Icandela 10

10

ILUMINACIÓN

ARQUITECTURA

INTERIORISMO

10

ILUMINACIÓN

ARQUITECTURA

INTERIORISMO

Revista online: www.icandela.com

ICANDELA

PROTAGONISTA protagonist

Javier Mariscal y Laura Cassota: el diseñador y la gerente de Artemide España nos hablan de Lotek, la “lámpara amiga” / The designer and the manager of Artemide España speak to us about Lotek, the “lamp friend”

REPORTAJES Articles

El Light Art. Del objeto lumínico a la atmósfera lumínica. Influencias en la iluminación arquitectónica / Light Art. From the luminous object to the luminous atmosphere; light Influences in architectural lighting

A Fondo In Depth

Por una teoría de la iluminación de espacios comerciales: Centros comerciales. Explosión de geometrías / For a theory of commercial space lighting: Shopping.

Geometries Explosion

Foto portada: James Turrell. Aten Reign, 2013. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York

ILUMINACIÓN

ARQUITECTURA

INTERIORISMO

4|S U M A R I O

4 Sumario/ summary 6 Editorial/ Publishing house 8 Apuntes/ Notes Avance de la Professional Lighting Design Conference en Copenhague/ Professional Lighting Design Conference in Copenhagen 12 Apuntes/ Notes James Turrell: “ La luz es una sustancia poderosa”/ James Turrell: “Light is a powerful substance” 18 Artículo/ Article El Retail como comunicación/ The Retail as communication 24 Reportaje/ Article New Rijksmuseum: Philips LED lighting, nueva luz sobre antiguas obras maestras/ New Rijksmuseum: Philips LED lighting, new light on old masterpieces 36 Reportaje/ Article El Light Art. Del objeto lumínico a la atmósfera lumínica. Influencias en la iluminación arquitectónica/ Light Art. From the luminous object to the luminous atmosphere; light Influences in architectural lighting 46 Protagonista/ Protagonist Javier Mariscal y Laura Cassota: el diseñador y la gerente de Artemide España nos hablan de Lotek, la “lámpara amiga”/ Javier Mariscal and Laura Cassota: the designer and the manager of Artemide España speak to us about Lotek, the “lamp friend” 56 Cuadernos/ Notebooks Eficiencia energética en el sector hotelero con tecnología LED/ Energy efficiency in the hotel sector with LED technology 60 A Fondo/ In Depth Por una teoría de la iluminación de espacios comerciales: Centros comerciales. Explosión de geometrías/ For a theory of commercial space lighting: Shopping. Geometries Explosion 70 Apuntes/ Notes La Casa de Quirós: el calor del hogar/ La Casa de Quirós: cosy warm of home Edita Mag Ediciones Sl Editora Mercedes Arroyo Redacción Sabina Lloret Andrés Publicidad icandela@icandela.com T. +34 629 25 42 17 Diseño gráfico y maquetación Talento Gráfico Han colaborado en este número: Miquel Àngel Julià, Alberto Barberá, Luz & Ambiente Consulting, Laura Cassota, Artemide, Javier Mariscal, Josep Masbernat, Federica Sandretti, iGuzzini, Javier Sánchez, Havells-Sylvania, Adrián Muros Alcojor, Universidad Politécnica de Catalunya, UPC, Rogier van der Heide, Philips.

Traductores: Liceum Centro de Estudios.

Asesor en arquitectura: Ángel Martínez.

Impresión Arts Gràfiques Cevagraf D.L: B-20405-2011 Redacción y administración Icandela C. Vidre nº1 Poligono La Ferrería 08110 Montcada i Reixac, Barcelona T. +34 93 417 30 90 - +34 629 25 42 17 F. 93 417 13 99 www.icandela.com / icandela@icandela.com redaccion@icandela.com

El editor no se identifica necesariamente con el criterio de los artículos publicados, siendo los autores responsables. Todos los derechos de esta publicación están reservados. Queda prohibida la reproducción de cualquier parte de la misma, en cualquier soporte aun citando la procedencia.

6|

EDITORIAL

La luz natural, fundamental

D

Diseño e iluminación sostenible serán unos de los temas destacados sobre los que los profesionales que se reunirán en la próxima edición del Congreso de la PLDC, que se celebra en Copenhagen a últimos del mes de octubre y principios del de noviembre, van a discutir.

A lo largo de toda la historia, los arquitectos han tenido en cuenta el impacto que la luz tiene en el ser humano, siendo la luz natural parte esencial de la arquitectura hasta la aparición de la luz artificial, en el que pasó a ser un elemento menos importante del proyecto.

En el siglo XXI, la utilización de un recurso natural que proporcione la iluminación que garantice el confort visual, necesario para realizar las tareas que vayan a desarrollarse en un edificio, es fundamental para reducir la demanda de energía y frenar el calentamiento global del planeta.

Los arquitectos de este siglo tienen una gran responsabilidad en ese sentido, a la hora de proyectar sus edificios. Utilizar la luz como una parte estructural, recurriendo a la tecnología y los avances de la industria, para graduar, modular y dirigir la luz natural es imprescindible.

Como bien dice nuestro colaborador Alberto Barberá en el avance del Congreso de la PLDC que publicamos en esta edición “esperemos que el LED no monopolice el debate”.

Independientemente, todos los que sentís pasión por la luz, y tengáis la suerte de asistir a este evento, con toda seguridad, vais a disfrutar mucho.

Para todos, buen comienzo de curso y final del año.

Natural light, fundamental

D

esign and Sustainable Lighting will be among the topics featured on the professionals who will meet in the next edition of the PLDC Conference, held in Copenhagen in late-October and early November, will discuss.

Throughout all of history, architects have taken into account the impact that light has on humans, natural light being essential part of the architecture to the emergence of artificial light, which happened to be an element less important to the project.

In the XXI century, the use of a natural resource that provide illumination to ensure visual comfort to perform the tasks needed to be developed in a building, it is essential to reduce energy demand and curb global warming.

The architects of this century have a great responsibility in this regard when designing their buildings.

Using light as a structural part, using technology and industry developments, to grade, modular and direct natural light is imperative.

As stated by our partner Alberto Barbera in advancing the PLDC Congress published in this edition “LED hopefully not monopolize the debate”.

Regardless, all who feel passion for light, and you may have the good fortune to attend this event, surely going to enjoy a lot.

To all, good start to the year and end of year.

mercedes arroyo Editora / Editor

8|a r t í c u l o

Professional Lighting Design Conference in Copenhagen A personal perspective around the content of the most influent international lighting design meeting.

I

nspiration. Knowledge transfer. Networking. Hard working days, good for a renewal of the inner passion: light.These are words that come to my mind when I look back at my memories from the past Professional Lighting Design Conference that took place in Madrid in November, 2011. Now, I am looking forward, trying to share my expectations of what the next conference would bring for the development of the lighting design profession, for my own personal and professional interests. Copenhagen, looks like a wonderful place, with a good representation of what XXIst century’s architecture has to offer, some of this RIBA-Europe awards, exemplifying urban development, the remains of the masters of the past...

Maybe next time. The Conference has an intensive programme with six presentations a day, and there is no opportunity such as this to find that amount of international talent and enthusiasm in a single place, at the same moment. No tourism, then, let’s get to the work.

Pre-convention meetings. SAD in Copenhagen SAD stands for Seasonal Affective Disorder, for what the winter blues is a good example. This kind of sickness is related to the lack of sunlight in the winter months, and it is normally associated with a delay in the circadian rhythm, our internal biological clock that regulates, among other physiological functions, the balance of our daily sleeping hours. Light therapy has proven to be an effective treatment to this kind of disorders. Professor Rob Lucas, from Manchester University, will share the results of a workshop entitled “Nonvisual effects of light on human beings” during one of the pre-convention meetings planned for wednesday the 30th. This research is part of an effort to define a new standard for lighting quality that would include such aspects of light that are not related to human perception, led by the European Committee for Standarization.

Another meeting, the same day, that will join lighting educators, can shape the future of things to

come regarding lighting design as a professional profile. There is a will of sindication, of joining forces to create a Lighting Educators’ Association, and Louise Ritter is hosting a meeting to talk about this subject. The conversation started some months ago, and maybe some specific results will come to light after the working session.

The conference The major topics discussed in the sessions will divide in four categories or parallell “tracks”, and three of them are pre-defined: Research, Case Studies and Professional Practice Issues. The fourth is established as a result of testing the interests and trends of both industry and professionals. This year will be entitled “Sustainable Lighting+Design”. For now Solid State Lighting technology (LED) is still kind of an individual subject, as it generates passionate debates and raises questions and expectations among the whole industry and the professionals implied, and it will mainly appear along this track. But hopefully this won’t monopolize the

R E P ORTA J E |9

Avance de la Professional Lighting Design Conference en Copenhague Créditos > Text/Texto: Alberto Barberá Images/fotos: PLDC Una perspectiva personal de los contenidos del encuentro internacional más influyente del diseño de iluminación.

I

nspiración y transferencia de conocimiento. Networking: establecer y fortalecer contactos.

Días de duro trabajo, buenos para una renovación de la íntima pasión: la luz. Este tipo de cosas vienen a mi cabeza cuando miro atrás y pienso en la pasada conferencia internacional del Diseño de Iluminación Profesional que tuvo lugar en Madrid en Noviembre de 2011. Ahora estoy mirando hacia adelante, tratando de compartir mis expectativas acerca de lo que puede ofrecer la próxima edición para el desarrollo de la profesión, para mis propios intereses personales y profesionales. Copenhague parece verdaderamente un lugar magnífico para visitar, con una buena representación de lo que la arquitectura del siglo XXI puede desarrollar: unos cuantos premios RIBA-Europe, un desarrollo urbanísitico ejemplar, y los rastros de los maestros del pasado... Quizás la próxima vez: la Conferencia consiste en un intensivo programa, con seis presentaciones diarias, y no existe otra oportunidad como ésta de encontrar reunido tanto talento y entusiasmo concentrado en un único momento y lugar. Poco

turismo, pues, a trabajar! aparecen en baños, cocina y otras paredes.

Las reuniones previas a la convención. SAD en Copenhague SAD son las siglas de Seasonal Affective Disorder, un trastorno emocional estacional para el que la tristeza invernal es un buen ejemplo. Este tipo de afección está relacionada con la falta de luz solar en los meses de invierno, y normalmente lleva asociado un desfase del ritmo circadiano, esto es, de nuestro reloj biológico interno que regula, entre otras funciones fisiológicas, las fases de sueño y vigilia. La terapia con exposición a la luz es un procedimiento efectivo para combatir este tipo de desórdenes. El profesor Rob Lucas, de la Universidad de Manchester, compartirá los resultados de un encuentro titulado “Efectos no visuales de la luz en los seres humanos”. Esta investigación es parte de un esfuerzo conjunto por establecer un nuevo estándar de calidad de la iluminación que contemple aquellos aspectos de la luz que no están relacionados directamente con la percepción. Un grupo de investigación del Comité Europeo de

Normalización está trabajando en ello desde hace tiempo.

Otra de estas reuniones previas, el mismo día, que me parece que puede influir en el desarrollo futuro del perfil profesional reunirá a los educadores que forman a los futuros diseñadores de iluminación. Hay una voluntad global de unir esfuerzos y promover la creación de una asociación de educadores de iluminación, y Louise Ritter, de VIA-Verlag, ha organizado un encuentro para avanzar en este proyecto, que empezó a tomar forma hace unos meses y que quizá pueda generar ciertas novedades tras el encuentro en Copenhague.

La Conferencia Los temas principales que se discutirán en las sesiones se dividen en cuatro categorías, tres de ellas son fijas: Investigación, Casos de Aplicación y Aspectos de la Práctica Profesional. La cuarta se define para cada edición teniendo en cuenta los intereses de la profesión y el mercado, y en este caso lleva por título “Diseño e iluminación sostenible”. Por el momento, la tecnología de iluminación de estado sólido sigue siendo de algún

10|a r t í c u l o

modo todo un tema individual, que genera apasionados debates y plantea preguntas y expectativas entre toda la industria y los profesionales implicados, y que seguramente aparecerá a menudo en este apartado dedicado a la sostenibilidad. Pero esperemos que los LED no monopolicen el debate. El aprovechamiento de la luz natural y la aplicación de tecnologías de control son factores fundamentales a incluir en los diseños sostenibles, y son la primera solución que viene a la mente cuando los requisitos cualitativos o cuantativos de iluminación de un proyecto dado no pueden ser satisfechos empleando únicamente fuentes de luz de alta eficacia y bajo consumo. El programa dedicado a los Casos de Aplicación ofrecerá

la oportunidad de aprender y obtener inspiración directamente de los maestros de la profesión, que compartirán los hechos relevantes y las reflexiones que cada proyecto singular aporta en el desarrollo del diseño, mostrando ejemplos prácticos de cómo la belleza puede alcanzarse con una combinación adecuada de amor por el trabajo, una técnica depurada y un riguroso y atento trabajo de diseño.

Yo diría que mis intereses en el programa dedicado a Investigación de este año giran alrededor de dos temas principales: la importancia de la luz en el diseño de espacios saludables y la iluminación de espacios urbanos. De nuevo, la tecnología LED tendrá algo que decir aquí. Hay un creciente debate

acerca de la necesidad de emplear luz de “espectro completo” para el bienestar de las personas, especialmente en lugares donde se desarrollan actividades de forma prolongada, tales como puestos de trabajo o instalaciones hospitalarias y de salud. Por otra parte, la imagen de nuestras ciudades y las consecuencias de la irrupción de la iluminación de estado sólido en espacios públicos es siempre un motivo de cuestionamiento y reflexión en mi caso, pues soy un amante de las largas tardes-noches de invierno, que prefiero emplear paseando por las ciudades europeas, buscando el equilibrio entre la oscuridad y la belleza.

debate. Daylighting and control technology are fundamental in sustainable designs, and they come first to mind when the requirements of a given project are not completely fullfilled with high-efficiency light sources.

The “Case Studies” programme will offer the opportunity to learn and get inspired from the achievements of the masters of the profession, who will share their facts and thoughts, showing clarifying examples of how beauty can

be achieved with a blend of love for the profession, experienced technique and a rigorous and accurate work of design.

I would say that the my interests on the “Research” track lectures on this edition move around two main concerns: the importance of lighting in designing healthy environments, and lighting in urban places. Again, LED technology has something to say here too. There is a growing debate about “full spectrum” lighting for well being, specially in places where long-term

occupancy is expected, as workplaces and health facilities. The image of our cities, on the other hand, and the consequences of the irruption of solid state lighting in public places, is always a matter of my concern, as a lover of the long winter evenings, that I prefer to spend strolling around european cities, looking for a balance between darkness and beauty.

Más información sobre la PLDC 2013 en : www.pld-c.com

More info on PLDC 2013: www.pld-c.com

R E P ORTA J E |11

12|a r t í c u l o

R E P ORTA J E |13

James Turrell: “ La luz es una sustancia poderosa” Créditos > Images/fotos: Aten Reign, 2013. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York El Museo Guggenheim de Nueva York ha presentado este verano James Turrell, la primera exposición del eminente artista estadounidense en un museo de la ciudad desde 1980. La muestra, Aten Reign (2013), un trabajo realizado específicamente para el lugar, ha provocado una de las transformaciones más dramáticas del museo, nunca antes concebida, convirtiendo la icónica rotonda de Frank Lloyd Wright en uno de los luminosos y envolventes Skyspaces de Turrell.

O

rganizada en colaboración con el Museo del Condado de Los Angeles de Arte y el Museo de Bellas Artes de Houston, la muestra James Turrell es una de las tres grandes exposiciones de este artista que se han realizado en EE.UU. este verano.

Desde finales de la década de 1960, Turrell ha concebido un amplio conjunto de trabajo que explora sus preocupaciones estéticas: el uso de la luz como un material que afecta el medio

de la percepción, un lenguaje formal refinado basado en la geometría, un interés en la óptica y los efectos emocionales de color, una interacción entre lo sólido y lo etéreo, y un énfasis en los ambientes tranquilos, casi reverenciales con la introspección y la reflexión.

“La luz es una sustancia poderosa”, ha explicado Turrell. “Tenemos una conexión primaria con ésta. Pero, para ser algo tan poderoso, las situaciones para sentir su presencia son frágiles... Me gusta trabajar con la luz

para que se sienta físicamente, para que se pueda sentir su presencia ocupando su espacio”, ha afirmado.

En Aten Reign, el resultado de casi seis años de planificación, la luz se ha materializado en la rotonda del Guggenheim. El trabajo ha creado lo que Turrell ha descrito como “una arquitectura del espacio creada con la luz”.

En Aten Reign, la luz del día entraba a través del óculo del museo, descendiendo hasta iluminar la capa más profunda de una asamblea masiva suspendida desde el techo del museo.

James Turrell: “Light is a powerful substance” The Guggenheim Museum of New York has presented this summer James Turrell, the eminent American artist’s first solo exhibition in a New York museum since 1980. The exhibition has featured a major new site-specific work, Aten Reign (2013), which has represented one of the most dramatic transformations of the museum ever conceived, reimagining the rotunda of Frank Lloyd Wright’s iconic building as one of Turrell’s luminous and immersive Skyspaces.

J

ames Turrell is one of three concurrent, independently curated presentations of the artist’s work in summer 2013. Together, the exhibitions at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, the Museum of Fine Arts, Houston, and the Los Angeles County Museum of Art celebrate Turrell’s groundbreaking career and form a three-part retrospective across the country.

Since the late 1960s Turrell has conceived a wide-ranging yet unified body of work that explores his specific

aesthetic concerns: the use of light as a material that affects the medium of perception; a refined formal language based in geometry; an interest in the optical and emotional effects of color; an interplay between the solid and the ethereal; and an emphasis on quiet, almost reverential atmospheres of introspection and reflection.

“Light is a powerful substance,” Turrell explains. “We have a primal connection to it. But, for something so powerful, situations for its felt presence are fragile… I like to work with it so that you feel it physically, so you

feel the presence of light inhabiting a space,” he says.

One of the largest installations the artist has ever mounted and the result of nearly six years of planning, Aten Reign will materialize the light and the air that fill the expanse of the Guggenheim rotunda. The work proposes an entirely new encounter with the building, as attention is drawn away from the boundaries of the built environment and toward the interior space, creating what Turrell has described as “an architecture of space created with light.”

14|ARTÍCULO

R E P ORTA J E |15

Usando una serie de conos entrelazados alineados con luminarias LED, la instalación rodeaba este núcleo de luz de día con cinco anillos elípticos que cambiaban de color y se hacían eco del patrón de bandas de las rampas del museo. Como es típico en

el trabajo de Turrell, los dispositivos que crean el efecto estaban ocultos a la vista, animando a los espectadores a interpretar lo que veían a través de su propia percepción. El trabajo promovía un estado de contemplación meditativa en unos espacios de visión

comunitaria, reavivando la identidad fundacional del museo como un “templo del espíritu”, según Hilla Rebay, primera directora del Guggenheim y pionera en la promoción del arte subjetivo.

Aten Reign también está relacio-

16|ARTÍCULO

R E P ORTA J E |17

nado con otro trabajo de Turrell, el Roden Crater Project (1970-), su obra magna actualmente en construcción en el desierto a las afueras de Flagstaff, Arizona (EE.UU.).

Cuando esté completo, un volcán extinto albergará casi dos docenas de instalaciones independientes, cuidadosamente alineadas con los fenómenos astrológicos y con luz natural. Según Turrell, el proyecto está inspirado en el diseño de los antiguos observatorios, orientados a eventos celestes. El mismo Guggenheim se hace eco de esta antigua arquitectura – Wright lo imaginó como un ziggurat invertido – y las formas elípticas de Aten Reign guardaban similitudes con ciertos espacios al Cráter Roden y Agua de Luz (una pirámide elíptica y escalonada construida por Turrell en la península de Yucatán en 2012). Tal como el mundo natural es una fuerza inspiradora para Turrell, también lo fue para Wright, quien era aficionado a los paisajes abiertos del oeste americano.

Más información: The Guggenheiem Museums and Foundation http://www.guggenheim.org/ James Turrell http://jamesturrell.com/

In Aten Reign, daylight entered from the museum’s oculus, streaming down to light the deepest layer of a massive assembly suspended from the ceiling of the museum. Using a series of interlocking cones lined with LED fixtures, the installation surrounded this core of daylight with five elliptical rings of shifting, colored light that echo the banded pattern of the museum’s ramps. As is typical of Turrell’s work, the apparatus that created the effect is mostly hidden from view, encouraging viewers to interpret what they see by means of their own perception. The work promoted a state of meditative contemplation in a communal viewing space, rekindling the museum’s founding identity as a “temple of spirit,” in the words of Hilla Rebay, the Guggenheim’s first director and a pioneer in the promotion of nonobjective art.

Aten Reign also relates to Turrell’s Roden Crater Project (1979– ), his magnum opus currently under construction in the desert outside Flagstaff, Arizona. When complete, the modified extinct volcano will house nearly two dozen separate installations, many carefully aligned with astronomical phenomena and all incorporating natural luminance.

According to Turrell, the project was informed by the design of ancient observatories, which were oriented to celestial events. The Guggenheim itself echoes ancient architecture—Wright imagined it as an inverted ziggurat—and Aten Reign’s elliptical shape bears similarities to certain spaces at Roden Crater and Agua de Luz (an elliptical, stepped pyramid Turrell built in the Yucatan in 2012). Just as the natural world is an inspirational force for Turrell, so it was for Wright, who was fond of the open landscape of the American West.

More information: The Guggenheiem Museums and Foundation http://www.guggenheim.org/ James Turrell http://jamesturrell.com/

18|R E P O R T A J E

The Retail as communication In the current economic and social environment, the use of innovation from a strategic approach is key to ensuring the competitiveness and fundamental in any new venture. In the world of Retail we increasingly observe innovative proposals, where brands are redefining preset codes and creating new ways of interacting with customers.

I

ROCA GALLERY BCN by CC

ED Barcelona has launched a Master in Entrepreneurship and Innovation Strategies for responding to the need to incorporate innovation into strategic management of organizations, led by professionals with specific knowledge to accelerate and enhance their application. These skills are essential for the generation of new business opportunities, designing new products and services, definition of alternative forms of production and new business models that enable to create new connections between market and industry.

The Master focuses on the process of identifying opportunities and generating new business ideas, their development and their market launch, integrating all the processes involved from the perspective of design thinking.

In this context, we have invited Miquel Àngel Julià, Design Director in GROUP IDEA, to deliver a lecture on the theme of which he is an expert: Retail and product design. Through 10 questions, the teacher and the students got to create a mind map to understand and demonstrate that the Retail itself is a communication tool for brands, capable of creating unique and memorable experiences for visitors.

Can Retail itself be a tool of brand communication? Does Zara Communicate? What is Retail? Experiential stores which sell without selling?

Imagination, creativity, design and innovation at the point of sale made ​​up the challenge presented to students: To visit different concept stores in Barcelona to discuss and experience in first person, from a critical perspective, what are the distinguishing features used by brands to create experiential communication spaces beyond retail spaces.

Now an article written by one of the Masters students which helps to reflect on the present and future of the concept stores:

R E P O R T A J E |19

El Retail como comunicación Créditos > Text/Texto: Guido Charosky, coordinador del Máster intensivo Innovation Strategies & Entrepreneurship IED Barcelona / Miquel Àngel Julià, arquitecto, director de diseño de GRUP IDEA Images/ fotos: Archivo GRUP IDEA / Fotografías de Carlos Cataño En el entorno económico y social actual, la utilización de la innovación desde un enfoque estratégico es clave para garantizar la competitividad y fundamental en todo nuevo emprendimiento. En el mundo del Retail se observan cada vez más propuestas innovadoras, donde las marcas están redefiniendo los códigos preestablecidos y generando nuevas formas de interacción con los clientes.

MOBILE CENTRE BCN by CC

E

l IED Barcelona ha lanzado un Máster en Innovation Strategies and Entrepreneurship para responder a la necesidad de incorporar la innovación a la gestión estratégica de las organizaciones, liderada por profesionales con conocimientos específicos que puedan acelerar y potenciar su aplicación. Estas competencias son imprescindibles para la generación de nuevas oportunidades de negocio, diseño de nuevos productos y servicios, definición de formas alternativas de producción y nuevos modelos de empresa que permitan crear nuevas conexiones entre mercado e industria. El Máster se centra

en el proceso de detección de oportunidades y generación de nuevas ideas de negocio, su desarrollo y lanzamiento al mercado, integrando todos los procesos involucrados desde la óptica del design thinking.

En este contexto se ha invitado a Miquel Àngel Julià, director de diseño de GRUP IDEA, a impartir una clase magistral sobre las temáticas de las que es experto: Retail y diseño de producto. A través de 10 preguntas, el docente y los alumnos llegaron a crear un mapa mental para comprender y demostrar que el Retail en sí mismo es una herramienta de comunicación para las marcas, capaz

de generar experiencias memorables y únicas para los visitantes. ¿Puede el Retail en sí mismo ser una herramienta de comunicación de las marcas? ¿Zara comunica? ¿Qué es Retail? ¿Tiendas experienciales que venden sin vender?

Imaginación, creatividad, diseño e innovación en el punto de venta conformaban el reto propuesto a los estudiantes: Realizar visitas a diferentes concept stores de Barcelona para analizar y experimentar en primera persona, desde una perspectiva crítica, cuáles son los elementos diferenciales utilizados por las marcas para crear espacios de

GALERIA LOEWE by CC

Shopping in the concept stores By: Carlos Cataño - Experiential Marketing Creative.

Student of the Master in Innovation Strategies and Entrepreneurship at IED Barcelona.

Go out for a walk in the most luxurious shopping districts in cities such as Milan, London, Paris or Barcelona could result, for many of those traveling on a tight budget, a meaningless practice. Luckily, the biggest brands invest unthinkable sums of money or wait for their turn for planting the foundations of what will be the next store of the future, something that transcends the sale. The XXI century retailer thoroughly knows the frustrations and aspirations of the buyer, and knows that him and the market are constantly evolving. Here begins the adventure thoroughly knowing what’s behind the concept stores or “stores that sell without selling”.

Barcelona is a city with personality.

It involves thousands of tourists from around the world with art, design and history, not to mention the amount of experience that you can live in a city where anything can happen. This feeling of surprise, of WOW, that is experienced is something that is engraved in our minds and we end up talking about it back home. Now, if we put each of these ingredients to make the buyer in a tourist on a tour of brands; what else could we sell him without any cost?

This is the way the concept stores are born: turning the shop into a channel of communication between the seller and the buyer. Here the seller does not press the buyer to buy; he rather invites him to his home and proudly displays photos of their ancestors. He walks around his rooms as he tells stories about their most treasured possessions.

Then he invites you to sit back and tells you what he thinks about the world and what he expects from the future, so that later, the customer gets out there to

rave about his new friend.

All brands, no matter what they offer, have something to tell. So for this trip we will have the budget to “buy” all the stories of brands such as Loewe, the functionality of Apple products or even we can take us home the concept of comfort with Roca.

Starting my walk, near the Colegio Oficial de Arquitectos de Catalunya, I turn to Arpa- Trespa Design Centre Barcelona in the Born. Located on a corner it is a place that breathes design through its windows. As I get in, I meet on the main floor, an open space that is covered with different textures and materials that are fused with images of natural environments. Downstairs, the local features a unique space suitable for meetings and conferences. Trespa and Arpa both offer in this space a stage for the launch of their products and to be a meeting point for professional architects and students seeking inspiration or just do networking.

ARPA DESIGN CENTRE by GI

ARPA DESIGN CENTRE by GI

R E P O R T A J E |21

comunicación experienciales más allá de espacios de venta.

A continuación, el artículo realizado por uno de los estudiantes del máster que ayuda a reflexionar sobre el presente y el futuro de los concept stores:.

De compras por los concept stores Por: Carlos Cataño - Creativo en marketing experiencial.

Estudiante de Máster en Innovation Strategies and entrepreneurship IED Barcelona.

Salir a dar un paseo por las zonas comerciales más lujosas de ciudades como Milán, Londres, París o Barcelona podría resultar, para muchos de quienes viajamos con un presupuesto ajustado, una práctica sin sentido. Por suerte, las marcas más importantes invierten sumas de dinero impensables o esperan su turno para poder sembrar los cimientos de lo que será la próxima tienda del futuro, algo que trasciende la venta. El retailer del siglo XXI conoce a fondo las frustraciones y aspiraciones del comprador, y sabe que tanto él como el mercado están en constante evolución. De aquí parte esta aventura conociendo a fondo lo que hay detrás de los concept stores o “tiendas que venden sin vender”.

Barcelona es una ciudad con personalidad. Envuelve a miles de turistas de todo el mundo entre arte, diseño e historia, sin contar la cantidad de experiencias que se pueden llegar a vivir en una ciudad donde todo puede pasar.

APPLE STORE by CC

MOBILE CENTRE BCN by CC

Esta sensación de sorpresa, de WOW, que se experimenta es algo que queda grabado en nuestra mente y terminamos por contar de regreso a casa.

Ahora, si juntamos cada uno de estos ingredientes para convertir al comprador en un turista de paseo por las marcas ¿qué más podríamos venderle sin que le cueste dinero?

Así nacen los concept stores: de convertir la tienda en un canal de comunicación entre el vendedor y el comprador.

Aquí el vendedor no presiona al comprador para que compre, más bien lo invita a su casa y le muestra con orgullo las fotos de sus antepasados. Lo pasea por sus habitaciones mientras le cuenta una anécdota sobre sus objetos más preciados. Luego lo invita a ponerse cómodo para contarle lo que piensa del mundo

y lo que aspira para el futuro, para que más tarde, el cliente, salga a la calle a hablar maravillas de su nuevo amigo.

Todas las marcas, sin importar lo que ofrecen, tienen algo que contar. Por eso, para este paseo tendremos el presupuesto para “comprar” todas las historias de marcas como Loewe, la funcionalidad de los productos Apple o incluso nos llevaremos a casa el concepto de comodidad con Roca.

Comenzando mi paseo, cerca al Colegio Oficial de Arquitectos de Catalunya, me dirijo al Arpa-Trespa Design Centre Barcelona ubicado en el Born. Es un local esquinero que respira diseño por sus ventanas. Al entrar encuentro, en la planta principal, un espacio abierto que se cubre de diferentes materiales que forman texturas y se fusionan con imágenes de entornos naturales. En la planta inferior, el local cuenta con un espacio único adecuado para reuniones y conferencias. Tanto Trespa como Arpa ofrecen en este espacio un escenario para los lanzamientos de sus productos y ser un punto de encuentro para arquitectos profesionales y estudiantes que buscan inspiración o simplemente hacer netwotking.

Después de una larga caminata llego al centro de Barcelona. Aquí, en Plaça Catalunya, el lugar donde todas las marcas y sus locales quieren instalarse, encuentro el Mobile Centre de Barcelona. Un espacio auspiciado por Telefónica con el fin de mostrar el pasado, presente y futuro del móvil y cómo gracias a éste se ha cambiado la forma de interactuar

22|R E P O R T A J E

After a long walk I get to the center of Barcelona. Here in Plaça Catalunya, where all brands want to settle their local, I find the Mobile Centre of Barcelona. A space sponsored by Telefónica in order to show the past, present and future of mobile and how thanks to this, has changed the way we interact with the world. In the ground floor, all mobile and technology devices are operational and at visitor’s reach, not a simple display of ‘pretty’ products, but of “usable” products. When going upstairs, the manager gives me a tablet and the basic instructions for discovering the different stories in each of the cubes that make up this space. It is amazing to know that worldwide initiatives are moved by the mobile used as a tool to communicate creative ideas. In another space, I have the opportunity to learn the different phones that have been launched to date, the countries that have opened more lines and which are the most commonly used applications. Thanks to places like this, Barcelona is being recognized as the capital of the mobile.

Inevitably, we visit an Apple Retail Store, because, no doubt, they know how the concept stores work. Not only because of how they present their products, but also by how they think about the space to receive the waves of shoppers of all ages who know their history very well, traveling from all over to take a photo at the entrance, explore

ROCA GALLERY BCN by CC

each ipad, macbook or iphone as his first time. I climb the stairs to see from above the number of customers received by this store and recognize that there are both clients and assistants always ready to answer any questions and above all, to prevent any client to run out of a table.

I walk up Passeig de Gracia, I visit stores like Tiffany & Co, the flag ship store of NIKE, and arrive at Loewe Gallery. I cautiously go through its door and I see an assistant in a formal dress welcoming me and reminds me that you are allowed to take pictures. This place definitely is designed to tell a story of luxury for each product displayed as works of art. In the middle of the gallery I come up to a touch table showing roughly Loewe’s history to the present, and some of their advertising campaigns with stars likes of Penelope Cruz. Then I stroll from the following floors of the gallery and I get locked myself in a natural history with golden glow and soft lights.

Nothing more relaxing and stimulating to the end of the travel. Loewe connects with the purest essence of its brand, from the material, with an installation of moving silk scarves created by the artist Daniel Wurtzel.

To close my route, away from the perimeter of the big stores I move to the Barcelona Roca Gallery; an interactive “aquatic ecosystem” created to dive into the life and work of a brand that

many know but very few recognize. In the main floor I get to know the human being’s relationship with the toilets across regions and over the years. I am struck by the publicity that made Roca in 1950 and how an issue like the toilet is treated in order to avoid discomfort.

The best of Roca was not alone there.

The brand works on water management concepts and much of this space wants to raise awareness about its use. That’s why it focuses on showing the reality experienced by some developing countries, which daily suffer social and health problems precisely because deficiencies in access to this resource.

For a concept store their best selling is intangible. Is that each of its visitor leaves telling a story about the brand so that it remains alive. The way to develop an experience in a place varies depending on the brand’s personality that they want to portray. Which one is its best strength to be recognized. Then they design an interactive audiovisual experience or often materialize in an exhibition space. No need to do a little bit harsh, just generate a route that allows the visitor to feel at home, cause his curiosity or touch his products to have a more intimate connection with the brand.

More information: www.iedbarcelona.es www.grupidea.com

R E P O R T A J E |23

FLAG SHIP STORE by GI

con el mundo. En la plana baja, todos los móviles y aparatos tecnológicos están en funcionamiento y a mano del visitante, no son una simple exposición de productos “bonitos”, sino de productos “usables”. Al subir, el encargado me ofrece una tablet y las instrucciones básicas para poder descubrir diferentes historias en cada uno de los cubos que conforman este espacio. Es impresionante saber que en todo el mundo se mueven iniciativas donde el móvil es usado como herramienta para comunicar ideas de manera creativa. En otro espacio, tengo la posibilidad de conocer los diferentes móviles que se han lanzado hasta la actualidad, los países que más líneas tienen abiertas y cuáles son las aplicaciones más usadas. Gracias a lugares como este, Barcelona se está reconociendo como la capital del móvil.

Es inevitable visitar un Apple Store, porque saben sin duda cómo funcionan los concept stores. No sólo por como presentan sus productos, sino también por cómo piensan el espacio para recibir

oleadas de compradores de todas las edades que conocen su historia de sobra, viajan de todas partes para tomarse una foto en la entrada, exploran cada ipad, macbook o iphone como si fuera su primera vez. Subo las escaleras para ver desde arriba la cantidad de clientes que recibe esta tienda y reconozco que hay tanto clientes como encargados, siempre dispuestos para resolver cualquier pregunta y sobre todo, para evitar que ningún cliente se quede sin mesa.

Subo por Paseo de Gracia, visito tiendas como Tiffany&Co, la flag ship store de NIKE, y llego al Loewe Gallery.

Ingreso cautelosamente por la puerta principal y me encuentro con un encargado de vestido formal que me da la bienvenida y me recuerda que está permitido tomar fotografías. Este lugar definitivamente está pensado para contar una historia de lujo para cada producto, expuestos como obras de arte. En medio de la galería me topo con una mesa touch que muestra a grandes rasgos la historia de Loewe hasta la actualidad,

así como algunas de sus campañas de publicidad que tienen como figuras estrellas de la talla de Penélope Cruz.

Luego doy un paseo por las siguientes plantas de la galería y me encierro en una historia natural con brillo dorado y luces tenues. Nada más relajante y estimulante que el final del recorrido. Loewe conecta con la más pura esencia de su marca, desde la materia, con una instalación de pañuelos seda en movimiento creada por el artista Daniel Wurtzel.

Para cerrar mi ruta, lejos del perímetro de la grandes tiendas me traslado al Barcelona Roca Gallery, un “ecosistema acuático” interactivo creado para sumergirnos en la vida y obra de una marca que muchos conocemos pero muy pocos reconocemos. En su piso principal conozco la relación del ser humano con el sanitario entre regiones y a través de los años. Me llama la atención las piezas publicitarias que hacía Roca en el año 50 y de que forma un tema como el del sanitario es tratado para no generar incomodidades. Pero lo mejor de Roca no estaba solo ahí. La marca trabaja sobre conceptos de gestión del agua y gran parte de este espacio quiere generar conciencia hacia su uso.

Es por eso que se centra en mostrar la realidad que viven algunos países en vías de desarrollo, que sufren día a día problemas sociales y de salud precisamente por deficiencias de acceso a este recurso.

Para una concept store su mejor venta es intangible. Es que cada uno de sus visitantes salga contando una historia sobre la marca para que esta permanezca viva. La manera de desarrollar una experiencia en un lugar varía según la personalidad que cada marca quiera reflejar. De cuál es su mejor fortaleza para ser reconocido. Luego, se diseña una experiencia audiovisual interactiva o se materializa muchas veces en un espacio expositivo. No es necesario hacer algo estridente, solo generar un recorrido que le permita al visitante sentirse como en casa, provocar su curiosidad o tocar sus productos para que tenga una conexión más íntima con la marca.

Más información: www.iedbarcelona.es www.grupidea.com

24|R E P O R T A J E

New Rijksmuseum: Philips LED lighting, new light on old masterpieces

Museums the world over are faced with a dilemma: the need to make works of art accessible, presenting them in the best light possible, and the need to preserve these works of art for future generations. Lighting in a museum thus plays an important role, influencing the way in which art is viewed and the overall enjoyment of the visitor. At the same time, the lighting must meet precise presentation and conservation standards, and therein lies the unique challenge of museum lighting. Rijksmuseum and Philips announce the world’s most advanced LED lighting design in a museum of fine art.

R E P O R T A J E |25

New Rijksmuseum: Philips LED lighting,

nueva luz sobre antiguas obras maestras Créditos > Text/Texto: iCandela / Philips Press Images/fotos: Frank Van Beek, Roos Aldershoff, Philips

Los museos de todo el mundo tienen ante sí un dilema: lograr que las obras de arte sean accesibles y presentadas en las mejores condiciones de iluminación posible, y conservar estas obras para las generaciones futuras. En un museo, la iluminación desempeña un rol esencial e influye tanto en el modo de contemplar el arte como en la satisfacción global del visitante. Al mismo tiempo, la iluminación debe cumplir unos estrictos estándares de presentación y conservación que constituyen un peculiar desafío en la iluminación de museos. El Rijksmuseum y Philips anuncian el diseño de iluminación LED más avanzado para un museo de Bellas Artes.

26|R E P O R T A J E

A

s one of the lead partners in the renovation, Philips has been working closely with the Rijksmuseum on the lighting design with a strong focus on the visitor experience and the conservation of the artworks. The renovated Rijksmuseum opened its doors on April 13, showcasing collections of the Dutch Masters such as Rembrandt and Vermeer, all illuminated with Philips LED lighting.

The LED lighting solution creates effects and visual contrasts that closely mimic the color rendition of natural daylight, presenting the artwork in the best way and enhancing the visitor experience. With more than 9,500 square meters and 7,500 artworks illuminated, it is the

largest gallery space ever lit by LED. In addition, Philips ‟LEDs light the museum” public spaces including the shop, the atriums, the restaurant as well as the outdoor area and building façade.

Philips developed, implemented and detailed the lighting of the new Rijksmuseum. Philips cooperated closely with the museum staff, the museum’s architects Wilmotte & Associés and Cruz y Ortiz to realize the interior lighting design and also worked with the Rijksgebouwendienst (the Government Buildings Agency part of the Ministry of Interior and Kingdom Relations, the owner of the building) to realize plans for the outdoor lighting.

Global design and consulting firm

Arup designed the lighting for the “New Rijksmuseum” under the leadership of Rogier van der Heide, who served as a Director and Global Leader of Lighting Design at the firm from 2003 until 2010.

Wilmotte & Associés from Paris, France were responsible for the interior design and were responsible for the design of the ‟Light Racks” in partnership with Arup, represented

by Rogier van der Heide.

“I don’t do lighting for buildings; I do lighting for people”, said Van der Heide, Vice President & Chief Design Officer Philips Lighting. “The Rijksmuseum could only become such a tremendous project, thanks to the close and trustful collaboration with the client. Without such collabora-

“Lighting influences the way we look at art in a museum and is crucial to showcase every single detail of the artwork. The illumination of each art piece has been individually tuned and focused to bring out its unique features and to ensure the best possible experience for visitors”.

R E P O R T A J E |27

E

n su calidad de socio principal, Philips trabajó en el diseño de iluminación en estrecha colaboración con el Rijksmuseum, centrándose especialmente en la experiencia del visitante y en la conservación de las obras de arte.

El renovado Rijksmuseum abrió sus puertas el 13 de abril, exhibiendo colecciones de maestros holandeses como Rembrandt y Vermeer, todas ellas dotadas con iluminación LED de Philips.

La solución de iluminación LED crea unos efectos y unos contrastes visuales que reproducen con gran fidelidad el color de la luz natu-

ral, presentan las obras de arte de una manera óptima y mejoran la experiencia del visitante. Con una superficie de más de 9.500 metros cuadrados y la iluminación de 7.500 obras de arte, el museo constituye el espacio de exhibición más amplio que se haya iluminado nunca con LED. Éstos iluminan también los espacios públicos del museo, entre ellos la tienda, los atrios y el restaurante, además de la zona exterior y la fachada del edificio.

Philips desarrolló, implementó y detalló la iluminación del nuevo Rijksmuseum, y colaboró estrechamente con el personal del museo,

con los arquitectos Wilmotte & Associés y con Cruz y Ortiz para efectuar el diseño de iluminación de interior; además colaboró con el Rijksgebouwendienst (la Agencia de Edificios Públicos adscrita al Ministerio del Interior y Relaciones del Reino, propietaria del edificio) para planificar el alumbrado exterior.

La empresa internacional de diseño y consultoría Arup diseñó la iluminación del Nuevo Rijksmuseum bajo la dirección de Rogier van der Heide, que fue director y responsable global de Diseño de Iluminación en esta empresa entre 2003 y 2010.

“La iluminación influye en el modo en que contemplamos las obras de arte de un museo y resulta crucial a la hora de destacar todos los detalles de una obra. La iluminación de cada obra se ha ajustado y focalizado individualmente a fin de resaltar sus características únicas y garantizar a los visitantes la mejor experiencia posible.”

28|R E P O R T A J E

Lighting Rembrandt’s The Night Watch In 2011, the Rijksmuseum and Philips partnered to light Rembrandt’s “The Night Watch”, one of the most famous paintings in the world and a major draw for the museum. Philips and the Rijksmuseum used the opportunity as a prototype trial of lighting painting masterpieces with LED technology.

Traditionally, museum lighting has relied on incandescent halogen lamps to illuminate artwork. While incandescent lighting beautifully renders red and warm tones, this warmth often comes at the expense of rendering blues and greens: The art takes on a heavy amber tint, and does not show the richness of the full color palette.

This amber tint is exaggerated even further when incandescent lamps are dimmed to maintain conservation standards for light levels.

One of the specific lighting choices made in the New Rijksmuseum was to shift the color temperature to slightly crisper, more neutral white light, in order to remove the heavy amber tint that is characteristic of conventional museum lighting. The color temperature simply refers to whether white light appears warm (reddish), neutral or cool (bluish) which effects how the painting appears to the visitor.

Philips latest LED lighting used at the museum also offers two more distinct advantages: First, these LEDs permit a much more balanced light spectrum than was until now possible. Good LED lighting maintains the much sought-after appearance of warmth for the reds and yellows, while rendering the blues and greens equally well.

Secondly, LEDs do not shift color when dimmed, maintaining a highly consistent presentation of the artwork throughout the museum.

The quality of the light is such that a greater range of color is visible, that can be described as an effect similar to viewing the painting in “high definition”.

R E P O R T A J E |29

Iluminación de Ronda de noche de Rembrandt En 2011, el Rijksmuseum y Philips colaboraron en la iluminación del cuadro de Rembrandt Ronda de noche, uno de los más famosos del mundo y una de las máximas atracciones del museo. Philips y el Rijksmuseum utilizaron esta oportunidad como ensayo prototípico para la iluminación de obras maestras de la pintura mediante tecnología LED. Para las obras de arte, la iluminación museística ha confiado tradicionalmente en las lámparas halógenas incandescentes. Este tipo de iluminación reproduce de forma muy atractiva los tonos rojos y cálidos, aunque a expensas de los azules y verdes: la obra adquiere una marcada tonalidad ámbar y no muestra la riqueza de toda su paleta de colores. Este tono ámbar aparece aún más exagerado cuando las lámparas incandescentes se atenúan para cumplir los niveles exigidos en materia de conservación.

En la iluminación del “Nuevo Rijksmuseum” se tomó la decisión de cambiar la temperatura de color a una luz blanca ligeramente más viva, más neutra, a fin de eliminar ese tono ámbar tan característico de la iluminación museística convencional. La temperatura de color hace que la luz blanca se muestre cálida (rojiza), neutra o fría (azulada) e influye en la percepción de la pintura por parte del visitante.

La iluminación LED ofrece asimismo dos ventajas adicionales: En primer lugar, el espectro luminoso de estos LED está más equilibrado de lo que había sido posible hasta este momento. Una buena iluminación LED mantiene esa apariencia de calidez que tanto se busca en los rojos y amarillos, al tiempo que presenta los azules y verdes de una manera igualmente correcta. En segundo lugar, los LED no varían su color al atenuarse, por lo que es posible mantener un alto grado de coherencia en la presentación de la obra artística en todo el museo.

La calidad de la luz es tal que la gama de color visible es más extensa, lo que puede describirse como un efecto similar a visualizar la pintura en “alta definición”.

Wilmotte & Associés, de París (Francia), se encargó del diseño de interior y de los “Light Racks” (lineales de luz) en colaboración con Arup, representada por Rogier van der Heide.

“No diseño iluminación para los edficios, lo hago para las personas”, ha explicado van der Heide, Vice President & Chief Design Oficcer Philips Lighting. “El Rijksmuseum requería un proyecto enorme, que ha sido posible gracias a la confianza y colaboración del cliente. Sin ésta, no se hubiera aprovechado las posibilidades del lugar al máximo”.

“El Rijksmuseum es un proyecto único. El edificio alberga algunas de las pinturas más significativas del mundo. Tenemos el honor y el privilegio de ser la empresa de iluminación que ha proporcionado toda la iluminación para las galerías y espacios públicos”, añadió Van der Heide.

“Con el Rijksmuseum, la Iluminación ha mostrado lo mejor de sus

capacidades. El nivel de integración de la luz, la arquitectura y la experiencia total es enorme. A la gente que visita el museo le gusta esta luz, su simplicidad, su belleza y su serenidad”, afirmó.

“Espero que el Rijksmuseum inspire a muchos diseñadores de iluminación para que sigan haciendo un trabajo fantástico, crear una luz hermosa que hace que las personas se sientan bien recibidas, cómodas y estimuladas”, explicó Van der Heide.

Experiencia del visitante y preservación de las obras La iluminación influye en el modo en que contemplamos las obras de arte de un museo y resulta crucial a la hora de destacar todos los detalles de una obra. La iluminación de cada obra se ha ajustado y focalizado individualmente a fin de resaltar sus características únicas y garantizar a los visitantes la mejor experiencia posible.

Tim Zeedijk, director de exposiciones del Rijksmuseum, señaló los motivos que respaldan su elección: “En todas las decisiones adoptadas concurren dos aspectos: la experiencia del visitante y la conservación de nuestras obras. Optamos por la iluminación LED en primer lugar por la alta calidad de su emisión de luz, y en segundo lugar por su rendimiento en color, muy próximo al de la luz diurna. Esto nos permite contemplar las obras de arte bajo la mejor iluminación posible y destacar todos los colores y detalles que el artista quería mostrarnos. La iluminación LED contribuye precisamente a acentuar el contraste y a poder contemplar los cuadros sin estrés visual. Podemos comprobar esto en la manera en que iluminamos nuestras esculturas y también en las pinturas con gruesos empastes. Por ejemplo, cuando contemplamos la obra de Rembrandt, la iluminación LED revela más detalles”.

30|R E P O R T A J E

tion, any lighting design would not explore the opportunities to their fullest extent”.

“The Rijksmuseum is a unique project. The building is home to some of the most significant paintings in the world. We at Philips are honored and feel privileged to be the lighting company that has provided all lighting for the galleries and public spaces”, added Van der Heide.

“With the Rijksmuseum, Philips Lighting has shown the very best of their capabilities. The level of integration of light, architecture and the overall experience is tremendous.

People who visit the museum love this light; they love its simplicity, its beauty and its serenity”, affirmed.

“I hope that the Rijksmuseum will inspire many lighting designers to keep on making the fantastic work they make; to create the beautiful light that make people feel welcome, comfortable and stimulated”, explained Van der Heide.

Experience and preservation of the artworks Lighting influences the way we look at art in a museum and is crucial to showcase every single detail of the artwork. The illumination of each art piece has been individually tuned and focused to bring out its unique features and to ensure the best possible experience for visitors.

Tim Zeedijk, Head of Exhibitions at the Rijksmuseum outlined the reasons behind their choice: “At the heart of all the decisions we take are two aspects, the visitor’s experience of the museum and the preservation of our art. We chose LED lighting for firstly, the high quality of the light emitted, and secondly the color rendering of LED lighting, which is very close to that of daylight. This allows the art to be viewed in the best light possible to bring out all the colors and details that the artist intended us to see.

LED lighting in particular outlines the visual contrast and relief in the paintings. We see this in the way we light our sculptures, but also the paintings with thick impasto. For example, when viewing Rembrandt‟s work, LED light reveals more of the detail.

Tim Zeedijk also added: “A significant advantage of the new generation of LED lighting is that there is hardly any radiation of heat and no harmful UV beams being emitted on the art pieces, this means the art is better protected. In addition, LEDs have a longer life span and require less maintenance than halogen lighting, which is more commonly used in museums. Moreover, the ease of use was also important to our curators. Philips offers a solution that allows us to dim individual lighting fixtures using an iPad – solutions like this are indispensable in the dynamic Rijksmuseum.”

The LED solution from Philips

Tim Zeedijk añadió también: “Una ventaja significativa de esta nueva generación de iluminación LED es la prácticamente total ausencia de radiación de calor y de los dañinos rayos UV incidiendo sobre las obras de arte, lo que facilita su protección. Además, los LED tienen un ciclo de vida más largo y necesitan menos mantenimiento que la iluminación halógena, que es la utilizada generalmente en los museos. Su facilidad de uso resultó también importante para nuestros comisarios. Philips ofrece una solución que

nos permite atenuar las luminarias individualmente mediante un iPad, y soluciones como éstas resultan indispensables en un Rijksmuseum dinámico”.

La solución LED emite una iluminación uniforme que es segura para las obras y que cumple con los criterios internacionales de conservación del arte. La luz blanca neutra resalta los colores en todos sus detalles, ya sean los verdes y los azules o los rojos y amarillos, mostrando la obra de arte como si la contempláramos en “alta definición”.

La solución de iluminación más avanzada La nueva instalación LED ilumina obras de arte que datan a partir de la Edad Media. En total se han iluminado 7.500 obras que abarcan varios siglos. La solución de iluminación de Philips consta de 750.000 LEDs, de ellos 3.800 LED Spot, más de 1,8 km de LEDs de iluminación de techos, y un avanzado sistema de control de la iluminación LED a través de una aplicación móvil que puede ser utilizada por los empleados.

32|R E P O R T A J E

Iluminación total El Rijksmuseum o “Museo Nacional” de Ámsterdam es un enorme complejo de edificios de gran variedad arquitectónica. Su colección de arte abarca más de 7.500 obras que se exhiben en un espacio expositivo de 9.500 m2. Para hacerse una idea conviene saber que se utilizaron en torno a medio millón de LEDs en el interior y 1,8 km de alumbrado LED

de techos en el proyecto de renovación más ambicioso de este museo en sus 213 años de historia.

La solución de iluminación para las exposiciones aprovecha la flexibilidad de los LED como fuente de iluminación digital en combinación con el más avanzado sistema de control de alumbrado, lo que permite gestionar la iluminación de todo el museo desde una sencilla interfaz

web. Esto significa que el personal puede controlar y ajustar los niveles de iluminación de cada obra de arte individualmente y que todas ellas muestren un equilibrio adecuado en el conjunto. ■

emits uniform light that is safe for the artworks and meets international criteria for the conservation of art.

Neutral white light brings out colors in all their details, whether greens/ blues or red/yellows, showing artworks as if viewed in high definition.

and an advanced LED lighting control system via a mobile application for museum employees to use.

The lighting solution for the exhibitions thus harnesses the flexibility of LEDs as a digital light source, combining it with a state-of-the-art lighting control system, and allowing the light throughout the museum to be controlled via an easy-to-use web interface. This means that museum staff are able to control and set the lighting levels on individual works of art to ensure that all of the pieces are properly balanced throughout the museum. ■

World’s most advanced lighting solution The new LED lighting illuminates artworks that date back to the Middle Ages. In total, the lighting illuminates 7,500 artworks spanning several centuries. Philips lighting solution consists of ¾ of a million LEDs, including 3,800 LED spots, more than 1.8 kilometers of LED lighting the ceiling

A total lighting The Rijksmuseum or “National Museum” in Amsterdam is an enormous building complex that is architecturally varied. The art collection covers over 7,500 artifacts, exhibited throughout 9,500 sq/m of gallery space. To give a sense of scale to the project, close to half-a-million LEDs were used to light the interior of the Rijksmuseum and 1.8 kilometers of LED uplighting have been used in the largest renovation project in the museum’s 213-year history.

Más información: www.philips.es Mira los vídeos de este reportaje en iCandela.com

More information: www.philips.es Watch the videos of this report in iCandela.com

R E P O R T A J E |33

Datos técnicos: iluminación personalizada Los interioristas Wilmotte & Associes diseñaron los “lineales de luz” que se ven en todas las galerías en colaboración con la firma internacional de diseño y consultoría Arup. El diseño técnico de los lineales de luz fue realizado por Bronnenberg en Países Bajos.

Philips completó el diseño de iluminación, fabricación e instalación de la siguiente manera: Para redondear el diseño físico elegante y minimalista de los lineales de luz, Philips desarrolló una solución personalizada adaptada a los requisitos del Rijksmuseum. La solución a medida utiliza un ‘monopunto’ magnético que permite prescindir del antiestético carril que perduraba de la instalación original. El montaje monopunto también permitió ubicar el driver remotamente en la bandeja portaequipos superior, reduciendo considerablemente el tamaño visible de la luminaria.

Las 3.800 luminarias Philips alojan en su interior el módulo Philips Fortimo LED Spotlight de haz concentrado con diodos LUXEON S de Philips Lumileds. Todos los spots se suministraron al museo con la misma óptica primaria y el mismo módulo LED. Como se necesitaban distintas aperturas de haz para revelar las singularidades de cada obra de arte, Philips incluyó lentes de difusión óptica de alto rendimiento que mantenían los elevados flujos luminosos con una gran precisión angular. Las más utilizadas fueron de + 5°, + 10° y una asimétrica de +5° x + 30°.

Los lineales de luz incorporan 1,8 km de unidades Philips Fortimo LED Strip para la iluminación de los techos. La ventaja de LED Strip es que se pueden conectar entre sí para crear líneas de luz homogéneas e iluminar uniformemente los diversos tipos de techo de las galerías. Los acusados bordes sombreados del alumbrado indirecto sobre las paredes se suavizaron por medio de un difusor especial desarrollado por el diseñador responsable de obra Beers Nielsen.

Calidad de luz mejorada La iluminación también debía extraer los rasgos exclusivos de cada obra de arte. Philips trabajó con el Rijksmuseum y otros socios de proyecto compartiendo conocimientos sobre los fundamentos de la luz con vistas a optimizar los resultados y conseguir la cantidad de luz apropiada para mejorar la experiencia del visitante: El uso de LEDs LUXEON S con temperatura de color de 3.000 K (blanco cálido) favorece la experiencia del visitante. La temperatura de color de 3.000 K con un índice de reproducción cromática (IRC) de 95 permite que el balance espectral producido por los LEDs LUXEON S mantenga la riqueza y calidez deseadas: los rosas, rojos, ocres y amarillos se reproducen brillantemente mientras los verdes y azules destacan igual de bien.

Otra ventaja de combinar los módulos Philips Fortimo LED SLM Tight Beam y los LEDs LUXEON S es la reducida superficie de emisión de luz (LES): la huella óptica

increíblemente pequeña posibilita aperturas muy estrechas (<10 grados) manteniendo un diseño de reflector compacto y un mínimo tamaño global de luminaria. Así se crea un patrón de haz uniforme, definido, con una sombra nítida de fuente puntual que refuerza la sensación de textura y luminosidad en las obras.

Otro requerimiento esencial era minimizar el deslumbramiento de las fuentes luminosas. Para optimizar este aspecto en las luminarias Philips, se desarrolló una exclusiva pantalla interna similar a los protectores de filamentos en las lámparas clásicas como PAR 36 o AR 111. Este escudo eliminaba la luz dispersa periférica y reducía el deslumbramiento de fuente luminosa en el interior de la luminaria. Así se evitaba en buena medida la necesidad de usar rejillas de nido de abeja o grandes ‘snoots’ externos antideslumbramiento.

Sencillez de control Philips aprovechó la flexibilidad de los LED como fuente de iluminación digital y la combinó con un avanzado sistema de control de alumbrado, lo que permite gestionar la iluminación de todo el museo desde una sencilla interfaz web. Esto significa que el personal puede controlar y ajustar los niveles de iluminación de cada obra de arte individualmente y que todas ellas muestren un equilibrio adecuado en el conjunto.

Toda la iluminación de las exposiciones de arte se controla con un sistema DALI Dynalite de Philips a través de una interfaz web personalizada. Un iPad conectado a la red wi-fi del sistema ofrece movilidad y la comodidad de la pantalla táctil. Gracias a los drivers Xitanium con protocolo DALI de Philips, los niveles prácticos de regulación se limitan al 10%, lo que resultó más que adecuado para todas las obras excepto una cuantas especiales que requirieron lentes de vidrio de densidad neutra. La depreciación lumínica a largo plazo de las fuentes LED también se ha resuelto con el sistema de control DALI y su flujo luminoso constante.

Adaptabilidad duradera con conformidad Zhaga Aunque la percepción habitual es que los LEDs poseen unas vidas útiles tan largas que hacen que el mantenimiento sea apenas relevante, Philips procedió a orientar a los responsables del museo sobre la realidad del mantenimiento a largo plazo. Las cuestiones típicas en este sentido, como pueden ser la reparabilidad, los índices estimados de fallos y la disponibilidad de componente en un futuro lejano, requerían un enfoque adaptable. Por consiguiente, Philips eligió para el diseño los módulos LED con conformidad Zhaga, incluidos los módulos Philips Fortimo LED SLM Tight Beam para los spots y Philips Fortimo LED Strip para la iluminación indirecta de los techos. El uso de módulos con conformidad Zhaga brinda tranquilidad y garantiza que el museo disponga de potencial para reparar o actualizar las luminarias en el futuro.

34|R E P O R T A J E

Technical Fact Sheet: customized lighting Interior designers Wilmotte & Associes designed the “light racks’’ seen throughout the galleries, in partnership with global design and consulting firm Arup. The engineering of the light racks was done

by Bronnenberg in The Netherlands. Philips finalized their lighting design, fabrication and installation as follows.

To complete the sleek, minimalistic hardware design for the light racks Philips developed a customized solution to meet the requirements set out by the Rijksmuseum. A custom magnetic mono-point solution was created for the fixture, eliminating the visually awkward lighting track that remained from the original lighting fixture. The mono-point mounting also allowed the driver to be remotely mounted in the top-side electrical tray, greatly reducing the visible size of the fixture.

The 3,800 Philips fixtures house the Philips Fortimo LED Spotlight Module Tight Beam with LUXEON S LEDs from Philips Lumileds inside. All the spot lights were supplied to the museum with the same primary optics and LED engine. To accommodate the need for various beam angles to bring out the unique features of each individual work of art, Philips supplied high-performance optical diffusion lenses which maintained high output levels with precise beam angles. Most commonly used were +5°, + 10° and an asymmetric +5° X + 30°.

The light racks also feature no less than 1.8km of Philips Fortimo LED strip up-lighting within the light racks. The advantage of the LED strip lighting is that it can be connected together to create seamless light lines illuminating the various types of gallery ceiling coherently. Sharp shadow edges from the up-lighting on the walls were softened by a specially designed diffusor developed by the executive lighting designer on site, Beers Nielsen.

Enhanced quality of light The lighting also needed to bring out the unique features of each work of art. Philips worked with the Rijksmuseum and other project partners to share knowledge about the fundamentals of light in order to get the best possible outcome for the project and help realize the right quality of light to enhance the visitor experience: The use of LUXEON S LEDs with a color temperature of 3000K (warm white) has the effect of enhancing the viewer’s experience of works of art. The 3000k colour temperature with a Color Rendering Index (CRI) of 95 meant that the spectral balance produced by the LUXEON S LEDs maintains the rich warmth that is desired – rendering the pinks, reds, ochres and yellows brilliantly whilst the green and blue tones stand out equally well.

Another benefit of the combination of Philips Forti-

mo LED SLM Tight Beam and LUXEON S LEDs is the small Light Emitting Surface (LES): The incredibly small optical footprint enables very narrow beams (<10 degrees) while maintaining a compact reflector design and a minimal overall fixture size. This creates a uniform and sharp beam pattern and a crisp single-point-source shadow which highly enhances the sense of texture and sparkle in the artifacts.

Minimizing glare from the light sources was another essential requirement. In order to optimize this within the Philips fixture, a unique internal glare shield similar to filament shields on classic lamps such as the PAR 36 or AR 111 was developed. The internal glare shield eliminated the peripheral stray light and reduced the source glare within the fixture. This reduced the need for honey-comb louvers or large external glare snoots.

Simplicity of control Philips harnessed the flexibility of LEDs as a digital light source, combining it with a state-of-the-art lighting control system, allowing the light throughout the museum to be controlled via an easy-to-use web interface. This means that museum staff are able to control and set the lighting levels on individual works of art to ensure that all of the pieces are properly balanced throughout the museum.

All the art exhibition lighting is controlled via Philips’ Dynalite DALI system with a custom web-based control interface. An iPad connected to the system’s WIFI bridge allows for portable touch-screen controls. With Philips’ DALI-controlled Xitanium drivers, practical dimming cut-off levels were 10% which proved more than adequate for all but a few special artifacts where neutral-density glass lenses were incorporated. Lumen depreciation over the long term of the LED sources has also been addressed with the DALI control system providing constant light output.

Long –term adaptability with Zhaga compliance Even though the common perception is that LEDs have such long lifetimes that maintenance is of trivial concern, Philips took steps to educate the museum leadership about the reality of long-term maintenance issues. Typical maintenance concerns such as reparability, expected failure rates and availability of components long into the future required an adaptable approach. As such, Philips selected Zhaga compliant LED modules for the design, including the Philips Fortimo LED SLM Tight Beam for the spot fixtures and the Philips Fortimo LED strip for the indirect up-lighting. The use of Zhaga-compliant modules offers peace of mind and ensures that the museum has the potential to repair or upgrade the lighting fixtures in the future.

R E P O R T A J E |35

OLED alcanza la tercera dimensión Los usuarios de sistemas modular 3D LivingSculpture de Philips pueden enfocarse en el diseño de sus instalaciones de iluminación tridimensionales. Este sistema modular aporta todo el conocimiento técnico y experiencia en sistemas de control de Philips.

Proyectar una instalación de iluminación se convierte en un reto, especialmente cuando el diseño abarca más de un plano, cuando todo el espacio ha de ser modelado con luz. Con el sistema modular 3D LivingSculpture, diseñado por Christopher Bauder/WHITEvoid, Lumiblade de Philips ha creado un sistema que permite al diseñador centrarse en un único aspecto: el diseño.

La necesidad de conocimientos técnicos se ha eliminado con este sistema, compuesto por módulos luminosos y conectores. Dependiendo de las necesidades de cada proyecto se pueden unir los módulos luminosos necesarios, sin límite de cantidad, para crear rápidamente una extraordinaria escultura luminosa tridimensional.

Más información en www.lumiblade-experience.com

Exterior fachada Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, Córdoba. Foto cedida por Grupo Lledó

36|R E P O R T A J E

Light Art.

From the luminous object to the luminous atmosphere; light Influences in architectural lighting.

Recognize where we come from is crucial to decide where we are going to. This is valid for all but especially for the future of artificial lighting. Architectural lighting today is the result of research by Light Art artists throughout the twentieth century. But I want to say, as an architect, it is necessary to ensure to avoid that this process runs delegitimized from the architecture itself because of the frivolity and the ignorance about the essential role of light in the space configuration.

A

rtificial light begins to be present in the works of art from the time of its inception, although it is with the universalization of electricity, in the early twentieth century, when they begin to consider its expressive potential.

1. The precursors of Light Art The electric light makes artists overco-

me the two dimensions of the “canvas”, makes them to introduce the movement and energy, to experiment with light and shadow, it gets to start a new trend in art, in which artificial light is the main element of the work.

Light integration on nineteenth art is immediate. Composers such as Alexander Scriabin and Thomas Wilfred explore the relationship between light

and music, built instruments like the Clavilux and the color organ that combines music and light effects, coming to create new artistic disciplines as Lumia.

Painters, set designers, photographers and architects incorporate artificial light exploring its possibilities and building mobile installations and objects as the light and shadow modulator by László Moholy Nagy.

R E P O R T A J E |37

El Light Art.

Del objeto lumínico a la atmósfera lumínica.

Influencias en la iluminación arquitectónica.

Créditos > Text/Texto: Adrián Muros Alcojor. Dr. Arquitecto. Universidad Politécnica de Catalunya Images/fotos: VV.AA. Reconocer de dónde venimos es fundamental para decidir hacia dónde vamos. Esto es válido para todo pero muy especialmente para el futuro de la iluminación artificial. La iluminación arquitectónica actual es el resultado de la investigación realizada por los artistas del Light Art a lo largo el siglo XX. Pero quiero manifestar, como arquitecto, que es necesario evitar que este proceso acabe deslegitimando la propia arquitectura a causa de la frivolidad y el desconocimiento del papel esencial de la luz en la configuración del espacio.

L

a luz artificial empieza a estar presente en las obras de arte desde el mismo momento de su aparición, aunque es con la universalización de la electricidad, en los albores del siglo XX, cuando se empiezan a considerar sus potencialidades expresivas.

1. Los precursores del Light Art La luz eléctrica consigue que los artistas superen las dos dimensiones del “lienzo”, que introduzcan el movimiento y la energía, que experimenten con la luz y la sombra, consigue que se inicie una nueva tendencia en el arte, en la que la

luz artificial es el principal elemento de la obra.

La integración de la luz en les artes decimonónicas es inmediata. Compositores como Alexander Scriabin y Thomas Wilfred exploran la relación entre la luz y la música, construyen instrumentos

38|R E P O R T A J E

From the 1930s artists as Zdenek Pesanek, Gyula Kosice and Nicolas Schöffer made ​​sculptures combining light fountains, water and gas with motorized mobile structures and colored glass. They develop the dynamic art and create new movements such as light-Madi art and light-dynamism.

In the 1950s the Zero Group, formed

by Heinz Mack, Otto Piene, and Günter Uecker, developed the kinetic art and the optical art with full ownership of artificial light. In the words of Mack ‘Light is decisive for my art ... Light has its own energy and quality. The light in a space and articulates a message.’

I want to emphasize the role of ‘meaning’ and ‘message’ of light associated with the space. The use of materials such as aluminum, steel and plastics in

their work is associated with the effects light produces on them as reflections, transparencies, shadows, rhythms and contrasts, etc.

Some examples are works as Lichtballette (Light Ballet) and Rauchbilder (images of smoke), by Otto Piene, in which it became clear the relationship between energy and the work. They all fall close to the concepts of kinetic art, but still do not address the spatial dimension of the work, which will be a feature of the artists of Light Art. It is in the 60s when the observer becomes a key element for the reality of the work, which deals with visual perception, the psychological emotions, the spatial understanding, etc. The space will assume different roles, from a complete independence, up to be a

necessary element for the perception and realization of light.

The relationship between the works of Light Art and the architectural space, urban or landscape, has followed different trends and which together have created the grounds of the current sensitivity to artificial light and its undeniable influence on architectural lighting.

2. Light sculptures. Materialized light. Physical object, perceptual object.

One of the first experiences of the Light Art is the aesthetic use of light sources: incandescent lamps, neon tubes and fluorescent tubes. With them the artists will build extensive walls, sculptures and lighting objects, with the light pervading the space that contains them.

Zug railway Station de Zug, Suiza. J Turrel y Hornberger Architekten

“The relationship between the works of Light Art and the architectural space, urban or landscape, has followed different trends and which together have created the grounds of the current sensitivity to artificial light and its undeniable influence on architectural lighting”.

R E P O R T A J E |39

como el clavilux y el órgano de color que combinan música y efectos de luz, llegando a crear disciplinas artísticas nuevas como Lumia.

Pintores, escenógrafos, fotógrafos y arquitectos incorporan la luz artificial explorando sus posibilidades y construyendo instalaciones móviles y objetos como el Modulador de luz y sombra de Laszló Moholy Nagy.

A partir de los años 30 artistas como Zdenek Pesanek, Gyula Kosice y Nicolas Schöffer realizan esculturas combinando fuentes luminosas, agua y gases con estructuras móviles motorizadas y vidrios de colores. Desarrollan el arte dinámico y crean nuevos movimientos como el arte Madí y el luz-dinamismo.

En la década de los 50 el Grupo Zero, formado por Heinz Mack, Otto Piene, y Günter Uecker, desarrolla el arte cinético y el arte óptico con pleno protagonismo de la luz artificial. En palabras del propio Mack “La luz es decisiva par mi arte... La luz tiene su propia energía y calidad. La luz en un espacio articula un mensaje”.Me interesa destacar el papel de “significado” y de “mensaje” de la luz asociado al espacio. La utilización de materiales, como el aluminio, el acero y los plásticos en sus obras está asociada a los efectos que sobre ellos produce la luz como reflejos, transparencias, sombras, ritmos y contrastes, etc.

Algunos ejemplos son obras como Lichtballette (Ballet de luz) y Rauchbilder (imágenes de humo), de Otto Piene, en las que se hizo evidente la relación entre las energías y la obra. Todos ellos se enmarcan próximos a los conceptos del arte cinético, pero aún no afrontan la dimensión espacial de la obra, que será una de las características de los artistas del Light Art. Es en la década de los 60 cuando el observador se convierte en una pieza imprescindible para la realidad de la obra, que trata sobre la percepción visual, las emociones psicológicas, la comprensión espacial, etc. El espacio asumirá diferentes roles, desde una independencia total, hasta ser un elemento necesario para la percepción y materialización de la luz.

La relación entre las obras del Light Art y el espacio arquitectónico, urbano o paisajístico ha seguido diferentes tendencias y que en su conjunto han crea-

“La relación entre las obras del Light Art y el espacio arquitectónico, urbano o paisajístico ha seguido diferentes tendencias que en su conjunto han creado el poso de la sensibilidad actual hacia la luz artificial y su indiscutible influencia en la iluminación arquitectónica.” do el poso de la sensibilidad actual hacia la luz artificial y su indiscutible influencia en la iluminación arquitectónica.

2. Esculturas lumínicas. La luz materializada. Objeto físico, objeto perceptivo Una de las primeras experiencias del Light Art consiste en la utilización estética de las fuentes de luz: lámparas de

incandescencia, tubos de neón y tubos fluorescentes. Con ellos los artistas construirán muros extensos, esculturas y objetos lumínicos, que impregnan de luz el espacio que los acoge.

Los trabajos de Dan Flavin de los años setenta, consistentes en estructuras modulares de tubos fluorescentes empiezan a relacionarse con el espacio manteniendo un rol “figura y contene-

James Turrell. Prado (White), 1967. Collection of Kyung-Lim Lee Turrell © James Turrell. Photo: Florian Holzherr

40|R E P O R T A J E

In the work Remagin of 2002, the light defines virtual planes that make up a three-dimensional space by the illusion of depth and perspective. The space acts as a stage, as a panel support or canvas which capture a virtual image. In these approaches, the light, the space and the observer are essential, without them it is possible to complete the work.

The projections in the urban space require water surfaces, the facades of the buildings or the pavements of the city as a material to be seen from the sky or clouds.

Artists such as Rafael Lozano Hemmer, Jeny Holzer and Jan Kersalé. construct messages and pictures overlaid to the architecture, or just chromatic varnish on its outer skin.

James Turrell. Ronin. 1968. © James Turrell. Photo: Courtesy the Stedelijk Museum

The works of Dan Flavin in the seventies, consisting of modular structures of fluorescent tubes, begin to relate with the space to maintain a role ‘figure and container’ without trying to change it.

Other types of objects are the ones constructed with light, they are geometric shapes or spaces which are perceived from a two-dimensional representation. They are the Afruns by James Turrell, made of light projections ​​on different surfaces.

In this case the work is a purely cognitive exercise. The light is the means to realize a ‘visual image’ built mentally as three-dimensional. The space is not involved in the work. This is a visual comprehension exercise, a game of light and visual perspective.

The works also move to the urban space. Often, artists are based on natural elements, such as the proposed Tree of light, by Francesco Destefano, or explore the visual impact of an object defined by lines of light optical fiber, as in the work Canoe by Warren Langley. Sometimes the repetition of

the luminous object fills the space and transforms the work into a global intervention of landscape character as in the proposals of Christo and Chris Burden.

Also the work approaches architecture as in the case of the artist Brigitte Kowanz.

In these proposals, the light is intrinsically linked to the physical object. It is retained therein lighting the space without trying more than the mere observation of the object.

However when the light needs the space to complete the vision of the work, and to materialize it we are not facing objects but projections.

3. Light Projections That means that through spots of different luminance and geometric shape compose, on a visual perspective, a deep space and materialized. Unlike the Afruns by Turrell, the projections of O. Eliasson explore with its transparency, the virtual definition of a space bounded by solid and translucent planes simultaneously.

3. Psychological interaction. Perceptual light. Color and saturation Once overcome the physical or perceptual object, the Light Art moves towards the emotional exploration of the subject. Experiment with the psychological interpretation, with the game between the qualities of the light and the sensory perception, whether to transform or to investigate the physiological sensation of space.

Green Light Corridor, or Yellow room triangular, by Bruce Neumann, are examples of that.

These experiences lose their strength when they move to an architectural space due to the weight of the architecture. Chromatic relationships are more complex by the presence of the materials themselves. Strengthening and chromatic nullification play a role in the perception of the work, which is perceived as an added facility, rather than a bet of light transformation of the ambient.

Works as: Neon-723 657, by Dan Flavin; Truism Y by Jeni Holzer, The Wedgeworks by Turrell; Room for one colour and 360 ° room for all colours,

by O. Eliasson, are significant although the perceptual Cells or Ganzfeld Sphere

by J. Turrell where the approaches are strictly sensory being the observer facing light without any physical reference of space.

The purpose of this works is not to change the perception of space, but to

R E P O R T A J E |41

James Turrell. Afrum (1967-1969). © James Turrell. Photo: David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York

dor” sin pretender transformarlo.

Otro tipo de objetos son los objetos construidos con luz, son figuras geométricas o espacios percibidos a partir de una representación bidimensional. Son los Afruns de James Turrell, hechos con proyecciones de luz sobre diferentes superficies.

En este caso la obra es un puro ejercicio cognitivo. La luz es el medio para materializar una “imagen visual”, construida mentalmente como tridimensional. El espacio no interviene en la obra.

Se trata de un ejercicio de comprensión visual, de un juego entre la luz y la perspectiva visual.

Las obras también se trasladan al espacio urbano. A menudo, los artistas parten de elementos naturales, como en la propuesta Tree of light, de Francesco Destefano, o exploran el impacto visual de un objeto definido por líneas de fibra óptica luminosa, como en la obra canoa de Warren Langley. A veces la repetición del objeto luminoso llena el espacio y transforma la obra en una intervención global, de carácter paisajístico como en las propuestas de Christo y de Chris Burden. También la obra se aproxima a la arquitectura como en el caso de la artista Brigitte Kowanz.

En estas propuestas, la luz está intrínsecamente asociada al objeto físico. Está retenida en su interior alumbrando el espacio sin pretender más que la simple observación del objeto.

En cambio cuando la luz necesita del

espacio para completar la visión de la obra, y para materializarla nos encontramos no con objetos sino con proyecciones.

3 Proyecciones lumínicas Que mediante manchas de diferente luminancia y forma geométrica componen, respecto de una perspectiva visual, un espacio en profundidad y materializado. Al contrario que los Afruns de Turrell, las proyecciones de O. Eliasson exploran con su transparencia, la definición virtual de un espacio delimitado por planos sólidos y translúcidos al mismo tiempo.

En la obra Remagin de 2002, la luz

define planos virtuales que componen un espacio tridimensional mediante la ilusión de profundidad y de perspectiva.

El espacio actúa como escenario, como panel de apoyo o como lienzo donde plasmar una imagen virtual. En estos planteamientos, la luz, el espacio y el observador son imprescindibles, sin ellos no es posible completar la obra.

Las proyecciones en el espacio urbano requieren como soporte material para visualizarse del cielo o de las nubes, de superficies de agua, de las fachadas de los edificios o de los pavimentos de la ciudad.

Artistas como Rafael Lozano Hemmer, Jeny Holzer y Jan Kersalé. construyen mensajes e imágenes superpuestas a la arquitectura, o simplemente barnices cromáticos sobre su piel externa.

3. Interacción psicológica. La luz perceptual. Color y saturación Superado el objeto físico o perceptivo, el Light Art avanza hacia la exploración emocional del sujeto. Experimenta con la interpretación psicológica, con el juego entre las cualidades de la luz y la percepción sensorial, ya sea para transformar o para indagar en la sensación fisiológica del espacio.

Green Light Corridor, o Yelow room triangular, de Bruce Neumann, son ejemplos ello.

Estas experiencias pierden su fuerza cuando se trasladan a un espacio arquitectónico debido al peso de la arquitectura. Las relaciones cromáticas son

James Turrell. Afrum (1967-1969). © James Turrell. Photo: David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York

42|R E P O R T A J E

“Once overcome the physical or perceptual object, the Light Art moves towards the emotional exploration of the subject”. change the subject psychological emotions. This, unfortunately, move literally to many architectural projects, without a previous critical reflection upon the relationship between light, colour and the architectural space.

Recently, the interaction with the observer is performed based on sensors and actuators on measurable parameters. An architectural antecedent is the project of Toyo Ito’s The Tower of the Winds, in 1986. Often the parameters that command the relation with the work are easily measurable, such as heat, motion, noise, etc. It is a type of interaction based on quantity parameters. The evolution of these proposals should be directed towards psychological and emotional interaction. From Colour-therapy, as a healing technique, should be advanced into the lighttherapy.

Some of these works are examples Volume of the artists United Visual Ar-

tist, at the Victoria and Albert Museum in London, and Current 3 by Virginia Folkestad in collaboration with 186 Lighting Design Group, at St. Railroad Bridge in Denver.

4 Atmosphere creation. The atmospheric light. Density and space In the last period of the Light Art we find that light and space are arranged to form an indissoluble whole, creating a density and an atmosphere in which the viewer enters, carried away by the senses, to worlds of intimate reflection.

In some cases the experience of light does not need any container space, which is not important, it is only necessary for the physical containment of light in an artificial environment.

Works like Beauty, The weather project or Your atmospheric Color atlas by O. Eliasson recreates the experience of the luminous atmosphere.

The exploration of natural phenomena

Zug railway Station de Zug, Suiza. J Turrel y Hornberger Architekten

such as lightnings and the aurora borealis, and the creation of artificial light atmospheres in urban outdoor spaces, is one of the last proposals of the Light Art. Works like Yelow Fog at the Jewish Museum, New York, of. O. Eliasson, The Lightning Field by Walter di Maria are examples.

5. The influence in architectural lighting Reached the present time we should remember the claims of pop artists of the sixties. The great attractive of the Light Art is that its exhibition space is outside the physical concepts of ‘museum-gallery’ and this allows the artist to access a wider and unspecialized audience.

The Light Art artists have found in the field of architecture, a proper space for expressing their ideas and express them interactively with the viewer.

Yelow Fog by Olafur Eliasson, Sammlung Verbund, Am Hof 6a, Vienna, Austria

“Superado el objeto físico o perceptivo, el Light Art avanza hacia la exploración emocional del sujeto.” más complejas por la presencia de los propios materiales. Refuerzo y anulación cromática juegan un papel en la percepción de la obra, que se percibe como una instalación añadida, en lugar de una apuesta de transformación lumínica del ambiente.

Obras como: Neon-723657, de Dan Flavin; Truism Y, de Jeni Holzer; Los Wedgeworks de Turrell ; Room for one colour y 360 º room for all colours, de O. Eliasson, son significativas aunque son las perceptuales Cells o los Ganzfeld Sphere de J. Turrell, donde los planteamientos son más estrictamente sensoriales al estar el observador frente a la luz sin ninguna referencia física del espacio.

El objeto de estas la obra, no es cambiar la percepción del espacio, sino cambiar las emociones psicológicas del sujeto. Esto, por desgracia, se trasladan de forma literal a muchos proyectos de arquitectura, sin una reflexión crítica previa sobre la relación entre la luz, el color y el espacio arquitectónico.

Recientemente la interacción con el observador se realiza en base a sensores y actuadores sobre parámetros medibles.

Un antecedente arquitectónico es el

proyecto de Toyo Ito de la Torre de los vientos, de 1986. A menudo, los parámetros que comandan la relación con la obra son fácilmente medibles, como el calor, el movimiento, el ruido, etc. Es un tipo de interacción basada en parámetros de cantidad. La evolución de estas propuestas, debería dirigirse hacia la interacción psicológica y emocional. Del color-terapia, como técnica de curación, debería avanzarse hacia la luz-terapia.

Son ejemplos las obras Volume de los artistas United Visual Artist, en el Victoria and Albert Museum de Londres, y Current 3 del artista Virginia Folkestad, en colaboración con 186 Lighting Design Group, en el St. Railroad Bridge de Denver.

luz no necesita de ningún espacio contenedor, éste no es importante, sólo es necesario para la contención física de la luz en un entorno artificial.

Obras como Beauty, The weather project o Your atmospheric color atlas de O. Eliasson recrean la experiencia de la atmosfera luminosa.

La exploración de fenómenos naturales como los relámpagos y la aurora boreal, así como la creación de atmósferas luminosas artificiales en entornos urbanos exteriores, es una de las últimas apuestas del Light Art. Obras como Yelow Fog en el Jewish Museum, New York, de. O. Eliasson; The Lightning Field de Walter di María lo ejemplifican.

4 Creación de atmósferas. La luz atmosférica. Densidad y espacio En el último periodo del Light Art nos encontramos con que la luz y el espacio están dispuestos de manera que configuran un todo indisoluble, creando una densidad y una atmósfera, en la que el observador se adentra, dejándose llevar por los sentidos, hacia mundos de reflexión íntima.

En algunos casos la experiencia de la

5. La influencia en la iluminación arquitectónica Llegado al momento actual conviene recordar las reivindicaciones de los artistas pop de los sesenta. El gran atractivo del Light Art es que su espacio de exposición está fuera de los conceptos físicos del “museo-galería”, y esto permite al artista acceder a un público más amplio y no especializado.

Los artistas del Light Art han encon-

44|R E P O R T A J E

trado en el campo de la arquitectura, un espacio propicio para expresar sus ideas y manifestarlas de forma interactiva con el observador.

La arquitectura actual se ha convertido en su nuevo espacio de expresión artística y ha transformado la iluminación arquitectónica en una tendencia específica del Light Art. Son innumerables los ejemplos de integración del Light Art en la arquitectura, colaboraciones entre artistas y

arquitectos han aportado nuevas conceptualizaciones a la iluminación arquitectónica. Algunos ejemplos son: Zug railway Station de Zug, Suiza, del artista J. Turrel y Hornberger Architekten; el New Hotel Roff en Londres del estudio multidisciplinar de Jason Bruges; el New Ars Electronica Center de Linz del artista Dan Wilcox y Treusch architecture, y The Gallery Fashion Store en Seul de Arup Lighting y UN Studio Arq. Desde este punto de vista, el comien-

zo del siglo XXI representa un espacio de vértigo conceptual donde, más que nunca, hay que retomar el papel de la luz como lenguaje constitutivo de la arquitectura. Hay que evitar, al máximo, no caer en las propuestas de frivolización comercial, y no confundir la arquitectura con la información visual “mass media”, y re-ubicar la disciplina del Light Art y de la iluminación arquitectónica en el lugar que les corresponde. ■

Bibliografia www.mack-kunst.com BOLAÑOS Kosme de. James Turrell. Catalogo exposición IVAM. El peso de la luz.

Ed. Generalitat Valenciana. Valencia 2004.

CHAVARRIA, Javier, Artistas de lo inmaterial. Ed. Nerea. Madrid , 2002 MUROS ALCOJOR, Adrián. La luz: de herramienta a lenguaje. Una nueva metodología de iluminación artificial en el proyecto arquitectónico. Tesis Doctoral.

UPC. 2012

Bibliography www.mack-kunst.com BOLAÑOS Kosme by James Turrell. exhibition catalog IVAM. T. Ed. Generalitat Valenciana. Valencia 2004.

CHAVARRIA, Javier, Artistas de lo inmaterial. Ed. Nerea. Madrid , 2002 MUROS ALCOJOR, Adrián. La luz: de herramienta a lenguaje. Una nueva metodología de iluminación artificial en el proyecto arquitectónico. Doctoral Thesis. UPC. 2012 James Turrell. Afrum (1967-1969). © James Turrell. Photo: David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York

The current architecture has become their new space of artistic expression and has transformed the architectural lighting in a specific tendency of the Light Art. There are countless examples of integration of the Light Art in architecture, collaborations between artists and architects have provided new insights into architectural lighting.

Examples include Zug railway Sta-

tion in Zug, Switzerland, by J. Turrell and Hornberger Architekten, the New Hotel Roff in London by the multidisciplinary studio of Jason Bruges, the New Ars Electronica Center in Linz by the artist Dan Wilcox and Treusch architecture, and The Gallery Fashion Store in Seoul by Arup Lighting and UN Studio Arq. From this point of view, the beginning of the XXI century represents a

space of conceptual vertigo where, more than ever, we must resume the role of light as the establishing language of the architecture. We must avoid falling into the commercially trivialized proposals, and not confusing the architecture with the visual information ‘mass media’, and re-locating the discipline of the Light Art and architectural lighting in their proper place. ■

R E P O R T A J E |45

46|P R O T A G O N I S T A

P R O T A G O N I S T A |47

Javier Mariscal y Laura Cassotta El diseñador y la gerente de Artemide España nos hablan de Lotek, la “lámpara amiga” Créditos > Text/Texto: Sabina Lloret Photography/Fotos: Artemide e iCandela De la idea a la comercialización. Del primer esbozo a su uso en casa o en el despacho. iCandela ha entrevistado al diseñador Javier Mariscal y a la gerente de Artemide España Laura Cassotta, quienes nos han hablado de Lotek, una lámpara multicolor de sobremesa que engloba tradición en su diseño y lo último en tecnología en su fuente de luz, el LED. Lotek es un guiño al buen diseño hecho en casa.

The designer and the manager of Artemide España speak to us about Lotek, the “lamp friend” From the idea to the commercialization. From the first sketch to his use in house or in the office. ICandela has interviewed the designer Javier Mariscal and the manager of Artemide España Laura Cassotta, who have spoken to us about Lotek, a multicolored lamp of tablecloth that includes tradition in his design and the last thing in technology in his light source, the LED. Lotek is a wink to the good design done in house.

48|P R O T A G O N I S T A

W

hat Artemide did bet for creating a lamp as Lotek?

Laura Cassotta: Because always we have liked the challenges, already be looking always for original and new forms as collaborating with the international designers who with his offers do of a lamp slightly very special Artemide.

Javier Mariscal was the designer chosen to design it why?

Laura Cassotta: Because it was a challenge both for Artemide and for the same Javier who was designing a flexo, he, what being a designer who was coming from the World of the Illustration, the Image of the Merchandising for big Companies, of being employed at Cinema, very near to the environment of the Art … it was the only profile!

How did the relationship between Artemide and Javier Mariscal start?

Javier Mariscal: The engineer Gismondi, Mr Artemide came one day to the studio and said to me, “Mariscal, Perché non mi fai una lampada? We are selling Tolomeo, and we sell such a quantity every year, millions ... And I said, ‘But you’re crazy? I’m not an engineer; I can not make a lamp so fine, so elegant, so cool, so technical as the Tolomeo.

It is also the best-selling lamp on the market. Look, in my studio there are sixty Tolomeos ...

‘No, no, no... ‘he said. I have many engineers, you make me the concept”. And I said ok. Then I learned that not only Michele De Lucchi, but even Artemide chief engineer, were also making a flexo lamp.

Who did decide Lotek’s name?

Laura Cassotta: Mariscal

What was the design process of the Lotek Lamp?

Javier Mariscal: ‘New technology, usiamo adeso il LED’ he said. Ah, new technology ... so it will be a cold lamp. The process has been long, very long. I was very scared during the whole process that in the end they did not make it, because other lamps, other projects, during the same time as the Lotek did not go ahead. I used to call and asked, ‘what happens?’ I knew that in the case of Artemide, if they put out the lamp it would be of high quality and everything would work.

Which is the process of production of a lamp as Lotek, from the first meetings with the designer up to his final production?

Laura Cassotta: In general they are very long processes. In this case everything begins when Marshall designs a model and exposes the

P R O T A G O N I S T A |49

¿

tanto para Artemide como para el mismo Javier que diseñara un flexo, él, qué siendo un diseñador que venía del Mundo de la Ilustración, la Imagen del Merchandising para grandes Empresas, de trabajar en Cine, muy cercano al ambiente del Arte…¡era un perfil único!

Javier Mariscal fue el diseñador elegido para diseñarla ¿Por qué?

Laura Cassotta: Porque era un reto

¿Cómo empezó la relación entre Artemide y Javier Mariscal?

Javier Mariscal: el Ingeniero Gismondi, el señor de Artemide, vino un día al estudio y me dijo: “Mariscal, ¿por qué no haces una lámpara?. Estamos ven-

Por qué Artemide apostó por crear una lámpara como Lotek?

Laura Cassotta: Porque siempre nos han gustado los desafíos, ya sea buscando siempre formas originales y novedosas como colaborando con los diseñadores internacionales que con sus propuestas hacen de una lámpara Artemide algo muy especial.

diendo la Tolomeo, y vendemos tanto cada año, millones…Y yo le dije, ¿Pero estás loco? Yo no soy ingeniero, no puedo hacer una lámpara tan fina, tan elegante, tan chula, tan técnica como es la Tolomeo. Además, es la lámpara que más se vende en el mercado. Fíjate, en mi estudio hay sesenta Tolomeos…

“No, no, no… -me dijo- .Yo tengo muchos ingenieros, tú me haces el concepto”. Y yo dije que vale. Luego me enteré que no solo Michele De Lucchi, sino hasta el ingeniero jefe de Artemide estaban estudiando otros flexos.

Javier Mariscal: hedonismo, optimismo y simbolismo Nacido en Valencia en 1950, Javier Mariscal ha desarrollado su carrera profesional en Barcelona. La cultura mediterránea de ambas ciudades se trasluce en su trabajo: ha heredado de ésta el hedonismo, optimismo y simbolismo que caracterizan sus diseños, además de la vibrante paleta cromática y su acercamiento poético.

Antes de que la multidisciplinaridad fuera un valor reconocido, su actividad profesional ya destaca por pasar de una disciplina a otra sin complejos, gracias a su incansable curiosidad y su pasión por innovar para contribuir a que la vida cotidiana sea más interesante, fácil y amable.

La creación de Estudio Mariscal en 1989, formado por un equipo de especialistas que colaboran estrechamente con él, le permite solucionar proyectos globales. Mariscal tiene proyección internacional y gran repercusión mediática, debido a que, al igual que ocurre en su trabajo, sabe comunicar directamente con el gran público. Su gran especialidad es el dibujo, por eso su actitud frente a cualquier encargo es artística, utilizando un lenguaje universal e intemporal que suma valor, singularidad y emoción a sus propuestas. Su osadía va en paralelo a los grandes retos que ha asumido, desde la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona al diseño global de un hotel de gran lujo o la creación y dirección de la película de animación Chico & Rita.

50|P R O T A G O N I S T A

Javier Mariscal: hedonism, optimism and symbolism Javier Mariscal, who was born in Valencia in 1950, has developed his professional career in Barcelona. The Mediterranean culture of both cities is revealed in his work: he has inherited the hedonism, optimism and symbolism that characterise his designs from it, as well as the vibrant range of colours and his poetic approach. Before dealing with projects from a multidisciplinary point of view became a recognised value, his professional activity was already highlighted by moving from one discipline to another without complexes, thanks to his untiring curiosity and his passion to innovate to contribute to make everyday life more interesting, easier and friendlier.

The creation of Estudio Mariscal in 1989, made up of a team of specialists who closely collaborate with him, allows him to deal with integral projects. Mariscal has international projection and great media repercussion due to the fact that he knows how to communicate directly with the general public, as does his work. His great speciality is drawing, therefore his attitude when faced with any commission is an artistic one, using a universal, timeless language which adds value, uniqueness and emotion to his projects. His boldness parallels the great challenges he has taken on, from the mascot for the Barcelona Olympic Games to the overall design of an extremely luxurious hotel or the creation and direction of the film Chico & Rita. idea. It was a very enterteining process, because one saw the artist in full essence announcing what it has just created, later there comes the ingenierización and the prototipado, two processes that give body to the design and to the physical accomplishment of the product. These two processes are exquisitely technical and delicate, that they consume a lot of time.

What are the characteristics of Lotek that other lamps don’t have?

Javier Mariscal: The light doesn’t need to be blue, but having that kind of orange such as a sixty-watt lamp. It must have perfect movements, we also need it to be cold and that can you pet it. It must be a friend of the computer, because

it’s a bit of a complement. Next to the computer you have your small lamp. And at the same time, I would like it to be ... well, that you see sixty lamps and looks normal to you.

Well, at the end Lotek lamp has gone out and for me it is great because it is real, it is true, it has a function, there have been many production problems. The price was

P R O T A G O N I S T A |51

¿Quién decidió el nombre de Lotek?

Laura Cassotta: Mariscal. ¿Cómo ha sido el proceso de diseño de la lámpara Lotek?

Javier Mariscal: “Nueva tecnología, ahora utilizamos el LED”, me dijeron. Ah, nueva tecnología… así será una lámpara fría. El proceso ha sido largo, muy largo.

Yo tenía mucho miedo durante todo el proceso de que al final no la produjeran, porque otras lámparas, otros proyectos, durante el mismo tiempo que la LoTek no han salido adelante. Les llamaba y preguntaba, ¿qué pasa? Yo sabía que tratándose de Artemide, si sacaban la lámpara sería de alta calidad y todo funcionaría. ¿Cuál es el proceso de producción de una lámpara como Lotek, desde las primeras reuniones con el diseñador hasta su producción final?

Laura Cassotta: En general son procesos muy largos. En este caso todo empieza cuando Mariscal diseña una maqueta y expone la idea. Fue un proceso muy divertido, porque se vio al artista en plena

esencia dando a conocer lo que acaba de crear, después llega la ingenierización y el prototipado, dos procesos que dan cuerpo al diseño y a la realización física del producto. Estos dos procesos son exquisitamente técnicos y delicados, que consumen mucho tiempo. ¿Qué características tiene LoTek que no tenga otra lámpara?

Javier Mariscal: La luz no tiene que ser azul, sino tener ese punto naranjita como puede ser una lámpara de sesenta vatios. Tiene que tener los movimientos perfectos, necesitamos que, además, sea fría y que la puedas acariciar. Debe ser una lámpara amiga del ordenador, porque es un poco un complemento. Al lado del ordenador tienes tu lamparita.

Y, al mismo tiempo, me gustaría que fuera… pues eso, que veas sesenta lámparas y parezca normal.

Bien, al final LoTek ha salido y para mi es fantástico porque es real, es de verdad, tiene una función, ha sido un proceso de producción muy difícil. El precio también era un tema muy delicado.

También fue importante encontrar la

caricia, el interruptor. Muchas veces, el diseño está pendiente de la tecnología.

El interruptor siempre está, pero en el caso de los chinos, le das, ti ti ti ti, y a la cuarta vez ya no funciona. Con los alemanes, ti, ti, ti, ti, siempre funciona pero (hace el gesto de dinero con los dedos) cuesta tanto dinero.Tenemos que encontrar el precio: 300 euros… ¿Hay algún aspecto de LoTek que no le haya gustado una vez acabado el producto?

Javier Mariscal: Lo único que no estoy contento es que hemos hecho una única versión, la de colores, pero hemos desarrollado también una versión negra y otra en aluminio. Creo que, cuando la repites mucho, el aluminio es mucho más adecuado, el mercado de venta se abre más. Sí que puede haber cuatro o cinco lámparas de colorines, pero es más personal, y de alguna manera te cierra mucho y la hace mucho más única. ¿Y qué es lo que le ha gustado más?

Javier Mariscal: LoTek tiene un punto de lámpara amiga, simpática, cariñosa, que

52|P R O T A G O N I S T A

also a very important issue.

It was also important to find the caress, the switch. Many times, the design is pending from technology. The switch is always there, but in the case of the Chinese, you hit it, ti ti ti ti, and at the fourth time it no longer works. With the Germans, ti, ti, ti, ti always work but (he makes the gesture of money with his fingers) it costs tanti soldi.

Dobbiamo trovare il prezzo. 300 euros ...

Is there any aspect of Lotek that you did not like once the product finished?

Javier Mariscal: The only thing I’m not happy is that we have a single version, the colored, but we have also developed a black version and one in aluminum. I think that when you repeat a lot, the aluminum is much more appropriate, the sales market opens further. There may be four or five colored lamps, but it is more personal, and somehow

it narrows you a lot and makes it much more unique.

So what is it that you like the most?

Javier Mariscal: Lotek has a point of friendly lamp, affectionate; you almost give him a kiss every day.

And petting was important to me.

For example, I have it at home, I’ve had it more than 24 hours on and the touch remains cold, not burning. And it also has this almost telephone touch; it makes you want to pick it up and call...

We were also talking about a program to connect to a computer and when you arrive and it recognizes you or it already knows that at nine you have to turn it on... Being LED, I also wanted the version that you hit twice, ti-ti, and you have disco version in the sense that white light will change to blue and such ...

Because suddenly, one day in the office, they think ‘today we will do

a little party’ and all put the disco version and “txin txin , wow, wow “.

Lotek is a very expressive lamp.

It may be sleeping very folded over herself. I insisted very much on this issue, that it could be very relaxed, like sleeping, that could be folded back.

Which are the characteristics that differentiate Lotek of other Artemide’s lamps as famous Tolomeo?

Laura Cassotta: They are two completely different offers. In the lamp Lotek there conjugate a particular personality, a very current design and a top technology. No doubt, Lotek is a lamp very Marshall. The Tolomeo is a flexo who can place both in classic places and in spaces High Tech, with a form that one adapts easily to any type of interiorismo, this one is his function.

What public is directed?

Laura Cassotta: It is a very versa-

P R O T A G O N I S T A |53

54|P R O T A G O N I S T A

tile lamp and can enter so much a house, an office or up to a shop; in every place he will find always a hand that caresses her.

To Javier Mariscal designing a lamp has been a challenge...

Javier Mariscal: The order was ‘one day we will have to remove the Tolomeo and there will have to be another lamp.’ Obviously then the task was difficult ... (makes the gesture of drowning, touching his neck). And for me was the

first time, I am not a designer like Philippe Starck or Ron Arad and many others that have thousands of objects. I have few items and very few as technological as this. It is the first very technological object that I have which is in production, that you can buy, and it also has that added value which is working with Artemide. It’s as if I worked on driving cars and, suddenly, Ferrari said “Would you like to design a Ferrari?’, wooooooow! You know that Artemide will be distributed

worldwide and now you’re going to Soho, New York, Sydney or Tokyo and you can find it, or in a shop in Paris or Berlin. And that gives you a thrill, knowing that you can reach so many people, from so many countries and cultures, that they’re going to understand it and can be purchased. ■ More information: www.artemide.com www.rmariscal.com See more in iCandela, videos section

P R O T A G O N I S T A |55

casi le das un besito cada día. Y el acariciar para mí era importante. Por ejemplo, yo la tengo en casa, la he tenido más de 24 horas encendida y la tocas y sigue siendo fría, nunca quema. Y también tiene este punto de casi teléfono, te dan ganas de cogerla y llamar…

Estuvimos también hablando de conectarla a un programa, a un ordenador y cuando tú llegas ya te reconoce o ya sabe que a las nueve se tiene que encender… Al ser LED, yo también quería la versión que le das dos veces, ti-ti, y tienes la versión discoteca, en el sentido que la luz blanca cambiara a azul y tal… Porque de repente, un día en la oficina, piensan “hoy vamos a hacer un poco de fiesta” y todos ponen la versión discoteca y “txin txin, guau, guau”.

Lotek es una lámpara muy expresiva. Puede estar durmiendo, muy replegadita. En este tema insistí mucho, que pudiera estar reposada, dormidita, que tirara mucho para atrás. ¿Cuáles son las características que diferencian Lotek de otras lámparas de Artemide como la famosa Tolomeo?

Laura Cassotta: Son dos propuestas completamente diferentes.

En la lámpara Lotek se conjugan una personalidad particular, un diseño muy actual y una tecnología puntera.

Sin lugar a dudas, Lotek es una lámpara muy Mariscal.

La Tolomeo es un flexo que se puede colocar tanto en lugares clásicos como en espacios High Tech, con una forma que se adapta fácilmente a cualquier tipo de interiorismo, esta es su función. ¿A qué público va dirigida?

Laura Cassotta: Es una lámpara muy versátil y puede entrar tanto en una casa, un despacho o hasta en una tienda; en cada lugar encontrará siempre una mano que la acaricie.

Para Javier Mariscal, diseñar una lámpara ha sido todo un reto…

Javier Mariscal: El pedido era: “llegará un día que tendrá que haber otra lámpara”. Desde luego el encargo era difícil… (hace el gesto de ahogarse, llevándose la mano al cuello).

Y para mí era la primera vez, yo no soy un diseñador como Philippe Starck o como Ron Arad o tantos otros que tienen miles de objetos. Tengo pocos objetos y pocos tan tecnológicos como éste. Es el primer objeto muy tecnológico que tengo, que está en producción, que se puede comprar, y también tiene ese punto que es trabajar con Artemide. Es como si yo me dedicara a ir en coche y, de repente, los de Ferrari me dicen “¿Te gustaría diseñar un Ferrari”, guaaaaaau!!!

Sabes que Artemide se va a distribuir en todo el mundo y ahora mismo vas a ir a Soho, Nueva York, o a Sidney o Tokio y te la puedes encontrar, o en un escaparate de París o Berlín. Y eso te da como una emoción, saber que puede llegar a muchísima gente, de muchos países y culturas, que la van a entender y la pueden comprar. ■ Más información: www.artemide.com www.rmariscal.com Más en iCandela.com, sección vídeos

56|C U A D E R N O S

Energy efficiency in the hotel sector with LED technology The hotel industry, like all other economic sectors, is required to improve energy efficiency and provide its customers with a quality of service increased. This trend is marked by European legislation, but above all for A greater awareness among hotel owners who see an opportunity to achieve significant cost savings in annual electricity bill, at the same time they can modernize its facilities and add value. The advantages of LED lamps over other technologies are overwhelming.

T

his movement would not be possible without the innovative lighting solutions that manufacturers like Havells-Sylvania develop day by day and which they offer to the market.

Starting with the basic premise that the goal of any luminaire manufacturer is to enlighten, to Havells-Sylvania, a sustainable hotel is achieved through four objectives: to illuminate, create ambiance, maximum efficiency and design.

It is necessary a perfect combination between the rational and the emotional, that is to say, what could be defined as artistic lighting and industrial lighting.

And all the good work to do in all this, it enables the image of a hotel as an â&#x20AC;&#x2122;efficient hotelâ&#x20AC;&#x2122;.

But how do you accomplish this?

Analysing the main factors involved and that can be summarized as: type of hotel (urban, beach hotel or rural tourism), seasonality (weekend / summer), design (providing the lighting we need), applications (visual needs), time switched on (hours of use and number of starts), power of the luminaire and lamp, and maintenance.

When installing a luminaire that achieves maximum efficiency we must start by the luminous flux need, and once the choice is made, we must evaluate

the actual lighting aspects, such as the tone of light to choose and its colour reproduction, and the types of auxiliary equipment to which you have to connect.

On the other hand, we must analyse the cost of maintenance, lifetime and energy consumption. In this sense, we can see that the advantages of LED lamps over other technologies are overwhelming.

Up to today in many hotels they have installed halogens in receptions and 24 hours use zones. Currently this implementation is a mistake because LED technology can provide energy savings of up to 85%, plus a maintenance savings and improve the quality of lighting. Letâ&#x20AC;&#x2122;s see a real example.

C U A D E R N O S |57

Eficiencia energética en el sector hotelero con tecnología LED El sector hotelero, al igual que el resto de sectores económicos, tiene la obligación de mejorar la eficiencia del consumo de energía y aportar a sus clientes una calidad de servicio cada vez mayor. Esta tendencia está marcada por legislación europea, pero sobre todo por una mayor concienciación de los propietarios de los hoteles que ven una oportunidad de lograr un importante ahorro en el gasto anual de la factura de la luz, al mismo tiempo que pueden modernizar sus instalaciones y aportar un valor añadido. Las ventajas de las lámparas LED frente a otras tecnologías son abrumadoras.

Créditos > Text/Texto: Javier Sánhez, Product & Training Manager, Havells-Sylvania Images/Fotos: Havells-Sylvania

E

ste movimiento no sería posible sin las innovadoras soluciones de iluminación que fabricantes como HavellsSylvania desarrollan día a día y que ofrecen al mercado.

Partiendo de la premisa esencial de que el objetivo de cualquier fabricante de luminarias es iluminar, para HavellsSylvania un hotel sostenible se consigue a través de cuatro objetivos: iluminar, crear ambiente, alcanzar la máxima eficiencia y el diseño. Es necesaria una combinación perfecta entre lo racional y lo emotivo, es decir, lo que podríamos definir como iluminación industrial e

iluminación artística. Y el buen hacer en todo ello, hace posible que la imagen de un hotel sea de “hotel eficiente”.

Pero, ¿cómo lograr esto? Analizando los principales factores que intervienen y que se pueden resumir en: tipo de hotel (urbano, turístico o rural), estacionalidad (fin de semana / verano), diseño (proporcionando la iluminación que necesitamos), las aplicaciones (necesidades visuales), tiempo de encendido (horas de uso y número de encendidos), potencia de la luminaria y la lámpara, y el mantenimiento.

A la hora de instalar una luminaria que logre la máxima eficiencia se debe partir

del flujo luminoso que necesitamos, y una vez hecha la elección, debemos valorar los aspectos propiamente lumínicos, como son la tonalidad de la luz a escoger y su reproducción cromática, y los tipos de equipos auxiliares a los que hay que conectar. Por otro lado, hay que analizar el coste de mantenimiento, la vida útil y el consumo de energía. En este sentido, vemos que las ventajas de las lámparas LED frente a otras tecnologías son abrumadoras.

Hasta la fecha en muchos hoteles se han instalado lámparas halógenas en las recepciones y zonas de uso de 24 horas. Actualmente esta implantación es

58|C U A D E R N O S

“Other very simple solutions that can be implemented quickly and produce significant savings are replacing compact fluorescent lamps by LED technology in the corridors with presence detector.”

We have a reception area with 50 halogen lamps of 50 W, representing a consumption of 2,500 W / h, which are 21,900 kW / year. If we replace these lights for 50 Inset Kit LED, the consumption drops to 650 W / h, 5.694kw/year, which represents a direct saving of 2,250 euros per year, not to mention improving of the environment in that area.

Other very simple solutions that can be implemented quickly and produce significant savings are replacing compact fluorescent lamps by LED technology in the corridors with presence detector, since the constant on and off, shorten the life of compact fluorescent lamps and the equipment. The same happens in the rooms and toilets with compact fluorescent and halogens, which has a high consumption and damages, and are perfectly replaceable with 13 W LED Downlights with IP65 versions for bathrooms.

New changes in legislation ERP DIM 1 / DIM 2 Up to today, when choosing the lamps, the consumers had no way of knowing if the data contained in them were true.

Luckily, as of now, thanks to the flow and consumption regulations and a

mandatory more accurate energy labeling, consumers and lamps installers can compare different manufacturers with the same criteria. This will also guarantee that the lamps meet the quality standards of the European Union and that the advantages of LED technology are met.

In September of 2013 takes effect Phase 5 of the regulation 244/2009, Ecodesign requirements for non-directional household use lamps, DIM 1, which states that they will have to specify the minimum performance increase (life, etc.) of all types.

Regarding the DIM2, the regulation 1194/2012, Ecodesign requirements for directional lamps, LED lights, forces a gradual withdrawal of low voltage lamps when they are equal to or less than 450 lm with an energy efficiency index (EEI ) greater than 1.2, and if it has more than 450 lm with an EEI under 0.95 and 2,000 hours of life. Halogen bulbs direct to grid connection will be withdrawn if they have less than 450 lm, the EEI is less than 1.75 and less than 1,000 hours of life. Incandescent reflector lamps shall be removed when they have less than 2,000 hours of life, and if they have

more than 450 lm and the IEE is less than 1.75. Finally, the LED reflector, HID and CFLi, when the EEI is greater than 0.5.

In addition, the Technical Building Code, Section H3, clearly regulates the energy efficiency of lighting facilities of the hotels where it is stated that the common areas (areas used by any person or user, such as hallways, lobbies, corridors, stairwells, people transit spaces, public toilets, etc.) the value of energy efficiency of the installation VEEI (W/m2) per 100 lux, can not exceed 4 W/m2, and the rooms 10 W/m2. It also regulates the building installed capacity can not exceed 18 W/m2 in restaurants and 12 W/m2 in public housing.

It is also important to note that the European Union Regulation 1194/2012 of the Commission, which comes into force on September 1, 2013, unifies the criteria on performance cones of LED lamps.

Thus, the reference lumen equivalence relations are the same for all manufacturers and the consumer will know that if he buys a lamp 35W LED PAR 20 at 90 ° it gives 200 lm.; thereby improving transparency and accurate information to the consumer. ■

C U A D E R N O S |59

“Otras soluciones muy sencillas que se pueden implantar de forma rápida y producir un importante ahorro, son la sustitución de lámparas de fluorescencia compacta por tecnología LED en los pasillos con detector de presencia” un error porque la tecnología LED puede proporcionar un ahorro energético de hasta un 85%, además de un ahorro de mantenimiento y mejorar la calidad de iluminación. Veamos un ejemplo real.

Tenemos una zona de recepción con 50 luminarias halógenas de 50 W, que suponen un consumo de 2.500 W/h, es decir, 21.900 kw/año. Si reemplazamos estas luminarias por 50 Inset Kit LED, el consumo desciende a 650 W/h, 5.694kw/ año, que representa un ahorro directo de 2.250 euros anuales, sin contar con la mejora del ambiente en dicho espacio.

Otras soluciones muy sencillas que se pueden implantar de forma rápida y producir un importante ahorro son la sustitución de lámparas de fluorescencia compacta por tecnología LED en los pasillos con detector de presencia, puesto que los continuos encendidos y apagados, acortan la vida de las lámparas de fluorescencia compacta y equipo.

Lo mismo ocurre en las habitaciones y aseos con fluorescencia compacta y halógenos, que tiene un alto consumo y roturas, y que son perfectamente reemplazables con Downlights LED 13 W, con sus versiones IP65 para baños.

Nuevos cambios en la legislación ERP – DIM 1 / DIM 2 Hasta la fecha, a la hora de elegir lámparas, el consumidor no tenía la posibilidad de saber si los datos que figuraban en las mismas eran ciertos. Por suerte, a partir de ahora, gracias a la normativa de flujo y consumo y la obligatoriedad de un etiquetado energético más preciso, el consumidor y los instaladores podrán comparar las lámparas de los distintos fabricantes con criterios iguales. Esto supondrá además una garantía de que las lámparas se ajustan a los estándares de calidad propios de la Unión Europea y que las ventajas de la tecnología LED se cumplan.

En septiembre de 2013 entra en vigor la fase 5 de la normativa 244/2009, Requisitos de diseño ecológico para las

lámparas de uso domésticos no direccionales, DIM 1, que establece que se tendrá que especificar el Incremento del rendimiento mínimo (vida útil, etc.) de todos los tipos.

Con respecto a DIM2, la normativa 1194/2012, Requisitos de diseño ecológico para lámparas direccionales, LED y luminarias, obliga a una retirada gradual de las lámparas de bajo voltaje cuando tengan igual o menos de 450 lm con un índice de eficiencia energética (IEE) mayor de 1,2, y si tiene más de 450 lm con un IEE menor de 0,95 y 2.000 horas de vida útil. Las lámparas halógenas de conexión directa a red se retirarán si tienen menos de 450 lm, el IEE es menor de 1,75 y tiene menos de 1.000 horas de vida útil. Las lámparas reflectoras incandescentes se retirarán cuando tengan menos de 2.000 horas de vida útil, y si tiene más de 450 lm y el IEE es menos de 1,75. Y por último, las reflectoras LED, CFLi y HID cuando el IEE sea mayor de 0,5.

Además, el Código Técnico de Edificación, en la sección H3, regula claramente la eficiencia energética de las instala-

ciones de iluminación de los hoteles donde se precisa que las zonas comunes (espacios utilizados por cualquier persona o usuario, como recibidores, vestíbulos, pasillos, escaleras, espacios de tránsito de personas, aseos públicos, etc.) el valor de eficiencia energética de la instalación VEEI (Wm2) por cada 100 lux, no puede superar los 4 W/m2, y las habitaciones, los 10 W/m2. Así mismo, regula que la potencia instalada en edificio no puede superar los 18 W/m2 en restauración y 12 W/m2, en residencial público.

También es importante destacar que el Reglamento de la Unión Europea 1194/2012 de la Comisión, y que entra en vigor el 1 de septiembre de 2013, unifica los criterios en los conos de rendimiento en las lámparas LED. De este modo, el flujo luminoso de referencia para las relaciones de equivalencia son iguales para todos los fabricantes y el consumidor sabrá que si adquiere una lámpara LED PAR 20 de 35W a 90º da 200 lm. con lo que se mejora en transparencia e información veraz para el consumidor. ■

60|A

FONDO

For a theory of commercial space lighting:

Shopping Centers. A Geometries Explosion.

Shopping centers have a new competitive dimension in our society, with the aim of accessing new forms of cultural production and commercializing life experiences. In this context, it is easily and immediate to place the essential role of light and lighting. Light as a basic means to permit viewing and lighting as tool to create the right visual environment.

Por una teoría de la iluminación de espacios comerciales:

A F O N D O |61

Centros comerciales.

Explosión de geometrías Créditos > Texto/Text: Josep Masbernat y Federica Sandretti Fotos/Images: iGuzzini

Fotógrafía: 274km y José Hevia

Los centros comerciales tienen en nuestra sociedad una nueva dimensión competitiva, con el objetivo de acceder a nuevas formas de producción cultural y de mercantilización de experiencias de vida. En este contexto, resulta fácil e inmediato situar el fundamental papel de la luz y la iluminación. La luz como medio básico para permitir la visión y la iluminación como herramienta que permita crear el entorno visual adecuado.

62|A

FONDO

W

ith the name of shopping centers we identify those emerging areas, preferably, on the outskirts of cities, which generically in Anglo-Saxon literature are identified as malls. Spaces that often arise as a result of a studied urban planning, and shaping a new logic in the distribution of functions and or economic roles.

The name â&#x20AC;&#x153;shopping centerâ&#x20AC;? uses two terms rigging confusion since a portion of these spaces are located more in the periphery than in the center, so acquiring a new role of centrality, and its role goes beyond the typical buy-sell trade associated with the term as the leisure gains significant weight and establishing a strong relationship between the commercial and leisure activities that work mutually as a pretext being strongly associated.

Different studies and analysis establish around these new spaces of

relationship, post-modern spaces of leisure and consumption, terms which allow us to get closer to its conception, definition: micro cities, spaceships, fortified site, place of worship, the temple of consumption, female belly, universe of deception, symbol of modernity-post modernity. In any case it is a phenomenon that transcends the commercial dimension and is situated in the symbolic.

There are many analyst and researchers who have dedicated themselves to the study of the phenomenon.

Jeremy Rifkin, sociologist, economist, writer, political and economic advisor, investigates the impact of scientific and technological changes on the economy, the workforce, the society and the environment.

According to Rifkin we are in a new era, that of access, replacing the market and the actors change: Market - Networks; Property - Access; Vendors - Suppliers, Customer - Users, Work ethics - Ethics of the game; Geography

- cyberspace; physical property - Intellectual property.

There is a slow but unstoppable movement from an era in which the exchange of the property played a key role in the economy into another one where the acquisition of life experiences turns out to be a real commodity.

The public square as a common good, space for communication, of shared experiences, of activities, disappears A commodity

The meeting point of culture, where it grew and reproduced, disappears, and is the shopping center that hosts and keeps new activities, making them a commodity, culture exists as a commodified experience.

The malls, analyzes Rifkin, become places to buy access to experiences (classes, shows, exhibitions, concerts, food, child care, medicine, sports, shopping, family gatherings or friendship).

Malls become complex communication

A F O N D O |63

C

on el nombre de centros comerciales identificamos los espacios surgidos, preferentemente, en la periferia de las ciudades, que de forma genérica en la literatura anglosajona se identifican como malls.

Espacios que en muchas ocasiones surgen como resultado de estudiadas planificaciones urbanas y que configuran una nueva lógica en la distribución de las funciones y/o roles económicos.

El nombre de “centro comercial” utiliza dos términos que aparejan confusión, ya que de una parte estos espacios se sitúan más en la periferia que en el centro urbano, adquiriendo, esto sí, un nuevo rol de centralidad, y su función va más allá de la típica de compra-venta asociada al término comercial ya que las actividades de ocio adquieren un importante peso específico y se establece una fuerte interrelación entre las actividades comerciales y ocio que funcionan recíprocamente como pretexto quedando fuertemente asociadas.

Diferentes estudios y análisis establecen entorno a estos nuevos espacios de relación, espacios post-modernos de ocio y consumo, términos que permiten acercarnos a su concepcióndefinición: microciudades, naves espaciales, lugar fortificado, lugar de culto, templo de consumo, vientre femenino, universo del engaño, símbolo de modernidad-posmodernidad. En cualquier caso se trata de un fenómeno que trasciendo la dimensión mercantil y se sitúa en la simbólica. Muchos son los analíticos y los investigadores que se han dedicado al estudio del fenómeno.

Jeremy Rifkin, sociólogo, economista, escritor, asesor político y económico, investiga el impacto de los cambios científicos y tecnológicos en la economía, la fuerza del trabajo, la sociedad y el medio ambiente.

Según Rifkin nos encontramos en una nueva era, la del acceso, que sustituye a la del mercado y los actores cambian: Mercado – Redes; Propiedad – Acceso; Vendedores – Proveedores; Clientes – Usuarios; Ética del trabajo

– Ética del juego; Geografía – Ciberespacio; Propiedad física – Propiedad intelectual.

Existe un desplazamiento lento, pero imparable de una era en la que el intercambio de la propiedad desempeñaba el papel clave en la economía a una nueva donde la adquisición de experiencias de vida resulta ser una auténtica mercancía.

La plaza pública como bien común, espacio de comunicación, de experiencias compartidas, de actividades, desaparece.

Una mercancía más El punto de encuentro de la cultura, donde esta crecía y se reproducía, desaparece; y es el centro comercial quien aloja, y recluye, las nuevas actividades convirtiéndolas en una mercancía más, la cultura existe en forma de experiencia mercantilizada.

Los centros comerciales, analiza Rifkin, se convierten en lugares donde adquirir el acceso a experiencias (clases, espectáculos, exposiciones,

64|A

FONDO

â&#x20AC;&#x153;The light and lighting play a fundamental role in creating the atmosphere which produces the appropriate satisfaction, allow the relations and communications, causing the desired perception of space and architecture and cause proper sense of well being and security.â&#x20AC;?

mechanisms, designed to reproduce portions of a culture in simulated commercial forms. But with a great novelty, malls are private property and establish their own rules.

The appearance of public space is just that, appearance (benches, trees, paths, are an adorable props). The cultural activity that takes place in them is instrumental with respect to its main objective: the commodification of life experiences through the purchase of goods and entertainment.

Thus, in our society, malls acquire a new competitive dimension with the aim of accessing new forms of cultural production and commodification of life

experiences.

In this context it is easy and immediate to place the essential role of light and lighting, light as a basic means to permit viewing and lighting as a tool to create the visual appropriate environment to the objectives of the center.

Light and lighting play a fundamental role in creating the atmosphere which produces the appropriate satisfaction, allow the relations and communications, causing the desired perception of space and architecture and cause proper sense of well being and security.

Point, line and area OWe thus return to the relational cha-

racter of light on geometry and refer to the concepts: point, line, area.

The image of the point acquires two senses in the context of the malls, first in its micro aspect refers us to stop, to pause, to physical and temporal circumstances devoted solely to an action.

The focus and emphasis of particular points of attention is a prime example of this type. The creation of environments of relaxation-rest and or pause also responds to a timely criterion causing attention by contrast.

In its macro aspect the point takes a dimension which encompasses the center as itself, as this only serves to become a huge point which wants to become

A F O N D O |65

conciertos, gastronomía, guardería, medicina, deporte, compras, encuentros familiares o de amistad).

Los centros comerciales se convierten en complejos mecanismos de comunicación, pensados para reproducir partes de una cultura en formas comerciales simuladas. Pero con una gran novedad, los centros comerciales son una propiedad privada y establecen sus propias reglas.

La apariencia de espacio público es solo eso apariencia (bancos, árboles, paseos, forman un adorable atrezzo).

La actividad cultural que se desarrolla en ellos es instrumental con respecto a su principal objetivo: la mercantilización de experiencias de vida a través de la compra de bienes y entretenimiento.

De esta forma, en nuestra sociedad los centros comerciales adquieren una nueva dimensión competitiva con el objetivo de acceder a nuevas formas de producción cultural y de mercantilización de experiencias de vida.

En este contexto resulta fácil e inmediato situar el fundamental papel de la luz y la iluminación, la luz como medio básico para permitir la visión y la iluminación como herramienta que permita crear el entorno visual adecuado a los objetivos del centro.

La luz y la iluminación desempañarán un rol fundamental en la creación de la atmósfera que nos cree el grado de satisfacción adecuado, permita las justas relaciones y comunicaciones, provoque la deseada percepción del espacio y la arquitectura y provoque

la adecuada sensación de bienestar y seguridad. .

Punto, línea y superficie Podemos de esta manera retomar el carácter relacional de la luz en la geometría y remitimos a los conceptos: punto, línea, superficie.

La imagen del punto adquiere en el contexto de los centros comerciales un doble sentido, por un lado en su vertiente micro nos remite a la parada, a la pausa, a unas circunstancias físicas y temporales dedicadas únicamente a una acción.

La focalización y acento de puntos concretos de atención es un primer ejemplo de esta tipología. La creación de ambientes de relax-descanso y/o pausa también responden al criterio

“La luz y la iluminación desempañarán un rol fundamental en la creación de la atmósfera que nos cree el grado de satisfacción adecuado, permita las justas relaciones y comunicaciones, provoque la deseada percepción del espacio y la arquitectura y provoque la adecuada sensación de bienestar y seguridad”.

66|A

FONDO

a globalized point of attention. A point which holds infinity of geometries and becomes the womb that welcomes us and offers us safety and comfort.

Halfway, and sited in a decontextualized way, the businesses that form the center offer, they are single competing points among them.

The micro dimension of the point acquires a character of pause; stop, for targeting the rest elements that let you

enjoy relaxing moments, or rather recovering because the micro at any time is decontextualized by the macro.

The concept of line implies in itself a dynamic, physical or visual. It means, with respect to the perceiver, a vision of a visual trip.

Circulations, through which the user accesses the different areas, or approaching along the commercial-culturalgastronomic offer of the center.

The line implies dynamic mobility, transit, continuity and, at a visual level is established as an area where the light should accompany, not compete, especially with the point in its different aspects.

The line, in turn, allows circumscribing spaces, facilitates movement, and establishes the relationship between adjacent and or near spaces.

We basically meet two types of lines:

â&#x20AC;&#x153;The vertical areas used in a backlit way, provide communication, generate visibility and are a clear reflection of the light- architecture junction.â&#x20AC;?

A F O N D O |67

adquiere un carácter de pausa, de parada, de focalización en los elementos de descanso que permiten disfrutar de momentos de relax, o mejor dicho, de reposición de fuerzas porque el micro en ningún momento queda descontextualizado por el macro.

El concepto de línea implica en sí mismo una dinámica, física o visual.

Implica, respecto al perceptor, una visión con recorrido visual.

Circulaciones, por donde el usuario accede a los diferentes ámbitos, o por donde circula aproximándose a la oferta comercial-cultural-gastronómica del centro.

La línea implica dinámica de movilidad, tránsito, continuidad y a nivel visual se establece como un ámbito

dirigen en el interior del centro abstrayéndonos de otros aspectos.

La superficie es el elemento más directamente conectado a la representatividad del centro, superficies cargadas de significado identifican el lugar y buscan el provocar una sensación general, compleja, pero sobre todo llena de estímulos visuales.

La superficie comporta experiencia visual y por lo tanto los sistemas, las soluciones luminotécnicas disponen un abanico inmenso de posibilidades y el dinamismo, el cromatismo adquieren un rol importantísimo.

En los accesos es común encontrarnos con efecto sándwich, la luz en superficies horizontales nos envuelve tanto en el plano superior como en el

“Las superficies verticales utilizadas de forma retroiluminada proporcionan comunicación, generan visibilidad y son un claro reflejo de la unión luz-arquitectura”.

puntual originando la atención por contraste.

En su vertiente macro el punto adquiere una dimensión que engloba el centro en sí, ya que este no hace más que constituirse en un inmenso punto que desea constituirse en punto de atención globalizado. Un punto que en su interior albergue infinitud de geometrías y se convierta en el vientre que nos acoge y nos ofrece seguridad y confortabilidad.

En un punto intermedio, y situados de manera descontextualizada los negocios preindividualmente que configuran la oferta del centro no dejan de ser por si mismos puntos que compiten entre ellos.

El punto en su dimensión micro

donde la luz debe acompañar y no competir, sobre todo con el punto en sus distintas vertientes.

A su vez la línea permite circunscribir espacios, facilitar el movimiento, y establecer la relación entre espacios contiguos y/o próximos.

Nos encontramos básicamente dos tipologías de líneas verticales que significan comunicación entre planos (escaleras, escaleras mecánicas, ascensores) y horizontales que nos acompañan en la sucesión de comercios satélites. A estas podemos sumar las que configuran la estructura arquitectónica del centro.

La idea de superficie supone un tratamiento más complejo y completo ya que el tratamiento de las diferentes superficies supone como fin crear un espacio, un ambiente, una experiencia.

Superficies verticales, superficies horizontales, superficies inclinadas, superficies curvadas… nos van delimitando el espacio, nos dirigen y nos engullen como irresistible faro y nos

inferior haciéndonos sentir protagonistas en nuestra entrada al centrocastillo-fortificación.

Las superficies, ya sean verticales, ya sean horizontales, tratadas como sucesión de planos nos crean volúmenes, efectos de perspectiva que favorecen la profundidad de la mirada.

Las superficies verticales utilizadas de forma retroiluminada proporcionan comunicación, generan visibilidad y son un claro reflejo de la unión luzarquitectura.

Al tratar las superficies es importante controlar el entorno, el emplazamiento y jugar adecuadamente con la disposición arquitectural y los factores estéticos sin olvidar los aspectos normativos.

Para todo ello, disponiendo de los mejores argumentos luminotécnicos, organizaremos vuestro diseño de iluminación para configurar vuestra imagen de sueño, de evocación, de apariencia, en definitiva para dotar al centro de su auténtica dimensión simbólica. ■

68|A

FONDO

vertical, meaning communication between areas (stairs, escalators, elevators) and horizontal, which accompany us in the succession of satellite stores.

To these we can add those ones which shape the architectural structure of the center.

The idea of area needs a more complex and complete treatment because of the different areas is intended to create a space, an atmosphere, an experience.

Vertical areas, horizontal areas, inclined areas, curved areas... are defining the space, direct us and engulf us as a compelling lighthouse and lead us inside the center abstracting us from other aspects.

The area is the most directly connected element to the center representation, meaning-laden areas identify the place and seek to provoke a general sense, complex, but mostly full of visual stimuli.

The area implies visual experience and therefore the systems, the lighting solutions provide for an immense range of possibilities and dynamism, the chromaticism acquire an important role.

On the entrances it is common to find the sandwich effect, the light on horizontal surfaces surrounding us both in the upper and the lower level making us feel protagonists in our way into the centre-castle-fortification.

The areas, whether vertical or ho-

rizontal, treated as a succession of planes create volumes, perspective effects favoring the depth of the sight.

The vertical areas used in a backlit way, provide communication, generate visibility and are a clear reflection of the light- architecture junction.

When dealing with areas it is important to control the environment, the location and play properly with the architectural layout and the aesthetic factors without forgetting the normative.

For all this, having the best lighting arguments, we will arrange your lighting design to set your dream image, to evoke, to appearance, ultimately to give the center its true symbolism.â&#x2013;

A F O N D O |69

70|a p u n t e s

La Casa de Quirós: el calor del hogar

L

uz y Ambiente Consulting en colaboración con la paisajista de Jardines y Rincones Izaskun Ochoa, se ha enfrascado esta vez en La Casa Quirós, la nueva apuesta del grupo de restauración La Máquina ubicada en la exclusiva zona de Madrid, Plaza de La Moraleja.

Con el objetivo de hacer sentir al cliente como en casa, han creado un ambiente cálido y acogedor que nos permite disfrutar de una velada inolvidable acompañada de una comida exquisita.

Se ha cuidado hasta el más mínimo detalle creando dos espacios, interior y exterior, muy diferenciados. En la terraza principal son las luminarias Alibabis de Karman las que con elegancia y originalidad nos hacen sentir el calor del hogar.

Más información: www.luzambienteconsulting.com

Fotos/Images: Pablo Sarabias

La Casa de Quirós: cosy warm of home

L

uz & Ambiente Consulting in colaboration with the landscape designer of “Jardines y Rincones” Izaskun Ochoa, have involved themselves this time in a new proyect, “La Casa Quirós” of the catering group La Máquina. It is located in the exclusive zone of Madrid, “Plaza de la Moraleja” With the aim of making people feel at home, Luz & Ambiente Consultig have created a warm and cosy atmosphere so we can enjoy an unforgettable experience with a delightful meal.

They have taken care of even the smallest details creating two very different areas, interior and exterior. It is in the principal terrace where the Alibabis lamp from Karman with its elegance and originality will make you feel the cosy warm of home.

More information: www.luzambienteconsulting.com

72|a p u n t e s