INDIEFERMAG Nº 21. Mayo 2013

MAYO 2013 | Nº 21

M A N E L ATLETES BAIXIN DE L'ESCENARI

REVIEWS PHOENIX / JAMES BLAKE / THE KNIFE / DAUGHTER / TACHENKO THE BIRKINS / KURT VILE / NO JOY / THEE OH SEES / WAVVES / OSO LEONE / BALAGO ENTREVISTA DEAD SONS DOSSIER ANTONY AND THE JOHNSONS INDIEQUETAS CRÓNICAS TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO / EELS ICO TOP ABRIL´13 Y MUCHO MÁS

ÍNDICE

INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

Review del mes Manel

Análisis de Atletes Baixin De L'Escenari

3

Reviews Phoenix: Bankrupt 7 James Blake: Overgrown 9 The Knife: Shaking The Habitual 11 The Birkins: Châteaux En Espagne 15 Daughter: If You Leave 17 Santa Rita: High On The Seas 19 Tachenko: El Amor Y Las Mayorías 21 Dossier Antony And The Johnsons 23 Entrevista Dead Sons 29 Crónicas

TAB: Ocho y Medio Club, Madrid (27/04/13) 31 Eels: La Riviera, Madrid (28/04/13) 33

Opinión

Pledgemusic o cómo revolucionar el mundo de la industria discográfica 35

Indiquetas 37

Ico Top Ico Top Abril 2013 41 Indiespensables Tops Abril 2013 45

M A N

ATLETES BAIXIN

4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

N E L

N DE L'ESCENARI

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MANEL

Atletes Baixin De L'Escenari / 2013 Por Jesús Daniel Marín

¿Imagináis por un momento que justo al empezar a sonar el nuevo disco de Manel se escuchara la profunda voz de Constantino Romero?

Hubiera sido una forma de rompernos los esquemas desde el principio a todos los oyentes, pero a estas alturas Manel no necesitan recurrir a artificios para conseguir algo que pueden hacer utilizando la mejor de sus armas: las canciones.

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Con su ya tercer disco que lleva por título la famosa frase de Barcelona’92 “Atletes, Baixin De L’escenari” se confirma lo que ya habían demostrado con sus dos trabajos anteriores. Manel es un grupo que bebe de la tradición folk catalana, de cantautor de preciosas palabras, de aires mediterráneos acoplados a un pop costumbrista pero que a cada paso que dan, avanzan y evolucionan. Para llevar a cabo esto, los Manel han decidido reducir su formato de banda a tan sólo cuatro miembros, prescindiendo de vientos y cuerdas y grandilocuentes postproducciones que dotaban de tintes épicos al sonido de su anterior disco y que tan buen resultado les dio.

Esta simplificación se aprecia desde el primer tema, porque “Ai, Yoko” empieza directamente apoyada en un punteo de guitarra y unas letras cargadas de referencias al pop y la vida del músico ante su musa. Esta misma onda eléctrica sigue “Vés, Bruixot”, donde el bajo dibuja una melodía que nos traslada a los años del funky, pero rebajando la velocidad del tempo para adecuarlo al cancionero de Manel. Los tres minutos de “Ja Era Fort” son un paseo por la Costa Brava, dándose la mano con las costas italianas, recorriéndolas subido en una moto y disfrutando del sonido más clásico que podemos encontrar en este disco, perdiéndonos entre los arpegios de guitarra que no dejan de sonar a lo largo de todo el tema.

“Banda de Rock” es un homenaje sentido a aquellos grupos que, sin

saber porque, han caído en el olvido y aún te dibujan una sonrisa en la cara o te invitan a tamborilear tus dedos cuando suenan por sorpresa en la radio. Parecía que iban a ser tan grandes y ahora no son nada… la historia de la cultura en este país, una cruda realidad. Como “Deixarte un día” y las dificultades encontradas ante una situación tan habitual como lo es terminar una relación. Salvo que lo que normalmente sonaría como un drama se convierte en ironía y en una forma de libertad en la voz de Guillem. Y en “Mort D’un Heroi Romàntic” despliegan las reminiscencias de su disco anterior y de temas como “Aniversari” y las conjugan con el costumbrismo de la lírica medieval, como si estuvieran escribiendo un nuevo romancero actualizado a nuestros días.

Y sin dejar de hablar de cosas del pasado, es evidente y lógico que en las canciones de Manel se aprecie el legado de cantautores como Serrat o Lluís Llach. Esto sucede en “Imagina’t Un Nen”, no apta para corazones sensibles porque es una metáfora realmente triste sobre la infancia perdida o mejor dicho, arrebatada. Aunque por suerte, como contrapunto a este momento triste nos invade “Teresa Rampell”, tema elegido de forma muy acertada para ser single del disco porque es como una droga que te incita a moverte. Con esta canción Manel demuestran que son capaces de romper con esa etiqueta folk que llevan encima y que facturan un tema que, todo hay que decirlo, es perfec-

MANEL | ATLETES BAIXIN DE L'ESCENARI

tamente bailable. Vuelta al medio tiempo con “A Veure Què En Fem” y la pesadilla de creer haber pasado página hasta que te sorprendes recordando aquellos momentos que no volverán, con unos coros sobresalientes en el estribillo muy al estilo Beatles.

La única canción de la cual se podría prescindir en el disco es “Desapareixiem Lentament”, porque pasa sin pena ni gloria. Suena, no molesta, pero quien sabe si en su lugar podría haber entrado un hit del estilo de “Benvolgut” o un tema que casara mejor con la más animada “Quin Dia Feia, Amics…” que relata el proceso de creación de una canción en mitad de una escapada de una pareja, donde el novio pide a su pareja que no le moleste ya que se encuentra escribiendo

una canción para ella. Anécdota divertida para este tema que suena tanto a Belle and Sebastian y que precede a la melancólica “Fes-Me Petons”, cantada al amor sin esperanza ni condición pero con entrega absoluta. El broche final del disco lo pone “Un Directiu Em Va Acomiadar” donde en clave de humor y con ese nuevo sonido que presenta el grupo, se nos narra el despido de un trabajador al que no le quedan más narices que asumirlo, entre guitarrazos y una batería que por fin sobresale por encima del resto de los instrumentos, marcando con claridad quién lleva la pauta en este tema.

Después de todo, podría decirse que Manel lo han vuelto a conseguir. Sin resultar pedantes ni extremadamente nacionalistas, han

facturado un gran disco que puede suceder en éxito a “10 Milles Per Veure Una Bona Armadura”. Renunciando a esos arreglos de cuerdas y vientos han acercado su música a lo que es una actuación en directo de la banda y eso siempre es de agradecer. Así que haciendo referencia al título del disco sólo queda decir una cosa: “Manel, pugen a l’escenari.”

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P H O E N I X REVIEW

B A N K R U P T Por Jaime Mateo Herrero 8 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

Al final parece que Phoenix no han renacido de las cenizas de su anterior y encumbrado disco “Wolfgang Amadeus Phoenix”.

La cima musical del conjunto francés llegó con este cuarto disco y la espera por volver a saber de ellos ha sido de cuatro largos años. Se podría pensar que este periodo ha sido más que suficiente para volver con algo completamente fresco y destacable. En el caso de “Bankrupt!” esto viene a medias. Ojo, no es un disco decepcionante, de hecho si no fuese de Phoenix ahora mismo sería una de las mayores sorpresas de este año. Pero claro, llevar a cuestas losas del tamaño de “Lizstomania”, “1901″ o “If I Ever Feel Better” no es tarea fácil.

Todo el hype de “Bankrupt!” llegó a principios de año. Primero con aquella web con el epiléptico logo del nombre del disco. Luego la portada con los motivos frutales haciendo pinitos para liderar las listas de artcovers más feos del año. Y por último ese single llamado “Entertainment” con el rollo asiático despertando la curiosidad de muchos o poniendo a prueba los nervios de otros tantos. Pero no seamos exquisitos, el single se disfruta y es que, ¿qué es lo que se le pide a un grupo como Phoenix?

Pues eso diversión y alegría.

PHOENIX | BANKRUPT | REVIEW

Después de abrir el quinto LP de Phoenix con la canción antes mencionada uno espera que se mantenga ese ritmo a lo largo de las diez canciones que componen “Bankrupt!” Nada más lejos de la realidad. Desde los inicios de “The Real Thing” uno ya se da cuenta de que este disco va a requerir de muchas más escuchas de las habituales en un disco de Phoenix para cogerle el punto. Serán los cambios de ritmo, será la falta de inmediatez en los estribillos, será lo que sea pero “Bankrupt!” de primeras le deja a uno un poco templado.

Con “SOS In Bel Air” se agradece ese soplo de frescura. Es una canción con varios giros que consigue atrapar cuando sube el tono. Por si alguien no se había dado cuenta todavía, el peso de los teclados y sintetizadores es más que notable en este disco y “Trying To Be Cool” es otra buena muestra de ello. Sonidos vintage, escalas que ascienden y descienden, campanas tintineantes y Thomas Mars centrado en sus registros particulares.

La canción que da nombre al disco todavía no la acabo de entender.

Siendo el tema más largo de la trayectoria del grupo, algo ya arriesgado de por sí, no aporta gran cosa al conjunto global del disco más allá

de romper el ritmo del mismo. Con varias partes, podemos obviar las iniciales y centrarnos en el minutaje final con la parte más lenta de todo el disco. Algo que por mucho que lo intenten Phoenix, nunca destacarán por ello.

En la segunda mitad del disco encontramos otros momentos muy disfrutables como los teclados descendentes finales de “Drakkar Noir” que reenganchan con la repetitiva “Chloroform”. Un poco más de caña le meten a “Don’t”y “Burgeois” para que no nos durmamos en los laureles sintéticos y las pastosas voces de Thomas.

Los de Versalles han vuelto con un disco de notable justo. Uno tiene que preguntarse qué le pedía al grupo francés con este “Bankrupt!”

Si eres de los fanáticos que se subieron al carro con “Lizstomania” y compañía, has de rebuscar bastante para encontrar algo parecido.

Si por el contrario le pedías cierta evolución y novedad musical al grupo, también. En cualquier caso, es un disco muy disfrutable al que volverás varias veces a lo largo del año aunque sólo sea para levantarte los ánimos después de un día de mierda.

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REVIEW | Por Jaime Mateo Herrero

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JAMES BLAKE OVERGROWN / 2013

James Blake vuelve dando un elegante golpe sobre la mesa con su segundo disco “Overgrown”, catapultando su figura a los altares de esa mezcla de electrónica, soul y dubstep que se ha inventado él solito y que vuelve loca a toda la escena independiente.

Después de cinco espléndidos EPs editados entre 2010 y 2011, James Blake lanzó su álbum debut homónimo para revolver a toda la crítica con temas imprescindibles como “The Wilhelm Scream” o “Limit To Your Love”. Una vez que ya nos tenía a todos en el bolsillo, vinieron colaboraciones tan grandiosas como aquel “Fall Creek Boys Choir” con Bon Iver.

Dos años después, tras varios goteos en forma de adelantos y la broma del ciervo en la portada del disco, el joven genio londinense de tan solo veinticuatro años vuelve para derretirnos por dentro con un

disco repleto de huellas musicales de la talla de Brian Eno o RZA. Las bases siguen intactas, melodías intimistas apoyadas en esa esencia soul y con la guinda de los elementos dubstep. Y entonces, ¿qué es lo que ha cambiado en este“Overgrown”? Pues básicamente el espectro musical de James, que ahora se abre al alcance de aquellos que todavía se mostraban reticentes con el estilo del británico.

Ahora sí, si no te entra este disco, James Blake no es lo tuyo.

Ya desde el primer adelanto que conocimos a principios de año, “Retrograde”, James nos lanzaba al vacío de ese bucle musical del que es imposible escapar, hipnotizando con sus gemidos contenidos al ritmo de esos toques dubstep. La misma idea que en el disco anterior pero engrandecida aún con la variedad de sonidos que se mezclan en los, para mí, mejores cuatro minutos de lo que llevamos de año.

El disco comienza con la canción que le da nombre, “Overgrown”.

En seguida uno se da cuenta de que ahora hay menos silencios y más voz de James, depurada a la perfección y con matices nuevos que enriquecen las enamoradas letras del disco. Los teclados y sintetizadores son otras armas de las que se sirve Blake para dejarnos noqueados en temas como“Life Round Here”, sonido más contundente que en la anterior “I Am Sold”.

Llegamos a la gran sorpresa de este “Overgrown”, que lleva el nombre de “Take a Fall For Me” y se mues-

tra acompañada del siempre controvertido feat “alguien”. RZA ha sido el elegido por el, ahora más que nunca, polifacético James para componer la que hasta hora es su canción más hip hop. Una colaboración de la que no se puede salir más airoso y que asombra por la elegancia de la que se impregna RZA. Otra delicia para los oídos es la breve y sencilla “Dlm” que estremece con cada subida de voz del británico.

En la segunda mitad del disco encontramos dos canciones que sobresalen (más si cabe) entre la abrumadora brillantez de “Overgrown”. Son “Digital Lion” y “Voyeur”. La primera de ellas juega con los silencios y percusión insistente mientras que la segunda es sencillamente la joya de la corona británica. En un irresistible bucle de tintes electrónicos acompañado de ¿campanas?, James Blake se supera compositivamente una vez más con la opresiva “Voyeur”. La emoción alcanza cotas imposibles en muchos tramos de “Overgrown” como en el ascenso sonoro de “To The Last”. Simplemente perfecta.

Para cerrar, la tierna “Over Love Comes Back” pone la guinda a un disco redondo, en el que no sobra ni un segundo como sí podría pasar en el debut de James. Sin duda alguna estamos ante uno de los discos del año, un regalo para los oídos procedente del imprescindible universo sonoro de uno de los compositores más importantes de mi generación. Larga vida a James.

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REVIEW

THE KNIFE

Shaking The Habitual (2013) Por qué “Shaking the Habitual”es un disco necesario e imprescindible.

Por Jaime Mateo Herrero

Se podría afirmar que el último disco de The Knife ha sido el más arriesgado de la historia reciente de la electrónica contemporánea. Después del encumbrado “Silent Shout” (2006), el dúo sueco formado por los hermanos Karin Dreijer Andersson y Olof Dreijer vuelven para agitar todo patrón establecido, ya sea musicalmente o políticamente hablando.

Estamos ante un disco complejo, variado, muy difícil de digerir y conceptualmente denso. Como la crítica se ha polarizado como pocas veces, en la redacción hemos decidido hacer una review doble, mostrando dos opiniones distintas sobre el disco.

“Habitual (adj)”: Que se hace a menudo, reiteradas veces, o que es frecuente. “Shaking”: Agitar, remover, hacer temblar.

Si atendemos a las razones que han llevado a componer este disco encontramos desde la crítica al sistema capitalista o la democracia, el cuestionamiento de los roles de géneros o la intrincada teoría queer.

Sabiendo uno a lo que viene queda únicamente hacer el esfuerzo de intentar encontrar el reflejo de estos manifiestos en “Shaking The Habitual”. Después de varias escuchas y superar la dura resaca que deja, yo me decanto por el sí rotundo a la propuesta de este disco. ¿Por qué?

Para empezar, el título no puede ser más acertado. Que se incluya una canción de cincuenta y cuatro segundos y la siguiente de diecinueve minutos no es algo habitual y te lo puedes tomar de dos maneras, como siempre. O te están tomando el pelo, o son unos genios. En mi caso yo no creo que la “caída de bomba nuclear” de “Crake”ni la interminable y marciana “Old Dreams Waiting to Be Realized” sobren en este disco. Pero en un mundo impaciente como el nuestro esta última canción está abocada al desprecio. Una pena, porque a mi parecer la inquietud y opresión que desprende el tema sería imposible

recoger en tres minutos. Después de los imprescindibles singles “A Tooth for An Eye”y “Full of Fire” muchos ya se hicieron a la idea de que todo el disco iba a estar repleto de hits de este calibre. El caso es que los hay, la primera parte de “Ranging Lung” o varios pasajes de “Stay Out Here” contienen esos ritmos electrónicos que enganchan gracias a la magnética voz de Karin.

La trepidante frecuencia de “Networking”sirve para realimentar la tediosa segunda parte del disco. En cuanto a la primera, cabe destacar la épica “Wrap Your Arms Around Me” o la rítmica “Without You My Life Would Be Boring” con mesajes tan incendiarios como “shaking the habitual really took time, we are laughing at the future to find out the past”.

Si lo que The Knife buscaban con este disco política y musicalmente incorrecto era hacernos reflexionar sobre la decadente sociedad en que vivimos, ya es cosa de cada uno querer verlo de esta manera. Porque la inexistente inmediatez de las canciones y las ideas difuminadas entre tantos sonidos infinitos y densos no ayudan a comprender el significado de este “Shaking The Habitual”. Pero la (necesaria) llamada de atención de The Knife queda patente y puede que, como las grandes obras, se reconozca dentro de diez años cuando ya todos busquemos auxilio en la electrónica para escapar de la desgracia humana.

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Por qué “Shaking the Habitual”no es un disco necesario ni imprescindible.

Por Joaquín Ollero García

¿Recordáis una canción titulada “Heartbeats” de un grupo llamado The Knife?

Así, en plan rápido, puedo comentar que dicha canción incluida en el 2º álbum de la pareja sueca ha sido calificada como una de las mejores canciones de la década 2000-2010 (Pitchfork Media, posición 15) e incluso como una de las mejores canciones que jamás se han hecho (Consequence of Sound, posición 14). También podría mencionar una tal “Pass This On” del mismo disco que grababa en nuestras retinas una épica escena de la película Les Amours Imaginaires, a base de una melodía fresca y contundente. ¿Y alguien recuerda un álbum que saldría allá por 2006 que llevaba por título “Silent Shout” (una joya indescriptible de aquel año)? Ya se inclinaba por un tono ligeramente más oscuro y maduro, pero aún así, el punto en común de todos los elementos mencionados es que se trataba de buena música. Ni más ni menos. Al escuchar dichas canciones y discos te podías sentir que te encontrabas al frente de composiciones inteligentes que sonaban con un propósito concreto.

En “Shaking the Habitual” todo esto ha cambiado de forma radical. La música como concepto de forma de transmisión ha sido dejada de lado para hacer protago-

nista a una esencia que reivindica unas ideas a través de un medio que no es el adecuado. A lo largo de los 96 minutos que dura este álbum doble la sensación constante que tenemos presente es que estamos escuchando unos temas que parecen ser hechos al azar (es obvio que no ha sido así, por si hiciese falta aclararlo), con una disposición de las notas que no alcanza ningún tipo de armonía y que se estanca en la burla y en lo irrisorio. Ciertos rayos de luz se pueden vislumbrar en contadísimas ocasiones en pasajes muy concretos escogidos de los famosos singles, “Without You My Life Would Be Boring” o “Ready to Lose” (una sombra de lo que se entendía por The Knife en el pasado), pero no son suficientes motivos para justificar demasiado politiqueo y letras grotescas todo removido con unas melodías a las que es realmente complicado encontrarle algún sentido.

Esta opinión sobre este esperadísimo disco no está en absoluto en contra de que las personas y las ideas mutan y cambian, y es como debe ser.

Se necesita una evolución, incluso con importantes giros de 180º, para escalar escarpadas montañas y llegar hasta las anheladas cimas, y por ello es necesario realizar una apuesta que puede resultar exitosa o no. The Knife ha producido este álbum que sale del interior de sus mentes y por el hecho de ser un acontecimiento de sinceras intenciones ya es algo respetable, pero si nos centramos en el apartado musical, nos sentimos desorientados, como perdidos en un mar de niebla.

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THE KNIFE | SHAKING THE HABITUAL | REVIEW

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REVIEW

THE BIRKINS

Châteaux En Espagne (2013) Por F. Javier Moreno

The Birkins vuelven con su segundo álbum de estudio, “Châteaux En Espagne”. Un disco con melodías bohemias, unos versos llenos de melancolía y cargados de sentimiento.

El sonido de The Birkins es una mezcla entre el rock británico, con guitarras cargadas de distorsión, la canción francesa con pinceladas de melancolía y versos bohemios. Aunque también en algunas ocasiones podemos escuchar un poco de psicodelia en sus teclados, algunos toques folk e incluso experimentación.

The Birkins está formado por Dani Birkin (voz y guitarra), Cris Santana(voz), Alby Ramírez (guitarras) y Sergio Miró (batería y percusiones). La banda debuto en el año 2011 con su primer largo, bajo el sello El Genio Equivocado. El homónimo “The Birkins” fue una interesante carta de presentación en la que particparon también los teclistas Rami Jafree (Foo Fighters) y Roger Manning (Beck, Air) además de Dayna Kurtz poniendo su voz en el romántico e “italiano” tema “Frapuccino lovers”.

“Châteaux En Espagne” fue grabado por la banda canaria en Puerto de Santa María (Cádiz), en los estudios de Paco Loco, que ha producido, grabado y mezclado este nuevo trabajo. En el trabajo además los arreglos de cuerda están a cargo

de Chris Carmichael, Miguel Barrones con el trombón, David Guillén se ha encargado de la trompeta y Paco Loco ha trabajado en puñado de arreglos por citar algunos músicos. El sonido del disco podemos decir que ha sido muy mimado y cuidado al milímetro.

En palabras del grupo, “el título se antoja adecuado para describir este preciso momento temporal en sus vidas personales y en el país en el que viven”. El título “Châteaux En Espagne”, que significa “castillos en España”, retrata a la perfección la realidad tanto del país en el que vivimos como de la actualidad del mundo de la música. Un panorama en el que la opulencia de unos es muy distante de las grandes dificultades de otros, donde llegar al término medio ya podemos decir que es una victoria.

“Châteaux en Espagne” comienza con “Where We Were”, un corte a modo de introducción. El sonido de noventero se podrá apreciar a lo largo de todo el disco, algo que intuíamos en el primer tema y que “Belle De Jour” cantada por Cris Santanay “A. Rimbaud and His Long Way Home”, donde Dani Birkin recuerda a ratos a Joe Dassin, nos lo confirman. Guitarras sucias y voces opuestas en una y otra canción, hacen que el disco sea variado al transmitirnos diferentes puntos de vista del mismo. “La Chatte de Mon Amie”, la “chanson”del disco, cuenta con los arreglos de cuerda de Chris Carmichael y Coré Ruiz en el vibráfono . “La Signature” es

uno de los temazos del disco donde Cris Santana está brillante y las guitarras están más presentes que nunca con ese ritmo gamberro que nos hace saltar. Un corte con tonos psicodélicos y unos melancólicos versos: “je veux sortir d’ici / t’accompagner dans tes nuits de larmes / consoler tes soirées”. Diferentes pasajes son los que vivimos en este “Châteaux En Espagne”, como la festiva “Ophelia (Just Sing)”; “Confessional Drinker” y “Curtain Call”, ambas con su sonido Folk marcado o “Tell Me What You Want” con sus cambios rítmicos y melódicos. La recta final llega con un gran trío de canciones que comienza con la preciosa “Toute Cette Lumière” donde podemos escuchar a Cris recitar los versos envueltos en una atmósfera mágica creada por Rami Jaffee y su Hammond B3; y Chris Carmichael de nuevo con sus arreglos de cuerda.

“Brouillon #3” cantada por Cris y Dani Birkin nos hace viajar a los años sesenta con este tema cargado de pop que cuenta con una sección de viento que encaja a la perfección. Y como no, “Châteaux En Espagne”, pone el punto y final con un sonido animado, alegres guitarras acústicas y toda la banda cantando al unísono “algo me dice que este es el fin”.

Un final perfecto, para un más que decente segundo álbum de estudio donde The Birkins nos hacen viajar a diferentes lugares de nuestro corazón y nuestros recuerdos. Un trabajo lleno de luz, vibrante, bohemio y cargado de melancolía.

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DAUGHTER / If You Leave (2013) Por Jaime Mateo Herrero

Como agua de mayo se esperaba el debut de Daughter, que no podía llegar en otra época que no fuese el final del invierno, y así ha sido.

Como los primeros rayos de sol que entran por la ventana después de meses llenos de nubes y lluvia. Ya la portada refleja ese escenario sobre el que se dibujará el debut de Elena Tonray sus recientes compañeros, el guitarristraIgor Haefeliy el batería Remi Aguilella. Los dos EP que preceden la trayectoria musical de los londinenses, “His Young Heart” (2010) y “The Wild Youth” (2010), ya dejaban entrever lo que podría salir de semejante formación.

“If You Leave” contiene melodías ambientales que quitan el aliento.

Es una labor de inmersión en uno mismo escuchar cada uno de los diez temas que lo conforman. Y es que la sencilla voz de Elena y los pausados rasgueos de guitarra acústica son suficientes para llenar de luz las homogéneas canciones del álbum. No hay cambios de registro, no hay cambios de estilo, todo el disco fluye con una velocidad y eficacia asombrosa. Cada canción es un pequeño viaje al delicioso mundo intimista de Daughter.

Desde el in crescendo de la inicial“Winter” hasta la eterna nostalgia de “Swallows” para cerrar dejando un gran sabor de boca. Hay mucho de los primeros trabajos de Florence and The Machine en este “If You Leave”, aquellos que sobrecogían por sencillez y belleza.

“Smother” recurre a coros y voces angelicales para cerrar otro tema redondo. En “Youth” encontramos a los Daughter más tiernos y a la vez más salvajes, con esa espectacular percusión que le da oxígeno a varios fragmentos de la canción.

“Still” nos narra la historia de una relación amorosa abocada al fracaso, pura emoción que se desprende en una de las cimas del álbum.

Podría haber ocurrido que la pretendida fragilidad de las canciones y su tono lánguido hubiese hundido “If You Leave” por excesiva monotonía. Sin embargo, Daughter han sabido controlar la duración de los temas y los ritmos de las mismas, levantando canciones como “Lifeforms” cuando parecía que no iban a aportar nada más. Las desgarradoras letras que mezclan desamor y naturaleza también son otra de las

bazas de este disco: “By tomorrow we’ll be swimming with the fishes, leave out troubles in the sand… And when the sun comes out, we’ll be nothing but dust”.

En la recta final se encuentran dos de las joyas del disco. Es en “Human” donde Daughter juguetean con el mejor folk, alejándose del remanso de paz que supone el resto del disco. Por otro lado, “Amsterdam” construye bellas melodías sobre la base de un insistente punteo.

El debut de Daughter no trae nada nuevo al género y por lo tanto esto supone un riesgo. Es el riesgo de resultar redundantes, cosa que desde luego no ocurre. Han definido tan bien su sonido y le han dado tanto cuerpo y tanta personalidad que “If You Leave” brilla con descaro y sólo quedará al margen de los impacientes. Los londinenses salen airosos de su esperado debut y su disco se afianza como uno de los trabajos de este 2013 que mejores sensaciones transmite con tan poco.

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REVIEW

SANTA RITA

High On The Seas (2013) Por Jesús Daniel Marín

Volver a los años noventa es un ejercicio fácil cuando escuchamos “High on the Seas”, disco debut de las barcelonesas (o casi) Santa Rita. Apadrinadas bajo el sello de calidad de la discográfica Aloud Music, su debut en el larga duración es una descarga de rock de garaje y sucias guitarras que beben de la época dorada del grunge.

Y es difícil conseguir un resultado tan bueno sin caer en los tópicos del género.

Cuatro mujeres que abanderan el sonido del rock crudo, sin artificios y con una formación clásica de bajo, guitarra, batería y voz. Porque para conseguir sonar bien no hacen falta mayores artificios, solo el buen gusto que demuestran las chicas de Santa Rita en sus composiciones.

El disco se abre con “Báltico” y como si de olas batiendo contra la roca se tratara, despedazan el pri-

mer tema en tres minutos frenéticos, cargados de rabia. En “Necochea” abrazan la herencia de Courtney Love y Hole, relajando el tempo y dotándolo de un ligero tono de oscuridad en la guitarra. Sorprende el cambio de estilo de la canción a falta de un minuto para que termine, dotándola de un rollito funky que queda elegantísimo. Siguiendo la temática marina que trae el título del disco, “Cantábrico” posee una melodía que mece la canción hasta llegar a un estribillo que sube de intensidad y que probablemente sea de las favoritas del público en directo.

Seguimos navegando en el álbum, llegando esta vez hasta “Mar Muerto”. Su letra es la declaración de amor más cojonuda que he escuchado en mucho tiempo acompañada de unos coros que nos recuerdan a los de Arcade Fire, salvando todas las distancias estilísticas, claro está. Volvemos a subir de calibre las guitarras para “Cap de Creus”, de melodía pesada, rozando el stoner rock y con una labor vocal impresionante a cargo de la líder de Santa Rita.

Con “Fidji” retrocedemos un poco más en el tiempo, casi hasta las bases del sonido de Led Zeppelin o Deep Purple, con un riff omnipresente a lo largo de las

estrofas que no da descanso y se ha convertido en uno de mis temas favoritos del álbum.

En la misma línea setentera está “Adriático”, oda a la resaca. Y no se me ocurre mejor término en un disco que guarda tantas similitudes con el mar y su oleaje, bravo en diversos momentos y completamente calmado en otras, como es el caso de “Pacífico”. Medio tiempo de los que gustan en el rock, con una batería que domina desde el inicio de la canción, creando el esqueleto perfecto para sostener el tema.

El disco termina su minutaje con “Fisterra”, epílogo de esta aventura y que resume a la perfección lo que ofrece Santa Rita: melodías potentes y cargadas de rabia, acompañadas de unas muy buenas letras y un grupo que ya desde su primer trabajo, promete dar mucha guerra.

Lo único que se me ocurre para cerrar esta review es darle la razón a ellas mismas, quienes ya avisan desde su bandcamp que este “High on the Seas” es un melocotonazo. Por cosas como éstas y grupos como ellas, jamás hay que perder la fe en el rock.

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TA C H E N K O

REVIEW | Por Jesús Rguez Gamero

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EL AMOR Y LAS MAYORÍAS / 2013

“El Amor Y Las Mayorías”, así reza el último disco que nos traen estos magníficos maños que llevan ya varios discos y giras a sus espaldas, cosechando éxitos con melodías pop, muchas guitarras y letras sinceras llenas de poesía, siempre defendiendo causas pérdidas.

La historia de la banda toma pie allá por el año 2002 con la unión de Sergio Vinadé, Andrés Perruca (a él, gran fan de la antigua URSS se le ocurrió el nombre) ambos provenientes del Niño Gusano y Sebas Puente. La consigna del grupo era simple, una apuesta sincera por el pop con guitarras en una eterna búsqueda por la melodía perfecta, y que no muy lejos de encontrarla 10 años después, y con algunos cambios en la formación inicial, siguen dando que hablar pero para bien: “Tachenko somos todos y eso es así”.

Quienes no hayan conocido el cuarteto hasta la publicación tienen a la vista un disco que hará las delicias de los más devotos al pop independiente nacional. Tachenko demuestra lo que verdaderamente significa el pop, un auténtico estallido musical, con estilo propio algo ortodoxo y con potentes guitarras. Este disco es sin duda un gran trabajo con un puñado de buenas canciones, indispensable para los fans y de merecida escucha para profanos…

¡Tú y yo lo sabíamos! El LP cuenta con 12 temas, todas regladas con una duración de entre 2 y 4 minutos con tempo alegre, una base rítmica impecable, mucha naturalidad, con guitarras bien definidas y distorsio-

nes comedidas. Sobre las letras, de las que se encarga Sebas Puente, se habla en torno al amor y sobre “el sucio vandalismo de traje y reloj”; una lectura de actualidad con miras de crítica social a los tiempos que corren. El disco contiene un trío de canciones susceptibles de ser singles como “Suerte y Relámpago”, “Estados libres de la Unión” o “Vendaval”… discrepando en mi honesta opinión con el single elegido “Dame una pista” pues me resulta comercial y algo banal con un insípido toque electrónico.

“Campos de Marte”, supone un excelente entrante para éste trabajo, “giros, virajes, golpes y celebración” muy bailonga que habla de los Campos de Marte allá en Paris y la revolución. El siguiente corte es “Suerte y Relámpago”la más pop del disco, con varios cambios y muy buenos arreglos de guitarra y órgano. “Dame una pista” single elegido para la promoción del disco y que recuerda mucho al anterior trabajo “Os Reís Porque Sois Jóvenes”, algo electrónica y que confrontará opiniones. “Levántate”canción con hammond, con dos partes bien diferenciadas y un magnífico final.

A continuación viene “Mi amor, las mayorías” canción que da nombre

al disco, algo hipnótica y con letra de metalectura. En la próxima pista aparece “Genzor Cabalga” canción instrumental que nos recuerda a “El Equipaje” del segundo LP “Las Jugadas Imposibles” y que por cierto no aparece en Spotify… después viene“Estados libres de la Unión”una de las canciones más frescas y una de mis favoritas con estupendos coros: pop en estado puro, para que fingir… el siguiente turno es para “Las cárceles” tema cantado por Sebas Puente y sin duda la más melódica de todas.

Llegamos a la parte final con “Mundo Apache” esta cantada por Vinadé, en la línea de la anterior canción con un ritmo muy marcado.

Después “Error, Error” canción muy alegre y marchosa, muy pop y con un guitarra muy pegadiza. Ya para acabar tenemos el plato fuerte con “Vendaval” título que le viene como anillo al dedo al tema. Y para cerrar “Ojo de Halcón” la más épica de todas con un magnífico final y que supone el broche final de este disco redondo: que hará inevitable presionar al repeat.

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DOSSIER

ANTONY AND THE JOHNSONS

Por Joaquín Ollero

Recorremos la carrera musical de Antony and the Johnsons, o mejor dicho, de una banda liderada por Antony Hegarty, un ser humano nacido para dotar de texturas a valores abstractos tales como la sutileza, el dolor, el agradecimiento o la pasión.

Sus composiciones cuentan con un gran elenco de instrumentos, pero sin lugar a dudas el más importante de todos ellos es la propia del voz del cantante, capaz de acercarnos tanto a la muerte como a la salvación eterna. El chamber pop es un género muy delicado de tratar ya que su objetivo es realmente complicado de alcanzar, centrándose en una casi utópica trasmisión completa de sensaciones ideales a través de canciones que abarcan cuestiones y preocupaciones existenciales que cualquier persona sufre. Antony and the Johnsons se ha entregado a esta titánica tarea desde 1998, publicando a lo largo de todo este tiempo 4 discos de estudio, 7 extended plays (aunque varios han servido de complemento directo de dichos álbumes) y un par de directos que revisitaban las canciones más laureadas de toda la discografía además de incorporar algún tema inédito.

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DOSSIER | ANTONY AND THE JOHNSONS Antes de comenzar con la disección de cada trabajo publicado por la banda no podemos dejar de remarcar el impacto que ha tenido la banda en el panorama musical, de notable envergadura, centrándose sobre todo en la piedra angular de suma importancia que es “I Am A Bird Now”. En multitud de ocasiones, la crítica se ha deshecho en elogios con las canciones más sonadas, ya que estas han conseguido alcanzar una dimensión seguramente inexplorada hasta entonces de celestial delicadeza. Los adjetivos se han fundido constantemente en torno a la figura de Antony Hegarty, un osado y atractivo espíritu que simboliza la exaltación de la sinceridad y la valentía.

“Antony and the Johnsons” (1998)

El álbum debut se tituló de igual manera que el nombre de la banda y desde la primera canción (“Twilight”) ya se demostró cual era el estilo que siempre se seguiría con el paso de los años, ya que en esencia ha cambiado muy poco.

Nos referimos a canciones orquestadas, muy ricas en instrumentos dulces como pianos y violines, dejando el pedestal más alto del podio para la voz de Hegarty (y por muchas veces que indique esto, no me cansaré de repetirlo).

“Cripple and the Starfish”, aparte de tener como título una combinación muy… adecuada y exótica, es un emblema de la banda, una de sus canciones más tocadas y preferidas por el público (incluida en los dos directos). Con palabras escogi-

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das meticulosamente nos encontramos ante una interpretación asombrosa del dolor, donde se reconoce que siempre se deseó que el amor fuese dañino. La parte más excelente del tema la encontramos en esa sección que se sale de la estructura principal y que narra “I am very happy, so please hurt me”. Esta visión tan sincera del dolor y vista como un medio para alcanzar la felicidad a través de estos sentimientos es algo que nos hace reflexionar sobre los métodos habituales hedonistas. Las alabanzas llovieron por parte de la crítica especializada.

El resto del álbum sorprendentemente se aleja ligeramente de las extraordinarias ideas presentadas en las dos primeras canciones, investigando otras como una violencia bastante incipiente en “Hitler In My Heart” y creciendo como un hermoso árbol con el resto del tracklist, el cual esconde secretos deliciosos, como la perspectiva de la divinidad en “Divine”, con unos cambios de ritmo y una percusión que crean una intensidad digna de mencionar.

“I Am A Bird Now”(2005)

No, la banda no pasó 7 años creando exclusivamente este disco, uno de los mejores de primera década de este tercer milenio, si no que entrenaron con varios EPs de

gran repercusión en la mitología del grupo, como “I Feel In Love With A Dead Boy EP” o “The Lake EP”, que serán descritos más adelante en su sección correspondiente. Aún así durante todo ese tiempo sí que perfeccionaron una notable técnica exhibida en el disco debut y obraron un álbum de 10 canciones prácticamente perfecto desde el primer instante hasta el último.

Es muy fácil decir que es extraordinario desde el comienzo, porque precisamente ese inicio está representado por la mejor canción de la banda y una de las mejores del 2005, ya que “Hope There’s Someone” es música de otra galaxia.

Los primeros compases son seguramente los más determinantes que he escuchado en mi vida entera por cada uno de sus elementos: ese tono de voz angelical que se divierte con tu alma, esas terroríficas pala-

ANTONY AND THE JOHNSONS | DOSSIER bras de esperanza y los coros fantasmales que se materializan y merodean a tu alrededor. Es una experiencia vital e inigualable, la cual culmina con una segunda parte de la canción que muestra un cántico desmesurado y espectral que es imposible que deje indiferente al ser más inerte que se pueda imaginar. No hay palabras suficientes para intentar explicar qué ha supuesto esta canción tanto al mundo de la música como a cada una de las personas que la ha escuchado.

¡Y tan sólo he mencionado la primera canción del disco! Pero es que toda y cada una de las restantes rozan una elegante grandiosidad, incluso los dos atemorizantes/liberadores interludios: “What Can I Do?”, con la acertadísima colaboración de Rufus Wainwright, es una clase maestra de como condensar en tan sólo 1 minuto y 40 segundos unas notas musicales excelentemente ordenadas. La otra canción de corta duración, “Free At Last”, es un discurso de agradecimiento y de libertad, que se convierte en un ejercicio muy especial en cuanto al intento de transmitir ese sentimiento tan especial como es la gratitud.

“My Lady Story”, “You Are My Sister” y todas las restantes son obras cantadas siempre con fineza y pulcritud. Las historias del álbum transcurren con una pasmosa apacibilidad mientras cada tema brilla con luz propia.“Fistful of Love” es la creación de mayor longitud del volumen y que roza de nuevo ese cielo desde donde Antony Hegarty nos observa. Tras la narración de un pequeño poético preámbulo, nos vamos metiendo en la melodía más arriesgada y resuelta de todas, donde se nos relata el mazazo sufrido al encontrarnos ante el siempre frío muro de la no correspondencia, llegando hasta su-

plicar, aunque sea, por un puñado de amor. Cuando escuchamos “and I feel the whip and I know it’s out of love”, nosotros sentimos ese latigazo, y cuando se canta “and I feel your burning holes, straight to my heart” nos hemos quedado completamente sin palabras ante el desconsuelo que se siente cuando sentimos que la cadena que debe unir nuestro corazón con otro, está partida por la mitad.

Con “Bird Gerhl” llegamos al final de una aventura que nos ha hecho experimentar pánico, tortura y esperanza. Los 35 minutos que dura este álbum están grabados a fuego lento en los corazones de aquellas personas que han sido lo suficientemente valientes para estar dispuestos a sufrir para alcanzar la felicidad.

“The (2009)

Crying

Light”

La portada nos muestra a Kazuo Ohno, bailarín japonés a quién está dedicado este álbum. Siguiendo la estela de ese cometa liberador que fue “I Am A Bird Now”, este tercer disco de Antony and the Johnsonstrata sobre paisajes idílicos y el futuro. El primer single sería“Another World” ya que un año antes había aparecido en un EP que llevaba el mismo nombre y donde se nos adelantaba el sabor de esta luz. No es más que otra tremenda barbaridad que sumar a la lista de la banda. El sentimiento que se evapora de las notas de piano de la canción nos vuelve a resultar nostálgico, interés primordial que se quiere transmitir en cada canción, y es que si nos mudásemos a otro planeta… ¿no echaríamos de menos acaso el mar, la nieve, el sonido y cada uno de los rinconcitos que hacen especial a esta nuestra casa?

Lo que no echamos de menos en

este álbum son unas composiciones instrumentales exquisitas como “Epilepsy Is Dancing”, una pieza de baroque pop que intenta buscar la armonía con el entorno. También destacamos sobre el resto a “Her Eyes Are Underneath the Ground”, poesía en movimiento con una interpretación vocal por parte del cantante sensacional. Qué auténtico placer es sumergirse en las diferentes capas de la voz de Antony Hegarty e imaginar límites infranqueables para estos sean rebasados continuamente con suma facilidad. “Kiss My Name” es la que lleva el ritmo en la sangre y se puede decir perfectamente que recoge el testigo de “Fistful of Love”, convirtiéndose en un ensayo muy acertado y un salto arriesgado, alejándose de las confortables orillas de la apacibilidad de los pianos en solitario.

La segunda mitad baja el nivel con respecto a las canciones mencionadas, aunque sin lugar a dudas todas merecen ser visitadas y vividas.

“The Crying Light” también fue calurosamente acogido por la crítica mundial y por las ventas, alzándose como un lanzamiento esencial en el 2009, aunque no llegaría a las cotas de éxito de su antecesor, pero la formula seguía con una fortaleza difícil de agotar.

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“Swanlights” (2010)

Fue asombroso que al año siguiente ya se tuviera preparado un nuevo disco, aunque hay que tener en cuenta que “The Crying Light” se lanzó en enero de 2009 y “Swanlights” en agosto de 2010, así que lo podemos dejar en cosa de año y medio. En esta ocasión vemos que el cantante se rodea de un par de colaboradores para dar forma a tres canciones: Nico Muhly (aunque quedaría ligeramente en la sombra) y la fascinante Björk para crear una canción titulada “Fletta” escrita en un indescifrable islandés pero “no hace falta entender nada” para sentirse acongojado por el dúo tan espléndido que se marca la pareja de piel blanca, y es que, para qué nos vamos a engañar, no podía ser de otra manera. Vaya dos y vaya tema.

Dejando colaboraciones aparte, este álbum carecería de gran parte de su sentido si no contase con “Thank You For Your Love”. Pero afortunadamente esta canción aparece en la posición número 8 para dejarnos literalmente boquiabiertos.

Nueve veces el cantante dice aquello de “thank you for your love”, y hasta 42 veces podemos escuchar que se articula “thank you”. Una y otra vez hasta 42. Y cada una de ellas veces se inventa una nueva forma de decirlo, de adornarlo con un canto bello e inimitable. ¿Os ha ocurrido que en alguna ocasión ha-

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béis sentido ese sentimiento de gratificación de forma inusitada y habéis deseado transmitirlo sin perder un ápice de su valor? El artista lo repite hasta la saciedad y parece que al final queda bastante claro lo que quiere contagiar, ¿no?

La sensación esparcida durante el disco se puede resumir en una batalla que se libra entre la alegría y la desesperanza, y aunque los pilares fundamentales siguen estando presentes (y tanto en algunos casos), también encontramos un tenue horizonte difuso en unas canciones que se extravían un poco en su camino. De todas formas, generalmente el disco no deja de ser otra muestra característica de la excelencia de la banda.

EP’s, directos y colaboraciones

Alrededor de 7 trabajos de corta duración ha publicado la banda, ya que hay algunas canciones sueltas que no encajan muy bien en ningún sitio. Estos EP’s, por regla general, han servido de adelanto de los álbumes de estudio, y con esto nombro a “Hope There’s Someone EP”

(2005), “You’re My Sister EP” (2005), “Another World EP” (2008), “Thank You For Your Love EP” (2010) y“Swanlights EP”(2010). Hay canciones que no aparecen en los discos y sí en estos EP’s, como “Frankenstein”, “Forest of Love”o “My Lord My Love” y son de obligada escucha. Seguramente sean poco conocidas por el público pero no por ello se merecen menos reconocimiento. Los dos extended play más frescos son, tal y como se mencionó al principio del artículo, “I Fell In Love With A Dead Boy EP” (2001) y “The Lake EP” (2004). El primero presenta una canción con el mismo título que es bastante especial, y el segundo nos regala “The Lake”, una obra misteriosa y de un encanto desorbitado, aunque la mejor versión de esta canción la encontramos en el directo de St. Olave. Edgar Allan Poe escribió este poema y Antony and the Johnsonsse sirve de un piano y un violoncello para colorearlo de música tenebrosa y desoladora. Este tema quizás sea uno de los más desapercibidos de la banda y sin embargo tiene magia como el que más. Concluimos esta sección nombrando a “The Horror Has Gone”, también

ANTONY AND THE JOHNSONS | DOSSIER incluido en “The Lake EP”, una canción que hubiésemos deseado su aparición en los discos para que así más gente pudiese disfrutar de ella.

Con respecto a los dos directos editados, el primero de ellos en el 2003 fue grabado en la Iglesia de St. Olave (Londres, Inglaterra), y es una joya para los seguidores más allegados a la banda ya que las versiones de “The Lake” y “The Cripple and the Starfish” son incluso superiores a las “oficiales”. Si os gustan esas canciones, tenéis que conseguir escuchar las que se grabaron para este álbum. El siguiente y último directo se titula “Cut the World”, grabado en Copenhague en agosto del 2012 y aparte de dar un repaso por toda la discografía en forma de 10 canciones revisitadas, exhibe “Cut the World”, un tema que ya se coló el año pasado en las listas de mejores canciones del 2012 y que tiene un videoclip protagonizado por Willem Dafoe y Carice Van Houten que es legendario (fue elegido 2º mejor videoclip del año aquí en Indieferencia Magazine). Hay que llamar la atención sobre “Future Feminism”, un discurso de 7 minutos y medio donde escuchamos a Antony hablando sobre cosas tan interesantes como que Dios es una mujer, sobre Dalai Lama y la Luna.

No tiene desperdicio, creedme.

Por otra parte, desde 2003 el artista ha colaborado año a año con artistas de la talla de Lou Reed, CocoRosie, Franco Batiato… aunque las colaboraciones que ha realizado de mayor importancia serían ese hit que fue “Blind” de Hercules and Love Affair, y “Particle of Light” junto con Carice Van Houtenel año pasado (parece que Antony y Melisandre hicieron muy buenas migas…). Y una última curiosidad: no os perdáis “Rise”, una canción sobre corales de considerable hermosura.

Lista de mejores canciones de Antony and the Johnsons

1. Hope There’s Someone (I Am A Bird Now, 2005).

2. The Lake (The Lake EP, 2004).

3. Fistful of Love (I Am A Bird Now, 2005).

4. Crippled and the Starfish (Antony and the Johnsons, 1998).

5. Thank You For Your Love (Swanlights, 2010).

6. Cut the World (Cut the World (Live), 2012).

7. You Are My Sister (I Am A Bird Now, 2005).

8. Another World (The Crying Light, 2009).

9. Her Eyes Are Underneath the Ground (The Crying Light, 2009).

10. Twilight (Antony and the Johnsons, 1998).

11. My Lady Story (I Am A Bird Now, 2005).

12. Fletta (Swanlights, 2010).

13. Kiss My Name (The Crying Light, 2009).

14. What Can I Do? (I Am A Bird Now, 2005).

15. I Fell In Love With A Dead Boy (I Fell In Love With A..., 2001).

16. Forest of Love (You Are My Sister EP, 2005).

17. Epilepsy Is Dancing (The Crying Light, 2009).

18. Free At Last (I Am A Bird Now, 2005).

19. The Horror Has Gone (The Lake EP, 2004).

20. Bird Gerhl (I Am A Bird Now, 2005).

21. Frankenstein (Hope There’s Someone EP, 2005).

22. For Today I Am A Boy (I Am A Bird Now, 2005).

23. My Lord My Love (Thank Your For Your Love EP, 2010).

24. Man Is the Baby (I Am A Bird Now, 2005).

25. Spiralling (I Am A Bird Now, 2005).

Conclusión

Antony and the Johnsonsimpregna de belleza sus canciones de forma serena y natural, consiguiendo transmitir una serie de valores y sensaciones que no se pueden describir con meras palabras. Las escalofriantes creaciones son despiadadas criaturas que no temerán en devorar nuestro interior pero siempre dejando un halo de esperanza en nuestro alma. Y tal y como dijo Lou Reeden unas declaraciones: “When I first heard “Cripple and the Starfish”‚ I knew I was in the presence of an angel”. Es imposible que estemos más de acuerdo contigo, Lou, ya que nosotros también nos sentimos en el cieloacompañados de Antony.

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D EAD

SON S

ENTREVISTA | 19/04/13

Por Jesús Daniel Marín & F.Javier Moreno

El pasado 19 de abril tuvimos la ocasión de entrevistar a uno de los grupos de Sheffield que más están dando que hablar en la actualidad. Ellos son Dead Sons, y nos atendieron a las preguntas que les realizamos sobre la grabación de su primer álbum de estudio, “The Hollers and The Hymns”, así como, el proceso creatívo del mismo, planes para girar por europa y el futuro de la banda en referencia a nuevo material. Nos han dejado información muy interesante en exclusiva y la podéis leer a continuación.

1. Algunos de los miembros de Dead Sons vienen de una banda anterior. ¿Qué os lleva a formar Dead Sons?

Queríamos crear un sonido más grande y no tener las limitaciones que podía presentar el ser un grupo de tres personas tocando en directo.

2. Y ahora que habeis lanzado vuestro primer disco, ¿cómo os sentís?

Estamos muy orgullosos del disco. Nos ha costado un buen tiempo el hacerlo, pero a la vez nos empuja a querer seguir publicando más y más música.

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3. ¿Podéis contarnos cómo fue el proceso de grabación de “The Hollers and The Hymns”?

El proceso de grabación nos llevó una semana junto a Tim Hampton de Bromheads, un buen amigo. Esa semana ha sido una de las mejores de nuestra carrera hasta el momento.

4. ¿Podéis decirnos vuestras tres canciones favoritas de “The Hollers and The Hymns”?

Es una pregunta jodida. No podríamos quedarnos con tres, a todas les tenemos el mismo cariño. Pero si nos apuntárais con una pistola a la cabeza, respondería-

DEAD SONS | ENTREVISTA mos que las tres favoritas son “Ghost Train”, “The Last Man Standing At The Nine Till Noon Inn” y “Hagnman”. Sobretodo porque nos encanta tocarlas en directo.

5. Algo que es evidente es el esfuerzo que dedicáis a vuestros vídeos. ¿Es importante ofrecer alo visualmente interesante junto a vuestra música?

Bueno, Youtube es un arma promocional a nivel masivo. Grabamos las canciones y a la vez, hacemos el vídeo. Es una forma perfecta de expresarte tú mismo y enseñar a la gente con lo que estamos trabajando.

6. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales?

Queens of the Stone Age, Tom Waits, Captain Beefheart, Thin Lizzy… y la lista podría seguir.

7. Cuando estáis de gira, ¿qué disco no sale de la furgoneta?

Normalmente, escuchamos la discografía entera de Queens of the Stone Age. Si el viaje alcanza el punto de relajación adecuado, cambiamos a Leonard Cohen, Rodriguez, Nancy Sinatra, Lee Hazelwood, Isobel Campbell y Mark Lanegan…

8. ¿Os inspiró alguna película durante la grabación del disco?

Sí. Nos dejamos llevar por la inspiración que nos dieron “Roadhouse y Tombstone”.

9. Si pudiérais resucitar a una estrella del rock, ¿quién sería?

Sin duda alguna, sería Phil Lynott de Thin Lizzy.

10. ¿Podéis elegir un personaje literario con el que os gustaria compartir una noche de fiesta?

Sería el Doctor Gonzo de “Miedo y Asco en Las Vegas”.

11. ¿Qué debemos esperar de un concierto de Dead Sons?

Algo vibrante, emocionante, que te dejará la ropa interior mojada, las orejas sangrando y totalmente cargado de energía sexual.

12. ¿Qué planes tenéis para este verano? ¿Algún festival?

Estamos escribiendo el segundo disco. Entre medias, tenemos algún conciertos y esperamos salir por Europa de gira.

13. ¿Podremos ver y disfrutar de Dead Sons en España este año?

Estamos trabajando para conseguir varias fechas por Europa. Si sabéis de algún sitio donde podamos tocar, decídnoslo y nos encantaría ir a tocar para vosotros y disfrutarlo juntos.

14. No hace mucho comentásteis que estábais grabando en el estudio. ¿Era para un nuevo single no incluído en el disco?

Si, exacto. Estamos trabajando constantemente en nuevo material. Tenemos un montón bajo la manga y nos encanta avanzar y ser mejores a cada canción.

15. Gracias por vuestras respuestas. Ahora podéis decir lo que queráis a nuestros lectores.

Muchas gracias por el apoyo contínuo, porque realmente significa mucho para nosotros. Es un cumplido saber que tenemos fans más allá de las fronteras del Reino Unido y nos hace trabajar más duro para salir y veros a todos. Con mucho amor, Dead Sons.

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TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

CRÓNICA

Ocho Y Medio Club, Madrid (27/04/13) | Por Jaime Mateo Herrero El pitido de oídos que me dejaron anoche Triángulo de Amor Bizarro me lo merezco. Me lo merezco por no haber ido antes a un concierto de los gallegos, por haberlos sacrificado ya en varios festivales a saber por quién. El caso es que un servidor ya había leído en cientos de sitios acerca del directo de estos chicos, y anoche constaté que, efectivamente, gozan de la mejor actitud sobre un escenario que se pueda ver en este país.

Lo de anoche pretendía ser la presentación de su nuevo disco “Victoria Mística”, el cual entre unos cosas más bizarras que otras (algo de un terremoto en China), no ha visto todavía la luz. Sí un par de singles de los que hablaremos más adelante.

La sala donde tuvo lugar la explosión de decibelios era But, en este caso bajo el nombre de la famosa fiesta alternativa de la ciudad, el ya mítico Ocho y Medio Club. También era la primera vez que iba al Ocho a un concierto y la calidad de sonido me pareció espectacular. No

debe ser fácil llevar al directo esa descarga de noise. Si bien al principio la voz de Rodrigo no terminaba de escucharse del todo bien, enseguida se solventó y el sonido en el resto del concierto fue irreprochable. A lo largo de la hora que duró el concierto, los gallegos repasaron los temas más importantes de sus dos discos previos, “Triángulo de Amor Bizarro” y “Año Santo”. Singles de la talla de “El fantasma de la transición”, “El Himno de la Bala”o “Amigos del Género Humano” sirvieron para prender la mecha en el público y originar ese pogo de las primeras filas que no dio tregua en todo el concierto.

Triánguloson violentos en el escenario, con una actitud envidiable por parte de cada uno de los componentes. Mientras Isajuguetea con su bajo en el centro del escenario, Rodrigo arrea las cuerdas de su guitarra con descaro,Rafael se vuelve hiperactivo a la batería y Rubén Muñoz destroza los teclados y sintes con elegancia. Todo ello con una compenetración que parece fraternal.

El primer tema que cayó del nuevo disco, de nombre desconocido, nos dejó muy buen sabor de boca. Con Isa pisando los frenos en un comienzo notablemente pausado para lo que nos tiene acostumbrados el grupo, la canción mutaba luego en una vorágine de ruido made in Triángulo. Otra de las nuevas con-

taba con unos sintetizadores hechizantes que se repetían a lo largo de la canción y que dejaban muy buena impresión. “Robo Tu Tiempo” era sin duda una de las más esperadas, con esas guitarras (sierras) eléctricas destrozando los oídos de los asistentes, esperando la “guillotina” final. Por otro lado “Estrellas Místicas”, otro de los singles del grupo que pasará a la historia y que sonó espectacular, constató la voz de Isa como imprescindible en el grupo. También nos tocaron “Ellas se burlaron de mi magia”, canción que, según nos contaron, compusieron poco antes de dar su anterior concierto en el Ocho y Medio y el cual dedicaron a la sala.

Poco más se presentó del disco nuevo así que el resto del concierto siguió con las canciones que han alzado a Triángulo de Amor Bizarrodentro de la escena alternativa de este país. No pudo faltar la locura “De la monarquía a la criptocracia”, el himno que ya es“Estrella azul de España”, o los gritos de “Isa Vs. El Partido Humanista”.

Breve pero intensísimo el abrasivo concierto de Triángulo de Amor Bizarro, y muy buenas impresiones de los nuevos temas que se esperan como agua de mayo. Chicos seguid incendiando las salas así que nosotros sonreiremos, hostia.

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CRÓNICA

EELS

La Riviera, Madrid (28/04/13) | Por Quique Gómez Mucho más difícil se hace pensar sólo en Mr. E con el directo de Eels, pues el peso del resto de la banda se convierte en determinante, no sólo porque él mismo se encargara de remarcarlo con cada una de las tres despedidas (hubo dos bises), sino por el aumento de potencia con respecto al disco que suponen las dos guitarras de P Boo y The Chet, el extraordinario bajo de Honest Al y la batería de Knuckles. Alguno de ellos cumple ya 10 años con Everett y allí lo celebraron.

Ya se presagiaba una noche barbuda cuando, de camino a La Riviera, me encuentro con Ignatius Farray en el metro. Pero lo que no me esperaba es que los cinco músicos luciesen, además del uniforme oficial de la gira (todos con chándal adidas negro), barba y gafas de sol, como unos Men In Black de coña.

Gira europea que, por cierto, acabó anoche tras 10 semanas y con la que han presentado su reciente “Wonderful, Glorious”, décimo disco bajo el nombre de Eels.

Tanto potencial sonoro, como era de esperar, servía para representar las canciones más blueseras de su más actual repertorio, dejándose el supuesto “grandes éxitos” para los festivales. Así comenzó, con toda la artillería pesada: “Bombs Away”, “Kinda Fuzzy” y “Open My Present” del tirón, sin respiro. Soberbia forma de dejar las cosas claras desde el principio, ya que el sonido de una abarrotada Riviera(nunca vi semejante llenazo) hizo merecida justicia… o más bien al revés. La segunda sorpresa de la noche fue lo que vino a continuación: una impresionante versión a todo trapo de “Oh Well” de Fleetwood Mac, íntegramente rocanrolera y de la misma duración, un gustazo. Pero no sería la única. De sus álbumes anteriores rescató, cómo no, las más rockeras, que intercaló con los singles del nuevo aún por sonar (“New Alphabet”, “Peach Blossom” y “Stick Together”). Por eso parecía lógico acordarse más de “Hombre Lobo” (2009) con “Tremendous Dynamite” y “Prizefighter” y de “Souljacker” (2001) con una preciosa versión guitarrera de “Fresh Feeling” (quién lo diría) y “Souljacker, Pt.1” casi al final, que convirtió la sala en el apoteosis.

También hubo algún momento de respiro, pues la otra vertiente de la banda vino representada, de forma casi anecdótica, por temas como “The Turnaround” (aunque tam-

bién enfurece), “I’m Your Brave Little Soldier” ya en el primer bis y la otra sorpresa de la jornada: “Itchycoo Park” de The Small Faces que hizo las delicias de un público, mayormente, madurito. Inolvidable momento. Como lo fue también el cierre antes de los bises: la homónima “Wonderful, Glorious”, que ya olía a cierre de conciertos, venía a confirmar cuál es la mejor canción del álbum. El otro grandioso momento de la (dolorosa) despedida fue esa fusión que hicieron de “My Beloved Monster” con “Mr. E’s Beautiful Blues” a modo de mashup, como él mismo dijo y con la que nos vaciló a todos reconociendo su cansancio (eh, vamos… es una sola, pero como si fuesen dos).

Como fan de Mark Oliver Everett sabía que no me iban a defraudar, pero lo que no me esperaba era ese torrente sonoro, el sentido del humor que desprende el ya entrañable líder y mucho menos, un repertorio tan exclusivamente rockero. El factor sorpresa. Y sin “Novocaine For The Soul”, con un par. Maravilloso, Glorioso.

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OPINIÓN | Por Chabel Santacreu

Pledgemusic o cómo revolucionar el mundo de la industria discográfica Os voy a contar una historia: Érase una vez un tipo cualquiera cuya pasión en la vida era hacer música, pero que no creía en las imposiciones de las discográficas ni en sus atracos a mano armada al artista y a su trabajo. Así, un día Benji decidió comenzar a grabar sus propios discos y a hacerlos llegar a la gente de su entorno, no sin descubrir, claro está, los altos costes que esto suponía para un tipo cualquiera. Esto hizo a Benji pensar "mierda, voy a necesitar que alguien invierta en mi" y era cierto, necesitaba inversores para poder continuar con su trabajo y que así sus fans pudieran seguir disfrutando de aquello que él hacía mejor. Pero Benji no escogió el camino tradicional, tomó un desvío…

Pidió a todas aquellas personas que disfrutaban con su trabajo que contribuyesen a hacerlo posible, aunque fuese con la más ínfima cantidad de dinero, pidió a sus seguidores que se comprometieran con su música, sin implicar a los señores de la música ni a sus altas comisiones y escasos beneficios. Así, consiguió en pocos días los fondos necesarios para hacer su proyecto realidad. Su disco salió al mercado gracias a la inversión de sus propios fans, aquellas personas para las que él creaba, aquellas que en él creían.

También os voy a contar, que se trata de una historia real. A mí me pareció un cuento de hadas la primera vez que oí hablar de ello, pensé que no podía ser todo tan bonito, así que me calcé las gafas de nerd, arranqué google y me dispuse a indagar sobre el tema. El resultado fue bastante satisfactorio, pues los propios miembros del equipo de Pledgemusic se mostraron más que amables a la hora de aclararme de qué iba la vaina. El tal Benji, su CEO y fundador, me transmitió su entusiasmo en el proyecto.

Benji Rogers es un músico independiente londinense cuya iniciativa le ha dado la vuelta a la tortilla de la industria discográfica, la cual atraviesa el peor momento de su historia y probablemente

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OPINIÓN esté entrando en lo que puede ser el principio de su propio fin tal y como la conocemos. Allá por 2009 Rogers creó Pledgemusic, un sistema de crowdfunding mediante el cual, artistas y seguidores están en contacto directo, sin intermediarios, sin formalidades, sin imposiciones, sin nada más que música y gente que quiere escucharla

La cosa es tan sencilla como brillante: El artista crea un proyecto de disco o gira y lo publica en su perfil de la plataforma Pledgemusic con un objetivo económico concreto que necesita para hacerlo real. Éste proyecto es accesible a cualquier persona, de manera que todo aquel que quiera contribuir a que el próximo trabajo del artista suceda, puede invertir algo de dinero y recibir a cambio el trabajo en cuestión.

En otras palabras, viene a ser lo mimos que cuándo haces uno de esos pre-orders de un disco de un grupo al que sigues, lo compras por adelantado y cuándo llega la fecha de publicación, te lo hacen llegar a casa. Pledgemusic funciona de la misma manera, con la diferencia de que tú, como fan, decides cuánto quieres invertir en el trabajo del artista al que sigues (con unos mínimos impuestos, claro) y prácticamente la totalidad de ese dinero va destinada al artista, ya que los tipos de Pledgemusic sólo cobran una tarifa plana del 15% del objetivo que el artista haya fijado en un primer momento, una vez conseguido éste objetivo el 100% de los beneficios van a parar al bolsillo de artista, el cual decide si quedárselos íntegramente o donar una pequeña parte de ellos a beneficencia. ¡Ah! Y los derechos de autor, son y serán propiedad del autor, como su propio nombre ha indicado siempre, pero no ha significado nunca. De ésta manera, el artista está en total control de su trabajo en todo momento,

es quien hace, deshace y decide.

Trabaja para su público, no para su jefe.

Suena bien, ¿eh? Pues no acaba ahí la cosa, no todo son sólo mejoras para el artista, fanos y fanas también tienen al alcance de su dedo toneladas de material exclusivo que pueden conseguir con un sólo clic y un par de euros; para cada proyecto, el autor ofrece generalmente material exclusivo para la gente que invierte en él, vídeos, acústicos, merchandising que nunca saldrá a la venta, remixes, entradas para conciertos con descuento, material firmado, dedicatorias personalizadas… ¡y hasta conciertos privados en el salón de tu casa! cuanto más dinero estés dispuesto a invertir, más cosas recibirás a cambio. Se acabó el pagar X euros por un disco y punto, ahora tus euros van a dar mucho más de sí, uno de los objetivos de la plataforma es convertir el acto de comprar un disco en algo más interesante y divertido para el público. Al fin y al cabo, en los tiempos que corren nadie está dispuesto a pagar por nada ni un céntimo más de lo que cuesta en realidad. Y los señores de Pledgemusic.com, lo saben bien.

En suma, Pledgemusic ha abierto la ventana de la industria de la música y ha arrojado una bocanada de aire fresco a la ya rancia y anticuada manera de vender melodías a la que estábamos acostumbrados y de la que muchos empezábamos a estar un poco hartos. "Creemos firmemente que una campaña enfocada directamente al seguidor entrará a formar parte de cada lanzamiento de disco en el futuro, tanto si se trata de un artista de una gran firma o de una banda sin discográfica. Incluyendo a los seguidores en el proceso de grabación y siendo

capaces de ofrecerles más experiencias e incentivos adicionales, así es como debe ser el futuro", en palabras del propio Julian Huntly (responsable de catálogo en Pledgemusic España).

Pero una pregunta evidente se plantea ante tanto cambio maravilloso y tanta idea impresionante, ¿qué opinan las grandes compañías discográficas de la aparición de Pledgemusic? ¿Dónde las deja esto? Pues bien, la respuesta es bien fácil: muchas de las grandes firmas asumen que la industria de la música es algo en constante evolución y son capaces de ver el valor real de una plataforma como ésta, que está en contacto constante con el seguidor, quién al fin y al cabo, es quien tiene el poder, y es por ello ya se han subido al carro e intentan trabajar en conjunto con ellos. Muchos de los artistas que han utilizado Pledgemusic como plataforma de lanzamiento de su primer trabajo, han firmado contratos con compañías discográficas como Sony, Universal o Warner al finalizar la campaña, de manera que Pledgemusic, también hace de trampolín a la fama de nuevas bandas o artistas sin recursos para sacar la cabecita en un mundillo tan complicado.

Total, que en ésta época de cambios a mucho peor en la que nos encontramos, descubrimientos como éste, provocan una sonrisa esperanzadora en la gente que, como yo, se niega a creer que la industria de la música tiene un fin anunciado.

¡Por fin alguien toca música para los oídos de los artistas!, ¡Por fin el "a cada uno lo que es suyo"!, Por fin una manera de hacer música que implica una pequeña revolución en la industria… Por fin.

Mayo 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 37

indiequetas Por Jesús Daniel Marín

Muñeco Muñeco EP

Escuchalo en: Somosmuneco.com

Muneco.bandcamp.com

Si os dan tres conceptos como son psicodelia, baile y post rock, pensaréis que alguien se ha fumado algo muy gordo y muy poco legal. Pero os estáis equivocando, porque esa combinación mágica es lo que hace de Muñeco un grupo altamente adictivo. Con un ep homónimo bajo el brazo, llegan desde Barcelona con altas dosis de calidad y buen gusto que nos llevan al éxtasis en tan sólo seis canciones.

Demuestran su gusto por las guitarras ruidosas en temas como “GSVX” y su aluvión de riffs para cerrar sus cinco minutos de duración. “Muerte Cuántica” es un tema imprescindible para entender la mezcolanza que se hace patente en el sonido de Muñeco. De nuevo

38 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

unas guitarras abrasadoras, disparando continuos punteos, pero con la presencia de unos sintetizadores y efectos de fondo que acercan su sonido a ese post rock del que os hablábamos con anterioridad.

Su lado más psicodélico sale a la luz en “Mosquito”, entre reverbs y delays, creando una maraña de sonidos no aptos para disfrutarlos bajo los efectos de algunas sustancias, a riesgo de emprender un viaje más allá de la mente. El primer trabajo de estos barceloneses se cierra con “El Experimento”, pildorazo de post rock clásico con grabaciones vocales intercaladas que pone la guinda a este pastel sónico.

Ayswal

indiequetas

Polyphonic Empathy Escuchalo en: Ayswal.bandcamp.com Cuando Ayswal se pusieron en contacto con nosotros para hacernos llegar su música, lo primero que pensé fue que había algo que no me cuadraba. Cantan en inglés y dicen ser andaluces, pero yo creo que han nacido en algún lugar de habla inglesa, porque hacía tiempo que no escuchaba cantar a un grupo nacional con tan buen inglés y así se lo hice saber a ellos mismos. Se autodefinen con esta frase: “Sonido compacto, electrónica, guitarras distorsionadas, arreglos de cuerdas, melodías épicas, letras en inglés y una voz con mucha personalidad”. Pues efectivamente, todo eso es cierto.

contiene temazos como “Condecorated Kids”, con un estribillo que se mete en tus oídos y no sale ni con agua caliente o “Kill Them (Save Them)” donde demuestran su fuerza y energía como banda. Mención especial merece “Lady”, que con menos de un minuto de duración, explota el sonido acústico y se convierte en un pequeño tesoro y un remanso de paz entre la descarga de decibelios que nos regalan estos gaditanos.

Llevan cuatro años juntos y se nota en lo compacto de su sonido y la seriedad de su propuesta. Probablemente, Ayswal tengan el honor de ser una de las indiequetas más completas que han pasado por nuestras páginas. Habrá que seguirles la pista, porque desde luego, merecen llegar lejos.

Al Berkowitz

A medio camino entre el sonido Pearl Jam y el descaro de bandas como Panic! At the Disco, su primer disco

A long hereafter.

Nothing Beyond

Escuchalo en: Alberkowitzband.bandcamp.com En Indiequetas no solemos hablar de segundos trabajos, salvo que la ocasión así lo requiera. Y como siempre hay una excepción que confirma la regla, Al Berkowitz nos han hecho romperla. En este “A Long Hereafter. Nothing Beyond”, el disco se divide en dos partes de seis canciones cada una. La primera corresponde a la primera parte del título, “A Long Hereafter”.

De tono pausado y calmado, casi atmosférico, la embriagadora voz del grupo nos lleva caminando entre páramos desolados y melancólicos. El momento álgido de esta primera parte del disco llega con la pinkfloydiana “Farewell, My Lady!”, que es una genialidad.

Para “Nothing Beyond” las melodías se suavizan, llegando hasta tonos más alegres, como abrazando el op-

timismo y asumiendo que no hay nada más allá. El bajo de inspiración funk de “Father, I Think I Was Wrong” es simplemente maravilloso y acompaña a un trabajo de guitarras espectacular. Nada molesta en sus composiciones y todo encaja a la perfección, creando temas de larga duración donde pueden dar rienda suelta a un homenaje a Syd Barret y su forma de entender la música como sucede con “Apprenticeship And Attitude”.

Nos gustan los grupos que arriesgan en sus propuestas, creando discos cargados de matices y de capas, para buscar ese sonido que hace que nos interesemos por ellos. Al Berkowitz lo tienen y es por ello que les damos la enhorabuena por haber sacado este enorme disco.

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I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.

No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

I C O T O P ABRIL 2013 Por Quique G贸mez

42 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

Ico Top | INTERNACIONAL KURT VILE

Wakin On A Pretty Daze

Admitidlo: a poco que os guste un poco el sonido de guitarra os tiene que gustar Kurt Vile. El melenudo artista de Filadelfia canta bien, compone mejor, pero, sobre todo, toca de puta maravilla. Ponerse un disco de este animal es un gustazo porque es imposible parar de escucharlo. Su quinto disco en solitario, este “Wakin On A Pretty Daze”, mejora no sólo a su predecesor, el también magistral “Smoke Ring For My Halo” (2011), sino a los dos álbumes que firma junto a Adam Granduciel bajo el nombre de The War On Drugs. Sin ánimo de que lo deje con su amiguete, al bueno de Vile le sobra todo Cristo (cuenta con The Violators, banda para el directo con quien lo veremos en el Primavera Sound) para liderar, de forma insultante, la escena alternativa del rock de autor.

Se cumplen dos años desde su anterior trabajo, mes, marzo, en el que esta misma publicación debutó y en el que, por supuesto, aparecía ese inolvidable álbum. También le dedicamos unas palabras, meses después, en su último trabajo con la men-

cionada banda. Pero es ahora, por fin, cuando podemos reconocer que Kurt Vile acaba de firmar uno de los discos del año.

Si miras en la dirección del sonido americana, te puedes partir la cara con artistas como Kurt Wagner (Lambchop) o Bill Callahan, con Bonnie `Prince´ Billy o Micah P. Hinson, con Iron & Wine o Silver Jews.

Pero no, estamos hablando de rock, de cantautores rock, esos que se han ido extinguiendo con el paso de los años y donde nuestro hombre destaca, y mucho, sobre otros importantes nombres actuales como Cass McCombs o James Blackshaw. Por eso convendría empezar a hablar de gente como Neil Young, Cat Stevens o Tim Buckley.

El disco empieza con una homónima canción de casi diez minutos aunque parezcan tres. Pero es que así ocurre con todo el álbum, pues sus, ojo, 70 minutos no lo parecen, pues se hace de lo más ameno. Piloto automático y a disfrutar. El estado comatoso de piel de gallina no acaba hasta que esa otra joya con la que cierra, también de diez minutos, pone fin a tan emocionante trayecto. Pero volvamos al principio, porque “KV Crimes” es un himno rock, “Was All Talk” te pone a flotar con esa puta guitarra y “Girl Called Alex” es, sencillamente, una de las canciones del año.

Recuerda el principio, y mucho

aunque sin subidón final, a esa otra joya indie-rock de Ola Podrida llamada “Cindy”, detalle que no podía augurar nada malo. “Never Run Away” se difiere (algo) del resto por querer sonar estándar, pero qué va, no puede, se le ve el plumero y vuelve a destacar su particular forma de mezclar guitarra y voz.

“Pure Pain” debería ser single, y “Too Hard” es otra preciosa balada de guitarra con arpegios y deslices de mástil que tanto me pone. No se va ese estado catatónico ni con lo que podría ser un sencillo de corte más pop como el de “Shame Chamber” porque siempre mantiene a flote el estilo que desprende aun siendo la canción menos importante del lote. De eso hablamos, de la genialidad de un tío que, su más prescindible canción del disco la querría firmar cualquier otro artista de su generación y/o estilo.

“Snowflakes Are Dancing” nos vuelve a poner levitando con esos mantras mitad acústico, mitad eléctricos y “Air Bud” empieza pareciendo un experimento dentro de su discurso exclusivamente guitarrístico, pero se vuelve a transformar en genialidad. No me salen palabras o críticas malas a ni una sola de las canciones, porque, simplemente, no las hay. No es normal que tras los más de diez minutos flotando con los que cierra en “Goldtone” uno quiera más, y más, y más…

Mayo 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 43

No Joy / Wait To Pleasure

El subgénero shoegaze siempre es muy tentador, por lo menos para mis oídos, y más este año que quedará marcado como el del retorno de los verdaderos padrinos. Pero también es un hándicap, pues cuando no hay canciones, ni el regustillo a guitarras flotantes o capas de distorsión lo arreglan, ni siquiera los nuevos intentos de acercarse más al pop que se les nota en este sensacional “Wait To Pleasure”. Podría haber salido fatal, pero la historia de estas dos mujeres no hace más que crecer desde ese estupendo y algo inocente debut en 2010 con “Ghost Blonde”. Jasmine White-Glutz, que compartía material desde Los Ángeles con Laura Lloyd, decidió mudarse a Montreal, donde vivía esta última, para poner sobre la mesa esas grandes ideas. Dejan de ser sorpresa, pues, para convertirse en realidad, tanto por la cabezonería de mantener un estilo propio como por salir airosas al intentar expandir el sonido más allá del encasillado género. Unas grandes.

Thee Oh Sees / Floating Coffin

Hace unos meses apostábamos que, a primeros de 2013, volveríamos a ver a Thee Oh Sees en otro Ico Top… Efectivamente y sí, aquí los tenemos. Y es que es normal, porque estos californianos garajeros se han convertido en nuestro ojito derecho. No hay nadie como ellos, capaces de firmar, uno tras otro, discazos de nueve en nueve meses. Los años se les hacen largos. Y si decíamos que “Putrifiers II” (2012) merecía la pena, va este “Floating Coffin” y lo supera. En todo. No sé qué mierdas desayuna esta gente, pero son capaces de generar ideas a un ritmo impensable para el resto de su generación. Llegará un momento en que dejen de sonar originales, o que la forma en la que tienen de escupir talento se acabe, pero de momento no hacemos otra cosa que fliparlo con tanta calidad y a tanta velocidad. Décimo disco desde que debutaron bajo esta formación en 2008. Sí, décimo disco en su sexto año de vida. Que tomen ejemplo.

The Besnard Lakes / Until In Excess, Imperceptible UFO

Las coincidencias entre The Besnard Lakes y Low no terminan en el estilo musical, pues el núcleo duro de ambas bandas lo compone un matrimonio. En este caso el que forman Jace Lasek y Olga Goreas, dos canadienses que, junto a Kevin Laing y Richard White, firman su tercer álbum de estudio tras el emotivo y espectacular “Are The Roaring Night” (2010). Sin la inspiración de aquel, poco les hace falta para emocionarnos de nuevo, ya que las ahora alargadas ocho canciones flotan aún más en el aire. A diferencia de los de Duluth, ellos prescinden de la delicadeza de un productor como Jeff Tweedy sensibilizando al personal con pianos, y se siguen basando en sus personales capas de atmosféricas guitarras (no sin teclados, evidentemente) y en la insistente búsqueda por “lo bonito”. Lo consiguen, no en sus casi 50 minutos, pero sí en gran parte del recorrido. Un viaje que es imposible hacer con escalas.

Wavves / Afraid Of Heights

Cuarto disco ya del skater Nathan Williams que, bajo el nombre de Wavves (esta vez sin movimiento de uves), se afianza en el género. Digo esto porque poco tiene que ver ya el sonido de sus dos últimos álbumes con ese bizarro y homónimo debut, mucho más oscuro y punk, allá por 2008. Lo que vino a continuación, “Wavvves” (2009), fue otro paso en firme en su personalísima forma de hacer lo-fi, incomprendida y mal producida. Hizo las delicias de un sector que estaba de moda, pero fue con “King Of The Beach” (2010), su mejor trabajo, cuando consiguió un relativo reconocimiento aun alejándose un poco de la baja fidelidad y acercándose más al surf. Ahora repite con “Afraid Of Heights”, donde hay riffs potentes desde el principio (“Sail To The Sun” para abrir), estribillos adictivos y coreables y más indie en general. Como si, por cercanía (San Diego), tendiese a coger el relevo de bandas más surferas como los primeros Weezer.

44 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

Ico Top | NACIONAL

Oso Leone / Mokragora

bres de plantas, todas ellas de carácter mediterráneo como su procedencia (Mallorca). Cantan en inglés pero poco importa el idioma, pues lo fundamental aquí son las sensaciones transmitidas, que son muchas y muy fuertes. ¡Emocionantes!.

Hablar del segundo trabajo de Oso Leone no es nada sencillo porque son algo así como inclasificables.

No se les puede comparar con nadie. “Mokragora” tiene tanto de slowcore como de delicado rock etéreo y de electrónica minimalista.

Para más sofisticación, han llamado a sus nueve canciones con nom-

Tanto importa el sonido como los silencios. En ese plano se podrían parecer a The xx o James Blake, pero sería injusto quedarse ahí, pues el carácter folk de algunos temas bien podría acercarlos a Bon Iver o Fleet Foxes. Hay canciones que recuerdan a esos tramos suaves de Foals (se me ocurre la intro de “Spanish Sahara”), incluso en la voz, como en “Ficus”. Hay partes jazzísticas que bien podrían pasar por canciones de Tortoise o

Broken Social Scene (“Clivia” y “Monstera”). En la acojonante “Salvia” se podrían parecer a Stereolab, y en la estilosa “Cactus”, con guitarra española incluida, te dejan levitando. Dos cumbres que destacan poco debido a la calidad global del disco. Tanto sirven para banda sonora de película de corte intenso como para domingo frío de invierno, Oso Leone algún día serán grandes, si no lo consiguen ya con este sensacional y sorprendente “Mokragora”.

El álbum, además, se complementa con un libro (“Belle- Île”) de los fotógrafos Gabriel Haberland y Mercedes Mangrané con el que te regalan una copia digital del disco.

Kiko Veneno / Sensación Térmica

Qué buen rollo da Kiko Veneno. La ligereza con la que, aparentemente, suenan sus canciones se queda en la primera escucha, pues una vez prestada la merecida atención, encontramos mucho más allá: mensajes políticos y naturalistas, sencillos y, en general, con doble lectura sutil y fina. “Sensación Térmica” continúa con el flamenco-pop que destacó en el genial y revitalizante “Dice La Gente” (2010), aunque con alguna pega esta vez (“Babú” entra con calzador). El responsable de los atemporales “Échate Un Cantecito” (1992) y “Veneno” (1977, mejor disco nacional del siglo XX según Rockdelux) cuenta esta vez con la producción de Raül Fernández (Refree) y se nota en canciones con las que, probablemente, haya aprendido más este último del maestro de Figueras. “No Cal Partir”, por ejemplo, cuenta con la característica superposición de capas que les da Raüla sus discos, pero queda la sensación de que igual no hacía falta, pues a Kiko le bastaba con su guitarra. A sus 61 años está sembrado.

Balago / Darder

Quinto álbum ya del trío catalán y nueva vuelta de tuerca al particular universo intimista de la banda. Si con Oso Leone hablábamos de minimalismo y música etérea, con Balago tenemos que irnos aún más lejos, pues la sutileza e introspección es todavía mayor con estos tres locos, responsables de importantes discos de nuestro panorama indie como “Erm”(2001) con el que debutaron, "D'Aquii" (2008) con el que se consagraron y “Extractes D’Un Diari” (2010) con el que se les fue la olla por completo (¿obra cumbre?). “Darder” vuelve al terreno de los paisajes sonoros más desolados sin tantísima experimentación pero con más poso electrónico (nadie debería perderse canciones como “Foc De Camp” o “L’Etern Retorn”). Todo más equilibrado y con más sentido. Entrar en el universo sonoro de David Crespo (guitarra y sampler), Jordi Soldevila (guitarra y programación) y Guim Serradesanferm (sintetizadores) es dar un salto de fe, un salto al vacío. Pero una vez dentro, no hay vuelta atrás.

Mayo 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 45

INDIESPENSABLES: Abril 2013

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

1. James Blake - Overgrown 2. Kurt Vile - Wakin On A Pretty Daze 3. The Knife - Shaking The Habitual 4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 5. Thee Oh Sees - Floating Coffin

1. The Black Angels - Indigo Meadow 2. The Thermals - Desperate Ground 3. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 4. The Flaming Lips - The Terror 5. Junip - Junip

1. Rob Zombie - Venomous Rat Regeneration Ven...

2. Allure - Reunion 3. WLVS - The Last Gang In Town 4. The Knife - Shaking The Habitual 5. Phoenix - Bankrupt

1. Eleanor Friedberger - Stare At The Sun 2. Daft Punk - Get Lucky 3. Triángulo De Amor Bizarro - Estrellas Místicas 4. James Blake - Digital Lion 5. Beady Eye - Flick Of The Finger

1. Daft Punk - Get Lucky 2. Beady Eye - Flick Of The Finger 3. Is Tropical - Dancing Anymore 4. A Place To Bury Strangers - Don't Burn The Fires 5. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun

1. MGMT - Alien Days 2. A Place To Bury Strangers - Don't Burn The Fires 3. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun 4. Allure - King 5. Daft Punk - Get Lucky

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

DISCOS

CANCIONES

Alejandra Otero

DISCOS

CANCIONES

1. Phoenix - Bankrupt 2. Allure - Reunion 3. Major Lazer - Free The Universe 4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 5. Cold War Kids - Dear Miss Lonelyhearts

1. Kurt Vile - Wakin on a Pretty Daze 2, Charli XCX - True Romance 3. James Blake - Overgrown 4. Allure - Reunion 5. Paramore - Paramore

1. Oso Leone - Mokragora 2. James Blake - Overgrown 3. Iggy Pop - Ready To Die 4. The Knife - Shaking The Habitual 5. Phoenix - Bankrupt!

46 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

1. Phoenix - S.O.S. in Bel Air 2. Major Lazer - Jessica (feat. Ezra Koenig) 3. Daft Punk - Get Lucky 4. Allure - I Will Change (feat. Jordan Lee) 5. Cold War Kids - Miracle Mile

1. Kurt Vile - Wakin on a Pretty Day 2. James Blake - Our Love Comes Back 3. Paramore - Still Into You 4. Iron & Wine - Singers And The Endless Song 5. The Flaming Lips - You Lust

1. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun 2. Florence + The Machine - Over The Love 3. Jack White - Love Is Blindness 4. Sergio Pizzorno - Shiva (Extended Version) 5. James Blake - Overgrown

INDIESPENSABLES: Abril 2013

Ander Simón

DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

1. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 2. James Blake - Overgrown 3. Kurt Vile - Wakin' On A Pretty Daze 4. L.A. - Dualize 5. Thee Oh Sees - Floating Coffin

1. James Blake - Overgrown 2. The Knife - Shaking The Habitual 3. Kurt Vile - Walking On A Pretty Daze 4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 5. Junip - Junip

1. Chvrches - Recover 2. The National - Don't Swallow The Cap 3. Daft Punk - Get Lucky 4. Kurt Vile - Wakin' On A Pretty Day 5. Convergència i Unió - Guerres I Amagatall

1. James Blake - Voyeur 2. Deerhunter - Monomania 3. Triángulo de Amor Bizarro - Estrellas Místicas 4. Kurt Vile - KV Crimes 5. Daft Punk - Get Lucky

LISTAS SPOTIFY

URL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Mayo 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 47

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López Martín y Laura Bauhaus.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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WEB

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AGRADECIMIENTOS

Jesús Rguez Gamero, review Tachenko Chabel Santacreu, artículo de opinión Pledgemusic Fotos Manel de la propia banda, Manel Fotos The Birkins de Noemi Tejera- www.jodyrogac.com Foto Tachenko por Gustaff Choos - www.gustaffroom.com Foto Eels por Vagrant Records Fotos Dead Sons de www.deadsons.co.uk Foto Santa Rita por Román Yñán - www.romanynan.com Foto Kurt Vile por Shawn Brackbill - www.shawnbrackbill.com

MAIL

contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.