Mezzo Secolo Franco Balan by Ideographia

OMAGGIO A SHIGEO FUKUDA / 11.3.2011

Presidente della Regione Président de la Région President of the Region Augusto Rollandin

Progetto sostenuto da Projet soutenu par Project supported by Comité des Traditions Valdôtaines

Assessore all’Istruzione e Cultura Assesseur à l’éducation et à la culture Minister for Education and Culture of the Valle d’Aosta autonomous Region Laurent Viérin

Progetto grafico catalogo e allestimento espositivo Projet graphique catalogue et Aménagement de l’exposition Graphic layout for catalogue and exhibition design Studio Ideographia Joël Balan

Soprintendente per i beni e le attività culturali Surintendant des activités et des biens culturels Superintendent for Heritage and Cultural Activities Roberto Domaine

Aosta, Centro Saint-Bénin Aoste, Centre Saint-Bénin Aoste, Centre Saint-Bénin 28 maggio - 23 ottobre 2011 28 mai - 23 octobre 2011 28 May - 23 October 2011 Regione autonoma Valle d’Aosta Région autonome Vallée d’Aoste Valle d’Aosta autonomous Region

Direttore della Direzione promozione beni e attività culturali Directeur de la Direction de la promotion des activités et des biens culturels Director of the Department for Promotion of Heritage and Cultural Activities Carla Fiou Capo del Servizio attività espositive Chef du Service des expositions Head of Exibitions Services Daria Jorioz Coordinamento tecnico Coordination technique Technical Coordination Gianna Gilli Assistenza all’allestimento Assistance à l’aménagement du décor Exhibition Design Assistant Fortunato Sergi Segreteria organizzativa Secrétariat pour l’organisation Organizational Secretariat Mila Conti Ufficio Stampa Bureau de presse Press Office Sabina Vagneur Catalogo Catalogue Catalogue Mondadori Electa S.p.a.

Consulenze Collaborations Consulting Franco Balan Mario Piazza Rino Girotto SHatelier di Sara Haudemand Augusto Crepaldi Allestimento esposizione Aménagement de l’exposition Exhibition design Ideographia Il Punto Serigrafico Leinì (TO) Squillari Arti Grafiche Scultore Salvatore Cazzato Luca Andrea De Pasquale Video di repertorio Images d’archive vidéo Repertory video RAI, montaggio video: Michelangelo Buffa YouBalan interactive media design YouBalan interactive media design YouBalan interactive media design Riccardo Mantelli Interventi musicali Propositions musicales Music Fondazione Istituto Musicale della Valle d’Aosta Progetto musica, Ideazione e coordinamento Projet musique, Auteur et coordinateur Musical Project, Idea and coordination Paolo Salomone Cd audio, Cd audio, Cd audio Sinfonica, Orchestra giovanile della Valle d’Aosta, Radio Proposta in Blu Orchestre symphonique Juvénile de la Vallée d’Aoste, Radio Proposta in Blu Symphony, Valle d’Aosta Youth Orchestra, Radio Proposta in Blu  Elaborazione traccia audio a cura di Elaboration enregistrement audio de Audio track processing by Giorgio Negro Prestiti opere pittoriche Prêts d’œuvres picturales Lenders of paintings Guido Marcoz,Guido Piccinini, Guido Cefalù, Luca Ferrari, Cinzia Colliard Fotografie Photographies Photographs Davide Camisasca, Francisco De Souza René Monjoie, Mauro Paillex, Elisa Piccin www.regione.vda.it

10 Laurent Viérin 14 Giovanni Anceschi 20 Damien Daudry

Introduzione Franco Balan: cambiare le carte in tavola Franco Balan, un valdostano artista, un artista valdostano

24 Italo Lupi 30 Mario Piazza 40 Giovanni Lussu

Franco Balan Esercizi sottrattivi: VA meno FB; GI meno FB; G meno FB Franco Balan

42 Michele Govoni Ferrara 45 Massimo Dradi Franco Balan - fuori gabbia 48 Alberto Maria Careggio Un cammino straordinario per la vita 52 Valentina Cefalù 69 Daniela Piscitelli 105 Leonardo Sonnoli

Analisi della Via Crucis e del Cuneo della rivoluzione: “Passione e ideologia”, firmato Franco Balan Matite che camminano. Ovvero una promessa di ricomposizione Su/A Franco Balan

145 Gianni Torrione 195 Riccardo Piaggio 208 Daria Jorioz

Balan Balan, homo faber Immagini, memoria, presente

220 Rino Girotto 229 Walter Barbero 277 Fiorenzo Corradin

Di mezzo secolo… un intero Balan Franco Balan Balan

Il nome di Franco Balan è sinonimo di creatività e vivacità intellettuale. Sono dunque particolarmente lieto di presentare, presso il Centro Saint-Bénin di Aosta, questa rassegna a lui dedicata nell’ambito del programma espositivo estivo dell’Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta. La mostra “Il mezzo secolo di Franco Balan, peintre et graphiste, 1957-2011” rappresenta un viaggio all’interno della sterminata produzione artistica di questo noto autore valdostano, che ha dato lustro alla nostra regione anche in ambito nazionale e internazionale. Grafico e creativo in senso lato, a partire dagli anni cinquanta, Balan ha illustrato la Valle d’Aosta in tutti i suoi aspetti, facendo convivere nelle sue composizioni tradizione e innovazione, narrazione e storia, fantasia e realtà. I manifesti di Balan e le sue rappresentazioni sono per noi valdostani immagini familiari, appartengono alla nostra esperienza visiva, accompagnano la percezione della nostra terra, della sua cultura e della sua gente, ma ci suggeriscono anche l’eco dei grandi maestri dell’arte del Novecento, da Chagall a Luzzati. Franco Balan scompone e ricompone, rielabora con sensibilità e arguzia, riconduce le immagini a un’atmosfera locale, popolare. Accanto alle oltre tremila opere realizzate per la Valle d’Aosta, numerosi sono, inoltre, i lavori eseguiti per committenze straniere e le esposizioni personali e collettive all’estero, dalla Francia al Giappone. In questa mostra, pensata dallo stesso Franco Balan e dal figlio Joël all’insegna della spontaneità, l’allestimento è realizzato interamente con materiale riciclabile. Il percorso espositivo è scandito da supporti e pareti di cartone che riconducono idealmente al modo di lavorare di Balan, da sempre legato ai collage e al bricolage di carta e scatoloni, alla semplicità delle cose, al lavoro fatto a mano. La rassegna è antologica e propone, disposti in ordine cronologico, dai lavori più recenti a ritroso fino agli inizi della carriera, bozzetti e manifesti, composizioni grafiche, dipinti e serigrafie. Un’occasione unica per vedere riunito il percorso creativo di una vita, che inserisce la Valle d’Aosta nel circuito della grafica internazionale, in un dialogo di rimandi dal locale all’universale, segno distintivo della nostra cultura. Laurent Viérin Assessore all’Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta

Laurent Viérin Assesseur à l’éducation et à la culture de la Région autonome Vallée d’Aoste

Qui dit Franco Balan, dit créativité et vivacité intellectuelle. C’est donc un grand plaisir pour moi de présenter, au Centre Saint-Bénin d’Aoste, cette exposition qui lui est consacrée, dans le cadre du programme estival élaboré par l’Assessorat de l’éducation et de la culture de la Région autonome Vallée d’Aoste. « Le demi-siècle de Franco Balan, peintre et graphiste, 1957-2011 » constitue un voyage dans l’immense production artistique de ce célèbre artiste valdôtain, qui a rendu célèbre le nom de notre région à l’échelon national et international. Graphiste et créateur, au sens large du terme, depuis les années cinquante, Balan a illustré la Vallée d’Aoste sous tous ses aspects, en mêlant dans ses œuvres des éléments tels que la tradition et l’innovation, la narration et l’histoire ou la fantaisie et la réalité. Les affiches de Balan et ses illustrations sont pour nous, Valdôtains, des images familières. Elles font partie de notre expérience visuelle et accompagnent la perception que nous avons de notre région, de notre culture et des gens d’ici, mais elles éveillent aussi en nous l’écho des grands artistes du XXe siècle, de Chagall à Luzzati. Franco Balan décompose et réassemble les images, les réélabore avec sensibilité et finesse, puis les insère dans une atmosphère locale et populaire. Si plus de trois mille de ses œuvres ont été réalisées pour la Vallée d’Aoste, plusieurs autres ont été destinées à l’étranger et nombreuses sont les expositions personnelles et collectives auxquelles il a participé dans le monde entier, de la France au Japon. Cette exposition, conçue par Franco Balan lui-même et par son fils Joël, est placée sous le signe de la spontanéité et son aménagement a été entièrement réalisé en matériel recyclable. Son parcours, qui passe tour à tour d’un mur à un support en carton, rappelle la manière de travailler de l’artiste, caractérisée par le recours aux collages, par le bricolage à partir de papier et de boîtes en carton, par la simplicité des choses et par le travail manuel. Les œuvres sont présentées par ordre chronologique - des plus récentes aux premières qui furent réalisées - et comportent des esquisses, des affiches, des compositions graphiques, des peintures et des sérigraphies. Il s’agit là d’une occasion unique de voir l’ensemble du parcours créatif de toute la vie de cet artiste, auquel la Vallée d’Aoste doit de figurer dans le circuit du graphisme international, de ce spécialiste du dialogue entre le local et l’universel, signe distinctif de notre culture.

Franco Balan: cambiare le carte in tavola Franco sono cinquant’anni che lavora con le immagini, sono cinquant’anni che fa mostre, in tutte le parti del mondo, che fa mostre insieme ad altri, che fa mostre da solo. Che fa mostre di grafica e di pittura, che fa mostre di affiches. E poi che fa mostre a tema e che fa mostre dedicate alla sua produzione personale. Franco, per i suoi cinquant’anni di attività, avrebbe potuto fare l’ennesima mostra. Una mostra diligente e celebrativa, il più possibile esaustiva. Una mostra che mettesse bene in ordine il suo lavoro, che organizzasse con criterio la sua sterminata produzione, con un molto ufficiale “catalogo generale delle opere”, o qualcosa di simile… Una mostra che cominciasse dagli inizi di cartellonista, a partire dal 1957, e che - passando per l’apice di Saint-Ours e per le infinite gratificazioni ufficiali che ha avuto il suo lavoro - si concludesse con i risultati più recenti, quelli che realizza con Ideographia (lo studio internazionale di comunicazione che ha fondato nel 1997 con il figlio Joël e che coniuga le pratiche della tradizione grafica a quelle dell’innovazione multimediale). E invece Franco Balan, che non è una figura diligente ma semmai ostinatamente attiva, e che non è un noioso collezionista di se stesso, ma che è un maestro della sorpresa figurale e anche del cortocircuito mentale, non ha fatto niente di tutto ciò. Franco si è inventato per tutti noi un’operazione del tutto nuova. Noi lo possiamo certamente dire: nel cuore di Franco c’è la pittura. “All’inizio era il verbo” dice la Scrittura, ma il libro sacro di Balan comincerebbe con “All’inizio era la figura”. E oggi anche questo lo sappiamo tutti - Franco è tornato a concentrarsi sulla pittura. Tutti conosciamo le sue grandi tempere e anche, e soprattutto, le sue grandi pitture murali (nello stesso edificio in cui ha sede la mostra ce n’è una grandiosa e favolosa). Le pitture murali di Franco hanno un unico forte riferimento nel lavoro di Sironi, ma per il resto sviluppano una modalità e un discorso originalissimi, petrosi, lignei e calcinati nella resa materica dei colori. Un lavoro denso e compatto e tutto riferito alle culture cosiddette “basse” e ai repertori figurativi popolari, etnici se non addirittura folklorici, per quanto riguarda la fantasia del contesto iconografico. E, è importante ribadirlo, è una pittura non solo figurativa, ma, come dicevano gli antichi, è una pittura “di figura”, affollata di figure. Forse potrebbe inserire nel suo blasone il motto, solo all’apparenza modesto, di Piero Bernardini “Noi, poveri figurinai…”. Ed ecco che nella sua mostra di oggi, a proposito della sua produzione di grafico, Balan ha compiuto un’azione che non lascia le cose come stanno, e, come dicevamo, non si limita ad allineare in bell’ordine le carte: Franco è entrato in medias res. Ha cambiato le carte in tavola. Ha fatto qualcosa di radicale, ha voluto prendere tutto il lavoro di grafico, di designer della comunicazione visiva, e ha voluto portarlo altrove. Ha voluto portarlo con sé. Ed è riuscito ad attrarlo, dentro alla sua unica vera e grande passione: la pittura. Ma come ha fatto? Ha cancellato, soppresso, eliminato, da quei corpi attivi che sono le sue affiches tutti gli “organi” (o forse le “protesi”) che, esibendo i canonici: “che cosa?”, “dove?” e “quando?”, ne fanno degli oggetti strumentali. Ne fanno - nello specifico - degli oggetti che ci informano e ci spronano ad agire. Le parole lavorano insomma nelle opere che presentano, per esempio, la misteriosa figura di uomo con un bastone da pellegrino, ma non la lasciano semplicemente operare sulla nostra fantasia. Sono la scrittura e la tipografia che trasformano l’apparizione di un corpo metamorfico e dinoccolato con il capo di uccello in “Saint-Ours ’87” e ci spingono ad andare alla

“987° Foire Millenaire de Saint-Ours, Aoste”, ricordandoci che ci possiamo andare il “30-31 janvier 1987”. Noi siamo tutti abituati a pensare a Franco come a una cultivar alpina di Munari, come a un personaggio tutto sensibilità e passione, tutto fantasia e saperi antichi. Ma invece, togliendo i testi alle sue affiches, Franco non fa un’operazione da trickster, ma una mossa quasi scientifica, certamente un gesto teorico, come li faceva l’estetologo dell’informazione Abraham A. Moles, quando, per misurare l’informazione estetica delle opere d’arte e di design, le sottoponeva a una progressiva obliterazione delle forme, portandole fino alla soglia critica dell’indistinto. In un libro fondativo di Ennio Chiggio, Illustratori italiani, della Quadragono libri uscito nel 1978, Balan viene giustamente catalogato nella categoria “Visione Fantastica della Realtà” e Manfredo Massironi dice che “il disegno dell’illustratore non si presenta come progettativo ma come descrittivo”, e soggiunge che “il fine è quello dell’illusionista, di colui, cioè, che riesce a costruire un firmamento di stimoli visivi in cui l’osservatore si immerge ritrovandovi la corrispondenza con le cose che conosce, con la cultura che gli appartiene, con i simboli che sa decodificare e da cui può lasciarsi sedurre”. Ma Franco, non riesce a stare quieto nemmeno in questo ruolo e in questo profilo, e per il nostro piacere intellettuale oggi fa qualcosa di più. Compie un gesto conoscitivo molto intrigante per l’attualità che viviamo. Oggi - sia in quanto pratici sia come teorici - ci si sta accorgendo che certi confini disciplinari fra quelle che andrebbero chiamate le discipline della configurazione sono divenuti molto meno netti. E non ci riferiamo solo ai margini delle varie specialità, come l’urbanistica, l’architettura, il design del prodotto, il design grafico e della comunicazione, ma pensiamo alla linea stessa che separa intere grandi regioni e piani che raccolgono e articolano questi ambiti disciplinari, per esempio, appunto, l’arte e la progettazione. Sono diventati, questi confini, oggi molto più sfumati, di quando nel corso della modernità le varie specializzazioni si erano venute istituendo e affermando. Appare sempre più netto il fatto che siamo entrati in universo flou, fluido, liquido, blur. Oggi, per un’infinità di motivi legati alle trasformazioni dei sistemi tecnologici, produttivi e commerciali e per l’irrompere di discipline intrinsecamente transdisciplinari, sta emergendo chiaro quello che qualcuno ha sempre saputo e affermato, anche quando affermarlo aveva un sapore un poco retrogrado. E, appunto, il confine che, come uno spigolo vivo, sembrava separare l’arte e il design non si percepisce più con la stessa nettezza. Si tratta di un bordo certamente in crisi. Franco, cancellando i testi del manifesto per la Foire d’été de l’artisanat typique valdôtain e lasciando vivere da sola la faccia solare di questo sole policromo e frammentato - un poco Depero, un poco art autre e un poco perfino Schwitters - porta a termine una dimostrazione concettuale. Dimostra infatti quello che un bravo commentatore semiotico nel suo gergo formulerebbe così: la “materia dell’espressione” di design e arte è la medesima. Effetti e ingredienti, componenti iconiche ed elementi schematici, trucchi figurali e accorgimenti manipolatori sono gli stessi. I fondamenti delle competenze di cui un autore o, come si dice anche, un operatore deve disporre per essere in grado di attribuire una forma intenzionale e qualificata all’artefatto che sta plasmando, sono gli stessi, sia esso un oggetto d’arte o semplicemente un oggetto artificiale (un prodotto o un comunicato). Per fare un buon risultato di design o un buon risultato artistico bisogna padroneggiare due apparentemente distinte ma sostanzialmente

Giovanni Anceschi

identiche pratiche configuratorie. Io mi azzarderei a dire un - sostanzialmente identico - “basic design”. Un designer un po’ fanatico potrebbe obiettare a questo punto che le forme del design del prodotto o della comunicazione sono determinate da una maggiore complessità di parametri, un artista un poco idealista direbbe scandalizzato che le forme dell’arte sono il prodotto dell’essenza e non delle circostanze. Ma nemmero loro potrebbero negare che gli elementi e la sintassi che regnano sul processo che alla fine genererà la forma sono uguali. Ma la differenza allora dove sta? Almeno a partire da un certo momento storico, a partire, cioè, dalla svolta epocale, in cui ai tempi di Charles Baudelaire, Édouard Manet e Théophile Gautier si è affermata l’idea dell’art pour l’art, e che coincide fra l’altro, significativamente, con la Rivoluzione industriale, quella che noi chiamiamo “arte” è - diciamo così - diventata qualcosa di compiutamente autonomo, in una certa misura riservando per l’utile,per il finalizzato ecc., uno stato ontologico diverso, quello dell’eteronomia. L’arte ha se stessa come fine, il progetto (il design), anche quello di comunicazione, lavora per conto di altri e per ottenere dell’altro. Scotomizzando il testo, Balan ha restituito ambiguità alle sue immagini. E la loro ambiguità o, come con altre parole potrebbe dire un Umberto Eco d’annata, l’“apertura”, è la sede dell’artistico. Si sa perfettamente che una didascalia disambigua l’immagine e le fa dire quello che si vuole, talvolta, quando c’è malizia, addirittura il contrario di quello che ha ritratto. E Balan - attraverso l’ambiguità - vuole invece dire la verità.

Franco Balan, un valdostano artista, un artista valdostano In molti hanno scritto di Franco Balan e della sua apprezzata attività artistica: egli è oggi un artista nel campo grafico-pittorico molto noto in Italia e all’estero. Dalle sue opere balza evidente lo sfondo dal colore chiaro-scuro, tra il grigio e il nero, degli anfratti rocciosi delle nostre pietraie e delle pareti delle nostre montagne tormentate dal vento, dal gelo e dallo scorrere delle acque. Le immagini che vi si sovrappongono presentano però sprazzi vivaci e variopinti, una vera iride di colori, gemme preziose incastonate, poste ad arte a impreziosire l’opera. Le mille e mille sfaccettature e figure che ricoprono le sue tele, riempiendole all’inverosimile, quasi glifi di un discorso da decifrare, seppur suddivise e riquadrate da tratti ben marcati, rivelano un’idea omogenea, come le tessere di un mosaico o, meglio, le parti di una vetrata gotica, colte in controluce dall’interno della navata austera di una cattedrale. Il tutto, lo si legga a monosillabi o come un breve saggio descrittivo, parla della nostra valle, della Sua valle, negli aspetti più genuini, più autentici e meno sofisticati. Il racconto è incentrato sulle cose d’antan, su una civiltà le cui radici si perdono nella notte dei tempi, nella quale lo scorrere della vita era scandito dai rintocchi delle campane, e sulla città, ove il nostro artista è nato e nel cui cuore è vissuto quasi ininterrottamente, città che conserva in ogni suo angolo testimonianze di avvenimenti che ne hanno segnato la storia. Ragazzino, Franco abitava con la sua famiglia a Villa Chicco, sulla collina est della città, stupenda località prospiciente la catena dell’Emilius, nota ufficialmente col nome di Beau-Regard, e prima ancora, nel Medioevo, con quello di Pulchra videre, vale a dire, tradotto liberamente, da qui è possibile vedere cose belle. E perché non pensare allora che, in questo luogo privilegiato, il cui toponimo la dice lunga, il nostro abbia attinto la sua vena artistica? L’ambiente, nel senso più ampio del termine, influisce spesso indelebilmente sull’indole delle persone e noi sappiamo, da testimoni diretti, che sin dai banchi di scuola l’attività preferita da Franco era quella di riempire fogli con schizzi, disegni, ideogrammi. Le cose belle che vedeva, volgendo lo sguardo attorno, egli le traduceva, nel suo linguaggio artistico, al fine di condividere con gli altri le sensazioni che queste suscitavano nel suo animo. E non dimentichiamo che dal suo podio il nostro artista in erba ha potuto osservare l’andirivieni dei contadini del luogo, intenti alle loro faticose occupazioni, o mentre scendevano in città nei giorni di fiera e di mercato; notare in lontananza gli operai della Cogne che a ore stabilite si recavano a piedi o in bicicletta al lavoro, inghiottiti dai cancelli della fabbrica che si chiudevano dietro di loro, per poi riaprirsi all’uscita di quelli che avevano finito il turno; seguire con lo sguardo incantato dei ragazzini della sua età le volute di fumo nerastro che dalle alte ciminiere si innalzavano un poco nel cielo prima che la brezza del Gran San Bernardo le ripiegasse per poi spingerle verso est in una grande coltre opaca a ricoprire il fondovalle. E non potrebbero essere state queste immagini che hanno suscitato nell’animo sensibile di un artista in nuce l’idea di collocarsi dalla parte dei lavoratori e di schierarsi per la difesa dell’ambiente che lo circonda? Così come è possibile che a queste stesse immagini si ispiri per un certo periodo la pittura di Balan che culminerà in una mostra a Roma agli inizi degli anni settanta. Sceso in città per lavoro, vi si stabilisce. L’Aosta delle fiere e dei mercati lo affascina, come pure quella delle tradizioni locali, e questi temi si ripetono in un susseguirsi continuo, ma sempre rinnovati e reinterpretati, nelle sue opere, siano esse manifesti o quadri: la fiera di Sant’Orso e in particolare la produzione di artigianato di tradizione che vi è esposta, lo Charaban, il teatro dialettale, il carnevale, gli aspetti della religiosità popolare, i santi locali, la bataille des reines, la vita contadina e pastorale in genere. Franco Balan è ormai un artista la cui fama ha travalicato la cerchia dei monti che lo circondano. In contatto con molti artisti del suo tempo, italiani e stranieri. Si parla di lui ovunque; mostre delle sue opere, sempre più importanti, vengono allestite non solo in Italia, ma all’estero, fino a raggiungere il lontano paese del Sol Levante, il Giappone, ove egli sarà presente con una mostra di ventagli da lui decorati! Ma di questo, così come delle sue esperienze giovanili all’estero, in particolare in Polonia, hanno già scritto e scriveranno ancora altri. Personalmente concluderò con alcune riflessioni su quell’opera monumentale che a un dato momento lo coinvolge e che magistralmente egli realizza, la Via Crucis, e sulla Serigrafia storica dedicata a dodici grandi valdostani che, a modo loro, hanno illustrato la Valle; due opere che hanno aperto a Franco Balan le porte della prestigiosa Académie de Saint-Anselme, della quale è stato nominato socio effettivo.

La Via Crucis, soggetto quanto meno inusitato per il laico Balan, dirà forse qualcuno. Eppure la sua anima di artista non è stata insensibile davanti alla tragedia del Golgota. Da vero maestro ha saputo rappresentare le varie stazioni, illustrando il percorso della salita al Calvario in un tragico film, nel quale il condannato, accerchiato da uomini, donne, soldati, plebaglia, cavalli, non ha sempre una posizione privilegiata, ma la macchina da presa dell’artista ha saputo comunque soffermarsi sul suo viso diafano ed esangue. Presto potremo forse ammirare quest’opera esposta definitivamente in una chiesa moderna e meditare davanti a questo autentico capolavoro. La scelta dei personaggi storici da illustrare nella sua Serigrafia non fu certamente facile per il nostro artista tra la miriade di personaggi degni di nota che nei secoli sono apparsi sulla scena della nostra storia. Eppure questa scelta pare mirata ed esaustiva, da Bernardo, apostolo delle Alpi, ad Anselmo, il più grande dei valdostani; da Ibleto a Giorgio e Renato, sintetizzanti la grandezza e la potenza di casa Challant, fedelissima di casa Savoia; a Caterina, donna ribelle e guerriera quanto nobile e fiera; dal “principe” Lazier o Lascaris, originario di Perloz, al conte De Pléoz, personaggi forse minori, avventurieri, ma pur sempre intriganti e degni di nota; al De Tillier, il padre della storia valdostana, che con i suoi scritti ha tracciato per primo la storia, nel senso moderno del termine, della Petite Patrie; e, in tempi più recenti, dal patriota Chamonin all’idealista Cerise, per concludere con l’anticonformista sacerdote e alpinista, nonché scrittore di montagna, Aimé Gorret, l’Ours de la montagne. L’interpretazione che Franco Balan ci propone per ogni personaggio non potrebbe essere più pertinente: magistrale la scelta dei colori, più che azzeccata la posa in cui ogni personaggio è sorpreso e rappresentato. Queste brevi considerazioni su Franco Balan giustificano, a mio modesto modo di vedere, il titolo che ho dato a questa nota: il nostro è un vero artista valdostano che ha saputo e sa cogliere e tradurre nelle sue opere i tanti aspetti, quelli più genuini, che hanno caratterizzato e caratterizzano la valle che gli ha dato i natali. Damien Daudry

Franco Balan Se la fotografia non avesse contorni così netti, se non tutto fosse perfettamente a fuoco, le immagini che conosciamo dello studio di Balan potrebbero essere come i frattali dei suoi manifesti: un disordine per accumulo, dove i sassolini lasciati da un Pollicino barbuto fanno ritrovare facilmente il bandolo e dove non solo l’autore, ma tutti gli osservatori si sentono immersi nel calore dei suoi colori. Se i suoi primi manifesti sono degli ultimissimi anni cinquanta, la sua fertile produzione esplode (nel vero senso della parola) nel pieno degli anni sessanta. Ma è del 1977 l’opera che mi pare segni uno spartiacque tra il prima e il dopo del suo lavoro: è il manifesto per la Semaine Gastronomique Valdôtaine. Qui approda una capacità di riordino compositivo, un felice matrimonio tra la razionalità della grafica e l’irruenza vitale e vorticosa del suo pennello. Non viene rinnegato Chagall, non viene dimenticato Miró, né negato l’amore per Emanuele Luzzati, né smarrito quel poco di forfora di Savignac squisitamente accumulata sulle sue spalle. Ma appare più evidente una sapienza grafica, un disporre figure e lettere per più ordinata ripetitività, secondo schemi che sono segni marcanti della nostra passata amata modernità. Solo che Balan, rispetto a tutti noi, aveva Varsavia nel sangue e la lezione e l’amore di Tomaszewski per sua fortuna l’ha salvato da una omologazione che ha appiattito molti di noi partecipanti all’Arcadia del Graphic Design. Straordinario: mantenere questo imprinting (che è affetto e assimilazione culturale, nord gotico e leggende popolari), salvarlo attraverso l’uso delle lettere ritagliate nei colori più vivi, nell’uso che avverti rapidissimo dei suoi pennelli e dei suoi pennarelli, averlo contaminato con altri apporti man mano acquisiti, ma essere giunto a una contemporaneità linguistica così evidente e forte, così indipendente e propria. Contraddittoriamente il segno, oggi così contemporaneo, ha una pittoricità ancora più libera e violenta: i segni pennellati neri su fondi bianchi con libertà calibrata giocano con alfabeti di caratteri le cui font non sono negate da coniugazioni e deformazioni colorate. C’è nei suoi manifesti un amore forte per le valli e le montagne, per rocce che non sono nemiche, c’è il profumo del fuoco invernale, c’è, per me, come il ricordo affettuoso di certi racconti partigiani di Giorgio Bocca. Certo: amore per la sua terra, per la forte architettura delle sue valdostane montagne, amore per gli arnesi lignei del lavoro, per l’archeologia e i monumenti, per la raffigurazione di santi e di cavalli, di merletti, di civette e di boschi, di galletti e di culle, di uccelli, di mucche volanti e vecchie madie, di contadine e di cavalieri, di ricordi e di illuminazioni future, di iridescenze e di saldo ancoramento al “territorio”, non nascondono facile folklore. E così gli uccelli sono protagonisti attoniti dei suoi due capolavori: i quattro rappresentanti delle quattro stagioni, 1980 e 1985, e il solitario uccello appollaiato su mobili e sedie che diventano scritte (e scritte che hanno la corposità morbida dei sassi di Moore). E oggi tutto questo procede con nuove invenzioni, con collage e con bricolage e cartoni scatolati (quasi un omaggio a certi lavori di Paolo Guidotti e di Alan Fletcher), con questi manifesti fatti di oggetti e silhouette nere, che come è ovvio, ma come qui non è mai ovvio, danzano con forti colori primari. Contemporanei, appunto. Italo Lupi

30 Esercizi sottrattivi: VA meno FB; GI meno FB; G meno FB Anno dopo anno siamo giunti alla meta di cinquant’anni di lavoro per Franco Balan (FB). Mezzo secolo riempito da migliaia di manifesti, grandi o piccoli (perché anche i bozzetti sono spesso opere complete). Mezzo secolo di intensa attività con radici ben salde nella sua terra ma con la curiosità leggera e volatile degli spiriti del bosco. FB in questi cinquant’anni ha rappresentato un caso unico. È stato capace dal suo microcosmo sostanzialmente autodidattico di formulare e praticare una possibile via evolutiva di quell’arte, ormai dismessa, che possiamo definire del cartellonismo. In tutti questi anni di lavoro brulicante in via Charrey 8 ad Aosta, il suo medium è stato e resta il manifesto. È il campo su cui agisce da sempre. In questo spazio, manifesto dopo manifesto, FB ha trasferito l’estro dell’autore mescolando, come si fa con i colori sulla tavolozza o gli ingredienti di una buona ricetta, la cultura materiale della Valle con le suggestioni delle grandi scuole internazionali del manifesto. FB è un precursore del locale-globale che opera imperterrito sotto l’austero sguardo degli archi dell’Augusta Prætoria Salassorum. E, avendo ben seminato, a poco a poco tutto il suo valore è emerso e si è diffuso nel mondo. Allora FB è stato riconosciuto come un maestro. È stato studiato e pubblicato. Sono state fatte mostre e scritti articoli e libri. E sono state fatte persino delle tesi di laurea. Dopo così tanti successi e tante conferme, forse per questa occasione potremmo tentare un insolito rendiconto. Potremmo ragionare all’inverso. E per non allontanarci troppo dalla cultura popolare e artigiana tanto amata da FB, potremmo immaginare il mondo di FB alla rovescia. Un po’ come ci raccontavano Giuseppe Cocchiara e Piero Camporesi in un bel volume di tanti anni fa sulla legge del contrappasso insita nello spirito umano. Cosa sarebbe successo se la grafica di FB non ci fosse stata?

VA (Valle d’Aosta) - FB Proviamo a indagare un primo stadio in questa apparente sottrazione. Senza più manifesti di FB forse l’immagine di Aosta e della Valle d’Aosta, della città e della regione mancherebbe di qualcosa. Non la riconosceremmo perché sarebbe passata d’un balzo dall’iconografia oleografica del manifesto turistico, con i teatrini leggiadri delle gite e della villeggiatura montana, alla segmentazione visiva della pubblicità e del marketing, con le sue regole spregiudicate che poca attenzione pongono alla segreta natura dei luoghi. Un’omogeneizzazione che ci avrebbe fatto perdere molte delle cose che abbiamo imparato a leggere nei manifesti di FB. Non sapremmo nulla sui sogni di allegri animali e bizzarre figure boschive. Avremmo dimenticato le forme di un artigianato sempre più nascosto, con i suoi riti e le sue feste. Forme non della memoria, da soffitta impolverata, ma presenze attive e narranti. E dove sarebbero andate a finire, se non in qualche specialistico archivio visivo, i colori bruni e tetri delle severe architetture romane e delle chiese e dei chiostri? E quelli musicali e sgargianti del folklore vitale della montagna? Senza i manifesti di FB sarebbe sparita una straordinaria immagine della Valle d’Aosta e ci sarebbe mancata un’involontaria corporate image. E forse a ben guardare, possiamo pensare che non fosse involontaria e casuale, bensì caparbiamente condotta da FB sull’alveo di quella straordinaria linea italiana all’immagine coordinata, senza manuali e dogmi, che da Boggeri a Pintori via via si è dispiegata.

GI (Grafica Italiana) - FB Arrivati a questo punto possiamo fare un secondo tentativo di sottrazione. È certo che FB ha ormai un posto preciso e consolidato nella grafica italiana. Lo si può leggere nelle storie della grafica finora pubblicate. Se non ci fosse stato quale sarebbe il vuoto da colmare? Cosa ci mancherebbe? Di certo tutta la grande stagione della grafica di pubblica utilità avrebbe perso uno dei modelli di riferimento. Non a caso, nella prima e unica edizione della Biennale della Grafica di Pubblica Utilità a Cattolica, nel 1984, a FB venne dedicata un’importante antologica dei suoi manifesti. La tenacia nell’indagare i motivi visivi della sua terra e il paziente lavoro di intreccio con gli altri mondi e gli altri modi del fare grafica hanno rappresentato un’esperienza eccezionale per continuità temporale e tenuta qualitativa. E questo già basterebbe. Ma ci sarebbe soprattutto mancata una fondamentale lezione, quella che con una peculiarità tutta autoctona ci consente di leggere senza fratture il momento di passaggio dalla grande tradizione disegnata, la reclame dei Dudovich, dei Seneca e via via fino alla pubblicità dei Carboni e dei Testa, alla svolta del progetto e dell’immagine costruita. I manifesti di FB sono disegni e sono progetto. Non vogliono perdere nulla di quella felice qualità della figurazione, ma non sono mai un bieco esercizio di stile o un rassicurante cliché.

G (Grafica) - FB Proseguendo a ritroso ci troviamo nella sottrazione più ardita, quella dove il nostro FB non si deve misurare con il canto corale e il teatro popolare, il paesaggio e la flora, le feste e il carnevale, l’artigianato e la miniera, la sagra paesana e la fiera del bestiame, la gastronomia e il turismo della sua Valle. E nemmeno con l’iconografia carica di inventiva e umori visivi della cultura grafica italiana, ma deve fare i conti con la grafica, con il fatto di rendere riconoscibile ai più (e al mondo) la sua unicità, il suo segno originale. Senza FB cosa sarebbe successo nella grafica mondiale? È certo che nel microcosmo dei grafici e degli illustratori, per esempio dell’AGI, l’associazione che da oltre cinquant’anni raccoglie i migliori del mondo, all’improvviso sarebbe sparita un’impronta unica, un carattere e una marcata individualità. FB è ormai una figura riconosciuta come molte altre, penso a Savignac o a Fukuda, a Troxler o a Tomaszewski. Ed è riconosciuta proprio per le sue tipiche peculiarità, per il suo autentico approccio al mestiere. Nell’empireo della grafica sarebbe venuto meno quel ronzio operoso e giornaliero di andate e ritorni nei boschi dei sogni, di lavorio fra i trucioli degli artigiani, i

merletti delle ricamatrici e le lingue delle culture visive del mondo. Sarebbe mancato il tassello del grafico nel piccolo mondo di una città antica, alle prese, nella sua minuscola bottega, a fabbricare racconti e invenzioni da regalare al mondo. Nelle stanze in miniatura di FB da ormai lunghi anni circolano indomiti segni e tracce, colori e materiali, scritture e macchie, lettere e immagini che sono diventate familiari e giustamente ammirate nelle gallerie d’arte giapponesi, come nei musei finlandesi o nelle università messicane. FB è lì con la stessa e immutata gioia di fare della sua fantasiosa ed eterna giovinezza. Mario Piazza

Franco Balan Franco Balan è un talento naturale. Mi ricorda un mio compagno di classe delle scuole medie che, pur non allenandosi, nelle gare di corsa mi batteva sempre. Il suo talento compositivo e cromatico e la sua capacità di tradurre in immagini le idee sono invidiabili, come pure imprevedibile la sua tecnica. L’influenza polacca è evidente ma non è mai predominante. Difficile è infatti poter inserire i lavori di Balan in una ideale geografia della grafica internazionale. Gli echi dell’est europeo sono avvertibili ma le invenzioni sembrano a volte citare il francese Savignac, a volte alcuni maestri scandinavi, altre correre indietro e confrontarsi con il Kurt Schwitters dada. Sempre però con un personalissimo guizzo “mediterraneo” che - per uno nato ad Aosta - non è male. Ma, soprattutto, Balan assomiglia a un compositore. Le diverse forme ritagliate e le loro diverse grandezze formano la melodia, come il loro rapporto spaziale ne segna il ritmo; combinazioni di accordi inconsueti tra colori e forme tracciano spesso un’armonia schoenberghiana e, appunto, rapporti cromatici netti ne caratterizzano il timbro (o tone-color all’inglese). E infine, osservando i suoi bellissimi bozzetti, prime idee della definitiva stesura, non si può non cogliere come la tecnica scelta - la pennellata di tempera, le carte colorate ritagliate, il pastello che graffia la superficie - dia una chiara indicazione della dinamica, della forza espressiva che comunica di volta in volta, piano, forte, fortissimo. Si tratta, dunque, proprio di una scrittura musicale. Una scrittura che sfida il linguaggio e la lingua. Una sfida, questa di Balan, che fa riacquistare alle lettere alfabetiche “pienamente la loro qualità d’immagine e, allo stesso tempo, com’è giusto che sia, fa riprendere alle figure la funzione di scrittura”, come acutamente ha osservato Giovanni Lussu. Questa capacità di superare il linguaggio è sicuramente il motivo del successo internazionale che Franco Balan continua ad avere e la chiave che lo ha condotto a essere invitato nell’Alliance Graphique Internationale, il club che, dal 1951, riunisce i migliori interpreti della comunicazione visiva internazionale. Ma solamente riuscendo a emozionare con la propria scrittura, esattamente come fa un talentuoso musicista, si riescono a superare le barriere del linguaggio e delle lingue. E invidio a Franco Balan questa capacità di scrittura come facevo con il mio compagno delle medie. Giovanni Lussu

Ferrara S’intitola “Noi poveri figurinai” la bella e interessante mostra che Ferrara Pro Art ha proposto fino al 15 luglio 2009 negli spazi del Chiostro di San Paolo. In parete 52 opere su carta dell’ottimo artista aostano Franco Balan. Ciò che per primo colpisce della mostra è proprio il titolo: “Noi poveri figurinai” racchiude, infatti, in sé molteplici significati, giungendo a rappresentare un vero e proprio manifesto culturale e spirituale. Figurinaio porta con sé la voce “figurina”, di quel cliché figurativo, cioè, che, a partire dalla fine dell’Ottocento e ben oltre la metà del Novecento, è stato creato per accompagnare a un marchio un messaggio. Il fine, quindi, era per così dire pubblicitario. Se al termine figurinaio si unisce il “poveri”, il messaggio della mostra è ancor più chiaro: c’è la volontà, da parte dell’artista, di sottolineare il ruolo secondario di tanti artisti votati alla comunicazione. Già, perché proprio di comunicazione visiva si parla osservando e gustando i 52 manifesti che raccontano, attraverso le immagini, l’arte di Balan. Giocando con il segno, la materia cromatica, le immagini che spesso sembrano rifarsi al futurismo “meccanico” di Léger o Depero, Balan mette in scena l’innovazione di un linguaggio vagamente dada fatto di assemblaggi e di riproposizioni pescate dal più ricco repertorio della storia dell’uomo: il folklore. In un’epoca come quella contemporanea in cui la meritocrazia lascia, giorno per giorno, spazio a ben altri metodi selettivi (sia nel lavoro sia nella vita sociale) trovarsi di fronte a opere come quelle di Balan offre una speranza in più, una possibilità di riscatto a favore di un “saper fare” che è ricco segno di positività. La mostra promossa da Ferrara Pro Art con il patrocinio del Comune di Ferrara - Circoscrizione Centro Cittadino costituisce, quindi, un momento nuovo, una possibilità di cambiamento anche nei confronti dell’intero sistema dell’arte. Michele Govoni

Franco Balan, fuori gabbia

Massimo Dradi

Descrivere in una pagina Franco Balan non è cosa semplice, molti hanno scritto sul suo lavoro. Gli amici Anty Pansera, Mario Piazza e Maurizio Vitta, in particolare, hanno curato mostre, interviste e presentazioni approfondite. Mario Piazza lo intervistò in un numero monografico di “TiConUno”, pubblicato nel febbraio 1991, sottolineando l’assenza di riferimenti all’area della pubblicità, dell’illustrazione e della computer-grafica, definendolo “fuori gabbia”. Risultò un divertente amarcord sugli inizi, sui primi passi nel mestiere definito da lui stesso “grafico per sopravvivere”. Così anch’io inizio da lontano: ho incontrato Franco Balan per la prima volta a Varsavia nei primi anni settanta. Diventammo subito amici. Lui in Polonia era già di casa avendo trascorso diversi mesi nello studio di Henryk Tomaszewski, il più illustre esponente della scuola polacca del manifesto. Io ero arrivato per uno scambio culturale tra l’Accademia di Varsavia e l’Istituto d’arte di Parma. Ci furono poi contatti e incontri. Da ricordare, nel 1981, l’interessante convegno “La grafica di pubblica utilità” su iniziativa di Balan e dell’AIAP, con la presenza di numerosi relatori di Milano: Valeriano Piozzi, Franco Origoni, Roberto Pieraccini, Gianfranco Torri e io. Fu il felice inizio di una serie di importanti mostre-convegno che Franco Balan con dedizione, iniziativa e professionalità portò avanti per molti anni nella cittadina di La Salle. Sotto il titolo di La Salle Visual Design alla Maison Gerbollier si susseguì una serie meravigliosa di mostre di graphic designer italiani e stranieri, tutti di alto valore professionale. Basti citare che per la prima volta in Italia, grazie a Franco Balan, ci furono le mostre di Aartomaa, Akiyama, Fukuda, Glaser, Équipe Grapus, Mlodozeniec, Sato, Topor, Ungerer, Varis, per citare solo un numero esiguo di artisti. Ora celebra i suoi cinquanta anni di attività, ma ha già cominciato con largo anticipo i festeggiamenti. È sufficiente sfogliare una sua deliziosa monografia, dal titolo Legendario di Franco Balan, cose che devono essere lette, dove c’è condensata tutta la sua vita. Vi si trovano le foto del suo studio con il figlio Joël, seguono le riproduzioni di bozzetti preparatori con una scelta ragionata di manifesti, accompagnati poi da una carrellata di foto di amici artisti incontrati o ospitati ad Aosta. Ma l’aspetto più interessante è la scelta di mettere in primo piano l’aspetto manuale con la rappresentazione di schizzi e bozzetti preparatori prima dell’esecuzione finale. I suoi lavori parlano. Balan è innamorato del suo lavoro, è tenace nella ricerca, ed è anche dinamico nelle sue iniziative, le porta tutte a compimento. È tenace ma si muove con leggerezza e fantasia insieme. La grande quantità di lavoro fatto lo ha reso ormai famoso a livello internazionale. Cosa posso dire di più? Auguri Franco.

Un cammino straordinario per la vita. Una Via Crucis illustrata dall’amico Balan è davvero per me una sorpresa, una grande sorpresa! Di tutto può uscire dal pennello di un artista, ma se questo è vero, la “storia” della condanna a morte di un innocente sarebbe per me l’ultima cosa, tanto è brutale, conturbante e difficile. Per quella di Cristo, poi, non vi sarebbe forse altro spazio che la penombra di una Chiesa, per intenerire il cuore di qualche anima devota. Balan ci ha provato e dobbiamo dire che ci è riuscito molto bene, con la suggestione della sua arte, e soprattutto con il cuore di chi non si cimenta sulla strada del Calvario solo per ebbrezza di colori, tanto questa strada è sporca di sangue! [...] h Alberto Maria Careggio

Vescovo di Sanremo e Chiavari

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COLLEZIONE PRIVATA

Analisi della Via Crucis e del Cuneo della rivoluzione: “Passione e ideologia”, firmato Franco Balan. Nell’anno 2000, le tavole dipinte della Via Crucis di Franco Balan scolpivano di colore le pareti di una bianca cappella duecentesca sull’eremo di San Grato, in Valle d’Aosta. Il colpo d’occhio resta intatto undici anni dopo: le quattordici stazioni della Passione di Cristo sembrano losanghe di vetrate gotiche. Le figure, o meglio le sezioni tagliate dei corpi che animano le scene, si compongono in quadrati in un ritmo spezzato, sottolineato da uno spesso tratto nero di contorno, che ne è la piombatura. La luce è frammentata in intagli freddi e caldi contrapposti: i blu, gli ori e i rossi sono i toni dominanti, come nelle icone bizantine. E l’artista ne è consapevole quando con un’aureola di foglia d’oro cinge il capo del suo Cristo, fatto di una carne bianca, una materia che è diventata già spirito. Franco Balan è un pittore che ha il colore negli occhi e la sapienza di iconografie e tecniche che scavano nei secoli della tradizione. Se di questa ricchezza ne è testimone la sua vasta produzione grafica, con cui ci siamo abituati a conoscere questo artista, la sua pittura, meno nota, restituisce i tratti di una visione altrettanto composita e poliedrica, intensamente giocata sul filo di un racconto poetico, costruito da “ritagli” di spazio e tempo. Guardare da vicino le stazioni della Via Crucis ci porta a percepire la tensione mistica e visionaria del Miserere di Georges Rouault: il suo Cristo oltraggiato sulla croce (Aimez-vous les uns les autres, 1923) è parente di quello di Balan. Ma il maestro francese esprime la sofferenza tutta umana di un Dio all’interno di spazi vuoti, illuminati dal forte chiaroscuro dell’acquaforte. Balan, invece, inserisce il dramma di un uomo solo in mezzo ad altri uomini. Tutti gli individui sono sullo stesso piano, vittime e boia, affastellati gli uni sugli altri in uno spazio strettamente bidimensionale. In questa compresenza spaziale vediamo ogni figura, priva di fisionomia e di caratterizzazione psicologica, partecipare allo stesso modo al dramma che sta avvenendo. La loro espressione muta è quella di una maschera primitiva: il viso è percorso da pochi segni marcati in corrispondenza di occhi, bocca e naso. Solo un personaggio della scena si distingue: il cavallo della terza e della settima stazione. Quando Gesù cade le prime due volte durante il cammino della croce, il suo occhio piangente è pieno di compassione. Si avvicina, ora con lo sguardo ora in un inchino, al corpo del Cristo macchiato da graffi di sangue nella carne di latte. Sembra essere l’unico, lui, il solo animale, a sentire e vedere il dolore della Passione. Al concitato ritmo spaziale corrisponde una complementare frammentarietà del tempo. Le stazioni non sono soltanto delle tappe che seguono sequenze successive, come propriamente accade nella rappresentazione del Cammino della Croce, ma si sviluppano attraverso ulteriori segmenti temporali interni. Le lance e le braccia della croce che spezzano la compagine scenica scandiscono con le diagonali il pullulare della vita, tagliano il tempo in ulteriori sottosequenze e così via, lungo il fluire crescente della fabula, finché alla decima stazione Cristo è lasciato solo e il racconto è interrotto. Contro l’orizzonte di un cielo indaco che assorbe la luce, resta la solitudine maestosa di Cristo in piedi, al centro della composizione, esaltata da una cornice di soldati ai suoi lati. Nelle ultime stazioni il corpo isolato di Cristo regola e domina le scene attraverso pose e movimenti: prima è crocifisso e inchiodato a testa in giù, prefigurando la sorte di Pietro; poi si erige sulla croce, in posizione

speculare rispetto a prima, mentre la Maddalena è prostrata ai suoi piedi; infine sono le sue braccia spettrali, ancora spalancate in un una posa artificiale e drammatica, a incidere lungo la diagonale la scena della Deposizione. Nell’ultima stazione l’interpretazione di Balan diverge dall’iconografia tradizionale. Il corpo di Cristo è scomparso. Sulla scena della sepoltura incombe un cielo rischiarato da una visione astrale, un sole roseo attorniato da nubi concentriche e incandescenti, metafora forse del mistero della futura Resurrezione, o aurea di uno spirito qualsivoglia, forse santo, o semplicemente lontano, lassù in un cielo oramai distante dalla vita degli uomini. La Via Crucis di Balan è densa di un sottile misticismo, tinto di vero, espressione di uno spirito indipendente e radicalmente ateo. Osservando le stazioni della Via Crucis accanto a un altro capolavoro pittorico, il Cuneo della rivoluzione, del 2009, si individua una chiave di lettura parallela tra le due opere nella concezione per “ritagli” spaziali e temporali. Le sequenze distinte del Cammino della Croce sono qui compresse in un’unica visione simultanea, articolata in tempi frammentati e ricomposti in un unico spazio scenico, nel teatro della storia di un’ideologia. Per creare il suo tributo alla storia della rivoluzione comunista, Balan sceglie di orchestrare sapientemente alcuni eventi, simboli e personaggi attraverso una contrapposizione studiata di giochi di rimandi, citazioni, scritte ed equilibri grafici. Il centro visivo e simbolico della narrazione è la forma del cuneo. Il cuneo che dà il titolo al quadro è presente a più riprese: nella scritta centrale illuminata da un flash di vernice bianca, nelle punte acuminate delle incudini, simboli del lavoro operaio, che si ripetono nella composizione, nei triangoli formati dai movimenti del corpo di Lenin, nella forma del corteo festante con le bandiere rosse all’ingresso della nave nel porto e, infine e soprattutto, nel cuneo rosso che cita l’opera simbolo della rivoluzione russa, Colpite i bianchi con il cuneo rosso di El Lisickij (1919-1920). Per esprimere graficamente la lotta dei “rossi” bolscevichi contro i “bianchi” che si erano opposti alla Rivoluzione d’ottobre, il costruttivista russo El Lisickij adotta e interpreta il vocabolario astratto geometrico del Suprematismo di Malevič. Questa invenzione è il manifesto più efficace della rivoluzione sovietica. Balan sceglie quest’icona come emblema del suo racconto epico, rendendo omaggio a una delle invenzioni più importanti della storia del design grafico. L’artista è inoltre consapevole che il cuneo, grazie alla sua obliquità, è una forma geometrica che esprime in modo ottimale l’effetto dinamico nell’immagine. Sostiene Rudolf Arnheim che “l’orientamento obliquo è probabilmente il mezzo più elementare ed efficace per ottenere una tensione guidata”. Anche se presentata in uno spazio piatto e bidimensionale, come quello della Via Crucis, la composizione è così percorsa da un movimento frenetico e incessante di eventi, immagini e allegorie. Balan spiega che il suo cuneo è “una presenza e un modo d’essere - di pungolo, di implacabile monito - nel cuore della sicumera borghese, travolta dalla forza della logica”. La forza della giustizia sociale è rappresentata da una forma che diventa un’arma e ambisce a “spaccare le certezze e rovesciare le illusioni della classe borghese”. In questa vitalità ideologica Balan rivive l’entusiasmo di una storia che sente come sua, prima negli anni cinquanta durante la sua formazione artistica e grafica con Henryk Tomaszewski a Varsavia, allora capitale della Repubblica Popolare di Polonia, poi negli anni sessanta e settanta in Italia. Resta il fatto che il Cuneo della rivoluzione non è un nostalgico manifesto di propaganda, ma un album della memoria individuale e collet-

tiva, che colleziona istantanee della storia assimilate ai ricordi pieni di entusiasmo dell’artista. Il quadro si suddivide in alcune sezioni, che si fondono l’una con l’altra nell’incessante frenesia della rivolta. La rivolta è il destarsi della coscienza umana, come nel “dramma in musica” Intolleranza 1960 di Luigi Nono, in cui la combinazione dissonante di voci e strumenti amplifica il grido dell’umanità che si batte contro l’ingiustizia sociale, lo sfruttamento capitalista e la violenza fascista e colonialista. In questa messa in scena simultanea di Balan pare allo spettatore di udire la forza straziante del coro di voci di una scena di Intolleranza, che incitano al movimento, alla lotta. Battete sulle piazze il calpestio delle rivolte! In alto, catena di teste superbe! Con la piena d’un nuovo diluvio laveremo le città dei mondi.

VERA MUHINA - L’OPERAIO E LA COLCOSIANA - 1937

E la rivolta si diffonde sulla tela e i miti di Balan vengono allo scoperto. Anzitutto la nobiltà del lavoro operaio, che è incarnata dai gesti dei due personaggi, maschile e femminile, nella metà inferiore del quadro. La donna eroica è animata da un movimento impetuoso e brandisce la falce da contadina del kolchoz nella mano destra. Ella si ispira pienamente all’iconografia de L’Operaio e la Kolcosiana della scultrice Vera Mukhina, una delle icone dell’arte sovietica e tra i simboli più alti della glorificazione del lavoro socialista. L’operaio di Balan è invece seduto con composta fierezza, impugnando il martello appoggiato sulle ginocchia. Davanti a lui una deliziosa bambola matrioška ha preso posto sulla sua incudine, come un oggetto rassicurante della semplicità tradizionale dell’artigianato russo, altro aspetto caro al sentire estetico di Balan. L’illustrazione della storia del comunismo è affidata alla fotografia degli eroi, nella metà opposta della composizione. Il ritratto di Lenin svetta al centro del vortice visivo: la sua figura che si erge imperiosa nella tipica posa sbilanciata è tratta direttamente da un cliché storico, scattato durante il famoso discorso all’Armata rossa in partenza per fronte polacco, il 5 maggio 1920 nella piazza Sverdlov di Mosca. Sopra di lui campeggia l’immagine dell’altro eroe della rivoluzione: il volto di un giovane Fidel guerrigliero, sullo sfondo di una bandiera cubana che porta impressa la traccia del grido di battaglia patria o muerte. Ci dice Balan che idealmente con loro ci sarebbero anche Marx, Mao Tze Dong, il Che, a testimoniare “la pluralità dell’unico pensiero”. Si rischia di cadere nella descrizione infinita dei particolari quando si desidera commentare un’opera come questa. È facile perdersi nel repertorio di citazioni e di immagini, tentando di decifrare anche il racconto minuzioso che si svolge nelle “vignette” ai lati della composizione: corrono in aiuto le date, il 1920, le sigle, CCCP, che coordinano scene con operai, soldati, armi, aerei e bandiere rosse. I miti della rivoluzione e del lavoro operaio sono evocati da lontano, in cornici di storie molteplici, sintetizzate dagli oggetti che si ripetono in allegorie: la falce, il martello, l’incudine… Maestosa è poi l’incudine centrale, sulla quale è attaccato un foglio recante la data dell’inizio della Rivoluzione d’ottobre: il 1917. Esplosione di colore, di voci e di immagini, il Cuneo della rivoluzione è l’apice del pensiero etico di Balan, il sunto della sua coscienza di uomo che rivive, come un sogno, un ideale che ha attraversato la storia del XX secolo. La Via Crucis e il Cuneo della rivoluzione appaiono stigmatizzare due aspetti dell’umanità: la passione dell’uomo e la forza della sua ideologia. Viene spontaneo pensare alla prima raccolta di saggi letterari di Pier Paolo Pasolini, che per l’appunto s’intitola Passione e ideologia

(1960), con un profetico riferimento alla successiva opera dell’autore, nel cinema e nell’attività giornalistica. Poi, in una ulteriore suggestione, ascoltiamo le parole censurate del finale del suo cortometraggio La ricotta, parodia amara del racconto della Passione di Gesù. “Povero Stracci crepare è stato il suo solo modo di fare la rivoluzione!”, dice il personaggio del regista, interpretato da Orson Welles, nel vedere la morte tragica del protagonista. In queste grandi opere d’arte della maturità di Balan, questa frase sembra un monito, che vivifica il loro senso ultimo. Perché in esse non emerge solo la maestria dell’artista nel misurarsi con il genere della Passione di Cristo, il tema per eccellenza della pittura sacra, o con l’epica storico-ideologica, ma risalta e risplende la sua visione intima della vita, la consapevolezza di far parte di un’umanità meravigliosa, pur lacerata nelle sue contraddizioni. Nella Via Crucis c’è la solitudine di un Dio che si fa uomo attraverso la sofferenza della croce; nel Cuneo della rivoluzione c’è la gloria di tanti uomini uniti da un giusto principio di uguaglianza, ma destinati a un ineluttabile declino storico. Franco Balan è esattamente questo: un vero artista che, come tale, non ha bisogno solo delle forbici e della carta colorata dei suoi manifesti per infondere ai suoi soggetti la naturale gaiezza e l’obliquo sguardo riflessivo. Qui prova a farlo con i miti e i drammi della storia degli uomini e di quella degli dei. E ci pare più vero e vivo il sogno in cui ci porta per mano. Valentina Cefalù

COLLEZIONE PRIVATA

Matite che camminano. Ovvero una promessa di ricomposizione1 “Il tempo è un fanciullo che gioca.” Eraclito

“Matite che camminano” quelle di Franco Balan. Matite che, cresciute in un piccolo territorio, hanno avuto poi la capacità di farsi conoscere nel mondo. Hanno avuto la capacità di nutrirsi di una cultura locale, sapore quasi di un’Italia agricola, per poi uscire dai propri confini e portare il proprio linguaggio espressivo, il proprio stile, la propria cultura, dentro di sé ma lontano da sé, altrove. È in questo legame, strettissimo, tra cultura del luogo, strumenti, oggetti e racconti che Balan costruisce un rapporto tra il suo pensiero e il suo “fare”, simbiosi che ha alla base una visione quasi animistica sia dei materiali sia degli artefatti del suo progettare: i manifesti di Balan sono strutture animate, si muovono, raccontano storie, sono esperienze tattili, teatrali, oserei dire sinestetiche, perché si portano dietro gli odori del luogo, la sua polifonia, la sua espressività e le sue lingue. Balan è cresciuto in una terra di confine e gli anni della sua formazione, fatti di “sole scuole elementari”, erano arricchiti dai riti e dai miti di quel mondo contadino omologo ai mondi di allora, per la semplicità dei processi produttivi domestici, per la povertà dei consumi e la sobrietà dei costumi, per la patriarcalità delle tradizioni, per l’ingenuità delle paure e degli esorcismi2. Per la ricchezza dei racconti e delle “storie da bar”, per la presenza dei bambini e dei loro giochi agresti. Una terra, la Valle d’Aosta, in cui Balan non solo è nato e cresciuto ma, soprattutto, nella quale si è formato un bagaglio di visioni che di quella terra è intriso, “con un amore per la stessa, per le sue montagne e per il profumo del fuoco d’inverno, insieme agli oggetti di tradizione valdostana - i Santi, i cavalli (la Tata), le civette e i galletti, le culle, le mucche, le vecchie madie e gli attrezzi agricoli - realizzati dai locali artigiani artisti”. Un patrimonio che rimanda a una profonda cultura materiale, la cultura dell’oggetto che, nel design della comunicazione di Balan, diventa segno e permane. Questo è Franco Balan, un artigiano del progetto il cui valore risiede nella capacità di aver saputo fare sedimentare e sovrapporre all’interno del proprio immaginario creativo una vita che scorreva non solo su un confine geografico, ma anche dentro una linea di demarcazione antropologica e socio-culturale - spettatore di cambiamenti epocali - e che, come molti fortunati uomini del suo tempo, gli ha consentito di sperimentare, nell’arco di una vita, la condizione umana di tre epoche. Ernst Haeckel direbbe che in qualche modo la sua ontogenesi ha potuto ripercorrere la filogenesi dell’intera storia evolutiva del genere umano: “il cinema muto, le musiche e le canzoni anni cinquanta, le mie sole scuole elementari, il settimanale a fumetti per ragazzi, ‘Il Corriere dei Piccoli’, il vittorioso ‘Tex

Willer’, Walt Disney, Salgari e le sue avventure: tutti inseparabili per me e per la mia crescita”3. Questo descrive di sé Balan, ripercorrendo gli anni della sua “formazione”, costruita in quell’Italia del dopoguerra che segnava il passaggio dalla ruralità alla modernità, quest’ultima saltata a piè pari con una inconsapevole piroetta, per ritrovarsi poi, oggi, indenne dalle scorie della cultura funzionalista, “con l’era del fax, del computer, della stampa offset, della fotografia e della digitalizzazione” in un’epoca della post-post-modernità con la medesima voglia di “narrare storie di vita con gli strumenti della comunicazione” incuriosito comunque e interessato “a stabilire un rapporto con la tecnologia” seppur sempre maggiormente “legato ai collage e al bricolage di carta, cartoni e scatoloni”. Questo è Franco Balan, con la sua capacità di lavorare sul locale per andare nel globale. La capacità di mixare la sua natura agricola con una prospettiva europea, attraverso un fare silenzioso e ruvido che lo porta lontano dalle influenze prossime della Svizzera o della Francia, per raccordarlo invece alla tradizione italiana della ricerca applicata ma anche alla tradizione novecentesca dei balletti meccanici futuristi, Depero e Léger, alle influenze di Vedova, per approdare poi al nostrano Luzzati e al suo mondo teatrale. Il tutto mixato con una profonda attenzione ai temi del sociale e della pubblica utilità, che se da un lato lo hanno condotto al lavoro di Steiner o di Dolcini, dall’altro lato gli hanno permesso di raccogliere le influenze provenienti dall’est di Jan Lenica e Henryk Tomaszewski, sedimentate negli anni di studio presso l’Accademia di Belle Arti di Varsavia, consentendogli di raggiungere una personale sintesi che è prima di tutto culturale e solo dopo grafica, forte tanto da permettergli di costruirsi una sua propria chiara identità e, ancor di più, restituire alla tradizione valdostana “una vera e propria iconografia”4.

Daniela Piscitelli 1 2 3 4 5 6 7

Il titolo cita, nell’ordine, “Matite che camminano”, Laboratorio per un’idea, Otto Orobolli, Aosta, Comité des Traditions Valdôtaines, 1977; “Una promessa di ricomposizione” è la chiosa finale scritta da G. Lussu, “Balan o della speranza”, in Universo Balan, catalogo della mostra svoltasi ad Aosta, 15 giugno - 15 settembre 2001 D. De Masi, La fantasia e la concretezza. Creatività individuale e di gruppo, Rizzoli, Milano 2003, p. 10. D. De Masi, La fantasia e la concretezza… cit., p. 9. M. Piazza, Franco Balan. 200 originals, Associazione Archivio storico Olivetti, Ivrea 2004, p. 12. Da una conferenza tenuta da Balan allo IED di Roma negli anni 1988-1989, anni in cui chi scrive era discente nel corso di grafica quadriennale. Balan raccontava del processo da lui usato sovente nel progettare i manifesti. In quella conferenza raccontava anche dell’importanza della presenza dei bambini nel proprio studio e di come, spesso, gli schizzi, gli scarabocchi dei figli diventassero poi materiali per i propri manifesti. G. Lussu, Balan o della speranza… cit., p. 6. Ibidem.

“Sapevo disegnare fin dai tempi dei ‘pantaloni corti’ - racconta Balan - e una cinquantina di anni fa, all’inizio della mia attività, in una stagione grafica appena nata per l’Italia, in mezzo a mille dubbi, nel ricordo di quei simboli dalle tinte luminose che hanno popolato la mia infanzia, pensavo di ricavarne delle cose, e così mi sono rivolto agli amici Armando Testa, Lica Steiner, Massimo Dolcini, Massimo Dradi, per capire insieme a loro se la mia scelta fosse giusta”. Oggi, a guardare la produzione di circa mezzo secolo di lavoro, infaticabile e silenzioso, ci si chiede quale alchimia gli abbia consentito una tale prolificità. La capacità di ricavarne “delle cose”. Perché tali sono i progetti di Franco Balan: “cose”. Costruite miscelando il sapere dell’artigiano con i saperi dell’umanista già a partire, per ogni lavoro, dai primi schizzi, i “francobolli” come lui ama chiamarli5, che già sono manifesti conclusi e chiusi in sé. Completi in tutte le proprie parti e che poi, proiettati sul grande muro della sua casa studio, diventano base per le realizzazioni finali nelle quali “si frantuma la convenzionale e sterile contrapposizione tra scrittura e immagine ed è l’intera superficie del manifesto a costituirne il testo, modulato e articolato in un unico insieme di segni, di volta in volta più codificati o più espressivi”6. “Cose”, quindi, oggetti materiali che, restituendoci nel loro essere sintesi di pensiero e immagine, una “promessa di ricomposizione”7, vanno ben oltre la propria fissità bidimensionale per assimilarsi alle forme dell’abitare.

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O Su/A Franco Balan orbici sforbiciano Frettolosamente. itagliano Rotoli e Risme ccostando Abilmente eodadaiste Nere e olorate Collate Carte ppure

ianche, ggiungendo Ad Arte ettere Litografate e nagrammate, Assemblando Affiche: uovo, New, Nouveaurealisme Naif. Leonardo Sonnoli, marzo 2009

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COLLEZIONE PRIVATA

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Balan

(All’Amico pittore)

Gianni Torrione

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Balan è un folletto senza età ma gioca con la felicità negli occhi di fanciullo Vive nascosto in boschi di immagini il viso arruffato come un pennello irsuto Instancabile colleziona testimoni di esistenze e scopritore dell’anima vera di questa mia terra ricama il colore di memorie intense Compare e scompare in un disordine ordinato di simboli puri ch’egli racchiude intarsiati in forzieri di luce magici e sicuri Nascono così vergati dalle sue mani sapienti ispirati messaggi esposti in un’arca di pulsanti luminescenze veleggiante verso gli occhi del futuro Perché Balan ormai è “un Balan”

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AFFICHE JAN MLODOZENIEC

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DIPINTO

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Balan, Homo Faber “Non credo alla cultura, ma agli incontri.” Gilles Deleuze

Riccardo Piaggio

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Ogni mattina, Franco Balan percorre alcune centinaia di metri che separano il suo studio nel centro di Aosta dal “suo” corniciaio, una bottega d’altri tempi coperta dall’odore del legno e della vernice. È qui che veste, da cinquant’anni, le sue idee. Percorre la via San Giocondo, “la più bella di Aosta”, uno dei pochi vicoli storici senza un negozio, costeggiato da case patrizie fatiscenti costruite sulle mura romane della città, e di qui arriva alla cattedrale costruita nell’anno mille e alla Croce di Calvino, nella via omonima. Al ritorno, ma solo quando è primavera, si ferma a osservare i portici della centrale piazza Chanoux, in quella manciata di giorni in cui, “tra fine aprile e maggio, il sole di Aosta quando passeggia sopra la Becca di Nona, arrivando a un punto in cui rade le montagne, crea magiche ombre sul sotto portico del Municipio. La piazza Chanoux diventa un dipinto di de Chirico”. In una parola, all’età di settantaquattro anni, Franco Balan trasforma una banale commissione della mattina in una esperienza. È uno dei pochi cittadini della contemporaneità che, attraversando quotidianamente una strada, non resta con gli occhi sul marciapiede, ma saccheggia con lo sguardo (e la mano, che si prepara a comporre un’affiche) gli oggetti, i volti e i landscape che la circondano. La sua démarche è questa. Inutile parlare con lui di arte, grafica, comunicazione. Il suo universo poetico ed estetico è impermeabile alle parole. Egli, affichista, grafico, comunicatore, parla con le mani, gli occhi, i gesti. È la sua malattia professionale. Come un alchimista, se solo gli dai una parola la traduce immediatamente in un monogramma. I suoi concetti non passano dalle orecchie, ma dagli occhi. Ecco perché questo artigiano delle forme e dei colori non è mai diventato un comunicatore di professione. Anche quando ha disegnato il logo di un ipermercato locale o il manifesto ad memoriam del vecchio PCI, mettendosi dunque al servizio del mercato e della propaganda, le sue sono rimaste opere foneticamente mute, ma pienamente, e autonomamente, visive. Quadri e ritratti non contingenti, che non a caso questo percorso espositivo monografico restituisce nella loro nudità, senza alcun lettering. Se immagino il mondo di Balan mi viene in mente la favola della Cura, dea della mitologia che modella l’uomo (humus) con le proprie mani e ne possiede l’essenza finché questi ha vita. Franco Balan lavora con le mani e con la materia, con queste crea forme, colori, significati, talvolta usando materia con significati e vite precedenti. Ed è la “cura” che dà vita ai suoi personaggi, alle sue storie visive. Immaginandolo come “cura”, comprendiamo facilmente come quello di Balan non sia, ne sia mai stato, un mestiere, ma piuttosto una condizione. Quella dell’homo faber che mette insieme le tracce che trova ovunque e dà vita, senza sapere come abbia fatto, a nuovi piccoli mondi. Compreso il suo. Ad Aosta Franco Balan lo conoscono tutti, ma lui, nella sua terra, passa come un’ombra cinese. Le sue affiches, i suoi quadri, le sue idee volano altrove. Qui frequenta pochi artigiani del legno valdostani, tra cui Claudio Pasquettaz, “il mio preferito”, che cerca una sintesi tra l’etnografia locale e i disegni di Jacovitti. Passa e torna a rifugiarsi nel suo nuovo atelier - che condivide con il figlio Joël - recentemente trasformato in una piccola e accogliente galleria aperta d’arte grafica. Quello in cui ha vissuto per quasi cinquant’anni, a pochi passi dall’attuale, era un vecchio garage pieno di legno e carta, travestito da autentico cabinet aux merveilles, un’officina che ricordava i celebri atelier dadaisti di Parigi e, insieme, un negozio di giocattoli d’antan. Una fotografia vivente di come dovevano lavorare gli artisti di movimenti che lo hanno preceduto e ispirato, dai dadaisti al naïf, alla scuola polacca del manifesto. Franco Balan non è mai cambiato, la sua arte necessaria resta fedele ai suoi gesti creativi, ormai pavloviani. È fuori dalle vicende delle arti visive del nuovo secolo, quasi non sa come si accenda un computer. Deve toccare qualcosa di vivo e reale. Carta, matite, tempere e oli. Come quando ha cominciato. E, proprio per questo, le tracce che ha lasciato, raccolte in un libro ancora aperto, appartengono a un mondo misterioso e mai esistito, fatto dei sogni e delle visioni di un comunicatore senza parole.

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Immagini, memoria, presente Nelle pagine finali del volume “Universo Balan”, edito nel 2001, una sorta di vocabolario artistico racchiude alcune riflessioni dello stesso Franco Balan che ci introducono al suo modo di “fare arte”. Alla voce “Percorso creativo” si legge: “Nei miei progetti entro sempre in punta di piedi, come se fosse la prima volta che tento un approccio al mondo degli artisti”. È con questo stato d’animo che mi accingo a scrivere questo breve contributo, incoraggiata da Franco e Joël Balan, che con sincero entusiasmo mi hanno invitata a entrare a far parte delle pagine di questo volume, come si invita un amico a una festa. È questo un libro che ho visto nascere e crescere, in cui l’iniziale apparente accumulo di immagini si è magicamente trasformato in un percorso creativo di cristallino equilibrio, diretto dallo straordinario deus ex machina che è Franco, un percorso al quale Joël ha dato nitida concretezza. Sfogliare le bozze di questo volume ci conduce in un universo immaginifico, declinato da colori brillanti e popolato da personaggi fiabeschi, dalla principessa un po’ stralunata che fa capolino dall’alto di una torre, per giungere al Bateleur della splendida serie dei tarocchi. Si tratta di una pubblicazione che ripercorre un’intera vita, in cui riconosco immagini legate alla mia infanzia o a episodi personali che hanno evidentemente un significato solo per me. Questo mi fa pensare a quanto sia vivo, diretto, istintivo, efficace, autentico, il segno grafico di Franco Balan, mi fa percepire l’estrema naturalezza con la quale entra nella nostra cultura visiva, la riconoscibilità del suo tratto, che gli ha meritato un posto di assoluto rilievo nel panorama della grafica non solo italiana. Balan è artista poliedrico e vulcanico, che non smarrisce mai la dimensione ludica del gesto creativo ed è per me un privilegio aver contribuito alla realizzazione di questo progetto espositivo, che riconsegna al pubblico “Il mezzo secolo di Franco Balan”.

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Daria Jorioz

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Di mezzo secolo… un intero Balan Franco è rimasto il ragazzo di sempre, da quando vestivamo i calzoni corti. Nell’altro mezzo banco di scuola, in cui sedevamo alle elementari nell’ex piazza balilla di Aosta, Franco, su di un quaderno quadrettato, di carta autarchica, con la matita disegnava a memoria “strisce” con figure alla Pecos Bill, indiani, revolver, cavalli e diligenze; i giornaletti li avevano solo pochi compagni e non li portavano in classe, lui le sue strisce le regalava. Mezze bollette telefoniche per comunicarmi, con molta semplicità, idee e iniziative che, da mezzo secolo, coinvolgono amici, grafici, designer, artisti, critici e studiosi, addetti ai lavori e non; sempre disponibile con i giovani che vogliono dialogare con lui e confrontarsi mostrando i loro lavori per avere un consiglio, un giudizio, un incoraggiamento, per farli crescere nel mestiere. Ancora oggi, con un foglio di carta bianca sul tavolo dell’atelier, interroga, propone, ascolta e abbozza con la matita e poi pesca da una scatola fogli di ogni genere di carta che con le forbici taglia sicuro e ritaglia e compone e ritocca il tomo… grafico, con il suo segno inconfondibile, come un faiseur… d’almanch. Un concertatore di colori “ordinati” con un segno che conserva, a margine, la creazione del soggetto secondo uno schema rigoroso e puntiglioso ma nell’espressione di un concetto. Disegni poetici di linguaggio euristico, ricerche per trovare una “metrica barbara” tutta sua, accentuativa di archetipi comuni dell’inconscio collettivo, che ricollegano esperienze ancestrali e recenti. Un modo incisivo di raccontare eventi di una realtà sociale e culturale non solo della nostra Valle, con un comune denominatore tra arte e grafica. Instancabile, lavora senza tempo, risponde al telefono, intrattiene chi passa a trovarlo e continua a lavorare, ogni giorno, per dodici mesi, da mezzo secolo. In mezzo secolo Franco ha coinvolto me come molti altri, senza allentare il filo di una aperta amicizia, in mostre, convegni e conferenze, direttamente o a margine, salutando con cartoline da mezza Italia, da mezza Europa, da mezzo mondo… dove ha lasciato il suo segno. Rino Girotto

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MANIFESTO DI MASSIMO DOLCINI

INSTALLAZIONI - PIAZZA CHANOUX

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GIANCARLO ILIPRANDI, DANIELE BARONI, GIANNI TORRIONE, ANGELO POLLICINI, BRUNO MUNARI, FRANCO BALAN - MANIFESTI DI MASSIMO DOLCINI

Grafica - sicurezza 1983... un grafico per la sicurezza La pericolosità dell’ambiente urbano, approssimativamente entropico, determinata dallo sviluppo delle attività umane, riduce la qualità della vita di cui non è estranea l’interazione uomoambiente... . Sicurezza si configura come contrapposizione al pericolo e la “riduzione”... diventa identificazione di qualcosa di sconosciuto con qualcosa che si conosce già. Da queste premesse prende l’avvio l’espressione grafica di Franco Balan con: GRAFICA PER LA SICUREZZA, esposizione alla “Torre dei Signori di S.Orso”, entro le mura della porta praetoria, voluta dall’Assessore all’Ambiente del Comune di Aosta G. Torrione e coordinata dal designer R. Girotto. (da Centro Studi Grafici - Milano - n.2, 1983)

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L’altra grafica

GEPPI DE LISO, RINO GIROTTO, FRANCO BALAN, MAX HUBER

... Intorno a quella che viene definita “l’altra grafica” la comunicazione di pubblica utilità stanno nascendo iniziative sempre meglio precisate che coinvolgono, come è giusto, le istituzioni che sono le dirette protagoniste... . Così scriveva Pino Grimaldi in CAMPO 9/10 - rivista trimestrale di cultura del mezzogiorno - anno. III 1982 Ai convegni “L’ALTRA GRAFICA” tenutisi ad Aosta nel marzo 1982 (vedi Legendario di Franco Balan. 2006 pag. 106-107) con il patrocinio dell’Assessorato al Turismo e Beni Culturali Regionale e l’Assessorato Comunale all’Ambiente di Aosta, e la contemporanea mostra dei lavori del grafico Dolcini di Pesaro con allestimento e coordinamento di F. Balan, R. Girotto, E. Moro, oltre la collaborazione scientifica di V. Piozzi, F. Origoni, - si sviluppavano le tesi di: informazione di massa e comunicazione grafica, la grafica di pubblica utilità. Prima fase di laboratorio, nel Salone Ducale del Comune di Aosta, introduzioni dell’Ass. G. Torrione e Ass. A. Pollicini; relazioni di esperienze acquisite di Sindaci e Ass. del Comune di Pesaro interventi dei grafici: Dolcini, Sassi, Piozzi, Ceste, De Robertis, Torri e Origoni oltre il Prof. M. Provinciali dell’Ist. Superiore di Grafica di Urbino. Seconda fase di laboratorio, nella Tour Fromage di Aosta, esposizione “Venti interventi nel nostro quotidiano” e relazioni dei designer: Munari, Sambonet, Lupi, erano altresì presenti i rappresentanti di A.I.A.P - A.D.I. - Società Umanitaria di Milano, Brunazzi e Marangoni grafici di Piemonte e Lombardia, per il Mezzogiorno D’Ambrosio e Grimaldi. Per la Valle d’Aosta F. Balan, M. Casale, C. Valeton e altri, da Warsavia J. Grabowski e altri ancora da Francia e Svizzera. “LA STAMPA” 3/82 titolava per l’occasione: “Come il designer parla al pubblico e La mostra grafica alla Tour Fromage”.

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BRUNO MUNARI

PINO GRIMALDI, FRANCO ORIGONI, GIAN FRANCO TORRI, ANGELO POLLICINI, GIANNI TORRIONE, RINO GIROTTO, GIANCARLO ILIPRANDI, DANIELE BARONI

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Franco Balan

con amicizia, Walter Barbero

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Credo che poter aggiungere altro alle considerazioni, ai giudizi e alle lodi che da circa quarant’anni, in tanti, soprattutto esperti del settore e critici, hanno dedicato al “nostro” Franco Balan, un artista a tutto tondo, mai banale nel suo dinamico e incommensurabile mondo fatto di idee e creatività, sia un’impresa quasi impossibile e sarebbe oltremodo riduttivo pensare di voler conoscere Balan solamente attraverso lo spazio grafico che da circa cinque anni “La Vallée Notizie”, settimanale valdostano, concede, ricevendone un buon riscontro. Quindi è consigliabile rinunciare a porsi eventuali domande e godersi questa mostra, per il personale tratto grafico di Balan e il messaggio didascalico che il maestro usa per far “parlare” i suoi disegni che confermano il geniale esprit che conserva e anima l’autore. Avevo conosciuto Franco Balan attraverso la sua arte molto prima di incontrarlo; successivamente, sono stato onorato di averlo potuto frequentare e apprezzare anche come persona, annoverandolo addirittura tra i talenti che hanno formato la nutrita schiera dei miei collaboratori. Nonostante il suo impegno con il giornale sia sempre stato improntato soltanto sul rapporto amicale e la stima reciproca, posso confermare che in tanti anni di direzione de “La Vallée Notizie”, nell’ultimo periodo non mi è capitato sovente di potermi relazionare con un collaboratore così entusiasta e puntuale come Balan nel consegnare il materiale, per rinnovare l’appuntamento del sabato con migliaia di lettori. Ricordo che mi ero avvicinato, molto incuriosito e quasi inconsapevolmente al mondo colorato dell’artista di Châtillon alla fine degli anni settanta, spinto e guidato da mia moglie Viviane la quale, facendo affidamento sulla sua formazione artistica, più di una volta conversando con i suoi colleghi insegnanti l’avevo sentita ribadire che Franco Balan era “un’artista contemporaneo eclettico, moderno; sicuramente d’esportazione”. Un’affermazione che solitamente veniva condivisa dai presenti. Certo è che se a distanza di anni le opere e i disegni di Franco Balan continuano a essere esposti in diverse città italiane ed europee e arricchiscano le pareti della stanza “più bella” di tante abitazioni valdostane, una ragione ci deve essere. Infatti, con matite e colori, il maestro Balan disegna e dipinge personaggi, situazioni, segmenti di vita quotidiana che formano la storia della Valle d’Aosta, fermandone l’immagine affinché rimangano scolpite nel tempo. Franco Balan, nel limite del possibile, è sempre stato un uomo libero da condizionamenti, tuttavia, all’irriverenza tipica dell’artista di razza, ha saputo anteporre quei valori umani che rimangono una prerogativa di gran parte delle persone della sua e della mia generazione, le quali, pagandone a volte anche le conseguenze, hanno ancora rispetto di tutto ciò che impersona la vita e il creato. A mio parere, Balan interpreta meglio di ogni altro artista valdostano vivente, il ruolo di number one della comunicazione visiva, legata alla sempre rinnovata ed estroversa creatività dell’arte figurativa. Inoltre Franco non si sottrae mai, esprimendolo con fierezza nelle sue opere, dall’intenso, anche se a volte conflittuale, rapporto con il territorio e la comunità valdostana dalla quale ha sempre tratto l’ispirazione del suo fare. Anche in queste oltre duecento “vignette” pubblicate nell’ultimo lustro da “La Vallée Notizie” con il titolo di “Espacebalan”, raccolte per realizzarne una mostra, l’artista non si smentisce. Infatti dai suoi schizzi e disegni, conditi di ironia e sarcasmo, non soltanto riemergono le misere vicende della politica nazionale, de chez nous e dei suoi effimeri protagonisti, ma pure e soprattutto la voglia di quel fare che non ha mai fatto difetto al popolo valdostano. Così è anche Franco Balan; un piccolo grande uomo che non si ferma mai, mobile nello stile di vita e nella sua creatività che, sono sicuro, rimarrà indelebile nella storia dell’arte valdostana. Grazie Franchino.

FRANCO BALAN, SHIGEO FUKUDA

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JERZY GRABOWSKI, FRANCO BALAN

GUY WELLIOT, FRANCO BALAN, ALEXANDER JORDAN

U.G. SATO, FRANCO BALAN, JOEL BALAN

PIERRE LEXERT, FRANCO OTTOZ, ARIANE LEXERT, FRANCO BALAN, JEAN WIDMER, MAURIZIO CASALE

KAN TAI-KEUNG, FRANCO BALAN, SHIGEO FUKUDA

L’amico Balan attinge ad un mondo ricco di storia e di tradizioni e, con il suo fresco pittoricismo e la sua poliedrica fantasia, crea immagini tra il poetico e l’infantile: un manifesto di Balan è sempre una sorpresa visiva. Mon ami Balan puise son inspiration dans un monde riche en histoire et en traditions. Avec sa peinture toute en fraîcheur et son imagination polyédrique, il crée des images à mi-chemin entre le monde de la poésie et celui de l’enfance: une affiche de Balan est toujours une surprise visuelle. Our friend Balan draws from a world with a wealth of history and tradition. with his fresh pictorial ideas and his versatile imagination he creates images between the poetic and the child-like: Balan’s poster is always a visual surprise Armando Testa

ARMANDO TESTA, FRANCO BALAN

FRANCO BALAN VISTO DA ARMANDO TESTA

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Balan fa parte della Valle d’Aosta come gli alberi, gli uccelli, l’erba, le nuvole, le mele, le pietre. Vive nel suo paesaggio come gli uccelli, lavora sodo come gli artigiani, conosce molte tecniche, tutte quelle conosciute e altre ne inventa. Come gli alberi producono fiori e frutta, così con la stessa naturalezza Balan dipinge piccoli manifesti per iniziative non commerciali, per mostre, convegni e manifestazioni culturali, bozzetti che poi lui stesso segue amorosamente nella stampa dai suoi amici stampatori. E così ogni tanto Balan ha una sua mostra personale che invade tutta la sua città e anche i dintorni. Tutti lo riconoscono dato che ha uno stile personale, che è quello stile che vien fuori quando non si sa di averlo. Un modo di esprimersi e di comunicare, uno stile pieno, corposo, attraente, pieno di invenzioni formali e cromatiche. Uno stile nel quale la gente si riconosce e ne apprezza la carica umana. Una raccolta dei suoi lavori sarebbe una occasione unica, auspicabile. Mi auguro che la sua terra si preoccupi di documentare il suo lavoro così spontaneo, come gli alberi producono i fiori e i frutti.

Bruno Munari

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GIANCARLO ILIPRANDI, DANIELE BARONI, FRANCO BALAN

MARIO PIAZZA, BOB NOORDA, ROBERTO PIARACCINI

Laurent Viérin

Minister for Education and Culture of the Valle d’Aosta autonomous Region

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The name Franco Balan is synonymous with creativity and intellectual verve. Thus, I am particularly pleased to be able to present this exhibition of the artist’s works at the Centro Saint-Bénin in Aosta as part of the summer program organized by the Valle d’Aosta Region Councillorship for Education and Culture. “Il mezzo secolo di Franco Balan, peintre et graphiste, 1957-2011” is a journey inside the vast production of this celebrated Valdostano artist, who has brought honor to our region both in Italy and abroad. A graphic artist and a complete creative talent, in the 1950s Balan first began to illustrate the Valle d’Aosta from every possible angle, through compositions made up of tradition and innovation, stories and history, fantasy and reality. Balan’s posters and representations are familiar to those of us who come from Valle d’Aosta, as they belong to our visual experience; they accompany the way we envision our land, its culture, its people, but they also speak to us about the echo of the great twentieth-century artists, from Chagall to Luzzati. Franco Balan dismantles and reassembles, he re-elaborates with sensitivity and wit, he draws his images back to a local, popular atmosphere. Alongside the artist’s more than three thousand works executed for Valle d’Aosta are his numerous works made for foreign commissions, and his solo and group exhibitions held abroad, from France to Japan. The exhibition space for this event, which was conceived by Franco Balan himself together with his son Joël, and bears the hallmark of spontaneity, has been made entirely from recyclable material. Located all along the tour are cardboard supports and walls that ideally tell us about Balan’s way of working, which has always involved collage and craftwork with paper and boxes, the simplicity of objects and handcrafted products. The artworks in this survey exhibition are arranged chronologically, starting from the most recent and working backwards, all the way back to the very start of the artist’s career, with models and posters, graphic compositions, paintings and screenprinting. The exhibition is a unique opportunity to view the creative pathway of a lifetime, but it also introduces Valle d’Aosta into the international graphic art circuit, fostering a dialogue between local and universal, which has always been a distinguishing feature of our culture.

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Giovanni Anceschi

Visual Designer, professeur à l’IUAV de Venise et l’Université polytechnique de Milano.

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FRANCO BALAN: BROUILLER LES CARTES

Franco, cela fait cinquante ans qu’il travaille les images, cinquante ans qu’il expose ses œuvres dans le monde entier, qu’il organise des expositions en collaboration avec d’autres, qu’il organise des personnelles. Qu’il organise des expositions d’art graphique et de peinture, qu’il organise des expositions d’affiches. Et puis qu’il organise des expositions à thèmes et qu’il fait des expositions consacrées à sa production personnelle. Franco aurait pu se limiter à faire la nième exposition, pour fêter ses cinquante ans d’activité. Une exposition minutieuse et de circonstance, le plus possible exhaustive. Une exposition qui mettrait son travail bien en ordre, qui organiserait à la perfection son immense production, avec un très officiel « catalogue général des œuvres », ou quelque chose de similaire… Une exposition qui commencerait par ses débuts d’affichiste, à partir de 1957, et qui, passant par l’apogée de Sant’Ours et par les innombrables reconnaissances officielles que son travail a reçu, se conclurait par les résultats les plus récents, ceux qu’il réalise avec Ideographia (l’atelier international de communication qu’il a fondé en 1997 avec son fils Joël et qui conjugue les pratiques de la tradition graphique à celles de l’innovation multimédiale). Et en revanche Franco Balan, qui est loin d’être un personnage diligent, mais au contraire actif à la limite de l’obstination, et n’est pas non plus un agaçant collectionneur de lui-même, mais plutôt un maître de la surprise figurative et du court-circuit mental, n’a rien fait de tout cela. Franco propose, à nous tous, une toute nouvelle opération. Nous pouvons le dire sans aucune hésitation : la peinture est dans le cœur de Franco. « Au commencement était le verbe » nous dit l’Écriture, mais le livre sacré de Balan commencerait ainsi « Au commencement était l’affiche ». Et à présent - et nous tous le savons - Franco se concentre à nouveau sur la peinture. Nous connaissons tous ses grandes œuvres à la tempera et aussi, et surtout, ses immenses peintures murales (dans l’édifice qui accueille l’exposition il y en a une grandiose et extraordinaire). Le travail de Sironi est l’unique et forte inspiration que l’on perçoit dans les peintures murales de Franco mais pour le reste elles développent une modalité et un discours très original, pierreux, ligneux et calciné dans le résultat que donne la matière des couleurs. Un travail dense et compact se référant, en ce qui concerne l’imagination du contexte iconographique, totalement aux soi-disant cultures « de bas niveau » et aux répertoires figuratifs populaires, ethniques ou carrément folkloriques. Il est important d’insister sur ce point, c’est une

peinture non seulement figurative, mais comme disaient les anciens, c’est une peinture « de figure », pleine de figures. Il pourrait peut-être faire sienne la devise de Piero Bernardini - modeste seulement en apparence - « Nous, pauvres figuristes ». Et précisément dans l’exposition d’aujourd’hui, à propos de sa production en tant que graphiste, Balan a eu un comportement qui change tout, et comme nous le disions, il ne se limite pas à aligner impeccablement les cartes : Franco est entré à medias res. Il a brouillé les cartes. Il a fait quelque chose de radical, il a voulu prendre tout le travail de graphiste, de designer de la communication visuelle et a voulu l’emmener ailleurs. Il a voulu l’emmener avec lui. Et il est parvenu à l’attirer vers sa seule immense et véritable passion : la peinture. Mais comment a-t’il fait ? Il a effacé, supprimé, éliminé, de ces corps actifs que sont ses affiches, tous les « organes» (ou peut-être les « prothèses ») qui, en exhibant les canoniques « quoi ? », « où ? » et « quand ? », en font des objets instrumentaux. En font - en l’espèce - des objets qui nous informent et nous obligent à agir. Pour tout dire les mots travaillent dans les œuvres qui présentent, par exemple, la mystérieuse figure d’homme au bâton de pèlerin, mais ils ne se limitent pas simplement à opérer sur notre imagination. Les mots sont l’écriture et la typographie qui transforment l’apparition d’un corps métaphorique et désarticulé à la tête d’oiseau en celle de « Saint-Ours » et nous incitent à nous rendre à la « 987e foire Millénaire de Saint-Ours », Aoste, nous rappelant que nous pouvons nous y rendre « les 30 et 31 janvier 1987 ». Nous sommes tous habitués à une cultivar alpina de Munari, comme à un personnage débordant de sensibilité et de passion, plein d’imagination et de savoirs antiques. Mais en revanche, en ôtant les textes de ses affiches, Franco ne fait pas une opération de trickster mais une manœuvre presque scientifique, certainement un geste théorique, comme Abraham A. Moles, philosophe de l’esthétique de l’information quand, pour mesurer l’information esthétique des œuvres d’art et de design, il les soumettait à une oblitération progressive des formes en les entraînant jusqu’au seuil critique de l’indistinct. Dans un livre fondamental de Ennio Chiggio, Illustratori italiani, édité par la Quadragono libri et paru en 1978, Balan est, comme il se doit, catalogué dans la catégorie « Vision Fantastique de la Réalité » et Manfredo Massironi dit que « le dessin de l’illustrateur ne se présente pas comme projectif mais comme descriptif, et il ajoute que « le but est celui de l’illusionniste,

c’est-à-dire, de celui qui parvient à construire un firmament de stimuli visuels où l’observateur se plonge en y retrouvant une similitude avec les choses qu’il connaît, avec la nature qui lui appartient, avec les symboles qu’il sait décrypter et qui sont susceptibles de le séduire ». Mais même dans ce rôle et sous ce profil Franco ne parvient pas à rester tranquille et, aujourd’hui encore pour notre plaisir intellectuel, il fait quelque chose de plus. Il accomplit un geste cognitif très intrigant pour l’actualité que nous vivons. À présent, aussi bien en tant que pratiques que théoriques, nous nous apercevons toujours plus que certaines limites disciplinaires, des disciplines qui devraient être appelées les disciplines de la configuration, sont devenues beaucoup moins nettes. Et nous ne nous référons pas seulement aux marges des diverses spécialités, comme l’urbanisme, l’architecture, le design du produit, le design graphique et de la communication, mais nous pensons à la ligne qui sépare de grandes régions toutes entières et des plans qui recueillent et articulent ces disciplines, par exemple, l’art et la réalisation de projets, notamment. Ces limites sont à présent beaucoup plus vagues que lorsqu’au cours de la modernité les différentes spécialisations s’étaient instituées et affirmées. Le fait que nous soyons entrés dans un univers flou, fluide, liquide, blur apparaît de plus en plus nettement. Pour une infinité de raisons liées aux transformations des systèmes technologiques, productifs et commerciaux et à cause du déferlement de disciplines intrinsèquement transdisciplinaires, ce que d’aucuns ont toujours su et affirmé, bien que cette affirmation laisse un arrière-goût un peu rétrograde, prend de plus en plus place dans nos consciences. Et justement, la limite qui, comme une arête aiguë, semblait séparer l’art et le design n’est plus aussi perceptible. Il s’agit certainement d’un bord en crise. Franco, en effaçant les textes de l’affiche pour la Foire d’été de l’artisanat valdôtain et en laissant vivre seul le visage solaire de ce soleil polychrome et fragmenté - quelque peu Depero, quelque peu « art autre » et voir même Schwitters - porte à terme une démonstration conceptuelle. Il démontre en effet ce qu’un brave commentateur sémiotique formulerait de la façon suivante, dans son jargon: « la matière de l’expression » du design et de l’art sont les mêmes. Effets et ingrédients, composants iconiques et éléments schématiques, trucages figuratifs et astuces manipulatrices sont les mêmes. Les fondements des compétences dont un auteur, ou comme cela se dit également d’un opérateur, doit disposer pour pouvoir attribuer une forme intentionnelle et qualifiée à l’objet… qu’il est en train de for-

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mer sont les mêmes, que ce soit un objet d’art ou simplement un objet artificiel (un produit ou un communiqué). Pour obtenir un bon résultat de design ou un bon résultat artistique il faut savoir maîtriser deux pratiques configuratrices, apparemment distinctes mais substantiellement identiques. Si j’osais dire un - substantiellement identique - « basic design », un designer un peu fanatique pourrait objecter que les formes du design du produit ou de la communication sont déterminées par une plus grande complexité des paramètres, un artiste un peu idéaliste dirait scandalisé que les formes de l’art sont le produit de l’essence et non des circonstances. Mais même eux ne pourraient nier que les éléments et la syntaxe qui règnent sur le processus qui à la fin générera la forme sont identiques. Mais dans ce cas quelle est la différence ? A partir d’un certain moment historique, c’està-dire à partir du moment où, à l’époque de Charles Baudelaire, Édouard Manet et Théophile Gautier, l’idée de l’art pour l’art a prix place, et coïncide d’ailleurs, significativement, avec la Révolution industrielle, ce que nous appelons « art » est - en quelque sorte - devenu quelque chose de totalement autonome, réservant dans une certaine mesure pour l’utile, pour le finalisé etc., un stade ontologique différent, celui de l’hétéronomie. L’art est une fin en soi, le projet (le design), même celui de la communication, travaille pour le compte de tiers et pour obtenir autre chose. En occultant le texte, Balan a restitué une certaine ambiguïté à ses images. C’est l’ambiguïté ou, comme pourrait le dire avec d’autres mots un exceptionnel Umberto Eco, leur « ouverture », est le siège de l’artiste. On sait parfaitement qu’une légende ôte toute ambiguïté à l’image et lui fait dire ce qu’elle veut, parfois même avec malice, exactement le contraire de ce que montre le dessin. Et Balan - par le biais de l’ambiguïté - veut en revanche dire la vérité.

Giovanni Anceschi

Visual Designer, Professor at the IUAV in Venice and the Milan Polytechnic.

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FRANCO BALAN: SHIFTING ONE’S GROUND

Franco’s been working with images for fifty years, for fifty years now he’s been doing exhibitions all around the world, at times with other artists, at times on his own. Fifty years of showing his graphic work and his paintings, of exhibitions of his posters. And sometimes he has taken part in themed shows or ones dedicated to his own personal production. To celebrate fifty years of activity Franco could have simply organized his umpteenth exhibition. A diligent and celebratory exhibition, one as exhaustive as possible. An exhibition that would have given an order to his work, neatly organizing his vast output, with a very official-sounding “general catalogue of works,” or something like that… Such an exhibition could have started from his first years as a commercial poster-designer, from 1957 - by way of the high point he achieved with Sant’Ours and the many other never-ending official acknowledgements his work has received over the years - and ended up with his most recent results, his work with Ideographia (the international communications studio he set up in 1977 with his son Joël and that combines the practices of graphic tradition and current trends in multimedia). Yet Franco Balan, who isn’t a diligent figure but if anything an obstinately active one, and who isn’t a boring collector of himself, but rather a master of the figural surprise and also of the cerebral short circuit, did none of these things. What Franco did do was to invent for all of us something completely new. Let’s say it out loud: painting is what lingers in Franco’s heart. “In the beginning was the Word,” it says in the Scriptures, but Balan’s holy book would start with “In the beginning was the Figure.” And today - something else we all know Franco has gone back to focus on painting. All of us are familiar with his large tempera works and - above all - his large mural paintings (there’s a very large and beautiful example in the building where the exhibition is being held). Franco’s mural paintings bear a single strong reference to the work of Sironi, but otherwise they develop a very original modality and discourse, a rocky, wooden and calcined one in his textural rendering of colors. A dense and compact production, which wholly refers to the so-called “low” cultures and to figurative popular, ethnic repertories, if not indeed folkloristic ones, in terms of the imaginativeness of the iconographic context. We need to stress the fact that his painting is not just figurative, but, as the ancients would say, it is “figure” painting, i.e. crowded with figures. His coat of arms could easily include Piero Bernardini’s motto, “We poor illustrators…,”

which is only apparently a modest one. So in this exhibition today, for his graphic production Balan did something that doesn’t leave things just as they are and, as we were saying, he doesn’t merely rearrange his cards: Franco has entered that placed referred to as in medias res. He has shifted his ground. He has done something radical, he has chosen to gather all his works as a graphic artist, designer of visual communication, and taken them elsewhere. He’s taken them away with him. And he has managed to draw them all inside his one true and great love: painting. How did he do this? He deleted, suppressed, eliminated from those active bodies that are his posters all of the “organs” (or perhaps “prostheses”) that by displaying the canonical whats?, wheres?, and whens? turn them into instrumental objects. That especially turn them into objects that inform us and motivate us to act. That is to say, words have a specific function in the artwork they present, for instance, the mysterious figure of a man with a pilgrim’s staff, but they don’t just let it work on our imagination. They are the writing and typography that the apparition of a metamorphic and lanky body with the head of a bird transforms into “Saint-Ours ’87” and encourage us to go to the “987° Foire de Saint-Ours, Aoste,” reminding us that we can go there on “30-31 janvier 1987.” We’re all used to thinking of Franco as one of Munari’s Alpine offshoots, like someone who’s all sensitivity and passion, all imagination and age-old wisdom. But instead, if we take the texts out of his posters, Franco’s move isn’t that of a trickster but rather of a scientist; it is certainly a theoretical gesture, like those the information aestheticist Abraham A. Moles would use, when in order to measure the aesthetic information in a work of art or design he would submit it to a gradual obliteration of forms, thus leading it toward the critical threshold of indistinctness. In the fundamental book by Ennio Chiggio Illustratori italiani, Quadragono 1978, Balan was correctly classified in the Fantastic Vision of Reality category, and Manfredo Massironi says that “the illustrator’s drawing does not project, but rather describes,” and he adds, “the outcome is that of the illusionist, that is, of someone who succeeds in constructing a firmament of visual stimuli that immerses the viewer who finds therein the correspondence with things he is familiar with, with the culture that belongs to him, with the symbols that he knows how to encode and which he can allow to seduce him.” But not even in this role and in this profile does Franco manage to keep still, and for the sake of our intellectual pleasure today he does some-

thing more. He makes a very intriguing cognitive gesture for the present-day world we are living in. Today, both as practitioners and theoreticians, we are becoming aware of the fact that certain disciplinary boundaries among those that should be called the disciplines of configuration have become less distinct. And we are not just referring to the margins of the various special fields, such as urban studies, architecture, product design, graphic and communication design; rather, we are thinking about the line itself that separates entire large regions and levels that gather and articulate these disciplinary fields, for example, art and planning. These confines have become less distinct today, as compared to when during the course of the Modern age the various specializations had been created and affirmed. It is becoming increasingly evident that we have entered a universe that is soft-focused, fluid, liquid, blurred. Nowadays, for a vast number of reasons linked to changes in technological, productive and commercial systems, and because of the arrival on the scene of intrinsically trans-disciplinary subject areas, clearly emerging is what some have always known and declared, even when declaring such things has a slightly retrograde taste. And the boundary that like a sharp corner seems to separate art and design is no longer perceived with the same clarity. As a line of demarcation it is undoubtedly going through a crisis. Franco, by erasing the texts on the posters for the Foire d’Éte de l’artisanat typique valdôtain and leaving the radiant face of this polychrome and fragmented sun there on its own, a bit Depero, a bit “art autre” and even a bit of Schwitters, brings a conceptual demonstration to fruition. In fact, he shows what a good semiotic commentator in the special jargon he uses would formulate as follows: the “matter of the expression” in design and art is the same. Effects and ingredients, iconic components and schematic elements, figural devices and manipulatory expedients are the same. The fundamental skills that an author or, as we also refer to him, an “operator” must have to be able to attribute an intentional and qualified form to the artifact that he is shaping, are the same, be it an art object or simply an artificial object (a product or a communiqué). To achieve a good result in design or a good artistic result you need to dominate two apparently distinct but substantially identical configurative practices. I would venture to say a substantially identical “basic design.” A designer who’s a little fanatical might object to this point by saying that the forms of the design of a product or of the communication are determined by a greater complexity of parameters; an artist who is not much of an idealist might say,

scandalized, that art forms are the product of essence and not circumstance. But not even they could deny the fact that the elements and the syntax that rule over the process that ultimately generates the form are the same. So where’s the difference? At least starting from a certain moment in history, starting, that is, from the turning point, the time when, for Charles Baudelaire, Edouard Manet and Théophile Gautier, the idea of art for art’s sake was affirmed, which also significantly coincides with the Industrial Revolution. Let’s put it this way: what we call “art” has become something completely independent, to a certain extent reserving for the useful and the finalized, etc., a different ontological state, that of heteronomy. Art has itself as an end, while the project (the design), even when it is for communication, works on behalf of others and to obtain something else. By removing the text, Balan has given back ambiguity to his images. And ambiguity or, as Umberto Eco might typically say, their “openness” is the locus of what is artistic. We know perfectly well that a caption disambiguates the image and makes it say what it wants, and sometimes, when there’s a bit of malice, even the exact opposite of what is portrayed. Balan, instead, by way of ambiguity, wants to tell the truth.

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Écrivain et Historien

Damien Daudry

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FRANCO BALAN, UN VALDÔTAIN ARTISTE, UN ARTISTE VALDÔTAIN

Nombreux sont ceux qui ont écrit à propos de Franco Balan et son activité artistique remarquable : c’est aujourd’hui un artiste très connu, dans le domaine des arts graphiques-picturaux, en Italie et à l’étranger. Dans ses œuvres, l’arrière plan aux couleurs clair-obscures, entre le gris et le noir, ressort particulièrement, des anfractuosités rocheuses de nos pierres et des parois de nos montagnes tourmentées par le vent, par le froid et le ruissellement des cours d’eaux. Les images qui se superposent présentent toutefois de vifs éclairs bigarrés, un véritable arc-en-ciel de couleurs, gemmes précieuses serties, placées dans les règles de l’art et qui enrichissent l’œuvre. Les milliers de facettes et formes qui recouvrent ses toiles, les remplissant jusqu’à l’invraisemblable, quasi symboles d’un discours à déchiffrer, bien que découpées et à nouveau encadrées par des traits parfaitement définis, révèlent une idée homogène, comme les pièces d’un mosaïque ou, mieux encore, les sections d’un vitrail gothique, prises en contre-jour de l’intérieur de la nef austère d’une cathédrale. Le tout se lit à monosyllabes ou comme un court essai descriptif, parle de notre vallée, de Sa vallée, dans ses aspects les plus naturels, les plus authentiques et les moins sophistiqués. Le récit est axé sur les choses d’antan, sur une civilisation dont les racines se perdent dans la nuit des temps, dans laquelle le tintement des cloches scandait la vie qui s’écoulait, et sur la ville, où notre artiste est né et au sein de laquelle il a pratiquement toujours vécu, ville qui conserve à chaque recoin les témoignages d’évènements qui en ont marqué l’histoire. Enfant, Franco habitait avec sa famille à Villa Chicco, sur la colline à l’est de la ville, magnifique localité donnant sur la chaîne de montagne de l’Emilius, officiellement connue avec le nom de Beau-Regard, et au Moyen-âge avec celui de Pulchra videre, ce qui signifie, traduit librement, d’ici il est possible de voir de belles choses. Alors pourquoi ne pas penser que notre ami a puisé sa veine artistique en ce lieu privilégié, dont le toponyme en dit long ? L’environnement, au sens le plus large du terme, influe souvent de façon indélébile sur le tempérament des personnes et des témoins directs nous ont raconté que, dès sa plus petite enfance, l’activité préférée de Franco était celle de remplir ses cahiers d’école de croquis, de dessins ou d’idéogrammes. Les belles choses qu’il voyait en regardant autour de lui, il les traduisait, dans son langage artistique, afin de pouvoir partager avec les autres les sensations que celles-ci suscitaient dans son esprit. Et n’oublions pas que notre artiste en herbe a pu, du haut de sa position privilégiée, observer les allées et venues des paysans des lieux, vaquant

à leurs occupations éreintantes, ou lorsqu’il descendait en ville les jours de foire et de marché, observer au loin les ouvriers de Cogne qui se rendaient au travail, à pied ou en vélo, à heures régulières engloutis par les grilles de l’usine qui se refermaient derrière eux, pour ensuite se rouvrir à la sortie de ceux qui avaient fini leur tour, suivre avec les yeux émerveillés des enfants de son âge, les volutes de fumée noirâtres qui du haut des cheminées s’élevaient dans le ciel avant que la brise du Grand Saint Bernard ne les replie pour ensuite les repousser vers l’est allant former un grand manteau opaque recouvrant le fond de la vallée. Ne serait-ce pas ces images qui auraient pu susciter dans l’âme sensible d’un artiste in nuce, l’idée de se ranger du côté des travailleurs et de se battre pour la défense de l’environnement qui l’entoure ? Comme il est également très possible que ces images inspirèrent pendant quelques années la peinture de Balan, qui atteindra son point culminant dans une exposition à Rome au début des années soixante. Descendu en ville pour travailler, il s’y établit. L’Aoste des foires et des marchés le fascine, comme d’ailleurs celle des traditions locales, et ces thèmes se répètent et se suivent sans cesse dans ses œuvres mais toujours renouvelés et interprétés, que celles-ci soient des affiches ou des tableaux : la foire de Saint Ours et notamment la production d’artisanat traditionnel qui y est exposée, le Charaban, le théâtre dialectal, le carnaval, les aspects de la religiosité populaire, les saints locaux, la bataille des reines, la vie rurale et pastorale en général. Franco Balan est désormais un artiste dont la renommée a franchi l’enceinte des monts qui l’entourent. Il est en contact avec de nombreux artistes de son époque, italiens et étrangers. On parle de lui partout, des expositions toujours plus importantes de ses œuvres sont organisées non seulement en Italie mais aussi à l’étranger, jusqu’au lointain pays du Soleil Levant, le Japon, où il participera à une exposition d’éventails qu’il a décoré lui même ! Mais d’autres ont déjà écrit et écriront encore à son sujet, comme au sujet de ses expériences de jeunesse à l’étranger, et en particulier en Pologne. Personnellement je conclurai avec quelques réflexions sur le travail monumental qu’il a magistralement réalisé, la Via Crucis et la Serigrafia storica, dédiée à douze grands valdôtains qui, à leur manière, ont illustrés la Vallée, deux œuvres qui lui ont ouvert les portes de la prestigieuse Académie de Saint-Anselme et dont il est membre titulaire. D’aucuns pourront peut-être penser que la Via Crucis est un sujet pour le moins insolite pour un laïc comme Balan. Et pourtant son âme d’artiste n’est pas restée insensible face à la tragédie du

Golgotha. Il a su représenter d’un coup de maître les différentes stations, en illustrant le parcours de la montée au Calvaire en un film tragique dans lequel le condamné, encerclé d’hommes, de femmes, de soldats, de la populace et de chevaux, n’a pas toujours une position privilégiée, mais la caméra de l’artiste a toutefois su s’arrêter sur son visage diaphane et exsangue. Peut-être nous sera-t-il bientôt possible d’admirer cette œuvre et de méditer face à ce véritable chef-d’œuvre à jamais exposé dans une église moderne. Le choix des personnages historiques venant illustrer sa Serigrafia ne fut certainement pas une tâche aisée pour notre artiste, qui a dû faire une sélection parmi la multitude de personnages ayant joué un rôle digne d’intérêt au cours des siècles de notre histoire. Et cependant cela a tout à fait l’air d’un choix ciblé et exhaustif, de Bernard, apôtre des Alpes, à Anselme, le plus grand des valdôtains, de Iblet à Geroges et René, qui synthétise la grandeur et la puissance de Maison de Challant, fidèle alliée de la Maison de Savoie, à Catherine, femme rebelle et guerrière autant que noble et fière ; du « prince » Lazier ou Lascaris, originaire de Perloz, au comte de Pléoz, personnages peut-être mineurs, des aventuriers, toutefois intrigants et dignes d’intérêt ; à De Tillier, père de l’histoire valdôtaine, qui a été le premier à tracer, avec ses écrits, l’histoire dans le sens moderne du terme, de la Petite Patrie, et pour des époques plus récentes, du patriote Chamonin à l’idéaliste Cerise, pour conclure enfin avec le prêtre anticonformiste et alpiniste, ainsi qu’écrivain de montagne, Aimé Gorret, l’Ours de la montagne. L’interprétation que Franco Balan nous propose pour chacun des ces personnages ne pourrait être plus pertinente : le choix des couleurs est magistral, la pose dans laquelle chacun d’eux est surpris et représenté est parfaitement devinée. Ces quelques réflexions sur Franco Balan justifient, selon mon modeste point de vue, le titre que j’ai donné à cette note : notre ami est un véritable artiste valdôtain qui a su et sait encore saisir et traduire dans ses œuvres les nombreux aspects, les plus authentiques, qui ont caractérisé et caractérisent la vallée qui l’a vu naître.

Writer and Historian

Damien Daudry

Cogne who would at certain times of the day walk or ride their bicycles to work so that they could be swallowed up by the factory gates that shut behind them, and that would only open up again once their shifts had ended; or follow with the rapt gaze of children his age the coils of blackish smoke that from the tall chimneys would rise up a bit in the sky before the breeze from the Gran San Bernardo folded them up again and pushed them eastward in a great thick shroud to cover the bottom of the valley. And mightn’t these very images have been the ones to stir up in the sensitive soul of an embryonic artist the idea of taking sides with the workers and of fighting for the defense of the environment all around him? Just as Balan’s paintings may for a certain period of time have been inspired by these images, which would reach a peak with an exhibition of his works in the seventies in Rome. After traveling to the city for work he decided to settle there. The Aosta of the fairs and markets intrigued him, as did the Aosta of local traditions, and these themes are repeated, constantly succeeding one other in his works, but always with something new, a revisitation, be they posters or paintings: the Sant’Orso Fair and especially the traditional hand-made wares displayed there; the Charaban, the dialect theater, the carnival, the popular religiousness, the local saints, the bataille des reines, the lives of farmers and shepherds in general. Franco Balan’s fame has by now gone beyond the circle of mountains that surround him. He is in contact with many of the artists of his time, both from Italy and other countries. He is spoken about everywhere; increasingly important exhibitions of his works are organized not just in Italy but abroad as well, and even as far as the land of the Rising Sun, Japan, where he will be present with a display of fans he decorated himself! But much has already been written about this, as well as of his youthful experiences abroad, especially in Poland, and much more will be written. Personally I would like to end my thoughts here with that monumental work that at a certain moment involves him and that he masterfully creates, the Via Crucis as well as his Serigrafia storica dedicated to twelve great figures from Valle d’Aosta who in their own way have portrayed this Valley; two works that for Franco Balan have opened the doors to the prestigious Académie de Saint-Anselme, where he has been appointed full member. The Via Crucis is an unusual subject for the lay Balan, some will say. Yet his artistic soul was not insensitive before the tragedy of Golgotha. Being the true master that he is he has known how to represent the various stations, illustrating the road that leads up to Calvary in a tragic film,

where the condemned man, surrounded by men, women, soldiers, the local riff-raff, horses, does not always have a privileged position, yet the artist’s film camera nonetheless knew just how to dwell upon the diaphanous, wan face. Soon we will be able to admire this work permanently on display in a modern church and meditate before this true masterpiece. It must have been difficult for Balan to choose his historical figures for Serigrafia as there are so many worthy of note who over the centuries have appeared on the scene of our history. Yet this choice seems to be apt and exhaustive, from Bernard, the apostle of the Alps, to one of the greatest Valdostani, Anselmo d’Aosta; from Ibleto to George to Renato, who sum up the greatness and the authority of the Challant family, ever loyal to the House of Savoy; Caterina, as rebellious and warrior-like as she is noble and fair; from “Prince” Lazier or Lascaris, a native of Perloz, to Count De Pléoz, perhaps minor figures, adventurers, but still fascinating and worthy of note; De Tillier, the father of the history of the Valle d’Aosta, who through his writings was the first to trace the history, in the modern sense of the word, of the Petite Patrie; and, for more recent times, the patriot Chamonin and the idealist Cerise, to end with the anti-conformist priest and mountaineer, as well as mountain writer, Aimé Gorret, l’Ours de la montagne. Franco Balan’s interpretation for each figure could not be more relevant: masterly is his choice of colors, more than perfect the pose in which each figure is caught and portrayed. These brief considerations on Franco Balan justify, in my modest way of seeing things, the title that I have given this short text: Balan is truly an artist of Valle d’Aosta, someone who has always known how to translate into his work the many aspects, the most brilliant ones, that characterized and still characterize the valley he was born in.

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FRANCO BALAN, AN ARTIST FROM VALLE D’AOSTA, AN ARTIST OF VALLE D’AOSTA

Many have written about Franco Balan and his greatly appreciated artistic activity: today he is renowned as a painter and graphic artist both in Italy and abroad. What immediately stands out in his works is the chiaroscuro background, somewhere between gray and black, of the rocky crags of our stony land and the walls of our mountains tormented by the wind, the ice and falling water. But the images overlapping them feature bold and multicolored splashes, a real rainbow of colors, carefully set precious gems, artfully placed there to embellish the work. The thousands upon thousands of facets and figures that cover his canvases, filling them to an incredible extent as if they were the glyphs of a discourse to be decoded, yet subdivided and reframed by very clear lines, reveal a homogeneous idea, like the tiles in a mosaic or, better still, the parts of a Gothic stained-glass pane seen up against the light from the inside of the austere nave of a cathedral. All of this, whether we read it in monosyllables or like a short descriptive essay, speaks to us of our valleys, of his valley, in its most genuine aspects, its most authentic and less sophisticated ones. The story focuses on the things of yester-year, on a civilization whose roots are lost in the mists of time, where the flowing of life was marked by the tolling of the bells; and it focuses on the city where our artist was born and in whose heart he lived almost without interruption, a city that preserves in every one of its corners testimonies of events that have marked history. As a young boy Franco lived with his family in Villa Chicco, on a hill east of the city, a wonderful location overlooking the chain of Mount Emilius, officially known as Beau-Regard, and before that, in the Middle Ages, as Pulchra videre, meaning that from there it is possible to see beautiful things. And why should we find it hard to believe that it was right here in this privileged place, whose toponym speaks volumes, that our artist dipped his artistic vein? The environment, in the broadest sense of the term, often indelibly influences a person’s nature, and we know, from people who were actually there, that ever since he was a schoolboy Franco’s favorite pastime was filling sheets of paper with his sketches, drawings, ideogrammes. The beautiful things he saw while looking around he translated into his artistic language so that he could share with others the sensations that these kindled in his soul. And let’s not forget that from his podium our fledgling artist could observe the comings and goings of the farmers, busy with their tiresome labors, or their excursions to the city on the days when fairs and markets were held there; or that he could watch from a distance the workers from

Italo Lupi

Architecte, designer et illustrateur

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FRANCO BALAN

Si les contours de la photographie n’étaient pas aussi nets, si tout n’était parfaitement mis au point, les images que nous connaissons de l’atelier de Balan pourraient être comme les fractals de ses affiches : un désordre par accumulation, où les cailloux du Petit Poucet barbu nous permettent de ne pas nous perdre ; où non seulement l’auteur, mais aussi tous les observateurs, sentent la chaleur de ses couleurs les pénétrer. Si ses premières affiches remontent aux toutes dernières années cinquante, sa féconde production explose (explose, c’est le cas de le dire) au cours des temps forts des années soixante. Mais il me semble que la ligne de démarcation entre l’avant et l’après de son travail est son œuvre réalisée en 1977 : il s’agit de l’affiche pour la « Semaine Gastronomique Valdôtaine ». La capacité d’une réorganisation de la composition, un heureux mariage entre la rationalité de l’art graphique et l’impétuosité vitale et frénétique de son pinceau sont ici évidents. Miró n’est pas oublié, ni Chagall renié, ni l’amour pour Emanuele Luzzati nié, ni n’est égarée la légère couche de pellicules de Savignac délicieusement accumulées sur ses épaules. Mais une connaissance graphique, une façon de disposer les personnages et les lettres en une répétition plus ordonnée, selon des contraintes qui sont les signes marquants de notre modernité passée et néanmoins adorée. Sauf que, contrairement à nous tous, Varsovie coulait déjà dans les veines de Balan. La leçon et l’amour de Tomaszewski l’ont, heureusement pour lui, préservé d’une homologation qui a aplati nombre d’entre nous qui participâmes à l’Arcadie du « Graphic Design ». C’est extraordinaire de maintenir cet imprinting (qui est sentiment et assimilation culturelle, nord gothique et légendes populaires), de le préserver grâce à l’utilisation des lettres découpées dans les couleurs les plus vives, dans l’utilisation, que l’on perçoit très vivace, de ses pinceaux et de ses feutres, de l’avoir contaminé avec des apports nouveaux acquis au fur et à mesure, mais d’être parvenu à une contemporanéité linguistique qui soit si évidente et si forte, si indépendante et sienne. Contradictoirement le signe, de nos jours si contemporain, a une picturalité encore plus libre et violente : les signes peints en noir sur fonds blancs, avec une liberté calibrée, jouent avec des alphabets de caractère, dont les fontes ne sont pas niées par les conjugaisons et les déformations colorées. Dans ses affiches il y a un amour profond pour les vallées et les montagnes, pour les roches qui ne sont pas des ennemies, il y a l’odeur du feu dans la cheminée en hiver, il y a, pour ce qui me concerne, une espèce de souvenir affectueux des récits maquisards de Giorgio Bocca. Certes,

l’amour pour sa terre, pour les architectures imposantes de ses montagnes valdôtaines, l’amour pour les outils en bois, pour l’archéologie et les monuments, l’amour pour la représentation de saints et de chevaux, de dentelles, de chouettes et de forêts, de jeunes coqs et de berceaux, d’oiseaux, de vaches volantes et de vielles huches, de paysannes et de cavaliers, de souvenirs et d’illuminations futures, d’irisations et de solide attachement au « territoire acquis », ne cachent pas un folklore banal. C’est ainsi que les oiseaux deviennent les protagonistes stupéfaits de ses deux chefs-d’œuvre : les quatre représentants des quatre saisons, 1980 et 1985, et l’oiseau solitaire juché sur les meubles et les chaises qui deviennent des écritures (et les écritures qui ont la consistance sinueuse des pierres de Moore). Et à présent tout ceci continue avec de nouvelles inventions, avec des collages, des bricolages et des cartons-boîtes (presque un hommage à certaines œuvres de Paolo Guidotti et de Alan Fletcher), avec ces affiches faites d’objets et de silhouettes noires qui, comme cela est évident, mais qui n’est jamais vraiment évident ici, dansent avec de fortes couleurs primaires. Contemporaines, précisément.

Italo Lupi

and the monuments, for the images of saints and horses, lace-work, owls and woods, roosters and cradles, birds, flying cows and old kitchen cupboards, peasant women and horsemen, memories and future illuminations, iridescences and a solid anchoring to the “territory” don’t conceal the simple folklore. And so birds are the astonished protagonists of his two masterpieces: the four representatives of the four seasons, 1980 and 1985, the lone bird perched on furniture and chairs that become written signs (and ones that have the soft corporeal quality of Henry Moore’s stonework). And today all this presses on with new inventions, collages and handicrafts and boxed cartons (almost a tribute to some of the works by Paolo Guidotti and Alan Fletcher), with these posters made of objects and black silhouettes, which obviously, although nothing is ever obvious here, dance with strong primary colors. Contemporary indeed.

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Architect, designer and illustrator

FRANCO BALAN

If photography didn’t have such clear contours, if everything weren’t so perfectly focused, the images of Balan’s studio that we are familiar with could be like the fractals of his posters: chaos by accumulation, where the pebbles left behind by a bearded Tom Thumb help us to easily find the way out, and where not just the author, but all the viewers, feel immersed in the warmth of his colors. If his first posters date from the very late fifties, his most fertile production explodes (almost literally) with the sixties in full swing. But the artwork that to my mind represents the watershed between the before and the after of his oeuvre is dated 1977: it is the poster he made for the “Semaine Gastronomique Valdôtaine.” Evident here is the artist’s capacity for compositional rearrangement, a happy union between the rationality of the graphics and the lively and whirling impetus of his paintbrush. The artist does not spurn Chagall, he never overlooks Miró, he does not deny his love for Emanuele Luzzati, nor does he shed that tiny sprinkling of dandruff from Savignac exquisitely accumulated on his shoulders. But what appears to be more evident here is a graphic wisdom, the ability to arrange figures and letters in a more orderly repetitiveness, according to patterns that are the marking signs of our beloved Modern from the past. It’s just that Balan, if compared to all of us, had Warsaw in his blood, and the lesson and love for Tomaszewski luckily saved him from the homologation that flattened out so many of us who took part in the Arcadia of “Graphic Design.” Extraordinary: to maintain this imprinting (which is affection and cultural assimilation, Northern Gothic and popular legends), to save it through the use of cut-out letters in the brightest of colors, in the rapid use of paintbrushes and felt-tip markers, to have cross-pollinated all this with other contributions acquired little by little, but to have come to a linguistic contemporaneousness that is so evident and strong, so independent and properly his. On the contrary, the sign, which is so contemporary today, has an even freer and more violent pictorial nature: the black brushstrokes on white backgrounds with calibrated freedom toy with alphabets consisting of characters whose types are not denied by conjugations or colorful and irregular shapes. In his posters there is a strong love for the valleys and the mountains, for rocks that are not enemies, there’s the fragrance of a winter fire, there is, for me, a sort of fond memory of certain partisan tales by Giorgio Bocca. Of course: love for his land, for the strong architecture of his mountains of Valle d’Aosta, love for the wooden tools used to make things, for the archeology

Mario Piazza

Visual Designer, Professeur à l’Université Polytechnique de Milan - Faculté de Dessin Industriel

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EXERCICES SOUSTRACTIFS : VA MOINS FB; GI MOINS FB; G MOINS FB

Si on compte les années que Franco Balan (FB) a dédiées à son travail, on obtient la somme de cinquante ans. Un demi-siècle rempli de milliers d’affiches, petites et grandes (car même les ébauches sont souvent des œuvres complètes !). Un demi-siècle d’une activité bien enracinée dans sa terre natale mais avec la légère et volatile curiosité des esprits des forêts. Au cours de ces cinquante années FB a représenté un cas unique. Il a su formuler et pratiquer, du haut de son microcosme, substantiellement autodidacte, une évolution potentielle de l’art, qui n’est désormais plus utilisée et que nous pouvons définir comme « affichisme ». Au cours de toutes ces années de fervent travail dans son atelier de via Charrey 2 à Aoste, son medium a été et reste encore l’affiche. C’est le domaine dans lequel il agit toujours. Dans cet espace, affiche après affiche, FB a transféré l’inspiration de l’auteur en mélangeant, comme les couleurs sur la palette ou les ingrédients d’une bonne recette, la culture matérielle de la Vallée avec les suggestions des grandes écoles internationales de l’affiche. FB est un précurseur du local-global qui œuvre imperturbablement sous le regard austère des arches de l’Augusta Prætoria Salassorum. Et peu à peu, ayant soigneusement été semée, toute sa valeur s’est épanouie et s’est diffusée dans le monde entier. FB a, alors, été considéré comme un maître. Il a été étudié et publié. Des expositions ont été organisées, des livres et des articles écrits. Des thèses de fin d’études universitaires ont même été rédigées. Après autant de succès et autant de confirmations, nous pourrions peut-être, pour l’occasion, essayer de faire un compte-rendu insolite. Nous pourrions raisonner à l’envers. Et pour éviter de trop nous éloigner de la culture populaire et artisane que FB aime tant, nous pourrions imaginer le monde de FB à l’envers. Un peu comme ce que nous racontaient Giuseppe Cocchiara et Piero Camporesi dans un très beau volume d’il y a quelques années, sur la loi innée du Talion. Que se serait-il passé si l’art graphique de FB n’avait pas existé ? VA (Vallée d’Aoste) - FB Essayons d’imaginer un premier stade dans cette apparente soustraction. Sans les affiches de FB peut-être manquerait-il quelque chose à l’image d’Aoste et de la Vallée d’Aoste, de la ville et de la région. On ne la reconnaîtrait pas car elle serait, d’un bond, passée de l’iconographie de l’affiche touristique conventionnelle, avec ses gracieuses représentations de promenades et de villégiatures de montagne, à la segmentation visuelle de la publicité et du marketing, avec leurs règles sans scrupules qui attachent fort peu d’intérêts à la nature secrète des lieux. Donc une homogénéisation qui nous aurait empêché de connaître

nombre des choses que FB nous a appris à lire par le biasi de ses affiches. Nous ne saurions rien des rêves des joyeux animaux et des bizarres habitants des forêts. Nous aurions oublié les formes d’un artisanat toujours plus caché, avec ses rites et ses fêtes. Non pas formes du souvenir, de greniers poussiéreux, mais présences actives et qui narrent. Et quel aurait été le destin des couleurs brunes et sombres des sévères architectures romaines et des églises et des cloîtres, si ce n’est celui de finir dans un quelconque archive visuel spécialisé, et de celles musicales et voyantes du folklore vital de la montagne ? Sans les affiches de FB une extraordinaire représentation de la Vallée d’Aoste aurait disparu et une corporate image involontaire nous aurait fait défaut. Et, à bien y regarder, on pourrait penser qu’elle n’est pas aussi involontaire et fortuite que ça, mais plutôt conduite avec obstination par FB, sur l’extraordinaire lignée italienne à l’image coordonnée, sans dogmes ni manuels qui s’est peu à peu déployée de Boggeri à Pintori. GI (L’art Graphique Italien) - FB Nous pouvons à ce stade faire une seconde tentative de soustraction. Il est désormais évident que FB a acquis une place précise et consolidée dans le panorama de l’art graphique italien. On peut le lire dans les livres d’histoires de l’art graphique publiés jusqu’à présent. Combien de vide aurions nous dû combler s’il n’avait pas existé ? Que nous manquerait-il ? Toute la saison du graphisme d’utilité publique aurait très certainement perdu un de ses modèles à suivre. Ce n’est pas un hasard si, en 1984, dans la première et unique édition de la Biennale de l’Art Graphique d’Utilité Publique, une importante anthologie fut dédiée aux affiches de FB. Sa ténacité à explorer les motifs visuels de sa terre et le minutieux travail d’entrelacement avec les autres mondes et les autres manières de faire de l’art graphique ont représenté une expérience exceptionnelle de par sa continuité dans le temps et sa constance qualitative. Et cela pourrait déjà suffire. Mais surtout une leçon fondamentale aurait fait défaut, celle qui avec une particularité toute autochtone nous permet de lire sans aucun clivage le passage de la grande tradition dessinée, la réclame des Dudovich, des Seneca et ainsi de suite jusqu’à la publicité des Carboni et des Testa, à celui du tournant du projet et de l’image construite. Les affiches de FB sont des dessins et sont aussi des projets. Elles ne veulent rien perdre de cette heureuse qualité de la figuration, mais ne sont jamais un vulgaire exercice de style ou un cliché rassurant.

G (art Graphique) - FB Nous nous trouvons face à la soustraction la plus audacieuse, si on revient en arrière, celle où notre FB ne doit pas se mesurer avec le chant choral et le théâtre populaire, le paysage et la flore, les fêtes et le carnaval, l’artisanat et la minière, la kermesse rurale et la foire aux bêtes, la gastronomie et le tourisme de sa Vallée. Et encore moins avec l’iconographie pleine d’imagination et d’humeurs visuelles de la culture graphique italienne, mais il doit avoir à faire avec l’art graphique, avec le fait de rendre son unicité et son signe distinctif reconnaissables au plus grand nombre (et au monde). Que serait-il arrivé à l’art graphique mondial sans FB ? Il est certain qu’une empreinte unique au monde, un caractère et une individualité marquée auraient soudain disparus du microcosme des graphistes et des illustrateurs comme par exemple de l’AGI, association qui depuis plus de cinquante ans recueille les meilleurs du monde. FB est désormais un personnage reconnu comme beaucoup d’autres, je pense à Savignac ou à Fukuda, à Troxler ou à Tomaszewski. Et il est reconnu justement pour ses caractéristiques typiques, pour son approche authentique du métier. Le bourdonnement laborieux et quotidien des allées et venues dans les forêts des songes, l’activité parmi les copeaux des artisans, les dentelles des brodeuses et les langues des cultures visuelles du monde auraient fait défaut dans le paradis de l’art graphique. Le graphiste dans le petit monde d’une ville ancienne, dans sa boutique minuscule, occupé à fabriquer des récits et des inventions à offrir au monde, nous aurait terriblement manqué. Dans les pièces en miniature de FB circulent indomptés, depuis longtemps, des signes et des traces, des couleurs et des matériaux, des écritures et des tâches, des lettres et des images devenus familiers et sont, comme il se doit, admirés dans les galeries d’art japonaises comme dans les musées finlandais ou les universités mexicaines. FB est là, toujours avec la même joie de faire de son éternelle jeunesse pleine d’imagination.

Visual Designer, Professor at the Milan Polytechnic - Faculty of Industrial Design

Mario Piazza

VA (Valle d’Aosta) - FB Let’s try to investigate a first stage in this apparent subtraction. Without FB’s posters perhaps the image of Aosta and of Valle d’Aosta, the city and the region, respectively, would be missing something. We wouldn’t be aware of it because it would have leapt from the oleographic iconography of the tourism poster, along with the lightweight theaters of excursions and holidays in the mountains, to the visual segmentation of advertising and marketing, with its unscrupulous rules that pay very little attention to the secret nature of places. Indeed a homogenization that would have made us lose many of the things that we have learned to read in FB’s posters. We would know nothing about the dreams of cheer-

ful animals and bizarre woodland creatures. We would have forgotten the forms of an ever-hidden artisanship, with its rites and feasts. Forms not of memory, of the kind that you can find in a dusty attic, but active and narrative presences. And what would have been the fate of the brown, dark colors of the austere Roman architecture, the churches and the cloisters, if not in some specialistic, visual archive? What about the bold, musical colors of the mountain’s vital folklore? Without FB’s posters an extraordinary image of Valle d’Aosta would have disappeared and we wouldn’t have had an involuntary corporate image. And if we look closely, we might even think that it wasn’t involuntary or random, but doggedly carried out by FB on the riverbed of that extraordinary Italian thread leading to the coordinated image, with neither manuals nor dogmas, that from Boggeri to Pintori has gradually unfolded. IG (Italian Graphics) - FB At this point we can make a second attempt at subtraction. FB unquestionably has earned a specific and consolidated place in the field of Italian graphics. This can be read in all the histories of graphic art published up to now. If he hadn’t existed, how large would the gap to be filled have been? What would we be missing? No doubt the great season of public utility graphics would have lost one of its role models. Unsurprisingly, in the first and only edition of the Biennale della Grafica di Pubblica Utilità held in Cattolica in 1984, a major survey exhibition was dedicated to FB’s posters. The tenacity in examining the visual leitmotifs of his land and his painstaking work of combining this with other worlds and other ways of making graphic art have represented an exceptional experience in terms of continuity in time and qualitative resistance. And this would already be enough. But above all we would have missed out on a key lesson, the one that with a completely autochthonous peculiarity allows us to seamlessly read the moment of transition from the great drawing tradition, to the advertisement produced by figures such as Dudovich and Seneca, continuing on to advertising designed by artists like Carboni and Testa, and finally reaching the turning point in the project and the constructed image. FB’s posters are both design and project. They don’t want to lose anything of that happy quality of figuration, nor are they ever merely an exercise in style or a reassuring cliché. G (Graphics) - FB If we move backwards we find ourselves in the most daring subtraction, the one where FB does

not need to come to terms with singing in a chorus and popular theater, landscape and flora, feasts and the Carnevale, craftsmanship and mining, the village fair and the cattle show, gastronomy and tourism in his Valley. And not even with the iconography brimming with invention and the visual humor of Italy’s graphic culture. Rather he has to come to terms with graphic art, with the idea of making known its uniqueness, its original sign, to the majority (and to the world). What would graphic art in the world be without FB? No doubt in the microcosm of graphic artists and illustrators, for example the AGI, the association that for more than fifty years has been gathering the best in the world, a unique imprint, a character and marked individualism would have disappeared. FB is by now up there with the best of them; I’m referring to Savignac or Fukuda, Troxler or Tomaszewski. And he is famous for his typical idiosyncrasies, for his genuine approach to the trade. In the empyrean of graphic art there wouldn’t have been that industrious buzz day after day of the comings and goings in the woodlands of dreams, of the hustle and bustle amid the wood shavings of craftsmen, the lace of embroiderers and the languages of the visual cultures of the world. We would have been missing the link in the chain of the graphic artist in the small world of an ancient town, hard at work in his tiny studio, fabricating stories and inventions to offer up to the world. Circulating undaunted in FB’s miniature rooms for many years now are signs and traces, colors and materials, words and stains, letters and images that have become familiar and quite rightly admired in Japanese art galleries, as well as in Finnish museums or Mexican universities. FB is there with the same unchanging joy of doing so typical of his imaginative and never-ending youth.

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SUBTRACTIVE EXERCISES: VA MINUS FB; IG MINUS FB; G MINUS FB

One year after the other we have reached the goal of fifty years of work for Franco Balan (FB). Half a century filled with thousands of posters, both large and small (because sometimes even his models are complete works!). Half a century of intense activity deeply rooted in his land, but with the light and lively curiosity of wood sprites. In these past fifty years FB has been quite unique. From his substantially self-taught microcosm he was capable of formulating and practicing a possible evolutionary path in the kind of art, by now abandoned, that we might call poster design. In all these years of feverish work at Via Charrey 2 in Aosta his medium was and still is the poster. This is the field he’s always worked in. Poster after poster, FB has transferred the verve of the author to this space, mixing, just like the colors on a palette or the ingredients of a good recipe, the Valley’s material culture with the ideas of the great international schools of poster art. FB is a forerunner of the local-global (glocal) that moves undaunted under the austere gaze of the arches of the Augusta Praetoria Salassorum. And having carefully sown a little at a time, the value of his work has emerged and spread across the world. So FB has been hailed as a master. He has been analyzed publicly. Exhibitions have been held and books written about him. Even senior theses have dealt with the subject. After so many achievements and acknowledgements, perhaps just this once we could try to provide an unusual balance statement. We could look at things from the opposite angle. And so as not to move too far away from the popular and artisanal culture that FB so greatly loves, we could imagine FB’s world turned upside down. Rather like what Giuseppe Cocchiara and Piero Camporesi talked about in a beautiful book published many years ago on the counterweight law intrinsic to human nature. That is, what would have happened if FB’s graphics had never existed?

Graphiste

Giovanni Lussu

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EXERCICES SOUSTRACTIFS : VA MOINS FB; GI MOINS FB; G MOINS FB

Franco Balan est un talent naturel. Il me rappelle un de mes camarades de classe du secondaire qui bien que ne s’exerçant jamais me battait toujours à la course. L’art de la composition, le choix chromatique et sa capacité de traduire les idées en images sont chez lui un talent enviable, comme est d’ailleurs imprévisible sa technique. L’influence polonaise est évidente mais n’est jamais prédominante. Il est en effet difficile de parvenir à insérer les œuvres de Balan dans un idéal géographique de l’art graphique international. Les échos de l’Europe de l’Est sont perceptibles mais les inventions semblent quelques fois citer le français Savignac, quelques fois certains maîtres scandinaves, d’autres fois aller à reculons et semblent se confronter avec le Kurt Schwitters dada. Toujours cependant avec un trait d’esprit très « méditerranéen » ce qui n’est pas mal du tout pour un natif d’Aoste. Mais Balan ressemble surtout à un compositeur. Les différentes formes découpées et leurs différentes dimensions composent la mélodie, comme leur rapport avec l’espace en donne le rythme ; les combinaisons des accords insolites entre les couleurs et les formes tracent souvent une harmonie schönbergienne et, précisément, les rapports chromatiques nets en caractérisent la tonalité (ou tone-colour à l’anglaise). Et enfin, en observant ses croquis magnifiques, premières idées de la version définitive, il est impossible de ne pas percevoir combien le choix de la technique - la peinture à tempera, les papiers colorés découpés, le pastel qui griffe la superficie - donne une claire indication de la dynamique, de la force expressive qui communique au fur et à mesure, piano, forte, fortissimo. Il s’agit, donc, bien d’une véritable écriture musicale. Une écriture qui défie le langage et la langue. Un défi, celui de Balan, qui fait redécouvrir « tout à fait leur qualité d’image » aux lettres alphabétiques et, en même temps, comme il est juste que ce soit, « redonne aux images leur fonction d’écriture » comme l’a observé Giovanni Lussu avec perspicacité. Cette capacité de dépasser le langage est certainement la raison du succès international que Franco Balan continue d’avoir et c’est aussi la clé qui l’a conduit a être invité à faire partie de l’Alliance Graphique Internationale, le club qui, depuis 1951, réunit les meilleurs interprètes de la communication visuelle internationale. On parvient, cependant, à dépasser les barrières du langage et des langues seulement si on réussit à émouvoir avec sa propre écriture, exactement comme le fait un musicien de talent. Comme autrefois avec mon camarade du secondaire, j’envie cette capacité d’écriture à Franco Balan.

Graphic

Giovanni Lussu

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SUBTRACTIVE EXERCISES: VA MINUS FB; IG MINUS FB; G MINUS FB

Franco Balan is naturally talented. He reminds me of someone I went to middle school with: even though he never trained, he would always beat me at racing. Franco’s compositional skill and talent at combining colors, and his ability to translate ideas into images are as enviable as his technique is unpredictable. The Polish influence on his work is clear to see, but it’s never predominant. Indeed, it’s hard to introduce Balan’s works into an ideal topography of international graphic art. The echoes of Eastern Europe can be felt, but at times his inventions seem to allude to the French Savignac, at others to some of the Scandinavian masters; and then some of his works seem to head backwards, measure themselves with Kurt Schwitters’s Dada. But always with a very personal “Mediterranean” touch that - for someone who was born in Aosta - is not bad at all. But most of all Balan resembles a composer. The different cut-out shapes and their different sizes form the melody, while their spatial relationship marks the rhythm; melodious combinations between colors and shapes often trace a Schoenbergian harmony and well-defined chromatic relationships constitute the tonal character. Lastly, if we observe his wonderful models, the first ideas for the final rendering, we can’t help but notice how the technique he chooses - the tempera brushstroke, bits of colored paper, the pastel scratching the surface - provide a clear indication of the dynamics, the expressive force that he communicates each and every time: piano, forte, fortissimo. Truly a musical composition. A composition that challenges langue and langage. Balan’s challenge gives back to the letters of the alphabet “their full quality as image and, at the same time and rightly so, it gives back to the figures the function of writing,” as Giovanni Lussu so perspicaciously pointed out. This capacity to overcome language is undoubtedly the reason for the international success that Franco Balan continues to enjoy, and the key behind his invitation to the Alliance Graphique Internationale, the sort of “club” that since 1951 has been bringing together the finest interpreters of international visual communication. But only by arousing the emotions with one’s own composing, just like a talented musician, can the barriers between langue and langage be overcome. I envy Franco Balan’s compositional skill just as I envied my schoolmate in middle school.

Critique d’art

Michele Govoni

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FERRARA

La belle et intéressante exposition que Ferrara ProArt proposa jusqu’au 15 juillet 2009 dans les espaces du cloître de Saint Paul s’intitula « Nous pauvres affichistes ». Sur les murs, 52 œuvres sur papier du grand artiste valdôtain Franco Balan. C’est précisément le titre de l’exposition qui frappe en premier lieu : « Nous pauvres affichistes » renferme, en effet, plusieurs sens qui parviennent à représenter un véritable manifeste culturel et spirituel. Affichistes contient le terme « affiche », ce cliché figuratif, c’est-à-dire qui, à partir du dix-neuvième siècle et bien après la moitié du vingtième, a été créé pour lier un message à une marque. Le but était donc, pour ainsi dire, publicitaire. Si au terme affichiste on ajoute « pauvres », le message de l’exposition est encore plus clair : c’est la volonté, de la part de l’artiste, de souligner le rôle secondaire de nombreux artistes voués à la communication. Car, c’est en effet de communication visuelle dont il est question en observant et appréciant les 52 affiches qui racontent l’art de Balan par le biais des images. En jouant avec le signe, la matière chromatique, les images qui semblent s’inspirer au futurisme “mécanique” de Léger ou Depero, Balan met en scène l’innovation d’un langage vaguement dadaïste fait d’assemblages et de propositions renouvelées, piochées dans le plus riche répertoire que l’histoire de l’homme connaît : le folklore. Dans une époque contemporaine telle que la notre, où la méritocratie laisse, jour après jour, le champs libre à des méthodes de sélection bien différentes (aussi bien dans le travail que dans la vie sociale), se retrouver face à des œuvres telles que celles de Balan permet de garder l’espoir et offre la possibilité d’une rédemption en faveur d’un « savoir faire » qui est le riche signe de la positivité. L’exposition organisée par Ferrara ProArt sous le patronage de la Municipalité de Ferrara - Circonscription Centre Citadin - constitue, donc, un moment nouveau, une possibilité de changement même par rapport au système de l’art tout entier.

Art critic

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Michele Govoni

FERRARA

“Noi poveri figurinai” (We Poor Illustrators) was the name of the beautiful and interesting exhibition organized by Ferrara Pro Art and held in the spaces of the Chiostro di San Paolo until July 15, 2009. Displayed on the walls were fifty-two works on paper by the wonderful artist from Aosta Franco Balan. The most striking thing about the exhibition is the title itself: “Noi poveri figurinai” actually embodies many meanings, going so far as to represent a fully fledged cultural and spiritual manifesto. The term “figurinaio” (illustrator) carries within it the word “figurine,” a figurative cliché, that is, which, starting from the end of the nineteenth century and well past the mid-twentieth century, was created so that a message would accompany the brand. In short, the purpose was to advertise. If we add the word “poor” to the term “figurinaio,” then the message conveyed by the exhibition becomes even more clear: there is the desire, on the part of the artist, to emphasize the secondary role of many artists dedicated to communication. Yes indeed, because it is visual communication that we are talking about, as we observe and savor the fiftytwo posters that speak, by way of images, of Balan’s art. By toying with the sign, the color, the images that often seem to hark back to the “mechanical” Futurism of Léger or Depero, Balan stages the innovation of a vaguely Dada language made up of assemblages and revivals fished out from the richer repertory of the history of humankind: folklore. In today’s world, where day by day meritocracy is forced to make room for other methods of selection (both in work and in social life), to find oneself before artworks such as these offers further hope, a chance for a comeback in favor of “know-how” that is replete with positiveness. The event promoted by Ferrara Pro Art under the auspices of the City of Ferrara-Circoscrizione Centro Cittadino thus represents a new phase and also the opportunity for change in the art system as a whole.

Visual Designer

Massimo Dradi

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FRANCO BALAN – HORS DE LA CAGE

Décrire en quelques mots Franco Balan n’est pas chose simple, nombre sont ceux qui ont écrit à propos de ses œuvres. Les amis comme Anty Pansera, Mario Piazza et Maurizio Vitta, notamment, ont organisé des expositions, des interviews et des présentations approfondies. Mario Piazza l’interviewa dans un numéro monographique de « TiConUno », publié en février 1991, en soulignant qu’il n’y avait aucun rapport avec la publicité, l’illustration et la technologie graphique et Balan, le définissant « hors de la cage ». Il en résulte un amusant amarcord sur ses débuts, sur ses premiers pas dans le métier, que lui-même définit « graphiste pour survivre ». C’est pourquoi moi aussi je remonte loin dans mes souvenirs. La première fois que j’ai rencontré Franco Balan c’était à Varsovie au début des années soixante-dix. Nous nous sommes aussitôt liés d’amitié. Ayant passé plusieurs mois dans l’atelier de Henryk Tomaszewski, le plus illustre représentant de l’école polonaise de l’affiche, lui c’était déjà fait un nom en Pologne. Moi je venais d’arriver dans le cadre d’un échange culturel entre l’Académie de Varsovie et l’Institut d’art de Parme. De nombreuses rencontres et prises de contacts suivirent. À rappeler, en 1981 l’intéressante conférence « L’art graphique d’utilité publique » organisée par Balan et l’AIAP, avec la participation de nombreux conférenciers de Milan : Valeriano Piozzi, Franco Origoni, Roberto Pieraccini, Gianfranco Torri et moi-même. Ce fut l’heureux début d’une importante série d’expositions-conférences auxquelles Franco Balan se consacra avec dévouement, initiative et professionnalité pendant de nombreuses années dans la ville de La Salle. Une fantastique série d’expositions, intitulée La Salle Visual Design près la Maison Gerbollier, de graphic designers italiens et étrangers se succédèrent, tous d’une grande valeur professionnelle. Des artistes comme, pour en citer seulement quelques-uns, Aartomaa, Akiyama, Fukuda, Glaser, Grapus, Mlodozeniec, Sato, Topor, Ungerer, Varis, furent exposés pour la première fois en Italie grâce à Franco Balan. Il fête à présent ses cinquante ans d’activité, mais les célébrations on en réalité déjà commencé. Il suffit pour s’en rendre compte de feuilleter sa merveilleuse monographie - Legendario di Franco Balan, cose che devono essere lette - véritable condensé de sa vie, contenant les photographies de son atelier en compagnie de son fils Joël, les reproductions des ébauches préparatoires et un choix intelligent d’affiches. Suivent ensuite les nombreuses photographies d’amis artistes rencontrés et accueillis à Aoste. Le choix de mettre en premier plan la manualité avec la représentation de croquis et d’esquisses préparatoires avant l’exécution finale est tou-

tefois l’aspect le plus intéressant. Ses œuvres parlent. Balan est amoureux de son travail, il est tenace dans sa recherche, et est dynamique dans ses initiatives, il les mène toutes à bien. Il est tenace mais il évolue à la fois avec légèreté et immagintaion. Le grand nombre de œuvres qu’il a réalisé lui a apporté une notoriété de niveau international. Que pourrais-je dire de plus ? Tous mes Vœux Franco.

Visual Designer

with lightness and imagination at the same time. The great amount of work he has carried out has made him famous internationally as well. What more can I say? Congratulations, Franco.

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Massimo Dradi

FRANCO BALAN - OUTSIDE THE CAGE

To describe Franco Balan in just one page is not such a simple thing; indeed, many have written about his work. His friends Anty Pansera, Mario Piazza and Maurizio Vitta, in particular, have curated exhibitions, interviews and in-depth presentations. Mario Piazza interviewed him in a monographic issue of TiConUno, published in February 1991, underscoring the absence of references to the advertising, illustration and computer graphics area, calling him “outside the cage.” It was an amusing walk down memory lane about his beginnings, the first steps in a trade he himself called “graphic-artist-to-survive.” So I too will start from way back. I first met Franco Balan in Warsaw in the early seventies. We immediately became friends. He was already at home in Poland having spent several months in the studio of Henryk Tomaszewski, the most illustrious exponent of the Polish school of poster art. I had arrived for a cultural exchange between the Academy of Warsaw and the Parma Institute of Art. Contacts and meetings followed. Worth recalling is an interesting event held in 1981 called “La grafica di pubblica utilità” [Graphic Art of Public Utility] on the initiative of Balan and the AIAP, with the presence of many speakers from Milan: Valeriano Piozzi, Franco Origoni, Roberto Pieraccini, Gianfranco Torri and myself. It was the happy start of a series of important meetings-exhibitions that Franco Balan with dedication, initiative and skill brought forth in the town of La Salle. Under the title “La Salle Visual Design,” the Maison Gerbollier held a marvelous series of exhibitions by Italian and foreign graphic designers, all of high professional value. Suffice it to recall for the first time in Italy, thanks to Franco Balan, the exhibitions of Aartomaa, Akiyama, Fukuda, Glaser, Grapus, Mlodozeniec, Sato, Topor, Ungerer, Varis, to name just a few of the artists. Now he is celebrating fifty years of activity, but he has already started the celebrations well ahead of time. It is enough to leaf through the delightful monographic text entitled Legendario di Franco Balan, cose che devono essere lette, which sums up his entire life. Photographs of his studio with his son Joël have been reproduced, followed by reproductions of preparatory models with a careful choice of posters, as well as a whole series of photos of artist friends either met or hosted in Aosta. But what’s most interesting is the decision to emphasize the manual aspect of this artist’s work, with a representation of sketches and preparatory models prior to the final execution. His works speak. Balan is in love with his work, he is dogged in his research, and he is also dynamic in his initiatives: he brings them all to fruition. He is tenacious but moves

Critique d’art

Valentina Cefalù

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« PASSION ET IDÉOLOGIE », SIGNÉ FRANCO BALAN

En l’an 2000, les tableaux peints de la Via Crucis (Chemin de Croix) de Franco Balan coloraient les parois de la blanche chapelle du treizième siècle de l’Ermitage de Saint-Grat, en Vallée D’Aoste. Onze ans après, l’impact visuel reste intact : les quatorze stations de la Passion du Christ semblent des losanges de vitraux gothiques. Les figures, ou mieux les sections découpées des corps qui animent la scène, sont composées de panneaux de verre dont le rythme est interrompu et souligné par un épais trait de contour noir, qui n’est autre que son sertissage de plomb. La lumière est fragmentée en gravures froides et chaudes superposées : les bleus, les ors et les rouges sont les tons dominants, comme dans le cas des icônes byzantines. L’artiste en est parfaitement conscient lorsqu’il ceint avec une auréole de feuilles d’or la tête de son Christ à la blanche carnation, une matière déjà devenue esprit. Franco Balan est un peintre qui a la couleur au fond des yeux et de surcroît la connaissance iconographique et technique qui sait fouiller dans les siècles de la tradition. Si sa vaste production d’arts graphiques, grâce à laquelle nous connaissons habituellement cet artiste, démontre de cette richesse, sa peinture, moins connue, restitue les traits d’une vision tout autant composite et polyédrique, intensément jouée sur le fil d’une narration poétique, constituée de « sections » d’espace et de temps. Observer de près les stations de la Via Crucis permet de percevoir la tension mystique et visionnaire du Miserere de Georges Rouault : son Christ outragé sur la croix (Aimez-vous les uns les autres, 1923) est parent de celui de Balan. Mais le maître français exprime la souffrance, toute humaine, d’un Dieu au sein d’espaces vides illuminés par l’intensité claire-obscure de l’eau forte. Balan, lui, insère le drame d’un homme seul parmi d’autres hommes. Tous les individus sont au même niveau, victimes et bourreaux, entassés les uns sur les autres dans un espace strictement bidimensionnel. En cette coexistence spatiale nous voyons les figures sans aucune physionomie ni caractérisation psychologique, partageant de la même manière le drame qui est en train de s’accomplir sous leurs yeux. Leur expression muette est celle d’un masque primitif : les traits profonds qui marquent le visage à hauteur des yeux, de la bouche et du nez sont peu nombreux. Un seul personnage de la scène se distingue : le cheval de la troisième et de la septième station. Lorsque Jésus tombe les deux premières fois au cours du chemin de croix, son œil larmoyant exprime une profonde compassion. Le cheval s’approche tantôt d’un regard tantôt se penchant vers le corps du Christ à la chair, d’un blanc laiteux, lacérée et maculée de sang. Il semble être le seul et unique animal,

à voir et resentir la douleur de la Passion. Au rythme spatial surexcité correspond une fragmentation du temps. Les stations ne sont pas seulement des étapes aux séquences qui se suivent, comme le veut habituellement la représentation du Chemin de Croix, mais se développent à travers d’ultérieurs segments temporels internes. La lance et les bras de la croix qui brisent la structure de la scène marquent, grâce aux diagonales, la vie qui prolifère en découpant le temps en d’ultérieures sous-séquences et ainsi de suite tout au long de la fabula qui se déroule au fur et à mesure jusqu’à la dixième station où le Christ est laissé seul et où la narration s’interrompt. Contre l’horizon d’un ciel indigo absorbant la lumière, seule reste la majestueuse solitude du Christ debout, au centre de la composition, exaltée par la présence des soldats qui l’entourent. Dans les dernières stations, le corps isolé du Christ règle et domine la scène par ses poses et ses mouvements : il est tout d’abord crucifié et cloué tête en bas, préfigurant le sort de Pierre, on l’érige ensuite sur la croix, en position spéculaire par rapport à la première, alors que MarieMadeleine est prostrée à ses pieds, enfin ce sont ses bras spectraux encore en croix, en une pose artificielle et dramatique, qui déterminent la scène de la Déposition tout au long de la diagonale. Dans la dernière station, l’interprétation de Balan diverge de l’iconographie traditionnelle. Le corps du Christ a disparu. Sur la scène de la sépulture un ciel menaçant est éclairci par une vision astrale, un soleil aux tons rosés cerné de nuages concentriques et incandescents, métaphore – sans doute – de la future Résurrection, ou aura d’un quelque esprit, peutêtre saint, ou simplement lointain, là-haut dans un ciel désormais distant de la vie des hommes. La Via Crucis de Balan est riche d’un mysticisme subtil, empreinte de vérité, expression d’un esprit indépendant et radicalement athée. Si l’on confronte les stations de la Via Crucis à un autre chef-d’œuvre pictural, le Cuneo della rivoluzione de 2009, on trouve une clé de lecture parallèle entre les deux œuvres dans la conception par « sections » espace-temps. Les différentes séquences du Chemin de Croix sont ici comprises en une vision unique et simultanée, articulée par des temps fragmentés et recomposés en un seul espace scénique, dans le théâtre de l’histoire d’une idéologie. Pour apporter son tribut à l’histoire de la révolution communiste, Balan a choisi d’orchestrer habilement quelques événements, quelques symboles et personnages en réalisant un savant contraste de jeux d’évocations, de citations, d’écrits et d’équilibres graphiques. La forme du cône est le centre visuel et sym-

bolique de la narration. On retrouve à plusieurs reprises le cône, qui donne son titre au cadre : dans l’écriture centrale éclairée par un flash de peinture blanche, aux extrémités pointues des enclumes, symboles du travail ouvrier, qui se répètent dans la composition, dans les triangles formés par les mouvements du corps de Lenin, dans le défilé des manifestants festoyant avec des drapeaux rouges à l’entrée du navire dans le port et, enfin et surtout, dans le cône rouge qui cite l’œuvre symbole de la Révolution russe, Colpite i bianchi con il cuneo rosso (ndt Frappez les blancs avec le cône rouge) de El Lisickij (19191920). Le constructiviste russe El Lisickij adopte et interprète le vocabulaire abstrait géométrique du Suprématisme de Malevič pour exprimer graphiquement la lutte des « rouges » bolchéviques contre les « blancs » qui s’étaient opposés à la Révolution d’octobre. Cette invention est le manifeste le plus efficace de la révolution soviétique. Balan choisit cette icône pour en faire l’emblème de sa narration épique, en rendant hommage à une des plus importantes créations de l’histoire du design graphique. L’artiste sait que le cône est une forme géométrique qui exprime parfaitement l’effet dynamique de l’image, grâce à son obliquité. Rudolf Arnheim soutient que « l’orientation oblique est probablement le moyen le plus élémentaire et efficace pour obtenir une tension guidée ». Un mouvement frénétique et incessant d’événements, d’images et d’allégories parcourent ainsi la composition même si elle se présente dans un espace plat et bidimensionnel comme celui de la Via Crucis. Balan explique que son cône est « une présence et une manière d’être – d’aiguillon, d’avertissement implacable – au cœur de l’arrogance bourgeoise – renversée par la force de la logique ». La force de la justice sociale est représentée par une forme qui devient une arme et aspire à « briser les certitudes et anéantir les illusions de la classe bourgeoise ». Dans cette vitalité idéologique Balan revit l’enthousiasme d’une histoire qui lui appartient, d’abord dans les années cinquante au cours de sa formation artistique et graphique avec Henryk Tomaszewski à Varsovie, à cette époque capitale de la République Populaire Polonaise, puis dans les années soixante et soixante-dix en Italie. Le Cuneo della rivoluzione est cependant un album de la mémoire individuelle et collective et non un manifeste nostalgique de propagande, qui collectionne les instantanés de l’histoire assimilés aux souvenirs pleins d’enthousiasme de l’artiste. Le tableau se divise en sections qui se fondent les unes avec les autres dans l’incessante frénésie de la révolte. La révolte c’est la

conscience humaine qui se soulève, comme dans le « drame en musique » Intolleranza 1960 de Luigi Nono, où la combinaison dissonante des voix et des instruments amplifie le cri de l’humanité qui se bat contre l’injustice sociale, l’exploitation capitaliste et la violence fasciste et colonialiste. Le spectateur a la sensation d’entendre la force déchirante des voix, de la chorale d’une scène de Intolleranza, qui incitent au mouvement à la lutte. Scandez sur les places la marche de la révolte ! Haut les chaîne de têtes superbes ! Grace à la crue d’un nouveau déluge Nous laverons les villes du monde. Et la révolte se déploie sur la toile, et les mythes de Balan sortent de l’ombre. Tout d’abord la noblesse du travail ouvrier, qui est incarnée par les gestes de deux personnages, masculin et féminin, dans la moitié inférieure du tableau. La femme héroïque est animée par un mouvement impétueux et brandit de sa main droite la faux de paysanne du kolchoz. Elle s’inspire tout à fait à l’iconographie de l’Ouvrier et la Kolcasienne de la sculptrice Vera Mukhina, une des icônes de l’art soviétique et parmi les plus hauts symboles de la glorification du travail socialiste. L’ouvrier de Balan est en revanche assis avec une fierté pudique, tenant de son poing le marteau appuyé sur les genoux. Devant lui une délicieuse poupée matrioška s’est installée sur son enclume, tel un rassurant et simple objet traditionnel de l’artisanat russe, autre aspect cher à la sensibilité esthétique de Balan. Dans l’autre moitié de la composition, la photographie des héros illustre l’histoire du communisme. Le portrait de Lenin se détache nettement au centre du tourbillon visuel : sa silhouette qui s’érige impérieuse, dans la typique pose déséquilibrée, est directement extraite d’un cliché historique, pris au cours du fameux discours à l’armée rouge partant pour le front polonais, le 5 mai 1920 sur la place Sverdlov de Moscou. Au dessus de lui, l’image de l’autre héro de la révolution, le visage d’un jeune Fidel combattant, sur le fond d’un drapeau cubain qui porte la trace du cri de bataille « patria o muerte ». Balan nous dit que dans l’idéal avec eux il y aurait aussi Marx, Mao Tze Dong, le Che, à témoigner de « la pluralité de la pensée unique ». On risque de se perdre dans le répertoire des citations et des images, en essayant de déchiffrer également le récit minutieux qui se déroule dans les « vignettes » aux bords de la composition : nous viennent en aide les dates, l’an 1920, les sigles, CCCP, qui coordonnent les scènes avec les ouvriers, les soldats, les armes, les avions et les drapeaux rouges. Les mythes de la révolution

et du travail ouvrier sont évoqués de loin, par le biais d’une multitude d’histoires synthétisées par les objets qui se répètent en allégories : la faux, le marteau, l’enclume… Et puis il y a, majestueuse, l’enclume centrale sur laquelle est accroché une feuille en papier portant la date du début de la Révolution d’octobre : 1917. Explosion de couleurs, de voix et d’images, le Cuneo della rivoluzione est le summum de la pensée étique de Balan, le résumé de sa conscience d’homme qui revit, comme un rêve, un idéal qui a traversé l’histoire du XXe siècle. La Via Crucis et le Cuneo della rivoluzione stigmatisent deux aspects de l’humanité : la passion de l’homme et la force de son idéologie. Il nous vient naturellement à l’esprit de penser au premier florilège d’essais littéraires de Pier Paolo Pasolini, qui s’appelle justement Passione e ideologia (1960), avec une référence prophétique à l’œuvre successive de l’auteur, dans le cinéma et dans l’activité journalistique. Et puis en une suggestion ultérieure, nous écoutons les paroles censurées de la fin de son court-métrage La ricotta, parodie amère du récit de la Passion de Jésus. « Pauvre Stracci sa seule manière de faire la révolution a été de crever ! », dit le personnage du metteur en scène, interprété par Orson Welles, en constatant la mort tragique du protagoniste. Cette phrase semble n’être autre qu’un avertissement qui vivifie le sens ultime de ces grandes œuvres d’art de la maturité de Balan. Car en elles n’émergent pas seulement l’habilité de l’artiste à se mesurer avec le genre de la Passion du Christ, thème par excellence de la peinture sacrée, ou avec l’épique historico-idéologique, mais sa vision intime de la vie ressort et resplendit, la conscience de faire partie d’une merveilleuse humanité, bien que lacérée dans ses contradictions. Dans la Via Crucis il y a la solitude d’un Dieu qui se fait homme à travers la souffrance de la croix, dans le Cuneo della rivoluzione il y a la gloire de nombreux hommes unis par un juste principe d’égalité, mais destinés à un déclin historique inéluctable. C’est exactement ce qu’est Balan : un vrai artiste qui, en tant que tel, n’a pas seulement besoin du papier coloré de ses affiches pour donner à ses sujets une gaité naturelle et un air pensif. Ici il essaye de le faire avec les mythes et les drames de l’histoire des hommes et de celle des dieux. Et le rêve où il nous conduit nous semble plus vrai et plus vivant.

Art critic

Valentina Cefalù

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“PASSION AND IDEOLOGY,” SIGNED FRANCO BALAN

In 2000, Franco Balan’s painted panels for his Via Crucis carved with color the walls of a white thirteenth-century chapel at the San Grato refuge in Valle d’Aosta. That first impression is still intact even now that eleven years have passed: the fourteen stations of the Passion of Christ resemble the lozenge shapes of Gothic stained glass. The figures, or better still, the cut sections of the bodies that breathe life into the scenes, consist of squares characterized by a fragmented rhythm, underscored by a thick black outline, which is the lead soldering here. The light is broken up by alternating cold and warm intaglios: blues, golds and reds dominate, like in Byzantine icons. And the artist is well aware of this when he uses a gold-leaf halo to encircle the head of his Christ made of white flesh, matter that has already become spirit. Franco Balan is a painter with color in his eyes and the wisdom of iconographies and techniques that hark back to an age-old tradition. While his vast graphic output, which we have become accustomed to for this artist, clearly bears witness to this richness, his painting, which is less known, offers us the features of a vision that is equally composite and multifaceted, intensely played out on the edge of a poetic tale, built up from the “cut-outs” of space and time. Looking at the stations of the cross in this Via Crucis from up close helps us perceive the mystic and visionary tension of Georges Rouault’s Miserere: his Christ on the cross (Aimez-vous les uns les autres, 1923) is a close relative of Balan’s. But the French master expresses the entirely human suffering of a god within empty spaces, lit up by the etching’s strong chiaroscuro. Balan, on the contrary, introduces the drama of a single man amid other men. All of the individuals here, the victims and the executioner, are on the same level, piled up one on top of the other in a strictly two-dimensional space. In this spatial joint-presence we can see each figure, deprived of a physiognomy or a psychological characterization, participate in the drama that is unfolding in the same way. Their mute expression is that of a primitive mask: their face is marked by just a few evident signs around the eyes, mouth, nose. Only one of the figures in the scene stands out: the horse in the third and seventh stations. When Jesus falls the first two times as he bears the cross, the animal’s tearful eye fills with compassion. It moves in close, at times with its gaze, at times bowing toward Christ’s body stained with bloody scratches on his milky white skin. It appears to be the only one, the only animal, to feel and see the sorrow of the Passion. Corresponding to the agitated spatial rhythm is the complementary breaking down of time.

The stations are not just stages that follow a sequence, as is generally the case for depictions of the Via dolorosa, but rather develop through further interior temporal segments. The spears and the arms of the cross that break up the composition of the scene mark with diagonals the teeming of life, they divide time into further subsequences and so on, along the ever-growing flow of the fabula until, upon reaching the tenth station, Christ is left alone and the story is interrupted. Against the backdrop of an indigo blue sky absorbing the light, what remains standing is Christ’s majestic solitude, at the center of the composition, ennobled by a frame of soldiers to his sides. In the last stations Christ’s isolated body regulates and dominates the scene through poses and movements: first he is crucified and nailed head down, foreshadowing Peter’s fate; then he is pulled up on the cross in a position that is the mirror-image of the previous one, while Mary Magdalene lies at his feet; lastly, his spectral arms, still stretched out in an unnatural and dramatic pose, along the diagonal of the scene etch out the Descent from the cross. In the last station Balan’s interpretation departs from the traditional iconography. Christ’s body has disappeared. Looming over the burial scene is a sky that has been cleared by a stellar vision, a pinkish sun surrounded by concentric and incandescent clouds, a metaphor, perhaps, for the mystery of the future Resurrection, or the aura of any spirit, perhaps a saintly one, or simply one that is faraway, up there in the sky by now distant from the lives of men. Balan’s Via Crucis is replete with a subtle mysticism, tinted with truth; it is the expression of an independent and radically atheist spirit. If we observe the stations of the Via Crucis alongside another pictorial masterpiece, Balan’s Cuneo della rivoluzione, 2009, we perceive a parallel key to their interpretation in terms of how the spatial and temporal “cut-outs” are conceived. The distinct sequences of the Stations of the Cross are compressed here in a single simultaneous vision, articulated in a time frame that is broken down and reassembled in a single scenic space, in the theater of the history of an ideology. To create his tribute to the history of the Communist Revolution, Balan chose to aptly orchestrate several events, symbols and figures through a carefully examined contraposition of cross-referencing, citations, written words and graphic equilibria. The visual and symbolic focus of the narrative is the wedge. The wedge that is found in the title of the painting is present several times: in the words at the center of the image lit up by

a flash of white paint, in the sharp tips of the anvils, the symbols of workers’ labor, which are repeated throughout the composition, in the triangles formed by the movements of Lenin’s body, in the shape of the festive procession bearing red flags at the entrance to the ship in the port and, lastly and most important of all, in the red wedge that cites the work that symbolizes the Russian Revolution, Beat the Whites with the Red Wedge by artist El Lissitzky (1919–20). In order to graphically express the struggle of the “red” Bolsheviks against the “white” Bolsheviks who had confronted one another in the October Revolution, Russian Constructivist El Lissitzky adopted and interpreted the abstract geometric vocabulary of Malevich’s Suprematism. This invention is the most efficient poster for the Soviet Revolution. Balan chooses this icon as the emblem of his epic tale, paying tribute to one of the most important inventions of the history of graphic design. The artist is also aware of the fact that the wedge, thanks to its obliqueness, is a geometric form that well expresses the dynamic effect of the image. Rudolf Arnheim wrote that “oblique orientation is probably the most elementary and effective means of obtaining direct tension.” Even when it is presented in a flat and twodimensional space, such as in the Via Crucis, the composition is pervaded by a frenetic and never-ending succession of events, images and allegories. Balan explains that his wedge is “a presence and a way of being–a goad, an implacable warning–in the heart of bourgeois ostentation, overcome by the force of logic.” The force of social justice is represented by a shape that becomes a weapon and aspires to “shaking certainties and overturning the illusions of the bourgeoisie.” Within this ideological vitality, Balan relives the enthusiasm of a history that he feels is his own, first in the fifties during his artistic and graphic training with Henryk Tomaszewski in Warsaw, at the time capital of the People’s Republic of Poland, and later in the sixties and seventies in Italy. What remains is that the Cuneo della rivoluzione is not a nostalgic propaganda poster, but rather an album of individual and group memories which assembles snapshots of history assimilated to recollections brimming with the artist’s enthusiasm. The painting is divided into several sections that are combined the one with the other in the incessant frenzy of revolt. The revolt is the awakening of human conscience, like in Luigi Nono’s “drama in music” Intolleranza 1960, where the dissonant combination of voices and instruments amplifies the cry of humanity that fights against

social injustice, capital exploitation and fascist and imperialist violence. In this simultaneous mise-en-scène Balan would appear to the viewer to hear the heart-rending force of a chorus of voices from a scene from Intolleranza, who encourage movement, struggle: Beat down upon the squares the trampling feet of revolt! High above, a chain of proud heads! With the swelling of a new flood the cities of the world shall be washed.

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The revolt is spread out on the canvas and Balan’s myths are brought out into the open. First of all the nobility of labor, which is embodied by the gestures of the two characters, male and female, in the lower half of the painting. The heroine is animated by an impetuous movement as she wields the sickle of the Kolchoz people in her right hand. She is fully inspired by the iconography of The Worker and the Collective Farm Girl by the sculptress Vera Mukhina, one of the icons of Soviet art and one of the highest symbols of the glorification of Socialist labor. Balan’s worker instead sits with dignified pride as he holds a hammer on his knee. Before him a delightful matryoshka doll has taken the place of his anvil, like a reassuring object of the traditional simplicity of the Russian artisan, another aspect dear to Balan’s aesthetic sentiment. The illustration of the history of Communism is entrusted to the photograph of the heroes in the other half of the composition. Lenin’s portrait rises up at the center of the visual maelstrom: his figure lifts up majestically in the typical off-balance pose taken directly from a historical cliché, shot during the famous Red Army speech–just as the troops were about to set out for the Polish front on May 5, 1920–given in Moscow’s Sverdlov Square. Standing out above him is the image of that other hero of the revolution: the face of a young warrior Fidel, against the background of a Cuban flag that bears upon it the trace of the battle cry “patria o muerte.” Balan tells us that Marx, Mao Zedong, Che would ideally be together with them, to witness “the plurality of one idea.” There is a risk of losing oneself in an endless description of the details when commenting on a work such as this. It is easy to get lost in the repertory of citations and images in the attempt to even decode the minutious tale that takes place in the “vignettes” to the sides of the composition: the date, 1920, the initials, CCCP, which coordinate the scene with workers, soldiers, weapons, airplanes and red flags, come to the viewer’s aid. The myths of the revolution and of factory labor are evoked from afar, in frames

of multiple stories, synthesized by the objects that are repeated in allegories: the sickle, the hammer, the anvil… Particularly majestic is the central anvil on which a piece of paper is stuck bearing the date of the start of the October Revolution: 1917. A burst of color, voices and images, the Cuneo della rivoluzione is the height of Balan’s ethical thinking, the summary of his conscience as a man who relives, as if in a dream, an ideal that crossed twentieth-century history. Balan’s Via Crucis and Cuneo della rivoluzione appear to stigmatize two aspects of humanity: man’s passion and the force of his ideology. It comes naturally to think of the first collection of literary essays by Pier Paolo Pasolini entitled Passione e ideologia (1960), with a prophetic reference to the author’s next work, in cinema and journalism. Then, in a further suggestion, we listen to the censored words at the end of Pasolini’s short movie La ricotta (Curd Cheese) a bitter parody of the story of the Passion of Jesus Christ. “Poor Rags, your only way of holding a revolution was to die!” says the director, played by Orson Welles, in seeing the tragic death of the lead role. In these great works of art from Balan’s “mature” years, this phrase seems to be a warning that vivifies their ultimate meaning. Because what emerges is not just the mastery of an artist in coming to terms with the genre of the Passion of Christ, the theme par excellence of sacred painting, or with the historic-ideological epic, but what happens is that his intimate vision of life, his awareness of being part of a marvelous humanity, although torn by its contradictions, stands out and shines. Via Crucis holds the solitude of a god who becomes man through the suffering of the cross; Cuneo della rivoluzione holds the glory of many men joined by the fair principle of equality, but destined to ineluctable historical decline. Franco Balan is exactly this: a true artist who, as such, does not just need the scissors and colored paper of his posters to infuse in his subjects a natural gaiety and an oblique contemplative gaze. Here he tries to do it with the legends and dramas of the history of men and of those of the gods. And so the dream he leads us toward seems more true and more alive.

Président Aiap

Daniela Piscitelli

CRAYONS QUI MARCHENT. (C’EST-À-DIRE UNE PROMESSE DE RECOMPOSITION)

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« Le temps est un enfant qui joue. » Eraclite “Crayons qui avancent” ceux de Franco Balan. Crayons qui, bien qu’ayant grandi au sein d’un petit territoire, ont su se faire connaître dans le monde entier ; ont su se nourrir d’une culture locale, saveur quasi d’une Italie agricole, pour ensuite sortir de ses frontières et emporter son propre langage expressif, son propre style, sa propre culture, en eux-mêmes mais loin d’eux, ailleurs. C’est dans ce lien très étroit entre culture et lieu, instruments, objets et récits que Balan construit un rapport entre sa pensée et son « faire », symbiose qui a à la base une vision quasi animiste aussi bien des matériaux que des objets de sa conception : les affiches de Balan sont des structures animées, elles se déplacent, elles racontent des histoires, elles sont des expériences tactiles, théâtrales, oserais-je dire synesthésiques, car elles emportent avec elles les odeurs des lieux, leur polyphonie, leur expressivité et leurs langages. Balan a grandi dans une terre de frontières et les années de formation, faites « uniquement d’écoles élémentaires », étaient enrichies par les rites et les mythes de ce monde rural semblables aux mondes d’alors, pour la simplicité des processus de production domestique, pour la pauvreté des consommations et la sobriété des mœurs, pour le côté patriarcal des traditions, pour l’ingénuité des craintes et des exorcismes2. Pour la richesse des récits et des « histoires de bistrots », pour la présence des enfants et de leurs jeux champêtres. Une terre – la Vallée D’Aoste – où Balan est non seulement né mais, surtout, dans laquelle il s’est formé un bagage de visions imprégnées de cette terre, « avec un amour pour elle, pour ses montagnes et pour le parfum du feu en hiver, avec les objets de la tradition valdôtaine – les Saints, les chevaux (la Tata), les chouettes et les jeunes coqs, les couffins, les vaches, les vieilles huches et les outils agricoles – réalisés par les artisans artistes locaux ». Un patrimoine qui renvoie à une profonde culture matérielle, la culture de l’objet, qui dans le design de la communication de Balan devient signe et reste permanent. Franco Balan c’est ça, un artisan du projet dont la valeur réside dans la capacité d’avoir su faire sédimenter et juxtaposer au sein de son propre imaginaire créatif une vie qui défilait non seulement sur une frontière géographique, mais également dans une ligne de démarcation anthropologique et socioculturelle – spectateur des bouleversements de l’époque – et qui, comme nombre d’hommes chanceux de son temps, lui a permis d’expérimenter, au cours de sa vie, la condition humaine de trois époques. Ernst Haeckel dirait en quelque sorte que son onto-

génèse a pu reparcourir la phylogénèse de toute l’histoire de l’évolution du genre humain: « Le cinéma muet, les musiques et les chansons des années cinquante, mes seules écoles élémentaires, l’hebdomadaire à bandes dessinées pour les gamins, le « Corriere dei Piccoli », le héro « Tex Willer », Walt Disney, Salgari et ses aventures : tous indissociables pour moi et ma croissance »3. C’est ainsi que Balan se décrit, en reparcourant les années de sa « formation », construite au cours de cette Italie de l’après-guerre qui marquait le passage de la ruralité vers la modernité, cette dernière dans laquelle il a sauté à pieds joints en une pirouette inconsciente, pour arriver aujourd’hui sans avoir jamais été atteint par les rebuts de la culture fonctionnaliste, « avec l’aire du fax, de l’ordinateur, de l’imprimante offset, de la photographie et de la numérisation » dans une époque de la post/post modernité avec la même envie de « raconter des histoires de vies avec les instruments de la communication » toutefois intrigué et intéressé « à établir un rapport avec la technologie » bien que davantage « lié aux collages et au bricolage de papier, de cartons et cartons-boîtes ». Et voilà l’essence de Franco Balan, avec sa capacité de travailler sur le local pour se diriger vers le global. La capacité de mélanger sa nature agricole avec une perspective européenne, avec ses façons de faire silencieuses et un peu brusques qui l’éloignent des influences proches de la Suisse ou de la France, pour le rapprocher plutôt à la tradition italienne de la recherche appliquée mais aussi à la tradition du XXe siècle des ballets mécaniques futuristes, Depero et Léger, les influences de Vedova, pour ensuite aboutir à notre Luzzati national et à son monde théâtral. Le tout mixé avec une profonde attention aux thèmes sociaux et d’utilité publique, qui s’ils l’ont d’une part conduit au travail de Steiner ou de Dolcini, lui ont de l’autre permis de saisir les influences provenant de l’est de Jan Lenica et Henryk Tomaszewski, sédimentées au cours de ses années d’études à l’Académie des Beaux Arts de Varsovie, lui permettant d’aboutir à une synthèse personnelle qui est avant tout culturelle et ensuite, seulement, graphique, tellement forte qu’elle lui permet de se construire une solide identité et, encore plus, de restituer « une véritable iconographie »4 à la tradition valdôtaine. « Je savais déjà dessiner lorsque je portais des « caleçons courts » – raconte Balan – et il y a une cinquantaine d’années de cela, au début de mon activité, au cours d’une saison d’art graphique à peine ébauchée pour l’Italie, plein de doutes, ces symboles aux tons lumineux qui ont peuplé mon enfance me revenant à la mémoire, je pensais en tirer des choses, c’est ainsi que j’ai commencé à interpeller mes amis Armando

Testa, Lica Steiner, Massimo Dolcini, Massimo Dradi, afin de comprendre avec eux si j’avais fait le bon choix ». Aujourd’hui on se demande, en regardant la production de près d’un demi-siècle de travail infatigable et silencieux, quelle est l’alchimie qui lui a permis d’être aussi prolifique. La capacité d’en tirer « des choses ». Car ce sont là les projets de Franco Balan : des « choses ». Construites en mélangeant le savoir de l’artisan aux savoirs de l’humaniste, pour chaque œuvre, déjà à partir des premières esquisses, les « timbres »5 comme il aime les appeler, qui sont déjà des affiches terminées et closes en soi. Complètes de tous les points de vue et qui ensuite, projetées sur le grand mur de son atelier, deviennent la base pour les réalisations finales dans lesquelles se brise l’opposition, stérile et conventionnelle, entre écriture et image et c’est la superficie toute entière de l’affiche qui en constitue le texte, modulé et articulé en un unique ensemble de signes, à chaque fois plus codifiés ou plus expressifs »6. « Choses », donc, objets matériels qui, en nous restituant dans leur être synthèses de pensée ou image, une « promesse de recomposition »7, vont bien au-delà de leur propre fixité bidimensionnelle pour s’assimiler aux formes de l’habiter.

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Le titre cite, dans l’ordre, « Crayons qui marchent », Laboratoire pour une idée, Huit Orobolli, Aoste, Comité des Traditions Valdôtaines, 1977; « Une promesse de recomposition » c’est la glose finale écrite par G. Lussu, « Balan o della speranza », dans Universo Balan, catalogue de l’exposition qui a eut lieu à Aoste, du 15 juin au 15 septembre 2001. D. De Masi, La fantasia e la concretezza. Creatività individuale e di gruppo, Rizzoli, Milan 2003, p. 10. D. De Masi, La fantasia e la concretezza… cit., p. 9. M. Piazza, Franco Balan. 200 originals, Association Archive Historique Olivetti, Ivrea 2004, p. 12. D’une conférence tenue par Balan au IED de Rome dans les années 1988-1989, année où je suivais des cours d’art graphique universitaire. Balan narrait du proces sus qu’il avait souvent utilisé lorsqu’il devait projeter des manifestes. Au cours de cette conférence il racontait également de l’importance de la présence de gamins dans son atelier et de comment, souvent, les ébauches, les griffonnages de ses enfants devenaient ensuite matériel pour ses propres affiches. G. Lussu, Balan o della speranza… cit., p. 6. Ibidem.

“Eternity is like a child playing.” Heraclitus

President Aiap

Daniela Piscitelli

capacity to garner “some things.” Because such are Franco Balan’s projects: “things.” Crafted by combining the skill of handicrafts and the know-how of the humanist for each work right from the first sketches, the “postage stamps” as he likes to refer to them,5 which are already posters finished and closed within themselves. Complete in all of their parts and that then, when projected onto the large wall of his home, become the groundwork for the final creations in which “the conventional and sterile opposition between writing and image is broken up so that the entire surface of the poster makes up the text, modulated and articulated in a single ensemble of signs, time after time more codified or more expressive.”6 “Things,” thus, material objects that, by giving back to us synthesis of thinking and images in their essence, a “promise of recomposition,”7 go well beyond their own two-dimensional fixedness to instead assimilate the forms of living.

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WALKING PENCILS: (OR, THE PROMISE OF A RECOMPOSITION)

“Walking pencils” is how we might describe the ones used by Franco Balan. Pencils that grew up in a small territory and later made themselves known in the world. That had the capacity to draw nourishment from a local culture, almost the flavors of an agricultural Italy, to then override their boundaries and bear their own expressive language, their own style, their own culture within themselves but far from themselves, elsewhere. It is in this very close tie between culture and place, instruments, objects and stories that Balan builds a relationship between his thinking and his “doing,” a symbiosis that has at its foundations an almost animist vision both of the materials and the artifacts of his designs: Balan’s posters are animated structures, they move, tell stories, they are tactile, theatrical, I would dare say they are synthetic experiences, because they carry within the fragrances of the place, its polyphony, its expressiveness and its languages. Balan grew up in a borderland, and the years of his education, made up “just of elementary school” were enriched with the rites and the legends of that peasant world likened to the worlds back then by the simplicity of the domestic productive process, the poverty of consumption and the sobriety of customs, by the patriarchal nature of tradition, and the ingenuity of fear and exorcism.2 By the richness of tales and the “stories told in coffee shops,” the presence of children and their rustic toys. A land–Valle d’Aosta–where Balan was born and bred, but above all a land where he developed a whole set of ideas which that land is actually filled with, “along with a love for that same land, for its mountains, and for the scent of wood burning in winter, together with the objects of Valdostana tradition–Saints, horses (Tata), owls and roosters, cradles, cows, old kitchen cupboards and farming tools–made by the local craftsmen.” A heritage that refers to a profound material culture, the culture of the object, which in the design of Balan’s communication is transformed into sign and lingers there. This is Franco Balan, an artisan of design whose value lies in the capacity to know how to distill and overlap inside his own creative imaginary a life that flowed not just along a geographical boundary, but also inside an anthropological and sociocultural line of demarcation–a spectator to epoch-making changes–and that, akin to many fortunate men of his time, allowed him to experiment over the course of a lifetime with the human condition of three ages. Ernst Haeckel would say that in some way his ontogenesis was able to retrace the phylogenesis of the whole

of humankind’s evolutionary history: “silent films, fifties music and songs, my elementary schooling and that alone, the children’s weekly Il Corriere dei Piccoli, the all-conquering Tex Willer, Walt Disney, Salgari and his adventures: none of that can be separated either from me or my childhood.”3 This is how Balan describes himself, going back over the years when he was growing up, in postwar Italy, when the country’s rural nature ventured toward the Modern, the latter being skipped over with an unconscious pirouette, ending up once more unaffected by the debris of functionalist culture, “with the era of the fax, the computer, offset printing, photography and digitalization” in the era of post/postmodernism with that same yearning to “tell stories about life with the tools of communication,” nonetheless inquisitive and interested in “establishing a relationship with technology,” albeit more and more “bound to collages and working with paper, cartons and boxes.” This is Franco Balan, with his talent for working locally and moving globally. The capacity to mix his agricultural nature with a European perspective, through a taciturn, rough way of doing things that takes him far from the influences close to Swiss and France, so that he instead meets up with the Italian tradition of applied research, but also the twentieth-century tradition of Futurist mechanical ballets, Depero and Léger, the influence of Vedova, to then reach our native Luzzati and his theatrical world. All combined with great attention to social themes and issues of public utility, which on the one hand have led him to his work on Steiner and Dolcini, but on the other, have allowed him to embrace the Eastern influences of Jan Lenica and Henryk Tomaszewski, sedimented in his years of study at the Academy of Fine Arts in Warsaw. This has enabled him to achieve a personal synthesis which is, first of all, cultural and only subsequently graphic, to such a degree that he is capable of building up his own strong identity and, even more so, giving back to Valdostana tradition “a fully fledged iconography.”4 “I could draw even when I was still in short trousers,” Balan says, “and about fifty years ago, at the start of my activity, in a graphic season that had just begun in Italy, in the midst of a million doubts, in the recollection of those symbols with luminous shades that filled my childhood, I thought of making something out of them, and that’s when I turned to my friends Armando Testa, Lica Steiner, Massimo Dolcini, Massimo Dradi, to understand together with them if my choice was the right one.” Today, if we observe the output of about half a century of indefatigable and silent work, we ask ourselves just which alchemy allowed him to be so prolific. The

1 The Italian title “Matite che camminano. (Ovvero una promessa di ricomposizione)” cites, in this order: “Matite che camminano,” Laboratorio per un’idea, Otto Orobolli, Aosta, Comité des Traditions Valdôtaines, 1977; “Una promessa di ricomposizione” are G. Lussu’s last words in “Balan o della speranza,” in Universo Balan, catalogue for the exhibition held in Aosta from June 15 to September 15, 2001. 2 D. De Masi, La fantasia e la concretezza. Creatività individuale e di gruppo (Milan: Rizzoli, 2003), 10. 3 D. De Masi, La fantasia e la concretezza. Creatività individuale e di gruppo, op. cit., 9. 4 M. Piazza, Franco Balan. 200 Originals (Ivrea: Associazione Archivio Storico, 2004), 12. 5 From a conference held by Balan at the IED in Rome in 1988–89, the years when I was a student in a four-year graphic art course. Balan spoke about the process he often used to plan his posters. During the conference he also told us about the importance of the presence of children in his studio and about how very often the sketches and doodles of his own children became materials for his posters. 6 G. Lussu, “Balan o della speranza,” op. cit., 6. 7 Ibid.

Forbici sforbiciano Frettolosamente. Ritagliano Rotoli e Risme Accostando Abilmente Neodadaiste Nere e

Su/A Franco Balan

Colorate Collate Carte Oppure Bianche, Aggiungendo Ad Arte

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Lettere Litografate e Anagrammate, Assemblando Affiche:

Leonardo Sonnoli

Presidente AGI ITalia - Président AGI Italie - President AGI Italy

Nuovo, New, Nouveaurealisme Naif.

Gianni Torrione

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Scrittore, giornalista, poeta - Ecrivain, journaliste, poète - Writer, journalist, poet

BALAN - ALL’AMICO PITTORE

Journaliste culturel, chercheur et organisateur d’événements culturels, il collabore avec l’insertion du dimanche du quotidien “Il Sole 24 Ore”.

Riccardo Piaggio

BALAN, HOMO FABER

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« Je ne crois pas à la culture ce que je crois c’est aux rencontres » Gilles Deleuze Chaque matin, Franco Balan parcourt les quelques centaines de mètres qui séparent son atelier, dans le centre d’Aoste, de « son » atelier, une boutique d’antan imprégnée de l’odeur du bois et de la peinture. C’est ici que, depuis près de cinquante ans, ses idées prennent forme. Il parcourt rue San Giocondo, une des rares ruelles historiques sans une seule boutique, « la plus belle d’Aoste » bordées de maisons patriciennes délabrées construites sur les ruines romaines de la ville, de là il atteint la cathédrale construite en l’an mille et la Croix de Calvino, au retour, et seulement au printemps, il prend le temps, dans la rue portant le même nom, d’observer les arcades de la place principale Emile Chanoux, au cours des quelques journées où « entre la fin du mois d’avril et le mois de mai, le soleil d’Aoste atteint le point où il rase les montagnes, lorsqu’il passe au dessus de la Becca di Nona, et crée des ombres magiques sur les arcades de la Mairie. La place Chanoux devient alors une peinture de de Chirico ». En un mot, à l’âge de soixante-quatorze ans, Franco Balan sait encore transformer une banale commission du matin en une expérience. C’est l’un des rares citadins de la contemporanéité qui ne garde pas les yeux baissés vers le trottoir lorsqu’il traverse une rue tous les jours, mais il saisit du regard (et avec la main déjà prête à composer une affiche) les objets, les visages et les panoramas qui l’entourent. C’est sa démarche à lui. Inutile de lui parler d’art, d’arts graphiques, de communication. Son univers poétique et esthétique est imperméable aux mots. Lui, affichiste, graphiste, communicateur, il parle avec les mains, les yeux, les gestes. C’est sa maladie professionnelle. Comme un alchimiste, si seulement tu lui donnes un mot il le traduit immédiatement en un monogramme. Ses idées ne passent pas par les oreilles mais par les yeux. C’est la raison pour laquelle cet artisan des formes et des couleurs n’est jamais devenu un professionnel de la communication. Même lorsqu’il a dessiné le logo d’un hypermarché local ou le manifeste ad memoriam du vieux PCI (Parti Communiste Italien), en se mettant donc au service du marché et de la propagande, ses œuvres sont restées phonétiquement muettes, mais pleinement – et de façon autonome – visuelles. Tableaux et portraits non contingents, que ce parcours d’exposition monographique, et ce n’est pas un hasard, restitue dans toute leur nudité, sans aucun lettering. Le monde de Balan me fait penser à l’histoire de la « Cura », déesse de la mythologie qui modèle

l’homme (humus) avec ses mains et en possède l’essence jusqu’à la fin de sa vie. Franco Balan travaille avec les mains et avec la matière, grâce à elles il crée les formes, les couleurs, leur donne un sens. Parfois même en utilisant la matière avec des significations et des vies antérieures. Et c’est la « Cura » qui insuffle la vie à ses personnages, à ses histoires visuelles. En l’imaginant tel une « Cura » nous comprenons plus facilement que l’activité de Balan n’a jamais été un métier mais plutôt une condition. Celle de l’homo faber qui réunit les traces qu’il trouve ici et là et insuffle la vie, sans savoir vraiment comment, à de nouveaux petits mondes, le sien compris. Tout le monde connaît Franco Balan à Aoste, mais lui passe tel une ombre chinoise dans sa patrie. Ses affiches, ses tableaux, ses idées s’échappent ailleurs. Il y fréquente très peu d’artisans du bois valdôtains, dont Claudio Pasquettaz, « mon préféré », qui recherche une synthèse entre l’ethnographie locale et les dessins de Jacovitti. Il passe et revient se réfugier dans son nouvel atelier, récemment transformé en une petite et accueillante galerie d’arts graphiques ouverte au public et qu’il partage avec son fils Joël. Celui où il a vécu pendant presque cinquante ans, non loin de l’actuel, était un vieux garage rempli de bois et de papier, travesti en un authentique cabinet aux merveilles, un garage qui ressemblait aux célèbres ateliers dadaïstes de Paris et, en même temps, une boutique de jeux d’antan. Une photographie vivante de la façon dont vivaient les artistes de mouvements qui l’on précédé et inspiré, des dadaïstes aux naïfs, à l’école polonaise de l’affiche. Franco Balan n’a pas changé, son art nécessaire est toujours fidèle à ses gestes créatifs, désormais pavloviens. Les arts visuels du siècle nouveau ne le concernent pas, c’est tout juste s’il sait allumer un ordinateur. Il a besoin de toucher quelque chose de vivant et réel. Le papier, les crayons, les taille-crayons et les huiles. Comme quand il a commencé. Et c’est justement pour cela que les empreintes qu’il a laissées, recueillies dans un livre encore ouvert, appartiennent à un monde mystérieux et qui n’a jamais existé, fait des rêves et des visions d’un communicateur sans paroles.

“I don’t believe in culture, I believe in encounters.” Gilles Deleuze

Riccardo Piaggio

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Cultural journalist, researcher and curator of cultural events, he is a contributor to the Sunday supplement to Il Sole 24 Ore.

BALAN, HOMO FABER

Every morning, Franco Balan travels one hundred meters or so between his studio in the heart of Aosta and “his” framer’s, an old-style shop permeated by the smell of wood and paint. This is where, for the past fifty years, he has been dressing up his ideas. He walks down Via San Giocondo, “the most beautiful street in Aosta,” one of the few historic streets without any shops on it, flanked by crumbling patrician homes built upon the city’s Roman walls, and from there he reaches the cathedral erected in the year 1000 and the Croce di Calvino on the street of the same name. On his way back, but only in the spring, he stops to look at the porticos of the very centrally located Piazza Chanoux, in that handful of days when “between April and May, while riding across the Becca di Nona at a point where it just grazes the mountains, the Aosta sun creates magic shadows under the Town Hall portico. And turns Piazza Chanoux into one of de Chirico’s paintings.” In short, at the age of seventy-four, Franco Balan transforms a simple morning chore into an experience. He is one of the few citizens of the contemporary world who, while crossing the same street day after day, doesn’t just look down at the sidewalk, but uses his eyes (and his hands, as they get ready to make one of his posters) to entice away objects, faces and surrounding landscapes. This is Franco’s démarche. There’s no point in talking to him about art, graphics, communication. His poetic and aesthetic universe is impermeable to words. This man, a poster designer, graphic artist, communicator, speaks with his hands, his eyes, his gestures. This is his déformation professionnelle. Akin to an alchemist, all you have to do is give him a word and he’ll immediately translate it into a monogram. His ideas don’t pass through the ears, but through the eyes. This explains why this artisan of shapes and colors never became a professional communicator. Even when he designed the logo for a local superstore or the ad memoriam poster for what was once the Italian Communist Party, thus placing himself at the service of the market and propaganda, his works have always remained phonetically mute, but fully, and independently, visual. Non-contingent paintings and portraits, that this monographic exhibition deliberately hands back to us in all their bareness with no lettering. When I imagine Balan’s world I think of the tale of Cura, the goddess from mythology who made man (humus) with her own hands and possessed his essence for as long as he was alive. Franco

Balan works with his hands and with material; with these he crafts shapes, colors, meanings. At times he uses material with previous meanings and lives. This is the “healing” he bestows upon his figures, his visual tales. If we think of him as a “healer,” we easily understand how Balan’s work is not, and has never been, a trade, but rather a condition. A homo faber who pieces together the traces he finds everywhere and gives life, without knowing how he does it, to small new worlds. Including his own. In Aosta everyone knows who Franco Balan is, yet he passes through his land like shadow play. His posters, his paintings, his ideas fly elsewhere. Here, the only artisans he spends time with are the Valdostani wood workers, including Claudio Pasquettaz, “my favorite,” who seeks a synthesis between local ethnography and Jacovitti’s drawings. He walks by and once again takes refuge in his new studio, which he shares with his son Joël, recently transformed into a small, receptive open gallery of graphic art. The one where he lived for almost fifty years, just a few feet away from this one, was an old garage filled with wood and paper, disguised as an authentic cabinet of curiosities, a workshop that reminds one of the famous Dada studios in Paris, and, at the same time, a toy shop from the past. A living image of how the artists in the movements that preceded and inspired him must have worked, from the Dada artists to the naïve artists to the Polish School of Posters. Franco Balan has never changed, his indispensable art remains faithful to his creative gestures, by now Pavlovian. He is outside the visual arts of this new century, he hardly even knows from which side to turn on a computer. He needs to touch things that are alive and real. Paper, pencils, temperas and oils. Just like when he started. And it is precisely for this reason that the traces he has left, collected in a still open book, belong to a mysterious world that never existed, made of dreams and the visions of a wordless communicator.

Chef du Service des expositions

Daria Jorioz

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IMAGES, MÉMOIRE, PRESENT

Dans les dernières pages du volume Universo Balan, publié en 2001, une sorte de vocabulaire artistique renferme quelques-unes des réflexions de Franco Balan qui nous introduisent à sa façon de « faire de l’art ». Au chapitre “Percorso creativo” on peut lire : « C’est toujours très timidement que j’aborde mes projets, comme si j’appréhendais le monde des artistes pour la première fois. » C’est dans cet état d’esprit que je m’apprête à écrire ces quelques lignes, humble contribution pour laquelle Franco et Joël Balan m’ont invité a participer avec enthousiasme, comme on inviterait un ami à une fête. C’est un livre que j’ai vu naître et grandir, où l’apparente accumulation initiale d’images s’est magiquement transformée en un parcours créatif d’un équilibre cristallin, dirigé par l’extraordinaire deus ex machina qu’est Franco, un parcours que Joël a su parfaitement concrétiser. Feuilleter les esquisses de ce volume me conduit dans un magnifique univers d’images aux couleurs lumineuses et peuplé de personnages de conte de fées, de la princesse qui montre son regard hagard du haut d’une tour, au Bateleur de la splendide série des tarots. C’est là une publication qui reparcourt une vie toute entière, dans laquelle je reconnais les images liées à mon enfance ou à des épisodes personnels qui, de toute évidence, n’ont de sens que pour moi. Ceci me fait penser à combien est vif, direct, instinctif, efficace, authentique, le trait graphique de Franco Balan, il me permet de percevoir le naturel extrême avec lequel il entre dans notre culture visuelle, son trait incomparable, qui lui valut une place de renom, non seulement italienne, dans le panorama des arts graphiques. Balan est un artiste polyédrique et volcanique, qui ne perd jamais la dimension ludique du geste créatif et c’est pour moi un grand privilège d’avoir contribué à la réalisation de ce projet expositif, qui restitue au public “Le demi-siècle de Franco Balan”.

Head of Exibitions Services

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Daria Jorioz

PICTURES, MEMORY, PRESENT

In the last few pages of the book called Universo Balan, published in 2001, a sort of artistic glossary contains some of the thoughts of Franco Balan himself, who introduces us to his way of “doing art.” This is what it says for “Percorso creativo” (Creative pathway): “I always tiptoe into my projects, as if I were approaching the artists’ world for the first time.” And this is exactly how I feel as I write this short contribution, encouraged by Franco and Joël Balan, who with true enthusiasm have invited me to be a part of the pages of this book, the way you’d invite a friend to a celebration. I witnessed the birth and development of this book, where the initial apparent pile of images has magically been transformed into a creative pathway of crystal-clear equilibrium, directed by the extraordinary deus ex machina that Franco is, along a road to which Joël has given pristine concreteness. To leaf through the proofs of this book leads you into a fantastic world, painted with brilliant colors and populated with fairy-tale characters, from the dazed princess who peeps out from the peak of a tower, to the Bateleur of the artist’s splendid series of tarot cards. This publication traces an entire lifetime, where I recognize images linked to my own childhood or to personal episodes that evidently only have meaning for me. This makes me realize just how alive, direct, instinctive, effective and authentic Franco Balan’s graphic sign is; it helps me to understand the extreme naturalness with which it enters our visual culture, his style’s recognizability, which has earned him an important place on the graphic arts scene both here in Italy and abroad. Balan is a multifaceted and energetic artist, who never loses the playful dimension of the creative gesture, and it is a privilege for me to have been able to contribute to the realization of this exhibition, which gives back to the public “Half a Century of Franco Balan.”

Amis, Architecte et designer

Rino Girotto

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D’UN DEMI-SIÈCLE …. UN BALAN COMPLET

Franco est resté le jeune homme de toujours, celui de l’époque où nous portions des culottes courtes. Du bout de sa moitié de banc d’école, où nous nous asseyions au cours élémentaire dans l’ex « Place Balilla » de Aoste, Franco, dessinait de mémoire, avec son crayon gris sur un cahier à petits carreaux, en papier autarcique, les « bandes dessinées » avec des personnages à la Pecos Bill, les indiens, les revolvers, les chevaux et les diligences ; seuls quelques-uns de nos camarades possédaient des illustrés mais ils ne les emmenaient jamais à l’école. Lui, il offrait ses bandes dessinées. Il a passé des heures entières au téléphone pour me communiquer, avec une grande simplicité, des idées et des initiatives auxquelles participent, depuis un demi-siècle, des amis, graphistes, designers, artistes, critiques et chercheurs, spécialistes et non-spécialistes du secteur ; il est toujours disponible avec les jeunes qui veulent dialoguer et se confronter en lui montrant leurs œuvres pour un conseil, un avis, un encouragement, pour les aider à apprendre le métier. Aujourd’hui encore, une feuille de papier blanc sur la table de l’atelier, il interroge, il propose, il écoute et esquisse avec le crayon et puis il pioche dans une boîte toutes sortes de feuilles en papier qu’il coupe avec les ciseaux d’un geste précis et découpe et compose et retouche le tome… graphique, avec un trait au style très personnel, comme un faiseur… d’almanach. Un chef d’orchestre aux couleurs « organisées » avec un trait qui conserve, en marge, la création du sujet selon un schéma rigoureux et pointilleux mais dans l’expression d’une idée. Des dessins poétiques au langage euristique, des recherches pour trouver grâce à une « métrique barbare » toute personnelle, accentuant les archétypes communs de l’inconscient collectif qui relient les expériences ancestrales et récentes. Une façon incisive de raconter les événements d’une réalité sociale et culturelle, non seulement dans notre Vallée, avec un dénominateur commun entre l’art et la technique graphique. Infatigable il travaille sans se soucier du temps qui passe, il répond au téléphone, il entretient qui passe le voir et il continue de travailler, chaque jour, pendant les douze mois de l’année, depuis un demi-siècle. En un demi siècle Franco m’a fait participer, avec beaucoup d’autres artistes, sans jamais relâcher la prise solide du lien d’amitié, à des expositions, à des congrès et à des conférences… directement ou indirectement, en saluant avec des cartes postales provenant d’Italie, d’Europe, du monde entier… où il a laissé son empreinte.

Friend, Architect and designer

Rino Girotto

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HALF A CENTURY…A WHOLE BALAN

Franco has kept on being the boy he has always been, ever since we were wearing short trousers. In the other half of the school desk, where we sat at the elementary school located in what was once “Piazza Balilla” in Aosta, Franco, would diligently–on a notebook filled with self-styled graph paper–use his pencil to draw comic strips from memory, figures resembling Pecos Bill, Native Americans, revolvers, horses and stagecoaches; only a few classmates had comics and they wouldn’t bring them to class, but Franco would give his comics away. Half of his telephone bill to tell me, with great simplicity, about ideas and initiatives that for half a century have involved friends, graphic artists, designers, artists, critics and scholars, people in the field and outsiders; always there for young people who want to talk to him, see how they measure up by showing him their work and getting his advice, some encouragement, to help them grow in this trade. Even today, with a sheet of white paper on his studio table, he questions, suggests, listens and sketches with his pencil and then fishes from a box of sheets all sorts of paper that he skilfully uses his scissors to cut and then cut again to assemble and touch up the graphic… tome in his inimitable style, like a faiseur… d’almanach. An orchestrator of colors “arranged” with a sign that preserves, in the margin, the creation of the subject according to a rigorous and punctilious pattern, but in the expression of a concept. Poetic drawings in a heuristic language, research for the purpose of finding with his very own “barbarous meter” the accentual of the common archetypes in the collective unconscious, reconnecting ancestral as well as recent experiences. An incisive way of narrating the events of a social and cultural reality that is not just that of our Valley, with a common denominator poised between art and graphics. He works untiringly without time, answers the phone, entertains anyone who passes by to see him and continues working, every day, for twelve months of the year, for half a century. In half a century, Franco has involved me like many others, without loosening the thread of an open friendship, at exhibitions, meetings and lectures … directly or on the sidelines, saying hello with postcards from half of Italy, from half of Europe, from half of the world … where he has left his mark.

Journaliste

Walter Barbero

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AMICALEMENT

Je crois qu’il est pratiquement impossible d’ajouter plus aux considérations, aux critiques et aux éloges que de nombreuses personnes ont déjà dédiées, au cours de ces quarante dernières années, à « notre » Franco Balan – un artiste complet, jamais banal dans son monde, dynamique et incommensurable, fait d’idées et de créativité. Penser connaître Balan uniquement grâce à l’espace graphique que « La Vallée Notizie », hebdomadaire valdôtain, lui concède depuis près de cinq années avec succès, serait extrêmement limitatif. Il est donc préférable de renoncer à se poser d’éventuelles questions et de profiter de cette exposition qui nous permet d’apprécier le trait graphique tout à fait personnel de Balan et le message didactique que le maître utilise pour faire « parler » ses dessins qui confirment l’esprit génial qu’il conserve et qui l’anime. J’ai connu Franco Balan par le biais de son art bien avant de le rencontrer ; j’ai ensuite eu l’immense honneur de pouvoir le fréquenter et de l’apprécier en tant que personne, en le comptant parmi mes nombreux et talentueux collaborateurs. Bien que son engagement avec le journal ait toujours été basé uniquement sur le rapport d’amitié et l’estime réciproque, je peux affirmer qu’au cours de toutes mes années de direction de « La Vallée Notizie », il ne m’est pas arrivé souvent d’avoir un collaborateur aussi enthousiaste et ponctuel que Balan à consigner le matériel afin de renouveler le rendez-vous du samedi avec des milliers de lecteurs. Je me souviens qu’à la fin des années soixante je m’étais rapproché, très intéressé et pratiquement inconsciemment, au monde coloré de l’artiste de Châtillon, poussé par ma femme Viviane que j’avais entendu, alors qu’elle conversait avec ses collègues enseignants, affirmer, forte de sa formation artistique, plus d’une fois que Franco Balan était « un artiste contemporain éclectique, moderne ; certainement exportable ». Affirmation habituellement partagée par les personnes présentes. Ce n’est certainement pas un hasard si après tant d’années, les œuvres et les dessins de Franco Balan continuent d’être exposées en Italie et en Europe, et d’enrichir les murs de la « plus belle » pièce de nombreuses habitations valdôtaines. En effet, avec ses crayons et ses couleurs le maître Balan dessine et peint des personnages, des situations, des moments de vie quotidienne qui forment l’histoire de la Vallée d’Aoste, en arrêtant l’image afin qu’elle puisse rester gravée dans le temps. Franco Balan a toujours été, dans la limite du possible, un homme libre de contraintes. Il a toutefois su conserver face au manque de respect, typique de l’artiste de race, les valeurs humaines qui restent une prérogative de la plupart des personnes de sa génération et de la mienne, lesquelles ont encore le respect

de tout ce qui personnifie la vie et la création, parfois même en en payant les conséquences. À mon avis Balan interprète, mieux que tout autre artiste valdôtain vivant, le rôle du number one de la communication visuelle liée à la créativité, toujours renouvelée et communicative, de l’art figuratif. En outre Franco ne se soustrait jamais, en l’exprimant fièrement dans ses œuvres, à l’intense rapport, même s’il est parfois conflictuel, qu’il entretient avec le territoire et la communauté valdôtaine dont il s’est toujours inspiré. L’artiste ne se dément pas non plus dans ses deux cents, et plus, « vignettes » publiées au cours du dernier lustre de « La Vallée Notizie » intitulée « Espace Balan », recueillies pour organiser une exposition. En effet, de ses croquis et dessins, assaisonnés d’ironie et de sarcasme, émergent à nouveau non seulement les vicissitudes de la politique nationale, de chez nous et des ses protagonistes éphémères, mais aussi et surtout cette envie de faire dont les Valdôtains n’ont jamais manqué. Franco Balan est ainsi fait, un grand petit homme qui ne s’arrête jamais, actif dans son style de vie et dans sa créativité qui, j’en suis sûr, restera à jamais dans l’histoire de l’art valdôtain. Merci mon petit Franco.

Journalist

consequences, still have respect for everything that embodies life and creation. In my opinion, Balan, better than any other living Valdostano artist, interprets the number one role of visual communication linked to the everrenewed and outgoing creativity of figurative art. Moreover, Franco never shirks away–actually expressing it proudly in his works–from the intense, even if at times conflictual relationship with the territory and the Valle d’Aosta community from which he has always drawn the inspiration for his work. In these two hundred and more “vignettes” published in the past five years by La Vallée Notizie under the heading of “Espacebalan,” collected and now exhibited, the artist has not let us down. From his sketches and drawings, seasoned with irony and sarcasm, not only do the sad stories of our national politics and its ephemeral key players emerge, but also and above all what is expressed here is that desire to do something that has never been lacking among the people of Valle d’Aosta. That’s the way Franco Balan is too; a little big man who never stops, always moving in his lifestyle and in his creativity that, I am sure of this, will remain indelibly in the history of Valle d’Aosta art. Thank you, Franchino.

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Walter Barbero

WITH FRIENDSHIP

I think that to be able to add something else to the thoughts, opinions and praise that for about forty years many, above all experts in the sector and critics, have dedicated to “our” Franco Balan, a well-rounded, meaningful artist with a dynamic and fathomless world of ideas and creativity, is an almost impossible task; moreover, it would be particularly restrictive to think that we can know Balan through the graphic space that the Valdostano weekly La Vallée Notizie has been granting him for about five years (and with good reader feedback). Hence, it is advisable to give up asking oneself questions and just enjoy this exhibition and Balan’s personal graphic style and visual message, which the master uses to make his drawings “speak,” works which confirm the brilliant esprit that this author preserves and enlivens. I had known of Franco Balan through his art a long time before actually meeting him; later on, I was honored to be able to share his company and appreciate him as a person too, and count him among the talents that have formed the large ranks of my own collaborators. Although his commitment with the newspaper has always just been based on an amicable relationship and mutual esteem, I can confirm that in many years as director of La Vallée Notizie, in these last few years I haven’t often had the experience of relating with a collaborator who is as eager and punctual as Balan is in handing in the material for his Saturday appointment with thousands of readers. I remember that I had curiously and almost unconsciously approached the colorful world of the artist of Châtillon at the end of the seventies, pushed and encouraged by my wife Viviane who, relying on her own artistic education, more than once, while talking to her fellow-teachers, had repeated the fact that Franco Balan was “an eclectic, contemporary, modern artist; certainly an artist who deserves to be exported.” A statement that was usually shared by those in attendance. What is certain is that if years later the works and drawings of Franco Balan continue to be displayed in many Italian and European cities, and to adorn the walls of the “best” room in many of the homes in Valle d’Aosta, then there must be a reason. Indeed, with pencils and colors, master Balan draws and paints characters, situations, segments of daily life that make up the history of Valle d’Aosta, fixing the images so they might remain etched in time. Franco Balan, whenever possible, has always been a man free from conditioning; nonetheless, he has known how to set human values against the irreverence so typical of the pedigree artist, values that remain a prerogative for most people of his and my generation who, at times paying for the

Viene al mondo nel 1983 e ben presto capisce quali saranno le sue passioni: la fotografia, ma soprattutto il lettering. Attualmente lavora presso un’azienda che si occupa di stampa ed editoria e, nello stesso tempo, si vede impegnato come freelance. Ha la testa stipata di mille progetti; staremo a vedere....

Luca Andrea De Pasquale

Nasce ad Aosta, trascorre l’infanzia a Morgex tra i vigneti della Valdigne. Nonno, mamma e papà disegnano e dipingono. Adolescente vagheggia di fare l’artista. Frequenta l’istituto d’arte più vicino. Spostandosi con il treno legge prestiti della biblioteca privilegiando Man Ray, Escher e Bruno Munari.  Nelle pause estive realizza i primi murales e tra le attività culturali della Maison Gerbollier scopre affiches di grafici italiani e stranieri.  Con la maturità artistica in tasca e una borsa di studio frequenta l’Istituto Europeo di Design di Torino. Consegue il diploma in Pubblicità - Art Direction and Copywriting,  fa esperienza professionale in una agenzia pubblicitaria che opera in Valle d’Aosta.  Con la SHatelier lavora, in proprio, partecipando a concorsi, allo sviluppo di progetti di design e allestimenti, grafica editoriale e immagini coordinate.  Dallo scorso anno, invitata da Franco Balan, partecipa al progetto di questo stimolante evento: “Il mezzo secolo di Franco Balan - Peintre et graphiste”.

Sara Haudemand

Nasce vive e lavora ad Aosta. Architetto, designer “di provincia” ADI e BEDA, insegue - il sogno di un riscatto estetico della quotidianità attraverso l’ottimizzazione di forme, oggetti.-Da mezzo secolo condivide esperienze con l’amico Franco Balan insieme fondano RICERCAPERTA, collettivo di coordinamento e progettazione per Design di pubblica utilità, e attivano convegni ed esposizioni alla Maison Gerboiller. Partecipa al Forum de l’Artisanat Alpin, l’IVAT, le RETA’, l’URE, con proposte didattiche e tecnologia. Collabora in giurie per la Fiera di Saint Ours in Aosta e Donnas. Incontra, dialoga e impara con Munari, Sambonet, Cresci, De Ferrari, Dolcini, ripassa i lavori di Brocherel, Berton, Daudry, e i consigli di E. Praz, E. Moro. Citazioni in Omnibook, Verde Aureo, Visual Design in La Salle, Cahier du Ru, Flambeau, Design d’Esame Poli di Torino.

Rino Girotto

Figlio d’arte ad Aosta nel suo laboratorio di ricerca produce idee ed immagini per anticipare il futuro con soluzioni grafiche per le più avanzate esigenze di comunicazione. Mediante tecniche digitali trasmette ed espone il prodotto di visual design potenziandone la creazione con l’esperta collaborazione paterna. Espande il lavoro di creativo a livello professionale europeo con frequenti incarichi in agenzie di Barcellona, Praga e Ginevra. Ha assunto per osmosi le amicizie e conoscenze di designer, grafici e artisti paterni: Xavier Mariscal, U.G. Sato, Armando Milani, Keith Godard, Gelsomino d’Ambrosio e Pino Grimaldi, Franco Origoni e Lica Steiner.

Joël Balan

Nasce ad Aosta dove vive e lavora. Socio onorario dell’AIAP. Membro italiano dell’AGI. Socio ADI. Membro dell’Académie SaintAnselme, d’Aoste. Il suo lavoro caratterizzato dalla ricerca pittorica e comunicazione visiva, si affianca ad esperienze artistiche. In collaborazione con grafici e designer realizza in Italia e all’estero convegni, studi e insegnamenti di grafica di Pubblica Utilità. Ora collabora con lo studio di grafica del figlio Joël coniugando visual design tradizionale con l’innovazione della grafica multimediale.

Franco Balan

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Collettivo di Lavoro

Mario Piazza

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Grafico e architetto, dal 1980 lavora nel campo della comunicazione visiva con progetti di corporate identity, brand image, immagine coordinata, design coordination per aziende, e allestimenti di mostre e eventi. Nel 1996 ha fondato la 46xy, società che si occupa di design e comunicazione d’impresa, sia in termini progettuali che di strategia e consulenza. Dal 1992 è Presidente AIAP, Associazione italiana progettazione per la comunicazione visiva. Dal 1997 è docente di Disegno Industriale per la Comunicazione visiva alla Facoltà di Design del Politecnico di Milano. Ha pubblicato “La grafica su Marte 2000” (Milano, 1996), “Progettare il marchio” (Torino, 2001), “Universo Balan” (Milano, 2001).Collabora a riviste, cura e organizza mostre sulla grafica. Suoi lavori sono pubblicati su riviste di design e comunicazione visiva.

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MIREIA SOLÀ I RIERA, ROLAND TOPOR, DORINO OUVRIER, FRANCO BALAN

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Un mondo a colori

Un monde en couleur

A word of colours

Balan, un nome che mi suscita immediatamente una grande allegria. Colori, luci, forme, personaggi mitici, natura fatata, sono le immagini che ci vengono incontro dai suoi bellissimi manifesti che testimoniano l’impegno totale di questo artista, legato alla sua terra, alla storia della sua gente da un profondo amore che rivive nelle sue opere.

Balan. Voilà un nom qui m’inspire un sentiment de gaîté. Couleurs, lumières, formes, personnages mythiques, nature magique sont autant d’images qui se dégagent de ses superbes affiches, témoignage du dévouement total de cet artiste, attaché à sa terre et à l’histoire de son peuple par un amour profond dont toutes ses oeuvres sont empreintes.

Balan, a name immediately evoking great happiness in me. Colours, light, forms, mythical figures, fairy-tale nature: these are the images which come towards us from his beautiful posters which testify to the total commitment of this artist, linked to his native land, the history of his people, and a deep love which relives in his works.

Lica Steiner

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ELIO CARMI, FRANCO BALAN

FREDERIC GISBERT, FRANCO BALAN

FRANCO BALAN, MIMMO CASTELLANO, MASSIMO DRADI

JERZY GRABOWSKI, FRANCO BALAN

JOEL E FRANCO BALAN, CARLES GONZÀLEZ I NOGUERAS, ALBERT SALARICH

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DAVID TARTAKOVER, FRANCO BALAN, DAN REISINGER

FRANCO BALAN - AOSTA 2001

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STUDIO DI VIA XAVIER DE MAISTRE - AOSTA

Franco, questa tuo racconto della tua vita è un testo bellissimo, io ho cambiato molto poco e in punta di penna, perché ciò che ne viene fuori sei proprio tu, così come ti conosco. Una lettura che mi ha emozionato tantissimo, rivelatrice dell’uomo che sta dietro quei segni che da sempre ci hanno meravigliato per la loro complessa semplicità. Già, uno sguardo dietro le quinte della vita di un uomo famoso, gettato con la luce frenetica e paziente che gli è tipica. Così si scopre la volontà d’acciaio del giovane che si confronta con le povertà dei mezzi e degli spiriti, così scorgiamo la curiosità culturale dell’uomo che non esita ad uscire dal guscio protettivo del suo ambiente per entrare in campo nel mondo intero. Così la passione politica, così l’amore sterminato per la bellezza del segno e l’arte che sai di possedere. A tanto, io nulla posso aggiungere se non un piccolo sorriso d’orgoglio per essere tra quelli cui delle volte hai aperto il cuore.

STUDIO DI VIA CHARREY - AOSTA

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Fiorenzo Corradin Cuoco, scrittore e amico

STUDIO DI VIA CHARREY - AOSTA

www.francobalan.com / f.balan@francobalan.com

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Nasce ad Aosta dove vive e lavora in via Charrey, 8, o nel suo atelier di Sez de Val a Châtillon. Nel 1997 avvia con il figlio Joël “Ideographia”, studio di servizi che coniuga le pratiche della tradizione grafica all’innovazione multimediale, dal 2010 trasferito in Via Xavier de Maistre. Socio onorario dell’AIAP (Associazione Italiana Progettazione per la Comunicazione Visiva). Membro italiano dell’AGI (Alliance Graphique Internationale). Membro dell’ADI (Associazione Disegno Industriale). Membro dell’Académie Saint-Anselme, Aoste. Nel 1954 a Varsavia conosce e fa esperienza con Tomaszewski, Majewski e Grabowski. Nel 1975 avvia una esperienza didattica con scolaresche delle elementari che poi sviluppa nel tempo e in altre occasioni. Nel 1978 partecipa al concorso dell’Onu a Ginevra e vince il primo premio per la grafica dell’anno. Nel 1985 ritorna a Varsavia per una serie di lezioni presso l’Akademia Szutky Pieknich. Progetta e realizza il marchio e la segnaletica del Parco Nazionale del Gran Paradiso e realizza il logo de l’Espace Mont-Blanc. Suoi lavori sono esposti al Museo Villanow di Varsavia, al museo di Lathi in Finlandia e al MoMA di New York. Nel 1996 collabora ad iniziative scolastiche e tiene lezioni di apprendimento dell’immagine. Realizza nel 2000 Le 14 stazioni della Via Crucis. Nel 2000 L’Alliance Française in occasione del ventesimo anniversario gli dedica un’esposizione dal titolo «Génération XX». Nel 2001 tiene un’esposizione nella Piazza del Forum di Aosta dal titolo “Universo Balan”. Nel settembre 2003 espone all’Apsis Gallery & Restaurant di Barcellona. Nel 2004 realizza un’esposizione dal titolo “200 Originali di Franco Balan” all’Archivio Storico Olivetti di Ivrea. Sempre nel 2004 realizza ed espone una serie di ventagli a Pechino in Cina. Ha collaborato con il Comitato Olimpico, realizzando una serie di manifesti sulle specialità sportive per le Olimpiadi di Torino 2006 e una sua esposizione personale a Sestrière. Nel 2008 il Teatro Stabile di Genova gli commissiona una serie di bozzetti per rappresentare ogni singolo spettacolo della stagione teatrale 2008/2009. Nel 2010 realizza le dodici tavole dell’Almanach, successivamente esposte a Le Manoir de la Ville de Martigny. Dal 1957 al 2010 il suo lavoro è caratterizzato dalla ricerca pittorica e sulla comunicazione visiva, affiancando ad esperienze artistiche l’attività di visual designer. Manifesti e immagini coordinate sono gli interventi progettati più di frequente. Ha realizzato numerosi manifesti e opere pittoriche per occasioni culturali. Mostre in italia: in Valle d’Aosta, Milano, Roma, Torino, Caltagirone, Parma, I Biennale della Grafica a Cattolica, VI Biennale de l’Affiche a Varsavia, Collettivo Lavoro A - Biennale di Venezia, all’estero: VIII Biennale Internazionale de l’Affiche a Varsavia, Lathi, Zagreb, Utrecht, Losanna, Nizza Villa Arson, Berlino, Zurigo, Barcellona, Bruxelles, Bienal Internacional en Mexico, Design Museum Lancaster University, Tokyo - Galleria G8 Ginza. Numerosi sono i premi che gli sono stati assegnati. Nel 2011 ha superato la soglia dei 50 anni di attività nella pittura e nella grafica.

Born in Aosta where he lives and works on Via Charrey 8, or in his studio in Sez de Val, Châtillon. In 1997, he and his son Joël establish “Ideographia,” a studio that combines traditional graphics with the most recent trends in multimedia; the studio was relocated to Via Xavier de Maistre in 2010. Honorary member of AIAP (Associazione Italiana Progettazione per la Comunicazione Visiva). Italian member of AGI (Alliance Graphique Internationale). Member of ADI (Associazione Disegno Industriale). Member of the Académie SaintAnselme, Aosta. In 1954 in Warsaw he meets and trains under Tomaszewski, Majewski and Grabowski. In 1975 his teaching experience with groups of elementary schoolchildren begins; this type of experience will be developed in time and on other occasions. In 1978 he enters a competition organized by the United Nations Office in Geneva and wins that year’s first prize for graphic art. In 1985 he returns to Warsaw where he holds a series of lessons at the Akademia Szutky Pieknich. He plans and realizes the trademark and signs for Parco Nazionale del Gran Paradiso, as well as the logo for Espace Mont-Blanc. His works are showcased at the Wilanow Museum in Warsaw, the Lahti City Museum in Finland and the MoMA in New York. In 1996 he collaborates with a number of school events and holds lessons on the subject of the image. In 2000 he produces Le 14 stazioni della Via Crucis. In 2000 Alliance Française, for its twentieth anniversary, dedicates an exhibition to the artist entitled “Génération XX.” In 2001 the exhibition entitled “Universo Balan” is held at Piazza del Forum in Aosta. In September 2003 he exhibits his work at the Apsis Gallery & Restaurant in Barcelona. In 2004 he organizes an exhibition called “200 Originali di Franco Balan,” which is held at the Archivio Storico Olivetti in Ivrea. That same year he makes a series of fans which are later displayed in Beijing, China. He collaborates with the Olympic Committee, producing a series of posters for the individual sports events at the 2006 Turin Olympics; he also holds a solo show in Sestrière. In 2008 the Teatro Stabile in Genoa commissions him to make a series of works, one for each of the theatrical performances in the 2008 - 09 season. In 2010 he makes twelve plates for the Almanach, later displayed at Le Manoir de la Ville de Martigny. From 1957 to 2010 the artist’s work is characterized by pictorial research and visual communication; he associates his work as a visual designer with his artistic experiences. He has executed numerous posters and pictorial artworks for cultural events. Exhibitions held in Italy include: Valle d’Aosta, Milan, Rome, Turin, Caltagirone, Parma, I Biennial of Graphic Art in Cattolica, “Collettivo Lavoro A” at the Venice Biennale; exhibitions held abroad include: VI Biennial of Poster Art in Warsaw, VIII International Biennial of Poster Art in Warsaw, Lathi, Zagreb, Utrecht, Lausanne, Nice, Berlin, Zurich, Barcelona, Brussels, International Poster Biennial of Mexico, Design Museum Lancaster University, Gallery G8, Ginza, Tokyo. He is the recipient of numerous awards. The year 2011 marks the artist’s fiftieth anniversary of activity as a painter and graphic artist.

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Naît à Aoste où il vit et travaille rue Charrey, 8, ou dans son atelier de Sez de Val à Châtillon. En 1997 il entreprend une nouvelle aventure avec son fils Joël en ouvrant « Ideografia », un cabinet de services qui conjugue les expériences de la tradition graphique à l’innovation multimédia, en 2010 il déménage près Via Xavier de Maistre. Membre honoraire de l’AIAP (Association Italienne de Projet pour la Communication Visuelle). Membre Italien de l’AGI (Alliance Graphique Internationale). Membre de l’ADI (Association Dessin Industriel). Membre de l’Académie Saint-Anselme, Aoste. En 1954, à Varsovie, il fait la connaissance de Tomaszewski, de Majewski et de Grabowski auprès desquels il acquière une certaine expérience. En 1975 il entreprend une expérience didactique avec des classes élémentaires qu’il développera au cours des ans et en différentes occasions. En 1978 il participe au concours de l’ONU à Genève et gagne le premier prix pour l’affiche graphique de l’année. En 1985 il retourne à Varsovie pour donner une série de leçons à l’Akademia Szutkyu Pieknich. Il projette et réalise la marque et les panneaux de signalisation du Parc National du Grand Paradis et réalise le logo de l’Espace Mont-Blanc. Ses travaux sont exposés au Musée Wilanow de Varsovie, au musée de Lahti en Finlande et au MoMA de New York. En 1996 il participe à des initiatives scolaires et donne des leçons d’apprentissage de l’image. En l’an 2000 il réalise les 14 stazioni della Via Crucis. En 2000, l’Alliance Française lui dédie une exposition intitulée « Génération XX », à l’occasion du vingtième anniversaire de sa fondation. En 2001 il organise une exposition sur la Place du Forum d’Aoste intitulée « Universo Balan ». En septembre 2003 il expose à l’Apsis Gallery & Restaurant de Barcelone. En 2004 il réalise une exposition intitulée « 200 Originali di Franco Balan » au sein de l’Archive Historique Olivetti de Ivrea. Toujours en 2004, il expose une série d’éventails en Chine à Pékin. Il a collaboré avec le Comité Olympique, en réalisant une série d’affiches sur les disciplines sportives pour les Jeux Olympiques de Turin 2006 et en organisant une personnelle à Sestrières. En 2008 le Théâtre de Gènes lui commande une série d’esquisses pour représenter tous les spectacles de la saison théâtrale 2008/2009. En 2010 il réalise les douze tables de l’Almanach, qui seront exposées par la suite au Manoir de la Ville de Martigny. De 1957 à 2010 son travail est caractérisé par la recherche picturale et la communication visuelle, joignant l’activité de visual designer aux différentes expériences artistiques. Les affiches et les images coordonnées sont ses créations les plus fréquentes. Il a réalisé de nombreuses affiches et œuvres picturales pour des manifestations culturelles. Expositions en Italie : en Vallée d’Aoste, à Milan, Rome, Turin, Caltagirone, Parme, I Biennale des Arts Graphiques à Cattolica, Travail Collectif A - Biennale de Venise ; à l’étranger : VI Biennale de l’Affiche à Varsovie, VIII Biennale Internationale de l’Affiche à Varsovie, Lahti, Zagreb, Utrecht, Lausanne, Nice, Berlin, Zurich, Barcelone, Bruxelles, Bienal Internacional à México, Desing Museum Lancaster University, Tokyo - Galerie G8 Ginza. De nombreux prix lui ont été assignés. En 2011 il a outrepassé le seuil des cinquante années d’activité dans le domaine de la peinture et des arts graphiques.

Chi ch’a lo sa nen, si ch’a lo sa, se col ch’a lo sa a lo dis nen / chi non lo sà, non lo può sapere, se colui che lo sa non glielo dice

TAPANI AARTOMAA, FRANCO BALAN, MANUELA VALLET

GERMAN MONTALVO AGUILAR, FRANCO BALAN

BRUNO OLDANI, FRANCO BALAN

CRONISTORIA Aosta, Salone del Tribunale Personale - pittura Aosta, Disegni e chine - Personale Vasavia, incontri con artisti polacchi Saint-Vincent, Premio di Pittura La Grolla Cogne, Premio Valnontey - pittura Aosta, “Sei più uno” Balan, Parrella Spera - pittura La Roche sur Foron - personale - pittura Zagreb, Collettiva Artisti Veneti - pittura Vicenza, Galleria Il Cenacolo personale - pittura Utrecht, Collettiva - pittura Saint-Vincent, Collettiva - pittura Aosta, Sciavolino, Conti, Mastroianni, Siri e Balan - pittura Roma, Cinque artisti valdostani, Bulgarelli, Nex, Martinetti, Nicoletta e Balan - pittura Albissola Mare, Pozzo Garitta - personale - pittura Genova, Galleria XX Settembre personale - pittura Aosta, Galerie La Défense, Épreuve d’Affiche - personale - grafica Lausanne, Galerie Melisa, Peinture Image pour la Ville - personale - pittura Oxford, Disegni per un manifesto personale - grafica Venezia, Galleria Segno Grafico (De Martino), Bozzetti per manifesti - personale - grafica Varsavia, VI Biennale de L’Affiche personale - grafica Cogne, Galleria Étoile, Épreuve d’Affiche personale - grafica Aosta, Comité des Traditions Valdôtaines, Laboratorio per un’idea Otto Orobolli Aosta, Tour Fromage, Vent’anni del Panathlon Club, 1958/1978 - personale - grafica Lausanne, Galerie Melisa - personale - pittura Listowel, Fourth International Poster Exibition personale - grafica Berlin, Brecht im Plakat - collettiva - grafica Venezia, manifestazioni della Biennale, Collettivo Lavoro A - collettiva - grafica Aosta, Galerie La Défense, Balan, Lunardi, Schema e Risultato - pittura e grafica Zürich, Collettivo Lavoro A,” Tracce Tempo in Zurigo” - performance Varsavia, Galeria Zacheta - VIII Biennale International de l’Affiche - personale - grafica Varsavia, Galeria Dap, Balan Plakat personale - grafica Saint-Pierre, Castello Sarriod de la Tour, La grafica di Franco Balan - personale Aosta, Tour Fromage - Massimo Dolcini personale - grafica Aosta, Librairie Valdôtaine, Coup d’œil personale - grafica

1982 1983 1983 1983 1983 1983 1983 1984 1984 1984 1984 1985 1986 1986 1987 1988 1988 1988 1989 1989 1989 1990 1990 1990 1990

Nizza, Ministero della cultura - C.A.R.I. Centre international des arts plastiques Ville Arsib, Franco Balan et le Vallée d’Aoste - personale - grafica Barcellona, Sala de la Caxa, “I tarocchi: 21 arcani maggiori” personale - grafica Marchio Parco Nazionale Gran Paradiso Valle d’Aosta - grafica Milano, Galleria del Sagrato “1933/1982. Visual design: cinquant’anni di produzione visiva in Italia” - collettiva - grafica Aosta, Torre dei Signori, “Sicurezza ambientale” Balan e Girotto - personale - grafica Torino, Libreria Agorà, “Epreuve d’Affiches” personale - grafica Fort Collins, State University Fort Collins, The Colorado International Poster - collettiva - grafica Cattolica, Centro culturale polivalente, 1° Biennale della Grafica - Balan e Grapus La Salle, Maison Gerbollier, La comunicazione e l’etnia - collettiva - grafica Torino, Unione culturale, “Figurarsi lo sport” collettiva - grafica Varsavia, Galeria Zacheta, Biennale del Manifesto collettiva - grafica Lathi, Julistemuseo-Poster Museum, Biennale del Manifesto - collettiva - grafica Varsavia, Galeria Zacheta, Biennale del Manifesto collettiva - grafica Lathi, Julistemuseo-Poster Museum, Biennale del Manifesto - collettiva - grafica Caltagirone, Museo Civico,” La progettazione sistematica nella grafica italiana” collettiva - grafica Varsavia, Galeria Zacheta, Biennale del Manifesto collettiva - grafica Barcellona, Fundacion Narcis Monturiol Palau Maricel-Stiges, “L’usuari de l’informatica” collettiva - grafica Chamonix, La Houces, Atelier Esope, “Carnet de croquis” - personale - grafica Barcellona, Fondazione Joan Mirò, “L’usuari de l’informatica” - collettiva - grafica Bruxelles, Banco Central, “L’usuari de l’informatica” - collettiva - grafica Lodz (Polonia), Salon de film poster, “Affiches cinema e teatro” - collettiva - grafica Varsavia, Galeria Zacheta, Biennale del Manifesto collettiva - grafica Parigi, La Villette, “L’usuari de l’informatica” collettiva - grafica Chaumont (Francia), Silo, Maison du Livre et de l’Affiche, Festival de l’Affiche collettiva - grafica Mexico D.F., Instituto Nacional de Bellas Artes, Bienal Internacional del cartel en Mexico collettiva - grafica

1990 Roma, Galleria Arti Visive, “12 personaggi della Valle d’Aosta fra l’XI e il XIX secolo” personale - grafica 1990 Pecs, Pecsi Galleria, “Exposition d’Affiches” personale - grafica 1991 Roma, Galleria Arti Visive, “La progettazione sistematica nella grafica italiana” collettiva - grafica 1991 Lathi, Julistemuseo-Poster Museum, Biennale del Manifesto - collettiva - grafica 1991 Tokyo Ginza, Galleria G 8, Manifesti di Franco Balan - personale - grafica 1991 Chamonix, Bibliothèque de Chamonix, “12 personnages historiques du Vallé d’Aoste XI° au XIX° siècle” - personale - grafica 1992 Valenza, Centro Comunale di cultura, Un costruttore di arche e affiches originali personale - pittura e grafica 1992 Saint-Vincent, Grand Hôtel Billia, “Pubblicità esterna in Valle d’Aosta, Etica ed estetica” - personale - grafica 1992-93 Lathi, Julistemuseo-Poster Museum, “Val d’Aosta in Lathi Finland” - collettiva - arte, artigianato e grafica 1993 Le Chable (Svizzera), Musée de Bagnes, “Affiches en Serigraphie” - personale - grafica 1994 Lancaster University, Design Museum, Peter Scott Gallery, “Italian Posters of Social Information” - collettiva - grafica 1994 Nizza, Consulat Général d’Italie, Franco Balan “Affiches. 30 ans de foires et de fêtes en Val d’Aoste” - personale - grafica 1994 Peille (Francia), Salle du Dôme de la Mairie, “L’arche de Franco Balan. 40 affiches valdôtaine sur le thème des animaux” - personale - grafica 1994 Ostenda, Ostend Flaers, 1st World Logo Design Biennal - concorso logo 1995 Annecy, Chez Bonlieu, Scene Nationale personale - grafica 1997 Fontanellato, Rocca San Fedele, Parma, “Manifesti, dipinti e sculture di Dorino Ouvrier” 1999 Aosta, Alliance Française, Génération XX personale - grafica 2000 Roma, Galleria presidenza del Consiglio, Regione Autonoma Valle d’Aosta, Dipinti di Franco Balan - personale - pittura 2000 Aosta, Cappella Sancti Grati, Via Crucis, 14 dipinti di Franco Balan - personale - pittura 2001 Aosta, Piazza Forum, Universo Balan personale - grafica 2004 Ivrea, Archivio Storico Olivetti - personale - grafica 2006 Nus/Quart, Centrale elettrica , “Legendario di Franco Balan” - personale - grafica 2010 Martigny (Svizzeta), Les Manoir , “la Lune et Salturne” - personale - grafica 2010-11 Gressan (Aosta), Accademie de Saint-Anselme, “Balan dans la Tour” - personale - grafica e pittura

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1957 1960 1964 1964 1965 1965 1966 1967 1967 1968 1970 1970 1971 1974 1974 1974 1976 1976 1976 1976 1977 1977 1978 1978 1978 1978 1978 1979 1979 1980 1980 1981 1982 1982

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Liste des personnalités valdôtaines qui ont souscrit un appel pour la célébration des 50 ans d’activité du peintre Franco Balan. Avondet Erich, Benzo Ferdinando, Beria Camilla, Calchera Ettore, Careggio MS. Alberto Maria, Casale Maurizio, Celesia Cesare, Cerise François, Chatrian Amato, Cicala Gian Luigi, Colliard Lin, Cometto Franco, Daudry Damien, Dujany César, Fiou Giulio, Girotto Rino, Giunti Paolo, Giuriati Sado Livia, Marcoz Guido, Marcoz Fulvio, Marcoz Emiro, Morandi Iris, Musumeci Sergio, Nicco Roberto, Ouvrier Dorino, Passerin D’Entrèves Lodovico, Perrin Joseph-César, Piaggio Giuseppe, Therisod Pier Giorgio, Thiebat Pierre-Georges, Torrione Gianni, Vallet Manuela, Vauterin Raymond, Vietti Cornelio.

RINGRAZIAMENTI Sentiti ringraziamenti devo rivolgere al Presidente della Regione Autonoma Valle d’Aosta Augusto Rollandin, alla Giunta Regionale e, in particolare, all’Assessore all’Istruzione e Cultura Laurent Viérin, al Sovrintendente per i beni e le attività culturali, alla Direzione promozione beni e attività culturali nonché al Servizio attività espositive per il sostegno e l’interesse al mio lavoro. Ringrazio i 35 promotori e il Comité des Traditions Valdôtaines per questa gradita iniziativa. Un particolare ringraziamento vada a Mario Piazza, Giovanni Anceschi, Leonardo Sonnoli e ad Armando Milani che a differente titolo hanno collaborato al riordino organico per la realizzazione dell’Esposizione e del catalogo crono storico dei miei lavori di 50 anni, supportandomi e sopportandomi. Calorosamente ringrazio l’amico di sempre, Rino Girotto, per la costante collaborazione e il ponderato sostegno in questo e in molti altri progetti precedenti. La mia sincera gratitudine vada anche a Damiano Daudry, Joseph-César Perrin, Raymond Vauterin e, non senza tristezza, rivolgo un pensiero  particolare ai compianti prof. Lin Colliard, Bruno Munari, Massimo Dolcini, Eufrasia Moro e Jurec Grabowski. Ringrazio ancora tutti coloro che non ho citato, e me ne scuso, il pubblico, gli amici, i colleghi, i critici e i maestri che in tutti questi anni mi hanno gratificato con la loro presenza e attenzione e spronato  agendo sul volano che ha mosso la mia vita di artista e non solo. Doverosamente ringrazio gli operatori della comunicazione, la Rai, La Stampa, Il Sole 24 Ore, Electa, Abitare Segesta, Priuli Verlucca, Rinascita, Il Corriere della Sera, Domus, Abitare, Progetto Grafico, Aiap, Graphicus, Graphis, La Vallée Notizie e ancora Enti pubblici, Istituzioni e aziende tra cui: Assessorati della Regione autonoma Valle d’Aosta - Industria, Commercio, Pubblica Istruzione e Agricoltura - Comune e Città di Aosta - Comuni di Châtillon, Courmayeur e La Salle - Comunità Montana Grand Combin - Ivat - Parco Nazionale Gran Paradiso - Museo della Montagna - Fondazione Courmayeur - Scuole Materne di Oyace, Gianni Rodari di Aosta, Villeneuve, Martigny (Suisse) e Villeneuve (France) Académie Saint-Anselme - L’Umanutaria di Milano - AIAP - AGI - ADI - Icograda - Accademia Belle Arti di Warsavia - Museo Narodowego/w/Warsawie Museo Poster Lahti (Finlandia) - Le Manoir di Martigny - Università (IUAV) Venezia-Torrino - Archivio Storico Olivetti - Fondazione Mavi Marcoz - Fondazione Istituto Musicale della Valle d’Aosta - Don Chatrian e la Parrocchia di Sarre - Asiva - Fisi - Coni - CIO Ginevra - Sci club Aosta - Cogne Acciai Speciali S.p.a. - IBM Italia - Ipermercato Gros Cidac - Comitato Carnevale Nizza - Fiat - Iveco - Musumeci S.p.A. - Arti Grafiche Duc - Tipografia Valdostana - Tipografia La Vallée - Tipografia Pesando.

Aosta, Centro Saint-Benin, 2011

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Naturalmente ringrazio con tutto il cuore i miei familiari Manuela, Joël, Barbara, e il mio pensiero va ai miei nipoti Nicolò, Jacopo, Noah, ai miei fratelli e ai miei cari genitori.

Coordinamento redazionale Cristina Garbagna Redazione Viviana Vai Traduzioni Francesca Melica Sylvia Adrian Notini

www.electaweb.com © 2011 Mondadori Electa S.p.A., Milano Tutti i diritti riservati Questo volume è stato stampato per conto di Mondadori Electa S.p.A. presso lo stabilimento Musumeci S.p.a di Quart (Valle d’Aosta), nell’anno 2011

Mezzo Secolo Franco Balan

Articles inside

Walter Barbero Franco Balan

Fiorenzo Corradin Balan

Damien Daudry Franco Balan, un valdostano artista, un artista valdostano

Giovanni Lussu Franco Balan

Laurent Viérin Introduzione