Humanize Issue 2 by Humanize Magazine

HUMANIZE magazine issue two

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B No te olvides de reciclar // Remember to Recycle

ienvenidos al segundo número de Humanize. Esto empieza a ser algo serio, y por mí, genial. ¡Vaya mes! Está nevando en Madrid, una de las décadas más activas culturalmente ha acabado (en mi opinión, claro), y todos tenemos la suerte o la desgracia de empezar de nuevo. Welcome to Issue 2 of Humanize. This is starting to get serious, and that’s fine with me. What a month: it’s snowing in Madrid, one of the most culturally active decades in history is over (in my opinion, of course), and we all have the luck or misfortune to start over. Algunos hemos entrado al 2010 con ideas positivas, un modo positivo de ver la vida y todo lo que está por llegar. Otros no han sido tan afortunados. Miles han muerto y millones se han quedado sin hogares en Haití. Las inundaciones en la India han dejado a demasiadas personas en situaciones devastadoras. La Gripe A nos ha acojonado a todos. Y hay gente que sigue muriéndose de hambre, por todo el mundo. Está claro que esto sólo cubre un porcentaje minúsculo de los problemas que sepultan nuestro planeta. Some of us have stepped into 2010 with positive ideas, an optimistic view of life and everything that is to come. Others haven’t been so lucky. Thousands have died and millions are without homes in Haiti. The floods in India have left too many in devastating situations. The H1N1 has scared the shit out of everyone. And people are still starving, everywhere. This, of course, covers a miniscule percentage of the problems engulfing the world.

Y aquí estoy yo, todavía en Madrid, en mi casa calentita, hacienda una revista. Ha sido una década culturalmente activa, pero eso no significa que sea algo bueno. Esto significa que, como ciudadanos del mundo, no de nuestros pueblos o ciudades, ni de nuestros países ni continentes… necesitamos ser más conscientes. Necesitamos recordar, no ignorar, porque menos ignorancia es igual a más poder positivo. Porque la conciencia crea seguridad. Porque si estás leyendo esto, estás vivo, y puedes hacer algo. And here I am, still sitting in Madrid, in my warm house, making a magazine. It has been a culturally active decade, but that doesn’t mean it’s a good thing. That means that as citizens of the world, not of our towns and cities, nor of our nations or our continents… we need to be conscious. We need to remember and not ignore, because less ignorance is more positive power. Because consciousness builds assurance. Because if you’re reading this, you’re alive, and you can do something about it. Disfruta de este número. Disfruta de tu café mañanero. No te olvides de reciclar. Ah, y salva a alguna ballena. Enjoy this issue. Enjoy your morning coffee. Remember to recycle. Oh, and save a whale. Much love,

Karla D. Romero

Editor // Director

Karla D. Romero (karla@humanizemag.com)

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hdez-Francés León

(belma@humanizemag.com)

Redactores // Writers Alberto Salas Fátima Rodríguez Julia Sierra Gonzalo Marcos Celia Conde

Publicidad // Advertising

advertising@humanizemag.com

HUMANIZE

magazine

Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción total o parcial de cualquiera de los reportajes. Humanize Magazine is an independent publication that does not not belong to a collective group or any association. It does not take responsibility for its contributors’ opinions. The reproduction of any and all articles is prohibited. Depósito Legal: LE-1874-2009

CONTENIDOS // CONTENTS

18Wild Honey Música para tranquilizar a Brian Wilson Music to Calm Brian Wilson

34 Xperimentarte Arte a golpe de ratón Art by Means of a Mouse

50 Mr Headup

56 Didier Crisse

Portada // Cover

La mágia nunca acaba con Didier Crisse Magic Never Ends With Didier Crise

68 EVE Photographers

Lucrecia Martínez Los trajes que bailan The Costumes That Dance

84 Desalmados La locura ya está aquí Madness is Here

de la década // 90 Películas Films of the Decade

INFORME

GRUPOS NOVELES ESPAﾃ前LES

ﾂｿCrisis? ﾂｿQuﾃｩ crisis?

Primera Parte

REPORT

OF NEW SPANISH BANDS

Crisis? What crisis? 6

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Part One

Por // By: Gonzalo Marcos Déjame estimado lector que comience este artículo con la profética frase pronunciada por Luis Eduardo Aute el 1 de Diciembre de 2009 durante las protestas de algunos músicos oficiales por no existir una ley rotunda que les proteja contra la piratería: “En cinco años esto desaparece, no habrá ni canciones ni música”. No entraré en disquisiciones sobre el pantanoso tema de los derechos de autor pero permíteme que esboce una sonrisa al releer las palabras del cantautor filipino después de recibir las entusiastas respuestas a un breve cuestionario de los artistas no oficiales que más nos interesan, todos ellos españoles y con un primer disco largo editado en el año que acabamos de despedir, que transcribo siguiendo a esta escueta introducción:

Dear reader, let me begin this article with the prophetical phrase pronounced by Luis Eduardo Aute on December 1, 2009 during the protests regarding the inexistence of a law against pirating, lead by some official musicians: “In five years this disappears, there will be no songs, nor music.” I will not get into the abysmal music copyright topic, but allow me to grin as I reread the words of the Philippine singer-songwriter after receiving the enthusiastic responses to a brief questionnaire by non-official musicians that we are more interested in. All of them are Spanish and have all edited an LP during the year that we recently said goodbye to. I have transcribed their words following this brief introduction:

1. Habéis sacado vuestro primer disco el año

1. You released your first album last year, but what can you tell us about the band until this moment?

pasado pero, ¿qué podéis contarnos del grupo hasta este momento?

2. ¿Habéis quedado satisfechos primero con

2. Were you first satisfied by the artistic result of the album and then with its repercussion?

3. Se habla mucho de la crisis de la industria

3. There is a lot of talk regarding the economic crisis and the music industry. Was it easy to record, produce, edit, distribute and promote your album?

el resultado artístico del disco y después con su repercusión?

musical. ¿Ha sido fácil grabar, producir, editar, distribuir y promocionar el disco?

4. ¿Qué esperáis del año que empieza? 5. ¿Qué otros grupos españoles nos recomendáis?

4. What do you expect will happen this coming year? 5. What other Spanish bands do you recommend? Are you close to any of them?

¿Os sentís cercanos a alguno de ellos?

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ALONDRA BENTLEY Ashfield Avenue (Absolute Beginners)

1. La acogida que ha tenido el disco me ha permitido recorrer casi toda la geografía española, participar en los festivales más importantes y por fin, dedicarme profesionalmente a algo con lo que disfruto tanto. Me considero una privilegiada. 2.

Completamente satisfecha en los dos aspectos. Toda la preparación del disco ha sido muy cuidada: el productor, César Verdú ha sido meticuloso y ha cuidado cada canción como si fuera suya, ha estado presente desde su composición hasta en los ensayos, la grabación y la mezcla. Además contar con Joserra Senperena como arreglista y poder invitar a muchos de mis amigos y músicos que tanto admiro lo ha convertido en una experiencia entrañable. Todas mis espectativas en cuanto a acogida se han cumplido con creces.

3. No es el mejor de los momentos para la industria musical tal y como la conocemos, pero creo que las nuevas vías de distribución y venta a través de internet son muy interesantes y favorecen muchísimo el acceso a la música que para mí es lo más importante. 4. Poder ampliar el circuito de conciertos y presentar “Ashfield Avenue” por ciudades europeas. También espero grabar mi segundo disco, estoy deseando volver al estudio. 5.

Me encantan Schwarz, Pigmy, Clovis, Refree. También Maderita, Boat Beam, Muni Camón y Remate, llevo una especie de vida musical paralela con estos últimos

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Foto // Photo: Blanca Galindo

1. The response that the album has received has allowed me to travel across almost all of Spain, to participate in the most important festivals and finally, I have been able to dedicate myself professionally to something that I enjoy so much. I consider myself privileged. 2. Completely satisfied in both aspects. The album’s entire preparation has been very thorough: the producer, César Verdú, has been meticulous and has taken care of each song as if they were his; he has been present during their composition, even in rehearsals, recording and mixing. And being able to count on Joserra Senperena and being able to invite lots of friends and musicians that I admire has made this a very intimate experience. All of my expectation in regards to the album’s reception has gone above and beyond. 3. It’s not the best time for the music industry as we know it, but I think the new ways of distributing and selling through the internet are very interesting and are they favor the easy access of music, which for me, is the most important thing. 4. Being able to amplify the concert trajectory and present “Ashfield Avenue” throughout European cities. I also hope to record my second album, I can’t wait to go back to the studio.

I love Schwarz, Pigmy, Clovis, Refree. Also Maderita, Boat Beam, Muni Camón and Remate, I have sort of a parallel musical life with the latter.

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ANNI B SWEET Start, Restart, Undo (Subterfuge)

1. Llevo haciendo canciones desde los 7 años. Tras dos años por Madrid tocando en diferentes sitios y ganar dos concursos (uno de ellos el de mejor maqueta del año para la revista Mondo Sonoro), fiché por Subterfuge, grabé mi primer disco “Start, Restart, Undo” y desde entonces no he parado de tocar por toda España, en pequeños locales, en grandes festivales y también en Francia y en Argentina. 2.

Siempre he pensado que un disco nunca se acaba, podría seguir con él y modificándolo eternamente. Ahora al escuchar el disco cambiaría cositas insignificantes, pero lo más importante de tener un disco es que tienes esa época congelada ahí en unas canciones, y eso no lo cambia nadie. Sobre la repercusión, no me esperaba ni la mitad de lo que está ocurriendo, estoy muy contenta y espero que esto vaya creciendo poco a poco.

Yo no he vivido en otro momento esto que está ocurriéndome, entonces no se más de lo que me dicen. Grabar el disco y producirlo no fue nada difícil, fue todo muy natural, y todo lo demás supongo que se habrá visto afectado por la crisis, pero no me puedo quejar, las cosas han salido muy bien.

4. Espero seguir tocando y salir fuera de España, componer más canciones, grabar nuevo disco y seguir creciendo y aprendiendo. 5.

Me siento cercana a todos aquellos grupos que acaban de sacar un disco. Recomendaría a Templeton, Sidonie, Pygmi, ¡y muchos más!

1. I’ve been making songs since I was 7. After two years of playing in Madrid in different places and winning two contests (one of them Best Demo of the Year for Mondo Sonoro magazine), I signed with Subterfuge, recorded my first album, “Start, Restart, Undo,” and since then I haven’t stopped playing throughout Spain, in small joints, in big festivals and also in France and Argentina. 2.

I’ve always thought that an album never ends, I could continue working on it and modifying it eternally. When I listen to it now, I would change some insignificant things, but the most important things about having an album is that you have the time frozen in those songs, and no one changes that. Regarding the impact, I didn’t expect half of what’s happening, I’m very happy and I hope this grows little by little.

3. I haven’t lived in another time, so I only know what people tell me. Recording and producing this album was not difficult at all, it was all very natural, and everything else, I guess has been affected by the economic crisis, but I can’t complain, things have turned out well.. 4. I hope to keep playing and leave Spain, write more songs, record a new album and continue to grow and to learn. 5.

I feel close to all of those bands that have recently released an album. I would recommend Templeton, Sidonie, Pygmi and many more!

Foto // By: Fernando Mañas 10 humanize

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LA BIEN QUERIDA Romancero (Elefant)

1. Grabé una maqueta en casa en el 2007. Gracias 4. Que venga como el 2009 y si puede ser, un poco a esta maqueta que únicamente colgué en internet, sin ningún tipo de distribución, recibí varias ofertas de discográficas independientes. Me quedé con Elefant y ellos me dieron la oportunidad de grabar mi primer disco con la producción de David Rodríguez. El grupo “La Bien Querida” ha empezado a rodar en el 2009, pero todos sus miembros vienen de otros grupos.

2. Sí, totalmente. 3. Yo he llegado a la música cuando ya estaba en

crisis con lo cual no sé cómo era antes. Me imagino que a gente como Alejandro Sanz le habrá jodido bastante el tema de las descargas y de que ya no se vendan tantos discos como antes. Actualmente los grupos vivimos del directo básicamente y no todos pueden, claro. En mi caso Elefant Records se ocupó de todo y me grabó, promocionó y distribuyó el disco.

mejor. Comenzaremos a grabar el segundo disco.

5. Tarántula, Los Planetas, Anti, Anntona, Joe

Crepúsculo..... Sí nos sentimos cercanos porque además son nuestros amigos

I recorded a demo at home in 2007. Thank to this demo that I simply uploaded onto the internet, without any distribution, I received several offers from independent record labels. I signed with Elefant and they gave me the opportunity to record my first album with David Rodríguez as my producer. The group “La Bien Querida,” started out in 2009, but all of its members come from other bands.

4. I hope it’s like 2009 and if possible, a little better. We’ll continue to record our second album. 5. Tarántula, Los Planetas, Anti, Anntona, Joe

Crepúsculo… we feel closet o them because they’re also our friends.

2. Yes, totally. 3. I started in the music business during the crisis, so I don’t know what it was like before. I imagine that for people like Alejandro Sanz, the situation is pretty screwed up with downloads and the drop in album sales. Bands currently live off of playing live and not all of them can, of course. In my case, Elefant Records took care of everything and recorded, promoted and distributed the album. Foto // By: Luis G. Morais

BOAT BEAM Puzzle Shapes (Origami)

Lo más significativo es cómo hemos ido evolucionando, tanto en los directos, como en lo personal. Con respecto a esto último, hemos desarrollado una amistad muy fuerte que nos ayuda a disfrutar muchísimo en el escenario. También la oportunidad de conocer diferentes ciudades de España y a las diversas personas que se acercan después de las actuaciones para saludarnos e incluso charlar un ratito, todo ello nos enriquece.

2. La verdad es que estamos muy contentas con este “hijito”, y de cómo se va haciendo mayor día a día, porque sabemos lo complicado que es lograr siquiera que sea atendido; ¡pero tenemos ganas de más! (risas) 3. No creemos que en este caso el balance correcto

sea “fácil” o “difícil”. El trabajo de grabación y producción se desarrolló en diferentes etapas (antes incluso de que las tres nos conociéramos, cuando Josephine aún vivía en Australia), y aunque siempre todo artista tiene la esperanza de que aquello que uno crea vea la luz y reciba su reconocimiento, cuando algo se realiza por pura satisfacción o necesidad personal, al margen del mundo comercial, no cuentan los números ni el tiempo ni el esfuerzo, y cada cual se apaña con lo que tiene a su disposición. Del asunto de la edición, la distribución y la promoción del disco, se encarga Origami.

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4. Pues desde luego esperamos poder seguir dando conciertos por toda la geografía española, y empezar a salir un poco más de España. Este año ya hicimos nuestros primeros pinitos en Escocia y Vietnam, y nos encantaría porder tocar en países de América Latina, como por ejemplo Argentina, y también en Japón. 5. Hay muchos grupos que recomendar: Havalina, Leda Tres, Vetusta Morla, Autumn Comets, Atención Tsunami, Julio de la Rosa, Rosvita, Richter, Pájaro Sunrise, Elastic Band, Hola a Todo el Mundo, J.F. Sebastian, Marcus Doo and the Secret Family... Pero con el que más proximidad tenemos es, obviamente, Havalina; ¡un verdadero grupazo!

1. The most significant thing is how we have evolved, whether it be in live shows, or on a personal level. With regards to the latter, we have developed a very strong friendship which helps us have a good time onstage. Also the opportunity of getting to know different Spanish cities and the diverse people that talk to us after the show to say hi and even to chat a bit, all of that makes us better. 2. The truth is that we’re very happy with our, “son,” and how each day he’s getting older, because we know how hard it is for it to get some attention; but we want more! (laughs) 3. We don’t think that in this case the balance is “easy” or “difficult”. Recording and production took place during different time periods (even before we knew each other, when Josephine still lived in Australia), and although every artist has the hope that what he/she creates will be seen and be

recognized, when something is done out of pure and personal satisfaction and necessity, on the sidelines of mainstream society, you don’t count the numbers, nor the effort, and you make do with what you have. In terms of editing, distribution and promotion of the album, Origami takes care of that

4. We definitely hope to continue touring throughout Spain, and start doing so outside of Spain as well. This year we did our first gigs in Scotland and Vietnam, and we would love to play in Latin American countries, such as Argentina, and also in Japan. 5. There are many groups to recommend: Havalina, Leda Tres, Vetusta Morla, Autumn Comets, Atención Tsunami, Julio de la Rosa, Rosvita, Richter, Pájaro Sunrise, Elastic Band, Hola a Todo el Mundo, J.F. Sebastian, Marcus Doo and the Secret Family… but we’re closest to, obviously, Havalina, an truly great band!

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CABALLO TRÍPODE Horror Vacui (Holy Cobra Society)

La “banda” empezó siendo algo casero, en solitario, sin más miras que las de pasármelo bién. Antes del verano del 2007 me regalaron una tarjeta de sonido y me puse a grabar como si no estuviera bien del tarro. Iba a uno por día, grabé más de 100 cd’s. Ese mismo año le envié unos temas al sello Tic Tac Totally (Chicago) que en ese momento nos iba a editar un split a Le Jonathan Reilly. Al tío le moló y me propuso hacer un disco. Esto y la disolución de Le Jonathan Reilly animó a convertir a CABALLO TRÍPODE en una banda. También fue imprescindible Nacho (Holy Cobra Society), que propuso sacar el disco en CD.

Como el primer disco es un auténtico homerecording-hiper-lo-fi, grabado con una tarjeta Behringer, un sm57, un marshalito, un casio y muchos cacharros; estoy satisfecho en la medida de lo posible. Es más amor que satisfacción. Lo que uno no esperaba era que mis humildes grabaciones las fuera a masterizar Bob Weston (bajista de Shellac y asistente del estudio de Steve Albini). Respecto a la repercusión, estamos en ello.

Esta pregunta, en mi caso, pierde importancia, he tenido mucha suerte....Y sí, ha sido fácil, pero gracias a HOLY COBRA SOCIETY, un sello que ha sido un pilar para todas las bandas de las que he formado parte. Me declaro fan de los sellos-persona. Desde aquí: gracias Nacho.

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Del 2010 no esperamos nada, esperar es de mariquitas. Cuando llegue ya veremos.

Vaya panorama nacional más molón tenemos y especialmente el valenciano. Recomiendo: Venereans, Terminal Babilonia, Los Plátanos, Concentration Summer Camps, Les Galantines, Muerte a la muerte, Wau y los Arrrghs!!!, Los Tracahombres, Las Rodilleras, Rosvil Dealer, Copo, Fabuloso Combo Espectro, Veracruz, Juanita y los Feos, Provisional Rock Unit, Antiplayax, Sacramento, Mano de mono, Las Nurses, Los Steaks, El Desván del Macho, Negro, Pequeño Mulo, Le Jonathan Reilly... Y sí, unos más que otros, nos sentimos cercanos a todos ellos.

The band started out at home, solo, with the mere objective of having fun. Befor the summer of 2007, someone gave me a sound card and I started recording like a madman. I was making an album a day, I recorded more that 100 CDs. That same year I sent a few songs to Tic Tac Totally (Chicago) and during that time they were going to edit a split at Le Jonathan Reilly. The dude liked it and suggested recording an entire album. This and the break-up of Le Jonathan Reilly helped turn CABALLO TRIPODE into a band. Nacho from Holy Cobra Society was essential to this as well, he suggested releasing the album in CD.

Since the first album is truly a homerecording-hyper-lo-fi, recorded with a Behringer card, a sm57, a little Marshall, a Casio and lots of crap, I’m satisfied with the outcome.

This question, in my case, isn’t important, I’ve been very lucky… And yes, it’s been easy, but thanks to HOLY COBRA SOCIETY, a label that’s been a pillar for all of the bands that are part of it. I declare myself a fan of person-labels. Thank you, Nacho.

We don’t expect anything from 2010, waiting is for fairies. We’ll see when it gets here.

We have a really cool national scene and especially in Valencia. I recommend: Venereans, Terminal Babilonia, Los Plátanos, Concentration Summer Camps, Les Galantines, Muerte a la muerte, Wau y los Arrrghs!!!, Los Tracahombres, Las Rodilleras, Rosvil Dealer, Copo, Fabuloso Combo Espectro, Veracruz, Juanita y los Feos, Provisional Rock Unit, Antiplayax, Sacramento, Mano de mono, Las Nurses, Los Steaks, El Desván del Macho, Negro, Pequeño Mulo, Le Jonathan Reilly... And yes, some more than others, we feel closer to all of them.

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WILD

Música para tranquilizar a Brian Wilson

HONEY Music to Calm Brian Wilson

Por // By: Gonzalo Marcos Fotos // Photos: Belma H-F León Wild Honey es el nombre de un disco de The Beach Boys cuando su cabeza pensante, Brian Wilson, la estaba perdiendo. Su hermano Carl, al hablar del LP diría: “Es un disco con música para tranquilizar a Brian Wilson”. Guillermo Farré es Wild Honey y acaba de editar su álbum largo de debut, “Epic Handshakes and a Bear Hug”, la gran sorpresa del pop español en 2009. Me siento con él en una cafetería de Madrid para que me cuente lo que le ha estado pasando últimamente. Es curioso porque haciendo una música tan delicada no es raro encontrarse con él en las primeras filas de conciertos de punk-rock: “He tocado en un montón de grupos desde los 16 años. Grabé varias maquetas con los Spanky Darth Vaders y edité un 10” con Rhino Wrestlers a medias con los Chingaleros. Y bueno, con 18 años hacía un fanzine de punk-rock con un amigo”. Ahora compagina su trabajo en solitario como Wild Honey con el grupo con el que lleva varios años y con el que ya ha sacado un par de 7”: Mittens.

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Wild Honey is the name of one of The Beach Boys’ albums, when the head of the band, Brian Wilson, was losing his head. His brother Carl said that, “It’s an album with music to calm Brian Wilson.” Guillermo Farré is Wild Honey and has released his debut LP, “Epic Handshakes and a Bearhug,” a great surprise in Spanish pop during 2009. I’m sitting with him in a café in Madrid, so that he tells me what’s been going on lately. It’s funny, because although he makes such delicate music, it’s not strange to find him in the first rows of a punk rock concert: “I’ve played in a bunch of bands since I was 16. I recorded some demos with Spanky Darth Vaders and edited a 10” with Rhino Wrestlers with Chingaleros. And well, when I was 18 I made a punk rock fanzine with a friend.” Now he juggles his work as a solo artist in Wild Honey and with Mittens, a band that has release a couple of 7”.

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Wild Honey Es muy fácil entrevistar a alguien con ganas de contar cosas así que casi me limitaré a transcribir las palabras de Farré: “Todo lo que hago bajo el nombre de Wild Honey lo grabo yo porque empezó como un proyecto casero. Realmente yo soy bajista pero poco a poco me dio por ir probando con otros instrumentos, empecé a grabar canciones en casa y a trastear con programas de edición. Fueron saliendo cosas chulas y me apeteció enseñarlas por lo que edité el año pasado un EP. ¿La filosofía? Hacer lo que me sale y me apetece. ¿La premisa? Decir a todo que sí”. Demandado por la decisión de cargar con todo el peso del proyecto, responde: “A mí me encanta tocar en grupos pero estando en ellos cualquier decisión es compleja, aquí todo es más personal... se avanza más rápido, hago conciertos casi cuando quiero, voy a mi ritmo”. It’s very easy to interview someone who has the urge to tell lots of things, so I will limit myself to transcribe Farré’s words: “Everything I do under the name Wild Honey I record alone, because it started as a home project. I’m really a bass player, but little by little I started trying other instruments, I started recording songs at home and playing around with editing software. Cool stuff started coming out and I felt like showing them, which is why I edited an EP last year. The philosophy? To do what comes out and what I want. The premise? Say yes to everything.” When asked why he decided to take on the entire bulk of the project, he responded, “I love playing in bands, but being a part of one, making decisions is hard, here everything is more personal… everything moves faster, I play concerts basically when I want to, I go at my own pace.”

Grabación y Producción // Recording and Production Echando un ojo a los créditos del disco puede verse que, además de producido, prácticamente todo ha sido tocado y grabado por Guillermo: “Tengo ciertas limitaciones como instrumentista pero creo que esto mismo hace que salgan cosas interesantes, evita que me disperse demasiado y cuando quiero hacer cosas más complejas o ambiciosas pues tiro de amigos.” Para la grabación de las baterías contó con la ayuda de Diego Blanco: “Diego es uno de los mejores músicos con los que he trabajado, le pasé un cd, ensayamos las canciones un sólo día y al siguiente ya estaban grabadas”. Looking over the album’s credits you can see that not only did Guillermo produce this album, he practically played and recorded everything: “I have certain limitations as an instrumentalist, but I think that this very thing results in very interesting outcomes, it keeps me from dispersing too much and when I want to do more complex or ambitious things, I ask friends.” For the drum recordings, he counted on Diego Blanco’s help: “Diego is one of the best musicians that I have ever worked with, I sent him a CD, we practiced the songs for just one day and the next day they were recorded.”

Masterización En EEUU // Mastering in the U.S. El disco suena a todo menos a grabación casera: “He mezclado lo más amateur con lo más profesional. Grabé en casa sin casi medios por intuición y luego me apeteció mezclarlo con uno de mis ingenieros de

sonido preferidos, Brad Jones (Cotton Mather, Josh Rouse, Matthew Sweet...). Le mandé el disco, le gustó y me dio un presupuesto que no era descabellado sobre todo teniendo en cuenta que me había salido gratis la grabación”. Y para allá se fue. “Esto es como pagar la entrada de un coche, pegarte un capricho, irte de vacaciones... y encima si vendes algo puedes recuperar el dinero, aunque evidentemente esto sea secundario. Para mí era convertir algo que me parecía inalcanzable en posible. Y bueno, la experiencia de estar diez días en Nashville, en un estudio alucinante junto a un genio de la post-producción me ha merecido y mucho la pena”. The album sounds anything but homemade. “I mixed amateur with professional. I recorded at home, intuitively without means and then I felt like mixing it with one of my favorite sound engineers, Brad Jones (Cotton Mather, Josh Rouse, Mathew Sweet…). I sent him the album, he liked it gave me a bearable estimate, specially taking into consideration that I had recorded it for free.” And there he went. “This is like making the first car payment, doing something to indulge in, going on vacation… and on top of it, if you sell something you make your money back, although obviously that’s not important. For me it was about turning something that seemed impossible into reality. And well, the experience of being in Nashville for ten days, in an amazing studio alongside a postproduction genius was very worthwhile.”

Autoedición // Self-editing Y para continuar con la filosofía do-it-yourself, qué menos que autoeditarse el disco. Y ojo, que como objeto es precioso, un vinilo rojo acompañado de un CD y envuelto en un diseño espectacular a

cargo de Grande Graphix “Mi idea era sacarlo con algún sello pero no salió nada y me tiré a la piscina de autoeditarlo que ahora creo que fue la opción adecuada. Es mucho curro, pero también otra experiencia. He cuidado del disco, no tengo la sensación de que se haya pervertido lo que hice en casa convirtiéndose en algo empaquetado en un CD. Me gusta pensar en que todo el proceso ha sido casi artesanal: hago desde el primer acorde hasta el encarte de los discos.” Nos damos cuenta de que en el fondo es parecido a lo que hacía cuando escribía, fotocopiaba y grapaba su fanzine de punk-rock. “¡Cómo mola que después de 10 años pueda seguir haciendo algo tan personal!” Por cierto, también ha puesto el disco en descarga gratuita aquí: http:// wildhoney.bandcamp.com. And to continue with the “do-it-yourself” philosophy, what a better way to do it than to self-edit his album. But careful, because as an object it is beautiful. A red vinyl record, along with a CD and wrapped-up in a spectacular design by Grande Graphix. “The idea was to release it with some sort of label, but nothing came of it and I jumped into self-editing it, which now I think was the most adequate option. It’s a lot of work, but also another experience. I’ve taken care of the album, I don’t have the feeling that what I made at home didn’t become perverse by becoming something that’s wrapped up in a CD. I like to think that the entire process has been almost entirely handcrafted: from the first chord to the CDs’ inserts. We realize that it’s similar to what he used to do when he wrote, photocopied, and recorded his Punk Rock fanzine. “It’s so cool that after 10 years I can still do something so personal!” By the way, he has also made the album available for free here: http://wildhoney.bandcamp.com.

La Europa de Principios del Siglo XX // Early 20th Century Europe Entramos a hablar de las canciones en sí y le comento que veo un gran trabajo detrás de las letras: “Para mí es muy importante. Nunca hago una canción si no tengo una historia primero que contar. La melodía va de la mano de la historia. En las canciones intento evitar decir en qué personajes me inspiro, no me gusta acotar demasiado. En el EP había una canción sobre Carole King y Gerry Goffin, en el LP una habla sobre los dos años que estuvieron juntos Scott y Zelda Fitzgerald y que idealizaron el resto de su vida. Incluso otra nace de cómo me imaginé el funeral de Bobby Fischer”. La despedida que simboliza el título del disco algo tiene que ver con esto último. ¿Y lo de cantar en inglés? “Es un poco feo cantar así, no siendo el inglés mi lengua materna pero es una elección estética y trato de ser consecuente y hacerlo lo mejor posible. El inglés no es una excusa para pasar de las letras, me gusta cuidarlas. Me daría vergüenza cantar algo de lo que no estoy seguro y soy minucioso”. We start talking about the actual songs and how it’s evident that the lyrics seem to have a lot of work put into them. “For me it’s very important. I never write a song if I don’t have a story to tell. The melody goes hand-in-hand with the story. I try to avoid telling who exactly inspires me for each song, I don’t like to limit myself. In the EP there was a song about Carole King and Gerry Goffin, in the LP there’s one about [F.] Scott and Zelda Fitzgerald and how they idealized the rest of their lives. And there’s even one about how imagined Bobby Fisher’s funeral would be.” The goodbye represented by the title of the album somewhat tells of this funeral. And why does he sing in English? “It’s a bit wrong to sing this way, since English isn’t my native language, but it’s an esthetic choice and I try to do it as good as possible. English isn’t an excuse to not pay attention to the lyrics, I like to take care of them. I would be embarrassed to sing about something I’m not sure about and I’m very meticulous.” Es en todo este apartado donde curiosamente más nos detenemos, casi analizando canción por canción el disco. E intentando buscarle una temática general que quizá no tiene, le digo que todo me suena muy europeo y que además tengo la sensación de que mucho de lo que cuenta está colocado en un periodo concreto de la historia: la primera mitad del siglo XX. “Hay algo de esto que dices, sin tener aspiración de hacer algo unitario... Tengo en mente tres escritores de la primera mitad de siglo XX que me sirven como referencia estética: Scott Fitzgerald, Carson McCullers y Georges Perec. Me interesa la idealización de la vieja Europa por parte de los americanos. Hay en todos ellos una especie de idea melancólica de la vida”. This section, strangely enough, is where we stop more often, analyzing almost every song in the album. And attempting to find a general theme that perhaps it doesn’t have, I tell him that everything sounds very

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European and that I have a feeling that a lot of what he tells in his songs in located in a specific time in history: the first half of the 20th century. “There’s something about this, without meaning to agree with you… I have three writers from the first half of the 20th century in mind that I use as esthetic references: [F.] Scott Fitzgerald, Carson McCullers and Georges Perec. I’m interested in the idealization of the old Europe by Americans. All of them have some sort of melancholic idea of life.”

Wild Honey: La Banda // Wild Honey: The Band Descubrimos que Wild Honey no es sólo Guillermo Farré. A la hora de encarar los directos la banda es mutante y le hemos visto desde solo hasta con seis músicos de acompañamiento: “Al igual que con la autoedición, es mucho curro porque tenemos que encarar cada concierto de una manera diferente. La ventaja es que cada ensayo es creativo: partimos de la grabación que es bastante ambiciosa en cuanto a arreglos y la vamos reduciendo o no según los que seamos”. Y los seguidores de la banda ya les han podido ver tocando canciones de The Beach Boys o de Phil Spector: “Me divierte armar una canción en un ensayo, entenderla, desglosarla... meterte de cabeza en algo que te gusta mucho y descifrarlo para adaptarlo a tus elementos. Juego un poco a apropiarme de las canciones, no pretendo reproducir las grabaciones grandilocuentes de Phil Spector o de Brian Wilson”. We discovered that Wild Honey isn’t just Guillermo Farré. When it’s time to play a live show, the band is ever-changing and we’ve seen him play alone, and even with six musicians: “Just as with autoediting, it’s a lot of work because we have to face each concert in a different way. The advantage is that each rehearsal is creative: we part ourselves from the recording, which is quite ambitious in terms of fixes and we reduce or not, depending on who is there.” And fans of the band have already been able to see them play Beach Boys and Phil Spector songs: “I enjoy arming a song during a rehearsal, understanding it, de-glossing it… diving into something that you really like and deciphering it in order to adapt to your elements. I play a bit with taking songs; I don’t pretend to reproduce the grandiloquent recording of Phil Spector or Brian Wilson.”

Futuro // Future Además de estar a punto de sacar un disco con Mittens, quiero saber qué será de Wild Honey en un futuro más o menos cercano: “Escucho mucha música diferente aunque es evidente al poner el disco que me ha quedado marcado el rollo más clasicote, más soft-pop. Me gustaría hacer cosas diferentes con Wild Honey en el futuro pero sí seguirá siendo siempre un proyecto casero en el que vaya a mi bola”. En cuanto a si se ve viviendo de esto: “No me preocupa, lo veo irreal. No existe una industria

que te dé de comer con esta música y no es mi inspiración, aunque oye, ojalá. Lo malo es que me quitaría la despreocupación que tengo ahora, el no depender de la música para comer. Eso no quita que no me tome todo muy en serio, hay mucho tiempo dedicado”. Y no debemos olvidarnos del Farré productor: “No tengo grandes conocimientos de grabación pero me fascina. He grabado a algunos amigos que se han prestado, es algo muy intuitivo, disfruto mucho y querría seguir haciéndolo. Lo más vistoso es un 10” que sacarán Sacramento en breve”.

to do what I want.” In terms of whether or not he sees himself living off of this: “It doesn’t worry me, I see it as surreal. There isn’t a single industry that puts food on the table with this music and it’s not my inspiration, although, I wish. The bad thing would be if I started worrying whether or not this music is going to put food on the table. This doesn’t mean I don’t take this very seriously, I have dedicated a lot of time to it.” And we shouldn’t forget about the producer-side of Farré: “I don’t know much about recording, but it fascinates me. I have recorded some friends that have volunteered, it’s very intuitive

Besides being on the verge of releasing an album with Mittens, I want to know what’s going to happen to Wild Honey in the near future: “I listen to a lot of different music, although it’s obvious when you listen to the album that I’ve been influenced more by more classic stuff, more soft-pop. I would like to do different things with Wild Honey in the future, but it’s always going to be a home project where I’m going

A todo esto Guillermo aún no ha cumplido los 30, ¿alguien tiene alguna duda sobre quién será el rey del mañana? With all of this said, Guillermo is not even 30 yet. Does anyone have any doubts on who the king of tomorrow will be?

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WILD HONEY

EPIC HANDSHAKES AND A BEAR HUG How easy it could be To steal a piece of art And you started to think How easy it could be It’ll be for you, sweetheart (Versos extraídos de // Verses from To Steal a Piece of Art) Es pinchar el vinilo de 180 gramos en el tocadiscos y encontrarse con la esencia de Wild Honey: unos golpecitos de ukelele, la voz suave y quebrada de Guillermo, coros femeninos, unas palmas, y los instrumentos que van sumándose poco a poco para crear la primera de las doce pequeñas sinfonías pop de las que consta el disco. Resuenan ecos de la mejor música de finales de los sesenta y principios de los setenta, siendo el LP algo así como una muñeca rusa en donde Guillermo se come a Gram Parsons, éste a Phil Spector, Spector a Glen Campbell, Campbell a The Hollies, y así hasta lo más profundo de la música popular. En las letras encontramos además esbozos de historias que podrían ser argumentos de películas de Renoir, imágenes impresionistas invadidas de nostalgia en pequeños poemas que se deslizan sobre las trabajadísimas melodías de Farré. No sobra nada, ni falta. Las armonías vocales son insuperables y la sección rítmica le da un brío al LP que hace que se pase volando, alcanzando su cima en “My Bride in Black Gloves”, inspirada en un cuadro de Marc Chagall y posiblemente la canción más compleja y deslumbrante del disco, la depositaria principal del sonido Wild Honey. Es pop muy bonito, un disco que te columpia suavemente, y que, como el “Wild Honey” original, seguro que tranquilizaría al mismo Brian Wilson. “Epic Handshakes and a Bear Hug” es un hito en la Historia del pop español.

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It’s as easy as playing a 180 gram vinyl record and finding yourself with Wild Honey’s essence: a few ukulele strokes, Guillermo‘s soft and ravine voice, female choruses, a few handclaps, and the instruments that join-in little by little in order to create the first of twelve small pop symphonies which make up the album. Echoes of the best music from the sixties and early seventies resound, the LP being somewhat like a Russian doll, where Guillermo eats Gram Parsons, then Parsons eats Phil Spector, Spector takes in Glen Campbell, Campbell eats The Hollies, and so on until it reaches pop music’s deepest realm. We find sketches of stories in the lyrics that could be plots in Renoir films, invaded Impressionist images of nostalgia in form of small poems that glide over Farré’s extremely worked melodies. There isn’t too much of anything, and nothing is missing. The vocal harmonies are insurmountable and the rhythmic section gives the LP energy which makes it fly by, reaching its peak at “My Bride in Black Gloves,” inspired by a painting by Marc Chagall and possibly the album’s most complex and stunning song, the main characteristic in Wild Honey’s sound. It’s very pretty pop, an album that swings you softly, and that, like the original “Wild Honey,” it would probably calm Brian Wilson. “Epic Handshakes and a Bear Hug,” is a milestone of Spanish pop.

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Montse Martín Arte femenino en estado puro // Feminine Art in a Pure State Por // By: Alberto Salas Es interesante ver como a veces las cosas surgen sin previo aviso. Un día como cualquier otro mientras mataba horas delante del ordenador, llegué por casualidad a una de esas páginas de porfolios de artistas. Mercados culturales online que abarcan demasiado. Tras dos intentos fallidos de aburrida abstracción pictórica con mensaje oculto, di con Montse Martín. No sé si fue la fuerza o el encanto de sus mujeres, pero de repente no pude evitar googlearla e introducirme en su universo femenino de colores vibrantes. It’s interesting how sometimes things happen without warning. A day just like any other, as I wasted hours in front of the computer, I accidentally stumbled upon one of those artists’ web portfolios. After trying a couple of times to decipher boring pictorial abstraction with some hidden message, I came across Montse Martín. I wasn’t sure if it was the strength or the enchanted way of her women, but all of the sudden I couldn’t help but Google her and introduce myself to her feminine universe of vibrant colors. Una curiosa obra y una curiosa vida con un ritmo brutal. Salto a la fama gracias a su faceta como deportista cuando se convirtió en la campeona de Europa y del mundo de gimnasia rítmica. Una vez llegado a lo más alto no pudo parar: clases de danza, teatro, diseño gráfico… En estas

circunstancias nació su obra, una colección centrada en la mujer. Manifiesto de feminidad y no de feminismo, cada cuadro es único. Personalmente, tras conocer la vida de esta artista, encuentro que todos ellos tienen un poquito de ella, el glamour, la danza, el color, la maternidad. Una extrapolación de Montse al mundo del arte, ya que ella no es sólo una, ella es “Todas las mujeres”.

A curious collection and a curious life, with a brutal rhythm. She entered the spotlight thanks to her phase as an athlete, when she became the European and world champion of rhythmic gymnastics. Once she was at the top, she couldn’t stop: dance classes, theater, graphic design… this is where her work started, a collection dedicated to women. A manifest of femininity and not feminist; each painting is unique. Personally, after learning about this artist’s life, I find that each painting represents a part of who she is: glamour, dance, color, motherhood. This is a projection

of Montse to the art world, since she is not only one, but, “All the Women.” Así se llama su obra, pero mi interpretación del por qué del título está muy alejada de la realidad. “Empecé a pintar retratos de mujeres, simplemente porque me apetecía, y los amigos siempre me preguntaban por qué no pintaba ningún hombre, yo respondía que ninguno me motivaba lo suficiente para pasarme horas delante de su cara. Finalmente pinté un retrato de mi único ídolo adolescente, Alejandro Sanz, y decidí llamar a la colección «Bendito tu eres entre todas la mujeres», pero por desgracia el cuadro quedó descartado en mi primera exposición, así que se quedó en «Todas las mujeres», y punto”. That is the name is her work, yet my concept of why it’s named that way is far from reality. “I began painting portraits of women simply because I wanted to, and when friends asked me why I never painted women, I replied that there were no men that inspired me enough to spend hours in front of their faces. I ended up painting a portrait of my only childhood idol, Alejandro Sanz, and decided to call the collection, “Blessed you are among all the women,” but unfortunately the painting was discarded in my first exhibition, so the title remained, ‘All the Women,’ and period.”

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Navegando entre estos rostros femeninos nos podemos encontrar el lado rebelde de Madonna, o la libertaria Alaska. “Me gusta retratar a mujeres que me conmuevan, que me emocionen, ya sea por su personalidad, por su belleza o por su mirada ante la vida”. Así justifica su obra, una mujer que lleva las cualidades de sus cuadros en su persona, por eso en la colección no podría faltar un autorretrato: libre y colorido, como ella misma. Navigating through feminine faces, we can find the rebellious side of Madonna, or the libertarian Alaska. “I like painting portraits of women that moved me, that excite me, whether it is due to their personality, their beauty, or their view on life.” That’s how she, a woman that carries the qualities of her paintings, justifies her work, and this is why in this collection, there had to be a self-portrait: free and colorful, like her. “Los colores influencian mucho en tu estado de ánimo, y yo me aburro mucho cuando me aburro”, nos comenta Montse. Sus cuadros se acercan un poco al rollo pop pero alejando de ese aura que rodeaba a la era Warhol. “En ningún momento hablo de la sociedad de consumo. Yo solo hablo de la mirada limpia, buena y poderosa de la mujer, y quiero que la gente las mire y las admire”, nos confiesa Montse.

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“The colors influence one’s emotions, and I get really bored when I’m bored,” says Montse. Her paintings come close to a pop style, yet they a bit far from the aura that surrounded the Warhol era. “I never talk about the consumer society. I only talk about clean, good and powerful glance of a woman, and I want people to look and them and admire them,” confesses Montse. El deporte y la familia han sido sus grandes influencias. Ambas le han dado una visión muy especial de la vida. Lo primero ha generado una visión del cuerpo humano, ya que como Montse dice, la gimnasia rítmica es un deporte, “absolutamente plástico y estético.’ La segunda le ha proporcionado todos los demás ingredientes para triunfar. “Mi vena artística viene de mis padres, que son dos pedazos de artistas y de personas. Mi padre fue una gran retratista, sobretodo de mujeres, y como dicen los americanos, «La manzana no cae muy lejos del árbol»”. Sports and family have been major influences. Both have given her a very special way to view to life. Firstly, it has generated a vision of the human body, since rhythmic gymnastics is a sport that, “is absolutely expressive and esthetic.” The latter has provided

the remaining ingredients to triumph. “My artistic side comes from my parents, who are two great artists and people. My father was a great portrait artist, especially women, and as Americas say, “The apple doesn’t fall far from the tree.” Por ahora su futuro se perfila rodeado de sus mujeres. Seguirá explorando el universo femenino, ya que su colección siempre está abierta. “Quizás tengan un tono más personal y poético, y seguramente algunas de ellas estarán acompañadas de ellos, ya que ellos son algo muy importante en la vida de las mujeres, por lo menos en la mía”. Y es que Montse comparte su ajetreada vida con su chico, el fotógrafo Mark Schardan (www.markschardan. com) y su hijo Luka. For now, her world is surrounded by her women. She will continue to explore the feminine universe, since her collection is always open. “Maybe they have a more personal and poetic tone, and some are probably accompanied by them [men], since they [men] are very important in women’s lives, or at least in mine.” Montse shares her hectic life with her boyfriend, the photographer Mark Schardan and their son, Luka.

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Arte a golpe de ratón Art by means of a mouse Por // By: Julia Sierra Fotografía // Photos: Sara Velázquez

De vez en cuando Madrid nos sorprende con propuestas artísticas de lo más novedoso y vanguardista. Ilustraciones que parecen tener vida propia, animaciones en 3D y 2D a partir de corrientes dibujos, fotografías que muestran una realidad imposible, obras audiovisuales completamente innovadoras...todo ello es posible gracias a las técnicas digitales y así lo comprobamos en la II Muestra de Cultura Digital, que se celebró el pasado mes de Diciembre. Durante tres días las instalaciones que la Fundación Progreso y Cultura de la UGT se convirtieron en un escaparate de obras artísticas digitales de lo más variado, las cuales, tanto estáticas como en movimiento, competían así mismo por ser las mejores. Y es que la feria también albergaba un concurso del que hablaremos un poco más adelante.

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Madrid occasionally surprises us with the most innovative and avant-garde artistic proposals. Artwork that appears to be part of real life, 3D and 2D animations that come from drawings, photographs that show an impossible reality, completely innovative audiovisual works... all this is possible thanks to digital techniques and that was what we saw at the II Exhibition of Digital Culture, held last December. For three days, the UGT Progress and Culture Foundation facilities became a showcase for the most varied digital artwork, which, both static and in motion, competed to be the best. That is because the fair hosted a contest as well, which will be discussed a bit later.

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Inicialmente esto era un evento un tanto distinto a lo que hoy se ha convertido. Su único precedente, celebrado el año pasado, era una muestra de cine digital y no tenía todavía por nombre Xperimentarte. Ángel Román, organizador, promotor y fundador de la exposición, nos comenta que “este año ha habido un cambio por que hemos ampliado a otras modalidades de arte, lo interesante es no incluir de todo pero que todo tenga un sentido. Aquello que guarda un sentido con el símbolo y la metáfora de la imagen por sí misma, para generar una idea y sobre esa idea generar después un espacio evolutivo en la narrativa, posible o no.” Initially, this was a somewhat different event from what has become today. Its only precedent, held last year, was an exhibition of digital cinema and did not have the name Xperimentarte. Ángel Román, organizer, promoter and founder of the show, says that, “This year has been a change because we have expanded it to other forms of art; what is interesting is not including everything but that everything has a sense, which has a meaning with the symbol and metaphor of the image itself, to generate an idea and over that idea generate an evolutionary space in the narrative, possible or not.”

La avalancha de obras recibidas este año ha sido también otro de los sustanciales cambios que presenta esta edición. Ante las 50 del año anterior, las aproximadamente 300 de esta se quedan a mucha distancia. José Luis Feito Rodríguez, Director Manager de la productora Xperimenta Planet S.L., que ha organizado la feria, comenta que “este año hemos tenido que descartar obras por la gran afluencia, hay algunas muy interesantes y de gente muy interesante. Hemos recibido algunas que no son españolas y el año pasado no recibimos ninguna, esto es señal de que estamos creciendo.” The avalanche of work received this year has been another of the substantial changes of this edition. Faced with the 50 pieces received the previous year, the 300 or so pieces this time around divert quite a bit from the previous number. José Luis Feito Rodriguez, Director of Xperimenta Planet SL production company, which has organized the fair, says, “This year we had to exclude work because of the great influx, there are some very interesting and interesting people. We have received some from abroad and last year we didn’t, this means that we are growing.” “Tenemos propuestas tanto en imagen fija como en movimiento, y de cortos tenemos unos 50 o 60, en los que predomina el videoarte, videoclip, cortos de animación, de integración, que es imagen real con animación, fondos de pantalla, 2D, 3D, animación con el ordenador...” añade Román. “We have proposals in both fixed and in motion image, and about 50 or 60 short movies, where video art, video clips, animated shorts, integration (which are real images that are animated) wallpapers, 2D, 3D, computer animation dominate...” adds Román.

Algunos se preguntarán si el arte manipulado digitalmente puede seguir llamándose así o si tiene la misma valía que aquel ejecutado con sólo las habilidades que nos otorga la naturaleza. Hoy la tecnología nos brinda una serie de herramientas que borran cualquier rastro de error humano y consiguen que obra tenga un resultado impecable, en el que se combinan tanto la creatividad del ser humano como la perfección de la máquina. Some must be wondering if digitally manipulated art can still be called that, or if it has the same value as that performed with only the skills that nature gives us. Today, technology provides us with a set of tools that remove any trace of human error and achieves an impeccable result in the artwork, which combines both the creativity of human beings and the perfection of machines. Con esto ¿dónde queda la habilidad técnica del artista? ¿que es del talento innato de algunos para captar la realidad? Si nos atenemos a esto el arte digital podría considerarse un pseudo-arte pero ¿qué es arte? y ¿quién es el artista?, ¿es acaso la técnica la que precede a la idea? En Xperimentarte creen que artista es todo aquel que transmite una intencionalidad de crear arte, y no solo aquel que posee la técnica para desarrollarlo. Tal y como lo expresa Jesús Barcenilla Nieto, Director Gerente de la Fundación Progreso y Cultura y patrocinador del evento, “el mundo de la cultura digital no deja de ser algo lleno de controversia, en el sentido de que hay artistas que opinan que el retoque de las obras, la manipulación de la máquina no es el arte de la mano o del ojo directamente, sino que tiene otros componentes, y tienen todo la razón al opinar así.” So, where does the technical skill of the artist stand? What about the innate talent of some to grasp reality? If we follow this, digital art could be considered a pseudo-art, but, what is art? And who is an artist? Is it art before the idea or the opposite? In Xperimentarte, they believe that an artist is anyone who has the intention of creating art, not just someone who has the technique. Jesús Barcenilla Nieto, Managing Director of the Progress and Culture Foundation and sponsor of the event, thinks that, “the world of digital culture is always full of controversy, in the sense that there are artists who believe that retouched work, the handling of the machines is not art made by hands or eyes directly, but has other components, and they are right to say so.”

Por su parte, Ángel Román, tiene muy claro que lo que buscan no son técnicos sino ideas. “Yo puedo ser un inepto a la hora de abordar un dibujo, pero tener una idea interesante. Mucha gente que ha participado en esto no tiene una técnica adecuada para ello, ni ha ido a una escuela de formación, ¿vamos a dejarles a un lado simplemente porque no sean academicistas? Aquí se valora la creatividad desde el punto de vista de cómo se ha aplicado y adaptado a las técnicas digitales. No es necesario haber hecho un curso, uno puede haber aprendido en sus ratos libres y haber llegado a la misma meta experimentando. Por eso es Xperimentarte, porque es un ejercicio que parte de uno mismo para explorarse sobre sí mismo, que revierte para salir como una imagen expresionista. No buscamos técnicos, buscamos una imaginería posible y eso sólo lo puede conseguir el arte digital, ya que partiendo de situaciones inanimadas puedes lograr hacerlas animadas.” Ángel Román is sure about the fact that they are not looking for technicians but ideas. “I can be inept in dealing with a drawing, but have an interesting idea. Many people who have participated in this do not have an adequate technique, nor have they gone to an art school; are we going to leave them aside simply because they are not academics? Here, creativity is valued from the standpoint of how it has been applied and adapted to digital techniques. It is not necessary to take a course; one may have learned the same in his spare time and may have reached the same goal by means of experimenting. That is why we call it Xperimentarte, because it is an exercise that starts within oneself to explore oneself, and therefore results as an expressionist image. We are not seeking technicians, but possible imagery that can only be achieved through digital art, because only this way you can turn unanimated situations into animated ones.” El evento ha recibido el apoyo de diversas entidades sin las cuales hubiese sido difícil de llevar a cabo. Como patrocinador del evento, Barcenilla Nieto comenta “nosotros nos dedicamos a la acción cultural, es decir, a la generación, creación, distribución de aquella cultura que tiene que ver con la calidad y con el compromiso, dos cualidades muy discutibles dependiendo de quien lo juzgue. Nosotros intentamos que nuestras actividades estén comprometidas con nuestra sociedad, con los problemas que vivimos y que además tengan calidad artística. Creo que ambas cualidades las reúne la actividad que nos ocupa.” The event has received support from different institutions that have made its existence possible. As a sponsor of the event, Barcenilla Nieto says, “We are dedicated to cultural activities, in other words, to the generation, creation, distribution of a culture that has to do with quality and commitment, two qualities highly debatable depending on who judges. We try to keep our activities committed to our society, to the problems we face, but also to good artistic quality. I think that both qualities are in this exhibition.”

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Además de la Fundación Progreso y Cultura, la muestra cuenta con la colaboración de la Escuela Profesional de Nuevas Tecnologías, CICE, cuyo Director de Formación, Marco Antonio Fernández Doldán, apunta que “hemos colaborado en esta segunda edición ya que se ajusta perfectamente a lo que nosotros hacemos, que es dar formación en herramientas digitales. Si bien, no despreciamos en absoluto el mundo analógico ya que lo consideramos una pilar fundamental.” Besides the Progress and Culture Foundation, the exhibition has the support of the Professional School of Information Technologies, CICE, whose Director of Training, Marco Antonio Fernández Doldán, notes that, “We have collaborated in this second edition because it fits perfectly with what we do, which is providing training in digital tools. But we do not disregard the analog world at all because we consider it an essential pillar.” La productora Xperimenta Planet S.L. es otro de los grandes pilares en los que se sustenta el evento. Feito Rodríguez cree en cambio que lo analógico es agua pasada, “como productora que se dedica a producir videos, cortos, películas, largometrajes, videogames, etc...no trabajamos nada analógico, absolutamente todo es digital y con estructura y pensamiento digital. Para nosotros desde hace algún tiempo lo analógico paso a la historia y nos hemos convertido en seres digitales. Algunas cosas las hacemos todavía con artistas de 2D que trazan un primer diseño, de lo que va a ser el juego o la película que desarrollaremos, y luego pasamos directamente al ordenador. Las productoras pequeñas intentamos que todo vaya en el mismo paquete para reducir costes, además, es más cómodo ya que tienes el control total de la obra, desde que se inicia hasta que se termina.” The production company Xperimenta Planet S.L. is another of the great pillars on which the event rests. Feito Rodríguez, on the other hand, believes that the analog world is old news. “As a producer that is dedicated to producing videos, short films, feature films, videogames, etc... we do not work with anything analog, everything is digital and has digital-frames and thought. For us, some time ago, analog procedures stepped into history and we have become digital beings. Some things are still done by 2D artists who draw an initial design of what will be the game or movie we will develop, and then we pass it directly to the computer. The small production companies try to do everything in one package to reduce costs. It is also more convenient because you have total control of the work, from start to finish.”

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En este sentido Ángel apunta que, “desde el mismo momento en que planteas la situación de abaratar costes en producción, entran en juego las técnicas digitales, usándolas tú puedes convertirte en productor, director, guionista, lo que quieras. Puedes no tener dinero pero la imaginación es gratuita y a partir de ahí tu puedes construir tu mundo.” In this sense Román points out that, “Since the moment you think about reducing production costs, digital techniques come into play, using them you can become a producer, director, screenwriter, whatever you want. You may have no money, but imagination is free and from there on you can build your world.” Así, las técnicas digitales ofrecen un inmenso abanico de ventajas para los nuevos creadores que buscan abrirse paso. Desde la primera fase que es la elaboración de la obra hasta su difusión, estas herramientas presentan muchos beneficios. Aún así, los artistas se enfrentan a grandes dificultades en el mercado. Es por ello que esta muestra busca facilitar y fomentar la producción y circulación de sus obras a nivel nacional, propiciando un encuentro entre realizadores, productores, distribuidores y público al que dirigen sus obras. “Buscamos dar a conocer artistas que utilizan el arte digital como innovación y como emergencia, a la hora de hacer una denuncia de una situación concreta, o de un arte emergente. Un arte que puede estar en museos o ser ‘mainstream’, y no es ninguna propuesta rara o estrafalaria. El arte pervive en todo momento y todo lugar, desde el mismo momento en que cogemos un móvil y aparece un blog diseñado desde un punto de vista innovador, creativo… donde observamos estética, provocación, etc. Pero sobretodo, esta muestra quiere constatar que hay muchos artistas que están haciendo un arte emergente, muy innovador, experimental, y que utilizan la tecnología como medio barato, rápido, eficaz y sobretodo, mundial, ya que lo meten en la red y sobrevive en todo el espacio, la difusión es radicalmente amplia.”

art. An art that could be in a museum or be mainstream, and it is not a strange or bizarre proposal. Art survives at all times and everywhere, from the moment you pick up a mobile phone and a blog appears which is designed in an innovative way, creative… where we observe aesthetic provocation, and so on. But above all, this edition wants to state that there are many artists who are making up-an-coming, highly innovative, experimental art, and using technology as a inexpensive, fast, effective and most of all, a global way, since they put it in the web and it survives in all virtual space; the diffusion is radically broad.” Además de esto Xperimentarte premia a los mejores artistas. Tres obras se verán recompensadas en las categorías de Mejor obra de Arte Digital Estático, Mejor obra de Arte Digital en Movimiento y el Premio del Público con la compensación cada uno de 1.000 euros. Un jurado compuesto por profesionales del medio cinematográfico, del cómic, de la cultura y la animación, tanto españoles como europeos (el 60%), elegirá quien obtiene los premios. Según Ángel, sobretodo se fijarán en “cómo las obras fusionan la tecnología aplicada para hacer arte, no buscamos obras punteras, excelentes o bien acabadas, lo primordial es cómo integran los procesos manuales de las herramientas digitales a la hora de abordar un tema artístico. Osea, la fusión, no valoramos el que una pieza esté acabada, puede estar muy bien acabada pero a lo mejor es inhumana, se tiene que notar que ha habido alguien detrás trabajando.” Besides this, Xperimentarte rewards the best artists. Three piecess will be rewarded in the categories of Best Digital Static Artwork, Best Digital in Motion Artwork and the Audience Award with the compensation of 1,000 euros each. A jury composed of professionals from film, comics, culture and entertainment, from Spain and other European countries will choose who is awarded the prizes. According to Román, they will pay attention to, “how the work merges applied technology to make art; we do not search for cuttingedge pieces, great or well-finished. The important thing is how manual processes of digital tools are integrated in developing a subject for art. So it is the merger what we value most and not just a well finished piece, it can be very well finished but maybe it is inhuman; we must notice there is someone behind that artwork.”

Thus, digital techniques offer a vast range of advantages for new artists seeking an opportunity. From the initial phase, which is the development of the work until its release, these tools have many benefits. Still, artists face huge difficulties in the market. That is why this exhibition aims to facilitate and encourage the production and circulation of their work nationwide, promoting a meeting between directors, producers, distributors and the public. “We want artists who use digital art as innovation to be known, when making a complaint about a specific situation, or an emerging

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En definitiva, el arte digital representa el futuro y el presente del arte actual. Hoy en día la gran mayoría de las obras artísticas se producen en este formato. “Ahora mismo la cantidad de trabajos que se están generando con tecnología digital es inabarcable, muchísimo más que la pintura. Ésta ha tenido su proceso y su evolución, pero ha llegado un momento en el que se ha estancado. Lo que hay ahora es una hibridación,” nos cuenta Ángel. Ultimately, digital art represents the future and the present of contemporary art. Today the great majority of artistic work is produced in this format. “Right now the number of artwork being generated in digital technology is overwhelming, much more than painting. This has had its process and its evolution, but right now has stalled. What we have now is a hybrid” says Román. No sabemos si la pintura tal y como la conocemos desaparecerá, cambiará o seguirá tal cual, pero para nuestro experto “la cuestión no es tanto si va a pervivir o va a morir, lo que nosotros valoramos es cuanta capacidad está generando lo digital para amplificar un código artístico. Los artes anteriores están ahí, han evolucionado como lenguajes, pero ¿hacia dónde van? ¿se han rendido? ¿intentan amplificarse o modificarse? Por ahora vemos que se han estancado, no hay una evolución, pero sí hay una mezcla. Esperamos que el arte digital y el arte analógico se fusionen, y digan más cosas, o bien que uno perviva o sobreviva convirtiéndose en algo anecdótico, como ocurre hoy con la fotografía analógica por ejemplo.”

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We do not know if painting will disappear as we know it, or change or continue as is, but according to Román, “The question is not whether it will survive or it will die, what we care about is how much digital tools are actually amplifying an artistic code. The prior arts are there, have evolved as languages, but where do they go? Have they stalled? Are they trying to amplify or modify? For now we see that they have in fact stalled. There is no evolution, but there is a mixture. We think that digital art will merge with analog art, or maybe one will survive as a somewhat anecdotal thing, as happens today with analog photography for example.” No sabemos en qué desembocará todo esto, lo que es seguro es que las nuevas tecnologías han posibilitado un boom creativo sin precedentes en la historia. Además, la difusión mundial de todas esas obras es una realidad en tan sólo segundos. ¿Hay algo más que pueda desear un artista? We do not know what will be the result of all this, but what is certain is that new technologies have enabled a creative boom without precedent in history. Besides, the global spreading of these pieces is a reality in just seconds. Is there anything else an artist could wish for?

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Las luces y las sombras

John M. Robinson The Lights and Shadows

Por // By: Fátima Rodríguez Guzmán ¿Quién no ha oído y contado el archiconocido cuento de Hansel y Gretel? El clásico de los hermanos Grimm forma parte de la cultura popular, aunque el esquema general es siempre el mismo. A partir de esta base argumental, John M. Robinson ha hecho una personalísima reinterpretación de esta historia: el escenario ya no se sitúa en un oscuro y aterrador bosque en Alemania, sino en un estudio situado en el centro de Madrid. Who has not heard and told the very well-known story of Hansel and Gretel? The classic Brothers Grimm tale is part of popular culture, although the general outline remains the same. From this base plot, John M. Robinson has made a very personal reinterpretation of this story: the setting isn’t a dark and scary forest in Germany anymore, it’s a studio located in downtown Madrid. El gran protagonista es el padre de Hansel y Gretel, un hombre acosado por la culpa y el remordimiento que siente por haber abandonado a sus hijos. Esto le atormenta de tal manera que le lleva a la locura de forma progresiva. Además de la figura paternal, presentada como si fuera una sombra, destaca también la figura de la madrastra, representada con la imagen de un vestido de novia, seguramente para mostrar su falta de humanidad.

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The main character is Hansel and Gretel’s father, a man haunted by guilt He feels remorse for having abandoned his children. It torments him and gradually drives him insane. Besides the father figure, presented as if it were a shadow. It’s also remarkable the figure of the stepmother, represented by the image of a wedding dress, maybe to show her inhumanity. Su locura está relacionada con el enigmático título de la exposición, I Thought These Things Might Be Clues. Robinson lo explica: “Imaginé al padre sólo tras haber llevado a sus hijos al bosque para que mueran, y cómo se vuelve loco en su oscura casa, intentando encontrar pistas que le absuelvan, haciendo hechizos que le permitan terminar con su culpa, pero él sabe muy bien que no hay pistas, no hay ninguna razón. I Thought These Things Might Be Clues (Pensé que estas cosas debían ser pistas) es quizás la frase que utiliza para expresarse: al igual que el Quijote se da cuenta de que está loco, él también ve que los niños nunca volverán”. También tiene otra explicación: es una frase sacada de un documental de Kay Redfield Jamison sobre la esquizofrenia. En ella, uno de los enfermos utiliza estas palabras para justificar la causa por la que hizo tanto daño (incluso quemó la casa de su madre), ya que pensaba que con estas acciones conseguiría pistas sobre las voces de su cabeza.

His madness is related to the enigmatic title of the exhibition, I Thought These Things Might Be Clues. Robinson explains it: “I imagined the father alone having sent the children out into the woods to die, and he is going crazy in his dark house, trying to find clues which will absolve him, casting spells which will end his guilt, but he knows as well as the viewer that there are no clues, there is no reason. I Thought These Things Might Be Clues is perhaps an utterance he made, when like Quixote he realizes that he is mad, and that the children are never coming back.” It also has another explanation: it’s a phrase taken from a documentary by Kay Redfield Jamison about schizophrenia. In it, one of the patients used these words to justify the reason why he destroyed so much -he even burned the house of his mother- as he felt that these actions would bring him clues about the voices in his head.

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Un talento precoz // A Precocious Talent Con apenas 28 años, el artista británico puede estar orgulloso de haber mostrado su arte a través de varias exposiciones por Reino Unido y España sobre todo. La primera colectiva fue en 2002, en el prestigioso Royal College of Art de Londres, y tres años después ya exponía en solitario Some Paintings, en el Museo del Ferrocarril de Madrid. Sus influencias artísticas son abundantes y variadas, como William Kentridge, las performances de Bruce Nauman, Neo Rauch y Francis Alys. Éstas y otras más están presentes en I Thought These Things Might Be Clues: “En esta obra en particular tenía en mente las pinturas negras de Goya, donde tienes a todas esas figuras que parecen estar avanzando hacia algo, pero puedes ver claramente que están consumidas por la locura y la impotencia. También por la manera en la que se han realizado estas pinturas: muy directas, muy pictóricas, casi lujosas, muy influ-

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enciadas por la pintura de John Singer Sargent. Me encantan sus pinturas señoriales ridículas que parecen dignas y resueltas. Son imágenes de individuos poderosos hechos con una mano consumada y cómplice. Quería pintarme a mí mismo como si fuera el padre de Hansel con la misma grandiosidad, para crear imágenes muy grandes sobre un hombre sólo en una habitación al final de todo”. At just 28 years, the British artist can be proud of having shown his art through various exhibitions in United Kingdom and Spain especially. The first Group Art Exhibition was in 2002, at the prestigious Royal College of Art in London, and three years later he exposed as a solo at the Museo del Ferrocarril in Madrid. His artistic influences are plentiful and varied, like William Kertridge, Bruce Nauman’s performances, Neo Rauch and Francis Alys. These and others are present in I Thought These Things Might Be Clues: “In terms of this particular body of work I was thinking a great deal about

Goya’s Black Paintings, where you have all these figures who appear to be moving towards something, but you can clearly see that they are consumed by madness, and powerless. Also the way these paintings are made (in a very direct, very pictorial, almost luxurious style) was strongly influenced by the paintings of John Singer Sargent. I love how his ridiculous stately portraits appear dignified and purposeful. They are pictures of powerful individuals done with a consummate and knowing hand. I wanted to paint myself as Hansel’s Father in the same grandiose way, to make very grandiose images about a man in a room alone at the end of everything.” John M Robinson no es un artista convencional. Por la importancia que da a sus personajes tanto en el plano mental como en el físico podría decirse que, además de pintor es psicólogo, dado el nivel de introspección de sus imágenes. Algo que podría calificarse como “arte intimista”, donde la máxima

preocupación del artista es transmitirnos unos sentimientos, más que narrar una historia coherente. John M. Robinson is not a conventional artist. He attaches importance to the physical and mental state of his characters. So he is also a painter and a psychologist because of the introspection within his images. It’s something that could be described as “intimate art,” where the main concern of the artist is to convey feelings rather than tell a coherent story.

Metodología y características de la obra de Robinson // Methodology and Characteristics in Robinson’s Work Sus pinturas son tan desconcertantes como apasionantes. Por su estilo especialmente figurativo, John es considerado miembro de la “Escuela de Londres”. Además, sus muestras no son sólo una sucesión de cuadros, sino que además se acompañan de un video, en el que podemos ver el proceso de creación. Robinson explica su metodología: “Empiezo con una narración que a menudo se reelabora con dibujos, luego desarrollo la narración con una cámara. Entonces selecciono las imágenes clave para entender el resto de la historia. Luego pinto una serie de imágenes de los hechos. Puedo describir mi arte como un documento muy elaborado sobre una experiencia”. His paintings are as disconcerting as exciting. For his especially figurative style, John is regarded as a member of the “School of London”. Furthermore, their samples are not only a succession of pictures; they are also accompanied by a video, where we can see the process of creating. Robinson explains his methodology: “I begin with a narrative, which is then reworked often in drawings, then I perform the narrative to a camera. I then select important images from the resulting photographs and films, which I believe will offer a key to

understanding the rest of the story. I then paint a series of pictures of the events. I would describe my art as a very elaborate document of an experience.” Una de las características que más llama la atención de I Thought These Things Might Be Clues es el uso del color. Los tonos que predominan son el sepia y el marrón, como el de las fotografías antiguas. Esta decisión no es algo arbitrario ni caprichoso, sino que tiene sentido para John: “Uso una gran variedad de ocres, es un proceso muy sutil. Los ocres más fríos están en las paredes de las pinturas y van hacia atrás y retroceden, mientras que los ocres cálidos de mi rostro avanzan hacia el espectador. Me gustan las paletas reducidas porque los colores brillantes y de alta densidad a menudo inhiben mi manera de pintar. Estaba pensando en la fotografía en sepia y la nostalgia por un pasado que nunca he vivido, me pareció una gama de colores muy adecuada para esta historia en particular”.

One of the most striking features in I Thought These Things Might Be Clues is the use of color. The predominant tones are sepia and brown, as old photography. This decision is not arbitrary or capricious, it makes sense to John: “I use a huge variety of umber colors, it is a very subtle process. Some of the umbers are cooler and the walls of the paintings fall back and recede, some warm umbers I put in the characters’ faces and they move towards the viewer. I like a reduced palette because high and bright colors often get in the way of my very direct way of painting. I was thinking about sepia photography and nostalgia for a past that I never experienced, it seemed a suitable range of color is needed to tell this particular story.”

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La influencia de la dualidad // The Influence of Duality John está acostumbrado a vivir entre dos países: Inglaterra y España. Esta dualidad es algo que le ha influido no sólo en lo personal, sino también en su arte, aunque él intenta que éste sea lo más universal posible: “Básicamente, mi arte no es sobre una experiencia inglesa o española. Hay experiencias que simplemente todo homo sapiens está sujeto a experimentar. Experiencias como desesperación, alegría, nervios, agotamiento, etc. Llevo dentro de mí una especie de célula hermética, dónde me retiro. Mi trabajo está prácticamente exento de cultura popular, es casi una forma de alejarme de la experiencia popular. Intento construirme un mundo muy reducido a la hora de trabajar, libre de los grilletes de los contactos o de pertenecer a un Zeitgeist (clima intelectual y cultural de una era) u otro” John is used to living between two countries: England and Spain. This duality is something that has influenced him in a personal way and his art too, although he tries to make his art was as universal as possible: “Basically my work is not about an English Experience or a Spanish experience. There are simply experiences which all homo sapiens are subject to. Experiences of desperation, joy, nervous exhaustion, etc. I carry within me a kind of hermetic cell, where I retreat to. My work is quite empty of popular culture, it is almost a turning away from popularized experience. I am trying to make myself a very reductive world in my work, free from the shackles of time or of belonging to some Zeitgeist (intellectual and cultural climate of an era) or another.” Para Robinson el paisaje, los colores y las luces españoles son únicos en el mundo, y le sirven de inspiración: “Recuerdo que antes de vivir aquí creía que España era un país de colores ricos y brillantes, y lo es, pero también es un lugar con sombras muy profundas creadas por el brillo del sol. Hay mucha

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oscuridad, y pienso que forma parte del carácter español ser oscuro y luminoso al mismo tiempo” For Robinson the landscape, colors and lights in Spain are unique in the world, and they inspire him: “I remember the time before I lived there thinking Spain was a country of rich vibrant color, and it is, but it is also a place of very deep shadows created by the bright sun. There is a lot of darkness there, and I think its part of the Spanish nature to be both dark and light at the same time.” La mayoría de los artistas suelen usar un determinado modelo que les sirve de inspiración. Sin embargo, cuando se observa el vídeo que acompaña a las imágenes de la exposición, vemos que John es también su propio modelo, algo que llama la atención:”Es importante señalar que estas pinturas no son autorretratos, son personajes que resultan ser yo. Para ser más concreto, usaré la frase de Francis Bacon: “Yo siempre estaba allí”. Bien, me he utilizado a mí mismo como si siempre estuviera allí”. Aunque

esta práctica es algo habitual en su trayectoria, Robinson está usando otro modelo por primera vez: “Actualmente estoy realizando una serie de pinturas con otra persona, es un artista mucho mayor que yo, que entiende lo que estoy intentando hacer con estas pinturas, algo muy importante”. Most artists tend to use a particular model that inspires them. Nevertheless, when we watch the accompanying video from the exhibition, we see that John is also its own model, something that attracts attention. “It is important to stress that these paintings are not self portraits, they are characters who happen to be me. For sheer economy I will use the Francis Bacon defense ‘I was always there’. Well, I used myself as I was simply ‘always there’. Although this practice is common for Robinson, he is using another model for the first time: ‘I am actually currently making a series of paintings with another person; he is a performer and much older than I am, who understands what I am trying to do with these paintings, which is very important.”

Crisis también significa oportunidad // Crisis Also Means Opportunity En tiempos de crisis en todos los ámbitos, son varios los agoreros que ven con temor el futuro del arte. Sin embargo, John se muestra de lo más optimista: “Vivimos en tiempos interesantes. El arte es emocionante de nuevo porque se ha convertido en un riesgo. La recesión ha provocado que los artistas piensen más en hacer cosas, y no creo que esto sea malo después de todo. Tengo mucho interés en ver si el arte tal como lo hemos conocido en los últimos 15 años sobrevivirá a la recesión, y si las galerías y los artistas se adaptarán a este cambio tan dramático. Pienso que los más jóvenes han visto como todos los antiguos sistemas nos han fallado y quieren crear algo nuevo y excitante. Creo que el estado actual del arte es peligroso y exigente, y me siento privilegiado por ser testigo de ello”. Con este mensaje de esperanza nosotros también soñamos con nuevos tiempos en el mundo del arte en general, para que

artistas innovadores como John M. Robinson nos permitan disfrutar de su arte por muchos años más. In times of crisis in all areas, some gloomy people view with apprehension the future of art. Nevertheless, John is more optimistic: “We live in interesting times. Art is exciting again because it has become a risk. The recession has made artists think more about making things, and I don’t think this is a bad thing at all. I will be very interested to see if art as we have known it for the past 15 years will survive the recession, and to see how galleries and artists will adapt to this dramatic change. I think younger people have seen how our old systems have failed us and want to create something new. I think the current state of art is dangerous and exciting and I feel privileged to witness this.” With this message of hope we also dream of new times in the art world in general, so innovative artists such as John M. Robinson will enable us to enjoy his art for many years.

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Soy // I’m

Mr Headup Recuerdo especialmente la de Appetite for Destruction, que Robert Williams (fundador de la revista Juxtapoz) hizó para Guns &Roses. I specially remember Robert Williams’ (founder of Juxtapoz) illustration for Guns & Roses’ Appetite for Destruction. Fui abandonando, aunque no del todo, la música rock y abriéndome al mundo del hip hop. Así, el graffiti entró en mi vida... [aunque él no lo practica] A lo largo de todos estos años también he sido un consumidor compulsivo de comic underground, especialmente de los americanos, Peter Bagge, Daniel Clowes, Robert Crumb... I abandoned, although not completely, rock music and started opening myself up to the world of Hip Hop. This is how graffiti entered my life… [even though he

doesn’t practice this art] I’ve also been a consumer of underground comics during all of these years, especially the ones by American illustrators Peter Bagge, Daniel Clowes, Robert Crumb… Tras estudiar una carrera de Ingeniería técnica, decidí que aquello no era lo mío. Entonces tomé una decisión y después de formarme de manera casi autodidacta, me dediqué a lo que de verdad me gustaba hacer: el diseño y la ilustración. After studying technical engineering, I decided that wasn’t my thing. I made the decision and after basically training myself, I started working on what I really enjoyed doing: design and illustration. [Atentos a Mr Headup // Heads Up for Mr Headup]

http://www.flickr.com/photos/headup http://www.behance.net/headup

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LA magia

NUNCA ACABA con

Didier Crisse Magic NEVER ends with

Por // By: Fátima Rodríguez Guzmán, Uno de los autores clave del cómic fantástico en los últimos años presenta su última creación One of the key authors of Fantasy comics in recent years presents his last creation

idier Crisse es una clara referencia para los amantes del cómic fantástico y con referencias históricas. Series como Atalanta, Luuna o La Espada de Cristal son sus obras más conocidas. Todas estas obras tienen en común el llamativo colorido de sus viñetas, la voluptuosidad de sus personajes (sobre todo de las mujeres) y la gran calidad, tanto de los guiones como de sus gráficos (él se encarga de ambos aspectos). Éstas son sus características más reconocidas, y responsables de su éxito en todo el mundo.

Didier Crisse sets the benchmark for Fantasy lovers and comics with historical references. His best known comic book series are Atalanta, Luuna and The Glass Sword. These works all have brightly colored frames, voluptuous characters (especially women) and high-quality scripts and graphics. These are his most well-known characteristics, and they are responsible for his success all around the world.

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Este año, Crisse ha presentado la cuarta entrega de la serie Atalanta, uno de sus personajes más famosos. Basado en el mito griego de la única mujer que formó parte de la tripulación de Jasón y los Argonautas, la protagonista es una guerrera bella e intrépida, capaz de vencer a sus enemigos gracias a su inteligencia y velocidad. Sin embargo, la diosa Hera sintió tanta envidia de sus dones que la maldijo: cada vez que ella se enamore de un hombre, éste morirá. Esta entrega de la serie, titulada Atalanta. L’envol des Boréades, aún no se ha publicado en España, pero el autor ha avanzado algunas de sus claves en el Expocómic’09 de Madrid, gracias a la exposición con los dibujos originales de la obra. This year, Crisse has presented the fourth installment of the Atalanta series, one of his most famous works. Atalanta, the main character, is a beautiful and intrepid warrior, who is able of defeat her enemies thanks to her intelligence and speed. She is the only woman in the Greek myth Jason and the Argonauts. Nevertheless, the goddess Hera felt so jealous that she cursed Atalanta: every time she fell in love with a man, he would die. The fourth chapter of the series, called Atalanta. L’envol des Boréades, isn’t published yet in Spain. However, the author has released some new details at Expocómic’09 in Madrid and exhibited some of the originals from this particular installment.

Aventuras para todos los públicos // Adventures for all ages

“Me

Crisse’s influences are surprising. Although you expect him to list some comic book authors, his references are in fact very different: “Homer and the classics are my biggest influence. I also love GrecoRoman and Celtic culture and mythology in general, because it is very rich”. It’s clear that comics are a major part of his life. However, Crisse imagined a different career when he was younger: “Actually, when I was a child I wanted to be a football player and to win the Champions League, but things didn’t go as planned. That’s the reason why I‘m here”. The Belgian author comments about his fantasies as a footballer between laughs and nostalgia. He says has no regrets: “Seriously now, I love my work, I always liked to draw and I wouldn’t change it for anything.”

Las curvas, siempre presentes // Curves are always present A menudo, el estilo visual de Crisse ha sido comparado con los dibujos de Disney, debido al colorido de sus ilustraciones. El autor aclara su opinión sobre esta comparación: “Para mí es un halago. Desde siempre he admirado el trabajo de Disney, ya que su calidad es incuestionable, y siempre ha sido todo un referente para todos los que nos dedicamos al dibujo”. Claro que la diferencia es evidente: los personajes dibujados por el belga son curvilíneos y sensuales de tal manera que el creador de Mickey se escandalizaría.

gusta mucho la fantasía, porque hace que la gente pueda soñar” // “I really love Fantasy, because it allows people to dream”

Fantasía es la palabra que mejor define la trayectoria de Crisse. El autor confiesa su amor por este género: “Me gusta mucho la fantasía, porque hace que la gente pueda soñar. Además, da más libertad tanto al autor como al lector, y gracias a este género puedes usar toda tu imaginación y creatividad. Me resulta mucho más estimulante que un estilo más realista”. Fantasy best defines Crisse’s works. The author confesses his love for this genre: “I really love Fantasy, because it allows people to dream. Moreover, it gives more freedom to both the author and the reader; in this genre you can use all your imagination and creativity. Fantasy is more stimulating than a more realistic style for me”.

Las influencias de Crisse son sorprendentes. Aunque esperas que empiece a enumerar a varios autores de cómic, sus referentes son otros muy distintos: “Homero y los autores clásicos de ese estilo son mi mayor influencia. Además, me encantan la cultura grecorromana, la celta y toda la mitología en general, ya que es muy rica”. Está claro que

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el cómic forma parte de la vida para este autor, aunque durante su infancia su vocación iba en otro sentido: “En realidad, de pequeño quería ser futbolista y ganar la Champions, pero las cosas no salieron como yo quería. Por eso estoy aquí”. El autor belga comenta sus fantasías de futbolista con una mezcla de risa y nostalgia, pero no lamenta su suerte: “En serio, me encanta mi trabajo, siempre me gustó dibujar, y ahora no lo cambiaría por nada”.

Crisse’s visual style is often compared with Disney’s drawings, because of his colorful illustrations. “It’s a compliment for me. I have always admired Disney’s work, because the quality is unquestionable, and he has always been the point of reference for all of us who devote our lives to drawing.” But the difference is obvious: the characters drawn by the Belgian are sexy and with a lot of curves, so Mickey’s creator would be shocked. Las mujeres tienen una gran importancia en la obra de Crisse, con protagonistas como la guerrera griega Atalanta o la pintora con poderes paranormales Perdita Queen. Son personajes fuertes e inteligentes

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“Siempre me han atraído

los personajes femeninos fuertes e inteligentes” // “I always feel attracted to strong and intelligent female characters”

que consiguen sus objetivos y superan todos los obstáculos en un mundo de hombres. El autor explica su pasión por los personajes femeninos: “Para empezar, todo el mundo dice que dibujo bien a las mujeres, que me salen muy guapas y sexys. Aparte de eso, siempre me han atraído los personajes femeninos fuertes e inteligentes, son los más agradecidos y con los que disfruto más por su complejidad”. Women have a great importance in the work of Crisse. The main characters like Greek warrior, Atalanta, for example, or the painter with paranormal powers, Perdita Queen. They are strong, intelligent and ambitious characters and they overcome every obstacle in a man’s world. The author explains his passion for female characters, “Firstly, everybody says I draw women very well, that I paint them pretty and sexy. Apart from this, I always felt attracted to strong and intelligent female characters because of their complexity.” Uno de sus últimos trabajos ha sido la colaboración en el cómic estadounidense Tellos, donde ha realizado uno de los episodios. Crisse opina de las diferencias a la hora de trabajar tanto en Europa como en Norteamérica: “En América tengo mucha más libertad. Si les gusta tu estilo te controlan mucho menos, hay más confianza. Por el contrario, en Europa son mucho más exigentes. Por ejemplo, los americanos están encantados con que les hagas un dibujo bonito. Sin embargo, los europeos quieren más: es esencial que tras el dibujo bonito haya una buena historia detrás. Si no, no les sirve de nada”.

One of his latest works is the collaboration of U.S. comic Tellos, in which he has made one of the chapters. Crisse discusses the differences between working in Europe and North America, “In America I have much more freedom. If they like your style they will control you less, there is more confidence. On the contrary, in Europe people are much more demanding. Americans are happy with a beautiful drawing. Nevertheless, Europeans want more: it’s essential to have a good story behind the cute picture. If it isn’t so, it is not good for them.” Hace años que el belga es un autor consagrado en el mundo del cómic. Sin embargo, ésa no es excusa para bajar el ritmo, y el autor así lo demuestra viendo la gran cantidad de proyectos que tiene en mente: “La quinta entrega de Atalanta, otra de Luuna y una nueva historia aún sin título con centauros y demás personajes fantásticos”. Los amantes del cómic fantástico en general y de Crisse en particular pueden estar tranquilos: tenemos Didier Crisse por muchos años. For many years now, the Belgian artist has been an acclaimed author in the world of comics. Nevertheless, he has not slowed down. Crisse has a lot of new projects planned for the future: “The fifth installment of Atalanta, another of Luuna and an unnamed new story with centaurs and other fantasy characters.” Fantasy comic lovers in general and Crisse fans in particular can be appeased: we will have Didier Crisse for many years.

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Bienvenidos al mundo macabro de Welcome to the Macabre World of

TORKE

Por // By: Fátima Rodríguez Guzmán. Imaginen por un momento un mundo diferente: un lugar tan siniestro e inquietante como divertido, poblado por personajes como conejitos torturados (literalmente), monos trepaculos y sombrereros locos. Este lugar existe, y pueden encontrarlo en Twisty Tales Of Halowii, el cómic revelación de la temporada. Aunque hace poco tiempo que se publicó (el 31 de diciembre, por supuesto), va camino de convertirse en una obra de culto, que ya cuenta con una serie de fieles seguidores. Imagine for a moment a different world: a place as sinister and disturbing as it is funny, inhabited by characters like tortured bunnies (literally), “trepaculos” monkeys and mad hatters. This place exists, and you can find it in Twisty Tales of Halowii, the sensational new comic of this season. Although it was published recently (on the 31st of October, of course), it is poised to become a cult classic among comic books, and it has already a lot of loyal fans.

¡Pasen y vean! // Step right up! Twisty Tales of Halowii reúne ocho historias cortas con “moraleja”, a cada cual más tenebrosa y divertida. Sus personajes tienen una apariencia adorable, pero sus personalidades son macabras. En

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fin, mala gente… pero tranquilos, estos desgraciados reciben su merecido. Torke, el responsable de todo esto, se muestra como un alter ego de sus personajes a través de sus mensajes a través de la web: malhablado, borde y deseándonos lo peor. Pero no os preocupéis: todo esto es una pose. Aunque hay quién realmente piensa que el autor es así, tal como éste nos cuenta entre risas: “¡Pero si soy una persona muy simpática y agradable! Claro, luego la gente me dice: “Yo te imaginaba mucho más tétrico y con cara de mala leche”. Simplemente, siempre he tenido un humor muy negro y es lo que realmente me gusta, sinceramente me río de todo esto. Me gusta dar caña a los que me leen, pero luego me lo agradecen, porque vienen aquí para que les firme, y mi dedicatoria es: “Te deseo una vida plácida y dulce, y una muerte horrorosa llena de gusanos”, y la gente me dice: “¡Ay, qué bien, qué bonito!”. Y yo feliz, claro”. Twisty Tales of Halowii brings together eight short stories with moral, each one darker and funnier than the previous. The characters have an adorable appearance, but they have a macabre personality. They are bad people, but don’t worry, they get their comeuppance. Torke, the man responsible for all this, shows to us as an alter ego

of his characters: foul-mouthed, rude and wishing us the worst. But don’t worry: everything is a pose. Although some people think he is that way, as he explains us laughing: “But I’m a very friendly and nice person! Of course, then people tell me: ‘I imagined you to be much gloomier and badtempered’. I have always had a dark sense of humour, that’s what I really like, honestly I laugh about it. I like to wind my readers up, but then they thank me, because they come here for my signing in the comic book, and my dedication is: ‘I wish you a peaceful and sweet life and a horrible death full of worms,’ and people say, ‘Oh, great, it’s beautiful!’ And I feel very happy, of course.”

El autor debuta con Twisty Tales of Halowii, un c贸mic terror铆fico y divertido

The author makes his debut with Twisty Tales of Halowii, a terrifying and hilarious comic humanize

“Es sólo un dibujo, a mí

no me gusta matar a los conejitos en la realidad, pero me parece muy gracioso” // “It’s just a picture, I don’t like to kill rabbits in real world, but I think is funny

”

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De la mano del narrador, Madhatter, un homenaje al sombrerero loco de Alicia en el país de las maravillas, conoceremos a criaturas como Harlekid, el niño arlequín que desea volar; Bunny M, el diabólico conejo de trapo con ojos de botón; Max, el niño suicida compulsivo; Takoh, el demonio cabezón; Chuby, el melancólico mono trepaculos; o Samedi, el anfitrión del anual banquete caníbal. En resumen, si eres un alma sensible, piénsalo dos veces antes de introducirte en esta pesadilla. Y es que muchos no simpatizan con un sentido del humor tan brutal, algo que Torke confirma: “Hay gente que lo ve y piensa: “Hala, ¿como es posible? ¿Por qué matas a un conejito?”. Es sólo un dibujo, a mí no me gusta matar a los conejitos en la realidad, pero me parece muy gracioso. Además, en estos momentos que todo el mundo está preocupado con la crisis, me parece que lo suyo es reírse, sobre todo de uno mismo. Por ejemplo, en uno de los relatos salgo yo mismo, y sale un mono trepaculos y me ataca”. By the hand of the narrator, Madhatter, a tribute to the mad hatter character of Alice in Wonderland, we will meet creatures like Harlekid, the harlekin boy who wants to fly; Bunny M, the diabolical stuffed bunny with button eyes; Max, the compulsive suicidal child; Takoh, the devil with the big head; Chuby, the melancholic “trepaculos” monkey; or Samedi, the host of the cannibal annual banquet. In short, if you are a sensitive soul, you must think twice before bringing yourself in this nightmare. Many people don’t understand a sense of humor so brutal, something that Torke confirms: “Some people see it and think: “Oh, how is possible? Why do you kill a rabbit?”It’s just a picture, I don’t like to kill

rabbits in real world, but I think is funny. Nowadays, everybody is worried about the recession, but we have to laugh, especially at ourselves. For example, in one of the stories I appear as myself and a ‘trepaculos’ monkey attacks me.”

Las odiosas comparaciones // Hateful Comparisons Humor negro, personajes coloridos y de ojos grandes y grandes dosis de saludable mala leche. ¿A quién les recuerda? Es casi imposible no pensar en Tim Burton, tanto en su labor como director en Pesadilla antes de Navidad como en su faceta de escritor en La melancólica historia de Chico Ostra. Algo a lo que Torke ya está acostumbrado: “Realmente hay pocos referentes en cuanto a cómic gótico o de la cultura gótica por así decirlo. Entonces, todo el mundo me dice “Anda, es como Tim Burton”, porque se parece de una forma más clara y tampoco hay mucho más con lo que compararlo. Bueno, yo creo que mi estilo es un poco diferente”. En concreto, Twisty Tales Of Halowii va más allá, algo que gustará a quiénes piensan que Burton es muy suave y demasiado comercial. Dark humor, colorful characters with big eyes and large doses of healthy bad temper. Who does this remind you of? It’s almost impossible not to think of Tim Burton, as his facet as a director in Nightmare Before Christmas and as a writer in The Melancholy Death of Oyster Boy. Torke is already used to this: “There really are few references about gothic comic. Then, everybody says: “Hey, he is like Tim Burton”, because it seems more clearly and there’s not much to compare it with. Well, I think my style is a bit different”. Specifically, Twisty Tales of Halowii exceeds it, something that will be loved by those who think Burton is very soft and too mainstream. Entre las influencias de Torke, encontramos a Roman Dirge (Lenore), Johnen Vasquez (Invasor Zim) o al inevitable Tim Burton. Estos tres autores también son conocidos por sus mundos macabros y su humor siniestro Sin embargo, no son las únicas influencias de Torke: “También me gustan mucho Neil Gaiman (Coraline) y el cómic americano en general, en fin un poco de todo. Al final, siempre es muy difícil que no te salga algo parecido a lo

de una persona que te gusta, así que yo soy una mezcla de todo”. In Torke’s influences, we found Roman Dirge (Lenore), Johnen Vasquez (Invasor Zim) and the inevitable Tim Burton. These authors are also known for their macabre worlds and the sinister humor. But they are not the only influences of Torke: “I also really like Neil Gaiman (Coraline) and American comics in general. In the end it’s always very difficult make something different than an author you love, so I am a mixture of every one of them”.

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que pudiese abandonar aquel nicho apestoso trepando por las paredes. Alimentándome de hienas y algún que otro aborigen despistado, conseguí cruzar el desierto e infiltrarme de polizón en un barco ballenero. En el transcurso del viaje aprendí el habla de los delfines para poder insultarles en su propia lengua. Cuando el barco descargó en España, decidí crearme una partida de nacimiento en Madrid, donde una familia de científicos locos decidió adoptarme como mascota. Abundantes y terribles fueron las torturas a las que me sometieron, tan grotescas como sexualmente excitantes”. La historia es mucho más larga, pero con esta muestra pueden hacerse a la idea.

La mente que ha creado esta pesadilla // The Mind That Created This Nightmare Pero en definitiva, ¿quién es Torke? Pues se trata de un madrileño de 27 años. Además de autor de cómic también es fotógrafo, ilustrador, programador web y diseñador gráfico de profesión. Alguien muy normal, nada que ver con ese ente infernal que nos desea la muerte desde la página web de Twisty Tales of Halowii, y nos cuenta una falsa biografía desternillante: “Nací por generación espontánea en una húmeda y mohosa cueva en las llanuras del Serengeti, donde pasé mi lactancia siendo amamantado por murciélagos. Ni os imagináis lo difícil que es conseguir sacar leche de la teta de un murciélago muerto, ni lo complicado que es para un bebé cazarlos pues los muy cabritos no querían ni acercárseme. A la edad de tres años, aprendí la habilidad de las babosas fluorescentes para segregar baba viscosa mientras reptaba, lo que fomentó

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But ultimately, who is Torke? Well, he is a 27 years old native of Madrid. He’s also a photographer, illustrator, web programmer and graphic designer. He’s someone very ordinary, completely unlike the infernal entity who wishes the death to us as described in the website of Twisty Tales of Halowii. On the website, he tells us a hilarious false biography: “I was born by spontaneous generation in a damp, musty cave in the plains of the Serengeti, where I spent my breast being suckled by bats. You can’t imagine how difficult it is to get milk from the teat of a dead bat, or how difficult it is for a baby to hunt them, because the little bastards did not want to get close. At the age of three years, I learned the ability to secrete sticky saliva of fluorescent slugs while I was crawling, and this encouraged me to abandon that stinky niche. Feeding hyenas and clueless Aboriginals, I crossed the desert and infiltrate as a stowaway on a whaling ship. During the journey, I learned the speech of dolphins in order to insult them in their own language. When the ship unloaded in Spain, I decided to get a birth certificate in Madrid, where a family of mad scientists decided to adopt me as a pet. Plentiful and terrible were the tortures they subjected me, as grotesque as sexually arousing”. The story is much longer, but with this sample you get the idea.

Ante un estilo tan marcado, es fácil temer el encasillamiento. Sin embargo, esto no parece preocupar a Torke. Su próximo proyecto, Nonamed, es radicalmente distinto: “Una historia más seria, con fotomontajes de dibujos. Va sobre el maltrato de niños, niños soldados y demás. Es algo que ya tengo muy avanzado y elaborado, desde hace mucho tiempo. A ver si el año que viene se publica”. Además, no descarta una segunda parte de su ópera prima. Esperamos estas nuevas obras con impaciencia. Mientras tanto, podemos disfrutar de Twisty Tales Of Halowii, un cómic para morirse…de risa. Faced with a style so sharp, it’s easy to fear typecasting. But Torke is not worried about that. His next project, Nonamed, is radically different: “A more serious story, a photomontage made of drawings. It’s about child abuse, child soldiers and more. It’s something I have already developed and advanced long ago. I’ll see I can have it published by next year”. Meanwhile, we can enjoy Twisty Tales of Halowii, a comic book to die for… die laughing, that is.

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Por // By: Celia Conde

EVE

Photographers

2005. Johannesburgo. La fotógrafa Bénédicte Kurzen y Gary Knight, fotógrafo de la Agencia VII, conversan en la terraza de la casa de ésta. Una sugerencia y todo comienza: EVE Photographers. 2005. Johannesburg. The photographer Bénédicte Kurzen and Gary Knight - photographer of VII Agency- are talking on the terrace of her house. One suggestion and everything starts: EVE Photographers. Esa sugerencia no era otra que la idea de “unirse a otras fotógrafas que estaban en su mismo momento profesional y que tenían los mismos objetivos” comenta Lourdes Segade. “Gary pensó que a lo largo y ancho del globo, en los muchos talleres que ha impartido, de todos los fotógrafos que había conocido, los que más ilusión, pasión, ganas y energía tenían eran mujeres”. Así que Gary y Bénédicte hicieron una lista, de ahí salieron ocho nombres. Unos cuantos e-mails y… “seis de nosotras dijimos que sí, y aquí estamos”. Lourdes Segade, Marizilda Cruppe, Newsha Tavakolian, Bénédicte Kurzen, Agnès Dherbeys y Justyna Mielnikiewicz.: seis fotógrafas con gran conciencia social. Formaron EVE Photographers en 2006 y poco después presentaron su primer proyecto en el encuentro de foto y periodismo Ciudad Gijón. “Fue también el momento en que nos conocimos todas personalmente”, cuenta Lourdes.

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That suggestion was none other than the idea of, “joining other photographers who were at the same professional moment and had the same goals,” tells Lourdes Segade. “Gary thought that in the many workshops he’s conducted around the globe, of all of the photographers he had known, who had the most enthusiasm, passion, desire and energy were women.” So, Gary and Bénédicte made a list of eight names. A few e-mails and, “six of us said yes to the project and here we are.” Lourdes Segade, Bénédicte Kurzen, Marizilda Cruppe, Agnès Dherbeys, Newsha Tavakolian and Justyna Mielnikiewicz: six photographers with great social awareness. They formed EVE Photographers in 2006 and, soon after, presented their first project at the photo and journalism meeting of Ciudad Gijón. “It was also the time when we all met personally,” Lourdes says. EVE Photographers expone AGUA, su último proyecto, en FNAC Plaza Norte de Madrid hasta mediados de enero de 2010. “Queríamos llamar la atención sobre algún problema medioambiental que fuera serio y que estuviese afectando a una gran parte de la población mundial”. Entre los muchos problemas medioambientales decidieron centrarse en el del agua, que ya en la actualidad está siendo motivo de conflictos, y que va camino de convertirse en el gran problema humanitario del futuro.

“Queríamos mostrar que para algunos la obtención de agua supone una batalla cotidiana; para otros, el eje central de su vida, o la fuente de sus desvelos. Cada una elegimos una historia que nos llamó la atención y la desarrollamos.”, comenta Lourdes. EVE Photographer shows ON THE WATER FRONT - named AGUA in Spain - their latest project, in FNAC Plaza Norte of Madrid until mid January 2010. “We wanted to draw attention to some environmental problems that are serious and are affecting much of the world population.” Between the many environmental problems they decided to focus on the water, a problem that is triggering many conflicts nowadays, and that is poised to become the great humanitarian problem of the future. “We wanted to show that for many people to get water is a daily battle, the focus of their lives, the source of their sleepless nights. Each of us chose a story that attracts our attention and developed it.” Ni números, ni nombres de desconocidos. Trabajar con personas reales hace que se involucren y sensibilicen más con las historias y los temas que tratan. “El contacto con las personas que sufren el problema hace que el problema sea tuyo también… te haces más consciente de que detrás de los grandes problemas de los que se habla siempre hay personas que los

sufren directamente”, nos cuenta Lourdes. Ella estuvo en Malawi durante un mes, conviviendo con personas que tenían que recorrer quince kilómetros varias veces al día para conseguir el agua para cosas tan básicas como cocinar o asearse. La vuelta a España, a Barcelona, se le hizo difícil. El debate sobre el trasvase del Ebro estaba en su punto álgido. Su indignación iba en aumento al ver el drama que hacían algunos por la posibilidad de que pudiera haber restricciones de agua de una hora si no llovía lo suficiente. “El agua vale mucho. Mucho más de lo que aquí pagamos por ella. Y la mayoría de la gente que está acostumbrada a abrir el grifo y que corra el agua, no lo sabe. Ni le interesa saberlo. Por eso explicamos estas historias, porque creemos que todos deberían conocerlas y después actuar un poco más en consecuencia”. No phone numbers, no names of unknown people. They feel that working with real people makes them more implicated and sensitized with the stories and the issues that are being delt with. “Contact with people that is suffering the problem makes it yours too… you become more aware that behind the great problems of which everyone talks there are always people who suffer directly,” tells Lourdes. She was in Malawi for one month and was living with people who had to walk fifteen kilometers several

times a day to get the water necessary for such basic things as cooking or bathing. The return to Spain, Barcelona, was hard. The debate over the Ebro transfer was in its most intense moment. Her indignation was increasing as she saw the drama some people did for the possibility of one hour water restrictions if it did not rain enough. “Water is worth so much. Much more than the quantity we pay for it here. And most people that are used to opening the tap and letting the water run do not know it. They do not even care about it. Therefore we explain these stories, because we believe that everyone should know them and then act accordingly.”

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Fotos // Photos: Newsha Tavakolian

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La historia que Marizilda Cruppe nos pretende mostrar se desarrolla muy lejos de Malawi: en Brasil. Los problemas en torno al agua son aquí el nexo de unión entre dos continentes, el puente que relaciona a personas que viven a miles de kilómetros de distancia. El río San Francisco, en el estado brasileño de Minas Gerais, es uno de los ríos más importantes y largos del mundo, y a su vez, con uno de los ecosistemas más amenazados. El objetivo de esta fotógrafa es “condenar el hecho de que en lugar de hacer esfuerzos para distribuir agua potable a las personas que viven en zonas semiáridas, el Gobierno esté invirtiendo enormes sumas de dinero para construir un canal, que de hecho, sólo beneficia a los agricultores”. Y es que como nos explica Marizilda, “el río San Francisco se está muriendo lentamente y lo que es necesario hacer para salvar el río, no se ha hecho”. The story that Marizilda Cruppe is trying to show us is developing far away from Malawi: in Brazil. The problems around water are the nexus between two different continents, the bridge that related people who live thousands of miles away. The San Francisco River, in the Brazilian state of Minas Gerais, is one of the largest and most important rivers in the world and, at the same time, one of the most threatened ecosystems. The purpose of her work is, “to condemn the fact that instead of making efforts to distribute drinkable water to the people who

live in Brazils semi-arid regions the government is investing enormous amounts to build a canal, which will in fact only benefit farmers.” As Marizilda explains, “the San Francisco River is dying slowly and what is necessary to do to save the river hasn’t been done.” Brasil, Tailandia, Barcelona. Cada una vive en una parte del mundo, por lo que la comunicación no resulta precisamente fácil. Diferencias horarias, trabajos individuales, reuniones con las agencias, hacen que la única posibilidad de comunicación directa sea vía Skype. Aunque incluso esto resulta complicado: “si estamos de viaje podemos tener problemas para conectarnos al Skype”, comenta Marizilda. Cuando por fin consiguen “juntarse en el ciberespacio” todo empieza. Primero una lluvia de ideas, después una lista de temas y, finalmente, uno sólo -no sin antes haberlo debatido intensamente-. “La elección no responde a nada más que al interés que despierta un tema en nosotras y el interés que creemos que puede despertar en el mundo.” Marizilda matiza más: “historias que tienen un alcance universal y que están sucediendo a nuestro alrededor, y al mismo tiempo, historias con las que todo el mundo puede identificarse”.

available for direct communication is via Skype But even this is complicated, “if we are on the road we can have problems to connect to Skype” Marizilda tells. When they finally manage to “come together in cyberspace,” everything starts. First, brainstorming, then a list of topics and finally just one - but not before having been discussed intensively. “The choice does not respond to anything more than the interest that a subject arouses in us and the interest we believe could arouse in the world.” Marizilda adds, “Stories that have a universal scope and that are happening in our own backyards and at the same time, stories that everybody can relate to.” ¿Por qué sólo mujeres en EVE Photographers?, me pregunto nada más conocer la existencia de este colectivo. “¿Y por qué no sólo mujeres…?” contesta, rotunda, Marizilda. Why only women in EVE Photographers? “Why not only women…?” I ask myself when I learn of the existence of this group. “Why not just women ...?” Marizilda answers, resounding.

Brazil, Thailand, Barcelona… each of them lies in a different part of the world. So, communication is not an easy thing. Time differences, individual works, meetings with agencies, make that the only possibility the only possibility

Foto // Photo: Newsha Tavakolian

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Fotos // Photos:

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AgnĂ¨s Dherbeys

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Maternidad: Ese fue el título de su primer proyecto, con el que se presentaron como EVE Photographers. “Queríamos que tratase un tema universal y, a poder ser, exclusivamente femenino. Y pensamos que la única cosa que es exclusivamente femenina es la maternidad como hecho biológico”, comenta Lourdes. “Creo que es bastante natural que fotografiemos temas relacionas con la mujer. No importa dónde mires, es siempre lo mismo, ancianos, mujeres y niños son siempre los primeros y más afectados por todas estas plagas”, apunta Marizilda. Motherhood: That was the title of their first collective work as EVE Photographers. “We wanted that it was a universal topic and, ideally, exclusively female too. And we thought that the only thing entirely female is motherhood as biological fact,” Lourdes says. “I think it is quite natural to photograph issues affecting women. No matter where you look… it is always the same; the elderly, women and children are always the first and most affected of all of these plagues,” Marizilda adds. No hay normas ni restricciones a la hora de fotografiar para los proyectos de grupo, dado que las seis tienen una misma idea de lo que es la fotografía. Una concepción muy periodística: “Compartimos los principios básicos de esta profesión”, me aseguran. “Tenemos que dar voz a

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quienes tienen la historia, que son los que la viven.” Así que, partiendo de esa base, su posproducción no va más allá de “lo que se haría en un laboratorio básico: contraste, corrección de color, saturación. No hay manipulación de ningún tipo”. No les gustan las etiquetas, pero es difícil no ponerles ninguna con un trabajo tan objetivo y testimonial a la hora de mostrar las historias. “Es un lenguaje universal. A través de la fotografía podemos comunicarnos con personas analfabetas, personas de diferentes culturas, opinión política, género, religión... La fotografía muestra sentimientos con los que todos y cada uno de nosotros puede identificarse”, explica Marizilda. There are no rules or restrictions when they photograph for EVE projects, since the six of them have the same vision about what photography is. A very journalistic concept: “We share the basic values of this job,” they assure me. “We have to give voice to those who have the story and those who live it.” So, on this basis, their postproduction does not go beyond “what you would do in a basic laboratory: contrast, color correction, saturation. There is no manipulation of any kind.” None of them like labels but it is hard not to do when their work is so objective and it provides so much evidence when they reveal the stories. “It is a universal language. We can communicate through photography to illiterate people, to people from different

cultures, political views, different gender, religion.... Photography shows feelings that each and every one of us can identify with.” Aunque una buena fotografía por sí sola no necesite palabras, para Lourdes el pie de foto es imprescindible: “…aunque visualmente no vaya al mismo nivel que la imagen. Los nombres, los datos concretos, humanizan el contenido de las imágenes. La foto adquiere una dimensión que sólo puede añadirle la historia que hay detrás”. Although a good picture by itself does not need words, for Lourdes, captions are essential: “…although visually it does not go to the same level as the image. Names, facts, humanize the image content… the picture acquires a dimension that can only add the story behind it.”

The next project for EVE Photographers has no date for the time being. Each of them is at a different time in their career and they need time to improve as a group and reflect on the mistakes and successes. “We have to optimize the performance of EVE to be what we wanted to go from the beginning: a platform to enrich our looks, to share, exchange and improve our individual work by giving them a more global dimension.” Entrevista a Lourdes Segade, Marizilda Cruppe and Newsha Tavakolian Interview with Lourdes Segade, Marizilda Cruppe and Newsha Tavakolian

El próximo proyecto de EVE Photographers por ahora no tiene fecha. Cada una está en un momento diferente de su carrera y necesitan tiempo para mejorar como grupo, para reflexionar sobre los errores y aciertos. “Tenemos que optimizar el funcionamiento de EVE para que sea lo que quisimos que fuera desde el primer momento: una plataforma donde enriquecer nuestras miradas, donde compartir, intercambiar y mejorar nuestros trabajos individuales dándoles una dimensión más global”.

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LUCRECIA MARTÍNEZ

Por // By: Gonzalo Macos Fotos // Photos: Belma H-F León

Autorretrato // Self-Portrait: Lucrecia Martínez

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Los Trajes Que Bailan // The Costumes That Dance No es necesario conocer la diferencia entre tejer, coser o bordar para asombrarse ante el esplendor en movimiento de los trajes diseñados por Lucrecia Martínez. Estupor que intentamos compartir mediante la sesión fotográfica que tuvo lugar una fría tarde de otoño en la madrileña Plaza de Santa Ana y de la que podemos disfrutar a continuación. Adjuntamos los comentarios realizados antes, durante y después del evento por la artista lorquina. It isn’t necessary to know the difference between weaving, sowing, and embroidering to be amazed at the splendor in movement in Lucrecia Martínez’s costumes. A stupor that we attempted to share in the means of a photo session, which took place on a cold Autumn afternoon in Madrid’s Plaza de Santa Ana,and we can enjoy in the following images. We have attached the comments made before, during and after the event by the artist. Se muestran trajes diseñados para tres piezas diferentes: “Sujetos” (Michelle Man & Friends), “RED” (Michelle Man & Friends), y “Platoniclov”(Pabúpabú) que casi sin querer nos presentaba Lucrecia sobre la marcha. The costumes in the images are from three different pieces: “Subjects,” (Michelle Man & Friends), “RED,” (Michelle Man & Friends), and “Plataniclov,” (Pabúpabú), that Lucrecia introduces to us almost by accident:

Sujetos // Subjects “’Sujetos’ se trataría de una improvisación pautada por parte de los músicos y los bailarines de la compañía Michelle Man & Friends en el patio de la escuela de arquitectos de Ávila dentro de la programación de su proyecto ‘Arquitectura en danza’. Un elástico de 50 metros ayudaría a crear espacios dentro del patio. Realicé todo el trabajo a

partir de una fotografía del patio oportunamente delimitado en uno de sus lados por la muralla de la ciudad. Me quedé con lo esencial que se me ofrecía en aquella imagen: muralla, piedras, acero corten, césped; y emulando la construcción del muro y los colores del espacio creé los cuerpos entrelazando el elástico con retor y gasa, tejidos muy elementales, casi tanto como las piedras viejas que rodearían a los bailarines”. “‘Subjects is an patterned improvised piece by the musicians and dancers at the Michelle Man & Friends dance company, which took place in the garden of Avila’s architecture school, in their program, ‘Arquitecture in Dance.” A 50-meter elastic band helped create spaces within the garden. I carried out all of the work basing it on a single photograph of the garden, luckily limited on one side by the city’s wall. I held on the the essentials that the image had to offer: a wall, stones, steel, grass and emulating the construction of the wall and the colors of the space, I created the bodies interweaving in the elastic band with ‘retor’ and gauze, with very elemental fabric, almost as much as the old stones that surrounded the dancers.”

RED “’RED’ nace de la asimilación de estas palabras de María Zambrano: ‘La atención es ávida, hambrienta, como el ser humano. Cuando la atención se despierta, lo mismo que cuando el hombre se despierta, va hacia algo; no se despierta simplemente, se despierta a, hacia, al encuentro de la realidad y dentro de ella hacia algún punto o aspecto de ella’. En un alarde de originalidad (risas) y no perdiendo de vista todo lo orgánico que me sugerían las palabras de la filósofa malagueña, usé el rojo como base de los trajes. Rojo como la sangre y rojo como el tomate. La forma de esta fruta me animaría a dar volumen a los vestidos”. “’RED’ comes from the assimilation of the following words by María Zambrano: ‘Attention is avid, hungry, like the human being.

When attention awakens, just as a man awakens, it goes towards something; it does not simply awaken, it awakens to, towards finding reality and within it, towards some aspect of it.’ In a show of originality (laughs) and not losing touch with what was really suggested by the words of the Malagueñan philosopher, I used the color red as a base for the costumes. Red like blood and red like a tomato. The form of this fruit inspired me to give the costumes some volume.”

Platoniclov “Para ‘Platoniclov’, homenaje de Pabúpabú al cine mudo, debía diseñar y confeccionar vestidos que recordaran a los años 20. Vestidos que incitaran a bailar un charlestón pero que sin copiar el estilo de aquel entonces, recrearan desde un punto de vista actual la imagen, quizá estereotipada, que tenemos de lo vetusto”. “For ‘Platoniclov,’ Pabúpabú’s tribute to silent film, I had to design and create dresses that would remind people of the 20s. Dresses that incited people to dance a Charleston, but without copying the style from back then, therefore recreating the image from a contemporary viewpoint, maybe stereotyped, that we have of ancient things.”

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SUJETOS // SUBJECTS

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PLATONICLOV

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RED

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Polifacetas // Many Sides Demandada sobre sus proyectos futuros habla de un nuevo proyecto con Pabúpabú, de su inmersión en el mundo del diseño de vestuario para cine, y del montaje de una pieza con el grupo “Tres por dos” que entremezclará música, danza y vídeo. Permaneceremos atentos. In demand due to her future projects, she talks about a new Project with Pabúpabú, about her immersion in the film wardrobe design world, and the creation of a piece with the group, “Tres por dos,” where she will combine music, dance and video. We will wait attentively. Con todo esto se nos está olvidando decir que la propia Lucrecia Martínez es bailarina, que partiendo de una formación clásica ha pasado a la contemporánea, que ha viajado y danzado por pueblos marroquíes con el colectivo Marcapasos, que ha participado en el inventariado y catalogación del Museo del Traje de Madrid; pero… ¿y si los trajes bailaran? Comprobémoslo. With all of this said, we’re forgetting to mention that Lucrecia Martínez is a dancer herself, and has evolved from being a classically-trained dancer to a contemporary one. She has travelled and danced throughout Moroccan towns with Marcapasos and she has participated in the inventory and cataloging process at Madrid’s Costume Museum. What if the costumes could dance? Let’s find out.

Bailarines // Dancers: Michelle Man: educación británica es, entre otras muchas cosas que podéis consultar en www. michellemanandfriends.com, directora, coreógrafa y bailarina de la compañía Michelle Man & Friends. With a British education, she is, among other things that can be seen at www.michellemanandfriends.com, the director, choreographer and dancer for the dance company, Michelle Man & Friends. Marina Ayán: es entre otras muchas cosas que podéis consultar en www.pabu-pabu.com, directora, coreógrafa y bailarina de la compañía Pabúpabú. Among many things that can be seen at www.pabupabu.com, she is the director, choreographer and dancer at the dance company, Pabúpabú. Salva Víllora: es, entre otras muchas cosas, bailarín de las compañías Michelle Man & Friends y Pabúpabú. He is, among many other things, a dancer at Michelle Man & Friends and Pabúpabú dance companies. Idea original reportaje fotográfico: Gonzalo Marcos

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S Por // By: Fátima Rodríguez Guzmán

La serie abandera la revolución de la ficción por Internet The series leads the revolution of Internet fiction El mundo está cambiando, y el panorama audiovisual no es una excepción. Gracias a Internet y a la popularización de las nuevas tecnologías, realizar una serie ya no es algo que sólo unos pocos afortunados puedan hacer. En este caso, tenemos a los chicos de Desalmados, una nueva serie por Internet que pretende sorprendernos a todos. Ellos forman un equipo técnico y creativo con ganas de vivir esta aventura, con un presupuesto modesto pero muchas ilusiones.

The world is changing, and the current audiovisual situation is not an exception. Thanks to the Internet and the popularization of new technologies, a series is no longer something that only a lucky few can do. In this case, we have the guys of Desalmados, a new Internet series that wants to surprise us. They are a technical and creative team which is eager to live this adventure, with a modest budget but a lot of hope.

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David Velduque y Víctor Martín León forman parte del equipo de Desalmados. La noche del estreno aún está reciente y ya están inmersos con la postproducción de los últimos capítulos de esta temporada. Aunque tienen mucho trabajo por delante, se complementan a la perfección: David es el experto en relaciones públicas y Víctor se encarga de los aspectos técnicos. Están satisfechos porque la proyección del primer episodio en el Costello tuvo una grana acogida, tal como comenta David: “Siempre tienes muchos miedos cuando estás montando algo y cuando lo estás viendo en tu casa. A lo mejor al principio te gusta y te hace gracia, pero llega un momento cuando lo has visto mil veces que ya estás inmune. Siempre temes la primera impresión de la gente, porque además todo el mundo tenía muchas expectativas: por toda la gente que ha participado con nosotros, y por los medios en los que hemos salido como Fotogramas… Pero la gente se quedó con ganas de más y lo que nos dijeron de momento es bueno”. Además, los chicos están de enhorabuena. Van a firmar un contrato con Antena 3, que colgará los capítulos en su canal de Internet. Incluso podrían estrenar en televisión. Aunque el camino hasta aquí ha sido largo: hace más de un año que empezaron a escribir los guiones y hasta abril del 2010 no podrán pensar en tomarse un descanso. David Velduque and Víctor Martín León are part of the Desalmados team. The opening night is still recent and they are already engaged with the post-production of the final episodes of this season. Although they have much work ahead, they complement each other perfectly: David is the public relations expert and Victor is responsible for technical aspects. They are satisfied because the screening of the first episode at Costello’s was a great success, as David comments: “You always have many fears when you edit and see a film in your home. Maybe at first you like and find it funny, but there is a moment that it doesn’t affect you when you have seen it

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a thousand times. First impressions always fear people because everyone had great expectations: for everyone who has participated with us, and the media where we have appeared, like Fotogramas… But people kept wanting more, and what they told us is good at the moment.” In addition, they are glad: they will sign a contract with Antena 3, which will post the chapters in its YouTube channel. Even they could appear on TV. Although the way here has been long: they began to write the scripts a year ago, and until April 2010 they won’t take a break. El argumento de la serie es de lo más original: la historia se desarrolla en una oficina, donde los trabajadores deciden el destino de las almas de la gente que muere. En sus manos está decidir si el alma se va por la puerta A (el paraíso) o la B (el infierno). Lo peor de todo es que los encargados de esta delicada tarea son unos sinvergüenzas, por lo que la comedia está asegurada. David explica el objetivo de la serie: “Queríamos una comedia de situaciones graciosas, de personajes cómicos. Algo liviano, pero con un toque de crítica y con una buena historia detrás. En nuestro caso, tratamos temas como la burocracia, la maldad, los trepas o el egoísmo de la sociedad actual”. Víctor señala los referentes de Desalmados: “A la hora de decidir el tipo de comedia, nos inspiramos en la comedia inglesa más actual, al estilo de The It Crowd, o en series antiguas como Fawlty Towers, que se basan principalmente en el diálogo más que en golpes de slapstick o en chistes”. The plot of the show is very original: the story takes place in an office, where workers decide the fate of the souls of the dead. They have to decide if every soul exits to the A door (Heaven) or the B door (Hell). The worst is that people responsible for this delicate task are scoundrels, so comedy is guaranteed. David explains the aim of the series: “We wanted a funny sitcom, with hilarious characters. Something light, but with a touch of criticism and a good story behind it. In

our case, we address issues such as bureaucracy, wickedness, social climbers or the selfishness of modern society.” Víctor points out Desalmados influences: “When we decided the kind of comedy, we inspired in current British comedy, like The In Crowd, or old series like Fawlty Towers, based primarily on dialogue rather than slapstick humor.” Obviamente, ellos también siguen otras series por Internet. Víctor cita sus favoritas: “Venga Monjas nos gusta mucho. Es una serie muy sencilla, grabada con cero euros por dos chicos de Barcelona. También nos gustan otras series como Pendiente de título, donde también colaboramos. Nos gusta porque tiene un buen acabado técnico y trabajan mucho para conseguir esos buenos resultados. También alguna otra española, como Canal Friki o Con pelos en la lengua”. Obviously, they follow other Internet series. Victor lists his favorite ones: “We like Venga Monjas very much. It’s a very simple series, recorded with zero euros by two guys from Barcelona. We also love other series like Pendiente de Título, where we collaborate too. We like because it has a very good quality finished edition, and they work hard to achieve these good results. We also highlight other Spanish series, like Canal Friki or Con pelos en la lengua”.

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El esfuerzo recompensado // Effort Rewarded Los chicos de Desalmados han ido más allá. Han fundado una productora, The Look Films, con la que han podido financiar la serie. David afirma: “Nos hemos apañado gracias a que nuestras familias y amigos nos quieren mucho y también por el dinero que nosotros hemos ahorrado de nuestros trabajos personales. Es un paso que hemos decidido dar porque confiábamos mucho en Desalmados y en otros proyectos en los que estamos trabajando, como una obra de teatro”. El logo de la productora (un montón de ojos que se mueven, con una animación estilo Pixar) también resume su filosofía, señala Víctor: “Todas las creaciones audiovisuales son el resultado del trabajo colectivo de un grupo de personas que colaboran entre sí para llegar a un producto final. Qué mejor manera de mostrar eso que con tantos ojos en un logo”. También han hecho otros trabajos, como el corto Romeo. The guys from Desalmados have gone above and beyond. They have founded a production company, The Look Films, with which they were able to fund the series. David says, “We have managed thanks to our families and friends that love us so much, and also due to the money we have saved from our other jobs. We have decided to take this step because we trusted Desalmados and other projects, like a play.” The logo of the company – a lot of moving eyes, with a Pixar-like animation defines their philosophy, as Víctor points out, “Every audiovisual creation is the result of a collective work by a group of people that collaborate together to reach a final product. The best way to demonstrate this is through with lots of eyes.” They have done other work, like the short film Romeo. A estas alturas ya podrá verse el primer capítulo en su web. Los episodios verán la luz cada quince días, aunque todas las semanas se

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colgarán especiales y avances. Eso sí, los seguidores de Desalmados deben estar preparados, según David: “El primer capítulo es el más suavecito de todos. Desalmados va a dar bastante más que hablar. Los personajes y las situaciones se van a ir incrementando en cuanto a nivel. Serán cada vez más locos, las historias serán más disparatadas, con más sexo, más acción…Todos los ingredientes van a ir a más”. Estaremos atentos. You can already watch the first episode of the series. Each chapter will be opened every fifteen days and every week special videos and advances will be posted. Followers of Desalmados must be ready, according to David: “The first episode is the lightest in content. Desalmados is going to get people talking. The characters and situations are going to increase. It will be more absurd, with more sex and action. All the ingredients are going to be more intense.” We can’t wait.

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PELÍCULAS

DE LA

DÉCADA Films

of the

Decade POR // BY: GONZALO MARCOS Hay litros de tinta gastados en analizar concienzudamente las películas que he seleccionado por lo que usaré este escueto espacio como un ejercicio sobre el efecto que han dejado con el paso del tiempo en mi memoria. Y claro, si las he elegido es porque han sido las cinco películas que más me han emocionado en estos diez años, o eso creo recordar.

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Liters of ink are wastes in analyzing the films I have selected, which is why I will use a small amount of space sharing the effect these films have had on my memory. And of course, if I’ve selected them, it’s because they’re the five movies that have moved me the most during the last ten years, or so I think.

Sharasojyu (Naomi Kawase – 2003) Con Naomi Kawase es fácil entender el cine y por encima de todo a los cineastas. Kawase necesita de la cámara para acercarse a las cosas que realmente le importan. Todo lo que hay en su cine está hecho desde las entrañas. Y “Sharasojyu” es la culminación de un estilo en donde lo que no se ve e incluso lo que no está es más importante que lo que percibe visualmente el espectador. Magistrales los primeros diez minutos, con la cámara introduciéndonos delicadamente en la historia, y magistrales los momentos finales que no voy a desvelar aquí. Una de las mejores películas que he visto nunca.

It’s easy to understand film and filmmakers with Naomi Kawase. Kawase needs the camera to get closer to the things that really matter to her. Everything that appears in her films comes straight from her guts. And “Sharasojyu” is the culmination of the what-youdon’t-see and what-isn’t-there style, where this is more important than what the spectator sees. The first ten minutes are genius, where the camera introduces us to the story, and the last instances of the film are genius, as well, yet I will reveal them here. One of the best films I have ever seen.

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Saraband (Ingmar Bergman – 2003) ¡Qué bonita coda la de esta zarabanda, danza lenta y solemne, también lío, embrollo, para la inabarcable obra de Ingmar Bergman! ¡Cuánta emoción en los rostros de Liv Ullmann y Erland Josephson! Hay demasiada verdad en las películas del director sueco, de la que duele. Demasiada verdad en los cuerpos desnudos de los marchitos personajes que protagonizan “Saraband”. Una obra que nos habla del ocaso de la vida en ya no sé si tercera, primera o segunda persona. Y pensar que fue concebida como telefilme... This saraband in Ingmar Bergman’s boundless piece has a beautiful coda, solemn and slow dancing, also intertwined, tangled! So much emotion in Liv Ullmann and Erland Josephson’s faces! There’s too much truth in the Swedish director’s films, the kind that hurts. Too much truth in the naked bodies in the withered characters that lead “Saraband.” A film that talks about the decline of life in third, first or second person. And to think that it was conceived as a TV movie…

Un couple parfait (Nobuhiro Suwa – 2005)

No debe de ser fácil poner en escena y rodar el fin de una relación. Suwa en su periplo por Francia nos deleita con una obra que habla de ello dando un curso magistral de cómo rodar en interiores. Marcos de puertas que cierran planos, encuadres dentro de encuadres, planos secuencia con los actores improvisando dentro y fuera de campo... Una película durísima sobre la imposibilidad del amor que debe ser vista inmediatamente después de “Viaggio In Italia” (Roberto Rossellini, 1954). It can’t be easy to make a scene and film the end of a relationship. Suwa, during his lengthy voyage through France, delights us with a film that talks about it during a great course on how to film in interior settings. Door frames close shots, frames within frames, sequence shots with the actors improvising on and off camera… A brutal film about the impossibility of love that needs to be seen immediately after “Viaggio In Italia,” (Roberto Rossellini, 1954).

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La soledad como punto de partida para construir una suerte de fábula a varias bandas sobre las relaciones de pareja. A Resnais no sólo le acompañan los actores de siempre sino que retoma temas, simbologías y casi personajes de sus trabajos corales habituales. Recomiendo verla después de su “On Connaît la Chanson” (Alain Resnais, 1997) y aprovechar para compararla maliciosamente con “El Otro Lado de la Cama” (Emilio MartínezLázaro, 2002). Magníficos trabajos los de Sabine Azéma y Pierre Arditi.

Coeurs (Alain Resnais - 2006)

Loneliness as a starting point to construct a fable of luck for various bands, about couples’ relationships. Not only do the same actors accompany Resnais, but he takes up themes, symbology and almost characters again from his habitual work. I recommend watching it after “On Connaît la Chanson,” (Alain Resnais, 1997) and compare it maliciously to “The Other Side of the Bed,” (Emilio Martínez-Lázaro, 2002). Great work by Sabine Azéma and Pierre Arditi.

Paranoid Park (Gus Van Sant - 2007)

Si de “Sharasojyu” decíamos que era la culminación de un estilo, algo parecido tendríamos que decir de “Paranoid Park” tras dirigir Gus Van Sant la mal llamada trilogía de la muerte (“Elephant”, “Gerry” y “Last Days”). Esta es una película rotundamente bella, una especie de ensoñación romántica sobre la pérdida de la inocencia y, por encima de todo, un alegato sobre la inviabilidad de narrar. Un diario en llamas que seguramente sea la cima del director de fotografía Christopher Doyle. If we said that “Sharasojyu” was the culmination of a style, we could say something similar about Gus Van Sant’s “Paranoid Park,” which he filmed after the badly titled death trilogy (“Elephant,” “Gerry,” y “Last Days”). This is an absolutely beautiful film, a sort of romantic daydream about the loss of innocence and, on top of everything, an argument about the impracticality of narration. A diary in flames, which is probably the peak of cinematographer Christopher Doyle.

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BRIEF R E V E

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