INDIEFERMAG Nº 11. Mayo 2012

INDIE FERENCIA

MAYO 2012 | Nº 11

magazine

BEACH HOUSE ENTREVISTA A THE NOISES * REVIEWS SUPERSUBMARINA

PG.LOST * O.CHILDREN * NIKI AND THE DOVE * GARBAGE NEON TREES * THE CAST OF CHEERS * ACTRESS WE ARE GHOSTS * LOVE OF LESBIAN * NEON TREES INDIEQUETAS LOS ÁRBOLES * ASTROLABIO * TORA! TORA! TORA! Y MUCHOS MÁS

INDIEFERENCIA MAGAZINE

Review del mes Beach House: “Bloom” 3

Reviews We Are Ghost: Old Town Hall 7 Garbage: Not Your Kind Of People 9 oOoOOo: Your Loving is Hearting Us 11 Supersubmarina: Santacruz 13 Neon Trees: Picture Show 15 Niki And The Dove: Instinc 17 Love Of Lesbian: La Noche Eterna. Los Días No Vividos 19 La Niña Hilo: Prólogo EP 21 The Neighbourhood: I´m Sorry 22 O.Children: Apnea 23 The Cast Of Cheers: Family & Animals EP 25 Las CasiCasiotone: Polar Bears Are Coming EP 26 Pg.Lost: Key 27 Actress: R.I.P 29 Preguntas Indiescretas The Noises 31 Indiequetas: Mayo 37 Ico Top: Mayo 39

Indiespensables: Mayo 41

Por Joaquín Ollero 4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2012

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Imaginad a “Bloom” como si fuese una corona con diez joyas engarzadas, ya que literalmente es así, todas ellas con colores, significados y sentimientos únicos. Todo ello formando un álbum basado en la humildad (que incluso se respira en el booklet), en la seguridad, la cautela y la pasión por la esencia de los imperceptibles detalles.

La inteligencia de las dos figuras que dan sentido a Beach House también está presente en cada nota y en cada intención desde el momento que aceptamos que no es necesario hacer ruido para llamar la atención, desde el momento en el que nos damos cuenta de que el poder que reside en la sombra es más poderoso que aquel que se ve a plena luz del día. También se les puede considerar personas que son conscientes de la realidad, tanto si ésta es favorable o no, así como sostienen con determinación la decisión de hacer eso en lo que creen por encima de cualquier otra cosa.

Nunca se dan por vencidos, ni nunca lo harán en la aventura por encontrar el corazón que hace funcionar cada elemento, sabiendo de antemano que dicha inquietud jamás terminará, ya que siempre existe un más allá.

Hace 6 años, Los Reyes, Victoria Legrand y Alex Scally se embarcaron en un largo y arriesgado viaje por la galaxia de los sonidos con un puerto como des-

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tino principal: transmitir sentimientos a través de la música y de encontrar la esencia fundamental de los valores. En 2006 y 2008 anclaron su embarcación en “Beach House” y “Devotion”, donde ambos trabajos se aproximaron a un resultado global de calidad, gracias a que encontraron un sonido que esparcido desde “Master of None” hasta “Gila” llenaba el ambiente con un claro ejemplo de homogeneidad y consistencia.

Pero fue en 2010 cuando el mundo se arrodilló ante ellos prometiendo pleitesía y lealtad por su “Teen Dream”, que clasificaba casi cada canción del tracklist entre la matrícula de honor y el sobresaliente. Y cumpliendo con los estrictos dos años de protocolo y rigor que necesitan para preparar un nuevo producto, en 2012 y con “Bloom” (que más que florecimiento se refiere al ciclo natural de las cosas y a un sonido profundo) finalmente alcanzarían su amado objetivo.

Las herramientas que la banda de dream pop ha escogido, apoyadas en esa serie de valores de precio incal-

culable si son utilizadas de forma sabia, se dividen entre la maestría de la parte instrumental a cargo de la figura masculina de la banda, haciéndonos experimentar texturas melódicas que vuelan desde el optimismo al pesimismo en cuestión de instantes y en las cuerdas vocales de la más preciosa que nunca, Victoria Legrand, que consigue construir un puente de voz entre su alma y la nuestra para hacernos llegar unas palabras cargadas de colores decadentes e historias basadas en una relación imaginaria que se crea entre ese protagonista omnipresente en cada canción y su sombra.

Y a raíz de estos dos elementos, y sobretodo, la unión de ellos en perfecta armonía y consonancia, se alzan por encima del sentido, dejando a éste de lado, para sentir antes que pensar.

Conmoverse por culpa de esa atmósfera de misterio frondoso comprimida en “Myth” (primer single oficial del álbum) y padecer cada “help me to name it” como grito desesperado de la cantante por encontrar la forma de hallar respuestas, la manera de expresarse con precisión. “Wild” es una piedra preciosa que contrasta con su color, el amarillo pálido, y el concepto de Tierra indomesticable. Un zafiro como idea de hielo nos viene de la mano de “Lazuli” que comienza con ese sonido 8-bitero para ir sumando variables y constantes a la ecuación y dejarnos completamente embobados.

“Other People” es la representación de la calma existente antes de que se desate la tormenta, y lo consigue con una batería que no deja de disfrutar ni un momento y que sirve de enlace de las diferentes extraordinarias secciones de la canción. El final de la primera parte del LP nos deja a solas con el infinito paso del tiempo y la electricidad en un cuento de miel en los labios, y es que la guitarra eléctrica de “The Hours” te mata cada vez que no termina su ciclo de vida (cuando en realidad sí que lo hace). ¿Hace falta hablar del bajo de este quinto tema o del apoteósico final que nos tortura con cada “frightened eyes”?

Con “Troublemaker” y su púrpura amatista continuamos el viaje en esta segunda mitad que no se aleja de la excelencia y que sí se acerca más a un cielo claro y despejado, ya que el tridente que forman “New Year”, “Wishes” y “On The Sea” suena más celestial, aunque ya no haya ángel capaz de salvarnos de lo sufrido hasta este momento. Las imágenes totalmente visuales que se van creando en la mente gracias al proceso sinestésico que producen las canciones es una experiencia embaucadora e incomprensible que te hacen preguntarte a ti mismo por qué esta música se traduce en semejantes fotografías que ciegan de belleza y resplandor. Para terminar, “Irene” se percibe como un diamante en bruto, una pieza no profanada que

BEACH HOUSE BLOOM REVIEW

permanece virgen para ser recorrida de principio a fin (con sorpresa incluída). El detalle mágico de este broche inmaculado es esa constante guitarra que arranca allá casi por el minuto 3 y que durante 60 segundos respirando con la misma cadencia nos susurra que todo tiene un principio y un final.

Las respuestas sobre cómo crear arte de la nada no se encuentran en los libros, sino que mejor dicho, ésta búsqueda es un ejercicio de pasión y dedicación puro y sincero. Es una empresa más divina que racional que incluso las palabras y el entendimiento no pueden abarcar con totalidad. Es algo que sencillamente… se siente y se padece, como el peor de los dolores y el mejor de los amores. Es un caso de extremos, de blanco o negro, sin escala de grises: se logra o no se logra. Resulta ser una apuesta que se desea más que nada en el mundo, sin aparente recompensa a corto alcance, pero con el premio más dulce que existe si se consigue hallar la fórmula mágica.

Beach House demuestra con “Bloom” una destreza inigualable en este paraje abstracto, haciéndonos creer en lo imposible y en la existencia de dimensiones que no podíamos imaginar. El poder de la música plasmado en una de sus representaciones más fidedignas y contundentes al servicio de unas mentes capaces de ofrecernos sentimientos como resultado de una resplandeciente pasión.

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OLD TOWN HALL

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REVIEW WE ARE GHOSTS OLD TOWN HALL (2012) Por Jesús Daniel Marín

Cada vez que tengo noticias de We Are Ghosts, es una alegría para mis oídos. Si no hace ni siquiera un año que cayó en mis manos por fortuna su disco “Broadcasting”, con el cual me enganché a sus sonidos ambientales y de tintes post-rock, es ahora con su nuevo disco con el que me confirmo como un fan totalmente entregado a ellos.

“Old Town Hall” es ligeramente más oscuro que su predecesor, pero pese a ello, tiene pasajes cargados de luminosidad y sonidos que evocan a la esperanza. Sinceramente, a cada segundo que pasaba en la escucha de este álbum, creía que las canciones que lo formaban pertenecían a los archivos secretos de David Gilmour o Roger Waters. Este disco suena a Pink Floyd por todos lados pero que quede claro, esto no es nada malo. Es un piropo.

El disco empieza con la homónima “The Old Town Hall”, que empieza con suaves brisas aullando en los altavoces pero que sufre un crescendo continuo a lo largo del tema, desembocando en la segunda canción “You’re Gonna Die”, frase repetida durante la letra de la misma y que va cayendo en una espiral de desesperación, formando una psicodelia oscura que nos remite a la experimentación de “Ummagumma”.

En “Self Oscilation (We Are Ghosts, You Are Audience)” crean un mantra rítmico, de estructura casi marcial que termina con una voz codificada bajo unos buenos efectos que repite el nombre del grupo. “Inside The Walls” transmite la presión de su titulo, en unas cadencias ritmicas que se apoyan en una guitarra que construye un colchón sonoro cargado de efectos y samplers de inspiración espacial, como si fueran una salida a esa prisión que queda dentro de los muros. Especial atención a la batería en este tema, pues es la principal protagonista a lo largo de toda la canción, siendo el esqueleto en el que reposa el resto de instrumentos. A continuación, “I Could” nos transporta a la época de las voces femeninas de Pink Floyd y esos solos de guitarra cargados de estridencias, cayendo en el virtuosismo del ruido y que son capaces de, con cierta ayuda

externa, llevarte muy lejos y sentir como te evades de todo y eres capaz de flotar.

“Painless” hace honor a su título, pues nos transmite calma desde sus primeros acordes, con ligeros tintes étnicos que toman forma a través de unas voces quejumbrosas que surgen de la nada sin esperarlo, presentes a lo largo de toda la canción, que va apagándose hasta su conclusión. Las percusiones tribales vuelven a hacer acto de presencia en el inicio de “Secret Transmissions”, dándose la mano con las nuevas tecnologías y creando una alianza cuando menos curiosa.

Un órgano acompañado de unos coros emerge a mitad de canción, desconcertándonos como si estuviéramos escuchando una pieza secreta dentro de la misma canción y que durante los treinta últimos segundos es el momento exacto en el que se descubre esa transmisión secreta que han incluido We Are Ghosts en este tema.

“The Night Is Ours” es la elegida para cerrar el disco, de una forma diferente a la que nos tienen acostumbrados los chicos de Israel. Una voz en la lejanía, profunda, canta durante toda la canción, anunciando que la noche es nuestra y que en ella, podemos cobijarnos y vivir como si del mismo día se tratara. Luces que vomitan en las aceras llenas de vida y que guardan historias que sólo se pueden contar cuando nadie mira.

“Old Town Hall” es una maravilla para los oídos del que lo escucha. Conociendo cómo se ha grabado este disco, usando su estilo de siempre, creado desde la más absoluta improvisación y grabado en directo, con el sonido desnudo y sin tratar, lo engrandece aún más.

Desde aquí seguimos recomendando su música porque es algo que merece la pena conocer y disfrutar y personalmente, me encantaría poder disfrutar de ellos en España, aunque sólo sea una vez en la vida.

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NOT YOUR KIND OF PEOPLE

Por Quique Gómez

El ritmo productivo de Garbage se frenó con el innecesario “Bleed Like Me” (2005) cuando venían editando hasta entonces un disco cada tres años. Es de suponer que lo que han tardado en volver se debe, en parte, a las críticas recibidas por aquel álbum, el cual siendo justos, contiene aún algún que otro gran tema. Todos los discos de esta banda contienen grandes canciones.

Este “Not Your Kind Of People” no iba a ser la excepción.

Pero tampoco nos vengamos arriba, porque el disco sigue sin levantar el vuelo en una discografía que desde el sorprendente y añorado debut venía de culo y cuesta abajo. Valientes ellos y sin nada que perder, tenían realmente fácil superar su último disco hasta la fecha.

Cuando supimos de su regreso no sabíamos qué cara poner, y menos aún cuando lanzaron, como primer single la insulsa “Blood For Poppies”. Y el caso es que el disco comienza algo mejor, con una “Automatic Systematic Habit” que parece una horterada retro moderna pero

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tiene su gracia. “Big Bright World” es, más o menos, lo que se espera de ellos, con mucho ruido controlado y melodía a la vez, con la siempre eficaz voz de Shirley Manson. Tras el citado primer single llegan “Control” y la que da nombre al disco. Dos truños muy gordos.

Menos mal que en la segunda mitad del álbum llegan “Felt” (donde empiezan siendo Placebo para acabar siendo Smashing Pumpkins), “I Hate Love” (otro guiño a su época de los ’90) y “Sugar” (correcta balada del tipo ‘emocionante’), casi las tres mejores. Entorpece y mucho la prescindible “Battle In Me”, porque llevaban ritmo y la que le sucede es “Man On A Wire”, otra gran canción que recuerda éxitos pasados como los que encontrábamos en “Garbage” (1995) o “Version 2.0” (1998). Cierra “Beloved Freak”, otra balada con la que se resume a la perfección el sentimiento final de este disco: ¿hacía falta? Resumiendo lo que supone el regreso de Garbage diremos que al correcto inicio le sucede el mayor sopor temible, el cual saben remontar en una buena segunda mitad.

Sólo por escuchar algunas de las canciones de este quinto álbum, las buenas, reivindicamos que, a veces, sí merece la pena volver. La carrera discográfica de esta banda sólo decrecía... igual ahora tiende a subir. Cosas mucho peores se han visto.

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REVIEW oOoOO OUR LOVING IS HEARTING US

OUR LOVING IS HEARTING US (2012) Por Sergio Herguedas

Christopher Dexter sorprendió a todos con un EP allá por el 2010 titulado oOoOO, el cual se elevó a los altares debido a la revolución sonora implantada por él y por sus amigos White Ring y Salem, haciendo una música etiquetada bajo el nombre de Wicth House. Etiqueta acertada ya que en el idioma de los fantasmas, oOoOO significa precisamente eso.

Pero el tiempo pasa, las corrientes pasan y hay que renovarse o morir, pero no perder la identidad que uno ha adquirido por el camino, o así lo ha entendido Chris, el cual para este segundo EP, “Our Loving Is Hearting Us” ha impulsado más las estructuras fantasmagóricas, ha rodeado las canciones en una oscuridad inquebrantable y ha pulido cada uno de los sonidos, dotándolos de vida propia.

Y aunque más que cambiar, lo que parece que ha hecho ha sido reforzarse, y aunque haya descubierto el tratamiento que Burial da a los vocales, “TryTry” nos arrastra a lo más profundo o quizá a lo más externo de la coraza que separa la persona del artista, y es que todo lo que los rodea es frío y cortante. La frialdad va a ser la característica principal de este sophomore album, y para

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que no se note tanto, ha contado con la ayuda de Butterclock, el cual ha quitado de encima la densa niebla y ha cambiado el escenario de “Springs”, trasladándonos a los barrios donde se gestó el rap.

El Burial más primerizo vuelve para instaurarse en el fondo de “Starr”, eso sí, mezclado con unos vocales, esta vez masculinos, aunque con pinceladas de los femeninos que nos han estado acompañando hasta ahora, para hacer de este tema, un ejercicio de autogestión y poder clarificar nuestra alma impura.

Lo que no acabo de entender es porqué juega al ratón y al gato con nosotros, y es que si no fuera por el envoltorio de las canciones, Chris se mostraría tal y como es y no se escondería, porque todo parecía indicar que ese envoltorio era cosa de su amigo, como también se puede comprobar en “NoWayBack” (en el que también colabora), pero él solito, y sin ayuda de nadie se muestra igual en “Break Yr Heartt”, aunque Butterclock dota a las suyas con más intensidad y acentuación de los momentos importantes (lo que hace que suene más fantasmagórico si cabe).

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Por Alejandra Otero

Sólo dos años han pasado desde que Supersubmarina lanzara el que fue su primer disco “Electroviral”. Estos andaluces no han parado desde 2009, entre álbumes y EPs, y ahora llegan con su segundo trabajo, “Santacruz”. Este álbum, más heterogéneo que su primer trabajo, coquetea con muchos más géneros musicales, incluso con el funk. Hay más riqueza en esta última creación, aunque se echa de menos la espontaneidad del primero y se adivina una dirección más alejada del rock. En realidad, el disco ya es his-

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toria en el quehacer de Supersubmarina, ahora tienen la mente puesta en la gira de su presentación que, aseguran, ’va a ser aún más grande que la anterior’. Mucho han crecido estos chicos, tanto como formación, como musicalmente hablando. “Cuando empezamos se nos consideraba un grupo que iba en otra dirección, más como Lori Meyers o Vetusta Morla, pero la realidad es que nosotros no teníamos ni la mitad de medios que esos grupos. Pero ahora, sí que contamos con mejores medios, y eso repercute en los conciertos”. Ellos mismos son conscientes de ello: ahora cuentan con más medios económicos, lo que mejora tanto las condiciones de vida durante la gira, como lo que resulta del estudio. Eso es lo primero que se advierte al oír por primera vez este “Santacruz”.

SUPERSUBMARINA SANTACRUZ REVIEW Escuché el disco en primicia, en las oficinas de Sony BMG, rodeada de otros medios y de fans. Sentados en unos sillones con un aire casi litúrgico, nos sumergimos en “Santacruz”. Cuando comenzaron los primeros compases de “Canción De Guerra”, lo primero que pensé fue “lo que hemos escuchado hasta ahora no hace justicia a esto”. Un rock contundente, de guitarras rabiosas, y una letra que rinde homenaje a nuestra Guerra Civil. “Es mi favorita del disco”, comenta Jay (guitarra y coros). No podría estar más de acuerdo, a mí parecer no sólo es la mejor del disco, sino que está a años luz del resto. Es una canción redonda y que te llega desde la primera escucha. Algo que no es precisamente sencillo. De hecho, el propio Juancha (batería) nos lo advierte: “Es un disco que necesita varias escuchas, hay que darle tiempo”. No pasa así sin embargo con “Canción De Guerra”, que entra tan bien como una cerveza helada en verano.

Este primer tema, sin embargo, engaña: el disco tira por otros derroteros que nada tienen que ver con el rock. De hecho, al compararse con “Electroviral”, “Santacruz” inclina más la balanza hacia el pop. Por algo los singles son “Hermética”, “En Mis Venas” y, si no nos falla el olfato, “Tecnicolor”. Este cambio hacia el pop ha surgido de forma natural según nos comenta Chino, “queríamos que se nos fuera un poco la mano, no ser tan correctos, no ser tan Supersubmarina. Nos pasó en varias canciones, como en “De Las Dudas Infinitas” que es más lenta, y es un género al que no estamos tan acostumbrados. Igual que con “Hogueras”. Decidimos experimentar un poco más en este disco y ver de qué eramos capaces”. Quizá sea también un poco la trampa del indie español actualmente, cuya tendencia está mucho más cerca del pop que del rock. Una línea que se hace acusada según van pasando los años, como demuestra el -me ahorraré los comentarios- último single de Love Of Lesbian, “Si tu me dices, Ben yo te digo Affleck”.

Sin llegar a esos extremos, a Dios gracias, Supersubmarina juega en “Santacruz” más con el pop. Y quizá se hayan pasado también un poco con los ‘homenajes’.

El más evidente es Two Door Cinema Club. Tanto el primer single como “Hérmética” parecen una variante ‘made in Spain’ del famoso “What You Know” o de “I Can’t Talk”. Por su parte, “Tecnicolor” recuerda peligrosamente a la peor versión de unos ya trasnochados The Killers, al menos en los primeros compases. Pero tenemos más y esta vez nacional: Héroes del Silencio en sus inicios, es decir “Mar Adentro” y “Senderos de Traición”, se adivinan en las densas y oscuras guitarras de “Santacruz”. Y “Tu Saeta” tiene algo, al principio, del “Supermassive Black Hole” de Muse. Está tan

variada ensalada de estilos se rompe siempre en los estribillos, que dan la impresión de repetirse en más de una canción. Cuando llegan, tienes la sensación de que estás en un bucle, escuchando el mismo tema en espiral. Labrarse un sonido propio no es sencillo, en el caso de Supersubmarina -y a pesar de tirar hacia un ámbito más experimental- quieren dejar claro que no han perdido su identidad y su marca de la casa son estos estribillos algo homogéneos. Lo que es un error: el estribillo debería enganchar, no cansar.

Volviendo a lo de ‘romper nuevas barreras’, la nota de color la pone el último tema “Hogueras”, a medio camino entre el funk y la música disco setentera con un John Travolta apuntando al cielo y rompiéndose la cadera. A mi gusto, es uno de los mejores temas de “Santacruz”, junto al primero y el que da nombre al disco.

Seguramente, como ocurrió con la gran “Undisclosed Desires” de Muse, un gran grueso de seguidores no comulgarán con este “Hogueras” por ser diametralmente opuesto al estilo de los andaluces. Pero desde una visión objetiva, no se puede dudar de su calidad y valentía: para ser un género que no han tocado en exceso se les da muy bien.

Las letras crípticas y metafóricas, llenas de recursos literarios son uno de los puntos fuertes de este disco, como siempre ha ocurrido con este cuarteto español.

Prima el amor como temática recurrente, más que en el primer disco, que está presente en prácticamente todos los temas excepto en “Canción De Guerra” o “El Baile De Los Muertos”, ésta última es una acertada crítica a la sociedad actual y el gris universo que nos depara cada mañana: “Vivimos hipotecados para poder dormir en paz”. Este álbum nos deja brillantes fragmentos poéticos como “Tengo que alejarme de los monstruos que no me dejan ver, tengo que romperme en mil pedazos otra vez, para dormir cuando no estés”. Hay mucho desamor en este “Santacruz” y esa melancolía, en parte, como reconoce el propio Chino, ha repercutido en todo, no sólo en las letras, sino también en el estilo.

En definitiva, el segundo álbum de Supersubmarina nace para llegar a un público más amplio a costa de decepcionar a algunos fans, más afines al ‘guitarreo’.

El futuro es incierto y nunca se puede asegurar por donde tirarán, pero, por ahora, se podría decir que Supersubmarina son más ‘indies’ que nunca.

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PICTURE SHOW

Por Joaquín Ollero

Neon Trees, que en 2010 se hicieron grandes y potentes gracias a “Habits”, vuelve tras dos años de trabajo para presentarnos su segundo LP oficial: “Picture Show”. ¿Cosecharán de nuevo el éxito que lograron gracias a canciones como “Animal”, “1983″ o “Our War”?

Esta banda americana de rock independiente alcanzaría el puesto de fama que tienen ahora mismo gracias a un trabajo bien realizado y un poco de suerte, ya que siempre en esta vida, y para todo, hace falta algo de fortuna (aún así, recordad que la suerte no se tiene, si no que se crea). De esta manera, allá por 2008 el batería (que era conocido del batería de la banda que estamos tratando) del famoso grupo The Killers disfrutó de un concierto de Neon Trees para quedarse impresionado por la fuerza y ese aire novedoso que desprendía la banda. A causa de este encuentro creado por el destino (o no), el grupo liderado por Brandon Flowers escogerían a Neon Trees como teloneros para su tour y además les ayudarían a firmar un contrato con Mercury Records. A raíz de todos estos eventos y un par de EPs diseminados en años anteriores, “Habits” vería la luz en 2010: 8 canciones + 2 extras y prácticamente todos estos temas podrían haber sido singles, porque de una forma u otra destacan con brillo propio.

De todas formas entended de qué tipo de música estamos hablando: es un indie rock muy suave, con objetivo

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principalmente adolescentes en edad de revolucionarse y soltarse la melena, sin complejidad pero muy entretenido. Y así se mostraron los grandes pilares de ese primer álbum: “Animal” fue la canción más eficaz y sonada de todas, prácticamente un himno. “Your Surrender” hablando de ese amor que se siente a través de muros de por medio. “Our War” como cierre de oro de mayor profundidad que el resto. Todo el conjunto funcionó a la perfección. Insisto, no es ni música de culto ni de remarcables historias. Son canciones semi-discotequeras alternativas muy agradables y adictivas. Es una formula que si sale bien, te puede asegurar un buen cheque. Y así fue.

En “Picture Show” son 11 canciones con las que nos topamos en esta ocasión. ¡Y madre del amor hermoso qué comienzo! ¡Qué comienzo tan desesperanzador!

Los dos primeros temas, “Moving In The Dark” y “Teenage Sounds” consiguen meternos un miedo en el cuerpo que parecía imposible de extirpar. Menos mal que luego está situada “Everybody Talks”, o lo que es lo mismo, primer single del álbum y que está pensada

como secuela espiritual de “Animal”. Y es que en realidad este trabajo es completamente evolutivo y continuista con respecto a “Habits”. Ya se sabe, cuando una fórmula funciona genialmente, muchos optan por exprimir la gallina de los huevos de oro. Y casi todas las nuevas canciones se sienten familia cercana de las presentadas hace un par de años (salvo las dos primeras, claro).

Lo dicho. “Everybody Talks”. Ritmazo de toda la vida, estribillo con ese vozarrón de Tyler Glenn (que acompañado del estilo físico que tiene hacen una combustión perfecta). Esta canción la escuchas 20 veces y la olvidas. Es así, quizás sea duro y cruel de decir, pero se puede considerar un poco “música de usar y tirar”.

Te distrae, te entretiene un tiempo, pero luego queda en el olvido. No ocurrió exactamente así con “Habits”, pero con este nuevo álbum tienes la continua sensación de que será así. Pero repito, cumple su función.

Incluso más con “Mad Love”, ya que aquí pueden caer la centena de reproducciones sin exagerar. Estructura de guión completamente protocolaría: un par de estrofas antes del estribillo, luego viene este, continuamos con otro par de estrofas que maravillosamente incluyen esa voz femenina tan dulce y tierna, de nuevo estribillo, parte tranquila y para rematar de nuevo esos “mad, mad love” por partida doble y adiós. Pero es perfecta así. Parece que la estoy criticando, pero en realidad estoy haciendo todo lo contrario. El producto ha sido concebido así, y ese es el mayor logro que consigue.

Si acaso pretendiesen otro fin, entonces sí sería para echarnos las manos a la cabeza, pero como no es ese caso, un sincero y sonoro aplauso.

“Weekend”: mismo estilo que no sorprende para nada pero que agrada tantísimo que es de 5 estrellas.

“Trust” se aleja de la establecida duración de 3/4 minutos para adentrarse en un terreno algo más complejo y es que en sus 6 minutos demuestra muchas cosas.

Para empezar nos dice que la banda también sabe tomarse las cosas con calma, que tontear y no ir al grano pueden ser opciones válidas. Para continuar es algo más oscura que las demás, y este cambio cromático se agradece en un mar totalmente homogéneo. “Hooray For Hollywood” es la típica canción tonta que te deja igual pero que te adereza un rato muerto sin más pretensiones, y es que los coros a este grupo le salen de lujo. Serán para niños y para gente y no para personas, pero no se puede decir que sean desacertados. “Still Young” es lo que todo chaval quiere escuchar, y ellos se lo dan en bandeja. Un discurso esperanzador sobre la juventud eterna que agradará a los más simples, pero que de nuevo como canción cumple su propósito.

Sin embargo, la última canción “I Am The DJ” es una

NEON TREES PICTURE SHOW REVIEW

tontería que ni engancha ni nada y que parece echar de menos a ese comienzo tan horripilante que sufrimos minutos atrás.

Señores y señoras, esto es Neon Trees. Sinceramente, espero que nadie esperase una música que le diese que pensar y reflexionar sobre cuestiones existenciales. Tampoco espero que ninguna persona anhelase ritmos novedosos y que te hiciesen saltar de la silla. Ellos juegan a otra cosa. Su juego es construir canciones muy agradables de escuchar, que despiertan ligeramente a ese adolescente que todavía seguimos siendo o que fuimos algún día. Y es que en realidad siempre somos jóvenes a nuestra manera, y aunque éste álbum vaya dirigido prácticamente exclusivamente a ese público, si nos acercamos a sus temas estrella podremos recordar con ilusión como nuestra inocente mente imaginaba por aquellos años.

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Por Joaquín Ollero

Niki And The Dove protagonizan uno de los mejores estrenos que presenciaremos en todo este 2012, ya que desde Suecia han construído un electropop con muchísima fuerza concentrada en los estribillos que nos ha convencido completamente del estilo tan particular que han creado. Como viene siendo de costumbre cada año aparecen de la nada algunas bandas que se hacen un hueco en el panorama musical a base de trabajo y buen gusto. Ocurrió con Sleigh Bells hace un par de años presentando ese noise-pop que causó sensación (hoy en día más asentados tras un segundo LP algo por debajo del primero), y también con James Blake en 2011 y su post-dubstep que ha cosechado tantísimo éxito por esos temas tan delicados y diferentes. Todos ellos, y antes de lanzar sus primeros trabajos oficiales, distribuyeron EPs de menor peso en los que asentarse para finalmente publicar el álbum.

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NIKI AND THE DOVE INSTINCT REVIEW Y de este 2012 recordaremos el gran estreno de Niki And The Dove (junto con Lana del Rey, Tribes, Alabama Shakes, y los que estén por venir…), que con su primer disco titulado “Instinct” merece hacerse hueco en el sector del electropop. A finales del año pasado lanzaron un EP titulado “The Drummer” (que contiene algunas canciones que podemos disfrutar en el disco), con el cual fueron nominados para el BBC’s Sound of 2012 donde quedarían en quinta posición. Aún así, ya habían plantado la semilla que germinaría finalmente en este mes de mayo con el lanzamiento de su primer álbum que tiene por portada esa imagen presidida por la Luna y adornos selváticos tan llamativa y colorida. El sonido presentado en “Instinct” tiene mucho de esos elementos visuales que están plasmados en el front cover del disco. Es una música que se mueve de lo salvaje a lo estelar, así como se alimenta de colores vivos se escuche la canción que se escuche, y también cuenta con una dosis de pasión desesperada que te atrapa y no te deja marchar. El andamiaje es muy sencillo: ir al grano con determinación y confianza. Así lo prueban en casi todas las canciones impares, mientras que por regla general, las pares suelen ser pequeños experimentos que se alejan levemente de la esencia pura de la banda.

Y cuando hablo de esa naturaleza pura más exactamente me estoy refiriendo a dos canciones indispensables para entender a estas mentes suecas. “Tomorrow” como carta de presentación es sencillamente perfecta.

Nos deja entrever la calidad de la voz de Malin Dahlström y como

se desenvuelve en entornos más tranquilos, y sobretodo como explota en los estribillos con infinitos decibelios. “Oh! If tomorrow comes…” ¿Os lo esperabais? ¿Semejante intensidad y fuerza?

Es un juego de presiones y entusiasmos el que suena durante toda la canción pasando de partes tranquilas a ese coreada sección principal. Es una voz que transmite valores (con lo difícil que es conseguir eso), así como tiene la cualidad de gritar pero sin chillar, y de esa forma tan potente se adentra en nuestros oídos. No debemos obviar bajo ningún concepto la instrumentación que acompaña de fondo a la perfección a este canto sobre el anhelo y el deseo. La otra joya púrpura es “Somebody” que se toma tan sólo 22 segundos de papeleo para ofrecer todo lo que tiene. Descargar casi todo el peso de los temas en los estribillos es algo que podemos comprobar a lo largo de todo el listado de canciones. Es una apuesta arriesgada, ya que si sale mal estás completamente desarmado, pero si aciertas, entonces te llevarás un pedazo de cielo contigo. Esta canción es una piñata que revienta cuando la cantante toma toda la responsabilidad y nos regala un producto original, excitante y sincero. Se sabe que la fuerza es masa por aceleración, y en esta canción encontramos esos fundamentos: la aceleración de cada “Are you coming out tonight?” y el peso de la acusación que sigue a continuación: “Or is it somebody else you’re seeing”.

Pero no sólo de cruda potencia se nutre Niki And The Dove, ya que hay ciertos temas más serenos y melódicos como lo son “In Our Eyes”, “Mother Protect” o

“The Fox” aunque siempre terminan por rendirse ante lo irresistible y se entregan en el estribillo como si fuese el final del mundo.

Lo mejor de todo son ciertas sorpresas escondidas en momentos prácticamente arbitrarios de algunas canciones. En “In Our Eyes” es esa declaración de desesperación en el tercer cuarto del tema parar morir en un silencio sepulcral y luego renacer de nuevo. “Mother Protect” se lleva el premio a la innovación por la inclusión de ese instrumento de viento con el que se convierte en la estrella del estribillo. Es una melodía que sabe a madera y hueso a partes iguales. Y en “The Fox” son esos coros acompañados de campanillas tintineantes. ¿Habíais imaginado alguna vez el concepto de “susurro gritado”? Creo que acabamos de dar con el ejemplo perfecto.

El resto de temas siguen manteniendo un nivel muy alto, permitiéndose el lujo de experimentar un poco como ocurriría en “The Gentle Roar” de base exótica y épica indagando en el misterio de esa voz apagada, pero sinceramente la preferimos incandescente. Y tema tras tema con esas letras amorosas y creando una guerra entre el frenesí y el sufrimiento, descubrimos que el resultado global es sobresaliente.

El estilo asentado sobre una base inamovible curiosea sobre diferentes vertientes y en todas ellas encuentra premio. Es un álbum para respirarlo pensando en naturaleza e instintos básicos, pero a la vez muy moderno en cuanto a la estructura y la intensidad predominante. Cantar a los cuatro vientos es algo maravilloso y Niki And The Dove han encontrado una brisa excelente.

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REVIEW Por J.N. Carretero

Los chicos de Love of Lesbian (LOL) vuelven con un trabajo que apuntala las virtudes de anteriores discos pero que sabe evolucionar hacia nuevos caminos musicales, lo que les convierte, si no lo eran ya, en una de las bandas de referencia del indie nacional. “La noche

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eterna. Los días no vividos” ofrece la colección suficiente de temas que se convertirán en himnos desde el minuto uno, del mismo modo que otros cortes, por su carga emocional, sabrán tocar esa fibra tan profunda que todos tenemos, y a la que tan bien saben llegar.

El rasgo fundamental que llama la atención desde la primera escucha es el riesgo, en cierta medida, que han adoptado a la hora de elaborar este disco. Riesgo en cuanto a la duración del trabajo, ya que, en los tiempos frenéticos que marca el sector musical, sacar un largo con 18 canciones y casi 76 minutos de duración es algo que muy pocas formaciones se pueden permitir sin provocar que el público se canse fácilmente. Riesgo en cuanto al contenido de las letras.

Nada de estribillos machacones ni composiciones ligeras. En la más sana tradición de LOL, y que representa una de sus señas de identidad, cada canción encierra significados que se descubren a medida que se escuchan los cortes una y otra vez. Es indiferente que el mensaje que Santi Balmes (la “voz”) pretenda transmitir sea pesimista u optimista. Dedicarle la atención necesaria a cada verso, a cada palabra, a cada reflexión, responde y corresponde al oyente en cada una de las aproximaciones a este trabajo.

También son arriesgadas algunas de las canciones en sí mismas, como “Orden De Desahucio En Mi Menor”, donde con el sonido de fondo de lo que parece un televisor, y unas breves notas de un piano, recrean la tranquilidad de un hogar que repentinamente se rompe con golpes en la puerta. Sutil guiño del grupo a la situación actual de crisis económica que no les hace caer en la compasión fácil ni en el populismo barato, pero demuestra compromiso social. Y riesgo también por el inicio que tiene el disco.

“La Noche Eterna”, el primer tema, dura más de siete minutos, y no sólo eso, sino que además tiene un ritmo a modo de montaña rusa que la hace comenzar muy pausadamente, reflexiva, intimista, hasta que poco a poco se eleva en su dinamismo, incrementa en su potencia, y vuelve a bajar su intensidad hasta apagarse poco a poco. A partir de este momento se suceden canciones que a buen seguro se sumarán a clásicos del grupo como “Houston, Tenemos Un Poema”, “Algunas Plantas”, o “Club De Fans De John Boy”, por citar algunos ejemplos. Me refiero a “Los Seres Únicos”, acertadísimo adelanto del disco que sirvió para demostrar que la línea de este nuevo trabajo era fiel a LOL, y “Si Tu Me Dices Ben, Yo Digo Affleck”, probablemente el corte más bailable de todo el disco y que a buen seguro formará parte del repertorio, si no lo hace ya, de los dj’s del indie patrio, una canción que, sin llegar al histrionismo de La Casa Azul, sí que recuerda al pop desmesurado y desenfadado de Guille Milkyway. Por su parte, “Pizzigatos” es otro ejemplo de la típica canción del grupo construida en base a un personaje alrededor

del cual contar una historia. Para esta ocasión han elegido lo que parece ser un gato y cuya metáfora puede extrapolarse al típico individuo de la noche que se deja llevar por los instintos más mezquinos para volver rápidamente al redil, con las consecuencias que eso puede tener para sus seres queridos. En este caso hablamos de “Bala”, pero en 1999 teníamos al “Amante Guisante” o al “Electroplasta”. Nuevo fichaje. Del mismo modo, “La Noche Eterna. Los Días No Vividos” también esconde temas más macarras y gamberros, como “667”, una verdadera locura en la que dan buena muestra del desfase y la chulería con la que muchas veces se comporta la banda, pero que tan bien se les da. Además, juegan con esa ambigüedad que funciona estupendamente para determinadas canciones, y esta es una de ellas.

También es cierto que la calidad del disco se resiente ligeramente hacia la segunda mitad, la correspondiente a Los días no vividos, si bien es lógico porque en la estructura global del disco subyace el mensaje de que la primera parte está dedicada a la fiesta y al desenfreno propia del final del día, mientras que la segunda parte es más intimista y reflexiva. Pero ese descenso es muy ligero, más bien podría ser una cuestión de gustos personales o depender del estado de ánimo con el que uno se enfrente al disco. Lo que está claro es que el tema que cierra este doble trabajo, “Los Toros En La Wii (Fantástico)” se encuentra, posiblemente, entre las tres mejores canciones de la historia del grupo. Es sencillamente redonda, variada, divertida, contundente, significativa, absurda, surrealista, compleja, cualquier adjetivo es válido. Es como su propio nombre indica, fantástica.

Personalmente, no se me ocurre un mejor broche final para este disco ni para cualquier concierto de los que con motivo de este trabajo ofrezcan. Simplemente imprescindible.

En conclusión, LOL ha vuelto ha demostrar que si se invierte tiempo en hacer un disco puede salir un trabajo de diez. Frente a grupos que cada año, casi por imperativo, lanzan temas nuevos, a estos chicos no les ha importado dedicar varios años a perfilar un largo que les ha salido genial. Junto a “Fue eléctrico”, de La Habitación Roja, el mejor disco del año, de largo. Y un apunte final, ojalá las noches fueran eternas para no dejar de escuchar canciones como las de este trabajo, de lo contrario, el no conocer a LOL, sí que serían días no vividos.

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LA NIÑA HILO PRÓLOGO EP (2012)

Por Sergio Herguedas De las cenizas de matti (César Bueno, Juanan Melero y Ángel Ursua), grupo que se disolvió en 2010, brota La Niña Hilo, formación que añade a sus filas a la vocalista Laura Recarte, y en parte, es la ‘diseñadora’ del nombre del grupo. Y es que todo está cuidado al detalle, y en esta nueva etapa no han querido dejar nada al aire, de ahí que el título del EP sea “Prólogo”, lo que nos da pistas de que aquí a un tiempo, su música volverá a anclarse en nuestro cerebro.

Y haciendo un guiño a lo comentado, arrancan con “Future”, con la que sacan una rabia acumulada auspiciada por la voz punk de nuestra vocalista que poco a poco desencadena en un rock instrumental al estilo de Atleta o Frieda’s Still In Love. Y es que estas son las señas de identidad del grupo, a las que de vez en cuando, se añaden los coros de César para hacer de me-

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diador entre punk y rock, consiguiendo que no concibamos la una sin la otra. Pero aparte, a su discurso añaden sintetizadores, lo que hace que en canciones como “Dark Moon” las reglas del juego se rompan, y entre unos y otros, hagan que todo salte por los aires, consiguiendo llegar a doblar la intensidad hasta ahora presentada y hacernos recordar a grupos como Dolores, ahí es nada.

Pero el grupo no se esconde, y con las mismas armas que su antecesora, saben quitarse la capa de la psicodelia, bajar la energía y la velocidad, y experimentar con nosotros a través de un bucle que de no ser por los sintes, estaríamos de camino para que nos trataran la locura mental en la que nos envuelven. Cambio, que también utilizan para cerrar esta primera parte, donde esta vez, “Three Days” suena más pop.

Cinco canciones para una carta de presentación que deja el pabellón muy alto, y que estoy seguro que aumentará cuando las desarrollen en directo.

I’M SORRY… (2012) Por Sergio Herguedas Campanas de “Video Games” y retazos fantasmales de “Blue Jeans”, ambas de Lana Del Rey, nos dan la bienvenida en lo que suponen los primeros compases de “Female Robbery”. Y hasta aquí las comparaciones, ya que el quintento con base en California llena sus canciones de hip hop pero con una instrumentación pop que les acerca a éstos últimos de sobremanera.

Los sonidos del Bronx van desapareciendo, hasta quedarse en el fondo y hacer que The Neighbourhood se focalize más en un formato de banda alternativa, y así se refleja en “Leaving Tonight”, donde la

desesperación épica que desprende, logra evocar un sentimiento de emoción que causa estragos a su paso.

La tristeza ha hecho estragos en su interior, así que buscan refugio a la americana, y para ello no dudan en desnudar “Baby Came Home”. Lo mismo que ocurre en “Sweater Weather”, con la pequeña salvedad de que el groove aquí mostrado, da signos de una recuperación que a tenor de los vocales se queda en una impronta pasajera.

“Wires” cierra el EP “I’m Sorry…” desembocando en los principios de unos anales que estaban predestinados a acabar la historia como empezó, entre rap y autodestrucción.

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Por F.Javier Moreno

O.CHILDREN “APNEA”

La banda londinense vuelve para iluminar la oscuridad con su música, aunque ellos también esten bastante cómodos en la tiniebla.

O.Children son Tobias O ’Kandi (o Tobias Von party) frontman y vocalista, Andi Sleath en la batería, Gauthier Ajarrista en la guitarra y Harry James en el bajo y nos maravillaron a todos con su homónimo álbum debut lanzado en el 2010. Un disco en el que nos podíamos encontrar un sonido post-punk, influenciado por grupos de la década de los años 80´s como Joy Division o Nick Cave. En este primer disco había temas oscuros y llenos de garra como “Ruins”, “Radio waves” o el single “Dead Disco Dancer” que, aunque también tenía ese aura oscura, si que se atisbaba algo más de viveza y alegría, aunque esto es dificil encontrarlo en la música de estos chicos. Ahora vuelven a la carga con "Apnea", su segundo álbum de estudio, la dura prueba a la que se le somete a todo grupo que hace un gran trabajo en su debut. Voy a dejarlo claro desde un principio, "Apnea" es una bonita obra que se va ganando nuestro cariño cada vez que lo volvemos a oir. No es un trabajo donde encontraremos temas potentes (en cuanto a velocidad y la pesadez de los propios instrumentos), no encontraremos una “Ruins” o “Radio Waves” de nuevo.

Es un disco donde exploran aún más

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su sonido, nos sumen de nuevo en la oscuridad y melancolía, pero conserva esa garra del primero y lo expande a lo largo de cada tema, dotándoles de personalidad propia.

Cada tema tiene un “sabor” diferente, aunque todos encajen a la perfección en el sonido O.Children. El disco comienza con “Holy Wood”, que sirve a la perfección de introducción a lo que vamos a escuchar, una canción que te mantiene en vilo, y que sabe muy bien mantener el suspense generado por el bajo y el ritmo incesante que marca la batería. “The Realest” hace acto de presencia en el segundo corte. Para mi, la mejor canción de “Apnea”. Muy “O.Children old school”, con unas guitarras que impregnan de magía toda la canción, en el que los instrumentos se van sumando poco a poco, el ritmo va acelandose y donde Tobias no podría hacerlo mejor con su voz de barítono. Un sonido muy retro en el estribillo. Una de las joyas del disco. “Red Like Fire” continua el ritmo marcado por las primeras canciones, manteniendo el sonido mágico y dramático. “Oceanside” es quizá la canción que más puede flojear para lo que es O.Children, una canción muy calmada, un estribillo que funciona bien, pero que peca de facilón. En “PT Cruiser” podemos ver un sonido muy parecido al de los últimos The Horrors, shoegaze, donde vislumbramos paisajes coloridos, un sonido que les viene genial.

Guitarras noventeras cargadas de distorsión y estribillos con un aroma retro. “I Know (You Love Me)”, otra de las joyas del disco, de las más alegres, coros replicantes a Tobias que repiten continuamente lo mismo: “I know You Love Me”. Sonido The Cure fusionado con el de la propia banda, y un fuerte estribillo: “Where she’s

going, I don’t know, but I follow wherever she goes. Now I look so incredibly old in my grave and lying alone”.

Alegre no es que sea, pero por poco que nos den con un tono más alegre, musicalmente hablando, no lo vamos a rechazar ¿verdad?. "Yours For You" es otro de los temas que más destacan, un tema en el que se puede decir que es una mezcla de la segunda parte de “Sea Within A Sea” de The Horrors y unos estrillos muy Arcade Fire. Un ritmo acelerado y de nuevo con un tono más alegre de lo normal. Desde ya, uno de los temas más remarcables de la banda.

“H8 City” continua con el sonido de la anterior, pero más calmada. Una canción muy pop. “Swim” es un tema más “bailón”, que goza de un maravilloso estribillo, un sonido más chulesco, de película. El ritmo de la batería y las guitarras no se os irá de la cabeza con facilidad. En “Cold Eyes” volvemos al sonido oscuro, otro genial estribillo, lleno de fuerza y una linea de bajo que marcan a la perfección las estrofas. Y para despedirnos, “Chimera”. ¿Como es posible mezclar a Depeche Mode con estribillos muy parecidos a los fineses HIM? Pues lo hacen, sin importarles lo más mínimo, haciendo un mágnífico tema y un bonito final.

O. Children a creado un precioso álbum lleno de matices que no tenía su debut, algo de pop, algo de shoegaze, oscuridad presente en muchos de sus temas y melancolía. Todo disco bueno te deja siempre con ganas de más, “Apnea” lo hace y también hace que no quieras que termine nunca. Te dejan drogado e inmerso en los paisajes oníricos que crean.

I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los estilos que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp No tener sello discográfico

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

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THE CAST OF CHEERS FAMILY & ANIMALS EP ( 2 0 1 2 )

Por Sergio Herguedas

A The Cast Of Cheers los conocí a mediados de febrero a través del single “Family”, y el flechazo fue instantáneo. Juego de batería y guitarras que con la rapidez implementada, y el querer ir al grano durante los poco más de dos minutos que dura el tema no han sido bastante para encadilarme. Y es que la voz de Conor es la que juega el papel principal, ya que sin la cual, todo podría quedarse en una banda más de rock instrumental. Pero lo que no sabía era que detrás de esta joya, se encontraba “Loose Talk At A Party”, y así completar este “Family EP”. Pieza que sigue con esos riffs a dúo que le hacen perder la cabeza a cualquiera. Y como no, también encontramos el juego de voces que tan de moda se ha puesto, esta vez con filtros, para que el desdoble nos haga entrar en una dinámica de locura temporal.

Eso en febrero, porque ahora, lo que toca es sacar amansar el animal que todos llevamos encima, y que nos encontramos en “Animals EP”, cuyo tema principal lleva por nombre el

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mismo que el EP. Con la misma intensidad y esas guitarras, no hay duda de que ellos se encuentran detrás, aunque el tempo haya disminuido. Y viendo el título, lo que aquí nos encontramos es la versión radio, lo que se supone, que el tema final que encontraremos en su álbum debut, tenga más minutos que éste.

Pero antes de hacer cábalas, toca escuchar “Accolades”, y siguiendo la tónica de las caras B, la voz vuelve a estar filtrada, lo que se supone que forma parte de una experimentación que les gusta hasta a ellos mismos, pero ojo, solo vocal. Y aquí empiezan a lo Corizonas, para dirigirse rápidamente a un jazz de origen conceptual que se queda hasta el final.

Visto lo visto, y tras conocer el tracklist de su álbum debut, el cual saldrá a la venta el próximo 23 de julio y llevará por título “Family”, las caras B se quedan fuera, así que recemos para que nos presenten más canciones antes de su puesta en largo, así tendremos la seguridad de tener el doble de temas por el mismo precio.

REVIEW

LAS CASICASIOTONE

POLAR BEARS ARE COMING EP (2012)

Por Sergio Herguedas

¿Qué tienen Asturias y John F. Kennedy en común? (y no es que en Indieferencia Magazine nos hayamos vuelto todos locos, no) Pues la prueba hay que ir a buscarla directamente en “Polar Bears Are Coming” (single), y es que Ana y Eugenia han incorporado el discurso que el presidente dió en el Hotel Waldorf-Astoria el 27 de Abril de 1961, y cuando uno piensa que va a ser otra versión oportunista, el análisis del conjunto denota un trasfondo para llamar nuestra atención sobre algo que ocurrió hace 40 años y que aún así acompaña a nuestro días (“secrecy”, “free and open society”, “grat danger”, “survival”,…). Los

silencios, el no desdibujar un ápice las palabras y envolverlas en tonos soñadores han hecho que Las CasiCasiotone estén de vuelta.

Con el discurso todavía merodeando nuestras cabezas, lo que necesitamos es un bálsamo sonoro para canalizar todas las ideas que durante cinco minutos han asaltado a nuestra mente. Y con la cabeza bien fría, y con el deber de tener que actuar, es ahí donde entra “Musculitos” y coge esa forma robusta mediante sonidos que reflejan el azote, las lágrimas y el sudor que se debe cobrar uno cuando quiere conseguir sus objetivos. Y sin saber muy bien de dónde nos viene el sonido, “Octopus Killer” se acerca al tono más festivo del dúo femenino, dejando de lado las emociones, para simplemente dejarnos llevar y sentirnos como auténticos MC hasta que la alarma hace su aparición para indicar que su tiempo se ha acabado.

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Por Jesús Daniel Marín Es difícil que a estas alturas de año ya haya tanto candidato a disco del año. Pero si nos lo tomamos en serio y saliéndonos de lo establecido por las normas de la música independiente y sus hypes dictados a dedo, deberíamos prestar atención a Pg.Lost. Tras un par de meses circulando por Internet y creándome una seria adicción escucha tras escucha, por fin llega el momento de hacer la review de “Key”. Para empezar, decir que es un disco redondo.

Sí, roza la obviedad, pero no me refiero a su forma, sino a su contenido. Me aventuraría a decir que con el paso de los años será uno de los grandes discos dentro del género.

Pg.Lost es un grupo de post-rock de Norrköping, Suecia, formado en el año 2004. La banda fue inicialmente llamada Before You Give In…, pero después de numerosos cambios en la alineación la banda tomó el nombre que posee actualmente. Este cuarteto se caracteriza por un sonido cristalino y métricamente perfecto, de atmósferas autodestructivas y renacientes, por lo que se les ha comparado varias veces con bandas como Explosions In The Sky, Red Sparowes o Mono, entre otros. La banda está formada por Mattias Bhatt en la guitarra principal, Gustav Almberg en la guitarra y el teclado, Kristian Karlsson en el bajo y las voces, y Martin Hjertstedt en la batería.

“Key” es su tercer disco de estudio, después de “It’s Not Me, It’s You” y “In Never Out”.

“Spirits Stampede” es el tema que da comienzo a “Key.” Platos que tiemblan bajo las baquetas de Hjertstedt e invitan a que las guitarras rasguen la calma creando un desfile de agudas notas al compás de una batería poderosa. Y de ahí, vuelta a una falsa calma que tras cuatro minutos estalla en los tímpanos en una autentica estampida perfectamente orquestada. Y sin apenas descanso para los oídos, “Vultures” se lanza en caída libre y aterriza en los páramos de los sonidos de los temas más memorables de Mogwai pero con algo menos de ruido y un poco más de melodía. “Terrain” empieza sucia, con un bajo distorsionado que no abandona el esqueleto de la canción durante toda su duración en contrapunto al riff principal de guitarra que te obliga a mover tu cabeza arriba y abajo. Un interludio rítmico suaviza ese embrutecimiento inicial para regresar abruptamente al riff

REVIEW

inicial y al bajo cargado de distorsiones. Recomendable su escucha a volumen muy alto para disfrutar de toda la violencia musical de esta canción. Siguiendo con la dinámica del disco y sin dar tregua al silencio, “Sheaves” arranca con potencia, seña de identidad de este disco (y del estilo de Pg.Lost) marchando de nuevo hacia derroteros más sinfónicos hacia la mitad del tema y dándole protagonismo absoluto a la guitarra, sobre la que recae la responsabilidad de mantener los niveles de atención del oyente.

Con inusitada calma da comienzo “I Am a Destroyer”. Pero observando la dinámica del grupo, ya podéis adivinar qué va a suceder. Esa calma es la que precede a la tempestad y si el título de la canción hace referencia a la destrucción, el apocalipsis sonoro que tiene lugar en los últimos dos minutos de canción es lo que nos hace entender el porqué del nombre.

Guitarrazos que suenan sin cesar, sinfonía de destrucción. “Gathering” es la joya de “Key”. Emotiva, épica, delicada, cuidada en cada una de sus notas, va haciéndose grande a medida que avanza en su duración. Puede parecer que sea la canción con menos fuerza del disco, pero esperad a que diga su última palabra, cuando esa unión de todos los instrumentos se lleve a cabo y entendáis porqué la he catalogado como la joya del disco. La última página de esta maravilla la escribe “Weaver”. Canción que es puro post-rock. Un piano, al que se le suma la batería y el bajo, posteriormente vienen las guitarras y entonces se produce la magia durante trece cortos minutos. Es digno de mención la melancólica y momentánea retirada del piano justo antes del comienzo del fin del disco, donde todo se torna homogénea agresividad y termina cayendo de nuevo en manos del piano que evoluciona, poniéndote los pelos de punta, en un potente órgano que nos hace plantearnos el porqué no lo habrán usado más en el resto del disco.

Desde luego, y como ya he dicho al principio, muchos discos han recibido ya loas y alabanzas de prensa especializada y por qué no decirlo, de nosotros mismos.

Yo voy a romper una lanza a favor del post rock, porque me gusta y porque lo considero un género que está en continuo desarrollo, llegando cada vez a más gente y a mí me gustaría participar en esa labor. Escuchad a Pg.Lost. Disfrutad de esos juegos de calma y agresividad sonora, que no os importe la ausencia de letras. Sólo dejaos llevar y dejad que la llave de Pg.Lost abra los rincones más profundos de vuestra imaginación y os transporte donde su música quiera.

Conmigo, una vez más, lo han hecho.

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R.I.P Por Joaquín Ollero

Afilad vuestra imaginación porque Darren J. Cunningham (el hombre que se esconde detrás de esta “actriz”) ha regresado para mostrarnos este techno ambiental o música electrónica etérea basándose en los detalles más inverosímiles de la vida.

Rest In Peace en inglés, Requiescat In Pace en latín o como comúnmente se conoce, “R.I.P”, es el título del tercer álbum oficial de Actress (aunque su vida musical está repleta de pequeños lanzamientos y por lo tanto es difícil agruparla), ya que en 2008 se publicó “Hazyville”, y en 2010 “Splazsh”. Ambas publicaciones carecen de la magia que está impregnada en cada intención tras el telón de cada canción de “R.I.P.”, y es que en estos dos casos la música se siente sin objetivo ni puerto al que llegar. Salvo ciertas excepciones, son sucesiones de canciones rítmicas en las que el fin y el principio de la canción no impor-

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tan en absoluto, y la materia que se encuentra en mitad tampoco tiene relevancia. Se puede decir que son viajes monótonos en un mismo color apagado y donde la pasividad reina en cada segundo de unos temas que además se alargan durante demasiados minutos, haciendo que el viaje sea interminable, como si nos encontrásemos en un desierto sin fin y la sed nos nublase la mente. En conclusión, notas electrónicas por doquier aderezadas con unos cuantos susurros, palabrejas diseminadas por aquí y por allí y algo de beatbox en esta ensalada muy poco mixta. Pero la empresa cambió radicalmente y

encontró su camino en 2012. Actress nos presenta “R.I.P.” como un álbum poligonal (a semejanza de esa figura en la portada con esa forma repleta de esquinas y salientes) y es que en este trabajo vamos a encontrar muchas caras diferentes pero todas con un denominador común. Esta característica residente en cada uno de los 15 temas que componen el tracklist no es más que un interés sobrehumano por intentar descubrir lo que hay más allá de cada cosa existente, un gran afán por indagar en la profundidad que se encuentra por debajo de la superficie visible que todo el mundo ve a primera vista. Y es que es en

ACTRESS R.I.P. REVIEW los pequeños detalles de la vida donde se encuentra la magia y la esencia. De esta manera, éste es un álbum para imaginar, para soñar, para cerrar los ojos y ver colores y formas según sugiera la música. Si no estáis preparados para ello, entonces alejaros lo antes posible de este entorno onírico, ya que lo único que conseguiréis es cierto estrés y total incomprensión por lo que estáis escuchando. Desde el primer tema del disco, titulado “R.I.P”, hasta el último, “IWAAD”, sentimos un continuo flujo de ideas frescas y originales hechas sonido que no debería dejar indiferente a nadie lo suficientemente valiente como para atreverse con este incomprensible (en apariencia) trabajo. Lo abstracto es prácticamente imposible de traducir en palabras, ya que por concepto, está diseñado para ser sentido y comprendido desde dentro, y no a través de meras palabras, pero si tuviésemos que lanzar unas cuantas palabras al aire para definir el conjunto, éstas bien podrían ser: límites de un universo microscópico, atómico, conceptual y molecular.

“R.I.P” nos pone ante las puertas de la muerte, sugiriéndonos una atmósfera cargada en la que no sabemos a donde mirar, sintiéndonos perdidos ante semejante situación.

“Ascending” se percibe mucho más optimista, empezando por el título y porque las notas nos indican que si bien en la canción anterior nos encontrábamos en lo más profundo, todo lo que resta es ascender sin miedo. Son 3 minutos en los que la imagen no varía en absoluto, pero suficientes para transmitirnos lo que se deseaba. Al escuchar “Holy Water” pensamos en agua, y no únicamente por el título, ya que os aseguro que de llamarse de otra manera, nuestro pensamiento sería el mismo. Pero no es un H2O normal y corriente, para nada. Parece

sacado de cualquier manantial mágico con ciertas transmisiones de bits que lo hacen ser tan divino como se muestra. “Uriel’s Black

Harp” juega en la misma división que el resto de canciones que pertenecen a esta primera parte del disco.

Y de ahí pasamos a una canción extra sensitiva, y como no podía ser de otra forma, estoy hablando de “Jardin”. El minimalismo y la delicadeza inundan esta etérea pieza musical que parece sacada de aquel videojuego lanzado para Nintendo DS y que llevaba por nombre “Electroplankton”. De hecho es un ejemplo perfecto para tratar de explicar el contenido de este tema. En dicho juego poníamos en movimiento ciertos planktons (o particulas con significado independiente) que generaban un sonido musical dependiendiendo de varios factores como velocidad, ángulo o posicionamiento en la pantalla. El resultado no se aleja mucho del oído en “Jardin”, y con esto me refiero a esta serie de pinchazos u ondas sonoras repartidas de esta manera tan elegante y cosquilleante a lo largo de los 6 minutos de canción. “Serpent” cambia de marcha para situarnos en una carretera con curvas a toda velocidad pero sin olvidarse de que el paisaje está para disfrutarlo. Es otra joya que nos sor-

prende con la exactitud y el tempo de cada nota para acompañarnos cogidos de la mano por este camino serpenteante. “Glint” y como su propio nombre indica, no deja de ser más que el destello que bien podemos ver en cualquier farola, o incluso en ese agua divina descrita líneas más arriba. Y como buen haz de luz inmediato, tan sólo dura 37 segundos, aunque nos habríamos quedado vislumbrando semejante brillo unos minutos más. Aún así, todo tiene su momento y su duración, y es un gran acierto dar con la medida justa de cada cosa.

La última parte del disco está llena de fragmentos musicales que quedarán en el recuerdo, sobretodo por el significado que conllevan. Hablo de “Caves Of Paradise” y “The Lord’s Graffiti” hermanas en cuanto a idea y ritmo. Pero más en concreto hablo de “N.E.W.”, ya que lo nuevo es un concepto maravilloso y realmente atractivo. Y así transcurre toda la canción, haciéndonos recordar esos momentos en que sentimos ese sentimiento de novedad, ese sentimiento de “primera vez” tan especial en esta vida de rutina y repetición que vivimos.

Con “IWAAD” concluye un álbum que se aleja de todo lo convencional y que explora terrenos salvajes y todavía por descubrir. Y con esto me refiero a los confines del pensamiento, al descubrimiento de texturas que no sabíamos que existían, a una brava y valiente manera de abordar una empresa tan compleja como es desentrañar los misterios que se ocultan más allá de la realidad. Actress ha dado con el clavo finalmente y con esto no hace más que ponernos la miel en los labios para esperar sus próximos trabajos en los que esperamos que siga en esta misma dirección.

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PREGUNTAS INDIESCRETAS THE NOISES Por Jesús Daniel Marín

THE NOISES

Con el lanzamiento de “Bellavista”, los chicos de The Noises no paran de dar vueltas por España. Nosotros tuvimos la suerte de cruzárnoslos antes de uno de sus conciertos, justo cuando terminaban su prueba de sonido y no quisimos perder la ocasión para someterles a nuestras preguntas indiescretas. A continuación podéis comprobar el resultado de esa entrevista y lo único que podemos decir es que estos chavales madrileños están muy "low-cos".

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Todos los nombres tienen una historia… ¿Cuál es la historia del vuestro? ¿Por qué decidís poneros un nombre en inglés?

Porque primero empezamos a hacer música en inglés, es el tipo de música que nos gustaba, con lo que más identificados nos sentíamos, y la andadura empezó en inglés. Entonces, qué pasaba, que al principio no teníamos, por decirlo en castellano antiguo, ni puta idea de hacer música, y sólo hacíamos ruidos. Y entonces, de ruido en inglés: The Noises.

¿Qué os empujó a crear un grupo de música y qué os ha reportado ahora, tanto bueno como malo? ¿Ha sido duro llegar hasta el primer disco?

Pues hombre, es muy gratificante en el sentido de que te puedes encontrar en Pamplona con una persona que se sabe una canción tuya y eso no hay dinero que lo pague. Y eso es lo gratificante, ver que hay gente que le gusta lo que estás haciendo y que lo has hecho un día en tu casa porque estabas triste, has cogido una guitarra, o con tus amigos en el local de música, o lo que sea. Y eso es lo más gratificante, por así decirlo, el ver eso en los conciertos, sobretodo los conciertos.

Y luego lo más duro, pues intentar compaginar todo, porque ahora de momento no somos pros, estamos ahí en Segunda B, por así decirlo, y entonces hasta que no lleguemos a jugar en Primera y podamos dejar el resto de cosas, pues es súper difícil compaginar las novias, los trabajos, la música,… Pero claro, para seguir avanzando te lo tienes que tomar en serio y tomártelo como un trabajo porque si no, no sales del círculo vicioso de… la Segunda B. El equipo que nos han puesto ahora, la verdad es que está muy bien, nos han traído a Mourinho de entrenador, pero necesitamos dar conciertos por toda España, que nos vaya conociendo la gente, hacer promo y todo este rollo, que es en lo que estamos ahora.

“Bellavista” es vuestro primer disco. ¿Qué tal la experiencia de entrar a un estudio profesional y dejar de lado el tema maquetas?

Pues nosotros realmente, antes de “Bellavista” teníamos dos EPs que ya fueron pros, que sí que estuvieron muy bien grabados. El primero lo grabamos con Paco Loco, en Cádiz. Y luego el segundo lo grabamos donde hemos hecho el disco, en Reno, en Madrid, que han grabado mogollón de grupos, Russian Red, los RightOns, Hola a Todo el Mundo, un estudio que está ahora como muy de moda y muy modernito. Entonces siempre que vamos a un estudio de grabación aprendemos muchísimo, porque te das cuenta de los fallos

que tienes, de que todavía necesitas mejorar mucho porque escuchas tu instrumento solo y es un poco desmoralizador a veces. Pero bueno, se aprende mucho por eso, porque investigas muchísimo para buscar sonidos que te gusten, investigas para hacer giros en la canción. Allí te rallas porque escuchas treinta veces la misma canción en un día, cosa que no haces en el local de ensayo, además se escucha como todo muy claro, “mira lo que está haciendo el bajo aquí”, “ostras, pues esto no lo teníamos claro”, “pues mira, es que está dando un anota que no está dentro de la armonía”, mil cosas así que sólo se ven en el estudio. Y bien, es una experiencia, hay gente a la que no le gusta, pero a casi todos los del grupo, menos a lo mejor a Oliver que no le gusta mucho, y a ti, tú qué dices socio, ¿a ti te gusta? ¿Grabar? Cuando las cosas avanzan. Cuando te quedas atascado y a lo mejor un día que vas al estudio Mayo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

doce horas y no has hecho nada, llegas a casa y dices “no he hecho nada”, eso es una mierda como una casa.

Pero a mi personalmente me gusta el estudio. Me gusta por eso, porque se puede investigar mucho, y aprendes mucho de la gente que está ahí, que trabajan con gente super-pro. ¿Qué podemos encontrar en “Bellavista?

Pues… ¿Puedo hacer la gracia? Pues un disco, y un libretito. “Bellavista” es muchos años de trabajo, la verdad. Es mucho curro de cinco tíos que nos apasiona la música y que hemos tenido la suerte de grabar eso. Y en ese momento es lo que sentíamos, es como queríamos transmitir las canciones y es nuestro ruido. Y estamos deseando tocarlo por todos los sitios y que a la gente le vaya enganchando y a ver qué pasa. Pero eso, muchas ganas, y sobretodo ilusión, la ilusión de cinco tíos.

¿Quién compone y quién escribe las letras en The Noises? ¿Cómo es el proceso?

Pues, a ver. Cada uno tiene su apartado, yo por ejemplo compongo más la melodía y las letras. O puedo llevar una guitarra acústica con una idea muy básica de la canción, o a lo mejor me baso en un bajo que ha traído Sergio, o en cualquiera de estos dos guitarristas que están medio zumbaos que te traen un riff que es una locura y dices “de aquí hay que sacar algo”. Entonces somos muy muy activos a la hora de componer y los cinco componemos. Yo a lo mejor eso, más la melodía que es lo que comúnmente se entiende como “quién hace la canción”, pero yo me baso en ellos, así que…

Antes cantabais en inglés y ciertos títulos de canciones también están en inglés, pero sin embargo en “Bellavista” os habéis pasado al castellano. ¿A qué se ha debido el cambio?

A un sumun de cosas, porque llevamos ya cinco maquetas, dos de ellas más profesionales, entonces con los EPs habíamos hecho un par de giras por España y no sé, no habíamos conseguido el apoyo de alguien externo, y la gente pues sí que se engancha, pero en España es súper difícil enganchar a la gente. Entonces probamos, a nosotros lo que nos gusta es la música, es un instrumento más, la voz, y es nuestro idioma, y aunque nosotros seguimos componiendo en inglés, que eso lo decimos en todos los sitios, en todas las entrevistas, que no es que nosotros reneguemos del inglés, nuestra idea es esa. Y un día si tenemos pasta hacer un doble lanzamiento, porque por qué te tienes

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que cerrar mercados si… en fin. Entonces dijimos “vamos a probarlo, a ver si el contacto con la gente es un poco más directo, que lo escuchen una vez a ver qué pasa”… Por nosotros mismos, por ver si hay algo más para nosotros aparte de estar en el circuito underground. Lo probamos y empezaron a abrirse las puertas de todos los sitios. Entonces no sé, ha sido algo natural, no nos lo ha impuesto nadie, ha sido porque hemos querido nosotros, porque dijimos “hasta aquí hemos llegado” y tampoco vamos a pasar penurias ni a ser los tíos con más principios del mundo. Tampoco es que tuviéramos unos principios muy muy fuertes con el inglés, es simplemente eso, una herramienta más para llegar a la gente.

¿Cómo os presentaríais ante alguien que nunca ha escuchado a The Noises? ¿Se puede hablar de alguna influencia clara en vuestra música?

A nosotros nos gustaría que nos metieran en el pack de grupos guitarreros. Somos cinco tíos muy “testosterados”, muy hombretones y no queremos que nos metan en el grupo de música pop, que por desgracia en este país hay una delgada línea, y porque hagas música más directa en español ya dicen… Entonces a nosotros nos flipan todos los grupos de rock, somos bastante brutos y bastante punkies en los conciertos.

Somos cinco tíos con mucha ilusión, igual que es “Bellavista”, y que si vienen a vernos en concierto, o se compran el disco, o lo que sea, tienen que saber que eso ha salido de nuestros corazones con toda la fuerza que podíamos dar.

Y una pregunta que nos encanta hacer. ¿Qué escuchan The Noises en la furgoneta cuando van de gira?

Hoy veníamos escuchando Love, el grupo de los 6070, el “Forever Change”, y Jayhawks, pero porque cada uno de los cinco tenemos un apartado musical para abrir nuestra mente. Uno está encargado de escuchar Hip-Hop, para coger bases de Hip-Hop que son brutales los negros cómo tocan la batería. Otro tiene la música de los 80, otro la música de los 90, otro la música actual, y así no encasillarse en plan “No, yo sólo escucho a los Strokes”. Porque si queremos ser músicos tenemos que tener referencias de todos los lados, así que es un poco variado, un poco de todo.

Tal y como está el panorama en España, ¿pensáis que gracias a las nuevas tecnologías y las nuevas formas de comercializar música es más sencillo llegar al público?

Sí, lo que pasa es que también es un poco arma de doble filo porque es muy directo el contacto que tienes con la gente, pero estás muy al alcance de todo el mundo, de todos los grupos. Entonces hay un exceso de información, te llegan eventos, te llegan peticiones de amistades de todos los grupos de España a la vez que ya no tienes ni un segundo para ponerte a escuchar porque dices “jo, otros pesados iguales”. Sí que es más fácil contactar con la gente pero tienes que ser

más especial de lo que se era antes porque ahora se está mucho más al alcance de la gente, grabarse una maqueta en su casa con el Pro Tools o con cualquier programa de estos. Hay que sesgar lo que se dice.

Habéis empezado a girar este mes con “Bellavista”. ¿Algún festival en el horizonte para este verano? ¿Y alguno en el que os gustaría estar?

Sí, esperamos que sí. El año pasado estuvo muy bien, nos gustaría lo que sea. El año pasado estuvimos en Sonorama, Arenal Sound, Monkeyweek, Manchapop, y este año más o menos esperamos algo así. Nos gusta mucho todo lo low cost, ejem ejem, estamos muy “lowcos” (risas).

Mirando hacia el futuro, ¿planes de segundo disco o es muy pronto para hablar de ello?

Sí, de hecho habéis escuchado una canción nueva en la prueba de sonido, gracias por venir, chicos. Somos muy nerviosos los cinco y nunca paramos de hacer cosas, y si estamos un mes sin componer algo nos sentimos inútiles y estúpidos, o sea que tenemos que hacer algo o tener alguna idea, o que alguien traiga algo. Aun-

que luego de ahí no salga nada, pero no podemos ensayar sin crear nuevas canciones porque nos rallamos, nos aburrimos.

Si queréis decir algo a nuestros lectores, ahora es el momento.

Muchas gracias por acercaros a hacernos la entrevista y nos vemos por ahí… ¡En el Lowcost!

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I N D I E Q U E T A S MAYO LOS ÁRBOLES / C AT O R C E Por Quique Gómez

Los Árboles comienzan a gestarse, casi sin querer, en el año 2010 a partir de una serie de canciones en las que el compositor Alexandro González (piano y voz) venía trabajando desde hacía tiempo, pero que no terminaban de animarse a salir del estudio. Las escuchó entonces Alberto Barreiro (bajo y coros) y no dudó en que había que lanzarse y apostar por lo que más tarde serían Los Árboles. Para terminar de dar forma a las canciones y a la banda, se unieron al proyecto Marcelo Pedredo (guitarra), Octavio Barreiro (batería) y Martín González (percusión, sinte y coros). Cuajaron bien, se entendieron, se entusiasmaron y comenzaron los ensayos. Fueron surgiendo nuevos temas y el sonido del grupo fue tomando un camino claro hacia una música elegante donde mandan las melodías. Los Árboles conservan un pop clásico, que aderezado con toques más actuales dan como resultado final una banda con un estilo propio, en cuyo repertorio nos encontramos desde temas tranquilos a otros más potentes, en los que llama la atención el timbre particularmente grave de la voz principal. Buen sonido, buenas composiciones y

Astrolabio / Astrolabio

GRADOS EP

músicos con afán perfeccionista suelen ser garantía de una combinación digna de ser escuchada.

Poco a poco aparecieron los primeros conciertos en pequeñas salas y festivales, teloneando a Coque Malla y a Love of Lesbian. Continuaron, sin prisa pero sin pausa, ensayando, perfeccionando los temas, componiendo otros nuevos y dando conciertos allá donde fueran bienvenidos. Y en todos ellos se encontraron con un público sorprendido y agradecido de escuchar un sonido limpio, buenas melodías y unas voces que empastan a la perfección.

En la actualidad, tras haberse encerrado largo y tendido en el estudio de grabación que el cantante y teclista de la banda tiene en la sierra do Courel,nos presentan su primer EP, titulado “Catorce Grados”, que podéis escuchar íntegro justo aquí, y con el que van a comenzar este mes una gira de presentación por Galicia que se extenderá a lo largo de toda la primavera-verano. Todo surgió a partir de una serie de casualidades que terminaron por dar forma a una banda que hoy se llama Los Árboles. Una banda que en sus dos añitos de vida no ha parado de crecer y que, para bien de ellos mismos y de todos, les quedan todavía muchos centímetros por delante.

Ellos desde luego prometen, veremos si el mercado y el público les hace el hueco que se merecen.

Desde Mallorca nos devuelven la fe en el indie rock español. Astrolabio suenan bien en su primer disco. No, seamos sinceros, suenan muy bien. La mezcla perfecta del sonido Piratas, con un toque británico y la fuerza de las mejores guitarras del rock and roll. Probablemente las palabras de un buen crítico musical serían otras, pero nosotros no llegamos a tanto y nos conformamos con decirle a todo el mundo lo mucho que nos gusta. Canciones como “Astrología”, su primer corte, te invitan

* Dónde escucharlos / Losarboles.bandcamp.com Por Jesús Daniel Marín

a descubrir el genial sonido de las composiciones de estos mallorquines y que queda patente en otros temas como “Luzazul” o “Thelema” y que nos llevan a que vayamos a seguirles muy de cerca a partir de hoy. Por cierto, si sois de guitarras no debéis dejar pasar “Infierno Doble” y su impresionante final psicodélico con influencias del periodo más alocado de los famosos cuatro de Liverpool.

* Dónde escucharlos / Astrolabioband.bandcamp.com

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MAYO INDIEQUETAS

Por Jesús Daniel Marín

Tora! Tora! Tora! /

Alfabeto Eléctrico

Cuando cuatro jóvenes gallegos se juntan para hacer ruido es imposible no pensar en Triángulo de Amor Bizarro. Las similitudes son diversas, pero la más importante de todas es el buen ruido que se hace por el norte de España. El nombre de su primera referencia grabada es Alfabeto Eléctrico y se compone de cuatro temas. La casi instrumental “Colin McRae” es la que abre el disco y decimos casi

porque los gritos de su batería son la única letra que tiene. Referencias claras al noise pop y al shoegaze es lo que vamos a encontrar si escuchamos su primera maqueta. Sintetizadores y efectos que van de la mano del post-punk de la mejor factura y que alcanzan su momento álgido en “Gargamel” para otra banda que proviene de esa gran cuna musical dentro del indie español que son las tierras gallegas.

* Dónde escucharlos / Tora3.bandcamp.com

Genérica / Te Recomiendo Lo Onírico

Atención a la bomba de relojería que es Genérica. Desde Sevilla nos traen su primer EP, formado por tres canciones, pero en las cuales han sabido juntar lo mejor del panorama indie nacional. Han conseguido aunar en tres canciones el sonido de Supersubmarina o Lory Meyers, el gusto por las buenas letras de Vetusta Morla y un cierto toque a Los Planetas, presente en “Un Día Perfecto”. Como ya hemos dicho, gustará a fans de Supersubmarina sin dudarlo, pues el primero de los tres

temas que componen “Te Recomiendo lo Onírico”, que lleva por nombre “La Última Sombra” parece una canción que hayan compuesto mano a mano con los de Baza.

Sangre fresca que aprovecha el buen momento del panorama nacional para coger lo mejor de cada casa y añadir sus rasgos propios y que convierten a Genérica en una apuesta a un plazo no muy largo, o eso esperamos. Desde luego, estaremos atentos a sus nuevas canciones.

* Dónde escucharlos / Generica.bandcamp.com

Naves Espaciales / No Crucéis Los Rayos

Está bien, si sabéis de donde viene el título de este EP, seguid leyendo. Si no lo sabéis, ¿qué infancia habéis tenido? Este trío de Algeciras, aunque con base en Málaga acaba de publicar su primera referencia autoproducida y que consta de cuatro temas de nombre peculiar y que todos juegan con el frikismo como telón de fondo, del mismo modo que el título. “Sindrome Disfuncional Orbital” es la que abre, con unas leves líneas de voz escondidas entre

el buen post-rock que practican Naves Espaciales. “Capitán Kirk” es un temazo enorme, cargado de fuerza y al que le sigue el no menos bueno “Teletránsportame Scottie”.

Como veis, las referencias al cine de ciencia ficción son continuas… Cierra el EP “CozMoz”, la más complicada de las cuatro canciones. Desde luego, el post-rock nacional tiene una buena base sobre la que reposar y seguir creciendo.

* Dónde escucharlos / Navesespaciales.bandcamp.com

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Ico Top: Mayo

INTERNACIONAL BEACH HOUSE / Bloom

La banda del momento. El mejor dúo desde The White Stripes. La pareja perfecta. Que Beach House estén tocados por no sé qué varita mágica es un hecho ya probado en esa obra maestra titulada “Teen Dream” (2010). No tenían que demostrar nada más, pues ya se colocaron desde ese año en el techo del dreampop. No se podía llegar más alto. Sin embargo, Victoria Legrand y Alex Scally lo han vuelto a hacer. Aquella jodida maravilla se podía mejorar y aquí está: “Bloom” bajó a la tierra el 15 de mayo desde los cielos. Lo que parecía insuperable hace dos años se convierte ahora en un trámite, un ejercicio de crecimiento para poder llegar a la perfección de “Bloom” y poder así reírse de todo lo que llevamos de 2012 y de lo que queda de él, en lo que significa el mejor disco de pop desde, precisamente, su antecesor. “Teen Dream”, de hecho, fue un banco de pruebas donde experimentaron más que aquí para, simplemente, dar con la tecla ideal y dotar a estas diez celestiales joyas del equilibrio perfecto. Un equilibrio del que desconocemos su fórmula (ni la queremos saber) y con el que sólo ellos saben impregnar sus canciones. Da hasta remordimiento llamar a estas diez cosas “canciones”. Repasando la carrera del dúo, te das cuenta de que no han parado de crecer hasta llegar a lo sublime en lo que supone la ascensión creativa más bestia que se conoce: desde aquel prometedor “Beach House” (2006), que sonaba (mirando ahora hacia atrás) tan casero y lo-fi que da hasta ternura; a la consagración y aún mejor “Devotion” (2008) que los catapultó a la cima que consiguieron en 2010. Casi religiosamente en año par, en este 2012 editan el álbum que los coloca, sen-

Lower Dens /

Por Quique Gómez

cillamente, en otra galaxia. “Bloom” es tan absolutamente emocionante como frágil, y lo consigue sin piruetas ni exhibicionismos, sin querer sonar pedante ni querer rizar el rizo. Simplemente suena tal y como debe sonar, con claridad. Aquí no hay colores ni colorines; aquí hay luminosidad y hay oscuridad; aquí hay, exclusivamente, blanco y negro que bien refleja tan sugestiva portada y que, a modo de metáfora personal, apunta al techo que sólo ellos han sabido alcanzar, destacando ese goteo de luz sobre tanta sombra. Si se nos ocurre quitarle o añadirle una canción, o incluso desordenarlo no tendría la misma calidez (o frialdad según se mire). Si te saltas un tema, te falta algo, la sensación no sería tan angelical, dejaría de tener sentido semejante obra suprema que han construido. Así, destacar un tema por encima del resto es un ejercicio ridículo, porque lo que convierte cada pieza en perfecta es el decorado que la rodea. Me aventuraré a decir que “New Year” es una de las mejores canciones que he oído en mi vida. El caso es que podría (debería) ser un disco de un solo track de 50 minutos y medio, y tener al final de “Irene” ese outro que, a modo de homenaje a otra época, supone la guinda a tan dulce pastel. Diez porciones y media de los aromas más exquisitos jamás saboreados por los inteligentes paladares del pop. Uno hasta se vuelve cursi escuchando tanta genialidad… Gracias Beach House por el disco del año y lo que llevamos de década. Sólo PJ Harvey se atrevió el año pasado a acercarse a vuestro “Teen Dream”.

Si se le ocurre a alguien amenazar el trono de “Bloom”, nos vemos en 2014. A ver entonces de lo que sois capaces de hacer…

Nootropics

Lo que en principio empieza siendo una pequeña decepción con respecto al extraordinario “Twin-Hand Movement” (2010), se convierte en mística con esta no menos espectacular secuela. Cuidado con el cambio, que una vez superado el prejuicio nos adentramos en la pura atmósfera Lower Dens. Los de Baltimore cambian sutilmente de registro; si antes era Deerhunter, ahora es Mercury Rev. Con temas como “Blue & Silver”, “Holy Water” y la brutal “Rosie” nos ocultaron hace dos años que lo suyo era más el paisajismo que desprende este “Nootropics” en la totalidad del álbum. La cada vez más depurada y ambigua voz de Jana Hunter y la incorporación de sintetizadores no hace más que ayudar en este etéreo discurso, que desde la elegante “Alphabet Song” hasta la somnífera “In The End Is The Beginning” recorreremos casi

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ICO TOP INTERNACIONAL MAYO Royal Headache / Royal Headache

No todas las bandas actuales de cool rock y garaje punk iban a ser de tías. Los australianos Royal Headache editan por fin su debut homónimo fuera de su país natal un año después. Y qué alegría que lleguen a nuestros oídos álbumes tan descaradamente retro. Lo que podría haber sido un batacazo más dentro del mundo hype (ya somos todos expertos tras la era Strokes/Libertines) se convierte en un exitazo a la altura de lo que el mes pasado supuso el estreno de Alabama Shakes. Una cosa que bien podría definir este “Royal Headache” es que la canción más larga (para mi gusto, la mejor), “Down The Lane”, dura 2’42’’. Por tanto, disco fresco y tremendamente recomendable para aquellos que busquen canciones de rock & roll rápidas y sin intentos de grandilocuencia. El otro detalle a destacar de un álbum sin desperdicio coincide con la otra joya del lote: “Two Kinds Of Love”, una instrumental en mitad del disco con la que, a modo de interludio, demuestran de qué es capaz esta prometedora banda. Ojito con ellos.

PS I Love You / Death Dreams

Los canadienses PS I Love You no dan respiro alguno. Para colmo, la única canción tranquila que tienen la colocan la primera, en forma de intro para después poder ‘salvajear’ sin límite. Y se quedan tan anchos. Cierto es que “Death Dreams” no está a la altura de ese brutísimo debut que puso a este dúo (declarados fans de Dinosaur Jr) en boca del sector más hard del indie. Y si no está a la altura de “Meet Me At The Muster Station” (2010) nos importa un carajo, porque siguen siendo potencia pura, con unos estribillos power pop, una estridente voz y, por encima de todo, unos guitarrazos que ponen la piel de gallina. No nos importa que hayan perdido frescura, si a cambio nos regalan otro buen puñado de pildorazos noise que, a buen seguro, hará las delicias de los amantes de los subidones del rock alternativo (¿alguien ha dicho Pixies?). Al menos, tienen el buen gusto de saber beber de las mejores influencias. Y vaya si se nota…

Mount Eerie / Clear Moon

Solamente por la estratosférica “House Shape” merecen estar en el top. Después de oírla tantas veces como para cansar a las piedras, le empezamos a prestar atención al resto del disco. Merece la pena el esfuerzo, puesto que encontramos aquí unas cuantas destacadas más, si bien es cierto que ninguna a la altura de semejante maravilla sonora. Seguirle la pista a Phil Elverum no es tarea fácil, entre tanto EP y colaboración, este superdotado de la canción oscura y emocional, al borde de la banda sonora, también edita álbumes completos. Llegar al nivel del genial “Lost Wisdom” (2008) va a ser imposible, pero muy lejos no se queda con este “Clear Moon” que supera casi por goleada al más reciente “Wind’s Poem” (2009). En paralelo a bandas como Piano Magic o Low, Mount Eerie destacan por la experimentación lo-fi también paisajística (vaya mes) pero siempre en el saco del abstracto y melódico rock, con unos graves que retumban hasta dejarte grogui. A su ritmo y en su línea.

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Ico Top: Mayo

NACIONAL

Por Quique Gómez

Linda Mirada / Con Mi Tiempo Y El Progreso El segundo álbum de Ana Naranjo (alias Linda Mirada), este “Con Mi Tiempo Y El Progreso”, nos va a obligar a coger el bañador/bikini y la toalla y directos a la playa. Ojalá todos los discos del verano fuesen como este: de verano.

Ya sorprendió la extremeña en su debut, “China Es Otra Cultura” (2009), pero con un aire mucho más urbanita, más bailongo. Evocaba algo completamente diferente al actual que nos ocupa ya desde la portada, con evidente referencia afrofunky, pose fotocol discotequero y el NYC en la camiseta. Claras intenciones. Tanto en aquella ocasión como en esta, la encargada de los ritmos ha sido su hermana María y el que produce es Bart Davenport, lo que pasa es que ahora se nutre de más colaboradores, como Sam Flax y David Speck (Part Time) a la guitarra. Con el boceto que supuso el año pasado el “Fabuloso San José EP” (2011) ya nos dio más de una idea de por dónde iban a ir los tiros del reciente “Con El Tiempo Y El Progreso”, y es que la tendencia ha ido derivando más y más hacia la orilla a medida que ha ido bajando de cota. Empieza el viaje.

“ Acabo de llegar a “La Costa” gaditana para darnos cita junto al mar, con esos cálidos colores que tan bien contrastan con los azules del mar.

Luego por la noche al Penta a escuchar canciones y “Mientras La Música No Pare” no nos vamos a ir porque quién sabe qué final puede tener esto (con voz de Christina Rosenvinge y con ritmo ochentero salido de Mecano, saxo incluido, Linda Mirada nos recuerda de dónde procede, agarrándose a un (aún) primer disco y recordándonos que la noche es otra cosa). Llegando a casa, y todavía con el ritmo en el cuerpo, me acuesto con la importante sensación de amar, porque lo demás me parece “Secundario”. Amanece y no quiero salir de la cama porque la resaca alimenta tanto la “Dinamo” a base de vueltas y loops que no sé si sigo soñando. Cojo “Aire” de nuevo y a tomar el sol acordándome de ti sin importar la gente de alrededor, porque enganchada a ti, “Adicta A Nivel Internacional (Un Día Más)”, hago lo que sea para que, algún día, como si de una groupie se tratase, surja la magia. Y es que llevo todo el año esperando a que llegue el verano desde la piscina, pues tú y yo somos “De Buena Familia, De Barrio Residencial”, pero no es lo mismo amarte desde el asfalto que desde “La Playa”, donde los días son los más largos del año. Ya de vuelta, las azafatas me advierten del “Lío En Río”, pues están tan llenos de vida que son ellos los que me recuerdan que estos días nunca volverán porque “Las Cosas Nunca Salen Como Planeas”.

Mujeres / Soft Gems

Sorpresa, el magnífico homónimo debut de Mujeres de 2009 es historia. Con “Soft Gems” se lo pasan por el forro a base de rock & roll del bueno. A ver quién es el valiente que se atreve a escuchar este disco a poco volumen. Es imposible. Con tan solo dos canciones (“Soft Gems Pt1” y “Salvaje”, las dos primeras) ya te han dado un patadón en el pecho del que poco hace el resto del disco para que te recuperes.

Casi sorprende más el año de publicación (parecen los ’70, con tanto revival) que la procedencia (es Barcelona pero podría ser la Detroit de Iggy Pop). Las referencias son tan descaradas que un temazo como “How I Am” parece la cara B de “Heroin” de The Velvet Underground. Cuando se ponen las pilas son como los Black Lips pero mejores. “Seattle Waves” es incluso más surfera que Los Coronas; “Ride A River” imita con gracia el lado más desértico de los Rolling Stones; y la siempre difícil balada “I’m Over With You” nos recuerda la época de las chupas de Travolta en “Grease”. Impresionante segundo disco que deja en pañales tan prometedor debut. Con discos así sólo se puede decir una cosa: viva lo retro.

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ICO TOP NACIONAL MAYO Maika Makovski / Thank You For The Boots

La balear de origen macedonio Maika Makovski se pone el listón demasiado alto desde el principio, con el exagerado temón “Language”. Cuanto más escuchas el ya quinto álbum, más te das cuenta de que no es tanta trampa, pues lo que sucede al primer corte está casi a la altura. Dejando un poco de lado la guitarra, aquí Maika se agarra al piano para dar una vuelta de tuerca más en su carrera, y es que la diferencia entre discos de la mallorquina es acojonante. Si no fuese por la voz (aquí más aguda, para que le sigan lloviendo las tediosas comparaciones con PJ Harvey) no la podríamos reconocer. Del cabaret de “Cool Cat” al buen gusto de “Your Reflection” pasando por el estilazo de “When The Dust Clears”. En “Number” se parece a Adela Peraita (Sunflowers, Sterlin) y en “A Dream” a Joanna Newsom.

Versátil es quedarse corto. Con tanto cambio de registro igual se pega la hostia algún día, pero con tantísima personalidad, da la sensación de que su próximo disco será el que la coloque a la altura de los grandes. Ay si éste fuese en castellano…

Los Punsetes / Una Montaña Es Una Montaña

No vamos a intentar definir el estilo de Los Punsetes porque ya lo hemos intentado, en vano, dos veces. Lo que sí podemos decir es que este tercer “Una Montaña Es Una Montaña” supone un pequeño giro hacia un estilo algo más ‘planetero’ (lo de “Tráfico De Órganos De Iglesia” es descaradísimo), dejando el punk (el satírico, el británico, el de verdad) algo más camuflado. La primera sorpresa es quién produce, y es que El Guincho no ha ‘tropicalizado’ ninguna canción, al menos a priori.

Lo que sí es verdad es que lo que han perdido en frescura lo han ganado en seriedad y aunque sus letras sigan camuflando el mayor de los sarcasmos, ya no da la incómoda sensación de ‘amateurismo’, en el cual, por el contrario, residía parte de su encanto. Habrá gente a quien este leve cambio no le guste. En mi opinión, han elegido el camino correcto. Canciones como ese gran single, “Alférez Provisional”, o “155” y “John Cage” tienen el potencial comercial que ellos merecen. Va a ser la única forma de hacerlos, de una puta vez, reconocidos.

Fantasmage / Fantasmage

Da gusto ver que en la escena indie nacional se van rellenando esos huecos que quedaban libres y que, por miedo, complejo o falta de confianza (de los productores, evidentemente) veíamos cómo algunos estilos musicales tan nuevos como atractivos en el extranjero no tenían respuesta dentro de nuestras fronteras. Son casos recientes como el de Odio París (The Pains Of Being Pure At Heart), Fira Fem (Caribou) y estos gallegos, Fantasmage, que vienen a suplir la falta del formato dúo-punkrock que tan bien respaldan bandas como Japandroids o No Age. El homónimo debut de los vigueses Andrés Magán (guitarra y voz) y Daniel Nicolás (batería y coros) lo edita Discos Humeantes, responsables de bandas tan originales y dispares como Fasenuova o Juanita Y Los Feos. Aquí hay mucho garaje, bofetones rock y escupitajos con sabor añejo, combo perfecto si la intención es la de mover el esqueleto. En España necesitábamos canciones como “Hay Bulla”, “Camandula”, “Ella Es Un Espectro” y, en especial, “Huesos”, la joya de la corona. En España necesitábamos a Fantasmage.

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INDIESPENSABLES: Mayo 2012

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Ander Simón

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

1. O. Children - Apnea 2. Craft Spells - Gallery 3. Richard Hawley - Standing At The Sky's Edge 4. Beach House - Bloom 5. Pg.Lost - Key

CANCIONES

1. O. Children - The Realest 2. Richard Hawley - Leave Your Body Behind You 3. Beach House - New Year 4. Animal Collective - Honeycomb 5. Summer Camp - Always

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

CANCIONES

1. Beach House - Bloom 2. Lower Dens - Nootropics 3. Linda Mirada - Con Mi Tiempo Y El Progreso 4. Mujeres - Soft Gems 5. Royal Headache - Royal Headache

1. Beach House - Bloom 2. Supersubmarina - Santacruz 3. Los Punsetes - Una Montaña Es Una Montaña 4. Lower Dens - Nootropics 5. Love of Lesbian - La Noche Eterna. Los Días No..

1. Pg.Lost - Key 2. We Are Ghosts - Old Town Hall 3. Richard Hawley - Standing At The Sky's Edge 4. Get Cape. Wear Cape. Fly - Maps 5. Maika Makowski - Thank You For The Boots

1. Beach House - Bloom 2. The Cribs - In the Belly of the Brazen Bulll 3. Lowe Dens - Nootropics 4. Best Coast - The Only Place 5. Ladyhawke - Anxiety

DISCOS

1. Beach House - Bloom 2. Love of Lesbian - La Noche Eterna. Los Días No ..

3. Keep Shelly in Athens In Love With Dusk / Our Own Dream 4. Niki and the Dove - Instinct 5. Silversun Pickups - Neck of the Woods

44 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2012

1. Beach House - New Year 2. Mount Eerie - House Shape 3. Royal Headache - Down The Lane 4. Linda Mirada - Mientras La Música No Pare 5. Mujeres - How I Am

1. Beach House - On the Sea 2. Los Punsetes - Tráfico de Organos de Iglesia 3. Love of Lesbian - Wio 4. Supersubmarina - Santacruz 5. Summer Camp - Always

1. Infadels - The Future Of The Gravity Boy 2. Richard Hawley - She Brings The Sunlight 3. We Are Ghosts - The Night Is Ours 4. The Cribs - Come On, Be A No-One 5. The Heartbreaks - Delay, Delay

1. Beach House - Irene 2. Animal Collective - Honeycomb 3. Ladyhawke - Black, White & Blue 4. The Cribs - Come On, Be a No-One 5. Best Coast - The Only Place

1. Beach House - The Hours.

2. Love of Lesbian - Wio, Antenas y Pijamas.

3. Niki and the Dove - Somebody.

4. ScissorSisters - Only The Horses 5. Lone - New Colour.

INDIESPENSABLES: Mayo 2012

Alejandra Otero

DISCOS

CANCIONES

J. N. Carretero

DISCOS

CANCIONES

Sergio Herguedas DISCOS

CANCIONES

Maje M.S.

CANCIONES

1. Kasabian - Live At O2 2. David Bowie - Ziggy Stardust (40th Anniversary) 3. The Temper Trap - Need Your Love (EP) 4. Supersubmarina - Santacruz 5. Beach House - Bloom

1. Love of Lesbian - La Noche Eterna. Los Días No..

2. Supersubmarina - Santacruz 3. We are ghosts - Old town hall 4. Beach House - Bloom 5. Nicky And The Dove - Instinct

1. Los Punsetes - Una Montaña Es Una Montaña 2. Craft Spells - Gallery 3. PS I Love You - Death Dreams 4. The Neighbourhood - I'm Sorry...EP 5. oOoOO - Our Loving Is Hearting Us

DISCOS

1. Love of Lesbian - La Noche Eterna. Los Días No..

2. Andrés Suárez - Cuando vuelva la marea 3. Los pedales - Crónica del viaje de vuelta 4. Anni B Sweet - Oh, Monsters!

5. Supersubmarina - Santa Cruz

1. Supersubmarina - Canción de Guerra 2. The Temper Trap - Trembling Hands 3. Richard Hawley - Leave Your Body Behind You 4. The Vaccines - No Hope 5. Beach House - New Year

1. Love of Lesbian - Los toros en la wii (Fantástico) 2. Supersubmarina - En mis venas 3. The Vaccines - No Hope 4. Scissor sisters - Babt come jome 5. Mujeres - Soft gems

1. Los Punsetes - Tráfico De Órganos De Iglesia 2. The Cast Of Cheers - Animals 3. The Cribs - Come On, Be A-No One 4. Admiral Fallow - The Paper Trench 5. Here We Go Magic - Make Up Ypur Mind

1. Love of Lesbian - Wio 2. Ismael Serrano - Todo empieza y todo acaba en ti 3. Conchita - Vete 4. Anni B Sweet - Missing a Stranger 5. Los punsetes - Paraíso

LISTAS SPOTIFY

URL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Mayo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 45

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, Ale Betancort, J.N. Carretero, Sergio Herguedas, Maje M.S. DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

WEB

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Neil Krug. Foto del índice.

A todos los participantes de INDIEquetas

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contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.