. These are the works I exhibited years later at my frst solo exhibition.” That was the beginning of a long series, which has taken the works of Florentine photographer Massimo Listri to some of the world’s most prestigious institutions, from the Vatican Museums to the Palazzo Pitti in Florence, from the Morgan Library & Museum in New York to the Shanghai Himalayas Museum. His photographs manage to capture the true essence of the extraordinary places he immortalises, rendering them in their most authentic and raw beauty. With an innate sense of perspective and an absolute gaze that immediately recalls his illustrious Renaissance compatriots, his works are incredibly immersive, giving viewers the sense they could step inside and explore them. A passionate collector, we interviewed him in his stunning house-museum, an incredible Wunderkammer in the heart of Florence. Before your beautiful art photography, there was an innovative and pioneering path in design and architecture. Can you tell us about it?
It was a self-taught path. My love for photography and architecture started when I was very young. In 1970, at the age of 17, I was already living on my own, and it was
HIS PHOTOGRAPHS MANAGE TO CAPTURE THE TRUE ESSENCE OF THE EXTRAORDINARY PLACES HE IMMORTALISES
“Era il 1995. Mi trovavo a Versailles per un servizio fotografco. È lì che cominciai a scattare per me. Insieme alle foto commissionate dalla casa editrice, iniziai a fotografare il cantiere, gli spazi vuoti... Fotografe che sicuramente non sarebbero mai state scelte per la pubblicazione, ma che avevano un carattere quasi metafsico. E così feci anche durante i servizi successivi. Sono queste le opere che esposi dopo anni alla mia prima mostra”. La prima di una lunga serie, che ha portato le opere del fotografo forentino Massimo Listri nelle più prestigiose istituzioni di tutto il mondo, dai Musei Vaticani a Palazzo Pitti di Firenze, dal Morgan Library&Museum di New York fno al Museo Shanghai Himalayas. Le sue fotografe riescono a catturare la vera anima degli straordinari luoghi che immortalano, restituendoli nella loro più autentica e nuda bellezza. Con un senso della prospettiva innato, uno sguardo assoluto che subito fa pensare ai suoi più illustri concittadini rinascimentali e che rende le sue opere incredibilmente immersive, al punto da dare l’impressione di poterci entrare, camminare, di poterle esplorare.
Appassionato collezionista, lo intervistiamo nella sua bellissima casa-museo, un’incredibile wunderkammer nel cuore di Firenze.
Prima delle tue bellissime foto d’arte c’è stato un percorso innovativo e pioneristico nel design e nell’architettura. Ce lo racconti?
È stato un percorso da autodidatta. L’amore per la fotografa e per l’architettura è nato quando ero giovanissimo. Nel 1970, a 17 anni, vivevo già da solo ed era la passione con cui mi guadagnavo da vivere. Mi piace-
Reggia di Venaria Reale by Massimo Listri
Some portraits made by Massimo Listri at the beginning of his career in the 1970s: 1. René Clair
2. Peggy Guggenheim
3. Pier Paolo Pasolini
4. Jorge Luis Borges
5. Henry Moore
The artist Massimo Listri at the Reggia di Caserta
the passion that allowed me to earn a living. I liked decorating houses, creating spaces, so moving on to magazines like AD Italia and FMR, Franco Maria Ricci’s publication, was a natural progression. In the 1970s, magazines were the pinnacle for photographers – it was unthinkable to have photo exhibitions back then. Even photographers like Diane Arbus, Cartier-Bresson or Edward Weston made their names through magazine publications. Your work conveys an extraordinary sense of perspective. Do you think this stems from your being a Florentine? Who were your masters and points of reference?
It is inevitable to absorb what surrounds you. You do it unconsciously; you metabolise and transform it. In my case, I think of artists like Piero della Francesca, but above all I’m inspired by cinema - the framing of Bergman, Antonioni, Kurosawa, and their sense of emptiness. In your career, you have had the privilege of entering some incredible places. Which was the most memorable?
I had a great time at the Vatican Museum. I needed natural light, at a specifc time of day, so that the light would be at its zenith and perfectly diffused. Since the Vatican Museums are only closed for a few days a year, for the frst time ever they gave me unrepeatable permission to photograph the empty halls while they were open to the public. They managed the huge flow of visitors so that the rooms where I was photographing remained empty. Out of all the exhibitions you have had, which left the greatest impression on you?
Knowing that during my frst exhibition
‘LARGE FORMAT FORCED ME TO STUDY EVERY SHOT IN MINUTE DETAIL, AND THIS ATTENTION STAYED WITH ME EVEN AFTER TRANSITIONING
va arredare casa, inventare gli spazi, per cui, approdare a riviste come AD Italia e FMR, il magazine di Franco Maria Ricci, fu uno sviluppo naturale. Negli anni ’70 per un fotografo le riviste erano una sorta di punto di arrivo, era impensabile fare mostre fotografche, anche fotograf come Diane Arbus, CartierBresson oppure Edward Weston si facevano conoscere grazie alle pubblicazioni sulle riviste.
Nelle tue opere si percepisce subito un senso della prospettiva fuori dal comune. Pensi derivi dal tuo essere fiorentino?
Chi sono stati i tuoi maestri e punti di riferimento?
È inevitabile assorbire quello che ti circonda. Lo fai inconsciamente, metabolizzi e lo trasformi. Nel mio caso penso ad artisti come Piero della Francesca, ma soprattutto al cinema. Alle inquadrature di Bergman, Antonioni, Kurosawa e il loro senso di vuoto.
Per il tuo lavoro hai avuto il privilegio di entrare in luoghi incredibili, il più memorabile?
Mi sono divertito molto ai Musei Vaticani. Avevo l’esigenza della luce naturale, in un determinato periodo e orario, in modo che la luce fosse allo zenit e perfettamente diffusa. E dato che i Musei Vaticani chiudono pochissimi giorni all’anno, per la prima volta dettero il permesso irripetibile di fotografare le sale vuote mentre erano aperti al pubblico, gestendo l’ingente flusso dei visitatori in modo che le sale dove stavo scattando fossero vuote.
E tra le tante mostre, quella che ti ha lasciato di più?
Pensare che in contemporanea alla mia pri-
Palace of Versailles by Massimo Listri
at the Palazzo Reale in Milan, there was a retrospective on Francis Bacon running at the same time flls me with pride. However, my greatest satisfaction, probably came from my exhibition in the Sala Bianca of Palazzo Pitti in Florence. For once, I could not say “Nemo propheta in patria” (No one is a prophet in their own land). Let’s also talk about your photographic technique.
I started shooting with the iconic camera of the 1970s, the Nikon F, without a light meter, and then moved on to the Sinar, which allowed me to collect large-format images from the 1980s onwards. Large format forced me to study every shot in minute detail, and this attention to detail stayed with me even after transitioning to digital. In fact, it may have intensifed because digital allows me to interpret the image even more. You are also an avid collector and live in a veritable house-museum. Which piece are you most proud of?
In general, my archaeology collection. It was to safeguard this collection that I created my Foundation.
Any future projects?
After the current exhibition at Manifattura Tabacchi in Florence and the permanent installation at Palazzo del Quirinale in Rome, I will be taking “Firenze - Kyiv and Return”, the project I presented at Palazzo Vecchio, to Washington, at the Italian Embassy. I am also planning a major retrospective at the Reggia di Caserta that will open in September 2025, featuring 50 large-format works. And there are several other projects in the pipeline.
‘IT IS INEVITABLE TO ABSORB WHAT SURROUNDS YOU. YOU DO IT UNCONSCIOUSLY; YOU METABOLISE AND TRANSFORM IT’
ma mostra, a Palazzo Reale di Milano, fosse allestista una retrospettiva su Francis Bacon mi inorgoglisce molto. La soddisfazione più grande, però, è stata forse la mostra nella Sala Bianca di Palazzo Pitti a Firenze, una volta tanto non si poteva dire ‘Nemo propheta in patria’ Parliamo anche della tua tecnica fotografica.
Ho cominciato a fotografare con la macchina iconica degli anni ’70, la Nikon F, senza esposimetro, per poi passare alla Sinar, che mi ha permesso di collezionare, già dagli anni ’80, immagini di grande formato. Il grande formato mi ha imposto di studiare nei minimi particolari ogni singolo scatto e questa cosa l’ho portata con me anche dopo il passaggio al digitale, anzi, si è forse amplifcata, perché il digitale mi permette di interpretare maggiormente l’immagine.
Sei anche un grande collezionista, vivi in una vera e proprio casa-museo. Quale l’opera di cui vai più fiero?
In generale la mia collezione di archeologia. È per salvaguardarla che ho creato la mia Fondazione.
Progetti futuri?
Dopo la mostra in corso in Manifattura Tabacchi a Firenze e l’allestimento permanente a Palazzo del Quirinale a Roma, porterò Firenze - Kyiv e ritorno, il progetto che ho presentato a Palazzo Vecchio, a Washington, nell’Ambasciata italiana. Ho poi in programma un’importante retrospettiva alla Reggia di Caserta che inaugurerà a settembre 2025, con 50 opere di grande formato. Senza contare alcuni progetti in fase di defnizione.
Vatican Museums by Massimo Listri
Palazzo Altieri, Oriolo Romano by Massimo Listri
...e vedervi,
s’avessi avuto di mal tigna brama, colui potei che dal servo de’ servi fu trasmutato d’Arno in Bacchiglione, dove lasciò li mal protesi nervi Dante, Inferno, XV, -
Collaboratore di Arnolfo di Cambio, Testa del Vescovo Andrea de’ Mozzi, 96- ca. PH.
The Cabinet of Marbles, a faithful reconstruction of a famous room dedicated to the Medici collection of Roman sculptures and reliefs
BACK TO THE FUTURE
Simone Verde tells us about his vision for the Uffzi Galleries
Simone Verde ci racconta la sua visione delle Gallerie degli Uffzi
text FRANCESCA LOMBARDI
The new rooms of the Flemish Masters
Simone Verde’s Uffzi has mesmerised us with a sort of “back to the future” journey, allowing us to gaze upon antiquity through the Roman marble room, restored to its 19th-century arrangement, alongside the halls of the Flemish masters of the 15th and 16th centuries. Under its new director, the Uffzi are once again a driving force for research within both the Italian and international museum networks.
We met Simone Verde in his offce overlooking the Arno River. We left with an ever stronger conviction that while a director of such an important museum as the Uffzi Galleries may not alter the ‘sacred’ nature of these places, his vision certainly shapes how we, the visitors, perceive them. The collections will be given even greater prominence, with a new section illustrating their history on the ground foor of the Gallery of Statues and Paintings, and in the White Hall at Palazzo Pitti. What’s more, at the Pitti, several storage areas will be opened to the public for the frst time in the museum’s history, revealing, the palace’s collection of original furniture and tapestries; another section will trace the history of the Boboli Gardens. Plans include the refurbishment of the Treasury of the Grand Dukes and the reopening of the Bacchus Theatre. These initiatives signal a movement, both intellectual and physical, towards the Pitti Palace and the masterpieces of the Palatine Gallery, further enhanced by the imminent reopening of the Vasari Corridor with a new exhibition arrangement.
Beyond the undeniable economic impact, how do you explain the signifcant role that museums play today?
A MOVEMENT, BOTH INTELLECTUAL AND PHYSICAL, TOWARDS THE PITTI PALACE AND THE MASTERPIECES OF THE PALATINE GALLERY, FURTHER ENHANCED BY THE IMMINENT REOPENING OF THE
Polish historian Krzysztof Pomian wrote that museums are a strange invention. Useless but indispensable, they are a recent creation that seems to have existed since the dawn of time. The truth is that, in our cities, they have replaced the cathedral, the temple, the sanctuary - putting man and his creations at the centre, acting as an outpost of modernity. From this perspective, as a temple of modernity, what is your vision for the Uffzi?
Gli Uffzi di Simone Verde incantano con una sorta di ritorno al futuro, con lo sguardo sull’antico grazie alla sala dei marmi antichi, così come era allestita nell’Ottocento, le sale dei maestri famminghi del Quattro e Cinquecento. Con il nuovo direttore gli Uffzi tornano a essere il centro propulsore e di ricerca all’interno sistema museale italiano e internazionale. Abbiamo incontrato Verde nel suo uffcio affacciato sull’Arno. Ne siamo usciti con l’idea sempre più forte che un direttore di un museo importante come le Gallerie cambia con la sua visione non certo la personalità di luoghi ‘sacri’, ma sicuramente la percezione di noi spettatori. Verranno ancor più valorizzate le collezioni, creando una sezione dedicata alla loro storia al piano terreno della Galleria delle Statue e delle Pitture, e nella Sala Bianca di Palazzo Pitti. Sempre a Pitti, inoltre, si apriranno al pubblico dei depositi, mostrando, per la prima volta nella storia del museo, il patrimonio di mobilia storica e arazzi della Reggia, mentre una sezione ripercorrerà la storia di Boboli. In programma anche il riallestimento del Tesoro dei Granduchi e l’apertura del Teatro di Bacco. Un movimento, sia di pensiero che fsico, verso Palazzo Pitti e i capolavori della Galleria Palatina, anche grazie alla vicina riapertura del Corridoio Vasariano.
Al di là dell’indubbio impatto economico, come spiega il ruolo così centrale dei musei oggi?
Lo storico polacco Krzysztof Pomiam ha scritto che i musei sono una strana invenzione. Inutili ma indispensabili, sono una trovata recente che ci sembra esistita dalla notte dei tempi.
VASARI CORRIDOR
The Uffzi Galleries already have their own well-defned role, and all we can do is strengthen it. All modern museums take inspiration from the Uffzi, the Tribune and the gallery in general, where man acts as a mediator between God and his creation. This human centrality, later redefned in secular form following the French Revolution, is the essence of Western museums, and for the frst time the Uffzi presents it in terms of art collections.
La verità è che nelle nostre città hanno sostituito la cattedrale, il tempio, il santuario. Mettendo l’uomo e le sue creazioni al centro, quasi un avamposto della modernità.
Da questo punto di vista, di tempio della modernità, qual è la sua idea di Uffzi?
Gli Uffzi hanno già un loro ruolo defnito, che noi possiamo solo rafforzare. Tutta la museologia moderna si ispira agli Uffzi, alla Tribuna e in generale alla Galleria in cui all’uomo viene attribuito il ruolo di mediatore tra Dio e la sua creazione. Questa centralità dell’umano, ribadita poi in chiave laica dopo la Rivoluzione Francese è il senso dei musei dell’Occidente che gli Uffzi hanno per la prima volta declinato in senso collezionistico.
Con l’apertura al pubblico del Vasariano, si realizzeranno i Grandi Uffzi e le Gallerie degli Uffzi saranno un complesso unico,
With the reopening of the Vasari Corridor, the Uffzi will become a seamless, unifed complex. What will visitors experience?
The Corridor will open in the coming months, and will be open to anyone purchasing a special ticket; access will be limited for this very special exhibition. There will be a large number of daily visits available, allocated on the basis of booking priority.
Acquisitions are an important chapter. What direction will they take during your tenure?
Acquisitions are of huge scientifc value, because they support and document research. Museums shouldn’t be places where social values are codifed within collections, but liberating spaces whose exhibits help us to understand our nature and the cultural mechanisms that defne us. In this sense they are a genuine tool of cultural and civic policy, rooted in the critical capacity for research, in which acquisitions play a major part. What is your view on managing the tourist fows that Florence experiences during peak months?
First and foremost, it’s a global phenomenon that we must learn how to handle, seeing it not as a disaster but an opportunity to communicate our values and our mission to an even wider public.
In this context, what could be considered a virtuous cultural policy?
In my view, the most important thing is to overcome a certain inclination to propagandise the collections, to an uncritical self-congratulation; it’s a strong temptation in terms of marketing,
SIMONE VERDE, DIRECTOR OF THE UFFIZI FROM JANUARY 2024. HIS OBJECTIVES
ARE MUSEUM QUALITY AND SCIENTIFIC RESEARCH
senza soluzione di continuità. Cosa proverà il visitatore?
L’apertura avverrà nei prossimi mesi. Il percorso sarà accessibile a tutti coloro che acquisteranno un biglietto apposito per il Corridoio, che avrà un accesso contingentato e un allestimento particolare. Saranno garantiti molti ingressi al giorno, selezionati in base alla priorità di prenotazione.
Le acquisizioni, capitolo importante. In che direzione andrà durante il suo mandato?
Le acquisizioni hanno un importantissimo valore scientifco poiché accompagnano e documentano la ricerca scientifca. I musei non devono essere luoghi dove esibire valori sociali codifcati ma spazi di emancipazione nei quali le raccolte servano per farci comprendere la natura e i meccanismi culturali che ci caratterizzano. In questo senso sono veri e propri strumenti di politica culturale e civile radicato nella capacità critica della ricerca che le acquisizioni procedono a documentare.
Come vede la gestione dei fussi turistici a cui in certi mesi è sottoposta Firenze?
È innanzitutto un fenomeno globale che dobbiamo saper governare, non guardandolo come una sciagura ma come un’opportunità, per veicolare presso il più ampio pubblico i principi e le missioni del nostro lavoro.
In questo senso quale può essere una politica culturale virtuosa?
La chiave fondamentale, a mio parere, sta nel superare una certa inclinazione alla propaganda delle collezioni, all’autoesaltazione acritica
Uffzi Gallery East Corridor
including to tourists. But if we adhere to the principles of scientifc research, the museum becomes a cultural laboratory and the mass of visitors become citizens.
Art and social media as tools for dissemination: what’s your take on this?
It’s important that contemporary museums, along with their communications, place themselves at the service of the complexity and historical/cultural stratifcation of each work. In our view, artworks all have their own material nature, which is an integral part of their signifcance and their status. So by turning them into images, a lot of their sense is lost, or becomes something else. It’s very true that the means is the message. Virtual communication, therefore, is an added value to the extent that the copy does not replace the original, but uses appropriate means to invite us to come and enjoy it in real life.
Which lesser-known works are particularly dear to you, and would you recommend seeing at the Uffzi?
An entire gallery, the Palatine, the Baroque ‘quadreria’ of the Grand Dukes. It’s an extraordinary work of art whose very decoration is a masterpiece composed of smaller masterpieces. A unique treasure trove and a model that was unsurpassed in its time in Europe; think of the Galerie d’Apollon at the Louvre.
What did you feel the frst time you entered here as Director?
A huge shock of responsibility, but sadly no euphoria; that’s just the way I am...
‘I WOULD SUGGEST AN ENTIRE MUSEUM: THE PALATINE GALLERY, THE BAROQUE QUADRERIA OF THE GRAND DUKES’
delle raccolte, tentazione molto forte per ragioni di mercato, anche turistico. Se si seguono invece i principi della ricerca scientifca ecco che il museo diventa un laboratorio culturale e i visitatori da massa informe diventano cittadini. Arte e social in ottica di divulgazione: la sua visione? È necessario che la museografa contemporanea, come la sua comunicazione, si mettano al servizio della complessità e della stratifcazione storico-culturale di ogni singola opera. Consideriamo per cominciare che le opere d’arte hanno una loro materialità che è parte integrante del loro signifcato e del loro statuto. Trasformandole in immagini si perde dunque gran parte del loro senso per trasformarle in altro. È proprio vero che il mezzo è il messaggio. La comunicazione virtuale, dunque, è un valore aggiunto nella misura in cui la copia non si sostituisce all’originale ma invita, con modalità appropriate, a venirlo a goderne di persona. Le opere meno note che le sono più care e ci suggerisce di vedere alle Gallerie degli Uffzi?
Una galleria intera, la Palatina: ‘quadreria’ barocca dei Granduchi. Una vera e propria opera d’arte in cui l’allestimento è esso stesso un capolavoro composto di capolavori. Uno scrigno unico al mondo e modello europeo insuperato del suo tempo, basta pensare alla Galerie de l’Apollon del Louvre.
Cosa ha provato la prima volta che è entrato qui da Direttore?
Grande brivido di responsabilità, nessuna euforia, purtroppo: sono fatto così...
Episodes from the life of Christ, Resurrection of Lazarus by Nicolas Froment
The Masterpieces from the Torlonia Collection, which opened on June 26 and is still on at the Louvre Museum in Paris, is based on the concept of excellence. It consists of works of extraordinary quality which refect some key milestones of our civilization, gathered in the world’s most important private collection of ancient Roman sculptures, put together thanks to the passion for art of several generations of the Torlonia family”.
Speaking is Alessandro Poma Murialdo, President of the Torlonia Foundation, established by his maternal grandfather, Prince Alessandro Torlonia, in order to preserve and promote an archeological heritage of the greatest importance, which the family has handed down from one generation to the next. The Louvre’s Aile Denon is housed in the former summer apartments of Queen Anne of Austria. Until November 11, the Queen’s rooms will host this magnifcent exhibition, the frst that sees the marble statues of the Roman collection going beyond Italy’s borders.
The exhibition’s focus is on the most symbolic genres of Roman sculpture, on its varied themes and styles. A collection that includes funerary plastic art, portraits of intense realism, replicas of famous Hellenistic statues and sculptures inspired by Greek models of the Archaic period and of the age of Pericles. The menads, satyrs and drunk sileni of Dionysus’ thiasus and the allegorical representations evoke a mosaic of forms and images that embody the powerful and dynamic energy of ancient Roman art and the Torlonia family’s taste as art collectors.
The exhibition, held in the rooms once belonging to the mother of Louis XIV, revolves around the juxtaposition of the two collections, the Roman collection and the Louvre’s. The Sun King, in 1655, when barely seventeen years old, decided that Anne of Austria would live on the ground foor of the building beneath the Petite Galerie, entrusting the renovation works to Louis Le Vau, who completed them about three years later. He was aided by Jean Daret and Etienne Carol for the paneling and by Michel Anguier to make the ceiling’s white-golden stuccoes.
Entrusted with the task of making the ornamental paintings was an Italian artist, Giovanni Francesco Romanelli, who proved his Baroque versatility of classical inspiration with the Four Seasons in the room by the same name, with the Metamorphoses by Ovid, the allegories in the Hall of Peace and Roman history episodes in the Grand Cabinet. A blend of the Grand Siècle’s glories, the Baroque style and classical inspirations is achieved in the key sculpture of the Torlonia collection, which became iconic in the 1700s: the imposing he-goat that was restored by Gian Lorenzo Bernini himself.
“The poetical and so contemporary portrait of the Torlonia
“La mostra Chefs-d’Oeuvre de la Collection Torlonia, aperta il 26 giugno scorso e tuttora in atto presso il Museo del Louvre di Parigi, si basa su un concetto di eccellenza. Si tratta di opere di qualità straordinaria che rifettono alcune tappe fondamentali della nostra civiltà, raccolte nella collezione privata di sculture romane più importante al mondo, formata grazie alla passione per l’arte di diverse generazioni della famiglia Torlonia.“ A parlare è Alessandro Poma Murialdo, Presidente della Fondazione Torlonia, nata per volere del nonno materno, il principe Alessandro Torlonia, per preservare e promuovere un patrimonio archeologico di importanza e suggestione uniche, che il casato ha tramandato fno ad oggi. L’Aile Denon del Louvre occupa quelli che furono gli appartamenti d’estate della regina Anna d’Austria di dumasiana memoria. Fino all’11 novembre prossimo, gli appartamenti della sovrana ospitano quest’esposizione magnifca, la prima che vede i marmi appartenenti alla raccolta patrizia capitolina varcare i confni dell’Italia. L’accento della rassegna è posto sui generi emblematici della scultura romana, sulle sue tematiche e stili eterogenei. Una carrellata che attraversa la plastica funeraria, ritratti di vivido realismo, copie di celebrati originali ellenistici e sculture che si ispirano ai modelli greci di matrice arcaica e dell’età di Pericle. Le menadi, i satiri e i sileni ebbri del tiaso dionisiaco e le rappresentazioni allegoriche evocano un mosaico di forme e immagini che incarnano l’energia possente e dinamica dell’arte romana e il gusto di collezionisti dei Torlonia. La mostra, che si snoda particolarmente ariosa e solenne negli ambienti che appartennero alla madre di Louis XIV, è incentrata sul dialogo tra le due raccolte, quella romana e quella del Louvre. Fu il Re Sole che nel 1655, appena diciassettenne, decise di alloggiare Anna d’Austria a pianterreno del corpo di fabbrica del palazzo sotto la Petite Galerie, affdando il progetto di ammodernamento a Louis Le Vau, che lo completò circa tre anni dopo. Al suo fanco furono ingaggiati Jean Daret e Etienne Carol per i lambris alle pareti e Michel Anguier per realizzare gli stucchi bianco-dorati del sofftto. Incaricato dell’apparato delle pitture ornamentali, fu un artista italiano, Giovanni Francesco Romanelli, che diede testimonianza della sua poliedricità barocca di marca classicista con le Quattro Stagioni nella sala omonima, la fabula mitologica delle Metamorfosi di Ovidio, le allegorie nel Salone della Pace e gli episodi di storia romana del Grand Cabinet. Si sovrappongono i fasti del Grand Siècle, del Barocco e le ispirazioni del classico tramite una scultura chiave della raccolta Torlonia, divenuta iconica nel Settecento: l’imponente caprone che fu restaurato da Gian Lorenzo Bernini in persona.
“Il ritratto poetico e così attuale della Fanciulla Torlonia - continua Poma Murialdo -, la fgura dell’Hestia Giustiniani o le straor-
Maiden- Poma Murialdo says - the fgure of the Hestia Giustiniani and the extraordinary series of sarcophagi and imperial busts display all their evocative charm at an exhibition in which the curators’ narrative mingles with the artistic concept of Anne of Austria’s newly restored summer apartments, thus, restoring the image of a signifcant fragment of history, and building a bridge between France and Italy in the 17th century”.
Following the exhibitions in Rome and Milan, the stop in Paris aims to introduce this little-known collection beyond the Alps, in a place full of history, where visitors can experience a full aesthetic immersion, a journey full of memories and archeological charm. A tour of both the treasures of ancient Rome and the coeval works belonging to the Louvre, some of which found in the same places - including Herodes Atticus’ Villa on the Appia Road - or coming from the same historic collections, later dismantled, put together by the Borghese, Cesi, Medici and Albani families. The exhibition was born out of an agreement between the Ministry of Culture and the Torlonia Foundation. Bulgari contributed to the restoration of the works and is the main sponsor of the Parisian event.
dinarie serie di sarcofagi e busti imperiali dispiegano tutto il loro fascino evocativo, esposti in modo ammirevole in una mostra che vede la narrazione dei curatori mescolarsi con la concezione artistica degli appartamenti estivi di Anna d’Austria appena restaurati, restituendo l’immagine di un frammento signifcativo della Storia che getta un ponte tra la Francia e l’Italia del XVII secolo.”
THE EXHIBITION REVOLVES AROUND THE JUXTAPOSITION OF THE TWO COLLECTIONS, THE ROMAN
COLLECTION AND THE LOUVRE’S
“Exactly there where the museum’s archeological collections have always been displayed - Alessandro Poma Murialdo concludes - and right next to the masterpieces of the national French collections, the Torlonia marbles illustrate the history of art collecting, archeology and restoration. No place is more ftted than the Musée du Louvre to elevate the storytelling even further, by highlighting the ties between France and Italy and the parallelisms between two ‘sister collections’: the Torlonia collection and the Louvre’s collection”.
Dopo le esposizioni di Roma e Milano, la tappa parigina è originata dal desiderio di presentare questa raccolta poco nota Oltralpe dentro un luogo pieno di storia, che invita a una speciale immersione estetica, in un viaggio intessuto di memorie e suggestivamente archeologico. Itinerario che si snoda tra i tesori dei principi di Roma vecchia e le opere coeve appartenenti al Louvre, alcune delle quali ritrovate nei medesimi luoghi - tra cui la Villa sull’Appia di Erode Attico -, o provenienti dalle stesse collezioni storiche in seguito smembrate, accumulate dai Borghese, Cesi, Medici e Albani. La mostra nasce da un accordo tra il Ministero della Cultura con la Fondazione Torlonia. Bulgari ha contribuito al restauro delle opere ed è il main sponsor dell’evento parigino.
“Proprio là dove le collezioni archeologiche del museo sono esposte fn dall’inizio della sua vicenda espositiva- conclude Alessandro Poma Murialdo - e accanto ai capolavori delle collezioni nazionali francesi, i marmi Torlonia raccontano la storia del collezionismo, dell’archeologia e del restauro. Nessun luogo è più appropriato del Musée du Louvre per elevare ancora di più il racconto, mettendo in luce i legami tra la Francia e l’Italia e i parallelismi tra la storia di due ‘collezioni sorelle’: la collezione Torlonia e le collezioni del Louvre”.
Arturo Galansino tells us about the new exhibition at Palazzo Strozzi and big plans for the future
La nuova mostra di Palazzo Strozzi e gli importanti progetti futuri
text FRANCESCA LOMBARDI
Particolare di: Antonio Joli (Modena, 1700 ca. - Napoli, 1777)
Il bacino di San Marco con la punta della Dogana e l’isola di San Giorgio 1744 - 1748, Olio su tela, cm. 59,5 x 101
BIAF 2024 - stand 79
We’re really enthusiastic about presenting the work of Helen Frankenthaler and allowing the public to discover one of the most important artists of the 20th century. With her innovative approach, Frankenthaler stood out as a pioneer of Abstract art, expanding its possibilities in a way that continues to inspire new generations of artists to this day.”
In these words, Arturo Galansino, General Director of Palazzo Strozzi, describes the new exhibition. The show traces the revolution furthered by Helen Frankenthaler’s astonishing art, and is the most extensive retrospective of her work ever held in Italy, placing her pieces, produced between 1953 and 2002, in dialogue with paintings and sculptures by contemporary artists including Jackson Pollock, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Mark Rothko, David Smith, Anthony Caro and Anne Truitt. With her innovative soak-stain technique, Frankenthaler made an indelible mark on the evolution of modern painting, inventing a new rapport between colour, space and form.
“As the exhibition progresses, works from the 80s, 90s and 2000s are a testimonial to an artist who never stopped breaking the rules in order to explore new ways of making art”, the director continues. This revolutionary impulse at Palazzo Strozzi shows no sign of slowing, even when the art is ancient, as Galansino informs us, referring to the Fra Angelico exhibi-
THE ANNUNCIATION BY FRA ANGELICO WHICH WILL BE PART OF THE PALAZZO STROZZI EXHIBITION, OPENING
“Siamo entusiasti di presentare l’opera di Helen Frankenthaler, permettendo al pubblico di scoprire un’artista fondamentale del XX secolo. Con la sua ricerca innovativa, Frankenthaler si è distinta come fgura pionieristica nel campo della pittura astratta, ampliandone le potenzialità in un modo che continua a ispirare ancora oggi nuove generazioni di artisti”.
È così che Arturo Galansino, direttore di Palazzo Strozzi, ci racconta la nuova mostra. Un percorso che mette in scena la rivoluzione portata avanti con l’arte sorprendente di Helen Frankenthaler e la più grande mostra mai realizzata in Italia, che vede le sue opere realizzate tra il 1953 e il 2002 in dialogo con dipinti e sculture di artisti contemporanei, tra cui Jackson Pollock, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Mark Rothko, David Smith, Anthony Caro e Anne Truitt. Con la sua innovativa tecnica soak-stain (letteralmente “imbibizione a macchia”), Frankenthaler ha segnato in modo indelebile l’evoluzione della pittura moderna, nel segno di un nuovo rapporto tra colore, spazio e forma.
“Nel percorso della mostra le opere degli anni Ottanta, Novanta e Duemila sono la testimonianza di un’artista che non ha mai smesso di infrangere le regole per esplorare nuovi modi di fare arte” continua il direttore. Questa spinta rivoluzionaria di Palazzo Strozzi non ha battute di arresto neanche quando si parla di antico, come ci racconta Galansino parlando della mostra del 2025 su Beato Angelico: “La mostra su Angelico si inscrive
The Annunciation is an Early Renaissance fresco by Fra Angelico in the Convent of San Marco in Florence
Arturo Galansino, General Director of Palazzo Strozzi
tion scheduled for 2025: “The Angelico project is part of our exploration of the Quattrocento in Florence, which has included momentous shows like Verrocchio (2019) and Donatello (2022), the latter judged as the world’s best show. Curated by Carl Strehlke and a team of academics, and organised in collaboration with the Museo di San Marco, the exhibition will bring together some extraordinary masterpieces from major museums and collections all over the world, and unite polyptychs separated centuries ago for the frst time. It’s a one-off opportunity for experts and art lovers to understand the work of one of the fathers of the Renaissance.”
“Palazzo Strozzi’s mission is to contribute to the cultural, social and economic development of Florence through events with international breadth”, Galansino continues. “Over the years, our exhibitions have helped to shift Florence’s identity in a new, more innovative and contemporary direction by establishing a meaningful dialogue between past and present.” We fnish by asking the director for a dream of a future project: “I count myself lucky because the exhibitions at Palazzo Strozzi – ranging from ancient to contemporary – have already made many of my curatorial dreams come true, and have sometimes achieved what seemed impossible. So the next dreams to fulfl are some of the projects I’m already working on for the coming years, but which I can’t reveal yet….
Next year, the star of our contemporary calendar will be the British artist Tracey Emin, one of the most disruptive artists of recent decades.”
‘THE WORK OF HELEN FRANKENTHALER, OFFERING THE PUBLIC AN OPPORTUNITY TO DISCOVER A FUNDAMENTAL TWENTIETHCENTURY ARTIST’
nel nostro percorso di ricerca sul Quattrocento forentino, che ha visto mostre epocali come Verrocchio (2019) e Donatello (2022), quest’ultima premiata come miglior mostra del mondo. L’esposizione, curata da Carl Strehlke, assieme ad un team di studiosi, e in collaborazione con il Museo di San Marco, riunirà capolavori straordinari provenienti dai più importanti musei e collezioni internazionali, ricostituendo, per la prima volta, polittici separati secoli fa. Un’occasione irripetibile per specialisti e appassionati per comprendere l’opera di uno dei padri del Rinascimento”. “Palazzo Strozzi ha come mission quella di contribuire allo sviluppo culturale, sociale e economico di Firenze attraverso eventi di rilevanza internazionale. – continua parlando il Direttore del suo lavoro - Le nostre mostre hanno contribuito negli anni a cambiare l’identità di Firenze in una direzione più innovativa e contemporanea, instaurando un dialogo signifcativo tra passato e presente.” Concludiamo chiedendogli un sogno per un progetto futuro: “Posso dirmi fortunato perché le mostre di Palazzo Strozzi hanno realizzato, spaziando dall’antico al contemporaneo, molti dei miei sogni curatoriali, a volte anche realizzando quello che si credeva impossibile. I prossimi sogni da realizzare sono perciò alcuni dei progetti su cui sto già lavorando per gli anni a venire, e che non posso ancora svelare… L’anno prossimo la protagonista del nostro programma contemporaneo sarà la britannica Tracey Emin, una delle artiste più dirompenti degli ultimi decenni”.
Helen Frankenthaler in her studio
Renato BRozzi (Traversetolo, Parma, 1885 - 1963)
Tacchino di argento dorato su base di marmo fior di pesco apuano
Scultura: 15 (h) x 32 x 15 cm
Base: 13,5 (h) x 13 x 15,8 cm
Altez za totale: 28,5 cm
Firmata e datata “R. BROZZI / 1941”
com
Louise Bourgeois Pregnant Woman, 2008
ALIVE AND EVOLVING
Sergio Risaliti: refections on the Museo Novecento Rifessioni sul Museo Novecento
text CESARE CUNACCIA
Alberto Savinio, Senza titolo , 1929, olio su tela, cm. 54,5x65 (part.)
Sergio Risaliti, art historian, critic, and Director of the Museo Novecento, reflects on the pivotal role of the institution within the cultural fabric of Florence and the contemporary art scene.
“For years, immersed in an ever-expanding artistic universe,” Risaliti states, “I have cultivated the vision of a museum as the beating heart of contemporary culture. The project, developed with dedication, has acquired international recognition over time. The Museo Novecento is not just an exhibition space, but a living organism – a crossroads of ideas, a creative and intellectual workshop in constant evolution.”
Louise Bourgeois’ solo exhibition, entitled Do Not Abandon Me, currently occupying the museum’s halls until 20th October, marks a turning point not only for the museum, but for Florence itself.
“Bourgeois is a central figure in contemporary art, capable of translating the inner turmoil of the human soul into works brimming with meaning and disquiet. The pieces exhibited here belong to the later stages of her career, focusing on the theme of abandonment and the desire for union, which Bourgeois carried within herself throughout her life. They reflect the mother-child dyad as a model for all future relationships. The decision to exhibit her creations between the Museo Novecento and Museo degli Innocenti was no accident; it aimed to weave a dialogue between Renaissance architecture and Bourgeois’ perturbing works, universal symbols of both strength and fragility. Standing out among them is the famous spider, emblematic of the complex web of human relationships.”
The upcoming exhibition Michelangelo and Power, opening at Museo di Palazzo Vecchio during
‘BOURGEOIS IS A CENTRAL FIGURE IN CONTEMPORARY ART, CAPABLE OF TRANSLATING THE INNER TURMOIL OF THE HUMAN SOUL ’
Sergio Risaliti, storico e critico d’arte e direttore del Museo Novecento riflette sull’importanza cruciale dell’Istituto nella trama culturale di Firenze e del panorama artistico contemporaneo.
“Da anni, immerso in un universo artistico in espansione, - afferma Risaliti - coltivo la visione di un museo come cuore pulsante della cultura contemporanea. Il progetto, fatto crescere con dedizione, ha acquisito nel tempo un’autorevolezza internazionale. Il Museo Novecento non è solo uno spazio espositivo, ma un organismo vivo, un crocevia di idee, officina creativa e intellettuale in costante evoluzione”.
La personale di Louise Bourgeois intitolata Do Not Abandon Me, che occupa le sale del museo fino al 20 ottobre prossimo, rappresenta un punto di svolta non solo per il museo, ma per Firenze stessa.
“Bourgeois è una voce centrale dell’arte contemporanea, capace di tradurre i tormenti dell’animo umano in opere dense di significato e inquietudine. Appartengono alla maturità dell’artista quelle qui esposte, incentrate sul tema dell’abbandono e del desiderio di unione che Bourgeois ha sempre nutrito. Si riferiscono alla diade madre-bambino, vista quale modello di ogni relazione futura. L’idea di esporre le sue creazioni tra il Museo Novecento e il Museo degli Innocenti non è casuale e voleva tessere un dialogo tra le architetture rinascimentali e le opere perturbanti della Bourgeois, simboli universali di forza e fragilità. Vi spicca il celebre ragno, emblema della complessa trama delle relazioni umane.
La mostra Michelangelo e il Potere, che aprirà
Louise Bourgeois Spider, 2000, steel and marble
Sergio Risaliti, Artistic Director of Museo Novecento
Louise Bourgeois, The feeding 2007, gouache on paper
the autumn, curated by Sergio Risaliti alongside with Cristina Acidini, has been approached with genuine reverence. It reveals a lesser-known Michelangelo: not only the supreme artist, but a figure deeply entwined with the political and religious tensions of his time.
The exhibition will explore this aspect: the man, the citizen, the rebellious spirit concealed within and behind the marble, ready to challenge authority with the same courageous and desperate force with which he sculpted his David “Museo Novecento is far more than just an exhibition space,” Risaliti continues. “From the very beginning, I wanted it to become a crossroads of ideas and creativity. Through our Residenze Artistiche programme, unique in Italy, we offer young artists and curators a place to live and work, fostering a fertile environment for exchanges between the public and art”.
“With the next edition of the Outdoor project we will bring art into schools and even prisons. We are fully aware that culture must be for everyone – it should nurture thought and become a form of catharsis. And soon the Art Camper will return to the Florentine suburbs, making the city more inclusive and connected.”
The 2025 calendar is particularly significant: Florence Art Week and the Premio Rinascimento, as well as an exhibition by the British sculptor Thomas Price, whose work reflects on pressing social issues through the language of contemporary art. “We also have a project on Picasso underway, while at the same time we are interested in emphasising figures who deserve rediscovery, such as Lorenzo Bonechi and the Genoese Clemen Parrocchetti, to give them international recognition,” the Director concludes.
‘THE MUSEO NOVECENTO IS FAR MORE THAN AN EXHIBITION SPACE. FROM THE BEGINNING, I WANTED IT TO BECOME A CROSSROADS OF CREATIVITY’
in autunno al Museo di Palazzo Vecchio curata da Sergio Risaliti con Cristina Acidini è stata affrontata con autentica reverenza. Rivela un Michelangelo meno noto: non solo artista supremo, ma personalità immersa nelle tensioni e travagli del potere politico e religioso del suo tempo.
La mostra esplorerà questo aspetto: l’uomo, il cittadino, il temperamento ribelle celato dietro e dentro il marmo, pronto a sfidare il potere con la stessa forza coraggiosa e disperata con cui scolpì il suo David “Il Museo Novecento è molto più di uno spazio espositivo - continua Risaliti - Fin dall’inizio ho voluto che diventasse un crocevia di idee e creatività. Con le Residenze Artistiche, uniche in Italia, offriamo ai giovani artisti e curatori un luogo dove vivere e lavorare, creando un ambiente di scambio fertile tra pubblico e arte”. “Con la prossima edizione del progetto Outdoor porteremo l’arte nelle scuole e anche nelle carceri, siamo consapevoli che la cultura debba essere per tutti, fare crescere il pensiero, divenire catarsi. E presto il “camper dell’arte” tornerà nelle periferie fiorentine, rendendo la città più inclusiva e circolare”. Importante il calendario 2025: la Florence Art Week e il Premio Rinascimento, oltre a una mostra dello scultore britannico Thomas Price che riflette sulle urgenze sociali attraverso il linguaggio dell’arte odierna.
“C’è un progetto su Picasso in atto e al contempo ci interessa porre l’accento su figure da riscoprire, come Lorenzo Bonechi e la genovese Clemen Parrocchetti, per dare loro rilievo internazionale.” anticipa infine il Direttore.
FEDERICO ZANDOMENEGHI
Venezia 1841 - Parigi 1917
Ragazza dai capelli biondi Pastello su carta, 65 x 50 cm
Portrait of a Woman as Astrea, 1710-1712 approx., Nicolas de Largillierre (Paris, 1656-1746)
ARTISTIC HERITAGE
An exclusive journey through the unknown masterworks of the Sovereign Military Order of Malta Viaggio esclusivo attraverso capolavori inediti del Sovrano Militare Ordine di Malta
S.E. VEN. BALÌ FRA’ EMMANUEL ROUSSEAU, CONSERVATORE DI OGGETTI D’ARTE DELLO SMOM in conversation with CESARE CUNACCIA
1. Coronation of the Virgin (1360), painted by Matteo di Pacino who was active between 1359 and 1374 in Florence
2. P Berrettone (a ceremonial hat)
3. 18th-century chasuble, an example of Roman embroidery in gold, silver and silk, kept in the sacristy of the Magistral Palace Church. It was restored in 2023
4. Portrait of the Balì Brother Pompeo Rospigliosi, 1582-1662
5. Anchors Service, produced by the Royal Ferdinandea Factory in Naples between 1795 and 1806
This article is inspired by a presentation made by my predecessor in 2021, the late Balì Brother John Critien, and focuses on the art collections housed in the Order’s two institutional headquarters in Rome, that is, Palazzo Magistrale on Via dei Condotti and Casa Litta, in Palazzo Orsini at the Theater of Marcellus, in addition to Villa Pagana in Rapallo, in Liguria, a bequest granted in 1955 by Marchese Franco Spinola, Admiral of the Italian Navy.
The Order of Malta’s current artistic heritage is surprisingly extensive, considering events such as wars, territorial losses, thefts, pillages and confscations which have accompanied it over its 900 years of history. The greatest wound to the Order’s art collections was the loss of Malta in 1798, at the hands of Napoleon’s army which then occupied the island until 1800. The expulsion of the Knights from Malta meant leaving behind what they had accumulated starting from 1530, when they had settled on the island owing to Emperor Charles V with the approval of Pope Clement VII. They also had to abandon the treasures that had been brought there from the previous headquarters in Rhodes, which fell to the army of the Ottoman sultan Suleiman the Magnifcent in December 1522. Over the thirty-six years following the expulsion from Malta, the Order moved its headquarters to various places, fnally settling in Rome in 1834, in Palazzo Magistrale, which had previously served as a residence for its agents, then ambassadors to the Holy See.
A VAST ARTISTIC HERITAGE, THAT OF THE ORDER OF MALTA, WITH WORKS, MASTERPIECES AND ARTIFACTS THAT HAVE BEEN HANDED DOWN AND PRESERVED OVER MORE THAN 900 YEARS OF HISTORY
The Order of Malta’s art collections, as we know them today, were formed, with very few exceptions, between the 20th and early 21st centuries, owing to the generous donations and bequests of members of the Cusani Visconti, Czapski, Spinola, d’Ayala Valva, Perusini, Battiloro and Rossi di Montelera families. It is thanks to them that the Order came into possession of particularly valuable pieces which had once belonged to major European collectors.
I will focus my attention on some of the most precious and well-documented paintings and works of art of the Order of Malta’s collections. In a religious institution that worships the Virgin Mary and St. John the Baptist as its patron saints, it is only right
Il presente articolo trae ispirazione da una presentazione fatta nel 2021 dal mio predecessore, il defunto Balì Fra’ John Critien e si concentra sulle collezioni d’arte ospitate in due delle sedi istituzionali dell’Ordine a Roma, vale a dire Palazzo Magistrale in via dei Condotti e Casa Litta, nel Palazzo Orsini presso il Teatro di Marcello, cui si aggiunge la Villa Pagana a Rapallo, in Liguria, legato del 1955 da parte del marchese Franco Spinola, ammiraglio della Marina Italiana. L’attuale patrimonio artistico dell’Ordine di Malta è sorprendentemente vasto, in considerazione di eventi quali guerre, perdita di territori, furti, saccheggi e confsche che lo hanno accompagnato durante i suoi oltre 900 anni di storia. La ferita più grande alle collezioni d’arte dell’Ordine fu inferta dalla perdita di Malta nel 1798, sotto i colpi delle armate napoleoniche che quindi occuparono l’isola fno al 1800. L’espulsione da Malta dei Cavalieri, signifcò l’abbandono di quanto vi avevano accumulato a partire dal 1530, quando vi erano approdati grazie all’imperatore Carlo V con l’approvazione del pontefce Clemente VII. Dovettero rinunciare anche ai tesori che erano stati trasportati lì dalla precedente sede di Rodi, caduta nel dicembre 1522 nelle mani del sultano ottomano Solimano il Magnifco dopo un assedio di proporzioni colossali. Nei trentasei anni successivi all’espulsione da Malta, l’Ordine spostò la sua sede in vari luoghi, installandosi infne a Roma nel 1834, nel Palazzo Magistrale che in precedenza era servito come residenza ai suoi agenti, poi ambasciatori, presso la Santa Sede. Le collezioni d’arte dell’Ordine melitense, così come le conosciamo oggi, con poche eccezioni si sono formate tra il XX e l’inizio del XXI secolo, grazie soprattutto alle generose donazioni e ai lasciti dei membri delle famiglie Cusani Visconti, Czapski, Spinola, d’Ayala Valva, Perusini, Battiloro e Rossi di Montelera. È grazie a loro che l’Ordine è entrato in possesso di pezzi particolarmente pregiati che in precedenza erano di proprietà di importanti collezionisti europei. Mi concentrerò su alcuni dei dipinti e delle opere d’arte più preziosi e ben documentati, presenti nelle collezioni dell’Ordine di Malta. In un’istituzione religiosa che venera la Vergine Maria e San Giovanni Battista come suoi patroni, è giusto che questa ‘sflata’ si apra con due dipinti che li raffgurano entrambi. Il trittico, tempera su tavola, è un’Incoronazione della Vergine frmata e datata (1360) da
that this “parade” opens with two paintings in which they are both depicted.
The triptych, a tempera painting,, is a Coronation of the Virgin signed and dated (1360) by Matteo di Pacino (active in Florence between 1359 and 1374 ). According to Luciano Bellosi, it is the same artist known as the “ Master of the Rinuccini Chapel”, in the Basilica of Santa Croce, where he worked on a fresco cycle. The work was left to the Order in 1994 by Countess Valeria Rossi di Montelera Litta Modignani and is currently undergoing restoration.
Another remarkable example is the painting by Giovanni Antonio Sogliani (1492-1544) depicting the Madonna with Child and St. Bernard and St. John the Baptist, kept in its magnifcent contemporary frame. Sogliani was an Italian Renaissance painter mainly active in Florence at Lorenzo di Credi’s workshop during the early 16th century. He was known for being able to represent the Counter-Reformation spirit with melancholic atmospheres of immediate fgurative language. Furthermore, the Order’s collections are also rich in paintings depicting architectural subjects, and landscape and still life paintings by famous artists. Among them is the Venetian Bernardo Bellotto (1722-1790), nephew of Canaletto on his mother’s side. He painted the Grand Canal looking eastwards from Campo San Vio, with the unmistakable dome of the Basilica of S. Maria della Salute designed by Baldassarre Longhena and Punta della Dogana to the right, while the imposing 16th-century Palazzo Corner designed by Sansovino, called della Ca’ Granda, rises to the left.
THE ORDER’S COLLECTIONS ARE
RICH IN PAINTINGS DEPICTING
ARCHITECTURAL SUBJECTS, LANDSCAPE AND STILL LIFE
Portraits have adorned the walls of elegant rooms for centuries. The Portrait of the Balì Brother Pompeo Rospigliosi, 1582-1662 with the Order’s eight-pointed white cross on his chest, is a work of micro-mosaic by a follower of Giovanni Battista Calandra, perhaps Matteo Piccioni. The other mosaic work, representing Camillo Rospigliosi with the eight-pointed Red Cross of the Tuscan Order of St. Stephen, was acquired by the John Paul Getty Museum in 1987. They both came from the dismantled Rospigliosi collection in 1932. The Portrait of a Lady as Astrée, 1710-1712 circa, by Nicolas de Largillière or de Largillierre (Paris, 1656-1746), one of the most popular artists of the Regency period who was also a brilliant Flemish-inspired still life painter, is part of a small number of paintings of women. Ladies immortalized by talented seventeenth and eighteenth-century painters such as Artemisia Gentileschi, François De
Matteo di Pacino (attivo tra il 1359 e il 1374, a Firenze). Secondo Luciano Bellosi si tratta del medesimo artista conosciuto come Maestro della Cappella Rinuccini, nella Basilica di Santa Croce, dove realizza un ciclo d’affreschi. L’opera è stata lasciata in eredità all’Ordine nel 1994 dalla contessa Valeria Rossi di Montelera Litta Modignani e attualmente si trova in fase di restauro. Un altro esempio notevole è la tavola di Giovanni Antonio Sogliani (1492-1544) raffgurante la Madonna con Bambino e San Bernardo e San Giovanni Battista, conservata nella sua magnifca cornice contemporanea. Sogliani fu un pittore del Rinascimento italiano attivo principalmente a Firenze nella bottega di Lorenzo di Credi durante la prima metà del XVIsecolo. Fu apprezzato per la sua capacità di rappresentare lo spirito della Controriforma con atmosfere melanconiche di linguaggio fgurativo immediato. Le collezioni dell’Ordine inoltre sono ricche di dipinti che raffgurano soggetti architettonici, vedute e nature morte, realizzati da artisti famosi. Uno di questi è il veneziano Bernardo Bellotto (1722-1790), nipote del Canaletto per parte di madre e rappresenta il Canal Grande guardando verso est dal Campo San Vio con l’inconfondibile cupola della basilica di S. Maria della Salute progettata da Baldassarre Longhena e la Punta della Dogana a destra, mentre l’imponente mole sansoviniana del cinquecentesco Palazzo Corner, chiamato della Ca’ Granda, si erge sulla sinistra.
La ritrattistica ha adornato per secoli le pareti di stanze raffnate. Il Ritratto del Balì Frà Pompeo Rospigliosi, 1582-1662 con la croce bianca a otto punte dell’Ordine sul petto, è stato eseguito in micro-mosaico da un seguace di Giovanni Battista Calandra, forse Matteo Piccioni. Il compagno del mosaico, che rappresenta Camillo Rospigliosi con la Croce Rossa a otto punte dell’Ordine toscano di Santo Stefano, è stato acquisito dal John Paul Getty Museum nel 1987. Entrambi derivano dalla dispersione della collezione Rospigliosi nel 1932.
Il Ritratto di signora come Astrèe, 1710-1712 circa, di Nicolas de Largillière o de Largillierre (Parigi, 1656-1746), artista tra i più richiesti dell’epoca della Reggenza che fu pure brillante autore di nature morte d’ispirazione famminga, fa parte di un piccolo numero di dipinti di soggetto muliebre. Dame immortalate da valenti pittori sei-settecenteschi quali Artemisia Gentileschi, François De Troy, Domenico Parodi e Giovanni Maria delle Piane (il Mulinaretto). Compongono, con altre tele, oggetti ed arredi,
Troy, Domenico Parodi and Giovanni Maria delle Piane (il Mulinaretto). They are part, along with other paintings, objects and furniture, of a donation granted to the Order in 1959 by Marchese Paolo Spinola, the brother of Admiral Franco Spinola. Among the few surviving objects with links to the Order’s history are the Sacro Stocco (the Sword of Honor) and the Berrettone (a ceremonial hat ), along with a belt, which were usually donated by the Pope to Catholic rulers and to the soldiers of Jesus Christ as the highest reward for their services to the Church. The sword, the hat and the belt were given to the Grand Master Brother Ferdinand von Hompesch zu Bolheim by Pope Pius VI Braschi in 1798, only fve weeks before the Order lost Malta for good to the French in June of the same year. They became part of the Order’s collections in 1912, as a gift of the Grand Priorate of Bohemia-Austria.These three highly signifcant objects were restored in 2024. As for the ceramics, the dessert service known as the Anchor Service, was produced by the Real Fabbrica Ferdinandea in Naples between 1795 and 1806. Depicting seafaring themes, ships, bays and ports mostly of the Neapolitan area, and decorated with the crossed anchors after which it was named, the service was added to the Order’s collections immediately after the death of Balì Brother Innocenzo Pignatelli of Naples, in 1804. It was shipped from Naples to Messina and from Messina to the Convent of the Order in Catania, were it was eagerly awaited for by the Grand Master Brother Giovanni Battista Tommasi, to whom it had been promised by Pignatelli himself. The service followed the Order to Ferrara and fnally reached Rome in 1834. Last but not least, a chasuble of the 18th century, a very sophisticated example of Roman golden, silver and silk embroidery is kept in the Sacristy of the Church of Palazzo Magistrale. The sacred vestment was restored in 2023. Only in relatively recent times, the Order began planning exhibitions and taking part in exhibits organized by other institutions.This led to a deeper knowledge of its art collections and to an in-depth study of the artefacts it owns mostly thanks to its many benefactors. A new direction which led also to more professional preservation methods and to a restoration campaign of the works. We can only hope that this well-established recognition of the collections’ artistic value will continue to grow in the years to come, in particular, as far as our increasing cataloging and restoration efforts are concerned.
THE GREATEST WOUND TO THE ORDER’S ART COLLECTIONS WAS INFLICTED BY THE LOSS OF MALTA IN 1798 AT THE HANDS OF NAPOLEON
una donazione pervenuta all’Ordine nel 1959 da parte del marchese Paolo Spinola, fratello dell’ammiraglio Franco Spinola. Tra i pochi oggetti sopravvissuti, direttamente collegati alla storia dell’Ordine, rimangono il Sacro Stocco (ossia la spada d’onore) e il Berrettone (un cappello cerimoniale,), accompagnati da una cintura, che venivano donati dal Papa ai governanti cattolici e ai soldati di Cristo come massima ricompensa per i servizi da loro resi alla Chiesa. Lo stocco, il berrettone e la cintura furono offerti al Gran Maestro Fra’ Ferdinand von Hompesch zu Bolheim da Papa Pio VI Braschi nel 1798, solo cinque settimane prima che l’Ordine perdesse defnitivamente Malta a favore dei francesi nel giugno di quell’anno. Entrarono nelle collezioni dell’Ordine nel 1912 come dono del Gran Priorato di Boemia Austria. Questi tre oggetti molto signifcativi sono stati restaurati nel 2024. Per quanto riguarda le ceramiche, il servizio da dessert noto come Servizio delle Ancore fu prodotto dalla Real Fabbrica Ferdinandea di Napoli tra il 1795 e il 1806. Raffgurante temi marinari, navi, baie e porti per lo più dell’area napoletana, e decorato con le ancore incrociate che gli hanno dato il nome, entrò nelle collezioni dell’Ordine subito dopo la morte del Balì Fra’ Innocenzo Pignatelli di Napoli, nel 1804. Fu spedito da Napoli a Messina e da Messina al Convento dell’Ordine di Catania, dove era atteso con ansia dal Gran Maestro Fra’ Giovanni Battista Tommasi, al quale era stato promesso in dono dal Pignatelli. Il servizio seguì poi l’Ordine a Ferrara e fnalmente raggiunse Roma nel 1834. Infne, una casula del XVIII secolo, esempio molto raffnato di ricamo romano in oro, argento e seta è conservata nella sacristia della Chiesa di Palazzo Magistrale. Il paramento sacro è stato restaurato nel 2023. Solo in tempi relativamente recenti, l’Ordine ha iniziato a organizzare mostre e a partecipare ad esposizioni allestite da organizzazioni esterne. Ciò ha portato a una maggiore consapevolezza delle proprie collezioni d’arte e a uno studio più approfondito dei manufatti che possiede grazie soprattutto ai suoi numerosi benefattori. Un nuovo corso che ha portato anche a una conservazione più professionale e a una campagna di restauri delle opere stesse. Si può solo sperare che questo apprezzamento artistico, ormai consolidato, possa continuare a svilupparsi negli anni futuri, soprattutto per quanto riguarda gli sforzi di catalogazione e restauro che si stanno sensibilmente implementando.
A NEW OPENING
The preservation of an invaluable heritage linked with social commitment La custodia di un patrimonio inestimabile a cui si affianca l’impegno umanitario
text S.E. FABRIZIO COLONNA DI PALIANO, RICEVITORE DEL COMUN TESORO DELLO SMOM
Our goal is to promote as much as possible and provide greater visibility to the works of art kept by the Order of Malta. An extensive restoration campaign is already underway on some of our most prestigious properties which are partly open to the public, but which will also progressively involve restoring single works of art and extremely signifcant and symbolic artefacts. Another key factor is the documentation, fling and study of the works of art and various artefacts.
The general program consists in a sort of ‘glasnost’, transparency and openness that will gradually make every part of this veritable treasure available to the public. For some time now, we have been loaning our works on the occasion of exhibitions not directly planned by us. We strongly believe that this would have been the desire of those who donated to the Order centuries-old inheritances or bequests that testify to the collectors’ taste, knowledge and insight. They are artistic rarities that include paintings of various ages, furniture, tapestries, sacred and ceremonial vestments, marble, bronze and wooden sculptures, ceramics and silverware, which often reflect the chapters of a complex and fascinating history that unravels over of a period of nearly a millennium. A history that this mosaic can contribute to telling within the context of its true social, political and cultural value. The mission that the Order has taken upon itself since its remotest origins is more vivid and crucial than ever, not only in the Old Continent, but wherever in the world there are crises and humanitarian emergencies underway. The Order of Malta represents a long emblematic red thread running through the entire European history. The beauty of so many works of art and the memories they are full of can provide a basis for further dialogue and contribute to attracting interest and participation in the SMOM’s radically humanitarian commitment.
Il nostro intento è soprattutto di portare alla massima valorizzazione e a una maggiore visibilità le opere d’arte custodite dall’Ordine melitense. Una vasta campagna di restauri ha già interessato e interessa alcuni degli immobili più prestigiosi in nostro possesso che in parte sono visitabili, ma si è progressivamente diretta anche a singole opere d’arte e manufatti estremamente signifcativi e simbolici. Un dato fondamentale è anche la documentazione, archiviazione e studio delle singole opere d’arte e dei diversi manufatti. Il programma generale consiste in una sorta di glasnost, una trasparenza e condivisione che possa via via rendere fruibile al massimo ogni parte di questo autentico tesoro. Da qualche tempo abbiamo iniziato ad effettuare prestiti esterni in occasione di mostre non direttamente organizzate da noi. Crediamo fortemente che questo sarebbe stato il desiderio di quanti hanno destinato all’Ordine eredità secolari o legato testimonianze del proprio gusto, conoscenza ed intuito di collezionisti. Si tratta di rarità artistiche che comprendono dipinti di varie epoche, arredi, arazzi, paramenti sacri e cerimoniali, sculture in marmo, bronzo e legno, ceramiche e argenteria, che non di rado riflettono i capitoli di una storia complessa e avvincente che si sviluppa nell’arco di quasi un millennio. Una vicenda che questo mosaico può contribuire a raccontare nel quadro del suo vero valore di servizio sociale, politico e culturale. La missione che l’Ordine porta impressa fn dalle sue lontane origini è oggi più vivida e cruciale che mai, non solo nel Vecchio Continente, ma ovunque nel mondo vi siano crisi o emergenze umanitarie in corso. L’Ordine melitense rappresenta un lungo emblematico fl rouge che attraversa l’intera storia europea. La bellezza di tante opere d’arte e le memorie di cui sono intrise, può contribuire ad aprire ulteriori piani di dialogo e confronto e ad attrarre interesse e partecipazione sulla vocazione radicalmente umanitaria dello SMOM.
Grand Canal looking eastwards from Campo San Vio Bernardo Bellotto (1722-1790)
Galleria Fondantico
di Tiziana Sassoli
Par ma, 1582 - Roma, 1647
Vener e dor miente con Cupido e un amorino, 1618-1620 circa Olio su tela, cm 123 x 175
GIOVANNI LANFRANCO
98 biennaleantiquariato
Palazzo Barberini
A BROAD VIEW
Thomas Clement Salomon,
to love art with an eye on budget
The famous helicoidal staircase by Francesco Borromini in Palazzo Barberini
Thomas Clement Salomon, art historian, jurist and museologist has been the Director of the National Galleries of Ancient Art in Rome since January 2024. He shares with us his experience in this new position.
Thomas Clement Salomon, storico dell’arte, giurista, museologo è il direttore delle Gallerie Nazionali di Arte Antica di Roma dal gennaio 2024. Per noi racconta questa nuova esperienza.
Giusto un piccolo excursus sulla tua formazione e carriera…
Can you give us a summary of your training and career?
I have been very passionate about art history and museums since I was a child. I am of international heritage: my mother is English, my father is Danish but lives in France, and my brother in New York. It would have been natural for me to go abroad, but instead I chose to study and work in Italy. I love this country, I believe in it, and I have no doubt I made the best choice. I studied law and dealt with culture, in particular with criminal law regarding the protection of Italy’s archaeological and cultural heritage. Besides my studies, a fundamental contribution to my professional training was my work at the Borghese Gallery, where I had the opportunity to learn about the well-oiled machine of this extraordinary public museum. This came after my extensive experience in the private sector where I worked as scientifc director of MoMo-Skira, proposing and organising dozens of major exhibitions in Italy and abroad. For many years, I was constantly fying from one museum to the other all around the world, suggesting projects to bring to Italy and procuring loans of masterpieces, dealing with major artists such as Caravaggio, La Tour, El Greco, Antonello da Messina, Picasso… and meeting the directors and curators of hundreds of international museums. Organising these large exhibitions, I always worked on the budget. I was an art historian who had to deal with the scientifc aspects, but always built up the budgets of the cultural projects by taking care of the managerial aspects. My love for art history and museums, a very effcient economic management of the projects and the knowledge of law - not only reading and interpreting contracts and regulations, but using diplomacy to get deals with other museums at the best conditions - are the pillars of my work. Today, museums are like contractors, they manage the PNRR funds, and need sponsors. Not forgetting the most serious scientifc rigour, there is also a need for a broader vision.
‘MY LOVE FOR ART HISTORY AND MUSEUMS, A VERY EFFICIENT ECONOMIC MANAGEMENT OF THE PROJECTS AND THE KNOWLEDGE OF LAW ARE THE PILLARS OF MY WORK’
You manage two Roman museums of great prestige and historical value. What will be the basis of your directorial program in general?
My plan is to work day and night to make sure the National Galleries of Ancient Art get the recognition they deserve, carrying on the dream of the founder Adolfo Venturi, who wanted to create a national gallery in Rome, similar to those in the great European capitals. Even though the frst location in Palazzo Corsini opened in 1895, followed by the purchase in 1949 of Palazzo Barberini as a second location, the building been entirely used as a museum only starting from 2018. In my opinion, the success of these two extraordinary museums was hampered by several historical vicissitudes and the ferce competition in Rome. We started 7 special projects relating to the architecture of the two buildings, the gardens, the archaeological collections, the exhibitions abroad, but also the restorations, research, enhancement, marketing… the projects are really endless.
Da quando ero bambino amo profondamente la storia dell’arte e i musei. Ho un background internazionale - mia madre è inglese, mio padre di origini danesi vive in Francia, mio fratello a New York - era scontato che andassi all’estero invece ho scelto di studiare e lavorare in Italia amando e credendo in questo Paese e la ritengo una scommessa vinta. Ho studiato Giurisprudenza occupandomi di cultura, in particolare di tutela penale del patrimonio archeologico e culturale italiano. Oltre agli studi è stata fondamentale la mia formazione professionale alla Galleria Borghese, per conoscere la macchina di uno straordinario museo pubblico dopo tanti anni di esperienza nel privato nei quali, come responsabile scientifco di MoMo-Skira, proponevo e mettevo a terra decine di grandi mostre presentate in Italia e all’estero. Per tanti anni ero costantemente in viaggio per i musei del mondo a proporre progetti da portare in Italia e ottenere prestiti di capolavori, lavorando sui più grandi nomi quali Caravaggio, La Tour, El Greco, Antonello da Messina, Picasso… e conoscendo i direttori e i curatori di centinaia di musei internazionali. Nell’organizzazione delle grandi mostre ho lavorato sui budget, facevo lo storico dell’arte occupandomi degli aspetti scientifci, ma sempre costruendo i budget delle operazioni culturali curando gli aspetti manageriali. L’amore per la storia dell’arte e i musei, la più effciente gestione economica di qualsiasi progetto e la conoscenza del diritto, dunque non solo leggere e interpretare contratti e norme, ma cercare diplomaticamente di stringere accordi con altre realtà alle migliori condizioni, sono le basi sulle quali lavoro. Oggi i musei sono stazioni appaltanti, gestiscono fondi PNRR, necessitano di sponsor, partendo dal più serio rigore scientifco è necessaria una visione più ampia.
Gestisci due musei romani di grande prestigio e impatto storico. Quali saranno i motivi conduttori del tuo programma in generale? Il mio programma è di lavorare giorno e notte per posizionare le Gallerie Nazionali di Arte Antica laddove meritano, perseguendo l’ideale del fondatore Adolfo Venturi di creare una galleria nazionale a Roma sul modello delle grandi capitali europee. Nonostante la prima sede aperta nel 1895 a Palazzo Corsini poi l’acquisto nel 1949 di Palazzo Barberini come seconda sede, solo dal 2018 il palazzo è destinato interamente alla funzione museale. Diverse vicissitudini storiche e la grande competizione su Roma, a mio modo di vedere, non hanno mai fatto spiccare il volo a questi due straordinari musei. Abbiamo avviato 7 progetti speciali che riguardano l’architettura dei due palazzi, i giardini, le collezioni archeologiche, le mostre all’estero e poi i restauri, la ricerca, la valorizzazione, il marketing, i progetti sono davvero infniti. Sono felice che in questi sei mesi abbiamo già raddoppiato i visitatori raggiungendo e superando i numeri dell’intero anno precedente e che possa lavorare con un grande
Antico completo difensivo “alla pisana” in ferro forgiato ed inciso. Milano XVI secolo
I am happy that we have already been able to double the number of visitors in the last six months, reaching and exceeding the fgures of the previous year, and that I have the opportunity to work with such a great team. With the Borghese Gallery, we are working on some important shared projects. It is important that large museums cooperate. A self-referential approach is not tolerable when we are public managers, we do not work for ourselves but for the public, making our knowledge available. This teamwork increases also our effectiveness in the relations with major international museums. Do you have any plans for exhibitions in one of the two locations for 2025 or later?
We are working on an extremely ambitious program of exhibitions, which is the result of a research project. Projects that have already been agreed with by international museums. In autumn, we will focus on Caravaggio and Carlo Maratta, an extraordinary artist less known to the general public. We will announce the programme in autumn. We are the only museum in Rome managed by the Ministry and focusing on ancient painting which can take advantage of an exhibition space that will bring major exhibitions back to the capital. In 2025 at Palazzo Barberini, we will present our main project on the occasion of the Jubilee. We need to arrange fewer exhibitions but based on research and quality. Rome must compete with London, Paris and Madrid. Your brother Xavier works at the Frick of NYC, do you ever discuss common themes or a collaboration between the two museums?
My brother and I engage in constant dialogue, I respect him a lot. I always ask all my mentors for advice, whether it is about art, history or economy, but the fnal decision is always mine. It is important to interchange with those we esteem, but also analyse
‘I AM HAPPY THAT WE HAVE ALREADY BEEN ABLE TO DOUBLE THE NUMBER OF VISITORS IN THE LAST SIX MONTHS’
team. Con la Galleria Borghese lavoriamo ad alcuni importanti progetti condivisi, bisogna fare squadra tra grandi musei, non è tollerabile l’autoreferenzialismo quando si è dirigenti pubblici, non lavoriamo per noi stessi ma per il pubblico fruitore mettendo a disposizione le nostre conoscenze. Questo fare squadra ci rende anche più effcaci nei rapporti con i grandi musei internazionali. Stai pensando in particolare a qualche mostra in una delle due sedi per il 2025 o più avanti?
Stiamo lavorando ad un programma di mostre, frutto di un progetto di ricerca, estremamente ambiziose. Progetti già concordati con i prestatori internazionali. In autunno lavoreremo su Caravaggio e su Carlo Maratta, un pittore straordinario e non noto al grande pubblico. In autunno annunceremo la programmazione. Siamo l’unico museo a Roma del Ministero dedicato alla pittura antica che può usufruire di uno spazio espositivo che riporti nella capitale le grandi mostre. Nel 2025, presenteremo a Palazzo Barberini il progetto centrale in occasione del Giubileo. Si devono presentare meno mostre ma di ricerca e di qualità, Roma deve competere con Londra, Parigi e Madrid. Tuo fratello Xavier negli USA lavora alla Frick di NYC, vi confrontate mai su temi comuni? Non avete mai pensato a eventuali collaborazioni fra le istituzioni che guidate rispettivamente?
Con mio fratello c’è un confronto costante, lo stimo molto, chiedo consigli a tutti i miei mentori, sia in campo storico-artistico che economico, ma le decisioni sono sempre le mie. Bisogna sempre confrontarsi con chi stimiamo ma anche decifrare i loro approcci in base ai loro vissuti. Raccolti gli elementi che ti forniscono completezza di visio-
Judith Beheading Holofernes by Caravaggio, Palazzo Barberini
Thomas Clement Salomon, Director of the National Galleries of Ancient Art in Rome
their approach based on their experiences. Once I have gathered enough information to get a broader view of the problem, I make my own decision. We have different audiences, funds and realities, but the dialogue always enriches you. The most important difference is that in the USA, you have almost infnite economic funds and an extraordinary but limited cultural heritage. In Italy you have an infnite cultural heritage and fewer economic resources. It is for this reason that I have worked to fnd sponsors for the National Galleries. Thanks to our great projects and ambitions, the sponsors have offered their support and we have already made success.
Perhaps, despite all the efforts, Palazzo Corsini is still a place only for culture enthusiasts. Is there any plan in sight for new arrangements?
Galleria Corsini is a real gem and we will safeguard it as such, taking even better care of it. We need a project about the Trastevere district. We are working on the idea of a joint ticket with La Sapienza which manages the Botanical Garden, the former gardens of Palazzo Corsini, and with the Accademia dei Lincei which manages Villa Farnesina.
What is your opinion on the great art and antiques exhibitions such as BIAF?
They are extremely interesting, in particular the Florence Biennale, for studying and discovering new artworks. We can have fruitful collaboration with the museums that aim to enrich their collection by purchasing new pieces. The National Galleries constantly monitor the artworks on the market. However, we already have hundreds of pieces in storage which need to be valorised and which we will be exhibiting shortly, and so at the moment we have decided to focus only on large purchases. We are already working on some of them and you will hear about them soon.
‘THE EXHIBITIONS ABROAD, THE RESTORATIONS, RESEARCH, ENHANCEMENT, MARKETING… THE PROJECTS ARE REALLY ENDLESS’
ne, decido sempre da solo. Operiamo in campi diversi, con pubblico, fondi e realtà molto diverse, ma il confronto ti arricchisce sempre. La differenza sostanziale è che in USA hai possibilità economiche quasi infnite ed un patrimonio culturale straordinario ma limitato, in Italia hai un patrimonio culturale infnito e meno risorse economiche. Per questo ho lavorato sin dal primo giorno per portare sponsor alle Gallerie Nazionali e, con progetti e ambizioni forti, gli sponsor rispondono e ci siamo già riusciti.
Forse Palazzo Corsini malgrado tutto resta un luogo soprattutto per iniziati e colti appassionati. Ci sono novità di allestimento e riordino in vista?
La Galleria Corsini è un gioiello e lo preserveremo come tale prendendocene ancor più cura. Ci vuole un’idea sul quartiere Trastevere, lavoriamo ad un biglietto congiunto con La Sapienza che gestisce l’Orto Botanico ex giardini di Palazzo Corsini e con l’Accademia dei Lincei che gestisce Villa Farnesina.
Cosa pensi delle grandi mostre di arte e antiquariato e della BIAF in particolare? Credi in una collaborazione fattiva e in un interesse reciproco tra musei e mercato?
Sono estremamente interessanti, in particolare la Biennale di Firenze, per lo studio e la scoperta di nuove opere. Ci può essere una profcua collaborazione con i musei che devono arricchire il loro patrimonio acquistando nuovi pezzi. Le Gallerie Nazionali monitorano costantemente le opere sul mercato, ma con centinaia di opere nei depositi da valorizzare e che esporremo a breve, al momento abbiamo deciso di concentrarci solo su acquisti estremamente rilevanti, ci stiamo già lavorando e ne sentirete parlare.
Galleria Corsini
Saint Sebastian Healed by Angels by Pieter Paul Rubens, Galleria Corsini
URBINO’S DUCAL PALACE
Director Luigi Gallo and his plan for renewal and expansion in Urbino
Il piano di rinnovamento ed espansione
a Urbino del direttore Luigi Gallo
text CESARE CUNACCIA
In recent years, the Management of Urbino’s Ducal Palace has been carrying out many architectural and museological works to renovate the historic headquarters of the Marche region’s National Gallery, by enhancing the collections with new set-ups, accessible storehouses, a digital catalogue, a web portal and restoration campaigns and publications.
This large-scale operation kicked off with the opening to the public of the entire second foor of the Ducal Palace. Renovation works, in addition to tripling the museum’s collection by adding over 100 works between the 1500s and 1700s, many of which kept in the storehouses until recently and fnally shown to the public, involved the refurbishment of all the spaces. This very busy time for the Palace is well-described by Luigi Gallo, the Director of Urbino’s Ducal Palace: “ We just reopened the elegant apartment known as ‘Jole’s’, the Palace’s oldest section, where now Piero della Francesca’s Flagellation, juxtaposed with fgures of Federico da Montefeltro’s court, is on view. The new display of the works under way is enhanced by a highly effective setting, equipped with a sensitive home-automation lighting system that highlights the paintings and architecture. Some weeks ago, the 71 panels depicting war machinery and symbols, sculpted by Ambrogio Barocci and based on the drawings by Francesco di Giorgio and Roberto Valturio, stone bas-reliefs with which Duke Federico da Montefeltro wanted to celebrate his military virtues, were returned to the Laurana Loggias.
A LARGE-SCALE OPERATION INTENDED TO RENOVATE THE HEADQUARTERS OF THE NATIONAL GALLERY OF THE MARCHE
In questi anni, la Direzione del Palazzo Ducale di Urbino sta portando avanti numerosi cantieri architettonici e museografci destinati a rinnovare la sede storica della Galleria Nazionale delle Marche, valorizzandone le collezioni con nuovi allestimenti, depositi accessibili, catalogo digitale, portale web, campagne di restauro e pubblicazioni. A dare il via a quest’operazione su larga scala è stata l’apertura al pubblico di tutto il secondo piano di Palazzo Ducale. La ristrutturazione, oltre a triplicare il patrimonio espositivo con più di 100 opere comprese fra Cinquecento e Settecento, molte delle quali fno a tempi recenti collocate nei depositi e fnalmente offerte alla fruizione, ha comportato il riallestimento integrale degli spazi. Ci ha raccontato questo momento di grande energia per il palazzo urbinate Luigi Gallo, Direttore Palazzo Ducale di Urbino: “Abbiamo riaperto l’elegante appartamento detto ‘della Jole’, il nucleo più antico della dimora, in cui è ora presentata la Flagellazione di Piero della Francesca in rapporto con la corte di Federico da Montefeltro. La nuova esposizione delle opere in corso di realizzazione è valorizzata da un allestimento di grande effetto, dotato di un sensibile sistema di illuminazione domotica che esalta dipinti e architetture. Da alcune settimane sono tornate nelle logge del Laurana le 71 formelle raffguranti macchine e simboli bellici, scolpite da Ambrogio Barocci sui disegni Francesco di Giorgio e Roberto Valturio, Bassorilievi in pietra tramite i quali il Duca Federico da Montefeltro
Urbino’s Ducal Palace
Antichità Giglio Vi invita alla XXXIII BIAF
STAND 71-73 / PALAZZO CORSINI / DAL 28 SETTEMBRE AL 6 OTTOBRE 2024
Carlo Romano
Viggiù, 1810 – Milano, 1883
Sansone che sbrana il leone scultura in marmo, 105 × 55 × 42 cm
They were moved from a room on the ground foor where they were hardly visible. Renovation works will continue in the following months until completion within the end of 2026, in order to complete a general transformation process of the museum which involves, among other things, highlights such as Piero della Francesca’s Madonna of Senigallia, The Ideal City, the standards by Luca Signorelli and Titian, The Portrait of a Young Woman by Raphael. In particular, 2025 will be devoted to the Duke’s Apartment, a masterwork by Sienese artist Francesco di Giorgio Martini, where the magnifcent Studiolo is housed, an emblematic place which embodies Humanism’s philosophical and aesthetic values. The works include the conservative restoration of the inlaid walls, a masterpiece by the da Maiano brothers based on the drawings by Sandro Botticelli and Donato Bramante, and the redistribution of the 14 paintings on wood portraying the Illustrious Men by Giusto di Gand and Pedro Berruguete. The paintings will be showcased according to a new layout and with a new lighting system, along with the 14 missing paintings, on loan from the Louvre Museum”.
All the Region’s Museums’ are currently undergoing structural interventions and renovation works. While the structural works are progressing, the Marche’s National Gallery has been hosting a number of exhibitions devoted to the history of Urbino since 2022, including the major current exhibition on Federico Barocci. The Ducal city has always owed a debt of gratitude to Barocci, because
IT ALL STARTED WITH THE OPENING OF THE SECOND FLOOR OF THE DUCAL PALACE OF URBINO
voleva celebrare le proprie virtù militari. Sono stati spostati da una sala al piano terra dove erano poco visibili ed apprezzati. I lavori proseguiranno nei prossimi mesi per completarsi alla fne del 2026, portando a completezza una revisione generale del percorso museale che coinvolge tra l’altro highlights quali la Madonna di Senigallia di Piero della Francesca, la Città Ideale, gli stendardi di Luca Signorelli e Tiziano, la Muta di Raffaello. Il 2025 in particolare sarà dedicato all’Appartamento del Duca, capolavoro del senese Francesco di Giorgio Martini in cui troneggia il magnifco Studiolo, luogo emblematico in cui si cristallizzano i valori flosofci ed estetici dell’Umanesimo.
L’intervento prevede il restauro conservativo delle pareti intarsiate, opera maestra dei fratelli da Maiano sui disegni di Sandro Botticelli e Donato Bramante e la redistribuzione delle 14 tavole degli Uomini Illustri, realizzate da Giusto di Gand e Pedro Berruguete. I dipinti verranno esposti secondo una nuova presentazione e illuminazione insieme ai 14 esemplari mancanti, generosamente prestati dal Museo del Louvre”.
Sono iniziati su tutti i Musei della Regione interventi strutturali e di riallestimento su tutti i musei della Direzione Regionale.
Insieme ai lavori strutturali, la Galleria Nazionale delle Marche ha elaborato un programma di esposizioni dedicate alla storia di Urbino, iniziato nel 2022, che vive oggi una tappa essenziale grazie alla grande mostra su Federico Barocci. Per la città ducale, Barocci ha sempre rappresentato un debito di rico-
Luigi Gallo, Director of the Marche region’s National Gallery in Urbino. Below: the Deposition of Christ by Federico Barocci from Perugia Cathedral
his human and artistic fgure is of the greatest importance and sheds light on the Dukedom’s political decline like a supernova. His artistic path ideally closes the great season of Urbino’s Renaissance, marked by artists of the caliber of Piero della Francesca, Bramante and Raphael and offering the frst fruits of a new painting style that would distinguish the Baroque Age. The result of over three years of work, the exhibition highlights the museum’s role as a place of research: a living and vital space for endless opportunities for learning and promoting art: “The exhibition led to an extensive restoration campaign, supported by the museum, thus, allowing us to study in-depth the history of Barocci’s techniques and explore the kaleidoscope of his chromatism, as shown by the two altar-pieces of the Visitation and the Presentation of Jesus from the Church of Santa Maria in Vallicella in Rome”, Luigi Gallo says. Owing to exceptional loans, from major national and international museums, this monographic exhibition features over 80 masterworks, paintings and drawings by Barocci, which illustrate all the stages of his long career. The museum’s exhibition program revolving around the art of the Marche region will continue in 2025 with a monographic exhibition on Simone Cantarini. The great painter from Pesaro, during his short and intense life that began in 1612- the year Barocci died- and ended in 1645, combines the tradition of the great artist from Urbino with elements of Caravaggesque naturalism and of Guido Reni’s and Guercino’s classicism.
A NEW MONOGRAPH EXHIBITION ON SIMONE CANTARINI IS EXPECTED IN 2025
noscenza, perché la sua fgura umana e artistica è di straordinaria importanza e illumina come una supernova il tramonto politico del ducato. La sua parabola artistica chiude idealmente la grande stagione del Rinascimento urbinate, dominata da artisti del calibro di Piero della Francesca, Bramante e Raffaello, offrendo le primizie di una pittura nuova che caratterizzerà l’Età Barocca. Frutto di più di tre anni di lavoro, la mostra consacra il museo come luogo della ricerca: spazio vivo e vitale per creare infnite occasioni di conoscenza e valorizzazione. “L’esposizione ha motivato un’ampia campagna di restauri, sostenuta dal museo, permettendo di approfondire la storia delle tecniche di Barocci e di apprezzare il caleidoscopio del suo cromatismo. Ne sono testimonianza le due pale della Visitazione e Presentazione al Tempio da Santa Maria in Vallicella a Roma” continua Luigi Gallo.
Grazie a prestiti eccezionali, provenienti dai principali musei nazionali e internazionali, la mostra di taglio monografco, raccoglie più di 80 capolavori tra dipinti e disegni di Barocci, illustrando tutte le fasi della sua lunga carriera. Il programma espositivo imperniato sull’arte marchigiana prosegue nel 2025 con un’esposizione monografca su Simone Cantarini. Il grande pittore di Pesaro, durante la sua breve e intensa esistenza iniziata nel 1612 - l’anno della morte di Barocci - e terminata nel 1645, coniuga la tradizione del grande maestro urbinate con le pulsioni del naturalismo caravaggesco e gli stimoli classicisti di Guido Reni e Guercino.
Urbino’s Ducal Palace: the new halls, second foor (here), the façade (below)
GIACOMO MANZÙ Ritratto Di Cesarina Gualino (1945 ca.) Scultura in marmo di Carrara cm 23 x 21 x 22
REBIRTH
Museo Ginori will be back to life by 2026.
Word of Tomaso Montanari
Entro il 2026 torna a vivere il Museo Ginori.
Parola di Tomaso Montanari
text CESARE CUNACCIA photo courtesy Museo Ginori
Renowned for his exceptional insight and eloquence, Tomaso Montanari was appointed in October 2020 as the president of the Board and the Richard Ginori Foundation, overseeing the Archive and Museum of the Doccia Maufactory. We spoke to him on the occasion of the museum’s reopening.
“At long last, thanks to funding provided by the Ministry of Cultural Heritage, we have initiated the comprehensive restoration and renovation of the Ginori Archive and Museum. While the offcial opening is scheduled for December 2025, more realistically I think it will be postponed to the following year,” he explains. The project encompasses the restoration of the museum’s structural framework and the installation of new systems in line with safety regulations. It also includes the reconfguration of the rationalist-style main building, designed in 1965 by Pier Niccolò Berardi, a student and collaborator of Michelucci.”
The Archive and Museum will house the vast collection preserved by the institution, displayed in spaces that meet new functional and museological standards. Eco-sustainable wooden pavilions will be built to accommodate offces, the two library sections and the restoration lab.
“A key step in this process, which has rescued a unique artistic, social and economic heritage from decay, was the reorganisation and securing of the surrounding green area, returned to the Sesto Fiorentino community in 2022,” continues Montanari.
The revival of the Museum, which closed ten years ago following the bankruptcy of Richard Ginori, underlines the institution’s autonomy and signifcance, having been acquired by the Italian State in 2017.
The museum now holds a collection of around 10,000 inventoried pieces.
“The Ginori Museum boasts of an extraordinary collection of porcelain and majolica dating from 1737 to 1990. It also includes sculptural models made of wax, italy terracotta, plaster, and lead, engraved metal plates and lithographic stones for decorative printing, and a paper archive with documents and drawings – 300 of which belong
FLORENTINE
ART HISTORIAN AND ESSAYIST, PROFESSOR MONTANARI HAS SERVED AS RECTOR OF
THE UNIVERSITY FOR FOREIGNERS OF SIENA SINCE 2021
Noto per la sua eccezionale acutezza di linguaggio e di sguardo, Tomaso Montanari nell’ottobre 2020 è stato nominato presidente del consiglio di amministrazione e presidente della Fondazione Archivio Museo Richard Ginori della manifattura di Doccia. Lo abbiamo sentito in occasione della riapertura del Museo.
“Finalmente, grazie al fnanziamento stanziato dal Ministero dei Beni Culturali, è stato avviato il cantiere di restauro e risanamento complessivo dell’Archivio Museo Ginori. L’apertura è prevista per il dicembre 2025, ma più realisticamente penso si slitterà all’anno successivo” ci racconta. L’intervento comprende il recupero delle strutture murarie e l’installazione degli impianti con l’attuazione delle norme di sicurezza previste, oltre al nuovo allestimento del corpo di fabbrica principale di stampo razionalista, progettato nel 1965 da Pier Niccolò Berardi, allievo e collaboratore di Michelucci”
L’Archivio Museo sarà destinato all’esposizione del vasto patrimonio che l’istituzione custodisce, dentro ambienti organizzati secondo nuove esigenze funzionali e museali. Padiglioni ecosostenibili verranno realizzati in legno per ospitare gli uffci, le due sezioni della biblioteca e il laboratorio di restauro. “Un passo fondamentale di questo itinerario che ha salvato dal degrado un compendio unico a livello artistico, sociale ed economico, lo hanno segnato il riordino e la messa in sicurezza dell’area verde circostante, restituita alla comunità di Sesto Fiorentino nel 2022” continua Montanari.
La rinascita del Museo, che a seguito del fallimento Richard Ginori venne chiuso dieci anni fa, rimarca l’autonomia e l’importanza di quest’organismo, acquisito dallo Stato italiano nel 2017 e ricco di circa 10.000 pezzi inventariati.
“Il Museo Ginori consta di una raccolta di porcellane e maioliche databili dal 1737 al 1990, cui si aggiungono modelli scultorei in cera, terracotta, gesso e piombo, lastre in metallo incise e pietre litografche per la stampa dei decori, un archivio di documenti cartacei e disegni, 300 dei quali appartenenti al fondo
aa Tomaso Montanari
3.
by Filippo della Valle, on an invention by Baccio Bandinelli, with variations plaster model, late 18th - early 19th century 4.
5.
1. Venus de’ Medici, porcelain, 1747 circa 2. Massimiliano Soldani Benzi, Bacchino Ebbro (The Drunken Bacchus), molded earthenware, 1695 approx
Laocoonte
Ginori Manufactory, Fireplace, porcelain, 1754
Gio Ponti and Italo Griselli, Turreted Italy from the centerpiece for the Ministry of Foreign Affairs, porcelain, 1927
Vincenzo CAMUCCINI (Roma 1771-1844)
Ritratto del miniaturista August Grahl 1828 c.
Olio su tela, 97 x 85 cm
Provenienza : Collezione privata, Roma
Esposizioni:
Palazzo Vecchio, Mostra del Ritratto Italiano dalla fine del secolo XVI all’anno 1861 , 1911, Firenze; Palazzo delle Esposizioni, XVI Esposizione Internazionale d’Arte della città di Venezia. Mostra della pittura italiana del l’800 , sale 7-14, n.36, 1928, Venezia.
to the Gio Ponti collection. Ponti was the director of the Manufactory from 1923 to 1933, followed by the creative vision of Giovanni Gariboldi, initially Ponti’s assistant and later the main designer of the factory’s Art Studio. Finally, the Foundation also holds a historical library, a specialist library, and a photo archive. This restoration is the result of relentless and determined efforts to convince the Ministry of Cultural Heritage to invest in the future of the museum and the surrounding region.”
The museum will no longer be simply a corporate showcase, but rather a treasure trove of memory, centred on a legacy of artisanry and creativity spanning three centuries. “I must emphasise the uniqueness of the Doccia Ceramics Manufactory, founded by the visionary Carlo Ginori in 1735. It is the only one in Europe that did not restrict itself to producing small functional or decorative objects. At Doccia, grand sculptures, including religious works, were created, rooted in the formal and ideological traditions of the Renaissance. Here, ceramics became as vibrant as Michelangelo’s marble. These bold plastic expressions were crafted under the supervision of chief modeller Gaspero Bruschi, who, following the guidance of Marquis Ginori, drew inspiration from classical models. The lifesize Venus de’ Medici dating from 1747 is one such example of Ginori’s aspiration to ideally reconstitute the Uffzi Tribune, a vital cultural centre during the era of the Grand Tour.”
While we await the chance to visit this extraordinary place, a new website has been launched, offering a wealth of information and design to be more user-friendly and accessible.
Gio Ponti, dal 1923 al 1933 direttore della Manifattura, cui succederà l’energia progettuale di Giovanni Gariboldi, dapprima suo assistente e poi principale disegnatore dello Studio artistico della fabbrica. Infne, la Fondazione possiede una biblioteca storica, una specialistica e una fototeca. La ristrutturazione è il risultato di un incessante e caparbio tampinamento condotto sul Ministero dei Beni Culturali per convincere lo Stato a investire sul futuro del museo e di un intero territorio” Non si tratterà quindi più di un museo d’impresa ma piuttosto d’uno scrigno della memoria, imperniato su una storia di lavoro e creatività che attraversa tre secoli.
‘THE OFFICIAL OPENING IS SCHEDULED FOR DECEMBER 2025, MORE REALISTICALLY I THINK IT WILL BE POSTPONED TO THE FOLLOWING YEAR’
Among the collection’s highlights, aside from the aforementioned Venus, is Gio Ponti’s La Conversazione Classica, the summa of artistic quality in the porcelain pieces he created for Richard Ginori, and the terracotta group depicting the Bacchino Ebbro (The Drunken Bacchus) attributed to Massimiliano Soldani Benzi. Among the functional artefacts, a charming 18th-century coffee pot with lid, decorated in blue with playful children, crafted using the transfer technique.
“Tengo a sottolineare l’unicità della Manifattura ceramica di Doccia, fondata dal lungimirante Carlo Ginori nel 1735, l’unica in Europa a non limitarsi alla produzione di piccoli oggetti d’uso o decorativi. A Doccia nascevano grandi sculture, anche di soggetto religioso, sulla scorta della tradizione formale e ideologica del rinascimento. La ceramica diviene materia viva come il marmo michelangiolesco. Espressioni plastiche di dimensioni ardite che si devono al capo modellatore Gaspero Bruschi, che su indicazione del marchese Ginori si ispirava ai modelli di epoca classica. La Venere dei Medici a grandezza naturale risalente al 1747 è un esempio dell’aspirazione del fondatore a ricostituire idealmente la Tribuna degli Uffzi, polo culturale irrinunciabile durante l’epoca del Grand Tour”.
In attesa di poter visitare questo luogo, è stato creato un nuovo sito molto più funzionale e prodigo di informazioni, accessibile a diverso livello.
Tra gli highlight della collezione, oltre la citata Venere, La Conversazione Cassica di Gio Ponti, summa della qualità artistica delle porcellane da lui ideate per la Richard Ginori e il gruppo in terracotta raffgurante il Bacchino Ebbro che si deve a Massimiliano Soldani Benzi; tra i manufatti d’uso, una caffettiera con coperchio settecentesca decorata in blu con bambini che giocano, realizzati con la tecnica del riporto.
View of the entrance to the Ginori Museum at its former location in Doccia, photograph, circa 1925-1930, Ginori Museum Archives
Andrea Bocelli’s voice is undoubtedly today the most universally known and loved in the world. He was born in Lajatico, among the postcard hills of the Pisan countryside, he lives in Versilia with his wife Veronica and their children Amos, Matteo and Virginia (ph. Luca Rossetti )
SEARCHING FOR EMOTIONS
Our exclusive interview with Andrea Bocelli on his 30-year career La nostra intervista esclusiva con Andrea Bocelli per i suoi 30 anni di carriera
text TERESA FAVI
This year marks a remarkable milestone: three decades of Andrea Bocelli’s illustrious career, a voice that has touched hearts around the world. To commemorate this journey, the 65-year-old Tuscan maestro graced the stage of the Teatro del Silenzio with a transcendent performance, demonstrating his timeless versatility and reminding audiences everywhere why he remains beloved across generations.
Surrounded by stars and friends like Russell Crowe, Johnny Depp, José Carreras, Plácido Domingo, and Ed Sheeran, Bocelli’s celebration continues with the album Duets, a collection of his most beloved songs performed in duet, enriched by new and previously unreleased collaborations.
An extraordinary trajectory across the world’s most prestigious stages, alongside some of the greatest personalities of our time. What have been the defining moments of this unique journey?
Every concert, every experience has played a crucial role in shaping who I am today. However, there are a few moments that resonate more deeply, like my debut on the opera stage in 1998, performing La Bohème. Another key moment was meeting Luciano Pavarottihis technical advice was essential in helping me fully comprehend my vocal abilities. And, of course, my frst recital at the Metropolitan Opera House in 2011 is another unforgettable milestone. With over 90 million albums sold worldwide, which songs hold a special place in your heart?
AN EXTRAORDINARY CAREER ACROSS THE WORLD’S MOST PRESTIGIOUS STAGES, ALONGSIDE SOME OF THE GREATEST PERSONALITIES OF OUR TIME
Quest’anno ricorrono tre decenni dall’inizio della carriera di Andrea Bocelli, una delle voci più famose al mondo. Per festeggiare, il sessantacinquenne maestro toscano ha tenuto un concerto trascendentale al Teatro del Silenzio dove ha messo in mostra la sua versatilità e dimostrato perché continua a essere apprezzato dal pubblico di tutto il mondo, circondato da grandi star e amici da Russell Crowe a Jonny Depp, da Jose Carreras a Placido Domingo, fno a Ed Sheeran. I festeggiamenti dei 30 anni proseguono con l’album Duets, raccolta dei brani più amati dal popolare tenore, cantati in duetto, e arricchita da canzoni e collaborazioni inedite.
Una parabola folgorante sui più importanti palcoscenici del mondo a contatto con i più grandi personaggi della nostra epoca. Quali i momenti cardine di questa esperienza unica?
Ogni concerto, ogni esperienza è stata preziosa e ha contribuito a diventare quel che sono. Naturalmente ci sono momenti che ricordo con più emozione, dal debutto sul palco in un’opera (nel ‘98, interpretando La Bohème), poi l’incontro con Luciano Pavarotti, perché ha contribuito al decollo della carriera e i suoi consigli tecnici sono stati cruciali per arrivare a una piena consapevolezza dello strumento vocale, e il mio primo recital al Metropolitan Opera House nel 2011.
90 milioni di album venduti in tutto il mondo, quali sono le sue canzoni del cuore?
The English version of Con te partirò, which became Time to Say Goodbye in a duet with Sarah Brightman, is especially dear to me.
Penso che cruciale sia stata la versione inglese di Con te partirò, che diventò Time to Say Goodbye in duetto con Sarah Brightman. Fu proposta nel corso dell’ultimo incontro di boxe del pugile tedesco Henry Maske; il match fu seguito da 21 milioni di tele-
Andrea Bocelli and Will Smith, Teatro del Silenzio, 2024 (ph. Lorenzo Montanelli)
Above: Andrea Bocelli sings on stage during the MTV EMA’s 2015 (ph. Dave Hogan)
Below: Andrea Bocelli performs on the stage of Centrale Park in New York, 2011 (ph. Giovanni De Sandre)
BIAF STAND 17
Francesco Hayez Nell’harem | Olio su tela | 84 x 108 cm
It was performed during the fnal boxing match of German boxer Henry Maske, watched by 21 million viewers, and from that night, my career on the global stage took off. This song will also be part of the upcoming double CD Duets
It reminds me of how much I love songs that bring two voices together in harmony...
That’s why the new album celebrating my 30-year career is centered around duets. It’s a refection of my life, told through the voices of many incredible companions - Ed Sheeran, Céline Dion, Dua Lipa, Stevie Wonder, Jennifer Lopez, Laura Pausini, Giorgia, Christina Aguilera, Ariana Grande, and so many others.
What’s the most touching ‘Sing for me’ request you’ve received?
That request came from the great Muhammad Ali the day I met him. It surprised everyone, as he hadn’t spoken in a long time due to illness. He had been the idol of my youth.
When I stood before him at his home in Phoenix, I knelt. In a faint whisper, he said, “Sing for me!”
Apart from music, what are your greatest passions?
spettatori e da quella sera ebbe inizio la mia carriera sulla scena mondiale. Anche questo brano farà parte del doppio CD Duets, di imminente uscita. Ciò mi permette di ricordare come in effetti molte delle canzoni che più amo siano proprio quelle che prevedono l’alchimia tra due voci che si mescolano… Anche per questo motivo, nell’ambito delle celebrazioni per i miei trent’anni di carriera, ai duetti sarà dedicato il nuovo progetto discografco. Al suo interno, c’è la mia vita, rifessa nelle voci di tanti, amati, meravigliosi compagni di viaggio, da Ed Sheeran a Céline Dion, Dua Lipa, Stevie Wonder, Jennifer Lopez, Laura Pausini, Giorgia, Christina Aguilera, Ariana Grande e tantissimi altri.
ANDREA BOCELLI
CELEBRATES 30 YEARS
OF
FAME
WITH THE ALBUM ‘DUETS’, A COLLECTION OF HIS MOST BELOVED SONGS
PERFORMED IN DUET
I’m passionate about the sea, so I try to spend as much time as possible on my boat during the summer. I love horseback riding along the beaches of Versilia and through the Valdera countryside, whenever my professional commitments allow.
I’m also a fan of football and boxing, and I’ve been an avid reader since my youth. I enjoy playing chess, too. Also, I carry on a family tradition: wine production. My brother Alberto and I inherited from our sharecropper ancestors a profound love and respect for the land, particularly for the vineyard, which is the pride of
Il ‘Sing for me’ più emozionante che le è stato rivolto?
Fu proprio questa, la richiesta che il grande, Muhammad Ali mi fece, il giorno in cui lo conobbi. E stupì tutti perché, già minato dalla malattia, da tempo non parlava più. Era stato l’idolo della mia giovinezza… Quando lo ebbi di fronte a casa sua, a Phoenix, mi inginocchiai. E lui, in un soffo di voce mi disse: “canta per me!”
Oltre alla musica, le sue grandi passioni?
Mi appassiona il mare e dunque, d’estate, cerco di trascorrere più tempo possibile in barca; amo cavalcare lungo le spiagge della Versilia e le campagne della Valdera (che raggiungo, non appena gli impegni professionali me lo permettono); sono un tifoso di calcio ma anche di boxe, sono un forte lettore, fn da ragazzo mi piace cimentarmi nel gioco degli scacchi. Seguo poi una tradizione di famiglia, quella della produzione del vino: dai miei avi, mezzadri, mio fratello Alberto ed io abbiamo ereditato l’amore, la gratitu-
Andrea Bocelli sings with the young singers of the choir Voices of Haiti at the ABFoundation headquarter in Florence
any farmer. This connection to the earth is deeply ingrained in our DNA.
In 2011, you founded the Andrea Bocelli Foundation with your wife, Veronica. How did it come about?
ABF was created to act as a philanthropic intermediary, offering full transparency to those who believe in its mission and selected projects.
The foundation was born from the idea that unity is strengthalone, one can do a lot, but together, we can achieve much more.
Over these 13 years, it has grown beyond our wildest expectations, yet it remains frmly grounded in the principles and mission that led to its creation: Empowering People and Communities.
What are the foundation’s most significant achievements so far?
We have chosen education as the key to empowerment, offering individuals and communities the chance to write their best possible story, particularly in culturally, socially, and economically vulnerable areas.
From Haiti to the earthquake-hit regions of Central Italy in 2016, as well as in pediatric hospitals. To date, we have raised and allocated over 60 million euros to dozens of projects worldwide.
dine, il rispetto per la terra che ci ha generati (e dunque per la vigna, orgoglio del contadino). Un sentimento di trasporto che è rimasto nei nostri cromosomi.
Nel 2011 ha creato l’Andrea Bocelli Foundation insieme a sua moglie Veronica, com’è nata?
ABF nasce per essere un intermediario flantropico in grado di dare piena garanzia a chi, aderendovi, crede nella missione e nei progetti selezionati. La fondazione prende forma dal pensiero che l’unione fa la forza, e che da soli si può fare tanto ma uniti si può molto di più. In questi tredici anni è cresciuta moltissimo, al di là di ogni più rosea previsione. Ma resta saldamente ancorata ai principi, oltre che alla mission (“Empowering People and Communities”), che ne hanno motivato la nascita.
IN 2011, HE FOUNDED THE ANDREA BOCELLI FOUNDATION WITH HIS WIFE VERONICA, WHICH MISSION
IS: EMPOWERING
PEOPLE AND COMMUNITIES
In a career like yours, are there still goals left to achieve?
Absolutely. Every time I create music, I feel there is more to achieve. My ultimate goal has always been, and continues to be, the pursuit of beauty - because true beauty is inseparable from goodness. This belief guides my every choice. The greatest challenge, and perhaps the most rewarding one, is to bring a bit of peace and joy into people’s lives through my music.
Gli obiettivi più importanti raggiunti fino ad oggi?
Abbiamo scelto l’educazione quale chiave reale di empowerment, per offrire a persone e comunità la possibilità di scrivere la loro miglior storia possibile, in luoghi vulnerabili dal punto di vista culturale, sociale, economico. Da Haiti alle zone sisma centro Italia 2016, così come negli Ospedali Pediatrici. Ad oggi ha raccolto (e destinato a decine di progetti nel mondo) oltre sessanta milioni di euro.
In una carriera come la sua, ci sono obiettivi ancora da raggiungere?
Sì. Ogni volta che faccio musica. Ma la ricerca della bellezza (e la vera bellezza è sempre connessa alla bontà) continua ad essere un mio primario obiettivo e a guidare le mie scelte: la più grande sfda è cercare di portare un po’ di serenità e di gioia nelle case della gente.
Andrea and Veronica Bocelli on horseback by the sea, Forte dei Marmi (ph. Giovanni De Sandre)
Piano di tavolo a intarsio e commesso di pietre policrome cm. 184 x 86.5 x4 Roma, ultimo quarto del secolo XVI
Sul piano rettangolare si sviluppa una composizione decorativa aniconica, incentrata su tre cartigli dai profili articolati. I due laterali, sono identici per disegno e materiali: centrati da un tondo di alabastro con cornice punteggiata da otto corolle, includono inoltre due coppie simmetriche di corolle e di ovati. Il più ampio cartiglio centrale, definito da coppie di volute, racchiude un ovato di alabastro, con cornice dove si alternano tondi, ovati e rombi. Negli spazi esterni alle volute dei cartigli, spiccano sul fondo nero stilizzati tralci vegetali policromi, formati da una sequenza di bocci floreali il cui sviluppo è commisurato allo spazio disponibile fra le volute. Fa da bordura al decoro del piano una cornice a listello, dove si susseguono tondi e ovati, intervallati da più piccoli ovali di lapis. Racchiude la lastra di marmo bianco costitutiva del piano una cornice modanata di marmo Portoro.
On these pages: some projects by the Florentine architecture studio Archea Associati
On this page: Antinori in the Chianti Classico, winery in Tuscany
CAPTURING THE PRESENT
Marco Casamonti and his architecture
bridging
past and future L’architettura che unisce passato e futuro di Marco Casamonti
text MATTEO PARIGI BINI
He is one of the most prominent Italian architects today, the mind behind some of the most famous projects in Italy and around the world. Yet, Marco Casamonti - founder of the Florentine frm Archea Associati, which now boasts six offces across Europe, America, and Asia - draws his greatest inspiration from Florence, a city of boundless richness that, as he explains in this interview, is truly contemporary. Florence, and more specifcally the palazzi along the Arno, also serve as inspiration for one of his studio’s current projects, part of the colossal The Linethe futuristic city set to rise in Neom, Saudi Arabia. How can architecture improve the world?
Up until the 19th century, both art and architecture were considered ‘beautiful’ when they managed to emulate nature, which was seen as perfect because it was the work of God. Today, creating beautiful architecture no longer means imitating nature, but learning from it, defending it, and protecting it. This is not just a technological challenge but an aesthetic one as well. It’s not enough to design energy-effcient buildings; we need to create spaces where people can live in harmony with nature. An architect must be able to observe what is happening around them and understand the best solution to ensure harmony with the landscape, or, in cases where the surroundings have less value, fgure out how to enhance or even create them. Nature and the man-made, just like the old and the new, must integrate - sometimes they must oppose each other, and in certain instances, the man-made needs to be stronger than nature.
The famous Antinori winery you designed in Bargino is certainly a prime example of harmonious integration. Can you give us an example of the opposite approach?
A striking case is the ceramic museum we designed in Liling, China. The land, originally hilly, had been completely levelled by the owner. In this instance, the challenge was to create a landscape from scratch, as the original one had been lost. And so, we did - we invented a landscape. It’s artifcial, but still a landscape, and it has since become the heart of a new urban area.
È uno dei più importanti architetti italiani del momento, frma di alcuni dei più famosi progetti in Italia e nel mondo. La prima e più grande fonte di ispirazione di Marco Casamonti - fondatore dello studio forentino Archea Associati, che oggi conta sei sedi tra Europa, America e Asia - resta però Firenze, città inesauribile e, come ci spiega in questa intervista, autenticamente contemporanea. A Firenze, e più precisamente ai palazzi che si affacciano sull’Arno, si ispira anche uno dei lavori su cui è impegnato attualmente il suo studio, parte del colossale progetto The Line, la città futuristica che sorgerà a Neom in Arabia Saudita. Come può l’architettura migliorare il mondo?
Fino all’Ottocento sia l’arte che l’architettura erano giudicate ‘belle’ quando riuscivano a emulare la natura, considerata perfetta in quanto opera di Dio. Oggi fare un’architettura bella non signifca più imitare la natura ma imparare da essa, difenderla e proteggerla. Un problema non solo tecnologico ma anche estetico, che non si risolve semplicemente con edifci che consumano poca energia, ma progettando luoghi dove abitare in armonia con la natura. L’architetto deve sapere misurare quel che gli accade intorno e capire qual è la soluzione migliore per essere in armonia con il paesaggio, oppure, nel caso di contesti di minor valore, come migliorarlo o addirittura costruirlo. Natura e artifcio, così come antico e moderno, devono integrarsi, qualche volta contrapporsi e, in alcuni casi, l’artifcio deve essere anche più forte della natura.
La celebre cantina di Antinori che avete progettato a Bargino è sicuramente rappresentativa della più armonica integrazione. Un esempio invece di rapporto inverso?
Un caso emblematico è il museo della ceramica che abbiamo realizzato a Liling, in Cina. Il proprietario aveva completamente spianato il terreno, originariamente collinare. In questo caso la sfda era dunque costruire da zero un paesaggio che era andato perso. E così abbiamo fatto, abbiamo inventato un paesaggio, un paesaggio artifciale, ma che è pur sempre un paesaggio, e che è poi diventato il centro di una nuova urbanizzazione.
126 biennaleantiquariato
Above: National Stadium of Albania, Tirana (ph. Pietro Savorelli)
Below: ECEPDI, offce building in Shanghai (ph. Charlie Xia)
You also mentioned the relationship between the old and the new. How do they connect in your vision?
When we talk about the relationship between the old and the new, the real issue is time. If you want to be contemporary, you need to be aware that the present is not static, but constantly moving, because in the blink of an eye, the present has already become the past. As the mathematical concept of limits teaches us, the only way to capture a moving point is to grasp what surrounds it - by simultaneously reaching backwards and forwards. So, the relationship between the old and the new is one of absolute continuity. The future is something we imagine, but without a certain experience of the past, we wouldn’t be able to imagine or dream of it - we wouldn’t be able to build the future.
Florence is the only place where, for two to three hundred years, the idea developed that the past is not a burden to discard, but the very foundation of the present and a source of energy for the future.
How does this translate into architecture?
It means that for architecture to be beautiful, it must embrace the old - meaning the past and identity - but in an unexpected, innovative way. The new is modern, but it’s imbued with cultural identity. If I abandon my identity, my history, I lose my originality. To contribute here and to the world, I have to be myself - Florentine, in my case.
And what do you take from the world?
As an Italian, I’m fortunate that my identity is rooted in the classical Roman tradition. Just as the ancient Romans respected and learned from the peoples they conquered, when I work abroad, I don’t try to impose my Italian identity. On the contrary, it’s precisely because of this identity that I’m able to recognise the key elements of local identities and blend them with my own. This enriches you. As we often say, our six offces - from South America to China, passing through the Middle East - are our sensors, allowing us to learn from various cultures. Ours is an inclusive world, and the beauty of this world is that it is simultaneously global and local. It is from this dialectic that true architecture is born.
As a great art enthusiast, what makes Florence’s Biennale dell’Antiquariato so important?
It is a Renaissance biennale, one that doesn’t look at the past nostalgically, but refects on the value of art from the past in building the future. That’s why it is one of the very few antique fairs that also exhibits modern works.
Speaking of art, which period fascinates you the most?
As a Florentine, my frst thought has to be the Renaissance, a period flled with extraordinary fgures, from Arnolfo di Cambio to Michelangelo. But for me, the most pivotal fgure is Filippo
Hai accennato anche al rapporto tra antico e moderno. Come si relazionano nella tua visione?
Parlando di rapporto tra antico e moderno il vero tema è il tempo. Se vuoi essere contemporaneo, devi essere consapevole del fatto che il presente non è statico, ma un punto in movimento, perché un istante dopo il presente è già passato. E, come insegna il concetto matematico dei limiti, l’unico modo per cogliere un punto in movimento è cogliere l’intorno, saltando contemporaneamente dietro e in avanti. Tra antico e moderno c’è dunque un rapporto di assoluta continuità. Il futuro è qualcosa che noi immaginiamo, se però non avessi avuto una determinata esperienza, che è passato, non la potrei immaginare, sognare, non potrei costruire il futuro.
Firenze è l’unico luogo in cui per due-trecento anni si è maturata l’idea che il passato non è una zavorra di cui liberarsi, ma l’elemento costitutivo del presente e ciò da cui trarre energia per il futuro. Come si traduce questo nell’architettura?
Signifca che una bella architettura, per essere tale, deve cogliere l’antico - dunque il passato, l’identità - ma in maniera inaspettata, innovativa. Il moderno è il nuovo intriso di identità culturale. Se rinuncio alla mia identità, alla mia storia, smetto di essere originale. Per dare un contributo qui e nel mondo, devo essere me stesso, nel mio caso, forentino.
E viceversa cosa ti porti dal mondo?
Ho la fortuna, in quanto italiano, che la mia identità ha un’origine classica romana. Come gli antichi romani rispettavano e apprendevano dai popoli che conquistavano, quando progetto all’estero non cerco di imporre la mia identità italiana. Anzi, è grazie ad essa se ho la capacità di cogliere i tratti salienti dell’identità locale e mescolarli ai miei. E questo ti accresce. Quello che diciamo sempre è che le nostre sei sedi - dal Sud America alla Cina passando per il Middle East - sono i sensori da cui impariamo attingendo alle varie culture. Il nostro è un mondo inclusivo e la bellezza di questo mondo è essere contemporaneamente globali e locali. È da questa dialettica che nasce la vera architettura. Da grande appassionato di arte, cosa rende la Biennale dell’Antiquariato di Firenze così importante? È una biennale rinascimentale, che non guarda al passato in maniera nostalgica, ma che rifette sul valore dell’arte del passato per costruire il futuro. Tant’è che è una delle pochissime manifestazioni dell’antiquariato che espone anche opere moderne. Restando in tema arte. Qual è il periodo che più ti appassiona?
Da forentino come prima cosa non posso che pensare al Rinascimento, un periodo fatto di fgure straordinarie, da Arnolfo di Cambio a Michelangelo. Ma la fgura per me più cruciale è Filippo Brunelleschi, che ha inventato le regole della prospettiva
Brunelleschi, who invented the rules of perspective and gave art its third dimension. The other crucial period is the postwar era, when Italy was at the peak of global culture, with Neorealist cinema and architecture seeking authenticity in their surroundings. From that period comes what I consider the most important and extraordinary work of 20th-century architecture: the reconstruction project for Borgo San Jacopo in Florence, made up of reinforced concrete buildings that, despite their modern material, don’t feel out of place in the historic centre. Finally, the radical architecture of the 1970s with Archizoom, Adolfo Natalini, and Superstudio, who envisioned the Monumento Continuo, an architecture that connected the Earth to the moon - an idea so innovative it was displayed at MoMA in New York in 1972 as part of the New Domestic Landscape exhibition. And now, over 50 years later, I’m collaborating on The Line in Saudi Arabia, on the Red Sea - a project led by American architects clearly inspired by the radical movement. These are the three crucial periods in art and architecture for me: the Renaissance, which looks to the past; Neorealism, which refects the present; and radical architecture, the utopia of the future. Three closely interconnected moments, because if young people like those from Superstudio hadn’t studied and lived in Florence, perhaps that utopia wouldn’t have come to fruition.
‘TODAY, CREATING BEAUTIFUL ARCHITECTURE NO LONGER MEANS IMITATING NATURE, BUT LEARNING FROM IT, DEFENDING IT, AND PROTECTING IT’
donando all’arte la terza dimensione. L’altro periodo fondamentale è il dopoguerra, che vide l’Italia all’apice della cultura mondiale, con il cinema neorealista e l’architettura che cercano l’autenticità in ciò che gli sta intorno. A quel periodo risale quella che per me è la più importante e straordinaria opera di architettura del XX secolo, il progetto di ricostruzione di Borgo San Jacopo a Firenze, fatto di edifci in cemento armato che però non danno alcun senso di estraneità pur sorgendo nel centro storico della città. Infne, l’architettura radicale degli anni ’70 con Archizoom, Adolfo Natalini e Superstudio, che ipotizzarono questo Monumento Continuo, un’architettura che congiungeva la terra con la luna, un’idea così innovativa da essere esposta al MoMA di New York nel 1972 all’interno della mostra The New Domestic Landscape Pensa che a più di 50 anni di distanza, sto collaborando alla città The Line, in Arabia Saudita, sul Mar Rosso, un progetto di architetti americani chiaramente ispirato al movimento radicale. Questi sono dunque per me i tre periodi cruciali dell’architettura e dell’arte: il Rinascimento, ovvero lo sguardo verso il passato, il Neorealismo, che è lo sguardo sul presente, e l’architettura radicale, l’utopia del futuro. Tre momenti strettamente interconnessi, perché se giovani ragazzi come quelli di Superstudio non avessero studiato e vissuto a Firenze, forse quell’utopia non l’avrebbero realizzata.
The architect Marco Casamonti (ph. Alexander Dobrovodskye)
Viola Park, sport centre in Florence (ph. Pietro Savorelli)
Liling World Ceramic Art City, exibition and hospitality complex
OUR POETRY
Laura Sartori Rimini and Roberto Peregalli
talk about their love of ancient things
L’amore per l’antico di Laura Sartori Rimini e Roberto Peregalli
text CESARE CUNACCIA
Large double-height hall, paneled with antique wood planks to host a collection of paintings (Milan)
Above: Grand entrance hall with a collection of trompe-l’oeil and real archaeological fragments (Milan)
Below: Pentagonal room, conceived as a troupe-l’oeil colonnade on which leans a collection of antiques (Milan)
Brought together by a shared passion for history and the past, Roberto Peregalli and Laura Sartori Rimini founded their interior design studio in the early 1990s. The headquarters of Studio Peregalli Sartori, set in a beautifully eclectic twenties-style building in central Milan, is a cabinet of curiosities where antiques live side by side with architecture and style solutions.
What does the antiques theme mean to you and how does it ft in with your poetics?
Our poetics is based on a creative recovery of the past as positive energy that ties us to the present. It is obvious that antiques have a great value to us from this point of view. Any object of the past has survived because of its quality and beauty.
Speaking of antiques, are there periods and felds you are more familiar with and that better represent you?
All periods and felds have qualities and characteristics that allow us to achieve the results we have set. Of course, Italian art is more familiar to us because we grew up inside it, but luckily enough our job gave us the chance to cover very different and far-away felds. A process of learning and experience which was defnitely fun and enriching. Then comes our personal taste. When does an object or a work of art really catch your attention?
It happens at times by visiting trade fairs or looking at the catalog of an auction sale... or by simply walking into an antiques shop. Sometimes we are caught by surprise, attracted to an object that someway speaks to us or inspires us for a specifc project. It is diffcult to explain the reason for this sudden inspiration. If the object that has caught our attention remains indelible in our mind a few days later, it means that it has put down roots. It happens when we fall in love with something and cannot take our mind off it.
Have you ever built spaces around a statement piece or ancient artifact or with the precise idea of setting up a collection there?
As creators of highly imaginative places, we happened to build a room around an object or a collection, a harmonious world that highlights it without confning it within the atmosphere of a museum. What major events of the sector do you attend, where does your research work take you?
Whenever we can, we visit antiques fairs, from the major to the less important ones. Basically we go from Tefaf to fea markets, a wide and variegated range, for we believe that objects should not be chosen because of their market value, but because they have a soul that can interact with our projects. We also visit a lot of exhibitions and museums, in order to explore different sensitivities, train the eye and deepen our knowledge.
Do you collect something in particular? What is your emblematic and meaningful object?
We have two very different approaches, although we share the same mindset. Roberto is particularly fond of worn out furniture,
Accomunati dal grande amore per la storia e per il passato, Roberto Peregalli e Laura Sartori Rimini fondano il loro studio di progettazione nei primi anni ’90. La sede dello Studio Peregalli Sartori, in un bellissimo palazzo eclettico degli anni ’20 nel centro di Milano, è una Wunderkammer dove l’antico si sposa con soluzioni architettoniche e stilistiche.
Che cosa signifca il tema antiquariato per voi e come entra nella vostra poetica?
La nostra poetica è costituita da un recupero creativo del passato come energia positiva che si leghi al presente, è evidente che l’antiquariato in questo percorso riveste un valore importante. Qualsiasi oggetto del passato è sopravvissuto grazie alla sua qualità e alla sua bellezza. La nostra poetica è costituita anche da un recupero creativo del passato come energia positiva che si lega al presente. Ci sono periodi e ambiti antiquari che avete frequentato maggiormente e che vi rappresentano di più?
Tutti i periodi e tutti gli ambiti hanno dei pregi e delle caratteristiche che ci permettono di giungere ai risultati che vorremmo ottenere. Ovviamente l’arte italiana per noi è più facile perché ci siamo cresciuti dentro, ma fortunatamente il nostro lavoro ci ha dato la possibilità di spaziare nel mondo in ambiti molto lontani e differenti. Un processo conoscitivo e di esperienza che ci ha sicuramente divertito e arricchito. Poi ci sono i nostri gusti personali.
Quando accade che un oggetto o un’opera vi colpisca davvero?
Succede a volte girando per le fere o guardando il catalogo di un’asta… oppure semplicemente entrando in un negozio di antiquariato.
Capita di essere colti di sorpresa, attratti da un oggetto che in qualche modo ci parla o ci ispira per un progetto particolare. È diffcile argomentare il motivo di questa folgorazione.
Se, a qualche giorno di distanza quell’ oggetto che ha catturato la nostra attenzione resta indelebile nella mente, vuol dire che vi ha messo radici. Accade quando ci innamoriamo di qualcosa e non lo dimentichiamo.
Avete mai costruito spazi da vivere intorno a una singola opera o manufatto antico o con la precisa idea di ambientarvi una collezione?
Come creatori di luoghi immaginifci ci è capitato a volte di partire da un oggetto o da una collezione per costruirgli intorno una stanza, un mondo armonico che la valorizzasse senza per questo chiuderla in un’atmosfera museale.
Quali grandi eventi del settore frequentate, dove si dirige maggiormente la vostra ricerca?
Quando possiamo cerchiamo di visitare le fere antiquarie, da quelle importanti a quelle meno prestigiose. Praticamente si va da Tefaf fno ai mercatini delle pulci, tracciando un arco di possibilità ampio e variegato, perché riteniamo che gli oggetti non debbano essere scelti solo per il loro valore di mercato, ma perché possiedono un’ anima che può dialogare con i nostri progetti.
Frequentiamo molto anche le mostre e i musei, per cercare sensibilità diverse, esercitare l’occhio e approfondire le nostre conoscenze.
dark colored and pasty Italian 17th-century paintings, he has a passion for archeology and miscellaneous stone fragments- Laura Sartori Rimini says-.
I love architectural drawings, probably because of my studies and due to their evocative power. I go looking for paintings or prints depicting specifc themes, such as men wearing a turban, insects or birds, or the four elements.
Generally speaking, I’m very attracted to Eastern Art, wooden or stone sculptures, jewelry, miniatures, pottery and fabrics of various periods and origin.
What object, pictorial work, literary narrative, place or museum inspired and keeps inspiring you?
Roberto Peregalli: “Always Piero della Francesca, Pompeii’s and Herculaneum’s living antiquity, the architectural Humanism of Bramante and Leon Battista Alberti. But also Bacon and Hammershoi.”
Laura Sartori Rimini: “I am inspired by nature. I love travelling, exploring and mixing different cultures according to unexpected affnities. I’m intrigued by the relationship between fashion and art, which developed from Poiret on and reached its peak with Schiaparelli and Balenciaga. I like small museums like the Fortuny in Venice, the Musée Guimet or Cognac-Jay in Paris. They speak of the people who created them”.
Siete collezionisti di un tema in particolare? Quale è il vostro oggetto emblematico e signifcante?
Abbiamo due approcci molto diversi all’ interno di un pensiero comune. Roberto predilige i mobili sdruciti, consunti dal tempo, la pittura italiana del ‘600 a tinte scure e pastose, ha una passione per l’archeologia e i frammenti lapidei eterogenei- afferma Laura Sartori Rimini- . Io amo particolarmente i disegni di architettura, forse in virtù dei miei studi e per la loro capacità di evocazione. Cerco dipinti o stampe che raffgurano temi specifci, quali uomini con turbante, insetti ed uccelli, o gli elementi naturali. In genere mi attrae molto l’arte orientale, sculture in legno o pietra, orefcerie, miniature, ceramiche e tessili di varia epoca e provenienza. Un oggetto, opera pittorica, narrazione letteraria, luogo o museo che vi ha dato e continua a darvi ispirazione?
OUR POETICS IS BASED ON A CREATIVE RECOVERY OF THE PAST AS POSITIVE ENERGY THAT TIES US TO THE PRESENT
Do you have a special relationship with Florence’s Biennale?
And what do you expect this year?
We have been going to Florence’s Biennale for many years and we fnd that it is an international exhibition of the highest quality, and never disappointing.
We would like for BIAF to become also a means of making our art known to many foreign tourists, as a further incentive to make their experience in Italy deeper and richer.
Roberto Peregalli: “Sempre Piero della Francesca, l’antichità viva di Pompei ed Ercolano, l’umanesimo in architettura di Bramante e Leon Battista Alberti. Ma anche Bacon e Hammershoi.”
Laura Sartori Rimini: “Trovo ispirazione nella natura. Amo viaggiare, mi piace scoprire e mescolare culture diverse secondo affnità inattese. Sono affascinata dal rapporto tra la moda e l’arte, una parabola che si sviluppa da Poiret in poi e che raggiunge il culmine con Schiaparelli e Balenciaga.
Mi piacciono i piccoli musei come il Fortuny a Venezia, il Musée Guimet o il Cognac-Jay a Parigi. Parlano di chi li ha creati.
Avete un rapporto speciale con la Biennale di Firenze? E che cosa vi attendete quest’anno?
Frequentiamo la Biennale di Firenze da molti anni e troviamo che sia una Mostra internazionale di grande livello, che non delude mai. Sarebbe bello che la BIAF diventasse anche un mezzo per far conoscere a molti turisti stranieri la nostra arte, trasformandosi in uno stimolo ulteriore per approfondire la loro esperienza in Italia.
In an Andalusian villa built from scratch, two details: the corner of a sitting room with chestnut-paneled walls clad with a collection of Chinese plates, and the entrance hall leading to the central patio (Spain)
The interior and event designer Matteo Corvino (ph. Mattia Aquila)
A PLAY OF CONTRASTS
Matteo Corvino on the brilliant design of Palazzo Corsini, between glass structures and masterpieces
Il geniale allestimento di Palazzo Corsini, tra strutture in vetro e capolavori
text CESARE CUNACCIA
Matteo Corvino’s work as a stage director, interior designer, and organiser of major events, theatrical productions, and extraordinary celebrations has earned him international attention and appreciation.
Hailing from Venice, Corvino began his career as a theatre and flm actor at a young age, and later developed an extensive experience in interior design, working in city such as Paris, Geneva, Rome, Bangkok and New York. Well-read and endowed with a boundless imagination, he is renowned for his extraordinary, ephemeral creations, worthy of a Renaissance or Baroque demiurge. His expertise has been showcased in numerous events all over the world and he was a central fgure at a CEO summit in Delhi during the Global Convention of Creativity, Marketing and Experience. For the ffth time, Matteo Corvino has designed the setting for the Florence Biennial Antiques Fair, held in the 17th-century Palazzo Corsini, the event’s home since 1997. The original project, which began a decade ago, required signifcant investment and was intended to be adaptable and modifed with each new edition.
FOR THE FIFTH TIME, MATTEO CORVINO HAS DESIGNED THE SETTING FOR THE FLORENCE
BIENNIAL ANTIQUES FAIR, HELD IN THE 17TH-CENTURY PALAZZO CORSINI, THE EVENT’S HOME SINCE 1997
“It is challenging to create set-ups that will endure through the years with appropriate variations,” Corvino explains, “as both visitors and exhibitors are highly demanding. Once again, we have collaborated with the workshops of San Patrignano where, under the skilled guidance of Luca Giunta and Sandro Pieri, the ‘new’ elements have been crafted with their usual mastery.”
The ultimate goal was to enhance the Florentine essence, the ephemeral museum created by the exhibition, and the magnifcence of Palazzo
Il lavoro di Matteo Corvino come regista, designer di interni e organizzatore di grandi eventi, spettacoli teatrali e feste straordinarie, si è imposto all’attenzione e all’apprezzamento internazionale. Veneziano, una carriera di attore teatrale e cinematografco iniziata giovanissimo, Matteo Corvino ha intessuto una fervida esperienza nell’interior design, sviluppata a Parigi, Ginevra e Roma, Bangkok e New York. Colto e dotato di un’immaginazione sconfnata, si è affermato per le sue creazioni effmere fuori dal comune, degne di un demiurgo rinascimentale o barocco. Il suo knowledge si esplicita nei numerosi eventi realizzati in ogni parte del mondo. La sua fgura è stato al centro di un CEO summit a Delhi, in occasione della Global Convention of Creativity, Marketing and Experience. Per la quinta volta Matteo Corvino frma l’allestimento della Biennale dell’Antiquariato di Firenze nel seicentesco Palazzo Corsini, sede della manifestazione dal 1997. Il progetto iniziale che risale a 10 anni fa è costato molto e quindi è nato per avere continuità ed essere modifcato attraverso le diverse edizioni.
“È diffcile creare allestimenti destinati a durare negli anni con opportune varianti - afferma Corvino -, perché sia i visitatori che gli espositori sono esigenti. Di nuovo ci siamo rivolti ai laboratori di San Patrignano, che hanno realizzato le parti ‘inedite’ con la consueta maestria, guidati da Luca Giunta e Sandro Pieri.
L’obiettivo fnale era esaltare la forentinità, il museo effmero che la rassegna mette in scena e la magnifcenza di Palazzo Corsini, giocando sul contrasto tra antico e moderno.
(Alba/Cuneo notizie dal 1844 al 1860) Caino invaso dal pensiero del fratricidio 1846
GIUSEPPE GIORDANELLO
Olio su tela, 120 × 96 cm Firmato e datato in basso a destra: Giordanello 1846
Corsini, playing on the contrast between ancient and modern. The original project was displayed at the Triennale di Milano as one of the twenty-one best designs in Italy incorporating glass structures, alongside works like Fuksas’ Cloud. I was the only participant who was not an architect but an interior designer.
This concept was completely different from my previous designs. It stemmed from the idea of not concealing but rather enhancing the building’s morphology – an ambition embodied in this glass structure, a transparent corridor that allows the rhythm of the architecture to be visible below, while above it becomes a hanging garden. The glass evokes a watercourse, an abstract parterre d’eau
This way, the noble building itself is celebrated, and is no longer just the Wunderkammer of treasures it houses for the duration of the exhibition. On the contrary, it engages in an incessant and suggestive dialogue with the artworks inside.
This interpretation was well received by the owners, who fully supported me, as previously the palace would vanish entirely; its presence was no longer felt or understood. I also had unwavering support from Fabrizio Moretti. I deliberately aimed for something clean and contemporary, with an aesthetic and structural functionality. My approach was theatrical, a necessary metamorphosis from one edition to the next. The details change, introducing new fragrances, dynamics, and surprises on a leitmotiv meant to last.
Il progetto originario è stato esposto alla Triennale di Milano come uno dei ventun migliori interventi in Italia che impiegavano strutture di vetro. C’era anche la nuvola di Fuksas, tra gli altri. Ero l’unico tra i partecipanti a non essere architetto ma interior designer.
Un intervento concettualmente all’opposto di quelli concepiti in precedenza. Nasce dall’idea di non occultare ma esaltare la morfologia del palazzo. Un’aspirazione che s’incarna in questo taglio di vetri, nel corridoio trasparente che da sotto lascia vedere il ritmo dell’architettura e sopra diventa giardino pensile. La materia vitrea ricorda un corso d’acqua, un astratto parterre d’eau. Così l’edifcio patrizio risulta valorizzato e non lo è più soltanto la Wunderkammer dei tesori che ospita per il periodo della rassegna. Anzi, entra in dialogo incessante e suggestivo con il contenuto.
‘THE ULTIMATE GOAL WAS TO ENHANCE THE FLORENTINE ESSENCE, THE EPHEMERAL MUSEUM CREATED BY THE EXHIBITION, AND THE MAGNIFICENCE OF PALAZZO CORSINI, PLAYING ON THE CONTRAST BETWEEN ANCIENT AND MODERN’
Una lettura piaciuta da subito alla proprietà, che mi ha appoggiato molto, perché prima il palazzo spariva completamente, non si sentiva e capiva più. Ho avuto un costante sostegno da parte di Fabrizio Moretti. Volutamente ho pensato una cosa pulita, più contemporanea, funzionale a livello estetico e strutturale. L’approccio era quello teatrale di una metamorfosi necessaria di edizione in edizione. Mutano i dettagli, introducono altre fragranze, dinamiche e sorprese su un Leit-Motiv destinato a durare.
The large portals of the stands are now in an antique bronze colour. Built in gleaming white polystyrene, they appear as surreal frames leaning against the walls. They have been remade exactly, but cast in a dif-
I grandi portali degli stand ora diventano color bronzo antico. Costruiti in polistirolo candido sembrano surreali cornici appoggiate. Sono stati rifatti uguali, ma calati in un colore diverso. Messi
Palazzo Corsini, on Lungarno Corsini in Florence
ferent hue. When you arrive, they line up, articulating the desire to blend ancient and modern.
The obelisks of the formal garden will be adorned with precious papers produced in San Patrignano and placed on the parterres of the roof garden.
Then there are the geometric volumes, ranging from the cone to the cylinder, from the prism to the square. The spheres are treated with a trompe-l’oeil wood effect, with a slightly iridescent materiality reminiscent of bronze and ancient metal supports. These symbolic objects are arranged to create a perspective, alternating with the lateral obelisks.
“I often and gladly come to Florence,” adds Matteo, “I feel like a Florentine by adoption and in a certain sense professionally too. In fact, I work with many artisans here and in the surrounding areas, custodians of ancestral knowledge.”
The project for BIAF, with its successive variations, declares a contrast that is, in reality, not a contrast at all. One day, I would like to see the roof garden redesigned in collaboration with a contemporary artist - an evolution that transforms the space into a true art installation.
in fla quando arrivi, scandiscono la volontà di miscelare antico e contemporaneo.
Gli obelischi del giardino formale saranno vestiti di carte preziose prodotte a San Patrignano ed appoggiati sui parterres del giardino pensile.
Quindi i volumi geometrici, che vanno dal cono al cilindro, dal prisma al quadrato. Le sfere sono trattate a legno trompe-l’oeil con una matericità un po’ iridescente che ricorda il bronzo e antichi supporti metallici. Oggetti simbolici che vengono disposti a creare una prospettiva alternandosi agli obelischi laterali.
‘THE ORIGINAL PROJECT WAS DISPLAYED AT THE TRIENNALE DI MILANO AS ONE OF THE TWENTY-ONE BEST DESIGNS IN ITALY INCORPORATING GLASS STRUCTURES’
Respecting the place while creating something that follows ancient styles but mirrors the contemporary, without one overpowering the other. This is the key to harmony that defnes my entire philosophy.
To interpret the lesson of the past and transform them into something timeless, suspended, and captivating. I always enjoy discovering new reasons for modernity.”
A Firenze - aggiunge Matteo - ci vengo spesso e volentieri. Mi sento forentino di adozione e in un certo senso anche professionalmente. Mi avvalgo infatti di tanti artigiani eredi di un sapere ancestrale insediati in città o nei dintorni.
Il progetto per la BIAF, con le sue successive variazioni, dichiara un contrasto che in realtà non lo è. Mi piacerebbe che un giorno il giardino pensile venisse ridisegnato in collaborazione con un’artista contemporaneo. Un’evoluzione che tramuti quello spazio in vera installazione d’arte. Rispettare il luogo e creare qualcosa seguendo stilemi antichi ma specchiandosi nel contemporaneo. Senza che l’uno prevarichi l‘altro. Una chiava ermeneutica d’armonia che contiene la mia flosofa intera.
Interpretare la lezione dell’antico per farla diventare atemporale, sospesa, avvincente. Amo riscoprire sempre nuove ragioni di modernità.”
The palace is the magnificent venue of Florence International Biennial Antiques Fair, with a setting designed by Matteo Corvino
Palazzo Settimanni in Florence which hosts the Gucci’s Archives
IN THE BEGINNING
Palazzo Settimanni in Florence and the cultural legacy of Gucci Palazzo Settimanni a Firenze e l’eredità culturale di Gucci
text CESARE CUNACCIA photo OTTAVIA POLI
Gucci’s history, which began in an era that was able to shape modern aesthetics, has its origins in nineteenthcentury Tuscany, with Guccio Gucci, who was born in 1881 and trained by following a centuries-old yet always new craftsmanship tradition. The working experience as a boy in London, at the elegant Savoy Hotel, was the spark that ignited a vision destined to stand out in the glittering world of international luxury. The young Guccio, by becoming acquainted with the sophisticated universe of wordly pleasures, sensed that the art of leather goods could have been the perfect vehicle for timeless beauty. As soon as he returned to Italy, confdent in the knowledge and ideas he had gained, he started his frst workshop in Florence in 1921, giving life to creations that combined British elegance and extraordinary Florentine know-how. Florence was already a high-end shopping destination owing to the infuence of the large AngloAmerican community that had been living in Florence for over a century. And it was an internationally renowned destination also because of the high craftsmanship of its vast artisan world. And soon, the name Gucci became a symbol of excellence. Its products embodied a sophisticated and meticulous style, designed for a cosmopolitan clientele. But the brand’s history is also that of a vibrant metamorphosis. The 1960s and 1970s, in fact, where charged with a new and experimental creative fervor. From the introduction of luxury wristwatches, enriched by bright enamels and semiprecious stones, the Fashion House explored new boundaries, blending mythology and modernity, chic and pop, rebellion and elegance. Gucci’s revolution, however, didn’t stop at fashion. From leisure accessories to the collaboration with visionary fgures, such as collector and philanthropist Severin Wunderman for high watchmaking, every detail spoke of a constant striving toward aesthetic
La storia di Gucci, iniziata in un’epoca che ha saputo plasmare l’estetica moderna, affonda le sue radici nella Toscana ottocentesca. Ne è origine Guccio Gucci, nato nel 1881, che si forma nel solco di una tradizione artigianale secolare e sempre nuova. L’esperienza lavorativa da ragazzo a Londra, nell’ambiente elegante del Savoy Hotel, divenne per lui la scintilla di una visione destinata a brillare nel frmamento del lusso internazionale. Il giovane Guccio, a confronto con un sofsticato universo di squisitezze mondane ed estetiche, intuì che l’arte della pelletteria poteva essere il veicolo perfetto per trasmettere una bellezza senza tempo.
A RENAISSANCE
GEM IN FLORENCE’S OLTRARNO AREA, ON VIA DELLA CALDAIE, IS SEAT OF THE GUCCI’S ARCHIVE
SINCE 2021
Rientrato in Italia, forte delle conoscenze e suggestioni acquisite, aprì la sua prima bottega a Firenze nel 1921, dando vita a creazioni che combinavano l’eleganza britannica e il magistrale savoir-faire forentino. Firenze era già una destinazione per lo shopping di alta gamma grazie all’infuenza della folta colonia anglo-americana presente da oltre un secolo nella Città del Giglio. Era una meta affermata a livello internazionale anche per la rinomata maestria di un vasto tessuto artigianale.
Il nome Gucci divenne subito un simbolo di eccellenza. I prodotti incarnavano un gusto raffnato e meticoloso, destinato a una clientela cosmopolita.
Ma la storia del brand è anche quella di una vibrante metamorfosi. Gli anni Sessanta e Settanta del Novecento si tingono infatti di un nuovo e sperimentale fervore creativo. Dall’introduzione degli orologi di lusso, arricchiti da smalti brillanti e pietre semipreziose, la Maison esplora nuovi confni, fondendo mitologia e modernità, chic e pop, ribellione ed eleganza. Ma la rivoluzione di Gucci non si ferma alla moda. Dagli accessori per il tempo libero alla collaborazione con fgure visionarie quali il collezionista e flantropo Severin Wunderman per la creazione di orologi di pregio, ogni dettaglio racconta la tensione verso una perfezione estetica che trascende il tempo.
perfection that transcends time. The launching of Gucci Parfume 1 in 1975, the Fashion House’s frst perfume, embodies this pursuit, sealed with the iconic GG logo, which was by then a symbol of contemporary luxury. Something that spans across time, poised between myth and modernity. In 2021, the Fashion House celebrated its 100th anniversary with the opening of the Archives at Palazzo Settimanni, a Renaissance gem in Florence’s Oltrarno area, on Via della Caldaie, near Piazza Santo Spirito. This age-old building, dating back to the 15th century, evokes the tie between art and craftsmanship that has always been the area’s distinguishing feature since the Medicis’ age. A close bond with local tradition which resonates deeply with Gucci. Taken over by the brand in 1953, Palazzo Settimanni testifed over the years to the Fashion House’s growth and creative development, serving as workshop, showroom and factory. Today, after restoration works respectful of the original structure, the building has come back to life. The interiors are a mix of history and autochthonous art, by juxtaposing 17th-century frescoes with 18thcentury trompe l’oeil paintings and 19th-century neoclassical decorations, skillfully restored to their original splendor. Every detail, from the scissors-shaped handles to the windows, has been designed to dialogue with the past by remaining faithful to its spirit, highlighting the inspiring energy and maintaining a deep bond with local artisans. The archives, spread across several foors, contain the throbbing heart of Gucci’s history: from scarves to the iconic accessories, such as the “Bamboo” and the “Jackie bag”, to the vintage leather goods. The atmosphere is fairy-tale style, with mirrors that expand the spaces and timeless creations. It is not only a place of memory, but also a bridge built between the past and present, where they meet and dialogue. Palazzo Settimanni has thus become a symbol and platform for a constantly evolving cultural heritage.
l lancio di Gucci Parfume 1 nel 1975, il primo profumo della Maison, incarna questa ricerca, suggellata dall’iconico logo GG ormai divenuto simbolo di un lusso assoluto e contemporaneo.
Qualcosa che scavalca il tempo, sospeso tra mito e modernità.
THE ARCHIVES
CONTAIN THE THROBBING HEART OF GUCCI’S HISTORY
ACCESSORIES
Nel 2021, la Maison ha celebrato il suo centenario con l’apertura dell’archivio presso Palazzo Settimanni, gioiello rinascimentale situato nell’ Oltrarno forentino a via delle Caldaie, laterale di Piazza Santo Spirito. Quest’antico edifcio, risalente al XV secolo, evoca l’intreccio tra arte e artigianato che ha caratterizzato la zona fn dall’epoca dei Medici. Un legame profondo con la tradizione locale che risuona alto nell’identità di Gucci. Acquisito dal marchio nel 1953, Palazzo Settimanni è stato testimone e protagonista della crescita e degli sviluppi creativi della Maison, fungendo da laboratorio, da showroom e fabbrica. Oggi, attraverso un restauro rispettoso delle preesistenze, l’edifcio è tornato a vivere. Gli interni sono un compendio di storia e arte autoctona, accostano affreschi seicenteschi a trompe l’oeil settecenteschi e decorazioni neoclassiche del XIX secolo, sapientemente riportati al loro splendore originario. Ogni dettaglio, dalle maniglie a forma di forbici alle vetrine, è stato pensato per dialogare con il passato senza tradirne lo spirito, valorizzandone l’energia d’ispirazione e mantenendo un legame profondo con le maestranze locali. L’archivio, organizzato su più livelli, racchiude il cuore pulsante della storia di Gucci: dai foulard ad iconici accessori come la “Bamboo” e la “Jackie bag”, fno ai pezzi vintage della valigeria e della pelletteria. L’atmosfera è fabesca, specchi che amplifcano gli spazi e creazioni che sfdano il tempo. Non è solo un luogo di memoria, ma un ponte gettato tra il passato e presente che vi si incontrano e dialogano. Palazzo Settimanni diventa così emblema e piattaforma di un’eredità culturale in costante evoluzione.
From scarves to the iconic accessories, such as the Bamboo and the Jackie bag, to the vintage leather goods
Palazzo Settimanni, 2,800 square metres on 5 foors in the heart of the Oltrarno district, has been home to Gucci’s frst workshop since 1953. Since 2021, after lengthy restoration work, it has housed the historical archive of the fashion house founded in Florence in 1921, as well as Gucci Education, the company’s employee training programme. It is not open to the public
RUTILIO MANETTI (Siena 1571-1639)
Santa Maria Maddalena
(Firenze 1627-1697)
San Sebastiano
LOOKING TO THE FUTURE
The long-established relations between
BIAF
and the Florence Chamber of Commerce
La consolidata collaborazione tra BIAF e la Camera di Commercio di Firenze
text MARTINA OLIVIERI
The International Biennial of Antiques in Florence is more than a simple trade fair for antiques enthusiasts; it’s a cultural happening with international scope.
What’s your view of this edition, and how has the Biennial changed over the years?
The BIAF is one of the events that help to put Florence on the world stage. The growth experienced by the International Biennial of Antiques attests to the soundness of the project and the quality of its organisation over time, while we also have to thank the focus on modern and contemporary art, which is the perfect complement to the content of this international exhibition and marketplace.
How important are initiatives like the Biennale for a city like Florence?
They’re extremely important, because they bring to the city an international audience who are desirable and help to build their loyalty to Florence. Visitors who come for the Biennale often fall in love with the surrounding area too and this creates a virtuous circle of well-informed and conscientious tourism. Indeed, this kind of event constitutes the best assurance that Florence can retain – and even increase – its global appeal. Why is it so important to continue investing in modern and contemporary art?
Because they are the expression of the creativity that will take us into the future. Florence is what it is because of the great artists and art patrons of the past, and investing today in modern and contemporary art means looking to the future. And in many cases it also means making a good investment.
MASSIMO MANETTI, PRESIDENT OF THE FLORENCE CHAMBER OF COMMERCE
BIAF non è semplicemente una fiera commerciale dedicata agli amanti dell’antiquariato, ma un evento culturale sempre più di respiro internazionale.
Cosa pensa di questa edizione e come è cambiata la Biennale nel tempo?
La Biaf è uno degli appuntamenti che contribuiscono a qualificare Firenze a livello internazionale. Il settore dell’antiquariato, così come i comparti collegati a cominciare da quello del restauro, rappresentano un’eccellenza del nostro territorio. Il percorso di crescita della BIAF certifica la bontà del progetto e della sua organizzazione nel tempo, grazie alla sempre maggiore all’attenzione rivolta all’arte moderna e contemporanea.
Quanto sono importanti iniziative come la Biennale per una città come Firenze?
Sono molto importanti perché attirano a Firenze un pubblico internazionale particolarmente qualificato anche economicamente, aiutandone la fidelizzazione nei confronti della città. Chi visita la Biennale spesso si innamora anche del territorio circostante, godendo delle bellezze paesaggistiche e architettoniche che la Toscana offre, creando un circolo virtuoso di turismo qualificato e consapevole. Questi eventi rappresentano la garanzia che Firenze possa mantenere il suo appeal nel panorama globale.
Perché è importante continuare a investire nell’arte moderna e contemporanea?
Perché sono l’espressione della creatività che ci proietta nel futuro. Firenze è quello che è grazie ai grandi artisti e mecenati del passato e investire oggi nell’arte moderna e contemporanea vuol dire guardare al domani. E in molti casi vuole anche dire fare un buon investimento.
THE LINK BETWEEN BIAF AND FONDAZIONE CR FIRENZE
Under the banner of continuity and excellence
Nel segno della continuità e dell’eccellenza
text MARTINA OLIVIERI
The organisation you lead, Fondazione CR Firenze, has once again pledged its wholehearted backing of the International Antiques Biennale. What do you think of this new edition?
It’s an extremely high-calibre event, as is clear from the fourteen new international participants, most of which are long-established names. It’s confirmation of the sheen that still characterises the show, which our Foundation has supported since the nineties. It’s very encouraging to see the presence of young gallerists increase year on year. We also appreciate the Biennial’s focus on solidarity; this year it involves the Andrea Bocelli Foundation, with an auction at Palazzo Vecchio in support of its charity projects in Italy and overseas.
How important is the BIAF for Florence?
It’s essential in that it raises the bar for city initiatives with a strong international appeal. We have a need to attract well-informed visitors, and our city is succeeding in this, as we can see from the early data on this summer’s tourism. Florence has what it takes to offer countless superb artistic and cultural experiences, and we all need to work more closely together to make it happen.
What’s the significance of having such important events in a city like Florence?
We need to try and host more events like the Antiques Biennale in Florence, and we’re extremely fortunate to have the use of a monument complex like Fortezza da Basso. Competition between the great capitals of the world is increasingly fierce, and Florence has assets that make it more attractive than ever on the international stage.
BERNABÒ BOCCA, PRESIDENT OF FONDAZIONE CR FIRENZE
La Fondazione CR Firenze da lei guidata assicura ancora una volta il suo determinante contributo alla Biennale dell’Antiquariato.
Cosa pensa di questa nuova edizione?
È un’edizione di grandissimo livello, come dimostrato dalle 14 nuove presenze internazionali, la maggior parte di antica tradizione. È una conferma dello smalto che caratterizza la mostra, la più antica al mondo in questo settore, che la nostra Fondazione sostiene fin dagli anni Novanta. È incoraggiante la presenza sempre maggiore di giovani galleristi. Apprezziamo inoltre l’attenzione della Biennale alla solidarietà, coinvolgendo la Fondazione Bocelli con l’asta in Palazzo Vecchio per sostenere i loro progetti di beneficenza.
Quanto è importante BIAF per Firenze?
È fondamentale per elevare il livello delle iniziative cittadine di forte appeal internazionale. Dobbiamo attrarre un pubblico qualificato e la nostra città ci sta riuscendo bene, come dimostrano i primi dati sul turismo di questa estate. Firenze ha le carte in regola per offrire moltissime proposte di eccellenza, artistiche e culturali, e dobbiamo sempre più lavorare tutti insieme in questa direzione.
Cosa significa avere delle manifestazioni così importanti in una città come Firenze?
Dobbiamo cercare di accrescere la presenza in città di eventi come la Biennale, avendo la fortuna di poter utilizzare un complesso monumentale come la Fortezza da Basso, unico al mondo non solo per la sua bellezza, ma anche per la sua collocazione davvero strategica, a pochi passi dal centro storico. La concorrenza delle grandi capitali internazionali è sempre più agguerrita e Firenze ha degli asset che la rendono sempre più vincente sullo scenario mondiale.
FROM THE PAST TO THIS DAY
Arte Generali for the protection of heritage
Arte Generali per la salvaguardia del patrimonio
text FRANCESCA LOMBARDI
Italo Carli’s plans to protect the country’s heritage.
What kind of collaboration does Arte Generali have with the Biennale?
At Arte Generali, we are very pleased to renew our collaboration as a technical partner of the Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze. Many unique antiques and artworks are exhibited at the BIAF. Through its team of specialists, Arte Generali has a special vision of the protection of art and cultural heritage: each artwork is unique and cannot be replaced in the event of destruction. It is for this reason that prevention is our utmost priority.
What are the values you share?
The same passion for art in all its forms. The Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze exhibits unique Italian masterpieces ranging from antiquities, paintings and sculptures to furniture and furnishings. This approach is exactly in line with our vision: protect art in all its forms so that it can be preserved for future generations.
Arte Generali continues a tradition of love for art which is almost 200 years old and has always supported cultural heritage projects since its foundation in 1831.
What do you personally love about ancient art and collecting?
I know all the dangers and the delicate handling needed for each item, so I appreciate their value even more.
I am very happy that thanks to our expertise, Arte Generali can contribute to protect them.
ITALO CARLI, HEAD OF ARTE GENERALI ITALY
La strategia di Italo Carli per la salvaguardia del patrimonio.
Che tipo di collaborazione ha instaurato Generali con Biennale?
Arte Generali è lieta di rinnovare la propria collaborazione come partner tecnico della Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze. Durante BIAF vengono esposti oggetti d’antiquariato e d’arte unici.
In quanto specialisti, Arte Generali ha una visione particolare della protezione dell’arte e del patrimonio culturale: l’arte è unica e non può essere sostituita in caso di distruzione. Per questo la prevenzione è una priorità assoluta per noi
Che valori condividete?
Una passione condivisa per l’arte in tutte le sue forme. La Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze presenta capolavori unici dell’arte italiana, che spaziano dalle antichità, ai dipinti e alle sculture fno a mobili e arredi.
Questo tipo di approccio è esattamente in linea con la nostra visione: proteggere l’arte in tutte le sue forme, in modo da poterle condividere con le generazioni future.
Generali continua una tradizione di quasi 200 anni di passione per l’arte e ha sempre supportato iniziative relative al patrimonio culturale fn dalla sua fondazione nel 1831.
Cosa ama personalmente Italo Carli dell’arte antica e del collezionismo?
Conoscendo tutti i rischi e le situazioni delicate che sono dietro a ciascuna opera, ne apprezzo il valore ancora di più.
Sono molto felice che con la nostra competenza Arte Generali possa contribuire a proteggerli.
Stand 30
Dal 28 Settembre al 6 Ottobre 2024
Dalle ore 10.30 alle ore 20
Preview 27 Settembre 2024
Firenze, Palazzo Corsini
Lungarno Corsini
FROM NEW YORK TO VENICE AND BACK
Venetian Heritage and BIAF together for beauty
Venetian Heritage e BIAF, insieme per il bello
text FRANCESCA LOMBARDI
On 4 November 1966, a terrible flood hit the city of Venice, severely damaging many historic buildings. UNESCO launched an appeal to the whole world to raise funds for the restoration of the monuments damaged. Larry Lovett, President and Chairman of the Metropolitan Opera Guild in New York was among the first to implement the American fundraising system in Italy through the organisation of “Benefit Events” in Venice. In 1999, Venetian Heritage was founded, based in New York. Following the increasing involvement of many European corporate sponsors, it became necessary to create a legally recognised foundation in Italy. The Italian branch of the foundation was then inaugurated with its own board of directors and an office in Venice. We interviewed the director Toto Bergamo Rossi. What values do Venetian Heritage and BIAF share?
BIAF and Venetian Heritage have the same goal of promoting and enhancing Italy’s artistic heritage. In particular, Venetian Heritage promotes, restores and preserves its historical heritage. How do you select the artworks you deal with?
All restoration and enhancement projects are planned in our office, but sometimes the selection is made through reports from local institutions. The artwork Madonna and Child with two angels by Jacopo Sansovino, currently undergoing restoration at the Opificio delle Pietre Dure, will be exhibited at the Giorgio Franchetti Gallery at the Ca’ d’Oro. Venetian Heritage is financing the restoration and layout project for this museum. Nine million euros have been raised.
TOTO BERGAMO ROSSI DIRECTOR
VENETIAN HERITAGE FOUNDATION
Il 4 novembre 1966 una disastrosa alluvione allagò la città di Venezia, danneggiando gravemente molti edifici storici. L’Unesco lanciò un appello al mondo intero con l’intento di raccogliere fondi per il restauro dei monumenti danneggiati dall’eccezionale alta marea. Larry Lovett, forte della sua esperienza di filantropo e President and Chairman of the Metropolitan Opera Guild di New York, fu tra i primi ad importare in Italia il sistema americano di raccolta fondi attraverso l’organizzazione di “benefit events” a Venezia. Nel 1999 nacque Venetian Heritage, con sede a New York. In concomitanza con l’aumento di interesse da parte di numerosi corporate sponsor europei fu necessario creare una fondazione riconosciuta legalmente in Italia. Nacque così il ramo italiano della Fondazione con un proprio consiglio di amministrazione e una sede a Venezia. Abbiamo intervistato il Direttore Toto Bergamo Rossi.
I valori condivisi di Venetian Heritage e BIAF? Biaf e Venetian Heritage condividono l’obiettivo di promuovere e valorizzare il patrimonio artistico italiano. Venetian Heritage nello specifico promuove, restaura e conserva l’eredità storico. Come avviene l’individuazione delle opere di cui vi occupate?
I progetti di restauro e valorizzazione vengono elaborati nel nostro ufficio oppure l’individuazione avviene tramite segnalazioni di istituzioni locali come soprintendenze, fondazioni, musei, etc…
L’opera Madonna col Bambino e due putti di Jacopo Sansovino, attualmente in restauro presso l’Opificio delle Pietre Dure, sarà esposta presso la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro. Venetian Heritage sta finanziando il progetto di restauro e riallestimento del sopramenzionato museo, per il quale sono stati raccolti 9 milioni di euro.
Mattia Preti, detto il Cavalier Calabrese (1613 - 1699)
San Sebastiano olio su tela, cm 135 x 100
Corsini, Firenze
A DEEP-ROOTED LIAISON
Rocco Forte Hotels and BIAF: shared values
Rocco Forte Hotels e BIAF: valori condivisi
text FRANCESCA LOMBARDI
Anna Gricini tells us about a connection based on values of excellence, hospitality and art.
BIAF is gaining increasingly international relevance. What is the added value for you?
The International Biennale of Antiques in Florence is a great opportunity for Rocco Forte Hotels. It enables us to reach an audience, which is in line with the values of our brand, and to continue to have a major role in the most important events in the city, providing our luxury services to guests who appreciate quality.
What kind of connection have you formed with the Biennale?
We have entered into a collaboration with the Biennale with the objective of enhancing the experience of our guests during their stay in Florence. We arrange itineraries which include private visits and meetings with curators and collectors, granting privileged access to the artworks on dis play. We give them the opportunity to participate in gala dinners, attend previews of the exhibition within the historical context of Florence, e.g., a vis it to the Gucci archives which are closed to the public. We also organise exclusive dinners at the Hotel Savoy. Thus, our guests canexperience the real spirit of the Biennale, combining art with lux ury hospitality, savoir-faire and Italian excellence. Rocco Forte and art: a well-established liai son What are the values you share?
We frmly believe that art plays an essential role in living well. Our liaison with the world of culture can be observed not only in our attention to detail and design, but also in the promotion of cultural events and initiatives which aim to support and promote Italian artistic excellence internationally.
ANNA GRICINI, SALES & MARKETING DIRECTOR AT ROCCO FORTE HOTELS
Anna Gricini ci racconta un legame sotto il segno dell’eccellenza, dell’ospitalità e dell’arte
BIAF è un evento sempre più internazionale, che richiama a Firenze un pubblico selezionato e colto. Qual è il valore aggiunto per voi?
La Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze rappresenta un’opportunità interessante per la Rocco Forte Hotels, poiché ci consente di entrare in contatto con un pubblico pienamente in linea con i valori che defniscono il nostro brand e di continuare ad essere presenti come protagonisti degli eventi di spicco in città, offrendo la nostra eccellenza ad ospiti nazionali ed internazionale che apprezzano la qualità.
Che tipo di link avete creato con Biennale?
Abbiamo sviluppato una collaborazione sinergica con la Biennale volta ad elevare l’esperienza dei nostri ospiti durante la loro permanenza a Firenze. Proponiamo itinerari esclusivi che includono visite private e incontri con curatori e collezionisti, garantendo un accesso privilegiato alle opere esposte. Offriamo loro la possibilità di partecipare a cene di gala, all’ anteprima della mostra ed altri eventi esclusivi all’interno di contesti storici forentini di grande prestigio, come per esempio la visita agli archivi Gucci che sono chiusi al pubblico. Tra le numerose iniziative, organizziamo anche delle cene esclusive presso l’Hotel Savoy che consentono ai nostri ospiti di vivere appieno lo spirito della Biennale, combinando l’arte con l’ospitalità di lusso, il savoir faire ed il made in Italy. Rocco Forte e l’arte: è una liaison consolidata. Che valori condividete?
Siamo convinti che l’arte rappresenti un elemento essenziale del vivere bene. Questa nostra liaison con il mondo della cultura si rifette non solo nell’attenzione ai dettagli e al design,ma anche nella promozione di eventi e iniziative culturali che sostengono e diffondono l’eccellenza artistica italiana a livello internazionale.
CARLO ORSI
sculture e dipinti antichi
Firenze Biennale
Frans Floris Susanna e i vecchioni (part.)
EXHIBITORS
33RD EDITION - FLORENCE INTERNATIONAL BIENNIAL ANTIQUES FAIR
p. 161 800/900 ARTSTUDIO - Stand 27
p. 161 AGNEWS - Stand 3
p. 161 AL FINE ART ANTONACCI LAPICCIRELLA - Stand 8
p. 169 ALESSANDRA DI CASTRO - Stand 14
p. 161 ALTOMANI & SONS - Stand 24
p. 161 ANTICHITÀ GIGLIO - Stand 71-73
p. 167 ATTILIO CECCHETTO ANTIQUARIO - Stand 79
p. 163 BACARELLI ANTICHITÀ - Stand 16
p. 163 BENAPPI FINE ART - Stand 5
p. 163 BOTTEGANTICA - Stand 76
p. 165 BOTTICELLI ANTICHITÀ - Stand 63
p. 165 BRUN FINE ART - Stand 42
p. 165 BURZIO.- Stand 13
p. 165 BUTTERFLY - Stand 75
p. 165 CALLISTO FINE ARTS - Stand 38
p. 167 CANTORE GALLERIA ANTIQUARIA - Stand 52
p. 167 CARETTO&OCCHINEGRO - Stand 74
p. 179 CARLO ORSI - Stand 2
p. 167 CECI ANTICHITÀ - Stand 57
p. 169 COLNAGHI - Stand 5
p. 169 COPETTI ANTIQUARI - Stand 28
p. 169 CORTONA FINE ART - Stand 58
p. 169 DICKINSON - Stand 4
p. 177 DYS44 LAMPRONTI GALLERY - Stand 6
p. 171 ENRICO FRASCIONE - Stand 45
p. 169 ENRICO GALLERIE D’ARTE - Stand 69
p. 175 FLAVIO GIANASSI FG FINE ART - Stand 58
p. 171 FONDANTICO di Tiziana Sassoli - Stand 18
p. 171 FRASCIONE GALLERY - Stand 67
p. 171 GALERIE CANESSO - Stand 7
p. 171 GALLERIA BERARDI - Stand 55
p. 175 GALLERIA CARLO VIRGILIO & C. - Stand 20
p. 171 GALLERIA CONTINUA - Stand 11
p. 173 GALLERIA D’ARTE FREDIANO FARSETTI - Stand 68
p. 173 GALLERIA GOMIERO - Stand 23
p. 173 GALLERIA MARLETTA - Stand 25-26
p. 173 GALLERIA POGGIALI - Stand 30
p. 173 GALLERIA ROBERTO DUCCI - Stand 72
p. 173 GALLERIA RUSSO - Stand 46
p. 175 GALLO FINE ART - Stand 10
p. 175 GALLORI TURCHI ANTICHITÀ - Stand 44
p. 175 GIACOMETTI OLD MASTER PAINTINGS - Stand 60
p. 186 GIAN ENZO SPERONE - Stand 1
p. 163 GIORGIO BARATTI ANTIQUARIO - Stand 77-78
p. 163 GIOVANNI ASIOLI MARTINI ANTIQUARIO - Stand 56
p. 177 IOTTI ANTICHITÀ - Stand 53
p. 177 LEONE - Stand 43
p. 177 LONGARI ARTE MILANO - Stand 47
p. 179 LULLO • PAMPOULIDES - Stand 12
p. 177 MATTEO LAMPERTICO Arte Antica e Moderna - Stand 17
p. 165 MAURIZIO BRANDI ANTIQUARIO - Stand 36
p. 179 MAURIZIO NOBILE FINE ART - Stand 48
p. 175 MICHELE GARGIULO “ANTIQUARIO” - Stand 33
p. 167 MIRCO CATTAI FINE ART & ANTIQUE RUGS - Stand 31
p. 179 MORETTI - Stand 66
p. 177 NICHOLAS HALL - Stand D
p. 181 ORSINI arte e libri - Stand 21
p. 163 PAOLO ANTONACCI - Stand 75
p. 181 PARRONCHI DIPINTI ‘800-‘900 S.r.l. - Stand 65
p. 181 PIVA & C.- Stand 61
p. 181 PORCINI - Stand 64
p. 181 RAFFAELLO PERNICI - Stand B
p. 179 RENZO MORONI - Stand 37
p. 183 REVE ART - Stand 40
p. 185 RICHARD SALTOUN - Stand 39
p. 185 ROB SMEETS OLD MASTER PAINTINGS - Stand 5
p. 183 ROBERTAEBASTA - Stand 41
p. 167 ROBERTO CAMPOBASSO - Stand 41
p. 183 ROBILANT+VOENA - Stand 15
p. 183 ROMANO FINE ART - Stand 19
p. 183 ROMIGIOLI ANTICHITÀ - Stand 62
p. 183 SALAMON & C. - Stand 50
p. 179 SANDRO MORELLI - Stand 59
p. 185 SANTA TECLA - Stand 32
p. 185 SCULTURA ITALIANA di Dario Mottola - Stand 51
p. 185 SECOL-ART ANTICHITÀ di Masoero Davide & C. - Stand 35
p. 185 SOCIETÀ DI BELLE ARTI - Stand 34
p. 186 TETTAMANTI ANTICHITÀ - Stand 22
p. 186 TORNABUONI ARTE - Stand 49
p. 186 VERDINI - Stand 32
p. 181 WALTER PADOVANI - Stand 9
800/900 ARTSTUDIO
Stand 27
Via Roma 63-67 - 57126 Livorno Tel. +39 0586 815200 Via del Battistero 22/24 - 55100 Lucca post@800artstudio.com postamaster@800artstudio.com; studioarte800@libero.it www.800artstudio.com
VITTORIO MATTEO CORCOS
(Livorno, 4 October 1859 Florence, 8 November 1933)
Le due vergini (The two virgins) Oil on canvas, 53x102,5 cm 1892 Signed and dated bottom right: V. Corcos / maggio 92
Le due vergini Olio su tela, 53x102,5 cm 1892 Firmato e datato in basso a destra: V. Corcos / maggio 92
SFORZA DI MARCANTONIO (documented from 1543 to 1580) in the workshop of Lanfranco delle Gabicce Plate
High fre polychrome majolica, diameter 23,7 cm (1547)
Made in Pesaro. On the back «Leandro in mare et ero alla fnestra». Unpublished artwork
Piatto
Maiolica policroma a gran fuoco, diametro 23,7 cm (1547)
Prodotto a Pesaro. Al verso «Leandro in mare et ero alla fnestra». Opera inedita
BACARELLI ANTICHITÀ Stand 16
Via dei Fossi 45r - 50123 Firenze Tel. +39 055 215457 bacarelli@bacarelli.com www.bacarelli.com
FRANCESCO CELEBRANO (Naples, 27 March 1729 - Naples, 22 June 1814) The Rape of Europa Wax, 28,5x26x19 cm (1785) Ratto d’Europa Cera, 28,5x26x19 cm (1785)
GIORGIO BARATTI ANTIQUARIO Stand 77-78
Via Bigli 11 - 20121 Milano Tel. +39 02 367064 46 baratti@giorgiobaratti.com www.giorgiobaratti.it
ALESSANDRO ROSI (Florence, 1627 - 1697) Cleopatra Oil on canvas, 85x68 cm Cleopatra Olio su tela, 85x68 cm
BENAPPI FINE ART Stand 5 27 Dover Street - W1S 4LS Londra Tel. +44 203 8652953 london@benappi.com www.benappi.com
GIOVANNI DE FONDULIS (Crema, c. 1435 - Padua, ante 1491)
Saint John the Baptist Terracotta, 107x36x20 cm (1475-1480)
San Giovanni Battista Terracotta, 107x36x20 cm (1475-1480)
BOTTEGANTICA Stand 76
Via Manzoni 45 - 20121 Milano Tel. +39 02 62695489 info@bottegantica.com www.bottegantica.com
ANGELO BARABINO
(Tortona, 1883 - Milan, 1950)
Idillio Oil on canvas, diameter of the tondo 84,5 cm (c. 1918-1922)
Inscription A. Barabino on the back of the frame Idillio
Olio su tela, tondo di diametro 84,5 cm (c. 1918-1922)
Iscrizione A. Barabino al retro della cornice
BORGOGNONE (JACQUES COURTOIS) (1621-1676)
DE’ MEDICI E ODOARDO FARNESE DETTANO IL TRATTATO DI PACE A PONTE A CENTINO 1652 olio su tela, cm 92 x 134
Collezione Mattias de’ Medici, Villa di Lappeggi (FI), 1652-1667
MATTIAS
PROVENIENZA
BOTTICELLI ANTICHITÀ
Stand 63
Via Maggio 29 - 50125 Firenze Tel. +39 055 2302095
LUCA GIORDANO, known as Luca fa presto (Naples 1634 -1705)
Christ and the Samaritan woman at the well Tondo a buon fresco su calce, portable fresco on its original wicker support, diameter 110 cm. Circa 1685
LITERATURE: R. Lattuada - G. Scavizzi - V. Zucchi, Luca Giordano. Baroque Master in Florence, Officina Libraria 2023
F. Baldassarri - M. Francucci - L. Castrichini, Luca Giordano, Due tondi “ su calce” per i Del Rosso, Daniele Trabalza 2017 G Scavizzi - O Ferrari, Luca Giordano L’opera completa, Electa Napoli 1966 e 1992
S. Meloni Trkulja, Luca Giordano a Firenze, in PARAGONE ARTE, N. 267 - Maggio, Sansoni 1972
Signed on the back, on the chassis: Alessandro Arigoni (f. 1807)
Vaso di fori
Tempera su prima tela, 39,3x29,4 cm
Firmato al verso sul telaio: Alessandro Arigoni (f. 1807)
ALESSANDRA DI CASTRO
Stand 14
Piazza di Spagna 3-4 - 00187 Roma Tel. +39 06 69923127 info@alessandradicastro.com www.alessandradicastro.com
BALDASSARRE FRANCESCHINI DETTO IL VOLTERRANO
(Volterra, 1611 - Florence, 7 January 1690) Onfale
Oil on canvas, 86x65 cm; 110x89 cm with frame Onfale
Olio su tela, 86x65 cm; 110x89 cm con cornice
DICKINSON Stand 4
58 Jermyn Street - SW1Y 6LX Londra Tel. +44 207 4930340 london@simondickinson.com managingdirector@simondickinson.com www.simondickinson.com
ALESSANDRO ALLORI (Florence, 1535 - 1607)
Portrait of Antonio de’ Medici, three-quarter length, standing, in a white doublet with bands of gold and a black cloak Oil on panel, 107.3x86.4 cm (early 1590s)
Ritratto di Antonio de’ Medici a tre quarti di fgura, in piedi, in un farsetto bianco con fasce d’oro e un mantello nero Olio su tavola, 107.3x86.4 cm (primi anni ’90 del XVI secolo)
The Continence of Scipio Oil on canvas, 34,5x44,5 cm (1784)
Preparatory study for the canvas preserved in the Museo della Sanità in Santa Maria della Vita, Bologna
La continenza di Scipione
Olio su tela, 34,5x44,5 cm (1784)
Preparatorio per la tela custodita nel Museo della Sanità in Santa Maria della Vita, Bologna
ENRICO FRASCIONE
Stand 45
Via dei Fossi 61/r - 50123 Firenze Tel. +39 055 709365 enricofrascioneantiquario@gmail.com info@enricofrascione.com
LUCA FORTE
(Naples, 1600/1605 - 1670)
Still life with fruit, a jay, a kestrel, a butterfy and a snail Oil on canvas, 106x180,5 cm (17th century) Natura morta con frutta, una ghiandaia, un gheppio, una farfalla e una lumaca Olio su tela, 106x180,5 cm (XVII secolo)
FRASCIONE GALLERY
Stand 67
Via Maggio 5/7 - 50125 Firenze Tel. +39 055 2399205 info@frascione.com
256 Worth Avenue, Via Amore Palm Beach, Florida 33480 Tel. +1 561 444 2072 www.frascione.com
BENVENUTO DI GIOVANNI (Siena, 1436 - 1518)
Madonna with Child, Saint John the Baptist and Saint Jerome Tempera and gold on panel, 53,3x36,2 cm (1475-1480)
Madonna col Bambino, san Giovanni Battista e san Girolamo Tempera e oro su tavola, 53,3x36,2 cm (1475-1480)
Limoni preziosi Oil on panel, 75x103 cm (1943) On the back title and date 1943 Limoni preziosi Olio su tavola, 75x103 cm (1943) Sul retro titolo e data 1943
GALLERIA CONTINUA Stand 11
Via del Castello 11 - 53037 San Gimignano (Siena) Tel. +39 0577 943134 milo@galleriacontinua.com; sangimignano@galleriacontinua.com
Dashanzi Art District 798#8503, 2 Jiuxianqiao Road, Chaoyang Dst. - 100015 Pechino Tel. +86 105 9789505 beijing@galleriacontinua.com
46 Rue de la Ferté Gaucher - 77169 Boissy-le-Chatel Tel. +33 164 203950 lemoulin@galleriacontinua.com
Via della Lupa 10 - 00186 Roma Tel. +39 06 6871093; Cel. +39 338 2427650 info@carlovirgilio.it www.carlovirgilio.it
LORENZO BARTOLINI
(Savignano di Prato, 7 January 1777
Florence, 20 January 1850)
La Donati (Beatrice Donati) Marble, h 97,5 cm (c. 1846)
La Donati (Beatrice Donati) Marmo, h 97,5 cm (c. 1846)
GALLO FINE ART
Stand 10
Palazzo Olivazzi Trivulzio Via Bigli 21 - 20121 Milano Tel. +39 02 35946370 Via XXVIII Aprile 486 - 35047 Solesino (Padova) info@gallofneart.com; info@gallofneart.it www.gallofneart.com; www.gallofneart.it
MELCHIOR BARTHEL
(Dresden, 10 December 1625 Dresden, 12 November 1672) Bust of a woman Carrara marble, h 72 cm (17th century) Busto di donna Marmo di Carrara, h 72 cm (XVII secolo)
GALLORI TURCHI ANTICHITÀ
Stand 44
Via Maggio 14r - 50125 Firenze Tel. +39 055 282279 info@galloriturchi.com; gherardo@galloriturchi.com www.galloriturchi.com
MASTRO CORAZZAIO MILANESE
Complete Pisa-style defence armour 50x60x180 with base (Last quarter of the 16th century) Completo difensivo alla pisana 50x60x180 con base (Ultimo quarto del XVI secolo)
MICHELE GARGIULO “ANTIQUARIO”
Stand 33
Via C. Poerio 32 - 80121 Napoli Tel. +39 081 7643854 michelegargiulo5@gmail.com; graziagalanterie@alice.it
Enthroned Madonna with Child between Saints Louis of Toulouse and Francis (central panel); Crucifxion under the Angel of the Annunciation (left side); Madonna of Mercy under the Virgin Annunciate (right side)
Tempera on panel, 39.1x48.9 cm (open) Madonna in trono con Bambino tra i Santi Luigi di Tolosa e Francesco (pannello centrale); Crocifssione sotto l’Angelo dell’Annunciazione (laterale sinistro); Madonna della Misericordia sotto la Vergine Annunciata (laterale destro)
Tempera su tavola, 39.1x48.9 cm (aperto)
Old Masters Part I
Invitation to Consign
London | December 2024
VIEWING
8 King Street
London SW1Y 6QT
Maja Markovic mmarkovic@christies.com
+44 (0)20 7389 2090
MICHAEL SWEERTS (BRUSSELS 1618-1664 GOA)
A portrait of the artist, presenting the Virgin in Prayer oil on canvas 17¾ x 13½ in. (45.1 x 34.3 cm.)
Oil on canvas with original frame 212x147 cm (c. 1645)
La Strega
Olio su tela con cornice originale 212x147 cm (c. 1645)
IOTTI ANTICHITÀ
Stand 53
Via Amendola 55/a - 42100 Reggio Emilia Tel. +39 0522 552838 siottiantichita@libero.it
DOMENICO PIÒ
(Bologna, 1715 - Rome, 1801)
One of four oval polychrome terracotta reliefs depicting genre scenes within coeval carved, gilded and lacquered wooden frames. 44x58 cm; with frame 80x70 cm
Uno di quattro rilievi ovali in terracotta policroma raffguranti scene di genere entro cornici coeve in legno intagliato, dorato e laccato. 44x58 cm; con cornice 80x70 cm
MATTEO LAMPERTICO
Stand 17
Arte Antica e Moderna Via Montebello 30 - 20121 Milano Tel. +39 02 36586547 info@matteolampertico.it www.matteolampertico.it
GIROLAMO ROMANI, DETTO ROMANINO (Brescia, 1484/1487 - post 1562)
The Dead Christ seated on the tomb supported by two angels (c. 1509-1510) Panel, 117,5x85,3 cm
Cristo morto seduto sul sepolcro sorretto da due angeli (c. 1509-1510) Tavola, 117,5x85,3 cm
DYS44 LAMPRONTI GALLERY
Stand 6
44 Duke Street, St. James’s - SW1Y 6DD Londra Tel. +44 207 8392977 info@cesarelampronti.co.uk www.cesarelampronti.cloud
GAETANO GANDOLFI
(San Matteo della Decima, 1734 - Bologna, 1802)
Holy Family with Saint John the Baptist and an Angel Oil on canvas, 81x83 cm (oval), (1780s)
Sacra Famiglia con san Giovanni Battista e un angelo Olio su tela, 81x83 cm (ovale) (Anni ’80 del XVIII secolo)
Portrait of Tommaso Minardi with Raphael’s presumed skull
Oil on canvas, 83x62,5 cm (1827)
Signed and dated bottom right: “Antonio Gualdi 1827”
Ritratto di Tommaso Minardi con il presunto teschio di Raffaello
Olio su tela, 83x62,5 cm (1827)
Firmato e datato in basso a destra: “Antonio Gualdi 1827”
WALTER PADOVANI
Stand 9
Via Santo Spirito 26/a - 20121 Milano Tel. +39 02 76318907 galleria@walterpadovani.it www.walterpadovani.it
DOMENICO ANDREA PELLICCIA
(Carrara, 1736 - Carrara, 1821)
Portrait of Pietro Leopoldo I Grand Duke of Tuscany Marble, h. 80 x 65 cm (1777) Ritratto di Pietro Leopoldo I Granduca di Toscana Marmo, h. 80 x 65 cm (1777)
PARRONCHI DIPINTI ‘800-‘900 S.r.l.
Stand 65
Via dei Fossi 18r - 50123 Firenze Tel. +39 055 215109 info@parronchidipinti.it www.galleriaparronchi.it
PRIMO CONTI
(Florence, 1900 - Fiesole, 1988)
The painter’s daughter Oil on canvas, 89x89 cm (1949)
Signed at top right: P. Conti 1949
La fglia del pittore Olio su tela, 89x89 cm (1949)
Firmato in alto a destra: P. Conti 1949
RAFFAELLO PERNICI
Stand B
Via A. Gramsci 121/a Rosignano Marittimo - 57016 (Livorno) Tel. +39 0348 7745998 www.pernici.eu info@pernici.eu
GIOVANNI PONTI, DETTO GIO, MANIFATTURA RICHARD-GINORI (Milan, 18 November 1891
Milan, 16 September 1979)
“Donatella” from the series “Le mie donne” (c. 1925-1928)
Rare parade plate in hand-painted maiolica “Donatella” dalla serie “Le mie donne” (c. 1925-1928)
Raro piatto da parata in maiolica dipinta a mano
PIVA & C.
Stand 61
Via Bigli 7 - 20121 Milano Tel. +39 02 45481210 info@pivaec.it www.pivaec.it
VENETIAN CABINETRY WORKSHOP
Lacquered and gilded wood folding desk, decorated in arte povera style, surmounted by a mirror with small gilded bronze arms 222x105x52 cm
(First half of the 18th century)
Scrittoio a ribalta in legno laccato, dorato, e decorato ad arte povera sormontato da specchiera con braccetti in bronzo dorato 222x105x52 cm
(Prima metà del XVIII secolo)
PORCINI
Stand 64
Piazza Vittoria 6 - 80121 Napoli Tel. +39 081 7643550 info@porcinigallery.com www.porcinigallery.com
MASTER OF THE GLASGOW ADORATION (ALESSANDRO BUONO?)
(Active in Naples in the second decade of the 16th century)
Madonna with Child, Saint Bruno and Saint Lawrence
Triptych, fat tempera on panel, gold ground 128x56 cm; 100x39 cm
Madonna col Bambino, San Bruno e San Lorenzo
Trittico, tempera grassa su tavola, fondo oro 128x56 cm; 100x39 cm
THE INTERNATIONAL AUCTION HOUSE CLOSE TO YOU
LEMPERTZ COLONIA ASTE AUTUNNO 2024
14.11. GIOIELLI E OROLOGI
15.11. ARGENTI, PORCELLANE E FAYENCE ARREDI E OGGETTI D`ARTE
16.11. ARTE ANTICA E DELL`OTTOCENTO. DIPINTI, DISEGNI E SCULTURE
29.11. FOTOGRAFIA
29.11. ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA – EVENING SALE
30.11. ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA – DAY SALE 10.12. ARTE DELLA CINA, TIBET E NEPAL, ARTE GIAPPONESE
25.11. – 4.12. CONTEMPORARY ONLINE
2. –3.12 ASIAN ARTS ONLINE
REVE ART
Stand 40
Via dal Luzzo 4 - 40125 Bologna Tel. +39 348 2355901; +39 335 244706 info@reveartgallery.com www.reveartgallery.com
GALILEO CHINI
(Florence, 1873 - 1956)
Il Flagello Oil on canvas, 125x125 cm (1917)
Signed and dated bottom right; initialled, titled and dated on the back with the motto “Non dare quello che/ t’avanza/ dai quello che ti è/ caro”
Il Flagello
Olio su tela, 125x125 cm (1917)
Firmato e datato in basso a destra; monogrammato, titolato e datato sul retro col motto “Non dare quello che/ t’avanza/ dai quello che ti è/ caro”
ROBERTAEBASTA
Stand 41
Via Fiori Chiari 2 - 20121 Milano Tel. +39 02 861593 info@robertaebasta.com 85 Pimlico Road - SW1W 8PH London london@robertaebasta.com www.robertaebasta.com
SALVATORE MANGIONE, KNOWN AS SALVO (Leonforte, 22 May 1947 Turin, 12 September 2015) Senza titolo Oil on canvas, 26x23 cm (Italy, 1994)
Signed on the back, autentication by photography of Archivio Salvo N. S1994 - 28 Senza titolo Olio su tela, 26x23 cm (Italia, 1994) Firmato sul retro, autentica su foto dell’Archivio Salvo N. S1994 - 28
ROBILANT+VOENA
Stand 15
38 Dover Street W1S 4NL Londra Tel. +44 207 4091540
art@robilantvoena.com
Via Fontana, 16, 20122 Milano Tel. +39 02 8056179
19 East 66th Street 10065 New York City Tel. +1 917 4090549
art@robilantvoena.com www.robilantvoena.com
ANDREA APPIANI (Milan, 1754 - 1817)
Portrait of Achille Fontanelli (1775-1838)
Oil on canvas, 125x96 cm (1813)
Signed and dated on the left wall “A. Appiani / 1813”
Ritratto di Achille Fontanelli (1775-1838) Olio su tela, 125x96 cm (1813)
Firmato e datato sul muro di sinistra “A. Appiani / 1813”
ROMANO FINE ART
Stand 19
Borgo Ognissanti 36 - 50123 Firenze Tel. +39 055 2396006
GOSWIJN VAN DER WEYDEN (Brussels, c. 1465 - Antwerp, post 1538)
Enthroned Madonna and Child between Saints Catherine of Alexandria and Margaret of Antioch Oil on panel, 76x64 cm (1500-1510)
Madonna col Bambino in trono tra le sante Caterina d’Alessandria e Margherita d’Antiochia Olio su tavola, 76x64 cm (1500-1510)
SALAMON & C. Stand 50
Palazzo Cicogna
Via San Damiano 2, primo piano - 20122 Milano Tel. +39 02 76024638 info@salamon.it; matteo@salamon.it www.salamon.it
GIROLAMO MACCHIETTI
Bacchanal of the Adrians Oil on panel, 131x175 cm (1565-1570) Il Baccanale degli Andrii Olio su tavola, 131x175 cm (1565-1570)
RICHARD SALTOUN
Stand 39 41 Dover Street - W1S 4NS Londra Tel. +44 207 637 1225 info@richardsaltoun.com Via Margutta, 48a-48b - 00187 Roma Tel. +39 06 86678388 rome@richardsaltoun.com www.richardsaltoun.com
ANTONIETTA RAPHAËL MAFAI
(Kaunas, 1895 - Rome 1975)
Quarto giorno della creazione Oil on plywood, 77x45 cm (without frame) 92,5x61x4 cm (with frame), (1968) Quarto giorno della creazione Olio su compensato, 77x45 cm (senza cornice) 92,5x61x4 cm (con cornice), (1968)
SANTA TECLA
Stand 32
Via dei Savonarola 66 - 35137 Padova Tel. +39 049 8561460 santateclaltd@gmail.com
DOMENICO PARODI
(Genoa, 1672 - 1742)
Adonis with his hunting dogs Oil on canvas, 191x123 cm (Early 18th century) Adone con i suoi cani da caccia Olio su tela, 191x123 cm (inizi XVIII secolo)
SCULTURA ITALIANA di Dario Mottola
Stand 51
Via Santa Marta 21- 20123 Milano Tel. +39 02 869 2922 dario.mottola@tiscali.it www.sculturaitalianasrl.com
MANIFATTURA DI DOCCIA
Pair of vases with reliefs
White porcelain of the Doccia Manufacture, 50 cm (c. 1745, Carlo Ginori’s period) Coppia di vasi a rilievo Porcellana bianca della Manifattura di Doccia, 50 cm (c. 1745, Periodo Carlo Ginori)
SECOL-ART ANTICHITÀ
di Masoero Davide & C.
Stand 35
Via Maria Vittoria 27/a - 10123 Torino Tel. + 39 335 8050537 secolartmasoero@gmail.com www.secolart.com
MANUFACTURE ACTIVE IN MILAN
Double-body cabinet
Chinoiserie lacquered wood, 130x55 cm, h 275 cm (mid-18th century) Mobile a doppio corpo Legno laccato a chinoiserie, 130x55 cm, h 275 cm (metà del XVIII secolo)
ROB SMEETS OLD MASTER PAINTINGS
Stand 5 3, rue du Port - 1204 Ginevra - P.O. Box 3083 1211 Ginevra Tel. +41 792 859262
info@robsmeets.com www.robsmeets.com
GIUSTO FIAMMINGO
(Active in Rome between 1615 - 1625 c.)
The fight of the naked young man after the capture of Christ Oil on canvas, 220x290 cm
La fuga del giovane nudo dopo la cattura di Cristo Olio su tela, 220x290 cm
Via del Politecnico 9 - 20121 Milano Tel. +39 02 76022713 info@sba.it www.sba.it
FEDERICO ZANDOMENEGHI
(Venice, 1841 - Paris, 1917)
Donna al caffè (Au café)
Oil on canvas, 54,2x45,2 cm (1914)
Signed and dated bottom left: “F. Zandomeneghi / 914”
Documented Durand-Ruel, Parigi (photograph n. 7915)
Donna al caffè (Au café)
Olio su tela, 54,2x45,2 cm (1914)
Firmato e datato in basso a sinistra: “F. Zandomeneghi / 914”
Documentato Durand-Ruel, Parigi (fotografa n. 7915)
GIAN ENZO SPERONE
Stand 1
Chasa dal Guvernatur - 7554 Sent (Svizzera) Tel. +41 79 9135176 info@gianenzosperone.com www.gianenzosperone.com
ALBERTO SAVINIO
(Athens, 1891 - Rome, 1952) Nocturne
Oil on masonite, 41,5x33 cm (1950)
Signed and dated bottom left Notturno
Olio su masonite, 41,5x33 cm (1950) Firmato e datato in basso a sinistra Private collection
TETTAMANTI ANTICHITÀ
Stand 22
Via Maggio 22r - 50125 Firenze Tel. +39 055 218 044 tettamantiantichita@virgilio.it
ELISEO SALA
(Milan, 2 January 1813
Rancate di Triuggio, 24 June 1879)
Portrait of the Rustem Bey, Giovanni Timoteo Calosso Oil on canvas, 125,5x95,5 cm (canvas) 188x147,5 cm (frame) (Signed and dated 1854) Ritratto del Rustem Bey, Giovanni Timoteo Calosso Olio su tela, 125,5x95,5 cm (tela) 188x147,5 cm (cornice) (Firmata e datata 1854)
TORNABUONI ARTE
Stand 49
Lungarno B. Cellini 3 - 50125 Firenze Tel. +39 055 6812697 info@tornabuoniarte.it
Via Fatebenefratelli 34/36 - 20121 Milano Tel. +39 02 6554841 milano@tornabuoniarte.it
Piazza Marconi 2 - 55042 Forte dei Marmi Tel. +39 0584 787030 fortedeimarmi@tornabuoniarte.it
Via Bocca di Leone 88 - 00187 Roma Tel. +39 06 98381010 roma@tornabuoniarte.it
