INDIEFERMAG Nº 22. Junio 2013

JUNIO 2013 | Nº 22

DOSSIER VAMPIRE WEEKEND / REVIEWS DAFT PUNK / PRIMAL SCREAM / SHARKS / COLIN STETSON L.A. / !!! (CHK CHK CHK) / THE NATIONAL / DEERHUNTER / COCOROSIE / MIKAL CRONIN / LEGS PRIMAVERA SOUND 2013 / LOW OLA PODRIDA / DISCO LAS PALMERAS! / ZA! / CRÓNICA INDIEQUETAS MARX / ROSY FiNCH / FOXRIVER / ICO TOP MAYO´13 Y MUCHO MÁS

ÍNDICE

INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2013

Dossier y Review del mes Vampire Weekend

Análisis de Modern Vampires Of The City

3

Reviews

Daft Punk: Random Access Memories y Especial “Oda A Random Access Memories” 9 Primal Scream: More Light 15 The National: Trouble Will Find Me 19 Sharks: Selfhood 21 L.A.: Dualize 23 Colin Stetson: N. H. W. Vol. 3: To See More Light 25 !!! (CHK CHK CHK): Thr!!!er 27

Crónicas

Primavera Sound 2013: Barcelona (22-26/05/13) 29

PS 2013: Jornada miércoles 31 PS 2013: Jornada jueves 32 PS 2013: Jornada viernes 36 PS 2013: Jornada sábado 39 PS 2013: Jornada domingo 42

Low: Joy Eslava, Madrid (16/05/13) 43

Opinión El Valor Del Silencio 45 Indiquetas 47

Ico Top Ico Top Mayo 2013 51 Indiespensables Tops Mayo 2013 55

V A M W E E K 4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2013

P I R E K E N D Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5

DOSSIER | VAMPIRE WEEKEND

Por Jaime Mateo Herrero Si uno se da una vuelta por algunos blogs musicales y busca noticias de los inicios de Vampire Weekend, llama la atención la gran cantidad de ellos que no daban un duro por el grupo. Para muchos tuvieron un debut fresco, inmediato y con hits más o menos mainstream pero con fecha de caducidad. Pues bien, aquí que levante la mano quien no se siga viniendo arriba escuchando “A-Punk”. Primer error. Luego vino "Contra" para callar las bocas de quienes pensaban que el grupo se estrellaría estando en la cresta de la ola con el primer disco. Segundo error. Por último, Vampire Weekend ha sido uno de los grupos que mejor ha evolucionado en los últimos años, con tan sólo tres discos de estudio son un referente en la escena independiente para muchos otros grupos y su proyección musical es de las más interesantes como bien demuestra su tercer y reciente "Modern Vampires of The City". Tercer error.

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Los inicios: pijos neoyorquinos con inquietudes africanas

Corría el año 2006 cuando los jóvenes Ezra Koening, Rostam Batmanglij, Chris Tomson y Chris Baio terminaban sus estudios en la Universidad de Columbia. Como otros muchos grupos, decidieron cambiar los apuntes por las guitarras y formar Vampire Weekend, nombre que viene de un corto en el que colaboró el polifacético Ezra. A pesar de ser tachados de "aventajados pijos neoyorquinos", bien es cierto que los vampiros tuvieron que combinar trabajos varios y horas de grabación para sacar adelante sus primeros temas, que para nada cayeron del cielo.

En 2007 salió a la luz su primera canción "Cape Cod Kwassa Kwassa", entrando en las listas de lo mejor del año ya fuera por su irresistible ritmo tribal o las connotaciones sexuales de la letra.

Empezaron a girar con The Shins y su repercusión en los blogs e internet fue una de las más estelares de la historia musical reciente. Antes de sacar su disco debut ya eran portada en revistas como Spin. La

VAMPIRE WEEKEND | DOSSIER crítica se mostró muy reticente por el inesperado éxito del grupo, desconfiando totalmente de lo qué podría salir de los privilegiados vampiros de clase alta.

Vampire Weekend (2008): las juergas universitarias

El hype que rodeó al debut de los neoyorquinos esta vez sí que les benefició. Se esperaba un descalabro de ellos y fue más bien todo lo contrario. La esencia aburguesada seguía patente ya desde la portada del disco con esa lámpara de araña en vete tú a saber qué fiesta en un ático de la gran manzana. El caso es que lo que contenía esa fiesta, musicalmente hablando, era uno de los mejores discos de indie pop ya no del 2008 si no de toda la década para Pitchork, NME y otros muchos medios musicales.

No sabemos cuánto de música africana sabrán los vampiros pero es que realmente no importa porque no la utilizaron para reivindicar nada.

Simplemente supieron enriquecer su música y llevar esa esencia a América con un disco repleto de singles pop muy suculentos. Estribillos majestuosos como los de "Mansard Roof", la sencillez y a la vez provocativas letras de "Oxford Comma" o el pelotazo (mains-

tream) de adrenalina de "A-Punk" para abrir el álbum con nota.

Luego está el maravilloso juego de cuerdas de "M79", canción que resucita a un muerto. Con "Campus" recordamos el césped de la universidad y sus chicas al paso. Todo ello podría parecer de lo más superficial o ñoño, pero pega tan bien con el sonido global del disco que para nada desentona. En el tramo final encontramos los espléndidos teclados "Walcott" o la pausada y a ratos melancólica "The Kids Don't Stand A Chance", en la cuál VW demuestran que también saben pisar el freno. Así se cerraba el brillante debut de Vampire Weekend... ¿otra banda indie del montón?

Contra (2010): la resaca de la horchata

Después de tanta fiesta en el primer disco, tocaba serenarse, aprender la lección e intentar no suspender en el "difícil segundo disco". Como lo hecho, hecho está, ¿para qué repetirlo? es lo que debieron de pensar Vampire Weekend, que bajaron las revoluciones de su propuesta musical en "Contra". Tanto el nombre del disco como la identidad de la chica Ralph Lauren de la portada serán de los secretos mejor guardados del grupo. Conscientes de que ya no contaban con el factor sorpresa del debut, se alejaron de la inmediatez de sus primeras canciones para ofrecer otras de digestión más pesada pero de mayor calado.

"In December drinking horchata..." es la primera frase del disco y ya dice bastante del mismo. Ya no hay verano, se acabaron las fiestas y a mi me ha dado por experimentar cosas nuevas. En "Horchata" si-

guen apareciendo las percusiones tribales y los "wou hu", pero ahora son mucho más sutiles e incluso fríos. Es una constante en todo el disco los contrastes entre sonidos desenfadados y profundas melodías cargadas de letras bastante más inspiradas que las del debut.

Es el caso de "Holiday" o "California English". En esta última también encontramos la voz de Ezra mucho más pulida, con más matices. Por otro lado, la ornamentada labor de producción de Rostam enriquece aún más si cabe el álbum.

"Cousins" sería el single que todo fan de los inicios de Vampire Weekend esperaba encontrar en el segundo disco. Efectivamente, fue el single oficial pero su atropellado ritmo es un oasis en medio de un desierto lleno de espejismos. Porque esa es la gran gracia de "Contra", descubrir el enigma que esconde cada canción. Las cuerdas también son otro de los recursos que mejor funcionan para dar oxígeno en algunos momentos de "Taxi Cab" o la canción que cierra el disco. "I Think Ur A Contra", nos descubre la vena sensiblera del grupo, con un Ezra totalmente emocionado a la voz y que vendrá a significar el puente perfecto hacia "Modern Vampires of The City".

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VAMPIRE WEEKEND

MODERN VAMPIRES OF THE CITY / 2013 LA CRISIS DE LOS 30 Por Jaime Mateo Herrero

El tercer disco de Vampire Weekend se ha hecho de rogar pero viene a confirmar que, efectivamente, los pijos neoyorquinos (etiqueta que ya no se toma en serio nadie) se plantan con uno de los discos del año, con la mezcla perfecta de su sonido particular y unos nuevos y acertados horizontes musicales. “Modern Vampires Of The City” aparca definitivamente esos ritmos tribales con los que nos deleitaron en su debut y que supusieron el cebo perfecto para aquellos que buscaban un grupo alternativo, moderno y divertido.

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Que “A-Punk”sea uno de los himnos de la década pasada, eso no lo cuestiona nadie, pero Vampire Weekend no tiraron nunca por la vía fácil de seguir componiendo suculentos hits de ese palo y nosotros se lo agradecemos. Este tercer disco es una vuelta de tuerca más a lo que nos pueden ofrecer. Los vampiros suenan más frescos que nunca, despegándose de todos esos artificios africanos que sobrevolaban “Contra” y “Vampire Weekend” y centrándose en lo que les hace únicos.

Empecemos por la expectación que se armó después de aquel doble adelanto que nos ofrecieron allá por marzo.“Diane Young” incendiaba (aparte de un coche en el videoclip) los blogs de “modernos” de todo el globo, repitiendo la hazaña del disco debut. La canción que pudo haberse llamado “Dying Young” (sonaba demasiado seria) nos trae un intrépido ritmo y juega a su vez con los tratamientos de voz de Ezra, algo que no habían hecho hasta ahora pero que siempre les había llamado la atención. El caso es que esos “baby baby baby…”ya no se le olvidarán a nadie. Por otro lado, “Step” nos desvelaba la nueva faceta de Vampire Weekend. Esta exquisita balada pone una de las guindas a un disco que tendrá más momentos como este, en los que sumergirse en las letras de la canción es toda una delicia.

El disco abre con la sosegada “Obvious Bycicle”, que poco tiene que ver con el resto del disco. Una vez más, VW juegan al despiste con nosotros y nos introducen al disco con unos calmados “So listen, oh, don’t wait”. La versión de estudio de “Unbelievers” ha quedado redonda y nos habla de cómo las decisiones resultan difíciles aún teniendo las ideas muy claras. La

MODERN VAMPIRES OF THE CITY | VAMPIRE WEEKEND

canción ya fue presentada en varios directos y cuenta con uno de los estribillos más coreables del disco.

“Don’t Lie” viene a confirmar una vez más la notable ausencia de guitarras en todo el largo, con mayor presencia de sintes y teclados. Otra bonita historia cuenta la letra de “Hannah Hunt”, canción que ya rondaba el tracklist de los discos anteriores pero que nunca terminó de cuajar hasta ahora.

Llegamos al ecuador del disco con los violines de “Everlasting Arms”, otra pieza de las lentas que vuelve a dejar sabor agridulce. Por otro lado “Finger Back” podría ser uno de los singles del disco, con algo más de caña que la media general del álbum, la canción vuelve a recuperar los ritmos agitados y en algunos momentos la esencia tribal de los inicios de VW. Frecuencia por las nubes y un imposible trabalen-

guas inicial dan lugar a la animada “Worship You”, con mucha experimentación a mitad de la canción.

Sin duda, uno de los temas más arriesgados y más sorprendentes del disco, y cuidado que por aquí es por donde podría tirar la banda en un futuro. Una de las cimas, ya no del disco si no de toda la carrera de VW, es “Ya Hey”. Lo que podría haber sido un ridículo mayúsculo con esos pitufos “Ya hey” y “Ut Deo” ha quedado en obra maestra, engrandecida por unos teclados y coros maravillosos. Luego está la letra, que se puede interpretar como una crítica absoluta a la existencia de Dios, algo que se debe valorar teniendo en cuenta el entorno en el que se ha formado la banda. Sí, el principal productor de la banda Rostam Batmanglij es iraní y homosexual, pero sigue siendo arriesgado lanzar semejante bomba religiosa en un país como Estados

Unidos.El disco cierra con la oscura y peliculera “Hudson” y la outro “Young Lion” con un precioso piano, recordando una vez más el alejamiento de guitarras. Mucho más se puede decir de este “Modern Vampires Of The City” pero poco más se le puede pedir a Vampire Weekend. Según han asegurado en alguna entrevista, este disco cierra una trilogía que comparte mucho más que el formato del art cover. Eso sí, la evolución en el sonido de los vampiros es incuestionable y el acierto con la misma les ha llevado a situarse en el olimpo de los grupos mejor dotados de su generación.

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DAFT

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RANDOM ACCE

PUNK

ESS MEMORIES

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DAFT PUNK

RANDOM ACCESS MEMORIES / 2013 Por Joaquín Ollero García

Enfunkdados en sus cascos y acompañados con un hype desmesurado, los robots, tras 8 años (3 si se cuenta la banda sonora de “TRON: Legacy”) vuelven a la palestra musical con ”Random Access Memories”, un álbum que ha dividido al planeta: para unos será uno de los mejores trabajos del 2013 y para otros se convertirá en una tremenda decepción.

Junto a colaboradores de la talla de Neil Rodgers, Panda Bear, Pharrell Williams o Julian Casablancas nos muestran un repertorio de recuerdos que pertenecen indistintivamente tanto al pasado como al futuro.

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El dúo artífice de joyas tan veneradas como Homework (1997) o Discovery (2001) no se siente cómodo con tomar la vía más sencilla y rápida. De haber sido así seguramente ahora mismo estaríamos escuchando un álbum con unos excelentes himnos de electrónica y house con ese toque francés tan particular. Pero como premisa inicial debemos aceptar que Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo son humanos pero provienen de una civilización mucho más avanzada a la nuestra. La incógnita es si nacieron en Atlantis o viajaron universo y medio para llegar a la Tierra. Por lo tanto, en esta cuarta iteración musical por parte de la banda se han aventurado en un panorama totalmente inédito para ellos, como es rendir un sincero homenaje a la música disco de finales de los 70, bola de discoteca y guateques de desfase incluidos. Pero no olvidemos que son humanoides automatizados.

Si algo se puede considerar objetivamente admirable de este extenso LP de 13 canciones es que busca su propio camino a través de los hilos del tiempo y construye su propio palacio melódico con recursos originales propios y de gran mérito.

Hasta la pieza más simple, como “Doin’ It Right”, materializada en torno a unloopeternamente androide unido a las pinceladas vocales de Noah Lennox, esconde en su interior un auténtica obra de ingeniería calculada al milímetro y pensada con un propósito único. Y

esta idea se extiende como un virus informático por toda esta abstracción mental que se puede considerar este disco. La gran mayoría de temas presentan una unidad musical de peso y esta se repite en bucle incorporando flamantes detalles que aportan variedad al contenido. Las tres apariciones del rastafari de Chic, a parte de dar una clase maestra de como tocar la guitarra y de crear unos ritmos endiabladamente pegadizos, culminan esta forma de estructurar canciones.

“Give Life Back to Music”, una apertura excitante, se pierde entre las nebulosas de ese voice codertan bailable, y tanto como “Lose Yourself to Dance” y “Get Lucky” (las dos interpretadas por un rejuvenecido Pharrell Williams) son unos bombazos musicales. De muy cercana naturaleza, ese fondo de guitarra se convierte en el elemento esencial de la perfecta mezcla de los estribillos de Pharrell y los mortales añadidos por parte de Daft Punk.

En realidad RAM tiene de todo y ataca diferentes frentes, ganando todas las batallas a las que se presenta. En la guerra de las baladas uno de sus soldados más representativos es “The Game of Love”, un tema de velas y luz íntima que versa sobre las vicisitudes del juego más famoso de la Historia, en el que no todo es ganar o perder.“Within” es el resultado de la colaboración con Chilly Gonzales, el cual se arma con su piano para construir esta oda espacial que danza con movimien-

RANDOM ACCESS MEMORIES | DAFT PUNK tos sutiles entre las estrellas. Como conclusión a este apartado sentimental podemos responder a una gran cuestión existencial: los extraterrestres sienten y padecen. Tienen alma.

En el terreno más pop descubrimos el planeta “Instant Crush”, habitado por el cantante de The Strokes, que le pone voz sintetizada y sentimiento a un tema con gancho que bien podría pertenecer a su propia banda, aunque la seña de identidad del dúo francés es indistinguible. Para el recuerdo quedará aquella frase quebrada que susurra diciendo “one thousand lonely stars… hiding in the cold”. Lo de Todd Edwards es un paso atrás con respecto a la fantástica “Face to Face” que firmó para el 2º álbum de Daft Punk, pero aun así “Fragments of Time” funciona en su objetivo de relajar la tensión para la sensacional recta final del trabajo.

En este viaje por el espacio se han descubierto galaxias inesperadas y sorprendentes, que le dan un aroma exquisito de experimentación. Hablo de la pareja “Beyond” y “Motherboard”, que a base de flautas y orquestas son un ejemplo de salirse de la ruta prefijada y sumergirse en rincones inexplorados. A pesar de ello y en términos generales suponen ser los temas menos destacados. Y en contraposición tenemos “Touch”, o mejor dicho, un musical disco funk que tiene para dar y regalar. El legendario Paul Williams hace acto de presencia como si fuese ese Phantom of the Paradise (en la que se basa esta obra) y nos deja completamente boquiabiertos. Fases tenebrosas y también de puro jolgorio se mezclan con coros infantiles e instrumentación de exaltación. Traza un recorrido único y transmite como ninguna.

Retened vuestras lágrimas, que querrán salir disparadas tras escuchar un final… indescriptible.

Sí, lo sé. Os sentís sedientos de electrónica, de aquello que la pareja francesa os dio con tanto éxito y que habéis escuchado durante años y años. Existen dos piezas admirables que encajan a la perfección es este género tan devoto. “Giorgio

by Moroder” es una lección de vida, nunca mejor dicho, ya que el afamado productor nos cuenta sus experiencias y las culmina con una sección extravagante, lúcida y muy eléctrica. No os arrepentiréis de escuchar los 9 minutos que dura esta canción, porque es un auténtico hit.

Y finalmente hacemos “Contact” con esta raza alienígena de la forma más peliculera posible. Efectos sonoros de una nave que se eyecta hacia el espacio y palabras de un astronauta anunciando el comienzo de una nueva era. Y es que este epílogo aparte de su espectacularidad juega a dos bandas entre un final irremediable, pero también un inicio esperanzador para un nuevo amanecer.

Este esperadísimo álbum por cualquier persona aficionada a la música es un compendio de recuerdos seleccionados azarosamente que nos transportan a diferentes épocas. Estas escenas son de una duración considerable, y muchos preferirán que esos bucles que se extienden considerablemente fuesen más concisos, pero están pensados con un propósito muy concreto y de ahí que tengan esa naturaleza. Daft Punk juega en una liga completamente apartada al resto de grupos y se ha podido comprobar continuamente desde 1997, y por ello cada vez que abren la boca, el mundo contiene la respiración. Random Access Memories nos deja sin aliento por su grandiosidad e ideas llevadas a cabo con calidad y sinceridad, pero… nunca llueve a gusto de todos.

Bienvenidos a la nostalgia del futuro.

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ODA A

RANDOM ACCESS MEMORIES Por Joaquín Ollero García

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ODA A RANDOM ACCESS MEMORIES | ESPECIAL

Una semana tras el lanzamiento de “Random Access Memories”, el 4º álbum de estudio de Daft Punk, nos dejamos llevar única y exclusivamente por la música y soñamos una historia que se sitúa en el espacio.

Nos trasladamos gracias a la imaginación a determinados recuerdos aleatoriosde la vida de una persona en este homenaje a un disco de gran importancia para la industria.

Recordar entre estrellas

La vista era magnífica. El contraste del azul resplandeciente, al estilo de los cielos en invierno, y de la oscuridad imperecedera era impactante.

Si las historias que se cuentan son ciertas y antes de morir ves pasar una colección de imágenes que resumen tu vida, indudablemente esta instantánea formará parte de esa película que estaba tan cerca de visualizar. La Tierra se encontraba, literalmente, levitando entre la nada y la nada. Conocía todas las leyes físicas que explicaban dicho fenómeno, pero ser testigo directo de este prodigio era como presenciar el mejor truco de magia existente.

Se trataba de una misión arriesgada y compleja pero era una situación de vida o muerte, nunca mejor dicho… y ahora no hay vuelta atrás.

Me encuentro flotando hacia un paradero incierto. ¿Aterrizará este cuerpo inerte en algún planeta situado a millones de años luz o mi destino será rebasar los confines del Universo? Seré el ser humano que llegue más lejos en este viaje por las estrellas aunque no podré comprobarlo con mis propios ojos.

Recuerdo estar tendido sobra una verde pradera envuelta por las tinieblas, adorando las únicas luces que se podían advertir, aquellas que provenían de soles situados a eras de distancia. Mi inquieta mente soñaba con lo que habría más allá… curiosa coincidencia ya que ahora

me encuentro más cerca que nunca de responder a dicho enigma. Mi curiosidad estaba inundada de infinidad de preguntas y mi inocencia fantaseaba con encontrar las respuestas dentro de esos destellos situados en el cielo. “Venid a mí o yo os alcanzaré” me decía a mí mismo.

No imaginaba que fuese a ser tan valiente…

Recuerdo deliciosas victorias y derrotas en el juego del amor, colosal elemento inyectado en nuestra naturaleza. Un sentimiento del cual no existe escapatoria posible y todo lo que una persona podía hacer era entregarse en cuerpo y alma a un fervor interno sin precedentes. De enamoramiento repentino como mala costumbre, losflechazos que consumían mi tiempo se dedicaban en hacerme sentir demasiado cuando yo en realidad necesitaba que encontrasen el rincón donde se alojaba mi alma. Me atormentaba a mí mismo imaginando a mi media naranja y los consejos que me transmitían se reducían a… “tan sólo has de tener suerte”. No podían estar más en lo cierto ya que esa chispa la produce el aleteo de una famosa mariposa. La misma que revoloteaba por encima de nuestras cabezas cuando coincidimos en aquel parque. Tras encarnizadas batallas las desventuras llegaron a su fin y apareció la persona que resolvería el puzle de mi interior. Y es que tocar su piel se convertía en un río de sensaciones cuya desembocadura sería el mar de la pasión.

Recuerdo como esta sirena de cabello se entregaba a bailar, su mayor afición. En nuestro planeta todo el mundo ha podido presenciar espectáculos admirables, pero en mi vida jamás encontré algo tan majestuoso y armonioso como la unión de sus movimientos con las notas musicales. El ritmo vivía en mi mente y la conexión que debía existir con mi cuerpo era prácticamente inexistente. Mientras mis amigos Paul, Neil, Julian, Todd y Noah se divertían con mi exhibición al intentar enlazar los pasos, ella se dedicaba a transmitirme confianza con sus susurros: “no les hagas caso, lo estás haciendo bien”.

Tan sólo deseo que cuando reciba la noticia piense que estoy danzando, tal y como ella me enseñó, entre cometas en una noche que no verá amanecer. Y no estaré solo, cariño, ya que estoy completamente seguro de que la misión a la cual estábamos destinados será un éxito: haremos contacto con vida inteligente extraterrestre.

Mientras me entretenía en unir los fragmentos del tiempo de una vida amable y generosa, las reservas de oxígeno de mi traje espacial estaban llegando a su fin. Transcurrieron 74 minutos desde que comencé mi odisea personal por el Universo, cerré los ojos y me entregué a la paz.

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REVIEW

PRIMAL SCREAM Por Jesús Daniel Marín

Un disco épico. “More Light” tiene el espíritu y el carácter de ser un ábum que bebe de un tiempo en el que la música era un concepto de mente abierta y se creía que podía hacerte alucinar y cambiar el mundo.

Puede que, en cierto modo, ese sabor retro y de tiempos pasados haya encontrado un punto de sincronía con la actualidad, donde indie no significa independiente y el rock se ha convertido en un cd que suena en un programa de coches o en algo superficial que se utiliza con suma facilidad.

More Light (2013) “More Light” es justo lo que necesitamos ahora. Un disco que es un viaje y una aventura, un lugar para perderse y que negocia con el mundo real sin dejarse arruinar por el día a día, cargado de mensajes agitadores y enfervorizadas llamadas a la revolución del alma. Es la prueba viviente que el gran rock and roll aún existe, un disco que mira fijamente a los ojos del apocalipsis y no le retira la mirada, sino que además le desafía con una política honesta y gritos de revolución. Primal Scream han creado una mezcla de jazz, rock electrónico, rock clásico, blues con toques digitales, electrónica urbana y una hipnótica locura perfectamente orquestada. Es un clásico épico y que goza de un inmediato reconocimiento, con Bobby Gillespie y Andrew Innes en estado de gracia, acompañados por la varita mágica del productor David Holmes. Casi podría decirse que con este disco, Primal Scream han inmortalizado a la sociedad británica actual y Bobby Gillespie se ha convertido en un apasionado predicador que pretende despertar conciencias a base de retórica social y política.

Musicalmente, el disco es un tsunami de ideas. Una vez que te adentras en este viaje, es difícil salir. Esto es una banda de rock and roll en plena forma y enamorada de su música, capaz de desmontar las estructuras de las bandas sonoras y del jazz moderno y mezclarlo en un escenario contemporáneo dándole un nuevo sentimiento. En este álbum encontraremos la magia de esos músicos de jazz de la vieja escuela como Coltrane, Pharaoh

Saunders y otros genios que ya enseñaron a abrir esas puertas para viajar a través de la música y Primal Scream añaden un baño de explosión post punk y los pasajes sonoros del acid sound junto a las repeticiones típicas de krautrock, derivando así en una extraña forma de pop que hace que este disco sea mucho más que “escuchable”.

El primer cañonazo del disco es el extasis musical de “2013”, con esa batalla entre el saxo y la hipnótica estructura de krautrock. Además, en esta primera canción Gillespie ya establece las bases de la revolución contra el político, desmontando así el mito del fallecimiento del estándar rebelde del rock and roll. Nunca hubo un movimiento de música política como tal, pero en la historia de la música siempre hemos encontrado grupos cuyo mensaje iba encauzado a tendencias políticas o críticas hacia el sistema establecido. Primal Scream recuperan ese espíritu a lo largo de los nueve minutos que dura este tema y comprobamos en todo el disco que el trabajo de Bobby Gillespie en las letras sigue por esta línea, influenciadas por la actividad política de su padre, quien ha inculcado en él un pensamiento socialista.

El cambio de registro o la experimentación dan su primer paso en “River of Pain”, un tema casi acústico y atmosférico, con un maravilloso sitar en el estribillo que otorga un toque melancólico para hablar de un tema tan jodido como el avance de la violencia a través de las generaciones, fluyendo sin parar. Sin embargo, en “CulturJunio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 17

cide” vuelven por esos derroteros a medio camino entre el post punk y el rock en los que tan cómodos se encuentran Primal Scream.

Este tema se ve engrandecido por la colaboración de Mark Stewart de The Pop Group con unos cuantos quejidos que acompañan a Gillespie en el estribillo. Y para no quedarnos quietos, “Hot Void” es el tema perfecto. Rápido, rítmico, con una distorsión en las guitarras que roza lo enfermizo y que hacen que pensemos en la cantidad de influencias que han tenido Primal Scream a la hora de escribir este disco.

“Tenement Kid” pasa bastante por alto, siendo una pieza prescindible del disco. Todo lo contrario sucede con “Invisible City”, que terminará convirtiéndose en himno de los de Glasgow. Banda sonora perfecta para un paseo nocturno, con la guitarra de Davey Henderson de The Fire Engines soltando punteos por doquier. “Goodbye Johnny” es una demo rescatada del olvido que finalmente ha encontrado su

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sitio en este disco. Un coctel entreThe Doors y el sonido de un bazar egipcio. “Elimination Blues” es una fantasía musical sin control. Un incendiario viaje a través del blues más pantanoso que desemboca en una parte más calmada liderada por la voz de un tal Robert Plant. Casi nada la colaboración de lujo.

“Turn Each Other Inside Out” posee un toque esotérico, como si los Can estuvieran haciendo magia negra a ritmo de kraut rock.

Con un buen juego de luces, esta canción es carne de directo. “Relativity” es otra de esas joyas con un encanto escondido. Una mezcla entre banda sonora y locura estridente dotada de, una vez más, un sentimiento épico que a lo largo de siete minutos culmina con lo que podría ser un tema firmado por George Harrison.

“Walking With The Beast” es una extraña balada que suena a amor narcótico. Con “It’s Alright, It’s Ok” se rinde algo más que un homenaje a los Stones. Es casi una reestructuración de “You

Can’t Always Get What You Want” pero llevada al terreno de los de Glasgow. Con esta canción cierran el homenaje que supone “More Light” a todas las influencias que la banda ha tenido a lo largo de su carrera y es un broche perfecto que incluso podría haber tenido cabida en el ahora imprescindible “Screamadelica”.

Sin duda, hablar de Primal Scream es hablar de uno de los grupos más importantes de la música actual, pero hace tiempo que dejaron de lado eso y empezaron a crear un universo propio, donde la llama de la creatividad se alimenta con la gasolina de la locura. “More Light” nos muestra a Primal Scream encontrando su lado más experimental en un precioso viaje que llega a lugares exóticos y que mantiene la atención del que lo escucha si confías en que no te va a dejar indiferente. Ellos siguen enamorados del rock and roll y sus múltiples posibilidades, hagamos nosotros lo mismo.

PRIMAL SCREAM | MORE LIGHT| REVIEW

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THE NATIONAL TROUBLE WILL FIND ME

“Trouble will find me” es, en parte, el disco que todos los seguidores de The National esperaban: un disco que continúa con la concepción que tiene el quinteto formado en Ohio de su propia música y que explotan y mejoran tras cada disco.

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REVIEW

THE NATIONAL

Trouble Will Find Me Por Guillermo J. Garcia The National lo ha vuelto a hacer.

Otro discazo y de forma parecida.

En “Trouble Will Find Me” encontramos el siguiente paso tras su exitoso anterior trabajo “High Violet” (2010), es decir, una línea continuista, pero no por ello repetitiva o de menor calidad. El grupo afincado en Brooklyn no necesita una evolución demasiado marcada porque tras 13 años de andadura desde la publicación de su primer LP (“The National”, 2001) han conseguido desarrollar un sonido perfectamente definido y con personalidad, que en este disco encontraremos aún más maduro y cuidado que en sus anteriores publicaciones.

“Trouble Will Find Me” es un disco pulido, compacto, sin grandes sobresaltos en su escucha, pero lleno de momentos en los que apreciar la grandeza de este grupo será sencillo. Quizá esta grandeza resida en las certeras y personales letras que Matt Berninger ha escrito para este álbum, envueltas por la oscuridad en la que se siente tan cómodo, en la acertada producción de los gemelos Dessner o en ese clima hipnótico en el que te introducen cuando avanzan las canciones. Y es que estamos frente a un disco para escuchar pausadamente, que avanza durante 55 minutos de sofisticación y delicadeza rock sin que te enteres.

Se echa de menos la presencia de algún hitazo en la línea de algunos de sus temas más potentes (“Lit up”, “Abel”, “Mr. November”), pero esta carencia se suple con un

desarrollo armonioso y cuidado del disco y con una concepción más unitaria del mismo. Hay que entender y escuchar “Trouble Will Find Me” como un todo, no como una selección de temas de la que podamos rescatar algunos singles.

A lo largo de las 13 canciones que componen el álbum encontramos una lista de colaboraciones de lujo compuesta, entre otros, por Sharon Van Etten, Sufjan Stevens o Richard Parry (Arcade Fire).

El disco comienza con una animada, en comparación al resto, “I should Live In Salt” apesar de que no sea la nota dominante en lo que vamos a encontrar en “Trouble will find me”. Pronto avanza hacia una transición más tormentosa del genio interior y los demonios de Berninger con “Demons” y la genial “Don´t Swallow The Cap”,a través de demoledoras frases como “I have only two emotions careful fear and dead devotion”. En “Fireproof” podemos ver a un Berninger imponente y solo ante el peligro, será un tema en el que el barítono podrá lucirse en directo. Llegamos a “Sea of love”, uno de los singles adelanto del disco, que da consistencia y fortaleza ante una segunda parte del disco más pausada, pero más profunda si cabe. Con la maravillosa “Heavenfaced” llegamos a un punto de inflexión en el que se van a suceder canciones en los que las angustias propias de las relaciones, la sensación de no llegar a un punto que nos proponíamos y las vicisitu-

des derivadas de la vida moderna; tan bien reflejadas en “This Is The Last Time”, ”Graceless”, “Slipped” o “I Need My girl”, que van a envolvernos y atraparnos para no dejarnos parar de escuchar lo que queda de disco, que no es poco.

En este contexto, nos acercamos hacia el final del disco con la fortaleza lírica de “Humiliation” y la que posiblemente sea una de las canciones más sentidas y certeras de The National: “Pink rabbits”.

Con “Hard to find” ponen un broche lleno de madurez y autoconsciencia: “just kiss off into the air” reza la última frase que pronuncia un Berninger que ha estado sublime a nivel de composición, consiguiendo pasar a formar parte del público a través de unas letras que a pesar de ser tan personales consiguen que, sin quererlo, empatice en muchas de las situaciones que plantea.

Con “Trouble Will Find Me”, The National han logrado continuar con un proceso de crecimiento y consecución de una idea que ya tiene forma desde “Alligator” (2005). Han perfeccionado y matizado aspectos que van desde las propias cualidades de sus miembros como músicos e intérpretes hasta la producción de la misma, a través de una fórmula que, si bien ya les ha resultado exitosa, está lejos de estar acabada, como han logrado evidenciar.

Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 21

Por F. Javier Moreno

Guitarrazos y estribillos como himnos son cantados al atardecer por unos chicos procedentes de Leamington Spa. James Mattock, Andrew Bayliss, Sam Lister y Carl Murrihy vuelven con “Selfhood”, su nuevo álbum de estudio. Con el sonido de los primeros años de la banda y mezclándolo con otros nuevos matices, Sharks vuelven pegando un golpe encima de la mesa.

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SHARKS / Selfhood / 2013 Parece lejano cuando Sharks publicó su primer álbum, y en realidad fue en marzo de 2012 cuando debutaron en largo con “No Gods”.

Su primer disco me decepcionó mucho ya que aunque no era malo, tampoco destacaba apenas por ningún lado. Fue un disco bastante plano, de esos que no diferencias unas canciones de otras y te parecen todas igual. La losa de “No Gods” fueron los primeros lanzamientos de la banda, cuando aún sacaban Eps y singles como “Shallows Waters EP”, “Show Of Hands EP” o “The Joys Of Living” y “Sweet Harness” que venían como temas inéditos en su primer recopilatorio “The Joys of Living 2008– 2010″, donde encontrábamos temas de sus EPs y singles lanzados hasta la fecha. Hay que comentar que es algo raro publicar un recopilatorio sin tener un primer álbum debut. Y creo que esta fue la causa principal que minó el éxito de “No Gods”, el lanzar un recopilatorio que era mucho mejor en contenido que su primer álbum y en un período de tiempo relativamente cercano. Separados solo por un año de diferencia. Aún así “No Gods” tenía alguna perla como “Arcane Effigies”, “Able Moving Hearts” o “Patient Spider”, los temas más fieles al sonido con el que Sharks nos enbaucaron en sus primeros años.

Sharks se dieron a conocer a más gente gracias su primer disco, algunos de los singles extráidos del mismo, como las ya mencionadas “Arcane Effigies” y “Patient Spider”, y durante los conciertos del año pasado, en los que compartieron escenario con Tribes, Social Distortion y Pure Love. A principios de 2013 participaron en el “Take Action, Volume 11″ con un tema inédito que quedó fuera de “No Gods” llamado “Sea Of All Seas”.

Durante los meses de noviembre y diciembre de 2012, “Selfhood” fue gestado por la banda inglesa, siendo producidos por Lewis Johnsen el estudio de grabación The Ranch situado en Southampton.

Según James Mattock, lider de Sharks, “a la hora de componer y grabar este nuevo disco se centraron en crear las mejores canciones que ellos pudieran hacer e intentando ser alocados y divertidos”. Y supongo que esta ha sido la clave para que su nuevo disco sea mejor que el primero.

“Selfhood” es más fresco y disfrutable que “No Gods”, y lo podemos descubrir desde que empieza a sonar su primer corte. “Selfhood” abre el disco con un sonido directo, enérgico y con un estribillo muy pegadizo. “Your Bloody Wings”, “Portland” y “Won´t Taint”continúan inyectándonos dosis de los Sharksque conocíamos desde sus comienzos, los Sharksmás auténticos. “The More You Ask Me, The Less I’m Sure” es un clásico inmediato. Un estribillo pegadizo con una gran voz de Mattock y los riffs imparables de Andrew Bayliss.

“Sunday´s Hand” es otro de esos temas que nos hacen vibrar, y es tan corta que te deja con ganas de más. Una de las perfecciones del disco, las canciones son directas y suministrando la genialidad en cada minuto. “22″ tiene un sabor añejo de la década de los 90, con una buena línea de bajo y una redonda melodía tanto en guitarras como en la voz.

con algo de brit pop. Sobre todo cuando llegamos a uno de los puntos álgidos del disco y suena “Pale”. Una preciosa balada en la que escuchamos la guitarra distorsionarse con ese hipnotizante trémolo, agitando y presionando las cuerdas de la misma. El solo sencillamente es para quitarse el sombrero.“Gold” y “Room With A Grey View” continúa la estela del resto del disco: fuerza y grandes melodías marchando al ritmo de una batería incesante. El último corte es “My Wild One”, una balada con una ambientación mágica que pone punto y final al disco que durante 30 cortos pero intensos minutos, nos ha hecho disfrutar como auténticos enanos.

Sharks han sabido solventar los errores que cometieron con su primer larga duración. Tal vez fueron demasiado rebuscados con “No Gods”, intentando buscar cosas que no necesitaban cuando la fuerza de sus composiciones radican en ser directos, tener melodías pegadizas, conseguir con facilidad que gritemos esos estribillos que parecen himnos y agitar nuestras cabezas con sus guitarras y directos ritmos de batería. Sin lugar a dudas han vuelto a hacer lo que mejor saben a hacer, y encima nos han dejado con ganas de más. Sharks han hecho un disco redondo.

Llegados a este punto, el sonido nos recuerda tanto a los Sharks de siempre como a grupos como Weezer, Surfer Blood o incluso en algunas ocasiones a la voz de James Allan (vocalista de Glasvegas), mezclando su rock punk británico Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 23

L.A. DUALIZE

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REVIEW

LA

Dualize (2013) Por Jesús Daniel Marín

Poco queda en la actualidad de aquel sonido pop melancólico que catapultó a L.A. a las primeras filas del indie nacional con “Heavenly Hell”. La banda de Luis Alberto Segura completa la americanización de su sonido tras el giro presentado en el ep “SLNT FLM” y en “Dualize” se entrega totalmente a ese estilo tan particular que tienen en América de hacer rock con raices profundas.

“Dualize” es la palabra perfecta para describir la vida de la banda, a medio camino entre Baleares y Estados Unidos, constantemente entre dos mundos. El disco es el resultado de la mezcla entre las excelentes melodías mediterráneas y la agresividad del rock de carretera americano. El álbum empieza con una canción homónima en la que como viene siendo costumbre, la voz es el esqueleto alrededor del cual todo gira, con unos arpegios semiacústicos de guitarra y una atención que se centra más en la canción completa que en un estribi-

llo pegadizo. En “Oh, Why?” los ecos del desierto y de bar de carretera se cruzan con los tonos más agudos y luminosos del estribillo, otorgándole un cierto regusto al sonido actual de The Black Keys.

“Rebel” es una extraña composición que llama la atención por sus percusiones y los arreglos de cuerda que crean un “background” que no habíamos escuchado con anterioridad en el grupo de una forma tan clara.

El espíritu mediterráneo vuelve a hacer acto de presencia en “Pictures On The Wall” donde la melodía nos mece, acompañada por la voz casi susurrada de Luis y las guitarras suenan pulsadas con delicadeza. La presencia de la batería es casi nula, quedando en casi una aparición testimonial a los platos durante la mayor parte del tema. En “Under Radar”, otra de las canciones que sirvieron para presentar este disco, volvemos a las raices del estilo americano que tan bien trabajan los mallorquines, con sus guitarras ocupando cada rincón de la canción. Y sin abandonar ese sonido, como si circuláramos por la ruta 66, “Outsider” nos golpea con sus influencias country y lo-fi. Es un tema imprescindible para los amantes del folk rock.

“Mirrorball” ralentiza la velocidad del disco, con una parte rítimica persistente a lo largo de la canción y que aunque suene raro, da como

resultado un cruce entre Prince y un cantautor. Y si mezclamos a Kings Of Leon conThe Strokes, saldría “All Those Silences”. Todo eso aderezado con un poquito de reverb en la voz y tenemos el que probablemente sea el mejor tema de “Dualize”. De vuelta al sonido lento y pantanoso con “In The Meadows”, de clara influencia musical del rock de los años cincuenta como ya ocurriera en “SLNT FLM” y recomendada para los más románticos del género. “After All” es el otro gran tema de este disco y además va a conectar con los fans más acérrimos del grupo, porque suena a cualquier éxito sacado de “Heavenly Hell”. Directo, potente, un tema de los que da gusto escuchar en vivo y perfecto para ponerle el broche final a un disco que probablemente no llegue tan alto como debería.

Es una anténtica lástima que un disco de semejante calidad no consiga la difusión que merece, al menos dentro de nuestro país. Está claro que fuera de nuestras fronteras será considerado como un disco que lleva la palabra éxito en su envoltorio y que aquí tendrá que luchar día tras día para conseguir un poco más de nombre. De momento, su último gran logro es ser teloneros de Muse en su concierto en España.

Nosotros estamos seguros que “Dualize” será el trampolín para que el nombre de L.A. se vea más grande en los carteles festivaleros.

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REVIEW

COLIN STETSON

New History Warfare Vol. 3: To See More Light (2013) Por Joaquín Ollero García

El saxofonista cierra la trilogía “New History Warfare”con “Vol. 3: To See More Light”, un álbum abrumador que dependiendo del momento puede llegar a sentirse parte de un cántico divino o bien doradas llamas en una gran hoguera. El artista conocido por colaborar con figuras estelares como Arcade Fire, Feisto Bon Iver, tanto en diferentes tours como en la concepción de varios de sus discos, nos muestra su lado más fiero y la representación más fidedigna de su interior, debatiéndose continuamente entre el comienzo de un viaje y el final del mismo.

El compositor comenzó esta aventura en 2007, con la publicación de la primera parte de estos trabajos unidos por una idea en común y en 2011 se publicó “Judges”, una notable segunda pieza de este rompecabezas pero que no alcanzaría la excelencia. Con este épico epílogo Colin Stetson construye canciones que exploran terrenos muy diferentes y con objetivos muy personales, como “In Mirrors” (1 minuto 26 segundos), un inusual comportamiento de la calma y la apurada ocurrencia de la suerte, hasta “To See More Light” (15 minutos 07 segundos), una sinfonía colosal que pasa por estados violentos y salvajes, continuamente mudables, y como si de una odisea se tratara así oímos las diferentes variaciones de intensidad en el instrumento que constituye la base esencial de esta composición. Estos casi 1000 segundos de canción son un embrollo que se enreda más y más para encontrar la única posible salida hacia la luz. Y la acaba encontrando.

Justin Vernon, como buen compañero, se deja escuchar en 4 temas del tracklist, como “And In Truth”, un sereno amanecer que se columpia hasta la posición de himno, “Brutes”, donde las exquisitas cuerdas vocales del cantante de Bon Iver se traducen en feroces ladridos, algo que echa a perder por completo la sabiduría que inspira su voz, “Who the Waves Are Roaring For”, una canción muy completa

que ocurre en la mejor parte del disco y que la aparición de Justin Vernon hace que culmine de forma soberbia. Para terminar “What Are They Doing In Heaven Today”es una versión de la creación de Washington Phillips de principios del siglo XX. Es un clásico atemporal como se puede percibir desde los primeros segundos y presenta una cuestión existencial tan sutil y romántica que… se nos agotan las palabras. Obviamente cualquier respuesta es válida. Recientemente esta misma canción ha sido abordada por Mogwai para hacer acto de presentación en la serie Les Revenants, cuya banda sonora ha sido realizada por esta banda.

Colin Stetson ha preparado un trabajo basado en su arma más potente, el saxófono, pero utilizándolo de una manera inédita y única. Difícil de asimilar y más complicado aún de digerir, en el momento que se visualizan las inexorables virtudes escondidas en “To See More Light” no es posible detener el torrente de admiración hacia una obra tan compleja e intrínseca. Los 51 minutos que dura el álbum están estructurados en torno a una melodía metamorfósica aderezada con un furor incipiente y un exquisito gusto para la composición. Es imposible que podáis imaginar en qué división juega Colin Stetson y por ello mismo este disco os sorprenderá desde el primer instante.

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!!! / THR!!!ER / 2013

En INDIEfermag nos gustan los experimentos, y tras la review doble que hicimos con el difícil “Shaking The Habitual” de The Knife, ahora probamos algo nuevo con el disco de !!! (chk chk chk), “Thr!!!er”. En esta ocasión no se trata de análisis extremos de “lo adoro por” o “lo odio por”, sino una review independiente de dos de nuestros redactores, sin conocer uno la opinión del otro. Para que ninguno de los dos fuese influenciado por el otro, los análisis están aquí redactados tal y como cada uno de ellos opina sin hablar de dicho disco, siquiera, entre ellos. Repetiremos la experiencia más adelante con próximos análisis. A ver con quién estáis más de acuerdo.

Thr!!!er según Ander Simón Estevez Les ha costado, pero !!! (chk chk chk para los amigos) han vuelto.

Sin embargo, aun mejorando a su anterior disco, se queda algo corto respecto a “Myth Takes” (2007), su mejor trabajo hasta la fecha. El álbum empieza realmente bien, con una “Even When The Water's Cold” que, con su rollo funk, se muestra como una de las mejores canciones del disco. Mucho más descafeinada resulta “Get That Rhythm Right” que llega a hacerte esperar que arranque y acaba por no hacerlo nunca. Afortunadamente, con “One Girl/One Boy” volvemos al ritmo más bailable del que son capaces de traernos los americanos aunque lo volvemos a perder con “Fine Fine Fine”, que puede llegar a hacerse repetitiva en ocasiones con unos compases demasiado es-

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tacionarios. “Slyd”, el primer adelanto que nos enseñaron de este “Thri!!!er” (uno de los mejores títulos del año, por cierto), puede dejarnos al final cierto sabor amargo. No está nada mal, no me mal interpretéis, pero tiene un final demasiado cortante para el momento que se va construyendo a lo largo del tema.

Una lástima porque el juego de voces, a veces extractos de conversaciones casi, le dan jugo a un tema que juega bien con los beats potentes y el bajo característico de !!!.

“Californiyeah” llega con un ritmo muy pegadizo que va evolucionando pero, de nuevo, parece que le falta un punto final en el que estalle todo, que nos deje el culo torcido. “Except Death” empieza sin pena ni gloria pero a partir de la mitad de la canción el bajo toma

todo el liderazgo para darnos una buena muestra de lo que son capaces a las 4 cuerdas. De “Careful” personalmente no se salva nada, uno de los temas con menos personalidad del disco, para rellenar aunque no desentona con el ambiente de casi todo el disco a mitad camino entre lo bailable y lo chill. Por suerte, para finalizar el álbum aún les queda un as en la manga en “Station (Meet Me At The)” que muestra una vez más la faceta más divertida de !!!. En resumen, el disco empieza genial con “Even When...”, acaba igualmente bien con “Station...”, y “One Girl/One Boy” completa un trío fantástico pero el disco en general resulta demasiado calmado para lo que son capaces el grupo de California.

!!!

Thr!!!er según Quique Gómez

Han pasado ya 13 años desde el debut de !!! (chk chk chk) y ha llovido bastante desde entonces, pero si el tiempo ha pasado más rápido es, precisamente, porque están ellos aquí y con muy pocas ganas de envejecer. El quinto álbum de los californianos (asentados en Nueva York) vuelve a poner patas arriba el mundo del post-punk más bailable, con tantas dosis de funk como de dance.

Y es que desde el genial “Myth Takes” (2007) la banda de Nic Offer ha dado un ligero giro de rumbo que los acerca más a las pistas de baile. Ocurrió con el irregular “Strange Weather, Isn’t It” (2010) y vuelve a suceder con el recién estrenado (y mejor titulado) “Thr!!!er”. La fatal pérdida del batería Jerry Fuchs en aquel dramático accidente de 2009 se vio reflejada en un retroceso en la sección rítmica tan característica

de la banda y que empezó a alejarlos de ese infeccioso y abrasivo funk que solían practicar. Los errores de ese anterior disco se han arreglado en este nuevo álbum, aunque no del todo, pues sólo a veces sigue dando la sensación de relleno con innecesarias capas electrónicas de las cuales antes no hacían casi uso.

“Careful”, por ejemplo, es una gran canción, pero ganaría sin tanto adorno house. Si la hubiesen sustituido por “The Hammer”, la mejor canción electrónica que han hecho hasta ahora, estaríamos hablando de otra cosa. Pero no seamos injustos, pues el primer adelanto, “Slyd” nos puso los dientes muy largos.

electrónicos), como las irresistibles “Station (Meet Me At The)” y “Californayeah”, la genial intro “Even When The Water’s Cold” y, sobre todo, la espectacular “One Girl / One Boy” con Sonia Moore de estrella invitada. Sin llegar, por supuesto, al inalcanzable “Louden Up Now” (2004) que los puso en boca de todo el planeta, sí que se ha notado aquí un avance respecto al anterior disco hasta casi alcanzar la calidad de “Myth Takes”. Geniales como siempre para un verano bailongo, falta por ver cómo defienden esto en directo, pero viendo sus antecedentes, parece que volverán a arrasar. Por cierto, otro detalle que suma es que, aun durando lo mismo que su anterior trabajo, se hace la mitad de corto. Buena Queda clara una cosa, y es que señal. lo mejor del álbum está en los momentos más eléctricos (que no

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CRÓNICA

Redactado por Jaime Mateo Herrero, Quique Gómez y Albert Cornella Font

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JORNADA INAUGURAL DEL MIÉRCOLES

ALIMENT

Ya en el escenario Ray-Ban pudimos presenciar el concierto de Aliment desde el graderío. Estos chicos apadrinados por el sello catalán La Castanya defendieron más que bien su último disco “Holy Slap” (2012), subiendo la temperatura del público con canciones tan incendiarias como “Seein’ Black”. Punk y garage del rico.

Icon” y toda la retahíla de hits con la que cuentan los británicos. Un público muy entregado (a veces demasiado) y un concierto divertido pero poco más que añadir.

THE BOTS

Las actividades culturales y musicales del Primavera Sound ya habían empezado a desarrollarse hacía varios días en salas y otros lugares de Barcelona, pero el Parc del Fòrum abrió sus puertas por fin el miércoles 22 de mayo para todo aquel que quisiese asistir a esta jornada gratuita. Cerrado gran parte del recinto, apenas se podía visitar el escenario/anfiteatro Ray-Ban, donde tendrían lugar los conciertos ese día. También algunos puestos de la feria discográfica abrían (Rough Trade) y nos sorprendían con precios de discos bastante tentadores. Recordamos, por ejemplo, el “Shields” (2012) de Grizzly Bear por 8€. Y así pasó, que se agotaron el segundo día.

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La primera sorpresa del festival se la llevaron The Bots, a los cuales ni habíamos oído mencionar. Su frontman embutido en un pijama rosa y su hermano a la batería con ese pelazo a lo Solange destacaron por su actitud punk y guitarrazos afilados a su temprana edad (ojo, 18 y 14 años respectivamente) que los colocan en la senda de The Black

Keys o The White Stripes.

GUARDS

El concierto de Guards pasó sin pena ni gloria. A pesar de contar con un cantante muy entregado, no nos enamoró la propuesta del grupo. Algo que, según mi compañero Quique, sí hizo su teclista, y no precisamente por contribuir mucho en lo musical...

THE VACCINES

Era la apuesta más importante de la jornada (con permiso de Delorean) y efectivamente, allí llegó hasta la cincuentona más animada (no es broma) para darlo todo en los pogos de “If You Wanna”, “Teenage

DELOREAN

Una pena fue lo de Delorean. Aún no sabemos si fue por ellos o por la dichosa acústica del escenario Ray-Ban en la pista. Nos decantamos por lo segundo después de repetirse aquellos desagradables bajos en otros conciertos, impidiendo disfrutar de las voces y del sonido en general sobre todo en las primeras filas.

En cualquier caso, la actitud de los vascos fue indiscutible y supieron llevar su electro dance a los pies de cada uno de los asistentes. Muy colorido el concierto pero ensombrecido por los problemas de sonido.

Queríamos acabar la jornada inaugural en la Sala Apolo como otros muchos disfrutando de Veronica Falls, John Talabot y Parquet Courts. Sin embargo, después de una hora y media de cola, nos quedamos a las puertas por aforo completo. Una pena, pero nuestra integridad física lo agradeció.

PRIMAVERA SOUND 2013 JORNADA DEL JUEVES

EL INQUILINO COMUNISTA

¿Se puede pedir más para empezar el #bestfestivalever? Desde luego no es el mejor horario para el retorno de los padres del indie nacional, pero la apretada agenda de la jornada no perdonaba. Inaguraban el escenario Primavera con el temor de que sonase como el Ray-Ban en la jornada anterior, pero despejaron toda duda desde el primer minuto.

El Inquilino Comunista se dieron el gustoso y merecido homenaje que merecen y esperemos que su regreso no se quede en este inolvidable concierto. A los Pavement españoles se les veía incluso más felices que a los propios veteranos asistentes (me sentí el joven del lugar), rescatando temazos como “Sukie”, “Colored View”, “The Fall” y una “Echocord” para el recuerdo. Uno de los conciertos de todo el festival.

WILD NOTHING

El primer plato fuerte de la jornada empezaba a las 18:30 en el escenario Heineken. La sosegada pro-

puesta del grupo de Virginia no llegó a calar demasiado hondo. Puede que la temprana hora no beneficiase a un concierto de estas características, tan sólo “Shadow” y alguna más de su disco “Nocturne” (2012) consiguió agitar a los asistentes. Del nuevo EP “Empty Estate” (2012) tan sólo pudimos escuchar “Ride”. Incluso la maravillosa “Paradise” sonó algo sosa.

Una pena.

WOODS

Una de las sorpresas de la jornada, y no por su ya sabida calidad sonora, sino por la rockera propuesta que ofrecieron, fueron los neoyorquinos Woods, que hicieron las delicias a los sufridos asistentes (sol de frente en el único día caluroso del festival) de un abarrotado escenario Vice. Allí estaba Jota (Los Planetas) y su legión de seguidores pasándoselo pipa como uno más.

La banda de Jeremy Earl dio buena cuenta de su más reciente “Bend Beyond” (2012) en un agradecido formato rock psicodélico que dio poco margen a la también magnífica versión acústica de alguno de sus éxitos anteriores. Una gozada.

SAVAGES

Muchas ganas había de comprobar si las oscuras chicas de Savages enseñaban los dientes en directo o todo era postureo al final y al cabo.

Pues va a ser lo primero. La cantante y líder de la banda, Jehnny Beth, mostró la actitud adecuada, ni exagerada ni falta de energía. Los grandes temas de su debut “Silent Yourself” sonaron arrolladores,

véase “Shut Up”, “She Will” o la que cerró “Husbands”. A pesar de algunos problemas técnicos, las chicas no se achantaron y a base de improvisaciones consiguieron llegar airosas al final del concierto con el público en el bolsillo.

TAME IMPALA

Cuando uno giraba la esquina de la noria y se encontraba con la ingente masa de público que había convocado Tame Impala no sabía si esperarse lo mejor o lo peor de los australianos. De la noche a la mañana, del estudio de su casa a llenar festivales y estadios, esa es la evolución de Kevin Parker y los suyos. Habría que preguntarse cómo y por qué la propuesta de rock

psicodélico ha calado tan hondo. En directo esa pregunta se esfuma como las diferentes imágenes y formas Windows Media Player que aparecían en las pantallas al son de “Music to Walk Home By” o “Keep on Lying”. El espléndido sonido del escenario Heineken ayudó a llevar a todos los asistentes esa marea de sonido made in “Innerspeaker” y “Lonerism”. Hay que recorJunio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

JORNADA DEL JUEVES dar que el cambio de formación del grupo (se fue el bajista, sustituido por un batería) se produjo poco antes de la actuación del Primavera Sound. Pero da igual, son músicos tan grandes que clavan cada tema que tocan, “Elephant” arrollador, “Feels Like We Only Go Backwards” hizo que nos desgalliitáramos... Son enormes, ya lo han demostrado y ahora sólo queda que sigan subiendo puestos en los lineup de los festivales hasta que se encuentran en la cima.

zadores Moogs y recordando a “Self-Titled” (1998) del que, sin embargo, no tocaron ningún tema.

Poco a poco fueron desarrollando lo que mejor saben hacer, un postrock de calidad y magia por los cuatro costados, bebiendo de sus paisanos Godspeed You! Black Emperor y de Broken Social Scene, donde Charles Spearin también toca el bajo. Fueron sucediéndose temas como “Fredericia”, “The Landlord Is Dead” y “End Of Music” hasta que el tiempo se paró al empezar “Auberge Le Mouton Noir”, tapados, al principio, por los aullidos descontrolados de los que allí estábamos, y destrozándonos completamente el alma con dulzura, delicadeza y rabia contenida. Es cierto que el sonido no fue el mejor, que en momentos los dos baterías estaban desincronizados, que la Telecaster de Bencherist sonaba demasiado limpia, dejando a la luz los errores en la ejecución, vale; pero la sonrisa del niño al que le regalan una piruleta se vino a casa conmigo.

DINOSAUR JR.

DO MAKE SAY THINK

Su concierto en el nuevo escenario ATP fue totalmente eclipsado por la banda del gran Lou Barlow, que tocaba a la misma hora, así que los pocos que allí estábamos pudimos disfrutar cómodamente. Fue muy corto (40 minutos) y en esta ocasión la banda prescindió de los violines, saxos y trompetas, que habitualmente forman parte de sus conciertos, sonando más rockeros que nunca y más acorde al escenario y lugar en el que estaban. Empezaron muy electrónicos tirando de sinteti-

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El sacrificio de perderme a Do Make Say Think lo compensó J Mascis y Lou Barlow con un concierto autohomenaje como el que ofrecieron.

Dio un poco igual la ausencia de Murph a la batería, pues el peludo sustituto se sabía de sobra unas canciones, ya inolvidables, que repasaban la gran época del trío de Amherst. Así, el reciente “I Bet On Sky” (2012) quedó despachado con dos únicas canciones y la portada del disco en el fondo del escenario.

Lo que sí se echó en falta fue algo de volumen, pues aunque el sonido del escenario Primavera fue excelente durante todo el festival (pese a los puntuales petardeos en algún que otro concierto), con Dinosaur Jr. queríamos quedarnos sordos, sobre todo con el repertorio basado en

“You’re Living All Over Me” (1987) y “Bug” (1988) y los torrentes sonoros que suelen salir de la guitarra de nuestro melena plateada preferido.

El colofón final vino de la mano de la versión de “Just Like Heaven” (la de The Cure; la otra sonaría al día siguiente en el concierto de The Jesus & Mary Chain junto Bilinda Butcher) y la aparición estelar de Damian Abraham (Fucked Up) para interpretar “Sludgefeast” mientras no escatimaba en elogios al, según él mismo, mejor banda hardcore del mundo.

JESSIE WARE

Una de las apuestas más curiosas del cartel de este año, parece tenerlo todo para triunfar. Posee madera de diva, una voz perfecta para ejecutar ese género a veces tan fustigado como es el r&b y un largo camino por recorrer. Y aunque el escenario Pitchfork se le hizo algo pequeño, Jessie Ware supo jugar sus cartas con bastante perspicacia dejando claro de buen principio, que la suya no es una propuesta artificial y que sus orígenes en el mundo del house han pasado ya a mejor vida.

Con una elegante puesta en escena, a pesar de estar acompañada por unos músicos algo estáticos, la londinense fue de menos a más presentando “Devotion” (2012), una de las sorpresas discográficas del pasado año en el Reino Unido. Así las cosas sonaron, entre otras, la hipnótica “Wildest moments”, una simplificada “Running” o la pegadiza “If you're never gonna move”. Una artista interesante, tan responsable como sorprendente que, puede que dentro de poco, llegue a brillar en un escenario más acorde con su voz.

DEERHUNTER

De las tres veces (sí, tres) que pudimos ver a Deerhunter, la del es-

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cenario Ray-Ban fue la que menos nos gustó. Si te encontrabas en pista, las dos primeras canciones “Cover Me” y “Agoraphobia” sonaban tan mal (a Bradford Cox apenas se le escuchaba) que sólo te quedaba la opción de subirte a la grada. Gracias a dios (y Deerhunter) esto se solventó después de este desfavorecedor arranque. Ataviado con uno de sus ya míticos vestidos para acentuar su escuálida figura, Bradford y los suyos demostraron una vez más por qué es uno de los mejores grupos de la escena independiente actual. Con discos tan redondos como “Halcyon Digest” (2010), tienen una buena lista de temas para emocionar y agitar al público a partes iguales. Con su último disco “Monomania” (2013), llevan lo segundo un poco más lejos que lo primero. En esta primera cita con el público del festival cerraron con la canción que da nombre al disco y que ya origina una gran locura entre los fans.

GRIZZLY BEAR

Adorables como pocos. Enigmáticos, oscuros, mágicos e hipnotizadores. El directo de Grizzly Bear, escurridizo en nuestras fronteras, fue toda una delicatessen para los amantes de este folk inclasificable que han llevado al extremo con su último álbum “Shields” (2012). Desgranaron este último sonando espectaculares en “Yet Again” o “A Simple Answer”. Se metieron en el bolsillo a los escépticos con “Two Weeks”, tema reconocido por todo el festival gracias a los vídeos de Primavera Sound Foundation. También recordaron su segundo disco con “Knife”, que tampoco pudo faltar a la cita. La magia se acentuó con esa escenografía (de las mejores del festival) a base de sacos colgantes que subían y bajaban, se encendían y se apagaban, todo al ritmo sosegado de las voces de Edward Droste y los suyos.

FUCKED UP

Sacrificar a los insulsos Phoenix (no me odiéis) da para mucho, porque no sólo pude ver un rato de los franceses, sino que también disfruté de la mitad final de unos entregadísimos Fucked Up en el escenario Pitchfork. Después del baño de masas que el panzudo líder (ya sin camiseta cuando llegué) de la banda canadiense se dio al final de Dinosaur Jr., no dudó en mezclarse con su fiel público de las primeras filas para interpretar “Turn The Season” y convertir aquello en un agradecido pogo. Me quedé con ganas de más, pues siempre se agradecen propuestas así para olvidarte del dolor de pies. Lo curioso del concierto fue comprobar cómo tres integrantes de la propia banda fueron las únicas personas que no dieron saltos allí.

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JORNADA DEL JUEVES PHOENIX

Era uno de los cabeza de cartel del Primavera Sound que se esperaba que lo petara en el escenario Heineken y más o menos así fue. Nadie duda de la capacidad de los hits de Phoenix para hacer saltar y bailar a la muchedumbre. El problema es que esos hits se acabaron en “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009) y en el nuevo disco de los franceses, “Bankrupt!”, sólo hay pequeños destellos como “Entertainment” con la que abrieron. La solución fue, efectivamente, tocar el ochenta por ciento de “Wolfgang...” y meterse al público en el bolsillo con facilidad.

Cabe destacar cómo los nuevos temas como “Don’t” o “The Real Thing” ganan bastante más en directo de lo que cabría esperar escuchándolos en el disco. El caso es que Thomas Mars, a pesar de su escasa carisma, supo resucitar el concierto cuando comenzaba a resultar cansino a base de sorpresas como la explosión de billetes en “Bankrupt!” o los manoseos con las groupies. Otra grata sorpresa, y que sin duda le dio un plus al concierto, fue la colaboración final de J. Mascis (Dinosaur Jr.). Entretenidos pero ya. Y otra cosa... ¿dónde se dejaron “If I Ever Feel Better”?

FUCK BUTTONS

Los veinte minutos que tenía para ver a este dúo de Bristol (siempre Bristol) por los putos solapes me supieron a poco. La puesta en escena era tremenda, pero el sonido lo era aún más. Configurados en una desmesurada mesa de mezclas, uno en frente del otro y en perpendicular al público, se proyectaban detrás sus propias siluetas bailongas mientras desplegaban ese sonido digital tan jodidamente atractivo incluso para haters de la electrónica como yo.

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Cosas como lo que proponen estos dos está por encima del estilo musical, y el principio del concierto estuvo marcado por dos desconocidos temas que, esperemos, aparezcan en su nuevo álbum. Me fui de allí por culpa de Animal Collective y empezó a sonar “Olympians”. Casi me doy la vuelta. Fui fuerte y, al menos, amenizaron mi viaje hacia el jardín infantil del colectivo de Baltimore.

ANIMAL COLLECTIVE

El directo de Animal Collectivees de esos en los que te preguntas “¿esta gente qué se toma y por qué

estoy viendo esto?” pero cuando acaban piensas “qué jodidamente buenos son, nunca he visto nada igual”. Intentamos bailar en “My Girls”, de verdad que lo intentamos, pero la manera que tienen de cambiar los temas en el directo hace imposible predecir cada ritmo o cada estrofa. Hacen lo que les viene en gana y lo hacen rodeados de una escenografía que recuerda a los parques hinchables infantiles, aunque en este caso de pesadilla.

La clave era sumergirse en sus bucles electrónicos y experimentales, olvidando que eran las 3 de la mañana y que Talabot esperaba en el Ray-Ban.

PRIMAVERA SOUND 2013 JORNADA DEL VIERNES cierto a base de luchar con los vientos huracanados que revolvían su melena. Su voz tardó varios temas en alcanzar la fuerza necesaria para que no se perdiera en las primeras filas. Les faltó actitud, carisma y puede que un mayor número de músicos para trasladar el tremendo sonido de sus discos al directo, aunque mejoraba bastante la cosa cuando el melenudo agarraba la guitarra eléctrica.

PEACE

DULCE PÁJARA DE KURT VILE VIOLATORS JUVENTUD Hicieron lo que tenían que hacer, evitar que nos quedáramos dormidos en las gradas del escenario Ray-Ban a las cinco de la tarde.

Presentando su disco homónimo, estos catalanes defienden a la perfección esas melodías pegadizas y en ocasiones psicodélicas. Los del sello BCore pueden estar orgullosos con el fichaje porque algún día serán grandes, trasladando las inolvidables “Gigalove” y “Nacer 3” a un más que digno directo.

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Mucho público inglés y joven como era de esperar para ver a la última banda hypeada por NME. Pero en este caso, sí que estuvieron a la altura de lo que se esperaba. El escenario Primavera era el perfecto para la ocasión y los temas más destacados del grupo, “Wraith”, “Bloodshake” o “Lovesick”, hicieron bailar y cantar a los asistentes. Su cantante, con guitarra de doble mástil, mostró actitud y nos pudimos llevar buen sabor de boca, pero ya.

THE OM

Con ese espectacular “Walkin on A Pretty Daze” las expectativas de ver a Kurt Vile estaban por las nubes hasta el punto de tener que sacrificar a Pony Bravo en el escenario Primavera. Sin embargo, el escenario Heineken se les quedó enorme.

Si algo aprendió Kurt Vile de este festival es que el pelo largo no es una opción. Abriendo con una descafeinada versión “Walkin On A Pretty Day” de su nuevo álbum, Kurt Vile intentó meterse en el con-

El cambio de horario de Swans a la franja de Blur para no coincidir con, precisamente, Om, me hizo decidirme por ellos viendo lo que ofrecían otros escenarios. Al dúo californiano de doom-metal liderado por Al Cisneros se le unió el estiloso Lichens (Robert Lowe) para la grabación de su último “Advaitic Songs” (2012) que interpretaron casi en su totalidad, donde destaca, por encima de todo, el bajo del propio Cisneros y la batería casi jazzística de Emil Amos. Interesante propuesta, pero más llamativo aún Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 37

JORNADA DEL VIERNES era ver al respetable: toda una suerte de encapuchados y barbudos moviendo la cabeza al son del drone que del escenario salía.

DJANGO DJANGO

Uno de los conciertos más divertidos y bailables que se recuerda del festival (con permiso de Hot Chip y Djs varios). Después de su paso por el Dcode el pasado año, los ingleses siguen explotando su disco debut homónimo a base de experimentar en el directo, retorciendo más si cabe sus intrincadas melodías psicodélicas y ritmos árabes.

Por poner un ejemplo, costó reconocer los inicios de su ya mítica “Default”. “Skies Over Cairo”, “Waveforms” o “WOR” sonaron muy bien aunque en alguna ocasión se extendieron demasiado con sus propios bucles electrónicos. Ayudados de instrumentos salidos de dios sabe donde, Django Django fueron una apuesta segura para entrar en calor en el gran escenario Heineken.

THE BREEDERS

Concierto nostálgico por excelencia, las Breeders venían a presentar, íntegro, su mayor éxito, “Last Splash” (1993). Y la crudeza de no poder ver a Solange, la prometedora hermana menor de las Knowles, tuvo

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su recompensa pese a los petardeos antes mencionados del escenario Primavera. Aquello fue una fiesta ya desde “Cannonball”, pero más sorprendente fue el recibimiento de ese otro atemporal hit, “Divine Hammer”, aún más celebrada en directo, ya que sonaban más rodadas en la segunda cara del disco, como una de las Deal se encargó de recordar. Ay el formato vinilo... Podías ver el agradecimiento con el que tocaban desde las sonrisas de las hermanas hasta el entregado público. De hecho, antes de la gloriosa versión de los Beatles (“Happiness Is A Warm Gun”), cuando tocaron el reprise de “Roi” (dura menos de un minuto), una de ellas llegó a decir: qué esperabais...

“Last Splash” es así. Pues eso, una puta joya de disco.

LOCAL NATIVES

El que podría haber sido el concierto de la jornada quedó ensombrecido por unos problemas de sonido con las voces de los cantantes de Local Natives que no se quisieron resolver, y no por culpa de Taylor Rice y Kelcey Ayer precisamente, que pidieron como ochenta veces que les subieran los micros.

El caso, en las primeras filas (tercera en mi caso) sonido espectacular pero de las voces ni rastro, tan sólo en algunas como “Who Knows, Who Cares” se pudo disfrutar al completo de la actuación.

Centrándonos en lo bueno, la actitud de estos chicos, y en concreto de su frontman no pudo ser mejor.

Recordándonos su último concierto en España (una sala en Barcelona con 80 personas), Local Natives se sorprendieron de ver el escenario Pitchfork hasta arriba de gente. Con solo dos discos, cualquier setlist que elijan es un éxito asegurado. En esta ocasión, brillaron con “Colombia”, nos sacaron la sonrisa en “World News” y se despidieron con

un final apoteósico de “Sun Hands”. Enorme directo pero que canten más alto o cambien de técnico de sonido. Ah, y a la próxima al escenario Heineken.

DAUGHTER

Elena Tonra y sus dos compañeros de Daughter no se habían visto en otra así en su vida. Ir al concierto mereció la pena sólo por escuchar a Elena ese “Oh, I can’t believe this” nada más salir al escenario. Y es que el Vice se les quedó enano para congregar a toda esa gente, a la luz de una luna llena preciosa. Nosotros mismos nos sorprendimos de que una de las revelaciones del año hubiese sido escuchada y apreciada por tanta gente. Y además, descartando a James Blake (empezaba poco después) y coger sitio para Blur, que eran las otras dos opciones a esas horas. Poco pudimos ver del concierto, pero tan sólo escuchar la cálida voz de Elena en “Still” y las animadas guitarras en “Human” ya mereció la pena. Esperemos que vuelvan pronto a nuestro país y no se entere tanta gente.

BLUR

El gran cabeza de cartel del festival se mire por donde se mire era Blur.

Una de las reuniones más esperadas de los últimos años que sólo pasaría por nuestro país en el marco del PS y tras quince años sin pisar España. Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tenían muchas ganas de volver a tocar en Europa, donde realmente se les aprecia y valora. La actitud de Damon desde el primer segundo fue la de quien se siente jugando en casa y tiene todo a favor para contentar a sus seguidores. Mucho se ha hablado del setlist, que si faltó ésta, que si faltó la otra. Obvia-

PRIMAVERA SOUND 2013 al escenario: no problemo, todo bien. Muy fan.

THE KNIFE

mente el concierto no podía durar tres horas, de hecho algunos diríamos que duró quince minutos. El caso es que volvieron a prender la mecha del britpop con “Girls & Boys” y todos enloquecimos. Cayeron canciones de toda la discografía, resultando gloriosas “Beetlebum” o “This is a Low”, con “Tender” o “The Universal” casi se nos saltan las lágrimas y con “Country House” o “Parklife” berreamos bien a gusto cual hooligans. También hubo sorpresas como “Caramel” o una versión muy completa y preciosa de “For Tomorrow”. Para terminar y contentar a los aficionados al FIFA, se despidieron con “Song 2”; pogos, saltos y sudor ya tuvieses veinte tacos o cincuenta. Bolo de los que pasan a la historia.

TITUS ANDRONICUS

Se notó la preferencia de la gran masa al emigrar de Blur, ya que todo el mundo se dirigió a ver a The Knife mientras que unos pocos, con

todo el subidón, preferimos los riffs y estribillos de las agradecidas y coreables canciones rock de Titus Andronicus. Sin miedo a que el escenario volviese a sonar con poco volumen (lo de Local Natives fue casi imperdonable), allí nos adentramos a ver cómo el escenario Pitchfork se viniese abajo con tanto ruido. Primera sorpresa. La segunda fue ver cómo Patrick Stickles, líder y cantante de la banda, se arriesgase no sólo con el español, sino con criticar muy duramente, y en nuestro mismo idioma, a la revista que daba nombre al propio escenario. Con un par de cojones, llamó estúpidos a tan famosa publicación porque, según ellos, no les gustó su tercer elepé, “Local Business” (2012). Desde aquí nos preguntamos exactamente lo mismo, porque la defensa en directo de tan buen álbum no dejó tiempo para la duda. Grandísimo directo por carisma y por esa forma de tocar animando al público. El amigo acabó entre el público diciéndole a los de seguridad que intentaban devolverle

Había dos tipos de público en The Knife. Estaban los que sabían de la existencia del tour “Shaking The Habitual” y los que desconocían por completo a qué venían los suecos esta vez. Si eras de los primeros probablemente entenderías qué ocurrió en el escenario y muy posiblemente lo disfrutaras. Si eras de los segundos, habrías durado quince minutos y molestado a los primeros saliendo del concierto.

“Shaking The Habitual” es tan conceptual, atípico y “anti-todo” que sólo se puede defender de la manera en lo que lo han planeado The Knife: una representación artística basada en bailes y danzas con influencias de todo el mundo. Ah, y playback también, pero no de los cutres de gala de nochevieja. Desde los inicios en los que iban apareciendo bailarines y uno de ellos tocaba con delicadeza un arpa introduciendo “A Cherry On Top”, uno dudaba si estaba en un concierto o un ritual satánico con tanto encapuchado. Repasaron su nuevo disco con un total de siete canciones de diez, de las cuales destacó la soberbia “Full Of Fire”, con la cual el público pasado de alcohol y otras drogas varias intentó venirse arriba sin éxito. Estuvo complicado disfrutar al máximo de la performance de The Knife, eran las tres de la mañana y la gente a tu alrededor tenía ganas de fiesta. Para terminar, los suecos no se quisieron olvidar de su famoso “Silent Shout” y el público enloqueció, ahora sí, con razón. Karin agradeció al público la asistencia y se marchó con el resto de bailarines a (suponemos) seguir meditando por qué la gente no entiende su nuevo disco.

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PRIMAVERA SOUND 2013 JORNADA DEL SÁBADO

GUADALUPE PLATA

Uno de los grupos importantes nacionales de este Primavera Sound era, sin duda, Guadalupe Plata.

Con su nuevo disco publicado a principios de año, los de Jaén fueron un terremoto de 8 grados en la escala Richter en el escenario RayBan. En esta ocasión, el público cambió el café en la grada por la birra en la pista y disfrutó de un gran concierto.

NILS FRAHM

Poco le hizo falta a una buena amiga para convencerme de ir a ver al joven prodigio alemán y no sabéis cuánto se lo agradezco. Por una parte, porque tocaba en el Auditori Rockdelux y no me podía ir del Primavera sin visitarlo, y por otra, porque a Guadalupe Plata ya los había visto en directo y era buen momento para sentarse, relajada-

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mente, en dicho escenario magnético. Nils Frahm puso a prueba la tremenda acústica del recinto dejándonos a todos levitando con su perfecta combinación entre sintetizadores y piano de media cola (con el que centró casi toda su actuación). El dominio que tiene de dicho instrumento, combinado con la vanguardia de la propuesta electrónica convirtió aquello, de verdad, en una experiencia irrepetible, hasta el punto de enseñarnos, con sus dos últimos temas, por qué el piano es un instrumento de cuerda (parecía un arpa) y percusión a la vez.

Espeluznante e hipnótico a la vez.

Salí de allí con escalofríos.

THE SEA AND CAKE

Fueron calentando con temas de discos anteriores pero, sorprendentemente, cogieron carrerilla con los del reciente “Runner” (2012). Empezaron a sonar mejor con el paso de

los minutos, muy en la línea de la calidad que desprenden. Son sosos y algo distantes, parecen fríos... no como sus canciones, tan llenas de texturas que dan un calorcito que nos vino genial en esta jornada tan gélida. Muy profesionales y de sonido exquisito.

DEERHUNTER

“Hello,we are Band of Horses” decía el cachondo de Bradford Cox al salir al escenario. Y es que Deerhunter fueron los encargados de sustituir a Band of Horses por su cancelación (perdieron la conexión del vuelo por unos tornados en Oklahoma...). El escenario Heineken es donde deberían tocar siempre porque aquí sí sonaron perfectamente, se lo comieron prácticamente como hicieron con el RayBan pero nosotros lo escuchamos genial esta vez. Agradecieron al Primavera Sound por confiar en ellos y

PRIMAVERA SOUND 2013 halagaron la propuesta del festival.

En cuanto a lo musical, un setlist casi calcado al de la primera cita salvo por el inicio con “Cryptograms” y el hipnótico final con “Punk (La Vie Antérieure)”. Otra vez más, de los mejores directos.

THEE OH SEES

La epicidad del concierto de Thee Oh Sees fue tal que casi perdemos a un valiente redactor de INDIEfermag que se adentró en las primeras filas a sufrir el mayor pogo vivido en todo el festival. Os podéis imaginar cómo se lo pasó la criatura. Dando muy buena cuenta a su más reciente trabajo, “Floating Coffin” (toda la segunda mitad del bolo), también hubo tiempo para los éxitos pasados, tocando casi cada disco previo de refilón. Divertidísimos, con mucho ritmo y tan en forma en directo como a la hora de editar discos. Además, el carisma de John Dwyer llega a tal punto que no sólo parece coger fuerzas infinitas a base de soltar escupitajos, sino que es capaz de parar el concierto, dos veces, para decirle a uno de seguridad que dejase al público saltar y borriquear en paz: ¿qué pasa con tu puto culo? si no dejas de coger a la gente del cuello nos vamos de aquí.

Y a todos en el bolsillo. Épico.

WU-TANG CLAN

¿Qué pintaban siete tíos con cara de pocos amigos en un festival indie? Si, eran los Wu-Tang Clan, una de las formaciones con más peso en la historia del hip-hop internacional. Una vieja gloria a la que muchos quisimos acercarnos a ver, más que nada, por pura curiosidad.

Y te guste o no el género, los chavales se montaron una fiesta por todo lo alto, pronunciando unas cuantas veces “Hello Barcelona”.

Beats acompasados, alguna que

otra palabrota del palo “motherfucker”, muchos saltos, una peculiar y breve versión del “Come Together” de los Beatles y algún que otro homenaje al fallecido miembro Ol' Dirty Bastard. Los veinte años que celebraron en Barcelona no parecen haber pasado para esos chicos que convirtieron el escenario Primavera, por una hora, en una embajada del Bronx neoyorquino de mediados de los noventa.

CAMERA OBSCURA

Cuando aún retumbaban los loops de Wu-Tang Clan en el escenario Primavera, un cada vez más numeroso público se disponía a ver en directo a Camera Obscura. La formación escocesa de pop liderada por Tracyanne Campbell, que tuvo la suerte de actuar en uno de los mejores escenarios posibles del festival como es el Ray-Ban, empezó con “Do It Again”, adelanto de “Desire Lines”, nuevo álbum que saldrá este mes de junio rompiendo un largo silencio desde aquel “My Maudlin Career” (2009), y que mantiene esa esencia de pop británico azucarado a la que nos tienen acostumbrados. No obstante, no tardaron en iluminar la noche con himnos pop como “Let's get out of this country”, la pegadiza aunque algo desacelerada “Lloyd I'm Ready To Be Heartbroken”, “Come Back Margaret” o “French Navy”. La calidez de tintes melancólicos de “Razzle Dazzle Rose” sirvió para cerrar una actuación, que para muchos de los asistentes, se hizo algo corta.

PHOSPHORESCENT

Matthew Houck y su banda de músicos ofrecieron uno de los conciertos más íntimos del festival.

Mientras la mayoría del público español escuchaba “Una Semana En

El Motor De Un Autobús”, unos pocos españoles y muchos extranjeros fuimos a ver cómo sonaba el espléndido (y poco reconocido) “Muchacho”, último disco del grupo.

Pues bien, sonaba muy bien. Si a eso le añadimos que estuvimos en primera fila, viendo cada movimiento de Matthew y las miraditas de confianza entre los dos teclados y el batería, el concierto se convirtió en uno de los más especiales de este PS. Fue muy breve, pero cálido como pocos. La interpretación de Matthew me sorprendió al descubrir que poco tiene de tipo frío y apático.

Todo lo contrario, a las pocas canciones se quitó la chaqueta y se quedó en manga corta comiéndose el escenario. El teclado en “Song For Zula” (permitidme, una de las canciones de este 2013) nos puso los pelos de punta, la batería de “Right On / Right On” nos animó el esqueleto y para terminar el setlist, “Los Angeles”, toda una sorpresa de su anterior disco, en la cuál Matthew nos invitó a acompañarle con esos gloriosos “ah aaah”.

Sólo faltó que se acordaran del “Aw Come Aw Dry” (2005) y alargar un poco más la velada. Bonito, muy bonito, y con la luna llena al fondo.

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JORNADA DEL SÁBADO

Butcher o Shields, pues el desparrame sonoro que del Heineken salía no era ni normal. El directo de esta gente es tan salvaje que sospecho que los colocaran como cierre de ese maravilloso escenario por si petaba más de un altavoz. Poco debió faltar. Lo más increíble de todo es que, aun dejándonos sordos a todos los allí presentes, consiguieron sonar nítidos y cristalinos, desde la primera “I Only Said” hasta la inolvidable “You Made Me Realise”.

El repaso al reciente “M B V” fue casi anecdótico (sólo “New You” y “Only Tomorrow”), pero encajó a la perfección con “Honey Power”, “Only Shallow”, “Soon” y demás canciones para la eternidad. Inolvidable.

HOT CHIP

LOS PLANETAS

Los que elegimos a los granadinos en el escenario Primavera lo teníamos claro: justo al acabar tendríamos que salir pitando al Heineken a ver a los irlandeses y principales cabezas de cartel. Pero qué demonios, quién se querría perder ese homenaje que era escuchar, en orden, el disco más importante, por excelencia, de la comunidad indie nacional. A “Una Semana En El Motor De Un Autobús”no le hicieron falta ni las, al principio, desafinadas voces de un Jota que intentaba contener su euforia sabiendo que la comunión que existía con el público era total y que hasta en el tema vocal se vino arriba a medida que pasaban, a una velocidad endiablada, las canciones de tan impor-

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tante álbum. En las primeras filas donde nos encontrábamos todo fue como habíamos soñado: una auténtica fiesta a medio camino entre la nostalgia y la seriedad de sabernos en mitad de algo muy importante.

Además, sonaron de puta madre.

Que lo repitan.

MY BLOODY VALENTINE

Lo primero que llama la atención del directo de My Bloody Valentine (mis más esperados del cartel) es que parecía que los micrófonos no funcionaban. Luego me enteré que, los de Dublín, suelen prescindir del apartado vocal para convertir sus directos casi en instrumentales. Daba igual no escuchar casi las voces de

Fiesta, mucha fiesta. Drogas, muchas drogas. Y todos a bailar...

DJ COCO

La ya mítica sesión de Dj Coco se centró en recuperar los temas indie que más pegada han tenido en los últimos años para convertir el escenario Ray-Ban en un Ocho y Medio o un Razzmatazz. No faltó “How Deep Is Your Love?” de The Rapture, “The Bay” de Metronomy o la apoteósica “Midnight City” de M83, en la cual se disparó confeti (no como en sus normalizados directos) por todo el público dejando la imagen del cierre del festival por todo lo alto. A ello se le sumó el amanecer sobre el mar de fondo y un público entregadísimo al que tuvieron que echar a patadas los seguratas del Parc del Fòrum. A ver quién era el gilipollas que se quería ir de allí.

PRIMAVERA SOUND 2013 JORNADA DEL DOMINGO MERCHANDISE

Después de oírlos desde la distancia dos días antes en el escenario ATP, algo de expectativas había por ver si era un espejismo ese parecido con Franz Ferdinand. Efectivamente y sí, Merchandise no valen un duro hasta el punto de alucinar con las notas que tienen sus álbumes en Pitchfork. Consejo: pasad de ellos. El grupo más del montón de todo el festival.

DEERHUNTER

Después de un merecido momento para el recuerdo: cuando subió a su propia novia a lomos descanso, el día del Señor para interpretar la preciosa “StillTolo empleamos algunos en- gether” (filetazo final incluido). Refermos en seguir viendo partió cigarros, bebió whiskey de alguien del público, pidió tabaco conciertos que el festival porque se quedó sin él, contó chisproponía. Esta vez, y tes, rapeó... en definitiva, como un acompañados de un agra- niño chico. Mucho carisma. Un grande. decido calorcito, el marco ideal era el Parque de la ALLAH-LAS Ciutadella, en pleno centro Ya en la sala Apolo, por la noche y de Barcelona.

MAC DEMARCO

El relajo hizo que no llegáramos ni a ver a Cayucas, pero sí pudimos disfrutar de un entrañable Mac DeMarco que hizo las delicias de los allí presentes con un concierto cercano y plagado de humor. El repaso a su exitoso “2” (2012) vino acompañado de versiones de LynyrdSkynyrd y Kid Rock y un

con la intención de ver, por tercera vez, a Deerhunter(llamadnos frikis), descubrimos a Allah-Las y nos llevamos una muy grata sorpresa, pues su rock and roll al más puro estilo retro bebe tanto de Love como de TheByrds. Igual estábamos hypeados por lo bien que suena esa sala, pero el caso es que acabamos la mar de contentos con el descubrimiento y a la búsqueda de su único y homónimo álbum del año pasado.

Y, por fin, Deerhunter... otra vez.

Estábamos exhaustos, pero era lo que veníamos a ver principalmente.

La sensación de estafa existió, pues el concierto fue calcado al del día anterior en el escenario Heineken, pero con la excusa de que éste era el que, se supone, habían preparado y era el anterior el que tuvieron que improvisar. Da rabia que una banda tan potente no tenga algo más en la recámara, pero también hay que reconocer que, lógicamente, fue el mejor de los tres debido al sonido y la cercanía que desprende el recinto. La saturación con los de Bradford Cox nunca llega porque son muy especiales.

Ponga a unos Deerhunter en su vida.

Y así, con los de Atlanta, dimos por concluido el Primavera Sound 2013, el festival que muchos podrán ratificar con eso del pretencioso “Best Festival Ever”. Por nuestra parte, podemos dar fe. Hasta el año que viene.

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L O W

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CRÓNICA

Joy Eslava, Madrid (16/05/13) | Por Quique Gómez Quedó clara una cosa anoche en la sala Joy Eslava, y es que Low no le hacen ascos a ninguno de sus discos que componen su dilatada trayectoria.

El repaso a su propia discografía fue bastante puntual pero cargado de emoción, seleccionando temas que jamás pensé que defenderían en directo a estas alturas. Por supuesto, el núcleo del asunto fue el reciente “The Invisible Way”, por el cual se encuentran de gira.

Sorprende también que, en sus 20 años de carrera, no hayan formado una merecida legión de seguidores en nuestro país y que una sala no excesivamente grande no pueda presumir de un lleno absoluto. Eso sí, el público prestó absoluto respeto en forma de silencio durante la más de hora y media que duró el bolo, algo poco común últimamente. Y es que la comunión que

existe entre el sonido de los de Duluth y sus seguidores se hace casi instantánea desde los primeros acordes de la preciosa “Plastic Cup” debido a esa extraña mezcla entre intensidad y delicadeza que desprenden.

A la primera, en el repaso del nuevo álbum, le siguieron “On My Own” (con el detalle de españolizar los happy birthday finales), “Holy Ghost”, donde descubrimos la tremenda voz de Mimi Parker, “Clarence White” y el plus que supuso “Amethyst”, la cual no venían interpretando en su paso por España.

Hay que decir que el protagonismo en el piano de su último trabajo no se vio tan reflejado en directo, donde sonaba algo bajo, dejando todo el protagonismo a la guitarra Bigsby (tocada sin púa) de Alan Sparhawk (el primo esmirriado de Robert Redford), un tipo, definitivamente, místico pero que toca y canta que te deja en pelotas.

Del resto de discos hubo un poco de todo como ya hemos dicho, y así, del anterior “C’mon” (2011) rescataron sólo “Especially Me” (muy celebrada) y “Witches”, dejándose por el camino la tremenda “Nothing But Heart” que habían tocado en Barcelona. Una pena, pero lo supieron compensar con “Monkey” y

“Silver Rider” del “The Great Destroyer” (2005), “Canada” y “Last Snowstorm Of The Year” del “Trust” (2002), la preciosísima “Words” del debutante “I Could Live In Hope” (1994), la inevitable y pedida por el público “Murderer” del “Drums And Guns” (2007) y la delicada “Sunflower” del “Things We Lost In The Fire” (2001). Como rarezas también tocaron “Soon” del olvidado“Secret Name”(1999) a modo de reivindicación y se despidieron con “I Hear… Goodbye”, el split que grabaron junto a Dirty Three en esa rareza llamada “In The Fishtank” (2004).

Por supuesto, y antes del bis, no se olvidaron de “So Blue”, la canción más celebrada del último trabajo, donde, esta vez sí, se escuchó el teclado de Steve Garrington como Dios manda.

Pero yo me quedo con otra que escondieron entre tanto auto-homenaje: “Just Make It Stop”, una canción que, junto a la otra, justifica sobradamente el protagonismo de la voz femenina en su nuevo disco. Yo seguiría con ese 50%-50%. Ah, y volvería a fichar a Jeff Tweedy, un tipo que, con los años, no sólo hace buenos discos con Wilco, sino que incluso mejora el trabajo de otros. Bendita vejez la de algunos artistas…

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KEEP CALM AND

SHUT THE FUCK UP

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OPINIÓN | Por Jesús Daniel Marín

EL VALOR DEL SILENCIO A menudo me pregunto si la gente sabe en qué consiste un concierto. O si alguna vez han estado en un sitio donde el respeto se utilice con la gente que tienes alrededor. Porque cada vez que voy a un concierto que se sale de mi rollo de post-rock, termino encabronándome con los que me rodean. Y que esto no se malinterprete, no quiero conciertos privados, pero sí me gustaría que el público fuera capaz de callarse durante la actuación del grupo. Veamos esta sugerencia desarrollada, puesto que así puede quedar un poco drástica.

Yo, como asistente a un concierto en un recinto grande, llámese sala o al aire libre, pago por disfrutar de la música de un artista determinado en ese momento. Entiendo que todos los que estamos allí hemos ido por lo mismo, escuchar en directo aquello que tanto nos gusta.

Pero el problema llega cuando resulta que el grupo tiene una canción que suena hasta en la sopa y este hecho es el que ha provocado la asistencia de más de la mitad del público. En ese mismo instante, es cuando empieza a suceder el hecho que provoca este panfleto de opinión iracunda.

Porque veamos, pasando a hechos concretos, ¿alguien puede explicarme cómo puede estar hablando mientras Pulp lo dan todo en un concierto de reunión tocando “Disco 2000”o “Babies”? ¿O mientras Wayne Coyne hace su entrada majestuosa en la bola transparente y se pone a pasear sobre el público? Es totalmente impensable que dos imágenes como estas tengan lugar en cualquier otro país de la Unión Europea. Manda huevos el mal trato que le damos a la música en directo en nuestro país. El pro-

blema es que ni a mí ni a los que rodean a estas cotorras conciertiles nos interesa lo más mínimo lo que tengan que contarse. Si sólo vas por hacer el “lalala” de turno coreando “Midnight City”, por lo menos ten la decencia de guardar silencio durante la parte del concierto que no te interesa y en la que el resto del público quiere disfrutar saltando con temas como “Couleurs”. Y pongo el ejemplo de M83 porque es el último concierto en el que me han dado ganas de arrancar lenguas y pisotearlas.

Así que por favor, valorad el silencio. Tal vez vuestro nivel adquisitivo os permita gastaros todo el dinero que queráis en acudir a un concierto tras otro buscando vuestra canción estrella, pero el precio de un silencio durante una actuación es algo impagable. Y ya no hablo por quién os rodea, pensad por un solo momento en quien está arriba del escenario.

Si nos convertimos en un público respetuoso, seguiremos disfrutando de esa música en directo. Si por el contrario, seguimos con el murmullo, no escucharemos como la música en directo agoniza lentamente hasta desaparecer.

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indiequetas Por Jesús Daniel Marín

Marx

Das Emotional

Escúchalo en: Abandcalledmarx.bandcamp.com

MARX es un colectivo artístico multidisciplinar en el que la música es el vehículo principal de expresión y experimentación común. Su música, radicalmente personal, es una batidora de estilos, donde conviven –sin ser plagiados- desde Spacemen3 a Kraftwerk, pasando por Mogwai, Explosions in the Sky, Los Planetas, Beach House, Sigur Ros, Nirvana, Beach Boys, The Horrors o Sonic Youth. Puro Art-Rock alternativo del Siglo XXI.

Con estas palabras se presentan en la nota de prensa los alicantinos Marx. Desde el intenso principio de “Das Emotional” con el maravilloso crescendo de “Lisboa” sabemos que aquí hay mucha calidad. “The Flight” es la respuesta eléctrica al primer tema del disco y los decibelios se disparan. “Alexanderplatz” es el single de presentación y la exposición de los elementos característicos de la banda: teclados épicos, guitarras que cortan y una estructura rítmica que sigue la pauta

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de las doctrinas más fieles del post punk.

En “Bohemian FC” la oscuridad y densidad del resto del álbum se ve aplacada por un gran estribillo. Las guitarras siguen presentes a lo largo de todo el disco, como sucede en “Perelman-278”, haciendo uso de la acústica mientras la letra de la canción avanza y cambiando a un zumbido eléctrico al silenciarse la voz. La (muy) triste “(I hate) Supertramp” nos demuestra que también saben desenvolverse en terrenos más lentos y técnicos, con ese punteo que nos recuerda que no hemos dejado de escuchar a un grupo de rock. Y dejando de lado esa tranquiilidad, “No-Art” avanza en constante movimiento y consiguen crean un tema de corte cercano al sonido de alguno de los grupos antes mencionados.

“Still Need A Skateboard To Balance My Life” es carne de single.

Con una batería muy noventera y

un piano interesantísimo en la parte previa del estribillo, es uno de los temas más adictivos del disco. Con “New Life” la experimentación sonora con reminiscencias al sonido actual de David Bowie pero sin perder su personalidad. La casi instrumental “7:00 AM” es una sobrecogedora despedida que casi pone el broche al disco, aunque el honor de cerrar tan buena obra recae en “On Being An Angel” que sí es completamente instrumental y nos deja con la duda de cómo sonarían Marx si se dedicaran simplemente a este tipo de música.

Una propuesta arriesgada, con músicos de calidad contrastada que provienen de bandas como Igloo, Minardis o Milton. Desde aquí queremos agradecerles su buen hacer y que sigan apostando por este proyecto que confiamos llegue lejos.

Deberíais escucharles porque tienen mucho que ofrecer.

Rosy Finch

indiequetas

Wolves Waiting Escúchalo en: Rosyfinch.bandcamp.com Parece que este mes las indiequetas son las más bestias y salvajes que hemos tenido hasta el momento. Y es que a veces hay que dejarse de dream-pop y pasarte al rock de garaje, al que aún bebe del sonido de Seattle pero adaptándolo a la actualidad y pasándolo por un tamiz para sacarle un toque stoner.

Con estas palabras nos referimos a Rosy Finch y a su ep “Wolves Waiting”. Cuatro canciones que sirven para presentar el sonido salvaje que nos traen desde Alicante. Parece que la escena del rock se mueve últimamente en el levante español. En formato de trío y con dos mujeres alternándose las labores vocales, su nombre pronto empezará a sonar en las salas de conciertos. Desde los primeros guitarrazos de “Singing In The

Sun” sabemos que no es un lanzamiento apto para oídos débiles. Guitarras a todo volumen, una batería que manda y un estribillo que podría sacar los colores a Courtney Love y sus Hole. “Dream’s Creek” funciona a modo de intro shoegazer para “La Colina”, seis minutos de mezcla entre la calma de la primera parte de la canción y la explosión sonora con influencias de Sonic Youth de la segunda. Esta estructura se repite en “Surnia Ulula”, que cierra el disco con una auténtica tormenta de decibelios.

Son cuatro temas que saben a muy poco. Estaremos atentos a nuevos lanzamientos de este trío con tanta potencia en sus canciones y que estamos seguros lograrán buenas referencias en breve.

Foxriver Horizons

Escúchalo en: Foxriver.bandcamp.com Bienaventurados aquellos que son cobijados bajo el manto de Juan Blas a la hora de producir un disco.

Tener ese nombre en los créditos de tu grabación te asegura un mínimo de calidad a la hora de salir al mercado. Por supuesto, los valencianos Foxriver sí tienen eso que hace falta para llamar la atención con sus composiciones.

Y no es para menos, porque “Reflections” contiene diez trallazos de rock and roll al más puro estilo de las bandas noventeras americanas. Flirteando con el metal, Foxriver se establecen a medio camino entre el rock y el indie, tomando lo mejor de cada uno para presentarlo sobre los escenarios. A lo largo de diez canciones, los valencianos desgranan la totalidad de su potente pro-

puesta, haciéndonos pensar en grupos de la costa este norteamericana que estarían enmarcados dentro del rock americano de los años noventa. La declaración de intenciones que abre el disco es “Complexes”, un cañonazo de casi 5 minutos con guitarras que explotan con una potencia y una frescura dignas de mención.

Sin bajar el pistón, canciones como “Trauma”, “Forest Of Wolves” o “Away From Nowhere” se hacen imprescindibles al oyente.

Hay que tener un par de cojones para debutar a este nivel y con este tipo de exigencias ya desde el primer disco, sonando así de bien y con temazos tan buenos.

Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 49

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I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.

No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

I C O T O P MAYO 2013 Por Quique G贸mez

52 INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2013

Ico Top | INTERNACIONAL

DEERHUNTER Monomania

Qué difícil hacer una review de tu grupo preferido cuando su nuevo disco te decepciona. ¿Y qué mierdas hace entonces en el primer puesto de este ranking? Por dos razones: 1) la review de Vampire Weekend ya está hecha; y 2) siguen siendo Deerhunter, la mejor banda del planeta.

El adelanto de “Monomania”, con ese tema titular, nos hizo ser optimistas pero también dejó a la vista las claras intenciones de Bradford Cox y compañía. Esto es, un sonido mucho más garajero, sucio, sin la nitidez que destacaba en sus dos discos anteriores y que los situaba en lo más alto del top de las bandas actuales de shoegaze. Y así fue, pues todo el álbum está bañado por un sonido más casero, guarro, como en su propio debut de 2005, “Turn It Up Faggot”. Hay quien opina que el lo-fi no es sino una mera excusa para ocultar la falta de calidad en un sonido de moda, haciendo ruido, y se dice lo mismo de la distorsión… gilipolleces, sobre todo viniendo de una banda que, a día de hoy, no tiene absolutamente nada que demostrar. El

cambio, por tanto, se debe a una vuelta de tuerca más de la mejor banda de indie-rock del momento, con un transgresor líder, ya sabido estrella del asunto, que está a un paso de caer en la extravagancia estúpida de esos que pierden interés. El primero de los tres conciertos del reciente Primavera Sound así lo demostró, con un atuendo ideal para llamar mucho la atención, pero con un sonido realmente fastidiado por el escenario. No fue culpa de ellos, eso sí. De hecho, Deerhunter siguen sonando a ellos mismos, maravillosos en todo lo que tocan, aunque sus nuevas canciones emocionen menos.

Y aquí es donde queríamos llegar, al tema emocional. Y es que si había algo que transportaba sus siempre geniales canciones al puto cielo era eso, el sentimiento que le echaban, la dulzura con la que bañaban sus discos en general. Aquí no, pero a medida que sumas escuchas te tienes que rendir ante tanta calidad. Ya en “Halcyon Digest” (2010) echaron algo el freno en ese sentido con respecto a “Microcastle/Weird Era Cont.”

(2008 y su mejor álbum hasta la fecha), pero mantuvieron una nitidez y belleza en sus canciones que lo colocaba casi a la altura.

Nos estaban allanando el terreno, por tanto, para este “Monomania”, deduciendo que ya no iban a repetir esos temas de loops imposibles o estribillos in-

finitos como “Agoraphobia”, “Hazel St.”, “Helicopter”, “Vox Celeste” o “Calvary Scars II”.

Siendo objetivos, y teniéndonos que conformar con lo que ahora ofrecen Deerhunter, tampoco no nos podemos quejar, pues es mucho más de lo que cualquier otra banda de su quinta es capaz de dar. Aquí está la preciosa “The Missing” haciendo de “Desire Lines”, también de Lockett Pundt (Lotus Plaza), o la irresistible “T.H.M.”. El buen rollo que transmiten “Pensacola” y “Dream Captain” también es algo nuevo. Esa especie de balada lo-fi llamada “Nitebike” es otro acierto. Y el sonido sucio queda de maravilla en “Leather Jacket II”. Pero donde destaca el álbum por encima del resto es en ese tridente que también representan en directo de forma ordenada: “Sleepwalking”, la mejor y que más recuerda a esos años atrás; “Back To Middle”, con su tufo a rock setentero; y “Monomania”, el desfasado temazo.

En definitiva: amor infinito a esta banda que, aun firmando su tercer mejor disco (empatado con “Cryptograms” de 2007), son tan buenos que continúan siendo el –segundo- mejor disco del mes y uno de los del año… hagan lo que hagan.

Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 53

CocoRosie / Tales Of A Grass Widow

Qué alegría que las hermanas Casady vuelvan a hacer un disco bueno. Perdón, un disco cojonudo. Ya nadie daba un duro por ellas, sobre todo tras el muy decepcionante “Grey Oceans” (2010) donde daban palos de ciego en todas las direcciones. Vuelve la calidad en este estratosférico año que nadie quiere perderse sin ser un retorno al minimalismo naif de su genial primer trabajo, “La Maison De Mon Rêve” (2004), ese disco que no supieron llevar al directo, sino dando una vuelta de tuerca de todo lo que han ido ofreciendo después y que no estuvo a la altura. Es como si hubiesen aprendido de sus errores, como si concentraran las buenas ideas que han ido escondiendo en esos tres discos intermedios para cocinarlas a fuego lento. Vamos, lo que viene siendo fichar por un nuevo sello (City Slang) y cambiar de productor: ya no es ese que trabajó con Björk y, sin embargo, es el disco en que más se parece a los de la islandesa.

Ola Podrida / Ghosts Go Blind

Abre “Not Ready To Stop” el tercer disco de Ola Podrida para no dejarnos indiferentes, pues el marcado carácter rock del tema en cuestión es lo más fuerte que ha sonado David Wingo en su carrera (con permiso del épico final de “Cindy”). Será su colaboración con Explosions In The Sky la que le ha llevado a pasarse al indie-rock, pero no sólo en esa canción, pues también acelera en “Staying In” y “Speed Of Light”. El resto del álbum, en general, sorprende porque deja mucho más de lado el sonido americana para pasarse a la guitarra eléctrica, manteniendo esa sensibilidad a la hora de hacer canciones preciosas.

Podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que “Ghosts Go Blind” es el disco más variado de la banda, evolucionando su sonido hacia una especie de folk alternativo donde se parecen incluso a los primeros Band Of Horses. A falta de un single que los coloque en su merecido puesto de relativa popularidad, a mí me seguirán contentando con tantísima belleza.

Mikal Cronin / MC II

Te echábamos de menos, Mikal Cronin. Ese primer disco con el que debutó nos gustó mucho porque, entre otras cosas, contenía de todo. También se tuvo que partir la cara con otros artistas mayores en el top de aquel glorioso mes de 2011, pero como siga así, sabemos que algún día será disco del mes. Igual con “MK III”. En este segundo álbum del californiano ya no hay intentos imposibles de abarcar todos los estilos del pop-rock más o menos contemporáneo, sino que se centra en uno solo y mucho más personal, barriendo para casa en un desparrame de profesionalidad y tirando de referencias de su propia región.

Así, lo más fácil es acordarse tanto de The Beach Boys como de Weezer (“Am I Wrong” es la fusión perfecta), música casi surfera en algunos casos. Ya desde la primera “Weight” hasta la preciosa balada (única, por cierto, con subidón incluido) que cierra el disco, pasa algo más de media hora de agradable brisa y rayos de sol.

Legs / Pass The RIngo

No se dejen engañar por esa primera “Friday Afternoon At The Zoo”, pues es la canción más lenta de “Pass The Ringo”, debut de los californianos Legs, comandados por Jeffrey Harland y el neozelandés Matt Bullimore. El indie-rock, a veces garajero, que practica este quinteto parece sacado, precisamente, de ese característico sonido del sello de las antípodas Flying Nun que tan buenas bandas vio nacer a partir de los ’80 (The Bats, The Chills o el visionario fichaje de Pavement). El disco, en su media hora, no tiene un minuto de desperdicio y da cabida a joyas descaradamente retro ayudadas, en buena parte del álbum, por las voces de Amelia Adams, que le da un irresistible toque al estilo The Ronettes (“Time To Face The World”, “Two Colours” o la final “Shades Of Grey”). Legs son, resumiendo, el resultado de fusionar, por ejemplo, a Crystal Stills con The Raveonettes.

Y sacando lo mejor de cada banda, ojo. Una maldita delicia de disco.

54 INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2013

Ico IcoTop Top| NACIONAL | NACIONAL

Disco Las Palmeras / Ultra

Parece que es sólo Galicia la comunidad que mejor sabe fusionar el ruido y las capas de distorsionadas guitarras con la melodía rock. A la espera del tercer álbum de Triángulo De Amor Bizarro (¿saldrá algún día?) y con el ascenso en calidad de Franc3s, el extremo noroc-

cidental de la península es, definitivamente, la región nacional del noise. Con el cambio de formación, ahora el trío Disco Las Palmeras! lo forman José Castro a la batería, Julián Goicoa a la guitarra y Diego Castro (el único que permanece) también a la guitarra (y voz), pues recordemos que prescinden del bajo desde su importante debut, “Nihil Obstat”, en 2011 bajo el sello Matapadre. Visto el resultado, en “Ultra” repiten con el sello.

Sí es cierto que echamos algo en falta algún irresistible single de esos que TAB saben colar en sus discos, pero más que nada como trampolín hacia una fama que ellos mismos merecen, porque al conjunto de las

12 canciones no les hace falta para nada. No hay nada que desentone en su tremendo discurso guitarrero, aún más urgente que el de los idolatrados My Bloody Valentine (la canción que da nombre al disco es un jodido homenaje a “M B V”, no me jodas), pues las canciones van a toda hostia y los cuarenta y pico minutos pasan en un suspiro. De los de Dublín ya tenemos, por fin, su nuevo álbum. Lo bonito de este “Ultra” es que nos recuerdan más a la primera etapa de la banda de Kevin Shields, y eso, además de meritorio, es un puto gustazo.

L’Hereu Escampa / Llamp De Déu

No sé si llamar a este “Llamp De Déu” su disco de debut, pues el primer intento homónimo tampoco es considerado EP pese a su corta duración (seis temas, 20 minutos). Tampoco están especialmente generosos aquí, ya que las nueve canciones apenas llegan a la media hora. Pero no nos engañemos, discos tan arrolladores no pueden durar más, pues se harían demasiado densos. Atinando hasta en la duración, el dúo de La Plana formado por Carles Generó y Guillem Colomer firman el disco nacional más potente de lo que llevamos de 2013. Ya nadie debería sorprenderse cuando se coloca a L’Hereu Escampa a la altura de Japandroids o No Age, y no sólo por formato el dúo punk-rock, sino por la calidad de las tres bandas. No existen en nuestro país (y menos en catalán) bandas que sepan transmitir ese concepto. Si bien lo más parecido podría ser Fantasmage, por el formato, éstos parecen una banda de country al lado del desparrame sonoro de los catalanes.

Za! / Wanananai

Otra de las franjas que también sabemos cubrir con música estatal es la del math-rock, rock progresivo bizarro, o como se les quiera etiquetar a estos zumbados barceloneses. Es más fácil hablar de bandas similares cuando son géneros tan inclasificables, así que es el momento de mencionar a Battles y su imposible rock del futuro. La propuesta de Za! va incluso más lejos que la de los neoyorquinos, pues son capaces de amoldarse a bandas de jazz con las que han tocado o con la escena más indietrónica nacional (El Guincho o Delorean), y es fácil situarse en los extremos del odio o el amor eterno. ¿En qué saco metemos canciones como la genial “Súbeme El Monitor”? ¿Y la trilogía de “El Calentito”? No, y ahora en serio… ¿qué hacemos con “Hotto!”, “Hottero!!” y “Hottesto!!!”? Son únicos y a veces geniales, y aunque por momentos rallen la puta cabeza, hay que celebrar que existan propuestas así en nuestro país. No existe nada igual ni fuera de él.

Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 55

INDIESPENSABLES: Mayo 2013

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

1. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 2. Deerhunter - Monomania 3. CocoRosie - Tales Of A Grass Widow 4. Primal Scream - More Light 5. The National - Trouble Will Find Me

1. Primal Scream - More Light 2. Daft Punk - Random Access Memories 3. Is Tropical - I'm Leaving 4. Tribes - Wish To Scream 5. Hanni El Khatib - Head In The Dirt

1. Sharks - Selfhood 2. Wampire - Curiosity 3. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 4. Is Tropical - I'm Leaving 5. Primal Scream - More Light

1. !!! - One Girl / One Boy 2. CocoRosie - Gravediggress 3. Vampire Weekend - Ya Hey 4. Primal Scream - Hit Void 5. Daft Punk - Doin' It Right (feat. Panda Bear)

1. Moroder - Racer 2. Holy Ghost! - Dumb Disco Ideas 3. Joe Crepúsculo - Mi Fábrica De Baile 4. Pet Shop Boys - Axis 5. Editors - A Ton Of Love

1. Queen Of Stone Age - If I Had A Tail 2. Sharks - Pale 3. Wampire - Orchards 4. Primal Scream - Culturecide 5. Daft Punk - Instant Crush (feat. J. Casablancas)

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

DISCOS

CANCIONES

Alejandra Otero

DISCOS

CANCIONES

1. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 2. Deerhunter - Monomania 3. Daft Punk - Random Access Memories 4. Primal Scream - More Light 5. The National - Trouble Will Find Me

1. Daft Punk - Random Access Memories 2. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 3. The National - Trouble Will Find Me 4. Colin Stetson - New History Warfare Vol 3...

5. Mikal Cronin - MCII

1. Primal Scream - More Light 2. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 3. Daft Punk - Random Access Memories 4. The National - Trouble Will Find Me 5. Mikal Cronin - MCII

56 INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2013

1. Daft Punk - Doin' It Right (feat. Panda Bear) 2. Vampire Weekend - Unbelievers 3. Is Tropical - Dancing Anymore 4. Hanni El Khatib - Family 5. Deerhunter - Back To The Middle

1. Daft Punk - Touch 2. Vampire Weekend - Ya Hey 3. The National - Sea of Love 4. Mikal Cronin - Weight 5. Colin Stetson - What Are They Doing In Heaven

1. Primal Scream - River Of Pain 2. Daft Punk - Instant Crush (feat. J. Casablancas) 3. Mikal Cronin - Weight 4. Vampire Weekend - Ya Hey 5. Deerhunter - "Leather Jacket II

INDIESPENSABLES: Mayo 2013

Ander Simﾃｳn

DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

1. The National - Trouble Will Find Me 2. Deerhunter - Monomania 3. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 4. Daft Punk - Random Access Memories 5. Mikal Cronin - MCII

1. Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City 2- Deerhunter - Monomania 3- Savages - Silent Yourself 4- The National - Trouble Will Find Me 5- Mikal Cronin - MCII

1. Vampire Weekend - Ya Hey 2. Daft Punk - Instant Crush (feat. J. Casablancas) 3. The National - Pink Rabbit 4. The Pastels - Slow Summits 5. Wampire - The Hearse

1. Vampire Weekend - Ya Hey 2. Deerhunter - Pensacola 3. Sigur Rﾃｳs - ﾃ行jaki 4. CHVRCHES - Gun 5. Daft Punk - Doin' It Right (feat. Panda Bear)

LISTAS SPOTIFY

URL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Junio 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 57

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López Martín, Laura Bauhaus, Albert Cornella Font y Guillermo J. Garcia.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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WEB

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AGRADECIMIENTOS

Crónica de Do Make Say Think del PS2013 por C.V. Mefle Fotos Colin Stetson de Scott Irvine - www.scottirvine.net Foto L.A. por Juan Pérez-Fajardo Fotos Tame Impala, The Vaccines por Dani Cantó www.danicanto.com Fotos Blur, Django Django, Wu-Tang Clan por Eric Pamies www.ericpamies.com Foto Deerhunter por Xarlene - www.xarlene.com

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