Humanize Issue 5

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a igual lo que diga la gente, todos tenemos historias para no dormir.

Entre historias de muerte, la policía, o una madrastra terrorífica, todos tenemos esas historias. Y es una pena que sólo recordemos esos momentos tan horrendos, incluso cuando no los compartamos con nadie.

Esas son las memorias que se quedan con nosotros. En la mayoría de los casos, ocupan un porcentaje pequeñísimo de nuestra existencia, pero el trauma que causan hace que ocupen todo el espacio que tenemos en la cabeza y exprimen lo bueno para fuera. Bueno, pues he decidido apagar el botón de anécdotas-para-no-dormir en mi cabeza. Y deja que os diga, damas y caballeros, que me ha cambiado la vida.

No matter what anyone says, we all have screwed up stories to tell. Whether it involves death, the police, or a scary-ass stepmom, we all have them. And it’s a shame that we only recall those horrid moments, even if we don’t share them with anyone. Those are the memories that stick with us. In most cases, they make up a very small percentage of our existence, but the trauma they cause tends to take up all of the room we have in our heads and they squeeze out the good stuff. Well, I’ve decided to turn off the fucked-up-anecdote switch in my head. And let me tell you, ladies and gentlemen, it has changed my life.

In September of 2007, I looked up and saw yellowish, blue skies, no clouds, a couple unidentifiable trees. I breathed again where I took my first breath 21 years before. I remember thinking, “I’m surrounded by micromachines,” as we passed the cars of the highway. I was in what I thought was my world. And it was one of the happiest days of my life.

En febrero del 2008, mire para arriba y vi el cielo nocturno, sin nubes, sin árboles, y pelo rizado, oscuro. Respiré y me di cuenta que acaba de conocer a alguien que me cambiaría la vida, no tenía coche. Recuerdo estar tumbada a su lado sin querer moverme. Estaba en un mundo que pensaba que jamás vería. Y fue uno de los mejores días de mi vida.

In February of 2008, I looked up and saw night skies, no clouds, no trees, and curly brown hair. I breathed in and I knew that I had just met someone who would change my life, she didn’t have a car. I remember laying there and never wanting to move. I was in a world I never thought I would see. And it was one of the happiest days of my life.

En abril de 2010, mire para arriba y vi Atlanta. Respiré y me dormí. Volvía a mi verdadera casa. Y fue uno de los mejores días de mi vida.

In April of 2010, I looked up and saw Atlanta. I breathed in and fell asleep. I was going back to my real home. And it was one of the happiest days of my life.

Much love,

En agosto del 1994, miré para arriba y vi el cielo azul, nubes blancas, montañas, pinos. Respiré aire limpio por primera vez, saboreé la brisa fresca del aire de Washington. Recuerdo que quería salir del coche y correr y tocar esos coches enormes que pasaban al lado de nuestro coche del alquiler. Estaba en otro mundo. Y fue uno de los mejores días de mi vida.

In August of 1994, I looked up and saw blue skies, white clouds, mountains, pine trees. I breathed fresh air for the first time, tasted the cool breeze of the Washington air. I remember wanting to jump out of the car and run and touch the enormous cars that drove past our tiny rental. I was in another world. And it was one of the happiest days of my life.

En junio del 1998, miré para arriba y vi un bebé recién nacido, nubes blancas y lluvia. Respiré este olor de recién nacido por primera vez, besé la cabeza de mi hermano, cubierta con un gorrito azul. Recuerdo que lloré mientras salía de la habitación, diciéndole a mi hermana, “Ya somos hermanas mayores”. Estaba en el mejor mundo. Y fue uno de los mejores días de mi vida.

In June of 1998, I looked up and saw a tiny baby, white clouds and rain. I breathed in the new-born scent for the first time, kissed my brother’s tiny, blue-hat-covered head.

I remember crying as I walked out of the room, telling my sister, “We’re finally big sisters.” I was in the best world. And it was one of the happiest days of my life.

En septiembre del 2007, mire para arriba y vi un cielo amarillo y azul, sin nubes, un par de arboles sin nombre.

Respiré de nuevo el aire que me dio la bienvenida al mundo 21 años antes. Recuerdo pensar, “Estoy rodeada de micromachines”, mientras pasábamos los coches en la autopista. Estaba en un lugar que pensaba que mi mundo. Y fue uno de los mejores días de mi vida.

Karla D. Romero

Editor // Director

Karla D. Romero (karla@humanizemag.com)

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hdez-Francés León

(belma@humanizemag.com)

Redactores // Writers Alberto Salas Fátima Rodríguez Carmen Valache Gonzalo Marcos Celia Conde Pedro Moreno

Colaboradores // Colaborators Eugenia Fernández

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Publicidad // Advertising

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Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción total o parcial de cualquiera de los reportajes.

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Depósito Legal: LE-1874-2009

CONTENIDOS // CONTENTS

20Thee Brandy Hips

“Todo está habladísimo. Vivimos juntos. Somos cuadrilla. Todo gira en torno a esto” “Everything’s been said before. We live together. We’re a tema. Everything revolves around this.”

26 Manuela Moreno 40 Errol Morris El truco del mago The Magician’s Trick

54 Eva Vázquez Portada // Cover

60 Sander Meisner

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Slava Mogutin Imágenes de poesía y sensualidad sin pudor Unblushing images of poetry and sensuality

74 Ibán Ramón 80 Written Architecture Arquitectura escrita: Auge y caída de la ciudad ideal Written Architecture: the Rise and Fall of the Ideal City

Informe: crisis en el mund Report: Crisis in the World

¿Éste es el final, o un nuev Is This the End or a New Beg Por // By: Fátima Rodríguez Traducción // Translation: Carmen Valache

¿Crisis? ¿Qué crisis? Esto es lo que se preguntaban Supertramp en los lejanos 70. Con estas tres palabras también podríamos definir la situación de la música en la actualidad: la temida palabra “crisis” está por todas partes, y por supuesto el mundo de la música no es una excepción.

Por eso, los músicos se las están ingeniando de diferentes maneras para darse a conocer y sacar sus canciones adelante.

Crisis? What crisis? This is what Supertramp were asking themselves in the remote 70s. And these words also describe the situation nowadays in the world of music. After all, the much feared word “crisis” can be heard all over these days, and the music world is no exception. For this particular reason musicians are trying to be creative to make it through and promote their songs.

Para empezar, hay que tener en cuenta un factor: ¿la crisis económica ha provocado una situación similar en la música? Según Eduard, de la promotora de conciertos Deria Música, no es así: “La industria tal como la conocíamos hace diez años esta herida de muerte. Se centraba el negocio musical en la venta de discos y en los derechos que éstos generaban. Actualmente la industria discográfica tal como la conocíamos es casi inexistente”. Es decir, desde hace muchos años antes este mundo está pasando una mala racha. Cabe recordar que la piratería lleva presente en nuestras vidas mucho tiempo, sobre todo desde que llegó Internet. La cuestión es por qué la gente piratea, ya que son muchos los que no podían comprarse un CD años antes de la crisis. La respuesta es obvia, según todos a los que se les pregunta: los CDs son caros, bajando raras veces de los 12 euros. Sólo en los últimos tiempos parecen haber bajado los precios, con discos que reducen su precio a unos 6 euros un año después de haberse editado. Un abuso del que se culpa a las propias discográficas (sobre todo a los grandes sellos) y a los intermediarios. Paula, compradora de discos,

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do de la música // d of Music

vo comienzo? // ginning? lo aclara: “Los jóvenes no tenemos dinero suficiente. Por 12 euros como mucho te puedes comprar dos ó tres discos al año, mientras que de la otra manera puedes tener todos los que quieras”. Pau Riba, uno de los muchos artistas que han decidido autoeditar sus discos al margen de las discográficas, da su opinión: “Lo obsoleto no es el tipo de contrato si no el tipo de empresa: las discográficas, por muy multinacionales que sean, ya no tienen sentido. Es el modelo de discográfica que ficha al artista en exclusiva, lo ata corto con un contrato leonino y lo trata como una propiedad, exigiéndole, desde el momento en que es quién paga, unos determinados rendimientos, incluso a nivel ideológico o estético”.

To begin with, one has to take into account the economic crisis. Did it lead to a similar situation in music? According to Eduard from the concert promoter Deria Music, things are not quite this straightforward. “The industry, as we knew it ten years ago, is dead. Back then, the music business was based mostly on disc sales and selling the rights to these. The music industry, as we knew it then, is almost inexistent right now.” This means that the old music business has been going through a rough time for quite some time now. Also important to bear in mind is piracy, which has been with us for a long time, particularly since the advent of the Internet. The question is why people continue to pirate music, since there were many who could not afford to buy a CD for years before the crisis. The answer was obvious to everyone I asked: CDs are expensive, and they rarely go below EUR 12. It’s only been lately that prices went somewhat down, with CDs costing as little as EUR 6 one year after their release. In fact, record companies, and particularly the big names, are often times accused of abuse for the high prices they practice.

Paula, a CD buyer, makes matters clear: “Since we’re young, we don’t have enough money. With EUR 12 you can buy a maximum of two or three CDs a year, whereas you can have all the pirated music you want for that money.” Pau Riba, one of the many artists who decided to record their own music and only work loosely with record companies, shares his opinion: “Not the contracts, but rather the companies are obsolete in this industry. Record companies, no matter how multinational they are, don’t make any sense anymore. I am talking about the type of record company that requires exclusive collaboration from artists, and feels entitled to demand a certain type of ideological and aesthetic performance, since it’s the one paying the bills.”

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“Do It Yourself” Con estas perspectivas, es normal que los nuevos artistas hayan optado por otras alternativas. Cada vez son más los que optan por la autoedición. No hablamos sólo de pequeños grupos que recurren a esta opción porque ninguna discográfica quiere ficharlos. Músicos consagrados como El Cigala, Pearl Jam o Radiohead han decidido publicar sus últimos trabajos dando de lado a estas compañías, hartos de las condiciones abusivas de sus contratos. Por eso, han surgido compañías como Autoeditados Distro. En esta web, los músicos cuelgan sus discos para que la gente se los descargue. El contrato con la compañía no les exige exclusividad y cada cual elige el precio por el que venderá su obra. Javier, uno de sus responsables, da más detalles: “Fabricar un disco con nosotros cuesta desde 0,69 €vendiéndolo a 8 € en las tiendas, siendo el 100% de las ventas para el artista. Suena bien, ¿no? A cambio de tu master, la mayoría de las compañías discográficas ofrecían entre un 3 y un 10% de las ventas al por mayor”. Nada en comparación con la libertad de la que gozan los músicos que recurren a esta opción.

Pau Riba la defiende precisamente por esa razón: “Hoy en día, el músico es dueño de si mismo y él es su propia empresa.

Los demás deberían reconvertirse en empresas de servicios (distribución, sonorización, promoción, gestiones varias) con una oferta concreta y determinada y unos precios que el músico, como cliente, como autónomo, pueda considerar y aceptar o no aceptar. Es decir, hay que darle la vuelta a la industria musical: el músico se ha emancipado y los miles y miles de intermediarios —lo que yo llamo chupópteros y vampiritos, que son, o eran, la mayoría— se tienen que tragar ese sapo. Reciclarse o morir”.

Given the situation in the music industry, it is only normal that artists would opt for other alternatives. More and more of them choose to record their own music. And we are not talking about small groups who do so because no record company wants to work with them. Established musicians such as El Cigala, Pearl Jam or Radiohead decided to release their last albums without the assistance of such companies, because they were sick of the abusive requirements of their contracts. And this is why companies such as Autoeditados Distro have appeared.

Musicians can upload their albums on the Autoeditados website, so that people can download them. The contract with the website does not require exclusivity and the artists choose the selling price for their own albums. Javier, a representative of Autoeditados Distro, provides more information: “The cost of releasing a CD with us starts at € 0.69, and the sale price in stores is about € 8. The authors get all the profit. The great majority of record companies used to offer anywhere between 3 and 10% of the profit in exchange for your master copy.” And nothing comes close to the freedom that these freelance musicians enjoy. Pau Riba advocates freelancing for this particular reason: “Nowadays, the musician is his own boss and is a one person company.

The other industry actors should become service providers (distributors, sound technicians, marketing, various other logistical services), who make a concrete offer which the musician, as a freelancer, can take into consideration and accept or not.

That means that we have to turn the music industry around; the musician has gotten more emancipated and the thousands and thousands of mediators- what we call drones or bloodsuckers and who are, or used to be the great majority- have to accept it.

Reinvent themselves or disappear.”

Claro que no todos confían tanto en la autoedición, empezando por las propias discográficas. Manuel, de la discográfica Ejército Rojo, ofrece su punto de vista: “Fue el pasado, es parte del presente y podría ser el futuro, pero la autoedición no es todo si los discos y el resto de la actividad de los grupos no se gestionan bien. Ser un compositor o un intérprete brillante no garantiza capacidad para hacer una buena gestión de la propia música.

La autoedición sólo será el futuro de quienes estén preparados para afrontarla con garantías. Prescindir de intermediarios me parece la forma ideal de trabajar, pero, si se considera como única opción, asistiremos a la creación de un enorme cementerio de anónimas grabaciones muertas justo después de nacer”.

Obviously, not everyone agrees to this practice, and the first to disagree are the record companies themselves. Manuel, from the Red Army record company, shared his point of view: “Selfrecording is a practice that’s been taking place and that might

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continue, but it can fail if the album and the other group activities are not well organized. Being a great composer or musician doesn’t mean being capable of managing your music. Selfrecording is a good option only for those who are ready to take on a challenge. Working without any mediators is ideal, but, if it is the only option taken into account, we’ll be faced with an enormous cemetery of anonymous albums that died right after they were born.”

¿De verdad se vende tan poco? // Are Sales Really That Low? Vivimos en tiempos extraños. Por un lado, la gente ya no compra CDs porque son caros, y claro, estamos en crisis. Pero resulta que estamos en pleno auge de la moda vintage, y en la música eso ha traído el regreso del vinilo cuando todo el mundo lo daba por muerto y enterrado. Y no se trata de un capricho barato: aunque hay algunos más baratos, un vinilo puede costar de media entre 25 y 30 euros. ¿Pero no se supone que estamos mal de dinero?

Leo Alcáraz, Jefe de Producto en Música y Merchandising en la FNAC, lo explica: “Un disco bien complementado con extras inéditos, con un DVD, con libreto, fotos, letras, sigue siendo un objeto muy atractivo. Tantos los jóvenes por la moda vintage como los menos jóvenes, por la necesidad de disfrutar de la liturgia de ponerte un vinilo, ha hecho que la venta de dicho formato haya crecido”. Además, otros productos como merchandising se siguen vendiendo bastante bien, quizás porque son más difíciles de falsificar: “La música no es únicamente poner un simple CD en el lineal a ver qué pasa, es mucho más: es vinilo, es merchandising, conciertos, forums, coloquios, etc”. Borja Prieto, director de MySpace, propone el que podría ser el modelo para el futuro: “Creo en la coexistencia. Por ejemplo, yo soy muy fan del objeto y como yo, hay mucha gente, el objeto no va a desaparecer pero se impondrán y coexistirán otros modelos como el streaming, que es cómodo y está a un solo click”.

Chema, coleccionista de vinilos que presume de tener cerca de cien en su casa, da su opinión: “Los discos físicos, sobre todo los vinilos, tienen un tacto y un sonido especiales. No es lo mismo tener un disco en tu ordenador que tenerlo en tu casa adornando tu habitación. Además, el sonido es más auténtico”.

We live in strange times. On the one hand, people don’t buy CDs because they are expensive and, of course, because we’re in a crisis. However, it turns out that we are at the peak of the vintage trend, and in music this meant bringing back the vinyl, right when everybody thought it was dead. And we’re not talking about a cheap indulgence either; although some are cheaper, on average, vinyl discs cost between EUR 25 and 30. Aren’t we supposed to be poor? Leo Alcáraz, Product Manager in the Music and Merchandising Department of FNAC, elaborates: “A vinyl disc that comes with cool extras, such as a DVD, a booklet, pictures, lyrics, continues to be a popular product. Both young people, who buy them because of the vintage trend, as well as the less young who want to enjoy the rite of playing a vinyl contributed to the sales increase of this format.” Moreover, other formats continue to sell well because they are hard to forge. “Music is more than simply putting a CD on the line and then waiting to see what happens. It’s also vinyl, it’s merchandising, concerts, forums, conferences and so on.” Borja Prieto, Manager of MySpace, makes a suggestion about a possible scenario for the future. “I believe in coexistence. For instance, I like having the product in my hands, and there are many others like me. So discs won’t disappear, but rather new streaming methods will prevail as well, particularly those that are just one click away. “Chema, a vinyl collector who claims to have almost 100 of them at home, said that: “Physical discs, and above all vinyl ones, have a special feel and sound. It’s not the same having an album on your hard drive as having it in your house, embellishing you room. Besides, vinyl sounds more authentic.”

Leo Alcáraz ha sido especialmente crítico tanto con la piratería como con la valoración de la cultura en nuestro país: “España nunca ha habido el proteccionismo que Inglaterra o Francia han dado a su cultura musical. En España, lejos de proteger y valorar el bagaje cultural que supone la Música, se descuida. Por eso cada vez hay menos radios musicales de calidad, menos programas musicales en TV, menos prensa especializada, menos salas donde actuar, menos tiendas de discos, etc”.

Leo Alcatraz proved to be particularly critical, both of piracy and in his appraisal of the Spanish culture: “Spain never offered the kind of protectionism that France or the UK offered their music industry. Far from protecting and valuing the cultural asset that is The Music, the Spanish culture neglects it. This is why there are fewer and fewer quality radio stations, fewer and fewer music shows on TV, less specialized media, fewer concert halls, fewer music stores, etc.”

Pero lo último es la escucha de canciones por streaming (a través de Internet) a través de Spotify o MySpace. Ésta última se ha convertido en uno de los referentes para los artistas y los amantes de la música, ya que por aquí se han dado a conocer artistas ahora populares como Russian Red o Anni B Sweet.

Borja Prieto, director de MySpace, explica por qué: “Es cómodo, porque lees en una revista u oyes a alguien que habla de un grupo nuevo y sabes que en MySpace va a estar. Es un efecto amplificador. También promocionamos muchísimo a grupos jóvenes que están despuntando y supongo que eso a la larga se nota. Para muchos grupos es su única ventana al mundo e insisto, por Myspace pasan millones de personas al mes”. Según él, puede darse de alta quién lo desee: “Es una red abierta donde cualquiera puede escucharte, tenga perfil en MS o no lo tenga.

Te ofrece las herramientas básicas para hacer tu propia web y te da muchas pautas y pistas de cómo promocionarte. Es como una invitación al Do it Yourself”.

The latest hit is to listen to songs that stream online through websites like Spotify or MySpace. The latter has become a point of reference for artists and music lovers alike, ever since popular artists like Russian Red or Anni B Sweet gave concerts on MySpace. Borja Prieto, MySpace Manager, explains why that is.

“It’s convenient. You see an article in a magazine or hear from someone about a new group and you know it’s going to be on MySpace. It’s like a snowball effect. We are also promoting a lot of young bands that are trying to make a name for themselves and I suppose that it shows. For many bands, MySpace is the only exposure they get and I repeat, Myspace get millions of visitors every month.” According to him, anyone can sing up. “It’s an open network, where anyone can listen to your music, create an account or do without one. It provides basic tools on how to create your own website and many suggestions about promoting oneself. It’s like an invitation to Do it Yourself.”

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El directo no entiende de crisis // Live Music Safe From Crisis No todo pinta tan mal en el mundo de la música. Los conciertos y las actuaciones en directo de músicos no sólo no han sucumbido a la crisis, sino que han aumentado sus beneficios. Según el último informe de la Asociación de Promotores Musicales (APM), si 21,8 millones de personas acudieron a un concierto en 2000, en 2008 esta cifra subió por encima de los 33 millones. En 2000 se celebraron 71.045 conciertos, mientras que en 2008 casi se dobló la cifra llegando a los 144.859 conciertos. Por esta razón, ésta es la mayor fuente de ingresos para cualquier cantante. Eduard, de Deria Música, está de acuerdo con esto: “Las bandas ya establecidas para generar ingresos han de tocar en directo y las emergentes para darse a conocer también.

Hay más directos que nunca”. Claro que, como siempre, los novatos salen perdiendo frente a los veteranos, según Eduard: “Para los artistas ya establecidos es la mejor fórmula.

Para las bandas emergentes no, entre los alquileres de sala, promoción y publicidad, es difícil poder cubrir los gastos de la producción. Las bandas emergentes lo han de considerar una inversión de promoción”. Pero las actuaciones en directo a veces traen problemas, como señalan Javier de Autoeditados: “La piratería nos afecta mucho menos que los impagos de actuaciones por parte de ayuntamientos y organismos públicos. No creemos en la piratería pero sabemos de verdaderos Piratas”.

Not everything is going badly in the music world. Not only were concerts and live performances not affected by the crisis, but sales went up. According to the latest report of the Association for Music Promoters (APM), 21.8 million people went to concerts in 2000, while in 2008 their number reached over 33 million. In 2000, 71.045 concerts took place, while in 2008 the number had almost doubled- 144.859. The numbers clearly show that live performances are the best source of income for artists. Eduard, from Deria Music, agrees.

“Established bands should give concerts to generate profit, while aspiring ones should do so in order to make a name for themselves. There are more live shows now than there have ever been.” He continued by saying that newbies will obviously fall short when compared to veterans. “Live is the best formula for established bands, but not so much for new ones. Between the cost of renting a venue, promotion and advertising for the concert, aspiring bands have a hard time covering production expenses. So they should look at this as an investment in promoting their name.” However, as Javier from Autoeditados noticed, live performances can cause a series of problems. “Piracy affects us much less than the failure of city halls and other public institutions to pay for the services we provide. We don’t believe in piracy, but we can tell who the true Pirates are.”

Entonces, ¿cuál es el futuro de la música? ¿Esto se hunde, como todos nos dicen a todas horas? Pau Riba anticipa cómo será la relación con los artistas a la hora de negociar con ellos: “On line y de tu a tu. Relación directa entre el músico —o alguien designado y contratado por él, alguien de confianza— y el cliente, Algo parecido a lo que pasa en el mundo de las artes gráficas… salvando la diferencia que las artes gráficas suelen trabajar con originales, que no se pueden librar si no es a mano, mientras que la música trabaja siempre con copias que se pueden distribuir por la red en un plis plas”. Borja Prieto también es optimista frente al cambio: “Lo veo apasionante en el sentido de que tiene que dar una vuelta importante, la música está más viva que nunca, se escucha muchísima música, la gente sabe y recomienda música todo el rato. Habrá que ver como se adapta toda la industria discográfica al crecimiento de la industria musical”.

So what will the future bring for the music industry? Will it go down, like everybody keeps saying all the time? Pau Riba puts forward a scenario about how negotiations with the artists will go in the future. “Online and by word of mouth.

There will be a direct relationship between the artists- or a trustworthy representative s/he appoints- and the client. It’s

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going to be similar to what’s happening in the graphic arts industry, with the exception of the fact that graphic arts tend to work with originals that cannot be used unless they are hand-made, whereas music works with copies which can be distributed online in a jiffy.” Borja Prieto is also optimistic about change: “I am enthusiastic about what’s to come, because I think it will be a change for the better. Music is more alive than ever, a lot of music is listened to these days, people know and recommend music all the time. We will have to wait and see how the recording industry will adapt to this growth in the music industry.”

Manuel, de Ejército Rojo, resume en una frase contundente su visión del futuro: “El de la música, brillante; el de la industria, tal como la conocemos, no existe”. Continúa: “Asistimos a un cambio de modelo que no será efectivo hasta que no desaparezca por completo el anterior, algo muy difícil por la cantidad de intereses creados alrededor. La caída de ventas de los soportes físicos “tradicionales” abre la necesidad de buscar fórmulas nuevas y en eso estamos. Muchos caeremos en la transición. La piratería es sólo el reflejo de la caducidad de unas fórmulas y la necesidad de otras. Se desmorona un negocio, el de la música; la gente trata de asegurar como sea su subsistencia, el arte es una necesidad; y alrededor de esa desgracia se generan mafias. Todo eso desaparecerá cuando la gestión del arte y las carreras artísticas sea eficaz y justa.

Los piratas no están sólo en las calles, vendiendo CDs en mantas. Algunos despachos son auténticas cuevas de piratas”. Mientras, los ciudadanos esperamos con ansia el momento en el que comprar un CD (o una oferta de varios a un precio recomendable) sea algo más que un lujo y en el que comprarnos una entrada para un concierto no nos duela en el bolsillo. Ojalá esto no sea nada más que un bache en el camino, o una época de transición hacia una época mejor.

Manuel, from the Red Army, summarizes in a few blunt statements his take on the future: “The future of music, brilliant; that of the industry as we know it, non-existent.”

And he goes on saying “We are seeing a change that will not reach its full potential until the old system is fully out, which will be tough because of the many interests involved. The decrease in the sales of so-called traditional physical media brings the necessity to look for new ways and this is what we’re on to at the moment.

But this transition will mean the downfall of many. Piracy is only an indication that we’re approaching the end of a system and that there’s a need for a new one. The music business is collapsing; people are trying to insure a living as well as they can, since art is a necessity. And mafias are surging around this disaster. However, all these evils will disappear once the management of the arts and of musical careers will be efficient and just. Pirates are not merely those who’re selling CDs in the streets. Some of the industry companies are authentic pirate caves.”

In the meantime, people are anxiously waiting for the moment when buying a CD (or a number of them on sale) will be more than a rare treat and buying a ticket to a concert will no longer hurt their pockets. The current situation will hopefully be nothing more than a small obstacle on the way, a transition period to a better future.

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THEE BRAN

“Todo está habladísimo. Vivimos juntos. So “Everything’s been said before. We live together.

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omos cuadrilla. Todo gira en torno a esto” We’re a tema. Everything revolves around this.”

Por // By: Gonzalo Marcos

Fotos // Photos: Josefina Andrés

Traducción// Translation: Gonzalo Marcos Será Internet, o será que son muy pesados, pero durante estos últimos años se ha hecho casi imposible no saber de la existencia de unos tales Thee Brandy Hips. Ya fuera porque sacaban una maqueta nueva, porque abrían una página web, porque teloneaban a este u otro grupo, porque participaban en un concurso o porque son muy pesados, pero qué difícil ha sido intentar pasar del que para el que esto escribe no era más que otro grupo que quiere sonar a Gang of Four. Y si todo eso lo consiguieron en su etapa maquetera, no se imaginan hasta dónde pueden llegar ahora que han editado su primer trabajo con distribución seria y cierta maquinaria promocional profesional detrás: “We Are Love”. Y lo peor de todo es que aquí me encuentro, tarareando sus canciones, pasándomelo pipa transcribiendo la extensa y gratísima conversación (¿entrevista?) que tuve con ellos. Y definitivamente rendido: Thee Brandy Hips me gustan.

It may be internet, or it may be that they’re extremely annoying, but during these last few years, it has been impossible not to hear about the so-called Thee Brandy Hips. Whether it was due to a new demo, a new webpage, because they opened for this group or that group, because they participated in contests, or simply because they’re very annoying. But damn, was it hard to avoid writing about this group that was said to be another group that wants to sound like Gang of Four. And if they achieved all of that during their demo stage, one can’t imagine how far they’ll go now that they’ve edited their first LP with serious distribution and with certain professional promo machinery to back them up: “We Are Love.” The worst of it all is that I find myself humming their songs, having a blast transcribing the extensive and pleasant conversation (interview?) that I had with them. I definitely give up: I like Thee Brandy Hips.

Y van gustándome cada vez más porque son un grupo transparente: es increíblemente fácil escuchar “We Are Love” y descubrir que son una banda en movimiento, en formación continua, en búsqueda de La Canción. Desde la segunda [canción] vamos descubriendo la pelea interna que tienen los donostiarras por sacar todo lo que sus poliédricas mentes les piden. O así entiendo yo el interludio a lo The 13th Floor Elevators que le endosan a “Three Young Hipsters” para engarzar el principio con el final y que no se quede en otra canción que quiere sonar a Violent Femmes. Pero la sorpresa aparece en cuarta posición: ¡suenan guitarras acústicas, coros, arreglos delicados! Qué bonita es “Mr. Thinman”. Y para despistarme más aún nos plantan dos canciones abiertamente pop al final del disco, “V – Empire” y “Hummingbird” que además pasan por ser mis preferidas del conjunto.

And I keep liking them more and more because they’re a transparent band: it’s incredibly easy to listen to “We Are Love” and find that they’re a band in movement, in continuous formation, in search of The Song. From the second [song], we discover the inner fight the Donostia natives have in order to release everything within their polyhydric minds. Or that’s what I get when I listed to the interlude to The 13th Floor Elevators that lumbers before “Three Young Hipsters” in order to tie the beginning with the end, so it doesn’t turn into another song that wants to sound like the Violent Femmes. But the surprise comes in the fourth position: acoustic guitars sound, choruses, delicate arrangements! “Mr. Thinman” is so beautiful. And to go on more of a tangent, they lay-out two openly pop songs at the end of the album, “V-Empire,” and “Hummingbird,” which are also my favorite songs.

Dado un repaso al disco, a mis reticencias iniciales y a mi convencimiento posterior, démosle voz al grupo: “Somos amigos desde hace un montón de tiempo. Es básico el que seamos colegas, no podríamos meter en el grupo a un tío que no conociéramos. De hecho cuando entró Aritz a tocar el teclado, primero pensamos en él y luego ya aprendió a tocar el instrumento. Ése es el proceso.”

Given the album another listen, as well as to my initial relentlessness and my posterior conviction, let’s give the band some room to talk, “We’ve been friends for a long time. It’s a basic idea that we’re friends, we couldn’t have a dude we didn’t know in the band. In fact, when Aritz came in to play the keyboards, we first thought of him and then he learned to play the instrument. That’s the process. ¿Cómo se fragua “We Are Love”? Contesta Alex, batería y portavoz no oficial de la banda: “Normalmente trabajamos por bocetos, Iñaki tiene una idea, la recoge con el ordenador, nos peleamos... El caso es que tras un periodo de sequía muy largo, de repente una mañana me encontré en el correo con nueve ideas a las que Asier les había puesto melodía y dado forma. Pasamos de no tener nada a tener casi un disco con el que trabajar. Sabíamos que teníamos unos días para grabar en Madrid, pusimos fecha y dos meses para cerrar las canciones.

Empezamos con ensayos casi diarios, y tras muchas broncas e infinidad de plátanos engullidos teníamos seis canciones más “Mr. Thinman”, que no nos salía, hasta que a Asier se le ocurrió quitar cosas, hacer algo más acústico, a lo The Shins. Fue un proceso rápido, muy divertido”.

How was “We Are Love” conceived? Alex, the drummer and unofficial spokesperson for the band, answers: “Normally we work with sketches, Iñaki has an idea, he picks it up with the computer, we get in a fight… The thing is that after a very long period of drought, all of the sudden one morning I found nine ideas in the mail that Asier had put melody and added form to. We went from not having anything, to having an album we could work with. We knew we had a few days to record in Madrid, we set a date and two months to close all songs. We started with almost daily rehearsals and after many fights and an infinity of shriveled bananas, we had six songs, plus “Mr. Thinman,” which didn’t sound right, until Asier came up with the idea of removing things, to do something more acoustic, in a Shins kind of way. It was quick process, a lot of fun.”

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Como ocurre con tantos otros grupos Humanizers, Thee Brandy Hips se han autoeditado el disco, que se puede descargar de manera gratuita en su página web o adquirir en LP o CD. “Ni nos habíamos planteado el hecho de que alguien nos sacara un disco. Tras fabricarnos y vender las maquetas teníamos claro que con el disco haríamos lo mismo. Lo intentamos mover pero salvo que nos ofrecieran algo muy gordo tampoco pensamos que con esfuerzo, imaginación e insistencia no lo pudiéramos hacer nosotros. Hicimos un sello medio imaginario, Young Hipster Records y adelante. La autoedición es como darse de hostias todo el rato. Un máster en industria discográfica desde cero”.

As is common with so many Humanizing bands, Thee Brandy Hips have self-edited their álbum, which can be downloaded for free on their webpage and where their LP or CD can be purchased.

“We didn’t even contemplate someone actually releasing our album. After fabricating and selling the demos, we were sure that we would do the same with the album. We tried to move it, but unless we were offered a large amount, we never thought that with effort, imagination and by insisting that we could do it ourselves. We created a half-imaginary label, Young Hipster Records and moved forward. Self-editing is like kicking your own ass continuously. A master in label industry from zero.”

¿Y después qué? “Luego está el vacío de ‘¿y ahora qué hago con el disco?’. Incluso dudamos si fabricar el CD o no. Nos fijamos en el ejemplo de Cohete, hablamos con La Trinchera - su actual agencia de promoción - pero tenía que haber distribución con disco en tiendas para hacer una campaña. Era un círculo, sólo nos promocionarían con un disco en tiendas y sólo nos distribuirían el disco – Green UFOs se ocupa finalmente de ello - teniendo una agencia de promoción detrás. Una cosa lleva a la otra y viceversa. A partir de ahí pusimos una nueva fecha de salida del disco también ficticia y para adelante”.

And then? “Then the emptiness of ‘what do I do now with the album?’. We even doubted whether or not to make the CD. We focused on Cohete’s example, talked to La Trinchera – their current promotion agency – but store distribution had to take place in order to have a campaign. It was a circle, they would only promote us with an album in stores and would only distribute the album – Green UFOs ultimately handles this – with a promotion agency backing them. One thing takes care of the other and vice versa. From there, we set a new album release date, also fictitious, and moved forward.

¿Cómo será el sonido Brandy del futuro? “El disco nos pilló a medio camino entre el rollo Gang of Four y el rollo más popero.

Tenemos una herencia digamos bailable pero “V - Empire” y “Hummingbird” no tienen nada que ver. Nunca haremos pop limpio pero la tendencia sí que es esa. Asier haría las canciones en diez minutos y a Iñaki no le mola, lo obvio. Ahí está el equilibrio y “Denoueix” es un camino a seguir: melodía pop y ritmo bailable”.

And what will the Brandy sound be like in the future? “The album caught us between doing the Gang of Four and the more poppy sound. We have somewhat of a danceable inheritance, but “V-Empire” and “Hummingbird” have nothing to do with each other. We’ll never make clean pop, but that is our tendency. Asier would do the songs in ten minutes and Iñaki doesn’t like that, obviously. That’s where the balance is and “Denoueix” is a path to follow: pop melody and danceable rhythm. ¿Y los planes? “Seguir teloneando, que tener protagonismo es una mierda. En dos semanas teloneamos a La Bien Querida, Anni B. Sweet, We Are Standard, Arizona Baby... perdimos dinero pero estuvo guay. Da rabia cuando les pagan el super caché a la banda principal y a los teloneros casi ni las gracias (risas). Bueno, también es verdad que de vez en cuando te tratan de puta madre así que supongo que no podemos quejarnos”.

And the plans? “To continue opening for bands, because being the center of attention is shitty. In two weeks we opened for La Bien Querida, Anni B. Sweet, We Are Standard, Arizona Baby… we lost money but it was cool. It sucks when the main band gets paid a lot and the opening act barely get a ‘thanks,’ (they laugh).

Well, it’s also true that every once in a while they treat you fucking awesome, so I guess we can’t complain.”

Vaya, esta es la esencia Hipster: varios colegas proponiendo ideas, ensayando, debatiendo, luchando por imponer su criterio, viajando, tocando... Y salga lo que salga de todo esto, que les quiten lo bailado. Yo me quito el sombrero ante el entusiasmo que me transmitieron en el rato que estuvimos juntos.

Well, this is hipster essence: various friends proposing ideas, rehearsing, debating, fighting to impose their criteria, traveling, playing… And whatever comes out of all of this, take the dancing away. I’ll take my hat off to the enthusiasm that they conveyed during the time we spent together.

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The Dra Por // By: Gonzalo Marcos Traducción // Translation: Karla D. Romero No voy a engañaros no reconociendo que siempre me acerco con reticencia ante los grupos parapetados tras declaraciones grandilocuentes -“La banda más excitante que he escuchado en los últimos tiempos”, Paul Weller dixit. Importantes campañas de promoción, patrocinios de diversa procedencia... El fundado miedo a la next big thing que luego se queda en nada.

I’m not going to lie by not acknowledging that I tend to approach bands with a lot of hype in a reluctant manner – “The most exciting bande that we’ve listened to in recent years,” Paul Weller dixit.

Important promotional campaigns, contributions from diverse means… The fundamental fear of the next-big-thing that ends up in nothing.

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Así me presenté en la Moby Dick y así de rápido, tras un par de guitarrazos, se me escaparon las suspicacias. Qué sencillo es a veces llevarme al huerto enseñándome una preciosa Gretsch Chet Atkins Country Gentleman (http://www. gretschguitars.com/chetatkins/) y ofreciéndome m-e-l-o-d-í-a-s. Vaya sorpresa estos Draytones, mitad argentinos, mitad británicos, y muy engrasados: ofreciendo unas primeras canciones remedo de la primera etapa de The Who, la de Keith Moon, ¡que menudo instrumentista el batería!, y rebajando los decibelios en canciones más beat. Un medio camino interesante, tan distante de mustios revivalismos como de la nueva ola de la nueva ola del pop actual. Sólo una pega, los pocos medios tiempos que tocaron sonaban flojos, sin demasiado fuste.

aytones (Moby Dick, 27 de febrero de 2010 / February 2010)

That’s how I got to Moby Dick and just as quickly, after a few guitar chords, my suspicious disappeared. It’s so easy sometimes to take me to the other side, with a beautiful Gretsch Chet Atkins Country Gentleman (http://www.gretschguitars. com/chetatkins/) and by offering me m-e-l-o-d-i-e-s.

These Draytones we quite a surprise, half Argentine, half British and very greasy: offering a few first songs by means of The Who’s first musical stage, Keith Moon’s, I mean, what an amazing instrumentalist!

And lowering the decibels in the most up-beat songs. An interesting half-path, far from revival patterns, such as the new wave of the new wave of current pop. Only one bad thing, the little time they played together, they sounded soft, without much intensity.

En definitiva, uno se esperaba a unos The Libertines edulcorados y se encontró con una mezcla de The Beatles, Los Gatos Salvajes y The Who, que segurísimo dará mucho que hablar. Talento no les falta.

All in all, one expected sweetened Libertines and found himself with a mix of The Beatles, Los Gatos Salvajes and The Who, which will definitely make people talk. They’re not lacking talent.

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Gerard Clua El director nos muestra el duro proceso para hacer un videobook en su nuevo cortometraje THE Director shows us the hard process OF MAKING a videobook in his new short film Por // By: Fátima Rodríguez Traducción // Translation: Eugenia Fernández Todo actor o aspirante a actor sabe de sobra qué es un videobook: una recopilación de algunas escenas que ha realizado para cine o TV, para que los responsables de casting les contraten tras su visionado. Montar estos vídeos puede ser un auténtico quebradero de cabeza, y precisamente eso es lo que Gerard Clua plasma en su último cortometraje, El Prevideobook.

La protagonista es su pareja, la actriz Natalia Domínguez, y retrata los nervios y el estrés que le provocó esta fase de su trabajo. Una práctica que el director critica: “El Prevideobook surge de la experiencia de realizar el videobook de mi chica, y trato de la problemática a la hora de montarlo. Todos los responsables de casting te piden una cosa muy concreta, intentas hacer un trabajo para que ellos puedan verlo y sea de su agrado. El problema es que si tienes gente que te lo pueda montar y tienes la posibilidad de grabarte cosas, perfecto.

Pero si no, tienes que pagar: para que te lo graben, para que te lo monten, compra los DVDs para poder repartirlo…Parece mentira pero es un dineral, 180 euros mínimo. ¿Cómo consigue ese dinero un actor un paro? Además, lo del videobook es algo que sólo se ve en España. En otros países, se potencian los castings en directo. Si tenemos en cuenta que a veces tienes que actualizarlo cada dos meses porque si no es reciente no lo quieren, podemos hablar que es una manera de sacar dinero a la gente”.

All actors or candidates in this country know pretty well what a videobook is: a compilation of scenes taken from films or commercial television that is presented to casting directors in order to be able to get a contract. Editing those videos may be a real brain-teaser, and that is precisely what Gerard Clua depicts in his last short film, El Prevideobook. Actress Natalia Domínguez, his partner, stars in this phase of nervous breakdown and stress which meant the making of her videobook. A work practice criticized by the director: “El Prevideobook arises from the experience of making my girlfriend’s videobook, and I deal with the issues regarding editing. All casting directors ask for something very specific; so you try to do a job worth being seen and appreciated. The thing is that if you count on an editing team and then you can afford the expenses, everything is fine.

If not, you have to pay to shot it, to edit it, to buy DVDs to be able to distribute it… We’re talking about $200 at least. How an unemployed actor is supposed to get all that money? Also, videobooks work only here in Spain. In other countries live castings are promoted. If we take into account that a videobook needs to be updated every two months or it is immediately rejected, we are facing a real rip-off.”

No es fácil ser creador e independiente / It’s Not Easy to be an Independent Creator Los odiados videobooks no es la única dificultad que los actores españoles tienen que superar. El intrusismo profesional, cada vez más frecuente en esta profesión, es otro de los aspectos que Gerard critica: “Lo primero de todo es que no dejan espacio para que los creadores puedan mostrar sus obras, sobre todo para los pequeños cineastas que están empezando. Hablo de cederles un lugar para que puedan grabar, dejarles material… es complicado. Aparte, echo de menos un sindicato que proteja los derechos de los actores, como pasa en EEUU. Allí, para poder trabajar necesitas un carnet de ese sindicato. Por eso, en España cualquiera puede ser actor en cualquier momento, y no debería ser así. Yo no soy médico, y por eso no puedo operar a nadie.

Pues es lo mismo. Por eso, los actores deberíamos ponernos de acuerdo para formar un sindicato”.

Los cortometrajes que Gerard ha rodado hasta ahora como director (La cena, Lo que todas hemos pensado, Mi perro) son pequeñas obras de arte realizados con muy bajo presupuesto.

Los comienzos siempre son difíciles, y si a esto le añadimos que se trata de un tipo de cine no tan comercial y la eterna crisis del cine español, hacerse un hueco en esta industria puede resultar toda una odisea. Por eso, la mejor manera de burlar a la crisis es la creatividad. Gerard es más explícito: “Estoy contento porque al menos con los que hago estoy feliz. Hago mis grabaciones, realizo mis cortos aunque sea con pocos medios…De hecho, lo que has visto en El Prevideobook son descartes de cortos que había hecho antes. Con el material grabado con una pequeña cámara, cuento pequeñas historias que parece que gustan a la gente”.

Hated videobooks are not the only obstacle Spanish actors and actresses must overcome. Illegal professional practice, more and more frequent, is another aspect criticized by Clua: “First of all, creators have no space of their own to show their work, especially those minor filmmakers who are just starting. I’m talking about having a place for filming, access to materials… it’s complicated.

Also, I regret the lack of a labor union representing actors, as it happens in the USA. There, to be able to work you need the guild card. That is why here in Spain anyone could work as an actor at any moment, and it shouldn’t be like that. I’m not a doctor, so I’m not qualified to operate. This is the same. For this reason, actors should agree in establishing a labor union.”

Clua’s shorts as director up till now (La cena, Lo que todas hemos pensado, Mi perro) are little works of art created with a very low budget. Beginnings are always hard, and if we add the fact of dealing with a non-commercial type of films, together with the eternal crisis of Spanish cinema, we end up with the impossibility of putting a dent in the industry. So, the best way to avoid crisis is creativity. Clua states even clearly: “I’m happy because at least I love what I’m doing. I film myself, I make my shorts even with little means… In fact, what you’ve seen in El Prevideobook are previous short films outtakes. With a small camera filmed material, I tell little stories people seem to enjoy.”

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Los cortometrajes, esos grandes desconocidos // Short Films: the great El corto español está viviendo un gran momento a nivel artístico, aunque aún existe una gran parte del gran público que ignora este cine de corta duración. Según Gerard, tiene mucho que ver la educación cinematográfica de los españoles: “En el caso del corto, no se cree en él. Me encantaría que en los cines nos pusieran un corto antes de la película, aunque fuera de cinco minutos. De esa manera, la gente se acostumbraría a ver cortometrajes, ya que hay tantos cortos españoles que han ganado premios en festivales y que el gran público desconoce.

De hecho, antes se hacía: ponían cortos de Chaplin antes de la película, y la gente se lo pasaba bien entre que entraba y salía.

Eso se ha perdido. Ahora te ponen mil anuncios, que parece mentira que paguemos una entrada para eso”.

Spanish short films are experiencing a moment of major artistry, though there’s still a big part of the audience who ignores this films of short duration. According to Gerard Clua, this is due to the cinematographic education Spanish people have: “Regarding the short film, people do not trust the format. I would love theaters projecting a short film before the movie, even if the former would last only five minutes. This way, people would get accustomed to short films projections, as there are so many of them which have been awarded at festivals and are completely unknown to the big audience. In fact, it was done years ago: Chaplin’s shorts were shown before the movie, and people were having fun from the beginning. All that is lost now. Now you have loads of commercials ads, it is ridiculous to pay a ticket for that.”

A pesar de las dificultades y del evidente riesgo económico que supone dedicarse a esto, Gerard ya tiene en mente algunos nuevos proyectos: “Estoy preparando una serie basado en una obra de teatro que hice. Se llama ‘Mamá!! ¿Qué es el breakdance?’, donde hablo de la historia del breakdance.

La idea es hacer una serie para que pueda venderse a las televisiones, ya que de esa manera llegaría más a la gente y además podríamos sacarle una mayor rentabilidad. Además, sería una propuesta original para la programación en televisión, ya que se trata de una serie muy blanca y para toda la familia.

Desde luego, echo de menos algún programa infantil de calidad para niños mayores de 5 años, al estilo de La Bola de Cristal”. No es el único.

Despite difficulties and economic risks associated to this profession, Clua has new porjects in mind: “I’m preparing a television series based in a play I did. It’s called ‘Mamá!! ¿Qué es el breakdance?’, where I deal with the history of breakdance. The idea is to sell the series to television, so we could get to more people while obtaining profitability. Also, it would be an original idea for television programming, as it is suitable for all the family. Indeed I miss a quality over-five-children’s program such as ‘La Bola de Cristal’.” You are not the only one.

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MANUELA MORENO

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Por // By: Fátima Rodríguez Traducción// Translation: Eugenia Fernández

Pocos directores pueden presumir de haber cosechado gran cantidad de premios y elogios con sus dos primeros cortometrajes. Manuela Moreno pertenece a ese grupo de privilegiados, algo que ha conseguido gracias a sus obras Dolores y Quiero estar el resto de mi vida contigo. Además, acaba de presentar su tercer cortometraje, Camas, que ella define de esta manera: “Trata de conocidos desconocidos. Me gusta hablar de relaciones personales y de momentos distantes de la vida”. Ella se confiesa sorprendida del éxito de estos trabajos: “Lo vivo totalmente sorprendida. Hice un corto sin ninguna pretensión, Dolores, y para mí el hecho de que llegara a los principales festivales de España e internacionales, que empiece a ganar premios y que encima lo compre Canal + y salga publicado en el anuario Fotogramas...vino todo solo y rodado. Estoy feliz, encantada y sobre todo sorprendida, y esto me sirve para motivarme más para mis próximos trabajos y seguir haciendo cosas”.

Just a few directors can boast about having received a lot of awards and praises just with their two first short films. Manuela Moreno belongs to this elite, something she has attained thanks to her works ‘Dolores’ and ‘Quiero estar el resto de mi vida contigo’. Also, she has just presented her third short, ‘Camas’, which she describes in this way: “It deals with familiar strangers.

I like to handle with personal relationships and distant moments in life.” She admits to be surprised at her work success: “I’m amazed. I made an unpretentious short film, ‘Dolores’, and for me the fact that it was present at Spain major film festivals and other international festivals, that it was awarded, and even was purchased by Canal+, and then it get sponsored at Fotogramas annual… all that went smoothly.

I’m happy, I’m glad, and above all I’m surprised. This to me a motivation factor regarding my next projects and continue doing things.”

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Dos pequeñas joyas // Two Little Jewels Su primer corto, Dolores, parte de una premisa sencilla: dos extraños coinciden en una parada de autobús, a la espera del vehículo. Dolores, la protagonista, comienza a hablar con el hombre que la acompaña, dando rienda suelta a una verborrea que oculta un gran sentimiento de soledad. Manuela describe a la protagonista: “Me siento identificada en el sentido de que es un personaje que tiene sus aspiraciones, sus sueños...Es una chica aparentemente muy sociable pero tiene una gran soledad. Gracias a Dios yo no tengo esa soledad, pero sí que es verdad que todo el mundo en cualquier momento de su vida se ha podido sentir solo”. Aunque muchos hemos coincidido con algún personaje de este tipo mientras esperábamos el transporte, Manuela confiesa que a ella nunca le ha pasado: “No, hasta ahora no hay nada verídico en ninguno de mis cortos.

La gente empatiza con los personajes y se pueden sentir identificados con ellos, pero hasta ahora no me ha pasado nada parecido ni he sido protagonista de esas historias. Aunque entiendo hasta cierto punto a la gente que se pone a hablar contigo mientras llega el transporte: hay mucha soledad y mucha necesidad de comunicarse, incluso a veces creo que estableces relaciones con desconocidos y les cuentas cosas que nunca le contarías a un conocido”.

Her first short film, ‘Dolores’, starts from a simple premise: two strangers meet at a bus stop, waiting for it to come. Dolores, the protagonist, begins to speak to the man next to her, giving way to verbal diarrhea which hides a terrible feeling of solitude. Moreno describes the protagonist: “I feel identified in the sense that she is a character who hopes and dreams… She is an apparently very sociable girl, but she feels terribly lonely. Thanks God I do not feel like that, but everybody may feel like that at least once in their lifetime.” Though many of us may have met with a person like that in our mean of transport, Moreno declares she hasn’t: “Up to this moment I have not used true facts in my short films.

People may empathize with characters, and then feel identified with them, but it isn’t something that occurred to me, nor have I experienced these stories.

However I understand until certain point those people who speak to you while the transport arrives: there’s a lot of loneliness and a strong need of communication; actually you may sometimes establish a conversation with strangers, telling them things you’ll never tell someone familiar.”

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Su segundo trabajo, Quiero estar el resto de mi vida contigo, cambia la verborrea de su predecesor para dar lugar a una historia sin apenas diálogos, donde las miradas y los gestos juegan un papel fundamental para mostrar un flechazo fulminante entre un chico y una chica. Aunque esto aún sorprende a algunos, ella explica que ése es el mejor tratamiento de la historia: “Es una historia de mirada, de flechazos, del amor a primera vista. Entonces, hay determinadas historias que no necesitan que se hable mucho más”. Obviamente no vamos a desvelar el final, pero sí que podemos decir que es, cuanto menos, sorprendente. Según Manuela, se trata de un gag, y por eso, la intención es sorprender.

Her second work, ‘Quiero estar el resto de mi vida contigo’, changes the register of its predecessor and becomes a story with little dialogue, where looks and gestures play a crucial role in showing the crush between a boy and a girl. Though this may surprise some people, she explains this is the best treatment the story may have: “Is a story about looks, about infatuation, about love at first sight. Thus, some stories don’t need too much talking.” Obviously we’re not going to spoil the end, but we can assure it is, as least, unexpected.

According to Moreno, it is a gag, so the intention is to amaze the audience.”

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El talento no entiende de crisis // Talent Doesn’t Know Crisis Al contrario que muchos compañeros de profesión, Manuela comenta que la crisis no le ha afectado tanto: “En este mundo no hemos notado tanto la crisis.

Hablo en primera persona, porque mis cortos no han tenido subvenciones, ya que yo tampoco las he buscado. Llevo muy mal el papeleo y tampoco tengo una persona de producción muy potente que se encargue del papeleo. He tenido apoyos económicos de gente que ha creído en el proyecto y que luego ha salido ganando en el sentido de que ha habido beneficios. Sí que tengo a mi lado una mano derecha en producción, Azucena Alonso, que me ayuda en todo como una campeona y con la que espera contar para siempre, es la mejor. Además, he tenido la suerte de que todo el equipo siempre ha sido muy generoso, ha cedido todo su talento para el proyecto. Me he rodeado de gente muy talentosa y muy buenas personas”. Además, está encantada con el momento dulce por el que está pasando el cortometraje español: “Hay un nivel en los cortometrajes muy alto, están en un lugar muy bueno a nivel internacional. De hecho, hay muchos cortos que han conseguido una calidad que algunas películas no tienen, por desgracia, aunque no quiere decir que no sean buenas. Sólo que no han estado en festivales tan potentes como los cortos.

El corto español está llegando muy, muy lejos. Me siento muy orgullosa de pertenecer al gremio de cortometrajistas”.

Despite what many of her professional colleagues may think, Manuela Moreno declares that she hasn’t suffered crisis as other have: “Within this sphere, we haven’t suffered the crisis as much. I speak for myself, because my shorts haven’t receive any subvention, nor I have looked for it. I’m too bad at paperwork, not even

count on a producer exclusively devoted to paperwork. I’ve had financial support from people who believed in my project, and who has been later on compensated with the benefits obtained. What I do have is someone to be my right hand person in production, Azucena Alonso, who helps me with everything as an hero, and I hope to rely on her forever, she is the best. Also, I’ve been lucky enough with the team, which has been very generous using all its talent in this project. I’ve been surrounded by gifted and most generous kind of people.” Moreno is also very glad about the sweet moment the Spanish short films are having nowadays: “There is a very high level regarding short films; they’re achieving a distinction among international productions. In fact, many short films have achieved a quality some full-length films lack, unfortunately. This doesn’t mean they are not good films, just that they didn’t go to such important festival as short films did. Spanish shorts are getting very far. I’m proud of belonging to this guild of short film makers.”

Manuela ya prepara un largometraje y un nuevo corto para después del verano. Mientras tanto, disfruta del éxito de su recién estrenado corto Camas.

Seguiremos la pista de esta prometedora directora.

Manuela is now preparing a full-length film and a new short film for the end of summer. In the meantime, she savors the success obtained by her newly short, ‘Camas’. We’ll keep an eye on this promising director.

El truco de mago

The

Mag cian’s TrIck Por // By: Pedro Moreno Traducción // Translation: Carmen Valache

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La atención que se le ha prestado al documental siempre ha sido muy irregular y parece que sólo cuando alguien se propone provocar al mundo con cierto tema de actualidad ha tenido alguna repercusión.

The documentary has always received sporadic attention, and it seems that, so far, it has only been successful when the director chose a controversial, current topic to challenge his or her audience.

El problema es que en estos casos el resultado de los trabajos sólo ha hecho correr ríos de tintas en medios generalistas, removiendo conciencias a un nivel superficial, aportando poco realmente a la percepción sobre la cuestión esencial, ciñéndose demasiado a confirmar una valoración preconcebida, sin dejar margen para otro tipo de reflexiones de mayor profundidad, que a veces poco tienen que ver con el objeto observado.

The downside is that, in this case, the outcome only manages to inspire elaborate responses from the mass media, which aims at moving the readers on a superficial level, and in reality contributes little to developing awareness about the genre in question. Such articles are limited to confirming preconceived opinions, which often times have little to do with the main topic, thus obstructing a more profound analysis of documentary films.

Es decir, la objeto de debate no ha sido el Cine si no el efecto mediático de su material documentado -que es algo que también podría dar para otro estudio, pero en otro nivel.

That is to say, the question under debate has not been Film, but the effect of the material covered by a certain documentary on the audience. The latter is also a worthy research topic, but on a different level.

Tal vez por ganas de malmeter, por desconocimiento de los mecanismos que hacen imprescindible este género o simplemente por incapacidad, estos autores han generado un consenso sobre lo que el documental es: de qué puede hablar y hasta dónde puede llegar.

The journalists who authored such reviews managed to create a consensus about what the documentary is as a genre, and defined it by the topic it addresses and by how far it can take that topic. This misconceived definition is the result of a number of factors, such as intentional defamation, ignorance about the mechanisms that make this genre central to Film, or simply because of incompetence.

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Sin embargo, existe una gran tradición a la sombra de aquellos que realmente tuvieron algo que decir. Algunos de los más importantes directores de la historia, por necesidad, por compromiso o por auténtica inquietud, se han acercado al género dejando obras de incalculable valor: gigantes como Murnau (Tabu), Jean Vigo (A propos de Nice o Taris), Vertov (The Man With a Camera Movie Camera), en tiempo de guerra Capra (es famosa, por polémica, su serie de documentales sobre el tema), John Ford (The Battle Of Midway), más tarde genios de la modernidad como Godard (inabarcable trabajo su Histoire(s) du Cinema), Tarkovski (Tempo Di Viaggio), Agnes Varda (Les glaneurs et la glaneuse), e incluso Bergman ha tenido sus escarceos (Farodocument), o en España Joaquín Jordà (De Nens), Mercedes Álvarez (El Cielo Gira), José Luis Guerín (En Construcción) y Erice (El Sol Del Membrillo).

However, there is a long tradition of documentaries thanks to those who really had something to say. Some of the most important directors in the history of film chose to take on this genre either out of necessity, compromise or out of authentic preoccupation. Some of the best names that come to mind are Murnau (Taboo), Jean Vigo (A propos de Nice or Taris), Vertov (The Man With a Camera Movie Camera), Capra (his series of war documentaries is famous precisely because it is so controversial), John Ford (The Battle of Midway); and later some of the modernist geniuses such as Godard (Histoire(s) du Cinema, his extensive masterpiece), Tarnovski (Tempo Di Viaggio), Agnes Varda (Les glaneurs et la glaneuse), and even Bergman who had his own share of attempts (Farodocument); or the Spaniards Joaquín Jordá (De Nens), Mercedes Álvarez (El Cielo Gira), José Luis Guerín (En Construcción) and Erice (El Sol Del Membrillo).

Como se comprueba a poco que se investigue la lista es larga; y esto sin citar a excelentes documentalistas cuya única pasión fue el género (Flaherty, Frederick Wiseman, Chris Marker, Marcel Ophüls -sí, el hijísimo de Max-, Emile de Antonio o el más reciente Andrew Jarecki) con mayor o menor sentido antropológico, explorando en profundidad la forma cinematográfica.

As you can tell from a quick look, the list is long. And I didn’t even mention excellent documentary makers whose sole passion was the genre (Flaherty, Frederick Wiseman, Chris Marker, Marcel Ophüls - the son of Max, indeed; Emile de Antonio or the more recent Andrew Jarecki) with more or less of an anthropological twist, and whose work explores the cinematic form in depth.

El americano Errol Morris lleva años buceando en el documental. Desde su debut en 1978 con Gates Of Heaven, el realizador no ha dejado de explorar el terreno con una gracia poco común para contar historias. Adalid del juego de percepciones, en sus obras todo sufre una constante sensación de inversión.

The American Errol Morris has been working documentaries for decades. Ever since his debut in 1978 with Gates of Heaven, the director has been exploring this format, all along displaying a consideration that is rare among storytellers. Master of the game of perspectives, his entire work evinces a constant feeling of inversion.

El realizador extrae tanto partido al punto origen que le intriga, que según se desarrolla, el espectador ve cómo grácilmente el documental se ramifica, no sólo temáticamente, si no formalmente. Falso documental, thriller, surrealismo, acción se entremezclan en su obra gracias a un original uso del punto de vista, a poco frecuentes emplazamientos de cámara y a un novedoso a la par que engañoso sistema de narración que diluye ágilmente la frontera entre realidad y ficción mediante la disolución de los límites de la representación (real) documental.

The director manages to exploit so well the themes that interest him, that, as the documentary unfolds, the spectator can see how the film branches out, not only theme-wise, but also with respect to the format. Fake documentary, thriller, surrealism and action films are all present in his work, due to his able use of perspectives, an original placement of the camera and an innovative and deceptive narration style, which imperceptibly dissolve the frontier between fiction and reality, through the elimination of the limitations of the (real) documentary representation.

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Para ello ingenia una serie de recursos cinematográficos innovadores. El más famoso es el Interrotron, sistema de cámara que empezó a desarrollar para su tercera película The Thin Blue Line, y que perfecciona para su serie documental First Person.

Básicamente se trata de un procedimiento en el que Morris ubica encima del objetivo de la cámara un monitor con su propia imagen mientras interroga al entrevistado. De este modo se asegura de que éstos se dirigen directamente al monitor, mirando frontalmente a la cámara, captando así, tanto Morris como el público, una inmediatez mayor en el contacto con el personaje.

And in order for all these to take place, Morris designs a series of innovative cinematic tools. The most well known of these tools is the Interrotron, a filming technique that he started to develop in his third film, The Thin Blue Line, and improved for his documentary series, First Person. Basically, it’s a technique whereby Morris places a monitor with his own image on top of the camera’s objective lens while he is taking an interview. This way, he makes sure that the interviewees are directly addressing the monitor and looking straight at the camera. The result, for both Morris and the audience, is a greater closeness with the person speaking.

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“Es la diferencia entre la primera persona virtual y la primera persona verdadera. Se logra una intensidad añadida. El Interrotron inaugura el nacimiento del verdadero cine en primera persona”, asegura Morris, desvelando su truco.

“This is the difference between a virtual first person and a real first person. The Interrotron enhances the intensity. And it inaugurates the birth of the real firstperson cinema,” said Morris, revealing his trick.

El documental vive estos días una nueva reformulación sobre cuáles son sus límites, su material, sus maleables contornos, junto a nuevos acercamientos desde la ficción para rozar -y forzar a veces- la realidad, que hace de este género uno de los más jugosos para los cineastas por lo que pone en juego y las múltiples posibilidades de enfoque que ofrece.

At present, the documentary is experiencing a reinvention, which addresses its limitation, its themes, its flexible outline, together with new, fictional approaches that complement and challenge reality. Thus, this genre is becoming one of the most playful ones in cinema, because of the multitude of possible approaches.

Películas importantes de este momento son La leyenda del tiempo del español Isaki Lacuesta, La libertad del argentino Lisandro Alonso o la búsqueda de nuevos caminos para la ficción que propone el portugués Pedro Costa con su inagotable trilogía de Fontinhas, que arranca con la falsa ficción de Ossos para seguir con el engañoso documental de No quarto de Vanda, concluyendo con una mixtura de ambas en Juventude em marcha, donde surge la ficción más pura de lo documentado, introduciendo un sutil juego hipergenérico plagado de referencias que basculan desde la serie b al cine mudo, sin

dejar de lado cierta posmodernidad bien entendida, reinventando con inteligencia la noción de tiempo cinematográfico.

Some of the most important contemporary documentaries are The Legend of Time by the Spaniard Isaki Lacuesta; Freedom by the Argentine Lisandro Alonso; or Pedro Costa’s inexhaustible Fontinhas Trilogy, which starts off with the false fiction Ossos, only to continue with a false documentary No quarto de Vanda, and to end with a mixture of both in Juventude em marcha. In the latter, the most pure of fictions stems from the documented material, and the result in a hyper-genre replete with references ranging from the B series to silent film, genre that nevertheless allows for the presence of an entertaining post-modernity, and reinvents the notion of cinematic time.

Hay muchísimos más, y se trata de un movimiento apasionante, pero habrá que dejarlo para otra ocasión.

There’s much more to say about this topic, as documentary film is a fascinating movement, but we will have to leave it for another time.

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Obra destacada // Outstanding Films Gates Of Heaven (1978) Herzog apostó que el americano nunca acabaría esta película. Un titular sobre el traslado de mascotas muertas de un cementerio a otro sedujo al joven Morris. De inmediato puso manos a la obra para filmar uno de los documentales más originales, inteligentes y divertidos jamás filmado. El realizador deja que lo documentado hable por sí mismo, sin ánimo de ridiculizar las particularidades de nadie. Al fin lo que obtiene es un documental sobre el negocio de los funerales en general y del peso de la muerte en particular, con un bellísimo final con uno de los propietarios del cementerio tocando su guitarra a todo volumen en lo alto de un valle. Herzog perdió. La apuesta fue comerse un zapato.

Herzog bet that Morris would never finish this film. The young Morris was attracted by a headline which talked about dead pets being moved from one cemetery to another. Straightaway, he started filming one of the most original, intelligent and amusing documentaries ever filmed. The director lets the documented material speak for itself, with no intentions to ridicule anyone’s idiosyncrasies. The end result is a film about the funeral business in general and the burden of death in particular. The ending is masterful, with one of the cemetery owners playing his guitar loudly on the high ground of a valley. Herzog lost the bet. At stake was eating a shoe.

Vernon, Florida (1981) Consciente de que el hombre es ante todo un ser de hábitos, Morris registra en este casi surrealista documental parte de la población de Vernon. El minimalismo analítico del director, presente ya en su debut, es expuesto como si de Ozu se tratase.

Cada personaje que posa ante su cámara es dignificado, por muy absurdas que parezcan sus motivaciones. El documental juega con las costumbres, tanto del espectador como de los entrevistados, retando a los primeros a no burlarse de los segundos para, en definitiva, hablar del racismo cultural. Para la historia quedan ese intenso cazador de pavos, el granjero de gusanos y el matrimonio con su tarrito de tierra de White Sands que, según creen, se multiplica debido a las radiaciones.

En principio iba a tratarse de un documental sobre un fraude cometido por los habitantes de un pueblecito de Florida, pero tuvo que abandonarlo debido a amenazas de muerte.

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In this almost surrealist documentary about the inhabitants of Vernon, Morris displays an awareness that people are, above anything else, creatures of habit. His analytical minimalism, already present at the time of his debut, is now so present, that it feels like we were watching a film by Ozu. However absurd their motivations, all the characters that pose in front of the camera are dignified. The documentary plays with habits, both those of the spectator as well as those of the interviewees, challenging the former not to poke fun at the latter, in order to ultimately talk about cultural racism. The characters that stand out from this story are the intense turkey hunter, the worm farmer and the couple with a piece of land in White Sands that think their land is multiplying due to radiation. The starting idea was to document a crime committed by the inhabitants of a small town in Florida, but Morris had to abandon it after he received death threats.

The Thin Blue Line (1988) Para ésta, su tercera película, abandona buena parte de los intereses temáticos delimitados en sus trabajos previos. Ahora se sumerge en un historia policíaca sin resolver a la que imprime una fuerza desgarradora, derribando las barreras del bien y del mal. Como en Delitos y faltas de Allen, el tema más claro y de interés central es el sentido de justicia a cualquier nivel. Por primera vez emplea el Interrotron; y no pudo estar más acertado.

Los principales sospechosos hablan directamente a los ojos del espectador que debe juzgar hacia que lado caer. Morris emplea el multiperspectivismo en este documental, y como también hace Eastwood en Ejecución Inminente, cuestiona la veracidad de los testigos, siempre condicionados por la representación que han hecho de lo que creyeron ver. Para muchos su mejor película.

In his third film, Morris abandons many of the themes present in his earlier work. He chooses to focus on an unresolved detective story, which he endows with amazing strength, thus obviating the line between good and evil. Just like in Woody Allen’s Crimes and Misdemeanors, the central theme is justice and its perception on different levels. To begin with, Morris uses the Interrotron; and he couldn’t be more on target. The main suspects are looking the audience straight in the eye, and the latter must decide whose side to take. Morris also uses multiple perspectives in this documentary, and, just like Clint Eastwood in True Crime, he questions the veracity of the witnesses, which is always conditioned by what they thought they saw and how they choose to portray that. Many consider this to be his best film.

The fog Of War (2003) La guerra y sus implicaciones. Ante la imposibilidad de discernir quién es el responsable último de ciertas cabezonerías que acaban en tragedia para todos, el director realiza un ejercicio sobre la memoria histórica colectiva confrontada con la individual. En una agotadora entrevista, Robert S. McNamara, Secretario de Defensa Norteamericano de las administraciónes Kennedy y Johnson, expone en once puntos su visión de la vida y de lo que fueron aquellos años. Mediante un soberbio trabajo de investigación, descubriendo material de archivo bien guardado por el gobierno, y con maravillosas recreaciones de momentos claves, este documental pone de manifiesto -con un empleo de la forma cinematográfica ejemplar- la complejidad del poder y lo estructurado que está el mundo. Atención al progresivo aumento de voz de un cada vez más indignado Morris ante lo que McNamara cuenta. Mención aparte para la banda sonora de Philip Glass.

War and its consequences. Faced with the impossibility to assign blame or the ultimate responsibility for an obstinate behavior that ended up in a tragedy for many, the director confronts historical and individual memories. In an exhausting interview, Robert S. McNamara, US Secretary of Defense under the Kennedy and Johnson administrations, shares the eleven lessons he learned about life and what those years meant. The result of an assiduous research effort, uncovering archive material that had been classified by the government, and with wonderful reenactments of key moments, this documentary shows the complexity of power structures and how structured the world really is. Displaying an exemplary cinematic form, The Fog of War catches a more and more indignant Morris who reacts to what McNamara has to say. Also worth mentioning is that the sound was directed by Philip Glass.

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Lo comentado aquí sobre sus películas son sólo leves orientaciones de por dónde discurre su obra y tiene el objetivo de acercar al público a un director inmenso pero invisible en buena parte de Europa. Sus documentales son inabarcables e innumerables las aristas que cada espectador, según su experiencia y nivel, podrá aprehender.

The comments above are merely brief guiding points to Morris’ work; they’re only meant to arise the public’s interest in an outstanding director that has been overlooked in Europe, for the most part. His documentaries are inexhaustible, therefore each viewer will take home a different message, depending on his or her experience and familiarity with film.

Filmografía // Films Gates of Heaven (1978) Vernon, Florida (1981) The Thin Blue Line (1988) The Dark Wind (1991) A Brief History of Time (1991) Fast, Cheap and Out of Control (1997) Mr. Death: The Rise and Fall of Fred A. Leuchter, Jr. (1999) The Fog of War (2003) Standard Operating Procedure (2008)

“

Tras veinte años como crítico de cine, no me he encontrado con otro realizador que me intrigue más... Errol Morris es como un mago, y resulta tan grandioso como Hitchcock o Fellini.

Rogert Ebert After twenty years as a film critic, I have yet to meet another director who intrigued me more…Errol Morris is like a magician, and he is as impressive as Hitchcock or Fellini.

Rogert Ebert

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EVA VAZQUEZ Por // By: Karla D. Romero

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He conocido a muchos artistas, entre ellos pintores, ilustradores, fotógrafos, etc… los que realmente se han creído artistas han sido los más insoportables.

Ejemplo: le preguntas a alguien que acabas de conocer (quizás un amigo de un amigo) a que se dedica y responde, “Soy creativo…” Esta respuesta es para dar conversación – ellos suponen que vas a seguir esa pregunta con otra, como, “Ah, ¿Eres diseñador o ilustrador?” Me da igual. Nunca lo pregunto, lo cual obliga al amigo del amigo a que responda de nuevo con, “Bueno, he estudiado bellas artes pero estoy en el paro”. Uf. I’ve met a lot of artists. Amongst them, painters, illustrators, photographers, etc… the ones that really believed they were artists have been the ones I could stand

the least. Example: you ask someone you’ve just met (perhaps a friend of a friend) what he or she does and he or she responds: “I’m an artist…” The question was intended to spark some small talk – they assume you’re going to follow your question with another, such as, “Oh, are you a designer or an illustrator?” I don’t care. I never ask, which forces the friend of a friend to respond again with, “Well, I was a Fine Arts major but I’m unemployed.”

Ouch.

Where is this crazy lady going with all of this? What I’m getting at is that all of these artists, these pretentious people, that people end up feeling sorry for, make one appreciate true artists that don’t have to say what they are to actually be artists. This is where Eva Vázquez comes in. A beautiful person and a creator of illustrated masterpieces.

¿A dónde irá la loca esta con todo esto?

Pues que esa gente creativa, pedante, que al final te da hasta pena, te hace apreciar a los artistas de verdad que ni si quiera lo tienen que decir para serlos.

Aquí es donde entra Eva Vázquez, una bellísima persona y creadora de obras maestras ilustradas.

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Quedé con ella en Delic, un bar de guays en La Latina que ocasionalmente se llena de pijos que van para ver quien se gasta más en mojitos. Entre el jazz del malo y los gruñidos de niñatos apestando a hierbabuena, decidimos ir a otro bar. Esta vez a La Mulata, un bar tranquilo, con una combinación de decorados cubanos y brasileños y lo más importante, con cañas a un euro. Lo primero que observé fue que Eva era graciosísima. Pasé más de 20 minutos (de los 35 de la entrevista) muerta de risa. Por cierto, la señorita Vázquez tiene una historia curiosa.

I met with her at Delic, a hipster bar in La Latina that is occasionally invaded by yuppies that go in to see who can spend more on mojitos. With horrid jazz and the grunts coming from the mint-drenched brats, we decided to go to a different bar.

This time to La Mulata, a calm locale, with a combination of Cuban and Brazilean décor and most importantly, one euro beers. The first this I observed was that Eva was hilarious. I spent more than 20 of the 35 minutes of the interview laughing. By the way, Miss Vázquez has an interesting story.

De Vallecas al Barrio Salamanca, a la universidad, al estudio de arquitectura, a la Escuela Superior de Dibujo Profesional.

Y por fin, a El País. “Me gustaba mucho dibujar”, empezó Eva, contándonos que después de dejar su trabajo como arquitecta, se dedicó a la animación.

“Hice varios cortos pequeñitos, artesanales, muy caseros y con la fuerza esa que te da la ignorancia, dije, ‘Yo puedo’, y los mandé a todos los festivales…” Estos cortos los hacía sola, a mano y tardaba mucho. Después de haber estudiado en la ESDP, llegó a una conclusión muy importante: “Cuando acabé [en la ESPD] me di cuenta de que la arquitectura y la animación se unían en un punto que era los fondos, los ‘backgrounds’ de las películas y las series de animación, entonces yo quería hacer eso…”

From Vallecas (the Madrid equivalent to the Bronx), to Barrio Salamanca (the Madrid equivalent to Manhattan), to college, to the architecture studio, to the School of Professional Drawing. And finally, to El Pais (Spain’s equivalent to The New York Times). “I loved to draw,” began Eva, telling us that after leaving her job as an arquitect, she dedicated herself to animation. “I made a few short animated films, artisan, very home-made and with that strength fueled by ignorance, I said, ‘I can do it,’ and I sent them to every festival…” She made these short films by herself, by hand and took her a very long time to do so. After she finished her studies at the School of Professional Drawing, she came to a very important conclusion: “When I finished [at the School] I realized that arquitecture and animation came together at a specific point: the backgrounds, movie and TV show backgrounds, so I wanted to do that…”

estas series españolas son conocidas a nivel mundial.

After realizing that this union between architecture and animation existed, Eva began to make backgrounds for Pocoyo and Shuriken School, two children’s animated TV shows created in Spain and aired on an international level.

“De hacer fondos, me fueron llamando de otros sitios y enviaba currículum… lo mío era ver publicación, los sitios que me gustaban, pues mira, les mandaba el currículum… por ejemplo, en el caso de El País, yo durante un año estuve actualizándole el currículum al director de infografía”.

“From making backgrounds, I started getting calls from other places and I would send my resume… when I would see a publication, the ones I liked, well, I would send them my resume… for example, in El Pais, I spent a year updating my resume for the graphics director.” ¿Y por qué decidió hacer ilustración editorial? “A mí me gustaba lo de la prensa; me gusta mucho porque lo une todo: está lo de leer, lo de ponerte al día con una noticia, lo de que puedes dar tu opinión, que es inmediato y yo eso lo agradezco mucho, porque te lo dan hoy y lo entregas mañana. Ese es el plazo que tienes…” A veces sólo tiene dos horas para leer el artículo, ilustrarlo y entregarlo.

Seguro que lo hace sin parpadear.

And why did she decide to do editorial illustration? “I liked the press thing; I like it a lot because it unites everything: there’s the Reading things, the getting up-todate with the news, the fact that you can give your opinion, that it’s immediate and I appreciate that a lot, because you get the assignment today and you turn it in tomorrow. That’s the timeframe you have…” Sometimes she only has two hours to read the article, illustrate it and turn it in.

I’m sure she does so without blinking.

Eva Vázquez es un ejemplo a seguir en cuanto a su personalidad, talento y humildad. Podéis ver sus ilustraciones en su blog: http://evavazquezblog.blogspot.com/ Eva Vázquez is an example to follow when it comes to her personality, talent and humility. You can see her illustrations by going to her blog: http://evavazquezblog.blogspot.com/

Después de darse cuenta de esa unión entre arquitectura y animación, Eva empezó a hacer fondos para las series animadas Pocoyo y Shuriken School –

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SANDER MEISNER Traducción // Translation: Karla D. Romero

Segun J.W.F. Hilgemann, de la galeria 2x2projects / According to J.W.F. Hilgemann, from 2x2projects Gallery: Nacido en 1979, Sander Meisner es un artista auto-didáctico, basado en Amsterdam, especializado en larga exposición y luz artificial. Hace fotos a paisajes contemporáneos urbanos, normalmente por la noche. A Sander le interesan las zonas de la ciudad de están abandonadas, descuidadas.

Se para y admira la muestra de sombras y colores en el cemento y hace fotografías preciosas de estos sitios “feos”.

Born in 1979, Sander Meisner is an Amsterdam-based, self-taught photographer, specialized in using long exposures and artificial light. He photographs the urban contemporary landscape primarily at night. Sander is interested in the areas of the city that are neglected, left behind. He stops to admire the display of shadows and the colors of concrete and takes beautiful photographs of these “ugly” places.

Sander usa cámaras antiguas de medio formato. Le gusta la manera en que estas cámaras retrasan el proceso de sacar la foto. Obligan al fotógrafo a trabajas lentamente and metódicamente, lo cual crea más atención al detalle y fotos más equilibradas.

Sander uses old medium format film cameras. He likes the way these cameras slow the picture-taking process down. They force the photographer to work slowly and methodically, which creates more attention to detail and more balanced photographs.

Meisner anda por la noche, atravesando la ciudad, descubriendo belleza colorida en los rincones lúgubres de las estructuras artificiales.

Saca a la luz la infraestructura durmiente del ambiente urbano. Dotado con una capacidad superior de composición y detalle, Meisner está convirtiendo estos rincones olvidados en objetos de deseo. La falta de luz y la extremadamente larga exposición del carrete fotográfico le añaden un efecto secundario; cualquier interacción de movimiento humano se hace completamente invisible. De esta manera, sus fotos nos hacen dudar en la belleza que permanecería si vida humana dejara de existir. ¿Cuánto tiempo durará la infraestructura si nadie se ocupa de mantenerla y cuando reinará la naturaleza?

Meisner is a night walker, venturing out into the city, discovering colorful beauty in the desolate corners of the gray man-made structures. He exposes the sleeping infrastructure of the urban environment. Gifted with a feeling for composition and detail, Meisner is turning these usually overlooked corners into objects of desire. The lack of light and extremely long exposure of the photographic film add a secondary effect; any interaction of human movement becomes totally invisible. Therefore, his pictures make us wonder what of this beauty will remain if human life would suddenly disappear. How long will infrastructure last when not regularly maintained and when will nature take over?

Más información y trabajo / More information and work: http://www.sandermeisner.nl

Concrete

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Villa’s #1

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Villa’s #2

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Fotografías / Photographs: De opgang #2: Esto fue parte de la commission para arquitectos de Heren 5, me pidieron que hiciera fotos de este parking que construyeron por la noche, y lo hice. Este trabajo ha salido en varias revistas, y he decido usar esto como parte de mi trabajo libre, porque encaja muy bien con el resto de mi trabajo.

This was part of a commission for Heren 5 architects, they asked me to photograph this parking garage they’ve build at night which I’ve done. The work has been in a number of magazines, I decided to use this photo as part of my free work because it fits in with the rest of my work very well.

Viaducts #5: Esto es parte de una serie de 12 fotos sobre viaductos. Intenté hacer zoom en cierta parte de los viaductos, lo cual muestra la esencia de la estructura.

This is part of a series of 12 photographs, about Viaducts, I tried to zoom in on a certain part of the viaducts which shows the essence of the structure.

Yellow block, concrete, villas #1 and villas #2: Todas estas forman parte de mi último proyecto, creado en 2009. Es la primera vez que los lados figurativos y abstractos de mi trabajo se han unido dentro de las mismas fotografías, lo cual ha sido mi objetivo durante un tiempo.

All these belong to my latest body of work, created in 2009.

They are the first time that the figurative and abstract side of my work meet each other within the same photographs, which has been my goal for a while now.

Yellow Block

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De opgnag #2

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Viaducts #5

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SLAVA MOGUTIN Imágenes de poesía y sensualidad sin pudor Unblushing images of poetry and sensuality

Por // By: Fátima Rodríguez

Traducción // Traducción: Eugenia Fernández

Una vez dijo Rimbaud: “La moral es una enfermedad mental”. Los más conservadores siempre han intentado censurar a los artistas que han intentado transgredir las normas éticas y les han intentado condenar. Pero el arte no sería tal si unos cuantos valientes no se arriesgaran a ir más allá. Uno de los artistas más provocadores de los últimos años es Slava Mogutin, uno de los fotógrafos más provocativos y a la vez más brillantes de los últimos años.

Nacido en la región rusa de Siberia, desde jovencito se dio a conocer como uno de los creadores más polémicos del país. Sus escritos escandalizaron a la conservadora moral soviética de tal manera que con 21 años tuvo que exiliarse en Estados Unidos con el apoyo de Amnistía Internacional para huir de la cárcel, donde querían meterle por sus escritos, ya que según las autoridades “hacían propaganda de violencia brutal, patologías psíquicas y perversiones sexuales”.

Rimbaud said once: “Morality is the weakness of the brain.” Conservatives had long tried to censure artists who transgressed ethic boundaries, condemning them. But art wouldn’t be so if no brave challengers were capable to go futher. One of these agitators is artist Slava Mogutin, one of the most daring and brilliant photographers in the last years. Born in Siberia, he was already known at a very young as one of the most polemic creators of his country. His writings offended the Russian conservative morallity in such a way that being just 21, he had to exile to the USA with the support of Amnesty International in order to avoid imprisonment. According to authorities, his writings showed: “propaganda of brutal violence, psychic pathology, and sexual perversions.”

Ya en Nueva York, enseguida se convirtió en una de las figuras más aclamadas del arte underground de la ciudad. Slava vive allí desde entonces, y afirma estar encantado de vivir allí: “Aún amo Nueva York, a pesar de que vivo aquí desde hace quince años. Es una ciudad muy interesante e intensa, muy cosmopolita y diversa. Te da mucha energía, pero también toma mucho de ti. Por desgracia, tras 9-11 años se ha vuelto cada vez más conservadora y controlada por los policías. Ya no es tan divertida y salvaje como cuando me mudé. A pesar de esto, no puedo imaginarme viviendo en otro sitio y echo de menos NY cuando estoy fuera mucho tiempo”.

Once in New York, he rapidly became an acclaimed figure of the city’s underground artistic sphere. Mogutin has lived there since then and assures he is glad to do so: “I still love New York, even after living here for 15 years. It’s a very interesting and intense city, very cosmopolitan and diverse. It gives you a lot of energy, but also takes a lot out of you. Unfortunately, after 9-11 NY has become increasingly conservative and controlled by the cops.

It’s not nearly as fun and wild as it used to be when I first moved here. Still, I cannot imagine myself living anywhere else and I miss NY every time I’m gone for too long.”

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Su última exposición ha sido Lost boys, en la que muestra diferentes momentos en las vidas de varios chicos que viven marginados por la sociedad y que dan rienda suelta a sus más bajos instintos.

Slava cuenta lo que intenta expresar con estas imágenes: “Es una serie de retratos documentales poéticos y nostálgicos que conecta con mi pasado, presente y futuro.

Los antiguos ideales comunistas y los fantasmales símbolos soviéticos aún están presentes en el Nuevo paisaje ruso, como los uniformes militares que se combinan con la estrella soviética y el águila imperial de dos cabezas. Los chicos y los jóvenes de esta serie son totalmente diferentes a los de mi generación que crecieron durante en la Guerra Fría, la propaganda no les ha lavado el cerebro, son más libres e independientes, y el futuro les pertenece”. No en vano, algunas de sus influencias confesas son creadores también polémicos, como Alexander Rodchenko, Vladimir Mayakovsky, Arthur Rimbaud, Jean Genet, George Bataille, William Burroughs, Diane Arbus, Nan Goldin, Terry Richardson y Bruce LaBruce.

His last exhibition, Lost Boys, shows different moments in the lives of youngsters excluded from society, who are unrestrainedly guided by their lower instincts. Slava explains the meaning of those images: “It’s a poetic and nostalgic series of documentary portraits that connects my past, present and future. The old Communist ideals and ghostly Soviet symbols are still evident in the new Russian landscape, like the military uniforms that combine the Soviet star and the Imperial double-headed eagle. The boys and young men in this series are entirely different from my generation that grew up in the time of Cold War, they aren’t brainwashed by the propaganda, they are more free and independent, and the future belongs to them.” Indeed, some of his admitted influences are controversial artists such as Alexander Rodchenko, Vladimir Mayakovsky, Arthur Rimbaud, Jean Genet, George Bataille, William Burroughs, Diane Arbus, Nan Goldin, Terry Richardson and Bruce LaBruce.

Presencias constants // Constant Presence A lo largo de la obra fotográfica de Slava, se repiten algunas constantes. Una de ellas es la presencia de figuras que se repiten, como los hooligans o los militares.

Estas figuras y las culturas urbanas están muy presentes en Lost Boys. Slava comenta este aspecto: “Siempre me han interesado las diferentes culturas urbanas de los jóvenes. Cada una es un universo único con su propia jerarquía, estilo de vida, actitud, forma de vestir y protocolo.

Me fascinan su forma de ver el mundo, comportamiento y su forma de interactuar con los demás. Para mí representan rebelión, anarquía, libertad. Por otro lado, los militares y los soldados representan el orden, control, disciplina, autoridad, leyes- todo contra lo que las culturas urbanas se rebelan. Este conflicto entre el caos y el orden son algunos de mis temas principales”.

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In Mogutin’s work, we find some constant occurences. One of them is the presence of repeated figures, such as hooligans and soldiers. These figures together with different urban cultures are the core of Lost Boys. Slava comments on this aspect saying, “I’ve been always interested in different urban youth subcultures. Each of them is a unique universe with its own hierarchy, lifestyle, attitude, dress code and etiquette. I’m fascinated by the way these kids look, behave and interact with each other. To me they represent rebellion, anarchy, freedom. On the other hand, the military cadets and soldiers represent order, control, discipline, authority, law—everything that youth subcultures rebel against. This conflict between chaos and order is one my central themes.”

Pero lo que más llama la atención es la presencia constant de una sexualidad cruda y sin concesiones: si hay que mostrar unos genitales, se enseñan sin censuras. Slava explica esto: “Soy un voyeur, me gusta fotografiar a gente en situaciones íntimas y vulnerable. Y me gusta fotografiar a gente que se siente cómoda frente a la cámara, cómoda con sus cuerpos y sexualidad. No me importan sus creencias políticas o religiosas, su raza o nacionalidad, mientras disfruten siendo fotografiados y estén abiertos a diferentes ideas y desafíos”. Esta supuesta falta de moralidad le ha reportado multitud de críticas de un público más cerrado de mente, algo que el artista asume pero ignora: “Lo que se consideraba amoral y obsceno hace 20 años ahora forma parte de la cultura comercial. No necesito la aprobación moral de nadie para mi vida y mi trabajo. Ya he sufrido suficiente por los prejuicios y la persecución injustos y he luchado por el derecho a expresarme de la forma más radical y honesta posible.

Soy como soy y estoy orgulloso del trabajo que hago. Si alguien tiene algún problema con mi forma de expresarme es su problema, no el mío”.

What is really striking about all of this is the presence of a raw sexuality without concessions: if genital organs must be shown, they are exposed uncut. Mogutin explains this: “I’m a voyeur, I like photographing people in vulnerable, intimate situations. And I like photographing people who are comfortable in front of the camera, comfortable with their bodies and sexuality. I don’t care about their political or religious views, their race or nationality; as long as they enjoy being photographed and are open to different ideas and challenges.” This supposed lack of morality has costs him loads of negative criticisms on the part of the reactionary audience, something the artist assumes but also ignores: “What was considered amoral and obscene 20 years ago, now became a common part of the mainstream culture. I don’t need anyone’s moral approval for my life and work. I’ve suffered enough from unfair judgment and prosecution and I fought for the right to express myself in the most radical and honest way. I am who I am and I’m proud of the work I do. If someone has a problem with the way I’m expressing myself, it’s their problem, not mine.”

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Cuando observamos las fotografías de Slava, vemos que muchos de los retratados aparecen varias veces.

Podemos suponer multitud de hipótesis, como que se trata de modelos. Pero no es así. Slava explica su metodología: “Normalmente no trabajo con modelos profesionales. La mayoría de la gente a la que fotografío son amigos míos, y a veces les fotografío continuamente durante un largo período de tiempo, como a mi sobrino Dima, cuyos retratos formaron parte de mi exposición en La Fresh (galería en la que se expuso Lost Boys). Siempre pienso en mis sujetos como colaboradores, y mi conexión personal con ellos es una parte esencial de mi proceso creativo. Es sobre la comprensión mutual, la confianza y la compasión”.

When we observe Mogutin’s photographs, we see that some faces are repeated. We may then guess, for example, that they are models. But it isn’t the case. Slava explains his methodology: “Normally I don’t work with professional models.

Most of the people I photograph are my friends, and sometimes I photograph them continuously over a long period of time, like my nephew Dima, whose portraits were a part of my show at La Fresh. I always think of my subjects as collaborators, and my personal connection with them is essential part of my creative process. It’s about mutual understanding, trust and compassion.”

Mundos distintos // Different Worlds El fotógrafo ha viajado a muchísimos lugares del mundo, y por supuesto estos países y sus gentes han pasado por el objetivo del artista, algo que le apasiona: “Me encanta viajar con mi trabajo y siempre me ilusiona visitar nuevos lugares.

Algunas de mis mejores imágenes fueron tomadas en Rusia. Marruecos es otro país bonito. Rusia es un auténtico paraíso para los fotógrafos, donde puedes encontrar las caras, los lugares y los colores más asombrosos. Y, por supuesto, encuentro España muy inspirador. Definitivamente, quiero pasar más tiempo aquí y realizar algún nuevo trabajo”.

This photographer has travelled around the world and sure enough, these countries and people have been captured by his camera, something he absolutely adores. “I love traveling with my work and I’m always excited about visiting new places. Still, some of my best pictures were taken in Russia. Morocco is another beautiful country. Just like Russia, it’s a true photographer’s paradise, where you can find the most amazing faces, landscapes, and colors. And, of course, I find Spain very inspiring. I definitely want to spend more time there and make some new work.”

Slava Mogutin es un artista polifacético: aunque es conocido sobre todo por su faceta como fotógrafo, también ha desarrollado con éxito otras disciplinas como la pintura, el videoarte o la escritura. Según él, no quiere privarse de nada: “No quiero limitarme en ninguna

disciplina o medio en particular. Hasta donde recuerdo, yo escribía y hacía arte –hacía fotos, dibujaba, y actuaba.

De niño, también estudié violín durante 6 años- Más tarde, cuando me mudé a Moscú, me uní a un grupo de rock, pero mi verdadera ambición era convertirme en un gran poeta y escritor ruso. Cuando alcancé este objetivo, publiqué siete libros y gané un prestigioso premio literario ruso. Perdí el interés por la literatura y empecé en centrarme en el arte visual.

Quizás algún día vuelva a la música y a la escritura, pero ahora soy feliz como artista.

Slava Mogutin is a versatile artist: though he is chiefly known for his photographs, he has successfully developed other skills such as painting, video art and writing.

As he claims, the important thing is not to deprive oneself of anything. “I don’t want to be limited by any particular genre or medium. As long as I remember myself, I was writing and making art—taking pictures, drawing, performing. As I kid, I also studied violin for 6 years. Later, when I moved to Moscow, I joined a rock band, but my real ambition was to become a great Russian poet and writer. As soon as I achieved that goal, published seven books and won a prestigious Russian literary prize. I lost interest in literature and started focusing on visual art instead.

Maybe one day I will go back to music and writing, but now I’m quite happy being an artist.”

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Debido a su condición de multiartista y a su vida de Nueva York, conoce de primera mano los entresijos dentro del mundo del arte, del que expresa su opinión: “El mundo del arte occidental es un pequeño modelo de la sociedad capitalista, y se sufren los mismos problemas. Es muy competitivo y orientado a las celebridades.

Desafortunadamente, el éxito financiero no tiene nada que ver con tu verdadero talento o con la calidad de tu trabajo.

Mucha gente piensa en el arte solo en términos de ventas y números. Pero el arte no es un mercado de ocasión o los Juegos Olímpicos. No es una competición, es tomar riesgos y hacer preguntas sin esperar una respuesta”.

Due to his condition of multidisciplinary, New York-based artist, he knows first hand the ins and outs of the visual arts’ world. He gives us his opinion about it: “Western art world is a small model of the Capitalist society, and it suffers from the same problems. It’s highly competitive and celebrity-oriented. Unfortunately, very often financial success has nothing to do with your real talent or the quality of your work. Many people think of art only in terms of sales and numbers. But art is neither a stock market, nor the Olympic games. It’s not about competing, it’s about taking risks and asking questions without expecting an immediate answer or reward.”

Un artista con tantas inquietudes no puede quedarse cruzado de brazos durante mucho tiempo, por eso Slava se encuentra inmerso en una serie de nuevos proyectos: “Estoy terminando un nuevo libro de mis panorámicas de viajes, Panoramic View, y estoy preparando algunas exposiciones en España, Holanda, Rusia y Estados Unidos. Después de mi exposición en La Fresh me dí cuenta de que tengo muchos seguidores en España. También tengo invitaciones de otras ciudades españolas.

Ahora estoy trabajando en proyectos en Gijón, Elche y Barcelona, y espero volver aquí pronto”. Esperamos ver a Slava de nuevo por aquí, para que nuestro país le sirva de inspiración para nuevas obras cuyas imágenes se queden clavadas en nuestra retina.

Such a lively artist, can’t remain quiet for too long, that is why Mogutin is already immersed in a series of new projects: “I’m finishing a new book of my panoramic travel photos, Panoramic View, and preparing several exhibitions in Spain, Netherlands, Russia, and the States. After my show at La Fresh I realized that I have a big audience and following in Spain. I already got some invitations from other Spanish cities. Now I’m working on the projects in Gijon, Elche, and Barcelona, and I’m hoping to come back there soon.”

We hope to see Slava Mogutin back again, so that Spain may be an inspiration for new works to be engraved in our mind.

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IBÁN

RAMÓN Ibán Ramón Rodríguez nació en Valencia en 1969, es diseñador gráfico y director de Estudio Ibán Ramón. Aquí desarrolla proyectos de identidad corporativa, diseño editorial y comunicación gráfica. También es socio de ADCV (Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana) y miembro del BEDA (The Bureau of European Designers Asociation).

Ibán Ramón Rodríguez was born in Valencia in 1969. He is a graphic designer and director of Studio Ibán Ramón. He develops corporate image projects, editorial design and graphic communication in the Studio. He is also a member of ADCV (Association of Designers of the Valencian Community) and of BEDA (The Bureau of European Designers Asociation).

Su trabajo como diseñador y fotógrafo ha sido publicado en varias ocasiones.

Todo su trabajo fotográfico (artístico) está relacionado debido a que cada trabajo es un punto de encuentro, o “meeting point”.

Ibán is a published photographer and designer. All of his artistic photographic work is related because they all represent meeting points.

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MATEO MATÉ Viajamos con el artista por un Madrid en miniatura construido con objetos cotidianos We Travel with the artist through a miniature Madrid constructed with everyday objects Por // By: Fátima Rodríguez

Traducción // Translation: Karla D. Romero

¿Quién no ha imaginado alguna vez su propia ciudad en miniatura? Es más, ¿quién no ha intentado representarla alguna vez de pequeño, ya sea con piezas de Lego o incluso con latas? Mateo Maté realiza esta fantasía infantil en su última exposición: Viajo para conocer mi geografía. En ésta, podemos observar una representación de Madrid: objetos como latas o botellas sirven para escenificar rincones tan emblemáticos de la capital como la Plaza de Colón o la Biblioteca Nacional. Ésta es la última obra de Maté, que se suma a otros trabajos pasados, como las exposiciones individuales Reliquias de artista, Cartografías personales o Thanksgiving Turkey.

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Who has never imagined a miniature version of their own city? And who hasn’t tried constructing it with Legos or even cans? Mateo Maté created this childhood fantasy in his last exhibition: I Travel to Know my Geography. In this exhibition we can see a representation of Madrid. Objects such as cans and bottles represent emblematic corners such as Plaza de Colón and the National Library.

This is Maté’s last work, which he adds to his previous pieces, such as the individual exhibitions, The Artist’s Relics, Personal Cartographies and Thanksgiving Turkey.

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Como en todo buen viaje, realizamos nuestro recorrido gracias a un coche.

No uno de verdad, claro: se trata de un cochecito como los de los Scalextric.

Mateo nos lo cuenta: “La idea del coche viene de hacer un viaje a escala, porque para hacer un viaje necesitas un coche. En este caso, necesitaba un coche pequeñito para hacer un viaje por mis cosas. Para ello, pedí ayuda a una empresa de Scalextric, Ninco, que también me construyó 150 metros de pista y unos coches para poder tunearlos con una cámara. La obra es una visión subjetiva de este viaje a partir de las cosas cotidianas de tu entorno, como un viaje por Somosierra, el Valle de los Caídos, un viaje por Castilla, etc”. En realidad, es como un pequeño mapa de Madrid, en el que los edificios parecen cobrar vida.

Mateo nos cuenta su metodología a la hora de crear: “Una línea de mi trabajo consiste en hacer cartografías de mi entorno para aprenderlo y conocerlo, de tal manera que en Viajo para conocer mi geografía tengo mapas de mi cama, fotos de haber sobrevolado mi mesa de trabajo o la de otros, el salón…De tal forma que primero hago un estudio de mi entorno cercano y sus objetos: los de mi casa, de mis hijos, las cosas con las que convivimos, las que consumimos”.

Like in every great trip, we travel through the route thanks to a car. Not a real one, of course, but in a little electric caresque vehicle. Mateo tells us, “The car idea comes from doing a trip with stops, because to go on a trip you need a car.

In this case, I needed a little car to take a trip through my things. And to do so, I asked Ninco, a Scalextric company for help. They also constructed a 150 meter track and some cars in order to be able to tune them with a camera. The piece is a subjective view of this trip, from the everyday things around you, just like a trip to Somosierra, Valle de los Caídos, a trip through Castilla, etc.” It’s actually like a small map of Madrid, where the buildings seem to be the real ones. Mateo tells us his methodology when he creates: “A line of my work includes creating cartographies of my surroundings in order to understand and get to know them, in such a way that in Viajo, in order to know my geography, I have maps of my bed, pictures of me flying over my desk or other people’s desks, the living room… in such a way that first I create a study of my nearby surroundings and their objects: my house’s, my kids’, the things we live with, that we consume.”

en una mudanza, porque toda ciudad es un caos. Cada una la ordena según su viaje y su punto de vista, y a través de esa actitud pasan en un orden. No es una obra para verla, es para viajarla. Cuando entras en la sala a ver la exposición, la primera impresión es la de ver un montón de trastos desordenados y colocados al azar, pero se ordenan según el punto de vista de cada uno. Por ejemplo, me hizo gracia una persona mayor que vino a ver la exposición que dijo: “¡Con la mala impresión que me dio este sitio, con todo desordenado y tirado por ahí! Pero cuando he visto el vídeo todo está en su sitio, es perfecto”. Ese orden es el viaje”.

When you enter the place where “Viajo…” is exhibited (Abierto x Obras in Matadero de Madrid) for the first time, you feel somewhat uneasy: you see a bunch of objects on the ground. Apparently, there is no relation between them. Yet, thanks to the car’s trajectory, you see there is a logical order. Mateo explains this to us: “It gives the impression of chaos, as if you were moving, because the entire city is chaos. Each one organizes it according to its trip and point of view and through this attitude, they pass in some kind of order.

It’s not a piece to look at, it’s to travel through. When you enter the room to see the exhibition, the first impression is that there are a bunch of unorganized things, randomly places, but they’re organized according to each person’s point of view.

For example, it was funny when an older person came to see the exhibition and said, “This place gave me such a bad impression, with everything so disorganized and thrown everywhere! But when I saw the video, everything was in its place, it’s perfect,’ That order in the trip.”

Orden dentro del caos // Order Within Chaos Cuando entras por primera vez en el lugar donde se expone “Viajo para conocer mi geografía” (la sala Abierto x Obras, del Matadero de Madrid) sientes una impresión algo desconcertante: ves un montón de objetos colocados en el suelo.

Aparentemente, no tienen relación entre sí. Sin embargo, gracias al recorrido del coche, ves que existe un orden lógico.

Mateo lo explica: “Da una impresión de caos, como si pusieras todas tus cosas

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En realidad, hay muchas maneras posibles de expresarse, sobre todo en términos artísticos. Mateo Maté ha decidido hacerlo a través de una serie de objetos tan cotidianos como mesas, sillas o cajas de cartón. Asimismo, él piensa que éstos son muy importantes para revelar la identidad de una persona, ya que definen sus gustos y los productos que consume.

Además, podemos contemplar una particular visión de la capital española y de sus rincones más conocidos: “Es como si vieras la ciudad en un sueño.

No es un Madrid ordenado: ves el Colón, la Biblioteca Nacional, algunas plazas significativas, pero como si no estuvieran en su sitio, se mezclan todas”. De hecho, esta ciudad inspira a Mateo una serie de sentimientos, unos buenos y otros no tanto: “Madrid es el lugar en el que me toca vivir, ya que aquí tengo a mis hijos y eso hace que no pueda escapar. Madrid no es que no me guste, pero últimamente está insufrible: desde hace años la dictadura de la construcción se está pasando.

Con las obras ya no puedes ni pasear. Es una lástima, porque podría ser un lugar maravilloso y la gente es estupenda, pero han conseguido que acabemos viviendo en una zanja”.

Actually, there are many ways to express oneself, especially using art.

Mateo Maté has decided to do so using everyday things, such as tables, chairs and cardboard boxes. He thinks that this way, these items are very important when it comes to revealing a person’s identity, since they define their likes and the products they consume. Also, we can consider a particular vision of a Spanish city and its most well-know corners: “It’s as if you saw the city in a dream. It’s not an organized Madrid: you see Colón, the National Library, a few important plazas, but as if they weren’t in their location, they’re all mixed.” In fact, this city inspires a series of feelings for Mateo, some good and some not so good: “Madrid is a place where I have to live, since my kids are here and this makes it so I can’t escape.

It’s not that I don’t like Madrid, but lately it’s insufferable: during the last year, construction dictatorship has taken it too far. With all of the construction, you can’t even go for a walk anymore. It’s a pity, because it could be a marvelous place and the people are wonderful, but they have succeeded in turning it into a ditch.”

Los madrileños que han querido han visitado esta exposición por un precio que sorprenderá a muchos y que todos los que la han visto habrán agradecido: cero euros. Cada vez más muestras de arte son ofrecidas por prácticamente nada, iniciativas que Mateo apoya: “Estas iniciativas me parecen lógicas, y deberían ser normales. Me parecen sorprendentes porque funcionen y que tengan esta aceptación, pero hay que reconocer que los ciudadanos necesitamos cultura, más ideas frescas. De ahí la aceptación de Matadero”.

Madrid natives that have wanted to have seen the exhibition for a surprising price to many and that has probably satisfied anyone who has seen it: zero euros. It’s becoming more common for

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art exhibitions to be offered for practically nothing, an initiative that Mateo supports: “These initiatives seem logical and should be the norm. It surprises me that they work and that they’re accepted in this way, but we must acknowledge that as citizens, we need culture, more fresh ideas.

Matadero’s acceptance comes from this.”

La odisea del arte // Odyssey of Art Cuando se le pregunta por la situación de la cultura en España, Mateo se ha mostrado de lo más crítico. Según él, el arte no se valora en este país como debería, algo que el artista lamenta: “Es un mal endémico. No valoramos suficientemente lo nuestro. Por ejemplo, está la peculiaridad del Reina Sofía, que no tiene programado a ningún artista español para los próximos meses, al igual que otras galerías. Eso es síntoma de que la cadena está rota: no hay relación entre los artistas y el medio. Desde hace años, cuando voy a charlas, les digo a los chavales que están empezando que se vayan, ya que Picasso es un artista francés, nunca podría haber sido un artista español. Creo que esto también se debe a que hemos cedido el poder al intermediario: los centros y museos contratan a comisarios y demás, de tal manera que lo mediático ha terminado siendo lo extranjero, pero desde hace muchos años. Creo que hay un par de generaciones de artistas perdidas en España. Hay un desinterés total por el arte en España. Casi nadie vive de esto, sólo los artistas más comerciales. Si no lo eres y además te gusta trabajar con cierta libertad, simplemente no puedes”.

When asked about the cultural situation in Spain, Mateo was quite critical. According to him, art isn’t given the value it deserves in Spain, as it should. This is something that saddens the artist: “It’s a bad endemic.

We don’t value what we have enough.

For example, there’s the peculiar situation of the Reina Sofia Museum, which isn’t exhibiting a single Spanish artist’s work during the next few months, as well as other galleries. During the last few years, when I go to lectures, I tell kids that are just starting to leave, since Picasso is a French artist, he could have never been a Spanish artist. I think this is also due to the fact that we’ve given the intermediary all the power: the centers and museums hire commissioners and such, in a way that the norm has become what’s foreign, and for many years. I think there are a couple generations of artists lost in Spain. There is complete disinterest in art in Spain. Almost no one lives off of this, only the more mainstream artists. If you’re not and you like to work with more freedom, you simply can’t.”

A pesar de las dificultades propias con las que tiene que enfrentarse cualquier artista tanto en España como en el resto del mundo junto a la compaginación con su vida personal y familiar, Mateo no para.

Con el éxito de Viajo para conocer mi geografía aún reciente, ya está pensando

en próximos proyectos. El artista nos hace un adelanto: “Me pongo a pensar en los próximos antes de terminar el anterior. Hay algunas muestras colectivas bastante interesantes que me han pedido obras. También hay un par de proyectos individuales, como una exposición en La Gallera de Valencia. Hace poco también inauguré otra exposición allí, y siempre tengo tres o cuatro cosas a la vez”. Como podemos ver, el viaje no termina en este punto.

Despite the personal difficulties that face any artist in Spain or the rest of the world, Mateo doesn’t stop. With the current success of I Travel to Know my Geography, he’s already thinking in future projects. The artist gives us a heads up: “I start thinking about what I’m going to do next before finishing the previous one. There are a few interesting collective samples that I have been asked to turn into a complete work.

There are also a few individual projects, such as an exhibition in La Gallera in Valencia. I recently inaugurated an exhibition there, and I always have three or four things going on at a time.” As we can see, the trip doesn’t end here.

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Arquitectura escrita:

Auge y caída de la ciudad ideal Written Architecture:

the Rise and Fall of the Ideal City Por // By: Carmen Valache La sala de exposiciones del Círculo de Bellas Artes de Madrid estaba oscura, y sólo los artefactos estaban bien iluminados como para enfatizar algo que ya sobresalía por sí mismo. Ese algo sobresaliente eran las maquetas de edificios y ciudades descritas en textos famosos de la literatura universal, a partir del Poema de Gilgamesh, Las mil y una noches, Timeo y Critias de Platón, hasta Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift, La Regenta de Clarín, El castillo de Kafka y Les Enfants terribles de Jean Cocteau.

Supervisada por Juan Calatrava de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Granda y por Winfried Nerdinger de la Universidad Técnica de Múnich, la exposición Arquitectura escrita recupera parte de otra exposición similar, Architektur wie sie in Buche steht, que fue presentada en Múnich en el 2006.

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The exhibition hall at the Círculo de Bellas Artes in Madrid was dark, and only the artifacts were well lit as if to put even more emphasis on something that stands out anyway. That something was mock ups of buildings and cities described in famous works of world literature, starting with the Epic of Gilgamesh, the One Thousand and One Nights and Plato’s Timaeus and Critias, on to Jonathan Swift’s Gulliver’s Travels, John Milton’s Paradise Lost and up to Clarín’s The Regent’s Wife, Emile Zola’s Travail, Kafka’s The Castle and Jean Cocteau’s Les Enfants terribles. Curated by Juan Calatrava from the Superior Technical School of Architecture in Granada and by Winfried Nerdinger from the Technical University in Munich, the exhibition Written Architecture is visiting Spain after a very similar version, Architektur wie sie in Buche steht, was presented in Munich in 2006.

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El proyecto es un diálogo entre texto y materia, entre libros, citas y maquetas. Cada maqueta está acompañada por una edición temprana del libro al que hace referencia. Además, las paredes de la sala están llenos de citas de algunos de estos libros, convirtiendo la visita en una experiencia holística, a través de la cual el visitante tiene contacto con las ideas de los escritores y luego ve la realización palpable de esas ideas por otros artistas. Como para complicar las cosas aún más, cada maqueta está realizada por un arquitecto diferente. El formado dialectico y la perspectiva fragmentaria revelan la humildad y la consideración de los dos comisarios de esta exposición.

Si ésta hubiese consistido sólo en maquetas, su propósito no hubiera quedado muy claro. En definitiva, ¿cómo hace uno para abarcar casi tres milenios de escritura y nada más presentar la arquitectura descrita en ésta? Y ¿cómo sacar una conclusión de tal proyecto? La respuesta es sencilla: no se puede. Y Arquitectura escrita no intenta hacerlo. Arquitectura escrita despierta preguntas, reintroduce estas obras bajo una nueva

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perspectiva y le deja el paso libre al visitante para sacar sus propias conclusiones.

The project is a dialogue between text and matter, between books, quotes and architectural models. Each model is accompanied by an early edition of the book it refers to.

In addition to that, the walls of the gallery are replete with quotes from some of those books, turning the visit into a holistic experience of reading ideas and descriptions and then seeing their material execution. As if to make matters even more complicated, each mock up was created by a different architect or student of architecture. The dialectic format and the fragmentary approach reveal great humbleness and thoughtfulness on the part of the curators. Had the exhibition consisted only of mock ups, its purpose would have been too wide. After all, how do you encompass almost three millennia worth of writing and simply exhibit the architecture described in it? And how do you cast a judgment or a conclusion in a project

like this? The answer is: you can’t. And Written Architecture doesn’t do that. Written Architecture poses questions, brings the texts to life in a new light and lets the visitors decide what their take home messages are.

La idea de que la literatura influye en la sociedad contemporánea y futura no es nada nuevo. La literatura ha iniciado, cambiado y deshecho ideologías y doctrinas. El mismo Sigmund Freud reconoció que sus ideas tempranas sobre el psicoanálisis fueron inspiradas por los libros que había leído. Sin embargo, Arquitectura escrita muestra una índole diferente de influencia literaria, ya que el texto se filtra por la conciencia de otro artista y se convierte en objeto palpable. Cada maqueta representa una obra de arquitectura basada en una obra de arte literaria. Esto es precisamente lo que me parece tan innovador en esta exposición, ya que reúne la imaginería literaria y científica (arquitectural) en un espacio común, creando un escenario en el cual los textos y las maquetas protagonizan en un diálogo no resuelto.

There is nothing new to the concept that literature has an influence on all areas of society; that it has initiated, altered and did away with doctrines and ideologies. After all, Sigmund Freud himself claimed that he got his early ideas about psychoanalysis from literature. However, Written Architecture displays a different sort of literary influence, because it departs from the text, filters it through another artists’ consciousness and then turns it into a palpable production. Thus, each architectural model is a work of art based on another work of art. And this is what I find so innovative about this exhibition. It creates a space that brings together literary and scientific (architectural) imagery, a stage where the text and the mock ups are protagonists in an unresolved dialogue.

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Lo que más me llamó la atención fue la gran diferencia entre la arquitectura temprana y la que surge después de los siglos XVI y XVII. Las maquetas que cubren el periodo más temprano representan ciudades cuidadosamente organizadas, radiales o rectilíneas, con centros destacados. Se trata de la arquitectura del poder de la Antigüedad y de la ciudad ideal del Renacimiento, todas estructuras panópticas, en las cuales el centro controla y supervisa las periferias. Eran ciudades con dioses cristianos, griegos o mesopotámicos que vigilaban sobre ellas. Así aparecen descritas la Atlántida de Platón, la ciudad soleada (Civitas solis) de Tommaso de Campanella y Sforzinda, la ciudad ideal de la cual habla Filarete en su Tratado de arquitectura (1463).

The thing that struck me the most was the divide between earlier architecture and what comes after the 16th and 17th centuries.

Up until this time, most mock ups display carefully organized cities and structures, with radial or rectilinear streets and clear centers.

These represent the architecture of power of the Antiquity and the ideal cities of the Renaissance, all panoptical structures in which the center controls and watches over the peripheries. They were cities with Christian, Mesopotamian or Greek gods watching over them. This is Plato’s Atlantis, Tommaso Campanella’s Civitas solis (The City of the Sun) or Filarete’s ideal city, Sforzinda, described in his Treatise on Architecture (1463).

Sin embargo, a partir de los siglos XVI-XVII, justo el periodo del protestantismo, aparecen las ciudades sin dios, ni estructura.

Comenzando con la maqueta del pandemonio descrito por John Milton en Paraíso perdido (1667), que alude de manera obvia al templo de Salomón y a los peligros que surgen si uno deja los demonios del conocimiento a entrometerse con la creencia, hasta la maqueta de la ciudad industrial tal como la describe Emile Zola en Travail (1901) y hasta la maqueta que representa la abadía de El nombre de la Rosa (1980) como si fuera una cárcel, la literatura moderna ha inspirado una aversión hacia la organización y la jerarquía en la arquitectura. Los centros y la estructura cuadriculada devienen claustrofóbicos, mientras que la vida en tales espacios es insoportable. La arquitectura del pasado ya es utopía o distopía, convirtiéndose en temas de novelas futuristas como El juego de los abalorios (1943) de Herman Hesse, Heliopolis de Ernst Jünger (1949) o Los quinientos millones de la Begum (1879) de Jules Verne.

After the 16th-17th centuries, the age of Protestantism, what follows are godless cities and structures. Starting with the mock up of John Milton’s pandemonium from Paradise Lost (1667)- which was an obvious reference to Solomon’s temple and depicted the dangers of allowing the demons of knowledge to interfere with faith, to the model of Emile Zola’s desolate industrial city in Travail (1901) and the prison-cell representation of Umberto Eco’s abbey in The Name of the Rose (1980), modern literature inspired a dread of organization and hierarchy in architecture.

Centers and grids become claustrophobic and life in such spaces is unbearable. The architecture of the past is now a utopia or a dystopia, subject of futuristic novels such as Herman Hesse’s The Glass Bead Game (1943), Ernst Jünger’s Heliopolis (1949) or Jules Verne’s The Begum’s Millions (1879).

Y ¿qué con nosotros, los cosmopolitas que viven en las grandes ciudades contemporáneas? ¿Cómo se ve Madrid hoy en día?

Su belleza imponente y su caos organizado recuerdan de otros tiempos, tiempos con un dios incuestionable y una jerarquía muy bien definida. Sin embargo, sus nuevos habitantes han convertido iglesias en centros de arte y construido jardines botánicos en estaciones de ferrocarril. No tengo la respuesta a estas preguntas, pero os dejo con otra pregunta, una que se me ocurrió al salir de la exposición. ¿En qué medida estamos nosotros cambiando la vieja arquitectura urbana y en qué medida es ella la que nos dicta como vivir nuestras vidas de modernos?

So what about us, cosmopolites living in today’s major cities?

What kind of a city is Madrid nowadays? Its imposing beauty and organized chaos is reminiscent of a different age, with an unquestionable god and a well defined hierarchy of powers.

However, its new inhabitants turned religious buildings into art centers and built botanical gardens in train stations. I don’t have the answer to these questions, but I shall leave you with yet another question that crossed my mind upon leaving the exhibition. To what extent are we changing urban architecture and how much does the old architecture actually dictate how we live our modern lives?

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BRIEF R E V E

Al azar A N D O M

Formato // Format: Foto / Photo: Polaroid D贸nde y cu谩ndo // When and Where: 2010, Las Carboneras, Tenerife Autor // Author: Belma H-F Le贸n

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