INDIEFERMAG Nº 29. Febrero 2014

DOSSIER MOGWAI REVIEWS WARPAINT / ALCEST / BURIAL / PAINTED PALMS / SOPHIE ELLIS-BEXTOR MENACE BEACH / BEYONCÉ / DUM DUM GIRLS / MØ / PERRO / ELLA BELGA / GABRIEL Y VENCERÁS ESPECIALES LA GUÍA DEL TURISTA MUSICAL. HOLANDA (I) / LO QUE NOS DEJAMOS DE 2013 ENTREVISTA DUKES CRÓNICAS HAVALINA / RUFUS T. FIREFLY ICO TOP DICIEMBRE-ENERO Y MUCHO MÁS

ÍNDICE INDIEFERENCIA MAGAZINE

Dossier y Review del mes Mogwai: “Rave Tapes” 04

Reviews Warpaint: “Warpaint” 14 Painted Palms: “Forever” 16 Alcest: “Shelter” 18 MØ: “Bikini Daze EP” 20 Menace Beach: “Lowtalker EP” 21 Sophie Ellis-Bextor: “Wonderlust” 22

ESPECIAL

Lo que nos dejamos en 2013 24

La guía del turista musical. Holanda I: Salas de conciertos

34

ENTREVISTA

Dukes 40

Crónicas

Havalina + Rufus T. Firefly, Madrid 42

Ico Top Ico Top Diciembre 2013-Enero 2014 44 Indiespensables Tops Enero 2014 48

4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

MOGWAI DOSSIER

Y ANÁLISIS DE “RAVE TAPES”

Por Quique Gómez & Jesús Marín

Aunque ellos mismos intentan deshacerse de la etiqueta del post-rock, con poco éxito visto lo asociado que está este subgénero a su nombre, Mogwai vuelven este mes con su octavo disco de estudio. Un álbum que, aun sonando muy distante a eso que los vio nacer, mantiene todas las señas de identidad de una banda que, no es que no tenga un disco malo, sino que demuestran una y otra vez que nunca lo harán.

En IFM sentíamos la necesidad de homenajear al quinteto de Glasgow por su extraordinaria y constante trayectoria y no solo por comentar qué nos ha parecido su nuevo “Rave Tapes”. Así, con la intensidad que muestran cada uno de sus movimientos, intentaremos estar a la altura en este merecido dossier que servirá para enseñar esa curvada línea que los ha llevado de las hostias más salvajes a la delicadeza más sutil. Lo que han ido bajando en intensidad, lo han ido recuperando en calidad y refinamiento. Empezamos.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5

DOSSIER “Young Team” (1997)

La obra referencial, no sólo de la banda sino también de este estilo en particular, marcaría tal punto de inflexión en la música popular que hasta se bautizó el género con el término de post-rock. Esto es un movimiento novato en la fecha que, usando los instrumentos propios del rock, introducía armonías y progresiones ajenas a lo acostumbrado, sin vocalista y mucho más cercano a las estructuras clásicas pero con la vertiente salvaje del krautrock, del metal o del math rock. El sufijo “post” ha venido a representar, históricamente, algo desconocido. Se sigue haciendo con todos los géneros no asentados o desconocidos hasta que se convierten en corriente estilística. En el caso del post-rock, debió gustar tanto el término que así se ha quedado, como un subgénero dentro del rock en el que aun haciendo el mismo ruido (o más), se huía de las constantes de la época, el heavy o el grunge, tan de moda a principios de los ’90.

En ese sentido, “Yes! I Am A Long Way From Home” nos pone en situación inaugurando algo nuevo

6 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

pero emocionante. Pero reconozcámoslo, es “Like Herod” la primera y perfecta bofetada que nos abre los oídos hacia un nuevo y desconocido mundo. Ninguna otra banda en el planeta es tan bestia como cuando a Mogwai le da por dejarnos sordos.

Así de claro. Esas afiladísimas guitarras, esas bajadas de tensión agazapadas, esos gritos sin voz, esa agonía…

“Young Team” es un disco de guitarras, evidentemente, pero también de batería. Martin Bulloch sabe tanto de ruido como de silencio, de rock como de jazz. “Katrien”, “Summer” y “Mogwai Fear Satan” (la mejor canción post-rock de la historia) no serían lo mismo sin él, un tío que acierta siempre con los ritmos, los redobles, las pausas y el gusto por la improvisación (ojo, sin serlo). Y aunque también haya aquí algún piano (lo irán descubriendo sucesivamente el álbumes posteriores), como en “Radar Maker” o “With Portfolio”, es el bajo el que marca muchas de las estructuras de este atemporal disco, en esos primeros minutos de canción o en los tramos de calma, hasta que llega la tormenta y se fusiona con mantras de ruido, distorsión y capas de guitarras desbocadas. Un disco que es historia.

“Come On Die Young” (1999)

Otra de las constantes del género son las voces en off, esas grabaciones apocalípticas de predicadores o visionarios que sirven de apoyo a los desolados paisajes que describen en muchas de sus canciones.

La otra banda referencial, Godspeed You! Black Emperor (los úni-

cos a su altura) también abusan de esto mismo. Pero si hay algo que llama la atención en “Come On Die Young” es que, a diferencia de las voces de “Katrien”, por fin se atreven a cantar. “Cody” es el primer y único ejemplo, y viene a representar el nuevo matiz que Mogwai le da a su propio sonido. Se les ve más inquietos (“Helps Both Ways”, “Kappa”), con ganas de experimentar, aunque en este campo, sus mejores momentos están aún por llegar.

Mucho más conceptual (empieza de una forma para acabar de la opuesta) y más refinado, este disco supone una bajada de ruido (que no de intensidad) importante, por lo menos en su primera mitad. Desconozco cuánto tiene que ver en esto el fichaje en la producción de Dave Fridmann, fiel amigo de The Flaming Lips y Mercury Rev. Es más denso y pierde frescura, le sobra algo de minutaje, pero contiene algunos de los mejores momentos de su trayectoria. El único pero podría ser que tarda mucho en arrancar, pero desde la soberbia “Waltz For Aidan”, donde nos muestran su fa-

ceta más delicada, se ponen las pilas y es a partir de la cual enseñan las uñas: tres canciones para terminar como tres soles, de largo recorrido (10 minutos de media) y para dejar el pabellón a la altura de lo que se espera de ellos. “Ex–Cowboy” y su exquisito gusto por el ruido controlado; “Chocky” y su infinito crescendo hasta el cielo; y “Christmas Steps”, la joya de la corona, esa burrada que deja sin aliento al más duro del lugar, una salvajada de rock progresivo en la que es difícil decidirse por qué instrumento destaca más.

“Rock Action” (2001)

Llegaron las críticas por la duración de “Come On Die Young” y, al parecer, se las tomaron muy en serio, pues su tercer álbum no llega ni a los 40 minutos. Con “Rock Action”, Mogwai demostraron, en la mitad de tiempo, de qué eran capaces. Para un servidor, el mejor disco de los escoceses. En este álbum no hay un solo minuto de desperdicio, ni una sola fisura. Ocho canciones que son tremendamente diferentes entre ellas, que demuestran al mundo hasta dónde puede llegar este estilo musical y que tienen un orden apropiado para darle un sentido nunca antes visto en un disco de estas características. El más rico y variado

de los álbumes que tienen, no han sabido superarlo hasta la fecha. De hecho, creo que no lo harán jamás, pues este disco es lo más cercano a la perfección.

Con “Rock Action” empezamos a creernos su propio discurso, ese que reza que su música no es postrock, sino rock a secas, en todas las ramas posibles. Iremos en orden, porque diluirse entre canciones, en una obra mayor como esta, no tiene sentido. “Sine Wave” es una intro “rota”, una puesta a punto distorsionada y sucia pero ensoñadora a la vez. Una guitarra a lo Ennio Morricone destaca solitaria sobre el magma borroso de un supuesto futuro post-efecto 2000. Empieza el nuevo milenio, y esta es su nueva banda sonora. Bienvenidos. Y si es bello un comienzo así, habría que inventar otro calificativo para describir “Take Me Somewhere Nice”, uno de los platos fuertes de su dilatada discografía. Sobria, elegante, majestuosa. Una melodía, un violín espacial, un susurro, un ritmo matemático… La piel de gallina. Y vuelta a empezar. El susurro continúa en “O I Sleep”, un interludio de piano que juega con ir al revés y que precede a otra de las piezas clave de esta obra maestra: “Dial: Revenge” y su atrevimiento con el galés, una pieza cercana a lo pastoral y apoyada en instrumentación clásica y voces corales. En “You Don’t Know Jesus” se enchufan a la electricidad para darlo todo con esas punzantes guitarras y esas olas de distorsión a las que no les hacen falta las típicas subidas y bajadas: todo de sopetón, un ascenso a la cumbre, y un descenso a los infiernos. Otro interludio con las credenciales del apocalipsis titulado “Robot Chant” nos lleva de la mano hacia otro de los techos sonoros de la discografía de la banda. “2 Rights Makes 1 Wrong” es, probablemente, la canción más bonita de Mogwai en sus casi 20 años de

vida. La batería fluye entre lo moderado y lo cronométrico; las guitarras y el bajo juegan al despiste, pues las primeras se intercambian con el segundo entre ritmo y melodía; los arreglos de cuerda y viento elevan esta canción a límites desconocidos dentro del espectro del rock; y el broche final entre coros y banjo te enseña que la belleza no entiende de etiquetas. Sublime. Cierra el disco la rectitud de la casi alemana “Secret Pin”, un tema donde hay que erguirse ante tanta solemnidad y que, tras su final, deja ese regusto a algo bien hecho de verdad. Disco perfecto.

“Happy Songs For Happy People” (2003”

El último de sus álbumes que cumplían fielmente con su cita en año impar, y eso que tras “Rock Action” se molestaron en editar aquella otra salvajada titulada “My Father My King”. Este “Happy Songs For Happy People” fue castigado por la prensa denominada especializada, más que nada por no estar a la altura de su anterior trabajo, o por ser más melancólico. Entendiendo que aquella obra era difícilmente superable, su cuarto disco, como todos, contiene temas importantes combinados, eso sí, con otros más presFebrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 7

DOSSIER MOGWAI cindibles (“Moses?”, “Boring Machines Disturbs Sleep”). Viendo la progresión de la inquieta banda, que los ha trasladado del mayor de los estruendos a la perfecta madurez sofisticada, eran de esperar esas composiciones complejas, que no difíciles. Llegaron, pero las buenas y las no tanto.

“Hunted By A Freak” no podía abrir de mejor forma. Muestra una progresión perfecta con su anterior trabajo, gracias a esa sencilla estructura forrada de mantos de delicada y absorbente complicación.

Ese equilibrio es, sin duda, la mejor arma de una banda que no ha querido repetir fórmula nunca, y que aquí no iba a ser diferente. “Kids Will Be Skeletons” se queda a mitad de camino en la búsqueda por la épica, pues aun sonando preciosa, queda la sensación de que ya hemos escuchado mejores canciones suyas en ese mismo terreno.

Algo que también ocurre con “Killing All The Flies”, donde la repetición de un ritmo o los subidones no siempre funcionan igual de bien. En “Ratts Of The Capital” se desprenden de la coraza y enseñan la rabia; con “Golden Porsche” y “I Know You Are But What Am I” vuelven a su lado más amable; y en la genial “Stop Coming To My House” empiezan a enseñar un camino aún por explorar, otro volantazo hacia algo que ni siquiera llegaría con su siguiente álbum. ¿Su peor disco?

Es posible, pero el peor disco de Mogwai es el mejor álbum de cualquier otra banda que ha imitado sus pasos, siempre sin éxito.

“Mr. Beast” (2006)

Saltándose la imparidad de los años de publicación, vuelven a la imparidad de sus discos imprescindibles tras el primero y el tercero. Mogwai comienzan su quinto álbum con una contundencia en “Auto Rock” y “Glagow Mega-Snake” que bien

8 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

mía. Un tema que justifica la existencia de una discografía entera.

hace justicia al propio nombre de “Mr. Beast”. La primera, con un ritmo marcial in-crescendo que quita el hipo. La segunda, con uno de los trallazos más salvajes que se le recuerdan, muy cercano a bandas de otro calibre como Shellac, Slint o, por qué no, Black Sabbath. Una potencia desmedida que sí tiene el detalle de no saturar en una justificada duración. “Acid Food” baja de revoluciones para dar paso a otro pepino, esta vez en el marco del antes renunciado grunge. Con “Travel Is Dangerous” se atreven a desgañitarse en una mezcla entre su propio sonido y el de Nirvana.

Semejante comienzo de disco tenía que descender de vueltas, y así “Team Handed” quiere mediar entre el griterío desenfadado y la absoluta perfección de lo que viene a continuación. “Friend Of The Night” es otra de esas canciones con las que se nos llena la boca al hablar de ellos. Otra cumbre sonora en su discografía, otra perla para la posteridad, otros cinco minutos y medio de gloria incontestable. La hermana melliza de esas canciones que te dejan comatoso y que sólo ellos saben hacer. Otra de esas canciones por las que pasarán, irremediablemente, a la historia como una de las bandas más importantes de nuestro tiempo. Un tema que está destinado a la perfecta banda sonora de muchas vidas, incluida la

Afortunadamente, Mogwai cuentan con muchas de esas joyas. “Emergency Trap” no le anda a la zaga y te hace preguntarte cómo es posible que alcancen semejantes cotas de belleza mezclando tantas capas de estridencia. “Folk Death 95”, dentro del ruido, quiere y consigue ir un paso más lejos, con una maestría en la distorsión (se dispara hacia lo salvaje a mitad de canción) no conocida con anterioridad. En “I Choose Horses” le ponen música a los enigmáticos versos del artista japonés invitado, Tetsuya Fukagawa (Envy). Y en “We’re No Here” cierran como empezaron: con la contundencia de una banda que demuestra que, lo de la delicadeza, no tiene por qué hacer olvidar quién manda en esto del alboroto. Los más grandes.

“The Hawk Is Howling” (2008)

Con “The Hawk Is Howling” la banda empieza a ser, un poco, lo que no había sido hasta ahora. Eso que decíamos antes (al final del texto de “Happy Songs For Happy People”), su nueva vuelta de tuerca, su nuevo giro a contracorriente. Y como por alguna regla extraña no escrita, sus discos pares salen per-

diendo en las comparaciones. Lo que aquí es genial, en el siguiente lo será aún más. Mogwai se vuelven místicos, ariscos y, lo que nunca fueron: fríos. Esa distancia entre su música y el oyente nunca había sido tan grande antes, y no por rechazo de lo primero, sino por respeto de lo segundo. Se les nota probando, una vez más, inquietos, curiosos. El EP previo, “Batcat”, les ha dejado la libertad para crear algo nuevo, probar con su sonido, y el resultado es éste, su disco más contemplativo (e instrumental).

El viaje a las entrañas de este nuevo universo sonoro comienza con la inmejorable “I’m Jim Morrison, I’m Dead”, una canción que empieza bien, y acaba en el infinito.

“Batcat”, el sencillo, es brutalidad pura y dura. Furia imposible de contener, como si lo llevaran dentro y explotase de repente. “Daphne And The Brain” es otro intento de canción perfecta que bien cerquita se queda de conseguirlo. Pero es “The Sun Smells Too Loud” (la mejor) la que nos hace comprobar si siguen siendo ellos los que suenan: una jodida maravilla bañada en teclados y modernidad insólita. Sonidos puramente eléctricos combinados con esa magia especial (el repetitivo riff es de bandera) que sólo ellos saben domesticar. Un rotundo acierto pese a las críticas escépticas que se vertieron. Mejora a cada escucha. Es droga. Éstos son los nuevos Mogwai. Lástima que no haya más intentos parecidos en el álbum (llegarán en el siguiente), que se quede en anécdota tímida. En cambio sí que hay alguna que otra canción sobrante que podían haber sustituido por algo más de riesgo electrónico. Esa sensación se olvida rápido porque, ellos mejor que nadie, saben arreglarlo hacia el final callando bocas a base de mala hostia. La tralla de “I Love You, I’m Going To Blow Up Your School”, la incomodidad de “Scotland’s

Shame” y la tensión de “The Precipice” vuelven a poner las cosas en su sitio.

“Hardcore Will Never Die, But You Will” (2011)

Y se hizo la luz. Mogwai encuentran un amigo en los sintetizadores y lo que es mejor, se les ve disfrutar de ellos. Les ha costado, pero ese avergonzado gesto previo ve, en “Hardcore Will Never Die, But You Will”, su antagonista, pues a lo largo de casi todo el álbum prima esa sensación de “lo moderno”. Hay un concepto equivocado muy común entre las bandas pop y no tan pop de hoy en día, y es que utilizar herramientas electrónicas no convierten la música en digital. Lo electrónico como un instrumento más, simplemente. Y mientras en “Mexican Grand Prix” hacen uso de ella para convertir ese krautrock de manual en single, en “Rano Pano” aparece de refilón para dar una simple pincelada y convertirse, por cierto, en el segundo y más que merecido single. Y vaya single. Tres canciones (junto a la inaugural “White Noise”) que muestran un nuevo camino, novedoso para ellos, exótico para nosotros y atractivo para todos. El mejor comienzo en la historia de Mogwai junto al de “Rock Action”.

El quinteto arriesga esta vez, y por eso ganan. Salen victoriosos porque son los más grandes, y sin miedo a aventurarse, todo lo que hagan será importante, hará historia. El piano de “Death Rays” parece la voz de una canción pop redonda, con peso y ligereza a la vez. Pero la cosa sigue y sigue: “San Pedro” en el mismo sitio donde lo dejaron con su primer álbum, otro hit. Y van cinco de cinco. Para la sexta se escudan en un baladón a piano de carácter evocador y volátil, mientras que en “George Square Tatcher Death Party” vuelve el kraut más trotón con la ayuda de los sintes, la guitarra más sucia y el vocoder en esa voz sin aparente sentido. Pepino de los de acabar exhaustos. “How To Be A Werewolf” es gloria bendita, magia para los oídos. Pese a empezar siendo otro paso en firme más en esa escalada por los sonidos desconocidos, “Too Raging To Cheers” se transforma en épica ópera rock, un sonido más cercano a lo que practican los nipones Mono (sus mejores y más fieles seguidores). Pero para épica, la del cierre: “You’re Lionel Richie” se distorsiona a la vez que se estremece ella solita bañada en unas cargantes guitarras acompañadas del ritmo más contundente de todo el álbum.

Ráfagas de un ruido cercano al de los canadienses GY!BE, que debería estar prohibido escuchar a volumen bajo. El disco de las referencias. El disco definitivo. El cuarto imprescindible.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 9

MOGWAI / MATERIAL EXTRA

Además de sus álbumes de estudio, Mogwai cuentan con gran cantidad de EPs, directos e incluso bandas sonoras que los elevan, más aún, al reservado espacio de los grandes. Queremos rescatar aquí parte de esa otra faceta, acordarnos de otras indispensables piezas en su carrera, lo más significativo que han hecho a lo largo de sus más de 15 años de trayectoria amén de sus discos oficiales. Os invitamos a que probéis a saliros de la vía principal, que cojáis la carretera secundaria y descubráis hasta dónde puede llegar una banda como esta. Aquí hay cinco buenos ejemplos, pero son muchos más.

“Ten Rapid” (1997)

directo. Como curiosidad y sabiendo de antemano las ganas de experimentar de Mogwai, “End” es “Helicon pt.2” reproducida al revés.

Sí, muy ingenioso.

“My Father, My King” (2001)

Si bien “Young Team” fue el primer disco oficial de Mogwai, “Ten Rapid” fue el prefacio a ese disco. Los temas que lo componen, algunos de ellos míticos en su discografía, son las primeras grabaciones de la banda en estudio, ya fuera para maquetas o para formar parte del listado de temas del citado disco de debut y que al final no entraron. Y es una verdadera lástima…

“Summer” es la única canción que tuvo el orgullo de compartir la gloria con el resto del “Young Team”, aunque en una versión mejorada. Pero cualquier fan de Mogwai sabe que “Helicon pt.2” o “Ithica 27/9” son perlas de las que, cuando están inspirados, los escoceses regalan en

10 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

lando entre el humo de esencieros árabes, raíces profundas en la historia, tradición… todo eso junto es lo que conforma una auténtica burrada de tema.

Corre la leyenda de que en la portada del single había una pegatina que decía “dos tercios tranquilidad, un tercio death metal”. Creo que no puedo estar más de acuerdo, el estruendo (no se le puede llamar de otra manera) final de la canción, una orgía de ruido perfectamente equilibrado, es lo más cercano al death metal que Mogwai estarán jamás.

“Zidane: a 21st Century Portrait” (2006)

Todo genio tiene su punto de locura.

Bien, “My Father, My King” es ese punto en la discografía de Mogwai.

No contentos con haber publicado el excelso “Rock Action”, y como si no fuera con ellos, lanzan un single que no está en el disco, sino que es un tema de veinte maravillosos minutos de duración, basado en una melodía judía usada en días festivos y que recibe el nombre del mismo lanzamiento, “My Father, My King”. Guitarras afiladas bai-

Nunca han sabido dónde parar o cuáles eran sus límites. Corría el año 2005 y el cineasta Douglas Gordon pidió a la banda que fueran los encargados de poner música a su documental “Zidane: un retrato del siglo XXI”. Ahora sí parecía que los escoceses iban a estar en un aprieto, pero Gordon sabía lo que hacía al otorgar total libertad a la banda para componer la música.

Así, en el año 2006 y después del celebrado “Mr. Beast”, la primera banda sonora compuesta por Mogwai veía la luz.

Ante el desafío, las guitarras más pesadas parecen acallar su volumen para dar paso a armonías más ambientales, adecuadas a ser el acompañamiento de unas imágenes concretas. Las canciones que forman esta banda sonora rara vez son interpretadas en directo y es algo que deberían pensar hacer, porque auténticas joyas como “Black Spider” (1 y 2) o “Wake Up and Go Berserk” deberían estar presentes en casi todos sus conciertos.

Afortunados aquellos que hayan podido presenciar los shows que la banda dio el pasado verano en los cuales tocaban la totalidad de este disco en directo. Y ya que hablamos de rarezas, en este disco aparece la primera hidden track en la carrera de la banda. Dura la friolera de 23 minutos y aunque esté separada en dos partes, se considera una sola bajo el nombre de “Untitled”.

“EP+6” (2008)

En un principio, este EP sólo iba a ver la luz en Japón, pero alguien debió pensar que era buena idea juntar en un solo disco “4 Satin”

(1997), “No Education = No Future (Fuck the Curfew)” (1998) y el primigenio “EP” (1999), así que finalmente también fue publicado en el resto del mundo. Y bendita idea, porque desde luego, en este “EP+6” se esconde alguno de los temas más necesarios en la discografía de los escoceses.

Y es que si la mitad de la duración del disco está ocupada por los cuatro primeros temas, estamos ante un signo que define a la perfección la música de Mogwai. Temas largos, muy desarrollados, con esas guitarras que rajan tímpanos como en “Superheroes of BMX” o la tremendamente ruidosa “Stereodee”, puro caos perfectamente organizado. Como contrapunto, la delicadeza de “Xmas Steps” (un gusto poder disfrutar en directo de esta canción) o “Now You’re Taken”.

“Special Moves” (2010)

Capturar la esencia de Mogwai en directo en una grabación es algo complicado. Soy de la opinión de que cada concierto del grupo es una comunión entre ellos y el público de esa noche, una especie de liturgia

del ruido que ninguna noche es igual. Y “Special Moves” así lo corrobora. Grabado a lo largo de tres noches diferentes en Brooklyn, no deja un segundo de respiro al oyente. Y se puede comprobar lo especial que es un el ambiente en los conciertos de la banda por el silencio sepulcral mientras tocan y el estallido de ánimo cada vez que termina un tema.

Es el primer (y podría decirse único) directo oficial de la banda, exceptuando ese EP lanzado con motivo de su concierto en el Itunes Festival en el 2011. Pocas pegas que ponerle a un listado de canciones que contiene lo mejor y más representativo de la carrera de los escoceses, con momentos álgidos como “Mogwai Fear Satan” (se me ponen los pelos como escarpias cada vez que escucho esta versión) o la muy aclamada “Hunted By A Freak”. Acompañando a esta grabación en directo se incluía un DVD bautizado como “Burning” en el que podemos encontrar canciones que no se encuentran en el CD, como “Batcat” o “The Precipice”.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 11

MOGWAI RAVE TAPES / 2014

Hace treinta años, el futuro podría haber sonado como “Rave Tapes”. No quiero decir con esto que Mogwai no hayan aportado un nuevo giro a su sonido, sino que ese giro les conduce hacia una electrónica futurista que ahora se antoja algo caduca para lo que parece ser el futuro.

12 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Recuerdo que cuando era niño, me quedaba embobado ante lo que ahora sería una primitiva noción del futuro, generalmente formada por un colorista y enorme mundo que estaría plagado de robots, circuitos y mil locuras más. También recuerdo, aunque suene algo raro, ese mismo mundo traumatizado por la inevitable pérdida de las conexiones humanas en la sociedad. Si os fijáis en la portada del octavo trabajo de estudio de Mogwai, ese diseño geométrico con un ojo abierto de par en par a través de un ciclón de círculos y hexágonos nos traslada a estos recuerdos y en cuanto empieza a sonar el disco, las instrumentaciones pulsantes e incluso paranoicas a veces parecen basadas en cómo debería haber sonado este futuro, creando una atmósfera que es prácticamente perfecta.

Siguiendo a sus lanzamientos de 2011, “Hardcore Will Never Die But You Will” y el EP “Earth Division”, además de su trabajo en una nueva banda sonora y que parece que ha influenciado la estructura narrativa que su último disco sugiere, “Rave Tapes” nos muestra a Mogwai creciendo e innovando, sintiéndose cómodos con sintetizadores y baterías electrónicas. Porque aunque sus composiciones sean famosas por sus atronadoras guitarras, otra de sus señas de identidad es la continua experimentación y ahora, rendidos a la tecnología, nos ofrecen un homenaje a la electrónica más experimental entre golpes de guitarra y bajo.

Se hace difícil escuchar una canción como “Simon Ferocious” sin escu-

char inmediatamente una voz en tu cabeza que te hace pensar en el “Autobahn” de Kraftwerk. Y pese a que este disco se ha centrado de una forma muy clara en la electrónica, Mogwai no abandonan las guitarras y nos las presentan en preciosas texturas que humanizan ese progreso hacia las bases programadas. Sin embargo, y fijándonos en sus últimos trabajos, el disco llega a su cumbre de sonoridad con “Remurdered”, una pieza que podría haber aparecido sin desentonar en la banda sonora de cualquier película de John Carpenter en los años ochenta. “Deesh” es el ejemplo perfecto del dominio del volumen y la intensidad, creando una atmósfera que podría ser la de un amanecer que revela un apocalipsis, muy en la onda de lo que hicieron Godspeed You! Black Emperor para la banda sonora de “28 Días/Semanas Después”. No se puede pasar por alto el uso que hacen en “Repelish” de los supuestos mensajes subliminales que Led Zeppelin incluyeron en “Stairway To Heaven”, creando la figura de un falso predicador que llama a la revolución.

Así, nos encontramos con una nueva tendencia que dirige a la banda a sonidos cercanos al que practicaban grupos como Tangerine Dream o los anteriormente mencionados Kraftwerk pero sin renunciar a ese patrón emocional que siempre ha estado presente en la música de Mogwai, su glorioso postrock se filtra entre los nuevos tintes electrónicos y forma un perfecto matrimonio con sus instrumentaciones más tradicionales. Si con “Hardcore

Will Never Die But You Will” ya parecían flirtear con ese nuevo sonido más electrónico, con sintetizadores emparejados a sus guitarras, en “Rave Tapes” se exhibe la completa transición hacia ese estilo de sonido, en un ejercicio similar al que realizaron Liars con “WIXIW”.

Sin embargo, esos sintetizadores a menudo se ven envueltos en composiciones que permanecen dirigidas a las guitarras. La canción que abre el disco, “Heard About You Last Night” usa un sintetizador que embellece unos preciosos punteos cortos de guitarra que centran el foco de la canción. Con “Hexon Bogon” sentimos una serie de latigazos en el tímpano que emergen de entre aullidos de guitarra y oleadas sónicas de distorsión y “MasterCard” se pierde en un vago riff

que se rige bajo sonoros golpes de batería. Su melodía principal nace del piano pero no puedes ignorar la voracidad del rock que corre por cada nota. Se nota que están cómodos con temas como “No Medicine For Regret” en los que hay una dosis igual de energía rock y modernidad que cristaliza en un apasionado corte, que está entre las dos pistas que pasan inmediatamente a la lista de canciones de Mogwai en las que hay voz: “Blues Hour”, una hermosa balada de piano capaz de poner la piel de gallina y “The Lord Is Out Of Control”, un robótico lamento que sirve como broche para “Rave Tapes”.

por parte de la banda y esa sensación de avanzar creativamente, ya que aún parecen demasiado cercanos a “Hardcore Will Never Die But You Will”. Pese a esto, “Rave Tapes” es un trabajo muy cohesionado, creado conjuntamente desde una perspectiva variada y que demuestra que Mogwai, en lugar de sentarse en su cómodo lugar de banda puntera dentro del post-rock, son un culo de mal asiento que siempre buscan un paso más sin renunciar a sus propias señas de identidad.

Abordar tantas cosas en el campo musical, que aún guarda algo de aquellos primeros Mogwai, puede suponer una falta de compromiso Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 13

14 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

WARPAINT WARPAINT Por Sergio Herguedas

Hace cuatro años pudimos saborear el debut en largo (“The Fool”) del cuarteto estadounidense, el cual venía precedido dos años atrás por el EP “Exquisite Corpe”.

Ambos mostraban a un grupo de primera hora de festival lleno de sonidos orgánicos y melodías dulces, pero faltos de chispa.

Chispa con la que “Intro” nos electrifica y nos enseña un camino ensoñador que encauza con la rabia contenida de “Keep It Healthy”, la cual se transmite por la parte instrumental sin hacer mella en los vocales de Emily.

“Love Is To Die” nos enseña que pueden acelerar el pulso a pesar de mantenerse en un estado de ánimo lacrimógeno permanente que conjuga a la perfección con la fragilidad vocal que en ciertos momentos de “Hi”, parece materializarse en un ángel mimetizado con todo lo que va apareciendo tras de sí.

El sonido que desarrollan y que tanta experimentación conlleva hace reforzar la idea de que este viaje tiene de todo menos de soledad, a pesar de que “Biggy” se empeñe en ello. La calma y el desasosiego llaman a la puerta de “Teese” a través de un folk aromado a verano con raíces americanas en donde

no hay prisas, todo lo contrario que en “Disco//Very”, donde se instaura un ritmo R&B que pide para sí la pista de baile.

En “Warpaint” hay infinidad de paisajes , pero ninguno tan exótico y rudo como el de “Go In”, y eso que la sonoridad toma unos tintes de jazz como si hubiesen sido elaborados en una jam session con cuatro desconocidas que se acaban de juntar. Dando rienda suelta a los sentidos, “Feeling Alright” saca a la luz una electrónica que permanecía en el anonimato, la cual, se proclama protagonista de la alienación absorbente e hipnótica que es “CC”, en donde hasta las palabras quedan impregnadas por ella.

Vuelta a los orígenes con “Drive”, aunque se resiste al dibujar a unas HAIM en formato dócil, y que de no ser por “Son”, la dramatización clásica de sus composiciones no estaría asegurada.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 15

16 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

PAINTED PALMS FOREVER Por Sergio Herguedas

Parece que todo es más fácil si queda en familia, pero para llegar hasta aquí, Reese Donohouse y Christopher Prudhomme, primos entre sí, tuvieron que empezar a trabajar por separado dando como resultado “Canopy”, “Carousel” y “Nothing Lasts Long”, EP’s y 7″ editados hasta hoy. A partir de ahí, y a pesar de no existir ningún tipo de barrera geográfica, siguen con el mismo proceso de grabación que hasta entonces, no siendo una mala elección, a tenor de que su trabajo les ha valido para tocar en giras con bandas como Of Montreal, STRFKR o Braids.

Aunque han tocado con grupos de alto calibre, se desmarcan un poco del estilo de estos para emparentarse con Animal Collective en “Too High”, y así enaltecer el viaje psicotrópico con regresión a los 60′s en el que se mantienen durante “Here It Comes”, donde juegan con ese estado mental en el que todo lo que nos rodea se vuelve protagonista, dejándonos un margen de tranquilidad y abstracción con respecto al mundo real.

“Hypnotic” llega al sistema nervioso central y el cuerpo se refugia en una pista de baile en la que se puede vislumbrar a gente como Jagwar Ma, que actúan como balsámico hasta que “Forever” aparece en escena, y con ella, los temibles efectos secundarios, y la sensación de pesadez muy marcada que invita a perder el rumbo…o parar.

Una vez elegida la segunda opción, “Soft Hammer” obliga a

hacer una regresión personal y ver que todo esto lo ha causado el amor. El daño que nos ha producido sigue estando ahí, siendo ahora más destructivo si cabe. El apoyo viene de la mano con “Carousel” que lo pinta todo muy fácil en la teoría, pero que en la práctica, “Not really There” vuelve a rizar el rizo perturbándolo todo antes del trance moral que “Hope That You See It Now” supone como forma de llamar la atención.

El cambio viene con “Spinning Signs” a través de su planteamiento a base de pop de sintetizador y la clara visión de futuro que ello conlleva. Perspectiva que queda desganada en “Sleepwalking”, y que se ve amenazada por los leves tintineos perturbadores que acorralan a “Empty Gun”, y de los que se desentiende cuando sale reforzada por ese juramento de “Angels”, de no querer volver a oír nada más al respecto.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 17

18 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

REVIEW

Alcest Por Joaquín Ollero García

Stéphane Paut, también conocido como Neige, consigue que los primeros días del 2014 sepan a una mezcla de escape nostálgico de la realidad gracias a 8 composiciones que conforman uno de los primeros lanzamientos de peso de este año.

“Shelter” comienza con una introducción instrumental de un minuto y medio de duración. “Wings” y sus coros angelicales situados en el horizonte nos adentran en el universo creado por Alcest para este álbum.

Y es justo a partir de este momento donde podemos encontrar las primeras diferencias positivas del presente de la banda con respecto a sus trabajos anteriores. Los 3 discos publicados desde 2007 se sienten menos acertados a la hora de relatarnos sus historias ya que contienen melodías menos armoniosas que las presentadas en el disco que nos ocupa, aunque siempre se mantienen en las fronteras dibujadas por unos géneros a los que quizás no estemos tan acostumbrados como son el post metal y el blackgaze. Estas variantes del metal son más accesibles para el público en general ya que ciertos elementos típicos de este estilo dejan paso a escalas sonoras agradables que se pueden considerar melódicas y dulces. De esta manera podemos determinar que este esfuerzo por la banda francesa es el más conseguido de su historia musical ya que la distancia que separa al oyente de la música propiamente dicha es casi inexistente y así podemos experimentar un viaje a un lugar imaginario alejado del mundo real que llega a entusiasmarnos.

La primera mitad del disco es a todas luces la más excelente ya que contiene las 3 piezas fundamenta-

les que dan sentido al álbum y hace que destaque por encima de la media. Tanto “Opale” con su guitarra eléctrica como protagonista como “Voix Sereine” convirtiéndose en el fragmento más sentimental de toda la obra atrapan nuestra atención de forma inmediata e implosionan con éxito a lo largo de sus estructuras que siempre van de menos a más. “La Nuit Marche Avec Moi” no tiene menos mérito que las dos comentadas ya que juega en la misma división y crea esta atmósfera tan palpable, una aleación de oscuridad sin olvidarse de rayos de luz que constantemente proporcionan luminosidad a las composiciones.

Grabado en Islandia junto al productor de Sigur Rós, la idea de encontrarnos con nosotros mismos en este refugio sigue funcionando durante el resto del ensayo, pero quizás no llegue a igualar las cotas alcanzadas por los primeros compases, aunque se sigue percibiendo una consistencia admirable y un férreo armazón que hace que “Shelter” sea un disco remarcable con un objetivo claro y conciso presentado desde el primer segundo y que logra con notoriedad. La persona que se ponga al servicio de Alcest durante estos 45 minutos encontrará un ejemplar que destaca por su sinceridad y pureza haciendo que la visita a su esencia sea más que satisfactoria.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 19

MØ | Bikini Daze EP | 2014 Por Jaime Mateo Herrero

MØ o más bien dicho, Karen Marie Ørsted, solamente ronda nuestros oídos desde hace poco más de un año con ese primer single que fue “Maiden” (que casualmente es lo que viene a significar MØ, cuya traducción sería doncella) , tiempo suficiente para haber creado ese hype entorno a ella gracias al parecido vocal con Megan James (Purity Ring) y que con “Pilgrim”, estas comparaciones recayeron también en Grimes, alentadas por esa mezcla de synthpop, darkwave y tintes de dream pop.

Y a partir de aquí tenía que demostrar al mundo entero que no se habían equivocado con ella, de ahí su debut en corto con un primer tema, “XXX 88″, en donde se muestra desenfadada a la vez que combativa, debido a esa retahíla de golpes encima de la mesa que consiguen que nuestros pies se desentiendan de nuestro cuerpo invocando a Chvrches para ello.

Pero Karen es una inconformista y desviándose de su camino, se mimetiza en Lana Del Rey y su “Video

20 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Games” a través de “Never Wanna Know”, una oda a la americana acompañada de unos ritmos leves que la hacen bailar en pareja con “Dark Night” y sus ritmos electrónicos a la par que tubulados con reminiscencias a Mike Oldfield y su “Tubular Bells”.

Grandes influencias de una artista que para nada las esconde, y que en “Freedom(#1)” no hay lugar para ellas, y es que es aquí, donde desnuda vocalmente, se erige protagonista al lograr crear una conversación consigo misma que hace ver la libertad que ansía y que llegará a su punto álgido cuando el 24 de febrero presente su álbum debut “No Mythologies To Follow”.

MENACE BEACH | Lowtalker EP | 2014 Por Sergio Herguedas

Ryan Needham y Liza Webster irrumpieron en la escena hace poco más de un año con su EP debut “Dream Out”, cuyo sonido daba una idea de por donde iban a ir las cosas, pero la calidad de su producción, y no me refiero al lo-fi que practican, hizo que no se le prestara mucha atención amén de lo que ocurriría con “Too Pure Singles Club Double Side A”, masterizado en los estudios Abbey Road de Londres, y cuyos temas incluídos, “Drop Outs” y “Tastes Like Medicine”, los puso en un radar que ha hecho que se pasaran cuatro días encerrados con amigos como Matt Johnson de Hookworms(productor de todo su material), Nestor Matthewsde Sky Larkin o Paul Draper de Mansun, haciendo que su encuentro se convierta en “Lowtalker”.

“Fortune Teller” se mueve entre la desgana y el pasotismo por no dar con la tecla de lo que se busca,

transformándose los instantes siguientes en redención y conjeturas de suicidio, haciendo que hasta Kurt Cobain se pasee por nuestros pensamientos al tiempo que “Honolulu” dispara el traumatismo sonoro que se nutre de las grietas y deformaciones psicóticas de las que parecen no darse cuenta las letras empapadas de distorsión… y se supone que esto iba a ser un disco para tratar de reconectarse mental y espiritualmente, como el propio Ryan ha comentado.

El estallido emocional de “Where I Come From”, concordante con el material oído hasta ahora, se transforma en un pop rockero de influencias vocales conjuntas entre los dos artífices del proyecto con un denostado teclado que no deja de intentar abrirse camino entre la maleza de guitarras que lo acompañan, entrando en un estado de“Nervous” que obligan al primero a alejarse para evitar quedarse en el medio de la lucha que las segundas encarnizan.

Noqueada mental y oníricamente,“Cheerleader” se engalana al estilo Miles Kane y transforma los pocos rayos de sol que se cuelan en una victoria capaz de llevarlos al estrellato, arrastrando tras de sí una estela que alarga la sombra de Built To Spill.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 21

22 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

REVIEW

Sophie Ellis-Bextor Por Álvaro Hernáez No, no nos hemos vuelto locos comparando a la señorita Ellis-Bextor con la Goldfrapp más introspectiva ni con el folk de los Belle & Sebastian. La londinense ha dado un giro radical (pero radical, radical) a su sonido con este “Wanderlust” y, además de boquiabiertos, nos ha dejado huérfanos de pepinazos bailables discotequeros, para hacer un relajado y digno ejercicio de evolución musical.

Insistimos, todo está correcto, hablamos de la misma Sophie Ellis-Bextor del “Murder On The Dancefloor“.

La otra gran diva del petardeo-dancefloor británico ha querido sorprendernos de verdad con su nuevo álbum.

Ha dejado atrás el artificio electrónico y las producciones con deejays de moda para cascarse un disco melódico en el que, según ella misma ha reconocido, se ha inspirado en los sonidos soviéticos de los 60 y 70′s para tratar de plasmar un viaje hacia la calma y la madurez. Éste parece el disco en el que toma forma el cambio de rumbo con el que la artista venía amenazando desde el fracaso comercial de su “Trip The Light Fantastic“, aquella colorista compilación de temas bailables, nacida para triunfar, pero que no encontró su hueco allá por 2007 y cuyo fracaso ella misma ha reconocido que le frustró profundamente. Pasó a engrosar así la lista de divas pop injustamente condenadas a un segundo plano (como Marina And The Diamonds, Annie o Róisín Murphy), pero parece que, con este último trabajo, quiere abandonar este grupo por una tangente diametralmente opuesta a su sonido clásico. Obviamos comentar su “Make A Scene” de 2011, porque la queremos y se lo perdonamos…

Así, para “Wanderlust“, Sophie se ha acompañado únicamente del cantautor Ed Harcourt (conocido en su casa), con el que ha compuesto y escrito todas las canciones del disco, grabadas en sólo 15 días. El álbum nos regala delicadísimas baladas, como el single presentación del disco (“Young Blood“) o el último tema

del mismo, la preciosa “When The Storm Has Blown Over“; sonidos que imitan el espíritu motown (“Runaway Daydreamer” o el interludio del disco), momentos energéticos (como “The Deer & The Wolf”, que suena descaradamente a Suedeen sus mejores años), y hasta las marcadas inspiraciones de la música popular de las repúblicas soviéticas que antes comentábamos, como la animada “13 Little Dolls” o la apertura de “Birth Of An Empire“. Encontramos también medios tiempos en los que su interpretación vocal es la protagonista absoluta (“Until The World Collides” y sus clavicordios, o “Wrong Side Of The Sun“), y temas cargados de simbolismo, como “Cry To The Beat Of The Bell” o “Love Is A Camera“, que saben ligeramente a cultura eslava y que suenan al mismo tiempo a orquesta palaciega (salvo por esos punteos de guitarra eléctrica, como toque contemporáneo). Ambos son relevantes para el concepto general del trabajo, ya que fueron el punto de inflexión para la cantante a la hora de definir el rumbo musical de este álbum, que le convencieron a seguir por esta senda y a alejarse, por primera vez, de la producción electrónica.

En resumen, “Wanderlust” es un disco correcto y todo un acierto si lo que quería era sorprender a su público.

A pesar de que es pausado, se disfruta con calma, transmite tanto fuerza como paz en la justa medida, es coherente en su conjunto y ha sabido mostrarnos otra cara de la londinense sonando totalmente natural. Sin embargo, y a pesar de todo lo comentado hasta aquí, espero profundamente que este disco sea un alto en el camino, tras el que vuelva a atreverse con la electrónica, las influencias ochenteras y las bolas de espejos.

Porque en el recuerdo colectivo (y sobre todo en el mío), ella siempre será la diva dulce de labios rojos y ojazos profundos cuyos discos cambiaron la evolución del pop británico a principios de los 2000 y que me acompañaron en bucle mientras crecía. Por eso me encantaría volverla a ver desenfadada y no tan sobria porque, aunque convence en su nueva faceta, me encantaría que volviese a ser de nuevo ese icono kitsch que me enamoró cuando no era más que un moco.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 23

LO QUE NOS DEJAMOS EN 2013

Por Álvaro Hernáez

Porque algunos no estábamos por aquí hasta bien entrado el año, porque no podemos estar en todo, porque hay discos mayúsculos escondidos en lo más recóndito de internet, o simplemente porque sí, hemos hecho una pequeña recopilación de discos que marcaron el 2013 a algunos miembros de la redacción de INDIEferencia Magazine pero que no tuvieron su hueco en la revista en los últimos 12 meses. Y además traemos variadito el surtido, pasando por una buena gama de EPs y LPs de debut, sonidos neo-soul o drum & bass, hasta llegar a lo más refinado del indie pop petardo internacional. Que ustedes lo disfruten...

24 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

EMPIRE OF THE SUN Ice On The Dune

RUDIMENTAL Home

Si bien gran parte de la prensa musical se ha tirado al cuello de estos australianos a raíz de la publicación de su segundo trabajo, es absolutamente innegable que Nick Littlemore y Luke Steele se propusieron engrandecer las virtudes de su ya mítico “Walking On A Dream” para dar forma a este “Ice On The Dune”. Empire of the Sun han ahondado en los elementos que les funcionaron a la perfección en su primer largo y les han dado vía libre, en detrimento de temas menos fáciles (igualmente grandes, como aquel “Swordfish Hotkiss Night”). Así, aquí tenemos guitarras ambientales, buena dosis de teclados y sintetizadores, ecos y, por supuesto, letras lle-

nas de épicos delirios de grandeza.

Intensísimo electro-pop en mayúsculas como en “Celebrate”, “DNA”, “Alive”, “Concert Pitch” o “Ice On The Dune”, medios tiempos delicadísimos como “Awakening” y “I’ll Be Around” y hasta descaradísimas incursiones en la pista de baile como la grandísima “Old Flavours”. Y todo esto, bien disfrazados de mamarrachas del espacio exterior. Sin duda alguna, éste es uno de los discos más injustamente infravalorados del año, en parte por aquel manidísimo argumento de “antes molaban más”, que, personalmente, un servidor no comparte en absoluto. ¡Larga vida a los Empire!

Sólo por haber puesto en el mapa musical a nombres en mayúsculas como John Newman, Ella Eyre o MNEK, y por haber dado pie al redescubrimiento de Alex Clare o Angel Haze, este colectivo de DJs ya merece ser uno de los nombres propios del 2013.

A pesar de no ser unos recién llegados (llevan en el mundillo musical desde 2010), “Home” ha sido su puesta de largo. Rudimental se han caracterizado en todo momento por ser los señores de la fusión de soul y drum & bass, ahora que este sonido goza de una segunda juventud. Dos temas de este largo han coronado la UK Singles

Chart, “Feel The Love” con John Newman (el que más ha despegado a raíz de sus colaboraciones) y “Waiting All Night” con Ella Eyre (quien seguro más despegará en este 2014), pero el álbum no se limita en absoluto a ellos.

Tenemos sensualidad en “Hide”, “Not Giving In” y en las dos colaboraciones de Emeli Sandé, “Free” y “More Than Anything”, frescura en “Right Here” con Foxes, deep-house del bueno en “Baby” y “Spoons” y hasta r&b de calidad en “Hell Could Freeze”. La joya urban de la corona musical del año.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 25

CAPITAL CITIES

In A Tidal Wave Of Mistery

FITZ AND THE TANTRUMS

More Than Just A Dream

26 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Probablemente, este “In A Tidal Wave Of Mystery” sea uno de los placeres culpables del año en el mundillo indie pop, pero sarna con gusto no pica.

Desde luego que el proyecto de los californianos Ryan Merchant y Sebu Simonian no pretende revolucionar los cimientos del pop, pero sí pretende una cosa, hacernos bailar y disfrutar, y esto lo consigue a la perfección. Obviamente, el disco es la consecuencia lógica del éxito arrollador del PEPINO SUPREMO que es “Safe And Sound”, que se ha convertido merecidamente en uno de los temas más escuchados de 2013, pero hay mucho más detrás. Tenemos temarra-

cos bizarros como “Kangaroo Court” (vídeo raruno incluido), primos hermanos de “Safe And Sound” como “I Sold My Bed, But Not My Stereo”, piezas dignas de una pista de baile setentera como “Centre Stage” y “Chartreuse”, estremecedores medios tiempos pop como “Love Away” y hasta colaboraciones memorables con André 3000 (de OutKast) en “Farraw Fawcett Hair”. En resumen, el disco es Capital Cities 100%: buen rollo, enormes gafas de sol, psicotrópicas galaxias habitadas por tigres astronautas y pastillas de colores. Y encima son la fiesta padre en directo. No se puede pedir más.

Es extraño ver cómo una banda como estos californianos no consigue un hueco entre los grandes con su contagiosa fusión pop-soul, porque pocas veces un grupo que surge de circuitos alternativos va tan cargadito de hits potenciales, tarareables hasta el infinito. Fitz and The Tantrums han vuelto a intentar triunfar con éste su segundo álbum, “More Than Just A Dream”, con estribillos pegadizos como el de su tema estrella, “Out Of My League”, con silbidos y bailoteos varios como el de “The Walker”, con “uoooohs” incansables como los de “Spark” y hasta con temas que sue-

nan épicos y trascendentales como “Break The Walls”. No se limitan a esto, pues en el LP también nos traen deliciosas perlas soul como “House On Fire” o “6AM”, canciones preciosas como “Fools Gold” y temas divertidos como “Get Away”. Pero ni por ésas Michael Fitzpatrick y los suyos se escapan de este ostracismo al que el mainstream les ha condenado (por no estar, no están ni en Spotify). De todas formas, tiempo al tiempo, porque a estos chicos les veremos triunfar, los ingredientes para ello desde luego que los tienen…

LONDON GRAMMAR If You Wait

GABRIELLE APLIN English Rain

Aunque los londinenses Daughter se han llevado toda la atención mediática como gran grupo ambient pop-rock del 2013, sus paisanos London Grammarhan intentado arrebatarles ese reconocimiento con este “If You Wait”, igualmente delicado, profundo y épico. En este prometedor debut, la voz de Hannah Reid se pasea en una montaña rusa de guitarras ambientales, templados pulsos de piano e hipnóticas espirales de bajo, y trata de demostrarnos que la eterna comparación de su voz con la de la gran Florence Welch no la desmerece para nada. En “If You Wait” recogen sus primeras y más importantes

piezas, las emocionantes “Wasting My Youg Years” o “Hey Now”, y la nocturnidad hecha música en “Metal And Dust”. Nos ofrecen igualmente nuevas e intensas composiciones como “Strong”, el magistral cambio radical interpretado sobre el “Nightcall” de Kavinsky, la dulzura de “Stay Awake” o de “Sights”, la más refrescante “Darling Are You Gonna Leave Me”, y hasta ese puente entre dos mundos que es su colaboración con los Disclosure, “Help Me Lose My Mind”. Setenta minutos de un idílico viaje por las sensaciones de una lluviosa tarde de otoño.

Talento y sensibilidad a flor de piel. Así podríamos definir a esta abanderada del folk británico, que en 2013 nos ha regalado su primer largo. Sin embargo, Gabrielle Aplin no acaba de llegar al panorama ni de lejos, ya que nos ha estado brindando su dulcísima voz desde 2010 en hasta 5 EPs previos, lo mejor de los cuales está concentrado en este “English Rain”. Rescates o revisiones son la maravillosa “Panic Cord”, “Please Don’t Say You Love Me”, la delicada “Home” o su versión de “The Power Of Love”, de Frankie Goes To Hollywood, que le catapultó a la

fama en su país natal. Pero en este LP hay mucho más: su estremecedora fragilidad al piano en “Salvation”, la inmensidad de los coros de “Ready To Question”, energía pura en “Keep On Walking” y en “Evaporate”, o el intenso viaje vocal que se marca en “How Do You Feel Today”. No obstante, este primer álbum no hace justicia a toda la belleza y la emoción de sus EPs previos. Por ello, adentrarse en “English Rain” debería ser más bien una invitación a disfrutar de lo que ha hecho antes, ya que así el viaje sí habrá merecido la pena.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 27

ELLIE GOULDING Halcyon Days

QUADRON Avalanche

28 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

2013 ha sido el año en el que, por fin, la británica ha alcanzado el estatus de estrella por el que lleva peleando desde hace cuatro años y que, todo sea dicho, merece como nadie. Esta consagración toma forma en “Halcyon Days”, reedición de su “Halcyon” de 2012, en el que expande el trabajo previo y lo complementa con unos cuantos potenciales éxitos masivos que conservan su personalidad musical. Además de las delicadísimas “Anything Could Happen” y “Holding On” o la potente “Figure 8” de la primera parte del álbum, en esta reedición Ellie nos regala su primer gran hit, “Burn”, más coqueteos electro-

dubstep como “You My Everything”, “Stay Awake” o “Under Control”, o joyas electropop como la colorista “Goodness Gracious” (producida con la mano amiga de Nate Ruess de fun.).

Hasta mayúsculas baladas como “How Long Will I Love You” y “Hearts Without Chains” tienen cabida en esta segunda parte, en la que, de regalo, recupera su primer éxito, “Lights”, y hasta una personal versión del “Tessellate” de los Alt-J. En resumen, este “Halcyon Days” es la confirmación de que se puede hacer música de calidad y diferente y llegar al gran público sin perder la compostura.

Rhye y su “Woman” tienen la culpa. El proyecto de Robin Braun y Milosh ha relegado a un segundo plano a este segundo LP de los Quadron, formación compuesta por Braun y la vocalista Coco O. Y lo ha hecho pasando por encima de una virtuosa ejecución neo-soul de su frontwoman y de una producción delicadísima. El álbum se abre con tres perlas, “LFT” (que no cuesta imaginar interpretada por voces como Beyoncé), el elegante medio tiempo “Favourite Star”, y su primer éxito, “Hey Love”, que nos transporta a un ambiente festivo sesentero indiscutible, y se cierra con otras tres. Nos

referimos a “Better Off”, la soberbia colaboración con Kendrick Lamar, el sensual atardecer de “Sea Salt”, y la explosión instrumental ambiental del tema que bautiza y cierra el disco, “Avalanche”. En el camino se dejan unos cuantos temas correctos y discretos, en donde la voz de Coco es la absoluta protagonista, dando lugar en su conjunto a un resultado disfrutable, pausado e intenso, con aroma a buen café, maduro y reposado.

SAN CISCO San Cisco

ST. LUCIA

When The Night

San Cisco son diversión y pop desenfadado sin titubeos. Con un aroma lejano a MGMT, inspiración y voces a lo Vampire Weekend y un ligero toque de The Flaming Lips, estos australianos publicaron en los últimos suspiros de 2012 este disco homónimo con un único propósito: sentar sus bases y convencernos. Y vaya si lo consiguieron. Precedidos por el éxito de su primer gran aventura musical, “Awkward”, entre mucho da da da da y doo doo doo doo, su creatividad tuvo vía libre para enseñarnos qué sabían hacer. Así, se muestran divertidos en “No Friends” o “Wild Things”,

frescos en “Fred Astaire”, “Stella” o “Lyall”, juguetean en la frontera folk en “Rocket Ship”, y hasta respiran profundamente en “Hunter” o “Nepal”. Un correctísimo álbum debut, en el que es cierto que Ezra Koenig se aparece constantemente como referencia en la memoria musical, pero que, indistintamente, es un caramelo pop, dulce desde que le quitas el envoltorio hasta que termina de deshacerse en la boca.

St. Lucia es el proyecto musical del multiinstrumentista y productor Jean Philip Grobbler, que este pasado 2013 nos dejaba su primer largo, “When The Night”, un álbum cargado de electropop luminoso, sintetizadores, sonidos tribales, brillantes guitarras y reminiscencias ochenteras. Es el primer largo del artista, que, además de nuevas composiciones, recoge los mejores temas de sus EPs previos, como la refrescante “All Eyes On You” (brisas marinas, teclados celestiales y saxofones incluidos) y el rollo eighties de “Closer Than This”. Grobbler nos regala en este LP medios

tiempos bailables como “Wait For Love”, rompepistas descarados como “Elevate” o sonidos que viajan treinta años atrás como “The Way You Remember Me”, “Call Me Up” o “The Night Comes Again”. Con todo ello, St. Lucia nos envuelve en una jungla de hombreras, cardados imposibles y pantalones de pitillo, fusionados con una especie de cánticos corales tribales, selvas amazónicas y ritmos multicolores, hipnóticamente electrónicos por momentos, que desconcierta y sorprende a partes iguales. Algo así como Tarzán con un taparrabos fucsia eléctrico bajo una bola de espejos.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 29

PROPELLERS

Midnight Kiss EP / Black Mascara Eyes EP

MAGIC MAN

You Are Here EP

30 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

No solo uno, sino dos EPs nos han regalado estos británicos en 2013. Y con ellos se han erigido como una de las grandes promesas del año del indie pop más desenfadado, bailable y directo. La banda liderada por los hermanos Max y Archie Davenport nos ha brindado ocho temas de pop de factura electrónica pensados para hacernos disfrutar, de entre los que destaca su primera creación, “Midnight Kiss” y, sobre todo, el pepino “Landslide”, en la que reivindican como nadie sus noches, sus chicas, sus fiestas y su falta de preocupaciones. No se quedan atrás en este espíritu el

tema que abre y bautiza su segundo EP, “Black Mascara Eyes”, así como otros temas ligeramente más comedidos, como los dos restantes del primer EP (“Rattlesnakes” y “Untouchable”), o “Poison Her Atmosphere” del segundo.

Aunque por ahora no han pisado un escenario en nuestro país, con la excusa de que están trabajando en su primer largo, un servidor desea muy, muy fuerte que podamos recibirlos dentro de nuestras fronteras como se merecen. Será por festivales veraniegos fresquitos en los que encaje su sonido…

He aquí otra buena muestra de un gran debut de toques indie pop electrónicos para 2013. Se llaman Magic Man y nacieron de la conexión musical surgida entre sus fundadores mientras cosechaban verduras ecológicas en Francia (sic). “You Are Here” resume todo su trabajo desde esta conexión agrícola, aunque éste tiene poco de orgánico y mucho de sintético. Encontramos guitarras, energía y producción cañera para los amores sureños de “Texas”, la ruptura traumática con “Paris”, la exaltación amorosa de “Every Day”, los reproches de la fantástica “Nova Scotia” y

las dificultades sentimentales en “Waves”. En resumidas cuentas, rock joven y despreocupado que recuerda mucho a The Royal Concept por lo relajado y divertido de sus letras, que suena en algunos momentos a The Killers y en otros a Owl City, que es pop bailable en mayúsculas como el de Satellite Stories, pero que es mucho más que la suma de todas estas influencias. Ojito con estos chicos, porque seguro que darán que hablar.

HOLY GHOST! Dynamics

PATTERNS

Dangerous Intentions

Los niños mimados (y electrónicos) de la DFA de James Murphy han vuelto a demostrar que son los reyes recreando el ambiente y el sonido puramente ochentero en éste su segundo largo. Después de ganarse el respeto absoluto de medio mundo con su debut homónimo, nos han recompensado tras dos años de espera con este “Dynamics”. Si bien, a la luz del pseudoadelanto que nos regalaron en 2012, “It Gets Dark” (que al final no incluyeron en este nuevo álbum), parecía que iban a dar un giro hacia lo oscuro y lo sensual, nada más lejos de la realidad. Este “Dynamics”

destila sonido clásico Holy Ghost! por los cuatro costados, con trallazos como “Dumb Disco Ideas” o “Dance A Little Closer”, reminiscencias a lo Pet Shop Boys como “Okay” y “Cheap Shots” (ambas lo mejor del álbum), recuerdos discotequeros como “Bridge And Tunnel” y medios tiempos muy en su línea como “It Must Be The Weather” o “Don’t Look Down”. Resumiendo, un trabajo grande, que va sobre seguro y que funciona a la perfección.

Como guinda, sólo faltaría que viniesen a España a presentarlo…

Los nuevos reyes del tropical nu-disco. Así ha definido gran parte de la prensa especializada a este cuarteto costarricense que nos ha presentado su debut en 2013. “Dangerous Intentions” bebe de las grandes voces femeninas del rock de los 80 y también del mejor italodisco, y lo combina con guitarras dulces y con los sensuales vocales de Michelle González, su frontwoman y principal compositora. El resultado es una fusión a caballo entre Kavinsky y Bonnie Tyler, y desde luego uno de los mejores trabajos disco-rock de año. Patternsconvencen con joyas

bailables como “Sunny Days” o “Burning Man”, con medios tiempos electrónicos como “Fire Face” o temazos como “Give Us The Love”, que en su conjunto nos elevan y nos teletransportan a una de las playas de la Costa Rica que vio a esta formación nacer y crecer. Lástima que este debut haya pasado tan desapercibido, porque se merece aparecer, al menos, entre los nombres de los grandes recién llegados de 2013.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 31

JAMIE N COMMONS Rumble And Sway EP

THE MOWGLI’S

Waiting For The Dawn

32 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Este “Rumble And Sway” es el segundo EP de la trayectoria de Jamie N Commons, el hombre que saltó definitivamente a la palestra por ser la voz del inquietante tema de la cabecera de The Walking Dead, “Lead Me Home”. En este trabajo, sin embargo, encontramos cuatro temas de esencia blues, en los que Commonsha querido recoger los sonidos entre los que creció y las voces que le marcaron, entre las que destacan Gregg Allmano Nick Cave. En el tema que bautiza el disco, “Rumble And Sway”, Jamie nos transporta cincuenta años atrás a bailar entre botas de espuelas y botellas de

whisky, para después dejarnos llevar por un sonido más rock’n’roll en “Worth Your While”. “Wash Me In The Water” nos permite redescubrir su voz profunda y su grandísimo potencial musical en una versión más pausada de sí mismo, para concluir finalmente con la espiritual “Have A Little Faith”. De un autor cuya vida se ha repartido entre dos cunas musicales del tamaño de Londres y Chicago no podríamos esperar menos.

The Mowgli’s son un colectivo de ocho músicos, californianos en su mayoría, que han pretendido empaparse del espíritu hippie de su infancia para “traer de vuelta el mensaje de alegría y amor con el que crecieron”, cita textual.

Se caracterizan por un buen rollo descarado y por poner voz a sus canciones los ocho miembros al unísono, ya que “la verdadera voz de la banda sólo puede escucharse cuando todo el mundo, incluido el público, está cantando”, cito de nuevo. Esta experiencia hiperpositiva de amor y diversión está recogida en este “Waiting For The Dream”, su primer largo,

que recoge temas de sus EPs previos, así como nuevas composiciones. Encontramos en él su gran éxito hasta la época, “San Francisco”, que representa a la perfección su filosofía y su sonido, así como otros temas vitalistas como “Say It, Just Say It”, “The Great Divide” o “Waiting For The Dawn”, piezas folk como “Time” o “Hi, Hey There, Hello” o temas más pausados como “Carry Your Will”. Un festival de coros vitalistas, apto y necesario para cualquiera que necesite venirse arriba en un momento de bajón… ¡Y que viva el amor!

SHANNON WRIGHT In Film Sound

Las guitarras la echaban de menos y ella, con suma bondad y honestidad, decidió atender a tales súplicas. Shannon Wright volvió en 2013 a sus orígenes eléctricos con un trabajo que supura crudeza por todos los lados. La de Jacksonville, una de esas artistas que, por motivos difíciles de entender, no goza del reconocimiento que debería tener en nuestro país, a pesar de haber enamorado en su actuación del Primavera Sound de 2007, emergió de nuevo empuñando guitarras noventeras. Con su octavo disco, la norteamericana reafirmó las tesis que ya trazó en “Secret Blood” (2010), pero esta vez, su-

mergiéndose de lleno en la oscuridad más densa y hermética. “Noise Parade” y “The Caustic Light”, los dos primeros cortes del álbum, son auténticos latigazos emocionales que ponen el acento grunge de un disco en el que Shannon no se olvida de mostrarnos su buen hacer con el piano, en la emotiva “Bleed”, ni de dibujar paisajes de abstracta belleza en canciones como “Mire” o “Captive Nowhere”. “In Film Sound” es, en resumen, una obra de arte capaz de metabolizar la Cat Power de “Moon Pix” (1998), con la PJ Harvey del “Rid of Me” (1993).

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

LA GUÍA DEL TURISTA MUSICAL: HOLANDA (I) SALAS DE CONCIERTOS

34 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Por Jaime Matéo Herrero

Por casualidades de la vida, en el año en el que Neutral Milk Hotel vuelven a los escenarios para deleitarnos con aquel enorme “In the Aeroplane Over the Sea”, yo me encuentro viviendo en el país de los canales, las bicis y Anne Frank.

Después de cinco meses de intenso contacto con la escena musical del país, he decidido escribir acerca de la buena salud de la cultura, y en particular de la música, con la que goza Holanda. Espero que este artículo sirva de guía para todos aquellos amantes de la música que se planteen en algún momento viajar a este pequeño pero agradecido país. En la primera parte hablaré de salas de conciertos, en la segunda de festivales y en la tercera os presentaré a los grupos de la escena indie que más están dando de qué hablar en estos momentos.

Aunque el núcleo cultural de los Países Bajos se concentra en la capital, Amsterdam, los conciertos se dan por todo el país, algunos incluso en pequeños núcleos urbanos como Nijmegen o Groningen. La mayoría de giras suelen visitar al menos un par de ciudades dada la calidad de las salas. Aquellas a las que he tenido la oportunidad de asistir son las siguientes: Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 35

EFFENAAR EINDHOVEN

Esta sala multiusos ubicada en pleno centro de Eindhoven fue fundada en 1971 por un colectivo de jóvenes que se reunían para discutir de política y mostrar su descontento con la sociedad. Con el paso de los años, el centro cultural se centró más en organizar conciertos hasta llegar a ser una de las salas de referencia del país.

Effenaar cuenta con una agenda de conciertos pop rock bastante equili-

36 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

brada. Si hay algún grupo alternativo que visite la ciudad de Philips, sin duda acabará aquí. Actualmente el edificio cuenta con dos salas con capacidades de 350 y 1500. Por aquí han pasado entre otros Ramones, Joy Division, Sonic Youth, Pixies, Sex Pistols, R.E.M., Red Hot Chili Peppers…

En cuanto a mi experiencia personal, he podido disfrutar de los directos de My Bloody Valentine,

Dinosaur Jr. y Kurt Vile and The Violators. Cabe destacar que la sala nunca se llena y es bastante cómodo asistir a los conciertos, sin ningún tipo de aglomeración. La calidad de sonido es bastante buena y la cerveza cuesta en torno a 3€. En caso de conciertos muy ruidosos (véase MBV), regalan tapones para los oídos.

Página web: www.effenaar.nl

013

TILBURG

Tilburg, al igual que Eindhoven, se encuentra en la provincia de Brabante, al sur de los Países Bajos.

Esta localidad 200.000 habitantes cuenta con uno de los festivales más interesantes del país, Incubate, del que hablaré en la siguiente entrega. La sala 013 se inauguró en 1998 y es la que cuenta con mayor capacidad en la zona de Brabante.

Su historia reciente está marcada por la muerte de su fundador, Guus

Van Hove. Este buen hombre murió en una expedición por el parque nacional norteamericano en busca del “Joshua Tree” de U2.

013está dividido en tres salas o “zaal”, a parte de un estudio y salas de ensayo. Por aquí han pasado Nine Inch Nails, Muse, Alice Cooper, Kraftwerk… De esta sala puedo decir que está muy bien comunicada por pasillos y el escenario

grande cuenta con una grada en cuesta que permite disfrutar de los conciertos sin tener que preocuparse por la altura de los holandeses.

Página web: www.013.nl

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 37

TIVOLI UTRECHT

Utrecht, ciudad holandesa universitaria por excelencia y prima hermana de Amsterdam. En la actualidad cuenta con una escena moderna/hipster bastante numerosa, supongo gracias en parte a la celebración del festival Le Guess Who? y un barrio lleno de tiendas de discos, ropa vintage y cafeterías con camareros barbudos.

Tivoli es una de las tantas salas que hay en Utrecht, a cada cuál mejor. Sin embargo, es la mayor de ellas y este año ha recibido el premio a la mejor sala del país, otorgado por la muy recomendable radio 3voor12. La organización

38 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

fundó la sede principal tal y como es ahora en 1979. Ahora cuenta con dos locales, Tivoli Oudegracht (1.200 personas) y Tivoli Helling (400 personas). Pero ojo, la organización va a cerrar el primero de ellos y va a cambiar la localizción a un nuevo Tivoli construido cerca de la estación de trenes, de moderna arquitectura y con mayor capacidad.

Se espera la apertura por junio de este año.

La oferta musical del Tivoli es bastante alternativa y por allí han pasado en los últimos años The National, The xx, The Black Keys, Deerhunter, Band of Horses… Du-

rante el festival Le Guess Who? pude ver a Ty Segall, Yo La Tengo o METZ entre otros y he de confesar que la sala tiene una magia especial, puede que porque está en pleno centro de la ciudad, con los canales rodeándola…voli Oudegracht (1.200 personas) y Tivoli de Helling (400 personas). Pero ojo, la organización va a cerrar el primero de ellos y va a cambiar la localizción a un nuevo Tivoli construido cerca de la estación de trenes, de moderna arquitectura y con mayor capacidad. Se espera la apertura por junio de este año.

Página web: www.tivoli.nl

PARADISO AMSTERDAM

La joya de la corona holandesa se encuentra al lado de Leidseplein, una de las zonas con más actividad de la capital, sobre todo por la noche. Allí se alza esta antigua casa convertida en iglesia en el siglo diecinueve y que en 1968 fue abierta al público definitivamente como centro cultural.

La historia del edificio guarda bastante relación con el auge del movimiento hippie de los 60, de hecho, fue uno de los primeros edificios de la ciudad en permitir el uso y consumo de drogas blandas. Los grupos y bandas que por aquí han pasado reconocen la magia de esta sala.Keith Richards aseguró que los dos acústicos que dieron los Rolling Stones aquí en 1995 fueron los mejores directos de la historia de la banda.

Paradiso cuenta con un una sala principal bastante parecida a la sala Apolo de Barcelona, con su balconcito y demás. La acústica, después de muchos apaños tec-

nológicos, ha conseguido eliminar el problema de ecos que tenía y ahora es una referencia a nivel de calidad de sonido.

La agenda de conciertos es bastante insaciable, a poco que te guste un poco (de más) la música, te podrías pasar tres o cuatro días a la semana en este sitio, si tuvieses el dinero claro. Todos los grupos alternativos que van de gira a Holanda pasan por aquí o por la también muy recomendable Melkweg. Guardo muy buenos recuerdos de esta sala, sobre todo por el público, el mejor que he presenciado nunca. El respeto por los músicos, tanto teloneros como no, es enorme. Asistí al concierto de Volcano Choir y Justin Vernon y compañía al acabar el concierto no querían bajarse del escenario mientras los aplausos se alargaban durante más de quince minutos.

Página web: www.paradiso.nl

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 39

DUKES ENTREVISTA

- ¿Qué podemos encontrar en Dukes? ¿Cómo definiríais vuestro trabajo?

Dukes, es un dúo, es un show basado en las músicas de baile donde intentamos divertirnos y qué la gente se pegue una fiesta del carajo.

Música para discotecas

- Sabemos de vuestra relación anterior compartiendo cabina en numerosas ocasiones, así como en la producción, pero ¿cómo nace el proyecto de Dukes?

Lo primero somos dos amigos y dos amantes de la música y de la fiesta, lo demás vino sólo.

- Hemos podido ver que vuestro primer tema, “Eternal”, está sonando en todas partes, incluyendo Los 40 Principales. ¿Qué acogida estáis encontrando?

Vamos pasito a pasito, Eternal es una presentación, un aperitivo, lo importante es ir enseñando lo que sabemos hacer, actuar y que la gente disfrute, van a pasar cosas muy bonitas y bajo ese convencimiento trabajamos nosotros y muchos otros artistas, con mucha humildad pero con fe a raudales.

Por Guillermo J. García

Lofelive y Don Flúor son Dukes, un dúo de djs y productores que llevan tiempo dando de qué hablar y reventando las cabinas de los sitios por los que pasan.

Paco y Rafa nos conceden un rato para conocerles un poco más y presentar el que seguro será un exitoso proyecto.

40 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

- No sólo os vemos liados con Dukes, además de vuestros proyectos y trabajos personales os atrevéis con las fiestas con Indisco. Contadnos un poco en qué consisten y cuál es su filosofía.

Aunque las fiestas Indisco no tienen nada que ver con Dukes y son parte de nuestros alter ego indies/electrónicos Flúor y Lofelive, si tienen mucho que ver con la filosofía de Dukes y la nuestra personal, que está basada en pasárnoslo de puta madre con musicón y amigos. Ahora estamos básicamente super agradecidos porque la gente en Murcia haya respondido tan bien y esté llenando cada sábado tarde las fiestas. Son la hostia y lo pasamos increíble con ellos.

- ¿Qué visión tenéis de la industria de la música en la actualidad? ¿Está tan mal como tanta gente se empeña en remarcar? .¿Indie? ¿Electrónica? ¿EDM?

R: La sociedad, la economía, mejor la vida en general no está hecha por departamentos estancos y por tanto la crisis brutal de los últimos años ha dañado tanto la cultura como el ocio nocturno, en ambos casos nos afecta. por ello agradecemos aún más si cabe que hayan contado con nosotros para salas y festivales de forma recurrente y a Darlalata que haya apostado por Dukes como su referencia electrónica. Tanto la escena Indie como la electrónica perviven porque hay muchos amigos y compañeros nuestros que pelean como jabatos. Porque durante muchos años unos pocos fueron casi a cada concierto y cada festival (nosotros entre ellos) por todo esto, no nos cansamos de insistir en que no hay mejor manera de reivindicar un género o un grupo que asistir a sus conciertos/shows/actuaciones. Tú escena la haces tú y de ti dependerá que vuelva tal o cual artista a tú ciudad. El EDM es la música qué más ha pegado en los últimos meses porque miles de jóvenes la reclamaban y la hacen, como ocurre en estos casos, ya pasó con el rock, o el pop, el rap, los mayores no entienden muy bien porqué pero realmente están haciendo cosas cojonudas, arriesgando y peleando: muy atentos.

- Una de las polémicas que más podemos observar dentro del mundo dj es la referente a la proliferación de nuevos djs y la abundancia de los mismos, ¿cómo veis esta polémica vosotros?

Nos encantan los djs buenos, que haya cuantos más mejor, pero que amen la música, el oficio y que curren y se hagan respetar por las salas y que respeten la música y sus compañeros.

- Está claro que hay muchos aspectos a tener en cuenta a la hora de valorar la calidad de un dj, ¿cuáles pensáis que son imprescindibles en la cabina?

Background, técnica, empatía, sorpresa, show, devoción y respeto

- ¿Os podremos ver por algún festival este verano como Dukes?

De momento a Lofelive en live y a Flúor le han caído cosas bonitas ya, además de llevar una fiesta Indisco al Spring Festival que es el primero del año, Dukes crecerá y actuará según los temas y los bolos que hagamos. Si gustan llegarán, yo confío

- Por último, a modo de despedida, ¿qué perspectivas tenéis de cara a los próximos meses?

Currar, currar, currar, fiesta, currar, currar, currar, fiesta, currar, currar, currar, fiesta, currar, currar, currar, fiesta...así hasta el infinito

LAS 10

DUKES

RÁPIDAS DE IFM 1. Dj favorito

Calvin Harris

2. Grupo favorito (nacional e internacional) –

Los Planetas / Stone Roses

3. Dj emergente a seguir

Carnage

4. Grupo emergente a seguir

Fryars

5. Sala o club que nunca defrauda

Rockers, Alicante

6. Disco del 2013 (nacional e internacional) –

“Settle” de Disclosure

7. Tema del 2013 (nacional e internacional)

“Eat., Sleep, Rave, Repeat” de fatboy slim & riva starr y ya el remix de calvin harris, la rehostia

8. Tema que nunca falta en vuestras sesiones

“212” de Azealia Banks ft Lazy Jay

9. Festival indispensable

Yo siento como mío el Abycine que es un festi de cine con Música de mi tierra Albacete y el SOS

10. Frase de fiesta mágica

“¡A partir de las 3 de la mañana sobran las guitarras!”

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 41

CRÓNICA

HAVALINA + RUFUS T. FIREFLY SALA B, MURCIA (10/01/14)

42 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Por Belén Martínez Saiz

Ir la noche del viernes a la Sala B era ir sobre seguro. Havalina con Manuel Cabezalí a la cabeza volvía a Murcia y esta vez les acompañaba una de sus brillantes producciones: Rufus T. Firefly. Ambos grupos ofrecieron un espectáculo creciente, auténtico y de muchísima calidad.

Con el quinteto de Aranjuez, la sala descubrió una selección de sus capacidades,Víctor Cabezuelo abrió la noche con “La historia secreta de nuestra obsolescencia programada” consiguiendo el efecto deseado, gracias a esa inteligente combinación de delicadeza y fuerza, y con la que para el minuto 2 sumando la irrupción de Charly, Julia, Sara y Alberto, el público prestaba atención embelesado. Siguieron presentando ahora episodios de su último trabajo “Ø”, alternando energía y sentimiento con “Test de Voight-Kampff”, “El día De La bicicleta” y “Asa Nisi masa”, alguna interrupción para dar las gracias a Havalina, y compartir su adoración, siguiendo con “(escribe aquí el nombre de la persona a la que más quieras)”, y dejando para el final quizás las más conocidas “El Séptimo continente”, “Somos El Enemigo”para acabar con “Incendiosuicida”.

Antes de despedirse con ésta, deci-

dieron dar un paso más allá y no por falta de repertorio, se atrevieron con una versión de “Run Thru”de My Morning Jacket, que arrancó una ovación del público y demostró que son capaces de más para no conformarse con lo hecho sino buscar nuevas formas de crecer. Durante todo el concierto, pudimos disfrutar de unos Rufus T. Firefly excelentes, que irradiaban luz, confianza y seguridad como sus mejores cartas y que dejaron buena muestra de su talento a un público que lo supo apreciar.

Ahora sí, Havalina tomaba el escenario, y nos esperaba alrededor de una hora de ingenio y maestría. Con la brillante ejecución de Manuel Cabezalí a la guitarra, una atmósfera más oscura y envolvente inundaba el aire. Con un viaje por sus últimos tres discos, empezaron con“Norte”, “Viernes” y “La Antártida Empieza Aquí”con la que el ritmo había tomado control y solo quedaba dejarse llevar.“Imperfección” nos llevó a tararear inconscientes, y “Viaje al sol” junto con “Objetos Personales” tornaban el compás a su antojo. Quisieron regalar a los

que siempre habían estado ahí “Donde Irán” de su disco Junio. Y la rabia y la impecable interpretación contagiaba sentimientos.

“Compañía Felina”, “Animal Dormido”, “Desierto” y “Las Hojas Secas”acabaron la noche, apoderándose de la sala, tras una pequeña incursión de Manuel Cabezalí, el resto de la banda se unió a él, impartiendo una clase de jam espectacular, el público y ellos fueron un todo unido por la música.

Sin duda, tras haber experimentado el directo de Havalina, no puedo evitar resaltar la ya conocida destreza de Manuel Cabezalí con la guitarra, ya que a medida que las notas se van sucediendo, lo que empezó siendo instrumento acaba siendo una extremidad más que consigue acaparar toda la atención volviéndose hipnotizante y total protagonista.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 43

I C O T O P DICIEMBRE 2013 ENERO 2014

Por Quique G贸mez

44 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Ico Top | INTERNACIONAL BURIAL

Rival Dealer EP musical prácticamente inaccesible para las masas antes de él.

Menuda sobrada la de Burial, ¿no? El productor londinense William Bevan se espera a que esté todo el pescado vendido en un año en el que ha pasado de puntillas para no hacer ruido y colarnos, a última hora, esta bestia parda del dubstep. Deja a sus rivales (ejem) margen durante meses para luego regocijarse soltando su salvajada. Una más, pues repite en este 2013 pasado, el mismo movimiento que el año anterior con el también imprescindible “Truant EP”.

El formato, según se mire, es de single, y en este sentido tuvo la generosidad, en 2012, de regalarnos dos a los oídos si tenemos en cuenta “Kindred EP”, el mejor hasta este pasado diciembre. El año anterior hay que sumarle otro obligatorio, “Street Halo EP”, que vino a suceder las colaboraciones con Four Tet y Thom Yorke en “Ego/Mirror” y con Masive Attack en “Four Walls/Paradise Circus” también en 2011. Lógico que nombres de esa talla quieran compartir gloria con él, pues tras firmar “Untrue” (2007), su último LP, se le ha encumbrado a la cima de un estilo

El Burial 2013 empieza arrasando en “Rival Dealer” para dejar a las claras quién manda aquí. Una vez te ha metido en el bolsillo, con el camino allanado a base de hostias, nos enseña su cara más amable, la más ensoñadora, la más diferente. Se permite el lujo de poder firmar, orgulloso, su media hora más vocal de su carrera. Nunca nadie cantó tanto en un disco suyo. Tanto los samples de Allyson Magno en la primera, como los discursos amorosos y angelicales de Lana Wachowski en las otras dos, el artista británico trata de forrar su fantasmal obra con dulzura y calma. No sólo lo consigue, sino que nos hace preguntarnos qué faceta se le da mejor, pues el etéreo manto que cubre sus nuevas composiciones son, para todos, un más que esperanzador descubrimiento.

“Rival Dealer”, la canción, son 10 minutos de asalvajado dubstep, muy cercano al breakbeat en su primera mitad, y con versos que, como él mismo defiende, “pueden ayudar a la gente a creer en sí mismos, a no rendirse”. Qué ingenuo; lo que va a conseguir es que no paremos jamás. Ritmos rotos (sincopados, como dicen algunos “críticos” musicales), beats ensordecedores y al final la calma,

el reposo, para dar paso a otra joya. “Hiders” puede suponer, probablemente, los minutos más bellos de su carrera. Un crescendo que se dirige al cielo y consigue alcanzar gracias a esos… ¿órganos de iglesia? ¿coros góspel? Da igual cualquiera que sea tu religión, vas a ver a tu dios levitando en el olimpo. Pero ese amor por lo delicado no deja de crecer en la final y más larga “Come Down To Us”, un baladón con el tempo ralentizado que nadie más en el planeta se puede permitir. La voz de Wachowski se fusiona con melodías orientales y ritmos minimalistas en una especie de IDM final con capas de suciedad y robótica que jamás empeñarán tantísima belleza.

Algo superior.

Cuando crees que en su carrera ya lo había hecho todo (y bien), Burial vuelve a ser Burial haciendo lo que mejor sabe: superarse a sí mismo en otra media hora para enmarcar. Legendario.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 45

Stephen Malkmus & The Jicks / Wig Out At Jagbags

Al Bueno de Stephen Malkmus siempre le han gustado los lalalás y los turututús. En su nuevo “Wig Out At Jagbags”, junto a sus inseparables y entrañables The Jicks, no nos iba a dejar sin su ración de pop desenfadado. Ahí están “Houston Hades”, “Lariat” o “Rumble At The Rainbo” para no faltar a su obligada cita. Pero es un error, y gordo, clasificar lo que hace el exlíder de Pavement en el saco del pop fácil. El ingenio de un talento como el suyo no se mide en estribillos. Ni siquiera en una sonoridad cada vez más depurada y estilosa (escuchar a los Jicks es una gozada). Tampoco podemos quedarnos en las mordaces letras de un tipo con un sentido del humor tan fino como cabrón. Es el conjunto del disco, al igual que con el anterior “Mirror Traffic” (2011), el que te hace descubrir, una a una, las facetas de uno de los más importantes pilares de la historia del indie. Por algo será.

Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra / Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything Mind

Hay quien define a Thee Silver Mt. Zion como “los Godspeed con letra”. Hombre, teniendo en cuenta que la mitad de ellos participa en las dos bandas, y que la instrumentación es, básicamente, la misma, tampoco hay que ser un genio. Pero si hay algo que justifica esa evidente afirmación es que, con dichas letras, parecen reivindicar eso que GY!BE hacen con capas de sonido (y proyecciones en sus conciertos). Música hecha directamente contra los gobiernos, contra el sistema, contra el orden mundial establecido. Ese protestantismo está firmemente apoyado en la agonía punk de temas como la bestial “What We Loved Was Not Enough” o “Take Away These Early Grave Blues”, la cual arranca con sonidos árabes, muy en la línea de “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” (2012); o incluso en esos tramos folk de “Austerity Blues” y la preciosa “Little Ones Run”. Si con la banda madre, Efrim Menuck (junto a Mike Moya), le pone banda sonora al sonido del apocalipsis, con los Mt. Zion te la narra.

Beyoncé / Beyoncé

Intentar justificar la presencia aquí de algo tan comúnmente llamado mainstream es tan cansino como estúpido. El círculo de lo comercial abarca propuestas interesantes en todos los extremos posibles del pop, tanto en lo más underground como en lo más superproducido. Y la fama de una artista como Beyoncé no va a oscurecer el buen puñado de canciones que editó, de forma silenciosa, a finales del año pasado para conformar este quinto disco de su discografía. Casualmente, su disco con menos singles potenciales pero, a su vez, el mejor de los cinco. Como si hubiese sentido la presión de una hermana, Solange, que le estaba robando la tostada, la mayor de las Knowles se ha puesto las pilas y desparrama tablas en un abanico bestial de R&B lleno de colaboraciones, esta vez, acertadas (su marido, Justin Timberlake, Frank Ocean). El único pero es que al disco le sobran un par de temas (el bochorno de “Heaven”) y le falta alguna “Crazy In Love”. Habría sido orgásmico…

Dum Dum Girls / Too True

“Too True”, el tercer álbum de las angelinas, viene marcado por un (ligero) cambio de registro con el que pretenden alejarse de esa corriente retro-moderna de grupos sesenteros con cantantes femeninas y con pósters de los Ramones en el propio garaje donde ensayan.

Tanto Best Coast, como las recién desaparecidas Vivian Girls, o incluso las propias Dum Dum Girls, beben de bandas anteriores como The Raveonettes, cuyo sonido es directamente heredado de bandas mayores como The Jesus & Mary Chain. Y así hasta llegar a la década de los ’70. Y es aquí donde nuestras protagonistas dan el volantazo, y queriendo no repetirse, no caen en el error de esa típica evolución en favor de los sintetizadores (The Strokes), sino que se dirigen, como de forma natural, a un sonido al estilo Texas, The Pastels o, por qué no, The Smiths. Con dos cojones. Evolución lógica. Quien no caiga rendido ante el recital de canciones como “Rimbaud Eyes”, no sabrá de qué estoy hablando.

46 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

Ico IcoTop Top| NACIONAL | NACIONAL

Perro / Tiene Bacalao, Tiene Melodía

El recurso fácil para definir una banda debutante siempre es el de usar referencias. En este caso habría que acordarse de un montón de grupos de la escena indie nacional.

El momento punk rabioso (“Chino, Tío”, “Calculadora Troglodita”) muy en la onda de Betunizer o

Cuello; la satírica diversión funk (“Marlotina” y esos cracks atemporales de nuestro fútbol de los ’90: Finidi, Karpin y Hasselbaink, casi nada) al estilo de Pony Bravo; la importancia en el plano rítmico (“Larry No Come”, “¡Viva El Porras!”) como bien saben hacer Za!; el rock transgresor con mezcla de psicodelia (“Camiseta”, “Paco Fiestas”) que practican Triángulo De Amor Bizarro; o la melodía para el recuerdo (“La Reina De Inglaterra”,“Gran Ejemplo De Juventud”) que los acerca al estilo de Los Planetas. Sí, son todos grandes nombres y no necesariamente, Perro, mejoran a todos ellos. De hecho, no lo hacen. Pero sólo el acordarnos de muchas de las ban-

das de peso en nuestro país nos obliga a prestarles la atención que realmente merecen.

Lo que sí es cierto es que el desparpajo con el que este cuarteto murciano se mueve de un estilo a otro no deja indiferente, pues tienen ese algo que atrae cada vez más a cada escucha. Guillermo Fábregas (voz y guitarra), Adrián Albacete (voz y bajo) y los encargados de las percusiones (Fran Del Valle y Aaron Díaz) son desde ya una realidad en nuestro indie estatal. Su colección de maquetas reunidas en “Singles Brasileñas” (2012) eran una buena muestra; “Tiene Bacalao, Tiene Melodía” los encumbra.

Elle Belga / Refugio

Algo más que un pasado en común guarda José Luis García con Nacho Vegas. Además de una voz similar, el haber compartido banda (Manta Ray) le hace a nuestro protagonista asomarse, junto a su compañera Fany Álvarez, a un slowcore de categoría, a algo profundo de verdad pero íntimo a la vez, con tensión entre las dos partes. Muchas veces, ese tono reposado y poético que sobrevuela éste y su anterior disco, “1971”(2009) con el que debutaron, se transforma en folk desgarrador, al estilo de Lucas 15 (tremenda “Cuídame”).

Otras, en rock oscuro en plan Low (“Las Generalas”), con los que también se asemejan por el hecho de ser pareja y de, en muchos casos, alternar sus voces en temas que ganan una barbaridad por ese simple detalle. Pero la faceta más sorprendente es esa en la que enchufan alguna guitarra eléctrica del desierto, tipo Morricone, para acabar agonizando entre el ruido, como unos Spiritualized de resaca (“Esperanza”, “Gritos Encontrados”).

Muy intensos. Muy buenos.

Gabriel Y Vencerás / San Felices

Y si con Perro nos acordábamos de referencias mayores, con Gabriel Y Vencerás hay que hacerlo con otras de menor calado, que no menos importantes. El indie que practica este cuarteto (en su debut, “Ácido Niño” (2012), eran tres) barcelonés bebe de unas influencias mucho más marcadas pero, a su vez, menos prolíficas. Es una lástima que no haya más bandas en nuestro país que, como ellos, tengan a Pavement o Sebadoh entre sus referencias. Hazte Lapón son lo más parecido que ha parido España en los últimos años. Esto es indie pop completamente desacomplejado basado en el gusto por el sonido limpio, a la vez que excitante, de las guitarras. Aquí lo único que distorsiona es la voz, el instrumento menos importante. Yuck o The Pains Of Being Pure At Heart lo hacen de maravilla en el extranjero. Mucho me temo que llegará a pocos oídos, pero quien se atreva con ellos va a disfrutar con auténticas joyas sonoras como “Páginas Amarillas”,“Ballenato” o “Wíctor”.

Febrero 2014 INDIEFERENCIA MAGAZINE 47

INDIESPENSABLES: Enero 2014

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

1. Burial – Rival Dealer EP 2. Stephen Malkmus & The Jicks Wig Out At Jagbags 3. Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything 4. Mogwai – Rave Tapes 5. Warpaint - Warpaint

1. Mogwai - Rave Tapes 2. Painted Palms - Forever 3. Alcest - Shelter 4. Warpaint - Warpaint 3. Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything

1. Painted Palms - Forever 2. Manners - Pale Blue Light 3. Warpaint - Warpaint 4. Iron Mind - Iron Mind 5. Stephen Malkmus & The Jicks Wig Out At Jagbags.

1. Pixies – Blue Eyed Hexe 2. Dum Dum Girls – Rimbaud Eyes 3. Russian Red – Casper 4. Warpaint – Love Is To Die 5. The Men – The Pearly Gates

1. Mogwai - Hexon Bogon 2. Blood Red Shoes - An Animal 3. Painted Palms - Forever 4. Javiera Mena - Espada 5. Alcest - Opale

1. Painted Palms - Forever 2. Manners - Living Will 3. The Men – The Pearly Gates 4. Architects - Naysayer 5. Buried In Verona - Illuminate

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

CANCIONES

1. Burial - Rival Dealer EP 2. Damien Jurado Brothers and Sisters of the Eternal Son 3. Mogwai - Rave Tapes 4. Warpaint - Warpaint 5. Painted Palms - Forever

1. Damien Jurado Brothers and Sisters of the Eternal Song 2. Arcade Fire - Her B.S.O. 3. Alcest - Shelter 4. Mogwai - Rave Tapes 5. Warpaint - Warpaint

DISCOS

1. Alcest - Shelter 2. James Vincent McMorrow - Post Tropical 3. Mogwai - Rave Tapes 4. Rosanne Cash - The River & The Thread 5. Dum Dum Girls - Too True

48 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2014

1. Real Estate - Talking Backwards 2. Damien Jurado - Silver Timothy 3. Burial - Hiders 4. Youth Lagoon - Worms 5. Metronomy - Love Letters

1. St. Vincent - Digital Witness 2. Charlotte Gainsbourg - Hey Joe 3. Wild Beast - Wanderlust 4. Thee Oh Sees - What You Need 5. Damon Albarn - Everyday Robots

1. Alcest - Opale 2. Dum Dum Girls - Are You Okay?

3. Rosanne Cash - Modern Blue 4. Mogwai - Blues Hour 5. James Vincent McMorrow - Gold

INDIESPENSABLES: Enero 2014

Álvaro Hernáez

DISCOS

CANCIONES

Sergio Herguedas DISCOS

CANCIONES

Belén Martinez

CANCIONES

1. Burial - Rival Dealer EP 2. James Vincent McMorrow - Post Tropical 3. Beyoncé - Beyoncé 4. Sophie Ellis-Bextor - Wanderlust 5. Painted Palms - Forever

1. Warpaint - Warpaint 2. East India Youth - Total Strife Forever 3. Cherry Glazerr - Hexel Princess 4. Habibi - Habibi 5. Painted Palms - Forever

DISCOS

1. Mucho - Grupo Revelación 2. Mogwai - Rave Tapes 3. Beyoncé - Beyoncé 4. Warpaint - Warpaint 5. Painted Palms - Forever

1. Stine Bramsen - Prototypical 2. The Knocks feat. X Ambassadors - Comfortable 3. Disclosure feat. Mary J. Blige F For You (Vocal Version) 4. I Know The Chief - Stay Coloured 5. Ella Eyre - Deeper

1. East India Youth - Hinterland 2. Warpaint - Keep It Healthy 3. Cherry Glazerr - White's Not My Colour This Evening 4. September Girls - Heartbeats 5. Alcest - Opale

1. Vance Joy - Riptide 2. Bombay Bicycle Club - Luna 3. Foster the people - Coming Of Age 4. Mucho - La Primera Luz Del Día 5. Eliza And the Bear - It Gets Cold

.... .- ... - .- / -. ..- -. -.-. .- / .... .. .--- --- ... -.. . .--. ..- - .- .... .-.-.

Octubre 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 49

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López, Sergio Herguedas, Martín, Albert Cornella Font, Guillermo J. Garcia, Álvaro Hernáez y Belén Martinez Saiz.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

www.hrstudios.es

WEB

www.indiefermag.com twitter.com/indiefermag facebook.com/indiefermag youtube.com/user/INDIEfermag vimeo.com/indiefermag soundcloud.com/indieferenciamagazine lastfm.es/group/INDIEfermag issuu.com/indiefermag

AGRADECIMIENTOS

Fotos de Havalina y Rufus T. FIrefly realizadas por Camila Salinas y Gloria Morato

MAIL

contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.