INDIEFERMAG Nº 25. Octubre 2013

REVIEWS

ENTREVISTAS

ARCTIC MONKEYS ICO TOP

CRÓNICAS

ÍNDICE INDIEFERENCIA MAGAZINE

Review del mes Arctic Monkeys “AM”

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Reviews MGMT: “Mgmt” 8 CHVRCHES: “The Bones Of What You Believe” 10 Alphabeat: “Express Non-Stop” 12 Travis: “Where You Stand” 14 Second: “Montaña Rusa” 16 Haim: “Days Are Gone” 18 Yuck: “Glow & Behold” 20 Convergència i Unió: “Convergència i Unió” 22 The Royal Concept: “Goldrushed” 24 Entrevistas

The Royal Concept 26 EstereoClub 30

Crónicas

Ebrovision 2013: 5,6 & 7 de septiembre FiSahara 2013: 5 de septiembre Built To Spill: 3 de septiembre My Bloody Valentine: 4 de septiembre

34 40 42 44

Ico Top Ico Top septiembre 2013 38 Indiespensables Tops septiembre 2013 42

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ARCTIC MONKEYS AM / 2013

Por Alejandra Otero

“AM” es uno de esos álbumes que deberian venir con instrucciones de uso.

No han tenido la deferencia los ‘monos árticos’: una vez más, el artwork y el contenido del libreto es minimalista al extremo.

Sello de identidad, vagancia, querer darle importancia al contenido sobre el continente… quién sabe. “AM” es el quinto trabajo de Arctic Monkeys y hablar de él daría para una comida, la sobremesa, la merienda, la cena, las copas posteriores y puede que para un resacoso desayuno. No tenemos tanto tiempo, pero lo intentaré.

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Lo de Arctic Monkeys es increible.

Unas navidades te regalan una guitarra y en poco menos de un año eres una estrella. Y ni siquiera te ha salido la barba. Si hay una banda que se defina por el hype esta es, sin duda, la de los de Sheffield. Con un rock directo de pinceladas punk y una energía insólita, los Arctic se ganaron un puesto que a otras bandas les ha costado años o, más aún, todavía siguen intentándolo.

¿Qué queda de esos Arctic de los inicios? Poco y mucho. Si bien “Humbug” supuso el punto de inflexión que los expertos llaman ‘madurez’, los dos trabajos posteriores de los británicos, “Suck It And See” y el “AM” que nos ocupa, poco tienen que ver con “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” y “Favourite Worst Nightmare”. Al menos a primera escucha. Tras adentrarse en la densa oscuridad de la mano de Josh Homme nada volvió a ser lo mismo: colgaron la bandera británica seducidos por la dulce miel escondida en las barras y estrellas. Se nota.

De esa oscura habitación pasaron a “Suck It And See”, un paseo por una playa de fina arena en ese momento en el que la temperatura es monótonamente perfecta. Quizá demasiado sol, lo que se arregló con un buen puñado de bsides que venían a anticipar lo que nos encon-

traríamos en el quinto disco. Y es que lo bueno de Arctic Monkeys es que sus ‘eras’ no finalizan con el lanzamiento del álbum: eso es sólo el principio. A su llegada, se suman las giras y una necesidad infinita de crear. Así fue como llegó “R U Mine?”, tema que acarreó tal fervor que acabó ganándose un hueco en este “AM”.

“AM”, ¿Arctic Monkeys o Amplitude Modulation? Los de Turner juegan con la ambigüedad desde la presentación. ¿Tenemos todo el rock stoner que prometía “R U Mine?” o la espectacular “Do I Wanna Know?”, mezcla perfecta entre la anterior mencionada y “Dance Little Liar?”

No. De hecho, “AM” es el disco más pop hasta la fecha de estos británicos con pasaporte americano.

Tanto, que si cambias las guitarras por una base de rap fresco y fácil a “One For the Road”, puede pasar por un tema de una ‘boy band’ de las de antes, estilo Back Street Boys o New Kids On the Block. Lo mismo ocurre con ese estribillo simplón de “Snap Out of It” o con ese fugaz momento que precede al estribillo de “Arabella”, en el que no cuesta imaginarse a una hipotética Britney Spears en ‘versión Bronx’ chasqueando los dedos y haciendo ese zigzagueo con el cuello mientras te recuerda que‘sus días son mejores cuando el sol se pone a su espalda’.

AM | ARCTIC MONKEYS

¿Los Monos convertidos en una boy band? ¿Toca encerrarse en el cuarto a darse cabezazos contra la pared con “Whatever People Say I Am..” a todo volumen y dos botellas de ginebra en la recámara? Una vez más, no. Aunque parezca imposible, este disco en el que los Arctic se atreven con lo más inimaginable siguen siendo fieles a sí mismos. Sí, se puede sonar como Justin Timberlake y seguir siendo Alex Turner. El concepto jukebox parece que se está extendiendo en eso de sacar discos: el miedo a aburrir al personal en un mundo en lo que lo que se estrenaba ayer, hoy ya está obsoleto, ha condicionado por completo a muchas bandas. Bandas que no quieren perder su hueco de honor en la industria de la música, claro. El título lo define a la perfección: esto es radiofórmula, pero en un utópico universo paralelo en el que las cosas pueden ser mejores.

Todo es cuestión del enfoque.

“AM” es el disco más heterogéneo de Arctic Monkeys hasta la fecha y puede provocar rechazo a primera

escucha, sobre todo si llevas escuchándolos desde aquel primer álbum. Pero si bien con “Do I Wanna Know?” nos podían haber engañado, fueron honestos con “Why’d You’re Only Call Me When You High?”: funk y “Humbug” a partes iguales y esto suena espectacular. Malditos Monos. ¿Cómo lo hacen? La receta está celosamente guardada, como lo está la de la Coca Cola, en ese complejo laberinto que debe ser el cerebro de Alex Turner.

Tres baladas, ya sea para hooligans borrachos cierrabares como “No.1 Party Anthem”, de reminiscencias a los sesenta como “Mad Sounds” o ‘tarantinescas’ como “I Wanna Be Yours”, se mezclan con el rock puro de “Arabella”, y sus riffs homenaje a “War Pigs” de Black Sabbath, o la stoner, con falsete incluido, “I Want It All”. No es casualidad: Josh Homme colabora en esta última. Rock también tenemos en la varias veces mentada “Do I Wanna Know?”, himno ya con sólo tres meses de vida y posiblemente

uno de los mejores temas que han compuesto hasta la fecha, o el también mencionado “R U Mine?”. Difícil de definir son “Fireside”, con rasgeos tan latinos como pegadizos, en el que se cuela, una vez más, “Humbug”, y “Knee Socks”, con un Josh Homme en carne y hueso meciendonos con su voz en la conclusión.

Semejante mezcolanza sólo tiene dos posibles finales: estrepitoso fracaso o disco redondo, de tan amplios matices, que simplemente demanda paciencia para asimilarlo.

Me decanto por lo segundo. Quizá sea la continúa aparición de “Humbug”, la clave en todo esto. O quizá, simplemente, sea que Arctic Monkeys son unos malditos genios: simplificar, como decía el gran Alfred Hitchcock, es la clave de todo. Eso sí, hasta lo más sencillo, y más si es la mente humana el filtro, necesita alguna vez instrucciones de uso.

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REVIEW

MGMT Por Jaime Mateo Herrero

A estas alturas de la película uno ya debería saber a qué se enfrenta con un nuevo trabajo de MGMT. Nada queda ya de esos hits mundiales llamados “Kids” o “Time To Pretend”, los cuales la banda incluso evita tocar en directo. Y es que la pareja formada por los excéntricos Andrew Van Wyngarden y Benjamin Goldwasser siempre ha criticado, odiado y repudiado la fama. Puede que por ello y el éxito de su primer disco se salieran por la tangente con su segundo largo “Congratulations”.

El tercer disco del grupo, llamado como ellos mismos, debería suponer un “qué somos y a dónde queremos llegar”.

Después de comprobar que la psicodelia más indigesta podía funcionar con cierta parte de su público, MGMT sigue por el camino de la experimentación con reminiscencias a Flaming Lips o en la senda del último deYouth Lagoon, siendo el disco producido por Dave Fridmann (“Lonerism” de

Tame Impala, “Deserter’s Songs” de Mercury Rev).

El disco comienza con el tema “Alien Days”, que ya se presentó en el mes de abril y que confirmó que, efectivamente, lo de MGMT iba por los derroteros más melódicamente intrincados. Es por ello que el disco se debate continuamente entre canciones que jugarán con tu paciencia y tu gusto por la experimentación más lánguida (“Cool Song No. 2″, “Astro-Mancy”) y otras con elementos que se te quedan grabados a fuego con la primera escucha como el segundo single “Your Life is a Lie” o los bizarros sintes de “Mystery Disease”. Me gustaría destacar el cuarto corte “Introspection”, mi favorita de todo el disco y la que salva un poco los muebles. Es una cover de una canción de Faine Jane que no le podía venir más a huevo a la voz de Andrew. También es interesante el tema “Plenty Girls in the Sea”, el único en todo el disco que juega un poco con la melodía y recuerda a los primeros MGMT.

El resto del disco es un conglomerado de temas que se sirven de una recargada producción para intentar hacernos alucinar con esta coctelera de tripis. Eso sí, el esfuerzo por meterse en el disco lo tiene que hacer uno mismo, ya sea poniéndose unos cascos aislantes o bien

teniendo delante el salvapantallas del Windows Media Player. No es tarea fácil bucear en “MGMT” y la experiencia merece la pena, a ratos.

A mi parecer al disco le falta un hilo conductor que le de un sentido global porque grandes canciones no hay como sí pasaba en “Congratulations”, bastante por encima de este. Una vez que termina yo sigo sin entender nada de quiénes son MGMT y a dónde quieren ir a parar.

A lo mejor es mejor no saberlo.

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CHVRCHES Por Álvaro Hernáez

Desde Glasgow con amor y con mucho sonido sintético. Así presentan su debut los escocesesChvrches, una consecución de delicadas joyas electro-pop, ecos noventeros y alguna que otra dulce balada distorsionada. Una montaña rusa de sonidos que los posiciona como un grupo a tener muy en cuenta.

En mayo del pasado año 2012 comenzó el goteo de temas que fue anticipando lo que Lauren, Iain y Martin eran capaces de hacer. Casi todos ellos han quedado recogidos en este “The Bones of What You Believe“, un disco de pop electrónico para (casi) todos los públicos, que juega magistralmente con los teclados y las voces, en una experiencia intensa y, por momentos, sorprendente. Fueron unos de los “must-see” en la pasada edición del FIB y, viendo la calidad de este debut, creemos (y esperamos) que estarán pronto de vuelta por nuestro país para presentarlo oficialmente.

Elegir “The Mother We Share” como tema de apertura del disco no podría haber sido una idea mejor.

Contiene lo mejor de la banda, concentrado en 191 segundos de

magia, como una dulce oda a una lluviosa historia de amor, en donde los encantos vocales de Lauren y la habilidad de los chicos al teclado quedan totalmente plasmados. A partir de aquí, el disco sube y baja de intensidad de una forma bastante anárquica, intercalando potentísimas baladas como “Tether” y “You Caught The Light” (con Martin a las voces) con medios tiempos como “Night Sky” o “By The Throat”. En medio de toda esta consecución de cambios de ritmo, nos encontramos también sus temas más conocidos: la incombustible “Gun”, en la que el manejo de los sintetizadores es magistral y que se está volviendo imprescindible en cualquier sesión de música indie para una buena noche de fiesta; y la más icónica “Recover”. Muy en la línea de estos dos temas, nos encontramos las mayores sorpresas del disco, como son la potentísima “We Sink” (que se encarga de coger el relevo a “The Mother We Share” y de hacer de puente hasta “Gun”, labor que ejerce a las mil maravillas) y el casi-broche final que compone “Lungs”, ambas con todas las papeletas para convertirse en futuros singles.

Si hubiera que buscarle una pega al álbum sería la ausencia de la grandiosa “Now Is Not The Time” (contenida en el EP en el que presentaron “Recover” hace unos meses) o la tremenda remezcla que

se marcaron para el “Hurricane“ de los MS MR. Sin embargo, viendo la calidad del material restante (salvo algún pequeño resbalón o los abruptos cambios de ritmo entre canciones, que les perdonamos), este largo está llamado a ser una de las grandes novedades del pop de cara a este otoño. Muy recomendable, un trabajo que crece en cada escucha.

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ALPHABEAT 12 INDIEFERENCIA MAGAZINE Octubre 2013

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ALPHABEAT Por Álvaro Hernáez

Alphabeat son los máximos exponentes de la escena escandinava de pop happy y colorido (“Wonky Pop”, como ellos mismos lo definen). Plagados de reminiscencias ochenteras, no desentonarían lo más mínimo en una radiofórmula de hace 25 años.

Aprovechando su reciente visita a nuestro país (el pasado viernes 6 de septiembre, en la sala Razzmatazz de Barcelona), revisitamos el último disco de estos daneses afincados en Londres, publicado hace casi un año.

Este “Express Non-Stop” es su tercer largo, a caballo entre los dos anteriores. El primero, “This is Alphabeat”, los consagró en su país de origen y nos regaló pepinazos contagiosos con aroma guatequero como “Fascination”, “10.000 Nights Of Thunder” o “Fantastic 6”. El segundo, “The Beat Is”, los transportó diez años adelante, para reivindicarse con un pop noventero, más electrónico, perfectamente representado por la inmensa “DJ (I Could Be Dancing)” o “The Spell”. Si bien este tercer disco se vuelve a acercar más a los 80′s (aunque realmente nos trae un poco

de todo), lo destacamos porque ha sido la oportunidad perfecta para el grupo para saltar más allá de Dinamarca y de su reducida presencia en UK. Entre muchas otras actuaciones en otras ciudades europeas, les ha permitido traer su show a nuestro país en tres ocasiones durante 2013: con su primera actuación en España el pasado mes de enero, seguida por una de las actuaciones más memorables del pasado Arenal Sound y culminada por esta última tercera visita.

Siendo fieles a su estilo y moviéndose cómodamente entre los 80′s y los 90′s como ya hemos comentado, “Express Non-Stop” es un agradable paseo por canciones de baile de fin de curso, en donde no cuesta imaginarse a ellas con grandes vestidos coloridos y enormes lazos, y a ellos con trajes azul turquesa coronados con pajaritas estampadas y gomina a raudales (la estética que los propios Alphabeat visten en sus shows).

Abre el disco “The Beat Don’t Stop”, prendiendo la mecha ochentera, seguida de “Love Sea”, una oda al amor bien bañado en azúcar, en cuyo videoclip podemos ver lo bien que se lo pasan estos chicos en sus tours (incluida una brevísima aparición de Jake Shears, vocalista de Scissor Sisters). Seguimos con cantos al amor happy como “Since I Met You” con sus xilófonos y sus coros), con más sonido eighties en “Younger Then Yesterday”, para

rematar con la mejor pieza del disco y el tema que más suena a su primer trabajo, “Mad About You”. Le siguen el tema que titula este LP, “Express Non-Stop”, y la canción con la que acostumbran a abrir sus actuaciones, la veraniega y buenrollera “Vacation”. Volvemos a la exaltación del buen humor con “Brand New Day” (¿es sólo a mí al que le entran ganas de ponerme a saltar con esta canción?), para seguir con más amor de instituto con “Show Me What Love Is”, y cerrar con la algo floja “Love On The Line”.

Es cierto que el disco es corto (diez pistas, de no más de cuatro minutos) y que de seguido puede resultar algo repetitivo, pero Alphabeat vuelven a conseguir con este álbum lo que ya hicieron en los dos anteriores: una inyección total de buenas vibraciones. Si lo tomamos como excusa para descubrir sus dos trabajos previos a partir de éste, ya habrá merecido la pena darle una escucha, pero, sobre todo, si nos decidimos a verlos en vivo a raíz de la experiencia (y suponemos que volverán, porque parece que le han cogido el gustillo a eso de pasarse por España), los escasos cuarenta minutos de música habrán merecido muchísimo la pena. Porque Alphabeat desbordan energía en vivo, son un grupo para ver de cerca, para disfrutar y para pasarlo en grande. Una píldora de buen rollo fabricada en Dinamarca.

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TRAVIS Por Albert Cornellá Font Hubo un tiempo en el que parecía que Travis iban a ser una de esas bandas capaces de llenar estadios y copar las portadas de los grandes periódicos. Del mismo modo que cuando un Bruce Springsteen, unos Coldplay o unos U2 visitan ciudades como Madrid o Barcelona, y parece que todo el mundo vive esperando el evento, como si la vida en La Tierra se tuviera que terminar al final de la última canción. Sin embargo, como si el tiempo se hubiera detenido de golpe y sin razón alguna, los de Fran Healy se fueron diluyendo en un charco invisible, del que jamás supieron salir del todo. Diluidos hace años en una aparente mediocridad, ahora nos devuelven la esperanza con “Where You Stand” (2013), un trabajo que, sin ser una obra maestra, recupera su esencia y alcanza ese punto de madurez que llevaban años persiguiendo.

Con su álbum debut, aquel “Good Feeling” (1997) cuyo título ya trazaba unas buenas expectativas para el futuro, los escoceses consiguieron entrar con fuerza, principalmente en un mercado británico, que aún vivía bajo los efectos narcotizantes de la explosión del brit-pop.

Un par de años más tarde llegó “The Man Who” (1999), un álbum que les confirmó como una banda que empezaba a tener ese punto de calidad que les situaba por encima

del resto. Exquisiteces como “Writing To Reach You” o “Driftwood” sonaron sin parar en millones de reproductores, radios y bares de medio mundo. Sin embargo, la excelencia les llegó con “The invisible band” (2001), otro título que, a la postre, resultó premonitorio de lo que iba a suceder años más tarde.

“Sing” y “Side“, dos temas pegadizos como pocos se convirtieron en auténticos hits mundiales junto a otras canciones como la melódica “Flowers In The Windows“, “Safe” o “Last Train“. A partir de ahí, como si el éxito les hubiera sentado mal, empezaron una larga travesía por un desierto de luces y sombras, entre la indiferencia del gran público, y la falta de entusiasmo de buena parte de sus seguidores.

Ataviados con un traje de luto, en 2003 sacaron “12 Memories“. Un álbum muy influenciado por las letras oscuras y el anti-belicismo (en el año en que Estados Unidos y sus aliados empezaron una de las guerras más absurdas de la Historia, invadiendo Iraq). El trabajo era más que correcto, pero no tuvo proyección a nivel comercial, y de un modo u otro, pasó sin sin pena ni gloria.

“The Boy With No Name” (2007), con el éxito de “Closer“, pareció dar un respiro a los de Glasgow. No obstante, todo se quedó en una especie de espejismo. En 2008 decidieron abandonar la multinacional Epic, y se apuntaron a eso del “Do it yourself”, fundando su propio sello, Red Telephone Box, con el que lanzaron “Ode to J. Smith” (2008), otro trabajo que pasó más

bien desapercibido por el mercado, a pesar de conseguir unas críticas bastante positivas.

Travis regresan, cinco años más tarde, con “Where You Stand“. Publicado también bajo su propio sello, producido por Michael Ilbert (The Hives, Cardigans) y grabado entre Londres, Berlín, Nueva York y Noruega, el séptimo trabajo de su carrera parece querer volver a la esencia de sus años dorados. Y a pesar de que ninguna de las once canciones que integran el disco tiene potencial suficiente como para entrar en las listas comerciales, “Where You Stand” tiene momentos excelentes gracias a un brit-pop bucólico, con delicadas gotas de folk, en el que la calidez y la sensibilidad se declaran amor eterno (“Mother“, “Moving“, “A Different Room“, “New Shoes”) y otros más energéticos y vibrantes (“On My Wall“).

Con todo, parece evidente que Fran Healy y los suyos jamás volverán a repetir el éxito de “The Man Who” o “The Invisible Band“. Tal vez ese destino que en su momento creyeron reservado a ellos, no les correspondía. Quizás su futuro era otro.

Posiblemente “Where You Stand” sería su mejor trabajo, si nunca hubieran publicado los antes citados.

De lo que estoy seguro es de que los chicos de Glasgow merecen respeto y admiración porque, sencillamente, han sido capaces de volver a ser ellos mismos con un álbum de agradable escucha, correcto y muy sensato.

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SECOND Por Belén Martínez Saiz

Second vuelven con su 6º disco, “Montaña Rusa”, para tomar los festivales nacionales y hacernos bailar. Después de dos semanas total e irracionalmente enganchada a este disco me he decidido a compartir con vosotros lo que me hace seguir dándole al play y esperar ansiosa el verano para disfrutarlo en el césped del Low Cost (por poner un ejemplo que seguro sucederá).

El disco, que ha entrado en el puesto 11 de discos más vendidos en España (sí, la gente aún compra discos…), fue grabado en Los Ángeles bajo la producción de Sebastian Krys (Lori Meyers, The Black Eyes Peas, Shakira…) siguiendo su filosofía de “si piensas, pierdes” según contaron los chicos en el programa 180º de Radio3 en la presentación exclusiva del disco un día antes del lanzamiento. Aunque la teoría funciona a la perfección en lo instrumental, es en las letras donde lo de “no pensar” puede jugarnos una mala pasada.

Los estribillos son el punto más fuerte de este disco, siendo su facilidad y adaptación al ritmo lo que se

nos queda impregnado y no su significado o intención. Esto, unido a una combinación de sintes, baterías frenéticas y guitarras bailables crean temazos como “Las Serpientes”, “2502″ o “Lobotomizados”.

No es de extrañar que se te vayan los pies tampoco con “Antiyo”, o “Espectador” recordando el estilo de Two Door Cinema Club que inunda cada vez a más grupos.

El disco también tiene cortes más “lentos” para tomar aire, y es ahí donde más se echa de menos un cuidado de las letras; en “Caramelos Envenenados” parece que hasta ellos mismos dan con la clave de su problema, ya que, como dice la canción usan a menudo “palabras inconexas que buscan la ocasión de ser las protagonistas”. Una fórmula que bien puede valer para las canciones más fiesteras pero que si es usada en exceso te dejan mal sabor de boca.

banjo, “Si Todo Se Oxida” como una apuesta bastante perfeccionada y completa tanto en música como en voz (con unos juegos muy interesantes en coros) y letra, donde me encanta la frase “pequeñas dosis nunca son letales”. Y para acabar, “Estamos De Ocasión”, un final que resulta una parada total de la montaña rusa, sorprendiendo con una última melodía de cuerda.

Para aprobar “Montaña Rusa” hay que seguir el método de evaluación continua, ver el disco como un todo que, gracias a la voz de Sean Frutos, coros adictivos y la música, consiguen un aprobado que anticipo estará este verano muy ocupado sonando por la geografía española y nos dejará bailes para recordar.

Y hablando de fórmulas, llego a la conclusión de que este es un grupo “de ciencias” , con una atmósfera futurística, teoría de física como “La Distancia No Es Velocidad Por Tiempo” (y que a mi se me antoja con aires de Editors) y la afirmación en “Extenuación”: “El nitrato potásico es lo mejor” con un aire más oscuro.

Queda resaltar la experimentación en “La Barrera Sensorial” con el

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HAIM

Por Belén Martínez Saiz

Ha hecho falta el (esperadísimo) lanzamiento de su álbum debut para que por fin la prensa patria diese cuenta de estas tres hermanas. Y no sin razones; ganadoras del Sounds of 2013 de la BBC y teloneras de Edward Sharpe and the Magnetic Zeros, Florence and the Machine y Mumford & Sons entre otros, este soplo de aire fresco aunque con evidentes vistazos al pasado lleva un año haciéndose hueco en la escena, hasta llegar a ser una de las actuaciones más destacadas de festivales como Reading & Leeds, porque, aunque dudo que lo podamos ver pronto en España, uno de sus puntos fuertes es el directo.

Con este currículum anticipando el disco, nos podemos imaginar que no son unas hermanas corrientes, Este (bajo), Danielle (guitarra) y Alana (teclados) crecieron como parte de una banda, eso es, con sus padres formaban la Rockinhaim tocando versiones en su California natal. Con una educación musical envidiable incluso cuentan cómo en su salón, hacen batallas de baterías e improvisación que trasladan al escenario en sus conciertos.

Pero centrándome en el álbum, cualquiera que las conociese de antes no se llevará grandes sorpresas, 7 de las 11 canciones las conocíamos de antes, ya sea por su

primer EP “Forever” que contenía “Go Slow”, “Forever” y “Better Off”, los siguientes singles “Don’t Save Me” con la cara B “Send Me Down” y “Falling” o sus actuaciones en festivales. Aún así, el disco acaba siendo un perfecto resumen de sus comienzos y de sus intenciones. Con una mezcla de rock clásico, R&B, algo de hip-hop y un toque muy personal, Haim ofrecen variedad y fusión.

Comienza así el disco con “Falling” y un latido de corazón que abre el mundo Haim jugando con ecos y el ritmo de Este al bajo, para seguir con un éxito de mezclas entre los 80 y los 90 en “Forever” y culminar en “The Wire” al más puro estilo Girls con la apuesta más pop del disco.

La primera novedad en “If I Could Change Your Mind” suena más a un oldie, una nota triste y madura que saca una de las mejores versiones de voz de Danielle, pero una de las joyas del disco es “Honey & I” que a mí me recuerda inevitablemente a las series de los 90 y crece hasta un éxtasis que nos deja en la felicidad para seguir con otro éxito en “Don’t Save Me”, de las más pegadizas del disco. “Days Are Gone”, la canción que da título al disco es un juego de sintetizadores que suena a banda sonora, y para los que las acusen de demasiado fáciles, pop o comerciales, la oscura “My Song 5” trae una versión R&B mezclada con riffs sucios y duros que bien podrían pertecener a Dan Auerbach, todo ello contenido hasta un momento muy Destiny’s

Child. En “Go Slow” la dulzura nos relaja para acabar este disco debut con una canción que además de compartir nombre con una canción de Florence and The Machine, podría haber aparecido perfectamente en uno de sus discos, y que demuestra que Haim no son estrellas pop al uso. “Let Me Go” mezcla rock, pop y es de lo mejor que contiene este “Days Are Gone”, que acaba en un toque más al estilo de Wolf Alice o Ben Howard, que les vale para meterse en la indie-wave que vivimos.

En definitiva, las hermanas han conseguido mezclar su herencia musical de los 70 y 80, su infancia y adolescencia en los 90 y 00, coger de aquí y de allá, usar sus puntos fuertes, crear texturas con cánones de voces y destacar cada una con su arma en un disco debut que se ha hecho muy de esperar pero que ha creado un auténtico estilo propio con estas californianas. Si Pitchfork las ha nombrado Best New Music y NME lleva meses enamorado de ellas, con medio mundo revolucionado no podemos estar todos equivocados ¿no?. Lo mejor es que lo comprobéis vosotros mismos y dejéis a estas divertidísimas chicas ser parte de vuestras vidas por las buenas, poco a poco, porque dan mucho que hablar y al final lo serán. Un último consejo: buscad vídeos en directo y echaros unas risas (sanas) con la bass-face de Este, os recomiendo sus conciertos en el iTunes Festival 2012 y 2013.

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YUCK Por Jaime Mateo Herrero

El segundo disco de Yuck llega dos años después de ese excelente debut que nos pilló a todos por sorpresa y nos enamoró con enormes temas como “The Wall” o “Get Away”. Podría decirse que lo nuevo de Yuck es un segundo debut ya que la salida del cantante Daniel Blumberg ha significado un notable cambio en la formación londinense. Y es que la característica voz de Daniel ahora queda ligada a su proyecto en solitario, el muy recomendable Hebronix.

Pero vayamos al grano, “Glow & Behold” tiene de todo un poco, para lo bueno y para lo malo. Lo primero que conocimos, ese “Rebirth” que apareció hace ya más de un mes, nos puso la miel en los labios. Shoegaze con reminiscencia clara a My Bloody Valentine y con un Max Bloom demostrando que la marcha de Daniel no supone ningún impedimento para el grupo. Efectivamente, estos renacidos Yuck siguen teniendo la inspiración necesaria para crear canciones de noise-pop inolvi-

dables como también lo es “Middle Sea”. Es en estos temas donde el grupo se defiende mejor y donde muestran su mejor cara. “Lose My Breath” es otro ejemplo que pone de manifiesto los efectivos guitarrazos que enganchan a la primera escucha.

Pero en este “Glow & Behold” también hay momentos más íntimos y melódicos que demuestran la versatilidad del grupo y un intento de evolución. El primer tema del disco, la instrumental “Sunrise In Maple Shade”, echa mano de los vientos para darle más profundidad al asunto. El disco gana así en variedad pero esto supone un hándicap si sólo te gusta un tema y esperabas que todo fuese en la misma línea. Y es que el peso del disco, a pesar de los temas antes mencionados, cae de la mano de medios tiempos como “Memorial Fields” o “Somewhere”. Sí, son bonitas pero no es lo que mejor se les da a los londinenses. En “Nothing New” Max patina con la voz y la instrumentación grandilocuente no viene muy a cuento a mi parecer. La canción que da nombre al disco y lo cierra vuelve a recordarnos un poco quiénes son Yuck y por qué les cogimos tanto cariño.

En definitiva, a pesar de haber grandes canciones, me da la sensación de que Yuck han querido dar un

paso adelante olvidándose de que el ruido y los riffs se les dan muy bien. Un notable raspado para este “segundo” debut en el que Yuck patina un poco pero se les perdona por el cambio de formación y, qué coño, porque han sabido rescatar el rock alternativo de los noventa.

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REVIEW

CONVERGÈNCIA I UNIÓ Por Jesús Rodriguez Gamero Maria Rodés, Ramón Rodríguez y Martí Sales, unidos en armonía para este sencillo proyecto lleno de canciones detallistas con coloridos arreglos y bonitas letras en catalán. Melodías con identidad que hablan por sí solas y que son una excelente banda sonora para acompañar el día.

¡Independentismo sí! ¡Pero del musical, oiga! Bajo este manido nombre han querido dar a luz este sencillo trabajo, sincero y de letras agitadas. Tiene un sonido que recuerda al desaparecido grupo madrileño Migala pero quizá más movido, y sobre todo con muchos arreglos. Convèrgencia y Unió son Maria Rodés, Ramón Rodríguez y Lluis Gavaldá, tres grandes músicos con una importante experiencia a sus espaldas y que respaldan este proyecto paralelo a sus respectivas carreras musicales.

Veterana ya es Maria Rodés pese a su corta edad, con sus tres discos publicados, “Sin Técnica” (Cydonia, 2008), “Una Forma De Hablar” (BCore, 2010) y “Sueño Triangular” (BCore, 2012) además de sus multiples colaboraciones con Ramón Rodríguez; el cual también cuenta con una importante trayectoria a sus espaldas. Hablamos de sus discos con Madee, sus varios LP y EP con

The New Raemon además del disco conjunto con Francisco Nixon y Ricardo Vicente (El Problema De Los Tres Cuerpos, disco que recomiendo enardecidamente) y de su grupo de andar por casa: Germana, sin olvidarnos de sus trabajos en el mundo plástico como son Alfa Beta Bronson o Ausencias; ambos están acompañados por el escritor y cantante Lluís Gavaldá y es él quien en esta ocasión da vida a casi todas las letras y acompaña con su voz algo desgarrada a algunas de las canciones.

Una joya. Aunque el disco es un conglomerado sónico de temas que inicialmente tenían descolgadas de sus propios proyectos personales, posteriormente pusieron bajo tutela común dando forma a este trabajo.

Buen sonido, preciosistas letras y arreglos con un resultado más que acertado: estamos ante canciones tiernas y melódicas, ideales para acompañar a este tiempo otoñal.

Sólo ocho temas, pero suficientes para percatarnos de la sensibilidad de los autores y armonizar con sus pequeñas grandes canciones. El disco abre sesión con “El Trenc De L’alba”, canción que sabe a amanecer, a final de verano y que le sigue “Guerres Y Amatagall” cantada por Maria Rodés y que narra una breve historia bélica durante la guerra.

“Nusos” es una excelente canción de Ramón con ese sello tan personal y que viene acompañada de ma-

ravillosos coros de Maria. Aunque para maravilla, “Jo No Vull Ser” sinceramente el mejor tema del disco, donde los arreglos rozan el clímax. “Taxidèrmia”, también de Ramón, es una canción algo oscura pero de gran sensibilidad y que da pie a “La Visita” la otra cara de la moneda del disco donde Maria intenta conseguir el equilibrio entre canción sencilla y composición arreglista, quizá la menos funcional del disco.

“Into The Maëlstrom” es una canción de Ramón en una línea muy pop y que funciona a la perfección.

Y para poner fin a este trabajo, “Eclesiastes”, una canción redentora cuya letra esta sacada del mismísimo “Antiguo Testamento”.

Un disco corto, en catalán, al que algunos no estamos tan acostumbrados pero que funciona muy bien. Es sin duda un trabajo hecho por un verdadero grupo de buenos amigos que se respetan y convergen dando lugar a un puñado de bonitas melodías.

Toda una distinguida despedida para el aparentemente ya retirado Ramón Rodríguez, que dijo adiós a los escenarios hace unos meses y dio un último show el pasado septiembre en la pasada edición del FIZ. Nos las deseamos para que no sea un adiós definitivo y sea un simple hasta luego, pues los discos de Ramón siempre fueron fuente de inspiración para nuestros pútridos cerebros con sed de música.

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REVIEW

THE ROYAL CONCEPT GOLDRUSHED (2013)

No, no son Phoenix disfrazados de rubios jovenzuelos. Es cierto que beben directamente del estilo (y del sonido) de los de Versailles, pero con un tono mucho más vitalista y luminoso. Tras dos años de duro trabajo, varios EPs y singles por el camino, nace este “Goldrushed”, otra bocanada de aire fresco con aroma escandinavo.

De verdad que no son Phoenix bajo un pseudónimo, ni un proyecto paralelo de Thomas Mars. The Royal Concept (su nombre definitivo tras ser Concept Store o The Concept)

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Por Álvaro Hernáez

son un conjunto de cuatro jovenzuelos de la grandiosa Estocolmo que, tras más de dos años de duro trabajo, por fin han sacado su primer largo al mercado… Pero únicamente en su país de origen. A los que no somos suecos nos toca conformarnos con su segundo EP (“Royal EP”), a la venta desde el día 24 de este mes, que viene a ser un resumen de sus singles previos con algún nuevo tema. Sin embargo, en la era digital todo fluye y el disco lleva un tiempo colgado íntegro en Youtube, por lo que podemos disfrutar de él de todas formas. Esperemos que un poquito de cariño y de presión mediática a su querida discográfica sirvan para que “Goldrushed” nos llegue en breve con todas las de la ley.

Las andanzas de estos chicos arrancan en 2010, cuando publican

“Damn”, un tema mucho más electrónico, fresco y ochentero que el resto de sus singles (muy en la línea del estilo de los daneses Alphabeat), que, probablemente a modo de homenaje, han recogido en este “Goldrushed”, dándole una vuelta de tuerca para interpretarlo más en la línea de su sonido actual. Dos años después, tras girar por Suecia e ir dándose a conocer, saltan a su actual discográfica y en ella publican su primer EP, el homónimo “The Royal Concept”. De éste, que sí recuerda descaradamente al sonido de Phoenix, se desprenden sus primeros pequeños triunfos: la energética “Gimme Twice” (la hermana pequeña y rubia de “1901″o “Consolation Prizes” de los de Versailles, que encontramos en el EP que llega a nuestro país, pero sorprendentemente no en el álbum patrio), “D-D-Dance” (también cañera, una

oda a la despreocupación y al sector femenino, demostrando que lo valen como nuevos rockers, a lo Satellite Stories) o “Goldrushed” (que además de bautizar a su primer largo les sirve para bajar un poco las revoluciones). De su primer EP podemos extraer también la infravalorada “Knocked Up”, en la que se empiezan a vislumbrar ligeramente los arreglos electrónicos que ganarían mucho más peso en sus producciones posteriores, o “In The End”, su primera balada, que sí ha gozado (merecidamente) de la suerte de saltar a su álbum debut.

Después de este EP, de notable, las expectativas que teníamos de estos chicos estaban en lo más alto. Conocedores de ello, mantuvieron ese tono vitalista y joven que les caracteriza pero decidieron virar un poco hacia los retoques electrónicos, que se ponían al nivel de sus potentes guitarras, para las producciones que sucederían a sus primeros trabajos.

De aquí nace “World On Fire”, un tema precisamente muy on fire, un relato en primera persona de la fiesta que nos esperaba con estos suecos, o su primer “gran” éxito hasta el momento. Nos referimos a “On Our Way”, un canto a la vitalidad, a la energía de juventud que les ha llevado tan lejos, una melodía contagiosa hasta la médula que invita a seguir luchando, sonriendo con el puño en alto. Con silbidito y subidón incluidos.

¿Y después de esto, qué? A los Royal Concept les quedaba mucho que decir, y todo ello ha quedado recogido en los temas que completan indistintamente su segundo EP o su debut en largo. Así, lo que intuimos que será nuevo single, “Radio”, que ellos mismos dicen que fue su primera canción, aparece construida en torno a un hipnótico punteo y les hace ganar muchísimos enteros. Otra canción magistral, avanzando en este estilo mucho más diversificado, es “Cabin Down Below”, que rompe por completo

con sus temas previos: suena absolutamente épica, envuelta en pianos y con un sorprendente saxofón para el interludio central, evoluciona en sus tres minutos escasos desde la calma previa al pistoletazo que abre su primer estribillo hasta una explosión coral que nos deja en todo lo alto, con la boca abierta. No nos podemos dejar tampoco “Busy Busy”, en la que recuperan ese guitarreo característico de sus primeros temas, que fluye y encaja perfectamente en la escucha del disco. “Girls Girls Girls” coge el testigo, con más chicas, más guitarras y más espíritu rockero a lo “Gimme Twice”, y se lo pasa a “Shut The World”, la versión bajada de revoluciones de “On Our Way”, incluida también tanto en el EP que llega a nuestro país como en el álbum completo. En “Tonight” parecen querer asemejarse a los fun. y siguen muy en la línea del tema anterior, lo que forma un tándem en donde demuestran que pueden con todo, baladas y medios

tiempos incluidos. Y para cerrar el disco, dos bonus tracks: la revisión que ya comentamos de su primer single “Damn”, y “27 Forever”, que parece querer resumir todo el recorrido previo del álbum y dejarnos con un fantástico sabor de boca. Y vaya si lo consiguen.

Lo dicho: sería muy injusto quedarse con que The Royal Concept son una copia en rubio de Phoenix.

Que sí, que empezaron sonando como ellos, pero la oportunidad que les brindo el hype inicial han sabido aprovecharla magistralmente para comenzar a desarrollar un sonido mucho más personal. Nos han abierto las puertas de su energía y de su juventud y han sabido transmitir absolutamente de todo, en un perfecto carrusel de emociones.

Además, la entrega que tienen en vivo es digna de reconocer (muchos se atreven a decir que fueron el mejor concierto de indie internacional del pasado Arenal Sound).

Vamos… ¡un jodido grupazo!

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THE ROYAL CONCEPT ENTREVISTA

Por Álvaro Hernáez

Con la excusa de sus nuevas canciones, contenidas tanto en su segundo EP como en su primer álbum, INDIEferencia Magazine ha charlado en primicia con David Larson, vocalista del grupo, sobre los orígenes de la formación, la evolución de su sonido y sobre su intensa experiencia como parte de una de las bandas revelación del año. Y podemos afirmar que, además de derrochar energía musicalmente hablando, son majos como las pesetas…

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THE ROYAL CONCEPT ENTREVISTA En primer lugar, ¿cómo empezó vuestra andadura como grupo? ¿Qué os motivo para comenzar a tocar juntos?

Nos conocimos en una escuela musical en Estocolmo, estudiando jazz. Nos llevó un tiempo conocernos y tocamos en muchas bandas diferentes antes. Todos éramos unos nerds apasionados por la música, tocando nuestros instrumentos unas cinco horas al día, y aquella fue una época genial. Al final terminas cansado de todo aquello, y entonces Filip y yo decidimos montar una banda más pop. Povel era el batería más cool de Estocolmo (tocó con Robyn, por ejemplo), y cuando nos dijo que quería comenzar a tocar con nosotros le dijimos sí inmediatamente. Magnus, el bajista, fue más duro de convencer, ya que él ya estaba en una banda de rock y de giras, pero le engañamos para tocar con nosotros en una actuación y desde entonces somos cuatro. Esto ocurrió hace casi cuatro años y hemos estado juntos casi todos los días desde entonces.

¿Qué tiene The Royal Concept que no tengan otras bandas?

No es una pregunta fácil de responder. Hay un montón de bandas geniales, de amigos, y no sentimos que compitamos con ellas.

A lo mejor destacamos porque nuestros shows son muy espontáneos y basamos todo lo que hacemos en la gente que está ahí para vernos. Es muy importante para nosotros interactuar todo lo que podamos con la gente que nos viene a ver, cada concierto se vuelve diferente. Queremos ser capaces de tocar siempre lo que la gente nos pida. Esto lo hace todo mucho más divertido, queremos sentirnos verdaderamente libres cuando tocamos, espero que mucha gente lo aprecie cuando nos vean tocar. Como banda, siempre tratamos de aprender nuevas cosas y en mejorar lo que hacemos.

Queremos convertirnos en una gran banda, una de las mejores del mundo, y no nos rendiremos fácilmente… ¿Qué es lo que os inspira a la hora de componer?

Escuchamos muchísimos clásicos como Supertramp, Fleetwood Mac, Peter Gabriel… ¡Nos encantan! Estamos inspirados prácticamente por todo, incluso canciones que creemos que son verdaderas basuras pueden servirnos de inspiración, nos hacen sentir que queremos escribir algo bueno.

El cambio en vuestras letras y en vuestro sonido queda muy patente comparando vuestro primer EP

con las nuevas canciones que ahora presentáis. ¿A dónde queríais llevarnos cuando comenzasteis a preparar estos nuevos temas?

El primer EP lo grabamos antes de haber salido nunca de gira. No sabíamos cómo sonaríamos realmente en vivo o cómo sería nuestro directo, nos limitábamos a probar diferentes cosas en el estudio. El resultado fue genial, nos mola muchísimo nuestro primer trabajo, la canción “In The End” es aún una especie de himno para nosotros y nunca nos cansaremos de ella.

Desde entonces hemos estado de gira durante mucho tiempo y hemos probado nuevas ideas con la gente.

Canciones como “On Our Way” y “Shut The World” aparecieron de repente y con ellas nuestro estilo se fue haciendo más y más grande. Tanto en los nuevos temas como en los anteriores, cada una de nuestras canciones comienza con una imagen en mi cabeza o en la de Filip, una escena de la vida real o simplemente algo que inventamos, y después construimos una historia a su alrededor. En nuestro primer EP, imaginábamos cosas como “estar con rollos de una noche en su cama la mañana siguiente, arrepintiéndonos de lo que habíamos hecho”, locuras de juventud, cosas así. En este EP, las escenas que imaginamos son algo más épicas, nos hemos atrevido a sentir las cosas de una forma más pasional y a cantar sobre el amor verdadero y sobre nosotros. Ahí es dónde queríamos llevar a la gente, queríamos hablar sobre el amor de verdad de diferentes maneras.

Vuestro éxito más reciente, “On Our Way”, es un canto a la vitalidad y a la importancia de seguir luchando. ¿De dónde sale toda esa energía que impregna el tema? ¿Qué os hizo sentaros a escribirla?

Todo comenzó porque acabamos realmente cansados del mundillo hipster de Estocolmo. ¿No es horrible cuando todo se vuelve predecible? ¿Cuando te encuentras siempre con la misma gente, una y otra vez, que está “en la lista” del lugar al que vas cada puta noche? Adoramos las cosas impredecibles, las cosas extrañas, en el buen sentido… Eso es lo que nos hace sentir que merece la pena vivir. Hay tanta gente genial por el mundo que escogió un estilo de vida diferente al nuestro y queremos pasar un rato con ellos. “On Our Way” va de eso, es una forma de decir “joder, vámonos de aquí, de esta ciudad, dejemos a esta persona atrás, dejemos atrás todo aquello que nos está reteniendo”.

Siempre hay alguien o algo que está esperándote allá afuera, tantísima gente genial que aún no has conocido, tantísimas sorpresas… De eso va “On Our Way”.

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ENTREVISTA THE ROYAL CONCEPT

Es apabullante la cantidad de grupos escandinavos que en los últimos años estáis entrando con fuerza en el mundo indie rock (vosotros, Kakkmaddafakka, Satellite Stories…) ¿Alguna recomendación de algún vecino o compatriota que nos pueda resultar interesante o desconocida en España?

Echadle un ojo a Elliphant, Little Dragon, NONONO o nuestros vecinos daneses Efterklang.

En muchos de los foros y blogs indie de España, se afirma sin duda que fuisteis el mejor concierto internacional del festival Arenal Sound de este año. ¿Qué recuerdo tenéis de vuestro primer festival en España?

El Arenal Sound este verano fue realmente especial para nosotros. Era tarde, hacía muchísimo calor y había un montón de bellezas españolas cantando con nosotros nuestras canciones. ¡Es algo difícil de olvidar!

El interés en vosotros ha subido como la espuma en los últimos meses, en parte por la energía que derrocha vuestro directo. ¿Qué hacéis para poder darlo todo de esa manera en vuestros conciertos?

Tocar en vivo es genial. Para mí, un directo consiste en dejar que la pasión crezca y se libere sobre el escenario, en tratar de ser el amor, el sexo, el orgasmo sobre el que estás cantando. Si saliésemos a cantar y estuviésemos de bajón en el escenario, nuestra música sería una mierda.

¿Qué se siente estando ahí arriba? ¿Qué habéis aprendido después de casi dos años de gira ininterrumpida?

Dos cosas. La primera es que, por respeto, ya nunca tocamos borrachos. Aunque pienses que estás bien, no lo estás. Estás como ido y estar concentrado es realmente muy importante… Incluso aunque tu público esté como una cuba. La segunda es que nunca nos podremos creer mejores que nuestro público. Es normal oír a muchas bandas diciendo “Que les jodan, no entienden nuestra música” y cosas así. Me refiero, siempre

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debes defender y estar orgulloso de lo que haces, hay mucha gente opinando acerca de ti y de tu música y tienes que tener mucha confianza en ti mismo para poder sobrevivir. Pero que te cuestionen es parte del aprendizaje, y lo hemos aprendido casi todo tocando para diferentes públicos. Como artistas estamos ahí para entretener y sólo podemos mejorar si leemos la reacción de la gente. El público sois la parte más importante para nosotros, tanto en lo emocional como en lo profesional, y por eso tratamos de mostrar siempre el máximo respeto posible a la gente que va a vernos tocar.

Hemos aprendido algunos otros trucos con el tiempo, pero nos los guardamos por el momento…

Una ronda rápida de preguntas:

- Una canción que no os podáis quitar de la cabeza últimamente: ”Safe And Sound” de Capital Cities.

- Una canción que os encantaría versionar: Hemos hecho muchísimas versiones, es genial. Sin embargo, nunca hemos versionado una de Phoenix, creo que debería ser nuestra próxima misión.

- Alguien que os gustaría que os versionase o remezclase: Me encantaría que Madeon remezclase uno de nuestros temas, creo que es absolutamente increíble.

- El lugar más especial donde os gustaría tocar:Nos encantaría coger a todos nuestros fans por el mundo, llenar hasta las cejas Central Park, actuar y después irnos de juerga como nunca… ¡Algún día lo haremos!

- Un concierto que no olvidaréis jamás:Nos acordamos en cierta forma de todas nuestras actuaciones, cada una es especial. Este verano ha sido genial y hemos tenido unos shows alucinantes. En Tokio había tanta gente que tuvimos que sentarnos en el escenario para hacer fotos para nuestra propia colección. Fue flipante, surrealista.

¿Algo más antes de acabar?

Mandamos un saludo a todos nuestros fans en España… ¡Y nos vemos por allí en febrero del año que viene!

Os recordamos que The Royal Concept presentarán sus nuevos temas en vivo en nuestro país el 14 de Febrero de 2014 en la Sala Razzmatazz de Barcelona, y el 15 de Febrero en la Sala Ochoymedio de Madrid, acompañados de los Elyella DJs.

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DJs ESCENA NACIONAL Entrevista a ESTEREOCLUB Por Guillermo J. García

EstereoClub es un colectivo de artistas con base en Burgos y Miranda de Ebro donde la música y las visuales viven juntos y revueltos para poner patas arriba la pista de baile haciéndose poco a poco un hueco en el panorama musical en sus 3 años de vida.

Encabezados por los EstereoBrothers, Brian de Calma & Jon Fiamma, hablamos un rato con ellos para que podáis conocerlos un poco más. Además nos han preparado un minimix para la web de Indiefermag, para que los leáis de la mejor forma posible: escuchando sus mezclas.

- Os hemos podido ver en el Ebrovisión al frente de la Carpa Estereoclub, la cual gestionáis, además de pinchando en varias ocasiones a lo largo del festival, ¿cómo valoráis la respuesta de este año?

EstereoBrothers - La verdad es que la respuesta por parte de todo el mundo este año ha sido bestial. La gente se acercaba y nos daba la enhorabuena por el trabajo realizado en la carpa y eso nos da mucho ánimo para seguir trabajando duro en todo lo que hacemos.

Cada año nos coordinamos mejor entre todos los que componentes de EstereoClub y esto al final se nota en el resultado. Teniendo en cuenta que hemos contado con menos presupuesto que el año pasado y que lo

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hemos preparado todo un mes antes del festival, estamos muy satisfechos de como ha ido todo.

Estamos muy agradecidos a la organización del Festival Ebrovisión , encabezada por Rami y Carol representando a la Asociación Rafael Izquierdo (ARI), por dejarnos un espacio donde desarrollar nuestro propio proyecto dentro del festival.

- Echando la vista hacia atrás, tras el éxito que poco a poco os va llegando, ¿cómo surgió el proyecto de EstereoClub?

Pues todo empezó justamente en el Festival Ebrovisión. Panoramis y TeleClub nos invitaron a pinchar en

ESTEREO CLUB / ENTREVISTA el backstage para los grupos que tocaban ese año, pero no formamos oficialmente EstereoClub hasta el segundo año que volvimos a pinchar.

Fue entonces cuando dijimos: tenemos que poner un nombre a este espacio... Y de ahí lo de EstereoClub.

Luego vino el tema de las visuales a cargo de Elmo Super8 que nos dio otra perspectiva de lo que queríamos hacer y también se sumó la animación de las Fan Fan que ambienta mucho el cotarro.

- ¿Creéis que el elemento visual aporta un valor añadido a la calidad de vuestras sesiones?

nosotros, con unas ganas locas de pinchar y conocer en persona a gente que admiramos y que solo conocíamos por Facebook como Dj Suit, Vilanoise, Jes Set o Ed Rockers. Imagínate.. Jajajaja

- ¿Qué opinión os merecen los concursos de djs que vemos tan en boga últimamente?

En un principio no éramos muy partidarios de los concursos de djs, pero al final te das cuenta de que es un verdadero trampolín para gente que está muy prepa-

Por supuesto, para nosotros las visuales son un elemento imprescindible y ahora mismo no podríamos entender EstereoClub sin ellas.

Desde que Elmo Super8 empezó a enredar con un proyector hace varios Ebrovisión ha ido investigando y mejorando poco a poco su técnica y las estructuras sobre las que proyectamos.

Una de las estructuras de las que más contentos estamos la instalamos hace unos meses en el Museo De La Evolución Humana de Burgos. Montamos 2 estructuras de 3,5 x 3 metros a 3 metros de altura con más de 24 caras distintas usando 2 proyectores.

Otra de las estructuras que quedó super bien fue lo que desarrollamos en la Carpa EstereoClub del Festival Ebrovisión 2013, en la que también usamos 2 proyectores.

Las visuales son tan importantes en EstereoClub que nosotros mismos (Brian y Jon) hacemos videomapping en los bolos que Elmo no puede venir para poder seguir ofreciendo lo que ya son nuestras señas de identidad: Audio Visual Mapping Show

- Recientemente ganasteis el concurso del Rockers Club, en Alicante, ¿Cómo fue la experiencia de pinchar en un club que es referencia en el Levante?

Lo de ganar el concurso de Rockers Club fue algo que nunca olvidaremos. Habíamos pinchado en ciudades del norte como Zaragoza, Bilbao, Logroño, Madrid e incluso en una fiesta privada en Barcelona, pero nunca habíamos bajado al levante donde la música se vive con mucha más pasión.

Pinchamos en Rockers Club el día de la inauguración de temporada, en un nuevo e increíble espacio que habían creado de la nada junto al mar...Y allí estábamos

rada y que por una cosa u otra no ha tenido la oportunidad de demostrar lo que realmente vale.

Por eso decidimos crear nuestro propio concurso en el que el premio era pinchar en la Carpa EstereoClub del Festival Ebrovisión.

Al final, además del ganador, Nic Fabris, invitamos a pinchar al resto de finalistas debido al gran nivel que hubo. Victor Pemenanf, Dod Mag Dj y Alberto Fg demostraron en la carpa que valen mucho.

- Actualmente vemos que proliferan djs por todos lados, ¿cómo veis el panorama en España en la actualidad?

Nosotros pensamos que es positivo para la escena que aparezcan nuevos djs, ya que algunos vienen muy preparados y con ideas nuevas. Siempre estará la polémica del SYNC y NO SYNC encima de la mesa, a pesar de que la técnica es una de las variables de un discjockey junto a la selección musical o saber leer al público.

- ¿Qué consideráis indispensable para un buen dj?

Para nosotros lo ideal es conjugar bien la técnica con la selección musical, aunque hay djs que sin muchos Octubre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 31

Entrevista a ESTEREOCLUB

alardes técnicos hacen una muy buena selección musical y mueven al personal a la perfección.

- Parece que este 2013 está viniendo cargado de discos muy esperados, especialmente en cuanto al ámbito internacional se refiere. Sigue abierto, sin embargo, el debate del indie en territorio nacional, ¿veis propuestas interesantes y novedosas dentro del indie patrio?

Pues la verdad es que hay un montón de propuestas que a nosotros humildemente nos parecen frescas.

Entre las muchos grupos que hay, los murcianos Perro o Amatria de Valencia nos tienen enganchaditos. Ojito también con lo que está sacando Lofelive (The Leadings) y el disco que se avecina.

- Carpa EstereoClub, EstereoClub Radio-Blog, sesiones por toda la geografía española cada vez más frecuentes…¿qué proyectos tenéis pendientes? ¿Os queda tiempo para algo más?

Esta semana hemos lanzado en Itunes la APP EstereoClub, la cual ha sido desarrollada por nuestro compañero Elmo Super8. Su trabajo habitual está relacionado con el mundo informático y se ha lanzado al mundo de desarrolladores de aplicaciones. Después de varias semanas de duro trabajo podéis ver el resultado buscando en Itunes o App Store: EstereoClub.

A nosotros nos gustaría adentrarnos en la producción musical y hacer remixes de grupos que nos encantan, pero entre todo lo que has nombrado y que tenemos

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que trabajar durante toda la semana para pagar la hipoteca, todavía no sabemos de donde vamos a sacar tiempo para esto.... jajaja..

- Han pasado 3 años desde que empezasteis, no sé si imaginabais entonces que ibais a crecer tanto y conseguir un hueco en la escena, ¿cuál es el objetivo final de EstereoClub? ¿Qué os gustaría lograr como grupo?

En realidad somos un grupo de amigos a los que nos encanta la música y pasárnoslo bien pinchando y poniendo visuales. Si que es cierto que con los meses nos hemos ido profesionalizando bastante, pero no perdemos la esencia de pasárnoslo bien.

Viajar a diferentes ciudades, pinchar música , conocer gente nueva y volver a ver a los amigos que hemos ido haciendo en nuestros viajes son cosas excitantes para nosotros que ayudan a que nos sigamos divirtiendo como el primer día.mucha más pasión.

LAS 10

RÁPIDAS DE IFM 1. Dj favorito

ElyElla Deejays

2. Grupo favorito (nacional e internacional)

Amatria y Capital Cities

3. Dj emergente a seguir

¡Nosotros! Jajaja. Hablando en serio, Dj Suit (Alicante) y Nic Fabris (Italia) son unas máquinas, están pinchando a tope y llegarán muy lejos seguro.

4. Grupo emergente a seguir

Exsonvaldés y Perro

5. Sala o club que nunca defrauda

Rockers Club

6. Disco del 2013 (nacional e internacional)

“Salir Ileso” de Amatria.

“Ice On The Dune” de Empire Of The Sun

7. Tema del 2013 (nacional e internacional)

“Mi Fábrica de Baile” (Joe Crepúsculo) Cualquiera de RAC

8. Tema que nunca falta en vuestras sesiones

“Safe and Sound” de Capital Cities.

9. Festival indispensable

Ebrovisión

10. Frase de fiesta mágica

No vuelvo a beber Jägermeister

Octubre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

Por Guillermo J. García

C R Ó

5,6 y 7 de sep Viva la vida

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N I C A

ptiembre de 2013 a, viva el Pop

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EBROVISION 2013

La XIII edición del festival Ebrovisión (Miranda de Ebro) ha resultado todo un éxito en crítica y público. El festival sigue creciendo y fidelizando a cada vez más asistentes desde el trabajo, la cercanía y la humildad.

Miranda es Pop. Es un hecho. En mi primer año como ebrovisivo sólo puedo encontrar adjetivos positivos para un festival que ha cubierto de sobra las expectativas que tenía depositadas sobre él y, en muchos casos, las ha superado. Esta crónica pretende ser un repaso de lo que ha sido para mí el festival en su conjunto, no esperéis encontrar un análisis exhaustivo de los grupos que han pasado por él, ni de sus conciertos.

Uno de los aspectos que más me ha llamado la atención en lo referente al Ebrovisión ha sido el alto grado de compromiso que tiene con él la población mirandesa, principalmente sus hosteleros. Allá adonde fueses encontrabas sesiones de dj´s durante todos los días del festival (estuve en sesiones desde el jueves tarde), por supuesto todas con entrada gratuita y con unas consumiciones a precios más que razonables, algo de agradecer. Otro de los motivos que me han llevado a tachar en rojo el festival como cita ineludible en próximas ediciones es el gran ambiente que tiene, familiar y cercano. Con un tránsito de público que este año ha superado los 15.000 asistentes, es lo suficientemente pequeño como para poder coincidir con los presentes de forma asidua, siempre con un buen rollo

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que bien se asemeja a las fiestas de cualquier pueblo y, a su vez, lo suficientemente grande como para no tener que hacerlo en el extraño caso de que te cruces con algún indeseable (en mi caso los indeseables han brillado por su ausencia).

JUEVES 5 DE SEPTIEMBRE

Entrando ya en la oferta musical del festival, el jueves arrancaba en la Fábrica de Tornillos con los conciertos de José Domingo, Él Mató A Un Policía Motorizado e Izal. Con el chaparrón de bienvenida, llegamos justo para el final de José Domingo. Una pena no poder haberlo visto entero, puesto que apuntaba como una propuesta muy interesante, anotado queda para futuras ocasiones.

Con Él Mató A Un Policía Motorizado sufrí mi primer (y único, realmente) desencanto con algún grupo del cartel. Tenía muchas ganas de verlos en directo, puesto que me parecen un gran grupo, pero el directo dejó mucho que desear. Demasiado ruido por momentos, un bajo que se comía al resto de instrumentos y una voz demasiado baja e ininteligible en muchas ocasiones.

“El fantasma de Jota” planeaba por la Fábrica de Tornillos y yo lo lamenté mucho. En cualquier caso, tras su concierto y posterior trabajo de los técnicos de sonido, Izal sí consiguieron poner patas arriba la Fábrica y encandilaron desde el primer momento al público, muy entregado en todo momento.

Tras los conciertos, hubo escapada general hacia Orosco para bailar al ritmo de las mezclas de Dj Amable hasta bien entrada la noche, un broche más que bueno para la primera noche de festival, aún con mucha gente por llegar.

VIERNES 6 DE SEPTIEMBRE

El viernes abría más despejado y con una gran propuesta para pasar la tarde con los conciertos en el Red Bull Tour Bus emplazado en la calle Francisco Cantera: Tres Notas Project, La Doble Fila y Willy Naves. En el concierto de éste último viví una de las anécdotas

que recuerdo con más cariño del festival: mientras disfrutábamos del concierto de Willy y su banda cañón en mano, las señoras mirandesas (de 70 años en adelante) se paraban en los bancos para gozar del concierto y aplaudir con igual o más entusiasmo que el resto de asistentes. Uno de esos detalles que hacen del Ebrovisión un festival único.

Tras la buena tarde amenizada por los conciertos, pusimos rumbo al Multifuncional de Bayas, lugar donde se desarrollaba la mayoría del cartel, para ver abrir la jornada a un Jero Romero que nunca decepciona y que fue arropado por un público que coreaba todas y cada una de las canciones del toledano. Tras Jero llegó la hora de L.A. Me gustaría hacer mención a parte a este grupo, puesto que para mí fue uno de los conciertos del festival. Sigo sin entender cómo una banda con un sonido tan potente y cuidado, un maravilloso directo y unas canciones que no tienen desperdicio alguno no ocupan un lugar más privilegiado en el panorama musical nacional. Impecables en su concierto, sirvieron de preámbulo para un esperado concierto de Chucho, que proseguía la línea rock que dejaron L.A.en el Multifuncional y que fue bien recibido por el público.

Este es el momento de hacer un inciso. Entre conciertos ocurría un fenómeno normal en los festivales: el público sale a tomar el aire. La diferencia aquí es que justo nada más salir estaba la Carpa EstereoClub, que llevan losEstereoClub Dj´s (al mando de los hermanos Jon Fiammay Brian DeCalma) donde podíamos encontrar un continuo paso de dj´s tales como los propios hermanos EstereoClub, Panoramis, TeleClub, Dod Mag Dj, Nic Fabris (brutérrima sesión, por cierto), Edu AnMu… Todo acompañado de un videomapping elaborado por ellos mismos y una fiesta continua. Sin lugar a dudas, el motivo de llegar tarde a los conciertos provenía de esta carpa que echaba humo y rebosaba temazos por doquier. Apunten amigos de otros festivales, estos detalles marcan diferencias. De vuelta a los conciertos, la noche continuaba con unos geniales Arizona Baby, acompañados del maestro Loza a la batería, donde pudimos comprobar que el folk-rock pega fuerte y va ganando adeptos en parte por culpa de los Arizona. Vielba lideró la hora de bailar y mover las caderas y el público entró en una total sintonía con él.

Justo después, llegó el momento de uno de los grupos más esperados por el respetable: los Lori Meyers. Te gustaran más o menos, no se puede negar que revolucionaron el Multifuncional, haciendo un repaso de su Impronta, aunque sin olvidar los grandes clásicos de la banda. Como viene siendo habitual en los conciertos veraniegos de los granadinos, Anni B Sweet les acompañó en el tema “El Tiempo Pasará”. Un muy buen

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CRÓNICA EBROVISION 2013

concierto, en todo caso. Cerraron la jornada de conciertos Mendetz, poniendo el punto electrónico y bailongo necesario para ir con fuerzas al fiestón que nos tenían preparado en Orosco Patrullero Dj, Elyella Dj´sy Brummel: genial cierre gastando suela y terminando de desgañitar gargantas para una jornada que fue de 10.

SÁBADO 7 DE SEPTIEMBRE

El sábado amanecía revuelto, pero no por ello menos cargado de actividades. Desde bien temprano se podía disfrutar del Ebropeque con “El Meister”Vielba y de los conciertos de Wild Honey y Los Coronas en la Fábrica de Tornillos. No vamos a mentir, la jornada anterior impidió que pudiésemos llegar frescos a los conciertos y nos esperaban actividades de tarde, entre otras una de las sesiones en las que participé pinchando junto a Lara Dvaerg, Edu AnMu y Brummel en el Suizo Lounge Bar, lo cual hizo que me fuese imposible acercarme a los conciertos de Kokoshca, The Birkins, The Prussians y Belöp programados en el Red Bull Tour Bus y la comida popular en la Plaza España.

Aunque los informes de primera mano que recogí me comentaron que el verdadero jaleo se montón en el pub Tragos, donde Brummel y FaceRadio Dj prepararon una sesión memorable con congas de 50 personas y, en definitiva, Party Hard.

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Sin posibilidad de ver a La Bien Querida, Sr. Chinarro ni Niños Mutantes, llegué justo a tiempo para uno de los platos fuertes del festival: Exsonvaldes. Los franceses ofrecieron un concierto de calidad, luminoso, intenso y muy fresco. Un auténtico lujo poder disfrutar de ellos en directo, mucho más rico que su coreado “L´aerotrain”o “Seahorses”, dos de los grandes momentos en su concierto.

Tras los franceses llegó el momento de los grandes cabezas de cartel del festival: los suecos The Sounds.

De aquí en adelante la tónica general fue bailar al ritmo que nos impuso la banda liderada por Maja, su cantante, con una soltura y un savoir-faire dignos del status que tienen en el panorama. Fue una auténtica fiesta que para nada deslucieron Fuel Fandango, poniendo un colofón a los grupos del festival pasado por botes, bailes y sudores varios. Muy buen cierre del festival, que aún nos tenía preparados unos buenos bailes en Orosco, con Pomme-Lux(E), Ochoymedio Dj´s y los EstereoClub Dj´s obligándonos a apurar las últimas horas en Miranda bailando sin parar, con una eterna sensación de “la última y a casa” que no llegó hasta que los hermanos no cerraron un festival que fue de sobresaliente.

I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.

No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

Octubre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 39

CRÓNICA SALA ARENA, MADRID (05/09/13) Por Belén Martínez Saiz

En el cartel de la X edición del FiShara (Festival Internacional de Cine del Sáhara) había nombres conocidos por todos, otros que empiezan a serlo y como cabeza el regreso de Vetusta Morla a la capital española. Las entradas online volaron en cuestión de horas, a un precio de 13€ aprox (luego serían 15€ en taquilla) el gasto para una muestra variada y solidaria valía totalmente la pena. Recordemos que los artistas participaron sin

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cobrar nada por ello. La organización dejó 50 entradas en taquilla así que no fue extraño que a las 16.30 ya hubiera hasta 10 personas en la cola; el número 50 llegó a las 18.00, cuando aún faltaban dos horas para la apertura de las taquillas y de la sala. A tal hora, la gente fue llegando poco a poco, sin prisas, y dando lugar a un aforo completo pero muy cómodo para disfrutar del espectáculo.

las alturas de la noche pero que agradó bastante con canciones como “Berlín” o “Termonuclear” con la que se despidió y nos animó a interesarnos y tomar consciencia del problema como la verdadera ayuda.

Willy Toledo y Juan Diego Botto fueron los presentadores de la noche, apareciendo intermitentemente entre los artistas, fueron recordando la causa del festival, su carácter resistente y la situación del pueblo saharaui. Así como decoraban el pequeño escenario con pegatinas y una bandera que acompañaron al telón rojo de fondo como pantalla recordatorio.

Le tocó inaugurar la noche a Carmen Boza , de la que pocos habían oído hablar pero que seguro escucharemos más a menudo. Aunque solo pudo deleitarnos con 3 canciones, (la última “Canción A” que me ganó por completo) ella apareció humilde, segura y a sabiendas de lo que se hacía. Guitarra en mano, una voz fuerte y capaz de transmitir, espíritu rockero y melódico son acompañados con letras muy interesantes para asegurar un resultado que si se encontrase en mercado internacional tendría ya un éxito asegurado.

Tras la pertinente presentación, llegaba el turno de La M.O.D.A; 6 chicos de Burgos que uniformados con camisetas de tirantes blancos, pantalón oscuro y algún que otro tatuaje arrancaron una auténtica fiesta al grito de “Somos la Maravillosa Orquesta Del Alcohol y sonamos así” .

Ese “así” lo intentaré definir como un buen rollo resultante de una fusión de Fito y Fitipaldis y Mumford& Sons, con el saxo de unos y el banjo y toques countries de los otros. Durante 4 canciones nos hi-

cieron bailar y aplaudir tanto en español como en inglés, acabando con “Gasoline” y convirtiéndose en uno de los exitazos de la noche.

Entraron a continuación a escena juntos Amparo Sánchez (Amparanoia) y DePedro; que tras algún problema técnico acabaron combinando guitarra acústica a manos de ella y eléctrica a manos de Jairo. El público nos hicimos cargo de las palmas y los vaivenes de caderas mientras Amparo demostraba su buen hacer. Al cambio de papeles resaltaron su evidente amistad e interpretaron “Llorona” con complicidad y un brillante resultado.

A la despedida de Amparo pudimos disfrutar de DePedro a solas durante un rato, en formato simple y sencillo, para destacar “Un Hombre Bueno” que sonó impecable y fue coreada por el público. Tras ella, llegó el momento tan esperado desde que se anunció en el mismo cartel a DePedro y a Vetusta Morla, Pucho (cantante de Vetusta Morla) fue invitado al escenario y acompañó a “Diciembre”, con anécdota incluida, quiso quedar en la memoria con las cámaras levantándose e intentando capturar la emoción que recorría la sala.

Aunque muchos ya estábamos ansiosos tras la aparición de Pucho, aun quedaba lugar para la veteranía de Coque Malla, que tomó el escenario acompañado por Charlie Bautista al piano. Una selección íntima y quizás demasiado lento para

Con una venganza en plato frío, Guille y Pucho (Vetusta Morla guitarra y voz) invitaron a DePedro en una pequeña colaboración que sirvió de introducción al grueso del grupo. Ya con todos los integrantes del grupo madrileño en el escenario empezó una corta e intensa selección de sus éxitos; “Boca en la Tierra” abrió su espacio, anticipando la actitud con la que acababa la noche, guitarras y un muy potente Pucho nos harían bailar hasta el apagón. El ejército de valientes siguió los pasos de los bailes del grupo en su más conocido hit “Valiente” para dejarnos un descanso al interpretar “Maldita Dulzura” y compartir como acostumbran alguna anécdota. Siguieron con “Lo que te hace grande” y acabaron la noche como se preveía, al ritmo de “Saharabbey Road”, que esta vez encajaba más que nunca. Una canción escrita por y para el pueblo Saharaui, sinónimo de resistencia en las ganas de bailar y gritar y perfecta unión de música y solidaridad.

Un breve bocado de Vetusta Morla que nos da fuerzas para aguantar hasta la primavera del 2014 cuando se esperan novedades.

Este festival, acaba como una excusa musical de acercar un problema real aunque muchas veces ignorado a las preocupaciones que deberían ocupar el país. Una noche de revoluciones y frenazos de intensidad en lo musical que como viene ocurriendo cada vez más a menudo es utilizado para remover conciencias y despertar sentimientos a la vez que se disfruta.

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CRÓNICA

BUILT TO SPILL Por Quique Gómez

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SALA BUT, MADRID

D (03/09/13)

Que lo de anoche en la sala But iba a ser una celebración lo sabíamos todos.

Built To Spill venían a Madrid a darse un más que merecido baño de gloria a tan fascinante trayectoria.

Sin disco nuevo que presentar, los de Idaho están de gira para ponerse a prueba antes de la supuesta grabación de material nuevo. Lo que, desde luego, desconocíamos, es que aquello se convirtiera en semejante recital.

La excusa era bien sencilla: llevaban mucho sin venir a nuestro país (Primavera Sound ’09) y en particular a Madrid, donde la última vez, en 2007, celebraban el aniversario de “Perfect From Now On” (1997), el cual tocaron íntegro. Además, se supone que están de rodaje, con el objetivo de grabar esas “más enérgicas” canciones del futuro álbum, en palabras del propio Doug Martsch. Un líder al que echábamos mucho de menos también por esa epiléptica forma de tocar y cantar a la vez que hipnotiza y casi no permite mirar a los otros cuatro miembros de la banda. Ataviado con una camiseta de los Trail Blazers (extraño, porque Portland está en Oregón, el estado “rival” al suyo) y rodeado de tres peludos (a uno de ellos, el batería, se le notaba a veces que no era miembro original del grupo), más Jim Roth, el cual ya luce buena calva, comenzaron con “Goin’ Against Your Mind” para comprobar si los altavoces de la sala aguantarían el vendaval que vendría a continuación. Impresionante comienzo, el cual enlazaron, para la locura del respetable, con “In The Morning”, “The Plan”, “Stab” y la celebrada (pero menos acorde con lo que allí ocurría) “Liar”. Cinco de cinco, y allí ya estábamos todos a sus pies.

Desde aquí reivindico la sala But como, probablemente, la mejor sala de conciertos de la capital, pues el sonido, además de perfecto, escupe decibelios sin complejos. Es la segunda vez que la visito, pero espero que no sea la última.

Esa preciosidad de Martsch en solitario titulada “Twin Falls” vino bien para el acomodo, pues aún faltaba mucha tela que cortar. El repaso a su discografía fue tal, que “tuvieron” que rescatar del “Ultimate Alternative Waves” (1993) la que da nombre a la propia banda y que los define tan bien, con esos cambios de ritmo tan… joder, ¡¡bonitos!! Más de lo mismo con “You Were Right” y “Made-Up Dreams”. Pero es “Kicked It In The Sun” (después de la versión de “Orion” de Metallica) la que te pone un nudo en la garganta con ese final, el mejor en la historia del indie-rock, así de claro. Como para chequear los dos discos que les quedaban por repasar, interpretaron las veloces “Fly Around My Pretty Little Miss”, del “Ancient Melodies Of The Future” (2001), y “Pat”, de su último “There Is No Enemy” (2009), antes del lógico cierre con la solicitada “Carry The Zero”, el sabido “Sugarcube” de la banda. Después de eso, yo ya puedo morir en paz.

En el bis, y muy “porque yo lo valgo”, versionaron a Blue Öyster Cult antes de tocar “Big Dipper” en lo que parecía un final de celebración a su carrera. Pero nada más lejos de la realidad, pues para el postre se guardaron una versión de “How Soon Is Now” que ya quisieran para sí mismos los propios The Smiths. Que sí, que la canción original es insuperable y bla bla… Escuchad a Built To Spill interpretarla y me contáis.

Se fueron y a mí me quedó la extraña sensación de no saber cuándo los volveré a ver, porque algo tan grande ocurre muy pocas veces y hay que aprovecharlas. Un concierto único.

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CRÓNICA

MY BLOODY VALENTINE EFFENAAR, EINDHOVEN (04/09/13) Por Jaime Mateo Herrero

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Un día antes del concierto de My Bloody Valentine en Eindhoven (Holanda), la banda irlandesa tocó en Bruselas con algún que otro inconveniente. Al parecer, la ley belga impide superar cierto nivel de decibelios y esta norma se le impuso al grupo sin miramientos por parte de los promotores de la sala. En los Países Bajos lo de las prohiciones no va mucho con ellos así que la sala en la que tocaban, Effeenaar, aseguró que ellos no impondrían ningún umbral de ruido al grupo.

Y, claro, juntando esto y el cabreo que deberían traer MBV, el concierto se convirtió en diez mascletás juntas durante casi dos horas de concierto.

Antes de empezar a repasar el setlist y mis impresiones, me gustaría destacar varias cosas ajenas al grupo pero que me llamaron la atención al ser mi primer concierto en Holanda, país lejano al nuestro en muchos aspectos y en el tema de directos no podía ser menos. Lo primero, la gente no habla durante las canciones. Tampoco es que importe mucho en un concierto de estas características, pero sí en muchos

otros. Segundo, la gente NO HACE FOTOS NI VÍDEOS. Apenas vi a tres personas en todo el concierto sacar móviles. El respeto al resto de público a ver a gusto el concierto era tal que a mí me daba vergüenza sacar el móvil hasta para ver la hora.

Cuando entramos a la sala, un compositor/guitarrista belga interpretaba su música ambiental a base de distorsionar su guitarra. Era el telonero de MBV, al frente de su proyecto musical llamado Dirk Serries Microphonics. Una vez acabado su concierto, fuimos a la barra a pedir cervezatapones para los oídos.

Cabe destacar que Effenaar es una sala pequeña, pongamos que como La Riviera hasta la zona de las dichosas palmeras. Es un cubo negro, claustrofóbico incluso. En cualquier caso, no se agotaron las entradas a pesar de ser el único concierto de MBV en Holanda así que no había agobio de gente. Nos situamos en cuarta fila sin dificultad y esperamos a que Kevin Shields y compañía subieran al escenario.

Recuerdo el segundo antes de la primera nota de “I Only Said”, silencio sepulcral y a continuación una explosión de sonido que me hizo saltar del susto. Iluso de mí, pensé que podría intentar aguantar el concierto sin tapones. No llegué a la tercera canción sin ellos.

MBV repasaron su discografía centrándose en el legendario “Loveless”, rescatando algún que otro tema de su debut “Isn’t Anything” y sus EPs y presentado cuatro canciones de su reciente y esperado “m b v”. Una vez acabada “I Only Said”, sin apenas suspirar, nos lanzaron “When You Sleep” por si alguien no estaba ya metido en el concierto.

Y, espera un momento, ¡se escuchan las voces! Eran apenas susurros procedentes de la estática (me recordó a Ariadna de Los Punsetes) e hipnótica Bilinda Butcher y

de Kevin Shields, totalmente absorto en su guitarra.

“New You” fue el primer tema que tocaron de “m b v” y por si a alguien le quedaba alguna duda, lo llevan al directo a la perfección. Puso la guinda dream-pop al concierto y fue de los momentos más intimistas del concierto. Llegó entonces el repaso a los primeros trabajos con “You Never Should”, “Honey Power” y “Cigarette In Your Bed”, con un Colm enchufadísimo en la batería y Debbie desmelenada completamente con el bajo

Qué maravilla fue también “Only Tomorrow” con las susurrantes “Into the night - Into the heart” y esas (románticas) repeticiones del final. Llegaba el turno de desgranar el “Loveless” y demostrar por qué se hicieron leyenda con canciones como “Only Shallow”, con la cuál el personal enloqueció in crescendo hasta el momento cumbre del concierto con esa joya (diría que bailable) llamada “Soon” y sus pegadizos teclados.

Para terminar y poner la nota (más) bizarra de la noche, “You Made Me Realise” se repitió dos veces con un interludio de al menos diez minutos de puro y plano ruido. Casi termino la crónica sin hablar de los visuales. Ríete tu de los psicodélicos salvapantallas que ponen ahora Tame Impala. Los de My Bloody Valentine mezclan explosiones, túneles a toda velocidad, paseos por bosques y luces intermitentes de todos los colores y formas posibles.

Una maravilla visual que encaja a la perfección con los temas y lleva a un peldaño superior el directo de esta gente. Y sí, ese peldaño ya está en el Olimpo de los más grandes grupos de la historia. Y para mí, será el bolo del año.

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I C O T O P SEPTIEMBRE 2013 Por Quique G贸mez

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Ico Top | INTERNACIONAL

Janelle Monáe

The Electric Lady (Suites IV And V)

Más de tres años se ha tomado la artista de Kansas para darle continuidad, en forma de LP, a ese extraordinario “The ArchAndroid (Suites II And III)” (2010). Y enfatizo lo del larga duración porque la chorrada de los numeritos y las suites de su alter ego (Cindy Mayweather) empezó con un EP previo titulado “Metropolis (Suite I: The Chase)” (2007), el cual tuvo poco éxito comercial, así que tuvo que ser relanzado al año siguiente vía Puff Daddy (o Diddy, no sé).

Nadie, con ese trabajo anterior, pronosticaba semejante talento que sí sobresalió en ese primer disco real. Amiguetes del gremio (y esto es, básicamente, música negra) como Big Boi o Saul Williams, más la bizarrada de Of Montreal, sólo ayudaban a mejorar un disco para el recuerdo, cargado de música étnica, popular, góspel, R&B y hip hop a partes iguales. Era tan completo que también había hueco para la electrónica.

Para su continuación, Janelle Monáe ya cuenta con el crédito de artistas de la talla de Erykah

Badu, Miguel, Solange y, ojo, Prince. Pero lo más curioso es que esta vez no se deja empapar de ellos sino que es todo lo contrario: en todas las colaboraciones, los invitados son los que se amoldan, sacando lo mejor de sí mismo, a la propuesta. Una propuesta mucho más definida y homogénea que en el pasado.

Un discurso único, un hilo conductor (la lucha por la igualdad entre sexos), un disco con argumento, con guión, donde el orden sí importa. Lo intentaron Christopher Owen con el infravalorado “Lysandre” (2012) y Animal Collective con “Centipede Hz.” (2012), pero este “The Electric Lady” tiene el equilibrio justo: ni tan evidente ni tan camuflado.

Alguien se atreverá a decir que es, una vez más, un disco largo, denso o espeso. Y yo veo una gran diferencia entre todo eso y un disco completo. Al menos tiene el detalle de no dividir cada una de las suites en un cd diferente. Y qué demonios, es entretenido hasta decir basta, donde volvemos a encontrar de todo: soul clásico, pop coral a lo The Shangri-Las, R&B de categoría, hip hop camuflado y hasta rock, todo mezclado con un señorío envidiable y que deja en pañales a todas las divas de su generación. A todas.

del disco, el que divide las dos suites. “Look Into My Eyes” y “Suite V Electric Overture” merecen, ellas solas, película de 007 sólo para que suenen en su banda sonora. Con la imaginación que tiene esta mujer, ya nos inventamos un argumento sobre la marcha. Acaba entrando un jazz espectacular, con todo tipo de instrumentos y arreglos preciosos que no te lo puedes ni creer. Pero lo que tiene más mérito, insisto, es que nada de esto desentona en un álbum que, a priori, parece menos ambicioso que el anterior. Ni de coña, lo es mucho más, pero Janelle es una mujer lista. Te la va a meter doblada sin que te enteres. Añadid vozarrón, estilazo, baladones de buen gusto y singles bailables.

Este disco lo tiene absolutamente todo.

Sirva como ejemplo el ecuador

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Carta / The Faults Follow

Cuando escuché por primera vez este disco investigué un poco quién demonios son estos Carta y de dónde vienen. El nombre de su propio sello los delató. Saint Marie Records, como no podía ser de otra forma, tendrían que estar relacionados con Piano Magic, los culpables de no sólo aquella atemporal canción, sino de importantes discos como “Artists’ Rifle” (2000) o “The Troubled Sleep Of…” (2003). La propuesta es muy similar, ya que fusionan de la más enigmática forma posible el post-rock, el ambient y el shoegaze, donde repetir un fraseo de forma constante (el final de “The Iowa Fight Song”) forma parte del ejercicio de estilo. Música tan inquietante que, a veces, da hasta miedo, música que cala hondo y donde, desde la primera escucha, ya sabes que aquí hay que ponerse serio. De San Francisco y con dos discos previos, aunque dudo mucho que sean mejores que este tremendo “The Faults Follow”. Yo ya no me atrevo ni a distanciarme un poquito de ellos.

65daysofstatic / Wild Light

Si eres de los que esperan con este disco una vuelta a los orígenes, ese post-rock de manual con algún escarceo en la electrónica, sigue buscando porque 65daysofstatic no están por la labor. El camino emprendido con el imberbe “We Were Exploding Anyway” (2010) es llevado aquí a un punto mucho más lejano. La electrónica siempre estuvo ahí, lo que pasa es que ahora lleva el peso cantante. Pero que nadie se quede con las ganas de guitarras: aquí las hay, y muchas, aunque no siempre en la forma ideal que nos plantea este subgénero del rock. De hecho, y aun sin desplazarnos demasiado, lo único que hacen los de Sheffield es seguir buscando, en otra dirección, sí, pero precisamente para no aburrirnos con otro disco genérico de los que estamos hartos. Muy en la honda de lo que Mogwai ha hecho con su carrera, pero más en la dirección de Fuck Buttons. Muchos se preguntarán “¿por qué?”, cuando la respuesta es “¿por qué no?”. Su mejor disco.

Chelsea Wolfe / Pain Is Beauty

Más asociada al drone-metal que a la canción de autor(a), esta californiana edita su tercer disco para dejar al personal con el culo torcido. Menos oscura que antes, con menos doom, pero bastante más intensa, con algún ramalazo de sintetizador y con una pose definitivamente post-punk, Chelsea Wolfe da un auténtico recital de música profunda en algo menos de una hora. Igual es su única pega, que tanto abuso de la densidad se hace difícil de digerir, pues en el tramo final hay algo que sobra, pero se disipa rápido con la preciosidad de “The Waves Have Come”, que casi cierra este “Pain Is Beauty” (vaya nombre) y nos vuelve a poner en situación. No sé si se parece más a la inspirada Zola Jesus de los orígenes (desde luego no a la del petardo “Versions”) o a la PJ Harvey de “To Bring You My Love” (1995). Igual es hora de hablar de estilo propio, rematadamente personal, y en el que ya no hay que buscar similares.

Bill Callahan / Dream River

Entrar en el mundo de Bill Callahan no es fácil, nunca lo fue, pero una vez que lo haces, estás muerto. La aparente oscuridad y/o densidad de sus álbumes (“Ride My Arrow” sigue representando esas épocas pasadas) se desvanece en cuanto prestas algo de atención.

El exlíder de Smog se nos ha enamorado, y eso que parecía una constante se convierte aquí en luminosidad y transparencia (“The Sing”, la que abre)… pero poco, tampoco le vamos a pedir al genio del sonido americana algo de pop. Se le nota suelto, arriesgado e incluso travieso. El uso de la flauta (“Spring”, “Javelin Unlanding”) era algo por lo que nunca hubiese apostado. Y si en su anterior “Apocalypse” (2011) se quedaba a un paso de su obra cumbre, “Sometimes I Wish We Were An Eagle” (2009), en este obligado año impar le tocaba, por lo menos, intentar igualarlo. Se queda tan cerca que ya, ni siquiera, hablamos de Lambchop en una crítica suya. Además, tiene la mejor voz del planeta.

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Ico IcoTop Top| NACIONAL | NACIONAL

Anímic / Hannibal

nes; pero no fue hasta el tremendo “Hannah” (2011), con ese tiempo que se dieron de mejora, cuando nos dimos cuenta de lo serio que esto era. Ahora, con “Hannibal”, su mejor disco hasta la fecha, ya no podemos hablar de una banda de calidad, sino de una de las mejores bandas de nuestro país.

Lo de Ferran Palau y compañía viene de lejos. Se sabía que la discografía de Anímic iba in crescendo, pero no que acabaría en semejante obra cumbre. “Hau o Hïu” (2007) fue la primera piedra, un importante escalón hacia lo que vino a continuación; con “Asmatik” (2008) dejaron claras sus intencio-

El salto entre estilos, idiomas y cantantes (se siguen turnando Ferran y Louise Samson) ahora es menor, quedando la sensación de estar ante algo más homogéneo. Todo en sintonía, bañados por el mismo sol, o bajo la falta del mismo, pues de oscuridad sigue tratando esto. Segunda portada negra consecutiva, y es que ya desde el esqueleto de elefante se intuye una idea de poso

relajado, confuso, de avance lento pero interpretado desde las entrañas. Se aprecian también unas líneas, una constelación, de las que se deduce el movimiento del propio animal, lento pero geométricamente estudiado. Al milímetro.

El slowcore que baña todo el disco se internacionaliza aquí de una manera brutal, pues no existe una banda como ellos que también canten en catalán y sigan recordando a Low o Calla. Aunque “Skeletons” suene a otra velocidad, la seriedad del conjunto no entiende de contemplaciones, pues la que le sigue, “Oració”, te volverá a llevar a las alturas. Y así los 40 minutos del álbum: flotando.

Antenas Hacia El Cielo / Antenas Hacia El Cielo

Todo hacía indicar, con ese nombre, que se trataría de un tributo al atemporal “Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven” (2000), y aunque la intro da a entender algo similar, desde luego más sintético, en cuanto suena “El Jardín” te das cuenta que no van por los mismos derroteros que Godspeed You! Black Emperor. Pero no dramaticemos, ya que lo que Antenas Hacia El Cielo transmiten es algo muy similar a una supuesta fusión entre The Pains Of Being Pure At Heart y The Cure (“Adorable” parece un tributo a “Friday I’m In Love”), nada menos. Tanto de shoegaze como de ese punk-new wave que tan bien se les daba a los de Robert Smith en los orígenes. Que Nadadora lo hayan dejado (¿acabarán volviendo?) no iba a significar que no fuésemos a tener más noticias de dos de sus integrantes, los hermanos Abalo, que se juntan con este prometedor proyecto que, espero, no sea efímero. En minutaje, desde luego, lo es. Queremos más.

Delorean / Apar

¿Eran las tremendas ganas del nuevo disco de Delorean, o es que realmente “Spirit”empieza el disco de forma bestial? Una pena que esa sensación dure tan poco, ya que la propia canción no está a la altura de esos primeros segundos. Escuchando “Apar”, el quinto disco ya de los de Zarauz, quedan muchas sensaciones encontradas. Pero la que resume todo a la perfección, es que aun sin poder achacarle absolutamente nada de su ibicenco y genial sonido, queda la sensación de que el techo artístico lo consiguieron con “Subiza”(2010) y va a ser muy difícil superarlo, pues lo de ahora parece un mero piloto automático. Se nota mejor producido, todo cuidado al milímetro, pero acaba desprendiendo, no sé por qué, menos magia que el citado álbum. Pese a todo, cuentan con varias de las mejores canciones de su carrera: “Dominion”y ese teclado a lo… ¿mandolina?; “Your Face” y esos loops muy estilo El Guincho; pero, sobre todo, esa bomba de colorines interpretada por Caroline Polachek (Chairlift) que es “Unhold”, desde ya, canción del año.

Octubre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 49

INDIESPENSABLES: Septiembre 2013

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

1. Arctic Monkeys - AM 2. Janelle Monáe - The Electric Lady (Suites IV...)

3. Anímic - Hannibal 4. Carta - The Faults Follow 5. 65daysofstatic - Wild Light

1. Arctic Monkeys - AM 2. Iván Ferreiro - Val Miñor - Madrid 3. Summer Camp - Summer Camp 4. God Is An Astronaut - Origins 5. Janelle Monáe - The Electric Lady (Suites IV...)

1. Arctic Monkeys - AM 2. Holograms - Flesh And Bones 3. Babyshambles - Sequel To The Prequel 4. Glasvegas - Later…When The TV Turns To Static 5. Placebo - Loud Like Blood

1. Delorean - Unhold (feat. Caroline Polachek) 2. Pixies - Indie Cindy 3. Arctic Monkeys - No. 1 Party Anthem 4. Janelle Monáe - Dance Apocalyptic 5. 65daysofstatic - Safe Passage

1. Arctic Monkeys - Knee Socks 2. Arcade Fire - Reflektor 3. Janelle Monáe - Dance Apocalyptic 4. Summer Camp - Fresh 5. Iván Ferreiro - Pájaro Azul

1. Arctic Monkeys - Fireside 2. Babyshambles - Dr. No 3. Holograms - Meditations 4. Placebo - Too Many Friends 5. Glasvegas - All I Want Is My Baby

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

1. Arctic Monkeys - AM 2. Summer Camp - Summer Camp 3. HAIM - Days Are Gone 4. Digitalism - Lift EP 5. Jackson And His Computerband - Glow

1. Volcano Choir - Repave 2. HAIM - Days Are Gone 3. CHVRCHES - The Bones of What You Believe 4. Drake - Nothing Was the Same 5. Okkervil River - The Silver Gymnasium

1. CHVRCHES - The Bones Of What You Believe 2. Volcano Choir - Repave 3. Janelle Monáe - The Electric Lady 4. Arctic Monkeys - AM 5. Delorean - Apar

50 INDIEFERENCIA MAGAZINE Octubre 2013

1. Arcade Fire - Reflektor 2. Arctic Monkeys - I Want It All 3. Trentemøller - The Dream (feat. Low) Original Mix 4. MGMT - Introspection 5. The Naked and The Famous - Golden Girl

1. Volcano Choir - Acetate 2. Drake - Furthest Thing 3. HAIM - If I Could Change Your Mind 4. Yuck - How Does It Feel 5. Arctic Monkeys - One For the Road

1. Arcade Fire - Reflektor 2. Yuck - Middle Sea 3. Grizzly Bear - Will Calls 4. MGMT - Introspection 5. Glasser - Design

Octubre 2012 INDIEFERENCIA

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López, Martín, Albert Cornella Font, Guillermo J. Garcia, Álvaro Hernáez y Belén Martinez Saiz.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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WEB

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AGRADECIMIENTOS

A Jesús Rodriguez Gamero por el artículo de Convergència I Unió Foto de HAIM por Bella Lieberberg - www.bellalieberberg.com Fotos del festival Ebrovision por Katxo Bitxo - www.flickr.com/katxo-bitxo Foto de CHVRCHES por Elliot Lee Hazel - www.eliotleehazel.com Fotos de EstereoClub por David Perez Cejuela

MAIL

contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.