Con Alma de Blues Magazine (10º edición) Español by Con Alma de Blues Magazine

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Un espacio que hacemos entre todos, para compartir, conocer y expresar nuestra pasión: el blues. Nuestro medio para comunicarnos, mostrarse como músicos y artistas, relatar sus comienzos, evolución, proyectos, shows y discos y totalmente gratuito.

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La comunidad de Taringa: Colaboradores 10ºEdición: Ornella Capone Sergio Tolobra Administradores: Charly Hernández Tolobra María Heer Bluesnocturno Leandro Chiussi Gustavo A. Zungri Ismael “Gato Azul” Agustín Roca Emiliano Villaverde David Scott Moderadores: María Soledad Cabrera Superrhijitus Fernando Heller Kikofer1 Tana Spinelli ok1234 Tio Tom Diseño y edición general: Agustín Roca

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10º Edición - Fecha: 5-05-2012 Con Alma de Blues Magazine.

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(en nuestra comunidad no está permitido compartir discos de música nacional - salvo con autorización - para preservar el trabajo de los artistas nacionales).

indice

Debbie Davids “...lo que quería era tocar como Clapton” - por María Heer

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Clínica de Armónica - por Leandro Chiussi

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Quien dice que el blues es triste, es porque no escuchó a La Buenos Ayres...

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Chris Cain y Nasta Super en la Trastienda 2012 - por Gustavo Zungri

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Ricardo García Huidobro - por Ismael “Gato Azul”

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Eddie Shaw “Tengo Blues, estoy dispuesto a viajar” - por Sergio Tolobra

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Vernon Harrington, El heredero de West Side Blues - por Emiliano Villaverde

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“Cantar es alegría y no pensar”(Eugene Robine) - por María Soledad Cabrera

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Tinsley Ellis, un rockero con alma de blues... - por Sergio Tolobra

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“Brave” la obra cumbre de la Tana Spinelli - por Gustavo Zungri

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MAGNOLIA BLUES ROCK, Pulsar de la Tierra - por Ismael “Gato Azul”

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La Vieja Ruta - por Fernando Gabriel Heller

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Cristian Mora & La Crema Blues, Blues Power trio de Valentín Alsina

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Jimmy Burns - por Charly Hernández

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James Harman ’’Alabama Blues’’ - por Sergio Tolobra

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Bienvenida - Contacto

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Notas

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Entrevista

James Harman

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Alabama blues

por

Sergio Tolobra

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James Harman (nacido el 08 de junio 1946, Anniston, Alabama, Estados Unidos). Es un armonicista estadounidense de blues, cantante y compositor.

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Felices estamos por su simpática participación y con el buen espíritu, con que nos regaló esta nota, ¡que la disfruten! -Sergio: ¿Qué recuerdos tiene de la escena blusera de sus orígenes en Alabama?

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-James: La mayor parte del tiempo escuchábamos blues en la radio y a los que tocaban en la calles. Anniston había sido la casa de Charles “Cow-Cow” Davenport y el centro de la escena de Boggie Woogie durante las décadas del 30 y del 40.

Hubo un famoso club nocturno negro llamado The Cow-cow Boogie, en honor a él y a algunos que aun vivían. Cuando llegue en 1946,y en 1956 ya era un blues fan muy interesado en todo aquello. Comencé a cantar en el coro de la Iglesia y a tomar lecciones de piano a los cuatro años de edad Siempre que podía, cantaba. En mi juventud, cantaba todo el día canciones “gospel” y conocí a muchos artistas viejos que me contaban historias. Todo el mundo a mí alrededor cantaba y podía tocar varios instrumentos. Mi tío fue Fate Norris, quien había sido un artista miembro de Gid Tanner’s Skillet Lickers y que grabo para Columbia a finales de los años 30 y a lo largo de los años 40. Me había rodeado de mucha música de una forma u otra en gran parte de mi niñez. Recuerdo ver y oír a “Radio Johnson”. Cantaba y se acompañaba a sí mismo tocando la guitarra con un cuchillo; explicó las diferentes afinaciones que usó y me mantuvo perplejo y entretenido. Cuando fui lo suficientemente grande, iría a sentarme con él, escuchar sus historias y tocar blues. Cuando cumplí 16, nos mudamos a Panamá City en Florida y las cosas van mejor. Me reuní con un montón de aficionados y músicos, que me llevaron a discotecas de negros para ver a todos los grandes artistas ambulantes que llegaban. Estos encuentros son los que

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Mientras tanto en California, Canned Heat comenzó su carrera discográfica y por supuesto reconocí su música surgida del blues rural, así que fui a verlos cuando vinieron de gira. Logre ser invitado en una etapa posterior y tuve conversaciones con Alan Wilson, Henry Vestine y Bob Hite y nos hicimos amigos. Ellos me animaron a probar suerte en California y

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-J: En 1965 me mude a Chicago y trate de reiniciar mi carrera pero encontré la ciudad demasiado fría para mi sangre sureña y en 1966 viaje a Nueva York y resulto también demasiado fría para mi sangre de Costa del Golfo, por lo que en 1967 me radique en Miami Florida y continúe con mi propia carrera.

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-S: En 1970, se traslada a California. ¿Cómo fue aquella experiencia?

me dijeron que me ayudarían a comenzar abriendo sus shows. En 1970, nuevamente había fracasado en Nueva Orleans y me traslade a California, donde busqué a Bob Hite quien cumplió su promesa. También había encontrado a Albert Collins tocando en Texas y me dijo lo mismo. Albert se había trasladado al occidente antes que yo y vivía en Los Angeles y también nos hicimos amigos y tocamos juntos en muchos espectáculos.

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realmente me enfocaron directamente a tener mi propia carrera en la música.

James Harman

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Charlie Musselwhite

-S: ¿Cómo conoció a leyendas como Freddie King o John Lee Hooker?

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Rick Estrin

-J: Una vez que fui conocido en California, ya estaba tocando en todos los clubes famosos de blues; una cosa llevó a otra y me encontré convirtiéndome en la banda no oficial de Ash Grove en Los Angeles. A menudo abría todos los actos que tenían una banda y hacia de respaldo a todos aquellos que no tenían su propia banda. John Lee Hooker fue tocando solo en ese www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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momento, así que abrimos para él y nos hicimos amigos. Freddy King siempre tenía su propia banda así que abríamos para él, pero él venia a menudo a sentarse con mi banda.

-S: ¿Cuáles son sus pasos inmediatos en cuanto a giras y grabaciones?

Acabo de terminar dos canciones para el próximo álbum de The Mannish Boys. Mi banda hará una gira de Westcoast en mayo; yo regresare de Europa cuando mi nuevo álbum este saliendo y realizaremos una gira por varios países como de costumbre.

Me gusta la harmónica porque tiene un sonido muy vocal.

-S: ¿Es cierto que uso un bigote falso para poder ver a Little Jr. Parker en vivo?

-S: ¿Qué tema clásico del blues es el que mas disfruta al tocarlo?

-J: Sí, yo tenía 17 años y mis amigos me ayudaron a hacer un bigote falso para lucir mayor y poder ver a Little Junior Parker; ese show ha cambiado mi vida!

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-J: Cuando empecé las lecciones de piano a la edad de cuatro años; al final de cada lección, abría el banco de piano y sacaba las armónicas de mi padre y comenzaba a tocar, y eso llevo a que el piano y la harmónica sean iguales para mí. Más tarde como adolescente músico de órgano en bandas de soul, tocaba el bajo, pero siempre amaba tocar la batería. He hecho conciertos como baterista y disfruté muchísimo. No elegí la armónica, me canse de estar Detrás de ese cuadro grande (órgano con un piano en la parte superior) y quería volver a salir delante a cantar y la harmónica es fácil de usar de esa manera.

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-J: Actualmente estoy trabajando en casa en el packaging de mi lanzamiento de verano titulado: “Bonetime”.

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-S: Desde muy corta edad se relacionó con la música, tocando guitarra, batería, piano, órgano y bajo, pero al final se inclino por la armónica. ¿Qué influyo en esta elección?

-J: “Mean Old Lonesome Train” de Lightnin’ Slim.

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-J: Nunca me incline a tocar ‘canciones de blues clásico’, sólo a hacer mis propias canciones. Yo no soy un ‘fan’ de quienes quieren tocar blues sólo para llegar a tocar mucho. Soy un bluesman y un artista que escribe sus propias canciones y hay una gran diferencia entre esos dos enfoques. -T: ¿Cuál fue el último disco que escucho?

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Entonces voy hacer la gira sudamericana en agosto y regresare a Europa para hacer fechas en España incluyendo las Islas Canarias y finalmente iré al Caribe a hacer “The Legendary Blues Cruise” desde el 27 de Octubre hasta el 4 de Noviembre y ese es el final de mi trabajo para este año.

¡¡Saludos a la comunidad Argentina “Con Alma de Blues”!! ¡Muchas gracias James!.. Gracias por su interés. Report by Sergio Tolobra

Entrevista

Jimmy Burns: “A los setenta se tiene mucho más que por

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contar, por lo tanto hay mucho por escribir”.

Charly Hernández

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tried” (Mint Records, 1967), acompañándose The Gas Company. Llegados a la década de los setenta se editaría únicamente “I really love you” (Erica Records, 1972), finalizando con el EP “Can’t get over”, lanzado en 1980 con el sello Dispo Records. Los años siguientes fueron una laguna, no había noticias de un Jimmy Burns que prefirió cuidar de su familia ante las embestidas de la vida. Pero es en la mitad de los noventa cuando reaparece con un primer LP titulado “Leaving here walking” (Delmark, 1996). Aquel álbum sería la primera piedra de lo que supuso la continuación de la leyenda hasta el día de hoy con “Stuck in the middle” (VelRone Records, 2011).

Sus primeras obras datan de 1964, año en el que editó su primer single, “Forget it” (USA Records, 1964). Después vendrían otros títulos como “Give her to me” (Tip Top, 1965), “You’re gonna miss me when I’m gone” (Tip Top, 1966), “I don’t need (your help)” (Tip Top, 1966) y “I

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-Jimmy Burns: Si es así como se presenta la situación usted no tiene más remedio que hacerle frente a la tristeza. ¿Acaso cree que hay otra opción mejor? Sea valiente y enfréntese a ello.

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Cantante, guitarrista y compositor, Jimmy Burns (Mississippi, 1943) es un músico de blues contemporáneo que combina sus raíces del Delta, del Ryhtm & Blues y del Soul para llegar a un sonido únicamente suyo. Burns es un personaje carismático con una expresiva y emotiva voz, atesorando también un estilo de guitarra difícil de igualar.

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-Charly: Caballero, cuando la tristeza llama a la puerta... ¿Hay que abrirla y dejarla pasar o mejor preguntar qué intenciones tiene?

-C: Suponiendo así que sus propias historias crezcan en sus canciones. ¿Le preocupa dejar de tener experiencias porque entonces dejaría de escribir sobre lo que le pasa?

-JB: Las historias siguen viviendo en las canciones como una forma más de escritura www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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dentro de las mismas. Hasta ahí de acuerdo. Pero recuerde; un escritor de canciones es un contador de historias, por lo tanto, lo que escribe puede que tenga mucho o nada de verdad.

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-C: De acuerdo, pero usted no puede experimentar la misma experiencia sentado en un sofá que tocando música. Quiero decir que no vamos a escribir las mismas letras que un joven de catorce años con el mismo modo de otra persona con setenta y pico años.

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-JB: Si tienes catorce años puedes escribir sobre las cosas que has visto en tu vida hasta ese momento. Pero a los setenta se tiene mucho más que contar, por lo tanto hay mucho por escribir. Es algo lógico que se gana con la experiencia…

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-C: Digo esto porque ha pasado mucho tiempo desde que anunció un nuevo álbum. Creo que desde el año 2003 con “Back to the Delta” no hubo un nuevo disco de estudio. ¿Hace esto para crear expectación?

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-JB: No, no es por eso. La verdad es que yo tampoco lo estaba esperando demasiado, ¿sabes? No sé, no es algo que me inquiete. Las cosas sucedieron en ese momento y ya está. -C: Esto me recuerda a cuando usted dejó la música durante los años ochenta para dedicarse a su familia. Pero en esta ocasión no ha dejado de girar. De hecho, se grabó “Live at B.L.U.E.S.”. ¿Aprovechó esos momentos de gran forma para este disco en directo? -JB: No, bueno. Eso fue una idea de la compañía discográfica. Tenían ese plan y lo

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hicieron sin más. -C: ¿Se siente mejor tocando en vivo o en estudio? -JB: Me gustan los dos modos. El caso es estar tocando. Y eso me hace sentir vivo. -C: Este nuevo disco se titula “Stuck in the middle”. Trece grandes canciones. Un trabajo más inquieto y lleno de energía. -JB: Es por eso por lo que grabo discos de esa manera. También para aprovechar estos motivos y, como no podía ser de otra manera, para demostrar que todas las piezas son grandes canciones. -C: Y la verdad es que es usted valiente.

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-JB: Sí, mucho.

-C: También me gusta ‘Early morning blues’, pero no sé si guarda relación con la canción de Arthur Blake, aunque…

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-C: Creo que esto se refleja en las canciones ‘Hard love’ y ‘Reach for the sky’. Personalmente ‘Reach for the sky’ me parece una canción bella y emotiva. Con el debido respeto, Señor. ¿Está esta canción dedicada a la memoria de su esposa, Dorothy?

-JB: La verdad es que nunca he dejado de tocar blues del Delta. Si te das cuenta está en un montón de las canciones que toco, pero mucha gente no lo escucha hasta que se lo señalan. Hay tantas maneras en las que usted puede escuchar blues del Delta…

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-JB: La fe, sin duda. Eso y la elección de que no había que rendirse. Afrontar la situación y seguir adelante. Exactamente lo que le he explicado en la primera pregunta.

-C: Como he dicho antes, “Stuck in the middle” es un álbum enérgico. ‘Cadillac’ es electrizante, al igual que ‘Wont be too long’. ¿Ha dejado el sonido acústico del blues del Delta para perfeccionar el sonido eléctrico del blues de Chicago?

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Extramusicalmente hablando, ha vivido momentos personales muy duros. ¿Qué le ayudó en esos tiempos difíciles?

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-C: Pero ha versionado ‘Get back’ de The Beatles. Para mí, “Get back” es el álbum que más se acerca al blues (como “Abbey Road”), aunque, como ya sabemos, “Get back” en realidad no fue el último trabajo de The Beatles. ¿Por qué esa canción? -JB: Ahí tiene usted razón, pues es en esa canción cuando escucho el blues. Es la introducción la que contiene esa magia que tanto me atrae. Amén de ser un tema que interiorizo mucho y que además me hace sentir muy rockero. -C: También me pregunto si “Stuck in the middle” tiene algo que ver con la canción de Stealers Wheel.

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-JB: …aunque no sabría decirte, porque esa canción no la he escrito yo.

-JB: Pues sí, tiene cosas que tienen que ver. Es una gran canción. -C: El álbum fue co-producido por David Antonio Herrero. Creo que es la primera vez que le produce su propio trabajo, porque “Back to the Delta” fue producido por Robert G. Koester. ¿Qué tipo de sonido y mejoras, bajo su juicio, ha alcanzado la producción de David Herrero? -JB: Pues ha logrado conseguir un sonido muy diferente al que había en mis anteriores trabajos. Sinceramente busco siempre sonar distinto en cada nuevo disco que grabo. Ya sabe, que no sea similar al anterior. -C: Aunque siempre es bienvenido un nuevo álbum, ¿tiene necesidad de continuar 10 |

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grabando en estudio o prefiere tocar en directo, pero en cambio no grabar nuevas canciones? -JB: Ahora me apetece hacer ambas cosas. Es el momento. (Texto: Charly Hernández)

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Entrevista

“...lo que quería era tocar como Clapton” por

María Heer

Agradecémos la participación especial de uno de los nuevos talentos de la guitarra argentina, Maria Heer entrevistando a una gran figura del blues femenino. -María: Tus padres son músicos y creciste en ese ambiente ¿Fueron ellos quienes te llevaron a descubrir el blues?

momento no existía el apoyo de la sociedad, el colegio, o de la familia para que las mujeres tocaran.

-Debbie: No, mi madre era pianista de música clásica y mi padre estaba en el terreno del jazz y del pop. Yo seguí la tendencia de mi generación, escuché a Clapton, a Hendrix y aprendí que así sonaba una guitarra de blues. ¡Entonces supe que lo que quería era tocar como Clapton!

-M: Fuiste convocada para tocar con Maggie Mayall and the Cadillacs ¿En momento fue que te diste cuenta de que querías hacer música profesionalmente?

-M: Maria: Tocar la guitarra eléctrica no era lo común en las mujeres. ¿Cómo obtuviste la tuya y de qué manera transformó los comienzos de tu carrera musical? -D: Empecé a tocar con una guitarra acústica y no pude darme el lujo de comprarme una eléctrica por mi cuenta hasta los 24 años. Como mujer, tuve un inicio tardío. En ese

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Debbie Davids

-D: Oh no, yo lo venia intentando durante años. Si no hubiera sido lo suficientemente buena, no habría logrado que me llamasen al concierto con Maggie. -M: ¿Cómo empezaste a tocar con Albert Collins and the Icebreakers y qué significó para vos ser parte de esa banda? -D: Conocí a los músicos de Albert y John Mayall en una zapada en Los Ángeles. Todos en el lugar empezaron a hablar sobre mi forma de tocar y justo Albert estaba haciendo algunos cambios en su banda y me llamó. ¡Fue un sueño hecho realidad! -M: Tu primer album salió dos años después de haber tocado con Albert ¿Cómo fue recibido por el público? -D: Fue un disco al que le fue muy bien. ¡Hoy en día lo siguen comprando!. -M: ¿Qué te inspiró para hacer un disco intrumental?

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-D: Si, creo que hoy en día la industria sigue dominada por los hombres, pero a lo largo de mi vida he visto muchísimos cambios. Hoy las chicas jóvenes tienen el apoyo de la sociedad y de las familias para convertirse en guitarristas. Pero todavía hay una tendencia en la industria

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-M: ¿Crees que todavía el panorama de la industria musical está dominado por hombres? Si es así, ¿Qué consejo le darías a las jóvenes artistas de la nueva generación para empezar sus carreras?

de la música de contratar mujeres sólo por su aspecto físico. Mi consejo para a cualquier chica que recién empieza es que trabaje muy duro en conocer el instrumento y el oficio para competir con los guitarristas hombres, sin importar que tan hermosas sean. Les diría que estén orgullosas de su trabajo.

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-D: Quería hacer algo diferente y me di cuenta que mis héroes como Albert Collins y Freddie King habían empezado con álbumes instrumentales. Sentí que era tiempo de que una mujer grabara uno.

-M: ¿En que proyectos estas trabajando para este 2012? -D: Actualmente me estoy preparando para lanzar un nuevo album con todo material original. MUCHAS GRACIAS DEBBIE!!

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Clínica de Armónica Diatónica N 1

por

Leandro Chiussi

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Harp Blues

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El primer paso es lograr conseguir soplar y aspirar individualmente todas las celdillas de nuestra armónica (desde la 1 hasta la 10)

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Para ellos vamos a basarnos en estos consejos técnicos:

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• Labios en posición en ‘u’ hacia arriba. Firmes pero sin fruncir. • Los labios se apoyan sobre los márgenes de la armónica.

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• La armónica entra en la boca casi hasta la mitad.

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• El aire (tanto soplado como aspirado) debe ser manejado en un filo, dirigido suavemente al centro del paladar. • No debemos escuchar el sonido del aire ni al soplar ni al aspirar.

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• Conviene mojar los labios con la lengua para que se deslicen más fácilmente.

Recomiendo primero comenzar trabajando ejercicios en la octava central de la armónica (celdillas del 4 al 7)

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ESCALA MAYOR EN LA OCTAVA CENTRAL (Primera posición)

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(Los números indican las celdillas que se deben soplar. Si están entre paréntesis son aspiradas)

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En la octava superior suelen aparecer algunos problemas extras. Es muy común que las notas aspiradas suenen acompañadas de unos chillidos rompe tímpanos. Para solucionar esto debemos tirar la lengua hacia atrás y hacia abajo como bostezando, haciendo un hueco más grande en la garganta para que la corriente de aire pueda fluir sin obstrucciones. Tengamos en cuenta que las lengüetas de estas celdillas más agudas son muy cortitas y livianas. Debemos aspirar y/o soplar mucho más suavemente para conseguir un sonido limpio más claro y brillante y de esta manera obtener las notas con una correcta afinación y sonoridad.

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WHEN THE SAINTS GO MARCHIN IN

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En el caso de las celdillas más graves (sobre todo en el 1 y 2 aspirado) también suelen aparecer algunas complicaciones. En este caso generalmente se suelen ‘ahogar’ las notas, bajando considerablemente su afinación. Para revertir esta situación también hay que hacer un hueco en la garganta pero mucho más pronunciado. En el caso del 2 aspirado el aire debe ir dirigido más hacia la garganta con mucha suavidad y sin presión, pero en el caso del 1 aspirado la corriente de aire debe ir dirigida más hacia la parte delantera del paladar. En todos los casos los labios y garganta deben estar relajados ya que la mínima presión que podamos ejercer impactará sobre la corriente de aire y de esta manera se ahogarán las notas.

Esta fue nuestra primer clase. Muchas gracias. Soy Leandro Chiussi, me dedico profesionalmente al estudio de la armónica. Dicto clases presenciales y además a distancia por videollamada obteniendo de esta manera alumnos en distintos países del mundo y clínicas para todos los niveles. Autor del sitio gratuito: www.ejerciciosarmonica.com.ar - email: lchiussi@hotmail.com - Web: www.leandrochiussi.com – Cel.: +54 011 1557551449. Leandro Chiussi

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Quien dice que el blues es triste, es porque no escuchó a La Buenos Ayres...

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La Buenos Ayres Blues Band Maxi Hermosilla (Pulga) | voz y guitarra

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Empezamos hablando de Adonde ir, una suave y optimista canción de perfil musical netamente country, donde Federico el Cóndor Rodriguez realza con su armónica el característico toque campestre; le sigue El Metalúrgico, en la que Maxi Pulga Hermosilla entabla una suerte de recitado y se pone en diálogo con la armónica de Fede Rodriguez y los vientos de la banda, para contar la historia de este obrero y la odisea personal que atraviesa para llegar su trabajo; el momento soul del disco asoma su cabeza tímidamente con La Tormenta, y se pone más picante con el tema No voy a cambiar, en el cual conviven el soul, el shuffle y toques de ritmos rioplatenses; la pista se pone caliente y viaja a la década del

setenta con el disquero Salime, donde Maxi le saca brillo a su voz y entra en coros Mariano di Lernia –teclados-; sigue el groove con Todo vuelve, que le da el nombre al disco; el teclado Hammond se ubica en primera persona en Tristemente; la formación de la Buenos Ayres se mete por completo en el rockabillero Un trago mas, sonando tan completa como una típica big band; pisan fuerte con el rock and roll en Desengaño y en sus letras traen al presente aquella entrañable década de los 60 /70s en el blues de nombre Dodge 69; para cerrar esta jugosa lista vuelven al purismo del blues con Recuerdos: aquí entran en acción los invitados del disco Ricardo Tapia –La Mississippi- y Viviana Scaliza –Blacanblus-.

Federico Rodriguez (Cóndor) | armónicas Alejandro Moore (Chino) | Batería y percusión Matías Mazzuco | Saxo tenor

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“Todo Vuelve” es el nuevo disco de La Buenos Ayres Blues Band. En este nuevo trabajo, la banda de gran proyección en la escena nacional, apuesta todas las fichas a las diferentes expresiones de la música negra. Un agradable paseo de la mano de su productor artístico Ricardo Tapia por once canciones que visitan el rock and roll, el shuffle, el blues e inclusive el country sureño; todas hilvanadas por letras que pintan una colección de cuadros típicos donde se divisa el paisaje de la cotidianeidad urbana y suburbana.

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El segundo disco de La Buenos Ayres Blues Band, “Todo Vuelve”, viaja a través del nutrido género de la música negra: once canciones que fusionan la lírica costumbrista con el shuffle, el country, el soul y el blues para moldear en “Todo vuelve” su propia identidad.

Mariano Di Lernia (Pito) | Teclados y piano eléctrico Mauro Rodríguez | saxo alto Julián Márquez (Jam) | bajo Músicos invitados, Ricardo Tapia –La Mississippi-, Viviana Scaliza –Blacanblus- , Ciro Fogliata. www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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entrevista

Pasó el Blues por la noche de Buenos Aires. por

Gustavo Zungri (polloking)

La gran banda Argentina “Nasta Super” no para de sorprendernos, está vez pasó Chris Cain por Buenos Aires y estos grandes musicos estuvieron a la altura de las circustancias acompañando a este gran y brillante musico blusero.

-Gustavo: Felicitaciones Rafa!! ¿Segunda vez no? ¿Salio todo como esperabas? -Rafa: Mucho mejor de lo que esperaba, la verdad es que estoy feliz de haber compartido un tour con Chris Cain una vez más, no deja de sorprenderme con su humildad enorme y su manera única de tocar la viola. Todos los shows de Argentina fueron una fiesta y en Chile

también. Alegría total!! -G: ¿Qué es lo queda en el arcón de tu alma, de esta segunda experiencia? -R: Queda el haber podido darme el gusto de tocar, a mi entender, con uno de los más grandes guitarristas que escuche en mi vida. No deja de sorprenderme la actitud de Cain

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CHRIS CAIN Y NASTA SUPER EN LA TRASTIENDA 2012

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cuando agarra la Guitarra, es como un chico que va a jugar con su juguete favorito, tiene una entrega total al instrumento y a la música es realmente un fenómeno. Además queda siempre la alegría de compartirlo con mis amigos Gabriel Cabiaglia, Fernando Rosso, Walter Galeazzi, Mariano Cardozo y Gustavo Rubinstein.

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-G: ¿Habrá alguna posibilidad de disfrutar la grabación en audio y video de este gran evento?

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-R: El está feliz de venir para acá ya que encuentra un público que se entrega a su música y lo valora enormemente. Se emociona realmente mucho de la calidez con la que lo trata la gente aquí y cuando bajó del avión me dijo que no veía la hora de llegar ya que los recuerdos del 2011 fueron inolvidables. Por suerte repetimos y fuimos por más. Cuando nos despedimos me dió la sensación de que estaba triste de irse de la Argentina, pero prometió volver así que esta historia continuará...

en este caso es todo lo contrario, mil gracias por dejar bien parado el prestigio Blusero en la Argentina. -R: Muchas Gracias por tus comentarios y por tu revista, si sumamos entre todos, cada uno desde su lugar, este genero tan apasionante que es el Blues va a seguir viviendo por mucho tiempo más. Saludos a todos. Rafa

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-G: Disfrutamos de un Chris Cain encendido, cuales fueron sus sensaciones al terminar su tour en Argentina?

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-R: Claro que si, en breve iremos subiendo los mejores momentos de este tour por Argentina y Chile, pero además este año vamos a lanzar el DVD Chris Cain en Argentina 2011 ya que estábamos esperando la aprobación de Chris para poder fabricarlo. También el lo va a fabricar y distribuir en USA ya que quedo muy conforme con el trabajo que hicimos juntos.

Report by Gustavo Zungri (polloking)

-G: Aveces leo por ahí, que los artistas internacionales son mal rodeados en sus visitas a nuestro país, con músicos de medio pelo (lamentable y odiosa critica) yo creo que

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Ricardo García Huidobro, el “Padrino del Blues” capitalino: “El blues es la música que sana las heridas…” por

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Ismael “Gato Azul”

Santiago, 26 de febrero, 03:30 a.m Es una noche tibia en la madrugada en Santiago de Chile. La gente acude en masa a las discoteques y bares en busca de diversión al son de la música de moda. Sin embargo, muchos amantes de la noche van a un lugar en especial, el mítico Bar Grez, lugar y epicentro de la movida blusera de la capital… y todo este se debe en gran parte al trabajo hecho por Ricardo García Huidobro, músico y productor. Acompañado de un rico Cuba Libre, me siento al lado de Ricardo a preguntarle sobre su visión de la música, del blues y de la vida…es una noche mágica con un hombre espiritual.

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Entrevista

-Ismael: Al ser un pieza creadora y creativa en el engranaje de la movida del blues en Santiago, ¿cuál es tu visión sobre la escena musical del blues, acá, en Santiago de Chile? -Ricardo: Ha sido, en lo personal, como productor independiente, ya tres años de trabajo, con un promedio anual de más de 120 eventos que he ayudado a levantar, sobre todo en el Barrio bellavista, en la Capital. Todo este trabajo ha ido de la mano, también, de la creación de una “familia”, una fraternidad, para qué este género sanador, como me gusta llamarlo, se desarrolle al máximo. La escena blusera es una semilla que ya brotó, es una planta que va creciendo. El tallo esta fuerte, maduro y empiezan a salir las hojas, pero esto recién comienza. Hay que seguir alimentando con sol, agua esta plantita, para que crezca fuerte y se transforme en un hermoso árbol, pues de esa forma, dará muchos 20 |

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-Ricardo: Yo nací de padres que se fueron exiliados tras el golpe militar de septiembre de 1973. Yo nací en la República de Panamá y tras 19 años allá, mis padres decidieron volver a Chile alrededor de 1992. Al llegar acá, con tan solo 11 años, puede sacar una “fotografía” de la realidad de mi país. Me llamó profundamente la atención la herida que dejo la dictadura, incluso, en niños de mi edad en aquel tiempo.

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-Ismael: Haz producido eventos para quizás, los más conocidos exponentes del blues local, como El Cruce, Los Queltehues, Ivan Torres, La Vintage Blues, Magnolía, etc. Con ese manejo de información sobre la escena actual, ¿podrías armar un perfil de cómo es el músico de blues chileno?

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-Ismael: Estamos de acuerdo en que el blues no sólo es música, es una energía sanadora, a pesar de que el común de la gente lo asocia a cosas tristes; al contrario, el blues celebra la vida, la alegría de estar vivo y de poder hacer cada día, cosas que pueden cambiar nuestra vida. Desde ese punto de vista, ¿cómo crees tú que esa visión ha aportado a tu vida en particular y a tu trabajo en la promoción del blues?

Yo sabía ya tocar piano, pues mi padre era organista Hammon, pero alrededor de los 19 años, descubro la armónica y tomo clases con el gran maestro Gonzalo Araya… al verlo en acción pensé: Dios mio! estás personas y está música debe ser dada a conocer al mundo. En ese punto empecé a organizar locales y tuve la chance de viajar a Mendoza con el mismo Gonzalo Araya. Luego de mucho trabajo, he llegado al Bar Grez, dónde he encontrado un hogar, no sólo por el espacio físico, sino, por que la gente que acude a este lugar es gente muy instruida en lo musical, pero bueno, esto recién comienza amigo y esperemos siga creciendo más y más.

-Ricardo: El músico de blues chileno busca encontrar un sonido local y autóctono, mezclado con el sonido sagrado del blues tradicional. Busca rescatar sus raíces y también sus identidades locales. Tienes blues urbano, tienes blues rural, como la banda Los Queltehues, banda que tiene un blues con olor a pasto mojado, con olor a campo chileno. Las buenas bandas chilenas, que vienen haciendo un trabajo con profundo respeto al género, están haciendo un buen trabajo, basado en la letra, la música y el espíritu, sin olvidar mencionar, que son buenos instrumentistas. www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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y dulces frutos a un país y a una sociedad que necesita sanarse. Según mi diagnóstico, esta sociedad esta herida y creo fervientemente que el blues puede curar esas heridas.

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A pesar de las dificultades para a adaptarme a esta sociedad, casi castrada en la energía de su alma, fue el blues el barco que me llevo al mar de la sanación y de la paz espiritual-

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de Teno, Jano Letelier, Andrés Lecaros y Los Forágidos, así como también algunos más underground, que quizás no cultivan al 100% este género, pero si lo llevan en su adn, es ese sentido, nombro al gran Mauricio Redolés, quien quizás sea el poseedor de la canción que sirvió de “génesis” para todo este movimiento, canción llamada “Blues de Santiago”. Dos casos especiales para mi, son el de la mítica banda llamada “La Banda del Capitán Corneta” banda de blues de principios de los años 90, lamentablemente desaparecida y también del músico que viene desde Puerto Montt, casi al extremo sur de nuestro país, el gran Andrés Campos, con letras y un estilo muy característico del sur de nuestro país.

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No olvido mencionar a nuestra leyenda local, qué es sino, un bluesman de tomo y loco, el gran y querido Jhony Blues.

-Ismael: Ya que eres una excelente primera fuente, eres algo así como “El Padrino del blues local”, ¿podrías darme tu listado de bandas de blues de Chile que hay que oír?, para que los amigos que nos lean, se interesen en conocer a aquellas bandas… -Ricardo: Por supuesto. Debemos mencionar a “El Cruce”, también a “Aguaturbia”, Jorge Soto, fundador de bandas como “Tumulto” y “Sol y Medianoche”, quien tiene ahora su banda llamada “Sototo Blues”, sobre todo por su gran capacidad en la guitarra y su trayectoria. La Vintage Blues, banda de Santiago, Los Queltehues, Los Bandoleros 22 |

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-Ismael: Creo que es imposible ser productor de blues y no querer replicar lo que haces en tu vida personal, por lo mismo, ¿tienes tus proyectos con alguna banda de blues? -Ricardo: Para mi ha sido un gran desafío, pues en el momento que empecé a tocar armónica, me gustaba estar arriba de los escenarios compartiendo la música y la energía sanadora del blues para el público que me estuviese viendo. Pero también, me dolía que no hubiera un trabajo más profesional por parte de quienes organizaban estos eventos, por lo cual, decidí pasarme al lado más “sucio” y que cuesta tanto hacer. Mi misión era educar al público y abrir puertas a quienes estaban buscando una oportunidad. Tuve la fortuna de conocer, en mi época

-Ismael: Bueno, ya para finalizar la entrevista en una cálida y fraternal noche santiaguina, unas palabras de despedida de mi amigo Ricardo García Huidobro. Que nos resuma en un par de palabras todo lo que siente por el blues, por aquella fuerza mágica que nos libera de muchos miedos y sana muchas heridas… Ricardo, nuestros amigos leerán tus sabias palabras…

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Ricardo García Huidobro en CineOff the Record http://www.youtube.com/watch?v=TJsFLOxJfR4

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Tito Escárate - “Chamán de Neón” http://www.youtube.com/watch?v=pUaAcAzacJo Entrevista junto a don Vilanova Botafogo http://www.youtube.com/watch?v=T0uQ4gPVtlw

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-Ricardo: Bueno, de partida Chile tiene a un gran maestro que es Gonzalo Araya, también esta Juan Moya, que es un tremendo director de orquestas de armónica. En lo internacional, admiro mucho a Charlie Musselwhite, también a Junior Wells y por supuesto también la maravilla de Adam Gussow, quien participa en la dupla “Satan and Adam”, sencillamente extraordinario.

Mi deseo es que el blues se expanda en Chile y ojala cada vez más en Sudamérica. Me gustaría que más bandas argentinas vinieran a Chile y viceversa, para así en plenitud y total éxtasis, avanzar hasta la paz, el amor y la felicidad, como debería ser siempre.

por Ismael “Gato Azul”

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-Ismael: ¿Cómo armonicista, cuáles son tus influencias?

forma impresionante el mensaje de “amar a tu enemigo”, de poner la otra mejilla. Los bluesman nos han entregado algo hermoso, la enseñanza de que el ser humano puede hacer grandes cosas. El blues es un lenguaje universal que une a todo el mundo. El blues es sanación, en mi experiencia personal, sanó mis heridas, por lo cual, estoy completamente seguro que puede sanar las de otras personas.

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en la universidad, a un cantautor con una buena trayectoria, es historiador del arte, uno de los primeros autores de libros sobre la historia del rock en Chile. Su nombre es Tito Escarate y me invito a participar en su proyecto y he estado tocando con él desde hace ya seis años. En su proyecto, la música posee el adn del blues chileno, pero se amplía a todo el crisol popular latinoamericano. Ha sido un gusto trabajar con ellos, ya tenemos dos discos al haber y pronto lanzaremos un tercero.

-Ricardo: Gracias Ismael por esta oportunidad. El blues es un sonido sagrado, proviene de una historia antropológicamente profunda, de la génesis de la humanidad, de África. Es el sonido de la esclavitud que se transformó en libertad, transformó de

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Eddie Shaw

“Tengo Blues, estoy dispuesto a viajar” por

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Entrevista

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En sus más de cinco décadas de carrera, el saxofonista Eddie Shaw ha compartido escenario con las más grandes figuras del mundo del blues, además de liderar su banda con la que lleva grabados diez discos. Eddie nació el 20 de marzo de 1937 en Benoit, Mississippi, y creció cerca de Greenville. En 1957 acompañó a Muddy Waters en una actuación en Itta Bena. Después de esa presentación, Muddy lo invitó a formar parte de su banda. Después de unos meses y tras una pelea con el pianista Otis Spann, Eddie Shaw deja la banda y es precisamente la otra gran figura de la Ciudad de los Vientos, Howlin’ Wolf, quien le ofrece formar parte de su banda el mismo día de su renuncia en 1958. Hoy en el año 2012 tenemos el placer de entrevistarlo directamente para ustedes.

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Sergio Tolobra

-Sergio: Eddie, dices que tu música vive en una etapa de transición entre el antiguo y el nuevo mundo del Blues. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

-E: No es el instrumento, es la persona detrás del instrumento el que crea el sonido. Desde que toco el saxo, siempre eh pensado que estoy añadiendo algo único al sonido que eh llegado a amar a lo largo de los años.

-Eddie: El blues no tiene épocas. El blues llega a través de todas las culturas y clases de gente, jóvenes y viejos. El blues se transforma y llega a todos los aspectos de la vida.

-S: ¿Cómo y porqué surge la idea de “The New 1815 Club”, lugar que se convirtió en un obligado para los músicos durante los 70?

-S: Como cabeza de la banda, ademas de cantar y de tocar el saxo, tocando la armónica. ¿Cree usted que los instrumentos de viento son el sonido mas importante en el blues?

-E: Eh tocado en el club antes de convertirme en el dueño. Estaba interesado en el club y tenia al dueño para que me ayude a entrar en el negocio. Lo compré y cambie un par de cosas y fue un éxito. Comprar el club fue una motivación en mi carrera y me ah

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dado a mí y a muchos una vida placentera y de disfrute. Como músico me dio un gran placer ver a tantos de los grandes entran en mi club. Vivir la experiencia, con la gente, y el artista que toca, me produce mucha satisfacción y me ayuda a crecer como músico también. El club me ha dejado muchos buenos recuerdos y un “plus” a mi carrera como músico.

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-S: En tu exitosa carrera de más de cinco décadas tocando con numerosos músicos incluyendo cuando hizo de banda soporte para “Howlin ‘Wolf y Muddy Waters”. ¿Qué recuerdos tiene de esas dos leyendas del blues?

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-E: Ambos eran dedicados a sus carreras y trabajaban duro para convertirse en algo mejor a lo que eran. Mucho de lo que aprendí y gran parte de mi éxito se lo debo a ellos. Ambos dejaron grandes huellas en el mundo del blues, y yo eh tratado de mantener ese espíritu y de seguir llevando adelante el blues. Ellos me transmitieron su fuerte ética de trabajo y su dedicación al blues, y es algo que tengo arraigado en mi y que lo llevo conmigo todos los días.

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-S: En el 2007 debutáste como actor en la película “Honneydripper”. ¿Cómo fue la experiencia?

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-E: Fue una experiencia genial, y tuve la oportunidad de aprender algunas cosas acerca del negocio de las películas. Era algo que nunca había hecho antes así que estaba ansioso por probar. No se si me gustaría permanecer en el negocio, pero ciertamente fue una muy buena experiencia.

-S: ¿Cuál de tus canciones es la que más te gusta tocar? Además del blues, ¿Qué otra www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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música escuchas habitualmente? -E: Disfruto tocando todas mis canciones, no tengo una preferida... Me gustan todas. Cuando no estoy tocando blues, me gusta escuchar algo de jazz incluso country. -S: ¿Cómo fué tocar con tu hijo, el brillante guitarrista, Eddie Vaan Shaw? -E: Fue muy gratificante el poder tocar junto a mi hijo. Fue algo muy valioso para ambos... Especialmente para mi porque tuve la oportunidad de enseñarle más acerca del blues, y en la otra mano haber aprendido más experimentando y desarrollando un blusero.

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-S: ¿Cuál sería tu mensaje para los jóvenes que quieren empezar a tocar blues, y especialmente a los que aman el saxo y la armónica? -E: Si eligen ser músicos como carrera, deben saber que no hay atajos. Debes practicar y estudiar para mejorar en lo que haces, al final el trabajo duro tiene su recompensa Abrazo para todos Argentina!!. Eddie Shaw

los

bluseros

Report by Sergio Tolobra. traducción by iuio_cprc.

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entrevista

Vernon Harrington El heredero de West Side Blues

por

Emiliano Villaverde

El guitarrista y cantante Vernon Harrington nació 21 de mayo de 1953 en Chicago, Illinois, representante de la rica tradición del blues del West Side de la Ciudad de los Vientos. Su padre fue el Rev. Houston H. Harrington, quien durante las décadas del 50 y 60 y al frente de Atomic-H Records grabó a algunos de los mejores músicos de segunda línea de la escena local (Sunnyland Slim, Little Mac Simmons, Jo Jo Williams y Morris Pejoe, entre otros). Embebido desde la cuna por el blues. En esta oportunidad tenemos la posibilidad de entrevistar a una de las pocas leyendas vivientes del blues… Mr. Vernon Harrington. Hola Vernon, es un placer poder conocer un poco más acerca de ti y tu maravillosa música. -Emilia: Si pienso en tu infancia me pregunto ¿Qué sensaciones se generan en un niño al crecer en una familia y una ciudad blusera como en tu caso?

-V: No me fue difícil aprender a tocar como zurdo. En ese tiempo no sabía que estaba sosteniendo la guitarra al revés, solía intentar agarrar la guitarra como derecho pero no podía ponerle feeling. Solía ir a la casa de Magic Sam cuando era chico para escucharlo tocar, se me quedaba ese sonido en la cabeza y escuchaba sus albumes.

-Vernon: Vine de una familia blusera, mi papá tocaba un poco la guitarra y siempre me gustó la guitarra desde que era chico.

-E: ¿Quiénes han sido tus máximas influencias musicalmente hablando a lo largo de tu carrera?

-E: ¿Te fue difícil aprender a tocar sin cambiar de lugar las cuerdas de la guitarra teniendo en cuenta tu condición de zurdo?

-V: Magic Sam me inició en el blues y me enseñó algunas cosas. También me gustaba BB King y Albert King. -E: ¿Qué significa Willie Dixon para ti y para el mundo del blues? -V: Willie Dixon significa un montón para mi y para el mundo del blues. El empezó el Blues Fest en Grant Park. A principios de los ‘80s hizo un montón por la ciudad. En Chicago fue nuestro MC tour del ‘77.

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-V: Estuve trabajando todos estos años así que no tuve tiempo de hacer un CD

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-E: ¿Qué recuerdos te dejo el público Argentino en tu paso por Sudamérica ¿Te gustaría volver a tocar aquí?

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-V: Me dejaron buenos recuerdos y me gustaría volver, el público de Argentina es fabuloso.

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Report by Emiliano Villaverde Traducción by David Scott

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-V: En el año ‘77 estaba trabajando, tocando música. Parte del tiempo después del ‘77 solamente tocaba en clubs los fines de semana. Fuí a Europa en abril del 2010, un año después de que hice el West side blues. Esa fue mi gira después de 30 años. Durante ese tiempo estuve pensando si volvería, por eso fue que hice el CD, para sacar mi nombre de vuelta más que nada porque había pasado mucho tiempo. Me tomó bastante hacer ese CD porque no tenia tiempo para escribir las canciones. Cuando dejé mi trabajo me dije que ya era hora de sacar algo nuevo.

-V: Tienen que mantener el blues vivo y traer más bluseros buenos de EE. UU. Sigan bluseando, muchísimas gracias!

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-E: ¿A qué atribuyes el que hayas estado alejado de la primera plana del blues entre aquella gran gira del 77’ por Europa hasta el Chicago Blues Festival del 2009?

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-E: Para finalizar y agradeciéndote este contacto para la comunidad “Con Alma de Blues” en Argentina ¿qué cosas crees que se podrían mejorar en cuanto a la difusión del blues en Sudamérica

-E: En el 2009 aparece West Side Blues” y es muy bien recibido por los críticos, ahora ¿por qué fue tan tardía la salida de tu primer disco como solista?

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cantantes

por

El método de canto y la persona Las personas, somos únicas e irrepetibles. No hay un cuerpo exactamente igual al otro (de hecho, en nuestro propio cuerpo, en dos miembros iguales existen asimetrías). Dos personas dentro de un mismo grupo familiar, y con la misma madre, piensan distinto, tienen diferentes experiencias, y actúan de modo diferente. Lo mismo pasa con la voz. No hay una voz igual a la otra (a excepción de los imitadores) aunque en algunos casos, puede suceder que dos voces se asemejen. A veces por una cuestión de fanatismo, idealización o identificación. En otros casos, creo que es debido a algunas técnicas o docentes que aplican una misma forma o método a diferentes

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“Cantar es alegría y no pensar”(Eugene Robine) María Soledad Cabrera

alumnos, o entrenan a sus alumnos en base al “copiado” de su propia voz (la del docente), lo que da como resultado, un grupo de alumnos que cantan igual que su maestro. Esto implica un método de canto con discípulos con la misma sonoridad, las mismas patologías vocales y los mismos recursos estilísticos. A través de mi estudio con diferentes métodos, entre ellos el que más estudié, el Método Rabine (y en relación a mi profesión como musicoterapeuta) intento desde el lado de la docencia, encontrar la mejor forma, o la más prudente, de enseñar canto: sin perder la esencia del alumno, y sin dañar su voz. Creo que el tratamiento de una voz se apoya sobre una base (trípode), para ayudar en la prevención, promoción y rehabilitación vocal. El trípode al que hago alusión está compuesto por: la identidad vocal, la intuición y experimentación; éstos constituyen un primer núcleo fundamental. Una segunda instancia es la técnica vocal que se asienta sobre este núcleo para el desarrollo de la voz del cantante. A continuación, voy a desarrollar uno por uno, los tres ejes que conforman el trípode fundamental.

La dentidad Vocal del Cantante Cuando el cantante usa su voz, expresa el resultado de una forma. Ese todo, “esa forma”, es la identidad.

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dijeron, pero su autoestima era alto.

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En mi caso personal, cuando comencé a cantar blues, comencé con un conflicto. Escuchando a Etta James, o a Aretha Franklin me daba cuenta de que la técnica vocal, si bien me ayudaba, no era suficiente. Necesitaba romper con algunos conceptos, que tal vez funcionaban en otros, pero a mí no me servían. Asimismo, comencé a desprenderme de mis propios prejuicios, y a conectarme conmigo misma y con mis percepciones acerca de mi propio instrumento. La técnica entonces me ayudó en muchos aspectos, pero la otra parte del trabajo fue intuitiva.

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identidad es el conjunto de rasgos propios de un individuo o una comunidad”. Estos rasgos caracterizan al sujeto o a la colectividad frente a los demás. La identidad es aquella que hace a una persona distinta de otra. Cuando escuchamos a un cantante, estamos frente a su identidad. El cantante que viene a clase, “construyó” esta forma, como un modo de supervivencia, para poder comunicarse con otros y encontrar su propio lugar en una sociedad. Esta construcción es producto de experiencias desde el nacimiento hasta la actualidad, y sigue en desarrollo. Este es el lugar donde nosotros los docentes somos protagonistas: Desde el lugar y el momento en que encontramos al alumno y hacia donde

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Lo más maravilloso es que un cantante va construyendo (como su identidad) una forma de cantar, es decir, una técnica vocal propia. No todos leemos los mismos libros ni los interpretamos de la misma forma. Tal vez tenemos el mismo profesor, pero ¡cantamos y transmitimos de diferente manera un mismo texto! Un buen alumno, no es aquel “políticamente correcto”. Un buen alumno es un alumno libre. Para que un alumno tenga libertad, primero necesita su identidad, ser seguro (ambas tienen que ver con su autoestima), y ser intuitivo. La antitesis a eso es el “alumnodependiente”: aquél que no tiene conocimiento de si mismo, es inseguro y hace solo lo que su profesor dice (El maestro de canto alemán Eugene Rabine habló de la importancia de la intuición del alumno y de estos conceptos en su último congreso en Buenos Aires)

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podemos guiarlo. Los maestros debemos ser “guías”. No conducimos a los alumnos adonde nosotros queremos, sino adonde ellos todavía no saben como ni adónde llegar. De esta forma, no podemos decirle a uno alumno no hagas esto, o eso que hiciste esta mal, porque de esta forma, podemos herir la subjetividad del alumno y tal vez obstaculizar su proceso de aprendizaje y desarrollo. Lo importante es trabajar sobre los aspectos positivos. ¿Qué hubiera pasado si le dijeran al cantante de Led Zeppelin que estaba gritando y eso estaba mal? Bueno, tal vez se lo

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La intuición del cantante

Para un alumno libre y un maestro www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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prudente, no hay absolutismos. No existe el: no y punto. Tal vez hoy es no, y mañana puede ser. Tenía una alumna que cuando vino hace tres años, no abría la boca cuando cantaba. Hace poco, tuve que ayudarla a percibir que su boca ahora estaba demasiado abierta. Esto sucede porque los seres humanos vivimos en movimiento y siempre estamos “compensando” .Eugene Rabine también citó que no hay alumno que no utilice compensaciones (sino no podríamos estar de pie tampoco). Por eso, nunca trabajamos de la misma forma con el mismo alumno, algunas veces el alumno necesita mucho, y otras poco (también los maestros debemos ser intuitivos). Esto es lo que me apasiona del trabajo como docente. La persona tiene una base de personalidad pero sobre ella hay siempre movimiento. El alumno 32 |

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debe ser capaz de ir percibiendo a través de la intuición este movimiento de su voz en el tiempo.

Experimentación: Si suena, existe El último concepto que compone el trípode es, tal vez cuestionado por algunos docentes de canto provenientes de las viejas escuelas, diría con un tinte cuasi filosófico: todo lo que suena es, por ende: Si suena, existe. Hay muchos cantantes que se acercan con dudas como: ¿cantar grave me va a hacer mal? ¿el frito vocal me daña la garganta? ¿siempre tengo que tomar mucho aire? ¿respiro siempre por la boca? Creo que la mejor respuesta

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Lo importante, es que ahora me siento feliz cantando ese estilo. Cuando un alumno te diga: no lo hice como tal, pero probé, lo hice como yo quise y pude, y me sentí bien, creo que lograste un objetivo. El objetivo de un buen docente debe ser no solo la salud vocal, sino mental.

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Debemos ser prudentes a la hora de “enseñar”. Me gusta más el término de “guía” (enseñar = guiar). No solo enseñamos canto, sino que enseñamos (guiamos) a los cantantes a ser auténticos, seguros, intuitivos, a descubrirse, a reconocerse, y a ir adonde ni ellos mismos, ni uno mismo imaginaba.

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Muchas veces hay cosas que sabemos que son nocivas para el cantante como hacer demasiada fuerza al cantar o usar algunos recursos que puedan dañar sus cuerdas vocales; pero es bueno que el cantante sepa lo que está haciendo y asimismo nosotros tenemos que contar con herramientas para “ofrecerles otras posibilidades” más salugénicas (pero la elección es del alumno). No es buena idea decirle a un cantante de Heavy metal que está gritando y que elija cantar otra cosa, mi objetivo como docente, debe ser ayudarlo para que se sienta más seguro y con más rendimiento en el escenario, porque en definitiva, para eso vino a mi clase. Entiendo que existen muchos cantantes que no conocen hasta donde podrían llegar por prejuicios, por el “no” que les imprimieron o porque creen que como nunca fue un sonido que cantaron no existe (si nunca probaron, ese sonido no está dentro de su conciencia, por ese motivo no existe). Para que sepan adónde pueden ir, deben conocer ese lugar, y darse el permiso de hacerlo. Como ejemplo vuelvo a citar a Etta James o a Aretha. Yo creía que

por ser una blanca de Buenos Aires, con poca influencia de mis padres y haber crecido con el rock nacional bajo el brazo no podría llegar a sus agudos. Hasta que decidí romper con mis prejuicios, abrir mi boca y hacer que suene. Decidí probar. Obviamente no sonó igual, ni tengo la extensión o la sonoridad de ellas, pero si descubrí esos terrenos, antes pedregosos (porque al principio sentía miedo y que me encontraba en desequilibrio) y supe reconocer mi propia voz y mi forma de sobrellevarla.

María Soledad Cabrera Musicoterapeuta en Prevención de la Salud Universidad del Salvador – Facultad de Medicina Cantante

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que encontré fue: hace un experimento con vos mismo. A esto me refiero con cantar agudo, cantar grave, usar poco/mucho aire, respirar por boca, por nariz, imitar voces e instrumentos, improvisar, cantar lavando los platos o haciendo tareas cotidianas, corriendo, saltando, hacer pausas, silencios y esperas al cantar (el silencio y la escucha también forma parte de la naturaleza del canto), etc. El hecho de que puedas hacer sonar y experimentar ese sonido sirve para el desarrollo de tu identidad y el desarrollo de tu voz. Que suene lo que tenga que sonar, sea lindo o feo para el alumno. En definitiva, que suene es bueno.

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Tinsley Ellis

un rockero con alma de blues...

por

Sergio Tolobra

Canta y toca con la energía y el alma de todos los grandes músicos del sur que han venido antes que él. Ellis envuelve su música con el poder de rock y sentimiento blues, siguiendo la tradición de los héroes musicales de la Deep South, Duane Allman, Freddie King, Derek Trucks y Haynes Warren. Tuvimos la linda posibilidad de entrevistarlo para muestro magazine.. -Sergio: ¿Qué recuerdos tenes de tu primer banda: “The Alley Cats”, que tenia como miembro a Preston Hubbard de “The Fabulous Thunderbirds”? -Ellis: Fue la primer banda real de blues que estuve. Nosotros giramos mayormente en Sur América entre 1979 y 1981 pero fue antes de la época de Stevie Ray Vaughan y la audiencia no eran muy amantes del blues en ese entonces. Fue una lucha. -S: ¿En 1988 vos firmaste contrato con la afamada Discográfica Alligator Records, que significo este paso en tu carrera?

-E: Firmar con Alligator Records en 1988 fue un punto de giro en mi carrera. Ellos son la discográfica lider de blues en el mundo. luego de firmar con Alligator, yo podía tocar en cualquier parte del mundo, y eso hice. -S: A pesar de haber tocado con muchas figuras, con qué músico te gustaría compartir un show? -E: Eric Clapton sin dudas. -S: ¿Cuál es tu mayor fuente de inspiración cuando compones? -E: Mis canciones son muy personales. Yo escribo sobre las buenas y malas cosas que me pasan, como también de las buenas y malas cosas que veo alrededor mio, las canciones de blues sostienen un espejo frente a la vida.

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Entrevista

-S: Los puristas del blues, solo respetan a los músicos negros nacidos en ciudades tradicionales donde nació este estilo.

-E: Sin embargo, para citar sólo un ejemplo, Howlin ‘Wolf, en 1966, cuando se le 34 |

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Si el paró, eso paro. no es para reírse, Pero el arranco desde el Blues.

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-S: ¿Qué nos puedes decir sobre el futuro inmediato de tu carrera?

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Pero seguramente Elvis no podría ser considerado un cantante de blues, alguien dijo...puede que no, pero Wolf lo reconoció con su ronca voz, pero empezó desde el blues.

-E: Nosotros hicimos dos shows en argentina en 1995 y las bandas de blues que abrieron el show eran geniales!

-E: Estoy escribiendo canciones para otro album y recorriendo el circuito de festivales este verano.

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preguntó acerca de cantantes de blues blanco, nombró a Elvis Presley.

-S: ¿Qué opinas de esto? -E: El blues certeramente tiene sus raíces en África. EL blues es negro. el negro es blues. Lo que yo toco es Blues/Rock que es una combinación de mi profundo amor por ambas músicas, Blues y Rock.

-S: Querido Tinsley, muchas gracias. En Argentina tienes muchos fans y esperamos que nos visites para tocarnos tu blues. Gracias!! -E: Les mando un fuerte abrazo a la gran aficción blusera de vuestro país!!

Report by Sergio Tolobra

-S: ¿Conoces algún blusero argentino? www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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por

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Gustavo Zungri (polloking)

Nacida en 1970, en Buenos Aires, Argentina; la Tana Spinelli se dedica a reproducir el Delta Blues, spiritual y gospel de varios siglos atrás, lo que ha resultado ser una experiencia enriquecedora y muy emotiva. A través de ella pudo tomar como propia la tradición de los “Songster”. En esta dinámica entrevista nos presenta su nuevo trabajo discográfico. -Gustavo: Tana del alma!! gracias por tanto buen arte!, ¿”Brave” primer disco solista? -Tana: Sí, es mi primer disco solista, para su repertorio hice una selección de temas tradicionales del delta blues, de autores como Robert Johnson, Skip James, Memphis Minnie, Odetta, Ma Rainey y algunos temas propios. También quise incluir un breve homenaje al soul primitivo, con una versión de “Ain’t no sunshine” de Bill Withers.

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“Brave” la obra cumbre de la Tana Spinelli

-G: ¿Qué significa este disco para vos? -T: Para mi ha sido un proyecto muy especial y emocionante. Disfruté muchísimo de investigar las canciones originales para recrear, componer, pensar y proyectar el sonido que deseaba para cada tema. Acostumbrada a compartir con otros los detalles relacionados al proyecto de un disco, fue muy fuerte y con momentos de muchas dudas el desarrollo de Brave. Por lo que pude desarrollar un “hilo conductor” para las canciones relacionado con emprender, avanzar, hacer cosas nuevas o cambiar; que en 36 |

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lo personal implica contar con “valentía” para hacerlo (y está dedicado a todos aquellos que se identifiquen con esto), de ahí el título del disco.

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excelente trabajo?

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-T: Este disco se ha ido presentando en vivo desde su salida en 2011 y ha estado en festivales y escenarios de Colombia y teatros de Buenos Aires. Estamos preparando una nueva gira 2012 por Colombia y esperamos en lo que resta del año dar shows en Buenos Aires. Paralelo a esto, se amplía mi proyecto con un nuevo sonido que incorpora a la guitarra delta, un bajo y batería. Estamos puliendo repertorio, temas nuevos, clásicos y demás.

Pude contar en este desarrollo, con la participación de amigos muy queridos en algunas canciones : Alejandra Burgos y Lorenzo Thompson cantando, las guitarras (construidas y tocadas) de Javier Meza y en la armónica y la producción técnica y artística con Horacio E. Cuadrelli.

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-G: Thanks “Miss Blues”! -T: Thank you video-blues Boy!! Jaja.. un abrazo.

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-T: Recomiendo algunas canciones en particular como Brave (propio) o Illinois Blues (Skip James) y momentos especiales como el Crawlin Kingsnake (J.L. Hooker) de Lorenzo Thompson y los solos de guitarra de Javier Meza o las voces de Alejandra Burgos en “Oh my babe” (Odetta) y sobre todo en Finding blues (propio) junto con el bellísimo arreglo de armónica de Horacio Cuadrelli en el mismo tema o en Conjur Man (Memphis Minnie)

-T: Brave se puede adquirir en los conciertos, o a través de la página web: www. songster.com.ar (por mail en Argentina) o al resto del mundo, usando la tienda virtual. Para tener una previa de los sonidos de éste y discos anteriores también se puede acceder a través de Taringa Música.

Tana Spinelli. Report by Gustavo Zungri (Polloking)

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-G: Hablamos un poco del contenido y si recomendás algún corte en especial.

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-G: ¿Dónde se puede adquirir?

-G: ¿Hay presentaciones en vivo de este www.ConAlmaDeBlues.com.ar

entrevista

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MAGNOLIA BLUES ROCK

Pulsar de la Tierra

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Ismael “Gato Azul”

MAGNOLIA BLUES ROCK nace en el año 2000 en La Serena, sus integrantes eran Claudio Araya Santana (Bateria), Freddy Muñoz (Bajo) y Jorge “Cochiblues” Araya (Guitarra y voz) , en 2002 se radican en Santiago donde graban su primer disco homónimo “Magnolia” 2003”, en 2007 editan “Cien años después”, luego viajan a Buenos Aires y graban su tercer disco “ Magnolia en vivo en Buenos Aires” (2008) , un registro en vivo en el Bar Mr Jones con grandes músicos de la escena del Blues Bonaerense. Actualmente la banda trabaja en su cuarto disco y se ha incorporado el bajista Venezolano Leonardo “Pana” Dávila en reemplazo de Freddy Muñoz, músico oriundo de Caracas y avecindado en la ciudad de Coquimbo. -Ismael: ¿Al ser una banda de región, específicamente de la zona norte de nuestro país, una zona no muy conocida, en cuánto a bandas o movida musical, uds. representan en parte a la escena musical de esa zona? ¿Se podría decir, si es así, que uds. han sido la punta de lanza de la movida blusera del norte de Chile? -Jorge: Primero que nada tanto en la 3era y 4ta región del Norte de Chile, existen muchas bandas y músicos de diferentes estilos, un dato por mencionar es la Escuela de Música Jorge Peña Hen de la Serena, que fue la primera en su especie en Chile y una de las que mayor cantidad de músicos a provisto a las orquestas de cámara y filarmónicas de nuestro país. En lo referido al Blues por lo que sabemos, Magnolia es un referente de este estilo en nuestro territorio, pero además, después de nuestras giras al Sur de Chile y nuestra permanencia en Santiago, hemos percibido que al parecer lo seriamos para el País y bueno eso lo hemos constatado en nuestra giras a Argentina (Mendoza y Buenos Aires y Brasil (San Carlos, Ribeirao Preto, Catanduva etc.) en donde hemos visto que internacionalmente Chile, en lo que respecta al Blues, solo tenía como referente a nuestro gran armonicista 38 |

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Gonzalo Araya. Lamentablemente Santiago sufre de ceguera cultural grave con respecto a su propio país, continente y mundo, y si tomamos que además tiene el control centralista de los medios de comunicación, tenemos una situación de discriminación informativa nefasta para la retroalimentación cultural mental del propio país, lo que demuestra un subdesarrollo cultural de gran nivel. -I: Dentro su extensa carrera, de la cuál ya llevan años tocando y girando por todo Chile, ¿Cuáles son los mejores logros, las mejores experiencias adquiridas en este tiempo? -J: Primero ganar el FONDART (Fondos de cultura) para grabar nuestro primer disco y con esto establecernos en Santiago, hemos efectuado innumerables giras por el Sur de Chile, grabamos nuestro segundo disco “100 años después” (2007) con el cual pudimos internacionalizar nuestra carrera, viajando a Argentina tanto a Mendoza como Buenos Aires y bueno en esta última grabar nuestro tercer disco en el Bar de Blues Mr. Jones, para nosotros el lugar más importante de Sudamérica en el estilo, en este registro en vivo participaron destacados músicos argentinos como Gustavo

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-I: Su trabajo se caracteriza por ser una mezcla del viejo y del nuevo blues, ¿Cómo llegaron a esa combinación? ¿Cuáles son las influencias directas al sonido de Magnolía? -J: Claramente en nuestra infancia los clásicos del rock, hard rock, rock latino de los 80s, fueron nuestras primeras influencias, ya en

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nuestra juventud nos adentramos en el Jazz y blues además de explorar en la música cubana y brasileña. En nuestra madurez nos conectamos fuertemente con el concepto del Groove, el cual fue estimulado por Freddy Muñoz nuestro ex bajista. Hoy en día nuestra visión de la música es crear desde los orígenes, por ejemplo Coke se ha convertido en casi un etno-músico ya que estudia el Blues desde África, la música Tuareg y los registros que existen de la música Diaguita, ancestros indígenas del Norte de Chile. La verdad que no creemos mucho en lo del “Nuevo Blues”, nuestra forma de ver el tema musical es por estilos de raíz (The Roots) su conocimiento y estudio serio de estos y experimentar sus fusiones, es como la cocina uno va buscando combinar colores y sabores de todo lo que le gusta y que se ajusten a la atmosfera que requiere el tema.

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Lazo (Armónica), Josue Marchi (Guitarra), Jorge Fiasche (Guitarra), Giussepe Puopolo (Saxo), Gonzalo Araya de Chile (Armónica) . Además hicimos una gira por algunas ciudades de Chile con el gran guitarrista Daniel Raffo, para nosotros uno de los más grandes de Argentina, y abrimos los shows del maestro Don Vilanova (Botafogo) en Chile (2008), finalmente a finales de 2010 efectuamos una gran gira por 4 ciudades de Brasil que fue muy exitosa, compartiendo escenario con la gran banda brasileña “Blues The Ville”, esperamos volver pronto.

-I:Pensando o soñando en grande, ¿cuál www.ConAlmaDeBlues.com.ar

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es al meta más anhela de la banda? -J: Ser un referente de Unidad en Sudamérica en el Blues y una voz para el mundo en términos de reivindicación cultural de nuestra real identidad sudamericana. El hemisferio Sur es totalmente diferente al hemisferio Norte del Mundo y estamos total mente invadidos por su cultura, por ejemplo en el Norte hay mas tierra que mar, en el Sur más agua que tierra, en el Norte vive el 90% de la población Mundial en el Sur solo el 10%, cuando en el Norte es verano en el Sur es Invierno. Con respecto a esto, celebramos el año nuevo en Verano, eso no es posible pues el principio y término del ciclo natural terrestre es el Invierno, momento donde se prepara la tierra para la siembra, es por eso que los pueblos originarios celebran el año nuevo en Junio acá en Sudamérica, el Inti Raymi en el Altiplano y el Wetripantu en los Mapuches Chilenos y Argentinos. En el hemisferio norte el origen de la celebración de año nuevo es Celta y lo hacían por el Solsiticio de Invierno (21 de Diciembre), es decir justo en la fecha de cambio de estación a Invierno donde comienza la siembra, es muy simple.

verdad y buscamos sus raíces y llegamos al Blues y así seguimos buscando la raíz de la raíz, finalmente volvimos a conectarnos con la tierra y a reconocer a nuestros grande cantores sudamericanos como Violeta Parra, Victor Jara, Atahualpa Yupanqui etc. y a nuestros ancestros Diaguitas y Mapuches. Un cultura pro-crecimiento de una sociedad se va haciendo con el paso de la vida de los seres humanos que dejan su aporte de amor para el desarrollo de las civilizaciones. -I: Definan en pocas palabras que encontrará la gente que los escuche desde ahora, qué se encontraran en un show de uds.

-I: Volviendo al tema de sus orígenes… ¿Qué los llevo a meterse en el blues? Y en el mismo tema, ¿Qué otras bandas de blues de la zona norte del país (Chile) podrían mencionar, recomendar, apoyar?

-J: Esperamos que se conecten con el “Pulsar de la Tierra”, nombre de nuestro 4to disco y que principalmente se diviertan y disfruten, porque todo lo que hacemos es colocar nuestro corazón al servicio de la música.

-J: Creo que el tema de fondo con el Blues es que nosotros como cualquier humano necesita de una tierra, un sustrato donde plantar su raíz y de ahí crecer, en el caso de Chile nosotros por el tema del golpe militar de 1973, no tuvimos acceso al Folkclor , por que se le tildó de COMUNISTA, este es el sustento cultural de las sociedades, pero si tuvimos el Rock, intuimos que en el fondo de este había

-I: Para terminar, unas palabras fínales para el público que los conocerá aún más desde ahora.

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-J: Todos tenemos un maestro interior y el juego de la vida es encontrar esa maestría en el fondo del corazón¡¡¡¡ Bendiciones a todos… Ismael “Gato Azul”

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baterista. Y la Rana cantando.

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Al año siguiente, aquel bajista y aquel tecladista dejan la banda. En ese momento, entre Adrián, Rana y yo, encontramos a un pibe de 17 años que pintaba con talento. También decidimos dejar las teclas de lado e incorporar a otro guitarrista. Entra en escena, el mismísimo Ariel. Ya como quinteto, obligamos a Rana a estudiar armónica, por supuesto con Luis Robinson, no había nadie más por esos años. Dio frutos, sin lugar a dudas. El bajista se llamaba Hugo Borchert y realmente aprendía y crecía como músico a pasos agigantados. Los ensayos eran cada vez más productivos y nuestra unión cada vez más firme.

Adrián Flores nos edita, como productor, nuestro primer disco: Vendiendo el alma. Tocábamos mucho, y gracias a Flores, pudimos compartir escenario con figuras internacionales como Jhon Primer, Eddie King, entre otros. Mientras tanto, nuestras letras criollas llegaron a los oídos del vocalista de Memphis la Blusera, Adrián Otero, a quien le caímos bien. Al poco tiempo teloneábamos a los Memphis ante 5000

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Empezamos a tocar en muchos lugares, sobre todo en el Subsuelo de la calle Bartolomé Mitre, donde hacíamos un show de tres bandas con los Rompeblues de Carlos Bada y los King Size de Daniel Raffo. Sábados repletos de gente que se quedaba hasta el final sin moverse. Luego llegó el Blues Special Club, de la mano de Adrián Flores.

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Más tarde, en el verano de 1991, de vacaciones en Mar de Ajó, con algunos de mis amigos, entre los que estaban Walter René, entenderán por qué le decimos “Rana”, viendo a una banda de blues, que años después serían grandes amigos y compañeros de escenario (Los Delta Blues), ideamos, imaginamos la primera formación de La Vieja Ruta. No teníamos muy en claro cuál era el camino, ni cuanto íbamos a durar, ni quien se iba a quedar, pero mi testaruda cabeza alcanzó para que a la primer semana posterior a esas vacaciones y luego de habernos empachado de música con los Delta, nos metiéramos por primera vez en una sala de ensayo. La experiencia fue desastrosa, duró un año, y ya en el mes de Septiembre tuvimos nuestro primer show en Shangai, un hermoso tugurio del barrio de Flores. Ese mismo año, tocamos con Los Piojos, sí, los mismos Piojos, en otro tugurio de Villa del Parque. La formación era con una guitarra, un teclado, un bajista y un

Fernando Gabriel Heller

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En 1989 tenía dieciocho años. Muchos sueños, de todo tipo, laborales, espirituales y musicales. Desde los siete venía tocando y estudiando guitarra. Hasta que con Ariel, un hermano de la vida, decidimos ir a ver al Maestro Botafogo para aprender a tocar de otra manera. Habíamos escuchado con Ariel, desde el colegio secundario, algunos discos de Freddie King y de Albert King. Y eso mismo el maestro Botafogo nos empezó a transmitir cada sábado por la mañana mientras nos comíamos unos bollos de verdura que comprábamos en la rotisería cerca de su casa, en Colegiales.

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La Vieja Ruta

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personas en un festival que se organizó en las afueras del Instituto Malbrán de la Ciudad de Buenos Aires. Fue lo máximo. Ya maduros y luego de 3 giras por la costa atlántica, en el 2001, grabamos un disco en vivo en el Blues Special: Vivo con los blues… Un disco al que escucho siempre, me encanta su sonido crudo. Creo que allí está nuestra base en cuanto a los sonidos. Ya con otro bajista, el enorme Daniel Garavaglia. Hugo se había marchado por problemas personales y Daniel supo adaptarse a nuestro círculo de amistad, que suele ser bastante cerrado. Daniel ya es clásico, después de los fundadores, Adrián (batería), Rana (voz y armónica), Ariel (guitarra) y yo (guitarra) es el más antiguo en la banda. Desde el 2001 hasta ahora ha ocurrido de todo. Nos hemos dedicado a otras cosas, 42 |

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digo laborales y de estudio, nos hemos casado, hemos tenido una parva de pibes, pero en el medio de todo eso, y entre discusiones, golpes duros, desencantos, La Vieja Ruta siguió unida. Más Blues, más música, más rocanrol. Es imposible acordarse de todo, pero una de las cosas que me ha dado la vida, de las más hermosas, son mi familia, mujer e hijos y esta banda, che. Me llenan el alma, hacen que junte fuerzas para bancarme a todo el resto. Para no seguir recordando y hablar solo del pasado. Quisiera contarles que desde hace tres años, más o menos, somos siete integrantes. Se han agregado Ariel Massini en piano y Martín Tojo en Saxo. Otro acierto. Necesitábamos un cambio que haga sonar a la banda un poco más actual sin perder la fuerza y la crudeza inicial. Ellos supieron entender cómo funcionaba la

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Muchas veces nos preguntaron cómo se hace para durar veinte años. Es que somos los mismos chicos de siempre, los que nos cagábamos de risa con boludeces en el secundario, los que nos tirábamos en un patio a tomar una cerveza, los que nos bancábamos unos a los otros con todos los problemas juntos. Los que poníamos los cassettes de cromo, grabados de vaya a saber quien, compilados de Albert y de Freddie, entre otros. Eso hacemos, todavía lo hacemos, semana a semana. Fernando Heller La Vieja Ruta

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cosa. Nos aportaron frescura y buenas ideas. Empezamos a cambiar viejos temas y junto con Rana, comenzamos a componer nuevas canciones.

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tocando una versión guitarrera de “High Compression”, el clásico de James Cotton. La magia de Internet hizo posible esto. Pinta potente. Un disco Vieja Ruta puro. Ya sale, Con alma de Blues tendrá la primera copia.

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Así es como está naciendo “Trabajo Fino”, nuestro nuevo material en CD. Grabado en Circo Beat y mezclado en Estudio Paraíso por nuestro nuevo productor Martín Gandulfo. Queda poco tiempo, seguimos de pie y renovados. En julio del año pasado tocamos en la Trastienda en el marco de un fabuloso festival de Blues, luego en noviembre llenamos un teatro en Palermo festejando los 20 años, vino el amigo Raffo a tocar un par de temas con nosotros. Por supuesto, Daniel Raffo, participa como invitado en el disco haciendo uno de sus magistrales solos en un boogie llamado “Yiro Perfumado”. También tuvimos el honor de que Ricardo Tapia, cantante de La Mississippi, cantara un tema en nuestro disco a dúo con Rana: “La negra de mis sueños”. Por otro lado, J.W. Jones, guitarrista canadiense y artista con siete discos editados, gusta de nuestra música. También lo tenemos

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Blues Power trio de Valentín Alsina

La historia del trío comienza en Valentín Alsina a mediados del año ´94. De una zapada entre amigos surgió lo que sería la primera formación,que por ese entonces pasaría a llamarse simplemente “La Crema”. La banda estaba formada por músicos con influencias del heavy metal, del rock and roll y como no podría ser de otra manera del “BLUES”. Con

La Crema Blues alcanzaría su objetivo ,al presentarse los domingos hasta quedar fijo los viernes en el Samovar de Rasputín, como soporte de “Alejandro Medina Band”.(Manal, La Pesada del Rock and roll, Pappo´s Blues ) También en el mismo lugar la banda realiza numerosas zapadas con grandes músicos de los ´70 y ´’80, como Pajarito Zagüri, León Almará,

esta primera formación la banda interpretaba covers de Deep Purple, Led Zeppelin, Pappo y Jimmy Hendrix entre otros. Entre idas y vueltas, y antes de cumplir un año de tocar juntos la banda se disolvió. Pasaron 3 años hasta que Cristian “seis uñas” Mora (guitarra y voz- miembro fundador de la banda), Dario Aime (batería) y Ruben Miño (bajo) comenzaran a gestar lo que sería el power trío “LA CREMA BLUES”. Durante el año ´99 la banda realiza varios shows por pubs y clubs mayormente de la zona sur, pero es al año siguiente cuando

Skay Beilison, etc. En el 2001 graban su primer trabajo titulado “Vino Tinto Blues”,con temas propios y covers del gran blusero de Texas “FREDDY KING”, con el cual se presentan en un bar en San Telmo hasta terminar como banda soporte de “Black Amaya y los Robertones”, en un ciclo que se extendería por varios domingos, denominado “Rock de los`70”.El mismo Amaya le presentaría a Pappo a Mora, así lo recuerda: “Fue muy fuerte para mí poder ver y charlar unos minutos con el carpo...y eso siempre se lo voy a agradecer al Black”. También en el

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Cristian Mora & La Crema Blues

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(ex-Buenos Ayres Blues Band en bajo).

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Luego pasaron bajistas como Mariano Coronel (ex-Rompeblues) y Ariel Escarlón (exSiete Pistones), con el cual comenzaron a grabar el nuevo trabajo del trío “Líneas del asfalto”.

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Actualmente CRISTIAN MORA & LA CREMA BLUES está conformado con: CRISTIAN “SEIS UÑAS” MORA - Guitarra y voz CRISTIAN “TANQUE” PIÑANEZ - Bajo “DR. TONY DURO” - Batería

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http://www.rock-de-barrio.com.ar/mora-y-lacrema-blues

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2001 Cristian Mora tiene el honor de zapar un tema con el tecladista de hammond “DEACON JONES” (Jhon Lee Hooker, Freddy King), gracias a la amabilidad de Miguel Botafogo, quien le prestó su guitarra para la ocasión. Luego vendrían más shows importantes: con Ciro Fogliatta Trío(2004), Diego Mizrahi (2004) y Vox Dei (2005), con Black Amaya (Pappo´s Blues, Pescado Rabioso) como invitado especial de la banda y Rino Rafanelli & Riman Bloom (2012). A fines de 2009 “La Crema Blues” graba su segundo trabajo: “Pacto de Amor”, con una nueva formación: Cristian “seis uñas” Mora (guitarra y voz), “Locomotora” Sandy (ex-San José blues band en batería) y Matías “Blanquito” Dagrosa

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Con alma de Blues www.taringa.net/comunidades/blues www.conalmadeblues.com.ar

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