INDIEFERMAG Nº 27. Diciembre 2013

M .I .A .

REVIEWS THE WAVE PICTURES / SOVIET SOVIET / LORDE / REIKIAVIK / CUT COPY / LOS CAMPESINOS! RAC / CLAIRE / BLOOD ORANGE / DESTROYER / GRIZZLY BEAR / PAJARO JACK / CAPSULA / MARYLAND DOSSIER BASTILLE ENTREVISTAS THE COURTEENERS / SECOND / IZAL / DOVER CRÓNICAS ARCTIC MONKEYS / CRYSTAL FIGHTERS / VOLCANO CHOIR ICO TOP NOVIEMBRE Y MUCHO MÁS

ÍNDICE

INDIEFERENCIA MAGAZINE

Review del mes M.I.A.: “Matangi” 04

Reviews Lorde: “Pure Heroine” 08 Reikiavik: “Daño Universal” 10 RAC: “Dont Talk To” 12 Claire: “The Great Escape” 14 Blood Orange: “Cupid Deluxe” 16 Maryland: “Los Años Muertos” 18 Los Campesinos!: “No Blues” 20 Destroyer: “Five Spanish Songs” 21 DOSSIER

Bastille 22

ENTREVISTAS

The Courteeners Second Izal Dover

28 32 36 40

Crónicas

Arctic Monkeys, Madrid 44 Crystal Fighters, Köln 48 Volcano Choir, Amsterdam 50 Daughter, Barcelona 52

Ico Top Ico Top noviembre 2013 54 Indiespensables Tops octubre 2013 58

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M.I.A. | ANÁLISIS DE “MATANGI” Por Quique Gómez

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M.I.A.

MATANGI / 2013

¿Os imagináis un mundo de paz total, sin genocidios, injusticias, conspiraciones o silencios? Aparte de lo absurdamente idílico (incluso molesto) que resulta estos días preguntarse algo así, no podríamos disfrutar en su totalidad de la guerrillera antisistema por excelencia en que se ha convertido Maya Arulpragasam, que se ha sabido líder de un movimiento musical en pos de los derechos

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sociales y la libertad de expresión.

Mientras más en la mierda estemos, más energías acumula la artista británica de origen tamil a la hora de escupir temazos “políticamente incorrectos” a la vez que revienta-pistas.

Porque (mal-) entendemos la canción protesta, tenemos en la mente la imagen de un cantautor, un tipo feúcho que le canta a la libertad y recuerda las víctimas del franquismo. Hasta en eso hizo daño el “generalísimo”. M.I.A. reivindica desde la pista de baile, a base de beats muchas veces incómodos y alguna que otra vez de forma modosa (llama la atención el principio de “Come Walk With Me”).

A “Matangi”, su cuarto álbum, le cuesta entrar. El pack inicial es denso y tremendamente rebelde, muy en la línea de su anterior “/\/\ /\ Y /\”, donde se decantó por un sonido más hardcore sin olvidar esa habilidad de ponernos a bailar, aunque de resultado discutible. “Karmageddon” no sólo juega con el karma en el título, sino con una hiriente letra para empezar que poco tiene que ver con aquel célebre videojuego. En la titular “Matangi”, sencillamente, invita al planeta a bailar de la forma más “africana” posible delante de cualquier militar/soldado/guerrillero/cobarde (“They got guns but it points the wrong way”). Brutísimo final. “Only 1 U” contiene, además de un recadito a Lara Croft, un ritmo marcial que, una vez más, le va como anillo al dedo. Y llega “Warriors”, la burrada que usa la base ralentizada de “Así Me Gusta A Mí” de Chimo Bayo (el cual la desafía a salir de gira con él).

La mencionada “Come Walk With Me” marca un leve punto de inflexión, porque lo que acaba sonando carnavalero se convierte en una jodida barbaridad: “aTENTion” flirtea con el dubstep, también, a la vez que con la política en una de las canciones del año (Julian Assange mediante). Las rimas que se saca de la chistera son sarcasmo puro y duro para protestar sobre los refugiados de la guerra. Le sigue “Exodus”, que acertando en el orden, poco más se puede decir. Bueno sí,

MATANGI | M.I.A.

que tiene un reprise titulado “Sexodus”, el cual está aún mejor colocado al final del disco.

Ya conocíamos “Bad Girls”, esa joya que adelantaba más de un año atrás y que vino acompañada de uno de los mejores vídeos de 2012 (repetía con Romain Gavras tras “Born Free”), y lo mejor de todo es que no envejece y no creo que lo haga jamás. Además encaja a la perfección con el discurso general de “Matangi”. Sigue siendo una de las mejores canciones de su discografía. En el escaso minuto y poco de “Boom Skit” tiene para todo un país: a ritmo del siempre yanqui “boom shakalaka” y con toda la iro-

nía del mundo, cuenta el intento de robo de reinado de Madonna en la ya mítica Super Bowl de 2012 (“go back to India”). Puro amor.

Lo que diferencia a M.I.A. del resto de los artistas es que no se conforma con una sola idea para una canción. Si son dos mezcladas, mejor. Así, en “Double Bubble Trouble” empezamos con el reggae y seguimos con su “harlem shake” particular en otra demostración de fusión étnica de libro.

“Y.A.L.A.” continúa esa línea de mezclas para acabar convirtiendo la canción (una de las mejores del álbum) en auténtico disco. La letra de “Bring The Noize” pone el pelo

de punta, y el poso relajado que queda tras las rimas con Wikileaks en “Know It Ain’t Right” te deja pensando.

Para unos, una artista excéntrica, escandalosa y caprichosa que sólo rapea. Para otros, la mejor embajadora por la paz que tenemos en el panorama musical independiente del planeta. Vanguardia y protesta a la vez. Única.

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REVIEW

LORDE Por Álvaro Hernáez

“Pure Heroine” es un inusitado ejercicio de sensibilidad y de madurez. Sin embargo, nos llamaría algo menos la atención si no fuese porque la responsable del mismo, Lorde, tiene 17 años recién cumplidos.

Con un estilo uniforme, que se mueve entre el dark pop filosófico de Grimes y los medios tiempos electrónicos de CHVRCHES o Sky Ferreira, esta neozelandesa de raíces croatas e irlandesas ha construido una sucesión de canciones más que dignas. La elaboración de estos temas comenzó hace casi tres años (con catorce), desde que fuese captada por un aguzado cazatalentos de Universal tras oírla versionando a Duffy o Pixie Lott.

Probablemente influida por la sensibilidad de su madre, una conocida escritora en Nueva Zelanda, Lorde (Ella Maria Lani Yelich-O’Connorpara los amigos) comenzó a plasmar en su música una especie de madurez anticipada y muchas de sus reflexiones.

Si este “Pure Heroine” tiene una protagonista absoluta es obviamente “Royals“. Es uno de los absolutos éxitos -merecidos- del 2013

en radiofórmulas y ha liderado prácticamente todas las listas del planeta gracias a su simplicidad, su sencillez y su intensidad. Construida sobre una base de percusión y unos coros, es una profunda bocanada de aire fresco, que destila juventud y que es claramente la joya principal del álbum. De todas formas, viene muy dignamente acompañada de otros medios tiempos absolutamente redondos, como los dos primeros temas del disco: “Tennis Court“, con su delicada despreocupación, y la velada declaración de amor que es “400 Lux“.

A continuación nos encontramos con “Ribs“, que sigue siendo muy Lordepero con un puntito más electrónico (que recuerda a los alemanes CLAIRE), o el pequeño teen dramarecogido en “Buzzcut Season“, lleno de pequeños guiños con aroma a aquel “el mundo es una mierda” que tantas veces habremos dicho en nuestra adolescencia.

Cambiando brevemente de tercio, “Team” comienza hipnótica pero después se diluye progresivamente en una suerte de “Royals” bajo en calorías que convence poco. Con “Glory and Gore” vuelve la intensidad, con una curiosa reflexión sobre la violencia, la lucha que llevamos con el mundo y con nosotros mismos y con cómo nos hemos acostumbrado a que la gloria y la sangre

se den la mano (de ahí el título).

Como cierre del disco, nos encontramos con más altibajos, con unas “Still Sane” y “White Teeth Teens” algo flojas, pero también con la fantástica carta a la soledad que es “A World Alone“, que pone el punto y final al álbum.

Con este su primer largo, Lordenos ha abierto las puertas de su pequeño mundo, reinterpretado por su curiosa mirada. Desde luego que la sensibilidad que destilan sus palabras sorprende en muchas ocasiones por lo adultas que suenan (aunque el disco ha sido compuesto íntegramente por ella) y por lo rebuscado de las imágenes que trata de evocarnos. Sin embargo, no consigue un resultado 100% redondo, ya que el disco se hace bastante monótono y da la impresión de tener algunos temas ciertamente de relleno (ya puestos, que hubiera recogido aquel magnífico “Bravado” que se incluía en su EP “The Love Club“, publicado durante los primeros meses de este año). Ahora bien, esperemos que en el futuro esta jovencísima artista se siga cargando de nuevas sensaciones que transmitir y que siga jugando con las voces y con los silencios como lo hace, a ver si nos sorprende con un segundo disco que vaya más allá de un notable.

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REVIEW

Daño Universal Por Jesús Daniel Marín

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El primer disco siempre es un paso difícil. Hablar de un primer disco, también. Pero la situación se agrava si es el primer lanzamiento de un grupo de música al que no miras con los mismos ojos que al resto, sino con la mirada del que desea que todo les vaya rodado porque además de grandes músicos, son tus amigos.

Perdonadme, porque no voy a ser imparcial. Reikiavik se han convertido en un pedacito de la banda sonora de mi vida y ahora voy a intentar que lo sean de la vuestra.

Bajo el nombre de “Daño Universal”, los madrileños nos entregan diez cortes plagados de sonidos deudores de lo mejorcito de los noventa. Madchester, britpop, guitarrazos de rock, atmósferas cargadas y densas… un cóctel que merece ser escuchado. Machacando los oídos, el disco se abre con “Plan de despedida número 1”y el alivio para los que sentíamos desconcierto ante el single de presentación. Vuelve el rock, las guitarras y la batería están re-

clamando su protagonismo a lo largo de todo el tema. El pop más elegante, con tintes de Suede, viene de la mano de “Aquellas Calles”. El cambio que se produce con el estribillo es tan inesperado como efectivo e incluso se podría decir que se atreven a flirtear con el shoegaze durante el solo de guitarra. “Daño Universal”es una sorpresa, con mayúsculas. Lo más bailable de Reikiavik hasta la fecha y que nadie se deje engañar por ese principio, dadle tiempo a uno de los mejores temas de este disco.

Y aquí viene la parte más fácil para mí. Porque cuando empieza a sonar “Alrededor de la Tierra”me enfundo en mi traje de “mad fer it”y todo lo que ello conlleva, siendo seguidor de los Stone Roses, The Verve y un sinfín de bandas que junto con Oasis(perdonadme Reikiavik) me hicieron enseñar a amar la música. Porque estos chicos, además de todo, hacen grandes temazos. Las guitarras, los coros, todo rezuma aromas británicos.

Hasta que llegamos a “Puede Ser”, donde dejamos el britpop de lado para bucear en una piscina llena de acordes que nos empapan del sonido de los Fab Four, los siempre imprescindibles Beatles. Admito que la primera vez que escuché esta canción, se me pusieron los pelos de gallina.

“Abismo”tiene mi frase favorita de todo el disco en su estribillo y de nuevo apreciamos un gusto por cualquier tipo de música, cayendo casi en la psicodelia durante el final de la canción.

Aunque si hablamos de pensar en algo que ya hemos escuchado, lo primero que nos viene a la cabeza cuando empieza “Tú el dictador y yo el revolver”son los eternos Stones. Pero como ya he visto que en varias ocasiones les han nombrado a Jaggery los suyos a

raíz de este tema, yo voy a romper una lanza en favor de Reikiavik, porque sin duda suenan a los Primal Screammás rockeros.

Con el single “Acróbata”se vuelve a la calma, a esas atmósferas de las que hablábamos antes, más delicadas, menos agresivas. Y aquí ya va siendo hora de elogiar a la garganta de Javi, porque se nota que ha trabajado mucho para conseguir llegar a tonalidades mucho más amplias de las que habíamos escuchado previamente en “Instantes”.

Y así, sin darnos cuenta, estamos despidiéndonos del disco con un medio tiempo muy pop que como“Septiembre”, parece que se niega a perder esa luz propia de un verano que toca a su fin, entre unos arreglos que sobresalen en la parte final de la canción.

Sin embargo, el auténtico broche final lo pone “Plan de despedida número 2”, donde por fin se cierra el círculo que nos lleva por un auténtico viaje musical. La única recomendación con respecto a este tema es cerrar los ojos y volar lejos entre esos cuarenta segundos finales, mágicos, épicos, auténtico rock and roll.

Resulta que entre unas cosas y otras, me he extendido más de la cuenta. Pero bueno, puede que así os haga ver que la ilusión que han puesto los miembros de Reikiaviken crear un disco tan bueno como “Daño Universal”es capaz de traspasar la barrera espacio/tiempo y clavarse en los oídos del que lo escucha, descubriendo que no sólo es ilusión, sino también calidad y amor por la música lo que estos cinco locos llevan dentro y ahora comparten con nosotros. Gracias por dejarme formar parte de un proyecto tan cojonudo. Ahora, a por el segundo.

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REVIEW

RAC

Por Álvaro Hernáez

Quien piense que la pista de baile no puede llenarse de delicados matices al mismo tiempo que nos permite darlo todo al ritmo de un tema con buenas dosis de zapatilla, que se quite los prejuicios y que haga clic aquí: te presentamos las primeras producciones del magistral RAC.

RAC es el acrónimo para “Remix Artist Collective”, un proyecto nacido del inquietísimo coco del portugués André Allen Anjos. Instalado en plena cuna del moderneo de USA, Portland, comenzó hace años a sentarse detrás de su mesa de mezclas para revisionar con su toque personal todo tipo de música del mundillo alternativo y no tan alternativo. Acompañado un tiempo atrás por un par de colegas (Andrew Maury y Karl Kling), acumula en su haber más de 200 mixes de estrellas consagradas como U2o Lady Gaga, pasando por grandes nombres del indie como Gossipo Phoenix, iconos clásicos de la música como Ella Fitzgerald o de nuevos grupos como The Static Jacks, GIVERS y muchos otros. A pesar de que RAC pueda parecer otro DJ más, la sensibilidad con la que reinterpreta los temas que toca, su elegante estilo deep house o sus magistrales incursiones en los medios tiempos electrónicos le han va-

lido un merecido hueco en la escena actual de la electrónica indie.

Como ya hemos comentado, de recién llegado no tiene nada. Tras años como DJ de remezclas, este 2013 ha decidido dar el salto a la producción musical en mayúsculas con su primer EP, “Don’t Talk To“.

No obstante, tampoco es un extraño en este campo, ya que desde 2010 ha ido produciendo temas inéditos (y colgándolos a su cuenta de Soundcloud). En ésta misma también se pueden encontrar prácticamente todas sus creaciones como remixer, que ha recogido en cuatro recopilatorios autoeditados (“RAC Vol. 1“, “RAC Vol. 1.5“, “RAC Vol. 2” y “Chapter One“), así como algún que otro homenaje marciano a las melodías de videojuegos de Nintendo y Sega y numerosos covers que él produce y a los que su mujer, Liz Anjos, presta las voces.

El chico desde luego que no se aburre.

Volviendo a lo que nos atañe, este “Don’t Talk To” supone la primera incursión de RAC en el gran mercado discográfico como artista. Para ello se ha rodeado de amigos (a los que había remezclado y/o producido previamente) para sus intensos cuatro temas, que comenzó a preparar a finales de 2012. El primero en ver la luz, “Hollywood”, cuenta con la colaboración vocal del neoyorkino Penguin Prison e integra a la perfección todo lo que ha hecho hasta ahora: una producción elec-

trónica sutil, elegantes guitarras acompañando las voces y el toque funky justo y necesario. Le siguió lo que se ha convertido en el single presentación del EP, “Let Go“, en el que se ha acompañado del omnipresente Kele Okereke de Bloc Party y de MNDR (mucha atención a esta chica en el próximo año). “Let Go” es una total declaración de intenciones, con la que se abre el EP y en la que RAC despliega todo su savoir faire, definiendo claramente las líneas maestras de su deep house. Otros grandes amigos del portugués, los canadienses Tokyo Police Club prestan sus cuerdas (las vocales y las de sus guitarras) a “Tourist“, el tercero de los temas del EP, en donde nos dejan una pequeña píldora de romanticismo para la pista de baile. Para finalizar, cierra el corto pero intenso viaje musical la delicada “We Belong” (ahora con Katie Herzig), que empieza poco a poco, envuelta en un hipnótico piano, para levantar definitivamente el vuelo en otro perfecto medio tiempo electrónico.

En resumen, con “Don’t Talk To” RAC ha dado por fin su primer gran paso como productor musical con todas las letras. Si ya era una figura reconocible por los DJs por la calidad y cantidad de su remixes, con esto se ha ganado un lugar definitivo en el corazoncito de los que nos apasiona el deep house de categoría. Imposible no desear una continuación.

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CLAIRE REVIEW

THE GREAT ESCAPE Por Álvaro Hernáez

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CLAIRE es uno de esos proyectos que, aparentemente sin querer, despierta algo mientras lo escuchas. De una curiosa mezcla de productores de música electrónica y una arrolladora cantautora alemana (su vocalista, Josie-Claire Bürkle) surge esta implosión de ritmos hipnóticos. Nacidos como una coincidencia (elaborando la banda sonora para la película de un amigo en común), la chispa entre todos estos músicos se prendió rápido y les llevo a querer prolongar esta conexión algo más en el tiempo.

Del trabajo surgido en este primer contacto aparece su primer EP, “Broken Promise Land”, con el que prepararon el terreno previo a este inmenso “The Great Escape”. Agárrense que vienen curvas…

“The Great Escape” es una consecución de dulces tragos de pop electrónico, plácidos pero intensos.

CLAIRE han decidido abrirlo con tres producciones rescatadas de su trabajo previo. La primera de ellas, y el tema que nos catapulta al álbum, es “Broken Promise Land”, un suave primer contacto con el sonido del grupo, que nos despierta paulatinamente con unos coros tenues que levantan poco a poco el vuelo hacia el horizonte. Recoge el testigo el que fue el primer sencillo del grupo, “Games”, absolutamente veraniego, que suena y sabe a los primeros rayos de sol de una mañana en primera línea de playa. No obstante, CLAIRE juegan inteligentemente con las transiciones, como demuestran en “Pioneers”. Ésta, inmensa gracias a la fusión entre sus sensuales coros y su contenida potencia electrónica, nos confirma que estos alemanes saben muy bien que tienen un material altamente explosivo entre manos.

Después, “The Next Ones To Come” se construye en torno a un delicioso punteo de guitarra, revienta con un estribillo electrónico y coquetea con un sonido más urban (rapeo a lo Iggy Azalea incluido).

“Neon Love” sigue en la línea de los medios tiempos electrónicos ingrávidos, al igual que “Overdrive”.

Sin embargo, “Invincible” sorprende y rompe con éstas dos, incorporando más guitarras, dando como resultado una especie de versión más madura y femenina de Two Door Cinema Club en sus mejores momentos. A continuación, dignamente aderezada con más toques de rap, encontramos la sensacional “Hallowed Ground”, que nos recuerda a la dulzura y la intensidad de London Grammar. No nos dejarán con ganas de este sonido delicado, pues volverán a retomarlo más adelante con “In Two Minds”.

En esta consecución de dulzura electrónica, “A Million Drums” suena épica por los cuatro costados: ejecutada en torno a una percusión hipnótica y a los coros marca de la casa, termina describiendo un estribillo dispuesto a hacernos levantar los pies del suelo. “The Great Escape”, además de dar nombre al disco, nos coloca a medio camino entre su sonido fresco y los medios tiempos que inundan el disco y suena perfecta para volver a aquella playa de la que hablábamos en “Games” pero en pleno atardecer. Los coros mágicos y los dulces punteos de guitarra que huelen a lluvia vuelven a encontrar su hueco en “Roll Down, Run South”, preparándonos para el final por todo lo alto que es “Resurrection”. En éste, CLAIRE concentran toda la energía electrónica contenida en los doce temas anteriores para lanzárnosla directa a la cara, como un broche bastante bizarro, que termina

abrupto pero que tampoco desencaja en el concepto global de este LP.

“The Great Escape”es, efectivamente, una fantástica escapada musical y, como debut, es un trabajo más que digno. Los alemanes se desenvuelven con comodidad en medios tiempos cargados de simbolismo, son capaces de inspirarnos calidez con otros de sus temas o llevarnos a la calma de una tormenta encerrada más allá de los muros de nuestra casa casi sin inmutarse. Éste es el encanto de este álbum: que suena épico, dulce, húmedo, nocturno, luminoso e intenso sin abandonar su personalidad en ningún momento. Un digno cúmulo de sensaciones a conservar en la memoria.

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REVIEW

BLOOD ORANGE Por Joaquín Ollero

Productor y compositor, Devonté Hynes publica su segundo largo, el cual denota la colosal evolución del artista desde la publicación de “Coastal Grooves” (2011).

Para abordar unos géneros como el R&B o el soul, es necesario tener ideas que se salgan de lo habitual y ejecutarlas de manera original tales que el trabajo realizado no se estanque en un mar de mediocridad sin valores ni emoción, si no que consiga asaltar al oyente y transmitirle esa sensibilidad tan característica de este tipo de música. Con su álbum debut, Blood Orange no demostró prácticamente nada valioso, ya que esparció un sonido simplemente agradable a lo largo de una decena de temas homogéneos y demasiado poco excitantes.

Todo cambiaría en estos 2 años que han transcurrido desde entonces, ya que el cantante ha sabido tomar la sabia decisión de empaparse de otras mentes mientras trabajaba para ellas, como con Sky Ferreira (produciendo la excelente “Everything Is Embarrasing”) y Solange, construyendo su “True EP” (2012) que contiene esa maravillosa “Losing You” que arrasó gracias a ese ritmo africano y un gran gusto en cuanto a la composición, y de la cual “Cupid Deluxe” toma varias

ideas para hacerlas suyas. La manera visual más directa de comprobar esto es escuchar “Chamakay”, la cual fue representada en imágenes en Georgetown (República Cooperativa de Guyana) en un videoclip mágico donde el cantante se deshace en pasos de bailes mientras escuchamos a Caroline Polachek disfrutar como en sus mejores canciones de Chairlift. La chica se está convirtiendo en una joya (si es que no lo era ya antes) gracias a colaboraciones como esta o “Unhold” con Delorean.

Así como se ha comentado comienza un disco sensacional. Lo es porque consigue plantear una atmósfera íntima durante todos sus temas, desde “You’re Not Good Enough”, maravilloso y perfectamente escogido 2º single del álbum donde el artista destroza al personal con un estilo rompedor, hasta la caribeña aportación de David Longstreth, que nos demuestra una vez más (si es que hacía falta) el don para el canto que tiene este hombre: para quitarse el sombrero. Y de esta forma, un mismo patrón se repite a lo largo de “Cupid Deluxe”: invitados especiales desmelenándose junto a espectaculares producciones por parte del señor Hynes. ¿Más ejemplos? “Chosen” es pasión en movimiento, ritmo eléctrico en su primera parte junto a palabras con acento francés donde la preciosa Samantha Urbani nos invita a sentir dolor con sus historias. Esta balada de casi 7 minutos de duración vuela en nuestros oídos a la

misma velocidad que nuestra mente baila con saxos, pianos y coros angelicales que adornan un escenario con horizontes inalcanzables. Al mismo nivel juega “On the Line”, una clase maestra de diferentes tonos e intensidades, donde las súplicas forman un primer plano y las diferentes voces construyen una historia entrelazada que ha sabido hacernos partícipes e identificarnos con una incertidumbre y desesperación muy difícil de alcanzar. Bravo.

Es obvio que la cabeza pensante de este disco se encuentra en un proceso de ascensión moral y psicológica de grandes proporciones. Está creciendo como persona, y lo demuestra visitando el país de donde proviene su madre para explorar unos sabores que de otra manera no habría conseguido, y también evoluciona como artista, ya que desde el primer segundo se percibe una serie de capas que forman una estructura consistente y encantadora. Tal y como escuchamos en las gemelas “It Is What It Is” / “Time Will Tell”, el tiempo dirá hasta donde consigue ascender este bailarín con tanto estilo, pero por ahora nos quedamos con “Cupid Deluxe” como uno de los grandes logros de este, en sus últimas horas, 2013.

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REVIEW

MARYLAND Por Albert Cornellá Font

Maryland se han apuntado a la dulce época que vive el pop-rock español en el momento preciso. Sin abandonar su firme apuesta por el power pop, que ya definió los anteriores trabajos, los vigueses ganan credenciales con “Los años muertos”, un tercer álbum en el que la transición del inglés al castellano es sin duda la novedad más destacada.

Lo más asombroso es que los gallegos se han enfrentado al cambio con total naturalidad, sin miedo alguno al fracaso.

Escudados en la maestría del productor Santi García (La Habitación Roja, Toundra, Delorean), el quinteto está listo para entrar por la puerta grande y formar parte del cartel de los festivales veraniegos del próximo año.

Sospecho que la cuestión del idioma alimentará siempre uno de aquellos eternos debates en el mundo de la música. ¿Cantar en inglés o en castellano? Apostar por un idioma con el fin de tener más éxito a nivel nacional o, por contra, seguir cantando en inglés, arriesgándose a quedar atrapado para siempre en el anonimato. Maryland tienen motivos para empezar a sonreír de verdad con el provenir que su tercer álbum les depara. Si bien con “Surprise” (2009) y “Get Cold Feet” (2011) ya asomaron la cabeza gracias a una finísima propuesta estilística, edificada sobre la sólida estructura de guitarras contundentes y voz cálida,“Los Años Muertos” les otorga los galones necesarios para recoger los frutos de su trabajo. A ello hay que sumarle el hecho de formar parte de una de las escuderías de más impacto en la escena española actual como es Ernie Producciones, cuyos responsables ya apostaron por ellos desde el primer trabajo.

Pero no hablamos de éxito comercial, sino argumental y artístico. La nitidez de las guitarras predomina en los trece cortes que integran el trabajo, empezando por el tema homónimo que abre el disco, dónde el bajo ejerce de anfitrión para dibujar una melodía de esas que anima cualquier mañana gris. Alegres bombas melódicas como “Declaración de Intenciones”, “Tiempos

de Azar”, “Viaje a Tasmania”o “Cambio de Filo” ponderan la influencia del pop de guitarras anglosajón de la banda con la vertiente más pausada, cercana al emo pop, de “Pozo de Almas”o “La Caleta del Sol”. La delicadez acústica de “Camino” cierra un trabajo limpio y prometedor, en el que las letras giran entorno a rupturas sentimentales, el mundo de los sueños, las ansiedades y los estados de ánimo.

Canciones que al ser cantadas en castellano, amplían su campo expresivo, conectando mejor con el público nacional.

El tiempo dirá si acertaron o no al cambiar de idioma, pero lo que queda muy claro al escuchar Los años muertos, es que estos chicos son capaces de sonar a ellos mismos, canten en inglés, francés, castellano o gallego, y que de fuerzas van sobrados. Les queda aún bastante margen de mejora, como es lógico, pero se encuentran en el camino correcto.

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LOS CAMPESINOS! | No Blues | 2013 Por Jaime Mateo Herrero

Los Campesinos! siguen empeñados en no hacer un mal disco. De hecho, este último es el que más se acerca a ese espectacular debut que fue “Hold On Now, Youngster”. De una vez por todas con este “No Blues” van a conseguir que nos olvidemos del dichoso “You, Me, Dancing” y les pidamos otros enormes temas pop para cerrar los conciertos.

A pesar de las idas y venidas en la formación, el cerebro y vocalista de Los Campesinos!, Gareth, sigue tan lúcido como siempre con letras divertidas e irónicas, eso sí, entendibles sólo para angloparlantes del Gales profundo. Letras aparte “No Blues”está repleto de las melodías pop que caracterizan a unos Campesinos definitivamente entregados a la música como profesión.

No hay evolución, no hay riesgos en este disco pero ¿quién quiere eso? Estos amigos que se conocieron en la Universidad de Gales son los reyes del indie pop y su facilidad para sacar del estudio temas mayúsculos como “What Death Leaves Behind” no está al alcance de muchos. Es su falta de seriedad lo que a veces les hace destacar sobre el resto. Y si no, escuchen los coros de animadoras de la efectiva “Avocado,

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Baby”, algo que sólo podría haber salido de la mente de estos chicos.

Pero, ojo, que no todo van a ser risas. Se acabó la universidad y las juergas y ahora ya somos personas adultas que piensan en cosas adultas. “We all know we’re gonna die” canta Gareth en “A Portrait Of The Trequartista As A Young Man” y la luminosidad del disco se difumina como el humo de la portada. Lo mismo pasa en “Cemetery Gaits”, que juega con adictivos teclados, o el medio tiempo “Glue Me” en la que Los Campesinos!demuestran que pueden sonar intimistas y creíbles si se lo proponen también.

Con “No Blues” LC! se hacen de querer una vez más.

Sus fans podemos sentirnos orgullosos y los no fans ya estáis tardando en darles una oportunidad. Su quinto disco nos trae lo mejor de su fórmula divertida aunque esta vez con un mayor grado de madurez y pesimismo, ¿se nos hacen mayores? ¿el fantasma de los treinta acecha a los chicos?

DESTROYER | Five Spanish Songs | 2013 Por Jaime Mateo Herrero

Dan Bejar tiene una de las voces más cualificadas y con más carisma del indie rock norteamericano.

Este canadiense es conocido por ser el cerebro y frontman de la banda Destroyer y por dejarnos joyas musicales como “Destroyer’s Rubles” (2006) y “Kaputt” (2011).

Pues bien, llegado este 2013, Dan Bejar ha decidido pasarse al español y este EP es precisamente eso, cinco canciones españolas. Según asegura Bejar, el inglés es una lengua “gastada, despreciable, no fácil de cantar”. No sabemos muy bien a qué vienen estos odios ahora con su lengua pero se agradece que un artista internacional de su talla decida regalarnos un EP tan bonito en nuestro idioma.

Las canciones que forman este EP son versiones de temas de Antonio Luque, aka. Sr. Chinarro, del cual Bejarse considera bastante fan debido a las “naturales” melodías del sevillano. Y cual es nuestra sorpresa al comprobar que Bejarcanta genial en español, y lo que es más, que estas covers de Sr. Chinarro suenan a Destroyer, seguramente también para los no hispano hablantes. Desde la que abre “María de las Nieves”, los cambios se aprecian con respecto a la original, con más ritmo, más calidez, más “corasón”… “El Rito” también resulta ser una cover que comparte poco más que

el nombre. Rockera a más no poder (como también lo es “Babieca”), Bejarse anima con los “dale que toma, toma que dale” para dejarnos el mejor corte del disco, pegadizo y divertido. La breve “Del Montón” y la que cierra “Bye Bye” son más lentas y la voz del canadiense sobresale por encima de esas tímidas guitarras que parecen acariciarte. Una vez más los cortes quedan sencillos pero la mar de resueltos, sin artificios, pura delicadeza y emoción.

Lo único malo es que este EP sabe bastante a poco.

Pasa demasiado rápido y cuando termina y empieza (en mi reproductor) “Kaputt” sólo te percatas del salto de disco por el cambio de idioma. Bejar acierta de lleno con este acercamiento al español y sorprende. Y muestra una nueva faceta que por lo menos en estos lares no se nos va a olvidar.

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DOSSIER

BΔSTILLE Por Álvaro Hernáez

Para llevar “oficialmente” en la escena escasos dos años, los londinenses Bastille son una absoluta máquina de producción musical.

Pocas formaciones pueden presumir de haber editado en un espacio de tiempo tan corto un álbum de debut redondo (con dos reediciones y el disco de remixes correspondiente), dos originales mixtapes, dos single-EPs y dos EPs con canciones en vivo. Unos casi cincuenta

temas entre originales y versiones, que abarcan desde el pop más convencional, pasando por tímidos cruces con música de baile, hasta oscuras incursiones en el synthpop. Ante esta prolífica colección, se han ganado la fama de grupo inquieto en los círculos musicales de la capital británica, que esperemos que sigan ejercitando en una larga e intensa trayectoria musical en el futuro.

DOSSIER | BΔSTILLE

Primeros singles

Antes de fichar por Virgin, Dany sus chicos ya habían en 2011 publicado con la discográfica alternativa londinense Young and Lost Club su primer single, compuesto por “Flaws” e “Icarus” en versión demo y un extended play con varias versiones de “Laura Palmer” (temas que comentaremos más adelante). No obstante, su primer lanzamiento con la compañia fue “Overjoyed“, un baladón algo alejado de lo que nos prepararían más adelante, con su extraña caja de ritmos electrónica incluida. En aquel momento, el interés en la banda crecía en blogs especializados, y sus numerosas actuaciones durante la primera mitad de 2012 aumentaron más y más el hype alrededor del grupo.

Viendo este aumento de popularidad, la banda se afanó en publicar más temas en formato single, como “Bad Blood” o la reedición de la inmensa “Flaws“, un curioso himno reivindicativo de sus defectos, que caló profundamente entre el público y se convirtió en el primer top 40 del grupo. Entre estos lanzamientos, el

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grupo tuvo su primer gran bautizo entre masas en los festivales de Reading & Leeds, confirmando sus ganas de quedarse con nosotros durante mucho tiempo.

“Bad Blood“, su primer álbum (versión primera)

Ya a finales de 2012, el grupo confirmó que estaban trabajando en su primer largo. En febrero de 2013 anunciaron que el disco, “Bad Blood“, se lanzaría un mes des-

pués, y acompañaron a esta noticia con el lanzamiento del cuarto single que se desprendería de éste, “Pompeii“. Ésta es una positiva oda al pesimismo (según ellos mismos la describieron), en donde despliegan todo su estilo instrumental y unos efectivos coros que dan una memorable dimensión épica al tema.

Tanto este último single como el álbum entraron por la puerta grande en las listas de ventas del Reino Unido, siendo medalla de plata y de oro en sus respectivas listas. El disco nos dejó una ingente cantidad de canciones redondas (algunas de las cuales ya habían publicado en la retahíla previa de singles): la amarga ruptura contenida en “Things We Lost In The Fire“, las vitalistas “These Streets“, “Weight Of Living, Pt.1” o “Icarus“, la tierna mirada al amor de “Oblivion“, el cuento sobre la traición que es “Daniel In The Den” o la reedición de “Laura Palmer“. “Bad Blood” suena en su conjunto a una efectiva mezcla de estilos pop actuales, desde el intenso pop de Fun. a las incursiones electrónicas de Owl City, y se ha ganado a pulso el ser uno de los

BΔSTILLE | DOSSIER grandes trabajos de 2013 en esta mezcla de influencias indie y mainstream que tan de moda se ha puesto desde hace unos años.

Las mixtapes y la experimentación: los dos volúmenes de “Other People’s Heartache“

Bastille se han caracterizado en su corta trayectoria por carecer de prejuicios y del miedo a tirarse a la piscina con ideas nuevas. Buena muestra de ellos son las dos mixtapes que publicaron a lo largo de 2012, bautizadas como “Other People’s Heartache“, que distribuyeron de forma gratuita inicialmente en su cuenta de SoundCloud. Éstas son un ejercicio de fusión tremendamente interesante, en las que se dedicaron a fusionar clásicos del dance, hip-hop y (futuros) temas propios, siempre muy bien rodeados de amigos. En la primera entrega, encontramos “Adagio For Strings“, una impagable fusión del tema clásico homónimo de Samuel Barber de 1938 con el “What Is Love” de Haddaway y pinceladas del “We Found Love” de Rihanna, con la colaboración de la vocalista Maiday, de resultado totalmente imprevisible. Encontramos también

una versión del “What Would You Do?” de City High o “Love Don’t Live Here“, un curioso mash-up del tema original de Rose Royce con un rap de la letra de la canción a cargo del rapero F. Stokes sobre la base del “Ms. Jackson” de los Outkast. De entre todo este batiburrillo de referencias de dance y hip-hop noventero destaca “Of The Night“, otra rareza que, en este caso, fusiona el “Rhythm Is A Dancer” de Snap! y el “The Rhythm Of The Night” de Corona, con el toque Dan Smith marca de la casa. La atención que despertó esta fusión en su momento ha convertido a este tema en uno de los esenciales del grupo en sus conciertos y acaba de ser publicado como sexto single oficial del grupo, como lead-in a la última reedición del disco (de la que hablamos un poquito más abajo).

El segundo volumen de “Other People’s Heartache” llegó a principios de 2013, también en forma de descarga gratuita desde como regalo a sus fans, y continuó la senda del primero, incorporando además numerosísimos guiños a grandes clásicos del cine como samples o como voces fugaces que se cuelan en las canciones. La colaboración con el rapero F. Stokes va en este volumen aún más lejos, a la producción de varios temas, siendo uno de ellos la genial “Killer“, una versión del tema homónimo deSeal, basado en un sampleo del también llamado “Killer” de George Michael, con un featuring especial al final del tema del mismísimo Marty McFly. La joya en mayúsculas de la mixtape es “No Angels“, versión del “No Scrubs” de TLC, en la que se acompañan de la genial Ella Eyre y que se construye sobre esa pieza en la que la magia se hace música, el “Angels” de los The xx. Encontramos más magia en mayúsculas en “Dreams“, en la que Bastille colaboran en este

caso con la dulce Gabrielle Aplin, versionando con un místico toque deep el tema de losFleetwood Mac, o en “Forever Ever“, en la que el sample de base del “Ready Or Not” de The Fugees y las voces místicas del “Boadicea” de Enya se funden con el “Bad Blood” de los londinenses (y la voz de Kate Tempest).

Esta experiencia musical que es “Other People's Hearache Pt. 2" se complementa con otras seis versiones más, entre las que se encuentran su personal revisión del “Thinkin’ About You” de Frank Ocean, un cover del “Jesus Walks” de Kanye West, o la sor-

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DOSSIER | BΔSTILLE prendente fusión del “Private Dancer” de Tina Turner con el “Set You Free” de N-Trance. En resumen, una montaña rusa de referencias que nos lanza de lleno en una cinematográfica explosión de recuerdos que, tristemente, ha pasado muy desapercibida para el público generalista.

“All This Bad Blood“, la intensidad de las caras B

Como parece que ahora no eres nadie en el mundo del pop si no reeditas tus álbumes con algún que otro plus, los chicos de Bastille no han querido ser menos. Si bien es cierto que ya presentaron una versión extendida de su debut unos meses después de su publicación, esta segunda reedición se desdobla en dos discos, en donde el segundo concentra todas las “novedades”. Y entrecomillamos novedades porque realmente este segundo CD es más bien una compilación de las caras B de sus singles previos. No obstante, agradecemos la iniciativa, ya que muchos merecían formar parte de un LP más que alguno de los temas de su debut. Es el caso de la genial y positiva “Poet“, que se inmortaliza para toda la eternidad tal y como

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habla su letra, o la preciosa “Durban Skies“. En la potencia de “The Silence” Bastille reflexionan con acierto sobre sus errores, pero este acierto no se traslada a otros temas como “Haunt” o la poco conseguida oscuridad de “The Draw“. Sí que convence, por el contrario, la delicada sensibilidad maternal que destila “Sleepsong“, los extraños toques drum’n’bass de “Skulls” o el místico colofón que construyen con el cuerpo central de “Tuning Out” con sus coros eclesiásticos y su estremecedora contención (es una lástima que el efecto final de cierre, de cambio de frecuencia de radio, quede tan sumamente cutre). Conjuntamente con la pareja de experimentos que extraen de sus mixtapes (“Of The Night” y “What Would You Do“), “All This Bad Blood” es un interesante contrapunto oscuro al material principal de los londinenses, cuyo tracklist cuadra al dedillo y fluye con naturalidad a pesar de ser una colección de intensos retales.

Esperemos que en breve Dany sus chicos se vuelvan a pasar por nuestro país para presentar todo este material en vivo (por ahora, su primera gran cita en territorio nacional fue el verano pasado, en el Festival Internacional de Benicàssim), aunque viendo el ritmo al que sacan nuevas creaciones, creo que será difícil que lleguemos actualizados a su próxima cita en vivo. Por ahora ya han comentado que están considerando muy seriamente un tercer volumen de “Other People Heartache“, así que seguiremos atentos…

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ENTREVISTA

THE COURTEENERS

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THE COURTEENERS ENTREVISTA Por Sergio Santos & Jesús Daniel Marín The Courteneers visitaron Madrid por primera vez en su carrera y tuvieron a bien cedernos un poco de su tiempo para contestarnos a unas cuantas preguntas. Liam y Michael respondieron a nuestras preguntas.

Hola chicos, ¿estáis disfrutando de Madrid?

Liam: Pues por ahora, sí. Es una ciudad preciosa… y hace mucho frío, ¡es como estar en casa! Nos sentimos como si estuviéramos allí.

Bueno, gracias por sacar tiempo para estar aquí. Últimamente, no hay muchos grupos que se pasen por España, especialmente por Madrid.

L: Eso es porque muchos grupos son unos maleducados. ¡Nosotros somos majos!

De todos modos, os ha costado unos cuantos años venir…

L: Sí, es nuestra primera vez aquí…

Supongo que podría decirse que hemos estado ahorrando.

Vuestro próximo single será lanzado en diciembre. ¿Podemos hablar de pistas para un nuevo disco?

L: No, nada que ver. Es un single extraído de “Anna”. Va a ser el último single que saquemos de él, así que más bien es como cerrar el círculo. En esta gira de diciembre por el Reino Unido haremos unas pocas fechas y serán las últimas en un tiempo. Así que son vuestras últimas oportunidades de bailar.

Vais a dar un concierto para el que no quedan entradas el pró-

ximo 13 de diciembre en Manchester. ¿Qué esperáis de un concierto en casa como éste?

L: Es genial y ya lo hemos hecho un par de veces. Es como una enorme fiesta. Con la Navidad tan cerca todo el mundo está feliz, beben mucho, bailan más… Es genial tío.

Michael: Es una buena forma de terminar el año. Hemos estado girando desde que lanzamos “Anna”y es bueno volver a casa cuando el año toca a su fin.

Han pasado casi 3 años entre el lanzamiento de “Falcon”y el de “Anna”. ¿Creéis que haber tocado en algunos de los festivales más importantes en el pasado 2012 ha podido retrasar el lanzamiento de “Anna”?

L: No, si acaso puede ser así en opinión de algunas personas, pero no.

Algunos grupos salen a la carretera y vuelven enseguida y además veo que es lo que quieren, pero nosotros no somos así. Nos encanta tocar, así que si no es estando de gira, es tocando en un festival para treinta mil personas, ¡por supuesto que sí! Pero de cualquier forma, creo que estábamos un poco quemados después de “Falcon”. Desde finales de 2006 hasta terminar 2010 fue una auténtica locura, no paramos de tocar. Así que decidimos tomarnos 2011 con un poco más de relax. Nos centramos en escribir, pero todo fue mucho más calmado.

Y bueno, ya estábamos grabando “Anna”y pasamos mucho tiempo dando forma a las canciones. Con “Falcon”teníamos como unas veinte canciones y tuvimos que hacer una criba. Para “Anna”teníamos 14 canciones y sólo necesitamos pulirlas y hacer que fueran mejores, así que pasamos un montón de tiempo en el estudio. Así que podría decirse que fue más un relajado trabajo de estudio pero a la misma vez, más interesante en lo que a ideas se refiere.

Y ya que estamos, ¿quién es “Anna”? ¿Es sólo un nombre, es una idea…?

L: Ella… ¡ella es LA CHICA! Simplemente es eso, la chica. Pero…sólo una, ¿entiendes?

Vuestras canciones parecen bastante personales y da la impresión de que ponéis bastante de vosotros en ellas. ¿En qué otros lugares encontráis la inspiración para las canciones, además de en las relaciones personales?

L: Realmente, no hay mucho más, para ser honestos. Creo que hace años era más un rebelde, alguien enfadado… Probablemente me enfadaría por cosas que ahora me parecen tonterías, ¿sabes? Ahora mucho de aquello sería irrelevante.

Creo que ahora lo mejor que podemos hacer es tocar y escribir música. Ahora puedes tener la mejor chaqueta, los mejores zapatos, pasar días buscando entre las ban-

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ENTREVISTA das cual es la mejor… Pero es lo que estamos haciendo ahora, así que eso lo supera todo. Si finges, puedes hacer todo eso pero por mí, que te jodan, no tienes ni una puta canción. Así que de vuelta a la pregunta, sí, en el fondo todo gira en torno a esas relaciones personales.

Es casi un tipo de canciones hechas para que las canten hombres, sin ser sentimentaloide y evitando caer en la cursilería. Después de eso, todo sale del corazón. Quiero decir, todas nuestras canciones vienen del corazón, no escondemos nada a nadie. Las canciones están ahí y son claras. ¡Y eso es lo que a veces no gusta a los críticos!

Siguiendo con el tema, ¿hay alguna canción que sea especialmente difícil de tocar o de cantar, en términos de sentimientos personales?

L: Eh, bueno, ya no. Era más difícil al principio. Ellos entraban en el local, y estos son mis mejores amigos así que me conocen perfectamente, y cuando tocábamos estas canciones tan personales por primera vez era como: “Estas cantando sobre esto, ¿no?”

Una vez las cantas delante del público, tiene cierto sentido que se convierta en “su”canción. Se hacen con ella y te apoyan cantándola. Les pertenece en cierto modo también, así que compartimos las canciones.

El único momento difícil supongo que es en el estudio, ahí sí es más difícil tocarlas. Una vez que el disco está en la calle, ya no es difícil. Pertenecen a todo el mundo.

Volviendo al tema de los festivales, ¿disfrutáis tocando en festivales donde la audiencia puede esperar a otras bandas? ¿O preferís tocar en espacios más reducidos como el concierto de esta noche?

M: Lo primero, es nuestra primera

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vez en Madrid, así que cuando salgamos al escenario y la gente se sepa nuestras canciones y cante y baile divirtiéndose, será impresionante. Es la sensación de a pesar de vivir a miles de kilómetros la música ha llegado hasta aquí y la gente la disfruta. Del mismo modo, cuando tocamos en festivales sabemos que hay gente que ha comprado el abono para el festival entero, pero salimos a darlo todo, buscando que quieran volver a vernos en nuestros propios conciertos.

Solo por curiosidad, ¿cuál es vuestro festival favorito?

M: Nos gustan todos, pero quizás Coachella.

L: Sí, Coachella fue increíble. Estábamos en el backstage y aquello estaba lleno de grandes artistas, ¡Morrisey estaba allí con nosotros!

Fue el punto final de nuestra primera gira por Norteamérica y fue impresionante.

Ya para terminar, en una entrevista reciente mencionasteis que por desgracia, la gente joven tiene que dejar de ir a conciertos o elegir a cuales ir debido a los altos precios. Aquí en España el IVA ha subido de un 4% a un 21%.

Ambos: ¿Qué? ¿No jodas? De un 4% a un 21%, es de locos…

Es la triste realidad. La gente joven no puede ir a tantos conciertos como les gustaría, a veces se pierden a sus grupos favoritos… ¿Creéis que hay alguna forma de mantener a promotores, artistas y público contentos con el precio de las entradas?

L: Bueno, para empezar, creo que lo que dije (cruzo los dedos) es que si solo puedes permitirte ir a unos pocos conciertos, solo puedes ir a dos o tres al mes pero no solo por

los altos precios, sino porque la vida está así. Hay facturas que pagar, alquileres, comida, muchas cosas.

Así que creo que es más por eso.

Pero cuando voy a ver a otros grupos, creo que el precio de algunas entradas es una pura extorsión. Y no te voy a dar nombres, por supuesto. Pero algunos tienen precios realmente absurdos. Nosotros siempre hemos intentado mantener nuestros precios lo más bajos posible, pero entiéndeme, todos necesitamos pagar facturas, así que es un sinsentido.

M: Yo creo que todo es debido a la recesión económica que estamos viviendo a nivel global, pero siempre hay algo que hacer con los gobiernos locales, en este caso con el de España. No pueden realizar estas subidas. Sigue siendo la vida de la gente y no puedes poner trabas a la gente para ir a conciertos, no es justo.

Sí, realmente la música en directo está desapareciendo.

M: Sí, eso era lo que estaba pensando. ¡Es un desastre!

L: La gente necesita liberarse, porque si no, ya sabemos que pasa…

Intentamos hacer la vida de la gente más llevadera. Cuando voy a un concierto, son mis dos horas de libertad, no puedes pretender que no quiera disfrutar eso. A veces, la vida es una mierda pero si tienes un concierto al que ir el fin de semana, son tus dos horas de dejarte llevar, tomarte algo con los amigos, tu oportunidad de disfrutar de un buen rato.

Eso no se puede perder, de ninguna manera.

Pues muchas gracias por vuestras respuestas y por vuestro tiempo.

Ambos: Gracias a ti, ¡ha sido un placer!

THE COURTEENERS ENTREVISTA

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SECOND ENTREVISTA

e a”, el qu s u R a ñ ta o z de “Mon as y duplicand nez Sai a í r t i r g a a M l r ad o én empeza agotando entr . De est s Por Bel e o d t r n e a i c b a n n cond ac cha, y ya anda a sus co banda y a con e d S n a s o m n e e f d la rcia hasta la al público que ista de j Los mu o a c b s i , d o d n timo ntar r conNa cho. a l es su úl a poder conte r a h c di do par nos ha os podi e fechas m u e q h s s a s cosa r las co e e l y otras s i é n pod tinuació

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SECOND ENTREVISTA - “Montaña Rusa” supone un paso adelante en la carrera de Second. Para ello, os habéis llevado la grabación del disco a Los Ángeles. ¿Qué tal fue la experiencia?

¡Muy buena! Sinceramente creo que necesitábamos desconectar y centrarnos únicamente en las canciones.

Fue una grabación frenética, pero muy relajada al mismo tiempo, ya que sentíamos que Sebastian (Krys) tenía el control en todo momento. En la grabación de otros discos ha habido momentos en los que nos hemos sentido un poco perdidos y eso se traduce en pérdida de tiempo y dinero. En “Montaña Rusa” hemos podido disfrutar e ir al grano.

- Sobre la producción del disco, uno de los temas más comentados, habéis elegido a Sebastian Krys. ¿Cómo os ha influido, más personalmente en lo que toca a arreglos, o qué habéis aprendido?

Hemos aprendido en todos los sentidos. Su implicación desde el primer momento fue una gran motivación para nosotros. Queríamos que las canciones sonasen en directo antes de entrar al estudio y lo conseguimos gracias a la preproducción, un aspecto que habíamos descuidado en grabaciones anteriores. Nos quedamos con un par frases que nos repetía constantemente “Si piensas, pierdes” y “mejor pedir perdón que pedir permiso”. Después de cada sesión siempre encontrábamos un momento para hablar de música y descubrir nuevos grupos y tipos de cerveza.

- ¿Cuáles han sido las fuentes de inspiración o motivaciones para la creación de este Montaña Rusa?

Buscábamos arriesgar y no acomodarnos en los medios tiempos. En este disco todos hemos aportado ideas y a la hora de seleccionar las primeras maquetas nos centramos en lo que sonaba diferente a lo que ya habíamos hecho. Yo recuerdo escuchar mucho a Metronomy o The Drums durante la gira de “15” que fue cuando empecé a grabar cosas en casa.

- Una de las cosas que dijisteis era que lo importante era que se hablase del disco, para bien o para mal. ¿Cómo estáis viendo la acogida, tanto de los medios como del público?

El primer adelanto fue “Lobotomizados” una canción que se sale bastante del rollo que veníamos haciendo en “Demasiado Soñadores”. Queríamos ver la respuesta de la gente ante el cambio de registro musical y en la manera de cantar de Sean. La acogida ha sido

buena y nos sorprende ver la variedad de comentarios y como está respondiendo la gente en los directos.

- En la review que hicimos de “Montaña Rusa” os auguramos un verano de festivales, ¿hay alguno que os haría especial ilusión?

Vamos a estar en muchos festivales y es emocionante, aunque ahora nos apetece disfrutar con la gira de salas, que se viven de una manera diferente, más intensa. Nos haría ilusión tocar en algún festival donde no hayamos tocado todavía, por lo de probar cosas nuevas.

- ¿Qué canción creeís que se puede convertir en tal caso en el himno de noches de verano?

La verdad es que no tengo ni idea. Ya estamos pensando en cual puede ser el siguiente single, el verano que viene te diré si hemos acertado o no.

- Con este disco también habéis buscado más un contacto directo y ritmos bailables consiguiendo más movimiento. ¿Cómo vais a encajar vuestros anteriores trabajos en los conciertos de esta gira?

Precisamente eso es lo que le da sentido a que esta gira sea una “Montaña Rusa”. Con continuas subidas y bajadas. Con las nuevas canciones el repertorio ha quedado muy completo.

- Viviendo estos años un boom indie, la salida de “Montaña Rusa” sin duda habrá llegado a más público, ¿Habéis notado nuevos seguidores? ¿Cómo les haríais una pequeña presentación vuestra?

Sí, nos gusta ver caras nuevas en los conciertos, el boca a boca es importante y muchos fans que nos han visto en años anteriores vuelven arrastrando a más gente. Es lo que le da sentido a todo esto. Llevamos muchos años tocando para resumirlo en una pequeña presentación, lo mejor es que se vengan a un concierto.

- Sobre la gira, ya habéis conseguido sold out en ciudades como Valencia o Alicante e incluso estáis añadiendo segundas fechas. La respuesta al disco es obviamente buena, ¿pero qué tal está funcionando el directo? ¿Cuál es la canción que más estáis disfrutando de este “Montaña Rusa” sobre las tablas?

Es difícil quedarse con una, cada concierto es diferente. Los directos se pasan muy rápido y eso es buena señal y es inevitable sentir más cuando estas presenDiciembre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

ENTREVISTA SECOND

- Y en la actualidad, con las redes sociales y esa cercanía que se crea entre artista y público, ¿os sentís cómodos? ¿Sois de contestar a vuestro público o más bien leéis y no tenéis tiempo para - En vuestro disco, miráis mucho muchos más? al futuro, ¿cómo creéis que está evolucionando la música? En Las redes sociales ayudan y esta2502 ¿qué creéis que triunfará, el mos pendientes de ellas y nos gusta rock, seguirá existiendo el leer los comentarios tanto si son “indie? buenos como si son malos. Y contestamos personalmente ¡claro!

Espero que en el futuro el indie deje ¿Por qué no? de ser una etiqueta, que tenga más que ver con los prejuicios que con la - Parece que la cultura sufre una música. Es necesario que las ban- especie de persecución en Esdas busquen nuevas vías de promo- paña ahora mismo. Cierre de cionar su música. Pero decir que un salas, subidas de IVA y todo esto grupo te gusta porque es indie es con la gente sufriendo las conseuna soberana tontería, en mi opi- cuencias en sus bolsillos. ¿Pennión. Es bonito eso de que “la pos- sáis que el futuro pasa por teridad es una superposición de conciertos como el que dieron minorías” pero yo creo que aquí los Beatles en la azotea? todos los que nos dedicamos a esto queremos llegar al mayor número Estamos viviendo un momento muy complicado que espero se solude gente posible. tando las canciones nuevas. Intentamos verlo todo como un conjunto y a partir de la segunda canción ya dejas de pensar, solo quieres pasarlo bien y que la gente disfrute.

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cione pronto. Solo puedo animar a la gente para que continúe apoyando la música y el arte. Y si hay que subirse a una azotea nos subimos a una azotea, que por cierto ya lo hicimos el año pasado en el ciclo “Live The Roof”.

- Siempre habéis presumido de bandera murciana allá por donde habéis pisado y la verdad es que Murcia es región fértil en grupos alternativos. Según vosotros, ¿a quién deberíamos seguir? Pero no nos sirve sólo un nombre… queremos motivos también.

En Murcia hay muchos grupos, y de estilos muy diferentes. A todos nos gustan Varry Brava, Noise Box, Ross, Lofelive o The Leadings. Yo me quedo con Los Ultimos Bañistas, porque me pasé este último verano escuchándoles y con Clara Plath simplemente porque les quiero.

UNA RONDA DE PREGUNTAS CORTAS - Una canción que no os podáis quitar de la cabeza últimamente:

“Video Games” de The Young Professionals - Una canción que versionar:

“Goodbye Horses” de Q Lazzarus

- Alguien que os gustaría que os versionase: ¿Tienen que ser artistas?

¡Porque nos encantaría escuchar una versión de nuestros amigos de “Jenesaispop”!

- Un grupo al que ver este año (2014 incluido) Arcade Fire.

- Un concierto que no olvidaréis jamás:

- Disco del año 2013 (nacional e internacional)

Nacional: Ivan Ferreiro. Internacional: Reptile Youth - Cancion del año 2013 (nacional e internacional):

Nacional: “Planilandia” de Lori Meyers. Internacional: “Inside World” aunque creo que es de 2012.

- Para terminar, ¿os gustaría dejar un comentario para los lectores de INDIEferencia Magazine?

¡Un saludo para todos y os esperamos en los conciertos! ¡Disfrutad del momento presente porque os pertenece!

Blur, en Benicassim 1999

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ENTREVISTA

IZAL Por Belén Martínez Saiz

Ya os hemos hablado alguna vez que otra sobre uno de los grupos del momento: Izal; pero esta vez hemos querido que sean ellos mismos los que os cuenten en esta entrevista detalles sobre el grupo, su relación con los fans, su nuevo disco “Agujeros de Gusano” y una de sus mayores virtudes: el directo.

Empezamos por conoceros un poco más:

-Sois un collage de orígenes: un extremeño, un valenciano, un vasco, argentino, navarro, pero ¿también en lo musical? ¿Cuales son las mayores influencias de Izal?

Precisamente siempre comentamos que Izal surge de una mezcla de estilos muy distintos porque cada uno

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venimos de una rama musical. Gato viene más del Funky, Alberto e Iván son más clásicos y Mikel y Alejandroson más contemporáneos. Podríamos nombrar como influencias desde Mumford And Sons, Florence And The Machine, Editors, pasando por Standstill o Puggy.

-Hablando de viejo y de comienzos… ¿alguien reniega de su pasado? Mikel tiene un pasado muy de cantautor bastante presente en el EP Teletransporte y que ya está totalmente abandonado; incluso has cogido la eléctrica, ¿nos hablas de esta evolución?

La evolución ha sido totalmente natural. Mikel comenzó a componer canciones que ya no se defendían sólo con guitarra y voz, necesitaba una banda para tocar y pulir esas canciones. Así que poco a poco el formato fue creciendo y madurando. Y claro está, sigue madurando y creciendo. Hay muchísimo que aprender.

-En contraste con la buenísima acogida del público, la elección de financiar vuestro segundo disco mediante Crowdfunding y la cantidad elegida han le-

IZAL ENTREVISTA vantado críticas de otros grupos y gente del mundillo, ¿cómo os lo habéis tomado? Os damos una oportunidad para defenderos…

Nosotros seguimos convencidos de que ha sido la mejor manera de financiar este disco. La gente ha quedado contenta, y nosotros inmensamente agradecidos.

Gracias a este modo de financiación hemos podido conservar nuestra creatividad sin intrusiones externas y la gente ha recibido su recompensa y nuestra eterna gratitud.

-A punto de llegar a 10.000 likes en Fb y con más de 14.000 seguidores en Twitter, ¿qué tal os portáis con los/as fans? ¿Y ellos/as con vosotros?

Nos portamos lo mejor que podemos porque sin ellos estaríamos tocando en el salón de nuestra casa. Constantemente intentamos tener detalles de agradecimiento con ellos. Es lo mínimo.

Ell@s con nosotros se portan mejor qué bien. Hay mucho foniatra que nos está agradecido por cederles tanto paciente. Muchos de nuestros seguidores se dejan la voz cantando en nuestros conciertos y eso es algo que nunca dejará de emocionarnos.

-Vuestro éxito ha sido sobretodo fundado por el boca-oído, ¿sentís que sigue funcionando así o han tomado mayor importancia los medios? Ya estáis mucho más presentes en radios, revistas, blogs…

Al final es una unión de fuerzas entre una cosa y otra.

Sigue habiendo ese afán de compartir nuestra música (por favor que no cese, nos encanta!) y por otro lado es cierto que los medios nos están dando mucha difusión.

Estamos realmente agradecidos por el crecimiento de ese interés por nuestro trabajo. Sino seríamos un poquito más invisibles y sería imposible hacer llegar nuestra música a la gente.

Entrando en materia con “Agujeros de Gusano”:

-¿Por qué habéis elegido Agujeros de Gusano como título para este disco, o canción que lo abandera?

Nos gustaba el sentido de ello y lo que conlleva. Un blog Mexicano lo definió de un modo que nos gustó mucho; “El disco de Izal es como un agujero de gusano, sabes por donde entras pero no dónde te llevará.”

Define algo así como un viaje que va desde una despedida hasta una trilogía.

Además, la canción en directo nos desata un poco, y eso nos gusta.

-Sobre el significado de las canciones, habéis dicho que os gusta dejar libertad a interpretaciones, ¿cuál ha sido la interpretación ajena que más os ha sorprendido? ¿de donde sale la idea de añadir comentarios a este viaje que es Agujeros de Gusano?

Una interpretación sobre “La Mujer de Verde”nos hizo gracia. Preguntaba si hablaba sobre la marihuana. Frío frío!

La idea nos la propuso Spotifyy la verdad es que nos gustó. Hay discos que escuchamos sobre los que nos encantaría saber cualquier tipo de curiosidad, e intentamos hacer lo mismo del mejor modo posible y a nuestra manera.

-La canción Ockham, defiende el principio de la navaja de Okham, “en igualdad de condiciones, la explicación más sencilla suele ser la correcta” ¿en qué podríamos aplicar esto a Izal? ¿os habéis visto en alguna situación en la que seguir esta máxima?

En la composición de ese mismo tema precisamente.

Nos dimos cuenta de que en todos los temas nos rebuscamos para complicarnos y cambiar constantemente. Nos propusimos hacer un tema que con un estribillo sencillo y directo.

-En alguna de vuestras canciones como el Epílogo hacéis referencia a la situación que nos toca vivir en el país, ¿veis la música como un medio para conseguir ese “despertar” o remover conciencias?

Desde luego la música es capaz de llegar donde menos lo esperamos. Sería maravilloso si sirviese para hacer llegar un mensaje así.

-Por último, el disco lo defendéis como una idea de un viaje, algo que en estos tiempos también se agradece, el que cuidéis de un disco en conjunto y no de unos cuantos singles, ¿pensáis trasladar ese sentimiento al directo? Hemos visto ya que el comienzo y el final han coincidido en alguna ocasión…

Sí, pretendemos que el directo de nuevo sea un viaje emocionante como lo es para nosotros. Intentamos transmitir esa sensación. No siempre coincidirá de esa manera pero siempre será un viaje, esperemos.

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ENTREVISTA IZAL

Cambiando al directo y al futuro:

-Para esta gira de Agujeros de Gusano, ¿hay algún tema que os haga especial ilusión ver cómo funciona en directo? ¿Hay ganas de abandonar temporalmente algún tema viejo? ¿alguno que os hayan pedido ya?

Bueno quizá los temas del EP “Teletransporte”se vean muy poco o nada presentes en esta gira. Pero “nunca digas nunca”.

Nos hace especial ilusión ver cómo reacciona la gente ante los epílogos. A nosotros nos emociona mucho pero claro, eso es otra cosa.

-Sobre el directo, ¿podéis contarnos vuestras experiencias desde el escenario? ¿Sigue habiendo nervios? ¿Habéis sentido un cambio en la seguridad? porque viendo videos antiguos y ahora como en el Elastic Festival o el exitazo del Intromusic Festival de Valladolid ha habido un salto enorme.

Una ventaja con la que creemos que contamos es que todos los componentes de Izal tenemos más de 10 años detrás sobre escenarios. Eso hace que los nervios que haya en cada uno sean positivos, emocionantes.

Cada vez que salimos a escenarios con un público abrumador como nos ha pasado en los festivales que comentas, nos aumentan las ganas de vivir tocando y lo reflejamos precisamente de esa manera. Cada vez es más emocionante porque lo que nos está pasando es cada vez más bonito.

-El 2013 sin duda quedará en vuestra memoria, pero con la Riviera como inauguración ¿qué esperáis de este 2014?

Esperamos y deseamos que siga este crecimiento que tan felices nos está haciendo.

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UNA RONDA DE PREGUNTAS CORTAS - Grupo que descubrir:

Cyan, recomendados al cien por cien.

- Disco 2013:

Foals – “Holy Fire”.

- Canción 2013:

“Entertainment” – Phoenix.

- Música para la furgo:

Arcade Fire, L. A., Jero Romero (para la furgo ¡y para cualquier parte!).

- Festival al que no faltar como espectador:

Sonorama y Primavera Sound.

- Alguien que os versione:

Cualquier artista con gusto que respete nuestra música.

- Alguien a quien versionar:

Standstill, Jero Romero (sería interesante)

- Muchas gracias por atendernos y un abrazo de INDIEFERMAG ¡Muchas gracias a vosotros!

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ENTREVISTA

DOVER Por Albert Cornellá Font

Digan lo que digan, los madrileños Dover fueron y seguirán siendo una de las bandas más cojonudas de España. “Devil Came To Me” marcó un antes y un después en una escena que, por aquel 1997, vivía algo faltada de referentes, enamoró a toda una generación y sacudió los cimientos del rock.

Dieciséis años han pasado, y el trabajo sigue tan vigente como entonces. Para celebrar el acontecimiento, las hermanas Amparo y Cris-

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tina Llanos, el batería Jesús Antúnez– miembros fundadores del grupo – y el bajista Samuel Titos (incorporado en 2005) decidieron el año pasado empezar una gira para volver a tocar en directo aquel segundo trabajo de su trayectoria. Ahora encaran el último tramo de año con la segunda parte de esta gira, que arrancó el 15 de noviembre llenando la sala Razzmatazz de Barcelona, y que terminará el 10 de enero de 2014 en La Riviera de

Madrid. Una oportunidad de volver a disfrutar en vivo de temazos como “Devil Came To Me”, “Loli Jackson”, “La Monja Mellada”, “Serenade”o “Judas”, entre muchos otros. Con Amparo hablamos largo y tendido acerca de la repercusión de aquel disco, del presente, del pasado y, como no, del futuro de la banda.

DOVER ENTREVISTA - “Devil Came To Me” es, sin duda, uno de los trabajos más relevantes de la historia reciente de la música española. En aquel 1997 erais conscientes de la importancia del disco o creíais que todo se quedaría en un fenómeno efímero?

Cuando lo estábamos haciendo, sabíamos que nos estaba saliendo un disco redondo. O eso pensábamos nosotros… Nos sentíamos muy orgullosos durante la grabación y en el momento de editarlo, pero no pensábamos que tendría la repercusión que tuvo, y que ha seguido teniendo, porque es un trabajo que aguanta muy bien el tiempo.. Veníamos de vender menos de mil copias de “Sister”, el primer disco…

Que dieciséis años después seguiríamos tocando, en aquel momento, no lo habríamos ni soñado, la verdad.

- Erais una banda joven a mediados de los noventa. Venías apoyados por Subterfuge, un sello que, por aquel entonces, era lo más independiente de España. ¿Cual fue el secreto de aquel éxito masivo?

El secreto principal está en las canciones. Eran unos temas que en aquel momento a la gente le apetecía escuchar. No había Internet, pero el boca a boca, que incluso hoy en día en la red es muy importante, funcionó a la perfección. Creo que era un disco que suena muy sencillo porque no había muchos medios. Además, nosotros eramos una banda relativamente joven y tocábamos lo que tocábamos, ni más ni menos. Pero aquellas canciones eran las que en el 97 la gente quería escuchar. Es posible que si lo hubiéramos publicado dos años más tarde, no hubiera tenido el impacto que tuvo. ¡Quién lo sabe!

- El grupo subió gracias a este trabajo como el espuma. De la

noche a la mañana empezasteis a sonar en todos los lados y arrasasteis no solo en España, sino también en media Europa. En algún momento ¿os pasó factura este éxito súbito?

No. La verdad es que es curioso porque en esta gira, que tiene como base el “Devil Came To Me”, pero también tocamos algunos temas del “Late At Night”y del “I Was Dead For 7 Weeks In The City Of Angels”, hay gente joven que no vivió aquel momento y que reaccionan casi tanto igual a canciones como “Loli Jackson” que a otras como “DJ”o “Cherry Lee”. En cualquier caso, no nos ha pasado factura, sino más bien lo contrario, todo lo que nos pasó con aquel disco fue buenísimo y nos dio la oportunidad de tener una carrera y de conseguir vivir de la música durante muchos años, y solo por ello debemos estar muy agradecidos.

- Pero hubo una temporada en la que dejasteis de tocar estas canciones en los conciertos…

Es verdad que estuvimos unos años sin tocarlas. Si hubiéramos estado dieciséis años tocando siempre aquellas canciones ahora estaríamos posiblemente algo hartos. Pero la etapa “Let Me Out” rompió un poco con aquel ciclo y esos temas los pudimos dejar un poco apartados, porque el público también nos pedía otras canciones. Así no nos hemos saturado. Y al volver a retomarlas, pues lo hemos hecho con muchísimas más ganas.

- A lo largo de los años habéis dado unos cuantos giros estilísticos, pasando por la electrónica del “Follow The City Lights” (2006) al exotismo africano de vuestro último disco, el “I Ka Kené” (2010). ¿Es posible que pronto volvamos a escuchar a los Dover de aquellos primeros trabajos?

Yo es que creo que es prácticamente imposible volver al pasado.

Puede que en el próximo disco hagamos una canción de rock, o dos o diez, porque todo puede pasar.

Pero volver exactamente a hacer un álbum como aquellos tres primeros, es verdaderamente muy difícil.

Aquello lo hicimos entonces. Era lo que fuimos en aquellos años.

- Pero siempre hay los que creen que cualquier tiempo pasado es mejor….

Todo cambia y evoluciona, aunque a veces para algunos sea difícil de asimilar. Aunque hiciéramos una canción de rock o cinco, nunca sería como aquello. Pero no por nada, simplemente es que es imposible, y es que además, a mi me resultaría algo aburrido. No tenemos nada que perder y yo no se como será el próximo trabajo porque todo es posible.

- Aunque seguramente sea la pregunta del millón… ¿Algún día haréis un disco cantado en castellano?

Es una puerta que estaría siempre abierta, nunca dijimos “jamás haremos nada en castellano”. Podría ser que algún día nos apetezca y lo probemos. Lo que pasa es que no te lo aseguro, porque nos lo han preguntado de muchos discos y por ahora no lo tenemos previsto.

- ¿Cómo surgió la idea de celebrar los 15 años del “Devil came to me”?

La idea surgió porqué habíamos terminado el verano del año pasado la segunda gira de conciertos, con el “I ka kené” y en la que también tocábamos canciones de “Follow The City Lights”, que ya llevábamos varios años, y teníamos dos opciones. Una era ponernos a hacer un disco nuevo y la otra, pues celebrar un poco el aniversario del Devil.

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ENTREVISTA

Nos entraron ganas de volver a tocar aquellas canciones. Un día de verano nos pusimos a ensayar aquellas canciones, que llevábamos siglos sin tocarlas y se nos ocurrió hacer una gira así de salas pequeñas, y a partir de ahí surgió todo, que está siendo muy divertido.

- Y os lo pasáis genial en los escenarios….

Claro. Porque imagínate, es algo que no tiene ninguna responsabilidad. De ningún tipo. No hace falta nada más que ir bien ensayados, estar en forma y disfrutar. Y la gente que viene, lo hace con muchas ganas porque es una cosa que hacía mucho que no hacíamos, y además porque algunas de esas canciones no las volveremos a tocar, en mucho tiempo o nunca.

Nadie lo sabe. La idea era muy apetecible en general, y está resultando muy divertido.

- ¿Vais a celebrar los 25 años?

Pues hombre, ¡si llegamos habrá

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que celebrarlo!. ¡Ya sería la leche, vamos! Aunque ya tendremos que hacer un jubileo como la Reina Isabel de Inglaterra. Sería algo muy grande.

- El público que vino durante aquella primera gira de presentación del disco… ¿ha vuelto después de todos estos años?

Hay gente que repite, por supuesto.

Pero casi que en algunas ciudades hay más gente que no lo vivió entonces, porque eran más pequeños, y vienen porque nos conocieron más tarde, y escucharon aquello de “ay los Dover cuando hacían rock”…

- ¿Habrá Dover para muchos años?

Siempre es difícil de decir. Sin embargo, yo noto que en los conciertos estamos muy en forma, muy activos, hagamos la música que hagamos, nos sentimos muy bien. Por mucho que uno no quiera, hay que reconocer que todo tiene un princi-

pio y un final, y nunca se sabe.

Unas cosas se acaban, y otras empiezan. No se cuando será nuestro final.

- Pero de momento parece que tenéis mucha cuerda…

De momento si, eso si. Y aunque mañana fuera el último día del grupo, yo me iría contenta porque, hasta el último momento hemos estado muy en forma. El presente lo vivimos muy entregados a lo que hacemos, porque es lo que nos gusta.

I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.

No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

CRÓNICA

ARCTIC MONKEYS / PALACIO DE LOS DEPORTES, MADRID (15/11/13) 44 INDIEFERENCIA MAGAZINE Diciembre 2013

ARCTIC MONKEYS / PALACIO DE LOS DEPORTES, MADRID CRÓNICA Por Alejandra Otero

Una A y M gigantes presiden en un escenario que ha pasado de ser ridículamente pequeño a uno adecuado para una ‘arena’ como es el Palacio de los Deportes y demás pabellones de la gira que presenta AM. Arctic Monkeys.

Amplitude Modulation.

Los lumínicos caracteres nos avisan de que algo ha cambiado en los directos de los Monos del Ártico, pero ¿lo ha hecho realmente?

Arctic Monkeys han madurado asombrosamente con sólo cinco discos en su haber y sin siquiera rozar la treintena. Es natural que también lo hagan sus directos. Y si Josh Homme les cambió la vida a estos muchachos, cabría preguntarse de dónde ha mamado Alex Turner estos últimos años para convertirse en tan perfecto maestro de ceremonias. El británico, pelo hacia atrás y enfundado en sesentera guisa con chaqueta de Louis Vuitton incluída, demostró el pasado viernes, con guitarra o sin ella, que su asignatura pendiente como frontman ha dejado de serlo.

La velada la abrían unos chavales irlandeses llamados The Strypes que apenas han dejado los ‘teen’ -si es que lo han hecho- y que tocan música que le gustaría a nuestros padres. Rock n’ roll en estado puro

y sin parar -literalmente- durante más de tres cuartos de hora, dejándonos con la boca abierta a los que no teníamos el placer de conocerles. Si no has escuchado “Snapshot”, ya estás tardando. Y tras el preludio que fue ya en sí mismo una tormenta, llegaron los Arctic. Bañados en azul y con ese AM brillando, mientras sonaba una intro de factura propia que dejaba adivinar “Do I Wanna Know” y por ende “R U Mine?”, el tema que ha supuesto el cambio hacia esta nueva era de los Monos. Bendita era. Y es que su quinto álbum es de esos que, a primera escucha, podría resultar incomprendido pero que, como el buen vino, se hace aún más perfecto a cada escucha. Al igual que lo hiciera aquel revolucionario “Humbug”, “AM” pasará a la historia en su discografía como lo hará su gira de presentación. Y será así porque han tenido el valor de dejarse en el tintero temas antes inamovibles en su repertorio en directo y conseguir que no se echen de menos.

¿Cómo se consigue esto? Sencillo, basta con empezar con seis tema-

zos que dejen sin aliento al personal. A “Do I Wanna Know”, posiblemente el mejor tema que ha parido Turner en toda su carrera, le siguieron el brutal “Brianstorm”y un clásico olvidado que ha resurgido de sus cenizas para deleite de los old school: “Dancing Shoes”. La cosa no acaba ahí: “Don’t Sit Down Cause I Move Your Chair” del cada vez más desaparecido del repertorio “Suck It And See”, “Teddy Picker” y la inmediatamente obligada “Crying Lightning”. Con semejante tarjeta de visita uno comienza a preguntarse dónde queda el nuevo álbum y desea alguna lenta para recuperar el resuello. Era el momento perfecto para “Fireside” y sus aires latinos, que irrumpía en la noche ártica.

En el menú hubo mucho “AM”a partir de ese inicio, y quedarse con alguna de las escogidas se convierte en ardua tarea. Si “One for the Road” en directo mejora gracias al más evidente poso “Humbug” respecto al disco,“Arabella”pasa a otro nivel y más cuando Jamie Cookmete en el solo los acordes de “War Pigs” de Black Sabbath-por

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CRÓNICA

si el homenaje no era ya evidentey da paso al frenético punteo de Turner que todos esperábamos y que no teníamos tan claro que fuera a haber. El rock siguió con “AM” porque, no había dado tiempo ni a respirar, cuando a los acordes finales de “Arabella” se enganchaba a la más ‘stoner’ de las canciones del último disco: “I Want It All”. Cerrando esta nueva parada escuchamos un “I Bet You Look Good on the Dancefloor” con un tempo algo más lento de lo habitual como antesala de uno de los momentos semi-acústicos del directo con “Cornerstone” y, atención, “Piledriver Waltz”.

Tema de Alex Turner en solitario, con el EP que sacó en 2011 para la BSO de Submarine, la opera prima de Richard Ayoade y el único que luego pasó a formar parte de “Suck It And See”.

Llegaba la recta final del concierto pese a que los allí presentes no teníamos gana ninguna que se acabara semejante recital tan perfectamente orquestado: funkeó

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Turner con “Why’d You Only Call Me When You High” y nos emocionó con la espectacular “I Wanna Be Yours” con miles de luces acariciando todo el Palacio de los Deportes. Pero con los de lágrima fácil no habían terminado Turner y los suyos: “Mardy Bum” en semiacústico se escondía en el bis. Y con ella, uno de esos momentos que guardas en tu cajita de los recuerdos, esa pequeña y de fondo infinito que tira de nudo en el estómago cuando la abrimos. Al grito inicial se sucedió una única voz de 16.000 gargantas cantando mientras acompañaba el rasgueo de la acústica. Las emociones a flor de piel para que bajara el telón con “R U Mine?” la canción con la que empezó todo. La canción a la que debemos “AM”. La canción que escribió las primeras líneas de este nuevo capítulo con el que los Arctic Monkeys se vuelven a superar. Otra vez.

Cuando las luces se apagaron y los cuatro dejaron el escenario aún le

costaba al respetable marcharse.

En ese momento, tras esa hora y media con 21 canciones y pocos interludios entre ellas, te dabas cuenta de que “505″ había dejado de ser la canción del cierre. Tras tocarla con Miles Kane en la última gira, bajar peldaños tiene poco sentido. Es más, tras la vorágine, notas que “When the Sun Goes Down”, himno inamovible, ha desaparecido también. Si esto es duro, más lo es el hecho de que no la has echado de menos. Es la magia de losArcticque, a pesar de que han dejado entrar un poco más la parafernalia y el espectáculo, en realidad siguen obsesionados por conseguir lo que pocos grupos que saborean las mieles del éxito siguen manteniendo: el directo musicalmente perfecto. Para muchos será el concierto del año, entre los que se incluye la que escribe estas líneas. So laugh and joke around remembering that cuddles in the kitchen little Mardy Bum.

ARCTIC MONKEYS / PALACIO DE LOS DEPORTES, MADRID CRÓNICA

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CRYSTAL FIGHTERS CRÓNICA

/ LIVE MUSIC HALL, KÖLN, ALEMANIA (04/11/13)

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CRYSTAL FIGHTERS / LIVE MUSIC HALL, KÖLN CRÓNICA Por David G. Altarejos

Dos años después de su última actuación en Köln (Colonia), los británicos volvían a la ciudad con la gira de presentación de su nuevo álbum “Cave Rave” y los presentes disfrutamos de lo lindo de su actuación.

No hay grupo en directo más buenroller, lleno de energía y vitalidad que Crystal Fighters.

Y llegados a este punto hay que contar la historia de dos hobbits, un varón (servidor, de 1,68m) y una mujer (1,60m) que, rodeados de alemanes de 1,90-2m, se atrevieron con los pogos y salieron victoriosos, acabando —y disfrutando— en segunda fila en una sala repleta hasta los topes.

De los teloneros (Fiction) poco se puede comentar, únicamente alcanzamos a ver su última canción. Después los pequeños hobbits se internaron entre los tallos alemanes y obtuvieron una posición decente.

Al rato saltaron los británicos, con el frontman Sebastian Pringle a la cabeza, con unas pintas muy hippiescas, como salido de los años ’60. Empezaron con “Solar System“, canción que también abre su disco de debut (“Star of Love”, 2010) y los pequeños hobbits empezamos a botar.

Hay que decir que la acústica de la sala era bastante buena y que en nuestra posición los alemanes estaban un tanto sosai-

nas, así que nos animamos a saltar, botar y disfrutar con los pogos que se formaban más adelante con los temas que se iban sucediendo: “Follow“, “LA Calling“, “Champion Sound“, “Separator“… Los anglosajones (con sus influencias vascas) fueron intercambiando temas de su primer disco con temas de su nuevo LP y el público (por lo menos los que rondábamos las primeras filas) estaba extasiado, dándolo todo al son de los ritmos endiablados de los ingleses.

Poco a poco fueron dando buena cuenta de sus dos álbumes y también nos deleitaron con “Love Is All I Got“, canción en la que colaboran con el grupo Feed Me. Como siempre, el frontman (Sebastian) muy dicharachero, agradeciendo a la multitud su presencia allí para disfrutar como gorrinos saltando, pataleando, coreando, gritando… Y finalmente, para terminar — antes del encore— cerraron con dos temas de su primer disco: “In The Summer” y “At Home”, con la gente moviendo los brazos y coreando en total comunión con la banda.

Se despidieron, y al poco tiempo volvieron al escenario para hacernos sudar y quemar zapatilla (más si cabe) primero con su hit más conocido, “I Love London“, después con uno de los singles de su último disco, “Wave“, y como siempre, fiesta total para cerrar el acto con la clásica “Xtatic Truth” que desató la locura hasta en el mismo guitarrista (Graham Dickson) que saltó desde lo alto de uno de los altavoces hacia el escenario,cayendo sobre el escenario de forma acrobática. Así pues, terminaron por todo lo alto, y Sebastian con sus ropas hippies se despidió de rodillas dándonos las gracias por estar ahí. A los presentes no nos quedó otra que desfilar para casa con una sonrisa de oreja a oreja y con la sensación de haber presenciado un espectáculo que le carga las pilas a uno, y te llena de energía y vitalidad.

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CRÓNICA

VOLCANO CHOIR / PARADISO, AMSTERDAM (16/11/13)

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VOLCANO CHOIR / PARADISO, AMSTERDAM CRÓNICA Por Jaime Mateo Herrero

Hace poco más de un año quien escribe estas líneas debutaba como redactor de INDIEferencia Magazine con una crónica del concierto de Bon Iver en Madrid. Es por ello que para mí este concierto ya contaba con un plus de significado emocional. Aprovechando mi actual estancia en los Países Bajos, he tenido la suerte de disfrutar una vez más de uno de mis mayores ídolos musicales, Justin Vernon, esta vez bajo el nombre de su proyecto musical Volcano Choir presentando su último disco “Repave” en la gira de otoño europea.

La sala Paradiso, en pleno centro cultural de Amsterdam, abría sus puertas a eso de las 19:00 con el aviso de sold-out para el primer concierto que daba Volcano Choir en la capital holandesa. Al ser mi primera vez en dicha sala, no pude evitar quedarme con la boca abierta al entrar al Grote Zaal de la Paradiso. Parecida a la Sala Apolo, con un tamaño reducido y dos pisos de gradas, ya anticipaba que sería el sitio perfecto para ver un concierto de estas características.

Los teloneros Rue Royale fueron los encargados de abrir la velada con una apuesta sencilla e intimista. El grupo formado tan sólo por la pareja anglo-americana Ruth y Brookln Dekker, nos dejó un impecable concierto acústico con él entregado a la guitarra y las voces y ella acompañando con los teclados y la percusión.

Presentaron las canciones de su reciente tercer disco,“Remedies Ahead”, y agradecieron al público la atención, recordando que volverían a principios de 2014 para dar más conciertos por los Países Bajos.

Antes de salir Volcano Choir al escenario, ya se podía ver el fondo del escenario que acompañaba también a la gira de Bon Iver, esas redes de pesca que juegan con las luces de colores y las sombras de manera magistral. Salieron los componentes del grupo uno por uno, primero el teclado, luego el batería Jon Mueller, los tres guitarristas, el bajo y Justin Vernon, que se situó en un discreto estrado al lado de Chris Rosenau, gran protagonista junto al cantante de Bon Iver.

Desde el primer momento se apreció la veteranía de estos músicos, muchos de ellos antiguos miembros de Collections of Colonies of Bees. Tanto el guitarrista Chris como el batería Jon dieron un gran recital y llevaron las canciones de Volcano Choir a un potente directo. Como ya pasaba con Bon Iver, las canciones de Choir sonaron más robustas y rockeras que en los discos. Abrió el concierto Wincek con los teclados de “Tiderays” y en seguida Justin se quitaba la sudadera, bebía un trago de su Guiness favorita y agarraba el micrófono para comenzar una interpretación sublime.

A lo largo del concierto presentaron los nuevos temas de “Repave”, con un público más que entregado en “Comrade” o “Acetate” e incluso animándose con algunos bailes en “Dancepack” o en la no editada “Triumph”. También se dejaron escuchar algunas del primer disco “Unmap” como la preciosa “Island, IS”.

Presentaron dos nuevas canciones, reafirmando que posiblemente esté más cerca un tercer disco de Volcano Choir que de de Bon Iver. Enorme fue “Byegone”, con Jon Mueller entregadísimo en la batería haciendo de la canción un contundente himno rock.

Justo antes del bis, alguien en el público pidió “Still”y efectivamente, se apagaron las luces, cogimos aliento y Justin empezó a entonar los distorsionados “I’m up in the woods, I’m down on my mind…” que tan famosos se hicieron con el soberbio “My Beautiful Dark…” de Kanye West. Totalmente rendidos a la magia del grupo, el público los ovacionamos hasta que volvieron del bis.

Tanto Chris como Justin agradecieron el entusiasmo del grupo y nos aseguraron que no esperaban tal acogida en su primera actuación en los Países Bajos.

Tras el bis, interpretaron las dos canciones que cierran ambos discos. Primero “Almanac”, con Justin apagando el micro y cantando “a cappella” en más de una ocasión para ponernos los pelos de punta. Por último, en la estremecedora “Youlogy”, tan sólo las escasa notas de guitarra y la voz de Justin sirvieron para dejarnos con la boca abierta durante más de tres minutos en los que ni se escuchaban las respiraciones de los respetuosos asistentes. Al final de la canción, el hilo de voz se terminó y vino un silencio sepulcral. Tras unos segundos las gradas se levantaron y empezaron los aplausos que durarían diez minutos. Los músicos agradecieron una vez más la ovación y prometieron volver pronto a ese templo musical que es la Paradiso.

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CRÓNICA

DAUGHTER / SALA APOLO, BARCELONA (28/11/13)

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DAUGHTER / SALA APOLO, BARCELONA CRÓNICA Por Albert Cornellá Font

Era algo que podíamos esperar. Daughterse ha erigido en uno de los fenómenos del año que termina y su popularidad crece a ritmo acelerado.

Sin nada que les frene. Y es que muy pocas formaciones pueden presumir, “¡con la que está cayendo!”, de hacer un sold outen su doblete por España. Así las cosas, después de haber petado literalmente el escenario Vice en la pasada edición del Primavera Sound, Elena Tonray los suyos volvían a la ciudad y esta vez, estaban avisados.

Aún así, a la cantante y vocalista, alma máterdel trío, alguien debería pellizcarla, porque de nuevo se mostró asombrada, como si de un sueño se tratara, por el hecho de haber puesto a rebosar la mítica sala Apolo.

Había ganas de escuchar en directo los temas del “If You Leave”, este primer trabajo con el que han seducido a un público extremadamente heterogéneo y se han ganado a la crítica especializada. Es evidente que lo del

Primavera fue como una tapa (los conciertos en un festival sirven para disfrutar de un pequeño bocado y decidir si vale la pena o no verlos si es que vuelven, dentro de una gira), así que en Barcelona el público acudió dispuesto a degustar un menú de calidad, con primero, segundo, postre y café.

El primero lo sirvieron algo frio, abriendo con una “Still” que no terminó de cuajar en su ejecución, a pesar de ser uno de los temas más redondos del álbum. Menos mal que con “Amsterdam”, “Lifeforms” o las emotivas “Winter” y “Youth”, el concierto fue adquiriendo otra dimensión, con un Igor Haefelique empezó a lucirse en la guitarra y un Remi Aguilellasacudiendo el polvo de sus baquetas. El carácter británico-depresivo que transmiteDaughteren el primer momento, poco a poco se fue evaporando, y el público empezó a entregarse, aunque con cierta timidez. Y es que la crudeza de los temas que conformaron lo que podríamos entender como segundo plato, básicamente las pertenecientes al EP “His Young Heart” (2011), brillando por encima de todo “Landfill” y “Candles”, que pusieron la piel de gallina a más de uno.

Aún así, Elenasiguió mostrándose más ruborizada de lo que debería a estas alturas del partido, hablando con sus desdichados zapatos acerca de lo bien que respondía el público. El postre y el café se sirvieron juntos, con una aceptable e introvertida versión del hitdel año, “Get Lucky” de los Daft Punk. Un punto y final que dejó buen sabor de boca, aunque muchos esperaban algo más de ellos. A su favor hay que decir que con un solo LP publicado, aún no se les puede exigir la excelencia.

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I C O T O P NOVIEMBRE 2013 Por Quique G贸mez

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Ico Top | INTERNACIONAL

The Wave Pictures City Forgiveness

Vamos a dejarlo claro desde el principio, para no andarnos por las ramas y que al final no se entienda el concepto básico. La grandeza de The Wave Pictures está en la falta de perfección y, ojo, importante, la intencionada no búsqueda de la misma.

Nunca lo han hecho y a estas alturas, viendo el resultado de este “City Forgiveness”, dudo que lo intenten en el futuro.

El quinto álbum del trío de Wymeswold (Reino Unido) es el resultado de las anotaciones que iba tomando su propio líder, David Tattersall, en la agotadora gira que los ha llevado por Estados Unidos con la excusa de la presentación de su anterior disco, “Long Black Cars” (2012).

No sé en qué momento le daba tiempo al hombre a escribir tan buenas canciones a la vez que improvisadas como para sacarse un doble LP de la manga, pero aquí lo tenemos, sin faltar a su cita casi anual. Sin duda, uno de sus puntos fuertes, es esa sensación de sonido a directo que mantienen desde “Sophie” (2006), aquel humilde debut.

Pero no fue hasta el posterior e insuperable “Instant Coffee Baby” (2008) cuando consiguieron la relativa fama que bien merecen y que, injustamente, los sitúan como imitadores de Hefner o Herman Düne. El nombre de Darren Hayman aparecerá siempre asociado a ellos, es inevitable, pues produjo dicho disco, pero The Wave Pictures se diferencian de sus mentores por la mayor inclusión de guitarras y de sonido bluesero en general. Cada uno de los tres componentes va por libre y todo queda de maravilla. A medida que pasan los años, cada vez más y mejor.

Abre el disco “All My Friends Are Going To Be Strangers”, una maravilla rock con punteo final que quita el aliento y que enseña las armas de la banda en todo su esplendor. Hay mucho de rock, digamos, a la americana, con referencias siempre alternativas, como Lou Reed o, sobre todo, los Television de Tom Verlaine (“Tropic”). En “Chestnut” parecen una banda mayor, o por lo menos de cinco músicos.

Cuesta imaginarse a un “simple” trío haciendo un rock & roll de tal calibre. Muy serios. Ocurre parecido en “Shell”, en plan melodrama final, a la americana. Se nota que se empaparon bien en esta gira, pues hasta algunos títulos los delatan: “Missoula”

(un canteo blues) y “Atlanta” (otro) son sospechosas. Con “The Woods” tienden a Jefferson Airplane (con voz masculina). Y en el final de “Like Smoke” ya me he quedado sin calificativos.

Pero vamos a ver, todo esto sin olvidar, por supuesto, su vertiente más desenfadada, la de esas sencillísimas canciones que se te clavan como cuchillas en la piel. Irresistibles joyitas pop pero con chicha, nada de relleno. Ahí están, seguidas, “Before This Day”y “The Inattentive Reader”. La primera con ese rollito tropical que tan bien se les da y que repite temática en “Red Cloud Road Part 2”. La segunda, con coros, a lo “We Come Alone”. “New Skin” a modo de balada soft; el título de balada hard se lo lleva “A Crack In The Plans”, con otra subida de vueltas final que da escalofríos.

Bueno, pues así, hasta 20 canciones. Reconocibles como siempre, con un estilo tremendamente particular, pero más en forma que nunca. Los que habían perdido la fe en ellos (parecía imposible superar “Instant Coffee Baby”) se van a llevar una muy agradable sorpresa.

Sobre todo si lo que iban buscando tendía hacia el bluesrock.

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Grizzly Bear / Shields: B-Sides

“Qué bonicos los Grizzly Bear” se podía oír en su concierto del pasado Primavera Sound, cuando, por fin, conseguí verlos en directo. Tan bueno es “Shields” (para un servidor, segundo mejor disco de 2012) que hasta sus propios descartes son joyas. Por si fuese poco, los neoyorquinos han dotado a este EP de alguna que otra rareza y tres remixes de dicho álbum (a cargo de Nicolas Jaar, Liars y Lindrstrøm). Parecen elegidos por los dioses, pues su difícil propuesta, ese pop de cámara a medio camino entre lo bizarro y lo delicado, los sitúa al borde de un precipicio del cual cualquier otra banda se despeñaría tan solo intentándolo. Son raros hasta decir basta, pero tan jodidamente buenos a la vez, que su música trasciende disco a disco. E insisto, da igual que sean descartes de un álbum, pues cualquiera de ellos los querría firmar cualquier otro grupo de corte, digamos, sensible. Con una carta de presentación como “Will Calls” ya está todo justificado. Únicos.

Cut Copy / Free Your Mind

Si hay una cosa por la que destaca el cuarto álbum de los australianos Cut Copy es el evidente cambio de droga que se meten. Han dejado el éxtasis suavón-ibicenco para pasarse a algo más duro. Dicho de una forma más suave, se han mudado de la playa a la pista de baile; ha terminado el atardecer rodeado de mojitos y se ha hecho de noche… “Free Your Mind” es peor que “Zonoscope” (2011) y que, sobre todo, “In Ghost Colours” (2008), pero no por esa nueva faceta más bailonga, sino porque esos dos predecesores son casi insuperables. El listón estaba demasiado alto, precisamente por eso es más que justificable el ligero cambio de registro. Para qué intentar, tan siquiera, igualar algo que ya está bien hecho y que los situó a la cabeza de un sonido tan retro como moderno a la vez. Aquí, encima, se atreven con “Screamadelica” (1991) en temas como “Let Me Show Your Love”. Un respeto. Yo estoy con ellos.

Soviet Soviet / Fate

Empiezo con lo malo, que es poco: se hace muy constante, repetitivo en cuanto a sonido, todo el rato en el mismo plano. Ya. Ahora lo bueno: ¿no trataba de eso el post-punk que inauguraron Joy Division y que a todo Cristo se le llena la boca simplemente nombrándolos?

Pues eso. Soviet Soviet son tres jóvenes italianos que han aprendido de los buenos y que están aquí para plantarles cara a todas esas bandas tan reconocibles en dicho estilo y de moda en la actualidad (Holograms, Iceage, Toy, The Horrors…). Y si hay algo donde poder encontrar algo de diferencia con respecto a tan cerrado marco es en la voz de Andrea Giometti, que bien podría servir para liderar bandas brit-pop como Suede o The Charlatans (en “Gone Fast” está pletórico). Tras un prometedor EP titulado “Summer, Jesus” editado en 2011, el año pasado ya se concentraron en este, ya realidad, “Fate”. Que alguien los traiga de gira a nuestro país, por favor.

The Stevens / A History Of Hygiene

Que la carta de presentación del debut de The Stevens sea que sus miembros forman parte de mis amados Twerps y de Boogmates (¿?), ya justifica el interés. Hay más golosas noticias, y es que su pop-rock medio surfero y medio lo-fi cuenta en “A History Of Hygiene” con 24 canciones en menos de 44 minutos. Estos australianos escupen canciones de dos minutos como ideas les vienen a la mente. Y si bien es cierto que el formato es ideal para desarrollos cortos, pues alargar los temas convertiría la escucha en algo densa, también es cierto que echamos algo de menos la otra vertiente, simplemente para ver qué tal se les daría. En cualquier caso, un buen puñado de canciones que pasan en un suspiro y que pone de manifiesto el buen estado de forma que lleva arrastrando la escena garajera australiana actual, que suma, con estos The Stevens, unas cuantas bandas ya a tener en cuenta (corroboran los citados Twerps y los recientes Legs).

56 INDIEFERENCIA MAGAZINE Diciembre 2013

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Pájaro Sunrise / Kulturkatzenjammer

Sólo con el nombre del disco ya es para cagarse en sus muertos, pero con algo de paciencia obviamos semejante atentado a la razón y nos podemos centrar en su preciosa música. Yuri Méndez Barrios, alias Pájaro Sunrise, vuelve a la escena tras su retiro espiritual al que se

auto sometió tras la gira del anterior “Old Goodbyes” (2011). Este leonés de 34 años, que cuenta con tres álbumes anteriores (un homónimo de 2006, el arriesgado “Done/Undone” de 2009 y el citado “Old Goodbyes”), se aleja más que nunca de la electrónica para acercarse al sonido más preciosista y pastoral. Sigue habiendo sintetizadores y cajas de ritmos, pues es el único integrante de este proyecto en el que parecen sonar como banda, pero ahora casi influenciado por grupos folk como Fleet Foxes o Volcano Choir.

El principio del disco es demoledor, con “Good To See You” y “Long Forgotten Flowers” tras la magnética “Hopefully Pt. 1”. Lo demás ya

entra solo, porque ya te ha llevado a su terreno, del cual es imposible salir. A mitad de disco hay alguna que otra demostración de esa faceta anterior que no iba a olvidar, como la transgresora “The Vision” o la más variada “Gorgeous Georgina”. Incluso denota un cariño especial por lo añejo, como en el caso de “086”. Pero en seguida vuelve a la carga con bonitas canciones como “Passing Birds”, “Sink Or Swin” o, en especial, la tremenda instrumental “Il Sorprasso”. Un maldito fenómeno, de verdad.

BFlecha / ßeta

Belén Vidal (el nombre detrás de BFlecha) se lo lleva currando años y por fin ha dado el salto al LP tras unos cuantos sencillos sueltos. Juega en la misma liga que el también debutante El Último Vecino (con voz de Linda Mirada), la del synth pop más retro, pero BFlecha se desmarca del resto con un salto hacia unas espaciales letras que quedan patentes incluso desde el propio título. La que da nombre al disco marca un poco su propia estructura: está casi a mitad y es la segunda instrumental tras “Descenso”, aunque aquí te das cuenta del mucho peso que tiene el sonido y no sólo la letra. Habrá más intentos (“Materia Exótica” y la excelente “Jápeto”), además de unos cuantos singles potenciales: “Mundo Bizarro” es uno de los temas más pegadizos que recuerdo; “B33” tiene un estribillo irresistible; y “Lava Templada” no tiene nada que envidiar a la mejor Katy B, (mezcla de UK garaje y dubstep). Ojito con ella.

Cápsula / Solar Secrets

Es bastante injusto que la poca fama que tienen estos vasco-argentinos Cápsula se la deban a las versiones del “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” del eterno David Bowie que hicieron hace relativamente poco. Son casi 15 años los que lleva ya este trío en la carretera y merecían ese reconocimiento mucho antes. Pese a la experiencia adquirida con el disco del “camaleón”, este “Solar Secrets” nada tiene que ver con él. Rock duro, a veces con tendencia al desierto (¿Queens Of The Stone Age?), pero sin olvidar la frescura en algún que otro estribillo demoledor (“The Fear”, “Constellation Freedom”, “Trails Of Senselessness”) y nunca resultando cansinos, sabiendo acabar las canciones en el momento preciso. De hecho, los 34 minutos que dura se me antojan cortos.

Te dejan con ganas (muchas) de más, pues no tiene un maldito minuto de desperdicio. Por si fuese poco, tienen los santos cojones de acabar con un temazo como “Birds Of Woods”.

Diciembre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 57

INDIESPENSABLES: Noviembre 2013

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

1. M.I.A. - Matangi 2. The Wave Pictures - City Forgiveness 3. Pájaro Sunrise - Kulturkatzenjammer 4. BFlecha - ßeta 5. Blood Orange - Cupid Deluxe

1. Reikiavik - Daño Universal 2. Capsula - Solar Secrets 3. Ojete Calor - Delayed!

4. La Casa Azul y Nino Bravo - En Libertad 5. Pájaro Sunrise - Kulturkatzenjammer

1. Soviet Soviet - Fate 2. M.I.A. - Matangi 3. Cut Copy - Free Your Mind 4. The Hunt - The Hunt Begins 5. Gesaffelstein - Aleph

01. M.I.A. - aTENTion 02. Grizzly Bear - Will Calls 03. BFlecha - Mundo Bizarro feat. Arufe 04. Blood Orange - You’re Not Good Enough 05. Pájaro Sunrise - Il Sorprasso

1. Mogwai - The Lord is Out of Control 2. Mono - Kanata 3. Temples - Mesmerise 4. Reikiavik - Tu el dictador y yo el revolver 5. Ojete Calor - Rigodón

1. Soviet Soviet - 1990 2. Iceage - To The Comrades 3. Cut Copy - We Are Explorers 4. Gesaffelstein - Hate Or Glory 5. The Hunt - Trainwreck

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

1. Destroyer - Five Spanish Songs 2. Los Campesinos! - No Blues 3. Jake Bugg - Shangri La 4. The Wave Pictures - City Forgiveness 5. Cut Copy - Free Your Mind

1. Los Campesinos! - No Blues 2. Terrier - Un Cadáver en el Mar 3. Blood Orange - Cupid Deluxe 4. Destroyer - Five Spanish Songs 5. Cut Copy - Free Your Mind

58 INDIEFERENCIA MAGAZINE Diciembre 2013

1. Destroyer - Del montón 2. Jake Bugg - What Doesn't Kill You 3. Los Campesinos - Glue Me 4. Grizzly Bear - Will Calls 5. Blood Orange - You’re Not Good Enough

1. Grizzly Bear - Will Calls 2. Los Campesinos! - Glue Me 3. Blood Orange – You’re Not Good Enough 4. Destroyer - Bye Bye 5. Terrier - La Noria

LOU REED 1942 - 2013

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López, Sergio Herguedas, Martín, Albert Cornella Font, Guillermo J. Garcia, Álvaro Hernáez y Belén Martinez Saiz.

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F. Javier Moreno

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AGRADECIMIENTOS

Entrevista y fotos a The Courteerners realizada por Sergio Santos Fotos de la crónica de Arctic Monkeys por Lucía González Santiago Foto de portada de la crónica de Daughter por Stacey Hatfield

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