EVOLUCION HISTORICA DE LA ESCULTURA. POR ARQ. SEBASTIAN AGUILAR MEDINA by historiasdeveraguas

2016

MONOGRAFÍA

“EVOLUCIÓN HISTORICA DE LA ESCULTURA”

UNIVERSIDAD DE PANAMA. CENTRO REGIONAL UNIVERSITARIO DE VERAGUAS. FACULTAD DE ARQUITECTURA ARQ. SEBASTIAN AGUILAR MEDINA

UNIVERSIDAD DE PANAMÁ | 10/5/2016

UNIVERSIDAD DE PANAMÁ

FACULTAD DE ARQUITECTURA.

MONOGRAFÍA

“EVOLUCIÓN HISTORICA DE LA ESCULTURA”

ARQ. SEBASTIAN AGUILAR MEDINA

FECHA: 10/5/2016

ÍNDICE

Contenido I.

INTRODUCCIÓN .................................................................................................................. 4

II.

CONTENIDO. ........................................................................................................................ 5 ANTECEDENTES HISTORICOS DE LA ESCULTURA ..................................................... 5 Escultura prehistórica .............................................................................................................. 6 Las técnicas de talla y herramientas del paleolítico............................................................ 7 Útiles Paleolíticos para la talla. .............................................................................................. 8

Arcilla en la Prehistoria .............................................................................................................. 20 Edad Antigua ........................................................................................................................... 21 Escultura Helénica antigua ............................................................................................................ 24 Períodos artísticos de la escultura Egipcia......................................................................... 29 Herramientas usadas para las esculturas Egipcias .............................................................. 31 Las esculturas de pulido ........................................................................................................ 32 Periodo arcaico ....................................................................................................................... 38 Antigüedad clásica en Grecia ............................................................................................... 40 Materiales y técnicas.............................................................................................................. 46 Imperio Romano ......................................................................................................................... 48 Retratos romanos ...................................................................................................................... 50 Edad Media ................................................................................................................................. 51 Escultura románica..................................................................................................................... 53 Materiales usados en la Escultura Románica. ................................................................... 56 Escultura gótica .......................................................................................................................... 56 FUNCIÓN DIDACTICA DE LA ESCULTURA GOTICA: .................................................................... 63 SIMBOLOGÍA DE LA ARQUITECTURA GOTICA: .......................................................................... 64 ICONOGRAFIA GÓTICA: ............................................................................................................. 64 Edad Moderna............................................................................................................................. 66 Escultura en el Renacimiento ............................................................................................... 66 Manierismo y Escultura barroca............................................................................................... 76 La Contrarreforma en la Escultura ....................................................................................... 78 Escultura Barroca. ...................................................................................................................... 80 Materiales y herramientas usadas en la escultura barroca ............................................. 82 Escultura en el Siglo XIX ....................................................................................................... 82 Neoclasicismo en la Escultura.................................................................................................. 82

Escultura del Romanticismo ............................................................................................. 93 El modernismo en la Escultura................................................................................................. 99 Constructivismo en la Escultura ............................................................................................. 105 Escultura minimalista. .......................................................................................................... 114 El ARTE CONCEPTUAL .............................................................................................................. 114 Land Art.................................................................................................................................. 115 ARTE POVERA .................................................................................................................... 116 El performance o la postmodernidad ................................................................................ 117 EL HIPERREALISMO, ESCULTURA. .............................................................................. 127 ESCULTURA SIGLO XXI ........................................................................................................ 129 HIPERREALISMO EN EL SIGLO XXI............................................................................... 134 LA ESCULTURA AMBIENTAL. .......................................................................................... 136 MATERIALES EN LA ESCULTURA SIGLO XXI ............................................................. 137 TECNICAS USADAS EN LA ESCULTURA SIGLO XXI ........................................................................ 137 Escultura Africana .................................................................................................................... 137 Asia ............................................................................................................................................. 139 Escultura de la India............................................................................................................. 139 Escultura en China ............................................................................................................... 142 Escultura de Oceanía .......................................................................................................... 144 Historiografía ......................................................................................................................... 147 III.

CONCLUSIONES ......................................................................................................... 149

IV.

BIBLIOGRAFÍA ............................................................................................................. 150

INDICE DE ILUSTRACIONES ............................................................................................... 152

INTRODUCCIÓN

La escultura es un arte universal que ha perdurado durante toda la historia y que cada día se reinventa y aplica al momento y lugar donde se desarrolla. Ha sido integrado a muchas de las otras artes logrando una fusión extraordinaria tanto en la arquitectura, como artes escénicas, danza, arte efímero y otras. Desde los primeros pasos de la humanidad una de las maneras de expresarse de los seres humanos ha sido la escultura, la cual ha evolucionado en sus formas y su interpretación hasta nuestros días. En este trabajo haremos una descripción cronológica del arte de la escultura, su características, materiales, principios y funciones de cada uno, atraves del tiempo y tomando en cuenta el contexto donde fueron creados y sus aportes hasta nuestros días. Además se ha hecho una investigación profunda sobre los materiales y técnicas utilizadas en diferentes épocas de la historia de la escultura, hasta nuestros días. Hoy se están experimentado nuevas opciones, con el apoyo de tecnología y materiales lo que esta brindado productos únicos en la historia pero muchos con influencia de movimientos escultóricos ya probados. Es un trabajo didáctico para los amantes de la escultura, conocedores y personas interesadas en saber más de la evolución, diferentes estilos, formas y principios de la escultura atraves de los tiempos.

II.

CONTENIDO.

ANTECEDENTES HISTORICOS DE LA ESCULTURA La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolución de la escultura desde sus principios teniendo en cuenta las diferentes culturas del mundo y los períodos históricos que suelen coincidir con los de la propia historia del arte. A lo largo del tiempo, muchas de sus formas y herramientas utilizadas siguen siendo las mismas o similares.1 Desde las civilizaciones prehistóricas hasta las actuales, la escultura ha pasado por varias fases funcionales; inicialmente, tenía un uso utilitario y era un método para representar ritos mágicos o religiosos. En ciertos momentos de la historia, debido a la aparición en algunas religiones del aniconismo —por ejemplo, en el cristianismo ortodoxo y en el islam—, la práctica de la escultura se reduce a la realización de adornos sin ninguna representación de imágenes. El rechazo de Moisés del culto al becerro de oro, que cita la Biblia, fue seguramente un acontecimiento decisivo en una parte de la historia de la escultura, ya que promovió la práctica según la cual había que evitar la existencia de imágenes sagradas o de personas religiosamente relevantes, así, permaneció restringido entre los judíos y en las religiones que han derivado. Iniciativas como ésta surgieron también en los inicios del cristianismo y del budismo, sin embargo y con el paso del tiempo, en ambas religiones se revirtió esta tendencia y la escultura alcanzó una gran relevancia, sobre todo en el budismo. Sin embargo, algunos sectores se siguen practicando la iconoclastia, como lo demuestra la destrucción de los Budas de Bāmiyān por parte de los talibanes en 2001.2 Los escultores medievales y renacentistas trabajaban en colaboración con otros artesanos y solían tener grandes talleres, en estos locales podían trabajar muchos ayudantes y oficiales, y el maestro escultor era el encargado de la finalización de las obras. Por otra parte, detrás del arte han existido grandes mecenas, el patronazgo de los cuales, en algunos casos, se prolongaba durante toda su vida. Más recientemente, a partir del siglo XIX, los escultores dependen normalmente de las galerías públicas y privadas donde se exponen las obras de cara a su venta, ya que los encargos para proyectos civiles son relativamente poco habituales. La representación de la figura humana ha sido uno de los temas principales hasta el siglo XX.3 Con la aparición de nuevos materiales artificiales y herramientas mecanizadas, así como con el desarrollo de los medios de comunicación, la evolución de los estilos se aceleró y, por tanto, diversificó. Los comienzos del arte experimental que dio lugar a la abstracción llegaron a ser una práctica escultórica dominante durante al menos cincuenta años, después de que la tradición figurativa se impuso durante siglos. La tradición escultórica fue cuestionada tanto en el contexto mercantil como en el diseño industrial, el cambio que ocasionó tanto a nivel social como a nivel político y filosófico en el período 1

Barry Midgley Ediciones AKAL, 1982 p .13 (ed.). «Los talibán destruyen por completo los budas de Bamiyán». Consultado el 18 de diciembre de 2010. 3 Maltese 2001, p .16 2www.elmundo.es

vivido entre las dos guerras mundiales permitió que el arte abstracto, a partir de 1945, se concentrara en la expresión de las cualidades físicas de los materiales y en la búsqueda de la sensación visual.4

Escultura prehistórica

Ilustración 1. Vista frontal y lateral de la Venus de Brassempouy en marfil. Tomado de www.angelfire.com

El arte prehistórico se remonta al Paleolítico inferior, cuando el hombre cortaba el sílex golpeando el mismo contra otra piedra. De esta manera se conseguía el bifaz, una herramienta con punta y corte que utilizaban para defenderse y para descuartizar y aprovechar la carne de los animales, hacia el año 1800 aparece la primera representación de un bifaz, en una publicación inglesa de la mano de John Frere.5 La mayoría de estatuillas de la edad de piedra fueron hechas de marfil o piedra blanda, sin embargo, han sido encontradas figuras de masa con forma humana y animal. Posteriormente usaron el grabado, el relieve en piedra y en huesos de animales. Aparecen representadas las primeras figuras humanas femeninas de piedra, que muestran una gran exuberancia en una exaltación a la fertilidad; hay ejemplos de entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad.6 Estas figuras se conocen con el nombre genérico de «Venus», y entre todas las que nos han llegado cabe destacar la Venus de Willendorf (24.000-22.000 a. C.) de la zona de Willendorf, la de Brassempouy y la de Lespugue.7 Durante la cultura Magdaleniense se utilizaron bastones perforados y propulsores Durante el Paleolítico superior, los ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados. Evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones esquemáticas, hasta llegar a la representación de figuras de animales que se adaptaban a la estructura del hueso.8 En el análisis de este tipo de piezas realizado por Serguei A. Semenov se apreciaron incisiones realizadas

Midgley 1982, p .14 Kalipedia (ed.). «Teoría del arte: iconografía e iconología». 6 Frere 1800 p. 204-205 7 La Gran enciclopedia en Catalá 2004 8 Sureda 1988 Vol. I: p. 36-37 5

con cuchillos de sílex y con alguna especie de buril que permitía hacer muescas, realizar determinados detalles y eliminar el material sobrante.9

Ilustración 2. Venus de Willendorf tallada en piedra caliza. Foto tomada de http://charladehistoria.blogspot.com/

Las técnicas de talla y herramientas del paleolítico.10 Durante la Prehistoria se desarrollaron dos maneras diferentes de tallar el sílex, aunque de cada una de ellas se desarrollaron numerosas variantes. La percusión. Consiste en golpear directamente, percusión directa, o mediante un

percutor el silex, percusión indirecta. La talla por presión. En ella no se golpea sino que se ejerce una presión elevada mediante un útil llamado compresor, como puede ser una varilla hecha con un asta.

Durante el Neolítico aparecerá una tercera técnica, esta aplicada sobre piedra, que es el pulimento, frotar mediante abrasión una herramienta hasta obtener una superficie lisa y brillante.

Ilustración 3. Proceso de talla del sílex. Foto http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO

Semenov 1981: p. 82 http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO

Ilustración 4. Ejemplo de uso de utensilios de sílex. Foto http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO

Útiles Paleolíticos para la talla. El percutor. Es el útil de base que sirve como martillo que golpea directamente la piedra. Pueden ser de piedra (un canto rodado) o de un material blando, por ejemplo hueso o madera.

Percusión directa Percutor durmiente o pasivo

Es una gran piedra que, bien asentada en el suelo, sirve para diversos fines, siendo el más obvio el golpeo con la pieza a trocear, obteniendo generalmente grandes lascas. La técnica del percutor durmiente es poco conocida porque ha sido poco experimentada, si bien se conoce que se usó durante el Paleolítico Inferior para obtener lascas de gran tamaño que, a su vez, serían soportes para ciertos utensilios. Las grandes lascas eran soportes muy apreciados, pues necesitaban muy poca transformación, con lo que se ahorraba esfuerzo en su manufactura. El problema del percutor durmiente es que se manejan piedras de gran tamaño, lo que implica un escaso control sobre el resultado y numerosos golpes fallidos, al menos hasta adquirir la fuerza y la pericia suficientes.

Ilustración 5. Retoque por percusión directa sobre un yunque de piedra.

Otra forma de emplear el percutor durmiente como yunque es más propia de periodos avanzados (a partir del Paleolítico Superior). Aunque se basa en el empleo de una piedra sólidamente asentada, el concepto técnico es completamente diferente: se trata de apoyar lascas u hojas líticas sobre el yunque y llevar a cabo un retoque abrupto por repercusión en un lado (dorso) o

extremidad (truncadura) obteniendo retoques así, cruzados ortogonales (es lo que se llama retoque abrupto).11 También se ha podido experimentar el retoque sobre yunque de piedra por medio de una fuerte presión, obteniendo así un borde retocado regular y monofacial.

Percutor duro activo

Ilustración 6. Varios tipos de percutor duro.

Es un simple canto trabajado que se usa como martillo para golpear la roca, sujetándolo directamente con la mano. El percutor duro es y ha sido el más utilizado a lo largo del periplo humano, pues aunque se usen otros tipos de percutores como herramientas principales para la talla, los de piedra son herramientas subsidiarias para preparar el terreno (por tanto, nunca puede ser utilizado como un argumento cronológico). La percusión dura es la primera en aparecer y la única que se conoce durante, al menos, dos millones de años (hasta que se incorpora el percutor blando); se empleó para la fabricación de útiles a lo largo de toda la cadena operativa, hasta que la tecnología lítica mejoró. Entonces el percutor duro quedó relegado a las primeras fases de elaboración de un artefacto: el desbastado inicial, la hechura primaria (la creación de preformas, que luego serían refinadas con percutor blando o por presión), el ataque de planos de percusión inaccesibles para el percutor blando, la preparación de plataformas de percusión en determinados núcleos, etc. A pesar de que hay testimonios indirectos de su larga persistencia, la arqueología ha sacado a la luz muy pocos percutores. Entre los más antiguos son los citados por Jean y Nicole Chavaillon tanto en Gomboré 1B, como en Melka Kunturé e, incluso, Olduvai (capas I y II): Los percutores duros activos se distinguen por su forma oblonga con uno o dos bordes activos con numerosas marcas de choques y, a menudo, pequeños lascados (astillamientos), así como algunas fisuras.12 Éstos, se reconocen por las numerosas huellas de golpes que tienen (microestrellas, conos de percusión, fisuras, lascados fortuitos...).

Tixier, Jacques (1982). «Techniques de débitage: ossons ne plus affirmer». Studia Praehistorica. Volumen 2 (Bélgica). Página 21.

Cavaillon, Jean y Nicole (1981). «Gatlets aménagés et nucléus du Paléolitique Inférieur». Préhistoire Africaine. Mélanges offerts au doyen Lionel Balout réunis par Roubet, Hugot y Souville (Editions ADPF, París). Página 284.

Es posible que en las excavaciones antiguas y poco sistemáticas pasasen desapercibidos, pero también se ha dicho que los buenos percutores de piedra eran tan apreciados, que el artesano sólo los abandonaba cuando quedaban inútiles.13 Semenov habla de un yacimiento rico en percutores (el de Polivanov, Rusia),14 pero, como el resto de ellos, son casi todos del Neolítico en adelante.15 El tamaño de los percutores duros depende de su función: los hay muy grandes para el desbastado, los medianos sirven para la hechura, los pequeños son herramientas auxiliares para preparar plataformas de percusión, o retocar lascas. Respecto a la forma, los hay circulares, ovalados, rectangulares.... De hecho, la forma depende mucho del estilo del artesano (al menos por lo que respecta a los prehistoriadores que experimentan con la talla del sílex, y que adquieren estilos, posturas y gustos distintos). A pesar de que los percutores de piedra son más propios de la extracción de lascas anchas y cortas, usados con maestría pueden conseguir un control muy preciso del troceado de la roca. De hecho, se han atestiguado casos de extracción de hojas líticas con percutor duro, principalmente en el Paleolítico Medio europeo (casi siempre hojas Levallois16 ), pero también en el Superior y en el Epipaleolítico. Cierto que la extracción de hojas es más efectiva con otras técnicas, pero hay suficientes indicios para afirmar que también se puede hacer con percutor duro. Incluso hay casos excepcionales e inauditos de extracción de hojas de obsidiana de más de 30 centímetros en el México precolombino y en la antigua Etiopía (en ninguno de los casos los tallistas experimentales modernos han sido capaces de recrear los métodos, por lo que éstos son, en ambos casos, un misterio por resolver).17 Percutor blando directo

Se trata de un fragmento de asta de cérvido o de madera dura que se utiliza para golpear la roca y extraer lascas. Los percutores blandos suelen tener unos 30 ó 40 cm de largo y el tamaño idóneo para asirlos en la mano. El material del que están hechos es muy variado, ya a lo largo de su historia los humanos han cazado muchas especies de cérvidos en todo el globo, pero los tallistas experimentales aprecian concretamente los de reno o de caribú (si bien, los de ciervo son los más comunes y asequibles). En el caso de la madera, sólo sirven las especies de material especialmente dura: boj, acebo, tal vez encina, por ejemplo. En cualquier caso, el percutor duro se desgasta con su uso con relativa rapidez, cada golpe se come un poco del percutor, de hecho, aquellos percutores que están hechos de madera duran muy poco. Los de asta duran algo más, pero al final acaban quebrándose por la fatiga del material. La observación a ojo desnudo revela que el 13

Leroi-Gourhan, André y Brézillon, Michel (1972, reimpresión de 1983). «Fouilles de Pincevent, Essai d'analyse ethnographique d'un habitat magdalénien (section 36)». Gallia Préhistoire. Supplément 07 (CNRS). ISBN 2-222-01479-4 14 Semenov, Serguei A. (1981, edición original en ruso de 1957). Tecnología prehistórica. Estudio de las herramientas y objetos antiguos a través de las huellas de uso. Akal Editor, Madrid. ISBN 84-7339-575-1. (página 91) 15 Piel-Desruisseaux, Jean-Luc (1986). Outils préhistoriques. Forma. Fabrication. Utilisation. Masson, Paris. ISBN 2-225-80847-3. (páginas 12) 16 Révillion, Stéphane (1995). «Technologie du débitage laminaire au Paléolithique Moyen en Europe Septentrionale: état de la question». Bulletin de la Société Préhistorique Française. Tome 92 (Numéro 4). ISSN 0249-7638. (páginas 425-441) 17 Inizan, Marie-Louise; Reduron, Michel; Hélène Roche y Tixier, Jacques (1995). Technologie de la pierre taillée. CREP-CNRS, Paris. ISBN 2-903516-04-9. (páginas 75)

sílex (o cualquiera que sea la roca tallada) deja pequeñas partículas incrustadas en el percutor, astillitas y esquirlas pétreas.

Ilustración 7. Percutores blandos: de madera de boj, de acebo, de encina y cornamenta de cérvido.

En las excavaciones arqueológicas, los percutores blandos son más raros aún que los duros, ya que son orgánicos y, por tanto, perecederos. François Bordes y Denise de Sonneville-Bordes exhumaron uno en los estratos solutrenses más recientes de la cueva de Laugerie-Haute (Dordoña). La pieza estaba rota en varios fragmentos e incompleta, pero conservaba el extremo funcional, donde pudieron observarse las marcas de los golpes y, al microscopio, eran visibles los trocitos de sílex incrustados. Los análisis petrológicos determinaron adicionalmente que se trataba del mismo tipo de sílex que las piezas talladas extraídas de la misma capa arqueológica. La contrapartida a esta fragilidad son una serie de ventajas derivadas de la elasticidad y de las propiedades frente a la tensión-deformación de este tipo de percutores. El percutor blando tiene un límite de fluencia inferior al de la roca, eso haría pensar a un lego que es imposible tallar sílex o cuarcita con un trozo de madera o de asta; sin embargo, su límite de elasticidad es muy superior, lo que hace que soporte más tensión y que sea la roca la que se rompa, en lugar del percutor (esto no ocurre, en cambio con el hueso; los percutores de hueso suelen ser inapropiados para la talla, de hecho el hueso es más bien una materia prima tallada, al igual que las rocas).

Ilustración 8. El profesor Tixier experimentando con percutor blando.

Por otro lado, durante la percusión misma, que dura milésimas de segundo, el percutor blando, al ser un elástico lineal no-isótropo, varía su estado tensional y aumenta su energía interna en forma de energía potencial elástica. En el momento en que la roca llega a su límite de elasticidad y se rompe, la energía potencial se libera y el percutor recobra su forma original. Por otro lado, debido también a su elasticidad, la superficie de contacto entre percutor y roca es mayor, puesto que éste se adapta al plano de percusión. La zona percutida es mayor también, por eso el arranque de la fractura es más difuso que si usásemos una piedra, por eso el concoide es también menos acusado. Es un proceso tan rápido que es invisible al ojo humano, pero sus consecuencias han sido aprovechadas desde hace más de un millón de años. Todo esto, que es tan teórico, se traduce al nivel práctico, desde el punto de vista del artesano tallista, en un mayor control sobre la talla, en unos resultados más fáciles de dirigir, y en un lascado más preciso y definido; en pocas palabras, la talla es más eficiente y sus resultados más eficaces (los artefactos tallados con percutor blando tienen un acabado mucho más fino que aquéllos en los que sólo se ha usado el percutor duro). El Percutor blando aparece durante el Paleolítico Inferior, concretamente en el Achelense (es muy ostensible en ciertos bifaces), hace 700 000 años en África y hace medio millón en Eurasia. No obstante el percutor blando no desbanca al percutor duro, al contrario, se complementa con él. Lo habitual es hacer el desbastado o preparación de la pieza con percutor duro, y el acabado con percutor blando, con lo que lo más habitual es que los objetos tallados tengan cicatrices de ambos tipos de percutor. De hecho, la cosa no es tan sencilla: a menudo las piezas terminadas y utilizadas se reciclaban, se reafilaban, posiblemente con percutor duro, con lo que habría varias fases alternas de percutor duro y blando. Otras veces, en el caso de los núcleos, aunque la extracción de lascas u hojas se hiciese con percutor blando o por presión (vide infra), el percutor duro era necesario para preparar la plataforma de percusión y eliminar salientes que pudieran desbaratar la operación. Percusión directa con percutor duro

Percusión directa con percutor blando

Genera piezas gruesas, de bordes irregulares y filos poco Obtenemos piezas más delgadas y regulares, con agudos (a veces, con restos de corteza natural de la roca) aristas mucho más agudas El filo, visto de perfil, es relativamente rectilíneo o, Vistos de perfil, los filos son sinuosos porque los negativos cuando menos, alabeado, es decir, torso, pero sin de los lascados son marcados y bastante profundos irregularidades marcadas A veces, las sinuosidades producidas por los contraconcoides más marcados pueden ser rectificadas por una retalla, también con percutor duro; de este modo,

Los contraconcoides son difusos y poco profundos, lo que no impide que, a menudo, se perfeccione la arista con una retalla mucho más cuidada que, en

la arista de perfil, es zigzageante

realidad, refuerza el filo

Las improntas dejadas por las lascas extraídas por medio de la talla directa con percutor duro son más grandes y menos numerosas

Los lascados del percutor blando directo son más largos que anchos, invasores, poco profundos, a veces de menos de un milímetro de grosor

Las lascas obtenidas por este procedimiento son más anchas que largas, y son más estrechas en la parte proximal que en la distal, con un talón grueso (generalmente, plano o diedro) y un cono de percusión y un concoide muy marcados. Los nervios que separan unos lascados de otros son fáciles de ver.

Es difícil distinguir los nervios que separan los lascados de la percusión blanda debido a que sus bordes son extremadamente finos y se solapan de manera imprecisa. Las lascas tienen bordes tan finos que son translúcidos. Su talón es lineal o puntiforme y a veces tienen una cornisa sobre el concoide, en lugar de cono de percusión

Tanto si las lascas son subproducto de la talla de un utensilio, por ejemplo un bifaz, como sin son lascas extraídas de un núcleo bifacial, no hay forma de distinguirlas, por eso no hay seguridad de si se trata de desechos (a no ser que se hiciesen estudios trazalógicos)

Las lascas de la talla o el retoque de utensilios son, casi siempre, subproductos muy característicos (fácilmente identificables). Las que se extraen de núcleos preparados para el percutor blando, en cambio, son lascas específicas que nunca se confundirían con desechos de talla

Cuando fabricamos bifaces (o piezas bifaciales) por esta técnica, su sección es poligonal, prismática, bastante irregular y asimétrica

La sección de un artefacto bifacial tallado con percutor blando tiende a ser lenticular, con ángulos muy agudos

Los estigmas derivados de la percusión directa con percutor duro activo son imposibles de discernir de los obtenidos con un percutor duro durmiente o pasivo (los experimentos demuestran que es posible fabricar un bifaz con un percutor durmiente)

Los estigmas de la talla con percutor blando suelen solaparse a otros anteriores propios del percutor duro, ya que era habitual comenzar una pieza con percutor duro hasta obtener un esbozo o preforma, y terminarla con percutor blando

La pieza tiene una aspecto pesado, tosco, primitivo, aunque tal circunstancia no puede ser tomada como indicador cronológico o evolutivo, pues hay numerosas circunstancias que pueden haber influido

El resultado final es un artefacto elegante, bastante regular, simétrico, muy bien acabado y de aspecto general más delicado. Estos elementos tampoco pueden considerarse rasgos cronológicos.

Los experimentos de talla del profesor Luis Benito del Rey, profesor titular de Prehistoria en la universidad de Salamanca, sirven para distinguir, con cierto grado de precisión aceptable (pues nunca hay certeza completa), las cicatrices de la talla por percusión directa con percutor duro y las del percutor blando comparadas entre sí.18 El percutor blando directo se usó a lo largo del Paleolítico Superior de Eurasia para la obtención de hojas y hojitas, mediante una preparación específica. Los tallistas prehistóricos llegaron a obtener hojas de más de medio metro de longitud. Aunque los experimentos han podido recrear los métodos empleados, son todavía escasamente conocidos y los resultados están sujetos, a menudo, a accidentes de talla y comportamiento fortuito de la materia. Percusión indirecta y presión

Tanto la percusión con pieza intermedia como la talla por presión comparten puntos técnicos comunes, entre ellos la dificultad de distinguir las cicatrices que dejan una y otra. Los núcleos que quedan de ambos son, en cambio, completamente diferentes. En el caso de la presión ya no podemos hablar de un percutor en el sentido estricto de la palabra, pues los compresores, es decir, la herramientas utilizadas, no golpean, únicamente presionan con tanta fuerza que 18

Benito del Rey, Luis (1982). «Aportación a un estudio tecnomorfológico del bifaz, útil del Paleolítico Inferior y Medio». Studia Zamorensia. Volumen 3 (Zamora). Depósito Legal S. 425 - 1980.

superan el límite de elasticidad de las rocas, rompiéndolas según el modelo de fractura concoidea. Por esa razón es difícil no relacionar los compresores con los percutores. Percutor con pieza intermedia (puntero)

La talla con pieza intermedia es una técnica especializada a la obtención de hojas líticas, es uno de los pasos de un Método de extracción laminar, lo que quiere decir que por sí solo no tiene valor, ya que necesita una preparación previa del núcleo y continuos gestos de mantenimiento del mismo (hecho esto, el trabajo es muy similar al de un cantero con su maza y su cincel). Si consideramos que el núcleo está listo, hay dos formas conocidas de usar el puntero o pieza intermedia: •

•

La primera es sujetar el núcleo entre las rodillas, con la plataforma de percusión hacia arriba y la cara de extracción hacia afuera. Se coloca el extremo del puntero en el lugar donde queremos extraer la hoja y golpearlo decididamente con un percutor de asta que actúa como una maza. Es un sistema por el que consiguen buenos productos: hojas u hojitas alargadas y de tamaño mediano y muy estandarizado, pero con una fuerte curvatura general. La segunda es sujetar el núcleo bajo los pies. Así se consiguen hojas mucho más rectas, pero más pequeñas o, si se intenta aumentar su tamaño, también aumentan los accidentes de talla.

Se supone que la percusión indirecta con puntero aparece en el Paleolítico Superior, y que convive con la percusión directa. De todos modos las cicatrices de estas técnicas son imposibles de distinguir, salvo en casos excepcionales. De hecho, es difícil identificar los punteros de hueso en las excavaciones, pues apenas tienen marcas características, es decir, diferentes de una percusión con cualquier otro propósito. Ejemplos propuestos son el de la cueva de Fageolet (Dordoña), datado en el Gravetiense, los de Villevallier y Armeau (Yonne), ambos neolíticos, y los de Spiennes (Bélgica), de mismo periodo.19

Ilustración 9. Demostración de cómo colocar la pieza intermedia. 19

Piel-Desruisseaux, Jean-Luc (1986). Outils préhistoriques. Forma. Fabrication. Utilisation. Masson, Paris. ISBN 2-225-80847-3. (páginas 14-15)

Compresor

A diferencia de la técnica por percusión indirecta con puntero, la talla por presión con compresores no sólo sirven para la extracción de productos de lascado (concretamente hojas líticas), también sirve para el retocar útiles. De hecho la talla por presión para obtener hojas incluye un amplísimo repertorio de métodos, no todos ellos conocidos por los investigadores. Todos estos métodos requieren cierto nivel de especialización, como se ha demostrado en las experiencias de talla. Por esa razón (su complejidad) y por el hecho de que no hablamos propiamente de un percutor, trataremos este apartado muy someramente.

Ilustración 10. Retoque experimental por presión con un compresor de asta de cérvido.

Básicamente hay un método de retoque por presión, llamado retoque cubriente subparalelo (por su aspecto morfológico) que fue redescubierto por el arqueólogo y experimentador americano Donald E. Crabtree en los años 70,20 y profundizado por este mismo arqueólogo con la colaboración de Butler, Tixier y otros más. También han profundizado otros muchos, pero este tipo de retoque se conoce bastante bien (de hecho, en América es ya propio de aficionados a la fabricación y venta de réplicas de gran precisión, como recuerdo del patrimonio aborigen de ciertas regiones21 ) y el interés de los investigadores, prehistoriadores experimentales, ha pasado a la extracción de hojas por presión. Para efectuar esta técnica hay que sujetar la pieza sobre la palma de la mano izquierda con fuerza (poder sujetar firmemente el artefacto lítico es uno de los problemas más difíciles aprender), el compresor se sostiene con la derecha u se hace palanca sujetando la mano izquierda entre el pulgar y el resto de los dedos, presionando con toda la fuerza posible. El compresor puede ser de asta o de marfil (a veces con un sílex incrustado en la punta22 ), pero en el Calcolítico, que debe ser considerada la edad de oro de este tipo de retoque por las piezas magistrales conseguidas, el compresor podía tener una punta de cobre. Si la técnica se hace bien, los retoques suelen ser muy regulares, paralelos y muy planos, cubrientes. Por su parte, si hay una la Edad de plata del retoque por presión, debe ser el Solutrense, en el Paleolítico Superior (siendo el caso más paradigmático el de 20

Crabtree, Donald E. (1966). «A stone worker's approach to analysing and replicating the Lindenmeier Folsom». Tebiwa. Volumen 9 (Número 1). Idaho State University. 21 http://web.archive.org/web/20080510061909/http://stoneflake.net/main.htm 22 Semenov, Serguei A. (1981, edición original en ruso de 1957). Tecnología prehistórica. Estudio de las herramientas y objetos antiguos a través de las huellas de uso. Akal Editor, Madrid. ISBN 84-7339-575-1. (página 102 y figura 11-3)

las hojas de Laurel); aunque la técnica se conocía de antes, apenas se usaba. Después desapareció durante un tiempo y volvió a aparecer en el Neolítico, perdurando durante largo tiempo en piezas foliáceas de diverso tamaño (desde la punta de una flecha de piedra, hasta los puñales ceremoniales aztecas, pasando por las puntas de la Cultura Clovis o los cuchillos predinásticos egipcios).

Ilustración 11. Hoja de laurel solutrense.

El caso de la obtención de hojas por presión es muy diferente y mucho más complicado. Por lo que no lo trataremos aquí, aunque enumeraremos los métodos, nada más:23 •

Extracción de hojas en la mano con la ayuda de un simple compresor de asta de cérvido: si el sílex es de buena calidad se consiguen hojas de

hasta cuatro cm de longitud y 7 mm de ancho, pero la dificultad de sujetar firmemente el núcleo va creciendo a medida que la explotación avanza y éste se hace más pequeño, por eso menudean los accidentes de talla. •

Extracción de hojas con un compresor y con un sistema de fijación del núcleo a la mano (una pieza con una ranura donde se coloca el núcleo

y que puede ser de madera, hueso o asta). Los resultados no son significativamente mejores, pero sí más homogéneos, evitándose la mayor parte de los accidentes de talla •

Extracción de hojas con un sistema de fijación del núcleo a la mano y la ayuda de un bastón-compresor apoyado en la axila: método ya

experimentado por Crabtree, permite aumentar la fuerza con que se presiona el núcleo obteniendo, así, hojas ligeramente más grandes y minimizando los accidentes de talla. •

Extracción de hojas sujetando el núcleo en el suelo por medio de mecanismos fijadores de madera y usando bastones-compresores

Pelegrin, Jacques (1988). «Débitage expérimental par pression. «Du plus petit au plus grand»». Technologie Préhistorique. Notes et Monographies Techniques (Número 25). Editions du CNRS, París. (Páginas 37-53).

(muletas) apoyados en el pecho o en el abdomen. La postura del

artesano puede ser de pie (aprovechando su peso para presionar) o sentado (menos fuerza, pero más control). Las hojas obtenidas ya rozan los quince centímetros de largo, pero, además, son más estandarizadas, más homogéneas, y se puede explotar mucho más el núcleo, hasta su agotamiento total. •

Extracción de hojas sujetando el núcleo en el suelo por medio de mecanismos fijadores de madera y usando bastones-compresores (muletas) apoyados en el abdomen. la postura del artesano de pie

permite aprovechar el peso para presionar; pero el verdadero truco consiste en un rebaje en el bastón, para que éste pueda curvarse, haciéndolo más flexible, es decir, añadiendo al peso del cuerpo, la energía potencial del bastón combado. •

Extracción de hojas sujetando el núcleo en el suelo por medio de mecanismos fijadores de madera y usando bastones-compresores con palanca apoyados en el abdomen. La postura del artesano es sentada y

agarrando el bastón por el extremo opuesto, tirando de él hacia arriba. Así, la palanca ataca el núcleo con una fuerza superior a los 300 kg. Con este sistema, aún en fase de investigación, se han llegado a obtener hojas de más de 25 centímetros. La extracción de hojas por presión tiene la ventaja, sobre la percusión indirecta con puntero, de producir piezas mucho más rectilíneas, y no curvadas, como ocurría con el otro método.

Ilustración 12. Retocadores de asta de cérvido procedentes del yacimiento de «Los Cercados», en Mucientes, Valladolid.

Lo cierto es que la extracción de hojas comenzó, a partir del final del Paleolítico, a ser un método cada vez más complejo y sofisticado en el que, como vemos, los percutores son sólo uno de los instrumentos empleados. A medida que la extracción de hojas se perfecciona, se van añadiendo complementos: primero la pieza intermedia o puntero para la talla indirecta, después los guijarros abrasivos para preparar plataformas de percusión, seguidamente los compresores con

mango, más tarde los sistemas de fijación del núcleo (los primeros servían para retenerlos en la mano, después en los pies, y por último autónomos, pero cada vez más complejos), éstos últimos unidos a las muletas o bastones-compresores (al principio se apoyaban en el hombro, después en el abdomen y por último en el pecho), a las que se añadía una punta de hueso, asta o cobre, un mecanismo de palanca y un rebaje para aumentar su elasticidad y, por tanto su energía potencial. Todo esto señala a un oficio cada vez más especializado, probablemente enfocado al comercio; al menos desde el Calcolítico. Sin duda hubo talleres especializados que abastecían zonas más o menos amplias, a partir de la fuente de origen de la materia prima. Un buen ejemplo de esto último son las larguísimas hojas de sílex de Varna (Bulgaria), que podían alcanzar los 44 centímetros de longitud, estaban hechas de un sílex importado y sólo aparecían en las tumbas más ricas datadas en el Cacolítico (4 000 a. C.-3 500 a. C.).24 Caso opuesto es el del yacimiento vallisoletano de «Los Cercados» (municipio de Mucientes). Allí aparecieron una serie de vestigios de la Edad del Cobre, básicamente pozos rellenos de restos arqueológicos. Uno de ellos deparó una serie de utensilios propios de un artesano, especializado en la talla del sílex autóctono: desechos de talla, productos de desbastado, lascas, útiles desechados y sobre todo percutores de piedra y lo que se han denominado retocadores de hueso (este tipo de piezas raramente se conservan, por eso son tan importantes). Al parecer en este yacimiento se especializaron en piezas foliáceas, puntas de flecha por ejemplo, y dientes de hoz;25 es decir, se trataba de una producción regionalizada destinada al uso doméstico. Cincel. Utilizado en la percusión indirecta, es la pieza sobre la que se golpea

para obtener la forma deseada en la herramienta.26 Los orígenes del cincel se remontan a las épocas del hombre primitivo, que utilizaba burdas herramientas manuales construidas en piedra. Posteriormente, con la llegada de la era de los metales, los cinceles evolucionaron en piezas de cobre, bronce u oro y una vez que se descubrió el hierro fueron construidos con este material.27 La historia registra aplicaciones del cincel en el labrado de la piedra, el hueso, el cuero y otro material animal rígido, la madera y el metal.

Ilustración 13. Hacha y cincel de piedra (Neolítico).

Manolakakis, Laurence (1996). «Production lithique et émergence de la hiérarchie sociale: L'industie lithique de l'Énéolitique en Bulgarie (première moitié du IVe millénaire)». Bulletin de la Socété Préhistorique Française. Tome 93 (Número 1). ISSN 0249-738. (Páginas 119-123). 25 Wattemberg García, Eloísa (coord.) (1997). Guía de las colecciones del Museo de Valladolid. Junta de Castilla y León, Consejería de Educación y cultura. ISBN 84-7846-603-7. (página 67) 26 http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO 27 http://www.demaquinasyherramientas.com/herramientas-manuales/cincel-tipos-y-usos

Foto tomada de https://museohistoricodebelmez.wordpress.com/2012/05/16/periodo-calcolitico/

Yunque. Piedra de superficie irregular en la cual se puede apoyar una lámina para poder retocarla mediante presión.28 Era utilizado para un método denominado talla bipolar (o talla sobre yunque) es un método de elaboración de herramientas líticas que incluye la interacción de tres elementos: el percutor, el yunque y la materia prima explotada. Se trata de una técnica de talla sencilla que permite obtener herramientas de piedra cortantes de manera rápida a la vez que facilita la explotación de materiales de baja calidad.29

Ilustración 14. A la izquierda: ejemplo experimental de talla bipolar en el que se observa la interacción entre el percutor, el yunque y una piedra de cuarzo a partir de la que se obtienen herramientas líticas cortantes. A la derecha: núcleos de sílex sobre los que se ha aplicado la talla sobre el yunque. Foto tomada de http://www.uab.cat/web/detalle-noticia/caracterizacion-de-la-talla-sobre-yunque-desarrollada-en-el-yacimiento-de-font-del-ros1345680342040.html?noticiaid=1345698738885

Preparación térmica. En ocasiones el sílex era calentado previamente en un

fuego con el fin de mejorar sus características para la talla.30 Principales herramientas usadas para tallar en la prehistoria. Bifaz. Herramienta, a modo de hacha, tallada por sus dos caras.

Ilustración 15. Bifaz y Hendedores. foto tomada de http://es.slideshare.net/ferrepelente/la-pre-45440981

Raedera. Lascas (fragmentos de silex procedentes de la talla) en la que uno de

sus lados mayores se transforma en un filo. Sirve para raer y cortar.

http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO http://www.uab.cat/web/detalle-noticia/caracterizacion-de-la-talla-sobre-yunque-desarrollada-en-el-yacimiento-de-font-del-ros1345680342040.html?noticiaid=1345698738885 30 http://www.regmurcia.com/servlet/s.Sl?sit=c,373,m,3467&r=ReP-15791-DETALLE_REPORTAJESABUELO 29

Ilustración 16. raedera. foto tomada de Raedera - Wikipedia Republished // WIKI 2

Ilustración 17. raedera. foto tomada de https://www.thinglink.com/scene/758353022513315840

Buriles. Instrumento utilizado para trabajar materias resistentes como el hueso o el asta de los cérvidos. Son útiles terminados en punta que muestran un ángulo diedro producido voluntariamente mediante la extirpación de pequeñas laminillas llamadas "de golpe de buril"31

Ilustración 18. Buriles. Dibujo tomado de http://personales.upv.es/ccarrasc/doc/20042005/PerdigueroAlonsoYolanda/HTML_Perdiguero/

Arcilla en la Prehistoria La arcilla también fue un material utilizado ya en la prehistoria. Se cree que el descubrimiento del proceso de cocción y endurecimiento del barro fue casual, probablemente durante el uso de algún utensilio de barro en contacto con el fuego. Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y Oriente Medio, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de barro.32 Más o menos por estas fechas se descubrió la fundición de los metales. Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal —primero el bronce y después el hierro—, que sirvió para fabricar herramientas más eficientes y, además, obtener 31 32

http://paleoantropologiahoy.blogspot.com/2013/01/utiles-prehistoricos.html Midgley 1982: p. 32

un nuevo material para realizar obras escultóricas. Las herramientas de metal permitieron mejorar la precisión y reducir el tiempo en el proceso de elaboración de las tallas, tanto de madera como de piedra. El trabajo realizado primero en arcilla y luego mediante vaciado en bronce ya se conocía en las antiguas civilizaciones griegas y romanas, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza.

Ilustración 19. Taza carenada hecha a mano del yacimiento prehistórico de Auditori. Foto página oficial de Museu de Guissona Eduard Camps i Cava.

A partir del siglo V a. C., en el último período de la Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa; la misma representó una evolución del arte conseguido durante la cultura de Hallstatt. En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y diademas, representaron motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del siglo III a. C. se acuñan las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras figurativas como el «Dios de Bouray», realizado en chapa de cobre repujada.33

Ilustración 20. Fíbula de Braganza, arte celta de la península ibérica 250200 a. C. foto tomada de https://es.wikipedia.org/wiki/F%C3%ADbula

Edad Antigua

Ilustración 21. Estatua de veneración a un perro, proveniente de la torre sudeste de la Apadana, de Persépolis. La obra se caracteriza por tener un acabado y detalle excelso, remarcando cada aspecto del ser en un cuerpo escultórico. http://losviajesdemariano.com/iran1

Bozal 1983: p. 50

Escultura Sumeria. La escultura sumeria, pionera de la Edad antigua, evita el desnudo, ya que se rige por convencionalismo social de no representar los individuos de manera uniforme, por las vestimentas se podía conocer el rango del personaje como también la jerarquía a la que pertenecía. En los grandes relieves se observa el uso del desnudo, pero sólo para representar a los vencidos. Se han encontrado una gran variedad de esculturas —algunas del propio rey— de la época de Gudea, del 2144 a. C. al 2124 a. C. Sin llegar a considerarse dentro de la técnica del retrato, todas presentan unos rasgos comunes y muestran el nivel social mediante el turbante que les cubre la cabeza.34 Debido a la escasez de canteras, la escultura de Mesopotamia se realizó fundamentalmente con arcilla, tal y como apuntan las excavaciones de Ur (4000 a. C.); en donde se han encontrado numerosas pequeñas estatuas hechas con este material. Los sumerios desarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo grabado con un relieve y posteriormente esmaltado. Algunos ejemplos bien representativos son los relieves que adornan los palacios, las superficies sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el Friso de los arqueros, así como una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa (404-359 a. C.).35

Ilustración 22. Figurilla femenina procedente de Samarra, ca. 6000 a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Mesopotamia.

Ilustración 23. Uno de los marfiles de Nimrud, periodo neo-asirio, siglos IX al VII a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Mesopotamia

34 35

Bozal 1983: p. 80-81 Bozal 1983: p. 94-97

Ilustración 24. Relieve de Imdugud (Zu o Anzu, águila con cabeza de león) flanqueado por dos ciervos, trabajo en plancha de cobre procedente del templo de Ninhursag en Tell al-Ubaid (ca. 2500 a. C.)

Herramientas usadas en la Antigua Sumeria. En la antigua Mesopotamia la gente usaba la piedra para diversos fines. Los escultores empleaban una variedad de herramientas de piedra para socavar las esculturas. Los trabajadores utilizaban piedras como brocas para los proyectos. Dado que casi todas las piedras recuperadas de la antigua Mesopotamia carecen de mangos, sus fines y usos son difíciles de identificar. Sin embargo, parece que utilizaban puntas de flecha de pedernal, hoces y rejas de arado. La obsidiana actuó como filo de cuchillas y brocas.36 Los huesos eran comunes en la Antigua Mesopotamia. Los huesos de animal se utilizan con frecuencia para diversas herramientas. Los huesos más grandes, como los de ovejas y cabras, se utilizaron en punzones para la peletería.37 Los mesopotámicos encontraron un uso para los huesos en agujas, a pesar de que rara vez se encuentran en las tumbas, es evidente a partir de los datos arqueológicos que eran comunes. Algunos huesos funcionaban como cuchillos, aunque estos son menos comunes. La gente también formaba con los huesos lo que se conoce como "espátulas," cuyo uso aún se desconoce. Algunos especulan que eran utensilios para comer, otros los consideran útiles de escritura. También se han encontrado gubias y huesos afilados que la gente podría haber utilizado para leznas, a pesar de que la evidencia no es concluyente. 38 En la Antigua Mesopotamia se utilizaron varias herramientas de metal. En algunos asentamientos, los arqueólogos han encontrado hachas de cobre, cinceles, punzones y cuchillas. Otras ubicaciones sugieren el uso del cobre para hoces, cuchillas, cadenas, abrazaderas, martillos y hachas. El estaño se empleó para sierras, aguijones, punzones, hachas y dagas. Es evidente que la 36

http://www.ehowenespanol.com/empleaban-herramientas-antigua-mesopotamia-sobre_10795/ http://www.ehowenespanol.com/empleaban-herramientas-antigua-mesopotamia-sobre_10795/ 38 Ibídem. 37

introducción de los metales en la sociedad originó una oleada de herramientas fabricadas en metal; muchas piezas de mobiliario, imágenes talladas y joyas conservan marcas de las herramientas de metal.39 Los arqueólogos han descubierto otras herramientas en los talleres de alfarería. Estas construcciones muestran que las personas utilizaban los hornos en la antigua Mesopotamia para calentar ollas y otros recipientes que se hacían normalmente de arcilla o un material similar. En las casas de estos alfareros, los arqueólogos también han encontrado tornos hechos de barro cocido y piedra. Asimismo, se usaron otros materiales para enganchar los bueyes y cultivar los campos.40

Escultura Helénica antigua Se denomina período helenístico o helenismo o periodo alejandrino (por Alejandro Magno) a una etapa histórica de la Antigüedad cuyos límites cronológicos vienen marcados por dos importantes acontecimientos políticos: la muerte de Alejandro Magno (323 a. C.) y el suicidio de la última soberana helenística, Cleopatra VII de Egipto, y su amante Marco Antonio, tras su derrota en la batalla de Accio (30 a. C.). Es la herencia de la cultura helénica de la Grecia clásica que recibe el mundo griego a través de la hegemonía y supremacía de Macedonia, primero con la persona de Alejandro Magno y después de su muerte con los diádocos (διάδοχοι) o sucesores, los reyes de las tres grandes dinastías e imperios: Ptolemaica, Seléucida y Antigónida. Estos soberanos supieron conservar y alentar el espíritu griego tanto en las artes como en las ciencias. En el período comprendido entre el siglo II a. C. y el I a. C., salieron a la luz las esculturas más famosas: • • • • •

Apolo de Belvedere Victoria alada de Samotracia Diana cazadora Venus de Milo (Milo es una isla situada al sureste de Grecia, en el archipiélago de las islas Cícladas) Relieves del altar de Zeus en Pérgamo

Sin olvidar las de otros siglos como: • • •

39 40

Gálata Ludovisi (225 a. C.), de la Escuela de Pérgamo Gálata moribundo (225 a. C.), de la Escuela de Pérgamo Alegoría del Nilo, de la Escuela neoplatónica de Alejandría

Ibidem. Ibídem.

Ilustración 25. Ilustración de la Tique de Antioquía de Eutíquides, circa 300 a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico

Ilustración 26. La obra conocida como Victoria alada de Samotracia, Foto tomada de http://recuerdosdepandora.com/monumentos/la-victoria-desamotracia-su-descubrimiento-y-restauracion/

La Victoria alada de Samotracia, se cree que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo; y fiel característica de un avance hacia el clasicismo de la escultórica griega.

Ilustración 27. Busto de Ptolomeo I Sóter, Museo del Louvre. Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico

Ilustración 28. Estatua de un guerrero gálata del período helenístico, perteneciente a la escuela de Pérgamo (ca. 100 a. C.). Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico

Escultura del Antiguo Egipto. En el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra. A esta civilización la caracteriza la jerarquía social establecida y una fuerte creencia religiosa en la otra vida. Como resultado, organizaron de una manera muy profesional la explotación de canteras y llegaron a realizar unas esculturas altamente perfeccionadas que permanecieron inalteradas durante muchos siglos.

Ilustración 29. Periodo Predinástico. Paleta de los cazadores. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Egypte_louvre_321.jpg

La escultura tallada dependía mucho del bloque cúbico del que podían disponer.41 En sus obras, en general, representaron las divinidades mitológicas, los faraones y de otros personajes importantes, también realizaron, sin embargo, pequeñas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se colocaban en las cámaras sepulcrales. Las estatuas que representaban a los faraones se realizaban siempre de pie, con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si estaban sentados. Cuando la representación era con la familia, los dos esposos solían estar cogidos de las manos. Otros personajes muy representados eran los «escribas» que, en la mayoría de los casos, aparecían sentados en el suelo con las piernas cruzadas y con los brazos un poco separados del cuerpo, mostrando en su composición una perfecta simetría.42 A pesar de ello, algunas obras se caracterizaron por poseer ciertos grados de flojedad y redondez que hacía parecer una «signatura»; claro ejemplo de influencia asiria, pero también de originalidad, puesto que en la escultura egipcia tardía, las mayoría de las obras pertenecientes a esta época reflejaron el predominio de la actitud general del cuerpo como un modo de expresión, la desnudez del busto, los anchos collares extendidos sobre el cuerpo, la disposición de los cuadros del hombre, el talle y la forma de acomodar el cuerpo de manera vertical y sin despegar las manos de las cinturas.

41 42

Midgley 1982: p. 118 Bozal 1983: p. 53

La escultura en el Antiguo Egipto se practicaba desde el periodo Predinástico con admirable perfección en estatuaria y bajorrelieves, conservándose millares de objetos de una y otra clase elaborados en madera, marfil, en bronce (a veces dorado y con incrustaciones deoro y plata), en barro cocido y, sobre todo, en piedra que para las estatuas suele ser de gran dureza. Los bajorrelieves egipcios se usan para inscripciones jeroglíficas, representaciones de dioses y faraones, de la vida doméstica, de faenas agrícolas o escenas de ultratumba y sobre todo para conmemorar las victorias de los faraones. Ya en las obras prehistóricas comienzan a insinuarse las características propias del arte egipcio. Los bajorrelieves forman bandas paralelas y los personajes más importantes adquieren mayor tamaño. Durante la época menfita se desarrolla la estatuaria en relación con la arquitectura funeraria. Las estatuas dobles del difunto, que aseguraban su supervivencia, debían lograr un gran parecido. Para dar mayor veracidad las pintaban y esmaltaban los ojos. Sus características varían según el rango: el faraón, por ejemplo, adoptaba una actitud ritual hierática y solemne; muchos más libres y realista son las estatuas de particulares realizadas en madera o en piedra caliza pintada. La estatuaria del Imperio Nuevo creció con la arquitectura, que emprendió monumentales templos. Aparecen esfinges y estatuas colosales de carácter frontal (apreciables solo de frente) y simétrico, que se antepone a los pilones. Otra novedad son las estatuasbloques, figuras en cuclillas envueltas en un manto y sosteniendo alguna divinidad u objeto oculto. Las estatuas representan por lo general divinidades mitológicas, faraones, personajes importantes y a veces, personas sencillas ocupadas en quehaceres domésticos, en cámaras sepulcrales. Sus dimensiones varían considerablemente desde los grandes colosos de los templos de Abu Simbel que miden casi veinte metros hasta las minúsculas figurillas de tan solo algunos centímetros de longitud (generalmente, de barro cocido, barnizadas o esmaltadas). Los relieves estaban policromados con la técnica de pintura al temple. Se pueden contemplar en las vitrinas de diversos museos del mundo. Se hallan con frecuencia en las tumbas egipcias de la época tebana unas estatuillas semejantes a momias que representan para el difunto el oficio de respondientes o ushebtis (así llamadas en el ritual funerario). Mientras que otras de mayores dimensiones y de aspecto natural que también se colocaban en las tumbas son auténticos retratos del difunto, los cuales, en opinión de los egipcios, servían de sostén alKa, especie de doble espiritual que suponían sobrevivía al cuerpo del finado que sólo era la residencia del Ka. Suponían los egipcios, además, que el espíritu del difunto se hallaría muy conturbado y no podría lograr la resurrección si no se mantenía íntegra la momia o su estatua, de lo que proviene el procurar que ésta fuese un fiel retrato, idealizado en el caso de los faraones, y que las estatuas siempre se representen lo más compactas posibles ya que si sobresaliesen los miembros estos podrían desprenderse con el paso del tiempo y estas eran estatuas para la eternidad. También destaca el poblar las cámaras sepulcrales de estatuillas, pinturas y relieves que representasen variadas escenas de la vida doméstica, utensilios,

rebaños, faenas agrícolas e industriales, alimentos, ejércitos, etc., para recreo del espíritu de la momia. Las pequeñas efigies de divinidades que se hallan en las sepulturas, desde el Imperio Medio, y se introducían hasta en los vendajes de las momias, se consideraban entes protectores que servían de conjuros o amuletos. Asimismo, algunas estatuillas de marfil que representan divinidades o animales sagrados como el escarabajo (Jepri), el ibis (Tot) y otras figurillas mitológicas, las cuales suelen llevar algún orificio que indica haber servido para collares y dijes suspendidos del cuello. Las estatuas de los faraones se disponen siempre erguidas, con el tronco recto, los brazos pegados al cuerpo o apoyados sobre los muslos si estaban sentados. Cuando se expresa la acción de andar, casi siempre avanzan el pie izquierdo. Si la actitud de la estatua es la de sentada sobre el suelo (como ocurre tratándose de la representación de escribas), se cruzan o juntan las piernas y se añadía un papiro desplegado sobre ellas. En todo caso se representa a los egipcios sin barbas y a los extranjeros con ellas o con el tipo y costumbres del respectivo país de procedencia. Características generales de la escultura Egipcia

Las esculturas y bajorrelieves se ceñían a una serie de convencionalismos, cánones o normas que se mantuvieron invariables en casi todos los periodos durante tres mil años. Ley de la Frontalidad: Las figuras son concebidas para ser vistas de frente; son muy simétricas, como si se hubieran esculpido respecto de un eje central, siendo las dos partes muy semejantes. Jerarquía: Las figuras más importantes eran esculpidas más grandes y

detalladas que las de los demás personajes, y mostraban actitudes hieráticas. Hieratismo: Con ausencia de expresividad y rigidez de actitudes, como signos

de respeto y divinidad. Sólo en algunos periodos se acercó al naturalismo. En los bajorrelieves, además: Canon de perfil: las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de

perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban esculpidos de frente, con un elegante criterio estético que perduraba casi invariable. Ausencia de perspectiva: No había profundidad sino yuxtaposición de figuras que

se encuentran en un mismo plano. Uso de colores planos: se utilizaron colores de tonos uniformes, con un código que respondía más a criterios simbólicos más que realistas.

En figuras se tendencia piernas y

la época de Ajenatón (Akenatón) hubo un cambio de cánones. Las representaron tal como eran realmente, sin idealizarlas y con una cierta a humanizarlas; aparecen con cabezas alargadas, gruesas y cortas estómagos abultados. También se aproximaban más al naturalismo

muchas esculturas y representaciones grabadas en las tumbas de nobles y potentados de la época Períodos artísticos de la escultura Egipcia

Aunque todas las esculturas egipcias ofrecen un sello característico de su arte y cierta uniformidad de estilo, se diferencian unos grupos de otros, según el periodo de la historia a que pertenecen del siguiente modo: La escultura del Imperio Antiguo es hierática en las representaciones de dioses y

faraones, pero en los cortesanos es de tendencia naturalista, y se distingue por la majestad y realismo que imprimen a la figura humana, copiando con bastante perfección las facciones del personaje y las escenas de su vida: se hallan en los templos y tumbas. Entre los mejores modelos destaca la estatua de madera de un personaje llamado Kaaper, coloquialmente cheik-el-beled (el alcalde del pueblo), que data de la dinastía V (siglo XXIV a. C). Otro ejemplo de escultura de éste período es El escriba sentado.

Ilustración 30. Imperio Antiguo. Menkaura. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Egypte_louvre_321.jpg

Ilustración 31. Imperio Antiguo. El escriba sentado. Foto de Guillaume Blanchard, July 2004, Fujifilm S6900

Ilustración 32. Kaaper, Cheik-El-Beled. Foto de Jon Bodsworth http://www.egyptarchive.co.uk/html/cairo_museum_16.html

En el imperio Medio se sigue la tradición menfita pero con más realismo, dando

a los faraones un aspecto apacible, alargando ligeramente las figuras.

Ilustración 33. Imperio Medio. Amenemhat III. Foto de Ausschnittbearbeitung NebMaatRe - :File:Statue of Amenemhet III. (1840-1800BC).jpg

El imperio Nuevo es la época del engrandecimiento político del país y en él se

multiplican las estatuas y se labran algunas de tamaño colosal, adosándolas a los templos, representando al faraón a quien se dedican. Todas llevan en su mano un rollo, un fragelo, o un cetro, etc. Asimismo, se introducen los dromos o avenidas procesionales con esfinges y se conmemoran las hazañas militares y los ritos religiosos en bajorrelieves tallados en los muros y pilonos de los templos. Las estatuas, sin embargo, pierden el carácter realista y vuelven a estar sujetas al canon, volviendo a adquirir la típica expresión hierática.

Ilustración 34. Imperio Nuevo. Akenatón. https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Antiguo_Egipto#/media/File:GD-EG-Caire-Mus%C3%A9e061.JPG

El periodo Tardío (desde mediados del siglo VII a. C.) produjo una reacción

extremadamente realista, alargando más las figuras y afinando y perfeccionando

la técnica escultórica, a pesar de que el material preferido para ello, a veces, era el basalto y otras piedras de gran dureza. Se abandonó la talla de colosos desde esta época. Se poblaron de efigies los templos y aumentó la escultura en bronce. Pertenecen a la misma época la mayoría de los bronces mitológicos guardados en los museos.

Ilustración 35. Dinastía Ptolemaica. Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Antiguo_Egipto#/media/File:Egypte_louvre_003.jpg

El influjo griego, ya presente en el periodo saíta, se intensificó en el periodo Helenístico de Egipto y la época de dominación romana dando más dulzura y corrección a las estatuas aunque no pocas siguieron esculpiéndose con la típica expresión hierática y otras, procedentes de la escuela neo-menfita, resultan frías y rígidas por copiarse unas a otras sin referencia directa del natural como en otros tiempos. En todas las épocas se grabaron innumerables piedras preciosas para sellos, collares o amuletos, figurando en ellas principalmente los dioses y textos con jeroglíficos. Las más frecuentes son los escarabeos (escarabajos tallados con el caparazón en relieve y un texto jeroglífico grabado en la parte inferior). Los camafeos con figuras en relieve aparecen en la época Ptolemica y son todos helenísticos, sin duda, tallados en Alejandría.

Herramientas usadas para las esculturas Egipcias43 Para crear las obras maestras de la escultura egipcia, los antiguos utilizaron una variedad de herramientas para detallar, detalle y pulir sus estatuas. Herramientas de piedra que forma

En la etapa inicial del proceso de escultura, artistas utilizan herramientas de dibujo para esbozar un plano preliminar de la forma que querían hacer. Herramientas de piedra fueron utilizadas para reducir grandes bloques o losas de piedras en la forma general de las estatuas. Escultores pulsaría los bloques de piedra con estas herramientas grandes, hojas de piedra para quitar pedazos grandes de la base de la piedra hasta que desarrollaron el esquema 43

http://www.eximbanker.com/45864654/

básico necesario para su escultura. Sierras de bronce, equipados con dientes jewelled, podrían utilizarse para cortar pedazos más grandes de piedras. Mazo y cincel Un mazo de madera y un cincel de cobre fueron valiosas herramientas usadas para tallar las piedras. Mazo de carver piedra egipcio aparece una cabeza redondeada de madera que permitía el tallista huelga cabeza de cincel sin tener que pagar detalle meticuloso para apuntar. El extremo posterior del cincel de cobre fue redondeado en forma de seta para el tallista ofrecer golpes más contundentes contra la piedra. Cabeza de cincel fue bien garra o exhibe un borde recto, agudo. Detalle de herramientas Después se formó el esquema básico de la escultura, escultores egipcios antiguos refinaron forma vaga rock usando una variedad de pequeños instrumentos de pedernal. Otras herramientas podrían hacerse desde templado bronce o hierro, tales como varias brocas, punteros y cinceles. Estas herramientas fueron utilizadas con precisión para hacer las estatuas de aspecto realista y realista, permitiendo a los artistas alterar meticulosamente la piedra hasta que fueron completamente satisfechos con su proyecto.

Ilustración 36. Herramientas para escultura egipcia. Resulta admirable la habilidad que dan pruebas los canteros y picapedreros egipcios con un instrumental tan rudimentario.

Las esculturas de pulido Artistas egipcios antiguos no estaban satisfechos con un proyecto incompleto. Los ancianos utilizan frotando con piedra y arena de cuarzo para pulir herramienta lejos marcas e impurezas menores. ¿Cubrir un área de la escultura de arena y luego frótelo meticulosamente con la piedra, para lograr el propósito del papel de lija del moderno-día curso escultores. En áreas donde las herramientas de metal eran demasiado torpes socavar la roca, arena del cuarzo se utilizó para desgastar ángulos ásperos. Escultura Púnica y Greco De arte púnico y greco-púnico se conserva una multitud de estatuitas y bustos de barro cocido (alguno, de facciones muy correctas) junto con variados amuletos de marfil y de metal y entalles de piedra fina, descubiertos en las necrópolis de Ibiza, La Palma y Formentera.

Ilustración 37. La Dama de Ibiza es una figura de arcilla de 47 centímetros de altura que data del siglo III a. C.. Fue encontrada en la necrópolis situada en el Puig des Molins en la isla de Ibiza, en el Mediterráneo.

Se adjudican al siglo VIII a. C. los más antiguos y debió seguir su fabricación hasta muy avanzada de la dominación romana. Asimismo, se consideran como de procedencia fenicia o púnica pero con influencia griega las cabezas de toro en bronce (probablemente, exvotos) hallados en Costitx (Mallorca) de arte púnico también pero más visiblemente influido por el griego y con reminiscencias asirias deben calificarse los bustos marmóreos hallados en Cartagena y conservados en el Museo de Arqueología de Murcia. Al arte griego puro se adjudican entre otras piezas menos importantes. • •

La cabeza de mármol de una Palas Atenea encontrada en Denia. El Esculapio de Ampurias (helenísitco o de la escuela de Escopas como quieren otros) que está en el Museo de Barcelona.

Ilustración 38. El Esculapio de Ampurias. http://www.culturaclasica.com/?q=node/2052

Escultura Ibera. Los íberos fueron un conjunto de pueblos que habitaron la costa oriental de la Península Ibérica como mínimo desde el siglo VI a. C. La escultura íbera fue una de las mejores manifestaciones artísticas de su cultura. Las obras encontradas, de piedra y bronce, provienen de tres grandes áreas: de Andalucía, del centro de la Península Ibérica y de la zona del Levante. En esta última se han descubierto las muestras más sobresalientes de arte ibérico en piedra, que actualmente forman parte de la colección de museos, como el famoso busto de la Dama de Elche, de inspiración griega, encontrado en la población de su nombre

y que se expone en el Museo Arqueológico Nacional de España, ubicado en Madrid.44

Ilustración 39. Dama de Elche, Escultura ibera. Fotografía: Francisco J. Díez Martín, 11 de diciembre de 2004.

La escultura antigua se encargó de fijar los detalles arquitectónicos expandiendo el detalle de la escultura a las temáticas de decoración para edificios, estableciéndose en este período las órdenes arquitectónicas que redefinirían la concepción del templo y llevando consigo una reforma de la dimensión monumental. Los materiales utilizados en ese entonces fueron desde la terracota hasta el estuco, optando por colores vivos a la hora de la decoración; tal y como las esfinges, sirenas, chacales, entre otros.45 Llegando a aplicarse soluciones similares en construcciones civiles.46 Grupo levantino

El llamado grupo levantino está compuesto por algunas de las más excelentes muestras de arte ibérico en piedra, reunidas hoy en los museos, que debieron esculpirse desde el siglo V a. C. hasta la dominación romana. Quizá la más emblemática sea la Dama de Elche, de visible inspiración griega, cabeza a su vez de las consideradas tres grandes damas ibéricas junto a la Gran Dama Oferente (Montealegre del Castillo) y la Dama de Baza. De un estilo que se ha llamado greco-fenicio, greco-oriental y greco-egipcio son las numerosas estatuas y bustos del Cerro de los Santos de Montealegre del Castillo y de su contiguo Llano de la Consolación, ambos en la provincia de Albacete. Sólo de estos dos yacimientos hay 270 esculturas de piedra caliza, en los fondos del Museo Arqueológico Nacional. Junto a otros objetos también de piedra y bronce, el montante total conservado, sólo en ese museo, supera las 670 piezas. Las que revisten mayor importancia escultórica representan damas de pie asiendo con sus dos manos un vaso en actitud de presentar una ofrenda a otra persona y llevando muchas de ellas en su cabeza una elevada mitra. Las variantes de factura y estilo que en ellas se advierte constituyen una prueba de la prolongada existencia que debieron tener aquellos talleres locales sometidos a sucesivas influencias de pueblos dominadores hasta alcanzar los últimos años del siglo IV de nuestra era en que fue destruido el santuario que en ambos lugares se alzaba.

Bozal 1983: p. 53 ROBERTSON, Martin. pp. 8-10 46 ROBERTSON, Martin. pp. 16-18 45

Ilustración 40. Dama Oferente del Cerro de los Santos (Cultura Ibérica). Fernández Ruiz, Raúl (photo) Museo Arqueológico Nacional (España)

Ilustración 41. Dama de Baza (Cultura Ibérica). Relanzón, Santiago (photo) - Museo Arqueológico Nacional (España)

Más visibles reminiscencias orientales que en las predichas obras se reflejan en las diversas esfinges de piedra con formas de oro o sus esfinges de piedra con formas de toros o de leones halladas en las provincias de Albacete, Alicante y Valencia, como son: • • • • • • • • • • • •

Bicha de Balazote. Esfinge de El Salobral. La Bicha de Balazote o el hombre-toro (Albacete). La Esfinge de Agost (Alicante), la Esfinge de Haches y las Esfinges gemelas de El Salobral (Albacete). la Leona de Bocairente (Valencia), en el Museo Provincial de Valencia. El León de Coy (Región de Murcia). El León de Bujalance (Córdoba). El León de Bienservida. Los dos Leones de Baena (Córdoba). El León de Nueva Carteya (Córdoba). La Cierva o la Dama de Caudete (Albacete). El Sepulcro de Pozo Moro (Albacete).

Todas ellas pueden datar del siglo VII o VI a. C.

Ilustración 42. Bicha de Balazote (Cultura Ibérica). Relanzón, Santiago (photo) Museo Arqueológico Nacional (España)

Ilustración 43. Esfinge de Agost. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_ib%C3%A9rica

Ilustración 44. Esfinge de Haches. Foto http://www.turismocastillalamancha.es/patrimonio/esfinge-de-haches-25264/

Como derivadas del mencionado grupo levantino e inspiradas inicialmente en el greco-oriental (aunque luego se hicieran del todo indígenas) pueden considerarse las numerosas estatuitas de bronce (algunas de plata) halladas en dos lugares de la región de Sierra Morena en la provincia de Jaén, conocidos con los nombres de Santa Elena (Despeñaperros) y Castellar de Santiesteban. Allí existieron en la época de arte ibérico (desde el siglo V .C. hasta alcanzar el V de la Era cristiana) santuarios como el de Montealegre pero cuyos exvotos eran pequeñas fundiciones de bronce y no estatuas de piedra. Se fabricaban dichos objetos vaciando en moldes de barro el bronce fundido siguiendo el procedimiento llamado de la cera perdida y como se inutilizaba el molde una vez servido no se

encuentran dos obras iguales entre tanta multitud de ellas. Se han extraído unas 4.000 esculturas de dichos lugares figurando guerreros ibéricos, jinetes, devotos orantes y oferentes, caballitos, piezas del cuerpo humano (pies, brazos, manos, ojos y dentaduras), todo de bronce y de factura tosca y, a veces, de figura esquemática.

Ilustración 45. Guerrero de Mogente (Valencia). Foto Contestania.com

Ilustración 46. Punzones, herramientas (Joyería, escultura) Edad del Bronce Península ibérica (1000 a.C. aproximadamente).

Escultura arcaica griega. La estatuaria arcaica griega fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras se alejan del realismo. Las korai o kuroi no son retratos de personas concretas; a los rostros se les añadía una sonrisa «ficticia», un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». El Jinete de Dipilón, una muestra simple de la modelación geométrica arcaica, perteneció a una estatua colosal (solo él mide 0,44 metros), está realizado en mármol de Paros y data del siglo VI a. C. El Jinete Rampin (c. 560 a. C.) es una obra de unos años posteriores, es de tamaño natural y presenta un tratamiento mucho más cercano al naturalismo.47

Ilustración 47. Detalle de Kouros Rampin, c. 550 a. C., Atenas. Foto Ricardo André Frantz

Bozal 1987: p .90-92

Son diversos los nombres registrados en la literatura antigua de los escultores del período arcaico. Datando del siglo VI a. C., los citados son Butades, siendo el primero en usar la terracota para forjar sus obras, un arte que sería perfeccionado por los etruscos por Diopos y Eugramos. Reco y su hijo Teodoro de Samos fueron acreditados por Pausanias como los inventores de la fundición del bronce, contradiciendo las fuentes modernas; en las que consideran a Glauco como el que mejoró e innovó la técnica de la soldadura48 y de ser Arquemo el primero en representar a Victoria y Eros.49 En un pasaje del siglo VI y V a. C. se vuelve importante la Escuela de Argos, con Agéladas como uno de sus exponentes, renombrado por realizar estatuas de atletas y ser el maestro de escultores como Fidias, Policleto y Mirón.50 En esta época también aparecen otros artistas de renombre como Antenor, a quien se le atribuye Tiranicidas y una koré preservada en Atenas.51

Ilustración 48. Ídolo cicládico, c. 2800-2300 a.C. foto https://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Gr%C3%A9cia_arcaica#/media/File:Cycladic_idol_large_retouched.jpg

Periodo arcaico El estilo arcaico se expandió por todo el mediterráneo e inspiró a la formación de un estilo natural para la propia cultura etrusca. China, Chipre y algunas regiones de Asia Menor se adaptaron a las producciones artísticas y escultóricas pertenecientes a la propia Grecia; creando un mercado rico que mejoraría su economía. En la península de Ítaca, abundan creaciones artísticas con terracota, usadas como decoraciones arquitectónicas.52 De hecho, Persia incorporó, hacia el siglo IV a. C., innovaciones de estilo con trazos griegos.53 El helenismo, con su historicismo y eclecticismo, dieron lugar a un resurgimiento de tradiciones escultóricas antiguas, mismas que sirvieron para forman pequeñas escuelas de escultura arcaica para un público selecto, que incluía coleccionistas romanos, dentro de los que destaca mencionar al emperador Augusto.54 48

MURRAY, Alexander S. A History of Greek Sculpture. Kessinger Publishing, 1880-2004. pp. 81 Archermus. Classic Encyclopedia, based on the Encyclopaedia Britannica 11th edition, 1911 50 Ageladas. Classic Encyclopedia, based on the Encyclopaedia Britannica 11th edition, 1911 51 Antenor (Sculptor). Classic Encyclopedia, based on the Encyclopaedia Britannica 11th edition, 1911 52 HEMINGWAY, Colette & HEMINGWAY, Seán. Etruscan Art. In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000 53 Greek Sculpture: Archaic Style. Encyclopedia of Irish and World Art 54 MURRAY, Alexander S. p. 93 49

Ilustración 49. «Diosa de las serpientes», c. 1600 a.C., Creta. foto Chris 73 / Wikimedia Commons

Ilustración 50. «Portal de los Leones», c. 1300 a.C., Micenas. foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_griega_arcaica#/media/File:Lion_Gate_Mycenes_OLC.jpg

Ilustración 51. Kore Phrasikleia, c. 540 a.C., Atenas. Foto Ricardo André Frantz.

Ilustración 52. Kouros Krosios, c. 525 a.C., Anavissos. foto https://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Gr%C3%A9cia_arcaica#/media/File:Kouros_anavissos2.jpg

Antigüedad clásica en Grecia Se suele fijar el período clásico de la Antigua Grecia hacia el siglo V a. C., entre el período arcaico y el período helenístico. Se ha dicho que la escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana, llegando a establecer un determinado canon y unas proporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el Auriga de Delfos, la pareja de los Bronces de Riace y el Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas.55

Ilustración 53. Los Bronces de Riace. Foto http://sobreitalia.com/2009/02/11/losbronces-de-riace/

Ilustración 54. Dios del cabo Artemisio. foto http://sobregrecia.com/2009/01/04/cabo-artemisio-historia-yreligion/

Ilustración 55. Venus de Milo. foto https://pl.wikipedia.org/wiki/Wikipedysta:Mzopw 55

Bozal 1983: p. 126-127

Periodo Clásico Tanto el escultor Policleto como Fidias y Mirón son considerados los padres del estilo clásico griego. Uno de los artistas más significativos del periodo clásico, con su magnífico Hermes con el niño Dioniso, fue Praxíteles, el cual era de la misma época que Lisipo y Escopas de Paros.

Ilustración 56. Obras de los 3 escultores más importantes del estilo clásico.

Ilustración 57. Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se atribuye al escultor Praxíteles.

Desde el período Severo los artistas se esforzaron por la obtención de una verosimilitud en las formas escultóricas con relación al modelo vivo; procurando esa transición con tal de mantener y poder expresar las virtudes internas. Para los griegos antiguos la belleza física estaba identificada con la propia perfección moral, bajo un concepto denominado kalokagathia. Una importante contribución a esta rama fue hecha por el propio Pitágoras quien incluyó sus conocimientos matemáticos al campo de la música y la psicología; que posteriormente se aplicarían al propio arte con la inducción de «estados psicológicos y comportamientos definidos»; tiempo después influenciando al propio Platón que aplicaría esto en la estética.56 Años más tarde, esta importancia por la verosimilitud comenzaría a ser un tema de mayor relevancia puesto que los escultores griegos buscarían un mayor control por el acabado de los detalles y el 56

BEARDSLEY, Monroe. Aesthetics from classical Greece to the present.

interés de estos artistas ya no sólo residió en la expresión total del cuerpo; sino que se extendió a la representación única e interesante de la indumentaria que estos tenían, con tal de recalcar el cuerpo y describir los efectos del viento con mayor fluidez y ritmo, de modo que recurrieron al uso de materiales plásticos para obtener mejores efectos de luz y sombra. Platón reafirmaría el sentido de la belleza y la virtud, al ser localizados en los sentidos físicos, evitando atribuir al escultor la capacidad de retratar la naturaleza con absoluta fidelidad, tal y como Galeno apuntaba: No reside en la simetría de los elementos del cuerpo, pero sí en la proporción adecuada de las partes, como por ejemplo el de un dedo con el otro dedos, ambos dedos en conjunto para las manos y el pulso, estos para el antebrazo, de ahí el brazo, y el todo con el todo, así como lo especifica el canon de Policleto. Después de haber enseñado en este tratado todas las especificaciones de simetría del cuerpo, Policleto ratificó su texto como una obra, teniendo de hecho la estatua de un hombre de acuerdo a los postulados de su propio tratado, llamando en sí a la estatua, al igual que al tratado, Canon. Desde entonces todos los filósofos y doctores afirman que la belleza reside en la proporción de las partes del cuerpo. 57

Se podría pensar que las aportaciones de Platón pudieron resultar negativas para la propia escultura, pero no lo fue así. Desde siempre los griegos tuvieron conciencia de la imposibilidad de visualización de los dioses en su forma divina, por lo que deberían aceptar la representación de su forma parcial e incompleta. De hecho, la ambientación con árboles, piedras y otros lugares pueden ser consideradas como espectáculos de los propios dioses. La enfatización por el naturalismo en estas estatuas provocó interesantes consecuencias. No era interesante que se reflejaran aspectos relevantes como el amor o la pasión, porque incluso muchas esculturas representaran temas eróticos o sexuales. De cualquier forma la presencia de la escultura clásica fue determinante; las objeciones contra el legado del elitismo y el dogmatismo estético e ideológico que recibieron de forma creciente en tiempos recientes contribuyen para evidenciar su destacada posición y confirmar que es una fuerza activa en la centenaria cultura moderna. La escultura griega se expandió por los pueblos griegos del Mediterráneo y el Mar Negro gracias a las conquistas de Alejandro Magno, dejando como legado el hecho de representar la estética, belleza y el valor del hombre por medio de modelos y prototipos ideales que, «son perecederos de aplausos y respeto», puesto que con el tiempo terminaron por inspirar obras de épocas más tardías.58 Los pintores y escultores, escogieron entre las bellezas más elegantes del mundo natural, perfeccionaron la idea, e incluso sus trabajos superaron y se mantuvieron por encima de los estándares de la naturaleza. Esto originó la veneración y el asombro que hoy en día tenemos por los hombre y el respeto por las estatuas y pinturas, y dio como recompensa gran honra a los artistas; de ahí donde emana la gloria de Timantes, Apeles, Fidias y Lisipo, y de muchos otros renombrados por la fama, todos los que, se elevaron encima de formas humanas, y consiguieron con sus ideas y formas una representación admirable. Esta idea puede nombrarse, en sí, perfección de la naturaleza, milagro del arte, clarividencia del intelecto, ejemplo de mente, luz de imaginación, el sol naciente, que desde el este inspira a la estatua de Mirón, e inflama el dichoso monumento de Prometeo. 57

In STEINER, Deborah. pp. 39-40

AGARD, Walter Raymond. The Greek Tradition in Sculpture. Ayer Publishing, 1950. p. 8

Ilustración 58. Auriga de Delfos, hecha para conmemorar la victoria del tirano Polyzalos de Gela en la carrera de los Juegos Píticos.

Entre los usos de la escultura estaba la realización de monumentos funerarios, que en general comparten las características de la escultura decorativa de los templos y edificios públicos. La tradición de la construcción de monumentos a los muertos existía desde la época arcaica, puesto que los kurós cumplían esta función. Se ha creído siempre que estos monumentos eran prerrogativa de personajes ricos. Sin embargo, este arte también se limitaba a los objetos decorativos y pequeñas estatuillas de consumo popular, representando actores especialmente cómicos, animales y tipos de personas comunes del pueblo, pero por lo general, sin mucho refinamiento técnico y que repetían toscamente los principios formales de la escultura de gran tamaño. La escultura durante el clasicismo griego ha sido considerada como el punto de mayor esplendor de la propia escultura griega. Durante esta etapa se lograron eclipsar los distintos estilos que anteriormente habían forjado el arte de representar la belleza y la magnificencia del cuerpo humano; con moldes y canones que representaran un arte perfecto. Estos valores, junto a la ya tradicional asociación de la virtud y la belleza, encontraron en la escultura del período clásico, un importante y descomunal retrato del ser humano, un vínculo allegado de manera especial con la expresión, y del mismo modo; un eficiente instrumento de educación cívica y ética, como también estética. Periodo Helenístico. Durante el período helénico observa que en la creación de esculturas hay una clara intención de intensificar el movimiento y acentuar las emociones, el mejor ejemplo es el conjunto escultórico de Laocoonte y sus hijos.59

Bozal 1983: p. 141

Ilustración 59. Laoconte y sus hijos. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Grecia

Cultura etrusca La escultura fue una de las expresiones artísticas más importantes del pueblo etrusco, un arte que tuvo su influencia y esplendor gracias a las aportaciones griegas. Desde el surgimiento o adopción de este arte en la cultura etrusca, se caracterizó por la expansión y refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos geométricos simples dispuestos en patrones complejos, manifestándose en la creación de diminutas figuras de animales en bronce, pero no sólo reservándose a esto, sino también empleándose el estilo en objeto como arneses para los caballos, cascos, puntas de flechas y lanzas, cántaros, pulseras, collares, así como calderos y sartenes y otros utensilios de utilidad desconocida, junto con recipientes de cerámica de todo tipo: vasijas, jarras y platos.60 La gran demanda que esto produjo, hizo que fuera necesaria la creación de talleres locales en los que se desarrollaban las iconografías del mundo griego oriental, dando como resultado la producción de figurillas antropomorfas, muy estilizadas y esquemáticas pero de gran vivacidad.61

Ilustración 60. Detalle de Carro etrusco de Monteleone, claro ejemplo de la etapa arcaica de la escultura etrusca. Foto de www.lavalnerina.it

Borrelli, p. 6-7

Grummond, Nancy Thomson de (2006). Etruscan myth, sacred history, and legend. University of Pennsylvania, Museum of Archaeology, 2006. pp. 2-10 (en inglés)

La escultura etrusca evolucionó, con el tiempo, adoptando también uno tono aún más maduro: las tumbas se hicieron más grandes y más complejas, con varias cámaras, pasillos y una gran cubierta abovedada en la parte superior, formada con anillos concéntricos de bloques que avanzaban gradualmente, a veces con una pilastra central que contribuía a sostener la cubierta. Los entierros eran a menudo de lujo, incluyendo una profusión de objetos tanto decorativos como sagrados, los príncipes guerreros, invertían en comprar bienes suntuarios a semejanza de las pompas y tipologías orientales.62 Los motivos decorativos como las hojas de palmera, el loto y el león se volvieron frecuentes, debiendo todo ello la necesidad de satisfacer los deseos de una élite que se había organizado, enriquecido y ennoblecido.63 Con el paso del tiempo, se optó por el uso de materiales alternativos para la construcción de templos u otras obras, mostrando diferentes divisiones en los espacios, en su distribución y diseño y con el uso de muchos detalles decorativos en terracota policromada, como frisos, acroteras, antefijas y placas con escenas narrativas o con motivos ornamentales diversos.64 Cambios similares se produjeron en la construcción de las tumbas, haciéndolas más complejas y mayores, con varias habitaciones decoradas de acuerdo con sus funciones como si fueran casas y decoradas con elementos escultóricos, como pedestales, columnas y capiteles, y relieves de diversos tipos.65

Ilustración 61. Sarcófago de Larthia Seianthi, terracota con restos de policromía, Chiusi. Foto Kurpfalzbilder.de

Ilustración 62. Tapa de una urna funeraria, terracota, Volterra. Foto Kurpfalzbilder.de

Bartoloni, p. 66

Bartoloni, p. 43

Borrelli, p. 40-41

Honour, Hugh & Fleming, John (2005). «A world history of art» (en inglés). Laurence King Publishing

Ilustración 63. Esfinge en Chiusi. Foto Kurpfalzbilder.de

Sin embargo, la escultura etrusca comenzó a entrar en un periodo de decadencia durante la etapa helenística. A pesar de que los sarcófagos y urnas aún continuaban siendo piezas muy decoradas, las esculturas de los muertos reflejaron un carácter aún más esquemático y genérico. La calidad de las obras durante esta etapa empezó a decaer; faltando el detalle y la belleza que tiempo antes había tenido; ejemplos importantes de esta etapa son el frontón de Talamone de Luni o El Orador, una estatua en bronce exenta. A diferencia de la escultura proveniente de otras culturas, la etrusca contiene pocos ejemplos de esculturas de suave, alabastro o toba; e incluso el mármol, que es aún más raro de localizar. El marfil, la madera y el bronce también fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas, siendo este último el material más privilegiado y el más usado durante los finales de la etapa escultórica helenística de la cultura etrusca; Horacio alababa sus técnicas y su estilo único.66

Ilustración 64. Frontón escultórico de Luni, conservado en el Museo Arqueológico de Florencia. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_etrusca

Materiales y técnicas Terracota La inmensa mayoría de los restos escultóricos, tanto de grandes dimensiones —estatuaria arquitectónica y sarcófagos— como de piezas más pequeñas, fue realizada en terracota, cuya facilidad de manejo servía perfectamente a los propósitos de los escultores y patrocinadores y a la gran 66

Ibidem.

demanda de obras fúnebres y decorativas. Además, esto permitió la creación de piezas en serie a través de moldes, una técnica aprendida de los griegos. Se modelaba a mano un prototipo de arcilla, del que se hacían varios modelos, y con éstos se podía replicar el prototipo numerosas veces hasta que el molde se desgastaba y se volvía a reemplazar. Se retiraba la pieza del molde, mientras estaba todavía húmeda de forma que aún podían añadirse detalles o rectificar imperfecciones de la fabricación, dando a cada pieza un carácter único. A su vez, las piezas moldeadas podían también servir como nuevo prototipo para una segunda generación de moldes y copias. Por una parte esto posibilitaba la producción masiva de piezas semejantes a bajo costo para satisfacer la creciente demanda pero a medida que los moldes se desgastaban su calidad descendía, lo que resultó fatal para el arte etrusco, especialmente en su fase final, cuando el acabado se había reducido mucho, sin añadidos o correcciones después del moldeo. Sin embargo, la calidad del acabado final de las obras era muy variado existiendo casos de estatuaria importante con un acabado sorprendentemente rústico, incluso en etapas anteriores a la producción en serie como el gran edificio de Murlo, cuya cornisa fue decorada con al menos trece acroteras de tamaño natural, así como con planchas de terracota con representaciones de diversas escenas, pero con una técnica muy rudimentaria.67 Otros ejemplos, sin embargo, son de gran refinamiento, entre las que se encuentra el frontón del templo de Portonaccio en Veyes, con una escena mitológica, y otro conjunto de excepción es el Frontón de Talamone. Más general, sin embargo, fue el uso de placas simples y frisos con varias escenas y detalles de menor importancia como las antefijas, acroteras y medallones con motivos humanos, animales, plantas y abstractos.68

Ilustración 65.Frontón de Talamone, terracota, Luni.

Otros materiales La piedra nunca fue muy utilizada en la escultura etrusca. Existen pocos ejemplos de esculturas de piedra caliza suave, alabastro o toba; el mármol es aún más raro. Sus dimensiones son modestas y su técnica bastante primitiva. Los detalles eran a menudo toscamente trabajados, pero las imperfecciones se ocultaban con la práctica de la pintura sobre la superficie. En un taller de Chiusi se esculpieron plañideras y esfinges en piedra local, mientras que en Vulci se 67

Borrelli y Targia (2003) pp.36-37 Söderlind, Martin. Late Etruscan votive heads from Tessennano: production, distribution, sociohistorical context. Volume 118 de Studia archaeologica. L'Erma di Bretschneider, 2002. pp. 35-41; 389-391 (en inglés) 68

realizaban esculturas de seres fantásticos derivados de la mitología griega. Sólo en el periodo helenístico se encuentran más ejemplos de escultura en piedra, especialmente para los sarcófagos, pero la técnica no parece haber evolucionado de manera significativa.69 El marfil, la madera y el bronce también fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas, aunque puede ser que muchas piezas importantes se pueden haber perdido. Para elaborar piezas pequeñas, el bronce fue un material privilegiado con el que alcanzaron un alto grado de conocimientos técnicos y de complejidad formal. Dominaban varias técnicas, como la cera perdida, el grabado o el laminado. Fueron capaces de agregar al bronce otros metales como el oro, el cobre o las incrustaciones de plata y su producción tenía un gran mercado entre varios de sus pueblos vecinos, especialmente los romanos, siendo ésta una técnica elogiada por Horacio.70

Imperio Romano En origen derivado de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna y la propia Grecia, durante el periodo helenístico, se desarrolló, teniendo como foco central la metrópolis, entre los siglos VI a. C. y V, el arte escultórico en Roma; pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran sólo meros copistas, ahora se reconoce que no sólo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, género en el que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.71

Ilustración 66. Columna de Trajano. Foto apuntes.santanderlasalle.es

Durante los últimos siglos del imperio (siglo III al siglo V) se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo e innovador. A veces esta 69

Borrelli y Targia (2003) pp.104-105 Carpino, Alexandra Ann. Discs of splendor: the relief mirrors of the Etruscans. Wisconsin studies in classics. University of Wisconsin Press, 2003. pp. 83-96 (en inglés) 71 Barral i Altet (1987) pp.260-261 70

fase de transformación ha sido vista como una decadencia artística, pero el canon griego fue el resultado de una época y un contexto determinado, y aunque dio forma a los orígenes artísticos de Roma y a gran parte de su trayectoria, los tiempos y el territorio se habían transformado, de modo que el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbólica o del historicismo en lugar de una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia, y entraba en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Próximo, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se volvían parte de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendían desde Hispania, Galia y Britania a Persia, Arabia, Cáucaso y Norte de África, desarrollaban estilos sincréticos con sus propias tradiciones locales, creando obras que fueron aceptadas tanto para la visión metropolitana como para la provincial, aunque interpretados de manera diferente para cada lugar.72 Sin embargo y a diferencia del arte escultórico en la Antigua Grecia, el prestigio de estatuas paganas continuo en alza hasta el siglo VI, ni siquiera la aparición del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provocó una inmediata destrucción de las imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a finales del siglo IV de nuestra era, también recomendó mantener las estatuas de los ídolos paganos como «ejemplos de la capacidad de los grandes artistas, y cómo espléndido ornato de nuestras ciudades». Con todo, poco después de la política del papado y del imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estímulo de una ola asombrosa de iconoclasta por todo el imperio que decretó la desaparición de la gran mayoría de la fabulosa colección de obras de arte acumuladas durante siglos.73 Los romanos fueron los primeros en estar orgullosos de florecer en la sombra de una cultura extranjera. Virgilio en su Eneida, toma las palabras de Anquises donde declara que Roma, aún por nacer, estaría en las artes y las ciencias siempre por debajo de los griegos, pero que la superaría en la guerra y en la administración pública. Sin embargo, esto no pudo impedir que sus escultores desarrollaran algunos rasgos evidentes de originalidad, reconocidos por otros críticos.74 De hecho, como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido, el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y realizada comúnmente.

Ilustración 67. Estatua de Marco Ulpio Trajano, frente al Foro de Trajano, en Via del Fori. Foto de www.fuenterrebollo.com

https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Roma Waywell, Geoffrey (1992). The Legacy of Rome: a new appraisal: II Art (en inglés). Oxford University Press. pp. 297-298. ISBN 978-019-821917-0. 74 Jenkyns, Richard (1992). The Legacy of Rome (en inglés). Oxford University Press. pp. 1-5. 73

Un aspecto fundamental de la escultura romana fueron los retratos;75 una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas, dando una total preferencia por el busto y la cabeza, que creó un enorme mercado en toda la cuenca mediterránea. De hecho, la identidad específica del sujeto, establecida por los rasgos particulares de la cabeza, era hasta ese entonces un apéndice simbólico que no podía tomarse en cuenta como parte de la integridad del cuerpo. Puesto que para algunos de los escultores la creación de las cabezas o bustos era la clave principal para la identificación, y esto se insertó como un buen concepto. Asimismo, innumerables estatuas sin cabeza que sobreviven de la antigüedad son similares a los escenarios sin actores, especialmente cuando el cuerpo fue hecho por los ayudantes con anticipación, esperando que la cabeza fuera tallada por el maestro escultor. Algunos de los retratos más importantes fueron los hechos a Aurelio Constantino el Grande; que datan de la edad de oro de la escultura romana.76 Retratos romanos

Ilustración 68. Busto de Marco Aurelio. Foto www.fuenterrebollo.com

Ilustración 69. Busto de matrona de la dinastía, caracterizado por el uso de una técnica de perforación en el peinado. Foto www.fuenterrebollo.com

Bozal 1987: p. 284-285 Trentinella, Rosemarie (2000). Roman Portrait Sculpture: The Stylistic Cycle (en inglés) (In Heilbrunn Timeline of Art History edición). New York: The Metropolitan Museum of Art. 76

Ilustración 70. Busto de Augusto portando la corona cívica.

Los retratos de la escultura romana sirvieron a los emperadores como un modo de inmortalizar y refrendar su poder. A menudo, los bustos sobre los que tallaban sus rostros eran apoyados por leyendas; lo que vino a convertirse en una tradición. De hecho, estas máscaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar, el lararium, junto con bustos en bronce, terracota o mármol.

Edad Media Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles, con motivos vegetales y animales enfrentados. Hay buenos ejemplos en San Vidal de Rávena o los sarcófagos de la misma ciudad donde están representados temas del Buen Pastor. Se han conservado pocas obras escultóricas exentas: las más numerosas son relieves en marfil aplicados a cofres, dípticos o la célebre Cátedra del obispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550. Durante el período del arte otomano lo que se produjeron no fueron obras de grandes dimensiones sino pequeñas esculturas en marfil y bronce en las que se añadían incrustaciones de piedras preciosas. Tal y como destacan las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, hechas de bronce y que es una obra muy relacionada con el arte bizantino y el arte carolingio. Otro material empleado fue la madera, con la que se realizaron imágenes recubiertas de oro que se usaban como relicario, entre ellas, destaca el Crucifijo de Gero de la catedral de Colonia, una obra del siglo X realizada en madera policromada.77

Ilustración 71. Tríptico Barberini expuesto en el Louvre. Foto de https://es.wiki2.org/wiki/D%C3%ADptico_Barberini

Sureda/Barral 1989: p. 392

Ilustración 72. Crucifijo de Gero. Catedral de Colonia. Foto europaenfotos.com

Durante esta etapa, además de la producción arquitectónica (las demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil, cerámica, trabajo en metales y cristal, destacando enormemente las fuertes influencias clásicas y germánicas; obteniendo un arte cristiano, así como el estilo animal y el estilo polícromo. Los edificios se caracterizaron por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco. Las estructuras son de escasa altura y con pocos vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Esto añadido al soporte arquitectónico y la profusa decoración escultórica (capiteles, tímpanos), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas, convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.

Ilustración 73. El capitel bizantino con cimacio. Ilustración 74. Capiteles bizantinos del siglo V. dibujo de http://editorial.dca.ulpgc.es/estructuras/construccion/1_historia/15_bizantina/c157.htm

Ilustración 75. Dípticos y trípticos en mármol. Foto www.historiadelarteen.com

Las obras de más importancia de la escultura bizantina son las obras de pequeño tamaño como lo son los dípticos y las cajas, talladas en diversos materiales entre ellos el marfil; que fue utilizado para la realización de objetos de lujo y de uso religioso, encargados por las élites de Constantinopla se traía de lugares como Egipto y la India.78 Los Dípticos y Trípticos realizados en marfil en el Periodo del Arte Bizantino representan muy bien la maestría que estos artesanos alcanzaron, donde la preocupación por el detalle y un acabado perfecto son elementos que destacan. En muchas de estas esculturas se observa la influencia de los modelos romanos que tomaron como inspiración pero agregándole el toque bizantino característico con expresiones serias y lacónicas en las figuras. El estatismo con que se representan estas figuras acentúa la solemnidad del mensaje.79

Ilustración 76. caja de marfil bizantino. foto https://historiadelarteen.com/2012/03/17/artebizantino-escultura/

Escultura románica El arte románico se expandió por toda Europa entre los siglos XI y XIII. La escultura aplicada a la arquitectura fue tomando una forma más monumental bajo el impulso de una iglesia que en esa época estaba orientada, por un lado, por las directrices de la Orden de Cluny y, por otro, por el incremento de las rutas de 78 79

www.historiadelarteen.com ibídem

peregrinaje, principalmente las de la Catedral de Santiago de Compostela o la abadía de Santa Fe de Concas.80 Varias partes de las iglesias —tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos— eran tratadas por los escultores con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconográficos más representados.81 Dejando de lado los relicarios chapados con metales, el material más empleado fue la madera, que era usada para la elaboración de imágenes de devoción. Las «madres de Dios con el niño» fueron muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia aunque, en cuanto al valor iconográfico, la imagen más importante del románico fue el Cristo Majestad. Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca, el de la Catedral de Milán, el Cristo y la Majestad de Batlló.82

Ilustración 77. Capitel de San Juan de Amandi, iglesia románica del siglo XII en Villaviciosa (Asturias, España). Foto Manuel M. Vicente.

Ilustración 78. Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, del Maestro Mateo, que inicia la transición del hieratismo románico a la sensibilidad del gótico ya en la segunda mitad del siglo XII (1168 - 1188).

El estilo es antinatural y simbólico, con clara tendencia a la abstracción, de influencia bizantina. En la composición, muy clara y ordenada, imperan el “horror al vacío”, la frontalidad, la simetría, el equilibrio, la isocefalia (todas las cabezas colocadas a la misma altura) y las líneas curvas. Las figuras son hieráticas y severas, sin volumen. No tiene perspectiva ni profundidad, se rigen por la ley de adaptación al marco, lo que favorece las deformaciones. El escultor no busca la belleza sino la expresividad, por eso están desproporcionadas y sus rasgos exagerados o deformados.83

Sureda 1988: p. 100 Sureda 1988: p. 148 82 Barral; Duby; Guillot, 1996: p. 91 83 http://www.wikillerato.org/La_escultura_rom%C3%A1nica:_temas,_t%C3%A9cnicas,_funci%C3%B3n..html 81

La escultura tiene una clara función didáctica, no ornamental. Su finalidad era enseñar a los fieles, por lo general analfabetos, los dogmas y principios del Cristianismo. En un mundo teocéntrico, dominado culturalmente por la Iglesia, las imágenes debían instruir y excitar a la piedad a los fieles, enseñándoles cómo salvarse imitando la vida de Cristo y de los santos. Era una Biblia en piedra.84 Los teólogos organizan el programa escultórico, con una ubicación fija; la temática es muy variada aunque esencialmente apocalíptica -el Apocalipsis de San Juan, el Antiguo y Nuevo Testamento, los Evangelios apócrifos y el Bestiario fabuloso procedente de Oriente, así como vidas de santos recogidas en la Leyenda Dorada-.85 En tanto, la aplicación escultórica a la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portadas de los templos. Se utilizó el relevo como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo que las simples superficies pintadas, retratando escenas como la Visión del Apocalipsis y esculpiendo en cada una el espíritu del concepto de Dios vengativo presente en el Antiguo Testamento, también se llenaron no sólo de figuras bíblicas como los evangelistas, apóstoles y ángeles, sino con series de criaturas monstruosas, que ante su visión no olvidaban: demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor de la tortura del infierno.86

Ilustración 79. Visión Apocalipsis San Pedro in Moisacc. Fotos arte-geografia-historia.blogspot.com

La escultura pequeña existía también, pero en número reducido, realizada en marfil o madera, y podía estar cubierta de oro o de plata (crucifijos y pequeñas imágenes). La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas litúrgicas, las puertas de las iglesias, pilas bautismales y lápidas de tumbas. Para la parte superior de las tumbas, una nueva tipología se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo XII: la aplicación de la figura del difunto sobre el ataúd en posición yacente. Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con carácter románico fue la del abad Isarn de la abadía de San Víctor de Marsella.

http://www.wikillerato.org/La_escultura_rom%C3%A1nica:_temas,_t%C3%A9cnicas,_funci%C3%B3n..html Ibidem. 86 Bozal 1983: p. 169 85

Ilustración 80. Relieve representando la duda de Santo Tomás. Monasterio de Silos. fotos https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_rom%C3%A1nica#/media/File:Silos-Duda.jpg

Ilustración 81. Sarcófago de San Juan Casiano. Abadía de San Víctor, Marsella (Francia). Fotos http://www.preguntasantoral.es/

Materiales usados en la Escultura Románica. El material preferido es la piedra, pero también se usa la madera, generalmente policromada, el marfil, y el metal. La talla de piedra es plana; la talla se hace más profunda a partir de la segunda mitad del s.XII, los plegados más voluminosos y curvados y las figuras más reales.87

Escultura gótica El período entre los siglos XIII y XV fue escenario de un importante desarrollo económico en toda la Europa occidental. Aunque la escultura sigue enmarcada dentro de los grandes edificios religiosos, las formas son mucho más naturales y también se aplica en sepulcros, sillerías del coro y retablos. Las portadas presentan santos o apóstoles con un carácter casi exento, con formas más dinámicas y alargadas, y quedan ubicados bajo doseles que presentan pináculos.88 La puerta de la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica: están representados animales fabulosos que dan forma a las gárgolas, recurso con el que el artista consiguió un gran efecto plástico.

87 88

http://www.wikillerato.org/La_escultura_rom%C3%A1nica:_temas,_t%C3%A9cnicas,_funci%C3%B3n..html Sureda 1984: p. 299-301

Ilustración 82. La puerta de la Catedral de Chartres. Fotos sumateologica.wordpress.com

Ilustración 83. Claro ejemplar de una gárgola, localizada en la Catedral de Lincoln, Inglaterra, y que data de entre 1185 y 1311.

Un dato curioso de este tipo de esculturas es que se utilizaron para el desagüe de los tejados, además de representar un estilo vanguardista y descomunal en el período gótico. De igual forma, cabe destacar que era una especie de espantapájaros usado para alejar los espíritus malignos.

Ilustración 84. Retablo y antependium (frente de altar)28 del priorato de Saint-Thibault29 (ca. 1330). Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo#/media/File:Saint-Thibault_-_Retable_1.jpg

La escultura gótica se conformó de cuatro períodos; el primero, el gótico primitivo se mantuvo esencialmente como un fenómeno francés, concentrado en la región de París, y el primer edificio importante que incorporó esculturas fue la

Basílica. Entre 1137 y 1144, Suger, su abad, impulsó la reforma de un edificio románico existente y lo decoró con una gran riqueza. Saint-Denis es especialmente importante porque es la necrópolis de los reyes de Francia, es un monumento de la dinastía carolingia y, al mismo tiempo, se convirtió en el símbolo de la consolidación de la monarquía francesa, un proceso en el que Suger tuvo un destacado papel en su calidad de consejero del rey y regente de Francia durante la Segunda Cruzada.89 90

Ilustración 85. Basílica de Saint Denis. Fotos de www.parisciudad.com

El estilo original se transformó impulsado por el creciente interés por el naturalismo, dando paso a la segunda etapa de la evolución del gótico, llamada Alto gótico.91 En esta transición tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa, y de forma especial Nicolás de Verdún y Renier de Huy, los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gótica, que destacaron por sus trabajos de orfebrería y bronce.

Ilustración 86. Relicario de los Reyes Magos, Catedral de Colonia Nicolás de Verdún. Foto www.studyblue.com

Gardner, Helen; Kleiner, Fred S. & Mamiya, Christin J. (2005). «Gardner's art through the ages: the Western perspective». Volume 1. Cengage Learning (en inglés). pp. 361-368. 90 Janson, Horst Woldemar (2003). «History of Art: The Western Tradition».Prentice Hall PTR (en inglés). 91 Büchsel, Martin. Gothic Sculpture from 1150 to 1250. En Rudolph, Conrad. A companion to medieval art: Romanesque and Gothic in Northern Europe. Volumen 2 de Blackwell companions to art history. Wiley-Blackwell, 2006. pp. 403-420

Ilustración 87. Pila bautismal de Renier de Huy. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:00_Fonts_batismaux_-_Renier_de_Huy.JPG

Gótico internacional

El llamado gótico internacional comprende el periodo entre mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV, con su punto álgido hacia el año 1400, que fue cuando el estilo se convirtió en la lengua vehicular del arte europeo, con un gran movimiento de artistas y de intercambios entre las escuelas regionales. Pero cuando se habla de internacional no implica que el estilo se convirtiera en homogéneo. Por el contrario, la aparición de grandes centros urbanos en varios países, todos con tradiciones propias, generó un panorama de gran diversidad, además, la existencia de clientes ricos permitió el cultivo de una amplia gama de nuevas posibilidades artísticas.92

Ilustración 88. PIEDAD Anónimo. Taller alemán Hacia 1410. Foto http://domuspucelae.blogspot.com/2010/01/visita-virtual-la-piedad-el-dolor-de.html.

Binski, Paul. Court Patronage and International Gothic. En Jones, Michael (ed).The New Cambridge Medieval History: c. 1300-c. 1415. Volumen 6 de The New Cambridge Medieval History. Cambridge University Press, 2000. pp 222-231

Ilustración 89. Imagen de la Virgen con Niño, que presenta el típico contrapposto del gótico, ejemplo del tipo «Virgen bella». Museo de Erasmus Cioleka, en Cracovia. Foto Ludwig Schneider.

Gótico Tardío. El gótico tardío es la fase final del estilo gótico, pero no fue una etapa de decadencia. La transición se produjo de una manera suave y gradual, y fue en esta etapa cuando se realizan algunas de las obras góticas más ricas y complejas. Finalmente el estilo desaparece para dejar paso al renacimiento y al manierismo. El gótico tardío se desarrolla aproximadamente entre mediados del siglo XV y mediados del XVI, y, en relación al naturalismo y el internacionalismo, representa el coronamiento de lo conseguido en la fase anterior. Otra tendencia evidente del periodo fue desarrollar un gusto por la complejo y máxima sofisticación, la cual es notable y evidente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, que enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. La mayor parte de los retablos poseían paneles desplegables ubicados en los laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, estaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil. 93

Belting, p. 449-453

Ilustración 90. Escena de un retablo de Tilman Riemenschneider en Rothenburg ob der Tauber. https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:Rothenburg_ob_der_Tauber_018.JPG

Otros claros y notables ejemplos de este estilo son las obras de Aloi de Montbrai, quien realizó el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues, quien esculpió el sepulcro de Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña, ejecutado por Pedro Juan.94 El flamenco Claus Sluter dejó una de sus mejores obras en la cartuja de Champmol, situada cerca de Dijon (Francia), donde además de la portada realizó el pedestal del pozo hexagonal del claustro, conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Sienalos escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad en las que anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura.95

Ilustración 91. Retablo Mayor y tumba de Juan II de Castilla en la Cartuja de Miraflores (Burgos); obras realizadas por Gil de Siloé entre 1496 y 1499. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:Cartuja_de_Moraflores_(Burgos)_-_Retablo_mayor

94 95

Sureda 1988: p. 370-372 Bozal 1983: p. 188-191

Métodos de trabajo Durante el gótico, ninguna de las técnicas escultóricas recibió innovaciones esenciales aunque en muchas de ellas, de manera progresiva, se observa un gran refinamiento. Una característica de este período fue la concentración del trabajo fundamentalmente en la piedra y la madera, ya que la realización de piezas en bronce, por su coste y por la dificultad técnica, era prohibitiva. La técnica de la fundición a la cera perdida, que produce esculturas vacías, representó una reducción en el coste de obras de grandes dimensiones pero fue redescubierta más tarde, a mediados del siglo XV.96

Ilustración 92. Portal de Santa Ana en la fachada de Notre Dame de París. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:Cath%C3%A9drale_Notre-Dame_de_Paris_-_32.jpg

Los aspectos prácticos más importantes a destacar en la escultura gótica son su carácter colectivo y el papel de los gremios y los talleres de producción. En el siglo XII, cuando apareció el gótico, el principal género escultórico era el que acompañaba la arquitectura de las fachadas. La construcción de una gran catedral podía tardar siglos; se formaba un grupo de trabajo, con una jerarquía organizada bajo la dirección general de la Iglesia y un ejército de artesanos bajo un magister operis que la mayoría de las veces era también escultor, el maestro de obras que estaba a cargo de la gestión del suministro de materiales y del personal, y un magister lapidum que tenía la función de arquitecto jefe, de director. La ejecución de las esculturas y la construcción de las fachadas se realizaba independiente por lo que a veces no coincidían en la fecha, es decir, cuando se colocaban las esculturas en las fachadas podía haber grandes desfases de años, como pasó con la portada de Santa Ana de Notre-Dame de París que está datada del siglo XIII y parte de sus esculturas pertenecen al siglo XII.97 Los trabajadores y los artesanos no tenían ningún papel decisivo, su subordinación a los maestros era completa y muchas veces, trabajaban directamente bajo la dirección eclesiástica. Según unas listas de recaudación de impuestos, París en el año 1292 contaba 33 pintores, 23 iluminadores, 24 imagineros y 104 entre canteros y albañiles.98

Stone, Richard E. (2000). The Metropolitan Museum of Art, ed. «Direct versus Indirect Casting of Small Bronzes in the Italian Renaissance. In Heilbrunn Timeline of Art History» (en inglés). Nueva York. 97 Manote y Terés, 2007, p. 18 98 DDAA. Historia Universal del Arte, 1984, p. 660

Ilustración 93. Gárgolas de Nuestra Señora de París. http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

Aunque se conozcan los nombres de algunos arquitectos góticos, la personalidad artística independiente o el artesano elevado al nivel de artista como lo conocemos actualmente es una figura que apareció en el siglo XIV, cuando en las ciudades más importantes podían atraer a los mejores artistas para que establecieran talleres privados. Así, hasta mediados del siglo XIV, casi toda la escultura gótica fue anónima y el producto de muchas manos. Cuando empezaron a multiplicarse la creación de talleres, la regla era que el maestro utilizaba un número de asistentes que ayudaban a la ejecución de las obras y la personalidad creativa del maestro se hizo más clara, podía controlar mejor los resultados de los encargos, aunque, el producto final siempre era colectivo. Por otro lado, la existencia de un número creciente de artistas independientes impulsó la organización de asociaciones o gremios. Los gremios ejercían un poder considerable en la distribución de los contratos, en los métodos de enseñanza de los aprendices y a veces también, la definición de los parámetros estéticos. Aunque en esta última cuestión las exigencias de los gremios eran, por regla general, menores y dejaban libertad de elección a los escultores. Las obras se realizaban siempre por encargo, no existía la producción espontánea y el gusto de los clientes era decisivo.99 FUNCIÓN DIDACTICA DE LA ESCULTURA GOTICA:

El mensaje didáctico continúa presente en la escultura gótica, “…sin embargo, advertimos que el escultor gótico ha emprendido su tarea con nuevo espíritu. Para él, esas estatuas no son sólo símbolos sagrados, solemnes evocaciones de una verdad moral, sino que cada una de ellas debió ser una figura válida por sí mismo, distinta de su compañera en su actitud y tipo de belleza, para lo cual revistió a cada una de dignidad individual…” (”La Historia del Arte. E.H. Gombrich, p 190) Los monjes Franciscanos acostumbraban a predicar en púlpitos adornados con imágenes, así que en este caso, el púlpito no es sólo el escenario para predicar la palabra de Dios sino que es una verdadera pancarta de hechos bíblicos. Aparecen representados varios episodios como la anunciación, el nacimiento, la adoración de los pastores, la crucifixión y el juicio final. En la imagen aparece la Crucifixión de Cristo.100

Hauser, Arnold (1999). «The Social History of Art: From prehistoric times to the Middle Ages» (en inglés). pp. 117-119. http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

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Ilustración 94. Púlpito de la catedral de Siena, siglo XIII. Realizado por Nicola Pisano, junto con su hijo Giovanni Pisano y Arnolfo di Combo. Foto https://www.pinterest.com/pin/493566440388537343/

SIMBOLOGÍA DE LA ARQUITECTURA GOTICA:

Tal como sucedió durante la época románica, la escultura gótica está llena de símbolos que eran fácilmente reconocibles por los cristianos y que ayudaban a transmitir el mensaje bíblico. Cada santo aparece señalado claramente con su respectivo símbolo, de tal forma que pueda ser plenamente identificado y que asimismo su mensaje pudiera ser comprendido fácilmente por el espectador. Por ejemplo, en el pórtico de la Catedral del Chartres (Francia) se dio vida a varias figuras que eran cómodamente identificables gracias al símbolo que la acompañaba: Abraham se representa como un viejo que sostiene a su hijo dispuesto al sacrificio, Moisés aparece con las tablas de los diez mandamientos y Melquisedec, rey de Salem fue esculpido con el cáliz y el incensario sacerdotal por ser el modelo o patrono de los sacerdote, etc…101

Ilustración 95. Catedral de Chartres (detalle). Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

En la jamba oriental de la catedral de Chartres puede verse a Melquisedec, Abraham con Isaac, Moisés con la serpiente de bronce, Samuel y David, en la occidental aparecen Isaías, Jeremías, Simeón, San Juan Bautista y San Pedro, todos ellos pueden ser identificados gracias a sus atributos. 102 ICONOGRAFIA GÓTICA:

Las figuras más representadas durante la época gótica pertenecen al tema religioso: La imagen de Cristo en la cruz abandona la rigidez majestuosa del románico y se hace más humano, lleva una corona de espina y un paño o lienzo con pliegues, las piernas se retuercen y sus pies están juntos clavados con un solo clavo (a diferencia del románico, los pies no están separado, sino juntos), se 101 102

http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html Ibídem.

destaca la herida del costado y su rostro expresa dolor. Continúa representándose al Cristo Pantocrátor y el juicio final. También se reproduce la figura del Niño Cristo. 103 La Virgen adquiere durante el gótico pleno protagonismo, se le representa como madre, bella e idealizada, en contacto directo con su hijo. Ya no es la "Majestas Mariae" del románico sino una madre humanizada que sonríe al espectador. También se le representa como la madre dolorosa, abatida por los dolores de la pasión. Igualmente se representan figuras bíblicas y escenas de la vida de los Santos, siendo el preferido San Francisco de Asís, por ser el patrón de los Franciscanos, principal orden religiosa de la época.104

Ilustración 96. Cristo Pantocrator, Catedral de Burgos. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

La imagen de Cristo como juez universal continúa presentándose durante el gótico, aquí aparece acompañada de los símbolos de los cuatro evangelistas, conocido como el Tetramorfo, Se observa mayor movimiento que en el románico y los cuerpos se adivinan bajo los pliegues de la ropa. 105

Ilustración 97. Anónimo. La Piedad de Roettgen.- Madera policromada.- (aprox. 1300), altura 88 cm. Museo de Bonn. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

La piedad es una de las representaciones más conmovedoras del arte cristiano. Se representa a la Virgen como la Dolorosa, con Cristo muerto en su regazo. Aquí la Virgen estremecida por el dolor físico y espiritual sostiene el cuerpo del hijo brutalmente sacrificado, la cabeza con la corona de espina cae hacia atrás y de las llagas manan gotas de sangre en forma de un racimo de uvas, símbolo místico de Cristo. Esta es una de las primeras obras de este tipo iconográfico, caracterizado por su estilo drástico o terribilísimo. Este tipo de obra promovía la mortificación corporal, práctica muy extendida en el medioevo, que en algunos casos llegará al extremo en los movimientos de los flagelantes. 103

http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ibídem 105 Ibídem 104

Edad Moderna Hay disparidad de criterios para fijar el inicio de la edad moderna: algunos autores la relacionan con la caída de Constantinopla (1453), y otros la sitúan en el año del descubrimiento (1492). Hay más consenso con la fecha de finalización, la que vendría dada por el estallido de la Revolución Francesa (1789). Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso convocado el año 1401 para realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia, una prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.106 Por eso, deben tomarse todas estas fechas con un criterio más bien pedagógico. La edad moderna transcurre más o menos desde mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII. Escultura en el Renacimiento La nueva forma artística del Renacimiento plantaba raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas como los Médicis de Florencia y los papas de Roma, así como varios cardenales, príncipes y también gremios. En esta época la escultura que se produjo prácticamente quedó liberada del marco arquitectónico, y los personajes mostraban expresiones llenas de dramatismo: transmitían la sensación de una gran terribilità. Nicola Pisano alrededor del 1260 esculpió un púlpito para el Baptisterio de Pisa que es considerada la manifestación precursora del Renacimiento en la escultura. En contraste con este acontecimiento, su hijo Giovanni Pisano acarrearía un estilo aún más maduro y dominaría la escena en Florencia durante el primer tercio del siglo, y se volvería uno de los introductores del nuevo género, el de los cruxifixi dolorosi, de gran dramatismo y que fijarían una larga influencia. Su talento versátil daría origen a otras obras de suma elegancia y austeridad, como el retrato de Enrico Scrovegni.

Ilustración 98. ENRICO SCROVEGNI. Foto: http://www.gabitos.com/elalmacendelconocimiento/template.php?nm=1369477325

Esta etapa también mezcló los elementos góticos, dándole un nuevo sentido a la percepción y el espacio.107 Contemporáneos como Tino di Camaino 106

Bozal 1983: p. 192 Benezit, E. Nicola Pisano. In Dictionnaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs. Paris: Librairie Gründ, 1976. ISBN 27000-0155-9. 107

continuaron con la misma línea de trabajo, siendo esto característico durante la etapa del Trecento.108 A mediados del siglo Andrea Pisano se volvería uno de los principales escultores de Italia, autor de los relevos de la puerta sur del Florencia siendo nombrado el arquitecto de la Catedral de Orvieto.109 Fue maestre de Orcagna y Giovanni di Balducci, autor de un complejo monumento funerario en la Capela Portinari de Milán.110

Ilustración 99. Nicolás Pisano.- Púlpito de Pisa. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html

A pesar de los avances de los maestres del Trecento, su trabajo aún seguía reflejando la fricción entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los elementos góticos. Para finales del Trecento, surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relieves en el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por completo.

Ilustración 100. Baptisterio de San Juan (Florencia). Puerta del Paraíso. Lorenzo Ghiberti. Foto de http://www.artehistoria.com/v2/obras/11052.htm

Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios frentes. En sus obras principales figuran estatuas de los profetas del Antiguo Testamento. De ellos, quizá Habacuc sea la más impresionante, una imagen cuyo porte recuerda la imagen de un romano con su toga, la cual fue extraída directamente de los retrato de la República de Roma. Innovó también la estatuaria ecuestre, creando el monumento a Gattamelata, la obra más importante en su género desde la 108

Michalsky, Tanja. Master Serenissimi Princeps: the tomb of Mary of Hungary. In Elliott, Janis & Warr, Cordelia. The church of Santa Maria Donna Regina: art, iconography, and patronage in fourteenth century Naples. Ashgate Publishing, Ltd., 2004. pp. 71-75. ISBN 0754634779, 9780754634775 109 Paoletti, John T. & Radke, Gary M. Art in Renaissance Italy. Laurence King Publishing, 2005. pp. 96-98 ISBN 9781856694391 110 Helen Gardner. Art Through the Ages: The western perspective. Cengage Learning, 2005. pp.422-3 ISBN 0495004804, 9780495004806

hecha a Marco Aurelio; destacando en cada una de sus obras una imagen de austeridad y transfiguración, reintroduciendo las esquemáticas del helenismo.111

Ilustración 101. Habacuc, Donatello. Foto slideplayer.es

Ilustración 102. Gattamelata, Donatello. Foto https://www.bluffton.edu/~sullivanm/italy/padua/gattamelata/gattamelata.html

En la generación siguiente, Verrocchio se destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones. Su Cristo y Santo Tomás contienen gran realismo y poesía. Creó Un joven con un delfín para la fuente de Neptuno en Florencia, que es el prototipo de la figura serpentinata, que sería el modelo formal más prestigioso para el Manierismo y el Barroco. Su obra más importante, el monumento ecuestre a Bartolommeo Colleoni es una expresión de poder y fuerza aún más impresionante que el Gattamelata.

Ilustración 103. Cristo y Santo Tomás, de Verrocchio. Foto http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/verrocchio.htm

111

Hunt, David. A Escultura no Renascimento. In Franco, Afonso Arinos de Melo et alii. O Renascimento. Rio de Janeiro: Agir, MNBA, 1978. pp. 119 ss

Ilustración 104. Amorcillo con delfín, Verrochio. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/verrocchio.htm

Desiderio da Settignano y Antonio Rosselino también crearon obras de renombre. Florencia continuó siendo el centro de la evolución hasta la aparición del Michelangelo, que trabajó en Roma para los papas —y también en Florencia para los Médici— y fue el mayor nombre de la escultura desde el Alto Renacimiento hasta mediados del Cinquecento. Su obra pasó del clasicismo puro del David, del Baco, y llegó al Manierismo, expresado en obras vehementes como Los esclavos, el Moisés, y los frescos hechos en la Capilla Sixtina.

Ilustración 105. David. Miguel Ángel. Foto iesjuliocarobaroja.educacion.navarra.es

Ilustración 106. Baco, Miguel Ángel. Foto de www.mundopoesia.com

Artistas como Baccio Bandinelli, Agostino di Duccio y Tullio Lombardo también dejaron obras de grandes maestrías, como el Adán de este último. El ciclo renacentista fue cerrado por Giambologna, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, con un estilo que poseía un mayor dinamismo y

expresividad, notable en Rapto de las Sabinas, de Giambologna. Artistas importantes en otros países de Europa iniciaron a trabajar en las mismas líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en Francia, la difusión del estilo italiano por una extensa zona geográfica dio lugar a varias fórmulas sincréticas con las escuelas regionales.

Ilustración 107. El Adán, Tullio Lombardo. Foto de www.descubrirelarte.es.

Ilustración 108. El rapto de la sabina. Giambologna, 1582. Foto de tom-historiadelarte.blogspot.com

Materiales en la escultura del Renacimiento. La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera. El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Las reproducciones de estatuillas en bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En Florencia fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo) y Andrea del Verrocchio (Niño alado con pez) los iniciadores por encargo de los Médicis. Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado de una altura de 23 cm.112 El escultor de Mantua Pier Jacopo Alari 112

Ceysson, Bernard (1996), pp. 54-55.

Bonacolsi, llamado Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de mármoles antiguos.113 La madera fue utilizada mayormente en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución de imaginería religiosa, retablos y altares.114 La terracota fue empleada como material más pobre y por lo tanto más económico; se utilizó terracota en color natural y policromada, como la empleada por Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen de la Anunciación en la iglesia de los Siervos de Lucca. El artista italiano Pietro Torrigiano realizó en España varias esculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.115 A Lucca de la Robbia, que siguió el estilo donatelliano, se le atribuye la invención del barro esmaltado que empleó en el tabernáculo de Santa María Novella de Florencia en combinación con el mármol para darle colorido a la obra, y después en tondos y en Madonnas; su taller seguido por su sobrino Andrea della Robbia realizó gran cantidad de obras de terracota esmaltada que se difundieron por toda Europa.116 Técnicas utilizadas en la escultura del Renacimiento.

Ilustración 109. Rapto de las Sabinas, del escultor de Flandes Giambologna, donde la composición se muestra en movimiento de espiral.

La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad. Esta herramienta se empleaba tanto si se hacía la escultura en talla directa, como a veces había hecho Miguel Ángel, como si se utilizaba el pasado de puntos de un modelo realizado en yeso, como normalmente hacían artistas como Giambologna, de quien se aprecian los puntos marcados en muchas de sus esculturas.

113

Historia del Arte Espasa (2004), pág. 703. Ceysson, Bernard (1996), pp. 120-121. 115 Sureda, Joan (1988), p. 229. 116 Sureda, Joan (1988), pp. 128-129. 114

Ilustración 110. Taladro manual.

Donatello empleó el método griego de trabajar el bloque en redondo, sin embargo Miguel Ángel lo tallaba desde un lado.117 Así lo describió Benvenuto Cellini: El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber dibujado la perspectiva principal en el bloque, empezó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa. 118

Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o en cera para su posterior fundición; después se cincelaba para suprimir los posibles defectos de la fundición, se pulía la superficie con abrasivos y a gusto del escultor se añadían las pátinas.119 La talla en madera, empleada sobre todo en el Norte de Europa y en España, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol.13 Composición en la Escultura del Renacimiento •

Bulto redondo

El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía: ... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que sus miembros están debidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los antiguos tenían una buena razón para su regla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto. D'Architectura (siglo I) Vitruvio

Ilustración 111. D'Architectura (siglo I) Vitruvio

117

Historia Universal del Arte: Tomo 8 (1984), Madrid, Sarpe ISBN 84-7291-596-4 Hodson (2000), pág. 42. 119 Historia Universal del Arte: Tomo 8 (1984), Madrid, Sarpe ISBN 84-7291-596-4 118

La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía, sobre la que muchos artistas de esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la práctica de disecciones para su estudio.120 La primera escultura exenta renacentista que mostró la armonía del desnudo fue el David de Donatello durante el Quattrocento, en la que se apreciaba la influencia del estilo de Praxíteles con un ligero contrapposto para conseguir el equilibrio en la composición. Durante los siguientes años los conocimientos sobre la anatomía humana fueron adquiriendo una gran perfección, hasta llegar a un contrapposto pleno. Las expresiones de los rostros dejaron de ser hieráticas y ausentes para mostrar sentimientos interiores; la llamada terribilità renacentista (David de Miguel Ángel, hacia 1504). En los grupos escultóricos de carácter religioso se mostraba la combinación del naturalismo con una intensa expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones que mostraban los personajes con sus caras deformadas por los gestos de desesperación y dolor, visibles en los Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y de Niccolò dell'Arca.121 La escultura fue evolucionando en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina (Miguel Ángel) o el Rapto de las sabinas (Giambologna).122 Relieves en el Renacimiento. En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva para componer los fondos de las representaciones, como en la célebre puerta del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica de stiacciato para el altar de San Antonio en Padua realizados por Donatello. Se componían estructuras arquitectónicas como telón de fondo, igual que Giotto había hecho en sus pinturas protorrenacentistas. Algunas laudas de bronce italianas fueron transportadas a España, como la que se encuentra en la catedral de Badajoz de Lorenzo Suárez de Figueroa.123

Ilustración 112. Relieve de "Adán y Eva" por Ghiberti.

120 121

Historia Universal del Arte (1984) Madrid, Ed. Sarpe, p. 721 ISBN 84-7291-593-X Bozal, Valeriano (1983), pág. 198.

122 123

Bozal, Valeriano (1983), pág. 195. Hernández Perera, Jesús (1988), pág. 222.

Ilustración 113. Busto-retrato de Giuliano de Médici por Verrocchio (1475-1478).

La escultura flamenca junto con la de países germánicos se desarrolló con un realismo que se apreciaba en todos los detalles ornamentales, donde el trabajo escultórico se presentaba casi como una labor de orfebrería que se aplicó en los grandes altares realizados en madera. También en España, la influencia góticoflamenca junto con la italiana se recogió en relieves, como el de una de las puertas de la catedral de Barcelona realizada por el escultor flamenco Michael Lochner y por Bartolomé Ordóñez de estilo italiano en el trascoro de la misma catedral. Los relieves alrededor de los sarcófagos solían representar escenas de la vida de los difuntos: su vida, milagros y martirio si eran religiosos, o la representación de batallas y hechos militares si eran personajes de la nobleza. Los monumentos funerarios fueron desarrollando diferentes fases de composición, desde la estructura tradicional de la losa funeraria o la estatua del yacente solitario en su sarcófago empleado en la época medieval, a las tumbas adosadas enmarcadas por elementos arquitectónicos a la manera de arco de triunfo, y con un resultado parecido a un retablo, donde en la calle central se encontraba la urna normalmente con la figura del yacente sobre ella y figuras alegóricas en las calles laterales. Finalmente se realizaban con la representación de los difuntos en actitud orante propios de España y Francia.124

Ilustración 114. Tímpano con el relieve de La Piedad por Michael Lochner. Catedral de Barcelona - Puerta de la Piedad. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Renacimiento_en_Catalu%C3%B1a#/media/File:Catedral_de_Barcelona_-_Porta_de_la_Pietat__002.jpg

Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco, que representó el cambio de las formas de decoración en los edificios con elementos escultóricos de estilo principalmente italiano, no solamente se realizó en la piedra de las fachadas sino también en madera y yeso en los interiores de los edificios, a base de relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri») con grandes escudos heráldicos y putti a su alrededor.125 124 125

Ceysson, Bernard (1996), pp. 46-50. Historia del Arte Espasa (2004), pág. 762.

Ilustración 115. Sepulcro del vicecanciller Antonio Agustín (hacia 1527); relieve sepulcral de Juan Bosquet (siglo XVI). Foto de www.museodezaragoza.es

Bustos en el Renacimiento. Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en el Quattrocento con la nueva concepción humanística que imponía la representación con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad del retratado. Según Alberti, el artista debía «caracterizar pero también establecer relaciones armoniosas». Se realizaron en bronce, terracota policromada y mármol (Donatello, Verrocchio, Francesco Laurana).126

Ilustración 116. Donatello Busto de Niccolo da Uzzano. Foto de es.wahooart.com

Estatua ecuestre en el Renacimiento. La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce ya había sido tratada por los escultores romanos como el Marco Aurelio emplazado entonces en San Juan de Letrán; también los caballos de bronce de San Marcos de Venecia sirvieron de modelo para el Renacimiento italiano, y pueden considerarse inspiradores del Gattamelata de Donatello y del Colleoni de Verrocchio. Los estudios de Leonardo da Vinci conllevaron un cambio en la representación del caballo, que se colocó apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo; la idea fue tomada probablemente de relieves de sarcófagos antiguos.127

126 127

Ceysson, Bernard (1996) pp. 56-57. Historia del Arte Espasa (2004), pág. 702.

Ilustración 117. Retrato ecuestre del Condottiero Colleoni, diseñado por Verrocchio y fundido por Alessandro Leopardi. Foto G.dallorto

Manierismo y Escultura barroca. La escultura del Manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini. El estilo es tipificado por un modelo formal predominante, la figura serpentinada, una forma básicamente espiral que tiene su obra prima en el Rapto de las Sabinas, de Giambologna. La idea no era nueva, puesto que se remonta a los antiguos griegos, considerando una línea devanada como el mejor vínculo para la expresión del movimiento, inspirando en la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad. En el Alto Renacimiento, este concepto fue rematado por Leonardo da Vinci y Michelangelo, que lo transferirían hacia la figura humana, considerando que en torsión esta poseía más gracia y belleza. El término fue usado por primera vez por Lomazzo al analizar la producción de Michelangelo en el terreno escultórico. El escultor cierta vez declaró que una buena composición debería ser piramidal y serpentinada, como el aspecto de llamas en pleno incendio, acreditándose que esta forma apenas podría ser considerado como un tipo de belleza. Con ello, el modelo se multiplica en las esculturas de la época, adaptándose a la pintura y la arquitectura, en este caso las escaleras en espiral se volvieron un tanto comunes.128 La figura serpentinada estaba acarreada de simbología. En tanto las espirales simples, en un único sentido, era una imagen de eternidad, trascendencia, de los ciclos y la metamorfosis; la doble espiral en su caso, con dos sentidos, era su opuesto, y significaba la mortalidad y el conflicto.129 Las artes ornamentales, durante el Manierismo, continuaron en gran evolución, siguiendo la idea de Alberti; donde constituía «una forma de luz auxiliar y como complemento de belleza», modificando el concepto de que la belleza es abstracta, en tanto el ornamento es material, estableciendo así un punto imprescindible entre la idea y el fenómeno, entre la belleza y las imperfecciones de la materia.130 En este sentido, la escultura también se aplica a una enorme cantidad de retablos, púlpitos, altares y otros elementos decorativos de las iglesias, a los frisos y estucos de los edificios profanos, y también en la joyería. 128

FICKLIN, Valerie.Mannerist Staircases: A Twist in the Tale.University of Alabama at Birmingham, 2000 [4] ELKINS, James. Pictures of the body. Stanford University Press, 1999. p. 91 130 CRITICOS, Mihaela. The Ornamental Dimension: Contributions to a Theory of Ornament. New Europe College Yearbook. Special ed. 2004, pp. 185-219 129

Merece especial atención en España el denominado estilo plateresco de la escultura y decoración arquitectónica, que dejó obras de extraordinaria riqueza y carácter monumental. De los escultores del Manierismo se citan algunos de los más conocidos: Michelangelo en su fase final, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Giambologna en Italia; Jean Goujon, Francesco Primaticcio, Pierre Franqueville y Germain Pilon en Francia; Alonso Berruguete, Juan de Juni y Diego de Siloé en España, y Adriaen de Vries en el norte.131

Ilustración 118. Benvenuto Cellini: Saleiro de Francisco I, 1540-1543.Kunsthistorisches Museum. Foto de https://es.wikipedia.org

Ilustración 119. Pierre Franqueville: David vencedor de Goliat, Louvre. Foto de https://es.wikipedia.org

Ilustración 120. Michelangelo: Piedad de Florencia, 1550. Museo dell'Opera del Duomo. Foto www.artehistoria.com

131

SPENCER, John R. & KEMP, Martin J. Western Sculpture: Mannerism. Encyclopaedia Britannic on line

Ilustración 121. Francesco Primaticcio: Relevos de la Escalera del Rey en el Palacio de Fontainebleau. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura

Ilustración 122. Juan de Juni: El santo entierro, Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura.

Ilustración 123. Adriaen de Vries: Mercurio acarreando a Psiquê hacia el Olimpo, 1593. Louvre. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura.

Ilustración 124. Juan de Beaugrant: Retablo de la Iglesia de Santa María Mayor. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura.

La Contrarreforma en la Escultura La contrarreforma dio una especial atención a la imagen sacra, una antigua tradición que afirmaba que las imágenes de santos, pintadas o esculpidas, eran intermediarias para la comunicación de los hombres con el mundo espiritual. San Juan de la Cruz afirmaba que había una relación recíproca entre Dios y los fieles que era mediada por las imágenes, posición apoyada por otros religiosos católicos como San Carlos Borromeo y Roberto Bellarmino quienes reiteraban la

importancia de este culto, que había sido negado y criticado por los protestantes, lo que desencadenó grandes movimientos iconoclastas en varias regiones protestantes que provocaron la destrucción de innumerables obras de arte. Por tanto, la imagen sacra volvió a ser vista como un elemento central en el culto católico, como un conjunto de instrumentos usados por la iglesia para invocar emociones específicas en los fieles y les concedía la meditación espiritual. En un tratado teórico sobre el tema, Gabriele Paleotti las defendió a partir de la idea de que estas ofrecerían para el fiel pagano una especie de biblia visual, la Biblia pauperum, enfatizando su función pedagógica y su paralelo como el sermón verbal. También consideró la función de la excitatio, la posibilidad de jugar con la imaginación y las emociones de las personas, transfiriendo al arte sacra la tipología de la retórica. Las imágenes deberían de cumplir el requisito de ser instructivas y moralmente ejemplares para los fieles, buscando también la persuasión. A través de la transmisión «correcta» de fe a los fieles, el artista adquiría el papel teologizante, volviendo también al espectador en movimiento por la iglesia parte del paisaje de este «teatro de la fe».132 Tal y como afirma Jens Baumgarten: El teorema jesuítico postridentino y su nueva concepción de la imagen en sí, los modelos romanos, la representación del poder y la liturgia se encuentran fundadas en una síntesis. Sin la imagen perfecta no hay fe correcta. El nuevo énfasis dado a las imágenes se une a una nueva visión de la sociedad. Los cambios ocurridos hasta 1600 llevarían a la construcción de una nueva perspectiva eclesiástica e iconográfica que acabó desembocando en el ilusionismo perspectivista, uniendo elementos de emocionalidad irracional con las transformaciones plásticas de conceptos teológicos intransigentes.133

Durante estos años, la escultura decayó en desarrollar un género de composición grupal denominado «sacro monte», concebido por la propia iglesia y rápidamente difundido en otros países. Tratándose de un arte que intentaba reproducir la Pasión de Cristo y otras escenas piadosas, con figuras policromas en actos tanto realistas como dramáticos y destinados a conmover al público.134

Ilustración 125. Gregorio Fernández: Piedad. Foto de www.xn--momentosespaoles-iub.es

Dando paso a una conceptualización meramente teatral, de modo que este instrumento pedagógico católico formaba parte de la construcción de escenarios que proporcionasen una mayor ilusión de la realidad. Estas obras se crearon con tal de ser transportadas y trasladadas, dando origen a una nueva categoría 132

SPENCER, John R. & KEMP, Martin J. Western Sculpture: Mannerism. Encyclopaedia Britannic on line Baumgarten, Jens. Sistemas de Visualização: Da Perspectiva Central à Percepção Emocional. Nova Abordagem à Cultura Visual entre a Europa e a América Latina durante o início do Período Moderno. IN Revista Chilena de Antropología Visual. Santiago, julho de 2004. N.º 4, pp. 4-5 134 Bussagli, Marco & Reiche, Mattia. Baroque & Rococo. Sterling Publishing Company, Inc., 2009. pp. 16-18 133

escultórica, la de las estatuas de roca en madera. Con tal de aumentar el efecto mimético muchas poseían miembros articulados, para que se fuesen manipuladas como marionetas, asumiendo así una gestualidad eficiente y evocativa, variando de acuerdo con el progreso de la acción escénica. Prendas recibidas que imitaban los de las personas, y la pintura que se parecían a la carne humana. Y para los ojos más grande ilusión podrían ser de vidrio o cristal, pelucas naturales, lágrimas brillantes de resina, dientes y uñas de marfil o de hueso, y la preciosidad de la sangre de las heridas de los mártires y el Cristo azotado podría ser enfatizada con aplicación de rubíes. Así, nada mejor para coronar la participación del público devoto en la re-creación de la realidad mística de permitir que la acción desenrollase espacio abierto, en la procesión, donde el movimiento físico de los fieles a lo largo de la ruta de acceso podría proporcionar la estimulación de la persona como en su conjunto, a diferencia de la contemplación estática antes de una imagen en un altar. Cuando la "colina sagrada" se debe tomar a la calle, fue por lo general simplificado a una sugerencia de la roca o en una cueva. Como ocasión, la cueva o roca podrían representar el monte Sinaí, el Monte Tabor, el Monte de los Olivos, la Gruta de la Natividad, la Tentación roca de Cristo o de otros lugares impregnados de sentido. A veces, el paisaje rocoso fue sustituido por otro de arquitectura, sobre todo después de la obra de Andrea Pozzo, la perspectiva arquitectónica ilusionista codificador que fue ampliamente utilizado en la decoración de las iglesias católicas. Con los mismos fines prácticos, para aliviar el peso del conjunto, las imágenes fueron talladas sólo parcialmente terminado sólo en las partes que deben ser vistos por el público, como las manos, la cabeza y los pies, y el resto del cuerpo consistía en una estructura simple listón o marco hueco cubierto por tela de la ropa.

Escultura Barroca. Al contrario del Renacimiento, durante el Barroco; con sus esculturas, pinturas y cualquier manifestación de arte, se trató de buscar y crear a través del arte un mundo de formas idealizadas, puras de sus imperfecciones e idiosincrasias individuales, dentro de la concepción fija del universo, acatando la mutabilidad de las formas y de la naturaleza, así como el dinamismo de cada uno de los elementos.

Ilustración 126. Copia del Mercurio cabalgando a Pegaso hecha por Antoine Coysevox, encontrada en París.

El Concilio de Trento (1545 - 1563) marcó una nueva orientación en las imágenes religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo y Dafne y Éxtasis de Santa Teresa—, fue el escultor que más influyó en el escultura barroca, donde se buscaban efectos emotivos y dramáticos.135 En Francia destaca la obra de Simon Guillain y de Jacques Sarazin haciendo retratos de la nobleza, la tumba del cardenal Richelieu realizada por François Girardon y las esculturas del jardín del Palacio de Versalles de Pierre Puget.136 En este periodo, la producción de escultura religiosa en España es sorprendente, con esculturas para interiores de iglesia, fachadas, devociones particulares, y para las procesiones de Semana Santa; surgieron dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza. Entre los escultores se pueden destacar a Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena y Alonso Cano.137

Ilustración 127. Apolo y Dafne-Bernini. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini

Ilustración 128. Obra escultórica realizada en mármol, titulada "David" y esculpida por Gianlorenzo Bernini entre 16231624. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini

Ilustración 129. "Éxtasis de Santa Teresa". Gianlorenzo Bernini. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini 135

Geese 2007: p.286 Geese 2007: p.304 137 Geese 2007: p.354-366 136

Materiales y herramientas usadas en la escultura barroca Los materiales más utilizados serán el mármol, el bronce y la madera, dependiendo de los sitios. Escultura en el Siglo XIX A partir del siglo XIX los medios de comunicación tuvieron un papel cada vez más importante en la difusión del arte en todo el mundo. Los estilos se desarrollaban cada vez con más rapidez, ya fuera conviviendo, yuxtaponiéndose o enfrentándose entre ellos. La palabra vanguardia artística se comenzó a emplear a finales del siglo XIX, y así se identificaba a los artistas que promovían actividades que se consideraba que revolucionaban el arte, con la intención de transformarlo. Se caracterizaban por la libertad de expresión y las primeras tendencias vanguardistas fueron el cubismo y el futurismo. La escultura podía dejar de imitar la realidad y valorar el vacío, los juegos de luz o el volumen en negativo, o podía añadir movimiento con acciones mecánicas o con agentes atmosféricos. Cabe destacar también el uso de nuevos materiales como el acero, el hierro, el hormigón y los plásticos.138

Neoclasicismo en la Escultura A mediados del siglo XVIII, las orientaciones de Winckelmann «de alimentar el buen gusto en las fuentes directas y tomar ejemplo de las obras de los griegos», hizo que muchos artistas se dedicaran a copiar en lugar de imitar; llegaba el neoclasicismo. La obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adoptó un carácter sereno y un verismo sin detalles anecdóticos, en un proceso para conseguir la belleza ideal de la antigüedad clásica; retrató muchos personajes del momento, como Napoleón, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Pero el escultor más conocido e innovador fue el italiano Antonio Canova, un autor muy versátil, a caballo entre el barroco, el rococó y el neoclasicismo. Por su parte, la producción de Bertel Thorvaldsen siguió la línea más ortodoxa del neoclasicismo, con una expresión más fría y estática.139 En Cataluña, se destacó Damià Campeny, que viajó a Italia i recibió la influencia de Canova, igual que el andaluz José Álvarez Cubero.140

Ilustración 130. Teseo y el Minotauro, Canova. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

138

Suárez/Vidal 1989: p.8-10 Bornay 1988: p.96-103 140 Bornay 1988: p.392-394 139

En lugar de mostrar la lucha entre ambos, representa al héroe victorioso sentado sobre el cuerpo muerto del monstruo, contemplándolo serenamente (detalle hebras enrolladas alude al hilo de Ariadna). Las superficies suaves y frías, los cuerpos idealizados, incluso el tipo facial del héroe, todo ello nos revela su detallado estudio de la escultura antigua, pero el estilo y la concepción son completamente originales. La obra nace dentro del espíritu de la Antigüedad sin ser en modo alguno una copia, y la ausencia de movimiento enfatiza conscientemente su "atemporalidad".141

Ilustración 131. Monumento funerario a Clemente XIV (1783-87)

El levantamiento de una tumba es la reafirmación de esa figura y su poder. Los cementerios son homenaje a la memoria a su trayectoria y al poder que representa. Este papa fue célebre porque suprimió la compañía de los jesuitas y por su voluntad de transformar la iglesia. Las figuras de los lados son alegorías de las virtudes (ubicación asimétrica) que reflejan reflexión y tristeza ante la desaparición del papa. Esta tumba guarda especial relación con las tumbas de Urbano VIII de Bernini y Gregorio XIII de Rusconi en el modo en que busca ejemplificar la figura como glorificación en las que se pretende transmitir la sensación de triunfo de vida. El papa estira su mano como un gesto de autoridad.142 En Canova podemos tomar las figuras por separado e interpretarlas, en otros escultores las tumbas forma un todo. 143

Ilustración 132. Monumento funerario a Clemente XIII, 1783-1792. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

141

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html Ibídem. 143 Ibídem. 142

En esta tumba aparecen también dos figuras, una es alegoría a la religión, a la iglesia y a la institución como sinónimo de que ésta está por encima del poder del papa. Es la diferencia entre la representación de la monarquía absoluta y la representación del papa como representante. La otra figura es la alegoría de la tristeza y el paso de la vida a la muerte como algo trascendental, así como también es la representación de la idea andrógena de la belleza. La tumba está separada de la pared como sugiriendo el más allá. Aquí Canova juega poéticamente con ese vacío y acentúa la importancia de la puerta con los leones. Finalmente, el papa está arrodillado ante los insignios de Dios. Es un papa que se ha quitado la corona y representa arrodillado su temor al poder religioso. El pontífice se arrodilla en una oración sobre una estructura en forma de bloque flanqueada por una pareja de afligidos leones; la figura de la Religión está de pie frente a un genio alado apoyado sobre una antorcha extinguida, la personificación clásica de la muerte y uno de los elementos favoritos del arte funerario neoclásico. 144

Ilustración 133. Monumento funerario a María Cristina de Austria, 1798-1805. Foto www.pinterest.com

El monumento a Tiziano, abandonado en 1795 se convirtió después en esta tumba de la archiduquesa de Austria en una iglesia de Viena. La pirámide, símbolo de lo eterno, el retrato en un camafeo sobre la entrada, rodeado por una culebra que se muerde la cola, otra imagen de la eternidad, y sostenido por dos genios suspendidos en el aire. La pirámide no es una estructura tridimensional sino un bajorrelieve, mientras que las escaleras que conducen a ella y las figuras que las ocupan son "reales", como actores en una representación delante de un escenario. La lenta procesión, que avanza en dirección contraria al espectador, representa el "eterno recuerdo" puesto que, de forma llamativa, toda referencia al cristianismo ha desaparecido. La tumba resulta admirable tanto por su belleza atemporal como por su dulce melancolía.145

144

esculturadelsigloxix.blogspot.com

145

Ibídem.

Ilustración 134. Hércules y Licas, 1795-1805. Foto esculturadelsigloxix.blogspot.com

Ilustración 135. Napoleón como Marte pacificador, 1803-6. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html

La práctica de representar al humano como un dios era una cosa habitual. Canova coloca a Napoleón desnudo como símbolo de la lealtad, la belleza, la honestidad, etc. Era un desnudo simbólico que, más sin embargo, no le agradó al propio Napoleón que tenía unos valores de moralidad burguesa que no le permitían la buena recepción de la obra desnuda en 1802. Canova fue invitado a París por Napoleón, quien deseaba ser retratado por el mejor escultor del momento. Canova le reprochaba la conquista de Italia y, sobre todo, el traslado a París de obras maestras del mundo clásico, pero también le admiraba por haber unificado Italia y modernizado sus instituciones. En 1806, con la aprobación de Napoleón, Canova hizo una figura en mármol colosal que presenta al conquistador como un Marte victorioso y pacificador. La figura se basa en las estatuas de antiguos gobernantes bajo la apariencia de desnudad divinidades clásicas. Puesto que era el escultor favorito de Napoleón, Canova hizo muchos retratos de la familia del emperador, incluyendo la famosa figura recostada y semidesnuda de la

hermana del emperador, con la manzana de la Venus victoriosa. Su estatua de Napoleón, sin embargo, sufrió un irónico destino: cuando llegó a París en 1811, el emperador se sintió molesto por su desnudez y la catastrófica campaña de Rusida del año siguiente hizo que una imagen divinizada como ésta resultada aún menos apropiada para mostrarla en público. Se escondió en el Louvre hasta que salió a la luz en 1815 para regalársela al duque de Wellington.146

Ilustración 136. Paolina Borghese como Venus Victoriosa, 1804-1808. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html

Escultura de la hermana de Napoleón. Aparece retratada como la diosa de la mitología Venus, que era el símbolo de la seducción, del amor y la belleza. Aparece con el símbolo de la manzana y es una imagen arquetipo del poder de la belleza de la mujer, y de la belleza en general como poder de seducción y admiración. Su cuerpo es un cuerpo de diosa. Es la representación de la soberanía y la belleza como algo absoluto. Como alguien que sabe lo que quiere y lo consigue. Canova consigue ese efecto porque la diosa ni nos mira. No necesita seducirnos y sólo nos queda contemplarla. Canova utiliza un recurso "equivoco" que es el del soporte real, el mobiliario de la época. Hay una especie de juego sutil entre la aproximación real del soporte y la representación de la diosa. Como si estuviéramos a medias entre la realidad y la ficción.147

Ilustración 137. Letizia Ramolino Bonaparte, 1804-1807. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html

146 147

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html ibidem

Ilustración 138. Venus Itálica, 1804-1812. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html

La realizó cuando los franceses se llevaron a la Venus Medici y su fama pronto rivalizó con la de la estatua antigua. Imita a su predecesora sólo en el tratamiento suave, frío, del mármol; la postura, proporciones, incluso el peinado son invenciones de Canova. Esta Venus, sorprendida durante el baño, cubre su desnudez lo mejor que puede para escapar de la mirada inoportuna mientras vuelve su cabeza hacia el intruso. La figura presenta, así, dos aspectos muy distintos. En la visión frontal, el movimiento es apenas perceptible, pero a medida que seguimos la dirección de su mirada y adoptamos la posición del intruso, el movimiento hacia delante se convierte en el rasgo predominante.148

Ilustración 139. Psique reanimada por el beso del amor por Antonio Canova. Foto ernesto51.wordpress.com

Esta figura de tema mitológico procede de El azno de Apuleyo en donde Psiquis cae en un sueño profundo y el Amor le despierta. Canova pretende representar la belleza dormida y el amor que despierta esa belleza. Es una metáfora visual del amor desprovisto de erotismo. La composición es completa, en tanto ambas figuras componen una unidad o un bloque compositivamente. Esta ilusión se logra a través de los paños y las alas. La escultura establece una unión y transmite la sencillez de la complicidad del amor. La dificultad y sencillez de que se produzca. Canova busca el equilibrio entre el amor como sentimiento duradero y la pasión como algo instantáneo. El "casi beso" representa la fugacidad de la pasión.

148

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Ilustración 140. Detalle de Las tres Gracias (1817), de Antonio Canova. Foto www.biografiasyvidas.com

Ilustración 141. León de Lucerna, Bertel Thorvaldsen. http://lasmilrespuestas.blogspot.com/2011/12/bertel-thorvaldsen-escultor-danes.html

Conmemora a los guardias suizos. Se trata de un monumento contrarrevolucionario que se inserta en la Europa de la restauración. Es la representación del heroísmo hasta la muerte. El león está asociado a la fuerza en política pero Thordvaldsen crea una nueva idea entorno al león. Conmemora una derrota. El victimismo. La victima como triunfador, no el héroe. El agraciado es el héroe. El derrotado es un derrotado injusto, y nace la tendencia por comprender la víctima. La escultura está emplazada en un parque, espacio en contacto con la naturaleza y para la reflexión. Se difuminan los límites de la pieza de arte. El límite entre lo físico, la naturaleza y la creación.149 León moribundo de Canova en la Tumba de María Cristina. Lo que le atrajo, probablemente fue la idea romántica de crear un monumento en la roca viva, más que el significado político. Inscripción "a la Lealtad y Virtud de los suizos": Thorvaldsen, ajeno a los razonamientos de la parte más conservadora, simplemente lo imaginó como una oportunidad para proyectar el patetismo heroico.150

149 150

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic Ibídem

Ilustración 142. Napoleón Bonaparte, Bertel Thorvaldsen. Foto http://consentidoscomunes.blogspot.com/2012/04/bertel-thorvaldsen-el-neoclasicismo_20.html

Ilustración 143. Thorvaldsen, Jasón con el vellocino de oro, 1802-3. Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

Los aspectos generales del clasicismo quedan claramente definidos en la obra de Houdon, Canova, Thorvaldsen, Sergel y Schadow, donde domina una voluntad por reflejar la grandiosidad y la heroicidad de una manera más fría en relación a otra tendencia más sensitiva encabezada por Houdon y Sergel, y de mayores repercusiones en la escultura retratista del siglo XIX. 151

Ilustración 144. Jean-Pierre Cortot, Coronación de Napoleón en el arco de la Estrella. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

151

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

Ilustración 145. François Lemot, Enrique IV, 1818. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

Ilustra la historia de Francia y conmemora el héroe francés. Ésta coronación es una coronación ideal en un Olimpo imaginario para retratarlo como gran héroe. La figura femenina es una iconografía frecuente que representa el ideal clásico de belleza. La figura de la historia es también la de una mujer escribiendo.152

Ilustración 146. Christian Daniel Rauch, Monumento a Federico el Grande, 1836-1851. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

Uno de los más grandes monumentos ecuestres situado en Berlín. En el pedestal aparecen importantes personajes de la historia prusiana como símbolo de que todos sirven a la cultura nacional y que todos son héroes nacionales.153

Ilustración 147. Gottfried Schadow, Las princesas Luisa y Federica, 1793. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic

Vemos aquí representadas las princesas Luisa y Federica, miembros de la familia prusiana. Una escultura que nos recuerda que lo sentimental no es público y está ligado a lo femenino y a la figura femenina joven que refleja la candidez y la inocencia, destacándose el vivo sentimentalismo que transmite el rostro y la mirada, como también el cuerpo y las manos.154

152

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ibídem 154 Ibídem 153

Ilustración 148. Lorenzo Bartolini, Tumba de la condesa Zamoyska, 1837-44. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html?view=sidebar

La Condesa está representada en el lecho de muerte, como si acabara de morir. Con las sábanas de la cama, las arrugas del vestido y un marcado énfasis en el hecho mismo como verdad.155

Ilustración 149. Goethe (1838, David d'Angers. Gelerie David d'Angers). Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

El retrato escultórico es el retrato de un ser singular, de un genio. Los románticos creyeron que la personalidad podía verse en el rostro. Esta es la representación de un genio introvertido.156

Ilustración 150. David d´Angers, Tumba del general Bonchamps, 1822. Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

155 156

Ibídem foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Ilustración 151. Pradier, Odalisca sentada, 1841. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Pradier guarda una cierta similitud con Ingres, pues presenta un erotismo muy sutil y una revelación gradual. Hay como una especie de contención de pudor. Esta es la representación del orientalismo dentro del romanticismo. La representación de ese otro orden que se encuentra en el mundo islámico. Todo lo que está fuera del espacio y del tiempo es algo que se sueña, que no existe. Debe su inspiración a Ingres más que a los antiguos, aunque es más natural, espontánea y concreta que la de Ingres. Entender su postura sólo es posible si la observamos desde todos los ángulos posibles.157

Ilustración 152. Hiram Powers, La esclava griega, 1843. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Esta escultura se expuso en la primera feria internacional universal de Londres. Llama la atención en cuanto representa esa cultura emergente por el gusto hacía lo exquisito. No obstante, esta obra no es mejor que otras de Canova,

157

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

que marcó lo puramente exquisito. Es una estatua que hace alusión a la mujer reprimida, cohibida, atada, e incluso al masoquismo por las cadenas.158

Ilustración 153. Rude, Pescador Napolitano, 1831. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Fijación por la belleza italiana, así como por las cosas singulares que hacían como los pescadores que se lanzaban al agua para cazar por unas monedas.159 Escultura del Romanticismo Durante el romanticismo el artista aspiraba a la representación del entorno completo del hombre en «la obra de arte total» que había imaginado el pintor alemán Philipp Otto Runge. Sofía Figueroa había declarado que «de todas las artes, la que menos se presta a la expresión romántica es, sin dudar, la escultura...». Es en Francia donde surgieron algunas obras románticas, como La marcha de los voluntarios de 1792 (o La Marsellesa) de Sebastián Niño, ubicada en el Arco de Triunfo de París, y el artista Antoine Louis Barye con obras sobre animales.160

Ilustración 154. Tigre devorando un gavial de Barye. Foto www.plasticayarte.com

158 159 160

http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html Ibídem

Bozal 1983: p.260-262

Ilustración 155. Jaguar devorando una liebre de Barye. Foto www.plasticayarte.com

Ilustración 156. Antoine Louis Barye Panther Aprovechando un ciervo. " es.wahooart.com

Poco a poco llegarán los aires "románticos" que acompañarán esta escultura "clasicista". Si bien el Romanticismo se manifiesta en la pintura desde la década de 1820, no es hasta bien entrada la década de los treinta cuando la escultura se puede definir corno "romántica". A menudo se da la fecha del Salón de 1831 como marco de una nueva manera de sentir la escultura. Se continúa mirando la antigüedad, pero realmente no se desarrolla un nuevo camino. La razón de la poca repercusión de la escultura romántica en la historia del arte debe encontrarse en la revalorización que se da a la unidad de las artes propugnada por el músico Wagner y el pintor Runge. Música y poesía son ahora las protagonistas; la escultura es excluida por no satisfacer la expresión más libre del espíritu romántico. Únicamente se puede hablar de escultura "romántica" en Francia. Su tema principal fue la narrativa. A aquella serenidad de las formas neoclásicas le sigue ahora la viva expresión romántica o lo que Baudelaire definió como "una manera de sentir", o "una agitación del alma" en palabras de Thoré. Persiste la admiración por la antigüedad, complementada por la ayuda de insignes arqueólogos como el duque de Luynes. Miguel Ángel es otro de los puntos de referencia. Una de las características de la escultura romántica es la importancia concedida al propio vacío como enfatización del dramatismo propio de la obra. Los principales puntos de interés serán el movimiento y a expresión. El material preferido por los escultores románticos será el bronce, por su mayor facilidad de modelado respecto al mármol. Rude fue el primero en aislar una figura de este repertorio y convertirla en un tema principal para el mármol en tamaño natural, desafiando un principio básico del neoclasicismo que consideraba que las escenas de la vida diaria no eran dignas del arte del escultor. Carpeaux hizo Pescador escuchando una caracola como homenaje a su antiguo profesor, Rude.161 161

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Ilustración 157. Rude, La Marsellesa, 1833-35. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Relieve ubicado en la Estrella, en París. Recibe también el nombre de Voluntarios que marchan por la revolución. El tema engloba la integración de cada generación o la confraternización del joven, el soldado y del viejo por la unión de Francia. Se marca la ausencia de diferencias. No hay conflicto sino unión entre el pueblo que va hacía el mismo camino. (Esta idea era conservadora y propia del clasicismo). Aquí están los voluntarios transfigurados como en la Coronación de Napoleón. La mujer es la alegoría de la fama y la Marsellesa es un canto nacional. El gesto de la fama está desencajado y casi podemos escuchar su grito. Fuerte gestualidad, movimiento expansivo de las figuras y realce del rostro como reflejo del espíritu se respiran en esta obra. Se ha abandonado la claridad de la forma aislada propia del neoclasicismo en favor del entrelazamiento de las figuras. En esta obra, se resumiría la importancia concedida a la narrativa y a los gestos en el Romanticismo en detrimento de la misma forma escultórica. Elevó su tema - el pueblo francés en marcha para defender a la República de los ataques extranjeros- hasta el esplendor mítico. Los voluntarios avanzan, unos desnudos, otros con armadura clásica, inspirados por el grandioso movimiento hacia adelante de la figura alada de la Libertad que aparece sobre ellos, engendrando una respuesta emocional que hizo que el pueblo lo identificara con el mismo himno nacional. Para Rude, el grupo tenía un profundo significado personal: su padre había estado entre esos voluntarios.162 Rude, Monumento al mariscal Ney, 1853 La Segunda República contribuyó poco más que la primera a dejar monumentos escultóricos para la posteridad. Fue la precursora de un único monumento público que abandonaría poco tiempo después por razones políticas: una estatua honorífica del mariscal Ney, el más leal del general de Napoleón y el único ejecutado bajo el régimen Borbón. El segundo diseño de Rude revive la tradición del momento "significativo": Ney avanza gritando a sus tropas, en una

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http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

actitud dinámica que recuerda a la figura de la libertad del Arco de Triunfo pero por supuesto, con un uniforme propio de la época163

Ilustración 158. Barye, León peleando con una serpiente, 1833. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Escultura que dejó perplejos a los visitantes del Salón de 1833. Además el grupo era un tributo a la Revolución de Julio (julio pertenece al signo zodiacal de Leo), con el León que representa el poder del pueblo y la serpiente, la perversa dinastía borbónica.164

Ilustración 159. Preault, La Matanza, 1833-34. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html

Obra originalmente titulada como "Tuerie" y enviada al Salón de 1834 que nos revela el interés del autor por los estados físicos y emocionales extremos. Presentó el panel como un fragmento de una composición más grande; sin embargo, el diseño del panel es autoexplicativo, a pesar de que cada figura que aparece, con la excepción del bebé, es un fragmento. El estilo de "Tuerie" podría considerarse neobarroco, aunque la violencia del relieve excede con mucho a todo lo que podemos encontrar en el arte barroco; sus expresivas distorsiones y su espacio, irracionalmente abarrotado de formas contorneadas, evocan la escultura gótica. Casco del caballero nos recuerda a un tema medieval: un espantoso suceso apocalíptico más allá del control humano.165

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http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html Ibídem 165 Ibídem. 164

Del impresionismo cabe destacar las esculturas de bailarinas de Degas, en el que refleja el instante gestual, o las obras de Auguste Renoir que reprodujo en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmente fue un innovador fue Auguste Rodin el cual, como los impresionistas, despreciaba la apariencia externa del acabado.

Ilustración 160. Pequeña bailarina de catorce años. Edgar Degas (1834-1917). Foto mastereducacionsecundaria.wordpress.com

Ilustración 161. Esculturas de Edgar Degas. Foto de www.juventudrebelde.cu

Ilustración 162. Pierre-Auguste Renoir el juicio de París. Foto es.wahooart.com

Ilustración 163. Pierre-Auguste Renoir Lavandera. Foto es.wahooart.com

Ilustración 164. Danae, de Auguste Rodin. Foto www.educaixa.com

Ilustración 165. El Beso. Musée Rodin - Photo : Christian Baraja

Ilustración 166. El Pensador. Rodin. Foto www.aristas.org

Ilustración 167. Esculturas de los Burgueses de Calais. Rodin. Foto www.parisciudad.com

El modernismo en la Escultura El modernismo surgió entre el siglo XIX y el siglo XX. El estilo adoptó diferentes nombres según los países: Art Noveau en Francia, Modern Style en Inglaterra, Sezession en Austria y Jugendstil en Alemania. En Cataluña, el (modernismo catalán) tuvo un gran auge, aunque fue en la arquitectura donde más sobresalió, constituyó un movimiento que englobó todas las artes y se realizaron esculturas tanto en monumentos públicos y funerarios como aplicadas a la arquitectura, destacando, entre otros los artistas: Agapito y Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, José Limón, Eusebio Arnau y Josep Clarà.166

Ilustración 168. AGAPITO VALLMITJANA BARBANY (Barcelona, 1826 - 1919) ESCULTURA EN CERÁMICA VIDRIADA. NIÑO DE LA BOLA foto. www.todocoleccion.net

Ilustración 169. Isabel II y el Príncipe de Asturias, Vallmitjana Barbany, Agapito. Foto www.museodelprado.es

166

Suárez/Vidal 1986: p.12-52

Ilustración 170. Mariano Benlliure. Maqueta para el Mausoleo de Julían Gayarre. 1901. Foto museoteatro.mcu.es

Ilustración 171. Bronce "La estocada de la tarde" de Mariano Benlliure. Foto ipce.mcu.es

Ilustración 172. Mariano Benlliure en el Cementerio de S. Fernando es el monumento a Joselito. Foto elforocofrade.es

Ilustración 173. "los primeros fríos" (Miguel Blay y Fábrega). Foto mapio.net

100

Ilustración 174. "Eclosió", Miquel Blay, 1905. Marble. Foto visitmuseum.gencat.cat

Ilustración 175. Serenitat, de Josep Clarà. Foto commons.wikimedia.org

Ilustración 176. Josep Clarà, La Fertilitat. Foto www.sitiosdebarcelona.net

El italiano Medardo Rosso logró extraordinarios efectos originales con sus figuras en yeso recubiertas de cera. Aristide Maillol, incluido en los escultores del simbolismo, realizó unas obras de desnudo femenino inscritas dentro de unos volúmenes geométricos con una gran vitalidad, este tipo de escultura se denomina mediterránea. En esta misma línea mediterránea entra también Manolo Hugué aunque con unos inicios más o menos cubistas.167

167

Bozal 1983: p.270

101

Ilustración 177. Medardo Rosso • Il vecchio (Sciur Faust), 1883. Foto www.pinterest.com

Ilustración 178. "La Riviere" del artista francés Aristide Maillol. Foto www.elfinancierocr.com

Ilustración 179. Mujer desnuda de pie. Manolo Hugué. Foto www.meam.es

Picasso exploró la escultura cubista, descomponiendo el volumen en planos geométricos, en algunas obras empleó elementos como cuerda, alambre o madera sin cortar. Aleksandr Ródchenko —escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso—, Jacques Lipchitz y Constantin Brancusi, innovaron buscando el vacío, consiguieron la simplificación para llegar a formas perfectas a través de los materiales empleados.168 168

Suárez/Vidal 1989: p.142-146

102

Ilustración 180. 'Ella-Cabra' de Pablo Picasso. Foto cultura.elpais.com

Ilustración 181. Cabeza de Mujer por Pablo Picasso. Foto www.isabeldelrio.es

Ilustración 182. Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Femme au jardin (Mujer en el jardín). Foto www.museoreinasofia.es

Ilustración 183. 1920 cubo elipse Alexandr Rodchenko. Foto www.studyblue.com

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Ilustración 184. La Cuarta dimensión. Aleksandr Ródchenko. Foto www.tienearte.com

Ilustración 185. Jacques Lipchitz, "Musical Instruments", 1925 bronce. Foto www.galeriamarcdomenech.com

Ilustración 186. Mademoiselle Pogany, escultura en bronce. Constantin Brancusi. Foto e-ducativa.catedu.es

Umberto Boccioni, supo trasladar a la escultura temas del futurismo, como el dinamismo y la introducción de toda clase de materiales; sometido al arte figurativo, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) fue una de las obras clave de este movimiento.169

Ilustración 187. Umberto Boccioni. Unique Forms of Continuity in Space. 1913. foto www.moma.org 169

Bozal 1983: p.276

104

Marcel Duchamp, uno de los primeros escultores del dadaísmo, hacia el 1913 realizó esculturas a partir de objetos vulgares, lo que se llamó el arte encontrado o ready-made, la primera obra fue una rueda de bicicleta sobre un taburete.170

Ilustración 188. Fuente, de Marcel Duchamp.

Ilustración 189. Rueda de bicicleta, dadaismo - Marcel Duchamp. Foto www.ecured.cu

Ilustración 190. Marcel Duchamp Secador de Botella. Foto es.wahooart.com

Constructivismo en la Escultura El constructivismo fue un movimiento aparecido en Rusia después de la Revolución de Octubre de 1917; artistas como Vladimir Tatlin, los 170

Heard Hamilton 1989: p.388

105

hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner influyeron considerablemente en el arte contemporáneo.171 El neoplasticismo (De Stijl), en la misma época (1917), buscaba la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, con una estructuración a base de la armonía de líneas y masas rectangulares de diversas proporciones, destacando la obra de Georges Vantongerloo.172 Algunos pintores surrealistas, realizaron esculturas relacionadas con sus ideas pictóricas; cabe citar a Max Ernst (Espárragos lunares, 1935) y Joan Miró, quien empleó cuerda y trozos de metal combinados.173

Ilustración 191. Tatlin monumento a la internacional. Foto www.burbuja.info

Ilustración 192. Cabeza nº 2 (1916), de Naum Gabo. Foto www.biografiasyvidas.com

Ilustración 193. #338 Escultura * Naum Gabo. Foto forthemoderntimes.tumblr.com

171

Bozal 1983: p.283 Suárez/Vidal 1989: p.221 173 Heard Hamilton 1989: p.437 172

106

Ilustración 194. Naum Gabo, Torsion (Variation no. 3), 1963. Foto www.pinterest.com

Ilustración 195. Visión espectral (1959). Antoine Pevsner. Foto web.educastur.princast.es

Ilustración 196. Antoine Pevsner. Construccion de sar rollable. Foto web.educastur.princast.es

Ilustración 197. Construcción espacial en 3ª y 4ª dimensión (1961). Antoine Pevsner. Foto web.educastur.princast.es

107

Entre las dos guerras mundiales se produjo en Italia un movimiento escultórico fiel a la tradición de la figuración italiana, liderado por Arturo Martini. En este periodo también destacan Julio González y Pablo Gargallo, con unas primeras obras de carácter modernista pero a partir de 1927 realizaron ensayos con trabajos en hierro; Julio González innovó con la soldadura autógena, un estilo experimental más en el abstracto.

Ilustración 198. El poeta Chechov - 1921. Arturo Martini. Foto vacioesformaformaesvacio.blogspot.com

Ilustración 199. El hijo pródigo - 1926/28 - 217 cm. Arturo Martini. Foto http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2012/12/arturo-martini.html

Ilustración 200. Julio González Petite sculpture d'espace abstraite (Pequeña escultura del espacio abstracto). FOTO www.museoreinasofia.es

108

Ilustración 201 Julio Gonzalez, Mujer ante el espejo. Foto lifeartgroup.wordpress.com

Ilustración 202. Pablo Gargallo - Masque de Greta Garbo à la mèche (Máscara de Greta Garbo con mechón). Foto de www.museoreinasofia.es

Ilustración 203. Pablo Gargallo: “Gran bailarina II”. Foto artecreha.com

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En esta época Henry Moore contribuyó a desarrollar el arte de vanguardia, a pesar de que su obra no pertenece a ningún movimiento determinado; creó imágenes figurativas y estudió el volumen en el espacio. Como Moore, el suizo Alberto Giacometti estuvo relacionado con el surrealismo, pero a partir de 1947, se decantó por la corriente figurativa con unas estructuras en donde dominan las figuras muy alargadas.

Ilustración 204. Reclining figure, de Henry Moore. Foto www.losandes.com.ar

Ilustración 205. 'Doble Oval', escultura de Henry Moore (1898-1986, United Kingdom). Foto es.wahooart.com

Ilustración 206. Esquina de Ciudad II, Alberto Giacometti, 1948. Bronce. Foto educacion.ufm.edu

Ilustración 207. Busto de hombre [Nueva York II], escultura en bronce de 1965, Alberto Giacometti . Foto www.lanacion.com.ar

110

Se pueden citar otros escultores abstractos, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. 174

Ilustración 208. Dame Barbara Hepworth - Pelagos. Foto www.theartwolf.com

Ilustración 209. "Pendour" by Barbara Hepworth. “Foto artforceone.wordpress.com

Ilustración 210. ALEXANDER CALDER. Blue Feather, c. 1948. Foto www.azureazure.com

Ilustración 211. Love Yellow, Alexander Calder. Foto www.lucuella.com

174

Suárez/Vidal 1989: p.370-389

111

Ilustración 212. Alberto Sánchez Pérez. Maternidad, 1930. Foto www.museoreinasofia.es

Ilustración 213. Alberto (Alberto Sánchez Pérez): Toro. Foto www.pinterest.com

Ilustración 214. Unidades-Yunta de Pablo Serrano. Foto lacantimploraverde.es

Ilustración 215. Pablo Serrano, Infanta Margarita (Velázquez - Las Meninas), 1974. Foto www.patrimonioculturaldearagon.es

112

Ilustración 216. 'Construcción Vacía', escultura de Jorge Oteiza en San Sebastián. Foto europaenfotos.com

Ilustración 217. Homenaje a Fleming (Granito), Eduardo Chillida. Foto matemolivares.blogia.com

A partir de la década de 1970, aparecen nuevos movimientos artísticos, como el minimalista, el arte conceptual, el denominado land art, el arte povera, el hiperrealismo, el performance o la postmodernidad, con artistas como David Smith, Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo y Jeanne-Claude y Antonio López García entre otros.175

Ilustración 218. Esculturas minimalistas por Holger Hoffmann. Foto antidepresivo.net

175

Suárez/Vidal 1989: p.370-389

113

Escultura minimalista. Cuando hablamos de escultura minimalista, vemos que se mantienen las características que hemos observado en la pintura, los colores planos, las figuras geométricas simples, etc. Entre sus artistas principales se encuentran Donald Judd, Carl Andre y Dan Flavin.176

Ilustración 219. Donald Judd. Artista minimalista. Foto de http://www.plasticayarte.com/2011/09/escultura-abstracta-arte-minimalista.html

Ilustración 220. Dan Flavin. foto http://www.plasticayarte.com/2011/09/escultura-abstracta-arte-minimalista.html

Dan Flavin. Utiliza longitudes rectas de tubos fluorescentes. El minimalismo se encuentra con el arte cinético. Considera que su material no es solo luz, también espacio. El ARTE CONCEPTUAL trata de abolir lo físico, intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Arte de diseños mentales. Surgió en la 2ª mitad de la década de los 60.

Joseph Kosuth es un seguidor de este arte. Algunas veces, de manera paradójica, el arte conceptual se volvía totalmente físico.

176

http://estoesminimalismo.blogspot.com/2012/12/el-minimalismo-en-las-artes-plasticas_1.html

114

Ilustración 221. Joseph Kosuth. Escultura Conceptual. Foto http://www.plasticayarte.com/2011/09/escultura-abstracta-arte-minimalista.html

Dennis Oppenheim. BODY ART, donde el masoquismo es una característica frecuente.

Ilustración 222. Dennis Oppenheim.

La idea de la desmaterialización artística cierra aquí el círculo y está vinculada a las acciones y gestos físicos, a menudo unidos a la noción de arte expresión de sufrimiento y sacrificio personal. Ya no era un arte sin tema, el tema era el artista. El arte conceptual experimentó un fuerte revival a finales de los 80. Land Art Nació en la década de los 70's, y tiene como fin recordar la naturaleza que no sólo estamos olvidando, sino también maltratando. Las primeras obras de Land

115

Art se realizaron en los paisajes desérticos del oeste estadounidense a finales de los años sesenta.177 • • • •

El propósito fundamental de alterar en sentido estético y artístico el paisaje La obra de arte siempre posee una apariencia final que es juzgada como híbrido entre escultura-arquitectura en el paisaje. En las realizaciones el paisaje es referido como un nuevo espacio contemporáneo con dimensión artística. Las obras de Land Art constituyen crítica y cuestionamiento al comportamiento artístico, alejando sus producciones de las tradicionales sendas de la comercialización e exhibición tradicional de los objetos artísticos (cuadros, esculturas, etc.)

Ilustración 223. Land Art por Cornelia Konrads. Foto http://www.lareserva.com/home/Cornelia_Konrads_landart

Ilustración 224. Land art de Martin Hill. Foto antidepresivo.net

Artistas plenamente considerados de Land Art son: Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude, con sus típicos embalajes, Michael Heizer, Robert Morris, Nicolás García Uriburu, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Eberhard Bosslet, James Turrell, Eugenio Bermejo, Juan Doffo, Agustín Ibarrola, Walter De María, Alice Adams, Eduardo Sanguinetti, Richard Long, Hamish Fulton. ARTE POVERA Expresión italiana que significa “arte pobre” y que define una corriente estética aparecida en Turín hacia 1967 como reacción frente al arte tradicional en la medida en que éste es considerado bello y de materiales nobles.178 Escultura Art Povera El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, trivial y ajeno a denominaciones como bello, hermoso o exquisito. Se propone dar valor a estructuras primarias conseguidas con materiales groseros y hasta 177 178

http://www.ecured.cu/Land_art http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artepovera.htm

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repulsivos, pero siempre intentando dotarles de un espíritu poético. Para ello trata de llevar la atención del espectador hacia aspectos cotidianos anónimos y rutinarios a los que nunca se había atribuido ninguna cualidad artística, pero sobre todo se define como contrapeso de la cultura tradicional, a la que considera inalienable y cerrada a la averiguación de las nuevas perspectivas revolucionarias.179

Ilustración 225. Dirty White Trash. Tim Noble y Sue Webster. Foto www.creativosonline.org

Ilustración 226. ESCULTURAS DE ALAMBRE: David Oliveira. Foto catch4art.com

Entre los artistas que cultivan el arte povera destacan Antonio Tàpies, Giovanni Anselmo, Mario Merz, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Michalangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Pino Pascali, Janis Kounellis, Lawrence Weiner, Richard Serra, Robert Morris y Hans Haacke.180 El performance o la postmodernidad La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. 179 180

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artepovera.htm Ibídem.

117

En el arte contemporáneo, una acción poética distingue una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura. Joseph Beuys (1921-1986) fue un importante exponente del performance. En sus acciones de arte incluyó la acción, el movimiento, y personajes ajenos a la obra. El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual.

Ilustración 227. I Like America and America Likes Me, 1974. (Coyote) Joseph Beuys. FOTO xlxtralrge.wordpress.com

Ilustración 228. Como explicar a una liebre muerta la obra de Arte. Joseph Beuys. Foto www.pinterest.com

Al principio de los años sesenta, artistas como George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros, empezaron a crear los primeros happenings y conciertos fluxus.

Ilustración 229. George Maciunas. Flux Game Fest. Serie de acciones, 1973. FOTO www.museoreinasofia.es

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Ilustraciรณn 230. Wolf Vostell. Endogen Depression 1979. Foto http://socks-studio.com/2015/06/04/endogen-depression-by-wolf-vostell-1975-1984/

Ilustraciรณn 231. Wolf Vostell. Endogen Depression 2013 (The Box, La) Installation View Photo: Fredrik Nilsen

Ilustraciรณn 232. Nam June Paik. Fish Flies on Sky, 1983-85. Videoinstalaciรณn, Foto eltranscursodeltiempo.wordpress.com

Ilustraciรณn 233. Performance Fluxus. Foto www.nespolo.com

119

Ilustración 234. Fluxus – Happening Gund foto. www.nespolo.com

Ilustración 235. Yoko Ono, Installation Art and Cello. foto www.pinterest.com

Ilustración 236. Yoko Ono at Carnegie Recital Hall in 1965. foto www.wnactionnews.com

Ilustración 237Obras de Fluxus Internacional 1967 Foto. www.wnactionnews.com.

El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Schneemann, Marta Minujín, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.181

181

Paul Schimmel: Out of actions. 1949-1979, Cantz, 1998

120

Ilustración 238. Carolee Schneemann, Interior Scroll, 1975. Fotografia de Anthony McCall.

Ilustración 239. Interior Scroll, Carolee Schneemann, 1975, East Hampton, Nueva York. Foto www.zgrados.com

Ilustración 240. Performance en la que Marta Minujín paga la deuda externa argentina a Andy Warhol con choclos, el oro latinoamericano. Foto www.taringa.net

La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. La performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

121

Ilustración 241. Marina Abramović y Ulay (Frank Uwe Laysiepen), "Relation in Time" 1975. Foto blogs.20minutos.es

Ilustración 242. Marina Abramović, “Anima Mundi: Pietà” (1983). Foto emmatrinidad.wordpress.com

Ilustración 243 marina-abramovic-sesc-pompeia-2. Foto www.lilianpacce.com.br.

Ilustración 244. Marina Abramovic Count on Us (Cuenta con nosotros) Foto www.museoreinasofia.es

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Ilustración 245. La pareja británica Gilbert & George, que se fotografiaban entre sí, como meras esculturas. Foto http://purakastiga.blogspot.com/2014/03/performance-concepto-y-objetivos.html

Les presentamos muchas otras obras de estos artistas en montaje e instalaciones dentro de la gama de propuestas que presentaban fuera de los performances.

Ilustración 246. La instalación "Das Rudel" (La manada), de Joseph Beuys, FOTO www.dw.com

Ilustración 247. "La tentación del siglo XX", de Joseph Beuys, expuesta en la "Pinakothek der Moderne", Múnich 2002. FOTO www.dw.com

Ilustración 248. Joseph Beuys: "todo ser humano es un artista". FOTO www.dw.com

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Ilustración 249. Marta Minujin, parte de la serie "Desdoblamiento". Foto filosofiaceferino6.blogspot.com

Ilustración 250. CATEDRAL PARA EL PENSAMIENTO VACIO Arte Plástico: Marta Minujín. Foto www.taringa.com

Ilustración 251. Minujin, Marta "Catástrofe de la percepción". Foto www.sarachaga.com.ar

Ilustración 252. Wolf Vostell, «¿Por qué el Proceso entre Pilatos y Jesús duró solamente dos minutos? Foto www.taringa.net

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Ilustración 253. Escultura Wolf Vostell junto a las Peñas del Tesoro. Foto Gabino Cisneros.

Ilustración 254. Nam June Paik - Buddha TV. Foto ounae.com

Ilustración 255. Paik, escultura. Nam June Paik. Foto proyectoidis.org

Ilustración 256. Dog of Nam June Paik: Escultura. Foto es.pinterest.com

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Ilustración 257. Carolee Schneemann: Obras de historia. Foto musac.es

Ilustración 258. Marta Minujín y esa escultura de hierro megalómana que quedó inconclusa. Foto www.lanacion.com.ar

Ilustración 259. "Torre de Babel" de Marta Minujín. Buenos Aires, 2011. Foto museolibrogardel.blogspot.com

Ilustración 260. Damien Hirst,La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, 1991. Foto preguntas-de-arte.blogspot.com

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EL HIPERREALISMO, ESCULTURA. A partir de los años 60, en Estados Unidos se inició una tendencia en el arte la cual retó la fidelidad o realidad que brindaba la fotografía: el hiperrealismo. Artistas que pertenecían a disciplinas de la pintura y esculturas se vieron atraídos por la nueva posibilidad que la tendencia anunciaba. Algunos de los representantes más icónicos en la escultura, son: Ron Mueck, Patricia Piccinini y Sam Jinks. En seguida te contamos de cada uno.182

Ilustración 261. Escultura de Ron Mueck. Foto http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1

Las esculturas de Ron Mueck llaman la atención por las dimensiones que usa, pues los humanos que hace –respetando hasta el último detalle: vello, lunar, etc- son colosales, lo cual alarma al espectador de sus sobras, pues deja expuestos temas como la fragilidad y la vulnerabilidad de la existencia humana.183

Ilustración 262. Patricia Piccinini. Foto http://www.garuyo.com/arte-ycultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1

182

http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1

183

Ibídem.

127

Patricia Piccinini, a través de su obra aborda la línea entre lo que se considera artificial y natural. Sus esculturas se distinguen por ser criaturas de carne y hueso con pelos y arrugas y tienen formaciones diferentes en su cuerpo, es decir, exalta las propiedades de un cuerpo humano junto con las de uno animal, al punto de llevarlas a la mutación. El ideal de perfección es constantemente explorado en el trabajo de Patricia, por lo que sus esculturas pueden despertar varias reacciones, desde el desagrado hasta le encantamiento.184

Ilustración 263. Sam Jinks. http://www.garuyo.com/artey-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1

El detalle impreso en cada una de las obras de Sam Jinks, desde el cabello hasta los pliegues del cuerpo que se hacen con algún movimiento, se convirtieron en características de la tendencia de hiperrealismo. Se inspira en la apariencia de personas que conoce para después combinar sus aspectos y crear una nueva imagen de persona. Los recuerdos son la herramienta principal en el proceso de este artista, sin embargo, en ocasiones gusta de explorar y combinar también rasgos animales con rasgos de personas para originar esculturas de tono surrealista.185

184 185

http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1 http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1

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ESCULTURA SIGLO XXI La escultura al igual que la pintura, ambas disciplinas tradicionales en la historia del arte, han sabido adaptarse a los nuevos tiempos y al cambio. La idea y concepto presentes en la escultura son aspectos vitales en la obra y no la estética o la belleza, dejando de lado la función conmemorativa o decorativa de antaño. 186 La escultura de hoy es la expresión sin límite del mundo plástico, porque en ella se encierran todas las ideas de la creación; es la línea sin fin de nuestra época con todo el caudal de riqueza plástica de las demás expresiones del arte. El resultado de esto lo vemos en bienales, simposios, exposiciones y otros eventos internacionales donde, la tridimensionalidad es el elemento de mayor expresión en los artistas. La tendencia a la expresión tridimensional es tan fuerte que vemos, cómo museos y galerías del mundo – que en otras décadas habían fomentado otros medios plásticos – llaman a estas últimas décadas, el gran “boom” de la escultura; que incluye desde sus complejas conceptualizaciones hasta la sencillez del minimalismo. Una de las tendencias más utilizadas es la construcción.187 Entre la escultura contemporánea sobresale la obra de Jeff Koons quien ha empleado los más diversos materiales en obras cargadas de simbolismos y significados donde exalta y critica temas como el sexo o el materialismo, empleando la figura humana y animales en un estilo que para algunos entra en lo kitsch.

Ilustración 264. Otras obras de Jeff Koons. Foto: redarte.com.ar

186 187

http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com/2013/10/arte-s-xxi-escultura.html Ibídem

129

Ilustración 265. Jeff Koons, Perro de Globo, Anaranjado, 1994-2000. Foto www.diariodecultura.com.ar

Ilustración 266. PUPPI escultura de Jeff Koons. Foto www.panoramio.com

Algunas de sus esculturas cerámicas están basadas en obras de maestros del Renacimiento como “Michael Jackson and bubbles” que alude a La Piedad de Miguel Ángel o la escultura “John the Baptist” basada en la pintura sobre San Juan Bautista de Leonardo Da Vinci. De tiempos recientes se encuentran sus icónicas esculturas metálicas en forma de globos de helio con temas como el conejo, el corazón o el perro, como lo es su popular “Balloon Dog”. Sin duda la escultura contemporánea no tiene límites y obviamente da para mucho en los próximos años.188

Ilustración 267. Michael Jackson and Bubbles. Jeff Koons. Foto www.lacortedelreydelpop.com

188

http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com/2013/10/arte-s-xxi-escultura.html

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Ilustraci贸n 268. QRUDA-Jeff-Koons. Foto www.qruda.com

Ilustraci贸n 269. Table Sculpture', del artista Allen Jones. www.pinterest.com

Ilustraci贸n 270. Sillas esculturas del artista, Allen Jones. Foto, www.pinterest.com

Ilustraci贸n 271. Bathers, Allen Jones. Foto www.pinterest.com

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Ilustración 272. Louise Bourgeois Arañas, Rockefeller Center, Nueva York (2001). Foto artecreha.com

Ilustración 273. El Nido Louise Bourgeois. foto todoscontraelarte.blogspot.com

Ilustración 274. Jeff Koons, Three Ball Total Equilibrium Tank (Two Dr J Silver Series, Spalding NBA TipOff) 1985. Foto www.tate.org.uk

Ilustración 275. Izquierda. S. Heger Playtime (SH vistiendo adidas) (2002) Derecha. J. Opie Se cree que algunos dinosaurios son más rápidos que los guepardos (1991)

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Ilustración 276. M. Navarro Fluido en la urbe (2004). Foto www.guiarte.com

Ilustración 277. P. Piccianini Big Mother (2005). Foto www.pinterest.com

Ilustración 278. Nadín Ospina (1960 - ) • Idolo con Muñeca, 2000 . Foto www.escala.org.uk

Ilustración 279. 'My bed' de Tracy Emin, la cama de la artista. Foto blogs.elpais.com

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Ilustración 280. 'Oveja negra con cuerdos dorados' de Damien Hirst, 2009. Foto cultura.elpais.com

Ilustración 281. Fischli & Weiss: Sin título (Rata y oso, durmiendo), 2007 Reina Sofia. Foto www.hoyesarte.com

Ilustración 282. Damián Ortega, Controller of the Universe. Foto www.artsy.net

HIPERREALISMO EN EL SIGLO XXI Ron Mueck Las obras de escultura hiperrealista, al ser una «réplica» de la realidad, se pueden apreciar, en su mayoría, a primera instancia con la vista y en esculturas como las de Ron Mueck hasta con el tacto, pues ha logrado tener más cercanía con la realidad.

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Ilustración 283. Obras de Ron Mueck. Foto peahimoda.wordpress.com

Ilustración 284. 'In bed', instalación de Ron Mueck. Foto peahimoda.wordpress.com

Ilustración 285. Ghost', pieza de 2007 de Kader Attia. / SAATCHI GALLERY, LONDON. Foto www.pinterest.com

“Ghost”, de Kader Attia, un artista de 42 años nacido en la periferia de París en el seno de una familia argelina. Se trata de 264 figuras de papel de aluminio que representan a otras tantas mujeres musulmanas postrándose en la oración en una mezquita imaginaria.189 Es una instalación monumental que tiene algo de intimidatoria porque las figuras no tienen rostro y que “sintetiza lo abyecto y lo divino mediante la representación de figuras a tamaño natural a partir de chadores vacíos despojados de individualidad o de espíritu”.190

189 190

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/10/17/actualidad/1382004195_762428.html Ibídem.

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LA ESCULTURA AMBIENTAL.

Ilustración 286. Mark Coreth. Escultura de hielo. Foto https://paletadelimon.files.wordpress.com/2010/01/blog-120.jpg

Esta escultura creada por Mark Coreth exhibe un oso polar derritiéndose y mostrando un esqueleto. La pieza fue presentada en Copenhague y es patrocinada por WWF para crear conciencia del impacto que tiene el ser humano sobre el calentamiento global. Cuando la escultura de hielo termina de derretirse un esqueleto metálico permanece en exhibición y nos hace reflexionar sobre la dependencia y vulnerabilidad que tienen el resto de las especies de nuestro planeta.191

Ilustración 287. Esculturas "embotelladas" en el Paseo Reforma. Foto www.veoverde.com

191

www.nocturnar.com

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MATERIALES EN LA ESCULTURA SIGLO XXI

Hasta el siglo XX, la escultura se valió de materiales tradicionales —en su mayoría piedra, madera y barro. Actualmente los escultores tienden a reunir materiales de muy diversa índole para explorar los espacios y el movimiento en el espacio.192

TECNICAS USADAS EN LA ESCULTURA SIGLO XXI La escultura contemporánea da cabida a infinidad de técnicas y materiales como el plástico, la fibra de vidrio, el acero inoxidable, el vidrio, el acrílico o la cerámica industrial. Es a partir de ahora que se utiliza la técnica del ensamblaje (assemblage ) que consiste en unir distintos materiales y objetos de forma que se consiga un efecto tridimensional.193 Los objetos que se juntan pueden ser orgánicos o manufacturados por el hombre, todo califica para ser incluido en un ensamblaje: pedazos de madera, piedras, zapatos viejos, latas, llantas de coche, fotografías, partes de computadora, material reciclado, etcétera.194 Hoy el escultor tiene la tecnología al servicio del arte. Para el artista es la maravilla del siglo: máquinas láser, soldaduras de argón, tungstenos, martillos eléctricos, computadoras, barrenas de cobalto, picadoras y dobladoras eléctricas y muchos artefactos más. La tecnología se une a los sentimientos y a la sabiduría del hombre para integrarla en su expresión, haciendo maravillas en el campo de lo tridimensional.195

Escultura Africana La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido la creencia en espíritus de la naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y cortante. También han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. Por casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayadas. Hay máscaras recubiertas de una costra formada por

192

http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com/2013/10/arte-s-xxi-escultura.html Ibídem 194 http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com/2013/10/arte-s-xxi-escultura.html 195 Ibídem. 193

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sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico; hay con adornos de petxinetes y cristales.

Ilustración 288. Las terracotas de Nok. Foto www.dw.com

Ilustración 289. Escultura: Baga. Africa. Foto byricardomarcenaro.blogspot.com

En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en fines de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, cortaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.196

Ilustración 290. Cabezas de bronce esculpidas, Benin / Ife, Nigeria. Foto es.pinterest.com 196

Bozal 1983: p. 354-360

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Ilustración 291. Escultura de los baulé, África, Costa de Marfil. Foto www.todocoleccion.net

Asia Escultura de la India La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad de esculturas en terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como una pequeña bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.197

Ilustración 292. El Rey Sacerdote. Escultura encontrada en Mohenjo-daro, datada en el 2.100 a.C. Museo de Karachi. Foto oscurosh.blogspot.com

Hacia el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo se entró en un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C., cuando se forma el imperio Maurya y se construyeron grandes columnas, algunas todavía in situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía una escultura de algún tema animal, la más famosa es el Capitel de los leones en Sarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidades masculinas y femeninas, entre las que destaca la Yaksi del museo de Patna, que presenta una gran exuberancia de los pechos,

197

Bozal 1983: p. 308

139

amplias caderas y estrecha cintura, unos rasgos que se repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en la cultura india.198

Ilustración 293. Capitel de los leones en Sarnath. Foto www.artehistoria.com

Ilustración 294. Didarganj Yakshi. Foto www.e-architect.co.uk

Durante el imperio Kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las tradiciones del budismo y el hinduismo en la región de Gandhara, el arte de la que se denomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica a las imágenes de Buda realizadas en este período.199

Ilustración 295. Buda Gandhara. Foto www.buddhachannel.tv

198 199

Bozal 1983: p. 310 Bozal 1983: p. 314

140

El imperio Gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas puras y formas de armonioso equilibrio, se representaron las divinidades Brahma, Vishnú y Shiva.

Ilustración 296. Escultura Gupta. Foto personal.us.es

En la escultura del sur de la India, se encuentran en Mahabalipuram, templos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía de los Pal·lava.

Ilustración 297. El descenso del Ganges. Foto es.wikipedia.org

Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa ilustraciones del Kama Sutra. A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la tradición de su escultura que se fue transformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.200

Ilustración 298. Escenas del Kama Sutra en la Escultura hindú. Foto historiantigua.obolog.es

200

Bozal 1983: p. 319

141

Escultura en China Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. En China hacia el 200 a. C. se moldearon siete mil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que aunque las caras son todas diferentes, y por tanto modeladas a mano, para los cuerpos parece que se utilizó un molde; este verdadero ejército permaneció enterrado hasta ser descubierto a fines del siglo XX.201

Ilustración 299. Figuras de cerámica vidriada tricolor de la dinastía Tang de dos mujeres cortesanas tocando el tambor. Foto spanish.china.org.cn

Ilustración 300. Escultura China, la dinastía Tang. Foto es.3dmodelfree.com

Ilustración 301. Panorámica de los soldados de terracota. Dinastía Quin. Foto es.wikipedia.org

Ilustración 302. Guerreros de terracota, escultura China. Foto revistacultural.ecosdeasia.com

201

Midgley 1982: p. 18

142

Cuando el budismo se introdujo en China, surgió la necesidad de realizar representaciones escultóricas. La más antigua que se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara. Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las grutas de Yungang en la ciudad de Datong.

Ilustración 303. Las Grutas de Yungang. Foto www.elrincondesele.com

En la última etapa de la dinastía Tang las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una nueva visión a la escultura distinta y distante de la budista. A partir de aquí la escultura entra en una clara decadencia, aunque a la dinastía Ming, en sus obras arquitectónicas se instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de las puertas de los grandes palacios o complejos funerarios, aunque siguen siendo las pequeñas esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores representaciones.

Ilustración 304. Guardianes de las puertas de los palacios. Dinastia Ming. Foto viajesdeark.com

En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la escultura monumental se volvió a realizar con marcado estilo realista para exaltar las hazañas de la Revolución China.202

202

Bozal 1983: p. 330-337

143

Ilustración 305. PEKÍN.- estatua de Mao Tse-tung sentado, de 37 metros de altura. (Demolida) Foto http://www.cronicaviva.com.pe

Escultura de Oceanía El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales que disponen, como la madera, corteza de árbol y punta de sílex, los escudos los decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planas de carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.

Ilustración 306. Piedras Churingas Australia. Foto www.pinterest.com

La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos y formas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de carácter sagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman los pilares que sostienen el techo están cortados representando seres totémicos, en estas casas se guardan las tallas que representan sus antepasados, máscaras, asientos completamente grabados con decoraciones de figuras humanas o animales.203

203

Huera 1988: p. 84-91

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Ilustración 307. Reproducción de una casa de las islas Marquesas (museo de Ua Huka). Foto es.wikipedia.org

En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las ceremonias religiosas, las estatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras son utilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una gran abundancia de objetos, también de madera tallada donde se insertan conchas, cortezas de otros árboles y piedras, que están relacionados con actos rituales.

Ilustración 308. Escultura de las Nuevas Hébridas. Figura humana. Foto oceaniamalladeta.galeon.com

En las islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figuras humanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismo en la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con profusión de tallas, en estas islas antiguamente se cortaban imágenes con piedra volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo con una proporción muy pequeña.204

Ilustración 309. Museo Nacional de las Islas Salomón fue inaugurado en junio de 1969. Foto evemuseografia.com

204

Huera 1988: p. 91-100

145

Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas de expresión amenazadora, así como colgantes de nefrita cortada (hei tiki).

Ilustración 310. Esculturas de piedra maoríes de Mine Bay, en el Lago Taupo. Las esculturas maoríes tienen unos 10 metros de altura y son sólo accesibles en barco. Foto http://viajar.elperiodico.com/destinos/oceania/nueva-zelanda/encantos-de-la-isla-norte-de-nueva-zela

Ilustración 311. Escultura Maorí, ornamentos pectorales de jade, labrados en forma del mítico hei-tik. Foto www.taringa.net

En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, y desde allí se supone que eran arrastradas utilizando cuerdas siendo distribuidas a los diversos puntos de la isla.87

Ilustración 312. Moai en la ladera de la cantera Rano Raraku. Foto masantropologia.blogspot.com

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Historiografía Los primeros tratados sobre técnicas de escultura pertenecen a los artistas griegos y datan del siglo V a. C.. El más conocido es el Canon de Policleto, obra en la que el escultor expone las innovaciones que él mismo llevó a la práctica, como la posición del contrapposto. Según Plinio el viejo, sus indicaciones fueron adoptadas como leyes por otros artistas. Alberto Durero, durante sus últimos años de vida, se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho sobre el canon humano al Tratado de las proporciones del cuerpo, editado póstumamente en 1528.205 Leon Battista Alberti, que se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas —tanto teóricas como prácticas— capaces de orientar el trabajo de los artistas, llama en sus obras algunos cánones como, por ejemplo, en De statua, en la que expone las proporciones del cuerpo humano.206 La Naturalis Historia de Plinio el viejo, los Mirabila de Pasiteles, datado del siglo I a. C., y otras obras contribuyeron a difundir las teorías histórico-críticas de los filósofos griegos que en el período helenístico establecían que el escultor Fidias representaba la «cima de su pasado artístico». Pensadores romanos como Cicerón y Quintiliano formularon observaciones críticas de interés sobre la escultura y la pintura pero, en conjunto, la aportación de la antigua Roma en la historiografía del arte reside en la descripción de las obras y la transmisión de las noticias y los conocimientos según los precedentes griegos perdidos. Durante la baja Edad Media, los artistas comenzaron a firmar las obras e, incluso, algunos de ellos adoptaron la idea de añadir autorretratos en sus obras, como el escultor Arnau Cadell al monasterio de Sant Cugat (c. 1190); debido a la falta de contratos, estas firmas son uno de los datos más importantes que tiene la historiografía de la escultura románica.207 Durante el Quattrocento florentino se formuló una teoría y una historiografía de acuerdo con la nueva práctica y mentalidad artística. El género de las «biografías de artistas», olvidado desde la antigüedad clásica —puesto que este género fue iniciado en el siglo IV a. C. por Duris de Samos— volvió a ser cultivado: Cennino Cenninicon su Libro Dell ‘Arte y los Comentarii de Lorenzo Ghiberti son el testimonio más elocuente de la profunda renovación que el Renacimiento llevó en el plano de la literatura. Sin embargo, las obras de Donatello, Andrea del Verrocchio y Jacopo della Quercia demarcon el auge de este panorama artístico. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas. Durante el Cinquecento,Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y el propio Miguel Ángel continuaron esta tradición teórica con sus escritos y tratados; este período se caracterizó debido al parcial gusto por la grandiosidad monumental y por una influencia más «manierista». Le Vite (1550) de Giorgio

205

Sureda 1988: p. 56 Sureda 1988: p. 356 207 Sureda 1988 Vol. IV: p. 29 206

147

Vasari constituye una obra fundamental que ejerció una enorme influencia en toda la historiografía del arte que se desarrolló posteriormente.208 En el mundo griego se inició la investigación arqueológica con las excavaciones de Heinrich Schliemann entre 1868 y 1874, gracias a las cuales se descubrieron Ítaca, Troya y Micenas. Schliemann también dio nombre a la Máscara de Agamenón: He descubierto las tumbas, que, según la tradición, corresponden a Agamenón, Casandra, Eurimedonte y sus compañeros, asesinados durante el famoso banquete para Clitemnestra y su amante Egisto. —Heinrich Schliemann. Necrópolis de Micenas.

Pasado el tiempo, se sabe que estas tumbas pertenecen a siglos anteriores a los hechos narrados por Homero, que Schliemann tomó como guía para su trabajo. En el siglo fue Arthur Evans con la excavación de Cnossos quien estableció una cronología para la cultura minoica. Con todo esto y nuevas excavaciones, van cambiando las denominaciones: ya no se habla de la cultura cretense, sino de la minoica, y no del arte micénico, sino del heládico.209 El libro El arte griego (1972) de Kostas Papaioannou niega que el período arcaico sea una etapa inferior y previa al proceso de la estatuaria griega en sí con tal de dar origen a una segunda etapa, según dice, la etapa del arcaísmo fue la de «presentar la realidad» y no «representarla como una copia de la realidad». Así, las figuras arcaicas de los kouroi no son atletas retratados y reproducidos de individuos concretos sino creaciones artísticas que se pueden interpretar como signos culturales y, por tanto, históricos.210 Según Panofsky, el estudio concreto de las obras de arte debería constar de tres análisis: primero un análisis pre iconográfico, en la que se sitúe el período y el estilo, según sus formas, en términos descriptivos; en segundo lugar, un análisis iconográfico, en la que se analicen los elementos que acompañan la obra, sus diferentes atributos o características, en relación a su función simbólica y, por último; un análisis iconológico, en la que se estudie su significado conceptual o ideológico en el contexto cultural de su época.211 212

208

Historia Universal del Arte-8 1984: p. 1129 Bozal 1983: p. 103 210 Bozal 1983: p. 114 209

211 212

León Mariscal, Rocío. «'Conocer el método iconográfico e iconológico». Ibídem.

148

III.

CONCLUSIONES

En este trabajo, hemos analizado los diferentes estilos, épocas y técnicas en la Escultura de manera cronológica y su aporte en el arte. Con lo cual se aclara el camino de que cada día se buscan nuevas soluciones e ideas para realizar productos escultóricos adaptados al contexto que se vive y en ocasiones inclusive adelantados a los tiempos que se realizan y que inciden directamente en las ideas y conceptos ya aplicados. La mayor parte de las experiencias en escultura en la historia están basadas en conocimientos anteriores, por lo cual es bueno conocer toda la evolución que se ha dado en este arte y a la vez tomar algunas influencias como base y luego aplicarlas en nuestro medio y tiempo. A la vez es un buen producto para analizar los sistemas y materiales que han sido utilizados en diferentes momentos y que aún son aplicables al utilizado hoy día. Concluimos que la Escultura es un arte que ha estado en constante y permanente movimiento, en búsqueda de nuevas soluciones y mas hoy que se cuenta con el apoyo de nuevas tecnologías y materiales innovadores, lo cual los artistas están actualizados en los mismos, por lo cual no solo contamos con excelentes experiencias en el arte sino que tendremos con seguridad nuevos conceptos y productos en la escultura y cada vez más variados.

149

IV.

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INDICE DE ILUSTRACIONES Vista frontal y lateral de la Venus de Brassempouy en marfil. Tomado de www.angelfire.com ........................................................................................................................... 6 Venus de Willendorf tallada en piedra caliza. Foto tomada de http://charladehistoria.blogspot.com/ ............................................................................................... 7 Proceso de talla del sílex. .................................................................................................................... 7 Ejemplo de uso de utensilios de sílex.................................................................................................. 8 Retoque por percusión directa sobre un yunque de piedra. .............................................................. 8 Varios tipos de percutor duro. ............................................................................................................ 9 Percutores blandos: de madera de boj, de acebo, de encina y cornamenta de cérvido.................. 11 El profesor Tixier experimentando con percutor blando. ................................................................. 11 Demostración de cómo colocar la pieza intermedia......................................................................... 14 Retoque experimental por presión con un compresor de asta de cérvido. ..................................... 15 Hoja de laurel solutrense. ................................................................................................................. 16 Retocadores de asta de cérvido procedentes del yacimiento de «Los Cercados», en Mucientes, Valladolid. .......................................................................................................................................... 17 Hacha y cincel de piedra (Neolítico).................................................................................................. 18 A la izquierda: ejemplo experimental de talla bipolar en el que se observa la interacción entre el percutor, el yunque y una piedra de cuarzo a partir de la que se obtienen herramientas líticas cortantes. A la derecha: núcleos de sílex sobre los que se ha aplicado la talla sobre el yunque. .... 19 Bifaz y Hendedores. foto tomada de http://es.slideshare.net/ferrepelente/la-pre-45440981 ....... 19 raedera. foto tomada de Raedera - Wikipedia Republished // WIKI 2 ............................................. 20 raedera. foto tomada de https://www.thinglink.com/scene/758353022513315840 ..................... 20 Buriles. Dibujo tomado de http://personales.upv.es/ccarrasc/doc/20042005/PerdigueroAlonsoYolanda/HTML_Perdiguero/ ....................................................................... 20 Taza carenada hecha a mano del yacimiento prehistórico de Auditori. Foto página oficial de Museu de Guissona Eduard Camps i Cava. ................................................................................................... 21 Fíbula de Braganza, arte celta de la península ibérica 250-200 a. C. foto tomada de https://es.wikipedia.org/wiki/F%C3%ADbula ................................................................................... 21 Estatua de veneración a un perro, proveniente de la torre sudeste de la Apadana, de Persépolis. La obra se caracteriza por tener un acabado y detalle excelso, remarcando cada aspecto del ser en un cuerpo escultórico. http://losviajesdemariano.com/iran1 ........ 21 Figurilla femenina procedente de Samarra, ca. 6000 a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Mesopotamia..................................................................... 22 Uno de los marfiles de Nimrud, periodo neo-asirio, siglos IX al VII a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Mesopotamia..................................................................... 22 Relieve de Imdugud (Zu o Anzu, águila con cabeza de león) flanqueado por dos ciervos, trabajo en plancha de cobre procedente del templo de Ninhursag en Tell al-Ubaid (ca. 2500 a. C.)................ 23 Ilustración de la Tique de Antioquía de Eutíquides, circa 300 a. C. foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico............................................... 25 La obra conocida como Victoria alada de Samotracia, Foto tomada de http://recuerdosdepandora.com/monumentos/la-victoria-de-samotracia-su-descubrimientoy-restauracion/ ................................................................................................................................ 25

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Busto de Ptolomeo I Sóter, Museo del Louvre. Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico............................................... 25 Estatua de un guerrero gálata del período helenístico, perteneciente a la escuela de Pérgamo (ca. 100 a. C.). Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_helen%C3%ADstico ................ 26 Periodo Predinástico. Paleta de los cazadores.................................................................................. 26 Imperio Antiguo. Menkaura. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Egypte_louvre_321.jpg .. 29 Imperio Antiguo. El escriba sentado. Foto de Guillaume Blanchard, July 2004, Fujifilm S6900 ........................................................................................................................................................... 29 Kaaper, Cheik-El-Beled. Foto de Jon Bodsworth http://www.egyptarchive.co.uk/html/cairo_museum_16.html ................................................. 30 Imperio Medio. Amenemhat III. Foto de Ausschnittbearbeitung NebMaatRe - :File:Statue of Amenemhet III. (1840-1800BC).jpg ........................................................................................ 30 Imperio Nuevo. Akenatón. https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Antiguo_Egipto#/media/File:GD-EG-CaireMus%C3%A9e061.JPG....................................................................................................................... 30 Dinastía Ptolemaica. Foto de https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Antiguo_Egipto#/media/File:Egypte_louvre_003.jpg ........................................................................................................................................................... 31 Herramientas para escultura egipcia. Resulta admirable la habilidad que dan pruebas los canteros y picapedreros egipcios con un instrumental tan rudimentario....................................................... 32 La Dama de Ibiza es una figura de arcilla de 47 centímetros de altura que data del siglo III a. C.. Fue encontrada en la necrópolis situada en el Puig des Molins en la isla de Ibiza, en el Mediterráneo. 33 El Esculapio de Ampurias. http://www.culturaclasica.com/?q=node/2052..................................... 33 Dama de Elche, Escultura ibera. Fotografía: Francisco J. Díez Martín, 11 de diciembre de 2004. ... 34 Dama Oferente del Cerro de los Santos (Cultura Ibérica). Fernández Ruiz, Raúl (photo) - Museo Arqueológico Nacional (España) ....................................................................................................... 35 Dama de Baza (Cultura Ibérica). Relanzón, Santiago (photo) - Museo Arqueológico Nacional (España) ............................................................................................................................................. 35 Bicha de Balazote (Cultura Ibérica). Relanzón, Santiago (photo) - Museo Arqueológico Nacional (España) ............................................................................................................................................. 36 Esfinge de Agost. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_ib%C3%A9rica ............................. 36 Esfinge de Haches. Foto http://www.turismocastillalamancha.es/patrimonio/esfinge-de-haches25264/ ............................................................................................................................................... 36 Guerrero de Mogente (Valencia). Foto Contestania.com ................................................................ 37 Punzones, herramientas (Joyería, escultura) Edad del Bronce Península ibérica (1000 a.C. aproximadamente). ........................................................................................................................... 37 Detalle de Kouros Rampin, c. 550 a. C., Atenas. Foto Ricardo André Frantz .................................... 37 Ídolo cicládico, c. 2800-2300 a.C. foto https://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Gr%C3%A9cia_arcaica#/media/File:Cycladic_idol_larg e_retouched.jpg ................................................................................................................................ 38 «Diosa de las serpientes», c. 1600 a.C., Creta. foto Chris 73 / Wikimedia Commons ...................... 39 «Portal de los Leones», c. 1300 a.C., Micenas. foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_griega_arcaica#/media/File:Lion_Gate_Mycenes_OLC.jpg ........................................................................................................................................................... 39 Kore Phrasikleia, c. 540 a.C., Atenas. Foto Ricardo André Frantz. .................................................... 39

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Kouros Krosios, c. 525 a.C., Anavissos. foto https://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Gr%C3%A9cia_arcaica#/media/File:Kouros_anavissos2 .jpg ..................................................................................................................................................... 39 Los Bronces de Riace. Foto http://sobreitalia.com/2009/02/11/los-bronces-de-riace/ .................. 40 Dios del cabo Artemisio. foto http://sobregrecia.com/2009/01/04/cabo-artemisio-historia-yreligion/ ............................................................................................................................................. 40 Venus de Milo. foto https://pl.wikipedia.org/wiki/Wikipedysta:Mzopw ......................................... 40 Obras de los 3 escultores más importantes del estilo clásico........................................................... 41 Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se atribuye al escultor Praxíteles. .............................................................................................. 41 Auriga de Delfos, hecha para conmemorar la victoria del tirano Polyzalos de Gela en la carrera de los Juegos Píticos. .............................................................................................................................. 43 Laoconte y sus hijos. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Grecia ........... 44 Detalle de Carro etrusco de Monteleone, claro ejemplo de la etapa arcaica de la escultura etrusca. Foto de www.lavalnerina.it ............................................................................................................... 44 Sarcófago de Larthia Seianthi, terracota con restos de policromía, Chiusi. Foto Kurpfalzbilder.de 45 Tapa de una urna funeraria, terracota, Volterra. Foto Kurpfalzbilder.de ......................................... 45 Esfinge en Chiusi. Foto Kurpfalzbilder.de.......................................................................................... 46 Frontón escultórico de Luni, conservado en el Museo Arqueológico de Florencia. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_etrusca ............................................................................. 46 Frontón de Talamone, terracota, Luni. ........................................................................................ 47 Columna de Trajano. Foto apuntes.santanderlasalle.es ................................................................... 48 Estatua de Marco Ulpio Trajano, frente al Foro de Trajano, en Via del Fori. Foto de www.fuenterrebollo.com.................................................................................................................. 49 Busto de Marco Aurelio. Foto www.fuenterrebollo.com ................................................................. 50 Busto de matrona de la dinastía, caracterizado por el uso de una técnica de perforación en el peinado. Foto www.fuenterrebollo.com .......................................................................................... 50 Busto de Augusto portando la corona cívica. ................................................................................... 51 Tríptico Barberini expuesto en el Louvre. Foto de https://es.wiki2.org/wiki/D%C3%ADptico_Barberini ....................................................................... 51 Crucifijo de Gero. Catedral de Colonia. Foto europaenfotos.com .................................................... 52 El capitel bizantino con cimacio. ....................................................................................................... 52 Capiteles bizantinos del siglo V. dibujo de http://editorial.dca.ulpgc.es/estructuras/construccion/1_historia/15_bizantina/c157.htm .......... 52 Dípticos y trípticos en mármol. Foto www.historiadelarteen.com................................................... 53 caja de marfil bizantino. foto https://historiadelarteen.com/2012/03/17/arte-bizantino-escultura/ ........................................................................................................................................................... 53 Capitel de San Juan de Amandi, iglesia románica del siglo XII en Villaviciosa (Asturias, España). Foto Manuel M. Vicente. ........................................................................................................................... 54 Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, del Maestro Mateo, que inicia la transición del hieratismo románico a la sensibilidad del gótico ya en la segunda mitad del siglo XII (1168 - 1188). .................................................................................................................................... 54 Visión Apocalipsis San Pedro in Moisacc. Fotos arte-geografia-historia.blogspot.com ................... 55 Relieve representando la duda de Santo Tomás. Monasterio de Silos. fotos https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_rom%C3%A1nica#/media/File:Silos-Duda.jpg ................. 56

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Sarcófago de San Juan Casiano. Abadía de San Víctor, Marsella (Francia). Fotos http://www.preguntasantoral.es/ .................................................................................................... 56 La puerta de la Catedral de Chartres. Fotos sumateologica.wordpress.com ................................... 57 Claro ejemplar de una gárgola, localizada en la Catedral de Lincoln, Inglaterra, y que data de entre 1185 y 1311. ...................................................................................................................................... 57 Retablo y antependium (frente de altar)28 del priorato de Saint-Thibault29 (ca. 1330). Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo#/media/File:Saint-Thibault_-_Retable_1.jpg ...................... 57 Basílica de Saint Denis. Fotos de www.parisciudad.com .................................................................. 58 Relicario de los Reyes Magos, Catedral de Colonia Nicolás de Verdún. Foto www.studyblue.com 58 Pila bautismal de Renier de Huy. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:00_Fonts_batismaux__Renier_de_Huy.JPG ......................................................................................................................... 59 PIEDAD Anónimo. Taller alemán Hacia 1410. ................................................................................... 59 Imagen de la Virgen con Niño, que presenta el típico contrapposto del gótico, ejemplo del tipo «Virgen bella». Museo de Erasmus Cioleka, en Cracovia. Foto Ludwig Schneider. .......................... 60 Escena de un retablo de Tilman Riemenschneider en Rothenburg ob der Tauber. https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:Rothenburg_ob_der_Tauber_0 18.JPG ................................................................................................................................................ 61 Retablo Mayor y tumba de Juan II de Castilla en la Cartuja de Miraflores (Burgos); obras realizadas por Gil de Siloé entre 1496 y 1499. ................................................................................................... 61 Portal de Santa Ana en la fachada de Notre Dame de París. Foto https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica#/media/File:Cath%C3%A9drale_NotreDame_de_Paris_-_32.jpg .................................................................................................................. 62 Gárgolas de Nuestra Señora de París. http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ........................................................................................................................................................... 63 Púlpito de la catedral de Siena, siglo XIII. Realizado por Nicola Pisano, junto con su hijo Giovanni Pisano y Arnolfo di Combo. Foto https://www.pinterest.com/pin/493566440388537343/ ........... 64 Catedral de Chartres (detalle). Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ........................................................................................................................................................... 64 Cristo Pantocrator, Catedral de Burgos. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ........................................................ 65 Anónimo. La Piedad de Roettgen.- Madera policromada.- (aprox. 1300), altura 88 cm. Museo de Bonn. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ..................................... 65 ENRICO SCROVEGNI. ......................................................................................................................... 66 Nicolás Pisano.- Púlpito de Pisa. Foto http://artecontacto.blogspot.com/2008_12_01_archive.html ........................................................................................................................................................... 67 Baptisterio de San Juan (Florencia). Puerta del Paraíso. Lorenzo Ghiberti. Foto de http://www.artehistoria.com/v2/obras/11052.htm ........................................................................ 67 Habacuc, Donatello. Foto slideplayer.es ........................................................................................... 68 Gattamelata, Donatello. Foto https://www.bluffton.edu/~sullivanm/italy/padua/gattamelata/gattamelata.html....................... 68 Cristo y Santo Tomás, de Verrocchio. Foto http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/verrocchio.htm ....................................................... 68 Amorcillo con delfín, Verrochio. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/verrocchio.htm... 69 David. Miguel Ángel. Foto iesjuliocarobaroja.educacion.navarra.es ................................................ 69 Baco, Miguel Ángel. Foto de www.mundopoesia.com ..................................................................... 69

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El Adán, Tullio Lombardo. Foto de www.descubrirelarte.es. ........................................................... 70 El rapto de la sabina. Giambologna, 1582. Foto de tom-historiadelarte.blogspot.com ................... 70 Rapto de las Sabinas, del escultor de Flandes Giambologna, donde la composición se muestra en movimiento de espiral. ..................................................................................................................... 71 Taladro manual. ................................................................................................................................ 72 D'Architectura (siglo I) Vitruvio ......................................................................................................... 72 Relieve de "Adán y Eva" por Ghiberti................................................................................................ 73 Busto-retrato de Giuliano de Médici por Verrocchio (1475-1478). .................................................. 74 Tímpano con el relieve de La Piedad por Michael Lochner. Catedral de Barcelona - Puerta de la Piedad................................................................................................................................................ 74 Sepulcro del vicecanciller Antonio Agustín (hacia 1527); relieve sepulcral de Juan Bosquet (siglo XVI). Foto de www.museodezaragoza.es ......................................................................................... 75 Donatello Busto de Niccolo da Uzzano. Foto de es.wahooart.com .................................................. 75 Retrato ecuestre del Condottiero Colleoni, diseñado por Verrocchio y fundido por Alessandro Leopardi. Foto G.dallorto .................................................................................................................. 76 Benvenuto Cellini: Saleiro de Francisco I, 1540-1543.Kunsthistorisches Museum. Foto de https://es.wikipedia.org .................................................................................................................... 77 Pierre Franqueville: David vencedor de Goliat, Louvre. Foto de https://es.wikipedia.org ............. 77 Michelangelo: Piedad de Florencia, 1550. Museo dell'Opera del Duomo. Foto www.artehistoria.com ...................................................................................................................... 77 Francesco Primaticcio: Relevos de la Escalera del Rey en el Palacio de Fontainebleau. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura ................................................................ 78 Juan de Juni: El santo entierro, Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura. ............................................................... 78 Adriaen de Vries: Mercurio acarreando a Psiquê hacia el Olimpo, 1593. Louvre. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura. ............................................................... 78 Juan de Beaugrant: Retablo de la Iglesia de Santa María Mayor. Foto de http://www.wikiwand.com/es/Historia_de_la_escultura. ............................................................... 78 Gregorio Fernández: Piedad. Foto de www.xn--momentosespaoles-iub.es .................................... 79 Copia del Mercurio cabalgando a Pegaso hecha por Antoine Coysevox, encontrada en París. ....... 80 Apolo y Dafne-Bernini. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini ........................................................................................................................................................... 81 Obra escultórica realizada en mármol, titulada "David" y esculpida por Gianlorenzo Bernini entre 1623-1624. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini ................ 81 "Éxtasis de Santa Teresa". Gianlorenzo Bernini. Foto http://enclasedearte.wikispaces.com/La+escultura+barroca,+Bernini............................................ 81 Teseo y el Minotauro, Canova........................................................................................................... 82 Monumento funerario a Clemente XIV (1783-87) ............................................................................ 83 Monumento funerario a Clemente XIII, 1783-1792. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html ........... 83 Monumento funerario a María Cristina de Austria, 1798-1805. Foto www.pinterest.com ............. 84 Hércules y Licas, 1795-1805. Foto esculturadelsigloxix.blogspot.com ............................................. 85 Napoleón como Marte pacificador, 1803-6. ..................................................................................... 85 Paolina Borghese como Venus Victoriosa, 1804-1808...................................................................... 86 Letizia Ramolino Bonaparte, 1804-1807. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html .................................................... 86

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Venus Itálica, 1804-1812. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/canova.html .. 87 Psique reanimada por el beso del amor por Antonio Canova. Foto ernesto51.wordpress.com...... 87 Detalle de Las tres Gracias (1817), de Antonio Canova. Foto www.biografiasyvidas.com............... 88 León de Lucerna, Bertel Thorvaldsen. http://lasmilrespuestas.blogspot.com/2011/12/bertelthorvaldsen-escultor-danes.html ...................................................................................................... 88 Napoleón Bonaparte, Bertel Thorvaldsen. Foto http://consentidoscomunes.blogspot.com/2012/04/bertel-thorvaldsen-el-neoclasicismo_20.html ........................................................................................................................................................... 89 Thorvaldsen, Jasón con el vellocino de oro, 1802-3. Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ....................... 89 Jean-Pierre Cortot, Coronación de Napoleón en el arco de la Estrella. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ....................... 89 François Lemot, Enrique IV, 1818. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ....................... 90 Christian Daniel Rauch, Monumento a Federico el Grande, 1836-1851. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ....................... 90 Gottfried Schadow, Las princesas Luisa y Federica, 1793. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012_03_01_archive.html?view=classic ....................... 90 Lorenzo Bartolini, Tumba de la condesa Zamoyska, 1837-44. foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-yromanticismo.html?view=sidebar .................................................................................................... 91 Goethe (1838, David d'Angers. Gelerie David d'Angers). Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html ........... 91 David d´Angers, Tumba del general Bonchamps, 1822. Foto de http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html ........... 91 Pradier, Odalisca sentada, 1841. Foto http://esculturadelsigloxix.blogspot.com/2012/03/tradicion-clasica-y-romanticismo.html ........... 92 Hiram Powers, La esclava griega, 1843. ............................................................................................ 92 Rude, Pescador Napolitano, 1831. .................................................................................................... 93 Tigre devorando un gavial de Barye. Foto www.plasticayarte.com ................................................. 93 Jaguar devorando una liebre de Barye. Foto www.plasticayarte.com ............................................. 94 Antoine Louis Barye Panther Aprovechando un ciervo. " es.wahooart.com .................................... 94 Rude, La Marsellesa, 1833-35. ......................................................................................................... 95 Barye, León peleando con una serpiente, 1833. .............................................................................. 96 Preault, La Matanza, 1833-34. .......................................................................................................... 96 Pequeña bailarina de catorce años. Edgar Degas (1834-1917). Foto mastereducacionsecundaria.wordpress.com ................................................................................... 97 Esculturas de Edgar Degas. Foto de www.juventudrebelde.cu ........................................................ 97 Pierre-Auguste Renoir el juicio de París. Foto es.wahooart.com ..................................................... 97 Pierre-Auguste Renoir Lavandera. Foto es.wahooart.com ............................................................... 97 Danae, de Auguste Rodin. Foto www.educaixa.com ........................................................................ 98 El Beso. Musée Rodin - Photo : Christian Baraja ............................................................................... 98 El Pensador. Rodin. Foto www.aristas.org ........................................................................................ 98 Esculturas de los Burgueses de Calais. Rodin.................................................................................... 98 AGAPITO VALLMITJANA BARBANY (Barcelona, 1826 - 1919) ESCULTURA EN CERÁMICA VIDRIADA. NIÑO DE LA BOLA foto. www.todocoleccion.net .............................................................................. 99

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Isabel II y el Príncipe de Asturias, Vallmitjana Barbany, Agapito. Foto www.museodelprado.es .... 99 Mariano Benlliure. Maqueta para el Mausoleo de Julían Gayarre. 1901. ...................................... 100 Bronce "La estocada de la tarde" de Mariano Benlliure. ................................................................ 100 Mariano Benlliure en el Cementerio de S. Fernando es el monumento a Joselito. Foto elforocofrade.es .............................................................................................................................. 100 "los primeros fríos" (Miguel Blay y Fábrega). Foto mapio.net ........................................................ 100 "Eclosió", Miquel Blay, 1905. Marble. Foto visitmuseum.gencat.cat ............................................. 101 Serenitat, de Josep Clarà. Foto commons.wikimedia.org ............................................................... 101 Josep Clarà, La Fertilitat. Foto www.sitiosdebarcelona.net ........................................................... 101 Medardo Rosso • Il vecchio (Sciur Faust), 1883. Foto www.pinterest.com ................................... 102 "La Riviere" del artista francés Aristide Maillol. Foto www.elfinancierocr.com ............................. 102 Mujer desnuda de pie. Manolo Hugué. Foto www.meam.es ......................................................... 102 'Ella-Cabra' de Pablo Picasso. Foto cultura.elpais.com ................................................................... 103 Cabeza de Mujer por Pablo Picasso. Foto www.isabeldelrio.es ..................................................... 103 Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Femme au jardin (Mujer en el jardín). Foto www.museoreinasofia.es ................................................................................................................ 103 1920 cubo elipse Alexandr Rodchenko. Foto www.studyblue.com ............................................... 103 La Cuarta dimensión. Aleksandr Ródchenko. Foto www.tienearte.com ........................................ 104 Jacques Lipchitz, "Musical Instruments", 1925 bronce. Foto www.galeriamarcdomenech.com ... 104 Mademoiselle Pogany, escultura en bronce. Constantin Brancusi. Foto e-ducativa.catedu.es ..... 104 Umberto Boccioni. Unique Forms of Continuity in Space. 1913. foto www.moma.org ................ 104 Fuente, de Marcel Duchamp. .......................................................................................................... 105 Rueda de bicicleta, dadaismo - Marcel Duchamp. Foto www.ecured.cu ....................................... 105 Marcel Duchamp Secador de Botella. Foto es.wahooart.com ....................................................... 105 Tatlin monumento a la internacional. Foto www.burbuja.info ...................................................... 106 Cabeza nº 2 (1916), de Naum Gabo. Foto www.biografiasyvidas.com .......................................... 106 #338 Escultura * Naum Gabo. Foto forthemoderntimes.tumblr.com ............................................ 106 Naum Gabo, Torsion (Variation no. 3), 1963. Foto www.pinterest.com ........................................ 107 Visión espectral (1959). Antoine Pevsner. Foto web.educastur.princast.es .................................. 107 Antoine Pevsner. Construccion de sar rollable. Foto web.educastur.princast.es......................... 107 Construcción espacial en 3ª y 4ª dimensión (1961). Antoine Pevsner. Foto web.educastur.princast.es .............................................................................................................. 107 El poeta Chechov - 1921. Arturo Martini. ....................................................................................... 108 El hijo pródigo - 1926/28 - 217 cm. Arturo Martini. ....................................................................... 108 Julio González Petite sculpture d'espace abstraite (Pequeña escultura del espacio abstracto). FOTO www.museoreinasofia.es ................................................................................................................ 108 Julio Gonzalez, Mujer ante el espejo. Foto lifeartgroup.wordpress.com ....................................... 109 Pablo Gargallo - Masque de Greta Garbo à la mèche (Máscara de Greta Garbo con mechón). Foto de www.museoreinasofia.es .......................................................................................................... 109 Pablo Gargallo: “Gran bailarina II”. Foto artecreha.com ................................................................ 109 Reclining figure, de Henry Moore. Foto www.losandes.com.ar ..................................................... 110 'Doble Oval', escultura de Henry Moore (1898-1986, United Kingdom). Foto es.wahooart.com .. 110 Esquina de Ciudad II, Alberto Giacometti, 1948. Bronce. Foto educacion.ufm.edu...................... 110 Busto de hombre [Nueva York II], escultura en bronce de 1965, Alberto Giacometti . Foto www.lanacion.com.ar ..................................................................................................................... 110 Dame Barbara Hepworth - Pelagos. Foto www.theartwolf.com .................................................... 111

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"Pendour" by Barbara Hepworth. “Foto artforceone.wordpress.com ........................................... 111 ALEXANDER CALDER. Blue Feather, c. 1948. Foto www.azureazure.com ...................................... 111 Love Yellow, Alexander Calder. Foto www.lucuella.com ................................................................ 111 Alberto Sánchez Pérez. Maternidad, 1930. Foto www.museoreinasofia.es .................................. 112 Alberto (Alberto Sánchez Pérez): Toro. Foto www.pinterest.com ................................................. 112 Unidades-Yunta de Pablo Serrano. Foto lacantimploraverde.es .................................................... 112 Pablo Serrano, Infanta Margarita (Velázquez - Las Meninas), 1974. Foto www.patrimonioculturaldearagon.es ............................................................................................. 112 'Construcción Vacía', escultura de Jorge Oteiza en San Sebastián. Foto europaenfotos.com ....... 113 Homenaje a Fleming (Granito), Eduardo Chillida. Foto matemolivares.blogia.com ...................... 113 Esculturas minimalistas por Holger Hoffmann. Foto antidepresivo.net ......................................... 113 Donald Judd. Artista minimalista. Foto de http://www.plasticayarte.com/2011/09/esculturaabstracta-arte-minimalista.html ..................................................................................................... 114 Dan Flavin. foto http://www.plasticayarte.com/2011/09/escultura-abstracta-arteminimalista.html ............................................................................................................................. 114 Joseph Kosuth. Escultura Conceptual. Foto http://www.plasticayarte.com/2011/09/esculturaabstracta-arte-minimalista.html ..................................................................................................... 115 Dennis Oppenheim.......................................................................................................................... 115 Land Art por Cornelia Konrads. Foto http://www.lareserva.com/home/Cornelia_Konrads_landart ......................................................................................................................................................... 116 Land art de Martin Hill. Foto antidepresivo.net.............................................................................. 116 Dirty White Trash. Tim Noble y Sue Webster. ................................................................................ 117 ESCULTURAS DE ALAMBRE: David Oliveira. Foto catch4art.com.................................................... 117 I Like America and America Likes Me, 1974. (Coyote) Joseph Beuys. FOTO xlxtralrge.wordpress.com................................................................................................................ 118 Como explicar a una liebre muerta la obra de Arte. Joseph Beuys. Foto www.pinterest.com ...... 118 George Maciunas. Flux Game Fest. Serie de acciones, 1973. ......................................................... 118 Wolf Vostell. Endogen Depression 1979. ........................................................................................ 119 Wolf Vostell. Endogen Depression 2013 (The Box, La) Installation View Photo: Fredrik Nilsen ... 119 Nam June Paik. Fish Flies on Sky, 1983-85. Videoinstalación, Foto eltranscursodeltiempo.wordpress.com .......................................................................................... 119 Performance Fluxus. Foto www.nespolo.com ................................................................................ 119 Fluxus – Happening Gund foto. www.nespolo.com........................................................................ 120 Yoko Ono, Installation Art and Cello. foto www.pinterest.com ..................................................... 120 Yoko Ono at Carnegie Recital Hall in 1965. foto www.wnactionnews.com ................................... 120 Obras de Fluxus Internacional 1967 Foto. www.wnactionnews.com............................................. 120 Carolee Schneemann, Interior Scroll, 1975. Fotografia de Anthony McCall................................... 121 Interior Scroll, Carolee Schneemann, 1975, East Hampton, Nueva York. ...................................... 121 Performance en la que Marta Minujín paga la deuda externa argentina a Andy Warhol con choclos, el oro latinoamericano. Foto www.taringa.net .............................................................................. 121 Marina Abramović y Ulay (Frank Uwe Laysiepen), "Relation in Time" 1975. Foto blogs.20minutos.es ......................................................................................................................... 122 Marina Abramović, “Anima Mundi: Pietà” (1983). Foto emmatrinidad.wordpress.com ............... 122 marina-abramovic-sesc-pompeia-2. Foto www.lilianpacce.com.br. .............................................. 122 Marina Abramovic Count on Us (Cuenta con nosotros) ................................................................. 122

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La pareja británica Gilbert & George, que se fotografiaban entre sí, como meras esculturas. Foto http://purakastiga.blogspot.com/2014/03/performance-concepto-y-objetivos.html .................. 123 La instalación "Das Rudel" (La manada), de Joseph Beuys, FOTO www.dw.com ........................... 123 "La tentación del siglo XX", de Joseph Beuys, expuesta en la "Pinakothek der Moderne", Múnich 2002. FOTO www.dw.com .............................................................................................................. 123 Joseph Beuys: "todo ser humano es un artista". FOTO www.dw.com ........................................... 123 Marta Minujin, parte de la serie "Desdoblamiento". Foto filosofiaceferino6.blogspot.com ......... 124 CATEDRAL PARA EL PENSAMIENTO VACIO Arte Plástico: Marta Minujín....................................... 124 Minujin, Marta "Catástrofe de la percepción". ............................................................................... 124 Wolf Vostell, «¿Por qué el Proceso entre Pilatos y Jesús duró solamente dos minutos? Foto www.taringa.net ............................................................................................................................. 124 Escultura Wolf Vostell junto a las Peñas del Tesoro. ...................................................................... 125 Nam June Paik - Buddha TV. Foto ounae.com ............................................................................... 125 Paik, escultura. Nam June Paik. Foto proyectoidis.org ................................................................... 125 Dog of Nam June Paik: Escultura. Foto es.pinterest.com ............................................................... 125 Carolee Schneemann: Obras de historia. Foto musac.es ................................................................ 126 Marta Minujín y esa escultura de hierro megalómana que quedó inconclusa. Foto www.lanacion.com.ar ..................................................................................................................... 126 "Torre de Babel" de Marta Minujín. Buenos Aires, 2011................................................................ 126 Damien Hirst,La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, 1991. Foto preguntasde-arte.blogspot.com ...................................................................................................................... 126 Escultura de Ron Mueck.................................................................................................................. 127 Patricia Piccinini. Foto http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistasfamosos#imagen-1 .......................................................................................................................... 127 Sam Jinks. http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/escultores-hiperrealistas-famosos#imagen-1 ......................................................................................................................................................... 128 Otras obras de Jeff Koons. Foto: redarte.com.ar ............................................................................ 129 Jeff Koons, Perro de Globo, Anaranjado, 1994-2000. ..................................................................... 130 PUPPI escultura de Jeff Koons. Foto www.panoramio.com ........................................................... 130 Michael Jackson and Bubbles. Jeff Koons. Foto www.lacortedelreydelpop.com ........................... 130 QRUDA-Jeff-Koons. Foto www.qruda.com ..................................................................................... 131 Table Sculpture', del artista Allen Jones. www.pinterest.com ....................................................... 131 Sillas esculturas del artista, Allen Jones. Foto, www.pinterest.com ............................................... 131 Bathers, Allen Jones. Foto www.pinterest.com .............................................................................. 131 Louise Bourgeois Arañas, Rockefeller Center, Nueva York (2001).................................................. 132 El Nido Louise Bourgeois. foto todoscontraelarte.blogspot.com ................................................... 132 Jeff Koons, Three Ball Total Equilibrium Tank (Two Dr J Silver Series, Spalding NBA Tip-Off) 1985. Foto www.tate.org.uk ..................................................................................................................... 132 Izquierda. S. Heger Playtime (SH vistiendo adidas) (2002) Derecha. J. Opie Se cree que algunos dinosaurios son más rápidos que los guepardos (1991) ................................................................. 132 M. Navarro Fluido en la urbe (2004). Foto www.guiarte.com ...................................................... 133 P. Piccianini Big Mother (2005). Foto www.pinterest.com ............................................................. 133 Nadín Ospina (1960 - ) • Idolo con Muñeca, 2000 . Foto www.escala.org.uk .............................. 133 'My bed' de Tracy Emin, la cama de la artista. ................................................................................ 133 'Oveja negra con cuerdos dorados' de Damien Hirst, 2009. Foto cultura.elpais.com .................... 134 Fischli & Weiss: Sin título (Rata y oso, durmiendo), 2007 Reina Sofia. Foto www.hoyesarte.com 134

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Damián Ortega, Controller of the Universe. ................................................................................... 134 Obras de Ron Mueck. Foto peahimoda.wordpress.com ................................................................ 135 'In bed', instalación de Ron Mueck. Foto peahimoda.wordpress.com .......................................... 135 Ghost', pieza de 2007 de Kader Attia. / SAATCHI GALLERY, LONDON. ........................................... 135 Mark Coreth. Escultura de hielo. Foto https://paletadelimon.files.wordpress.com/2010/01/blog120.jpg ............................................................................................................................................. 136 Esculturas "embotelladas" en el Paseo Reforma. Foto www.veoverde.com ................................. 136 Las terracotas de Nok. Foto www.dw.com ..................................................................................... 138 Escultura: Baga. Africa. Foto byricardomarcenaro.blogspot.com .................................................. 138 Cabezas de bronce esculpidas, Benin / Ife, Nigeria. Foto es.pinterest.com ................................... 138 Escultura de los baulé, África, Costa de Marfil. Foto www.todocoleccion.net............................... 139 El Rey Sacerdote. Escultura encontrada en Mohenjo-daro, datada en el 2.100 a.C. Museo de Karachi. Foto oscurosh.blogspot.com ............................................................................................. 139 Capitel de los leones en Sarnath. Foto www.artehistoria.com ...................................................... 140 Didarganj Yakshi. Foto www.e-architect.co.uk ............................................................................... 140 Buda Gandhara. Foto www.buddhachannel.tv............................................................................... 140 Escultura Gupta. Foto personal.us.es ............................................................................................. 141 El descenso del Ganges. Foto es.wikipedia.org............................................................................... 141 Escenas del Kama Sutra en la Escultura hindú. Foto historiantigua.obolog.es............................... 141 Figuras de cerámica vidriada tricolor de la dinastía Tang de dos mujeres cortesanas tocando el tambor. Foto spanish.china.org.cn ................................................................................................. 142 Escultura China, la dinastía Tang. Foto es.3dmodelfree.com ......................................................... 142 Panorámica de los soldados de terracota. Dinastía Quin. Foto es.wikipedia.org ........................... 142 Guerreros de terracota, escultura China. Foto revistacultural.ecosdeasia.com ............................ 142 Las Grutas de Yungang. Foto www.elrincondesele.com ................................................................. 143 Guardianes de las puertas de los palacios. Dinastia Ming. Foto viajesdeark.com.......................... 143 PEKÍN.- estatua de Mao Tse-tung sentado, de 37 metros de altura. (Demolida) Foto http://www.cronicaviva.com.pe ..................................................................................................... 144 Piedras Churingas Australia. Foto www.pinterest.com .................................................................. 144 Reproducción de una casa de las islas Marquesas (museo de Ua Huka). ....................................... 145 Escultura de las Nuevas Hébridas. Figura humana. Foto oceaniamalladeta.galeon.com .............. 145 Museo Nacional de las Islas Salomón fue inaugurado en junio de 1969. Foto evemuseografia.com ......................................................................................................................................................... 145 Esculturas de piedra maoríes de Mine Bay, en el Lago Taupo. Las esculturas maoríes tienen unos 10 metros de altura y son sólo accesibles en barco........................................................................ 146 Escultura Maorí, ornamentos pectorales de jade, labrados en forma del mítico hei-tik. Foto www.taringa.net ............................................................................................................................. 146 Moai en la ladera de la cantera Rano Raraku. Foto masantropologia.blogspot.com ..................... 146

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