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s Surtido— panorama 5 Patrimonio la leyenda se hace letra Qué decir del Barolo sin arrancar con un… ¡divino! Esta joya de la arquitectura ecléctica, caja de Pandora y arca de leyendas urbanas tiene su primer libro de fotografía y textos alusivos: justamente, Divino Barolo se llama el ejemplar diseñado por el estudio SkyZky, la sigla por la que responden Julieta Ulanovsky y Valeria Dulitzky, diseñadoras gráficas con dos décadas en el Barolo. Aman su estudio en el cielo (piso 15) que habitan desde que el tramo aquel era un revuelo de palomas. Luego de relevar, anotar, observar y, en fin, vivirlo, encararon el ansiado registro. El resultado es una bella pieza gráfica que muestra caras ocultas del edificio, con textos reveladores de
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Marta Zátonyi, Carlos Hilger, Virginia Bonicatto entre otros especialistas. Del faro a las vistas, Divino Barolo garantiza algo: que luego de mirarlo y leerlo, el que no fue, irá a conocer la obra más emblemática de Mario Palanti en Latinoamérica. Y que el que ya lo conoce, volverá. El esfuerzo editorial no termina en una adecuada diagramación, deliciosas fotos y cuidados textos con información inédita. Se complementa con otra especialidad de la casa: la tipografía. La familia elegida para Divino Barolo es Monserrat, made in Julieta Ulanovsky, una fuente que homenajea a la letra de molde del espacio público de ese barrio histórico, donde los cartelistas catalanes pintaban en dorado insinuando relieves deco y las boîtes setentistas ponían bombitas de luz en las letras. Un verdadero y fino doblete.
1 Diseño sanitario PRODUCTO CON “TAZA” MENSUAL Mooncup (taza lunar) es un diseño británico de 1930, poco conocido en nuestro país aunque introducido hace años por las ecologistas: reduce el daño ambiental que causan la fabricación y la eliminación de los artículos de protección sanitaria desechables (toallas íntimas y tampones). De siliconas y perfecta ergonomía, Mooncup es un dispositivo mucho más sano e higiénico para utilizar en el período menstrual: se extrae y se lava. Cada vez más extendido su uso, es el primer producto sanitario que ganó el premio británico de publicidad creativa. Ver más: www.admedia.co.uk/ creativeawards. En facebook: Mooncup.
5 Blog IF la unión hace la fuerza
1 Muestra IDI ROSARIO El Instituto de Diseño Industrial (IDI) fue una experiencia piloto, la base del diseño rosarino. Se creó como un ente autónomo dentro de la Facultad de Ciencias, Ingeniería y Arquitectura de la Universidad Nacional de Rosario, que articulaba con Arquitectura e Ingeniería. Para generar un vínculo entre la Universidad, el medio industrial y otras experiencias educativas, el IDI comenzó en 1962 y tuvo vigencia hasta su transformación en 2003, en el actual Instituto Tecnológico en Diseño e Innovación. Sus campos de incidencia en el diseño fueron múltiples e interdisciplinarios: morfología, ingeniería, ergonomía, comunicación y psicología, entre otros. El interés social los acercó a desarrollar investigaciones aplicadas que dieron respuestas en áreas como hogar, salud, trabajo y educación. Su impacto en el medio industrial santafesino fue clave para valorizar y mejorar la calidad de los productos de las más variadas áreas centrados en la experiencia de los usuarios. Pionero en Argentina, a la par de experiencias como las de La Plata y Mendoza, tiene muchos dignos herederos en Rosario. Una muestra curada por Marina Baima y Wustavo Quiroga lo trajo al presente en Rosario: ¡que gire!
La apuesta de preservar IF, la querida revista que tienen en sus manos, fue retomada en 2009 por el CMD con motivaciones varias pero, sobre todo, con el objetivo de apoyar un medio gráfico netamente disciplinar que sirviera de archivo teórico, de disparador proyectual y de registro de la época según se va construyendo la disciplina a nivel local y regional. Un elemento atraviesa todas las etapas de la revista IF, que tuvo sus discontinuidades pero, al fin, su permanencia. En todas la ediciones hay un dossier teórico con material inédito, local o extranjero, en forma de cuadernillos coleccionables. La gran noticia es que, en 2012, todo el valioso material de IF fue recopilado y publicado por el diseñador gráfico Omar Grandoso, integrante del IMDI, en un blog que hoy está disponible online. Salut! Ver más: http://revista-if-cmd.blogspot.com.ar
1 De INDABA con amor PONY DESK: Todo para uno Pony Desk Chair es una pieza multifuncional de mobiliario para niños entre cuatro y seis años: escritorio, silla y container, también sirve para montar un caballito enano. El diseñador sudafricano Y Tsai desarrolló este proyecto de responsabilidad social corporativa para All Office Furniture. Treinta de los ponis desembarcaron recientemente en Cape Town, en la escuela Vissershok. Hechos de fibrofácil y sin tornillos, tienen colores vibrantes y pinturas atóxicas. Y Tsai fue galardonado por Indaba, la plataforma multifacética diseñada en Sudáfrica en 1995 para construir un mundo mejor a través de la creatividad, cuya conferencia anual de diseño ya es un highlight de la agenda internacional. Para Y Tsai el diseño es “usar los recursos mínimos para obtener los máximos resultados”. 7
5 Bienal 2 BIENAL DE ACá: ¡En FADU!
1 Bienal 1 BIENAL DE SAINT-ÉTIENNE Organizada por la ciudad francesa de Saint Étienne, la bienal invitó a las once ciudades miembro de la Red de Ciudades Creativas de la Unesco, entre ellas Buenos Aires, a presentar un proyecto en colaboración con organizaciones sin fines de lucro. Además, la bienal impulsó a los diseñadores cuyos trabajos estimularon una mejor calidad de vida en las ciudades. Creada en 1998 por el actual Saint-Étienne Higher School of Art and Design, la edición 2013 se desarrolló con cincuenta exposiciones, conferencias y eventos para estudiantes, profesionales y público en general. Curada por Josyanne Franc y Laetitia Wolff, el tema central fue “la empatía y la experiencia del otro” en relación con la ciudad. Siguiendo este enfoque, la bienal seleccionó proyectos que abordaron problemas urbanos específicos (espacio público, salud, desarrollo sostenible, entre otros), con la esperanza de brindar soluciones de diseño, cambiar conductas y prácticas sociales. De Argentina participaron, llevados por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el proyecto Marca Cárcel de Satorilab (que introduce al diseño en forma de talleres dictados en las cárceles de Ezeiza), Grupo Bondi y Luciana González Franco. 8
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1. Charla en la FADU por Norberto Chaves. 2. Muestra del área de diseño en el patio central de la FADU en el transcurso de la bienal. 3. Muestra de trabajos en Tecnópolis que abarcan seis ejes temáticos.
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De la necesidad de agudizar la percepción de cómo la disciplina opera en tanto motor de cambio, se ocupó la Primera Bienal de Diseño de la FADU/UBA. A través de clases abiertas, dos grandes muestras (en Tecnópolis y en la Casa del Bicentenario) y desfiles de las cátedras de Diseño de Indumentaria en el Distrito Audiovisual del GCBA, se mostró el camino recorrido de esta enseñanza que, en la casa de estudios porteña, arrancó en los albores de la democracia. Durante la bienal se puso en evidencia que las condiciones generales y sociales del país propiciaron un escenario favorable para la disciplina. Entre la sustitución de importaciones y el desarrollo de la industria liviana, el diseño sigue aportando a la economía y la cultura. ¡Bienvenido!
1 Legado el cidi cumple medio siglo Es difícil creer que ya pasaron diez años de aquella tarde lluviosa en el flamante CMD, donde se celebró por primera vez la trayectoria del Centro de Investigación del Diseño Industrial, el mítico enclave del INTI, que conformó la primera articulación entre diseño e industria argentina y que, entonces, cumplía cuarenta años. A la reunión de los pioneros, Puente de Memoria, en una fría tarde de acalorado debate, le siguió la publicación del libro, editado por el CMD, Un impulso de diseño en la industria argentina, la historia del CIDI por Pepe Rey. La tarea fue titánica aunque Rey había sistematizado toda la información de las actas del Centro. El producto editorial valió la pena y el “ladrillo CIDI”, como se lo conoce, no sólo es consultado sino que abrió múltiples líneas de investigación disciplinar.
5 Diseño colaborativo pasta múltiple
5 Época Lámina móvil La influyente Frog Design predice que los displays flexibles pronto cambiarán el mundo. ¿Cómo? Para Mark Rolston, creativo de Frog, el IWatch está revolucionando el futuro de la tecnología con una apuesta por las interfaces de usuarios. Se trata de una nueva filosofía que sobrevuela el, todavía, tapado potencial de los calendarios y de los modelos app unitarios. “Los displays curvados van a comandar los próximos cinco años de innovaciones”, asegura Rolston. Según el diseñador, muchos podrán mantenerse escépticos pero los argumentos serán contundentes: en la era de las pantallas curvas y flexibles, cualquier objeto tiene el potencial de renacer sin perder su ergonomía.
Pasta! - Diseño Colaborativo es un ámbito que genera nuevas dinámicas entre actores involucrados en proyectos de diseño: los destinatarios de la acción, los organismos asociados (ONGs, centros de ayuda, asociaciones civiles, etc.) y Pasta!, una red de personas y conocimientos conectados para cada proyecto de bien social. “El mercado deja muchísimas personas afuera. Creemos que merecen una respuesta digna desde el diseño”, dicen. Sus principios son: diseño para el desarrollo social, diseño colaborativo, creative commons y hazlo tú mismo (DIY). En la red, los conocimientos generados son de tipo abierto (open source) alcanzados entre todos los participantes de manera colaborativa, disponibles para el uso no comercial de cualquiera. “Estamos conectándonos fuertemente con actores sociales para cerrar proyectos reales en los cuales podamos aportar. De la idea al hecho, sin intermediarios. Es muy importante juntarnos y pensar cómo queremos que sean las cosas, pero más importante es hacerlas”.
1 Gráfica posters on top ten
Entre sus iniciativas, Pasta! apoya proyectos para eliminar el arsénico del agua en colegios chaquenos.
Como parte de los fastos de su cumpleaños, la revista estadounidense de diseño GDUSA le preguntó a sus lectores cuáles eran sus afiches históricos favoritos. Vean: los votos armaron un top ten que ganó Milton Glaser con su Bob Dylan de cabellera psicodélica, le pisa los talones el afiche de Paul Rand para IBM (ojo, abeja y letra M) que, leído en inglés, arroja como fonética las letras corporativas. Tercero, salió el afiche de Anatomía de una muerte, de Saul Bass, el gran diseñador de la promoción de celuloide. De inmediato, se cuela Obama con el afiche retro que dice Esperanza (Hope), de Shepard Fairey. Al Threepenny Opera, de Paul Davis, le sigue el más trasheado de Bring in Tha Noise, de Paula Scher en el puesto 6 y la convocatoria a los veinticinco años de Alvin Ayley en la danza, representados por Steff Geissbuhler. Haciendo que la historia vuelva atrás, el puesto 8 se lo quedó el afiche de Knoll Hot Seat, de Woody Pirtle. Le sigue una protesta de ilustración (Terminen el mal aliento), de Seymour Chwast contra la Guerra de Vietnam. Y, last but not least, el cubano Eric Calcagno propuso para el Día de la Guerrilla Heroica, un mapa latinoamericano que, contradiciendo la obra del sociólogo y artista político Roberto Jacoby (“un guerrillero no muere para que lo cuelguen en una pared”), exalta la figura de Ernesto Che Guevara. 9
5 Moda treinta años de puente japonés
negro y blanco, presentaron diseños asimétricos por momentos muy artísticamente perforados, que quedaban sueltos sobre la silueta femenina. Reconocidos como una contrapropuesta radical a las nociones occidentales de vestido a medida, sus diseños ganaron notoriedad al instante. Ese fue el comienzo de lo que ya son tres décadas de innovación que no sólo influyó sino que reformó la estética occidental del vestir. Curada por Akiko Fukai, director de Instituto del Vestido de Kyoto, la exhibición muestra el primer énfasis en la luz y en la sombra y el incremento diverso e inmediato de un diseño ultramoderno, desde la deconstrucción hasta la reinvención de patrones occidentales y de partidos salvajes y revolucionarios, que vienen de la moda de la calle. Tres décadas que ofrecen una medida del paso del tiempo de un lenguaje a otro, en diálogo.
Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion. Fotografía Lyndon Douglas
Por primera vez se reunió la tremenda innovación que representaron los diseñadores de moda japoneses, revolucionarios de la forma en que miramos la moda en la actualidad. La cita fue en el Seattle Museum of Art, en esa capital estadounidense, y duró desde junio hasta septiembre. Lideraron la primera fila de diseñadores mediáticos consagrados en Occidente Kenzo Takada e Issey Miyake en los años 70, pero fue recién en 1980 que los diseñadores japoneses emergieron con una nueva estética. En el verano de 1983, Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto lanzaron un nuevo lenguaje, formal, fuerte y estructural, en los salones de París. Basado en el monocromo,
1 Muestra latinoamericana el diseño de la periferia
Junya Watanabe. Otoño/invierno 2000. Fotografía: Hatakeyama
Rei Kawakubo-Comme des Garçons, Yohji Yamamoto. Otoño/invierno 1996. Fotografía: Hatakeyama
BID es una muestra de diseño que se celebra cada dos años. Nació en 2007 para promover el diseño en Iberoamérica.
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En el Pabellón de las Culturas del Parque Ibirapuera de San Pablo, legado de Niemeyer, la exposición Design da Periferia como parte de la III Bienal Iberoamericana de Diseño (BID), apuntó allí donde somos diferentes. “Las nuevas soluciones para facilitar el día a día, que sean compatibles con la realidad y al alcance de todos”, señaló su foco curatorial Adelia Borges. La idea de “diseño” propuso que fueran piezas populares que cuenten un poco de su historia, de su personalidad. Borges reunió trabajos de distintos lugares del país producidos por personas con este pensamiento en común. Se vieron todo tipo de “objetos improvisados con un resultado en el que la simplicidad resulta de sofisticados raciocinios, mostrando soluciones muy ingeniosas”, comentó Adelia.
5 Libros feria de américa hallazgo matriz A fines de 2012, La vanguardia invisible, un cuidado libro de formato cuadrado, hizo luz sobre uno de los episodios clave de la historia de la industria y el diseño en el país: la Feria de América, un capítulo de la historia tragado por la proscripción del Peronismo. Este evento industrialista fue ideado por el gobierno peronista en 1953 y erigido en la ciudad de Mendoza, junto al macizo cordillerano, en el Parque General San Martín. Allí, todos los países al sur del Río Bravo tuvieron su stand. Modernas cajas diseñadas por el director técnico de la feria y su socio en esta aventura cultural industrialista: César Jannello y Gerardo Clusellas, quienes desplegaron el Movimiento Moderno en
espacios efímeros pero sólidos para albergar en sus interiores el potencial industrial de cada país. La idea era sentar las bases de una matriz regional industrial. Además de estos stands (sólo sobrevive el de Cuba, una construcción circular de madera muy Alvar Aalto) estos diseñadores pioneros se lucieron con mobiliario. De algún modo, entre esta gesta y su acción docente en la Escuela de cerámica de la Universidad de Cuyo, Jannello terminó de darle el empujón a lo que en pocos años sería la primera carrera de diseño del país, en la Universidad Nacional de Cuyo. La portada, de Tite Barbuzza, muestra la torre emblemática cuyo módulo diseñara Tomás Maldonado (para una partitura lumínico sonora de Mauricio Kagel) mientras que el interior despliega análisis y planos de aquellas joyas evaporadas de la vanguardia local.
1 Muestra internacional ¿Re revolución industrial? The Future is Here exhibió los brazos inteligentes de la firma Kuka Robotics.
3 Concurso Fiesta de la vendimia El Gobierno de Mendoza abrió la convocatoria para el diseño de la imagen promocional de la Fiesta Nacional de la Vendimia 2014. En octubre, se conocerá el ganador de este concurso nacional que resulta un desafío para la interpretación visual sobre una fiesta masiva y popular. En paralelo, se armó el archivo de afiches de la vendimia, la colección histórica de una de nuestras principales fiestas nacionales. Ver más: imagenvendimia.mendoza.gov.ar
Posiblemente, recién a través de la cercanía con las impresoras 3D, muchos se estén dando cuenta que una revolución industrial está en curso y quieran entender cómo esta tecnología seguirá profundizando el impacto de acá a los años por venir. Quienes quieran saber cómo estarán hechas las cosas en el futuro, se recomienda una vuelta por la muestra The Future is Here (El futuro está aquí), en el Design Museum de Londres. La transformación que opera el diseño sobre cómo hacemos y usamos aquellos objetos de los que dependemos, afectará el comercio y la industria de un modo mucho más profundo que la revolución industrial del siglo XIX. Por eso, el museo se propuso explorar cómo las fronteras entre diseñador, fabricante y consumidor se evaporan. En la muestra, Ron Arad sentencia que “el printing 3D es un abuso” mientras se despacha con piezas de todas las formas, una tras otra, al tiempo que se ofrecen workshops donde los visitantes pueden ensamblar sus propios objetos. Diseñadores consagrados y otros emergentes pasan el día manufacturando y debatiendo sobre los alcances de esta nueva modalidad de producción industrial. 11